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 ÍNDICE DAS ATIVIDADES – APOSTILA PRATICAR A ARTE – VOLUME 11 – ATIVIDADES DIVERSAS. [Praticar a Arte – Volume 11 - Professor Fabrício Secchin].

Nº Título da atividade Nº Título da atividade Nº Título da atividade

01 CRIANDO UM MATISSE: JOGO COM DADOS. 41 CONHECENDO A RENDA DE BILRO. 81 APLICAÇÃO DA TÉCNICA DA AQUARELA: LÁPIS DE COR AQUARELÁVEL.
02 EXERCÍCIO DE CORDENAÇÃO MOTORA: DESENVOLVIMENTO DO GESTO. 42 TRABALHO DE PESQUISA: MÚSICOS BRASILEIROS. 82 ELZBIETA WODALA E SUA ARTE EM FLORES SECAS.

03 COMPLETANDO O DESENHO: LINHAS E FORMAS. 43 A ARTE E O CORPO: O RETRATO COMO FORMA DE EXPRESSÃO. 83 O CORPO COMO ARTE: REFLEXÕES SOBRE BELEZA.
04 CRIAÇÃO DE DESENHO COM FORMAS. 44 PABLO PICASSO COMO INSPIRAÇÃO: A PESSOA QUE EU AMO. 84 EXERCÍCIO DE INTERPRETAÇÃO DE IMAGENS.

05 DESENHO DE CONTINUAÇÃO COM LINHAS E FORMAS. 45 O AUTORRETRATO: ANÁLISE DE OBRA E INTERPRETAÇÃO. 85 PRÁTICA DE DESENHO DE OBSERVAÇÃO: FLORES E CORES.
06 EXERCÍCIO PRÁTICO COM APLICAÇÃO DA CIRCUNFERÊNCIA. 46 A ESCULTURA: CONCEITUAÇÃO E EXPERIMENTAÇÃO PRÁTICA. 86 CONTRUINDO UMA COMPOSIÇÃO ABSTRATA.

07 EXERCÍCIO DE APLICAÇÃO DA CIRCUNFERÊNCIA: CRIAÇÃO DE ROSÁCEA. 47 ARTE E COTIDIANO: A FAMÍLIA NA ARTE. 87 CRIANDO UM ROSTO CUBISTA - PICASSO: JOGO COM DADOS.
08 EXERCÍCIO PRÁTICO SOBRE OP ARTE. 48 O LAZER NA ARTE: INTERPRETAÇÃO DE IMAGEM E PRÁTICA DE DESENHO. 88 DESENHANDO COMO KANDINKSKY: JOGO COM DADOS.

09 PESQUISA SOBRE A ORIGEM DO CARNAVAL. 49 O PONTO NAS OBRAS IMPRESSIONISTAS. 89 CRIAÇÃO DE PADRÃO COM O USO DE LINHAS E CORES.
10 DESCONSTRUÇÃO DA IMAGEM: UMA OBRA CUBISTA OU SURREALISTA. 50 GEOMETRIA E ARTE: FIGURAS GEOMÉTRICAS ESPACIAIS. 90 DESENHANDO OS GIRASSÓIS DE VAN GOGH: JOGO COM DADOS.

11 CONHECENDO O ARTISTA: CÂNDIDO PORTINARI. 51 GEOMETRIA E ARTE: FIGURAS GEOMÉTRICAS PLANAS – PARTE 1/2. 91 ATIVIDADE DE APLICAÇÃO DE COR E CRIAÇAÕ DE POEMA.
12 APLICAÇÃO DE COR E CRIAÇÃO DE PAVIMENTO GEOMÉTRICO. 52 GEOMETRIA E ARTE: FIGURAS GEOMÉTRICAS PLANAS – PARTE 2/2. 92 EXERCÍCIO DE PRÁTICA DE SFUMATTO RENASCENTISTA – LUZ E SOMBRA.

13 JOGO DAS LINHAS: AULA DINÂMICA SOBRE OS TIPOS DE LINHAS. 53 OS MOSAICOS. 93 CONHECENDO E EXPERIMENTANDO A TINTA NANQUIM.
14 DESCOBRINDO A MÚSICA: ILUSTRAÇÃO DA LETRA. 54 ESTUDANDO A SIMETRIA. 94 APLICANDO LINHAS E CORES: BORBOLETA.
15 DESENHO DIRIGIDO: LENDO A HISTÓRIA E PRODUZINDO ARTE. 55 LEITURA E INTERPRETAÇÃO TEXTUAL: “O QUE É A ARTE?”. 95 FAZENDO A VIDA MAIS COLORIDA: APLICAÇÃO DE CORES.
16 ATIVIDADE PRÁTICA DE APLICAÇÃO DE GUACHE. 56 LEITURA E INTERPRETAÇÃO TEXTUAL: “A CRIATIVIDADE”. 96 EXERCÍCIO DE APLICAÇÃO DE COR I: CARROÇA NO JARDIM.
17 A CULTURA DOS POVOS INDÍGENAS: PADRÕES GEOMÉTRICOS. 57 PONTOS, LINHAS, FORMAS E CORES. 97 EXERCÍCIO DE APLICAÇÃO DE COR II: CASA COM RODA D´ÁGUA.

18 EXERCÍCIO DE DESENHO DE OBSERVAÇÃO: CARPA. 58 ATIVIDADE INTERPRETATIVA SOBRE O FILME: “O HOMEM DAS CAVERNAS”. 98 EXERCÍCIO DE APLICAÇÃO DE COR III: CASA COM MOINHO.
19 EXERCÍCIO SOBRE HIERÓGLIFOS EGÍPCIOS. 59 TEORIA DA COR: COR LUZ: TEORIA E EXPERIMENTAÇÃO PRÁTICA. 99 EXERCÍCIO DE APLICAÇÃO DE COR IV: BOSQUE.

20 EXERCÍCIO PRÁTICO DE DESENHO COM LÁPIS. 60 CONHECENDO AS LINGUAGENS VISUAIS: A IMAGEM DO DESENHO. 100 EXERCÍCIO DE APLICAÇÃO DE COR V: FAZENDEIROS.
21 EXERCÍCIO PRÁTICO DE DESENHO COM CARVÃO. 61 ANÁLISE DA OBRA: “O NASCIMENTO DE VÊNUS”, DE SANDRO BOTTICELLI.

22 EXERCÍCIO PRÁTICO DE APLICAÇÃO DE COR COM LÁPIS DE COR. 62 AS PAISAGENS BRASILEIRAS NA ARTE.
23 PRODUZINDO UM FÓSSIL COM GESSO. 63 OS IMPRESSIONISTAS E SUA PRESERVAÇÃO DA MEMÓRIA.

24 CONHECENDO E CONSTRUINDO UMA PIRÂMIDE EGÍPCIA. 64 EXERCÍCIO DE DESENVOLVIMENTO ARTÍSTICO: ÁRVORES EM LH E PF.
25 CONHECENDO OS “GRIOTS” – CONTADORES DE HISTÓRIA DA ÁFRICA. 65 EXERCÍCIO DE DESENVOLVIMENTO ARTÍSTICO: PÁSSAROS E PROPORÇÃO.

26 AS INFLUÊNCIAS AFRICANAS: A LÍNGUA AFRO-BRASILEIRA. 66 EXERCÍCIO DE DESENVOLVIMENTO ARTÍSTICO: CAVALO E GEOMETRIZAÇÃO.

27 CRIAÇÃO DO PAINEL: A CAPOEIRA AFRICANA. 67 EXERCÍCIO DE DESENVOLVIMENTO ARTÍSTICO: DESENHO ORIENTADO.
28 CONHECENDO O ADINKRA: MENSAGEM NO TECIDO AFRICANO. 68 APLICANDO TEXTURAS NO DESENHO.
29 OS INSTRUMENTOS MUSICAIS AFRICANOS – ÁLBUM DE FIGURINHAS. 69 PRIMEIRO E SEGUNDO PLANOS NA ARTE.
30 EXERCÍCIO PRÁTICO DE DESENHO DE ROSTO. 70 AMPLIAÇÃO E REDUÇÃO: TÉCNICAS DE DESENHO.
31 CONHECENDO A ARTISTA: GOYA LOPES E SUAS ESTAMPAS AFRICANAS. 71 PINTURA COM MANCHAS.
32 TÉCNICAS DE MODELAGEM EM ARGILA. 72 TANGRAM CIRCULAR: CONCEITO E EXPERIMENTAÇÃO.

33 CRIANDO UMA OBRA SURREALISTA: JUNTANDO AS COISAS. 73 TRABALHANDO A RELEITURA DE OBRAS DE ARTE.
34 ANALISANDO A OBRA: “AS RESPIGADORAS”, DE JEAN-FRANÇOIS MILLET. 74 CRIANDO UMA COLAGEM INPISRADA EM HENRI ROUSSEAU.

35 CONHECENDO A OBRA: “HUMANAE – WORK IN PROGRESS”, DE ANGÉLICA DASS. 75 CONHECENDO E CRIANDO: BONECAS ABAYOMI.
36 O RETRATO: EXERCÍCIO SOBRE ENQUADRAMENTO. 76 ARTE E A NATUREZA: ANÁLISE DE OBRAS. PARTE 1/2.
37 CONSTRUINDO UM MAMULENGO. 77 ARTE E A NATUREZA: ANÁLISE DE OBRAS. PARTE 2/2.
38 A NATUREZA-MORTA. 78 DESENVOLVIMENTO DE DESENHO ATRAVÉS DA OBSERVAÇÃO.

39 A NATUREZA COMO INSPIRAÇÃO. 79 IDENTIFICANDO A PALETA DE CORES.

40 O TRABALHO REPRESENTADO NA ARTE. 80 A EXPEDIÇÃO DE LANGSDORFF: ARTISTAS VIAJANTES NO BRASIL.
 01 – CRIANDO UM MATISSE: JOGO COM DADOS. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte 1: Recorte e monte o dado a seguir para você
brincar com seus colegas em sala de aula:

Praticar a arte 2: Ao jogar o dado, observe qual face parou. Cada participante jogará 5 vezes, alternadamente com os colegas, um de cada vez.
Primeira rodada: Na primeira rodada você descobrirá como será o primeiro fundo da sua obra de arte. Observe os modelos apresentados e desenhe, recorte
ou pinte o fundo para ser a base da sua obra. Escolha as cores que desejar.
Segunda rodada: Você agora descobrirá qual será o seu segundo fundo. Ao girar o dado e saber qual será. Desenhe, recorte ou pinte o formato apresentado.
Junte os dois fundos escolhidos pelos dados. Combine-os e escolha as cores que desejar.
Terceira rodada: Nessa rodada você descobrirá qual será a forma humana que você criará para compor sua obra de arte. Desenhe, recorte ou pinte a forma
escolhida pelo dado e aplique-a com as cores e o tamanho que desejar.
Quarta rodada: Agora, nessa rodada, você descobrirá qual será a forma natural que você aplicará em sua composição abstrata inspirada em Henri Matisse.
Desenhe, recorte ou cole a forma escolhida nas cores e tamanhos que desejar. Você pode reproduzir quantas vezes quiser qualquer forma escolhida.
Quinta rodada: Nessa rodada você escolherá a forma abstrata para dar o toque final à sua obra prima. Jogue o dado e descubra qual será. Desenhe, recorte
ou cole a forma escolhida nas cores e tamanhos que desejar. Você pode reproduzir quantas vezes quiser qualquer forma escolhida durante o jogo.
 02 – EXERCÍCIO DE CORDENAÇÃO MOTORA: DESENVOLVIMENTO DO GESTO. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte 1: Observe os diferentes tipos de linhas apresentados e suas composições, formas, Praticar a arte 2: Depois de praticar o desenho das linhas, escolha algumas delas para você
direções e calibres. Repita o gesto das linhas para você desenvolver seu gesto artístico e desenhar. Faça um desenho livre utilizando o maior número de linhas possível. Marque com um X
estimular a sua criatividade. Enquanto você desenha os padrões pense em algo que pode ser as linhas que você usou. Aplique as cores que desejar e preencha a ficha técnica da sua obra.
desenhado utilizando essas linhas.
 03 – COMPLETANDO O DESENHO: LINHAS E FORMAS. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte: Observe as linhas a seguir. A partir delas, crie desenhos que combinem com essas linhas. Acrescente o maior número de detalhes que sua criatividade permita. Aplique as cores que
desejar. Depois, no espaço ao lado, produza uma rima ou um poema, ou apenas conte uma pequena história com as figuras criadas.
 04 – CRIAÇÃO DE DESENHO COM FORMAS. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte: Observe as formas geométricas apresentadas.
Cada uma delas possui uma quantidade de lados (segmento de
retas). Escreva em cada uma delas quantos lados elas tem.
Depois, una todas as formas em um só desenho. Aplique as
cores que desejar e preencha a ficha técnica da sua obra.
 05 – DESENHO DE CONTINUAÇÃO COM LINHAS E FORMAS. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte: Observe o que está desenhado, veja quais linhas e formas constituiriam o que será desenhado e, a partir daí, comece a esboçar seu desenho. Vá completando até que ele fique
pronto. Aplique em seu desenho as cores que desejar.
 06 – EXERCÍCIO PRÁTICO COM APLICAÇÃO DA CIRCUNFERÊNCIA. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Dessa maneira, sendo r o raio e d o diâmetro, podemos escrever a seguinte relação entre o raio e o diâmetro de uma
circunferência: d = 2r
Trata-se de conjuntos de pontos definidos a partir de um ponto fixo (centro) e
uma distância (raio). Circunferências são figuras geométricas planas Os círculos têm o interior preenchido, e as circunferências são apenas os contornos dos círculos.
geralmente representadas por figuras “perfeitamente redondas”, mas a
representação geométrica nada mais é do que a representação de uma
fórmula algébrica. Todas as figuras geométricas são definidas com base em
pontos. Os pontos são objetos que não possuem definição alguma, não
possuem dimensão, mas representam localizações na Geometria Analítica. A
reta, por sua vez, é uma figura geométrica representada por uma linha reta e
infinita. Contudo, sua definição é dada apenas como conjunto de pontos. De
modo parecido, circunferências são também definidas com base em conjuntos
de pontos e suas representações geométricas baseiam-se nessas definições. A
definição de circunferência é a seguinte: Circunferência é uma figura Praticar a arte 1: Desenhe com o auxílio de um compasso ou de alguma outra ferramenta alternativa uma
geométrica pertencente ao plano que é constituída pelo conjunto de todos circunferência e um círculo. Escreva a legenda abaixo de cada item.
os pontos igualmente distantes de um ponto fixo desse plano.

Em outras palavras, dado o ponto fixo O,

um ponto A, pertencente à
circunferência C, possui a mesma
distância até O que um ponto B,
também pertencente à circunferência C,
independentemente de quais sejam os
pontos A e B. Essa distância do ponto A
até o ponto O (ou do ponto B até o
ponto O) é chamada de raio da
circunferência e é indicada pela letra r.
Já o ponto O é o ponto fixo mencionado
na definição acima e é conhecido como
centro da circunferência.
Qualquer segmento de reta que ligue
dois pontos pertencentes a uma
circunferência é conhecido como corda.
O segmento que ligar dois pontos
pertencentes à circunferência e ainda
possuir o centro dela será chamado de
diâmetro. Em outras palavras, diâmetro
é uma corda que “passa” pelo centro da
circunferência.
Com relação às propriedades, observam-se inicialmente duas em relação aos
diâmetros: seu comprimento é igual a duas vezes o raio e não existe corda
maior que um diâmetro em uma mesma circunferência.
 07 – EXERCÍCIO DE APLICAÇÃO DA CIRCUNFERÊNCIA: CRIAÇÃO DE ROSÁCEA. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte: Vamos desenhar uma rosácea de seis
pétalas a partir de circunferências. Para isso, acompanhe
os passos a seguir:
No espaço ao lado e
com um compasso,
trace uma
circunferência.
Com a ponta-seca do
compasso em um
ponto qualquer da
circunferência,
mantenha a mesma
abertura do compasso
e trace uma nova
circunferência.
Mantenha a mesma
abertura do compasso
e, com a ponta-seca na
intersecção das duas
circunferências
anteriores, trace uma
nova circunferência.
Repita o terceiro passo
até obter seis
circunferências em
torno da circunferência
inicial. Observe que a
circunferência inicial
foi dividida em seis
partes congruentes,
dando origem a um
hexágono regular.
Depois de
construir a
rosácea,
você pode
pintá-la do
jeito que
preferir.
 08 – EXERCÍCIO PRÁTICO SOBRE OP ARTE. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte: Com o auxílio do compasso, construa as outras três partes do desenho a seguir e preencha os
espaços alternados utilizando a cor preta ou outra cor que desejar. Observe o esquema ao lado para você se
O termo Op Art é uma abreviação da expressão em inglês orientar. Fixe a ponta seca do compasso no centro do desenho e regule o ângulo para que você continue o
“Optical Art” e significa "Arte Ótica" - uma forma de arte desenho da circunferência. Risque o círculo e, com o auxílio da régua, trace as linhas retas para dar continuidade à
que explora determinados fenômenos óticos com a composição. Você também pode aplicar mais de uma cor para tornar sua obra de ilusão ótica mais criativa.
finalidade de criar obras que pareçam vibrar ou cintilar.
Contudo, diferentemente da arte cinética, a obra
efetivamente não se movimenta e, por vezes, é o
observador quem deve se deslocar, ou movimentar os
olhos, para ter essa impressão sobre a obra, nascida da
ilusão de ótica. Observe:
Os artistas do movimento
Op Art defendiam a idéia
de que a arte deveria ter
"menos expressão e mais
visualização". Ainda
segundo eles, apesar do
rigor com que é
construída, a obra
simboliza um mundo
mutável e instável, que
não se mantém nunca o
mesmo.
Os trabalhos de Op Art são, em geral, abstratos
concretos, e muitas das peças mais conhecidas usam
apenas o preto e o branco. Quando são observados, dão
a impressão de movimento, clarões ou vibração, ou por
vezes parecem inchar ou deformar-se. Na Op Art as
figuras são colocadas de maneira a causar no observador
uma sensação de movimento:
 09 – PESQUISA SOBRE A ORIGEM DO CARNAVAL. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
A ORIGEM DO CARNAVAL
Todo brasileiro sabe o que é o Carnaval, mas nem todo
mundo sabe o origem dessa festa. Essa é a grande festa
popular brasileira. De norte a sul, de leste a oeste, o país
inteiro brinca e pula durante o Carnaval. São quatro dias e
quatro noites de muita folia. Quem pensa que essa festa tão
afinada com o nosso povo é invenção de brasileiro está
muito enganado. De origem grega, o Carnaval foi trazido da
Europa pelos portugueses. No início, tinha o nome de
“entrudo”. Brincar o entrudo era enfrentar uma verdadeira
batalha, em que os participantes atiravam uns nos outros,
bolas de cera cheias de água perfumada. Essas bolas eram
chamadas de limão-de-cheiro, e, quando estouravam,
deixavam no ar um perfume de cravo, canela, rosa etc. Mais
tarde, por ter sido considerado uma brincadeira exagerada,
o entrudo foi substituído pelos bailes de máscaras,
organizados pelos homens mais ricos da cidade. Os
convidados, fantasiados e mascarados, dançavam e
cantavam nos salões. Porém, mesmo depois de tanto
tempo, o entrudo ainda existem até hoje.
Praticar a arte – Leitura e interpretação de imagem: 6. Como as pessoas comemoram essa festa nos dias
Observe a imagem a seguir para responder em seu atuais?
caderno de arte às questões interpretativas: _______________________________________________________________
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7. Conte um pouco como você comemora os quatro dias
de carnaval:
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8. As marchinhas animam o carnaval e fazem parte da
tradição carnavalesca no Brasil. Leis e ouça a marchinha
a seguir. Depois, faça um desenho inspirado nela e
nessa grande festa popular brasileira.
Ó Abre Alas
Marchinhas de Carnaval
1. Descreva o que as pessoas estão fazendo na imagem?
_______________________________________________________________ Ó abre alas
_______________________________________________________________ Que eu quero passar
_______________________________________________________________
___________________________________________________________
Ó abre alas
2. O que e como as pessoas estão comemorando? Que eu quero passar
_______________________________________________________________
Eu sou da Lira
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________ Não posso negar
___________________________________________________________ Eu sou da Lira
3. O que havia dentro dessas “bolinhas” que as pessoas Não posso negar
estão jogando umas nas outras?
_______________________________________________________________
Ó abre alas
_______________________________________________________________ Que eu quero passar
_______________________________________________________________ Ó abre alas
___________________________________________________________
Que eu quero passar
4. Como eram chamadas essas “bolinhas” que eles
usavam para comemorar? Rosa de Ouro
_______________________________________________________________
É que vai ganhar
_______________________________________________________________
___________________________________________________________ Rosa de Ouro
5. Você acha que essa é uma brincadeira legal? Por quê? É que vai ganhar
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
Composição:
_______________________________________________________________ Chiquinha Gonzaga
_______________________________________________________________
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 10 – DESCONSTRUÇÃO DA IMAGEM: UMA OBRA CUBISTA OU SURREALISTA. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Cubismo, Surrealismo e a Colagem: Apesar de ser uma ótima maneira artística de organizar o disperso e fragmentado
mundo contemporâneo, a colagem é uma técnica bem antiga, que remonta ao século XII. É desse período que datam os
primeiros registros de usos da técnica por japoneses e europeus, distantes além mar. No Japão, calígrafos japoneses faziam
poemas manuscritos colando papel e tecido, no Império Bizantino, a continuação do Império Romano, mosaicos usam a
técnica da colagem era feitos para decoração. As possibilidades desse tipo de trabalho são inúmeras, mas há dois elementos
que são essenciais: a fragmentação e, depois, a junção desses fragmentos. Por essência, a colagem é um processo de
criação que envolve o uso de cola e papel e busca reunir imagens de modo que a gente não perceba como elas foram
unidas. Na história da arte, há registros da colagem a partir do cubismo, no início do século XIX. Neste momento, a arte
passava por uma forte transformação no modo de pensar e ler o mundo, o que desencadeou uma série de movimentos
artísticos, com o próprio cubismo, o dadaísmo, o futurismo e o surrealismo. Todos viam na colagem uma possibilidade de
confrontar a arte tradicional, que até aquele momento seguia o naturalismo, sendo mais fiel à reprodução da realidade.
Com o cubismo, os elementos da colagem passaram a dividir lugar com o desenho e a pintura na composição das obras de
arte. Foram os trabalhos dos artistas cubistas Pablo Picasso e Georges Braque que marcaram o início da produção de
colagens utilizando recortes de jornais na pintura. Mas foi só a partir do surrealismo que a colagem passou a ser
reconhecida como uma nova linguagem, graças às novas relações entre imagens que propunha. A partir daí, pinturas
começam a ser produzidas com forte influência da colagem.
Praticar a arte: A partir de uma imagem de um rosto
qualquer que você escolher e recortar de revistas e
jornais produza uma fragmentação da imagem
conforme mostra os modelos a seguir.
11 – CONHECENDO O ARTISTA: CÂNDIDO PORTINARI. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
As pinturas de Cândido Portinari Praticar a arte 1 – Observação da obra de arte: Entenda O quadro pintado em 1934 por Portinari tornou-se uma de
retratam cenas e personagens uma das mais importantes obras de Cândido Portinari e suas mais famosas obras. Nele, temos um trabalhador negro -
bem brasileiros de sua época: da pintura brasileira: o Lavrador de Café, de 1934. típico das fazendas de café do século vinte, com uma enxada
meninos soltando pipas, jogando nas mãos e plantações ao fundo. Na pintura, o modelo
futebol ou brincando com pião, aparece com os braços e pés maiores que o resto do corpo, o
trabalhadores do campo, que demonstra a aproximação de Portinari com o
operários e festas populares. expressionismo. Essa deformação das figuras era traço
Portinari também pintou retratos marcante do pintor, representava a sua necessidade de
de personalidades brasileiras valorizar o trabalhador brasileiro e, ao mesmo tempo,
importantes, como os escritores demonstrar a figura dramática e comovente do negro,
Vinícius de Moraes, Monteiro marcado pelo sofrimento do trabalho duro nas fazendas. Ao
Lobato e Mário de Andrade. Além lado do lavrador, no quadro, temos uma árvore decepada,
de pintar quadros, o artista fez símbolo do desmatamento que já começara naquela época,
diversos murais em prédios extinção da fauna e flora brasileira, da qual Portinari sempre
públicos e privados. Seu trabalho foi admirador dando a ela, inclusive, espaços em suas mais
foi mostrado por todo o Brasil e variadas obras. Ao fundo temos os pés de café, que já estão
no mundo, como o grande painel indo em direção ao local de escoamento, encontrando-se
chamado “Guerra e Paz”, que também com os montes de grãos também ao fundo, o que
desde 1956 foi pendurado na denota a superprodução da época, neste sentido, o olhar do
sede da ONU, em Nova York. lavrador parece ser também expressivo, como quem
compreende o desmatamento, a exploração e devastação da
flora. Outra figura que na obra não passa despercebida é o
trem que cruza a lavoura de café, sabe-se que, na época, o
trem era o meio de transporta utilizado para exportação do
café para diversos países, ademais a figura reforça a
valorização do trabalhador rural, que sustenta não somente o
país como o mundo por meio da exportação já presente na
época.
Praticar a arte 2: Reparou no
tamanho do pé desse lavrador de
café? Aproveite o modelo do pé a
seguir e, no seu caderno de arte,
desenhe você também uma
pessoa com o pé maior que o
normal. Repare que quanto
menor você fizer o desenho da
pessoa, maior parecerá o
tamanho do pé.
 12 – APLICAÇÃO DE COR E CRIAÇÃO DE PAVIMENTO GEOMÉTRICO. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
PAVIMENTAÇÃO DO PLANO Praticar a arte: Observe os ladrilhamentos geométricos apresentados. Aplique as cores que desejar para completar a
A história da pavimentação do plano, ou pavimentação. Depois, em seu caderno de arte e com o uso do papel milimetrado, construa uma pavimentação do plano
ladrilhamento, é mais antiga que a dos usando umas das opções dos polígonos a seguir:
mosaicos, já que desde 4.000 a.C. os antigos
egípcios utilizavam ladrilhos na decoração de
templos e das grandes pirâmides, enquanto
outras civilizações antigas, também,
utilizaram ladrilhos em templos e castelos.
Muitas dessas construções são admiradas
pela humanidade como obras de arte, até
hoje. No entanto, o estudo das propriedades
matemáticas das pavimentações por
polígonos é recente e muitas partes deste
tema permanecem ainda por explorar. O
astrônomo Joannes Kepler (1571-1630)
parece ter sido o pioneiro no estudo da
geometria das pavimentações. A partir dos
trabalhos de Platão e Arquimedes, Kepler
apresenta uma classificação das
pavimentações usando polígonos, na qual
prova a existência de onze tipos de
pavimentação.
Mas o que é uma pavimentação do plano?
Na Matemática, dizemos que um conjunto de polígonos
é uma pavimentação do plano (ou ladrilhamento) se, e
somente se, os polígonos do conjunto cobrem sem
cruzamentos um plano. Cobrir, nessa definição, significa
que todo ponto do plano pertence a pelo menos um
polígono do conjunto. Sem cruzamentos significa que a
interseção de dois polígonos quaisquer tem área nula.
● Os vértices dos polígonos são chamados de nós da
pavimentação.
● Os segmentos de retas que têm por extremos dois nós
consecutivos de um mesmo lado de polígono são
chamados de arestas.
● Os polígonos utilizados em uma pavimentação são
chamados de ladrilhos.
 13 – JOGO DAS LINHAS: AULA DINÂMICA SOBRE OS TIPOS DE LINHAS. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte 1 – Loteria da linha: Marque no seu cartão da Praticar a arte 2 – Desenhando com os diferentes tipos de linhas: Depois de ter marcado e contado os pontos
loteria as opções corretas dos diferentes tipos de linhas e depois na sua loteria das linhas, escolha alguns dos diferentes tipos apresentados e produza um desenho com tema
some os pontos obtidos para sabermos quem ganhou. livre. Aplique as cores que desejar. Preencha a ficha técnica do seu desenho.
 14 – DESCOBRINDO A MÚSICA: ILUSTRAÇÃO DA LETRA. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte 1 – Descobrindo a música: Escreva um trecho de uma música utilizando Praticar a arte 2 – Ilustrando a música: Agora, escolha uma das músicas que você
cada uma das palavras a seguir: adivinhou e faça um desenho para ilustrar a parte que você escreveu. Aplique as cores
que desejar e preencha a ficha técnica da sua produção artística.
Palavra Trecho da música
Amor
Sonhar
Coração
Nunca
Sempre
Dançar
Chuva
Sol
Feliz
Comigo
Vida
Não
Quero
Triste
Mar
Olhar
Saudade
Felicidade
Amigo
Você
Lua
Beijo
Pensamento
Chorar
 15 – DESENHO DIRIGIDO: LENDO A HISTÓRIA E PRODUZINDO ARTE. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte: Desenhe a bruxa da história, de
acordo com a leitura. Não se esqueça de colorir
para seu desenho ficar caprichado.
A BRUXA ESQUISITA
Vamos começar a desenhar,
Uma bruxa de arrepiar.
A bruxa deve ser bizarra,
E quadrada deve ser sua cara.
Comprido e vermelho é seu cabelo,
Sempre embaraçado parece um
novelo.
Vamos desenhar o seu rosto,
E colocar o nariz no pescoço.
Para ver, olhos precisa ter,
Um olho azul na testa vou meter.
O outro olho será um triângulo,
E a verruga é como um losango.
A boca, tão pequenina e nua,
É redonda como uma lua.
A bruxa está quase desenhada,
Mas a imaginação ainda não terminou.
Vamos fazer um corpo,
E ver como a bruxa ficou:
Tem corpo todo peludo,
Parece mesmo um macaco.
Agora me diz onde colocaria,
Três mãos e três verdes unhas.
Para terminar vamos desenhar dois
bonés,
Um cada um dos pés.
E a nossa bruxa está pronta,
É igual a uma velha tonta.
 16 – ATIVIDADE PRÁTICA DE APLICAÇÃO DE GUACHE. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte: Na paisagem a seguir, aplique as cores utilizando a tinta guache. Prepare seu material
O termo “guache” foi originalmente cunhado no século XVIII em França, artístico e seu espaço de trabalho com tudo o que vai precisar. Não se esqueça do potinho com água e
embora a técnica seja muito mais antiga utilizada frequentemente a inícios um pano úmido para manter tudo limpo.
do século XVI em Europa. Guache é uma palavra que provem do italiano
“GUAZZO” que quer dizer tinta de água. O Guache é um tipo de material
semelhante à aquarela, mas com uma consistência mais densa e opaca
devido à adição de pigmento branco a mistura, além de goma-arábica como
aglutinante. O resultado são cores mais fortes e menos transparentes que
as obtidas com as aquarelas. Os pigmentos do guache quando secam,
aparecem ligeiramente mais claros do que quando molhados. Este facto
pode tornar a combinação das cores numa tarefa difícil. Quando se aplica o
material de forma densa, pode existir a tendência a rachar. No entanto esta
tendência pode ser atenuada ou eliminada com a aplicação e mistura de
certos médios, como por exemplo, o “aquapasto” ou cola branca comum.

Embora o guache seja essencialmente uma técnica de pintura, é também

usado muitas vezes para desenho e ilustrações ou para trabalhar em
conjunto com materiais variados de desenho.
 Pode diluir-se com água até ter mais ou menos a
consistência do azeite.
 Aplica-se sobre papéis e cartões variados os quais
devem ter algum “corpo” (mais grossos) para não
enfolarem.
 Os pincéis adequados para a pintura com guache são
os mesmos utilizados para a aquarela (pelos macios).
 Hoje em dia o termo guache é dado ás pinturas
realizadas com este método.
 Existem habitualmente em tubos e também em
pastilha, em qualidade profissional e qualidade
estudante.
Este material se aplica de forma muito semelhante à aquarela. Utiliza-se
água para diluir as cores e torna-las mais líquidas se for necessário. Em
relação à aquarela podemos dizer que existe uma vantagem é o fato de
existir a cor branca. É possível aplicar diversas camadas sobrepostas,
deixando secar sempre antes de aplicar as próximas camadas. E os
trabalhos resultantes desta técnica podem atingir uma qualidade
surpreendente.
 17 – A CULTURA DOS POVOS INDÍGENAS: PADRÕES GEOMÉTRICOS. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte 1: Os povos nativos utilizam o barro para confeccionar os Praticar a arte 2: Seja em pinturas corporais ou na decoração de
utensílios domésticos e culturais. Eles costumam decorar esses objetos objetos, o grafismo está sempre presente na cultura dos povos
Com a riqueza e diversidade que somos contemplados entre com padrões geométricos. Reproduza os padrões indicados em cada indígenas. Os padrões geométricos são predominantes na pintura
as artes do nosso país, a arte indígena será apresentada jarro. dos nativos. Observe os padrões e continue reproduzindo-os.
nesse artigo em homenagem ao nosso povo chamado de
índio por um erro de rota, mas que são na verdade nativos.
Para se falar do uso da arte indígena na decoração
contemporânea precisamos abordar o sentido de arte para
nós índios e não índios. A arte surgiu e foi evoluindo em
todas as nações. A arte é uma forma de expressão humana
aliando o conhecimento e a técnica desde a arte manual até a
arte corporal como o canto e a dança. A arte do não índio é
uma arte de contemplação e expressões de sentimentos,
diferente da arte indígena que é baseada na utilidade em
comunidade, mas que não deixam de lado o rigor e a beleza
de seus trabalhos. Os índios não desenvolvem seus utensílios
ou suas expressões corporais para serem contemplados por
seu valor estético ou sentimental, pois o sentido de arte para
eles é a utilidade das peças para a comunidade ou para se
posicionar perante a tribo retratando a sua cultura e tradição.
A sua arte manual é muito valorizada por outras culturas pela
técnica e qualidade que nela é empregada, com formas
geométricas perfeitas e cores naturais ou vibrantes. O uso
dessa arte na decoração traz uma mistura de sofisticação e
valorização da cultura com peças únicas e de significado
milenar. Com riqueza de detalhes na arte desenvolvida,
encontramos uma variação de acordo com a região, cultura e
matéria prima disponível, como os tipos de palhas, madeiras
e pigmentos que os diferenciam entre várias tribos.
Encontramos a arte do grafismo representado por desenhos
abstratos e geométricos com simetria perfeita na decoração
de artefatos basicamente de uso comunitário como as
cerâmicas, cestos, máscaras para usos em rituais, na pintura
corporal e na tecelagem. Tudo é representado por meio do
grafismo. Todo esse grafismo traz significados e servem de
comunicação na tribo. Cada tribo expressa a sua cultura e
particularidades dos seus costumes nos desenhos
geométricos desempenhando também um papel espiritual
perante os seres da natureza.
 18 – EXERCÍCIO DE DESENHO DE OBSERVAÇÃO: CARPA. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte – Desenho de observação: Observe
atentamente o passo a passo a seguir para você praticá-
lo no espaço ao lado. Aplique as cores que desejar.
Preencha a ficha técnica do seu desenho.
 19 – EXERCÍCIO SOBRE HIERÓGLIFOS EGÍPCIOS. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte: Diante dos hieróglifos egípcios, escolha os símbolos referentes a cada letra do nosso alfabeto para você escrever uma
mensagem no seu caderno de arte. Recorte e cole quantos desejar.

Os símbolos de escrita no Antigo Egito,

também conhecida como escrita hieroglífica,
eram tão detalhados e trabalhados para a
época, que são estudados até os dias atuais.
Assim como nos campos da arquitetura,
engenharia e medicina, a forma de escrita e
leitura no Antigo Egito era impressionante,
principalmente considerando o período
histórico. Os hieróglifos podem ser lidos
como imagens, símbolos de figuras ou
símbolos sonoros. Seu nome significa
“escultura sagrada” e eles são divididos em
três tipos:
Logogramas: Palavras representadas por um
único símbolo, tanto no som como no
significado.

Fonogramas: Representam um som ou uma

série de sons.
Determinativos: Representam as desinências
verbais de palavras. É a forma de
transformar, ‘andar’ em ’andando’, por
exemplo.
 20 – EXERCÍCIO PRÁTICO DE DESENHO COM LÁPIS. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Com certeza você tem em seu material escolar lápis que Praticar a arte 1 – Praticando diferentes pressões com lápis: Observe na escala cromática a seguir os diferentes tons
usa todos os dias. Você sabia que existem lápis duro e produzidos com o lápis. O seu lápis comum, que você usa diariamente, é o HB. A partir da sua observação e aplicando
lápis macio? O material que existe dentro do lápis diferente pressão com o seu lápis, preencha conforme o esquema:
chama-se grafite, um tipo de carvão misturado com
argila para manter a liga. Quanto mais argila misturada,
mais duro o lápis. O lápis que você usa todos os dias
provavelmente tem o grafite bastante duro. Existem
grafites mais duros e mais macios. Os duros são
identificados pela letra H, e os macios, pela letra B.
quanto mais alto o número, mais duro ou mais macio é o
grafite do lápis. A numeração dos grafites vai de 6H a 6B,
o que permite conseguir uma porção de tons de cinza em
um desenho. Você pode também conseguir esse efeito
pressionando o lápis com mais ou menos força no papel. Praticar a arte 2: Faça um desenho com um lápis solúvel em água e depois passe um pincel molhado por cima. Treine
Experimente primeiro os lápis macios, mas lembre-se desenhando rapidamente, sem detalhar. Assim poderá perceber e destacar o que é mais importante em todo o conjunto
que o grafite mais macio pode manchar o trabalho. Tente que estiver desenhando. Tente desenhar algo sem olhar para o papel, ou fazer um desenho sem tirar o lápis do papel.
obter diferentes variações do preto: do cinza claro ao
negro. Os lápis com grafite duro também têm seu
charme. Com eles você poderá conseguir linhas mais
calcadas e nítidas bem como tons de cinza-claro. Eles são
muito bons para desenhos realistas ou, em outras
palavras, para quem é detalhista.
21 – EXERCÍCIO PRÁTICO DE DESENHO COM CARVÃO. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
O homem, com certeza, usa o carvão para desenhar desde quando utilizou o fogo. O carvão de desenho é feito de galhos queimados de
árvores de pequeno porte, tipo canela ou macieira. São expostos a altas temperaturas até ficarem uniformemente carbonizados. É um
Material barato e expressivo. O carvão é próprio para desenhos grandes. Faça desenhos com a ponta do carvão, como se fosse um
lápis, ou com a parte lateral. Você também pode quebra-lo em pedaços menores. Se precisar apagar, use a ponta dos dedos ou uma
borracha especial bem mole, chamada de “miolo de pão”. Use também os dedos para esfumaçar o carvão e ir do preto ao cinza. Para
conseguir um efeito mais claro, você poderá usar a borracha mole ou combinar o carvão com giz branco. Tente “modelar” o desenho,
deixando o carvão ser a sombra da figura e o papel e o giz serem as partes claras. Evite, entretanto, misturar o giz com o carvão, pois o
resultado parecerá “sujo”. Para guardar um desenho a carvão você precisará fixa-lo. Para isso será necessário um fixador especial.
Coloque o desenho sobre uma folha de jornal. Agite o fixador (verniz) e aplique sobre seu desenho. Você também pode diluir cola
branca em água e usar um borrifador. Deixe secar bem.
Praticar a arte: Desenhe em papel colorido, papel pardo de embrulho ou em papéis de diferentes espessuras. Você pode desenhar
com carvão vegetal ou de churrasco. O carvão é muito bom para fazer retratos. Peça para alguém ficar de modelo. Faça um desenho
grande, de preferência de corpo inteiro. Ilumine o modelo com uma lâmpada forte, para melhor distinguir o claro e o sombreado.
 22 – EXERCÍCIO PRÁTICO DE APLICAÇÃO DE COR COM LÁPIS DE COR. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Pintar com lápis de cor. Algumas técnicas de aplicação: Pintar com lápis de cor, é Praticar a arte: Use os lápis de cor para desenhar linhas de contorno e linhas paralelas ou
também uma forma de arte. Necessitam-se certos conhecimentos e dicas a fim de cruzadas para criar sombras, faça rabiscos, sobreponha as cores ou desenhe linhas juntas
conseguir bons resultados. Da mesma forma que acontece com todas as técnicas de para produzir áreas de cor.
desenho e pintura. Podemos utilizar o pó do lápis de cor, a ponta afiada ou a ponta
plana. Podemos realizar efeitos interessantes com simples tracejados. Também utilizá-
los como base na técnica mista que mistura este material com os pastéis.
SOMBREADO: Utilizando o lápis lateralmente e com a ponta bem afiada
podemos conseguir o efeito de sombreado, que produz não só maiores
áreas de cobrimento, mas também o efeito de sombra com maior
intensidade da cor num extremo e menor no extremo oposto.
TRACEJADO: Pintar com lápis de cor em tracejado, significa pintar
utilizando linhas de forma rápida, regular com diferentes
espaçamentos. Esta técnica é a principalmente utilizada para a técnica
mista de pastel seco, cuidando de fazer pouca pressão com o lápis e
unindo mais as linhas entre si.
TRACEJADO CRUZADO: Trata-se de linhas tracejadas sobrepostas em
diferentes direções. Pode-se utilizar uma cor ou várias cores para criar
efeitos de textura.
TRACEJADO CIRCULAR: Através da sobreposição de pequenos círculos
rapidamente desenhados, obtemos este efeito. Pode ser utilizada uma
cor ou várias produzindo ricos efeitos de textura.
MARCAS DIRECIONADAS: Traços curtos seguindo uma direção
específica, contornos curvos de forma a imitar madeixas de cabelo ou
relvado. Mediante a utilização de duas cores densamente sobrepostas
podem ser realizados efeitos fantásticos de sombras e ricas texturas.
MARCAS DE INCISÃO: Da mesma forma que se realiza com o lápis de
grafito, podemos conseguir este efeito com o lápis a cor, sobrepondo
duas cores e depois fazendo ligeiras incisões para deixar à vista a cor
inferior. Ou fazendo incisões no papel antes da aplicação com o lápis a
cor de forma a ficarem linhas á mostra da cor da superfície do papel.
BRUNIDURA: São camadas de cores sobrepostas
aplicadas densamente e com pressão a fim de
encher a textura do papel e produzir uma
superfície de aspecto sedoso. A imagem mostra o
efeito de brunidura e o efeito de sobreposição de
camadas tradicional, para perceber melhor a
diferença entre as duas técnicas.
 23 – PRODUZINDO UM FÓSSIL COM GESSO. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
O HOMEM SURGIU NA ÁFRICA? Existem diversas teorias acerca do surgimento da humanidade, como o evolucionismo, encabeçado pelo cientista
inglês Charles Darwin, que afirma que o homem e todos os seres vivos evoluíram de formas mais simples para as mais complexas e estão em
constante transformação, e o criacionismo, que acredita que a vida e tudo a ela relacionada são resultado da ação de um Criador. Os cientistas ainda
não conseguem elaborar a árvore genealógica completa dos seres humanos, mas algumas espécies de hominídeos (nossos antepassados) foram
estudadas. Entre elas está o Australopithecus, cujos representantes possuíam baixa estatura, andavam sobre os dois pés e tinham os braços
compridos. Seus fósseis foram encontrados na África e datam de cerca de quatro milhões de anos, o que leva a crer que teriam originado a espécie
humana. O Homo Sapiens, espécie da qual fazemos parte, teria surgido também na África, há cerca de 100 mil anos, e se espalhado pelos outros
continentes, adaptando-se aos diferentes ambientes.
Segundo o dicionário Aurélio, fóssil é o “vestígio ou resto petrificado ou endurecido de seres vivos que
habitaram a Terra antes do holoceno e que se conservaram em depósitos sedimentares da crosta
terrestre sem perder as características essenciais”. Eles caracterizam a prova da existência de
determinados seres vivos em tempos passados e permitem aos paleontologistas (estudiosos do assunto)
analisar as modificações ocorridas em cada espécie e traçar diferentes padrões evolutivos. A fossilização
pode ocorrer de várias maneiras, como quando um animal morre ao cair em terreno pantanoso ou em
região de baixa temperatura, onde não há microrganismos para fazer a decomposição.
Praticar a arte – Criando um fóssil: Siga as orientações para você criar o seu fóssil com gesso e água. Depois de pronto, organize uma exposição com seus colegas em sala de aula.
 24 – CONHECENDO E CONSTRUINDO UMA PIRÂMIDE EGÍPCIA. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
No Egito existem Praticar a arte: Desenhe e pinte tijolos de pedra nas paredes da pirâmide. Depois, recorte o molde e cole-o em um
verdadeiras pedaço de papel mais grosso (papel cartão, cartolina ou papelão) para montar.
maravilhas, como as
pirâmides. Com
construções
perfeitas, esses
monumentos
oportunizam um
amplo estudo de
Física e Matemática.
Estas nada mais são que um sólido geométrico chamado
de pirâmide de base quadrada. As grandiosas pirâmides
de Gizé, uma das sete maravilhas da Antiguidade, foram
erguidas por camponeses egípcios, sob a ordem dos
auxiliares dos faraós. A pirâmide de Quéops, com 145
metros de altura (equivalente a um prédio de 50
andares) e 2,3 milhões de blocos de rocha, é o
monumento mais pesado construído pelo homem. Cerca
de 80 mil operários trabalharam em sua construção, que
levou aproximadamente 20 anos. A pirâmide de tamanho
médio é a de Quéfren e a menor, a de Miquerinos. As
pirâmides eram túmulos dos faraós, que, para os
egípcios, era o próprio deus. Tais monumentos
representam uma imensa escada que o rei, depois de
morto, utiliza para juntar-se aos deuses; suas quatro
arestas seriam os raios de sol que incidem sobre a terra.
 25 – CONHECENDO OS “GRIOTS” – CONTADORES DE HISTÓRIA DA ÁFRICA. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Contadores de histórias, mensageiros oficiais, guardiões
de tradições milenares: todos esses termos caracterizam
o papel dos Griots, que na África Antiga eram
responsáveis por firmar transações comerciais entre os
impérios e comunidades e passar aos jovens
ensinamentos culturais, sendo hoje em dia a prova viva
da força da tradição oral entre os povos africanos.
Utilizando instrumentos musicais como o Agogô e o
Akoting (semelhante ao banjo), os griots e griottes
estavam presentes em inúmeros povos, da África do Sul
à Subsaariana, transitando entre os territórios para
firmar tratados comerciais por meio da fala e também
ensinando às crianças de seu povo o uso de plantas
medicinais, os cantos e danças tradicionais e as histórias
ancestrais. Diferente da civilização ocidental, que prioriza
a escrita como principal método para transmissão de
conhecimentos e tem historicamente fadado povos sem
escrita ao âmbito da “pré-história”, em sociedades de
tradição oral a fala tem um aspecto milenar e sagrado, e
deve-se refletir profundamente antes de pronunciar
algo, pois cada palavra carrega um poder de cura ou de
destruição. Nesse sentido, os Griots são os guardiões da
palavra, responsáveis por transmitir os mitos, as técnicas
e as tradições de geração para geração.
Praticar a arte 1 – Leitura e contação de história: O sapo e a cobra é uma lenda do folclore africano que nos faz refletir
sobre como poderíamos ter um mundo melhor sem os preconceitos que acabam afastando as pessoas. Trata-se de uma
lenda africana com valores. Boa leitura!
O SAPO E A COBRA Praticar a arte 2 – Ilustração da história: Diante da
Era uma vez um sapinho que encontrou um bicho comprido, lenda africana, faça um desenho para ilustrar.
fino, brilhante e colorido deitado no caminho.
– Olá! O que você está fazendo estirada na estrada?
– Estou me esquentando aqui no sol. Sou uma cobrinha e
você?
– Um sapo. Vamos brincar? E eles brincaram a manhã toda no
mato.
– Vou ensinar você a subir na árvore se enroscando e
deslizando sobre o tronco – disse a cobra.
E eles subiram. Ficaram com fome e foram embora, cada um
para a sua casa, prometendo se encontrar no dia seguinte.
– Obrigada por me ensinar a pular.
– Obrigado por me ensinar a subir na árvore.
Em casa o sapinho mostrou para a sua mãe que sabia rastejar.
– Quem ensinou isso a você?
– A cobra minha amiga.
– Você não sabe que a família da cobra não é gente boa? Eles
têm veneno. Você está proibido de brincar com cobras. E
também de rastejar por aí. Não fica bem.
Em casa a cobrinha mostrou a mãe que sabia pular.
– Quem ensinou isso a você?
– O sapo meu amigo.
– Que besteira! Você não sabe que a gente nunca se deu com
a família do sapo e… bom apetite! E para de pular. Nós,
cobras, não fazemos isso.
No dia seguinte cada um ficou no seu canto.
– Acho que não posso rastejar com você hoje – pensou o sapo.
A cobrinha olhou, lembrou-se do conselho da mãe e pensou:
“Se chegar perto, eu pulo e o devoro”. Mas lembrou- se da
alegria da véspera e dos pulos que aprendeu com o sapinho.
Suspirou e deslizou para o mato. Daquele dia em diante, o
sapinho e a cobrinha não brincaram mais juntos. Mas ficaram
sempre no sol, pensando no único dia em que foram amigos.
26 – AS INFLUÊNCIAS AFRICANAS: A LÍNGUA AFRO-BRASILEIRA. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Com a escravização de povos da África a
partir do século VXI, mais de 4 milhões
de pessoas foram trazidas ao Brasil, para
trabalhar com cana-de-açúcar, depois
para mineração, cafeicultura, serviços
nas cidades e nos campos. Muitas
culturas africanas de diferentes países
se relacionaram e estabeleceram
processos de trocas, gerando um rico e
dinâmico patrimônio afrodescendente.
A língua falada na colônia foi uma das
primeiras a receber novas contribuições.
A influência africana no português do
Brasil veio principalmente do ioruba,
falado pelos negros vindos da Nigéria
(vocabulário ligado à religião e à cozinha
afro-brasileira), e do quilombo angolano
(em palavras como caçula, moleque e
samba). Hoje, podemos observar no
dicionário brasileiro uma variedade de
termos que usamos em nosso dia a dia,
sem termos a noção de sua origem
africana, mais especificamente do grupo
bantu. Entre os exemplos encontramos:
abadá, caçamba, cachaça, cachimbo,
caçula, candango, canga, capanga,
carimbo, caxumba, cochilar, corcunda,
dengo, fubá, gibi, macaco, marimbondo,
miçanga, quitanda, quitute, tanga,
xingar, banguela, babaca, cafofo,
cafundó, cambada, muquirana, muvuca.
É importante termos a consciência de
que a África é uma das responsáveis
pelo português que temos hoje no
Brasil. Um idioma rico e variado,
originado de vários povos e que
conquistou sua identidade única por
conta da forte miscigenação linguística.
Praticar a arte: Encontre as palavras de origem
africana no caça-palavras ao lado.
Palavras de origem africana na religião:
- AXÉ (do iorubá àse)
- IEMANJÁ (do iorubá yè m-ndja)
- ORIXÁ (do iorubá òrisà)
- XANGÔ (do iorubá sàngó)
Palavras de origem africana em danças e músicas:
- BERIMBAU (do quimbundo mbirimbau)
- CALANGO (do quimbundo kalanga)
- CAXIXI (do quimbundo kaxaxi)
- GANZÁ (do quimbundo nganza)
- MACULELÊ (do quicongo makalele)
- SAMBA (do quicongo samba)
Palavras de origem africana na culinária:
- ACARAJÉ (do iorubá akarà-jẹ)
- BOBÓ (do jeje bobó)
- FAROFA (do quimbundo falofa)
- FUBÁ (do quimbundo fuba)
- JABÁ (do iorubá jàbàjábá)
- MOQUECA (do quimbundo mukéka)
- QUIBEBE (do quimbundo kibebe)
- QUITUTE (do quicongo kilute)
Palavras de origem africana na flora e fauna:
- CAMUNDONGO (do quimbundo kamundongo)
- CAXINGUELÊ (do quimbundo kaxijiangele)
- DENDÊ (do quimbundo ndende)
- MARIMBOMDO (do quimbundo marimbondo)
- QUIABO (do quimbundo kingombo)
Outras palavras de origem africana:
- BAMBAMBÃ (do quimbundo mbamba mbamba)
- BOROCOXÔ (do quicongo bolokotó)
- CAÇAMBA (do quimbundo kisambu)
- CACIMBA (do quimbundo kixíma)
- CAÇULA (do quimbundo kasule)
- CAFUNÉ (do quimbundo kafundu)
- CAPANGA (do quimbundo capanga)
 27 – CRIAÇÃO DO PAINEL: A CAPOEIRA AFRICANA. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
A capoeira é um jogo atlético que foi trazido para o Brasil pelos escravos bantos de Angola.
Tradicionalmente conhecida pelo seu ritmo alegre, um dos principais instrumentos de percussão
utilizados é o berimbau, cuja origem remete à Benin, país localizado no oeste da África. Um dos
primeiros documentos que atestam a entrada do berimbau no Brasil foram os registros feitos na
alfândega do Porto de Santos, em 1739. Além dele, outros instrumentos comuns na prática da
capoeira são o caxixi, a vareta, o dobrão, o pandeiro e o bumbo. Ao contrário do que possa parecer, a
palavra capoeira não é de origem africana. Esse jogo, também conhecido como dança, foi batizado
pelos índios Tupi-Guarani como “Kapueira”, e possui dois sentidos “mato ralo”, e uma espécie de cesto
para carregar animais e mantimentos. Alguns estudiosos acreditam que o primeiro significado provém
do fato de os escravos abrirem clareiras no mato para treinar capoeira.
Atualmente, no Brasil, a capoeira se divide em duas vertentes: a de Angola e a regional. Na primeira, os capoeiristas ficam agachados em uma roda
e os movimentos são mais lentos e rentes ao chão. Nela, é necessário mais astúcia do que força, e a música é gerada por três berimbaus, dois
pandeiros, um atabaque, um reco-reco e um agogô. Já na regional, os praticantes ficam de pé e acompanham a música com palmas, enquanto
aguardam a vez de entrar na roda. Os movimentos são mais velozes, e um berimbau e dois pandeiros são suficientes para compor o fundo musical.
Praticar a arte – Criando o painel em homenagem à capoeira: Estenda folhas de papel Kraft (cenário, pardo, duplex etc.) no chão. Deite sobre eles para simular os movimentos
realizados na capoeira. Outro colega fará o contorno do seu corpo. Faça duas ou três posições diferentes para que se tenha maior diversidade de movimentos possíveis. Depois de
desenhado, pinte as silhuetas com tinta guache de diferentes cores. Também é possível aplicar outros materiais, como giz de cera, retalhos de tecidos estampados, papéis coloridos
e outros tipos de tintas. Monte as silhuetas em uma exposição na sua sala de aula. Não se esqueça de preencher o espaço a seguir com suas impressões sobre a atividade.
 28 – CONHECENDO O ADINKRA: MENSAGEM NO TECIDO AFRICANO. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Conheça dois dos principais tecidos africanos: Praticar a arte – Criando um Adinkra: Escolha na
KUBÁ: Durante muito tabela dos Adrinkas a seguir o que possui a
Adinkra é o nome de um conjunto de tempo, a compra e venda do mensagem que mais lhe agrada. Transfira o
símbolos ideográficos dos povos acã, grupo Kubá só acontecia com a desenho para a bandeja de isopor utilizando o cabo
linguístico da África Ocidental que povoa a aprovação do rei, e por do pincel (técnica da gravura). Passe o guache com
região que hoje abrange parte de Gana e da várias vezes, esse tecido era cuidado por cima do desenho e carimbe-o no tecido
Costa do Marfim. Os símbolos são usado como moeda de troca. (ou na camiseta branca) previamente esticado no
estampados em tecido, esculpidos em peças O padrão dos desenhos nele papelão para ficar sem rugas. Utilize a canetinha
de ferro usadas para pesar o ouro, talhados impressos é tão importante, preta para escrever o significado do Adrinka
em bancos reais e em peças de madeira que que uma das tarefas de um escolhido e seu nome.
anunciam a soberania dos reinos. novo rei é inventar uma
Adinkra significa “adeus à alma”, e as pessoas usam o tecido com essas figura diferente para
estampas em ocasiões fúnebres e em festivais de homenagem a pessoas representar seu governo. Os
importantes. São mais de 90 símbolos, cujo significado se transmite nos homens o tecem, a partir da
nomes e nos respectivos provérbios. Os ideogramas se baseiam em ráfia retirada das palmeiras,
figuras de animais, plantas, corpos celestiais, o corpo humano, objetos em teares pequenos e
feitos pelo ser humano ou formas abstratas. O mesmo princípio pode ser rudimentares. São as
grafado de várias formas, pela representação do ser ou do objeto e pela mulheres, no entanto, as
estilização gráfica dessa imagem. responsáveis pela decoração
Sankofa, um dos adinkra mais conhecidos, significa a dos tecidos.
sabedoria de aprender com o passado para construir o BOGOLAN: Significa tecido de
presente e o futuro. Seu símbolo é o pássaro que olha lama, e confeccioná-lo é uma
para trás. Essa representação ganhou estilização gráfica tradição estabelecida há tempos
na forma de dois símbolos que transmitem a ideia entre os Bambara, etnia
expressa no provérbio “nunca é tarde para voltar e majoritária do Mali. A produção
apanhar aquilo que ficou atrás”. do Bogolan envolve um processo
Trata-se, enfim, de um antigo sistema africano de escrita. A importância único e longo, em que a matéria-
desse fato é incomensurável, pois a ciência etnocentrista europeia prima é o pano de algodão
negou que a África tivesse história alegando que seus povos não criaram branco confeccionado por
sistemas de escrita. Até hoje prevalece a noção de uma África de homens locais em tiras estreitas,
tradição exclusivamente oral, como se nela não existisse a tradição feitas em tear duplo. As tiras são
escrita. Mas a escrita nasce na África com os antecessores dos cerzidas juntas na forma do pano
hieróglifos egípcios, e existem inúmeras escritas africanas anteriores e desejado pelo usuário. O
posteriores à escrita árabe. Os símbolos adinkra incorporam, preservam tingimento tradicional é realizado
e transmitem aspectos da história, da filosofia, dos valores e das normas apenas por mulheres, e a técnica
socioculturais dos povos acã, e vêm sendo adotados na diáspora como é passada de mãe para filha. A
parte da missão de recuperar e valorizar essas antigas tradições que peça é lavada em água e colocada
compõem o legado ancestral africano. ao sol para secar, para que
encolha.
 29 – OS INSTRUMENTOS MUSICAIS AFRICANOS – ÁLBUM DE FIGURINHAS. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
A influência da música africana na cultura sonora Praticar a arte – Álbum de figurinhas: Pinte e Recorte os instrumentos a seguir e cole-os em seus respectivos locais no
brasileira é visível, principalmente, nos instrumentos de álbum. Escreva os nomes de cada um deles.
percussão. Como atabaque, afoxé, tamborim, agogô e
ganzá. Há também os de corda, como a rabeca e o
berimbau, um dos símbolos da capoeira. Conheça alguns
dos principais:
 30 – EXERCÍCIO PRÁTICO DE DESENHO DE ROSTO. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte: Observe na imagem do rosto a seguir as linhas que orientam o desenho. No esquema ao lado, pratique o seu gesto artístico desenhando o rosto e seguindo as
proporções. Desenhe cada parte do rosto em seu respectivo lugar.
 31 – CONHECENDO A ARTISTA: GOYA LOPES E SUAS ESTAMPAS AFRICANAS. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
A arte de Goya Lopes mescla Praticar a arte: A brasileira Goya Lopes vive na cidade de Salvador, na Bahia. Ela se inspira na cultura africana para criar seus
sensibilidade e sofisticação, modelos de moda. A profissão de quem projeta roupas é estilista. Repare nas roupas que ela usa. Inspirado pelos “looks” da
apresentando, em seu trabalho, a artista crie suas estampas africanas nas peças de roupas. Use os padrões sugeridos e aplique as cores que desejar.
cultura afro-brasileira, indígena e
barroca com base na
interpretação sensível e profunda
do que a cerca, do que a nutre,
do que a formou como pessoa e
artista. Nas imagens criadas, está
presente a representação de tudo
o que se vê na Bahia: um
apaixonado sentimento pela vida,
uma alegria que quebra grilhões e
toca tambores no peito, uma
ligação ancestral com a terra.
Trajetória profissional: Formada pela
Escola de Belas Artes da Universidade
Federal da Bahia, com especialização
em Design, Expressão e Comunicação
Visual na Universitá Internazionale
Dell’Arte di Firenze, na Itália, Goya
Lopes começou o seu contato com a
moda na Itália, no estágio com a
designer Linda Ieromonti, da Stamperia
Fiorentina. De volta ao Brasil, Goya
passou a trabalhar com arte e moda
como freelancer, criou estampas da
linha Madrigal da Alpargatas em São
Paulo e fez o Curso de Design de Moda
pelo Instituto Brasileiro de Moda de São
Paulo. Dedicada às suas próprias
criações, investiu em sua formação
empresarial e criou a empresa Didara
em 1986, com influência da cultura
afro-brasileira. A partir de 2013, com a
marca Goya Lopes Design Brasileiro,
expandiu as suas inspirações para a
diversidade brasileira.
 32 – TÉCNICAS DE MODELAGEM EM ARGILA. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Os artistas criam suas obras de diferentes maneiras. Muitos deles utilizam a modelagem para dar forma às suas criações.
TÉCNICA DA BOLA TÉCNICA DO ROLO TÉCNICA DAS PLACAS
Uma das maneiras mais antigas para fazer potes e outros Essa técnica de modelar o barro utiliza rolos de argila. É A técnica das placas começa com a criação de camadas
recipientes é a chamada técnica da boal. Nessa técnica, preciso fazer vários rolos do mesmo tamanho e coloca-los finas de argila, que podem ser feitas pressionando o
utilizada desde a Pré-História, as peças são elaboradas a uns sobre os outros. Depois, com a ponta dos dedos e material com um tolo de madeira ou uma garrafa. Na
partir de uma bola, como podemos ver na sequência de molhando os rolos com água, é possível, aos poucos, sequencia de imagens, podemos ver dois pedaços de
imagens. Observe que, com o polegar ou com toda a mão, juntar as partes, formando uma única peça. madeira que são usados como apoio para que as placas
é possível fazer um furo e, aos poucos, ir abrindo a bola fiquem todas da mesma espessura, ou seja, da mesma
até o espaço dentro dela se torne grande o suficiente para altura. Depois que as placas ficam prontas, é possível
formar, por exemplo, um pote, um vaso, uma panela, uma cortá-las do tamanho que quiser. Então, é só unir as placas
bacia ou qualquer outro tipo de recipiente. no formato desejado. Para isso, é comum usar uma
mistura de água e argila chamada “engobebe”, que parece
lama bem molhada. Com essa técnica costumam ser
criados pratos, bandejas e tigelas rasas. Muitos artistas a
utilizam para criar grandes esculturas; para isso, costumam
elaborar estruturas de madeira de apoio, que são cobertas
pelas placas de argila.
 33 – CRIANDO UMA OBRA SURREALISTA: JUNTANDO AS COISAS. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
// Praticar a arte – Juntando as coisas para criar um desenho surrealista: Assim como os surrealistas
O surrealismo foi um movimento de vanguarda artística que surgiu em fantasiavam suas produções, pintando obras de arte com desenhos que viam de sua criatividade,
Paris, no início do século XX, para fazer frente ao racionalismo e ao una os objetos sugeridos a seguir para você montar objetos surrealistas.
materialismo da sociedade oriental. Entre as características que mais
se destacam estão:
1. Livre expressão do pensamento: O mote principal do surrealismo
era a expressão livre do pensamento, regrada somente pelos
impulsos do subconsciente. Ele desprezava a lógica e era contra os
padrões estabelecidos pela ordem e pela moral da sociedade na
época. Suas obras não se restringiram somente às artes plásticas e a
literatura. Ele também influenciou manifestações artísticas como o
teatro e o cinema.
2. Influência das teorias de Freud: A principal característica do
movimento surrealista é a influência significativa das teorias
psicanalistas de Sigmund Freud, que valorizam a importância do
inconsciente para impulsionar a criatividade do ser humano. Para
Freud, o homem deve libertar sua mente da lógica imposta pelos
padrões comportamentais da sociedade e dar vazão aos sonhos e a
tudo o que o inconsciente nos diz.
3. Realidade superior: Outra característica importante do
surrealismo é a criação de uma realidade superior à realidade
imposta pela sociedade burguesa da época, como se esta realidade
estivesse acima do realismo. O objetivo principal do surrealismo
era ultrapassar os limites da imaginação e da tradição lógica imposta
pelas ideias artísticas que vigoravam desde o Renascimento.
4. Valorização do inconsciente e dos sonhos: Outro ponto
importante do surrealismo foi à valorização da fantasia, da
loucura e da reação automática refletida em suas obras.
Muitos artistas deixaram-se levar apenas pelo impulso,
registrando somente o que lhe viesse à mente.
5. Utilização de elementos abstratos: As obras surrealistas
tinham como característica elementos abstratos e formas que
se baseavam na fantasia e na dimensão do imaginário. Os
artistas sempre buscavam a perfeição entre desenhos e cores,
dentro do universo imaginário, utilizando recursos como
ilusões ópticas e dissociação entre imagens e legendas.
 34 – ANALISANDO A OBRA: “AS RESPIGADORAS”, DE JEAN-FRANÇOIS MILLET. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte 1: Observe a imagem e reflita com os colegas sobre as questões a seguir, registrando suas impressões.
1. O que está acontecendo na cena?
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2. Quantas pessoas aparecem na pintura? O que elas
parecem estar fazendo?
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3. Você já esteve em um lugar como esse? Como você
acha que deve ser viver ali?
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4. Escolha um dos personagens da pintura e imagine quem
ele é, de onde veio e por que está nesse local.
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5. Converse com a turma sobre seus sentimentos e
percepções diante dessa pintura. Tente identificar qual é
o assunto principal dela, ou seja, do que ela trata.
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O nome da obra que acabamos de observar é “As Respigadoras”. “Respigar” é o ato de pegar aquilo que sobra no campo após a colheita. Observe a obra
novamente e reflita sobre esse título. Você notou o tamanho do terreno em que está a plantação? Imagine como seria respigar nesse terreno. Quando o
artista francês Jean-François Millet (1814-1875) colocou a obra “As Respigadoras” em exposição, em 1857, houve muitas críticas. A pobreza das
camponesas pintadas pelo artista ofendeu muitas pessoas que gostavam de arte, mas estavam acostumadas a ver apenas riqueza e fartura nas telas. Elas
achavam que a arte deveria mostrar apenas heróis, pessoas ricas, narrativas de mitologia ou de religião. Alguns críticos diziam que o mal gosto de Millet
era tanto que deixava cansado quem observava a obra, mesmo que por pouco tempo. O trabalho, especialmente o do campo, era algo visto de maneira
negativa, por isso a maior parte das pessoas acreditava que não devia ser tema de uma pintura. Ao fazer essa pintura, Millet não tentou esconder ou
modificar o trabalho das camponesas, buscando torná-lo mais “bonito” ou “agradável” aos olhos de todos. Ao contrário, a intenção do pintor era
justamente mostrar a realidade desse trabalho, assim como a realidade da pobreza e da vida simples do camponês. Outro aspecto que contribuiu para
chocar ainda mais o público foram as dimensões da pintura. Ela tem mais de um metro de largura! Nessa época, as pinturas grandes geralmente eram as
pinturas religiosas, que eram muito valorizadas. Isso porque o tamanho grande dava a impressão de exaltar e homenagear o tema retratado. Dessa forma,
portanto, Millet homenageava e dava importância à classe trabalhadora. A pintura “As Respigadoras” trata de questões sociais complexas e tronou-se
inspiração para muitos artistas, filósofos, historiadores, escritores, cineastas, atores e dramaturgos da época e de épocas posteriores.
Entendendo a obra: A obras “As Respigadoras” demonstra Repare bem nas mulheres. Elas estão fazendo a mesma ação. Porém, cada uma
a admiração de Millet pelos camponeses e retrata o dia a dia delas aparece fazendo um gesto diferente. Da esquerda para a direita, a primeira
árduo desses trabalhadores. Uma das intenções do pintor era mulher está terminando o movimento de se abaixar para pegar o que está no chão,
retratar esse trabalho. Mas como ele conseguiu representar a segunda está pegando o trigo e a terceira já se levantou com o trigo nas mãos.
um trabalho que é feio de ações e de tempo em uma única
Essa sequencia nos leva a deduzir que as três mulheres fazem e repetem as três
imagem? Observe novamente a pintura e tente perceber
como o pintor fez para que pudéssemos entender que as ações. Dessa maneira, o artista transmite a impressão de que elas trabalham
camponesas estão realizando ações e movimentos. repetindo esses movimentos.
 35 – CONHECENDO A OBRA: “HUMANAE – WORK IN PROGRESS”, DE ANGÉLICA DASS. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]

Praticar a arte 1 – Analisando a obra: Observe com a 4. Leia a legenda da obra e reflita sobre o nome que a artista
imagem da obra de Angélica Dass e responda: escolheu para o projeto. Qual é o significado desse título?
1. O que chama a sua atenção na imagem? Como ele se relaciona com a imagem?
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2. Quais são as semelhanças entre essas fotografias? E 5. O que esse conjunto de fotografias representa para você?
as diferenças? ______________________________________________________________________
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_______________________________________________________________ 6. Observe as imagens do projeto. Saber o que Angélica Dass
3. O que você sente ao observar esse conjunto de pensou ao criar essas imagens mudou o que você pensa e
fotografias? E o que você pensa? sente em relação à obra? Que ideias esse conjunto de
________________________________________________________________ retratos transmite?
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“Humane – Work in progress” é uma criação de Angélica Dass, artista brasileira que desenvolve diversos trabalhos em que aborda a
questão do preconceito racial e a diversidade a população humana por meio da fotografia. Angélica Dass começou a obra em 2012, fazendo
fotos de pessoas que conhecia. Depois, passou a contatar voluntários pela internet para serem retratados. Hoje, a obra conta com mais de
1.3000 retratos e continua crescendo. Cada pessoa fotografada tem a cor da pele numerada de acordo com a escala Pantone, um sistema
de classificação de cores muito usado no mundo. Criado por uma empresa americana, esse sistema usa números e não se organiza do mais
claro para o mais escuro. Com isso, diminui muito o papel da subjetividade nessa classificação. Depois de encontrar na escala o tom da pele
da pessoa fotografada, a artista aplica a cor correspondente no fundo da imagem, com o auxílio do computador. Terminada essa etapa, ela
publica a fotografia na internet, junto aos retratos produzidos anteriormente. Ao fazer isso, Angélica Dass trabalha a ideia de uma obra em
construção, ou seja, uma obra que não tem fim. E, assim, possibilita que vejamos centenas de pessoas de diferentes idades e localidades do
mundo. Para Angélica Dass, esse projeto demonstra que podemos acolher e apreciar as diferenças entre os corpos, sem esquecer que
somos todos humanos. Além disso, questiona a relação entre a cor da pele e a etnia, contribuindo para a luta contra o preconceito racial.
Praticar a arte 2 – Criando um “Humanae”: Depois de conhecer a obra e seu significado, trabalhe
com a fotografia dos seus colegas de sala para construir também a sua obra artística. Tire uma foto
reconhecermos que todos nós somos iguais nas diferenças. Acrescente no seu cartaz um texto,
frase, pensamento ou um trecho de uma música que fale sobre o respeito e a diversidade.
 36 – O RETRATO: EXERCÍCIO SOBRE ENQUADRAMENTO. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Nas artes visuais, os retratos são
as representações artísticas de
pessoas, sozinhas ou em grupos.
Bem antes de existir a fotografia,
os retratos já existiam na pintura
e nos desenhos. Algumas das
pinturas mais famosas da história
da arte são retratos. Observe os
dois exemplos. Quando foi
inventada, a fotografia passou a
ser usada para fazer retratos que,
muitas vezes, seguiam regras já
estabelecidas na pintura. Preste
atenção nas imagens da criança
com as imagens das obras de
arte. Assim como a pintura, a
fotografia pode ter temas
variados, mostrando, por
exemplo, pessoas, objetos ou
paisagens. Para fazer uma
fotografia, é necessário escolher
o que vai e o que não vai
aparecer na imagem. Ou seja, é
preciso fazer escolhas de
COMPOSIÇÃO e de
ENQUADRAMENTO.
Composição é a organização dos
elementos que aparecem na
imagem. Por exemplo: Ao fazer
um retrato, e que posição estará
a pessoa? Será criado um
cenário?
O enquadramento, que faz parte
da composição, é a seleção do
que vai aparecer na imagem e do
que vai ficar fora dela. Por
exemplo, ao fazer um retrato, o
artista vai mostrar o corpo todo
da pessoa ou apenas o rosto?
A fotografia é o resultado de um longo processo de
invenções. Tudo começou com a câmara escura, o
aparelho que antecedeu as máquinas fotográficas. Há
informações de que esse aparelho era utilizado desde a
Antiguidade, na China e na Grécia. Mas a imagem
produzida dessa forma não podia ser gravada. Mais
tarde, no século XIX, a câmara escura foi aperfeiçoada
com lentes e desenvolveram-se as técnicas para fixar as
imagens. Assim, em 1826, o francês Joseph-Niépce
produziu a imagem que seria reconhecida como a
primeira fotografia da história.
"View from the Window at Le Gras", este foi o nome
dado para a primeira fotografia da história. A tradução
do título faz referência à imagem feita a partir da janela
do inventor francês Joseph Nicéphore Niepce em 1826
na cidade de Saint-Loup-de-Varennes, na França. O
processo rudimentar usado na época foi considerado
como o primeiro a fixar uma imagem. Quando Joseph
Nicéphore Niépce produziu o primeiro exemplar do que
chamou de “heliografia” (literalmente, a escrita do sol),
em 1826 ou em 1827 (a data exata é desconhecida),
precisou de mais de 8 horas de exposição à luz de uma
placa de estanho, coberta com betume da Judeia e
instalada no fundo de uma câmera escura.
Praticar a arte – Enquadramento do retrato: Inspirado pelo
conteúdo sobre enquadramento no retrato, você criará uma
galeria de fotografias. Para fazer as fotos, pense de que
formas essas imagens podem mostrar diferentes
enquadramentos da mesma imagem.
Escolha uma parte do corpo para fotografar. Faça uma
moldura de papel para exercitar as possibilidades de
enquadramento que você vai usar para fotografar.
Utilizando a moldura de papel, observe as pessoas e objetos
ao seu redor. Escolha o que você acha interessante nos
enquadramentos. Observe as possibilidades de composição.
Antes de fotografar, olhe bem para o que você quer que
apareça na imagem e ignore o que deseja que fique fora de
sua composição. Reúnas as fotos tiradas, selecione as que
você mais gostou, imprima-as (coloridas ou preto e branco) e
monte uma exposição de fotografias para apreciação de
todos.
 37 – CONSTRUINDO UM MAMULENGO. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
O teatro de bonecos é uma arte bastante expressiva e tradicional no Brasil, especialmente na região Nordeste. Uma das formas mais reconhecidas dessa
arte é o mamulengo. Além de dar nome à forma teatral, o termo “mamulengo”, também se aplica aos bonecos usados nas apresentações. Existem muitos
tipos de bonecos de mamulengo e jeitos de manipulá-los. Os artistas que elaboram e manipulam os bonecos são os mestres bonequeiros ou
mamulengueiros. O teatro de mamulengo é uma manifestação cultural tão importante que, em 2015, foi considerado patrimônio cultural do Brasil, junto
com outras formas de expressão do Teatro de Bonecos Popular do Nordeste. Em cada estado dessa região é possível encontrar variedades desse tipo de
teatro, com diferentes nomes. “Mamulengo” é como é chamado em Pernambuco. Na Paraíba, é chamado de “babau”. No Rio Grande do Norte, de “João-
Redondo”. Já no Maranhão e no Ceará, de “Cassimiro Coco”. O mamulengo é uma forma teatral improvisada, ou seja, nas apresentações a encenação não
se limita a um texto fixo. Os mestres bonequeiros interagem com o público, criando diferentes situações. Quando vão se apresentar, os mestres dizem que
vão brincar de mamulengo. Nas apresentações há muitas piadas, brincadeiras, brigas, gritos e correria dos bonecos. Os personagens do mamulengo podem
representar tipos muito diferentes. Podem representar pessoas com suas profissões, como policial, dentista, juiz, professor, trabalhador do campo etc.
podem representar animais, como a cobra ou o boi, ou mesmo criaturas imaginárias. Essa tradição teatral faz parte da cultural popular. Suas técnicas e
saberes são passados de geração em geração de maneira informal. São transmitidos de mestre para discípulo e, muitas vezes, de pai ou mãe para os filhos.
O MAMULENGO E SEUS APETRECHOS: Observe a imagem ao lado de um Praticar a arte – Construindo um mamulengo: Depois de conhecer o mamulengo, chegou a hora de
mestre brincando de mamulengo. A manipulação mais comum desses bonecos construir seu boneco e criar sua personagem. Siga as instruções.
é semelhante à manipulação de um fantoche. O mamulengo é vestido na mão
do mestre, que movimenta os braços do boneco com os dedos. O mamulengo
é brincado em uma estrutura chamada de empanada. Dentro da empanada
ficam guardados os muitos bonecos utilizados ao longo da apresentação.
Algumas sessões de mamulengo utilizam mais de 60 bonecos! Os bonecos de
mamulengo são, em geral, entalhados em mulungu, uma madeira leve e fácil
de esculpir. A árvore do mulungu é encontrada em diversos estados no
Nordeste. A brincadeira de mamulengo é quase sempre acompanhada por
músicos, chamados de tocadores. Os ritmos são o baião, o forró e o xaxado.
Algumas apresentações contam com outros integrantes, como o contramestre,
que manipula outros bonecos e faz alguns diálogos com o mestre.
 38 – A NATUREZA-MORTA. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
A partir do século XVII, vários artistas se dedicaram a
pintar seres inanimados, como arranjos de flores,
frutas, jarros, garrafas, cestas, talheres, castiçais de
velas, livros, chapéus, instrumentos musicais, entre
outras coisas. As pinturas desse tipo deu-se o nome de
natureza-morta. Os franceses Paul Gauguin, Claude
Monet e Paul Cézanne, o espanhol Pablo Picasso e o
ítalo-brasileiro Alfredo Volpi são exemplos de artistas
que pintaram diversos quadros de natureza-morta.

Representação estilizada da Praticar a arte: Examine atentamente a imagem da maçã e, em seguida, analise, ao lado dela, um desenho na mesma proporção feito a partir
figura humana: O italiano da observação dessa fruta. Faça uma redução e uma ampliação dessa maçã utilizando as malhas quadriculadas correspondentes.
Giuseppe Arcimboldo pintava faces
humanas utilizando elementos da
natureza, resultado em imagens
cheias de mistério e estranheza.

- Descreva a pintura do artista

Giuseppe Arcimboldo. Procure
apontar quais foram os elementos
da natureza que ele utilizou para
representar essa figura humana.
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 39 – A NATUREZA COMO INSPIRAÇÃO. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Muitos artistas tomam a natureza como fonte de
inspiração. Eles costumam usar paisagens, plantações
agrícolas, plantas e animais como temas principais de
seus trabalhos artísticos. Nesses casos, os seres humanos
são representados exercendo um papel secundário na
obra, porém em harmonia com o mundo ao seu redor.
Praticar a arte 1 – Interpretando as Praticar a arte 2 – Desenhando a natureza: Observe as imagens a seguir que
imagens: Converse com os seus colegas mostram obras de arte que tem como inspiração a natureza. Escolha uma
e registre suas respostas. delas para você criar uma releitura. Aplique as cores que desejar.
1.Que tipo de sensação a pintura
“Campos na Primavera”, de Claude
Monet, desperta em você?
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2.Que elementos da natureza estão
representados na pintura coreana?
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3.Na pintura estilo Tinga Tinga, quais
são os animais representados?
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4.Quais foram as cores utilizadas no Van
Gogh na tela “Íris”?
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 40 – O TRABALHO REPRESENTADO NA ARTE. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Na história da humanidade, o trabalho foi um dos primeiros
temas a ganhar forma artística. Desde cerca de 40.000 anos
atrás, os primeiros grupos de seres humanos já costumavam
pintar cenas de caçadas nas paredes das cavernas em que eles
viviam. Até os dias de hoje, muitos artistas fazem pinturas,
gravuras ou esculturas sobre o tema trabalho.
E-book licenciado para antonia Santos antonia.ssantos@gmail.com CPF: 73775738304
Praticar a arte 1 – Interpretando as imagens: Praticar a arte 2: Desenhe no espaço a seguir o trabalho de
Observe as obras de arte apresentadas, converse alguém da sua família. Quando o desenho estiver pronto,
com seus colegas e registre suas respostas. escreva um pouco sobre ele, explicando algumas etapas do
1. Quais são os tipos de trabalho representados trabalho retratado, o que é necessário conhecer para poder
nessas obras de arte? realizá-lo, instrumentos que são utilizados, onde é executado,
_________________________________________________________ entre outras informações.
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2. Em sua opinião, qual dessas obras é a mais
realista? Por quê?
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3. Descreva, com suas palavras, a tela “Café”, de
Cândido Portinari.
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4. Qual das obras de arte você mais gostou? Por ______________________________________________________________________
quê? ______________________________________________________________________
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 41 – CONHECENDO A RENDA DE BILRO. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
O mundo das rendas de bilros: Os primeiros pontos das rendas de bilros começaram a ser tramados
provavelmente há cerca de 500 anos, ainda no final do século XV. O tempo passa, e as divergências de sua origem
continuam. Há quem diga que tudo começou na Itália, outros citam a região de Flandres como pioneira, mas existem
versões de que países como Inglaterra, Espanha e Bélgica sejam os responsáveis pela disseminação desta cultura na
Europa. Em Portugal, a palavra renda de bilros teria surgido por volta de 1560, no reinado de Dom Sebastião.
Durante muito tempo, esta arte só foi praticada nos conventos e sua utilidade única era ornamentação de igrejas e
das vestes eclesiásticas. Ainda segundo Arthur Ramos, as relações do País com venezianos, flamengos, franceses e
ingleses explicam as influências de várias procedências que sofreu a renda portuguesa. Mas a de Flandres, nos
primeiros tempos (Século XVI), parece ter sido dominante. Outro centro tradicional é Peniche, cidade de pescadores,
onde as rendas de bilros estariam presentes desde 1700, sendo fundada em 1887 a primeira Escola Industrial D.
Maria Pia. Mesmo com poucos registros sobre a trajetória das rendas de bilros no Nordeste brasileiro, mais
especificamente no Ceará, é possível afirmar que a renda foi trazida por mulheres portuguesas, vindas com suas
famílias da pátria-mãe, onde tradicionalmente se dedicavam a este ofício. Além do Ceará, outros estados da região
Nordeste também são reconhecidos produtores de rendas de bilros, a exemplo de Alagoas, Pernambuco, Paraíba,
Rio Grande do Norte e Maranhão, Sergipe, Piauí e Bahia. Na região sudeste destaca-se o Rio de Janeiro, mais
precisamente a cidade de Cabo Frio. No Sul do Brasil, o Estado de Santa Catarina se sobressai, mas há registros ainda
de produções também no Rio Grande do Sul. O escritor gaúcho Érico Veríssimo já mencionava mulheres fazendo
rendas de bilros em seu livro “O Tempo e o vento - O Continente”, narrado no período de 1890. Lá, elas teciam para
distrair o pensamento enquanto seus maridos enfrentavam guerras e batalhas. No Ceará, ainda o fazem no período
em que seus maridos, geralmente pescadores, enfrentam a imensidão do mar. A escritora conterrânea Rachel de
Queiroz assim homenageou o ofício, conhecido também por "Renda do Ceará" ou "Renda da terra":
Praticar a arte: Agora, observe as etapas de produção de uma renda de papel e, em seguida, faça você mesmo uma dessas rendas.
 42 – TRABALHO DE PESQUISA: MÚSICOS BRASILEIROS. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
A música é uma das expressões artísticas mais populares em nosso país, que é mundialmente conhecido pela sua grande diversidade de estilos musicais. Provavelmente, uma das
principais qualidades dos músicos brasileiros é a capacidade de misturar estilos diferentes para criar algo novo, procurando sempre experimentar novas maneiras de tocar, cantar e
compor. Conheça a seguir um pouco da história de alguns músicos brasileiros.
Chiquinha Gonzaga nasceu no Rio de Praticar a arte: Em dupla, escolham um músico brasileiro e pesquisem sua vida e obra. Para orientar a pesquisa, usem a
Janeiro em 1847. Foi a primeira ficha apresentada a seguir.
compositora de música popular no
Brasil e uma das principais
responsáveis pela popularização da
modinha. Chiquinha faleceu no Rio de
Janeiro em 1935.
Antônio Carlos Jobim foi um dos
criadores da bossa-nova. Nascido no Rio
de Janeiro, em 1927, o compositor ficou
conhecido como o grande mestre da
música nacional. O ritmo da bossa-nova
influenciou grandes músicos de jazz. Tom
Jobim faleceu em Nova York em 1994.
Heitor Villa-Lobos nasceu no Rio de
Janeiro em 1887. Compositor, maestro e
professor de música, ele inovou a música
brasileira unindo as técnicas de
composição tradicionais e os elementos
da música popular e indígena. O músico
faleceu no Rio de Janeiro em 1959.
Helena Meirelles nasceu em uma
fazenda às margens do Rio Pardo, no
Mato Grosso do Sul, em 1924. Aos 8 anos
de idade, aprendeu sozinha a tocar viola
caipira. Aos 67, seu talento foi
descoberto por uma revista norte-
americana, o que deu início à sua carreira
profissional. No Brasil, ficou conhecida
como “Dama da Viola”, sendo
considerada uma das melhores
instrumentistas do mundo. Faleceu em
São Paulo, em 2005.
 43 – A ARTE E O CORPO: O RETRATO COMO FORMA DE EXPRESSÃO. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Retrato: O retrato é uma representação, desenho ou foto Outras técnicas de retrato: Praticar a arte 2: Um detalhe importante que pode ser
de uma pessoa. Quando a fotografia não existia, se alguém Este retrato da Princesa Isabel observado em um retrato é a expressão facial da pessoa
quisesse ter um retrato, tinha de pedir a um artista que foi feito por meio de uma observada. Ela pode parecer alegre, triste, brava, pensativa
pintasse ou desenhasse o rosto que desejava retratar. técnica chamada litogravura. etc. Observe os retratos a seguir e escreva o que
Observe alguns retratos famosos na história da arte: Nessa técnica, utiliza-se como representam, em sua opinião, a expressão facial.
matriz uma pedra calcária
tratada e alisada, sobre a qual é
feito um desenho com um lápis
a base de resíduos gordurosos.
Depois, a pedra é umedecida e sobre ela é aplicada uma
tinta que só se fixa nas partes engorduradas, ou seja, sobre
a imagem desenhada. Ao pressionar uma folha de papel
sobre a pedra, a tinta adere à sua superfície, transferindo a
imagem. O nome deste processo é impressão.
A fotografia, apresentada ao
mundo no início do século XIX,
devido à sua praticidade e ao
custo mais baixo, logo assumiu o
lugar dos retratos feitos pelos
artistas. A fotografia ao lado foi Praticar a arte 3: Complete os desenhos abaixo de forma
feita pelo francês Nadar, um dos que eles expressem os sentimentos indicados.
primeiros fotógrafos a ficarem
conhecidos no mundo.
Praticar a arte 1: Converse com os seus colegas sobre as Este retrato, de John Lennon, foi
questões a seguir e registre suas respostas. feito pelo artista contemporâneo
1. Qual dessas obras retrata uma personalidade da história Scott Davis, utilizando a
do Brasil? Quem foi o artista que pintou esse retrato? computação gráfica, que permite
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________ criar e manipular imagens,
_______________________________________________________________ alterando cores, luzes e sombras,
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________
além de possibilitar a fusão de
_________________________________________________________ elementos visuais. Esse tipo de
2. Se você pudesse escolher um desses artistas para pintar recurso pode ser utilizado na
um retrato seu, qual você escolheria? Por quê? indústria gráfica, como em
_______________________________________________________________ cartazes e ilustrações, no cinema,
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________ com a criação de personagens
_______________________________________________________________ digitais, ou nas artes visuais, Praticar a arte 4: Escolha um de seus colegas de turma e
_______________________________________________________________ como no exemplo apresentado desenhe, em seu caderno de arte, o retrato dele. Para isso,
_______________________________________________________________
_______________________________________________________________ ao lado. observe atentamente sua expressão facial.
44 – PABLO PICASSO COMO INSPIRAÇÃO: A PESSOA QUE EU AMO. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Pablo Picasso foi um dos maiores artistas do século XX. Ao longo de sua vida, teve muitos
romances. Seu primeiro amor foi Fernande Olivier, a qual conheceu em Paris e influenciou muitas
de suas obras. Veja, a seguir, três representações de Fernande: uma fotografia, um retrato
pintado por Picasso e uma escultura também feita por ele. Pablo Picasso tinha 23 anos quando
conheceu Fernande Olivier na cidade de Paris. Fernande era artista e modelo vivo, e posou para
diversas obras da Fase Rosa do artista, inclusive na famosa obra “Les Demoiselles d’Avignon“.
Picasso teria pintado cerca de 60 retratos de Fernande. Foi a única mulher de Picasso que o
conheceu antes da fama. Ela esteve envolvida com Picasso por 7 anos e, mais tarde, escreveu um
livro - “Loving Picasso” – sobre esse período afetivo, que só foi publicado em 1988.
Por que você gosta de alguém? Às vezes, não precisa de muito, sabe? É engraçado gostar de alguém. Você não
gosta de alguém porque ele curte a mesma banda ou tem o mesmo sonho de rodar o mundo, não. Você gosta de
alguém porque ele curte sertanejo, coisa que você não entende, mas ainda assim ele é interessante. Você não gosta
de alguém porque ele é bem-sucedido e gosta de tomar vinho aos sábados. Você gosta porque ele acorda tarde aos
domingos e mesmo acordando cedo, você fica ali do lado, observando, fazendo planos malucos de um futuro na
cabeça. Você que nunca gostou de rosa se pegou sorrindo à toa quando ele apareceu com um boné dessa cor pra
combinar com o dele azul. É estranho isso, não é? Saber que apesar de todas as diferenças e pequenos defeitos, o
gostar continua ali e só aumenta. Você não gosta de alguém porque ele se formou em medicina ou direito. Você
gosta porque ele sabe contar piadas como ninguém e você não sabe. Aí você ri, perde o ar e até chora, às vezes, de
tanto gargalhar. É disso que você gosta. Saber lidar com as diferenças é essencial quando o assunto é o amor.
Encontrar alguém que tenha as mesmas qualidades que você é muito fácil, mas achar alguém que seja diferente em
inúmeros aspectos e ainda assim combine com você, é sorte e é bom demais. Amar é aceitar as diferenças e somar
as qualidades. Você não gosta de rock pesado, mas ele ama, então você ouve algumas músicas e ele fica muito feliz
quando vê. Ele não gosta de acordar cedo e ir à padaria, mas sabe que você gosta do pão quentinho, mas não
suporta fila, então ele acorda e vai mesmo assim. Amor é encaixe. De alma, corpo e coração, mas é também um
encaixe de cada parte que compõe você e quem você amar. Ele não gosta de ler, mas lê os textos que você manda
pra ele porque sabe que é um jeito seu de demonstrar amor. Quase sempre, não precisa de muito. Basta duas
pessoas dispostas a serem diferentes e se amarem por isso e não apesar disso.
Praticar a arte 1 – Análise de obra de arte: Analise as Praticar a arte 2: Em seu caderno de arte faça um
três imagens de Fernande. desenho da pessoa que você gosta muito. Pode ser seu
a) O que há de semelhante entre elas? E o que amor, melhor amigo, seus pais ou irmãos etc. Capriche
diferencia uma representação da outra? nos detalhes. Você pode incrementar sua produção
________________________________________________________________ colando uma foto da pessoa escolhida e escrevendo um
________________________________________________________________
________________________________________________________________ pequeno texto tentando explicando o por que de você
________________________________________________________________ gostar dessa pessoa.
________________________________________________________________
________________________________________________________________
________________________________________________________________
________________________________________________________________
_______________________________________________________________
 45 – O AUTORRETRATO: ANÁLISE DE OBRA E INTERPRETAÇÃO. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Quando uma pessoa faz uma representação de si própria, dizemos que ela faz um autorretrato. Para fazer um autorretrato, o artista pode se utilizar de técnicas, como o desenho,
gravura, escultura, entre outras. Na maioria das vezes, por meio do autorretrato, o artista costuma expressar seu estado emocional na fase em que executou a obra. Veja a seguir
autorretratos de artistas de diferentes épocas. Observe a técnica utilizada por cada um deles e construa sua opinião a partir da sua interpretação.

Praticar a arte 1 – Exercício de observação e análise de obra: Responda às questões com Praticar a arte 2 – Desenhando um autorretrato: Usando lápis grafite, desenhe, no
base nas imagens apresentadas. Converse com seus colegas e registre as respostas. espaço a seguir, seu autorretrato. Se necessário, olhe-se no espelho e observe seus
1. Em um desses autorretratos, o artista representou a si próprio executando seu traços, o formato de seus olhos, nariz, a posição de suas orelhas, seu corte de cabelo e
trabalho. Quem foi esse artista? outros detalhes.
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2. Qual desses autorretratos mais chamou sua atenção? Por quê?
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3. Escolha um dos autorretratos e descreva-o com o máximo de detalhes possível.
Observe a diferença entre as obras, que incluem a representação, cores, fisionomia e
ambiente em que o artista se encontra, entre outras informações.
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 46 – A ESCULTURA: CONCEITUAÇÃO E EXPERIMENTAÇÃO PRÁTICA. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Além da pintura, existem outras formas
de representar artisticamente as figuras
humanas. A escultura é mais uma dessas
maneiras. Para fazer uma escultura, o
artista pode trabalhar com uma grande
diversidade de matérias primas, como
mármore, bronze, argila, madeira, entre
outros. A escultura apresenta forma e
volume, ou seja, é um objeto
tridimensional, ou seja, é um objeto que
tem três dimensões: altura, largura e
profundidade.
As esculturas podem ser produzidas a partir
de diferentes materiais e técnicas. A imagem
ao lado, por exemplo, apresenta uma
escultura em madeira. Não é apenas o
escultor que utiliza a madeira em seus
trabalhos, ela é um material muito utilizado
por diversos profissionais como marceneiros,
carpinteiros, artesãos, entre outros.
A origem da Escultura: É técnica de representar objetos Praticar a arte – Observando a obra de arte e se
e seres através da reprodução de formas. Utiliza-se de inspirando: Observe, a seguir, as imagens de algumas
materiais como gesso, pedra, madeira, resinas sintéticas, esculturas feitas em arame. Elas foram produzidas pelo
aço, ferro, mármore e das seguintes técnicas: cinzelação, artista Alexander Calder e representam diversas figuras.
fundição, moldagem ou a aglomeração de partículas. Sua Perceba como o escultor utilizou o arame para criar os
origem baseia-se na imitação da natureza, com o intuito contornos das formas, a partir da linha. Agora, faça você
maior de representar o corpo humano. A escolha do uma escultura de arame.
material envolve a técnica utilizada. Novas técnicas como
dobra e solda de chapas metálicas, moldagens com
resinas, plásticos, materiais tridimensionais tem sido
empregadas. A escultura na Pré-História foi associada à
magia e à religião. No período paleolítico, o objetivo era
moldar animais e figuras humanas, geralmente femininas.
A escultura, como é conhecida atualmente, surgiu no
Oriente Médio, foi uma das últimas artes a serem
desenvolvidas durante a Idade Média, talvez pelo apelo
sensual. A Grécia Clássica é o berço ocidental da arte de
esculpir, desde os seus primeiros artefatos em mármore
ou bronze a partir do século 10 a.C., até o apogeu da era
de Péricles, com as esculturas da Acrópole de Atenas.
Posteriormente, os romanos aderiram à cultura clássica e
continuaram a produzir esculturas até o fim do império,
difundindo o trabalho em mármore por todo o império. Foi
no Renascimento que a escultura se destacou, com a
famosa estátua de Davi, de Michelangelo. Donatello e
Verocchio foram outros mestres importantes do período.
Entre os séculos XIX e XX, destacam-se os artistas
Constantin Brancuse e August Rodin, dois mestres da
escultura que influenciaram vários outros artistas.
 47 – ARTE E COTIDIANO: A FAMÍLIA NA ARTE. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Existem famílias de todos os
tipos. Algumas são compostas de
pais e filhos, outras não têm
filhos e ainda há aquelas que não
têm pais, umas são grandes, com
avós, tios, primos etc., e outras
pequenas. Enfim, as famílias são
diferentes umas das outras. Ao
longo da história, os artistas
pintaram diferentes tipos de
famílias, e, por isso, hoje nós
podemos conhecer como eles
eram e como era a realidade
dessas famílias. Observe as
imagens a seguir.
Praticar a arte 1 – Interpretando as obras de arte: Converse com seus colegas sobre as Praticar a arte 2: No espaço abaixo, desenhe as pessoas que moram com você. Aplique
questões referentes às obras apresentadas e registre suas respostas. as cores que desejar e, em seguida, escreva o nome e o parentesco de cada uma.
1. Qual é o tema principal das representações artísticas apresentadas? Justifique a sua
resposta escrevendo sobre os elementos que confirmam sua resposta. Escreva a ficha
técnica da obra que mais combina com sua resposta.
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2. Qual dessas imagens é uma escultura? Justifique sua resposta apresentando
argumentos. Escreva a ficha técnica da obra que mais combina com sua resposta.
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3. Qual dessas famílias tem mais semelhança com a sua? Justifique sua resposta. Escreva
a ficha técnica da obra que mais combina com sua resposta.
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 48 – O LAZER NA ARTE: INTERPRETAÇÃO DE IMAGEM E PRÁTICA DE DESENHO. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]

Um tema recorrente do cotidiano dos artistas nas suas representações é o lazer. Na pintura, na escultura, na gravura e em outras formas de manifestações artísticas, podemos
encontrar, por exemplo, cenas de partidas de futebol, de pessoas se divertindo em uma noite no circo, de crianças soltando pipa na rua, de pessoas contanto ou dançando etc.

Praticar a arte 1 – Analisando as obras de arte: Converse com seus colegas sobre as Praticar a arte 2 – Desenvolvendo o desenho: No espaço a seguir, desenhe algumas das
questões interpretativas a seguir e registre suas respostas. atividades de lazer que você mais gosta de fazer. Aplique as cores que desejar.
1. Você costuma realizar alguma atividade de lazer? Qual?
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2. Escolha uma das representações artísticas apresentadas e descreva-a com o máximo
de detalhes. Procure detalhar a expressão das pessoas, como elas estão vestidas, o
que elas estão fazendo, quais foram as cores utilizadas pelo artista e o que mais lhe
chamar a atenção. Transcreva a ficha técnica da obra escolhida.
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 49 – O PONTO NAS OBRAS IMPRESSIONISTAS. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
No final do século XIX, artistas europeus como Claude Monet,
Edgar Degas e Auguste Renoir, criaram novas técnicas de
pintura e inovaram nos temas trabalhados em suas obras,
preferindo retratar cenas de lazer, paisagens, frutas e flores.
O PONTO: Observe atentamente a pintura de Georges
Seurat, artista influenciado pelo impressionismo e principal
divulgador da técnica de pintura chamada pontilhismo. Por
meio dessa técnica, Seurat compunha suas obras com
milhares de pontos coloridos. Nesse tipo de pintura, são as
cores dos pontos que formam as figuras. Outros artistas
produziram pinturas utilizando essa técnica. Note que a
imagem é formada por vários pontinhos. Os mais claros dão
impressão de sol e claridade, e os mais escuros, de sombras.
A técnica utilizada por George Seurat baseia-se nos estudos
realizado pelos cientistas da sua época, que haviam
descoberto sobre o funcionamento do olho humano, como
age a retina para formar as imagens. Aliando esse
conhecimento ao estudo das cores e sobre as possíveis
adições entre elas, deu início a uma forma de pintura. Seurat
não misturava as cores na paleta, mas pretendia que o olho
de quem as visse fizesse a mistura e resultasse na cor
idealizada pelo artista.
Praticar a arte 1 – Praticando a
técnica do pontilhismo: Observe, a
seguir, a fotografia de uma pera e
depois observe a fruta pintada com a
técnica do pontilhismo. Agora,
utilizando a técnica do pontilhismo,
reproduza as frutas a seguir:
Aprendendo mais sobre o Pontilhismo:
Pontos feitos com cores puras: O pontilhismo
envolveu a aplicação de tinta em pontos
cuidadosamente colocados de cor pura e não
misturada.
Ciência por trás do pontilhismo: Tão
importante para o pontilhismo quanto
qualquer artista foi o químico francês Michel
Eugène Chevreul – e seu livro Princípios de
harmonia e contraste de cores. Empregado por
uma tapeçaria parisiense que desejava
melhorar a força de suas cores, ele descobriu
que a questão não era sobre os corantes sendo
usados, mas a forma como os diferentes tons
estavam sendo combinados.
Pintura por pontos: O nome do movimento
deriva de uma revisão do trabalho de Seurat
pelo crítico de arte francês Félix Fénéon, que
usou a expressão peinture au point (“pintura
por pontos”).
Influência do Pontilhismo nos Artistas
Contemporâneos: Existem muitos artistas hoje
que experimentam o Pontilhismo. Eles usam
pontos em várias formas e formas, e para uma
gama tão diferente de propósitos que é difícil
mencionar apenas alguns deles, já que todos
eles fazem peças de arte impressionantes
baseadas apenas em pontos.
Técnica meticulosa: Como membros desse
movimento anterior, os pontilhistas desejavam
trabalhar fenômenos ópticos. No entanto, eles
renunciaram aos derrames espontâneos e
fluidos em favor de uma técnica meticulosa e
ordenada.
 50 – GEOMETRIA E ARTE: FIGURAS GEOMÉTRICAS ESPACIAIS. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
FORMAS GEOMÉTRICAS ESPACIAIS: Observe as Praticar a arte 1: Ligue as partes que se A pirâmide é uma forma
obras arquitetônicas e escreva o nome da forma encaixam, formando paralelepípedos: geométrica espacial. Sua base pode
geométrica espacial que mais se assemelha a cada ser um quadrado, como as das
uma delas. pirâmides do Egito, ou um
triângulo, um pentágono, um
hexágono, ou outros polígonos.
Observe a seguir que as etapas de
montagem de uma pirâmide de
base quadrada têm como
fundamento suas faces.

Praticar a arte 2: Complete o quadro, observando, atentamente, o número de

vértices, de arestas e de faces de cada forma geométrica espacial.

Olhe à sua volta e observe os objetos. Algum deles

lembra formas geométricas espaciais? Escreva o
nome de três desses objetos e indique o nome da
forma geométrica espacial que mais se assemelha a
cada um.
 51 - GEOMETRIA E ARTE: FIGURAS GEOMÉTRICAS PLANAS – PARTE 1/2. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Na natureza, encontramos várias formas geométricas Praticar a arte 1: Observe o nome das figuras a seguir e TRIÂNGULOS: Observe a
planas. No casco das tartarugas, dos cágados ou dos complete cada espaço com a quantidade de lados que imagem da obra de arte a
jabutis, por exemplo, é possível identificar formas cada uma possui. seguir. Qual é a forma
geométricas que apresentam certa regularidade. Porém, geométrica que está mais
por mais parecidos que sejam, os desenhos de um casco evidente nesta obra de arte?
nunca são iguais as de outro.

De acordo com as medidas de seus lados, os triângulos

recebem nomes especiais.

A regularidade nas formas também pode ser observada no

favo de mel, nas escamas de uma cobra, em uma espiga de
milhos, na casca de um abacaxi, ou seja, em diversos
elementos da natureza. Observe os exemplos a seguir.

Praitcar a arte 2: Faça uma pequisa ou troque ideias com

os colegas e resolva o que se pede.
1. Escreva o nome das formas geométricas planas que
você identifica no casco do jabuti.
__________________________________________________________________
__________________________________________________________________
2. Qual é o nome da forma geométrica plana que
podemos identificar no favo de mel?
__________________________________________________________________
__________________________________________________________________
3. Qual é o nome do quadrilátero que mais se assemelha
à forma das escamas da cobra?
__________________________________________________________________
__________________________________________________________________

Praticar a arte 3: Produza um desenho aplicando os três

- Procure observar a natureza com mais atenção e você
tipos de triângulos (equilátero, isósceles e escaleno) em
verá que é possível encontrar muitas formas geométricas
seu caderno de arte.
representadas em elementos da fauna e da flora.
 52 - GEOMETRIA E ARTE: FIGURAS GEOMÉTRICAS PLANAS – PARTE 2/2. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
QUADRILÁTEROS: Na Praticar a arte 1: Observe cada uma das quatro formas Praticar a arte 2: Crie um desenho no espaço a seguir
fotografia a seguir, geométricas planas apresentadas. Localize em cada figura as utilizando as figuras geométricas planas apresentadas.
podemos encontrar informações descritas sobre ela. Aplique as cores que desejar e preencha a ficha técnica.
algumas formas 1. Escreva a quantidade de lados de cada figura:
geométricas. Quais delas
você identifica?

2. Encontre à sua volta algumas dessas figuras. Escreva o

Veja a seguir alguns quadriláteros que, de acordo com a
nome dos objetos que você encontrou e na frente ponha
forma, recebem nomes especiais.
o nome da figura que ela se parece.
____________________________________________________________________
____________________________________________________________________
____________________________________________________________________
____________________________________________________________________
____________________________________________________________________
___________________________________________________________________
3. Observe a forma geométrica plana abaixo e os elementos
que ela possui. Depois, complete o que se pede.

4. Escreva o nome destes polígonos:

 53 – OS MOSAICOS. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Algumas informações sobre mosaicos: os mais antigos Praticar a arte 1: Observe o padrão e continue estes Praticar a arte 2: Nas quadrículas a seguir, crie um padrão
trabalhos com mosaicos foram feitos há aproximadamente mosaicos. Aplique as cores correspondentes. de mosaico. Aplique as cores que desejar.
5.000 anos. Eles eram utilizados na ornamentação de
colunas, paredes e pisos de diversas construções. Naquela
época, os mosaicos eram construídos com pedaços de
pedra, cerâmica, vidro, conchas e outros materiais. Ainda
hoje, muitos desses materiais são utilizados na montagem
de painéis artísticos. Veja nesta imagem um mosaico
construído na igreja de São Vital, na cidade de Ravena,
Itália, há aproximadamente 1.500 anos.

Mauris Cornelis Escher

(1898-1972), artista
holandês, destacou-se
por utilizar padrões na
forma de mosaicos ao
compor suas obras. Seus
trabalhos misturavam
conhecimentos artísticos
e matemáticos e eram
feitos sobre metal,
madeira e pedra, entre
outros.
Atualmente, em muitos lugares podemos encontrar
mosaicos. Observe.
 54 – ESTUDANDO A SIMETRIA. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte 1: Siga as Praticar a arte 2: Em cada um dos itens, foi apresentada uma figura construída com Praticar a arte 3: Continue a colorir as figuras de maneira
instruções a seguir e construa uma papel e tesoura. Assinale aquelas que são simétricas e trace o eixo de simetria. que elas se tornem simetricas. Observe as cores aplicadas
figura simétrica. Serão necessários para dar a correta continuidade.
papel, lápis e tesoura.

Praticar a arte 4: Observe estas placas de trânsito. Trace o eixo de simetria nas
placas simétricas. Algumas placas podem ter mais de um eixo de simetria.

Praticar a arte 5: Qual dessas fotografias apresentam situações em que a simetria

pode ser observada? Trace o eixo simétrico em cada uma delas.
 55 – LEITURA E INTERPRETAÇÃO TEXTUAL: “O QUE É A ARTE?”. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
A arte: O que é arte? Essa é uma pergunta tão antiga quanto a sensibilidade humana. Desde que o primeiro homem observou uma árvore e percebeu nela algo
mais do que um tronco que sustenta folhas e faz sombra a luz do sol, a humanidade vem se questionando o que vem a ser esse “algo mais”. Por onde ele
entrou? O que exatamente provoca em nós? Qual é sua função? A arte sensibiliza. Não apenas se vê, ou se ouve com os ouvidos, nem é apenas sentida por
qualquer outro sentido corpóreo. A arte também é uma das forças universais. Imaterial, invisível, eterna. É a força que desperta o homem para o mundo
espiritual, pois é também com nosso espírito que vemos a arte. Como pôde comprovar Kandinsky em seu belo estudo sobre a essência espiritual da arte: “A
alma (espírito) é um piano de inúmeras teclas”. Desde a antiguidade nas cavernas, a arte já nasceu comprometida a ter uma função prática e material: a pintura
e a escultura serviam para ilustrar o mundo, a música para as festas, a arquitetura para construção, a dança para as paixões, a literatura para contar histórias e
registrar os fatos, a poesia para registrar os sentimentos etc. Porém, em realidade, a arte verdadeira, a arte em si, pura e simples, sempre influenciou toda
criação material. E sempre soprou ao coração dos homens: “Eu estou em você, mas você não está em mim. Você não me cria, mas eu estou naquilo que você
pode criar. E quanto mais sensível e sincero você for ao criar, mas de mim poderá aproveitar. E tão mais sublime será tua criação”. Aonde acaba a função
material da arte, inicia sua verdadeira função: a de tocar as teclas do espírito. Onde acaba a imitação do mundo material, inicia a imitação do mundo espiritual.
Onde acaba a natureza exterior, inicia a natureza interior. Onde acaba a razão, inicia a sensação. A arte é o universal sem conceito. A arte não é só o racional,
não tem apenas um processo determinado nem tão pouco uma só finalidade a ser alcançada. Como disse o filósofo alemão, Immanuel Kant: “A arte é o
universal sem conceito.” Sim, ver a arte é sentir despreocupadamente a enorme força que criou e sustenta toda existência. Felizes aqueles que, de tempos em
tempos, esquecem um pouco do tempo e da dura caminhada para sentar e observar o mundo. Pois esses estarão verdadeiramente descansando, e quanta
energia estarão ganhando para continuarem firmes e fortes na vida! Estarão em contato com o amor da criação, o amor que está em tudo e a tudo movimenta.
A força que move o mundo e que, quando percebida, sensibiliza o coração e reabastece o espírito. Bem-aventurados os que vivem assim, pois esses vivem com
arte. Cabe aos artistas buscar pela arte, buscar pela sua tão amada fonte de inspiração. Mas poucos se deram conta que a arte está em tudo, é a arte que
escolhe o artista, e não o artista que escolhe ser artista! A arte de cada artista deve brotar de seu coração, do seu interior. Cabe ao artista sugar tudo o que vê
do mundo, e estudar as coisas dentro de si mesmo, para então, só então, dar a sua visão e passar a sua mensagem. Quanto maior a sensibilidade do artista,
menos borrada estará sua visão do mundo, e maior será seu contato com a arte em si. Pois a arte está em tudo: feliz o artista que percebe que a água serve para
muito mais do que aliviar a sede, o vento para muito mais do que agitar as copas das árvores, o trovão para muito mais do que assustar as crianças, o pássaro
para muito mais do que nos transmitir liberdade, o céu estrelado para muito mais do que nos orientar na escuridão, a mão para muito mais do que segurar um
pincel ou tocar um violão, a mente para muito mais do que efetuar contas matemáticas, e o espírito para muito, muito mais do que podemos imaginar.
Praticar a arte – Interpretando o texto: Após a leitura e 5. Na sua rotina diária, em quais momentos você percebe 12. O que você faz para ser uma pessoa mais sensível
reflexão do texto, converse com seus colegas sobre as que a arte está mais presente? artisticamente?
questões interpretativas a seguir e registre suas respostas. 6. De todas as formas pelas quais a arte se manifesta 13. Cite exemplos de que a arte está presente em tudo o
1. Como a arte provoca em nós a sensibilidade de apreciar (pintura, escultura, arquitetura, teatro, dança etc.), em que nos cerca.
as coisas comuns e entender que ela está presente em quais delas você se sente mais perto? Por quê? 14. Como as cores e todas as suas nuances contribuem
tudo? 7. A sua sensibilidade artística se manifesta em qual para que a arte seja tão importante?
2. Como é possível perceber a arte não sendo através de campo das artes?
15. Explique com suas palavras a seguinte frase: “Eu estou
nossos sentidos corpóreos? 8. Em sua opinião, a arte pode ser separada da em você, mas você não está em mim. Você não me
3. Como era a função prática da arte na antiguidade imaginação? Justifique sua resposta. cria, mas eu estou naquilo que você pode criar. E
segundo o texto? 9. Como seria o mundo se não houvesse a arte? quanto mais sensível e sincero você for ao criar, mas
10. A arte é capaz de expressar a realidade de uma de mim poderá aproveitar. E tão mais sublime será
4. Como o artista é capaz de transmitir em sua arte seus
sociedade e sua história? Como? tua criação”.
desejos, opiniões e observações do mundo e da época
11. A arte deve ser apenas para os mais ricos? Por quê?
em que vive?
 56 - LEITURA E INTERPRETAÇÃO TEXTUAL: “A CRIATIVIDADE”. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
O que é criatividade? A criatividade está presente na vida de qualquer pessoa. Seja no trabalho, para fazer o filho dormir ou no roteiro de uma viagem, toda
tarefa exercida no dia-a-dia precisa de certa dose de criatividade, para que tenha ainda mais eficiência e alcance os resultados que esperamos. Tal habilidade
tem sido cada vez mais essencial para o bom andamento dos processos ao redor do mundo, para o avanço tecnológico, para que possamos adquirir melhor
qualidade de vida e continuarmos evoluindo constantemente. Por estes e muitos outros motivos a criatividade, ao lado de inovação, tem sido uma das
habilidades e características mais valorizadas no mundo, mas não só na arte, como em todos os aspectos de nossa existência. Mas afinal, o que é a
criatividade? Ela nada mais é do que a capacidade do ser humano de construir e/ou produzir algo inédito e original, com um objetivo em vista. Ela é
proveniente da busca por uma solução inovadora. Nesse sentido, uma pessoa criativa é aquela que, além de se importar com o interesse do próximo, também
é curiosa, corajosa e não pensa apenas de forma convencional. Contudo, nem sempre colocar a criatividade em prática é uma tarefa fácil.
É necessário que o indivíduo encontre uma atividade que desperte sua curiosidade, para que assim, a ela surja e flua com mais facilidade. Outro ponto importante é estruturar a
tarefa, pois dessa forma a pessoa consegue ter insights criativos com mais agilidade. Por isso a importância do processo criativo, onde o indivíduo planeja suas atividades com
criatividade, esforço e inovação, e assim, constrói um produto/ideia que tenha algum valor, tanto para ele, como para o restante da sociedade. Quando falamos em criatividade
todos pensam que se trata de algo que surge facilmente para determinadas pessoas, que acabam sendo vistas como mais criativas e mais solucionadoras de problemas que as
demais. Isso pode até ser verdade, no entanto, até mesmo estas pessoas, que têm a sua criatividade mais aflorada, contam com um roteiro e realizam alguns processos, que lhes
ajudam a deixar as ideias cada vez mais frescas em suas mentes e assim encontrarem soluções verdadeiramente criativas para lidar com as situações mais desafiadoras de seu dia a
dia. Neste sentido, o processo criativo se configura como um passo a passo que algumas pessoas seguem e que todos nós podemos elaborar o nosso próprio e segui-lo, com o
objetivo de estimular a criatividade em nossa mente e aplicá-la nos mais diversos âmbitos da vida. Trata-se de algo verdadeiramente importante para a nossa existência e
desenvolvimento, pois nos permite sair sempre à frente, uma vez que, com a criação de hábitos, que podem ser praticados diariamente, a nossa criatividade passa a ser despertada
e, assim, conseguimos lidar com muito mais habilidade com os desafios rotineiros que a vida nos impõe. Existem três ações que ao serem colocadas em prática, resultam no
processo criativo, são elas:
Atenção: refere-se ao momento em que a pessoa enxerga um problema ou uma oportunidade;
Fuga: o indivíduo deixa de pensar apenas na realidade presente e abre a mente para novas conexões;
Movimento: a pessoa explora sua imaginação, gera novas ideias e faz conexões inéditas.
Se observarmos bem, estas três ações acontecem com frequência em nosso dia a dia, quando nos deparamos com um problema e
ficamos refletindo sobre ele constantemente; quando paramos de pensar um pouco nele e acabamos encontrando uma solução
para este desafio, expandindo a nossa consciência e pensando em outras coisas; ou quando estamos movimentando o nosso
corpo, realizando uma atividade física, por exemplo, e a nossa mente se sente estimulada com isso e acaba encontrando as
soluções que tanto buscávamos para lidar com as situações problemáticas que nos incomodavam. Tendo maior consciência sobre
tudo isso, as chances de que você desenvolva um processo criativo, que verdadeiramente lhe ajude a despertar a sua criatividade
constantemente, aumentam de forma significativa, já que, ao se deparar com um problema, você colocará em prática uma destas
ações e terá maior probabilidade de encontrar uma solução criativa para ele, com muito mais rapidez que os demais.
Praticar a arte – Interpretando o texto: Após a leitura e 4. Como se caracteriza uma pessoa criativa? 9. Em sua opinião, como a criatividade pode nos estimular
reflexão do texto, converse com seus colegas sobre as 5. O que é necessário para o indíviduo estimular sua a sermos mais produtivos?
questões interpretativas a seguir e registre suas respostas. criatividade? 10. As pessoas criativas atingem o sucesso mais rápido?
1. Você se considera uma pessoa criativa? Justifique 6. Como se configura o processo criativo? Justifique sua resposta citando um exemplo de
2. De acordo com o texto, qual é a importância da 7. Quais são as três ações práticas para estimular a alguma pessoa criativa que você conheça. Pode ser
criatividade? criatividade? um artista, uma personalidade ou alguém da sua
3. Transcreva a definição do texto para o que é a 8. Como reagimos aos desafios diários quando família que você considera criativa.
criatividade. estimulamos a criatividade?
 57 – PONTOS, LINHAS, FORMAS E CORES. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin].
Muitos artistas apresentam na composição de suas obras diversos Praticar a arte 1 – Interpretando a obra de 7. Há um menino fora da roda. O que ele está fazendo?
tipos de linhas, formas, cores. Cândido Portinari (1903-1962), arte: Observando a obra do artista __________________________________________________
brasileiro, nascido em Brodósqui, interior de São Paulo, por apresentado, responda as seguintes questões 8. Há um menino fora da roda. O que ele está fazendo?
exemplo, criava com esses elementos. Ele também trouxe para suas interpretativas: _________________________________________________
pinturas e desenhos a pluralidade dos costumes brasileiros. 1. Quais personagens aparecem na imagem? 9. Você já brincou de roda?
Observe na imagem a seguir, uma ciranda de roda. 2. Como eles estão vestidos? __________________________________________________
3. Em que lugar eles estão? 10.Esta obra lhe transmite sentimento de:
4. O que fazem?  Alegria
5. Quantos são?  Tristeza
6. Todos estão brincando?  Medo
 Saudade
7. Olhe com bastante atenção para a imagem e
responda:  Amor
Praticar a arte 2: Inspirado na obra de Cândido Portinari,
a) Qual o tema desta obra de Portinari? produza um desenho com o tema “Brincando de roda”.
 Comida Aplique as cores que desejar.
 Bonecas
 Brincadeira
b) A cor dominante no quadro é:
 Azul
Composição nos tons terras, azuis, ocres, verdes, cinzas, rosas,  Branco
vermelhos, branco e preto. Textura lisa e pinceladas marcadas.  Marrom
Composição representando dez crianças brincando de roda e uma
 Verde
observando, em descampado, vendo-se Brodowski ao fundo e céu
de tons azuis acinzentados. A roda ocupa a área central da c) O lugar retratado é:
composição, é formada por cinco meninos e cinco meninas, que  Um bairro
estão de mãos dadas. As crianças estão em posições diversas e  Uma loja
vestem roupas variadas, algumas estão calçadas, outras descalças e  Uma escola
as que estão de frente, têm os traços fisionômicos sugeridos. À d) O que chama mais sua atenção nessa
direita da composição, fora da roda, menino de pé, de perfil para a obra:
esquerda, observando a brincadeira. Um pouco mais a frente e à  As crianças
direita, brinquedo sugerindo ser um animal em cima de plataforma  A igreja
vermelha de rodinha e mais atrás, poste de iluminação. O chão é  As casas
em tons terras, mais claros na área onde brincam as crianças. Ao  O céu
fundo, vê-se parte da cidade de Brodowski, tendo à esquerda uma
 O chão
rua com três casas e árvores. À direita do centro, do outro lado da
rua, a igrejinha de Santo Antônio e, à direita, mais casas e árvores. e) Portinari pintou as crianças:
Céu representado em tons terrosos e acinzentados.  Iguais à realidade
 Diferentes da realidade
 58 – ATIVIDADE INTERPRETATIVA SOBRE O FILME: “O HOMEM DAS CAVERNAS”. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
O início dos tempos, quando as criaturas 4. Por que os primitivos não caçavam animais 10.O que a equipe dos campeões da Idade do Bronze
pré-históricas viviam na Terra, é o período grandes? fizeram quando estavam perdendo a partida de
em que se passa “O Homem das ___________________________________________________ futebol? Você acha correto agir dessa forma? Justifique
___________________________________________________
Cavernas”. A produção narra a história do ___________________________________________________ sua resposta.
corajoso herói Doug e seu melhor amigo _________________________________________________ __________________________________________________________________
__________________________________________________________________
Porcão, que trabalham juntos na união da 5. O que acontecia na Arena da cidade da Idade do __________________________________________________________________
tribo. A vida no Vale é perfeita para ele e Bronze? __________________________________________________________________
__________________________________________________________________
sua adorável tribo desajustada. __________________________________________________________________ __________________________________________________________________
Mas o desastre ocorre quando eles são forçados a sair de _______________________________________________________________ __________________________________________________________________
suas casas pela poderosa tribo da Idade do Bronze. Doug 6. Explique como foi feito o __________________________________________________________________
__________________________________________________________________
se recusa a aceitar a derrota e, quando ele se encontra no desafio entre a equipe dos __________________________________________________________________
coração do território inimigo, ele aposta sua casa e o primitivos e os campeões da
futuro de sua tribo em um jogo que eles nunca viram ou Idade do Bronze. O que os Praticar a arte 2 – Ilustrando a história: Escolha umas das
jogaram antes! primitivos perderiam e personagens do filme para fazer um desenho no espaço a
Praticar a arte – Interpretando o filme: Depois de assistir ganhariam nesse desafio? seguir. Não se esqueça de acrescentar a bola de futebol e o
ao filme responda as seguintes perguntas. __________________________________________________________________ uniforme do time e criar um nome para o time.
__________________________________________________________________
1. Faça a correspondências das siglas para identificar o __________________________________________________________________
papel de cada personagem no filme: __________________________________________________________________
_______________________________________________________________
7. Por que Guna aceitou ser a treinadora da
equipe dos homens das cavernas? Qual
era o seu sonho?
________________________________________________
________________________________________________
________________________________________________
________________________________________________
________________________________________________
______________________________________________

2. Como os ancestrais dos homens das cavernas 8. Como foi o treino que Guna deu à equipe de futebol
inventaram o futebol? dos primitivos? Descreva qual dos exercícios que você
__________________________________________________________________ mais gostou.
__________________________________________________________________ __________________________________________________________________
__________________________________________________________________ __________________________________________________________________
_________________________________________________________________ __________________________________________________________________
__________________________________________________________________
3. Por que os habitantes da Idade do Bronze estavam __________________________________________________________________
interessados nas terras do Vale onde os primitivos ______________________________________________________________
moravam? 9. Como os jogadores da equipe da Terra do Vale
__________________________________________________________________ chegaram à Arena para disputar contra os Campeões
__________________________________________________________________
__________________________________________________________________
da Idade do Bronze?
__________________________________________________________________ __________________________________________________________________
__________________________________________________________________ ________________________________________________________________
 59 – TEORIA DA COR: COR LUZ: TEORIA E EXPERIMENTAÇÃO PRÁTICA. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Cor luz: é como chamamos as cores decorrentes da decomposição da luz branca. No entanto, para recompor a
luz branca não é necessário obter feixes de luzes de todas as cores, bastam apenas três: um vermelho, um verde
e um azul, as chamadas cores simples ou primárias, quando se trata de “cor luz”. É daí que surge a sigla RGB – do
inglês red, green e blue. Sempre que nos depararmos com a sigla RGB, podemos ter a certeza de que o tipo de
cor referido é a “cor luz”. Quando se trata de “cor luz”, a formação das demais cores se dá por um processo a
que chamamos síntese aditiva. Por exemplo, dois feixes de luz, um vermelho e um verde, quando apontados na
mesma direção formam a cor amarela. Da mesma forma, luz verde somada à luz azul forma a cor ciano, e luz
azul somada a luz vermelha forma a cor magenta. As três cores básicas somadas formam a cor branca. Na síntese
aditiva, as três cores formadas pela soma de duas cores primárias são chamadas de secundárias. São elas o ciano,
o magenta e o amarelo. Cada cor secundária é considerada complementar da cor primária que não participou da
sua formação. Por exemplo, a cor amarela, formada pela soma do vermelho com o verde, é complementar à cor
azul. O ciano, formado pelo verde e o azul, é complementar ao vermelho; e o magenta, formado pelo azul e o
vermelho, é complementar ao verde. Note que as cores complementares entre si estão posicionadas de maneira
diametralmente oposta uma à outra na figura acima. As cores complementares, quando somadas entre si,
também formam a luz branca. A intensidade de cada uma das três “cores-luz” básicas pode variar em 256 níveis
diferentes, o que significa que apenas combinando as diferentes variações de intensidade é possível obter mais
de 16,7 milhões de cores diferentes, apenas com três feixes de luz: um vermelho, um verde e um azul. É assim
que se formam as imagens nas telas de televisão ou de computador, por exemplo. Como as telas são emissoras
de luz, as imagens nelas formadas sempre seguem o padrão RGB.
Praticar a arte - Relações de cores: Como se relaciona o vermelho com o ciano? E o azul com o amarelo? De fato, são cores complementares, mas, o que isso significa? Esse simples
experimento transforma a abstrata teoria das cores em um enigma tangível de filtros de cores, que desafiará o pensamento analítico.
Preparação: Distribua para cada aluno Tarefa dos alunos: Pegue os 6 filtros de cores e olhe através de cada 3. Quantas combinações você consegue observar?
___________________________________________________________________
filtros de cores vermelho, verde, azul, combinação de dois filtros. Anote as observações.
________________________________________________________________
ciano, magenta e amarelo feitos de 1. Quais diferenças você percebe entre os filtros da cor vermelha, verde e 4. O filtro de cor "acrescenta" algo à luz ou ele tira alguma
papel celofane. Em poucos minutos, os azul comparados com os filtros ciano, magenta e amarelo?
coisa?
alunos terão observado todas as _______________________________________________________________________________________
_______________________________________________________________________________________ ___________________________________________________________________
combinações dos filtros possíveis. Pode 2. Como se relaciona o vermelho com o ciano, o verde com o magenta e o ________________________________________________________________
levar mais um pouco de tempo até que 5. Por que o resultado é sempre verde quando você
azul com o amarelo?
eles descubram o que um filtro _______________________________________________________________________________________ combina os filtros ciano, amarelo e verde?
___________________________________________________________________
realmente faz e resolvam o enigma de _______________________________________________________________________________________
___________________________________________________________________
como se relacionam os pares de cores. ________________________________________________________________
Esse processo de juntar diferentes 6. Por que o resultado é sempre azul quando você combina
observações para obter uma conclusão os filtros ciano, magenta e azul?
baseada em evidências ajudará a ___________________________________________________________________
___________________________________________________________________
estimular as habilidades analíticas dos ________________________________________________________________
alunos. Por isso, você deve ser paciente 7. Por que combinando ciano e vermelho você vê preto?
e ter cuidado para não revelar a ___________________________________________________________________
________________________________________________________________
solução antes de tempo.
 60 – CONHECENDO AS LINGUAGENS VISUAIS: A IMAGEM DO DESENHO. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Observe as imagens e reflita a respeito do que você em Desenhar e pintar: O desenho é uma linguagem visual e Praticar a arte – Praticando o desenho: Podemos
cada uma delas. De qual você mais gosta? O que retrata serve como ferramenta de trabalho de quem constrói, de desenhar de muitas formas. Coloque uma música para
cada um desses desenhos? quem decora, de quem quer contar uma história. ouvir e se inspire para criar um desenho com o tema livre.
Ilustradores, arquitetos, designers, artistas e outros Aplique as cores que desejar.
profissionais desenham. A pintura é o desenho continuam
valiosos, mesmo em uma época em que a fotografia e o
vídeo capturam imagens instantaneamente. Podemos ter
prazer em apreciar em uma tela ou papel as formas e
como são trabalhadas as figuras. Esse prazer transmitido
pela obra é chamado de prazer estético. O artista plástico,
na execução de seu trabalho, busca sempre experimentar
novas técnicas para concretizar suas ideias. Ao visitarmos
seu ateliê, é provável que encontremos uma grande
variedade de instrumentos e materiais que lhe permitem
trabalhar, como pincéis, tintas e pigmentos, lápis e, por
que não, um computador, como instrumento de trabalho.
Vivemos rodeados de imagens impressas e eletrônicas: nos
jornais, na TV, nas revistas, na internet, nas camisetas e
nos telefones celulares, por exemplo. Imagens que são
Praticar a arte – Interpretando as imagens: Estamos produzidas em larga escala por meios eletrônicos ou
cercados de diversas modalidades e tipos de imagens. mecânicos. Mas nem sempre foi assim. Até um
Escolha uma delas e responda em seu caderno de arte. determinado período histórico, imagens, criadas a partir
1. Descreva como a imagem que você escolheu foi feita. de desenho ou pintura, eram feitas artesanalmente, uma a
__________________________________________________________________ uma. Desenhar é uma forma de se comunicar e expressar
________________________________________________________________
por imagens. toda criança desenha. Primeiro, traça
2. Quais materiais foram utilizados em sua composição?
__________________________________________________________________ rabiscos que evidenciam como ela gosta de explorar os
________________________________________________________________ materiais e os diferentes modos de criar formas, linhas e
3. Podemos perceber como são as cores, as formas e as cores, concretizando sua experiência de descobrir o
linhas? mundo em imagens. Aos poucos, o desenho da criança vai
__________________________________________________________________
________________________________________________________________
mudando: aparecem as casas, as árvores, bichos e,
4. Há profundidade na imagem? principalmente, figuras humanas. O que diferencia o
__________________________________________________________________ desenho da pintura é o material, os processos e os
________________________________________________________________ procedimentos criativos. Podemos dizer que o desenho
5. Quais foram os temas trabalhados? trabalha o gesto gráfico e a pintura, o gesto pictórico, que
__________________________________________________________________
________________________________________________________________
em geral, tem mais superfície. Os materiais gráficos são,
6. Por que você escolheu essa imagem? por exemplo, o lápis, caneta, carvão, e os de pintura são
__________________________________________________________________ pincéis, rolos e todo o tipo de tinta. Essas classificações são
________________________________________________________________ importantes para entendermos a arte tradicional.
 61 – ANÁLISE DA OBRA: “O NASCIMENTO DE VÊNUS”, DE SANDRO BOTTICELLI. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
O quadro “O Nascimento de Vênus”, criado entre 1482 e 1485,
é de autoria do pintor italiano Sandro Botticelli (1445-1510). A
tela é um ícone incontornável do Renascimento. Antes de criar
essa tela, Sandro Botticelli costumava pintar cenas bíblicas. Foi  Deusa da Primavera: Do
depois de uma viagem à Roma, onde esteve exposto à muitas
obras da cultura greco-romana que, no regresso à casa,
inspirado pelo que viu, começou a pintar cenas baseadas na
mitologia. O quadro foi encomendado por Lorenzo di
Pierfrancesco, uma figura importante na sociedade italiana.
Lorenzo atuava como banqueiro e político e encomendou com
Botticelli uma peça para decorar a sua casa. O resultado dessa
encomenda, produzida entre 1482 e 1485, foi a obra hoje
considerada um cânone da pintura ocidental.
Principais elementos:
 Vênus: Nua, no centro da tela, Vênus faz
um gesto pudico para esconder a sua
condição despida. Enquanto a mão direita
tenta cobrir os seios, a mão esquerda está
ocupada procurando resguardar as partes
íntimas. A luz que recebe ressalta a sua
beleza clássica, pura e casta e enfatiza ainda
mais as suas curvas. Seu extenso cabelo
ruivo se enrola ao longo do corpo como
uma espécie de serpente e a protagonista
faz uso de uma mecha para ocultar o seu
sexo.
 Os deuses do vento: A Assim como em outras obras renascentistas, fica evidente
esquerda da tela estão aqui a influência da cultura greco-romana e a referência à
abraçados, unidos, o deus do cultura pagã (aliás, de modo geral durante esse período
vento Zephyrus e uma ninfa histórico é possível afirmar que os artistas italianos foram
(acredita-se que seja Aura ou com frequência beber na cultura pagã). Nesse sentido, o
Bora), que ajudam a Renascimento promoveu uma verdadeira revolução se
protagonista Vênus pensarmos no quesito das influências. Em termos de
assoprando em direção à forma, almejava-se harmonia e a composição de uma
terra. beleza clássica, fatores que podem ser observados na
Enquanto eles assopram, assistimos o cair das rosas. perfeição da construção do corpo de Vênus. A valorização
As rosas, segundo a mitologia, nasceram quando da natureza é também outro elemento característico do
Vênus pôs o pé em terra firme e fazem referência movimento que se faz ver na tela pintada por Botticelli. O
ao sentimento do amor. quadro apresenta igualmente duas conquistas do
Renascimento: a elaboração da técnica da perspectiva e da
profundidade. Observamos como a protagonista do
lado direito do quadro está a quadro se encontra enorme, em primeiro plano, quando
Deusa Primavera, a espera de comparada com a paisagem do oceano ao fundo. Botticelli
Vênus para cobri-la e pode ser considerado um artista arrojado e progressista
protegê-la com um manto sob muitos pontos de vista. Ele foi o primeiro a pintar uma
florido. Ela representa a mulher nua que não fosse Eva, num gesto bastante
renovação e tudo aquilo que polêmico para a sua época. Foi também dos primeiros
floresce durante a primavera. artistas a pintar quadros mitológicos, que faziam um elogio
à cultura pagã, iniciando uma verdadeira renovação no
período do Renascimento. Não satisfeito por quebrar
 A concha: A concha presente
tantos paradigmas, Botticelli foi ainda dos primeiros
na obra-prima de Botticelli
criadores a pintar quadros sobre tela na Toscana. Até
simboliza a fertilidade e o
então as imagens eram costumeiramente pintadas na
prazer. O formato da concha
parede ou sobre madeira. O quadro é marcado por uma
remete ao sexo feminino. noção de movimento que pode ser observada a partir de
Ela costuma ser considerada também o símbolo do uma série de elementos. Repare, por exemplo, nos cabelos
batismo. da musa, nas pregas dos vestidos, no manto florido e nas
 O pano de fundo da tela: O segundo plano da tela rosas que caem a partir do sopro. Através do uso da
idealizada por Botticelli é riquíssimo. Observe a técnica, Botticelli é capaz de transmitir para o observador
série de detalhes que o pintor introduz no seu a sensação de agitação. Certamente uma das inspirações
trabalho: o mar apresenta escamas, o chão verde do pintor italiano foi a estátua grega Vênus Capitolina,
presente na costa parece um tapete de relva e as uma escultura da Antiguidade que aparece na mesma
folhas das árvores têm não usuais detalhes posição que a Vênus de Botticelli.
dourados. A paisagem sublinha a beleza de Vênus e
chama a atenção para o seu protagonismo.
 62 – AS PAISAGENS BRASILEIRAS NA ARTE. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Alguns artistas brasileiros são diretamente associados à pintura de paisagens pelo grande número de composições que produziram abordando essa temática. Almeida Júnior,
Benedito Calixto, Castagnetto, Francisco Rebolo e José Pancetti são alguns exemplos. Embora a paisagem tenha sido a temática de todos eles, cada um pertencia a uma época e a
um movimento artístico diferente. E, sendo assim, cada um pintou as paisagens do Brasil com técnicas e características próprias, sempre enaltecendo as belezas daqui.
Praticar a arte 1 – Interpretando as obras de arte: Observe as Praticar a arte 2 – Praticando o desenho: Registre a seguir
pinturas dos artistas Almeida Júnior e Benedito Calixto para uma paisagem natural que você conhece. Pode ser uma
responder o que se pede: fotografia, um desenho ou uma pintura.
1. Descreva os elementos que você vê em cada uma delas.
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As pinturas de Almeida Júnior, que nasceu em Itu, _________________________________________________
_________________________________________________
interior de São Paulo, impressionaram tanto o _________________________________________________
Imperador D. Pedro II que este lhe concedeu uma _______________________________________________
bolsa de estudos em Paris. Ao voltar para o Brasil, 2. Essas paisagens se parecem com que lugar que você
Almeida Júnior passou a retratar paisagens e conhece? Você já esteve em algum lugar parecido? Como
pessoas da cultura caipira brasileira. foi esse dia?
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3. Crie um texto em que você expresse seus sentimentos em
relação a esse lugar. Descreva as razões de tê-lo escolhido.
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Benedito Calixto, que nasceu em Itanhaém, no ______________________________________________________________________
litoral de São Paulo, retratou em sua obra o mar, a ______________________________________________________________________
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praia e cenas históricas diversas do país, mostrando ______________________________________________________________________
em suas obras um colorido fiel às características ______________________________________________________________________
originais da natureza. __________________________________________________________________
 63 – OS IMPRESSIONISTAS E SUA PRESERVAÇÃO DA MEMÓRIA. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Muitas vezes, ao caminharmos por um local que há anos
não frequentávamos, notamos que algumas mudanças
ocorreram nesse ambiente. É possível que, por exemplo,
grandes edifícios tenham tomado o lugar antes ocupado
por praças, espaços verdes ou casas térreas. A pintura e a
fotografia, por sua vez, nos ajudam a preservar a memória
de tempos ainda mais antigos. Elas são um registro histórico
importante quando buscamos entender o percurso da
humanidade e das sociedades. Os artistas impressionistas,
por exemplo, foram mestres em retratar a natureza,
apresentando em suas pinturas as próprias impressões
sobre paisagem de seu tempo.
É o caso de Claude Monet, que cuidou pessoalmente de seu jardim na cidade de Giverny,
na França, e retratou-o em suas obras. Um exemplo disso é a famosa série de pinturas
chamadas “Ninfeias”, que era o nome das plantas aquáticas que aparecem nessas obras.
Na sua residência em Giverny na Alta Normandia francesa, Claude Monet
cuidou pessoalmente de todo o planejamento do seu famoso jardim. De
acordo com as ideias de Monet, as formas e as cores das plantas
transformaram-se numa obra prima. Monet criou o seu universo de cores, em
busca de contrastes, que seu olhar captava através da luz. A cada repetição
acrescentava um novo efeito à sua pintura, no entrosamento perfeito entre a
luz e as cores. Entre os tantos quadros que Monet pintou tendo o seu jardim
como modelo favorito, destaca-se as Ninféias ou Nenúfares, flores aquáticas,
em diferentes cores suaves que enfeitam, até hoje, o lago do jardim.
Praticar a arte 1 – Interpretando as obras de arte: Com base na sua observação das
obras de arte e no texto apresentadas, escolha a sua própria forma de retratar a natureza
e a memória. Não se esqueça de preencher a ficha técnica da sua produção de arte.
1. Percorra um local em que haja folhas, gravetos ou outros materiais e componha sua
própria obra artística utilizando materiais encontrados no caminho. Como suporte,
você poderá usar um pedaço de papelão e tintas de sua preferência para compor a
base do projeto e completar com elementos naturais, fazendo uma colagem, por
exemplo.
2. Procure expressar em sua obra o que você pensa e sente em relação ao ser humano
com o meio ambiente.
3. Você também pode pintar uma paisagem olhando diretamente para a cena e
representado, além do que vê suas sensações, como faziam os impressionistas.
4. Utilize o espaço a seguir para compor um esboço da obra que você vai produzir com
os materiais coletados. Fazer um esboço poderá ajudá-lo a planejar o uso de tudo que
encontrou as cores que irá utilizar e a disposição dos materiais.
 64 – EXERCÍCIO DE DESENVOLVIMENTO ARTÍSTICO: ÁRVORES EM LH E PF. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte 1 – Prática de desenho orientado: Observe os diferentes modelos Praticar a arte 2 – Aplicando o treinamento na composição: Depois de praticar os
apresentados de árvores a seguir. Cada um mostra um pouco da habilidade que temos desenhos dos modelos propostos, escolha algum deles e crie uma composição artística
para desenvolver desenhos que mostrem tal objeto. Pratique, no espaço ao lado, de uma paisagem. Aplique as cores que desejar, utilize diferentes técnicas e ferramentas
desenhar cada modelo para você desenvolver o seu gesto pictórico. e preencha a ficha técnica da sua obra.
 65 - EXERCÍCIO DE DESENVOLVIMENTO ARTÍSTICO: PÁSSAROS E PROPORÇÃO. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte: Observe os diferentes modelos
apresentados de pássaros a seguir. Cada um mostra um
pouco da habilidade que temos para desenvolver
desenhos que mostrem tal elemento. Pratique, no espaço
ao lado, desenhar cada modelo para você desenvolver o
seu gesto pictórico.
 66 - EXERCÍCIO DE DESENVOLVIMENTO ARTÍSTICO: CAVALO E GEOMETRIZAÇÃO. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]

Praticar a arte: Observe o passo a passo a seguir da figura

apresentada. Cada um mostra um pouco da habilidade que
temos para desenvolver desenhos que mostrem tal
elemento. Pratique, no espaço ao lado, desenhar cada
modelo para você desenvolver o seu gesto pictórico a
partir da geometrização da forma.
 67 - EXERCÍCIO DE DESENVOLVIMENTO ARTÍSTICO: DESENHO ORIENTADO. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte: Observe o desenho apresentado.
Cada detalhe mostra um pouco da habilidade que
temos para desenvolver desenhos que mostrem tal
elemento. Pratique, no espaço ao lado, desenhar o
modelo para você desenvolver o seu gesto
pictórico. Você pode usar uma folha fina ou papel
vegetal para transferir o desenho. Aplique as cores
que desejar. Sobreponha o papel vegetal no
desenho do rosto para você marcar os contornos.
Faça os detalhes à mão livre.
 68 – APLICANDO TEXTURAS NO DESENHO. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
As texturas que utilizamos para desenhar e representar pode constituir por si próprio uma técnica de desenho. Existem
muitas outras formas de desenhar e muitas técnicas diferentes de desenho, muitas formas de representar no papel aquilo
que vemos a nossa volta. Podemos desenhar com linhas para criar um contorno. Conhecido como o desenho de contorno.
 Desenhar com rabiscos é outra técnica interessante que só utiliza rabiscos para representar desenhos.
 Desenhamos por encaixe. Utilizando formas geométricas.
 Desenhar a cegas. Isto é Olhar para um objeto e desenha-lo sem levantar o lápis.
 Desenhar com esfuminhos. Basicamente utilizando carvão, grafite e esfuminhos para produzir volume e forma.
 Desenhar com texturas para representar qualquer objeto a nossa volta
Desenhar com texturas é a forma de desenhar mediante a qual preenchemos pequenas áreas e zonas do conjunto, damos
forma e criamos perspectiva, forma e volume, utilizando exclusivamente para tal, texturas ou representações que nos
sugerem texturas reais. Quando desenhamos texturas também podemos variar a intensidade de linha (grossa ou fina).
Praticar a arte 1 – Experimentando as texturas: Observe os exemplos Praticar a arte 2 – Aplicando as texturas praticadas: Depois de nomear e experimentar cada uma das
de diferentes texturas a seguir. Escreva nos espaços o que você acha texturas apresentadas você aplicará cada uma delas no desenho a seguir, combinando suas
que cada uma representa. Depois, pratique cada uma delas particularidades em cada elemento da composição, preenchendo os espaços e usando as cores que
separadamente. Use o seu lápis ou a caneta preta. desejar. Procure usar diferentes calibres da linha, com umas mais finas e mais grossas.

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69 – PRIMEIRO E SEGUNDO PLANOS NA ARTE. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Emiliano Di Cavalcanti nasceu no Rio PRIMEIRO E SEGUNDO PLANOS: Nosso globo ocular é capaz de alcançar
de janeiro em 1897 e morreu no ano profundidades diferentes. Elas são projetadas na nossa mente como figuras
de 1976. Frequentador de redações de maiores e menores, dependendo da distância em que nos encontramos do
jornais, rodas de boêmios e de objeto observado. Por exemplo, se você estiver em uma praia e observar um
intelectuais, inspirava-se nas pessoas barco em alto mar ele lhe parecerá pequeno. À medida que ele for se
que conhecia para criar suas aproximando, ficará cada vez maior, até você enxerga-lo em tamanho real. Os
caricaturas. Foi o primeiro artista a planos nas imagens nos mostram como as coisas obedecem à proporção.
retratar a mulata brasileira, seu tema Praticar a arte: Se oriente pelas instruções a seguir para fazer um desenho de uma paisagem, por exemplo, dando a
predileto, com beleza e graça. sensação de longe e de perto. Depois de desenhado aplique as cores que desejar.
a) Em PRIMEIRO PLANO, fica o
que está mais perto do
observador.
b) Em SEGUNDO PLANO, fica o
que está mais distante do
observado.
c) Observe a utilização do
primeiro e segundo plano na
obra de Di Cavalcanti.
 70 – AMPLIAÇÃO E REDUÇÃO: TÉCNICAS DE DESENHO. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Hoje em dia é muito fácil Praticar a arte – Ampliação e Redução: Para ampliar ou reduzir, prepare o modelo, identificando a largura e a altura.
reduzir e ampliar um Se você quiser ampliar o desenho ao dobro do tamanho, dobre o tamanho do quadriculado.
desenho ou mesmo
reproduzi-lo. Basta ir à
papelaria mais próxima e
fazer uma cópia xerox.
Mas existe uma maneira
muito prazerosa de
ampliar, reduzir ou
reproduzir um desenho.
A satisfação está no fato de o trabalho ter sido feito com
nosso próprio alento. Este método de reprodução é muito
simples e eficaz. Muitos artistas famosos já fizeram uso dele.
JOHANNES GUTENBERG: Você já viu uma
oficina de impressão? E uma máquina de
xerox? Observe as fotos da oficina de
Gutenbreg, conhecido como “pai da
imprensa”, e de uma máquina de xerox.
Embora a imprensa fosse conhecida na China
desde o século XI, a invenção de Gutenberg
tinha características novas, como os
caracteres móveis, as matrizes de metal para
moldar os tipos (caracteres: letras, números e
símbolos e até mesmo figuras) e uma prensa
semelhante à utilizada na produção do vinho.
 71 – PINTURA COM MANCHAS. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte: Siga as instruções a seguir para você
realizar a pintura com machas. Dependendo das cores
usadas você obterá cores secundárias como resultado da
sobreposição de cores primárias. Você pode usar essa
técnica de pintura para criar cartões, cartazes e quadros.
 72 – TANGRAM CIRCULAR: CONCEITO E EXPERIMENTAÇÃO. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Tangram é o nome de um TANGRAM CIRCULAR
jogo de origem chinesa a) As figuras deverão ser formadas a partir das peças resultantes da divisão de dois círculos do mesmo tamanho, que
desconhecida. Ele foi podem ser feitos com compasso, pires, copo etc.
amplamente difundido e b) O primeiro círculo deve ser dividido ao meio.
aperfeiçoado em vários c) O segundo círculo deve ser dividido em 5 partes. Faça da seguinte forma:
lugares do mundo, tendo
como objetivo o  Trace uma reta dividindo o círculo ao meio, marque o meio dela com um ponto.
desenvolvimento do  Se for utilizado o compasso, coloque a ponteira (ponta seca) sobre o ponto central. Se você estiver usando pires ou
pensamento e da prato, posicione a borda sobre o ponto e trace as linhas. Observe o modelo:
criatividade do indivíduo.
Formado por apenas sete peças, esse jogo pode originar
mais de 1.700 figuras de animais, plantas, pessoas,
objetos, flores e muitas outras. No tangram não é
permitida a sobreposição de peças. A seguir, você
aprenderá a construir o trangram circular e o tangram
quadrado.
 73 – TRABALHANDO A RELEITURA DE OBRAS DE ARTE. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Reler significa ler de novo, tentar
outros significados. Muitos artistas
já fizeram releituras de obras de
outros autores, dando a elas uma
nova interpretação e criando assim
algo totalmente novo. É o que
podemos notar com a obra “O
Importuno”, de José Ferraz de
Almeida Júnior, pintada em 1898.
O pintor brasileiro Almeida Júnior
nasceu em 1850 na cidade de Itú,
São Paulo e morreu em 1899 em
Piracicaba, também em São Paulo.
Observe a seguir as releituras feitas
sobre a obra.
Praticar a arte – Experimentando a técnica da releitura: Você pode fazer uma
releitura de uma obra de arte recriando-a e acrescentando nela outros
detalhes, diferentes cores e um novo título.
a) Escolha a obra a ser trabalhada.
b) Verifique se a imagem escolhida está no sentido vertical ou horizontal.
c) Identifique os cantos da imagem com as letras A, B, C e D.
d) Uma os pontos AD e BC, usando lápis preto. Você terá então quatro
triângulos.
e) Numere os triângulos. Essa etapa irá auxiliá-lo na releitura.
f) Camoce pela imagem do triângulo 1. Você deve criar seu próprio desenho,
partinho da ideia original. Vá desenhando triângulo a triângulo.
g) Com lápis de cor, papel colorido, tinta, colagem com diferentes materiais,
acrescente detalhes, mude a cor do desenho original ou faça uma
composição descontruída.
 74 – CRIANDO UMA COLAGEM INPISRADA EM HENRI ROUSSEAU. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Henri Rousseau e a Arte Naïf: Henri Praticar a arte – Vamos fazer uma colagem: Inspirado na
Rousseau foi um pintor francês biografia e obras de Henri Rousseau vamos construir
autodidata, também conhecido pela uma colagem com diferentes imagens.
alcunha de “aduaneiro”, por ter a) Recorte figuras humanas, de animais, além de
trabalhado durante muito tempo em um imagens de plantas, fragmentos de paisagens rurais
escritório da alfândega de Paris. Começou ou urbanas para montar sua composição.
a dedicar-se exclusivamente à pintura b) Sobreponha suas figuras recortadas antes de colá-las
somente aos 49 anos. Estreou em 1891 no
no suporte. Assim será possível mudar alguma coisa
circuito das artes em Paris, no Salão dos
Recusados e, posteriormente, passou a que não o agrade.
apresentar suas obras regularmente no c) Preencha a ficha técnica da sua composição criando
Salão dos Independentes, juntamente um título criativo.
com outros futuros grandes nomes da
arte.
Embora tenha sido ridicularizado pela crítica, conquistou a
admiração de artistas de vanguarda, entre eles Pablo
Picasso, Pissarro e Gauguin, pela ingenuidade impressa em
sua obra, pela liberdade nas proporções e pela ruptura as
tradições. Atualmente, Henri Rousseau é conhecido como
um dos maiores pintores Naïf. Sua capacidade de antecipar
o futuro, criando obras singulares anos antes dos
movimentos de vanguarda, foi determinante para destaca-
lo como um gênio na história da arte, principalmente por
ser o responsável por introduzir valores do imaginário
popular na história artística de sua época.
 75 – CONHECENDO E CRIANDO: BONECAS ABAYOMI. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Para acalentar seus filhos
durante as terríveis viagens a
bordo dos tumbeiros – navio
de pequeno porte que
realizava o transporte de
escravos entre África e Brasil
– as mães africanas rasgavam
retalhos de suas saias e a
partir deles criavam
pequenas bonecas, feitas de
tranças ou nós, que serviam
como amuleto de proteção.
As bonecas, símbolo de resistência, ficaram conhecidas
como Abayomi, termo que significa ‘Encontro precioso’,
em Iorubá, uma das maiores etnias do continente africano
cuja população habita parte da Nigéria, Benin, Togo e
Costa do Marfim. Sem costura alguma (apenas nós ou
tranças), as bonecas não possuem demarcação de olho,
nariz nem boca, isso para favorecer o reconhecimento das
múltiplas etnias africanas.
A partir de todos estes
elementos é possível ter
uma dimensão da
importância das bonecas
Abayomi para história do
Brasil e sua relação com o
continente africano. Além de
serem encantadoras, elas se
colocam como elemento de
afirmação das raízes da
cultura a brasileira e
também do poder e
determinação das mulheres
negras.
Praticar a arte – Construindo uma boneca Abayomi:
Agora você vai aprender a fazer bonecas Abayomi, que
têm origem na África, mas que estão presentes em nossa
cultura.
 76 – ARTE E A NATUREZA: ANÁLISE DE OBRAS. PARTE 1/2. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
AS REPRESENTAÇÕES DA PAISAGEM
NATURAL: Na Europa, durante séculos, os
artistas se preocuparam em representar
cenas religiosas, históricas e mitológicas,
que muitas vezes eram ambientadas em
cenários naturais. O interesse pela paisagem
como tema central na arte, entretanto, só
surgiu com o espírito romântico do começo
do século XIX.
O pintor inglês John Constable, que viveu nessa época é
considerado um dos pioneiros na utilização do tema da
paisagem na arte. Sua primeira pintura tornou-se símbolo
da natureza idealizada, vista como um lugar perfeito. Com
o Impressionismo, movimento artístico surgido no final do
século XIX, a natureza passou a ser tema principal do
trabalho dos artistas. Alguns artistas se interessam a tal
ponto pela representação da natureza que colocam sua
A Natureza tem sido fonte de inspiração para os artistas,
produção a serviço da pesquisa científica. Eles são
ao longo do tempo, em muitas culturas. Na Antiguidade,
ilustradores que atuam ao lado de cientistas e botânicos,
folhas e flores foram usadas como motivos decorativos
utilizando o desenho e a pintura para registrar e pesquisar
que enfeitavam as paredes dos palácios. As paisagens
a forma e a função de plantas ainda desconhecidas.
eram usadas em pinturas e em mosaicos, que enfeitavam
as residências das famílias abastadas.
 Observe com atenção as imagens. O que elas
representam?
 Há imagens que representam apenas paisagens
naturais? Qual ou quais?
 Quais as técnicas usadas em cada uma dessas obras?
 Em sua opinião em qual das três imagens a natureza
está representada de forma mais próxima à realidade?
Na tela “A Carroça”, o pintor inglês John Constable
representou uma natureza perfeita e aconchegante. Esse
artista não queria fazer nenhuma revolução com seus
quadros, mas se interessava por retratar o que seus olhos
viam numa cena harmoniosa, numa paisagem natural.
Escolhia cenas e enquadramentos bem compostos, onde
pudesse representar os aspectos da natureza: o céu, as
árvores, os animais. Em seus quadros apresenta
frequentemente o seu humano em uma vida simples,
integrada à natureza.
Os pintores românticos
como Caspar David
Friedrich, produziram
muitas telas nas quais
a paisagem é
representada em cenas
grandiosas ou
dramáticas.
Frequentemente, esses artistas expressavam em suas
obras um estado de espírito atormentado, revelando
emoções como o medo diante das ameaças da vida.
 Em sua opinião, que emoções o artista quis provocar
com a pintura reproduzida?
Em 1890, o pintor francês Claude
Monet comprou uma casa em
Giverny, no interior da França, onde
construiu um lago com uma ponte
japonesa. Passou a cuidar do jardim,
cultivando plantas de espécies
variadas. Nesta obra, ele pintou as
ninféias, plantas aquáticas que
existiam em sua propriedade. Entre
1919 e 1919, Monet realizou uma
série de pinturas com esse tema.
Nessas obras a linha do horizonte
não pode ser vista pelo espectador,
e as manchas de cores e as
pinceladas são mais presentes que a
própria imagem.
 77 - ARTE E A NATUREZA: ANÁLISE DE OBRAS. PARTE 2/2. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Esta é uma das pinturas que a norte-
americana Georgia O´Keeffe produziu
entre 1918 e 1932, representando
ampliações de flores. Observe como a
artista pinta flores tão grandes que
elas não cabem nos limites da tela.
Repare ainda na superfície aveludada e
nas nuances da forma espiralada do
copo-de-leite. Ao contrário de Monet,
O´Keeffe evitava deixar a marca das
pinceladas na superfície da tela.
Em 1944, o pintor carioca Alberto da Veiga Guignard,
mudou-se para Belo Horizonte, em Minas Gerais, para
dirigir uma escola de arte. Nos anos em que lá viveu,
produziu suas obras mais conhecidas, as “Paisagens
imaginárias de Minas”. Nesses quadros, o artista pintou
vastos horizontes envoltos em névoa e vales e montanhas
com pequenas igrejinhas brancas. Mas mesmo antes de
viver em Minas, Guignard já se interessava por pintar o
horizonte visto da montanha, como nos gigantescos
painéis “Floresta ao amanhecer”, que você vê acima, e
“Floresta ao entardecer”, com quase 5 metros cada um.
José Pancetti foi marinheiro. Praticar a arte 1 – Interpretando as imagens: Observando
Ele viajou pela costa do Brasil as imagens apresentadas, responda as perguntas
e pelos mares de todo o interpretativas a seguir.
mundo. Talvez por isso seu 1. Em quais trabalhos se representou a natureza
tema favorito na pintura brasileira?
tenha sido as marinhas, __________________________________________________________________
__________________________________________________________________
gênero de pintura paisagística _________________________________________________________________
que retrata as paisagens à 2. Considerando as dimensões das obras, qual é o menor e
beira mar. Observe como, na o maior trabalho?
tela ao lado, feita em uma __________________________________________________________________
praia de Salvador, na Bahia, __________________________________________________________________
_________________________________________________________________
Pancetti empregou poucas 3. Em sua opinião, em qual trabalho a natureza foi
pinceladas para representar representada de maneira mais realista?
as ondas do mar batendo nas __________________________________________________________________
pedras. __________________________________________________________________
_________________________________________________________________
A artista inglesa Margaret 4. De qual trabalho você mais gostou? Por quê?
Mee trabalhou durante __________________________________________________________________
muitos anos fazendo __________________________________________________________________
_________________________________________________________________
ilustrações de plantas das
5. Feche os olhos e imagine uma flor que você goste ou
matas brasileiras. A
que você conhece. Que cor e que tamanho ela tem?
aquarela que você ao lado
Como são suas pétalas? Agora, faça um desenho dessa
representa uma planta
flor. Depois, você pode colorir usando lápis de cor.
chamada bromélia, que a
pintora encontrou na Serra
dos Órgãos, no Rio de
Janeiro.
A artista tinha cuidados técnicos em suas pinturas com o
objetivo de informar cada detalhe da planta. Note ao lado
esquerdo inferior da pintura, como Mee fez alguns
desenhos detalhando o broto da flor.
A Bienal de Arte de São Paulo promoveu
um projeto de residência de artistas no
Acre, para que eles pudessem conviver
com a floresta Amazônica e refletir sobre
ela. O artista Alberto Baraya criou nesse
projeto o molde de uma seringueira,
usando látex, a própria matéria prima para
fazer borracha.
 78 – DESENVOLVIMENTO DE DESENHO ATRAVÉS DA OBSERVAÇÃO. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte: Observe o cenário apresentado na imagem. Com o uso do lápis
construa o mesmo cenário no espaço ao lado. Desenvolva sua habilidade de
desenho aplicando as diferentes linhas, forma, texturas e cores. Construa a
composição seguindo as linhas orientadoras para manter a proporção.
 79 – IDENTIFICANDO A PALETA DE CORES. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
O que é paleta de cores? Paleta de cores é um conjunto de cores Praticar a arte – Construindo uma paleta de cores: A partir dos seus conhecimentos sobre as cores quentes e
pré-selecionadas que são utilizadas em harmonia para passar uma frias e as sensações que elas nos passam. Construa nos espaços a sua paleta de cores para você aplicar na
ideia, sentimento, sensação ou identidade visual. A paleta de cores imagem a seguir. Observe as imagens a seguir que mostram como as cores são selecionadas em cada
pode ser usada em diversas situações, como na criação de materiais paisagem. Combine cores primárias, secundárias e terciárias para criar sua composição quente ou fria.
de design gráfico, composição de looks, maquiagem e, claro,
arquitetura e decoração. Quando usada de forma correta, a paleta
de cores muda totalmente a percepção da pessoa em relação ao
ambiente.
Por isso, a paleta de cores é algo tão
valorizado e estudado por artistas e outros
profissionais. Na arte, moda, publicidade e
outras áreas, o círculo cromático é usado
para definir os tons das paletas. Ele é uma
representação simplificada de como
percebemos as cores e por meio dela
encontramos combinações de cores.

Como criar uma paleta de cores? O primeiro passo para criar

uma paleta de cores é entender sobre a teoria das cores e o círculo
cromático. Teoria das cores nada mais é do que o estudo das cores,
desde a forma como os tons são interpretados pelo nosso cérebro
até as maneiras de aplicá-las no dia a dia. Vários estudiosos se
dedicaram a entender melhor o papel das cores na nossa vida.
As cores quentes são associadas ao sol e ao fogo: amarelo, laranja
e vermelho. São aquelas que nos transmitem a sensação de calor.
As cores frias são associadas à água, ao gelo, ao céu, e às arvores:
violeta, azul e verde. São aquelas que nos transmitem a sensação
de frio.
 80 – A EXPEDIÇÃO DE LANGSDORFF: ARTISTAS VIAJANTES NO BRASIL. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
O barão de Langsdorff, cônsul geral da Rússia, já havia feito várias expedições para outras Praticar a arte 1– Interpretando: Depois de ler o texto, responda.
regiões do mundo, quando, em 1825, organizou uma longa viagem à região amazônica. Dessa 1. Quais artistas chegaram ao Brasil na expedição de Langsdorff em
expedição, que transcorreu de forma tumultuada e trágica, resultaram relatos e muitos 1825?
registros da natureza e das populações indígenas da época. Ele convidou o botânico alemão ________________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
Ludwig Riedel, o astrônomo Rubzoff, o zoólogo Christian Hasse e o pintor alemão Rugendas,
2. Como foi o trabalho realizado pelos artistas nessa expedição?
para integrar o grupo de viajantes. Eles deveriam fazer um percurso nunca explorado por ________________________________________________________________________________
nenhuma outra expedição. O plano era seguir para o interior, navegando pelo Rio Tietê, ______________________________________________________________________________
atravessar a região do Pantanal até Cuiabá, de onde deveriam seguir até Santarém. De lá, o 3. Como foi feita a maior parte do trajeto dos artistas nessa jornada?
grupo seguiria para a nascente do Rio Amazonas. Rugendas, quando ainda estava no Rio de ________________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
Janeiro, se desentendeu com Langsdorff. Ele indicou, então, para substituí-lo na função de
4. Quais estados brasileiros eles estiveram enquanto viajavam?
desenhista, o artista Adrien Taunay, filho mais novo do pintor Nicolas Taunay e Hercule ________________________________________________________________________________
Florence, também o zoólogo Hasse abandonou a expedição quando estava no começo da ______________________________________________________________________________
viagem, em Porto Feliz, São Paulo. Durante os primeiros meses, a viagem seguiu tranquila. Eles 5. Onde estão guardados até hoje os materiais produzidos pelos
navegaram pelo Rio Tietê e pelos afluentes do Rio Paraná, percorrendo os atuais estados de artistas?
________________________________________________________________________________
São Paulo e Mato Grosso do Sul. O pequeno grupo se dividiu em dois, na perigosa região do Rio ______________________________________________________________________________
Paraguai, onde viviam os Guaicurus, que estavam em guerra com os colonizadores. Nesse 6. Como é o documento escrito por Hercule Florence que nós
trecho os viajantes enfrentaram as águas caudalosas do Paraguai, os enxames de mosquitos e o conhecemos?
perigo iminente de ataques indígenas. Tentaram fugir da penosa navegação do rio ________________________________________________________________________________
atravessando a pé as terras alagadas do Pantanal, onde acabaram se perdendo. Só depois de 7 ______________________________________________________________________________
meses de viagem alcançaram a cidade de Cuiabá. Lá permaneceram por 10 meses, pois o barão Praticar a arte 2 – Desenhando: Faça nesse espaço, um desenho de
de Langsdorff, que começava a se comportar de maneira estranha, relutava em continuar a observação. Olhando pela janela da sala de aula ou de seu quarto. Use lápis
viagem. De Cuiabá eles seguiram viagem divididos novamente em dois pequenos grupos. de cor para finalizar a imagem. Preencha a ficha técnica do seu desenho.
Langsdorff, Rubzoff e Hercule Florence, entre outros, foram para o norte, em direção à Vila de
Diamantino, ainda em Mato Grosso. Desceram os rios Preto e Arinos e tiveram de ficar muitos
meses parados na aldeia dos Apiacá, pois foram acometidos por terrível febre. Alguns deles
morreram e outros tiveram a saúde afetada para sempre, como o barão de Langsdorff, que
perdeu totalmente a memória, não recobrando jamais a consciência de seus atos. Sem
comando, os viajantes decidiram seguir o Rio Jurema e o Tapajós até a Vila de Santarém e de lá
para Belém do Pará, aonde chegaram em setembro de 1828. O outro grupo, do qual faziam
parte Adrien Taunay e o botânico Riedel, tomou a direção oeste, com destino à Vila Bela de
Mato Grosso. Lá o jovem Adrien se afogou na travessia do caudaloso Rio Guaporé em meio a
um temporal. Riedel seguiu, navegando pelos rios Mamoré e Madeira até o Rio Negro,
encontrando com o que havia restado da expedição em Belém. Essa equipe retornou de navio
para o Rio de Janeiro. Em 1829, o barão de Langsdorff foi mandado de volta para a Rússia. Os
desenhos diários e coleções fitológicas (folhas, flores, frutos, raízes etc.) recolhidas na
expedição estão guardados até hoje em um museu em São Petersburgo. O único documento
que chegou à nossas mãos foi o relato escrito originalmente em francês por Hercule Florence
que, com linguagem simples e muitos desenhos, relata todos os acontecimentos dessa
malfadada missão.
 81 – APLICAÇÃO DA TÉCNICA DA AQUARELA: LÁPIS DE COR AQUARELÁVEL. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
O que é aquarela? Aquarela é uma pintura feita a partir de
pigmentos finamente moídos e misturados com água gomada,
que serve como aglutinante. Trata-se de uma pintura com base
essencialmente na água. As obras, muitas vezes feitas sobre
papel, também são chamadas de aquarelas. As cores se
apresentam muito claras no papel porque a água tem um papel
fundamental no processo. A aquarela é uma das técnicas mais
antigas de suporte flexível. Ela é muitas vezes comparada ao
guache, sendo que esse último utiliza muito pouca água. A
técnica existe praticamente desde sempre! Muitas civilizações
usaram pigmentos de água para registrar elementos de sua
cultura. No entanto, a aquarela foi por muito tempo
considerada como uma técnica de estudo, que permitia refletir
sobre os estágios iniciais de seu trabalho. Foi somente no
século XVII que a aquarela foi reconhecida como uma
verdadeira técnica, usada em particular nas iluminações. A
pintura em aquarela é uma pintura que é fácil de se retrabalhar.
Na verdade, mesmo quando seca, a tinta pode ser retocada
com a aplicação de um pouco de água. É também o que
compõem toda a sua complexidade, já que é necessário saber
como dosar para não apagar as primeiras camadas. A secagem
é feita de forma relativamente rápida. Espere secar.
Lápis de cor aquareláveis: Os lápis de cor aquareláveis possuem em sua composição um
pigmento especial que, ao entrar em contato com a água, aquarela. Isso não acontece com
os lápis de cor comuns que são feitos para uso em seco.
Praticar a arte: De posse do lápis de cor aquarelável, experimente nos espaços a seguir
como diluir a tinta. Preencha em cada espaço com um pouco de tinta (ou desenhe algo com
o lápis de cor aquarelável) e depois umedece com o pincel de cerdas macias. Faça esse
procedimento algumas vezes para depois aplicar no desenho ao lado. Faça cada parte
separadamente, aos poucos. Misture as cores para descobrir cores novas.
82 – ELZBIETA WODALA E SUA ARTE EM FLORES SECAS. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
A artista polonesa Elżbieta Wodała usa Praticar a arte: Procure em uma praça ou em um jardim, pedras, folhas secas, flores caídas, gravetos, sementes, favas,
uma vida que já se foi para dar nova caroços etc. faça então o desenho de alguns dos elementos que você coletou. Olhe de perto cada objeto e experimente
vida às suas obras de arte únicas. Suas ampliar a escala do desenho para apresentar melhor seus detalhes e texturas. Una os elementos através do desenho ou
"pinturas" são feitas através de uma da colagem para criar uma figura criativa e alegre. Preencha a ficha técnica da sua composição.
colagem de diferentes tipos de
sementes, folhas, pétalas e muitas
outras partes secas de plantas, que ela
encontra na natureza, parques,
jardins, florestas e prados. Wodała
explicou em entrevistas que sua
alegria e descontração enquanto está
fazendo essas peças vêm de saber que
ela está dando uma nova vida e
significado a essas belas plantas.
 83 – O CORPO COMO ARTE: REFLEXÕES SOBRE BELEZA. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Existem diferentes definições Praticar a arte: Pesquise em revistas velhas, folhetos e jornais qualquer tipo de representação do corpo humano.
sobre o que é considerado belo Depois recorte as partes: pernas, braços, cabeça, tronco, peito, mão, pé e faça no espaço abaixo uma colagem
e o que não é. Os diversos inventando algo novo, uma nova criatura, uma nova composição e uma nova e inesperada forma de beleza.
povos estabelecem, de acordo
com sua cultura, características
gerais que determinam padrões
de beleza. E esses padrões se
modificam com o passar do
tempo. Na atualidade, o tipo de
beleza, sobretudo ocidental, é o
de pessoas altas e magras.
No século XVI, na Europa, o referencial de beleza eram
pessoas mais robustas e encorpadas, haja vista que apenas
os ricos podiam se alimentar com fartura. Nesse contexto,
um exemplo que comprova a variação nos padrões de
beleza é a pintura “As Três Graças”, de Rubens. O artista
que viveu entre os séculos XVI e XVII, é um dos mais
importantes representantes de um tipo de pintura
denominado barroco. Será que hoje a maioria das pessoas
consideraria belas as mulheres que o artista escolheu como
modelos para seus quadros? Outro aspecto está no
interesse que os gregos antigos tinham pelo corpo humano,
admirados e retratados como figuras esbeltas e cheias de
vitalidade. Na antiguidade, a representação do corpo
deveria ter proporções regulares, simetria e harmonia. Os
gregos usavam proporções baseadas em relações
matemáticas e não em medidas de um corpo real. Por isso,
dizemos que eles apresentavam em suas esculturas corpos
de beleza idealizada. Tempos depois, os artistas tentaram
se apropriar dessas proporções geométricas ideias,
projetando sistemas de medidas para o corpo humano. Mas
pesquisas feitas por especialistas revelaram que as medidas
ditas ideias para os padrões clássicos não correspondem ao
que a maioria das pessoas do Ocidente considera belo,
especialmente no que diz respeito à distância entre os olhos
e ao ângulo do nariz. Assim, podemos concluir, ao refletir
sobre o belo: não devemos seguir regras e sim ampliar
nosso olhar, porque a beleza pode ser encontrada nas
formas mais inesperadas.
 84 – EXERCÍCIO DE INTERPRETAÇÃO DE IMAGENS. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Observe com atenção às seguintes imagens:

Praticar a arte 1: Reveja com atenção as imagens apresentadas responda as questões Praticar a arte 2: Feche os olhos e imagine como você é por dentro, como são seus
interpretativas a seguir. Converse com seus colegas e registre a sua resposta. órgãos e todos os sistemas de seu corpo. Preste atenção em sua respiração: qual o
1. Escreva em cada uma das obras a técnica usada: caminho que o ar percorre? Tente ouvir o coração e sentir o sangue circulando. Aça
a) Praxiteles:_____________________________________________________________ então o desenho de uma das partes do interior de seu corpo. Você não precisa conhecer
b) Michelângelo:__________________________________________________________ a anatomia; pode criar livremente. Aplique as cores que desejar.
c) Peter Paul Rubens:______________________________________________________
d) Rodin:________________________________________________________________
e) Di Cavalcanti:__________________________________________________________
f) Niki de Saint-Phalle:_____________________________________________________
2. Em sua opinião, qual das representações citadas no item anterior se aproxima mais
com a realidade? Em que época essa obra foi produzida?
____________________________________________________________________________________________________
____________________________________________________________________________________________________
____________________________________________________________________________________________________
____________________________________________________________________________________________________
3. Leia a frase que o artista Rodin disse. Explique com suas palavras se você concorda
com a ideia principal nela apresentada ou discorda dela e por quê.
 85 – PRÁTICA DE DESENHO DE OBSERVAÇÃO: FLORES E CORES. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte: Faça um desenho olhando para uma flor.
Observe como ela é, sua forma e a textura de suas pétalas.
Tente reproduzir o que você está vendo. Desenhe uma flor
bem grande, que ocupe todo o papel, ou faça vários
desenhos na folha. Aplique as cores que desejar.
 86 – CONTRUINDO UMA COMPOSIÇÃO ABSTRATA. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte: Aplique diferentes cores na imagem a seguir. Em cada espaço pinte conforme a sua preferência. Depois, recorte cada quadrado e reordene a posição de cada um
para que você construa sua obra abstrata. Cole os quadrados seguindo a ordem que desejar. Preencha a ficha da sua composição. Você pode trocar algumas partes com colegas.
 87 – CRIANDO UM ROSTO CUBISTA - PICASSO: JOGO COM DADOS. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte 1: Recorte e monte o dado a seguir para você
brincar com seus colegas em sala de aula:

Praticar a arte 2: Ao jogar o dado, observe qual face parou. Cada participante jogará 5 vezes, alternadamente com os colegas, um de cada vez.
Primeira rodada: Na primeira rodada você descobrirá como será o formato da cabeça. Observe os modelos apresentados e desenhe, recorte ou pinte o
formato para ser a base da sua obra. Escolha as cores que desejar.
Segunda rodada: Você agora descobrirá qual será o seu nariz. Ao girar o dado e saber qual será. Desenhe, recorte ou pinte o formato apresentado. Junte os
dois elementos escolhidos pelos dados. Combine-os e escolha as cores que desejar.
Terceira rodada: Nessa rodada você descobrirá qual será o formato da boca que você criará para compor sua obra de arte. Desenhe, recorte ou pinte a forma
escolhida pelo dado e aplique-a com as cores e o tamanho que desejar.
Quarta rodada: Agora, nessa rodada, você descobrirá qual será o olho direito que você aplicará em sua composição abstrata inspirada em Pablo Picasso.
Desenhe, recorte ou cole a forma escolhida nas cores e tamanhos que desejar. Você pode reproduzir quantas vezes quiser qualquer forma escolhida.
Quinta rodada: Nessa rodada você escolherá o olho direito para dar o toque final à sua obra prima. Jogue o dado e descubra qual será. Desenhe, recorte ou
cole a forma escolhida nas cores e tamanhos que desejar. Você pode reproduzir quantas vezes quiser qualquer forma escolhida durante o jogo.
 88 – DESENHANDO COMO KANDINKSKY: JOGO COM DADOS. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte 1: Recorte e monte o dado a seguir para você
brincar com seus colegas em sala de aula:

Praticar a arte 2: Ao jogar o dado, observe qual face parou. Cada participante jogará 5 vezes, alternadamente com os colegas, um de cada vez.
Primeira rodada: Na primeira rodada você descobrirá como será a forma 1 da sua obra de arte. Observe os modelos apresentados e desenhe, recorte ou
pinte o fundo para ser a base da sua obra. Escolha as cores que desejar.
Segunda rodada: Você agora descobrirá qual será a sua forma 2. Ao girar o dado e saber qual será. Desenhe, recorte ou pinte o formato apresentado. Junte
as duas formas escolhidas pelos dados. Combine-os e escolha as cores que desejar.
Terceira rodada: Nessa rodada você descobrirá qual será a forma 3 que você criará para compor sua obra de arte. Desenhe, recorte ou pinte a forma
escolhida pelo dado e aplique-a com as cores e o tamanho que desejar.
Quarta rodada: Agora, nessa rodada, você descobrirá qual será a forma 4 que você aplicará em sua composição abstrata inspirada em Wassily Kandinsky.
Desenhe, recorte ou cole a forma escolhida nas cores e tamanhos que desejar. Você pode reproduzir quantas vezes quiser qualquer forma escolhida.
Quinta rodada: Nessa rodada você escolherá a forma 5 para dar o toque final à sua obra prima. Jogue o dado e descubra qual será. Desenhe, recorte ou cole
a forma escolhida nas cores e tamanhos que desejar. Você pode reproduzir quantas vezes quiser qualquer forma escolhida durante o jogo.
 89 – CRIAÇÃO DE PADRÃO COM O USO DE LINHAS E CORES. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte 1 – Desenvolvendo o gesto: Diante dos modelos propostos a seguir, Praticar a arte 2 – Construindo padrões: Agora, em cada faixa decorativa, você aplicará
repita cada formato de linha em composição nos espaços ao lado. Você pode aplicar as uma sequência de combinações com os diferentes tipos de linhas apresentados. Aplique
cores que desejar. as cores que desejar.
 90 – DESENHANDO OS GIRASSÓIS DE VAN GOGH: JOGO COM DADOS. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte 1: Recorte e monte o dado a seguir para você
brincar com seus colegas em sala de aula:

Praticar a arte 2: Ao jogar o dado, observe qual face parou. Cada participante jogará 5 vezes, alternadamente com os colegas, um de cada vez.
Primeira rodada: Na primeira rodada você descobrirá como será o vaso da sua obra de arte. Observe os modelos apresentados e
desenhe, recorte ou pinte o fundo para ser a base da sua obra. Escolha as cores que desejar.
Segunda rodada: Você agora descobrirá qual será a sua flor 1. Ao girar o dado e saber qual será. Desenhe, recorte ou pinte o
formato apresentado. Junte as duas formas escolhidas pelos dados. Combine-os e escolha as cores que desejar.
Terceira rodada: Nessa rodada você descobrirá qual será a flor 2 que você criará para compor sua obra de arte. Desenhe, recorte
ou pinte a forma escolhida pelo dado e aplique-a com as cores e o tamanho que desejar.
Quarta rodada: Agora, nessa rodada, você descobrirá qual será a flor 3 que você aplicará em sua composição abstrata inspirada
em Vincent Van Gogh. Desenhe, recorte ou cole a forma escolhida nas cores e tamanhos que desejar. Você pode reproduzir
quantas vezes quiser qualquer forma escolhida.
 91 – ATIVIDADE DE APLICAÇÃO DE COR E CRIAÇAÕ DE POEMA. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte – Desenhando e escrevendo: Aplique as cores que desejar e construa a sua cartela de
cores. No espaço a seguir escreva um poema simples que combine com o desenho.
 92 – EXERCÍCIO DE PRÁTICA DE SFUMATTO RENASCENTISTA – LUZ E SOMBRA. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte: Diante do modelo do crânio apresentado, desenvolva suas habilidades em áreas claras e escuras, aplicando a técnica do sfumato no crânio em branco. Use
diferentes ferramentas para esfumaçar e criar as áreas conforme o modelo. Observe os diferentes calibres dos lápis para você alcançar tons de diferentes tipos.
 93 – CONHECENDO E EXPERIMENTANDO A TINTA NANQUIM. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
A tinta nanquim ou tinta da China é um material corante preto originário da China. É preparada com negro-de-fumo coloidal e
empregada em desenhos, aquarelas e na escrita. Desenvolvida pelos chineses há mais de 2 mil anos, é constituída de nano
partículas de carvão suspensas em uma solução aquosa. Embora, normalmente, nano partículas dissolvidas em um líquido se
agreguem, formando micro e macro partículas que tendem a se depositar, se separando do líquido, os chineses antigos
descobriram que era possível estabilizar a tinta nanquim pela mistura de uma cola (goma arábica) na solução com pó de carvão e
água. Hoje, é possível entender que, ao se ligarem à superfície das nano partículas de carvão, as moléculas de cola impedem sua
agregação e, portanto, sua separação do seio do líquido. A tinta nanquim é muito parecida com a tinta sumi, de origem japonesa
para a arte sumi e que tem, como composição, fuligem, colas especiais (goma arábica), água e especiarias. Os japoneses antigos
tinham o costume de adaptar coisas trazidas da China, tal como o koto. O nanquim é considerado uma tinta expressiva, pois fez
parte dos principais desenvolvimentos tecnológicos e seus reflexos na formulação das tintas na arte. O material foi desenvolvido
pelas primeiras civilizações juntamente com outras tintas, como a Guache, Tempera e Aquarela.
Nanquim feito em casa: O nanquim é uma das tintas Praticar a arte – Pintando com tinta nanquim: De posso da tinta nanquim e do pincel de cerda macia, aplique a
mais velhas conhecidas no mundo, com registros de quase técnica da nanquim (aquarela preta) no desenho a seguir.
4000 anos. Ela é feita de ingredientes simples e naturais,
com propriedades duráveis que a fazem ser muito útil como
tinta de desenho, bem como de estampas coloridas no
mundo da tatuagem. O nanquim também é conhecido
como tinta chinesa, devido a ser original da China e Japão,
antes de ser levado para a Europa.
Você poderá fazer seu próprio nanquim em casa usando poucos
ingredientes caseiros.
Passo 1: Coloque os 300 g de cinzas de carvão na tigela
descartável. Faça isso fora de casa, no caso de derramar. Você
pode usar o carvão de uma churrasqueira ou a cinza negra de
uma fogueira.
Passo 2: Coloque os 300 g da água destilada sobre as cinzas.
Coloque a água devagar para que não espalhe a cinza na sua
roupa. O resultado da mistura deverá parecer como uma lama
negra grumosa.
Passo 3: Misture a água e as cinzas com um pincel pequeno.
Mexa até dissolver por completo, até que fique apenas o
líquido preto parecido com a tinta na bacia.
Passo 4: Adicione uma gota de vinagre ao líquido preto e
mexa-o na tinta. Ele irá ajudar a estabilizar a tinta e deixá-la
com maior permanência depois que secar. Após ter terminado
de misturar, a tinta estará completa.
Passo 5 Coloque o nanquim dentro do pequeno recipiente
para a tinta com gargalo apertado e rosqueie a tampa bem
apertado. Esta tinta irá secar rapidamente se for exposta ao ar.
 94 – APLICANDO LINHAS E CORES: BORBOLETA. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte: Observando o modelo preenchido com diferentes tipos de linhas, aplique o mesmo conceito na imagem ao lado. Você pode aplicar as cores que desejar.
 95 – FAZENDO A VIDA MAIS COLORIDA: APLICAÇÃO DE CORES. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
A importância das cores: As cores são Praticar a arte: Transforme a camiseta do modelo apresentando em algo mais alegre, criando estampas, padrões,
elementos presentes em nossa vida de stickers e misturando as cores. Aplique as cores que desejar.
diversas formas, aparecendo nas roupas, nos
ambientes, na alimentação, e em tantas
outras coisas, como, por exemplo, no
tratamento de doenças, pois cada uma tem
uma vibração que afeta o corpo e a mente,
ativando as glândulas humanas e as funções
orgânicas, fortalecendo o sistema
imunológico. Registros históricos indicam que
as cores começaram a ser utilizadas por
nossos primeiros ancestrais para atrair a caça,
passando ao longo dos anos a ter maior papel
nas culturas e religiões, como na Índia e China,
cuja aplicação se dá em forma de energias, ou
no Ocidente, onde as religiões utilizaram
coloração das roupas para definir hierarquias
cristãs. O mais antigo estudioso das cores foi
o filósofo grego Aristóteles, que as incluíam
dentre as propriedades dos objetos, teoria
contestada por da Vinci, que afirmava serem
propriedades da luz, mas foi o físico inglês
Isaac Newton que apresentou os
experimentos que revolucionaram os
conceitos sobre a luz e as cores.
Posteriormente os conceitos teóricos foram
aplicados e os estudos voltaram-se para os
aspectos psicológicos, não só para a
capacidade de ser vista, mas também pela
emoção que provoca e na simbologia e
capacidade de construir uma ideia. A correta
utilização das cores é um importante aliado
para o equilíbrio dos ambientes e daqueles
que os habitam, sendo gerador de bem estar,
o que eleva a auto estima e reduz o stress,
além de facilitar a comunicação e aumentar a
produtividade, eliminando ansiedade,
angústia e depressão.
96 – EXERCÍCIO DE APLICAÇÃO DE COR I: CARROÇA NO JARDIM. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
97 - EXERCÍCIO DE APLICAÇÃO DE COR II: CASA COM RODA D´ÁGUA. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
98 - EXERCÍCIO DE APLICAÇÃO DE COR III: CASA COM MOINHO. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
99 - EXERCÍCIO DE APLICAÇÃO DE COR IV: BOSQUE. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]
100 - EXERCÍCIO DE APLICAÇÃO DE COR V: FAZENDEIROS. [Praticar a Arte – Volume 11 – Professor Fabrício Secchin]