ÍNDICE DAS ATIVIDADES – APOSTILA PRATICAR A ARTE – VOLUME 8.

Nº Título da atividade Nº Título da atividade Nº Título da atividade

01 QUADRINHOS E A POP ART – ATIVIDADE DE CRIAÇÃO DE CAPA DE HQ´S. 41 EXPERIMENTAÇÃO PRÁTICA NA OBRA DE LUIZ SACILOTTO. 81 EXERCÍCIO PRÁTICO DE AMPLIAÇÃO DE DESENHO POR QUADRANTES.

02 QUADRINHOS E A POP ART – APRECIAÇÃO INTERPRETATIVA DA ARTE. FOLHA 1 DE 2. 42 EXPERIMENTAÇÃO PRÁTICA - ROSÁCEA GEOMÉTRICA PLANA. 82 APRECIANDO OS ESTILOS MUSICAIS: A MÚSICA SERTANEJA.
03 QUADRINHOS E A POP ART – APRECIAÇÃO INTERPRETATIVA DA ARTE. FOLHA 2 DE 2. 43 TESSELAÇÕES: CONCEITUAÇÃO E EXPERIMENTAÇÃO PRÁTICA. 83 EXERCÍCIO DE CONSTRUÇÃO DE IMAGEM: DESENHANDO A ÁRVORE.

04 DANÇA E MANIFESTAÇÃO ARTÍSTICA – CONCEITUAÇÃO E INTERPRETAÇÃO. 44 AS CORES: APRECIAÇÃO E EXPERIMENTAÇÃO ARTÍSTICA. FOLHA 1 DE 2. 84 EXERCÍCIO DE DESENHO – PRODUÇÃO DE CROQUI E MODA.
05 EXPERIMENTAÇÃO PRÁTICA SOBRE A DANÇA E SUA EXPRESSIVIDADE. 45 AS CORES: APRECIAÇÃO E EXPERIMENTAÇÃO ARTÍSTICA. FOLHA 2 DE 2. 85 GEOMETRIZAÇÃO DO DESENHO – ESTRUTURA E ACABAMENTO.

06 CONHECENDO O ARTISTA: VINCENT VAN GOGH – TINTA IMPASTO. 46 A TÉCNICA PONTILHISTA: APRECIAÇÃO E PRÁTICA ARTÍSTICA. FOLHA 1 DE 2. 86 CONSTRUÇÃO DE RETRATOS COM RECORTE E COLAGEM.
07 CONHECENDO O ARTISTA: PAUL CÉZANNE – NATUREZA MORTA. 47 A TÉCNICA PONTILHISTA: APRECIAÇÃO E PRÁTICA ARTÍSTICA. FOLHA 1 DE 2. 87 EXERCÍCIO DE DESENHO E APLICAÇÃO DE GUACHE.

08 CONHECENDO O ARTISTA: PAUL GAUGUIN E A MISTURA DE CORES. 48 EXPERIMENTAÇÕES ARTÍSTICAS A PARTIR DA TÉCNICA PONTILHISTA. 88 CRIANDO FORMAS E TEXTURAS COM ARESTAS.
09 CONHECENDO O ARTISTA: WASSILY KANDINSKY - DESENHO E MÚSICA. 49 PINTURA MISTA - TÉCNICA MISTA EM ARTE. 89 EXERCÍCIO PRÁTICA DE CONSTRUÇÃO DE PADRÕES.

10 CONHECENDO O ARTISTA: PIET MONDRIAN - LINHAS RETAS E CORES. 50 ESCULTURA MISTA - TÉCNICA MISTA EM ARTE. 90 PRODUZINDO RELEITURA DE OBRA DE ARTE – MÁRIO NAVARRO.
11 CONHECENDO O ARTISTA: PAUL KLEE E A LINHA CONTÍNUA. 51 A MÚSICA POPULAR E A MÚSICA ERUDITA. FOLHA 1 DE 2. 91 A FOTOGRAFIA – CONSTRUINDO UMA PINHOLE.
12 EXPERIMENTAÇÃO COM DESENHO ABSTRATO COM UMA ÚNICA LINHA. 52 A MÚSICA POPULAR E A MÚSICA ERUDITA. FOLHA 2 DE 2. 92 EXERCÍCIO PRÁTICO DE CRIAÇÃO DE SOMBRAS COM GRAFITE.
13 EXPERIMENTAÇÃO COM CONSTRUÇÃO DE ESCULTURA COM A LINHA CONCRETA. 53 A MÚSICA POPULAR E A MÚSICA ERUDITA. ANALISANDO CANÇÕES. 93 COMO ANALISAR UMA OBRA DE ARTE. RESUMO PARA ESTUDO. FOLHA 1 DE 2.
14 CONHECENDO O ARTISTA: PABLO PICASSO E A MONOCROMIA. 54 AS ARTES CÊNICAS E SUAS CARACTERÍSTICAS. 94 COMO ANALISAR UMA OBRA DE ARTE. RESUMO PARA ESTUDO. FOLHA 2 DE 2.
15 EXPERIMENTAÇÃO ARTÍSTICA SOBRE DESCONSTRUÇÃO DE IMAGENS – CUBISMO. 55 EXERCÍCIO INTERPRETATICO – ARTES CÊNICAS. 95 CRIANDO UMA COMPOSIÇÃO FIGURATIVA.
16 CONHECENDO O ARTISTA: SALVADOR DALÍ E A IMAGEM SURREALISTA. 56 CONSTRUINDO UMA FOTONOVELA. 96 PRÁTICA DE DESENHO DE NATUREZA MORTA.

17 CONHECENDO O ARTISTA: MARCEL DUCHAMP E O DESENHO COM BARBANTE. 57 ENTENDENDO A ARTE CONTEMPORÂNEA. 97 CRIAÇÃO DE ESTAMPAS GEOMÉTRICAS - CONCRETISMO.
18 CONHECENDO A ARTISTA: FRIDA KAHLO E PRODUÇÃO DE AUTORRETRATO. 58 INTERPRETANDO A ARTE CONTEMPORÂNEA. 98 CRIAÇÃO DE ESTAMPAS GEOMÉTRICAS - CONCRETISMO.

19 CONHECENDO O ARTISTA: MARC CHAGALL – OBRA “O VIOLINISTA VERDE”. 59 CONHECENDO A ARTISTA: REGINA RENNÓ. 99 EXERCÍCIO DE APLICAÇÃO DE COR: PAISAGEM.
20 CONHECENDO O ARTISTA: MAX LIEBERMANN – RECORTE E COLAGEM NA OBRA. 60 CLASSIFICANDO OBRAS DE ARTE. 100 EXERCÍCIO DE APLICAÇÃO DE COR.

21 CONHECENDO O ARTISTA: AMEDEO MODIGLIANI – AUTORRETRATO ESTILISADO. 61 EXPLORANDO A LINGUAGEM ARTÍSTICA – HACHURA E BICO DE PENA.
22 CONHECENDO O ARTISTA: MORITZ DANIEL OPPEHEIN E A ESCALA DE CINZAS. 62 ARTE DIGITAL: CONCEITOS E PRÁTICAS.

23 CONHECENDO O ARTISTA: LÁSZLÓ ZINNER E A PRODUÇÃO DE ESCULTURA. 63 CRIANDO UM SUPER-HERÓI – PRÁTICA DE DESENHO E CRIAÇÃO.
24 CONHECENDO O ARTISTA: JOAN MIRÓ E A ESCULTURA EM PAPEL. 64 HISTÓRIA DA ARTE: A MISSÃO ARTÍSTICA FRANCESA. FOLHA 1 DE 3.

25 CONHECENDO A ARTISTA: FAITH RINGGOLD - IMAGENS E RETALHOS DE TECIDOS. 65 HISTÓRIA DA ARTE: A MISSÃO ARTÍSTICA FRANCESA. FOLHA 2 DE 3.
26 CONHECENDO O ARTISTA: ANDY WARHOL - COLAGEM COM FOTOGRAFIA. 66 INTERPRETAÇÃO E PRÁTICA: MISSÃO ARTÍSTICA FRANCESA – AQUARELA.
27 CONHECENDO O ARTISTA: NORMAM ROCKWELL – ILUSTRAÇÃO DE HISTÓRIA. 67 O CINEMA – ORIGEM, HISTÓRIA E IMPORTÂNCIA. FOLHA 1 DE 2.
28 OBRA DE CLAUDE MONET “BARCOS – REGATA EM ARGENTEUIL” – MONOCROMIA. 68 O CINEMA – ORIGEM, HISTÓRIA E IMPORTÂNCIA. FOLHA 2 DE 2.
29 DESENHO DE OBSERVAÇÃO: CONSTRUÇÃO DE IMAGENS. 69 EXERCÍCIOS DE INTEPRETAÇÃO E PRODUÇÃO DE CURTA.

30 DESENHANDO E PINTANDO NA OBRA DE TARSILA DO AMARAL: “O PESCADOR”. 70 HARMONIA E SIMETRIA NA ARQUITETURA.

31 A MÚSICA: APRECIAÇÃO ESTÉTICA LEITURA DE IMAGEM. FOLHA 1 DE 3. 71 A ARQUITETURA E SEUS NOVOS CONCEITOS.

32 A MÚSICA: APRECIAÇÃO ESTÉTICA LEITURA DE IMAGEM. FOLHA 2 DE 3. 72 PRÁTICA DE DESENHO DE OBSERVAÇÃO: LINHAS, FORMAS E COMPOSIÇÃO.
33 A MÚSICA: APRECIAÇÃO ESTÉTICA LEITURA DE IMAGEM. FOLHA 3 DE 3. 73 DESENVOLVENDO UM PROJETO ARQUITETÔNICO.

34 O TEATRO: CONCEITUAÇÃO E EXERCÍCIO DE INTERPRETAÇÃO. PARTE 1 DE 3. 74 INSPIRANDO E EXPERIMENTANDO JOAN MIRÓ.

35 O TEATRO: CONCEITUAÇÃO E EXERCÍCIO DE INTERPRETAÇÃO. PARTE 2 DE 3. 75 CONSTRUINDO O RETRATO DE FRIDA KAHLO.
36 O TEATRO: CONCEITUAÇÃO E EXERCÍCIO DE INTERPRETAÇÃO. PARTE 3 DE 3. 76 A ARTE NO DIA A DIA. CONCEITOS E PRÁTICA.
37 A DANÇA: CONTEXTUALIZAÇÃO, APRECIAÇÃO E EXERCÍCIOS. FOLHA 1 DE 3. 77 HISTÓRIA DA ARTE: A ARTE ROMANA – RESUMO PARA ESTUDO.

38 A DANÇA: CONTEXTUALIZAÇÃO, APRECIAÇÃO E EXERCÍCIOS. FOLHA 2 DE 3. 78 HISTÓRIA DA ARTE: A ARTE GREGA – RESUMO PARA ESTUDO.
39 A DANÇA: CONTEXTUALIZAÇÃO, APRECIAÇÃO E EXERCÍCIOS. FOLHA 3 DE 3. 79 HISTÓRIA DA ARTE: A ARTE EGÍPCIA – RESUMO PARA ESTUDO.

40 CONHECENDO O ARTISTA: KIMMY CANTREL – APLICAÇÃO DE COR NA MÁSCARA. 80 EXERCÍCIO PRÁTICO DE APLICAÇÃO DE COR.
 01 – QUADRINHOS E A POP ART – ATIVIDADE DE CRIAÇÃO DE CAPA DE HQ´S. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]

Conhecendo o artista: Roy Lichtenstein. Roy Criado em 1963, a obra “Whaam!” é uma tela feita
Lichtenstein (1923-1997) foi um dos grandes nomes da com tinta acrílica e óleo baseada em uma imagem
Pop Art. Fazia parte do projeto estético de Lichtenstein a publicada no ano anterior na revista em quadrinhos
elevação do lugar-comum, o gesto de lançar luz sobre o “All American Men of War”, da DC Comics.
inicialmente não considerado. O artista plástico norte- Lichtenstein foi celebrado por utilizar imagens
americano empregou em muitas das suas telas a técnica bastante comerciais como as presentes nos
pontilhista, o desejo era que as obras parecessem quadrinhos e nos anúncios e que, via de regra,
mecanicamente reproduzidas. Os pontos “Ben Day”, alcançavam o grande público.
como eram chamados, foram frequentemente utilizados Essa peça – “Whaam!” - ficou conhecida como um dos ícones da pop art.
em processos de impressão em massa. A obra “Drowning Girl” foi pintada em 1963 e faz
Outra característica particular do pintor foi uso das convenções clássicas do universo dos
imitar detalhadamente a aparência das quadrinhos (como, por exemplo, o uso da bolha de
imagens reproduzidas comercialmente. A pensamento que traduz o que se passa no
produção artística de Roy Lichtenstein é imaginário da protagonista). “Drowning Girl” foi
conhecida por fazer referência a inspirado em “Run for Love”, uma história publicada
personagens da cultura de massa e por ter em 1962.
um estilo similar ao encontrado nas Na história real, o namorado da jovem aparece se afogando ao fundo, a
histórias em quadrinhos. Conheça agora imagem, no entanto, foi editada por Lichtenstein de modo a apagar o
algumas das obras mais consagradas de um afogamento e o namorado, dando assim protagonismo à mulher em
dos maiores expoentes da Pop Art! sofrimento.
Praticar a arte: A partir da observação de algumas capas de revistas de histórias em quadrinhos famosas, crie ou recrie uma delas em seu caderno de arte aplicando as técnicas
do artista apresentado Roy Lichtenstein. Uma característica bem interessante das obras de Roy Lichtenstein é o uso do contorno em preto, destacando ainda mais cada desenho
feito. As cores preferidas do pintor americano eram: Vermelho, azul marinho, amarelo e branco. Aplique também a técnica do pontilhismo.
 02 – QUADRINHOS E A POP ART – APRECIAÇÃO INTERPRETATIVA DA ARTE. FOLHA 1 DE 2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Vamos observar a seguir alguns dos elementos mais ARTE-FINAL: Essa etapa é de responsabilidade do arte- Tiras e Gibis: As histórias em quadrinhos são encontradas em
importantes para a construção de uma história em finalista, profissional que reforça os traços do desenhista e jornais, revistas, livros e na internet. No meio eletrônico, o
quadrinhos.
QUADRINHOS: São os espaço delimitados em que cada parte
ou cena da história é contada.
ARGUMENTO: Um breve texto escrito contendo a ideia inicial
da história. Ele serve para informar aos profissionais envolvidos
em um projeto o resumo, sem muitos detalhes, da história que
será contada.
ROTEIRO: Contém a descrição mais detalhada da história,
descrevendo cada quadro, em quais cenários a história se
passará, quais serão as falas e como a história vai se
desenvolver.
DESENHO: Representações de personagens, objetos e
cenários referentes a cada quadro. Trata-se de um texto não
verbal referente às instruções do argumento. Algumas histórias
podem ser contadas apenas por desenhos, ou seja, sem texto.
deixa as ilustrações mais limpas e definidas.
COR: Aplicação de cores aos desenhos feitos até aqui.
BALÕES DE FALA: Espaço em que o letrista coloca os textos - Graphic novel ou romance gráfico:
ditos pelos personagens.
A PRIMEIRA HISTÓRIA EM QUADRINHOS: A linguagem HQ´s, com
adoção de um personagem fixo, ação fragmentada em quadros e
balõezinhos de texto, surgiu nos jornais de Nova York com o “The
Yellow Kid” (Em português: “O Menino amarelo”). Publicada pelo jornal
New York World em 1895, essa primeira história em quadrinhos foi
criada pelo artista estadunidense Richard Outcault. No Brasil, a primeira
revista em quadrinho, chamada de “O Tico-Tico”, data de 1905.
formato tira ou tirinha é mais comum, geralmente com até três
quadrinhos.
Para histórias mais longas, chamamos de
Gibis, esse nome surgiu por conta de uma
revista em quadrinhos que levava o nome
de um de seus personagens: O Gibi. Essa
revista foi lançada no Brasil em 1939 e fez
tanto sucesso na época que se tornou
sinônimo de revista em quadrinhos.
Conheça outros tipos de histórias em quadrinhos: Além
das tradicionais revistas em quadrinhos e tirinhas, a arte de
contar histórias por meio de uma sequência de quadros
também pode ser encontrada em outros formatos:
- Fanzine: Publicação geralmente produzida por
fãs de algum assunto, como ficção científica,
jogos, personagens específicos etc. e que
costuma trazer textos diversos e histórias em
quadrinhos.
Histórias em quadrinhos mais extensas, com
temas mais complexos e desenvolvidos.
- Mangá: História em quadrinhos de origem
japonesa, de personagens com olhos
expressivos e narrativa dinâmica e
características típicas dessa cultura oriental,
como a leitura da direita para a esquerda.
- Storyboard: Em tradução livre: História em
quadros. Uma sequencia de imagens usadas
para apresentar a ideia da produção de um filme
ou de um vídeo publicitário, como se fosse um
roteiro desenhado.
- Webcomic: História em quadrinhos publicada
exclusivamente na internet.
 03 – QUADRINHOS E A POP ART – APRECIAÇÃO INTERPRETATIVA DA ARTE. FOLHA 2 DE 2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Praticar a arte 1: Leia a história em quadrinhos a seguir, dos Praticar a arte 2: Ligue os balões, completando as ideias:
personagens Calvin e Haroldo, criados e ilustrados por Bill
Watterson, artista estadunidense:

a) De acordo com os tipos de história em quadrinhos que

conhecemos, como se classifica esse exemplo do Calvin e
Haroldo?
b) São poucos quadros, mas é possível identificar uma história
com começo, meio e fim. Sabendo que Calvin é o menino, e
Haroldo o tigre, escreva com suas palavras que história é
essa.
c) Os balões de fala costumam registrar as falas e Praticar a arte 3: Construa, no espaço ao lado, uma narrativa
pensamentos dos personagens. Releia a tirinha e levante curta, de quatro quadros. Sua história poderá ter texto ou não.
hipóteses sobre o motivo de o último balão ser diferentes Além disso, deverá ter começo, desenvolvimento e fim.
dos demais. Lembre-se de elaborar um argumento, um roteiro, ilustrar,
d) Suponha que a tirinha de Calvin tivesse mais um quadro e aprimorar os traços, aplicar as cores que desejar e acrescentar
os balões de fala. Você precisará criar um título e assinar sua
que você pudesse indicar um final alternativo para a
história em quadrinhos.
história. Desenhe esse novo final. Lembre-se dos balões de
fala e de dar continuidade à história que você leu.
 04 – DANÇA E MANIFESTAÇÃO ARTÍSTICA – CONCEITUAÇÃO E INTERPRETAÇÃO. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
A humanidade e a dança: Na história da humanidade, a A dança nos nossos dias: A dança é uma arte em constante Praticar a arte 2: Encontre no diagrama cinco termos
dança sempre esteve associada à diversão, às cerimônias e mudança. Ela pode ser representada em diversos meios: nos relativos à dança:
rituais ou às manifestações artísticas. Em linhas gerais, a dança teatros, nas ruas, sob a forma de um vídeo ou em qualquer
pode ser definida como um conjunto de movimentos corporais outro ambiente em que possa realizar o propósito artístico
organizados previamente ou não, ritmados e, quase sempre, para o qual foi criada.
acompanhados por música.
No entanto, a dança
também pode acontecer
independente do som. Não
é possível indicar com
exatidão quando a dança
surgiu, porém, por meio de
registros visuais, sabemos
que ela, ao lado do teatro e
da música, era praticada
Por ser uma expressão artística imaterial e efêmera, a dança é Praticar a arte 3: Complete as lacunas com as palavras e
desde a Pré-História.
uma obra que não pode ser tocada e que tem duração e expressões do quadro:
Naquela época, as pessoas
já batiam os pés de existência definidas, encerrando-se a cada apresentação. Ou
maneira ritmada, emitindo seja, quem não esteve presente no momento em que a obra
sons. Posteriormente, aconteceu, não teve contato com a obra propriamente dita,
uniram os movimentos e mas pode apreciá-la por meio de seis registros materiais, como
sons dos passos às palmas. fotos, vídeos, figurinos, cenários e documentos.
Praticar a arte 1: É impossível falar de dança sem falar de Sabemos que, desde a _________________, a _____________
As danças geralmente apresentam uma coreografia, ou seja, sempre esteve presente na vida da ________________. Essa
um conjunto de movimentos e uma sequência de passos que a movimento. Ao observarmos um espetáculo de dança,
podemos identificar elementos plásticos como luz, sombra, cor _______________________________ pode estar associada,
compõem, seguindo ou não uma trilha musical. A notação
utilizada para registrar esses movimentos também é chamada e volume. Observe as imagens a seguir: por exemplo, às ________________ e o ______________.
de coreografia, conforme o sentido original da palavra, que
Praticar a arte 3: Assinale V para as sentenças verdadeiras e F
tem origem grega e significa “escrita/notação de dança”. No
para as falsas:
balé clássico, a coreografia é composta de movimentos
padronizados. Nas danças moderna e contemporânea os a. A dança é reconhecidamente um tipo clássico de arte
movimentos são livres, nem sempre são criados previamente. plástica.
A notação coreográfica tem o objetivo de registrar os
movimentos de uma dança por meio de símbolos, como ocorre b. A notação coreográfica tem função semelhante à
com as partituras musicais. partitura musical.
c. A dança e o movimento corporal estão intimamente
a. Descreva os movimentos de cada imagem. Defina se eles ligados.
são rápidos ou lentos, curtos ou longos, fluidos ou
d. Para que haja dança, precisa existir música ou outros
mecânicos? sons.
b. Como os bailarinos das cenas apresentadas conseguem
realizar passos tão sincronizados? e. A dança é uma representação artística imaterial.
c. Descreva os figurinos de cada imagem.
 05 – EXPERIMENTAÇÃO PRÁTICA SOBRE A DANÇA E SUA EXPRESSIVIDADE. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Praticar a arte 1: Existem vários tipos de dança: como as de apresentação (balé, sapateado, O profissional da dança: Com o passar dos anos, a
Charleston etc.), as folclóricas ou populares (dança do ventre, ciranda, maracatu, frevo, dança profissionalizou-se. O profissional de dança
quadrilha etc.), as de salão (tango, foxtrote, rumba, mambo, chá-chá-chá, samba, twist, dança pode atuar de diversas formas e em diferentes
de rua, funk, kuduro etc.), entre outras. Todas essas danças seguem coreografias distintas. Em contextos. No Brasil, é preciso ter registro
grupo, escolham um dos ritmos de dança citados e criem uma coreografia seguindo as dicas: profissional para atuar com dança oficialmente.
1. Escolhido o ritmo, pesquisem sobre sua história e características. As universidades no Brasil oferecem cursos de
2. Escolham uma música curta (entre 2 ou 3 minutos) bacharelado e licenciatura em dança, além de
3. Iniciem a coreografia depois que acabar a introdução da música. existirem muitos cursos técnicos. O profissional
de dança pode atuar na recuperação e na
4. Escolham uma música com apenas um ritmo.
reintegração de adolescente, de crianças e de
5. Vocês poderão repetir os movimentos, para facilitar o trabalho e a pessoas com deficiência física e mental.
assimilação do gestual.
Praticar a arte 2: Faça uma pesquisa sobre dançarinos brasileiros e preencha a ficha a seguir.
6. Comece a coreografar pelo refrão, a parte da música que se repete. Usem a mesma
Depois, apresente o resultado de sua pesquisa para a turma.
sequencia de passos toda vez que o refrão for tocado.
7. Explorem as posições dos dançarinos. Não há obrigatoriedade de todos ficarem o tempo
todo de frente para o público.
8. Preparem um final criativo e surpreendente.

ESQUEMA DE ORGANIZAÇÃO DA APRESENTAÇÃO DA COREOGRAFIA

Ritmo escolhido:

Música escolhida:

Cantor/Compositor:
da música escolhida:
Duração da música:

País de origem:
Refrão
(Letra/Tradução):
Figurino:

Cenário:
Justificativa pela
escolha do
ritmo/música:
Nome do grupo:
Integrantes do
grupo:
 06 – CONHECENDO O ARTISTA: VINCENT VAN GOGH – TINTA IMPASTO. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Vincent Van Gogh não foi muito Praticar a arte: Experimentando a Pintura Impasto.
conhecido durante a sua vida, mas hoje é
um dos mais famosos pintores de todos os
tempos. Ele viveu pouco, mas pintou mais
de 800 quadros. Em uma de suas
inúmeras cartas ao seu irmão Théo, disse:
“Estou funcionando como uma máquina
de pintar”. Mesmo tendo estado muito
doente nos últimos anos de sua vida, as
pinturas dessa época são consideradas as
que mais representam todo o seu estilo e
criatividade.
O pintor é conhecido por suas
cores contrastantes e sua
técnica de pintura em impasto,
cheia de riscos e movimentos
oscilantes de seus pincéis. Van
Gogh colocava a sua tinta na
tela com uma espátula ou
pincéis maiores que o normal,
quase que como se trabalhasse Van Gogh descobriu a pintura depois de tentar e fracassar em
com argila, formando marcas outras profissões, desde negociante de arte e pregador. Todos
com muitas texturas e cores. os 800 ou mais quadros de Van Gogh foram criados nos dez
Um dos mais famosos quadros últimos anos de sua vida. Ele tentava expressar seus
de Van Gogh são os seus Orientações para se trabalhar com tinta impasto: pensamentos e emoções em sua arte, muitas vezes
“Girassóis”, rica em contrastes 1. Prepare a receita de tinta impasto nos frascos ou xícaras, trabalhando dia e noite sem parar esquecendo-se inclusive de
de cores e produzida com a uma cor diferente para cada recipiente, utilizando colheres, comer. Os quadros de Van Gogh são repletos de cor, imagens
técnica do impasto. A pincéis, palitos de picolé etc. Van Gogh gostava de cores em espiral e sentimentos intensos. Uma das maneiras pelas
experiência de pintura de quentes, como amarelo, laranja, marrom, vermelho, mais quais o artista conseguia representar o movimento em suas
impasto de Vincent Van Gogh quaisquer cores que você escolherá serão perfeitas para obras era fazendo linhas de cor espalhando-se no fundo,
é experimentada pelos jovens essa atividade. rodeando-as em anéis ou círculos concêntricos.
artistas com uma tinta caseira 2. Coloque colheradas de tinta colorida em uma bandeja de Suas pinturas mostravam
muito grossa e um isopor, mantendo as cores a uma distância umas das outras anéis de luz em torno de
acabamento de texturas para elas não misturar. Você irá misturá-las na sua obra. estrelas em um céu
irregulares. Assim como Van Gogh fazia. noturno ou irradiando de
3. Aplique tinta no papel ou na cartolina com um palito de um sol quente de verão. A
picolé ou um pincel duro. Faça texturas, linhas e formas na tinta se parece com as
pintura, com o pincel ou um palito. ondulações que acontecem
4. Continue a pintar e aplique mais tinta sempre que quando se atira uma pedra
necessário. A sua pintura deverá ficar cheia de marcas de na água parada.
tintas e desenhos grossos. Atente para não esfregar muito. Essa sensação pode ser
Você precisa depositar a tinta e não só esfrega-las. observada no quadro
“Noite estrelada”.
 07 – CONHECENDO O ARTISTA: PAUL CÉZANNE – NATUREZA MORTA. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Cézanne, um dos maiores pintores Praticar a arte: Observando e experimentação as “Naturezas Mortas”.
pós-impressionistas, era um homem Materiais:
que conhecia muita gente, mas tinha
 Item de natureza morta, como: tigela de frutas, garrafas, jarras, vasilhames, xícaras, vaso com flores, velas etc.
poucos amigos. Mesmo assim,
 Régua
Cézanne trabalhou com muitos artistas
 Lápis grafite
importantes, como o pintor Pisarro e o
 Pincéis de pelos duros.
escrito Émile Zola. Geralmente pintava
“naturezas-mortas” – pinturas de  Papéis diversos.
objetos que não se movem, como  Tinta guache ou acrílica e bandejas de isopor ou pratos de papel.
vasos, tecidos, pratos e frutas – em  Área de trabalho forrada com jornais.
arranjos feitos em seu estúdio.  Espátulas de pintura ou palitos de picolé.
Os pós-impressionistas e Cézanne surgiram no final da época  Imagens de algumas naturezas-mortas pintadas por Cézanne.
impressionista e considera-se que tenham feito a ligação entre Instruções:
o estilo de Monet e Van Gogh e o que consideramos hoje como 1. Observe as obras de Cézanne para você se inspirar. Observe as cores e os posicionamentos dos objetos (composição).
Arte Moderna. Cézanne desenvolveu o estilo de utilizar formas 2. Coloque os itens a serem pintados em uma mesa ao centro, próxima a você. Arrume as tintas, os papéis e escolha os pincéis.
geométricas como base para suas pinturas por acreditar que
Você também pode utilizar ferramentas alternativas como palitos, cotonetes etc. Observe o item e desenhe-o levemente
todas as coisas do mundo eram feitas a partir de uma esfera,
um cilindro, um cone ou um cubo. com o lápis no suporte escolhido (papel).
Ele formava seus desenhos com 3. Para conseguir transformar ou destacar as formas do item escolhido em formas geométricas, como fazia Paul Cézanne,
pinceladas fortes, contornadas com pegue uma régua e desenhe em seu esboço com linhas fortes e retas, mudando o esboço quantas vezes precisar, a partir de
cores escuras. Utilizava o pincel com formas mais redondas para outras, mais angulares ou geométricas. As linhas podem ser curtas, longas ou ambas.
se fizesse formas na tinta como um 4. Em seguida, molhe uma espátula ou o palito de picolé na tinta, toque-o no desenho, sobrepondo as linhas do lápis. Tente a
cinzel, uma técnica que iria evoluir
mesma coisa com um pincel de cerdas mais duras. Use movimentos rápidos. Utilize quantas cores quiser. Faça as linhas com
para o conhecido estilo do Cubismo.
as grossuras que desejar.
Como muitos dos grandes mestres,
apenas depois de sua morte, aos 67 5. Continue pintando, acrescente mais tinta, mas misture, mexa e suavize as tintas com a ponta da espátula ou palitos que
anos, Cézanne foi reconhecido como você escolheu. Isso irá, de algum modo, preencher as formas geométricas e completar o fundo.
merecia, sendo considerado o “pai da 6. Deixe secar completamente e delicie-se, olhando as pinturas de formas geométricas parecidas com as que Cézanne fazia em
pintura moderna”. seu estilo de natureza morta.
 08 – CONHECENDO O ARTISTA: PAUL GAUGUIN E A MISTURA DE CORES. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
O artista francês Paul Gauguin é Praticar a arte 1 - Experimentação com misturas de cores: Praticar a arte 2: Relato de observação da prática: Escreva no
famoso por utilizar cores espaço a seguir suas impressões sobre o trabalho artístico
incomuns em seus quadros, que desenvolvido a partir da prática artística de Paul Gauguin.
quase sempre, retratavam cenas
do cotidiano, pessoas e natureza.
Gauguin foi marinheiro durante
muitos anos, tornando-se depois
um corretor de ações em Paris.
Depois de tomar lições de arte,
deixou seu trabalho e tornou-se
um artista em tempo integral.
Gauguin morou com Van Gogh durante muito tempo, embora
eles não se dessem muito bem. Depois, foi para os mares do
sul e para o Taiti, onde morou até o fim de sua vida. A beleza
do lugar inspirou Gauguin a pintar as suas mais famosas
pinturas. Ele pintava em cores lisas (chapadas), mostrando as
vidas das nativas do Taiti. Foi assim que começou a fazer
experiências com cores em seus quadros. Ele podia pintar um
céu de amarelo, a grama de laranja e as montanhas de Instruções:
vermelho. Hoje, sob influência as experiências de pintura
1. Junte as tintas, os pincéis e o papel.
desenvolvidas por Gauguin, muitos artistas experimentam
também o uso de cores incomuns em uma paisagem simples, 2. Coloque o papel (suporte) na
utilizando guaches com cores irradiantes. mesa. Fixe-o à mesa com a fita
crepe conforme mostra a
ilustração. Quando a fita for
retirada mais tarde, deixará
uma moldura natural em torno
da pintura.

3. Imagine uma pintura de paisagem, como uma montanha,

um lago e algumas árvores. Observe as imagens das obras
expostas em sala para se inspirar.
4. Pense em cores opostas às reais.
5. Pinte o seu quadro com cores que sejam opostas e irreais.
Por exemplo, pinte a grama de rosa ao invés de verde, o
lago de amarelo ao invés de azul, o céu de vermelho ou
rosa, ao invés de azul, e assim por diante. Use linhas largas
e cores lisas (chapadas – sem misturas).
6. Deixe a pintura secar.
7. Retire suavemente a fita crepe. Uma moldura surgirá em
torno do quadro feito a partir do estilo de Gauguin, com
cores incomuns e irradiantes.
 09 – CONHECENDO O ARTISTA: WASSILY KANDINSKY - DESENHO E MÚSICA. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Wassily Kandinsky teve aulas de
música e artes plásticas quando
era criança, na Rússia, mas não se
tornou um artista profissional até
os 30 anos de idade. Deixou seu
emprego como professor de
direito e mudou-se para a
Alemanha para estudar artes.
Naquela época, as pessoas
achavam que um desenho ou
uma pintura deveria representar
a realidade.
Quanto mais realista, melhor. Os pintores impressionistas
começaram a produzir quadros que não pareciam exatamente
reais. Kandinsky foi o primeiro artista a distanciar-se
definitivamente do realismo: pintou os primeiros quadros
totalmente abstratos, quadros que eram simplesmente cores,
formas, linhas e texturas, porque para ele esses elementos
tinham significado próprio. Kandinsky era músico, além de
pintor, e pensava nas cores como se fossem música. Os
quadros simples eram como melodias para ele. As pinturas
complexas eram como sinfonias. Ele chamava muitos de seus
quadros de “improvisações”, o que significa uma música feita
na hora, sem planejamento anterior.
Praticar a arte 1: Experimentação artística envolvendo pintura Praticar a arte 2: Realize em casa a atividade de desenho a
e música. partir de uma música. Escolha uma música que você goste e
transforme-a em uma composição abstrata. Utilize o espaço a
seguir. Aplique as cores que desejar. Dê um nome à sua obra.
Instruções:
1. Selecione uma música especial. As peças abaixo, bastante
conhecidas, são excelentes para pintar. Qualquer tipo de
música serve para pintar, do rock contemporâneo até às
músicas folclóricas.
- Bach, “Concertos de Brandenberg”;
- Wagner, “A Cavalgada das Valquírias”;
- Copeland, “Appalachian Spring”.
- Qualquer música de Tom Jobim ou Villa Lobos.
2. Escute a música selecionada por algum tempo, mantendo a
concentração, com os olhos fechados. Mantenha-se em uma
posição confortável. Enquanto a música toca tente imaginar
cores, linhas, formas que podem ser usadas para criar os
sentimentos dados pela música.
3. Agora escute por mais um tempo a música enquanto você
pinta o quadro dos sons. Use linhas, formas e cores sem
tentar desenhar qualquer outro objeto em especial. Crie
uma pintura abstrata que seja feita na hora, uma
improvisação criada sem planejamento ou esboço anterior.
4. Troque de música e pinte novamente. Você pode
acrescentar uma pintura na outra, juntando as percepções
de várias músicas.
 10 – CONHECENDO O ARTISTA: PIET MONDRIAN - LINHAS RETAS E CORES. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Piet Mondrian cresceu na Praticar a arte 1: Produção artística com linhas retas. Praticar a arte 2: Vamos realizar uma releitura a partir do estilo
Holanda. Depois de terminar de Piet Mondrian. Escolha apenas quatro cores. Atente para
sua escola regular, estudou que não seja nenhuma das usadas pelo artista. Aplique as cores
para ser artista. Após uma escolhidas nos espaços abaixo para criar sua composição
visita a Paris em 1910, parou abstrata geométrica:
de desenhar e pintar
paisagens reais de retratos
de pessoas. Ao invés disso,
voltou-se para as imagens
abstratas – com desenhos
geométricos que não tinham
qualquer tema ou nome
especial.
Mondrian queria criar quadros para expressar ideias e
sentimentos. O pintor trabalhou duro para encontrar a exata
localização das linhas para fazer quadrados e retângulos. Ele
queria criar uma imagem que fosse a melhor, com perfeita Instruções:
harmonia entre linhas e cores. Suas pinturas mais famosas são
feitas totalmente de linhas retas e cores simples, como se 1. Cole o papel quadriculado em um pedaço de papel cartão ou
fossem uma forma mais simples do Cubismo. no papelão para ficar mais firme. Deixe secar
completamente antes de começar o trabalho.

2. Divida o papel quadriculado

em quadrados e retângulos de
tamanhos diferentes com
faixas de fita preta. Comece
colocando a fita em toda a
volta. Depois coloque-a no
interior do papel. Observe o
modelo para se orientar:

Recorte pedaços de diferentes tamanhos da fita preta para

criar espaços de diferentes tamanhos. Para criar a partir da
prática de Mondrian, faça os contornos apenas da cor preta.

3. Vire o papel dividido com seus contornos em diferentes

direções para você escolher qual será melhor. Quando você
escolher lembre-se de que ele deverá ser exposto assim.

4. Pinte algumas áreas de branco. Mondrian gostava de usar

cores fortes e chapadas como o vermelho, o azul, o amarelo
e o preto.
 11 – CONHECENDO O ARTISTA: PAUL KLEE E A LINHA CONTÍNUA. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Paul Klee veio de uma família Praticar a arte 1: Desenhando com apenas uma linha – Instruções: Desenho realístico com uma única linha.
musical e viveu uma vida permeada Desenho com traço contínuo. - Com um lápis, faça um leve esboço de um objeto no papel.
pela música. Nasceu na Suíça, filho Desenhe qualquer objeto simples, como um rosto, um vaso de
de pai alemão, que tocava órgão na flores, um carro, um animal, uma casa, umas árvores etc.
igreja. Klee aprendeu a tocar - Desenhe sobre o esboço de lápis com um pincel atômico ou
violino, estudou na Alemanha e se canetinha, porém sempre sem levantar o pincel do papel até
considerava um alemão original. que toda a figura esteja completa. Deixe que a linha contínua
Foi difícil para ele escolher entre a cruze a si mesma e passe de uma área a outra, até que a linha
carreira nas artes plásticas ou na única tenha desenhado o objeto completo.
música, mas escolheu a primeira. - Apague completamente as linhas do lápis que você fez
Sua esposa era professora de anteriormente.
piano. Por não ter um ateliê, ele - Pinte algumas áreas no desenho com aquarelas ou goaches
pintava na mesa da cozinha, lavados, deixando outras áreas sem preenchimento.
enquanto ela dava aulas de piano.
Durante estes anos, seus desenhos, gravuras e aquarelas eram
pequenos, devido ao tamanho da mesa. Mais tarde, vivendo
em uma casa maior, veio a ter seu primeiro ateliê de pintura. O
seu vizinho era ninguém menos que Wassily Kandinsky, que já
era famoso por seus quadros musicais. Kandinsky e Klee eram
bom amigos e respeitavam o trabalho um do outro, mas não se
influenciaram no trabalho. Klee usava padrões gráficos em
forma de mosaicos e misturava as formas artísticas figurativas
abstratas e figurativas. Utilizava-se da técnica de pintura,
derivada do impressionismo, conhecida como pontilhismo. Ele
expressou em suas obras interesses pessoais (músicas e
poesias, por exemplo), crenças, sonhos e experiências de vida.
Utilizava várias técnicas e materiais (aquarela, óleo e tinta),
muitas vezes combinando-os em suas pinturas e usava de
grande variedade de cores fortes, como instrumento de
composição artística.
 12 – EXPERIMENTAÇÃO COM DESENHO ABSTRATO COM UMA ÚNICA LINHA. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Praticar a arte 1: Desenho abstrato de uma única linha.
Instruções:
1. Coloque a ponta do pincel atômico em um canto da folha de desenho. Em seguida, devagar e cuidadosamente, sem levantar o
pincel, deixe-o passear sobre a superfície da folha, faça linhas longas, voltinhas, ziguezagues e espirais. Deixe algumas partes do
papel abertas e brancas, sem quaisquer linhas. Preencha outras áreas com linhas. Crie um desenho abstrato como você desejar.
Quando o desenho de linhas estiver terminado, use aquarelas para colorir algumas das áreas. Deixe outros espaços em branco.

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 13 – EXPERIMENTAÇÃO COM CONSTRUÇÃO DE ESCULTURA COM A LINHA CONCRETA. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Paul Klee estava profundamente Praticar a arte - Escultura de uma única linha: Uma linha de arame única e contínua também pode criar uma
interessado na arte das crianças e escultura, uma obra de arte tridimensional (com altura, largura e profundidade) que pode ser vista de lados
tentava capturar sua criatividade diferentes. Com cuidado, entorte uma peça única de arame ou fio (desses de energia) maleável de várias maneiras, de
em seus próprios quadros. Ele modo a criar uma forma que você idealizou. Crie uma imagem abstrata ou entorte o arame para lembrar um objeto
achava que a arte das crianças real. Para fazer uma escultura que fique permanentemente de pé, crave as pontas do arame em uma porção de argila
guardava mistérios acerca da ou massa para firmá-la. Quando a argila secar, coloque a escultura em uma estante ou mesa para que seja vista.
criatividade. Assim como certas vf
crianças, muitas vezes ele
desenhava com uma linha
arranhada e tons suaves,
trabalhando em papéis do
tamanho de folhas de caderno.
Costumava combinar pinturas coloridas com desenhos de linhas, às vezes
incorporando hieróglifos (escrita das civilizações antigas), em sua arte. As
obras de Klee são consideradas poéticas, ou seja, suas pinturas são como Utilize o espaço para esboçar sua escultura de arame em uma única linha:
poemas para serem seguradas com a mão e lidas, ao invés de quadros
para serem pendurados na parede e vistos. As pinturas e desenhos de
Klee combinam arte popular, arte abstrata e humor. Muitas de suas
imagens têm títulos que nos fazem sorrir. Um de seus primeiros a bico de
pena chama-se “Two Men Meet, Each Believing the Other to be of Higher
Rank” (“Dois homens se encontram, cada um deles pensando que o outro
tem um cargo superior ao seu”). Outra pintura famosa de Klee,
mostrando formas simples de pássaros em arame chama-se “The
Twittering Machine” (“A máquina cantante”).
 14 – CONHECENDO O ARTISTA: PABLO PICASSO E A MONOCROMIA. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Pablo Picasso foi o pintor mais famoso do século XX, Praticar a arte - Pintura com uma única cor – Monocromia:
trabalhando com escultura, trabalhos gráficos, cerâmica, Materiais:
desenho e pintura. Ele é mais lembrado como cubista. Antes
 Goaches de uma cor principal.
de se tornar um cubista famoso. Em determinado momento
 Goaches com cores variadas para serem misturadas à cor principal.
de sua vida artística Picasso tinha um estilo pessoal de pintar e
 Vários frascos para misturar a tinta.
expressar-se chamado de “Fases”. De 1891 a 1904 ele
 Pincéis variados.
desenvolveu a sua “Fase azul”, concentrando-se em quadros
com temas de solidão, de desespero, usando basicamente a  Frasco grande de água limpa para lavar os pincéis.
cor azul para comunicar esses temas. Mais tarde, de 1904 a  Papel branco para suporte (cartolina, papel cartão etc.).
1906, Picasso trocou o silêncio para um estilo que expressava  Imagens de algumas obras das duas fases monocromáticas de Picasso para apreciação.
cores e ânimos mais quentes, chamado de “Fase rosa”. Instruções:
Fase azul (1901-1905): Durante a fase azul, as obras de Picasso 1. Escolha uma cor principal e um tema para o quadro. Para este
abordaram temáticas como a solidão, a morte, o abandono, a cegueira, trabalho, o azul será usado como exemplo, mas qualquer cor pode
a pobreza, a alienação, o desespero. Esse período esteve marcado pela ser escolhida ao invés do azul.
melancolia. Por outro lado o nome desta fase se deve ao predomínio da 2. Coloque um pouco de tinta azul em vários frascos. Adicione apenas
cor azul. Estas obras foram realizadas em Barcelona e Paris, período de um pouquinho de uma cor diferente a cada frasco, para mudar o
intensa dificuldade financeira para Pablo. É evidente também as tom de azul. Por exemplo, adicione um pouco de branco ao
representações de ladrões, meninas de rua, velhos, doentes, prostitutas primeiro frasco de azul, e ele se tornará azul claro. Adicione uma
e mães com crianças. Será neste período que Picasso se afastará da pitada de verde ao próximo frasco, e você terá um azul-esverdeado.
pintura acadêmica e sofrerá influência da literatura catalã, com forte Adicione uma quantidade mínima de preto em outro frasco e você
critica social. terá um azul-acinzentado. A ideia principal é manter o azul, mas em
tons diferentes.
3. Quando tiver misturado um conjunto interessante de azuis
(lembre-se de deixar um frasco com o azul puro), é hora de pintar.
Pinte um quadro usando os tons de azul descobertos como as
únicas cores.
4. Deixe secar a pintura, crie uma ficha técnica da obra e exponha
para apreciação.
Fase rosa (1904-1906): Ao se apaixonar por Fernande Variações: Pense em um tema, uma emoção ou um sentimento. Pense em quais cores
Olivier, suas pinturas irão mudar de azul para rosa, dando expressariam esse tema ou sentimento. Pinte em tons e variações de uma cor que seja a mais
início a esta nova fase, caracterizada pela alegria. É neste
expressiva para esse sentimento. Por exemplo, um quadro triste pode ser em azul. Um quadro feliz
contexto que Pablo Picasso mudou-se para Paris e pode ser em tons de amarelo. Um quadro sobre a raiva pode ser em tons de vermelho, o verde
inaugura seu atelier em Montmartre. Ali, ele realiza uma pode expressar paz e tranquilidade.
exposição para colecionadores, os quais compraram suas
obras e, com isso, resolvem a situação financeira de Pablo.
 15 – EXPERIMENTAÇÃO ARTÍSTICA SOBRE DESCONSTRUÇÃO DE IMAGENS – CUBISMO. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Pablo Picasso é um dos artistas mais famosos de todos os Praticar a arte 1 – Produção artística de desconstrução de imagem:
tempos. Ele foi um gênio artístico e é lembrado Materiais:
particularmente por seu estilo de arte chamado de Cubismo.
Picasso cresceu na Espanha e, mais tarde, estudou e viveu em  Papel branco (cartolina, cartão, papel dupla face etc.).
Paris. Quando criança demonstrava um talento artístico incrível  Tintas de cores variadas e pincéis diversos.
e era considerada uma criança prodígio. Na verdade, seu pai,  Diversos pedaços de papéis coloridos.
que também era artista, deu a ele todo o seu material de arte,  Alguns itens para colagem como recortes de jornais e revistas, botões, rótulos de diferentes
já que Picasso, então com 13 anos, demonstrava ter um talento embalagens, tecidos estampados e lisos, barbantes comuns e coloridos etc.
tão impressionante. Quando tinha 19 anos, já era um artista  Tesoura e cola.
profissional, com completa formação. Picasso mudou-se para  Giz de cera.
Paris e viveu uma vida muito simples e pobre, enquanto
pintava mais de 200 obras. Esses quadros mostram sua tristeza Instruções:
em relação à vida pobre dos que habitavam em torno dele.
1. Peça um amigo para que sirva de modelo para este quadro. Ele deve sentar-se ou ficar de pé, em
Esse período foi chamado de Fase Azul. Em outro momento de
uma área aberta, próxima a você. Olhe para o modelo e faça sua pintura no papel branco,
sua vida, Picasso começou a fazer um tipo mais feliz de pintura,
esboçando seus primeiros contornos. Busque criar formas que expressem os contornos do seu
mostrando palhaços e artistas de circo. Este período foi
modelo.
chamado de Fase Rosa. A seguir, começou a pintar quadros que
2. Aplique a tinta sobre o esboço feito, acrescentando mais formas e cores, sempre pensando no
se pareciam mais com quebra-cabeças com as peças fora de
modelo que você se inspirou. Deixe secar bem para que você a recorte depois.
ordem. Às vezes, Picasso colava coisas em seus quadros, como
3. Com a pintura feita, recorte-a em partes diferentes. Você pode marcar a pintura antes de recortar.
recortes de jornal, um rótulo de garrafa, botões, tecidos, ou
Faça linhas que se cruzem formando algumas peças do quebra-cabeça. Quadrados, retângulos e
pedaços de barbante. Essa técnica ficou sendo chamada de
outras formas cubistas funcionam bem.
Colagem, inventada por ele. O artista pintou até o dia que
4. Depois de recortada, você remontará as peça da pintura. Eles podem ser colados em ordem ou fora
morreu, aos 92 anos. Picasso e os outros cubistas tentaram
de ordem. Pedaços de cabeça para baixo também servem. Quando todos os pedaços estiverem
criar uma nova forma de ver as coisas na arte. Eles olhavam
colados no papel de suporte (cartolina, papel cartão ou em um papelão etc.), cole mais alguns itens
para alguma coisa e tentavam desmembrá-la, em sua forma de
que você separou para criar a colagem, experimentando assim a poética e o fazer artístico de Pablo
pintar. Por exemplo, Picasso tentava mostrar modelos que
Picasso.
pintava de todos os lados ao mesmo tempo, e não apenas de
um único ponto de vista. Praticar a arte 2: Você também pode construir um quebra-cabeça cubista a partir de uma fotografia sua ou
Ele podia mostrar uma mulher com os olhos voltados para a direita, mas seu nariz de uma imagem impressa retirada da internet, como um rosto, um animal ou uma paisagem.
voltado para a esquerda. Suas formas básicas do corpo eram mudadas para
formas cúbicas ou quadradas, em várias direções ao mesmo tempo. Ele poderia
parecer-se com algo como um quebra-cabeça ou um espelho quebrado. Muitos
outros artistas aprenderam com o que Picasso pintou e a incorporaram em suas
próprias esculturas e pinturas. O Cubismo mudou o conceito de arte e abriu o
caminho para o Surrealismo e a Arte Moderna.
 16 – CONHECENDO O ARTISTA: SALVADOR DALÍ E A IMAGEM SURREALISTA. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
O grupo de artistas chamados Praticar a arte – Construindo uma imagem surreal – Instruções:
de surrealistas acreditava que “Uma fotografia de sonho criada à mão”: 1. Escolha diversas imagens das revistas e dos jornais de sua
o inesperado e o inacreditável Materiais: preferência. Objetos, animais, paisagens, rostos etc.
podiam acontecer na arte. Um  Folha grande papel para suporte (cartolina, papel 2. Monte as imagens escolhidas e recortadas, organizando-as no
relógio poderia derreter-se e cartão etc.) na cor que desejar. suporte. Não as cole.
se transformar em uma forma  Canetinhas hidrográficas, giz de cera, lápis de cor. 3. Em seguida, use a sua imaginação para desenhar figuras utilizando
estranha, pingando. Uma  Tesoura e cola. o recorte como ponto de partida. Monte o desenho para que se
cadeira poderia ter as patas  Revistas e jornais para recorte. crie uma imagem surpreendente.
de um gato. As escadas  Imagens de obras surrealistas para apreciação e 4. Pedaços e formas de papéis coloridos também podem ser
poderiam subir e ainda assim, possível recorte. acrescentados ao desenho.
acabar abaixo delas mesmas.
O Surrealismo é a arte do
irreal, onde leis como a da
gravidade e da lógica não se
aplicam, e tudo pode
acontecer.
Salvador Dalí, o surrealista mais conhecido, nasceu na Espanha
e, mais tarde morou e se criou nos Estados Unidos. Ele
chamava suas pinturas surrealistas de “fotografias de sonhos
pintadas à mão” e impressionou os outros com seus objetos e
combinações estranhas de objetos e figuras, normalmente
misturando fotografias e colagem com pinturas a óleo. Dalí
também era um talentoso designer de joias, escultor e até se
arriscou em produções de filmes. Combinando recortes de
revistas com desenhos de formas inesperadas vários artistas
surreais experimentam a construção de imagens surrealistas,
misturando o humor e a imaginação sem limites.
 17 – CONHECENDO O ARTISTA: MARCEL DUCHAMP E O DESENHO COM BARBANTE. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Marcel Duchamp foi um pintor francês e líder de um grupo de artistas que se autodenominavam
dadaístas. Os dadaístas eram conhecidos como brilhantes inovadores e livres pensadores. Para
denominar seu grupo, utilizavam a palavra infantil, sem significado específico “dada” que quer
dizer “cavalo de pau” em francês, algo como “gu-gu”, em português. A palavra “dada” expressava
que sua arte era absurda, e eles queriam chocar a comunidade artística. Todo o grupo dadaísta
gostava de experimentar ideias novas, estranhas, ou incomuns, que nunca tivessem sido tentadas
antes. Quando Duchamp tornou-se um artista famoso, mudou-se para os Estados Unidos, para
expor seus trabalhos. Duchamp era um artista inventivo e lúdico, que acreditava nos “males que
vem para o bem”, no estilo dadaísta de arte. Uma de suas técnicas artísticas favoritas era deixar
cair pedaços de barbante em uma folha de papel e depois registrar seus desenhos e curvas de
várias formas e meios artísticos. Duchamp espalhou sua curiosa técnica artística entre outros
artistas que encharcavam o barbante em tinta e depois deixavam cair em uma folha de papel,
automaticamente registrando a imagem a partir de uma técnica especificamente dadaísta.
Praticar a arte – Construindo uma
composição artística com o barbante:
Materiais
 Pedaços de corda ou barbante
 Vasilhas com diferentes cores de
goache misturados com um pouco
de cola branca comum.
 Folha grande de papel (cartolina,
papel cartão etc.).

Instruções:
1. Coloque pedaços de barbante
dentro das vasilhas com diferentes
cores.
2. Tire os barbantes da mistura de
goache com cola e deixe-os cair
sobre a folha formando uma
composição. Não altere a posição do
barbante depois de posto sobre o
suporte.
3. Aguarde secar completamente.
4. Tente ler as formas criadas,
procurando observar se surge
alguma forma conhecida.
5. Você pode acrescentar desenhos
entre os espaços criados.
 18 – CONHECENDO A ARTISTA: FRIDA KAHLO E PRODUÇÃO DE AUTORRETRATO. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Frida Kahlo cresceu no Praticar a arte – Autorretrato especial:
México nos primeiros Materiais:
anos do século XX.
Apesar de uma doença  Folha de desenho.
que aleijou uma de
suas pernas, ela teve  Lápis e borracha
uma infância feliz e
uma família amorosa.  Material para colorir.
Quando tinha
dezesseis anos, Kahlo  Espelho para se olhar enquanto
teve um acidente de desenha. Ou uma fotografia sua.
carro terrível e quase
morreu.  Acessórios à sua escolha, para
Ela foi afetada por problemas de saúde para o resto da vida por segurar ou vestir e acrescentar no
causa daqueles ferimentos. Ao recuperar-se do acidente, Kahlo
desenho, como um boné, um
começou a pintar. Muitas de suas pinturas são retratos de
brinquedo, a foto do seu animal de
pessoas que fizeram parte da sua vida ou retratos dela própria,
estimação etc.
pinturas que fez de seu próprio rosto e corpo. Ela pintava
pessoas rodeadas de coisas importantes para elas, como
animais de estimação ou familiares e criou também vários Instruções:
quadros de sua infância e das pessoas de sua família. Artistas
do mundo todo desenham ou pintam seus autorretratos, em
algumas vezes, olhando-se no espelho. Um autorretrato pode 1. Comece fazendo um leve esboço
ser até mesmo mais especial se incluir coisas importantes, (rascunho) de um rosto e ombros.
como uma camiseta ou um boné favorito, um brinquedo ou Acrescente o formato da boca, do
uma boneca especial, uma bola de futebol ou qualquer outro nariz e dos olhos, o jeito do cabelo e
objeto que diga algo sobre você. Qualquer objeto ou vá aprimorando os detalhes.
propriedade que signifique muito para o artista pode ser
incluído para tornar o autorretrato mais significativo. Kahlo é 2. Acrescente o desenho dos seus
famosa por incluir animais de estimação em muitos de seus objetos escolhidos. Lembre-se que
quadros. eles precisam dizer algo sobre você.
Pense também no cenário de fundo
onde você estará para criar mais
detalhes em sua obra.

3. Apague as linhas que você não quer

em seu esboço e melhore as que
realmente estão certas. Depois,
aplique as cores que desejar. Realce
os contornos e assine, ponha a data
da produção.
 19 – CONHECENDO O ARTISTA: MARC CHAGALL – OBRA “O VIOLINISTA VERDE”. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Com uma autobiografia íntima e Praticar a arte 1: Aplique as cores que desejar na obra: Praticar a arte 2: Desenhe o seu violinista:
sonhadora, sua arte conta histórias
mágicas que exaltam a eterna floração
do amor. O herói moderno que cantou
a lua, a alma, a união dos amorosos, o
casamento, os seres voadores, os
sonhos, as lendas e os mitos do
homem. Chagall é esta presença
luminosa no céu da nossa época.
Imigrante, judeu, poeta, pintor,
homem amoroso.
Principais características do estilo artístico:
 Presença, em suas obras, de elementos imaginários.
 Trabalhou com temas oníricos (relacionados a sonhos).
 Significativa influência do Cubismo.
 Ênfase no uso de cores escuras, provavelmente para
transmitir mensagens e sentimentos de angustia, tristeza e
sofrimento.
 Retratou as aflições da perseguição nazista aos judeus, no
período anterior e durante a Segunda Guerra Mundial.
 Obteve destaque nas pinturas, assim como nas obras de
cerâmicas, gravuras, murais e nos vitrais.
Conhecendo a obra:
“O Violinista Verde”
Estilo: Cubismo
Título (Inglês): Violinist Green
Tipo: Pintura
Técnica: Óleo
Suporte: Canvas
Ano: 1924
Pintado em Paris depois de uma
longa viagem à Rússia, ao fundo a
cidade de Vitebsk, representa a
nostalgia e a melancolia sobre o
passado e os ambientes rurais. No
meio de uma figura forte, o
violinista, construído com
pinceladas cubistas, governa a tela,
ao mesmo tempo em que faz
presente sua origem judaica.
 20 – CONHECENDO O ARTISTA: MAX LIEBERMANN – RECORTE E COLAGEM NA OBRA. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Max Liebermann foi um pintor, Praticar a arte: Recorte de revistas e jornais imagens que combinem com a obra apresentada e faça intervenções nela com
gravurista e litógrafo alemão, colagem. Você também pode desenhar, pintar e recortar elementos como flores, personagens, animais e objetos.
essencialmente ligado ao
impressionismo e ao primeiro grupo
de vanguarda alemão. Filho de um
empresário judeu, faleceu poucos anos
antes da perseguição anti-semita. Em
Berlim, sua cidade de nascimento,
Liebermann estudou primeiramente
Leis e Filosofia, descobrindo que a sua
vocação se voltava para os ambientes
artísticos ao ingressar, em Weimar,
numa escola de pintura e desenho, no
ano de 1869. Estudou depois em Paris,
em 1872, e na Holanda, durante 1876-
1877. Regressando depois à Alemanha,
instala-se em Munique por algum
tempo, mas regressa à capital, Berlim.
Apreciação de obras:
21 – CONHECENDO O ARTISTA: AMEDEO MODIGLIANI – AUTORRETRATO ESTILISADO. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Amedeo Modigliani foi um Praticar a arte: Observando as imagens das obras de Modigliani apresentadas, construa um autorretrato seu ou de uma pessoa
pintor e escultor italiano, especial para você aplicando a principal característica das produções do artista, o pescoço alongado. Aplique as cores que
conhecido como o “príncipe de desejar. Você pode realizar esta tarefa em uma tela, usando o seu desenho como esboço para a obra.
Montparnasse”, famoso por
seus retratos com rostos
alongados que fizeram dele
uma das grandes
personalidades da pintura do
início do século XX. Muitas
vezes, Modigliani é citado como
um expressionista, no entanto,
o artista nunca se interessou
por representar a natureza, só
se conhece três paisagens e
nunca representou nenhuma
natureza morta. Suas esculturas
não se enquadram em
nenhuma tendência
predominante na época – o
cubismo e o futurismo.
 22 – CONHECENDO O ARTISTA: MORITZ DANIEL OPPEHEIN E A ESCALA DE CINZAS. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Moritz Daniel Oppenheim foi um pintor
alemão que muitas vezes é considerado o
primeiro pintor judeu da era moderna.
Seu trabalho foi informado por suas
raízes culturais e religiosas em uma
época em que muitos de seus
contemporâneos judeus alemães
escolheram se converter ao cristianismo.
Moritz se destacou por suas obras
realísticas em que retratava ambientes,
pessoas e eventos. Muitas de suas obras
em possuem uma qualidade artística
indescritível usando cores cinzentas.
Praticar a arte: Observe a obra de Moritz apresentada. Com o uso do lápis grafite e o lápis de cor preto e cinza, acrescente o preenchimento na imagem para construção de diferentes áreas de
monocromia. Você pode aplicar carvão ou giz cera. Sempre usando as cores preta, grafite, cinza e suas variações.
 23 – CONHECENDO O ARTISTA: LÁSZLÓ ZINNER E A PRODUÇÃO DE ESCULTURA. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
László Zinner nasceu em 1908, em Praticar a arte – Experimentação prática e produção artística de escultura com massa de modelar plastilina: Através da
Dömos (Hungria), mas o plasticidade da massa de modelar, vamos criar nossa escultura. No espaço abaixo você criará, primeiramente, o esboço de sua
antissemitismo presente em seu país escultura. Qualquer figura que desejar como objetos, animais ou figuras humanas etc. Pense nas formas que compõem a figura
e em outras nações europeias o que você escolheu assim como os detalhes.
obrigou a mudar de cidade ao longo
da vida. Na década de 1920, foi para
Budapeste rumo a Bruxelas, depois
Paris, Madrid, Tanger, Lisboa, até
chegar ao Rio de Janeiro, em 1946, e
se fixar, posteriormente, em São
Paulo, onde viveu até o final da vida,
em 1977.
Naturalizado brasileiro, Zinner criou bustos e esculturas de
califas (Mulei el Hassan Ben el Mehdi), presidentes (John F.
Kennedy) e cantores (Frank Sinatra), entre outros, além de
eternizar, com suas esculturas e desenhos, imagens de pessoas
comuns. Zinner também foi professor de modelagem e um
grande divulgador do esperanto.
 24 – CONHECENDO O ARTISTA: JOAN MIRÓ E A ESCULTURA EM PAPEL. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Com as cores e atmosfera de primavera, nasceu Joan Miró i Praticar a arte: Construção de escultura com materiais reciclados a partir da observação das obras de Joan Miró: Observe as
Ferrà, pintor, gravador, ceramista e escultor espanhol, no dia imagens a seguir de algumas obras do artista Joan Miró. Perceba como ele trabalha a linha, as cores, a união de diferentes
20 de abril de 1893, em Barcelona. Seu pai era ourives e formas geométricas e, principalmente o ponto. As cores que Miró usa são sua identidade artística.
relojoeiro em uma loja chamada Aquarium que ficava
localizada na Praça Real. A mãe Dolors Ferrà, pertencia a uma
família tradicional. Sua proverbial inépcia para o desenho
confessa: “não sei distinguir uma linha reta de uma curva”.
Miró e sua arte sobreviveram aos conflitos das duas grandes
guerras e ganharam reconhecimento internacional definitivo.
Pintor de intensos vermelhos, azuis, verdes e amarelos, de
fantoches ao mesmo tempo sábios, infantis e inquietantes.

Materiais:
 Objetos de natureza reciclada: rolinhos de papel higiênico, pedaços de barbantes, pregadores de roupas, tampas de
garrafas, botões, copos e talheres descartáveis, palitos de picolé, etc.
 Tesoura e cola.
 Tintas nas cores vermelha, azul, verde e amarelo. Assim como preto e o branco.
 Pincéis variados
 Recortes de papéis coloridos.
 Imagens de obras de arte de Joan Miró em tamanho grande para apreciação.
Instruções:
1. A partir da observação das obras produzidas por Joan
Miró, escolha uma delas para você transformá-la em uma
escultura.

2. Observe bem as formas que compõem a obra escolhida e

procure entre os objetos alternativos que você tem quais
deles podem representar essas formas. Durante a sua
observação vá organizando os objetos de acordo com a
obra, observando sua posição e sua relação com as outras
formas.

3. Você pode aplicar as cores de Miró nos objetos, ou

escolhê-los pelas cores que eles têm, já separando itens na
cartela de cor do artista.

4. Acrescente recortes de papel colorido e, não se esqueça de

acrescentar círculos de diferentes tamanhos para
representar o ponto nas obras.
 25 – CONHECENDO A ARTISTA: FAITH RINGGOLD - IMAGENS E RETALHOS DE TECIDOS. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Faith Ringgold cresceu no bairro do Praticar a arte: Obra com retalhos – Desenvolvimento de produção artística envolvendo retalhos, recortes e colagens.
Harlem, em Nova Iorque, na década de
1930. Ela sempre foi considerada a
melhor artista em sua turma de escola
e adorava desenhar e pintar. Sua mãe
lhe ensinou a costurar, e Faith muitas
vezes tentava criar seus próprios
trabalhos com linhas e agulha.
Ringgold trabalhou como professora
durante muitos anos, enquanto ainda
criava arte e tentava que suas obras
fossem aceitas profissionalmente em
galerias e museus.
Ela foi inspirada pelo orgulho de sua origem afro-americana e Materiais:
por muitos outros escritores e artistas da época. No início da
década de 1970, Ringgold começou a utilizar tecidos, contas e  Pedaço de tecido de algodão branco ou cru nas medidas que achar necessária.
panos costurados em seus quadros. Ela combinava o espírito da  Giz de cera comum ou canetas para tecido.
arte africana com as imagens de sua infância e com a história  Retalhos de diferentes tipos de tecidos (coloridos, estampados, lisos etc.).
negra americana. Suas pinturas com retalhos de tecido agora são  Tesoura.
parte de muitas coleções de museus no mundo todo. A artista  Cola para tecido.
explora a criação de produções artísticas com retalhos  Se possível, uma máquina de costura (Para arrematar a obra).
imaginando, em primeiro lugar, uma imagem que conte uma  Ferro de passar roupa (ORIENTAÇÃO DE ADULTO. NÃO FAZER ISSO SOZINHO!).
história sobre sua vida e então incorporando essa imagem em
uma pintura em tecido, experimentando o procedimento de
Instruções:
produção.

1. Desenhe uma imagem num pedaço de tecido de algodão branco com o giz de cera, deixando sempre uma margem ao
redor para ser o espaço onde a cola ou a costura passará. A imagem pode contar uma história sobre a sua vida ou sobre a
artista apresentada, você pode desenhar sua família, seus amigos, seu animal de estimação etc. Capriche nas cores e no
desenho. Pressione bem o giz de cera para que saia bastante tinta no tecido.

2. A seguir, um adulto pode passar o pano a ferro. Antes disso, coloque alguns retalhos de papel debaixo do tecido com giz
de cera e uma folha de papel alumínio sobre ele, de forma que o ferro fique protegido do creiom derretido. Pressione
bastante o ferro por alguns minutos, para derreter a cera colorida no tecido e torná-la permanente.

3. Para fazer uma moldura para o desenho, corte pedaços de tecido para encaixar em torno das bordas. Corte tiras longas de
tecido, quadrados, triângulos ou outros formatos. Escolha suas cores e seus padrões favoritos. Cole os pedaços escolhidos
nas bordas do tecido liso, até que a moldura esteja pronta.

4. Passo opcional: Com a ajuda de um adulto e o uso da maquina de costura, faça costuras sobre a moldura do tecido e da
imagem de giz com linha colorida. Ringgold costuma costurar bem em cima de suas pinturas, quando as emoldura com
retalhos de tecido.
 26 – CONHECENDO O ARTISTA: ANDY WARHOL - COLAGEM COM FOTOGRAFIA. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
O artista plástico americano Andy
Warhol ficou famoso por pintar
celebridades. Os quadros de
Warhol geralmente começavam
com fotografias de uma pessoa
famosa. Muitas de suas pinturas
mostram repetições de uma
mesma imagem colorida de
maneiras diferentes. Ele gostava de
fazer arte utilizando imagens de
pessoas famosas e celebridades.
Suas obras mais famosas são
pinturas da estrela de cinema
Marilyn Monroe.
Ele também produziu arte com imagens de Elizabeth Taylor,
Elvis Presley e a famosa lata vermelha e branca da sopa
Campbell´s, uma imagem que quase todos os americanos
conhecem.
Praticar a arte - Experimentação artística de produção de imagem através de cópias de fotografia: Criar uma imagem repetida
a partir de sua própria fotografia, com uso de uma copiadora, experimentando o procedimento artístico criado por Andy Warhol.
Materiais:
 Fotografia um artista que você goste e a sua própria foto.
 Máquina copiadora.
 Tesoura.
 Lápis e régua.Papel cartão ou cartolina.
 Cola.
Orientações para desenvolvimento da atividade:
1. Use a máquina de fotocópias para ampliar uma foto de um artista que você goste ou a sua própria fotografia, de forma que
o rosto possa ser recortado em um quadrado. Faça seis cópias. É preciso que as cópias fiquem mais claras para possibilitar a
aplicação de cor.
2. Cole as seis cópias da fotografia sobre a cartolina ou o papel cartão.
3. Com o uso do giz de cera, lápis de cor, canetinhas ou giz pastel oleoso, aplique as cores que desejar para cada uma das seis
cópias. Você também pode recortar o rosto e colar em um fundo colorido.
4. Ao unir as seis copias agora colorida, forme uma composição com elas, arrematando-as em uma colagem na cartolina para
ficarem mais rígidas. Você também pode realizar essa atividade em seu caderno de arte com cópias menores e em maior
quantidade.
5. Você também pode aplicar a mesma atividade em alguma foto ou imagem de algum produto, alimento ou objeto que você
goste como, por exemplo: embalagens de iogurte, leite em pó, biscoito recheado etc.
 27 – CONHECENDO O ARTISTA: NORMAM ROCKWELL – ILUSTRAÇÃO DE HISTÓRIA. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Normam Rockwell é conhecido e
adorado por suas imagens divertidas
da vida cotidiana americana. Ele
começou sua carreira como
ilustrador de livros infantis em 1916,
mas em seguida foi trabalhar para
uma revista chamada Saturday
Evening Post, que era muito famosa
na época. Rockwell fez mais de 300
ilustrações para a capa desta revista,
e seu trabalho tornou-se predileto
em várias famílias.
Uma imagem famosa de Rockwell mostra um funcionário do
zoológico, calmamente lendo um jornal e comendo um
sanduíche, enquanto um leão faminto olha fixo para a comida,
a apenas alguns centímetros de distância, atrás das grades de
sua jaula. Outra mostra um menino no consultório de um
médico, examinando cuidadosamente o quadro com o diploma
da faculdade de medicina pendurado na parede, como se
quisesse ter certeza de que o médico está qualificado para dar-
lhe uma injeção.
Praticar a arte – Ilustração que conta uma história: Ilustrar desenhos ou pinturas com humor. A imagem pode ilustrar ou cantar
uma história divertida sem usar palavras.
Instruções:
 Pense em algo engraçado ou divertido que tenha acontecido. Por exemplo, lembre-se de alguma coisa que você realmente
gostou, como uma festa de aniversário, uma viagem à praia ou um prêmio que você já ganhou. Lembre-se de algo engraçado
que fez todo mundo rir, como lambuzar o rosto acidentalmente com o glacê do bolo, pegar no sono na mesa da cozinha ou
encontrar seu gato em uma posição estranha no sofá. Escreva alguns parágrafos sobre esse acontecimento.
 Desenhe uma figura com o lápis para ilustrar a história e pinte da forma que desejar. Escolha o melhor momento da história e
desenhe uma figura que mostre o que aconteceu. Inclua bastantes detalhes no desenho.
 Olhe o desenho acabado com atenção. Ele conta a história tão bem que as palavras escritas em sua história não são mais
necessárias.
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 28 – DESENHO DE OBSERVAÇÃO: CONSTRUÇÃO DE IMAGENS. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Saiba o que é paisagem urbana e paisagem rural Praticar a arte: Observe as imagens a seguir. Uma mostra uma paisagem urbana, a outra mostra uma paisagem rural.
Grandes edifícios, trânsito de Através do desenho, una as duas imagens em uma só, construindo um paisagem que integra o urbano e o rural.
pedestres e veículos, poluição
sonora, visual e principalmente
do ar, são os componentes das
paisagens urbanas. Neste local o
clima difere consideravelmente
do ambiente natural, pois existe
uma maior concentração de
poluentes, o que pode provocar
diversas doenças à população.
Já na paisagem rural este problema não existe. Por conter
maior número de áreas verdes bem arborizadas, as árvores
conseguem sequestrar carbono e liberar maior quantidade de
oxigênio na atmosfera. Mas além desses fatores, existem outras
diferenças entre essas paisagens.
Na paisagem urbana, com o crescimento populacional das
cidades e a falta de um planejamento urbano, a construção de
edifícios foi a solução para abrigar o maior número de pessoas
pelos centros urbanos. Porém, isso trouxe consequências não
tão agradáveis. Um grande número de árvores foram
derrubadas para dar lugar aos prédios e residências.
Na paisagem rural, também
encontrada nas grandes cidades,
é comum observar as unidades
que lembram áreas verdes com
um grande número de espécies
de plantas nativas da Mata
Atlântica como ipê, carvalho,
jabuticabeira. Portanto, existem
muitas diferenças entre a
paisagem das cidades e a
paisagem que lembra o campo,
mas já é possível perceber que
esses componentes da paisagem
rural são necessários para
harmonizar a vida nos grandes
centros urbanos.
 29 – OBRA DE CLAUDE MONET “BARCOS – REGATA EM ARGENTEUIL” – MONOCROMIA. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Claude Monet é um dos artistas franceses mais famosos da história da pintura moderna. Quando jovem, se rebelou contra os métodos tradicionais da pintura do seu
tempo. Monet queria pintar imagens que refletissem a atmosfera dos ambientes ao seu redor. Outros artistas compartilhavam suas ideias, juntos ficaram conhecidos
como “impressionistas”. Monet gostava muito de observar os efeitos da luz do sol ou da lua sobre os objetos e paisagens. Pintava rapidamente com largas pinceladas o
que na época os críticos diziam parecerem obras inacabadas. Pintava a mesma cena ao amanhecer, ao meio dia e ao anoitecer, fazendo portando, um estudo sobre a
incidência da luz nas cenas retratadas.

Praticar a arte: Observe a imagem da obra “Regatas em Argenteuil”. Utilizando os goaches e tintas azuis e
brancas construa o céu misturando a tinta diretamente no papel com o pincél. Acrescente o verde no pincel
ainda sujo das cores anteriores para pintar o mar. Vá acrescentando o amarelo no mesmo pincel para que as
cores possam se misturar e complete o quadro pintado as regatas.

“Barcos – Regata em Argenteuil” – Claude Monet. 1874.

Monet dedicou muitas pinturas aos barcos a vela. E “Regatas em
Argenteuil” é uma das obras-primas do Impressionismo. É também
muito famosa pelo modo espontâneo com que o pintor dispõe as
cores na tela. As pinceladas são largas e, em alguns pontos, umas são
sobrepostas às outras. Monet emprega no quadro pares de cores
complementares: verde e vermelho, azul e laranja. Ele emprega cores
puras e mistas, frias e quentes, em alternância, o que dá à obra uma
grande luminosidade. O branco e o vermelho encontram-se no azul do
céu, no azul do rio e no verde da margem. O artista capta a cena de
um ângulo mais fechado, como se estivesse bem próximo dela. Este
quadro foi pintado de dentro do barco ateliê do pintor, ancorado
perto das margens de Petit-Gennviliers, perto de Argenteuil.
À direita encontram-se casas do lugar e, à
esquerda, ao fundo, vê-se vagamente a
ponte de Argenteuil. Na água aparecem os
reflexos dos barcos a vela, oscilando no
Sena, que variam conforme o tamanho.
 30 – DESENHANDO E PINTANDO NA OBRA DE TARSILA DO AMARAL: “O PESCADOR”. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Tarsila do Amaral gostava Praticar a arte: Observe a imagem a seguir da obra “O Pescador”, da artista Tarsila do Amaral, pintada em 1925. Observe as formas da
muito da natureza e de paisagem como as montanhas, os coqueiros, as casas, as pedras e o rio. Com o uso do lápis, dê continuidade à imagem, completando todo o
animais, principalmente de espaço e ampliando a obra. Aplique as cores correspondentes.
gatos. Corria pelas
redondezas de sua casa e
prestava muita atenção nas
cores com tonalidades fortes
e marcantes, “cores caipiras
ou cores do campo” que via
nas árvores, plantas e casas.
Já gostava de desenhar e pintar. Tarsila viajava
muito entre São Paulo e as fazendas e seu
interesse e o seu talento para a pintura ficavam
cada vez mais forte. Tarsila era uma mulher
dinâmica e criativa e buscava sempre estudar
muito para aperfeiçoar suas técnicas artísticas.
 31 – A MÚSICA: APRECIAÇÃO ESTÉTICA LEITURA DE IMAGEM. FOLHA 1 DE 3. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Observe a imagem a seguir que mostra os músicos de uma O surgimento da música e os instrumentos musicais O maracatu é um ritmo de origem
banda de jazz e seus instrumentos: Os registros históricos mostram que, africana, proveniente da região do
desde os primórdios, os seres humanos Congo. É típico do Nordeste brasileiro
homenageavam os deuses e celebravam e consiste em um desfile ritmado de
seus feitos cotidianos por meio da música coroação da rainha e do rei negros
e da dança. Assim, as civilizações antigas seguidos por sua corte. Os
utilizavam a música como elemento instrumentos musicais usados no
essencial da vida comunitária e da maracatu são o agogô, as caixas, os
expressão de emoções. Na Grécia, a ganzás e as alfaias.
música consolidou-se como arte e técnica. O jongo é uma das origens do samba
Para os filósofos gregos, ela influenciava o e foi trazido de Angola no período da
comportamento das pessoas. A educação escravidão no Brasil. Trata-se de uma
musical era fortemente estimulada, por dança e música em que homens e
ser um dos pilares da cidadania. A música mulheres participam, em círculo.
é um tema bastante recorrente na Eles giram, cantam
mitologia grega. Basta lembrar-se de e batem palmas,
Orfeu, músico que encantava os animais acompanhando a
selvagens com o som da lira, e das musas, canção entoada
a) O que a imagem mostra? deusas do conhecimento e dos trabalhos pelo jongueiro,
_________________________________________________ artísticos. A voz das musas era tão bela e àquele que puxa a
_________________________________________________ harmoniosa que serviu de inspiração para cantoria, chocalho
_____________________________________________ a criação da palavra música. Os feito de folhas de
b) Você identifica os instrumentos que as pessoas estão instrumentos musicais são a base sonora flandres ou latas.
tocando? Quais são? de muitas culturas. A lira e a harpa, O jongueiro pode ficar no centro da roda, onde entram e saem
_________________________________________________ instrumentos de cordas estendidas, os casais que dançam, revezando os pares, ou no próprio
_________________________________________________ remetem à cultura greco-romana. Os círculo, assim como os instrumentistas. Os tambores de
____________________________________________ tambores e outros instrumentos de diversos tamanhos, tocados com as mãos, são os instrumentos
c) Qual é a origem da música? percussão estão relacionados à cultura mais característicos do jongo. O maior se chama tambu e o
_________________________________________________ africana. As culturas tradicionais da África menor se chama candongueiro. Além deles, há a puíta, uma
_________________________________________________ são diversas e cada grupo étnico tem espécie de cuíca, e o guia.
_________________________________________________ peculiaridades e costumes que
_________________________________________________ influenciam a música que produzem. É
_________________________________________________ interessante destacar que a palavra
_________________________________________________ ritmada e a relação da música com o
_____________________________________________ cotidiano africano são características
d) Que estilos musicais você conhece? presentes em quase todos os grupos
_________________________________________________ desse continente. A música foi apenas
_________________________________________________ uma das heranças que os africanos
_________________________________________________ trouxeram para o Brasil. A tradição
_________________________________________________ musical africana dividiu-se em ritmos que
_________________________________________________ se tornaram muito populares, como o
_________________________________________________ maracatu, o jongo e o samba.
_________________________________________________
 32 - A MÚSICA: APRECIAÇÃO ESTÉTICA LEITURA DE IMAGEM. FOLHA 2 DE 3. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Agora que você conheceu um pouco sobre a origem da Os instrumentos musicais
música, seus instrumentos e suas influências, responda às Um instrumento musical é um objeto que produz sons e é criado pelo homem. É preciso bater, sacudir, friccionar, soprar ou
questões e faça a atividade: tocar o instrumento para que ele produza sons harmoniosos. Os instrumentos musicais podem ser classificados em três famílias:
a) Quais deusas da mitologia grega inspiraram a criação da corda, sopro e percussão. Um exemplo de instrumento de corda é o violino; de sopro, a flauta; e de percussão, os atabaques (de
palavra música? Por quê? origem africana e utilizados em diversos ritmos brasileiros). Os instrumentos da família de cordas que têm cordas friccionadas
_________________________________________________ por um arco (viola, violino, violoncelo, contrabaixo) pertencem à subfamília dos arcos. Os instrumentos de sopro produzem som
_______________________________________________ com o sopro humano e podem ser divididos em duas subfamílias: madeiras e metais. Todos os instrumentos de sopro, mesmo os
b) Por que a música brasileira tem influência africana de metal, que têm palheta de madeira, são da subfamília das madeiras. Palheta (ou bico do instrumento) é uma lâmina que vibra
marcante? Explique. quando o músico assopra. Nos instrumentos da subfamília dos metais, o esforço para produzir som é maior. Os músicos
_________________________________________________ movimentam os lábios, e as bochechas incham de ar. É necessário muito fôlego e técnica para produzir o som e as notas
_________________________________________________ pretendidas.
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_____________________________________________
c) Desenhe uma roda de jongo no espaço a seguir e use as
cores que desejar.

O artista carioca Heitor dos Prazeres (1898-1966) retratou cenas da dança e da música brasileiras em obras
bastante coloridas e luminosas. Veja duas delas. Considerando o que você aprendeu sobre os tipos de
instrumento musical e as obras de Heitor dos Prazeres, responda às questões.
a) Em qual obra vemos um
instrumento de corda?
______________________
______________________
b) De que família são os instrumentos retratados
na obra Pastora e dois sambistas?
______________________________________
___________________________________
c) Que estilo musical você acha que as pessoas
retratadas estão tocando?
______________________________________
___________________________________
Por quê?
 33 - A MÚSICA: APRECIAÇÃO ESTÉTICA LEITURA DE IMAGEM. FOLHA 3 DE 3. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Praticar a arte 1 - Apreciando os sons: Você
conheceu algumas características dos
instrumentos musicais. Agora vamos escutar os
sons que eles produzem e depois desenhá-los.
Material
 Papel sulfite;
 Lápis;
 CDs diversos ou arquivos de músicas em Mp3
que possuam o som de determinado
instrumento bem claro. Solos de violino, solos
de flautas, solos de piano, solo de saxofone etc.
 Aparelho de som ou reprodutores de áudio
Mp3
 Régua.

Instruções:
1. Com a régua, dividam a folha de papel sulfite
em quatro espaços iguais.
2. Você ouvirá quatro músicas que utilizam
diferentes instrumentos musicais, escolhidas
pelo professor.
3. Quando a primeira música começar a tocar,
tente identificar o instrumento que se
destaca.
4. Quando a música acabar, desenhe em dois
minutos o instrumento identificado.
5. Repita essa sequência até a quarta música.
6. Após ouvir as músicas e desenhar os
instrumentos, forme um círculo para verificar
se acertou.
7. Para dar mais capricho aos seus desenhos dos
instrumentos, melhore os traços usados e
aplique as cores que desejar. Não se esqueça
de escrever o nome do instrumento Praticar a arte 2 - Imitando os sons dos instrumentos: Nessa atividade, vocês terão de criar sons de instrumentos com a boca ou o corpo.
desenhado e a família na qual ele faz parte Materiais: Instruções:
(corda, sopro ou metal).  Pedacinhos 1. Sentem-se em círculo. O professor colocará no centro vários pedacinhos de papel com o nome de diversos instrumentos
de papel; musicais para serem sorteados.
 Roupas 2. Cada um deve retirar um pedacinho de papel.
confortáveis. 3. O aluno deverá imitar o som do instrumento escrito no papel sorteado. Caso não saiba, poderá convidar um colega a
ajudá-lo.
4. Os alunos deverão identificar o instrumento imitado. Aquele que acertar deverá escolher o próximo pedacinho de papel
ou indicar um colega para sortear.
 34 – O TEATRO: CONCEITUAÇÃO E EXERCÍCIO DE INTERPRETAÇÃO. PARTE 1 DE 3. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Observe as imagens a seguir:
Responda:
a) O que essas imagens mostram? O que mais te chamou a
atenção?
b) É possível identificar as personagens por seus trajes?
c) Você consegue perceber qual é a história da peça de
teatro?
d) O que é necessário para a encenação de uma peça de
teatro?
O Nascimento do teatro
Foi com os gregos, no final do
século VI a.C., que o teatro assumiu
uma forma parecida com a que
conhecemos hoje, com divisão de
cenas, personagens, conflitos e
localização. Antes ele já era
praticado por egípcios, indianos e
chineses. Uma das teorias mais
aceitas diz que o teatro, na Grécia,
nasceu das festas de celebração ao
deus Dionísio.
Nelas, as pessoas se fantasiavam e, em procissão, cantavam
músicas que narravam a vida do deus da fertilidade. No início
do teatro havia apenas música e o coro. Mais tarde surgiu o
ator, que dialogava com o coro e com o público. Apenas os
homens podiam participar do teatro grego e faziam tantos
papéis masculinos como femininos. Como as peças eram
encenadas em grandes espaços, os atores usavam máscaras e
coturnos, um tipo de sapato que os deixavam mais altos, para
que o público os enxergasse melhor. As máscaras, além de
indicar o papel que o ator representava, ajudavam a projetar a
voz pela abertura localizada na altura da boca. Ao bater nas
paredes de pedra do teatro, a voz do ator era amplificada.
Os textos da tragédia grega, faziam as pessoas refletir sobre seus problemas e, a partir deles,
obter ensinamentos para aplicar na vida cotidiana. As tragédias sempre se inpiravam em
temas mitológicos.
Sofrimentos e morte eram os castigos que as personagens tinham de enfrentar para se redimir
dos erros cometidos. Textos trágicos como Édipo rei, de Sófocles, e Medeia, de Eurípedes,
encantaram os gregos nos festivais dramáticos do século V a.C. Já a comédia grega criticava os
costumes da sociedade e nem sempre se baseava em temas mitológicos.
a) É correto afirmar que o teatro nasceu na Grécia? Por quê?
b) Você já foi ao teatro? Em sua opinião, a encenação teatral atual é muito diferente da
realizada na Grécia Antiga?
Você viu a imagem de uma cena da peça O segredo da arca de Trancoso, do dramaturgo e ator pernambucano Luiz
Felipe Botelho. O espetáculo teatral é sustentado por uma história a ser contada. O enredo dessa peça teve por
base o texto do autor português do século XVI Gonçalo Fernandes Trancoso, que ficou famoso por suas histórias de
mistério e ação, repletas de animais falantes e seres fantásticos e inspiradas em contos orais. O segredo da arca de
Trancoso conta a história de um menino encarregado, por uma misteriosa senhora, de levar a arca até seu dono.
Despertando a curiosidade do menino e de todos que a veem, a arca revela um conteúdo diferente a cada pessoa
que a abre.
Observe a primeira cena dessa peça - Cena I K’Temeré – Isso não lhe interessa.
De como K’Temeré escolhe uma criança para levar a arca ao seu Menino – É que se for alguma coisa de valor talvez eu corra
destino (Em sua velhice imponente, K’Temeré sai de casa varrendo perigo.
as redondezas com o olhar. Localizado o escolhido, a voz da anciã sai K’Temeré – Perigo é se perder com o que não é da sua conta.
clara e decidida.)
Não tente abri-la para ver o que tem dentro, entendeu? Sua
K’Temeré – Menino! Menino! É você mesmo? Venha cá! missão é devolver a arca e nada mais.
(O pirralho chega às pressas, prestativo, resfolegante. Botilde e
Menino – Não posso nem dar uma olhadinha de nada?
Matilde observam tudo, às escondidas.).
K’Temeré – Este é o perigo. Não se atreva! É bom que você saiba
Menino – Senhora?
de uma coisa: a partir de agora, enquanto essa arca não chegar
K’Temeré – Preciso de você para fazer um trabalho muito
aonde tem que chegar, você não conseguirá encontrar o
importante.
caminho de sua casa. Ouviu bem?
Menino – A senhora precisa de mim?
Menino – Ouvi... E se tentarem me atacar para levar a arca?
K’Temeré – Sim.
K’Temeré (saindo) – Use a inteligência.
Menino – Então me diga, dona K’Temeré, o que é que eu
Menino – Ah, dona K’Temeré, a quem é que vou entregar a
tenho que fazer?
encomenda? A senhora não disse.
K’Temeré – Devolva esta arca a quem ela pertence. Siga pelo
Caminho das Cachoeiras. O dono da arca estará esperando no K’Temeré – Entregue ao dono, ora essa.
fim da estrada. Aí, é só entregar a encomenda e a tarefa Menino – Sim, mas quem é o dono? Qual é o nome dele? Como
estará encerrada. eu vou saber quem é?
Menino – Não é muito longe? K’Temeré – Saberá na hora certa, no fim da estrada. Quando
K’Temeré – A distância é bobagem. você se encontrar com ele, saberá quem é.
Menino – Sou muito criança. Não sei se vou conseguir chegar K’Temeré (enérgica) – Vá embora! Faça o que tem que fazer!
(O Menino hesita alguns instantes, olha para o caminho a ser percorrido,
se for longe demais. respira fundo e sai, num rompante. Botilde e Matilde
K’Temeré – Já tem idade suficiente. Agora pegue a arca e vá! saem com cautela do lugar onde estavam e avançam para o ponto em
Menino (pegando a arca) – O que tem aqui dentro? que o Menino estava.)
 35 – O TEATRO: CONCEITUAÇÃO E EXERCÍCIO DE INTERPRETAÇÃO. PARTE 2 DE 3. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Agora que você já leu uma parte da história, responda às
questões e faça a atividade a seguir:
a) Qual foi a base do enredo da peça O segredo da arca de
Trancoso?
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_______________________________________________
___________________________________________
b) Qual é a história da peça?
_______________________________________________
_______________________________________________
____________________________________________
c) Quais personagens aparecem na primeira cena?
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___________________________________________
d) Com base no texto, como é a personagem K’Temeré?
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_______________________________________________
___________________________________________
e) Em que lugar se passa essa cena?
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_______________________________________________
___________________________________________
f) Um dos grandes mistérios da peça é o conteúdo da arca.
No enredo, cada personagem vê o que gostaria de
encontrar no interior dela. Em sua opinião, o que há
dentro da arca? Desenhe no espaço a seguir.
O gênero dramático
Gênero dramático é a literatura escrita especialmente para o
teatro, com cenas e falas de cada personagem. Para o diretor
montar a peça, o texto deve conter as informações necessárias,
com características específicas, tais como: divisão de cenas:
facilita os ensaios da peça e indica mudanças de cenário e/ou
entrada de personagens; rubricas: são frases entre parênteses;
indicam as ações das personagens ou as emoções de cada fala;
personagens: são as condutoras da história. Sem elas, uma
peça de teatro não pode ser montada. São representadas por
atores escolhidos pelo autor ou diretor da peça; conflito: a
partir dele se cria o enredo da peça teatral, é sua trama central;
localização: indica onde e quando a história está situada. Às
vezes, o dramaturgo não fornece informações precisas sobre a
localização. Nesse caso, o diretor escolhe o lugar mais
apropriado para a encenação, pois conhece toda a história.
O teatro é uma manifestação artística coletiva que precisa do
esforço e da criatividade de diferentes profissionais. A partir do
texto da peça e da ideia do diretor do espetáculo, são criados
os cenários, os figurinos, a maquiagem das personagens, a
música e a iluminação.
As duas imagens a seguir registram diferentes espetáculos
teatrais:
Considerando as duas cenas reproduzidas, responda às
questões:
a) Uma história é contada com personagens interpretadas por
atores, mas, às vezes, pode ser apresentada utilizando-se
outro recurso. Qual é esse recurso e em qual dos dois
espetáculos ele é usado?
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_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
b) Quais elementos teatrais facilitam a identificação das
personagens e o trabalho dos atores?
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_________________________________________________
______________________________________________
c) Se pudesse assistir a um desses dois espetáculos, qual
escolheria? Por quê? Converse com os colegas e com o
professor e registre sua resposta.
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____________________________________________
 36 – O TEATRO: CONCEITUAÇÃO E EXERCÍCIO DE INTERPRETAÇÃO. PARTE 3 DE 3. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
O teatro de animação Praticar a arte 1: Criando fantoches de meia. Uma história pode ser contada por personagens inanimadas. Vamos criar uma
No teatro de animação, o foco está no objeto inanimado e não personagem com uma meia.
no ator. Objeto inanimado é qualquer matéria sem vida que, Material
em cena, representa a personagem, as ideias abstratas ou os
conceitos. Esses objetos inanimados podem ser:
 Fantoches: bonecos que ganham vida com os
movimentos da mão ou dos dedos do ator;
 Marionetes: bonecos manipulados por fios invisíveis
presos na mão de uma pessoa. Às vezes é preciso mais de
uma pessoa para manipulá-los, dependendo de seu
tamanho ou movimentos.
A origem dos fantoches está relacionado as marionetes, que
desde a idade média fazia parte da encenação das histórias da
Bíblia. Na China, Egito Antigo, Grécia e Roma, as marionetes
eram comuns e deram então origem aos fantoches e dedoches.
Acreditava-se que tudo tinha alma e que a peça teatral tinha
poderes mágicos e era sagrado. Hoje, mundialmente conhecido
o fantoche recebe muitos nomes dependendo do país.
Portugal, Espanha, Alemanha, França, Itália, Rússia e Inglaterra
são exemplos de regiões onde ele foi bem difundido. No Brasil
as marionetas de luva também são bastante populares. No
nordeste, por exemplo, ele costuma ser chamado de
mamulengo. Aqui sua data é comemorada em 9 de maio, o Dia
do Fantoche. Algo que ajudou na disseminação dos fantoches
no Brasil foram os programas de televisão que frequentemente
usam deste tipo de arte para dar vida a seus personagens.
Shows infantis e e programas também usam desse artifício. Um
bom exemplo é o Louro José do programa “Mais Você” ou o
Ratinho do “Programa do Ratinho”.
 Uma meia de adulto;
 Papelão;
 Cola quente ou de tecido;
 Adereços (lantejoulas, miçangas, purpurina);
 Botões de vários tipos e tamanhos;
 Palha de aço;
 Algodão;
 Canudinhos plásticos;
 Tinta para tecido.
Instruções:
1. Pensem nas características físicas do boneco: homem, mulher, adulto ou criança.
2. Coloquem um pedaço de papelão dentro da meia para um lado não grudar no outro.
3. Colem os adereços para formar cabelos, olhos, nariz, boca e orelhas do boneco. Usem a tinta para tecido para criar os
detalhes, se preferirem. Os materiais devem ser usados de acordo com as características da personagem a ser criada.
Os cabelos podem ser feitos com palha de aço, lã, algodão, canudinhos plásticos ou retalhos de tecidos. Para os olhos,
usem botões, tampinhas de garrafa, lantejoulas ou miçangas. Quanto mais materiais tiverem, mais criativo será o
boneco.
4. Ao finalizar a confecção do boneco, vejam a produção dos outros colegas e pensem na possibilidade de criar uma
pequena história em que todos os bonecos criados pela turma sejam as personagens.
Praticar a arte 2: Criando desenhos de figurinos para peça teatral.
Um dos profissionais envolvidos em uma peça teatral é o figurinista, responsável pela criação das roupas que dão vida às
personagens. A partir da cena do espetáculo O segredo da arca de Trancoso ou de outra história sugerida pelo grupo, crie
propostas de figurino para as personagens.
Material
 Papel sulfite ou Canson;
 Lápis de cor, giz de cera ou canetinhas;
 Lápis 6B;
 Papel color set para servir de moldura e expor os desenhos.
Procedimentos
1. A partir da cena ou peça escolhida, criem desenhos de figurinos
que poderiam ser usados pelos atores do espetáculo. Lembrem-
se de que o figurino deve estar de acordo com o estilo do texto
teatral, o local de encenação da peça e as características da
personagem.
2. Antes de começar a desenhar e a pintar, analisem bem essas
informações.
 37 – A DANÇA: CONTEXTUALIZAÇÃO, APRECIAÇÃO E EXERCÍCIOS. FOLHA 1 DE 3. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Observe a imagem da obra “A Dança”, do artista Henri
Matisse, pintada em 1910:
a) O que mais chama sua atenção na imagem?
_________________________________________________
_________________________________________________
b) Que tipo de dança é ilustrada pelo artista? Por que você
acha isso?
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_________________________________________________
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_________________________________________________
c) Onde e quando surgiu a dança? Por que as pessoas
dançam?
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_________________________________________________
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d) Você gosta de dançar? Quais são seus ritmos preferidos?
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_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
O nascimento da dança
O ser humano já dançava desde a Pré-História. Antes mesmo de articular palavras ou
produzir sons, ele movimentava o corpo para expressar emoções e necessidades. Os
primeiros registros de dança datam dos períodos Paleolítico e Neolítico e mostram homens
e mulheres dançando desordenadamente até formar um círculo. É possível que o pintor
francês Henri Matisse (1905-1954) tenha se inspirado nesses registros para criar uma de
suas obras mais conhecidas: “A dança”. O ser humano das cavernas utilizava a dança como
forma de se relacionar com a natureza, acreditando, inclusive, no poder de influência dessa
expressão nos fenômenos naturais.
Ele dançava em volta de uma fogueira para mostrar sua reverência ao
poder da luz e para que o sol continuasse a brilhar. Dançava também para
imitar os movimentos dos animais, com a finalidade de atraí-los para o
abate na caça. Nas grandes civilizações antigas, como a egípcia, a grega, a
romana e a indiana, ou nos reinos africanos, muitas vezes se usava a
dança na expressão dos ritos religiosos ou nas grandes comemorações.
No Egito, os dançarinos faziam parte de uma classe especial, e suas
roupas, quando usavam, eram bastante simples. Os movimentos eram
geralmente simétricos, acompanhados por palmas e realizados em duplas
ou grupos. Para os gregos, a dança tinha função religiosa, mas também
era utilizada no treinamento militar, na educação infantil e nas festas.
Os movimentos da dança seguiam regras da função a que se destinavam. As
danças religiosas eram realizadas em cortejo, com movimentos ágeis e, às vezes,
bruscos. As danças dionisíacas, em homenagem ao deus Dionísio, eram realizadas
por mulheres. Nas danças de Apolo, os saltos e movimentos de luta eram
realizados por homens. Antonio Canova, escultor italiano do século XVIII, retratou
em diversas obras cenas das prováveis danças gregas a partir de um rigoroso
estudo sobre a cultura clássica desse povo. Atualmente, algumas culturas ainda
relacionam a dança a rituais religiosos, como as indianas e africanas.
Outras culturas usam a dança como arte e lazer. A disseminação dos estilos e das técnicas de dança ampliou tanto a apreciação
dos espetáculos como o acesso ao universo da dança. Do erudito ao popular, todos podem explorar o prazer do movimento e do
ritmo.
Praticar a arte 1: Responda às questões com base no que você aprendeu sobre a dança.
a) De quando datam os primeiros registros sobre a dança? O que esses registros relatam?
_____________________________________________________________________________________________________
_____________________________________________________________________________________________________
_____________________________________________________________________________________________________
b) Qual é a relação da dança de um povo com o lugar onde ele vive? Explique.
_____________________________________________________________________________________________________
_____________________________________________________________________________________________________
_____________________________________________________________________________________________________
c) Crie uma ilustração a partir de uma dança da Antiguidade. Para enriquecer seu desenho, aproveite as informações
adquiridas sobre a civilização escolhida.
 38 - A DANÇA: CONTEXTUALIZAÇÃO, APRECIAÇÃO E EXERCÍCIOS. FOLHA 2 DE 3. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Dança e cidadania Praticar a arte – Lendo e interpretando imagens: Observe as imagens a seguir que mostram duas danças típicas do Brasil.
Aprendemos que os gregos utilizavam a dança para educar
jovens e crianças.
Hoje, várias companhias
de dança ou coreógrafos
brasileiros e estrangeiros
utilizam a dança para que
crianças, jovens e adultos
exerçam plenamente sua
cidadania.
Na região metropolitana de Belo Horizonte, o renomado Grupo
Corpo criou o Projeto Sambalelê, que atende mais de 600
crianças e jovens que nunca tiveram acesso ao mundo da
dança.
Em São Paulo, o Ballet Stagium
desenvolve diversas ações utilizando
a dança como instrumento de
inclusão social. O coreógrafo
paulistano Ivaldo Bertazzo criou o
Projeto Cidadão Dançante.
Seu objetivo é conscientizar e reeducar as pessoas sobre seus
movimentos mais corriqueiros, mostrando que todos podem
dançar e usar o corpo de forma expressiva, artística e saudável.
a) Quais tipos de movimento caracterizam o frevo e o xote? Explique.
O universo da dança é muito vasto. Cada país tem danças _______________________________________________________________________________________________________
específicas, que contam um pouco da origem e da cultura de _______________________________________________________________________________________________________
seu povo. O Brasil tem muitas danças populares, por ser um _______________________________________________________________________________________________________
país de grande diversidade cultural. As manifestações artísticas _______________________________________________________________________________________________________
que chamamos de populares são criadas pelo povo ou _______________________________________________________________________________________________________
inspiradas nele. Cada região do país e seus respectivos
_______________________________________________________________________________________________________
habitantes têm danças próprias e características. Elas têm
origens diferentes: religiosas, profanas (não religiosas), _______________________________________________________________________________________________________
folclóricas, tradicionais ou modernas. Na região Nordeste, há b) Como é a música que embala essas danças?
uma grande variedade de ritmos, como o frevo, que surgiu em _______________________________________________________________________________________________________
Pernambuco. A região Sul tem as danças gauchescas, como o _______________________________________________________________________________________________________
xote, uma manifestação cultural típica da região. _______________________________________________________________________________________________________
_______________________________________________________________________________________________________
_______________________________________________________________________________________________________
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_______________________________________________________________________________________________________
c) Cada dança apresenta figurinos característicos. Faça uma colagem com recortes de revista criando uma dessas roupas.
 39 - A DANÇA: CONTEXTUALIZAÇÃO, APRECIAÇÃO E EXERCÍCIOS. FOLHA 3 DE 3. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Praticar a arte 1 - Explorando elementos espaciais: Seja qual Praticar a arte 2 - Explorando elementos espaciais em um desenho: Você aprendeu que os movimentos de dança podem ter
for o ritmo, a dança sempre fará uso de movimentos e direções sete direções. Nessa atividade, vamos explorá-los de outra forma.
no espaço. Nessa atividade, vamos explorar as sete Materiais: Instruções:
possibilidades de direção na dança. Antes, vamos conhecê-las.
 Papéis diversos para recorte e colagem; 1. Crie uma imagem com recortes de revista, pintura com lápis, giz ou canetinha,
O movimento pode ser dirigido: (1) para frente; (2) para trás;
 Papel sulfite ou Canson; explorando as possibilidades de movimento em dança, como zigue-zagues,
(3) para os lados; (4) na diagonal; (5) em círculo; (6) para cima; ângulos retos, quadrados e arcos.
(7) para baixo. Ou ainda em combinações desses padrões  Tesoura; 2. Como você usará papel e não o corpo tente fazer uma imagem que passe a
(ziguezague, ângulos retos, quadrados, arcos etc.).  Cola;
 Lápis de cor, canetinha ou giz de cera. sensação de movimento. Para isso, use linhas curvas, inclinadas e onduladas.
Materiais:
 Roupas e calçados confortáveis, apropriados para atividades
físicas.
 Aparelho de som ou reprodutores de arquivos de áudio Mp3.
 CDs diversos ou arquivos de áudio Mp3 com músicas
diversas.
Instruções:
1. Formem grupos de sete pessoas. Esse número facilitará a
realização da tarefa. Cada aluno ficará com uma
possibilidade de direção do movimento.
2. Cada integrante poderá inventar um tipo de movimento,
desde que a direção definida seja respeitada.
3. Todos terão um tempo maior para mostrar e ensinar aos
outros integrantes do grupo os movimentos criados.
4. Vocês apresentarão o resultado das criações à turma.
Portanto, serão artistas e espectadores.
5. O professor escolherá uma música apropriada para
acompanhar a apresentação dos grupos. No primeiro
ensaio, não se preocupem com o ritmo da música, apenas
tentem acertar a sequência dos movimentos criados.
6. Após o ensaio inicial, cada grupo terá mais tempo para
adaptar a sequência coreográfica ao ritmo da música da
apresentação.
7. Realizem a última apresentação, agora com movimentos e
música no mesmo ritmo.
 40 – CONHECENDO O ARTISTA: KIMMY CANTREL – APLICAÇÃO DE COR NA MÁSCARA. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Kimmy Cantrell descobriu sua Ele também usou seus nus e rostos como uma
visão artística no ensino médio plataforma para comentários políticos e sociais. Seus
quando se apaixonou por barro títulos são notáveis, pois muitas vezes são poderosos e
em uma aula de arte. Depois que pungentes, refletindo tempos turbulentos. Seu trabalho
seu primeiro vaso construído à foi exibido em galerias, festivais e museus
mão foi escolhido para exibição nacionalmente, bem como representado em coleções
no conselho local de educação, particulares no exterior.
seu professor sugeriu que ele Praticar a arte – Experimentação prática a partir das máscaras de Kimmy Cantrel: Observe o modelo em papelão apresentado a
estudasse arte na faculdade. seguir. Com o uso do seu material de arte (lápis de cor, canetinha ou giz de cera etc) aplique as cores na máscara.
Em vez disso, decidiu estudar negócios na Georgia State
University e passou quinze anos em gestão de distribuição. Em
1991, ele aceitou um emprego em Tifton, uma pequena cidade
rural há quatro horas ao sul de Atlanta. Foi lá, depois de quase
vinte anos, ele decidiu se reconectar com o barro. Primeiro,
havia vasos, depois tigelas com faces, levando a colagens de
argila. A evolução autodidata de sua arte continua até hoje.
Kimmy Cantrell gosta de
desenvolver novas variações em
vários temas recorrentes: rostos,
naturezas-mortas, nus e peixes.
Kimmy usa muitas formas para
contar suas histórias, desde
esculturas autônomas até colagens
de natureza morta. Ele usa
assimetria para desafiar as
definições tradicionais de beleza.
"Eu quero mostrar a beleza dentro
de falhas", explica ele.
"Imperfeições contam histórias que
são muito mais atraentes do que a
perfeição."
Por meio de suas flores e
peixes fragmentados, por
exemplo, ele relata boas
lembranças de infância de
sua avó (Bama), que foi uma
figura muito importante em
sua criação. Bama ensinou a
Kimmy lições de
perseverança, vivendo
dentro de seus meios e
como ser responsável por
seu próprio sucesso.
 41 – EXPERIMENTAÇÃO PRÁTICA NA OBRA DE LUIZ SACILOTTO. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Luiz Sacilotto soube explorar em suas telas os conceitos do concretismo, que
inclusive surgiram como oposição ao abstracionismo. No concretismo um
elemento pictural significa apenas ele mesmo e, consequentemente, a tela
não possui outra significação que ela própria. Por isso nas obras de Sacilotto
temos as ambivalências entre o positivo e negativo, o princípio da
equivalência entre figura e fundo, a igualdade medida entre o cheio e o
vazio, além de utilizar como matéria-prima para as criações coisas não
convencionais, como esmalte, madeira compensada, chapas de cimento-
amianto, latão, alumínio e ferro. Mais tarde incorpora novos elementos,
impõe ritmo à obra por meio de intervalos regulares que se formam pela
alternância de linhas e cores, com base em regras de simetria invertendo o
positivo-negativo. Criando telas completamente concretas.
Praticar a arte: Observe a imagem da obra a
seguir. Através de recorte e colagem de papéis
coloridos diversos, assim como texturas variadas,
como tecidos e materiais reciclados, como
pedaços de plástico etc. recrie a composição de
Luiz Sacilotto.
 42 – EXPERIMENTAÇÃO PRÁTICA - ROSÁCEA GEOMÉTRICA PLANA. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
A rosácea teve origem na Praticar a arte: Observe o passo a passo e com o uso da régua construa sua rosácea. Aplique as cores que desejar.
arquitetura romana
transformando-se em janela
durante o período românico.
Acompanhando, em meados do
século XII, o desenvolvimento
do gótico e as suas inovações
técnicas, em que ao direcionar
e distribuir o peso pelas
abóbadas e pelos contrafortes
se torna possível “abrir”
grandes vãos de parede à
entrada da luz, a rosácea acaba
por aumentar
consideravelmente as suas
dimensões.
Nas suas primeiras aparições surge sob um arco circular, como são exemplo
disso as rosáceas da Catedral de Mantes, da Catedral de Notre-Dame de
Paris, da Catedral de Laon e da Catedral de Chartres e, mais tarde, sob um
arco quebrado, como se observa na Catedral de Reims. Em seguida passa a
ser inscrita num quadrado, como no extremo sul do transepto da Catedral
de Notre Dame em Paris e uma última transformação remete ainda a
rosácea para o centro de uma composição de janelas, cobrindo a totalidade
da fachada do transepto, como se pode constatar na Catedral de Rouen. No
gótico flamejante (gótico tardio) as subdivisões de pedra da rosácea
passam a ter um desenho rendilhado de curvas extremamente intrincado
(traceria).
 43 – TESSELAÇÕES: CONCEITUAÇÃO E EXPERIMENTAÇÃO PRÁTICA. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Uma tesselação, uma pavimentação ou um mosaico é um
recobrimento de uma superfície bidimensional (um plano)
tendo por unidades básicas alguns polígonos, congruentes ou
não, de modo que não existam espaços entre os ladrilhos (os
polígonos), nem sobreposições. A superfície considerada por
ser finita ou infinita, sendo possíveis generalizações para
dimensões mais elevadas.
Maurits Cornelis
Escher produziu
obras de arte onde
aparecem
tesselações com
alguma frequência.
Ao longo da história
de arte, encontram-
se tesselações desde
a arquitetura antiga
até a arte moderna.

Praticar a arte – Criando tesselações com figuras geométricas:

Escolha diferentes figuras geométricas para criar no espaço ao
lado sua tesselação. Utilize a régua para criar a estrutura e
aplique as cores que desejar.
 44 – AS CORES: APRECIAÇÃO E EXPERIMENTAÇÃO ARTÍSTICA. FOLHA 1 DE 2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Observe a imagem da obra “Composição IX”, de Wassily
Kandinsky. Feita em 1936:
a) Quais cores você identifica no quadro?
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
b) Essas cores são frias ou quentes?
_________________________________________________
_________________________________________________
c) Existem cores secundárias na imagem? Quais?
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
d) Essas cores transmitem alguma coisa a você? O quê?
_________________________________________________
_________________________________________________ de sua obra.
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
As cores
Os artistas estudam minuciosamente as possibilidades das cores por saberem que
elas exercem uma grande atração sobre o espectador, despertando-lhe sensações e
interesses. Nas artes visuais, o uso das cores é fundamental. É necessário conhecer a
formação e a classificação das cores para criar efeitos visuais a partir delas. O círculo
cromático mostra as combinações possíveis com as cores primárias, secundárias e
terciárias. As cores primárias são o azul (ciano), o vermelho (magenta) e o amarelo. O
laranja, o violeta e o verde são formados a partir de duas cores primárias. Por isso
fazem parte da família das cores secundárias. As cores terciárias são formadas por
uma cor primária e uma secundária. Também são chamadas de cores intermediárias.
As terciárias são vermelho alaranjado, laranja avermelhado, laranja amarelado,
amarelo alaranjado etc. Nos lados opostos do círculo cromático, observamos as cores
complementares. Elas são usadas para gerar muito contraste, por isso são as
preferidas em obras que buscam despertar atenção e obter luminosidade. Algumas
cores chamam mais a atenção do que outras. Pela impressão que nos causam, são
classificadas em frias ou quentes.
As cores quentes lembram calor, fogo, sol, atividades agitadas e animadas, como os tons
avermelhados, amarelados, alaranjados e marrons. Na obra “Mulher com bola”, o pintor
americano Roy Lichtenstein (1923- 1997) usou cores quentes. Ao contrário das quentes, as
cores frias lembram a água e o gelo e nos transmitem a ideia de paz, tranquilidade e harmonia,
como os tons azulados, esverdeados e violeta.
O pintor francês Claude Monet (1840-1926) produziu muitas
obras que despertam essas sensações. As cores terrosas
recebem esse nome porque são parecidas com os tons de
terra. Fazem parte desse grupo todas as cores que se
originam do marrom. O preto e o branco são cores neutras
porque podem ser empregados com todas as cores para
obter tons mais claros ou escuros.
O branco é o resultado da junção de todas as cores, e o preto é a ausência delas. Quanto
maior o domínio técnico do artista no emprego das cores, maior será o potencial expressivo
Agora que você relembrou a riqueza das cores, faça as atividades a seguir.
a) Por que é importante conhecer a teoria das cores para a criação de trabalhos artísticos?
__________________________________________________________________________________________________
__________________________________________________________________________________________________
b) Utilizando o círculo cromático, mostre quais são as cores complementares do vermelho, do amarelo e do azul.
__________________________________________________________________________________________________
__________________________________________________________________________________________________
__________________________________________________________________________________________________
c) O uso das cores quentes ou frias sugere determinadas emoções ou ideias. As cores quentes estão ligadas a situações
mais alegres, e as frias lembram situações melancólicas ou tristes. Com base nessas informações, crie um desenho no
seu caderno.
 45 - AS CORES: APRECIAÇÃO E EXPERIMENTAÇÃO ARTÍSTICA. FOLHA 2 DE 2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
O artista suíço Paul Klee (1879-1940) e o pintor russo Wassily Kandinsky (1866-1944)
foram grandes mestres do uso das cores em suas obras e importantes professores de
arte. Eles foram dois dos principais integrantes da Bauhaus, escola alemã de design e
arquitetura que funcionou entre 1919 e 1933. Em suas aulas, estimulavam os alunos a
explorar todas as potencialidades expressivas das cores, a partir do domínio do círculo
cromático e da observação das cores na natureza. Observe com atenção uma obra de
cada um desses artistas.
Praticar a arte - Apropriando-se da obra de Kandinsky: O artista Wassily Kandinsky emprega as cores
secundárias para dar brilho e beleza às suas obras. Agora que você sabe quais são essas cores, utilize-
as na criação de uma obra inspirada em Kandinsky.
Materiais: Instruções:
 Folha de papel canson, caixa de pizza 1. Em suas obras, Kandinsky utilizou formas geométricas e abstratas
ou papel color set (para a base do para explorar as cores. Partindo dessa ideia, use papéis coloridos
trabalho); recortados para criar as formas desejadas. Você poderá usar
 Tesoura; papéis de bombons, de balas e figurinhas adesivas para criar
 Cola bastão; efeitos de brilho e luminosidade na obra.
 Páginas coloridas de revista; 2. Não se esqueça de que o objetivo da atividade é o uso das cores
 Diversas folhas de papel espelho; complementares em imagens que lembrem a obra da artista.
 Papel celofane; Antes de começar a colar os papéis, coloque um em cima do outro
e observe quais são as melhores opções, aquelas que ficam mais
 Embalagens de bombom e bala;
 Adesivos diversos. bonitas e criativas. Cole as imagens na base escolhida para o
trabalho (caixa de pizza, papel canson ou color set).

Responda às questões a seguir, considerando as obras dos dois artistas e o que você
aprendeu sobre a classificação das cores.
a) Quais cores predominam nas obras “Morte e fogo”, de Paul Klee, e “Amarelo-
vermelho-azul”, de Kandinsky?
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_____________________________________________________________________
_____________________________________________________________________
_____________________________________________________________________
b) Em qual das duas obras o artista usou cores complementares? Explique.
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c) De qual obra você mais gostou? Por quê?
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 46 – A TÉCNICA PONTILHISTA: APRECIAÇÃO E PRÁTICA ARTÍSTICA. FOLHA 1 DE 2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Observe a imagem a seguir da obra “O canal de Gravelines”, 1890, de A técnica pontilhista
Georges Seurat: No século XIX, na França, surge o impressionismo. Artistas como Claude Monet (1840-1926) e Pierre Auguste Renoir
(1841-1919) pintavam cenas ao ar livre, mostrando os efeitos da luz sobre as cores. Mas outros pintores, como o francês
Georges Seurat (1859-1891), apresentavam maneira diversa de conseguir esses efeitos: a técnica pontilhista. Essa técnica
consiste em aplicar pontos minúsculos de cor pura, ou seja, sem mistura, por todo o espaço da tela. Georges Seurat
gostava do efeito obtido com o uso das cores complementares, colocadas lado a lado. Os pontos geram um efeito de
mosaico granulado, formando as imagens quando observamos a tela a certa distância. Baseando-se em estudos da óptica
para empregar sua técnica, Seurat criava um quadro a partir de rigorosos cálculos matemáticos e da combinação de
cores. Em vez de misturar as cores, ele fazia uma justaposição delas, de modo que se conservassem puras na tela e se
combinassem apenas na retina do espectador.
A obra de Monet registra
os efeitos da luz e do
reflexo do sol sobre a
natureza e os objetos,
como podemos observar
em Impressão: sol
nascente, primeira tela
do movimento
impressionista.
Em “O canal de Gravelines”, de Seurat, o foco não está nos reflexos do sol, e sim na luminosidade produzida pela mistura
das cores. Na tela impressionista, as pinceladas são rápidas e sinuosas; na pontilhista, os pontos são pintados lenta e
a) O que mais chamou sua atenção na imagem? calculadamente. Os pintores impressionistas rejeitaram as obras pontilhistas criadas por Seurat. Sua obra mais famosa,
______________________________________________________ “Uma tarde de domingo na ilha de La Grande Jatte”, foi exposta em 1886, no Segundo Salão dos Independentes, em Paris,
______________________________________________________ e causou grande rejeição entre os outros artistas. Os críticos disseram que se tratava de uma pintura sem
______________________________________________________ espontaneidade, mostrando pessoas sem vida que mais pareciam figuras de cera. Esse quadro dispõe, com rigor
b) Como as cores são trabalhadas? Dá para notar as pinceladas do matemático, as linhas verticais, como as linhas que formam as árvores, as personagens em pé e deitadas, representadas
pintor? na ordem das pessoas espalhadas pelo parque e na divisão das tonalidades das cores.
A cena foi criada a partir da mulher com a sombrinha
_________________________________________________ vermelha, que segura pela mão uma menina. Esse ponto é
_________________________________________________ o centro calculado da composição da obra. Seurat
_________________________________________________ trabalhava com as emoções que as cores despertam.
c) Você consegue perceber qual foi a técnica empregada pelo pintor Para ele, as cores quentes eram ideais para retratar cenas
alegres e movimentadas. Já as frias eram melhores para
nessa obra?
as cenas tristes e melancólicas. A junção das duas
______________________________________________________ (quentes e frias) era ideal para retratar momentos de
______________________________________________________ descontração. Essa aplicação das cores é percebida tanto
______________________________________________________ na obra “Uma tarde de domingo na ilha de La Grande
d) Conhece algum lugar parecido com esse? Onde? Jatte” como em “O canal de Gravelines”.
______________________________________________________
______________________________________________________
______________________________________________________
 47 - A TÉCNICA PONTILHISTA: APRECIAÇÃO E PRÁTICA ARTÍSTICA. FOLHA 2 DE 2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Praticar a arte 1: Agora que você aprofundou seus Praticar a arte 2: Com canetas hidrográficas coloridas, crie um desenho em seu caderno aplicando a técnica pontilhista.
conhecimentos sobre o pontilhismo, responda às questões e
faça a atividade a seguir.
a) O pontilhismo surgiu após outro movimento artístico. Qual
foi ele? Quais foram os principais artistas desse
movimento?
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
b) O que diferencia os dois movimentos?
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
c) Qual é a obra mais importante do artista pontilhista
Georges Seurat e por que ela causou tanta polêmica no
Salão dos Independentes?
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
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_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
 48 – EXPERIMENTAÇÕES ARTÍSTICAS A PARTIR DA TÉCNICA PONTILHISTA. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Paul Signac (1863-1935) foi outro
importante pintor pontilhista.
Inicialmente usou a técnica
impressionista em suas obras, mas, ao
conhecer a obra de Georges Seurat,
transformou-se em seu maior defensor e
discípulo. É clara a influência exercida
pelo mestre pontilhista na produção
artística de Paul Signac. Observe com
atenção duas obras desse artista.
Agora que você conheceu algumas obras de Paul Signac,
responda às questões e faça a atividade a seguir:
1. Em qual das duas imagens é possível perceber mais
claramente o uso dos tons das cores propostas por Seurat?
Explique.
_________________________________________________
_________________________________________________
2. Se pudesse fazer uma mudança em uma das obras, qual
delas você escolheria? O que mudaria? Converse com os
colegas e o professor e transcreva sua resposta.
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
3. Escreva a ficha técnica da obra que mais gostou.
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
4. Recrie, em uma folha de papel avulsa, a obra escolhida,
com as mudanças que deseja fazer.
O uso dos pontos na arte
contemporânea
Artistas contemporâneos utilizam os pontos
como recurso para criar uma obra. A
americana Whitney Lee (1980-), por exemplo,
criou um tapete felpudo com estampas de
moças que, vistas a certa distância, lembram
a técnica pontilhista. Na exposição, os
espectadores são convidados a tocar a obra
para sentir sua maciez.
Há artistas que utilizam pontos de tamanhos
variados para sombrear, delinear ou
contornar as imagens. Sombrear é criar com
pontos a sensação de claro e escuro. Delinear
é esboçar os detalhes da figura. Contornar é
delinear apenas o contorno principal do
desenho. Dependendo da forma como esses
processos são utilizados, os resultados serão
bem diferentes. Observe como o pintor
brasileiro Di Cavalcanti utilizou esse recurso.
Praticar a arte 1 - Pintando com guache a partir da técnica pontilhista: Você viu
como os artistas pontilhistas usavam as cores em suas obras. Agora é sua vez de
experimentar essa técnica.
Materiais:
 Tinta guache nas cores primárias (vermelho, azul e amarelo) e neutras
(branco e preto);
 Palito de sorvete para misturar as tintas;
 Pincéis chatos em tamanhos variados;
 Pote com água para lavar os pincéis;
 Embalagem de ovos vazia ou potes de iogurte para misturar as tintas;
 Papel canson A3 ou placa de papelão.
Instruções:
1. Após organizar o material, crie uma imagem no papel canson A3 ou na placa
de papelão. O tema poderá ser livre ou inspirado em uma das obras
apreciadas.
2. A pintura com a técnica pontilhista é lenta porque exige atenção e cuidado,
mas não desanime. É importante lembrar que os pontilhistas utilizavam as
cores contrastantes e as tonalidades para realçar a luz em suas obras.
3. Concluído o trabalho, você verá que o resultado impressiona.
Praticar a arte 2 - Usando o ponto além da técnica pontilhista: O ponto é a base
da pintura pontilhista, mas alguns artistas criaram outras possibilidades de
expressão a partir desse recurso. Nessa atividade, você utilizará os pontos para
criar uma imagem apenas com o contorno dos objetos.
Materiais: Instruções:
 Revistas diversas; 1. Escolha uma das possibilidades do uso
 Tinta guache, canetinhas ou lápis do ponto: sombreamento,
de cor; delineamento ou contorno.
 Palito de sorvete para misturar as 2. Na folha de papel canson, crie uma
tintas; composição com a técnica escolhida.
 Pincel chato pequeno; Se preferir, misture os procedimentos
 Pote com água para lavar os com pontos. Você pode usar as
pincéis; revistas para facilitar o desenho dos
 Caixa de ovos vazia ou potes de contornos dos objetos.
iogurte para misturar as tintas; 3. Após criar a imagem, escolha o
 Papel canson A4; material que deseja usar para dar
forma aos objetos: tinta guache, grãos,
 Grãos (feijão, arroz ou milho);
bolinhas de páginas de revista,
 Lantejoulas;
lantejoulas.
 Cola branca.
4. Deixe secar e exponha para a turma.
 49 – PINTURA MISTA - TÉCNICA MISTA EM ARTE. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
A técnica mista
A obra “Chica, a gata, e
Jonas, o gato”, da artista
paulistana Leda Catunda
(1961-), foi criada a partir
da pintura sobre um tecido
que lembra pelo de gato. O
tecido foi colocado sobre
um plástico redondo, e as
luzes representam os olhos
dos felinos. Essa mistura de
materiais na arte é
chamada técnica mista.
1. O que mais chamou sua atenção na imagem?
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
2. Que materiais foram utilizados na obra?
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
3. A obra de Leda Catunda é uma pintura, uma gravura ou
uma escultura?
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
4. Você conseguiria fazer algo parecido? Faça um pequeno
esboço no espaço a seguir:
A origem da técnica mista Praticar a arte - Agora que você compreendeu o que é técnica
A obra “Chica, a gata, e Jonas, o gato”, da artista paulistana mista, responda às questões e faça a atividade a seguir:
Leda Catunda (1961-), foi criada a partir da pintura sobre um 1. Por que a técnica mista exige procedimentos diferentes em
tecido que lembra pelo de gato. O tecido foi colocado sobre um uma mesma obra?
plástico redondo, e as luzes representam os olhos dos felinos. _________________________________________________
Essa mistura de materiais na arte é chamada técnica mista. _________________________________________________
Em “Prainha”, Leda Catunda _________________________________________________
utilizou a colagem de tecidos com _________________________________________________
texturas diferentes, trabalhando 2. O que você achou da criação de obras com essa técnica?
a ideia de movimento das ondas Converse com os colegas e o professor e registre sua
do mar. A artista produziu resposta:
desenhos a partir de imagens _________________________________________________
fotográficas. Sobre os tecidos, _________________________________________________
empregou tinta acrílica para _________________________________________________
colorir a obra. Cada tipo de _________________________________________________
material exige uma manipulação 3. Crie no espaço abaixo um esboço de uma pequena obra
diferente. Para a madeira, é com técnica mista, usando desenhos e colagens. Escreva os
necessário cola ou serrote. Para a materiais que você escolheu.
moldagem de objetos plásticos,
usa-se tesoura ou maçarico.
O artista escolhe a forma de transformar a matéria-prima a
partir do suporte da obra e de sua ideia. O artista plástico
cearense Leonilson (1957-1993) utilizou a técnica mista,
explorando materiais incomuns em suas criações. Sua arte une
a imagem à poesia, como se pode ver na obra “Isolado frágil
oposto urgente confuso”. Nessa obra, Leonilson bordou seu
pequeno diário emocional em um tecido fino chamado voile. A
técnica do bordado e da pintura em suportes pouco usuais na
arte, como os tecidos rígidos (lona, veludo) e os tecidos frágeis
(voile, linho), é comum nas obras desse cearense. Ele é um
importante representante da arte contemporânea brasileira
por sua originalidade na utilização da técnica mista e pela
sensibilidade das criações.
 50 – ESCULTURA MISTA - TÉCNICA MISTA EM ARTE. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Os artistas contemporâneos produzem obras com diversas técnicas, como Praticar a arte 1 - Criando Praticar a arte 1 - Usando materiais inusitados na
pintura, escultura, gravura ou técnica mista. As obras apresentadas a uma escultura com técnica criação de obras de arte: Na arte contemporânea, são
seguir são dos artistas paulistanos Rossana di Munno (1959-) e Alex mista: O artista Alex utilizados diferentes tipos de materiais, caracterizando
Flemming (1954-), dois representantes da arte contemporânea brasileira. Flemming criou um ser que assim a técnica mista. Nesta atividade, vamos
não existe na vida real a partir experimentar a manipulação e criação de obras
da mistura de elementos inusitadas.
humanos e animais. Escolha
Materiais:
alguns animais para a criação
de uma escultura mista.  Objetos que possam servir de suporte para a criação:
retalho de tecido, linha, lã, meias velhas, arame,
Materiais:
garrafa pet, lata de refrigerante, tampinha de garrafa
 Folhas de jornal. e canudo plástico.
 Fita crepe.  Cola bastão.
 Cola.  Cola quente.
 Tinta acrílica.  Cola para plástico.
 Latas de refrigerante.  Fitas e cordas.
 Folha de papel sulfite.  Tesoura.
Instruções:
Instruções:
1. No espaço abaixo, faça um esboço do animal que você
quer criar. Não se esqueça de que ele não pode existir 1. Tenha diferentes tipos de materiais à disposição.
na vida real. Quanto maior o número de elementos
2. Amasse folhas de jornal, formando o corpo do animal. diferenciados, mais interessantes serão as
Agora, responda às questões e faça a atividade a seguir. 3. Passe bastante fita crepe para prender o papel e criar o criações.
1. Que materiais você acha que Rossana di Munno utilizou para criar sua volume apropriado à personagem.
2. Como você usará materiais diferentes, é necessário
obra? 4. Você pode utilizar latas de refrigerante para dar suporte
ter os instrumentos apropriados para a
_________________________________________________________ ao corpo do boneco.
manipulação de cada um.
_________________________________________________________ 5. Utilize as folhas de jornal e a fita crepe para criar as
_________________________________________________________ partes do corpo e fixá-las na base da estrutura do 3. Crie as obras que desejar, desde que utilize a
_________________________________________________________ boneco. variação de materiais como suporte e a
2. Você gostaria de ter em sua casa uma banheira igual à da obra da 6. Depois de criar as personagens moldadas com jornal e criatividade na montagem das peças.
artista Rossana di Munno? Por quê? fita crepe, use tinta acrílica para colorir e “dar vida” aos
4. Após finalizar a criação, dê um título à obra.
_________________________________________________________ bonecos.
_________________________________________________________ 7. Dê um título para sua obra.
_________________________________________________________
_________________________________________________________
3. Que personagem foi criada pelo artista Alex Flemming?
_________________________________________________________
_________________________________________________________
_________________________________________________________
_________________________________________________________
4. Crie em seu caderno uma imagem de alguém tomando banho na
banheira da artista Rossana di Munno.
 51 – A MÚSICA POPULAR E A MÚSICA ERUDITA. FOLHA 1 DE 3. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
O espetáculo “Isto é Brasil”, estrelado pelo dançarino,
coreógrafo e diretor Carlinhos de Jesus e a consagrada bailaria
clássica Ana Botafogo, conta a história do samba brasileiro e da
influência africana na cultura popular brasileira. A mescla entre
elementos culturais europeus, como o balé clássico, e traços
particularmente brasileiros, como o samba, levantam uma
série de questões durante a apresentação.
1. Como a cultura erudita e a popular aproximam-se nesse
caso? Por meio de que elementos? Existe uma fronteira
bem definida entre eles?
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
2. Qual a diferença entre a música popular brasileira e a
música erudita?
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
Arte, expressão e comunicação: As divisões na música.
Em geral, denomina-se música erudita – ou clássica – a música
de concerto, e popular a canção de consumo, aquela que a
maioria das pessoas escuta. Essa classificação, no entanto, é
inadequada e errônea, pois a música clássica é aquela que foi
criada no período clássico, ou seja, entre os séculos XVIII e XIX.
Além disso, o termo “clássico” não define um gênero, como o
samba, o rock, a sonata, a sinfonia etc. O mesmo acontece com
a expressão “música popular”, pois esse tipo de música é
aquela feita pelo povo, ou seja, é a música folclórica. O
problema é que o contrário de erudito é inculto, e o de popular
é aristocrático.
Para entender melhor essa problemática, A mistura do popular às tradições
façamos uma reflexão: Carlos Gomes era eruditas no Brasil
muito criticado pelos erros gramaticais e Há mais de um século, os compositores
ortográficos dos cartazes que criava para de música “erudita” utilizam temas da
seus concertos e, n entanto, é considerado cultura popular para compor suas obras.
um dos maiores nomes da chamada música No Brasil, temos grandes exemplos, como
erudita brasileira. Já o compositor Luiz Villa-Lobos e Francisco Mignone. Do
Tatit, que é também professor, é mesmo modo, cancionistas e músicos
considerado um compositor popular. populares utilizam a partitura
Você pode ter ficado intrigado: “Mas é a (grafomediação) para compor e/ou fazer
música que é erudita e não o músico?”. arranjos, como foi o caso de Tom Jobim,
Pensemos por esse viés. Erudito se opõe a Egbert Gismonti, Pixiguinha, entre outros.
inculto, e não a popular, que, na verdade, se Tom Jobim utilizava a partitura para
opõe a aristocrático, e não a erudito, isto é: compor, mas fazia bossa nova. Villa-
erudito x inculto e popular x aristocrático. Será Lobos utilizava temas do folclore
que a canção de Chico Buarque pode ser brasileiro e escrevia óperas. Luiz Cláudio
incluída em uma categoria considerada inculta? Ramos escreve em partituras os arranjos
E por que seria considerada aristocrata de CD´s para shows de música popular de
uma música produzida por músicos Chico Buarque. Dona Edith do Prato,
dependentes de mecenas, que, quase famosa cantora popular do Recôncavo
sempre, viviam à custas da aristocracia? Baiano, canta tocando prato e jamais se
O que pode estar por trás dessa aproximou de uma partitura.
oposição equivocada entre o erudito e
popular? O que verdadeiramente
acontece é que um segmento da
sociedade quer se mostrar
culturalmente superior ao outro,
criando divisões que não se apresentam
na materialidade das composições,
fortalecendo o preconceito social.
Preconceito social e a falsa divisão entre popular e erudito
Na falsa oposição de sentido entre música popular e a música
erudita existe um preconceito oculto muito parecido com o
preconceito linguístico. A música de concerto é sempre
grafomediada, ou seja, intermediada pela partitura escrita, e a
música popular advém da tradição áudio-oral, isto é, ensina-se
e aprende-se fazendo (cantando) e ouvindo, fato que não quer
dizer que o chamado músico popular não estude seu
instrumento e/ou teoria musical. O cancionista, compositor de
canções populares, em geral, pega seu instrumento – violão ou
piano – e compõe uma canção usando a escrita somente para
registrar a letra da canção.
 52 - A MÚSICA POPULAR E A MÚSICA ERUDITA. FOLHA 2 DE 3. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Praticar a arte 1 – Pensando sobre arte: Refletindo acerca das 4. Analise as afirmativas a seguir, acerca da música no Brasil. Praticar a arte 2 – Conversando sobre música: Reúnam-se em
artes cênicas e da mídia no Brasil e baseando-se em seus
conhecimentos anteriores, responda às questões a seguir:
1. A divisão artificial entre música erudita e música popular 02 – No Brasil, há pouca mescla entre a música erudita e a do músico no Brasil? Para orientar a reflexão, leia atentamente
encobre outras relações tensas na sociedade. Quais seriam
elas? Por que os estatutos variam entre as produções?
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
2. Indique como os elementos populares e os eruditos se
mesclam na música brasileira, o que acaba com a falsa
dicotomia entre esses pontos, e elenque compositores e
composições para ilustrar sua resposta.
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
3. “Canto Orfeônico: Marchas, Canções
e Cantos Marciais para Educação
Consciente da Unidade de
Movimento” é uma criação de Villa-
Lobos feita para ser usada na
disciplina de educação musical, nas
escolas, em 1940. O título é
bastante sugestivo e apresenta uma
antologia variada de estilos
musicais. Tomando essa obra como
base, responda:
a) Como aparece a preocupação com elementos nacionais
nesse material de Villa-Lobos?
_________________________________________________
_________________________________________________
b) De que maneira se percebe uma mescla entre as tradições
ditas eruditas e as populares?
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
E indique a alternativa que contém a soma das afirmativas grupos, reflitam e discutam sobre a seguinte pergunta: Quais
CORRETAS: são os pontos positivos e os negativos (se existirem), no ofício
música popular e seus elementos. São raros os casos de a resposta de alguns artistas a esse mesmo questionamento:
compositores que conseguem uni-las em suas produções.
04 – as cantigas de roda e as músicas de tradição oral, durante “A musicalidade e o talento dos jovens, que
o Modernismo brasileiro, foram recuperadas por atualmente tem procurado estudar música,
compositores e estudiosos, que as preservaram e as muitas vezes com objetivos profissionais, tem
puseram em circulação novamente. sido um fator estimulante. Percebo ideias e
06 – a ideia de uma música erudita superior e mais complexa uma vontade de se fazer música tão grandes
que as músicas de manifestações populares são que superam as dificuldades que possam
preconceituosa, sendo já pouco aceita hoje em dia. existir”. (Gustavo Molinari – Pianista)
08 – Pode-se afirmar que há maior elaboração e sofisticação
nas composições clássicas que nas populares.
“Positivamente o Brasil é um país musical.
a) 6 Temos ritmos tão diversos, uma grande
miscigenação cultural que nos propicia essa
b) 18
riqueza além de sermos um povo feliz e
c) 10 critivo. Isso é um grande berço para a música.
Por outro lado, a tradição da música erudita
d) 8
no Brasil é restrita”. (Gisele Ganade – Música)
e) 16
“O principal ponto positivo de ser músico é
5. O uso da grafomediação é considerado mais complexo que a
que é muito gostoso trabalhar aqui. Há
tradição áudio-oral. No Brasil, contundo, há grande mescla
muitos desafios, pois o músico tem de estudar
entre os processos de composição e os compositores. Isso
muito e demora para amadurecer. Além disso,
invalidaria essa teoria? O que ela representa? Ilustre sua
tem de cuidar da sua imagem para trabalhar
resposta com casos concretos.
cada vez melhor.
_________________________________________________
(Emiliano Castro – Violonista)
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________ “Tenho sentimento de satisfação ao lidar com
_________________________________________________ a música, porém, tenho muita dificuldade em
_________________________________________________ lidar com as coisas práticas e burocráticas de
_________________________________________________ minha profissão. Como, por exemplo, cobrar
_________________________________________________ pelo meu trabalho, pois acho que ainda não
_________________________________________________ somo muitos valorizados”.
_________________________________________________ (Esméria Bulgari – Vocalista Banda Os
_________________________________________________ Mutantes)
_________________________________________________
_________________________________________________
 53 - A MÚSICA POPULAR E A MÚSICA ERUDITA. ANALISANDO CANÇÕES. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Praticar a arte 1: Analisando canções: Talvez você já tenha
ouvido a “Tocata das Bachianas Brasileiras Nº2”, que foi
inspirada no cancioneiro da cultura popular brasileira. Nela, o
compositor Heitor Villa-Lobos propôs, por meio de seu arranjo,
que os instrumentos da orquestra simulassem o som de uma
locomotiva. Em 1976, Ferreira Gullar, importante poeta
brasileiro, escreveu uma letra para essa linda melodia.
Conhecendo o artista: Tom Jobim
Antônio Carlos Brasileiro de Almeida
Jobim, ou Tom Jobim como é mais
conhecido, é considerado um dos
maiores cancionistas brasileiros.
Fundou, no final da década de 1950,
com João Gilberto e outros
compositores, a Bossa Nova,
movimento musical importante para
a música popular mundial. Sua
canção “Garota de Ipanema” é uma
das canções brasileiras mais gravadas
no mundo. Uma de suas maiores
inspirações foi Heitor Villa-Lobos.
Praticar a arte 1 – Conversando sobre arte: Atentando-se às
características acerca da música popular e erudita, converse
com seus colegas sobre as semelhanças, ou não, entre os
compositores, intérpretes e os gêneros musicais. As questões a
seguir podem orientar a discussão. Transcreva suas ideias no
caderno de arte:
a) Quais seriam as semelhanças entre Villa-Lobos e Tom Jobim?
Por que?
b) Por que a cultura oral sofre um despretígio? Como isso se
relaciona com a música?
 A música de concerto é sempre grafomediada, ou seja,
intermediada pela escrita da partitura.
 A música popular advém da tradição áudio-oral, isto é,
ensina-se e aprende-se fazendo (cantando e ouvindo, fato
que não quer dizer que o chamado músico popular não a) Atentando-se ao texto acima, procure refletir acerca do
estude seu instrumento e a teoria musical.
 Heitor Villa-Lobos nasceu no dia 5 de março de 1887, no
bairro de Laranjeiras, na cidade do Rio de Janeiro. Villa-
Lobos considerava a música de Bach semelhante às músicas
da cultura popular do Sertão brasileiro. As características da europeias e o processo de consolidação da cultura nacional
musicalidade de Bach acabou inspirando Villa-Lobos a
escrever “Bachianas brasileiras”, sua principal obra.
 Antônio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim, ou Tom Jobim,
como é mais conhecido, é considerado um dos maiores
cancionistas brasileiro.
Praticar a arte 3 – Analisando a imagem: Após observar a
imagem a seguir, reflita se é possível afirmar uqe “As Bruxas de
Eastwick” é um espetáculo teatral musical ou um show de
música. Analise os elementos contidos na imagem. É possível
relacioná-los às características do teatro musical? Justifique sua
resposta no seu caderno de arte.
Praticar a arte 4 – Lendo e interpretando: Leia o texto a seguir:
“O fato de Villa-Lobos ter começado a compor músicas
brasileiras a partir de 1923 deveu-se não a descoberta de que
ele teria uma essência brasileira, mas sim a um processo de
transformação que foi colocado em marcha por uma série de
mecanismos sociais de atribuição de valor. Assim, quando Villa-
Lobos chegou a Paris em 1923, toda uma série de pequenos
contatos e interações agiu no sentido de convencê-lo aos
poucos da imperiosa necessidade de sua conversão, de sua
transformação em um compositor de músicas de caráter
nacional. Como consequência, ele deixaria de tentar compor de
acordo com as regras estéticas de compositores franceses, tão
valorizados no Brasil, para tentar retratar sua nação
musicalmente, um projeto especialmente valorizado na
Franca.”
processo de inserção da cultura popular na produção de
Villa-Lobos e do motivo pelo qual essa ação teria sido tão
significativa para a música nacional. Lembre-se ainda, de
estabelecer os paralelos adequados entre as influencias
brasileira para completar sua resposta.
 54 – AS ARTES CÊNICAS E SUAS CARACTERÍSTICAS. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
“O Pagador de Promessas”, Os meios de comunicação História das Artes Cênicas no Brasil: O teatro brasileiro
baseado na obra do dramaturgo de massa tornaram-se surgiu no século XVI, a serviço da fé religiosa e da catequização
Dias Gomes, é um filme presentes no cotidiano das dos indígenas; porém, passou a explorar um caráter inovador e
brasileiro que conquistou a pessoas, tanto para promissor a partir do século XX, principalmente na década de
Palma de Ouro, em 1962, um informar quanto para 1960. O cinema brasileiro existe há mais de um século, porém,
dos mais importantes prêmios divertir. Percebendo o a produção nacional competitiva com produção internacional
do cinema mundial, no Festival potencial dos novos meios, passa a existir a partir do Cinema Novo, na década de 1950. A
de Cannes, na França. Dias as empresas investiram na proposta do Cinema Novo foi sintetizada na frase: “Uma
Gomes foi muito importante publicidade para programas câmera na mão e uma ideia na cabeça”, de Glauber Rocha,
para o teatro, a TV e o cinema populares. indicando a importância que os cineastas do movimento
nacional. Nesse filme, ele atribuíam à inventividade aliada ao mínimo de recursos
retratou a cultura do povo Surgiram as famosas radionovelas, que daria origem às técnicos.
brasileiro por meio de uma telenovelas. Entre os anos 1950 e 1960, cineastas brasileiros
proposta audaciosa e autêntica, tiveram a oportunidade de se acercar de inovações
que propunha a reflexão sobre tecnológicas, que, aliadas à efervescência cultural, culminaram
a condição humana do povo no Cinema Novo – que foi um movimento no qual cineastas
brasileiro. começaram a realizar filmes de forte temática social,
Este fato que transformou, definitivamente, as artes cênicas, defendendo uma arte de transformação da realidade.
proporcionando a criação de uma produção genuinamente
brasileira. Ao mesmo tempo em que a sociedade
 Você sabe o significado de “artes cênicas”? brasileira se transformava em
 Que elementos do cartaz do filme chamam a sua atenção? sociedade de consumo e muitas
Por quê? produções eram desenvolvidas para a
comunicação de massa, parte da
As artes cênicas nos meios de comunicação: Após a As telenovelas brasileiras surgiram nos anos de 1950 e, desde
classe artística vislumbrou a
Segunda Guerra Mundial, os Estados Unidos passaram a então, evoluíram bastante. Hoje em dia, o Brasil é um grande
possibilidade de construir algo
exercer forte influência sobre o mundo ocidental. exportador de telenovelas, inclusive a produção Sua vida me
diferente, apresentando novas
Consequentemente, o modo de vida sofreu profundas pertence, telenovela exibida na extinta Rede Tupi entre 1951 e
propostas que valorizavam a cultura
transformações com a difusão da sociedade de produção em 1952, foi a primeira do gênero no mundo. E, linhas gerais, as
nacional e popular.
massa. telenovelas são obras de ficção apresentadas em capítulos
No Brasil, o estilo de vida da diários com média de 50 minutos cada. As fotonovelas foram
O Ofício do ator e sua formação: a função do ator é criadas e difundidas em revistas entre 1950 e 1970. São
população urbana se alterou
representar um personagem e interpretar papéis de textos ou novelas em quadrinhos, como as HQ´s, e apresentam uma
em função do consumo de
de outras propostas cênicas que foram preconcebidas por um história sequenciada que integram textos e fotografias.
produtos industrializados e do
ou mais autores. Em alguns gêneros, porém, o ator pode atuar
surto de modernização que se
a partir da improvisação e de estímulos sonoros ou visuais. O
refletiu na arquitetura, no
ator utiliza seu corpo para interpretar, dialogando com diversas
mobiliário, no vestuário, nas
artes e, dentre ela, destacamos o cinema, o teatro, a música e a
artes etc. esses elementos
dança. O profissional de artes cênicas pode trabalhar no teatro,
forma amplamente difundidos
televisão, cinema, dublagem e publicidade, podendo exercer as
por rádios, revistas, filmes e
seguintes funções: ator, instrutor de teatro em cursos livres,
pelo novo meio de
pesquisador e crítico, cenógrafo, diretor, teórico do teatro,
comunicação que acabava de
professor de artes cênicas, técnico em iluminação, preparados
estrear: a televisão.
corporal e vocal etc.
 55 – EXERCÍCIO INTERPRETATICO – ARTES CÊNICAS. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Praticar a arte 1 – Refletindo acerca das artes cênicas e da Praticar a arte 2 – Relacione as definições com cada Praticar a arte 4 – O
mídia no Brasil, e baseando-se em seus conhecimentos modalidade das artes cênicas indicadas a seguir: cinema nacional sofreu
anteriores, responda às questões a seguir: grandes mudanças depois
a) Arte dramatúrgica encenada ao vivo em do Cinema Novo,
um espaço específico e com um roteiro
a) Como as diferenças entre teatro, fotonovela e telenovela reinventando sua
predeterminado ou não. Os
estão relacionadas ao surgimento de diferentes suportes linguagem e temática.
participantes usam o corpo e
tecnológicos? Justifique sua resposta. Indique, a partir da cena
representam personagens definidos.
_________________________________________________ selecionada, quais são
_________________________________________________ b) Composição em fotos de uma história suas características
por atores, em estilo similar aos HQ´s e
_________________________________________________ relacionadas ao Brasil e à
gibis.
_________________________________________________ realidade do país,
c) Encenação filmada com base em um
_________________________________________________ justificando sua resposta.
_________________________________________________ roteiro predefinido, com edição gráfica, ___________________________________________________
_________________________________________________ preparação, composição de trilha ___________________________________________________
_________________________________________________ sonora e afins. ___________________________________________________
_________________________________________________ d) Sequencia de episódios filmados de ___________________________________________________
_________________________________________________ uma única trama transmitidos na ___________________________________________________
b) O papel do ator é bastante complexo e está, muitas vezes, televisão, diariamente, ou com grande ___________________________________________________
na interseção entre a realidade de sua personalidade e a regularidade. ___________________________________________________
ficção do personagem representado. Na sua opinião, um e) Composição cênica que faz uso de ___________________________________________________
bom ator seria aquele que camufla o seu “eu” no acompanhamento musical em sua ___________________________________________________
personagem oferecido? Cie o caso de algum ator ou atriz representação, exigindo dos atores ___________________________________________________
para ilustrar sua resposta. capacidade de cantar e atuar ___________________________________________________
_________________________________________________ simultaneamente. ___________________________________________________
_________________________________________________ ___________________________________________________
_________________________________________________ Praticar a arte 3 – O Brasil é mundialmente conhecido por suas ___________________________________________________
_________________________________________________ telenovelas, que são exportadas e exibidas para inúmeros ___________________________________________________
_________________________________________________ canais ao redor do mundo. A respeito desse gênero, assinale Praticar a arte 5 – Relacione os meios de circulação (Coluna 1)
_________________________________________________ com Verdadeiro (V) ou Falso (F) as afirmações a seguir: com as diferentes modalidades das artes cênicas (Coluna 2):
_________________________________________________
_________________________________________________ a) O Brasil é um dos maiores produtores de telenovela no a) Jornais e revistas
mundo; suas produções são conhecidas em diversos b) Televisão
_________________________________________________
países. c) Teatro
_________________________________________________
b) As telenovelas são originas de um roteiro d) Cinema
_________________________________________________
preestabelecido pelo autor, que será ensaiado, filmado e) Sites
_________________________________________________
e editado até chegar à exibição.
_________________________________________________ Filmes
_________________________________________________ c) Os artistas não precisam ensaiar, ou nem mesmo
_________________________________________________ compreender seus personagens. Eles podem, Telenovelas
livremente, compor suas atuações de acordo com a
_________________________________________________ Fotonovelas
compreensão pessoal que tem do papel que recebem.
_________________________________________________
_________________________________________________ d) As telenovelas acompanham a vida de muitos Peças teatrais
_________________________________________________ brasileiros e, inclusive, repercutem em outras mídias,
como nas notícias em sites. Notícias e divulgação
 56 – CONSTRUINDO UMA FOTONOVELA. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Praticar a arte 1: Em grupo, produzam um texto para uma Praticar a arte 2: Em sala de aula, em pequenos grupos,
fotonovela seguindo as orientações a seguir:
1. Criem um roteiro que será a base da sua fotonovela. No
roteiro, apresentam os personagens, a estrutura e o
enredo.
2. Em seguida, criem os personagens da trama, definindo suas
características físicas e psicológicas.
3. O próximo passo será a criação do texto o qual será
interpretado. Esse texto, denominado enredo ou trama,
definirá o encadeamento das ações.
4. O título do texto de sua fotonovela deve ser interessante.
5. O desfecho da trama, ou seja, o final deverá ser
surpreendente, podendo ser feliz ou não.
6. Segue a seguir o modelo de como você poderá construir em
seu caderno de arte, os quadros para sua fotonovela.
7. Você também pode recortar imagens de pessoas, animais e
objetos de revistas e jornais.
procurem refletir sobre questões relacionadas às artes cênicas
e suas diversas apresentações, como o cinema. O teatro, o
musical e afins.
1. Vocês sabem a diferença entre um espetáculo teatral
musical e um show de música? Já assistiu a algum musical?
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2. Como é possível estabelecer uma relação entre as
fotonovelas e as telenovelas? Quais suas semelhanças e
diferenças?
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3. A partir do roteiro construído anteriormente em sala,
produza em grupo uma fotonovela, seguindo o roteiro a
seguir:
a) Escolha e defina os cenários onde as cenas acontecerão.
Chamamos esses cenários de locação.
b) Realize a captação de imagens, fotografando todas as
cenas previstas no roteiro.
c) Por último, insira os textos em balões, acrescente o título,
as legendas e os créditos.
d) Procure trabalhar com criatividade em sintonia com o que
aprendeu sobre fotonovela. Depois de pronto, mostre aos
seus colegas e ao professor a produção realizada.
Tópicos complementares sobre o assunto:
 Dias Gomes foi um dramaturgo muito
importante para o teatro, a TV e o
cinema nacional.
 O Pagador de Promessas, um filme
brasileiro que conquistou a Palma de
Ouro, em 1962, no Festival de Cannes, na
França, foi um marco na produção
cinematográfica genuinamente brasileira.
 A função do ator é representar um
personagem e interpretar papéis a partir
de textos ou outras propostas cênicas
que foram preconcebidas por um autor,
utilizando como ferramenta o corpo e a
voz.
 O profissional formado em artes cênicas
pode trabalhar em teatro, televisão,
cinema, dublagem e publicidade e
exercer as funções de ator, instrutor de
teatro em cursos livres, pesquisador e
crítico, cenógrafo, diretor, teórico do
teatro, professor de artes cênicas em
cursos universitários e escolas
convencionais, técnico de iluminação,
preparador corporal e vocal.
 O Museu da Imagem e do Som do Rio de
Janeiro, além de ser um importante
centro de documentação de música e
imagens, foi o primeiro do gênero criado
no país e tem como missão preservar
coleções e formar seu próprio acervo por
meio da coleta de depoimentos para
gerações futuras.
 Entre os anos de 1950 e 1960,
simultaneamente à formação da
sociedade de consumo no Brasil, a classe
artística vislumbrou a possibilidade de
apresentar novas propostas que
valorizavam a cultura nacional e popular,
promovendo a nacionalização das artes
cênicas.
 57 – ENTENDENDO A ARTE CONTEMPORÂNEA. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Observe a imagem da obra “Catador de vento”, de 2014,
pintado pela artista Regina Rennó:
Essa obra foi produzida
pela artista
contemporânea Regina
Rennó, que utiliza
diversos elementos
para se expressar. Um
adereço recorrente em
sua produção artística
são os chapéus.
Observe atentamente a obra e responda às seguintes
perguntas:
a) O que ela representa para você?
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_________________________________________________
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_________________________________________________
b) Descreva a imagem ressaltando os elementos que se
destacam mais.
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c) A obra apresentada acima é figurativa ou abstrata?
Justifique sua resposta.
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_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
Conhecendo a Arte Contemporânea e seus elementos:
A Arte Contemporânea apresenta uma mescla de estilos, escolas, técnicas e materiais. Assim, o artista contemporâneo tem
liberdade para experimentar e propor novos conceitos, e, diferentemente de outros momentos da história da arte, na Arte
Contemporânea a quebra de padrões e a busca pelo novo não são mais o foco principal, como foi no Modernismo, por exemplo.
Alguns fatores foram determinantes para a instauração da Arte Contemporânea no Brasil, como os avanços tecnológicos, que
proporcionaram novas experimentações de suporte; a transmissão de dados, proporcionando a conexão com outras partes do
mundo quase em tempo real; a Bienal Internacional de São Paulo, cuja criação foi essencial para os novos rumos da produção
brasileira, acercando-se de artistas, obras e tendências mundiais. A III Bienal Internacional Graffiti Fine Art, realizada em 2015,
no Pavilhão das Culturas Brasileiras, no Parque Ibirapuera, reuniu obras de artistas de grafite, expondo um tipo de arte que,
muitas vezes, a correria do dia a dia não permite apreciar.
Dentre as obras apresentadas, estavam os grafites de Thiago
Mundano, cujo tema era a crise hídrica vivida pela cidade de São
Paulo naquele ano. Suas cores e traços são muito expressivos. Na obra
“Deserto da Cantareira”, Mundano faz uma alusão ao reservatório
responsável pelo abastecimento da cidade. A Bienal é um templo das
artes, mas também um espaço provocativo. Ter obras de grafite e de
Arte Contemporânea que exponha problemas sociais provoca uma
reflexão sobre o espaço e a função da arte.
Além de um lugar propício à fruição e à provocação, a Bienal de São Paulo, a partir de sua 13ª edição, propôs uma ação
educativa em relação à Arte Contemporânea. Os idealizadores da mostra, valendo-se do título provocativo “Como falar de coisas
que não existem”, propuseram que o verbo “falar” fosse trocado por outros, como “viver com”, “usar”, “lutar contra” ou
“aprender”, proporcionando a mudança de enfoque do espectador em relação às obras apresentadas. Outra inovação da Bienal,
que foi implementada em 2015, é que o projeto de exposições itinerantes, pela primeira vez, levou parte das obras selecionadas
pela XXXI edição da Bienal de São Paulo para serem expostas em Portugal.
Refletindo sobre a Arte Contemporânea: A grande questão da Arte Contemporânea é
que ela se apresenta em diversos contextos e suportes, gerando, muitas vezes, um
estranhamento por parte do espectador. A Arte pode estar em todos os lugares.
Principalmente, se existir espaço para as pessoas reorganizarem, recombinarem,
misturarem materiais para provocar sensações, emoções ou conhecimentos estéticos.
Alguns lugares estão especialmente preparados para acolher as manifestações
artísticas. O desafio é criar, manter e ampliar a possibilidade do fazer e da apreciação
artística. Há um grande esforço nas artes contemporâneas em não se conformar à
sensibilidade estética dos nossos tempos. Quando uma pessoa vai a uma exposição
ela precisa estar aberta para experimentar sensações, emoções e pensamentos que
talvez nunca tenha vivido. Entender, nesse caso, não é coincidir o conhecimento
estético prévio, adquirido em aulas e livros, com o que está nas artes. O artista
contemporâneo está tentado se distanciar do que é conhecido e espera que as
pessoas o acompanhem, convergindo e divergindo. Todo artista espera que suas
criações alcancem o maior número de pessoas. Para isso, precisa torná-las públicas.
Mas a participação nas manifestações artísticas não é o hábito cultural predominante.
Menos ainda nas artes contemporâneas, que propõem novas formas de apreciação.
 58 – INTERPRETANDO A ARTE CONTEMPORÂNEA. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Praticar a arte 1 – Pensando sobre a Arte Contemporânea: Praticar a arte 2 – Experimentando a tridimensionalidade: A Praticar a arte 4: Leia as afirmativas a seguir e indique
Refletindo sobre os pontos abordados a respeito da Arte artista Regina Rennó utiliza como tema recorrente em sua obra Verdadeiro (V) ou Falso (F) para as proposições apresentadas:
Contemporânea, responda às questões a seguir, procurando os barquinhos de papel. a) A Arte Contemporânea buscar distanciar-se do cotidiano
aprofundar algumas ideias. atual.
1. Se, por um lado, o intuito da Arte Moderna era romper com b) O improviso e a ruptura com padrões preestabelecidos e
os padrões clássicos de representação nos espaços com a linguagem figurativa marcam a Arte
artísticos, por outro, a Arte Contemporânea utiliza, sem Contemporânea.
preocupações, representações figurativas, realistas e afins. c) Aparelhos e suportes tecnológicos são muito
Qual é o propósito dos artistas contemporâneos ao empregados nas Artes Contemporâneas, ajudando a
provocar tantas inovações? construir imagens variadas e com múltiplos sentidos
_________________________________________________ para o espectador.
_________________________________________________ d) A produção contemporânea busca romper os limites das
_________________________________________________ galerias e museus, podendo ser encontrada na paisagem
_________________________________________________ Inspirado no trabalho da artista mineira Regina Rennó, crie urbana.
_________________________________________________ uma obra utilizando um ou mais barquinhos feitos de papel. A Praticar a arte 5 – Observe atentamente as duas imagens a
_________________________________________________ intenção é explorar a tridimensionalidade dessa forma. Faça seguir. Posteriormente, procure elencar os elementos
_________________________________________________ um ou vários barquinhos e utilize como suporte uma tela, uma presentes do cotidiano, o suporte em que a obra se apresenta
_________________________________________________ fotografia, uma parede ou uma escultura já existente. e a leitura que você fez dela, completando a tabela oferecida.
_________________________________________________ Compartilhe com seus colegas e professor.
_________________________________________________
_________________________________________________ Praticar a arte 3 – Interpretando a Arte Contemporânea:
_________________________________________________ Valendo-se das reflexões sobre Arte Contemporânea e
_________________________________________________ pensando nos diálogos dela com o espectador, converse com
2. Como a Arte Contemporânea aparece nos espaços do seus colegas sobre os seguintes pontos e registre suas
cotidiano? Lembre-se da cidade ao seu redor para conclusões.
responder a essa pergunta. a) Em sua opinião, a Arte Contemporânea é acessível a todos?
_________________________________________________ Por quê?
_________________________________________________ _________________________________________________
_________________________________________________ _________________________________________________
_________________________________________________ _________________________________________________
_________________________________________________ b) Como a Arte Contemporânea evidencia o cotidiano para
_________________________________________________ você?
_________________________________________________ _________________________________________________
_________________________________________________ _________________________________________________
_________________________________________________ _________________________________________________
_________________________________________________ _________________________________________________
_________________________________________________ c) Existe alguma obra ou artista contemporâneo que você
_________________________________________________ conheça? Escreva um pouco sobre a arte produzida por ele
_________________________________________________ ___________________________________________________
_________________________________________________ ___________________________________________________
_________________________________________________ ___________________________________________________
_________________________________________________ ___________________________________________________
 59 – CONHECENDO A ARTISTA: REGINA RENNÓ. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Mineira, de Itajubá, é Praticar a arte: Regina Rennó fala sobre o papel como suporte e a tecnologia digital como técnica:
artista plástica, “Eu trabalho com diversos materiais e suportes, e minha maior paixão é o papel. O papel tem um
ilustradora, escritora, mercado menor que a pintura e outros suportes por ser um material que exige cuidados especiais
roteirista e diretora de para o acondicionamento e a preservação. O que é feio à mão, em um processo de construção
cinema. Formada em Artes artesanal, é magnífico e será sempre. O que pode dificultar a vida de um artista que não se rende
Plásticas pela Fundação às novas tecnologias é o preconceito.”
Escola Guignard e em
- Com base nas afirmações da artista, crie uma obra utilizando recursos da computação gráfica
Cinema pela Escola Livre
para produção de uma ilustração. Você poderá fazer uma fotografia e interferir sobre ela,
de Cinema de Belo
desenhar direto no computador, fazer colagens digitais ou qualquer outro trabalho, desde que
Horizonte, tem 46 livros
utilize esse recurso.
publicados, 22 narrativas
de imagem.
Conquistou vários prêmios, entre eles:

 Prêmio Fiat de Automóveis S/A – (Aquisitivo).

 Salão de Artes Plásticas do CEC- MG.
 Prêmio Proposta Multidisciplinar – Salão Do Carnaval –
Palácio das Artes – Belo Horizonte.
 Prêmio (Aquisitivo) – Salão de Arte de Governador Valadares-
MG.
 Várias indicações “Altamente Recomendáveis” da Fundação
Nacional do Livro Infantil e Juvenil.

Em 1996 foi finalista do Prêmio Jabuti de Ilustração. Dentre

seus livros, citam-Se:
 Que planeta é esse?
 Gato de papel.
 História de amor.
 Como se fosse gente.
 Pê, o pato diferente e João das letras.

Os livros “História de amor” e “Gato de papel” estão

relacionados no catálogo Literature And The Family – USA. Já,
os livros “Gato de Papel” e “Pê, o pato diferente” são
integrantes do catálogo O Livro Para Crianças no Brasil. No
cinema, destaca-se sua participação nos curtas-metragens
Mulher de bronze (como roteirista e diretora) e O preço do
sorriso (roteirista e diretora). Também participou dos longas-
metragens Fora de ordem (direção de arte) e A luz dos olhos
meus (roteiro e direção).
 60 – CLASSIFICANDO OBRAS DE ARTE. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Praticar a arte 1 – Observe as imagens a seguir e aponte quais Praticar a arte 2 – Com base em uma seleção de imagens de
das obras não representam a Arte Contemporânea. Justifique obras presentes em diferentes edições da Bienal Internacional
sua conclusão: de São Paulo, dispostas em ordem cronológica, reflita sobre
as características da Arte Contemporânea, respondendo as
questões propostas:
a) Para você, quais são os traços mais marcantes entre as Movimentos Artísticos Contemporâneos:
edições aqui apresentadas?
_________________________________________________
_________________________________________________
b) O que você observou em relação aos espaços e aos suportes  Pop Art.
das propostas artísticas?
_________________________________________________
_________________________________________________
Resumo sobre Arte Contemporânea
A Arte Contemporânea ou Arte Pós-Moderna é uma tendência
artística que surgiu na segunda metade do século XX, mais
precisamente após a Segunda Guerra Mundial, por isso é denominada
de arte do pós-guerra. A Arte Contemporânea se prolonga até aos dias
atuais, período esse denominado de pós-modernismo, propondo
expressões artísticas originais a partir de técnicas inovadoras. Nesse
panorama, a arte oferece novas experiências pautadas
principalmente, nos processos artísticos em detrimento do objeto, ou
seja, na ideia em detrimento da imagem. Nesse sentido, a arte
contemporânea prioriza principalmente, a ideia, o conceito, a atitude,
acima do objeto artístico final. O objetivo aqui é produzir arte, ao
mesmo tempo em que reflete sobre ela. Foi dessa maneira que a Arte
Contemporânea rompeu com alguns aspectos da Arte Moderna. Ela
abandonou diversos paradigmas e trouxe valores para a constituição
de uma nova mentalidade. Ao mesmo tempo ela abriu espaço para
diversidade de estilos, perspectivas, técnicas e abrangência de
linguagens artísticas (dança, música, moda, fotografia, pintura, teatro,
escultura, literatura, performances, happenings, instalações,
videoarte, etc.). Em outras palavras, a mudança da era industrial
(moderna) para a era tecnológica da Informação e Comunicação
(contemporânea), proporcionou mudanças significativas no campo da
cultura e das artes. Note que a arte contemporânea abriga diversos
valores da arte moderna. Destacam-se as inovações e
experimentações artísticas bem como a diluição de fronteiras entre as
formas artísticas.
As principais características da arte contemporânea são:
 Sociedade da informação, tecnologia e novas mídias;
 Subjetividade e liberdade artística;
 Efemeridade da arte;
 Abandono dos suportes tradicionais;
 Mescla de estilos artísticos;
 Utilização de diferentes materiais;
 Fusão entre a arte e a vida;
 Aproximação com a cultura popular;
 Questionamento sobre a definição de arte;
 Interação do espectador com a obra.
 Minimalismo.
 Arte Conceitual.
 Hiper-realismo.
 Arte Povera.
 Action Painting.
 Arte Cinética.
 Land Art.
 Op Art.  Street Art.
 Expressionismo Abstrato.  Body Art.
 61 – EXPLORANDO A LINGUAGEM ARTÍSTICA – HACHURA E BICO DE PENA. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
A hachura e o bico de pena foram duas técnicas artísticas Praticar a arte – Experimentação prática com a criação de sombras e volumes através da aplicação de hachuras: Observe o
muito comuns na produção de histórias e ilustrações de textos. modelo do rosto desenhado a seguir. Note as áreas escuras feitas com linhas em diferentes posições. No modelo em branco,
Desde a antiguidade, os artistas utilizam dessas técnicas e utilize a régua ou mão livre para criar áreas claras e escuras. Você também pode aplicar hachuras coloridas.
ferramentas para criarem as mais detalhadas obras de arte.
HACHURA: É uma técnica
de traçado com linhas
paralelas, próximas ou
distantes umas das outras,
utilizada em desenhos ou
em gravuras para produzir
efeitos de sombra ou meio-
tom, além de produzir o
efeito de volume na figura
desenhada.
BICO DE PENA: É uma técnica de desenho que utiliza uma
caneta de ponta metálica que proporciona aos traços uma
grande variedade de espessuras. O artista utiliza as variações
de linhas e hachuras para dar volume e tons variados em
desenhos monocromáticos, ou seja, de apenas uma cor. O
nome da técnica deriva das canetas que antigamente eram
feitas de penas de aves e serviam para escrever e desenhar.
 62 – ARTE DIGITAL: CONCEITOS E PRÁTICAS. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Nem sempre os recursos tecnológicos dos quais dispomos hoje estiveram disponíveis. Com o surgimento dos computadores e seus programas
de edição de imagens a jeito de fazer arte evoluiu bastante. Os artistas que viveram em épocas passadas não tinham acesso a programas de
computação gráfica. Até os anos 1990, muitos artistas utilizavam técnicas manuais de desenho como o bico de pena para desenhar, por
exemplo. Atualmente, existem vários recursos tecnológicos de computação gráfica para produção de desenhos e ilustrações, a chamada Arte
Digital. Apesar disso, o trabalho do artista não foi extinto, pois as técnicas de desenho são necessárias para a produção de ilustrações. As
canetas e os lápis são, aos poucos, substituídos pelos tablets gráficos, que também são chamados de mesas digitalizadoras. Eles são dispositivos
periféricos, como os mouses e os teclados de computador que permitem ao artista desenhar diretamente no ambiente virtual, geralmente
utilizando programas (softwares) de tratamento de imagem. Os programas de ilustração digital oferecem em sua tela ferramentas como
pincéis, cores, lápis e canetas com vários tipos de traços, figuras e formas predefinidas, além de uma gama de texturas. A tecnologia digital
oferece ao artista uma versatilidade para o desenvolvimento da arte digital, que é qualquer arte produzida em ambiente computacional, ou
seja, que utiliza programas específicos, processos digitais e virtuais em sua execução. Desde os anos 1990, ela tem sido amplamente utilizada
nas artes visuais, no cinema, no design, na arquitetura, na fotografia, entre outras modalidades. Essa tecnologia engloba diversas categorias,
tais como: ilustração digital, pintura digital, modelação em 3D, edição de fotografias e imagens, animação, entre outras.
Dicionário da Arte Digital: Praticar a arte 1 – Classificando imagens a partir da técnica Praticar a arte 2 – Criando uma intervenção na foto: Utilizando de
ILUSTRAÇÃO DIGITAL: Ilustração feita com empregada: Observe as imagens a seguir e escreva nos espaços se é algum recurso digital (Programas de computador de edição de
softwares específicos diretamente no hachura, bico de pena ou arte digital. imagem), siga os passos a seguir para você interferir artisticamente em
computador, utilizando ferramentas digitais uma imagem:
disponíveis em um ambiente computacional. 1. Escolha uma foto sua ou uma imagem que de sua preferência.
PINTURA DIGITAL: Técnica de coloração ou 2. Escolha um editor de imagens para interferir nessa foto e utilize os
pintura feita com softwares específicos elementos próprios desse programa.
diretamente no computador, utilizando 3. Escolha um título para a sua arte digital.
ferramentas digitais disponíveis em um 4. Imprima a imagem e cole no espaço a seguir.
ambiente computacional.
MODELAÇÃO EM 3D: Trabalhos de arte
tridimensional que utilizam três dimensões em
um plano digital bidimensional, dando ideia de
profundidade e perspectiva às formas reais ou
abstratas.
EDIÇÃO DE FOTOGRAFIAS E IMAGENS: Trata-se
da alteração ou transformação de determinado
conteúdo com um objetivo.
ANIMAÇÃO: Filme gerado a partir de uma
sequencia de imagens ligadas entre si que, ao
ser exibida a uma velocidade de 16 ou mais
imagens por segundo, dá uma ilusão de
movimento contínuo.
 63 – CRIANDO UM SUPER-HERÓI – PRÁTICA DE DESENHO E CRIAÇÃO. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Leia os textos a seguir e observe as imagens ilustrativas:
O Homem-Aranha
O Homem-Aranha é um super-herói
estadunidense cujas histórias são
publicadas pela Marvel Comics. O
personagem é uma criação do
quadrinista Stan Lee em parceria com
o escritor Steve Ditko, responsável
pelos primeiros textos. Peter Parker, o
Homem-Aranha, é um jovem órfão
que foi criado por seus tios Bem e
May. Além de lidar com questões
próprias da juventude, ele tem o
desejo de combater o crime. Após ser
picado por uma aranha radioativa, ele
adquire poderes, como força e
agilidade, conseguindo se locomover
e disparar teias de aranha.
Praticar a arte 1 – Interpretando o texto e imagens: Responda e) Escreva uma sinopse explicando quem é o seu personagem
os questionamentos a seguir. e quais poderes ele tem.
a) Qual super-herói que você mais gosta? Por quê?
________________________________________________
________________________________________________
________________________________________________
________________________________________________
b) Os dois personagens citados são inspirados em animais.
Crie um personagem seguindo a mesma característica e dê
um nome para ele.
________________________________________________
________________________________________________
c) Imagine um super-herói que misturasse a aranha com o
morcego. Como seria o nome dele?
________________________________________________
________________________________________________
d) Desenhe o personagem que você criou no espaço abaixo:

O Batman

Batman é um personagem de
história em quadrinhos estunidense
publicado pela DC Comics. O
personagem foi criado em 1939 por
Bob Kane e Bill Finger. Batman é a
identidade secreta de Bruce Wayne,
um milionário que, ainda criança,
testemunha o assassinato de seus
pais e jura vingança aos criminosos.
Aos crescer na violenta cidade de
Gotham City, Wayne prepara-se,
tanto física como intelectualmente,
para combater o crime, criando uma
identidade secreta inspirada em um
morcego.
 64 – HISTÓRIA DA ARTE: A MISSÃO ARTÍSTICA FRANCESA. FOLHA 1 DE 3. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Observe a imagem a A Missão Artística Francesa
seguir: Dom João VI, Rei de Portugal, vivia no Brasil com a família real desde 1808. Aqui, buscou
Jean-Baptiste Debret dinamizar a vida da então Colônia, abrindo portos para nações amigas, fundando o Banco
integrava a Missão do Brasil, fomentando uma indústria incipiente e estimulando a vida cultural da capital, Rio
Artística Francesa, um de Janeiro. Após a queda de Napoleão Bonaparte, em 1814, Portugal, que havia sido
grupo de artistas e tomada pelos franceses, pôde restabelecer sua relação diplomática com a França, iniciando
artesãos franceses que as negociações para a organização da vinda e a instalação do grupo denominado Missão
aportou no Brasil com o Artística Francesa. Esse grupo chegou ao Rio de Janeiro em 1816. A quantidade e,
objetivo, entre outros, de principalmente, a qualidade das obras produzidas deram origem a importante acervo
criar uma Academia de artístico e de grande valor documental, utilizando até os dias atuais como fonte de estudos,
Belas Artes. Debret com base nas imagens, acerca da sociedade brasileira do início do século XIX. O grupo,
produziu inúmeras liderado por Joachim Lebreton, era composto, entre outros artistas, pelo pintor e
gravuras como a desenhista Jean-Baptiste Debret, pelo arquiteto Grandjean de Montigny, pelo pintor
reproduzida, paisagista Nicolas-Antoine Taunay e pelo escultor Auguste Marie Taunay.
revolucionando o cenário
artístico brasileiro do
século XIX e marcando
seu nome para sempre na
história da arte nacional.

A respeito dessa gravura de Debret, responda:

a) Como podemos descrever o local retratado
pelo artista? Conhecendo o artista - Jean-Baptiste Debret: Formado pela Academia de Belas Artes de Paris, o pintor, gravador e
___________________________________ desenhista Jean-Baptiste Debret integrou a Missão Artística Francesa. Como um excelente observador, saía para desenhar, fazia
___________________________________ anotações e conversava com as pessoas nas ruas, o que deu à sua obra um enfoque historiográfico. Com sua produção artística,
___________________________________ mostrou que o Brasil, além de apresentar belezas naturais, era uma nação em formação que já denotava a diversidade cultural,
___________________________________ com influências indígenas, africanas e europeias. Graças ao legado de Debret, podemos saber muito de nossos antepassados.
___________________________________ Como pintor oficial, desenhou a bandeira do Império, de cor verde e com um losango amarelo, que inspirou, posteriormente, o
desenho da Bandeira da República. Como pintor histórico, Debret retratou fatos importantes da época, como a aclamação de
b) Qual etnia dos dois indivíduos retratados?
Dom João VI, a chega da Dona Leopoldina, esposa de Dom Pedro I, e a coroação de Dom Pedro I. Uma de suas mais conhecidas
_________________________________________________
obras “Retrato de Dom João VI”, está no Museu Nacional de Belas Artes, no Rio de Janeiro. Além de servir ao Império, Debret
_________________________________________________
lecionava na Academia Imperial de Belas Artes do Rio de Janeiro, realizando, em 1829, a primeira exposição de artes no Brasil,
_________________________________________________
com os trabalhos de seus alunos.
c) A vegetação apresentada é característica de que região? O
que levou a levantar essa hipótese?
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
 65 – HISTÓRIA DA ARTE: A MISSÃO ARTÍSTICA FRANCESA. FOLHA 2 DE 3. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Observe a imagem a seguir, de autoria de Debret: Um pouco mais de história da arte: Existem duas teses distintas sobre a origem da Missão
Artística Francesa. Alguns historiadores afirmam que a iniciativa partiu espontaneamente de
Joachim Lebreton, que organizou um grupo de artistas franceses e ofereceu à Corte portuguesa
serviços artísticos, tendo em vista que, naquele momento, a França atravessava grave situação
política. Outra versão aponta Dom João VI como o mentor de um projeto que pretendia
estimular a vida cultural da Colônia portuguesa. Correspondências entre Lebreton e a Corte
portuguesa fundamental a primeira hipótese, pois somente após a chegada do grupo em terras
brasileiras é que Dom João VI admitiu a possibilidade de aproveitar o serviço dos estrangeiros
que recorreram a ele em busca de proteção. Além de proporcionar o desenvolvimento cultural,
a Missão fundou o ensino oficial das artes plásticas no Brasil. O grupo foi responsável pela
criação da Escola Real de Ciências, Artes e Ofícios, posteriormente conhecida como Academia
Imperial de Belas Artes, instituição que influenciou o cenário artístico brasileiro.
Conceituação sobre Aquarela e gravura: Debret produziu aquarelas
e gravuras durante sua estadia no Brasil. Aquarela é um tipo de pintura
feita com tintas diluídas em água que, transparentes, são aplicadas de
forma sobreposta em um fundo branco ou claro. Seu suporte, em geral,
Essa gravura retrata a organização da sociedade brasileira no
é o papel de alta gramatura, porém pode ser utilizado em papiro, couro,
século XIX.
tecido, madeira e tela. O resultado esperado são imagens translúcidas.
a) Quais pessoas estão à frente e quais estão atrás na
Acredita-se que a técnica tenha surgido na China, há mais de 2.000 anos,
representação?
concomitantemente ao surgimento do papel e dos pincéis. Gravura é
_________________________________________________
_________________________________________________ uma técnica gráfica que utiliza um suporte, chamado matriz, onde o
_________________________________________________ desenho será gravado. Posteriormente, imprime-se a imagem,
_________________________________________________ proveniente dessa matriz, que também chamamos de gravura. A matriz
_________________________________________________ pode ser uma pedra, uma placa de metal, um corte de madeira.
b) O que essa ordem pode nos transmitir em relação à Viagem pitoresca e histórica ao Brasil: Quando Debret regressou à França, em 1831, iniciou a organização de toda sua obra
sociedade daquela época? produzida durante os 15 anos que viveu no Brasil, resultando na publicação, em 26 fascículos, de “Viagem pitoresca e histórica
_________________________________________________ ao Brasil”, livro que reuniu obras que retratam a natureza, o homem e a sociedade brasileira do século XIX. O artista retratou a
_________________________________________________ vida na Corte, o trabalho escravo, a cidade do Rio de Janeiro, o cotidiano, a família, a fauna e a flora brasileiras.
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
c) Observe as roupas das personagens. Quais as diferenças
que existem entre as roupas das pessoas que estão na
frente e das que estão atrás? Justifique sua resposta.
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
 66 – INTERPRETAÇÃO E PRÁTICA: MISSÃO ARTÍSTICA FRANCESA – AQUARELA. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Praticar a arte 1 – Interpretando sobre a Missão Artística Praticar a arte 2 – Experimentando a técnica da aquarela: Inspirado no legado de Debret retrate alguma paisagem atual da sua
Francesa: Depois de ter estudado um pouco mais sobre esse cidade utilizando a técnica de pintura em aquarela.
talentoso grupo de artistas que estiveram no Brasil, responda Materiais:
as perguntas a seguir:  Pincéis redondos de cerdas macias.
a) O que era a Missão Artística Francesa e qual a sua  Lápis de escrever comum.
importância?  Folhas de papel sulfite.
_________________________________________________  Folhas de papel canson ou outro papel branco de maior gramatura (mais grosso), tipo cartolina.
_________________________________________________  Água limpa.
_________________________________________________  Tinta aquarela, ou até mesmo goache simples, basta diluí-lo.
_________________________________________________  Espuma.
_________________________________________________  Um pedaço de pano ou papel toalha para secar os pincéis.
b) Pensando no papel do registro fotográfico para os dias Instruções:
atuais, comente a respeito da importância das gravuras e 1. Coloque uma folha de papel de alta gramatura sobre uma mesa. O canson é uma opção. Faça o esboço de uma figura
ilustrações de Debret para a história do período colonial do geométrica com lápis, colocando pouca pressão no lápis para não marcar o papel.
Brasil. 2. Com o pincel ou esponja, umedeça com agua a folha por completo.
_________________________________________________ 3. Molhe o pincel levemente. Caso haja excesso de água, seque-o com uma folha de papel toalha ou um pano limpo.
_________________________________________________ 4. Passe o pincel na cor desejada e pinte o interior da forma desenhada no papel.
_________________________________________________ 5. Experimente sobrepor cores diferentes ou a mesma cor para observar como a tinta irá se comportar no papel.
_________________________________________________ 6. Deixe a figura secar.
_________________________________________________ 7. À medida que o papel secar, você irá observar diferentes tonalidades proporcionadas pela reação das tintas em relação à
_________________________________________________ quantidade de água do papel. As cores irão se misturar.
c) Qual o tema recorrente do grupo de artistas da Missão 8. Faça várias experiências, para ter segurança de se aventura na técnica.
Artística Francesa? 9. Escolha um tema e faça um esboço no papel sulfite.
_________________________________________________ 10. Com pedaços de fita adesiva, cole as bordas de sua folha de alta gramatura.
_________________________________________________ 11. Com o pincel ou a esponja, umedeça a folha por completo.
_________________________________________________ 12. Faça os traços principais, colocando leve pressão sobre o papel.
_________________________________________________ 13. Pinte inicialmente as áreas escuras e em seguida as mais claras. Tudo o que desejar que fique em branco deverá ser
_________________________________________________ preservado.
_________________________________________________
d) Se uma missão com características semelhantes chegasse
ao Brasil hoje, quais aspectos da sociedade brasileira lhe
chamaria mais atenção?
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
e) Quais artistas faziam parte da Missão?
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
 67 – O CINEMA – ORIGEM, HISTÓRIA E IMPORTÂNCIA. FOLHA 1 DE 2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Observe a imagem a seguir: O filme não tinha falas e foi produzido em preto e branco. Seu
enredo foi baseado nos romances “Da Terra à Lua”, do escritor
francês Júlio Verne, e “Os Primeiros homens na lua”, do inglês
H.G. Wells. Para que possamos conhecer mais sobre essa obra,
leia a seguir uma resenha do filme. Resenha é uma
apresentação resumida de uma obra. Depois de feita a leitura,
o resenhista formula uma opinião sobre ela, dotada de um
conceito de valor.
“Viagem à Lua é o mais importante dos
filmes de Méliès, embora não seja,
necessariamente, o seu melhor filme. O
curta é uma adaptação do livro “Da
Terra à Lua”, de 1865, de Júlio Verne, é
também de “Os primeiros Homens na
Lua”, de 1901, de H.G. Wells. A trama se
inicia em Paris, no Clube de Astronomia,
onde o professor Barbenfouillies propõe
ao renomado grupo que invista em uma
O grafite acima faz referência ao filme “Viagem à Lua”, de viagem a Lua. Algo que não agrada a
Georges Méliès. Produzido em 1902 e considerado um marco
maioria e gera, claro, uma confusão com
no cinema, esse filme foi pioneiro na temática ficção científica
e no uso de animação e de efeitos especiais. direito a coisas sendo jogadas no pobre
professor (interpretado pelo próprio
Conhecendo a obra “Viagem à
Méliès). Apenas cinco astrônomos –
Lua”: no grafite que remete à
Nostradamus, Alcofrisbas, Omega,
famosa cena do filme francês
Micromegas e Parafaragaramus,
“Viagem à Lua”, de 1902. Ela
mostra a lua sendo atingida por concordam em realizar a ousada
uma nave espacial. Esse filme viagem. Então a mágica e as
inaugurou o modo de fazer estranhezas típicas do Primeiro Cinema e
cinema de forma não documental,
deste tipo de filme começam a
uma vez que seu enredo relata as
acontecer. Viagem à Lua é uma daquelas
aventuras de um grupo de seis
grandes obras que atravessam gerações,
cientistas que viaja à lua em uma
cápsula arremessada por um avanços e modelos de sociedade, mas
canhão gigante. Para produzir permanecem vivas e seguem causando
cenas como essa, o cineasta grande admiração em que as vê”.
Georges Méliès utilizou truques de
fotografia, pois os recursos
técnicos da época eram muito
limitados.
Conhecendo o artista - Georges Méliès: Foi
um mágico, ilusionista, diretor teatral,
cinegrafista, ator, técnico e produtor de cinema
francês. Nascido em uma família abastada,
Méliès comprou o teatro do famoso ilusionista
Robert-Houdin. Após assistir à primeira
apresentação pública do cinematógrafo dos
irmãos Lumière, tanto a trajetória de Georges
Méliès quanto a do cinema tomaram novo
rumo. O cinema, que anteriormente se
restringia a documentários, conheceu o mundo
fantástico inventando por Méliès a partir de
seus conhecimentos de ilusionismo aliados aos
inventos da época, como os equipamentos de
filmas e projetar. Já Méliès passou a criar
mundos fantásticos, transformando o sonho das
pessoas em imagens animadas.
Conceito sobre “Domínio Público”: Domínio público é o
conjunto de bens culturais, de tecnologia ou de informação
que não são mais submetidos aos direitos autorais; portanto,
são de uso livre. No Brasil, os direitos autorais duram 70 anos
contados após o falecimento do autor. Passado esse tempo,
filmes, livros, artigos, obras musicais, invenções e outras
criações passam a pertencer à herança cultural da humanidade
e não mais a um indivíduo ou uma entidade. Alguns exemplos
de artistas brasileiros cujas obras já estão como domínio
público são Machado de Assim e José de Alencar.
Praticar a arte – Pensando sobre a arte:
1. Tente fazer uma ligação entre os filmes de ficção científica
que você já assistiu e o filme “Viagem à Lua”. Procure achar
semelhanças e diferenças na maneira como o espaço era
retratado logo no início do cinema e como ele é retratado
hoje em dia.
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
2. Na sua opinião, por que o cinema teve início com a
utilização de técnicas de ilusionismo e fotografia?
_________________________________________________
_________________________________________________
_________________________________________________
68 - O CINEMA – ORIGEM, HISTÓRIA E IMPORTÂNCIA. FOLHA 2 DE 2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Cinema: O nascimento da sétima arte
A palavra “cinema”, derivada da palavra grega “Kinema” (movimento),
originou-se de “cinematógrafo”, primeiro equipamento utilizado para
filmar e projetar. Cinema também designa as salas de projeção de obras
cinematográficas. Estabelecer uma data exata para o surgimento de
determinada arte é algo um tanto quanto controverso. Para que uma
arte surja, é necessário que fatores contribuam, e trata-se mais de um
processo do que exatamente de um nascimento em um dia específico.
Entretanto, é possível estabelecer o marco do nascimento e do
reconhecimento dessa arte, no caso, do cinema. Seu advento ocorreu no
final do século XIX, mais precisamente em 1895, quando os irmãos
Lumière (Louis e Auguste) apresentaram seu invento: O cinematógrafo.
Hoje, o cinema baseia-se em projeções públicas de imagens animadas.
No Brasil, a primeira exibição de filmes em um cinema ocorreu em 8 de
julho de 1896, no Rio de Janeiro, graças à iniciativa de Henri Paillie, um
viajante belga. Na ocasião, foram projetados oito filmetes de um minuto
cada com imagens do cotidiano de cidades europeias. Os ingressos eram
muito caros, por isso só a elite da época teve acesso a essa novidade.
Porém, um ano depois já existia uma sala fixa de cinema na cidade, o
chamado “Salão de Novidades Paris”. Foi o início da popularização do
cinema por terras brasileiras. Nos primeiros 30 anos da história do
cinema, não se conseguiu êxito em sincronizar imagem e som, sendo
assim, o cinema mudo reinou soberano até os anos 1920. Após a
Primeira Guerra Mundial, o cinema, cujo foco até então estava na
Europa (nessa época completamente destruída), passou a mirar “O Novo
Mundo”, mais precisamente os Estados Unidos. É o advento dos anos
dourados de Hollywood. Mas o cinema também teve destaque em
outros países, como na Rússia, com Sergei Eisenstein, e na Espanha, com
Luiz Buñuel. No Brasil, um expoente da sétima arte foi Glauber Rocha
que, com o advento do movimento “Cinema Novo”, nos anos 1950,
buscou apresentar um cinema com mais conteúdo e realidade e custos
reduzidos. Hoje, a maior indústria, tanto em termos de produção quanto
em termos financeiros, é a de “Bollywood”. Localizada na Índia, essa
indústria cinematográfica tem um papel forte na cultura indiana,
apresentando peculiaridades muito notáveis na produção de seus filmes,
com temáticas indianas, vestimentas típicas etc. Ainda pouco conhecida,
mas que também tem crescido em números temos “Nollywood”, a
indústria de cinema nigeriana. Ela vem lançando inúmeras produções de
baixo custo, porém com alta qualidade cinematográfica. O cinema hoje
faz parte da vida da maioria da população, possui diversos gêneros e,
mais do que tudo, infinitas possibilidades de inovação, renovação e
reciclagem, graças às novas tecnologias que surgem todos os dias.
A sétima arte: O termo “sétima arte”, usado para fazer referência ao cinema, foi estabelecido
por Ricciotto Canudo (crítico e teórico de arte italiano, radicado na França) no “Manifesto das
Sete Artes”. Em 1923, as artes foram numeradas da seguinte forma:
Posteriormente, outras formas de expressão foram propostas para constar nesta lista: 8ª A
Fotografia, 9ª As Histórias em quadrinhos, 10ª O Vídeogame, 11ª A Arte Digital e 12ª A
Gastronomia.
Quanto dura um filme? Os filmes são classificados de acordo com
sua duração: Longa-metragem (Cerca de 70 minutos), Curta-
metragem ou apenas “Curta” (Em média 30 minutos) e Média-
metragem, com duração intermediária entre os longas-metragens e os
curtas. Ainda existem filmes de apenas um minuto. O Festival do
Minuto, que ocorre simultaneamente em diversas cidades e locais
diferentes, com mais de 20 anos de existência, promove concursos,
premia e divulga trabalhos realizados em até 60 segundos.
Praticar a arte 1 – Refletindo sobre o conteúdo:
a) Na sua opinião, que característica do cinema podemos relacionar com características de
outras artes, como o teatro, por exemplo?
____________________________________________________________________________
____________________________________________________________________________
____________________________________________________________________________
b) Preencha a cruzadinha a seguir com os termos correspondentes às sentenças:
VERTICAL:
1 - Técnica utilizada por Méliès para fazer
fime.
3 - Alcunha de cinema.
4 - Polo cinematográfico indiano.
HORIZONTAL:
2 - Local onde está localizado o Museu do
Cinema-COL-LECCIÓ Tòmas Mallol.
R: Catalunha
5 - Teórico que compôs o Manifesto das Sete
Artes.
 69 – EXERCÍCIOS DE INTEPRETAÇÃO E PRODUÇÃO DE CURTA. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Para fazer um filme são necessários diferentes materiais, Praticar a arte 1 – Agora, em Praticar a arte 2 – Escolha um filme de um minuto disponível
processos e equipamentos, além de se cumprir as seguintes grupo, você irá criar um filme de na internet, assista-o e faça uma resenha, ou seja, um texto
etapas: um minuto usando toda a sua que, além de resumir o filme, tenha uma avaliação crítica
CRIAÇÃO DE ROTEIRO: Um roteiro é base criatividade, seguindo os seguintes apontando aspectos positivos e negativos que você
de um filme. Nele, são apresentados os passos: constatou. Registre sua resenha e apresente-a aos colegas e
personagens, a estrutura e o enredo. TEMA: O vídeo que você quer criar proponha uma discussão.
será sobre o que? É importante Título do filme assistido:_______________________________
DESENVOLVIMENTO DA TRAMA: É o
escolher o tema antes de iniciar Diretor do filme:______________________________________
encadeamento das ações de personagens
sua filmagem. Ano:________________________________________________
fictícios, que darão sentido ao roteiro e
proporcionarão emoções no espectador. DURAÇÃO: Sua produção deverá ter até 1 minuto. Local:_______________________________________________
___________________________________________________
PRODUÇÃO: É o conjunto de fases ROTEIRO: Liste o que quer expressar em seu vídeo antes de ___________________________________________________
necessárias para realizar um filme. iniciar as filmagens. Se possível anote quais imagens, ___________________________________________________
REALIZAÇÃO: Trata-se da execução em si. movimentos e sons que gostaria de apresentar em seu filme. ___________________________________________________
Processo de gravação e edição. FILMAGEM: Evite movimentar a câmera ou celular. O recurso ___________________________________________________
DECUPAGEM: É a divisão de um roteiro do Zoom é interessante, porém o resultado pode não ser o ___________________________________________________
em cenas para facilitar sua gravação. esperado na hora da edição. Quando for filmas utilizando esse ___________________________________________________
recurso, faça uma tomada da mesma cena sem o zoom para ___________________________________________________
DECUPAGEM DE MATERIAL FILMADO: É a poder escolher qual tomada ficará melhor. ___________________________________________________
divisão da filmagem em trechos para ___________________________________________________
serem editados. EDIÇÃO: O primeiro passo é assistir a toda a filmagem. Em ___________________________________________________
seguida divida-a em partes. Seguindo seu roteiro, edite o filme.
SONORIZAÇÃO: É o processo de gravação ___________________________________________________
Em seguida, assista-o para ver se o resultado final lhe agrada. É
concomitante com a gravação da imagem, ___________________________________________________
importante respeitar o tempo de um minuto. Coloque título,
a sonoplastia e a escolha da trilha sonora. ___________________________________________________
legendas e créditos finais de toda a equipe de produção.
MONTAGEM: É o processo de edição de ___________________________________________________
imagem e som. Primeiras ideias sobre o filme: ___________________________________________________
___________________________________________________ ___________________________________________________
LEGENDAGEM: É o processo de inserção ___________________________________________________
___________________________________________________
de título, legendas, créditos entre outros ___________________________________________________
___________________________________________________
textos. ___________________________________________________
___________________________________________________
DUBLAGEM: É o processo de tradução da ___________________________________________________ ___________________________________________________
linguagem para outro idioma e gravação ___________________________________________________ ___________________________________________________
de voz para substituir o texto falado ___________________________________________________ ___________________________________________________
original. ___________________________________________________ ___________________________________________________
___________________________________________________
DISTRIBUIÇÃO DA OBRA: Ocorre por ___________________________________________________
___________________________________________________
meios físicos, como disponibilização para ___________________________________________________
___________________________________________________ ___________________________________________________
cinemas ou na internet.
___________________________________________________ ___________________________________________________
EXIBIÇÃO: É a maneira como cada ___________________________________________________ ___________________________________________________
expectador irá assistir ao filme. Pode ser ___________________________________________________ ___________________________________________________
em salas de cinema, pela TV ou internet. ___________________________________________________
___________________________________________________
___________________________________________________ ___________________________________________________
 70 – HARMONIA E SIMETRIA NA ARQUITETURA. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
A harmonia está no equilíbrio entre todos os elementos –
forma, traço, cor, entre outros -, o que cria uma unidade
coerente. A simetria, por sua vez, é a relação de semelhança
entre a altura, largura e comprimento de duas ou mais partes
de um todo, permitindo uma divisão em partes de formatos ou
tamanhos iguais. A harmonia e a simetria estão presentes na
arte, na natureza e na arquitetura. Assim, seus conceitos
podem ser observados em grandes projetos arquitetônicos,
como os que veremos a seguir, de autoria do arquiteto
brasileiro Oscar Niemeyer, conhecido mundialmente.
A arquitetura - O belo e o funcional: além de proporcionar Conceitos e ferramentas da arquitetura – Planta Baixa:
beleza, a arquitetura busca alinhar-se ás necessidades de cada Planta baixa é o nome dado ao desenho de uma construção
lugar. As questões ambientais, tecnológicas, culturais e até vista de cima, sem o telhado. É um esquema da relação entre
mesmo as sociais devem ser levadas em consideração na as formas e medidas dos cômodos. Os projetos arquitetônicos
construção de uma obra arquitetônica. Assim, é pouco utilizam esse tipo de planta pra mapear as medidas em escalas,
adequado pensar que um único projeto possa ser construído como dimensões de portas e janelas, espessuras de paredes
da mesma forma em dois lugares distintos. As questões etc. Podem ser acrescidos vasos sanitários, pias, armários,
ambientais devem sempre se levadas em conta. Para a entre outros detalhes da construção.
construção de um edifício em Tóquio, por exemplo, devem ser
utilizados materiais que, além de preservar a estética da obra,
sejam capazes de resistir aos diferentes níveis de terremotos
comuns nessa região. Já na cidade de São Paulo, por exemplo,
não ocorrem terremotos, somente raros registros de pequenos
tremores; portanto, seria um desperdício de material e de mão
de obra executar projetos arquitetônicos como os de Tóquio.
Por outro lado, alguns projetos
arquitetônicos que são
verdadeiras obras de arte, após
serem construídos, apresentam
problemas. Um exemplo disso é
o Walt Disney Concert Hall,
projetados por Frank Gehry,
mesmo arquiteto idealizados da
Fundação Louis Vuitton. Pouco
tempo depois de sua
construção, foram feitas
algumas modificações em seu
exterior, e parte do aço de seu
revestimento foi trocada por
painéis de vidro. Contudo, o
vidro era muito reflexivo e
incomodava moradores de
áreas vizinhas e visitantes Existem vários níveis de desenvolvimento de planta baixa, ela
locais. Além disso, provocou pode ser uma planta baixa simples de arquitetura contendo
aumentos da temperatura dos traços que representam espessuras das alvenarias, aberturas
prédios. A equipe de Gehry das portas e janelas, cotas internas e externas, pontos básicos
mobilizou-se para solucionar o de hidráulica (cozinhas, banheiros, área de serviço) e projeções
problema. O material original de cobertura, por exemplo. Até níveis mais complexos de
foi aplicado novamente, mas o plantas, como os projetos executivos. Neste, muito mais
brilho do aço foi retirado com elementos são especificados, e é muito importante que o
aplicação de jatos de areia. estudante esteja familiarizado com essas informações desde
cedo, pois são conceitos que serão levados para sempre em
sua vida durante o seu estudo e carreira.
 71 – A ARQUITETURA E SEUS NOVOS CONCEITOS. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Quando falamos em sustentabilidade, pensamos em Os projetos arquitetônicos e Praticar a arte 2 - Observe a planta baixa a seguir:
preservação ambiental e gasto consciente de recursos naturais os elementos das artes
e financeiros. Em relação à arquitetura também é assim. visuais: Observe a imagem a
Conceitos como ecoarquitetura, arquitetura inteligente e seguir: Projetado pelo mexicano
arquitetura sustentável são cada vez mais comuns nessa área. Fernando Romero, o prédio do
Esses conceitos estão ligados aos problemas do espaço, Museu Soumaya, na Cidade do
principalmente o urbano. É por isso que a arquitetura e a México, impressiona pela
construção civil cada vez, mas comtemplam aspectos imponência e originalidade. Sua
ambientais, sociais, culturais e econômicos. fachada é revestida de mosaicos
hexagonais de alumínio e placas
ECOARQUITETURA: Ou de aço galvanizado (processo em
arquitetura verde é uma forma que um metal é recoberto com
de planejar e construir uma camada de zinco metálico,
respeitando a interação entre para proteção contra efeitos de
os seres vivos e entre eles e o oxidação – ferrugem).
ambiente no qual estão Esse projeto se assemelha a uma escultura, pois nele podemos
inseridos. observar elementos plásticos, como cor, volume e
tridimensionalidade. Pela sua proporção, nota-se que, além da
ARQUITETURA criatividade, sua implementação demandou tecnologia de
INTELIGENTE: Como o nome ponta e atuação de diversos profissionais, como engenheiros
sugere, é a forma de planejar civis, engenheiros de materiais, entre outros.
diminuindo impactos Praticar a arte 1: Complete as cruzadinhas a seguir com os
ambientais, preservando termos que completam as sentenças:
recursos naturais – com
economia de material,
aproveitando de espaço, luz e
ventilação natural – e
promovendo conforto
temático.

ARQUITETURA a) Indique com um triângulo vermelho os locais em que

SUSTENTÁVEL: A arquitetura devem ser colocadas as portas
sustentável busca aperfeiçoar b) Indique com um X verde os locais em que devem ser
e reaproveitar os recursos colocadas as janelas
naturais e os sistemas de c) Pinte de amarelo os locais destinados ao descanso.
edificação para minimizar o VERTICAL d) Pinte de azul os cômodos de lazer e socialização.
impacto ambiental dos 1 - Tipo de arquitetura que reaproveita recursos naturais. Praticar a arte 3 – Em seu caderno de arte desenhe a planta
edifícios sobre o meio 3 - Profissional responsável por projetos arquitetônicos. baixa de sua casa. Use a régua para construir as linhas retas,
ambiente e a sociedade, 4 - Arte de projetar e construir edificações. Lembre-se de desenhar as portas e janelas e por os nomes em
integrando um ao outro. HORIZONTAL cada cômodo. Desenhe os objetos específicos de cada cômodo.
2 - Forma de planejar e construir que respeita o ambiente ao
redor da construção.
 72 – PRÁTICA DE DESENHO DE OBSERVAÇÃO: LINHAS, FORMAS E COMPOSIÇÃO. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Alguém pode presumir que o desenho ou a Praticar a arte – Prática de desenho: Observe a imagem
pintura tem que ser feito de certa maneira. a seguir para se inspirar e praticar o desenho. Use
Iniciantes podem tentar desenhos muito diferentes técnicas e tipos de linhas. Construa um esboço
pequenos e exatos e acharem muito difícil. no espaço determinado, geometrizando as formas e
Para um artista profissional isto pode ser distribuindo-as. Vá aperfeiçoando seu desenho
qualquer coisa que conclua o trabalho, seja acrescentando detalhes e áreas de luz e sombra.
cópia, traçado, mão livre, o que for.

1. A ideia aqui é sentir o tema

do desenho, a tentativa de
capturar esse sentimento,
como uma essência mais
abrangente de linhas.
2. Considere a representação
abstrata. Ninguém precisa
replicar o tema exatamente.
Todos são livres para fazer o
que quiserem com ele e
alterá-lo, embora o
compreendam.
3. Experimente. É sempre bom
experimentar e experimentar
técnicas diferentes para ver o
que se pode aprender.
4. Tente captar todas as noções
básicas do tema o mais
rápido possível. Foque nas
formas e geometrias básicas.
Então, se você ainda não está
entediado você pode
começar a indicar sombras e
formas. Mas o importante é
conseguir o básico primeiro.
Isso realmente não deve
levar mais que alguns
segundos. Em seguida, corrija
os seus erros de julgamento
até que esteja satisfeito.
5. Adicione "toques finais" e acaba levando
muito tempo para terminar.
 73 – DESENVOLVENDO UM PROJETO ARQUITETÔNICO. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Praticar a arte 1 –
Desenvolvendo um projeto
arquitetônico: Nesta
atividade, você vai trabalhar
com um projeto
arquitetônico sustentável.
Não se preocupe com
técnicas de projeto ou de
edificação.
A ideia da atividade é promover a reflexão sobre o processo
arquitetônico. Para idealizar um projeto de uma casa no
ambiente em que você está inserido e que siga os preceitos da
sustentabilidade, é preciso fazer um estudo desse ambiente.
Pesquise na internet, com amigos, parentes e vizinhos quais
são os problemas ambientais de sua cidade. Levantada às
questões, você poderá escolher os materiais, fazer um ou mais
esboços, que são rascunhos, e, então, fazer uma planta baixa.
1º Passo: A casa a ser projetada terá uma sala acoplada à
cozinha, um quarto, um banheiro e uma garagem. Faça
primeiro o esboço à mão livre.
2º Passo: Com base em sua pesquisa, decida quais serão os
materiais sustentáveis que você utilizará. Lembre-se de que é
possível trabalhar com materiais reaproveitados. É importante
colocar no projeto qual material você escolheu.
3º Passo: Verifique se todas as portas e janelas estão no lugar
correto. Elas devem estar voltadas para a área externa da casa.
4º Passo: Faça as correções necessárias e finalize seu esboço.
5º Passo: Elabore sua planta baixa, que serve como um projeto
para aprovação da prefeitura e como guia para os construtores
(engenheiros, marceneiros, decoradores, entre outros
profissionais).
Praticar a arte 2 – Construindo uma maquete: Com base na
planta baixa que você criou, construa uma maquete utilizando
materiais simples e reaproveitados. Traga sua maquete para a
sala de aula e com os colegas organizem uma exposição para
toda a turma.
 74 – INSPIRANDO E EXPERIMENTANDO JOAN MIRÓ. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
As obras de Joan Miró, apesar de surrealistas,
são marcadas por uma simplicidade que o
diferencia da maioria dos pintores de sua
época. Dizem que durante o período em que
estudava na Escola de Belas Artes de
Barcelona, Miró treinava sua pintura
tentando desenhar objetos de olhos
vendados, reconhecendo-os apenas pelo tato.
O artista justificava o uso dessa técnica para
se libertar da imagem real das coisas.
O artista também treinava pintando paisagens que gravava em
sua mente, levando-as para a tela imediatamente ao chegar a
seu ateliê. Esses exercícios fizeram, ao longo do tempo, com
que Miró fosse reconhecido como uma mente privilegiada.
Praticar a arte – Construção de composição artística com desenho e colagem: Nas obras de Joan Miró também é possível
perceber uma grande quantidade de símbolos, personagens e figuras, o que faz com que o observador precise usar a sua
imaginação para compreender o que o artista deseja transmitir ou criar sua própria interpretação.
Materiais: Intruções:
 Canetinha hidrocor. 1. Desenhe sua figura de preferência. Uma personagem, um animal, um objeto etc.
 Cola branca Você também pode trabalhar com uma imagem impressa ou uma fotocópia.
 Tesoura 2. Recorte pedaços de papel de seda coloridos.
 Linhas e barbantes coloridos. 3. Crie uma composição com os recortes de papel de seda sobre o seu desenho.
 Papel de seda colorido 4. Acrescente os contornos com o barbante ou linha coloridas.
 Tinta acrílica ou goache. 5. Acrescente mais cores com as tintas. Você pode utilizar esponjas e pincéis.
6. Acrescente detalhes com a purpurina e outros elementos de sua preferência
 Purpurina ou Glitter em pó.

Joan Miró tinha a sua maneira própria de interpretar o mundo

e em seus quadros procurava mostrar a sua realidade de uma
forma simplificada. Em algumas de suas obras, como
“Personagem atirando pedras em um pássaro”, por exemplo, o
“personagem” ao qual o artista se refere possui uma forma
similar a de um pássaro, mas na imagem existe outro ser que
muitos interpretam como o pássaro, pois está voando, o que
faz com que cada um interprete o “personagem” de uma
maneira diferente.
 75 – CONSTRUINDO O RETRATO DE FRIDA KAHLO. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Frida Kahlo, nome artístico de Praticar a arte – Construindo o retrato de Frida Kahlo: Com uma vida marcada por paixões, dor, sofrimento e perseverança,
Magdalena Carmen Frida Kahlo y Frida Kahlo levou ao mundo as cores vibrantes e a energia do povo mexicano em suas roupas, adereços e pinturas. Observe o
Calderón, nasceu na vila de Coyoacán, passo a passo a seguir para desenhar e pintar o retrato customizado da artista:
no México, no dia 6 de julho de 1907.
Filha de pai alemão e mãe espanhola
desde pequena teve uma saúde
debilitada. Com seis anos contraiu
poliomielite que lhe deixou uma
sequela no pé. Com 18 anos, sofreu
um grave acidente de ônibus que a
deixou um longo período no hospital.
Apesar de deprimida e incapacitada de andar, Frida passou a
pintar sua imagem, com um espelho pendurado na sua frente e
um cavalete adaptado para que pudesse pintar deitada. Dizia:
“Para que preciso de pés quando tenho asas para voar”. Sua
primeira pintura foi “Autorretrato em um Vestido de Veludo”,
dedicado a Alejandro Gomes Arias, seu ex-noivo.

Apesar de passar por diversas

cirurgias e usar um colete de gesso
em consequência do acidente, Frida
não parava de pintar. Sua obra
recebia influência da arte indígena
mexicana. Pintava paisagens mortas e
cenas imaginárias. Usava cores fortes
e vivas, explorando principalmente os
autorretratos. Frida Kahlo era
também aficionada por fotografia,
hábito que herdou de seu pai e do seu
avô materno, ambos, fotógrafos
profissionais.
 76 – A ARTE NO DIA A DIA. CONCEITOS E PRÁTICA. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Mesmo sem ser percebida, a arte faz
parte da nossa vida. Observe a
variedade de tênis e de mochilas entre
seus colegas de classe e também as
estampas de camisetas que você usa.
Por trás de toda essa variedade de
modelos está o trabalho de um artista.
Em um fábrica de automóveis, por
exemplo, há departamentos de arte em
que artistas estudam como deixar os
veículos mais bonitos e atraentes para o
consumidor. A arte também está
presente na publicidade. As embalagens,
os cartazes, as músicas que ajudam a
propagar e vender os produtos são uma
combinação entre a arte e o comércio.
Num supermercado, por exemplo,
observe as cores existentes nas
embalagens de biscoitos. Os de
chocolate são embalados em caixas ou
papéis que têm inscrição e desenhos
feitos em tons marrons e os de morango
com inscrições trabalhadas em
vermelho. A arte pode ser também uma
forma de expressão pessoal e de lazer.
Podemos pintar ou fazer uma escultura,
tocar um instrumento, compor uma
música ou participar de um grupo teatral
sem que isso esteja vinculado à indústria
ou ao comércio. Em geral respiramos
arte por todos os lados e somos muitas
vezes involuntariamente artistas. Diante
de tudo isso, se você prestar atenção ao
seu redor, perceberá o quanto a arte
está presente no seu dia-a-dia.
Atualmente, podemos participar de uma "arte" que está
acontecendo, sendo ela visual, ouvida, ou mistas, ela esta
presente em todas as horas, que caminhamos na rua,
assistimos televisão, seja de diferentes formas na rua, um
artesão, que constróis peças joias, etc., estes tem um dom
artístico, uma forma de utilizar suas mãos e criam algo
inesperado.
Praticar a arte 1 – Pesquisando sobre a arte no dia a dia: Praticar a arte 2 – Tire uma foto de um objeto que tenha em
Observe ao seu redor as possíveis manifestações artísticas que sua casa e que você gostaria de fazer alguma intervenção
você, normalmente, não percebe. Tente olhar para coisas, artística. Por exemplo, um jarro de flor, ou um calçado, uma
pessoas e até mesmo comportamentos que expressam arte de blusa ou um brinquedo, que não tem “graça”. Cole a foto ou a
alguma forma e responda: fotocópia no espaço a seguir e, através do desenho e da cor, dê
a) Em sua casa, escreva alguns objetos que você tem que, uma nova roupagem artística.
agora olhando atentamente, possuem alguma expressão
artística.
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b) Entre suas roupas e calçados, ou em acessórios que você
usa, escreva em quais vocês observou a arte com mais
intensidade.
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c) Escolha um objeto que você tenha em casa e que seria
possível realizar uma intervenção artística nele. Descreva
como ele é e como ele seria depois.
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d) Na sua rua, em seu bairro ou cidade, escreva quais lugares
você consegue perceber arte com maior presença. Justifique
sua resposta.
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 77 – HISTÓRIA DA ARTE: A ARTE ROMANA – RESUMO PARA ESTUDO. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Arte Romana – Características, Pinturas e Arquitetura: A Arte Romana sofreu grande influência dos
etruscos. Além disso, a Grécia Antiga também serviu de modelo para o desenvolvimento da expressão artística
romana. Vieram, portanto, contribuições tanto do povo etrusco quanto da cultura greco-helenística. Os
primeiros deixaram marcas na arquitetura e urbanismo. Um exemplo são as abóbadas e arcos das majestosas
construções romanas. Dos gregos foram absorvidos os estilos dórico, jônio e coríntio. A mitologia também
exerceu papel preponderante. A Arte representou um dos mais relevantes aspectos da cultura do povo romano.
Revelou-se como uma das mais importantes manifestações no contexto de sua história cultural. Por isto, muitos
recorrem à arte para que através dela, possam compreender melhor a trajetória deste povo. Dentre os quesitos
que representam a arte romana estão: a arquitetura, a pintura, a escultura, a música, a literatura e o teatro.
A arquitetura: A arquitetura sobressaiu-se nas A pintura: Os temas usados nas pinturas eram A escultura: A escultura romana fazia um retrato fiel A música e a literatura:
edificações de prédios, aquedutos, templos, e baseados em temas religiosos, cenas do cotidiano, da pessoa humana, sem lhes atribuir aspectos Quase nada se sabe a
monumentos públicos. Uma construção que atrai todos os figuras da mitologia, conquistas militares. Os padronizados de beleza. Eram bem realistas. Como respeito da música na
olhos é o Coliseu. Representante fiel das características gêneros mais retratados eram paisagens, retratos matéria-prima eram usados o bronze e o mármore. história da arte romana.
arquitetônicas de Roma. Trata-se de anfiteatro edificado e pinturas diversas. A matéria–prima era retirada Uma das características de suas estátuas era que, O que se tem de concreto
na gestão do imperador Vespasiano. Observa-se a da natureza. Usavam pós de metais, vidros diferente dos gregos, os romanos repudiavam o nu é o fato de ter sido,
presença de arco e abóboda. Monumentos, edifícios, pulverizados, pós de madeira, etc., para atlético. Faziam do rosto a parte principal da peça. E também, influenciada
estátuas, pinturas, foram surgindo. A arquitetura fez fabricarem suas tintas. Uma arte muito usada esmeravam-se em torná-lo o mais próximo possível pelos gregos. A literatura
sucesso no campo das obras públicas e palacianas. Foram pelos romanos era o afresco. Trata-se de uma do real. A escultura romana é uma mistura de teve um representante,
desenvolvidos modelos de habitação urbana, em blocos técnica artística em que a pintura é feita em perfeição ao clássico e foi marcada pela influência que é até hoje
de apartamentos. Porém, por serem destinados a aluguel, paredes e tetos. Sobre cimento fresco, gesso ou grega. Os romanos passaram a dominar a técnica de reconhecido. É o escritor
os apartamentos eram construídos sem as necessárias e cal. A história da pintura romana pode ser traçada esculpir em pedra, bronze, metais preciosos e Cícero. Ao final da
adequadas medidas de segurança e qualidade. Desta pelas paredes da cidade de Pompeia, que foi marcaram um estilo próprio, com riquezas de república, quando o latim
forma, aconteciam incêndios e desabamentos enterrada pelas cinzas do Monte Vesúvio em 79 detalhes e influência direta do domínio do império. chegou à sua forma mais
frequentemente. A elite construía os apartamentos e os d.C. A erupção também soterrou a cidade de clássica, outros grandes
alugava, mas as construções deixavam a desejar, pois, não Herculano, mas em Pompeia, as cinzas vulcânicas escritores, além de Cícero
eram utilizadas as melhores técnicas. Só bem mais tarde, ajudaram a preservar as cores das pinturas nas surgiram, como por
surgiram as regras e normas para a construção segura. paredes das casas, os chamados afrescos. exemplo: Tito Lívio,
Representam a arquitetura romana tipos arquitetônicos Horácio, Virgílio, Catulo,
como, por exemplo: aquedutos, Arcos de triunfo, Lucrécio, Varrão, Ovídio e
estradas, anfiteatros, banhos públicos. Entre as outros. Muitos, até hoje
edificações mais famosas, são exemplos: o Coliseu de são reconhecidos,
Roma, o Arco do Triunfo de Tito e Vespasiano, o Fórum admirados e lidos. A
Romano, o Templo do Capitólio, o Templo de Marte, o leitura era uma prática
Templo de Vesta, entre outros. voltada apenas para os da
elite. Eles consideravam
que a plebe não tinha
condições de alcançar o
tipo de linguagem
utilizada nas obras
literárias e nem eram
“dignos” destas.
 78 - HISTÓRIA DA ARTE: A ARTE GREGA – RESUMO PARA ESTUDO. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Escultura Grega: A arte grega é marcada pela sua
escultura, no final do século VII a.C. No Período Arcaico, eles
começaram a esculpir e mostrar a influência que a escultura
egípcia tinha sobre eles. Estátuas eram perfeitas.
Inicialmente, o material era feito com mármore, cujo nome
era Kouros, que significa homem jovem. O escultor fazia com
que a estátua fosse um objeto belo e não somente a estátua
de um homem. O escultor valorizava a simetria natural, assim
como os egípcios e ele esculpia a figura de homens nus
eretos, numa posição frontal. Mas, como não havia regras
rígidas para sua produção, a escultura evoluiu: a escultura
possuía a cabeça mais levantada, como em pose, o corpo
descansava sobre uma das pernas e o quadril era um pouco
mais alto que o outro. Um exemplo disso é a escultura de
Efebo de Crítios. Como o mármore se quebrava facilmente,
por ser pesado, foi substituído pelo bronze, mais leve e
permitia dar mais movimento à escultura. Um exemplo é a
escultura do Zeus Artemísio, em que braços e pernas
traduzem movimento; porém, seu tronco era imóvel. O
problema da imobilidade do tronco, também feita na estátua
Discóbolo, de Miron, foi resolvido por Policleto, em sua
escultura Doríforo, mostrando um homem pronto andar.
Os gregos nos deixaram um vasto legado cultural nas mais variadas áreas, dando origem a uma das mais
geniais civilizações o mundo antigo. A civilização grega foi formada por uma mistura de diversos povos
nômades de origem indo-europeia que tinham em comum a língua e as crenças religiosas. Entre os principais
grupos que habitaram a Península Balcânica, no sul da Europa, estão os micenenses, os dórios, os jônios e os
eólios. Os gregos nunca chamaram a si mesmo de “gregos”, denominavam seu país de Hélade e, portanto se
autodenominaram helenos. Os antigos gregos se sobressaíram especialmente nas artes. A pintura, a escultura
e a arquitetura impressionam pela busca pela perfeição. A arte grega foi considerada livre, pois valorizava o
homem, como sendo o ser mais importante do universo. A inteligência humana era superior à fé, encontrada
na civilização egípcia. O dia a dia, a natureza e as manifestações dos gregos eram retratadas na arte. Eles
procuravam o equilíbrio, o ritmo, a harmonia, pois estavam em busca da perfeição. Suas características são
buscar a beleza das coisas, a superioridade do homem, a razão e a democracia.
Arquitetura Grega: A arquitetura grega tinha um Pintura Grega: A pintura foi utilizada para decorar a
único objetivo: proteger as estátuas dos deuses das arquitetura, nas métopas, substituindo as esculturas, e
ações do tempo. Em seus templos, uma das principalmente na cerâmica. Havia um equilíbrio entre
características era a simetria entre a frente e os fundos os vasos e a pintura. Anteriormente, esses vasos eram
(pronau e opistódomo, respectivamente). E foi a partir usados em rituais religiosos para armazenar coisas,
deles que se iniciaram as colunas, cujo modelo era de depois passaram a simbolizar um objeto artístico.
origem dórica, jônica ou coríntia. Ordem Dórica: Pessoas e cenas mitológicas eram representadas na
simples e maciça. Ordem Jônica: mais detalhada e com pintura, com uma técnica onde o pintor fazia as
mais leveza. Ordem coríntia: Ornamentada. Ao longo imagens em preto e com um instrumento pontiagudo.
da evolução da arquitetura, os elementos que Assim, os vasos produzidos mostravam a harmonia
compunham as colunas, junto com o entablamento existente entre as cores, os desenhos e o espaço
poderiam variar, tanto é que foi criado um capitel utilizado para a pintura. O maior pintor da arte grega
coríntio para ser colocado no lugar de um capitel da foi Exéquias, que teve como uma das principais e
ordem jônica, para enriquecê-la, por exemplo. Havia famosas obras "Aquiles e Ajax jogando". Dispondo os
um espaço chamado frontal, um telhado grego personagens de forma harmoniosa. No ano 530 a.C.,
ornamentado por esculturas e ficava tanto na parte da um discípulo dele revolucionou a forma de pintar em
frente quando na de trás do templo. Outra decoração vasos: deixou o fundo negro e as figuras ficaram
se encontrava nas métopas, que eram decoradas com vermelhas, na cor do barro cozido, dando mais
relevos de esculturas. E também, no friso, que possuía vivacidade às imagens.
o problema por ser longo, mas foi resolvido no A literatura grega antiga tem início com
Partenon, quando o escultor utilizou o tema de uma a criação da escrita, por volta do século
procissão em honra à deusa Atena. VIII a.C, e divide-se em três períodos:
arcaico (até o fim do século VI a.C.),
clássico (séculos V e IV a.C.), e helenístico
(a partir do século III a.C.). O primeiro
período retrata uma época em que os
gregos já elaboravam poemas para serem
cantados ou recitados. Os temas
abordados eram principalmente os mitos,
baseados em uma fusão da memória
histórica com o folclore e a religião.
 79 - HISTÓRIA DA ARTE: A ARTE EGÍPCIA – RESUMO PARA ESTUDO. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
A arquitetura egípcia: As pirâmides do deserto de Gizé são as obras A pintura egípcia: A decoração colorida era um poderoso elemento A escultura egípcia: Os escultores
arquitetônicas mais famosas e foram construídas por importantes reis do
Antigo Império: Quéops, Quéfren e Miquerinos. Junto a essas três pirâmides
está a esfinge mais conhecida do Egito, que representa o Faraó Quéfren, mas
a ação erosiva do vento e das areias do deserto deram-lhe, ao longo dos
séculos, um aspecto enigmático e misterioso. A Esfinge representa o corpo de
um leão (força) e a cabeça humana (sabedoria). Eram colocadas na alameda
de entrada do templo para afastar os maus espíritos. Obeliscos eram
colocados à frente dos templos para materializar a luz solar. As características
gerais da arquitetura egípcia são:
 Solidez e durabilidade;
 Sentimento de eternidade;
 Aspecto misterioso e impenetrável.
As pirâmides tinham base quadrangular eram feitas com pedras que pesavam
em média duas toneladas e meia cada uma, mediam dez metros de largura,
além de serem admiravelmente lapidadas. A porta da frente da pirâmide
voltava-se para a estrela polar, a fim de que seu influxo se concentrasse sobre
a múmia. O interior era um verdadeiro labirinto que ia dar na câmara
funerária, local onde estava a múmia do faraó e seus pertences. O calcário
branco foi utilizado para revestir as pirâmides. É importante destacar que
para as construções “comuns” eles utilizavam os adobes – tijolos feitos de
barro secados ao sol. As pedras eram utilizadas para as construções que
deviam ser “perenes”.
Dentro da história da arte é possível considerar que a arte produzida até os dias atuais é fruto de
ensinamentos e influencias de produções artísticas que foram passadas de geração em geração. Nessa
perspectiva é possível dizer que somos todos alunos dos gregos e os gregos, por sua vez, foram alunos dos
egípcios. Por esse motivo, a importância da arte egípcia para as manifestações artísticas que viriam depois
deles. A arte egípcia estava inteiramente ligada à religião, sobretudo com a vida após a morte. Os túmulos dos
grandes faraós - geralmente Pirâmides - eram solenemente ornamentados com desenhos, pinturas,
esculturas, além de baixos e altos relevos. Todo este cuidado servia para “ajudar” a alma a sobreviver após a
existência terrena. Assim as imagens encontradas nas tumbas egípcias estavam ligadas com a ideia de
propiciar, à alma, ajudantes que o orientassem ou encaminhassem a outra vida. No entanto, esse rico acervo
de imagens divide conosco um retrato do cotidiano dos antigos egípcios.
de complementação das atitudes religiosas. Suas características egípcios representavam os faraós e os
gerais são: ausência de três dimensões; ignorância da profundidade; deuses em posição serena, quase sempre
colorido a tinta lisa, sem claro-escuro e sem indicação do relevo; Lei de frente, sem demonstrar nenhuma
da Frontalidade que determinava que o tronco da pessoa fosse emoção. Pretendiam com isso traduzir, na
representado sempre de frente, enquanto sua cabeça, suas pernas e pedra, uma ilusão de imortalidade. Com
seus pés eram vistos de perfil. A hierarquia na pintura era esse objetivo ainda, exageravam
representada pelo tamanho das pessoas, ou seja, as pessoas com frequentemente as proporções do corpo
maior importância no reino, eram representadas maiores em relação humano, dando às figuras representadas
as outras. Nesta ordem de grandeza tem-se: o rei, a mulher do rei, o uma impressão de força e de majestade.
sacerdote, os soldados e o povo. As figuras femininas eram pintadas Os Usciabtis eram figuras funerárias em
em ocre, enquanto que as masculinas, em vermelho. Os egípcios miniatura, geralmente esmaltadas de azul
escreviam usando desenhos, não utilizavam letras como nós. Eles e verde, destinadas a substituir o faraó
desenvolveram três formas de escrita: morto nos trabalhos mais ingratos no além,
muitas vezes coberto de inscrições. Os
 Hieróglifos – considerados a escrita sagrada;
 Hierática – uma escrita mais simples, baixos-relevos egípcios, que eram quase
sempre pintados, foram também
utilizada pela nobreza e pelos sacerdotes;
 Demótica – a escrita popular. expressão da qualidade superior atingida
pelos artistas em seu trabalho. Recobriam
O Livro dos Mortos é um rolo de papiro com rituais funerários que
colunas e paredes, dando um encanto todo
era posto no sarcófago do faraó morto, era ilustrado com cenas
especial às construções. Os próprios
muito vivas, que acompanham o texto com singular eficácia.
hieróglifos eram transcritos, muitas vezes,
Formado de tramas de fibras do tronco de papiro, as quais eram
em baixo-relevo.
batidas e prensadas transformando-se em folhas.
 80 – EXERCÍCIO PRÁTICO DE APLICAÇÃO DE COR. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Praticar a arte: Usando seus materiais artísticos como lápis de cor, giz de cera, canetinha etc. aplique as cores que desejar na imagem:
 81 – EXERCÍCIO PRÁTICO DE AMPLIAÇÃO DE DESENHO POR QUADRANTES. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Praticar a arte – Desenhando a partir de quadrantes para
ampliação: O desenho ao lado faz referência a uma
pintura famosa do artista da Pop Arte chamado Roy
Lichtenstein (1923-1997). Utilizando a grade como guia,
amplie o desenho transportando as linhas e os
preenchimentos de cada quadro para a grade maior.
 82 – APRECIANDO OS ESTILOS MUSICAIS: A MÚSICA SERTANEJA. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
A música caipira e a música
sertaneja: Chama-se tradicionalmente
de caipira, uma pessoa que não habita
os grandes centros urbanos, sendo
normalmente um trabalhador rural.
Também podem ser encontrados os
termos “jeca”, “matuto”, “caboclo”,
“caiçara”, conforme a região do Brasil. É
essa pessoa do campo, com suas festas,
danças, comidas típicas, religiosidades,
crendices e indumentária original, que
dá origem à chamada música caipira, da
qual, por sua vez, deriva da música
sertaneja. O caipira é um criado de
cultura cuja riqueza múltipla e densa
desafia em todos nós mais do que uma
curiosidade passageira, ele desperta a
sabedoria da compreensão.
A música caipira, também conhecida como moda de viola, é
uma manifestação cultural que tem como ternas os costumes
regionais. Retrata a vida da população do interior de São Paulo
e Minas Gerais, norte e oeste paranaense, sudeste goiano e do
estado de Mato Grosso. Ela nasce da necessidade de a
sociedade rural se expressar por meio de canções que cotam
suas alegrias e tristezas, sua vida e trabalho. As raízes desse
tipo de música estão no seu regionalismo e na cultura própria
do campo.
A principal característica, em termos de música, consiste no
fato de a cantoria ser feita geralmente a duas vozes. São
representantes desse gênero as duplas Tonico e Tinoco e Pena
Branca e Xavantinho.
A música sertaneja, como a conhecemos Praticar a arte 2 – Ilustração da letra da música: Depois de
na atualidade, deriva das modas de viola apreciar a música “Vida Boa”, faça um desenho ilustrativo no
dos anos 1920, porém foi bastante espaço a seguir:
modificada em suas origens pela
influência da mídia, que estabeleceu uma
parceria de sucesso com duplas que
surgiram principalmente a partir da
década de 1980, como Zezé di Camargo e
Luciano, Chitãozinho e Xororó, Leandro e
Leonardo entre outras. Muitas das novas
duplas adotaram temas urbanos, o apelo
ao sentimentalismo, os exageros no uso
da extensão vocal, utilizando gêneros
como a Jovem Guarda e o Country
americano, inclusive em termos de
estética indumentária e de passos de
dança, com grande movimentação das
pernas. Além disso, os músicos sertanejos
passaram a utilizar instrumentos
eletrônicos e a adotar características do
pop e do rock, assim como fazer uso de
toda parafernália de efeitos visuais
comuns às grandes bandas.
Praticar a arte 1 – Apreciação musical: Ouça e acompanhe a
música “Vida Boa”, da dupla sertaneja Victor e Léo:
Vida Boa Que vida boa ô ô ô
Victor e Leo Que vida boa
Sapo caiu na lagoa
Moro num lugar Sou eu no caminho do meu
Numa casinha inocente do sertão sertão
De fogo baixo aceso no fogão Vez e outra vou
Fogão à lenha ai ai Na venda do vilarejo pra comprar
Tenho tudo aqui Sal grosso, cravo e outras coisa
Umas vaquinha leiteira que faltar
Um burro bão Marvada pinga ai ai
Uma baixada ribeira Pego o meu burrão
E um violão e umas galinha ai ai Faço na estrada a poeira levantar
Tenho no quintal uns pés de fruta e de flor Qualquer tristeza que for não vai
E no meu peito por amor passar
Plantei alguém (plantei alguém) Do mata-burro ai ai
Galopando vou
Depois da curva tem alguém
Que chamo sempre de meu bem
A me esperar (a me esperar)
 83 – EXERCÍCIO DE CONSTRUÇÃO DE IMAGEM: DESENHANDO A ÁRVORE. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Praticar a arte: Observe o passo a passo a seguir para
desenvolver e aprimorar sua capacidade de desenho. Aplique
as cores que desejar.
 84 – EXERCÍCIO DE DESENHO – PRODUÇÃO DE CROQUI E MODA. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Praticar a arte – Observe os modelos apresentados de alguns
croquis de produção de moda. No manequim ao lado, crie o
seu através do desenho e cores.
 85 – GEOMETRIZAÇÃO DO DESENHO – ESTRUTURA E ACABAMENTO. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
O que é Geometrização: Ato ou efeito de geometrizar, isto Praticar a arte – Desenho a partir da geometrização: Observe o passo a passo e construa, a partir da geometrização (aplicação
é, ação de definir graficamente, por meio lógico e matemático, de figuras geométricas simples: círculo, triângulo, quadrado e retângulo) reproduza o objeto:
as linhas de contorno, as concordâncias entre linhas curvas
distintas, os limites e tolerâncias de alterações em linhas que
configuram e/ou formam desenhos industriais, sem, é claro,
alterar-lhes os sentidos, os objetivos, as atribuições gráfico-
visuais. Em Desenho industrial, deve-se passar pelo processo
de geometrização, pois é isto que garante a coerência estético-
formal, o uso técnico-funcional e o significado lógico-
informacional dos mais distintos produtos. A geometrização,
depois do advento do computador, passou a ser,
aparentemente, algo simples em termos de solução de
problemas formais, mas não é. A geometrização, quando
aplicada na fase de Elaboração do processo criativo, resulta no
significativo aumento da quantidade e da qualidade de formas
geradas para alternativas em projetos de produtos de consumo
(artefatos em geral) ou produtos de serviço (símbolos e
logotipos). A geometrização ajuda a identificar tamanhos,
harmonias, proporções e características de dimensões de algo
desenhado industrialmente.
 86 – CONSTRUÇÃO DE RETRATOS COM RECORTE E COLAGEM. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Praticar a arte – Construindo um retrato: Através de
recorte e colagem, observe as figuras a seguir para
você também construir o seu rosto com colagens.
Procure em jornais e revistas, partes que compõem o
rosto (boca, nariz, orelhas e olhos). Aproveite o
contorno do rosto ao lado para colar as partes.
 87 – EXERCÍCIO DE DESENHO E APLICAÇÃO DE GUACHE. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
O termo “guache” foi
originalmente cunhado no
século XVIII em França,
embora a técnica seja muito
mais antiga, utilizada
frequentemente a inícios do
século XVI em Europa.
Guache é uma palavra que
provem do italiano
“GUAZZO” que quer dizer
tinta de água.
O que é o guache? O Guache é um tipo de material
semelhante à aquarela, mas com uma consistência mais densa
e opaca devido a adição de pigmento branco a mistura, além
de goma-arábica como aglutinante. O resultado são cores mais
fortes e menos transparentes que as obtidas com as aquarelas.
Os pigmentos do guache quando secam, aparecem
ligeiramente mais claros do que quando molhados. Este facto
pode tornar a combinação das cores numa tarefa difícil.
Quando se aplica o material de forma densa, pode existir a
tendência a rachar. No entanto esta tendência pode ser
atenuada ou eliminada com a aplicação e mistura de certos
médios, como por exemplo, o “aquapasto”.
Praticar a arte – Construção de desenho e aplicação de
cor através do guache: Observe a composição de
passáros a seguir. Construa seu desenho a partir da
observação do modelo proposto. Aplique as cores que
desejar.
 88 – CRIANDO FORMAS E TEXTURAS COM ARESTAS. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Praticar a arte – Criação de desenhos com materiais alternativos: Observe a imagem a seguir. Com o uso do apontador e de diferentes
lápis de cor, retire arestas dos seus lápis para criar desenhos e diferentes formas.
 89 – EXERCÍCIO PRÁTICA DE CONSTRUÇÃO DE PADRÕES. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Praticar a arte 1 – Criação de padrões através da prática de desenho e
preenchimento: Observe os diferentes modelos de padrões com os mais
diferentes tipos de linhas. Escolha, entre eles, os que mais lhe agradam e
repita-os nos espaços oferecidos.

Praticar a arte 2 – Depois de praticar o desenho de padrões, estabeleça, no desenho sugerido, o preenchimento de
algumas áreas com alguns dos modelos de padrões. Use a canetinha para preencher com as cores.
 90 – PRODUZINDO RELEITURA DE OBRA DE ARTE – MÁRIO NAVARRO. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Praticar a arte – Relendo uma obra de arte: Fazer uma
releitura de uma obra de arte é observá-la e desenhá-la
tentando passar para o desenho as suas emoções. Sempre
inspirado na obra que observou. Observe a imagem do quadro
de Mario Navarro para se inspirar e criar sua releitura.

Pintor de marinhas teve um breve período de

estudos com José Maria de Medeiros e
Rodolfo Amoedo. Na Academia de Belas Artes
de Nápoles foi aluno de Atillio Pratella e
Ulrico Pistilli. Cônsul do Brasil em Florença,
Itália, residiu também em Portugal, onde
alcançou notoriedade, e em Paris. No seu
tempo de Portugal, integrou o grupo de
Malhoa, Columbano, Souza Pinto e Carlos
Reis.
Realizou individuais no Rio de Janeiro (1910 e 1914) e
participou várias vezes do Salão Nacional de Belas Artes, onde
conquistou as medalhas de bronze em 1912, prata em 1913, e
pequena medalha de ouro em 1920. O Museu Nacional de
Belas Artes realizou uma exposição de sua obra em 1978.
 91 – A FOTOGRAFIA – CONSTRUINDO UMA PINHOLE. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
As descobertas do século XIX, nos
campos da Física e Química,
possibilitaram o descobrimento da
fotografia. Ela não teve um único
inventor. Entre muitos nomes,
destacam-se Leonardo da Vinci,
que descobriu o princípio da
câmara escura, Joseph Nicéphore
Niépce, que apresentou as
primeiras imagens na câmara
escura, e Louis-Jacques Mandé
Daguerre, a quem se atribuiu o
título de “inventor da fotografia”
por ter apresentado o Além do desenvolvimento do processo, ele
daguerreótipo, em 1839. A foto
consistia em uma chapa metálica
na qual fica gravada a imagem. Em
1860, aparecem os primeiros
fotógrafos ambulantes e, em
1867, o físico francês Louis Ducos
revelou a descoberta da fotografia
colorida.
Desde seu surgimento até a atualidade, com as
imagens digitais, a fotografia e a pintura
sofreram e sofrem influência uma da outra e
se transformam. Os primeiros fotógrafos eram
pintores, e a invenção da fotografia fez com
que todas as artes passassem por uma
reflexão. Pelas suas características, ela libertou
a pintura da representação fiel e foi
fundamental para o surgimento dos
movimentos artísticos do século XX.
Os primeiros fotógrafos: Niépce e
Daguerre foram os pioneiros da história da
fotografia. Niépce é considerado o
primeiro fotógrafo. Foi ele, em 1826, quem
primeiro conseguiu fixar uma imagem
produzida exclusivamente pela ação da luz.
Para realizar esse feito, ele desenvolveu
um negativo composto por uma lâmina de
vidro preparada com verniz de asfalto e
óleos. Em 1835, Daguerre descobriu uma
combinação de elementos químicos e
procedimentos capazes de produzir
fotografias de forma prática e acessível.
inventou uma máquina de fotografar
chamada “Daquerreótipo”. Essa máquina
produzia apenas um positivo, ou seja,
apenas uma fotografia. Apesar de já
estabelecidos os princípios da fotografia,
faltava, ainda, desenvolver um sistema que
possibilitasse a reprodução das imagens
fotografadas na quantidade que se
desejasse, ou seja, faltava inventar o
negativo. A invenção foi atribuída ao
cientista inglês William Henri Fox Talbolt,
por volta de 1835.
A fotografia de Pinhole: Pinhole ou
pin-hole (do inglês, “buraco de
agulha”) é uma máquina fotográfica
sem lente, um processo alternativo,
divertido e interessante de fotografar.
Entre os elementos que caracterizam
esse processo, estão o tempo e os
contratempos, ou seja, o tempo de
exposição do papel fotográfico à luz e
os contratempos de um processo
artesanal. A pinhole gera uma
fotografia, em negativo, por meio da
exposição à luz de um papel
fotográfico. Também é possível a
utilização de negativo fotográfico.
Essa máquina fotográfica artesanal consiste, basicamente, em
um compartimento fechado onde não existe luz, ou seja, uma
câmara escura, com um pequeno orifício. É também chamada
de fotografia estenopeica (estenopo, do grego, “furo”).
Praticar a arte – Construindo uma Pinhole: Construir
uma pinhole não é dificil, mas é preciso seguir
corretamente as etapas e utilizar os materiais
apropriados.
Materiais:
 Uma lata de leite em pó.
 Fita adesiva.
 Papel preto fosco.
 Tesoura sem ponta.
 Agulha fina (ou compasso).
 Envelope que vede a passagem da luz.
 Papel fotográfico preto e branco
 Prego e martelo.
 92 – EXERCÍCIO PRÁTICO DE CRIAÇÃO DE SOMBRAS COM GRAFITE. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
O termo claro-escuro deriva de chiaroescuro, palavra Praticar a arte – Construindo áreas de luz e sombra: A partir da sua observação da imagem a seguir (ver a que não estar esmaecida),
italiana que designa o efeito de luz e sombra. Em reaplique com o lápis grafite as sombras sugeridas. Através dessa técnica você construirá áreas claras e escuras. Use a borracha para
pintura ou desenho é utilizado para descrever o acrescentar pontos de luz.
fenômeno pelo qual, mediante um equilibrado
contraste de luz e sombra, se confere relevo às formas e
profundidade à composição. A técnica do claro-escuro já
era empregada na Renascença, por artistas como
Leonardo da Vinci e Ticiano, e foi sutilmente
aproveitada pelo chamado Tenebrismo de Caravaggio.
Atingiu seu ponto alto na extraordinária pintura de
Rembrandt. No início do século XIX, os pintores
acadêmicos franceses estavam preocupados em
reproduzir as sutis gradações tonais que separaram as
luzes das sombras. Teoricamente, as luzes eram poucas
e as sombras conseguidas com pintura transparente.
Então o claro-escuro transformou-se em algo mais que
uma técnica e passou a representar um ideal de beleza
artística.
 93 – COMO ANALISAR UMA OBRA DE ARTE. RESUMO PARA ESTUDO. FOLHA 1 DE 2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Compreender e interpretar o significado
transmitido por um quadro ou por uma
obra de arte é um assunto
frequentemente discutido entre
pensadores, críticos e demais estudiosos
das artes. É também culturalmente
enriquecedor. O processo envolve
emoções e pensamentos que surgem
em resposta à obra de arte. A arte deve,
antes de tudo, atrair-nos pelos sentidos.
Isso não significa que uma pintura precisa ser bela para ser
boa, e sim, que deve atrair a atenção das pessoas de alguma
forma. A obra pode ser chamativa graças ao assunto, ao uso de
cores, à sua aparência realista ou a uma série de outros
fatores. Algumas pessoas dedicam a vida a estudar os mínimos
detalhes das obras de um artista. Mas não é necessário se
tornar um perito para formar um relacionamento significativo
com a Arte. Quanto mais se estuda, melhor se torna a
experiência, mas não é necessário saber muito para conseguir
apreciar e compreender uma obra de arte. Adquirir uma
compreensão básica sobre a Arte não é difícil. Requer apenas
certa atenção aos detalhes, um pouco conhecimento sobre
História e sobre a História da Arte, assim como a disposição
para pensar e refletir sobre seus próprios sentimentos.
O papel do artista: Para entender a função e o objetivo de
uma obra de arte, devem-se considerar os papéis tradicionais
desempenhados pelo artista:
 Registrar o mundo.
 Prover uma forma visível ou tangível aos sentimentos.
 Revelar verdades ocultas e transversais.
 Ajudar-nos a enxergar o mundo de uma forma inovadora.
Como analisar uma pintura: Em uma obra de arte, os
objetos ou os assuntos são apresentados de forma em que seja
possível transmitir um significado além do literal. É importante
notar que um pintor se comunica com o público por meio a
tela. Diferentemente de um filme ou livro, a informação e a
mensagem estão limitadas à uma única imagem. Em uma
pintura, considera-se que é retratado – o assunto – e quanto
bem o artista utilizou elementos de composição, como formas,
cores, espaços, luzes, tom etc. O observador pode decodificar
os símbolos e inferir suas mensagens. Por exemplo, cores
pálidas e linhas muito finas podem transmitir senso delicadeza.
As pessoas reagem instantaneamente às pinturas. Contudo,
essa reação imediata se desenvolve em uma reação pessoal
mais completa à medida que se examina e se explora a obra.
Reagir significa fazer conexões. Tais conexões podem ser
divididas, por exemplo, fazer a ligação entre um objeto ou
gesto com seus significados ou seu contexto histórico. Parte da
reação é pessoal e pode estar ligada às experiências passadas e
memórias. Quando se interpreta uma obra de arte, fazem-se
vários tipos de perguntas – sobre o artista e sobre a obra e seu
contexto histórico.
Qual o assunto da obra? Após observar o quadro e obter
uma visão geral dele, pergunte a si mesmo qual é o tema da
pintura. O que ela transmite? O tema pode ser uma paisagem,
uma pessoa, um grupo de pessoas, uma cena de uma história,
um edifício, um animal ou um ser inanimado, como uma cesta
de frutas, um vaso de flores, etc. Há pessoas no quadro? Se há
quem são elas? Às vezes, as pinturas ilustram uma história.
Esta pode ser histórica ou poder advir de textos literários,
como os religiosos, por exemplo. Você consegue identificar a
história? Examine as personagens da pintura e descreva seus
atos. Um bom exemplo é a “Última Ceia”, pintada pelo artista
Leonardo Da Vinci. Você consegue identificar o assunto?
A pintura retrata a cena da última ceia de Jesus com seus
discípulos. Da Vinci retratou o sentimento de consternação que
os doze discípulos sentiram quando Jesus anunciou que um
deles o trairia. Da Vinci retratou um momento te tensão e de
emoções ao demonstrar os gestos, as expressões faciais e as
poses dos discípulos. A Última Ceia já havia sido pintada por
muitos artistas, mas a versão de Da Vinci é a mais famosa
delas.
Algumas pinturas recentes não
contam nenhuma história, pois são
abstratas ou não representacionais.
Muitas das pinturas famosas dos
séculos XX e XXI são abstratas –
brincam com a forma e a cor e até
com a qualidade da tinta, em vez de
representar a realidade. Contudo, é
importante ressaltar que o assunto
de uma pintura pode ser qualquer
coisa – um lugar ou até mesmo uma
emoção.
Os símbolos nas obras de arte: Em muitos casos, uma
pintura inclui símbolos bastante claros. Um símbolo é algo
que significa outra coisa. Observe os símbolos em uma
pintura: podem ser símbolos de conceitos como a injustiça, a
pobreza, a morte, a riqueza, a felicidade, o nascimento, o
passar do tempo etc., por exemplo, o famoso pintor
surrealista Salvador Dalí é conhecido por ter pintado relógios
derretendo. Estes são símbolos da passagem e da
relatividade do tempo.
 94 - COMO ANALISAR UMA OBRA DE ARTE. RESUMO PARA ESTUDO. FOLHA 2 DE 2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
O estilo da pintura: O estilo precisa ser levado em Perguntas como “quando foi pintada essa pintura?”, “Qual seu Praticar a arte: Interpretando o texto.
consideração, pois ele é, essencialmente, a marca da local de origem?”, “Será que alguém encomendou?” são a) O que envolve o processo de análise de uma obra de arte?
criatividade individual que o artista registra na tela. Como é relevantes. Conhecer a história do artista e de sua obra ajuda _______________________________________________
que cada elemento técnico contribui para o tom, para o na compreensão do significado de seu trabalho. Em certos _______________________________________________
significado e para a sensação estética de cada obra de arte? A casos, uma obra de arte foi paga por alguém, pode ter sido um _______________________________________________
cor, a luz, a sombra, as texturas, as pinceladas, os formatos, as patrono das artes, uma autoridade religiosa, um rei ou um _______________________________________________
linhas, o volume, a modelagem, a proporção, a perspectiva ou individuo particular. Também é possível que o pintor tenha b) Por que é importante estudar a arte para aperfeiçoar a
a construção especial e a composição são formas de discutir feito a obra sem que ela tivesse sido encomendada, feita para capacidade de interpretação da arte?
como o artista transmitiu um assunto, dando a ele sua estudo etc. Ao analisar uma obra de arte, deve-se perguntar o _______________________________________________
interpretação pessoal. O estilo é a soma das características que ela transmite a respeito da época e do lugar em que foi _______________________________________________
formais de uma obra de arte. Uma análise de qualquer obra de feita. Quais eram os valores humanos? O que era importante _______________________________________________
arte por meio dessas características formais é denominada para a sociedade? O que significava para eles ser humano? O _______________________________________________
análise formal. que eles achavam que a arte deveria ser? c) Qual é o papel do artista?
Deve-se analisar o motivo por Esses tipos de questionamentos nos _______________________________________________
trás das escolhas do artista: a ajudam a compreender melhor uma _______________________________________________
técnica e os materiais que obra de arte. Os historiadores de arte _______________________________________________
utilizou, o tema que transmite e acreditam que as obras de arte são _______________________________________________
como tudo isso estão janelas para o passado, isto é, que d) Explique o que são as conexões que fazemos ao observar
relacionado ao objetivo do fornecem informações sobre o modo uma obra de arte.
artista em produzir a obra de de vida de certa época que nenhum _______________________________________________
arte. Há o estilo pessoal e outro tipo de evidência histórica pode _______________________________________________
também o estilo da época. fornecer. _______________________________________________
Alguns artistas seguem os estilos Vale ressaltar que um historiador da arte é um historiador, ou _______________________________________________
tradicionais. Já outros objetivam seja, ele busca informações do passado. A arte é a forma de ele e) Como entender o assunto de uma obra de arte?
produzir algo diferente e estudar a História, é a sua fonte de pesquisa. _______________________________________________
desafiador. Por exemplo, muitas _______________________________________________
obras do Renascimento parecem Qual sua reação emocional diante da obra de arte? _______________________________________________
ser muito parecidas, umas com _______________________________________________
as outras, para um leigo. Mas A arte evoca emoções. Os artistas se esforçam para inspirar f) O que são símbolos nas obras de arte?
um historiador da arte consegue fortes emoções nas pessoas, como admiração, desejo, ódio, _______________________________________________
observar uma pintura que nunca desprezo, alegria etc. Já que sabemos que um dos objetivos do _______________________________________________
viu antes e saber identificar artista é o de causar reações emocionais em seus _______________________________________________
quando e onde foi produzida. espectadores, devemos refletir sobre o tipo de reação que uma _______________________________________________
obra de arte evoca em nós. Devemos perguntar que tipo de g) Classifique os dois tipos de estilos em uma obra de arte.
Fatos históricos: Há outras informações que devem ser _______________________________________________
consideradas: o nome do artista, o título da obra de arte, mensagem o artista está tentando transmitir por meio de sua
obra. Evocar sentimentos e emoções nas pessoas é um dos _______________________________________________
declarações feitas pelo artista e o contexto histórico e cultural
principais objetivos do artista. Se uma obra de arte o faz sentir _______________________________________________
da obra de arte. Em certos casos, tais informações foram _______________________________________________
documentadas. No caso da arte da Antiga Grécia, por exemplo, raiva, tente identificar o motivo. Por que a obra o perturba?
Por que você acha que o artista objetivava perturbar as _______________________________________________
quase não há documentos. Contudo, pode-se determinar a
pessoas por meio de seu trabalho? Por outro lado, se a obra o _______________________________________________
cronologia das obras de arte desse período por meio dos
faz sentir feliz tente identificar o motivo. O que há nela que _______________________________________________
princípios do desenvolvimento artístico e cronologia relativa. _______________________________________________
fomenta isso?
 95 – CRIANDO UMA COMPOSIÇÃO FIGURATIVA. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Praticar a arte – Criando uma composição figurativa através
de objetos sugeridos: Escolha alguns os objetos apresentados
a seguir para você criar uma composição figurativa por
desenho. Aplique as cores que desejar.
 96 – PRÁTICA DE DESENHO DE NATUREZA MORTA. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Ao longo dos séculos, a arte da pintura foi se dividindo em alguns estilos com específicas formas e características e, a partir do Renascimento, surgiu uma
classificação denominada “gêneros da pintura”. Dando sequência a apresentação desses gêneros, hoje você descobrirá um pouco mais sobre a natureza-morta.
Confira a seguir: Pinta-se algo que morreu na natureza? Ao contrário do que o nome pode sugerir o gênero natureza-morta não se relaciona à morte
diretamente. O foco deste tipo de pintura são objetos inanimados. Qual o tema, então, da natureza-morta? Neste tipo de pintura, predominam-se telas
com mesas (seja de comida ou bebida), louças e talheres, frutas, flores, plantas, instrumentos musicais ou objetos de uso diário, como ferramentas. No geral,
sempre se tratam de figuras ligadas à vida doméstica, ao trabalho manual, aos hobbies, ao convívio social. Contemporaneamente, sobretudo na fotografia, os
artistas que se valem da natureza-morta têm, de certa forma, atualizado esse gênero se valendo, por exemplo, da representação de objetos mais modernos. A
composição deste gênero se associa um pouco à pintura naturalista, pois os objetos são pintados com extrema riqueza de detalhes. Um ponto interessante
sobre a natureza-morta na história da pintura é que ela permite uma liberdade maior de criação. A técnica (óleo ou aquarela, por exemplo) a ser utilizada pode
ser escolhida livremente conforme a ideia que o artista quer desenvolver. Principais artistas: A natureza-morta está localizada especialmente no período
Barroco, no século XIX, e está presente na obra de pintores como Pieter Aertsen, Jacopo Bassano, Giuseppe Arcimboldo, Juan Sánchez Cotán.
Praticar a arte – Desenhando e pintando uma
natureza-morta: Observe as naturezas-mortas
apresentadas a seguir. Produza um desenho a
partir da sua observação delas. Aplique as cores
que desejar.
97 - PRODUZINDO RELEITURA DE OBRA DE ARTE – LUCIANO MARTINS. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
A arte esteve sempre presente em sua vida. Ainda Praticar a arte – Produzindo uma releitura: Escolha uma das imagens das obras de Luciano Martins
criança, fantasiava que tinha uma editora de histórias em apresentadas e crie sua releitura. Aplique as cores que desejar.
quadrinhos, e cobrava-se quanto às supostas edições de
gibis que ele próprio desenhava. Luciano Martins Iniciou
sua carreira criativa na publicidade em 1986, em Porto
Alegre, onde recebeu mais de duzentos prêmios
regionais, nacionais e internacionais. Mas encontrou seu
verdadeiro lugar de destaque no campo das artes, onde,
utilizando cores vibrantes e traços lúdicos, desponta como
um dos nomes mais importantes de sua geração.
98 – CRIAÇÃO DE ESTAMPAS GEOMÉTRICAS - CONCRETISMO. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Moda: do francês mode, do latim Praticar a arte – Criação de uma estampa concreta: No modelo da meia a seguir, escolha uma ou mais obras de arte concretas
modu. A palavra moda é a maneira, o apresentadas para criar sua estampa. Aplique as cores que desejar.
modo como as pessoas vivem. Hoje a
palavra moda está diretamente
relacionada à maneira de vestir.
Arte: do latim ARS, significando
técnica e/ou habilidade. Geralmente
é entendida como a atividade
humana ligada a manifestações de
ordem estética, feita por artistas a
partir de percepção, emoções e
ideias, com o objetivo de estimular
essas instâncias de consciência em
um ou mais espectadores. A moda é
composta por diversos estilos que
são resultados de influências que a
atinge sob diferentes aspectos. O
que é essencialmente chamado de
inspiração em arte seria o estado de
consciência que o artista atinge, no
qual vê a percepção, a razão e
emoção encontradas combinadas. O
mesmo ocorre com a moda em que a
criação de um look para um designer
é muito mais do que um trabalho.
Através de uma peça ele também
passa suas ideias, seus sentimentos,
suas percepções e olhares do
mundo. É cada vez mais evidente
que os movimentos artísticos
inspiram as criações em moda. Pode-
se ter acesso a várias coleções, que
com características marcantes de
cada um desses movimentos
reafirme esse envolvimento da Moda
com a Arte. Um bom exemplo é a
Pop Art que igualmente a outros
seguimentos da arte são revisitados
constantemente trazendo
inspirações para as criações dos
designers atuais.
 99 – EXERCÍCIO DE APLICAÇÃO DE COR: PAISAGEM. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]
Uma breve história sobre a origem da tinta acrílica: Não Praticar a arte – Aplicação de tinta acrílica: Diante da imagem da paisagem apresentada, aplique as cores que desejar
mais de sessenta anos nos separam da maior evolução entre os utilizando-se da tinta acrílica.
materiais de pintura. Em comparação com a tinta a óleo e a
aquarela que atravessaram séculos, as técnicas acrílicas tem
um passado recente. Mesmo assim os artistas adotaram os
procedimentos de um veículo extremamente valioso, eficiente
e com todos os implementos para uma pintura vibrante e
decisiva. Foram os muralistas mexicanos os primeiros a
testarem o material e logo em seguida trouxeram a Nova York
palestras e discussões atraindo os artistas americanos para
oficinas de testes e avaliação. Havia, sim, adaptações à época,
pois a tinta acrílica, patenteada na origem de sua resina era
utilizada para fins imobiliários e industriais. Os primeiros
acrílicos não eram dispersos em água e sim em solventes. Na
década de quarenta o governo americano sustentou pequenos
fabricantes de material artístico; esses fabricantes conseguiram
que o detentor da patente da resina elaborassem uma
dispersão aquosa que deu origem a atual tinta acrílica de hoje.
Mesmo assim as primeiras fabricações da tinta acrílica
profissional só eram solúveis em “white spirit”. Para muitos
artistas contemporâneos, o acrílico tornou-se o veículo perfeito
para seu trabalho. Oferecendo uma gama de possibilidades, o
acrílico pode produzir tanto os efeitos suaves de tinta aquarela
e efeitos de tinta a óleo em camadas. Além disso, o acrílico
também pode ser utilizado em trabalhos muito variados, tais
como a colagem: a sua versatilidade presta-se a
experimentação e inovação. Porém o acrílico tem algumas
limitações. Sua plasticidade de secagem rápida desestimula
técnicas de mistura de” molhado sobre molhado”, por isso a
criação delimita o uso para os artistas. Ainda assim, aqueles
que abraçaram acrílico em seu trabalho criaram novas
abordagens que refletem tudo o que este meio pode oferecer.
100 – EXERCÍCIO DE APLICAÇÃO DE COR. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 8]