William Merrit Chase - Conhecendo o artista e aplicação de cor – Apreciação de obra de arte.

Chase trabalhou em todas as

técnicas. Ele foi mais fluente em
pintura a óleo e pastel, mas
também criou pinturas e gravuras
em aquarela. Chase criou um
nobre sentido de cor que é
perceptível em todas as suas
obras, seja nos sutis matizes
indescritíveis da carne, seja na
poderosa representação de
uma massa de escarlate, como
em sua notável pintura. Na
pintura de um retrato ele se
esforça, às vezes com muito
sucesso, para apreender o
caráter, embora
ocasionalmente um estilo
muito impressionista.
 Thomas Eakins - Conhecendo o artista e aplicação de cor – Apreciação de obra de arte.

Ao longo de toda sua carreira Eakins

trabalhou em um estilo realista,
tendo o ser humano como centro
temático. Pintou centenas de
retratos. Como professor foi um
nome altamente respeitado e muito
influente no circuito das artes norte-
americanas, apesar de escândalos
pessoais terem prejudicado um
sucesso mais amplo. Na fotografia foi
um inovador, usando abordagens
ousadas para sua época. Hoje é
considerado o mais importante
realista dos Estados Unidos na virada
do século XIX para o século XX.
 Salvador Dalí - Conhecendo o artista e aplicação de cor – Apreciação de obra de arte.

Salvador Dalí foi um pintor e escritor

catalão pertencente ao grupo da
vanguarda artística europeia, o
surrealismo. Ficou conhecido por suas
obras com influências oníricas e ele
mesmo definiu seu processo criativo
como "crítico-paranoico". Figura
excêntrica, singular e exibicionista, Dalí
possuía um estilo único sendo ousado,
vanguardista e libertador. Como
exemplo, podemos citar suas vestimentas
as quais eram extravagantes e possuíam
cores vibrantes. Embora seja mais
conhecido por suas obras plásticas, Dalí
foi um artista multifacetado. Teve
participação em trabalhos nas áreas do
cinema, da literatura, da escultura, da
ilustração e da fotografia.
 Pieter Bruegel - Conhecendo o artista e aplicação de cor – Apreciação de obra de arte.

Foi um pintor de multidões e de

cenas populares, com uma
vitalidade tal que transborda do
quadro. Além da sua predileção por
paisagens, pintou quadros que
realçavam o absurdo na vulgaridade,
expondo as fraquezas e loucuras
humanas, que lhe trouxeram muita
fama. Retratava a vida e costumes
dos camponeses, sua terra, uma
vívida descrição dos rituais da
aldeia, da vida, incluindo agricultura,
caça, refeições, festas, danças e
jogos. Suas paisagens de inverno de
1565 tomadas como provas
corroborativas da gravidade dos
invernos durante a Pequena Era
Glacial.
 Pierre- Auguste Renoir - Conhecendo o artista e aplicação de cor – Apreciação de obra de arte.

A sua obra de maior impacto é Le

Moulin de la Galette, em que
conseguiu elaborar uma
atmosfera de vivacidade e alegria
à sombra refrescante de algumas
árvores, aqui e ali intensamente
azuis. Percebendo que traço
firme e riqueza de colorido eram
coisas incompatíveis, Renoir
concentrou-se em combinar o
que tinha aprendido sobre cor,
durante seu período
impressionista, com métodos
tradicionais de aplicação de tinta.
O resultado foi uma série de
obras-primas bem no estilo
Ticiano, assim como de Fragonard
e Boucher, a quem ele admirava.
 Jean-François Millet - Conhecendo o artista e aplicação de cor – Apreciação de obra de arte.

Sua obra foi uma resposta à

estética romântica, de gostos um
tanto orientais e exóticos, e deu
forma à realidade circundante,
sobretudo a das classes
trabalhadoras. Suas obras sobre
camponeses foram consideradas
sentimentais para alguns,
exageradamente piegas para
outros, mas a verdade é que as
obras de Millet em nenhum
momento suscitaram indiferença.
Na tepidez de seus ocres e
marrons, no lirismo de sua luz, na
magnificência e dignidade de suas
figuras humanas, o pintor
manifestava a integração do
homem com a natureza.
 História em quadrinhos – Conceituação e apreciação de imagens – Experimentação prática. 1/3
Ao falarmos sobre histórias em quadrinhos, vale lembrar daquelas fantásticas e divertidas trazidas pelos gibis, não é
verdade? Elas compõem o quadro dos chamados textos narrativos, onde a história se passa com diferentes tipos de
personagens, ocorridas em determinado local, durante certo espaço de tempo. Geralmente, o objetivo maior é o
entretenimento com forma de divertir, causar o humor. Mas podem também transmitir uma informação, uma alerta à
população. Como é o caso das famosas campanhas comunitárias relacionadas a riscos de doenças, ao desperdício de
água, aos problemas causados pelo trânsito, entre outros.

Os quadrinhos é a arte de narrar uma história através de
sequências de imagens, desenhos ou figuras impressas. A sua
linguagem é formada por elementos como: Requadros, Balões
e traços que formam os personagens e os cenários, roteiro
(com palavras e as onomatopeias), etc. Os diálogos entre os
personagens, seus pensamentos e a própria narração
aparecem sob a forma de legendas ou dentro de espaços
irregulares chamados de balões.
A primeira história em quadrinhos moderna foi criada pelo artista
americano Richard Outcault em 1895. As historias em Quadrinhos
surgiram nas páginas de um jornal americano com o Yellow Kid (O
Menino Amarelo). No começo, eram produzidas como um
recurso comercial para atrair o público dos jornais. Historias em
Quadrinhos, também conhecida como “Arte Seqüencial”, tem
forte influencias de outras áreas artísticas como a literatura e o
cinema. Os quadrinhos são uma forma de comunicação em
massa. A técnica ganhou desenvoltura, após 1920. Nos anos
seguintes há uma verdadeira explosão da arte cinematográfica.
Os quadrinhos no Brasil
Durante muito tempo, a produção de histórias em
quadrinhos se limitava a produção de originais
estrangeiros, sobretudo americanos. Os personagens
brasileiros surgem com o lançamento das primeiras
revistas nacionais, como O tico-tico e o Suplemento
Juvenil. No Brasil, os quadrinhos surgiram na mesma
época, por volta de 1869, com o caricaturista Ângelo
Agostini, que criou As Aventuras de Nhô-Quim e Zé
Caipora , na revista Vida Fluminense , do Rio de
Janeiro. O Tico-tico(1905) foi a primeira revista
brasileira de história em quadrinhos. Ela tinha entre
seus fãs declarados Rui Barbosa e Carlos Drummond de
Andrade. A revista trazia diversas histórias e
personagens, além de adaptações de clássicos da
literatura na forma de quadrinhos.

As comics, como são conhecidas nos países de língua inglesa, surgiram na mesma época do cinematógrafo, mas diferente do que aconteceu com o cinema, que desde sua estreia foi considerado a sétima arte, os quadrinhos não
receberam da crítica a devida importância, sendo até mesmo considerados como uma má influência para crianças e adolescentes. Isso aconteceu em virtude das temáticas abordadas, que fugiam às narrativas convencionais, pois se
nem a disposição no papel era convencional, por que a linguagem o seria? Essa inovação provocou grande estranhamento e as impressões iniciais sobre as HQs transportaram a arte sequencial para o submundo das artes, onde
permaneceu até a década de 60, quando invadiu o universo acadêmico e ganhou a simpatia de estudantes e professores.
 História em quadrinhos – Conceituação e apreciação de imagens – Experimentação prática. 2/3
Experimentação prática: Vamos seguir as orientações para construirmos nosso gibi. Leia e interprete as dicas e pratique em seu caderno de arte. Mantenha todos os esboços do processo para avaliação).
Para desenhar os quadrinhos é preciso, além da inspiração, conhecer algumas técnicas. Se você tem uma ideia para uma história em quadrinhos, já está a meio caminho de conseguir
fazê-la. Mas há etapas a serem cumpridas antes de seu gibi ser um sucesso.
Criação dos personagens: Dos protagonistas aos Argumento e roteiro: O argumento é a idéia geral da Desenho: A lápis, as linhas de todos os Letras: Com tinta nanquim (os alunos podem usar uma caneta
tipos secundários, o autor precisa planejar tudo, história, com começo, meio e fim. Quando é trocado em elementos das páginas são marcadas - hidrográfica preta de ponta fina), o texto dos balões e as
para não cair em contradição mais tarde. O ideal é miúdos, tem-se o roteiro, que deve ser planejado personagens, cenários, balões (já no caso dos onomatopéias são finalizados. Os profissionais trabalham com
ter em mente cada personagem, com a quadro a quadro. Nessa fase as páginas são textos, escritos a lápis), onomatopéias (palavras páginas cujo espaço para letras já vem pré-marcado. Um erro muito
personalidade, o aspecto físico, o estilo das roupas, diagramadas, as cenas descritas e os diálogos que reproduzem sons naturais, como Tchibum! comum para quem está começando é entusiasmar-se
os defeitos e as virtudes. Nessa fase, o artista deve finalmente definidos. Pou! Crás!) e os contornos dos quadrinhos. demasiadamente e desenhar todo o quadrinho antes de decidir o
desenhar cada um dos tipos em posições variadas e texto que acompanhará a imagem. Quando chega a hora de
em expressões faciais bem marcadas. Treinando o preencher os balões, descobre-se que o espaço é curto. Aí é tarde.
seu traço não haverá perigo de, ao longo da história, Planeje, então, o desenho e o texto simultaneamente. O melhor
o personagem ficar irreconhecível. modo de fazer isso é checar e rechecar o seu roteiro.

Arte-final: Como as letras, os demais elementos
gráficos recebem a tinta preta, cobrindo
cuidadosamente os traços a lápis e corrigindo
eventuais falhas. Você pode optar por usar caneta
ou pincel. Para dar efeito de luz e sombra, pode-se
hachurar ou pontilhar. Nos quadrinhos de autor, o
arte-finalista e o desenhista são a mesma pessoa.
Cor: A última etapa antes da impressão do gibi é a Alguns recursos utilizados nas Histórias em quadrinhos: As onomatopéias São utilizadas para imitar certos sons ou
colorização dos quadrinhos. Os desenhistas ruídos, podem aparecer dentro de balões ou não. As onomatopéias mais comuns são:
profissionais vêm usando cada vez mais programas
gráficos de pintura por microcomputador. Na classe, os
alunos podem optar entre os lápis de cor, as canetinhas
ou outras técnicas de pintura que já tenham sido
trabalhadas em sala de aula.
 História em quadrinhos – Conceituação e apreciação de imagens – Experimentação prática. 3/3

Experimentação prática: Crie sua história em quadrinho utilizando os espaços apresentados abaixo:
 Henri Matisse - Conhecendo o artista e aplicação de cor – Apreciação de obra de arte.

Henri Matisse foi um artista

francês, conhecido por seu uso
da cor e sua arte de desenhar,
fluida e original. Foi um
desenhista, gravurista e
escultor, mas é principalmente
conhecido como um pintor.
Matisse é considerado,
juntamente com Picasso e
Marcel Duchamp, como um dos
três artistas seminais do século
XX, responsável por uma
evolução significativa na pintura
e na escultura. Seu domínio da
linguagem expressiva da cor e
do desenho, exibido em um
conjunto de obras ao longo de
mais de meio século, valeram-
lhe o reconhecimento como
uma figura de liderança na arte
moderna.
 Experimentação prática – Gótico Americano, de Grant Wood.
O "Gótico Americano" (1930), de Grant Wood, é uma obra típica de um movimento conhecido como
regionalismo, cujo objetivo era valorizar o tipicamente americano, usando um estilo que evitasse
qualquer referência ao modernismo europeu. Para outros artistas norte-americanos, os arroubos
regionalistas somente poderiam prejudicar a arte. O quadro retrata um casal de agricultores do centro-
oeste americano e está exposto no Instituto de Arte de Chicago.
Grant Wood foi um pintor americano. Nativo de Iowa foi um dos principais regionalistas
dos anos 30, frequentemente pintando temas conterrâneos em um estilo primitivista e até
satírico. É uma das pinturas mais famosas da arte americana e uma das poucas imagens
para alcançar o status de ícone cultural amplamente reconhecido, comparável a Mona Lisa
de Leonardo da Vinci e O Grito de Edvard Munch.

Experimentação prática: Vamos fazer algumas interferências na obra de Grant Wood. Você pode usar como modelo as imagens ao lado. Aplique
recortes e colagens, desenhos, adesivos etc.
 Emanuel Leutze - Conhecendo o artista e aplicação de cor – Apreciação de obra de arte.

Leutze nasceu na Alemanha,

sendo trazido para os
Estados Unidos ainda
criança. Seus pais haviam
decido primeiramente fixar
residência na Filadélfia,
depois escolheram a cidade
de Fredericksburg. Sua
educação inicial era
considerada boa, mas não
direcionada à arte. O
primeiro desenvolvimento
de seu talento artístico
ocorreu enquanto ele
auxiliava o pai enfermo,
tentando desenhar para
ocupar as longas horas de
espera ao lado do leito de
seu pai.
 Edward Hicks - Conhecendo o artista e aplicação de cor – Apreciação de obra de arte.

Calma e paz, ao invés de ação abrupta,

caracterizam as composições de Hicks.
Muitas das formas e formas em seu
trabalho parecem ser orgânicas, fluidas e
suaves. Deve-se prestar muita atenção
aos gestos de indivíduos e animais em
suas pinturas para obter significado. Hicks
usa pequenas variações de detalhes como
forma de forçar os espectadores a prestar
atenção ao conteúdo, porque são
deliberados e propositais.
 Édouard Manet - Conhecendo o artista e aplicação de cor – Apreciação de obra de arte.

Édouard Manet foi um pintor e artista

gráfico francês e uma das figuras mais
importantes da arte do século XIX,
considerado por estudiosos de artes
plásticas como um dos mais importantes
representantes do impressionismo
francês, embora muitas de suas obras
possuam fortes características do
realismo. Prefere os jogos de luz e de
sombra, restituindo ao nu a sua crueza e a
sua verdade, muito diferente dos nus
adocicados da época. O trabalhado das
texturas é apenas sugerido, as formas,
simplificadas. Os temas deixaram de ser
impessoais ou alegóricos, passando a
traduzir a vida da época.
 Aplicação de cor e desconstrução de imagem – “Os girassóis” de Van Gogh.
Experimentação prática: Aplique cores na imagem da obra de arte “Os girassóis”. Depois recorte as peças e reconfigure-as, colando em seu caderno de arte, como
um quebra-cabeça. Remonte de forma desordenada, invertendo as posições das peças e desconstruindo a imagem.
 Anna Mary Robertson Moses - Conhecendo o artista e aplicação de cor – Apreciação de obra de arte.

Anna Mary Robertson Moses é

conhecida por seu apelido, Vovó
Moses, era uma artista folclórica
americana. Ela começou a pintar a
sério aos 78 anos e é
frequentemente citada como um
exemplo de um indivíduo que
começou com sucesso uma carreira
nas artes em uma idade avançada.
Seus trabalhos foram exibidos e
vendidos nos Estados Unidos e no
exterior e comercializados em
cartões comemorativos e outras
mercadorias. As pinturas de Moisés
são exibidas nas coleções de muitos
museus.
 A Dança – Conceituação – Construção de sentido – Interpretação e experimentação prática. 1/2
A dança é a arte do movimento do corpo e está presente em várias culturas. Seja por seguir movimentos predeterminados, ensaiados, como nas coreografias, seja fazendo
movimentos improvisados, a dança possibilita o ser humano expressar suas emoções e produzir momentos de beleza e prazer, além de auxiliar nos cuidados com a saúde do
corpo. As imagens mostram como a dança está presente em várias culturas. Com a dança, nos expressamos de diferentes formas e em espaços variados.
Dança Indígena: Povos da Apresentação de hip-hop, Dança cultural típica da Espanha. Os
etnia Kalapalo, durante o Seul, Coréia do Sul, outubro integrantes dançam em roda e
ritual do Kuarup. Parque de 2009. comemoram a chegada da primavera.
Indígena do Xingú, 2005. Concurso Nacional de
Dança.

Dança e saúde: Cuidando do corpo: Os médicos dizem que dançar
faz bem à saúde. Isso porque, ao dançarmos, movimentamos o
corpo de maneira diferente da que estamos acostumados no dia a
dia. Mais do que simplesmente trabalharmos a coordenação motora
e a concentração para a execução de movimentos, quando
dançamos trabalhamos partes do nosso corpo associando
movimentos a ritmos variados. Além disso, exercitamos a memória,
afinal, para uma coreografia ser bem executada, precisa ser
memorizada.
A emoção que sentimos ao nos
envolvermos com o som, com a música e
com a poesia das letras também pode
trazer relaxamento e benefícios
psicológicos. O povo brasileiro tem fama de
gostar de dançar. Nossas danças
consideradas típicas são muitas: samba,
forró, axé etc. Certamente, esses estilos
receberam influências de outros povos, de
países diferentes.
Complementando o assunto: Já sabemos que a humanidade produz arte desde a Pré-História,
pois foram encontradas pinturas milenares nas paredes de cavernas que comprovam isso.
Supõe-se que a dança também estava presente naquela época. Na sociedade atual, temos
diversas modalidades de dança como as danças de salão, executadas por casai, e a valsa, de
origem europeia, que se tornou conhecida e praticada em todo o mundo. Dança e música, a
ciranda é uma manifestação cultural bastante antiga. As rodas de ciranda estão presentes em
diversas culturas e algumas são ligadas às brincadeiras infantis. Lia de Itamaracá (1944-), uma
das mais famosas cirandeiras de Pernambuco e do Brasil, diz que o movimento realizado na
ciranda é como o das ondas do mar. Lia trabalhava como merendeira, além de fazer música, e
sempre foi defensora da cultura popular e da ciranda. Seu trabalho aos poucos foi ganhando
A cirandeira Lia
reconhecimento, primeiro pelo público de Recife e depois pelos estudiosos de cultura popular.
de Itamaracá,
Lia ficou conhecida no Brasil todo e faz apresentações internacionais. Continua morando na Ilha Pernambuco
de Itamaracá (PE) e cantando suas cirandas, cocos de roda e maracatus.

Dança contemporânea é um tipo de dança que não se limita a um conjunto de técnicas específicas, abrangendo assim uma variedade de gêneros, ritmos,
formas e performances. Por esta razão, é considerada uma dança abstrata e em constante transformação. Esta modalidade de dança se desenvolveu em
meados do século XX (1950 / 1960), tornando-se popular na década de 1980. A sua crescente popularidade se justifica, em parte, pelo fato deste gênero
de dança não se prender aos padrões estéticos clássicos. A dança contemporânea se caracteriza por propor intensas inovações e experimentações
coreográficas, que muitas vezes misturam ritmos como o ballet, o jazz e o hip hop. Como dito, não existem técnicas pré-definidas, sendo o processo
criativo do conceito ou ideia a ser transmitida pela coreografia o ponto central da dança contemporânea. A sua não limitação possibilita ao bailarino
autonomia para construir suas próprias coreografias a partir de métodos como a improvisação, o contato com o chão ou com outro personagem cênico e a
utilização de figurinos interativos, por exemplo. A criação dentro da dança contemporânea é um processo que alia os métodos da composição
coreográfica. Desde situações rotineiras até temas polêmicos podem servir de base para a concepção do conceito de uma coreografia.
 A Dança – Conceituação – Construção de sentido – Interpretação e experimentação prática. 2/2

Experimentação prática: Diante do que observamos sobre a dança vamos desenvolver nossa capacidade de interpretação realizando o que se pede.
1. Você acredita que as influências que temos em nossos 4. Em que medida você acha que a dança possibilita
estilos de danças são bem vindas? Por quê? conhecermos melhor nosso corpo?
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2. Em grupo, escolham uma música para ser dançada. Ouçam ______________________________________________________________
a música, primeiro, de olhos fechados. Prestem atenção na
respiração e percebam o funcionamento do corpo. 5. Que relações você pode fazer entre dança e natureza?
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Comecem mexendo alguma parte do corpo, pode ser a _______________________________________________________________
cabeça, os dedos dos pés ou das mãos. Não importa se o _______________________________________________________________
movimento é rápido ou lento, se parece feio ou bonito. _______________________________________________________________
Procurem fazer somente que o corpo pede. Andem pela _______________________________________________________________
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sala sem interromper o movimento. _______________________________________________________________
Com base na experiência vivenciada na atividade anterior, _______________________________________________________________
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responda:
a) Que sensações seu corpo manifestou? 6. Observe as imagens abaixo e responda:
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b) Que imagens lhe vieram à mente?
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c) Você relaxou ou sentiu alguma parte do corpo mais
tensa? a) Quais danças você consegue identificar? Escreva o nome de
_________________________________________________________ cada uma delas.
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3. Observe a imagem abaixo: _______________________________________________________________
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b) A quais danças você já assistiu ao vivo? A quais assistiu pela
televisão ou internet?
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c) Você acha que dançar é importante? Por quê? Quais estilos
de dança você gostaria de praticar?
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d) Em sua opinião, o que é uma dança popular?
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a) Circule as articulações que você conhece: _______________________________________________________________
b) Marque com a cor vermelha as partes do corpo que você _______________________________________________________________
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movimentou com mais facilidade durante a dança. _______________________________________________________________
c) Sinalize com a cor azul as partes que você movimentou com _______________________________________________________________
mais dificuldade. ______________________________________________________________
 A Arte engajada – Expressão artística como ferramenta de mudança e conscientização. 1/2
Arte engajada é aquela em que o artista usa seu talento, a partir de diferentes linguagens, para transmitir
seus pensamentos, sua atitude para protestar contra algo que considera errado, ou então como forma de
denúncia. Os artistas engajados se comportam como atores sociais ativos, ou seja, o autor não é alienado
dos problemas que afligem a humanidade de forma geral. A arte engajada reflete a realidade social, o
tempo histórico em que é produzida, a cultura de uma determinada comunidade linguística.

Picasso pintou um quadro sobre a guerra espanhola, protestando A estilista brasileira Zuzu Angel usou sua arte, e as Outros movimentos mais imersos na luta política e ideológica,
pela violência do general Franco.
passarelas, para protestar contra o regime militar que também contribuíram para o engajamento da arte como uma
matou s eu filho. das correntes da Bossa Nova (com Carlos Lyra, Geraldo
Vandré, Edu Lobo, Nara Leão, entre outros), o Cinema Novo,
os teatros Opinião (de Oduvaldo Vianna Filho, o Vianninha),
Arena (de José Celso Martinez Correa) e do Oprimido (de
Augusto Boal). Havia uma discussão calorosa, mas não tão
pública sobre o papel de vanguarda que esses movimentos
representavam, qual seja a opção de cultivar a arte pela arte
ou a arte engajada.

O artista espanhol se inspirou no bombardeamento da cidade
Guernica no dia 26 de abril de 1937. Neste dia, aviões alemães da
Legião Condor destruíram quase completamente a cidade
espanhola. Guernica é uma cidade da província da Biscaia,
localizada na comunidade autônoma do País Basco. Por este
motivo, este quadro tem também um significado político e
funciona como uma crítica à devastação causada pelas forças
Nazistas aliadas com o ditador espanhol Franco. Outra possível
interpretação indica que o quadro Guernica funciona como um
símbolo de paz ou anti-guerra.
Nos anos 1970, Zuzu abriu sua loja em Ipanema e
encantou o mundo. Conquistou o mercado norte-
americano, foi vitrine de grandes lojas de departamentos
e apareceu em importantes veículos de comunicação dos
Estados Unidos. Sua maior luta pessoal, porém, começou
com o sequestro político de seu filho Stuart Angel Jones,
Ativista de movimentos revolucionários, Stuart
desapareceu depois de ter sido preso. Zuzu passou a usar
sua moda como forma de protesto fazendo - como ela
mesma dizia - "a primeira coleção de moda política da
história".
 A Arte engajada – Expressão artística como ferramenta de mudança e conscientização. 2/2
Experimentação prática: Agora que você conhece o significado de uma arte engajada, observe as imagens abaixo. Escolha uma ou mais para criar um manifesto sobre o tema retratado na
imagem escolhida. Não se esqueça de criar um título e assinar sua produção. Você também pode produzir um desenho sobre o assunto do seu manifesto. Esse desenho pode virar um cartaz
para expormos na escola.

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O surgimento do teatro – Produção de texto, leitura de imagem e pesquisa histórica. 1/3
A fotografia ao lado apresenta a imagem de um vaso grego feito
em cerâmica. Nele, estão representadas várias formas de arte,
como a música, a dança e a encenação.
 O surgimento do teatro – Produção de texto, leitura de imagem e pesquisa histórica. 2/3

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 O surgimento do teatro – Produção de texto, leitura de imagem e pesquisa histórica. 3/3
Nos espaços reservados abaixo, você desenhará dois tipos de máscaras: uma representando a
alegria e outra, a tristeza:

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 Conhecendo o artista: Ivan Cruz – Apreciação estética e experimentação prática. 1/2
O artista Plástico Ivan Cruz nasceu em 1947 nos subúrbios do Rio de Janeiro, e brincava pelas ruas de seu bairro como toda
criança. Apesar de amante da Arte, enveredou-se pelo caminho do Direito e se formou em 1970, mas nunca deixando de lado a
pintura, o que mostrou freqüentando a Sociedade Brasileira de Belas Artes nos anos 60 e visitas constantes ao MAM e ao
Museu Nacional de Belas Artes. Em 1978 troca o sucesso financeiro do Rio pela beleza natural de Cabo Frio: o sol, o mar e seus
frutos contagiam seu espírito. No ano de 1986 resolve abandonar a advocacia e se dedicar integralmente à produção artística, e
lembra que quando jovem, a primeira pintura que conheceu foi de Portinari em sua fase geométrica. A sua preocupação foi
sempre com a criação e não com a cópia ou engajamento em alguma Escola já criada. Ingressa na Escola Brasileira de Belas
Artes (hoje EBA) da UFRJ, freqüentando seus bancos escolares pelo tempo que julgou necessário.
Sempre acreditou ser o ecletismo a sua unidade, querendo sempre criar e não copiar apenas. Passou a fazer uma série de exposições em Cabo Frio e
demais municípios da Região dos Lagos, além do Rio de Janeiro, sempre com estilos diversos a cada exposição, passando por temas abstratos e
figurativos, das mais diversas variações de sua expressão pessoal.
Em 1990, se preparando para uma exposição em Portugal, Ivan Cruz pintou seus primeiros quadros com temas de sua infância, mais precisamente suas Brincadeiras. O
sucesso foi tão grande por aqui, que ele cancela sua exposição em Portugal e expõe em várias cidades da Região dos Lagos e no Rio de Janeiro. Passou a retratar em suas
telas: piões, crianças pulando corda, jogando bola-de-gude, pulando amarelinha, soltando pipa, pulando carniça e muito mais.

De 1990 até hoje, Ivan Cruz pintou cerca de 600 quadros, retratando mais de 100 brincadeiras distintas, e chamou essa série d e “Brincadeiras de Criança”, que cresceu de tal forma sua expressão e repercussão
que se transformou em um projeto, pois passou a reunir em suas exposições não só os quadros, mas os brinquedos retratados, oficinas de brincadeiras e confecção de brinquedos, contadores de história, além
de uma ambientação com músicas da época, como cantigas de roda. Tudo nascido do sonho, da saudade e da vontade de fazer com que todos voltassem a brincar e as crianças de hoje aprendam o verdadeiro
espírito dessa arte que está sendo deixada de lado hoje em dia. Ivan Cruz baseia seu trabalho na frase que criou: “A criança que não brinca não é feliz, ao adulto que quando criança não brincou, falta-lhe um
pedaço no coração”. Sucesso total, o projeto vem crescendo com inúmeras exposições em várias instituições e espaços culturais, sempre ganhando força e aplausos das mais diversas camadas sociais e
profissionais, por apresentar como importante ferramenta para as áreas de Arte-educação, Pedagogia, Educação Física, Música, Psicologia Infantil, Literatura entre outras, sempre servindo também como
disseminador das Artes Plásticas no público em geral. Em 1999, a Telemar, reproduziu oito telas suas em cartões telefônicos, numa produção de mais de um milhão de cartões na série “Brincadeiras de Criança”.
Ivan tem como objetivo divulgar o máximo possível esse seu resgate ao lúdico, à imaginação, quer incentivar ao máximo o desenvolvimento real das nossas crianças no feliz mundo das brincadeiras, fugindo dos
custos e problemáticas urbanas que esse público tanto sofre nos dias atuais, confinadas a play-ground, ao à frente de computadores, TVs e videogames, desacostumadas ao convívio coletivo e ao
desenvolvimento motor proporcionado por tais jogos infantis de outrora. Hoje as imagens criadas por Ivan Cruz, podem ser vistas em camisetas, imãs de geladeira, jogo da memória, gravuras e diversas
aplicações destas, pois todos devem ter acesso à Arte e à tão rico tema. Compôs também uma música, que tem letra do artista e música de Marcos Vinícius com esse tema. Suas telas são de cores fortes e
variadas de cerca de 1 metro por 1 metro (1 metro quadrado) em técnica: Acrílico sobre tela, logo chamam a atenção da garotada que se diverte junto aos adultos que entram em um verdadeiro “túnel do
tempo” ao rever suas gostosas brincadeiras. A “Brincadeira” já chegou até ao meio científico, onde seu filho Ivan Neto, que cursa o último período de Engenharia na UFRJ, elaborou explicações físicas para as
mais diversas brincadeiras como: pião, balão, barquinho de papel.
 Conhecendo o artista: Ivan Cruz – Apreciação estética e experimentação prática. 2/2
Experimentação prática: Conhecendo as obras do artista Ivan Cruz, escolha uma delas para produzir uma releitura.
 Zentagle – Conceituação e experimentação prática.
Zentangle é um método de criação de lindas imagens usando padrões repetidos. É uma fascinante
nova forma de arte, fácil de aprender, divertida e relaxante que estimula a atenção e criatividade.
Fundada pelos americanos Rick Roberts e Maria Thomas, o Zentangle surgiu quando Maria contou a
Rick sobre a sensação de liberdade, bem estar e atenção quando ela desenhava padrões de fundo para
um dos seus trabalhos. Enquanto ela desenhava estes padrões notou também que todos os
pensamentos e preocupações ficavam de lado. Era uma forma de meditar fazendo arte. Rick e Maria,
então, pensaram em criar um sistema simples que outras pessoas pudessem seguir e desfrutar deste
mesmo sentimento. Mal podiam eles imaginar a proporção que este método atingiria. O Zentangle
está ficando cada vez mais popular, atingindo pessoas de todas as idades e se espalhando pelo mundo.
Experimentação prática: Você escolherá alguns padrões de zentagle para preencher as figuras abaixo. Aplique a cor que desejar.
 Trabalho de pesquisa e leitura de imagens: Construção de sentido e interpretação de obra de arte. Desenvolvimento do olhar.

A pintura, seja ela como for, sempre foi uma das formas de arte mais apreciadas da Experimentação prática: Depois de termos conhecido algumas obras de arte famosas vamos realizar
história. Dentre inúmeros artistas e obras, algumas delas se destacam, marcam uma pesquisa sobre elas. Escolha uma delas, pesquise em diferentes fontes os seguintes itens:
épocas, estilos e gerações e ganham muita notoriedade, seja pra quem é 1- Escreva a ficha técnica completa da obra: Nome do autor, dimensões, técnica utilizada, ano da
apreciador e entendedor da arte ou não.
1 – “Cachorros jogando baralho” (Dogs Playing Poker)
Encomendada pela Brown & Begelow Cigars, uma
marca de charutos, a série Dogs Playing Poker foi
pintada pelo artista americano C.M. Coolidge, e
possui no total de 16 telas. As pinturas foram
encomendadas em 1903, e ano passado (2015) um
dos originais foi vendido em um leilão por nada
menos que US $590,400.
2- “O baile no moulin de la Galette” (Le Bal du moulin
de la Galette) Mais conhecida como “Dança Le moulin
de la Galette”, esta é uma pintura do artista francês
Pierre-Auguste Renoir de 1876. A obra está atualmente
no Museu d’Orsay, em Paris e está na lista das pinturas
mais caras do mundo, avaliada em incríveis 78,1
milhões de dólares.
3- “Terraço do Café à Noite” (Cafe Terrace at Night)
Esta é uma peça do famoso pintor holandês Vincent
van Gogh. A obra é uma pintura a óleo que mede 80.7
× 65.3 cm, feita em 1888 em Arles, na França. A peça
não está assinada por van Gogh, mas é mencionada por
ele em várias de suas anotações. Atualmente de
encontra no Museu Kröller-Müller, em Otterlo, Países
Baixos.
4- “Uma Tarde de Domingo na Ilha de Grande Jatte” (A
Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte)
Esta é um das obras mais famosas do pintor francês
Georges-Pierre Seurat. A peça é uma pintura a óleo em
tela feita em pontilhismo, iniciada em 1884 e finalizada
dois anos depois. A peça é propriedade do Instituto de
Arte de Chicago e foi adquirida em 1974 por cerca de
20 mil dólares, que inflacionados equivalem a cerca de
330 mil dólares.
criação e atual localização.
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2- Pesquise, selecione e escreva dados importantes sobre a obra de arte escolhida. Nessa
parte você organizará as informações adquiridas com a sua pesquisa.
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 As texturas na Arte – Conceituação e experimentação prática.
Textura é o aspecto de uma superfície, ou seja, a "pele" de
uma forma, que permite identificá-la e distingui-la de
outras formas. Quando tocamos ou olhamos para um
objeto ou superfície, sentimos se a sua pele é lisa, rugosa,
macia, áspera ou ondulada. A textura é, por isso, uma
sensação visual ou tátil.
Texturas naturais:
Aquelas que resultam da intervenção natural do meio
ambiente ou que caracterizam o aspecto exterior das
formas e coisas existentes na Natureza Ex.: Cascas de
troncos de árvores, madeira, folhas.
Textura gráfica:
Quanto à execução gráfica para obter texturas artificiais, pode-se utilizar os seguintes processos: fricção, impressão, decalque e
construção.
FROTTAGE ou FROTTAGEM: A palavra “Frottage” é de origem francesa - frotter, que significa
“esfregar”. Consiste em colocar uma folha de papel sobre uma superfície áspera, que contém alguma
textura, e esfregá-la, pressionando-a com um bastão de giz de cera, por exemplo, para que a textura
apareça na folha. No campo da arte, essa técnica foi usada pela a primeira vez pelo o pintor,
desenhista, escultor e escritor alemão Max Ernest (1891 – 1976), um dos fundadores do movimento
“Dada” e posteriormente um dos grandes nomes do Surrealismo.
Experimentação prática: Através de diferentes objetos vamos praticar a frottage:

Texturas Artificiais:
São aquelas que resultam da intervenção humana
através da utilização de materiais e instrumentos
devidamente manipulados. O Homem desde sempre
tenta criar nas superfícies/objetos, texturas idênticas
às criadas na Natureza, logo elas são o reflexo do
modo como expressamos o nosso entendimento do
mundo que nos rodeia. Dependem da manipulação
das matérias e das técnicas utilizadas e do modo
como utilizamos as linguagens plásticas.
 Surrealismo – Conceito - Movimentos de Vanguarda.
O Surrealismo foi uma das vanguardas
artísticas europeias que surgiu em Paris
no início do século XX. Esse movimento
artístico originou-se em reação ao
racionalismo e ao materialismo da
sociedade ocidental. A arte surrealista
não se restringiu às artes plásticas, de
modo que também influenciou outras
manifestações artísticas: a escultura, a
literatura, o teatro e o cinema.
Surrealismo no Brasil: No Brasil, o
Surrealismo exerceu considerável
influência sobre o movimento
Modernista. O escritor Oswald de
Andrade foi um dos maiores expoentes.
Em seu "Manifesto Antropófago", no
romance "Serafim Pontes Grande" e nas
peças "O Homem" e o "Cavalo e a Morta",
podemos notar elementos que se
relacionam com as técnicas de criação
surrealista. Além da literatura, destacam-
se nas artes plásticas: Tarsila do Amaral,
Ismael Nery e Cícero Dias.
Principais Características: O surrealismo propõe a valorização da fantasia, da loucura e a utilização da reação automática. Nessa perspectiva, o
artista deve deixar-se levar pelo impulso, registrando tudo o que lhe vier à mente, sem se preocupar com a lógica. Note que o maior objetivo dos
artistas surrealistas foi usar o potencial do subconsciente como fonte de imagens fantásticas e de sonhos. Assim, a arte plástica e a literatura
eram vistas como um meio de expressar a fusão dos sonhos e da realidade em um tipo de realidade absoluta, uma "surrealidade".
Origem do Surrealismo: Na Europa, o período entre as duas guerras (1918-1939) ficou conhecido como "os anos loucos". Assim, a incerteza
sobre a predominância da paz levou ao desejo de "viver apenas o presente". Foi nesse período de insatisfação, desequilíbrio e contradições, que
surgiram diversos movimentos artísticos voltados para uma nova interpretação e expressão da realidade. Esses movimentos ficaram conhecidos
como "vanguardas europeias". O Surrealismo teve como precedentes indispensáveis, o Futurismo, o Cubismo e o Dandismo.
Principais Artistas e Obras do O pintor espanhol Joan Miró O pintor belga René Magritte O pintor catalão Salvador Dali (1904-
Surrealismo: (1893-1983), em sua obra (1898-1967) rejeitou a suposta 1989) tornou-se um membro oficial
Em 1925, o pintor alemão Max "Carnaval do Arlequim" (1924- espontaneidade do automatismo do grupo surrealista e deu a ele um
Ernst, antes dadaísta, inventou a 25), cruzou a fronteira entre a por considerá-la falsa. Passou a novo ímpeto com seu método de
técnica de "frottage". Impressões observação do "modelo externo" trabalhar com imagens que a atividade paranoica.
eram tiradas de superfícies e símbolos que fluíam do primeira vista, pareciam
texturizadas como tábuas ou folhas subconsciente. convencionais, mas às quais dava
e usadas para sugerir as imagens. um caráter bizarro por
sobreposições.
Dali interessava-se por condições
mentais anormais e, em particular
Usou também o método Embora baseado em desenhos por alucinações. Suas estranhas
"decalcomania", de colocar a tinta feitos em estado de alucinação, imagens eram retratadas de modo
em superfícies como vidro ou sua composição é altamente que se assemelhava à fotografia em
metal e pressionar sobre um apoio organizada através da cores.
de tela ou de papel. As formas intervenção do controle
resultantes eram então consciente.
trabalhadas criativamente.
 História da Arte – Romantismo: Conceituação, apreciação estética e construção de interpretação.
O século XIX foi agitado por fortes mudanças sociais, políticas e culturais. A Revolução Industrial, que gerou novos inventos com o objetivo de
solucionar os problemas técnicos decorrentes do aumento de produção, provocou a divisão do trabalho e o início da especialização da mão-de-
obra, e a Revolução Francesa, que lutava por uma sociedade mais harmônica, em que os direitos individuais fossem respeitados, traduziu-se essa
expectativa na Declaração dos Direitos do homem e do Cidadão. Do mesmo modo, a atividade artística tornou-se mais complexa. Um dos
primeiros movimentos artísticos que surge em reação ao Neoclassicismo do século XVIII é o Romantismo e historicamente situa-se entre 1820 e
1850. Os artistas românticos procuraram se libertar das convenções acadêmicas em favor da livre expressão da personalidade do artista.
O termo romântico foi empregue Características: Principais Artistas do Romantismo:
pela primeira vez na Inglaterra para  Cultivo da emoção, da fantasia, do sonho, da Francisco José Goya y Lucientes (1746-1828) - o artista mostrou por meio de
definir o tema das novelas pastoris e originalidade, evasão para mundos exóticos onde retratos, o povo, as personalidades da época, a guerra, as cenas históricas.
de cavalaria que existiam nessa se podia fantasiar e imaginar; Como a pintura de certos temas vinham a se consolidar dentro do estilo, ele
época. Romântico significava  Exaltação da natureza; buscou um modo de representar a história de modo mais geral. Como disse,
pitoresco: expressão de uma emoção  Gosto pela Idade Média (porque tinha sido o Lionello Venturi, “a pintura de Goya é um simbolo eterno da revolta popular
que é definida e que foi provocada tempo de formação das nações); contra a opressão".
pela visão de uma paisagem. O  Defesa dos ideais nacionalistas (liberdade
termo romântico passou depois a ser individual, liberdade do povo);
adotado no movimento artístico-  Panteísmo (doutrina segundo a qual Deus não é
filosófico Romantismo, que seguiu as um ser pessoal distinto do mundo, Deus e o
ideias políticas e filosóficas do século mundo seriam uma só substância);
das luzes (liberdade de expressão e  Individualismo, visão de mundo centrada nos
afirmação dos direitos dos sentimentos do indivíduo.
indivíduos) e também as ideias de  Subjetivismo, o artista idealiza temas, exagerando Eugène Delacroix (1799-1863) - esse artista teve o privilégio de viajar com a
um movimento alemão chamado – em algumas das suas características (por comitiva do embaixador da França, a fim de retratar e documentar os hábitos
Strürm und Drang (que tinha como exemplo, a mulher é vista como uma virgem das pessoas daquela terra. Ele mostra a multidão, uso das cores e luzes e um
principais elementos o sentimento e frágil; a noção de pátria também é idealizada). foco nas obras de caráter político.
a natureza).
 Reta – Propriedades – Conceituação e experimentação prática. 1/2
Retas são figuras geométricas primitivas formadas por conjuntos de pontos. O fato de serem primitivas significa que não existe uma definição para elas, contudo, aceitamos
que retas são linhas que não fazem curva. Essa aceitação ocorre em virtude das propriedades da reta, que serão expostas e discutidas.
As retas são infinitas. Isso significa que, dados dois Retas incidentes: Retas que possuem dois pontos em comum. Existe um resultado
pontos distintos de uma reta, sempre existirá um que garante que quaisquer retas que possuam dois ou mais pontos em comum
ponto entre eles também pertencente a essa reta. Segmentos de reta possuem fundamento parecido serão a mesma reta. Dessa maneira, se duas retas possuem dois pontos em comum,
O resultado disso é que as retas possuem com o da semirreta. A diferença está no fato de o então desde o início existia uma única reta.
comprimento infinito. Dessa maneira, caso segmento de reta possuir início e fim,
caminhássemos sobre uma reta a fim de diferentemente da semirreta, que só possui um
encontrar seu último ponto, jamais terminaríamos ponto de início, mas não possui fim. Um segmento
a caminhada. de reta é apenas uma parte da reta. Ele pode ser
obtido desenhando-se os pontos A e B sobre uma
reta qualquer. Tanto o ponto A quanto B fazem
um corte na reta e o pedaço dela que vai do ponto
A até o ponto B é chamado de segmento de reta.
Observe:
Uma reta é uma figura geométrica que possui
uma única dimensão. Isso significa que só é
possível tomar uma medida de qualquer objeto
definido dentro de uma reta. Essa medida é o
comprimento, e os possíveis objetos, além do
ponto, são: Duas retas podem ser classificadas de acordo com
a quantidade de pontos que possuem em comum.
Observe:
Uma semirreta é uma parte da reta obtida da Retas paralelas: Retas que não possuem nenhum
seguinte maneira: sobre uma reta qualquer, ponto em comum.
desenhe os pontos A e B, de modo que o ponto A
faça um corte na reta. O pedaço da reta que se
inicia em A e segue em direção ao ponto B (e, é Retas transversais ou perpendiculares: São retas
claro, continua infinitamente após ele) é chamado que possuem um único ponto em comum. O
de semirreta. Dessa maneira, pode-se comparar exemplo mais importante de retas transversais
uma semirreta à metade de uma reta. são as retas perpendiculares, que são aquelas que
formam um ângulo de 90°. Retas transversais que
formam um ângulo de 90°, isto é, retas
perpendiculares.
 Reta – Propriedades – Conceituação e experimentação prática. 2/2
1. A respeito das dimensões necessárias para existência de
uma reta, assinale a alternativa correta:
a) As retas são figuras adimensionais, ou seja, sua dimensão
é zero. Isso acontece porque as retas são conjuntos de
pontos, e os pontos são figuras que não possuem
dimensão.
b) As retas são figuras unidimensionais, ou seja, existem em
uma única dimensão.
c) As retas são as únicas figuras unidimensionais que
existem.
d) As retas são bidimensionais. Assim, é possível medir
tanto o comprimento quanto a largura de figuras sobre
uma reta.
e) As retas são figuras tridimensionais, por isso, é possível
encontrar retas no espaço tridimensional.
2. Conceitue:
a) Retas:
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__________________________________________________________ Uma os pontos seguindo a ordem alfabética e descubra
__________________________________________________________ quantos segmentos você formou:
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b) Semirretas:
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c) Segmento de reta:
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d) Retas paralelas:
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e) Retas transversais:
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f) Retas incidentes:
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3. Escrevam quais são as três posições da reta:

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 Renascimento Germânico e nos Países Baixos – Construção de sentido, apreciação de arte e interpretação.

Ao longo de seu Neste âmbito, os irmãos Van No Sacro Império Germânico, Em território francês, Após os vários conflitos de Na Península Ibérica, o pintor
desenvolvimento, o Eyck e Pieter Brueghel podemos notar que o François Rabelais (1483 – ordem externa e interna, a Domenico Theotokopoulos, mais
movimento renascentista tiveram seus quadros Renascimento – comparado 1553) marcou seu nome na Inglaterra só veio a firmar conhecido como El Greco (1541 –
rompeu os limites das marcados pela representação aos demais países europeus literatura ao construir seu lugar na arte 1614), singularizou sua obra pela
cidades italianas para assim das festas populares e de – foi uma experiência tardia. narrativas onde explorava renascentista no século exploração de linhas marcadas
se manifestar em outros homens comuns da Albrecht Dürer (1471 – 1528) imagens grotescas e XVI. Thomas More (1478 – pela explosão e o nervosismo. Na
grandes centros urbanos da sociedade daquela época. foi um dos mais importantes situações de tom 1535) teve destaque ao literatura, o espanhol Miguel de
Europa Moderna. Na região Outro grande pintor desse nomes entre os carnavalesco para pensar a formular uma sociedade Cervantes revolucionou a
dos Países Baixos e Flandres mesmo contexto foi renascentistas germânicos, sociedade de sua época. perfeita, tolerante e literatura com a criação do
observamos a consolidação Hieronymus Bosch, ficando bastante conhecido “Gargântua e Pantagruel” foi baseada em princípios romance “Dom Quixote”. Já em
de uma rica burguesia responsável por uma obra com as suas gravuras feitas sua grande obra, na qual racionais em sua obra, Portugal, podemos grifar as peças
mercantil que investia que se singularizou pela em madeira e metal. Hans observamos a exploração de “Utopia”. Outro nome de teatrais de Gil Vicente (1465 –
grandes quantidades no construção de cenas Holbein (1497 – 1543) todos esses elementos que grande destaque na 1614) e Luís Vaz de Camões (1525
financiamento de vários fantásticas e oníricas, que, destacou-se na concepção de marcaram sua escrita. Já na literatura inglesa desse – 1580), com a criação de sua
artistas locais. Em muitos em certa medida, antecipou retratos, e Lucas Cranach, o filosofia, Montaigne (1533 – período foi o de William clássica epopeia “Os Lusíadas”.
casos, os artistas flamengos os surrealistas do século XX. Velho, (1472 – 1553) teve 1592) expõe a questão do Shakespeare (1564-1616),
pintavam retratos, cenas do seu nome vinculado aos equilíbrio entre o homem e o que escreveu várias peças
cotidiano ou temas quadros de temática universo em “Ensaios”, a teatrais famosas por seus
religiosos. religiosa. mais importante de suas personagens de rica
obras. profundidade psicológica.
 Releitura de imagem - Construção de imagem - Recorte e colagem.
Experimentação prática: Observe as imagens. Recorte a área do vestido da modelo e preencha o espaço com uma imagem retirada da revista.
 Releitura e apreciação de obra de arte – conceituação e experimentação prática.
O que é releitura? “Reler” uma obra é totalmente diferente de Experimentação prática: Faça uma releitura na obra “Abaporu”, de Tarsila do Amaral.
procurar apenas reproduzi-la, pois é preciso interpretar aquilo que se
vê e usar a criatividade. É importante observar que, ao recriar uma
obra, não é necessário empregar a mesma técnica usada pelo artista.
Na releitura de uma pintura, por exemplo, podemos nos valer de
outras formas de expressão artística, como a escultura, a fotografia e
a colagem. O mais importante é tentar criar algo novo, sem negar a
fonte que serviu de inspiração. Uma proposta de releitura é também
uma ótima oportunidade para estudar e analisar a obra do artista: o
tema desse e de outros trabalhos seus, a técnica utilizada, a época em
que viveu detalhes de sua biografia, artistas que admirou outros
artistas de seu tempo.
 Prática de desenho de observação: Leitura de imagem, composição, estrutura e aplicação de cor.
Experimentação prática: Observe o modelo de natureza abaixo. Pratique suas habilidades de desenho replicando-o no espaço ao lado.
 Preenchimento com diferentes tipos de linhas – Desenvolvimento do traço, aplicação de técnicas artísticas e apreciação de obra de arte.

Experimentação prática: Observando as diferentes aplicações de linhas vamos preencher a imagem aplicando diversos modelos.
Prática de desenho: Paisagem de Veneza, de Renoir – Composição, proporção, linha do horizonte.

Pierre-Auguste Renoir
costuma ser chamado de
"o pintor da vida".
Ainda que nunca tivéssemos visto um
quadro seu sequer, essa bela maneira
de se referir a ele seria um forte
chamariz para a obra deste homem,
tido como uma pessoa alegre e
carismática em vida, sempre rodeada
de amigos.

Experimentação prática: Observando

a imagem da obra ao lado, pratique
sua habilidade com o desenho.
Observe os detalhes e cores.
 Prática de desenho – Observação, aplicação de técnicas variadas e desenvolvimento do traço.
Experimentação prática: Observe o modelo de natureza abaixo. Pratique suas habilidades de desenho replicando-o no espaço ao lado.
 Prática de desenho de observação: Leitura de imagem, composição, estrutura e aplicação de cor.
Experimentação prática: Observe o modelo de natureza abaixo. Pratique suas habilidades de desenho replicando-o no espaço ao lado.
 Experimentação prática: Desenho orientado – Linhas e proporção, planos do desenho e aplicação de cor.
Experimentação prática: Observe as etapas do desenho. Pratique seus traços seguindo-as. Construa o 1º e o 2º planos do desenho e use a cor que desejar.
Autorretrato – Apreciação de obra de arte – Conceituação e experimentação prática. 1/2
Ao longo dos séculos, os artistas buscaram diferentes maneiras de
retratar a realidade que os cerca. Um dos gêneros de pintura criados
nesse esforço foi o autorretrato, em que os pintores retratam a si
mesmo. É interessante notar como, nos dia de hoje, as chamadas
selfie, tiradas pelos aparelhos celulares, é uma nova versão dos
autorretratos. Observe a imagem do quadro ao lado e procure
analisar quais recursos (tipo de pincelada, cores etc.) o pintor, um
dos maiores do século XIX, usou para compor seu próprio retrato.
 Autorretrato – Apreciação de obra de arte – Conceituação e experimentação prática. 2/2

Qual a diferença entre um retrato e um autorretrato?

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Vamos realizar uma intervenção em um dos autorretratos da
pintora brasileira Tarsila do Amaral. Com lápis de cor, faça
intervenções em uma das metades da obra:

As duas apresentam semelhanças e diferenças; enquanto a

primeira é produzida com um aparelho eletrônico, a segunda
reproduz duas telas (juntando um autorretrato de Van Gogh a
um de seus quadros). Identifique ao menos duas semelhanças
e justifique.
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Quando pensamos em arte, muitos conceitos são importantes,

dependendo do assunto e da época, para compreendermos o
que certo autor quis fazer, ou como qual era o objetivo de
alguma escola de arte. Procure rever e encaixar na cruzadinha
algumas ideias vistas neste capítulo.

Agora, desenhe um autorretrato seu ou de alguém especial.

Destaque alguma característica do rosto dessa pessoa.
 Prática de desenho – Linhas, formas, composição e aplicação de cor.
Aprender a desenhar depende de praticar. Quanto mais você praticar e desenhar, maior resultado vai conseguir. Pratique o hábito de
desenhar em todas as ocasiões necessárias, vendo televisão, falando ao celular, conversando. Desenhe formas básicas mesmo, para
melhorar o traço. Pratique utilizando as formas básicas e simples. Essas formas serão as responsáveis por formar a sua base de
desenho e facilitarão quando partir para as mais difíceis. Desenhe círculos, triângulos, retângulos, losangos e quadrados. Se desafie
diariamente a progredir, tornando as formas cada vez mais perfeitas e faça variações dessas formas baseada em tamanhos diferentes.
Repetindo e aprimorando, você vai chegar a um ponto em que vai conseguir reproduzi-las tranquilamente.
Experiência prática: Pratique sua habilidade em desenho usando como orientação o passo a passo da imagem abaixo. Use o espaço na horizontal.
 Análise de linhas, formas, composição, proporção e composição.
Através da observação minuciosa dos elementos que compõe a figura, pratique no espaço abaixo os
traços para desenharmos a personagem. Preste atenção nas linhas que orientam as formas
geométricas. Pratique os diferentes calibres da linha e construa texturas conforme o passo a passo.
No fim, aprimore os detalhes e escureça os contornos. Crie um ambiente para a personagem. Pinte
para completar.
 Prática de desenho – Fazenda – Observação de imagem, uso da linha, composição e equilíbrio.
Experimentação prática: Observe o passo a passo do desenho. Vamos produzir uma paisagem da fazenda conforme o esquema. Depois de pronto você pode colorir.
 Prática de desenho – Apreciação e leitura de imagem – Produção artística e aplicação de cor.
Experimentação prática: Observe a imagem da pintura abaixo. Pratique suas habilidades de desenho e cor
O Retrato – Origem histórica – Conceituação – Apreciação estética e experimentação prática. 1/3

Leonardo da Vinci foi um artista, escultor, arquiteto e engenheiro renascentista nascido em uma pequena aldeia próxima à Florença, na Itália. Desde
criança, se interessou pelo desenho e pela pintura. Já na adolescência, foi aprendiz de escultor, pintor e ourives. Em sua vida adulta, passou a integrar
a Corporação do Pintores de Florença. Da Vinci estudou Matemática, Física, Astronomia, Engenharia, Artes e Ciências; sem dúvida, seu maior legado
foi a representação da figura humana derivada dos seus profundos estudos de anatomia, desvendando as operações e ligações entre as partes do
corpo humano e de outros elementos na natureza. Três de suas obras estão entre as mais conhecidas do mundo da arte: Mona Lisa, A Última Ceia e O
homem vitruviano. Entre 1503 e 1507, Da Vinci pintou a Mona Lisa, desde então muitas teorias sobre seu significado foram criadas. Alguns estudiosos
acreditam que haveria mensagens ocultas sob as camadas de pintura.

Contudo, a hipótese mais aceita pelos historiadores da Arte é a de que a modelo do quadro foi a esposa de Francesco del Giocondo, um rico
comerciante de seda de Florença. Um dos pontos importantes dessa obra consiste na utilizalçao de uma técnica original: o sfumato.
O Retrato – Origem histórica – Conceituação – Apreciação estética e experimentação prática. 2/3
 O Retrato – Origem histórica – Conceituação – Apreciação estética e experimentação prática. 2/3
Experimentação prática: De posse do que você aprendeu sobre o Retrato, faça o que se pede:
1. A proporção áurea é uma medida encontrada na natureza. Explorando o ambiente ao
seu redor, encontre algum objeto, planta, animal etc. que se encaixe nessa proporção.
Indique qual é ele e como se relaciona a essa medida.
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 Prática da observação e construção de desenho – desenvolvimento do traço, proporção e perspectiva.

Experimentação prática: Siga as instruções abaixo para criar uma composição em perspectiva e proporção.
 Pontilhismo – Conceituação, apreciação e experimentação prática – Aplicação de técnica artística.
Pontilhismo é uma técnica de desenho e pintura, onde o artista utiliza pequenas manchas e pontos para formar
as imagens. Também conhecido por Divisionismo, Cromoluminarismo, Neoimpressionismo e Pintura de Pontos, o
pontilhismo partia do princípio do total desprezo pela linha, como forma de delimitação da natureza retratada.
Os artistas que utilizavam esta técnica davam maior importância ao uso “matemático” das cores, dispostas na
obra em justaposição e não através de mesclagens. Ao contrário das técnicas clássicas de pintura, com o
pontilhismo não há a mistura de cores primárias para criar novas tonalidades e nem o uso de linhas para formar
os traços dos desenhos.
Experimentação prática: Observe a imagem abaixo. Produza uma composição com a técnica do pontilhismo. Não crie contornos.
 Perspectiva – Experimentação prática.
A perspectiva é a arte que se dedica à representação de objetos tridimensionais numa superfície
bidimensional (isto é, plana) com o objetivo de recriar a posição relativa e a profundidade desses objetos.
A finalidade da perspectiva é, por conseguinte, reproduzir a forma e a disposição segundo a qual os
objetos se apresentam ao olho do observador. Perspectiva é uma palavra de múltiplos significados,
podendo estar relacionada com o modo como se analisa determinada situação ou objeto; um ponto de
vista sobre uma situação em específico; um modo tridimensional de representação ou tudo aquilo que se
consegue ver ao longe. Dentro das artes visuais, a perspectiva é entendida como uma técnica de pintura,
que consegue criar um efeito ilusório nas pessoas que visualizam determinada imagem a partir de um
ângulo específico e a distância.

Experimentação prática: Observando o modelo apresentado, vamos construir uma paisagem em perspectiva. Depois de desenhado você pode aplicar a cor que desejar.
Perspectiva – Conceituação - Experimentação Prática – Profundidade.
Experimentação prática: Observe o esquema do cômodo ao lado. Vamos construir a perspectiva com o auxílio do professor. Use a régua.
 Origami – Conceituação e experimentação prática – Diferentes técnicas artísticas.
O origami teve origem no Japão, mas foi aperfeiçoado e propagado pelo mundo inteiro. As figuras representadas no origami têm diferentes
significados para os japoneses. Não há data exata do surgimento da arte milenar do origami, alguns historiadores acreditam que tenha surgido
após a invenção do papel, quando o mesmo foi introduzido no Japão por volta dos séculos V e VI, sendo uma decorrência natural da invenção do
papel. A técnica teve origem no Japão, sendo aperfeiçoada e propagada pelo mundo inteiro. As figuras representadas no origami têm diferentes
significados para os japoneses, como, por exemplo, tsuru (cegonha) simboliza a felicidade, boa sorte e saúde, o sapo significa amor e felicidade,
entre outros. As primeiras dobraduras foram criadas quando o Estado e a religião eram um só, dessa forma representavam a natureza das
cerimônias religiosas.
Estes, porém, eram a mistura de origami com kirgami (arte de formar figuras através de recortes de papéis),
eram confeccionados com papéis manufaturados unicamente para o uso dos sacerdotes xintoístas. Com a
intenção de honrar o espírito das árvores que davam vida ao papel, os sacerdotes xintoístas passaram a
pregar regras rígidas para a arte do origami como, por exemplo, não cortar ou colar as folhas. Até metade do
século XIX, a arte das dobraduras era restrita aos adultos pelo alto custo do papel, porém, em 1876, o
origami passou a ser ensinado nas escolas, fazendo parte da educação dos japoneses.

Experimentação prática: Observando e se orientando pelo passo a passo, e com as orientações do professor, construa o origami.
 Hiper-Realismo – Conceituação e experimentação prática – Análise de obra. 1/3

Mas o que é Hiper-Realismo. É um movimento artístico

surgido nos Estados Unidos nos anos 1960 que procura
retratar em diversos suportes, como telas, esculturas e
montagens, imagens, objetos, pessoas, entre outros, com
o maior nível de detalhes e o mais próximo possível da
realidade.

Alguns chamam o Hiper-realismo de Fotorrealismo, por causa de sua estreita ligação com a fotografia. Isso porque, como vimos, os artistas fazem pinturas que parecem fotografias.
Hiper-Realismo – Conceituação e experimentação prática – Análise de obra. 2/2
 Hiper-Realismo – Conceituação e experimentação prática – Análise de obra. 3/3
Experimentação prática: De acordo com o que estudamos sobre o assunto faça as seguintes atividades de interpretação:
Atividade de desenho – Cabelos – Desenvolvimento do traço e diferentes calibres de grafite. 1/2
 Atividade de desenho – Cabelos – Desenvolvimento do traço e diferentes calibres de grafite. 2/2
Experimentação prática: Pratique nos modelos os diferentes tipos de cabelos, variando nos calibres dos grafites e na pressão do gesto.
 A fotografia e suas técnicas – Conceituação e experimentação prática – Leitura de mundo. 1/2
A palavra fotografia vem do grego phôs, photós (que quer dizer “luz”) e graphein (que significa
“desenhar”, “marcar”, “registrar”), sendo possível interpretar que fotografar é “desenhar na luz”
ou “registrar a luz”. Por isso, para fotografar, é essencial a presença de luz, pois ela cria sombras,
efeitos, volumes e texturas nas fotos. Além da luz, precisamos de duas ferramentas essenciais: a
máquina fotográfica e suas lentes (embora hoje o celular com câmera possa substituir uma
máquina fotográfica compacta, pois ele tem funções básicas e uma lente própria).

As fotografias também podem ser expressão de arte daquele que as registrou. O primeiro registro
fotográfico é de 1826. Foi Joseph-Nicéphore Niépce, inventor francês, quem fez a primeira
imagem fotográfica de que temos notícias. Antigamente, tirar uma foto era muito caro, pois o
processo de captação da imagem era bem complicado. Além disso, os filmes tinham de ser
revelados por um processo químico, e as fotos precisavam ser impressas em um laboratório, em
papel especial. Nesse processo de revelação, a imagem só fica visível depois de revelada em
banho químico apropriado. O filme contém imagens em negativo, ou seja, as imagens ficam com
cores invertidas, sendo posteriormente ampliadas em papel especial, com fotografias que
conhecemos.
 A fotografia e suas técnicas – Conceituação e experimentação prática – Leitura de mundo. 2/2
Atualmente, com os celulares e smartphones, as fotografias
chegam a outras pessoas praticamente em tempo real, pois
podem ser postadas em redes sociais no momento imediato
ao que foram tiradas.

4. Em sua opinião, fotografia é uma arte? Justifique.

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5. A fotografia tem funções? Quais?
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POLICROMIA: harmonia conseguida por meio do uso __________________________________________________________________________________________________
de várias cores. __________________________________________________________________________________________________
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MONOCROMIA: Utilização de apenas uma cor e suas
6. Observe a seguinte imagem:
nuances numa composição
LUZ: Jogo de claro e escuro (luz e sombra) na imagem.
TEXTURA: Na fotografia, está presente
nas imagens em duas dimensões
(altura e largura, sem profundidade);
por isso, só é possível ter controle
sobre uma textura aparente.

a) Por que as bombas e as flores misturadas em um local marcado por um evento trágico?
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b) Como a fotografia permite que saibamos mais sobre o conflito entre Israel e Palestina?
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Experimentação prática: Respondas as perguntas a seguir:
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1. Para que os fotógrafos tiram fotos? ______________________________________________________________________________________________________
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2. O que é essencial para se fotografar?
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3. Retome aos elementos da linguagem visual importantes para a fotografia. Quais
deles você acha mais importante? Para quê?
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 Arte Contemporânea – Conceituação – Apreciação, leitura e interpretação de obras de artes – Experimentação prática. 1/2
A Arte Contemporânea ou Arte Pós-Moderna é uma tendência artística que surgiu na segunda metade do século XX, mais precisamente após a Segunda Guerra
Mundial, por isso é denominada de arte do pós-guerra. A Arte Contemporânea se prolonga até aos dias atuais, período esse denominado de pós-modernismo,
propondo expressões artísticas originais a partir de técnicas inovadoras. Do latim, o vocábulo “contemporanĕu” corresponde à união dos termos “com” (junto) e
“tempus” (tempo), ou seja, significa que ou quem do mesmo tempo ou época. Utilizamos essa palavra como adjetivo para indicar o tempo presente, atual.

Após a Segunda Guerra Mundial (1939-1945), o novo panorama
é caracterizado pelo avanço da globalização, cultura de massa e o
desenvolvimento das novas tecnologias e mídias. Nesse
panorama, a arte oferece novas experiências pautadas
principalmente, nos processos artísticos em detrimento do
objeto, ou seja, na ideia em detrimento da imagem. Nesse
sentido, a arte contemporânea prioriza principalmente, a ideia, o
conceito, a atitude, acima do objeto artístico final. O objetivo
aqui é produzir arte, ao mesmo tempo em que reflete sobre ela.
Foi dessa maneira que a Arte Contemporânea rompeu com
alguns aspectos da Arte Moderna. Ela abandonou diversos
paradigmas e trouxe valores para a constituição de uma nova
mentalidade. Ao mesmo tempo ela abriu espaço para
diversidade de estilos, perspectivas, técnicas e abrangência de
linguagens artísticas (dança, música, moda, fotografia, pintura,
teatro, escultura, literatura, performances, happenings,
instalações, vídeo-arte, etc.). Em outras palavras, a mudança da
era industrial (moderna) para a era tecnológica da Informação e
Comunicação (contemporânea), proporcionou mudanças
significativas no campo da cultura e das artes. Note que a arte
contemporânea abriga diversos valores da arte moderna.
Destacam-se as inovações e experimentações artísticas bem
como a diluição de fronteiras entre as formas artísticas.
 Abandono dos suportes tradicionais;
 Fusão entre arte e vida;
 Uso das novas tecnologias e mídias;
 Mistura de estilos artísticos;
 Obras interativas;
 Obras questionam a definição de arte;
 Aproximação com a cultura popular;
 Uso de diferentes materiais para a produção das obras;
 Liberdade e efemeridade artística;
 Baseado no conceito de sociedade da informação.
Hélio Oiticica buscou a superação da
noção de objeto de arte como
tradicionalmente definido pelas artes
plásticas. O espectador também foi
redefinido pelo artista, passou a ser
participador.
Almícar de Castro, foi escultor, artista
plástico e designer gráfico. Introduziu
a reforma gráfica do Jornal do Brasil
nos anos 50, e revolucionou a
diagramação, e design de jornais no
Brasil.
No Brasil, a arte contemporânea começou a se
desenvolver a partir da década de 1950, com o movimento
vanguardista conhecido por Neoconcretismo. Entre alguns
dos principais artistas brasileiros que fomentaram a arte
contemporânea no país, destaque para: Hélio Oiticica
(1937 - 1980); Romero Britto (1963 -); Ferreira Gullar (1930
- 2016); Amílcar de Castro (1920 - 2002); Lygia Clark (1920 -
1988); Lygia Pape (1927 - 2004); entre outros.
Romero Britto é um artista plástico Ferreira Gullar iniciou sua obra sob os
brasileiro de grande renome princípios da poesia concreta, deixou os
internacional. Radicado nos Estados vanguardistas de São Paulo, para construir
Unidos, é lá onde desenvolve uma expressão própria. Escreveu a "A Luta
trabalhos nas áreas da pintura, Corporal”.
escultura e serigrafia.
Lygia Clark trocou sua pintura Lygia Pape tem em sua obra a marca do
gradualmente pela experiência com abstracionismo geométrico sendo
objetos tridimensionais. Dedicou-se à considerada uma das artistas mais ousadas
exploração sensorial e objetos de todos os tempos. Suas Obras são hábeis
estéticos sobretudo para experiências em relação ao olhar e os sentidos do
corporais. espectador.
 Arte Contemporânea – Conceituação – Apreciação, leitura e interpretação de obras de artes – Experimentação prática. 2/2

Entre alguns dos principais artistas que se destacam mundialmente através de seus trabalhos na arte contemporânea, os mais conhecidos são:
Andy Warhol: Foi um pintor e Banksy: É um veterano artista de Jean-Michel Basquiat: Ganhou Marina Abramovic: É uma artista Keith Haring: Foi um artista gráfico e
cineasta norte-americano, um rua britânico, cujos trabalhos popularidade primeiro como um performativa que iniciou sua carreira ativista social norte-americano, foi
importante artista da Pop Art, em estêncil são facilmente grafiteiro na cidade onde nasceu e no início dos anos 70 e manteve-se considerado um ícone da cultura
lembrado por suas pinturas nas encontrados nas ruas da cidade então como neo-expressionista. As em atividade desde então. Considera- underground de Nova York da década
latas de sopa Campbell e de Bristol, mas também pinturas de Basquiat ainda são se a “avó da arte da performance". de 80.
principalmente pela sequência de em Londres e em várias cidades influência para vários artistas e Seu trabalho explora as relações entre
retratos de Marilyn Monroe. do mundo. costumam atingir preços altos em o artista e a plateia, os limites do
leilões de arte. corpo e as possibilidades da mente.

Pop Art Arte Conceitual Arte Digital Fotografia conceitual Instalação Arte Urbana / Street Art Body Art

Arte povera (poor art) Arte de Novas Mídias Hiper-realismo Fotorrealismo Op art Arte cinética Dança Contemporânea
 Conceituação sobre cultura - Apreciação e experimentação prática. 1/2

Cultura significa todo aquele complexo que inclui o conhecimento, a arte, as crenças, a lei, a moral, os costumes e todos os hábitos e
aptidões adquiridos pelo ser humano não somente em família, como também por fazer parte de uma sociedade da qual é membro.
Cada país tem a sua própria cultura, que é influenciada por vários fatores. A cultura brasileira é marcada pela boa disposição e
alegria, e isso se reflete também na música, no caso do samba, que também faz parte da cultura brasileira. No caso da cultura
portuguesa, o fado é o patrimônio musical mais famoso, que reflete uma característica do povo português: o saudosismo.
Cultura na língua latina, entre os romanos, tinha o sentido de agricultura, que se referia ao cultivo da terra para a produção, e ainda hoje é conservado desta forma quando é referida a cultura
da soja, a cultura do arroz etc. Cultura também é definida em ciências sociais como um conjunto de ideias, comportamentos, símbolos e práticas sociais, aprendidos de geração em geração
através da vida em sociedade. Seria a herança social da humanidade ou ainda, de forma específica, uma determinada variante da herança social. Já em biologia a cultura é uma criação
especial de organismos para fins determinados.

A principal característica da
cultura é o mecanismo
adaptativo, que consiste na
capacidade que os indivíduos
têm de responder ao meio de
acordo com mudança de
hábitos, mais até que
possivelmente uma evolução
biológica.
A cultura é também um mecanismo cumulativo porque
as modificações trazidas por uma geração passam à
geração seguinte, onde vai se transformando, perdendo
e incorporando outros aspetos procurando assim
melhorar a vivência das novas gerações. A cultura é um
conceito que está sempre em desenvolvimento, pois
com o passar do tempo ela é influenciada por novas
maneiras de pensar inerentes ao desenvolvimento do
ser humano.
A cultura popular brasileira é caracterizada por
diferentes categorias culturais, causadas pelo
regionalismo. Na cultura popular brasileira é possível
verificar variações na música, dança, e gastronomia. A
música sertaneja, a capoeira, o folclore, a literatura de
cordel, o samba, são elementos importantes da cultura
popular brasileira. No âmbito da gastronomia, a
culinária baiana é das mais apreciadas no Brasil.
Cultura popular é uma expressão que caracteriza um conjunto de elementos culturais específicos da
sociedade de uma nação ou região. Muitas vezes classificada como cultura tradicional ou cultura de
massas, a cultura popular é um conjunto de manifestações criadas por um grupo de pessoas que têm
uma participação ativa nelas. A cultura popular é de fácil generalização e expressa uma atitude
adotada por várias gerações em relação a um determinado problema da sociedade. A grande maioria
da cultura popular é transmitida oralmente, dos elementos mais velhos da sociedade para os mais
novos. A cultura popular surgiu graças à interação contínua entre pessoas de regiões diferentes e à
necessidade do ser humano de se enquadrar ao seu ambiente envolvente. A sociologia e etnologia,
que estudam a cultura popular, não têm como objetivo fazer juízos de valor, mas identificar as
manifestações permanentes e coerentes dentro de uma nação ou comunidade.
Só é possível fazer a diferenciação entre cultura popular e cultura de massas quando A cultura erudita, também conhecida como
o passar do tempo separa o que é moda e circunstância, passando a fazer parte da cultura de elite ou cultura superior, é aquela
essência de um povo. Neste caso, a palavra "massa" não remete para uma classe que é obtida através de estudos,
social, e sim para um grande número de pessoas dentro de uma sociedade. Apesar investigação teórica e dados empíricos. Ao
das duas expressões serem frequentemente usadas como sinônimos, algumas contrário da cultura popular, a cultura
pessoas fazem a diferenciação, referindo que a cultura de massa revela um produto erudita é quase exclusiva para pessoas com
capacidade financeira elevada. A ópera e
ou vertente cultural que é difundido para as grande massas, muitas vezes para todo o
obras de arte são alguns exemplos de
mundo. A cultura de massa é frequentemente divulgada em meios de comunicação
manifestações da cultura erudita.
de massa, e na grande maioria dos casos, é incentivada por indústrias com o objetivo
de obter lucros. Exemplo disso é Coca Cola, MacDonald's, Pizza Hut, etc. Por outro
lado, a cultura popular remete para diferentes manifestações que são populares e
com origem em diferentes regiões. Está mais relacionada com a tradição e é
transmitida de geração em geração.
 Conceituação sobre cultura - Apreciação e experimentação prática. 2/2
Experimentação prática: Diante do que você aprendeu sobre o conceito de cultura, responda o que se pede:
1. Explique, com suas palavras, o que você entende sobre
“Cultura”.
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2. Sobre arte e cultura, assinale a alternativa correta.
Arte e cultura são conceitos difíceis de definir, mas
que podem definir um mesmo fenômeno.
A cultura digital facilitou a articulação entre pessoas
de sociedades diferentes.
Os aspectos sociais de determinado grupo são
restritos a esse grupo.
O advento da cultura digital foi o que tornou possível
o reconhecimento de grandes artistas por toda a
humanidade.
A cultura globalizada só é possível de ocorrer em
países muito desenvolvidos.
3. De acordo com o texto, transcreva o conceito de “Cultura”?
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4. Qual é o principal mecanismo da Cultura?
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5. Como é transmitida a cultura popular?
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6. Como se caracteriza a cultura brasileira?
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7. Explique, conforme o texto, o significado de cultura popular e
cultura de massa.
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8. Diferencie cultura popular e cultura erudita.
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9. Escreva sobre os variados significados da palavra “Cultura”.
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 OP ART – Experimentação Prática: Construção de ilusão de ótica – Esfera.
Na Op-art, as cores têm a finalidade de passar ilusões ópticas ao observador. Visando atingir o dinamismo, os artistas usam tons
vibrantes e círculos concêntricos, dando a ideia de movimento e interação entre os objetos e o fundo. São utilizadas cores que
provocam grandes contrastes, além de diferentes níveis de iluminação, explorando a criação de formas virtuais e efeitos ópticos. Após
ter ganhado significativo destaque nos anos 60, a Op-art quase caiu no esquecimento. Um dos motivos para isso talvez seja o fato dela
não despertar sentimentos nas pessoas, estando mais próxima da ciência do que do homem em si.

Experimentação Prática: Observando o modelo em andamento, complete os espaços com a cor para criar uma ilusão ótica.
 Op Art – Conceituação e experimentação prática – Percepção e produção de desenho. 1/2
As principais características da Op Art são:
 Explorar a falibilidade do olho pelo uso de ilusões de óticas;
 Defender para arte “menos expressão e mais visualização”;
 Quando as obras são observadas, dão a impressão de movimento, clarões ou vibração, ou por vezes
parecem inchar ou deformar-se;
 Oposição de estruturas idênticas que interagem umas com as outras, produzindo o efeito ótico;
 Observador participante;
 Busca nos efeitos ópticos sua constante alteração;
 As cores têm a finalidade de passar ilusões ópticas ao observador.
 Op Art – Conceituação e experimentação prática – Percepção e produção de desenho. 2/2
Experimentação prática: Escolha um dos modelos apresentados e construa um em seu caderno. Você também poderá criar um padrão novo.
 O TEATRO – Origem, conceituação, apreciação estética e construção de sentido. 1/2
O teatro sempre esteve presente na história
da humanidade e, por meio dele, o homem
expressava sentimentos, contava histórias, e
louvava seus deuses. Ninguém sabe ao certo
como e quando surgiu o teatro.
Provavelmente nasceu junto com a
curiosidade do homem, desde o tempo das
cavernas, de tanto observar os animais,
acabou conseguindo imitar esses bichos,
para se aproximar deles sem ser visto numa
caçada, por exemplo.
Depois, o homem desta época deve ter encenado essa caça para seus
companheiros para contar a eles como foi, já que não existia ainda a
linguagem como a gente conhece hoje. Isso era teatro, mas ainda não era
espetáculo. Quem vai assistir a peças, muitas vezes engraçadas, hoje em dia,
talvez nem imagine que o teatro, há muito tempo, era sagrado. As pessoas
acreditavam que por meio desses rituais era possível invocar deuses e forças
da natureza para fazer chover, tornar a terra mais fértil e as caças mais fáceis,
ou deixar os desastres naturais bem longe de sua comunidade. Estes rituais
envolviam cantos, danças e encenações de histórias dos deuses, que assim
deveriam ficar felizes com a homenagem e ser piedosos com os homens.
Teatro Grego
O teatro grego surgiu das cerimônias e rituais gregos como as
Dionisíacas que eram celebrações de caráter religioso ao deus
Dionísio, o deus do vinho, do entusiasmo, da fertilidade e do
teatro. Os deuses gregos eram muito parecidos com os homens,
pois tinham vontades e humores.
Uma coisa curiosa nas encenações é que só os homens podiam atuar, já que as mulheres não
eram consideradas cidadãs, por isso as peças eram encenadas com grandes máscaras. Foi na
Grécia que surgiu a dramaturgia com Téspis que também representou pela primeira vez o
deus Dionísio, criando o ofício de ator. Também na Grécia antiga surgiram dois gêneros do
teatro a Tragédia e a Comédia.
Nas tragédias gregas os temas eram ligados às leis, à
justiça e ao destino. Nesse gênero eram contadas
histórias que quase sempre terminavam com a morte do
herói. Os autores de tragédia grega mais famosos foram
Ésquilo, Sófocles e Eurípedes.
Ao contrário da tragédia, na comédia grega as histórias visavam o riso do
espectador, eram formas engraçadas de perceber a vida chamadas sátiras. Um
grande autor de comédia grega foi Aristófanes. Todos esses autores
influenciaram muito o teatro que veio depois e suas peças são encenadas até
hoje.

Experimentação prática: Assitir “O Auto da Compadecida” (Filme ou Peça)

Teatro no Brasil
Uma das primeiras manifestações do teatro no Brasil ocorreu no século XVI como forma de catequização. O teatro era utilizado pelos jesuítas para instruir. O
padre Anchieta é um dos principais jesuítas que utilizou estes tipos de representações que eram chamadas de teatro de catequese. Esse teatro possuía uma
preocupação muito mais religiosa do que artística, os atores eram amadores e não existiam espaços destinados à atividade teatral, as peças eram encenadas em
praças, ruas, colégios entre outros. Já no século XVII, surgem outros tipos de teatros que celebram festas populares e acontecimentos políticos, alguns
lembram muito o carnaval como conhecemos hoje. Com a chegada da família real, o teatro dá um grande salto. D. João VI assina um decreto que constrói
"teatros decentes" para a nobreza. Grandes espetáculos começaram a chegar no Brasil porém, além de serem estrangeiros e refletirem os gostos europeus da
época eram somente para os aristocratas e o povo não tinha qualquer participação, o teatro não tinha uma identidade brasileira. A renovação do teatro
brasileiro veio em 1943, com a estreia de Vestido de Noiva, de Gianfrancerco Guarnieri e Nelson Rodrigues, sob a direção de Ziembinski, que escandalizou o
público e modernizou o palco brasileiro. Vestido de Noiva fez um grande sucesso assim como o Auto da Compadecida, de Ariano Suassuna. Vale destacar
grandes artistas como Cacilda Becker, Tônia Carrero, Sérgio Cardoso, Paulo Autran, Fernanda Montenegro.
 O TEATRO – Origem, conceituação, apreciação estética e construção de sentido. 2/2

Experimentação prática: Depois de ter assistido ao filme “O auto da Compadecida” responda o que se pede:
1. O que faz de João Grilo a personagem principal da Auto da Compadecida é uma peça teatral em forma
de auto, em três atos, escrita pelo autor brasileiro
história?
_____________________________________________________________ Ariano Suassuna em 1955. Sua primeira encenação
_____________________________________________________________ aconteceu em 1956, em Recife, Pernambuco. A peça
_____________________________________________________________ também foi encenada em 1974, com direção de João
_____________________________________________________________ Cândido. Trata-se de um drama ocorrido na região
_____________________________________________________________ Nordeste do Brasil, com elementos da tradição da
_____________________________________________________________ literatura de cordel, do gênero comédia e traços do
_____________________________________________________________ barroco católico brasileiro. A obra mistura cultura
2. Qual a atitude de João diante das histórias contadas popular e tradição religiosa.
por Chico, como a do cavalo bento e a do peixe que
pescou o homem?
_____________________________________________________________
8. Faça um resumo, com suas palavras, sobre o filme:
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_____________________________________________________________
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3. Ao lado dos dois maus padres é colocado um bom, o
frade, secretário do bispo. Descreva essa
personagem.
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4. Qual a intenção do autor ao inserir o frade na
história?
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5. Que figura nordestina Severino representa?
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6. Ao chegar ao céu, Severino é absolvido de seus
pecados sem passar pelo purgatório. Por quê?
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7. Quais as características de João Grilo que lembram a

região onde morou?
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 O Renascimento da arte – Renascimento Italiano – Apreciação estética, observação de imagem e interpretação de conceitos. 1/2

Diferentemente da arte medieval, o renascimento artístico esteve inspirado na antiguidade

clássica que havia sido esquecida durante séculos. Foi a partir do avanço científico, social e
cultural que surge o movimento do renascimento, o qual foi marcado, sobretudo pelo caráter
humanista. Assim, o teocentrismo medieval dá lugar ao antropocentrismo renascentista, com a
chegada da Idade Moderna.
O Renascimento Artístico representou uma
- A grande contribuição da arte renascentista foi à descoberta da perspectiva e da
das vertentes do período renascentista com
profundidade. Assim, do plano reto e bidimensional da arte medieval, a arte da renascença
a profusão de diversas obras. Lembre-se que
promoveu outro olhar.
o Renascimento foi um movimento artístico,
- Equilíbrio das formas e a busca da harmonia, fundamentadas na arte clássica.
intelectual e cultural que teve início no
- Evolução da pintura, escultura, arquitetura e literatura, valorizando aspectos humanos e da natureza.
século XV na Itália. Foi com o declínio do
- Mudança de mentalidade da época proporcionou incluir uma variedade de temáticas desde os costumes, a mitologia, as paisagens, dentre
sistema feudal e de diversas caraterísticas
outros.
associadas ao período medieval, que surgiu
a Renascença, um período de efervescência
cultural, artística e científica que se espalhou
pela Europa.
Leonardo da Vinci Michelangelo Buonarroti Sandro Boticcelli Rafael Sanzio
(1452-1519) (1475-1564) (1445-1510) (1483-1520)
Pintor, escultor, arquiteto Pintor e desenhista italiano, Pintor italiano que em suas obras, utilizou
Sem dúvida Leonardo foi um Boticcelli foi um dos a técnica do contraste de luz e sombras,
e escritor renascentista,
dos principais artistas do principais nomes do sendo reconhecido como um dos
Michelangelo, considerado
Renascimento. renascimento italiano. principais nomes do movimento
o “Gigante do
Pintor, escultor, arquiteto e literato De suas obras destacam-se: O renascentista.
Renascimento”.
renascentista, de suas principais obras Nascimento de Vênus, Adoração dos Reis De suas obras merecem destaque as diversas pinturas
Destacou-se com a produção de sua
destacam-se: A Mona Lisa (La Gioconda), A Magos, Primavera e Virgem com o de Madonas e O Casamento da Virgem.
escultura de David, Pietá e Moisés e
Última Ceia, A Virgem das Rochas e o Menino e São João Batista Criança.
ainda, o afresco localizado no teto da
Homem Vitruviano. Capela Sistina.
 O Renascimento da arte – Renascimento Italiano – Apreciação estética, observação de imagem e interpretação de conceitos. 2/2

Experimentação Prática: Diante dos mais famosos artistas do Renascimento italiano, você escolherá um deles e realizará uma pesquisa em seu caderno de arte. Reúna dados sobre a vida,
obras e curiosidades sobre o artista escolhido. Ilustre a pesquisa com imagens ou desenhos.
 Natureza Morta – Desenho de observação: Prática artística e apreciação de obra de arte.

O conceito natureza-morta apresenta uma curiosidade inicial: tem relação indireta com a natureza e não
tem nada haver com a morte. O conceito que analisamos faz parte da terminologia do mundo da pintura e
se refere à pintura. Este tipo de pintura clássica utiliza certos elementos tais como frutas, utensílios de
cozinha, flores, porcelanas, livros e tudo aquilo que faz parte do cotidiano. Porém, esta imagem tem
evoluído e atualmente a natureza-morta ou pintura clássica apresenta objetos mais modernos como uma
geladeira aberta ou um simples espelho.
No entanto, seu elemento característico é normalmente algo criado pela natureza, por exemplo, um cacho de uva ou um pedaço de
pão. O artista que escolhe a natureza-morta, como tema ou assunto, aposta em uma pintura figurativa e consegue dar uma atenção
especial aos pequenos detalhes.
Experimentação prática: Através da observação da imagem vamos desenhar um dos exemplos das naturezas-mortas:
 Natureza Morta – Experimentação prática. Composição e desenho de observação.

Experimentação prática: Escolha um dos modelos de natureza morta apresentados para praticar o desenho.
O conceito natureza-morta apresenta uma curiosidade inicial: tem relação indireta com a natureza e não tem nada haver com a morte.
O conceito que analisamos faz parte da terminologia do mundo da pintura e se refere à pintura. Este tipo de pintura clássica utiliza
certos elementos tais como frutas, utensílios de cozinha, flores, porcelanas, livros e tudo aquilo que faz parte do cotidiano. Porém, esta
imagem tem evoluído e atualmente a natureza-morta ou pintura clássica apresenta objetos mais modernos como uma geladeira
aberta ou um simples espelho. No entanto, seu elemento característico é normalmente algo criado pela natureza, por exemplo, um
cacho de uva ou um pedaço de pão.

Experimentação prática: Escolha um dos modelos apresentados acima para praticar sua habilidade em desenho.
 Música Africana – Conceituação, apreciação estética, leitura de mundo e contato com diferentes culturas.
A África é um continente com vários tipos de Glossário dos Estilos Musicais Africanos:
diversidade étnica, cultural e linguística. Uma Afrobeat é uma combinação de jazz americano, Afropop é temperada com elementos de ritmos africanos
descrição da música africana é quantidade de funk e batida nigeriano. Ele foi criado pelo artista e ocidentais. Nos anos 70 e 80, muitos artistas e músicos
variedade de expressões. Existem semelhanças Fela Ransome Anikulapo, da Nigéria, no início dos africanos migraram para a Europa e a América a fim de
regionais entre grupos desiguais, assim como as anos 70. Era justamente a época em que o rock seguir uma carreira profissional internacional. Fazendo
tendências que são constantes ao longo do tempo do britânico e soul music americana estavam isso, eles criaram um ritmo comercial mais “aceitável” pelo
dominando a maior parte da cena musical da ocidente.
continente africano. A música da África é tão ampla e
África.
variada como as muitas regiões da África. Bikutsi: a adição tardia à música de dança popular Benga Beat é estabelecido pelas guitarras elétricas no som
Ela é fruto de descendentes de distintas nações e grupos em Camarões do estilo criado por cinco músicos de Quênia, na costa do Índico, identificáveis pela cadência
étnicos africanos, quanto ao seu patrimônio musical desse país africano, na costa do Atlântico, ao do tambor pesado e da harmonia vocal.
específico. Reunindo dados históricos, etnográficos, reagirem ao estilo zouk de música de dança da
linguísticos e confrontando-os com respeito à pertinência Martinica. Esta tinha monopolizado as ondas dos
relativa a sua origem e às interpenetrações de civilizações, rádios de Camarões, inteiramente, no início dos
revela-se a existência de permanências e divergências, anos noventa.
bem como de um número considerável de empréstimos e Chimurenga é a música da guerra de libertação do Fuji Garbage vem da Nigéria. É uma música Yoruba,
influências recíprocas tanto no plano etnográfico como no Zimbabwe. É uma mistura da música tradicional baseada em tambores, com guitarras, acordeões e
estritamente musical. mbira com o uso da guitarra elétrica como um tambores falantes.
A África é um grande continente e as suas regiões e nações possuem distintas instrumento da luta de libertação pelo
internacionalmente conhecido artista deste país:
tradições musicais. A música do norte da África tem uma história diferente da musica
Thomas Mapfumo.
da África Sub-saariana.
Norte da África: é a sede da cultura mediterrânica que construiu o Egito Jit Jive e True Jit Foi criado após a guerra de Highlife: é a música de salão de baile de Gana e da Nigéria
e Cartago, antes de ser governado sucessivamente por gregos, romanos libertação, quando muitos jovens, que migraram na África Ocidental. Este estilo de música de dança que
e godos e, de tornar-se, em seguida, o ocidente (Magrebe) do mundo das aldeias para a capital Harare, encontravam-se introduziu pela primeira vez a música popular africana
sem dispor de quaisquer habilidades empregáveis. para a Europa e América.
árabe. Como os gêneros musicais do Vale do Nilo e do Nordeste africano,
Então, eles formaram muitas bandas, em toda a
a sua música tem laços estreitos com música do Oriente Médio. cidade, para fins recreativos.
África Oriental: Madagascar e ilhas do Oceano Índico são áreas Makossa: é outro gênero de música camaronês de Mbalax: que a música contemporânea do Senegal, o som
ligeiramente influenciadas pela música árabe e também pela música dança popular “para dançar até cair”. O grande percussivo altamente dominado pelo Sabar (tambor de
da Índia, da Indonésia e da Polinésia. No entanto, nas populações saxofonista Manu Dibango colocou o estilo no pele de cabra). Melhor exemplo dessa música é Youssou
mapa com seu som jazzy lendário de “soul *alma+. Ndour, Baaba Mal.
indígenas as tradições musicais são principalmente em sua maioria
típica da África subsaariana de línguas nigero-congolesas.
África do Sul, Central e Ocidental: são regiões onde caracterizam-se também na Mapouka: é a mais recente mania da dança e Mbaquanga: é o nome dado à música negra sul-africana
ampla tradição musical subsaariana, mas também possuem influências vindas da estilo musical emitido da Cote d’Ivoire, na África para dançar em Soweto. O estilo foi nomeado após uma
Europa Ocidental e América do Norte. A música e as formas de dança da diáspora ocidental. Originalmente dançado pelas mulheres pesquisa popular entre as pessoas do bairro negro.
da alta sociedade, na região sudoeste do país,
africana, incluindo a música afro-americana e muitos gêneros afro-caribenhos como
Mapouka foi colocado em cena de clube popular,
soca, calipso, zouk (musica antilhana) e gêneros musicais latino-americanos como a no final dos anos 90.
salsa, rumba, e outros derivados do clave-ritmo (cubano), originaram-se com diversos Soukous do Congo: é a música e o estilo de dança Taarab: é a música da ilha temperada de Zanzibar na
graus de variação na música dos escravos africanos. Por sua vez, esses gêneros hoje tidos como a mania mais popular em toda a extrema costa leste da África. O nome taarab deriva da
também influenciaram a música popular africana contemporânea. África subsaariana. palavra árabe Tariba que significa “inquietação ou
agitação”.
 MINIMALISMO – Estilo de arte, apreciação, contato com novas ideias, conceituação de conteúdo e leitura de imagem. 1/2

A palavra minimalismo reporta-se a um conjunto de movimentos artísticos e culturais que percorreram vários Principais características do Minimalismo:
momentos do século XX, manifestos através de seus fundamentais elementos, especialmente nas artes visuais, - Elaboração de obras (pinturas, esculturas, músicas, peças
no design e na música. Surgiu nos anos 60 nos Estados Unidos. As obras minimalistas possuem um mínimo de de teatro) com a utilização do mínimo de recursos;
recursos e elementos. A pintura minimalista usa um número limitado de cores e privilegia formas geométricas - Utilização de poucas cores nas pinturas;
simples, repetidas simetricamente. No decurso da história da arte, durante o século XX, houve três grandes - Nas artes plásticas, destaque para o uso de formas
tendências que poderiam ser chamadas de “minimalistas”: (manifestações minimalistas: construtivismo, geométricas simples com repetições simétricas. Presença
vanguarda russa, modernismo). Os construtivistas por meio da experimentação formal procuravam uma também de acabamento preciso, além de purismo funcional
linguagem universal da arte, passível de ser absorvida por toda humanidade. O minimalismo exerceu grande e estrutural. A arte minimalista recebeu influências do
influência em vários campos de atividade do design, como a programação visual, o desenho industrial, na construtivismo.
arquitetura. Os minimalistas produzem objetos simples em sinônimo de sofisticação.
Alguns pintores são: Robert Ryman, Robert Mangold, Agnes Martin.

Escultura minimalista: Design minimalista: Minimalismo – Arquitetura: Minimalismo na moda: Banco de imagens:
Minimalismo foi O termo minimalismo No final da década de 1960, passou-se O minimalismo está virando um
desenvolvido no campo também é usado para a denominar Minimalismo assunto cada vez mais comentado
da escultura, cujos descrever uma tendência arquitetônico a corrente artística que no mundo da moda. Ele está muito
principais na concepção e procurava expressar o mínimo ligado com o conceito do slow
representantes são: arquitetura, onde a conteúdo de arte através da pesquisa fashion e do consumo consciente.
Donald Judd, Sol LeWitt , estrutura é reduzida aos em cores e tonalidades; texturas e O estilo – que está mais para estilo
Carl Andre , Dan Flavin e seus elementos superfícies; e volumes e estruturas. de vida e não só de moda –
Robert Morris. necessários. procura otimizar as peças do
guarda-roupa e transformá-lo em
algo mais atemporal e versátil.
 MINIMALISMO – Estilo de arte, apreciação, contato com novas ideias, conceituação de conteúdo e leitura de imagem. 2/2

Experimentação prática: Vamos pesquisar em jornais e revistas, algumas imagens que sirvam de exemplo para os diferentes tipos de Minimalismos apreciados na aula de hoje. Cole as
imagens em seu caderno de arte e identifique cada imagem.
 Linhas retas - Experimentação prática sobre simetria – Desenvolvimento do traço e aplicação de cor.
Experimentação prática: Desenhe os padrões apenas com linhas retas seguindo as orientações do modelo apresentado. Use as cores que desejar para preencher.
 Leitura de obra de arte: Aldemir Martins – Interpretação de imagem e experimentação prática.
Leitura de uma obra de Leitura Formal: observar Leitura Interpretativa: este é um momento muito Contextualização Histórica: localizar a obra
arte é uma interpretação os elementos que compõem, rico, em que não existe certo nem errado. Durante esta no tempo histórico e no espaço, observando o
pessoal, ou seja, ela é formam a obra de Arte, ou leitura é possível a cada espectador colocar o que pensa tema, os significados, ou seja, os contextos em que
construída através da seja, os elementos sobre a obra que está vendo, pois cada ser humano foi criada, auxiliando na compensação e no
compreensão que expressivos, como a linha, a percebe, vê e sente uma obra de Arte de acordo com sua significado da obra em questão.
construímos através da cor, o volume, a perspectiva. história de vida, com o que já sabe e conhece sobre arte.
observação.
O artista plástico Aldemir Martins nasceu em Ingazeiras, no Vale do Cariri, Ceará em 8 de novembro de 1922. A sua vasta obra, importantíssima para o
panorama das artes plásticas no Brasil, pela qualidade técnica e por interpretar o “ser” brasileiro, carrega a marca da paisagem e do homem do nordeste.
Seus traços fortes e tons vibrantes imprimem vitalidade e força tais à sua produção que a fazem inconfundível e, mais do que isso, significativa para um
povo que se percebe em suas pinturas e desenhos, sempre de forma a reelaborar suas representações. Aldemir Martins pode ser definido como um
artista brasileiro por excelência. A natureza e a gente do Brasil são seus temas mais presentes, pintados e compreendidos através da intuição e da
memória afetiva. Nos desenhos de cangaceiros, nos seus peixes, galos, cavalos, nas paisagens, frutas e até na sua série de gatos, transparece uma
brasilidade sem culpa que extrapola o eixo temático e alcança as cores, as luzes, os traços e telas de uma cultura.
 Leitura de obra de arte: Aldemir Martins – Interpretação de imagem e experimentação prática.
Experimentação prática: Escolha umas das obras do artista Aldemir Martins e produza uma releitura. Você também pode aplicar recorte e colagem ou a técnica do mosaico.
 Intervenção Artística - Imagem – Leitura, releitura e apropriação estética. Produção artística.

A noção de intervenção é empregada, no campo das artes, com múltiplos sentidos, não havendo uma única definição para o termo. Como prática
artística no espaço urbano, a intervenção pode ser considerada uma vertente da arte urbana, ambiental ou pública, direcionada a interferir sobre
uma dada situação para promover alguma transformação ou reação, no plano físico, intelectual ou sensorial. Trabalhos de inter venção podem
ocorrer em áreas externas ou no interior de edifícios. O termo intervenção é também usado para qualificar o procedimento de promover
interferências em imagens, fotografias, objetos ou obras de arte preexistentes. Intervenção, nesse caso, possui um sentido semelhante à
apropriação, contribuição, manipulação, interferência. Colagens, assemblages, montagens, fotografias e desenhos são trabalhos que
freqüentemente se valem desse tipo de procedimento. Diferentes trabalhos de arte podem ser qualificados como intervenção, não havendo,
portanto, uma categorização única ou fronteiras rígidas que a separem da instalação, land art, site specific, performance, arte postal, arte xerox
etc.

Experimentação prática: Com o uso de recortes de revistas, lápis de cor e canetinhas, desenhos e colagens diversas, vamos interferir na imagem.
 Impressionismo - Conceito e experimentação prática. Movimentos de Vanguarda. 1/2
Impressionismo é um movimento artístico que surgiu na França no final do século XIX, durante o período da Belle Époque. A principal proposta
do estilo era quebrar com as técnicas convencionais do Realismo, focando-se na impressão da luz, das cores e dos movimentos livres das
pinceladas para criar efeitos óticos que completassem as obras. Esse movimento artístico foi batizado em referência a obra “Impressão, Sol
Nascente” (Impression du Soleil Levant - 1872), de Claude Monet, um dos mais célebres pintores impressionistas de todos os tempos. A “alma”
do impressionismo consistia em captar as diferentes impressões de cores, luz e movimentos da natureza ao longo do dia, por isso os artistas
preferiam pintar sempre ao ar livre, analisando de perto todas as “ilusões” que as mudanças na luminosidade provocavam nas cores e sombras
e, consequentemente, na paisagem geral.
Alguns artistas, como Monet, por exemplo, pintavam a mesma paisagem diversas vezes em momentos distintos ao longo do dia, justamente para perceber as variações que as mudanças de
luminosidade transmitiam para a impressão final da imagem. O impressionismo é tido como o movimento que deu origem a arte moderna. As obras impressionistas transmitem a sensação
de alegria e harmonia, isto devido à presença dos contrastes, da luz e da claridade das cores, principalmente.

Além de Monet, outros artistas que se destacam por seus trabalhos impressionistas são:

Características do Impressionismo: Pós-impressionismo: Surgiu nos últimos anos do século XIX e começo do século XX, como um conjunto de estilos, técnicas e tendências
 Destaque para temas da natureza, artísticas baseadas a partir do modelo impressionista. A ideia central dos pós-impressionistas não era renegar, repudiar ou esquecer o
especialmente paisagens; impressionismo, mas sim aprimorá-lo. Muitos dos artistas pós-impressionistas começaram os seus trabalhos como impressionistas, mas
 Valorização da luz natural; após agruparem algumas técnicas e características de outros estilos, acabaram por se redefinirem e seguir padrões ligeiramente distintos
daqueles que são tidos como a “essência básica” do impressionismo original. A importância da “cor viva” e da bidimensionalidade nas
 Uso de cores decompostas e primárias;
obras são dois valores bastante importantes para os artistas pós-impressionistas. O Cubismo, o Expressionismo, o Fauvismo e o
 Uso de sombras coloridas e luminosas;
Pontilhismo são exemplos de estilos que surgiram a partir desta “revolução” do impressionismo tradicional. O Pontilhismo, no entanto,
 Foco nos estudos dos efeitos óticos (ilusões);
não deve ser considerado um movimento pós-impressionista, mas sim neoimpressionista.
 Desenhos sem contornos nítidos, mas sim
formados por manchas;
Impressionismo no Brasil: No Brasil, o impressionismo se disseminou nos primeiros anos do século XX,
 Rompimento com o passado;
sendo o ítalo-brasileiro Eliseu Visconti o pioneiro neste estilo no país, e um dos mais expressivos
 Valorização pela pintura feita ao ar livre e não representantes do gênero. Entre os artistas brasileiros, os que mais tiveram destaque no estilo
em estúdios fechados, por exemplo; impressionista foram: Almeida Júnior, Artur Timóteo da Costa, Henrique Cavalleiro e Alfredo Andersen.
 Preferência pela mistura de cores através da
ilusão de ótica e não pela técnica, não há a
mistura de cores para criar novas tonalidades,
mas apenas o uso de pigmentos primários
justapostos;
 Aplicação da lei das cores complementares.
 Impressionismo - Conceito e experimentação prática. Movimentos de Vanguarda. 2/2
Experimentação prática: De posse do que você aprendeu sobre o movimento impressionista na arte, faça as seguintes atividades:
1. Marque V ou F (verdadeiro ou falso) e relacione com a alternativa correta: 4. Pensando na principal preocupação dos pintores impressionistas em sua arte, elabore uma
“O Impressionismo foi um movimento que revolucionou a pintura e deu
início as grandes tendências da arte do século XX”.
Os Impressionistas buscavam observar o efeito da sombra sob os
objetos;
O Impressionismo teve início no século 18;
O efeito da luz nas cores é o objeto de estudo e foco de trabalho dos
impressionistas;
Os impressionistas não chegaram a formar uma escola ou sistema,
mas revolucionaram a pintura a partir do século 20.
2. Dentre os grandes pintores impressionistas podemos destacar:
Monet, Manet e Renoir;
Degas, Renoir e Manet;
Monet, Renoir e Degas;
Manet, Monet e Degas;
3. Sobre os procedimentos gerais dos impressionistas marque Verdadeiro ou 8.
Falso.
As cores e tonalidades são obtidas pela mistura das tintas;
A pintura deve registrar as tonalidades que os objetos adquirem ao
refletir a luz solar num determinado momento;
As sombras devem ser escuras ou pretas como sempre foi
representada pelos pintores até então;
As figuras não devem ter contornos nítidos, pois a linha é só uma
forma encontrada pelo ser humano para representar.
explicação para o termo “impressionismo”.
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5. Em seus procedimentos, os impressionistas tinham uma visão inovadora do trabalho com a cor.
Qual era ela?
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6. Quais os principais artistas impressionistas?
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7. Quais os principais pintores impressionistas brasileiros?
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Defina o termo “pós-impressionismo”
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 Futurismo - Conceito e experimentação prática. Movimentos de Vanguarda. 1/2
O futurismo é um movimento artístico e literário surgido na França, oficialmente em 20 de fevereiro
de 1909, com a publicação do Manifesto Futurista, do poeta italiano Filippo Marinetti, no jornal
francês “Le Figaro”. A obra rejeitava o moralismo e o passado. Apresentava um novo tipo de beleza,
baseado na velocidade e na elevação da violência. O slogan do primeiro manifesto futurista de 1909
era “Liberdade para as palavras”, e considerava o design tipográfico da época, especialmente em
jornais e propaganda. A diferença entre arte e design passa a ser abandonada e a propaganda é
escolhida como forma de comunicação.

PINTURA Os principais artistas são: Gino Severini (1883-1966) Ao contrário dos

A pintura futurista foi explicitada pelo Cubismo e pela
Abstração, mas o uso de cores vivas, contrastes e a
sobreposição das imagens pretendia dar a ideia de dinâmica,
deformação e não materialização por que passam os objetos e
o espaço quando ocorre a ação. Para os artistas do Futurismo
os objetos não se concluem no contorno aparente e os seus
aspectos interpenetram-se continuamente a um só tempo. Mesmo assim, mostrou grande preocupação com o
Procura-se neste estilo expressar o movimento atual, dinamismo das formas, com a situação da luz e a integração
registrando a velocidade descrita pelas figuras em movimento do espectro cromático.
no espaço. O artista futurista não está interessado em pintar
um automóvel, mas captar a forma plástica a velocidade
descrita por ele no espaço.
As características mais marcantes da pintura são:
 Desvalorização da tradição e do moralismo;
 Valorização do desenvolvimento industrial e tecnológico;
 Uso de cores vivas e contrastes;
 Sobreposição de imagens, traços e pequenas deformações
para passar a ideia de movimento e dinamismo.
Embora persistindo no compromisso com a iconografia do
mundo moderno, com o conceito de um universo
dinamicamente interativo de movimento humano num
ambiente técnico modificado e com o poder das cores fortes e
até vulgares, os futuristas viram nas construções luminosas e
estáticas do cubismo a possibilidade de dar um novo rumo
completamente novo a seu trabalho. Acima de tudo,
adaptaram a interpretação cubista da forma e do espaço, a
transparência e a multiplicidade de pontos de vista aos seus
interesses ideológicos e imaginativos característicos.
seus colegas, estava mais interessado no
Giacomo Balla (1871-1958) um dos expoentes
retrato dos corpos humanos em movimento
do movimento futurista na Itália. Em sua obra o
do que na dinâmica das máquinas com suas
pintor italiano tenta endeusar os novos avanços
cenas de cabaré e os retratos de bailarinos.
científicos e técnicos por meio de
representações totalmente desnaturalizadas,
embora sem chegar a uma total abstração.
Luigi Russolo (1885-1947) compositor e
pintor italiano. Em 1913, autor e compositor
do manifesto A Arte do Ruído, que teorizou
a utilização de ruído para chegar à
Carlos Carrá (1881-1966), pintor autodidata do
composição da música, ao invés de sons
futurismo. A sua obra revela-se porém com
harmônicos puros.
tons e objetivos completamente diferentes. A
sua visão futurista e adesão ao mundo da
metafísica, são de cunho pessoal e inatas.
Faleceu em Milão a 13 de Abril de 1966.
“Já não há beleza senão na luta. Nenhuma obra que não
tenha um caráter agressivo pode ser uma obra-prima. A
poesia deve ser concebida como um violento assalto contra
as forças ignotas para obrigá-las a prostrar-se ante o
homem.”
 Futurismo - Conceito e experimentação prática. Movimentos de Vanguarda. 2/2
Experimentação prática: De acordo com o que você estudo sobre o movimento futurista, faça as atividades a seguir:
1. O que marca o início do futurismo? 5. Crie no espaço abaixo uma imagem futurista de cena urbana. Acrescente em seu desenho edifícios,
___________________________________________________________________________ carros, comércio e outros elementos que sua imaginação produzir. Crie um título futurista.
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2. Quais são as características da pintura futurista?
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3. Cite o nome de alguns artistas do Futurismo.
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4. O movimento futurista teve início com o manifesto futurista de
Marinetti: "O esplendor do mundo foi enriquecido por uma nova forma
de beleza, a beleza da velocidade". Foi um movimento de exaltação do
futuro, dos avanços tecnológicos e industriais e, principalmente, da
velocidade. Os artistas desse movimento adotaram técnicas neo-
impressionistas, como o Cubismo para representar o movimento. Serviu
de inspiração aos dadaístas e durou, aproximadamente, oito anos.
a) Como é a vida urbana hoje?
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b) Como a imagina no futuro? Vai ser diferente daquela que vivemos hoje?
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c) E se a arte reflete o comportamento humano, assim como refletiu o
comportamento do homem no início do século XX, como acha que a
estética futurista pode retratar esse mundo?
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 Expressionismo - Conceito e experimentação prática. Movimentos de Vanguarda. 1/2
O Expressionismo foi um movimento artístico vanguardista que apareceu na Alemanha nos primeiros anos do século
XX e influenciou várias gerações de artistas plásticos. Entre as vanguardas artísticas europeias do início do século XX, o
expressionismo foi uma das mais notórias. A arte expressionista teve seu desenvolvimento principal na Alemanha, não
se restringindo apenas às artes plásticas, mas abrangendo o cinema também. O conceito expressionismo tornou-se
corrente na crítica jornalística depois que Herwath Walden popularizou-o em sua revista “Der Sturm” (A Tempestade),
em 1912.
CARACTERÍSTICAS DO EXPRESSIONISMO PRINCIPAIS ARTISTAS DO EXPRESSIONISMO
Fritz Bleyl: Erich Heckel: Ernst Ludwing Kirchner: Karl Schmidt-Rottluff:
Entre as principais características da arte
expressionista, destaca-se a:
 Distorção linear, isto é, os traçados
espessos e angulosos das formas
retratadas, seja de seres humanos,
sejam de objetos, o que produz uma
simplificação radical das formas. Fritz Bleyl foi um artista alemão da escola Assumindo o estilo do grupo mais que O pintor alemão deu formas Foi um pintor e gráfico alemão, membro do
expressionista, e um dos quatro qualquer outro de seus integrantes, as geométricas às cores e despojou-as de grupo artístico Die Brücke, considerado um dos
 O emprego de cores intensas, com fundadores do grupo artístico Die Brücke. paisagens, nus e motivos religiosos de sua sua função decorativa por meio de mais importantes representantes do
pinceladas bem marcadas, deixando Fez design gráfico para o grupo, e para a autoria o revelaram como um romântico contrastes agressivos, com o fim de expressionismo alemão.
evidente o efeito do traçado sobre a primeira exposição, um cartaz que foi entre os mestres do expressionismo. manifestar sua verdadeira visão da
tela. proibido pela polícia. realidade.

 A arte primitiva das tribos africanas Max Pechstein: Emil Nolde: Otto Mueller: No Brasil, a técnica expressionista
também serviu como fonte para os esteve presente na arte de nomes
expressionistas, mas também outras como Anita Malfatti, Lasar Segall,
fontes foram de fundamental Portinari, Oswaldo Goeldi e Iberê
importância, como os artistas do Camargo.
Renascimento Alemão com seus
trabalhos em desenho e seu uso Trabalhou num expressionismo moderado, Os seus quadros, tal como pretendia, Totalmente envolvido com o
específico de luz e sombra. influenciado pela pintura fauvista francesa, chocavam o espectador, devido à expressionismo suas obras eram feitas
 No campo das ideias, os especialmente por Matisse. vivacidade das cores, que contrastavam com o coração e com isso são vistas
expressionistas serviram-se do abusivamente umas com as outras, à como as mais interessantes entre
deformação dos rostos das personagens outras.
pensamento filosófico de Friedrich retratadas, à distorção das perspectivas e
Nietzsche. ao excessivo uso de tinta.
 Friedrich Wilhelm
Nietzsche foi um filósofo,
filólogo, crítico cultural,
poeta e compositor
prussiano do século XIX,
nascido na atual Alemanha.
 Expressionismo - Conceito e experimentação prática. Movimentos de Vanguarda. 2/2
Experimentação prática: Agora que você conheceu um pouco mais sobre o Expressionismo, faças as atividades seguintes para desenvolver sua observação e interpretação.
Responda as seguintes perguntas: Escolha umas das obras produzidas pelos artistas expressionistas brasileiros e se inspire para desenhar algo
expressionista. Você pode também realizar uma releitura. Aplique as cores que desejar. Crie um título para a sua
1. O que é o Expressionismo? obra.
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2. Como surgiu o Expressionismo?
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3. Quais são as características do movimento expressionista?
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4. Cite os principais artistas do Expressionismo.
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5. Quais foram os principais artistas do movimento
expressionista no Brasil?
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Experimentação prática com padrões - Desenho da mão.
Experimentação prática: Observe o modelo ao lado. Posicione suas mãos sobre os padrões, risque-a, preencha os espaços com cores.
A composição é a distribuição harmoniosa de um conjunto de elementos visuais, em que o lugar ocupado pelas figuras, os espaços vazios que as
rodeiam, as proporções, todos são importantes. No desenho, na pintura, na arte figurativa, na arte publicitária, na fotografia, a composição é vital.
Quando harmonizamos elementos de um conjunto, estamos compondo. Na composição, a criatividade ocupa um lugar destacado que, unida ao
conhecimento básico, permitirá a descoberta de soluções para problemas que surgem numa composição plástica.
 Experimentação prática com linhas e contornos – Calibres, direções e tipos.
Experimentação prática: Construa os contornos ao redor da folha conforme mostra o modelo.
O desenho, a linha, o traçado e o preenchimento: Desenho é a arte de representar formas e objetos usando
traços e linhas.
A linha: Um ponto ao lado do outro, numa sequência que pode ser infinita, forma uma linha. Há
vários tipos de linhas, que podem ser classificadas de acordo com o traçado e a forma.
 Experimentação prática com hachuras e gesto – Desenvolvimento do gesto e percepção espacial.

Experimentação prática: Vamos produzir as seguintes composições com hachuras gestuais nos espaços.
 Experimentação prática – Obra “Curvas da dança”, de Wassily Kandinsky – Apreciação da obra e leitura de imagem. 1/2

Pioneiro do Movimento Abstracionista, Wassily Kandinsky foi um pintor russo

que apesar da formação no curso de Direito pela Universidade de Moscou,
demostrou grande interesse e inclinação para Artes Visuais após conferir uma
exposição de pintores impressionistas e ficar deslumbrado por aquelas pinturas.

Durante suas experimentações de desenho e em seu processo critativo, Kandinsky praticou seu
olhar e desenvolveu formas a partir da observação do mundo que o cercava. Na obra “Curvas da
Dança”, o artista traçou linhas a partir dos gestos da dança, unindo os conceitos de movimento,
linha, ponto e plano do desenho a uma dinâmica constante da dança. Depois de criar seus traços
com essa observação, Wassily criou uma série de quadros que incrementaram ainda mais o seu
conceito e o tornou um artista tão criativo e influenciador.

Experimentação prática: Observando as imagens abaixo, vamos fazer como Kandinsky. Escolha algumas delas e crie linhas a partir dos movimentos das diferentes danças
apresentadas. Depois de criar as linhas e pontos, você produzirá uma composição abstrata com os elementos que formou.
 Experimentação prática – Obra “Curvas da dança”, de Wassily Kandinsky – Apreciação da obra e leitura de imagem. 2/2

Experimentação prática: Observando as imagens abaixo, vamos fazer como Kandinsky. Escolha algumas delas e crie linhas a partir dos movimentos das diferentes danças
apresentadas. Depois de criar as linhas e pontos, você produzirá uma composição abstrata com os elementos que formou.

A Dança é a arte de mexer o corpo, através de uma cadência de

movimentos e ritmos, criando uma harmonia própria. Não é
somente através do som de uma música que se pode dançar, pois
os movimentos podem acontecer independente do som que se
ouve, e até mesmo sem ele. A história da dança retrata que seu
surgimento se deu ainda na Pré-História, quando os homens
batiam os pés no chão. Aos poucos, foram dando mais intensidade
aos sons, descobrindo que podiam fazer outros ritmos, conjugando
os passos com as mãos, através das palmas.
 Experimentação prática com o uso de cor – Cores primárias, secundárias, terciárias. Folha 1/2
Cores Análogas: Também chamadas da mesma família de "tons" ou "vizinhas", pois
são próximas entre si. São as cores resultantes de uma mistura gradativa entre duas
Cores Primárias: As cores primárias são aquelas cores. São chamadas de análogas, pois há nelas uma mesma cor básica.
consideradas como "puras", pois não podem ser
obtidas por misturas de outras cores. São
originárias de pigmentos naturais (vegetal e
mineral).
As três cores primárias quando fundidas em quantidades iguais resultam no
branco. As cores primárias são as seguintes: azul, amarelo e vermelho.
Cores Secundárias: As cores secundárias são obtidas por meio da combinação das
cores primárias e na mesma proporção. Geralmente essa mistura de cores é feita
com as cores-pigmento. primária + primária = secundária azul + vermelho = roxo Temperatura das cores: Quanto mais alta a temperatura da cor, mais clara será a
azul + amarelo = verde amarelo + vermelho = laranja tonalidade de matiz da luz. Ao falarmos em cor quente ou fria, referimos à tonalidade
de cor que ela apresenta ao ambiente. Luz com tonalidades mais suaves são
consideradas relaxantes. Luz com tonalidades mais claras são estimulantes. As cores
frias predominam os tons de azul, verde e violeta. Caracterizam-se por serem
melancólicas e tristes. São consideradas cores calmantes. Associamos às cores frias a
água, o mar, o céu, o gelo, as árvores, entre outros. As cores quentes são as que
predominam os tons de vermelho, laranja e amarelo. Transmitem-nos a sensação de
Cores Terciárias ou Complementares: São os pares de cores que se encontram calor, tendo como característica alegria e vibração. Associamos as cores quentes ao
opostas entre si. Cada uma das cores é uma mistura das suas adjacentes. O azul é fogo, ao sol, vulcões, entre outros. As cores neutras são aquelas em que não
complementar ao laranja. O amarelo é complementar ao roxo. O vermelho é predominam os tons quentes ou os tons frios. Consideramos por cores neutras o
complementar ao verde. branco, o cinza e o preto. O branco é a soma de todas as cores e implica a presença de
luz. O preto, ao contrário do branco, implica a ausência de luz. Não deriva de outra cor.
O cinza tem origem na mistura de diferentes quantidades das cores branco com o
preto.
 Experimentação prática com o uso de cor – Cores primárias, secundárias, terciárias. Folha 2/2
Experimentação prática: Escolha entre os padrões abaixo, observando os modelos, para preencher com cores. Aplique os conceitos da classificação das cores. Identifique
em cada padrão preenchido qual classificação você escolheu e aplicou.
CRIANDO DIFERENTES EFEITOS COM CORES QUENTES OU FRIAS.
 Barroco - História da Arte - Conceituação e apreciação de obra de arte. Folha 1/3
O “Êxtase de Santa Teresa” O Barroco europeu: A escultura do artista italiano Gian Lorenzo Bernini mostra Santa Teresa de Ávila atingida pela flecha
é uma escultura de Gian do amor divino. A flecha representa o amor de Deus e do anjo, seu mensageiro na Terra. Essa escultura dramática, que
Lorenzo Bernini (1598- enfatiza as linhas curvas e o movimento das vestes das personagens, é uma obra típica do movimento artístico chamado
1680). Bernini é um dos Barroco.
maiores escultores barrocos
do século XVII,
representando a experiência
mística de Santa Teresa de
Ávila “trespassada por uma
seta de amor divino por um
anjo, realizada para a capela
do cardeal Federico
A arte barroca desenvolveu-se inicialmente na Itália, a partir do século XVI, e estendeu-se para outros países da Europa e
Cornaro”. do Novo Mundo. A palavra “barroco” é de origem italiana e significa “pérola de formato estranho”. Foi adotada de forma
pejorativa no século XVIII pra designar a arte produzida após o período renascentista. O Barroco é o resultado de várias
mudanças nos cenário social e político e religioso da Europa. O renascimento trouxera grandes contribuições ao universo
artístico e social. Mas fragmentou o poder religioso da Igreja Católica, que se via enfraquecida pelas críticas da Reforma
Responda as seguintes perguntas: protestante, ocorrida a partir de 1517. Em resposta ao crescimento dos protestantes e à consequente perda de fiéis, a
1. O que mais chama sua atenção nessa imagem? Igreja Católica criou um movimento chamado Contrareforma ou Reforma Católica, nesse contexto se deu a renovação da
__________________________________________________ arte sacra cristã, com o surgimento do Barroco. No período da Contrareforma, a escultura, a arquitetura e a pintura
__________________________________________________ tinham a preocupação de servir como canal de comunicação entre a Igreja Católica e seus fiéis, por meio do registro de
__________________________________________________ motivos religiosos e de temas que valorizavam o poder divino.
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2. É possível descrever a cena mostrada? O que acontece? Essas ideias se refletem, por exemplo, na
__________________________________________________ arquitetura da Praça de São Pedro no vaticano,
__________________________________________________ construída com o objetivo de reunir as pessoas
__________________________________________________ em volta do Papa, que, segundo a Igreja
__________________________________________________ Católica, é o representante de Deus na Terra.
_______________________________________________ Na arte barroca, os artistas utilizaram muito o teto das igrejas, sobretudo
3. Como o escultor dessa obra trabalhou a sensação de para retratar cenas bíblicas. O pintor italiano Andrea Pozzo criou imagens
movimento? que direcionavam o olhar dos fiéis para o alto, dando a impressão de que,
__________________________________________________ ao entrarem na igreja, alcançariam o céu. Para obter esse efeito, ele usava
__________________________________________________ a perspectiva, tendo sido um dos artistas que mais utilizou esse recurso. As
__________________________________________________ figuras na pintura de Andrea Pozzo são representadas com gestos e
_________________________________________________ expressões bem realistas, como aqueles que vemos em um espetáculo
4. O que essa escultura transmite a você? teatral. A “Glória de Santo Inácio” é um bom exemplo de arte barroca, pois
__________________________________________________ contém suas principais características: presença do contraste, que é
__________________________________________________ resultado da técnica do claro-escuro; uso intenso de cores; predomínio de
__________________________________________________ temas religiosos; ênfase no movimento e na dramaticidade, também
__________________________________________________ reforçados pelo claro-escuro.
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 Barroco - História da Arte - Conceituação e apreciação de obra de arte. Folha 2/3
Já nas obras do artista Jacopo Tintoretto, além dessas características, Outros grandes artistas barrocos
é utilizado outro importante recurso da pintura barroca: a foram o italiano Caravaggio:
composição em diagonal. Observe a imagem de sua obra “A última
Exceto em suas
ceia”. A posição da mesa compõem a imagem na diagonal,
primeiras obras,
direcionando a atenção do observador para a figura de Jesus
Caravaggio pintou
iluminado, que serve um dos convidados da ceia. A quantidade de
fundamentalmente
elementos presentes no quadro e o uso do claro-escuro criam áreas
temas religiosos.
que reforçam a dramaticidade e os movimentos da cena.
No entanto, foram várias às vezes
em que as suas pinturas feriam as
susceptibilidades dos seus clientes.
Nos seus quadros, em vez de
adoptar nas suas pinturas belas
figuras etéreas, delicadas, para
representar acontecimentos e
personagens da Bíblia, preferia
escolher por entre o povo, modelos
humanos tais como prostitutas,
crianças de ruas e mendigos, que
posavam como personagens para
as suas obras
O holandês Rembrandt:
Tanto na pintura como
na gravura, ele expõe
um conhecimento
completo da
iconografia clássica.
Que ele moldou para se adequar às
exigências da sua própria experiência.
Assim, a representação de uma cena
bíblica era baseada no conhecimento
de Rembrandt sobre o texto
específico, na sua assimilação da
composição clássica, e em suas
observações da população judaica de
Amsterdã. Devido a sua empatia pela
condição humana, ele foi chamado de
"um dos grandes profetas da
civilização".
E o espanhol Velázquez:
Era um artista
individualista do período
barroco contemporâneo,
importante como um
retratista.
Além de inúmeras interpretações de
cenas de significado histórico e cultural,
pintou inúmeros retratos da família real
espanhola, outras notáveis figuras
europeias e plebeus

A maioria das obras de Tintoretto é de temática religiosa,

representando os dogmas cristãos e o universo bíblico. É o caso desta
obra, em que a cena representada é o momento primeiro do
sacramento da comunhão, quando Cristo divide o pão. Faz parte da
última fase da carreira de Tintoretto e traz significativas
características do barroco: o alongamento das figuras, deixando-as
altas e esbeltas; preenchimento desigual do espaço representado,
com algumas zonas onde as figuras aparecem amontoadas e outras
onde predomina o espaço vazio; a "cena principal" acontece em um
plano mais afastado e as figuras colocadas em primeiro plano são
"secundárias" (serviçais) dentro da narrativa bíblica que deu origem à
obra.
As obras dos artistas barrocos europeus valorizam as cores, as sombras e a luz, e representam os contrates. As
imagens não são tão centralizadas quanto as renascentistas e aparecem de forma dinâmica, valorizando o
movimento. Os temas principais são: mitologia, passagens da Bíblia e a história da humanidade. As cenas retratadas
costumam ser sobre a vida da nobreza, o cotidiano da burguesia, naturezas-mortas entre outros. Muitos artistas
barrocos dedicaram-se a decorar igrejas com esculturas e pinturas, utilizando a técnica da perspectiva. As esculturas
barrocas mostram faces humanas marcadas pelas emoções, principalmente o sofrimento. Os traços se contorcem,
demonstrando um movimento exagerado. Predominam nas esculturas as curvas, os relevos e a utilização da cor
dourada.
 Barroco - História da Arte - Conceituação e apreciação de obra de arte. Folha 3/3
Experimentação prática: Agora que você conheceu um pouco da arte barroca, responda:
8. Leia as imagens:
5. Onde e em qual o contexto histórico surgiu o Barroco?
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6. Quais são as características da arte barroca?
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7. Crie um desenho no espaço abaixo com as características da arte barroca.
O pintor italiano Michelangelo Merisi da
Caravaggio foi um artista inquieto e
polêmico. Domo de um temperamento
instável teve uma vida marcada por
confusões e intrigas. Sua instabilidade o
afastou do apoio financeiro da Igreja
Católica, que costumava encomendar
afrescos e pinturas sacras aos artistas
nos séculos XVI e XVII. A falta de
recursos o levou a conviver com as
pessoas simples do povo, fazendo delas
seus modelos preferidos.
Caravaggio foi influenciado pelos dois importantes movimentos artísticos de sua época: O Renascimento
e o Barroco. Por isso, suas obras contêm características de ambos.
Agora que você observou atentamente as obras de Caravaggio, responda:
a) O Renascimento valorizava a cultura clássica. Qual característica desse movimento artístico aparece
nessas duas obras de Caravaggio?
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b) Quais características do Barroco se destacam nessas obras?
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c) O que você acha dessas composições de Caravaggio?
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 Elementos do desenho: Plano de fundo na composição – Equilíbrio e prática de desenho.
O desenho realista é baseado em uma fotografia, portanto, quanto mais bela, atraente bem composta e detalhada for a imagem, melhor ficará o desenho. Uma técnica muito usada nas
fotografias profissionais é o fundo bem elaborado. Esse recurso incrementa a imagem, dando mais profundidade e chamando a atenção ao assunto principal. O fundo pode ser reproduzido
no desenho, trazendo um aspecto mais realista, porém suave, com ilusão de profundidade. Mas, para que se alcance o resultado desejado, é importante tomar alguns cuidados. Se for mal
executado poderá ficar manchado, riscado e poroso.

Experimentação prática: Observe os exemplos de plano de fundo apresentados. Escolha um deles para produzir um desenho. Acrescente elementos no primeiro plano e use as cores que desejar.
 Elementos da linguagem visual – Ponto, Linha, Plano, Volume, Textura, Forma e Fundo, Equilíbrio, Contraste, Cor e Movimento.
Ponto: O ponto ocupa no espaço uma posição. Não tem
geometricamente dimensão, área ou superfície é simplesmente
invisível. Sendo o elemento visual mais simples é necessário
graficamente torná-lo visível. Resulta por exemplo do primeiro
contato do lápis com o papel. O ponto é o começo de tudo.
O ponto gráfico é a base da linguagem visual. Simboliza a existência de algo sobre o nada.
Expressa também demarcação, ou seja, literalmente, pontuação de algo importante. O
ponto é um ótimo recurso gráfico para quando precisamos chamar a atenção do
expectador para algum ponto específico num trabalho de comunicação visual qualquer.
Plano: O plano é caracterizado por duas dimensões: comprimento e
largura. Tem uma área, mas os seus limites não estão definidos,
tendo todos os pontos que o constituem na mesma superfície.
Quando fazemos uma planificação, desenhamos no plano o projeto
ou o estudo de um trabalho.
Diz-se bidimensional por ter só duas medidas (comprimento e largura). As formas
bidimensionais podem ser: desenho, esboço, gravura, fotografia, manchas, cartaz,
logotipo, etc.
Textura: A superfície de uma forma é caracterizada pela textura.
Através da visão ou do tato, percebemos se uma superfície é
quente ou fria, áspera ou macia. Há texturas naturais e texturas
criadas pelo homem.
A natureza é rica em texturas. A textura é um recurso amplamente utilizado na
comunicação visual como simulação de materiais diversos na impressão em papel – e em
outros veículos. Assim como as cores, a textura sugere um forte envolvimento emocional
com a real sensação de se estar na presença do material simulado.
Equilíbrio: Uma composição equilibrada significa que há uma
harmonia visual entre os elementos que a constituem. O
equilíbrio pode ser obtido através da simetria ou do peso
visual.
Cor: As cores conferem intensa carga emocional à forma. Cada cor possui
uma dramatização própria e normalmente está associada a algum tema
específico. Por exemplo, o verde está muito relacionado à natureza e
atualmente, a temas ecológicos. O amarelo está relacionado amplamente
ao sol e ao ouro; à riqueza.
Linha: Um ponto em movimento gera uma linha. Assim uma linha é
constituída por um conjunto de pontos. O comprimento é a única medida
que uma linha pode ter e a sua representação no espaço é infinita A linha é
um elemento gráfico de desenho muito importante, com ela definem-se as
formas e podemos exprimir a nossa imaginação e criatividade.
A linha curva expressa suavidade, gradação, flexibilidade e existe abundantemente na natureza.
Já a linha reta, angulosa, surge mais como resultado da ação humana e sua produção técnica.
Volume: O volume é o espaço contido dentro de uma forma tridimensional.
É tridimensional porque a sua forma é definida pelo comprimento, largura e
altura. A expressão artística que melhor se identifica com o volume é a
escultura. Observando uma escultura ou uma estátua fica fácil perceber que
ela tem volume, pois é tridimensional. Podemos perceber o seu volume não
só pela visão como também pelo tato.
Forma e fundo: A forma é o contorno de uma determinada figura ou objeto. O
fundo é o espaço onde se colocam as figuras ou objetos. Do entendimento entre
a diferença da forma e do fundo, nasce a compreensão da obra, se assim não
fosse as imagens apareceriam confusas.
Contraste: Contraste é a oposição entre coisas ou pessoas, uma das quais
faz sobressair à outra. O contraste entre claro e escuro numa composição,
usa-se para se mostrar ou evidenciar uma determinada forma.
Movimento: O movimento na comunicação visual pode ser obtido através
de vários recursos, porém todos estão associados à repetição de alguns
elementos – ou seja, ao ritmo com o qual são repetidos.
 Edward Hopper – Conhecendo o artista: leitura e análise de obra de arte. Interpretação e interação com técnicas artísticas.

Edward Hopper foi um pintor norte-americano conhecido por suas misteriosas pinturas de
representações realistas da solidão em cenas do cotidiano das pessoas. Tanto em cenários
urbanos como rurais, as suas representações fielmente recriadas reflete a sua visão pessoal
da vida moderna americana.

Na obra em questão, os personagens estão completamente vestidos, mudos Experimentação prática: Chegou sua vez de analisar e colocar no papel através de um desenho uma cena da
e quietos, adoradores de sol e sentam-se em cadeiras alinhadas com solidão no dia a dia das pessoas, porém assim como o artista Edward Hopper ilumine a cena com a luz do sol, não
esquecendo de destacar as sombras.
precisão, cada um alheio à presença dos outros. A quietude da cena, com a
luz e sombra bem contrastante, é fria e pouco aconchegante. A obsessão do
artista pela luz solar é o principal tema deste quadro, tal com nos seus
trabalhos seguintes, e utiliza-a para criar contornos irregulares e uma
atmosfera opressiva. Analisando sempre o bizarro do mundano, o estilo de
Hopper não foi influenciado pelos movimentos artísticos europeus
contemporâneos ou pelo abstracionismo americano. As suas figuras eram
anônimas e ausentes, como se Hopper quisesse a sua recíproca indiferença,
em vez de explicar o que os unia. Sendo um dos artistas norte americano
mais popular, a obra de Hopper revela solidão, a fealdade, a banalidade e
também a beleza inesperada do mundo cotidiano.
 Edouard Manet – Conhecendo o artista e sua obra. Apreciação e leitura de obra. Interpretação e contextualização.
Nasceu em 1832, em Paris. Foi muito criticado por sua técnica de pintura, que contrariava o estilo acadêmico da época; Considerado um dos
fundadores da arte moderna; Foi um dos pintores que mais influenciou os precursores do movimento impressionista; Os fracassos acadêmicos
levaram seus pais a matriculá-lo num ateliê de pintura; O quadro “Almoço na relva” causou um enorme escândalo na sociedade francesa, pois
retratava uma mulher nua, numa postura de indolência, olhando diretamente ao observador. Morreu em 1883. Os artistas associados ao movimento
impressionista eram considerados “modernos”, uma vez que retratavam o cotidiano de sua época, e não os ideais românticos mitológicos e religiosos
reproduzidos pelos artistas clássicos. A obra “Almoço na relva”, de Edouard Manet, causou alvoroço por retratar uma mulher nua com características
dos quadros do Renascimento, mas inserida num ambiente masculino, ao lado de homens contemporâneos inteiramente vestidos. O público dos
salões de arte parisiense se sentiu afrontado pela obra e Manet foi duramente criticado por sua ousada produção.
Em 1999, a campanha publicitária da marca Yves Saint Laurent, fez uma releitura
da obra “Almoço na relva”, invertendo as posições masculinas e femininas. Na
foto feita por Mario Sorrenti, vemos a modelo Kate Moss vestida de terno,
enquanto dois homens nus sentam-se ao seu lado para um piquenique na relva.
Na imagem de Sorrenti, a modelo vestida de terno mostra o poder da mulher nos
tempos atuais. Enquanto na obra de Manet a mulher nua causava espanto social,
na obra de Sorrenti a mulher de terno é que parece afrontar a sociedade. Apesar
das mensagens serem diferentes, as duas imagens representam o período
moderno. O termo moderno pode ser usado para especificar um determinado
período de tempo, mas também pode estar relacionado à ideia de vanguarda e
de inovações experimentais que provoquem mudança no pensamento vigente.

1ª Etapa: Observem o quadro “Almoço na
relva”, de Manet. Depois, faça as seguintes
perguntas:
1. Do que se trata esse quadro?
2. O que há de diferente nessa pintura?
3. O que eles estão fazendo?
4. Qual a mensagem que o pintor quis passar ao
produzir essa imagem?
5. Por que essa pintura foi considerada ousada
quando foi exposta pela primeira vez?
6. O que você acha dessa pintura?
2ª Etapa: Pense sobre o termo “moderno” e faça um texto explicando o 3ª Etapa: Faça uma pesquisa na
conceito. O título do texto pode ser: internet sobre o quadro “Almoço na
- O que é ser moderno? relva”, de Manet, e vejam se sua
- Conceito sobre a modernidade opinião está de acordo com a
- Diferença entre ser modernoe ser atual. motivação do pintor.
7. O que significa a palavra “moderno”?
8. O que significa ser moderno?
9. Por que Manet foi considerado um artista moderno?
10.Você acha que seus pais são modernos? Por quê?
11.A fotografia é mais moderna do que a tela de Manet? Por quê?
12.Uma obra de arte pode despertar temas para debates e reflexões?
13.Uma obra de arte pode ser usada para meios publicitários? Por quê?
14.O que inspira um artista a produzir uma obra polêmica?
 Desenvolvimento do traço e percepção de composição – Elementos Visuais.
Experimentação prática: A partir dos elementos básicos conforme apresentados, siga o passo a passo, unindo os elemento para criar a composição.
Prática de desenho: desenvolvimento de traços, percepção e composição, diferentes tipos de linhas e aplicação de cor.
Experimentação prática: Observe as etapas do desenho. Pratique seus traços seguindo-as. Construa o 1º e o 2º planos do desenho e use a cor que desejar.
 Desenho orgânico - Formas e linhas curvas. Aplicação de cor e criação de composição.

Forma orgânica são formas que são encontradas na

natureza, mas eles também são formas de itens feitos pelo
homem. A maioria das formas orgânicas é criada com
imagens. Alguns exemplos de formas orgânicas são: Folhas,
flores, frutos, borboletas, plantas entre outros. Elas
representam coisas naturais, curvas e traços presentes na
natureza, como se tivessem surgido ali sem alguém ter
criado nem modificado. É um estilo já comum em artes
plásticas e que invade a arquitetura de uma forma muito
moderna e elegante. O desenho envolve uma atitude do
desenhista em relação à realidade: o desenhista pode
desejar imitar a sua realidade sensível, transformá-la ou
criar uma nova realidade com as características próprias da
bidimensionalidade ou, como no caso do desenho de
perspectiva, a tridimensionalidade.

Experimentação prática: Escolha formas orgânicas do modelo e as desenhe na imagem. Escolha com atenção cada forma que combine com o objeto apresentado.
 Desenho e aplicação de cor – Linhas e ângulos retos – Geometrização do desenho.
Experimentação prática: Construa, a partir das orientações do modelo apresentado, a geometrização do objeto.

O Desenho Geométrico consiste de um

conjunto de processos para a construção de
formas com a utilização da régua e do
compasso. As formas geométricas
aparecem com frequência nas obras
humanas, independente da cultura ou da
crença de cada povo. A exatidão e a
precisão exigidas ao desenho geométrico
torna-o aliado importante na aplicação de
conceitos da geometria em áreas
significativas do conhecimento humano,
como a arquitetura, a engenharia, o
desenho industrial, entre outros.

Cubismo: Geometrização da arte

O Cubismo foi um movimento que surgiu com Cèzanne, em 1907, ao representar formas da natureza com
cones, cilindros e esferas, e todos os lados de um objeto eram representados em um mesmo plano. Essa
decomposição dos objetos acabava por não ter quase nenhuma fidelidade à aparência real dos mesmos.
Suas principais características são a geometrização das formas e volumes, a renúncia à perspectiva, a representação do volume
colorido sobre superfícies planas, perda da função do claro-escuro, e cores austeras (do branco ao negro passando pelo cinza, por um
ocre apagado ou um castanho suave). O Cubismo teve influência sobre tendências posteriores, como o abstracionismo geométrico e
o minimalismo.
 Desenho de observação: Vaso com tecido azul. Prática de desenho e criação de composição.
Experimentação prática: Observe a imagem. Seus detalhes e proporções. Faça um desenho no espaço ao lado a partir da sua observação.
 Dadaísmo – Conceituação, apreciação e leitura de obra de arte e contextualização. Movimento de Vanguarda.
O Dadaísmo, ou simplesmente
“Dadá”, foi um movimento
artístico pertencente às
vanguardas europeias do século
XX cujo lema era: "a destruição
também é criação".
Foi considerado o movimento propulsor das
ideias surrealistas, de caráter ilógico e anti-
racionalista, que segundo o próprio fundador do
movimento, Tristan Tzara:
“Dada não significa nada: Sabe-se pelos jornais que os
negros Krou denominam a cauda da vaca santa: Dada. O
cubo é a mãe em certa região da Itália: Dada. Um cavalo de
madeira, a ama-de-leite, dupla afirmação em russo e em
romeno: Dada. Sábios jornalistas viram nela uma arte para
os bebês, outros jesus chamando criancinhas do dia, o
retorno a primitivismo seco e barulhento, barulhento e
monótono. Não se constrói a sensibilidade sobre uma
palavra; toda a construção converge para a perfeição que
aborrece, a ideia estagnante de um pântano dourado,
relativo ao produto humano.”
 Rompimento com os modelos tradicionais e
clássicos;
 Espírito vanguardista e de protesto;
 Espontaneidade, improvisação e irreverência
artística;
 Anarquismo e niilismo;
 Busca do caos e desordem;
 Teor ilógico e irracional;
 Caráter irônico, radical, destrutivo, agressivo e
pessimista;
 Aversão à guerra e aos valores burgueses;
 Rejeição ao nacionalismo e ao materialismo;
 Crítica ao consumismo e ao capitalismo.
Tristan Tzara (1896-1963) foi o fundador do movimento Dadaísta, em meados da primeira
guerra mundial, junto aos artistas Hugo Ball (1886-1927) e Hans Arp (1886-1966). Dessa
forma, em 1916, no Cabaret Voltaire em Zurique, Suíça, um grupo de artistas refugiados,
dentre escritores, pintores e poetas, reuniram-se para inaugurar uma nova manifestação de
arte.Essa proposta de arte era irreverente e espontânea pautada na irracionalidade, na
ironia, na liberdade, no absurdo e no pessimismo. O intuito principal era de chocar a
burguesia da época e criticar a arte tradicionalista, a guerra e o sistema.
Foi assim que aleatoriamente foi escolhido o termo "dadaísmo". Os artistas reunidos resolveram escolher um termo num dicionário,
que de certa maneira, já indicava o caráter ilógico do movimento que surgia. Do francês, o termo “dadá” significa "cavalo de
madeira". Nesse sentido, o dadaísmo é considerado um movimento antiartístico, uma vez que questiona a arte e busca o caótico e a
imperfeição.
Na literatura, podemos notar essa influencia em algumas manifestações dos escritores Mario
de Andrade e Manuel Bandeira. Além deles, destaca-se o "teatro de experiência" de Flávio de
Carvalho e as pinturas de Ismael Nery.
O dadaísmo, assim como outras
vanguardas artísticas europeias,
influenciou o movimento modernista
que surgia no Brasil.
Alguns artistas plásticos e poetas que participaram do
movimento dadaísta foram:
 Tristan Tzara: poeta romeno;
 Marcel Duchamp: poeta, pintor e escultor francês;
 Hans Arp: poeta e pintor alemão;
 Francis Picabia: poeta e pintor francês;
 Max Ernst: pintor alemão;
 Raoul Hausmann: poeta e artista plástico austríaco;
 Hugo Ball: poeta e filósofo alemão;
 Richard Huelsenbeck: escritor e psicanalista alemão;
 Sophie Täuber: artista plástica suíça.
"Sou contra a ação pela contínua contradição, pela afirmação também, eu não sou nem pró nem contra e não explico por que odeio o bom-
senso. A obra de arte não deve ser a beleza em si mesma, porque a beleza está morta." (Tristan Tzara)
 Cubismo - Conceito e experimentação prática. Movimentos de Vanguarda.
O Cubismo foi uma vanguarda artística europeia surgida no século XX na França que abrangeu as artes plásticas e a literatura. Marcado pelos usos de formas geométricas, ele
rompeu com os modelos estéticos que só valorizavam a perfeição das formas. Esse movimento pode ser considerado o primeiro a se caracterizar pela incorporação do
imaginário urbano industrial em suas obras.
O marco para o surgimento do
cubismo foi em 1907, com a
tela "Les Demoiselles
d'Avignon" (As damas
d'Avignon), do pintor espanhol
Pablo Picasso. Essa obra
apresenta influências visíveis
das esculturas africanas e das
pinturas do pós-impressionista
francês Paul Cézanne. Ao lado
de Picasso, o pintor e escultor
francês Georges Braque foi
fundador do movimento
cubista.
No Brasil, somente após a Semana de Arte
Moderna de 1922 é que o movimento cubista irá
ganhar força. Ainda que os artistas brasileiros não
se entregassem as características exclusivamente
cubistas, podemos destacas as telas da artista
plástica de Tarsila do Amaral. Nelas, notamos a
influência cubista pelo uso das formas
geométricas.
Ainda nas artes plásticas, vale ressaltar os trabalhos de
outros artistas brasileiros: Anita Malfatti, Rego Monteiro e No início do século XX houve uma admirável convergência de
saberes e interesses de vários campos do conhecimento. Nesse
Di Cavalcanti.
momento, a arte irá se colocar, especialmente com o cubismo,
em sintonia com investigações científicas de ponta que ocorriam
na física e na geometria. Quando o cubismo rompeu com séculos
de prioridade do uso da perspectiva na representação pictórica,
acabou por conduzir às noções geométricas de hiperpoliedros e
multidimensionalidade. Isso permitiu aos artistas cubistas a
formulação de um conceito espacial até então inédito, a saber, a
"quarta dimensão". Nela, as propriedades espaço-temporais
estão em afinidade com a "Teoria da Relatividade" (1905) de
 Tratamento geométrico das formas da natureza. Elas Einstein.
passam a ser representadas pelos objetos em todos os
seus ângulos no mesmo plano, constituindo uma figura
Fase Cezannista ou Cezaniana (1907 a 1909): Também chamada
em três dimensões.
 Linhas retas, modeladas basicamente por cubos e de fase pré-analítica, o nome já indica que esse período foi
caracterizado pela influência dos trabalhos do artista plástico
cilindros, dada a geometrização das formas e volumes.
francês Paul Cézanne.
 Técnica que renúncia à perspectiva, assim como ao
"claro-escuro", causa uma sensação de pintura Fase Analítica ou Hermética (1909 a 1912): A fase analítica
escultórica. caracterizou-se pela cor moderada e registro dos elementos
 Uma arte que privilegia o exercício mental como maneira pictóricos e seus elementos em planos sucessivos e superpostos.
de expressão das ideias.
 Rompe com a perspectiva consagrada das linhas de Fase do Cubismo Sintético (1911): O cubismo sintético
contorno e a natureza passa a ser retratada caracterizou-se pelas cores mais fortes e um retorno ao figurativo,
simplificadamente. na medida em que buscou tornar as figuras reconhecíveis. Passa a
empreender o método de "colagem", fixando objetos reais na tela
 Permite maior abstração sobre os atributos estéticos da
para extrapolar os limites das sensações visuais que a pintura
obra, ao mesmo tempo em que recusa a ideia de arte insinua.
enquanto pura imitação da natureza.
 Vale citar que este estilo abandona distinções entre
forma e fundo ou qualquer noção de profundidade. As
naturezas mortas urbanas e os retratos são temas
recursivos no cubismo.
 Cores quentes e frias – Recorte e colagem – Experimentação prática – Produção artística.

Experimentação prática: Observe a classificação da temperatura das cores. Preencha as partes da figura abaixo conforme
sua escolha. Recorte e troque com seus colegas as partes, mantendo uma produzida por você. Remonte, colando as partes
e reformando a figura.
 Conhecendo o artista: Albano Afonso – Apreciação estética e experimentação artística. Leitura de imagem e contato com novas ideias.

Albano Fernandes Afonso (São Experimentação Prática: De posse de duas imagens, vamos repetir a ideia do artista e construir uma nova imagem.
Paulo, São Paulo, 1964). Artista
visual. Estuda na Faculdade de
Arte Alcântara Machado (Faam),
em Santos, São Paulo. Em 1994
realiza sua primeira exposição
individual, no Centro Cultural São
Paulo (CCSP), na capital paulista.

No mesmo ano é premiado no 21º Salão de Arte

Contemporânea de Santo André e é contemplado com
o prêmio aquisição do Museu de Arte Contemporânea
de Santo André. Em 2006 a editora Dardo, de Santiago
de Compostela, Espanha, lança um livro sobre o
artista. Seu procedimento consiste em perfurar
repetidamente reproduções em fotografia digital de
pinturas da autoria de mestres como Rugendas (1802-
1858) e Thomas Gainsborough (1727-1788),
espalhando círculos vazados pela superfície da obra,
revelando assim partes de outra imagem posta num
segundo plano. O artista não lida, portanto, com
nenhum material corrosivo ou abrasivo, porém a certa
distância essas superfícies transmitem algo de
desgastado, enferrujado, embolorado até.
 Conhecendo a artista: Frida Kahlo – Apreciação de obra de arte, conceituação e interpretação.
Magdalena Carmen Frida Kahlo y
Calderon foi uma das personagens
mais marcantes da história do
México. Patriota declarada,
comunista e revolucionária Frida
Kahlo, como ficou conhecida, teve
uma vida de superações e
sofrimentos que refletidos em sua
obra a tornaram uma das maiores
pintoras do século.
Nascida em 6 de julho de 1907 em Coyoacan,
México, filha do famoso fotógrafo judeu-alemão
Guillermo Kahlo e de Matilde Calderon y Gonzales,
mestiça, Frida sempre foi apaixonada pela cultura
de seu país e adorava tudo que remetesse às
tradições mexicanas. Fato que ela sempre fazia
questão de demonstrar em sua maneira de se vestir
e em seu trabalho ao incluir elementos da cultura
popular.
Em seu diário, publicado
em 1995 Frida deixou
registradas suas dores e,
frustrações e pela
impossibilidade de ter
filhos.
Toda sua obra, constituída majoritariamente por
autorretratos reflete essa condição. Sua primeira
tragédia foi aos seis anos e uma poliomelite a
deixou de cama por vários dias. Frida fica com um
pé atrofiado e uma perna mais fina que a outra.
Frida estudava medicina, em certo dia, na volta para casa, ela e seu noivo, sofreram
um acidente de ônibus que a deixou a beira da morte. Transpassada por uma barra de
ferro pelo abdômen e sofrendo múltiplas fraturas, inclusive na coluna vertebral Frida
levou vários meses para se recuperar. E mesmo depois da recuperação ela teria
complicações por causa do acidente pelo resto de sua vida chegando a relatar: “E a
sensação nunca mais me deixou, de que meu corpo carrega em si todas as chagas do
mundo”.
Foi durante o período em que esteve se recuperando que surgiu a pintora. Sua mãe
colocou um espelho sobre sua cama e um cavalete adaptado para que ela pudesse
pintar deitada e Frida fez seu primeiro auto-retrato dedicado a Alejandro que a havia
abandonado: “Auto-retrato com vestido de Terciopelo”. Sobre sua obstinação em
pintar auto-retratos, 55 ao todo, que representam um terço de toda sua obra ela
justificava dizendo: “Pinto a mim mesma porque sou sozinha e porqu sou o assunto
que conheço melhor”.
Depois do acidente Frida leva três de seus quadros a Diego Rivera, um famoso Kahlo faleceu em 13 de julho de 1954, na mesma
pintor da época que ela conheceu, para que os analisasse. Esse encontro cidade em que nasceu. Oito dias antes de morrer,
resultou no amor de ambos e na revelação de uma grande artista. Eles se ela escreveu seu nome e a frase “Viva la vida” em
casam, Frida então com 22 anos e Rivera com 43, dando início a um seu último quadro, que ganhou o mesmo título.
relacionamento dos mais extravagantes da história da arte. Frida engravida e “Na tela, em cujo pano de fundo há um céu azul
sofre seu primeiro aborto ficando muito abalada pela impossibilidade de levar brilhante dividido em duas metades, uma mais
adiante uma gravidez devido a seu estado de saúde delicado. Sobre essa dor ela clara, outro mais escura, há melancias, a fruta mais
confessou: “Pintar completou minha vida. Perdi três filhos e uma série de outras amada do México, inteiras, cortadas ao meio,
coisas que teriam preenchido minha vida pavorosa”. No mesmo ano, já tendo divididas em quatro, esculpidas, aos pedaços". As
recuperado sua mobilidade, porém com limitações e tendo que usar pinceladas são executadas com muito mais
freqüentemente um colete de gesso, Frida acompanha Diego em suas viagens controle do que outras naturezas-mortas tardias
aos EUA revelando seu talento para o resto do mundo e encantando a todos de Frida; a composição das formas é solidamente
com seu jeito irreverente e único. definida. É como se Frida tivesse reunido e
concentrado toda a vitalidade que lhe restava a fim
de pintar essa última declaração de alegria.
 Conhecendo a artista: Frida Kahlo – Experimentação prática.
Frida Kahlo tinha sua marca registrada: o buço e as sobrancelhas espessas e escuras. Eram uma
forma de contestação, além das roupas coloridas, estampadas e floridas que traziam referências
dos costumes mexicanos. Apesar de assumir o corpo e vestimentas que fugiam dos moldes da
época, Kahlo era cheia de contradições. As saias longas e rodadas, do estilo tehuana, da região de
Oaxaca, no Sul do México, eram usadas para esconder a deformidade das pernas. Devido ao
acidente que sofreu, ela adquiriu problemas na coluna e precisou vestir, até o dia da morte,
corseletes e coletes de gesso que enfeitava com flores, bordados e rendas. Os adereços foram
aumentando e ficando mais elaborados à medida que a condição de saúde de Kahlo piorava. Assim
como os autorretratos confirmavam sua existência, as roupas faziam com que a mulher frágil,
quase sempre presa à cama, se sentisse mais magnética, mais visível e mais enfaticamente
presente como objeto físico no espaço.
Experimentação prática: Vamos homenagear Frida. Cole uma xerox de uma foto sua de corpo inteiro e faça nelas intervenções com desenhos de
elementos assim como fez a artista. Não se esqueça de criar o plano de fundo também. Use as cores que desejar.
 Atividades de expressão de artes visuais: bidimensionalidade e tridimensionalidade. Página 1/2
Desde que o ser humano começou a desenhar, Os erros na representação tridimensional perduraram até
procurou representar na superfície a realidade a primeira metade do século XV, quando foram
que ele via no espaço. Na pré-história, os estabelecidos princípios matemáticos objetivos que
homens primitivos representaram objetos e unificaram a forma como todo artista e arquiteto vê o
animais do seu entorno de forma chapada espaço. Começaram então, a desenhar com perspectiva.
(plana), porém, em vista da dificuldade de As duas dimensões são comprimento e largura. Estas em
expressar as figuras tridimensionais, faziam conjunto estabelecem uma superfície plana, sobre a qual
contorno para separá-las do restante do podem ser dispostas marcas visíveis planas que não tem
desenho com o objetivo de realçar cada parte. profundidade, podem ser figurativas ou abstratas. É uma
Nos dias de hoje, nos criação humana. O desenho, a pintura, a impressão, o
aproximamos cada vez tingimento ou mesmo a escrita são atividades que levam
mais da diretamente a formação do mundo bidimensional.
tridimensionalidade. O Vivemos, de fato, em um mundo tridimensional. O que
impresso dá lugar ao vemos à nossa frente não é uma imagem plana, tendo
digital, o papel cede lugar somente comprimento e largura, mas um espaço com
à tela. profundidade física, a terceira dimensão. Qualquer objeto
Com a tecnologia a tridimensionalidade chega pequeno, leve e próximo pode ser pego e girado em
às telas da TV, cinema e jogos. Mas afinal o que nossas mãos. Cada vez que o movimentamos, percebemos
é tridimensionalidade? um formato diferente porque a relação dele com nossos
olhos foi modificada. É na mente humana que o mundo
Dimensão: É a porção de espaço ocupada por
tridimensional ganha o seu significado.
um elemento.
Espaço Bidimensional: Superfície plana, não Tridimensão ilusória: O desenho em
apresenta profundidade, exceto de forma perspectiva, apesar de estar sobre uma
ilusória. As duas dimensões são: Altura e base bidimensional (largura x altura),
Largura. aparenta que é tridimensional (largura x
Espaço Tridimensional: Espaço com altura x profundidade). Podemos dizer
profundidade física, a terceira dimensão. As três que é uma representação
dimensões são: Altura, Largura e Profundidade. tridimensional ilusória. Isto acontece
porque é criado um ou dois pontos de
fuga e todas as linhas do desenho
partem desses pontos.
O que está mais próximo dos nossos olhos ficará maior e,
à medida que os elementos vão ficando próximos do
ponto de fuga, vão ficando cada vez menores.
 Atividades de expressão de artes visuais: bidimensionalidade e tridimensionalidade. Página 2/2
Experimentação prática 1: Identifique as imagens como BIdimensional ou TRIdimensional: Experimentação prática 2: Projeto de arte – Construa a tridimensionalidade da imagem:

Espaço Bidimensional: Superfície Pesquise uma pintura de algum artista famoso (Picasso, Van Gogh, Tarsila do Amaral,
plana, não apresenta profundidade, Monet, entre outros) e em transforme-a em um objeto de arte tridimensional. Use
exceto de forma ilusória. As duas material reciclado para construir sua obra de arte.
dimensões são: Altura e Largura.
Espaço Tridimensional: Espaço com
profundidade física, a terceira
dimensão. As três dimensões são:
Altura, Largura e Profundidade.

Obras de pintura tridimensional: A tridimensão é um efeito visual que nos dá a

sensação de volume dos objetos. Quando falamos efeito de volume significa que a figura
possui definição de altura, largura e principalmente profundidade. A tridimensão é
então o efeito de profundidade. A escultura é por sí uma arte tridimensional, pois a
profundidade já é conseguida naturalmente no momento em que se cria a forma e se
modela a estrutura. Já na pintura e no desenho, o efeito de profundidade pode ser
conseguido pelo uso de técnicas de sombreamento (efeitos de luz e sombra), bem como
estudos geométricos da forma e técnicas de perspectiva.
 Atividade sobre o filme: Viva, a vida é uma festa. Interpretação e leitura de mundo.

Miguel é um menino de 12 anos que quer muito ser um músico famoso, mas
ele precisa lidar com sua família que desaprova seu sonho. Determinado a virar
o jogo, ele acaba desencadeando uma série de eventos ligados a um mistério
de 100 anos. A aventura, com inspiração no feriado mexicano do Dia dos
Mortos, acaba gerando uma extraordinária reunião familiar.

Experimentação prática: Depois de termos assistido ao filme, responda a partir da sua observação.
1. Escreva a parte do filme que você mais gostou:
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___________________________________________ 6. Como o menino Miguel agiu quando descobriu que seu ídolo
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2. Expresse sua opinião sobre o desfecho da história.
Você gostou do final do filme? Por quê?
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___________________________________________ 7. Em sua opinião, por que as pessoas devem seguir suas
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3. O menino Miguel agiu certo em ir a busca de sua
aspiração para ser músico? Justifique sua resposta.
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___________________________________________ 9. Faça uma pequena lista de coisas que você gosta de fazer e
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4. Por que a família do menino não queria que ele se
tornasse músico?
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5. O que fez a bisavó de Miguel relembrar de seu amado pai?
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não era o que ele pensava?
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aspirações e lutar para conseguir o que sonha?
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8. Cite algumas atitudes que devemos ter para nos
relacionarmos bem com as pessoas idosas.
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que, futuramente, você estude e alcance para se tornar um
profissional.
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 As texturas na Arte – Conceituação e experimentação prática.
Textura é o aspecto de uma superfície, ou seja, a "pele" de
uma forma, que permite identificá-la e distingui-la de
outras formas. Quando tocamos ou olhamos para um
objeto ou superfície, sentimos se a sua pele é lisa, rugosa,
macia, áspera ou ondulada. A textura é, por isso, uma
sensação visual ou tátil.
Texturas naturais:
Aquelas que resultam da intervenção natural do meio
ambiente ou que caracterizam o aspecto exterior das
formas e coisas existentes na Natureza Ex.: Cascas de
troncos de árvores, madeira, folhas.
Textura gráfica:
Quanto à execução gráfica para obter texturas artificiais, pode-se utilizar os seguintes processos: fricção, impressão, decalque e
construção.
FROTTAGE ou FROTTAGEM: A palavra “Frottage” é de origem francesa – “frotter”, que significa
“esfregar”. Consiste em colocar uma folha de papel sobre uma superfície áspera, que contém alguma
textura, e esfregá-la, pressionando-a com um bastão de giz de cera, por exemplo, para que a textura
apareça na folha. No campo da arte, essa técnica foi usada pela a primeira vez pelo o pintor,
desenhista, escultor e escritor alemão Max Ernest (1891 – 1976), um dos fundadores do movimento
“Dada” e posteriormente um dos grandes nomes do Surrealismo.
Experimentação prática: Observe os diferentes exemplos de texturas. Classifique-os em LISA, RUGOSA, MACIA, ÁSPERA OU ONDULADA.

Texturas Artificiais:
São aquelas que resultam da intervenção humana
através da utilização de materiais e instrumentos
devidamente manipulados. O Homem desde sempre
tenta criar nas superfícies/objetos, texturas idênticas
às criadas na Natureza, logo elas são o reflexo do
modo como expressamos o nosso entendimento do
mundo que nos rodeia. Dependem da manipulação
das matérias e das técnicas utilizadas e do modo
como utilizamos as linguagens plásticas.
 ARTE RUPESTRE – Apreciação, contextualização e contato com a origem da arte.
Se hoje os pintores compram suas tintas e Em muitos países do mundo encontram-se cavernas com pinturas rupestres, uma das mais famosas
pincéis, no passado suas ferramentas eram cavernas – Lascaux - localiza-se ao sul da França e foi descoberta em 1940 por um grupo de jovens.
bastante diferentes. Utilizavam terra colorida, Desde então vários historiadores a visitaram com a intenção de estudá-la e descrevê-la. Atualmente a
sangue e pelos de animais para criar imagens caverna não pode ser visitada por turistas para evitar eventuais prejuízos às pinturas. Pesquisas
de silhuetas de grandes feras em paredes e sugerem que esses desenhos datam de aproximadamente 17.000 anos atrás, embora existam outras
tetos de escuras e quase inacessíveis cavernas. pinturas rupestres muito mais antigas como as encontradas na gruta de El Castillo, na Espanha que
Usa-se o termo arte rupestre para designar as datam de 40.000 anos atrás.
inúmeras pinturas encontradas no interior de
cavernas pré-históricas por todo mundo.
Mas será que os desbravadores dessas cavernas que a usavam como tela para seus
desenhos tinham a intenção de fazer arte? Este é uma questão quase impossível de
responder, hoje tratamos essas representações como arte em função das suas
qualidades técnicas, no entanto a hipótese mais aceita entre os historiadores é de
que, nossos antepassados pensavam e criavam essas imagens como algo, acima de
tudo, utilitárias. Assim é quase certo que nossos antepassados não penetrariam No Brasil também é possível encontrar manifestação de pinturas
cavernas tão inacessíveis com o simples propósito de decorá-las. rupestres por todo território nacional. Um dos mais estudados e
A sugestão mais viável para tal feito é de que esses importante sítio arqueológico fica no Parque Nacional da Serra da
homens e mulheres primitivos que viviam Capivara no Piauí. Tem o maior acervo do continente americano e é,
essencialmente da caça, acreditavam no “poder das assim como a caverna de Lascaux na França, considerado Patrimônio
imagens” que desenhavam, ou seja, eles imaginavam Mundial da Unesco.
que criando imagens de suas presas em situação de
caça, os animais reais também se renderiam às suas
caças. Assim as criações dessas imagens poderiam
servir como uma espécie de magia para uma caça Experimentação Prática: No seu caderno de arte, vamos produzir os carimbos em positivo e negativo
bem sucedida. Mesmo assim é difícil afirmar com de nossas mãos, utilizando a mesma técnica aplicada pelos homens primitivos. Siga o passo a passo:
exatidão o significado e função dessas imagens, - Abra bem uma de suas mãos sobre a folha do caderno, tomando todo o espaço da folha.
exceto que elas nos trazem valiosas pistas acerca da - Com o auxílio do pincel e do goache, vá espalhando a tinta ao redor de seus dedos e palmas para
cultura e modo de vida dessas antigas civilizações e, marcar o contorno.
principalmente, que nossos antepassados possuíam uma capacidade simbólica,
intelectual e artística similar ao homem contemporâneo. A maioria dessas pinturas,
feitas com restos de carvão, pigmentos de plantas e terra colorida, combinadas ao
sangue de animais, representavam animais selvagens, pessoas, geralmente em
situação de caça, plantas e símbolos abstratos. Para tanto usavam pinceis feitos com
pelos de animais e as próprias mãos. Em outros casos, suas mãos serviam como uma
espécie de carimbo nas paredes.
 Arte indígena – Cestaria. Apreciação e interpretação – Contextualização com experimentação prática.
Cestaria é o conjunto de objetos: cestos-recipientes,
cestos-coadores, cestos-cargueiros, armadilhas de
pesca e outros, obtidos pelo trançado de elementos
vegetais flexíveis ou rígidos usados para transporte de
carga, armazenagem, receptáculo e coador. Varia em
tamanho, forma, decoração, técnica de manufatura,
mas obedecem basicamente às exigências ditadas por
sua funcionalidade. As sociedades indígenas no Brasil
são detentoras das mais variadas técnicas de
confecção de trançados, utilizando-se delas para a
confecção de cestos, que estão entre os objetos mais
usados, pois estão associados a vários fins. A cestaria
produzida e utilizada por uma determinada sociedade
indígena está associada à sua cultura, principal
característica humana.
A cultura de um povo é como um código simbólico compartilhado por todos os homens, mulheres e crianças do mesmo grupo
social. É através da cultura que todas as pessoas atribuem significado ao mundo e às suas vidas, pensam suas experiências diárias e
projetam seu futuro. É, portanto, um código dinâmico que se transforma ao longo do tempo e através do espaço, dando sentido à
própria vida, do nascimento até a morte, de todos os membros de uma mesma sociedade.
A cestaria diz respeito ao conhecimento tecnológico, à adaptação ecológica e à cosmologia, forma de concepção do mundo
daquelas sociedades. O conjunto de objetos incorporados à vivência de uma determinada sociedade indígena expressa
concretamente significados e concepções daquela sociedade, bem como a representa e a identifica. Enquanto arte, em cada peça
produzida existe também uma preocupação estética, identificando o artesão que a produziu e aquela sociedade da qual ela é
cultura material.
Para uso e conforto doméstico, podem-se citar os cestos-coadores,
que se destinam a filtrar líquidos; os cestos-tamises, que se destinam
a peneirar a farinha e os cestos-recipientes, que se destinam a receber
um conteúdo sólido ou armazená-lo, sendo também utilizados para a
caça e a pesca, para o processamento da mandioca, para o transporte
e para a guarda de objetos rituais, mágicos e lúdicos. Os cestos
cargueiros, como diz o nome, destinados ao transporte de cargas,
apresentam uma alça para pendurar na testa e têm o formato de
peneira, com base retangular e borda redonda, sendo conhecido pelo
nome de aturá. Também são muito utilizados os cestos- cargueiros de
três lados, jamaxim, que dispõem de duas alças para carregar às
costas, tipo mochila. Em geral, esse cesto suporta até dez quilos de
mandioca.
Experimentação prática: Vamos confeccionar em papel, seguindo as instruções, as tramas de confecção da cestaria indígena.
 Apreciação de obra de arte - Técnicas e materiais artísticos – A utilização da tinta a óleo.
O pintor espanhol Diego Velásquez é um dos maiores representantes do Barroco na Espanha. Sua obra-prima, “As meninas”, mostra a
preocupação com o desenho e com a composição das figuras, e a maestria no emprego da técnica claro-escuro, uma das principais características
das pinturas barrocas. Se dividirmos a imagem ao meio, no sentido horizontal, percebemos que Velásquez utilizou a parte de baixo da tela para os
retratos e a de cima para explorar as variações da luz e da sombra. A porta retratada no fundo da tela amplia a sensação de profundidade e de
perspectiva. Nessa pintura está representada a Corte espanhola, tema recorrente na obra desse artista. Velásquez retrata a infanta Margarita
acompanhada por suas damas de companhia. Na parede, há um espelho que reflete o Rei Felipe IV e sua esposa Mariana da Áustria. O próprio
Velásquez está retratado no lado esquerdo da tela.
As tonalidades das cores e o brilho intenso presentes nessa obra são resultado da utilização da técnica da pintura a óleo.
Desenvolvida no período renascentista, ela pouco a pouco substituiu o afresco e a tempera e tornou-se a técnica preferida dos
artistas do século XVII. A tinta a óleo é o resultado da mistura de pigmento com uma substância gordurosa, geralmente o óleo de
linhaça. Ela possibilita a utilização de cores mais intensas e resiste à umidade e à água. Como tem um tempo longo de secagem,
permite retoques ou sobreposições de camadas.
O pintor holandês Johannes Vermeer (1632 – 1675) foi um dos artistas que exploraram as possibilidades da tinta a óleo. Com essa técnica, ele
desenvolveu o domínio da luz e da intensidade das cores. A partir do estudo rigoroso da composição das tintas, Vermeer conseguiu criar tons que
reproduzem com realismo a pele humana.
Na obra de Rembrandt, outro artista holandês do século XVII, também pode perceber
a preocupação com efeitos de luz. Ele utiliza a tinta a óleo para criar diversos graus de
claridade e meios-tons, algo impossível de ser obtido com as técnicas do afresco ou da
têmpera.

Experimentação prática: Observando a imagem da obra “As meninas” de Diego Velásquez,

A partir do que você viu sobre a técnica da pintura a óleo, responda:
responda em seu caderno de arte:
1. Você já viu essa obra? Sabe algo sobre ela? 5. Como se produz tinta a óleo e quais são as vantagens dessa técnica?
2. Quantas pessoas há na composição da imagem? 6. Em que período surgiu a tinta a óleo?
3. Ela pode ser considerada um autorretrato? Por quê? 7. Das telas pintadas a óleo mostradas neste tema, de qual você mais gostou?
4. É possível perceber o domínio técnico do artista? Como? Utilize essa obra para inspirar-se na criação de outra imagem. Faça sua produção
no caderno de arte.
Aplicação de cor. Composição e uso das cores.
Aplicação de cor: Guache – Cores terciárias e complementares – Materiais e técnicas artísticas
Aplicação de cor: Guache – Cores terciárias e complementares – Materiais e técnicas artísticas
Aplicação de cor – Produção artística e uso de materiais alternativos.
Aplicação de cor – Lírios. Produção artística e aplicação de técnicas.
 Ângulos - Conceituação e experimentação prática.
Ângulos é a região interna formada por duas semirretas que partem de um mesmo ponto. A palavra ângulo é usada para nomear dois objetos. O primeiro é a abertura
entre duas semirretas que compartilham o mesmo ponto inicial ou entre dois segmentos de reta que possuem apenas uma extremidade comum. O segundo é um número
usado para medir essa abertura. Sendo assim, quanto maior o valor numérico atribuído a um ângulo, maior será a abertura entre as duas semirretas relacionadas a ele.

Um ângulo é o conjunto de
pontos formados por duas
semirretas (lados do ângulo)
que possuem o mesmo ponto
de partida (vértice do ângulo).
O instrumento utilizado para
medir um ângulo é o a um quarto de volta, já que 90° é
transferidor. Observe que a
distância entre dois segmentos
de reta é diferente dependendo
do lugar escolhido para extrair
essa medida:
O ângulo raso mede 180°. Como
uma volta completa representa
um ângulo de 360° e 180° é
exatamente metade de 360°, o
ângulo raso também representa
meia-volta.
O ângulo reto mede 90°. Ele equivale
igual a um quarto de 360° – a volta
completa. Esse ângulo é muito usado
em propriedades de figuras
geométricas com relação à sua
altura, pois esta é o segmento de
reta que liga o ponto “mais alto” de
uma figura ao solo, formando um
ângulo de 90°.
Alguns ângulos são considerados notáveis
por causa de sua grande relevância nos
cálculos matemáticos e por serem
encontrados com mais frequência na
natureza e nas obras humanas. Esses
ângulos são 30°, 45° e 60°, respectivamente
AÔB1, AÔB2 e AÔB3.

Posicione o vértice do ângulo

Na imagem acima, as semirretas
com origem no ponto O no centro do transferidor, Analisando a imagem acima,
definem o ângulo AÔB, que como indicado. Quando uma notamos que as semirretas que
também pode ser representado formam um ângulo raso são
das semirretas estiver
por uma letra minúscula ou por “lados” de uma reta. Na realidade,
apontando para 0°, a outra
uma letra grega minúscula. A se marcarmos um ponto de
unidade de medida usada para
apontará para o ângulo interesse sobre uma reta, ao Experimentação prática: Utilizando os devidos instrumentos construa em
os ângulos é o grau, formado por elas naquele medir o ângulo formado nesse seu caderno de arte diferentes ângulos.
representado pelo símbolo ° sentido. No exemplo, o ponto, encontraremos 180°.
sentido é o horário, por isso, - Esquadro: Construir ângulos retos.
logo depois do número
referente a ele. acompanhamos no
- Transferidor: Construir ângulos em
transferidor os números
Os ângulos também podem dar dispostos nesse sentido. diferentes graus.
a ideia de movimento do ponto.
Esse movimento sempre será
circular, e uma volta completa - Régua: Construir ângulos retos
representará a medida 360°. notáveis.
 Análise de obras de arte: A LUTA OU BATALHA ENTRE CARNAVAL E QUARESMA, PIETER BRUEGEL, O VELHO. 1/2
Experimentação prática: Observando a imagem, faça a leitura da análise para responder a interpretação.
Tema: A Luta ou Batalha entre o Carnaval e 10. O cenário ao fundo é dominado por 17. Os reformadores luteranos tinham
Quaresma evoca o contexto religioso nos
Países Baixos em meados do século
dezesseis.
1. A obra retrata uma hospedaria no lado
esquerdo e uma igreja (catedral) no lado
direito.
2. No centro inferior da tela se encontram
as duas figuras emblemáticas.
3. Do lado direito, uma mulher (Quaresma)
encabeça a procissão na qual o séquito
se desdobra em ações filantrópicas.
4. A magérrima senhora Quaresma está
sentada em uma pequena carroça
puxada por um monge e uma freira.
5. Do lado esquerdo, encabeçando os
festejos estridentes junto à pousada, um
“cavaleiro” obeso, literalmente montado 12. A celebração da ressurreição de Cristo
em um barril de cerveja com uma
bisteca de porco espetada, representa o
Carnaval.
6. A bolsa de facas em seu cinto indica que
ele é um açougueiro.
7. No lugar de capacetes, os personagens
portam, respectivamente, colmeia e
torta de carne; em vez de lanças,
instrumentos com peixes e carne de
porco.
8. De um lado, uma barraca de peixes; do
outro, dois carros alegóricos.
9. De um lado, a encenação popular
denominada “A Noiva Suja”; do outro,
um grupo de aleijados sai para
mendigar, enquanto passa uma
procissão de leprosos liderada por um
tocador de gaita…
Pieter Bruegel, o Velho, foi um importante pintor e gravurista
holandês do século XVI. É considerado um dos principais
representantes do período Cinquecento (1500-1599) do
Renascimento Holandês.
- Pintou paisagens;
- Contexto com fundo moral;
- Retratou o cotidiano de forma detalhada, com cenas repletas de minucias;
- Abordagem de temas religiosos;
- Pintura de cenas aterrorizantes;
- Teve influência do pintor holandês Hieronymus Bosch (nas obras de 1562);
- Combinação de várias cenas numa mesma pintura;
- Retratou a cultura popular (principalmente dos camponeses) e aspectos sociais
da vida no século XVI.
pessoas que trabalham, abolido a Quaresma, mas em seus
principalmente com alimentos. territórios o carnaval ainda resistia.
11. À entrada da igreja, encontram-se
18. Outros sugerem o contexto
estátuas veladas, retratando o
econômico, resultante do calendário
costume católico de cobrir todas as
religioso, com a transição entre dois
obras de arte na Quaresma até o
diferentes pratos sazonais.
domingo de Páscoa.
19. A oferta de carne de gado, em alta,
teve seu comércio estancado com a
abstinência forçada no período da
Quaresma.
20. Os açougues são fechados e os
açougueiros viajam para o campo a
fim de comprar o gado para a
primavera.
21. Alguns interpretam a obra como “o
triunfo da Quaresma”, uma vez que a
figura do Carnaval parece se
despedir com a mão esquerda e com
era sinalizada pelo descobrir as os olhos levantados para o céu.
esculturas e pinturas. 22. No centro da tela, de costas, um par
13. A pintura de Bruegel, rica em alegorias recém-casado, com a mulher
e simbolismos, é claramente portando uma luminária apagada nas
provocante e satírica. costas.
14. Diversas e infindáveis interpretações 23. O casal é guiado por um bobo com
têm sido oferecidas. uma tocha acesa. Alguns sugerem
15. Alguns sugerem o conflito religioso que este trio seria uma
oriundo da Reforma Protestante e a representação alegórica da Razão no
reação da Contrarreforma, emanada contexto da batalha tematizada.
do Concílio de Trento em 1547.
16. Ao lado do carnaval está um tocador
de alaúde, que era um símbolo
frequente do luteranismo.
 A história do carnaval e suas origens: Apreciação de conteúdo, leitura e interpretação de mundo. Cultura popular.

A história do carnaval tem suas origens na Antiguidade, sendo uma festa tradicional e popular que chegou ao Brasil durante
a colonização. O carnaval é a festa popular mais celebrada no Brasil e que, ao longo do tempo, tornou-se elemento da
cultura nacional. Porém, o carnaval não é uma invenção brasileira nem tampouco realizado apenas neste país. A História do
Carnaval remonta à Antiguidade, tanto na Mesopotâmia quanto na Grécia e em Roma. A história do carnaval no Brasil
iniciou-se no período colonial. Uma das primeiras manifestações carnavalescas foi o entrudo, uma festa de origem
portuguesa que na colônia era praticada pelos escravos. Estes saíam pelas ruas com seus rostos pintados, jogando farinha e
bolinhas de água de cheiro nas pessoas. Tais bolinhas nem sempre eram cheirosas. O entrudo era considerado ainda uma
prática violenta e ofensiva, em razão dos ataques às pessoas, mas era bastante popular. Depois surgiram os cordões e
ranchos, as festas de salão, os corsos e as escolas de samba. Afoxés, frevos e maracatus também passaram a fazer parte da
Quadro de Johannes Lingelbach (1622-1674),
tradição cultural carnavalesca brasileira. Marchinhas, sambas e outros gêneros musicais também foram incorporados à Carnaval em Roma, exemplo de um carnaval
maior manifestação cultural do Brasil. da Commedia Dell'arte
Cordões, ranchos e marchinhas.

Desenho de Jean Baptiste-Debret

(1768-1848) mostrando a
brincadeira do entrudo entre os
escravos
 Os meios da Arte: A fotografia como ferramenta de expressão. Apreciação de imagem e estudo de conteúdo.
A primeira fotografia reconhecida foi feita em 1826, pelo Experimentação prática: Você irá realizar uma pesquisa entre seus familiares, amigos e vizinhos para encontrar uma fotografia antiga
de alguém ou de algum lugar. Procure por fotografias em preto e branco, ou feitas a partir de técnicas mais antigas. Tire uma cópia
francês Joseph Nicéphore Niépce, no entanto o dessa fotografia e cole no espaço abaixo. Depois escreva um pouco sobre essa foto. Relate sobre a data, sobre as personagens, enfim,
desenvolvimento da fotografia não pode ser atribuído conte a história da fotografia que você escolheu.
apenas a uma pessoa. Diversas descobertas ao longo do
tempo foram somadas para que fosse possível desenvolver
a fotografia como é conhecida hoje. Químicos e físicos
foram os pioneiros nesta arte, já que os processos da
revelação e da fixação da fotografia são essencialmente
físico-químicos, numa associação de condições ambientais
e de iluminação a produtos químicos.
Com o passar do tempo a
essência da forma de fazer
fotografia não mudou, no
entanto, os avanços
tecnológicos permitem cada vez
mais melhorar a qualidade da
fotografia, aumentar a
resolução e a realidade das
cores.
Com o advento da fotografia digital, muitos paradigmas fotográficos foram
alterados. Com aparelhos cada vez menores, mais simples de manipular e que
produzem fotografias em alta qualidade, a internet facilitando o fluxo das
imagens, a fotografia tornou-se algo muito mais simples e popular do que era.
Muitos cientistas pesquisaram
sobre fotografia, a fim de melhorá-
la e aperfeiçoá-la. Por conta disto,
não se pode atribuir a apenas uma
pessoa a criação ou o
desenvolvimento da fotografia, o
produto que temos hoje é uma
soma de várias técnicas descobertas
por algumas pessoas. ________________________________________________________________________________
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 A arte como forma de expressão – Leitura e interpretação – Construção de sentido e leitura de mundo. Folha 1/4.

Dentre os inúmeros meios e formas de ARTE PRÉ-HISTÓRICA ARTE EGÍPCIA E MESOPOTÂMICA ARTE GRECO-ROMANA
expressões corporais e intelectuais que
A arte pré-histórica desenvolveu- No Egito e na Mesopotâmia viveram as Na antiguidade greco-romana não se
podemos nos utilizar para expressarmos
se entre o Paleolítico Superior e o primeiras civilizações altamente vislumbrava qualquer diferenciação entre arte e
os nossos pensamentos, as nossas
Neolítico, onde aparecem as estruturadas, e seus artistas/artesãos técnica, o mesmo é dizer, entre artista e artesão.
emoções, as nossas críticas construtivas e
primeiras manifestações que produziram obras complexas que já O técnico era aquele que executava um trabalho,
até mesmo, os nossos sonhos ou
podem ser consideradas como apresentavam uma especialização fazendo-o com uma espécie de perfeição ou
devaneios, encontra-se a arte. É na arte
arte. No Paleolítico o homem, profissional. A arte egípcia caracterizou- estilo, em virtude de possuir o conhecimento e a
da música, na arte da poesia, na arte da
dedicado à caça e vivendo em se pelo caráter religioso e político, com compreensão dos princípios envolvidos no
literatura, da pintura, da dança ou do
cavernas, praticou a chamada arte destaque para a arquitetura, a pintura e desempenho. Sempre associada ao trabalho dos
teatro (principalmente) que milhares de
rupestre. No Neolítico tornou-se a escultura. A escultura e a pintura artesãos, a arte era suscetível de ser aprendida e
pessoas em todo o mundo encontram o
sedentário e desenvolveu a mostram a figura humana num estilo aperfeiçoada, até se tornar uma competência
seu espaço para se expressarem e
agricultura, com sociedades cada fortemente hierático e esquemático, especial na produção de um objeto. Depois de
manifestarem de forma positiva, os seus
vez mais complexas, onde a devido à rigidez dos seus cânones um começo em que se salientaram as
sonhos, projetos e obras pessoais. Um
religião ganhou importância. São simbólicos e religiosos. A arte civilizações Minoicas e Micênica, a arte grega
poeta transforma em poesia os seus
exemplos os monumentos mesopotâmica desenvolveu-se em desenvolveu-se em três períodos: arcaico,
pensamentos sobre tudo. O músico
megalíticos e um início de especial na área entre os rios Tigre e clássico helenístico.
transforma em canções as suas
produção artesanal na forma de Eufrates, sendo testemunha de culturas
composições. O pintor transforma em
vasos de cerâmica e estatuetas. diferentes, como os sumérios,
gravuras as suas imaginações. O ator
acadianos, assírios e persas. Na sua
representa as mais diversas expressões
arquitetura incluem-se os zigurates,
artísticas e o dançarino representa na
grandes templos piramidais em degraus,
dança os sutis movimentos da arte.
enquanto que na escultura predominam
“Porque é que isto é arte?”, “O que é a
cenas religiosas, de caça e de guerra,
arte?” Poucas perguntas provocarão
com a presença de figuras humanas e
polêmicas mais acesas e tão poucas
animais reais ou mitológicos.
respostas satisfatórias. Embora não se
possa chegar à conclusão alguma, é
possível ainda assim lançar alguma luz
sobre estas questões. Arte, do latim ars e
do grego teknê, significa técnica ou
habilidade, a um saber fazer, é uma
espécie de conhecimento técnico, mas
também ao trabalho, à profissão, ao
desempenho de uma tarefa.
 A arte como forma de expressão – Leitura e interpretação – Construção de sentido e leitura de mundo. Folha 2/4.

Ao longo da nossa história como seres humanos, a arte sempre procurou surpreender-nos, maravilhar, chocar e até por vezes, indignar-nos perante as escolhas de temas e
a forma como são abordados pelos artistas. Não importa a reação, a verdade é que a arte sempre foi uma forma de expressão do que sentimos, vemos, precisamos fazer
das aspirações de uma comunidade, em suma, do pulsar dos tempos. Faz, portanto todo o sentido que a cultura através da arte como veículo, seja um pilar de
sustentabilidade.

ARTE OCIDENTAL ARTE DO RENASCIMENTO

No ocidente, um conceito geral de arte, ou seja, aquilo que teriam em comuns coisas
tão distintas como, por exemplo, a poesia de Homero, os autos de mistério medievais,
uma catedral gótica ou um retábulo barroco, só se começou a formar em meados do
século XVIII, embora a palavra já estivesse em uso há séculos para designar qualquer
habilidade particular ou especial. Na antiguidade clássica, uma das principais bases da
civilização ocidental e a primeira cultura que refletiu sobre o tema, considerava-se
arte qualquer atividade que envolvesse uma habilidade especial: habilidade para
construir um barco, para comandar um exército, para convencer o público
discursando, em suma, qualquer atividade que se baseasse em regras definidas e que
fosse sujeita a um aprendizado e desenvolvimento técnico. Platão definiu arte como
uma capacidade de fazer coisas de modo inteligente através de um aprendizado,
sendo um reflexo da capacidade criadora do ser humano; já Aristóteles definiu-a
como uma disposição de produzir coisas de forma racional, e Quintiliano entendia-a
como aquilo que era baseado num método e ordem. Por sua vez Cassiodoro destacou
o seu aspeto produtivo e ordenado, assinalando três funções para ela: ensinar,
comover e agradar ou dar prazer. Esta visão atravessou o período da Idade Média, em
que arte nesse período, sendo uma derivação direta da arte romana, inicia com a arte
paleocristã, após a oficialização do cristianismo como religião do Império Romano.
Trabalharam as formas clássicas para interpretar a nova doutrina religiosa. Porém,
logo o estilo clássico se pulverizou numa multiplicidade de escolas regionais, com o
aparecimento de formas mais esquemáticas e simplificadas.
Mas será na época do Renascimento que se inicia uma mudança, separando os
ofícios produtivos e as ciências das artes propriamente ditas, incluindo-se pela
primeira vez a poesia no domínio artístico. O Renascimento e o chamado
Maneirismo (nome empregado para designar as manifestações artísticas desde
1520, momento quando se inicia a crise do renascimento, até o início do século
XVII), assinalam o início da arte moderna. As novas descobertas geográficas levaram
a civilização europeia a expandir-se para todos os continentes, e através da
invenção da imprensa a cultura universalizou-se. O estilo da sua arte foi inspirada
basicamente na arte clássica greco-romana e na observação científica da natureza.
O conceito de beleza relativizou-se, privilegiando-se a visão pessoal e a imaginação
do artista em detrimento do conceito mais ou menos unificado e de índole
científica do Renascimento. Também se deu valor ao fantástico e ao grotesco. Para
Giordano Bruno (1548-1600), havia tantas artes quantos eram os artistas,
introduzindo o conceito de originalidade, pois para ele a arte não tem normas, não
se aprende e surge da inspiração.
 A arte como forma de expressão – Leitura e interpretação – Construção de sentido e leitura de mundo. Folha 3/4.

Só a partir do século XVIII começou a consolidar-se a estética como um elemento-chave para a definição de arte como hoje a entendemos; a despeito da vagueza e
inconsistências do conceito. Até então toda a arte do ocidente estava indissociavelmente ligada a uma ou mais funções definidas, ou seja, era uma atividade
essencialmente utilitária: servia para a transmissão de conhecimento, para a estruturação e decoração de rituais e festividades, para a invocação ou mediação de poderes
espirituais ou mágicos, para o embelezamento de edifícios, locais e cidades, para a distinção social, para a recordação da história e a preservação de tradições, para a
educação moral, cívica, religiosa e cultural, para a consagração e perpetuação de valores e ideologias socialmente relevantes, e assim por diante.

ARTE BARROCA/ROCOCÓ ROMANTISMO/REALISMO A ARTE NO SÉCULO XX

O barroco é o nome dado ao estilo artístico
que floresceu entre o final do século XVI e
meados do século XVIII, inicialmente na
Itália, difundindo-se em seguida pelos
países católicos da Europa e da América,
antes de atingir, numa forma modificada,
as áreas protestantes e alguns pontos do
Oriente. Na sua sequência foi o Rococó,
surgido a partir de meados do século XVIII,
com formas mais leves e elegantes,
privilegiando o decorativismo, a movimento cultural e literário, ocorrido na segunda
sofisticação aristocrática e a sensibilidade
individual. Ao mesmo tempo em que se
firmava uma corrente iluminista, pregando
o primado da razão e um retorno à
natureza. Esta mudança de paradigma
estava ligada a transformações culturais
desencadeadas pelo chamado método
científico e o iluminismo. Estas correntes
de pensamento passaram a defender a tese
de que a arte não era uma ciência, não
podia descrever com exatidão a realidade,
e por isso não poderia ser um veículo
adequado para o conhecimento
verdadeiro. Não sendo uma ciência, a arte
passou para a esfera da emoção e da
sensibilidade.
O esteticismo foi um dos elementos teóricos básicos
para a emergência do designado Romantismo, já no
século XIX, que rejeitou o utilitarismo da arte e deu um
valor principal à criatividade, à intuição, à liberdade e à
visão individuais do artista, erigindo-o ao status de
Deus e profeta, fomentando com isso o culto do gênio.
Por outro lado, o esteticismo ofereceu uma alternativa
para a descrição de aspetos do mundo e da vida que
não estão ao alcance da ciência e da razão. Surge
também o Realismo que se caracteriza como um
metade do século XIX aproximadamente, marcando
uma total mudança de pensamento em relação ao
Romantismo. O pintor Silva Porto é tido com um dos
fundadores deste movimento em Portugal. Nesse
período, devido às mudanças sociais ocorridas, os
artistas passaram a ver o mundo de maneira
completamente diferente, dando lugar a uma visão
bem mais crítica da realidade que os cercava. No
século XX, acontece o aprimoramento de determinadas
práticas e acontece o retorno às origens de cada estilo,
procurando através da pesquisa, delinear o espírito de
cada época, na qual cada obra foi criada. A obra de
arte é um espelho da sua época.
O século XX caracterizou-se por uma forte ênfase no questionamento
das antigas bases da arte, propondo-se criar um novo paradigma de
cultura e sociedade assim como derrubar tudo o que fosse tradição.
Até meados do século as vanguardas foram enfeixadas no rótulo de
modernistas, e desde então elas sucedem-se cada vez com maior
rapidez, chegando aos dias de hoje a um estado de total pulverização
dos estilos e estéticas, que convivem, dialogam, influenciam-se e
enfrentam-se mutuamente. Também surgiu uma tendência de
solicitar a participação do público no processo de criação, e
incorporar ao domínio artístico uma variedade de temas, estilos,
práticas e tecnologias antes desconhecidas ou excluídas. Entre as
inúmeras tendências do século XX podemos citar: art nouveau,
fauvismo, pontilhismo, abstracionismo, expressionismo, realismo
socialista, cubismo, futurismo, dadaísmo, surrealismo, funcionalismo,
construtivismo, informalismo, arte pop, neorrealismo, artes de ação
(performance, happening, fluxus, instalação), op art, videoarte,
minimalismo, arte conceitual, fotorrealismo, land art, arte povera,
body art, arte pós-moderna, transvanguarda, neoexpressionismo. A
definição de arte no século XX tornou-se tão complexa, volátil e
subjetiva que muitos estudiosos abandonaram de todo a ideia de que
a definição do que é arte é de alguma forma possível.
 A arte como forma de expressão – Leitura e interpretação – Construção de sentido e leitura de mundo. Folha 4/4.

Ao lermos o conteúdo sobre a origem da Arte, 8. Defina “Arte” para cada pensador:
responda: a) Platão:_________________________________________
______________________________________________
1. Cite como alguns artistas se utilizam da arte como b) Aristóteles:_____________________________________
forma de expressão: ______________________________________________
__________________________________________ c) Quintiliano:_____________________________________
__________________________________________ _______________________________________________
__________________________________________ d) Cassiodoro:_____________________________________
__________________________________________ ______________________________________________
__________________________________________ 9. Como se caracteriza a Arte do Renascimento?
__________________________________________ ________________________________________________
__________________________________________ ________________________________________________
2. Como se originou a palavra “Arte”? ________________________________________________
__________________________________________ ________________________________________________
__________________________________________ ________________________________________________
__________________________________________ ________________________________________________
3. Cite exemplos de forma de arte na pré-história: 10. Como era o conceito de beleza durante o Renascimento?
__________________________________________ ________________________________________________
__________________________________________ ________________________________________________
__________________________________________ ________________________________________________
4. Conceitue a Arte Egípcia e a Arte Mesopotâmica: ________________________________________________
__________________________________________ ________________________________________________
__________________________________________ ________________________________________________
__________________________________________ 11.O que Giordano Bruno pensava sobre a arte?
__________________________________________ ________________________________________________
__________________________________________ ________________________________________________
__________________________________________ ________________________________________________
__________________________________________ ________________________________________________
__________________________________________ ________________________________________________
5. Como se caracteriza a Arte Greco-romana? ________________________________________________
__________________________________________ 12.Conceitue:
__________________________________________ a) Arte Barroca:
__________________________________________ _______________________________________________
__________________________________________ _______________________________________________
__________________________________________ _______________________________________________
__________________________________________ _______________________________________________
__________________________________________ ______________________________________________
6. Como a arte se torna um pilar de sustentabilidade b) Romantismo e Realismo:
para a cultura? _______________________________________________
__________________________________________ _______________________________________________
__________________________________________ _______________________________________________
__________________________________________ _______________________________________________
__________________________________________ _______________________________________________
__________________________________________
__________________________________________ 13. Cite as tendências artistas do século XX:
7. O que era considerado Arte na Antiguidade _______________________________________________
Clássica? _______________________________________________
__________________________________________ _______________________________________________
__________________________________________ _______________________________________________
__________________________________________ _______________________________________________
__________________________________________ _______________________________________________
__________________________________________ _______________________________________________
__________________________________________