E-book de Arte com atividades para Ensino Médio

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ÍNDICE DAS ATIVIDADES 1 – APOSTILA PRATICAR A ARTE – VOLUME 10 – ENSINO MÉDIO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM - Professor Fabrício Secchin].
Nº Título da atividade Nº Título da atividade Nº Título da atividade

01 A ORIGEM DA ARTE NA HISTÓRIA DO MUNDO. 41 A ESCULTURA E A PINTURA GÓTICA. 81 OS PADRÕES DA ART DÉCO.
02 AS PRIMEIRAS MANIFESTAÇÕES DA ARTE. 42 RESUMÃO: ARTE ROMÂNICA. 82 O REALISMO.
03 A EXPRESSÃO DA ARTE PRÉ-HISTÓRICA. 43 MAQUETE ROMÂNICA I – RECORTE E COLAGEM. 83 AS CARACTERÍSTICAS DO REALISMO.

04 ESTUDANDO A LINHA. 44 MAQUETE ROMÂNICA II – RECORTE E COLAGEM. 84 PRÁTICA DE OBSERVAÇÃO DE OBRA DE ARTE – REALISMO.
05 CONHECENDO O ARTISTA: PAUL KLEE. 45 RESUMÃO: ARTE GÓTICA. 85 EXERCÍCIO PRÁTICO DE DESENHO DE OBSERVAÇÃO: ROMANTISMO.
06 ASSINANDO A OBRA COM AS MÃOS: ARTE RUPESTRE. 46 PRODUZINDO UM VITRAL. 86 O IMPRESSIONISMO – PARTE 1/2.
07 O NASCIMENTO DA ARQUITETURA. 47 EXERCÍCIO INTERPRETATIVO: ARTE ROMÂNICA E ARTE GÓTICA. 87 O IMPRESSIONISMO – PARTE 2/2.
08 REGISTRANDO OS ACONTECIMENTOS DA VIDA. 48 CONHECENDO A OBRA: “O ESPÓLIO – O DESNUDAMENTO DE CRISTO”, EL GRECO. 88 DESENHANDO E PINTANDO – OBSERVAÇÃO IMPRESSIONISTA.
09 RESUMÃO: A ARTE NA PRÉ-HISTÓRIA. 49 O RENASCIMENTO. 89 PRINCIPAIS ARTISTAS DO IMPRESSIONISMO.

10 A ARTE DA MESOPOTÂMIA. 50 PRINCIPAIS ARTISTAS DO RENASCIMENTO. 90 RESUMÃO: O IMPRESSIONISMO.
11 EXERCÍCIOS DE INTERPRETAÇÃO: ARTE PRÉ-HISTÓRIA. 51 ENTENDENDO A PERSPERCTIVA RENASCENTISTA. 91 CONHECENDO O ARTISTA: ÉDOUARD MANET E SUAS OBRAS. Parte 1/4.
12 EXERCÍCIOS DE INTERPRETAÇÃO: ARTE MESOPOTÂMICA. 52 PRATICANDO O DESENHO DE FIGURAS HUMANAS. 92 CONHECENDO O ARTISTA: ÉDOUARD MANET E SUAS OBRAS. Parte 2/4.
13 A ARTE NO EGITO – INTRODUÇÃO. 53 EXERCÍCIO DE DESENHO DE PARTES DO CORPO HUMANO. 93 CONHECENDO O ARTISTA: ÉDOUARD MANET E SUAS OBRAS. Parte 3/4.
14 A PINTURA EGÍPCIA. 54 RESUMÃO: O RENASCIMENTO. 94 CONHECENDO O ARTISTA: ÉDOUARD MANET E SUAS OBRAS. Parte 4/4.
15 CRIANDO HIERÓGLIFOS E SEGREDOS. 55 EXERCÍCIO INTERPRETATICO: O RENASCIMENTO. 95 ANALISANDO A OBRA: “MULHERES NO JARDIM”, CLAUDE MONET.
16 CRIANDO HISTÓRIAS EM QUADRINHOS. 56 A ARTE DO BARROCO. 96 O PÓS-IMPRESSIONISMO E SEUS ARTISTAS.
17 EXERCÍCIOS DE INTERPRETAÇÃO: ARTE DO EGITO ANTIGO. 57 A IGREJA BARROCA NO BRASIL: A IGREJA DE SÃO FRANCISCO DE ASSIS/MG. 97 EXERCÍCIO SOBRE PONTILHISMO E NATUREZA-MORTA.
18 RESUMÃO: A ARTE MESOPOTÂMICA. 58 PRINCIPAIS ARTISTAS DO BARROCO NO MUNDO. 98 EXERCÍCIO DE LEITURA E IDENTIFICAÇÃO DO AUTOR PÓS-IMPRESSIONISTA.
19 A ARTE GREGA. 59 A ARQUITETURA BARROCA. 99 O FAUVISMO.
20 A CERÂMICA GREGA. 60 RESUMÃO: A ARTE BARROCA. 100 OS PRINCIPAIS ARTISTAS DO FAUVISMO.

21 AS MÁSCARAS DO TEATRO GREGO. 61 EXERCÍCIO DE OBSERVAÇÃO E DESENHO.
22 EXERCÍCIOS DE INTERPRETAÇÃO: ARTE GREGA. 62 EXERCÍCIO INTERPRETATIVO: A ARTE BARROCA.

23 A MITOLOGIA GREGA: OS DEUSES DO OLIMPO. 63 O ROCOCÓ.
24 CONHECENDO OS DEUSES GREGOS. 64 PRINCIPAIS ARTISTAS DO ROCOCÓ.

25 A ARTE ROMANA. 65 DECORANDO UMA PORCELANA DO ROCOCÓ.
26 AS SETE MARAVILHAS DO MUNDO ANTIGO. 66 RESUMÃO: O ROCOCÓ.

27 PRODUZINDO UMA ESCULTURA COM ARGILA. 67 ANALISANDO A OBRA: “PAISAGEM COM MOISÉS SALVO DAS ÁGUAS”, CLAUDE LORRAIN .
28 EXERCÍCIO INTERPRETATIVO: ARTE ROMANA. 68 O NEOCLASSICISMO.

29 RESUMÃO: A ARTE ROMANA. 69 CONHECENDO O ARTISTA E SUA OBRA: JACQUES-LOUIS DAVID.
30 RESUMÃO: ARTE GREGA. 70 EXERCÍCIO INTERPRETATIVO: ROCOCÓ E NEOCLASSISCIMO.
31 A ARTE CRISTÃ E BIZANTINA. 71 O ROMANTISMO – CONHECENDO O ARTISTA: EUGÈNE DELACROIX.
32 OS MOSAICOS BIZANTINOS. 72 O ROMANTISMO – CONHECENDO O ARTISTA: FRANCISCO GOYA.
33 ILUSTRAÇÃO DE UM MANUSCRITO. 73 AS CARACTERÍSTICAS DO ROMANTISMO.

34 ILUMINURA DO ANTIGO TESTAMENTO: AS DEZ PRAGAS DO EGITO. 74 O MOVIMENTO ART NOUVEAU.
35 CONSTRUINDO UM MOSAICO COM RECORTES. 75 PRINCIPAIS ARTISTAS DO ART NOUVEAU.

36 RESUMÃO: A ARTE CRISTÃ E ARTE BIZANTINA. 76 CONHECENDO O ARTISTA: ALFONS MARIA MUCHA.
37 EXERCÍCIO INTERPRETATIVO: ARTE CRISTÃ E BIZANTINA. 77 CONHECENDO A BELLE ÉPOQUE.

38 A ARTE ROMÂNICA. 78 ANALISANDO A OBRA: “CAMPONESAS BRETÃS”, DE PAUL GAUGUIN.
39 A PINTURA ROMÂNICA. 79 EXPERIMENTAÇÃO PRÁTICA: GIZ PASTEL E TOULOUSE-LAUTREC.

40 A ARTE GÓTICA. 80 A ART DÉCO.
ÍNDICE DAS ATIVIDADES 2 – APOSTILA PRATICAR A ARTE – VOLUME 10 – ENSINO MÉDIO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM - Professor Fabrício Secchin].
Nº Título da atividade Nº Título da atividade Nº Título da atividade

101 CONHECENDO O ARTISTA: HENRI MATISSE. 141 CONHECENDO O ARTISTA: CHARLES CHAPLIN. 181 RESSIGNIFICANDO A SIMBOLOGIA MARAJOARA.
102 EXPERIMENTAÇÃO PRÁTICA: CRIANDO UMA IMAGEM FAUVISTA. 142 A ARTE CONCEITUAL. 182 LEITURA DE OBRA DE ARTE – NICOLAS POUSSIN.
103 CONHECENDO A OBRA: “COMEDORES DE BATATA”, DE VINCENT VAN GOGH. 143 CONHECENDO O ARTISTA: JHON CAGE E O DESENHO DO ACASO. 183 CONSTRUINDO A SUA LINHA DO TEMPO: A SUA HISTÓRIA DE VIDA.
104 O EXPRESSIONISMO. 144 CONHECENDO A OBRA: “A FONTE”, DE MARCEL DUCHAMP. 184 CONHECENDO A OBRA: “CAMINHANDO”, DE LYGIA CLARK.
105 ANALISANDO A OBRA: “O GRITO”, DE EDVARD MUNCH. 145 A ARTE POVERA. 185 ELEMENTOS DA LINGUAGEM VISUAL. Parte 1/2.
106 O CUBISMO. 146 O MINIMALISMO. 186 ELEMENTOS DA LINGUAGEM VISUAL. Parte 2/2.
107 AS FASES DO CUBISMO. 147 OS PRINCIPAIS ARTISTAS MINIMALISTAS. 187 EXERCÍCIO INTERPRETATIVO DE ARTE I.
108 OS PRINCIPAIS ARTISTAS CUBISTAS. 148 CONHECENDO O ARTISTA: SOL LEWITT E SUA OBRA MINIMALISTA. 188 EXERCÍCIO INTERPRETATIVO DE ARTE II.
109 RESUMÃO: O CUBISMO. 149 EXPERIMENTAÇÃO PRÁTICA: OBJETO MINIMALISTA. 189 CONHECENDO O ARTISTA: JORGE SELARÓN E SUA OBRA.
110 CONHECENDO A OBRA: “LES DEMOISELLES DÁVIGNON”, DE PABLO PICASSO. 150 EXPERIMENTAÇÃO PRÁTICA: MOBILIÁRIO MINIMALISTA. 190 CONHECENDO O ARTISTA: ALEX FLEMMING E SUA OBRA.
111 CONHECENDO O ARTISTA: PABLO PICASSO E O CACHORRO LUMP. 151 O HIPER-REALISMO. 191 A ORIGEM DOS TURBANTES: HERANÇA CULTURAL AFRICANA.
112 EXERCÍCIOS INTERPRETATIVOS SOBRE O CUBISMO. 152 EXERCÍCIO PRÁTICO DE DESENHO: GRAFITE E O HIPERREALISMO. 192 EXERCÍCIO ARTÍSTICO SOBRE A POP ART: ROSTO POP.
113 O ABSTRACIONISMO. 153 LAND ART. 193 EXERCÍCIO PRÁTICO SOBRE SOMBRA E VOLUME NO DESENHO.
114 ABSTRACIONISMO INFORMAL E O ABSTRACIONISMO GEOMÉTRICO. 154 CONHECENDO OS ARTISTAS: CHRISTO E JEANNE-CLAUDE – LAND ART. 194 APRECIAÇÃO MUSICAL: “TREM-BALA”, DE ANA VILELA.
115 CONHECENDO O ARTISTA: WASSILY KANDINSKY E A MÚSICA. 155 STREET ART – ARTE URBANA. 195 BANCO DE EXERCÍCIOS SOBRE ARTE: ENEM – Parte 1.
116 O ABSTRACIONISMO BRASILEIRO E SEUS ARTISTAS. 156 AS FORMAS DE EXPRESSÃO DA STREET ART. 196 BANCO DE EXERCÍCIOS SOBRE ARTE: ENEM – Parte 2.
117 O DADAÍSMO. 157 EXERCÍCIO PRÁTICO DE APLICAÇÃO DE COR NO GRAFITE. 197 BANCO DE EXERCÍCIOS SOBRE ARTE: ENEM – Parte 3.
118 PRINCIPAIS ARTISTAS DO DADAÍSMO NO MUNDO. 158 EXPERIMENTAÇÃO PRÁTICA: SE EXPRESSANDO PELO ESTÊNCIL. 198 BANCO DE EXERCÍCIOS SOBRE ARTE: ENEM – Parte 4.
119 SEGUINDO A RECEITA DE TRISTAN TZARA: COMO SER DADAÍSTA. 159 PRÁTICA DE DESENHO EM QUADRANTES. 199 BANCO DE EXERCÍCIOS SOBRE ARTE: ENEM – Parte 5.
120 RESUMÃO: O DADAÍSMO. 160 EXERCÍCIO INTERPRETATIVO: A ARTE E SUA INTELECTUALIDADE. 200 EXERCÍCIO PRÁTICO DE DESENHO DE OBSERVAÇÃO: O VOLUME GEOMÉTRICO.
121 INTERVENÇÃO DADAÍSTA NA “MONALISA”, DE LEONARDO DA VINCI. 161 EXPLORANDO SABERES: LINHAS E HACHURAS.
122 O SURREALISMO. 162 CONCEITUAÇÃO E EXPERIMENTAÇÃO SOBRE GRAFISMOS AFRICANOS.

123 CONHECENDO O ARTISTA: ANDRÉ BRETON E O SURREALISMO. 163 EXERCÍCIO PRÁTICO DE CRIAÇÃO DE GRAFISMOS AFRICANOS.
124 OS PRINCIPAIS ARTISTAS SURREAIS. 164 O PONTO E A LINHA NAS DIFERENTES ARTES.
125 ANDRE MASSON E O DESENHO AUTOMÁTICO. 165 EXERCÍCIO PRÁTICO: CRIANDO UM SAMPLER.
126 EXERCÍCIO PRÁTICO A PARTIR DA POÉTICA DE PAUL KLEE. 166 CONSTRUINDO UMA MANDALA DE ARGILA.
127 RESUMÃO: O SURREALISMO. 167 ANÁLISE DA OBRA: “COMPOSIÇÃO VIII”, DE WASSILY KANDINSKY.
128 AS TÉCNICAS ARTÍSTICAS DO SURREALISMO. 168 A REPRESENTAÇÃO HUMANA NA HISTÓRIA DA ARTE.
129 EXPERIMENTAÇÃO PRÁTICA: O AUTOMATISMO SURREALISTA. 169 EXERCÍCIO DE ANÁLISE E OBSERVAÇÃO.
130 EXPERIMENTAÇÃO PRÁTICA: FROTTAGE SURREALISTA. 170 O AUTORRETRATO.
131 EXPERIMENTAÇÃO PRÁTICA: DECALCOMANIA SURREALISTA. 171 A XILOGRAVURA.
132 EXPERIMENTAÇÃO PRÁTICA: CADAVRE EXQUIS SURREALISTA. 172 EXPERIMENTAÇÃO POÉTICA: LITERATURA DE CORDEL.
133 EXPERIMENTAÇÃO PRÁTICA: OBJET TROUVÉ SURREALISTA. 173 A DANÇA: O CORPO SE MOVIMENTANDO.
134 A OP ART: ÓPTCAL ART. 174 A ORIGEM DO BALÉ CLÁSSICO.
135 OS PRINCIPAIS ARTISTAS DA OP-ART. 175 EXERCÍCIO DE INTERPRETAÇÃO SOBRE A DANÇA.

136 RESUMÃO: OP ART. 176 EXERCÍCIO DE LEITURA DE IMAGEM: O BREAK DANCE.
137 EXPERIMENTAÇÃO PRÁTICA: UMA OBRA DA OP ART. 177 PESQUISA SOBRE AS DANÇAS BRASILEIRAS.
138 CONHECENDO O ARTISTA: ALEXANDER CALDER E SEUS MÓBILES. 178 AS INFLUÊNCIAS INDÍGENA E AFRICANA NA ARTE DO BRASIL.
139 POP ART. 179 AS INFLUÊNCIAS AFRICANAS NA ARTE DO BRASIL.

140 OS PRINCIPAIS ARTISTAS DA POP ART. 180 ARTE INDÍGENA E AFRICANA: EXERCÍCIOS DE INTERPRETAÇÃO.
00 – IDEIAS PARA NOVOS ASSUNTOS. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
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01 - A ORIGEM DA ARTE NA HISTÓRIA DO MUNDO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
As pinturas a seguir são feitas em paredes, elas Observe as imagens a seguir:

retratam cenas do cotidiano, mas milhares de anos
as separam.
Mesmo que não houvesse legenda nas fotos, com

certeza saberíamos dizer qual é a pintura pré-
histórica e qual é a pintura do final do século XX. Um
artista pré-histórico jamais poderia pintar um painel Praticar a arte – Retratando a sua realidade: Selecione em jornais e revistas ou imagens impressas da
com uma moça de saia com um regador, assim internet, fotos que retratem o maior número de fatos da atualidade (foto de pessoas trabalhando,
como um artista contemporâneo só conhece a passeando, etc.). Faça, em seu caderno de arte ou em uma folha avulsa uma colagem com essas imagens. Se
pintura rupestre com seus animais por que, desejar realizar essa tarefa em grupo, use uma cartolina ou outro tipo de papel como base para a exposição.
provavelmente, estudou para tal finalidade. Além
disso, os materiais utilizados também evidenciam
tempos diferentes. Na Pré-História não existia o
spray nem as tintas látex e acrílica, usadas pelos
grafiteiros. As tintas utilizadas eram retiradas da
natureza. A arte é fiel testemunha da história
construída pelo homem. Ao esculpir, pintar e
desenhar, um artista retrata a sua realidade. Os
acontecimentos políticos, econômicos, sociais
influenciam a sua criação.
02 – AS PRIMEIRAS MANIFESTAÇÕES DA ARTE. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
É desconhecido o motivo pelo qual os homens pré-

históricos desenhavam nas paredes das cavernas. A
teoria mais aceita é a de que esses desenhos eram
feitos por caçadores. Tudo o que conseguissem
desenhar poderiam dominar, ou seja, num sentido
mágico, eles poderiam interferir na captura de um
animal desenhando-o ferido mortalmente, podendo,
dessa forma, dominá-lo com facilidade.
Assim, as pinturas eram
representações da natureza,
tudo para garantir uma boa
caçada e a sobrevivência. Para
pintar, o homem produzia suas
próprias tintas misturando terra
Mesmo construindo um instrumento, o homem com carvão, sangue e gorduras
primitivo importava-se com a forma e a beleza das de animais. Utilizava os dedos e,
peças. O homem pré-histórico se abrigava em alguns pincéis rústicos como
Os primeiros artistas da humanidade foram os cavernas e em cabanas feitas com ossos e paus, com pedaços de madeira e penas de
homens da Pré-História. Eles viviam em pequenos o teto de pele de animais e folhas de árvores. É nas animais.
grupos e eram nômades, não tinham lugar fixo para cavernas que encontramos as primeiras pinturas Também eram muito
habitar. Alimentavam-se da caça, da pesca e da realizadas pelo homem. São desenhos de ursos, importantes para o
colheita de frutos. Dois fatos foram muito cavalos, veados, bisões etc. homem da Pré-História
importantes nesse período: o homem aprendeu a garantir a continuidade de
fazer o fogo, com o qual se aquecia e afugentava os sua espécie. Demonstrava
animais, e a utilizar pedras lascadas, com as quais esse sentimento
faziam ferramentas para caçar, lutar e até desenhar esculpindo figuras
nas paredes das cavernas. Por isso essa fase da Pré- femininas em pedra ou
História é chamada de Período da Pedra Lascada ou marfim com formas bem
Paleolítico. avantajadas: seios, quadris
e ventres enormes, por
que era importante a
fertilidade. Essas
esculturas são chamadas
de “Vênus”
03 – A EXPRESSÃO DA ARTE PRÉ-HISTÓRICA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
A arte mágica: pode-se dizer que a arte começou Praticar a arte: O homem da Pré-História pintou nas paredes das cavernas seus sentimentos e suas
com os europeus do Paleolítico Superior e isso necessidades. No espaço a seguir, desenhe algo que expresse um grande desejo seu, como se em um passe
refletia o nível que sua cultura tinha alcançado. As de mágica você pudesse realiza-lo. Use lápis de cor, canetinhas ou giz de cera. Aplique as cores que desejar.
pinturas e gravações em pedra que deixaram são
tão meticulosas que só se pode tirar uma conclusão:
foram feitas por artistas experimentados, homens
que podiam dispor de tempo, não só para caçar. Sua
arte parece ter sido uma intenção mágica. Algumas
das cavernas em que seus trabalhos foram
encontrados, na França e na Espanha, eram
inegavelmente santuários, acessíveis apenas para
alguns privilegiados, que ali trabalhavam em
benefício de todos. As pinturas, em sua maioria,
representam animais migratórios, como o cavalo e a
rena, animais de manada, como o auroque e o
bisão, ou carnívoros, como o leão e o urso. Todos
eles estiveram ligados de algum modo à vida do
homem do Paleolítico, como fonte de alimentos, ou
como objeto de veneração. Reproduzindo esses
animais nas paredes e nos tetos das cavernas,
parece que esses artistas estavam tentando
“dominá-los”, garantindo sua fertilidade e tornando-
os vulneráveis.
04 – ESTUDANDO A LINHA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Observe a imagem a seguir: Padrões de preenchimento: O preenchimento de

Os elementos visuais básicos para a elaboração de formas pode ser feito com padrões de texturas ou de
Podemos traças linhas com espessuras e formas
um desenho são a linha, o traço, as cores e as cor. Alguns padrões recorrentes são hachuras, a
distintas para elaborar desenhos, criar efeitos e
forma. Observe atentamente a imagem e procure monocromia e a policromia.
simular texturas e volume.
perceber como esses elementos estão presentes  Hachuras: Composição de linhas
nessa obra. em várias direções que criam
A linha é a junção ou a uma escala de tons ou textura.
sequencia de vários  Monocromia: Composição que
pontos; ela pode ser emprega a escala tonal de uma
reta, curva, fina, grossa, única cor como forma de
enfim, são inúmeras as preenchimento.
configurações possíveis  Policromia: Composição que
que ela pode assumir. emprega duas ou mais cores
São as linhas que Para criar formar, utilizamos as linhas ou os traços. como forma de preenchimento.
definem as formas As linhas podem ser de vários tipos:
essenciais de uma
figura, e o artista Paul
Klee soube usá-las com
maestria. Segundo ele,
desenhar é levar uma
linha para passear.
Interprete a obra com os seus colegas e transcreva
suas respostas:
a) Analisando o traçado da imagem, como você
imagina que o artista Paul Klee tenha feito esse
desenho?
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b) Quantas linhas, ou sequencia de linhas, foram
utilizadas para compor a imagem?
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05 – CONHECENDO O ARTISTA: PAUL KLEE. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Paul Klee (1879-1940) nasceu Praticar a arte: Escolha uma das obras de arte feitas por Paul Klee ao lado para você produzir uma releitura.
na Suíça, mas naturalizou-se Pratique suas habilidades em desenho e aplique as cores que desejar. Preencha a ficha técnica da sua obra.
alemão. Foi pintor, músico e
poeta. Filho de música
interessou-se primeiramente
por essa arte, tocando violino,
e na adolescência, seguiu o
rumo das artes visuais. Klee
estudou na Academia de
Belas Artes de Munique, onde
conheceu o pintor russo
Wassily Kandinsky (1866-
1944), pioneiro da pintura
abstrata, com quem
estabeleceu forte amizade e
parceria. O estilo e a obra de
Klee foram influenciados pelo
Expressionismo, pelo Cubismo
e pelo Surrealismo. Klee foi
um excelente desenhista, e
seu interesse pelas cores
levou-o a realizar diversos
experimentos e dominar essa
teoria. Além de se um dos
artistas mais importantes da
primeira metade do século XX
foi reverenciado por sua
reflexão teórica.
06 – ASSINANDO A OBRA COM AS MÃOS: ARTE RUPESTRE. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Observe o detalhe da imagem a seguir: Praticar a arte 1: Crie moldes, desenho-os em cartolina ou Praticar a arte 2: Pintura em camiseta utilizando moldes.
em outro papel e recorte-os. Siga as orientações a seguir para produzir sua estampa.
Veja que na parte de cima do desenho do

cavalo existe o desenho de uma das mãos
do homem pré-histórico. Nela ele usou a
própria mão como se fosse um molde e a
contornou com tinta.
É como se o homem estivesse assinando
a sua obra de arte. Você também pode
usar a técnica da pintura com o uso de
moldes.
07 – O NASCIMENTO DA ARQUITETURA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Aos poucos, o homem descobre As aldeias começam a Praticar a arte: Diante das informações históricas
como plantar e domesticar os crescer e torna-se vistas, responda as perguntas interpretativas a seguir:
animais, alterando necessário que cada a) O que fez o homem pré-histórico deixar de ser
completamente a sua vida. Ele uma delas defenda seu nômade e fixar moradia?
não precisa mais viajar em território. As armas ___________________________________________
busca de alimentos e passa a passam a ser mais ___________________________________________
fixar-se em regiões à beira dos estruturadas e o homem ___________________________________________
rios. deixa de lascar as pedras b) Como é o processo de adaptação do homem pré-
Dessa forma, surgem as primeiras aldeias e a divisão e passa a poli-las histórico nômade para o homem de moradia fixa?
das tarefas diárias. Os homens caçam e constroem mediante atrito, daí esse ___________________________________________
abrigos (casas de madeira e barro) e as mulheres período denominado de ___________________________________________
plantam e realizam trabalhos artesanais, como a Período da Pedra Polida ___________________________________________
cerâmica (peças feitas manualmente com argila e ou Neolítico. c) Quais fatores levaram o homem pré-histórico
usadas para transportar grãos e utensílios Provavelmente, da mesma forma que o homem construir suas primeiras moradias e como elas
domésticos feitos com madeira e osso) e a observou que ao redor do fogo o barro endurecia e eram?
tecelagem, feita d elã de carneiros. assim descobriu como fazer peças de cerâmicas, ele ___________________________________________
Se por um lado, a agora observa que certas pedras derretem na ___________________________________________
sobrevivência diária é fogueira. Descobre a metalurgia (fundição de ___________________________________________
garantida pela agricultura e metais) e usa essa novidade para confeccionar d) Como se chamavam as primeiras construções feitas
criação de animais, por outro, armas mais resistentes e perigosas. Historicamente, pelos homens da pré-história?
o homem continua a se têm-se a Idade dos Metais, que compreende o ___________________________________________
preocupar com as forças da Período do Cobre, o Período do Bronze e o Período ___________________________________________
natureza, como a chuva, o sol, do Ferro. Com a utilização dos metais, o homem ___________________________________________
o eclipse e com a morte. desenvolveu técnicas e aperfeiçoou seus e) Como surgiram as primeiras armas e as primeiras
Estimulado por essas instrumentos e métodos agrícolas. Aos poucos, as ferramentas de pedra polida?
preocupações, o artista da aldeias passaram a produzir mais, gerando assim ___________________________________________
Pré-História constrói menires excedentes que eram trocados por produtos de ___________________________________________
que são blocos de pedra aldeias vizinhas. Muitas dessas aldeias iriam se ___________________________________________
fincados no chão e dólmenes, transformar em cidades e civilizações conhecidas. f) Em sua opinião, o processo evolutivo do homem
que são menires com uma pré-histórico foi necessário para chegarmos aos dias
pedra apoiada em cima como atuais? Justifique.
uma mesa gigante. Essas ___________________________________________
construções são consideradas ___________________________________________
cemitérios ou, no caso de ___________________________________________
Stonehenge, na Inglaterra, um ___________________________________________
monumento ao sol. ___________________________________________
08 – REGISTRANDO OS ACONTECIMENTOS DA VIDA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte: Observe a cena a seguir:
Com certeza você

entendeu a história
acima apenas
olhando para os
desenhos. Agora,
procure lembrar um
acontecimento
importante da sua
vida. Crie
personagens que
representem você e
outras pessoas
envolvidas nesse
acontecimento e,
usando apenas
desenhos, conte sua
história.
O9 – RESUMÃO: A ARTE NA PRÉ-HISTÓRIA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Isso permitiu que o homem
desenvolvesse novas ferramentas,
A arte na Pré-História foi
que trouxeram melhoria para a sua
produzida, principalmente, No caso do Paleolítico, o grande destaque são as pinturas vida. Um dos grandes avanços do
durante os períodos rupestres, que são as gravuras desenhadas nas paredes de Neolítico está relacionado com as
Paleolítico e Neolítico. cavernas. Os especialistas acreditam que as pinturas rupestres construções, uma vez que pouco a
Destacam-se as pinturas tenham surgido aproximadamente há 40 mil anos em grupos pouco o homem foi desenvolvendo
rupestres e as construções humanos que já possuíam domínio do fogo e tinham acesso a habilidades arquitetônicas.
megalíticas. ferramentas produzidas por meio da lascagem de pedra. Essa Esses avanços refletiram-se diretamente na construção dos
Quando se fala em arte na Pré-História, estamos falando da arte, em geral, mostra o homem em meio a grandes grupos de monumentos megalíticos, isto é, enormes complexos feitos por
produção vista como artística na Pré-História, isto é, durante animais, representando, principalmente, cenas de caçadas, um amontoado de grandes rochas. Esses monumentos são
os períodos Paleolítico, Neolítico e Idade dos Metais. Em geral, mas também retrata outras cenas do cotidiano humano. encontrados em diferentes partes do mundo e estão diretamente
compreende pinturas realizadas em cavernas, gravuras Os especialistas falam que a arte rupestre relacionados com a necessidade do homem de criar registros em
esculpidas em rochas, esculturas, estatuetas etc. Para facilitar utilizava materiais como terra, carvão, homenagem aos seus antepassados.
sua compreensão a respeito do assunto, é importante sangue, flores etc. Os principais exemplos Podem também ter relação com a
considerarmos que os três períodos citados e que são dessa arte são encontrados na Caverna marcação do tempo ou com a
considerados como parte da Pré-História são: de Chauvet e Lascaux, na França, mas observação dos astros. As
 Paleolítico: período que compreende de 2.5 milhões de também estão em outros locais, como estruturas megalíticas mais
anos atrás a 10.000 a.C. Espanha, Austrália, Argentina etc. Aqui no conhecidas são Stonehenge, na
 Neolítico: período que se estende de 10.000 a.C. até 5.000 Brasil o grande centro de arte rupestre Inglaterra, e o Cromeleque dos
a.C. fica na Serra da Capivara, no Piauí. Almendres, localizado em Portugal.
 Idade dos Metais: período que se estende de 5.000 a 3.500 Não há registro somente de arte rupestre no Paleolítico, pois Apesar disso, já foram localizadas
a.C. existem também pequenas esculturas que foram produzidas estruturas do tipo em diferentes
A arte na Pré-História manifestou-se de diferentes formas. A nesse período. Nesse caso, o grande destaque são as locais, como Irlanda, Itália, Egito,
intenção dessas obras é alvo de grande debate pelos estatuetas de Vênus, produzidas entre 40.000 a.C. e 10.000 Turquia etc.
especialistas. As motivações mais comumente mencionadas a.C. Essas estatuetas conhecidas como Vênus reproduzem
são que as populações pré-históricas faziam esses registros sempre um corpo feminino nu com formas bastante
como forma de: voluptuosas, destacando-se os seios grandes e os quadris No caso do Brasil,
 Registrar o cotidiano apenas por registrar. Nesse caso, o largos. existem algumas
registro artístico seria no sentido “a arte pela arte”. Essas esculturas são entendidas pelos produções de arte pré-
especialistas como um registro relacionado histórica localizadas em
 Registrar com fins ritualísticos de criar uma conexão do
com um culto à fertilidade, o qual pode estar alguns estados, como
homem com a natureza.
associado como uma divindade conhecida Piauí, Paraíba, Mato
Outra observação importante é que as
como Deusa Mãe. A estatueta Vênus mais Grosso e Santa Catarina.
extensões de cada período em todo o
conhecida é a Vênus de Willendorf, O grande destaque são as
planeta são bastante distintas. Neste texto,
localizada na Áustria e que tem pinturas rupestres
optamos por colocar a datação clássica,
aproximadamente 25 mil anos de existência. encontradas na Serra da
mas os avanços e desenvolvimentos no
Capivara, no estado do
estilo de vida humana foram distintos nos
O período Neolítico apresenta grandes transformações e Piauí, que abriga mais de
diferentes locais do planeta. Sendo assim,
avanços em relação ao Paleolítico – embora de modo não 100 pinturas rupestres
houve locais em que o avanço que
uniforme. Esses avanços podem ser destacados, que retratam cenas de
caracterizou as diferenças de uma era para
principalmente, pela sedentarização do homem por meio do caça, guerra, sexo etc.
outra foi bastante rápido e outros em que
os avanços foram lentos. domínio das técnicas agrícolas e da domesticação dos animais.
10 – A ARTE DA MESOPOTÂMIA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Também a escultura nos mostra um pouco da arte na

Mesopotâmia:
Veja as figuras a seguir: Os sumérios criaram a

escrita cuneiforme e
edificaram zigurates que
são construções em
forma de pirâmide com A arte mesopotâmica muito nos ensina sobre os povos
diversos andares, no que viveram na região. Da arquitetura pouco nos
topo dessas construções restou devido à dificuldade de se encontrar pedras na
tinha um templo cujo região, as construções eram feitas em tijolos
acesso era feito por preparados com argila crua e secados ao sol. Dessa
escadarias. forma, além de serem muito frágeis havia muitas
As figuras mostram o estandarte de Ur, espécie de guerras de conquistas por outros povos e sempre havia
história em quadrinhos da Antiguidade. A primeira destruições. As ruínas da cidade de Persépolis são um
mostra uma cena de guerra e a segunda, uma cena Muitos foram os povos que habitaram a dos poucos exemplares que nos restam.
de paz, a preparação do banquete da vitória. O Mesopotâmia: sumérios, acádios, assírios,
estandarte de Ur foi feito pelos sumérios, povo que babilônicos, hebreus, caldeus. Por ser um lugar de
habitou a Mesopotâmia por volta de 3.200 e 2.900 terras muito férteis, esses povos vieram para a
a.C. A Mesopotâmia é a região compreendida entre Mesopotâmia em busca de um bom lugar para
os rios Tigre e Eufrates. morar, e cada um trouxe seus costumes, sua cultura,
sua religião, sua hierarquia social e sua política.
Muitas vezes aconteciam guerras entre eles pelo
domínio da terra. Além das criações das escritas e
das construções, os sumérios costumavam
representar seu cotidiano em paredes, placas de
pedras ou argila, chamadas de estelas.
11 – EXERCÍCIOS DE INTERPRETAÇÃO: ARTE PRÉ-HISTÓRIA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
1. A pintura rupestre a seguir, que é um patrimônio 3. O Geopark Araripe (Nova Olinda-CE) guarda 6. O neolítico se caracterizou pela produção de 10. A imagem abaixo
cultural brasileiro, expressa: resquícios de uma importante tribo pré- armas e utensílios afiando-se as pedras ao invés mostra os
histórica que habitou no sul do Ceará. Os Cariris de quebra-las. Daí o termo pedra polida. Não é, vestígios do
a) O conflito entre os povos indígenas e os deixaram diversas marcas da sua passagem pelo porém, uma característica desse período: monumento de
europeus durante o processo de colonização Ceará e constituem importante fonte de a) Fixação das comunidades, antes nômades. Stonehenge,
do Brasil. estudos das tribos antigas. Grupos que b) Divisão do trabalho. localizado nas
b) A organização social e política de um povo habitaram o Piauí, Minas Gerais e norte do País, c) Construção dos primeiros templos religiosos, imediações do
indígena e a hierarquia entre seus membros. também deixaram suas marcas. Quanto aos pirâmides e mausoléus.* município inglês
c) Aspectos da vida cotidiana de grupos que estilos dessa pintura, destacam-se dois estilos d) Criação de animais. de Wiltshire:
viveram durante a chamada pré-história do básicos: e) Surgimento da cerâmica e tecelagem. Sobre o Stonehenge, podemos afirmar que:
Brasil. * a) A geométrica e a naturalista. * 7. Em relação ao que chamamos de arte, no a) É formado apenas por menires, sem nenhum
d) Os rituais que envolvem sacrifícios de grandes b) A funcional e a estética. período neolítico, temos como principal trílito.
dinossauros atualmente extintos. c) A indígena e a africana. característica: b) É formado por menires e trílitos.*
d) A religiosa e a secular. a) A busca pela apreensão do movimento e c) É um círculo de menires.
2. Gravuras e pinturas são duas e) A pintura e a escultura. descoberta dos metais.* d) É uma construção datada do século I a.C.
modalidades da prática
4. O período conhecido como “Pedra Lascada” b) Desenhos detalhados com muitas cores. e) É uma construção datada do século III d.C.
gráfica rupestre, feitas com
guardou impressões de como poderia ter sido as c) Surgimento de uma escrita rudimentar 11. A religiosidade é um item de bastante
recursos técnicos diferentes.
expressões artísticas dos povos que viveram conhecida como hieróglifos. relevância no estudo da arte na pré-história.
Existem vastas áreas nas
nessa época (Como na imagem da mão em d) Traços fortes e vigorosos, representando os Que alternativa abaixo marca CORRETAMENTE
quais há dominância de uma
negativo). A arte produzida durante o animais que temiam. fatos que atestam esta realidade?
ou outra técnica no Brasil, o
Paleolítico é chamada de: e) Confecção de estatuetas como a “Vênus de
que não impede que ambas a) As pinturas serviam de decoração das
a) Funcional Willendorf”.
coexistam no mesmo espaço. cavernas para os deuses.
Mas em todas as regiões há b) Expressiva 8. Temos dois exemplos de esculturas pré- b) Os homens pintavam sobre um forte caráter
mãos, pés, antropomorfos e c) Religiosa históricas. Uma estatueta da idade do metal, ritualístico.*
zoomorfos. d) Naturalista* uma estatueta de 11 cm encontrada na Áustria, c) Era sim parte de um processo de magia para
Os grafismos realizados em blocos ou paredes e) Abstrata em 1908, pelo arqueólogo Josef Szombathy. Esta interferir na captura de pessoas.
foram gravados por meio de diversos recursos: 5. Não se sabe, com exatidão, as razões para que o última é famosa entre os estudiosos e ficou d) Havia-se a intenção imediata do artista em
picoteamento, entalhes e raspados. Nas figuras homem primitivo fizesse desenhos nas paredes conhecida como: criar uma arte decorativa e religiosa.
que representam a arte da pré-história brasileira das cavernas. Um das teorias mais aceitas sobre a) Vênus de Milo. 12. A técnica bastante usada pelos artistas pré-
e estão localizadas no sítio arqueológico da Serra tais razões é que: b) Vênus de Willendorf.* históricos através de pó colorido soprado por
da Capivara, estado do Piauí, e, com base no
c) Gordinha pré-histórica. um canudo denomina-se:
texto, identificam-se: a) Havia necessidade de decorar suas casas, já d) Ártemis de Milo. a) Cerca Grande.
que eles moravam nessas cavernas. e) Ártemis de Willendorf.
a) Imagens do cotidiano que sugerem caçadas, b) Mãos grandes.
b) Possa ser um código linguístico complexo,
danças, manifestações rituais. * c) Mãos em negativo.*
ainda não traduzido pelo pesquisador 9. Em várias grutas pré-históricas, ricamente
b) Cenas nas quais prevalece o grafismo decoradas, foram encontradas pinturas d) Várzea Grande.
moderno.
entalhado em superfícies previamente polidas. c) Podem ser expressões de arte popular, retratando cenas de caça, ou animais como o 13. Eram usados como pigmentos na arte pré-
c) Aspectos recentes, cujo procedimento de semelhante ao praticado por artistas cavalo e o bisão. Assim é a arte rupestre histórica:
datação indica o recuo das cronologias da modernos de arte urbana. comumente feita sobre a pedra que pode
prática pré-histórica. também ser encontrada em incisões em ossos e a) Tinta guache e Sangue de animais.
d) Possa ser trabalho de adolescentes pré- b) Cera e Sumo de flores.
d) Situações ilusórias na reconstituição da pré- históricos, estudando as primeiras técnicas madeira. As pinturas e as incisões rupestres
história, pois se localizam em ambientes surgiram no período: c) Sangue e carvão.
de desenho. d) Pedras e giz.
degradados. e) Tenham sido utilizadas em rituais religiosos a) Glacial.
e) Grafismos rupestres que comprovam que ou de caça, ou ainda gravação de cenas b) Paleolítico.*
foram realizados por pessoas com cotidianas.* c) Mesolítico.
sensibilidade estética.
d) Neolítico.
12 - EXERCÍCIOS DE INTERPRETAÇÃO: ARTE MESOPOTÂMICA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
1. Quais os principais povos da Antiguidade 5. Um dos povos que habitaram a Mesopotâmia 8. Escolha a alternativa que define o que é uma 11. Se um arquiteto constrói uma casa para alguém,
habitaram a região da Mesopotâmia? na Antiguidade foram os Assírios. Qual das “estela mesopotâmica”: porém não a faz sólida, resultando daí que a
a) Egípcios, gregos, romanos e hunos. alternativas abaixo aponta características deste a) Trata-se de um monumento comemorativo casa venha a ruir e matar o proprietário, este
b) Babilônicos, assírios, sumérios, caldeus, povo? que se levanta sobre o solo à semelhança de arquiteto é passível de morte. – “Se, ao
amoritas e acádios.* a) Tinha na guerra sua principal atividade. um pedestal ou de uma lápide. desmoronar, ela mata o filho do proprietário,
c) Visigodos, burgúndios, ostrogodos e Agiam de forma extremamente cruel nas b) Na estela, alguns povos da antiguidade matar-se-á o filho deste arquiteto." O preceito
vândalos. guerras e impunham castigos severos aos costumavam escrever símbolos, sinais, figuras legal anterior pertence ao seguinte Código:
d) Hebreus, hititas e egípcios. derrotados.* ou textos que explicavam a razão da a) Corpus Juris Civilis.
b) Gostavam muito de arte e, portanto, construção. b) Código de Hamurabi.
2. As figuras abaixo mostram uma espécie de
destacaram-se pela construção de escolas de c) A Estela de Mesa (igualmente conhecida como c) Código de Direito Canônico.
história em quadrinhos da antiguidade. A 1ª
arte por toda Mesopotâmia. Pedra Moabita), a Estela de Mernepta (Estela d) Código Napoleônico.
mostra uma cena de guerra e a 2ª uma de paz.
c) Eram excelentes comerciantes, mantendo de Israel) e as estelas cântabras são alguns
Estas figuras representam um tipo de arte da 12. Foram os povos que habitavam a Mesopotâmia
relações mercantis com gregos, egípcios e exemplos deste tipo de monumentos.
cultura: que desenvolveram uma das mais antigas
hebreus. d) Todas as alternativas estão corretas.*
a) Grega. formas de escrita, usada para registrar seus
d) Buscava de forma pacífica unir todos os 9. O que era o Código de Hamurabi, criado na
b) Mesopotâmia.* bens e as transações comerciais. Sobre a escrita
povos da Mesopotâmia em prol de melhores Babilônia?
c) Egípcia. desenvolvida por esses povos, é CORRETO
condições de vida para todos.
d) Romana. a) Conjunto de leis que organizava o comércio afirmar:
6. A região da Mesopotâmia ocupa lugar central na região da Mesopotâmia.
a) A escrita foi desenvolvida na região pelos medos,
na história da humanidade. Na Antiguidade, foi b) Conjunto de leis e regras sociais criadas pelos
sendo utilizada também por outros povos.
berço da civilização sumeriana devido ao fato assírios, cujo objetivo era educar a população
b) Os escribas usavam um estilete para desenhar as
de: mesopotâmica.
letras nas tábuas de madeira.
a) Ser ponto de confluência de rotas comerciais c) Conjunto de leis criado pelo rei Hamurabi que
c) A escrita mesopotâmica foi chamada de
3. Os sumérios, povo antigo que de povos de diversas culturas. definia punições severas a quem cometesse
cuneiforme porque era feita de sinais que
habitou a Mesopotâmia, b) Ter um subsolo rico em minérios, crimes. Tinha como base a lei de talião: “olho
tinham a forma de cunha, e os escribas usavam
destacaram-se na construção possibilitando o salto tecnológico da idade da por olho, dente por dente”. *
um estilete para desenhar as letras nas tábuas de
de zigurates. O que eram estes pedra para a idade dos metais. d) Conjunto de leis criado por Nabucodonosor II,
argila.*
zigurates? c) Apresentar um relevo peculiar e favorável ao que tinha como objetivo principal cobrar
d) A escrita cuneiforme, inicialmente, representava
a) Palácios onde viviam os reis e toda nobreza do isolamento necessário para o crescimento impostos da população e punir os
sons, como na nossa voz e eram escritas em
povo sumério. socioeconômico. sonegadores.
tecidos.
b) Canais de irrigação construídos nas margens d) Possuir uma área agricultável extensa, e) Os mesopotâmios não sabiam utilizar a escrita.
10. As sociedades da Antiguidade Oriental tiveram
dos rios Tigre e Eufrates. favorecida pelos rios Tigre e Eufrates.*
práticas sociais com influências marcantes das 13. A Mesopotâmia é considerada o berço da
c) Construções em formato de pirâmides, que e) Abrigar um sistema hidrográfico ideal para a
religiões e inventaram outras formas de civilização por que:
eram usadas como locais de armazenagem de locomoção de pessoas e apropriado para
conhecer o mundo. Na Mesopotâmia, a) Foi a primeira civilização que descobriu
gêneros agrícolas e também como templos desenvolvimento comercial.
ocorreu/ocorreram: instrumentos importantes para o advento da
religiosos.* 7. A escrita cuneiforme dos mesopotâmios,
a) O predomínio de castas sacerdotais poderosas, medicina.
d) Torres de pedra construídas para proteger as utilizada principalmente em seus documentos
mas que criticavam o poder existente e b) Foi a primeira civilização a praticar a agricultura,
cidades sumérias. religiosos e civis, era:
combatiam as superstições. o principal produto era a cana de açúcar.
a) Semelhante em seu desenho à escrita dos b) Expressões artísticas pouco originais,
4. Pintura e escultura mesopotâmica mostram: c) Foi a primeira civilização da História, era
egípcios. direcionadas só para admiração dos deuses e
a) Emoção e religiosidade. b) Composta exclusivamente de sinais lineares e constituída de povos nômades que viajavam em
das forças da natureza. busca de alimento.
b) Simetria e cores neutras. traços verticais. c) O uso da escrita cuneiforme, a descoberta do d) Foi a primeira civilização a praticar a agricultura,
c) Ação e religiosidade. c) Uma representação figurada evocando a uso da raiz quadrada e a crença na ação de o principal produto era o café.
d) Rigidez, pobre e de baixo coisa ou o ser.* espíritos malignos causadores de doenças.* e) Foi a primeira civilização sedentária, e isso
relevo.* d) Baseada em agrupamentos de letras d) A crença em deuses antropomórficos,
e) Dramaticidade e movimento. formando sílabas. permitiu o surgimento das cidades, foi também
oniscientes e eternos que não eram adorados primeira a utilizar o sistema de escrita,
e) Uma tentativa de representar os fonemas em templos.
por meio de sinais. matemática e astronomia.*
13 – A ARTE NO EGITO – INTRODUÇÃO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Mas outros povos também Os pequenos desenhos que Os egípcios eram

se desenvolviam ao mesmo aparecem ao redor das pessoas politeístas, esculpiam
tempo em que os povos são as escritas egípcias. A esses imagens dos mais
que habitavam a caracteres dá-se o nome de variados deuses. E,
Mesopotâmia. Observe a hieróglifos. Dentre os povos da em homenagem a
imagem ao lado: Antiguidade, o egípcio foi um dos esses deuses,
Olhando a foto vemos as pirâmides do Egito. Até mais desenvolvidos. Conhecia a construíam templos
hoje elas e toda a história do Egito com todos os matemática, astronomia, monumentais.
seus mistérios nos encantam. A cultura egípcia se medicina, artes etc. Era Eles acreditavam que continuariam a viver em
desenvolveu as margens do rio Nilo, na mesma socialmente organizado em faraó, outro lugar depois da morte e, para isso, se
época em que os povos da Mesopotâmia se considerado um deus, com preparavam durante toda a vida. Os mais ricos
desenvolviam na região entre os rios Tigre e poderes totais, sacerdotes, principalmente o faraó, construíam seus
Eufrates. Observe, no mapa, a localização dos rios escribas, nobres, militares, próprios túmulos, como as pirâmides, as
Tigre e Eufrates, na cultura mesopotâmica e o rio artesãos, camponeses e escravos. mastabas e os hipogeus – labirintos
Nilo, na cultura egípcia. Os egípcios eram extremamente subterrâneos que escondiam ao máximo de
vaidosos, com conhecimento ladrões e saqueadores os objetos com os quais
profundo de cosmética. Tanto o morto era enterrado. Havia também a
homens quanto mulheres usavam preparação dos enxovais funerários: objetos de
maquiagem e tinham cuidados com uso pessoal, joias, dinheiro, alimentos,
o corpo e o cabelo. Eles dominavam perfumes, vasos, estatuas, pois achavam que
também as técnicas da ourivesaria e na nova vida tudo isso lhes seria necessário.
produziam uma grande quantidade
de joias.
Através de pinturas,
relevos e anotações A arquitetura egípcia apresenta
existentes nas paredes proporções grandiosas. Nobres,
das ruínas de palácios, sacerdotes e faraós moravam
túmulos, como as em palácios extremamente
pirâmides, hipogeus e luxuosos, mas a motivação
mastabas e templos maior para a arte e a
conhecemos a história arquitetura egípcia sempre foi a
do Egito. religião.
14 – A PINTURA EGÍPCIA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
A pintura egípcia apresenta As esculturas possuem lugar de Dentro da história da

características muito destaque na arte egípcia. Elas arte é possível
marcantes. Em relação às mostram faraós, rainhas, deuses, considerar que a arte
cores, por exemplo, escribas e todo o tipo de pessoa produzida até os dias
predominam os tons sempre com rigidez na posição do atuais é fruto de
avermelhados semelhantes à corpo e feição do rosto, e os ensinamentos e
terra, o marrom, o preto e o homens, com a cor da pele mais influencias de produções
branco. Quanto ao desenho, a escura, aparecendo sempre maiores artísticas que foram
lei da frontalidade aparece que as mulheres. passadas de geração em
em quase todas as pinturas. Há esculturas de todos os tamanhos feitas em geração.
Chamamos de lei da madeira, pedra, ouro e bronze. Nessa perspectiva é possível dizer que somos todos
frontalidade o hábito de se alunos dos gregos e os gregos, por sua vez, foram
desenhar os olhos e os ombros alunos dos egípcios. Por esse motivo, a importância da
das pessoas sempre de frente arte egípcia para as manifestações artísticas que viriam
para o observador, mesmo depois deles.
que os pés e a cabeça estejam A arte egípcia estava inteiramente ligada à religião,
de perfil. A preocupação era sobretudo com a vida após a morte. Os túmulos dos
mostrar cada parte do corpo grandes faraós, geralmente Pirâmides, eram
pelo ângulo mais solenemente ornamentados com desenhos, pinturas,
representativo. A escultura egípcia antiga procurava representar os esculturas, além de baixos e altos relevos. Todo este
Além de ser feita nas paredes, a pintura também era deuses e os faraós para capacitar a população a vê- cuidado servia para “ajudar” a alma a sobreviver após a
realizada sobre uma folha de papiro (tipo de papel los em suas formas físicas. Ela estava intimamente existência terrena. Assim as imagens encontradas nas
usado pelos egípcios proveniente da planta com o ligada à arquitetura, que, por sua vez, voltava-se tumbas egípcias estavam ligadas com a ideia de
mesmo nome). para a construção de templos e de tumbas. As propiciar, à alma, ajudantes que o orientassem ou
paredes desses lugares eram revestidas com gesso e encaminhassem a outra vida. No entanto, esse rico
entalhadas – um método mais fácil do que esculpir acervo de imagens divide conosco um retrato do
na pedra. Nelas também se colocavam estátuas de cotidiano dos antigos egípcios.
deuses, do falecido rei ou rainha, de funcionários
públicos, escribas e outros grupos. Além disso,
retratavam-se objetos menores de uso doméstico e
diário. As cenas das paredes das primeiras tumbas
egípcias apresentam atividades como caça, pesca e
ambientes agrícolas; atividades artísticas e
comerciais; tarefas domésticas etc. Tais relevos
mostram uma crença confiante no futuro como uma
espécie de extensão da vida presente.
15 – CRIANDO HIERÓGLIFOS E SEGREDOS. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte: Os egípcios e os povos da

Mesopotâmia criaram diferentes tipos de escrita. Na
tabela a seguir, invente um símbolo para cada letra
do nosso alfabeto. Depois, utilizando os símbolos
criados por você, escreva e mande uma mensagem
que será entendida por um colega a quem você
revelou o segredo.
16 – CRIANDO HISTÓRIAS EM QUADRINHOS. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Praticar arte: A história em quadrinhos faz parte do dia a dia de milhares de pessoas. Tanto crianças quanto jovens e adultos conhecem e gostam dessa forma de
literatura, que une sequência de imagens e textos e apresentam histórias e personagens dos mais variados tipos: super-heróis, monstros, animais com sentimento
e reações humanas etc. aparecendo com histórias completas nos chamados gibis e almanaques ou em pequenas tirinhas nos jornais e revistas, ela também faz
parte dos meios de comunicação do nosso século. Siga as instruções para você criar sua história em quadrinho seguindo as instruções a seguir.
Deus da morte no Egito Antigo, mumificação, origem, funções, religião egípcia,

mitologia do Egito, deuses egípcios. De acordo com a mitologia do Egito Antigo,
Anúbis era o deus da morte, da mumificação e do submundo. Anúbis era
representado nas pinturas com o corpo de homem com a cabeça de um chacal. É
considerado a primeira múmia do Egito Antigo. Era Anúbis quem presidia as
mumificações, pois era o guardião dos conhecimentos desta técnica. Anúbis
também tinha a função de ser o protetor das tumbas. Era também o juiz dos
mortos e quem conduzia a alma dos mortos no além.
17 - EXERCÍCIOS DE INTERPRETAÇÃO: ARTE DO EGITO ANTIGO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
1. Sobre a arte egípcia, é INCORRETO afirmar: 3. “ ssa lei deter ina a q e o tronco da pessoa 7. Aos egípcios devemos uma herança rica em 10. Sobre a arte egípcia, marque (V) para as
a) As grandes manifestações da arquitetura egípcia fosse representado sempre de frente, enquanto cultura, ciência e religiosidade: eram habilidosos alternativas verdadeiras e (F) para as falsas.
foram os magníficos templos religiosos, as sua cabeça, suas pernas e seus pés eram vistos cirurgiões e sabiam relacionar as doenças com as
a) A arte egípcia pode ser definida como a arte
pirâmides, os hipogeus e as mastabas. de perfil”. Assinale a alternati a C RR TA q e causas naturais; criaram as operações
das convenções, pois obedecia a uma série de
b) Na pintura, as figuras eram representadas com contém o nome dessa lei: aritméticas e inventaram o sistema decimal e o
padrões e regras, o que limitava a criatividade
os olhos e os ombros em perfil, embora com o a) Lei da modernidade. ábaco. Sobre os egípcios é correto afirmar
e a imaginação pessoal do artista.*
restante do corpo de frente.* b) Lei da frontalidade.* também que:
b) A pintura egípcia tinha como marca a Lei da
c) A escultura egípcia obedecia a uma orientação c) Lei da mortalidade. a) Foram conhecidos pelas construções de
Frontalidade , pela qual o tronco das figuras
predominantemente religiosa. Eram numerosas d) Lei da lateralidade. navios, que os levaram a conquistar as rotas
era representado de frente, enquanto a
as estátuas esculpidas com a finalidade de ficar e) Lei da superioridade. comerciais para o Ocidente, devido à sua
cabeça, as pernas e os pés eram vistos de
dentro de túmulos. A escultura egípcia atingiu 4. Sobre a religião no Egito Antigo é falso afirmar posição geográfica, perto do mar
perfil.
seu desenvolvimento máximo com os Mediterrâneo.*
que: c) Embora a arte egípcia estivesse intimamente
sarcófagos, esculpidos em pedra ou madeira. b) Deixaram, além dos hieróglifos, outros dois
a) Os egípcios acreditavam na vida após a ligada à religião, na pintura, não havia essa
d) A cultura egípcia foi profundamente marcada sistemas de escrita: o hierático, empregado
morte e, por isso, desenvolveram a técnica relação, pois as pinturas tratavam apenas de
pela religião e pela supremacia política do faraó. para fins práticos, e o demótico, uma forma
da mumificação. temas pagãos.
Esses dois elementos exerceram grande simplificada e popular do hierático.
b) Os egípcios não acreditavam na vida após a d) Nas representações pictóricas, via de regra, a
influência nas artes (arquitetura, escultura, c) Praticaram o sacrifício humano como forma
morte e seguiam uma religião monoteísta cor da pele do homem era diferente –mais
pintura, literatura) e na atividade científica. de obter chuvas e boas colheitas, haja vista o
(crença na existência de apenas um deus).* escura –da cor da pele da mulher.
e) A gradação, a mistura de tonalidades e o claro- território onde se desenvolveram ser
c) Os egípcios acreditavam na existência de e) Particulariza a arte egípcia o anonimato dos
escuro não eram utilizados. desértico.
vários deuses (religião politeísta). artistas, pois a obra deveria revelar o perfeito
d) Fizeram uso da escrita cuneiforme, que
2. gito isitado an al ente por il es de d) Na religião egípcia muitos animais eram domínio das técnicas de execução, e não o
inicialmente foi utilizada para designar
t ristas de todo o ndo dese osos de er considerados sagrados, como, por exemplo, estilo de quem as executava.
objetos concretos e depois ganhou maior
co os pr prios ol os a grandiosidade do gato, jacaré, água, serpente, etc. complexidade. 11. A arquitetura do antigo Egito forneceu para a
poder esc lpida e pedra il nios: as e) Usaram as pirâmides para fins práticos, como,
5. Na arquitetura do Egito Antigo podemos posteridade a mais fértil e expressiva
pirâmides de Gizé, as tumbas do Vale dos Reis por exemplo, a observação astronômica.
destacar as pirâmides. Qual era a principal documentação sobre a cultura egípcia. Entre
e os numerosos templos construídos ao longo
função das pirâmides? 8. Em relação à arte do Egito Antigo, assinale a suas principais características pode-se indicar a:
do Nilo. O que hoje se transformou em atração
turística era, no passado, interpretado de a) Serviam como residência dos faraós e toda alternativa correta. a) Ausência de telhados, uma vez que a chuva
forma muito diferente, pois: nobreza, por isso eram grandes e luxuosas. era muito rara.
b) Para estocar a produção de grãos e guardar a) Visava à valorização individual do artista. b) Utilização de porcelanato queimado na
a) Significava, entre outros aspectos, o poder que as riquezas do faraó e sua família. b) Manifestava as ideias estéticas com
os faraós tinham para escravizar grandes construção de paredes, escadarias e de
c) Servir de templo religioso, pois nelas eram representações da natureza, evitando a colunas.
contingentes populacionais que trabalhavam realizados os rituais egípcios. representação da figura humana.
nesses monumentos. * c) Grandeza nas dimensões e construções
d) Proteger e conservar o corpo do faraó c) Estava destinada à glorificação do faraó e à sólidas.*
b) Representava para as populações do alto Egito a mumificado e seus pertences pessoais para a representação da vida de além-túmulo.*
possibilidade de migrar para o sul e encontrar d) Adoção de diversos tipos de materiais,
vida após a morte.* d) Aproveitava os hieróglifos como conforme as figuras retratadas.
trabalho nos canteiros faraônicos. ornamentação.
6. Quais os principais legados deixados pela e) Preocupação em atrelar arte e ciência em
c) Significava a solução para os problemas e) Era uma arte abstrata de difícil interpretação.
civilização egípcia para a humanidade? uma mesma construção.
econômicos, uma vez que os faraós sacrificavam
aos deuses suas riquezas, construindo templos. a) Democracia, graças ao sistema político no 9. A arquitetura egípcia, riquíssima, deixou como
d) Representava a possibilidade de o faraó ordenar Egito Antigo (sistema de eleições diretas). legado:
a sociedade, obrigando os desocupados a b) Importantes técnicas de Mecânica, graças à
trabalharem em obras públicas, que criação de diversas máquinas movidas à a) Nuragues, mastabas e grandes palácios.
engrandeceram o próprio Egito. vapor. b) Zigurates, pirâmides e hipogeus.
e) Significava um peso para a população egípcia, c) Conhecimentos na área da Medicina (graças c) Mastabas, hipogeus e pirâmides.*
que condenava o luxo faraônico e a religião à mumificação), desenvolvimento de técnicas d) Mesquitas, templos e zigurates.
baseada em crenças e superstições. de Arquitetura com uso da Matemática e) Mastabas, mesquitas e nuragues.
(graças à construção de pirâmides).*
18 – RESUMÃO: A ARTE MESOPOTÂMICA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Construções: Primeiro, foram as muralhas erguidas ao redor Convenção de Liberdade: Um dos raros testemunhos da
da Babilônia, capital do seu reino; depois, os palácios pintura da Arte Mesopotâmica foi descoberto entre 1933 e 1955;
Enquanto os povos da Europa construídos com um luxo sem precedentes. Ao portentoso Embora as tintas utilizadas fossem extremamente vulneráveis ao
só conheciam a pedra polida, palácio real, na margem esquerda do Eufrates, achavam-se tempo, nos poucos fragmentos que restaram é possível perceber
no Oriente Próximo ligados os jardins suspensos, que os antigos consideravam uma o seu brilho e vivacidade. Apesar de conservarem algumas
desenvolviam-se importantes das sete maravilhas do mundo. Nabucodonosor os construíra, convenções – como a “lei da frontalidade”, seus artistas
civilizações. A história da diziam, para que sua esposa não sentisse saudades das executaram algumas figuras sugerindo movimento, o que prova
Mesopotâmia é a de um montanhas da Média, sua pátria (a noroeste do Irã atual). As que os artistas possuíam uma técnica talvez superior à que lhes
conflito permanente entre muralhas eram tão largas que, sobre elas, realizavam-se era permitido demonstrar.
populações que se alternaram corridas de canos. Mais famosas ainda eram as portas, cada
no domínio sobre a região. A uma dedicada a uma divindade e ornamentadas com grandes
Arte Mesopotâmica é em sua figuras em relevo. O Casinho das Procissões e a porta azul de
quase totalidade de cunho Ishtar eram decorados com figuras em cerâmica esmaltada. A
religioso. A religião, a magia e porta encontra-se no museu de Berlim, mas suas cores
sua prática arraigavam-se na desapareceram. Curiosamente, as escavações arqueológicas
vida cotidiana com força de revelaram que os célebres jardins suspensos eram bastante
lei: qualquer transgressão às modestos. Artistas: Não se conhece o nome de nenhum artista
normas seria o castigo divino. Características: Muitas obras de escultura da Arte mesopotâmico. As obras eram executadas em grandes ateliês
Cada construção e cada objeto da Arte mesopotâmica têm mesopotâmica se perderam por terem sido executadas em anexos aos palácios por uma coletividade de pessoas que, na
características próprias, que as diferenciam da arte de outros argila. Estátuas de pedra ou outros materiais mais resistentes escala social, se encontravam no mesmo nível dos artesãos. No
povos igualmente religiosos. São essas característica que são raras, e representam sempre a realeza ou altos dignitários. Código de Hamurabi, arquitetos e escultores são mencionados ao
revelam o espírito da antiga Mesopotâmia. Nas esculturas mais antigas, os padrões de elaboração eram lado de ferreiros e sapateiros, ou seja, constituíam a terceira
Arquitetura na Arte Mesopotâmica: Uma das primeiras rígidos: nariz em forma de bico, globo ocular indicado por uma classe da sociedade mesopotâmica.
manifestações da arquitetura suméria foi o Templo Branco, concha, pupila em lápis-lazúli, cílios marcados com um risco
construído em Uruk, erguido sobre uma montanha artificial de preto. Os trajes convencionais distinguiam as figuras femininas
12 m de altura. Seu objetivo era aproximar o céu e a terra, das masculinas: na época dos sumérios, o homem cobria-se
ligando os homens à divindade. No império acadiano essa até a cintura, enquanto a mulher deixava nus apenas o braço e
plataforma artificial desapareceu. Entretanto, algumas criações o ombro direitos. De modo geral, as esculturas destinavam-se
sumérias influenciaram os vários períodos da arquitetura da a substituir a presença da pessoa representada, no templo. Por
Arte mesopotâmica: o emprego da abóbada, o uso do tijolo cru essa razão, as figuras, na maior parte das vezes, encontra-se
como único material para as edificações è o zigurate – torre de em posição de adoração. Esse rigor formal pode ser observado
sete andares decrescentes, coroados no topo por uma capela. nas placas fúnebres que acompanhavam o mono ao túmulo,
O zigérate mais famoso é a torre da Babilônia, a “torre de narrando em pedra ou argila os acontecimentos mais
Babel” mencionada na Bíblia. De modo geral, os palácios importantes da sua vida. Como era preciso colocar figuras de
três dimensões numa superfície de apenas duas, a imagem
formavam um conjunto maciço, sem janelas para o exterior; os
sofria um rígido processo de distorção: cabeça, pernas e pés
aposentos dispunham-se em torno de um pátio interno,
eram representados de perfil; o busto, de frente. Essa
prática mantida durante milênios no Oriente Médio. As
dissociação recebeu o nome de “lei da frontalidade” e marca
paredes internas eram revestidas de pintura, como, por
todas as épocas da arte mesopotâmica.
exemplo, o palácio de Mari, construído na época dos novos
remos sumérios. Suas paredes ilustram episódios marcantes da
vida do rei.
19 – A ARTE GREGA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Os templos também possuíam frisos e frontões, que

eram ricamente decorados.
As colunas apresentavam formas diferentes,

caracterizando três estilos gregos: dóricos, jônico e Além do território que hoje conhecemos como Grécia,
Ao observar as ruínas coríntio.
os gregos se espalharam pelas ilhas do mar Egeu, pela
da Basílica, talvez você
Ásia Menor e fundaram colônias no sul da Itália,
não perceba a beleza
chamada de Magna Grécia. Eram unidos pela língua e
da arte criada pelos
crenças religiosas, mas divididos em cidades-estados
gregos. Mas a
com independência política e econômica. Duas dessas
ilustração a seguir
cidades merecem destaque: Atenas, berço da arte e da
mostra como
democracia, e Esparta, cidade dos guerreiros.
provavelmente foi
Os gregos buscavam no
esse templo.
homem e na vida
inspiração. O homem era
considerado o modelo, o
A arquitetura grega era ligada Coluna Dórica: É a mais comum. padrão de beleza. Ele era
basicamente aos templos, Caracteriza-se pela coluna apoiada retratado sem
construídos com pedras sobre diretamente sobre a plataforma do templo. imperfeições, idealizado.
uma plataforma de dois ou três Seu capital é sóbrio e ausente de enfeites. Seus deuses eram uma
degraus com muitas colunas glorificação do próprio
para garantir a sustentação do Coluna Jônica: Seu fuste é menos volumoso homem e tinham emoções
teto. O espaço interno era e seu capitel possui volutas laterais. e características humanas.
pequeno, destinado às imagens As esculturas, por
de deuses e sacerdotes. Os exemplo, eram feitas
cultos eram realizados na parte quase sempre em
externa. As colunas que Coluna Coríntia: É basicamente igual à mármore e bronze,
sustentavam os templos eram jônica. Apresenta mais ornamentos em seu embora utilizassem
formadas por três partes: base, capitel, como folhas de acanto. Mais também outros materiais,
fuste e capitel. decoradas que todas as outras. como o marfim e a
madeira.
20 – A CERÂMICA GREGA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
As cerâmicas gregas tinham rara beleza. Eram utilizadas como Praticar a arte: As faixas utilizadas pelos gregos nas cerâmicas e nos frisos dos templos serviram
recipientes para vinho, azeite, mel, perfume e até como urna de inspiração para as faixas que usamos até hoje nas decorações. Utilize o espaço a seguir para
funerária. As formas eram elegantes e a decoração era feita com criar faixas decorativas. Você pode escolher temas como frutas, carros, personagens famosas
figuras geométricas ou cenas mitológicas, com histórias de deuses ou figuras geométricas.
e heróis.
Mas pouco a pouco, os gregos começaram a vender sua cerâmica

para outros povos mediterrâneos ou entre as cidades-estados, o
que fez aumentar o número de ateliês que as produziam, e claro a
concorrência aumentou a criatividade.
Novas técnicas foram sendo
introduzidas. Inicialmente, como naquele
vaso com as figuras geometrizadas, o
fundo era claro e as figuras negras.
Acontece que os coríntios queriam
aumentar a complexidade das cenas que
pintavam e sobrepor as figuras, para
tanto inventaram a técnica do fundo
negro e das figuras vermelhas. Esta
técnica foi a bomba, em pouco tempo os
artistas atenienses começaram a utilizá-
la. A cerâmica foi tão importante e tão
significativa como símbolo de status que
os artistas começaram a assinar suas
obras! Os clientes ricos queriam comprar
produtos de luxo como perfumes e
vinhos em recipientes atrativos, e aí
estavam as cerâmicas gregas para
satisfazê-los!
21 – AS MÁSCARAS DO TEATRO GREGO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Os gregos davam grande importância para o teatro. Praticar a arte 1: Faça uma máscara com saco de papel. Primeiramente decida que sentimento ela deverá
Não só escreviam os textos das peças como também expressar. Pense nas características que você ressaltará para que essa expressão seja alcançada.
construíam teatros para que elas fossem encenadas.
Praticar a arte 2: Escolha um colega com que você trabalhará e siga as orientações para produzir uma
máscara com atadura gessada.
Durante a encenação das peças, os atores gregos

usavam máscaras que mostravam características de
deuses e heróis e também seus sentimentos. Essas
máscaras eram feitas de barro, madeira ou cortiça.
22 – EXERCÍCIOS DE INTERPRETAÇÃO: ARTE GREGA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
1. Sobre a arte feita na Grécia antiga marque a 7. Na arquitetura grega as ordens eram: 12. Relacione os deuses da mitologia grega, 14. Relacione:
alternativa CORRETA: a) Clássica, Arcaica e Dórica. indicados na Coluna A, às características que os A. Ordem dórica.
a) Os gregos não produziram pinturas. b) Dórica, Coríntia e Arcaica. identificam, listadas na Coluna B. B. Ordem jônica.
b) O Cristianismo era muito explorado na arte c) Dórica, Jônica e Coríntia.* C. Ordem coríntia.
COLUNA A
grega. d) Jônica, Helenística e Dórica. I. Afrodite
c) Da Vinci foi um grande ícone da arte grega
8. É um exemplo de arquitetura grega: II. Ártemis
arcaica.
III. Deméter
d) Verossimilhança era uma característica da a) Igrejas. IV. Posseidon
escultura grega.* b) Mesquitas.
2. Eram temas da Arte Grega Antiga: c) Templos.* COLUNA B
d) Castelos.  Deusa da fertilidade, das frutas e das colheitas.
a) Mitologia, Olimpíadas e Heróis.* 15. Eram temas da arte grega antiga:
b) Cristianismo, Paganismo e Mitologia. 9. Os teatros gregos eram construídos:  Deus dos oceanos e das águas.
c) Guerras, Modernismo e Teatro.  Deusa as lua e da caça, protetora dos animais e a) Mitologia, Olimpíadas e Heróis.*
a) Nas encostas dos morros.* das crianças. b) Cristianismo, Paganismo e Mitologia.
d) Heróis, Budismo e Ateísmo.
b) Em grandes palácios.  Deusa da beleza e do amor. c) Guerras, Modernismo e Teatro.
3. Sobre a pintura grega marque a alternativa c) Nas faculdades de artes. d) Heróis, Budismo e Ateísmo.
correta: d) No Coliseu. Assinale a alternativa que completa correta e
a) As pinturas gregas eram feitas em vasos de 10. Sobre a arte grega marque a alternativa respectivamente os parênteses, de cima para baixo. 16. Sobre a pintura na Grécia Antiga:
uso artístico. CORRETA: a) 1, 2, 3, 4* a) Eram feitas em vasos de uso artístico.
b) As pinturas gregas eram feitas em vasos de b) 3, 4, 2, 1 b) Eram feitas em vasos de uso cotidiano.*
a) Artistas gregos sempre assinavam suas
uso cotidiano. * c) 4, 3, 2, 1 c) Eram feitas em grandes telas.
obras.*
c) As pinturas gregas eram feitas em grandes d) 2, 4, 1, 3 d) Eram feitas em enormes igrejas.
b) As esculturas eram estilizadas.
telas. e) 3, 4, 1, 2
c) Não existiam nus femininos. 17. É um exemplo de arquitetura grega:
d) As pinturas gregas eram feitas em enormes
d) O teatro teoricamente surge na Grécia.
igrejas góticas. 13. Marque C (certo) ou E (errado) conforme o a) Igrejas.
11. Sobre a arte grega, marque V para as conteúdo da afirmação: b) Templos.*
4. São períodos das esculturas gregas:
alternativas verdadeiras e F para as falsas. a) Os gregos veneravam a beleza, atingindo c) Mesquitas.
a) Dórico, Jônico e Coríntio. um grau de perfeição incomparável na sua d) Castelos.
b) Arcaico, Clássico e Helenístico. * expressão artística.
a) Assim como a dignidade e o valor do homem 18. Sobre a arte da Grécia Antiga, assinale o que for
c) Arcaico, Clássico e Dórico.
centralizavam os conceitos gregos, a figura b) As abundâncias de materiais como o CORRETO:
d) Dórico, Clássico e Helenístico.
humana era o principal motivo da arte grega. mármore e o apurado senso estético dos a) Por questões de ordem religiosa, os gregos
5. As esculturas arcaicas tinham: gregos permitiram-lhes uma arquitetura não desenvolveram nenhum tipo de pintura.
b) Enquanto a filosofia destacava a harmonia, a rica e harmoniosa. b) A escultura grega teve como uma de suas
a) Bastante movimento. ordem e a clareza de pensamento, a arte e
b) Pouco movimento. origens a escultura egípcia.
arquitetura refletiam um respeito c) A arquitetura mortuária é uma das mais
c) Quase nenhum movimento.* c) As cópias de esculturas gregas realizadas
semelhante ao equilíbrio. desenvolvidas na arte grega.
d) Detalhes em bronze. pelos artífices romanos possuíam grande
d) Da difusão da arte grega no Oriente, surgiu
grau de inventividade, portanto não podem
6. As Esculturas Clássicas não tinham: c) A arte grega, secular e funcional, privilegiava a arte helenística.
ser consideradas fidedignas.
a inovação e a eficiência, destacando-se, e) O tema mais explorado na escultura grega d) A partir do período Clássico, atingindo
a) Nu masculino. nesse sentido, construções arquitetônicas
b) Vários personagens.* era o trabalho. determinado domínio da técnica na
que acomodavam grandes públicos para representação do real, a escultura grega não
c) Deuses. adorarem aos deuses. f) A pintura grega que conhecemos restringe-
d) Heróis. sofreu nenhuma alteração posterior.
se à decoração de vasos. e) Durante o período denominado arcaico, os
d) Entre os legados arquitetônicos gregos, artífices gregos ainda praticavam uma
g) Os temas religiosos não são importantes
destaca-se o Parthenon, tempo construído na escultura com certa rigidez formal.*
na arte grega.
Acrópole, que utiliza a ordem dórica na sua
estrutura.
23 – A MITOLOGIA GREGA: OS DEUSES DO OLIMPO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Os Gregos eram politeístas, isto é, adoravam vários deuses, acreditando que esses deuses tinham forma humana, embora fossem mais belos e poderosos
que os homens, imortais e possuidores de poderes mágicos. Os deuses gregos revelavam também qualidades e defeitos semelhantes aos dos seres
humanos: apaixonavam-se, sofriam, conheciam aventuras e desventuras e os Gregos falavam deles como se fossem pessoas: contavam a história da sua
vida, as suas lutas, sentimentos etc. O conjunto das histórias maravilhosas da vida dos deuses e heróis gregos chama-se mitologia. Para os Gregos, os
deuses eram descendentes da terra - Gaia - e do céu - Urano - e tinham grandes semelhanças com os homens. O Monte Olimpo é o ponto mais alto de toda
a Grécia, com uma altitude de 2.917m. Na antiga Grécia Antiga, era a casa dos deuses importantes. A entrada para o Olimpo fazia-se através de um portão
feito de nuvens, isto talvez se possa atribuir ao fato de o cume da montanha, devido à sua altitude, estar sempre coberto de nuvens.
O filho mais O irmão mais Mesmo sendo Terceira mulher O nome da Filho de Zeus e Filho de Zeus O deus da luz É a deusa da O terrível deus Irmã gêmea de
novo de Cronos velho de Zeus e irmão de Zeus e de Zeus e deusa do amor Hera, Hefesto com a deusa (representada sabedoria e da guerra é Apolo é a deusa
e Réia é o líder Hades é o deus Posêidon, não rainha do significa nasceu tão Maia, o pelo Sol), das filha de Zeus outro filho de da caça,
dos deuses que do mar. Com vive no monte Olimpo, Hera é “nascida da fraco e feio que mensageiro dos artes, da com a primeira Zeus e Hera. No representada
vivem no monte um movimento Olimpo. Hades, a deusa do espuma”, foi jogado pela deuses é o medicina e da mulher dele, campo de por uma mulher
Olimpo. Ele de seu tridente, como deus dos matrimônio e porque diziam mãe no oceano. protetor de música é filho Métis. Seu batalha pode com um arco,
impõe a justiça causa mortos, domina do parto. É que ela havia Resgatado por viajantes e de Zeus com símbolo é a matar um também é a
e a ordem tempestades e seu próprio vingativa com surgido do mar. ninfas, virou um mercadores. uma titã, Leto. mais sábia das mortal apenas protetora dos
lançando terremotos – e território que as amantes do Afrodite é a famoso artesão. Representado Na juventude, aves, a coruja. com seu grito animais.
relâmpagos sua fúria é fica no marido e com mais bela das Impressionados como um era vingativo, Habilidosa e de guerra. Pai Artemis é uma
construídos famosa entre os submundo. os filhos de deusas. Apesar com o talento homem de mas depois se especialista nas de vários heróis deusa casta
pelos ciclopes. deuses. Apesar de Zeus que elas de ser esposa dele, os deuses sandálias com tornou um deus artes e na – humanos que (virgem), que
Zeus teve Posêidon vive passar uma geram. Para os de Hefesto, levaram asas, Hermes mais calmo, guerra, Atena são protegidos fica furiosa
diversas procurando imagem ruim gregos, Hera e teve vários Hefesto ao tinha um lado usando os carrega uma ou filhos de quando se
esposas e casos aumentar seus por sua Zeus casos com Olimpo e o obscuro: às poderes para lança e um deuses -, Ares sente
com deusas, domínios em “função”, não é simbolizam a deuses como nomearam deus vezes trazia cura, música e escudo ainda se tornou ameaçada.
ninfas e diferentes áreas um deus união entre o Ares e Hermes do fogo e da mentiras e previsões do chamado Égide. um dos
humanas. da Grécia. associado ao homem e a e também com forja. falsas histórias. futuro. amantes de
mal. mulher. mortais. Afrodite.
24 – CONHECENDO OS DEUSES GREGOS. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte 1: Ligue a imagem dos deuses gregos que Deus dos trovões, senhor do Olimpo, era filho de Cronos e Réia. Cronos tinha o hábito de devorar seus próprios filhos para
que não tomassem seu lugar no trono. Até que ele nasceu e sua mãe Réia já cansada de tanto sangue e sofrimento deu a
estão no Olimpo com a sua descrição para você saber quem é Cronos uma pedra embrulhada no seu lugar, salvando sua vida. Réia decidiu que esse seria o ultimo filho e encerraria o
quem na mitologia grega. reinado de sangue e sofrimento e tomaria o trono do pai.
Rainha do Olimpo, conhecida também como a deusa protetora do casamento, da vida e da mulher, governava Olimpo ao
lado do seu marido. Tem como seu animal preferido o Pavão. Tinha a fama de ser ciumenta com razão, pois seu era muito
infiel. Teve dois filhos: Ares (deus da guerra) e Hefesto (deus do fogo).
Na mitologia grega, era o deus da guerra. Filho de Zeus (deus dos deuses), Ares e Hera (deusa do casamento, irmã e esposa
de Zeus). De acordo com a Ilíada (poema de Homero), ele tinha uma “quadriga” (carroça puxada por 4 cavalos). Os
garanhões, de acordo com o poema, eram imortais e soltavam fogo pelas narinas. Os gregos costumavam fazer sacrifícios de
animais, na noite anterior aos combates, para conseguir a ajuda desse deus.
Era o grande rei dos mares, um homem muito forte, com barbas e sempre representado com seu tridente na mão e às vezes
com um golfinho. Era filho de Cronos, deus do tempo, e da deusa da fertilidade Réia. Sua casa era no fundo do mar e com
seu tridente causava maremotos, tremores, além de fazer brotar água do solo.
Divindade responsável pelas atividades da caça é representada como uma imagem lunar arisca e selvagem, constantemente
seguida de perto por feras selvagens, especialmente por cães ou leões. Ela traz sempre consigo, no abrigo de suas mãos, um
arco dourado, nos ombros um coldre de setas, e pode ser vista trajando uma túnica de tamanho curto.
É considerado o deus da juventude e da luz, identificado primordialmente como uma divindade solar, uma das divindades
mais ecléticas da mitologia greco-romana. Filho de Zeus e da titã Latona (Leto). Tinha uma irmã gêmea Ártemis que era
conhecida pelos romanos como Diana, a deusa da caça. Segundo a lenda, ele e sua irmã nasceram na ilha de Delos onde sua
mãe Leto se refugiou para se esconder da Hera, a esposa de Zeus.
Também conhecido como Hércules, foi um grande herói da Mitologia

Grega. Ao realizar as doze tarefas, além de se redimir pela morte de sua Era a deusa grega da sabedoria e das artes. Foi concebida da união de Zeus e da deusa Métis. Era uma deusa virgem, linda
esposa e de seus filhos, Hércules conquistou a imortalidade. Casou-se com guerreira protetora de seus heróis escolhidos e também de sua cidade com seu nome. Leva uma lança em sua mão, mas que
Dejanira, que sem querer lhe causou a morte. Na condição de imortal, não significa guerra e sim uma estratégia de vencer, também foi a inventora do freio, sendo a primeira que amansou os
Hércules foi transportado para o Olimpo, onde se casou com a deusa da cavalos para que os homens conseguissem domá-los.
juventude, Hebe.
É a deusa do amor, da beleza e da sexualidade. Ela foi considerada a personificação do ideal de beleza dos gregos na
É o deus grego da riqueza, da sorte, da fertilidade, do sono, da magia, das Antiguidade. E, na Idade Moderna serviu de inspiração para diversos artistas do Renascimento. Ela foi cultuada e associada
viagens, das estradas, do comércio, da linguagem e dos ladrões. aos prazeres carnais, surge o termo “afrodisíaco”.
Mensageiro dos deuses e muito venerado pelos gregos, é considerado um
dos deuses mais irreverentes da mitologia grega. Era conhecido como deus grego do fogo e também protetor das atividades relacionadas ao metal, era filho de Zeus e de
Hera. Comenta-se que o deus do fogo teria nascido muito feio e com aparência de anão, pois tinha problemas na perna. E,
Seu nome significa "marcador de fronteira" sendo que uma de suas por esse motivo a sua mãe Hera muito envergonhada teria o jogado ao mar. Mas com muita generosidade foi recolhida pela
funções era guiar os mortos para o submundo, o reino de Hades. Como deusa Tétis. Ele que produzia os raios e trovões de Zeus com seu poder do fogo e metais. Também construiu o Tridente de
guardião da entrada do submundo, também é chamado de deus dos Poseidon, as flechas de Apolo e também a armadura de Aquiles na Guerra de Tróia.
viajantes e protetor das estradas. É retratado como um jovem bonito, de
corpo atlético e com sandálias mágicas aladas que lhe conferiam maior Foi considerada a deusa mais doce de todas e a ela é atribuída à arte de construir casas e, por isso, é também a deusa da
agilidade e rapidez. arquitetura. Com o símbolo de uma chama de lareira. Era adorada pelos gregos uma vez que representava a proteção.
25 – A ARTE ROMANA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Costuma-se dizer que a arte Como exemplo de arquitetura podemos citar o Coliseu e o Em relação à
romana copiou a arte grega, Panteão. No Coliseu, aconteciam jogos e batalhas entre escultura, os artistas
mas isso é apenas gladiadores. romanos retratavam
parcialmente verdade. Os as pessoas com muita
romanos conquistaram um fidelidade, mostrando
vasto território desde a sempre os seus
Europa até a Ásia e sentimentos, ao
assimilou a cultura dos contrário dos gregos,
povos conquistados, que retratavam com
principalmente o da cultura um ideal de beleza.
grega. Mas, com o passar do
tempo, adaptaram essas
O Panteão, templo construído no século II, é o maior exemplo
culturas ao seu próprio
do uso de abóbodas na arquitetura romana. O material
modo de vida e necessidade.
utilizado em sua edificação é uma massa obtida da mistura de
A população da cidade de
cinza vulcânica, água e cal, semelhante ao atual concreto.
Roma era muito grande e,
consequentemente, havia a
necessidade de se construir
prédios públicos de grandes
proporções para abrigar o
A arte romana também se fez presente na
maior número de pessoas.
decoração. Ao observarmos as ruínas da
Desse modo, os romanos, que admiravam as
cidade de Pompéia, que foi destruída pelo
colunas gregas, que serviam de sustentação para a
vulcão Vesúvio, veremos o luxo das casas com
cobertura, desenvolveram uma forma de construção
suas paredes decoradas, mosaicos e utensílios
em que as colunas passam a ser apenas decorativas. Observe outras construções que fazem uso do arco romano: domésticos. A Antiguidade clássica, ou seja,
Utilizaram o arco e a
arte greco-romana, foi de tão grande beleza e
abóboda, recursos
importância que serviu de modelo para outros
arquitetônicos
estilos artísticos durante a História da
desconhecidos pelos gregos
humanidade.
e egípcios, mas
transmitidos aos romanos
pelos etruscos. A utilização
de arcos e abóbodas
proporcionou às
construções amplos
espaços internos.
26 – AS SETE MARAVILHAS DO MUNDO ANTIGO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
As Sete Maravilhas do
Mundo Antigo foras
escolhidas no século II
a.C. pelo poeta grego
Antítaper entre as
obras mais apreciadas
por gregos e romanos.
Todas foram
destruídas, exceto as
pirâmides do Egito.
Sepulturas dos Seis montes de Figura central do Estátua de Apolo De mármore, Erguido em 450 Farol de mármore,
faraós, terra artificias Templo de com 32 m de construído em a.C. por Creso, rei com 134 m de
construídas há com terraços Olímpia, na altura. Foi 353 a.C. por da Lídia, na cidade altura, construído
mais de 40 arborizados, Grécia, esculpida esculpida em Artemísia, viúva de Éfeso, na atual
em 280 a.C., pelo
séculos na Planície apoiados em por Fídias em 447 bronze por de Mausolo, em Turquia.
a.C., em marfim e Chares, em 280 Halicarnasso, Homenageava a faraó Ptolomeu II.
de Gizé, a 15 colunas de 25 m a
100 m de altura, ébano. Tinha de a.C., no acesso à Cária, hoje deusa dos Centenas de
quilômetros do
Cairo. As mais construídos por 12 a 18 m de Ilha de Rodes, no Turquia. Tinha 50 bosques, Ártemis, homens
célebres sãos as Nabucodonosor altura. Destruída Mediterrâneo. m de altura e chamada de Diana mantinham acesa
de Quéfren, com em homenagem à por um incêndio Destruída por um terminava com pelos romanos. uma chama no
136,5 m de altura, sua mulher, em 475. terremoto em 224 uma carruagem Media 138 m de
topo e
Miquerinos, com Amitis, no sul do a.C. puxada por comprimento por
mecanismos
66 m, e Quéops, Iraque. Chegava- quatros cavalos 71,5 m de largura,
se a eles por uma no topo de uma com colunas de registravam a
com 137,2 m.
Nesta última, escada de pirâmide com 24 19,5 m de altura, direção dos
trabalharam 100 mármore. Não se degraus. Dentro e era famoso ventos e as horas.
mil homens sabe quando havia esculturas e pelas obras de Destruído por um
durante vinte foram estátuas. arte, entre elas a terremoto em
anos. construídos. Destruído por um escultura da
1302.
terremoto entre deusa em ébano,
os séculos XI e XV. ouro, prata e
pedra preta.
27 – PRODUZINDO UMA ESCULTURA COM ARGILA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte: Modelagem com argila.

Observe as orientações a seguir para
construir uma réplica de uma das sete
maravilhas do mundo antigo.
Instruções:
- Forre a mesa ou o espaço onde você irá
trabalhar.
- Mantenha a argila dentro do plástico,
retirando aos poucos, pedaços para a
modelagem.
- Mexa livremente com a argila. Sinta sua
consistência e vá amassando-a para retirar
as bolas de ar.
- Pense nas possibilidades de modelagem
que ela lhe oferecerá. Imagine ou desenhe o
qual das sete maravilhas do mundo antigo
você irar modelar.
- Comece a modelar e não se esqueça de
modelar todos os lados: frente, atrás,
laterais. Se necessário umedeça as mãos.
- Para que a argila não se quebre, deixe-a
secar a sombra ou cubra com um saco
plástico.
- Pinte com tinta guache, plástica ou látex.
28 – EXERCÍCIO INTERPRETATIVO: ARTE ROMANA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
1.A arquitetura romana foi: 4. A pintura romana tem como uma característica 7. Assinale a alternativa CORRETA em relação à 10. Um dos legados culturais mais importantes que
a) Marcada pela influência dos etruscos apenas no uma expressão artística na qual o autor, arte da Roma Antiga: os etruscos deixaram aos romanos foi o uso do
uso da abóbada. organiza pequenas peças coloridas e as colam a) Os artistas romanos não realizavam nenhum arco e da abóbada nas construções. Faça o
b) Definida pelas influências grega e egípcia, o que sobre uma superfície formando imagens. Essa tipo de pintura. desenho de:
resultou em construções grandiosas em técnica de pintura chama-se: b) Nas construções romanas, os arcos tinham uma
homenagem aos deuses. a) Mosaico.* função meramente ornamental, não possuindo,
c) Marcada pela utilização de pedras e tijolos, b) Afresco. então, função estrutural.
utilizados em grandes edifícios públicos.* c) Têmpera. c) Existem apenas duas cidades do Império
d) Suntuosa nas construções públicas, que eram de d) Tinta a óleo. Romano nas quais a arte, e mais
grande originalidade para a época. e) Mesaico. especificamente, a arquitetura e o urbano
e) Baseada no uso exclusivo do arco, graças à 5. Na estatuária romana, a podem ser apreciados, a saber, Herculano e
influência dos mesopotâmicos. característica dá-se pela: Pompeia.
d) A arquitetura não teve grande destaque na [[
2. Os romanos usaram como inspiração a a) Representação idealizada e bela
produção artística da Roma Antiga.
arquitetura etrusca e grega para desenvolver das pessoas. e) Os altos-relevos presentes nos arcos triunfais e
seus projetos. Porém, não podemos falar em b) Representação fiel da realidade
colunas triunfais romana apresentam grande 11. A arte romana sofreu influência de duas
cópia, pois a arquitetura romana possuía muitos e das pessoas.* culturas, essas culturas são:
precisão técnica.*
elementos inovadores e avanços nas técnicas de c) Representação detalhada das
arquitetura. Além do Panteão, qual outro 8. A maior parte das pinturas romanas hoje a) A cultura indígena e africana.
imagens e seres.
exemplo de arquitetura romana reflete a ideia de d) Representação conhecidas provém de duas cidades, soterradas b) Greco-helenística e etrusca.*
de motivos
espaço amplo na arquitetura? pela erupção do Vesúvio em 79 D.C. Essas c) Cultura grega e egípcia.
tribais com precisão.
a) Coliseu.* cidades são: d) Cultura pop e musica.
e) Representação distorcida da
b) Templo de Zeus. a) Pompéia e Roma.
realidade observada. 12. Os seis tipos de construções da arte romana
c) Partenon. b) Herculano e Pompéia.*
c) Roma e Grécia. são:
d) Jardim de Versalles. 6. Sobre a arte romana e a sua relação com
e) Templo de Atenas. manifestações artísticas de outros períodos e d) Pompéia e Grécia. a) Templos, comércio e ciclismo, esgoto,
civilizações, marque a alternativa CORRETA: e) Grécia e Herculano. praças, castelos, banhos públicos.
3. Embora os romanos tivessem copiado b) Castelos, pontes, estradas, estábulos,
maciçamente a estatuária grega para atender à a) A exemplo do Coliseu, os anfiteatros romanos 9. A arquitetura romana foi a grande manifestação chiqueiros e estádios.
mania de arte helênica, desenvolveram foram cenários de festas e espetáculos, e artística dos romanos, que privilegiavam as obras c) Templos, comércio e ciclismo, higiene,
gradualmente um estilo próprio. A escultura tiveram grande importância em práticas como utilitárias e alcançou grande eficiência na divertimento, monumentos decorativos e
romana em geral é mais literal. Os romanos a política do pão e circo.* construção de aquedutos, banhos públicos ou moradia.
tinham em casa máscaras mortuárias, feitas em termas, pontes, mercados etc. A arquitetura d) Estádios, ginásios, praças, igrejas, banhos
b) Os romanos, como a maioria dos povos da
cera, dos ancestrais. Essas imagens realísticas também foi expressiva na construção de públicos e esgotos.*
Antiguidade, nunca conheceram a arte do
eram moldes totalmente factuais das feições do templos, palácios, pórticos, tribunais, mosteiros
retrato, uma vez que o rosto das esculturas era
falecido, e essa tradição influenciou os escultores e igrejas. Os romanos revelaram habilidade e
idealizado.
romanos. Quais as principais características da talento na arte de executar templos, nos quais
escultura romana? c) Os afrescos romanos não serviram de exaltaram fatos históricos notáveis e conquistas
_________________________________________ inspiração aos artistas renascentistas, uma vez de seus imperadores. Qual foi o principal fator
_________________________________________ que a maior parte desses só foi conhecida que impulsionou os romanos erguerem
_________________________________________ depois do século XVIII. construções com amplos espaços internos?
_________________________________________ _________________________________________
_________________________________________ d) Os construtores romanos, assim como os _________________________________________
_________________________________________ gregos, assentavam o auditório dos teatros nas _________________________________________
_________________________________________ encostas das colinas, porque isso lhes _________________________________________
_________________________________________ garantiria maior solidez da construção e _________________________________________
______________________________________ economia de material. _________________________________________
29 – RESUMÃO: A ARTE ROMANA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
A arquitetura romana: No que diz respeito à arquitetura A pintura romana: Já a arte expressa por meio de pinturas
A arte romana, marcada no da fase artística romana, devemos destacar que suas principais teve como principal aspecto a tridimensionalidade. Através de um
período do século VIII antes características são oriundas da influência tanto da abóbada toque realista para inspirar por um lado, o equilíbrio era dado com
de Cristo e se estendendo como do uso de arco, presentes na arte etrusca. Nas estruturas um toque de imaginação por outro. As obras então eram
até o século IV depois de desenvolvidas nessa fase, a utilização de colunas gregas foi marcadas por grandíssimos espaços, que traziam aspectos ainda
Cristo, teve a sua principal diminuída e no seu lugar, foi implantada a funcionalidade por mais ricos para a arquitetura romana. Grande parte das pinturas
manifestação nas meio de mais e mais espaços internos. No finalzinho do dessa fase acabaram soterradas por conta da erupção de um
construções e edificações primeiro século depois de Cristo, Roma começou a superar vulcão, originadas nas cidades de Herculano e de Pompeia. A
arquitetônicas. A grande grande parte de suas influências, apostando em um modelo pintura romana representava as cenas presentes no nosso
preocupação dos romanos próprio de criação. No que diz respeito às casas e demais cotidiano, assim como suas figuras tanto religiosas como também
era com aspectos que se moradias, as plantas eram fundamentais para o bom mitológicas. Vale destacar que os gêneros artísticos que mais se
voltassem para a desenvolvimento do projeto, sendo projetadas em um destacaram nesse período foram as paisagens, as próprias
funcionalidade, utilidade e a retângulo. Nota-se ainda uma influência grega nessas arquiteturas que eram retratadas com frequência em seus
própria praticidade de suas construções, que implantavam o “peristilo” (um espaço quadros, retratos de indivíduos e figuras importantes e pinturas
obras. delimitado com colunas isoladas e mais abertas em suas tanto triunfais como populares. Os materiais mais utilizados nas
A arte romana surgiu em meio às influências da cultura laterais. Os templos criados pelos romanos também tinham criações eram os metais em pó, substâncias que eram extraídas
etrusca, que é caracterizada como uma arte popular algumas características únicas. As laterais eram dos moluscos, seivas de árvores, vidros pulverizados e o próprio
responsável por retratar os acontecimentos do dia a dia, assim
simetricamente diferentes da porta de entrada que por sua vez pó de madeira.
como pelas crenças da cultura grega. Um bom exemplo disso é tinha uma grande escadaria. Vale destacar que grande parte
a própria similaridade entre a mitologia romana e grega. A arte
dessas construções tentaram deixar de lado a influência dos
romana foi de grande importância (principalmente gregos, motivo pelo qual grande parte dos templos davam
arquitetônica) para todo o mundo, pois sempre representou muito mais valor ao espaço interno de suas obras. Um bom
um verdadeiro legado da arte desse povo. Certamente uma exemplo o famoso Panteão, construído durante o reinado de
das áreas em que eles foram mais expressivos foi na Adriano, o Imperador. Um aspecto único da Arte Romana é o
construção de templos, muralhas, anfiteatros e outras fato de que somente eles tinham preocupação com a
construções que tinham como principal intuito tanto a praticidade e com o aspecto funcional de suas obras
funcionalidade como também a expressão de magnitude no arquitetônicas.
que diz respeito ao que foi a civilização romana. Além disso,Dessa forma, as bases
vale também destacar o fato de que a Arte Romana é muito circulares, o uso de
reconhecida por retratar em suas esculturas e obras em geral,colunas e dos falsos arcos
imperadores, figuras da sua mitologia e outros deuses. para dar um ar de
As esculturas: Por fim, as
Os teatros romanos: Não tem como falar de Arte Romana decoração criavam uma esculturas romanas tinham
combinação entre
sem dar destaque para os anfiteatros que foram desenvolvidos
aspectos úteis e como base estátuas e demais
com a predominância de arcos e abóbadas, além de muito
embelezadores em suas retratos que retratavam a figura
grandes e com boa capacidade para receber visitantes. O
construções. Desse modo com uma característica mais
evento preferido dos romanos eram as lutas de gladiadores e
basílicas, teatros, fúnebre. A reprodução visava
por isso os espaços contavam com uma área para
templos, estradas, ser a mais fiel possível e os
arquibancada, marcado com um número bem expressivo de aspectos psicológicos eram de
palácios, pontes e outras
fileiras. Um ótimo exemplo de construção arquitetônica capaz maior destaque em suas obras,
foram criadas com base
de nos remeter a essa fase é o próprio Coliseu, considerado que deveriam evidenciar a
em um caráter harmônico
nos dias de hoje como uma das sete maravilhas do mundo honra e o próprio caráter do
de beleza e
moderno. indivíduo.
funcionalidade.
30 – RESUMÃO: ARTE GREGA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Arquitetura Grega: Na arquitetura, os gregos se Teatro-Artes Cênicas: O que impulsionou as artes teatrais foi
destacaram por suas grandes construções. O Dórico, o Jônico a necessidade de honrar os Deuses. As festas em homenagem a
A Arte Grega é constituída pelo conjunto e o Coríntio eram os estilos que os inspiravam. Os templos são estes foram as primeiras formas de organização teatral. Um
de todas as artes que compuseram o as construções mais famosas. Eram construídos com o objetivo exemplo que pode ser citado é o “Culto a Dionísio”. Nestes
cenário da Grécia Antiga. A Pintura, de resguardar as esculturas dos Deuses das intempéries do eventos a arte teatral teve início. Foram as festas dedicadas ao
Arquitetura, Escultura, as Artes cênicas, a tempo. Ficaram na história como símbolos da engenharia Deus Dionísio que deram origem à Comédia e a Tragédias gregas.
Literatura. Com perfeição e harmonia, os arquitetônica grega. Bom exemplo é a Acrópole. Situada na
gregos antigos souberam retratar através parte mais alta da cidade de Atenas. Representa com suas
de sua arte o seu cotidiano. Com suas edificações a riqueza desta terra no auge de seu poder. Os
obras eles deixaram um grande legado gregos utilizavam materiais como: mármore, calcário, pedras,
histórico. Enquanto a arquitetura e madeira. Suas obras já naquela época eram realizadas à base
escultura nos revelam sua religiosidade de cálculos matemáticos e geométricos. Além disso,
mitológica, a pintura e artes cênicas nos trabalhavam com proporções, simetrias e perspectivas. Alguns
contam sua história através de belas exemplos da grandiosidade da arquitetura grega: Acrópole de
impressões de seu cotidiano. Atenas, Templo de Ártemis, Farol de Alexandria, Parthenon. A Literatura Grega: Os gregos nos deixaram um grande legado
Arte Grega na Escultura: Nas imagens que esculpiam, os com sua arte literária. Foram os pioneiros na literatura europeia.
gregos buscavam a perfeição completa. Veias, músculos e Sua contribuição tornou-se tão significativa que definiu alicerces
nervos eram ressaltados nas estátuas com o objetivo de para diversos gêneros. Sua cooperação associada aos clássicos
retratarem o real da figura humana em toda sua essência. A latinos e absorvida pelos romanos, compôs padrões que serviram
escultura era representada por ícones religiosos. Este povo de moldes para a literatura ocidental. A arte grega influenciou
usava esta arte para representar Deuses e Deusas de suas a arte romana. A habilidade grega era admirada por este povo que
crenças. Sua inspiração eram os temas religiosos. A matéria- passou a imitá-la em muitos pontos. No entanto, a influência foi
prima era o mármore. As brancas figuras da Grécia são até recíproca, pois os gregos também se deixaram fascinar pelo povo
hoje magníficos símbolos representativos da sua mitologia e de Roma.
religiosidade.
Algumas características da escultura
Arte Grega na Pintura: Os gregos tinham o hábito de
pintar em vasos e paredes dos templos e dos palacetes.
grega são muito relevantes e devem ser
Especialmente comum era a pintura em vasos. Estes eram de
ressaltadas:
cerâmica e a princípio não serviam como objetos apenas
 Realismo: As esculturas eram muito decorativos. Eram utensílios da rotina doméstica. As imagens
realistas, pois os artistas gregos eram retratavam preferencialmente partes do cotidiano, as batalhas,
exímios em representar o real ao a mitologia e a religião.
máximo. Por este motivo quando se
admira uma escultura grega, são
notados detalhes perfeitos do corpo
humano. Inclusive expressões que
denotam os sentimentos.
 Temática: Essencialmente religiosa,
com representação de Deuses e
Deusas, além de atividades esportivas
relacionadas principalmente às
Olimpíadas. Também muito comum
era representarem sua rotina diária.
31 – A ARTE CRISTÃ E BIZANTINA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Em uma das cidades mais cristianizadas do Império

Romano, na chamada Bizâncio, que posteriormente
passou a se chamar Constantinopla ao tornar-se capital
do Império Romano do Oriente, surge um estilo
artístico chamado de bizantino, que mistura
características da arte clássica greco-romana e cristã e
que se desenvolverá por toda a Idade Média. Uma das
maiores contribuições da arte bizantina foi sem dúvida
Enquanto os romanos desenvolviam uma arte a arquitetura das igrejas. Construíam-se sobre uma
colossal e espalhavam seu estilo por toda a Europa e base circular, octogonal ou quadrada imensas cúpulas,
parte da Ásia, os cristãos, que eram pessoas de criando-se prédios enormes e espaçosos decorados
várias origens e unidas pela fé em Jesus Cristo, com ouro, pinturas e mosaicos. A catedral de Santa
começam a criar uma arte simples, executada por Sofia é sem dúvida um dos melhores exemplos da arte
homens do povo e não por grandes artistas: a arte bizantina realizada pelos arquitetos Antêmio de Tralles
cristã primitiva. A arte cristã é dividida em dois e Isidoro de Mileto. Ela possui uma cúpula de 55 m de
períodos: 1º Período: Quando o povo cristão era altura, apresenta pinturas nas paredes, colunas com
intolerado e perseguido pelos romanos. 2º Período: capitel ricamente decorado, mosaicos e o chão de
Quando o cristianismo tornou-se a religião oficial do No segundo período, quando o Cristianismo passa a mármore.
Império Romano, em 391. ser religião oficial do Império Romano, a arte cristã
A arte no primeiro período é deixa seu esconderijo nas catacumbas e ganha
pouco elaborada. Feita por maior destaque. São construídos mausoléus e
fiéis, constitui-se templos decorados com mosaicos e pinturas que
basicamente em pinturas continuam utilizando como tema as histórias do
feitas nas paredes e tetos das Antigo e do Novo Testamento, agora realizadas por
catacumbas (cemitérios artistas habilidosos, o que aumenta a qualidade
subterrâneos que também artística das obras. Os sarcófagos feitos para os fiéis
serviam de esconderijo), mais ricos eram decorados com relevos.
tento primeiramente como
tema o Bom Pastor (Jesus
Cristo), o peixe e o pão, que
são símbolos cristãos, e
cristãos louvando a Deus e
cenas do Antigo Testamento,
como Jonas engolido pelo
peixe e Daniel na cova dos
leões.
32 – OS MOSAICOS BIZANTINOS. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Observe as imagens a seguir da igreja de Santo Praticar a arte 1: Produção de mosaico com pedaços de papéis coloridos ou grãos variados. Observe as
Apolinário, o Novo, na cidade de Ravena, ao norte orientações a seguir para você construir um mosaico tradicional.
da Itália: Mosaicos extremamente elaborados com
peças de tamanhos variados em sua composição. O
tema é religioso, cerca de 550 a.C.
Outra manifestação artística desse período são os

manuscritos ilustrados. São textos escritos à mão que
contam as histórias bíblicas, tendo desenhos como
ilustração dos textos. Dentre esses manuscritos
Observe que no mosaico destacamos o Rótulo de Josué, que conta a vida e os
bizantino as figuras humanas feitos do herói bíblico Josué com cenas em ordem
são imponentes e possuem cronológica. O manuscrito todo tem 10 m de
olhos muito grandes. Outra comprimento e sua execução data do século VII.
característica dos mosaicos e Praticar a arte 2: Escolha um fato da sua vida, como uma experiência que você viveu que foi importante para
pinturas bizantinas são as você. Produza um pequeno parágrafo narrando esse acontecimento e, sem seguida, desenhe algo sobre isso,
auréolas colocadas sobre as produzindo sua ilustração.
figuras. Elas servem para
indicar os personagens ____________________________________________________
sagrados, como santos, ____________________________________________________
____________________________________________________
apóstolos e Cristo, ou o ____________________________________________________
Imperador, considerado ____________________________________________________
representante de Deus. ____________________________________________________
____________________________________________________
O mosaico teve seu ____________________________________________________
apogeu na arte ____________________________________________________
bizantina, mas ainda ____________________________________________________
____________________________________________________
em nossos dias é uma ____________________________________________________
forma artística ____________________________________________________
amplamente usada. ____________________________________________________
33 – ILUSTRAÇÃO DE UM MANUSCRITO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
A temática da arte Praticar a arte: Leia o trecho do antigo testamento que narra sobre as dez pragas do Egito. Lendo sobre
Bizantina, de uma forma o acontecido, transcreva o texto em seu caderno de arte e produza suas iluminuras (ilustrações) para a
história do Antigo Testamento.
geral, é religiosa: eventos
Esta história está relatada na bíblia. O Senhor escolheu Moisés para liderar a saída do povo hebreu do
bíblicos, a vida dos Egito, onde era escravizado. Moisés era hebreu, mas havia sido criado pela filha de faraó, que o
santos. Era função de o encontrou ainda bebê, boiando num cesto, dentro do rio. Durante o processo de insistência de Moisés
artista representar as junto ao faraó para que deixasse o povo partir, o Senhor enviou dez sinais — dez pragas —, com o
crenças teológicas. objetivo de mostrar ao faraó a Sua soberania e que o Deus a quem Moisés e seu povo serviam, era um
Deus que ama a liberdade.
Devido a forte
importância das imagens, Primeira praga: a água foi convertida em sangue: Toda e
que funcionavam como qualquer água do Egito foi transformada em sangue e até
mesmo os rios foram contaminados, vindo a morrer todos
verdadeiras pontes de
os peixes.
contato entre o homem e
Segunda praga: rãs: Esta praga surgiu após Arão (irmão
o divino (ícones), os de Moisés, que o acompanhou durante todo o processo)
artistas deveriam seguir estender a mão sobre o Egito e surgiram rãs de todos os
fielmente as tradições. A lugares.
iluminação de Terceira praga: Mosquitos: Da mesma forma que antes, o
manuscritos continua Egito foi infestado por rãs, desta vez vieram mosquitos a
sendo atividade encobrir a população e todos os animais. Desencadeada
importante na arte do também após Arão estender as mãos sobre o Egito.
Império. De uma forma Quarta praga: Moscas: Bem semelhante às anteriores, a
geral, temos várias quarta praga deixou o Egito infestado de moscas. Faraó
amostras da arte concordou em libertar o povo, o Senhor retirou a praga,
mas assim que percebeu que a praga havia cessado, o
bizantina dessa segunda
faraó voltou atrás na sua decisão, aprisionando o povo
época de ouro. No caso hebreu.
dos manuscritos isso é
Quinta praga: Peste nos animais: Desta vez Moisés
ainda mais verdadeiro, estendeu a mão sobre o Egito e por ordem do Senhor
tendo sobrevivido vários surgiu uma praga nos animais em que muitos morreram e
deles. Aspectos da arte grande foi a perda para os egípcios.
clássica costumam estar Sexta praga: Úlceras: Diante da resistência de faraó, que a
bastante ressaltados, cada praga aceitava libertar o povo, mas assim que elas
como a referência à cessavam voltava a reter os hebreus como escravos, o
mitologia grega. Paris Senhor ordenou a Moisés e a Arão que enchessem suas
mãos de cinzas e jogassem para os céus. Assim o fizeram e
Psalter, de Psalms, que
as cinzas se transformaram em úlceras em todo o Egito,
retrata episódios do tanto nos animais como nas pessoas.
Velho Testamento, é um
Sétima praga: Chuva de pedras: A resistência por parte do
bom exemplo desses faraó se repetiu e assim, o Senhor pediu a Moisés para
manuscritos. estender tua varinha por todo o Egito (exceto a região
onde vivia o povo escolhido, o povo a ser liberto), e foi
assim que uma chuva de pedras destruiu toda a plantação.
Oitava praga: Gafanhotos: Nesta praga, pela oitava vez o
Senhor tocou no povo egípcio a fim de fazer justiça e
libertar seu povo; enviou um vento que passou seguido de
inúmeros gafanhotos devorando muito do que possuía o
faraó. Mais uma vez ele cedeu, mas somente até a praga
cessar.
Nona praga: Trevas: Desta vez, todo o céu do Egito se
tornou trevas e passaram dias na escuridão (menos onde
estavam os filhos de Israel). O que também não foi
suficiente para convencer faraó a libertar o povo de vez.
Décima: Morte dos primogênitos: Esta foi a última praga,
em que todos os primogênitos foram mortos, desde os
animais até os servos, inclusive o filho do próprio faraó.
Houve grande comoção no Egito quando por fim, após
muita insistência, faraó concordou em deixar o povo sair.
34 – ILUMINURA DO ANTIGO TESTAMENTO: AS DEZ PRAGAS DO EGITO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
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35 – CONSTRUINDO UM MOSAICO COM RECORTES. [Praticar a Arte – Volume 10/EM]
Praticar a arte: Na imagem a seguir,

preencha cada espaço com pedaços de
papéis coloridos cortados no formato de
cada parte. Escolha as cores para a sua
composição em mosaico e, com a cola,
vá encaixando cada peça em seu devido
lugar.
36 – RESUMÃO: A ARTE CRISTÃ E ARTE BIZANTINA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
A Arte E O Cristianismo Oficial: As perseguições aos cristãos O Cristianismo e a Arte: Toda essa arte cristã primitiva,
Após a morte de Jesus Cristo, seus foram aos poucos diminuindo até que, em 313, o Imperador primeiramente tosca e simples nas catacumbas e depois mais rica
discípulos passaram a divulgar seus Constantino permitiu que o cristianismo fosse livremente e amadurecida nas primeiras basílicas, prenuncia as mudanças que
ensinamentos. Inicialmente, essa professado e converteu‑se à religião cristã. Sem as restrições marcarão uma nova época na história da humanidade. Como
divulgação restringiu‑se à Judéia, do governo de Roma, o cristianismo expandiu‑se muito, vimos, a arte cristã que surge nas catacumbas em Roma não é
província romana onde Jesus viveu principalmente nas cidades, e, em 391, o Imperador Teodósio feita pelos grandes artistas romanos, mas por simples artesãos.
e morreu, mas depois, a oficializou‑o como a religião do Império. Começaram a surgir Por isso, não tem as mesmas qualidades estéticas da arte pagã.
comunidade cristã começou a então os primeiros templos cristãos. Externamente, esses Mas as pinturas das catacumbas já são indicadoras do
dispersar‑se por várias regiões do templos mantiveram as características da construção romana comprometimento entre a arte e a doutrina cristã, que será cada
Império Romano. No ano de 64, no destinada à administração da justiça e chegaram mesmo a vez maior e se firmará na Idade Média.
governo do Imperador Nero, conservar o seu nome - basílica. Já internamente, como era
deu‑se a primeira grande muito grande o número de pessoas convertidas à nova
religião, os construtores procuraram criar amplos espaços e A Arte Bizantina é uma arte cristã que surge no período em que o
perseguição aos cristãos. Num
ornamentar as paredes com pinturas e mosaicos que Cristianismo passa a ser reconhecido como religião. Jesus,
espaço de 249 anos, eles foram
ensinavam os mistérios da fé aos novos cristãos e contribuíam considerado uma ameaça para o Império Romano, foi perseguido
perseguidos mais nove vezes; a
para o aprimoramento de sua espiritualidade. e morto pelos romanos. Após sua morte, seus adeptos se
última e a mais violenta dessas
Além disso, o espaço escondiam em catacumbas para rezar, pois continuaram sendo
perseguições ocorreu entre 303 e
interno foi organizado de perseguidos. Até que em 313 o imperador Constantino outorgou o
305, sob o governo de Diocleciano.
acordo com as exigências Édito de Milão, que proibia a perseguição aos cristãos e, então, o
A Arte Das Catacumbas: Por causa dessas perseguições, do culto. A basílica de Santa Cristianismo começa a crescer. Surgem assim, as igrejas cristãs e
os primeiros cristãos de Roma enterravam seus mortos em Sabina, construída em um novo estilo de arte, a Arte Bizantina.
galerias subterrâneas, denominadas catacumbas. Dentro Roma entre 422 e 432, por
dessas galerias, o espaço destinado a receber o corpo das exemplo, apresenta uma Em decorrência do período histórico, a Arte Bizantina expressa
pessoas era pequeno. Os mártires, porém, eram sepultados nave central ampla, pois aí especialmente o caráter religioso. Além disso, o imperador era
em locais maiores que passaram a receber em seu teto e em ficavam os fiéis durante as uma figura de referência sagrada uma vez que desempenhava o
suas paredes laterais as primeiras manifestações da pintura cerimônias religiosas. Esse seu papel de governante em nome de Deus, tal como era
cristã. Inicialmente essas pinturas limitavam-se a espaço é limitado nas propagado na época. Assim, muitas vezes se encontra mosaicos
representações dos símbolos cristãos: a cruz ‑ símbolo do laterais por uma sequência que retratavam o imperador e sua esposa entre Jesus e Maria. Os
sacrifício de Cristo; a palma ‑ símbolo do martírio; a âncora ‑ de colunas com capitel artistas da época não tinham liberdade para se expressar, não
símbolo da salvação; e o peixe ‑ o símbolo preferido dos coríntio, combinadas com podiam usar sua criatividade; deviam apenas cumprir com a
artistas cristãos, pois as letras da palavra "peixe", em grego belos arcos romanos. A elaboração da obra, tal como lhes era solicitado. Podemos, dessa
(ichtys), coincidiam com a letra inicial de cada uma das nave central termina num forma, destacar as seguintes características da arte bizantina:
palavras da expressão “lesous Chrastos, Theou Yios, Soter”, arco, chamado arco triunfal,
que significa "Jesus Cristo, Filho de Deus, Salvador" Essas e é isolada do altar-mor por  Caráter majestoso que demostra poder e riqueza;
pinturas cristãs também evoluíram e, mais tarde, começaram a uma abside, recinto  Ligação direta com a religião católica;
aparecer cenas do Antigo e do Novo Testamento. Mas o tema semicircular situado na  Demonstração clara da autoridade do imperador - ao
predileto dos artistas cristãos era a figura de Jesus Cristo, o extremidade do templo. considerá-lo sagrado;
Redentor, representado como o Bom Pastor. É importante Tanto o arco triunfal como  Frontalidade - representação das figuras em posição frontal e
notar que essa arte cristã primitiva não era executada por o teto da abside foram rígida;
grandes artistas, mas por homens do povo, convertidos à nova recobertos com pinturas  Deste modo, Constantinopla viu muitos dos seus artistas
religião. Daí sua forma rude, às vezes grosseira, mas, retratando personagens e migrarem para o Império Romano do Ocidente, cuja capital era
sobretudo muito simples. cenas da história cristã. Roma.
37 – EXERCÍCIO INTERPRETATIVO: ARTE CRISTÃ E BIZANTINA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
1. A Arte Cristã Primitiva ganhou força a partir do 4. Em relação à Arte Bizantina, assinale a 7. O Mosaico Bizantino é uma das técnicas mais 12. O cristianismo, que veio a tornar-se a religião
ano 390 d.C, após o reconhecimento do alternativa que não contenha nenhuma de suas peculiares deste período. Quanto ao mosaico oficial do Império Romano, em 380, durante o
cristianismo como religião oficial do Estado características: assinale a alternativa FALSA: império de Teodósio, enfocava na sua arte,
romano. Assinale a alternativa que não a) Eram mais grandiosas e sofisticadas que suas a) Eram produzidos com diminutas pedras exceto:
apresenta uma característica da arte cristã correspondentes ocidentais em estilo preciosas. a) As histórias do Velho e do Novo Testamento.
primitiva. Românico. b) As figuras humanas eram apresentadas b) A vida dos santos e mártires cristãos;
a) É a arte que surge nas catacumbas. b) Possuíam abóbadas altas e mosaicos chapadas. c) A conversão do imperador e da nobreza.*
b) É executada por pessoas que não eram complexos. c) As pessoas são representadas com a face d) A conversão dos cristãos à nova religião.
grandes artistas.* c) Sua planta baixa era octogonal ou quadrada. ovalada.
c) É executada principalmente nas catedrais com d) Santa Sofia foi o marco da Arte Bizantina, d) A altura com que as pessoas são 13. As afirmações abaixo são características da arte
a presença de vitrais com temas religiosos. sendo a primeira igreja construída neste representadas não era um fator bizantina, EXCETO:
d) É realizada por pessoas que seguiam os estilo. preponderante nos mosaicos.* a) Predominância dos temas cristãos.
ensinamentos de Jesus Cristo. e) Possuíam labirintos feitos no chão, que b) Presença ostensiva do uso de cores.
2. O mosaico é uma arte criada a partir de cacos conduziam o cristão até o centro, onde se 8. NÃO é uma característica dos Afrescos: c) Influência da cultura greco-romana e oriental.
cerâmicos, pedras ou metais nobres, encontrava a paz e a imagem de Deus. a) O afresco era uma manifestação artística mais d) Grandes afrescos em painéis de lona.*
substituindo as pinturas. A deformação existente 5. Assinale a alternativa com o elemento barata que o mosaico.
era justificada pela elevação espiritual, decorativo mostrado na imagem: b) Os afrescos não eram encontrados nos 14. Quando e como surgiu a arte cristã?
importância das pessoas representadas e mosteiros.* ________________________________________
a) Mosaico. c) As características básicas das representações
proibição da igreja em relação à semelhança do ________________________________________
b) Retábulo. em afrescos eram as mesmas do mosaico.
desenho com o ser humano. Assinale a ________________________________________
c) Vitral em formato de rosácea.* d) Os afrescos, ao contrário dos mosaicos, eram
alternativa em que encontramos o estilo artístico ________________________________________
d) Pedra em formato de “cunha”. muito encontrados nas províncias pobres.
que usou o mosaico como forma de expressão: ________________________________________
e) Livros com iluminuras
a) Arte Bizantina.* 9. As imagens da arte bizantina tinham como ________________________________________
b) Arte Românica. objetivo: ________________________________________
6. Sobre a Arte Bizantina, analise as assertivas
c) Arte Pré-histórica. ________________________________________
abaixo. a) Mostrar a beleza de seus textos visuais.
d) Arte Gótica. ________________________________________
e) Todas as alternativas estão corretas. b) Ensinar as verdades fundamentais da fé cristã. ________________________________________
I. O momento de esplendor da capital do Império c) Utilizar figuras e símbolos dos pagãos. ________________________________________
3. Os primeiros lugares dos cultos cristãos foram Bizantino coincidiu historicamente com a d) Preparar os cristãos para a vinda de Cristo. ________________________________________
nas catacumbas, túmulos subterrâneos oficialização do cristianismo. A partir daí, a arte
________________________________________
existentes nos arredores de Roma. Ali é possível cristã primitiva, que era popular e simples, foi 10. Eram características da arte bizantina, exceto:
________________________________________
encontrar os primeiros símbolos cristãos. substituída por uma arte cristã de caráter
a) As figuras eram alinhadas em posição frontal. ________________________________________
Assinale a alternativa que justifique majestoso, que exprime poder e riqueza.
b) Ausência de profundidade espacial. ________________________________________
corretamente o símbolo cristão primitivo II. A arte bizantina tinha um objetivo: expressar a
c) Uso do ouro e da cor pura para transmitir ________________________________________
encontrado nas catacumbas: autoridade absoluta e sagrada do imperador,
solenidade. ________________________________________
a) Peixe - os primeiros cristãos achavam considerado o representante de Deus, com
d) As expressões faciais denotavam grande ______________________________________
indigesto qualquer outro tipo de carne. poderes temporais e espirituais.
b) Coroa de Deus - Deus foi o criador do universo III. Foi estabelecida uma série de convenções, tal mobilidade.*
segundo os cristãos, por isso é considerado qual como ocorrera na arte egípcia, como a 11. Na arte bizantina até mesmo a cor e os
um rei e deve ter uma coroa. frontalidade, por exemplo. bordados dos vestuários tinham por finalidade:
c) Crucifixo - uma forma simples de ser
confeccionada e vendida como É correto o que se afirma em a) Definir cada personagem dentro das
“lembrancinha” em dias de apedrejamento a) I e II, apenas. hierarquias do Império ou da Igreja.*
público. b) II e III, apenas. b) Demonstrar a grandeza e a força do Império
d) Âncora - mostrava que a vida do cristão estava c) I e III, apenas. Romano para os adversários;
“ancorada” em uma base solida, a sua crença d) I, II e III.* c) Destacar o relevo corpóreo e o claro escuro
e fé em Jesus Cristo ou Deus deveria ser das obras;
inabalável.* d) Homenagear o imperador e a imperatriz.
38 – A ARTE ROMÂNICA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
A escultura românica está

inteiramente subordinada à
arquitetura e à religião. São
esculpidos relevos e estátuas-
colunas para ornamentar as
paredes que, não se limitando
apenas ao interior, aparecem
também nas fachadas das
construções românicas. Seus
A Idade Média inicia-se em 476, no século V, com a As construções românicas, grande parte igrejas e relevos mostram cenas do
queda do Império Romano do Ocidente, devido às mosteiros, se caracterizam pela utilização de arco Antigo e Novo Testamento, o
invasões de povos bárbaros e se estende por dez pleno, abóbodas de aresta e de berço, pela Juízo Final, figuras de animais
séculos. Erroneamente denominada como Idade das predominância de linhas horizontais, pela solidez de fantasiosos e demônios, que
Trevas pelos estudiosos do século XVI, por não ter a suas paredes com pequenas janelas, criando representam as tormentas a
grandiosidade cultural da Antiguidade clássica, a ambientes escuros e sombrios. que os pecadores, após a
Idade Média passou a ser entendida como etapa morte, seriam submetidos.
necessária da história da civilização ocidental Tanto a escultura como a
somente no século XIX. Foi necessário cerca de um pintura românica retratavam
milênio de lentas mudanças econômicas e políticas temas religiosos, pois, numa
para que o caminho rumo à modernidade fosse época em que havia
preparado. Nesse período a evolução das artes e da pouquíssimos letrados, a
cultura foi praticamente nula, pois no campo não igreja recorria à arte para
havia condições nem público para um transmitir os ensinamentos
desenvolvimento artístico-cultural. A Igreja Católica, religiosos.
já organizada, tornou-se a instituição mais
importante da Idade Média. Durante o reinado de
Carlos Magno a Europa teve um notável
desenvolvimento cultural conhecido como
“renascimento carolíngio”.
Nas oficinas de arte de sua corte os artistas
redescobriram a cultura e a arte greco-romana,
fator decisivo para a criação de um novo estilo o
“românico”, usado nas construções de igrejas e
mosteiros. Com a morte de Carlos Magno as oficinas
de arte centralizaram-se nos mosteiros.
39 – A PINTURA ROMÂNICA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Parte da pintura Os motivos usados pelos

românica é pintores eram de natureza
desenvolvida sob a religiosa. As características
forma de murais, pois as essenciais da pintura
construções românica foram a
apresentavam paredes deformação e o colorismo.
com poucas e pequenas A deformação, na verdade,
janelas que traduz os sentimentos
possibilitavam grandes religiosos e a interpretação
superfícies para serem mística que os artistas
trabalhadas. faziam da realidade. A
Geralmente utilizava-se a técnica do afresco, ou figura de Cristo, por
seja, pintura feita sobre uma parede com reboco exemplo, é sempre maior
ainda fresco. Daí o nome “afresco”. Uma das Enquanto a arte românica se desenvolvia, o mundo do que as outras que o
principais características da pintura românica é a medieval começava a passar por mudanças. A arte cercam. O colorismo
deformação. românica predominou até o início do século XII, realizou-se no emprego de
O artista interpretava de quando surgiram as primeiras mudanças que mais cores chapadas, sem
modo místico a realidade e tarde resultariam numa revolução na arquitetura. preocupação com meios
retratava seus sentimentos Embora muitos edifícios fossem construídos tons ou jogos de luz e
religiosos nas figuras de aproveitando as propriedades decorativas da pedra sombra, pois não havia a
forma desproporcional. Por ou dos tijolos, a decoração colorida, obtida com os menor intenção de imitar a
exemplo: Cristo sempre era afrescos ou então, com os mosaicos, era uma natureza. A técnica da
pintado em tamanho maior decoração que procurava efeitos impressivos, que decoração com mosaico,
do que as outras figuras amava as cores vivas e os desenhos fortemente isto é, pequeninas pedras,
próximas a ele. caracterizados. de vários formatos e cores,
Seus braços e mãos tinham proporções exageradas Tais ornamentações, profusas que colocadas lado a lado
para acentuar o gesto de abençoar, seus olhos eram sobre as paredes das igrejas, vão formando o desenho,
arregalados, simbolizando uma intensa revestiam, por vezes, outras conheceu seu auge na
espiritualidade. As cores na pintura românica eram partes do edifício. Por isso, a época do românico. Usado
vivas e planas e os perfis eram bem marcados. A pintura românica desde a Antiguidade, é
pintura também aparece nos manuscritos sob forma desenvolveu-se, sobretudo originária do Oriente onde
de iluminuras, ou seja, ilustrações de textos com nas grandes decorações a técnica bizantina
cores vivas, ornamentadas com ouro e prata. As murais, através da técnica do utilizava o azul e dourado,
iluminuras podem ser letras iniciais do texto, afresco, que originalmente era para representar o próprio
folhagens e flores colocadas nas margens de textos, uma técnica de pintar sobre a céu.
figuras ou cenas. parede úmida.
40 – A ARTE GÓTICA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
A arte românica Características da arquitetura gótica: Vitrais Góticos: Um dos mais marcantes elementos
predominou até o início  A fachada: A igreja gótica apresenta três portais. decorativos que aparecem nessas igrejas são os vitrais,
do século XII, quando No portal central há uma rosácea (vitral circular), que formavam imensas e coloridas janelas que, muitas
surgiram as primeiras presente em quase todas as igrejas construídas vezes, apresentavam desenhos geométricos ou
mudanças que mais entre os séculos XII e XIV. representavam um santo ou uma passagem do texto
tarde resultariam numa bíblico. Sobre esse aspecto, ainda vale ressaltar que
revolução na eles permitiam a elaboração de um vibrante jogo de
arquitetura. Essa nova luzes constituído a partir da combinação de peças de
arquitetura foi chamada vidro das mais variadas cores. O requinte, a
de gótica. Eles complexidade e os vários materiais que envolviam a
relacionaram esse novo fabricação de um vitral gótico nos mostram a
estilo aos “godos”, povo consolidação de um novo ideal estético marcado pela
bárbaro de origem luminosidade e a variação de tons. Somente com o
germânica que invadiu o intercâmbio promovido pelo comércio é que podemos
Império Romano e imaginar a existência de um processo técnico cercado
causou grandes  Os arcos: O arco ogival por tantas exigências. Assim, os vitrais, ao iluminarem
destruições. Com o que apresenta uma as igrejas, também reafirmavam um novo período da
passar do tempo, o quebra em sua parte história medieval.
nome gótico ficou superior possibilitou a
relacionado à construção de igrejas
arquitetura de arcos mais altas, acentuando
ogivais. a impressão de
O estilo gótico foi na realidade um verticalidade.
aprofundamento dos elementos  As abóbodas: A utilização de arcos ogivais
básicos do românico, principalmente permitiu a construção de abóbodas de nervuras
sobre a verticalidade das construções. nas igrejas góticas, substituindo, assim, as
O clima religioso daquela época abóbadas de berço e de arestas usadas na
favoreceu a construção de edifícios arquitetura românica.
bem mais altos, que refletiam o  Os pilares: Nas igrejas góticas, as abóbodas eram
desejo de uma ascensão espiritual. O apoiadas nos pilares ou colunas de sustentação.
gótico se originou na França e se Com a utilização desse novo tipo de apoio, as
espalhou por várias regiões. A grossas paredes e pequenas janelas da arquitetura
primeira manifestação gótica ocorreu românica desapareceram e deram lugar a paredes
ao norte de Paris com a reconstrução mais leves e grandes vitrais, que proporcionaram
da abadia de Saint-Denis (1140-1144). uma iluminação peculiar à igreja gótica.
41 – A ESCULTURA E A PINTURA GÓTICA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Assim como a escultura  Realismo: As figuras são  Jan Van Eyck: Nascido na Bélgica, Van Eyck
românica, também a gótica representadas de forma aperfeiçoou a técnica da pintura a óleo e conseguiu
estava ligada à arquitetura. mais detalhada e reproduzir com nitidez as gradações de tons e cores,
As figuras eram realista. O artista tenta dando a ilusão de luz solar em suas pinturas. Suas
geralmente esculpidas de reproduzir os seres obras se destacam pela riqueza de detalhes e cores
forma isoladas, ao exatamente como eles fortes.
contrário das românicas, são. Contudo, isso só foi
aglomeradas e possível no
entrelaçadas. As imagens Renascimento através
fantasiosas e dos estudos de
desproporcionais do estilo anatomia, quando a
românico foram dissecação de cadáveres
substituídas por figuras foi permitida, antes
mais realistas que proibida pela Igreja.
retratavam os valores mais A procura do realismo na representação dos seres e
importantes daquela a profundidade são características das obras de
época. Elas eram mais alguns artistas italianos e flamengos que
eretas e acompanhavam a prenunciaram o Renascimento. Dentre eles
verticalidade da destacamos:
arquitetura gótica.
Contudo, o tema principal  Ambrigiotto Bondone: Conhecido como Giotto,
continuou sendo o suas obras mostram figuras de santos com
religioso. aparência de homens comuns. A identificação que
Em relação à arquitetura e à escultura, a pintura ele faz da figura dos santos com seres humanos
gótica teve seu nascimento tardio. As primeiras comuns é resultado das transformações sociais e
configurações góticas se deram no século XIII e econômicas da época em que viveu. Grande parte
predominaram até o século XV. As principais de suas obras são afrescos que decoraram várias
características da pintura gótica foram: igrejas italianas.
 Profundidade: Diferentemente da pintura Na pintura religiosa assiste-se à difusão das pinturas
românica, onde as cenas aconteciam num único sobre madeira. Nobres e ricos burgueses
plano, a pintura gótica procura dar algum encomendavam, para a prática das suas devoções,
movimento às figuras através da postura dos pequenos retábulos ou altares portáteis, enquanto que
corpos e das paisagens de fundo. Porém, a ilusão o clero mandava fazer, para os altares das igrejas,
de profundidade só se realizou plenamente no grandes pinturas que podem surgir como um ou mais
movimento que procedeu ao gótico: o painéis (retábulo), ou serem dobradas em várias partes
Renascimento. (políptico).
42 – RESUMÃO: ARTE ROMÂNICA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
CONTEXTO HISTÓRICO: A arte EXPRESSÕES DA ARTE ROMÂNICA: Existiam abóbodas de dois tipos, a abóboda de berço (consiste
românica desenvolveu-se no século XI Pintura: A pintura no período era executada de diversas num semicírculo longo), e a abóboda de arestas (surgiu depois das
até o início do século XIII na Europa, e abóbodas de berço, pois as do modelo antigo dificultavam a
maneiras, como pintura mural, Iluminura, tapeçaria e pintura
depois pelo resto do mundo, a partir iluminação e eram muito pesadas, as novas consistiam na
parietal. Todos os tipos de pinturas da época tinham caráter
da disseminação do cristianismo, no interseção entra duas abóbodas berço finas apoiadas sobe pilares.
transmissor de conhecimentos religiosos para a população, a
auge da decadência do sistema As Igrejas de peregrinação são um bom exemplo para esse tipo de
principal característica das pinturas românicas eram as cores
feudal. O nome “Românica” é dado a arquitetura, As mesmas ficam no caminho para os locais sagrados,
fortes e vivas. Volume, cor, efeito de luz e sombra, tudo era
esse tipo de arte, pelo fato de sua como Santiago de Compostela, Roma e Jerusalém, e serviam de
simbólico e não correspondia com a realidade, ou seja, não
estrutura ser muito parecida com as apoio e pouso para os peregrinos, ofereciam como atrativo as
havia a preocupação com a representação fiel dos seres e
construções romanas. A arte relíquias, objetos pertencentes a Jesus Cristo, a Maria e aos
objetos.
românica nasceu logo após o termino santos, como os cravos que pregaram as mãos e pés de Jesus, ou
do Império Romano, a Europa se vê os espinhos da coroa, ou ainda fios de cabelo da Virgem. A
em grande crescimento, período arquitetura românica foi por um longo tempo desprezada, pois foi
chamado de baixa idade média. escondida em baixo de reformas e reestilizações ou até mesmo
A arte surgiu para levar a tona o sentimento religioso da ignorada e destruída.
época, em que o Papa era o líder político, ou seja, a Igreja que
centralizava o controle sobre o pensamento e a vida da época.
O crescimento religioso refletia-se na construção de várias
igrejas, onde mais comumente se encontrava esse tipo
artístico, que por sua vez, tinha o objetivo de representar os Arquitetura: A arquitetura, basicamente executada em
ideais católicos. pedra tinha caráter de monumento e fortaleza, justamente
CARACTERÍSTICAS GERAIS: O estilo românico e pela enormidade das construções. A arquitetura geralmente
continha: planta basilical de uma, três ou cinco naves; colunas
caracterizado por:
que sustentavam as abóbadas. Esse tipo de construção tem um
 Pedra empregada nas construções; aspecto horizontalizado com interior e exterior são muito bem
 Telhado de madeira é substituído por abóbodas de berço e decorados. Escultura: No século XV, período que antecipa o estilo gótico,
aresta; inicia-se um estilo realista e simbólico nas esculturas. A escultura
 Igrejas passam a ser decoradas externamente; passa a ser feita em conjunto com a arquitetura, ou seja, as
 As pinturas e esculturas passam a ser carregadas de esculturas eram feitas dentro das colunas (Tremó), dentro dos
simbolismo, representando não apenas o que se vê, mas capitéis, nos portais (Tímpano) etc. Todo trabalho é executado
também os sentimentos; sem deixar espaços vazios. Outra importante característica é seu
 A escultura em pedra em grande escala renasce pela caráter simbólico e antinaturalista. Assim como na pintura, não
primeira vez desde os romanos;· Numa época em que havia a preocupação com a representação fiel dos seres e objetos
poucos sabiam ler, a arquitetura, escultura e principalmente representados.
a pintura tinham o caráter de repassar valores religiosos.
43 – MAQUETE ROMÂNICA I – RECORTE E COLAGEM. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
/
44 - MAQUETE ROMÂNICA II – RECORTE E COLAGEM. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
45 – RESUMÃO: ARTE GÓTICA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Introdução: A Arte Gótica foi o estilo Do ponto de vista Principais características:

artístico característico da Baixa Idade material, a  Na arquitetura, se destacaram os entalhes intrincados e os
Media na Europa. Teve início por volta do construção gótica, pináculos pontiagudos. As construções são altas, mostrando a
século XII e se desenvolveu até o século de modo geral, se intenção de deixar o homem mais “próximo” fisicamente de
XVI, quanto teve início uma nova fase diferenciou pela Deus.
artística: o Renascimento. Este estilo elevação e
desmaterialização  Fez oposição ao estilo austero e pesado da Arte Românica.
artístico se manifestou na pintura, na
escultura e, principalmente, na das paredes, assim  Paredes e estruturas mais leves, com a construção e uso do arco
arquitetura das igrejas, catedrais, como pela especial quebrado (ogival), do arcobotante e do contraforte.
castelos, palácios e prédios públicos. distribuição da luz  Nos campos da pintura e escultura, os artistas góticos buscaram
Embora tenha sido o estilo característico no espaço. Tudo isso a leveza, a elegância, a graça e a tridimensionalidade (em
da Idade Média, muitos artistas plásticos foi possível graças a oposição as pinturas chapadas do estilo românico).
europeus, do século XVIII, da época do duas das inovações  Desenvolvimento da arte dos vitrais (desenhos montados com
Romantismo, resgataram este estilo arquitetônicas mais pedaços de vidros coloridos), presentes em grande parte das
medieval e pintaram no estilo gótico. importantes desse catedrais e igrejas góticas.
período: o arco em
Este estilo posterior ficou conhecido  Ressurgimento (resgate do clássico antigo) das pinturas de
como Neogótico. ponta, responsável
paisagens, embora de forma pouco intensa.
pela elevação
Contexto histórico: A Arte Gótica esteve muito ligada ao vertical do edifício, e  Os temas religiosos, principalmente ligados ao Cristianismo,
contexto histórico medieval. Ela expressou o domínio da Igreja a abóbada cruzada, prevaleceram como centro das cenas retratadas pelos pintores
Católica nas áreas espiritual, política e social. O gótico está que veio permitir a góticos.
muito ligado ao teocentrismo do período, ou seja, a ideia de cobertura de  Muitos artistas góticos passaram a utilizar a técnica da pintura a
Deus no centro de todas as coisas. De certa forma, muitas espaços quadrados, óleo, como um recurso para o uso de maior diversidade de cores
técnicas e características do estilo gótico mostram uma curvos ou (em comparação ao estilo românico).
transição do estilo românico, próprio da Alta Idade Média, em irregulares. No  Neste período, se destacaram também os afrescos,
direção ao Renascimento. entanto, ainda principalmente em paredes e tetos de capelas, igrejas e
Arquitetura: A arquitetura foi a considera-se o arco catedrais católicas.
principal expressão da Arte Gótica e de ogiva como a  No campo das representações pictóricas de livros, se
propagou-se por diversas regiões da característica destacaram às iluminuras (presença de detalhes em dourado).
Europa, principalmente com as marcante deste
construções de imponentes igrejas. estilo.
Apoiava-se nos princípios de um A primeira das catedrais construídas em estilo
forte simbolismo teológico, fruto do gótico puro foi a de Saint-Denis, em Paris, e a
mais puro pensamento escolástico: partir desta, dezenas de construções com as
as paredes eram a base espiritual da mesmas características serão erguidas em toda
Igreja, os pilares representavam os a França. A construção de uma Catedral
santos, e os arcos e os nervos eram o passou a representar a grandeza da cidade,
caminho para Deus. Além disso, nos onde os recursos eram obtidos das mais
vitrais pintados e decorados se variadas formas, normalmente fruto das
ensinava ao povo, por meio da contribuições dos fiéis, tanto membros da
mágica luminosidade de suas cores, burguesia com das camadas populares;
as histórias e relatos contidos nas normalmente as obras duravam algumas
Sagradas Escrituras. décadas, algumas mais de século.
46 – PRODUZINDO UM VITRAL. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte 1: Os vitrais tiveram seu apogeu na Praticar a arte 2: Observe as construções a seguir e
arte gótica. Observe as imagens a seguir: identifique a que estilo cada uma delas pertence
identificando uma das características nas imagens.
47 – EXERCÍCIO INTERPRETATIVO: ARTE ROMÂNICA E ARTE GÓTICA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
1. Sabemos que a Arte Românica cresceu devido à 5.Como todo movimento o período Gótico tem na 10. Os historiadores da arte têm sugerido que o 14. Como é a escultura durante toda a Idade
fé cristã e que, portanto, tinha um caráter arquitetura um de seus grandes representantes. ter o “g tico” foi c n ado pelo anista Média?
religioso. Em relação às semelhanças e Analise e julgue os itens a baixo marcando a Giorgio Vasari (1511-1574) no século XVI em ___________________________________________
diferenças da Arte Gótica com a Arte Românica, ÚNICA alternativa CORRETA sobre a arquitetura referência a um tipo de arte nascido na Baixa ___________________________________________
analise e julgue os itens abaixo com (C) CERTOS gótica. Idade Média, com grande expressão na ___________________________________________
ou (E) ERRADOS: cccc a) Bem diferente dos edifícios baixos e pesados, a arquitetura e na pintura, e que se diferenciava ___________________________________________
arquitetura gótica é esbelta e muito alta.* da arte românica, produzida antes dela. Entre os ___________________________________________
a) A Arte Gótica também surge da
b) Os prédios passam a ser decorados com primeiros pintores do estilo gótico, pode-se ___________________________________________
espiritualidade cristã.
inspiração na Antiguidade Clássica. mencionar: _________________________________________
b) A arquitetura é o elemento mais importante
c) Os capitéis e colunas marcam este período. a) Pablo Picasso.
do estilo Gótico. 15. O que significa o verticalismo na Arte gótica?
d) Pela altura suas paredes eram de enorme b) Giotto di Bondone.*
c) Sua escultura esta associada diretamente à ___________________________________________
espessura. c) Leonardo da Vinci.
arquitetura. ___________________________________________
d) El Greco.
d) O vitral é outro elemento pictórico da arte 6.Sobre os vitrais marque a alternativa CORRETA: ___________________________________________
e) Francis Bacon.
Gótica. ___________________________________________
a) Vitrais são os vidros utilizados para construir
2. Quanto às características da escultura gótica 11. As catedrais góticas passaram a apresentar _________________________________________
janelas.
analise e julgue os itens abaixo como (C) CERTOS elementos técnicos bem diversos da 16. Que elemento da Arte gótica é responsável
b) Nos vitrais não ocorria geralmente variação de
ou (E) ERRADOS: ccee arquitetura usada nas construções românicas. pelas paredes luminosas e coloridas? Explique.
cor.
Entre esses elementos, estavam: ___________________________________________
a) A escultura esta intimamente ligada à c) Os vitrais continham figuras bíblicas.*
arquitetura. d) Da Vinci foi um grande produtor de vitrais. a) Os arcos completos, como os modelos ___________________________________________
gregos e romanos. ___________________________________________
b) Sua função é ocupar espaço dentro das 7.Sobre a escultura gótica marque a alternativa
b) A ausência de gárgulas nas decorações ___________________________________________
construções. CORRETA:
externas. ___________________________________________
c) As imagens nuas são marco, pois destoam das a) Existiam esculturas dedicadas aos nobres nas
c) A ausência de vitrais. _________________________________________
demais criações deste período, entretanto, igrejas góticas.*
são frequentemente encontradas. d) Os arcos em forma de ogiva.*
b) Não existiam imagens dedicadas aos santos. 17. Elabore e responda uma questão sobre a Arte
d) Sua função era única e meramente decorativa. e) A presença de um centro piramidal.
c) Os góticos gostavam de produzir em madeira. Gótica.
d) Na arte gótica quase não surgiram esculturas. ___________________________________________
3. Sobre a Escultura gótica analise e julgue os itens 12. Entre os pintores flamengos (que viviam nos
___________________________________________
abaixo como (C) CERTOS ou (E) ERRADOS: cece Países Baixos durante a Idade Média), um dos
8.Sobre a pintura gótica marque a alternativa ___________________________________________
CORRETA: que mais se destacaram no emprego do estilo
a) As figuras humanas são alongadas. ___________________________________________
gótico foi:
a) A pintura é o elemento mais característico da ___________________________________________
b) A rigidez do período românico é abandonada.
arte gótica. a) Vincent van Gogh. ___________________________________________
c) As representações mais frequentes são as de b) Temas cristãos eram trabalhados na pintura b) Velasquez. ___________________________________________
reis, rainhas, nobres de alta linhagem e gótica.* c) Rambrandt. ___________________________________________
santos. c) A pintura gótica não tinha nenhuma noção de d) Johannes Vermeer. ___________________________________________
d) Um dos locais reservados às estatuas dentro perspectiva. e) Jean Van Eyck.* ___________________________________________
das igrejas denominava-se Tímpanos. d) Os góticos não produziram pinturas murais. ___________________________________________
13. O que são as iluminuras? ___________________________________________
4. Quanto às Iluminuras julgue os itens abaixo em
9. Sobre a arquitetura gótica assinale a alternativa __________________________________________ ___________________________________________
(C) CERTOS ou (E) ERRADOS: ccce
CORRETA: __________________________________________ ___________________________________________
a) Eram copiadas à mão. __________________________________________ ___________________________________________
b) Assim como os Afrescos eram feitas pelos a) É uma arquitetura que não tem preocupação __________________________________________ ___________________________________________
monges. com a proporção. __________________________________________ ___________________________________________
c) A Iluminura é uma intervenção artística feita b) Tem prédios dedicados aos deuses gregos. __________________________________________ ___________________________________________
no inicio de cada capitulo da bíblia. c) Costumas serem altas e largas as colunas. __________________________________________ ___________________________________________
d) Os temas usados nas iluminuras eram de d) As colunas parecem querer chegar ao céu.* _______________________________________ ___________________________________________
personagens bíblicos ___________________________________________
48 – CONHECENDO A OBRA: “O ESPÓLIO – O DESNUDAMENTO DE CRISTO”, EL GRECO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Este quadro ainda O esquema compositivo da obra vem determinado pela 5. Em sua opinião e sabendo da
permanece no mesmo forma oval da figura de Cristo. A ele se dirigem os olhares intenção do pintor em colocar
local em que foi da massa humana que o rodeia. Com esta disposição, o uma multidão ao redor de Jesus.
executado. A sacristia é artista consegue uma sutil sensação de profundidade. Quais fatores nos fazem sentir
o aposento, na igreja, O colorido participa do espírito do tema. Da tonalidade uma atmosfera opressora?
em que os padres ocre generalizada sobressai extraordinariamente um ____________________________________________________________
guardam e trocam suas ____________________________________________________________
vermelho brilhante que condiciona o espaço do quadro e
vestimentas religiosas; ____________________________________________________________
enfatiza o sentido da ação representada. _________________________________________________________
por isso o tema é
Praticar a arte – Questionário interpretativo sobre a obra: 6. Quais cores você identifica na obra? Em sua opinião, por que as
apropriado.
Responda as perguntas a seguir tomando como fundamento o vestimentas de Jesus são vermelhas?
texto analítico apresentado. ____________________________________________________________
____________________________________________________________
1. Transcreva no espaço a seguir a parte do Evangelho de São
____________________________________________________________
João, capítulo 19, versículos 23 e 24 para
____________________________________________________________
contextualizarmos a obra: ____________________________________________________________
_________________________________________________________ __________________________________________________________
_________________________________________________________
Esta figura de Cristo, uma das mais nobres 7. Coloque sobre a imagem da obra a seguir um pedaço de papel
_________________________________________________________
pintadas por El Greco, evoca em sua postura _________________________________________________________ fino. Identifique as figuras geométricas presentes desenhando-
os ícones bizantinos. Esta representação não _________________________________________________________ os por cima das personagens. Por exemplo: Cabeças: Círculos.
é frequente dentro da tradição iconográfica _________________________________________________________ Braços e pernas: Linhas retas e curvas. Troncos: Retângulos.
ocidental, o que, no entanto, era usual no ______________________________________________________
âmbito artístico bizantino. 2. Segundo o texto, o homem que trabalha
sobre uma tábua pode ser interpretado
A prisão de Jesus é representada aqui de forma peculiar,
como uma alusão simbólica de uma
já que o artista incorporou uma série de figuras que não
morte iminente. No caso, que morte seria
se mencionam na passagem concreta do Evangelho. Esse
essa:
é o caso do homem que, entre a multidão, aponta Cristo
com o dedo. A mesma coisa acontece com as três a) Apedrejado.
Marias, situadas na margem inferior do quadro. O pintor b) Açoitado.
introduziu ao lado delas um homem que trabalha sobre c) Crucificado.
uma tábua, o que poderia ser interpretado como uma d) Prisão perpétua.
alusão simbólica a uma morte iminente. 3. O que o autor quis representar ao pintar um
O pintor colocou também um personagem vestido com personagem de armadura?
___________________________________________
uma armadura. O anacronismo de sua vestimenta é
___________________________________________
bastante chamativo. Costuma-se associar esta figura com ___________________________________________
Pilatos e Herodes. A interpretação livre que o pintor ___________________________________________
demonstra aqui se pode dever a que ele desejava ___________________________________________
recolher vários momentos da Paixão num único episódio. _________________________________________
A multidão ocupa todo espaço da tela e não existe 4. Transcreva a ficha técnica da obra:
nenhum referente espacial, nem natural, o que contribui _________________________________________________________
para criar uma atmosfera opressiva que acentua o seu _________________________________________________________
dramatismo. _____________________________________________________
49 – O RENASCIMENTO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
A Arquitetura: A arquitetura renascentista também

sofreu grandes transformações. Os arquitetos do
Renascimento preocupavam-se em criar ambientes
que mostrassem o equilíbrio das linhas, a organização
da matemática dos espaços e os elementos da
antiguidade clássica na decoração. A cúpula é um
detalhe importante e constante nas construções
renascentistas. O mais famoso exemplo de cúpula
existente nesse período é sem dúvida a da Basílica de
Com o fortalecimento do comércio, o Feudalismo Essa percepção de si mesmo fez com que os
São Pedro.
entrou em decadência e muitos comerciantes tesouros artísticos e literários da Antiguidade greco-
adquiriram verdadeiras fortunas, intervindo de romana fossem valorizados, e os artistas
forma direta na política. Eles encontraram nas letras renascentistas criaram obras de arte magníficas,
e nas artes uma forma de prestígio, mas sempre enfatizando a beleza física do homem e da mulher.
com o intuito de ostentar o poder. Foi assim que os A precisão do desenho, a técnica do sfumato
mecenas, nobres comerciantes que protegiam os (sombreados de claros e escuros) e a presença da
artistas e empregavam suas riquezas nas artes e nos perspectiva proporcionaram à pintura renascentista
estudos, promoveram um grande desenvolvimento maior realismo. Devido ao humanismo e ao ideal de
intelectual. O que importava era voltar às fontes da liberdade predominante naquele período, o artista
cultura clássica e fazer “renascer” o esplêndido renascentista teve a oportunidade de expressar suas A arquitetura dos prédios públicos e palácios foi
legado deixado pelos gregos e romanos. Entre as ideias e sentimentos sem estar submetido à Igreja fortemente influenciada pelas características do
redescobertas da cultura greco-romana o homem ou outro poder. Ele era um criador e tinha um estilo Renascimento.
renascentista organiza o ideal do humanismo, pessoal, diferenciando-se dos artistas medievais.
movimento intelectual que colocava o homem como Além disso, o artista era dignamente pago para
centro do Universo. O propósito do humanismo era produzir suas obras, quer fossem elas feitas para
desenvolver no homem o espírito crítico e a compradores particulares quer para a Igreja. Esse
confiança em si mesmo. Os intelectuais passaram, movimento que floresceu na Itália difundiu-se por
então, a questionar a autoridade da Igreja e quase toda a Europa. Um dos fatores que
atribuíram maior importância ao ser humano e à contribuíram para essa difusão foi a invenção da O Maneirismo: Na Itália, a partir de 1520, alguns pintores
começaram a procurar formas alternativas para a criação de suas
razão. Nem por isso o Cristianismo deixou de ser a imprensa pelo alemão Johann Gutenberg. Muitas obras. Embora tenham buscado inspiração nas obras
religião dominante na Europa desse período, mas o outas descobertas e estudos foram feitos nesse renascentistas de Michelangelo, Leonardo da Vinci e Rafael,
homem já não era mais o mesmo. A gora ele tinha período entre eles o de Nicolau Copérnico, que deram início a um novo estilo artístico que rompeu com o
consciência do seu próprio valor. colocava o Sol como centro do Universo, e não a equilíbrio, a organização espacial, a simetria, a racionalidade e a
Terra, como definiu a Igreja. proporções estabelecidas pela arte renascentista. Esse novo estilo
foi denominado de Maneirismo, termo originário da palavra
italiana maneira, que designa o estilo ou a maneira própria com
que cada artista realiza a sua obra.
50 – PRINCIPAIS ARTISTAS DO RENASCIMENTO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Dentre os grandes artistas do Renascimento Foi o talento mais versátil do Com apenas 21 anos de idade foi
podemos citar: Renascimento. Desenhista, pintor, considerado um grande artista. Para
Foi um artista genial que, aos 21 anos escultor, engenheiro e arquiteto, elaborar poses e expressões, planejava
de idade, concebeu a pintura como realizou vários trabalhos e suas obras e fazia centenas de desenhos.
imitação fiel do real. Morreu aos 27 pesquisas aprofundando-se nos Seus afrescos se tornaram sinônimo de
anos e deixou obras que retratam as mais diversos setores do beleza e técnica.
formas humanas com impressionante conhecimento humano, entre eles
beleza. anatomia, botânica, mecânica, Foi o maior pintor da escola veneziana.
hidráulica, óptica, arquitetura e Ticiano produziu uma série de obras
Frade dominicano que iniciou sua astronomia. religiosas, mitológicas e retratos utilizando
carreira ornamentando manuscritos. cores vivas e movimentos que mais tarde
Seguiu as tendências realistas de Nas artes, seus estudos de perspectiva são serviram de base para outros artistas.
Masaccio, e, respeitando os seus votos, considerados insuperáveis. O Sfumato, técnica de
suas obras possuem com o tema uso de tons claros e escuros, foi utilizado em suas
Revelou seu talento para o desenho ainda
principal a religião. obras de forma magistral.
menino. Retratou aquarelas diversos
lugares que visitava. Foi o primeiro artista
Trabalhou na decoração da Capela alemão que concebeu a arte como uma
Sistina. Retratava dois temas em suas representação da realidade.
obras: a Antiguidade grega e o
Cristianismo. Criava a leveza dos
corpos, esguios e desprovidos de força,
eles pareciam flutuar.
Arquiteto, pintor, poeta e escultor, um

dos maiores representantes do
Renascimento. Como arquiteto,
trabalhou na cúpula da igreja de São
Pedro, em Roma, e na Praça do
Capitólio.
Como pintor, trabalhou na pintura do teto da Capela

Sistina. As poses das figuras da Capela Sistina
baseiam-se em famosas esculturas gregas e
romanas, que Michelangelo estudava
minuciosamente.
51 – ENTENDENDO A PERSPERCTIVA RENASCENTISTA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Quando olhamos algumas Praticar a arte: Observando os exemplos a seguir de desenhos em perspectiva. Escolha dois deles e
pinturas da época do reconstrua nos espaços, levando em consideração o olhar do observador.
Renascimento, ficamos
surpreendidos com a capacidade
do pintor de copiar a realidade.
Esses efeitos até hoje nos
surpreendem quando observamos
o sorriso contido da pintura Mona
Lisa. Os resultados obtidos nas
pinturas dessa época se devem
em grande parte à perspectiva. Ela
permitiu aos pintores representar
no plano os objetos como se eles
tivessem vida, como se fossem
reais. O pintor estudava as
possiblidades de criar a perfeição
e reproduzir em seus desenhos o
que ele enxergava, definiam um
lugar ideal a partir do qual se
deveria olhar o mundo ou o
quadro. Os pintores
renascentistas consideravam a
existência de um único padrão de
beleza, uma única religião
verdadeira, uma cultura superior a
todas as outras. Eles olhavam o
mundo de um único ponto e partir
dele construíam sua arte. Na
Europa, o Renascimento permitia
uma explosão nas artes. Cada vez
mais as pinturas e as esculturas
procuravam estar de acordo com
as proporções humanas sem
nenhum desvio, buscava-se a
igualdade entre Deus e o homem.
52 – PRATICANDO O DESENHO DE FIGURAS HUMANAS. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Os artistas renascentistas Praticar a arte: Utilizando lápis HB, 2B e 6B, copie nos espaços a CONHECENDO A OBRA: “Da a co Ar in o”
desenhavam figuras com muita seguir os detalhes retirados da obra “Dama com Arminho”, de A pintura foi feita durante a
precisão. Você também pode Leonardo da Vinci. primeira visita de Da Vinci a
começar a desenhá-las. Observe. Milão, para onde ele foi na
esperança de conseguir a
proteção do Duque de Milão,
Lodovico Sforza. A composição é
inovadora e, ao mesmo tempo,
complexa. A dama foi pintada
virando a cabeça da sombra para
a luz, atraída por algo fora do
quadro. Isso dá uma dinâmica à
pose e provoca o interesse do
espectador.
Detalhes da obra de Dama com Arminho:
1. Mão: As mãos femininas eram geralmente pintadas
em formas arredondadas e graciosas, mas nessa
obra é possível ver o resultado da exploração
anatômica dos músculos e ossos. A mão em formato
/ de garra dá um efeito levemente perturbador à
cena.
2. Arminho: O arminho branco que a dama segura foi
ampliado para equilibrar a composição. Seus olhos
marrons e a suas feições marcadas espelham
desconfortavelmente as feições da jovem.
3. Rosto: A luz se propaga sobre o rosto de Cecília
revelando um esboço de um sorriso. Essa parte foi
modelada delicadamente com tons de pele pálidos e
um leve rubor nas bochechas.
53 – EXERCÍCIO DE DESENHO DE PARTES DO CORPO HUMANO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte: Recorte de revistas ou jornais, ou até mesmo da internet, várias partes do corpo humano (olhos, bocas, orelhas, mãos, pés etc.) e tente desenhá-las
como no exemplo a seguir. Você pode escolher fotos de pessoas famosas (artistas, cantores etc.).
54 – RESUMÃO: O RENASCIMENTO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Pintura: Talvez nenhuma época artística tenha sido Escultura: Ao contrário, por exemplo, da arte grega, o
O renascimento é um movimento igualmente rica e tão talentosa com grandes pintores como o Renascimento já não sentiu a necessidade de elaborar para a
artístico que possui uma grande Renascimento. As principais características da pintura são: escultura uma série de regras comparáveis às da arquitetura. O
que não quer dizer que faltassem, na escultura renascentista,
importância na história da arte e do  Perspectiva: arte de figura, no desenho ou pintura, as
mundo como uma forma geral, uma formas e tendências características. Simplesmente, a passagem da
diversas distâncias e proporções que têm entre si os objetos
vez que mesmo o avanço do arte do período anterior é menos brusca, é mais uma questão de
vistos à distância, segundo os princípios da matemática e da
capitalismo e suas características gosto do que de teoria. Acima de tudo, o reconhecimento de uma
geometria;
possuem origens com artistas escultura renascentista é feito procurando os motivos de fundo
 Uso do claro-escuro: pintar algumas áreas iluminadas e em que ela se inspira. Os principais motivos são:
renascentistas e suas ações. No outras nas sombras, esse jogo de contrastes reforça a
período histórico, o Renascimento sugestão de volume dos corpos;  Acentuado naturalismo, ou seja, a procura de verossimilhança;
 Realismo: o artista do Renascimento não vê mais o  Um forte interesse pelo homem, pela forma de seu corpo, da
ocorreu entre os séculos XIV e XVI,
quando a cultura greco-romana sua expressão;
passou a exercer uma grande homem como simples observador do mundo que expressa a
grandeza de Deus, mas como a expressão mais grandiosa do  Gosto marcado não só pelo conhecimento e técnica, como pela
influência sobre os artistas e ostentação de conhecimento;
próprio Deus. E o mundo é pensado como uma realidade a
principais nomes do Renascimento.  Aspiração pela monumentalidade;
ser compreendida cientificamente, e não apenas admirada;
Aliado a isso, neste mesmo período passou a haver uma  Esquemas compositivos, quer dizer formas globais,
elevação dos valores da burguesia, em detrimento à  Inicia-se o uso da tela e da tinta à óleo: Tanto a
geometricamente simples.
supremacia religiosa e da nobreza existente até então, fazendo pintura como a escultura que antes apareciam quase que
com que o Renascimento tenha muito de sua história ligada a exclusivamente como detalhes de obras arquitetônicas, A escultura, assim como a pintura, já não fazia parte do projeto
esta inversão de valores ocorrida no período histórico. tornam-se manifestações independentes. arquitetônico como ornamentação do edifício. Conquistaram
Características do  Surgimento de artistas com um estilo pessoal: autonomia e brilhavam pela sua própria expressão.
diferente dos demais, já que o período é marcado pelo ideal
Renascimento:
de liberdade e, consequentemente, pelo individualismo.
A razão, de acordo com o pensamento
da Renascença, era uma manifestação Arquitetura: Na renascença italiana formada nos mesmos
do espírito humano que colocava o princípios da geometria harmoniosa em que se baseavam a
indivíduo mais próximo de Deus. Ao pintura e a escultura, a arquitetura recuperou o esplendor da
exercer sua capacidade de questionar Roma Antiga. Na arquitetura renascentista, a ocupação do
o mundo, o homem simplesmente espaço pelo edifício baseia-se em relações matemáticas
dava vazão a um dom concedido por estabelecidas de tal forma que o observador possa
Deus (neoplatonismo). Outro aspecto compreender a lei que o organiza de qualquer ponto em que
fundamental das obras renascentistas se coloque. As principais características da arquitetura
era o privilégio dado às ações renascentista são:
humanas, ou humanismo. Tal
característica representava-se na  Ordens Arquitetônicas;
reprodução de situações do cotidiano  Arcos de Volta-Perfeita;
e na rigorosa reprodução dos traços e  Simplicidade na construção;
formas humanas (naturalismo). Esse  A escultura e a pintura se desprendem da arquitetura e
aspecto humanista inspirava-se em passam a ser autônomas;
outro ponto-chave do Renascimento:  Construções: palácios, igrejas, vilas (casa de descanso fora da
o elogio às concepções artísticas da cidade), fortalezas (funções militares) e planejamento
Antiguidade Clássica ou Classicismo. urbanístico.
55 – EXERCÍCIO INTERPRETATICO: O RENASCIMENTO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
1. O Renascimento, amplo movimento artístico, 3. Sobre o Renascimento, é CORRETO afirmar que: 6. Quais os principais aspectos valorizados pelos 10. Sobre Leonardo da Vinci, é CORRETO afirmar
literário e científico, expandiu-se da Península artistas renascentistas em suas obras e em quais que:
a) Uma das características mais importantes do
Itálica por quase toda a Europa, provocando locais da Europa esta produção artística foi mais a) Foi um importante governante italiano que
Renascimento foi a ruptura com a Antiguidade
transformações na sociedade. Sobre o tema, é valorizada? patrocinou vários artistas e cientistas do período
Clássica.
CORRETO afirmar que: ___________________________________________ renascentista.
b) Os estudos astronômicos desenvolvidos por
a) O racionalismo renascentista reforçou o ___________________________________________ b) Foi um importante pintor, escultor, cientista,
Nicolau Copérnico durante o Renascimento
princípio da autoridade da ciência teológica e da ___________________________________________ engenheiro, escritor e físico do Renascimento.*
permitiram a conclusão de que os planetas
tradição medieval. ___________________________________________
giravam em torno da Terra. c) Foi o mais importante escultor e poeta do
b) Houve o resgate, pelos intelectuais c) ___________________________________________
Os mecenas foram personagens importantes Renascimento Italiano.
renascentistas, dos ideais medievais ligados aos ___________________________________________
no Renascimento, pois sua oposição aos d) Foi um importante escultor e pintor italiano do
dogmas do catolicismo, sobretudo da ___________________________________________
artistas fez com que estes exercessem com Renascimento, cuja principal obra é Pietá.
concepção teocêntrica de mundo. ___________________________________________
mais afinco sua criatividade.
c) Nesse período, reafirmou-se a ideia de homem d) ___________________________________________
Leonardo da Vinci, artista de grande 11. Qual artista renascentista
cidadão, que terminou por enfraquecer os ___________________________________________
versatilidade e inúmeros interesses, é um italiano representou a virgem
sentimentos de identidade nacional e cultural, __________________________________________
representante do Humanismo.* Maria com o menino Jesus?
os quais contribuíram para o fim das 7. Cite dois pintores renascentistas e dois a) Galileu Galilei.
monarquias absolutas. 4. O Renascimento italiano pode ser caracterizado:
arquitetos do período, indicando ao menos uma b) Leonardo da Vinci.
d) O humanismo pregou a determinação das ações a) Por uma sociedade teocêntrica, baseada na de suas obras. c) Rafael Sanzio.*
humanas pelo divino e negou que o homem produção agrícola, predominantemente ___________________________________________ d) Michelangelo Buonarroti.
tivesse a capacidade de agir sobre o mundo, alfabetizada e rural. ___________________________________________ e) Domenico theotokopoulos.
transformando-o de acordo com sua vontade e b) Por uma visão predominantemente ___________________________________________
interesse. antropocêntrica, com intensas trocas comerciais ___________________________________________ 12. As principais características do Renascimento
e) Os estudiosos do período buscaram apoio no e cujas obras de arte foram, em boa medida, ___________________________________________ foram?
método experimental e na reflexão racional, inspiradas nos modelos da antiguidade clássica.* ___________________________________________ a) Romantismo, espírito critico em relação à
valorizando a natureza e o ser humano. * c) Por uma contraposição direta à “Idade das ___________________________________________ política, temas de inspiração exclusivamente
2. À EXCEÇÃO DE UMA, as Trevas”, sobretudo porque os artistas ___________________________________________ naturalistas.
alternativas abaixo apresentam renascentistas tinham, majoritariamente, ___________________________________________ b) Ausência de perspectiva e adoção de temas do
de modo correto características aversão ao cristianismo. ___________________________________________ cotidiano religioso, tendo como foco apenas os
do Renascimento. Assinale-a. d) Pela inexistência de estudos da anatomia __________________________________________ valores espirituais.
humana, já que essa era uma proibição expressa c) Uso de temas ecológicos evidenciando a
a) O retorno aos valores do mundo 8. Sobre as principais características técnicas de
da Igreja Católica. preocupação com o meio ambiente, execução de
clássico, na literatura, nas artes, produção artística, nas quais se basearam os
variados retratos de personalidades da época.
nas ciências e na filosofia. pintores e escultores renascentistas para a
5. O renascimento cultural e artístico do século d) Antropocentrismo, humanismo e inspiração
b) A valorização da produção de suas obras, assinale a alternativa
XVI teve grandes nomes da pintura entre os greco-romana.*
experimentação como um dos incorreta:
seus protagonistas. Assinale a alternativa que e) Teocentrismo, realismo e intensa espiritualidade.
caminhos para a investigação a) Princípios matemáticos e racionais.
indica o artista renascentista italiano que ficou
dos fenômenos da natureza. b) O antropocentrismo. 13. Qual foi a classe social que financiou as obras
conhecido como o Pintor das Madonas.
c) A possibilidade de uma estreita c) O plano reto e motivos religiosos.* renascentistas e por que faziam isso?
relação entre os diferentes a) Leonardo da Vinci. d) A adoção da perspectiva. ___________________________________________
campos do conhecimento. ___________________________________________
b) Rafael Sanzio.* 9. Como eram chamados os protetores das artes e
d) O fato de ter ocorrido com ___________________________________________
das ciências? ___________________________________________
exclusividade nas cidades
italianas.* c) Giordano Bruno. a) Renascentistas. ___________________________________________
e) O uso da linguagem matemática b) Mecenas.* ___________________________________________
e da experimentação nos d) Michelangelo. c) Humanistas. ___________________________________________
estudos dos fenômenos da d) Giottas. ___________________________________________
natureza. _________________________________________
56 – A ARTE DO BARROCO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
O equilíbrio entre razão e emoção, característica da

escultura renascentista, desapareceu com o
predomínio do Barroco, que escolheu a dramaticidade
das expressões e o dinamismo dos movimentos como
elementos básicos de seu espírito. Essas peculiaridades
da escultura barroca se concretizaram através da
predominância de linhas curvas, excesso de dobras nas
vestes e a utilização do dourado.
A escultura barroca não decorou
O surgimento da arte barroca no século XVII, na Diferente do Renascimento, em que as figuras são somente fachadas, portadas e
Itália, deve-se a uma série de mudanças apresentadas de forma como se estivessem interiores de igrejas e palácios. Ela
econômicas, religiosas e sociais ocorridas na Europa. posando para um retrato, no Barroco elas passam a também esteve presente nas
Com o humanismo, o Renascimento e, ser apresentadas de forma teatral, isto é, parecem construções e restaurações de fontes.
principalmente, a Reforma, a Igreja Católica teve seu sempre estar em movimento. Jogos de luz dão A arquitetura barroca também se
poder enfraquecido. Para recuperar seu prestígio e intensidade dramática à cena, destacando os caracterizou pelas diferentes
poder, a Igreja organizou a Contra-Reforma. Uma elementos mais importantes do quadro, os quais combinações de elementos que
das iniciativas e talvez a mais importante foi a formam uma composição em diagonal. A simetria e criaram efeitos de forma e luz,
criação da Companhia de Jesus, ordem religiosa que o equilíbrio entre arte e ciência, metas que o artista rompendo com a frontalidade dos
difundiria a fé católica entre os povos e edificar renascentista buscava de forma consciente, são estilos arquitetônicos precedentes e
grandes igrejas. É na construção e decoração dessas rompidos na arte barroca, que procura retratar com os valores renascentistas de
igrejas que nasce a arte barroca. Arquitetos, temas religiosos, mitológicos e do cotidiano com a simplicidade e racionalidade. Na igreja
escultores e pintores foram convocados para predominância da emoção e não da razão. Através barroca é comum a predominância de
transformar igrejas em verdadeiras exibições de um colorido intenso e de um contraste de claro- cúpulas altas e imponentes. No seu
artísticas, cujo esplendor tinha o propósito de escuro, a arte barroca consegue expressar de forma interior, uma fileira de pequenas
convertes ao catolicismo todas as pessoas. Da Itália, peculiar os sentimentos humanos. capelas estendia-se de um lado ao
a arte barroca se propagou para outros países outro da nave, cada qual com um altar
europeus e pelo continente americano através dos ricamente decorado. Em cada um
colonizadores espanhóis e portugueses. Ela se desses altares, uma imagem de santo
manifestou de forma distinta em cada país, porém era colocada para incentivar os fiéis à
manteve algumas características básicas. devoção a Deus e à adoração dos
santos. Essas são algumas das
características arquitetônicas que
atendiam as necessidades da Igreja
Católica de proclamar e exibir o seu
triunfo e poder.
57 – A IGREJA BARROCA NO BRASIL: A IGREJA DE SÃO FRANCISCO DE ASSIS/MG. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Estilo artístico nascido na Itália no início do século 17, o barroco chegou ao Brasil quase 100 anos depois. Nosso país vivia o chamado Ciclo do Ouro, período em que
a descoberta desse metal precioso em Minas Gerais transformou a região em um importante centro econômico. Exatamente por isso, boa parte da herança barroca
no Brasil está espalhada por cidades mineiras, não só em obras artísticas, como esculturas, mas também na arquitetura de várias igrejas erguidas nessa época. A
construção de templos ricamente ornamentados e com formas exuberantes contrastava com a simplicidade do estilo renascentista, que reinava até então. Assim,
nas igrejas barrocas os altares e os púlpitos eram decorados com extravagância, recobertos por espirais, flores, monstros e anjinhos de cabelos encaracolados.
Como se isso não bastasse, boa parte do Desenho revolucionário: A fachada principal e o corpo da igreja
interior delas era folheado a ouro, têm forma curvilínea, uma característica nova trazida pelo estilo
aproveitando a abundância do mineral no barroco, pois os templos religiosos até então costumavam ser
país. Toda essa opulência e riqueza de retangulares. As duas torres arredondadas e lembrando a forma
detalhes pode ser observada em várias de uma guarita valeram à construção o apelido de “Igreja Militar”
igrejas de Minas. Mas talvez nenhuma Fachada extravagante: Nem todas as igrejas barrocas têm uma fachada tão
delas simbolize tão bem as características trabalhada como a da São Francisco de Assis. No alto da porta principal, vê-se
do barroco brasileiro como a de São uma imagem de Nossa Senhora da Conceição, padroeira dos franciscanos. O
Francisco de Assis, em Ouro Preto (MG). medalhão redondo um pouco mais acima retrata São Francisco, de joelhos,
Ela é um marco do estilo e tem abundância recebendo as chagas de Cristo.
de luz e cor. A igreja – ou capela, como Altar esculpido: O interior das igrejas barrocas tem paredes e teto revestidos de
preferem os especialistas – começou a ser madeira esculpida. O altar-mor da São Francisco de Assis, projetado por
erguida em 1776 e só ficou pronta no início Aleijadinho e pintado por Manuel da Costa Athayde, é um bom exemplo: atrás
do século 19. Ela foi desenhada e dele, uma peça de madeira em alto- relevo com acabamento de ouro mostra a
ornamentada pelo maior artista brasileiro exuberância da arte barroca.
do período, Antônio Francisco Lisboa. Famosos anjinhos: Altares laterais repletos de anjinhos, flores e espinhos estão
Chamado popularmente de Aleijadinho, presentes em quase todas as igrejas do estilo. Na São Francisco de Assis, podem
por causa de uma atrofia muscular que ser vistos três altares de cada lado da nave, dedicados a santos franciscanos:
atingiu seus membros, ele era filho de um Santa Isabel da Hungria, Santo Ivo, São Francisco de Assis, São Lúcio e Santa Bona,
arquiteto português com uma escrava. São Roque e Santa Rosa de Viterbo.
Além de projetar construções, Aleijadinho Sacristia assombrada: O lavabo em pedra-sabão da sacristia é considerado uma
também era um brilhante escultor. Para obra ímpar de Aleijadinho. Retrata uma figura humana com olhos vendados
superar a deficiência física na hora de fazer representando as qualidades franciscanas: pobreza, fé, obediência e castidade.
suas obras, ele amarrava nas mãos Mas a sacristia também é famosa pela lenda de que o fantasma de uma mulher
instrumentos para talhar e aparar blocos com roupas do século 18 costumava aparecer no local
de pedra. Graças à criatividade e ao Teto de tirar o fôlego: Pinturas rebuscadas podem ser vistas
esforço desse talentoso artista, a capela de em quase todos os templos barrocos. O teto da igreja, também
São Francisco de Assis é considerada a pintado por Manuel Athayde, é uma obra-prima que levou
mais bela de todas as igrejas barrocas de quase 11 anos para ficar pronta. O artista mostrou a ascensão
Minas Gerais. de uma Nossa Senhora com traços mulatos, envolta numa
grande revoada de anjos.
58 – PRINCIPAIS ARTISTAS DO BARROCO NO MUNDO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Caravaggio foi um dos maiores Rubens costumava dar às Sua obra se caracteriza pela O maior pintor da escola Foi um escultor e arquiteto
artistas do barroco italiano que vestimentas um colorido predominância de expressões espanhola, mestre na italiano considerado a maior
viveu no século XVI. exuberante que contrastava dramáticas e pela utilização de representação de luz e sombra. expressão do barroco. Grande
Dono de uma personalidade com a pele clara das figuras vívidos efeitos de luz. Nasceu em Sevilha, e logo na parte de sua obra está
forte e um estilo extravagante, retratadas. Trouxera da Itália a Rembrandt conseguiu adolescência produziu obras espalhada nas cidades de
grande parte de sua obra predileção por telas reproduzir em suas telas uma que impressionam pela Roma e do Vaticano. Embora
chocou a sociedade. Sua gigantescas e foi mestre na gradação de claridade nunca elaborada técnica. Em 1623 foi seja mais conhecido pelo seu
pintura foi considerada arte de dispor as figuras, a luz e vista antes. Embora os retratos nomeado um dos pintores da trabalho de arquiteto e
revolucionária para a época, a cor numa vasta escala, e cenas religiosas e mitológicas corte do Rei Filipe IV, escultor, Bernini foi um artista
seja nas técnicas utilizadas, sugerindo um intenso constituam a maior parte de tornando-se o mais prestigiado múltiplo. Ele também produziu
seja nas pessoas retratadas. movimento. sua obra, ele também pintor do reino espanhol. desenhos, pinturas e ainda, foi
Segundo ele: “Não sou um contribuiu de forma original a Embora tenha se dedicado a produtor de espetáculos.
pintor valentão, como me outros gêneros, incluindo a pintar retratos da realeza,
chamam, mas sim um pintor natureza-morta e o desenho. também registrou em seus
valente, isto é, que sabe pintar quadros o cotidiano de pessoas
bem e imitar bem as coisas humildes do seu país.
naturais.”.
59 – A ARQUITETURA BARROCA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
O estilo barroco é aquele que marca o período entre Características da arquitetura barroca: Sem medo de ousar, o Barroco rompeu totalmente com as escolas
os séculos XVI e XVIII. Nascido na Itália, esse estilo artísticas do passado ao propor um estilo cheio de ornamentos e proporções irregulares e incomuns. Confira
rebuscado e profundamente marcado por ideais abaixo as características que marcaram a arquitetura barroca:
religiosos transparece de modo claro e absoluto na  Extravagância e exageros ornamentais e decorativos
arquitetura. O estilo barroco também foi feitos em gesso ou estuque;
importantíssimo para o desenvolvimento e conceito  Obras de formato incomum e irregular;
de urbanismo na Europa dos fins da era medieval.  Ideia de movimento aplicada com o uso de curvas;
Contudo, para compreender todo esse movimento  Proporcionar ao observador da obra uma visão de
artístico e arquitetônico é preciso voltar no tempo e infinitude e grandeza;
entender o período dramático pelo qual passava a  Dramaticidade e efeitos teatrais;
Igreja Católica.  Afrescos de teto usados em larga escala;
Uma das principais e mais notáveis características  Grande uso de ornamentos dourados e acobreados;
do estilo barroco é a extravagância e o exagero nos  Manipulação da luz e sombra como forma de
ornamentos e decorações. Sem falar que esse novo aumentar o sentido de mistério;
movimento artístico tira o homem do centro para  Nave única nas igrejas;
exaltar os mistérios de Deus e da Igreja. Ou seja, ele  Deus e a Igreja passam a ser o centro da obra e não
rompe com os ideais racionais, simétricos e mais o homem;
proporcionais do classicismo greco-romano para
adentrar em um movimento profundamente ligado As principais diferenças entre a arquitetura barroca e a arquitetura clássica, sua precedente, são o uso da
às emoções e sensações. Tudo isso para promover e emoção e das sensações em detrimento da racionalidade, a complexidade no lugar da simplicidade e a
reafirmar o status, poder e domínio da Santa Sé, ambiguidade ao invés da clareza.
combatendo ao mesmo tempo o avanço da Reforma Arquitetura Barroca no Brasil: A arquitetura barroca também teve seu ponto alto no Brasil e até hoje é
Protestante. Por essa razão, que o estilo barroco apreciada por artistas e arquitetos do mundo todo. O barroco brasileiro está relacionado com o barroco
está presente em grande parte apenas em Igrejas, português, trazido pelos jesuítas, que por sua vez foi influenciado pelo italiano, todos, no entanto, tem na
basílicas e monumentos de influência cristã. Eram visão religiosa sua principal inspiração. O estado de Minas Gerais, mais especificamente a cidade de Mariana
poucas as casas e espaços públicos romanos e Ouro Preto, concentra as obras do período barroco no Brasil, que predomina entre os séculos XVII e XVIII.
influenciados pelo barroco, apesar de existirem. O
barroco sai do domínio da Igreja somente na França
e outros países do Norte da Europa, onde é possível
vê-lo em prédios públicos e residências particulares.
60 – RESUMÃO: A ARTE BARROCA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Nas pinturas de arte barroca sempre foi comum um ponto de Sendo assim, a arte barroca conta com vários recursos para
Em um contraste marcado pelo vista mais medieval, porém, sempre exalando os ideais do expressar o sofrimento causado pelas dúvidas nos seres humanos,
período de declínio da Igreja período renascentista. Sendo assim, as obras ganhavam um como é o caso da dor e da pobreza, por exemplo. Com uma
Católica, seus religiosos voltam grande contraste proporcionado pela bela mistura entre linguagem extremamente rica, a arte barroca também valoriza o
com tudo influenciando não só o sombras e luz. As divindades religiosas, por exemplo, contraste encontrado entre dois opostos: de um lado, o céu. De
cenário socioeconômico e ganhavam uma forma humana após misturar o homem com outro, a terra. O que seria encontrado em um abismo entre a
político de toda a Europa, como Deus. Os seres celestiais, por outro lado, ganhavam o corpo de juventude e a velhice? E entre o pecado e o pedido de desculpas?
também as tendências artísticas. mulheres e homens na pintura barroca. Todas essas perguntas encontram suas respostas (ou novos
A arte barroca surge então em Características da arte barroca: As obras artísticas enigmas) na arte barroca. Além da arte e em construções, o
meio a um contraste: de um lado, criadas durante o movimento barroco têm características bem barroco também se desenvolve de maneira expressiva na
temos o teocentrismo e a marcantes e fortes, capazes inclusive de mexer com o próprio literatura e até mesmo na decoração, estando presente em
essência do espiritualismo psicológico de nós humanos. Em pinturas e até mesmo as objetos e móveis até os dias atuais como em camas, cômodas,
presente na Idade Média. E do construções desse tipo de arte é notável a forma como se espelhos e outros. O uso desses itens era comum principalmente
outro, a influência parte do aproximam dos humanos, com todos os detalhes e diferenciais em palácios reais.
antropocentrismo e racionalismo do nosso corpo e alma. É possível sentir as emoções que A arte barroca no Brasil: Em território brasileiro, a arte
que marcaram o período aquela obra (ou quem está dentro dela) tenta nos barroca era fabricada por meio de madeira dourada ou
renascentista. proporcionar, assim como a beleza, a força, a inveja, o medo. policromada, além de pedra sabão e de barro cozido. Sua chegada
Os primórdios da arte barroca: Sendo assim, a arte Outra característica presente na arte barroca é a expressão do foi durante o século XVIII, sendo ela trazida pelos colonos
barroca surge no início do século XVIII, em território italiano. pessimismo que, inclusive, estabelece um conflito real e europeus (com destaque para os portugueses). Por ser um país
As igrejas católicas, após passarem por um período de crise, marcante entre o personagem, ou seja, o eu e o resto do essencialmente católico, a arte barroca ganhou muito espaço
adotaram uma forma mais artística para as suas construções e mundo. Muitos dos autores se dividiam entre a fé imposta tanto na decoração da casa dos senhores, engenhos e donos de
a onda se estendeu por todo o continente europeu. A principal pelo catolicismo e a razão do renascimento. propriedades mais ricos, como também na construção de igrejas e
semelhança com o Renascentismo se dá pelo fato de que outros templos religiosos. No Brasil, a arte barroca sempre contou
ambos tinham uma ideologia muito parecida, principalmente com traços muito dramáticos e as construções com base nessa
pelo destaque dado aos elementos mais antigos, como na arte eram extremamente grandiosas. O país teve muitos
arquitetura. No século XVIII, todo o mundo (e não só a Europa) representantes na arte barroca, com destaque para o escultor e
passava por uma série de mudanças impulsionadas pelas artista Antônio Francisco Lisboa, conhecido popularmente como
descobertas tanto em âmbito político como também social. O Aleijadinho. Além disso, Manuel da Costa Ataíde foi o principal
catolicismo, então, começou a perder alguns fãs e muitos deles pintor da arte barroca em nosso território. O auge da arte ocorreu
começaram a seguir Martin Lutero e o Protestantismo por ele entre o século XVIII desde a sua chegada, até o século XIX.
desenvolvido.
Os fenômenos da arte barroca: Um grande fenômeno
da arte barroca, como já visto anteriormente, é a junção
proposta entre dois elementos que já na época entravam em
desavenças, encontradas até os dias atuais: a ciência e a
crença religiosa. É nessa linha tênue que separa as duas que
podemos encontrar a arte barroca. Porém, no barroco a
ciência sempre se sobressaiu, devido às revoluções culturais,
artísticas e sociais da época. Isso fez com que os indivíduos
começassem a perceber que talvez existisse algo mais do que
religião no mundo e algumas explicações da ciência estavam
explícitas em obras literárias ou pinturas do período barroco.
61 – EXERCÍCIO DE OBSERVAÇÃO E DESENHO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Observe a seguir detalhes retirados de algumas Praticar a arte: Nos espaços a seguir, reproduza as figuras apresentadas e escreva as informações de onde é
obras artísticas: cada uma delas. Se desejar, escolha o detalhe de alguma obra de arte que você conheça e goste e faça o
desenho.
Apesar de as obras acima não apresentarem figuras

humanas com a precisão dos desenhos
renascentistas, elas também são representações do
homem.
62 – EXERCÍCIO INTERPRETATIVO: A ARTE BARROCA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
1. O barroco surge como uma resposta no campo 4.Marque (V) VERDADEIRO ou (F) FALSO: fvff 7. Quanto a Pintura Barroca analise itens abaixo e 11. Sobre o "Barroco Mineiro", é INCORRETO
artístico ao protestantismo, buscando reafirmar a) O estilo barroco retomou os próprios princípios em seguida marque a alternativa CORRETA: afirmar que:
os valores católicos, recorrendo principalmente da arte da antiguidade greco-romana; e de a) Na pintura, frequentemente uma luz incide a) Antônio Francisco de Lisboa, também conhecido
ao uso de imagens e de santos. Entretanto, o acordo com essa nova tendência, uma obra só diretamente sobre aquilo que o pintor quer como Aleijadinho, foi escultor e arquiteto e o
barroco se coloca como oposição a outro seria perfeitamente bela na medida em que valorizar na tela.* principal representante do barroco mineiro.
movimento artístico do século XVI, baseado na imitasse os artistas clássicos gregos. b) As cores de tons azuis e rosa são banidos da b) O Barroco Mineiro foi diretamente influenciado
racionalidade e na busca da simetria em suas b) Diante da Reforma Protestante a Igreja Católica pintura. pelo Barroco Italiano.
produções artísticas. Qual é este movimento? logo se organizou contra. E assim a Arte c) O artista Barroco esta fortemente ligado ao c) A arte Barroca era utilizada como instrumento de
Barroca serviu para revigorar seus princípios misterioso e ao sobrenatural. controle religioso.*
a) Classicismo.
doutrinários. d) Há uma tendência para a utilização da cor
b) Modernismo.
c) Com vigor barroco, os palácios barrocos se preta. 12. A produção artística chega a nós, hoje, dos mais
c) Renascimento.*
tornaram ambientes de encantamento, 8. Quanto à arte do período Barroco assinale a variados modos, e sua divulgação sofre
d) Romantismo.
projetados para impressionar os visitantes com alternativa CORRETA: vvff interferências da mídia, instituições, governos.
o poder e a glória do rei. a) Na pintura utilizava de uma técnica conhecida A tecnologia existente hoje fez com que obras
2. O Barroco como afirmação artística religiosa
d) O ideal humanista, a preocupação com o rigor como claro e escuro. de arte se reproduzissem fantasticamente.
buscava se opor aos conceitos do Renascimento,
científico e a composição equilibrada, são as b) A expressão dramática e os gestos amplos não Mona Lisa, por exemplo, existe apenas no
principalmente a utilização do antropocentrismo
principais características da Arte Barroca. são marcas da escultura barroca. museu do Louvre, em Paris, mas hoje vemos
e da racionalidade na produção estética. Sobre o
5. Marque (V) VERDADEIRO ou (F) FALSO: ffvv c) O dourado é banido da escultura como uma “Mona Lisas” espal adas aos il ares aos
barroco, qual das afirmativas abaixo é
a) Os tons suaves e pastéis, o equilíbrio simétrico, forma de entrega dos bens materiais. milhões pelo mundo. Quem já não a viu
INCORRETA:
a luz diagonal e a composição bidimensional d) É na arquitetura barroca que surgem os arcos estampada em camisetas, cinzeiros, chaveiros e
fazem parte do estilo barroco. e cúpulas. até fazendo propaganda de jeans em revistas?
a) Há no barroco o surgimento de pinturas e
b) Na representação barroca a figura humana, Quantas releituras, citações, apropriações já
esculturas marcadas por formas retorcidas e 9. Sobre o Barroco, pode-se afirmar que:
diversas vezes, aparece levemente não foram feitas dessa obra?
tensas. a) Foi uma forma de manifestação artística
b) A preocupação do barroco era reforçar o geometrizada, revelando uma preocupação inspirada nos conceitos pagãos de Idade
racionalismo e equilibrá-lo com as emoções, e não naturalista. Média e a Antiguidade.
em criar uma arte mais emotiva e cotidiana.* c) Do ponto de vista pictórico, as obras barrocas b) Fez uso da grandeza excessiva, do
c) A história e atributos de santos e mártires apresentam uma iluminação basicamente extravagante, do artificial, para expressar as
católicos se viam representados com bastante simétrica em relação à perspectiva linear concepções de mundo moderno.* Considere as afirmativas a seguir:
frequência na pintura, nas esculturas e utilizada. c) Surgiu nos países anglo-saxões, no final do I. A apropriação e a citação de obras de arte, ou de
construções do período, sendo que os elementos d) Nas obras barrocas as cenas representadas século XVII, e se espalhou por toda a Europa parte delas, tanto na propaganda como na arte,
eram dispostos de maneira pouco simétrica, envolvem-se num acentuado contraste de no século XVIII. cumprem a mesma função.
assumindo na maioria das vezes uma organização claro-escuro, o que intensifica a expressão de d) Impôs uma nítida diferenciação entre as II. A reprodução da obra de arte, de certa forma,
diagonal. sentimento. formas artísticas, como a pintura, a escultura democratiza-a e a torna acessível à grande
d) A valorização das cores e a contraposição de luzes 6. Marque (V) VERDADEIRO ou (F) FALSO: vfff e a arquitetura. maioria da população.
e sombras tinham grande importância na a) O racionalismo tão buscado e desejado pelo 10. O Barroco teve como berço a Europa, mais III. O processo de releitura pressupõe ir além da
demonstração dos gestos e estados de espírito do Renascimento tornou-se altamente secundário, precisamente em Roma. Sendo tal movimento reprodução, pois significa reinterpretar e, por
homem. dando lugar às emoções dentro do estilo artístico trazido ao Brasil pelos colonizadores, isso, criar novos significados.
3. Segundo a Arte Barroca, julgue os itens a seguir Barroco. torna-se correto afirmar que: IV. O aspecto quase sagrado que somente a obra
em (C) CERTOS ou (E) ERRADOS: ecee b) As obras barrocas romperam o equilíbrio entre o a) O barroco brasileiro foi diretamente influenciado original possui se perde a medida que esta é
a) O Barroco foi um movimento contra reforma sentimento e a razão ou entre a arte e a ciência. pelo barroco europeu. reproduzida em grande escala.
protestante. c) A iluminação diagonal tão marcante na pintura b) O barroco era utilizado apenas em espaços Assinale a alternativa CORRETA:
b) No Barroco existe um predomínio das barroca remete ao observador uma sensação religiosos.* a) Somente as afirmativas I e III são corretas.
emoções e não o racionalismo renascentista. estática. c) Sendo associado com a religião católica, o Barroco b) Somente as afirmativas I e IV são corretas.
c) O Barroco foi um movimento quase sem cor e d) Considerada por diversos críticos uma arte brasileiro foi utilizado em muitas igrejas e nas c) Somente as afirmativas II e IV são corretas.
formas. requintada, aristocrática e convencional, o fachadas das construções civis. d) Somente as afirmativas I, II e III são corretas.
d) Este movimento foi quase sem expressão nas Barroco acabou tornando-se, com o passar do d) Tal movimento se desenvolveu com as mesmas e) Somente as afirmativas II, III e IV são corretas.*
artes plásticas. tempo, superficial. características, em todas as regiões brasileiras.
63 – O ROCOCÓ. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
No final do século XVII e início Em contraste com o Barroco, as cores do Rococó são A pintura do Rococó divide-se em dois campos
do século XVIII a França leves e vivas, o branco e os tons claros de rosa, azul nitidamente diferenciados. Um deles forma um
tornou-se a nação mais e verde substituíram as cores sombrias e o excesso documento visual intimista e despreocupado do modo
poderosa da Europa em de dourado. As decorações se transferiram das de vida e da concepção de mundo das elites europeias
termos militares e culturais. igrejas e palácios para as salas privadas. A do século XVIII, e o outro, adaptando elementos
Paris se transformou na intimidade, a alegria das expressões e cores e a constituintes do estilo à decoração monumental de
capital das artes plásticas, predominância de temas que retratavam as igrejas e palácios, serviu como meio de glorificação da
posição que foi ocupada por futilidades da nobreza francesa são as principais fé e do poder civil. Apesar de seu valor como obra de
Roma durante séculos. Nesse características que identificam o Rococó. arte autônoma, a pintura rococó era concebida muitas
período teve início, na França, vezes como parte integrante de uma concepção global
o Rococó, estilo artístico que de decoração de interiores. Começou a ser criticada a
foi ao mesmo tempo um partir de meados do século XVIII, com a ascensão dos
desenvolvimento e uma ideais iluministas, neoclássicos e burgueses,
reação ao estilo Barroco e que sobrevivendo até a Revolução Francesa, quando então
se caracterizou pelo uso de caiu em descrédito completo, acusada de superficial,
formas curvas e pelo excesso frívola, imoral e puramente decorativa. O Rococó
de ornamentos, tais como denota uma nova maneira de viver e sentir a arte. Os
conchas, flores e laços. Quanto à arquitetura, o estilo rococó manifestou-se temas trazem cenas pastoris, festas galantes,
O termo deriva do francês “rocaille”, que significa principalmente nos interiores das construções. traduzindo amor, sedução, erotismo e hedonismo
“incrustações de conchas, pedrinhas e fragmentos Paredes e tetos de salões eram ornamentados com (doutrina filosófica que faz do prazer o objeto da vida).
de vidro com que se enfeitam grutas”, e de uma pinturas suaves e elementos decorativos, como Temas tratados de forma ligeira e superficial, com
combinação das palavras barroco e rocaille. O flores e laços feitos com estuque. Em oposição à referência a deuses e a pequenos cupidos.
Rococó se opôs ao espírito grandioso do Barroco, exuberância e riqueza dos interiores, as fachadas Teatralidades próprias do estilo rococó, opostas à
pois os franceses passaram a dar valor à elegância e das construções no Rococó eram simples, as ansiedade e tristeza do barroco.
à conveniência, quando o rei Luís XIV começou a texturas suaves e as numerosas janelas substituíram
perdes sua popularidade. Em 1715, quando Luís XX, o relevo abrupto das superfícies e as cores vivas
um jovem amante dos prazeres, foi coroado rei, a utilizadas anteriormente no Barroco.
corte francesa mudou-se de Versalhes para Paris. Os
ricos banqueiros e comerciantes parisienses
encontraram na arte uma forma de ostentar o poder
e de serem aceitos pela aristocracia. Dessa maneira,
o Rococó estabeleceu-se como estilo dominante e
permaneceu na França até 1780, período governado
por Luís XVI, neto e sucessor de Luís XV. Por esse
motivo o Rococó também ficou conhecido como
Estilo Luís XV e Luís XVI.
64 – PRINCIPAIS ARTISTAS DO ROCOCÓ. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Antoine Watteau é um símbolo do Iniciou seus estudos na oficina de Mais tarde, outra característica
rococó francês - com seus quadros de Pierre Dublin, pintor de história, após predominante na pintura rococó foi
cenas idílicas, ricas em detalhes e um rápido início como gravador e a sensualidade. Jean-Honoré
atmosfera de cores claras. As obras desenhista. Não se realizando com o Fragonard conseguiu refletir essa
do artista sugerem a ideia de gênero, foi estudar com Claude Gillot, característica de forma sutil em um
felicidade, mas há muito mais para tendo ali recebido influência de seu de seus quadros mais famosos: “O
além dessa superfície. Cada imagem colega Antoine Watteau. Veio depois Balanço”. Fragonard tinha uma forte
revela um Watteau que, além de a tornar-se mestre orientador do inclinação para a natureza, e na
dominar a técnica, possui uma fina estilo de pintura denominado “fête maioria de suas obras as figuras
crítica sobre a sociedade e sobre a galante” (festas galantes) – um novo humanas se fundem com o volume e
própria humanidade. gênero de paisagens – sendo a exuberância da vegetação.
O artista também realizou projetos de decoração de responsável, portanto, por um ramo
interiores de palácios e cenários apropriados para as específico do paisagismo francês no
constantes festas da nobreza francesa. Contudo, período do Rococó.
essa atividade não suficiente para o seu gênio O pintor tornou-se respeitado e muito apreciado à
criativo. Suas pinturas passaram a trazer elementos época. É tido, ao lado de Jean- Baptiste Pater, como
de uma perspectiva da vida na qual as privações e o mais importante dos artistas que receberam
tristezas não têm lugar. Um cotidiano alegre, com influência de Watteau.
dias de piquenique em parques e vales, além das
terras fantásticas aonde a chuva nunca chega para
arruinar o momento.
65 – DECORANDO UMA PORCELANA DO ROCOCÓ. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Uma das características do Rococó é a valorização Praticar a arte: Observando os modelos de vasos de porcelana Sèvres apresentados ao lado e conhecendo a
dos objetos de decoração. Móveis, estatuetas e paleta de cores características do Rococó, decore seu próprio vaso de porcelana. Observe os elementos
demais utensílios de uso doméstico eram ricamente gráficos presentes nesse estilo e use-os conforme sua criatividade. Não se esqueça do dourado.
decorados. Merece destaque especial os objetos de
porcelana que, a partir de 1710, passaram a ser
fabricados na Europa ao invés de serem importados
do Oriente, como aconteciam até então. A partir de
1756, a Manufatura Real de Porcelana de Sèvres
passou a produzir as mais finas porcelanas em
grande escala. Dessa maneira a cidade de Sèvres, no
norte da França, ficou famosa por produzir um dos
materiais integrantes do Rococó.
66 – RESUMÃO: O ROCOCÓ. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
“Rococó” é um substantivo Principais Características: Considerado por muitos como Rococó no Brasil: Analisando friamente, esse estilo de arte não
masculino de origem francesa uma variante “profana” do barroco, o rococó caracterizou-se, demorou muito para chegar no Brasil, pois já exercia sua
(rocaille, que significa “concha”) e acima de tudo, pela valorização das linhas em formato de influência em nossa terra durante o século XVIII mesmo. A
faz alusão a um estilo artístico concha. Ele abandona aquelas linhas retorcidas, típicas do primeira vez que essa linha artística apareceu por aqui foi na parte
tipicamente decorativo. Ele barroco, para empregar linhas e formas mais leves e delicadas, mobiliária, que era muito apreciada por D. João V. Tanto é que
prosperou na Europa vistas facilmente na decoração dos interiores, ourivesaria, muitos se referiam ao Rococó como “a arte de D. João V”.
(especialmente no sul da mobiliário, pintura, escultura e arquitetura. As obras deste Diferente do que aconteceu em outros países, no Brasil essa
Alemanha e na Áustria) do início movimento estético possuem texturas suaves que buscam manifestação artística aparecia intimamente relacionada com a
ao fim do século XVIII, marcando a expressar o caráter lúdico e mundano da vida. Assim, foi uma arquitetura religiosa, principalmente em Minas Gerais (Ouro Preto
passagem do Barroco para o preferência os temas leves e sentimentais relacionados ao é um dos exemplos mais simbólicos), Rio de Janeiro, Belém,
Arcadismo. Caracterizado pelo uso cotidiano e recheados de alegorias mitológicas e pastoris. Os Pernambuco e Paraíba. Por ter essa aproximação com a
de conchas, laços e flores em seus ambientes luxuosos, como parques e jardins suntuosos, religiosidade, no Brasil o Rococó realmente se mistura muito com
adornos, o estilo rococó retratam, na maioria das vezes, cenas eróticas e sensuais em o Barroco, não sendo tão fácil diferenciar um do outro. Os maiores
predominou na esfera da paisagens idílicas e alegres, nas quais transparecem os nomes nacionais foram Manuel da Costa Ataíde, Francisco Xavier
arquitetura, escultura e pintura. interesses hedonistas e aristocráticos. de Brito, José Pereira Arouca e o célebre Aleijadinho. Quem visita
Elas deveriam se complementar harmonicamente, muitas a Igreja de Santa Rita, no centro do Rio de Janeiro, pode observar
vezes pela união de artistas especializados em afazeres Estilo Rococó na arquitetura e na pintura: Na claramente a arquitetura e decoração típicas do Rococó: muito
distintos. O Rococó pode ser considerado como uma reação da dourado, desenhos de flores e uso de conchas. Por ser uma igreja,
arquitetura, o rococó criou edifícios com amplas aberturas
aristocracia e burguesia francesa contra a suntuosidade do também é um ponto que serve para ilustrar a religiosidade
para a entrada de luz. Quanto às esculturas, essas passaram a
barroco tradicional. Em geral, a substituição das cores impregnada no Rococó e, como consequência natural disso, a sua
possuir um tamanho reduzido e são apresentadas
vibrantes do barroco por tons rosa, verde-claro, estabelecem semelhança com a arte barroca.
individualmente, por meio de figuras isoladas, além de serem
uma primeira diferenciação entre os dois estilos. Além disso, a feitas a partir de materiais maleáveis, como gesso e madeira.
originalidade do rococó é conferida no abandono das linhas Já a pintura, retratava o modo de vida das elites europeias do
retorcidas e pela utilização de linhas e formas mais leves e século XVIII, lançando mão de linhas curvas, leves e delicadas,
delicadas. Do ponto de vista histórico, essa transformação preenchidas com cores suaves, sobretudo os tons pastéis.
indicava o interesse burguês em alcançar o prazer e a
graciosidade nas várias obras que eram encomendadas à
classe artística da época.
Principais Artistas:
Dentre os vários artistas deste período, destacaram-se:
 François Boucher (1703-1770): pintor francês
 Nicolas Pineau (1684-1754): escultor e arquiteto
francês
 Jean-Antoine Watteau (1684-1721): pintor francês
 Juste Aurèle Meissonnier (1695-1750): escultor, pintor,
arquiteto e designer franco-italiano
 Pierre Lepautre (1659-1744): escultor francês
 Johann Michael Fischer (1692-1766): arquiteto alemão
 Johann Michael Feichtmayr (1709-1772): escultor
alemão.
67 – ANALISANDO A OBRA: “PAISAGEM COM MOISÉS SALVO DAS ÁGUAS”, CLAUDE LORRAIN. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Considerado como um dos intérpretes de Esta tela faz parte de um grupo de obras pintadas para Filipe IV, destinadas a decorar a Galeria de Paisagens do Palácio do Buen
paisagem mais célebres do século 18, Lorrain Retro de Madri, e faz par com a Paisagem com o Enterro de Santa Serápia. O episódio, extraído do Antigo Testamento, não passa
mudou-se em 1613, ainda adolescente, da de um pretexto para representar a ampla e harmoniosa paisagem, interpretação idealizada do campo romano, que o artista não se
sua Lorena natal para Roma, onde cansou de percorrer, fixando as suas cambiantes em centenas de desenhos graciosos. Absoluta protagonista é a luz quente que
excetuando breves estadas em Nápoles e no difunde entre as massas arbóreas entrecruzadas, sobre o reflexo da água depois da cascata, e na velada transparência do céu. Os
seu país de origem, permaneceu até a sua edifícios ao longo do rio, a ponte romana, a cidade e as elevações ao longe dão lugar a uma paisagem idealizada e, todavia
morte, em 1682, em estreito contato com o reconhecível; trata-se da campina do Lácio executada pelo pintor no ateliê com base em apontamentos e desenhos feitos no local.
círculo de pintores nórdicos da zona de Praticar a arte: Escolha uma das inúmeras paisagens pintadas por Claude Lorrain para você desenhar e pintar ao seu modo.
Santa Maria del Popolo. O cosmopolita
ambiente cultural da capital influenciou a
longa carreira do pintor através de diversas
experiências: a medida classicista de
Poussin, o sentido paisagista dos
bolonheses, desde Annibale Carraci até
Guercino, e a maestria da iluminação dos
caravaggistas.
Adquiriu o costume de desenhar a partir do natural,
libertando-se dessa forma, dos modelos acadêmicos e dando
forma concreta à realidade da natureza graças à continuidade
estre espaço e luz.
68 – O NEOCLASSICISMO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
No terreno da escultura o impacto de novidade dos

novos conhecimentos adquiridos foi menor do que nas
outras artes, como a pintura e a arquitetura, pois os
escultores já bebiam na fonte clássica deste o século
XV, mas seus melhores resultados na reinterpretação
da tradição greco-romana não deixaram de mostrar a
mesma elevadíssima qualidade. Em linhas gerais
buscou-se evitar o extremo contorcionismo da
estatuária barroca e predominaram as formas mais
Nas últimas décadas do século XVIII um novo estilo A arquitetura neoclássica também buscou naturalistas, e o colorido de superfície foi praticamente
predominou na pintura, na escultura e na inspiração na Antiguidade clássica e é caracterizada abandonado de todo em favor da exposição completa
arquitetura. Denominado Neoclassicismo, esse pelo uso de fachadas sóbrias, nas quais colunas do material constituinte da obra. A temática privilegiou
estilo surgiu como reação ao Barroco e Rococó e se dóricas ou jônicas sustentam frontões triangulares. a história e mitologia greco-romanas, com muitos
caracterizou pelo desejo de recriar as formas Ela predominou tanto nas construções civis quanto elementos alegóricos e grande ênfase no nu, e o
artísticas da Antiguidade greco-romana. A afirmação nas religiosas. A primeira manifestação da retrato enalteceu os homens públicos meritórios. As
do Neoclassicismo deve-se em parte à curiosidade arquitetura neoclássica iniciou-se na Inglaterra em obras mostravam em geral alto nível de equilíbrio
pelo passado desencadeada pelas escavações 1730, quando vários arquitetos visitaram a Itália e a formal, com uma expressividade circunspecta e raros
arqueológicas de Pompéia e Herculano, cidades Grécia e começaram a concretizar o resultado de momentos de drama. Canova foi o mais bem sucedido
italianas soterradas pela lava do vulcão Vesúvio no suas observações. Posteriormente difundiu-se na na exploração de uma ampla gama de sentimentos e
ano 79 d.C. Dessa maneira, as formas gregas e Europa e na América. Na França um exemplo dessa de formas mais dinâmicas, passando da tranquila
romanas serviram de modelo aos artistas arquitetura é a igreja de Santa Genoveva, que se ingenuidade juvenil em peças como “As três graças”,
neoclássicos, que as reelaboraram com base nos transformou posteriormente no Panteão de Paris. até à violência desmedida no “Hércules e Licas” e no
princípios de racionalidade, proporção, medida, “Teseu derrotando o centauro”, e pesquisando outras
simetria e nitidez. Esses artistas, influenciados pelas regiões da emoção como o arrependimento, visível na
ideias iluministas (filosofia que pregava a razão, o patética “Madalena penitente”.
senso moral e o equilíbrio em oposição à emoção) e
inspirados na pintura renascentista, sobretudo em
Rafael, substituíram as linhas diagonais e curvas do
Barroco e Rococó por linhas horizontais e verticais
com traços firmes e equilibrados. Os neoclassicistas
queriam expressar as virtudes cívicas, o dever, a
honestidade e a austeridade, temas que se
opunham diretamente à frivolidade da aristocracia
nos períodos anteriores.
69 – CONHECENDO O ARTISTA E SUA OBRA: JACQUES-LOUIS DAVID. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Durante o Neoclassicismo, que se manteve Observe como os personagens Observe que David não descreve o momento
até o início do século XIX, o artista que mais são representados como se em que as sabinas foram raptadas pelos jovens
se destacou foi Jacques-Louis David (1748- fosse esculturas e a altivez de romanos, que precisavam de mulheres para a
1825), pintor francês quem em 1774 Sócrates bem ao gosto dos cidade que acabavam de fundar, e sim a última
ganhou o Prix de Rome, bolsa de estudos heróis gregos. David usa essa batalha entre romanos e sabinos, quando as
concedida pela Academia Francesa, em cena para fazer menção aos sabinas, agora mães, exibem seus filhos ao seu
Paris, que dava o direito aos ganhadores de revolucionários franceses que antigo povo e aos atuais maridos romanos,
estudarem em Roma. deveriam ser heróis como os conseguindo o fim da luta e a união dos dois
Na Itália, David encantou-se com as pinturas renascentistas e gregos, que lutavam pelas povos. Acredita-se que David escolheu o tema
visitou as escavações de Pompéia e Herculano, onde ficou causas de seu tempo. em homenagem à sua fiel esposa, com a qual se
impressionado com a riqueza da Antiguidade greco-romana. Ele participava ativamente da Revolução casou novamente ao sair da prisão. Entretanto,
David conviveu com arqueólogos e artistas iniciadores do Francesa quando retratou em “A Morte de essa obra foi interpretada pelos seus
Neoclassicismo. Em 1780 ele voltou a Paris, onde se Marat” o assassinato de seu amigo e líder da contemporâneos como uma expressão da
estabeleceu. Mais tarde, simpático á Revolução Francesa, Revolução. necessidade de amenizar o conflito civil que
tornou-se deputado e votou pela decapitação de Luís XVI. As Em 1794 Davi foi preso, acusado de traição, mas ocorreu na França após a Revolução. David foi o
pinturas de David estavam afinadas com a época em que ele acabou sendo libertado seis meses depois maior pintor da Revolução e tornou-se o pintor
vivia, elas exaltavam a severidade, o auto sacrifício e o dever graças à intervenção de sua ex-esposa, que se oficial do império de Napoleão.
cívico. divorciaria dele por diferenças políticas (ela
apoiava a Monarquia). Na prisão, Davi iniciou “O Seus últimos anos foram calmos e sem
Rapto das Sabinas”, obra em que mostra seu realizações. Sentia-se menosprezado por estar
perfeito domínio do dramático numa cena no exílio; ao mesmo tempo se recusava a voltar,
retirada da lenda romana. embora seus alunos fizessem campanhas para
isso. Recusou refúgio na corte do rei Frederico
III da Prússia e também se recusou a pintar o
Duque de Wellington. Em certa noite de
fevereiro de 1824 foi atropelado por um tílburi
(pequena carruagem para duas pessoas puxada
No quadro acima vemos Sócrates (469 a.C.), filósofo grego que por apenas um animal) quando voltava do
foi condenado sob a falsa acusação de corromper a juventude teatro e jamais se recuperou do acidente. Seu
ateniense. A sentença impunha ou a morte pla cicuta ou o declínio físico culminaria com sua morte em 29
exílio. No entanto, como para os antigos gregos ser expulso de de dezembro de 1825. Negada a permissão para
sua pátria era um castigo pior que a morte, Sócrates, para não que se transladasse seu corpo para França que
contestar o veredito de uma corte legítima, tomou o cálice do ele tanto amara, David foi sepultado na Igreja de
veneno. Nessa obra sobre o tema do auto sacrifício moral, Santo Gudula, em Bruxelas.
David personifica através da figura de Sócrates a ideia do dever
para com o Estado.
70 – EXERCÍCIO INTERPRETATIVO: ROCOCÓ E NEOCLASSISCIMO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
1. Sobre os ideais da arte no estilo Neoclássico 4. O estilo Rococó vem da palavra francesa 9. Quais os temas mais utilizados no estilo rococó? 12. Assinale V ou F.
assinale a alternativa INCORRETA: “rocaille” q e significa conc a. Este movimento ___________________________________________ a) A arte neoclássica inspirava-se na
a) Busca inspiração no equilíbrio e na artístico durou do início ao fim do século XVIII e ___________________________________________ simplicidade e no equilíbrio.
simplicidade. tinha como principais características o exagero ___________________________________________ b) A arte neoclássica era contrária ao exagero
b) Caráter ilustrativo e literário, marcados pelo na ornamentação e o afastamento dos temas ___________________________________________ do barroco.
formalismo e pela linearidade. religiosos. Analise as sentenças a seguir: ___________________________________________ c) A base das criações neoclássicas eram os
c) Academicismo: nos temas e técnicas, isto é, _________________________________________ conceitos usados na Antiguidade.
I- Temas banais fizeram do Rococó um estilo
sujeição aos modelos e regras ensinadas nas d) A arte neoclássica não retratava questões
superficial e fútil.
escolas ou academias. 10. Observe as imagens a seguir: sociais.
II- O Rococó, assim como o Barroco, surgiu na Itália.
d) Harmonia do colorido nas pinturas e exatidão 13. “De acordo co a tend ncia neocl ssica a
III- Podemos destacar elementos mais rudes nas
de contornos. obra de arte só seria perfeitamente bela na
composições do Rococó.
e) Restauração da arte religiosa em oposição à medida em que imitasse não as formas da
IV- O estilo Rococó era conhecido por usar cores
influência greco-romana. natureza, mas as que os artistas clássicos gregos
escuras, sombrias, revelando o espírito da época.
2. Acerca da escultura neoclássica assinale os itens e os renascentistas italianos já a ia criado.”
Agora, assinale a alternativa CORRETA: Segundo a leitura acima analise os itens e
CORRETOS:
a) Temas históricos, literários, alegóricos e a) As sentenças I e II estão corretas. marque uma ÚNICA alternativa:
mitológicos. b) As sentenças I, II e IV estão corretas. I. É o academicismo o grande opositor no
b) Nos países de influência católica, a escultura c) A sentença I está correta. decorrer do processo, pois expressou os
é basicamente de temática religiosa. d) As sentenças I e III estão corretas. valores próprios de uma nova e fortalecida
c) Cenas mitológicas. 5. Quais as características da arte rococó? burguesia.
d) Baixos-relevos e esculturas com ricos ___________________________________________ As imagens acima mostram, na sequência: II. Tais determinações geraram uma introdução
detalhes no interior de igrejas. ___________________________________________ a) Um templo grego antigo, um edifício neoclássico, nas academias de artes que se
e) Serviram de base para a representação de ___________________________________________ um templo romano antigo e uma igreja gótica. convencionaram quanto ao estilo de fazer arte.
figuras humanas com poses semelhantes às ___________________________________________ b) Um templo grego antigo, um templo romano, um III. Isto só seria possível com um trabalho de
dos deuses gregos e romanos. ___________________________________________ edifício neoclássico e uma igreja românica. pesquisa e aprendizado das técnicas de
___________________________________________ c) Um templo grego antigo, um edifício neoclássico, convenções da arte clássica, o que em
3. Sobre o estilo Rococó julgue os itens com V
___________________________________________ um templo romano antigo e uma igreja românica. decorrência da decadência política da época
(Verdadeiro) ou F (Falso):
___________________________________________ d) Um templo romano antigo, um edifício não acontecerá.
a) A relação do rococó com a burguesia também ___________________________________________ renascentista, um templo grego antigo e uma a) Apenas o item II está correto.
pode ser vista em boa parte dos quadros que _________________________________________ igreja românica. b) Todos os itens estão falsos.
definem esse tipo de arte. Ao contrário da forte e) Um templo romano antigo, um edifício c) Apenas o item I está falso.
6. Quais as cores usadas no Rococó?
religiosidade barroca, a pintura desse estilo renascentista, um templo grego antigo e uma d) Todos os itens estão corretos.
___________________________________________
valoriza a representação de ambientes luxuosos, ___________________________________________ igreja gótica. 14. Sobre o Neoclassicismo julgue os itens a seguir
parques, jardins e temáticas de cunho _________________________________________ em (C) CERTOS ou (E) ERRADOS:
11. O neoclassicismo foi um movimento artístico, a) Caracterizou-se pelo desejo de recriar as formas
mundano.
7. Como eram as pinturas que ornamentavam os surgido na Europa por volta de 1750, durando artísticas da antiguidade greco-romana.
b) As personagens populares perdem espaço para
interiores dos prédios no Rococó? até meados do século XIX. Este movimento b) Os neoclássicos queriam expressar as virtudes
a representação dos membros da aristocracia.
___________________________________________ teve como objetivo principal resgatar os cívicas, o poder, a honestidade e o cristianismo.
c) A jovialidade e a edificação do prazer, o tédio e
___________________________________________ valores estéticos e culturais das civilizações da c) Os neoclássicos queriam romper com a herança
a melancolia são os estados emocionais que
___________________________________________ Antiguidade Clássica (Grécia e Roma). A arte artística e cultural que vinha da Grécia antiga.
geralmente contextualizam os quadros do
___________________________________________ neoclássica era: d) A arquitetura se caracterizou pelo uso de
rococó.
_________________________________________ a) Voltada para a religião. fachadas sóbrias, nas quais colunas dóricas ou
d) A arquitetura se opõe ao uso de paredes mais
8. Como eram as esculturas no estilo rococó? b) Voltada para a população de classe baixa. jônicas sustentavam frontões hexagonais.
claras, com tons pastel e o branco.
___________________________________________ c) Uma arte acadêmica. e) A estética neoclássica retomou as técnicas
e) Guarnições douradas de ramos e flores,
___________________________________________ d) Uma arte que buscava a fuga das regras. barrocas: iluminação diagonal, cores intensas e
povoadas de anjinhos, contornam janelas.
___________________________________________ e) Uma maneira de enxergar o mundo. temáticas mitológicas.
_________________________________________
71 – O ROMANTISMO – CONHECENDO O ARTISTA: EUGÈNE DELACROIX. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Com a Revolução Francesa e a Revolução Industrial Dentre os representantes da pintura romântica, podemos destacar o A ênfase do pintor francês estava
no final do século XVIII, fortes mudanças sociais, francês Eugène Delacroix (1798-1863) e o espanhol Francisco de Goya mais no movimento e na cor ao
políticas e culturais alteraram, também, o (1746-1828). invés do cuidado com o contorno.
pensamento e a produção artística do homem no Delacroix revolucionou a pintura francesa, não aceitava os Buscando o exótico, viajou para a
início do século XIX. As várias concepções e padrões impostos pela Academia quanto ao desenho e a África, onde conseguiu produzir
tendências produziram uma grande diversificação constante imitação da arte clássica. Ele acreditava que a diversos trabalhos retratando
de movimentos artísticos e literários. O primeiro cor era mais importante do que o desenho e a imaginação animais. Outra de suas influências
deles foi o Romantismo, que expressava a liberdade mais do que a razão. foi Lord Byron, com quem tinha
e a independência, características que se uma forte identificação pelas
contrapunham ao Neoclassicismo. Diferentemente “forças do sublime” e pela ação
do artista neoclássico, que valorizava a razão e Delacroix retrata, violenta da natureza, a qual
seguia as normas impostas nas academias para na obra acima, eternizou nos quadros. “Delacroix
imitar a arte greco-romana, o artista romântico, um era um apaixonada pela paixão,
fascinado pelo misterioso e sobrenatural, criou em acontecimento mas altamente determinado a
suas obras uma atmosfera de fantasia e heroísmo, histórico, a expressar esta paixão com a maior
valorizando acima de tudo a emoção e a liberdade rebelião dos clareza possível”, disse o poeta e
de criação. A composição em diagonal, as cores e os republicanos e crítico de arte francês Charles
contrastes de claro e escuro, que causam efeitos liberais contra o Baudelaire em um de seus estudos
dramáticos às cenas, caracterizaram a pintura Rei Carlos X em sobre as obras do pintor. Lembrado
romântica que tinha como temas principais os 1830, na França, por ser o líder da escola romântica
acontecimentos históricos contemporâneos e o e utiliza uma francesa, Eugène Delacroix nasceu
culto à natureza. imagem no dia 26 de abril de 1798. Seu
fantasiosa para nome completo era Ferdinand
representar a Victor Eugène Delacroix e suas
liberdade: uma obras tornaram-se marcantes na
mulher com seios história da arte pela utilização de
nus. efeitos óticos, os quais estudou
Recusado pelos Neoclássicos, que só vieram a reconhecer seu valor profundamente e que foram
artístico em 1857, Delacroix era um artista muito popular entre os posteriormente utilizados pelos
jovens intelectuais da época e tinha até mesmo apoio dos governantes. impressionistas. Outra de suas
características era a paixão pelo
Mas no fim de sua vida passou os dias isolado em um ateliê, onde ficou
exótico, que influenciou a escola
até morrer. O pintor acaba por falecer em 1863 na cidade de Paris. Dois simbolista.
anos após sua morte, é editado o seu diário, onde escrevia sobre arte e
demonstrava ser um profundo conhecedor e pensador de seu ofício.
72 - O ROMANTISMO – CONHECENDO O ARTISTA: FRANCISCO GOYA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Como Delacroix, Goya também Este espantoso quadro de Goya é uma das imagens Francisco de Goya faleceu em Bordéus, França, no dia
retratou em suas pinturas importantes mais memoráveis da desumanidade do homem para 16 de abril de 1828. Só em 1899 a Espanha consentiu
fatos históricos. Francisco de Goya com o homem. Os exércitos de Napoleão ocuparam receber seus restos mortais. Está sepultado na capela
(1746-1828) foi um dos maiores a Espanha, mas no dia 2 de maio de 1808 os de San Antônio Del La Florida, em Madri.
mestres da pintura espanhola. Foi o cidadãos de Madri levantaram-se contra os
pintor da corte e também o pintor dos franceses. No dia seguinte o exército francês
horrores da guerra, das assombrações revidou com uma terrível vingança, executando  O Guarda Chuva – 1778.
do mundo e da vida interior dos centenas de rebeldes e muitas outras pessoas que  Cristo Crucificado – 1780.
homens. Francisco José de Goya y eram apenas observadores dos inocentes. Goya só  O Cardeal D. Luís de Borbon – 17 83.
Lucientes nasceu em Fuendetodos, conseguiu registrar esses fatos alguns anos depois,  A Marquesa de Pontejos - 1786).
Saragoça, Espanha, no dia 30 de março quando o rei Fernando VII foi reconduzido ao trono  Autorretrato – 1794.
de 1746. espanhol. O quadro transcende o contexto histórico  A Condessa de Casa-Flores – 1795.
Filho de um modesto dourador de estátuas e livros, específico e demonstra duas características  Os Caprichos (1797-1798) (série de 80 gravuras).
e de Gracia Lucientes, filha de decadente família de principais da arte de Goya: suas imagens marcantes  Milagre do Santo - 1798.
nobres de Saragoça. Com 13 anos, Goya foi e diretas, e sua moralidade que questiona, mas em  A Maldição – 1798.
entregue aos cuidados do pintor José Luzán y última análise, é distanciada.
 Maja Desnuda – 1800.
Martínez, mas o jovem preferia as ruas e as
 A Família Real – 1800.
touradas ao atelier do pintor. Em 1762, foi para É pintado de forma totalmente antirretórica: num
 Maja Vestida – 1805.
Madri e tentou, sem sucesso obter uma bolsa na charco de sangue, três cadáveres no chão, enquanto
 Fernando VII – 1808.
Real Academia de Belas Artes em 1773. Em 1766, um frade e alguns camponeses esperam receber a
faz nova tentativa, mas só recebe um voto de descarga; aproxima-se deles outra fila de  O Colosso – 1809.
Francisco Bayeu. Frustrado, tenta ganhar a vida condenados que vão morrer. É noite; contra o céu  As Majas no Balcão - 1810
lutando com os touros na arena de Madri. escuro recorta-se o perfil da capital e, em primeiro  Fuzilamento num Acampamento Militar – 1810.
plano, rodeado de luzes e sombras projetadas de  D. Juan Antonio Llorente – 1813.
encontro ao muro por uma lanterna, tem lugar a  Três de Maio de 1808 – 1814.
execução brutal e sem piedade. A atenção  A Junta das Filipinas – 1817.
concentra-se na figura do condenado de camisa  O Balão Aerostático – 1819.
branca e com os braços em cruz que desafia os  O Sábado das Bruxas - 1820
soldados sem rosto, curvados e fixos no ponto de  Saturno Devorando Seu Filho – 1823.
mira, enquanto o frade reza e os restantes fazem  A Leiteira de Bordeaux – 1827.
gestos de desespero, numa atmosfera ainda mais
gélida, devido ao sangue que se espalha pelo chão e
que chega aos pés dos algozes. A camisa imaculada,
prestes a ser trespassada pelas balas, converte-se
no estandarte de uma denúncia universal contra a
guerra.
73 – AS CARACTERÍSTICAS DO ROMANTISMO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
A arquitetura romântica abandonou os ideais Enquadramos a pintura dentro período de 1820-1850 A escultura romântica não brilhou exatamente
clássicos ressurgidos no Neoclassicismo e se inspirou que traz influências da pintura pré-romântica de finais pela sua originalidade, nem tampouco pela
em estilos anteriores, como o gótico e o barroco, do século XVIII, do Grupo Os Nazarenos, que era um maestria de seus artistas. Talvez se possa pensar
que exaltavam a emoção e a espiritualidade. Entre grupo de pintores alemães do tempo do neoclassicismo nesse período como um momento de calma
as construções do período destacam-se: que formaram em Roma uma comunidade para estudar necessário antes da batalha que depois viriam a
e pintar a partir da arte italiana do Renascimento e dos travar o impressionismo e as vanguardas modernas.
pré-rafaelitas, que era um grupo de pintores que surgiu Do ponto de vista funcional, a escultura romântica
na Inglaterra acerca de 1848 e que procurava inspiração não se afastou dos monumentos funerários, da
nos pintores italianos anteriores à Rafael. Foi este estátua eqüestre e da decoração arquitetônica,
grupo que trabalhou no período tardo-romântico e fez num estilo indefinido a meio caminho entre o
a transição para o Realismo e para o Simbolismo. classicismo e o barroco. A grande novidade
temática da escultura romântica foi a representação
As principais características da pintura romântica são:
de animais de terras exóticas em cenas de caça ou
 Corte com o academicismo neoclássico; de luta encarniçada. Não se abandonaram os
 O artista emancipa-se da encomenda e faz a sua obra motivos heroicos e as homenagens solenes na
baseado nos impulsos da sua alma e na sua própria forma de estátuas superdimensionadas de reis e
inspiração; militares. Em compensação, tornou-se mais rara a
 A pintura é bastante individualizada e diversificada no temática religiosa. Os mais destacados escultores
que diz respeito ao próprio estilo e aos temas; na França nesse período foram Rude e Barye.
 Pretende integrar o observador, tal como no barroco,
mas agora ela já não se serve dos desconcertantes
efeitos trompe l’oeil, que diluem fronteira entre a
aparência e a realidade.
 Uma pintura romântica pretende ser contemplada e o
observador terá que dar um significado à pintura
consoante às suas emoções;
 O pintor lança um olhar subjetivo sobre o mundo
objetivo e apresenta-nos uma imagem filtrada pelas
suas emoções. O artista torna-se o intérprete do
mundo.
74 – O MOVIMENTO ART NOUVEAU. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
O Art Nouveau (Arte Nova) é Características do Art Nouveau: O fato dele ter sido Principais artistas do Art Nouveau: Muitos artistas
um movimento artístico que criado no período da era industrial faz com que sua tiveram seus trabalhos destacados com o movimento
surgiu no final do século XIX relação com a produção industrial seja uma Art Nouveau. Ele foi utilizado com eficiência máxima na
na Europa e apresenta um característica forte. As utilizações dos arquitetura além de ser profundamente difundido em
estilo que visava fazer uma conhecimentos racionais e da lógica para a temas do design de interior durante todo o período.
reflexão e que acompanhasse confecção de muitos objetos do Art Nouveau são  Antoni Gaudí.
as inovações da sociedade na um importante destaque. Materiais como vidro,
 Victor Horta.
era industrial. madeira e cimento foram bastante utilizados nas
 Charles Rennie Mackintosh.
Ele é baseado, sobretudo na reação à arte produzida produções artísticas da época. No âmbito social, o
 Henry van de Velde.
pelas academias no século XIX e tem inspiração em Art Nouveau está relacionado com
 Alfons Mucha.
formas e estruturas naturais, não somente de flores o desenvolvimento da burguesia industrial e por
e plantas, mas também de linhas curvas. Também esta razão, houve um movimento de oposição ao
conhecido como Arte Nova, este movimento foi movimento romântico na época, além da
criado fora do contexto em que as vanguardas valorização das expressões sentimentais nas artes.
artísticas surgem, atingindo vários setores artísticos, As obras retratavam temas ligados à natureza, como
como o design, a arquitetura, as artes decorativas, plantas, flores, árvores e animais, retratados com
as artes gráficas e as artes imobiliárias. Ele teve linhas em movimento, dando valor às formas das
início especificamente na França na década de 1890 coisas. A figura feminina também teve sua O pintor Gustav
e prevaleceu em destaque nas artes até o final de valorização no período do Art Nouveau. Imagens de Klimt interpretou
1920. mulheres eram retratadas nas pinturas e ilustrações. de maneira
O Art Nouveau foi mais popular na Outras características também são destacadas, própria o Art
Europa, porém sua influência foi como: Nouveau em
seus quadros e
global e esteve muito em evidência  Uso de arabescos em ilustrações.
seu trabalho
no período conhecido com “Belle  Uso de cores com tonalidades frias nas pinturas.
também foi um
Époque”. O movimento leva o nome  Exuberância decorativa, formas ondulantes e
a partir da expressão francesa “art dos grandes
elegantes;
destaques deste
nouveau”, que significa "arte nova",  Arquitetura dos séculos XVIII ao XIX foi de
mas também pode ser conhecido gênero artístico.
revivescência;
como “Jugendstil”, termo alemão  A decoração torna-se elaborada e exótica, às vezes
para “estilo da juventude”. Antes da mórbida;
Primeira Guerra Mundial, o Art  O sentido ascendente, entrelaçado e sugere o
Nouveau modificou seu estilo para mover das árvores e das chamas;
uma arte voltada para formas mais  Com influências das gravuras japonesas, do
geométricas, característica de uma barroco e do rococó francês.
ramificação do estilo, conhecido
como Art Decó.
75 – PRINCIPAIS ARTISTAS DO ART NOUVEAU. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
O estilo único de Antoni Gaudí o Victor Horta foi um dos expoentes da Sua vida foi baseada nas obras de Foi um arquiteto, designer e pintor Alfonse Maria Mucha, pintor e
tornou muito conhecido arquitetura Art-Nouveau, exercendo Morris, Voysey, Ashbee, Macmurdo, belga, considerado um dos principais desenhista, nasceu em Ivancice, na
mundialmente. O arquiteto Catalão grande influência sobre outros que influenciaram os movimentos de representantes do Art-Nouveau em atual República Tcheca. O Conde Karl
nascido na Espanha é famoso por arquitetos da época, como Hector vanguarda do continente, enquanto seu país. Em 1880 começou a Khuen, impressionado com o seu
misturar muitas cores e texturas nas Guimard. Estudou na Academia Real as experiências de Victor Horta, Van estudar pintura na Academia de trabalho, patrocinou os estudos de
construções. Utilizando cerâmica, de Belas Artes de Ghent – sua cidade de Velde e dos vienenses eram Belas-Artes da Antuérpia e, quatro Mucha na Akademie der Bildenden
ferro forjado, vitral, e marcenaria, natal. Trabalhou em Paris e, quando acolhidas na Inglaterra com certa anos mais tarde, foi estudar na Künste München (Academia de Belas
Antoni Gaudí traz forte influência na retornou à Bélgica, estabeleceu-se desconfiança e dificuldade, e França. No início de sua carreira, Artes de Munique), e mais tarde, na
arquitetura gótica e catalã em Bruxelas. A partir de 1885, Horta freqüentemente julgadas com dedicou-se à pintura, tornando-se Académie Julian e na Colarossi
tradicional. Além do estilo gótico, começou a trabalhar sozinho, severidade por serem por demais membro do grupo Les Vingt, em Académie, ambas na França. Ele não
Antoni Gaudí adotou o estilo de desenvolvendo um estilo próprio, estetizantes, outros artistas 1889. Parte de sua vida foi dedicada se destacou apenas na pintura, mas
decoração denominado Art Nouveau baseado nas formas curvas, de baseavam-se no que chamamos de ao ensino da Arquitetura e das artes na criação de cartazes, anúncios,
e esta mescla entre os estilos pode inspiração vegetal. Dando uma Art Nouveau para sobreviverem. decorativas, tendo influenciado ilustrações de livros, bem como no
ser bastante observada na Sagrada dimensão plástica aos novos Devido às situações econômicas muitas gerações de arquitetos e design de jóias, tapetes e papel de
Família, que inicialmente adotaria materiais, o aço e o vidro, e difíceis que se seguiram à Primeira designers, como professor na parede.
apenas o primeiro estilo, mas após empregando a pedra de forma Guerra e à indiferença com que as Bauhaus – onde foi mentor de Walter
Antoni Gaudí assumir o projeto, inovadora, sua arquitetura é de obras eram recebidas na Inglaterra, Gropius -, na Universidade de Ghent
passou a apresentar as características caráter fortemente decorativista. Mackintosh acabou por abandonar a e no Institut supérieur des Arts
de ambos os estilos de forma muito arquitetura e dedicar-se à pintura. décoratifs (Instituto Superior de Artes
intensa. Decorativas) de Bruxelas. O arquiteto
viveu na Holanda e, ainda, na Suíça,
onde se exilou por ocasião da eclosão
da II Guerra Mundial.
76 – CONHECENDO O ARTISTA: ALFONS MARIA MUCHA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Nesta fase de sua Praticar a arte: Inspirado pelos pôsteres publicitários criados por Mucha, aplique as cores que desejar na
carreira, Mucha estava imagem “Cycles Perfecta”. Inspire-se observando outros pôsteres do artista do Art Nouveau.
em considerável
demanda por trabalhos
publicitários, e tornou-se
famoso bem além de sua
terra natal, como
evidenciado por este
trabalho promovendo a
fabricante britânica de
bicicletas Perfecta na
França.
A dama tem o cabelo dourado e
estilizado típico de muitas de suas
fotos de mulheres. O uso do apelo
visual na publicidade desenvolveu-se
rapidamente nos últimos anos do
século XIX e, em 1900, os cartazes no
estilo Art Nouveau, em que Mucha se
especializou, tornaram-se comuns em
Londres, Paris e outras grandes
cidades européias.
As propagandas não mais simplesmente
informavam os compradores dos produtos
disponíveis, mas tentavam seduzi-los para que
comprassem os produtos de uma empresa. A
pintura não é inteiramente realista em sua
apresentação – a bicicleta é mostrada em repouso,
mas o cabelo da mulher está fluindo ao vento como
se ela estivesse andando a toda velocidade. Isso dá a
impressão de que o ciclismo pode trazer tanto
alegria quanto euforia e acrescenta um tom sutil e
atraente à grande extensão de carne exposta da
mulher.
77 – CONHECENDO A BELLE ÉPOQUE. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Ora, foram criações francesas (parisienses) notáveis Do ponto de vista cultural, assistimos a multiplicação das
deste período: as políticas de saneamento público e livrarias, salas de concertos, boulevards, atêliers, cafés e as
A “Belle Époque”, do francês “bela urbanização de Haussmann – que renovaram Paris galerias de arte, principalmente as parisienses, de onde
época”, foi um período de grande (drasticamente) sob os preceitos dos saberes médicos- saíam quase todas as tendências estéticas e artísticas
otimismo e paz, desfrutado pelas higienistas e reduziram as taxas de mortalidade, globais produzidas durante o período. Não obstante, vale
potências ocidentais, sobretudo as tornando aquela um modelo para o Mundo; os cabarés, destacar enquanto movimento artístico da Belle Époque, o
europeias, entre 1871 até 1914, como o Moulin Rouge; a Torre Eiffel (1889); o Casino de estilo “Art Nouveau”, um fazer ornamental de cores
quando eclode a Primeira Guerra Paris (1890); o Metrô de Paris, etc. Ainda na França vibrantes e formas sinuosas, presente desde as fachadas dos
Mundial. surgiram o pneumático de borracha removível de edifícios até nos objetos decorativos, como joias e
Esta “época áurea” foi possibilitada em grande parte Edouard Michelin (1890), o Peugeot Tipo 3 (1891), a mobiliários. No âmbito da pintura, também se destacou o
pelos avanços científicos e tecnológicos, os quais primeira força aérea nacional (1910), a indústria Impressionismo de Claude Monet (1840- 1926). Outros
tornaram a vida cotidiana mais fácil, bem como firmaram cinematográfica de Auguste e Louis Lumière etc. artistas de renome da Belle Époque foram:
a crença de prosperidade e esperança no futuro.  Odilon Redon (1840-1916).
Principais Causas: Com o fim da guerra Franco-Prussiana,  Paul Gauguin (1848-1903).
surge na Europa uma política de estabilidade, apesar da  Henri Rousseau (1844-1910).
insatisfação francesa em perder os territórios de Alsácia-  Pierre Bonnard (1867-1947)
Lorena para a Alemanha em 1871, o que acabou gerando  Émile Zola (1840-1902).
também uma tensão militar entre aquelas potências. A  Henri de Toulouse-Lautrec (1864- 1901).
despeito da corrida armamentista que se desenrolava, o
clima de progresso da Segunda Revolução Industrial
provocou um forte êxodo rural e favoreceu o Paralelamente, a Belle Époque se
desenvolvimento de uma cultura urbana cosmopolita e desenvolvia nos Estados Unidos
de divertimento, fomentada pelos avanços nos meios de após a recuperação da crise
comunicação e transporte. econômica de 1873; no Reino
Unido pós era vitoriana; na
Alemanha do Kaiser Wilhelm I & II;
O ponto marcante desta
e na Rússia de Alexandre III e
época foi o estilo de vida
Nicolas II.
boêmio e otimista, com
No Brasil, este período ficou marcado nas cidades de
destaque para a França, a qual
Fortaleza, Manaus e Rio de Janeiro, sobretudo após a
se tornou o centro Global de
Proclamação da República, em 1889.
toda influência educacional,
científica, médica e artística De toda forma, pudemos vislumbrar em todo Ocidente,
após a instauração da Terceira as revoluções provocadas com a melhoria nos
República Francesa, em 1870. transportes públicos de massa (trens e navios a vapor) ou
Ademais, se a nação francesa individuais (Ford T e a bicicleta), pelas tecnologias de
era o polo difusor, Paris era o telecomunicações (telefone e telégrafo sem fio), ou pela
núcleo da Belle Époque substituição da iluminação a gás pela elétrica. Vemos nesse período à organização dos sindicatos trabalhistas e partidos políticos,
Mundial. bem como a ascensão do Socialismo. A Belle Époque termina com a Crise de 1929.
78 – ANALISANDO A OBRA: “CAMPONESAS BRETÃS”, DE PAUL GAUGUIN. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte: A partir da sua observação da obra de arte apresentada, aplique as cores na imagem a seguir
para completar a obra. Se possível, utilize giz pastel oleoso ou giz de cera.
Uma viagem a um país com uma cultura diferente

também pode influenciar muito a obra de um artista.
Foi o que aconteceu com o trabalho de Paul Gauguin
após uma estadia na Polinésia.
Gauguin retornou à França e suas figuras ganharam a

robustez das mulheres do Taiti. Observe as duas
camponesas conversando. Veja os volumes quase
cilíndricos dos corpos e braços das mulheres na
pintura, além dos pés e mãos pesados e rostos com
maças salientes.
Os pés das camponesas que veste saia vermelha estão
cortados, fora do plano da tela, um recurso bem usado
pelos pintores do Impressionismo, semelhante à
fotografia.
A paleta de cores é radiante e o artista construiu a
textura dos aventais. Para acentuar o branco das
toucas, ele escureceu o fundo com tons de azul, cinza
e verde, deixando mais densa à copa das árvores.
79 – EXPERIMENTAÇÃO PRÁTICA: GIZ PASTEL E TOULOUSE-LAUTREC. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
HISTÓRICO: A técnica do pastel foi
mencionada pela primeira vez por Leonardo
da Vinci em 1495. Sua invenção é atribuída
ao pintor alemão Johann Thiele. No entanto,
foi a artista Rosalba Carriera (1675-1750),
quem utilizou realmente o giz pastel como
material de pintura e não apenas para
desenhar esboços. Ao longo do tempo esta
técnica foi escolhida por grandes Mestres da
Pintura como: Degas, Renoir, Manet,
Delacroix e Toulouse-Lautrec.
A técnica de giz pastel representa uma Praticar a arte: Utilizando o giz pastel, aplique as cores nos croquis feitos pelo artista Toulouse-Lautrec.
elegante maneira de “pintar a seco”,
como bem dizia Leonardo da Vinci.
Esta é uma técnica que emprega
pequenas barrinhas de pigmentos secos
misturados com um agente aglutinante,
que pode ser simplesmente água ou
geralmente “goma adragante”. O Pastel é
pigmento puro. O mesmo pigmento que
se utiliza para se fazer todos os outros
médios para diversas técnicas de pintura
artística, como óleo, aquarela e acrílica.
A COMPOSIÇÃO DO GIZ PASTEL: A
composição do giz pastel é muito
simples. Pigmento e aglutinante! O
pigmento é aplicado praticamente em
seu estado natural, por esta razão
oferece ao artista a pureza total das
cores. As pinturas a pastel são muito
mais intensas, estáveis e duráveis,
quando comparadas com todas as outras
técnicas existentes. Por não possuírem
nenhum agente líquido como os
presentes em todas as outras técnicas
(óleos, resinas e vernizes), não sofrem de
todos os seus problemas. Desta forma
não apresentam alteração e
escurecimento das cores após a
secagem, amarelamento das resinas e
vernizes, rachaduras ou empolamentos
advindos com o tempo.
80 – A ART DÉCO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Art Déco, expressão francesa A valorização destas artes fora da tradição ocidental Principais Artistas da Art Déco:
referente à arte decorativa, é um vem de encontro à difusão do cubismo com seu  Emil Nolde (1867-1956) - pintor alemão.
estilo que rapidamente se planejamento, disciplina, organização simplificadora  Max Pechstein (1881-1955) - pintor alemão.
tornou modismo internacional. da composição, onde convergem os vocabulários  Otto Mueller (1874-1930) - pintor alemão.
Associa sua imagem a tudo que das artes não naturalistas, cujas formas possuem  Sonia Delaunay (1885-1979) - estilista, pintora e
se define como moderno, uma geometrização essencial e despojada; designer russo-francesa.
industrial, cosmopolita e exótico. geralmente práticas de povos primitivos, como  William Van Alen (1883-1954) - arquiteto americano.
Por estar ligado à vida cotidiana - também de civilizações orientais. A arte decorativa,
objetos, mobiliário, tecidos, Art Déco, tornou-se internacional, expandindo-se No Brasil, o Art Déco entra em convergência com o
vitrais, painéis pintados - se pelo mundo ocidental até a Segunda Guerra e em nacionalismo modernista, absorvendo temas indígenas
associa à Arquitetura, alguns lugares, até o final da década de 40. - flora, fauna e motivos geométricos, inspirados nas
Urbanismo, Paisagismo, cerâmicas marajoaras do Pará. Vicente do Rego
Características da Art Déco:
Arquitetura de Interiores, Monteiro, por ser pioneiro da pesquisa de temas
 Estilo luxuoso.
Design, Cenografia, Publicidade, indígenas, e os irmãos Antônio Gomide e Regina
 Uso de formas geométricas.
Artes Gráficas, Caricatura, Moda Gomide Graz, a que se soma John Graz, seu marido,
 Design abstrato.
e Vestuário. Teve sua origem em foram os três principais difusores deste estilo. Atuaram
 Emprego dos materiais: marfim, jade e laca. não só na pintura, como na produção de objetos de
Paris, com a grande mostra
Exposition Universelle des Arts  Influência das vanguardas artísticas: futurismo e decoração e arquitetura de interiores, como vitrais e
Décoratifs, em 1925. Com uma cubismo. painéis pintados com temas alegóricos decorativos,
estruturação compositiva cubista  Influência do construtivismo, modernismo e abajures, tapetes e almofadas.
como base, integra em seu abstração geométrica.
vocabulário de formas,  Linhas retas e circulares estilizadas.
elementos oriundos de culturas  Temas mais explorados: animais e mulheres.
e civilizações fora da tradição  Presença marcante na Arquitetura.
greco-romana ocidental. Tem
grande sucesso, os padrões
esquematizados ou estilizados
da arte khmer, da Malásia,
vietnamita, arte egípcia - sob o
impacto da descoberta do
túmulo do faraó Tutankamon -,
assim como a dos povos
indígenas das Américas e da
África. Estes dois últimos, foco
de interesse desde as primeiras
vanguardas do início do século.
81 – OS PADRÕES DA ART DÉCO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Uma forma de começar a sua decoração com o Praticar a arte: Escolha na imagem ao lado entre os diferentes padrões geométricos usados na Art Déco. Aplique o padrão da
estilo Arte Déco seria utilizando um papel de parede sua preferência no papel de parede e nos móveis e decoração do ambiente a seguir. Você pode aplicar as cores que desejar.
com formas geométricas que crie impacto, e daí Obedeça aos contornos das peças e trace linhas bem marcadas variando na intensidade do gesto.
para frente continuar a adicionar elementos desta
corrente ou ir misturando outros para dar-lhe um
toque mais moderno.
82 – O REALISMO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Entre 1850 e 1880 um novo movimento cultural, denominado Gustave Courbet (1819-1877) foi um Trata-se de uma das obras mais conhecidas do
Realismo, predominou na França e se estendeu por toda a Europa pintor francês, um dos pioneiros da pintor Courbet, que foi exposta em conjunto
com outras, da sua autoria, num pavilhão
e outros continentes. Os artistas integrantes desse movimento pintura realista no século XIX, que perto da exposição internacional, por se opor
repudiaram a artificialidade do Neoclassicismo e do Romantismo, procurou retratar o cotidiano de aos críticos de arte. A obra tem como título “O
pois sentiam a necessidade de retrata a vida, os problemas e forma imparcial e objetiva, evitando Atelier do Pintor”, seguido de um subtítulo
costumes das classes média e baixa, em substituição à arte as pinceladas intensas e dramáticas muito sugestivo: ”Alegoria Real que define
inspirada em modelos do passado. Dois entre os principais dos românticos. Gustave Courbet, uma fase de sete anos da minha vida artística
e moral”. Nela vemos o artista pintando uma
pintores franceses a praticar a estética realista foram: influenciado pelos ideais de paisagem sob o olhar atento de uma jovem
democracia e socialismo que se seminua e de um menino acompanhado de um
seguiram à revolução de 1848, cão branco adormecido no chão. O pintor é o
partilhava com seus eixo que separa ambos os lados do quadro,
contemporâneos, a crença de que a onde se desenvolve a cena enquadrada num
fundo. À esquerda da composição, mostram-se
arte poderia ser uma força social. os dois lados da sociedade, ilustrada através
O grupo desprezava os valores burgueses e defendia de personagens como o caçador com o cão,
valores novos para a sociedade, aliando-se com isso ao representante da classe burguesa, ou a mulher
apelo do povo francês que esperava mudanças de cócoras, que simbolizaria a classe mais
profundas no país, que vivia um período de muita desfavorecida. Estão também membros das
classes religiosas, representados pelas figuras
miséria. Publicou um manifesto contra as tendências de um homem judeu e de um sacerdote
românticas e neoclássicas. cristão. No entanto, à direita do quadro estão
Pintor romântico e um dos fundadores da Escola de Barbizon na
os amigos do pintor pertencentes todos eles a
França rural. É conhecido como percursor do realismo, pelas suas classes altas e representantes da cultura
representações de trabalhadores rurais. Junto com Courbet, Millet como, por exemplo, o músico A. Promayet que
foi um dos principais representantes do realismo europeu surgido aparece em primeiro plano, ou o filósofo e
em meados do século XIX. Sua obra foi uma resposta à estética sociólogo Pierre-Joseph Proudhon. Por sua vez
o poeta Boudelaire, grande amigo do pintor
romântica, de gostos um tanto orientais e exóticos, e deu forma à
aparece sentado à direita da composição,
realidade circundante, sobretudo a das classes trabalhadoras. lendo um livro, e mostrando-se alheio à cena
Suas obras sobre camponeses foram consideradas sentimentais que decorre à sua volta. A mulher seminua
para alguns, exageradamente piegas para outros, mas a verdade é que está atenta ao quadro cobre-se com uma
que as obras de Millet em nenhum momento suscitaram parte do pano branco que cai para o chão, e
contempla concentrado, o artista enquanto
indiferença. Na tepidez de seus ocres e marrons, no lirismo de sua
ele pinta. É interessante observar que Courbet
luz, na magnificência e dignidade de suas figuras humanas, o Os pintores realistas – como Gustave Courbet - preferiu uma mulher aos críticos habituais dos
pintor manifestava a integração do homem com a natureza. voltaram-se para representar as cenas da vida salões, demonstrando com este fato o
Alguns temas eram tratados talvez com um pouco mais de cotidiana e os flagrantes populares, muitas vezes desagrado que estes lhe causavam. Uma obra
sentimentalismo do que outros. No entanto, é nos pequenos impregnados de ideias políticas. Dizia Courbet “A estranha e que foge aos cânones habituais.
gestos que se pode descobrir a capacidade de observação deste pintura é uma arte essencialmente objetiva e consiste
grande pintor. na representação das coisas reais e existentes”.
83 - AS CARACTERÍSTICAS DO REALISMO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
A Arquitetura: Os arquitetos e engenheiros A Escultura: René-François-Auguste Rodin (1840- A Pintura: Representação da realidade com a mesma
procuram responder adequadamente às novas 1917) foi um importante escultor francês. Desde objetividade com que um cientista estuda um
necessidades urbanas, criadas pela industrialização. criança demonstrou grande interesse por esculturas. fenômeno da natureza, ou seja, o pintor buscava
As cidades não exigem mais ricos palácios e Aos 13 anos de idade, entrou para uma academia de representar o mundo de maneira documental; Ao
templos. Elas precisam de fábricas, estações, arte para aprender os princípios básicos das artes artista não cabe “melhorar” artisticamente a natureza,
ferroviárias, armazéns, lojas, bibliotecas, escolas, plásticas. Interessou-se e estudou também, por pois a beleza está na realidade tal qual ela é; Revelação
hospitais e moradias, tanto para os operários conta própria, anatomia humana para utilizar os dos aspectos mais característicos e expressivos da
quanto para a nova burguesia. Em 1850, Joseph conhecimentos na elaboração de suas esculturas. realidade. Temas da pintura: Politização: a arte passa a
Paxton construiu o Palácio de Cristal que abrigou a Aos 18 anos de idade, começou a trabalhar como ser um meio para denunciar uma ordem social que
1ª Feira Mundial em Londres, demonstrou as modelador e ornamentista. Especializou-se na consideram injustas; a arte manifesta um protesto em
possibilidades estéticas do uso do ferro fundido. Em elaboração de esculturas em bronze. Auguste Rodin favor dos oprimidos. Pintura social denunciando as
1889, Gustavo Eiffel levanta, em Paris, a Torre Eiffel, não se preocupou com a idealização da realidade. injustiças e as imensas desigualdades entre a miséria
hoje logotipo da “Cidade Luz”. Triunfo da Ao contrário, procurou recriar os seres tais como dos trabalhadores e a opulência da burguesia. As
engenharia moderna ostenta seu esqueleto de ferro eles são. Além disso, os escultores preferiam os pessoas das classes menos favorecidas – o povo, em
e aço, sem alusões a estilos arquitetônicos do temas contemporâneos, assumindo muitas vezes resumo – tornaram-se assunto frequente da pintura
passado. uma intenção política em suas obras. Sua realista. Os artistas incorporavam a rudeza, a fealdade,
característica principal é a fixação do momento a vulgaridade dos tipos que pintavam, elevando esses
significativo de um gesto humano. tipos à categoria de heróis. Heróis que nada têm a ver
com os idealizados heróis da pintura romântica.
84 – PRÁTICA DE OBSERVAÇÃO DE OBRA DE ARTE – REALISMO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Observe as imagens a seguir: Observe esta paisagem realista:
No Realismo, a paisagem ganhou destaque e passou

a ser o tema principal de muitas obras, o que não
Praticar a arte 1: “A Condessa de Vilches” é uma
acontecia anteriormente, quando ela era
obra romântica e “A Mulher de Pérola” é uma obra
representada apenas como ambientação para
realista. Em relação às cores utilizadas, aos efeitos
outras figuras, consideradas mais importantes.
de luzes e sombras, às expressões dos rostos das
damas (parecem felizes, tristes, sérias etc.), quais as
diferenças e semelhanças que elas apresentam?
___________________________________________________ Praticar a arte 2: Escolha uma paisagem (Praia,
___________________________________________________ cidade, campo etc.) Se não for possível, use fotos.
___________________________________________________
___________________________________________________
Observe os principais elementos do quadro:
___________________________________________________ montanhas, casas, árvores, praias etc. No espaço ao
___________________________________________________ lado, faça seus esboços e depois passe para uma
___________________________________________________ folha do seu caderno de arte o desenho. Você pode
___________________________________________________ aplicar a tinta acrílica ou guache. As cores podem se
___________________________________________________
___________________________________________________
misturar em uma paleta.
___________________________________________________
___________________________________________________
___________________________________________________
_______________________________________________
85 – EXERCÍCIO PRÁTICO DE DESENHO DE OBSERVAÇÃO: ROMANTISMO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte: Escolha uma das imagens a seguir para
você praticar sua criatividade através do desenho.
Observe os detalhes como as áreas iluminadas, as
texturas e cores para você se inspirar. Preencha a ficha
técnica da sua obra.
86 – O IMPRESSIONISMO – PARTE 1/2. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Observe as imagens das obras de arte a seguir: Todos os quadros ao lado mostram a catedral de
Rouen, mas há uma grande diferença: o colorido.
Isto porque Claude Monet (1840-1926), o pintor de
todos esses quadros, observou a catedral em
diferentes horas do dia, ou seja, sob diferentes
intensidades de luz. Monet e outros pintores da Contudo, como muitas obras de outros artistas
época perceberam que as cores da natureza se também foram recusadas, eles se organizaram e
alteram constantemente de acordo com a recorreram ao Imperador Napoleão III, que, sob fortes
intensidade da luz solar que incide sobre elas. Eles protestos, autorizou no mesmo ano a realização de
geralmente pintavam ao ar livre, para melhor uma exposição paralela à oficial, chamada de Salão dos
observar os efeitos da luz sobre as pessoas, os Recusados. Depois desse salão, vários artistas, entre
objetos e as paisagens. Dessa forma, perceberam eles Renoir, Degas, Pissaro, Cézanne, Sisley, Monet e
que podiam representar uma paisagem não como Morisot, passaram a organizar suas próprias exposições
objetos individuais com cores próprias e sim como (1874 a 1886). Na primeira delas, um quadro de Claude
uma mistura de cores que se combinam. Essa Monet, “Impressão: Nascer do Sol” sugeriu ao crítico
inovação na forma de pintar teve início com Louis Leroy o nome Impressionista para denominar
Édouard Manet (1832-1883). Ele utilizou em suas esse grupo de artistas, com certo tom de desprezo.
obras cores vibrantes e luminosas, abandonando o
método acadêmico de suaves gradações de cores.
Em 1863 Manet enviou para o Salão Oficial dos
Artistas Franceses a obra “Almoço sobre a Relva”,
quadro que foi rejeitado e severamente criticado
pelo comitê de seleção do salão, pois rompia com os
critérios morais e estéticos da época. Manet
retratou nessa obra duas mulheres, uma delas nua,
em companhia de dois homens bem vestidos num
piquenique.
87 - O IMPRESSIONISMO – PARTE 2/2. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Não só Louis Leroy mas também muitos outros No Impressionismo as figuras não tinham contornos O movimento impressionista, que teve
críticos de arte “atacavam” qualquer artista que não nítidos, pois as linhas de contorno não existem na sua maior expressão na pintura,
seguisse os padrões estabelecidos pela Academia. natureza, são abstrações usadas pelo homem para também influenciou alguns escultores.
Certa vez, Édouard Manet escreveu a seu amigo representar imagens. As cores empregadas eram as Entre eles destacamos Edgar Degas
Charles Baudelaire, poeta e crítico de arte francês: primárias (azul, vermelho e amarelo) e as (1834-1917) e Auguste Rodin (1840-
“Os insultos chovem sobre mim como granizo”. Ele, secundárias (roxo, laranja e verde), todas elas 1917). Edgar Degas, além de um grande
então, permaneceu longe do grupo dos artistas aplicadas na tela com pincel, espátula, com o dedo pintor, participou de sete das oitos
impressionistas e não participou das exposições que ou diretamente do tubo, não havendo assim uma exposições impressionistas, também
eles organizaram, pois queria ser reconhecido no mistura das tintas na paleta. Ao olharmos uma obra modelou uma série de esculturas a
Salão Oficial. Manet só conseguiu obter êxito nos impressionista de perto vemos apenas pinceladas partir de 1880. Entretanto, apenas uma
últimos anos de sua vida. Em 1870 foi persuadido separadas que produzem a sensação de mancha delas foi exposta, “Bailarina de
por Berthe Morisot a pintar ao ar livre. Sob fortes sem contorno. Porém, se a olharmos de longe; as Quatorze Anos”, em 1881, no sexto
influências de seus colegas, suas obras ganharam pinceladas organizam-se em nossa retina criando Salão Impressionista. Degas vestiu essa
mais leveza. Observe, a seguir, algumas obras em formas e luminosidade. Foi preciso alguns anos para escultura com um saiote de bailarina e
que Édouard Manet retrata dois de seus colegas que o público descobrisse esse fato. Dessa maneira, na cabeça colocou uma fita, o que
impressionistas: para apreciar uma pintura impressionista, é causou um grande impacto no público.
necessário recuar alguns metros e perceber que as Rodin se consagrou como celebridade pública, fato que
manchas sem contornos se organizam e ganham não acontecia desde o Neoclassicismo. Estudou na
vida diante de nossos olhos. Observe alguns quadros Itália e foi inspirado pelas obras de Michelângelo.
impressionistas: Rodin é considerado por muitos historiadores um
artista realista. Diferentemente de Degas, ele não
participou do grupo dos artistas impressionistas, mas,
por ter vivido na mesma época que eles, recebeu
algumas influências impressionistas. Suas obras
apresentam características desse movimento. Rodin, às
vezes, deixava parte da pedra sem esculpir, em estado
bruto, para dar a impressão de que a figura está
surgindo da pedra.
O artista impressionista centrou-se sobretudo na
paisagem e seu interesse voltou-se para a natureza.
Dessa forma deu pouca importância aos temas
sociais como havia feito Coubert no Realismo. Ao
observar a natureza ao ar livre, o artista
impressionista expressava sua relação pessoal com
ela e captava em sua tela a primeira impressão
percebida, a “sensação”.
88 – DESENHANDO E PINTANDO – OBSERVAÇÃO IMPRESSIONISTA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Observe como o Parlamento de Londres fica Praticar a arte: Em sua casa, escolha um objeto que esteja próximo à janela, quintal ou jardim e desenhe-o
diferente dependendo da luminosidade que incide em diferentes horários, observando como a intensidade da luz modifica suas cores. Para que seu trabalho
sobre ele: fique parecido com o estilo impressionista, não faça linha de contorno e varie as cores utilizando as técnicas
de tonalidade e nuance. Preencha a ficha técnica da sua obra.
89 – PRINCIPAIS ARTISTAS DO IMPRESSIONISMO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Com cores brilhantes e Edgar Degas foi o pintor As obras de Pissarro Cézanne abandonava Muito menos citado Ele escreveu certa vez: Entre as pintoras
fortes, além de texturas e do movimento. O tema caracterizam-se pelos gradualmente os temas historicamente do que os “Meu único mérito está impressionistas, algumas
linhas harmônicas, o tornou-se busca contrastes de luz e eróticos do início da seus companheiros Renoir em ter pintado de muito valor, a maior
trabalho de Renoir era incansável para o artista, sombra, pelas cores fortes carreira e mostrava um e Monet, o pintor Alfred diretamente na frente da importante talvez tenha
marcado por um basta apenas dizer que o e distintivas, pelos crescente interesse pelo Sisley distinguiu-se do natureza, buscando tornar sido Berthe Morisot,
sentimento lírico, além da universo do balé, motivos alegres e paisagismo, pintando ao grupo pela limpidez das minhas impressões sobre pintora de paisagens
representação de formas sobretudo, com suas pinceladas curtas, sem a ar livre como os suas paisagens, algumas os efeitos mais fugazes.”. transbordantes de frescor,
humanas individuais, em bailarinas, foi um dos preocupação com o impressionistas. Muitas das obras mais fiéis aos A maioria dos de traços ágeis e quase
grupo ou de paisagens. assuntos a que ele se contorno, mas buscando a de suas primeiras princípios do historiadores de arte sempre com a figura
Conheceu Claude Monet e dedicou, repetidamente, divisão das cores através paisagens foram feitas em impressionismo. As suas acredita que Monet humana como ponto de
Alfred Sisley, além de por anos, em pinturas, das marcas de cores L’Estanque, vilarejo primeiras obras revelam realizou muito mais do referência. Além disso, foi
outros artistas famosos da desenhos e esculturas, isoladas, ressaltando uma pesqueiro nas de forma inequívoca a que isso; ele ajudou a uma extraordinária
época de quem tirou Mas a busca do espécie de essência da proximidades de influência do paisagista mudar o mundo da pintora de cenas da vida
inspiração para seus movimento não apenas se imagem, umas das Marselha, onde o artista francês Camille Corot e pintura de sacudir as doméstica, onde podia
trabalhos. De Monet, traduziu nos gestos de principais características passou a maior parte do também a predileção pela convenções do passado. divertir-se e dar vazão aos
Renoir recebeu influências leveza das bailarinas que das obras impressionistas. ano de 1870. pintura ao ar livre e a Dissolvendo as formas em seus dotes de observação,
no tratamento da luz, e o figuram em tantas de suas constante evolução para suas obras, Monet abriu a e o mesmo acontecia
trabalho com as cores, foi obras. os tons claros, porta para uma maior quando tratava com
influência de Delacroix. característica da sua abstração na arte. naturalidade da
maturidade. intimidade familiar.
90 – RESUMÃO: O IMPRESSIONISMO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Além disso, outro aspecto marcante do impressionismo era No Brasil, o impressionismo foi destaque nas mãos de Eliseu
que os artistas pintavam ao ar livre, assim como não seguiam Visconti. A influência dos artistas europeus, em uma viagem ao
Impressionismo é o nome de um movimento artístico francês os ensinamentos do realismo. O ponto de destaque das obras Velho Continente, fez com que o artista registrasse os efeitos da
que surgiu no século XX, durante o famoso momento impressionistas era a fixação do instante, assim como a luz solar em suas telas, já não se preocupando com a imitação de
conhecido como Belle Époque (1871-1914), revolucionando a impressão visual que causa em uma pessoa ao observar modelos clássicos, como anteriormente.
área artística. O termo “impressionismo” surgiu a partir da alguma coisa de repente. Alguns artistas do impressionismo
crítica feita a uma obra de Claude Monet, “Impressão, nascer até pintavam a mesma paisagem em vários momentos do dia
do sol”, do ano de 1872. ou em diferentes estações do ano para se divertirem com as
mudanças de cores. Naquela época, a espontaneidade em uma
obra era o foco: cores vivas e claras que mostram os efeitos de
O impressionismo foi aquele movimento artístico que fez com luz nas paisagens que resultavam na impressão de movimento
que se criasse uma nova visão conceitual da natureza, por a elas. Em esculturas, o impressionismo prezava pela fusão da
meio de pinturas que dão ênfase à luz natural e ao movimento. luz e sombra e a visibilidade da estátua por meio de vários
Embora o termo tenha surgido como uma crítica ao quadro de ângulos. Em outros âmbitos, como fotografia, música e
Monet, o pintor e seus colegas adoraram o título e o adotaram literatura, o impressionismo também se fez presente. No
como o nome para o seu movimento artístico. A maior entanto, o impressionismo não foi bem recebido pela
intenção dos impressionistas era provocar uma revolução imprensa e pelo público daqueles anos, pois suas obras eram Um dos melhores lugares para se aproximar da arte impressionista
semelhante à revolução regra na representação da forma por vistas como rudes e de esboços sem formas. O primeiro é na casa do artista Claude Monet, em Giverny, na França. Por lá,
meio das cores. Para eles, a natureza – observando-a ao ar contato com a obra dos impressionistas aconteceu em uma pode-se ver o jardim da residência que serviu de espaço para a
livre – possui uma mistura de matizes que se harmonizam. A exposição coletiva feita em Paris, no mês de abril de 1874. Os composição de uma de suas obras mais famosas – “Mulheres no
cor não é um valor inerente dos objetos. Para eles, era artistas impressionistas eram ridicularizados por esse novo Jardim”.
fundamental que a pintura apresentasse uma “impressão” ou estilo que estava muito distante das referências clássicas.
suas percepções sensoriais iniciais em um breve vislumbre de
suas obras.
Entre os maiores nomes dentro do movimento impressionista
Por representar a realidade de uma nova maneira, por meio de estão:
uma reviravolta na arte daquele período, o impressionismo
 Alfred Sisley – “Le Pont de Moret”, 1893.
seguia alguns padrões técnicos que caracterizaram o
 Berthe Morisot – “Le Berceau”, 1872.
movimento, principalmente tratando-se da pintura:
 Claude Monet – “Le Bassin aux numphéas”, 1899.
 Figuras não possuem contornos nítidos;
 Edgar Degas – “Le Foyer de la danse”, 1872.
 Sombras precisam ser coloridas e luminosas;
 Édouard Manet – “Argenteuil”, 1874.
 Cores e tonalidades não podem ser obtidas com mistura de
 Camille Pissarro – “Vegetable Garden”, 1878. O Museu dos Impressionistas (Musée d’Orsay) também é um
tintas;
 Pierre-Auguste Renoir – “La Loge”, 1874. destino, situado em Paris, que conta com inúmeras pinturas e
 Contrastes de luz e sombra são adquiridos por meio da lei
esculturas de arte do período impressionista, com obras dos
das cores complementares;
principais artistas.
 Registro de tonalidades que o objeto adquire ao refletir a luz
solar por certo momento.
91 – CONHECENDO O ARTISTA: ÉDOUARD MANET E SUAS OBRAS. Parte 1/4. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Édouard Manet (Paris, 23 de janeiro de 1832 — Apesar da educação austera, Manet pode descobrir o mundo artístico Em 1852, Manet teve um filho
Paris, 30 de abril de 1883) foi um pintor e artista graças a um tio, o capitão Édouard Fournier, que levava Édouard e seu ilegítimo com Suzanne Leenhoff.
gráfico francês e uma das figuras mais irmão Eugène às galerias do Museu do Louvre para admirar os grandes Suzanne tinha origem holandesa e
importantes da arte do século XIX, considerado mestres. Aos 12 anos, Édouard foi enviado ao colégio Rollin (hoje Liceu era professora de piano. O pai de
por estudiosos de artes plásticas como um dos Jacques Decour), perto de Montmartre. Na escola, Édouard foi Manet se opôs ao casamento dos
mais importantes representantes do decepcionante era pouco aplicado e um pouco insolente. dois que só aconteceu depois que o
impressionismo francês, embora muitas de suas Os péssimos resultados obtidos por Édouard na escola fizeram sua Sr. Manet morreu. No ano de 1856,
obras possuam fortes características do família repensar nas ambições nutridas no filho primogênito, a família Manet deixou o atelier de Couture
realismo. Prefere os jogos de luz e de sombra, queria que Manet estudasse direito. Cientes que Édouard não tinha por divergências artísticas.
restituindo ao nu a sua crueza e a sua verdade, vocação para uma carreira jurídica seus pais não se opuseram ao seu Segundo Couture, Manet não tinha
muito diferente dos nus adocicados da época. O desejo de tornar-se marinheiro. O primeiro fracasso ao tentar entrar na tons intermediários entre a luz a e
trabalhado das texturas é apenas sugerido, as Escola Naval fez com que Édouard só entrasse para carreira de uma sombra. Para Manet, esses tons
formas, simplificadas. Os temas deixaram de ser maneira menos nobre: pelo trabalho. Em dezembro de 1848, Édouard intermediários debilitavam a
impessoais ou alegóricos, passando a traduzir a embarcaria no barco-escola "Havre et Guadeloupe" para o Brasil como sombra e a luz, portanto ele
vida da época, e, em certos quadros, seguiam a um simples marinheiro. Se esta experiência não confirmou que Édouard acabava usando cores quase puras.
estética naturalista de Zola e Maupassant. não tinha vocação para a marinha lhe trouxe uma grande experiência. Em 1859, Manet envia o seu
Manet era criticado não apenas pelos Foi no Brasil que ele desenvolveu certo gosto pelo exótico, pelas primeiro trabalho ao Salão de Paris
temas, mas também por sua técnica, ("O Bebedor de Absinto"), obra
mulheres e desenvolveu uma repulsa ao escravismo. Marcou-o muito a
que escapava às convenções realista influenciada pelas obras do
luminosidade da baia de Guanabara que haveria de deixar traços
acadêmicas. Frequentemente pintor Gustave Courbet e também
marcantes na sua maneira de pintar. De volta à França em junho de
inspirado pelos mestres clássicos e em pela obra Menippe de Diego
1849, Manet novamente fracassaria ao tentar entrar para Escola Naval.
particular pelos espanhóis do Século Velázquez. A obra foi recusada pelo
de Ouro, Manet influenciou, Após os seguidos fracassos ao tentar entrar Salão.
entretanto, certos precursores do para Escola Naval, Manet consegue apoio O júri não estava aberto ainda para novas ideias. A
impressionismo, em virtude da pureza de seus pais para estudar no ateliê do imagem do bebedor apareceria em outro quadro de
de sua abordagem. pintor e mestre Thomas Couture, onde Manet, "O Velho Músico" de 1862.
ficou por seis anos. Thomas Couture tinha
A esta sua liberação das associações literárias tradicionais, um estilo acadêmico, estudou na École des Após o abandono do ateliê de
cômicas ou moralistas, com a pintura, deve o fato de ser Beaux-Arts de Paris ("Escola de Belas Couture, Manet tinha certo fascínio
considerado um dos fundadores da arte moderna. Suas Artes"), suas mais conhecidas obras foram pela arte da Península Ibérica.
principais obras foram: Almoço na relva ou Almoço no Campo, “Os Romanos” e “A Decadência”. Durante Entre as suas obras da época estão:
Olímpia, A Sacada, O Tocador de Pífaro e A Execução de seis anos, Manet procurou aprender as "Lola de Valência" (que retrata uma
Maximiliano. A Primavera, obra-prima de 1881 de Manet, foi bases técnicas da pintura e fez cópias de dançarina em trajes espanhóis
vendida em Novembro de 2014 por US$ 65,13 milhões em um obras expostas no Louvre (cópias de obras tradicionais), "O Cantor Espanhol",
leilão em Nova York, um recorde de preço para uma obra do de Ticiano, Velazquez, Tintoretto e "Jovem Homem em costume de
impressionista. Delacroix). Manet completou seu Majo", "Bailado Espanhol" e "Mile
aprendizado viajando e conhecendo V. em costume de espada" (cuja
Manet nasceu em Paris em 23 de janeiro de 1832. Seu pai, museus de outros países europeus (Itália, modelo foi Victorine Meurent
Auguste, era um alto funcionário do Ministério da Justiça e vestida de toureiro). Estes dois
Holanda, Alemanha, Áustria e outros). Em
descendia de uma ilustre família burguesa da capital francesa. últimos expostos no Salão dos
uma das viagens à Itália, Manet copiaria
Senhora Manet (cujo sobrenome de solteira era Fournier) era Recusados de 1863. Seu período
“Vênus de Urbino”, de Ticiano que seria
filha de um diplomata francês na Suécia. Manet tinha dois hispânico era influenciado pelas
sua inspiração para fazer anos depois
irmãos mais novos: Eugène e Gustave. obras de Diego Velázquez.
“Olympia”.
92 - CONHECENDO O ARTISTA: ÉDOUARD MANET E SUAS OBRAS. Parte 2/4. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Victorine Meurent teria um papel Não participou de nenhuma das exposições do "Olympia", pintada em 1863, mas só apresentada ao público em
importante na obra de Manet, ele a Impressionismo, mas sua influência era tal que, morto Manet 1865, causou reações contrárias mais fortes do que "Almoço na
conheceu durante seus estudos com em 1883, o movimento não conseguiu mais se sustentar, relva". Era um retrato de uma jovem prostituta nua e havia uma
Couture e a partir deste momento ela havendo uma dispersão dos artistas que, a partir de então, se referência audaciosa à obra de Ticiano (Vênus de Urbino). A
se tornaria uma modelo frequente de afastaram das regras estabelecidas, ainda que influenciados, modelo novamente foi Victorine Meurent retratada nua e aos
suas obras. O quadro "O Cantor vida afora, pelas linhas gerais do estilo. Mas, sem Manet, seus pés um gato negro ao invés de um cachorro como no quadro
Espanhol" foi seu primeiro quadro tornava-se difícil manter a unidade que caracterizava o de Ticiano. Em uma atmosfera erótica havia também falta de
exposto ao Salão de Paris em 1861 movimento impressionista. Apesar de dar apoio a artistas perspectiva (técnica onde se vê o tamanho certo dos objetos em
junto a obra "Retrato de Sr. e Sra. incipientes, Manet nunca se interessou em aparecer como relação a distância). Neste mesmo ano o pai de Manet morreria e
Auguste Manet" (um retrato de seus mestre. Para dizer a verdade, em sua vida profissional, teve ele acabaria se casando com Suzanne Leenhoff pouco após a
pais). uma única aluna, em 1869, Eva Gonzalès (1849-1883), filha do morte dele. Suzanne foi retratada em muitos quadros de Manet
O "Cantor Espanhol" ganhou destaque na exposição pelas suas romancista Emmanuel Gonzalez, a qual lhe havia sido entre eles "A ninfa surpresa" (de 1861), "A leitura" (de 1865) e
cores vivas e ganhou menção honrosa, já "Retrato do Sr. e Sra apresentada por um marchand. A jovem até podia ter algum "Suzanne Manet em seu piano" (de 1867). Manet tinha tido um
Auguste Manet" era uma obra típica dos tempos do ateliê de talento, mas lhe faltava outro elemento importante para o filho com Suzanne, Léon Leenhoff, mas jamais reconheceu sua
Couture, uma obra mais clássica. sucesso, que é a iniciativa própria. Desenvolveu bem sua paternidade. Léon também posaria para vários quadros entre sua
A última obra sob a influência espanhola foi "O Homem morto" pintura, mas raramente participou de exposições e, a despeito infância e adolescência, entre eles "As bolas de sabão" (de 1867) e
de 1864. Quando Manet o pintou, ele era bem maior e se de ser impressionista, nunca se juntou ao movimento, "O almoço no Ateliê" (de 1868). Este último presente na exposição
chamava "Incidente na Tourada". faltando-lhe, em consequência, a notoriedade necessária a do Salão de Paris de 1869.
Porém ele acabou recebendo quem deseje impor sua arte ao público.
No ano de 1867, "O tocador de Pífaro" foi
críticas devido à crueldade da A obra “A Música nas recusado no Salão Oficial de Paris. Fato que
cena e Manet, então, dividiu o Tulherias” marca o seu fez com que Émile Zola escrevesse uma
quadro e sua maior parte rompimento com o artigo no L’Événement defendendo a tela
recebeu o nome de "O homem realismo em sua primeira (Zola seria retratado por Manet em 1868,
morto". obra impressionista. Há a quadro que foi aceito no Salão do mesmo
Manet era um jovem amigável e sociável. Quando começou a presença de pessoas bem ano). No ano seguinte, 1867, após ser
fazer sucesso foi prontamente aceito em círculos de próximas à Manet excluído do Salão Internacional, promoveu
intelectuais e aristocratas parisienses. Frequentava retratadas nesta obra, com seu próprio dinheiro uma exposição de
assiduamente os Jardins das Tulherias (Jardin des Tuileries em entre elas Baudelaire e suas obras, mas, sem sucesso de público, a
francês) com a presença constante de seu amigo, Baudelaire, Eugène Manet, seu irmão. exposição foi um fracasso.
local que serviu de inspiração para a obra Música nas Tulherias Baudelaire e Manet já se conheciam desde 1858, mas No mesmo ano ele pintou A
de 1862. tornaram-se grandes amigos tempos depois. Execução de Maximiliano
Pintor de mão cheia, Manet sempre manteve um bom A partir de 1863 surgiu o Salão dos Recusados, onde quadros (L'Exécution de Maximilien), uma
conceito no mercado e nunca lhe faltou retorno financeiro, que não entravam no salão oficial poderiam ser expostos ali. obra de indignação em relação à
bastando-se por si mesmo, ao contrário de outros artistas à Manet expôs neste salão de 1863 três quadros: "Victorine morte de Maximiliano de Habsburgo
sua volta, quase sempre envolvidos em negócios mal Mereunt em costume de toureiro", "Rapaz em costume abandonado por Napoleão III no
sucedidos e tendo de apelar à ajuda de amigos para vencer espanhol" e "Almoço na relva". O quadro "Almoço na Relva" México. Manet trabalhou mais de
suas crônicas necessidades. Apesar de não depender de foi um escândalo para a época pela nudez que alguns acharam um ano na produção de uma grande
ninguém, sempre deu apoio àqueles que, de alguma forma, vulgar, ele trazia dois homens vestidos e uma mulher nua. tela histórica e comemorativa. O
buscavam viver da arte. Acompanhou de perto a atividade do Suzanne Leenhoff (sua mulher) e Victorine Meurent (sua resultado é claramente inspirado em
movimento impressionista e, ainda que não tenha, de fato, se modelo preferida) posaram para a composição da mulher nua, "Três de Maio" de Goya, mas com
tornado um impressionista, passou a todos a sua experiência sendo o corpo de Suzanne e o rosto de Victorine. um resultado totalmente diferente.
de mestre na pintura.
Em 1868, Manet entraria para o Salão Oficial com "Retrato de No ano de 1881, Manet Por trás de um título aparentemente inocente, esconde-se uma
Émile Zola" e "Mulher com papagaio". A partir deste ano, ele ganharia o direito de pintura com uma força incrível, capaz de chocar o mais distraído
passaria seus verões em Boulogne-sur-Mer, cidade litorânea participar permanentemente espectador. A modelo e o homem sentado ao seu lado olham
francesa da região de Pas-de-Calais. Lá ele realizaria algumas do Salão Oficial sem diretamente o espectador, e a modelo, com o rosto seguro pela
marinhas entre outras como "Clarão da lua sobre o porto de julgamento prévio. Em 1882 mão direita, não se inibe de sorrir ligeiramente, exibindo uma
Boulogne" e a "Partida do Vapor Flokestone" ambas de 1869. Manet apresentou seu último aparência segura e plena de sensualidade.
No salão de 1869, colocou duas quadro pintado "Bar em
A cena no bosque ou num parque dos muitos que existiam e ainda
obras no Salão Oficial: "O balcão" e Folies-Bergère" no Salão de
existem em Paris marca também pelo seu exotismo e pela
"Almoço no Ateliê". "O Balcão" que Paris.
interessante paleta de cores que se desenrola lentamente em
não foram bem recebidos pelos Manet contraiu sífilis o que lhe causou muitas dores e paralisia
cada pedaço da tela, exibindo ostensivamente o castanho e o
críticos pela sua falta de parcial. Em 1883, Manet tem a perna esquerda amputada
oliva. Efetivamente, o castanho é a cor mais explorada nesta
perspectiva. Neste quadro aparece devido a gangrena e morreu dias após. Ele tinha 51 anos
composição, sendo que se espalha pelos primeiro e segundo
a figura de Berthe Morisot, jovem quando morreu e está enterrado no Cemitério de Passy em
planos da pintura em vários tons.
pintora que ao conhecer Manet no Paris.
Louvre tornou-se uma grande amiga Contrastante com a elegância dos dois homens exibe-se a nudez
“ Al oço sobre a Rel a” da modelo Victorine Meurent, a modelo favorita de Manet, que,
e acabou sendo retratada em vários
de seus quadros. Berthe acabou “Le déjeuner sur inclusive, preencheu várias das suas telas, entre as quais
l'herbe” ou (em “Olympia”. Sentada na grama, nua, com um homem ao seu lado
casando-se posteriormente com o
português, “O esquerdo e uma natureza-morta, com um cesto de frutas,
irmão de Manet, Eugène. Entre os
almoço sobre a juntamente com o seu vestido e chapéu azuis jogados no chão, do
quadros mais famosos em que
relva” ou “O seu lado direito, a sua tez (pele) extremamente branca, típica de
Berthe foi modelo estão o "Berthe
piquenique no uma cortesã, confere luminosidade a toda a tela e surge como um
Morisot de Chapéu Preto" e "
bosque”) é um óleo grito no escuro na conservadora sociedade parisiense que, apesar,
Retrato de Berthe Morisot
sobre tela da autoria da boemia reinante, se mantinha avessa à mudança.
reclinada" ambos de 1872, além de
de Édouard Manet, A pintura provocou risos desconcertantes no Salão, escandalizou a
"O balcão".
pintado entre 1862 e imperatriz e foi considerada pelo imperador como atentado ao
Em 1870, com a guerra franco-prussiana, Manet levou sua
1863, com as pudor. Não tanto pelo nu na mulher, mas sim pelo fato de esta
família à fronteira da Espanha e alistou-se na Guarda Nacional.
medidas de 208 por estar nua no bosque, em uma conversa plausível, com dois
Ele passou o ano de 1874 em Bennevilliers perto de Argenteuil
264,5 centímetros. homens bem e inteiramente vestidos, como estava os
onde seus amigos Monet e Renoir estavam na maior parte do
A sensual e provocatória posição da modelo nua, perante dois espectadores da tela. Críticos defendem que o riso fora provocado
tempo pintando ao ar livre. Ao visitar Monet em Argenteuil,
homens completamente vestidos, provocou escândalo na pela sensação que os espectadores tiveram de serem eles mesmos
Manet e ele saíram de barco pelo rio Sena para pintar. Desta
sociedade mais conservadora, quando da sua exibição no os observados, sem saber.
época entrou para o salão de 1875 seu quadro "Monet em seu
Salão dos Recusados, em 1863. Atualmente, o quadro está
barco estúdio". Em 1876, Manet faria uma exposição particular Édouard Manet deixou nas suas
exposto nas paredes do Museu de Orsay, em Paris.
com muito sucesso. memórias a confissão de que a sua
O Almoço sobre a Relva não tem, ao contrário das pinturas obra-prima “Le déjeuner sur l'herbe”
realistas de Honoré Daumier, um teor crítico social, ou seja, o deve tudo, ou quase tudo, a uma sua
artista não pretendia criticar a sociedade, nomeadamente o curta estadia no Palácio das
estatuto da mulher, a condição das prostitutas parisienses, ou Necessidades, em 1859, por motivos
a procura pelo sexo pelos aristocratas. O que esta tela que o pintor deixa por esclarecer, em
declarava era a profunda e escandalosa liberdade do pintor, cujos jardins da Tapada das
que várias vezes, ao longo da sua trajetória pela arte, Necessidades se davam famosos
escandalizou os espectadores do Salão. piqueniques.
Praticar a arte: Depois da leitura atenta do texto, 6. Cite o nome de 4 obras de Manet. 11. Descreva a obra “O Almoço sobre a Relva”:
responda ao questionário a seguir sobre o artista _________________________________________________________ ____________________________________________________________
_________________________________________________________ ____________________________________________________________
Édouard Manet: _________________________________________________________ ____________________________________________________________
1. Quem foi Édouard Manet? _________________________________________________________ ____________________________________________________________
________________________________________________________ _____________________________________________________ ____________________________________________________________
________________________________________________________ 7. Escreva sobre a família que Manet formou com ____________________________________________________________
________________________________________________________ ____________________________________________________________
________________________________________________________
Suzanne Leenhoff. ____________________________________________________________
________________________________________________________ _________________________________________________________ ____________________________________________________________
_________________________________________________________ ____________________________________________________________
2. Escreva sobre a família de Manet. _________________________________________________________ ____________________________________________________________
________________________________________________________ _________________________________________________________ ____________________________________________________________
________________________________________________________ _________________________________________________________ ____________________________________________________________
________________________________________________________ _________________________________________________________
________________________________________________________ ____________________________________________________________
_________________________________________________________ ____________________________________________________________
________________________________________________________ ______________________________________________________
________________________________________________________ ____________________________________________________________
________________________________________________________
8. Escreva sobre o contato de Manet com Renoir e ____________________________________________________________
________________________________________________________ Monet. ____________________________________________________________
______________________________________________________ _________________________________________________________ ____________________________________________________________
_________________________________________________________ ____________________________________________________________
3. Qual a obra que inspirou Manet a pintar _________________________________________________________ ____________________________________________________________
____________________________________________________________
Olympia? _________________________________________________________
____________________________________________________________
________________________________________________________ _________________________________________________________
_________________________________________________________ ____________________________________________________________
________________________________________________________
_________________________________________________________ ____________________________________________________________
4. Como é a técnica artística e os temas das obras _________________________________________________________ ____________________________________________________________
de Manet? ______________________________________________________ ____________________________________________________________
________________________________________________________ ____________________________________________________________
9. Por que a obra “O almoço sobre a Relva” causou ____________________________________________________________
________________________________________________________
________________________________________________________ escândalo a sociedade conservadora? ____________________________________________________________
________________________________________________________ _________________________________________________________ ____________________________________________________________
________________________________________________________ _________________________________________________________ ____________________________________________________________
________________________________________________________ _________________________________________________________ ____________________________________________________________
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_____________________________________________________ ____________________________________________________________
5. Qual a obra que é considerada o rompimento ____________________________________________________________
da obra de Manet entre o Realismo e o 10. Escreva sobre a obra “Música nas Tulherias”:
____________________________________________________________
_________________________________________________________
Impressionismo? Escreva sobre ela. _________________________________________________________ ____________________________________________________________
________________________________________________________ _________________________________________________________ ____________________________________________________________
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95 – ANALISANDO A OBRA: “MULHERES NO JARDIM”, CLAUDE MONET. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Os rostos, imprecisos, não podem ser comparados a retratos. Camille, a companheira do pintor, posou para as três figuras à
esquerda. Monet suavemente dá a brancura dos vestidos: coloca-os firmemente na estrutura da composição – que diminui os
verdes e os marrons -, dados pela árvore central e pelo caminho.
Concluída no ateliê, a pintura foi recusada pelo júri do Salão de 1867 que, para além da ausência de sujeito ou narração,
deplora o aparente toque que julga como sinal de descontração e incompletude. Um dos membros disse: “Muitos jovens só
pensam em continuar nessa direção abominável, é hora de protegê-los e salvar a arte!”.
Praticar a arte: Com o uso do guache ou da tinta acrílica, aplique cor na imagem da obra de arte apresentada. Mistura cores
primárias e secundárias para você obter as nuances características das obras de Claude Monet.
Embora este quadro seja mais acadêmico na sua

abordagem do que suas obras posteriores, Monet o
impregnou de uma luminosidade e leveza bem diferente
das pinturas formais acastanhadas ao estilo feito na
época – estilo que prevalecia, sem dúvida alguma, entre
a comissão que julgava os quadros nos Salões de Paris.
Apesar do tamanho, Monet insistiu em pintá-lo
totalmente ao ar livre e sempre com a luz do sol,
trabalhando no jardim de uma casa que ele alugara em
Ville d’Avray, nos subúrbios de Paris, em 1886.
O desafio é duplo: trabalhar ao ar livre, o que requer a
escavação de uma trincheira no chão para descer a tela
com uma polia para trabalhar a parte superior,
mantendo o mesmo ponto de vista; e o de atacar o
grande formato geralmente reservado para composições
históricas.
A ambição do jovem Monet está, no entanto, em outro
lugar: como conseguir integrar personagens numa
paisagem, com a impressão de que o ar e a luz circulam?
O pintor encontra uma resposta pintando as sombras e

as luzes coloridas, os buracos do sol filtrando através da
folhagem, os reflexos claros em halos na luz fraca.
96 – O PÓS-IMPRESSIONISMO E SEUS ARTISTAS. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Alguns artistas consideravam o Impressionismo um 0

estilo superficial que retratava apenas cenas
passageiras e não dava muita importância aos
sentimentos e acontecimentos políticos e sociais.
Outros se sentiam insatisfeitos e limitados com a
técnica impressionista. Dessa forma, muitas
tendências surgiram na pintura no final do século
XIX e início do século XX, e a essas diversas
tendências foi dado o nome de Pós-Impressionismo.
Paul Cézanne (1839- Georges Seurat Henri Toulouse- Paul Gauguin (1848- Vincent van Gogh
Para os artistas do Pós-impressionismo, o novo
1906): Para Cézanne, (1859-1891): Como Lautrec (1854- 1903): Perturbado com (1853-1890): Tinha
espírito que surgira se distanciava da outra
seus quadros eram Monet, Seurat 1901): Buscava a a sociedade europeia personalidade
(Impressionismo), na medida em que admitia a “construções da abandonou a paleta e moderna, que se intrigante. Oscilava
inspiração nas figuras
importância do lado subjetivo, humano, emocional e natureza” e não a cópia passou a utilizar cores humanas, na realidade preocupava com o entre a alegria e a
sentimental expresso nas artes, e não somente de dela. Ele estudava as puras, aplicando-as dos cabarés e bares da materialismo e a tristeza, a esperança e o
seu aspecto “superficial”, de reprodução da formas geométricas e as diretamente na tela. Ao França do final do século ascensão social, deixa a desespero, o amor e o
proporções de cada agrupar as pinceladas XIX. Europa para buscar ódio. Vivia uma
realidade, como fizeram os autores do
objeto a ser retratado. em forma de pontos, inspiração na Martinica dualidade emocional.
Impressionismo. De tal modo, ainda que tenham Seus quadros são Seurat criou uma nova e no Taiti, acreditando Pintar passou a ser seu
criado uma nova tendência, muitos artistas do Pós- considerados técnica que recebeu o estar próximo à refúgio. Utilizando cores
impressionismo fizeram parte do Impressionismo, reconstruções da nome de Pontilhismo. natureza e assim poder fortes para expressar
considerado por muitos, uma extensão ou natureza e dos objetos. encontrar a liberdade. seus sentimentos, criou
Um dos temas uma nova forma de
desenvolvimento maior (da parte mais intelectual)
preferidos de Cézanne fazer arte. Segundo ele,
da escola impressionista. Em resumo, os artistas que são as naturezas-mortas “pinto o que sinto e não
compõem o pós-impressionismo buscavam novos (pintura de flores, apenas o que vejo”.
estilos, determinado por novos conceitos e formas, frutas, objetos, animais
intensificados pela composição da luz e da cor em mortos etc.).
suas obras.
Principais Características
As principais características do Pós-impressionismo
são:
 Humanismo.
 Subjetivismo.
 Uso de cores, luz, textura.
 Técnica pontilhista.
 Bidimensionalidade.
97 – EXERCÍCIO SOBRE PONTILHISMO E NATUREZA-MORTA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte 1: No espaço a seguir, com o lápis ou canetinha, desenhe uma Praticar a arte 2: Assim como Cézanne, artistas de diferentes períodos pintaram
paisagem ou objeto, ou ainda uma personagem de histórias em quadrinhos naturezas-mortas. Observe as imagens apresentadas. Em seguida, no espaço
utilizando apenas pontos. abaixo, utiliza lápis de cor, canetinha ou tintas variadas para desenhar e pintar
- Desenhe o contorno da figura com lápis ou canetinha levemente. Dessa sua natureza-morta. Não se esqueça de preencher a ficha técnica da sua obra.
maneira o contorno desaparecerá sob os pontos.
- Para as áreas mais escuras, preencha com pontos mais próximos e para as áreas
mais claras, com pontos mais espaçados.
98 – EXERCÍCIO DE LEITURA E IDENTIFICAÇÃO DO AUTOR PÓS-IMPRESSIONISTA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte: Observe as

imagens de obras de arte pintadas
pelos artistas do Pós -
Impressionismo. Identifique uma
característica do autor e escreva
seu nome em cada uma delas.
99 – O FAUVISMO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Nos primeiros anos O movimento foi tipicamente francês, iniciou-se por parte Para o movimento Fauvista, as criações artísticas
do século XX, um dos artistas da época que se opunham a seguir a regra da não possuem relação com intelecto ou
grupo de artistas, estética impressionista, em vigor na época. A tendência foi sentimentos, ou seja, a criação artística deve ser
entre eles Henri considerada movimento artístico apenas em 1905. livre e espontânea, baseada no instinto, nos
Matisse (1869- O Fauvismo, ou Fovismo, tinha temática leve, baseada na impulsos primários. Também as cores, eram
1954), Maurice de alegria de viver e nas emoções, e não tinha levadas amplamente em consideração a larga
Vlaminck (1876- fundamentação ou intenção crítica nem política. A preferência por cores puras, elas são exaltadas
1958) e André gradiente de cores é consideravelmente reduzida nestas no Fauvismo, e linhas e cores não possuem uma
Derain (1880-1954), obras, mas o papel das cores é extremamente importante ordem predeterminada, são empregadas nas
passou a usar a cor nelas, pois eram responsáveis pela noção de limites, obras da mesma forma primária e instintiva que
como elemento volume, relevo e perspectiva. Além disso, as cores não fazem crianças e selvagens, como diziam os
mais importante da tinham relação direta com a realidade, não correspondiam próprios artistas.
obra de arte. à cor real do objeto representado. Algumas das características
Para eles, o desenho, as linhas e a perspectiva físicas da pintura fauvista
O início do movimento, no final do século XIX, teve como
ficaram em segundo plano, pois tinham como são o colorido brutal, as
representantes precursores Paul Gauguin e Vincent Van
princípio a simplificação das formas e o uso das pinceladas violentas e
Gogh. Os estilos destes dois renomados artistas exerceram
cores puras, tal como estão nos tubos de tintas. definitivas, irrealidade na
forte influência sobre os adeptos do Movimento Fauvista.
Henri Matisse chegava a dizer que procurava pintar correspondência das cores
O Fauvismo influenciou muito a ruptura da arte moderna
com a pureza de uma criança ou de um selvagem, da realidade com a
com a antiga estética vigente, além disso, modificou a
que usam a cor apaixonadamente. Em 1905, no representação e a pintura
ideia de utilização das cores nas artes plásticas.
Salão de Outono de Paris, o crítico de arte Louis por manchas largas, na
Vauxcelles, ao observar os quadros tão formação de grandes
agressivamente coloridos, os chamou de feras planos.
(“fauves”, em francês), dando origem ao termo
Alguns nomes do Fauvismo foram:
“fauvismo”. Os artistas fauvistas usavam as cores
puras, sem misturá-las, para obter gradações de  Vincent Van Gogh.
tons, de maneira instintiva e não intelectual. O  Paul Gauguin.
Fauvismo influenciou toda a arte desde o início do  Georges Braque.
século XX até a atualidade.  Andre Derain.
 Jean Puy.
 Paul Cézanne.
 Henri Matisse.
 Kees van Dongen.
 Raoul Dufy.
 Georges Roualt.
100 – OS PRINCIPAIS ARTISTAS DO FAUVISMO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Henri-Émile-Benoît A pintura de Paul Georges Braque foi André Derain foi um Jean Puy foi um As obras de Maurice de Raoul Dufy foi um Cornelis Theodorus
Matisse, conhecido Gauguin com um um escultor, importante pintor, pintor fauvista, Cézanne transitam Vlaminck foi um pintor, desenhista, Maria van Dongen,
por seu uso da cor e estilo diferente, gravurista e pintor ilustrador e escultor conhecido como um entre o pintor francês. Ao gravador, ilustrador conhecido como
sua arte de mas que tinha o modernista francês. francês da primeira dos principais impressionismo e o lado de André de livros, ceramista, Kees van Dongen,
desenhar, fluida e desejo de ir além do É considerado um metade do século intervenientes cubismo. Assim, Derain e Henri ilustrador de de origem
original. Foi um naturalismo puro e dos principais XX. Foi um dos deste movimento podemos encontrar Matisse, é tecidos, de holandesa, adotou
desenhista, dar mais ênfase às representantes do fundadores e artístico, surgido elementos bem considerado um dos tapeçarias e de rapidamente as
gravurista e cores, emoções e cubismo na França. difusores do em 1905. Puy é próximos das duas principais artistas móveis, decorador ideias dos fauvistas
escultor, mas é imaginação, Embora seja Fauvismo. Atuou igualmente vertentes como a do movimento de interiores, Manguin, Derain e
principalmente significou uma reconhecido como também como lembrado como busca pela luz e fauvista, espaços públicos e Matisse, que
conhecido como um ruptura absoluta, um expoente da cenógrafo e sendo um dos cores características caracterizado pela teatro francês. conheceu em Paris.
pintor. Matisse é do ponto de vista pintura cubista, figurinista. Suas primeiros fauves, já típica dos distorção das Impressionista a Depois de estudar
considerado, conceitual, com o Braque, no começo obras também são que participou na impressionistas, formas e das cores princípio, evoluiu na Academia de
juntamente com Impressionismo, de sua carreira identificadas, em escandalosa que pintavam suas em suas obras. O gradativamente Roterdã, Van
Picasso e Marcel que havia abraçado artística se determinados exposição no Salon obras ao ar livre. E, pintor é para o fauvismo, Dongen mudou-se
Duchamp, como um antes, razão pela destacou com momentos de sua d'Automne, junto a ainda, o uso de considerado um dos depois de travar para Paris, a fim de
dos três maiores qual passou a ser paisagens fauvistas. vida artística, no Henri Matisse, formar mais audazes do contato com Henri continuar seus
artistas do século considerado um contexto do Henri Manguin, geométricas, Fauvismo no Matisse. estudos de pintura.
XX, responsável por pintor pós- Realismo e do George Rouault e característica mais exagero das formas
uma evolução impressionista. Cubismo. Derain. marcante do e das cores.
significativa na movimento cubista.
pintura e na
escultura.
101 – CONHECENDO O ARTISTA: HENRI MATISSE. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Desde o início dos anos 1940, o Praticar a arte: Aplique as cores que desejar nas formas orgânicas a seguir. Você pode usar lápis de cor,
pintor francês Henri Matisse canetinha ou até mesmo guache. Depois de pintadas, recorte-as e troque algumas formas com alguns colegas
começou a desenvolver uma de sala, depois, organize-as em uma composição no estilo de Henri Matisse.
técnica, que ele havia
experimentado anos antes, que
consistia em fazer colagens com
pedaços de papéis coloridos. Os
recortes dominaram a arte de
Matisse nos últimos seis anos de
sua vida. As colagens começaram
quase que por acaso, com obras
bastante pequenas.
Inicialmente, elas foram desenvolvidas como
desenhos ou maquetes. Matisse preferiu papel
cortado à pintura, pois garantia que as cores
permaneceriam fiéis em reproduções. Perto dos
anos 1950, ao invés de simplesmente usar as
colagens para "fins utilitários", tais como livros e
desenhos de tapeçarias e cerâmicas, Matisse
começou a brincar com elas. Assim, começaram a
assumir o papel da tinta nas composições.
102 – EXPERIMENTAÇÃO PRÁTICA: CRIANDO UMA IMAGEM FAUVISTA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Os Fauves vieram libertar os artistas de todas e Praticar a arte: A partir de um referencial fotográfico, elabore sua obra Fauvista. Aplique as características
quaisquer inibições ou convenções no uso da cor. principais da Vanguarda Fauvista no seu trabalho: Simplificação de formas, desenho chapado e aplicação de
Trata-se de um estilo vigoroso, quase frenético, no cores fortes (que não precisa corresponder a realidade).
qual se nota o exagero na concentração de
concepções estéticas dos vinte anos anteriores,
levados as consequências mais extremas. Nele são
utilizadas cores muito puras, vivas e primárias,
contrastando umas com as outras. Dava-se grande
importância à cor, muitas vezes em detrimento da
forma, pela eliminação da perspectiva. As diferentes
partes do corpo encontram-se nitidamente
segmentadas, acentuando-se as articulações, o que
nos faz lembrar as esculturas negro-africanas,
recentemente descobertas.
Características do Fauvismo:
 Uso intenso das cores puras (não misturadas),
com destaque para o amarelo, vermelho e azul;
 Sem compromisso com a realidade;
 Liberdade da cor (utilizar as cores de forma
subjetiva);
 A moralização, a melancolia e a tristeza eram
representadas de forma suave e alegre;
 As cores devem transmitir emoções positivas;
 Sem intenções críticas ou políticas;
 Criar sem relação com sentimentos ou intelectos.
103 – CONHECENDO A OBRA: “COMEDORES DE BATATA”, DE VINCENT VAN GOGH. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Os Comedores de Batatas resumem esse período. Praticar a arte: Qual situação você escolheria para
Assim como os pintores realistas, ele falou sobre a retratar uma cena familiar simples e com poucos
miséria e retratou o desespero das pessoas recursos? Faça seu desenho e use cores que ajudem a
mostrar a realidade da imagem que você retratou.
humildes. Ele dizia que os camponeses deviam ser
pintados com as suas características rudes, sem
embelezamento, ponto em que criticou e superou a
sua referência primeira, Millet. Van Gogh salientou
os traços grosseiros das mãos e das faces dos
trabalhadores da terra. Em busca de intensidade
dramática, explorou a potencialidade expressiva dos
tons escuros.
O quadro mostra cinco pessoas sentadas à volta de
uma mesa tosca de madeira. A mulher mais nova
tem uma travessa de batatas quentes, fumegantes
e, com uma expressão interrogativa, serve os
pedaços. A mulher mais velha, à sua frente, coloca
nas canecas café de cevada e malte. O velho
camponês bebe. Uma família camponesa está
Vincent Van Gogh na carta ao seu irmão Théo, reunida para esta refeição simples. Um candeeiro a
quando se refere a este trabalho, diz: “Apliquei-me petróleo irradia uma luz fraca, mostrando a grande
conscientemente em dar a ideia de que estas
pobreza; ao irradiar a sua luz trémula sobre todos
pessoas que, sob o candeeiro, comem as suas
batatas com as mãos, que levam ao prato, também de forma igual, estabelece a unidade na aparência
lavraram a terra, e o meu quadro exalta, portanto o destas figuras preocupadas.
trabalho manual e o alimento que eles próprios Van Gogh demonstra na sua obra a consciência do
ganharam tão honestamente”. A obra Os conteúdo social tratado e a preocupação do artista
Comedores de Batatas, de Vincent Van Gogh, em ser fiel à simplicidade das pessoas retratadas,
pertence à primeira fase da pintura do artista, não mostrando apenas a pouca comida, mas
desenvolvida na Holanda, sob influência do realismo
também a escassez de recursos, tanto na casa como
do pintor Jean -François Millet. O quadro é de 1885
e encontra-se no Museu Van Gogh em Amsterdã. nas roupas simples.
Nesta fase, Van Gogh desenhou e pintou muitas
paisagens holandesas e de cenas de aldeia.
104 – O EXPRESSIONISMO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
O termo Expressionismo pode ser aplicado em qualquer Uso de cores intensas: Umas das principais Visão trágica do ser humano: O fato de o expressionismo ser uma
momento da história da arte para designar a obra que características do expressionismo é o uso de forma de arte subjetiva permitiu que os autores das obras
abandona as ideias tradicionais e expressa a emoção do artista cores fortes e vibrantes, muitas vezes irreais, pudessem retratar suas respectivas visões sobre a vida. Essa forma
através de deformações e exageros de forma e cor. Nesse ou seja, não representando a realidade de de expressão muitas vezes abordava questões mais dramáticas
sentido, podemos chamar de expressionista o artista que dá forma direta. dos sentimentos humanos, como medo, solidão, ciúme, miséria,
importância aos sentimentos e às reações humanas diante de Traçados grossos e distorcidos: As obras prostituição, etc. Por vezes, eram retratadas situações acerca da
fatos da vida, criticando a exploração do homem pela expressionistas apresentavam traços fortes e vida, da morte e do mundo espiritual.
sociedade. O artista expressionista não retrata apenas o que bem marcados, porém, não havia linearidade Exposição do lado pessimista da vida: Uma das principais
ele vê, retrata também o que ele sente em relação ao fato que nos contornos. As linhas tinham formas características do expressionismo era a retratação de emoções
está presenciando, podendo para isso até deformar figuras. A retorcidas, eram de certa forma, agressivas e intensas. Não havia grandes preocupações com padrões de beleza
palavra expressionismo também foi utilizada para denominar não determinavam com precisão o contorno estética. Muitas vezes, as obras refletiam estados emocionais e
uma tendência da arte europeia moderna que predominou na das formas. Os traçados eram espessos e mentais dos artistas que, através de sua arte, externavam um
arte alemã de 1905 a 1930 aproximadamente. Essa tendência angulosos. enfoque pessimista da realidade que viviam. Esse pessimismo era
pode ser vista como uma reação ao Impressionismo, que Foco em aspectos subjetivos: A arte atribuído principalmente ao momento histórico que a
apenas se preocupava com as sensações de luz e cor e não expressionista é uma arte dramática e humanidade atravessava e que se refletia em um grande
com os problemas vividos pela sociedade da época. O subjetiva, que reflete a percepção, as emoções sentimento de ansiedade antes, durante e depois da Primeira
Expressionismo tinha como objetivo expressar as emoções e e os sentimentos de seu autor sobre o assunto Guerra Mundial.
angústias do homem do início do século XX. retratado. O quadro acima, por exemplo, de Deformação da realidade do mundo: A realidade exposta pelos
Van Gogh, reflete a percepção do artista artistas expressionistas não se regia por uma ideia de
Edvard Munch é considerado o
relativamente ao que ele via através da janela objetividade. Tendo em conta que a subjetividade é uma das
precursor do Expressionismo, tendo do seu quarto quando esteve internado no principais características do expressionismo, os artistas dessa
influenciado essa corrente artística com manicômio Saint-Rémy-de-Provence. Nem vanguarda europeia sentiam-se livres para apresentar a realidade
suas obras impactantes e cheias de carga todos os componentes da obra realmente conforme sua própria percepção. O objetivo principal dessa
emocional. Sua obra mais importante é O podiam ser vistos pela janela. Algumas representação era priorizar as emoções e os sentimentos em
Grito (1893). Ela representa uma das telas imagens acrescentadas por Van Gogh, como a detrimento de uma descrição objetiva da realidade.
mais emblemáticas do movimento vila, eram imaginárias e subjetivas, ou seja, Uso da tridimensionalidade nas obras: Os artistas expressionistas
expressionista. estavam relacionadas com elementos costumavam fazer uso da tridimensionalidade em suas obras. No
O quadro O Grito é uma obra de arte referencias do próprio artista. Alguns entanto, esse efeito era conseguido de forma ilusória, ou seja, não
expressionista que simboliza o sentimento estudiosos consideram que a vila retratada no havia um verdadeiro relevo nas obras. A ilusão era criada
de angústia do ser humano. Esta é uma das quadro representa o local onde Van Gogh intencionalmente através dos traços.
pinturas mais populares de todos os passou a infância.
tempos e é uma obra que revela várias Expressão da liberdade individual: O
características de Munch: a força movimento expressionista defendia a
expressiva das linhas, redução das formas liberdade individual através do irracionalismo
e o valor simbólico da cor. e da subjetividade. A subjetividade permitia
que o conhecimento de tudo aquilo que era
O expressionismo foi um movimento artístico por meio do qual externo ao artista se desse de acordo com os
os autores expressavam emoções e sentimentos através de referenciais próprios dele. O irracionalismo,
suas obras. Essa expressão ocorria de forma exagerada, por sua vez, como o próprio nome indica, se
depravada e subversiva, e com teores de pessimismo. Temas opõe ao que é racional. O conceito de
como solidão, miséria e loucura eram abordados com irracionalismo defende que a capacidade de
frequência. Confira abaixo as principais características do aprendizado é superior quando o homem vai
expressionismo: além dos limites impostos pelo que é racional.
105 – ANALISANDO A OBRA: “O GRITO”, DE EDVARD MUNCH. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
“ Grito” Interpretação do quadro: Vemos ao fundo um céu Praticar a arte: Depois de observado e lido sobre a
Estava andando pela de cores quentes, em oposição ao rio em azul, cor obra apresentada, responda em seu caderno de arte ao
estrada com dois amigos. fria, que sobe acima do horizonte, característica do questionário interpretativo a seguir:
O sol se pondo com um expressionismo (onde o que interessa para o artista a) Se você fosse expressar seus sentimentos de
céu vermelho sangue. é a expressão de suas ideias e não um retrato da angústia por algo através de um “Grito” quais
Senti uma brisa de realidade). motivos te levariam a fazer tal gesto?
melancolia e parei. Vemos que a figura humana também está em cores ___________________________________________________
Paralisado, morto de frias, como a cor da angústia e da dor, sem cabelo ___________________________________________________
___________________________________________________
cansaço… para demonstrar um estado de saúde precário. Os
__________________________________________________
… meus amigos elementos descritos estão tortos, como se b) Lendo o poema “O Grito” escrito por Edvard Munch
continuaram andando, eu reproduzindo o grito dado pela figura, como se ele diz que “... Senti o tremendo Grito da natureza”.
continuei parado, entortando com o berro, algo que reproduza as Ao prestar atenção ao seu redor, nos
Tremendo de ansiedade, ondas sonoras. Quase tudo está torto, menos a acontecimentos atuais, o que a natureza está a
senti o tremendo Grito da ponte e as duas figuras que estão no canto gritar?
natureza. esquerdo. Tudo que se abalou com o grito e com a ___________________________________________________
Edvard Munch cena presenciada está torto; quem não se abalou ___________________________________________________
(supostamente seus amigos) e a ponte, que é de ___________________________________________________
“O Grito” (no original “Skrik”) é uma concreto e não é "natural" como os outros __________________________________________________
série de quatro pinturas do artista elementos, continua reto. c) Sabendo das três obras de sentimento produzidas
norueguês Edvard Munch, a mais A dor do grito está presente não só no personagem, por Munch, qual outro sentimento triste você
célebre das quais datadas de 1893. A mas também no fundo, o que destaca que a vida escolheria para compor a “Quarta” obra? Por que
obra representa uma figura andrógina para quem sofre não é como as outras pessoas a você incluiria esse sentimento?
___________________________________________________
num momento de profunda angústia e enxergam, a paisagem fica dolorosa também, e ___________________________________________________
desespero existencial. talvez por essa característica do quadro é que nos ___________________________________________________
O plano de fundo é a doca de Oslofjord, em Oslo, ao identificamos tanto com ele e podemos sentir a dor __________________________________________________
pôr-do-sol. O quadro O Grito é considerado como e o grito dado pelo personagem. d) Descreva, detalhadamente, os elementos presentes
uma das obras mais importantes do movimento Inserindo-se o observador no quadro, ele passa a na obra “O Grito”, de Edvard Munch.
expressionista. ver o mundo torto, disforme, e isso afeta ___________________________________________________
diretamente a participação do mesmo na obra, de ___________________________________________________
___________________________________________________
forma quase interativa. __________________________________________________
e) Transcreva a ficha técnica da obra.
___________________________________________________
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__________________________________________________
106 – O CUBISMO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
De modo geral, o cubismo é marcado pela

representação de figuras da natureza a partir do uso de
formas geométricas, promovendo a fragmentação e
decomposição dos planos e perspectivas. O artista
cubista deixa de ter o compromisso em utilizar a
aparência real das coisas, como acontecia durante o
Renascimento. A arte cubista é considerada uma “arte
mental”, onde cada aspecto da obra deve ser analisado
e estudado de modo individual. Cubos, cilindros e
O século XX é um dos períodos mais agitados da O CUBISMO: No início do século XX, em Paris, Pablo esferas são algumas das formas usuais no cubismo, que
história. Um século de grandes descobertas, Picasso e Georges Braque criaram um novo estilo se distingue da arte abstrata pelo uso concreto de
tragédias e conquistas importantes: duas guerras artístico que rompeu com a ideia de arte como todas as formas. Além de Picasso e Braque, outros
imitação da natureza e abandonou as noções artistas que ficaram imortalizados como ícones desta
mundiais, a invenção do avião, foguetes, a chegada
tradicionais de perspectiva. Esses artistas vanguarda são Juan Gris e Fernand Léger.
do homem à Lua, avanços na medicina, procuravam novas maneiras de retratar o que viam
aparecimento de doenças até então desconhecidas, e, influenciados por Cézanne, passaram a valorizar
a revolução causada pela informática, enfim, tudo as formas geométricas e a retratar osobjetos como
acontecendo e sendo divulgado pelos meios de se eles estivessem partidos. Todas as partes de um
comunicação, influenciando assim o artista objeto eram representadas num único plano ao
moderno que a tudo vê com seu olha sensível e mesmo tempo, como se o artista visse esse objeto
em vários ângulos simultaneamente. A esse estilo
passa a se expressar influenciado por esse mundo
chamamos de cubismo analítico.
conturbado que o rodeia. O caminho iniciado pela
arte no século XX apresentou múltiplas tendências,
porém o artista não se preocupou em ajustar-se a
elas. A partir do início deste século o artista buscou
e ainda busca novas formas e diferentes meios e
materiais para satisfazer a sua capacidade de
criação. Ele não está mais preso ao registro realista,
pois a fotografia livra-o dessa preocupação. Agora, a Vale citar que este estilo abandona distinções entre
maior importância é dada à criatividade e à livre forma e fundo ou qualquer noção de profundidade. Os
expressão. Nesse contexto, variados estilos temas como naturezas mortas urbanas e retratos são
convivem em uma mesma época e por vezes até no utilizados pelos pintores cubistas como recursos para
mesmo lugar. experimentar e criar baseados nas particularidades
dessa vertente.
107 – AS FASES DO CUBISMO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Também conhecido por “cubismo pré-cézanniano”, É tido como o “cubismo puro” e de difícil A grande característica desta fase foi à introdução da
esta é considerada a fase inicial do movimento interpretação, onde as figuras são decompostas, técnica de colagem para reconstruir as imagens que
cubista, onde a principal base era o trabalho de através do uso de diversas formas geométricas. Com outrora eram decompostas. Por isso, esse período
Cézanne, com forte influência da arte africana e forte influência na arte africana, as obras nesse também é conhecido como "cubismo de colagem". Ao
devido ao uso de formas simplificadas. As obras de período permeiam os tons monocromáticos, com contrário do cubismo analítico, nesta etapa as imagens
Paul Cézanne serviram de inspiração para a predominância do verde, marrom e cinza. Além passam a manter a sua fisionomia, mas de modo
consolidação do cubismo. Embora ainda não disso, também há a necessidade de expressar a reduzido, apresentando apenas o que for essencial
tivessem todas as características que definem o natureza de modo simplificado, com linhas retas e para o seu reconhecimento. O principal precursor do
movimento artístico, alguns conceitos adotados por uniformes. cubismo sintético foi Juan Gris, que também passou a
Cézanne em seus trabalhos foram fundamentais usar uma palheta de cores mais vivas e intensas em
para que Picasso e outros artistas construíssem o suas obras. Aqui ao contrário do analítico, as cores
estilo cubista. eram mais fortes e as formas geralmente vistas de um
ângulo apenas, tentando tornar as figuras novamente
reconhecíveis. As obras eram feitas através de colagens
realizadas com letras, palavras, números, pedaços de
madeira, vidro, metal, pequenas partes de jornal e até
mesmo de objetos inteiros.
Devido à mudança estética e no ideal O cubismo analítico (1910 - 1912) é uma fase
de representação da arte, os evoluída do cubismo cézanniano. Apareceu depois
estudiosos consideram que Cézanne da junção do trabalho desenvolvido separadamente
fez um movimento de revolução da por Pablo Picasso e Georges Braque. A forma é
arte pitoresca – Revolução analisada num plano, decomposta e montada
cézanniana -, e este é motivo pelo novamente nesse mesmo plano. A prioridade dada à
qual esta fase leva o seu nome. forma é máxima, tal que a composição cromática
Portanto, esse é um momento aponte quase para uma só cor. O objeto é de tal
fortemente marcado pela sua obra, forma distorcido que quase tende para a abstração,
especialmente no que se referem ao ficando no limite do perceptível e do abstrato. Foi
caráter analítico e planos de cor, nesta fase que se procedeu a uma teorização do
características que influenciaram a cubismo, sobretudo através do Grupo do Bateau
análise de paisagens e objetos. Lavoir.
108 – OS PRINCIPAIS ARTISTAS CUBISTAS. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Picasso é considerado um dos Georges Braque foi um pintor Em contato com o Cubismo, Em 1911, apresentou suas Pintor francês nascido em Trabalhou no ateliê de
mais importantes artistas e escultor francês, que fundou Legér não aceitou sua primeiras obras cubistas, que, Paris, que realizou, com Sonia desenho têxtil de seu pai.
plásticos do século XX. Recebe o cubismo juntamente com representação exclusivamente pela vontade de Delaunay, sua esposa, Começou a pintar mais
influência do artista Cézanne e Pablo Picasso. Braque iniciou a analítica para representar o geometrização das formas enormes decorações murais. metodicamente durante o
desenvolve o estilo artístico sua ligação às cores na mundo real, seus trabalhos patenteada, pela multiplicação Influenciado por Georges serviço militar. Nessa época,
conhecido como cubismo. O empresa de pintura decorativa apresentavam formas dos pontos de vista e pela Seurat e Paul Signat, começou seus principais temas eram as
marco inicial deste período é a de seu pai. A maior parte da curvilíneas e tubulares, em incorporação de elementos a experimentar efeitos de questões sociais e para as
obra “Les Demoiselles sua adolescência foi passada contraste com as formas tipográficos, se distanciaram contraste entre cores e, misteriosas cenas noturnas. Ao
d'Avignon” (1907), cuja em Le Havre, mas no ano de retilíneas usadas por Picasso e tanto do estilo de Picasso interessado pela obra dos conhecer Picasso, envolveu-se
característica principal é a 1899, mudou-se para Paris Braque. No quadro “Mulher de como do de Braque. Em sua primeiros cubistas, passou a com o movimento cubista e,
decomposição da realidade onde, em 1906, no Salão dos Azul”, que marca o apogeu de paleta predominam os azuis, estudar as possibilidades de em 1912, publicou, com
humana. Suas obras podem ser Independentes, expôs as suas sua fase de cubista, se percebe os verdes e os violetas. A partir aplicação da estética desses Metzinger, o primeiro tratado
divididas em várias fases, de primeiras obras no estilo de as características pessoais que de 1912, Gris interessou-se artistas a uma pintura com rico sobre o Cubismo. Em 1914,
acordo com a valorização de formas simples e de cores o diferenciam do movimento. pela técnica da colagem, que cromatismo e com elementos durante a Primeira Guerra
certas cores. A fase Azul o puras (fauvismo). Influenciados O trabalho de Léger exerceu lhe permitiu criar um jogo de irreais. Criou, então, um estilo Mundial, sua produção tornou-
período onde predominou os pela escultura tribal africana uma influência importante no ambiguidades entre o que é próprio, baseado quase se mais abstrata. Com o fim do
tons de azul. Nesta fase, o então descoberta. Picasso e construtivismo soviético. Os real e o que é pintado e, desse exclusivamente na importância movimento cubista, por volta
artista dá uma atenção toda Braque analisavam objetos, modernos pôsteres comerciais, modo, entre o verdadeiro e o da cor e na ilusão do de 1914, Gleizes começou a ter
especial aos elementos separando-os em suas formas e outros tipos de arte aplicada, falso. Em sua evolução, o movimento, iniciado a partir inspirações religiosas,
marginalizados pela sociedade. geométricas e as também se vieram influenciar artista escolheu partir cada vez da série dedicada à torre Eiffel, passando a escrever sobre a
Na Fase Rosa, predomina as reestruturando de modo a por seus desenhos. Em seus mais das formas geométricas num estilo cubista próprio, de pintura como forma de
cores rosa e vermelho, e suas mostrar as várias facetas de últimos trabalhos, realizou mais simples para construir os grande colorido. Compôs as enaltecer valores mais
obras ganham uma conotação cada forma em uma imagem. uma separação entre a cor e o objetos que pintaria numa famosas séries Janelas e místicos.
lírica. Essas obras iniciais do desenho, de tal maneira que procura das estruturas mais Formas circulares. O
“Cubismo Analítico”, como são suas figuras mantêm seus elementares, enquanto seu dinamismo de sua obra se
conhecidas, geralmente formulários robóticos definidos cromatismo manteve uma intensificou com o emprego de
tinham tons de cinza e por linhas pretas. luminosidade abstrata. espirais e encadeamentos de
marrom. círculos.
109 – RESUMÃO: O CUBISMO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Este movimento artístico tem seu As fases do Cubismo: Principais artistas:
surgimento no século XX e é
 Cubismo cézanniano: (entre os anos de 1907 e 1909) - é  Pablo Picasso (1881-1973)
considerado o mais influente deste
período. Com suas formas geométricas a fase que dá início ao Cubismo. Período marcado pela forte  Georges Braque (1882-1963)
representadas, na maioria das vezes, presença das obras de Paul Cézanne.  Juan Gris (1887-1927)
por cubos e cilindros, a arte cubista  Fernand Léger (1881-1955)
rompeu com os padrões estéticos que  Diego Rivera (1886-1957)
primavam pela perfeição das formas na O cubismo por meio de suas colagens introduziu letras, palavras,
busca da imagem realista da natureza. números, pedaços de madeira, vidro, metal e até objetos inteiros
A imagem única e fiel à natureza, tão apreciada pelos europeus nas pinturas. Essa inovação pode ser explicada pela intenção do
desde o Renascimento, deu lugar a esta nova forma de artista de criar novos efeitos plásticos e de ultrapassar os limites
expressão onde um único objeto pode ser visto por diferentes das sensações visuais que a pintura sugere, despertando também
ângulos ao mesmo tempo.  Analítico: Até 1912, onde a cor era moderada e as formas no espectador as sensações tácteis. Assim contrastavam
eram predominantemente geométricas e desestruturadas intencionalmente áreas de cores lisas e rugosas, ásperas e com
Características principais: O pelo desmembramento de suas partes equivalentes,
marco inicial do Cubismo ocorreu em relevos. Tratava as formas da natureza por meio de figuras
ocorrendo, desta forma, a necessidade de não somente geométricas, representando todas as partes de um objeto no
Paris, em 1907, com a tela “Les apreciar a obra, mas também de decifra-la, ou melhor,
Demoiselles d''Avignon”, pintura que mesmo plano.
analisa-la para entender seu significado. Já no segundo
Pablo Picasso levou um ano para período, a partir de 1912, surge a reação a este primeiro A representação do mundo passava a não ter nenhum
finalizar. Nesta obra, este grande momento. compromisso com a aparência real das coisas. A principal
artista espanhol retratou a nudez característica do cubismo é a retratação do espaço por diversos
feminina de uma forma inusitada, ângulos ao mesmo tempo, minimizando a necessidade de haver
onde as formas reais, naturalmente fidelidade com a realidade. O cubismo rejeita a ideia de outros
arredondadas, deram espaço a figuras movimentos anteriores, como o impressionismo, de retratação da
geométricas perfeitamente natureza. O próprio Georges Braque afirmava: “Não se imita
trabalhadas. aquilo que se quer criar”. Além da preponderância das formas
Tanto nas obras de Picasso, quanto nas geométricas, também podemos citar como característica do
pinturas de outros artistas que seguiam cubismo o uso da luz e da sombra.
esta nova tendência, como, por  Sintético: Onde as cores eram
exemplo, o ex-fauvista francês, Georges mais fortes e as formas tentavam Cubismo no Brasil: Somente após a Semana de Arte Moderna
Braque, há uma forte influência das tornar as figuras novamente de 1922 o movimento cubista ganhou terreno no Brasil. Mesmo
esculturas africanas e também pelas reconhecíveis através de colagens assim, não encontramos artistas com características
últimas pinturas do pós-impressionista realizadas com letras e também exclusivamente cubistas em nosso país. Muitos pintores
francês Paul Cézanne, que retratava a com pequenas partes de jornal. Na brasileiros foram influenciados pelo movim ento e apresentaram
natureza através de formas bem Europa está o maior número de características do cubismo em suas obras. Neste sentido, podemos
próximas às geométricas. artistas que se destacaram nesta citar os seguintes artistas: Tarsila do Amaral, Anita Malfatti, Rêgo
 Geometrização das formas e volumes. manifestação artística, entre eles os Monteiro e Di Cavalcanti.
 Renúncia à perspectiva. mais conhecidos, além dos
 O claro-escuro perde sua função. precursores, Pablo Picasso e
 Representação do volume colorido sobre superfícies planas. Georges Braque são: Albert Gleizes,
 Sensação de pintura escultórica. Fernand Léger, Francis Picabia,
 Cores austeras, do branco ao negro passando pelo cinza, por Marcel Duchamp, Robert Delaunay,
um ocre apagado ou um castanho suave. Roger de La Fresnaye, e Juan Gris.
110 – CONHECENDO A OBRA: “LES DEMOISELLES DÁVIGNON”, DE PABLO PICASSO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte: Depois de ler sobre a obra apresentada e observá-la com atenção. Prepare seu
material artístico para aplicar cor no desenho da obra a seguir. Procure usar as cores e seus tons assim
como fez Picasso.
“Les Demoiselles d’Avignon” (As Senhoritas de Avignon) é com certeza,

uma das mais famosas pinturas de Pablo Picasso, considerado um
quadro pré-cubista, ou o marco do início do cubismo, porém
evidenciando também o impacto da arte africana sobre a obra do
artista. Na época em que Picasso a pintou, ele tinha completa noção de
que este era o quadro mais importante que havia pintado até então.
Dizem que o artista estava inseguro em apresentar essa obra, revelou
isso a seu marchand depois de meses de revisão a pintura monumental
que estava escondida em seu estúdio em Paris.
Les Demoiselles d’Avignon marca uma ruptura radical da composição
tradicional e perspectiva na pintura. Representa cinco mulheres nuas
com figuras compostas por planos e faces desfiguradas, inspirados pela
escultura ibérica e máscaras africanas. O espaço comprimido que as
figuras se apresentam, parecem se projetar para frente em fragmentos
irregulares. As frutas em primeiro plano representam uma natureza
morta que se encontra na parte inferior da composição, oscila sobre
uma mesa impossivelmente virada para cima.
O Avignon do título da obra refere-se a uma
Rua de Barcelona famosa por seu bordel.
Nos estudos preparatórios de Picasso para
o trabalho, a figura à esquerda era um
homem, mas o artista eliminou esse detalhe
na pintura final. Esta pintura representa,
além de ser considerada uma obra-prima da
história da arte universal, quebra com a
violação de todas as tradições e convenções
visuais jamais vistas até então.
111 – CONHECENDO O ARTISTA: PABLO PICASSO E O CACHORRO LUMP. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
David Douglas Duncan é o último dos fotojornalistas clássicos do século XX ainda vivo. Nascido em 1916, esteve presente em momentos
importantes da história, cobrindo desde a II Guerra Mundial até a Guerra do Vietnã, e passou incólume por tudo. Só não passou por Pablo
Picasso, seu amigo. O pintor amava animais, em especial cães, e tinha uma particularidade: era famoso, entre seu círculo de amizades, seu
hábito de "tomar emprestado" os cachorros de seus amigos e conhecidos. Um desses cães "emprestados" - e considerado o favorito do pintor
- foi Lump, um cão da raça teckel que era não por acaso, o cachorro de estimação de David. A dupla havia sido convidada para passar uma
temporada em La Californie, a famosa mansão de veraneio de Picasso em Cannes, no litoral da França. Era abril de 1957 e a con exão entre o
artista e o cão foi imediata, tanto que Lump não voltou para casa na ocasião. Durante os seis anos de estadia de Lump em La Californie, o cão
foi inspiração para diversos desenhos e rascunhos de Picasso, e essa relação foi captada com perfeição e delicadeza por Duncan. A afeição
mútua da dupla virou livro, Lump: A Dachshund’s Odyssey, ilustrado com 89 fotos de Picasso e Lump.
Praticar a arte:
Observando os
desenhos inspirados no
cãozinho Lump e os
desenhos de outros
animais feitos por
Picasso, desenhe no
espaço abaixo, sem tirar
a ponta do lápis do
papel, a imagem cubista
de seu animal de
estimação. Se você não
tiver nenhum, escolha
um animal da sua
preferência. Utilize
canetinha hidrocor na
cor preta. Não se
esqueça de assinar sua
obra.
112 – EXERCÍCIOS INTERPRETATIVOS SOBRE O CUBISMO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
1. No início do século XX, em Paris, Pablo Picasso e 3.O movimento artístico denominado cubismo 6. Sobre o Cubismo, foi um movimento dividido 11. O cubismo sintético se caracteriza
Georges Braque criaram um novo estilo que desenvolveu-se na primeira década do século XX, em: principalmente:
mudou a ideia de como se fazer arte. Estamos liderado pelo espanhol Pablo Picasso e pelo a) Cinco fases: Inicial, Primitivo, Analítico, Sintético e a) Poucas cores: preto, cinza e tons de marrons e
falando do Cubismo. Quanto a esse movimento, francês Georges Braque. A partir da figura acima, Contemporâneo. ocres.
marque uma ÚNICA alternativa FALSA. Os assinale a opção correta com relação às b) Quatro fases: Inicial, Primitivo, Analítico e b) Representa grandes fragmentações dos seres na
cubistas: características desse movimento. Contemporâneo. pintura.
a) Romperam com a ideia de arte como imitação a) Nas obras cubistas, os objetos são representados c) Três fases: Primitivo, Analítico e Sintético.* c) Tornar as figuras novamente reconhecíveis, e se
da natureza. de forma realista. d) Duas fases: Primitivo e Sintético. foi chamado também de colagem.*
b) Passaram a valorizar as formas geométricas. b) Os cubistas procuravam representar em suas e) Nenhuma das alternativas anteriores d) Desenvolveu as formas geométricas.
c) Acreditam que a cor é o elemento mais obras o movimento, sugerindo velocidade. e) Surgiu das figuras: cones, esferas e cilindros.
7. Ainda sobre o Cubismo, seus principais artistas
importante da obra.* c) Por meio das imagens fragmentadas, os pintores
foram:
d) Reproduziam os objetos e figuras em dezenas cubistas procuravam passar uma ideia de 12. O quadro: “Les De oiselles
a) Van Gogh, Picasso e Braque.
de pedaços. profundidade. dÁvignon” (1907), de Pablo
b) Braque, Cézanne e Matisse.
d) As obras desse movimento são marcadas pela Picasso, representa o
2.O pintor espanhol Pablo Picasso (1881-1973), um c) Picasso, Cézanne e Duchamp.
decomposição e geometrização das formas rompimento com a estética
dos mais valorizados no mundo artístico, tanto d) Cézanne, Picasso e Braque.*
naturais.* clássica e a revolução da
em termos financeiros quanto históricos, criou a e) Nenhuma das alternativas anteriores.
arte no início do século XX.
obra Guernica em protesto ao ataque aéreo à 4.Historicamente o Cubismo originou-se nas obras 8. No Cubismo Analítico: Essa nova tendência se
pequena cidade basca de mesmo nome. A obra, de Paul Cézanne, pois para ele a pintura deveria
a) As figuras são dispostas de forma quase caracteriza pela:
feita para integrar o Salão Internacional de Artes tratar as formas da natureza como se fossem
incompreensível.* a) Pintura de modelos em planos irregulares.*
Plásticas de Paris, percorreu toda a Europa, cones, esferas e cilindros. De acordo com o e com
b) As figuras são bem nítidas. b) Mulher com temática central na obra.
chegando aos EUA e instalando-se no MoMA, seus conhecimentos sobre o Cubismo julgue os
c) As figuras são surreais. c) Cena representada por vários modelos.
onde sairia apenas em 1981. Essa obra cubista itens abaixo em (C) para os certos e (E) para os
d) Não existem figuras. d) Nudez explorada como objeto de arte.
apresenta elementos plásticos identificados pelo: errados: ccec
9. Sobre o Cubismo, é INCORRETO afirmar: 13. Como a pintura cubista representa o objeto?
a) Painel ideográfico, monocromático, que enfoca a) No Cubismo os objetos aparecem abertos,
___________________________________________
várias dimensões de um evento, renunciando à como se estivessem cortados em um plano a) É considerado fonte da corrente formalista e,
___________________________________________
realidade, colocando-se em plano frontal ao frontal em relação ao expectador. por consequência, da pintura abstrata da arte
___________________________________________
espectador.* b) Os artistas cubistas não tinham nenhum do século XX.*
___________________________________________
b) Horror da guerra de forma fotográfica, com o compromisso em representar com fidelidade b) Questiona os pressupostos fundamentais da
_________________________________________
uso da perspectiva clássica, envolvendo o a aparência real das coisas. tradição da arte ocidental.
espectador nesse exemplo brutal de crueldade c) O Cubismo foi dividido em duas tendências: c) Manifesta interesse pela arte não ocidental, 14. Em qual período, do Cubismo, desenvolveu-se a
do ser humano. Cubismo real e Cubismo irreal. como a arte africana e a arte primitiva. técnica da colagem?
c) Uso das formas geométricas no mesmo plano, d) Pablo Picasso foi o artista cubista que ficou d) Foi bem aceito pela sociedade da época, desde ___________________________________________
sem emoção e expressão, despreocupado com o mais conhecido mundialmente. sua origem, na primeira década do século XX. ___________________________________________
volume, a perspectiva e a sensação escultórica. e) Apresenta pintura de caráter revolucionário,
15. São fases de Pablo Picasso:
d) Esfacelamento dos objetos abordados na 5.Ainda sobre o Cubismo julgue os itens que se principalmente em relação à formalização das
mesma narrativa, minimizando a dor humana a seguem em C para Certo e E para errado: eccc imagens. a) Rosa e Verde.
serviço da objetividade, observada pelo uso do b) Rosa e Azul.*
10. Qual era o principal objetivo do cubismo?
claro-escuro. a) As obras cubistas ficaram marcadas pelo fácil c) Azul e Verde.
__________________________________________
e) Uso de vários ícones que representam reconhecimento das figuras representadas. d) Azul e Vermelho.
__________________________________________
personagens fragmentados b) No Cubismo foi utilizada uma técnica __________________________________________
bidimensionalmente, de forma fotográfica livre chamada colagem, que consistia em colar 16. Foi um grande nome do Cubismo Brasileiro:
__________________________________________
de sentimentalismo. vários objetos a obra. __________________________________________
c) A obra de Pablo Picasso foi dividida em duas a) Di Cavalcanti.
__________________________________________
fases: a fase azul e a fase rosa. b) Tarsila do Amaral.*
__________________________________________
d) Formas abstratas, realistas e irreais c) Pablo Picasso.
__________________________________________
caracterizaram o cubismo. d) Vicente do Rego Monteiro.
________________________________________
113 – O ABSTRACIONISMO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
De um modo bem amplo, o A Arte Abstrata tinha o objetivo de encontrar uma

termo “abstrato” pode ser nova forma de expressão plástica, distanciada das As principais características do abstracionismo são:
aplicado a qualquer obra de formas figurativas ou representação da natureza.
arte que não faça uma Caracteriza-se pela decomposição da figura,  Arte não representacional.
representação imediata dos simplificação da forma, novo uso das cores e  Arte subjetiva e destituída de conteúdo.
objetos. O artista descarte da perspectiva ou técnicas de modelagem.  Oposição ao modelo renascentista, à arte figurativa
abstracionista usa cores, É possível dizer que a origem do Abstracionismo e/ou naturalista.
linhas e manchas para criar remonta alguns movimentos como o Suprematismo,  Uso de formas simples, cores e linhas.
formas indefinidas, não o Construtivismo, o Neoplasticismo e o
copiando mais a realidade. Expressionismo Abstrato, muito embora os artistas
O termo abstracionismo geralmente é usado para desses movimentos fizessem abstrações, eles
designar obras de arte do século XX que evitavam falar em abstracionismo, tendo percebido
abandonaram a concepção tradicional de arte como que soaria impróprio para a época.
imitação da natureza. Eles criaram em suas pinturas
formas e cores que não estão imediatamente
relacionadas com as formas e as cores dos objetos,
ou seja, ao observarmos uma pintura abstrata não
identificamos de imediato o objeto ou a cena O abstracionismo dominou a
representada. Abstracionismo atribui-se a toda Além dessa vertente mais pintura moderna e se
forma de representação bidimensional ou geométrica da Arte Abstrata, outra diversificou em duas
tridimensional, não subordinado pela figuração ou vertente também foi significativa tendências principais: o
imitação da natureza. No âmbito das Artes Visuais, o nesse cenário, foi o Expressionismo abstracionismo informal e o
termo Arte Abstrata está relacionado às vanguardas Abstrato, também conhecido como abstracionismo geométrico. O
da primeira metade do século XX. Em vista disso, Action Painting, caracterizado pela abstracionismo informal
provocou muita indignação entre os apreciadores de busca no inconsciente de símbolos expressa os sentimentos e as
arte mais tradicionais. de valor universal. Este foi o ideias do artista, e este, com
A Arte Abstrata, assim como primeiro movimento que se total liberdade de expressão,
muitas outras vanguardas da Arte originou nos Estados Unidos e utiliza cores e formas de
Moderna, era considerada de ganhou reconhecimento maneira espontânea.
extremo mau gosto pela elite que internacional. Jackson Pollock Diferente do informal, no
ainda preferia ver nas pinturas e tornou-se conhecido pela sua forma abstracionismo geométrico,
nas esculturas algo que de pintura singular, lançando ou as formas e as cores são
representasse a realidade e de gotejando de forma dramática a organizadas e a base da
preferência que promovessem tinta que escoria sobre a tela, composição são linhas e
ideais clássicos e perfeição métodos revolucionários e figuras geométricas.
artística. incomuns para a época.
114 – ABSTRACIONISMO INFORMAL E O ABSTRACIONISMO GEOMÉTRICO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
A arte abstrata tende a suprimir toda a relação entre a realidade e o quadro, Ao contrário do Abstracionismo informal, o abstracionismo geométrico registra a
entre as linhas e os planos, as cores e a significação que esses elementos podem racionalização que depende de análise intelectual. As formas e as cores devem
sugerir ao espírito. Quando a significação de um quadro depende ser organizadas de tal maneira que a composição resultante seja apenas a
essencialmente da cor e da forma, quando o pintor rompe os últimos laços que expressão de uma concepção geométrica. Foi um movimento artístico
ligam a sua obra à realidade visível, ela passa a ser abstrata. No Abstracionismo influenciado pelo Cubismo e pelo Futurismo. O abstracionismo geométrico
Sensível ou Informal predominam os sentimentos e emoções. As cores e as divide-se em mais duas correntes: Suprematismo na Rússia e o Neoplasticismo
formas são criadas livremente. Na Alemanha surge o movimento denominado na Holanda.
“Der blaue Reiter” (O Cavaleiro Azul) cujos fundadores são os Kandinsky, Franz
Marc entre outros. Uma arte abstrata, que coloca na cor e forma a sua
Piet Mondrian: Fortemente influenciado pelas crenças Teosóficas, Mondrian
expressividade maior. Estes artistas se aprofundam em pesquisas cromáticas, defendia a ideia de que a arte não poderia se limitar a reproduzir a natureza,
conseguindo variações espaciais e formais na pintura, através das tonalidades e mas expressar uma experiência transcendental e a pureza de harmonia. Ou
matizes obtidos. Eles querem um expressionismo abstrato, sensível e emotivo. seja, para Mondrian a arte deveria ter formas e cores puras em oposição às
Com a forma, a cor e a linha, o artista é livre para expressar seus sentimentos linhas orgânicas da natureza, assim como é possível observar no quadro
“Composição em vermelho, preto, azul e amarelo” de 1928. Suas pinturas
interiores, sem relacioná-los a lembrança do mundo exterior. Estes elementos da
geométricas abstratas não tinham centro, Mondrian defendia que as margens
composição devem Ter uma unidade e harmonia, tal qual uma obra musical. da obra são tão importantes quanto o centro. Suas pinturas representam
linhas pretas horizontais e verticais em fundo branco, as quais formavam
quadrados e retângulos onde acrescentavam, geralmente, cores primarias.
Franz Marc: Pintor alemão, apaixonado pela arte dos
Essas linhas retas verticais e horizontais sugeriam, conforme Mondrian, a
povos primitivos, das crianças e dos doentes mentais,
calma e a forma surgida de duas forças opostas. Ligadas a formas simples e
o pintor escolheu como temas favoritos os estudos
cores puras, desejava que sua arte exprimisse as leis objetivas do universo.
sobre animais, conheceu Kandinsky, sob a influência
deste, convenceu-se de que a essência dos seres se
revela na abstração. A admiração pelos futuristas
italianos imprimiram nova dinâmica à obra de Marc,
que passou a empregar formas e massas de cores
brilhantes próprias da pintura cubista.
Wassily Kandinsky: Pintor russo, antes do
abstracionismo participou de vários movimentos
artísticos como impressionismo também atravessou
uma curta fase fauve e expressionista. Escreveu
livros, como em 1911, Sobre o espiritual na arte, em
que procurou apontar correspondências simbólicas
entre os impulsos interiores e a linguagem das formas
e cores, e em 1926, Do ponto e da linha até a
superfície, explicação mais técnica da construção e
inventividade da sua arte. Dezenas de suas obras
foram confiscadas pelos nazistas e várias delas
expostas na mostra de “Arte Degenerada”.
115 – CONHECENDO O ARTISTA: WASSILY KANDINSKY E A MÚSICA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Ao longo da história, diversos Praticar a arte – Transformando o som em

artistas têm sido inspirados visão: Siga as orientações a seguir para você
experimentar o processo criativo e a poética de
pela música, e muitos fazem Wassily Kandinsky:
referência a ela em seu 1. Emende algumas folhas de papel
trabalho. O artista russo cenário na parede ou no chão de
Wassily Kandinsky, por forma que a área para desenhar seja
exemplo, queria transmitir a grande.
complexidade da música 2. Use apenas um único instrumento de
clássica na tela. desenho para este exercício, pode ser
Disse ele: “Linhas selvagens, o lápis macio ou um bastão de carvão.
quase loucas, se esboçavam na Experimente desenhar usando lápis
minha frente”, ao assistir uma de marcenaria.
montagem da ópera Lohengrin 3. Agora escolha uma música como
de Wagner. Enquanto trilha sonora, de preferência
desenham, muitos artistas têm instrumental, para que a letra não o
a música como trilha sonora disperse nem o leve a fazer uma
para suas criações. Com este interpretação literal da música.
momento criativo o artista 4. Deixe-se envolver pela música e tente
trabalha a forma como vemos transmitir suas qualidades sobre o
um som. Portanto, a música papel. O objetivo desta atividade é
torna-se o foco principal da deixar-se levar pelo som e explorar o
obra de arte. Ritmo, harmonia desenho abstrato.
e textura são alguns dos 5. O ritmo da música também pode ditar
elementos que Kandinsky a sua postura e o movimento da sua
compartilha em suas mão. É importante não julgar o
diferentes formas de arte. desenho, as linhas devem se mover de
Wassily Kandinsky foi inspirado maneira semelhante ao tempo da
pela música do compositor música. Este pode ser considerado um
Arnold Schönberg. As formas, exercício de “Performance”.
linhas e cores de suas pinturas 6. Se desejar, ao escolher sua música, e
incorporam a sensação das orientar sua mente e corpo para o
emoções primárias por meio trabalho, faça a atividade em menor
de formas abstratas. Ele escala no espaço ao lado para você
desejava encontrar um não se sentir muito tímido.
equivalente visual à música de 7. Registre sua obra com uma foto.
Schönberg.
116 – O ABSTRACIONISMO BRASILEIRO E SEUS ARTISTAS. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
A proposta das vanguardas despertou e inaugurou novas formas estéticas, as quais atravessaram fronteiras, de forma que no Brasil influenciaram a estética
modernista, a partir da década de 40. No Brasil o abstracionismo (Arte Abstrata) foi ganhando adeptos através de informações que chegavam do estrangeiro e
depois com a abertura de museus e com a realização das primeiras bienais (1951 e 1953) e pela influência de artistas e críticos de arte, como Max Bill, Maldonado e
Romero Brest. Em 1950, o pintor Samson Flexor criou o atelier Abstração, em São Paulo, destinado ao ensino e difusão das artes plásticas dentro da linha do
abstracionismo. Os artistas abstratos brasileiros filiaram-se a diferentes facções dessa escola. Entre os “expressionistas abstratos” é preciso citar Yolanda Mohaly,
Tomás lanelli e Manabu Mabe. Entre os neoconcretistas, destacam-se Ligia Clark, Aluísio Carvão e Ligia Pape. Antônio Bandeira, abstrato com recordações da
realidade visível, foi grande destaque no exterior.
Foi uma pintora e Pintor, gravador, Em sua atividade de Seus primeiros quadros A semente da O quadro não parece Alfredo Volpi foi um Deu-se em sua pintura
desenhista húngara aquarelista e desenhista. pintor, Manabu Mabe foram criados entre os criatividade desabrocha significar para ele uma pintor ítalo-brasileiro como que uma explosão
naturalizada brasileira. Começa a trabalhar não agia como um anos de 1954 e 1958, nos trabalhos da artista realidade autônoma, considerado pela crítica da cor a partir dos fundos
Inicialmente figurativa e como aprendiz em uma técnico, mas antes de quando já havia com sensibilidade e uma estrutura que possui como um dos artistas negros em que
expressionista, Mohalyi empresa de desenho tudo, como um animal. retornado de Paris. Neste humor. Eles não foram suas próprias leis, algo mais importantes da geralmente se resolvia,
evoluiu, nos anos 1950, publicitário, a Companhia Não se guiava pelas período ela publicou criados para serem que se constrói com segunda geração do embora a opulenta
gradualmente para a de Anúncios em Bondes, regras conscientes, mas “Superfícies Modulares” consumidos elementos específicos. A modernismo. Uma das textura permanecesse
abstração expressiva que A partir de 1957, dedica- pelo instinto. Não e “Contra Relevos”. Estes apressadamente, sem pintura é um estado de características de suas como característica
caracterizou sua se à pintura, e, no ano analisava, apenas dava trabalhos mudaram o reflexão: o modo como alma que ele extroverte obras são as principal de seus
produção nos anos 1960 seguinte, integra o Grupo largas à sua intuição, sentido de ver um são vivenciados pelo aqui e ali, sem outro bandeirinhas e os quadros.
e 70. Guanabara, participando deixando que esta fluísse quadro, que até então espectador é que objetivo que o de casarios. Começou a
de suas mostras normalmente e este é o era bastante prático, isto constitui a obra. A artista comunicar um pintar em 1911,
coletivas. ponto em que se é, não saiam de um não se prende aos sentimento, uma executando murais
distinguia dos demais. mesmo padrão. mesmos suportes ou emoção, uma lembrança. decorativ os.
procedimentos, seu
trabalho é sempre
inovador e enfrenta
inúmeras questões.
117 – O DADAÍSMO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Muitos artistas plásticos e escritores que Nesse sentido, o dadaísmo é considerado um movimento
eram contra a participação de seus países na antiartístico, uma vez que questiona a arte e busca o caótico
Podemos destacar algumas
Primeira Guerra Mundial (1914-1918) se e a imperfeição.
características do movimento
refugiaram em Zurique, na Suíça, e criaram "Eu redijo um manifesto e não quero nada, eu digo, portanto
dadaísta, a saber: certas coisas e sou por princípios contra manifestos (...). Eu redijo
em 1915 um movimento literário que
este manifesto para mostrar que é possível fazer as ações opostas
propunha divulgar suas decepções diante da  Rompimento com os modelos simultaneamente, numa única fresca respiração; sou contra a ação
passividade das instituições em relação à tradicionais e clássicos. pela contínua contradição, pela afirmação também, eu não sou
nem pró nem contra e não explico por que odeio o bom-senso. A
guerra. Um desses artistas, o poeta Tristan  Espírito vanguardista e de obra de arte não deve ser a beleza em si mesma, porque a beleza
Tzara, para escolher um nome ao movimento protesto. está morta."
abriu aleatoriamente um dicionário e colocou  Espontaneidade, improvisação e Alguns artistas plásticos e poetas que participaram do
o dedo sobre a palavra “dada”, que em irreverência artística. movimento dadaísta foram:
francês significa “cavalo de brinquedo”. A  Anarquismo e niilismo.
partir daí o movimento ficou conhecido como  Tristan Tzara: poeta romeno;
 Busca do caos e desordem.
Dadá ou Dadaísmo. Com essa atitude Tzara  Marcel Duchamp: poeta, pintor e escultor francês;
 Teor ilógico e irracional.
quis mostrar que tanto o nome quanto a  Hans Arp: poeta e pintor alemão;
 Caráter irônico, radical, destrutivo,
própria arte do movimento não faziam mais agressivo e pessimista.  Francis Picabia: poeta e pintor francês;
sentido num mundo irracional que estava
 Aversão à guerra e aos valores  Max Ernst: pintor alemão;
sendo devastado pela guerra. Tzara e seus
burgueses.  Raoul Hausmann: poeta e artista plástico austríaco;
contemporâneos, indignados com a falta de
 Rejeição ao nacionalismo e ao  Hugo Ball: poeta e filósofo alemão;
lógica dos acontecimentos políticos e sociais
materialismo.  Richard Huelsenbeck: escritor e psicanalista alemão;
da época, criaram um estilo de arte  Sophie Täuber: artista plástica suíça.
 Crítica ao consumismo e ao
considerado vazio de significado, pois era
capitalismo.
dessa forma que eles consideravam o
mundo. Os dadaístas não se preocupam em O dadaísmo, assim como outras
momento algum em formular uma teoria que vanguardas artísticas europeias,
explicasse o pensamento do grupo, e só em influenciou o movimento
1918, quase três anos após o início das suas modernista que surgia no Brasil,
atividades, Tzara escreveu um manifesto sobretudo após a Semana de Arte
sobre o Dadaísmo. Moderna. Na literatura, podemos
Essa proposta de arte era irreverente e notar essa influencia em algumas
espontânea, pautada na irracionalidade, na manifestações dos escritores Mário
ironia, na liberdade, no absurdo e no de Andrade e Manuel Bandeira.
pessimismo. O intuito principal era de chocar Além deles, destaca-se o "teatro de
a burguesia da época e criticar a arte experiência" de Flávio de Carvalho e
tradicionalista, a guerra e o sistema. as pinturas de Ismael Nery.
118 – PRINCIPAIS ARTISTAS DO DADAÍSMO NO MUNDO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Criou o “ready-made”, Rebelde, extravagante, Foi um pintor, fotógrafo e Arp buscou em sua arte a Raoul Hausmann foi o O trabalho de Taeuber-
Os artistas fizeram
rompendo com o pintor e poeta muito cineasta norte-americano, simplicidade e a pureza membro central do Arp orientou-se na busca
experiência com pedaços
cartesianismo e imaginativo, Picabia foi importante figura do das formas. Um dos Dadaísmo e era conhecido da simplificação e da
rasgados de papel
introduzindo objetos da grande comunicador, das dadaísmo em Nova York e, pioneiros da Arte pelos integrantes como o máxima liberdade,
colorido, jogados
vida cotidiana no campo vanguardas que surgiram depois, do surrealismo em Abstrata, Arp já não se "dadósofo", porque traduzindo uma grande
aleatoriamente sobre um
das artes plásticas. no decorrer das primeiras Paris. Foi um dos nomes preocupava com a também realizava escritos riqueza de invenção, seu
fundo de papel,
Embora seja considerado décadas do século XX. mais importantes do expressão plástica do ser teóricos sobre o valor de pesquisa e
enfatizando as leis do
um artista dadaísta, Picabia tinha um movimento da década de e do objeto, mas com a movimento. O Crítico de inovação para a Arte
acaso. A colagem cubista
trabalhou com vários temperamento 1920, responsável por forma pela forma. Arte é uma pintura ácida, Abstrata Geométrica tem
fica evidente na técnica
conceitos artísticos do espontâneo, irônico e inovações artísticas na Destaca-se pelas colagens que traduzia bem o sido cada vez mais
dadaísta da
impressionismo, cubismo gostava de escandalizar o fotografia. de formas geométricas, e movimento ao qual reconhecido. Dissidente
fotomontagem, uma
e expressionismo. público. Em 1909, aliou-se pelos altos-relevos que pertencia. Ele usava quanto ao rigor das
colagem usando
Introduziu aspectos aos cubistas, mas a sua lhe garantiram renome. materiais do cotidiano, relações ortogonais e das
fotografias e palavras. A
intelectuais em suas obras obra também apresenta como fotografias, recortes linhas e quanto ao uso das
obra de Max Ernst era
de arte. características futuristas de jornal e uma tipografia cores primárias, seus
arraigada na fantasia do
entre os anos 10 e 15. No extrema. trabalhos são mais
Gótico Tardio de
entanto, serão o dinâmicos pelo uso de
Grünewald e Bosch.
Dadaísmo e o Surrealismo ortogonais e de cores
que irão exercer maior variadas.
influência em seu
trabalho.
119 – SEGUINDO A RECEITA DE TRISTAN TZARA: COMO SER DADAÍSTA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
O dadaísmo é uma arte de Segundo Tristan Tzara, ao enfatizar a importância da sonoridade das palavras em detrimento de seu significado, para
desordem. Os artistas desse fazer um poema dadaísta é necessário:
movimento não estavam “Pegue um jornal. Pegue a tesoura. Escolha no jornal um artigo do tamanho que você deseja dar a seu poema.
preocupados com a beleza Recorte o artigo. Recorte em seguida com atenção algumas palavras que formam esse artigo e meta-as num saco.
estética de seus trabalhos, Agite suavemente. Tire em seguida cada pedaço um após o outro. Copie conscienciosamente na ordem em que elas
muito menos em conquistar são tiradas do saco. O poema se parecerá com você. E ei-lo um escritor infinitamente original e de uma sensibilidade
a admiração da sociedade graciosa, ainda que incompreendido do público”.
burguesa. Muito pelo
Praticar a arte 1- Construindo um poema dadaísta: Praticar a arte 2 – Ilustrando o poema dadaísta: Depois de
contrário. Os dadaístas
Siga a receita de Tristan e construa seu poema. construído o seu poema, faça um desenho sobre ele. Lembre-se
desejavam chocar os
Transcreva-o no espaço a seguir. de criar um título totalmente diferente do assunto e do desenho.
burgueses, provocando
desconforto e forçando-os a
refletir sobre o verdadeiro
significado da arte.
Com a missão de caminhar em oposição
às regras clássicas, os dadaístas
renegavam as técnicas, formas e
temáticas entendidas como padrão nas
artes daquele período.
Os títulos das obras não faziam
associação com aquilo que era
apresentado, dificultando ainda mais a
análise dos trabalhos dadaístas.
A falta de lógica e a espontaneidade do
Dadaísmo atingiram na literatura sua
expressão máxima, se caracterizado
através do improviso, da desordem e pela
rejeição a qualquer tipo de racionalização
e equilíbrio. Em seu último manifesto,
Tristan Tzara afirma que o grande
segredo da poesia é que "o pensamento
sai da boca". Diante da dificuldade da
compreensão desta afirmação, criou
então uma receita de poema dadaísta
para guiar seus seguidores.
120 – RESUMÃO: O DADAÍSMO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
O Dadaísmo foi o movimento cultural que O Dadaísmo tem como conceito ser um movimento composto É importante destacar que o Dadaísmo não é um estilo de arte
ocorreu depois da Primeira Guerra por arte caprichosa, colorida, espirituosamente sarcástica e, às como o Cubismo, Futurismo e Surrealismo. Além disso, não foi
Mundial na Europa e nos EUA e pregava a vezes, totalmente tola. Quem seguia a linha do Dada era formado apenas por artistas. Confira abaixo os principais nomes:
“antiarte”. O Dadaísmo, ou Dada contra a sociedade e, acima de tudo, contra a arte. Eles  Tristan Tzara (poeta romeno).
(“cavalinho de pau”, em francês), foi um queriam destruí-la a partir de uma postura ilógica. No  Hans Arp (pintor e poeta alemão).
movimento e fenômeno cultural que Dadaísmo, celebrava-se a infantilidade. Não havia preocupação  Hugo Ball (poeta, escritor e filósofo alemão).
ocorreu de 1916 a 1922 em alguns países com a estética visual, mas com a ideia. A falta de sentido era o  Francis Picabia (pintor e poeta francês).
da Europa e nos Estados Unidos (EUA). próprio significado. O Dadaísmo tinha como estilo o “Shock  Marcel Duchamp (pintor e escultor francês).
Diferente de outros estilos artísticos que contemplavam a arte Art”, ou seja, arte para chocar as pessoas. Com esse foco, os  Man Ray (pintor, fotógrafo e cineasta americano).
e a estética pictórica, o Dadaísmo questionava qual era o artistas expressavam-se falando obscenidades, apresentavam  Max Ernst (pintor alemão).
objetivo da arte e o seu valor cultural. Considerado um humor escatológico, faziam trocadilhos visuais, entre outros. O  Kurt Schwitters (artista plástico alemão).
movimento de vanguarda que propunha a antiarte, o objetivo era provocar o público, o qual, por vezes, sentia-se  Hans Richter (artista plástico alemão).
Dadaísmo teve como representantes artistas e intelectuais de revoltado com as formas de antiarte propostas. A intenção dos
 Richard Huelsenbeck (poeta, músico e médico alemão).
diversas nacionalidades, em especial alemães, franceses e dadaístas era causar choque e indignação com as suas
romenos. A forma de expressão dos dadaístas era ilógica, expressões. O Dadaísmo sofreu influências da Abstração e do
destrutiva e, ao mesmo tempo, engraçada e infantil. Expressionismo. Também teve pitadas do Cubismo (técnicas de
Podemos destacar algumas características do movimento
colagem) e, em menor parte, do Futurismo (autopublicidade).
dadaísta, a saber:
O Dadaísmo começou no final da Primeira Guerra Mundial, na
 Rompimento com os modelos tradicionais e clássicos.
Europa, como um movimento literário e artístico. Porém, ao No Dadaísmo, eram usados materiais como  Espírito vanguardista e de protesto.
longo do tempo, tomou outros rumos, seguindo a linha de arte tapeçarias geométricas a vidro, gesso e relevos
de protesto. No pós-guerra, a Europa encontrava-se em um  Espontaneidade, improvisação e irreverência artística;
de madeira. Além disso, são famosas as
momento delicado, haja vista os acontecimentos repletos de  Anarquismo e niilismo (Ponto de vista que considera que as
assemblages (no francês, colagens com
horrores e absurdos que marcaram a guerra. Como forma de crenças e os valores tradicionais são infundados e que não há
materiais) e fotomontagens. Uma das
crítica e contestação às consequências da Primeira Guerra qualquer sentido ou utilidade na existência).
expressões mais famosas do Dadaísmo eram
Mundial, em especial ao que era considerado arte na época,  Busca do caos e desordem.
as fotomontagens. Artistas como Hans Arp,
alguns artistas criaram, assim, a ideologia Dada.  Teor ilógico e irracional.
Raoul Hausmann, George Grosz e Hannah
 Caráter irônico, radical, destrutivo, agressivo e pessimista.
Höch foram alguns dos nomes que adotaram a
técnica, que consistia em recortar fotografias  Aversão à guerra e aos valores burgueses.
A intenção do movimento era criar uma nova  Rejeição ao nacionalismo e ao materialismo.
forma de arte, como se fosse uma criança de jornais e revistas para criar colagens
absurdas e satíricas. Esses artistas colocavam  Crítica ao consumismo e ao capitalismo.
desenvolvendo as suas primeiras falas. Tendo
isso em vista, a palavra Dada também é uma recortes de palavras dentro de um saco,
referência ao primeiro balbucio de um bebê. A balançavam-no e tiravam-nas uma a uma. Em
palavra “Dada” tinha outros significados. Veja seguida, escreviam frases aleatórias. Uma das
alguns: principais obras do Dadaísmo chama-se “A
Fonte”, criada em 1917 por Marcel Duchamp.
 Francês: “cavalo de pau”. A obra é um mictório, sem encanamento, de
 Alemão: “não me chateies”; “faz favor”; porcelana branca. Outra obra famosa de
“adeus”; “até a próxima”. Duchamp foi uma cópia da Mona Lisa – mais
 Romeno: “certamente”; “claro”; “tem toda famosa pintura do italiano Leonardo da Vinci –
razão”; “assim é”; “sim senhor”; com um bigode.
“realmente”; “já tratamos disso”.
121 – INTERVENÇÃO DADAÍSTA NA “MONALISA”, DE LEONARDO DA VINCI. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Nas primeiras décadas do séc. XX, Marcel Praticar a arte 1: Seguindo os questionamentos de Duchamp e suas críticas à arte, realize
Duchamp (francês, 1887-1968) propunha outra intervenções na sua Monalisa através de desenhos como bigode, barba, acessórios etc. Pense em
forma de comportamento artístico, buscando um assunto que seja polêmico e represente-o em sua obra dadaísta. Não se esqueça de
algo diferente dos principais movimentos da preencher a ficha técnica da sua obra com um título especial.
época. Vindo de família burguesa, viveu o Praticar a arte 2: Crie a poética da sua
período entre guerras e mudou-se para os intervenção através de um parágrafo
Estados Unidos no início da primeira guerra. que explique o assunto pensado e a
O conjunto de sua obra provocou uma reviravolta no relação com os desenhos feitos.
pensamento da arte, tornando-se forte referência para os
artistas do século. De seus atos (e não-atos) artísticos, derivaram
inúmeras possibilidades para a reflexão das artes tradicionais,
principalmente da pintura, ofício que estudou na França.
Como em uma brincadeira de criança, Duchamp dessacraliza o
maior ícone do Renascimento, a Mona Lisa (1503-1506) de
Leonardo da Vinci, exposta no Museu do Louvre. Em 1919,
desenha bigode e cavanhaque sobre um cartão postal da
Gioconda, comprado na loja de presentes do museu. Intitula sua
obra L.H.O.O.Q., que se lê foneticamente em francês: "elle a
chaud au cul" ["ela tem as nádegas quentes"]. Criticando a
supervalorização das reproduções de arte, não se contenta com
apenas uma risada. Ao retirar os pêlos da Mona Lisa em 1965 e
apresentá-la sob o título “L.H.O.O.Q., rassée” [depilada], o
artista brinca novamente.
122 – O SURREALISMO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
O movimento Surrealista surgiu em No âmbito da arte, o pintor Surrealismo no Brasil: No Brasil, as noções surrealistas
Paris em 1924, frutos dos ideais de catalão Salvador Dalí é um começaram a surgir entre 1920 e 1930, através de
um grupo de escritores e artistas dos nomes mais conhecidos elementos do Movimento Modernista do Brasil. Alguns
que, liderados por André Breton, do surrealismo. Na primeira dos artistas brasileiros surrealistas (ou com tendências
valorizavam as pesquisas científicas, fase do movimento, foram surrealistas) mais conhecidos são: Tarsila do Amaral,
sobretudo a psicanálise. Esse grupo seguidas noções do Maria Martins, Cícero Dias, Ismael Nery, etc.
de artistas, que ficou conhecido dadaísmo como os pré-
como a vanguarda europeia do julgamentos, que criaram
início do século XX, baseava-se objetos fora do contexto, ou O movimento artístico que aqui vamos abordar
principalmente nos estudos de objetos surrealistas. denomina-se Surrealismo. Este movimento possui
Freud e explorava o inconsciente e Muitos artistas usavam meios algumas características obrigatórias para um quadro
os sonhos nas expressões artísticas. técnicos tradicionais da pintura, poder pertencer a tal movimento, tais características
Dessa maneira, as obras são seguiam nenhum e representavam mitos, fábulas são:
padrão estético e não se prendiam à moral, à lógica e sonhos, que seguiam as  Pintura com elementos surreais.
e à razão. Elas muitas vezes parecem sem sentido, normas surrealistas criadas em  Formas baseadas na fantasia (sonhos, inconsciente).
mas na realidade representam os pensamentos mais 1924 por Breton. Algumas  Busca da perfeição do desenho e das cores, dentro
íntimos e verdadeiros do homem. dessas normas eram, a da dimensão do imaginário.
exaltação dos processos  Impressão espacial, possuindo ilusões óticas.
Os artistas ligados a esse movimento rejeitavam os
oníricos e da imaginação, assim  Dissociação entre imagens e legendas, conjugadas
valores e os padrões impostos pela sociedade
como demonstrações da paixão para construção de cenas de sonho ou de ironia.
burguesa, seguindo a exploração dadaísta de tudo o
que fosse subversivo na arte. Fortemente erótica e do humor corrosivo,
influenciados pelas teorias psicanalíticas de Sigmund que eram manifestações
Freud, os surrealistas seguiram alguns métodos para opostas à cultura tradicional
impedir o controle do consciente na ação artística, burguesa e aos valores morais
desprendendo o inconsciente. definidos na sociedade.
A Galerie Surrealiste (Galeria Surrealista) foi fundada
Como parte do seu processo artístico, os artistas por um grupo em 1926 e a partir de 1930 o
desse movimento também exploravam o imaginário surrealismo começou a se propagar para além de
dos sonhos como um atributo inquietante e bizarro França. Algumas exposições importantes foram
da vida diária, chegando pedir que pessoas comuns organizadas na Dinamarca, Checoslováquia,
descrevessem suas experiências oníricas como uma Canárias, Londres, Nova Iorque e também em Paris
forma de montarem arquivos para suas produções. (1938), onde foram reveladas obras de artistas de
Assim os surrealistas concebiam o inconsciente 22 países. Neste período novos membros se
como um meio de imaginação, as formas e imagens juntaram ao movimento, entre eles Salvador Dali e
não poderiam prover da razão, mas de impulsos e Giacometti.
sentimentos irracionais e surreais.
123 – CONHECENDO O ARTISTA: ANDRÉ BRETON E O SURREALISMO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Nas frases de André Breton Praticar a arte: Lendo e refletindo sobre as ideias de André Breton em suas famosas frases, crie uma
encontramos poesia, rebeldia e composição surrealista para ilustrar uma delas. Você pode utilizar imagens recortadas de jornais e revistas ou
profundidade. Suas afirmações da internet. Incremente sua obra com desenhos à mão livre e com as cores que desejar. Preencha a ficha
foram uma provocação contra um técnica da sua obra.
sistema que busca converter o ser FRASE I: Riqueza, uma questão paradoxal para André Breton:
humano em uma peça dentro de “O que é a riqueza? Nada, se não se gasta; nada, se mal gasta”.
Esta é uma das frases mais engenhosas de André Breton sobre os
um mecanismo pré-projetado. Há paradoxos da cultura. Mostra a desprezível realidade que existe
muitas frases de André Breton, o em torno do conceito de riqueza material. Além disso, denuncia
famoso pai do surrealismo no de certa forma, o profundo vazio que envolve esse conceito. De
mundo, que entraram para a fato, a riqueza é uma realidade transitória que, de uma maneira
história. ou de outra, está sempre cercada pelo nada. Como disse Breton,
se não se gasta, é o mesmo que não ter nada. E, se for
Esse médico ficou marcado por seus poemas, desperdiçada, também se torna algo trivial e extinto.
ensaios, romances e, é claro, por suas contribuições
teóricas ao surrealismo. FRASE II: Os loucos e a imaginação: “Os loucos são, em certa
São várias as frases de André Breton citadas e medida, vítimas de sua imaginação, no sentido que esta os induz
a quebrar certas regras, regras cuja transgressão define a
repetidas até hoje como símbolo de uma época e de qualidade de louco”.
uma postura intelectual. Os “manifestos
surrealistas” serviram de farol para toda uma Nesta frase, André Breton associa três conceitos: loucura,
geração, que viu neles uma nova maneira de imaginação e transgressão. O ponto de referência são as regras.
encarar o mundo. Estas são, portanto, as que servem de ponto de partida para
definir o que é loucura e o que não é. Quem quebra
determinadas regras é qualificado como “louco”, mas quem diz
que os que seguem as regras não podem ser qualificados assim
também? Esta é uma das frases de André Breton que mostra
essa dialética entre o chamado “razoável”, porque está
estabelecido, e o “irracional”, porque se afasta do preceituado.
FRASE III: Isso é o surrealismo: “O homem que não consegue

visualizar um cavalo galopando sobre um tomate é um idiota”.
A frase, obviamente, é uma metáfora do mais profundo espírito
O pensamento desse extraordinário artista francês
surrealista. Uma declaração contundente a favor da imaginação,
era uma mistura de psicanálise, marxismo e acima da razão e dos sentidos. Esta função de ir além daquilo
anarquia. Toda essa combinação, como resultado, que é material que também é exclusiva dos seres humanos. No
deu origem a um artista único, exaltado por grandes mundo simbólico torna-se possível o que no mundo material é
homens de sua época, como Octavio Paz e Salvador impossível. E o ser humano, com o sonho e os devaneios, pode
Dalí. Essas são, portanto, algumas das frases mais acessar essas impossibilidades que, no entanto, dão sentido
completo a muitas realidades que, de outra forma, seriam
lembradas de André Breton. insípidas ou absurdas.
124 – OS PRINCIPAIS ARTISTAS SURREAIS. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Salvador Dali nasceu em 1904 na Joan Miró foi um escultor, pintor, Max Ernst foi um pintor e poeta René Magritte nasceu na Bélgica no Nascida no México em 1907,
região da Catalunha, Espanha e é o gravurista e ceramista surrealista alemão que se naturalizou norte- ano de 1898. Trabalhou como começou na arte meio que por acaso.
símbolo máximo da pintura nascido em 1893 na Catalunha, assim americano e depois francês. Foi viver designer de cartazes e anúncios até Filha de imigrantes alemães, seu pai
surrealista mundial. Seu estilo como Dalí. Viveu por um tempo em na França em 1922, onde conheceu que em 1926, assinou um contrato pintava por hobbie, quando ela
alternativo de se vestir e aparecer em Paris, onde teve contato com André Breton e ingressou no com a Galerie la Centaure, em sofreu um acidente que a aproximou
público sempre chamou a atenção, tendências modernistas como movimento surrealista. Breton dizia Bruxelas e fez da pintura sua principal da pintura. Viveu uma vida sofrida
vindo a fazer dele um ícone pop da fauvismo e dadaísmo. Na década de que Ernst era o “mais magnífico atividade. Mudou-se para Paris em por conta de problemas de saúde e
arte moderna. Dalí produziu mais de 1920, conheceu vários artistas cérebro assombrado” do mundo das 1927, onde começou a participar das familiares. Quando André Breton
1500 quadros ao longo da sua surrealistas como o próprio fundador artes, pois ele dominava como atividades do grupo surrealista, qualificou sua obra de surrealista em
carreira, além de ilustrações para do movimento André Breton. Passou poucos o conceito do Surrealismo. tornando-se um dos mais expressivos um ensaio que escreveu para uma
livros, litografias, materiais para o a adotar uma estética mais lúdica, Ernst fugiu para os Estados Unidos nomes do movimento. Magritte veio exposição de Frida em Nova Iorque,
teatro, desenhos, esculturas e outros cujos símbolos remetiam a fantasias. durante a segunda guerra e só voltou a falecer em 1967 por conta de um ela mesma declarou mais tarde:
projetos. Faleceu recentemente, em Miró participou da primeira à França em 1948, naturalizando-se câncer. “Pensavam que eu era uma
1989, aos 84 anos de idade. exposição surrealista, em 1925. Veio francês. Morreu em 1976 na França. surrealista, mas eu não era. Nunca
a falecer em 1983. pintei sonhos. Pintava a minha
própria realidade”. Frida faleceu em
julho de 1954, aos 4 anos.
125 – ANDRE MASSON E O DESENHO AUTOMÁTICO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Esse importante artista surrealista, dedicou toda a sua vida à arte. Marcado por esta triste experiência, desenvolveu uma profunda curiosidade
quanto à natureza e ao destino do homem, aliada à crença obscura na unidade simbólica de todas as coisas. Começou a produzir sob influências
cubistas, mas a partir de 1924 e até o final da década, participou do Surrealismo. Nessa época, começou a desenvolver seus primeiros desenhos
automáticos, isto é aqueles cujas linhas seguem o fluxo da consciência, quadros de areia, esculturas, colagens. Por outro lado sua pintura
automática tem analogia com a Action Painting americana, gerada por Jackson Pollock. Sua obra dessa fase é inspirada na vida vegetal e animal e
estreitamente cores, linhas e formas. Masson trabalha com cores intensas, que considera mais apropriada no desenvolvimento da temática das
metamorfoses. Poeta trágico do imaginário compõe um universo com cenários dramáticos, povoando-os de seres míticos. Constrói retratos
imaginários, paisagens, alusões simbólicas à origem e à manifestação da vida, registrando o universo em (r) evolução. Sua obra reflete um olhar
surreal sobre um mundo atribulado.
Praticar a arte: A partir dos acontecimentos atuais apresentados nas imagens a seguir crie um desenho a partir do seu consciente. Escolha um d eles e reflita sobre
o que ele mostra. Em seu desenho automático, expresse sua atitude diante desse assunto. Nessa atividade você irá construir uma opinião visual a partir das
informações que você tem sobre a imagem escolhida. Use diferentes linhas, formas, texturas e cores. Preencha a ficha técnica da sua obra com um título bem
criativo e que tenha algo a dizer tanto sobre o assunto quanto sua obra. Inspire-se nas obras de André Masson para escolher as cores e os contornos.
126 – EXERCÍCIO PRÁTICO A PARTIR DA POÉTICA DE PAUL KLEE. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Dicas de Paul Klee para quem quer se tornar um artista visual: Pintor deixou registrado, nas notas de suas aulas, um passo a passo para a expressão artística.
“Le e a lin a para passear”: Uma linha ativa sai a passeio, movendo-se “ bser e aq rio”: Klee “Desen e o siste a circ lat rio”: “Co pare o peso das cores”: Conhecer a
livremente, sem objetivo. Os diagramas de vários tipos de linha incentivava a observação do Já foi dito que Paul Klee era um roda das cores - que posiciona cada cor do
demonstram de que forma um ponto se torna uma linha e como uma linha movimento do peixe no aquário e estudioso da natureza. Ele se lado oposto de sua complementar - é
se torna um plano, tencionando, segundo o artista, ensinar os alunos a pregava que todo trabalho interessava pelas formas de plantas, indispensável para realizar combinações
desenhar pelo mesmo método com que foram alfabetizados. Combinam-se artístico, inclusive os abstratos, por sistemas orgânicos, pelas cores adequadas, pelos ensinamentos de Klee.
letras para formar palavras e a partir daí escrever bem; Klee acreditava que deveria se inspirar na natureza, e linhas da natureza. O movimento Mas o uso da cor e a compreensão do
o domínio das unidades básicas do desenho, nesse caso pontos, linhas e algo que à primeira vista poderia do sangue pelo corpo humano era “peso” de cada cor também podiam ser
planos era fundamental para os trabalhos de arte e design de seus alunos, parecer estar mais associado à um dos exercícios propostos por aprendidos, segundo ele, pelos exemplos
antes de aprenderem a inserir cores na composição. arte figurativa. Klee. dados pela natureza.
Praticar a arte – Fazendo a linha passear: Cada um de nós tem um ponto de vista único. O que pode ser interessante para você pode não ser para outros. Escolha a informação que lhe seja
essencial para você registrar seu passeio. Sua mão e seus olhos trabalharão em conjunto para desenvolver sua concentração.
127 – RESUMÃO: O SURREALISMO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
O surrealismo foi uma das vanguardas artísticas europeias que De forma simplificada, podemos listar as seguintes O surrealismo teve alguns nomes de destaque, entre eles:
surgiu em Paris no início do século XX. Esse movimento características dessa vertente artística:
 Max Ernst.
originou-se em reação ao racionalismo e ao materialismo da  Pensamento livre.
sociedade ocidental. A arte surrealista não se restringiu às  Joan Miró.
 Expressividade espontânea.
artes plásticas, de modo que também influenciou outras  René Magritte.
 Influência das teorias da psicanálise.
manifestações artísticas: a escultura, a literatura, o teatro e o  Salvador Dalí.
 Criação de uma "realidade paralela".
cinema.
 Criação de cenas irreais.
 Valorização do inconsciente.
O surrealismo propõe a valorização da No Brasil, o Surrealismo exerceu considerável influência sobre o
fantasia, da loucura e a utilização da reação movimento Modernista. O escritor Oswald de Andrade foi um dos
automática. Nessa perspectiva, o artista deve maiores expoentes. Em seu Manifesto Antropófago, no romance
deixar-se levar pelo impulso, registrando tudo Serafim Ponte Grande e nas peças “O Homem e o Cavalo e a
o que lhe vier à mente, sem se preocupar com Morta”, podemos notar elementos que se relacionam com as
a lógica. Os artistas surrealistas tinham como técnicas de criação surrealista. Além da literatura, essa vertente
objetivo usar o potencial do subconsciente e artística exerceu influência também nos artistas plásticos: Tarsila
dos sonhos como fonte para a criação de do Amaral, Ismael Nery e Cícero Dias.
imagens fantásticas. Assim, as artes plásticas e
a literatura eram vistas como um meio de
expressar a fusão dos sonhos e da realidade
Na Europa, o período entre as duas guerras (1918-1939) ficou em um tipo de realidade absoluta, uma
conhecido como "os anos loucos". Assim, a incerteza sobre a "surrealidade". Na mesma época, o estudo da
predominância da paz levou ao desejo de "viver apenas o psicanálise estava em desenvolvimento -
presente". Foi nesse período de insatisfação, desequilíbrio e sobretudo por Sigmund Freud - o que veio a
contradições, que surgiram diversos movimentos artísticos influenciar significativamente o surrealismo.
voltados para uma nova interpretação e expressão da
realidade. Esses movimentos ficaram conhecidos como
"vanguardas europeias". O Surrealismo foi uma dessas Na pintura, o Surrealismo tomou duas
correntes e teve como precedente indispensável o Dadaísmo e direções: a pintura surrealista figurativa
a pintura metafísica de Giorgio de Chirico (1888-1978). André e a abstrata. Em ambas, adaptou as
Breton (1896-1966), escritor francês e ex-participante do técnicas de escrita automática dos
Dadaísmo, rompeu com o líder do movimento dadaísta Tristan poetas surrealistas. O intuito era liberar
Tzara. Com isso, lançou em Paris, em 1924, o Manifesto a mente do controle consciente e
Surrealista, que trouxe para o mundo um novo modo de produzir um fluxo de ideias do
encarar a arte. Segundo ele, o termo consiste em: subconsciente. Essas obras eram
abstratas ou figurativas. Em outra
“SURREALISMO: Automatismo psíquico em estado puro, perspectiva, o surrealismo baseou-se
mediante o qual se propõe exprimir, verbalmente, por escrito, em reconstruções elaboradas e
ou por qualquer outro meio, o funcionamento do meticulosas de um mundo de sonho,
pensamento. Ditado do pensamento, suspenso qualquer onde objetos eram colocados em uma
controle exercido pela razão, alheio a qualquer preocupação justaposição inesperada.
estética ou moral”.
128 – AS TÉCNICAS ARTÍSTICAS DO SURREALISMO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
O manifesto que Breton Na arte, frottage (do francês Basicamente pode ser Cadáver esquisito é um jogo Outro processo de construção
escreveu foi inspirado no livro "frotter", em português resumida como uma técnica na coletivo surrealista inventado artística alternativa era o objet
de Freud, "A Interpretação dos "friccionar") é um método qual uma quantidade de tinta por volta de 1925 na França. trouvé (objeto encontrado)
Sonhos", onde se explora a surrealista e "automático" de era atirada contra uma tela ou No início do século XX, o inventado por Marcel
ideia de que a mente humana produção criativa desenvolvida movimento surrealista francês
papel que depois era dobrado Duchamp (1887-968) que foi
possui um nível escondido, o por Max Ernst. No frottage o inaugurou o método cadavre
ao meio. Desse processo um pintor, escultor e poeta
inconsciente, assim chamado artista utiliza um lápis ou outra exquis, que subvertia o
por a maior parte do tempo ferramenta de desenho e faz resultava um padrão de tinta discurso literário convencional. francês, e um dos principais
não termos noção da sua uma "fricção" sobre uma que depois os artistas usavam O cadavre exquis era um nomes do Dadaísmo. De uma
existência. Assim, o superfície texturizada. para criar a obra. Arte de processo criativo baseado em forma simplificada, objet
Surrealismo desejava reproduzir certos quadros, um jogo, no qual diferentes trouvé significava a utilização
ultrapassar essa limitação do calcando com a mão contra um artistas criavam desenhos ou de objetos cotidianos e criados
consciente, permitindo que o poemas em conjunto. Para isso
papel, porcelana, madeira, etc., para um propósito específico,
subconsciente se expressasse a obra ia passando de uns para
através da arte. Dessa forma o pequenos desenhos ou figuras outros, e cada artista ia que seriam retirados do seu
automatismo tornou-se uma já estampados noutro papel. acrescentado um pedaço novo ambiente e propósito, sendo-
das características do até alcançarem o resultado lhes dado um novo.
Surrealismo, sendo este a final.
defesa da expressão artística
sem as limitações ou o controle
da razão. Para alcançar esse
objetivo, os artistas fizeram
inclusive criações artísticas em
transe e hipnose.
129 – EXPERIMENTAÇÃO PRÁTICA: O AUTOMATISMO SURREALISTA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
O Automatismo, também Praticar a arte – Construindo

chamado de desenho uma obra de arte a partir do
automático foi desenvolvido inconsciente consciente: Siga
pelos surrealistas, como um as orientações a seguir:
meio de expressar o
subconsciente. No desenho
automático, a mão pode se
mover “aleatoriamente” pelo
papel. Ao aplicar o acaso e o
acidente à marcação, o
desenho é em grande parte
liberado do controle racional.
Portanto, o desenho produzido
pode ser atribuído em parte ao
subconsciente e pode revelar Orientações:
1. Ponha a música preparada
algo da mente, que de outra anteriormente para tocar em um
forma seria reprimida. volume agradável. Os sons e
Exemplos de desenho efeitos podem conduzir o seu
automático foram produzidos pensamento.
por médiuns e praticantes das 2. Deixe os seus materiais
preparados para você começar a
artes psíquicas. Alguns desenhar conforme ouve a
espiritualistas pensavam que música/som.
era um controle espiritual que 3. Vende os olhos para você realizar
estava produzindo o desenho sua obra. Pense no que a
enquanto controlava música/sons te transmite ou te
faz pensar. Ouça profundamente
fisicamente o corpo do e em completo silêncio.
médium. Até mesmo a 4. Se preferir não fechar os olhos,
colagem poderia ser procure um local reservado ou,
considerada um meio de se possível, use fones de ouvidos.
expressão mais automático do 5. Seu desenho automático fluirá
de acordo com suas sensações
que o próprio surrealismo; ao ouvir os sons. Desenhe com
sendo como o design, uma calma. Se preferir, abra os olhos
coleção de imagens ou de vez em quando para você se
fotografias transformadas em orientar no que está fazendo.
um trabalho gráfico mais Aplique as cores que desejar.
Preencha a ficha técnica.
complexo.
130 – EXPERIMENTAÇÃO PRÁTICA: FROTTAGE SURREALISTA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Nas artes plásticas, o termo “Frottage” de Praticar a arte – Construindo uma composição texturizada: Siga o passo a passo para você realizar
origem francesa, (do francês “frotter”, ou uma composição artística aplicando a técnica de frottage.
seja, esfregar) é uma técnica artística que
consiste em esfregar um lápis ou tinta
sobre um objeto através de um papel com
o fim de obter sua textura e a sua forma.
Consiste na técnica utilizada para a criação
de texturas numa superfície de papel,
apoiando-a uma base rugosa e
esfregando-a com um lápis macio.
Frottage é a técnica de copiar a textura e
forma de um objeto, colocando uma folha
de papel em cima e esfregando com um
lápis, um pastel ou outro objeto de
desenho similar. Foi um método explorado
pelos surrealistas onde o artista utiliza um
lápis ou outra ferramenta de desenho e
faz uma “fricção” sobre uma superfície
texturizada. O desenho pode ser deixado
como está, ou pode ser utilizado como
base para desenvolver outra criatividade.
Embora superficialmente similar à fricção
em latão e a outras formas de “esfregar”,
visando reproduzir um objeto já existente,
a técnica do frottage difere por ser
aleatória. Ela foi desenvolvida pelo artista
Max Ernst, pintor alemão, naturalizado
norte-americano e depois francês,
pertencente ao movimento surrealista.
Depois de Ernst, inspirado por um piso de Você também pode
madeira antiga, onde o grão das pranchas experimentar criar
tinha sido acentuado por muitos anos de outras frottagens
esfregar, tem a ideia de colocar uma folha utilizando diferentes
(papel) no chão de madeira de seu ateliê e materiais, como
copiar a sua textura, desenvolvendo moedas, rendas,
assim, a técnica de frottage. botões etc.
131 – EXPERIMENTAÇÃO PRÁTICA: DECALCOMANIA SURREALISTA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
A decalcomania, que Praticar a arte 1 – Experimentando a plasticidade da tinta através da decalcomania: Recorte o espaço a seguir para você ter um
basicamente pode cartão de papel. Dobre-o ao meio e, na linha formada pela dobradura, deposite um pouco de tinta preta. Ponha uma quantidade
ser resumida como pequena e em lugares estratégicos. Dobre novamente o cartão e pressione levemente para que a tinta se espalhe. Abra o cartão
uma técnica na qual e veja a forma que você criou.
uma quantidade de
tinta era atirada
contra uma tela ou
papel que depois era
dobrado ao meio.
Desse processo
resultava um padrão
de tinta que depois
os artistas usavam
para criar a obra.
Decalcomania é um
processo de
espalhar tinta
espessa sobre uma
tela, em seguida,
enquanto ainda está
molhado, cobrindo-o
com mais material,
como papel ou papel
alumínio. Esta
cobertura é então
removida
(novamente antes
da tinta secar), e o
padrão resultante da
pintura torna-se a
base da pintura
acabada. A técnica
foi muito utilizada Praticar a arte 2: Observando atentamente a forma criada através da técnica de decalcomania surrealista, tente enxergar alguma
por artistas como figura. A forma se parece com algo? Diante da sua resposta faça intervenções com desenhos para que sua forma se aproxime ao
Max Ernst. máximo daquilo que você interpretou. Aplique as cores que desejar. Você também pode acrescentar colagens de figuras e outros
elementos decorativos.
132 – EXPERIMENTAÇÃO PRÁTICA: CADAVRE EXQUIS SURREALISTA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
De entre os vários jogos Praticar a arte – Desenhando o cadavre exquis: Recorte o cartão a seguir. Dobre-o em três partes conforme
desenvolvidos no âmbito do indicado pelas linhas pontilhadas. Você desenvolverá essa atividade em dupla
surrealismo, o jogo do Orientações:
Cadavre exquis foi um dos
mais populares e 1ª Parte – Desenhando a cabeça:
amplamente praticados na primeira parte da dobradura
pelos surrealistas você desenhará a cabeça da sua
portugueses. O método do personagem. Pode ser a cabeça de
Cadavre exquis na sua algum animal, de um ser humano
vertente gráfica e visual ou qualquer objeto.
consistia em criar num
qualquer suporte, 2ª Parte – Desenhando o corpo:
geralmente papel, um Dobre o seu desenho para trás para
desenho coletivo. O que seu colega não veja a cabeça
desenho era dobrado em desenhada. Passe o cartão para o
tantas partes quantos os colega. Ele desenhará o corpo do
participantes que, sem personagem e você, pegará o
verem o que o outro cartão do seu colega para fazer o
desenhou, apenas pegando mesmo, sem ver a cabeça que ele
desenhou.
nalgumas linhas e formas
que chegavam ao limite da
dobra, tinham de lhes dar 3ª Parte – Desenhando os pés:
continuidade e realizar no Agora, dobre a parte do corpo.
espaço que lhe foi atribuído Vocês trocaram de cartão
um desenho apenas novamente. Desenhe agora, sem
atendendo ao repertório ver o que já foi feito, os pés do
cadavre exquis. Acrescente o
imagético e onírico que se
máximo de detalhes que conseguir.
apresentasse. O resultado,
fruto do acaso na
construção deste discurso 4ª Parte – Revelando o cadavre
ou poema visual, afirmava- exquis: Abra o cartão e veja o
se como um ato de resultado. Diante dele, você pode
acrescentar detalhes para tornar
liberdade que procurava
sua obra mais caprichada. Invente
eliminar o controle exercido um título para ela e aplique cores
pela razão. que desejar.
133 – EXPERIMENTAÇÃO PRÁTICA: OBJET TROUVÉ SURREALISTA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
O Objet Trouvé ou Ready- Praticar a arte – Criando um Objet Trouvé: Observe os variados objetos apresentados a seguir. Você conhece o
Made é o termo é criado nome de cada um deles. Escolha dois ou mais objetos de sua preferência e, através do desenho, una-os em um
por Marcel Duchamp (1887- só objeto. Você criará um objeto surrealista e dará um novo nome para ele. No Espaço ao lado, escreva uma
1968) para designar um tipo pequena sinopse sobre o novo objeto criado; para que serve e qual função especial ele possui.
de objeto, por ele
inventado, que consiste em
um ou mais artigos de uso
cotidiano, produzidos em
massa, selecionados sem
critérios estéticos e
expostos como obras de
arte em espaços
especializados (museus e
galerias). Seu primeiro
ready-made, de 1912, é
uma roda de bicicleta
montada sobre um
banquinho (“Roda de
Bicicleta”). Duchamp chama
esses ready-mades
compostos de mais de um
objeto de ready-mades
retificados. Posteriormente,
expõe um escorredor de
garrafas e, em seguida, um
urinol invertido, assinado
por “R. Mutt”, a que dá o
título de “Fonte”, 1917.
Outro de seus célebres
ready-mades retificados é
aquele em que toma uma
reprodução da Mona Lisa,
de Leonardo da Vinci (1452-
1519), e acrescenta à
imagem um bigode, um
cavanhaque e letras.
134 – A OP ART: ÓPTCAL ART. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
O termo “Op Art” é uma Não só os pintores da Op Art Na Op Art, as cores têm a finalidade de passar ilusões
abreviação da palavra inglesa procuraram causar através de ópticas ao observador. Visando atingir o dinamismo, os
“optical art”, que significa “arte suas obras sensação de artistas usam tons vibrantes e círculos concêntricos,
óptica”. O iniciador desse tipo de movimento. Os escultores dando a ideia de movimento e interação entre os
arte abstrata foi o pintor húngaro modernos também tinham esse objetos e o fundo. São utilizadas cores que provocam
Victor Vasarely (1908-1997). A Op objetivo. Dessa forma, criaram grandes contrastes, além de diferentes níveis de
Art explora determinados esculturas movimentadas por iluminação, explorando a criação de formas virtuais e
fenômenos ópticos com a motores, pela mão e, efeitos ópticos. Após ter ganhado significativo
finalidade de criar obras que posteriormente, por correntes destaque nos anos 60, a Op Art quase caiu no
pareçam vibrar ou cintilar; as de ar. Um dos artistas a esquecimento. Um dos motivos para isso talvez seja o
figuras geométricas são colocadas produzir esse tipo de arte, fato dela não despertar sentimentos nas pessoas,
na tela de forma que, se o denominada “Arte Cinética”, foi estando mais próxima da ciência do que do homem.
observador mudar de posição, o escultor e pintor americano Ilusão de ótica é quando o seu
terá a impressão de que a obra se Alexander Calder (1898-1976). olho consegue ver imagens
modificou. Em 1932 Calde expôs algumas diferentes em uma mesma obra,
Ao observarmos os quadros a seguir, percebemos de suas obras que consistiam dependendo do ângulo. Você,
uma diferença entre a colocação das figuras no em peças planas de metal com certeza, deve estar
abstracionismo geométrico e na Op Art. No primeiro suspensas por um fio e que se lembrando as obras de ilusão de
elas apresentam um equilíbrio estático, enquanto moviam pelas correntes de ar ótica mais conhecidas que deve
no segundo as figuras são colocadas de maneira a devido à sua estrutura. Marcel ter visto no decorrer da sua
causar no observador uma sensação de movimento. Duchamp, ao ver essas vida. Elas são muito comuns. A
esculturas, batizou-as como o Op Art usa essa estratégia para
nome de “móbiles”. Hans Arp criar movimento nas obras. São
deu o nome de “Estábiles”. muito comuns grafismos e
estampas que parecem mudar
de posição conforme a troca de
ângulo.
A Op Art se desenvolveu grandemente na década de

60. Na Grã-Bretanha, sua maior representante é a
pintora e designer Bridget Riley. No Brasil, o pintor e
arquiteto Maurício Nogueira Lima foi um dos
artistas que mais se destacaram nesse movimento.
135 – OS PRINCIPAIS ARTISTAS DA OP-ART. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Artista húngaro Conhecido por Sandy Principal Artista venezuelano Conhecido como Ad Pintor estadunidense Pintor britânico É uma pintora inglesa,
considerado o “Pai da Calder, o artista representante da Op famoso pelos seus Reinhardt, foi um destacou-se com suas explorou a arte considerada um dos
Op Art”. Foi estadunidense é Art e da Arte Concreta “penetráveis”, obra artista estadunidense obras abstratas com cinética, a Op Art, o maiores expoentes da
influenciado pela arte famoso pelos no Brasil produziu destinadas a que se aproximou do vibrações óticas unidas minimalismo e a arte Op Art. Estudou na
cinética, construtivista “móbiles”, objetos esculturas e pinturas penetração do público movimento do ao estilo denominado geométrica abstrata. Golsmith´s school of
e abstrata bem como compostos pela das quais se destacam: como forma de expressionismo “Color Field”, Das obras da Op Art art em Londres, em
ao movimento de associação de formas “Estruturação com interagir com o abstrato, da arte intimamente ligado ao destacam-se os 1952 a 1955. Sua
Bauhaus, donde geométricas Elementos Iguais”, produto artístico; conceitual e expressionismo “Estudos para pinturas primeira exposição
destaca-se sua obra (sobretudo (1953) e “Concreção” destacam-se minimalista. Muito abstrato. de Op de preto e individual foi em 1962
“Zebra” (1938). retangulares) ao 7553”, (1975). “Estrutura cinética” famoso por suas branco” (1963-1972). na Gallery One.
movimento do ar. Suas (1957), “Volume pinturas “negras” na
obras mais suspendido” (1967) e década de 60.
representativas são: “Paralelas vibrantes”
“Sem título” (1931), (1969).
“Cone de Ébano”
(1933) e A “Espiral”
(1958).
136 – RESUMÃO: OP ART. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
As principais características da Op Art são: Principais Artistas e Obras:

Os principais representantes do movimento da Op Art foram:
Op Art é um movimento artístico  Explorar a falibilidade do olho pelo uso de ilusões de óticas.
também chamado de Arte Óptica,  Victor Vasarely (1908-1997): artista húngaro
ou “optical art” em inglês. Suas  Defender para arte “menos expressão e mais visualização”. considerado o “Pai da Op Art”. Foi influenciado pela
obras são baseadas em ilusões de arte cinética, construtivista e abstrata bem como ao
 Quando as obras são observadas, dão a impressão de
ótica, um recurso visual que movimento de Bauhaus, donde se destaca sua obra
movimento, clarões ou vibração, ou por vezes parecem
confunde a visão humana, fazendo “Zebra” (1938).
inchar ou deformar-se.
ver formas diferentes dependendo  Alexander Calder (1898-1976): Conhecido por
do ângulo em que se vê a imagem  Oposição de estruturas idênticas que interagem umas com as Sandy Calder, o artista estadunidense é famoso
em questão. A Op Art usa da ilusão outras, produzindo o efeito ótico. pelos “mobiles”, objetos compostos pela associação
de óptica para criar movimento nas de formas geométricas (sobretudo retangulares) ao
obras, com grafismos e estampas  Observador participante. movimento do ar. Suas obras mais representativas
que variam conforme os olhos são: Sem título (1931), Cone de Ébano (1933) e A
 Busca nos efeitos ópticos sua constante alteração.
humanos percorrem a figura. Espiral (1958).
A origem do nome Op Art vem de  As cores têm a finalidade de passar ilusões ópticas ao  Luiz Sacilotto (1924-2003): principal representante
1964, em uma publicação da observador. da Op Arte e da arte concreta no Brasil, produziu
Revista Time. Depois houve a esculturas e pinturas das quais se destacam:
Ainda que traga rigor na sua construção, simboliza um mundo Estruturação com Elementos Iguais (1953) e
primeira exibição oficial do
precário e instável, que se modifica a cada instante. Apesar de Concreção 7553 (1975)
movimento Op Art que foi em
ter ganhado força na metade da década de 1950, a Op Art  Adolph Frederick Reinhardt (1913-1967):
Nova York, em 1965, no MOMA, o
passou por um desenvolvimento relativamente lento. Ela não conhecido com Ad Reinhardt, foi um artista
Museu de Arte Moderna, e
tem o ímpeto atual e o apelo emocional da Pop Art, pois é estadunidense que se aproximou do movimento do
chamava The Responsive Eye.
excessivamente cerebral e sistemática, mais próxima das expressionismo abstrato, da arte conceitual e
A Op Art tinha como fundamento a ciências do que das humanidades. Por outro lado, suas minimalista. Muito famoso por suas pinturas
frase "menos expressão e mais possibilidades parecem ser tão ilimitadas quanto às da ciência "negras" na década de 60.
visualização", com o objetivo de e da tecnologia.
expressar possibilidades ilimitadas  Jesús-Raphael Soto (1923-2005): artista
A razão da Op Art é a venezuelano famoso pelos seus “penetráveis”, obra
de transformações no mundo.
representação do movimento destinadas a penetração do público como forma de
Entre suas características estão os através da pintura apenas com a interagir com o produto artístico; destacam-se
efeitos óticos e visuais que trazem utilização de elementos gráficos. Estrutura cinética (1957), Volume suspendido
o observador para dentro do Outro fator fundamental para a (1967) e Paralelas vibrantes (1969).
criação da Op Art foi a evolução da
quadro, compondo o movimento  Kenneth Noland (1924-2010): pintor estadunidense
ciência, que está presente em
da obra com seus olhos. Também destacou-se com suas obras abstratas com vibração
praticamente todos os trabalhos,
estão os trabalhos em três óticas unidas ao estilo denominado “Color Field”,
baseando-se principalmente nos
intimamente ligado ao expressionismo abstrato.
dimensões, exploração do estudos psicológicos sobre a vida
contraste entre o preto e o branco, moderna e da Física sobre a  Richard Allen (1933-1999): pintor britânico
Óptica. A alteração das cidades explorou a arte cinética, a Op Art, o minimalismo e
e as formas geométricas. A
modernas e o sofrimento do a arte geométrica abstrata. Das obras da Op Art
vertente artística segue referências destacam-se os “Estudos para pinturas de Op de
homem com a alteração constante
do expressionismo abstrato. preto e branco” (1963-1972).
em seus ritmos de vida.
137 – EXPERIMENTAÇÃO PRÁTICA: UMA OBRA DA OP ART. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Op Art, também conhecida como Arte Óptica, Praticar a arte – Construindo uma obra Op Art – Monocromia/Policromia: A partir da observação da imagem
é um estilo artístico visual que utiliza ilusões apresentada logo abaixo do texto, preencha os espaços com a cor que desejar. Você pode aplicar os conceitos de
óticas. Este movimento artístico teve início na monocromia (escolhendo apenas uma cor) ou a policromia (várias cores). Não se esqueça de preencher a ficha técnica.
década de 1930 com as obras do designer
gráfico e artista húngaro Victor Vasarely.
Características principais:
 Uso de recursos visuais (cores, formas, etc.)
para provocar ilusões óticas.
 As imagens parecem ter movimento.
 Combinações de formas geométricas simples
como, por exemplo, quadrados, retângulos,
círculos e triângulos.
 Em muitas obras, o observador deve se
movimentar para visualizar os efeitos da
pintura ou escultura. Desta forma, o
observador participa ativamente.
 Uso de linhas paralelas sinuosas ou retas.
 Uso de poucas cores, sendo o preto e o
branco as mais usadas.
 Imagens ocultas que podem ser vistas
somente de determinados ângulos ou através
da focalização de determinadas áreas da
obra.
 Contraste de cores.
138 – CONHECENDO O ARTISTA: ALEXANDER CALDER E SEUS MÓBILES. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Os Móbiles marcaram a história da Arte Moderna pela Praticar a arte – Construindo um móbile de Alexander Calder: Siga o passo a passo a seguir para você
importância do significado, pela beleza e simplicidade construir também um criativo móbile surrealista e instalá-lo em sua casa ou na sala de aula.
dessas esculturas. Na década dos anos 30, o pintor e
escultor americano Alexander Calder (1898-1976)
surpreendeu o mundo das artes com suas esculturas,
batizadas por Marcel Duchamp de “Móbiles”.
O escultor famoso por suas
figuras móveis, os móbiles,
nasceu em 22 de julho de 1898
em Lawton – Pensilvânia. Filho
de pais artistas, seu pai era,
também, um escultor e sua mãe
uma pintora, convivendo com
esse universo foi incentivado
desde cedo a criar. Aos nove
anos de idade ele fez suas
primeiras esculturas, um
pequeno cão e um pato, para
presentear seus pais no natal.
Foram feitos a partir de
pedaços, cortados e moldados,
de folhas de latão. Apesar dessa
facilidade, Calder não se
imaginava um escultor. Calder
ocupa lugar especial entre os
escultores modernos. Criador
dos stábiles, sólidas esculturas
fixas, e dos móbiles, placas e
discos metálicos unidos entre si
por fios que se agitam tocados
pelo vento, assumindo as
formas mais imprevistas – a sua
arte, no dizer de Marcel
Duchamp, “é a sublimação de
uma árvore ao vento”.
139 – POP ART. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Em meados da década de 50 Alguns criadores, inspirados no movimento dadaísta liderado por Marcel
houve um crescente Duchamp, decidiram, em fins dos anos 50, se apropriarem de imagens inerentes
incentivo ao consumo ao universo da propaganda norte-americana e convertê-las em matéria-prima
através dos meios de de suas obras. Estes ícones abundantes no dia-a-dia do século XX detinham um
comunicação. A tecnologia alto poder imagético. A Pop Art representava um retorno da arte figurativa,
industrial mudou a vida nos contrapondo-se ao Expressionismo alemão que até então dominava a cena
grandes centros urbanos e artística. Agora era a vez da cultura em massa, do culto às imagens televisivas,
alguns artistas americanos e às fotos, às histórias em quadrinhos, às cenas impressas nas telas dos cinemas, à
britânicos procuram criar produção publicitária. Os artistas recorrem à ironia para elaborar uma crítica ao
uma arte que estivesse excesso de consumismo que permeia o comportamento social, estetizando os
diretamente ligada a esse produtos massificados, tais como os provenientes da esfera publicitária, do
novo dia a dia. cinema, dos quadrinhos, e de outras áreas afins. Eles se valem de ferramentas
Eles usaram como fonte de inspiração o cotidiano, os como a tinta acrílica, poliéster, látex, colorações fortes e calorosas, imitando
objetos de uso diário, as sucatas, as embalagens de artefatos da rotina popular. Estes objetos que integram o dia-a-dia da massa são
produtos variados, os eletrodomésticos e até imagens de multiplicados em porte bem maior, o que converte sua concretude real em uma
personalidades de destaque, como políticos e artistas, que dimensão hiper-real. Enquanto, porém, a Pop Art parece censurar o
de certa forma também eram consumidas em cinemas, consumismo, ela igualmente não prescinde dos itens que integram o circuito do
televisão, revistas, outdoors etc. Esse novo estilo artístico consumo capitalista. Nesta salada imagética que constitui a Pop Art, o que antes
recebeu do crítico inglês Lawrence Alloway o nome de Pop era considerado de mau gosto se transforma em modismo, o que era visto como
Art, expressão derivada do termo “popular art”. Os artistas algo reles passa a ter a conotação de um objeto sofisticado. Isto porque estes
da Pop Art não só se preocupavam em aproximar a arte do artefatos ganham um novo significado diante do contexto em que são
dia a dia das pessoas como também em alertá-las para a produzidos, e assumem, assim, uma valoração distinta.
futilidade do consumismo e a manipulação exercida pelos Suas principais características são:
meios de comunicação sobre a sociedade. Grandes artistas  Linguagem figurativa e realista referindo-se aos costumes, ideias e aparências do mundo contemporâneo;
fizeram parte do movimento pop, entre eles os americanos  Temática extraída do meio ambiente urbano das grandes cidades, de seus aspectos sociais e culturais: história em
Andy Richard Hamilton. quadrinhos, revistas, jornais sensacionalistas, fotografias, anúncios publicitários, cinema, rádio, televisão, música,
espetáculos populares, elementos da sociedade de consumo e de conveniências (alimentos enlatados, geladeiras, carros,
Os artistas
estradas, postos de gasolina, etc.);
contemporâneos  Ausência de planejamento crítico: os temas são concebidos como simples motivos que justificam a realização da pintura;
procuram novos  Representação de caráter inexpressivo, preferencialmente frontal e repetitiva;
caminhos e criam novas  Combinação da pintura com objetos reais integrados na composição da obra como flores de plástico, garrafas, etc., como
formas de expressão: uma nova forma dadaísta em consonância aos novos tempos;
quadros, colagens,  Formas e figuras em escala natural e ampliada (os formatos das imagens em quadrinhos de Lichtenstein);
 Preferência por referências ao status social, a fama, a violência e os desastres, a sensualidade e o erotismo, aos símbolos
esculturas e podem ser
da tecnologia industrial e a sociedade de consumo.
feitos com os mais  Uso de matérias como tinta acrílica, poliéster e látex, produzindo cores puras, brilhantes e fosforescentes inspiradas na
variados tipos de indústria e nos objetos de consumo;
material.  Reprodução de objetos do cotidiano em tamanho consideravelmente grande, transformando o real em hiper-real.
140 – OS PRINCIPAIS ARTISTAS DA POP ART. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Andy Warhol é um nome que Sir Peter Thomas Blake é um artista Destaca-se por retratar temáticas Roy Lichtenstein foi um dos grandes Johns é mais conhecido por sua
simboliza aquilo que é a Pop Art pela pop, mais conhecido por ter sido o relacionadas a objetos do cotidiano. nomes da Pop Art. Fazia parte do pintura “Flag” (1954-1955), que ele
seu trabalho desenvolvido e por ser autor da capa do álbum “Sgt. Suas principais obras são pinturas projeto estético de Lichtenstein pintou depois de ter sonhado com a
um dos grandes artistas que do Pepper's Lonely Hearts Club Band”, sobre doces, bolos, sorvetes, tortas e à elevação do lugar-comum, o gesto bandeira americana. Seu trabalho é
mesmo modo a simbolizou. Os dos Beatles. Também desenvolve sobremesas. Possui também obras de lançar luz sobre o inicialmente não frequentemente descrito como neo-
quadros feitos através de serigrafia, significativa carreira na pintura, que retratando batons, sapatos femininos considerado. O artista plástico norte- dadaísta, ao contrário da arte pop,
uma das técnicas promovidas e incorpora imagens da cultura de e gravatas. Retratou também cenas americano empregou em muitas das embora seu assunto muitas vezes
utilizadas nos quadros desta corrente massa e colagens. Foi desenhista urbanas, personagens populares suas telas a técnica pontilhista, o inclua imagens e objetos da cultura
artística, de figuras como Marilyn técnico na Gravesend School of Art. (Mickey, por exemplo), além de desejo era que as obras parecessem popular. Ainda assim, muitas
Monroe em diferentes tonalidades, Estudou no Royal College of Art de paisagens. Utiliza cores alegres e mecanicamente reproduzidas. compilações sobre arte pop incluem
os autorretratos que lhe deram ainda Londres. Interessou-se pela arte brilhantes, sendo azul, rosa e verde Os pontos Ben Day, como eram Jasper Johns como artista pop por
mais visibilidade, as embalagens de popular. Viajou bastante na Europa. as mais presentes em suas obras. chamados, foram frequentemente causa de seu uso artístico da
sabonete Brillo e de ketchup Heinz, Começou a ensinar na St. Martin's Pinturas marcadas pela técnica da utilizados em processos de impressão iconografia clássica. Os primeiros
os dólares americanos e os cifrões, as School of Art de Londres. Pintou presença de linhas sombreadas, em massa. Outra característica trabalhos foram compostos usando
latas de diferentes sabores de sopa colagens com cores vibrantes. Foi típicas dos anúncios publicitários das particular do pintor foi imitar um esquema simples, como
Campbell e as garrafas de Coca-Cola membro da Brotherhood of Ruralists. décadas de 1950 e 1960. Presença, detalhadamente a aparência das bandeiras, mapas, alvos, letras e
que sofrem uma constante Tornou-se membro da Royal em suas obras, de olhar irônico sobre imagens reproduzidas números. O tratamento de Johns na
multiplicação celular bem como os Academy de Londres. Após o seu os temas e situações do cotidiano. comercialmente. superfície é geralmente exuberante e
cartazes publicitários adaptados são realismo inicial juntou-se a Hamilton Grande parte de suas pinturas são em pictórico; ele é famoso por incorporar
exemplos de alguns dos quadros que tornando-se uma das figuras chave óleo sobre tela. tais mídias como encáustica e relevo
imortalizam Andy Warhol. da Pop Art em Inglaterra. de gesso em suas pinturas.
141 – CONHECENDO O ARTISTA: CHARLES CHAPLIN. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
O palhaço é um personagem criado há Praticar a arte: Através do desenho, caracterize Charles Chaplin em
mais de 4 mil anos. Em cada lugar e Carlito. Use canetinha hidrocor preta para desenhar seu bigode e
cultura, sua figura aparece associada cartola, que são as suas fantasias tradicionais. Ao lado, escreva
aos mais diversos sentimentos e uma piada ou uma anedota que você gostaria que Carlitos contasse
características humanas. A imagem do para fazer as pessoas rirem.
palhaço nos remete ora à pessoas
engraçadas, sensíveis e espertas, ora à
figura do trapalhão, de pessoas
desajeitadas ou até mesmo ingênuas.
Muitos atores vestiram-se de palhaço e
criaram personagens em várias
linguagens artísticas. O ator inglês
Charles Chaplin (1889-1977) estudou a
linguagem gestual, a poética do
“clown” para construir alguns de seus
personagens. Charles Chaplin criou
muitos personagens, o mais famoso é
Carlitos, presença marcante em muitos
filmes. Chaplin inspirou e continua
inspirando muitos atores que, como
eles, escolheram trabalhar com a
estética e a poética do palhaço para
expressar sentimentos por meio de
gestos e da mímica, construindo uma
linguagem silenciosa com um intenso
trabalho corporal. A figura do palhaço
já passou por diversas transformações
e recebeu vários nomes ao longo da
história, em diferentes idiomas: bobo
da corte, bufão, clown, arlequim,
gleeman, jongleurs etc. Pintar o rosto,
vestir roupas engraçadas, convidar as
pessoas a rir, a sonhar, a poetizar, esse
é o objetivo de vida dos palhaços, que
ainda encantam plateias de todas as
idades.
142 – A ARTE CONCEITUAL. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
A Arte Conceitual é uma Ali, a ideia dos “ready mades” (já feito), A Arte Conceitual no Brasil: Essa
vanguarda artística moderna e considerado uma antiarte, não era o produto proposta de arte mais reflexiva atingiu o
contemporânea que surgiu nos artístico, mas sim o conceito de arte que o artista país a partir de 1970. No Brasil, alguns
anos 60 e 70 na Europa e nos quis demostrar e que levava mais ao processo artistas conceituais que merecem
Estados Unidos. reflexivo, em detrimento do visual. A grande destaque foram:
Como o próprio nome indica, questão da arte conceitual era definir os limites e
trata-se de uma expressão  Cildo Meireles (1948): artista plástico.
fronteiras do fazer artístico, ou seja, ela é baseada
artística mais pautada nos na indagação: O que é arte?  Artur Barrio (1945): artista plástico
conceitos, reflexões e ideias, em luso-brasileiro.
Principais caraterísticas da Arte Conceitual:  Carlos Fajardo (1941): artista
detrimento da própria estética
 Crítica ao formalismo e ao mercado da arte; multimídia.
(aparência) da arte.
 Crítica ao materialismo e ao consumo;  José de Moura Resende Filho (1945):
Nela, a atitude mental é o mais relevante. Em outras palavras, a
arte conceitual é uma “arte-ideia” em detrimento da “arte-visual”,  Oposição ao hermetismo da arte minimalista; escultor e arquiteto.
sendo o principal material da arte a "linguagem". Diante disso, os  Popularização da arte como veículo de  Mira Schendel (1919-1988): artista
artistas conceituais preocupam-se em criar reflexões visuais para comunicação; suíça radicada no Brasil.
seus espectadores. Esse movimento artístico que critica o  Arte mental e reflexiva;  Antônio José de Barros de Carvalho e
formalismo e propõe a autonomia da obra artística foi capaz de  Radicalismo e culto à antiarte; Mello Mourão “Tunga” (1952-2016):
revolucionar muitos aspectos da arte.  Ruptura com a arte clássica e formal; ator performancer, escultor e
 Uso de fotografias, textos, vídeos, instalações, desenhista.
O termo “arte conceitual” foi utilizado pela primeira vez pelo performances (teatro e dança).  Waltércio Caldas (1946): artista
artista, escritor e filósofo estadunidense Henry Flynt, em 1961, gráfico, escultor e desenhista.
durante as práticas do Grupo Fluxus. O Grupo Fluxus foi um Principais Artistas
movimento que reuniu artistas em todo o mundo e tinha como  Marcel Duchamp (1887-1968)
base fazer oposição à comercialização da arte. Eles trouxeram  Joseph Beuys (1921-1986)
novas definições à pratica artística, dissipando os limites da arte e  Joseph Kosuth (1945)
 Daniel Buren (1938)
mesclando diversos conceitos, com grande influência do dadaísmo.  John Cage (1912-1992)
Sobre a arte conceitual, afirma o escultor estadunidense Sol LeWitt  Nam June Paik (1932-2006)
“A própria ideia, mesmo se não é tornada visual, é uma obra de arte  Wolf Vostell (1932-1998)
tanto quanto qualquer produto”.  Yoko Ono (1933)
 Lawrence Weiner (1942)
Para muitos estudiosos, Marcel Duchamp foi um dos precursores da  Robert Barry (1936)
arte conceitual no momento em que colocou um mictório no  Keith Arnatt (1930-2008)
museu e o chamou de arte, com sua obra “Fonte”, de 1917.  Robert Rauschenberg (1925-2008)
Anteriormente, o artista já havia elaborado outras obras que  Charlotte Moorman (1933-1991)
 Sol LeWitt (1928-2007)
seguiam a mesma linha, como “Roda de Bicicleta”, de 1913.
 Genco Gulan (1969)
143 – CONHECENDO O ARTISTA: JHON CAGE E O DESENHO DO ACASO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Nesse exercício, os dados o ajudarão Praticar a arte – Desenhando ao acaso:

a tomar decisões criativas. Coloque a Você vai criar um desenho de uma face
por meio da combinação das tarefas
precaução de lado e deixe o destino distintas listadas a seguir. Os números do
seguir o seu curso. Encarar uma folha dado ditarão o método que você deverá
em branco pode ser intimidante. Ás empregar para desenvolver cada etapa da
vezes, precisamos encontrar tarefa.
1. Jogue os dados. Cada número do dado
mecanismos que acionem os nossos corresponde às instruções de desenho.
impulsos criativos. 2. Para criar uma face, desenhe os olhos, o
O músico e artista John Cage nariz, as orelhas, a boca e o cabelo por
meio da combinação de tarefas.
desenvolveu e aplicou em alguns 3. Fique livre para jogar o dado quantas vezes
de seus trabalhos, os quais quiser e continue a desenvolver o seu
chamou de “operações do desenho.
4. Defina onde cada um dos elementos será
acaso”, para determinar o colocado para criar uma composição
resultado de seu trabalho. unificada.
Primeiro, ele lançou moedas e 5. A cada vez que jogar os dados, você estará
abrindo múltiplas possibilidades. Quando
seguiu as regras do I Ching para decidir onde cada um dos elementos será
orientar as suas decisões aplicado, você estará mais uma vez sob o
criativas. Sua série de gravuras controle das suas decisões criativas. A
maior decisão que você terá que tomar
em ponta seca, chamada de agora é definir a hora certa de parar de
“Déreau” também foi criada jogar.
usando este mesmo método. Ele
adorava ver o que poderia
acontecer quando deixava uma
força externa governar a direção
do seu trabalho.
144 – CONHECENDO A OBRA: “A FONTE”, DE MARCEL DUCHAMP. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Por volta de 1915 o dadaísmo ganhava Praticar a arte: Conhecendo a obra “A Fonte” de Marcel Duchamp, responda as perguntas interpretativas a seguir.
um amplo destaque no cenário 1. O fato de o artista tirar um objeto da 5. “A fonte” (1917) apresentada por 8. Observe o objeto
sua função original, atribuindo-lhe em Marcel Duchamp no Salão da comum apresentado a
artístico, causando certo desconforto seguida um novo significado faz com Sociedade Novaiorquina de Artistas seguir. Você o conhece
nos observadores e fazendo todos se que em arte o mesmo receba o nome Independentes, representa: bem e sabe qual é a sua
de: a) Duchamp mostra que não há utilidade. Diante dos
questionarem sobre o real conceito da
a) Instalação. caminhos para a arte sem regras conceitos de arte
palavra arte. Neste período, o artista b) Objeto de arte. rígidas. conceitual e sabendo do
Marcel Duchamp assume uma atitude c) Assemblage. b) A negação de Duchamp em que Duchamp seria
d) Performance. produzir ready-mades. capaz de fazer com tal
antiarte e se apropria de objetos já
c) A arte conceitual e seus objeto, proponha um
feitos. 2. A partir do texto é possível afirmar
questionamentos sobre a função novo significado a ele.
que a atitude provocativa de Duchamp
Em 1917, ele expõe sua obra ready-made intitulada “A Fonte”, ao criar os ready-mades foi de: dos objetos. Você pode acrescente mais um novo
d) A instalação de um banheiro objeto a este e construir sua poética.
no qual se tratava de um simples e comum urinol branco a) Criar uma zona de instabilidade ao
público em meio à galeria. __________________________________
invertido. Com esta atitude provocativa, Duchamp acabou incorporar à obra o valor do
__________________________________
espaço em que está exposta. 6. O fazer artístico criado por Marcel
estabelecendo um debate entre Arte e Conceito, onde dizia b) Criticar a produção industrial Duchamp no início do século XX que,
__________________________________
__________________________________
que para ser um artista não era necessário ter um dom ou utilizando uma pá de lixo como posteriormente, vem influenciar a arte
__________________________________
habilidade para produzir belíssimas pinturas ou esculturas, e elemento. contemporânea recebe o nome de:
__________________________________
c) Valorizar o trabalho do desenhista a) Action Painting.
sim apresentar a todos algo totalmente diferente, novo e industrial em detrimento ao do b) Colagem.
__________________________________
__________________________________
inesperado. artista. c) Móbiles.
__________________________________
d) Valorizar a mão de obra operária d) Ready-made.
Percebe-se que Duchamp nunca se preocupou __________________________________
em detrimento a arte burguesa.
7. Os ready-made de Duchamp, por __________________________________
em desenvolver algo belo, mas sim pela busca de 3. Ao transformar qualquer objeto em exemplo, produzem sentido apenas __________________________________
uma reação do público. De forma sarcástica e obra de arte, o artista realiza uma em relação à categoria de obra de __________________________________
crítica radical ao sistema da arte. arte. Quando Duchamp assina um __________________________________
irônica, o artista sempre criticou os conceitos de
Assinale a alternativa que mencione objeto qualquer, produzido em série, __________________________________
arte de uma sociedade cultural. A partir do respectivamente o nome do artista e o envia a exposição de arte, essa __________________________________
momento em que Duchamp retirou aquele responsável pelos trabalhos provocação pressupõe um conceito do __________________________________
apresentados na questão e o que seja arte. Analisando o texto __________________________________
simples objeto do cotidiano e colocou-o em uma
movimento artístico. acima e a imagem abaixo, o ready- __________________________________
exposição, este deixou de ser aquele objeto de made trata-se: __________________________________
a) Marcel Duchamp – Arte Conceitual.
antes, passando a ter outro significado. A b) George Braque – Expressionismo.
__________________________________
a) Da presença de materiais extraídos __________________________________
inversão física do objeto corresponde à inversão c) Alberto Giacometti – Surrealismo.
do lixo que produzem no olhar: __________________________________
de seu sentido. d) Henri Moore – Surrealismo.
mistério e de desfamiliarização do __________________________________
Duchamp não teve o objetivo de fazer alguém considerar o 4. A transformação de um urinol em olhar. __________________________________
obra de arte representou, entre outras b) O uso de objetos artesanais __________________________________
mictório como obra de arte, mas sim mudar o pensamento
coisas: considerando a importância da __________________________________
padrão que as pessoas costumavam a ter e desenvolver uma a) A vulgarização da arte e a beleza nas obras de arte. __________________________________
visão diferente do normal. Neste caso, Duchamp quis mostrar ausência de ironia diante do que c) Do uso de objetos que tem o __________________________________
era considerado arte. objetivo de enganar o olho. __________________________________
que aquele objeto possuía outro lado e está muito mais além
b) Alteração do sentido de um objeto d) Qualquer objeto manufaturado, __________________________________
do que realmente vemos. O objetivo dele foi justamente causar do cotidiano. tratado como objeto de arte por __________________________________
esta provocação entre as pessoas, contradizendo o que grande c) O fim da verdadeira arte e da opção do artista. __________________________________
parte da sociedade considerava ser uma arte. importância da beleza.
145 – A ARTE POVERA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Apesar de uma repercussão mundial relativamente

grande por conta do alto valor crítico, a Arte Povera se
Povera, feminino de povero, é uma
desenvolveu com mais força na própria Itália,
palavra italiana que significa "pobre".
principalmente em Turim, Veneza, Milão, Gênova,
Assim foi conhecido esse movimento
Nápoles e Bolonha. A Arte Povera foi iniciada na
surgido na década de 1960 na Itália:
década de 60 e durou aproximadamente 10 anos,
Arte Povera. Pobre porque propunha
sendo um movimento tão efêmero quanto às obras
a utilização de materiais inúteis,
criadas no período. Para esse efeito temporário eram
simples, o que hoje comumente
usados materiais simples como sucatas, papelão,
chamamos de sucata: metal, pedra,
pedra, plásticos, garrafas e materiais perecíveis como
areia, madeira, trapos, etc. Assim
sementes, comida, areia, madeira, etc. Ter o tempo
como na Pop Art, havia uma tentativa
determinado para duração da obra fazia parte do
de aproximar as obras do cotidiano
intuito de efemeridade contida na crítica feita à
das pessoas comuns. Porém,
sociedade em forma de arte. As propriedades físicas e
enquanto a Pop Art utilizava imagens
químicas das peças utilizadas eram consideradas
e técnicas massificadas, a Arte Povera
quanto à degradação que poderiam sofrer devido ao
buscava empobrecer as obras de arte.
tempo cronológico e ao clima submetido, tendo em
O termo Arte Povera foi criado pelo
vista que muitos desses trabalhos estavam expostos
crítico Germano Celant em 1967, por
em áreas abertas, suscetíveis a transformações. Dessa
ocasião da exposição realizada por
maneira o movimento de Arte Povera cumpria seu
esses artistas. O movimento ganhou
papel de crítica social perante a questão do
força na década de 1970, influenciado
consumismo que estava avançando na Europa, pois
pela arte conceitual. Os temas e
colocava de forma visual a efemeridade embutida no
materiais utilizados na Arte Povera
estímulo de consumir em excesso. Também se tentou
buscavam tratar das propriedades dos
desvincular a arte do comércio e do sistema
elementos utilizados, que poderiam
capitalista, ao ressignificar os materiais usados, e não
sofrer transformações com o passar
tratar mais de beleza das obras e sim dos signos, nesse
do tempo. Por exemplo, a oxidação do
sentido muitas das obras poveras misturou estilos de
metal (é possível traçar paralelos com
peças, materiais novos e velhos ou ainda interligando
a arte efêmera). A Arte Povera
ideias e objetos tecnológicos com outros simples e
também atuou como uma crítica à
precários. Essas obras pobres propunham, por mesmo
economia capitalista e à sociedade de
motivo crítico, a interação do público com a arte,
consumo, de maneira a provocar
assim muitas obras são em forma de instalações
reflexões sobre o valor de uso das
interativas, trabalhos que colocam os espectadores a
coisas.
participarem da obra e a enxergarem de diferentes
formas e ângulos.
146 – O MINIMALISMO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
A expressão “Minimalismo” (do

inglês, “Minimal Art”) faz
Nas artes plásticas, o minimalismo surgiu em Nova Muitas vezes oposto ao design funcionalista, o design
referência aos movimentos
York, ainda na década de 1950, quando um grupo de minimalista é caracterizado pelo despojamento formal
estéticos, científicos e culturais
artistas passou a lançar mão de poucos elementos típico da década de 1980, com sua redução formal e
que surgiram em Nova York,
para fundamentar suas obras, abusando de uso de cores neutras como uma forma de se opor aos
entre o fim dos anos de 1950 e
atributos visuais criados a partir de um pequeno movimentos pós-modernos no design. Destacaram-se
início da década de 1960, os
número de cores, privilegiando as formas aqui
quais, por sua vez, primavam
pelo mínimo de recursos e
geométricas simples, puras, simétricas e repetitivas,  Philippe Starck (1949)
elementos utilitários, reduzindo
reduzindo os objetos aos seus aspectos de  Shiro Kuramata (1934-1991)
reprodução em série para que eles sejam mais bem  John Pawson (1949).
todos seus aspectos ao nível
percebidos em seu próprio contexto. Já do ponto de
essencial.
vista do conteúdo das representações, é comum a
Com efeito, já em 1966, o filósofo e critico de artes Na Música, o minimalismo se destacou pela
ausência de emotividade.
Richard Arthur Wollheim (1923- 2003) já apontava o composição com poucas notas musicais, as quais
minimalismo daquela década como uma das Assim, as estruturas minimalistas suportam uma bi possuem o mínimo de variações sonoras para criar um
correntes que mais influenciariam o campo das ou tridimensionalidade que lhe permite vencer os ritmo pulsante e hipnótico, a partir da repetição
artes visuais, arquitetura, design, música, conceitos tradicionais, principalmente acerca da harmônica de pequenos trechos, como na música
programação visual, desenho industrial, durante o necessidade do suporte que limitava pintura e a eletrônica e psicodélica. Destacam-se na produção
século XX. escultura aos seus respectivos campos de ação. Este musical:
caráter geométrico é fruto da influência
construtivista, a qual buscava uma linguagem  Philip Glass (1937)
Em termos gerais, os movimentos  Steve Reich (1936)
universal para expressão artística.
minimalistas se caracterizam pela  Arvo Part (1935).
austeridade e síntese, inclusive dos meios Neste campo, os principais destaques são Sol LeWitt
e usos da abstração. Enquanto aspecto (1928-2007), Frank Stella (1936), Donald Judd (1928-
filosófico, o minimalismo irá adequar às 1994) e Robert Smithson (1928-1994).
necessidades da vida aquilo que é No campo literário, o minimalismo se caracterizou pela
realmente essencial, descartando as produção de minicontos (micro contos), pela economia
futilidades no caminho da realização de palavras, evitando os advérbios, pelos cenários
pessoal. Por conseguinte, no campo das pouco explícitos e personagens banais, bem como pela
artes, normalmente está representado de leitura participativa. Destacam-se aqui os nomes de:
forma abstrata e “crua”, de modo a
 Raymond Carver (1938-1988)
revelar a origem industrial e a natureza
 Ernest Hemingway (1899 -1961).
dos materiais que compõem a obra
minimalista, a qual, via de regra, interage
com o público.
147 – OS PRINCIPAIS ARTISTAS MINIMALISTAS. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Um dos principais protagonistas da arte minimalista, Destacou-se no mundo do design com um traçado É um compositor estadunidense e está entre os MEDO
Sol Lewitt criou, nos anos 60, estruturas compostas singular, muito pessoal e orgânico, deu um ar compositores mais influentes do final do século XX. A
Medo de ver a polícia estacionar à minha porta.
de elementos cúbicos ou derivadas do cubo, em futurístico e convidativo a objetos comuns os sua música é normalmente chamada de minimalista,
Medo de dormir à noite.
variações organizadas sobre uma grade. Eram tornando mais atraentes aos consumidores. Starck embora ele não aprecie esta expressão. É um
Medo de não dormir.
volumes simples, que convidavam o espectador a criou a sua primeira empresa de design em 1968. compositor muito prolífico tendo produzido
Medo de que o passado desperte.
reconstruir o retrato mental das variações possíveis inúmeros trabalhos entre óperas, sinfonias,
Medo de que o presente alce voo.
de uma dada figura. Lewitt trabalhou, em seguida, concertos, trilhas sonoras para filmes e outros
Medo do telefone que toca no silêncio da noite.
com murais nos quais detalhou as relações entre trabalhos em colaboração com outros músicos.
Medo de tempestades elétricas.
concepção e percepção, superfície e volume. Medo da faxineira que tem uma pinta no queixo!
Medo de cães que supostamente não mordem.
Medo da ansiedade!
Medo de ter que identificar o corpo de um amigo
morto.
Medo de ficar sem dinheiro.
Medo de ter demais, mesmo que ninguém vá
acreditar nisso.
Tornou-se uma das mais proeminentes figuras do Medo de perfis psicológicos.
Foi um dos criadores e promotores do hard edge, e Minimalismo, tendo desenvolvido técnicas de
do desenvolvimento do shaped canvas ou pintura de Medo de me atrasar e medo de ser o primeiro a
looping com música gravada de uma forma chegar.
marco recortado. Seus quadros-objetos e suas Kuramata era conhecido principalmente pelo uso de absolutamente original. O artista realmente tem um
pinturas-relevo ocuparam um papel fundamental no materiais industriais como telas de aço e acrílico Medo de ver a letra dos meus filhos em envelopes.
dom espetacular ao transferir sentidos, ritmo e Medo de que eles morram antes de mim, e que eu
desenvolvimento da neo-vanguarda norte-americana para criar interiores e móveis arquitetônicos. Peças intensidade para a percussão e mobiliza a todos com
e internacional. revolucionárias refletem o emergente dinamismo e me sinta culpado.
a emoção que transmite em suas composições. Medo de ter que morar com a minha mãe em sua
amadurecimento da criatividade do Japão do pós-
guerra. velhice, e na minha.
Medo da confusão.
Medo de que este dia termine com uma nota infeliz.
Medo de acordar e ver que você partiu.
Medo de não amar e medo de não amar o bastante.
Medo de que o que amo se prove letal para aqueles
que amo.
Medo da morte.
Um dos seus trabalhos mais conhecidos, a série de e Desenvolveu um gênero muito curioso de Medo de viver demais.
organização do material sonoro, a que chamou Medo da morte.
sculturas que sãodesignadas por "Pilhas", resultam d John Ward Pawson é um designer de arquitetura por “tintinnabuli” (da palavra latina tintinnabulum, Já disse isso.
a repetição vertical de caixasretangulares, ao longo d britânico cujo trabalho é conhecido por sua estética que significa sino). A música tintinabular é
e uma parede. Apresentam uma das ideias decompo minimalista. Seus ambientes traduzem a leveza e caracterizada por uma estrutura polifônica onde às
sição recorrentes nas obras de Judd: a serialidade, a mostram composições limpas que transmitem uma notas da tríade perfeita somam-se vozes (não muito
combinatória e a variação de figuras simples. plena sensação de equilíbrio. mais que duas) com movimento simples.
148 – CONHECENDO O ARTISTA: SOL LEWITT E SUA OBRA MINIMALISTA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Sol Lewitt nasceu dia 9 de Praticar a

setembro de 1928 em Los arte:
Angeles e morreu dia 8 de Decomponha
abril de 2007; foi um dos as formas
principais artistas trabalhadas
minimalistas. Sol Lewitt criou, por Sol Lewitt
nos anos 60, estruturas em suas obras
compostas de elementos minimalistas.
cúbicos ou derivadas do Observe o
cubo, em variações modelo e
organizadas sobre uma entenda que
grade. Eram volumes simples, para cada
que convidavam o forma há uma
espectador a reconstruir o quantidade de
retrato mental das variações linhas. Ele
possíveis de uma dada figura. decompôs
Lewitt trabalhou, em seguida, cada forma
com murais nos quais usando
detalhou as relações entre sempre a
concepção e percepção, mesma
superfície e volume. quantidade. A
Enquanto análise dos partir de cada
princípios fundamentais do forma
desenho, essas obras proposta, crie
refletem a lógica das outras formas,
permutações e variações. obedecendo
Essas obras retratam bem o sempre a
minimalismo, suas mesma
características são visíveis, quantidade de
como o uso de poucos linha que a
materiais, poucas cores, forma original
formas geométricas e grande possui. Depois,
uso de figuras geométricas e em seu
repetições simétricas para a caderno de
composição das obras. arte, crie uma
composição.
149 – EXPERIMENTAÇÃO PRÁTICA: OBJETO MINIMALISTA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte – Recriando um produto em uma versão minimalista: Observe os produtos apresentado a
Design minimalista é um dos movimentos de design mais seguir. Conhecemos todos eles e os usamos em nosso dia a dia. Escolha um deles e recrie seu design
importantes do século 20 e início do século 21. Não é o mais aplicando os conceitos do Minimalismo. Você pode alterar não só o rótulo como também a forma do
popular, mas sem dúvida penetrou em mais campos do que produto (embalagem) só não vale trocar a marca e o nome.
qualquer outra arte ou tendência de design: carros, filmes e jogos,
aplicativos, na web e em projetos visuais. Você pode não saber o
que é minimalismo, mas as chances de você estar convivendo com
ele são grandes: um telefone moderno, um site clean ou interface
do aplicativo, um livro ou outras informações graficamente
apresentadas e assim por diante. A razão pela qual o minimalismo
penetrou em tantos campos é menos conhecida do que a Arte Pop,
por exemplo, pelo fato de ser mais um princípio do que um estilo
visual. Não é chamativo, mas é mais influente e difundido. Um
design minimalista é um projeto despojado com apenas elementos
essenciais. O arquiteto Ludwig Mies van der Rohe definiu o estilo
como “menos é mais” e o designer Buckminster Fuller como “fazer
mais com menos”.
Uma abordagem prática do design
minimalista
 Menos é mais: utilizar apenas elementos
necessários para identificação.
 Omitir informações desnecessárias: não
inserir elementos desnecessários.
 Subtrair: remover elementos até que o
projeto pare de funcionar da maneira
como deveria. Um passo antes é o ápice
do design minimalista.
 Cada detalhe conta: as informações são
vitais. Os detalhes vão criar sentimentos
e sensações ao público final.
 Cor: usar apenas as cores que interagem
bem e criam sensações.
 O espaço em branco é vital: não
preencher todos os espaços.
 Tipografia: escolher as limpas, fontes
simples com um alto nível de
legibilidade.
 Alinhamentos: um arranjo legível e
agradável do conteúdo
 Contraste: maior contraste pode
melhorar drasticamente a legibilidade
do design.
150 - EXPERIMENTAÇÃO PRÁTICA: MOBILIÁRIO MINIMALISTA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte: Observe os quartos a seguir. Eles são decorados no estilo rococó, onde vemos muitos
Minimalismo é tendência para detalhes e adornos que o fazem ser de muito luxo. Agora, através do desenho, separe cada móvel presente
design, decoração, arquitetura e nesse quarto e o redesenhe no estilo minimalista, transformando-os em objetos de design clean, arrojado e
até lifestyle. O termo tem sido funcional, ganhando sofisticação.
tão utilizado que quando
pensamos em um espaço
minimalista, já imaginamos um
ambiente contemporâneo, com
paredes brancas e poucos
móveis – mas não para por aí. As
pessoas que vivem o estilo
minimalista dão adeus ao
excesso de mobília, roupas e até
notificações no celular. O
minimalismo surgiu de uma série
de movimentos artísticos e
culturais no início do século XX, e
os designers aderiram ao estilo
por volta de 1980. Sua principal
influência veio da cultura
japonesa e essa tendência veio
contra a variação formal e
cromática dos movimentos
artísticos anteriores. A ideia é
subtrair tudo aquilo que é
desnecessário. Seguindo o estilo,
os edifícios passam a serem
projetados com linhas retas e
formas geométricas simples, os
ambientes são decorados com
poucos objetos, cores neutras e
os produtos têm o layout mais
clean e funcional possível.
Conforto e aconchego são os
pontos mais importantes.
151 – O HIPER-REALISMO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
É um estilo de pintura e
escultura, que procura mostrar
uma abrangência muito grande
de detalhes, tornando a obra
mais detalhada do que uma
fotografia ou do que a própria
realidade. Visa alcançar a
perfeição nos teus mínimos
detalhes. Não expressar um
ponto de vista ou formas
abstratas e sim trazer a sensação Edward Hopper foi Richard Estes é um Chuck Close é um Ronaldo de Oliveira Alyssa Monks é uma Denis Peterson
de estar olhando uma foto. um pintor, artista artista americano, fotógrafo e pintor Mueck, mas mais pintora americana. começa o processo
O termo remete a uma tendência artística que tem lugar no final da gráfico e ilustrador mais conhecido por americano nascido conhecido como Ron Especializou-se em de criação tirando
década de 1960, sobretudo em Nova York e na Califórnia, Estados norte-americano suas pinturas em Washington, Mueck, é um grandes pinturas a uma foto do assunto
Unidos. Os artistas dessa corrente artística utilizavam o recurso da conhecido por suas fotorrealistas. As Estados Unidos da escultor australiano óleo e é reconhecida ou da paisagem,
ampliação fotográfica, derivada da Pop Art - movimento iniciado no EUA misteriosas pinturas pinturas geralmente América, 1940. Close hiper-realista que tanto nos Estados amplia a imagem e
na década de 60 do século passado que tinha como alvo principal toda de representações consistem em utiliza como técnica, trabalha na Grã- Unidos como na captura todos os
realistas da solidão paisagens reflexivas, sobretudo o Bretanha. Cresceu
cultura de massa. O Hiper-Realismo aliou essa técnica ao uso de uma Europa por suas detalhes possíveis e
na limpas e inanimadas Fotorrealismo, vendo os seus pais
meticulosa iluminação e de reflexos naturais e artificiais, que conferem peças, incluindo somente então
contemporaneidade. e paisagens técnica em que a construírem
uma qualidade visual fantástica a imagens cotidianas, tais como: lojas de figuras obscurecidas começa a pintar.
geométricas. pintura é similar a brinquedos, pois sua pela água, vapor e
alimento, automóveis e reflexos em fachadas de vidros. Cada quadro leva
uma fotografia. mãe fazia bonecos vinil. em torno de um mês
Principais características e técnicas: de pano e o seu pai para ser finalizado.
Suas principais características se brinquedos de Por todo este
definem resumidamente na precisão barro. esforço e talento
dos detalhes das pinturas, como a Peterson cobra ao
sombra, luz, brilho, textura. Seus temas redor de 46 mil
são coisas reais, como pessoas, dólares (78 mil reais)
por cada obra.
paisagens, animais, esculturas, são
imagens pré-fabricadas e com cores
super-realistas, geralmente confundidas
com fotografias. As técnicas usadas são
o uso do aerógrafo (airbrush), por
exemplo - que nunca toca a tela e que,
portanto, não deixa impressas as marcas
do gesto e do pincel - permite o controle
da quantidade de tinta a ser empregada
e sua distribuição regular: cada área do
quadro é pintada do mesmo modo. A
pintura obtida, nesse caso, é lisa, sem
texturas nem empastes, sendo bem
mais difícil de produzir do que o modo
convencional.
152 – EXERCÍCIO PRÁTICO DE DESENHO: GRAFITE E O HIPERREALISMO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte – Desenhando

sobre o papel vegetal: Coloque
1. Técnica das linhas diretrizes: Utilizando uma régua, você vai
sobre a imagem apresentada a
traçar linhas ligando pontos que considera importantes na
figura a ser desenhada. Inicialmente, não se preocupe com seguir uma folha de papel
as medidas para fazer a proporção, apenas identifique os vegetal e fixe-a bem com fita
postos-chaves da imagem e os conecte em linhas verticais e adesiva ou grampeador.
horizontais. Desenhe as marcas de
2. Técnica de sombreamento: Quando a gente escreve, expressão da personagem com
costuma segurar a caneta com firmeza e aplica forçando capricho. Siga as orientações ao
traço. Mas se quer entender como desenhar bem, você deve lado para você praticar a sua
segurar o lápis de forma diferente. Então é preciso educar habilidade em obras hiper-
sua mão a explorar cada tonalidade que uma mesma realistas.
graduação de lápis é capaz de alcançar. Então precisa usar a
mão com leveza, através da prática constante no desenho.
3. Técnica para fazer manchas: Para criar manchas num
desenho feito à lápis grafite, você pode utilizar um material
chamado esfuminho, um pincel ou até papel higiênico.
Assim, você vai aperfeiçoar o efeito que iniciou com o traço
do lápis, dando um acabamento mais suave e realista. O
segredo de como desenhar bem é copiar as manchas
conforme observa na sua imagem de referência. É uma
etapa complexa que requer grande atenção aos detalhes,
para obter melhores resultados.
4. Técnica para fazer cabelos e pelos: Uma das maiores
dificuldades é desenhar fios de cabelo humano, cílios, barba
ou pelos de animais. Não existe fórmula mágica nesse
assunto, realmente vai depender de treino e dedicação. Mas
algumas dicas podem ser úteis para descobrir como
desenhar bem. Você precisa movimentar sua mão com
leveza, conforme a direção dos fios e observar as
tonalidades de sua referência.
5. Técnica para esfumar o desenho: O esfuminho é um recurso
que auxilia a manchar o sombreamento do desenho. Ele não
existe para consertar o traço do lápis, mas sim para dar um
acabamento mais suave e realista a seu trabalho. O pincel
faz com que o grafite penetre mais no papel. Já o papel
higiênico deixa o preenchimento mais homogêneo.
153 – LAND ART. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
 Christo e Jeanne-Claude:
A “Land Art” (em inglês  Michael Heizer (1944): Artista Christo Vladimirov
“Earth Art” ou Javacheff é escultor e
contemporâneo estadunidense,
“Earthwork”) foi um designer búlgaro e Jeanne-
considerado um dos pioneiros
movimento artístico Claude Denat de Guillebon
da land art. O “Duplo Negativo”
pautado na fusão na foi uma escultora
(1969) configura sua obra de
natureza com a arte. Ele marroquina. Eles formaram
terraplanagem mais famosa,
surgiu na década de 60 um casal de artistas que
realizada no Deserto do Nevada,
nos Estados Unidos e na ficaram conhecidos por
Estados Unidos. Segundo o
Europa. suas famosas instalações
artista californiano: “Acho que a
O termo “land art”, se traduzido, corresponde a “arte da terra” terra é o material com o maior de Land Art. Eles utilizam a
e tem como principal característica a utilização de recursos potencial, porque é o material de técnica de embrulhar,
provenientes da própria natureza para o desenvolvimento do fonte original”. como na obra
produto artístico. Em outras palavras, a land art surge a partir “WrappedReichstag”
da fusão e integração da natureza e da arte onde a natureza,  Walter de Maria: Artista (1995), cujo edifício do
além de suporte, faz parte da criação artística. Os artistas parlamento alemão foi
estadunidense foi um dos
dedicados a essa estética buscavam na natureza a reflexão embrulhado num imenso
pioneiros da Land Art com sua
sobre o fazer artístico. Eles utilizavam, dentre outros materiais, obra tecido.
mais representativa,
folhas, madeira, galhos, areia, rocha, sal e daí sua aproximação realizada no novo México,  Richard Long: Escultor e
com a Arte Povera. O intuito era chamar atenção para a denominada “O Campo dos pintor inglês é um dos mais
grandiosidade da natureza como local central de Raios” (1977). Ela é composta proeminentes artistas da
experimentação artística, bem como para a ocorrência da por 400 barras de aço (série de Land Art. Explora muito em
efemeridade dessa arte. Importante destacar que, ao contrário para-raios) em campo aberto seu trabalho as formas
da arte exposta nos museus, a land art propõe ultrapassar as que formam uma malha de geométricas desde círculos,
limitações do espaço tradicional ao sair deles. Assim, ela é aproximadamente 1 km. linhas, espirais sendo muito
realizada em espaços exteriores e, devido suas grandes famosa suas esculturas de
dimensões, só é possível conhecê-las dentro de um museu por  Robert Smithson: Um dos pedras. Segundo ele:
meio de fotografias. Sendo a natureza o local (locus) de maiores representantes da Land
Art com o exemplo mais “Eu gosto do fato de que cada pedra é diferente de outra, da
desenvolvimento dessa tendência da arte contemporânea, a
conhecido de obra da Land Art, a mesma maneira todas as digitais ou flocos de neve (ou lugares)
arte pode estar em variados espaços naturais tais como a
“Plataforma Espiral” (1970), são únicos, então porque não dois círculos não podem ser iguais.
praias, mares, lagos, lagoas, desertos, montanhas, canyons,
construída no Grande Lago Nas obras de paisagem, as pedras são do lugar e permanecem ali.
campos, planícies, planaltos, dentre outros.
Salgado em Utah, Estados A seleção das pedras é geralmente aleatória; também as pedras
Unidos. Trata-se de uma individuais estarão em lugares diferentes dentro da obra de cada
gigantesca espiral, uma vez. No entanto, é sempre a mesma obra, que se torna a fazer.”
 Fusão da arte com a natureza.
escultura de terraplanagem feita
 A natureza (espaço exterior) é o meio do suporte artístico. Além deles outros artistas que realizaram trabalhos da Land Art
de pedra e areia que adentra no
 Efemeridade da arte (desgastada com o tempo desde chuva, foram: Robert Morris, James Turrell, Dennis Oppenheim e Barry
mar com um comprimento de
neve, erosão). Flanagan.
457,2 metros e largura de 4
 Critica à indústria cultural e a comercialização da arte.
metros. Curiosidade: Precisamente na década de 60 e 70, junto ao
 Crítica à industrialização e racionalidade formal. desenvolvimento da Land Art, que os conceitos sobre ecologia,
 Oposição à arte apresentada nos museus. meio ambiente e sustentabilidade passam a adquirir maior
 Utilização de recursos naturais. importância no cenário mundial.
154 – CONHECENDO OS ARTISTAS: CHRISTO E JEANNE-CLAUDE – LAND ART. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Christo e Jeanne Claude nasceram no Praticar a arte: Observando os seguintes prédios brasileiros e sabendo da sua importância para
mesmo dia, 13 de junho de 1953, em nossa sociedade, escolha um deles para ser envelopado, assim como faziam o casal de artistas
países diferentes e quando se Christo e Jeanne. No espaço, justifique o motivo de você ter escolhido o prédio e o porquê dele
conheceram, passaram a partilhar ser envelopado. Vale dizer que o motivo pode ser positivo ou negativo. O prédio em si representa
suas vidas e seu amor pela arte. E é
a ideia e não somente sua função específica.
justamente o amor que eles diziam
ser o principal elemento de suas
obras, o que os fazia diferente e o
que fazia com que eles não
pudessem ser classificados em
nenhum movimento específico de
arte. Passaram a produzir juntos em
1961 e suas instalações são famosas
em todo o mundo. Dentre as mais
comentadas estão às instalações no
Parlamento alemão (finalizada em
1995) e os portais do Central Park
em Nova York (finalizada em 2005).
Suas obras são totalmente autorais e custeadas integralmente
pela dupla. Só trabalhavam com colaboradores que recebem
pagamento dos próprios artistas. Mas na realidade o que mais
chama atenção em suas obras são as grandes dimensões, a
quantidade de material utilizado e como é realizado. Suas
obras consistem em uma intervenção, seja na natureza como
também em lugares públicos, que podem ser feitas a partir de
embrulhos a inclusão de objetos não comuns ao espaço,
geralmente utilizado tecido e interferindo no ambiente e
transformando aquilo que é já comum ou conhecido em algo
totalmente novo. Seus trabalhos são sempre voltados para o
público e construídos em locais de fácil acesso,
diferentemente da Land Art, onde as maiorias das suas
intervenções são em lugares não habitados e longe dos olhos
do ser humano.
O recorrente nas obras e que as caracterizam em três
aspectos fundamentais são: envolver ou repetir, uso das cores
e de tecidos, a dimensão e escala das obras. Seu principal
objetivo é chamar nossa atenção para aspectos da paisagem
que nunca havíamos notado antes. Utilizando o embrulho,
eles conseguem revelar pelo ocultamento, ou seja, é
justamente quando determinado elemento da paisagem é
“embrulhado” e escondido de nossos olhos é que nos damos
conta de sua presença e seus detalhes.
155 – STREET ART – ARTE URBANA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
O ato de pintar desenhos nas Arte de Rua ou Street Art é a expressão que se refere No Brasil, a arte de rua surge na década de 70, mais
paredes não é novidade, vem a manifestações artísticas desenvolvidas no espaço precisamente com as obras de grafite nas paredes da
desde os homens das cavernas. público, distinguindo-se das manifestações de cidade de São Paulo. Curiosamente surgiu numa época
Ao longo dos anos, o propósito caráter institucional ou empresarial, bem como do conturbada da história do país, com o advento da
e a maneira das pinturas foram mero vandalismo. A princípio, um movimento Ditadura Militar. Era uma arte marginalizada,
mudando para o que é possível underground, a Street Art foi gradativamente se entretanto, adquiriu posição de destaque no mercado
ver em ruas brasileiras e de constituindo como forma do fazer artístico, de arte, com diversos artistas do país consagrados pelo
outras partes do mundo. abrangendo várias modalidades. Arte de rua não mundo. Ainda que o trabalho do artista de rua não seja
Distante da depredação, o precisa de tempo, espaço, movimento cultural nem reconhecido por muitos, importante destacar a
objetivo de grande parte dos tão pouco de reconhecimento para acontecer, ela só importância e relevância do artista para a sociedade.
artistas urbanos é passar uma precisa da rua. E assim ela acontece, nos lugares Diversas técnicas são utilizadas pelos artistas de rua,
mensagem, na maioria das menos esperados, nos guetos, nos lixões, debaixo de embora a intervenção “grafite” seja a mais associada
vezes social ou política, por pontes, em paredes estragadas e em lugares ao tema de arte de rua.
meio da Street Art. Alguns locais abandonados.
Segue abaixo alguns exemplos de arte que se encontra
se tornaram pontos turísticos. A
A central proposição da arte espalhadas pelas cidades:
arte urbana ganhou força nos
urbana é justamente sair dos
anos 1980, nos Estados Unidos.  Grafite.
lugares ditos “consagrados”, ou
Muitos nomes contribuíram  Estêncil.
seja, destinados à exposição e
com o desenvolvimento da
apresentações artísticas  Poemas.
Street Art para outras partes do
(equipamentos culturais: teatro,  Autocolantes e Colagem.
mundo: Darryl McCray  Cartazes.
cinemas, bibliotecas, museus), para
(Cornbread) e Jean-Michel  Estátuas Vivas.
dar visibilidade à arte cotidiana,
Basquiat são apenas dois deles.  Apresentações.
espalhada pelas ruas. Os temas
A partir do trabalho dos  Instalações.
utilizados pelos artistas de rua são
norte-americanos, as artes
bem diversos, no entanto, muitos
espalhadas nas cidades
trabalhos estão pautados em
ganharam o mundo, com
críticas sociais, políticas e
novos traços e influências. A
econômicas. Importante analisar o
manifestação de arte urbana
crescimento da arte urbana nos
é acessível, afinal, está
últimos tempos, de forma que
espalhada pela cidade, onde
passa a ser vista como um “valor
todos podem parar para
cultural” muito importante das
observar os murais coloridos,
minorias que vivem nos centros
o que pode ser considerado
urbanos, e anseiam em mostrar
uma de suas maiores
sua arte.
qualidades.
156 – AS FORMAS DE EXPRESSÃO DA STREET ART. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
O grafite está ligado Stencil é uma técnica de As intervenções poéticas Sticker é uma modalidade Arte de colar cartazes, ou Desde os anos 90 um As combinações com
diretamente a vários pintura utilizada para com frases pequenas de Arte Urbana que utiliza “lambe-lambe” como fenômeno invadiu as ruas várias linguagens como
movimentos, em especial aplicar um desenho sobre ocupam viadutos, placas, de etiquetas adesivas. É também é conhecido, na do Brasil inteiro, as vídeos, filmes, esculturas,
ao Hip Hop. Para esse qualquer superfície, com passarelas e muros de uma manifestação da arte rua nasceu no final do estátuas vivas. Eles estão performances,
movimento, o grafite é a o uso de tinta, sendo Brasília e buscam também pós-moderna século 19 com o advento no centro da cidade, computação gráfica e o
forma de expressar toda a aerossol ou não, o stencil dialogar com os popularizada na década da indústria de impressão levando alegria e universo virtual, fazem
opressão que a e feito com papel, moradores e dar novos de 1990 por grupos em massa (imprensa), o descontração para quem com que o público se
humanidade vive plástico, metal ou acetato, significados ao cotidiano urbanos ligados à cultura que possibilitou a criação passa pelas ruas. Além de surpreenda e participe da
principalmente os menos onde tem uma boa da cidade, criando um alternativa. O trabalho de uma nova mídia: o ser uma profissão curiosa, obra de forma mais ativa,
favorecidos, ou seja, o durabilidade e seja fácil de espaço democrático para pode ser realizado com o pôster/cartaz. Mídia essa os personagens pois ele é o objeto último
grafite reflete a realidade cortar, para fazer a forma a arte. A criação urbana é propósito de transmitir que possibilitou a despertam o encanto nas da própria obra, sem a
das ruas. O grafite foi do desenho. Durante a a visão comum da cidade uma mensagem ou pelo disseminação da pessoas. Com tempo de presença do qual a
introduzido no Brasil no Segunda Guerra Mundial como meio de expressão simples prazer de enfeitar informação pela cidade aproximadamente mesma não existiria em
final da década de 1970, teve um grande uso dessa poética, como local de a rua expondo seu gosto através da colagem dos cinquenta minutos eles se sua plenitude. Esta
em São Paulo. Os técnica de estêncil para encontro e espaço de ou ponto de vista no alto cartazes, o conteúdo transformam em algo participação ativa em
brasileiros não se fazer intervenções vidas compartilhadas. O de um poste, no final de desses variava de bonito de ser ver, muito relação à obra faz com
contentaram com o urbanas, sendo utilizada diálogo direto com os uma placa ou até mesmo propagandas, eventos e brilho, maquiagem e que a fruição da mesma
grafite norte-americano, para fazer propagandas da passantes, sem curadoria, no pé de um muro. Os até política. Uma indústria figurino criado por eles se dê de forma plena e
então começaram a guerra e como forma de é outro ponto forte para a primeiros stickers que fez grande uso deste mesmos, e é através do arrebatadora, o que em
incrementar a arte com impressão nos uniformes criação que ocupa as ruas. chegaram ao Brasil como tipo de mídia eram os controle sobre os muitos casos pode até
um toque brasileiro. O e matérias da guerra. Com suas intervenções adesivos decorativos circos por se tratarem de movimentos do corpo, mesmo tornar esta
estilo do grafite brasileiro poéticas, o artista busca utilizados na decoração de espetáculos itinerantes, técnicas e mímicas, que experiência incômoda e
é reconhecido entre os dialogar com outras residências e lojas. Os logo era necessário que se eles se destacam, perturbadora.
melhores de todo o preocupações também adesivos são recortados utilizasse um veículo que prendem a atenção do
mundo. presentes na cidade, em vinil autoadesivo e fosse de rápida público e ganham espaço
outros desejos e belezas protegidos por máscara disseminação e com um nas ruas.
que existem nesses transparente que o custo barato.
caminhos, feitos por aplicador retira ao fixá-los
tantos moradores no local de destino.
diariamente.
157 – EXERCÍCIO PRÁTICO DE APLICAÇÃO DE COR NO GRAFITE. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte: Aplique cores bem vivas no desenho do grafite a seguir. Depois escreva uma frase de efeito
Se falarmos sobre os primórdios do
expressando a importância da música para as nossas vidas. Use o muro que está disponível e o proprietário
grafite, teremos que voltar milhares autorizou o seu grafite. Seja criativo!
de anos, quando os homens faziam
inscrições nas cavernas. Há exemplos
de intervenções feitas em locais
públicos já na época do Império
Romano. Na contemporaneidade,
essa manifestação artística está
relacionada principalmente ao hip-
hop, movimento cultural que teve
início no começo dos anos 70 nos
EUA pelas comunidades latinas, afro-
americanas e jamaicanas. No hip-hop
são três as vertentes da arte: rap
(música), breakdance (dança) e
grafite (pintura mural). O bairro
novaiorquino do Bronx foi o berço do
grafite, onde os primeiros desenhos
foram feitos com tinta spray.
Naquela época, os jovens utilizavam
a arte nas ruas como forma de
protesto. É importante ressaltar que
o grafite, inicialmente, foi uma arte
caracterizada pela autoria anônima.
O grafiteiro - ou writter -
transformava a cidade em um
suporte de comunicação artística
sem delimitação de espaço,
mensagem ou mensageiro. Com
efeito, o grafite é definido como mais
que uma linguagem artística, torna-
se assim, um importante
instrumento de protesto e de
transgressão dos valores
estabelecidos. Esse tipo de expressão
possibilitou a comunicação entre os
moradores da cidade, a união de
muitas culturas que coexistem; em
outras palavras, facilitou a fusão
entre o centro e a periferia.
158 – EXPERIMENTAÇÃO PRÁTICA: SE EXPRESSANDO PELO ESTÊNCIL. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte – Construindo um estêncil: Observe e siga

atentamente as instruções a seguir para você construir o seu
estêncil e praticar uma das vertentes da street art.
159 – PRÁTICA DE DESENHO EM QUADRANTES. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte: Observe as imagens apresentadas.

Elas estão divididas em por linhas horizontais e
verticais que formam 6 quadrantes. No espaço ao
lado você praticará suas habilidades em desenho
seguindo as orientações desses quadrantes para
realizar a atividade. Ao desenhar, procure estruturar
cada elemento em seu devido quadrante,
começando com formas geométricas simples e
linhas soltas. Aprimore seu desenho acrescentando
detalhes mais precisos e áreas de luz e sombra.
160 – EXERCÍCIO INTERPRETATIVO: A ARTE E SUA INTELECTUALIDADE. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Observe as imagens a seguir: A IMPORTÂNCIA DA ESCOLA BAUHAUS: Paul Klee e Wassily
O grupo “Cavaleiro Kandinsky foram professores da Bauhaus, a mais importante
Azul”, de inspiração escola de design e arquitetura do século XX. O nome
expressionista, foi Bauhaus é composto das palavras de origem alemã “bau”
liderado por Wassily (construção) e “haus” (casa) – casa da construção, sendo a
Kandinsky e tinha entre inversão da palavra “Hausbau” (construção da casa).
seus principais O Centro Paul Klee abriga a maior coleção A escola foi fundada
integrantes Franz Marc individual do mundo, com pinturas, aquarelas e em 1919 pelo alemão
e Paul Klee. O desenhos de Paul Klee. A coleção possui obras Walter Gropius,
“Cavaleiro Azul” tinha que Paul Klee recebeu de presente de Kandinsky, considerado um dos
como objetivo o Franz Marc e Alexej von Jawlensky, artistas com principais nomes da
desenvolvimento de os quais estabeleceu relações de amizade. O arquitetura do século
uma arte pessoal, centro é um polo de pesquisa importantíssimo XX. A Bauhaus
centrada na meditação. que abriga 4 mil obras de um dos fundadores da representou um
Seus artistas buscavam arte abstrata, e seu acervo compreende quase a marco no design, na
analisar a natureza e o metade da obra deixada pelo artista. A arquitetura e na arte
homem por meio de nomenclatura “Centro” distingue o local de um moderna.
experiências, sensações museu, pois sua concepção de espaço e de Seus fundadores tinham a intenção de unir as artes e os
e sentimentos mostras engloba várias formas de apresentações ofícios em uma só instituição, oferecendo cursos de
individuais. das obras. O projeto arquitetônico, que tem os arquitetura, escultura, pintura e desenho industrial. A escola
Alpes suíços como pano de fundo, lembra três revolucionou o design ao unir formas e linhas simplificadas
O nome do grupo teve origem na paixão do artista alemão Franz
colinas, e cada uma delas abriga uma área distinta que garantiam ao objeto a mesma importância funcional e
Marc por cavalos e no amor de Kandinsky pela cor azul. O que
do centro: a primeira é destinada a concertos, estética. O principal campo de estudos da Bauhaus era a
unificava seus integrantes era o uso da luminosidade e da
apresentações teatrais, leituras, programas arquitetura, tendo surgido com a intenção de criar casas
textura e o emprego dos sentimentos em suas obras.
acadêmicos e oficinas, de modo a promover o populares de baixo custo, porém, havia espaço para outras
Praticar a arte: Com seus colegas, reflita sobre as semelhanças acesso à obras ilustrativas, musicais, literárias e expressões artísticas. A Bauhaus também publicava uma
entre o grupo “Cavaleiro Azul” e o Expressionismo e indique pedagógicas de Klee; a segunda é destinada à revista com o mesmo nome da instituição, além de uma
elementos que os aproximam. Registre suas conclusões: exposições, e as obras do artista são substituídas série de livros. Em meio à guerra e aos conflitos políticos,
________________________________________________________________
________________________________________________________________
regularmente, organizadas por tema, após uma série de perseguições por parte do governo
________________________________________________________________ promovendo o giro do acervo; e a terceira abriga nazista, a escola foi fechada. Com o passar do tempo, o
________________________________________________________________ uma seção especial de pesquisa, que assume o projeto inicial do edifício sofreu modificações, e no ano de
________________________________________________________________ importante papel de centro de competência 1994 um projeto de restauro, que durou 13 anos,
________________________________________________________________
científica. Portanto, cada “colina” apresenta um aproximou o prédio de sua condição original.
________________________________________________________________
________________________________________________________________ caráter distinto do artista:
________________________________________________________________ Klee pesquisador e musicólogo – centro de
________________________________________________________________
________________________________________________________________ pesquisa.
________________________________________________________________ Klee músico – Grande sala de concerto.
________________________________________________________________ Klee pedagogo – Espaço dedicado às crianças.
____________________________________________________________
161 – EXPLORANDO SABERES: LINHAS E HACHURAS. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte: Conhecendo os diferentes modelos 2. Faça traços seguindo a classificação: 3. Utilize os quadros a seguir para exemplificar preenchimentos
de linhas e suas aplicações, desenvolva os exercícios com:
a seguir usando a sua criatividade e seu gesto.
1. Faça linhas seguindo a classificação:
4. Quais são as três expressões artísticas de Paul Klee?

_______________________________________________________________________
___________________________________________________________________
5. Q al a orige do gr po expressionista “Ca aleiro Az l”?
_______________________________________________________________________
__________________________________________________________________
6. Kandinsky e Paul Klee foram professores de qual instituição?
__________________________________________________________________
7. Onde está situado o Centro Paul Klee?
__________________________________________________________________
8. O projeto do Centro Paul Klee apresenta um conceito inovador, atuando
em três áreas distintas. Quais são elas?
_______________________________________________________________________
__________________________________________________________________
9. Complete as informações a seguir:
A Bauhaus foi fundada na ________________ em 1919, após a Primeira
Guerra Mundial, por Walter Gropius, com a intenção de unir
____________________ em uma só instituição, oferecendo cursos de
arquitetura, _____________, _____________ e desenho industrial.
10. A escola Bauhaus foi responsável por qual revolução?
__________________________________________________________________
162 – CONCEITUAÇÃO E EXPERIMENTAÇÃO SOBRE GRAFISMOS AFRICANOS. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Grafismos africanos: A arte africana chegou ao Brasil por meio dos escravos, e a Praticar a arte: Desenhe com linhas uma figura geométrica qualquer e pense em como ela
cultura brasileira absorveu muitos de seus elementos artísticos, que se fundiram a será quando você construir a repetição para produção do grafismo. Você pode desenhar
elementos indígenas e portugueses gerando novos componentes artísticos e mais de uma figura geométrica e combiná-las na repetição.
constituindo a arte afro-brasileira. Na música, encontramos a influência no samba,
no afoxé, no ijexá, no maracatu e em muitos outros gêneros. Além disso, os africanos
também trouxeram para cá instrumentos, como a cuíca, o berimbau, o agogô e o
afoxé. Desse modo, a cultura africana deu o ritmo para a música brasileira. Nas artes
visuais, podemos citar a influência da arte africana principalmente na geometrização
e na abstração, características absorvidas por muitos artistas do século XX. Os
grafismos também são um legado da arte africana para nossa cultura, e são muito
utilizados na decoração de utilitários e em vestimentas. As linhas são a essência dos
grafismos.
Praticar a arte 2: Repita várias vezes o mesmo desenho formando um padrão. Aplique as
cores que desejar, preenchendo o fundo com uma cor vibrante. Depois, aplique o padrão
criado na estampa da modelo africana.
Os grafismos são criados com base em desenhos, geralmente, que se repetem

formando padrões. A replicação desses padrões dá origem ao grafismo propriamente
dito.
Se repetirmos o desenho várias vezes, teremos um padrão. Veja um exemplo:
163 – EXERCÍCIO PRÁTICO DE CRIAÇÃO DE GRAFISMOS AFRICANOS. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte: Observe os exemplos de grafismos

africanos a seguir e inspire-se para criar um
marcador de páginas utilizando monocromáticas ou
policromáticas.
164 – O PONTO E A LINHA NAS DIFERENTES ARTES. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
O ponto e a linha na canção: Em A Linha e o Linho O Ponto e a Linha na Arte: O ponto e a linha são elementos essenciais para a comunicação
“A linha e o linho”, Gilberto Gil Gilberto Gil visual. O ponto é a unidade mais simples do desenho e a linha, a unidade expressiva.
cria uma metáfora entre a É a sua vida que eu quero
construção de um bordar na minha.
relacionamento a dois com o ato Como se eu fosse o pano e
de bordar, isto é, de construir você fosse a linha.
uma imagem a partir do E a agulha do real nas mãos
entrelaçamento de linhas no da fantasia.
tecido. Não à toa, desde o Fosse bordando ponto a
Para realizar um bordado, necessitamos de linha e de pontos: as linhas são os fios utilizados e os
primeiro verso, o autor informa ponto nosso dia-a-dia. pontos, os elementos de costura ou bordado. As linhas podem ser de algodão, seda, poliéster, linho,
seu desejo de bordar a vida de plástico, metal, entre outros materiais, e os pontos podem ser de linhavo, haste, cruz, reto, cheio,
sua amada na sua, como se ela E fosse aparecendo aos entre outros.
fosse a base para a construção poucos nosso amor. Praticar a arte 1: A canção “A Linha e o Linho”, do Praticar a arte 2: Como o ponto e a linha podem
de um bordado que surgiria à Os nossos sentimentos artista Gilberto Gil, relaciona o bordado a quê? ser usados no bordado? Ilustre em sua resposta o
loucos, nosso amor. Como essa relação pode ser percebida? uso desses elementos. Você pode experimentar
medida que ambos fossem
misturando suas vidas. Desse O zig-zag do tormento. Transcreva um trecho da música para justificar a bordar seu desenho!
modo, surgiria o “amor”, os As cores da alegria. sua resposta.
A curva generosa da ______________________________________________________
“sentimentos loucos”, a “casa” e ______________________________________________________
seus utensílios etc. Se tomamos compreensão.
______________________________________________________
Formando a pétala da rosa ______________________________________________________
consciência de que a palavra
da paixão. ______________________________________________________
“texto” é sinônima de “tecido”, ______________________________________________________
Sua vida, meu caminho,
daí o termo “indústria têxtil” nosso amor. ______________________________________________________
para designar o conjunto de ______________________________________________________
Você a linha e eu o linho, ______________________________________________________
fábricas de tecido, e a letra dessa nosso amor. ______________________________________________________
canção adquire a mesma ______________________________________________________
Nossa colcha de cama. ______________________________________________________
dimensão das grandes obras
Nossa toalha de mesa. ______________________________________________________
literárias, graças à riqueza de sua Reproduzidos no bordado. ______________________________________________________
linguagem e ao uso da alegoria. A casa, a estrada, a ______________________________________________________
Observe, ainda, que o ponto, ______________________________________________________
correnteza.
______________________________________________________
elemento fundamental da O sol, a ave, a árvore, o ______________________________________________________
linguagem visual, aparece de ninho da beleza. ______________________________________________________
uma nova forma, agora
compondo o bordado e, por
associação, o amor, que é tema
da canção.
165 – EXERCÍCIO PRÁTICO: CRIANDO UM SAMPLER. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Sampler, ou panos de amostra, são pedaços de Praticar a arte: Faça o esboço do seu desenho no
Faça um desenho com caneta
tecidos típicos do século XVIII, bordados com temas espaço a seguir para depois você bordar.
na folha mais fina.
do cotidiano, como casas, árvores, animais, plantas,
figuras geométricas, letras do alfabeto ou textos
com mensagens positivas.
Pontilhe seu desenho na folha

fina utilizando um lápis. Os
pontos deverão ficar espaçados,
com uma distância uniforme de
aproximadamente 1 cm um do
outro.
Coloque o desenho sobre o
papel que você irá bordar e
prenda-o com uma fita adesiva
para não sair do lugar. O tecido
deverá ficar embaixo do papel a
ser bordado.
Com uma agulha faça os furos
Que tal se você fizesse o
transpassando o desenho e a
seu próprio Sampler, folha que será bordada.
contando histórias por
meio de bordados? Pense
em algum momento da
sua vida que vale a pena Comece o bordado ligando os
ser bordado: momento pontos.
feliz, uma pessoa amada,
um presente especial, um
sentimento bom etc.
Confira os materiais Antes de começar a bordar,
necessários na lista ao
escolha as cores que pretende
lado.
utilizar em seu trabalho.
166 – CONSTRUINDO UMA MANDALA DE ARGILA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
A palavra “Mandala” vem do sânscrito e significa “círculo”. A mandala é

um diagrama feito com figuras geométricas que se fundem. As
primeiras mandalas da história surgiram no Tibete, no século VII, e
eram usadas como instrumentos de meditação. Hoje em dia, as
mandalas também são usadas como objeto de decoração.
Praticar a arte 1: A proposta é você construir uma mandala em argila utilizando apenas pontos, para perceber como esse elemento de composição do desenho é
relevante também nas esculturas.
Praticar a arte 2: Observe com atenção as duas “O ponto geométrico é um ser invisível. Portanto,
deve ser definido como imaterial. Do ponto de vista
imagens, procurando resgatar os conceitos de linha e
material, o ponto é igual à zero. O ponto
de ponto e tentando compreender como esses geométrico é, de acordo com nossa concepção, a
elementos foram usados na composição dessas derradeira e a única união do silêncio e da palavra.
imagens. Depois disso, selecione uma delas e, com A linha geométrica é um ser invísivel. É o rastro do
base no texto de Kandinsky, procure analisar a ponto em movimento, logo seu produto. Ela nasceu
do movimento, e isso pela aniquilação da
presença do ponto e da linha. Você pode usar a imobilidade suprema do ponto. Produz-se aqui o
citação para compor sua resposta. Lembre-se de salto do estático para o dinâmico. A linha é, pois, o
indicar no texto qual imagem você escolheu. Depois maior contraste do elemento originário da pintura,
de pronto, socialize seu texto com seus colegas de que é o ponto. Na verdade, a linha pode ser
classe. Ao final, todas as produções podem ser considerada um elemento secundário”
expostas.
167 – ANÁLISE DA OBRA: “COMPOSIÇÃO VIII”, DE WASSILY KANDINSKY. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Leia o texto e observe a imagem: Praticar a arte 1: Você consegue perceber elementos que remetem à música na obra “Composição VIII”, ilustrada ao
lado? Reconhece nela os elementos estudados sobre linha e ponto? Qual a relação estabelecida entre os pontos e as
linhas na obra? Kandinsky associava as cores aos sons. Você consegue perceber alguma relação entre as cores da obra e
a música? Observe esses elementos na obra de arte e componha sua análise do quadro, atentando para a influência
musical nas criações de Kandinsky.
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Os violinos, os tons profundos dos baixos, e ____________________________________________________________________________________________________________________
especialmente os instrumentos de sopro,
representavam para mim, naquele tempo, Praticar a arte 2: Wilhelm Richard Wagner foi um maestro,
toda a potência daquela hora crepuscular. compositor, diretor de teatro e ensaista alemão, primeiramente
Eu vi todas as cores no meu espírito; elas conhecido por suas óperas. Ouça uma de suas músicas e, assim
estavam defronte dos meus olhos. como fez Kandinsky, inspire-se nela para criar uma composição
Linhas selvagens, quase loucas, estavam desenhadas à utilizando linhas e pontos. Aplique as cores que desejar.
minha frente. Não me atrevi a usar a expressão que
Wagner tinha pintado musicalmente a minha obra.
Kandinsky teve grande influência da música em suas

composições plásticas, principalmente Wagner e
Schöenberg, como é possível perceber pelo relato e
pela obra chamada por ele de “Composição”. O
artista se inspirava em melodias, silêncios, sons,
pausas, arranjos e afins para compor uma linguagem
visual, formada por pontos e linhas, se
assemelhando à música.
168 – A REPRESENTAÇÃO HUMANA NA HISTÓRIA DA ARTE. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Arte Rupestre: As Os egípcios, por sua vez, mesmo Nesse longo e produtivo período da
primeiras pinturas rupestres dominando o processo de mumificação e história europeia, ocorreram
antropomórficas, isto é, que conhecendo bem a anatomia do corpo importantes transformações culturais,
tem o homem como tema humano, ainda faziam representações sobretudo nas Artes, na Filosofia e nas
datam, de pelo menos, 40 artísticas do homem de maneira Ciências. Leonardo da Vinci e Andreas
mil anos e podem ser simplificada. Chegando à Grécia arcaica, Vesalius destacaram-se por seus
encontradas na Europa e na encontramos uma aproximação maior estudos de anatomia, nos quais
Ásia. entre a representação humana e o corpo dessecavam corpos para visualizar as
A arte rupestre é considerada a expressão mais antiga da humano real. estruturas dos organismos e, assim,
humanidade, pois são registros que resistiram ao tempo. Essas Avançando alguns séculos formular teorias sobre o corpo
pinturas são, em sua grande maioria, representações esquemáticas na história da humanidade, humano, influenciando artistas dos
e emblemáticas que se referem a atividades cotidianas e chegamos à arte greco- séculos XVI e XVII. O pesquisador e
cerimoniais. Embora alguns historiadores não concordem que a romana, que representa o artista Leonardo da Vinci apresentou
arte rupestre possa ser chamada de arte, por não se tratar de uma movimento humano com um dos primeiros estudos sobre a
expressão estética e artística, mas sim de uma forma de expressões dramáticas, anatomia humana, mas foi Andreas
representação com a finalidade de apenas comunicar, esse tipo de revelando maior Vesalius quem promoveu a revolução
arte nos apresenta muito do que foi o homem e como ele lidava aproximação com a nos estudos da anatomia humana,
com o mundo ao seu redor. As pinturas rupestres mais antigas de fisionomia humana. aprofundando o conhecimento dos
que se tem notícia são desenhos zoomorfos, que representam músculos e das formas corporais, o
animais, e desenhos antropomorfos, que representam os próprios que teve implicações diretas na forma
homens. Os desenhos fitomorfos, que representam as plantas, são como o ser humano se enxergava e se
encontrados em menor quantidade. No decorrer da história da representava.
humanidade, as representações antropomorfas foram se tornando
menos estilizadas e mais relacionadas à anatomia.
A humanidade em detalhes:
Com o passar dos anos, o
desenvolvimento de técnicas artísticas
e da própria humanidade permitiu que
as representações humanas tivessem No Renascimento italiano, a anatomia passa a ser um
cada vez mais detalhamento. Na arte elemento importante para a qualificação de um
suméria, produzida no terceiro milênio artista, ou seja, ele era conhecido e valorizado pela
antes de Cristo, por exemplo, a figura compreensão que possuía das formas do corpo
humana era representada de maneira humano.
mais próxima ao real em relação à arte
rupestre.
169 – EXERCÍCIO DE ANÁLISE E OBSERVAÇÃO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a Arte 1: Com base na observação das imagens a seguir e das Praticar a Arte 2:
características da arte egípcia arcaica e da arte renascentista, escreva com suas No Egito Antigo,
palavras qual a principal diferença na forma de representação humana e qual a dança
conclusão você pode apresentar sobre as diferenças de ambas. ritualística,
atrelada ao culto
dos deuses,
intencionava
ligar o ser
humano ao
divino. Na
atualidade, em
diversas regiões
brasileiras, a
dança continua
tendo essa
função,
sobretudo, para
as tradições
________________________________________________________________________________________ ____________________________________________________________________
populares. ____________________________________________________________________
________________________________________________________________________________________
________________________________________________________________________________________
Articulando as ____________________________________________________________________
________________________________________________________________________________________ imagens a seguir ____________________________________________________________________
________________________________________________________________________________________ ____________________________________________________________________
com seus ____________________________________________________________________
________________________________________________________________________________________
________________________________________________________________________________________
conhecimentos ____________________________________________________________________
________________________________________________________________________________________ prévios, procure ____________________________________________________________________
________________________________________________________________________________________ ____________________________________________________________________
estabelecer os ____________________________________________________________________
________________________________________________________________________________________
________________________________________________________________________________________
pontos de ____________________________________________________________________
________________________________________________________________________________________ aproximação e ____________________________________________________________________
________________________________________________________________________________________ ____________________________________________________________________
de diferença ____________________________________________________________________
________________________________________________________________________________________
________________________________________________________________________________________
entre a dança ____________________________________________________________________
________________________________________________________________________________________ sagrada para os ____________________________________________________________________
________________________________________________________________________________________ ____________________________________________________________________
egípcios e a ____________________________________________________________________
________________________________________________________________________________________
________________________________________________________________________________________
congada ____________________________________________________________________
________________________________________________________________________________________ brasileira. ____________________________________________________________________
________________________________________________________________________________________ ____________________________________________________________________
________________________________________________________________________________________ ____________________________________________________________________
____________________________________________________________________________________ ____________________________________________________________________
170 – O AUTORRETRATO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
O autorretrato é definido Praticar a arte 1: Tentando perceber as semelhanças e as Praticar a arte 3: O desejo de representação de si mesmo
como a representação que diferenças com a atualidade, bem como os motivos que podem parece ter sido algo que perpassou toda a história humana,
alguém faz de si mesmo, e ter levado os primeiros seres humanos a desenhar a si mesmo, desde as sociedades primitivas até às atuais selfies. Explique
teve grande repercussão na converse com seus colegas sobre as seguintes questões e registre como e por que é possível estabelecer um paralelo entre as
suas conclusões: representações do período da Renascença e as do atual. Use
Renascença, com a prática
as imagens a seguir para basear sua resposta.
de os pintores se a) Os motivos das representações rupestres eram os mesmo dos
autorretratarem. Essa que temos hoje ao fazer pinturas ou tirar fotos?
_________________________________________________________________
técnica era usada para _________________________________________________________________
treinar a anatomia nos _________________________________________________________________
quadros, tendo o próprio _________________________________________________________________
_________________________________________________________________
corpo como modelo, _________________________________________________________________
quanto como maneira de _____________________________________________________________
expressar os sentimentos e b) Como a reprodução das imagens ajuda na identificação de si
sensações do artista, como mesmo e do outro?
a tristeza ou alegria. A _________________________________________________________________
_________________________________________________________________
representação de si mesmo _________________________________________________________________ ____________________________________________________________
perpassa a história, _________________________________________________________________ ____________________________________________________________
indicando, possivelmente, a _________________________________________________________________ ____________________________________________________________
_________________________________________________________________ ____________________________________________________________
vontade do ser humano de _____________________________________________________________ ____________________________________________________________
se compreender e se situar ____________________________________________________________
no mundo. As famosas Praticar a arte 2: Nos quadros a seguir existem características da ____________________________________________________________
“selfies” atuais, por representação humana em diferentes períodos históricos. Associe ____________________________________________________________
____________________________________________________________
exemplo, possuem um essas características às imagens expostas:
processo semelhante: uma Praticar a arte 4: Levando em conta a representação
pessoa que representa a si humana ao longo da história, indique verdadeiro (V) ou falso
mesma, pela fotografia, e (F) para as afirmativas a seguir:
compartilha isso com outras No Renascimento italiano a anatomia passa a ser um
elemento importante, visto que os artistas não procuravam
pessoas. Pelo autorretrato, representar o corpo de maneira realista.
ou selfie, preserva-se não Apesar de os egípcios terem uma técnica para a
apenas a imagem dos mumificação e ciência corpórea muito avançada, as suas
indivíduos, mas quais são representações humanas eram bastante rudimentares.
seus hábitos, costumes, Na atualidade, com o avanço da fotografia, não se tem mais
roupas, ambientes e afins, o interesse em retratar os sujeitos e seus ambientes.
registrando, portanto, a As populares e polêmicas selfies são uma forma de
própria história social autorretrato atual, que podem ser facilmente tiradas e
publicadas.
dessas pessoas.
171 – A XILOGRAVURA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
A xilogravura é uma gravura talhada na madeira e, posteriormente, impressa em papel.

A madeira talhada, chamada de matriz, permite que a mesma gravura seja impressa
diversas vezes, em uma técnica muito semelhante à impressão de livros antigos, em
que, por meio de outros suportes, era possível imprimir várias cópias de um mesmo
livro. De provável origem chinesa, a xilogravura chegou ao Brasil trazida pelos
portugueses e desenvolveu-se em grande parte, por conta da literatura de cordel. Muito
populares no Nordeste brasileiro, tanto a literatura de cordel como a xilogravura
permitiram que o ser humano representasse suas histórias, seus mitos e a si mesmo.
Praticar a arte: Vamos

produzir uma xilogravura
como o tema “Como eu
me vejo”. Escolha uma
cena do seu cotidiano ou
um autorretrato para
produzir sua matriz e
suas gravuras. Para isso,
siga as orientações a
seguir para criar uma
gravura em relevo com
material alternativo. Você
vai utilizar materiais
simples, para fazer a
impressão de uma
imagem em relevo, a fim
de experimentar e
entender um pouco como
funciona a gravura e o
processo de impressão.
172 – EXPERIMENTAÇÃO POÉTICA: LITERATURA DE CORDEL. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte: Observe a imagem abaixo e leia com _________________________________________________________

_________________________________________________________
atenção o cordel, procurando resgatar seus _________________________________________________________
conhecimentos sobre a representação humana nas _________________________________________________________
artes e a importância da xilogravura nesse processo. _________________________________________________________
_________________________________________________________
A seguir, componha um pequeno poema rimado, _________________________________________________________
assim como os cordéis do Nordeste brasileiro, _________________________________________________________
contando a história que se passa nessa imagem. _________________________________________________________
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173 – A DANÇA: O CORPO SE MOVIMENTANDO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
O movimento corporal na dança, independente Assim, para a dança acontecer, é preciso que os fatores
de seu estilo e gênero, dá-se por meio de de movimento se combinem, e é a diversidade de
quatro fatores, que são o tempo, o espaço, o combinações a responsável pelas mais variadas formas
peso e a fluência. O tempo está relacionado de movimento. Isso é importante para
ao ritmo, à duração e à velocidade. Em relação compreendermos, inclusive, os movimentos da dança
ao espaço, compreendem-se as seguintes contemporânea, que, muitas vezes, não tomam como
características: direções (acima, abaixo, lado, base nenhuma referência externa, como outra obra
A dança é uma linguagem artística que utiliza o corpo
frente, trás e diagonais), dimensões (pequeno, artística, por exemplo, mas usam apenas a questão do
para se expressar. É uma arte que, entre outros
médio e grande), planos (baixo, médio e alto) e corpo e os elementos da dança.
elementos, depende do tempo, do espaço e do
extensões (perto, médio e longe). A história da dança: A dança parece acompanhar a humanidade
movimento corporal. O tempo está relacionado à desde o princípio de sua história, cumprindo diversas funções ao
velocidade e ao ritmo com que os movimentos são longo do tempo. No Período Neolítico, o ser humano, que já não
executados, bem como à duração deles. Já o espaço tem era mais nômade, utilizava a dança para festejar a terra, o preparo
relação com o ambiente o qual o corpo dança e também para o plantio, a colheita e a fertilidade dos rebanhos. Assim,
vinculadas à agricultura e à criação de animais, foram encontradas
se refere a como o corpo dança em relação ao espaço, ao
inscrições rupestres que retratam seres humanos dançando,
seu próprio corpo, a outro corpo ou a um objeto. inclusive em roda. Já no Egito Antigo, as danças apresentadas nas
Praticar a arte: Agora, observando os instantes captados festas religiosas e nos funerais eram executadas em homenagem
pelo fotógrafo nas imagens anteriores, responda: aos deuses. Nessas danças, o corpo e seus movimentos no espaço
a) Procure pensar quais elementos da foto se relacionam se relacionavam, então, diretamente à religiosidade dessa
sociedade, sendo, portanto, elemento imprescindível para ela.
com o tempo. Também na Grécia Antiga, a dança integrava os rituais religiosos e
______________________________________________________________
______________________________________________________________ a educação dos gregos, fazendo, mais tarde, parte das
______________________________________________________________ manifestações teatrais, pelas quais os gregos são conhecidos até a
__________________________________________________________ atualidade. No século XIV, período da Baixa Idade Média marcado
b) E o espaço? Como ele está presente nas cenas? pela peste negra, epidemia que assolou a Europa, as pessoas
______________________________________________________________ passaram a dançar para espantar a morte. O corpo, seus
______________________________________________________________ movimentos e ações serviam, então, como espécie de amuleto
______________________________________________________________ contra o mau agouro. Nos séculos XV e XVI, período conhecido
__________________________________________________________ como Renascimento e que foi marcado por uma renovação social
c) Em sua opinião a dançarina consegue expressar O peso está relacionado à conquista da e cultural, as cortes reais passaram a contar com professores de
alguma mensagem através do seu corpo? Como? verticalidade, quando o bebê, ao se equilibrar dança. Assim, essa arte foi ficando cada vez mais elaborada, e
______________________________________________________________ por meio das pernas, consegue sustentar seu muitas danças foram criadas e apresentadas em bailes e
______________________________________________________________ peso. Dessa forma, as qualidades do peso celebrações da corte. Já a dança moderna nasceu nos últimos anos
______________________________________________________________ do século XIX e se consolidou nos primeiros anos do século XX. Ela
__________________________________________________________ podem ser “leve” ou “firme”, e também dessa visava romper com os fundamentos da dança clássica, adotando,
d) Esse tipo de dança te agrada? Por quê? intenção se diferenciam os movimentos. Já a por exemplo, pés descalços, troncos com novos movimentos e o
______________________________________________________________ fluência é o fator do movimento relacionado contato com o chão foi intensificado, os movimentos passaram a
______________________________________________________________ seguir outras técnicas e formas de organização.
______________________________________________________________ à sua precisão. Suas qualidades podem ser
___________________________________________________________ “livre” ou “contida”.
174 – A ORIGEM DO BALÉ CLÁSSICO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
O Balé Clássico: O balé clássico surgiu nas Ali, sob a direção do compositor italiano Jean-Baptiste Lully e de seu assistente, o professor de dança
cortes italianas, no início do século XVI, embora francês Pierre Beauchamps, o balé se tornaria um espetáculo mais sofisticado, conhecido como “Ópera-
não se saiba ao certo de onde veio a inspiração Balé” por combinar dança, diálogos e canto. Foi Pierre Beauchamps quem criou as cinco posições básicas
para os seus primeiros passos e coreografias. que são usadas no balé até hoje. Por volta do século XVIII, os espetáculos passaram por outra
Foi o termo italiano balletto (“dancinha”, transformação, concentrando-se mais na música e na dança.
“bailinho”) que deu origem à palavra francesa Foi nessa época também que as bailarinas começaram a se rebelar contra os vestidos
ballet. Na época, tratava-se de uma diversão que usavam até então e que limitavam os movimentos. Por causa dessa restrição, os
muito apreciada pela nobreza local. Tamanha homens eram os que tinham os papéis de destaque nos espetáculos. Como as
admiração pela dança levou a princesa italiana coreografias cheias de saltos e giros ganhavam espaço, as mulheres tiveram que
Catarina de Médici a introduzir o balé numa reagir. A belga Marie Ann Cupis de Camargo baixou os saltos de seus sapatos e
nova corte quando se casou com o rei da França encurtou suas saias para desenvolver melhor sua dança. Não por acaso, ela foi uma
Henrique II. das primeiras bailarinas importantes da história. O último momento marcante da
Catarina também fez questão de contratar o grande origem do balé ocorreu no século XIX, quando a italiana Marie Taglioni foi a pioneira a
coreógrafo italiano de então, Balthazar de dançar na ponta dos pés, hoje o movimento mais identificado com o balé clássico.
Beaujoyeulx. Aqui vale abrir um parênteses. O nome
verdadeiro do coreógrafo era Batazarini Di Posições clássicas Estes cinco movimentos marcam o início ou o fim de todos os
Belgioioso. A forma afrancesada, não só do nome passos:
dele, como de outros italianos que fizeram parte da 1. Os braços flexionados formam quase um círculo, com as
história do balé, tornou-se a mais conhecida, pois a mãos voltadas uma para a outra um pouco abaixo do
dança só se desenvolveu realmente quando chegou peito. Os pés precisam estar bem abertos, com os
entre os franceses, que espalharam seu sotaque em calcanhares se tocando.
tudo o que envolve essa arte. Em 1581, a companhia 2. Aqui os pés ficam bem abertos, como na posição
de Beaujoyeulx apresentava um espetáculo bem anterior, mas devem estar afastados um do outro. Os
diferente dos balés de hoje, reunindo não apenas braços flexionados são abertos ao lado do corpo sem
dança, mas também poesia, canto e uma orquestra ultrapassar a altura dos ombros.
musical. Esse formato variado entusiasmou os 3. Das posições básicas do balé, essa é a menos utilizada.
nobres franceses desde o início, mas o balé só Uma perna permanece à frente da outra, com o
atingiria seu apogeu no século seguinte, na corte do calcanhar da primeira perna tocando o meio do pé que
rei Luís XIV. Grande entusiasta da dança, Luís XIV está atrás. Um dos braços fica como na posição 1 e o
também era bailarino, tanto que recebeu o apelido outro é aberto para o lado como na posição 2.
de Rei Sol por causa da sua participação no 4. As pernas permanecem uma na frente da outra, como
espetáculo Ballet de La Nuit, no qual vestia uma na posição anterior. A diferença é que os pés se afastam
fantasia muito brilhante, lembrando o grande astro. 30 centímetros. Os dois braços são mantidos
Em 1661, Luís XIV fundou a Accademie Royale de flexionados, mas um deles é erguido acima da cabeça.
Musique, que abrigava uma escola de balé. 5. Com uma perna à frente da outra, o calcanhar do pé da
frente fica na altura da ponta do pé de trás. Aqui os dois
braços devem ser erguidos ao mesmo tempo, mantendo
as mãos distantes quatro dedos uma da outra.
175 – EXERCÍCIO DE INTERPRETAÇÃO SOBRE A DANÇA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte 1: A dança está presente na vida do ser c) A partir dos conceitos sobre dança, complete a palavra d) A dança contemporânea traz diversas
humano desde os primórdios. Como uma linguagem cruzada seguindo as indicações a seguir: proposições que muitas vezes diferem do balé
artística, contudo, existem diferenças entre estilos e clássico. Observe as imagens abaixo, que
gêneros da dança, por exemplo, entre o balé clássico e a mostram uma apresentação de balé clássico e
dança contemporânea. Converse com seus colegas e uma apresentação de dança contemporânea,
reflita sobre o assunto, registrando suas respostas. procurando relacionar as características
a) Quais são os aspectos distintos entre o balé clássico adequadas a cada uma delas.
e a dança contemporânea? Pense em questões
sobre cenário, figurino, técnicas etc.
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b) Ao longo da história, a dança cumpriu muitos
papéis. Faça uma breve pesquisa e descubra quais
outras finalidades a dança teve desde a Pré-História.
Elas ainda podem ser percebidas nos dias atuais?
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________________________________________________________ HORIZONTAIS:
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1. A dança é uma arte que, entre outros elementos, depende do tempo, do espaço e do
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___________ corporal.
________________________________________________________ 2. O ________está relacionado à conquista da verticalidade, quando o bebê, ao se ____________________________________________________
________________________________________________________ equilibrar por meio das pernas, consegue sustentar seu peso.
________________________________________________________ ____________________________________________________
3. Na Grécia Antiga, a dança integrava os rituais ________ e a educação dos gregos.
________________________________________________________ VERTICAIS: ____________________________________________________
________________________________________________________ 4. No Período _________, o ser humano, que já não era mais nômade, utilizava a dança ____________________________________________________
________________________________________________________ para festejar a terra, o preparo para o plantio, a colheita e a fertilidade dos rebanhos. ____________________________________________________
________________________________________________________ 5. Já a ________ é o fator do movimento relacionado à sua precisão. Suas qualidades
podem ser “livre” ou “contida”.
____________________________________________________
________________________________________________________ ____________________________________________________
6. O _______ está relacionado ao ritmo, à duração e à velocidade.
________________________________________________________
7. No _______ Antigo, as danças apresentadas nas festas religiosas e nos ____________________________________________________
________________________________________________________
________________________________________________________ funerais eram executadas em homenagem aos deuses. ____________________________________________________
_____________________________________________________ 8. O Renascimento foi marcado por uma renovação social e cultural, as cortes ____________________________________________________
reais passaram a contar com __________de dança.
176 – EXERCÍCIO DE LEITURA DE IMAGEM: O BREAK DANCE. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte 1: Nos anos 90, dentro dos grandes _________________________________________________________ Praticar a arte 2: Escolha um dos passos do break
_________________________________________________________
centros urbanos, surgiu um movimento do hip-hop, _________________________________________________________ apresentados ao lado e faça um desenho inspirado
englobando como característica musical o rap e _________________________________________________________ nele. Aplique as cores que desejar.
como traço performático corporal o break. Essa _________________________________________________________
_________________________________________________________
dança possui uma série de características _________________________________________________________
particulares semelhantes a algumas criações em _________________________________________________________
dança contemporânea. Observando as imagens _________________________________________________________
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abaixo, descreva algumas características do break. _________________________________________________________
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177 – PESQUISA SOBRE AS DANÇAS BRASILEIRAS. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte: A dança, assim como a música, apresenta gêneros diferentes. Na dança brasileira, por exemplo, de acordo com cada região do país, temos um tipo diferente, como
a catira, o frevo, o jongo e o bumba meu boi. Escolha uma dessas modalidades e pesquise a região de origem, os traços principais, o vestuário e a música de acompanhamento.
178 – AS INFLUÊNCIAS INDÍGENA E AFRICANA NA ARTE DO BRASIL. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Data de 6.000 a.C. a origem dos A cultura popular brasileira é um grande mosaico formado por diversas culturas. As influências
primeiros artesãos, que usavam indígena e africana, por exemplo, no que diz respeito à arte, permaneceram no âmbito da
técnicas manuais para polir pedras, música, das práticas manuais, dos materiais e suportes, entre tantas outras manifestações.
fabricar cerâmicas e tecer fibras Algumas regiões receberam maior influência indígena, enquanto outras têm uma cultura
animais e vegetais com o intuito de bastante africanizada, por causa do processo de colonização, que não foi igual em toda a
construir artefatos relacionados às extensão territorial do Brasil. Assim, no Norte é nítida a influência indígena, no sertão há uma
necessidade do cotidiano, mescla lusitana e indígena, com menor participação africana. No Nordeste e no Sudeste são
produzindo, em sua grande maioria, encontradas influências africana e indígena, e no Sul, influências italiana e alemã, derivadas de
objetos utilitários. No Brasil, a ciclos coloniais distintos. Quando os europeus chegaram ao Brasil, no século XV, o artesanato
prática do artesanato não foi produzido pelos povos indígenas que aqui habitavam já era muito desenvolvido. Os indígenas
diferente: os nativos também aplicavam técnicas sofisticadas de pintura, com o uso de pigmentos naturais, de cestaria, de
tiveram uma produção extensa de cerâmica e de arte plumária. Alguns desses povos se destacaram na produção de cerâmica,
objetos de uso cotidiano, entre eles os Marajoaras e os Tapajós, cuja técnica, estilo e estética estão presentes no
construídos com matérias-primas artesanato local até os dias atuais. A escolha do tipo de artesanato praticado dependia,
disponíveis em suas regiões. sobretudo, dos recursos naturais do lugar onde esses povos viviam. Assim, os indígenas da Ilha
Praticar a arte: Observe atentamente as imagens de Marajó, no Pará, desenvolveram o artesanato em cerâmica por que encontravam argila de
das cerâmicas marajoaras mostradas anteriormente excelente qualidade na região, já os índios estabelecidos às margens do rio Oiapoque, no
e procure refletir. Amapá, foram exímios artesãos de objetos em pedra, por disporem do material em
a) Qual deve ter sido a função dessas peças? abundância. A arte marajoara é considerada a mais antiga arte cerâmica do Brasil e uma das
_________________________________________________________ mais antigas das Américas.
_________________________________________________________
_________________________________________________________
O artesanato indígena, principalmente o marajoara, é uma das mais admiráveis e significativas expressões da
_________________________________________________________ arte popular brasileira, tendo sido muito valorizado no início do século XX. As influências indígenas foram
_________________________________________________________ marcantes em diversas áreas. Após três séculos de colonização, os portugueses difundiram sua língua e
_________________________________________________________
_________________________________________________________
cultura por todo o território brasileiro, mas também tomaram de empréstimo centenas de termos, traços e
______________________________________________________ contribuições indígenas. No início do século XX, com o intuito de constituir uma expressão própria,
b) Você consegue identificar alguma imagem na distanciando-se dos padrões europeus e em favor da nacionalização das artes, a classe intelectual e artística
urna? Descreva-a. brasileira passou a considerar a cultura indígena como raiz da cultura nacional. A cultura do índio passou a ser
_________________________________________________________ tão valorizada que termos indígenas começaram a serem utilizados para dar nomes a edifícios, ruas, praças,
_________________________________________________________
_________________________________________________________
obras de arte e rádios. O índio tornou-se também um símbolo das representações artísticas.
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179 - AS INFLUÊNCIAS AFRICANAS NA ARTE DO BRASIL. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
A cultura africana foi capaz de influenciar toda a cultura musical das Américas com seus ritmos. No Brasil, esses reflexos não foram diferentes: a percussão, a
melodia e as batidas advindas da África, sobretudo das regiões hoje correspondentes a Angola, Moçambique, Cabo Verde e Guiné Bissau, ajudaram a configurar a
música brasileira. Desse modo, a união dos ritmos africanos com a melodia trazida na bagagem cultural do colonizador português resultou na música brasileira, tão
valorizada em todo o mundo. O samba, hoje conhecido mundialmente, é um exemplo desse legado africano e português para o Brasil. Foram os instrumentos de
percussão, usados para fins religiosos e trazidos pelos negros escravizados, que contribuíram para a construção da batida do samba de roda, juntamente com a
polca portuguesa.
CONHECENDO O ARTISTA: Theodoro José da Silva Braga.
Theodoro José da Silva Braga (1872-1953) foi pintor, historiador de arte, ilustrador,
decorador e professor. Estudou paisagismo e posteriormente, formou-se pela Escola
Nacional de Belas Artes do Rio de Janeiro. Braga foi um dos grandes nomes envolvidos
no processo de descobrimento e construção de uma manifestação artística nacional,
que valorizasse os cenários, as influências e as características particulares do Brasil. Em
temporada na França, especializou-se no gênero “pintura histórica”. A obra ao lado foi
encomendada pelo governo municipal de Belém como um registro da fundação da
cidade. O artista também foi responsável por criar um repertório visual manuscrito,
denominado “A Planta Brasileira (Copiada do Natural) Aplicada à Ornamentação”, na
qual registrou os padrões da fauna e da flora nacional e da cerâmica produzida por
culturas indígenas (especialmente a marajoara, com suas tramas geométricas), para ser
utilizado como modelo em obras utilitárias do estilo Art Déco, efervescente na época.
Dentro das grandes influências que a arte indígena exerceu na consolidação de um estilo
nacional das artes visuais, o Art Déco (lê-se “Arte decô”, expressão francesa para “arte
decorativa”), surgido em Paris em 1925 como um estilo luxuoso de produção artística, pautado
no cotidiano e a serviço da burguesia, foi um dos que mais se apropriaram de elementos
característicos das produções indígenas em território brasileiro. Esse estilo, especialmente
dedicado à produção de objetos utilitários, portanto muito presente no desenho industrial e na
decoração, caracterizou-se pelo uso de novos materiais e pela geometria acentuada, retilínea e
simétrica. O Art Déco tomou de empréstimo os padrões de labirintos e ziguezagues e as tramas
geométricas indígenas, sobretudo, as da produção marajoara. A influência da arte indígena no
estilo Art Déco pode ser observada nas imagens a seguir:
180 – ARTE INDÍGENA E AFRICANA: EXERCÍCIOS DE INTERPRETAÇÃO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte: Realize as atividades interpretativas a 2. Em sala de aula, procurando socializar e construir 3. As influências africana e indígena da arte brasileira foram
seguir tomando como base os conteúdos sobre influência conhecimentos converse com seus colegas sobre as fundamentais no processo de consolidação de uma arte
indígena e africana na cultura brasileira. influências artísticas, assim como as trocas, no nacional. A seguir, uma série de imagens retrata objetos
1. Observe as imagens a seguir e assinale as que processo de construção da cultura visual e musical com essas contribuições. Indique a origem da influência,
correspondem ao estilo Art Déco com influências brasileira. se é indígena ou africana, justifique cada uma de suas
indígenas e africanas: a) Como as influências africanas se manifestaram no respostas.
samba? Qual a importância dessa influência? Você
consegue se lembrar de mais ritmos nos quais essas
trocas também tenham sido fundamentais?
_________________________________________________________
_________________________________________________________
_______________________________________________________
b) A arte geométrica indígena, assim como as avançadas
técnicas usadas na modelagem e na cerâmica,
contribuiu para a formação da produção artística
nacional. Quais elementos indígenas podem ser
citados nesse processo? Você se recorda de mais
alguma manifestação artística plástica que tenha se
inspirado na cultura indígena?
_________________________________________________________
_________________________________________________________
_________________________________________________________
c) Seria possível pensar tem uma cultura sem influências
externas? Como seria isso? Qual a importância das
relações interculturais?
___________________________________________________
___________________________________________________
Inspirado na arte marajoara e no estilo Art Déco, decore os vãos a seguir:
181 – RESSIGNIFICANDO A SIMBOLOGIA MARAJOARA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
A cerâmica marajoara, feita pelos indígenas da Ilha de Marajó, é a mais antiga dentre as artes
em cerâmica do Brasil. Muito sofisticadas, as peças em cerâmica marajoara são altamente
elaboradas, possuindo variadas técnicas de ornamentação. Dentre a produção, há uma grande
diversidade de objetos como vasilhas, brinquedos, urnas funerárias, apitos, chocalhos e
estatuetas. É uma das maiores riquezas da cultura do Norte brasileiro, mundialmente
reconhecida. A decoração das cerâmicas marajoara era composta por traços gráficos
harmoniosos e simétricos, cortes, aplicações, dentre outras técnicas. Depois de prontas, as
peças eram queimadas em fogueiras ou buracos e eram finalizadas com breu do Jutaí, material
que proporcionava um efeito brilhoso semelhante ao do verniz.
Praticar a arte: Observe na imagem a
seguir alguns dos símbolos utilizados pelos
marajoaras em seu artesanato. Cada
símbolo possui um significado diferente e
que podem contar uma história ou
atribuir um objetivo para cada objeto que
com ele é decorado. Pense em um
momento de sua vida que seja marcante,
uma lembrança que você guarda com
carinho e saudades. No espaço ao lado,
escolha alguns símbolos e ressignifique-
os. Depois, crie uma estampa utilizando a
repetição de símbolos e a junção de vários
símbolos para registrar um fato sobre a
sua vida na cerâmica. Aplique as cores que
desejar.
182 – LEITURA DE OBRA DE ARTE – NICOLAS POUSSIN. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Ao olhar para uma obra de arte, Este pequeno, mas precioso, quadro de Poussin foi encontrado Já houve muitas interpretações para este grupo de dançarinos,
percebemos que ela é “aberta”, ou pelo cardeal Giulio Rospigliosi, que depois se tornou o papa mas a chave para sua identidade e sua relação é a maneira como
Clemente IX. Filósofo e dramaturgo era um colecionador que se dão as mãos. Coletivamente, eles representam a roda da
seja, possibilita diversas admirava o trabalho de Poussin. O quadro apresenta uma fortuna – os quatro estágios pelos quais o homem
interpretações. Cada um pode mensagem intelectual, ou um quebra-cabeça, e é um tratado constantemente passa durante sua vida mortal.
observá-la e tirar suas próprias de miniatura sobre o tempo, o destino e a condição humana,
A figura de barba e asas que toca a música para os dançarinos é o
conclusões. No entanto, há pinturas apelando mais para razão do que para as emoções. Os quatro
Pai Tempo. Sua presença indica o fato inescapável de que, durante
carregadas de símbolos e histórias dançarinos são figuras alegóricas: a Riqueza, o Prazer, o
toda a dança da vida, a morte está sempre à espera. A criança
Trabalho e a Pobreza. Somos convidados a discutir seu
que acabam influenciando nossa significado contra o fundo de outros símbolos. O quadro possui
complementa a figura do Pai Tempo. Sua ampulheta significa a
leitura de imagem. É o caso da passagem do tempo, mas há mais areia na metade de cima –
técnica precisa e composição calculada. Subjacente a todas as
indicando que a dança ainda vai durar algum tempo.
pintura “Uma dança para a música pinturas de Poussin há uma estrutura geométrica complexa,
do tempo”, do artista barroco mas totalmente racional e elaborada com o máximo cuidado. As donzelas que seguem a carruagem são as Horas, atendentes do
francês Nicolas Poussin (1594- Um dos prazeres de olhar para seus trabalhos é descobrir essa deus solar. São deusas das estações e dançam num eterno círculo,
geometria oculta. Neste caso, o movimento circular da dança paralelo à dança representada no primeiro plano do quadro.
1655). O título da obra nos sugere está colocado dentro de um triângulo. Aurora, irmã de Apolo, a deusa do amanhecer, abre o caminho
que a vida é uma dança, realizada para a carruagem. Ela abre os portões da manhã e afasta as
A figura de duas cabeças sobre o pilar de pedra, à esquerda, é
ao ritmo de Cronos (Tempo). o deus romano Jano, que olhava em duas direções ao mesmo nuvens negras da noite. Com os dedos de rosas ela espalha flores
Observe a imagem, a seguir, por onde passa. O círculo nas mãos do deus solar, Apolo,
tempo. O rosto jovem olha para o futuro; o rosto velho olha
composta de vários símbolos representa a eternidade. Apolo representa a ordem e o
para o passado. Os romanos rogavam a Jano para abençoar o
comportamento civilizado, ao passo que Baco representa o lado
ligados à percepção do tempo. início de qualquer novo empreendimento ou novo ciclo, como
emocional e irracional da natureza humana.
por exemplo, um novo mês. Janeiro, o primeiro mês do ano,
deriva seu nome deste deus de duas cabeças. O quadro mostra o talento de Poussin como desenhista. Suas
As bolhas que o menino faz referem-se ao conceito de homo linhas são confiantes e precisas, com meticulosa atenção aos
bulla – em latim, “homem bolha”, simbolizando a brevidade da menores detalhes. Mostra também Poussin como um requintado
vida. Tal como uma bolha, a vida humana dura apenas um colorista. O quadro é uma suave harmonia entre azul e dourado, e
breve instante e logo desaparece, deixando apenas uma os matizes de azul conduzem nosso olhar em torno da tela,
lembrança. complementando o movimento circular dos dançarinos.
Praticar a arte: Em seu caderno de arte, registre os
O dançarino que usa uma coroa de louros, folha que não
elementos que mais chamaram a sua atenção nesta obra.
morre e é símbolo da virtude e da vitória representa o trabalho
____________________________________________________________
e tem os olhos fixos na figura da Riqueza. A Riqueza tem uma ____________________________________________________________
guirlanda de pérolas no cabelo. O Prazer segura-lhe a mão com ____________________________________________________________
firmeza, mas ela parece evitar a mão da pobreza, sem saber se ____________________________________________________________
vai segurá-la ou não. Nem a Riqueza nem o Prazer dançam ____________________________________________________________
descalços. ____________________________________________________________
____________________________________________________________
A dançarina, à esquerda, com elegantes sandálias e uma ____________________________________________________________
guirlanda de rosas no cabelo atrai nosso olhar como nos ____________________________________________________________
convidasse a entrar na dança. Esta figura representa o prazer, ____________________________________________________________
a luxúria e o ócio. A dançarina à direita está vestida com ____________________________________________________________
modéstia, com um simples pano na cabeça. Ela representa a ____________________________________________________________
Pobreza, e tenta tocar a fúgida mão da Riqueza. ________________________________________________________
183 – CONSTRUINDO A SUA LINHA DO TEMPO: A SUA HISTÓRIA DE VIDA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Há diversos instrumentos para marcar e medir o tempo e existe também uma ciência que estuda a ordem
dos acontecimentos de fatos históricos, a Cronologia. A origem do termo está ligada ao nome do deus
Cronos, que deu origem a muitas outras palavras do nosso cotidiano ligadas à ideia de tempo. A palavra
“cronologia” é composta pela junção de duas palavras “chronos” (tempo) e “logos” (estudo). Assim, a
Cronologia é o estudo do tempo. Para estudar a história da arte no tempo de Cronos (cronologicamente),
podemos escolher algum território da arte e partir de um ponto na linha do tempo (data/período). Com
base nele, é possível investigar os movimentos e artistas ligados ao período escolhido. Também podemos
escolher um local no mundo. Com o tempo e o local definidos, vamos começar nossa viagem.
Praticar a arte: Considere, por exemplo, o ano do seu
nascimento como ponto de partida.
1. Cole várias folhas de papel A4 na posição horizontal para
conseguir uma linha bem comprida.
2. Selecione canetas, giz de cera e outros materiais para fazer
anotações e desenhos na sua linha do tempo.
3. Agora, com a linha do tempo em mãos, comece sua viagem no
túnel do tempo.
4. Marque na sua linha do tempo o ano do seu nascimento e
faça um desenho que represente este acontecimento. Deixe
espaço para marcar o que aconteceu no passado (antes do
seu nascimento) e que vem acontecendo até os nossos dias.
5. Pesquise o que estava acontecendo no mundo da arte no ano
em que você nasceu. Que música fazia sucesso? Qual filme foi
lançado? Algum jogo de vídeo game fazia sucesso? Enfim, o
que estava acontecendo? Para fazer essa pesquisa, você pode
perguntar a seus pais e familiares ou fazer uma busca na
internet.
6. Depois de descobrir o que aconteceu no ano em que você
nasceu e enquanto dava os seus primeiros passos neste
mundo, amplie a sua pesquisa sobre os acontecimentos
artísticos ocorridos antes do seu nascimento.
7. Na sequência, investigue o que aconteceu depois do ano em
que você nasceu. Enquanto você crescia, o que mudo na arte?
8. Anote o que você descobriu na sua linha do tempo. Você pode
escrever, desenhar, colar figuras etc. A criação da sua
visualidade nesta atividade é livre.
9. Capriche em seu trabalho e, no final, exponha a sua linha do
tempo em sala de aula.
10. Use o espaço ao lado para criar o seu primeiro esboço.
184 – CONHECENDO A OBRA: “CAMINHANDO”, DE LYGIA CLARK. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Para Lygia Clark, é o ato de criar coletivamente, o artista e o Praticar a arte: Neste exercício poético, a
público, que dá sentido à obra de arte. Este processo nos coloca artista convida a refletir e a criar. Você
em constante exercício poético e, talvez, desencadeie também aceita o convite para criar uma obra
reflexões sobre arte e vida. Para criar a obra “Caminhando”, a propositora semelhante à obra
artista apropriou-se dos estudos do matemático e astrônomo “Caminhando”? Veja como você pode
alemão August Ferdinand Möbius e, usando uma folha de papel, realizar esta proposta. Siga o passo a
elaborou uma “Faixa de Möbius”. Esse elemento é usado na sua passo a seguir.
obra com a proposta de escolher os caminhos, para seguir
metaforicamente por meio do corte da tesoura sobre uma folha
de papel. Na medida em que é cortada, a folha vai criando
muitos desdobramentos em linhas que se integram a outras ou
se separam, assim como nossa vida que ora os caminhos se
integram aos de outras pessoas, ora se desencontram.
185 – ELEMENTOS DA LINGUAGEM VISUAL. Parte 1/2. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
As formas em artes visuais são construídas por

pontos, linhas, planos e cores, que chamamos de A linha ou traço pode ser definida como o rastro que
elementos da linguagem visual. Ao combiná-los um ponto deixa ao se deslocar no espaço, ou como
entre si, podemos criar imagens. uma sucessão de pontos, muito juntos uns aos outros.
O ponto é o elemento mais simples da Pode ser grossa, fina, colorida, contínua, firme, fraca,
linguagem visual. interrompida etc. Há vários tipos de linha. Cada tipo
Quando imaginamos um ponto, normalmente sugere uma sensação diferente.
pensamos em um pequeno círculo. O ponto pode
ter outras formas, como um quadrado ou uma
mancha, por exemplo. É um elemento pequeno se
comparado com o restante da imagem; é o menor
de todos os elementos da linguagem visual. Se o
ponto estivesse unido a outro, e este a outro, e
assim sucessivamente, viríamos seria uma linha.
Forma é o aspecto exterior dos objetos reais,

imaginários ou representados. A linha descreve uma
forma, ou seja, uma linha que se fecha dá origem a
uma forma. Na linguagem das artes visuais, a linha
articula a complexidade da forma. Quanto mais
variada for uma linha mais elaborada será a forma
que ela cria.
As superfícies dos objetos soam diferentes e
podemos notar isso ao tocá-las. Uma rocha é
áspera; o tronco de uma árvore é rugoso; o algodão
é suave e macio. Para saber se um tecido, por
exemplo, é liso ou áspero, não precisamos tocá-lo; A partir de combinações e variações infinitas dessas
basta olhar para ele. Esses aspectos das superfícies formas geométricas básicas construídas a partir da
dos objetos se chama textura. linha reta, derivam todas as formas físicas da
natureza e da imaginação humana.
186 - ELEMENTOS DA LINGUAGEM VISUAL. Parte 2/2. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
A cor é o elemento visual caracterizado pela sensação provocada pela luz sobre o órgão da visão, isto é, sobre
nossos olhos. O pigmento é o que dá cor a tudo o que é material. Ao falarmos de cores temos duas linhas de
pensamentos distintas: A Cor-Luz e a Cor-Pigmento. Quando falamos de cores, é preciso distinguir entre a
cor-luz e a cor-pigmento. A cor-luz ou cor-energia é toda cor formada pela emissão direta de luz. Já a cor-
pigmento é a cor refletida por um objeto, isto é, a cor que o olho humano percebe. A cor luz é a encontrada
nos objetos que emitem luz, como monitores, lanternas, televisão. A cor pigmento é a cor das tintas. Como é
possível perceber a cor luz é o inverso da cor pigmento. Mas, em ambos os sistemas, existem as cores
primárias. Elas são as cores puras, que não se decompõem. Juntas, formam todas as outras cores.
No grupo Cor-Luz, as cores primárias são vermelho, verde e azul. É o sistema RGB (Red,
Green e Blue). A combinação destas três cores gera o branco e a ausência da cor luz o
preto. A mistura de duas cores primárias forma uma cor secundária. A luz branca não é
O plano é uma superfície composta de duas ou três, mas de todas as cores visíveis. Partindo de apenas três cores
sem ondulações, de – vermelhas, verdes e azuis – podemos ter luzes de todas as outras cores, inclusive
extensão infinita, ou seja, branco.
uma superfície plana que se
No grupo Cor-Pigmento, historicamente as cores primárias são azul, vermelho e
estende infinitamente em
amarelo (sistema RYB), como Leonardo da Vinci estabeleceu em sua teoria das cores.
todas as direções possíveis.
Durante séculos, artistas utilizaram e continuam utilizando essas cores primárias para
Temos a noção de um plano
formar a extensa paleta empregada em suas obras. Sabe-se hoje que o sistema RYB é
quando imaginamos uma
cientificamente incorreto.
superfície plana ilimitada e
sem espessura. Atualmente, o padrão CMYK é o mais utilizado para misturas de pigmentos. Neste padrão, as cores primárias são: ciano, magenta e
amarelo. A elas se junta o preto, que serve para dar contrate. Com apenas estas quatro cores, uma impressora é capaz de criar
qualquer tonalidade. Neste padrão, a mistura é feita de forma subtrativa. Pois, conforme adicionamos pigmentos, uma quantidade
menor de cores é refletida. Como já vimos, a combinação de duas cores primárias dá origem às cores secundárias. E a mistura de
Superfície é a extensão que uma cor primária com uma ou mais secundárias cria as cores terciárias.
delimita no espaço um
Características: Todas as cores apresentam três características: matiz, tom e intensidade.
corpo considerável,
segundo a largura e a Matiz é a característica que define e distingue uma cor. Azul, vermelho e amarelo são matizes. Quando misturamos,
altura, sem levar em conta azul e amarelo, criamos outro matiz: verde. Em resumo, as cores primárias são matizes, assim como as secundárias e
terciárias. A mistura de matizes dá origem a outro matiz.
a profundidade. É o suporte
onde o artista criará a sua Tom refere-se à maior ou menor quantidade de luz presente na cor. Ao adicionarmos preto a um matiz, ele fica
gradualmente mais escuro. Essa graduação é conhecida como escala tonal. Acrescentando branco a um matiz, obtemos
composição.
escalas tonais mais claras.
Intensidade tem a ver com o brilho da cor. Um matiz de intensidade alta é vívida, brilhante, como o amarelo. Um matiz
de intensidade baixa é mais apagada, como as cores pastéis.
187 – EXERCÍCIO INTERPRETATIVO DE ARTE I. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Analise as figuras a seguir e responda 2. Cândido Portinari e Sebastião Salgado, recorrendo a distintas Observe atentamente a imagem a seguir para analisá-la:
às questões interpretativas 2, 3 e 4: manifestações artísticas, respectivamente pintura e fotografia,
pode ser considerados “int rpretes do Brasil”. Co base na
leitura das imagens, é CORRETO afirmar que:
a) Pintor e fotógrafo, independente de uma posição temporal e de
lugar social, oferecem uma interpretação da sociedade brasileira
que acentua as mudanças no mundo do trabalho no campo.
b) Os dois artistas representam com imparcialidade o trabalhador
rural brasileiro de suas épocas, sem intenção de problematizar a
relação capital – dinheiro.
c) As duas obras oferecem uma compreensão plena sobre o mundo
do trabalhador rural, sendo excludentes em suas narrativas, uma
vez que a pintura representa uma situação fictícia que rompe com o 4. A partir da segunda metade do século XIX o capitalismo industrial
1. Ao longo do te po o te a “Trabal o” te
passado. desenvolveu-se de forma acelerada em diversos países da Europa
aparecido nas obras de diferentes artistas.
d) A fotografia sugere a interpretação anterior do pintor, eliminando o ocidental. Esse desenvolvimento teve profunda influência na
Cândido Portinari, um dos artistas mais
valor e a necessidade dela para se compreender o mundo do constituição das ciências humanas, enquanto campo de
representativos da arte brasileira,
trabalho no campo. conhecimento fundado em bases científicas, mas também se
apresenta e 1934 a pint ra “ La rador
e) O mundo do trabalhador rural brasileiro é reconhecível pelo diálogo refletiu no campo das artes, com diversos pintores abordando a
de Caf ”. 1985 o reno ado fot grafo
e confronto entre as diferentes interpretações feitas em épocas temática do trabalho e das condições de vida das classes
Sebastião Salgado fotografa um trabalhador
rural da região cacaueira. Com base nas distintas, que oferecem um sentido à realidade.* trabalhadoras. Dentre esses artistas encontra-se Edvard Munch
imagens e nos conhecimentos sobre o tema, 3. Com base nas imagens de Portinari e Sebastião Salgado e nos (1863-1944), que procurou traduzir os efeitos desse cotidiano
julgue entre CERTA e ERRADA as afirmativas sobre os trabalhadores no quadro Operários na saída da fábrica.
conhecimentos sobre o trabalho no meio rural brasileiro, julgue as
a seguir: v-v-f-f Com base na imagem e nos conhecimentos sobre o tema, assinale
afirmativas a seguir em Verdadeiras ou Falsas: v-f-v-f
a alternativa que apresenta a interpretação que remete à condição
I. Em ambas as imagens, a condição do geral à que estavam submetidos os operários fabris na transição do
trabalhador se revela nos instrumentos I. As imagens mostram trabalhadores rurais cujas atividades
século XIX para o século XX, na Europa.
e nos corpos dos indivíduos. necessitam do emprego de força muscular, em uma situação de
baixo nível de mecanização de produção. a) “Meu coração encontrava sua felicidade em meu trabalho; é o fruto que
II. Ambas demonstram a busca da dele eu retirava.” (Antigo Testamento, Eclesiastes).
elegância e do requinte formal pelos
II. As imagens de Portinari e Sebastião Salgado mostram b) “O trabalho afasta de nós três grandes males: a contrariedade, o vício e a
artistas que se atêm à minucia descritiva
trabalhadores rurais volantes que atuam em culturas necessidade.” (Voltaire, Candido).
dos objetos retratados.
temporárias, respectivamente nas regiões Norte e Centro-
III. Ambas enaltecem o homem c) “É necessário trabalhar *...+, uma vez que, tudo bem verificado, trabalhar é
Oeste.
menos fastidioso do que se divertir.” (Charles Baudelaire, Jornais Íntimos).
trabalhador, valorizando a sua imagem,
a despeito das condições em que vive e III. As imagens remetem ao trabalho no campo, onde a despeito d) “Escravo do trabalho, não somente em nós homens/ Que verdadeiros filhos
trabalha. das profundas alterações nas relações de produção, persistem do sofrimento e de misérias somos.” (Ronsart, Hino à Morte).*
IV. A pintura de Portinari apresenta uma condições de trabalho precárias. e) “Nenhum homem, segundo a ordem da Natureza, nasceu para o trabalho
visão pessoal e poética do artista, infrutífero/ Nenhum *homem+ para a felicidade sem trabalho.” (Mirabeau,
diferente da fotografia que se limita a IV. As imagens mostras a necessidade da figura do capataz na Os Economistas).
registrar um fato. fiscalização das atividades do trabalhador rural a fim de otimizar
a produção.
188 - EXERCÍCIO INTERPRETATIVO DE ARTE II. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
1. A partir do século XVI, artistas estrangeiros, integrantes das diversas Praticar a arte 1: Pesquise na internet sobre o estilo “Natureza-Morta” e escreva as informações no espaço abaixo.
expedições artísticas e científicas que percorreram o território Escolha um pintor que se destacou nesse estilo e registre informações sobre sua vida e alguns trabalhos como exemplo.
brasileiro, produziram imagens documentando, em detalhes,
aspectos das paisagens, da flora e da fauna. Nesse contexto,
destacam-se as pint ras do g nero “Nat reza-Morta”. Analise as
figuras a seguir. Com base no texto, nas imagens e nos
conhecimentos sobre o tema, é CORRETO afirmar que são pinturas
do g nero “Nat reza-Morta” e q e se insere no contexto retratado
pelos viajantes daquele período no Brasil as imagens:
Praticar a arte 2: Escolha entre as imagens sugeridas a seguir e pratique suas habilidades artísticas desenhando uma
composição de “Natureza-Morta”. Aplique as cores que desejar e capriche nos detalhes da sua composição artística.
2. C zanne afir o : “Q ero i pressionar

Paris com uma maçã”. sta frase sugere sua
visão da arte. O processo pelo qual ele criou
suas obras primas começava a partir da
sensação da realidade através da cor e das
emoções subjetivas para chegar à
construção geométrica da natureza. Dito
isso, assinale a alternativa que descreve
correta ente sobre “Nat reza-Morta”:
a) Estilo que representava apenas corpos femininos e
flores.
b) Apenas pinturas de flores.
c) Composição que incluía objetos, flores, frutas e objetos
inanimados.*
d) Pintura que só representava seres mortos.
e) Pintura feita a partir da observação de ambientes
abertos.
189 – CONHECENDO O ARTISTA: JORGE SELARÓN E SUA OBRA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Jorge Selarón, pintor autodidata e ceramista, nascido no Praticar a arte: Assim como fazia o artista Jorge Selarón, escolha entre as imagens a seguir que mostram alguns
Chile (1947-2013). Sempre aventureiro, viajou por mais de problemas sociais que enfrentamos em nossa contemporaneidade. Reflita sobre o problema escolhido, suas causas,
50 países até decidir que viveria no Brasil, mais suas vítimas, e como amenizá-lo para que ele não cresça em nosso mundo. Diante dessa reflexão, produza uma frase
precisamente no Rio de Janeiro. Sua maior e mais de efeito e a decoração da sua escadaria.
conhecida obra está na escadaria do Convento de Santa
Teresa, no Rio de Janeiro, que teve seus 215 degraus e
125 metros decorados com mais de dois mil azulejos
diferentes, provenientes dos quatro cantos do mundo,
ganhando tom brasileiro com as cores da bandeira. O
artista só conseguiu prosseguir com sua grande obra
pintando e vendendo mais de 25 mil quadros, quase
sempre com um tema motivado por um problema
pessoal, “a mulher grávida".
A famosa escadaria já correu
o mundo, ora como tema
principal para reportagens de
revistas e programas de
televisão, ora servindo como
locação para campanhas
publicitárias. Em maio de
2005, a escadaria foi tombada
pela Prefeitura da cidade e
Selarón recebeu o título de
cidadão honorário do Rio de
Janeiro.
Além das técnicas de cerâmica e azulejaria, o artista
plástico também pintava diversos quadros em seu ateliê,
no mesmo endereço onde morava. Uma figura recorrente
em seus quadros, a imagem de uma mulher negra,
grávida e com seios expostos, está presente na maioria
das pinturas e também na escadaria. A origem da
imagem, entretanto, nunca foi revelada. Selarón dizia
apenas tratar-se de um problema pessoal. Jorge Selarón,
pintor autodidata chileno lançou em 1990 um projeto em
que declarou como “minha homenagem ao povo
brasileiro que até mesmo o grande Gaudi vai ficar com
inveja”. A peça em questão compreende uma escadaria
de 125m decorada por um imenso mosaico, chamada de
“Escadaria Selarón” ou “Escadaria do Convento de Santa
Teresa”, ligando a Rua Joaquim Silva, no bairro da Lapa, à
Ladeira de Santa Teresa, no bairro de Santa Teresa. Estes
dois populares bairros do Rio de Janeiro valem a visita
durante a sua estadia na Cidade Maravilhosa.
190 – CONHECENDO O ARTISTA: ALEX FLEMMING E SUA OBRA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Alex Flemming tem pesquisado e desenvolvido Praticar a arte: Diante da poética de Alex Flemming, produza você também uma intervenção com textos em uma
uma arte mista. Ele usa tanto a linguagem verbal fotografia sua. Tire xerox de uma foto do seu rosto e, escolha um poema, uma letra de uma música que você
goste ou um texto que demonstre quem você é, escrevendo por cima de seu rosto.
quanto a visual como fotografias, design e
pinturas. A relação entre a linguagem visual e a
verbal é recorrente em várias de suas produções.
Quando a estação de metrô Sumaré, em São
Paulo, estava sendo construída, Flemming
instalou uma cabine de fotografia em uma
avenida movimentada da cidade e pediu às
pessoas que passavam que se deixassem
fotografar.
Depois, o artista escolheu um poema para cada rosto e fez
montagens com a imagem e as palavras dos poemas. Ele não expôs
o poema de forma linear como estamos acostumados a ler em
páginas de livros por exemplo. Ele estabeleceu uma composição
explorando um jogo entre formas, letras e palavras que desafiam a
interpretação do público. Depois de elaborar os arranjos das
linguagens verbal (palavras) e visual (fotografias) nas produções,
Flemming imprimiu as imagens em placas de vidro com pintura
industrial. Técnicos contratados montaram a instalação que
compõe a obra da estação Sumaré. A obra de arte pública Estação
Sumaré também ficou conhecida como “Os Paulistanos”. Nela,
trabalharam vários outros profissionais para as etapas de
construção de sua obra, procedimento comum na arte
contemporânea. Ao todo são 21 imagens que se repetem dos dois
lados da estação de metrô, entre elas há também a do próprio
artista, e podem ser observadas pelo público que passa todos os
dias ao ir para o trabalho, para a escola ou para seus passeios.
191 – A ORIGEM DOS TURBANTES: HERANÇA CULTURAL AFRICANA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
O turbante é um símbolo cultural, que está na Praticar a arte: Diante da apreciação desse lindo adorno herdado por nós da cultura africana e suas
moda e esbanja estilo. O significado deste influências em nossa brasilidade, complete o desenho do rosto com o turbante. Observe as cores
adorno tão especial para a cultura africana diz aplicadas e dê continuidade ao desenho.
muito sobre o processo de formação da nossa
própria cultura. Conhecer as origens culturais
do turbante através do tempo e discutir a
apropriação cultural deste elemento tão rico é
também uma forma de reconhecer e valorizar a
nossa identidade afro-brasileira. Usar o
turbante especialmente para as culturas
africanas, afro-americanas e afro-brasileiras é
também um símbolo de resistência ao
aculturamento, de afirmação de sua identidade
cultural e de luta contra a discriminação e o
preconceito racial. A questão é cultural e um
ato político, que vai muito além da moda e do
estilo. Os turbantes estão na moda dentro de
uma tendência chamada “étnica”. O que
significa que é uma moda pertencente aos
hábitos e costumes de um determinado povo.
Este povo, por sua vez, se identifica
culturalmente com este estilo porque foi criado
historicamente por seus ancestrais. Este povo
se veste de sua cultura, de um estilo próprio,
que os distingue, reconhece e valoriza.
Entender a história cultural do turbante,
principalmente o africano é se reconectar com
nossas origens, com o processo de formação da
cultura brasileira e mundial, visto que o Brasil
recebeu influências de vários continentes,
desde os portugueses europeus até o povo
africano e suas várias culturas. Na África, o
turbante é parte da cultura do povo, onde os
costumes e roupas tradicionais traziam tecidos
enrolados no corpo e os turbantes fazem parte
dessa indumentária complementando o
conjunto. Eles são usados por homens e
mulheres e cada amarração e torção tem um
significado diferente.
192 – EXERCÍCIO ARTÍSTICO SOBRE A POP ART: ROSTO POP. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte – Construindo

um rosto pop: A partir da
Pop Art é um movimento artístico que se caracteriza pela
imagem do rosto sugerido, trace
reprodução de temas relacionados ao consumo,
linhas retas com a régua
publicidade e estilo de vida americano (american way of
life). Esse é um termo em inglês que significa "arte seguindo seus contornos. Você
popular" e surgiu durante a década de 1950, na pode cruzar as linhas para
Inglaterra. A expressão foi criada pelo crítico Lawrence formar diferentes espaços e em
Alloway durante os encontros de um grupo de artistas cada espaço criar um padrão
intitulado "Grupo Independente". Depois, difundiu-se geométrico. Aplique cores
durante os anos de 1960, atingindo seu auge em Nova chapadas (fortes) em cada
York. A Pop Art não deve ser considerada um fenômeno espaço para criar seu rosto pop.
de cultura popular (apesar de estar muito interligada a
ela), mas uma interpretação feita pelos seus artistas da
cultura dita popular e de massas. Este fenômeno artístico
baseou-se, em grande medida, na estética da cultura de
massas, a mesma criticada pela Escola de Frankfurt. O
movimento influenciou grandemente o grafismo e os
desenhos relacionados à moda.
Características da Pop Art:
 Aproximação da arte com a vida cotidiana;
 Utilização de cores intensas e vibrantes;
 Reproduções de peças publicitárias;
 Inspiração na cultura de massa;
 Uso da serigrafia;
 Imitação da estética industrial;
 Reproduções em série do mesmo tema;
 Uso da imagem de celebridades;
 Inspiração no universo das histórias em quadrinhos.
193 – EXERCÍCIO PRÁTICO SOBRE SOMBRA E VOLUME NO DESENHO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Sombra e luz: A aplicação correta dos valores 1. Sombra Projetada: É o tom mais escuro do desenho e é Praticar a arte: Observe o modelo apresentado a
tonais existentes no espaço entre a sombra e a sempre oposto à fonte de luz. Encontra-se na base do objeto seguir. Com auxílio de ferramentas como a régua, o
luz do objeto imprime ao desenho a ilusão desenhado. Esta área não possui luz porque, à medida que o
objeto se projeta, bloqueia a luz e molda uma sombra.
esfuminho e grafites de diferentes calibres, construa
mágica de realidade tridimensional. Cria
belíssimos efeitos como o da dilatação do 2. Sombra Interna: Este é o tom cinza escuro, e pode ser a seguinte composição em seu caderno de arte,
espaço, o de profundidade e o de valorização da chamado de sombra interna. atentando para as áreas iluminas e sombreadas
parte mais iluminada. Se o objeto for iluminado 3. Meio tom: Este é um meio tom. É a área da esfera que não aplicando os conceitos de sombra projetada, sombra
por todos os lados, ou se só tiver sombra, ele tem luz direta nem sombras. interna, meio tom, luz refletida e luz direta.
não se sobressairá. Veremos tudo claro ou tudo 4. Luz Refletida: Este é um cinza claro. A luz refletida é sempre
escuro. Portanto, é necessário realçar uma fonte encontrada ao longo da borda de um objeto e separa a
de luz para iluminar o objeto. Assim, mostra-se sombra interna da sombra projetada.
a forma do mesmo e caracteriza-se o volume. 5. Luz Direta: Esta é a área branca e é o ponto mais forte onde a
Um desenho realista não pode ser criado apenas fonte de luz está atingindo a esfera.
com linhas de contornos. A chave não é apenas
a precisão das formas, mas também a aparência Escala de valores tonais: A escala tonal é excelente para
da dimensão alcançada através do exercitar o olhar, treinar a percepção a luz e iluminação. É
sombreamento. É importante treinar para ver os necessário levar em consideração os reflexos produzidos pela luz,
efeitos da luz em sua imagem de referência e se que projetam as superfícies ou objetos vizinhos. Já que estas
esforçar para replicar isso com a aplicação clareiam a própria sombra. Entre a luz e a sombra existe uma
correta da luz e da sombra nas linhas do seu zona de transição ou de “meia sombra”. Pode variar em extensão
desenho. Para desenhar de forma realista, você dependendo da intensidade da luz. E, dependendo da graduação
deve entender completamente como a do cinza que você colocar no seu desenho, deixando a sombra
iluminação afeta um objeto. Existem cinco projetada mais escura. Você pode, através do seu desenho,
elementos de sombreamento que são essenciais demonstrar a aparência do material que é feito o seu objeto.
para descrever realisticamente a forma de um
objeto. Se faltar algum desses elementos, seu
trabalho parecerá plano.
Como exercitar a técnica de luz e

sombra?
Antes que você consiga desenhar os
volumes apropriados que ilustram a
luz e a sombra, você precisa ser capaz
de identificar visualmente a fonte de
luz. As sombras do objeto, e as
sombras projetadas. A fonte de luz
indicará onde você deverá aplicar os
valores de luz e sombra. É necessário
um pouco de prática para localizar a
fonte de luz, sombras e sombras
projetadas em torno de um objeto.
194 – APRECIAÇÃO MUSICAL: “TREM-BALA”, DE ANA VILELA. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
ça e leia co atenção a úsica “Tre -Bala” da artista Ana Vilela: Praticar a arte 1: Depois de ter apreciado a música e conhecido com carinho a letra de “Trem-Bala” da artista Ana Vilela,
Trem-Bala escreva no espaço a seguir a sua interpretação sobre a letra da música. O que você sentiu ao ouvi-la? Transcreva uma
Ana Vilela estrofe que mais te tocou e reflita sobre o que ela diz.
Não é sobre ter todas as pessoas do mundo pra si.
É sobre saber que em algum lugar alguém zela por ti. ________________________________________________________________________________________________________
________________________________________________________________________________________________________
É sobre cantar e poder escutar mais do que a própria voz.
________________________________________________________________________________________________________
É sobre dançar na chuva de vida que cai sobre nós.
________________________________________________________________________________________________________
É saber se sentir infinito. ________________________________________________________________________________________________________
Num universo tão vasto e bonito, é saber sonhar. ________________________________________________________________________________________________________
Então fazer valer a pena. ________________________________________________________________________________________________________
________________________________________________________________________________________________________
Cada verso daquele poema sobre acreditar.
________________________________________________________________________________________________________
Não é sobre chegar no topo do mundo e saber que venceu. ________________________________________________________________________________________________________
É sobre escalar e sentir que o caminho te fortaleceu. ________________________________________________________________________________________________________
É sobre ser abrigo e também ter morada em outros corações. ________________________________________________________________________________________________________
E assim ter amigos contigo em todas as situações. _________________________________________________________________________________________________
A gente não pode ter tudo.

Qual seria a graça do mundo se fosse assim? Praticar a arte 2 – Ilustrando o texto: Agora, transforme em imagem a estrofe que você escolheu. Pense com carinho nas
Por isso, eu prefiro sorrisos. imagens que desenhará e aplique as cores que desejar.
E os presentes que a vida trouxe pra perto de mim.
Não é sobre tudo que o seu dinheiro é capaz de comprar.
E sim sobre cada momento, sorriso a se compartilhar.
Também não é sobre correr contra o tempo pra ter sempre mais.
Porque quando menos se espera a vida já ficou pra trás.
Segura teu filho no colo.
Sorria e abraça os teus pais enquanto estão aqui.
Que a vida é trem-bala, parceiro.
E a gente é só passageiro prestes a partir.
195 – BANCO DE EXERCÍCIOS SOBRE ARTE: ENEM – Parte 1. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
As manifestações artísticas da humanidade, como 2. Pode-se reconhecer, como característica A pintura corporal tem 5. O texto chama a atenção para a importância da
de resto outras do campo cultural, constituem um presente no quadro e exemplificativa da tanto sentido para os proteção de bens que, como aquele
óbvio mosaico de diversidades, traduzindo as mais Vanguarda a que ele se filia: indígenas, que expressa o apresentado na imagem, se identificam como:
diferentes realidades, que podem ser expressas, a) Uma visão onírica do autor, privilegiando que o indivíduo representa a) Artefatos sagrados.
direta ou indiretamente, em objetos, quadros, aspectos vinculados ao inconsciente e ao no grupo e até o estado b) Heranças materiais.
esculturas, performances, músicas, danças, sinais e ilogismo. civil. A mistura mais c) Objetos arqueológicos.
muitas outras indicações. Variados aspectos de um b) Uma fragmentação da realidade, com a comum que define os d) Peças comercializáveis.
povo podem ser reconhecidos por meio da arte e, apresentação de variadas óticas, com figuras traços é feita de urucum e e) Conhecimentos tradicionais.*
por isso, a sua preservação é de extrema geométricas. jenipapo. "Pegamos o 6. A principal razão pela
importância. c) Uma construção anárquica, irreverente, absurda. jenipapo e ralamos. Com o qual se infere que o
1. No campo específico da música popular brasileira O caos, a desordem, como fundamentos do fazer caldo que se forma espetáculo retratado
de raiz, a imagem que a representa, dentre as artístico. fazemos as pinturas. na fotografia é uma
seguintes, é: d) A deformação da realidade, a partir de uma visão 4. “Q ando o índio pinta se pr prio corpo ele manifestação do
subjetiva do autor, ressaltando-se o sentimento, de arca se l gar dentro do se ndo”. ssa teatro de rua é o fato
os valores emocionais sobre os intelectuais.* afirmação permite o entendimento de que a de:
e) O rompimento radical com o passado, pintura indígena pode ter objetivos: a) Não ter o edifício teatral para a sua realização.*
enaltecendo o progresso e a tecnologia, as
b) Utilizar figurinos com adereços cômicos.
máquinas e a velocidade. a) Voltados para a integração com outros grupos. c) Empregar elementos circenses na atuação.
3. Por suas dimensões continentais, o Brasil d) Excluir o uso de cenário na ambientação.
apresenta, em suas várias regiões, diferentes b) Que buscam firmar uma identidade.* e) Negar o uso de iluminação artificial.
peculiaridades, geradoras de variados produtos Observe a imagem e leia o texto a seguir:
As produções artísticas refletem o contexto exemplificativos da diversidade artístico- c) Capazes de propiciar prazer estético.
histórico social em que surgem e, nesse sentido, o cultural. Danças, festas e outras manifestações
acelerado desenvolvimento do capitalismo específicas dessa ordem marcam culturalmente d) De aproximação com os hábitos dos bichos.
industrial nos países europeus ocidentais repercutiu os espaços nacionais. Na Região Sudeste, por
diretamente no campo das artes, com muitas obras exemplo, é digna de destaque nesse âmbito: e) Que neutralizam aspectos da diversidade.
procurando abordar a temática do trabalho. O
quadro a seguir, que procurou traduzir os efeitos do Observe a imagem e leia o texto a seguir:
cotidiano sobre os trabalhadores, exemplificou essa
afirmação. Ele é representativo de uma das
chamadas vanguardas européias e nos mostra o
retorno de trabalhadores a casa, após lida diária. “Ten o rosto lacerado por r gas secas e
profundas, sulcos na pele. Não é um rosto desfeito,
como acontece com pessoas de traços delicados, o
contorno é o mesmo mas a matéria foi destruída.
Ten o rosto destr ído”.
7. Na imagem e no texto os dois autorretratos
apontam para o modo de representação da
subjetividade moderna. Na pintura e na
literatura modernas, o rosto humano deforma-
se, destrói-se ou fragmenta-se em razão:
A eleição dos novos bens, ou melhor, de novas
formas de se conceber a condição de trabalho do
a) Da adesão á estética do romance grotesco,
patrimônio cultural nacional, também permite que
herdada do romantismo europeu.
diferentes grupos sociais, utilizando as leis do
b) Das catástrofes que assolaram o século XX e da
Estado e o apoio de especialistas, revejam as
descoberta de uma realidade psíquica pela
imagens e alegorias do seu passado, do que querem
psicanálise.*
guardar e definir como próprio e identitário.
196 - BANCO DE EXERCÍCIOS SOBRE ARTE: ENEM – Parte 2. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Leia a letra da música a seguir: A existência dos homens criadores modernos é 4. A obra “Les De oiselles d’A ignon”, do pintor 5. As tecnologias da computação possibilitam um
Aquarela do Brasil muito mais condensada e mais complicada do que a espanhol Pablo Picasso, é um dos marcos novo olhar sobre as obras de arte. A prática
das pessoas dos séculos precedentes. A coisa iniciais do movimento cubista. Essa obra filia-se permite que usuários:
Brasil representada, por imagem, fica menos fixa, o também ao Primitivismo, uma vez que sua a) Guiem virtualmente um veiculo especial através
Meu Brasil brasileiro objeto em si mesmo se expõe menos do que antes. composição recorre à manifestação cultural de dos melhores museus do mundo.
Meu mulato inzoneiro Uma paisagem rasgada por um automóvel, ou por um determinado grupo étnico, que se
Vou cantar-te nos meus versos um trem, perde em valor descritivo, mas ganha em caracteriza por: b) Reproduzam as novas obras de arte expostas em
O Brasil, samba que dá valor sintético. O homem moderno registra cem a) Produção de máscaras ritualísticas africanas.* museus espalhados pelo mundo.
Bamboleio que faz gingar vezes mais impressões do que o artista do século b) Rituais de fertilidade das comunidades celtas.
O Brasil do meu amor XVIII. c) Festas profanas dos povos mediterrâneos. c) Criem novas obras de arte em 360 graus,
Terra de Nosso Senhor
2. A vanguarda europeia, evidenciada pela obra e d) Culto à nudez de populações aborígenes. consultem seus metadados e os compartilhem
Brasil! Pra mim! Pra mim, pra mim! e) Danças ciganas do sul da Espanha.
pelo texto, expressa os ideais e a estética do: na internet.
Ah! Abre a cortina do passado
Tira a mãe preta do Cerrado a) Cubismo, que questionava o uso da perspectiva O Google Art é uma
por meio da fragmentação geométrica. ferramenta on-line d) Visitem o interior e as obras de arte de todos os
Bota o rei congo do congado
b) Expressionismo alemão, que criticava a arte que permite a museus do mundo em 3D e em altíssima
Brasil! Pra mim!
acadêmica, usando a deformação das figuras. visitação virtual dos resolução.
Deixa cantar de novo o trovador
A merencória luz da lua c) Dadaísmo, que rejeitava a instituição artística, mais importantes
propondo a antiarte. museus do mundo e e) Visualizem algumas obras de arte em altíssima
Toda canção do meu amor
d) Futurismo, que propunha uma nova estética, a visualização de resolução e, simultaneamente, obtenham
Quero ver a sá dona caminhando
baseada nos valores da vida moderna.* suas obras de arte. informações sobre suas origens e composição.*
Pelos salões arrastando
O seu vestido rendado e) Neoplasticismo, que buscava o equilíbrio Por meio da tecnologia Street View e de um veículo
6. A técnica da
Brasil! Pra mim, pra mim, pra mim! plástico, com utilização da direção horizontal e
exclusivamente desenvolvido para o projeto, décollage,
ARY BARROSO. Aquarela do Brasil, 1939. vertical.
utilizada pelo
fotografou-se em 360 graus o interior de lugares
1. Muito usual no Estado Novo de Vargas, a 3. A escultura do artista artista Mimmo
composição de Ary Barroso é um exemplo típico construtivista Amílcar de como o MoMA, de Nova York, o Museu Van Gogh, Rotellar em sua
de: Castro é representativa da obra “Marilyn”
arte contemporânea em Amsterdã, e a National Gallery, de Londres. O um procedimento
a) Música de sátira. brasileira e tem o traço resultado é que se pode andar pelas galerias assim artístico
b) Samba exaltação.* estrutural marcado por representativo da
c) Hino revolucionário. elementos como: como se passeia pelas ruas com o Street View. Além década de 1960
d) Propaganda eleitoral.
a) O corte e a dobra. disso, cada museu escolheu uma única obra de arte por:
e) Marchinha de protesto.
b) A força e a visualidade.
Observe a imagem e leia o texto a seguir: de seu acervo para ser fotografada com câmeras de
c) O adereço e a expressão. a) Visar a conservação das representações e dos
d) O rompimento e a inércia. altíssima resolução, ou gigapixel. As imagens registros visuais.
e) A decomposição e a articulação.
contêm cerca de sete bilhões de pixels, o que
Observe a imagem e b) Basear-se na reciclagem de material gráfico,
leia o texto a seguir: significa que é mais de mil vezes mais detalhada do contribuindo para a sustentabilidade.
que uma foto de câmera digital comum. Além disso,
c) Encobrir o passado, abrindo caminho para novas
todas as obras vêm acompanhadas de metadados formas plásticas, pela releitura.
de proveniência, tais como títulos originais, artistas,
d) Fazer conviver campos de expressão diferentes e
datas de criação, dimensões e a quais coleções já integrar novos significados.
pertenceram. Os usuários também podem criar
e) Abolir o trabalho manual do artista na confecção
suas próprias coleções e compartilhá-las pela web. das imagens recontextualizadas.*
Observe a imagem e leia o texto a seguir: 5. As formas plásticas nas produções africanas
conduziram artistas modernos do início do
Lucian Freud é, como ele
século XX, como Pablo Picasso, a algumas
próprio gosta de
proposições artísticas denominadas
relembrar às pessoas, um
vanguardas. A máscara remete à:
biólogo. Mais
propriamente, tem a) Preservação da proporção.
querido registrar b) Idealização do movimento.
verdades muito
específicas sobre como é c) Estruturação assimétrica.
tomar posse deste d) Sintetização das formas.*
determinado corpo nesta
situação particular, neste e) Valorização estética.
específico espaço de
tempo.
3. Considerando a intencionalidade do artista, Leia o texto a seguir:
mencionada no Texto II, e a ruptura da arte no Ao se apossarem do novo território, os europeus
século XX com o parâmetro acadêmico, a obra
apresentada trata do(a) ignoraram um universo de antiga sabedoria,
a) Exaltação da figura masculina. povoado por homens e bens unidos por um sistema
Os calendários são fontes históricas importantes, na b) Descrição precisa e idealizada da forma.
integrado. A recusa em se inteirar dos valores
c) Arranjo simétrico e proporcional dos elementos.
medida em que expressam a concepção de tempo d) Representação do padrão do belo culturais dos primeiros habitantes levou-os a uma
das sociedades. Essas imagens compõem um contemporâneo.
descrição simplista desses grupos e à sua sucessiva
e) Fidelidade à forma realista isenta do ideal de
calendário medieval (1460-1475) e cada uma delas perfeição.* destruição. Na verdade, não existe uma distinção
representa um mês, de janeiro a dezembro. Observe a imagem e leia o texto a seguir: entre a nossa arte e aquela produzida por povos
O Surrealismo configurou-se tecnicamente menos desenvolvidos. As duas
2. Com base na análise do calendário, apreende-se como uma das vanguardas
uma concepção de tempo: manifestações devem ser encaradas como
artísticas europeias do início do
1.O texto tematiza algumas transformações das século XX. René Magritte, pintor expressões diferentes dos modos de sentir e pensar
funções da arte na atualidade. No trabalho a) Cíclica, marcada pelo mito arcaico do eterno belga, apresenta elementos das várias sociedades, mas também como
citado, do artista Jaime Prades, considera-se a: retorno. dessa vanguarda em suas
produções. equivalentes, por resultarem de impulsos humanos
a) Reflexão sobre a responsabilidade ambiental do b) Humanista, identificada pelo controle das horas comuns.
de atividade por parte do trabalhador. 4. Um traço do Surrealismo presente nessa pintura
homem.*
é o(a):
6.De acordo com o texto, inexiste distinção entre as
b) Valorização da poética em detrimento do c) Escatológica, associada a uma visão religiosa a) Justaposição de elementos díspares, observada na
artes produzidas pelos colonizadores e pelos
conteúdo. sobre o trabalho. imagem do homem no espelho.*
colonizados, pois ambas compartilham o(a)
b) Crítica ao passadismo, exposta na dupla imagem
a) Suporte artístico.
c) Preocupação com o belo encontrado na natureza. d) Natural, expressa pelo trabalho realizado de do homem olhando sempre para frente.
c) Construção de perspectiva, apresentada na b) Nível tecnológico.
acordo com as estações do ano.*
sobreposição de planos visuais. c) Base antropológica.*
d) Percepção da obra corno suporte da memória.
e) Romântica, definida por uma visão bucólica da d) Processo de automatismo, indicado na repetição d) Concepção estética.
e) Reutilização do lixo como forma de consumo. sociedade. da imagem do homem. e) Referencial temático.
e) Procedimento de colagem, identificado no reflexo
do livro no espelho.
Observe a imagem e leia o texto a seguir: Observe a imagem e leia o texto a seguir: Observe a imagem a seguir: Leia o texto a seguir:
Na exposição “A Artista st Presente” no MoMA Queijo de Minas vira patrimônio cultural brasileiro. Cordel resiste à tecnologia gráfica
O Cariri mantém uma das mais ricas tradições da
em Nova Iorque, a performer Marina Abramovic fez O modo artesanal da cultura popular. É a literatura de cordel, que
fabricação do queijo em
uma retrospectiva de sua carreira. No meio desta, atravessa os séculos sem ser destruída pela
Minas Gerais foi
avalanche de modernidade que invade o sertão
protagonizou uma performance marcante. Em registrado nesta quinta- lírico e telúrico. Na contramão do progresso, que
feira (15) como
2010, de 14 de março a 31 de maio, seis dias por informatizou a indústria gráfica, a Lira Nordestina,
patrimônio cultural
de Juazeiro do Norte, e a Academia dos Cordelistas
semana, num total de 736 horas, ela repetia a imaterial brasileiro pelo do Crato conservam, em suas oficinas, velhas
Conselho Consultivo do
mesma postura. Sentada numa sala, recebia os máquinas para impressão dos seus cordéis.
Instituto do Patrimônio
visitantes, um a um, e trocava com cada um deles Histórico e Artístico A chapa para impressão do cordel é feita à mão,
Nacional (Iphan). letra por letra, um trabalho artesanal que dura
um longo olhar sem palavras. Ao redor, o público cerca de uma hora para confecção de uma página.
O veredicto foi dado em reunião do conselho
3. Na criação do texto, o chargista Lotti usa Em seguida, a chapa é levada para a impressora,
assistia a essas cenas recorrentes. realizada no Museu de Artes e Ofícios, em Belo
criativamente um intertexto: os traços também manual, para imprimir. A manutenção
Horizonte. O presidente do Iphan e do conselho
reconstroe a cena de “G ernica” painel de desse sistema antigo de impressão faz parte da
ressaltou que a técnica de fabricação artesanal do
Pablo Picasso que retrata os horrores e a filosofia do trabalho. A outra etapa é a confecção
q ei o est “inserida na c lt ra do q e ser
destruição provocados pelo bombardeio a uma da xilogravura para a capa do cordel.
ineiro”.
pequena cidade da Espanha. Na charge,
2. Entre os bens que compõem o patrimônio publicada no período de carnaval, recebe As xilogravuras são ilustrações populares obtidas
nacional, o que pertence à mesma categoria destaque a figura do carro, elemento introduzido por gravuras talhadas em madeira. A origem da
citada no texto está representado em: por Lotti no intertexto. Além dessa figura, a xilogravura nordestina até hoje é ignorada.
linguagem verbal contribui para estabelecer um Acredita-se que os missionários portugueses
diálogo entre a obra de Picasso e a charge, ao tenham ensinado sua técnica aos índios, como uma
explorar: atividade extra-catequese, partindo do princípio
religioso que defende a necessidade de ocupar as
a) Uma referência ao contexto, “trânsito no mãos para que a mente não fique livre, sujeita aos
1.O texto apresenta uma obra da artista Marina feriadão”, esclarecendo-se o referente tanto do maus pensamentos, ao pecado. A xilogravura
Abramovic, cuja performance se alinha a texto de Lotti quanto da obra de Picasso. antecedeu ao clichê, placa fotomecanicamente
tendências contemporâneas e se caracteriza
b) Uma referência ao tempo presente, com o gravada em relevo sobre metal, usualmente zinco,
pela:
emprego da forma verbal “é”, evidenciando-se a que era utilizada nos jornais impressos em
a) Inovação de uma proposta de arte relacional atualidade do tema abordado tanto pelo pintor rotoplanas.
que adentra um museu. espanhol quanto pelo chargista brasileiro. 4. A estratégia gráfica constituída pela união entre
as técnicas da impressão manual e da confecção
b) Abordagem educacional estabelecida na c) Um termo pejorativo, “trânsito”, reforçando-se da xilogravura na produção de folhetos de
relação da artista com o público. a imagem negativa de mundo caótico presente
cordel
tanto em Guernica quanto na charge.
a) Realça a importância da xilogravura sobre o
c) Redistribuição do espaço do museu, que
d) Uma referência temporal, “sempre”, referindo- clichê.
integra diversas linguagens artísticas.
se à permanência de tragédias retratadas tanto b) Oportuniza a renovação dessa arte na
em Guernica quanto na charge. modernidade.
d) Negociação colaborativa de sentidos entre a
c) Demonstra a utilidade desses textos para a
artista e a pessoa com quem interage.
e) Uma expressão polissêmica, “quadro catequese.
e) Aproximação entre artista e público, o que dramático”, remetendo-se tanto à obra d) Revela a necessidade da busca das origens dessa
pictórica quanto ao contexto do trânsito literatura.
rompe com a elitização dessa forma de arte.*
brasileiro.* e) Auxilia na manutenção da essência identitária
dessa tradição popular.*
Observe a imagem a seguir: 2. De acordo com o texto, grande parte da música c) A carta, como testemunho histórico-político, Leia o texto a seguir:
popular desenvolvida nos países colonizados mostra o olhar do colonizador sobre a gente da No dia 1º de julho de 2012, a cidade do Rio de
por Portugal compartilham um instrumental, terra, e a pintura destaca, em primeiro plano, a Janeiro tornou-se a primeira do mundo a receber o
destacando-se o cavaquinho e o violão. No inquietação dos nativos.* título da Unesco de Patrimônio Mundial como
Brasil, são exemplos de música popular que d) As duas produções, embora usem linguagens Paisagem Cultural. A candidatura, apresentada pelo
empregam esses mesmos instrumentos: diferentes – verbal e não verbal –, cumprem a Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico
a) Maracatu e ciranda. mesma função social e artística. Nacional (Iphan), foi aprovada durante a 36.ª
b) Carimbó e baião. e) A pintura e a carta de Caminha são manifestações Sessão do Comitê do Patrimônio Mundial. O
c) Choro e samba.* de grupos étnicos diferentes, produzidas em um presidente do Ip an explico q e “a paisage
d) Chula e siriri. mesmo momentos histórico, retratando a carioca é a imagem mais explícita do que podemos
e) Xote e frevo. colonização. chamar de civilização brasileira, com sua
originalidade, desafios, contradições e
Observe a imagem e leia o texto a seguir: Observe a imagem e leia o texto a seguir:
possibilidades”. A partir de agora os locais da
Andaram na praia, quando saímos, oito ou dez cidade valorizados com o título da Unesco serão
1. O objeto escultórico produzido por Lygia Clark, deles; e daí a pouco começaram a vir mais. E alvo de ações integradas visando à preservação da
representante do Neoconcretismo, exemplifica o parece-me que viriam, este dia, à praia, sua paisagem cultural.
início de uma vertente importante na arte quatrocentos ou quatrocentos e cinquenta. Alguns 5. O reconhecimento da paisagem em questão
contemporânea, que amplia as funções da arte. deles traziam arcos e flechas, que todos trocaram como patrimônio mundial deriva da:
Tendo como referência a obra Bicho de bolso, por carapuças ou por qualquer coisa que lhes a) Presença do corpo artístico local.
identifica-se essa vertente pelo(a): da a . *…+ Anda a todos tão be -dispostos, tão b) Imagem internacional da metrópole.
a) Participação efetiva do espectador na obra, o bem feitos e galantes com suas tinturas que muito c) Herança de prédios da ex-capital do país.
que determina a proximidade entre arte e agradavam. d) Diversidade de culturas presente na cidade.
vida.* e) Relação sociedade-natureza de caráter
b) Percepção do uso de objetos cotidianos para a singular.*
confecção da obra de arte, aproximando arte e Leia o texto e observe a imagem a seguir:
realidade. 6. Com contornos assimétricos,
c) Reconhecimento do uso de técnicas artesanais riqueza de detalhes nas vestes e
na arte, o que determina a consolidação de nas feições, a escultura barroca
valores culturais. no Brasil tem forte influência do
d) Reflexão sobre a captação artística de imagens rococó europeu e está
com meios óticos, revelando o desenvolvimento representada aqui por um dos
de uma linguagem própria. 4. A contemporaneidade identificada na profetas do pátio do Santuário do
e) Entendimento sobre o uso de métodos de performance/instalação do artista mineiro Paulo Bom Jesus de Matosinho, em
produção em série para a confecção da obra de Nazareth reside principalmente na forma como Congonhas (MG), esculpido em
arte, o que atualiza as linguagens artísticas. ele: pedra-sabão por Aleijadinho.
Leia o texto a seguir: 3. Pertencentes ao patrimônio cultural brasileiro, a) Resgata conhecidas referências do modernismo Profundamente religiosa, sua
a carta de Pero Vaz de Caminha e a obra de mineiro. obra revela:
Por onde houve colonização portuguesa, a música
Portinari retratam a chegada dos portugueses a) Liberdade, representando a vida de mineiros à
popular se desenvolveu basicamente com o mesmo b) Utiliza técnicas e suportes tradicionais na
ao Brasil. Da leitura dos textos, constata-se que: procura da salvação.
instrumental. Podemos ver cavaquinho e violão construção das formas.
a) A carta de Pero Vaz de Caminha representa uma b) Credibilidade, atendendo a encomendas dos
atuarem juntos aqui, em Cabo Verde, em Jacarta,
das primeiras manifestações artísticas dos c) Articula questões de identidade, território e nobres de Minas Gerais.
na Indonésia, ou em Goa. O caráter nostálgico,
portugueses em terras brasileiras e preocupa-se códigos de linguagens.* c) Simplicidade, demonstrando compromisso com a
sentimental, é outro ponto comum da música das
apenas com a estética literária. contemplação do divino.
colônias portuguesas em todo o mundo. O d) Imita o papel das celebridades no mundo
b) A tela de Portinari retrata indígenas nus com d) Personalidade, modelando uma imagem sacra
kronjong, a música típica de Jacarta, é uma espécie contemporâneo.
corpos pintados, cuja grande significação é a com feições populares.*
de lundu mais lento, tocado comumente com
afirmação da arte acadêmica brasileira e a e) Camufla o aspecto plástico e a composição e) Singularidade, esculpindo personalidades do
flauta, cavaquinho e violão. Em Goa não é muito
contestação de uma linguagem moderna. visual de sua montagem. reinado nas obras divinas.
diferente.
200 – EXERCÍCIO PRÁTICO DE DESENHO DE OBSERVAÇÃO: O VOLUME GEOMÉTRICO. [Praticar a Arte – Volume 10/EM – Professor Fabrício Secchin]
Praticar a arte: Observe as imagens a

seguir. Elas foram desenhadas com
aplicação de linhas retas. Escolha uma
delas para você desenvolver sua
capacidade artística.

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E-book licenciado para Cleiton Alexsandro dos Santos profcleiton2017@gmail.

com CPF: 01301378127

Nº Título da atividade Nº Título da atividade Nº Título da atividade

03 A EXPRESSÃO DA ARTE PRÉ-HISTÓRICA. 43 MAQUETE ROMÂNICA I – RECORTE E COLAGEM. 83 AS CARACTERÍSTICAS DO REALISMO.

09 RESUMÃO: A ARTE NA PRÉ-HISTÓRIA. 49 O RENASCIMENTO. 89 PRINCIPAIS ARTISTAS DO IMPRESSIONISMO.

20 A CERÂMICA GREGA. 60 RESUMÃO: A ARTE BARROCA. 100 OS PRINCIPAIS ARTISTAS DO FAUVISMO.

22 EXERCÍCIOS DE INTERPRETAÇÃO: ARTE GREGA. 62 EXERCÍCIO INTERPRETATIVO: A ARTE BARROCA.

24 CONHECENDO OS DEUSES GREGOS. 64 PRINCIPAIS ARTISTAS DO ROCOCÓ.

26 AS SETE MARAVILHAS DO MUNDO ANTIGO. 66 RESUMÃO: O ROCOCÓ.

28 EXERCÍCIO INTERPRETATIVO: ARTE ROMANA. 68 O NEOCLASSICISMO.

33 ILUSTRAÇÃO DE UM MANUSCRITO. 73 AS CARACTERÍSTICAS DO ROMANTISMO.

35 CONSTRUINDO UM MOSAICO COM RECORTES. 75 PRINCIPAIS ARTISTAS DO ART NOUVEAU.

37 EXERCÍCIO INTERPRETATIVO: ARTE CRISTÃ E BIZANTINA. 77 CONHECENDO A BELLE ÉPOQUE.

39 A PINTURA ROMÂNICA. 79 EXPERIMENTAÇÃO PRÁTICA: GIZ PASTEL E TOULOUSE-LAUTREC.

Nº Título da atividade Nº Título da atividade Nº Título da atividade

122 O SURREALISMO. 162 CONCEITUAÇÃO E EXPERIMENTAÇÃO SOBRE GRAFISMOS AFRICANOS.

135 OS PRINCIPAIS ARTISTAS DA OP-ART. 175 EXERCÍCIO DE INTERPRETAÇÃO SOBRE A DANÇA.

139 POP ART. 179 AS INFLUÊNCIAS AFRICANAS NA ARTE DO BRASIL.

As pinturas a seguir são feitas em paredes, elas Observe as imagens a seguir:

Mesmo que não houvesse legenda nas fotos, com

É desconhecido o motivo pelo qual os homens pré-

Observe a imagem a seguir: Padrões de preenchimento: O preenchimento de

Veja que na parte de cima do desenho do

Praticar a arte: Observe a cena a seguir:

Com certeza você

Também a escultura nos mostra um pouco da arte na

Veja as figuras a seguir: Os sumérios criaram a

Mas outros povos também Os pequenos desenhos que Os egípcios eram

A pintura egípcia apresenta As esculturas possuem lugar de Dentro da história da

Praticar a arte: Os egípcios e os povos da

Deus da morte no Egito Antigo, mumificação, origem, funções, religião egípcia,

Os templos também possuíam frisos e frontões, que

As colunas apresentavam formas diferentes,

Mas pouco a pouco, os gregos começaram a vender sua cerâmica

Durante a encenação das peças, os atores gregos

Também conhecido como Hércules, foi um grande herói da Mitologia

Praticar a arte: Modelagem com argila.

Em uma das cidades mais cristianizadas do Império

Outra manifestação artística desse período são os

Praticar a arte: Na imagem a seguir,

A escultura românica está

Parte da pintura Os motivos usados pelos

Introdução: A Arte Gótica foi o estilo Do ponto de vista Principais características:

A Arquitetura: A arquitetura renascentista também

Arquiteto, pintor, poeta e escultor, um

Como pintor, trabalhou na pintura do teto da Capela

O equilíbrio entre razão e emoção, característica da

Apesar de as obras acima não apresentarem figuras

No terreno da escultura o impacto de novidade dos

Uma viagem a um país com uma cultura diferente

Gauguin retornou à França e suas figuras ganharam a

Observe as imagens a seguir: Observe esta paisagem realista:

No Realismo, a paisagem ganhou destaque e passou

Embora este quadro seja mais acadêmico na sua

O pintor encontra uma resposta pintando as sombras e

Alguns artistas consideravam o Impressionismo um 0

Praticar a arte: Observe as

De modo geral, o cubismo é marcado pela

“Les Demoiselles d’Avignon” (As Senhoritas de Avignon) é com certeza,

De um modo bem amplo, o A Arte Abstrata tinha o objetivo de encontrar uma

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