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 Mistura passo a passo
Como criar ótimas mixagens usando apenas 5
plug-ins

Por Björgvin Benediktsson

© 2017 Björgvin Benediktsson

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Presente grátis: misturando com 5 plug-ins
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Ensinar aos outros como causar um impacto maior com sua produção
musical e de áudio é uma paixão minha. Eu criei Audio Issues para
mostrar meu conhecimento e ajudá-lo a fazer uma música com melhor
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a ler.
Introdução
Sempre que converso com produtores de estúdio caseiro, eles sempre
falam sobre as mesmas questões quando estão mixando.

É mais ou menos assim:

“Tenho dificuldade em entender o espectro de frequência quando tento

fazer todos os instrumentos se encaixarem na minha mixagem. Não
consigo descobrir como fazer minhas guitarras soarem do jeito que as
ouço nas gravações que gosto e elas sempre parecem mascarar os vocais.

O bumbo e o baixo parecem sempre estar lutando no low-end, e mesmo

quando uso truques legais que aprendi na internet os graves ainda são
turvos. Cada vez que abro um compressor, fico nervoso com todos os
diferentes botões e botões. Eu sempre acabo esmagando minha bateria
com muita força e minha mixagem parece sem vida e um longo grito das
mixagens dinâmicas que ouço meus engenheiros de mixagem favoritos
liberarem.

Mesmo quando consigo fazer meus instrumentos soarem como se eles

pertencessem um ao outro, eu estrago tudo assim que começo a adicionar
efeitos como reverberação e atraso à mixagem. E por último, mas não
menos importante, geralmente deixo a saturação de lado, mesmo sabendo
que ela deve adicionar algo legal à minha mixagem. Estou muito nervoso
e
com medo de distorcer minha mixagem. ”

Soa familiar?

Claro que sim. É por isso que você está lendo este livro.

Mas deixe-me contar um segredo. Mesmo que você possa mixar uma
música de um milhão de maneiras diferentes (isso é um exagero, mas
você entendeu), você pode obter uma mixagem de qualidade facilmente
usando apenas 20% dos processadores e plug-ins disponíveis para você.

Que 20% você pergunta? Bem, os cinco processadores mais importantes

que todo engenheiro de mistura qualificado usa:

● EQ
● Compressão
● Ressonância
● Atraso
● Saturação

Esses são os 20% dos plug-ins que você usa para obter 80% (e além) dos
resultados de uma ótima mixagem. Eu até iria tão longe e diria que os
últimos 20% para obter uma mixagem 100% incrível estão nas próprias
gravações, não em alguns plug-ins premium sofisticados (embora sejam
muito divertidos de brincar).

O fato é que se você dominar esses cinco processadores acima, estará

pronto para fazer uma mistura matadora em sua casa
estúdio, esteja você trabalhando em demos para sua banda ou mixando
discos para seus amigos e clientes.

Portanto, nas páginas a seguir, vamos nos aprofundar nesses cinco plug-
ins e vou ajudá-lo a aprender sobre o que é toda essa confusão.

Cada capítulo terá duas partes:

1. Explicações sobre a teoria por trás do que os plug-ins

fazem e como usá-los:Você terá uma visão geral completa das
várias regiões do espectro de frequência. Você entenderá
exatamente como usar seus compressores. Você aprenderá
tudo sobre as várias configurações de reverberação e atraso
(algumas reverberações são muito complexas!) E se
familiarizará com o uso da saturação (sem sobrecarregar e
distorcer suas mixagens!).
2. Problemas comuns e suas soluções práticas:Depois de
entender como cada processador funciona, falaremos sobre
alguns cenários do mundo real. Vou te dar algumas dicas
práticas e fáceis de usar para fazer suas mixagens saltarem dos
alto-falantes.

Que tal uma hipérbole? Pronto para começar? Vamos!

Uma nota sobre a mixagem
A mistura é um conceito muito subjetivo. Existem muitas variações de
uma “boa” mistura. Um mix pelo qual você paga $ 200 e um mix pelo
qual você paga $ 400 (ou mesmo $ 4000) nem sempre tem o dobro da
qualidade. Tem a ver com a experiência do engenheiro de mixagem, como
seus serviços são solicitados e sua disposição para trabalhar dentro de
qualquer orçamento que você tenha.

Além disso, a mixagem também é difícil de ensinar porque cada música é

diferente e apresenta desafios diferentes. Nas páginas seguintes, estarei
apresentando minhas “regras 80/20” para mixagem. É tudo sobre o que
você deve se concentrar mais para obter os maiores ganhos. Portanto,
espero cobrir os maiores assuntos para que você possa mixar sua própria
música com confiança.

Lembre-se, as habilidades de mixagem crescem com a prática, não com a

leitura de livros (ironicamente ...), então eu o encorajo a mixar o máximo
de música que puder para melhorar suas habilidades. Certamente não sou
o melhor engenheiro de mixagem do mundo. Às vezes eu nem penso que
sou tão bom, mas isso é mais a presença eterna da “síndrome do
impostor” e minha insegurança neurótica do que a falta de habilidade real.
No entanto, sei o suficiente para lhe ensinar as coisas em que se
concentrar e os erros a evitar. Estou constantemente aprendendo com cada
novo
produção e você também deve.

Portanto, leia este livro com ênfase em manter as grandes ideias em mente
e experimentar de tudo em tantas faixas múltiplas quanto possível.
Uma observação importante sobre DAWs

Tento muito não ser específico quanto ao software de áudio que você usa.
Isso significa que este livro pode ser usado com qualquer estação de
trabalho de áudio digital (DAW), desde que tenha os processadores e
plug-ins necessários para criar uma ótima mixagem. 99% de todos os
softwares de áudio hoje têm os plug-ins necessários de que você precisa,
mas existem alguns softwares que são mais “editores” de áudio do que
“estações de trabalho” de áudio - o que significa que você pode não ter a
maior flexibilidade quando se trata de mixagem .

Pessoalmente, eu uso o Logic Pro X e adoro isso. Contudo,Eu também

usei Pro-Tools no passado e noislandêsEmbassy Studiosusamos uma
combinação de Cubase eLogic Pro X porque nem eu nem meu parceiro de
negócios queremos aprender a DAW da outra pessoa.

Também é importante ressaltar que nenhum DAW é melhor do que outro.

É realmente com o usuário a qualidade da DAW. Não vou voltar para o
Pro-Tools porque me familiarizei tanto com o Logic ao longo dos anos
que simplesmente não faz sentido voltar. Muitos músicos pensam que ter
Pro-Tools é o que torna um estúdio de gravação profissional. Eles estão
errados. UMA
O estúdio de gravação é profissional quando tem engenheiros de áudio
experientes que cuidam de seus clientes e os deixam confortáveis o
suficiente para gravar uma ótima performance. Uma vez que você tenha
uma ótima gravação no disco, não é o software que você está usando que
torna sua mixagem boa, é seu conhecimento de mixagem e suas
habilidades que fazem uma ótima mixagem.

Finalmente, cabe a você aprender como usar sua DAW. Os detalhes

técnicos de como certas coisas funcionam na DAW de sua escolha podem
ser ligeiramente diferentes. Por exemplo, usar grupos e ônibus é uma
forma padrão de organizar suas sessões, mas cada DAW faz isso de
maneira um pouco diferente. Então, se você não sabe como usar sua DAW
para organizar trilhas, importar arquivos, usar a janela de arranjos ou o
mixer, você não precisa ler este livro ainda. Você deve começar com o
manual da DAW!

Usarei termos gerais que você pode usar em qualquer DAW. No entanto,
cabe a você saber como fazê-los dentro da DAW de sua escolha.
Capítulo 1 - Misturando sem plug-ins
Antes de começarmos a usar EQ, Compression, Saturation, Delay e
Reverb, vamos falar sobre algo que é muito importante antes mesmo de
você começar a inserir qualquer plug-in em suas trilhas.

Organizar!
A primeira coisa que você deve fazer antes de começar a brincar com seus
plug-ins é organizar tudo para tornar o processo de mixagem mais rápido.

Antes mesmo de começar a empurrar os faders, certifique-se de organizar

suas faixas para que possa voar pela sessão, sabendo exatamente o que
está procurando.

Uma boa maneira de fazer isso é usar códigos de cores. Ter todas as suas
faixas e regiões atribuídas a uma cor diferente com base no instrumento
ou grupo de instrumentos em que se encontram ajuda seu fluxo de
trabalho. Trilhas de cores diferentes ajudam seus olhos e cérebro a pular
direto para a trilha correta quando você rola de um lado do mixer para
outro.

Isso é especialmente útil quando você adiciona vários grupos e tem uma
sessão ainda maior do que a inicial. Além disso, é uma boa ideia manter
os mesmos esquemas de cores ao mixar, para que você
treine seu cérebro para saber exatamente o que cada cor é em cada sessão.

Por exemplo:

● Bateria e percussão são vermelhas

● Baixo é roxo
● Guitarras acústicas são laranja
● Guitarras elétricas são verdes
● Vocal em azul escuro
● Chaves, blocos aleatórios e outros são roxos

Claro, este é apenas um exemplo.

Você tem permissão para usar suas próprias preferências de cores, é claro!
Você pode ir ainda mais longe com esse esquema e ficar mais elaborado.
Na verdade, o motivo pelo qual minhas guitarras elétricas são verdes é
porque Andrew Scheps (engenheiro de mixagem do RHCP, Beyoncé,
Adele e U2, para citar alguns) falou sobre isso em uma conferência AES
alguns anos atrás. Ele mencionou que chega a relacionar o gradiente do
verde com a limpeza das partes da guitarra. Portanto, quanto mais limpo o
timbre da guitarra, mais claro o verde!

Portanto, mergulhe no código de cores, mas não fique tão envolvido nisso
a ponto de não continuar a misturar!

Agora que codificamos por cores, podemos começar a equilibrar as

trilhas.
Níveis, Panorâmica e Mistura Bruta Inicial
Existem várias maneiras de começar a mixar e balancear, mas uma ótima
maneira de começar é simplesmente ouvir a música e ouvir o que você
ouve com todos os faders para cima. Dessa forma, você percebe
imediatamente se algo está muito alto ou muito baixo. Enquanto ouve,
você também pode observar as formas de onda na janela de arranjo para
ver o volume geral das faixas. Isso ajuda você a perceber as trilhas que
podem ser muito importantes, mas têm um nível muito baixo em
comparação com as outras trilhas. Você não quer que eles escapem pelas
rachaduras porque podem ser partes de harmonia muito legais ou até
mesmo um solo de guitarra!

Por exemplo, uma faixa de guitarra solo pode ser uma parte realmente
importante da música, mas se foi gravada muito silenciosamente em
comparação com todo o resto, ficará enterrada nas outras faixas. Você não
pode esperar que todas as faixas se equilibrem magicamente, então
certifique-se de anotar todas as coisas que se destacam durante a audição
inicial de sua mixagem.

Talvez a bateria esteja bem equilibrada sozinha, mas o pandeiro é um

pouco alto, ou o baixo está muito baixo na mixagem e todas as guitarras
são uma espécie de grande mingau.

Além disso, os vocais podem precisar de algum foco no vocalista e não no

vocalista reserva.

Fique atento a tudo o que está acontecendo no

trilha e como cada trilha se relaciona com a mixagem geral.

Quando faço um balanço inicial, gosto de mover todos os faders alguns

dB abaixo do ganho de unidade para que haja mais espaço para trabalhar.
Descobri que mover as faixas para baixo de modo que todas cheguem a
cerca de -11 dB é um bom ponto de partida. Se certas trilhas estiverem
muito baixas ou altas, posso ajustar o volume de cada trilha sem
sobrecarregar os próprios canais e cortar os faders. Você não quer
empurrar o fader de uma trilha para cima quando pode apenas diminuir os
canais mais altos em comparação.

A partir daí, você simplesmente massageia os faders no lugar. Não se

preocupe com o equilíbrio ser absolutamente perfeito imediatamente.
Você pode descobrir que certos instrumentos estão muito altos no refrão
em comparação com os versos, ou vice-versa. Ou talvez o vocal seja
muito dinâmico e você simplesmente não consiga encontrar o lugar certo
para ele. Não se preocupe muito com isso durante o balanço inicial.

O equilíbrio é apenas o primeiro passo. Estaremos adicionando EQ para

criar espaços no espectro de frequência e compressão para cuidar da
dinâmica em breve. No entanto, gastar um pouco mais de tempo para
encontrar o melhor equilíbrio para começar economizará algum tempo no
longo prazo.

Além disso, tente não isolar as faixas e solo nada demais no estágio de
mixagem inicial. Em vez disso, empurre o fader para cima para ouvir o
que está contribuindo para a mixagem. Então
mova-o de volta para baixo e combine-o com o contexto da trilha. Isso é
muito importante e pode ser a melhor maneira de ouvir as coisas que se
relacionam com o resto da faixa. Por exemplo, se eu tenho várias faixas
de bumbo, eu apenas testo os bumbo no contexto da mixagem, então vou
empurrá-los para baixo até que se encaixem na bateria e seguir em frente.
Às vezes, é mais uma questão de velocidade do que precisão pontual.

O mesmo acontece com overheads, trilhas de ritmo múltiplo ou um grupo

de backing vocals. Você apenas empurra o fader para cima, ouve o que ele
está fazendo e, em seguida, move-o de volta para baixo até sentir que o
equilíbrio está correto.

Mixando em mono
A mixagem em mono é uma parte importante do processo de mixagem.
Pessoalmente, eu começo minha mixagem e mixo quase inteiramente em
mono em um mixcube de um driver pelas primeiras horas até que eu tenha
uma mixagem bruta no lugar. Se você conseguir fazer sua mixagem soar
bem em mono em um Mixcube, então você ficará agradavelmente
surpreso com o quão bom soa quando você finalmente transforma-lo em
estéreo e colocá-lo em seus monitores de estúdio com melhor som.

É como se fossem atletas que correm com pesos nos pés. Eles tornam
deliberadamente difícil para eles treinarem e se esforçam para começar,
de modo que, quando os pesos são retirados, tudo parece mais fácil.
Então, basicamente, se você puder fazer sua mixagem soar incrível em
mono em um Mixcube, normalmente soará incrível em qualquer outro
lugar.

Equilibrando a bateria
Vamos falar sobre como equilibrar a bateria. Como o kit de bateria é uma
combinação de vários microfones diferentes, ele pode fornecer várias
opções (ou dores de cabeça!), Dependendo do tipo de som que você está
procurando. Se estou procurando um som de bateria mais natural, tendo a
acentuar os overheads e deixo os microfones da sala ficarem bem
presentes na mixagem. Você quase pode olhar para um microfone de
ambiente apenas como um microfone de reverberação que torna a bateria
maior ou menor dependendo de quão alto eles são. Por outro lado, se você
quiser um tipo de combinação de chute forte e caixa, é uma questão de
puxar a sobrecarga para baixo e deixar que o chute e a caixa falem mais.
Você pode obter ainda mais detalhes se tiver várias faixas de cada bateria
individual.

Por exemplo, se você tiver um microfone de caixa e outro de caixa.

Quer um som de caixa que pesa nos chocalhos da caixa? Em seguida,

aumente o volume do microfone sob a caixa.

Quer mais ataque? Dê destaque ao microfone superior.

Os overheads também afetam a largura de sua mixagem. Se

Se você quiser uma mixagem ampla, deve movimentar fortemente suas
overheads para a esquerda e para a direita. Se você quiser manter a
mixagem de bateria mais centralizada, um pan mais estreito o ajudará a
fazer isso. Isso é mais uma questão de gosto do que uma regra rígida,
então sinta-se à vontade para experimentar como quiser. Já ouvi todos os
tipos de sons de bateria diferentes, de aberto e amplo a completamente
panorâmico para a direita (olá, Beatles!).

Uma das coisas com que sempre luto é o nível dos tons. Você quer que
eles realmente toquem sempre que o baterista preencher, mas não quer
que soem separados do resto do som da bateria. Uma combinação certa de
som de sobrecarga e equilíbrio de tom individual é importante para
conseguir isso, mas se você não estiver se concentrando tanto nas
sobrecargas, pode ser necessário adicionar profundidade aos tons com
reverberação, além de mantê-los consistentes na bateria misture com
compressão.

Quando você tiver um bom equilíbrio de bateria no contexto do restante

dos instrumentos, poderá seguir em frente para ajustar o restante das
faixas. O baixo pode ser empurrado até onde fica audível na mixagem,
sem necessariamente adicionar muita confusão nos graves. Não se
preocupe se os graves soarem muito estrondosos ou enlameados. Você
usará o EQ para domar os graves mais tarde e sempre haverá algum
rebalanceamento durante todo o processo de mixagem.

Depois de passar para as guitarras, você precisa pensar sobre o papel que
elas desempenham na mixagem.
É uma música predominantemente voltada para a guitarra ou as guitarras
são apenas para backup? Isso influenciará sua decisão de nível.

Existe uma combinação de várias partes de guitarra tocando coisas

diferentes, ou uma combinação de guitarras acústicas e elétricas? Isso não
irá apenas influenciar o equilíbrio da mixagem, uma vez que você decidir
quais guitarras são mais importantes, mas também influencia suas
decisões de pan, pois você não quer que elas colidam no espectro estéreo.

Além disso, as faixas são duplicadas? As duplas tocam o tempo todo ou

elas aparecem durante várias partes do arranjo, como o refrão, para
adicionar elevação à música? Se for esse o caso, você precisa ter certeza
de que isso não distorce acidentalmente a mixagem para nenhum dos
lados do espectro estéreo ou afoga as partes regulares da guitarra.

Em uma música predominantemente guiada pela guitarra, você também

precisa pensar sobre os níveis da guitarra em relação aos vocais. Você não
quer abafar o vocal porque é a parte mais importante da música, e também
não quer que a guitarra obstrua os vocais no centro da mixagem. Você
pode obter uma mixagem desequilibrada se tirar a guitarra do caminho e
for a única parte da guitarra. Se for esse o caso, posso dar-lhe algumas
opções para dar-lhes espaço no centro com EQ e / ou reverberação. Mas
se você puder, deslocar as guitarras para fora do centro é uma boa maneira
de abrir espaço para o vocal. Alternativamente, se você tiver apenas uma
parte de guitarra, mas um vocal duplo, panoramizando cada
faixa vocal -10 e +10 irá movê-los ligeiramente para fora do centro e
liberar algum espaço para a guitarra.

Mas chega de balanceamento de guitarra. Eu poderia continuar por horas

aqui.

A regra de 1 dB
Você realmente segue o mesmo padrão com outros instrumentos, sejam
teclas, instrumentos acústicos extras, sintetizadores ou vocais.
Massageando-os no lugar e movendo cada faixa para cima ou para baixo
1 dB por vez, ajudará você a obter um bom equilíbrio inicial. A regra de 1
dB é um truque que roubei de meu amigo Mike Sênior, que escreveu
sobre isso em seu livro “Mixing Secrets for the Home Studio”. Veio de
um dos engenheiros de mixagem que ele entrevistou no livro, não me
lembro de quem, mas é uma regra pela qual eu realmente vivo quando
estou lutando para obter uma mixagem estática inicial.

Problemas dinâmicos devido ao arranjo

Agora, você pode estar pensando, "bem, é ótimo obter uma boa mixagem
estática em uma parte da música, mas os refrões são muito mais altos do
que os versos, então meu equilíbrio está totalmente fora de sintonia assim
que o refrão atinge!"

Problema muito comum! Não vamos consertar totalmente no início,

porque a melhor maneira de fazer isso é com automação e abordaremos
isso mais tarde, mas aqui está o que
recomendar:

Crie um equilíbrio bruto estático de sua mixagem na parte mais alta da

música.

A parte mais alta da música geralmente é o último refrão porque é onde

todos os overdubs, duplos e partes vocais extras são encontrados. É a
parte mais difícil da música de equilibrar por causa da quantidade de
faixas que você precisa equilibrar juntas. Mas se você conseguir uma boa
mixagem estática lá, o resto da música se encaixará mais facilmente.

Grupos
Se você obtiver uma boa mixagem estática com todas as trilhas
individuais e estiver satisfeito com o equilíbrio, poderá tornar o resto da
mixagem muito mais fácil agrupando-as em subgrupos e barramentos.

Isso ajuda a restringir a mixagem inteira em apenas alguns elementos

diferentes. Dessa forma, você pode usar plug-ins em todos os barramentos
em vez de em cada trilha individual. Ele economiza energia de
processamento e ajuda você a misturar mais rápido.

Aqui está um agrupamento muito comum que você pode usar para
qualquer sessão de mixagem:

● Os tambores vão para um subgrupo juntos. Você também pode

tornar isso mais complicado roteando todos os microfones de
bumbo em um grupo de bumbo que é então
 encaminhado para o grupo de bateria. Você pode fazer o mesmo se
tiver várias faixas de caixa e também para os tons.
● Se você tiver vários tipos de percussão, ela pode estar no mesmo
grupo da bateria ou em um grupo separado por si só.
● O baixo deve estar em seu grupo separado. Você pode nem
precisar encaminhá-lo para um grupo, mas isso me mantém
organizado apenas por causa da forma como o Logic Pro X
trabalha com grupos.
● Dependendo dos tipos de faixas de guitarra que você possui,
existem várias opções para grupos. Se você tiver apenas um
monte de faixas de ritmo distorcidas, todas elas podem ser
encaminhadas para um grupo. Mas se você tiver várias faixas de
guitarra base, faixas de violão e solos com vários microfones (por
exemplo), você vai querer mantê-los bem separados. Realmente
depende apenas do arranjo o quanto você pode simplificar sua
mixagem em grupos.
● Com os vocais, tendo a ter os vocais principais como um grupo e,
em seguida, um grupo Vocal de backup se houver muitas
harmonias.

Esse é um ponto de partida simples, e você pode ir ainda mais longe e

encaminhar todos os instrumentos em um grupo Todos os instrumentos
para processamento posterior. No entanto, se o objetivo é simplificar,
então você não quer acabar com mais faixas de grupo do que há faixas na
sessão para começar!
Outra razão para os grupos, além da simplificação, é que eles permitem
que você reequilibre e ajuste facilmente cada aspecto generalizado da
mistura. Se você está satisfeito com o equilíbrio da bateria, mas deseja
apenas que a bateria fique um pouco mais alta no geral, é mais fácil
aumentar um fader em vez de mover cada um dos faders nas trilhas
individuais. Você quer um aspecto de colagem de cada elemento da
mixagem para que seja mais fácil de visualizar, o que também será útil
quando você começar a adicionar efeitos.

Recapitular
Tudo bem, vamos encerrar este capítulo com uma recapitulação rápida.

Se você está acompanhando (seja em sua cabeça ou dentro de seu DAW),

aqui está o que você deve fazer antes de passar para o EQ:

● Organize suas faixas para que você saiba onde está tudo.
● Mantenha a mesma programação de faixas em suas sessões para
que seja mais fácil encontrar tudo.
● Codifique suas trilhas com cores para treinar seu cérebro a pular
para os canais certos quando estiver trabalhando.
● Passe algum tempo ouvindo as faixas e a música e anote o que
chama a atenção de você que precisa de atenção especial, como
faixas de vocais muito dinâmicas ou faixas de guitarra gravadas
suavemente que se afogam na mixagem.
● Às vezes, você tem faixas que precisam de processamento
diferente entre cada parte da música.
Por exemplo, um vocal pode precisar de equalização e
reverberação diferentes no refrão do que no verso. Se for esse o
caso, veja se você pode “mult” (dividir a trilha de áudio em duas
trilhas diferentes), uma para “Verse Vocal” e outra para “Chorus
Vocal”.
● Passe algum tempo definindo níveis. Empurre cada faixa um
pouco aqui e ali e observe as diferenças sutis que ela faz. Se os
níveis estiverem em todos os lugares dentro de cada pista, pode
ser difícil encontrar um nível que seja consistente. Você pode ter
que consertar isso com compressão ou usando automação
imediatamente.
● Por fim, simplifique sua mixagem criando subgrupos e usando
barramentos para uma maneira mais fácil de visualizar cada
elemento da mixagem.
Capítulo 2 - Usando EQ
Agora é hora de começar a usar o EQ para limpar algumas de nossas
trilhas e separá-las umas das outras para que cada instrumento tenha seu
próprio espaço de frequência na mixagem.

Mas primeiro, vamos recapitular um pouco o que fizemos da última vez.

● Configuramos nossa sessão com a linha certa de faixas (ou, como

eu gosto, você pode ter feito as coisas de maneira diferente e isso
está perfeitamente bem, é claro).
● Codificamos as trilhas por cores para que fosse mais fácil para o
seu cérebro pular para a trilha que você queria trabalhar.
● Fizemos uma escuta crítica da música e então começamos a fazer
um balanço rápido apenas com os faders e potes de pan.
● No final, juntamos tudo para tornar a mixagem um pouco mais
simples.

Agora vamos usar o EQ em todas as trilhas, começando com os

barramentos e depois descendo para as trilhas individuais.

As 3 maneiras de abordar uma mistura inicial

Se você fez o que eu falei até agora, seu
a sessão deve parecer organizada com um código de cores e cada
“elemento” mix roteado para diferentes barramentos.

O que acontece com os barramentos é que eles permitem que você

conserve a energia de processamento usando plug-ins em várias trilhas ao
mesmo tempo. Ao fazer isso, você também deve decidir por onde
começará a usar os plug-ins, o que me leva às três maneiras diferentes de
abordar a mixagem inicial com os plug-ins.

1. Mixagem de faixa individual

Se você optar por não fazer nenhum agrupamento de canais e quiser

mixar cada faixa individual separadamente, isso é o que você acabará
fazendo. Talvez a música não seja tão complicada e adicionar barramentos
não economize tempo ou capacidade de processamento. Se for esse o
caso, basta inserir um plug-in em cada trilha e mixar as trilhas dessa
maneira.

2. Mixagem de cima para baixo

A mixagem de cima para baixo é quando você começa a mixar suas

músicas com plug-ins no fader mestre. Depois de obter uma boa mixagem
estática, você começará adicionando EQ, compressão e outros plug-ins
que fornecem a cor da sua mixagem (como plug-ins de soma analógica ou
saturação moderada de fita). Na verdade, é uma ótima maneira de
começar sua mixagem porque você obterá imediatamente grandes ganhos
ao apertar sua mixagem com compressão, ajustando a resposta de
equalização geral e adicionando algum molho secreto com
saturação.

A partir daí, você se move do topo (fader master), desce para os

barramentos e finalmente termina nas trilhas individuais. Com este
método, você pode realmente descobrir que precisa fazer muito pouco
processamento no estágio de trilha individual, porque você fez grandes
avanços em sua mixagem ao aplicar processamento suficiente ao fader
master e aos subgrupos.

3. Mixagem intermediária

A mixagem intermediária é quando você começa a usar plug-ins nos

subgrupos em vez das trilhas individuais ou do fader mestre. (Não sei se
“meio para fora” é um termo real ou não, mas é como eu o chamo.)
Costumo fazer uma combinação de meio para fora e de cima para baixo
quando misturo. Às vezes, eu apenas coloco um compressor no fader
master e depois começo a focar nos subgrupos. Se os subgrupos estão
soando bem, mas há um problema geral de frequência em toda a
mixagem, gosto de tentar consertá-lo com um equalizador mestre em vez
de aprofundar nas próprias faixas.

Depois de ajustar os subgrupos e o fader mestre, passarei para as trilhas

individuais, se necessário. Normalmente, as faixas individuais podem se
beneficiar de leves ajustes de equalização, especialmente se você estiver
tentando separar as coisas na mixagem, como duas guitarras elétricas com
sons semelhantes, por exemplo. Outras vezes, você precisa adicionar
compressão para bobinar coisas
em, ou faça-os bater com mais força. O chute e a armadilha vêm à mente.

Qual EQ você deve usar?

Podemos debater qual EQ é o melhor durante todo o dia e estaremos
ambos errados. O mesmo acontece com a maioria dos plug-ins e
processadores padrão. A maioria dos equalizadores de software são
bastante comparáveis. Eles geralmente fazem o truque. Alguns plug-ins
podem ter modelagem ligeiramente diferente, mas para seus propósitos
um equalizador visual simples funcionará perfeitamente. Normalmente, o
EQ de estoque é a única coisa que você precisa. Se você tiver algum tipo
de plug-in de EQ “vintage” que soe um pouco diferente, você pode
alternar entre eles, dependendo do que estiver trabalhando.

Por exemplo, adoro o plug-in Fabfilter Pro-Q 2 EQ. É extremamente

versátil e oferece várias opções interessantes para encontrar as frequências
certas que você está procurando. O EQ real em si é provavelmente o
mesmo que meu EQ original do Logic, mas a interface é mais intuitiva e
fácil de usar. Também gosto de usá-lo para fins de tutorial porque é muito
fácil para os alunos acompanharem na tela.

Além do meu Pro-Q 2, costumo tocar com EQs específicos que emulam
algum tipo de hardware, como o Waves V-EQ. Embora tenha um pouco
menos de flexibilidade, tendo a usar esses EQs para cores mais tarde na
mixagem, ou para adicionar algo de volta que pode ter sido perdido
devido a
compressão.
As 3 funções primárias do EQ

Qualquer equalizador paramétrico tem três funções:

● Frequência -Onde você seleciona qual frequência deseja

manipular.
● Ganho -Onde você decide se deseja aumentar (aumentar) ou
atenuar (cortar) a frequência selecionada.
● Q -Onde você decide o quanto deseja afetar as frequências ao
redor daquele que você escolheu. Isso define tecnicamente a
largura ou o quão estreita será a largura de banda da frequência
selecionada.

Você encontrará essas três coisas em cada equalizador de software de

alguma forma. Plug-ins que emulam hardware podem ter frequências
fixas e Qs, mas a função geral é sempre a mesma.

Os 3 métodos básicos de equalização

Embora o EQ possa parecer bastante intimidante, na verdade é bastante
simples de usar. Na verdade, existem apenas três coisas que você pode
fazer:

● Filtro -Quando você filtra frequências, você as elimina

completamente. Filtros passa-alta são
 frequentemente usado para eliminar frequências graves
desnecessárias de uma mixagem e filtros passa-baixa são comuns
para domar o chiado de agudos.
● Cortar -Normalmente referido como EQ subtrativo. Quando você
corta uma frequência, você reduz sua potência no espectro de
frequência. Às vezes, você precisa cortar sons de toque irritantes e
ressonâncias em uma faixa específica. Às vezes, você precisa
cortar certas frequências para abrir espaço para outros
instrumentos em uma mixagem.
● Impulso -Quando você aumenta as frequências, você está
adicionando mais delas à mixagem. Você aumenta para adicionar
algo que está faltando, como presença em uma faixa vocal, ataque
a uma guitarra ou corpo ao baixo.

Agora que você conhece um plug-in de EQ, deixe-me apresentar algumas

ótimas diretrizes que funcionam em quase todas as mixagens.

Filtrando
Filtros passa-alto e passa-baixo

A filtragem é a parte mais básica e, até certo ponto, a mais destrutiva da

equalização. A filtragem é basicamente quando você elimina todas as
frequências acima ou abaixo de uma determinada frequência de corte.

Por exemplo, quando você aplica um filtro passa-altas a um vocal de até

100 Hz, está deixando os “altos passarem
através de ”não afetado acima de 100 Hz. Por outro lado, se você usar um
filtro passa-baixas em um bumbo até 10 kHz, estará deixando todas as
frequências abaixo de 10 kHz “passarem” sem serem afetadas. É um
pouco para trás, mas lembre-se de qual faixa de frequência você está
deixando “passar” e você deve pegar o jeito.

Você notará que pode selecionar declives diferentes em certos filtros de

EQ. Às vezes eu uso inclinações diferentes e isso é em parte porque as
inclinações mais suaves (mais graduais) devem ter um som mais musical
e mais natural, então eu uso isso em instrumentos com os quais sou um
pouco mais pesado (ou filtro mais) .

Eu quero que você tenha uma folha de dicas de referência fácil (como
isso1) toda vez que você precisar de algumas dicas úteis sobre EQ,
entãoVou dividir a seção de EQ em filtragem, aumento e corte de dicas
para que você possa encontrar facilmente as dicas que está procurando a
cada vez.

As dicas a seguir são bons pontos de partida e recomendações que usei

para construir minhas mixagens. Como sempre, experimente o que soa
melhor para suas faixas. E lembre-se - obter uma boa gravação de som no
início com seus microfones e pré-amplificadores ajudará muito a obter
uma ótima mixagem de som assim que você começar a usar essas
técnicas.
Bateria

● Bumbo são instrumentos de baixo, então eles são

raramente filtrado acima de 32 Hz.
● Você pode reduzir o sangramento do resto da bateria filtrando o
bumbo até os agudos médios, cerca de 5-10 kHz dependendo do
que soa bem.
● Você pode tirar um pouco da potência da caixa (especialmente se
o bumbo estiver sangrando no microfone da caixa) filtrando tudo
abaixo de 100 Hz.
● Dependendo do tipo de estilo que você escolher, você pode filtrar
bastante dos microfones suspensos. Se você quiser um som
overhead natural, ou se os overheads compõem a maior parte do
som de bateria, filtre o menos possível. Se suas faixas de bumbo e
caixa estão fornecendo a maior parte do som e você está apenas
procurando acentuar os pratos e adicionar um pouco de ambiente
ao bumbo e caixa com microfone fechado, então você pode filtrar
até 500 Hz.
Graves

● Eu raramente filtro o baixo passando por mais de 40 Hz, apenas para me

livrar de qualquer ruído grave que ele possa ter.
● Se você está procurando um baixo mais redondo que funcione mais como
um pad do que como um instrumento de cordas, você pode filtrar todos
os agudos para acentuar apenas os graves e médios. Basta mover o filtro
para o meio até que soe bem.
● Às vezes não há realmente nada acontecendo acima
 uma certa frequência. Você será capaz de ver a representação da
frequência se o seu EQ tiver um analisador, então você
frequentemente será capaz de medir o quanto pode filtrar olhando
para o analisador. É uma boa muleta, mas não confie em seus olhos
para misturar!
Guitarra

● Minhas guitarras são sempre filtradas em high-pass até 100 Hz.

● Você pode passar os agudos de suas guitarras ainda mais alto,
dependendo do arranjo e do quanto a mixagem está ocupada com
outros instrumentos. Se suas guitarras estão colidindo com outros
instrumentos nos médios baixos, é provável que você possa
encaixá-los com a frequência de filtro certa (ou um reforço
paramétrico).
● Se você está preocupado em filtrar muito, apenas coloque suas
guitarras em solo e varra o filtro no espectro de frequência até que
a guitarra (ou qualquer outro instrumento) comece a soar muito
fina, então volte para um pouco antes disso.
● Pode soar muito bem no solo, mas você pode querer que a
guitarra soe um pouco mais fina para caber na mixagem, então
certifique-se de colocar A / B na guitarra filtrada no contexto com
o resto da mixagem.
● Uma das minhas dicas de filtro favoritas é usar um filtro passa-
baixa em guitarras elétricas distorcidas que combina um reforço
na frequência de corte. A maioria dos filtros permite adicionar um
reforço ressonante na frequência de corte se você aumentar o Q.
Teclas e Pianos

● Dependendo da performance e de qual registro as teclas estão

tocando, eu desaconselho a filtragem excessiva.
● Uma boa aposta para a maioria dos instrumentos que não são
instrumentos de “baixo” é filtrar até 100 Hz, mas se você sentir
que está faltando algo no instrumento nesse ponto, você pode
diminuir a frequência de corte.
● Experimente o meu filtro ressonante + ponta de reforço da seção
de guitarra em órgãos de rock ou teclados pesados que não
precisam (ou têm) muita energia de alta frequência.
Vocais

● Dependendo do gênero do cantor, muitas vezes você consegue

filtrar um pouco de energia inferior. Comece em 100 Hz e vá
subindo até sentir que a voz está diminuindo.
● Se você quiser misturar os vocais de apoio e mantê-los bem
escuros na mixagem, um filtro passa-baixa pode fazer com que
eles se misturem.
● Alternativamente, se você filtrar os vocais com bastante
intensidade e aumentar o volume, você fará com que eles se
destaquem um pouco mais, dando-lhes uma qualidade mais
“arejada” que corta a mixagem.
Os filtros são um assunto bastante simples, mas você ficaria surpreso com
o quanto suas mixagens soariam mais limpas depois de adicionar alguns
filtros passa-alta estratégicos para se livrar do ruído baixo e da lama
intermediária baixa. Adicionar alguns filtros passa-baixa também limpará
qualquer chiado de guitarras de hard rock, eliminará o sangramento
desnecessário da bateria e misturará backing vocals. Eles devem ser sua
primeira ferramenta para fazer com que seus instrumentos se encaixem
melhor.

No entanto, não pense nos filtros como algo separado. Eles geralmente
andam de mãos dadas com qualquer outro equalizador que você esteja
fazendo, então vamos falar sobre como você pode atacar frequências
problemáticas e acentuar as frequências que fazem seus instrumentos
cortarem a mixagem.

EQ subtrativo
Quando você está lidando com gravações caseiras, é provável que você
tenha ressonâncias estranhas de seu quarto em suas faixas. Será uma ou
duas frequências que de alguma forma serão ampliadas demais e fará com
que suas faixas toquem de maneiras estranhas. Isso pode soar como um
baixo estrondoso, guitarras ásperas ou um toque irritante em seu som de
caixa. É quando o EQ subtrativo entra.

Quando você corta em vez de aumentar, você está tirando frequências de

suas faixas. Ajuda você a consertar suas gravações na mixagem quando
você precisar. Ele permite que você remova cirurgicamente as frequências
problemáticas para que elas se encaixem melhor na mixagem.
Meu método rápido e sujo para equalização subtrativa é realmente
simples. Eu varro o espectro com grandes impulsos até que algo feio
apareça, então eu corto até que soe mais suave.

EQ aditivo
Aumentos de EQ são muito mais divertidos de fazer. O equalizador
subtrativo é incrivelmente importante, mas nem sempre é tão divertido
porque você não aproveita tanto o corte de frequências quanto o aumento.
Talvez seja apenas a maneira como seus ouvidos funcionam, mas é
simplesmente mais gratificante adicionar mais frequências (como agudos-
médios) para fazer os instrumentos cortarem a mixagem.

Infelizmente, é também aí que reside o perigo. Adicionar muitos reforços

pode causar problemas de fase, embora isso não deva desencorajá-lo
quando você absolutamente precisa usar reforços de EQ. O principal
perigo é que, uma vez que você comece a adicionar agudos a uma faixa,
por exemplo, você será recompensado com o quão melhor essa faixa soa
na mixagem. Isso pode levar a uma ladeira escorregadia de adicionar
agudos a tudo até que você termine com uma mistura realmente dura e
penetrante em vez de uma que esteja equilibrada no espectro de
frequência.

Apenas certifique-se de buscar equilíbrio em sua mixagem, onde todos os

seus instrumentos podem ser ouvidos bem nas faixas de frequência em
que soam melhor.

Para ajudá-lo com isso, aqui estão algumas dicas para se manter em
mente enquanto você equaliza suas mixagens.

Observe:Cada instrumento e faixa são diferentes. Como tal, a frequência

exata em que você cortará ou aumentará pode variar. Gráficos de
frequência, comoEstepode ser útil, mas confiar nos números sem ouvir a
música não resultará em mixagens melhores.

As dicas a seguir são orientações para começar, mas certifique-se de

gastar tempo encontrando as frequências exatas que fazem suas mixagens
soarem melhor. Estou me concentrando nas “grandes vitórias” que ajudam
você a melhorar o mais rápido, fornecendo soluções para os problemas
mais comuns que encontrei ao longo dos meus anos de mixagem.
Bateria

● Corte o bumbo na região de 300 - 600 Hz para se livrar da caixa.

Faça uma varredura com um Q estreito e um grande impulso para
encontrar a frequência mais quadrada e, em seguida, livre-se dela.
● O mesmo funciona bem em um barramento de grupo de bateria,
toms ou qualquer outra bateria que precise ser suavizada. Comece
com um corte em torno de 400 Hz e veja se sua bateria aperta um
pouco.
● Se você tiver vários microfones na bateria, como um microfone
acima e abaixo da caixa, certifique-se de verificar a relação de
fase entre todas as baterias. Você ficaria surpreso com o quanto de
impacto você pode adicionar de volta a um som de bateria se você
apenas certifique-se de que tudo esteja em fase. Essa dica também
se aplica a qualquer instrumento com múltiplos microfones. Inverta
a polaridade de uma das faixas e veja se isso não adiciona algum
peso e potência extras ao som geral do instrumento.
● A filosofia típica para bumbo é cortar os médios e aumentar os
graves para o baixo e os agudos para o batedor. Embora eu ache
que isso seja verdade na maioria das vezes, alguns gêneros
precisam de uma mão mais pesada para domar os graves. Bumbo
de metal pode ficar turvo muito rápido se houver muito graves.
Você pode querer adicionar um filtro de corte shelving para domar
os graves enquanto adiciona um grande reforço à área do batedor
em torno de 4 kHz. Deixe o baixo lidar com a presença de graves
e faça o bumbo penetrar nos médios.
● Uma regra geral que sigo é: quanto mais pesado o gênero, mais
aumento de médios agudos eu uso. Os bumbo de metal ganham
vida com um grande impulso na área de 4 kHz, mas para gêneros
mais suaves como pop, folk e rock, você pode obter os resultados
desejados concentrando-se mais na área de 1,2 kHz a 3 kHz como
diretriz.
● Os ruídos severos dos pratos podem ser domados com um corte
na área de 2,5 kHz. Quando você ouvir os pratos perfurando a
mixagem, não pense que precisa cortar os agudos, porque essa
não é a parte dos pratos que está incomodando. Normalmente, os
agudos causam a maioria dos problemas, então você ainda pode
obter um som de prato limpo e arejado sem o incômodo
aspereza.
● A bateria gravada em casa geralmente tem um acúmulo irritante
de graves e médios, fazendo com que o bumbo tenha muita
energia na área de 100 a 250 Hz. Não tenha medo de cortar graves
e médios para limpar o som de sua bateria. Nem sempre é
necessário um aumento de baixa frequência para criar graves
potentes. Às vezes, trata-se de limpar a área para ouvir o baixo
que já está lá.
● No entanto, se você precisar de mais potência de graves em seu
bumbo, encontre a frequência certa que soa bem para você
aumentando em torno de 60 a 100 Hz.
● Se você deseja adicionar corpo ao som de sua bateria, tente
procurá-lo em torno de 150 a 250 Hz. Se você gosta de um som
de caixa carnudo, aumente os médios baixos para realçar a
espessura do corpo.
● Alternativamente, se você estiver procurando por mais chiado ou
ataque, destacar o caractere de 2,5 - 3 kHz pode ajudar a destacá-
lo na mistura.
● Se isso despertar muito o ruído das caixas, um aumento de alta
frequência em torno de 10 kHz realçará o brilho da caixa sem
adicionar a aspereza das próprias caixas.
● A área em torno de 2,5 kHz é um bom ponto de partida para trazer
à tona o ataque de qualquer bateria, seja a caixa, toms ou o
batedor do bumbo. Mas, como eu disse antes, também causa
aspereza se for intensificado demais.
Graves

● Muitas das mesmas regras se aplicam aos graves para baixo e bumbo.
Eles gostam de colidir e lutar nas baixas, então certifique-se de dar ao
bumbo seu espaço em uma frequência específica, enquanto dá ao baixo
algum espaço para respirar em outra.
● Solar o bumbo e o contrabaixo enquanto aloca as frequências corretas
para cada um deles pode ser útil. Às vezes, o bumbo pode soar um pouco
fraco, mas uma vez que o baixo é adicionado à mixagem, ele ajuda a
preencher as lacunas no som do bumbo.
● Se o seu baixo soar muito fraco, adicionar 200-250 Hz pode aumentá-lo.
● Outra boa maneira de dar corpo aos graves é adicionar aumentos de
frequência menores em áreas de frequência múltipla, em vez de um
grande aumento nos graves. Se a frequência fundamental do baixo (ou a
tonalidade da música) é 100 Hz, então adicionando um aumento em 200
Hz,
400 Hz e 600 Hz (vários múltiplos da frequência original) irão realçar o
som do baixo mais do que apenas um grande aumento em 100 Hz. Os
harmônicos podem ser seus amigos e adicionar profundidade extra ao seu
equalizador.
● Na mesma linha, fazer com que o baixo atravesse não é apenas alcançado
aumentando a espessura nos médios baixos. Adicionar um reforço de 600
- 800 Hz pode trazer à tona a faixa superior do baixo, dando a ele mais
presença na mixagem.
● O baixo também pode atrapalhar quando você menos
 espere isso. Às vezes, um vocal turvo é apenas o baixo mascarando
a trilha do vocal, então certifique-se de que seu baixo não esteja
bagunçando alguma parte da mixagem que você não está pensando.
Uma boa maneira de verificar isso é aumentar o baixo nos médios e
médios altos e ouvir as “outras” faixas, o vocal por exemplo, para
ver onde o baixo começa a mascarar esses instrumentos.
Guitarra

● Não presuma que o tom de guitarra matador que você obteve

durante a gravação se encaixará no resto do arranjo. Às vezes,
você precisará esculpir e cortar seriamente as frequências que não
esperaria para fazer as guitarras se encaixarem tanto com os
outros instrumentos quanto dentro do gênero.
● Certifique-se de que sua guitarra não esteja em conflito com o
baixo nos médios baixos. Corte um pouco no 150
- Região de 250 Hz se algum dos instrumentos não tiver definição
lá.
● Se sua guitarra é o instrumento que está soando fino e não está
atrapalhando o baixo, um aumento nos graves em torno de 200 -
250 Hz pode ajudar a aumentar a espessura.
● Se as guitarras estão com falta de corpo e força, aumentar a área
em torno de 500 Hz pode torná-las maiores sem fazer com que
pareçam turvas ou sibilantes.
● Se suas guitarras estão excessivamente distorcidas e sibilantes,
reduzir os médios altos em torno de 4 kHz pode limpar isso.
● Os agudos-médios de 1 a 4 kHz são uma área muito interessante
para experimentar, especialmente quando se trata de guitarras de
rock. Você pode realmente moldar o tom da guitarra para se
adequar ao estilo de tocar e ao gênero da música apenas
escolhendo os agudos certos para aumentar e cortar. Passe algum
tempo se familiarizando com essa área e você será um virtuose do
equalizador de guitarra em pouco tempo.
● Se você deseja separar duas guitarras base que estão fazendo o
mesmo riff, tente aumentar uma frequência agudos-médios
lisonjeira em uma faixa de guitarra e cortá-la na outra. Em
seguida, encontre uma frequência agudos-médios lisonjeira
separada na faixa que acabou de cortar e repita o processo.
● Se você está equalizando um violão e ele está soando um pouco
honky e "barato", procure e corte na região de 800 Hz para dar ao
seu acústico um som mais suave.
● Você pode trazer algum brilho ao violão aumentando em torno de
8 kHz.
● No entanto, se seu violão é apenas uma pequena parte do arranjo e
só precisa de alguma "presença de toque" no fundo, adicionar um
pouco de ar acima de 10 kHz com uma faixa filtrada de passa-
altas pesadamente pode ajudar na sensação acústica presente na
mixagem, sem bagunçando o resto do arranjo no espectro de
frequência inferior.
● Se suas guitarras soarem como se estivessem mascarando o
 vocal um corte amplo em torno de 1 - 5 kHz pode ajudar a ajustar a
guitarra em torno do som do vocal, permitindo que as duas faixas
se encaixem na mixagem.
● Mesmo se você tiver cortes amplos, como na dica anterior, por
exemplo, você pode querer acentuar uma frequência específica
dentro desse corte para trazer a guitarra (ou qualquer outro
instrumento) para a mixagem. Você vai acabar com algo que
parece um corte largo (um vale, se preferir), mas então você tem
um impulso dentro dele onde você acentua aquela frequência
particular. Então, sua curva de EQ se parecerá com um vale largo
com uma pequena montanha dentro dele. :)
Teclas e Pianos

● Muitas das dicas de que falei antes podem ser usadas em teclas e
pianos. Plenitude em torno de 200 Hz, presença em 3 - 5 kHz e ar
de 10 kHz e acima.
● As teclas podem bagunçar rapidamente a mixagem, portanto,
fique atento às frequências médias-baixas. Adicione um corte
shelving para domar os graves, caso eles atrapalhem o bumbo, o
baixo ou as guitarras.
● A principal dica quando se trata de tonalidades é ouvir nas
frequências que você não está mirando com os outros
instrumentos. Eu descobri que os médios de 600 Hz
- 1 kHz é frequentemente sub-representado no resto do arranjo,
então tendo a me concentrar nessa área para destacar as teclas e os
pianos em minhas mixagens.
● Outras faixas de frequência, como 300 Hz, podem
frequentemente ser
 úteis, mesmo que sejam mais associados a "caixa". Não fique
muito preso a como cada faixa de frequência "deve" soar, porque a
única coisa que importa é se seus ajustes de equalização estão
fazendo com que seus instrumentos se encaixem e cortem a
mixagem.
● Se o seu piano estiver atrapalhando o vocal, faça o mesmo truque
de corte do equalizador nos agudos como faria com a guitarra.
● Você vai querer que um piano tenha um som exuberante e grande
quando estiver tocando sozinho, mas certifique-se de equalizá-lo
no contexto da mixagem se houver um grande arranjo
acontecendo. Pode não soar bem em solo, mas a única coisa que
importa é a mixagem geral.
Vocais

● Se o vocal está faltando clareza e ainda tem bastante energia de

ponta, reduza a área de 200 Hz para limpar as coisas.
● Se seu vocal soar muito nasalmente, ataque a área de 900 Hz - 1
kHz para cortá-lo.
● A área acima de 1 kHz, em torno de 1,2 - 1,5 kHz pode
freqüentemente ajudar o corte vocal através da mixagem. Apenas
certifique-se de não fazer o cantor acidentalmente soar
nasalmente!
● Muitas vezes descobri que, quando tento reduzir o ruído na área
de 1,2 kHz, às vezes falho porque geralmente é melhor reduzir a
área "quadrada" de 300 Hz e isso pode consertar todo o
 som vocal.
● Traga a clareza e inteligibilidade do vocal na faixa de 3 kHz.
● Um reforço de 5 kHz tende a adicionar uma boa presença ao
vocal, mas aumentar muito de qualquer frequência médio-alto
pode resultar rapidamente em dureza geral.
● A sibilância é geralmente centrada em torno de 7 kHz. No
entanto, certos sons de 's' podem ser mais baixos e, se você tiver
problemas de sibilância particularmente problemáticos, poderá
precisar caçar seus harmônicos também, às vezes até 14 kHz.

EQ é uma grande parte da mixagem e um assunto quase grande demais

para condensar em um capítulo deste livro. EQ está sujeito ao gosto,
experimentação e estilo que muda com cada mixagem que você faz. Cada
vez que abro uma nova mixagem, penso instintivamente nessas diretrizes
ao ouvir o que desejo adicionar ou subtrair. No entanto, isso não significa
que eu sigo cegamente essas áreas se essas decisões não forem uma boa
combinação. Muitas vezes tive que ir contra a sabedoria comum apenas
para fazer as coisas se encaixarem e se encaixarem, e isso é sempre o mais
importante quando se trata de mixar. Ninguém se importa se você pode
identificar frequências como um mago. As pessoas se importam se a
mixagem soa bem, nada mais.
Uma nota sobre o reequilíbrio
Conforme você avança no processo de mixagem e continua adicionando
processadores como EQ e compressão, você inevitavelmente mudará o
equilíbrio inicial feito apenas com volume e panorâmica. É por isso que é
sempre uma boa ideia manter o reequilíbrio dos faders conforme você se
move pela mixagem. Mesmo que você mantenha sua estrutura de ganho
dos plug-ins relativamente perfeita, ainda precisará ajustar o volume. A
mistura não é um processo passo a passo completo. É mais um conjunto
de etapas e diretrizes que você segue enquanto ajusta e reage
constantemente às suas decisões de mixagem.

Antes de terminar o capítulo, quero recapitular o que aprendemos sobre

EQ:

● EQ é seu melhor amigo quando você está tentando separar seus

instrumentos no espectro de frequência.
● No entanto, alguns problemas não podem ser corrigidos com EQ
por causa de sua natureza dinâmica. Uma faixa que muda
constantemente de silenciosa para alta não pode ser domesticada
com EQ. É aí que entra a compressão.
● Você nem sempre precisa usar EQ em todas as faixas. Algumas
faixas podem soar bem como estão e só precisam de compressão e
efeitos para se encaixar no resto da mixagem. Talvez tudo que
eles precisem seja um pouco de filtragem apenas para controle de
gama baixa. Portanto, lembre-se de que você pode ter faixas em
suas mixagens que você
 não sinta a necessidade de equalizar. Isso está ok!
● O processo de mixagem é muito mais rápido se você adotar o
processamento de barramento em grupos. Você pode não se sentir
confortável com o método top-down ou middle-out
imediatamente, mas vale a pena se você quiser economizar tempo
e fazer mais mixagens.
● Após os ajustes de equalização (e outras técnicas de mixagem),
você frequentemente precisará reequilibrar os faders para que
todos os instrumentos fiquem onde você deseja que o equilíbrio
esteja.

Espero que as dicas acima tenham dado a você algumas boas idéias sobre
o que tentar para criar separação entre seus instrumentos e definição em
suas mixagens. Se você está procurando ainda mais informações sobre
este tópico, criei um guia especial chamado Estratégias de equalização - O
guia definitivo para equalização que ensina como equalizar em
profundidade:www.EQStrategies.net
Capítulo 3 - Usando compressão
Tudo bem, agora vamos começar a compressão.

Em primeiro lugar, vamos falar sobre os parâmetros e botões comuns que

você encontrará em seu compressor.

A maioria dos compressores terá uma variação desses parâmetros. No

entanto, alguns deles serão incrivelmente simples, como qualquer
compressor que emula o LA2A com seu sistema de compressão de dois
botões. Se você está trabalhando com compressores simples como esse, só
tenho uma regra para você seguir:

“Ajuste até que soe bem!”

É realmente tão simples quanto isso, mas se você estiver trabalhando com
algo um pouco mais complicado, aqui está o que você precisa saber:

Parâmetros de compressão
Limiar -O limite basicamente define o nível em que o compressor deve
começar a ouvir o sinal de áudio. Se o nível do áudio estiver muito baixo
e o limite for muito alto, ele não “ouvirá” o sinal, portanto, será
efetivamente inútil. Qualquer outro parâmetro não importa porque o
compressor não começa a funcionar até que o áudio atinja o limite.
Certifique-se de que o áudio
o sinal realmente atinge o limite para que comece a comprimir.

Razão -Esta é a “quantidade de compressão”. Portanto, se você tiver um

nível específico que ultrapasse o limite e a proporção for 2: 1, ele dividirá
o nível pela metade e o compactará por dois. Portanto, quanto maior a
proporção, mais extrema é a compressão. 10: 1 e superior geralmente é
chamado de limitação porque qualquer sinal acima do limite é
comprimido com tanta força que é empurrado para baixo até onde o limite
está, em vez de deixar passar parte dele.

Esses dois parâmetros funcionam em conjunto. Muitos compressores

possuem apenas esses parâmetros e nada mais. Esses compressores
geralmente têm ataque e liberação definidos e são baseados em certas
emulações projetadas para dar ao áudio uma cor ou caractere específico.

Você quer saber como tudo funciona, então vamos verificar o próximo
conjunto de botões aqui, o ataque e a liberação.

Ataque -Este é basicamente o tempo que você dá ao compressor antes

que ele reaja ao sinal de entrada. Se o ataque for rápido, ele se comprimirá
imediatamente após atingir o limite. Se o ataque for mais lento, demorará
um pouco para reagir. Escolher o tempo de ataque correto é crucial para
moldar os sons, pois pode alterar a maneira como os transientes do sinal
de áudio são afetados.

Liberação -Isso é o oposto de ataque. Ele decide quando parar de

comprimir. Um tempo de liberação mais rápido significa mais rápido
tempo de recuperação do compressor. Um tempo de liberação mais longo
significa que ele mantém o sinal comprimido por mais tempo, o que pode
resultar em um bombeamento com sinais muito rítmicos porque o áudio
nunca pode voltar ao seu áudio inicial não compactado.

Esses quatro parâmetros são geralmente os mais importantes a serem

lembrados em qualquer compressor.

Outros parâmetros de compressão incluem:

Joelho -Se você selecionar um joelho suave ou forte, a forma como a

compressão é aplicada mudará, gradualmente conforme o sinal se
aproxima do limite, ou linearmente, assim que o áudio atinge o limite.

Estilo -Existem muitos estilos de compressão diferentes, todos os quais

funcionam para instrumentos diferentes ou para características de
compressão específicas.

Vamos falar sobre alguns dos mais comuns:

FET

Opto
VCA

Se o seu compressor tem um modo ou estilo FET (Transistor de efeito de

campo), ele basicamente emula o antigo 1176
compressor. O 1176 é talvez o compressor FET mais famoso. As pessoas
gostam de usá-los para obter uma bateria forte.

Um estilo “opto” emula o compressor óptico LA2A. Funciona um pouco

mais devagar e não reage tão rapidamente ao áudio. Funciona bem para
compressão paralela, pois está sempre bombeando no fundo, não apenas
quando você atinge o limite.

O modelo VCA é rápido e transparente. O modelo VCA não colore o som

tanto quanto os outros modelos, então eles são ideais quando você quer
que sua compressão passe despercebida. Um dos compressores VCA mais
populares de todos os tempos é o DBX 160.

Os compressores tendem a se basear nesses modelos. Existem diferentes

emulações, mas essas são as mais comuns e populares que existem. Eles
têm um som ou personagem específico que é diferente dos modelos de
estoque genéricos.

Portanto, não é surpresa que um LA2A soe diferente de um 1176 em sua

mixagem. Seu “circuito” é completamente diferente. É por isso que
muitos compressores all-in-one têm um botão de “tipo” que permite
alterar o caráter do compressor.

Depois de decidir por que está compactando um determinado instrumento,

a próxima pergunta deve ser que tipo de compactação desejo
usar.Dependendo do estilo de música e instrumento que você está
executando através do
compressor, esses estilos mudarão a maneira como o compressor funciona
em seu áudio, então vale a pena experimentar um pouco até encontrar o
estilo que você mais gosta.

Entrada / Saída -Isso é importante para fins de teste de ganho e,

obviamente, muda de acordo com o nível do sinal que você está
alimentando no compressor. Se você tiver um sinal muito baixo, pode ser
necessário aumentar um pouco o ganho para que o compressor funcione
melhor (ou diminuir se você não conseguir colocar o limite baixo o
suficiente e ele estiver sempre comprimindo demais). Uma boa regra é
aumentar a saída de acordo com a mesma quantidade que você está
compactando, mas eu gosto de deixar no automático. Além disso, sempre
que estiver compactando, certifique-se de não obter diferenças drásticas
de nível ao ignorar o compressor, porque isso o fará pensar que tudo soa
melhor quando na verdade está soando mais alto. Se você puder ver a
entrada e a saída do sinal lado a lado, é uma boa ideia ajustar a saída para
que corresponda à entrada.

Mistura Seca -Se você tiver um knob de mixagem seca, ele permite que
você adicione um pouco do sinal não compactado, o que pode ser útil se
você quiser fazer compressão paralela direta sem usar mandadas e
barramentos.

Janela de medição -Normalmente você terá algum tipo de

janela de medição. É útil para ver a forma de onda na tela, o que o
compressor está fazendo com o sinal e para ver quanta redução de ganho
está acontecendo. Freqüentemente, você pode alternar entre entrada, saída
e redução de ganho para ver como o compressor está afetando o sinal.

Aplicando Compressão
A compressão é um assunto sem fim para mim. Sempre sinto que aprendo
novas maneiras de usar a compressão com cada mixagem que faço. Às
vezes é tão simples quanto colocar um LA2A e encerrar o dia, às vezes eu
luto com o ataque e solto por muito tempo sem obter o soco que quero do
instrumento.

As dicas práticas a seguir são, portanto, apenas uma série de coisas que
funcionaram para mim, bem como algumas coisas que eu tendo a evitar.

Mixagem predefinida
Uma técnica que geralmente pode ajudar a acelerar sua mixagem é
começar com predefinições. Costumo escolher uma predefinição que
parece oferecer o que estou procurando, mas depois ajeito de acordo com
a música e a faixa. Obviamente, os designers do preset não ouviram a
música que estou mixando, mas começar com um preset me coloca na
estimativa do que estou procurando. Normalmente, você terá que ajustar
pelo menos o limite e, em seguida, ajustar o outro
parâmetros a gosto.

Submixing
Se você seguiu meus métodos de mixagem top-down ou middle-out, pode
estar se perguntando onde colocar os compressores. O que costumo fazer
é colocar compressores em cada submix e grupos para colar todas as
trilhas. Então, se as trilhas individuais precisarem de algum soco extra,
experimentarei mais compressores lá. O truque para usar muitos
compressores em todo o caminho do sinal é não comprimir muito em cada
estágio. Portanto, procure alguns dBs de redução de ganho nos grupos
para torná-los mais restritos e, em seguida, use seu próprio julgamento nas
faixas individuais para saber quanto mais redução de ganho você precisa
aplicar.
Bateria

Começando com a bateria, gosto de adicionar um pouco de soco ao

bumbo. Proporções mais altas, começando em cerca de 4: 1, dão ao chute
mais espessura porque empurra todo o nível para baixo e o engrossa para
cima.

No entanto, se o compressor começar a adicionar muita espessura nos

médios-baixos, talvez você precise compensar cortando um pouco com
EQ.

Quando você estiver comprimindo um bumbo, preste atenção especial ao

que a diferença no ataque e na liberação faz com o transiente do bumbo.
Por exemplo, um
O ataque e a liberação médios permitem que o batedor inicial do chute
passe sem o compressor entorpecer o transiente inicial. Com uma
liberação média cronometrada mais ou menos no tempo com a música,
você deve ser capaz de ouvir (e ver nos medidores) o compressor se
reinicializa entre batidas.

O mesmo acontece com a armadilha. Eu tendo a escolher alguns

compressores diferentes, alguns plug-ins diferentes ou apenas folheando
os estilos de emulação dentro do compressor padrão no Logic. Cada um
tem um som diferente e dependendo do gênero, do som da caixa e do que
estou procurando, um dos estilos geralmente complementa a caixa melhor
do que os outros. Assim como com o bumbo, esteja ciente do ataque e da
liberação porque você pode realmente diminuir o impacto da caixa se não
tomar cuidado.

Uma das coisas que você precisa pensar ao compactar qualquer faixa de
bateria individual é o sangramento de outras baterias. Por exemplo, se
você comprimir muito a caixa, corre o risco de aumentar o nível geral da
caixa. O que isso significa é que haverá mais sons de bumbo e chimbal no
microfone de caixa se você gravou um kit de bateria ao vivo. Não
cobriremos portas ou expansão para baixo neste livro, mas é uma ótima
maneira de reduzir o sangramento entre os instrumentos e pode realmente
ajudar a cortar muito ruído em suas faixas.

No bus de bateria propriamente dito, geralmente procuro uma sensação

suave, apenas deixando tudo um pouco mais apertado e colado
juntos. Quero ter cuidado para não tornar o ataque e a liberação muito
dependentes de um tambor, embora seja obviamente desencadeado
principalmente pelo bumbo e caixa. Cuidado para não fazer a liberação do
compressor muito lenta porque você introduzirá um efeito de
bombeamento no compressor que é quando ele nunca consegue se
reiniciar entre as batidas.

Ultimamente, tenho encontrado um bom sucesso nos overheads usando

um compressor estilo opto, como um LA2A, e deixando-o reduzir o
ganho em alguns dBs. Parece engrossar os overheads e geralmente faz
com que os pratos cortem a mixagem sem serem muito abrasivos e para
frente.

O lançamento bastante rápido permite que os pratos tenham seu lugar sem
empurrá-los para baixo, o que não soaria natural.

Se você tem um microfone de ambiente em sua bateria, normalmente

pode se divertir um pouco com ele. Use-o como o microfone
“esmagador”, onde você pode dificultar a compressão. Se você realmente
esmagar este microfone com uma proporção alta, muita redução de ganho
e um ataque rápido e liberação longa, você terá uma trilha sonora terrível
por si só, mas pode soar muito bem misturada com as outras trilhas de
bateria para dar mais profundidade para a mistura de bateria.
Graves

Gosto de manter o baixo estável com compressão. Que

significa uma alta proporção e redução de ganho constante. Claro, isso
sempre depende do gênero, mas se o baixo é um personagem mais
favorável do que um papel principal, então mantê-lo em segundo plano é
o que eu geralmente procuro. É importante para o baixo manter o arranjo
estável, então eu uso o baixo para ancorar o arranjo. Por causa disso, não
quero mudanças dinâmicas drásticas em todo o processo, então uso
regularmente uma proporção alta para mantê-la espessa e estável. No
entanto, se o baixo for tocado de forma constante, pode não ser necessário
tanta compressão, embora uma proporção alta ainda possa mantê-lo
aterrado. Você pode pensar que uma proporção alta sempre fará as coisas
parecerem comprimidas, mas na verdade é uma combinação de várias
coisas, especialmente o ataque e a liberação.

Às vezes, para baixo e outros instrumentos, você só precisa de uma

pequena redução de ganho de alguns dBs para manter tudo estável. Isso
apenas dá a todo o baixo um pouco mais de espessura. E percorrendo cada
um dos estilos, eu escolho o estilo que parece se encaixar melhor na faixa,
você adivinhou, usando meus ouvidos e ouvindo no contexto da
mixagem!
Guitarras

Se você está lidando com guitarras acústicas dedilhadas, você pode querer
controlar os picos enquanto deixa o resto
o sinal principalmente sozinho. Se for esse o caso, recomendo escolher
uma boa proporção média de 4: 1. Em seguida, tente encontrar o ponto
limite onde o ganho reduz cerca de 2-3 dBs em todos os momentos,
enquanto empurra os picos um pouco mais forte nos pontos onde os
acentos aparecem um pouco mais. Quando você está começando a
aprender sobre compressão, é bom ter um componente visual em seu
compressor para que você possa ver o que está acontecendo com a forma
de onda. Alguns compressores padrão têm isso, mas um dos meus
favoritos é o Fabfilter Pro-C porque você pode realmente ver quais partes
da forma de onda o compressor está afetando. Dessa forma, você pode se
concentrar nos picos enquanto deixa o resto do sinal praticamente intacto.

Para pegar os picos, você precisará de um ataque rápido. Se suas

configurações de ataque são continuamente variáveis (e não apenas rápido
/ lento), você tem algum controle sobre a quantidade de transientes que
está deixando passar. Se você gosta de strumminess, mas deseja capturar a
maioria dos picos, mover gradualmente o ataque cada vez mais rápido
enquanto ouve o sinal lhe dirá onde está a configuração de milissegundo
ideal para o ataque. O que acontece com guitarras dedilhadas é que elas
cortam a mixagem. Se você definir o ataque para cortá-los inteiramente,
pode não acabar com algo que soe bem no contexto. Por esse motivo,
você realmente precisa ouvir o que está fazendo enquanto molda o sinal
com compressão. Analise o instrumento em solo, mas misture-o no
contexto com o resto do arranjo.
Para guitarras elétricas em geral, tendo a trapacear e usar um plug-in
como o Renaissance Axx, que só me permite controlar o ataque e o limiar.
Plug-ins projetados especificamente para guitarras são uma ótima maneira
de eliminar as suposições. E se eles não soarem bem, sempre posso passar
para outra coisa. Razões baixas de cerca de 2 ou 3: 1 podem ajudar a
domar as guitarras e geralmente tendem a engrossar as coisas sem
esmagar o sinal. Combinado com alguns ajustes no ataque e na liberação e
visando uma redução de ganho de alguns dBs, você geralmente acaba
com uma faixa de guitarra bem compactada que se encaixa bem na
mixagem.
Vocais

Se um vocal tem muita faixa dinâmica, há uma coisa que você pode fazer,
semelhante ao que eu recomendei com os violões. Mantenha o limite
muito baixo e com uma razão alta para que o compressor só reaja quando
os picos altos ultrapassarem o limite, mas deixe o resto do sinal intacto.
Um ataque e uma liberação rápidos devem manter o compressor
funcionando apenas nesses picos mais ou menos. Um compressor de
estilo FET funcionaria bem neste caso porque é um estilo muito rápido e
com um joelho duro ele esmaga a frase inicial. Você poderá ver a
compressão funcionando apenas nesses picos, o que controla o vocal um
pouco melhor nessas partes.

Uma maneira alternativa de compactar os vocais é fazer exatamente o

oposto. Use uma proporção baixa de 1,5: 1 ou 2: 1 e defina o
limite para que seja continuamente compactado. Isso comprime o vocal e
o mantém mais firme sem fazer com que pareça comprimido demais.
Você pode fazer os dois em série, o que é semelhante ao meu próximo
truque.

Compressão em série
Na verdade, você não precisa usar apenas um compressor ou configuração
de compressão em uma trilha. Colocar dois compressores em uma pista
em série pode realmente ajudar se os compressores estão lidando com
dois problemas separados, como estamos fazendo neste caso.

Então, se você quiser que o vocal se encaixe melhor na mixagem depois

de lidar com o hipotético problema de dinâmica acima, você pode
adicionar um segundo compressor mais lento depois dele. Um opto
compressor estilo LA2A com um joelho macio, uma proporção de 2 a 3:
1, ataque rápido e liberação média ajudará o vocal a se encaixar melhor na
mixagem. Então é simplesmente uma questão de contornar o compressor
para ouvir se o vocal soa melhor. Normalmente você pode dizer porque o
vocal soa mais fraco e não está tão presente e nivelado na mixagem.

Esta ponta de compressão da série é muito semelhante à tática de usar o

compressor 1176 para lidar com os picos e o LA2A para cuidar do
controle do vocal. Na verdade, é muito comum e você pode obter o
mesmo efeito usando o estilo FET e o estilo Opto em qualquer um de seus
compressores (assumindo que eles tenham vários estilos).
Vocais de reserva
Os vocais de backup podem ser complicados porque você deseja mantê-
los audíveis na mixagem, mas fora do caminho do vocal principal. Uma
maneira de fazer isso é com o EQ, cortando os médios altos de 900 Hz - 3
kHz para criar um bolso para o vocal principal, mas a compressão
também desempenha um papel. Eu costumo agrupar todos os meus
backing vocals e então tratá-los com um compressor de barramento. Se
você encontrar um meio-termo agradável onde todos os vocais
permanecem consistentes e nivelados, você deve estar pronto para ir.
Normalmente há um bom ponto de partida predefinido, e então você
apenas o ajusta de acordo com o que os vocais de backup estão realmente
fazendo. Uma proporção de até 4: 1 é adequada porque você geralmente
deseja manter as coisas um pouco restritas em segundo plano. Combinar
isso com um ataque rápido significa que não temos nenhum transiente
incômodo escapando para bagunçar o resto da mixagem. Ajuste as
configurações, solo para análise e depois reproduzi-lo no contexto com a
mixagem. Se os vocais de apoio combinam bem com o vocal principal,
você está pronto para ir.
Piano e Teclas

Comprimir teclado e pianos é algo para o qual nunca tive um método. A

diferença entre um teclado elétrico corajoso e um piano de cauda
espaçoso requer duas abordagens drasticamente diferentes.

Para teclado e órgãos de rock, gosto de empurrá-los um pouco mais para

que cortem a mixagem. Especialmente se não for realmente um
instrumento principal e puder ficar em segundo plano, uma proporção
mais alta pode mantê-lo embaixo
tudo. Em seguida, é uma questão de ajustar o ataque para permitir que o
transiente inicial atravesse, porque uma proporção alta pode tender a
esmagar o sinal bastante. Em seguida, você apenas ajusta o limite até que
pareça que está compactando bem e se encaixando bem com a faixa de
apoio.

Quando se trata de pianos, você não quer exagerar ao comprimi-los

porque deseja manter a dinâmica natural do instrumento. Dito isso, você
quer domar os picos, especialmente se o piano está tocando acorde
agressivo (pense em “Love Song” de Sara Bareilles). Nesse ponto, um
ataque rápido e uma liberação média funcionarão bem. Uma proporção de
3: 1 ou 4: 1 é um bom ponto de partida entre domar os picos e reduzir a
faixa dinâmica.

Qual é o ponto de compressão?

Uma boa regra ao usar compressão é se perguntar:

“Por que estou compactando esta faixa?”

Sempre tenha um motivo para compactar algo. Se você tiver um problema

com os picos, saiba o que está almejando ao adicionar um compressor à
trilha, como com a ponta do vocal acima. Se você precisa de espessura
para seus tambores, saiba como você pode fazer isso com proporções
altas. Mas se você lançar compressão em um
faixa e não soa melhor, não importa o que você faça, então talvez você
deva apenas deixá-lo desligado.

É perfeitamente normal (e divertido!) Experimentar diferentes

configurações de compressor quando você está aprendendo a usá-las,
especialmente quando você está descobrindo qual estilo de compressão
funciona melhor em quais faixas. Mas no final, ter um plano e uma meta
sempre que você adiciona compressão a uma faixa é mais eficiente e
eficaz quando você está trabalhando para clientes e não apenas para se
divertir.

Compressão Paralela
Uma ótima maneira de adicionar um pouco de força às suas mixagens é
usar a compressão paralela pesada junto com a compressão que você
adiciona às próprias faixas individuais. Você pode querer apenas suavizar
a redução de ganho nas trilhas, mas se adicionar compressão paralela
embaixo em uma trilha separada, você pode ser muito criativo.

Como você faz isso é simples. Neste caso, vamos imaginar que você está
adicionando compressão paralela à bateria para fazê-la realmente agitar.

1. Envie seu bus de bateria para outra faixa aux.

2. Adicione um compressor à faixa auxiliar.
3. Acerte o compressor com força, com uma alta proporção,
muitos
 redução de ganho, um ataque rápido e uma liberação lenta. Você
quer que a bateria fique realmente comprimida e bombada na faixa
auxiliar.
4. Para um compasso adicional, adicione um EQ à faixa auxiliar
após o compressor. Aumente os altos e baixos. Isso torna os
altos e baixos mais presentes sem adicionar aos transientes da
faixa de bateria. Como o ataque é tão rápido e a liberação tão
lenta, o compressor consome todos os transientes, de forma
que tudo o que você consegue é essa espessura nos graves e
brilho nos agudos.
5. Misture a faixa auxiliar compactada sob o barramento de
bateria para saborear.

Normalmente, isso resulta em um som que corta a mixagem sem

atrapalhar o resto dos instrumentos. Ele apenas adiciona uma presença
extra a tudo.

Você não precisa limitar esta técnica apenas à bateria. Experimente nos
vocais para deixá-los bem presentes na mixagem. Tive muita sorte com
vários tipos de processamento paralelo em vários instrumentos, portanto,
se uma faixa está faltando algum soco, mas ela reage mal ao seu
compressor no insert, tente em paralelo para ver se adiciona o soco de que
você precisa.

Revise sua mistura e reequilibre se necessário

Basicamente, tudo se resume a isso:

1. Adicionar compressão a qualquer faixa que

precise isto(provavelmente quase
todos eles).
2. Encontre o estilo certo de compressão de que você gosta.
3. Encontre uma predefinição se quiser um ponto de partida
simples.
4. Ajuste o limite e a proporção para atender às suas
necessidades.
5. Ajuste a ferramenta e libere a
forma adinâmica do sinal.
6. Analise em solo se necessário, mas sempre mixe a faixa no
contexto da mixagem.

Depois de adicionar compactação a todas as faixas que precisam dela e de

tornar sua mixagem mais vigorosa e gerenciável, é hora de reequilibrar. É
provável que você tenha esquecido algum estágio de ganho adequado
(isso acontece com todos), então você pode querer voltar aos faders e
reequilibrar quaisquer instrumentos que tenham ficado muito altos ou
muito silenciosos. Além disso, a compressão também pode afetar
negativamente qualquer aumento de EQ feito antes de adicionar
compressão, então você pode querer adicionar um EQ após o compressor
para compensar qualquer perda de frequência.

Depois de equilibrar, equalizar e compactar sua mixagem, você pode

notar que o arranjo soa um pouco plano. Isso não é nenhuma surpresa.
Tem absolutamente
nenhuma profundidade adicionada à mistura ainda. No próximo capítulo,
falaremos sobre como aprimorar sua mixagem no departamento de espaço
e profundidade usando reverberação e atraso.

Então, para recapitular, as principais coisas a se pensar quando se trata de

compactar são:

● Certifique-se de que o limite seja relativo ao sinal real. Um limite

definido em um ponto onde o áudio nunca ultrapassa o limite não
fará um compressor fazer nada.
● Ajuste a proporção dependendo da espessura desejada para o som.
Descobri que proporções mais baixas funcionam melhor em
coisas que você não quer que tenham o som muito comprimido,
mas proporções mais altas são boas em coisas como bumbo, baixo
e outras coisas que você deseja que soem vigorosas, mas não se
preocupe em reduzir a dinâmica alcance muito.
● As configurações de ataque e liberação podem realmente moldar
o som do instrumento. Ataques mais lentos são bons para quando
você precisa que os transientes cortem. Liberações mais lentas
podem domar a sustentação de um sinal.
● Por último, tenha um motivo para compactar, mesmo que seja “Eu
me pergunto como soa um LA2A aqui”. Se você está apenas
colocando um compressor em tudo, sem ajustar nenhuma
configuração e pensando que um compressor em uma trilha é
necessário, então você não está usando a compressão em todo o
seu potencial. Ajustando as configurações, modificando o limite,
proporção, ataque e liberação podem realmente ajudá-lo a moldar
sua mixagem, então passe algum tempo com isso. Até mesmo
aumentar o volume do seu instrumento solo apenas para ouvir os
pequenos detalhes que o ataque e a liberação contribuem pode ser
muito educativo.
Capítulo 4 - Reverb e Delay
Agora vamos falar sobre como adicionar espaço.

Hipoteticamente, se eu estivesse mixando junto com este livro, a música

estaria soando bastante equilibrada agora. Você seria capaz de ouvir tudo
o que estava acontecendo, mas pode soar um pouco monótono. Isso
porque a maioria dos instrumentos está totalmente seca e todos ocupam a
mesma região, soando bem bidimensionais.

A mixagem é movida para que haja coisas da esquerda para a direita, e é

equalizada e comprimida para que todos os instrumentos funcionem como
estão agora, mas não há espaçamento de frente para trás. É tudo na frente,
então é difícil gostar de ouvir assim.

O conceito de espaço em uma mistura é muito subjetivo, então este será

um capítulo interessante. Você pode não usar todas as dicas neste capítulo,
mas escolha e escolha de acordo com suas necessidades. Caso contrário,
você pode prejudicar a mixagem com muita reverberação. Você não quer
que sua mixagem soe desbotada, então certifique-se de tomar cuidado
para não sobrecarregar ao adicionar espaço.

Existem tantas maneiras diferentes de usar reverberação e atraso. Vou

tentar dar a você várias opções diferentes que você pode usar para que
você acabe com algo interessante no final. Apenas certifique-se de não se
deixar levar
acabar com a experimentação; enrole essa reverberação no final para que
não soe muito amador.

Parâmetros de reverberação
Em cada mecanismo de reverberação, temos alguns dos mesmos
parâmetros para mexer. Os plug-ins de reverberação mais básicos têm
apenas um ou dois, mas alguns dos mais avançados têm recursos quase
ilimitados para personalização. Vejamos alguns dos parâmetros típicos
que geralmente vemos em um reverb.

Tamanho / tipo da sala -O tamanho determina o quão grande será o seu

reverb e quão grande será o som da sua mixagem. Isso pode ser
predeterminado pelo tipo / modo de reverberação ou apenas pela
quantidade de segundos em que você faz o decaimento da reverberação.
Por exemplo: um reverb de 0,5 segundo soa muito mais curto e menor do
que um mais longo e exuberante de 3,3 segundos.

Pré-atraso -Um pré-atraso empurra a reverberação do som de origem.

Basicamente, ele atrasa o som do reverb na quantidade de milissegundos
que você escolher. Pense no pré-atraso como a distância até as paredes.
Com mais pré-delay, as paredes ficam mais distantes, o que significa que
haverá mais tempo antes de ouvir o reflexo voltando para a fonte de som.
É ótimo para fazer uma grande balada soar espaçosa enquanto mantém o
vocal à frente.
Reflexões iniciais -Essa é a soma de todas as reflexões que acontecem
após o sinal da fonte. Se você pensa em si mesmo em uma sala, o reflexo
inicial é o primeiro som que salta de volta da parede mais próxima. As
primeiras reflexões podem facilmente nos dizer o quão grande ou pequena
é uma sala. Se o eco acontecer quase instantaneamente, estamos em uma
pequena sala. Se demorar um pouco para responder, é provável que você
esteja em uma catedral ou em um grande salão.

Amortecimento -Este parâmetro amortece as frequências mais altas.

Você nem sempre quer um reverb realmente brilhante porque pode distrair
muito na mixagem. Pense no amortecimento como o material natural que
você tem ao seu redor, as cortinas, os tapetes e os sofás que absorvem as
frequências mais altas. Um fator de amortecimento em um reverb
basicamente determina quanto desses agudos são filtrados. Funciona de
maneira bastante semelhante a um EQ. O amortecimento de alta
frequência corta os agudos, o amortecimento de baixa frequência
consome os graves.

Densidade -A densidade decide o quão “espesso” seu reverb se torna.

Quanto mais denso se torna, mais os reflexos continuam a se acumular
para criar um som mais denso. Se sua reverberação tiver uma densidade
mais baixa, você criará mais espaço e tempo entre cada uma das
reflexões. Nos extremos graves, a reverberação soará mais como ecos do
que como uma reverberação natural que se mescla a si mesma.

Difusão -Se você já usou um difusor em uma gravação

estúdio você sabe o que isso faz. Basicamente, dispersa os reflexos e torna
o som da sala mais vivo em vez de áspero e reflexivo.

Filtros de frequência -Isso é bastante autoexplicativo. Equalizar seu

reverb é extremamente importante para moldá-lo em sua mixagem. Às
vezes, tudo que você precisa fazer é filtrar os altos e baixos para obter a
maior parte do espaço nos médios. Se o seu reverb não tiver filtros de
frequência, basta adicionar um EQ após o plug-in do reverb em seu bus
auxiliar e usá-lo para controlar a resposta de frequência do reverb. Muito
low-end pode facilmente bagunçar sua mixagem em nenhum momento.
Por outro lado, a reverberação de alta frequência pode soar sibilante,
sibilante e áspera, nenhum dos quais são bons adjetivos para usar em sua
mixagem.

Mistura úmida / seca -É uma boa ideia usar reverb e delay como efeitos
de envio em vez de inserções. Dessa forma, você poderá tratá-los
separadamente e misturar melhor os instrumentos juntos. Se você não
quiser o incômodo de usar mandadas, pode inserir um reverb na própria
trilha. Como uma inserção, coloque a mixagem seca em 100% enquanto
ajusta a mixagem molhada até que soe bem e "reverb-y". Caso contrário,
se você usar o reverb como um envio, certifique-se de que o reverb está
definido como 100% molhado.

Os diferentes modos de reverberação

Todos os quartos têm um som diferente. A espaçosa catedral espanhola
terá um som muito diferente do seu
sala de estar.

Quanto maiores são os espaços, maiores eles soam. Nós, engenheiros,

sabemos o que podemos realizar musicalmente aproveitando esses
espaços em nossas mixagens. Os diferentes espaços que podemos
escolher em nossas produções são chamados de “modos de quarto”. Os
modos de quarto são basicamente categorias de diferentes espaços que
possuem características e sons distintos.

Sala -Quartos pequenos, tectos baixos. Pense em uma garagem, banheiro

ou um pequeno estúdio. É bom adicionar um pouco de ambiente aos
instrumentos. Também é bom se você encontrar um bom som ambiente
que funcione para colar uma seção de instrumento. Nunca vai soar tão
exuberante quanto um hall, mas tem o caráter certo para alguns gêneros e
sons.

Corredor -Os corredores são grandes e exuberantes. No entanto, os

salões pequenos podem obter o melhor dos dois mundos: exuberância ao
mesmo tempo que permanecem fechados. Use grandes salões para criar
grandes produções vocais, enormes sons de bateria e outras coisas que
você deseja tornar grande na mixagem. Corredores pequenos ainda
parecem maiores do que salas pequenas e têm uma qualidade mais
reflexiva do que uma sala.

Câmara -Antigamente, os engenheiros enviavam o áudio da sala de

controle para ser reproduzido em alto-falantes dentro de grandes câmaras
reverberantes. Eles foram essencialmente os primeiros reverbs reais
construídos.
Os microfones captavam o ambiente e o reverb dessas câmaras, que eram
então adicionados à mixagem. As câmaras podem soar grandes, mas
geralmente não têm muitos reflexos iniciais, dando ao som mais espaço
sem reflexos audíveis.

Placa -As placas são engenhocas muito interessantes. No mundo

analógico, são grandes placas eletromecânicas que vibram com a música.
Os captadores nas placas captam as vibrações de reverberação que são
então adicionadas à música. As placas geralmente são bem densas, mas
não soam muito espaçosas ou eco-y, com um som de reverberação mais
suave do que alguns dos outros modos. As placas são populares para
bateria, especialmente caixas e vocais. Claro, atualmente trabalhamos
apenas com as emulações de software desses grandes mecanismos. Um
dos meus plug-ins favoritos é o Universal Audio EMT 140 Plate Reverb.

Primavera -Aumente a reverberação da mola em seu amplificador de

guitarra e dê o pontapé inicial! Você ouvirá um grande “Boing!” Isso é
reverberação de primavera. É muito popular no surf music e ótimo para
guitarras. O som é enviado através de molas que reverberam e criam
aquele som boingy e elástico. Embora seja principalmente reservado para
guitarras, não tenha medo de experimentá-lo em outros elementos de sua
mixagem.

Respostas ao impulso -Impulse Responses (IRs) são instantâneos digitais

de outras salas. Alguns plug-ins de reverberação são somente
infravermelho (como o Designer de Espaço do Logic). Eles geralmente
têm muitas respostas de impulso interessantes que variam
de quartos simples a espaços estranhos normalmente reservados para
design de espaço (pense no ruído ambiente em um filme espacial).
Embora a criação de respostas de impulso esteja fora do escopo deste
livro, você pode encontrar muitos IRs personalizados com uma simples
pesquisa no Google.

Uma maneira fácil de encontrar a reverberação certa

Com todas as opções de modos de reverberação, é difícil saber o que você
deve escolher para sua próxima faixa.

O que você deve pensar ao escolher o espaço certo para sua música?
Mesmo que você tenha um som de reverberação favorito, ele pode não
funcionar para aquele número alternativo de FolkTronica que você acabou
de gravar.
Pense no andamento da música

Se você estiver trabalhando com uma música de ritmo rápido que precisa
ser clara e bem definida, misturá-la com uma reverberação longa apenas
tornará a mixagem desordenada. Pense no andamento da música e
selecione sua reverberação de acordo. Uma música mais lenta pode usar
uma reverberação mais longa, e músicas mais rápidas podem precisar de
uma reverberação muito curta. Ou você pode simplesmente usar atrasos.
Pense na umidade da música

Você quer que sua mixagem geral seja seca ou quer uma reverberação
exuberante preenchendo o espaço? São alguns dos pré-
faixas gravadas já ricas com reverb pesado e espaço, ou foi tudo gravado
extremamente seco? Pense em como você quer que sua mixagem fique
molhada e escolha seu reverb de acordo com isso.
Pense na exuberância do arranjo

O arranjo vai ficar realmente seco e claro, ou tudo vai se afogar no

espaço? Pode ser necessário manter alguns elementos secos, mesmo que
você opte por uma mistura extremamente úmida. Quanto mais
reverberação você coloca em seus instrumentos, mais você precisa
ancorá-la com pelo menos alguns instrumentos secos. Além disso, tome
cuidado para não adicionar muita reverberação, pois pode ser um sinal de
uma produção muito amadora.
Pense no ritmo da trilha vocal

O cantor está cantando notas longas sustentadas, cantando scat ou fazendo

rap? Estes são alguns dos fatores que você deve considerar ao escolher
seu reverb vocal. O ritmo do vocal pode dizer se a reverberação que você
escolheu realmente funciona. Se você está indo para "My Heart Will Go
On" Celine Dion canto sustentado por muito tempo, uma reverberação
grande e longa pode funcionar excepcionalmente bem. Mas se o seu
cantor for Scatman John, uma longa reverberação provavelmente só vai
atrapalhar.
Pense na sala

Pense sobre a instrumentação e experimente

colocá-los todos juntos na mesma sala. Alguns instrumentos soam bem
juntos quando são “colocados” na mesma sala ou plug-in de reverberação.
Digamos que você tenha uma ótima resposta ao impulso de um antigo
estúdio de gravação. Use a reverberação daquela sala para colar os
instrumentos.

Reserve um momento para pensar sobre as características da mixagem em

questão e, em seguida, escolha o reverb que você acha que é o correto.

Usando uma reverberação na mixagem

Uma das maneiras mais fáceis de adicionar reverberação à sua mixagem é
criar uma reverberação principal para tudo. Depois de encontrar um bom
preset que funcione para o estilo de música que você está mixando,
geralmente é apenas uma questão de adicionar tudo a ele. Nesse ponto,
você apenas decide o que quer seco e na frente e o que quer empurrar para
trás dos outros elementos.

Selecione uma sala, sala ou placa média e defina o tempo de decaimento

para cerca de 1 a 1,5 segundos. Você notará rapidamente como os
instrumentos reagem quando você adiciona reverberação à mixagem.
Uma boa maneira de começar é apenas ter o objetivo de não torná-lo
muito perceptível. Apenas tente usá-lo para adicionar alguma
profundidade.

Digamos que você queira empurrar a bateria e qualquer backing vocal

para trás de todo o resto. Então você adiciona a maior quantidade
de reverberação para esses elementos. Se eles soarem muito altos porque
há muita reverberação neles, você pode simplesmente diminuir o fader da
faixa seca.

Dica profissional:Se você gosta de reverberação pesada na trilha,

mas deseja que os instrumentos de origem fiquem realmente
silenciosos, é bom fazer o envio “pré-fader” para que o volume do
sinal reverenciado não mude quando você abaixa o fader da trilha
original.

Se você hipoteticamente empurrou a bateria e os vocais de apoio

totalmente para trás, você realmente só tem dois pontos do espectro de
profundidade de frente para trás. Todo o resto ainda pode soar muito
próximo e pessoal, então você desejará adicionar um pouco mais de
reverberação às faixas que deseja tocar o segundo violino dos
instrumentos principais, como vocais e solos de guitarra. Adicionando um
pouco de reverberação às guitarras (mas não tanto quanto você adiciona à
bateria), você basicamente empurrará as guitarras um pouco para trás do
vocal enquanto as mantém na frente da bateria.

Se o vocal estiver realmente seco, adicione um toque de reverberação

também, apenas mantenha a quantidade de reverberação menor (ou
menor) do que os outros elementos da mixagem que você está tentando
empurrar para trás.

Eu tendo a deixar o bumbo e o baixo secos, a menos que busque um efeito

específico.

Claro, este é apenas um método simples de fazer isso,

mas é um bom ponto de partida.

E aqui está outra observação importante: depois de adicionar

reverberação, você também precisa reequilibrar suas faixas de acordo. A
reverberação muda a composição da mixagem, portanto, voltar
constantemente ao equilíbrio do fader original é crucial para manter as
coisas juntas.
Adicionar estilos de reverberação separados à bateria

Você pode querer adicionar uma reverberação completamente separada à

bateria, que seja diferente de outros estilos de reverberação na mixagem.
E você pode até querer colocar um reverb separado na caixa para dar a ela
algum espaço extra e espessura na mixagem. A bateria geralmente precisa
de muito mais sutileza no departamento espacial para torná-la mais
espaçosa e não atrapalhar o resto da mixagem.

Às vezes é suficiente apenas adicionar um bom “ambiente de sala de

bateria” à sua bateria e encerrar o dia. Uma predefinição como uma “sala
de bateria” ou uma “placa de bateria” pode ser um ótimo ponto de partida.

No entanto, em alguns gêneros, você realmente deseja trazer essa

armadilha para o primeiro plano e fazê-la soar um pouco diferente. Uma
boa maneira de obter um bom e longo “thwack” de caixa sem adicionar
muito decaimento de reverberação extra é encontrar um som de
reverberação curto realmente bom que adiciona mais densidade do que
“espaço” à caixa. Encontre um reverb que seja curto o suficiente para dar
aquele toque extra à caixa sem bagunçar o resto da bateria
acompanhar. Este reverb de caixa irá sangrar no resto das faixas,
especialmente se você não bloqueou a caixa de bateria. Isso não precisa
ser uma coisa ruim, então apenas A / B o som. Talvez aquele espaço extra
apertado na caixa dê à bateria um pouco de força extra. Muitas mixagens
podem ser acidentais, então experimente sempre que não estiver em
tempo para terminar uma mixagem e comece a fazer anotações mentais de
todos os truques estranhos e incomuns que você aprender.

Se você deseja ter controle absoluto sobre o som da caixa, provavelmente

é uma boa ideia retirar a faixa da caixa do grupo de mixagem de bateria.
Dessa forma, você pode mixá-lo de forma totalmente independente.
Às vezes, aquele reverb simplesmente não resolve.

Uma das coisas a se pensar ao tomar decisões de reverberação é que sua

reverberação legal pode não funcionar em todas as partes do arranjo.

Por exemplo, se você tem uma grande reverberação em um grande refrão,

pode soar fora do lugar se o verso for realmente calmo e frio. Pense nisso.
E se o refrão realmente enorme fizer a transição para um verso íntimo e a
faixa da caixa ainda estiver soando enorme com um grande declínio de
reverberação? Isso simplesmente não funciona.

Uma boa maneira de fazer com que o espaço e a reverberação funcionem

em um arranjo de alto para baixo é multiplicar as faixas e processá-las
separadamente. Por exemplo, uma vez que você tenha um ótimo som de
caixa com EQ e compressão, você pode querer
o mesmo som geral tanto no verso quanto no refrão. A única diferença é a
combinação dos reverbs. Por ter duas faixas diferentes que enviam para
reverberações diferentes (uma reverberação em verso e uma reverberação
em coro), será muito mais fácil ajustar a quantidade exata de reverberação
necessária para cada parte do arranjo.

Outra forma de combater isso é usar a automação para enviar quantidades

variáveis de instrumentos para o reverb, de modo que as seções mais
secas permaneçam secas enquanto as seções grandes são automatizadas
para soarem grandes.
Guitarras

Uma das coisas a se pensar com as guitarras em geral é que elas podem se
beneficiar totalmente de um bom reverb, mas quanto mais rítmicas forem,
mais problemas você terá com a reverberação atrapalhando a performance
real.

Você nem sempre tem esse problema, mas tenha isso em mente ao
trabalhar com guitarras funky de ritmo acelerado que realmente precisam
de toda a definição possível. Quanto mais reverberação, menos definição
você obterá das notas, porque elas ficarão submersas no espaço e nos
reflexos.

Além disso, se você estiver trabalhando com duas partes de guitarra

diferentes, uma sustentada e outra rítmica, talvez não queira adicionar o
mesmo tipo de reverberação a elas. Usar muita reverberação na guitarra
base pode adicionar médios graves
confundir e desordenar a mixagem, ou fazer com que soe muito
desbotado. Se você enviar mais de uma guitarra para o mesmo reverb,
tente enviar mais da parte elétrica do que da acústica.

Claro, se você sentir que as guitarras são muito reverb-y em outras partes
da música, você pode querer automatizar os envios para que se encaixem
nas diferentes dinâmicas. E se você achar que é bom, mas muito confuso,
às vezes reduzir o retorno do reverb pode fazer com que as guitarras
tenham a mesma quantidade de som de reverb para si mesmas, mas há
menos reverb na mixagem real. Pode fazer com que os elementos se
encaixem melhor. Mas, novamente, isso é tudo sobre reequilíbrio.

O problema do reverb é que não há realmente uma maneira de fazê-lo.

Existem diretrizes e métodos para tornar as coisas simples, como minha
única técnica de reverberação descrita acima. Mas, em última análise,
trata-se de experimentar os plug-ins de reverberação que você tem à sua
disposição e apenas encontrar o espaço certo que funcione com o arranjo
da mixagem.

Supercompensação Acústica
Adicionar muito ou pouco reverb nem sempre é um subproduto de más
habilidades de mixagem, mas sim um tratamento inadequado do
ambiente. Uma sala com som ruim pode ter todos os tipos de efeitos em
suas mixagens, como adicionar muitos graves ou reverberação demais.
Não tem nada a ver com você ser um terrível
engenheiro de mixagem.

Às vezes você só precisa consertar seu quarto. Falaremos sobre

“tradução” em breve, mas certifique-se de adicionar reverberação
adequada à mixagem real, não à mixagem que está tocando em sua sala /
estúdio específico. Verifique em outros alto-falantes e em outras salas.
Uma boa maneira de avaliar a quantidade “real” de reverberação na
mixagem é verificar nos fones de ouvido.

Quando o atraso é melhor

Talvez você queira deixar a reverberação por um dia e usar um delay.
Delays são mais fáceis de controlar e alguns são muito menos confusos do
que o reverb médio.

Às vezes, você só precisa de um pouco de profundidade, sem adicionar

reverberação, e o atraso pode fazer o trabalho facilmente.
O atraso não precisa ser complicado

Acho que alguns atrasos podem ser um pouco complicados,

especialmente quando você só precisa de algo simples para trabalhar.

É melhor sincronizar um atraso com o andamento da música. Defina-o

para 8ª ou 16ª notas e misture-o por baixo apenas para dar à faixa alguma
profundidade sem que se destaque visivelmente. Por exemplo, com vocais
principais, geralmente gosto de engrossá-los e dar-lhes alguma
profundidade. Quando você faz isso
você também precisa ter certeza de que o feedback é muito baixo.

Você só quer que se repita uma ou duas vezes, quase indecifrável do vocal
principal. Tornar o valor de repetição alto apenas fará com que o feedback
de atraso seja repetido e soará péssimo. Claro, se você está buscando um
efeito específico ou automatizando o feedback para criar algum tipo de
transição, é um jogo totalmente diferente.

Em termos de equalização, eu recomendo filtrar os altos e baixos.

Normalmente, os atrasos têm filtros convenientes para isso. Finalmente, a
taxa e profundidade do LFO (oscilador de baixa frequência) ajudam a
desafinar um pouco o atraso, então não é um clone perfeito da trilha
original. Isso fará com que soe um pouco mais como rastreamento duplo
automático e adicionará mais profundidade à trilha do vocal.

Esses são realmente os únicos parâmetros que importam quando eu uso o

atraso. Existem muitos atrasos malucos e complicados por aí que podem
ser usados para diferentes propósitos e para diferentes gêneros, mas
descobri que quanto mais simples o atraso, melhor posso usá-lo na
mixagem. Por exemplo, o Tape Delay in Logic de estoque é muito
simples e um dos meus principais atrasos, embora eu tenha o plug-in
Fabfilter Timeless Delay. Atemporal é muito complicado para meus
propósitos, então tendo a ficar longe disso.

Então, quando você substituiria seu reverb por um pouco de delay?

Para Solos de Guitarra

Claro, solos de guitarra podem soar incríveis com uma grande quantidade
de reverberação. Mas eles podem soar igualmente legais com um bom
atraso.

Use um retardo estéreo de curto a médio com uma repetição. Isso

adicionará largura e profundidade ao seu sinal imediatamente. O retardo
estéreo tornará o som do solo mais amplo, e a repetição única do retardo
adicionará profundidade.

E se você tiver o sinal original no meio, somar para mono não vai estragar
o som.
Para guitarra rítmica

Usar reverberação e atraso pode arruinar rapidamente uma tomada de

guitarra rítmica apertada. Se você usar muito um dos dois, acabará com
uma faixa de guitarra desordenada.

No entanto, usar um eco de toque curto ou retardo de colcheia pode

aumentar o interesse. Envie sua faixa de guitarra para um atraso por meio
de um envio e mixe a faixa atrasada abaixo para adicionar um pouco de
espaço. Ele não tem que bagunçar a pista se você usá-lo com moderação.
Para vocais principais

Para um vocal principal, descarte totalmente a reverberação e use o delay

para tornar o palco sonoro mais amplo. Delay adiciona espaço sem tornar
o som vocal distante,
algo que acontece com muita frequência quando você usa muita
reverberação. Dependendo do BPM da música, estilo e gênero, use atrasos
curtos, médios ou longos.

Se for uma balada com palavras longas e prolongadas, um longo atraso

cria um grande som sem sobrepujar o vocal real. Uma música de rock
rápida se beneficia de um atraso curto e sutil e as músicas pop groovy
usam atrasos médios para obter um ótimo efeito.

Além disso, se você tiver um “verso vocal” e um “coro vocal”, poderá

usar facilmente os efeitos de envio para distingui-los melhor. Por
exemplo, se você não quer uma grande reverberação nos versos, mas acha
que seria bom ter um espaço maior no refrão. Basta enviar o verso vocal
para o delay e enviar o refrão vocal para o reverb vocal. Isso adicionará
contraste ao arranjo também.
Para percussão

Um problema semelhante surge de usar muito atraso na percussão como

acontece na guitarra base. Um pequeno atraso sincronizado com o BPM
da música dá um vigor à percussão sem dar muito espaço na mixagem.
Para órgãos e teclados

Atrasos de médio a longo com uma boa quantidade de feedback podem

fortalecer o som de um órgão ou bloco. Se você tem um órgão tocando
acordes longos e sustentados, um longo retardo pode
dar a essa base um som mais denso.

Delays simples e rápidos funcionam muito bem em teclados também

porque parecem gostar de efeitos do tipo chorus. Delays podem funcionar
muito bem para isso, em vez de usar um plug-in de chorus.

Adicione um retardo estéreo em um barramento e tenha um retardo lateral

nas semicolcheias e o outro retardo nas semicolcheias. Em seguida, você
pode ir ainda mais longe e enviar isso em um delay de fita modulado que
faz o chorus do delay estéreo para criar “brilho” adicional ao som.
Capítulo 5 - Saturação
Agora é hora de falar sobre Saturação e algumas maneiras de usá-la em
suas trilhas.

Antes de começar, gostaria que você soubesse o que NÃO é saturação.

Saturação não é distorção.Você pode usar a saturação para distorcer,

mas por padrão não é distorção no sentido de que destrói ou suja seus
sons. Usado de forma agressiva, sim, mas não vamos falar sobre usá-lo
para esse efeito.

Em vez disso, pode ser usado para aquecer e engrossar as coisas,

adicionar um pouco de textura (mas não distorção) ao seu som e,
geralmente, dar-lhe alguma profundidade adicional adicionando
harmônicos às suas faixas.

Existem vários plug-ins de saturação por aí. Os plug-ins padrão do Logic,

por exemplo, incluem alguns plug-ins de distorção que você poderia
hipoteticamente usar, mas eles são principalmente da variedade de
distorção, e não a saturação da fita e o calor do tubo analógico de que
estou falando.

Os plug-ins que uso regularmente são estes três:

● Plug & Mix Analoger

● Fabfilter Saturn
● Waves Kramer Tape

O Plug and Mix Analoger é simples e fácil, como a maioria do pacote Plug
& Mix.
O Fabfilter Saturn pode ser incrivelmente complexo se você quiser, mas
também pode ser super simples. Vamos nos limitar ao simples e prático
porque esse é o meu estilo. Ele tem vários tipos de emulações de
saturação, tudo desde fita limpa e emulação de tubo a distorção pesada,
então poderia ser um plug-in de saturação completo, mas eu gostaria de
compará-los um pouco.
A terceira é a Kramer Tape da Waves, que é apenas uma emulação de fita
e é muito divertido de brincar. Eu o uso em muitas coisas, desde o
barramento master para obter algum calor, até faixas individuais que
precisam de algo extra.
Mas não se desespere porque todos esses plug-ins são pagos. Se você
simplesmente pesquisar “plug-ins de saturação grátis” no Google, terá
uma série de opções que pode usar caso ainda não tenha nenhuma.

Configurações de saturação
Ok, vamos entrar um pouco nesses plug-ins. Você pode revisar as capturas
de tela acima enquanto examinamos esses plug-ins. Você também pode
baixar os demos para experimentar por si mesmo e, se baixar alguns dos
plug-ins de saturação gratuitos disponíveis, é provável que eles tenham
alguns dos mesmos parâmetros.

O Analógico
O Analoger é o mais simples, apresentando os botões de graves e agudos
e um botão cada vez maior. Você pode selecionar o tipo de saturação de
tubo e fita ou mixado e, em seguida, pode escolher o quanto deseja mixá-
lo com o sinal seco. O botão de mixagem é ótimo porque você pode
sintonizar um som realmente saturado, mas se você apenas configurá-lo
para cerca de 20% de mixagem, poderá combiná-lo muito bem com o som
original.

Os botões altos e baixossão apenas o quanto você deseja saturar os

agudos e o quanto você deseja saturar os graves. Simples e eficiente.

Kramer Tape
A fita Kramer tem mais alguns botões, mas é puramente uma “emulação
de fita”.

As velocidadessão para saber se você precisa para uma resposta de

frequência alta ou baixa aprimorada. Resumindo, a baixa velocidade da
fita é boa para instrumentos de baixa frequência, mas também pode ser
usada para diminuir um pouco as altas frequências, se necessário. Isso
ocorre porque as velocidades mais baixas da fita resultam em alguma
perda de alta frequência.

A entradadefine se você deseja ouvir o sinal quando chega ao cabeçote

de gravação ou se deseja ouvir a saída conforme passa por todos os
parâmetros, como velocidade da fita, bias, fluxo e todas as outras
configurações do plug-in.

Tendênciaé como uma sobrecarga de fita, como adicionar um pouco mais

de ganho ao sinal da fita. Às vezes, isso atua como saturação adicional, o
que pode fornecer resultados bons ou ruins, dependendo da faixa.

Fluxo, de acordo com o manual (que realmente não informa nenhum uso
prático para isso), é "essencialmente um fator de ganho que reflete um
nível mais alto passado para a cabeça do disco", então de certa forma
adiciona um pouco mais de ganho ou distorção por meio para a saída.

Ruídoé apenas isso, barulho. Eu não sou um grande fã disso porque se

você usar muito ruído em várias faixas, você obterá um acúmulo que
tornará sua mixagem muito animada.
Uau e vibraçãofaça o sinal soar um pouco mais áspero ou desgastado.
Basicamente, fazendo a fita parecer mais velha.

Então você tem os medidores VU, e eu tento ter o cuidado de fazer o teste
de ganho correto para que ele não sobrecarregue, a menos que você
realmente queira. Costumo tirar o botão “Join” para poder calibrar a
entrada e a saída independentemente, se necessário.

A seção de atraso é super conveniente para espaços rápidos. Eu costumo

colocar esse plug-in de fita nas guitarras solo e apenas usar o retardo da
fita para criar alguma profundidade adicional. Você pode obter de tudo,
desde um eco rápido até atrasos agradáveis.

Fabfilter Saturn
O Fabfilter Saturn é um dos meus favoritos porque é incrivelmente
versátil. Não vou entrar em todas as configurações, mas aqui está meu
guia de início rápido para o que eu costumo fazer.

Obviamente, eu o coloquei em uma faixa, então seleciono a emulação de

saturação que estou pensando que quero. Normalmente, é algum tipo de
fita ou tubo, dependendo da faixa. Em seguida, encontro a saturação ideal
no botão de acionamento e, ao brincar com o botão de acionamento e de
mixagem, geralmente posso chegar perto de onde quero estar.

O botão de feedback geralmente não é útil para mim porque basicamente

envia o sinal de saída de volta para a entrada e pode criar alguns sons
legais, mas para o tipo de
coisas que eu misturo, eu não acho muito uso para isso. Você pode pensar
nisso como uma distorção contínua.

O botão de dinâmica funciona como um compressor embutido para sua

saturação.

O Saturn também possui este incrível equalizador de quatro bandas que

pode realmente ajudar a moldar o seu som. Por exemplo, isso pode
funcionar muito bem quando você deseja adicionar saturação ao baixo
para destacar os graves, mas também deseja que as frequências médias
sejam interrompidas na mixagem. Então, você simplesmente aumenta um
pouco na banda do meio para acentuar essa frequência.

Uma das funções mais convenientes do Saturn é sua capacidade

multibanda. Ele permite dividir o espectro de frequência em bandas
diferentes, tornando-o um saturador multibanda. Isso é útil quando você
deseja um pouco mais de sujeira nas baixas, mas gostaria de mantê-las
limpas.

Aplicando saturação em sua mistura

Aviso: um tamanho não serve para todos.

A razão pela qual menciono esses três plug-ins de saturação diferentes é

porque todos eles reagem de maneira diferente a qualquer trilha que eu os
coloquei. Mesmo se eu colocar a fita Kramer no baixo em uma mixagem,
isso pode não necessariamente me dar os mesmos ótimos resultados na
próxima mixagem.
Eu recomendo o teste de vários plug-ins de saturação para ver qual deles
reage melhor às suas faixas específicas. Se você desistir e abandonar a
saturação só porque não funcionou uma vez, você está se enganando em
um mundo de possibilidades para obter uma mistura mais quente e mais
densa.
Bateria

Para o bumbo, é uma boa ideia tentar alguma saturação simples se você
precisar aumentá-la nos graves. Por exemplo, se você fosse usar o
Analoger simples, os botões de agudos e graves são cruciais porque
muitos graves podem turvar o som, mas você ainda deseja aumentar um
pouco os agudos para acentuar a extremidade superior do chute. Em
seguida, é uma questão de trabalhar os botões de drive e mix para obter o
som desejado. Normalmente, os plug-ins têm uma predefinição que pode
fornecer um bom ponto de partida para trabalhar.

O mesmo vale para a caixa se estiver faltando nos médios-baixos e você

quiser um pouco mais potente. Como regra, a saturação tende a atenuar
um pouco os agudos. Se você tem uma caixa realmente nítida e deseja
enrolar e adicionar energia, é uma boa ideia verificar o que a saturação
pode fazer para ajudar. No entanto, ter um saturador multibanda como o
Fabfilter ajuda a adicionar estilos diferentes a partes diferentes do
espectro de frequência.

Digamos que você queira adicionar um pouco mais de carne ao meio sem
adicionar mais saturação à fenda médio-alto de
a armadilha. Em seguida, você divide as bandas de frequência ao meio e
aplica um estilo de saturação diferente a cada banda. Alternativamente, se
você não tem capacidade multibanda, você pode duplicar a trilha de caixa,
adicionar um EQ antes do plug-in de saturação na trilha extra e filtrar
todas as frequências que você não deseja que sejam afetadas. Em seguida,
basta misturar as duas faixas.

Às vezes, a saturação soa um pouco difícil no solo, mas se você tocá-la no

contexto da mixagem, ela pode realmente aumentar o caráter do som.

Devido à natureza de alguma saturação, pode nem sempre funcionar em

overheads de bateria. Se você quiser pratos nítidos que cortem a
mixagem, deixe a saturação de fora. No entanto, se eles estão perfurando
suas orelhas, você pode domesticá-los com um emulador de fita simples.
Graves

Como o bumbo, o contrabaixo pode muitas vezes se beneficiar da

espessura adicional que a saturação dá a uma faixa. Eu tendo a gravitar
em torno do meu plug-in Kramer Tape para baixo se eu precisar de
alguma espessura adicional nos graves. Eu começo com um preset, como
“bass fingered rock”, que é um dos presets, e então ajusto a entrada e a
saída para que eu possa ouvir a mudança melhor quando ignoro o plug-in.
Você quer ter certeza de que há volume igual entre o sinal da fonte quando
o plug-in é ignorado e quando o plug-in está ligado. Se a saturação
(ou qualquer plug-in para esse assunto) adiciona um volume considerável
ao seu sinal, você automaticamente pensará que soa melhor quando na
verdade soa apenas mais alto.
Guitarras

Adicionar saturação às guitarras pode adicionar espessura extra nos

médios baixos se eles estiverem soando um pouco mais finos. Também
pode reduzir a aspereza se você tiver guitarras muito distorcidas com
muita presença nos médios altos.

Eu tendo a deixar a saturação sozinha com violões, mas às vezes um plug-

in de fita pode ajudar guitarras dedilhadas a se encaixarem melhor em
uma mixagem. Mais uma vez, usar um saturador multibanda pode ser útil
se você quiser que o violão toque nos agudos enquanto se senta aquecido
com o resto dos instrumentos nos médios.
Teclados e sintetizadores

Dependendo de quão limpo você deseja manter as partes do teclado em

sua mixagem, você pode abordar a saturação de forma diferente. Os
teclados elétricos muitas vezes podem soar com overdrive natural,
especialmente se forem gravados por meio de um amplificador. Adicionar
um pouco de saturação, beirando o overdrive, pode dar à parte do teclado
um papel muito legal na mixagem. Adicionar uma boa dose de wow e
flutter ajuda a dar aquele som de teclado antigo de que costumo gostar, e a
quantidade certa de saturação pode frequentemente ajudar a cortar a
mixagem no meio.
O mesmo vale para sintetizadores de software, se você estiver fazendo
qualquer tipo de música eletrônica. Ao adicionar saturação de tubo aos
sintetizadores de software de som médio, você pode frequentemente
reforçá-lo o suficiente para dar-lhe um caráter completamente novo e
gordo.
Vocais

Com os vocais, você deve experimentar quantos estilos de saturação

puder. Dependendo do gênero, você pode optar por qualquer coisa, desde
o calor sutil da fita até a distorção total. Muitas vezes, uma abordagem
sutil ajuda as coisas a se encaixarem melhor na mixagem e adiciona
espessura a um vocal fino

Saturação em submixes e ônibus

Finalmente, acho que a saturação faz maravilhas nos ônibus porque tende
a colar as coisas muito bem. A chave para mixagem de barramento com
saturação é tentar ser sutil porque você está adicionando muito mais sinais
aos barramentos e seu plug-in de saturação pode sobrecarregar mais
facilmente.
Não exagere na saturação

Provavelmente me repeti um pouco nos últimos parágrafos porque tudo é

muito subjetivo com base no que você está procurando. E às vezes você
pode não estar procurando saturação. Portanto, não se preocupe se achar
que não soa bem em uma faixa específica. Você não precisa disso em
todos os lugares!
Nem sempre coloco saturação em tudo, mas tendo a pelo menos verificar
se adiciona algo legal à mixagem. Mas se isso não acontecer, eu não
hesitaria em retirá-lo imediatamente. Esse é um dos processos de
pensamento que você deve sempre ter ao entrar na mistura. Em vez de
adicionar plug-ins sem motivo, há muita escuta crítica que precisa ser
feita e A / B'ing e correspondência de nível para que você saiba que está
fazendo as coisas realmente soarem melhor.

Resumo
Se você hipoteticamente seguiu este livro enquanto mixava suas faixas,
você pode notar que a única coisa que resta a fazer é a automação simples
aqui e ali, e possivelmente fazer alguns ajustes em algumas configurações
após referenciar a mixagem em vários sistemas de alto-falantes e outros.

Lembre-se de que 20% do esforço resulta em 80% dos resultados, então,

embora você possa ter todos esses plug-ins diferentes sendo anunciados
todos os dias, nem sempre você precisa pular para o próximo especial. Em
uma pitada, você poderia facilmente fazer uma mixagem de qualidade
funcionar com apenas um EQ, um compressor, um reverb, um delay e um
plug-in de saturação.
Capítulo 6 - Tradução
Monitorando sua mixagem
Para finalizar a mixagem, há algo que você deve sempre fazer para que
sua mixagem seja bem traduzida para quem a escuta. Você precisa ouvir
sua mixagem em vários tipos diferentes de alto-falantes e fazer anotações
sobre o que você precisa corrigir.

Fazer sua mixagem ser traduzida para outros alto-falantes é extremamente

importante.

Realmente não importa se você tem o melhor equipamento do mundo. Se

suas mixagens soam ruins em sistemas ruins, então seus monitores de
última geração não significam nada.

Aqui estão três coisas que você pode fazer para garantir que sua mixagem
soe o melhor possível antes de levá-la para o carro ou reproduzi-la no
aparelho de som doméstico. Faça todos eles em sucessão ou vá para frente
e para trás entre eles.

1. Ouça em mono
Transforme sua mixagem em mono. Ainda está tudo bem?
O estéreo espalhou-se um pouco estranho e seus atrasos de guitarra,
intensificador de voz e espacializadores desapareceram?
Em seguida, comece a ajustar seus efeitos estéreo até chegar o mais
próximo possível do som que tinha antes.

2. Abaixe o volume
Abaixe totalmente os monitores até que você quase não consiga ouvir a
mixagem.

A mixagem ainda parece a mesma?

Os instrumentos que você deseja dominar ainda são dominantes? Você

ainda consegue ouvir tudo claramente?

Caso contrário, é hora de ajustar seus faders para tornar a mixagem mais
equilibrada. Use EQ para adicionar mais presença ou recuar.

3. Troque seus alto-falantes

Provavelmente, você tem alto-falantes de computador de algum tipo. Se
estiver usando um laptop, você pode facilmente alternar a saída para os
alto-falantes integrados do laptop em vez dos monitores.

Fazer os itens 1 e 2 com os alto-falantes do computador oferece uma

experiência de audição completamente diferente e mostra todos os
pequenos detalhes da mixagem que você não consegue ouvir nos
monitores.

Em geral, os alto-falantes do computador soam muito ruins. Se você pode

fazer sua mixagem soar convincente em seus monitores e laptop, então
você está 80% do caminho para uma mixagem bem traduzida.
Novamente, essas três coisas são algo que você precisa fazer quando
terminar de mixar. Pessoalmente, meu processo de mixagem é o seguinte:

1. Eu mixo em mono no meu mixcube Behringer Behritone,

principalmente seguindo os passos que dei a você nos
capítulos anteriores. O Mixcube é um péssimo alto-falante que
não tem graves ou agudos. Ele tem apenas um driver e soa
muito mal. No entanto, se eu conseguir fazer minha mixagem
soar meio decente neste alto-falante, sei que estou chegando a
algum lugar.
2. Eu viro minha mixagem para meu Yamaha HS-5s e faço outra
rodada de ajustes. Isso geralmente é um esforço de
reequilíbrio no EQ, mas eu também mudo minha mixagem de
mono neste ponto. Agora posso ouvir o espectro estéreo muito
bem. Se eu receber um “uau! Essa mixagem realmente abre,
embora não pareça ruim antes ”Eu sei que estou no caminho
certo. Vou dedicar algum tempo ao reverb, delays e outros
efeitos.
3. Então eu ouço minha mixagem no meu Focal CMS50s que
são acoplados a um subwoofer. Agora eu posso realmente
ouvir todas as pequenas coisas na mixagem, bem como todos
os graves que estão presentes. Normalmente, isso exige que eu
ajuste a bateria, o bumbo, o baixo e outros instrumentos
graves.
4. Assim que sinto que minha mixagem está pronta, pulo e envio
para o Dropbox. Eu levo o cachorro para passear e escuto
 à minha mixagem várias vezes nos fones de ouvido, fazendo
anotações mentais do que precisa ser alterado.
5. Ou eu lido com a mistura imediatamente ou durmo sobre ela e
volto a ela com ouvidos novos. Ao longoeste processo, eu
tendo a verificar a combinação com umpar de fones de ouvido
de última geraçãode vez em quando para fazercerteza de que
nada está errado com o reverb e os efeitos.
6. Depois de fazer minhas revisões, geralmente recebo feedback
do meu parceiro de estúdio antes de enviá-lo ao cliente.
7. Se o cliente tiver algum feedback, eu altero a mixagem de
acordo e envio a ele a mixagem final.

Observe quantos pares diferentes de alto-falantes e ouvidos individuais a

mixagem passa antes de terminar? Você não quer depender de um único
monitor configurado em uma sala para tomar suas decisões finais de
mixagem. Você quer ter certeza de que sua mixagem será bem traduzida
em todos os lugares em que a mixagem for ouvida.
Conclusão
Tudo bem, vamos fazer uma recapitulação rápida de tudo o que falamos
até agora.

No primeiro capítulo, falamos sobre a combinação de equilíbrio e

organização geral e básico. Recomendei codificar por cores as faixas no
mixer, bem como agrupar os instrumentos em grupos para simplificar a
mixagem.

É crucial ouvir de forma crítica tudo o que está acontecendo na música e

até mesmo anotar algumas notas, ou fazer anotações mentais, do que
sobressai que você deseja acentuar ou precisa trabalhar quando estiver
ouvindo as faixas pela primeira vez .

Por exemplo, mesmo depois de obter um bom equilíbrio, você ainda pode
precisar trabalhar com certas trilhas mais tarde na linha com EQ e
compressão se elas estiverem sendo problemáticas na mixagem estática.

No capítulo de EQ, discutimos a limpeza e a filtragem, o corte de

frequências indesejadas e o aumento de outras mais favoráveis. A
filtragem é crucial e você deve usar filtros passa-alta e passa-baixa para
limpar cada lado do espectro.

Em seguida, fizemos EQ subtrativo para eliminar irritantes

frequências ressonantes e acentuou as faixas, lisonjeando as belas
frequências com aumentos.

Depois disso, falamos sobre compressão e você aprendeu algumas dicas

úteis para experimentar em suas mixagens.

No capítulo de reverb e delay, mostrei algumas maneiras diferentes de

adicionar espaço às suas mixagens. Espero que você tenha seguido alguns
desses conselhos e depois experimentado por conta própria.

Reverb e compressão, para mim, são alguns dos aspectos mais subjetivos
da mixagem. Você pode usar a compressão de cinco maneiras diferentes
em que todas soam diferentes, mas ainda assim boas, e o mesmo vale para
a reverberação.

Saturação é algo que adoro usar para realçar algum caráter nos
instrumentos, mas nem sempre funciona e às vezes você tem que usar
alguns plug-ins diferentes ou ajustar as configurações para realmente
obter os resultados desejados.

Finalmente, mostrei meus métodos para traduzir as mixagens, que espero

que você encontre sua própria variação. Além disso, tome cuidado para
não ficar ajustando suas mixagens para sempre. Se o seu cliente está feliz,
deixe-o ficar com ele. Se todos na sua banda estão felizes, lance-o!

Espero que você use as dicas que compartilhei com você ao longo deste
livro para fazer uma combinação empolgante. Eu adoraria ouvir sobre
suas mixagens e produções dentro do
Problemas de áudio na comunidade do Facebook.
Gostaria de saber mais?
Se você quiser ainda mais material sobre mixagem, montei um eCourse
gratuito sobre o assunto que aborda muitos dos problemas que falo aqui
em vídeo, onde você pode ver e ouvir o que falo em ação.

Vamos parawww.audio-issues.com/mw5p-freepara se inscrever!

Obrigada
Antes de você sair e experimentar todas essas dicas, eu só queria dizer
"obrigado!" Significa muito para mim que você tenha dedicado tempo
para ler até aqui. Existem tantos livros sobre mixagem e áudio, então
estou honrado por você ter escolhido o meu.

Se você gostou deste livro e amou o que leu,por favor, deixe um

comentário na Amazon.Essa é, honestamente, uma das melhores
maneiras de permitir que outras pessoas saibam o quanto essas
informações são valiosas. Eu realmente gostei disso!
Sobre o autor
Olá, meu nome é Björgvin Benediktsson. Eu ajudo músicos e produtores
a ter um impacto maior com sua música, ensinando-os a produzir e se
projetar

Já trabalhei com som ao vivo fazendo grandes shows na minha Islândia

natal (de onde vem o nome), gravei bandas em Madrid, Espanha (onde fiz
faculdade de engenharia de áudio) e agora produzo, gravo e mixo bandas
locais em Tucson, Arizona (eu ando muito por aí ...).

Por meio dessas experiências diversas, aprendi uma coisa:

Adoro ensinar como causar impacto com sua produção musical e de

áudio.

Já escrevi mais de 1.000 artigos sobre áudio e ensinei milhares de

produtores de estúdios caseiros como você a causar impacto com sua
música por meiowww.Audio-Issues.comdesde 2011.

Se eu puder ajudar alguém a melhorar o som de sua música e isso os

ajudar a conseguir fãs extras e exposição, acho que fiz um ótimo trabalho.

Eu acredito em compartilhar meu conhecimento com todos, e

por meio de problemas de áudio, fui capaz de fazer isso. Posso não ter
ganhado nenhum Grammy, mas gosto de ser a pessoa que inspira outras
pessoas a fazer boa música enquanto aspiro aprender o máximo que há
para saber (e pagar por isso!).

É isso que faço. Eu aprendi muito trabalhando na indústria por mais de 10

anos e espero que meu conhecimento possa se tornar seu atalho para levar
suas mixagens para o próximo nível.
Índice
Isenção de responsabilidade e FTCAviso 7
Presente grátis: misturando com 5 plug-ins
9
miniCurso
Introdução 10
Uma nota sobreMixing14
Capítulo 1 - Misturando comSEM plug-ins 17
Organize! 17
Níveis, panorâmica e inicialRough Mix 19
MisturaEm Mono21
Equilibrandoa bateria 22
O 1 dBRegra 25
Problemas dinâmicos devido aArranjo 25
Grupos 26
Recapitulação 28
Capítulo 2 -Usando EQ30
As 3 maneiras de abordar uma inicialMix30
Qual EQvocê deve usar? 33
Os 3 métodos básicos deEQ'ing 34
Filtrando 35
SubtrativoEQ40
AditivoEQ41
UMANota sobre reequilíbrio 51
Capítulo 3 -Usando compressão 53
CompressãoParâmetros 53
AplicandoCompressão 58
 PresetMixing58
Submixing 59
CompressãoNa Série 65
Qual é o ponto deCompressão? 67
ParaleloCompressão 68
Revise sua combinação e reequilibre senecessário 69
Capítulo 4 - Reverbe Atraso 73
RessonânciaParâmetros 74
O diferenteModos de reverberação 76
Uma maneira fácil de encontrar o que é certoReverb79
Usando um reverb noMix81
AcústicoSupercompensação 86
QuandoAtraso é melhor 87
Capítulo 5 -Saturação 92
SaturaçãoConfigurações 98
OAnaloger98
KramerTape98
FabfilterSaturn100
Aplicando saturação em seuMix101
Saturação em submixese ônibus 105
Resumo 106
Capítulo 6 -Tradução 107
Monitorando seuMix107

Conclusão111
Você gostaria de saberMais? 114
AgradecerYou115
Sobre aAutor116