The Eq and Compression Formula Learn The Step by Step Way To Use Eq and Compression Together Aud Ion Sound Design Amp Mixing Audio Series Book 1nodrmpdf PDF Free

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A fórmula de equalização e compressão

Aprenda o passo a passo
para usar EQ e compressão juntos
Nathan Nyquist
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A fórmula de equalização e compressão:
Aprenda passo a passo como usar EQ e Compressão juntos
Direitos autorais © 2017 Nathan Nyquist. Todos os direitos reservados.
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criminais e legais de direitos autorais são estabelecidas em 18 USC § 2319.
ISBN: 9781980601807

Índice
Introdução
Começando com o fim em mente Parte I:

Equalização O paradigma
de mixagem frontal e posterior O que é EQ?
Teoria da mistura de 4
zonas, traços gerais primeiro
A Regra dos 300
Controles de equalização explicados
EQ em ação
Estilingue
O verdadeiro segredo para mixar que ninguém te contou
Varredura de frequência
Parte II: Compressão
As 4 verdades sobre compressão
Controles de compressão explicados
A melhor maneira de aprender seu compressor

Quando e como usar a compactação
Usando EQ e compressão juntos

A realidade da compressão
Alcançando o próximo nível

Introdução Este livro

foi elaborado para eliminar qualquer confusão que você possa ter em relação à equalização
e à compactação.
É útil usar este livro como um guia de referência e consultá-lo frequentemente sempre que
precisar de orientação sobre EQ e Compressão.
EQ e compressão podem ser um tópico um pouco árido para aprender e acredito que essa
é parte da razão pela qual as pessoas têm dificuldade em aprendê-los. No final das contas
somos todos artistas e só queremos fazer boa música, por isso é importante dominar essas
ferramentas o mais rápido possível.
Meu objetivo com este livro é fornecer alguns paradigmas e estratégias simples que você
pode usar para alcançar um mix claro e bem definido.

Começando com o fim em mente É

importante começar com o fim em mente ao mixar. Sem um destino
definido, ficamos propensos a vagar sem rumo.
O propósito de uma meta definida e clara NEM SEMPRE é alcançá-la 100% exatamente como você
definiu. O objetivo de um objetivo definido é que ele lhe dá acesso a uma camada poderosa de
recursos subconscientes e à tomada de decisões dos quais, na maioria das vezes, você não tem
consciência.
É como quando você está no armário e algo começa a tombar e cair e sua mão, com os reflexos
surpreendentes de um ninja, automaticamente estende a mão e o pega.
Sabemos que queríamos nos salvar da bagunça; o esforço de limpar tudo.
Portanto, quando sabemos o que queremos com clareza suficiente, alcançar nossos objetivos torna-
se mais um reflexo. Torna-se um reflexo porque é o nosso inconsciente assumindo o controle e nos
obrigando a fazer as coisas que fariam isso acontecer de qualquer maneira.
Então, agora que você está começando a entender um pouco mais sobre os benefícios de metas
mais claras, vamos falar sobre por que você está lendo este livro.
O fato de você estar lendo isso significa que você provavelmente quer uma mixagem bem definida
ou pelo menos quer melhorar sua mixagem.
Para conseguir isso, precisamos saber o que significa para nós um mix bem definido.
A primeira coisa a perceber é que ótimas mixagens são subjetivas. Isso significa que para encontrar
uma ótima mixagem, tudo o que precisamos fazer é encontrar algumas de nossas músicas favoritas.
Em seguida, decida qual dessas músicas você mais gosta do 'Som'.
Qualquer música que você mais goste se tornará sua faixa de referência.
Esta faixa de referência será seu objetivo definitivo para uma mixagem bem definida.
Seu objetivo definitivo será igualar ou exceder a qualidade do som da sua faixa de referência tanto
quanto você se sentir capaz. Se parece que você não consegue igualar ou exceder a qualidade da
faixa de referência escolhida, tudo bem porque a mixagem é um processo gradual de melhoria.
Todos os produtores e engenheiros de mixagem de maior sucesso melhoraram referenciando suas

músicas favoritas e prestando muita atenção para que pudessem eventualmente replicar

que soam em sua própria música.
A maioria dos produtores faz isso mantendo uma cópia de sua faixa de referência em sua
sessão de DAW e ouvindo entre a faixa e a que estão combinando.

Parte I: Equalização
O paradigma de mixagem frontal e posterior Sua

mixagem pode ser pensada como tendo dois espaços onde você pode colocar
seus instrumentos.
Os dois espaços são a frente e a parte de trás da sua mixagem.
Ao mixar, você deseja decidir se um instrumento será posicionado na frente, o que significa que soa próximo
do ouvinte ou se está posicionado atrás, o que significa que soa distante.
A melhor maneira de realmente se sensibilizar para saber se as coisas na sua mixagem estão próximas ou
distantes é ouvir com os olhos fechados. Isso ocorre porque quando nossos olhos estão abertos eles tendem
a dominar nossas percepções e, na verdade, diminuem a sensibilidade da nossa audição.
Aqui estão algumas distinções simples que fiz entre a frente e a parte de trás das minhas mixagens:
Instrumentos que estão na frente:
1. Tenha mais volume (mais alto em comparação aos instrumentos traseiros).

2. Tenha mais conteúdo de alta frequência (em comparação com instrumentos na parte traseira).
3. Eles tendem a ter menos reverberação porque coisas que têm muita reverberação ficam
empurrado mais para trás do que coisas que não o fazem.
Instrumentos que ficam na parte de trás:
1. Têm menos volume (mais silenciosos em comparação com os instrumentos frontais).

2. Têm menos conteúdo de alta frequência (em comparação com os instrumentos anteriores)
3. Tendem a ter mais reverberação do que os instrumentos anteriores.
Suas mixagens ganharão instantaneamente mais profundidade e clareza quando você tiver o hábito de definir
se deseja algo na frente ou atrás.


O que é EQ?
EQ é uma ferramenta de modelagem. Da mesma forma que um escultor usa um cinzel, da mesma
forma que as mulheres usam maquiagem para mudar o formato e a aparência de seus rostos, usamos
EQ para moldar e cinzelar a apresentação de nossos instrumentos.
Às vezes, não estamos apenas alterando a forma de um som, mas também corrigindo os desequilíbrios
tonais de um determinado instrumento ou som.
Você pode ter um instrumento com muitos graves ou poucos agudos. Nesta situação você usaria EQ
para corrigir esses desequilíbrios.
Portanto, o EQ tem dois usos principais:
1. Esculpir e moldar a apresentação dos nossos instrumentos.

2. Controlar o equilíbrio entre instrumentos.
Para alcançar este resultado, existem duas abordagens principais para EQ:
1. Cortando o EQ
2. Aumentando o EQ
Sua missão principal com EQ será criar um equilíbrio sonoro agradável entre os instrumentos. Para
isso, queremos seguir o nosso Paradigma de Frente e Trás.
Ao decidir quais sons ficarão na frente e quais ficarão na parte de trás da sua mixagem, você
imediatamente se tornará mais exato em suas decisões de equalização.
Nas seções a seguir, mostrarei as maneiras específicas de usar o corte e o reforço do equalizador para
obter uma mixagem adequada de Front to Back, mas antes de nos aprofundarmos nisso, precisamos
entender a 'Teoria da mixagem de 4 zonas'.

Teoria da mixagem de 4 zonas

A Teoria da mixagem de 4 zonas refere-se às quatro regiões principais do som que iremos
moldar e esculpir em nossa música.
A compreensão dessas 4 zonas nos permite descobrir quais instrumentos estão competindo por
qualquer zona de frequência e, em seguida, tomar decisões de equalização apenas para esses
instrumentos, à medida que melhoramos o equilíbrio de frequência apenas nessa zona de frequência.
As 4 zonas
Baixos: 0 Hz - 200 Hz
Potência de baixo e bumbo, bem como corpo da caixa localizados aqui. Muitas vezes vejo isso como
um espaço especialmente reservado apenas para o meu poder de baixo/chute – a caixa tem passe livre.
Todo o resto deve ser removido/diminuído agressivamente dentro desta faixa.
Médios: 200 Hz – 1 kHz A

essência e o corpo da maioria dos instrumentos estão nesta faixa. É importante ser muito seletivo
sobre quais instrumentos você permite que sejam dominantes nesta faixa, caso contrário você
obterá uma mixagem turva.
Médios agudos: 1 khz – 7 khz É

aqui que residem a ousadia e a presença de seus instrumentos. Esta é a faixa mais sensível de
nossos ouvidos (em particular, nosso ouvido é mais sensível a aumentos e cortes de 2 a 3 kHz).
Agudos: 7khz – 20khz Pratos

e chimbais são muito dominantes nesta faixa. É daí que vem o chiado, a vivacidade e a qualidade
de alta definição dos nossos instrumentos. Se a mixagem for muito sibilante ou arejada, esta é a
faixa que você também deve observar.
Quando começarmos a cortar e aumentar com EQ, estaremos focados em fazer o que chamamos
de Broad Strokes nessas 4 zonas de frequência para obter uma mixagem de frente para trás bem
definida.


Traços amplos primeiro É mais

simples e intuitivo começar com uma abordagem ampla porque a mixagem é um
processo gradual de escultura e refinamento. É mais eficaz começar de forma ampla
e depois passar para algo específico.
Se no estágio de traços largos você não conseguir obter 80% da mixagem que procura,
então você simplesmente não fez os traços largos corretos e pequenos traços de precisão
não resolverão o seu problema.
Quando estivermos mixando com traços amplos, contaremos com WIDE EQ Cuts e EQ
Boosts onde nosso Q = 1 ou menos.
Ao usar amplos aumentos/cortes de EQ, podemos decidir onde queremos aumentar ou

cortar, deslizando por cada uma das 4 zonas de frequência e decidindo qual delas produz
a maior melhoria em nosso som.
Você verá uma melhoria imediata na clareza e definição de suas mixagens começando
com uma abordagem ampla.

A Regra dos 300 Um dos

problemas mais frustrantes que muitos produtores encontram é um grave turvo ou
indefinido em suas mixagens. Os produtores enfrentam esse problema porque os
instrumentos que ocupam a faixa de frequência de 20 Hz a 400 Hz de sua mixagem
estão enfrentando uma catástrofe de conflito.
A realidade é que 20 Hz – 400 Hz é a faixa de frequência mais difícil de dominar porque

nossa audição não está tão adaptada para perceber detalhes nela.
Para evitar esta fraqueza temporária, mas inerente à nossa audição grave, existe uma regra
simples que podemos seguir: a Regra dos 300.
A regra dos 300 afirma que se não for baixo, bumbo ou caixa, você deve passar esses
instrumentos em 300 Hz ou mais.
Quanto mais alto você conseguir, melhor para sua mixagem.
Esta regra elimina as principais causas de uma mixagem turva porque, como você sabe
agora, enfrentamos esse problema quando nossa faixa de 20 Hz a 400 Hz é inundada por
muitos instrumentos concorrentes.
Quando mixers profissionais falam sobre equilíbrio, eles querem dizer como se houvesse
uma escala de equilíbrio na sua frente e então imagine que de um lado há algo pesado e do
outro algo leve. E, como na escala de equilíbrio, você deve decidir e ser muito seletivo sobre
quais instrumentos são de frequência “pesada” e quais são de frequência “leve”.
Equilíbrio significa apenas que soa agradável para você, mas quando os mixers falam sobre
equilíbrio, eles significam que você é decisivo sobre quais instrumentos serão densos em
frequência e quais serão leves em uma determinada frequência.
zona.
Seguindo esta regra suas mixagens começarão imediatamente a ocupar os 5% melhores

mixagens existentes.

Explicação dos controles de EQ

Filtragem passa-alta (abreviada como HP): é usada para remover frequências baixas
indesejadas. É algo que você usará em praticamente todas as faixas de suas
produções; especialmente por causa da regra dos 300 que acabamos de discutir.
Filtragem passa-baixa (abreviada como LP): é o oposto da filtragem passa-alta.

Geralmente a passagem baixa é usada para remover agressivamente altas frequências indesejadas.
Corte/Reforço (também conhecido como Filtragem de Pico): é quando você pega um filtro em forma
de sino e o usa para subtrair ou adicionar frequências a uma faixa selecionada.
Filtros de prateleiras: são a ferramenta definitiva para traços gerais. Eu vejo as prateleiras para saber
se quero fazer algo mais claro/escuro ou mais espesso/mais fino.
Com um filtro high-shelving definido em 1 kHz ou superior, posso facilmente fazer algo com um som
mais claro ou mais escuro.
Com um filtro low-shelving definido em 1 kHz ou menos, posso facilmente tornar um instrumento com
um som mais espesso ou mais fino.
Infelizmente, a facilidade, a eficácia e o poder desses filtros fazem com que eles sejam uma das
ferramentas mais negligenciadas à disposição dos mixers.
Q: é melhor entendido como uma forma de ajustar a nitidez da curva EQ. Curvas diferentes produzirão
sons diferentes. Um comportamento interessante é que curvas mais acentuadas tendem a ser menos
transparentes durante o boost do que suas variantes de corte.

EQ em ação Você
provavelmente já sabe em algum nível que a mixagem é principalmente uma forma de
arte subtrativa. E assim, qualquer bom mixer usará cortes em cerca de 80% do tempo e
aumentos em cerca de 20% do tempo.
A regra que espero que você ache útil é que é muito melhor cortar demais de tudo e depois ser
muito seletivo sobre onde restaurar a plenitude, do que não cortar o suficiente e obter uma mistura
medíocre e suja.
Uma vez que você tenha muito espaço aberto para trabalhar, é muito mais fácil adicionar frequências
de volta do que colocar outra pessoa em um ônibus lotado, por assim dizer.
Existem 2 técnicas principais nas quais confio quando estou equalizando minha mixagem. Como
eu disse antes, prefiro abordar a equalização em termos amplos e até mesmo desleixados. Não é
necessário ser enganado e pensar que só existe uma maneira correta de equalizar alguma coisa;
normalmente existem algumas, e é sua função encontrar uma rapidamente para que você possa
seguir em frente.
Quando digo rápido, quero dizer que a equalização é, na verdade, um processo confuso e gradual
de refinamento. Isso significa que se trata, pouco a pouco, de esculpir e moldar a nossa música em
algo com o qual estamos gradualmente ficando cada vez mais satisfeitos.
É realmente útil entender que você só toma decisões tão rapidamente quanto se sente confortável.
E, portanto, tome sua decisão confortavelmente e rápido, porque ficar no mesmo lugar por muito
tempo corre o risco de análise excessiva.
A análise excessiva inibe a tomada de decisões criativas e, o pior de tudo, leva a decisões cada
vez piores. É por isso que, ao mixar, gosto de usar uma técnica que chamo de Slingshotting.

Estilingue
O estilingue funciona usando as 4 zonas de frequência de que falamos anteriormente.
Aqui está a ordem da técnica:
Decida se você quer um instrumento mantido na frente ou empurrado para trás da sua
mixagem.
Em seguida, defina aproximadamente o volume desejado que você gostaria que seu instrumento tocasse, para
que fique na frente ou atrás.
Com uma inclinação Q de 1, selecione um aumento de 4db se quiser avançá-lo mais e um

corte de -6db se quiser afastá-lo ainda mais.
Agora, enquanto tudo está tocando, mova seu corte/boost entre cada uma das 4 zonas de
frequência. Observe em qual zona você experimenta a mudança mais agradável.
Depois de encontrar a zona que você mais gosta, você pode configurar a quantidade de db
do seu corte/reforço para que fique mais refinado.
A ideia aqui é fornecer apenas 4 opções diferentes, em vez de tantas opções que você não
sabe qual selecionar.
Lembre-se de que cortar mais é melhor do que cortar pouco. Aumentar muito pouco é
melhor do que aumentar demais.
Quando você procura uma zona para cortar e encontra a faixa certa, notará que sua
mixagem literalmente se abre e parece menos congestionada.
O objetivo é buscar abertura e quase muito espaço entre os instrumentos, porque o

verdadeiro segredo da dinamite, mixagens tridimensionais, tem a ver com o espaço que
você deixa desocupado.

O verdadeiro segredo para mixar que ninguém te contou
“A verdadeira arte de mixar tem a ver com o “Imóvel de Frequência” que você não usa, não
com o espaço que você ocupa.”
Na verdade, o que estou dizendo é que menos é mais.
Por que é menos, na verdade, mais? Minha crença é por causa de como funciona a limitação/
domínio. Na verdade, há... uma boa razão para as pessoas não perceberem o quão turvas são
suas mixagens até começarem a limitá-las e dominá-las.
É porque os limitadores não são realmente maximizadores de volume, mas sim multiplicadores
de intensidade.
Quando deixamos de cortar agressivamente as frequências desnecessárias, os instrumentos

começam a competir pelo domínio.
Se houver muitos instrumentos lutando pelo domínio em uma determinada faixa de frequência,
então, quando limitarmos nossa faixa, aumentaremos a intensidade dessas frequências
conflitantes.
Se a nossa mixagem estivesse correta, estaríamos apenas aumentando a intensidade de uma

mixagem aberta, clara e definida que soaria absolutamente maravilhosa.
Portanto, mantenha-o limpo, bonito e aberto.

Varredura de frequência A
varredura de frequência é semelhante ao estilingue, mas o objetivo do
estilingue é fornecer um resultado rápido e definitivo; a varredura de
frequência é mais cirúrgica e precisa e, como resultado, é mais focada e demorada.
Por ser mais cirúrgica e precisa, a varredura de frequência envolve um Q muito estreito com
cerca de + ou – 10db de ganho.
Ao usar um Q muito estreito, você pode ampliar microscopicamente os pontos específicos

do som onde pode estar ouvindo um toque ou ping, algo que normalmente se destaca e
incomoda.
É mais fácil encontrar a frequência ofensiva em equalizadores que possuem um analisador

de espectro integrado, uma vez que a frequência ofensiva tenderá a se destacar como um
polegar machucado do resto do espectro de frequência.

Parte II: Compressão
As 4 verdades sobre compressão
“Se você não sabe quando usá-lo, não use.”
-Idiota do fórum elitista da Internet
Esse velho e cansado conselho sempre me fez pensar como alguém aprendeu a usar a compressão?
Eu nunca gostei de ouvir as pessoas dizerem isso, mas na verdade o que eles estavam tentando dizer
é que a compressão não é o que fará ou quebrará sua mixagem.
Queremos começar a pensar na compressão mais como a cereja de um bolo de 5 camadas. As 5

camadas são ótimas por si só, mas talvez queiramos um pouco de glacê para finalizar.
Existem 4 perspectivas que usei para entender o que realmente é compressão e como usá-la:
1. A compressão é apenas um fader de volume automático. Isto é literalmente o que um

compressor deve significar para você. Não é compressão, é um fader de volume automático.
2. Tudo o que um compressor pode fazer, a automação de volume pode fazer.

3. Os compressores são projetados para tornar os sons altos mais baixos.
4. Um compressor é apenas um fader de volume glorificado (eu realmente quero acioná-lo
uma casa).

Explicação dos controles de compressão Aqui

está uma explicação de todos os controles que você usará em um compressor
multibanda.
Se você já estiver familiarizado com eles, poderá ignorá-los.
No entanto, eu sugeriria pelo menos entender por que agrupei os controles nos grupos Fader
Triggering e Fader Velocity porque é uma maneira eficiente de dividir os controles do seu
compressor para que você possa saber onde fazer o quê.
O Fader Triggering é composto pelos 3 controles a seguir:

1. Limite 2.
Proporção
3. Sidechain
Esses controles informam ao nosso fader de volume automático quando diminuir e quanto volume
deve ser subtraído quando isso acontece.
Fader Velocity é composto pelos seguintes controles:

1. Ataque
2. Segure
3. Solte
Esses controles informam ao nosso fader de volume automático a rapidez com que ele deve se
mover quando o volume do som recebido for mais alto do que sua configuração de limite.
Acionamento de fader
Os controles nesta seção permitem que nosso fader de volume automático saiba 'quando' e
'quanto' diminuir o volume do sinal de entrada.
Limite
Threshold informa ao fader de volume quando começar a diminuir o volume do nosso sinal de
entrada. Os sons que se estendem acima do nível do nosso limite fazem com que o nosso fader
de volume automático diminua, diminuindo assim o volume do nosso som.
O limite é o mesmo que um requisito de altura para um passeio em um parque temático. Se você
estiver abaixo do limite de altura, não poderá usar o automático
fader de volume para baixo, mas se você estiver acima do limite de altura, então você está alto o suficiente
para diminuir o volume.
O limite é responsável por informar ao compressor exatamente quando deixar o som mais baixo.
Os sinais que permanecem abaixo do nosso limite fazem com que o nosso fader de volume automático
não faça absolutamente nada.
Razão
Proporção é o quanto nosso fader de volume automático diminuirá quando o volume de um som
ultrapassar nosso limite.
Quanto maior for a nossa proporção, mais volume o nosso fader subtrairá quando for acionado.
Quanto menor for a nossa proporção, menos volume o nosso fader subtrairá quando for acionado.
A diferença entre uma proporção alta e uma proporção baixa é como a diferença entre a gravidade na
Terra e a gravidade na lua. Quando você pula na terra, você é puxado para baixo imediatamente, mas
quando você pula na lua, você sobe mais alto e é puxado para baixo de forma mais lenta e suave.
É o mesmo com nosso controle de proporção. Quanto menor a proporção, mais suavemente o fader de
volume diminui. Quanto maior a proporção, mais agressivamente nosso fader de volume diminui.
Estou evitando a matemática por trás de como a proporção funciona porque, honestamente, esqueci,
embora seja muito simples. Pessoalmente, não associo essa matemática ao comportamento de um
compressor. Na verdade, atribuo em grande parte sua existência à maior parte da minha confusão em
descobrir como usar a proporção de maneira eficaz.
Proporções mais altas, como 4:1 e 10:1, causam mais redução de ganho por db de ultrapassagem do
limite. Razões mais baixas, como 1,5:1 e 2:1, causam menos redução de ganho por db de ultrapassagem
do limite. Essa é a matemática que consigo lembrar e na minha cabeça está resumida como segue.
Quanto maior a proporção, maior a redução de ganho. Quanto menor a proporção, menor será a
redução de ganho.
Sinceramente, eu não poderia me importar menos com a quantidade de db que está sendo subtraída por
db de overshoot. Está tão distante do que a proporção realmente faz em termos de modelagem

e comportamento agressivo do compressor que considero praticamente inútil.

A agressividade na música não é um número, é um som – confie nos seus ouvidos.
Na minha opinião, existem apenas 3 configurações de proporção: 2:1, 4:1 e 10:1. Quando estou configurando
um compressor, sempre começo em 2:1 e vou direto para a configuração das configurações de limite/ataque/
liberação, pois são as mais importantes.
A taxa de ajuste fino não é algo que você realmente faz até descobrir onde você gosta de suas configurações
de limite, ataque e liberação.
Cadeia lateral
O Sidechain de um compressor é usado para controlar como o compressor responde ao sinal de entrada.
O propósito de um Sidechain é permitir que o compressor atue como se estivesse se comportando em

resposta a uma versão equalizada do som que você está tratando.
Isso é mais frequentemente usado para remover baixas frequências do sinal de entrada usado para acionar
o compressor.
É útil porque as frequências graves tendem a durar mais do que as frequências altas e, portanto, podem
fazer com que os compressores respondam de forma mais lenta e inconsistente.
O que isto significa é que usar uma cadeia lateral para remover baixas frequências faz com que nosso
compressor se comporte de maneira mais precisa e previsível.
Redução de ganho
Isto não é um controle. Mas eu o incluí neste grupo porque é a combinação das configurações de limiar,
proporção e cadeia lateral que determina quanta redução de ganho um compressor alcançará.
Como você provavelmente sabe, redução de ganho é o que um compressor faz. Redução de ganho significa
reduzir o volume de um som. Então, voltando ao nosso fader de volume automático, sempre que um sinal é
mais alto que o limite, a compressão é acionada e ocorre a redução de ganho.
Se a proporção for mantida a mesma, quanto mais o volume do sinal ultrapassar o limite, maior será a
redução de ganho.
É exatamente como se quanto mais alto um vocal ficasse, mais você teria que puxar o fader para baixo com
o dedo para que ele ficasse estável na mixagem. Se estivesse apenas um pouco alto, você simplesmente
puxaria o fader para baixo, muito, muito levemente.

Acho que me perguntei isso em algum momento, então caso você esteja se perguntando, ganho é
a mesma coisa que volume.
Velocidade do fader
Esses controles informam ao nosso fader de volume automático a rapidez com que ele deve se
mover quando o volume do som recebido for mais alto do que sua configuração de limite.
Ataque
Ataque é quanto tempo nosso fader de volume automático leva para descer quando o limite é
excedido pelo sinal de entrada.
Assim, por exemplo, com um ataque de 10 ms quando o nosso sinal de entrada excede o limite do
nosso compressor, isso significa que o nosso fader de volume automático leva 10 ms para diminuir
o volume conforme determinado pelos nossos controles de limite e proporção.
Ataque é a duração do deslocamento do nosso fader de volume automático. É o tempo que leva
para viajar do ponto A ao ponto B. O ponto A é o seu fader com redução de ganho 0 e o ponto B é
o seu fader com redução total de ganho.
Assim que nosso ataque for concluído, o fader de volume continuará subtraindo o volume até que
o sinal de entrada fique mais silencioso e caia abaixo do nosso limite. Assim que isso acontecer,
nosso volume automático entra na fase de liberação.
Liberar
Release é quanto tempo nosso fader de volume automático levará para retornar à sua posição
original de redução de volume 0.
A fase de lançamento acontece apenas quando o volume de entrada cai abaixo do limite que
selecionamos.
Portanto, com uma liberação de 10ms, nosso fader de volume automático reduzido levaria 10ms
para retornar ao seu nível original de redução de volume 0.
Se, enquanto o compressor estiver completando seu tempo de liberação, o sinal de entrada voltar
acima do limite, o compressor reiniciará sua fase de ataque até que a redução de ganho seja
alcançada.
Eu sei que pode ser redundante, mas ninguém nunca explicou o que acontece se sua liberação não
terminar antes de o compressor ser reativado.
Segurar

Hold é um parâmetro extra. Nem todos os compressores (multibanda) o possuem porque não é
essencial.
A retenção realmente acontece antes do estágio de lançamento. É uma forma de atrasar a fase de
lançamento do nosso fader de volume automático.
Portanto, a ordem em que essas etapas acontecem é:
Ataque > Segurar > Liberar
Como você sabe, é durante o estágio de lançamento que o fader retorna à sua posição original de
redução zero de volume.
Quando um som fica baixo e cai abaixo do seu limite, o compressor normalmente entra no estágio de
liberação. Mas, com a espera, estamos atrasando o início da fase de lançamento. A duração desse
atraso é qualquer período de tempo definido em sua configuração de espera.
O que isto significa é que durante a fase de espera mantemos a nossa redução de volume em
qualquer ponto que ela seja atingida. Assim que a retenção for concluída, o estágio de liberação entra
em vigor, onde nosso fader de volume retorna gradualmente para 0 redução de volume.
Outros controles Esta é
apenas uma seção extra para explicar o ganho de maquiagem por sua solidão, já que não se ajusta
perfeitamente aos meus grupos Fader Triggering e Fader Velocity.
Ganho de maquiagem
Como nosso fader de volume automático funciona reduzindo o volume dos sons, muitas vezes os
sons que tratamos com compressão podem parecer mais baixos.
O Makeup Gain nos permite restaurar nosso instrumento ao nível de volume percebido original.
No entanto, haverá muitas situações em que você usará a compressão apenas para reduzir o volume
de um som quando ele ficar muito alto.
Isso ocorre porque você está usando o compressor como um controlador de pico, cuja única função
é devolver violentamente qualquer som excessivamente alto a um nível de volume aceitável.
Esta é uma das maneiras mais fáceis e naturais de usar a compressão.


A melhor maneira de aprender seu compressor A maneira

mais rápida de aprender qualquer processador é pular entre os extremos e
depois comparar os resultados. É assim que aprenderemos a compressão.
Aqui está um guia passo a passo para aprender o que seu compressor (fader de volume automático) faz em
ação.
1. Coloque um loop de bateria em sua DAW. O ideal é que você queira um loop de bateria que tenha
o tom/ambiente/reverberação da sala já está nele.
2. Adicione um compressor à trilha de loop de bateria.
3. Reproduza o loop para que ele seja repetido automaticamente.
4. Enquanto o loop está sendo reproduzido, defina a proporção para 10:1 e, em seguida, mova o limite
totalmente para baixo (isso acalmará consideravelmente o seu loop).
5. Agora defina o ataque e solte para 1 ms ou menos (o mais rápido possível).
6. Aumente gradualmente o limite até obter 10-15db de redução de ganho (redução de volume).
7. Brinque com seu ataque abrindo-o completamente e fechando-o novamente.

Observe como o som do loop de bateria muda conforme você faz isso.
1. Você notará, à medida que o ataque fica mais longo, que o transiente inicial de cada batida de
bateria pode atingir cada vez mais
8. Defina o ataque de volta à sua posição original em 1ms ou menos.
9. Agora brinque com o seu lançamento da mesma forma, abrindo-o e fechando-o.
Observe como o loop da bateria muda conforme você faz isso.
1. O que você notará é que quanto mais lenta a liberação, mais as caudas da bateria batem e o
tom da sala começa a desaparecer.
10. Repita os passos 7 e 9 somente agora enquanto você joga com o ataque/liberação também
brinque com a configuração da proporção.
1. Você notará como proporções mais altas influenciam a agressividade e a obviedade de seus
parâmetros de ataque e lançamento.
Este exercício permitirá que você ouça de maneira dramática e focada como é o comportamento do seu fader
de volume automático. Em particular, ele o sensibiliza à taxa e velocidade com que o fader de volume se move
para cima e para baixo.
O que você notará é que quando o ataque foi mais lento, permitiu que o ataque de bateria ou o que chamamos
de transientes ocorresse.
Quando você define o lançamento para que fique cada vez mais lento, você notará como as caudas de "******
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as batidas da bateria e o tom da sala começam a diminuir. Isso ocorre porque nosso fader de
volume automático não pode retornar à redução de volume 0 antes que a próxima batida de
bateria acione o fader de volume automático para silenciar o som novamente.
Esta é a maneira mais rápida e fácil de aprender o comportamento e as características de

qualquer compressor.

Quando e como usar a compactação

Existem duas maneiras principais de usar a compactação em um nível individual baseado em trilha:
1. Para controlar e moldar transientes (ataques)

1. Modelagem de percussão
2. Escultura de instrumento percussivo/corajoso
2. Para controlar o volume de um som ao longo do tempo
1. O vocalista cujo volume está exagerado 2. A performance
da guitarra que é naturalmente muito dinâmica
Usando compactação para controlar transientes
1. Defina sua proporção de 2:1.

2. Defina um ataque rápido e uma liberação de 1 ms ou menos.
3. Abaixe seu limite até que seu transitório comece a desaparecer.
4. Agora diminua a velocidade do seu ataque para que tanto do transitório quanto você desejar
é permitido passar.
5. Defina o tempo de liberação entre 10-40ms para que a cauda do seu transiente não seja
relativamente afetada.
6. Ajuste seu Makeup Gain para retornar o som ao volume original.
7. Você pode fazer uma passagem final voltando entre as configurações de proporção, ataque e
liberação e ajustando-as em conjunto.
Você pode usar esse mesmo processo para amplificar e moldar ainda mais a apresentação de um
transiente. A única diferença seria definir um ataque mais lento para que o transiente ou 'cabeça'
pudesse passar sem ser afetado antes que o fader de volume automático diminuísse para diminuir o
volume do som do corpo.
Usando compactação para controlar o volume de um som ao longo do tempo
Eu uso os vocais como exemplo porque é muito fácil perceber o efeito da compressão nos vocais.
Isso ocorre porque, como seres humanos, nossa audição é naturalmente sensível aos vários sinais
de áudio presentes na voz humana.
1. Defina sua proporção de 2:1.

2. Defina seu ataque e liberação para 1 ms ou menos.

3. Reduza seu limite até obter 10 db de redução de ganho.

1. Com esta quantidade de redução de ganho, um vocal soará um pouco
não natural, espere até a etapa 6 para corrigir isso.
4. Agora abra seu ataque até que as consoantes vocais e plosivas soem como
agradável e inteligível como você gostaria.
1. Configurações de ataques muito rápidos irão esmagar sons consonantais/plosivos
em um vocal. No entanto, em um ambiente musical você pode se safar com
ataques mais rápidos, já que a música é criativa, você realmente pode fazer o que
quiser.
5. Para vocais com som natural, defina a liberação entre 15-40ms.
6. Aumente o limite até obter cerca de 6db de redução de ganho.
7. Ajuste o ganho de maquiagem para retornar o som à percepção original
nível de volume.
8. Você pode fazer um passe final voltando às configurações de proporção, ataque e liberação
e ajustando-as ainda mais em conjunto.

Usando EQ e Compressão Juntos Existe um

consenso geral de que na maioria das vezes o EQ deve ser colocado
antes da compressão.
Então, EQ > Compressão
No entanto, não existem regras definidas e se você estiver equalizando depois de comprimir,
então o uso típico nesse cenário seria cortar com um EQ antes do compressor e depois
aumentar com um EQ depois do compressor.
EQ (Corte) > Compressor > EQ (Boost)
Quando você se sente confortável com compressores e EQs, a cadeia acima torna mais fácil
moldar seu som de forma ainda mais dramática.
Mas não se engane, se tudo que você dominasse fosse o combo EQ > Compression, você
ainda estaria entre os 1% melhores dos mixers.

A Realidade da Compressão A realidade

hoje é que quando estou mixando uma faixa eu uso compressão em cerca de 5 a
10% das faixas.
Costumo usar a compressão da mesma forma que uma pessoa usa o Febreeze™ em sua
casa depois de limpá-la. O Febreeze™ é realmente apenas a cereja do bolo, mas somente
depois de limpar tudo é que o Febreeze™ realmente vale a pena.
Caso contrário, você teria uma casa que parece uma merda, mas cheira a céu.
De qualquer forma, é assim que vejo a compressão: só depois de já ter limpo tudo com o
EQ, é que uso a compressão para dar os retoques finais.
Se você está apenas aprendendo compressão e não sabe quando usá-la, não faça isso,
porque eu tenho uma solução para esse absurdo problema 22.
Como todos nós precisamos aprender compressão em algum momento, sugiro que você
aprenda e se familiarize usando esta abordagem simples.
Tudo o que você vai fazer é escolher dois instrumentos em sua música, um na frente da
sua mixagem e outro na parte de trás.
O objetivo aqui é usar a compressão para manter de forma mais eficaz o instrumento Back
confortavelmente encaixado nas costas e fazer com que o instrumento Front permaneça
na frente de forma mais consistente.
Na verdade, eu chamo esse estilo de compressão Front/Back de “Pocket Compression”,

porque da mesma forma que usamos EQs para criar bolsões de frequência para
instrumentos em nossa mixagem, podemos usar Pocket Compression para criar um limite
dinâmico musicalmente agradável EM TORNO da frequência. bolsos que esculpimos com
nosso EQ.
A razão pela qual a criação deste 'limite dinâmico' é incrível é porque nos permite alcançar
níveis ainda maiores de mistura/contraste.
Portanto, embora estejamos sempre ganhando dinheiro com EQ, esses instrumentos
ainda podem, às vezes, ficar entusiasmados e aumentar de volume. E à medida que
saltam de volume, saltam do bolso, por assim dizer.
Então você precisa de algo para fazer com que os instrumentos fiquem nos bolsos
confortáveis que você criou para eles. É aqui que entra a compressão de bolso.
Mas aqui está a verdade sobre a compactação de bolso, porque na verdade é apenas uma
maneira específica de usar a compactação de barramento.
A razão pela qual chamo isso de compressão de bolso é porque ela realmente informa o resultado que
você está obtendo. Com a compressão de bolso você está forçando os instrumentos a permanecerem
energética/dinamicamente no mesmo bolso.
Nesta forma específica de compactação, você aprenderá que possui bolsões de frequência gerenciados
por EQs, mas também possui bolsões de nível de volume que são gerenciados pela compactação. É
muito parecido com nosso fader de volume automático anterior, só que agora está sendo aplicado a
agrupamentos de instrumentos em vez de apenas um.
Com o Pocket Compression (também conhecido como Bus Compression), você força grupos de
instrumentos a ficarem no mesmo bolso dinâmico, que possui propriedades de volume muito distintas
e reguladas pelo tempo.
As propriedades específicas de volume regulado por tempo deste bolso são controladas pelo seu
compressor. É a configuração específica do compressor para instrumentos em um determinado bolso
que cria as características do bolso que você está comprimindo.
Ter apenas 2 desses bolsos distintos em sua mixagem significa que suas mixagens terão mais
profundidade e, portanto, mais mistura e contraste do que alguém que não usa essa técnica. Isso nos
permite criar uma forma poderosa de contraste dinâmico em nossas mixagens com um som
verdadeiramente profissional.
Pocket Compression é realmente a abordagem mais poderosa e intuitiva para uso de compressor que
conheço e em meu livro The Bus Compression Masterclass eu expando completamente minha filosofia
e abordagem para esta forma de Bus Compression.
Portanto, se você estiver curioso e quiser aprender mais sobre o Pocket Compression, forneci um
capítulo de visualização no final deste livro. Se você está realmente ansioso para obtê-lo, clique aqui
para obter uma cópia do The Bus Compression Masterclass.

Atingindo o Próximo Nível Estou

constantemente experimentando para encontrar o “próximo nível” e é incrível porque cada
vez que faço isso, descubro uma abordagem mais simples para obter um resultado ainda melhor.
O próximo nível sempre me dá uma maneira mais fácil e garantida de alcançar um resultado
previsível. Pocket Compression é um desses paradigmas de 'Next Level'.
E assim, à medida que continuo evoluindo e melhorando, todas essas abordagens antigas e
ineficientes são substituídas por truques mais simples e intuitivos.
Nem sempre é necessário reinventar a roda e como somos todos artistas e todos queremos
melhorar a nossa arte, é importante que façamos tudo para continuar a evoluir.
A forma como acelero esse processo de evolução é mantendo uma caneta e um bloco de notas
ao lado do meu computador de estúdio e sempre que faço algo que considero glorioso,
simplesmente escrevo no papel os passos que dei para alcançá-lo.
Isto tem o efeito de acelerar o processo de aprendizagem, bem como de tornar o seu acesso
automático e reflexivo a competências e recursos mais robusto e consistente.
Basicamente, estou apenas mantendo um arquivo de toda a minha incrível magia de engenharia
e produção, porque seria cruel não reutilizar os mesmos sucessos de nível de magia até que
se tornem sucessos reflexivos persistentes no futuro.
Seria muito melhor captar ideias reflexivamente, como se tivéssemos capturado objetos caindo
do armário, do que seguir o outro caminho mais difícil e não confiável.
Manter um caderno de minhas próprias técnicas proporcionou um impulso inestimável ao ritmo,

velocidade e consistência de minha própria evolução e espero que você concorde que é algo
que pode ajudá-lo também.
No final das contas, a maior parte do que é poderoso é simples, ridiculamente simples;
especialmente em comparação com a complexidade que foi necessária para construí-lo.
Mas em um campo como a engenharia de áudio, que tende a atrair pessoas tecnicamente
atraídas, há uma tendência de afogar as coisas em um oceano de complexidade.
No final, a arte pretende ser o resultado de uma complexidade “artisticamente” simplificada.

E se não nos esforçarmos para simplificar, reduzir e intensificar o que resta, perderemos os
benefícios de nos desafiarmos para sempre alcançar o próximo nível.
Nos níveis mais elevados tudo é subtrativo e simplificado. Apenas o que é "****** DEMO -
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restos absolutos ou essenciais, todo o resto é apenas desordem.
Espero que este livro ajude você a criar mixagens mais celestiais. Se puder, deixe um
comentário clicando aqui.
Recursos adicionais
Livros:
The 3-Space Reverb Framework: Aprenda o sistema passo a passo para usar reverb em
suas mixagens https://
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Dominando a compactação multibanda: 17 técnicas passo a passo de compactação

multibanda para obter mixagens perfeitas
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The Bus Compression Masterclass: O segredo para criar mais profundidade e coesão com
compressão de barramento https://
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Recursos gratuitos de produção musical e engenharia de áudio http://

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Prévias de livros
The 3-Space Reverb Framework: Aprenda o sistema passo a passo para
usar reverb em suas mixagens
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O Mastering Reverb Adicionar o

mesmo reverb a tudo em sua mixagem é a técnica definitiva de colagem.
Se ainda não o fez, quando começar a fazer isso, suas mixagens atingirão um novo nível
que você simplesmente não poderia imaginar.

Os profissionais ocasionalmente mencionam que fazem isso, mas muitas vezes não falam sobre o
quanto isso reúne tudo em seu mix. Simplificando, é melhor do que a compressão de barramento para
colar as coisas, e a compressão de barramento é literalmente chamada de 'a cola'.
O truque para usar reverb em seu master é criar o que chamo de trilha de reverb pré-master, e nessa
trilha todos os instrumentos serão direcionados através dela.
A partir da faixa de reverberação pré-master você criará um envio, e nesse envio estará seu reverb
principal.
Seu reverb master deve usar uma predefinição de sala pequena com 0,3 a 0,7 segundos de decaimento.
Você vai querer reduzir as frequências em seu reverb master porque simplesmente não vai precisar
delas, caso contrário, elas irão inundar sua mixagem.
Na faixa pré-master você pode controlar o quanto todos os instrumentos da sua faixa alimentam essa
reverberação final. A ideia é alimentar o verbo mestre levemente para que fique quase imperceptível,
mas você pode ficar bastante agressivo com isso e isso também é muito, muito agradável de fazer.
Este reverb final destina-se a emular a sala em que sua faixa está sendo reproduzida. Como se você
estivesse tocando sua faixa nos alto-falantes de uma boate, é isso que o reverb master está emulando,
embora com um decaimento muito mais curto. Não sei por que, mas isso realmente faz uma música se
unir da maneira mais simples e impressionante.
Este tratamento de reverberação master acontece pré-master, daí a faixa de reverberação pré-master
que usamos. Isso significa que gosto de executar o Master Reverb + todo o resto da minha sessão em
toda a minha cadeia de tratamento master. Não há nada de errado com isso para mim porque não confio
muito em formas extremas de masterização para meus projetos.
Dito isto, um dos sintomas da maximização do volume pesado no seu master é que a largura/
inteligibilidade estéreo da sua faixa tende a diminuir.
Isso pode ser remediado configurando um reverb master em seu projeto logo antes do limitador final.
Sou apenas eu entrando no pornô com engenheiros de mixagem neste momento, mas a ideia seria

fazendo toda a sua cadeia master, exceto o limitador final em uma 'faixa de tratamento pré-
master'. Em seguida, você envia um pouco do sinal da 'faixa de tratamento pré-master' para
o envio de reverberação master e, em seguida, mistura tudo isso no Master logo antes do
limitador.
Isso permite que nosso reverb master não seja afetado pela sua cadeia de masterização.
O que é realmente legal é que os efeitos pesados do seu 'tratamento pré-master'
influenciarão os sons que vão para o seu reverb master e tudo isso está acontecendo sem
que a cadeia master impacte negativamente as informações estéreo e acústica do seu
reverb master.
Isso funciona porque a informação de reverberação sofre mais com forte compressão e
limitação. É também uma técnica avançada que sublinha a melhor técnica de masterização,
nomeadamente que toda masterização realmente boa é um meio de esconder os efeitos
colaterais da masterização.
Funciona para ocultar a masterização porque, embora tudo tenha sido fortemente
processado em sua cadeia de pré-masterização, você está restaurando alguma naturalidade
ao executá-lo através de um reverb após o fato. E esse reverb só atinge um limitador antes
de sua faixa ser mixada. É essa sequência que atua para ocultar artefatos de masterização,
como compressão multibanda/bombeamento limitador.
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Dominando a compressão multibanda: 17 técnicas passo a passo de compressão multibanda para
obter mixagens perfeitas
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Teoria de mistura/contraste e compressão multibanda Se você leu

algum dos meus outros livros, então sabe que a base da minha filosofia
de mixagem é mistura e contraste. Quero que 70% dos meus instrumentos
se misturem ao fundo da minha mixagem e os outros 30% contrastem e
avancem para a frente da minha mixagem.
Seguindo esta regra, sou capaz de criar uma profundidade enorme com menos esforço e menos
estresse.
Posso assegurar-lhe que em poucas sessões de aplicação deste paradigma ele transformará a
maneira como você aborda a mixagem. Você será mais exigente em suas decisões e não ficará
preso debatendo se algo está certo ou errado.
Tudo o que você precisa fazer é decidir se um instrumento é mesclado ou contrastante.
Em todos os níveis da minha mixagem, este é meu objetivo principal. Por que uso o 3-Space
Reverb Framework ao mixar? Porque foi projetado sonoramente para criar mais mistura e contraste.
Por que confio na teoria do mix de 4 zonas na fórmula de equalização e compressão?

Porque em cada uma das 4 zonas de frequência eu sempre me certifico de que haja 1 instrumento
mais alto (contrastante) e o resto apenas suporte (combinação).
Quão especificamente estou usando a compressão de barramento na Masterclass de compressão

de barramento? Estou usando-o para criar uma mesclagem aprimorada por meio do efeito de 'cola'
da compactação. Mas também estou aplicando deliberadamente diferentes configurações de
compressão para misturar e contrastar grupos de instrumentos.
As diferentes configurações separam os grupos de mistura e contraste, o que cria mais

profundidade. Como tal, um grupo de instrumentos contrastantes terá sempre definições de
compressão mais abertas em comparação com um grupo de instrumentos de mistura que tem
definições de compressão ligeiramente mais restritas.
É o efeito aditivo dessas técnicas precisas e repetíveis que cria níveis crescentes de mistura/contraste.
Com níveis crescentes de mistura/contraste, podemos tornar a profundidade massiva e a clareza cristalina
um subproduto praticamente sem esforço de uma metodologia de mistura estereotipada.
É isso que pretendo quando ensino essas coisas.
Você pode fazer para alguém um ótimo mixer imediatamente? Não, mas você pode ensinar-lhes as
sequências e padrões exatos que os grandes mixers usam.
Infelizmente, muitos grandes artistas e mixadores não estão exatamente conscientes de como fazem o
que fazem e eu acho que isso é uma besteira porque impede o resto de nós. Isso faz com que aqueles
de nós que estão apenas começando pensem que a curva de aprendizado é íngreme.
Não é tão íngreme quanto pensamos. É o investimento inicial que é íngreme. Mas esse é o preço de
qualquer coisa que valha a pena ter.
Então, tudo que falo é uma fórmula. É uma metodologia que você pode copiar e colar em seu processo
para evitar instantaneamente a confusão.
Nós realmente precisamos experimentar resultados que possamos apreciar para conectar os pontos mais
profundos – aqueles que realmente buscamos.
Portanto, saber se estou atrás de mistura ou contraste é minha conexão mais profunda dos pontos. Isso
me permite saber exatamente o que fazer para não me perder tentando descobrir o que procuro. É muito
simples e ao mesmo tempo, esta forma de mixar não é tão rígida ou complicada a ponto de me tirar do
estado criativo.
Mistura/contraste é um universal da arte. Nossas percepções são construídas em torno disso. Quente-
frio, preto-branco, feliz-triste, silencioso-alto, distante-próximo; tudo.
Então, quando estamos mixando, o que importa é intensificar a mistura/contraste e a maneira como
fazemos isso com a compactação multibanda tem a ver com os 2 resultados principais que a compactação
multibanda pode alcançar. Eles são os seguintes:
1. Controle transitório 1.
Aprimoramento transitório 2. Redução
transitória 2. Nivelamento de
volume
Esses 2 resultados também são exatamente os mesmos que usamos em um compressor normal.
A única diferença é que agora podemos fazê-lo numa faixa de frequência específica que

é o que nos dá a capacidade de usar um compressor multibanda para moldar de forma flexível o conteúdo
de frequência de um som.
Novamente, você só pode moldar uma determinada faixa de frequência se ela tiver diferenças de volume
para trabalhar. Se estiver sempre sustentando o mesmo volume geral, a compactação multibanda
praticamente não traz nenhum benefício positivo com o qual vale a pena nos confundir.
Controle transiente para mistura/contraste Transiente
no contexto de um compressor multibanda significa moldar o volume de pico de uma faixa de frequência.
Agora, a frase que acabei de dizer é verdadeira, mas pode ser muito vaga, então não se preocupe porque
as duas primeiras técnicas de compressão multibanda que vou apresentar mostrarão exatamente como
obter controle de transientes.
Na maior parte, serão os resultados que ligarão os pontos. As 17 técnicas que mostrarei um pouco mais
tarde darão os resultados exatos que você precisa para descobrir as coisas.
Os exemplos são quase sempre mais claros do que as explicações técnicas. As explicações técnicas
servem apenas para preparar sua mente para que você esteja um pouco mais subconscientemente
preparado para ligar os pontos quando receber uma demonstração mais tarde.
sobre.
Então, como uma revisão rápida, aqui está exatamente o que quero dizer sobre controle transitório no
que se refere à mistura versus contraste:
1. O aprimoramento transitório sempre = mais contraste 2. A redução

transitória sempre = mais mistura

Nivelamento de volume para mistura/contraste

O nivelamento de volume no contexto de um compressor multibanda significa reduzir a diferença
entre as porções altas e baixas de uma determinada faixa de frequência.
Em nosso exemplo anterior, com o martelo do piano tocando mais alto e depois mais baixo, podemos
definir a compressão para reduzir o volume apenas da parte alta, de modo que o volume fique mais
próximo da parte silenciosa. Em seguida, basta aplicar o ganho de maquiagem para aumentar o nível
geral de volume e, portanto, nivelar o volume.
Sempre que uma determinada faixa de frequência fica muito alta, ela começa a contrastar e a se
mover em direção à frente da nossa mixagem. Quando fica muito quieto, ele pode se misturar demais
e eventualmente desaparecer no fundo da nossa mixagem.
Portanto, nivelamos as faixas de frequência do nível de volume porque às vezes elas são muito altas
e às vezes muito baixas e nivelar o nível de volume faz com que essa faixa de frequência fique mais
estável em sua mixagem.
Geralmente, em mixagens, você deseja que a maioria dos instrumentos permaneça dinamicamente
estável, porque isso lhe dá controle sobre o posicionamento da mixagem.
Mas mixar é uma arte, e às vezes ter 1 ou 2 instrumentos capazes de entrar e sair dinamicamente
da sua mixagem por causa de suas mudanças dramáticas no volume pode criar mais contraste e
profundidade.
Como você aprenderá nas técnicas que vou mostrar, na maioria das vezes simplesmente reduzimos
o volume das partes barulhentas sem aplicar ganho de maquiagem. Isso é algo contra-intuitivo
porque o ganho de maquiagem é apresentado como a etapa final do uso de qualquer compressor e,
portanto, algumas pessoas presumem que ele deve ser usado o tempo todo - não é, vou mostrar e
explicar o porquê mais tarde.
O nivelamento de volume é principalmente um efeito de mistura, simplesmente porque mantém as

coisas no lugar. Mas você também pode manter as coisas no lugar para que fiquem mais altas e
presentes e, dessa forma, torne-se mais um efeito de contraste.
Com o nivelamento de volume, usamos o compressor multibanda para evitar que faixas de frequência
individuais se movam para frente e para trás ao longo de nossa mixagem.
Você obterá um exemplo perfeito de frequências de nivelamento de volume que se movem para
frente e para trás em sua mixagem com a técnica nº 3. Nessa técnica, mostrarei um exemplo muito
visual de como controlar frequências de varredura ressonante em sua mixagem.
Na verdade, a razão pela qual o nivelamento de volume é tão eficaz ao lidar com
ressonâncias amplas é porque às vezes gostamos de muita ressonância, mas ela pode
ser excessiva em certas faixas de frequência e, portanto, não se ajusta perfeitamente à mixagem.
O nivelamento de volume com compressão multibanda é a solução definitiva para esse
problema.
As técnicas que você vai aprender são as que eu uso. Porque sou eu, eles são
incrivelmente estereotipados e funcionam.
Estou dando-os a você, em parte porque me sinto obrigado, pois sei que não fui o único
que foi, durante muito tempo, cruelmente torturado pela compressão multibanda em um
blacksite da CIA chamado meu estúdio.
Eu só quero que você descubra por si mesmo o quão eficazes são as técnicas, porque
elas vão liberar muita energia mental para que você possa eventualmente se concentrar
em decisões mais importantes, como mistura e contraste.
Quanto mais não tivermos que pensar em como usar algo e mais poderemos apenas
mexer em uma ferramenta enquanto buscamos algo simples como “está mesclando ou
contrastando?” mais se torna uma exploração agradável e mais a criatividade floresce.
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The Bus Compression Masterclass: O segredo para criar mais profundidade e coesão com
compressão de barramento
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Por que chamá-lo de compressão de bolso (e não de compressão

de barramento)?
A razão pela qual chamo compressão de barramento de compressão de bolso é porque a ação do
compressor cria um bolso artificial ao redor dos instrumentos desse grupo. Esta bolsa artificial tem
a característica de conferir dinâmica semelhante a todos esses instrumentos.
Então, quando digo similaridade dinâmica, quero dizer que o volume de todos os instrumentos
desse grupo está mudando em relação ao acionamento do nosso compressor de bolso.
Como qualquer instrumento ou sobreposição simultânea de instrumentos no grupo pode

desencadear a ação do compressor, isso significa que cada instrumento tem potencial para
influenciar o comportamento do compressor e, portanto, o comportamento de todos os instrumentos
desse grupo.
Deve-se notar que dentro de um grupo de compressão de barramento normalmente existem

alguns instrumentos mais altos que impulsionam o comportamento do compressor mais do que o
resto.
Outros instrumentos são por vezes demasiado silenciosos para realmente dispararem ou têm uma
grande influência no comportamento dos compressores. Um bom exemplo disso seria um ônibus
de bateria.
Em um barramento de bateria, o movimento do compressor normalmente é impulsionado pelo

bumbo e pela caixa. Os chimbal nem sempre acionam o compressor e isso ocorre porque muitas
vezes não são altos o suficiente para fazê-lo.
Portanto, com a compressão de bolso você está usando um compressor para fornecer a um grupo
de instrumentos características específicas de volume dependentes do tempo. E muitas vezes
são instrumentos específicos desse grupo que têm maior influência sobre como o compressor
influencia a dinâmica de todos os instrumentos juntos.
Compressão de bolso significa que estamos usando um compressor para influenciar a dinâmica

de todos os instrumentos juntos da mesma maneira. Assim como o sal dá a todas as ervas de um
prato aquela camada salgada de sabor, você está dando a todos os instrumentos de um grupo
(ônibus) a mesma camada de semelhança dinâmica.
Todos esses instrumentos se comportam da mesma forma em relação ao compressor em que

estão inseridos.
Minha maneira favorita de pensar sobre isso é imaginar que você tem um balão elástico ao redor
dos instrumentos de um determinado grupo. As configurações do compressor determinam quanta
liberdade eles têm para serem dinâmicos - o que na verdade significa apenas o quão erráticos
eles podem ser com seus níveis de volume.
A liberdade dinâmica que eles têm é determinada pelo seu compressor ou, nesta analogia, pelo
quanto o balão irá esticar quando os instrumentos pressionarem suas bordas. As bordas desse
balão representam o limite do seu compressor.
O quão elástico ou não o balão é é determinado pela sua proporção. A taxa e a velocidade com
que o balão se estica quando os instrumentos batem em suas bordas são determinadas pelas
configurações de ataque e lançamento.
É esse efeito artificial de criar um balão elástico em torno dos instrumentos que é a compressão
do bolso.
Esta ideia principal é tão simples e incrivelmente poderosa porque significa que ataques mais
rápidos (5-10ms) e liberações mais lentas (10ms - 40ms) empurram o material para o fundo da
mixagem, o que cria mistura e ataques mais lentos (10-30ms) e liberações rápidas (1ms -15ms)
permitem que instrumentos agrupados permaneçam mais abertos, dinâmicos e à frente da
mixagem, o que cria contraste.
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The Eq and Compression Formula Learn The Step by Step Way To Use Eq and Compression Together Aud Ion Sound Design Amp Mixing Audio Series Book 1nodrmpdf PDF Free

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The Eq and Compression Formula Learn The Step by Step Way To Use Eq and Compression Together Aud Ion Sound Design Amp Mixing Audio Series Book 1nodrmpdf PDF Free

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A fórmula de equalização e compressão

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A fórmula de equalização e compressão:

Aprenda passo a passo como usar EQ e Compressão juntos

Direitos autorais © 2017 Nathan Nyquist. Todos os direitos reservados.

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Começando com o fim em mente Parte I:

de mixagem frontal e posterior O que é EQ?

A Regra dos 300

Controles de equalização explicados

A melhor maneira de aprender seu compressor

Usando EQ e compressão juntos

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Introdução Este livro

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Começando com o fim em mente É

Sabemos que queríamos nos salvar da bagunça; o esforço de limpar tudo.

Todos os produtores e engenheiros de mixagem de maior sucesso melhoraram referenciando suas

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que soam em sua própria música.

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O paradigma de mixagem frontal e posterior Sua

Os dois espaços são a frente e a parte de trás da sua mixagem.

Instrumentos que estão na frente:

1. Tenha mais volume (mais alto em comparação aos instrumentos traseiros).

Instrumentos que ficam na parte de trás:

1. Têm menos volume (mais silenciosos em comparação com os instrumentos frontais).

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Portanto, o EQ tem dois usos principais:

1. Esculpir e moldar a apresentação dos nossos instrumentos.

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Teoria da mixagem de 4 zonas

Médios: 200 Hz – 1 kHz A

Médios agudos: 1 khz – 7 khz É

Agudos: 7khz – 20khz Pratos

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Traços amplos primeiro É mais

Ao usar amplos aumentos/cortes de EQ, podemos decidir onde queremos aumentar ou

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A Regra dos 300 Um dos

A realidade é que 20 Hz – 400 Hz é a faixa de frequência mais difícil de dominar porque

Quanto mais alto você conseguir, melhor para sua mixagem.

Seguindo esta regra suas mixagens começarão imediatamente a ocupar os 5% melhores

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Explicação dos controles de EQ

Filtragem passa-baixa (abreviada como LP): é o oposto da filtragem passa-alta.

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Aqui está a ordem da técnica:

Com uma inclinação Q de 1, selecione um aumento de 4db se quiser avançá-lo mais e um

O objetivo é buscar abertura e quase muito espaço entre os instrumentos, porque o

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O verdadeiro segredo para mixar que ninguém te contou

Na verdade, o que estou dizendo é que menos é mais.

Quando deixamos de cortar agressivamente as frequências desnecessárias, os instrumentos

Se a nossa mixagem estivesse correta, estaríamos apenas aumentando a intensidade de uma

Portanto, mantenha-o limpo, bonito e aberto.

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