Aprenda A Mixar Com 5 Plugins

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Mistura passo a passo
Como criar ótimas mixagens usando apenas 5 plug-ins
© 2019, Björgvin Benediktsson.
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Brochura ISBN: 978-1-7336888-0-2
Publicado por
Björgvin Benediktsson e problemas de áudio
Tucson, Arizona
www.Audio-Issues.com
Mais sobre este livro e recursos adicionais podem ser encontrados em
www.StepByStepMixing.com/Resources.
Conteúdo
Presente grátis: o passo a passo para misturar recursos vii
Introdução ix
Uma nota sobre mixagem xiii
Uma observação importante sobre DAWs xv
Capítulo 1 – Pré-mistura 1
Quando começa a mixagem? 1
Lave a louça para poder cozinhar na cozinha 2
Capítulo 2 – Mixagem sem plug-ins 5
Organizar! 5
Escuta Crítica e Visualização da Sua Mixagem 7
Alto – Frequências 9
Amplo – Panorâmica 9
Deep – Reverb, Delay e Efeitos 10
Balanceamento Inicial e Headroom 10
Mixagem em Mono 12
Panorâmica em Mono 12
Equilibrando a bateria 13
A Regra 15 de 1 dB
Problemas Dinâmicos Devido ao Arranjo 16
Pense rápido, não perfeito 17
Grupos 17
As 3 maneiras de abordar uma mixagem inicial 19
Recapitulação 21
Capítulo 3 – Usando o EQ 23
Qual equalizador você deve usar? 23
As 3 funções primárias do EQ 25
Os 3 métodos básicos de equalização 26
Filtrando usando filtros passa-alto e passa-baixo 27
Bateria 28
Baixo 29
Guitarra 29
Teclas e Pianos 30
Vocais 30
Outros Instrumentos 31
EQ subtrativo 31
Aditivo EQ 32
Bateria 33
EQ'ing Drum Samples e Loops 35
Baixo 35
Guitarra 36
Teclas, Pianos e Sintetizadores 38
Vocais 39
Uma Nota sobre o Reequilíbrio 40
Capítulo 4 – Usando Compressão 43
O que um compressor faz? 43
Por que comprimir? 44
Como abordar a compressão 44
Use um sistema de compressão 45
Parâmetros do Compressor 47
Estilos de Compressão 48
Aplicando Compressão 51
Mistura predefinida 51
Submixagem 52
Bateria 52
Baixo 54
Guitarras 55
Vocais 56
Compressão na Série 56
Vocais de apoio 57
Piano e Teclas 57
Compressão Paralela 58
E quanto à compactação multibanda? 59
Revise sua mixagem e rebalanceie se necessário 61
Capítulo 5 – Reverberação e Delay 63
Parâmetros de reverberação 63
Os diferentes modos de reverberação 67
Uma maneira fácil de encontrar o reverb certo para sua mixagem 68
A diferença entre pré e pós-fader ao usar reverbs 71
Uma reverberação de grande tambor 72
Envio pré-fader para o resgate 72
Usando uma reverberação na mixagem 73
Adicionando estilos de reverberação separados à bateria 74
Às vezes, aquele reverb simplesmente não resolve. 75
Equalize suas reverberações 76
Ajuste suas predefinições de reverberação 76
Não exagere 76
Não adicione muitos espaços 77
Use a técnica dos três verbos 77
Usando Reverb em Guitarras 78
Sobrecompensação Acústica 79
Quando o atraso é melhor 80
Parâmetros de Atraso 80
Atraso não precisa ser complicado 82
Difundindo atrasos para suavidade 85
Atrasos para ampliação estéreo 86
Atrasos para efeitos 87
Capítulo 6 – Saturação 89
Configurações de saturação 92
O Analógico 92
Fita Kramer 92
Fabfiltro Saturno 94
Aplicando Saturação em Sua Mixagem 95
Saturação em Submixes e Busses 99
Não exagere na saturação 99
Resumo 100
Capítulo 7 – Como usar um mix de referência 102
O que é um mix de referência? 102
Como escolher um mix de referência 102
Regras para usar uma referência adequada 103
Uma Palavra de Advertência 104
Importe seu mix de referência 105
Escuta Crítica 105
Recrie o Master EQ 107
Torne sua mixagem melhor por comparação 107
Capítulo 8 – Monitorando Seu Mix 110
Que tal mixar com fones de ouvido? 112
Capítulo 9 – Concluindo Seu Mix e Preparando Você Para O Sucesso 117
Alcançando o Sucesso Através da Prática Contínua 118
Prática em Público 121
Obtenha feedback da melhoria contínua 122
Não se esqueça dos seus recursos gratuitos 124

Obrigado 125
Sobre o Autor 126

Presente grátis: o passo a passo para misturar recursos
Como forma de agradecer pela sua compra, quero lhe dar acesso exclusivo aos recursos de
mixagem passo a passo: www.StepByStepMixing.com/
Resources
Aqui está o que você obtém na página de recursos de mixagem passo a passo:
Vídeo de início rápido de mixagem passo a passo
Folha de referências de tradução mista
Links para mais de 100 faixas múltiplas para praticar suas mixagens
Guia de masterização passo a passo
Gráfico de frequência detalhado para todo o espectro de equalização
Ensinar outras pessoas como causar um impacto maior com sua produção musical e de áudio
é uma paixão minha. Eu criei o Audio Issues para transmitir meu conhecimento e ajudá-lo a fazer
músicas com melhor som.
Você também terá acesso a mais informações sobre todos os recursos, plug-ins e equipamentos
de que falo ao longo do livro, bem como quaisquer atualizações importantes que você precisa
saber.
Acesse a página de recursos gratuitos aqui:
www.StepByStepMixing.com/Resources
Introdução
Sempre que converso com produtores de home studio, eles sempre me falam sobre os mesmos
problemas quando estão mixando.
É mais ou menos assim:
“Tenho dificuldade em entender o espectro de frequência quando tento fazer com que todos
os instrumentos se encaixem na minha mixagem. Não consigo descobrir como fazer minhas
guitarras soarem do jeito que as ouço nos discos que gosto e elas sempre parecem
mascarar os vocais.
O bumbo e o baixo sempre parecem estar brigando nos graves, e mesmo quando uso
truques legais que aprendi na internet os graves ainda ficam turvos. Cada vez que abro
um compressor fico nervoso com todos os diferentes botões e botões. Eu sempre acabo
esmagando minha bateria com muita força e minha mixagem parece sem vida e um longo
grito das mixagens dinâmicas que ouço meus engenheiros de mixagem favoritos
lançarem.
Mesmo quando consigo fazer meus instrumentos soarem como se pertencessem um ao

outro, eu estrago tudo assim que começo a adicionar efeitos como reverb e delay à
mixagem. E por último, mas não menos importante, geralmente deixo a saturação de
lado, mesmo sabendo que ela deve adicionar algo legal à minha mixagem. Estou muito
nervoso e com medo de distorcer minha mixagem.”
Soa familiar?
Claro que sim. É por isso que você está lendo este livro.
Mas deixe-me contar um segredo. Mesmo que você possa mixar uma música de um milhão de
maneiras diferentes (isso é um exagero, mas você entendeu), você pode obter uma mixagem de
qualidade facilmente usando apenas 20% dos processadores e plug-ins disponíveis.
Quantos 20% você pergunta? Bem, os cinco processadores mais importantes que todo engenheiro
de mixagem qualificado usa:
equalização
Compressão
Ressonância
Atraso
Saturação
Estes são os 20% dos plug-ins que você usa para obter 80% (e além) dos resultados
de uma ótima mistura. Eu iria mais longe e diria que os últimos 20% para chegar a uma
mixagem 100% incrível estão nas próprias gravações, não em alguns plug-ins premium
sofisticados (embora sejam muito divertidos de brincar).
O fato é que se você dominar esses cinco processadores acima você estará pronto para
fazer uma mixagem matadora em seu estúdio caseiro, seja trabalhando em demos para sua
banda ou mixando discos para seus amigos e clientes.
Espero que, depois de ler este livro, você compartilhe seus sucessos comigo, como Greg
fez há algum tempo:
"Ei irmão! Eu tenho o seu [livro de mixagem passo a passo]. Eu o comprei há cerca
de um ano e meio e hoje estou sendo contratado para mixar várias faixas de pessoas!
Muito grato por encontrar suas coisas, cara!!! Eu sou um produtor, mas sempre tive
problemas para fazer minhas faixas soarem bem, então eu sempre contratava alguém
para mixar para mim e acabou tudo bem, mas nunca do jeito que eu queria, já que
tive uma visão e nunca consegui isso saiu da minha cabeça porque eu não conhecia as ferramentas!
De qualquer forma cara! Você fez uma grande diferença na minha renda, mano!
Tão grato!"
Portanto, nas páginas seguintes, nos aprofundaremos nesses cinco plug-ins e ajudarei
você a descobrir o motivo de tanto alarido.
Cada capítulo terá duas partes:
Explicações sobre a teoria por trás do que os plug-ins fazem e como usá-los:
Você obterá uma explicação completa das diversas regiões do espectro de
frequência. Você entenderá exatamente como usar seu
compressores. Você aprenderá tudo sobre as diversas configurações de reverb e

delay (alguns reverbs são muito complexos!) e se familiarizará com o uso da saturação
(sem sobrecarregar e distorcer suas mixagens!).
Problemas comuns e suas soluções práticas: Depois de entender como cada

processador funciona, falaremos sobre alguns cenários do mundo real. Vou te dar
algumas dicas práticas e fáceis de usar para fazer suas mixagens saltarem dos alto-
falantes.
Que tal isso para uma hipérbole? Pronto para começar?
Vamos!
Uma nota sobre mixagem
Mixar é um conceito muito subjetivo. Existem muitas variações de uma mistura “boa”.
Um mix pelo qual você paga $ 200 e um mix pelo qual você paga $ 400 (ou mesmo $
4.000) nem sempre tem o dobro da qualidade. Tem a ver com a experiência do
engenheiro de mixagem, a demanda por seus serviços e sua disposição de trabalhar dentro
de qualquer orçamento que você tenha.
Além disso, é difícil ensinar mixagem porque cada música é diferente e apresenta desafios
diferentes. Nas páginas seguintes darei a vocês minhas “regras 80/20” para mixagem. É
tudo uma questão de foco no que você mais deve se concentrar para obter as maiores vitórias.
Você aprenderá sobre os assuntos de mixagem mais importantes para poder mixar sua própria
música com confiança.
Lembre-se, as habilidades de mixagem melhoram com a prática, não com a leitura de

livros (ironicamente…), então eu encorajo você a mixar o máximo de música possível para
melhorar suas habilidades. Se você está procurando músicas para mixar, tenho muitos recursos
para você, com um link para centenas de faixas múltiplas na seção de recursos Mixagem
passo a passo: www.StepByStepMixing.com/Resources.
Certamente não sou o melhor engenheiro de mixagem do mundo. Às vezes nem acho que sou tão
bom, mas isso tem mais a ver com a presença eterna da “síndrome do impostor” e minha
insegurança neurótica do que com a própria falta de habilidade.
No entanto, sei o suficiente para lhe ensinar as coisas nas quais você deve se concentrar e os erros
que deve evitar. Estou constantemente aprendendo com cada nova produção e você também
deveria.
Portanto, leia este livro com ênfase em manter as grandes ideias em mente e experimentar de
tudo em tantas faixas múltiplas quanto você puder.
Uma nota importante
Sobre DAWs
Eu tento muito ser independente de software quando se trata de qual software de áudio você usa.
Isso significa que este livro pode ser usado com qualquer estação de trabalho de áudio digital
(DAW), desde que tenha os processadores e plug-ins necessários para criar uma ótima
mixagem. 99% de todos os softwares de áudio atuais possuem os plug-ins necessários, mas
existem alguns softwares que são mais “editores” de áudio do que “estações de
trabalho” de áudio – o que significa que eles podem não ter a maior flexibilidade quando se
trata de mixagem. .
Pessoalmente, eu uso o Logic Pro X e adoro isso. No entanto, eu também usei Pro-Tools no
passado e no Icelandic Embassy Studios usamos uma combinação de Cubase e Logic Pro X
porque nem eu nem meu parceiro de negócios queremos aprender o DAW da outra pessoa.
Também é importante ressaltar que nenhum DAW é melhor que outro. Na verdade, tudo
depende das habilidades do usuário. Não vou voltar para o Pro-Tools porque me tornei tão
familiarizado com o Logic ao longo dos anos que simplesmente não faz sentido voltar atrás.
Muitos músicos pensam que ter o Pro-Tools é o que torna um estúdio de gravação profissional.
Eles estão errados. Um estúdio de gravação é profissional quando possui engenheiros de áudio
experientes que cuidam de seus clientes e os deixam confortáveis o suficiente para gravar uma
ótima performance.
Uma vez que você tenha uma ótima gravação em disco, não é o software que você está usando
que torna sua mixagem boa, é seu conhecimento de mixagem e suas habilidades que fazem
uma ótima mixagem.
Finalmente, cabe a você aprender como usar sua DAW. Os detalhes técnicos de
como certas coisas funcionam na DAW de sua escolha pode ser um pouco diferente.
Por exemplo, usar grupos e ônibus é uma forma padrão de organizar suas
sessões, mas cada DAW faz isso de maneira um pouco diferente. Então se você não
sabe como usar seu DAW para organizar trilhas, importar arquivos, usar a janela de
arranjo ou o mixer, você não precisa ler este livro ainda. Você deve começar com o
manual do seu DAW! Neste livro usarei termos gerais que você pode usar em qualquer DAW.
Porém, cabe a você saber como fazê-los dentro da DAW de sua preferência.
Capítulo 1 -
Pré-mistura
Mesmo antes de começar a mixar sua música, você precisa ter certeza de que ela está pronta para
mixagem.
Algumas pessoas produzem suas músicas e as mixam ao mesmo tempo. Esse é um ótimo método se
você atua como produtor, engenheiro de gravação e engenheiro de mixagem ao mesmo tempo. Isso
significa que você tem uma visão da música desde o início e sabe exatamente para onde deseja levar
a produção ao longo de todo o processo.
Quando começa a mixagem?
Então vamos falar um pouco sobre o que significa “começar a mixar”.
Para nossos propósitos, consideraremos a mixagem como uma fase separada do

processo de produção. Estaremos imaginando que outra pessoa fez a produção e o
acompanhamento, e outra pessoa cuidará da masterização. Portanto, seu trabalho é simples:
abra os faders e mãos à obra.
Mas se você estiver envolvido em todo o projeto do início ao fim, os limites ficarão um
pouco confusos. Se você está acompanhando o projeto e decidindo os sons e a produção de
cada instrumento, você está adicionando um pouco da sua mentalidade de mixagem a
todo o projeto. Você tem uma ideia de como as coisas deveriam soar, então basicamente faz
tudo com o fim em mente.
De qualquer forma, é legal, há apenas uma mudança mental interessante no seu processo de
pensamento, dependendo de quando você se envolve no processo. Você acabará fazendo
muitas das mesmas coisas com a mixagem, independentemente do quanto esteja envolvido,
mas ainda estará abordando isso de dois pontos de vista diferentes.
Agora, de qualquer forma, você não pode começar a instalar plug-ins e processadores até
que o processo de gravação, produção e edição termine.
Vamos imaginar que terminamos de gravar todos os instrumentos e todos os overdubs

estão feitos. Isso significa que você tem uma música finalizada com todas as faixas, pronta para
a próxima etapa.
E esse passo é… não misturar.
Antes de mixar, você precisa preparar as faixas gravadas para mixagem. Você
precisa limpar toda a porcaria em seu caminho.
Lave a louça para poder cozinhar na cozinha
Aqui está uma analogia para você, vamos ver se você consegue acompanhar.
Cozinhar é ótimo. Lavar a louça depois é terrível. E é ainda pior quando você os deixa na pia até
a próxima vez que for cozinhar. Então você não só terá que lavar a louça antes de cozinhar, mas
TAMBÉM terá que lavá-la depois!
Terrível, certo?
É o mesmo com a mixagem. Se você limpar suas faixas antes de começar a mixar, terá uma
experiência mais agradável. Você não quer que o ruído das faixas vocais apareça durante o solo.
Então, antes de começar a mixar, faça estas duas coisas:
Apare as regiões e apague os silêncios “ruidosos” entre as partes.
Adicione fades a todas as regiões para que não apareçam abruptamente.

Regiões cortadas com fades para eliminar ruído entre as partes do instrumento
Voltando à analogia de “lavar a louça”, se a cozinha estiver limpa eu sei onde está tudo
e posso pegá-lo imediatamente. Se eu deixar a louça suja na pia, inevitavelmente terei que
vasculhar a louça suja para encontrar aquele utensílio de que preciso especificamente
para cozinhar.
Se você não editar suas faixas primeiro, terá problemas semelhantes. Você notará um clique
irritante em algum lugar, uma batida de bateria desalinhada ou um ruído de fundo que você
deveria ter eliminado. Isso atrapalha seu fluxo de trabalho porque você está constantemente
indo e voltando entre a mixagem e a fase de edição.
Se você está sempre trocando de chapéu, nunca se concentrará totalmente em um

aspecto de sua produção.
É melhor cozinhar com uma cozinha limpa. Ter uma pia cheia de pratos e utensílios de que
você pode precisar só vai roubar de você o prazer de preparar minha refeição. O mesmo vale
para a edição. Você perderá a alegria da mixagem se a fase de edição estiver
constantemente incomodando você no fundo da sua mente.
E assim como lavar louça, editar é muito chato. É tedioso e geralmente pouco criativo.
Mas se você encobrir e ignorar, ficará com uma produção abaixo da média.
Então, como regra geral, edite primeiro e depois concentre-se na mixagem. Quando
terminar de editar e tudo soar e parecer ótimo, você estará pronto para começar a mixar.
Capítulo 2 -
Mixagem sem plug-ins
Antes de começarmos a usar EQ, Compressão, Saturação, Delay e

Reverb, vamos falar sobre algo que é muito importante fazer antes mesmo de
começar a colocar plug-ins em suas faixas.
Organizar!
A primeira coisa que você deve fazer antes de começar a brincar com seus plug-ins é
organizar tudo para agilizar seu processo de mixagem.
Antes mesmo de começar a usar faders, certifique-se de organizar suas faixas para que
você possa voar pela sessão, sabendo exatamente o que está procurando.
Uma boa maneira de fazer isso é usar codificação por cores. Ter todas as suas faixas
e regiões atribuídas a uma cor diferente com base no instrumento ou grupo de
instrumentos ajuda no seu fluxo de trabalho. Faixas coloridas diferentes ajudam seus
olhos e cérebro a pular direto para a faixa correta quando você rola de um lado para o
outro do mixer.
Isso é especialmente útil quando você adiciona vários grupos e tem uma sessão ainda
maior do que a inicial. Além disso, é uma boa ideia manter o mesmo esquema de cores ao
misturar, para treinar seu cérebro para saber exatamente o que é cada cor em cada
sessão.
Por exemplo:
Bateria e percussão são vermelhas
O baixo é roxo
Guitarras acústicas são laranja
Guitarras elétricas são verdes
Os vocais são azuis escuros
Chaves, pads aleatórios e outros são roxos
Claro, este é apenas um exemplo.

Exemplo de faixas codificadas por cores que são fáceis de encontrar. (captura
de tela do vídeo curso Mixing With 5 Plug-ins que você
pode encontrar em www.stepbystepmixing.com/resources)
Você pode usar suas próprias preferências de cores, é claro! Você pode ir ainda mais
longe com esse esquema e ficar mais elaborado. Na verdade, a razão pela qual minhas
guitarras elétricas são verdes é porque Andrew Scheps (engenheiro de mixagem
de RHCP, Beyoncé, Adele e U2, para citar alguns) falou sobre isso em uma conferência
da AES há alguns anos atrás. Ele mencionou que chega a relacionar o gradiente do verde
com a limpeza das partes do violão. Portanto, quanto mais limpo for o tom da guitarra,
mais claro será o verde.
Portanto, divirta-se com o código de cores, mas não fique tão envolvido nisso a ponto
de não continuar misturando!
Agora que codificamos por cores, podemos começar a equilibrar as faixas.

Escuta crítica e visualização de sua mixagem
Existem várias maneiras de começar a mixar e equilibrar as faixas. Uma ótima maneira de
começar é simplesmente ouvir a música e ouvir o que você ouve com todos os faders ativados.
Dessa forma, você percebe imediatamente se algo está muito alto ou muito baixo.
Observe todas as faixas com as quais você está trabalhando e pense sobre qual deveria ser
seu objetivo final. É uma grande faixa de EDM onde você tem que vasculhar inúmeras faixas
de samples e ritmo antes de poder começar sua mixagem? Ou é uma faixa esparsa com
guitarra, voz e percussão que precisam ser grandes na mixagem.
O tipo de produção em que você está trabalhando influenciará suas decisões de mixagem.
A grande música EDM de 100 faixas exigirá muito mais escultura com EQ do que a esparsa
música acústica de 4 faixas que pode preencher a mixagem facilmente, sem nenhum dos
instrumentos sobrecarregando a mixagem.
A mesma coisa se aplica ao uso de compactação e efeitos. Grandes efeitos de compressão

podem ser exatamente o que você gostaria de ouvir em uma mixagem EDM... mas o violão não
soará tão bem quando estiver muito forte. Só vai soar fora do lugar.
Enquanto você ouve, você também pode observar as formas de onda na janela de
arranjo para ver o volume geral das faixas. Isso ajuda você a perceber faixas que podem ser
muito importantes, mas têm nível muito baixo em comparação com outras faixas. Você não
quer que eles escapem pelas rachaduras porque eles
podem ser partes muito legais da música! Por exemplo, uma faixa de guitarra solo pode
ser uma parte muito importante da música, mas se for gravada muito silenciosa em
comparação com todo o resto, ela ficará enterrada nas outras faixas.
Você não pode esperar que todas as faixas se equilibrem magicamente, então certifique-se
de anotar todas as coisas que se destacam durante a audição inicial de seu mix. Talvez a
bateria seja bem equilibrada por si só, mas o pandeiro esteja um pouco alto, ou o baixo
esteja bem baixo na mixagem e todas as guitarras sejam uma grande bagunça. Além disso,
os vocais podem precisar de algum foco no vocalista principal e não tanto no vocalista de
apoio.
Fique atento a tudo o que está acontecendo nas faixas e preste atenção em como cada faixa
se relaciona com a mixagem geral. No entanto, e é por isso que é tão importante ouvir
com um ouvido crítico quando você aborda uma música que está prestes a mixar, você
precisa ter certeza de que as melhores partes de cada instrumento estão
destacadas.
É perfeitamente possível fazer uma mixagem plana com ótimo som, onde tudo é audível, mas
nada se destaca. Isso resulta em uma ótima mixagem, mas pode parecer chato e
bidimensional porque não há nada que realmente impulsione a música e a torne emocionante.
É aqui que entra a automação e o puxar as coisas para cima e para baixo na mixagem. Não
se trata apenas das partes em que a guitarra e o teclado realmente se juntam e são o
foco principal (o que é importante destacar), mas também se trata de ouvir cada faixa e
identificar frases interessantes na performance que você pode levantar e desenhar. atenção
a.
Você pode optar por deixar algumas das nuances da automação até a fase final de
mixagem, mas é bom fazer anotações sobre isso durante a mixagem inicial.
Enquanto você ouve a música, faça este exercício que gosto de chamar: Pense alto, largo,
e profundo.
Alto – Frequências
Com os olhos fechados, o que precisa ser alto? Quais elementos precisam de altas
frequências e quais precisam de baixas frequências?
Quais instrumentos você pode cortar a parte superior e colocar na extremidade inferior? De
quais instrumentos você pode filtrar a gordura e fazer brilhar os mais sofisticados? O que
precisa ser abrangente no meio?
Amplo – panorâmica
Pense em onde cada instrumento deve ficar, da esquerda para a direita. Você precisa preencher
o espectro estéreo, então mova seus instrumentos pela tela. Os artistas devem preencher suas
telas e não apenas pintar no meio.
O mesmo vale para você. Não coloque tudo no meio do espectro estéreo; em vez disso, espalhe-
o e encontre um bom local para cada instrumento individual.
Deep – Reverb, Delay e Efeitos
Pense em quais instrumentos precisam voltar e quais você deve avançar. Visualize
mentalmente aproximando-os ou afastando-os.
Pense na mixagem como uma imagem 3D.
Com volume, reverberação e efeitos, você pode colocar qualquer coisa em qualquer lugar da sala.
Por exemplo, se quiser a bateria na parede traseira, você sabe que precisará adicionar um pouco de
reverberação e diminuir o volume da bateria seca. Você recua com reverberação e efeitos; avançar
com mais volume e atrasos curtos.
Depois de visualizar todos os elementos em termos de altos e baixos, esquerda e direita, frente
e verso, você terá uma ideia melhor de para onde está indo e o que precisa fazer.
Este exercício de escuta crítica é algo que você pode fazer sem usar nenhum plug-in. Portanto,
crie um hábito para todas as suas futuras sessões de mixagem: basta ouvir a música até o fim e
fazer anotações sobre onde você deseja que tudo vá no espectro de frequência, na imagem estéreo
e na profundidade de campo.
Balanceamento inicial e headroom
Quando se trata de balanceamento, gosto de começar com meus níveis bem baixos porque sei que
eles ficarão mais altos à medida que passo pelo processo de mixagem. Isso faz com que você
realmente se concentre em ouvir o que está acontecendo na mixagem e que efeito (se houver) alguns
de seus movimentos de mixagem estão tendo.
Por exemplo, é especialmente ótimo quando você está mixando o bus de bateria. Isso força você a
realmente ouvir quanta diferença apenas algumas alterações de dB aqui e ali com um equalizador
podem fazer. Se você se esforçar para ouvir as mudanças feitas em níveis baixos, será mais fácil mixar
porque você estará treinando seus ouvidos para serem mais sensíveis.
É um ótimo exercício de foco e atenção aos detalhes.
Quando faço um balanceamento inicial, gosto de mover todos os faders alguns dB abaixo do ganho
unitário para que haja mais espaço para trabalhar. Descobri que mover as faixas para baixo para que
todas atinjam o pico em cerca de -11 dB é um bom ponto de partida. Se certas faixas estiverem
muito baixas ou altas, posso ajustar o volume de cada faixa sem sobrecarregar os canais e cortar os
faders. Você não quer empurrar o fader de uma faixa totalmente para cima quando pode apenas
diminuir os canais mais altos em comparação.
A partir daí você simplesmente massageia os faders no lugar. Não se preocupe com o equilíbrio
ser absolutamente perfeito imediatamente. Você pode descobrir que certos instrumentos
estão muito altos no refrão em comparação com os versos, ou vice-versa. Ou talvez o vocal seja muito
dinâmico e você simplesmente não consiga encontrar o lugar certo para ele. Não se preocupe muito
com isso durante o saldo inicial.
O equilíbrio é apenas o primeiro passo. Em breve adicionaremos EQ para criar

espaços no espectro de frequência e compressão para cuidar da dinâmica. No entanto,
gastar um pouco mais de tempo para encontrar o melhor equilíbrio para começar economizará
algum tempo no longo prazo.
Além disso, tente não isolar faixas e fazer solo demais na fase inicial de mixagem. Em vez
disso, empurre o fader para cima para ouvir o que ele está contribuindo para a mixagem.
Em seguida, mova-o de volta para baixo e misture-o ao contexto da faixa. Isto é muito
importante e pode ser uma maneira melhor de ouvir as coisas relacionadas ao resto da
faixa. Por exemplo, se eu tiver várias faixas de bumbo, apenas ouço os bumbos no contexto
da mixagem, depois os empurro para baixo até que se encaixem na bateria e sigo em
frente. Às vezes, é mais uma questão de velocidade do que de precisão.
O mesmo acontece com overheads, múltiplas faixas rítmicas ou um grupo de backing

vocals. Basta empurrar o fader para cima, ouvir o que ele está fazendo e depois movê-lo para
baixo até sentir que o equilíbrio está correto.
Mixagem em mono
A mixagem em mono é uma parte importante do processo de mixagem. Pessoalmente, eu começo

minha mixagem e mixo quase inteiramente em mono em um Behringer Mixcube de um driver
durante as primeiras horas até ter uma mixagem aproximada. Se você conseguir fazer sua
mixagem soar bem em mono em um Mixcube, você ficará agradavelmente surpreso com o
quão bom ela soa quando você finalmente a transforma em estéreo e a passa pelos monitores de
estúdio com melhor som.
Resumindo, se você conseguir fazer sua mixagem soar incrível em mono em um Mixcube, ela
geralmente soará incrível em qualquer outro lugar.
Da próxima vez que você estiver mixando, tente mixar em níveis mais baixos do que o
normal, em mono, em um alto-falante realmente ruim. É como atletas que correm com pesos nos pés.
Eles tornam o treinamento deliberadamente difícil e, no início, enfrentam uma luta difícil para
que, quando os pesos forem retirados, tudo pareça mais fácil.
Panorâmica em Mono
Panorâmica é importante. Você não quer que todas as suas faixas lutem pelo centro.
Por exemplo, fazer pan na bateria é uma forma importante de expandir e estabelecer o
espectro estéreo.
Se você possui todos os tipos de elementos e instrumentos diferentes, precisa encontrar um

lugar para eles no espectro estéreo. Movimente tudo ao redor até encontrar um bom equilíbrio.
Se você é um panner hardcore esquerda-centro-direita ou gosta de espalhar as coisas em
incrementos ao redor do botão pan, não importa. Tenha em mente que você também não quer
inclinar muito a balança dos instrumentos para a direita ou para a esquerda. Em vez disso,
tente encontrar um bom equilíbrio e equilíbrio entre os alto-falantes esquerdo e direito.
Uma boa maneira de fazer isso é manter as coisas em mono e pan dessa maneira. Você
achará mais fácil criar separação em seus instrumentos se não precisar ouvir seus pans em
estéreo. Contra-intuitivo? Talvez. Mas funciona.
Panorâmica em mono oferece uma maneira diferente de posicionar os instrumentos em sua

mixagem. Você não está mais fazendo panorâmica no campo estéreo desde que mudou sua
mixagem para mono, mas ainda pode ouvir uma diferença na separação dos instrumentos
fazendo isso dessa maneira. Não tenho certeza das implicações técnicas disso, mas meu
palpite é que pode ter algo a ver com o nível relativo das faixas panorâmicas em comparação
com as faixas centralizadas. Essa é a explicação mais plausível que posso imaginar
sem conhecer a física exata por trás dela.
Então, depois de mudar sua mixagem para estéreo, você terá aquela sensação incrível de seu
misture completamente abrindo bem. Você pode não encontrar esse método mencionado
em nenhum outro lugar, mas achei muito útil ao abordar minhas mixagens. Não há
problema em experimentar, mesmo que você não saiba por que algo funciona!
Equilibrando a bateria
Vamos falar sobre equilibrar a bateria. Como a bateria é uma combinação de vários instrumentos
e microfones diferentes, ela pode oferecer diversas opções (ou dores de cabeça!) dependendo do
tipo de som que você procura. Se procuro um som de bateria mais natural, tendo a enfatizar os
overheads e manter os microfones da sala mais presentes do que as faixas de bateria individuais. Você
quase pode olhar para um microfone de sala apenas como um microfone de reverberação que torna
a bateria maior ou menor, dependendo do volume. Por outro lado, se você quiser uma mixagem do
tipo “chute e caixa firmes”, é uma questão de puxar os overheads para baixo e deixar que os
microfones próximos do bumbo e da caixa falem mais.
Você pode obter ainda mais detalhes se tiver várias faixas de cada bateria individual, como se
tivesse um microfone superior e inferior. Quer um som de caixa pesado nos chocalhos da caixa?
Depois é só deixar o microfone embaixo da caixa mais alto. Quer mais ataque? Acentue o
microfone superior.
Os overheads também afetam a largura da sua mixagem. Se você quiser uma mixagem ampla,
você deve movimentar seus overheads para a esquerda e para a direita. Se você quiser manter a
mixagem de bateria mais centralizada, um pan suspenso mais estreito irá ajudá-lo a fazer isso. Isso é
mais uma questão de gosto do que uma regra rígida, então sinta-se à vontade para experimentar como
quiser. Já ouvi todos os tipos de sons de bateria diferentes, desde abertos e amplos até completamente
panoramizados para a direita (olá, Beatles!).
Uma das coisas com as quais sempre luto é o nível dos tons. Você quer que eles realmente toquem
sempre que o baterista faz um preenchimento, mas não quer que eles soem separados do resto do
som da bateria. A combinação certa de som de overhead e equilíbrio de tom individual é importante
para conseguir isso, mas se você não estiver focando tanto nos overheads, pode ser necessário
adicionar
profundidade aos tons com reverberação, além de mantê-los consistentes na mixagem

de bateria com compressão.
Quando você tiver um bom equilíbrio de bateria no contexto do restante dos

instrumentos, poderá seguir em frente para ajustar o restante das faixas. O baixo pode ser
aumentado até onde fica audível na mixagem, sem adicionar muita confusão nos graves.
Não se preocupe se os graves soarem muito estrondosos ou turvos. Você usará o EQ para
domar os graves mais tarde - sempre há uma necessidade de reequilíbrio durante todo o
processo de mixagem.
Depois de passar para as guitarras, você precisa pensar sobre o papel que elas
desempenham na mixagem. É uma música predominantemente guiada pela guitarra ou
as guitarras são apenas para apoio? Isso influenciará sua decisão de nível. Existe
uma combinação de múltiplas partes de guitarra tocando coisas diferentes, ou uma
combinação de guitarras acústicas e elétricas? Isso não só influenciará o equilíbrio da
mixagem quando você decidir quais guitarras são mais importantes, mas também
influenciará suas decisões de pan, pois você não quer que elas entrem em conflito no espectro estéreo.
Além disso, as faixas de guitarra são duplicadas? Os duplos tocam o tempo todo ou
aparecem durante várias partes do arranjo, como o refrão, para elevar a música a outro
nível? Se for esse o caso, você precisa ter certeza de que não distorce
acidentalmente a mixagem para nenhum dos lados do espectro estéreo ou abafa as partes
normais da guitarra.
Em uma música predominantemente guiada pela guitarra, você também precisa pensar
nos níveis da guitarra em relação aos vocais. Você não quer abafar o vocal porque é a
parte mais importante da música, e também não quer que a guitarra atrapalhe os vocais no
centro da mixagem. Você pode obter uma mixagem desequilibrada se houver apenas uma
parte de guitarra e você tirar a guitarra do caminho. Se for esse o caso, você tem a opção
de dar espaço a ambos no centro com EQ e/ou reverb. Mas se você puder, deslocar as
guitarras para fora do centro é uma boa maneira de abrir espaço para o vocal.
Alternativamente, se você tiver apenas uma parte de guitarra, mas um vocal duplo,
deslocar cada faixa vocal -10 e +10 para os lados irá movê-las ligeiramente para fora do centro e
liberar espaço para a guitarra.
Mas chega de balanceamento de guitarra. Eu poderia continuar por horas aqui.

A regra de 1 dB
A regra de 1 dB é um truque que roubei do meu amigo Mike Senior, que escreveu sobre isso
em seu livro “Mixing Secrets for the Small Studio”. Veio de um dos engenheiros de
mixagem que ele entrevistou no livro, esqueci quem, mas é uma regra que eu realmente
sigo quando estou lutando para conseguir uma mixagem estática inicial.
Veja como funciona: mova cada trilha para cima ou para baixo 1 dB. Se a mixagem soar
melhor, tente outro dB até começar a soar pior. Quando você não consegue mover uma faixa
um dB para cima ou para baixo sem piorá-la, você está o mais próximo possível do ponto ideal
apenas com níveis. O mesmo acontece com a panorâmica. Apenas afastar certos
instrumentos uns dos outros no espectro estéreo limpa a mixagem.
Você realmente segue o mesmo padrão com outros instrumentos, sejam loops de bateria,
teclas, instrumentos acústicos extras, sintetizadores ou vocais. Massageá-los no lugar e
mover cada faixa para cima ou para baixo 1 dB de cada vez ajudará você a obter um bom
equilíbrio inicial.
Esta é uma técnica que demonstro no treinamento Quick Mixing, Mastering e Editing que
você pode obter nos recursos Step By Step Mixing:
www.StepByStepMixing.com/Resources.
Problemas dinâmicos devido ao arranjo
Agora, você pode estar pensando: “bem, é ótimo conseguir uma boa mixagem estática em
uma parte da música, mas os refrões são muito mais altos que os versos, então meu
equilíbrio fica fora de sintonia assim que o refrão chega!”
Este é um problema muito comum! Não iremos consertar isso totalmente no início porque a
melhor maneira de fazer isso é com automação e abordaremos isso mais tarde, mas aqui
está o que eu recomendo:
Crie um equilíbrio estático da sua mixagem na parte mais alta da música.
A parte mais alta da música geralmente é o último refrão, porque é onde todos os overdubs,
duplos e partes vocais extras são encontrados. É a parte mais difícil de equilibrar da música por
causa do número de faixas que você precisa equilibrar juntas.
Mas se você conseguir uma boa mixagem estática, o resto da música se encaixará mais
facilmente.
Pense rápido, não perfeito
Não existe uma maneira única de obter um bom equilíbrio inicial e certamente não existe
uma regra sobre onde você deve movimentar os instrumentos. Ninguém perdeu um trabalho de
mixagem porque girou demais o shaker para a esquerda.
O objetivo da mixagem bruta é criar o máximo de separação entre os instrumentos

no campo estéreo (mesmo se você estiver fazendo panorâmica em mono) e criar um
equilíbrio entre todos os diferentes instrumentos com volume.
O tipo de equilíbrio que você procura depende de você. Se você é um guitarrista, é provável
que queira suas guitarras bem altas. Se você é um vocalista autoconsciente como eu,
provavelmente deixará seus vocais mais baixos do que se entregasse a música a um mixer
diferente.
Não se preocupe muito em conseguir um equilíbrio perfeito para começar. Você quer se mover
rápido. Há uma razão pela qual chamamos isso de mistura bruta. É difícil porque você
não adicionou nenhum processamento para fazer esses instrumentos se destacarem. No
curso de vídeo Mixing With 5 Plug-ins, consigo fazer uma mixagem aproximada em cerca de
sete minutos, mas isso pode ser um pouco rápido demais para você. Eu recomendaria tentar
cerca de 20 minutos no início para obter uma mixagem aproximada. Mais do que isso e
você estará fazendo micro ajustes que não são necessários nesta fase do processo de
mixagem.
Grupos
Se você conseguir uma boa mixagem estática com todas as faixas individuais e estiver
satisfeito com o equilíbrio, poderá tornar o resto do processo de mixagem muito mais fácil
agrupando as faixas em subgrupos e barramentos. Isso ajuda você a restringir toda a
mixagem em apenas alguns elementos diferentes. Dessa forma você pode usar plug-ins em
todos esses barramentos em vez de em cada pista individual. Ele economiza poder de
processamento e ajuda você a mixar mais rápido.
Aqui está um agrupamento comum que você pode usar para qualquer sessão de mixagem:
Bateria e Loops de Bateria – A bateria entra em um subgrupo juntos. Você também pode
tornar isso mais complicado roteando todos os microfones de bumbo em um grupo
de bumbo que é então roteado para o grupo de bateria. Você pode fazer o mesmo se tiver
várias faixas de caixa e também para os tons. Se você estiver trabalhando com bateria
virtual, o processo é o mesmo. Se você estiver trabalhando em um gênero em que
usa loops de bateria estéreo simples, você já tem a bateria agrupada. No entanto, você
pode querer agrupá-los com quaisquer outros instrumentos de percussão se fizer
sentido simplificar dessa forma.
Percussão – Se você tiver vários tipos de percussão, ela pode estar no mesmo grupo da
bateria ou em um grupo separado.
Faixas de baixo – O baixo deve ser um grupo separado, seja um baixo ou um instrumento
de baixo sintetizado. Talvez você nem precise encaminhá-lo para um grupo, mas
para meu fluxo de trabalho isso me mantém organizado apenas por causa da forma
como o Logic Pro X funciona com grupos.
Guitarras – Dependendo dos tipos de faixas de guitarra que você possui,

existem várias opções de grupos. Se você tiver apenas um monte de faixas rítmicas
distorcidas, todas elas poderão ser roteadas para um grupo. Mas se você tiver
várias faixas de guitarra rítmica, faixas de violão e solos com vários microfones,
convém mantê-los bem separados. Na verdade, depende apenas do arranjo o
quanto você pode simplificar sua mixagem por meio de grupos.
Vocais – Com os vocais eu costumo ter os vocais principais como um grupo, e

depois um grupo de vocais de apoio se houver muitas harmonias.
Você pode estar trabalhando com instrumentos completamente diferentes, mas o objetivo
principal aqui é reconhecer quais faixas combinam naturalmente para que você possa
simplificar sua mixagem e facilitar o resto do processo de mixagem.
Exemplo de grupos de acesso do meu modelo de mix
Esse é um ponto de partida simples, e você pode ir ainda mais longe e encaminhar todos
os instrumentos para um grupo Todos os Instrumentos para processamento posterior. No
entanto, se o objetivo é simplificar, você não vai querer acabar com mais faixas de grupo
do que o número de faixas na sessão para começar!
Outra razão para os grupos, além da simplificação, é que eles permitem reequilibrar e
ajustar facilmente cada componente generalizado do mix. Se você está satisfeito com o
equilíbrio da bateria, mas deseja apenas que a bateria fique um pouco mais alta no geral, é
mais fácil ativar um fader de grupo em vez de mover cada fader nas faixas
individuais. Os grupos podem até ajudá-lo a visualizar como diferentes elementos são
combinados, o que também será útil quando você começar a adicionar efeitos.
As 3 maneiras de abordar uma mixagem inicial
Se você fez o que falei até agora, sua sessão deverá parecer organizada e codificada por
cores, com cada “elemento” da mixagem direcionado para um barramento diferente.
A grande vantagem dos barramentos é que eles permitem conservar o poder de processamento
usando um único plug-in em várias trilhas. Ao fazer isso, você também terá que decidir
onde começar a usar plug-ins, o que me leva às três maneiras diferentes de abordar a
mixagem inicial.
Mixagem de faixa individual
Se você optar por não fazer nenhum agrupamento de canais e quiser mixar cada faixa
individual separadamente, é isso que você fará. Talvez a música não seja tão complicada e
adicionar barramentos não economize tempo ou poder de processamento. Se for esse o
caso, basta colocar um plug-in em cada faixa e mixá-las dessa maneira.
Mixagem de cima para baixo
A mixagem de cima para baixo é quando você começa a mixar sua música com plug-
ins no barramento master. Depois de obter uma boa mixagem estática, você começará
adicionando EQ, compressão e outros plug-ins que dão cor à sua mixagem (como
plug-ins de soma analógica ou saturação moderada de fita) ao barramento de mixagem.
Na verdade, é uma ótima maneira de iniciar sua mixagem, porque você obterá
imediatamente grandes ganhos ao apertar sua mixagem com compressão, ajustar a resposta
geral do equalizador e adicionar um pouco de molho secreto com saturação.
A partir daí você passa do topo (ônibus master) para os barramentos de grupo e, finalmente,
termina nas faixas individuais. Com este método você pode realmente descobrir que precisa
fazer muito pouco processamento no estágio da faixa individual porque você já fez grandes avanços
com sua mixagem aplicando processamento ao barramento master e aos subgrupos.
Mixagem intermediária
A mixagem intermediária é quando você começa a usar plug-ins nos subgrupos em vez das trilhas
individuais ou do barramento master. (Não sei se “middle-out” é um termo real ou não, mas é como
eu o chamo.) Costumo fazer uma combinação de middle-out e top-down quando mixo. Às vezes
eu simplesmente coloco um compressor no barramento master e começo a focar nos subgrupos.
Se os subgrupos soam bem, mas há um problema geral de frequência em toda a mixagem, gosto
de tentar consertar isso com um equalizador master em vez de aprofundar nas próprias faixas.
Depois de ajustar os subgrupos e o barramento master, passarei para as faixas individuais, se

necessário. Normalmente, as faixas individuais podem se beneficiar de pequenos ajustes de
equalização, especialmente se você estiver tentando separar coisas na mixagem, como
duas guitarras elétricas com som semelhante. Outras vezes, você precisa adicionar compressão
para puxar as coisas ou fazê-las bater com mais força. O chute e a caixa vêm à mente nesse cenário.
Recapitular
Tudo bem, vamos encerrar este capítulo com uma rápida recapitulação.
Se você tem acompanhado (seja na sua cabeça ou dentro do seu

DAW) aqui está o que você deve fazer antes de passar para o EQ:
Organize suas faixas para saber onde está tudo.
Mantenha a mesma programação de faixas em suas sessões para que seja mais fácil encontrar
tudo.
Codifique suas trilhas com cores para treinar seu cérebro para pular para os canais certos quando você
estiver trabalhando.
Passe algum tempo ouvindo as faixas e a música e anote o que chama a sua atenção e precisa de
atenção especial, como faixas vocais muito dinâmicas ou faixas de guitarra gravadas suavemente
que se afogam na mixagem. Use a escuta crítica e anote todas as coisas que parecem interessantes na
música.
Às vezes você tem faixas que precisarão de processamento diferente para cada parte da música. Por
exemplo, um vocal pode precisar de equalização e reverberação diferentes no refrão e no verso. Se for
esse o caso, veja se você consegue “mult” (dividir a trilha de áudio em duas trilhas diferentes), uma para
“Verse Vocal” e outra para “Chorus Vocal”.
Gaste tempo definindo níveis. Aumente um pouco cada faixa aqui e ali e observe
as diferenças sutis que ela faz. Se os níveis estiverem espalhados dentro de cada
pista, pode ser difícil encontrar um nível que seja consistente. Talvez seja necessário
corrigir isso com compactação ou usando automação imediatamente.
Por fim, simplifique sua mixagem criando subgrupos e usando busses para facilitar a
visualização de cada elemento da mixagem.
Capítulo 3 -
Usando EQ
Agora é hora de começar a usar o EQ. Na mixagem, o EQ é basicamente usado de duas maneiras
diferentes - para limpar algumas de nossas trilhas e separá-las umas das outras para que cada
instrumento tenha seu próprio espaço de frequência na mixagem.
Você deve estar preparado para usar EQ em todas as faixas, começando pelos barramentos e
depois passando para as faixas individuais.
Nota: Neste capítulo darei a você todo o conhecimento necessário para começar a usar EQ em
suas mixagens, seja qual for o gênero em que você esteja trabalhando. No entanto, EQ é um dos
meus assuntos favoritos, então tenho ainda mais informações em Estratégias de EQ - Seu
guia definitivo para EQ. Você pode encontrar mais informações sobre isso nos recursos de
mixagem passo a passo: www.StepByStepMixing.com/
Resources.
Qual equalizador você deve usar?
Podemos debater qual EQ é o melhor o dia todo e ambos estaríamos errados. O mesmo acontece
com a maioria dos plug-ins e processadores padrão. A maioria dos equalizadores de software são
muito comparáveis. Geralmente todos eles fazem o truque. Alguns plug-ins podem ter modelagem
ligeiramente diferente, mas para nossos propósitos um equalizador visual simples funcionará perfeitamente.
Normalmente, o EQ padrão é a única coisa que você precisa. Se você tiver algum tipo de plug-
in de equalização “vintage” que soe um pouco diferente, você pode alternar entre eles dependendo
do que estiver trabalhando.
Por exemplo, adoro o plug-in Fabfilter Pro-Q 2 EQ. É extremamente versátil e oferece várias opções
interessantes para encontrar as frequências certas que você procura. O equalizador em si é
provavelmente igual ao equalizador padrão do Logic, mas a interface é mais intuitiva e fácil de usar.
Também gosto de usá-lo para fins de tutorial porque é muito fácil para os alunos acompanharem na tela.
Além do meu Pro-Q 2, costumo usar equalizadores específicos que emulam algum tipo de hardware,
como o Waves V-EQ. Embora tenha um pouco menos de flexibilidade, costumo usar esses
equalizadores para cores posteriormente na mixagem ou para adicionar algo que possa ter sido
perdido devido à compactação.
As 3 funções primárias do EQ
Existem dois tipos de EQ: Gráfico e Paramétrico. A maior parte do processamento de

equalização do seu canal se beneficiará do equalizador paramétrico devido à sua precisão.
Qualquer EQ paramétrico possui três parâmetros:
Frequência – Onde você seleciona qual frequência deseja manipular.
Gain – Onde você decide se deseja aumentar (aumentar) ou atenuar (cortar) a frequência
selecionada.
Q – Onde você decide o quanto deseja afetar as frequências em torno daquela que você
escolheu. Isso define tecnicamente quão larga ou estreita será a largura de banda de
frequência selecionada.
Você encontrará essas três coisas em cada equalizador de software de alguma forma. Plug-
ins que emulam hardware podem ter frequências e Qs fixos, mas a função geral é sempre a
mesma.
Os 3 métodos básicos de equalização
Embora um equalizador possa parecer bastante intimidante, na verdade é bastante simples de usar.
Na verdade, existem apenas três coisas que você pode fazer:
Filtro – Ao filtrar frequências você as elimina completamente. Filtros passa-alta são freqüentemente
usados para eliminar frequências graves desnecessárias de uma mixagem e filtros
passa-baixa são comuns para domar o chiado agudo.
Cut – Comumente referido como EQ subtrativo. Quando você corta uma frequência, você reduz sua
potência no espectro de frequências. Às vezes você precisa cortar sons de toque e ressonâncias
irritantes em uma faixa específica. Às vezes você precisa cortar certas frequências para abrir espaço
para outros instrumentos em uma mixagem.
Boost – Quando você aumenta as frequências, você adiciona mais frequências à mixagem.
Você aumenta para adicionar algo que está faltando, como presença em uma faixa vocal, ataque
a uma guitarra ou corpo ao seu baixo.
Este EQ possui um filtro passa-alto, um corte médio-grave e um reforço médio-alto.
Agora que você conhece um plug-in de equalização, deixe-me dar algumas ótimas diretrizes
que funcionam em quase todas as mixagens.
Filtragem usando filtros passa-alto e passa-baixo
A filtragem é a parte mais básica e, até certo ponto, a mais destrutiva da equalização. A filtragem
ocorre basicamente quando você elimina todas as frequências acima ou abaixo de uma determinada
frequência de corte. É como limpar a bagunça antes de deixar seu quarto bonito. Todos os
instrumentos possuem faixas de frequência que atrapalham outros instrumentos em uma mixagem.
No entanto, não tema o filtro. É a melhor maneira de eliminar o acúmulo e a desordem de
instrumentos que não precisam disso.
Por exemplo, quando você aplica um filtro passa-alto a um vocal de até 100 Hz, você deixa os
“agudos passarem” inalterados acima de 100 Hz. Por outro lado, se você usar um filtro passa-baixo
em um bumbo até 10 kHz, você estará deixando todas as frequências inferiores a 10 kHz
“passarem” sem serem afetadas. É um pouco ao contrário, mas lembre-se de qual faixa de
frequência você está deixando “passar” e você deve pegar o jeito.
Você notará que pode selecionar diferentes inclinações em determinados filtros de EQ.
Às vezes eu uso inclinações diferentes e isso ocorre em parte porque as inclinações mais
suaves (mais graduais) devem ser mais musicais e soarem mais naturais, então eu as uso em
instrumentos com os quais sou um pouco mais pesado (ou filtro mais, isto é) .
Quero que você tenha uma folha de dicas de referência fácil (como aquela nos recursos de
mixagem passo a passo em www.StepByStepMixing.com/Resources) sempre que precisar de
algumas dicas úteis sobre equalização, então dividirei a seção de equalização em dicas de
filtragem, reforço e corte para que você possa encontrar facilmente as dicas que procura a cada
vez.
As dicas a seguir são bons pontos de partida e recomendações que usei

para construir minhas mixagens. Como sempre, experimente o que soa melhor para suas faixas.
E lembre-se: conseguir uma boa gravação no início com seus microfones e pré-amplificadores
ajudará muito a obter uma ótima mixagem sonora quando você começar a usar essas
técnicas.
Bateria
Os bumbos são instrumentos graves, portanto raramente são filtrados acima de 32 Hz.
Você pode reduzir o sangramento do resto da bateria filtrando a passagem baixa do bumbo
até os médios agudos, cerca de 5 a 10 kHz, dependendo do que soa bem.
Você pode tirar um pouco da força da caixa (especialmente se o bumbo estiver sangrando no
microfone da caixa) filtrando tudo abaixo de 100 Hz.
Dependendo do tipo de estilo que você deseja, você pode filtrar um pouco dos graves dos
microfones suspensos. Se você deseja um som de overhead natural, ou se os overheads
constituem a maior parte do som da bateria, então filtre o mínimo que puder. Se suas faixas de
bumbo e caixa estão fornecendo a maior parte do som e você está apenas procurando
acentuar os pratos e adicionar um pouco de ambiente ao bumbo e caixa com microfone
próximo, então você pode filtrar até 500 Hz.
Se você estiver trabalhando com bateria virtual, as mesmas regras se aplicam. No entanto, se
você estiver usando loops de bateria que incluem um bumbo amostrado, você pode querer ir
com calma na filtragem para não perder o “peso” dos graves.
Baixo
Raramente filtro passa-alta os graves acima de 40 Hz. Geralmente é apenas para se livrar
de qualquer ruído grave que possa ter.
Se você está procurando um baixo mais redondo que funcione mais como um pad do
que como um instrumento de cordas, você pode filtrar todos os agudos para acentuar
apenas os graves e médios. Basta mover o filtro para baixo até que soe bem.
Às vezes não há realmente nada acontecendo acima de uma certa frequência. Você
poderá ver a representação da frequência se o seu EQ tiver um analisador de frequência,
portanto, muitas vezes você poderá avaliar o quanto pode filtrar olhando para o analisador.
É uma boa muleta, mas não confie nos olhos para misturar!
Guitarra
Um bom ponto de partida é filtrar suas guitarras com filtro passa-alta de até 100 Hz.
Você pode aumentar ainda mais o high-pass de suas guitarras, dependendo do arranjo e do
nível de ocupação da mixagem. Se suas guitarras estão colidindo com outros instrumentos
nos médios-graves, é provável que você possa encaixá-las com a frequência de filtro correta
(ou um reforço paramétrico).
Se você estiver preocupado em filtrar demais, apenas sole suas guitarras e varra o filtro no
espectro de frequência até que a guitarra (ou qualquer outro instrumento) comece a soar muito
fraco e, em seguida, volte um pouco antes disso.
Pode soar bem em solo, mas você pode querer que a guitarra soe um pouco mais fina para caber
na mixagem, então certifique-se de usar A/B da guitarra filtrada no contexto com o resto da
mixagem.
Uma das minhas dicas de filtro favoritas para guitarras elétricas distorcidas é usar um filtro
passa-baixa que combina um reforço na frequência de corte. A maioria dos filtros permitirá
adicionar um reforço ressonante na frequência de corte se você aumentar o Q.
Teclas e Pianos
Dependendo do desempenho e do registro que as teclas estão tocando, desaconselho

filtrar demais.
Uma boa aposta para a maioria dos instrumentos que não são instrumentos “baixos” é filtrar
até 100 Hz, mas se você sentir que falta algo no instrumento nesse ponto, você pode
mover sua frequência de corte para baixo.
Experimente minha dica de “filtro ressonante + reforço” da seção de guitarra em órgãos

de rock ou teclados contundentes que não precisam (ou têm) muita energia de alta frequência.
Vocais
Dependendo do gênero do cantor, muitas vezes você consegue filtrar um pouco da energia
inferior. Comece em 100 Hz e vá aumentando até sentir a voz ficando mais fina.
Se você quiser misturar os backing vocals e mantê-los bastante escuros na mixagem, um

filtro passa-baixo pode ajudar com isso.
Alternativamente, se você filtrar os vocais com passa-alta bastante e aumentar o volume,

você fará com que eles se destaquem um pouco mais, dando-lhes uma qualidade mais
“arejada” que atravessa a mixagem.
Outros instrumentos
Independentemente do gênero em que você está trabalhando, é provável que suas faixas
possam se beneficiar com a filtragem dos agudos ou dos graves.
Se o seu instrumento estiver soando muito denso nos graves, adicione um filtro para limpar
os graves.
Se o seu instrumento tiver muita energia de ponta que soa estridente, sibilante ou
cansativo, adicionar um filtro passa-baixa limpará o ar desnecessário.
Os filtros são bastante simples, mas você ficaria surpreso com o quanto suas mixagens soam
mais limpas depois de adicionar alguns filtros passa-alto estratégicos para se livrar do ruído
baixo e da lama médio-grave. Adicionar alguns filtros passa-baixo também limpará qualquer
chiado de guitarras de hard rock, eliminará sangramento desnecessário da bateria e mesclará
backing vocals. Eles devem ser sua primeira ferramenta para que seus instrumentos se
encaixem melhor.
No entanto, não pense nos filtros como algo separado. Eles geralmente andam de mãos dadas
com qualquer outra equalização que você esteja fazendo, então vamos falar sobre como
você pode atacar frequências problemáticas e acentuar as frequências que fazem seus
instrumentos cortarem a mixagem.
EQ subtrativo
Quando você está lidando com gravações caseiras, é provável que você tenha
ressonâncias estranhas do seu ambiente em suas faixas. Será uma frequência ou duas
que de alguma forma será ampliada demais e fará com que suas faixas soem de maneiras
estranhas. Isso pode soar como um baixo estrondoso, guitarras ásperas ou um toque irritante
no som da caixa. É aí que entra o EQ subtrativo.
Quando você corta em vez de aumentar, você está retirando frequências de suas faixas.
Ajuda a reparar gravações abaixo do ideal. Ele permite que você remova cirurgicamente
frequências problemáticas para que as faixas se encaixem melhor na mixagem.
Meu método rápido e sujo para equalização subtrativa é muito simples. Eu varro o
espectro com grandes aumentos até que algo feio apareça, então corto até que soe mais suave.
EQ aditivo
Os aumentos de equalização são muito mais divertidos de fazer. O equalizador subtrativo é extremamente
importante, mas nem sempre é tão divertido porque você não aproveita tanto o corte de frequências
quanto o reforço. Talvez seja apenas a maneira como nossos ouvidos funcionam, mas é simplesmente
mais gratificante adicionar mais frequências (como médios-agudos) para fazer com que os
instrumentos cortem a mixagem.
Infelizmente, é aí também que reside o perigo. Adicionar muitos reforços pode causar problemas de
fase, embora isso não deva desencorajá-lo quando for absolutamente necessário usar reforços de EQ. O
principal perigo é que, uma vez que você comece a adicionar médios agudos a uma faixa, por exemplo,
você será recompensado com o quanto essa faixa soa melhor na mixagem. Isso pode levar a uma
ladeira escorregadia de adicionar médios agudos a tudo, até que você termine com uma mixagem
realmente áspera e penetrante, em vez de uma que seja equilibrada no espectro de frequência.
Apenas certifique-se de buscar equilíbrio em sua mixagem, onde todos os seus instrumentos
possam ser bem ouvidos nas faixas de frequência onde soam melhor.
Para ajudá-lo com isso, aqui estão algumas dicas que você deve ter em mente ao equalizar suas mixagens.
Observação: cada instrumento e faixa são diferentes. Como tal, a frequência exata em que
você cortará ou aumentará pode variar. Os gráficos de frequência podem ser úteis, mas confiar nos
números sem ouvir a música não resultará em mixagens melhores.
As dicas a seguir são orientações para começar, mas certifique-se de dedicar algum
tempo para encontrar as frequências exatas que fazem suas mixagens soarem melhor. Estou
focando nas “grandes vitórias” que irão ajudá-lo a melhorar sua mixagem mais
rapidamente, dando-lhe soluções para os problemas mais comuns que encontrei ao longo
dos meus anos de mixagem.
Bateria
Corte o bumbo na região de 300 a 600 Hz para se livrar da caixa. Varra com um Q estreito
e um grande impulso para encontrar a frequência mais quadrada e depois livre-se dela.
O mesmo funciona bem em um barramento de grupo de bateria, tons ou qualquer outra bateria
que precise ser suavizada. Comece com um corte em torno de 400 Hz e veja se a bateria
aperta um pouco.
Se você tiver vários microfones na bateria, como um microfone de caixa superior e inferior,
certifique-se de verificar a relação de fase e polaridade entre todos os tambores. Você ficaria
surpreso com a quantidade de força que pode adicionar de volta a um som de bateria se
apenas garantir que tudo tenha a mesma polaridade. Essa dica também se aplica a qualquer
instrumento com microfone múltiplo. Inverta a polaridade de uma das faixas e veja se isso
não adiciona peso e potência extras ao som geral do instrumento.
A filosofia típica para bumbo é cortar os médios e aumentar os graves para os graves e os
médios altos para o batedor. Embora eu tenha descoberto que isso é verdade na maioria das
vezes, alguns gêneros precisam de uma mão mais pesada para domar os graves. Bumbos de
metal podem ficar turvos muito rápido se houver muitos graves. Você pode querer adicionar um
filtro de corte shelving para domar os graves enquanto adiciona um grande impulso à área do
batedor em torno de 4 kHz. Deixe o baixo lidar com a presença dos graves e, em vez disso,
faça o bumbo cortar nos médios.
Uma regra geral que sigo é: quanto mais difícil o gênero, mais agudos são os médios.
impulso que eu uso. Os bumbos de metal ganham vida com um grande impulso na área de 4
kHz, mas para gêneros mais suaves como pop, folk e rock, você pode obter os resultados
desejados concentrando-se mais na área de 1,2 kHz a 3 kHz como diretriz.
Ruídos ásperos de pratos podem ser controlados com um corte na área de 2,5 kHz. Quando
você ouvir os pratos perfurando a mixagem, não presuma que precisa cortar os agudos,
porque essa não é a parte dos pratos que está incomodando. Normalmente, os médios
agudos causam mais problemas, então você ainda pode obter um som de prato limpo e
arejado, sem a aspereza irritante.
Baterias gravadas em casa costumam ter um acúmulo irritante de graves e médios, fazendo
com que o bumbo tenha muita energia na área de 100 a 250 Hz. Não tenha medo de cortar
graves e médios para limpar o som da bateria. Nem sempre é necessário um aumento de
baixa frequência para criar graves potentes. Às vezes trata-se de limpar a área para ouvir o
baixo que já está lá.
No entanto, se você precisar de mais potência nos graves em seu bumbo, encontre a
frequência que soa bem para você, aumentando em torno de 60 a 100 Hz.
Se você quiser adicionar corpo ao som da bateria, tente procurá-lo entre 150 e 250 Hz. Se
você gosta de um som de caixa carnudo, aumente os médios-graves para realçar a
espessura do corpo.
Alternativamente, se você estiver procurando por mais chiado ou ataque, realçar a área de
2,5 - 3 kHz pode ajudar a destacá-la na mixagem.
Se isso realçar muito o barulho da caixa, um aumento de alto nível em torno de 10 kHz
aumentará o brilho da caixa sem adicionar aspereza
das próprias armadilhas.
A área em torno de 2,5 kHz é um bom ponto de partida para realçar o ataque de qualquer
bateria, seja a caixa, os tons ou o batedor do bumbo. Mas, como eu disse antes, também
causa aspereza se for muito aumentado.
Equalizando samples e loops de bateria
Como os loops e samples de bateria são apenas baterias pré-gravadas, você pode usar as mesmas
diretrizes de equalização para esculpir os loops da maneira que desejar. Os mesmos princípios se
aplicam quer você esteja trabalhando com um kit de rock ou com um loop eletrônico.
A única coisa diferente é como você deseja que os loops soem no gênero que você está produzindo.
Os graves ainda são os graves, a caixa ainda está presente no mesmo lugar e os médios-agudos
ainda manterão todo o ataque, tom e aspereza de antes.
Eu sugeriria que é mais fácil equalizar loops e samples porque eles já foram pré-produzidos e mixados,
então tudo que você precisa fazer é equalizá-los para se adequarem ao resto do arranjo, em vez de
tentar resolver quaisquer problemas de frequência específicos. , ressonâncias gravadas em casa ou
frequências problemáticas e incômodas.
Baixo
Muitas das mesmas regras se aplicam aos graves do baixo e do bumbo.

Eles gostam de colidir e lutar na faixa baixa, então certifique-se de dar espaço ao bumbo
em uma frequência específica enquanto dá ao baixo espaço para respirar em outra.
Solar o bumbo e o baixo enquanto aloca as frequências certas para cada um deles pode
ser útil. Às vezes, o bumbo pode soar um pouco fraco, mas uma vez que o baixo é
adicionado à mixagem, ele ajuda a preencher as lacunas no som do bumbo.
Se o seu baixo soar muito fraco, adicionar cerca de 200-250 Hz pode melhorá-lo.
Outra boa maneira de realçar os graves é adicionar aumentos de frequência menores em

múltiplas áreas de frequência, em vez de um grande aumento nos graves. Se
a frequência fundamental do baixo (ou o tom da música) for 100 Hz, então adicionar um
reforço em 200 Hz, 400 Hz e 600 Hz (vários múltiplos da frequência original) dará
corpo ao som do baixo mais do que apenas um grande aumento em 100 Hz. Os harmônicos
podem ser seus amigos e adicionar profundidade extra à sua equalização.
Na mesma linha, fazer com que os graves sejam cortados não é conseguido apenas
aumentando a espessura nos médios-graves. Adicionar um reforço de 600 a 800 Hz pode
realçar a faixa superior dos graves, dando-lhes mais presença na mixagem.
O baixo também pode atrapalhar quando você menos espera. Às vezes um lamacento
vocal é apenas o baixo mascarando a trilha vocal, então certifique-se de que seu baixo
não esteja atrapalhando alguma parte da mixagem que você não está pensando. Uma
boa maneira de verificar isso é aumentar os graves nos médios e médios superiores
e ouvir as “outras” faixas, o vocal por exemplo, para ver onde o baixo começa a mascarar
esses instrumentos.
Guitarra
Não presuma que o tom de guitarra matador que você obteve durante a gravação se encaixará no resto do
arranjo. Às vezes você precisará esculpir e cortar frequências que você não esperaria para fazer com
que as guitarras se encaixem tanto com os outros instrumentos quanto com o gênero (mais sobre isso
mais tarde).
Certifique-se de que sua guitarra não esteja colidindo com o baixo nos médios-graves. Corte um
pouco na região de 150 a 250 Hz se algum dos instrumentos não tiver definição lá embaixo.
Se a sua guitarra está soando fraca e não atrapalha o baixo, um aumento nos médios-graves em torno de
200 - 250 Hz pode ajudar a dar-lhe alguma espessura.
Se faltar corpo e potência às guitarras, aumentar a área em torno de 500 Hz pode torná-las maiores sem
fazê-las parecer turvas ou sibilantes.
Se suas guitarras estiverem excessivamente distorcidas e sibilantes, reduzir os médios-agudos em

torno de 4 kHz pode resolver isso.
Os médios agudos de 1 a 4 kHz são uma área muito interessante para experimentar, especialmente
quando se trata de guitarras de rock. Você pode realmente moldar o tom da guitarra para se adequar
ao estilo de tocar e ao gênero da música apenas escolhendo os médios certos para aumentar e
cortar. Passe algum tempo se familiarizando com esta área e você se tornará um virtuoso em equalização
de guitarra em pouco tempo.
Se você quiser separar duas guitarras rítmicas que estão fazendo o mesmo riff, tente aumentar uma
frequência média-alta lisonjeira em uma faixa de guitarra e cortá-la na outra. Em seguida, encontre uma
frequência média-alta lisonjeira separada na faixa que você acabou de cortar e repita o processo.
Se você estiver equalizando um violão e ele estiver soando um pouco agudo e “barato”, procure
e corte na região de 800 Hz para dar ao seu violão um som mais suave.
Você pode realçar o brilho de um violão aumentando em torno de 8 kHz.
No entanto, se o seu violão é apenas uma pequena parte do arranjo e precisa apenas de alguma
“presença de toque” no fundo, adicionar um pouco de ar acima de 10 kHz com uma faixa filtrada
fortemente passa-alta pode ajudar a sensação acústica presente na mixagem sem desordenando o
resto do arranjo no espectro de frequência mais baixa.
Se suas guitarras soam como se estivessem mascarando os vocais, um corte amplo em torno de 1 a 5
kHz pode ajudar a ajustar a guitarra em torno do som vocal, permitindo que ambas as faixas se
encaixem na mixagem.
Mesmo se você tiver cortes largos, como na dica anterior, você pode querer acentuar uma frequência
específica dentro desse corte para destacar a guitarra (ou qualquer outro instrumento) na mixagem. Você
acabará com algo que parece um corte largo (um vale, se preferir), mas então você terá um impulso
dentro dele onde acentuará aquela frequência específica. Então sua curva de EQ parecerá um
amplo vale com uma pequena montanha dentro dele.
Teclas, pianos e sintetizadores
Muitas das dicas que falei acima podem ser usadas em teclas e pianos.
Plenitude em torno de 200 Hz, presença de 3 a 5 kHz e ar de 10 kHz e acima.
As teclas podem desorganizar rapidamente a mixagem, portanto, esteja atento às frequências médias-graves.
Adicione um corte de prateleira para domar os graves se eles atrapalharem o bumbo, o baixo ou as
guitarras.
A principal dica quando se trata de tonalidades é ouvir nas frequências que você não está
almejando com os outros instrumentos. Descobri que os médios de 600 Hz a 1 kHz são
frequentemente sub-representados no resto do arranjo, então tendo a me concentrar nessa área para
realçar as teclas e os pianos em minhas mixagens.
Outras faixas de frequência, como 300 Hz, muitas vezes podem ser úteis, mesmo que estejam
associadas principalmente à “quadrada”. Não fique muito preso ao som de cada faixa de
frequência, porque a única coisa que importa é se os ajustes de EQ estão fazendo com que seus
instrumentos se encaixem e cortem a mixagem.
Se o seu piano estiver atrapalhando o vocal, faça o mesmo truque de corte de equalização nos
médios agudos que faria com a guitarra.
Você vai querer que um piano soe exuberante e grande quando estiver tocando sozinho, mas certifique-
se de equalizá-lo no contexto da mixagem se houver um grande arranjo acontecendo. Pode não soar
bem sozinho, mas a única coisa que importa é como soa
a mistura geral.
Devido ao potencial sonoro quase ilimitado dos sintetizadores, é difícil fornecer diretrizes
concretas. Você encontrará turvação ou boom nos graves de 100 a 200 Hz, poderá adicionar
espessura nas frequências médias e baixas a médias de 300 a 600 Hz e poderá ajustar o
ataque e a presença em torno das áreas de 1,5 e 3 kHz, respectivamente.
Vocais
Se o vocal não tiver clareza e ainda tiver bastante energia de ponta, reduza a área de 200 Hz
para limpar as coisas.
Se o seu vocal soar muito nasal, observe a área de 900 Hz - 1 kHz para cortá-lo
fora.
A área acima de 1 kHz, em torno de 1,2 - 1,5 kHz, muitas vezes pode ajudar o vocal a cortar a
mixagem. Apenas certifique-se de não fazer acidentalmente o cantor soar nasalmente!
Muitas vezes descobri que quando tento reduzir a buzina na área de 1,2 kHz, às vezes falho
porque geralmente é melhor reduzir a área “quadrada” de 300 Hz. Isso pode consertar
todo o som vocal.
Realce a clareza e inteligibilidade do vocal na faixa de 3 kHz.
Um aumento de 5 kHz tende a adicionar uma presença agradável ao vocal, mas aumentar
muito qualquer frequência média-alta pode resultar rapidamente em aspereza geral.
A sibilância (os sons ásperos) é geralmente centrada em torno de 7 kHz. No entanto, certos
sons 's' podem ser sibilantes em frequências mais baixas e, se você tiver uma
sibilância particularmente problemática, talvez seja necessário procurar seus harmônicos
também, às vezes até 14 kHz.
EQ é uma grande parte da mixagem e um assunto quase grande demais para ser condensado
em um capítulo de um livro. A equalização está sujeita ao gosto, à experimentação e ao estilo
que muda a cada mixagem que você faz. Cada vez que abro um novo mix, penso
instintivamente nessas diretrizes quando estou ouvindo o que quero adicionar ou subtrair.
No entanto, isso não significa que eu siga cegamente essas sugestões se essas decisões não
forem uma boa combinação. Muitas vezes tive que ir contra a sabedoria comum apenas para
fazer as coisas se encaixarem e se encaixarem, e isso é sempre o mais importante
quando se trata de mixagem. Ninguém se importa que você possa identificar
frequências como um mago. As pessoas se preocupam se a mixagem soa bem, nada
mais.
Uma nota sobre reequilíbrio
À medida que você avança no processo de mixagem e continua adicionando processadores como
EQ e compressão, você inevitavelmente alterará o equilíbrio inicial feito apenas com volume e
pan. É por isso que é sempre uma boa ideia reequilibrar os faders conforme você avança na
mixagem. Mesmo se você mantiver a estrutura de ganho dos plug-ins relativamente perfeita (o
mesmo nível de entrada e saída do plug-in), você ainda precisará ajustar continuamente o volume.
A mixagem não é um processo passo a passo completo. É mais um conjunto de etapas e
diretrizes que você segue enquanto ajusta e reage constantemente às suas decisões de mixagem.
Antes de terminarmos o capítulo, quero recapitular o que aprendemos sobre EQ:
EQ é seu melhor amigo quando você tenta separar seus instrumentos no espectro de frequências.
No entanto, alguns problemas não podem ser resolvidos com o EQ devido à sua natureza dinâmica.
Uma faixa que muda constantemente de baixa para alta não pode ser domesticada com EQ.
É aí que entra a compressão.
Você nem sempre precisa usar EQ em todas as faixas. Algumas faixas podem soar ótimas como
estão e só precisam de alguma compactação e efeitos para se ajustarem ao resto da mixagem. Talvez
tudo o que eles precisem seja de um pouco de filtragem apenas para controle de baixo
custo. Portanto, lembre-se de que você pode ter faixas em suas mixagens que não sente necessidade
de equalizar. Isso está ok!
O processo de mixagem será muito mais rápido se você adotar o processamento de barramento
em grupos. Você pode não se sentir confortável com o método top-down ou middle-out
imediatamente, mas vale a pena se quiser economizar tempo e fazer mais mixagens.
Após os ajustes de EQ (e outras técnicas de mixagem), muitas vezes você precisará

reequilibrar os faders para que todos os instrumentos fiquem onde você deseja que o
equilíbrio esteja.
Espero que as dicas acima tenham lhe dado algumas boas ideias sobre o que tentar para criar
separação entre seus instrumentos e definição em suas mixagens.
Para ser justo, a arte da equalização é um tópico importante e algo com o qual você deve se
familiarizar intimamente. Um pequeno capítulo neste livro provavelmente não fará de você
um profissional de equalização. Na verdade, escrevi um guia completo com dicas e estratégias
detalhadas de equalização. Você pode encontrar links para mais recursos
de EQ na página www.StepByStepMixing.com/Resources ou acessar www.EQStrategies.net para
conferir EQ Strategies – Your Ultimate Guide to EQ.
Capítulo 4 -
Usando compactação
Tudo bem, agora vamos começar com a compactação.
A compressão é a segunda forma mais importante de processar áudio depois do EQ.
No entanto, a compressão é um pouco mais complicada que o EQ e também é mais

subjetiva para quem a utiliza.
Se a sua mixagem é turva, ela fica turva em geral para todo mundo na maior parte do tempo.
Existem algumas maneiras de consertar isso, mas gira em torno da limpeza da área média-
baixa. Esse é um trabalho muito simples para o seu EQ.
Mas a compressão é diferente.
A compactação é altamente subjetiva e você pode usá-la de muitas maneiras diferentes.

Você pode usar a compressão de cinco maneiras diferentes, todas com sons diferentes,
mas ainda assim BOAS. Depende apenas do estilo que você procura e do som que deseja da
sua mixagem.
O que um compressor faz?
Você provavelmente já ouviu falar que engenheiros de mixagem profissionais

usam compressão quando mixam. Entender o que um compressor faz e quando
você deve usá-lo pode lhe dar uma visão mais clara sobre por que você deve compactar
suas faixas e como fazê-lo.
Em termos mais simples, um compressor é um controlador de nível automático.

Ele torna automaticamente os sinais mais suaves mais altos e os sinais mais altos
mais suaves. Como tal, ele gerencia o nível do sinal para você, aumentando-o e
diminuindo-o dependendo do volume. Mas usar compactação e saber compactar são
duas coisas diferentes.
Por que comprimir?
Em vez de colocar um plug-in de compressor em cada faixa porque é assim que você
acha que é feito, pergunte-se qual será o objetivo final de usar o compressor.
Você precisa apertar os tambores?
Você precisa nivelar os vocais?
Você precisa domar o ataque dos transientes?
Todas essas perguntas têm respostas de compactação diferentes dependendo do que

você está tentando realizar. Tudo se resume à mentalidade de usar a
compressão como ferramenta, não como muleta.
Uma boa regra ao usar a compactação é se perguntar:
“Por que estou compactando esta faixa?”
Sempre tenha um motivo para compactar algo. Se você tiver problemas com os picos,
saiba o que está almejando ao adicionar um compressor à faixa, como na dica vocal
acima. Se você precisar adicionar espessura aos seus tambores,
saiba como você pode fazer isso com proporções altas. Se você aplicar compactação em
uma faixa e ela não soar melhor, não importa o que você faça, talvez você deva simplesmente
deixá-la desativada.
Como abordar a compressão
Deixe-me explicar como abordar a compressão contando uma pequena história sobre jogos
de azar em uma mesa de Vegas Blackjack.
Não sou um grande apostador, mas gosto de jogos de azar, especialmente em jogos como
o Blackjack, onde você tem um sistema e não depende apenas da sorte cega. O blackjack
é um ótimo jogo para jogar se você souber jogar de acordo com as regras. Você pode jogar
por horas se seguir o sistema mais simples.
Por exemplo, se o dealer tiver um 5 e eu um 12, então fico e não peço outra carta. Há uma
probabilidade maior de ele ser eliminado, então vou manter minha posição e torcer
para que a probabilidade se concretize. Você sempre espera que o dealer rebente e, quando
ele tem uma carta baixa, há uma chance maior de ele perder.
Também sempre acerto no 16 sempre que o dealer tem um 7 ou superior. Você

sempre assume que a outra carta do dealer é um 10, então por padrão você perdeu. Mas se
você acertar e chegar de um Ás a um 5, estará em melhor situação. Prefiro acertar e perder
do que esperar e perder de qualquer maneira. E, finalmente, sempre divida em Ases e 8 e
dobre em 10 e 11 se você for maior que o dealer.
Por que eu te contei tudo isso?
É um sistema. Um sistema é um conjunto de diretrizes e regras que memorizei. Na verdade,

é um ótimo sistema que funciona na maior parte do tempo. Nem sempre você ganha, mas
pode acabar jogando por muito tempo sem perder dinheiro.
Use um sistema de compressão
Usar a compactação funciona da mesma maneira. Assim como no Blackjack, o sistema que uso
com compressão tem maior probabilidade de funcionar, então eu o mantenho e ajusto conforme
necessário.
Eu sigo minhas predefinições na minha cabeça sempre que estou mixando. Um bumbo começa
com uma proporção de 4:1, uma redução de ganho de 3-6 dB e um ataque e liberação médios.
Com apenas alguns ajustes, consigo obter o som que desejo.
Os baixos começam com a proporção relativamente alta, o ataque bastante rápido e mais
redução de ganho do que outros instrumentos, apenas para torná-lo mais gordo e estável. Às
vezes isso funciona bem, mas outras vezes preciso mudar as coisas para que o baixo soe bem.
E, finalmente, eu sempre comprimo paralelamente a bateria e moldo o compressor

de caixa no ritmo da faixa. Assim como dobrar em 11 é a jogada mais inteligente quando você
está jogando Blackjack, o buss também está comprimindo a bateria.
Simplesmente funciona 90% das vezes (na verdade não funciona 90% das vezes para dobrar em
11s, mas você me entende). No entanto, para bateria, se você quiser aquele som de
bateria forte sem dominar o resto da mixagem, esse é o caminho a seguir. Existe um sistema
para tudo, inclusive compressão. Meu sistema me ajuda a trabalhar mais rápido, pois sei por
experiência própria o que geralmente funciona.
É perfeitamente normal (e divertido!) experimentar diferentes configurações de compressor quando

você está aprendendo a usá-los, especialmente quando você está descobrindo qual estilo de
compressão funciona melhor em quais faixas. Mas, no final das contas, ter um plano e uma meta
sempre que você adiciona compactação a uma faixa é mais eficiente e eficaz quando você trabalha
para clientes e não apenas por diversão.
Então, quando suas faixas estão bem balanceadas e equalizadas, a próxima coisa que você busca é
o compressor. Só que desta vez você deve se perguntar por que está fazendo isso e então tentar
atingir esses objetivos específicos.
Depois de saber disso, você pode começar a brincar com seus brinquedos, porque agora você tem um
objetivo em mente.
Parâmetros do Compressor
Primeiramente, vamos falar sobre os parâmetros e botões comuns que você encontrará
em seu compressor.
A maioria dos compressores terá uma variação dos seguintes parâmetros. No entanto,
alguns serão incrivelmente simples, como qualquer compressor que emule o LA2A
com seu sistema de compressão de dois botões. Se você estiver trabalhando
com compressores simples como esse, só tenho uma regra para você seguir:
“Ajuste até que pareça bom!”
É tão simples assim, mas se você estiver trabalhando com algo um pouco mais
complicado, aqui está o que você precisa saber:
Limiar – O limite basicamente define o nível onde o compressor deve começar a

ouvir o sinal de áudio. Se o nível do áudio estiver muito baixo e o limite for muito
alto, ele não “ouvirá” o sinal, portanto será efetivamente inútil. Qualquer outro
parâmetro não importa porque o compressor não começa a funcionar até
que o áudio atinja o limite. Certifique-se de que o sinal de áudio realmente
atinja o limite para que ele realmente comece a ser compactado.
Proporção – Esta é a “quantidade de compressão” que ocorre quando o sinal de

áudio ultrapassa o limite. Portanto, se o nível de entrada ultrapassar o limite e
a proporção é 2:1, então ele dividirá o nível acima do limite pela metade e o
comprimirá em dois. Portanto, quanto maior a proporção, mais extrema será a
compressão. 10:1 e superior geralmente é chamado de limitação porque qualquer
sinal acima do limite é comprimido com tanta força que é empurrado para baixo
até onde fica o limite, em vez de deixar passar parte dele.
Esses dois parâmetros funcionam em conjunto. Muitos compressores possuem

apenas esses parâmetros e nada mais.
Você quer saber como tudo funciona, então vamos conferir o próximo conjunto de botões
aqui, o ataque e o lançamento.
Ataque – Esta é basicamente a quantidade de tempo que você dá ao compressor antes

que ele reaja ao sinal de entrada. Se o ataque for rápido, ele será
compactado imediatamente após a entrada ultrapassar o limite. Se o ataque for mais
lento, demorará um pouco para reagir. Escolher o tempo de ataque certo é crucial para
moldar os sons porque pode alterar a forma como os transientes do sinal de áudio
são afetados.
Liberação – O tempo de liberação determina quando o compressor para de

comprimir. Um tempo de liberação mais rápido significa um tempo de recuperação
mais rápido para o compressor. Um tempo de liberação mais longo significa que ele
mantém o sinal comprimido por mais tempo, o que pode resultar em sinais muito
rítmicos porque o áudio nunca pode voltar ao seu estado não compactado.
Esses quatro parâmetros são os mais importantes a serem considerados em qualquer

compressor.
Outros parâmetros de compactação incluem:
Knee – A seleção de um joelho suave ou duro mudará a forma como a compressão é

aplicada, seja gradualmente à medida que o sinal se aproxima do limite, ou
linearmente assim que o áudio atinge o limite.
Estilos de compressão
Existem vários estilos de compressão diferentes, todos funcionando para instrumentos diferentes ou
para características de compressão específicas.
Vamos falar sobre alguns dos estilos mais comuns:
FEITO
Óptico
VCA
Se o seu compressor tiver um modo ou estilo FET (Field Effect Transistor), ele basicamente
emulará um compressor 1176. O 1176 é talvez o compressor FET mais famoso. As pessoas gostam
de usá-los para obter uma bateria forte.
Um estilo “opto” emula o compressor óptico LA-2A. Ele não reage tão rapidamente ao seu áudio.
Funciona bem para compactação paralela se você não quiser um ataque/liberação agressivo, que
discutiremos em profundidade mais adiante neste capítulo.
O estilo VCA é rápido e transparente. O estilo VCA não colore o som tanto quanto os outros, então eles
são ideais quando você deseja que sua compressão vá
despercebido. Um dos compressores VCA mais populares de todos os tempos é o DBX 160.
Os compressores tendem a se basear nesses modelos. Existem outras emulações, mas estas são as
mais comuns e populares que existem. Eles têm um som ou caráter específico que é diferente dos modelos
genéricos de estoque.
Não é nenhuma surpresa que um LA-2A soe diferente de um 1176 em sua mixagem. O “circuito” é
completamente diferente. É por isso que muitos compressores multifuncionais possuem um botão
“tipo” que permite alterar a característica do compressor.
Depois de decidir qual objetivo você está tentando alcançar com a compactação, a próxima pergunta deve
ser que tipo de compactação desejo usar.
Dependendo do estilo de música e do instrumento que você está executando no compressor, esses
estilos mudarão a maneira como o compressor funciona no seu áudio, por isso vale a pena
experimentar um pouco até encontrar o estilo que mais gosta.
Entrada/Saída – Isso é importante para fins de teste de ganho e obviamente muda de acordo
com o nível do sinal que você está alimentando no compressor. Se você tiver um sinal
muito baixo, talvez seja necessário aumentar um pouco o ganho para que o compressor funcione
melhor (ou diminuir se você não conseguir definir o limite baixo o suficiente e ele estiver sempre
comprimindo demais). Uma boa regra é aumentar a saída de acordo com a mesma quantidade
que você está compactando, mas gosto de deixar no modo automático. Além disso, sempre que
estiver comprimindo, certifique-se de não obter diferenças drásticas de nível ao
ignorar o compressor, pois isso fará com que você pense que tudo soa melhor quando na verdade
está soando mais alto. Se você puder ver a entrada e a saída do sinal lado a lado, é uma boa
ideia ajustar a saída para que corresponda à entrada. Se você cortar a entrada, você estragará a
configuração do limite porque o sinal que entra no compressor não será tão alto.
Honestamente, em caso de dúvida, o ganho automático é um recurso útil que ajuda você a configurá-lo
e esqueça!
Dry Mix – Se você tiver um botão de mixagem seca, ele permite adicionar um
pouco do sinal não compactado, o que pode ser útil se você quiser fazer
compressão paralela direta sem usar envios e barramentos.
Janela de medição – Normalmente você terá algum tipo de janela de medição. É

útil para ver a forma de onda na tela, o que o compressor está fazendo com o sinal
e ver quanta redução de ganho está acontecendo. Muitas vezes você pode
alternar entre entrada, saída e redução de ganho para ver como o seu
compressor está afetando o sinal.
Parâmetros típicos do compressor. Compressor de estoque Logic Pro.

Aplicando compressão
Compressão é um assunto sem fim para mim. Sempre sinto que aprendo novas
maneiras de usar compressão em cada mixagem que faço. Às vezes é tão simples
quanto dar um tapa em um LA2A e encerrar o dia, às vezes eu luto com o ataque e solto
por muito tempo sem conseguir o soco que quero do instrumento.
As dicas práticas a seguir são, portanto, apenas uma série de coisas que funcionaram para
mim, bem como algumas coisas que costumo evitar.
Mixagem predefinida
Uma técnica que muitas vezes pode ajudar a acelerar a mixagem é começar com predefinições. Costumo
escolher um preset que parece oferecer o que procuro e depois ajusto de acordo com a música e a faixa.
Obviamente, os designers de presets não ouviram a música que estou mixando, mas começar com um
preset me coloca no caminho certo para o que estou buscando. Normalmente, você terá que ajustar pelo menos
o limite e depois ajustar os outros parâmetros a seu gosto.
Submixagem
Se você seguiu meu método de mixagem de cima para baixo ou de meio para fora no
capítulo EQ, então você deve estar se perguntando onde colocar os compressores. O que
costumo fazer é colocar compressores em cada submix e grupo para colar todas
as faixas. Então, se as faixas individuais precisarem de algum impacto extra,
experimentarei mais compressores lá. O truque para usar muitos compressores ao longo
do caminho do sinal é não comprimir muito em cada estágio. Portanto, busque alguns
dBs de redução de ganho nos grupos para torná-los mais rígidos e, em seguida,
use seu próprio julgamento nas faixas individuais sobre quanto mais redução de ganho
você precisa aplicar.
Bateria
Começando com a bateria, gosto de adicionar um pouco de força ao bumbo.

Proporções mais altas, começando em cerca de 4:1, dão mais espessura ao chute
porque empurra todo o nível para baixo e o engrossa.
No entanto, se o compressor começar a adicionar muita espessura nos médios-graves,

talvez seja necessário compensar cortando um pouco disso com o EQ.
Ao comprimir um bumbo, preste atenção especial ao que a diferença entre ataque

e liberação faz com o transiente do bumbo. Por exemplo, um tempo médio de
ataque e liberação permite que o batedor inicial do bumbo passe sem que o
compressor entorpeça o transiente inicial. Com um lançamento médio cronometrado
mais ou menos no tempo da música, você poderá ouvir (e ver nos medidores) o compressor
se reinicializando entre os hits.
O mesmo acontece com a armadilha. Costumo escolher alguns compressores

diferentes, alguns plug-ins diferentes ou apenas alguns estilos de emulação dentro do
compressor padrão do Logic. Cada um tem um som diferente e dependendo do
gênero, do som da caixa e do que procuro, um dos estilos costuma complementar a
caixa melhor do que outros. Assim como com o bumbo, esteja atento ao ataque e aos
tempos de liberação, pois você pode realmente amortecer o impacto da caixa se não
tomar cuidado.
Uma das coisas que você precisa pensar ao comprimir qualquer faixa de bateria
individual é o sangramento de outras baterias. Por exemplo, se você comprimir muito
a caixa, corre o risco de aumentar o nível geral da caixa. O que isso significa é que haverá
mais som de bumbo e chimbal no microfone da caixa se você gravou uma bateria ao
vivo. Não abordaremos portões ou expansão descendente neste livro, mas
é uma ótima maneira de reduzir o sangramento entre os instrumentos e pode realmente ajudar
a eliminar muito ruído em suas faixas.
No próprio drum bus eu costumo buscar uma sensação suave, apenas deixando tudo um
pouco mais apertado e colado. Tenho cuidado para não tornar os tempos de ataque e
liberação muito dependentes de uma bateria, mesmo que isso seja obviamente acionado
principalmente pelo bumbo e pela caixa. Cuidado para não tornar a liberação do compressor
muito lenta, pois você introduzirá um efeito de bombeamento no sinal, que ocorre quando ele
nunca consegue se reiniciar entre as batidas.
Ultimamente, tenho obtido sucesso nos overheads usando um compressor estilo opto, como
um LA-2A, e apenas deixando-o reduzir o ganho em alguns dBs. Parece engrossar os
overheads e geralmente faz com que os pratos cortem a mixagem sem serem muito abrasivos
e avançados.
A liberação bastante rápida permite que os pratos tenham seu lugar sem empurrá-los para
baixo, o que não soaria natural.
Se você tiver um microfone ambiente em sua bateria, geralmente poderá se divertir um pouco
com ele. Use-o como um microfone “crush”, onde você pode ser bastante pesado na
compressão. Se você realmente esmagar este microfone com uma proporção alta, muita redução
de ganho, um ataque rápido e uma liberação longa, você terá uma trilha sonora terrível por si só,
mas pode soar muito bem misturada com outras faixas de bateria para dar algum adicional
profundidade à mixagem de bateria.
Baixo
Gosto de manter os graves estáveis com compressão. Isso significa uma proporção alta
e redução constante de ganho. Claro, isso sempre depende do gênero, mas se o baixo tem
mais um caráter de apoio do que um papel principal, então mantê-lo firme em segundo plano
é o que normalmente procuro. Muitas vezes é importante que o baixo mantenha o arranjo
estável, então eu uso o baixo para ancorar o arranjo.
Por causa disso, não quero mudanças dinâmicas drásticas, então uso regularmente uma
proporção alta para mantê-la espessa e estável. No entanto, se o baixo for tocado de forma
muito constante, pode não precisar de tanta compressão, embora uma proporção alta
ainda possa mantê-lo aterrado. Você pode pensar que uma proporção alta sempre faria as
coisas parecerem esmagadas, mas na verdade é uma combinação de várias coisas,
especialmente os tempos de ataque e liberação. Com uma configuração de ataque que
permite a passagem do transiente inicial, você pode compactar mais o sinal sem que ele pareça comprimido.
Às vezes, para baixo e outros instrumentos, você só precisa de uma redução de ganho
de alguns dBs para manter tudo estável. Isso apenas dá ao baixo um pouco mais de
espessura. E percorrendo cada um dos estilos, eu escolho o estilo que parece se encaixar
melhor na faixa, você adivinhou, usando meus ouvidos e ouvindo no contexto da mixagem!
Guitarras
Se você estiver lidando com violões dedilhados, você pode querer controlar os picos
enquanto deixa o resto do sinal praticamente sozinho. Se for esse o caso,
recomendo escolher uma proporção média de 4:1. Em seguida, tente encontrar o ponto
limite onde o ganho reduz cerca de 2-3 dBs o tempo todo, enquanto pressiona um pouco
mais os picos nos pontos onde os acentos aparecem um pouco mais. Quando você está
começando a aprender sobre compressão, é bom ter uma exibição visual em seu
compressor para poder ver o que está acontecendo com a forma de onda. Alguns
compressores padrão têm isso, mas um dos meus favoritos é o Fabfilter Pro-C porque você
pode realmente ver quais partes da forma de onda o compressor está afetando. Dessa
forma, você pode focar nos picos enquanto deixa o resto do sinal razoavelmente intacto.
Para pegar os picos você precisará de um ataque rápido. Se suas configurações de

ataque forem continuamente variáveis (e não apenas rápido/lento), você terá algum
controle sobre a quantidade de transientes que você deixa passar. Se você gosta do
strumminess, mas deseja capturar a maioria dos picos, mover gradualmente o ataque
cada vez mais rápido enquanto ouve o sinal lhe dirá onde está a configuração
ideal de milissegundos do tempo de ataque. O problema das guitarras dedilhadas é que
elas cortam a mixagem. Se você definir o tempo de ataque muito rápido, poderá não
conseguir algo que pareça bom no contexto. Por esse motivo, você precisará realmente
ouvir o que está fazendo enquanto molda o sinal com compressão.
Analise o instrumento solo, mas misture-o no contexto com o resto do arranjo.
Para guitarras elétricas, geralmente costumo trapacear e usar um plug-in como

o Renaissance Axx, que só me permite controlar o ataque e o limite. Plug-ins projetados
especificamente para guitarras são uma ótima maneira de eliminar suposições. E se
não soarem bem, posso sempre passar para outra coisa. Proporções baixas de cerca de 2
ou 3:1 podem ajudar a domar as guitarras e geralmente tendem a engrossar as coisas
sem prejudicar o sinal. Combinado com alguns ajustes nos tempos de ataque e liberação
e visando uma redução de ganho de alguns dBs, você geralmente acaba com uma faixa
de guitarra bem comprimida que se encaixa bem no
misturar.
Vocais
Se um vocal tem muita faixa dinâmica, há uma coisa que você pode fazer, semelhante ao
que recomendei com os violões. Mantenha o limite muito baixo para que dificilmente seja
comprimido e use uma proporção alta para que o compressor só reaja quando os picos altos
ultrapassarem o limite, mas deixe o resto do sinal intacto. Um tempo de ataque e liberação
rápido deve manter o compressor funcionando apenas nesses picos. Um compressor estilo
FET funcionaria bem neste caso porque é um estilo bastante rápido e tem um joelho
duro que comprime o áudio inicial. Você poderá ver a compressão funcionando apenas
nesses picos, o que controla um pouco melhor o vocal nessas partes.
Uma forma alternativa de comprimir vocais é fazer exatamente o oposto. Use uma proporção
baixa de 1,5:1 ou 2:1 e defina o limite para comprimir continuamente. Isso comprime o vocal
e o mantém mais firme, sem fazer com que pareça excessivamente comprimido.
Você pode fazer as duas coisas em série, o que é semelhante ao meu próximo truque.
Compressão em série
Você não precisa usar apenas um compressor ou configuração de compressão em uma trilha.
Colocar dois compressores em série em uma pista pode realmente ajudar se os compressores
estiverem enfrentando dois problemas separados.
Se você quiser que o vocal fique melhor na mixagem depois de lidar com o hipotético
problema de dinâmica acima, você pode adicionar um segundo compressor mais lento depois dele.
Um compressor óptico estilo LA2A com joelho macio, proporção de 2-3: 1, ataque rápido e
liberação média ajudará o vocal a se encaixar melhor na mixagem. Depois é simplesmente uma
questão de ignorar o compressor para ouvir se o vocal soa melhor.
Normalmente você pode perceber porque o vocal soa mais fraco e não está tão presente e
nivelado na mixagem.
Esta ponta de compressão em série é muito semelhante à tática de usar o compressor

1176 para lidar com os picos e o LA2A para cuidar do vocal. Na verdade, é muito comum e você pode
obter o mesmo efeito usando o estilo FET e o estilo Opto em qualquer um dos seus compressores
(assumindo que eles tenham vários estilos).
Vocais de apoio
Os vocais de apoio podem ser complicados porque você deseja mantê-los audíveis na mixagem,
mas fora do caminho do vocal principal. Uma maneira de fazer isso é com o EQ, cortando os
médios agudos de 900 Hz a 3 kHz para criar um espaço para o vocal principal, mas a
compressão também desempenha um papel. Costumo agrupar todos os meus backing vocals
e depois tratá-los com um compressor de ônibus. Se você encontrar um bom meio-termo onde
todos os vocais permaneçam consistentes e nivelados, você estará pronto para prosseguir.
Normalmente há um bom preset para usar como ponto de partida, e então você apenas
ajusta de acordo com o que os backing vocals estão realmente fazendo. Uma proporção de
até 4:1 é adequada porque geralmente você deseja manter as coisas um pouco restritas no
fundo. Combinar isso com um ataque rápido significa que não teremos nenhum transiente
incômodo escapando para atrapalhar o resto da mixagem. Ajuste as configurações, faça um solo
para análise e depois toque no contexto da mixagem. Se os vocais de apoio combinam bem
com o vocal principal, você está pronto para prosseguir.
Piano e teclas
Comprimir teclado e pianos é algo para o qual nunca tive um método. A diferença entre um
teclado elétrico robusto e um piano de cauda espaçoso significa que eles exigem duas
abordagens drasticamente diferentes.
Para teclados e órgãos de rock, gosto de pressioná-los um pouco mais para que cortem a
mixagem. Especialmente se não estiver realmente atuando como instrumento principal e
puder permanecer em segundo plano, uma proporção mais alta poderá mantê-lo por baixo
de tudo. Então é uma questão de ajustar o ataque para permitir que o transiente inicial seja
interrompido, porque uma proporção alta pode tender a esmagar fortemente o sinal. Em
seguida, você apenas ajusta o limite até que pareça que está comprimindo bem e se
adaptando bem à faixa de apoio.
Quando se trata de pianos, você não quer exagerar ao comprimi-los porque deseja manter
a dinâmica natural do instrumento. Dito isto, você quer domar os picos, especialmente se
o piano estiver tocando acordes agressivos (pense em “Love Song” de Sara Bareilles).
Nesse ponto, um ataque rápido e um lançamento médio funcionarão bem. Uma proporção de
3:1 ou 4:1 é um bom ponto intermediário entre controlar os picos e reduzir a faixa
dinâmica.
Compressão Paralela
Uma ótima maneira de adicionar muita força às suas mixagens é usar compactação paralela
pesada junto com a compactação que você adiciona às próprias faixas individuais. Você pode
querer apenas aproveitar suavemente a redução de ganho nas trilhas, mas se adicionar
compressão paralela em uma trilha separada, você poderá ser muito criativo.
Como você faz isso é simples. Neste caso, vamos imaginar que você está adicionando
compressão paralela à bateria para fazê-la realmente balançar.
Envie seu bus de bateria para outra trilha auxiliar.
Adicione um compressor à trilha auxiliar.
Acerte o compressor com força, com proporção alta, muita redução de ganho, ataque rápido e
liberação lenta. Você quer que a bateria seja realmente comprimida e vibrante na pista auxiliar.
Para aumentar a medida, adicione um EQ à trilha auxiliar após o compressor. Aumente os altos
e baixos. Isso torna os agudos e graves mais presentes sem aumentar os transientes da trilha de
bateria. Como o ataque é tão rápido e a liberação tão lenta, o compressor consome todos os
transientes, de modo que tudo o que você obtém é essa espessura nos graves e brilho
nos agudos.
Misture a trilha auxiliar compactada com o barramento de bateria a seu gosto.
Normalmente, isso resulta em um som que atravessa a mixagem sem atrapalhar o resto dos
instrumentos. Apenas adiciona presença extra a tudo.
Você não precisa limitar essa técnica apenas à bateria. Experimente nos vocais para deixá-los bem
presentes na mixagem. Tive muita sorte com vários tipos de processamento paralelo em vários
instrumentos, por isso, se uma faixa estiver com falta de força, mas reagir mal ao compressor na
inserção, tente-a em paralelo para ver se adiciona a força necessária.
E quanto à compactação multibanda?
Um compressor multibanda divide seu áudio em diferentes bandas de frequência, enquanto o

restante dos parâmetros de compressão permanecem os mesmos. É ótimo para quando
você deseja compactar uma faixa de frequência específica de maneira diferente de outra.
Fiquei com medo de usá-lo por muito tempo porque não tinha certeza de como fazê-lo funcionar
corretamente. Então continuei usando meus outros compressores, sem perceber o
potencial que estava deixando passar.
Eu sempre costumava usá-los na masterização, mas isso parecia mais fácil e direto.
Só quando percebi as capacidades de resolução de problemas do compressor multibanda

é que finalmente fiquei viciado.
Aqui estão apenas algumas maneiras de usar um compressor multibanda:
No barramento master – Obter uma ótima mixagem de cima para baixo com
compressão multibanda me permite selecionar a compressão certa nas faixas
de frequência certas.
Para domar baixos enlameados – às vezes coloco um compressor multi-banda em um baixo

e comprimo um pouco mais nos médios-graves para fazer o baixo assentar
melhor na mistura sem adicionar muito estrondoso.
No barramento de bateria – Um compressor multibanda permite comprimir todo o

kit de bateria em níveis variados em todo o espectro de frequência. Isso é ótimo
quando você precisa acertar o bumbo com bastante força nos graves, mas não quer
que os pratos se comprimam constantemente toda vez que o bumbo bate.
Por outro lado, você também pode domar pratos ásperos dessa forma se eles
estiverem muito presentes, além de controlar ressonâncias incômodas e
tons vibrantes da bateria.
Suavização de vocais – Se você encontrar uma frequência específica no vocal que

está causando problemas, basta ajustar os pontos de cruzamento do
compressor multibanda para que ele domine aquela faixa de frequência específica
enquanto deixa o resto do vocal em paz.
O compressor multibanda é uma ferramenta muito útil para fazer mixagens melhores.
Estas são apenas algumas das maneiras que você pode usá-lo para aprimorar suas
mixagens, portanto, experimente outros instrumentos e ajuste as bandas de frequência de
acordo com seu gosto.
Dado um bom ponto de partida, um ótimo resultado está a apenas alguns ajustes de distância!
Revise seu mix e rebalanceie, se necessário
Toda a sua abordagem com compressão se resume basicamente a isto:
Adicione compactação a qualquer faixa que precise (provavelmente quase todas elas).
Encontre o estilo de compressão que você gosta.
Encontre uma predefinição se quiser um ponto de partida simples.
Ajuste o limite e a proporção para atender às suas necessidades.
Ajuste os tempos de ataque e liberação para moldar a dinâmica do sinal.
Analise solo se necessário, mas sempre ouça a faixa no contexto da mixagem.
Depois de adicionar compactação a todas as faixas necessárias e tornar sua mixagem mais forte e
gerenciável, é hora de reequilibrar. É provável que você tenha esquecido alguns ajustes de ganho
adequados (isso acontece com todo mundo), então você pode querer voltar aos seus faders e reequilibrar
quaisquer instrumentos que tenham ficado muito altos ou muito baixos. Além disso, a compressão pode
afetar negativamente
quaisquer aumentos de EQ que você fez antes de adicionar a compressão, então você pode querer
adicionar um EQ após o compressor para compensar qualquer perda de frequência.
Depois de equilibrar, equalizar e compactar sua mixagem, você poderá notar que todo o arranjo
soa um pouco monótono. Isso não é nada surpreendente. Você ainda não adicionou profundidade
à mixagem. No próximo capítulo falaremos sobre como dar corpo à sua mixagem no departamento
de espaço e profundidade usando reverb e delay.
Então, para recapitular, as principais coisas a se pensar quando se trata de compactação são:
Certifique-se de que o limite seja relativo ao sinal real. Um limite definido em um ponto onde o áudio
nunca ultrapassa o limite não fará com que o compressor faça nada.
Ajuste a proporção dependendo da espessura que você deseja para o som. Descobri que
proporções mais baixas funcionam melhor em coisas que você não deseja que o som seja muito
comprimido, mas proporções mais altas são boas em coisas como bumbos, graves e outras
coisas que você deseja que soem fortes, mas não se preocupa em reduzir o faixa dinâmica
demais.
As configurações de tempo de ataque e liberação podem realmente moldar o som do instrumento.

Ataques mais lentos são bons para quando você precisa que os transientes passem. Lançamentos
mais lentos podem domar a sustentação de um sinal.
Por último, tenha um motivo para comprimir, mesmo que esse motivo seja “Eu me pergunto como
soa um LA-2A aqui”. Se você está apenas colocando um compressor em tudo, sem ajustar
nenhuma configuração e pensando que um compressor em uma trilha é necessário, então você não
está usando a compressão em todo o seu potencial. Ajustando as configurações,
modificar o limite, a proporção, o ataque e a liberação pode realmente ajudá-lo a moldar sua
mixagem, então passe algum tempo com isso. Até mesmo aumentar seu instrumento solo
apenas para ouvir os pequenos detalhes que o ataque e a liberação contribuem pode
ser muito educativo.
Capítulo 5 -
Reverberação e atraso
Agora vamos falar sobre como adicionar espaço ao seu mix.
Hipoteticamente, se eu estivesse mixando junto com este livro, a música já estaria soando
bastante equilibrada. Você seria capaz de ouvir tudo o que estava acontecendo, mas poderia
soar um pouco monótono. Isso porque a maioria dos instrumentos são totalmente secos
e todos ocupam a mesma região, soando muito bidimensionais.
A mixagem é panorâmica para que haja coisas da esquerda para a direita, e é

equalizada e compactada para que todos os instrumentos funcionem onde estão agora,
mas não há espaçamento da frente para trás. Está tudo na frente, então é difícil gostar
de ouvir assim.
O conceito de espaço num mix é muito subjetivo, então este será um capítulo interessante.
Você pode não usar todas as dicas deste capítulo, mas escolha de acordo com suas
necessidades. Caso contrário, você poderá atrapalhar a mixagem com muita
reverberação. Você não quer que sua mixagem pareça desbotada, então tome
cuidado para não ficar muito pesado ao adicionar espaço.
Existem tantas maneiras diferentes de usar reverb e delay. Tentarei lhe dar várias
opções diferentes que você pode usar para que no final você tenha algo interessante.
Apenas certifique-se de não se deixar levar pela experimentação. E coloque aquele reverb
no final para não soar muito amador!
Parâmetros de reverberação
Em cada mecanismo de reverberação, temos alguns dos mesmos parâmetros para mexer.
Os plug-ins de reverberação mais básicos possuem apenas um ou dois, mas alguns dos
mais avançados têm capacidades quase ilimitadas de personalização. Vejamos alguns dos
parâmetros típicos que normalmente vemos em um reverb.
Tamanho/tipo da sala – O tamanho determina o tamanho da sua reverberação e o

tamanho da sua mixagem. Isso pode ser predeterminado pelo tipo/modo de
reverberação ou apenas pelo número de segundos que você faz o decaimento da
reverberação. Por exemplo: um reverb de 0,5 segundos soa muito mais curto e
menor do que um mais longo e exuberante de 3,3 segundos.
Pré-atraso – Um pré-atraso empurra a reverberação do som fonte.

Essencialmente, atrasa o som do reverb pelo número de milissegundos que você
escolher. Pense no pré-atraso como a distância até as paredes. Com mais pré-
atraso, as paredes ficam mais distantes, o que significa que haverá mais tempo
antes de você ouvir o reflexo voltando para a fonte sonora. É ótimo para fazer
uma grande balada soar espaçosa e ao mesmo tempo manter o vocal na frente.
Ajuste o pré-atraso em 20-40 ms para ouvir como o reverb se afasta das frases
iniciais do vocal, por exemplo.
Reflexões iniciais/tardias – São a soma de todas as reflexões que acontecem após o

sinal da fonte. Se você pensar em si mesmo em uma sala, a reflexão inicial é o
primeiro som que rebate na parede mais próxima. As primeiras reflexões podem
facilmente nos dizer o quão grande ou pequena é uma sala. Se o reflexo
acontecer quase instantaneamente, estaremos em uma sala pequena. Se demorar
um pouco para entrar em contato com você, é provável que você esteja em uma
catedral ou em um grande salão.
Damping – Este parâmetro amortece ou suaviza as frequências mais altas. Você nem
sempre quer um reverb realmente brilhante porque pode distrair muito na mixagem.
Pense no amortecimento como o material natural que você tem ao seu redor, as
cortinas, os tapetes e os sofás que absorvem as frequências mais altas. Um fator
de amortecimento em um reverb basicamente determina quanto desses agudos
são filtrados. Funciona de forma bastante semelhante a um equalizador. O
amortecimento de alta frequência corta os agudos, o amortecimento de baixa frequência destrói o
Densidade – A densidade decide o quão “espesso” seu reverb se tornará. Quanto

mais denso ele se torna, mais os reflexos continuam a se agrupar para criar
um som mais denso. Se a sua reverberação tiver uma densidade mais baixa, você
criará mais espaço e tempo entre cada uma das reflexões. Nos extremos baixos, o
reverb soará mais como ecos do que como um reverb natural que se mistura consigo mesmo.
Difusão – Um difusor basicamente dispersa os reflexos e faz com que a sala pareça
mais viva, em vez de áspera e reflexiva.
Filtros de frequência – Isso é bastante autoexplicativo. Equalizar seu reverb é

extremamente importante para moldá-lo em sua mixagem. Às vezes, tudo o que você
precisa fazer é filtrar os agudos e os graves para obter a maior parte do espaço
nos médios. Se o seu reverb não tiver filtros de frequência, basta adicionar um EQ
após o plug-in de reverb no seu barramento auxiliar e usá-lo para controlar a
resposta de frequência do reverb. Muito low-end pode desorganizar sua mixagem
rapidamente. Por outro lado, a reverberação de alta frequência pode soar sibilante,
sibilante e áspero, nenhum dos quais é um bom adjetivo para sua mixagem.
Wet/Dry Mix – É uma boa ideia usar reverb e delay como efeitos de envio em
vez de inserções. Dessa forma, você poderá tratá-los separadamente e combinar
melhor os instrumentos. Se você não quiser o incômodo de usar envios, poderá
inserir um reverb na própria faixa. Como inserção, coloque o
mixagem seca para 100% enquanto ajusta a mixagem úmida até que soe bem e
“reverbere”. Caso contrário, se você usar o reverb como envio, certifique-se de que o reverb
esteja configurado para 100% molhado.
Os diferentes modos de reverberação
Todos os modos de reverberação soam diferentes. A espaçosa Catedral Espanhola vai soar
muito diferente da sua sala de estar.
Quanto maiores são os espaços, maior eles soam. Nós, engenheiros, sabemos o que podemos
realizar musicalmente ao aproveitar esses espaços em nossas mixagens. Os diferentes espaços
que podemos escolher em nossas produções são chamados de “modos de sala”. Os modos
Room ou Reverb são basicamente categorias de diferentes espaços que possuem características
e sons distintos.
Quarto – Quartos pequenos, tectos baixos. Pense em uma garagem, banheiro ou

pequeno estúdio. É bom adicionar um pouco de ambiente aos instrumentos. Também é bom
se você encontrar um bom som ambiente que funcione para unir uma seção de
instrumento. Nunca soará tão exuberante quanto um hall, mas tem o caráter certo
para alguns gêneros e sons.
Hall - Os salões são grandes e exuberantes e têm um ótimo som porque geralmente
são projetados com base em salas de concerto sofisticadas. No entanto, salões pequenos
podem apresentar o melhor dos dois mundos: exuberância e ao mesmo tempo compactos.
Use grandes salas para criar grandes produções vocais, sons de bateria enormes e outras
coisas que você deseja destacar na mixagem. Salas pequenas ainda parecem maiores
do que salas pequenas e têm uma qualidade mais reflexiva do que uma sala.
Câmara – Antigamente os engenheiros enviavam o áudio da sala de controle para ser

reproduzido em alto-falantes dentro de grandes câmaras reverberantes. Eles foram
essencialmente os primeiros reverbs reais e construídos.
Os microfones captariam o ambiente e a reverberação dessas câmaras, que seriam

então adicionadas à mixagem. As câmaras podem soar grandes, mas geralmente não
têm muitas reflexões iniciais, dando ao som mais espaço sem reflexões audíveis.
Placa – As placas são engenhocas muito interessantes. No mundo real, são grandes
placas eletromecânicas que vibram com a música. Os captadores nas placas
captam as vibrações de reverberação que são então adicionadas à música.
As placas geralmente são bastante densas, mas não soam amplas ou com eco,
com um som de reverberação mais suave do que alguns dos outros modos. As placas
são populares para bateria (especialmente caixas) e também para vocais. Claro,
hoje em dia trabalhamos apenas com emulações de software desses grandes
mecanismos. Um dos meus plug-ins favoritos é o Universal Audio EMT 140 Plate Reverb.
Spring – Aumente o reverb de mola do seu amplificador de guitarra e dê o pontapé

inicial! Você ouvirá um grande “Boing!” Isso é reverberação de primavera. É muito
popular na surf music e ótimo para guitarras. O som é enviado através de molas que
reverberam e criam aquele som vibrante e elástico. Embora reservado
principalmente para guitarras, não tenha medo de experimentá-lo em outros elementos da sua mixag
Respostas ao Impulso – Respostas ao Impulso (IRs) são instantâneos digitais

de espaços acústicos. Alguns plug-ins de reverberação são apenas IR (como
o Space Designer do Logic). Eles geralmente têm muitas respostas de impulso
que soam legais, variando de salas simples a espaços estranhos comumente
reservados para design de espaço (pense no ruído ambiente em um filme espacial).
Embora a criação de respostas de impulso esteja fora do escopo deste livro, você
pode encontrar muitos IRs personalizados com uma simples pesquisa no Google.
Uma maneira fácil de encontrar o reverb certo para sua mixagem
Com todas as opções de tipos de reverberação, pode ser difícil saber o que escolher
para sua próxima faixa.
O que você deve pensar ao escolher o espaço certo para sua música? Mesmo que você tenha
um reverb de som favorito, ele pode não funcionar para aquela apresentação alternativa da
Folktronica que você acabou de gravar.
Pense no ritmo da música
Se você estiver trabalhando com uma música de andamento rápido que precisa parecer clara
e bem definida, estragá-la com uma reverberação longa apenas fará com que a
mixagem pareça confusa. Pense no andamento da música e selecione sua reverberação de acordo.
Uma música mais lenta pode usar uma reverberação mais longa, e músicas mais rápidas podem precisar de uma
reverberação muito curta. Ou você pode simplesmente usar atrasos.
Pense na umidade da música
Você quer que sua mixagem geral seja seca ou quer uma reverberação exuberante preenchendo
o espaço? Algumas das faixas pré-gravadas já são ricas em reverberação e espaço pesados,
ou foi tudo gravado extremamente seco? Pense em quão molhada você deseja que sua
mixagem fique e escolha seu reverb de acordo com isso.
Pense na exuberância do arranjo
O arranjo vai ficar realmente seco e direto ou tudo vai ficar afogado no espaço? Pode ser
necessário manter alguns elementos secos, mesmo que
você está optando por uma mistura extremamente úmida. Quanto mais reverberação você
coloca em seus instrumentos, mais você precisa ancorá-lo com pelo menos alguns
instrumentos secos. Além disso, tenha cuidado ao adicionar muita reverberação, pois pode ser
um sinal de uma produção muito amadora.
Pense no ritmo da faixa vocal
O cantor está cantando notas longas e sustentadas, cantando scat ou fazendo rap? Estes
são alguns dos fatores que você pode considerar ao escolher seu reverb vocal. O
ritmo do vocal pode dizer se o reverb que você escolheu realmente funciona. Se você estiver
optando por “My Heart Will Go On” Celine Dion cantando por muito tempo, então uma
reverberação grande e longa pode funcionar excepcionalmente bem. Mas se o seu cantor
for Scatman John, então uma reverberação longa provavelmente apenas atrapalhará.
Experimente um modo de placa curta, reverberação de ambiente ou delay para estilos de canto mais staccato
Pense no quarto
Pense na instrumentação e experimente colocá-los todos juntos na mesma sala. Alguns

instrumentos soam bem juntos quando são “colocados” na mesma sala ou plug-in de
reverberação. Digamos que você tenha uma ótima resposta ao impulso de um
antigo estúdio de gravação. Use a reverberação daquela sala para colar os
instrumentos.
Pense no contraste
Use reverbs diferentes para diferentes partes da música para criar contraste.
Vejamos o reverb da bateria, por exemplo. Os versos podem ser grandes e espaçosos,
com reverberação pesada, flutuantes e nítidos com os pratos. Em seguida, crie um
refrão vigoroso com compressão paralela e uma pequena sala de bateria para criar
um forte contraste com o verso flutuante.
Reserve um momento para pensar sobre as características da mixagem em questão e então escolha
o reverb que você acha correto.
Pense em estilo
Outra maneira de usar o reverb é criar um senso de estilo ao longo da música.
Se você usar um reverb master adicionado a todos os instrumentos, isso ditará o senso de estilo e espaço
da música.
Use uma sala pequena e você obterá um som mais denso e cru.
Use um grande salão e você terá uma sensação maior.
Dependendo do que você escolher, você pode levar a música em várias direções.
Reverb não é abrir espaço em uma faixa e encerrar o dia. É um processo deliberado e cuidadoso
onde o espaço que você escolhe pode mudar drasticamente o som da sua mixagem.
Então você tem que criar espaços em torno desses instrumentos que façam sentido.
Você não pode ter grandes blocos de cordas e violinos soando como se estivessem sendo
tocados em uma garagem. E você não pode lançar um reverb estilo catedral em um violão
rítmico. Isso só vai desorganizar a mistura.
Ao gastar tempo analisando as configurações de reverberação e encontrando os tipos

certos que se adaptam à música, você obterá uma mixagem melhor.
A diferença entre pré e pós-fader ao usar reverbs
Muitos DAWs usam como padrão uma configuração de envio pós-fader ou pós-pan ao usar efeitos.
Por exemplo, o Logic Pro X tem como padrão envios pós-fader e acredito que a maioria dos
outros DAWs também o fazem. O que isso significa é que quando você manipula o fader da trilha
fonte, o nível que vai para o reverb é afetado da mesma maneira. Se você diminuir o volume da
faixa, a reverberação também diminuirá e vice-versa.
Na maioria das vezes isso é ótimo porque depois que você encontrar o equilíbrio do fader da pista
seca e decidir enviar a pista para um reverb, o equilíbrio relativo do reverb muda conforme
você move a pista seca para cima ou para baixo.
No entanto, usar um envio pré-fader pode gerar alguns experimentos interessantes em design
de som e pode ajudá-lo a tornar as coisas realmente espaçosas e enormes.
Uma grande reverberação de bateria
Tomemos como exemplo um grupo de bateria.
Depois de mixar a bateria como deseja com EQ, compressão e talvez alguma saturação, você vai
querer adicionar alguma profundidade a eles com um reverb. Assim, você cria um reverb de bateria que é
longo o suficiente para dar algum espaço à bateria, sem sobrecarregar a mixagem com muito reverb.
Até agora tudo bem.
Em seguida, você envia a trilha de bateria para a trilha de reverberação para adicionar espaço. Não muito
para ser lavado. Não tão pouco que você não consiga ouvir nenhuma diferença. Uma quantia Cachinhos
Dourados. Está certo. E como o envio é pós-fader, sempre que você altera o nível do fader do grupo de
bateria, o nível de reverberação permanece consistente o tempo todo.
No entanto, há uma parte no meio da música onde você quer que a bateria soe estranhamente distante. Você
quer que a bateria soe como se tudo o que você ouve fosse a reverberação, em vez da mistura das
duas faixas.
Uma maneira seria silenciar o grupo de bateria sem silenciar a reverberação, mas isso é complicado em
alguns DAWs. E se você diminuir o volume do fader da trilha de bateria, o volume do reverb acompanha
porque é um envio pós-fader.
Envio pré-fader para o resgate
É aí que entra um envio pré-fader. Ao mudar seus envios para pré-fader, você pode controlar a
quantidade que vai para o envio, independentemente do nível da faixa original.
Com um envio pré-fader, você pode diminuir totalmente o volume do grupo de bateria e isso não
afetaria o nível de envio que vai para o reverb. Dessa forma, você pode fazer com que o reverb
domine a trilha como um efeito se quiser fazer algo soar distante e desbotado.
Eu uso esse truque o tempo todo quando não consigo obter a proporção certa de seco/molhado
quando estou fazendo efeitos estranhos. É ótimo para empurrar grandes linhas de chumbo para o
final da mixagem e criar texturas em geral.
Lembre-se de que você deve usar esse truque com moderação. É um efeito, não uma forma de colar
suas faixas. Mas pode ser útil quando você precisa empurrar as coisas para trás na mixagem.
Em nosso exemplo de grupo de bateria acima, você poderia diminuir o volume do fader totalmente no
break e tudo o que você ouviria seriam os tambores fortemente reverenciados à distância.
Usando uma reverberação na mixagem
Uma das maneiras mais fáceis de adicionar reverberação à sua mixagem é criar uma reverberação master
para tudo. Depois de encontrar uma boa predefinição que funcione para o estilo de música que você
está mixando, geralmente é apenas uma questão de adicionar tudo a ela. Nesse ponto você apenas
decide o que quer secar e na frente e o que quer empurrar atrás dos demais elementos.
Selecione um hall, sala ou placa média e defina o tempo de decaimento para cerca de 1 a 1,5
segundos. Você notará rapidamente como os instrumentos reagem quando você adiciona reverberação à
mixagem. Uma boa maneira de começar é apenas ter como objetivo não tornar isso muito
perceptível. Apenas tente usá-lo para adicionar alguma profundidade.
Digamos que você queira colocar a bateria e os vocais de apoio por trás de todo o resto.
Então você adiciona a maior quantidade de reverberação a esses elementos. Se eles soarem muito
altos porque há muita reverberação neles, você pode simplesmente diminuir o fader da faixa seca.
Dica profissional: se você gosta de reverberação pesada na pista, mas deseja que os
instrumentos de origem sejam realmente silenciosos, é aqui que a técnica de reverberação pré-
fader de que falei anteriormente pode realmente ser útil. Isso o ajudará a manter os instrumentos
de origem realmente silenciosos, ao mesmo tempo que mantém a sensação de reverberação
pesada e o espaço da pista.
Se você hipoteticamente empurrou a bateria e os vocais de apoio totalmente para trás, você realmente
só terá dois pontos do espectro de profundidade da frente para trás.
Todo o resto ainda pode parecer muito próximo e pessoal, então você vai querer
adicione um pouco mais de reverberação às faixas que você deseja tocar em segundo plano em
relação aos instrumentos principais, como vocais e solos de guitarra. Ao adicionar um pouco de
reverberação às guitarras (mas não tanto quanto você adiciona à bateria), você essencialmente
empurrará as guitarras um pouco atrás do vocal, enquanto as mantém na frente da bateria.
Se o vocal estiver realmente seco, adicione um toque de reverberação também, apenas mantenha a
quantidade de reverberação menor (ou menor) do que os outros elementos da mixagem que você
está tentando empurrar para trás.
Tenho tendência a deixar o bumbo e o baixo secos, a menos que pretenda um efeito específico.
Claro, este é apenas um método simples de fazer isso, mas é um bom ponto de partida.
E aqui está outra observação importante: depois de adicionar reverberação, você também
precisa reequilibrar suas faixas de acordo. A reverberação altera a composição da mixagem, portanto,
voltar constantemente ao equilíbrio original do fader é crucial para manter as coisas juntas.
Adicionando estilos de reverberação separados à bateria
Você pode querer adicionar um reverb completamente separado à bateria que seja diferente de outros
estilos de reverb na mixagem. E você pode até querer colocar um reverb separado na caixa para dar
espaço e espessura extras na mixagem.
A bateria geralmente precisa de muito mais sutileza no departamento de espaço para que soe espaçosa e
não atrapalhe o resto da mixagem.
Às vezes é suficiente apenas adicionar um bom “ambiente de sala de bateria” à sua bateria e encerrar o
dia. Uma predefinição como “drum room” ou “drum plate” pode ser um ótimo ponto de partida.
No entanto, em alguns gêneros você realmente quer trazer essa caixa para o primeiro plano e fazê-la
soar um pouco diferente. Uma boa maneira de obter um bom “thwack” de caixa longa sem adicionar
muito decaimento de reverberação extra é encontrar um som de reverberação curto realmente bom que
adicione mais densidade do que “espaço” à caixa. É quando você usa reverberação para adicionar
“tom” em vez de “espaço” a um instrumento, algo que você também pode fazer com outros instrumentos.
Encontre um reverb que seja curto o suficiente para dar aquele toque extra à caixa sem sobrecarregar o
resto da faixa de bateria. Este reverb de caixa irá se espalhar pelo resto das faixas, especialmente se você
não tiver ativado a caixa. Isso não precisa ser uma coisa ruim, então apenas o som A/B. Talvez aquele
espaço extra apertado na caixa dê à bateria algum poder extra. Grande parte da mixagem pode ser
acidental, então experimente sempre que não estiver com tempo para terminar uma mixagem e comece a
tomar notas mentais de todos os truques estranhos e incomuns que você aprender.
Se você quiser ter controle absoluto sobre o som da caixa, provavelmente é uma boa ideia retirar a faixa
da caixa do grupo de mixagem de bateria. Dessa forma você pode mixá-lo de forma totalmente independente.
Às vezes, aquele reverb simplesmente não resolve.
Uma das coisas a se pensar ao tomar decisões de reverberação é que sua reverberação legal pode
não funcionar em todas as partes do arranjo.
Por exemplo, se você tiver uma grande reverberação em um refrão grande, pode soar deslocado se o verso
for realmente calmo e tranquilo. Pense nisso. E se o refrão realmente enorme transitar para um
verso íntimo e a faixa da caixa ainda soar enorme com um grande decaimento de reverberação? Isso
simplesmente não funciona.
Uma boa maneira de fazer com que o espaço e a reverberação funcionem em um arranjo alto para baixo
é multiplicar as faixas e processá-las separadamente. Por exemplo, depois de obter um ótimo som
de caixa com EQ e compressão, você pode querer o mesmo som geral tanto no verso quanto no refrão.
A única diferença é a mistura dos reverbs. Por ter duas faixas diferentes que enviam para
reverberações diferentes (uma reverberação de verso e uma reverberação de coro), será muito mais
fácil ajustar a quantidade exata de reverberação necessária para cada parte do arranjo.
Outra maneira de combater isso é usar a automação para enviar quantidades variadas de instrumentos
para o reverb, de modo que as seções mais secas permaneçam secas enquanto as seções grandes são
automatizadas para soarem grandes.
Equalize suas reverberações
O EQ não pertence apenas às suas faixas gravadas. O EQ também é extremamente útil para fazer com que o seu reverb
se encaixe melhor na sua mixagem. Use EQ para evitar confusão desnecessária de graves ou reduza os agudos para fazer
com que a reverberação se misture melhor.
Ajuste suas predefinições de reverberação
O engraçado sobre todas essas predefinições em seus plug-ins é que elas não têm nada a ver com o que você está
usando. Eles são um som genérico e mais adequado que pode funcionar em algo semelhante ao que você
tem em mente. Que tal isso ser ambíguo e vago?
No entanto, as predefinições criam um bom ponto de partida. Os reverbs têm parâmetros suficientes para que
você possa ajustá-los facilmente para se adequarem à sua sessão.
Não exagere
Provavelmente ainda faço isso às vezes. Este é o erro clássico do iniciante. Muita
reverberação abafa sua mixagem e faz tudo parecer “flutuante” (por falta de um termo melhor).
Reduza a reverberação. Use-o para destacar suas faixas, mas não faça com que o reverb
seja o que se destaca. Faz sentido? Você quer ouvir o ótimo som vocal. Você deseja que a
reverberação seja uma parte inerente do som vocal. Você quer que a reverberação chame
a atenção para o vocal, não para si mesmo.
Não adicione muitos espaços
Muitos espaços diferentes em uma mixagem podem parecer pouco naturais. Se é isso que você
quer, desconsidere o que estou dizendo. Caso contrário, tente limitar-se a apenas alguns espaços.
Combinar diferentes instrumentos e faixas no mesmo reverb funciona bem para unir seus
elementos.
Usar apenas um reverb universal pode funcionar em alguns casos, mas é um pouco
limitado, especialmente para produções modernas. Tudo soará muito parecido e nada se
destacará. É um equilíbrio delicado de alguns reverbs diferentes usados com moderação que é a
chave.
Use a técnica dos três verbos
Minha técnica dos três verbos é um exercício simples para criar limitações com as quais você ainda
pode trabalhar.
Veja como isso se divide:
One Short Effect – Faça deste um reverb bem curto, ou talvez até um delay.
One Medium Reverb – Dependendo do gênero da música e do BPM, a duração e o modo de

reverberação podem variar, mas algo como um prato curto de 1,2 segundo, câmara ou sala pode
funcionar bem.
One Long Reverb – Este reverb será usado esparsamente para empurrar os instrumentos
para trás na mixagem, para que um grande hall ou câmara possa fazer o trabalho perfeitamente.
Use esta técnica de reverberação para criar uma mistura de espaços em uma mixagem
sem sobrecarregar suas faixas com muitas reverberações.
É um método fácil de colocar seus instrumentos onde você quiser, da frente para trás. Você ficará
surpreso com o quão fácil é criar o espaço e a profundidade necessários sem criar um reverb e
barramento de efeitos diferentes para cada faixa da sua mixagem.
Você pode até complicar um pouco mais o roteamento enviando um reverb para outro.
Por exemplo, se você enviasse o atraso para qualquer um dos reverbs através de um
envio pré-fader, essas repetições de atraso soariam difusas e suaves. Ou se você
enviasse o reverb longo para o delay, acabaria com um grande reverb repetido, algo que
poderia soar melhor como um efeito automatizado do que como uma sensação de espaço.
Experimente esta técnica em sua próxima mixagem para ter uma ideia de como tudo
funciona. E se você precisar de várias faixas para brincar, confira os recursos de
mixagem passo a passo em www.StepByStepMixing.com/Resources.
Usando Reverb em Guitarras
Uma das coisas a se pensar com guitarras em geral é que elas podem se beneficiar
totalmente de um bom reverb, mas quanto mais rítmicas elas forem, mais problemas você
poderá ter com o reverb atrapalhando a performance real.
Você nem sempre tem esse problema, mas tenha isso em mente ao trabalhar com
guitarras descoladas e de ritmo acelerado que realmente precisam de toda a definição
possível. Quanto mais reverberação, menos definição você obterá das notas, porque
elas ficarão afogadas no espaço e nos reflexos.
Além disso, se você estiver trabalhando com duas partes de guitarra diferentes, uma
sustentada e outra rítmica, talvez não queira adicionar o mesmo tipo de reverberação a
elas. Usar muito reverb na guitarra base pode adicionar turvação de graves e médios e
desorganizar a mixagem, ou fazer com que soe muito desbotado. Se você enviar mais de
uma guitarra para o mesmo reverb, tente enviar mais parte elétrica do que acústica.
Claro, se você acha que as guitarras estão com muita reverberação em outras partes da
música, você pode querer automatizar os envios para ajustá-los às diferentes dinâmicas.
E se você achar que está bom, mas muito confuso, às vezes reduzir o retorno do reverb
pode fazer com que as guitarras tenham a mesma quantidade de som de reverb
para si mesmas, mas há menos reverb na mixagem real. Isso pode fazer com que os
elementos se encaixem melhor. Mas, novamente, trata-se de reequilíbrio.
O problema do reverb é que não existe uma maneira única de fazer isso. Existem
diretrizes e métodos para simplificar as coisas, como minha técnica de reverberação
descrita acima. Mas, em última análise, trata-se de experimentar os plug-ins de reverberação
que você tem à sua disposição e apenas encontrar o espaço certo que funcione com o
estilo ou arranjo da mixagem.
Sobrecompensação acústica
Adicionar muito ou pouco reverb nem sempre é um subproduto de más habilidades de

mixagem, mas sim de um mau tratamento do ambiente. Uma sala com som ruim pode ter todos
os tipos de efeitos em suas mixagens, como adicionar muitos graves ou muita reverberação de
sala. Não tem nada a ver com você ser um péssimo engenheiro de mixagem.
Às vezes você só precisa consertar seu quarto. Falaremos sobre “tradução” em breve, mas
certifique-se de adicionar reverberação adequada à mixagem real, não à mixagem que está
tocando em sua sala/estúdio específico. Verifique em outros alto-falantes e em outras salas.
Uma boa maneira de avaliar a quantidade “real” de reverberação na mixagem é verificá-la em
fones de ouvido, sobre os quais falaremos em capítulos posteriores.
Quando o atraso é melhor
Talvez você queira deixar de lado o reverb por um dia e usar um delay.
Os atrasos são mais fáceis de manusear e alguns são muito menos confusos do que o reverb
médio.
Às vezes você só precisa de um pouco de profundidade, sem adicionar reverberação, e

o delay pode facilmente fazer o trabalho. Delay é um processador bastante simples.
Sempre que você envia um sinal de áudio com atraso, ele simplesmente o atrasa por um
período de tempo predeterminado e então o combina com o sinal da fonte original. Isso
geralmente resultará em alguma forma de eco. Se o tempo de atraso for muito curto, você
ouvirá próximo ao sinal original. Se o tempo de atraso for longo, você ouvirá o eco
muito depois de a fonte sonora original ter morrido, semelhante a se você estiver ouvindo
sua voz ecoar nos penhascos do outro lado do Grand Canyon. Então, dependendo da
quantidade de feedback usado, o processador repetirá o sinal atrasado várias vezes.
Parâmetros de atraso
Estes são os parâmetros de atraso mais comuns que você encontrará em cada atraso.
Alguns delays podem ter modelagem mais analógica ou estilos de “personagem”, mas os
parâmetros a seguir são bastante universais em todos os plug-ins de delay.
Tempo de atraso – Este é o tempo que você define para o atraso do sinal. O tempo de
atraso é definido em milissegundos, para que você ouça o sinal atrasado alguns
milissegundos depois ou em sincronia com a batida da música. Por exemplo, se você
sincronizar o atraso com a batida da música, poderá sincronizar o atraso em
diferentes divisões de batida, como colcheias ou semínimas, resultando em um
atraso mais musical e rítmico.
Filtros – Delays geralmente possuem alguns EQs básicos que permitem filtrar os
altos ou baixos do sinal atrasado. Isso é útil se você não quiser sobrecarregar os
graves (usando um HPF) ou precisar escurecer o sinal atrasado (usando um LPF).
Feedback ou repetições – Você usa este controle para afetar quantas vezes deseja
que o atraso se repita ou realimente novamente. Se você quiser apenas alguma
profundidade extra, um feedback de zero ou apenas uma repetição adicionará espessura.
No entanto, você pode ser criativo com muito feedback e atrasos infinitos aumentando
as repetições. Uma palavra de advertência, entretanto, há uma razão pela qual é
chamado de “feedback”, porque se você aumentar muito o volume, eventualmente
sobrecarregará tudo e possivelmente até danificará seus alto-falantes se os atrasos
forem muito altos.
Modulação – Muitos atrasos possuem parâmetros de modulação como Taxa e

Profundidade. Isto irá modular o atraso de forma semelhante a como um plug-in de chorus faria.
faça isso, desafine levemente e module o sinal atrasado em comparação com

a fonte original.
Fase – Este botão inverte a fase do sinal atrasado.
Difusão/Cabeçote de fita – Às vezes, os atrasos têm modelagem analógica

integrada que é projetada para tornar o atraso um pouco mais analógico. Às vezes,
isso suja um pouco o sinal (semelhante à saturação) ou compensa os atrasos,
fazendo com que não fiquem perfeitamente alinhados na grade.
Mix – A configuração mix permite que você decida quanto do sinal original versus
o sinal atrasado você está colocando na trilha. Se você estiver usando um delay
como efeito de envio (o que geralmente é recomendado), então você vai querer
isso com 100% wet ou apenas o sinal atrasado. Como a fonte sonora original vem
de sua própria trilha e o atraso está em um barramento de efeitos auxiliar separado,
não há necessidade de adicionar mais da fonte original à trilha de atraso.
Atrasar não precisa ser complicado
Acho que alguns atrasos podem ser um pouco complicados, especialmente quando você só
precisa de algo simples para trabalhar.
É melhor sincronizar um atraso com o andamento da música. Defina-o para colcheias ou

semicolcheias e misture-o por baixo apenas para dar profundidade à faixa, sem que ela se destaque
visivelmente. Por exemplo, com vocais principais eu geralmente gosto de engrossá-los e dar-
lhes alguma profundidade. Ao fazer isso, você também precisa ter certeza de que o feedback é
muito baixo.
Você só quer que ele se repita uma ou duas vezes, quase indecifrável do vocal principal.
Aumentar o valor de repetição apenas fará com que o atraso seja realimentado repetidamente e
soará terrível. Claro, se você deseja um efeito específico ou automatiza o feedback para
criar algum tipo de transição, o jogo é totalmente diferente.
Em termos de equalização, recomendo filtrar os graves e os agudos. Normalmente os

atrasos possuem filtros convenientes para isso. Finalmente, a taxa e profundidade do LFO
(oscilador de baixa frequência) ajudam a desafinar ligeiramente o atraso, de modo que não é
um clone perfeito da trilha original. Isso fará com que soe um pouco mais como rastreamento duplo
automático e adicionará mais profundidade à faixa vocal.
Mono Tape Delay com leve modulação e filtragem nos agudos e graves
Esses são realmente os únicos parâmetros que importam quando uso delay. Existem muitos atrasos
malucos e complicados por aí que podem ser usados para diferentes propósitos e para diferentes
gêneros, mas descobri que quanto mais simples o atraso, melhor posso usá-lo na mixagem. Por
exemplo, o Tape Delay in Logic padrão é muito simples e um dos meus delays preferidos, embora eu
tenha o plug-in Fabfilter Timeless Delay.
Timeless é muito complicado para meus propósitos, então tendo a ficar longe dele.
Então, quando você substituiria seu reverb por um pouco de delay?
Para solos de guitarra
Claro, solos de guitarra podem soar incríveis com uma grande quantidade de reverberação. Mas
eles podem soar igualmente legais com um bom atraso.
Use um delay estéreo curto a médio com uma repetição. Isso adicionará largura e profundidade ao
seu sinal imediatamente. O atraso estéreo tornará o som do solo mais amplo, e a repetição única do
atraso adicionará profundidade.
E se você tiver o sinal original no meio, somar para mono não vai estragar o som.
Para guitarra base
Usar reverb e delay pode rapidamente arruinar uma tomada de guitarra rítmica apertada. Se você
use muito de qualquer um deles, você acabará com uma faixa de guitarra desordenada.
No entanto, usar um eco curto ou um atraso de colcheia pode adicionar interesse. Envie sua faixa de
guitarra para um atraso por meio de um envio e, em seguida, misture a faixa atrasada abaixo para adicionar
um pouco de espaço. Ele não precisa sobrecarregar a pista se você usá-lo com moderação.
Para vocais principais
Para um vocal principal direto, descarte totalmente a reverberação e use o delay para tornar o palco
sonoro mais amplo. Delay adiciona espaço sem tornar o som vocal distante, algo que acontece com muita
frequência quando você usa muita reverberação. Dependendo do BPM da música, estilo e gênero, use
atrasos curtos, médios ou longos.
Se for uma balada com palavras longas e prolongadas, um atraso longo cria um grande som sem dominar
o vocal real. Uma música de rock rápida se beneficia de um atraso curto e sutil e músicas pop
descoladas usam atrasos médios com grande efeito.
Além disso, se você tiver um “vocal de verso” e um “vocal de refrão”, poderá facilmente usar efeitos de
envio para distingui-los melhor. Por exemplo, se você não quer um grande reverb nos versos, mas acha
que seria bom ter um espaço maior no refrão, basta enviar o vocal do verso para o delay e você envia o
vocal do refrão para o reverb vocal. Isso também adicionará contraste ao arranjo.
Adicionando profundidade sem espaço ao seu vocal
Use esta técnica quando quiser profundidade vocal sem espaço. Isso tornará o vocal maior e mais
presente sem adicionar qualquer cauda de reverberação que possa atrapalhar a mixagem. Envie os vocais
para um delay estéreo com 21 ms à esquerda e 29 ms à direita. Em seguida, use um pitch-shifter para
desafinar ou aumentar o volume do vocal em cerca de 10 centavos.
Adicione o envio abaixo da faixa vocal principal até atingir o ambiente desejado. Uma
maneira avançada de fazer isso é com dois atrasos mono movidos totalmente para a
esquerda e para a direita, com um pitch shifter desafinando o vocal em 10 centavos,
enquanto o outro aumenta o vocal em 10 centavos.
Difundindo atrasos para suavidade
Às vezes você deseja suavizar um atraso e fazer com que as repetições do atraso soem mais
suaves. Se você quiser domar os atrasos, tudo o que você precisa fazer é adicionar um reverb após
o barramento de atraso e adicionar um pequeno atraso para que cada repetição do atraso seja
difundida pelo reverb.
Para bateria e percussão
Um problema semelhante surge do uso de muito atraso na percussão, como acontece na guitarra
base. Um pequeno atraso sincronizado com o BPM da música dá força à percussão sem dar
muito espaço na mixagem.
Alguns gêneros usam atrasos na bateria com grande efeito. Por exemplo, um som de caixa dub
reggae tem um pequeno atraso e muita reverberação de mola para obter aquele som
característico. Apenas certifique-se de manter o feedback baixo para que ele não ecoe continuamente
durante toda a medida. Você quer manter esses ritmos firmes. Experimente também atrasos no
bumbo e nos chimbal para pegar uma batida simples e torná-la mais interessante. Há um link
nos recursos de mixagem passo a passo para um ótimo artigo com exemplos de áudio de como
exatamente fazer isso: www.StepByStepMixing.com/
Resources.
Para órgãos, sintetizadores e teclados
Atrasos médios a longos com uma boa quantidade de feedback podem reforçar o som de um órgão
ou pad. Se você tiver um órgão tocando acordes longos e sustentados, um atraso longo pode dar à
base um som mais denso.
Delays simples e rápidos também funcionam muito bem em teclados porque parecem gostar
de efeitos do tipo chorus. Delays podem funcionar muito bem para isso, em vez de usar um
plug-in de chorus.
Adicione um atraso estéreo em um barramento e tenha um atraso lateral nas colcheias e o

outro atraso nas semicolcheias. Então você pode ir ainda mais longe e enviar isso para um
delay de fita modulado que faz o chorus do delay estéreo para criar “brilho” adicional ao
som.
Atrasos para ampliação estéreo
Uma maneira legal de adicionar alguma imagem estéreo aos seus sons sem precisar de plug-ins
estéreo sofisticados é usar pan, delay e, em seguida, modulação dentro do delay e algum EQ para fazer
o delay soar diferente da outra fonte. A melhor parte é que também faz com que brilhe mais em mono!
Aqui está o que você faz:
Passo 1 – Panorâmica
Pan seu instrumento seco para um lado do espectro estéreo. Em seguida, envie-o para um
barramento mono que você faz panorâmica para o outro lado.
Passo 2 – Atraso
Adicione um pequeno atraso de cerca de 30 ms. Para uma medida adicional, use o
controle de profundidade e taxa em seu atraso para desafinar levemente e modular o
atraso para criar mais separação. Ative e desative-o para ouvir como o instrumento se
amplia em todo o espectro estéreo. É especialmente ótimo para teclados e órgãos mono.
Oooooh exuberante!
Mas ainda não terminamos porque, na verdade, é apenas um atraso mono panorâmico neste
momento.
Passo 3 – EQ
Ao usar o EQ no barramento de atraso, você pode fazer com que o som do atraso soe diferente
do sinal original.
Em combinação com o atraso modulado que percorre todo o espectro estéreo, você
obtém um efeito de duplicação pseudo-estéreo que é muito eficaz quando você deseja apenas
alguma profundidade sutil em suas mixagens, mas não quer mexer com plug-ins de ampliação
estéreo.
EQ é muito útil em todas as situações. Você não apenas o usa para fazer com que todos os
seus instrumentos se encaixem na mixagem, mas também para esculpir seus envios e fazê-
los funcionar melhor com seus efeitos.
Atrasos para efeitos
Você pode brincar indefinidamente com atraso para criar efeitos e

paisagens sonoras estranhas. Brinque com os controles de feedback para
adicionar atraso contínuo, torne cada lado do atraso estéreo diferente (¼ notas e ½
notas, por exemplo) e depois module e automatize o atraso para criar efeitos
estranhos. Combinado com reverberação e até alguma saturação, você poderá
criar texturas malucas em suas músicas.
Uma mixagem de metal que fiz tinha uma seção de detalhamento onde havia apenas
um solo de guitarra elétrica e um vocal e soava muito esparso e vazio. Então eu
automatizei o power acorde distorcido final da seção anterior e o enviei através de um
reverb, um delay muito longo e louco (foto acima), e depois de volta para um reverb
enorme. Então automatizei o volume da seção para que soasse como uma textura
barulhenta embaixo dos instrumentos, fazendo com que toda a seção soasse muito
mais legal do que antes.
Há muitas coisas legais que você pode fazer com reverb e delay que não se
limitam apenas às formas padrão de adicionar profundidade e espaço. Reserve
algum tempo para experimentar suas faixas e use esses dois efeitos para criar emoção
e estilo.
Capítulo 6 -
Saturação
Agora é hora de falar sobre Saturação e algumas maneiras de usá-la em suas trilhas.
Antes de começarmos, gostaria que você soubesse o que NÃO é saturação.
Saturação não é distorção. Você pode usar a saturação para distorcer, mas por padrão não é
distorção no sentido de que destrói ou suja seus sons. Será usado de forma agressiva, mas
não falaremos sobre usá-lo para esse efeito.
Em vez disso, ele pode ser usado para aquecer e engrossar as coisas, adicionar um pouco de
granulação (mas não distorção) ao seu som e, geralmente, fornecer profundidade adicional
adicionando harmônicos às suas faixas.
Existem vários plug-ins de saturação por aí. Os plug-ins padrão do Logic, por exemplo, incluem
alguns plug-ins de distorção que você poderia usar hipoteticamente, mas eles são principalmente do
tipo distorção, e não da saturação da fita e do calor do tubo analógico de que estou falando.
Os plug-ins que uso regularmente são estes três:
Plug & Mix Analógico

Filtro Fab Saturno
Fita Kramer Ondas
O Plug and Mix Analoger é simples e fácil, como a maior parte do pacote Plug & Mix.
O Fabfilter Saturn pode ser incrivelmente complexo se você quiser, mas também
pode ser super simples. Vamos nos ater ao simples e prático porque esse é o
meu estilo. Ele tem vários tipos de emulações de saturação, desde fita limpa e
emulação de tubo até distorção pesada, então poderia ser um plug-in de
saturação completo, na verdade, mas eu gostaria de compará-los um pouco.
A terceira é a Kramer Tape da Waves, que é apenas uma emulação de

fita e é muito divertida de mexer. Eu o uso em muitas coisas, desde o
master bus para aquecer até faixas individuais que precisam de algo extra.
Mas não se desespere, pois todos esses plug-ins são pagos. Se você simplesmente
pesquisar “plug-ins de saturação gratuitos” no Google, terá uma série de opções que poderá
usar caso ainda não tenha nenhuma.
Configurações de saturação
Ok, vamos entrar um pouco nesses plug-ins. Você pode revisar as capturas de tela acima enquanto
examinamos esses plug-ins. Você também pode baixar as demos para testar você mesmo e, se baixar
alguns dos plug-ins de saturação gratuitos disponíveis, é provável que eles tenham alguns dos mesmos
parâmetros.
Espero que, ao cobrir os parâmetros desses três plug-ins de saturação muito distintos, você
encontre algumas semelhanças entre eles e o que acabará usando.
O Analógico
O Analoger é o mais simples, apresentando botões de graves e agudos e um botão

de menos e mais. Você pode selecionar o tipo de saturação de tubo e fita ou mixado
e, em seguida, escolher o quanto deseja mixar com o sinal seco. O botão de
mixagem é ótimo porque você pode obter um som realmente saturado, mas se
você configurá-lo para uma mixagem de apenas 20%, poderá misturá-lo muito
bem com o som original.
Os botões de altos e baixos indicam o quanto você deseja saturar os agudos e

o quanto deseja saturar os graves. Simples e eficiente.
Fita Kramer
A fita Kramer tem mais alguns botões, mas é puramente uma “emulação de fita”.
As velocidades são para saber se você precisa para uma resposta aprimorada de baixa
ou alta frequência. Resumindo, a baixa velocidade da fita é boa para
instrumentos de baixa frequência, mas também pode ser usada para diminuir um
pouco as altas frequências, se necessário. Isso ocorre porque as velocidades mais
baixas da fita resultam em alguma perda de alta frequência.
A entrada define se você deseja ouvir o sinal quando ele chega ao cabeçote de
gravação ou se deseja ouvir a saída conforme ele passa por todos os parâmetros, como
velocidade da fita, polarização, fluxo e todas as outras configurações no plug-in. em.
Bias é como uma sobrecarga de fita, como adicionar um pouco mais de ganho ao sinal
da fita. Na eletrônica, é um deslocamento DC, de modo que, se você adicionar
uma certa quantidade de polarização, a parte superior da forma de onda atingirá as bordas
antes da parte inferior da forma de onda. Em alguns plug-ins, isso atua como saturação
adicional, o que pode proporcionar bons ou maus resultados dependendo da faixa.
Flux, de acordo com o manual (que realmente não diz nenhum uso prático para ele), é
“essencialmente um fator de ganho que reflete um nível mais alto passado para a cabeça
do disco”, então de certa forma adiciona um pouco mais de ganho ou distorção até a
saída.
O ruído é apenas isso, ruído. Eu não sou um grande fã disso porque se você usa muito
ruído em várias faixas, você obterá um acúmulo que tornará sua mixagem realmente
chiada.
Uau e vibração fazem o sinal soar um pouco mais áspero ou desgastado.

Basicamente fazendo a fita parecer mais antiga.
Então você tem os medidores VU, e eu tento ter cuidado para fazer o teste de ganho correto
para que não sobrecarregue, a menos que você realmente queira. Costumo desligar o botão
“Join” para poder calibrar a entrada e a saída de forma independente, se necessário.
A seção de atraso é super conveniente para espaços rápidos. Costumo colocar esse plug-
in de fita em guitarras solo e apenas usar o atraso da fita para criar alguma profundidade
adicional. Você pode obter de tudo, desde eco rápido até atrasos agradáveis.
Filtro Fab Saturno
O Fabfilter Saturn é um dos meus favoritos porque é incrivelmente versátil. Não entrarei em
todas as configurações, mas aqui está meu guia de início rápido para o que costumo fazer.
Obviamente, coloco-o em uma faixa e depois seleciono a emulação de saturação que estou pensando
que quero. Geralmente é algum tipo de fita ou tubo, dependendo da faixa. Então encontro a
saturação ideal no botão de drive e, ao brincar com o botão de drive e de mixagem, geralmente
consigo chegar perto de onde quero estar.
O botão de feedback geralmente não é útil para mim porque basicamente envia o sinal de saída
de volta para a entrada e pode criar alguns sons legais, mas para o tipo de coisa que mixo, não
costumo encontrar muita utilidade para ele. Você pode pensar nisso como uma distorção contínua.
O botão de dinâmica funciona como um compressor embutido para sua saturação.
O Saturn também possui esse incrível equalizador de quatro bandas que pode realmente ajudar a
moldar o seu som. Por exemplo, isso pode funcionar bem quando você deseja adicionar saturação
aos graves para realçar os graves, mas também deseja fazer com que as frequências médias
cortem a mixagem. Então você simplesmente aumenta um pouco a banda intermediária para
acentuar essa frequência.
Uma das funções mais convenientes do Saturn é sua capacidade multibanda.

Ele permite dividir o espectro de frequência em diferentes bandas, tornando-o um saturador
multibanda. Isso é útil quando você deseja um pouco mais de sujeira nos graves, mas deseja manter
os agudos limpos.
Aplicando saturação em sua mixagem
Aviso: um tamanho não serve para todos.
A razão pela qual mencionei esses três plug-ins de saturação diferentes é porque todos eles reagem
de maneira diferente a qualquer faixa que eu os coloquei. Mesmo se eu colocar a fita Kramer no
baixo em uma mixagem, ela pode não me dar necessariamente os mesmos resultados excelentes na
mixagem seguinte.
Eu recomendo testar vários plug-ins de saturação para ver qual deles reage melhor às suas faixas
específicas. Se você desistir e abandonar a saturação só porque ela não funcionou uma vez,
você estará se enganando em um mundo de possibilidades para obter uma mistura mais
quente e espessa.
Bateria
Para o bumbo, é uma boa ideia tentar alguma saturação simples se precisar aumentá-la nos
graves. Por exemplo, se você usar o Analoger simples, os botões de agudos e graves são cruciais
porque muitos graves irão turvar o som, mas você ainda deseja aumentar um pouco os agudos para
acentuar a extremidade superior do bumbo. Depois é uma questão de trabalhar os botões de
drive e mix para obter o som desejado. Normalmente, os plug-ins têm uma predefinição que pode
fornecer um bom ponto de partida para trabalhar.
O mesmo vale para a caixa se ela estiver faltando nos médios-graves e você quiser um pouco mais
potente. Via de regra, a saturação tende a atenuar um pouco os agudos. Se você tem uma caixa
realmente nítida que deseja puxar e adicionar potência, é um
é uma boa ideia verificar o que a saturação pode fazer para ajudar. No entanto, ter um
saturador multibanda como o Fabfilter ajuda a adicionar estilos diferentes a diferentes partes
do espectro de frequência.
Digamos que você queira adicionar um pouco mais de carne aos médios sem adicionar mais
saturação ao crack médio-alto da caixa. Em seguida, você divide as bandas de frequência
ao meio e aplica um estilo de saturação diferente a cada banda. Alternativamente, se você
não tiver capacidade multibanda, você pode duplicar a trilha da caixa, adicionar um EQ
antes do plug-in de saturação na trilha extra e filtrar todas as frequências que você não
deseja que sejam afetadas. Depois é só misturar as duas faixas.
Às vezes, a saturação soa um pouco áspera no solo, mas se você tocá-la no contexto
da mixagem, ela pode realmente adicionar personalidade ao som.
Devido à natureza de alguma saturação, pode nem sempre funcionar em overheads

de bateria. Se você quiser pratos nítidos que cortem a mixagem, deixe a saturação de
fora. No entanto, se eles estiverem perfurando suas orelhas, você pode domesticá-los com
um simples emulador de fita.
Baixo
Assim como o bumbo, o baixo muitas vezes pode se beneficiar da espessura adicional que
a saturação proporciona à faixa. Tenho tendência a gravitar em torno do meu plug-in Kramer
Tape para graves se precisar de alguma espessura adicional nos graves. Começo com uma
predefinição, como “rock com dedos de baixo”, que é uma de suas predefinições, e depois
ajusto a entrada e a saída para poder ouvir melhor a mudança quando ignoro o plug-in.
Você quer ter certeza de que há volume igual entre o sinal de origem quando o plug-in é
ignorado e quando o plug-in está ligado. Se a saturação (ou qualquer plug-in) adicionar
um volume considerável ao seu sinal, você automaticamente pensará que soa melhor, quando
na verdade soa mais alto.
Guitarras
Adicionar saturação às guitarras pode adicionar espessura extra nos médios-graves se

elas soarem um pouco finas. Também pode reduzir a aspereza se você tiver guitarras
muito distorcidas e com muita presença nos médios agudos.
Se você quiser violões com som limpo, eu deixaria a saturação de lado. Se você está
apenas procurando um pouco mais de calor, um plug-in de fita pode ajudar as guitarras a
se encaixarem melhor em uma mixagem. Novamente, usar um saturador multibanda pode
ser útil se você quiser que o violão atinja os agudos enquanto se acomoda calorosamente
com o resto dos instrumentos nos médios.
Saturador multibanda com saturação suave nos graves, fita quente nos médios e fita
limpa nos agudos
Às vezes, a saturação pode realmente ajudar a domar algumas das frequências mais altas.
Então, em vez de usar EQ, você pode usar um plug-in de saturação. Isso o ajudará a domar
as frequências mais altas em guitarras elétricas com som áspero (me vêm à mente
Stratocasters com fio), ao mesmo tempo que oferece uma fita suave ou saturação de tubo
para adicionar um conteúdo harmônico agradável ao seu som. É uma solução mais rica do que
apenas um corte de equalização e sua mixagem tirará mais proveito disso.
Há momentos em que você quer exagerar um pouco na saturação dos violões, especialmente
se estiver tentando ativamente fazer com que soem menos como um violão. Uma vez eu estava
trabalhando em um EP de rock acústico e mixei-o de forma “limpa”, sem nenhum processamento
ou efeitos malucos. O músico teve alguns comentários e ideias para experimentar e
antes que você percebesse, estávamos experimentando simuladores de amplificador e
saturação nos violões. Fizemos com que soassem menos como violões limpos e mais como
guitarras rítmicas de rock de garagem sujas.
E sabe de uma coisa? Isso tornou totalmente o som do disco mais emocionante e divertido de
ouvir.
Teclados e sintetizadores
Dependendo de quão limpas você deseja manter as partes do teclado em sua mixagem, você
poderá abordar a saturação de maneira diferente. Os teclados elétricos muitas vezes
podem soar naturalmente overdrive, especialmente se forem gravados através de um
amplificador. Adicionar um pouco de saturação, beirando o overdrive, pode dar à parte do
teclado um papel muito legal na mixagem. Adicionar uma boa dose de uau e vibração
ajuda a dar aquele som de teclado old-school que eu costumo gostar, e a quantidade certa de
saturação muitas vezes pode ajudar a cortar a mixagem nos médios.
O mesmo vale para sintetizadores de software se você estiver fazendo algum tipo de música eletrônica.
Ao adicionar saturação de tubo a sintetizadores de software com som médio, muitas vezes você
pode reforçá-la o suficiente para dar-lhe um caráter completamente novo e gordo.
Vocais
Com os vocais você deve experimentar tantos estilos de saturação quanto puder. Dependendo do
gênero, você pode optar por qualquer coisa, desde o calor sutil da fita até a distorção total. Muitas
vezes, uma abordagem sutil ajuda as coisas a se encaixarem melhor na mixagem e adiciona espessura
a um vocal fino.
Ao decidir se deseja usar a saturação nos vocais, pense se deseja usar a saturação como um
aprimoramento sutil de aquecimento para adicionar profundidade ou como um efeito audível para
adicionar granulação e distorção.
Se você está procurando um calor sutil, uma emulação de fita ou um plug-in de saturação sutil na
inserção da faixa vocal adicionará um toque extra ao vocal.
Isso geralmente será suficiente.
No entanto, se você quiser exagerar e distorcer seus vocais, faça-o em um barramento paralelo para
poder ajustar o equilíbrio entre a faixa limpa e a distorcida.
Acredite em mim, é fácil exagerar e não apenas adicionar muita distorção, mas também podem ocorrer
recortes digitais acidentais se você estiver forçando demais os níveis.
Saturação em Submixes e Busses
Finalmente, acho que a saturação faz maravilhas nos ônibus porque tende a unir as coisas
muito bem. A chave para mixagem de barramentos com saturação é tentar ser sutil porque você
está adicionando muito mais sinais aos barramentos e seu plug-in de saturação pode sobrecarregar
mais facilmente.
Não exagere na saturação
Provavelmente me repeti um pouco nos últimos parágrafos porque é tudo muito subjetivo com
base no que você está procurando. E às vezes você pode nem estar procurando saturação.
Portanto, não se preocupe se achar que não soa bem em uma faixa específica. Você não
precisa disso em todos os lugares!
Nem sempre coloco saturação em tudo, mas costumo pelo menos verificar se acrescenta algo
legal à mixagem. Mas se isso não acontecer, eu não hesitaria em fazê-lo novamente
imediatamente. Esse é um dos processos de pensamento que você deve sempre ter ao entrar
na mistura. Em vez de usar plug-ins sem motivo, há muita escuta crítica que precisa ser feita,
além de A/B e correspondência de nível para que você saiba que está fazendo as coisas
realmente soarem melhor.
Resumo
Deixe-me terminar este capítulo com uma rápida história sobre a época em que fui a Estocolmo,
na Suécia.
Você sabia que o Salão Azul da Prefeitura de Estocolmo é mesmo vermelho?!?
Esta informação pode não ser interessante, excepto pelo facto de este salão ser onde se
realiza o Banquete Anual do Prémio Nobel, um dos eventos de maior prestígio na Suécia e,
possivelmente, no mundo. E não só o Salão Azul é decorado com tijolos vermelhos, mas
os tijolos são esculpidos para parecerem imperfeitos!
Como nos disse o nosso guia turístico, o que é corroborado pela Wikipedia:
“Originalmente, o salão deveria ter sido rebocado e pintado de azul, um esquema de

cores que lembraria a água da baía. Mas Östberg [o arquitecto] mudou de ideias durante a
construção do salão depois de ver o tijolo vermelho. Embora Östberg tenha abandonado
seu design azul em favor do tijolo vermelho inacabado, o nome “Blue Hall” já era
de uso geral e pegou.” -Wikipedia, (colchetes meus).
Deixando de lado as crises de identidade dos arquitetos, o que mais me surpreendeu foi o
que o guia turístico nos contou a seguir. Quando o tijolo foi colocado, parecia novo demais
para a sensação do ambiente. Assim, para tornar tudo antigo e majestoso, os
trabalhadores foram contratados para cinzelar os tijolos para dar-lhes uma aparência envelhecida.
E por causa da forma como meu cérebro funciona, isso me lembrou instantaneamente de como usamos a
saturação para fazer faixas imaculadas soarem mais ousadas. Quando estamos mixando, nem tudo
deve estar limpo e imaculado. Se buscamos coragem, a saturação nos ajuda a ter a sensação que buscamos.
Podemos ter um som vocal perfeitamente gravado, limpo e brilhante, mas por alguma razão esse tipo de som
não se adapta ao gênero da música.
Então, adicionamos um pouco de saturação de fita e sujamos os médios-graves e suavizamos os transientes

de alta qualidade, tornando-os mais ásperos e ao mesmo tempo se ajustando melhor à mixagem.
Então, da próxima vez que você precisar substituir sua linda faixa azul por alguns vermelhos atrevidos,
coloque aquele plug-in de saturação e veja se você não consegue a coragem que está procurando.
Se você mixou suas faixas enquanto segue este livro, poderá notar que a única coisa que resta a fazer é
uma automação simples aqui e ali, e possivelmente fazer alguns ajustes em algumas configurações depois de
referenciar a mixagem em vários sistemas de alto-falantes e coisas assim. Lembre-se de que 20% do
esforço gera 80% dos resultados, portanto, mesmo que você tenha todos esses plug-ins diferentes
sendo anunciados todos os dias, você nem sempre precisa pular para o próximo especial. Em um
piscar de olhos, você pode facilmente fazer uma mixagem de qualidade funcionar com apenas um EQ, um
compressor, um reverb, um delay e um plug-in de saturação.
Capítulo 7 -
Como usar um mix de referência
Você deve ter ouvido o conselho de que é sempre uma boa ideia comparar seu mix
com um mix de referência.
Mas o que isso significa? Que tipo de mix de referência? Como você fará isso?
O que é um mix de referência?
Um mix de referência é um mix de qualidade comercial que geralmente foi mixado e

lançado no mesmo gênero ou estilo que você está mixando. É um mix que você conhece
bem, que se traduz bem em sistemas diferentes (especialmente quando você está testando
PAs em som ao vivo) ou apenas algo que você acha que soa bem.
É uma mistura que você seleciona com base em parte no seu gosto, mas também na
qualidade da mistura. Embora a “qualidade da mixagem” também possa ser
subjetiva, a tradução, a separação e as características gerais da mixagem não são tão subjetivas.
Usar uma faixa de referência oferece uma perspectiva diferente da sua mixagem. Ajuda você
a descobrir o que está faltando em seu mix e revela inconsistências que de outra forma você
não teria notado.
Como escolher um mix de referência
Você encontra suas mixagens de referência ideais ouvindo música e anotando quais
músicas soam bem para você. É simples assim. É verdade que pode ser bastante
assustador tocar todas as músicas possíveis. Mas contanto que você consiga selecionar
algumas músicas boas nos gêneros em que trabalha, você deve pelo menos ter algumas
boas referências para começar.
Honestamente, tenho problemas com referências. Sou preguiçoso quando se

trata de fazer referência às minhas mixagens, e é algo que tenho tentado melhorar neste
momento da minha carreira. Mas também acho que a escolha de referências deve ser
uma jornada pessoal. É divertido procurar músicas que soem bem.
Regras para usar uma referência adequada
Certifique-se de usar um bom mix de referência desde o início. Se você acha que sua mixagem
é ruim, não adianta compará-la com outra música que soa uma merda.
Sem MP3 – Não basta apenas ouvir uma de suas músicas favoritas e comparar. Você
precisa de uma versão de qualidade da sua música. Sem MP3s, AACs ou qualquer outro
formato de áudio compactado.
Somente WAV/AIFF sem perdas ou melhor é bom o suficiente. Normalmente, o master de alta
qualidade é a última etapa da produção profissional, portanto use apenas áudio de qualidade para
uma comparação adequada.
Conheça seu mix de referência – Certifique-se de conhecer bem a música de referência.

Você precisa estar familiarizado com a música e saber como ela soa no seu sistema e
em outros. Escolha algo com o qual você se sinta confortável e familiarizado.
Se você não tem ideias sobre o que constitui uma ótima mixagem, Ian, da Production Advice, tem
uma ótima postagem sobre seus álbuns favoritos.
A melhor parte é que você pode se entregar a todos os seus prazeres culposos em nome do
“trabalho” ou da “pesquisa”.
“Querido… eu tenho que ouvir Purple Rain 15 vezes por dia. Eu preciso acertar esse som
de guitarra vítreo…”
“Querida… sinto muito que você não goste dos Crash Test Dummies, mas Tom Lord-
Alge tem um som de caixa que você não consegue vencer!”
E assim por diante…
Você também pode obter um mix de referência da banda ou músico que está mixando.
Pergunte à banda que tipo de música eles gostam e se há um disco específico que eles
querem que suas músicas soem. Isso restringe o processo de seleção imediatamente.
Uma palavra de alerta
Não confunda uma música comercial com uma ótima mixagem. Eles nem sempre andam de mãos dadas.
Já ouvi ótimos discos que não soam tão bem. Mas as músicas são legais, então gosto do álbum.
Eu nunca os usaria como mixagens de referência. Portanto, para usar uma mixagem de referência de
maneira eficaz, você deve selecionar uma mixagem com ótimo som.
De preferência, um que seja quase inatingível, porque irá desafiá-lo a melhorar.

Suas habilidades de mixagem melhorarão muito mais rápido se seu objetivo for mais difícil de alcançar.
Se você estiver usando uma mixagem abaixo da média como referência, será muito fácil para você. Você
pode se sentir bem consigo mesmo por um minuto, mas suas habilidades não melhorarão.
Então, as três regras para escolher mixagens de referência que melhoram suas habilidades de mixagem
são:
Escolha um disco com ótima sonoridade.
Escolha a música com melhor som desse disco. (Lembre-se de que mesmo que o single seja sua
música favorita, raramente é a música com melhor som do disco.
Certifique-se de que o disco escolhido soe tão bom que seja quase impossível alcançá-lo
isto. Isso empurra você com mais força e faz de você um mixer melhor.
Depois de encontrar um mix de referência que você goste do som do gênero em que está
trabalhando atualmente, faça o seguinte:
Importe seu mix de referência
Para usar um mix de referência, basta importar a música para o seu DAW, em uma nova faixa.
Certifique-se de não ter nenhum compressor ou plug-in de masterização no fader master, pois
eles irão interferir na sua trilha importada.
Por último, certifique-se de que o nível da música corresponda ao seu. Ou seja, sua
referência precisa estar no mesmo nível do seu mix.
Escuta Crítica
Então você ouve e compara, fazendo o mesmo exercício de escuta crítica que você fez quando
começou a mixar sua própria música. O que você ouve? Como a mistura é dividida em camadas?
O que se destaca?
Analise seu mix de referência e faça observações auditivas críticas.
Pense alto. Largo. E profundo. (Lembra-se disso do nosso exercício de visualização anterior?)
Alto – Frequências
Compare o espectro de frequência de ambas as mixagens e veja se algo se destaca.

Use um analisador para ajudá-lo a identificar áreas problemáticas. O analisador irá ajudá-lo a
ver onde sua mixagem difere quando se trata de equalização.
Definitivamente, há algo errado na falta de graves e no pico estranho nos médios-graves em

torno de 300 Hz
Amplo – Panorâmica e largura estéreo
Compare a largura de ambas as mixagens. Qual é a largura de cada mix? A bateria é movimentada
com força para a esquerda e para a direita ou o kit soa estreito? Cada instrumento tem um
ponto específico no espectro estéreo ou eles são panoramizados para muitos dos mesmos
lugares? A mixagem tem muitos efeitos estéreo espalhando os instrumentos por toda parte? O
bumbo, a caixa e o baixo estão firmes no centro ou há alguma criatividade usada no panning?
O mesmo vale para você. Não coloque tudo no meio; em vez disso, espalhe-o e encontre um bom
local para cada instrumento que corresponda à mixagem de referência que você gosta.
Profundo – Efeitos e Reverberação
Quão úmida está a mistura geral? A bateria está na sua cara ou empurrada para trás com
reverberação?
O engenheiro de mixagem da mixagem de referência usou reverb no vocal, delay ou uma

combinação dos dois? A música soa como uma banda gravando na mesma sala ou está cheia de
sintetizadores artificiais com reverbs e delays separados? Como a modulação é usada?
Empurre os instrumentos para trás, puxe-os para frente, aproxime-os ou afaste-os. Pense na
mixagem como uma imagem 3D ao tentar combiná-la com a referência.
Recrie o equalizador mestre
Uma das coisas mais difíceis de recriar a partir de um mix de referência é o equalizador geral.
Por exemplo, digamos que sua referência soa forte nos graves e limpa e clara nos agudos, mas
sua mixagem soa turva e plana.
A maneira correta de consertar sua mixagem é voltar a cada instrumento e ver onde está o
problema. Descubra onde está a turvação, elimine a quadratura e solucione o problema
usando seu mix de referência como guia.
Outra maneira mais simples de fazer isso é usar Match EQs. O plug-in Match EQ no Logic
escuta sua mixagem de referência e permite que você aplique essa curva de EQ ao fader master
da sua mixagem. É ótimo em apuros, especialmente para fins de masterização quando seus
instrumentos soam bem, mas o master precisa de alguma equalização.
No entanto, usar um equalizador correspondente é um pouco como trapacear. Eu preferiria que

você aprendesse a entender o espectro de frequência para saber instintivamente onde
aumentar e cortar para combinar sua mixagem com a referência que você está tentando alcançar.
É por isso que recomendo que você dê uma olhada em EQ Strategies – Your Ultimate Guide to EQ.
Isso ajudará você a entender como esculpir o espectro de frequência de sua mixagem para soar
mais próximo da mixagem de referência comercial que você está usando.
Torne sua mixagem melhor por comparação
Enquanto você faz todas essas observações na referência, volte e tente recriá-las em seu
próprio mix.
Pegue o que você gosta do seu mix de referência e remixe seu próprio mix de acordo.
Salte entre o seu mix e a referência para ver se você está progredindo. À medida que você passa
por esse processo, eu não ficaria surpreso se sua mixagem melhorasse consideravelmente em
qualidade, à medida que você faz pequenos ajustes aqui e ali para se aproximar da faixa
profissional que você está referenciando.
Neste ponto você está chegando muito perto de uma mixagem final.
O equilíbrio entre as faixas é ótimo e você pode ouvir tudo com clareza e cada faixa está no
volume correto.
Você equalizou todos os instrumentos para que eles fiquem juntos no espectro de frequência.
Você domesticou a dinâmica com compressão e adicionou força e firmeza a todos os instrumentos
necessários em sua mixagem.
Você adicionou espaço com reverb e delay para que tudo não soe de perto, cru e direto (a menos
que você queira!).
Você adicionou calor e granulação relevante à sua mixagem com saturação para que pareça um pouco
mais profissional.
Você comparou seu mix a um mix comercial por meio de mixagem de referência. Depois de ajustar sua
mixagem para mais perto da mixagem de referência, você deverá ter feito alguns pequenos ajustes
de equalização e equilíbrio.
Agora é hora de garantir que sua mixagem seja traduzida com precisão para outros alto-falantes,
para que, não importa onde você toque sua mixagem, você possa se orgulhar de aumentar o
volume dos alto-falantes para o mundo ouvir.
Obtenha meu excelente infográfico para impressão, o Mix Translation Cheatsheet, para ajudar a
fazer suas mixagens soarem bem em todos os alto-falantes, mesmo se você não tiver equipamento
profissional: www.StepByStepMixing.com/Resources.
Capítulo 8 –
Monitorando seu mix
Para finalizar a mixagem há algo que você deve sempre fazer para que sua mixagem seja
bem traduzida para quem a ouve. Você precisa ouvir sua mixagem em vários tipos diferentes de
alto-falantes e fazer anotações sobre o que chama a atenção e que você precisa consertar.
Fazer com que sua mixagem seja traduzida para outros alto-falantes é extremamente importante.
Realmente não importa se você tem o melhor equipamento do mundo. Se suas mixagens
soam mal em sistemas ruins, então seus monitores de última geração não significam nada.
Aqui estão três coisas que você pode fazer para garantir que sua mixagem soe da melhor
maneira possível antes de levá-la para o carro ou reproduzi-la no aparelho de som
doméstico. Faça todos eles em sucessão ou alterne entre eles.
Ouça em Mono
Transforme sua mixagem em mono. Tudo ainda parece bom?
A propagação do estéreo está um pouco estranha e os atrasos de guitarra, intensificadores

vocais e espacializadores desapareceram? Em seguida, comece a ajustar os efeitos estéreo
até chegar o mais próximo possível do som que tinha antes.
Abaixe o volume
Abaixe seus monitores até que você mal consiga ouvir sua mixagem.
A mixagem ainda soa a mesma?
Os instrumentos que você deseja que sejam dominantes ainda são dominantes? Você ainda
consegue ouvir tudo claramente?
Caso contrário, é hora de ajustar seus faders para tornar a mixagem mais equilibrada. Use o EQ para
adicionar mais presença ou recuar as coisas.
Troque seus alto-falantes
Provavelmente, você tem algum tipo de alto-falante de computador. Se estiver usando um laptop,
você pode facilmente mudar a saída para os alto-falantes integrados do laptop em vez dos
monitores.
Fazer os itens 1 e 2 com os alto-falantes do computador oferece uma experiência auditiva

completamente diferente e mostra todas as pequenas complexidades da mixagem que você não
conseguia ouvir nos monitores.
Os alto-falantes do computador em geral soam muito mal. Se você conseguir fazer com que sua
mixagem pareça convincente tanto em seus monitores quanto em seu laptop, você terá 80% do
caminho para uma mixagem bem traduzida.
Novamente, essas três coisas são algo que você precisa fazer quando terminar de mixar.
Pessoalmente, meu processo de mixagem é o seguinte:
Eu mixo em mono no meu Behringer Behritone Mixcube, principalmente seguindo os passos que dei nos
capítulos anteriores. O Mixcube é um alto-falante terrível que não possui graves ou agudos. Ele tem
apenas um driver e parece péssimo.
No entanto, se eu conseguir fazer minha mixagem soar razoavelmente decente neste alto-falante, sei
que estou chegando a algum lugar.
Viro minha mixagem para minha Yamaha HS-5 e faço outra rodada de ajustes. Geralmente, isso é um
esforço de reequilíbrio no EQ, mas também tiro minha mixagem do mono neste ponto. Agora posso ouvir
muito bem o espectro estéreo. Se eu receber um “uau! Essa mixagem realmente abre mesmo que não
soasse mal antes” Eu sei que estou no caminho certo. Passarei algum tempo com reverb, delays e outros
efeitos.
Então ouço minha mixagem em meus Focal CMS50s acoplados a um subwoofer.

Agora posso realmente ouvir todas as pequenas coisas da mixagem, bem como todos os graves
presentes. Normalmente, isso exige que eu ajuste a bateria, o bumbo, o baixo e outros instrumentos de
baixo custo.
Quando sinto que meu mix está pronto, eu o despejo e carrego no Dropbox. Levo o cachorro para passear
e ouço minha mixagem várias vezes em fones de ouvido, fazendo anotações mentais do que precisa ser
mudado.
Ou eu trato da mixagem imediatamente ou durmo sobre ela e volto com ouvidos frescos. Ao longo deste
processo, costumo verificar a mixagem com um par de fones de ouvido de última geração de vez em
quando para ter certeza de que nada está errado com a reverberação e
efeitos.
Depois de fazer minhas revisões, geralmente recebo feedback do meu parceiro de

estúdio antes de enviá-lo ao cliente.
Se o cliente tiver algum feedback, eu mudo o mix de acordo e envio a ele o mix final.
Observe quantos pares diferentes de alto-falantes e ouvidos individuais a mixagem

passa antes de terminar? Você não quer depender de um único monitor configurado em
uma sala para tomar suas decisões finais de mixagem. Você quer ter certeza de que
seu mix será bem traduzido em todos os lugares onde o mix será ouvido.
Que tal mixar com fones de ouvido?
As pessoas costumam me perguntar: “posso mixar e masterizar apenas com fones de ouvido?”
Sim. 100% sim. Mas não acredite apenas na palavra deste humilde escritor, Andrew Scheps,
o engenheiro de mixagem por trás de superestrelas como Adele, Red Hot Chili Peppers,
Metallica e Beyoncé, disse à multidão em um show da NAMM uma vez que ele mixa
predominantemente completamente na caixa em fones de ouvido . Então, se ele fizer isso
sem muitos problemas, acho que você também pode.
No entanto, você não deve simplesmente terminar aí. Você ainda precisa ter certeza de que
seu mix será traduzido. Portanto, certifique-se de ouvir suas mixagens no maior número
possível de alto-falantes para que você possa ouvir como suas mixagens se traduzem no mundo
real, fora de seus sofisticados fones de ouvido de estúdio. Sua mixagem não pode soar
bem apenas em seus fones de ouvido. Tem que soar bem para o resto do mundo também.
Independentemente de você estar mixando exclusivamente com fones de ouvido ou não, a regra
fundamental da tradução é que sua mixagem deve soar bem em qualquer lugar.
Outra coisa, se você mixar exclusivamente com fones de ouvido, estará deixando de fora uma
parte da equação.
A sala
A desvantagem de mixar com fones de ouvido é que você ainda precisa executar sua mixagem
em todos os sistemas de alta fidelidade que encontrar, apenas para ter certeza de que soa bem
em uma sala real com alto-falantes reais. Infelizmente, com fones de ouvido, você fará isso com
mais frequência se não mixar com monitores para começar.
Você precisa de espaço ao seu redor para tomar decisões precisas. Quando você ouve música nos
alto-falantes, você não está apenas ouvindo a música que sai dos alto-falantes, mas também a música
refletida nas paredes. Ironicamente, a sala também é uma desvantagem, especialmente se
você não tiver uma sala tratada acusticamente e soar reflexiva e com eco. Se você estiver
trabalhando em uma situação abaixo da média, sem uma sala de estúdio decente, os fones de
ouvido podem ser uma aposta melhor no geral.
Bom para detalhes
Os fones de ouvido são realmente úteis para verificar detalhes e fazer uma audição crítica muito
próxima. Pense neles como uma ferramenta de zoom para áudio. Quando você precisar conferir seu
áudio de perto e pessoalmente, faça um solo e ouça-o em fones de ouvido.
Mas quando você tira a sala da equação, a sonoridade muda.
Dito isto, a mixagem com fones de ouvido é bastante comum e segue as mesmas diretrizes da mixagem
em monitores. É apenas um pouco mais demorado durante a “fase de perfeição” porque você ainda
precisa fazer com que sua mixagem seja traduzida para todos os sistemas de alto-falantes.
Se você está preso mixando com fones de ouvido porque gostaria de mixar seu EDM metal hardcore
ao lado de seu bebê recém-nascido dormindo, aqui estão algumas coisas em que você deve pensar
quando precisar manter tudo quieto.
Use fones de ouvido de qualidade
Use bons fones de ouvido de uma marca confiável que projeta fones de ouvido para trabalhos de
áudio, como Sennheiser, Shure ou Sony, por exemplo. Existem mais marcas por aí, então cabe a
você fazer sua pesquisa para encontrar os melhores fones de ouvido para você.
Hesito em recomendar modelos específicos porque esta frase datará mais rápido do que você
encontrará um troll de comentários no YouTube. Contanto que você siga o resto das etapas de
tradução em Mixagem passo a passo e faça referência cruzada de sua mixagem em outros alto-
falantes, não apenas em seus incríveis (mas badalados) fones de ouvido, então sua mixagem
deve ficar boa no final.
Verifique sua mixagem nos alto-falantes
Mesmo que você não tenha monitores de referência de qualidade em seu quarto, tenho certeza que
você poderá ouvir sua mixagem em algum tipo de alto-falante. Os alto-falantes do carro. O
sistema surround da sua TV. O antigo HI-FI (“vintage”) do seu pai, ele só ouve rádio AM. Tudo o
que você puder encontrar. Faça anotações abundantes e certifique-se de corrigir qualquer coisa
que se destaque durante a sessão de revisão do mix.
Tenha cuidado com imagens estéreo
Seus fones de ouvido exagerarão a imagem estéreo porque você colocará um alto-falante em
cada ouvido, em vez de permitir que cada alto-falante se misture na sala.
Ao mixar em monitores, você ouvirá os dois alto-falantes ao mesmo tempo com os dois ouvidos.
Com fones de ouvido, seu ouvido direito ouve apenas o lado direito e vice-versa. Isso pode resultar
em algumas escolhas de mixagem estranhas que você não teria feito se tivesse mixado com
monitores.
Fones de ouvido abertos podem ser melhores
Devido ao problema de estéreo mencionado acima e à falta de alimentação cruzada de um ouvido

para o outro, os fones de ouvido abertos podem ser mais úteis porque haverá sangramento de um
ouvido para o outro, o que não acontece com os fones de ouvido fechados.
Revise suas mixagens em outros fones de ouvido E fones de ouvido

Para obter a melhor tradução possível, você não apenas deseja verificar suas mixagens em tantos
sistemas de alto-falantes quanto possível, mas também pode experimentar outros fones de
ouvido, bem como fones de ouvido de baixa qualidade para iPhone. Você está mixando
para o ouvinte, não para o troll audiófilo do Gearslutz, então certifique-se de que sua mixagem
soe bem para o consumidor final. Eles são os mais importantes, independentemente do que digam
os que odeiam.
Use faixas de referência
A mixagem em fones de ouvido não altera a importância e a utilidade do uso de faixas de

referência para tornar sua mixagem mais próxima de uma mixagem comercial. É um exercício
ainda mais interessante porque as mixagens comerciais muitas vezes podem soar muito diferentes
nos fones de ouvido do que você está acostumado a ouvir nos alto-falantes. Consulte o capítulo
de mistura de referência anterior e siga o mesmo processo com suas latas
sobre.
Use simuladores de sala
Hoje em dia existem alguns plug-ins que você pode usar e que podem emular o som de uma sala
através de seus fones de ouvido. Infelizmente, não tenho nenhuma experiência em usá-los porque
simplesmente verifico minhas mixagens em monitores, alto-falantes e fones de ouvido, como
falo na tradução. Mas pensei em mencionar a possibilidade para lhe dar uma lista
completa.
Mentira dos fones de ouvido
Sempre que você mixa com fones de ouvido, você corre o risco de atrasar demais as coisas.
Como todas as faixas estão ao redor dos seus ouvidos, elas soam automaticamente mais altas e
mais presentes, o que por sua vez faz com que você adicione mais reverberação para atrasar
as coisas. Ou você diminui o volume do vocal porque está muito presente na sua mixagem.
Mas o problema é que, quando você reproduz nos alto-falantes, você pode acabar
com uma mixagem insosso. Coisas que estavam presentes antes podem ser
abafadas por outros instrumentos. O vocal pode soar super presente em seus fones de
ouvido, mas depois de tocar sua mixagem nos monitores, ele será substituído por
todos os outros instrumentos. É mais fácil iniciar sua mixagem em monitores e depois
ajustá-la com fones de ouvido. Mas se você só tem fones de ouvido, verifique sua
mixagem no maior número possível de sistemas de alto-falantes. Você não quer que
aquele vocal seja abafado só porque você era preguiçoso.
Capítulo 9 –
Concluindo seu mix e preparando você para

Sucesso
Tudo bem, vamos recapitular rapidamente tudo o que falamos até agora.
No primeiro capítulo falamos sobre mixagem em geral e equilíbrio e organização básicos.

Eu recomendei codificar as faixas por cores no mixer, bem como agrupar os
instrumentos em barramentos ou grupos para simplificar sua mixagem.
É crucial ouvir criticamente tudo o que está acontecendo na música e até mesmo anotar
algumas notas, ou fazer anotações mentais, do que se destaca e que você deseja
acentuar ou precisa trabalhar quando estiver ouvindo as faixas pela primeira vez. .
Por exemplo, mesmo depois de obter um bom equilíbrio, você ainda pode precisar trabalhar
com certas faixas posteriormente com EQ e compressão, se elas estiverem sendo
problemáticas na mixagem estática.
No capítulo EQ discutimos a limpeza e a filtragem, o corte de frequências indesejadas

e o aumento das frequências favoráveis. A filtragem é crucial e você deve usar filtros
passa-alta e passa-baixa para limpar cada lado do espectro. Em seguida, fizemos equalização
subtrativa para eliminar frequências ressonantes irritantes e acentuamos as faixas, realçando
as frequências agradáveis com reforços.
Depois falamos sobre compressão e você aprendeu algumas dicas úteis para testar em suas
mixagens.
No capítulo sobre reverb e delay eu dei algumas maneiras diferentes de adicionar espaço às suas
mixagens. Espero que você tenha seguido alguns desses conselhos e depois experimentado em seu
ter.
Reverb e compressão, para mim, são alguns dos aspectos mais subjetivos da mixagem. Você
pode usar a compressão de cinco maneiras diferentes, todas com sons diferentes, mas ainda boas,
e o mesmo vale para a reverberação.
Saturação é algo que adoro usar para realçar algum caráter nos instrumentos, mas nem
sempre funciona e às vezes você precisa usar alguns plug-ins diferentes ou ajustar as
configurações para realmente obter os resultados desejados.
Então, finalmente, mostrei meus métodos para traduzir mixagens, dos quais espero que você
encontre sua própria variação. Além disso, tome cuidado para não ficar ajustando suas mixagens
para sempre. Se o seu cliente estiver satisfeito, deixe-o ficar com ele. Se todos na sua banda
estiverem felizes, libere!
Alcançando o sucesso através
Prática Contínua
Um dos meus primeiros professores de violão me ensinou uma lição valiosa sobre a prática que
nunca esquecerei. Seu nome é KK e ele é um dos cantores/compositores mais famosos da
Islândia. Mesmo que você nunca tenha ouvido a música dele, talvez já o tenha visto
interpretar o pai islandês de Riley Blue no programa da Netflix, Sense 8.
Eu adoro esse homem porque ele moldou a maneira como penso sobre prática, perseverança e
aperfeiçoamento de seu ofício.
Aqui está a história:
Era a segunda semana de aula e eu estava lutando para mostrar a ele os resultados do treino
da semana passada. Era uma música simples de Bluegrass chamada “Talandi Dæmi”.
No entanto, aquela segunda semana de aula foi um fracasso pela simples razão de que, de
alguma forma, pensei que poderia aprender a tocar sem realmente praticar.
Eu era um adolescente punk e estava mais preocupado em ser conhecido por tocar guitarra
(e ter um professor legal) do que realmente dedicar um tempo para aprender a tocar. É fácil
se erguer e se gabar de coisas assim quando você não precisa sacar seu violão e mostrar
suas habilidades.
É como ser um músico que “trabalha na sua música” o tempo todo, mas nunca lança nada.
Então, quando KK me pediu para mostrar a ele o que eu havia aprendido, ele rapidamente percebeu
que eu não havia investido tempo para aprender a pequena lambida que ele designou.
Então, em termos inequívocos, ele me criticou categoricamente pela minha

falta de melhora:
“Não parece que você está praticando.”
É claro que tive dificuldade em defender a acusação dele porque a única maneira de
provar que ele estava errado seria fazer o dever de casa corretamente.
Então ele me disse algo que nunca esquecerei.
Estou parafraseando porque isso foi há mais de 17 anos, mas ele disse algo como,
“Há outros meninos na lista de espera esperando conseguir aulas comigo que
tenham tempo para praticar. Se você não estiver interessado em investir tempo,
há muitos outros estudantes esperando para ocupar seu lugar.”
Esse momento moldou a maneira como penso sobre prática e perseverança desde então.
Se você não estiver disposto a praticar e melhorar, será preterido na vida.

Sempre há outras pessoas atrás de você na fila que estão dispostas a investir tempo.
As coisas raramente serão dadas a você, mas quando o são, geralmente vêm com uma
pegadinha. Mas ganhar algo porque você dedicou um tempo para praticar e melhorar seu
ofício ao longo do tempo é algo para se orgulhar.
Para melhorar em qualquer coisa, você deve praticar. Você será péssimo quando começar,
mas é a melhoria contínua que você faz todos os dias através de sua prática que o
desenvolve como um criativo em qualquer área.
Ninguém jamais colocou isso em palavras melhor do que Ira Glass, então nem vou tentar:
“Ninguém conta isso para quem é iniciante, gostaria que alguém me contasse. Todos
nós que fazemos trabalho criativo, entramos nisso porque temos bom gosto. Mas
existe essa lacuna. Nos primeiros anos você faz coisas, mas não é tão bom assim.
Está tentando ser bom, tem potencial, mas não é. Mas o seu gosto, aquilo que o
colocou no jogo, ainda é matador. E seu gosto é o motivo pelo qual seu trabalho o
decepciona. Muitas pessoas nunca passam dessa fase, desistem. A maioria das
pessoas que conheço que fazem trabalhos interessantes e criativos passaram
por anos assim. Sabemos que nosso trabalho não tem essa coisa especial que
queremos que tenha. Todos nós passamos por isso. E se você está começando
ou ainda está nessa fase, você tem que saber que é normal e o mais importante que você pode fazer
Estabeleça um prazo para que toda semana você termine uma história. Somente
realizando um volume de trabalho você preencherá essa lacuna, e seu trabalho será
tão bom quanto suas ambições. E demorei mais para descobrir como fazer isso do
que qualquer pessoa que já conheci. Vai demorar. É normal demorar um pouco. Você
apenas tem que lutar para sobreviver.” -Ira Vidro
Pratique em público
Como pessoa criativa, pratico muito em público. Eu toco ao vivo com bandas. Coloquei
energia criativa na produção e mixagem de músicas para outros grupos.
Mas a coisa mais importante que faço é escrever. Pratico escrever em público há mais de uma
década e ainda é assustador deixar seus pensamentos escaparem para o mundo real. Mantê-
los agrupados em seu cérebro é mais fácil porque você não precisa se preocupar se a escrita
é boa. Se você não divulgar seu trabalho, ninguém poderá lhe dizer que seu trabalho é uma
merda.
E cara, isso pode ser uma droga às vezes. Escrita absolutamente lixo que ninguém deveria
já viu.
Mas se não pratico em público, não consigo obter o feedback que me faz melhorar.
Você deve pensar na sua prática de mixagem da mesma maneira. Pratique em público. E por
“público” quero dizer que eles são lançados no mundo, prontos para serem demolidos a
qualquer momento por um troll da Internet. Pior ainda, eles podem ser completamente
ignorados.
Dados os dois, prefiro pegar o troll. Então, pelo menos você sabe que seu trabalho evocou
alguma reação emocional, por mais negativa que seja. Você espera que, se alguém se dá ao
trabalho de odiá-lo tanto, talvez haja amantes por aí que fiquem felizes em ler em silêncio.
Obtenha feedback de
Melhoria continua
Como sou um criativo analítico, avalio o sucesso da minha escrita pelo número de pessoas
que a leem e se envolvem com ela. Neste ponto, minha prática pública ganhou dezenas
de milhares de assinantes de e-mail que lêem meus escritos diários na Audio Issues. Esse
é o tipo de estatística que me faz continuar, mesmo quando a parte criativa do meu cérebro
me diz que meu trabalho não tem sentido.
No entanto, eu nunca teria criado uma tribo tão grande se tivesse ouvido minha síndrome
de impostor e procrastinador interior. Foi a dedicação em praticar em público e pedir
humildemente feedback de vocês, leitores, que me ajudou a conseguir isso.
Portanto, se você quiser melhorar na mixagem, não há como evitar a prática contínua que
você deve fazer para melhorar. Obviamente, você pode comprar um livro (como este!) Para ajudá-
lo a entender melhor os tópicos. Você pode se inscrever em um curso para ajudá-lo a melhorar
ou contratar um professor para lhe mostrar o básico.
Mas, no final das contas, aquela onda de dopamina de realização que você obtém ao
investir dinheiro em si mesmo irá desaparecer. Você não pode contratar um ótimo professor
e esperar melhorar. Você só pode melhorar com a prática contínua ao longo do tempo.
Não há atalho.
É por isso que acho tão importante incluir algumas faixas múltiplas em minha página de recursos
de mixagem passo a passo. Não quero que você se torne um sabe-tudo no uso de EQ, compressão,
reverberação, atraso e saturação. Esse é o meu trabalho. Quero fornecer os materiais de que
você precisa para melhorar com a prática.
E se você não consegue dedicar tempo para praticar, não se preocupe, há muitas pessoas
esperando na fila atrás de você para ocupar o seu lugar.
Espero que você use as dicas que compartilhei com você ao longo deste livro para fazer uma
mistura interessante.
Não se esqueça do seu
Recursos gratuitos
Se você quiser ainda mais material sobre mixagem, não se esqueça de pegar todos os recursos
gratuitos que reuni na seção de recursos de mixagem passo a passo: www.StepByStepMixing.com/
Resources.
Aqui está o que você obtém na página de recursos de mixagem passo a passo:
Vídeo de início rápido de mixagem passo a passo
Folha de referências de tradução mista
Links para mais de 100 faixas múltiplas para praticar suas mixagens
Guia de masterização passo a passo
Gráfico de frequência detalhado para todo o espectro de equalização
Estou ansioso para ajudá-lo a melhorar ainda mais suas mixagens!

Obrigado
Antes de sair e experimentar todas essas dicas eu só queria dizer “obrigado!” Significa muito para mim
que você tenha dedicado tempo para ler até aqui. Existem tantos livros sobre mixagem e áudio, então
estou honrado que você tenha escolhido o meu.
Se você gostou deste livro e amou o que leu, deixe um comentário na Amazon.
Honestamente, essa é uma das melhores maneiras de permitir que outras pessoas saibam o quão
valiosas são essas informações. Eu realmente gostei disso!
Sobre o autor
Olá, meu nome é Björgvin Benediktsson. Eu ajudo músicos e produtores a causarem

um impacto maior com suas músicas, ensinando-os como produzir e projetar por
conta própria.
Trabalhei com som ao vivo fazendo grandes shows em minha terra natal, Islândia (de
onde vem o nome), gravei bandas em Madri, Espanha (onde estudei na escola de
engenharia de áudio) e agora produzo, gravo e mixo bandas locais em Tucson, Arizona
(eu ando muito por aí...).
Através dessas diversas experiências, aprendi uma coisa:
Adoro ensinar você como causar impacto com sua produção musical e de
áudio.
Escrevi mais de 1.000 artigos sobre áudio e ensinei milhares de produtores emergentes
de home studio, como você, como causar impacto com suas músicas através do
www.Audio-Issues.com desde 2011.
Se eu puder ajudar alguém a melhorar o som de sua música e isso os ajudar a

conseguir mais fãs e exposição, acho que fiz um ótimo trabalho.
Acredito em compartilhar meu conhecimento com todos, e através da Audio Issues

tenho conseguido fazer isso. Posso não ter ganhado nenhum Grammy, mas gosto de
ser a pessoa que inspira outras pessoas a fazerem boa música enquanto aspiro
aprender tudo o que há para saber (e pagar adiante!).
É disso que eu sou. Aprendi muito trabalhando na indústria há mais de 10 anos e

espero que meu conhecimento possa se tornar seu atalho para levar suas mixagens para
o próximo nível.
Se você está procurando mais informações minhas, confira alguns de meus outros
livros e cursos aqui: www.audio-issues.com/products.

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Como criar ótimas mixagens usando apenas 5 plug-ins

© 2019, Björgvin Benediktsson.

Todos os direitos reservados.

Brochura ISBN: 978-1-7336888-0-2

Björgvin Benediktsson e problemas de áudio

Mais sobre este livro e recursos adicionais podem ser encontrados em

Presente grátis: o passo a passo para misturar recursos vii

Uma nota sobre mixagem xiii

Uma observação importante sobre DAWs xv

Quando começa a mixagem? 1

Lave a louça para poder cozinhar na cozinha 2

Capítulo 2 – Mixagem sem plug-ins 5

Escuta Crítica e Visualização da Sua Mixagem 7

Deep – Reverb, Delay e Efeitos 10

Balanceamento Inicial e Headroom 10

Problemas Dinâmicos Devido ao Arranjo 16

Pense rápido, não perfeito 17

As 3 maneiras de abordar uma mixagem inicial 19

Qual equalizador você deve usar? 23

Os 3 métodos básicos de equalização 26

Filtrando usando filtros passa-alto e passa-baixo 27

EQ'ing Drum Samples e Loops 35

Teclas, Pianos e Sintetizadores 38

Uma Nota sobre o Reequilíbrio 40

Capítulo 4 – Usando Compressão 43

O que um compressor faz? 43

Por que comprimir? 44

Como abordar a compressão 44

Use um sistema de compressão 45

E quanto à compactação multibanda? 59

Revise sua mixagem e rebalanceie se necessário 61

Capítulo 5 – Reverberação e Delay 63

Os diferentes modos de reverberação 67

Uma maneira fácil de encontrar o reverb certo para sua mixagem 68

A diferença entre pré e pós-fader ao usar reverbs 71

Uma reverberação de grande tambor 72

Envio pré-fader para o resgate 72

Usando uma reverberação na mixagem 73

Adicionando estilos de reverberação separados à bateria 74

Às vezes, aquele reverb simplesmente não resolve. 75

Equalize suas reverberações 76

Ajuste suas predefinições de reverberação 76

Não adicione muitos espaços 77

Use a técnica dos três verbos 77

Usando Reverb em Guitarras 78

Quando o atraso é melhor 80

Atraso não precisa ser complicado 82

Difundindo atrasos para suavidade 85

Atrasos para ampliação estéreo 86

Atrasos para efeitos 87

Aplicando Saturação em Sua Mixagem 95

Saturação em Submixes e Busses 99

Não exagere na saturação 99

Capítulo 7 – Como usar um mix de referência 102

O que é um mix de referência? 102

Como escolher um mix de referência 102

Regras para usar uma referência adequada 103

Uma Palavra de Advertência 104

Importe seu mix de referência 105

Escuta Crítica 105