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UM CURSO
AGUARELA LIGADA
30 PROJETOS

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Editorial Gustavo Gili, SL

Via Laietana, 47, 2º, 08003 Barcelona, Espanha.
Telefone: (+34) 933228161
Valle de Bravo, 21, 53050 Naucalpan, México.
Telefone: (+52) 5555606011
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UM CURSO DE AGUARELA EM 30 PROJETOS

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ÍNDICE
1. INTRODUÇÃO
Primeira parte
TÉCNICA 17
18 Dia 1 TRAÇOS
24 Dia 2 CURVAS E CÍRCULOS
32 Dia 3 LINHAS RETAS E TRIÂNGULOS
38 Dia 4 COMPOSIÇÃO
44 Dia 5 TRAÇOS COMPOSTOS
50 Dia 6 CURVAS COMPLEXAS
Segunda parte
FORMA, PERSPECTIVA E LUZ 55
56 Dia 7 CAMADAS DA LUZ AO ESCURO
62 Dia 8 FUNDO E PRIMEIRO PLANO
66 Dia 9 RAZÕES
72 Dia 10 FONTE DE LUZ E SOMBREAMENTO
76 Dia 11 MISTURA DE TOM
82 Dia 12 SOMBRA CAST
Terceira parte
FIGURAS E FORMULÁRIOS COMPLEXOS 89
90 Dia 13 ÂNGULOS E DOBRAS
96 Dia 14 PINTURA POR SEÇÕES
102 Dia 15 CORES COMPLEMENTARES
106 Dia 16 LINHAS FINAS
110 Dia 17 DESTAQUES, MEIOS-TOM E SOMBRAS
118 Dia 18 GESTO
Quarta parte
VALOR, VOLUME E PROFUNDIDADE 125
126 Dia 19 MOVIMENTO
132 Dia 20 VALORES
138 Dia 21 ASSUNTO EM UMA PAISAGEM
146 Dia 22 PERSPECTIVA ATMOSFÉRICA
154 Dia 23 VALOR EM ESCALA DE CINZA
160 dias 24 VOLUME
Quinta parte
APLICAÇÃO 171
172 Dia 25 PAISAGEM ABERTA: DESERTO
180 Dia 26 PAISAGEM ABERTA: SELVA
186 Dia 27 ÚLTIMA PEÇA DO DESERTO (1)
192 Dia 28 ÚLTIMO PEDAÇO DO DESERTO (2)
198 Dia 29 ÚLTIMA PEÇA DA SELVA (1)
206 Dia 30 ÚLTIMA PEÇA DA SELVA (2)
210 Dia 31 E ALÉM
212 AGRADECIMENTOS
213 SOBRE O AUTOR
215 ÍNDICE
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Introdução
Ah a aquarela...

Sua natureza luminosa é uma verdadeira beleza. A aguarela é selvagem e

incontrolável e, ao mesmo tempo, se deixa conter. É um meio visual que se move
facilmente sobre o papel, explodindo e irrompendo nas pinceladas de seu entorno,
criando uma textura e profundidade que não podem ser encontradas em nenhum outro
tipo de meio.

Você sabe como é quando você se apaixona e não suporta ficar longe dessa
pessoa? Foi o que aconteceu comigo com a aquarela. Eu sei, parece muito romântico,
mas é verdade: fiquei obcecada. Quando não estava pintando, estava pensando em
pintar. Apaixonei-me pela aguarela e comecei a estudá-la. Dediquei milhares de horas
a ele e assim descobri todos os seus prós e contras.

Minha mãe e minhas duas avós pintaram com acrílico e, embora eu tenha tentado pintar
de vez em quando, consegui um resultado no máximo aceitável.
E sim, eu também tentei aquarela quando estava na escola primária. Mas quando
minha carreira profissional como calígrafa e designer começou a decolar, os
materiais de aquarela certos surgiram no meu caminho e algo mudou para mim. Com
o material correto, o processo foi tão prazeroso que quis aprender mais.

Essa paixão logo se tornou uma parte importante do meu trabalho como
artista visual e designer. tenho tido a oportunidade de

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trabalhando com clientes em todo o mundo, criando ilustrações em aquarela

para grandes marcas e papelaria criativa para eventos como casamentos
de luxo refinados. Também pude viajar e dar aulas de aquarela para milhares
de alunos ao longo de todos esses anos. Através da minha experiência de
ensino, aprendi a me comunicar com aquarelistas iniciantes e mais avançados,
dividindo assuntos complicados em seus elementos mais simples e
compreensíveis. Tenho a oportunidade de compartilhar o que aprendi da
maneira mais difícil com minhas experiências e meus erros. Assim, acabei
descobrindo que pintar em aquarela é aprender com as tentativas fracassadas
e continuar a desenvolver a memória muscular e a técnica.

No início, desafiei-me a pintar temas mais complexos do que pensava poder

executar. Incorporei meu conhecimento de técnicas básicas de desenho e
sombreamento em assuntos mais complexos. Em todas as etapas da minha
relação com a aquarela, aceitei onde estava sem desanimar com o resultado,
aprendendo a gostar do processo e tentando, ao mesmo tempo, aprender mais
sobre os meandros da aquarela e como dominá-la.

Ser aquarelista autodidata me permitiu quebrar as regras e aprender pela

força. Escrevi este livro para ajudá-lo a fazer o mesmo (e talvez para evitar
algumas das armadilhas que encontrei), então aqui vai meu conselho inicial:
seja desafiado. Pinte de uma maneira diferente do que você acha que deveria
e pergunte a si mesmo o que você gosta sobre tudo isso.

Assim como qualquer outra ocupação, melhorar como aquarelista exige

trabalho, dedicação, prática e, acima de tudo, paciência. Seja paciente
consigo mesmo para olhar os novos temas com olhos diferentes, com os
olhos de um artista. Mas primeiro você deve se permitir começar pequeno e
crescer, adicionando mais detalhes e mais complexidade à medida que avança.
Saltar para pintar uma flor ou um tucano em grande detalhe antes de praticar a
técnica do pincel geralmente leva à decepção; você tem que estabelecer
algumas habilidades básicas antes de abordar a forma e a estrutura.

Ao longo deste livro, desenvolveremos a memória muscular e treinaremos

nossos olhos para procurar formas e curvas básicas em todos os objetos.
Não importa que um objeto possa parecer muito complicado e detalhado
na superfície; tudo o que é pintado ou desenhado pode ser dividido em
formas muito simples, como círculos ou ovais. Começaremos desenvolvendo
boas técnicas de pincel e pintura praticando essas formas básicas,
acostumando o olho a buscar paletas de cores unificadoras.
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3
INTRODUÇÃO

e cumprindo as regras da composição. Vamos definir e criar formas mais complexas

ao longo de nossos trinta dias juntos, construindo a prática em uma base sólida,
para constantemente infundir sua pintura com segurança. Saber onde e como começar
com um tópico é uma parte fundamental do processo, e este livro o ensinará.

Espero que nestes trinta dias você goste de aprender sobre aquarela e que isso
também o inspire a continuar pintando com uma nova sensibilidade sobre esse meio
e a si mesmo como indivíduo criativo. Depois de ter uma base sólida, você pode
desenvolver seu próprio estilo. Aceite cada etapa do processo, mesmo as tentativas
menos bem-sucedidas, como uma oportunidade de crescimento. A aquarela pode ser
imprevisível, mas também é incrivelmente gerenciável.

Se você se inscrever no desafio #everydaywatercolor, tenho certeza que

ficará surpreso com a criatividade que ferve dentro de você: às vezes você só
precisa olhar as coisas de uma perspectiva diferente. Adorarei ver algumas de suas
obras favoritas dentre todas as obras que você criará ao longo de sua jornada através
deste livro. Se você participa de redes sociais, use a hashtag #everydaywatercolor
para enviar suas criações. Eu gostaria muito de ver como é a sua transformação
durante esses exercícios diários de pintura.

Vamos começar com essas bases. Você pensa?

FERRAMENTAS E MATERIAIS
Quando experimentei aquarela pela primeira vez há muitos anos, devia estar no jardim
de infância. A professora trouxe aquelas bandejas baratas de aquarelas que pareciam
sombras velhas e empoeiradas. As escovas eram ásperas, e o cabo de plástico
agarrou as cerdas com tanta força que elas se espalharam em todas as direções. O
papel que usamos provavelmente foi tirado da fotocopiadora. As obras-primas que
criamos naquele dia foram parar nas portas das geladeiras, onde nossos pais as
colocaram com orgulho e algumas risadinhas doces, para serem substituídas depois
por desenhos feitos com tinta a dedo e giz de cera.

Minhas experiências posteriores com aquarela foram muito diferentes. Esse meio
cria dependência assim que você descobre os materiais mais adequados para você
e acelera o ritmo: às vezes é difícil parar. Realmente muda sua vida! Tenho o prazer
de compartilhar com vocês a lista dos materiais que mais gosto e explicar por que
eles podem ser usados para suas criações.
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PIGMENTOS
A tinta aquarela é uma mistura de pó de pigmento fino com goma arábica.
A goma arábica é um emulsificante solúvel em água, portanto, quando mais
é adicionado a um tubo ou paleta, a mistura pode ser vendida por menos,
mas a pureza e a permanência do pigmento são degradadas. Descobri que
as tintas estudantis, que contêm mais emulsificante, são mais opacas,
enquanto as tintas profissionais são de maior qualidade em termos de
transparência, permanência e cor. Seus olhos vão brilhar ao ver a diferença
que essas tintas fazem na sua prática artística.
Estou convencido de que é sempre melhor investir em tintas profissionais
desde o início. Você também notará que as cores que você obtém são menos
turvas se você usar material profissional do que se usar material estudantil e,
eu lhe garanto: cores sujas são como a morte para os aquarelistas (mais sobre
isso depois).

Minha paleta consiste em uma boa variedade de tintas aquarela profissionais

Winsor & Newton, que inclui as seguintes cores:

Mars Black, Ultramarine Violet, Prussian

Blue, Phthalo Turquesa, Winsor Green,
Bladder Green, Olive Green

Amarelo Limão Profundo, Ocre Amarelo,

Laca Escarlate, Rosa Ópera, Laranja Cádmio,
Laranja Winsor (matiz vermelha), Umber
Queimado
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INTRODUÇÃO

O número de tintas que cada artista tem na paleta é variável. Alguns preferem ter
menos opções e outros muito mais. Simplesmente depende se o artista gosta de
misturar e adicionar nuances à paleta. Por exemplo, quando o verde é misturado, a
tonalidade será muito diferente usando Azul da Prússia e Amarelo Limão Escuro do
que Turquesa Phthalo e Amarelo Limão Escuro. Aconselho você a ir à loja de
materiais de arte mais próxima para ver os tubos e experimentar algumas aulas
diferentes. Se você comprar Winsor & Newton, o valor do pigmento é graduado com
números de série de 1 a 4. Quanto maior o número, maior o valor do pigmento (e
custo). Se você vir a palavra matiz em um nome de cor – como “matiz amarelo limão
escuro” em vez de “amarelo limão escuro” – isso significa que o fabricante misturou
dois ou mais pigmentos diferentes e mais baratos para imitar o tom de um pigmento. ,
sem precisar usar esse pigmento. Embora este recurso permita obter uma versão
menos dispendiosa da cor, resulta numa cor suja, e já sabemos o que pensamos das
cores sujas…

Nota: Você deve ter notado que minha paleta não contém a cor branca. Prefiro clarear as cores colocando
mais água no pincel; É por isso que sempre tenho dois copos de água prontos quando pinto: um para
enxaguar toda a tinta do pincel e outro copo de água limpa para carregar bem o pincel antes de ir para outra
cor. Explicarei mais sobre isso na próxima seção.

O PAPEL
Existem três tipos de papel para aquarela: prensa a quente, prensa a frio e papel
cru. O papel prensado a quente não é muito texturizado, o que significa que não
tem a rugosidade e a granulação dos papéis mais ásperos. Prefiro não usar esse tipo
de papel para aquarela, pois ele tende a não reter água e pigmento no lugar enquanto
seca. Eu prefiro a prensagem a frio porque tem uma textura agradável que é perfeita
para absorver pinceladas e fixar a tinta no lugar. Não é excessivamente texturizado,
ao contrário do papel cru. Muita textura dificulta as pinceladas suaves. A variação entre
a secagem da tinta na prensagem a frio e na prensagem a quente pode fazer uma
enorme diferença na obra.

Outro aspecto importante do papel para aquarela é sua espessura, que é indicada
pela gramatura. É medido em libras por resma (lb) e gramas por metro quadrado (g/m2 ).
Acho que qualquer papel com menos de 140lb ou 300gsm é muito fino, pois se enrola
à medida que a tinta seca. Você não precisa usar papel com espessura superior a 300
g/m2 , mas pode facilitar a absorção.
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Minhas duas marcas favoritas de papel para aquarela vêm em blocos e são Fabriano
ou Stonehenge Aqua, da Legion Paper, 100% algodão, 140 lb/300 g/m2 e em “extra
white”. Pintar em um bloco de papel, em vez de em folhas individuais, garante que o
papel já tenha sido esticado de antemão. Se o seu papel de aquarela tiver menos de
300 libras e não estiver esticado, é quase garantido que você deforme e deforme ao
adicionar água e pigmentos. Como as almofadas são coladas nos quatro cantos, posso
deixar um desenho na almofada enquanto ela seca para que fique completamente plana.
Se estiver pintando em um bloco de papel, quando ele secar, será necessário usar uma
régua ou pasta de osso para separar a pintura finalizada do restante das folhas do bloco.

Essas ferramentas evitarão que seu trabalho quebre quando você tentar remover apenas
uma folha. Se você tiver apenas folhas de papel soltas, aconselho que prenda os quatro
lados com fita adesiva, o que lhe dará as vantagens de um bloco.

ESCOVAS
É essencial que os pincéis de aquarela mantenham sua forma e flexibilidade quando
molhados. O ideal é usar pincéis que, mesmo que você os carregue bem com água e
pigmento, redefinam facilmente após cada pincelada.
Aqueles adequados para aquarela são feitos de cabelo de zibelina. Os pincéis de
zibelina Kolinsky são os mais cobiçados; eles são muito caros para como
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7
INTRODUÇÃO

reter o pigmento e por sua flexibilidade. Se Kolinskys são muito caros para o
seu orçamento, as escovas de cabelo de zibelina sintética Princeton são ótimas e
não vão quebrar o banco. Eles retêm o pigmento muito bem e são bastante flexíveis.

Entre os tamanhos e tipos de pincéis que utilizo estão os seguintes:

rodada n. 2 | redondo, não. 6 | rodada n. 16

Eu só uso pincéis de ponta redonda por sua versatilidade “dois em um”; Eles são
perfeitos para o tipo de trabalho que faço. Costumo pintar rápido, passando
constantemente de traços mais grossos para detalhes mais finos, e os pincéis de
ponta redonda me permitem fazer isso sem ter que usar um pincel diferente a cada
vez. À medida que você se desenvolve como aquarelista, você verá se os pincéis de
língua de gato (com pontas arredondadas), pincéis planos, etc. são mais adequados ao
seu estilo. Experimente como quiser com outros materiais e ferramentas e descubra o
que funciona melhor para você.
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OUTROS MATERIAIS RECOMENDADOS

Ao pintar assuntos com mais detalhes, sempre uso um lápis de grafite HB para
primeiro esboçar um desenho fraco. Lápis de arte ou lápis de grafite são classificados
em uma escala do mais difícil (H) ao mais macio (B) para indicar que tipo de
sombreamento e desenho de linha você pode obter. O HB é o meu lápis favorito para
desenhar para aplicar aquarela, pois cria marcas suaves com o nível de pressão que eu
gosto. Uma das minhas ferramentas favoritas para desenhar é a lapiseira Staedtler com
grafite HB. Também tenho sempre uma borracha Hi-Polymer, lenços de papel e, como
mencionei, dois copos de água: um para enxaguar a tinta do pincel e outro para mergulhá-
la em água limpa antes de escolher outra cor. Eu uso uma paleta de viagem com vinte e
oito poços menores para os pigmentos. Espalhei cerca de um terço de um tubo de 14 ml
de tinta molhada em cada pequeno orifício da paleta e deixo secar durante a noite, o que
me ajuda a evitar o desperdício de tinta. Como uso pigmento puro, tenho pavor de jogar
tinta fora.

É fácil pegar muita tinta quando você está enchendo seu pincel com tinta mole e
molhada, e com aquarelas, um pouco de pigmento ajuda bastante.

TEORIA DA COR
Agora que você sabe tudo sobre os materiais que eu uso, aqui está outro
elemento importante para entender a aquarela (assim como todos os meios que incluem
cores): teoria das cores.

Quer eu pinte ou desenho, a cor desempenha um papel importante. O uso da cor

pode tornar a peça extremamente cativante e poderosa, ou desarmônica e confusa.
Nosso cérebro responde em grande parte à unidade e harmonia, então quando as
cores transmitem calmamente essas características, o olho do observador aprecia. Vou
começar com o básico da teoria das cores e usar a roda de cores para explicar como
as cores são formadas e como elas interagem umas com as outras.
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9
INTRODUÇÃO

CORES PRIMÁRIAS

vermelho, azul e amarelo

Estas são as três cores que não podem ser criadas a partir
de nenhuma outra cor, nem de sua combinação com outras.
Se você misturar essas três cores em partes iguais, obterá o
preto. Todas as outras cores são derivadas de uma
combinação dessas três cores primárias.

CORES SECUNDÁRIAS

laranja, verde e roxo

São as cores resultantes da mistura de partes iguais de duas
cores primárias. De laranja vermelho e amarelo é obtido; de azul
e amarelo você obtém verde, e de azul e vermelho você obtém
roxo.

CORES TERCIÁRIAS

Amarelo alaranjado, vermelho alaranjado, verde amarelo,

verde azulado, azul arroxeado, vermelho roxo Estas são as
cores criadas usando uma cor primária e uma cor secundária;
portanto, sua denominação é composta.
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Cada uma dessas cores tem quatro características principais:

• Pitch (primeira coluna das principais amostras). Doze dos tipos de cores mais puros
vistos em uma roda de cores terciária.
Essas cores não contêm nenhuma dessaturação ou leveza.

• Matiz (segunda coluna). Eles são criados adicionando cinza a um tom. Cada sombra é
uma versão mais sutil de cada tom.

• Saturação / sombra (terceira coluna). Descreve a intensidade de uma cor.

Quando o valor da cor é alterado, a saturação diminui e torna-se menos brilhante.
Adicionar preto minimiza a saturação das cores ou cria sua tonalidade.

• Valor (quarta coluna). Refere-se à claridade ou escuridão da cor: quanto mais água
adicionada ao pigmento, mais clara ou transparente será sua tonalidade.
Quanto menos água for adicionada, deixando uma quantidade de pigmento mais
espessa e menos diluída no pincel, mais profundo e rico será o valor.

Antes de continuar, aqui vai uma boa dica para reconhecer o valor de uma cor. Vou
mencionar destaques, tons médios e sombras com bastante frequência ao longo deste livro,
portanto, antes de chegarmos a eles, leia essas informações úteis.

A ESCALA DE VALORES
Embora desejemos que os destaques sejam as versões mais claras de uma cor e as
sombras sejam as mais escuras, existem muitos outros tons entre eles que podem
adicionar ainda mais forma e dimensão às suas pinturas.
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onze

INTRODUÇÃO

Crie uma escala de valor própria para usar como referência ao longo de sua jornada
por este livro. Vamos usar o seguinte como exemplo:

Começa com Mars Black da Winsor & Newton, com maior intensidade no número 9 à direita.
Para cada amostra sucessiva, enxágue constantemente
o pigmento com água um pouco até chegar ao número 1 da esquerda: ou seja,
papel branco puro. Você pode criar um amostrador de escala de valor pintando-o
você mesmo, depois cortando a tira de papel e usando-a como um guia prático para
descobrir o número do valor de uma fotografia ou item da vida real. Para descobrir a
intensidade de cada valor dentro

um assunto (na vida real ou de uma foto) que você está pintando, você pode colocar esta
escala ao lado dele.

Obter uma boa compreensão da teoria das cores fortalecerá sua capacidade de escolher
paletas de cores harmoniosas. À medida que você se torna mais consciente da harmonia
cromática e da importância de cada combinação, poderá criar trabalhos mais
impressionantes e eficazes.
É importante, em cada trabalho, encontrar um equilíbrio entre unidade e
estimulação com cor e composição. Vejamos agora uma série de designs de paletas
harmônicas e exemplos que você pode achar úteis para consultar enquanto embarcamos
nessa jornada diária juntos:

Monocromático: um tom, com variações de valor/intensidade/temperatura.

Análoga: Qualquer grupo de três ou quatro tons que são contíguos na

roda de cores.
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Nas amostras da página anterior, construímos a gama de cores de

cima para baixo, começando com duas cores primárias (ou, no exemplo
rosa, começando com Winsor & Newton ópera rosa e amarelo) e adicionando
gradualmente pequenas quantidades de outra cor, começando com amarelo
limão escuro e progredindo para laca escarlate ou rosa ópera. Isso nos
mostrará as sutis mudanças de tom de uma cor pura para outra: nos swatches
à esquerda, de vermelho para amarelo; nas da direita, do rosa ao amarelo.
As diferentes colunas mostram, da esquerda para a direita, a alteração do valor
ou clareamento de cada cor que se obtém adicionando gradualmente mais
água à mistura.

Complementar: dois tons opostos no círculo cromático.

As cores complementares fornecem o maior contraste e podem ser

bastante impressionantes se não forem bem usadas. Para criar mais harmonia
e sutileza, experimente combinar uma paleta, como no exemplo abaixo. As
duas cores complementares são azul e laranja. Observe que a faixa de valores
mais suave do azul ajuda a criar equilíbrio e descansar os olhos. O amarelo
também é uma cor interessante para esta paleta; misturado com azul e laranja,
ajuda a misturar um pouco mais as duas cores complementares opostas.

Complementos Separados: Qualquer matiz primário, secundário ou terciário

mais as duas cores de cada lado do seu complemento.

O vermelho poderia ser um exemplo, mais os dois tons localizados em cada

lado do seu complemento (verde): verde amarelado e verde azulado. Assim
como nossa amostra azul e laranja, esta paleta (abaixo) contém misturas
de cores que ajudam a suavizar e misturar as cores entre as cores de maior
contraste. As paletas complementares separadas não são tão contrastantes
quanto as cores complementares puras, mas ainda podem ser desanimadoras.
Neste exemplo, o tom mais à esquerda é um violeta, que carrega tons de azul
do azul-petróleo na paleta.
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13
INTRODUÇÃO

COMPOSIÇÃO
Agora que abordamos a essência da teoria das cores - é um tópico vasto, mas
você já aprendeu o básico - vamos descobrir como levar o equilíbrio e a cor ainda
mais longe, usando as regras básicas de composição.

DICA 1: REGRA DE TERCEIROS

Todas as imagens devem direcionar o olhar do espectador para o seu centro de
interesse. Para isso, a regra dos terços pode ser útil. Imagine que você divide o papel
em terços, horizontalmente e verticalmente. Você deve ser capaz de direcionar o
olhar do espectador para um ou mais desses quatro pontos de interseção como o
centro de interesse. O centro de interesse pode ser uma intensa explosão de cores,
um esquema de cores atraente, uma linha do horizonte, etc.
Pense em quais podem ser suas áreas de interesse ou impacto e lembre-se de
colocá-las nesses pontos de interseção em números ímpares. Com o seguinte
conselho eu explico o porquê.

DICA 2: NÚMERO DE ELEMENTOS

Pense na caixa que você está prestes a criar, com as diferentes cores e valores
que deseja incorporar. Ao escolher os tipos de elementos, variações e
perspectivas a incluir, é fundamental lembrar que eles devem ser agrupados em
números ímpares. Se você organizar os elementos em números pares, o olhar do
espectador começará a agrupá-los em pares. Isso cria uma sensação estática, o que
significa que, uma vez que os pares se unem, eles não vão mais procurar. Em vez
disso, o que queremos é que os olhos do espectador se movam por todo o campo de
visão, de um elemento ou cor marcante para o próximo.

Os números ímpares ajudarão a criar movimento ao longo do trabalho; simetria e

pares parecerão estáticos e rígidos.

DICA 3: PREDOMINÂNCIA QUENTE OU FRIA Ao incluir

cores frias e quentes na paleta de um trabalho, certifique-se de que as dominantes
sejam frias ou quentes; Eles não devem ter o mesmo valor. Se você estiver tendo
problemas para compor uma paleta de cores harmoniosa para seu trabalho, vá para
as páginas 11-12 (sobre harmonias de cores) para ajudá-lo a criar esse equilíbrio.
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Você terá que levar em conta tanto as harmonias de cores quanto os truques relativos

à composição. Se a composição estiver boa, mas a paleta de cores não estiver, os olhos
serão desenhados em outro lugar.

TÉCNICAS DE PINTURA
Na aquarela existem duas maneiras diferentes de aplicar a tinta: molhado no molhado e
molhado no seco. É importante saber a diferença entre os dois, pois os resultados obtidos
são muito diferentes.

MOLHADO NO MOLHADO A técnica

molhado no molhado envolve a aplicação de tinta em uma superfície já molhada para

criar uma borda suave e desbotada ou sangrar.
Esse método é ótimo quando vai do claro ao escuro, adicionar pigmento mais escuro
a uma superfície mais clara cria uma mistura suave e transições suaves entre as cores (veja
os exemplos abaixo).

WET ON DRY A técnica wet on dry

consiste em aplicar tinta em uma superfície seca, seja diretamente sobre o papel ou outras
camadas de tinta já seca. Você achará isso útil quando quiser criar bordas firmes e limpas ou
adicionar dimensão e profundidade por meio de camadas (próxima página, superior).
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quinze

INTRODUÇÃO

Nota: Ao longo do livro, vou me referir a esses dois termos com bastante frequência.
Então, em vez de escrevê-los repetidamente, vou abreviá-los com HH e HS.

Espero que a lista de materiais e essas dicas inaugurais estejam incentivando

você a pintar. Assim que chegarmos a isso, definiremos ainda mais essas bases, e
elas serão mais fáceis de entender. Quando comecei com aquarela, não tinha uma
compreensão profunda da teoria das cores, nem sabia nada sobre composição. Passei
muitas horas estudando os fundamentos e, embora não soubesse disso na época,
estava me dando um presente muito importante: a memória muscular. Todos os dias
ele voltava para casa de um trabalho de escritório em tempo integral e pintava. À
medida que fiquei mais confortável com o funcionamento dos pincéis e com a criação
de formas básicas, comecei a progredir a partir dessas bases. Pude crescer como
artista porque me apaixonei pela prática diária.

Espero que você também se apaixone pela aquarela. Se você acha que não tem
criatividade e que não é artista, desfaça essa mentira, faça uma bola com ela e
jogue fora, porque todos nós fomos feitos para ser criadores.
Tudo o que você precisa é de prática, muita paixão, dedicação e, acima de tudo,
a paciência e a segurança de saber que se você trabalhar duro, fará melhor a cada
dia. Com tudo isso dito, eu desafio você a pintar uma coisa comigo a cada dia. Se
você estiver desapontado com o resultado em um determinado dia, faça novamente
ou volte a ele mais tarde. Este livro não garante trinta obras-primas em trinta dias, mas
se você gosta do processo de pintar diariamente, ficará surpreso com o resultado
quando chegar ao final. Lembre-se de que você pode usar a hashtag #everydaywatercolor
nas redes sociais para acompanhar seu progresso; Estou ansioso para ver suas
pinturas e sua prática.
Aproveite cada momento, absorva cada palavra e supere os erros.
Fico muito feliz em ajudar a orientá-lo nesse processo.
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