A revista brasileira de música eletrônica

VERMELHO

R$ 19,90 • Nº 49 •maio/junho/julho
Celebrado pela habilidade
em vários aspectos da
cultura da música eletrônica

DEKMANTEL
Atrai novamente a São Paulo
um público expressivo e uma
curadoria artística aplicada

BRMC 10a
EDIÇÃO
Desde 2009 segue como meio
fundamental para a discussão
de temas importantes

DIVERSIDADE
NA PISTA
12 páginas com ações e reflexões
a respeito da representatividade

SHARAM
(ou falta dela) na cena brasileira

JEY
São mais de 20 anos de carreira, vários sucessos
pela Bunny Tiger e muito apoio aos DJs brasileiros

WARUNG
ADAM BEYER
DAY | ASHIBAH
| OCTAVE| ONE
ELLEN| ALLIEN
MEME | | UMF
RYANBRASIL
ELLIOT | | DEKMANTEL
LUCIANO | TIME
| BPM
WARP
laroc sunset club
rod. dom pedro I, km 118
valinhos, são paulo, brasil
www.laroc.club
follow us /larocclub /larocclub

a conexão da música
eletrônica em um
lugar paradisíaco
 COLABORADORES
GABRIELA LOSCHI é pós-graduada em Jornalismo, e
começou a escrever sobre música eletrônica em 2004, cobrin-
do eventos como Skol Beats. Morou em Berlin em 2017, mas já
esteve em Nova Iorque por dois anos quando foi correspon-
DIREÇÃO EXECUTIVA

Jeniffer Avila
Nada de aCúCar,
só aaasas.
jeniffer@housemag.com.br
dente da Electro Mag e Folha de São Paulo. Nesta edição assi-
na a matéria de capa com Sharam Jey, o review do Dekmantel Jorge Vieira Junior
SP, além das entrevistas com Ryan Elliot e Luciano. jorgejunior@housemag.com.br

Raul Mendes
raul@housemag.com.br

LUIZA SERRANO é Jornalista e pós-graduada em co- EDITOR-CHEFE

Alexandre Albini

red BULL sUGarFree.

municação estratégica, atuando como social media de DJs
alexandre.albini@housemag.com.br
e agências. Realiza serviços de assessoria de imprensa para
eventos e artistas de música eletrônica, trabalhando há
DIREÇÃO DE ARTE
nove anos como assessora de comunicação do BDMG Cul-
Catia Herreiro
tural. Nesta edição assina as matérias Vegas, Jana Matheus catia.herreiro@gmail.com
e agência Seasons.
ASSISTENTE DE EDITORAÇÃO
Henivaldo Alves
arte@housemag.com.br

ALAN MEDEIROS é fundador do portal Alataj, e atual-

mente entrega seus textos também para o site da DJ Mag Bra- COMERCIAL
comercial@housemag.com.br
sil. Estudante de Publicidade e Propaganda tem na música e
na comunicação social suas maiores paixões — convivendo de
INTERNET E TECNOLOGIA
perto com uma das cenas mais prolíferas do país, a do Vale do
Commix – www.commix.com.br
Itajaí. Nesta edição assina a matéria “Perdemos nossa raízes?”,
que faz uma reflexão sobre a presença negra no atual merca-
JURÍDICO
do da dance music; além de resenhas na seção Lançamentos. FSN Advogados Associados
tel 48 3733.5516

COLABORADORES
CHICO CORNEJO é Sociólogo e pesquisador da cultura Alan Medeiros
eletrônica, tendo colaborado com vários veículos voltados a André Salata
esse gênero musical. Já cuidou do selo e site da D-Edge, foi Breno Losch
apresentador do Boiler Room no Brasil e curador do projeto iBruna Antero
Bruna Maia
Pulso da Red atualmente é responsável pela comunicação
Danila Moura
dos eventos da Gop Tun, ODD e Capslock. Nesta edição as-
Felipe Tiradentes
sina o texto “Diversidade na pista de dança” e reviews da Georgia Kirilov
coluna Lançamentos. Ilan Kriger
Irena de Almeida
Jade Gola
Jennifer Didjurgeit
ARTHUR COBAT é formado em Jornalismo e há 2 anos Jode Seraphim
se mudou para Belo Horizonte, onde atua na produção e co- Jonas Fachi
Junior Antoninni
municação da festa 101Ø. A decisão de trabalhar e escrever
Luana Dornelas
sobre festas aconteceu após voltar de um período sabático
Lucas Arnaud
dedicado a conhecer os principais clubs e festivais da Europa. Lucas Portilho
Nesta edição assina a matéria “Abaixo a intolerância!”, que fala Luigi Vanucci
sobre como estão sendo construídos locais mais seguros para Marcelo Godoy
a comunidade LGBTQI. Marcelo Madueño
Mateus B.
Maurício Soares
Nazen Carneiro
ISABELA TALAMINI é aficionada por música desde os Rodrigo Cury

15 anos, quando teve seu primeiro blog reconhecido como Romulo Pieroti

um dos melhores do cenário eletrônico. Já foi editora de mú-

sica da Red Bull Brasil e já teve sua própria coluna no Thump.
Unir artistas de diferentes cenários virou uma profissão e,
hoje, escrever sobre música virou um hobby para as horas
vagas. Nesta edição assina a matéria “Xô preconceito”, em
IMPRESSÃO
Gráfica Maxigráfica
Todo o conteúdo apresentado pelos colunistas e colaboradores desta
publicação em suas respectivas páginas é de inteira responsabilidade dos

que fala sobre coletivos paulistanos efervescentes. autores, assim como todo o material cedido pelas assessorias e eventos.

A House Mag (ISSN 2176-7009) é uma publicação da Editora Made in

Brazil | contato@housemag.com.br | www.housemag.com.br

4 WWW.HOUSEMAG.COM.BR
 8

12 Review Warung Day Festival

14 Sem definição, definido está
16 Entrevista com Ashibah
18 Review Dekmantel SP
24 Entrevista com Ellen Allien
26 Entrevista com Vermelho
28 Perfil: Super mãe da cena
30 Especial: Diversidade na cena
42 Síndrome de Burnout

44 Entrevista com DJ Vegas 68 Review Lollapalooza 2018

45 Opinião: Alcance em baixa
48 Não siga (só) a sua paixão
50 Entrevista com Ryan Elliot
52 Perfil: Juju & Jordash
54 Apropriação do prog house
56 Review Time Warp 2018
57 Perfil: Hot Bullet
58 Capa: Sharam Jey
64 Perfil: Groundbass
70 De minas para o mundo
72 We are clubbers
74 Identidade Própria
76 A música cura a alma
78 Crise de identidade
80 Entrevista com Luciano
82 BRMC 10ª Edição
86 Lançamentos
90 Colunas Sociais

92 House Mag Áudio

98 Fala DJ - Aninha

6 WWW.HOUSEMAG.COM.BR
 WHAT’S UP
Sistema criado por brasileiros leva som orgânico para as festas mais interessantes de Londres
POR Felipe Tiradentes
Dois jovens do Rio de Janeiro estão transformando
a cena alternativa de Londres através de um novo
conceito. Em 2016, o engenheiro de som Milton
Carvalho e o designer Bruno Conti começaram a
projetar o Core Soundsystem, com o objetivo de
reproduzir os elementos musicais de forma fiel,
através de um feitio artesanal e com material orgânico
para oferecer uma alternativa a equipamentos
produzidos em escala industrial, de plástico e “sem
alma”, como eles os definem.
A ideia começou quando Milton — que se mudou
para a capital inglesa para estudar produção musical
e passou a organizar festas nos armazéns do leste
da cidade — percebeu que os profissionais de
som não davam a atenção necessária a eventos
pequenos. Cada espaço tem um som, uma resposta,
e poucos pareciam se atentar a isso, o que resultava
numa sonorização ruim”, afirma Carvalho.
A partir de então, Milton propôs ao amigo carioca
Bruno Conti que juntassem suas expertises e
criassem um sistema para suprir as necessidades de
festas de até 500 pessoas no leste londrino que, para
eles, é o que há de mais autêntico na cena alternativa
da cidade. A partir daí, decidiram que não queriam
apenas reproduzir a lógica das grandes indústrias,
mas fazer uma coisa tão autêntica quanto as festas
8 WWW.HOUSEMAG.COM.BR
que frequentavam. Segundo os rapazes, a produção
em massa das grandes marcas prejudica a qualidade
do som porque prioriza componentes menores,
mais baratos e que facilitem processos logísticos de
transporte e produção em detrimento à qualidade.
Alex Arnout, respeitado DJ baseado em Londres, que
se apresentou na D-Edge no último ano, concorda e
afirma que o Core é talvez o melhor sistema de som
em que tocou nos últimos anos. “Tocar nele é sentir o
amor reverberando em cada componente de forma
orgânica”, completa o artista.
O duo produziu a primeira versão em 2017 e
passou a usá-lo em suas próprias festas, muitas
vezes realizadas ilegalmente em florestas, parques
e espaços abandonados. Durante uma delas,
conheceram o dono de um barco adaptado para
eventos que estava aportado num canal próximo e
a partir daí passaram a utilizá-lo como espaço para
after parties. Hoje, o Monday Boat é um projeto
colaborativo que se tornou um dos principais
destinos para quem não quer parar no domingo e se
estende muitas vezes até a noite de terça.
A repercussão foi tão grande que outros organizadores
locais se interessaram e passaram a alugá-lo várias
vezes por semana para festas de até 300 pessoas,
com o diferencial de que o sistema sempre passava
por um ajuste fino que o adequasse perfeitamente ao
espaço no qual funcionaria. Desde então, se tornou
um “atestado de qualidade sonora”, o que passou a
atrair centenas de pessoas.
Em março deste ano, o The Cause — recém-
inaugurado club da região — firmou parceria para
que uma versão maior fosse produzida de forma
customizada ao local. Stuart Glen, dono do espaço,
explica que escolheu o Core por conta de seu
pioneirismo e do público fiel que o segue: “Desde que
ouvi o sistema pela primeira vez, fiquei impressionado.
É por isso que foi claramente minha primeira escolha
para o The Cause. Mal posso esperar para conferir o
que eles construíram para nós. Tempos emocionantes
e um futuro brilhante está à frente”, afirma Stuart.
E o futuro parece reservar muitas coisas a eles.
Novos clubs, festas e projetos estão em fase de
planejamento e realização. Talvez o mais interessante
deles seja a versão portátil para casas e estúdios.
Em breve, você poderá customizar componentes
e comprar a versão miniatura do sistema para ser
ouvido em locais privados, desenvolvido para ter
um som limpo e uma resposta fiel aos elementos da
música que está sendo tocada. Já testei o protótipo
e a qualidade é impressionante.
Num Universo Paralello próximo de você!
POR Jeniffer Avila FOTO Thiago Dea
Pela segunda vez tive a sorte de estar presente em
um evento onde artistas, público, produção e staff
se sentem imensamente satisfeitos com a entrega
realizada. O festival reuniu mais de 21 mil pessoas na
praia de Pratigi, cidade que fica a pouco mais de cinco
horas de Salvador; e é difícil imaginar como tudo isso
se torna possível, com tão poucos recursos, tendo a
organização conseguido proporcionar os melhores
dias de milhares de pessoas. Nesta edição houveram
melhorias visíveis, sendo o cartão de consumo uma
novidade que funcionou perfeitamente. Outro ponto
alto foi a equipe de limpeza e o staff dos bares. Andando
pelo festival era possível encontrar pessoas de todas as
tribos e do mundo inteiro. Artistas renomados com os
pés na areia, no meio da pista e sentindo a verdadeira
energia do público. Ali não havia diferenças, com todos
em um mesmo nível e igual sentimento de pureza,
solidariedade e amor. É como se a entrada no festival
tirasse, de uma só vez, tudo que nos faz mal no dia
a dia. Mesmo sem conforto, não havia espaço para
reclamações, pois os melhores momentos estavam
sendo vivenciados a cada instante. As histórias que
ouvi e vivi poderiam render horas de conversa e textos
imensos, mas isso resumiria somente o meu ponto de
vista, dentre milhares possíveis e existentes. Como
nem tudo é perfeito, infelizmente, se houve um ponto
negativo foi da minha parte de ter que ir embora às
4:30 da manhã do dia 1. O que me resta agora é esperar
para viver tudo isso novamente em 2019.
Tropical Burn: o experimento social do Burning Man em terras tupiniquins
POR Lucas Arnaud FOTO Lung Liu
O Burning Man é um evento que ocorre anualmente
desde 1986, tendo migrado em 1991 para seu cenário
característico: o deserto de Black Rock, Nevada
(EUA). Durante sete dias, possui uma proposta que
vai muito além do que se pode chamar de “festival”
ou “festa” — na verdade, o evento funciona como um
experimento social, no qual os participantes podem
ter a oportunidade de viver em uma comunidade
com costumes, regras e convenções bem diferentes
das quais estamos acostumados. E toda essa filosofia
é muito bem conduzida ao espírito de liberdade
criativa e disruptiva, que culmina nas impressionantes
estruturas, carros alegóricos, esculturas ou mesmo nos
figurinos ousados e antidogmáticos. Com cerca de 60
“eventos irmãos” pelo mundo, como o AfrikaBurn,
chegou a nossa vez: ainda sem data definida, mas
planejado para o primeiro semestre de 2019, o Tropical
Burn foi anunciado como o braço do BM em nosso
país. Até o momento, a ideia é realizar o evento em
uma praia do Nordeste e atrair de 2 a 3 mil pessoas
para a primeira edição. Apesar de serem menores
que o evento principal nos EUA (que reúne entre 50
e 70 mil por ano), as dinâmicas em outros países têm
a vantagem de oferecerem uma experiência mais
intimista ou mesmo nostálgica, que remete às origens
do encontro, nas quais os participantes iam pela
experiência em si, e não por modismo.
MAIO/JUNHO/JULHO | 2018
9
 Lista com 100 clubs mais votados do mundo tem seis marcas brasileiras

A revista inglesa DJ Mag divulgou no final de março a seleção com os clubs mais votados de 2018. No topo temos, novamente, a Green Valley, que sobe duas
posições e iguala os resultados alcançados em 2013 e 2015. Em segundo a Ushuaia Ibiza, sexta colocada no ano passado. Fechando o pódio aparece a Zouk, de
Singapura, quarta no último ranking. O também catarinense Warung figura em 18º, subindo sete posições. Já o El Fortin, também do Sul, passou a ser o 26º. O Laroc,
do interior de São Paulo, após estrear em 45º em 2017, passa a ocupar o 29º lugar — demonstrando clara ascensão. Fechando a participação brasileira temos outras
duas marcas importantes: o Matahari, que vem recuperando o posto de número 37 conquistado em 2016, sendo agora o 54º; e o D-Edge, que sai da posição 50 para
a 81. Vemos, portanto, que o nosso país se mantém como uma potência neste quesito. Contudo, vale ressaltar a votação orgânica recebida por Warung e D-Edge
que, assim como em edições anteriores, não fizeram qualquer tipo de campanha. À exemplo de 2017, chama atenção a permanência da força eletrônica de Santa
Catarina, já que quatro dos seis premiados estão neste Estado, provando mais uma vez ser a nossa meca nacional de superclubs.

King Festival fecha parceria com XXXPerience e Beatport lança novo gênero em sua
define nova data plataforma de vendas

A produtora Juliana Cavalcanti bateu o martelo e definiu a data para a edição de
cinco anos do King Festival: maior evento de música eletrônica do Norte/ Nordeste.
Será em 22 de setembro, e o local escolhido foi novamente o Caxangá Golf Club,
em Recife, Pernambuco. No início do ano, a produção havia escolhido o dia 5 de
maio para realizá-lo; porém, após um grande acordo fechado com a XXXPerience,
que acontece em Itú (SP), ocorreu a mudança. “Essa união vai ser muito importante,
pois estamos viabilizando a vinda de melhores DJs para a esta comemoração
especial”, afirma Ju Cavalcanti. Sobre a data anterior, o público terá a oportunidade
de conferir uma festa de aquecimento já em fase final de preparação. Outras
informações estão disponíveis na página oficial do evento no Facebook.
Após realizar mudanças profundas, em 2016, muitos selos e artistas que ficaram
conhecidos por releases de “prog house” como “techno melódico” continuaram
inundando os charts de deep house, techno, electronica e até de tech house. Então
para finalmente “devolver pureza” a estes gêneros e satisfazer a parte comercial das
gravadoras envolvidas, foi criada a seção melodic house & techno, a fim de abrigar
lançamentos dos selos Afterlife, Diynamic, Stil Vor Talent e outros, além de artistas
como Tale of Us, Stephan Bodzin, Patrice Baumel, HOSH e Adriatique; enquanto
Hernan Cattaneo, John Digweed, Nick Warren e Guy J seguem no progressive
clássico. Assim, uma melhor organização continua sendo promovida, o que é ótimo
para DJs e produtores deste segmento — principalmente os menos experientes.

Red Bull Music Pulso 3ª edição

Entre os dias 3 a 28 de abril, o Red Bull Music Pulso proporcionou uma programação que reuniu 30
artistas dos mais variados gêneros. Impulsionando a cena independente para identificar oportunidades
e desafios, o evento abrigou seis painéis abertos ao público em que foram discutidos temas atuais
relacionados ao mercado, além de workshops e shows gratuitos. Durante as quatro semanas, os artistas
trabalharam em conjunto, divididos em cinco coletivos, com o objetivo de partir em busca de um novo
horizonte sonoro. Eles foram selecionados por cinco curadores convidados: Ana Paula Paulino (produtora
do Heavy Baile), Anna Penteado (criadora do festival Vento), Anderson Foca (fundador do festival Dosol),
Rafael Tudesco (produtor da Universal Music — que já trabalhou com nomes como Lil Wayne, Jay-Z
e Emicida) e Valesuchi (DJ produtora chilena habitué da cena eletrônica brasileira). O projeto também
possibilitou conversas abertas a fim de discutir as nuances e os rumos da música e do mercado atual.
Para quem mergulhou mais fundo nos conteúdos oferecidos, os workshops ensinaram um pouco
sobre discotecagem e produção, processo de gravação de vinil e a criação de aparelhos eletrônicos
relacionados à produção musical e tecnologia.

Música eletrônica é destaque no Grammy 2018

POR Lucas Arnaud
Em janeiro deste ano, ocorreu o 60º Grammy Awards, que consiste no prêmio mais influente na indústria
internacional da música. Apesar de o maior destaque ter sido Bruno Mars, conquistando nada menos que
três prêmios com seu álbum 24K Magic, é importante ressaltar que esta edição teve relevância histórica
para o cenário da música eletrônica, ao laurear Kraftwerk na categoria “Melhor álbum de dance music”
por 3-D The Catalogue. Com mais de cinquenta anos de estrada, o famoso grupo alemão é um dos
grandes pioneiros da dance music, tendo obtido destaque pelo uso inovador de sintetizadores na década
de 70. Já um dos maiores projetos de dance-rock dos EUA, LCD Soundsystem, que recebeu indicações
nas categorias de “Melhor álbum de música alternativa” e “Melhor single de dance music”, faturou o
prêmio por esta última, com “Tonight” — evidenciando o sucesso na tendência estilística que o grupo vem
adotando desde que retornou à atividade, em 2015. Outro ótimo resultado foi conquistado em “Melhor
gravação remixada”, em que a vitória coube ao produtor norte-americano Latroit, ao remixar a faixa “You
Move” da banda Depeche Mode.
Brasil ganha canal em português no YouTube
sobre produção musical
Andre Salata (professor, DJ, produtor), embarca numa nova empreitada com um
canal de produção musical no YouTube. Ele, que já é considerado um dos mestres
quando se trata de ensinar e formar alunos, toma a plataforma como o meio perfeito
para democratizar e desmistificar as ferramentas de criação sonora. Já conta com
mais de dois mil inscritos e 15 vídeos que explicam como criar o seu kick, elaborar
efeito estéreo em synths, mixar hi-hats, diferenças entre mix e master, além das
novidades para a última versão do Ableton live. Salata já é figura conhecida dos
diversos workshops sobre o assunto em todo o país, mas agora seus ensinamentos
se tornam viáveis para um número maior de pessoas e também uma diversidade
ainda mais abrangente dentro desse grupo.
Anônimo doa U$ 4 milhões em Bitcoin para
pesquisa em MDMA
Um milionário enviou quatro milhões de dólares em Bitcoin para uma pesquisa
clínica sobre os possíveis usos terapêuticos do MDMA. Apesar de ser utilizada de
modo ilegal com finalidade recreativa, estudos indicam que a substância pode tratar
acometimentos psiquiátricos como o transtorno de estresse pós-traumático. Esse
distúrbio afeta pessoas que viveram grandes traumas, à exemplo de combatentes
de guerra, sobreviventes de tragédia, vítimas de sequestro ou de abuso sexual na
infância, dentre outros. Os estudos têm seriedade científica, sendo realizados sob
regularização da FDA (US Food and Drug Administration), estando em fase III de
experiência — ou seja, já próximo do desfecho. Tudo isso foi possível pela plataforma
Pineapple Fund, que incentiva a filantropia por meio das criptomoedas.

10 WWW.HOUSEMAG.COM.BR MAIO/JUNHO/JULHO | 2018

11
 REVIEW

a
WDF 5 EDIÇÃO
Warung Day Festival reforça por que é um dos melhores festivais do país,
tendo recorde de público e atrações aguardadas por gerações de expectadores

POR Jonas Fachi FOTOS Ebraim Martini e Gustavo Remor

O Warung Day Festival chegou a sua quinta edição formulando novamente

uma conexão de sucesso com a Pedreira Paulo Leminski, em Curitiba. A cidade
cosmopolita, referência no país em práticas de urbanização sustentável, se
alinha perfeitamente com a proposta do club em Itajaí, detendo um cenário
ideal para um evento capaz de fazer frente ao templo da Praia Brava.

O dia 14 de abril de 2018 amanheceu cinzento em Curitiba, e os portões se

abriram ainda pela manhã, às 11h. Essa antecipação era uma clara tentativa
de fazer um público que viria a ser recorde (14 mil pessoas) de se distribuir
homogeneamente em todo o espaço. Outra medida tomada pela organização
foi adiantar a apresentação de artistas internacionais de grande apelo, como no
caso de Ryan Elliot, que iniciou o set às 15:30h.

Adentrei o festival por volta de 14:30h. Neste momento estava levemente

garoando, mas nada que comprometesse a empolgação de fazer parte de um
encontro de tamanha magnitude para a cena Sul do país. São poucas às vezes
possíveis de se reunir tantas gerações de clubbers e poder ainda rever amigos
de várias épocas de mais de dez anos de pista.

Após fazer algumas aquisições nos caixas ambulantes, comecei a circular para
conferir os novos detalhes estruturais do festival, que, diga-se de passagem,
estavam ainda melhores que no último ano. Vale destacar que o espaço e
decoração foram pensados para facilitar e dar qualidade aos participantes.
Direcionei-me para o Garden onde Lost Desert iniciava o set. Olhando ao
redor, era interessante perceber que todas as pistas já apresentavam público
consistente. O carisma de Lost, somado a sua clássica sonoridade levemente
melódica e dançante, foi perfeito para o momento.

Em seguida, fui para o Warung Stage e consegui pegar os 15 minutos finais do
Leozinho. Por sorte tive a chance de ouvir das mãos dele, no encerramento
do set, a minha música favorita da série Involver de Sasha: “These Days”, de
Peter, com um brilhante mashup de “What Are You to Me”, da banda Unkle. Era
o primeiro sinal do sentimento que iria se apresentar na pista mais tarde e uma
oportunidade de estar no mesmo palco que as lendas Sasha & John Digweed.
Blancah assume evidenciando sua evolução como comandante de uma pista
de dança, nesse caso, das mais difíceis e intimadoras para se tocar. Em um live
composto de músicas autorais, expressou seu ritmo característico sem deixar-se
entrar em momentos muito obscuros. O momento mais esperado foi em “Talus”,
composição que recebeu remix de ninguém menos que Hernan Cattaneo.
Após uma hora, segui novamente para o Garden na esperança de ver se quem
estaria no comando da pista seria Lee Burridge. Porém, quem assume foi
YokoO, um dos mais destacados integrantes do All Day I Dream, trazendo um
set orgânico composto por elementos tribais e muitos vocais em referência ao
Mantra. A pista montada a beira do lago, e com uma pequena cachoeira que
surge em meio ao paredão de pedras, é um dos espaços mais belos do festival.
Às 18:30h Guy J passa a comandar o Warung Stage, o maior palco do evento, que
contava com diversos bares, camarotes e um grande backstage que formavam
um coliseu ao redor da pista central. Revelado por John Digweed, tornou-se
um dos produtores mais respeitados da última década. Era, talvez, o nome que
todos gostariam de ver antes do show principal, e ele não decepcionou.
Assim que a escuridão tomou conta da pista, foi o momento ideal para o
“baixinho” dar as cartas. Todos sabem que diante de pistas tão pesadas, muitas
vezes os artistas precisam ajustar o set, excluindo faixas com break longos
ou muito imersivas. Guy J fez isso, mas sem perder sua carga de emoção e
profundidade. Entre as diversas faixas que eu poderia destacar, gostaria de
citar duas: “Pistolwhip”, de Joshua Ryan, em um remix que, na minha opinião,
foi o ápice do set, energizando a pista por completo; e “Fixation” — um dos
maiores clássicos do artista lançado pela Bedrock —, no final da apresentação,
comovendo e surpreendendo a todos.
Já se aproximava das 21h quando finalmente Sasha e John Digweed surgem.
Ficou evidente a emoção de Guy J em recebê-los para assumir o comando. Eu
estava a dez metros do palco, juntamente de algumas das melhores pessoas
que já conheci. Nada poderia dar errado.
Chegava a grande hora. Após longo período de um sonho que parecia ter se
perdido, forças eram somadas para se desenhar o cenário ideal capaz de recebê-
-los com uma estrutura e público a altura de seus nomes. Foram necessários
quinze anos de cena clubber e cinco edições de um dos melhores festivais
da América do Sul educando um público que se renovava constantemente
para, enfim, poder contar com a dupla em um evento do Warung. A expressão
“dream come true” estava prestes a ser riscada da cena sulista, com todos os
personagens que chegavam a Pedreira imaginando como eles iriam iniciar
e conduzir essa jornada musical de quatro horas e, principalmente, como
corresponderiam à tamanha expectativa.
A abertura é feita com “Crazy Diamond”, uma obra prima através da parceria
de John Digweed, Nick Muir, Eagle & Butterflies. Sua melodia é uma clara
homenagem ao clássico da banda Pink Floyd. A meia hora inicial é comandada
por John de forma magistral, mantendo o ritmo em baixa velocidade. Sasha
entra e logo na primeira faixa traz para o jogo alguma profundidade.
Eles estavam intercalando sessões de duas músicas com muito cuidado
e impressionando a cada nova virada. Era o cartão de visitas do famoso
brilhantismo técnico que possuem. Mesmo numa pista tão grande, realizar
uma primeira hora descompromissada, com os ritmos baixos e ainda fazendo o
público dançar, foi algo que jamais pensei ser possível fora do ambiente clubber.
É preciso mencionar faixas como “Journey Into Light”, de Pale Blue; seguida de
uma das músicas mais bonitas de todo set, em uma mixagem desconcertante
de Sasha: “Zebra”, de Olivier Weiter & Alex Pedra e remix de Einmusik. “Virala”,
de Trikk, fechou a hora inaugural dando o tom do desse primeiro ato.
A segunda hora ganha um pouco mais de dramaticidade e espaço para sons
ritmados e viajantes, à exemplo de ‘’Kamakura’’, de Musumeci. Percebe-se
com isso, ao chegar na terceira hora, o quão bem pensado e elaborado era
o set que eles estavam moldando. Como eu havia imaginado, eles jamais
iriam pular etapas e sim respeitar a construção progressiva de ritmo. Era o
momento de apresentarem algumas faixas mais obscuras e de maior apelo aos
processadores de efeito. Nessa hora os grandes destaques ficam por conta
de “Sand Your Shoes”, de Artbat & Dino Lenny, em um vocal que remete aos
clássicos de house progressive; além de “Patchouli”, de Denis Horvat.
Voltar a tocar b2b após um hiato de seis anos, e com a amplitude contemporânea
que possuem, não é simples. Ainda assim, era incrível perceber as semelhanças
do som que estavam apresentando ali, diante de nossos ouvidos, com álbuns
consagrados dos anos 90 como Northern Exposure e The Mix Colletion.
Depois de tantos anos, não pender para tendências passageiras é uma vitória,
e se adaptar ao que está disponível no universo musical é imprescindível. Por
isso, sonoridades mais limpas, com menos arranjos de baterias e baixos rápidos
que flertam com o techno são apresentadas na hora final. “Make Me”, de Sentre
(ID remix), e a incrível “Five”, de Kink, descrevem isso com perfeição.
Na última meia hora, a entrega foi para momentos mais emocionais. Uma grande
homenagem de John a Guy J veio com “Lamur”, faixa lançada pelo israelense em
2011, pela Bedrock. “Opal”, de Bicep e remix de Four Tet, faz todos se reunirem na
mesma energia enquanto Sasha, visivelmente emocionado, levanta o dedo para
cima em sua tradicional forma de interagir com o público. Era o final, entretanto,
John ainda tinha mais uma arma guardada, e que faria todos entrarem em euforia.
“Close Your Eyes”, de Luke Brancaccio e Simon Berry, que voltou à memória
dos mais atentos e relembrou um dos maiores clássicos da história do house
progressivo: “Forget The Word”, de John Creamer e Stephane K.
Saindo da Pedreira a sensação era de que finalmente nossa cena estava
emancipada e definitivamente pode ser colocada entre as mais importantes do
mundo. Temos um club lendário e um festival do mais alto nível que se equipara
com os melhores. O desejo é apenas um: vida longa a tudo isso! ■

12 WWW.HOUSEMAG.COM.BR MAIO/JUNHO/JULHO | 2018

13
 OPINIÃO
SEM DEFINIÇÃO,
DEFINIDO ESTÁ!
Sobre misturas criativas e a ousadia nos DJs sets
POR Georgia Kirilov FOTO Jean-Christophe Dupasquier (Red Bull Content Pool)
Sabe aquela hora inesperada em um set quando quem está se apresentando
supera todas as expectativas e toca uma faixa que exige uma reorganização mental
e corporal antes de uma resposta? Então, esse momento de confusão induzida
simboliza uma crescente na diversidade dos sets e na ousadia de vários nomes em
evidência, como, por exemplo, Four Tet, Seth Troxler e Antal — que tem um repertório
de música brasileira que faria até Gilles Peterson ficar impressionado.
Com um acesso maior a acervos dos mais diversos e específicos, hoje o céu nem é
mais o limite para os DJs e vemos figuras com longas carreiras se reinventando e/ ou
se mantendo atuais por conseguirem surpreender o público. Os expoentes Or:la e
Mall Grab, que acabaram de fazer um b2b pela primeira vez no DGTL Amsterdã, são
figuras relativamente novas na cena e que também estão construindo suas carreiras
em cima desse elemento surpresa.
Quando se trata de produção musical o panorama não é diferente, com sons cada vez
mais indefiníveis, combinados a referências diversas, para criar híbridos que não se
encaixam com precisão em nenhuma vertente. Como você classificaria John Talabot,
Glasser e Arca? É realmente um desafio e desde 2016 o Beatport vem se esforçando
para estabelecer os gêneros e subgêneros com maior exatidão por meio de mais
opções, autorizando os artistas a posicionarem suas músicas de maneira adequada.
Entretanto, essa presença maciça de faixas que flertam com diversas categorias
torna o portal e as tags ferramentas antiquadas, que não conseguem comportar o
movimento frenético e disperso atual.
Até porque é raro um set que se mantenha em um gênero somente na sua integridade
— e mais difícil ainda encontrar duas pessoas que concordem em dar apenas
uma definição sobre o mesmo. Essa mudança é marcada por diversos avanços e
acontecimentos no mundo, tanto na tecnologia, que oferece um grande número de
aparelhos para serem explorados (synths, softwares, mix de instrumentos acústicos,
etc…), ou pela circunstância da democratização dos home studios.
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Four Tet, no Red Bull Music Academy, Suíça
O esforço de definir música com um número crescente de classificações e
a impossibilidade de o fazer com sons extremamente peculiares é de fato o
tipo de movimento que deveríamos promover dentro da indústria, quebrando
barreiras sonoras, estilísticas e criativas. Algo nessa direção significa que música
eletrônica se tornaria mais abrangente, introduzindo possibilidades infinitas entre
os gêneros musicais e todos os seus subgêneros existentes.
Porém, essa ansiedade se torna mais simples para o estabelecimento de uma
conexão sonora entre gerações, pois não podemos compreender o presente sem
estudar o passado. Afinal, essa tendência mostra uma geração que não espera
mais do artista uma permanência na sua identidade sonora. Ainda que tenhamos
chegado aqui aprendendo muito com Kraftwerk, Jeff Mills, Kevin Saunderson,
Grace Jones e muitos outros mestres, é esse intercâmbio de ideias (e épocas)
que cria conteúdos atemporais. Estamos produzindo e absorvendo isso de uma
maneira nova e os festivais já compreenderam esta mudança, oferecendo palcos
que fazem uma curadoria fluída, irreverente e sem nome.
Núcleos nacionais como Mamba Negra, VOODOOHOP e 101Ø (BH), entre muitos
outros, também estão se esforçando para diversificar as propostas e inovar dentro
de um formato parecido, por meio da abertura do line-up a diferentes sons. Na
última 101Ø foi assim, com Renato Cohen e Barbara Boieng dividindo o comando
da pista, mesmo tendo propostas sonoras distintas. Algo que é de extrema
importância para os DJs, pois os impulsiona a ousar na hora da pesquisa e os leva
a sair do molde que lhes foi “imposto” — seja pelo público, pela gravadora, etc…
Ou seja, nada é criado em um vácuo e a cena da música eletrônica atual reflete
características da nossa sociedade. Ao mesmo tempo que a globalização é uma
forma de imperialismo tecnológico, ela oferece da mesma maneira grandes
vantagens, que se forem exploradas apropriadamente podem resultar em
criações sensíveis, multifacetadas e, é claro, indefiníveis. ■
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 PERFIL
LADO SELVAGEM
O rosto anguloso, no alto de seus 1,86m de altura, o olhar intenso, a voz
inconfundível e a imensa energia que ela entrega nas apresentações são alguns
dos adjetivos que tornam Ashibah um ser quase hipnótico quando assume o
palco. É realmente difícil tirar os olhos dela: uma beleza exótica de descendência
africana que magnetiza a tudo e todos enquanto solta sua voz — com traços
de Sade. Ela canta sucessos de Fragma, Hot Natured e composições próprias
com uma afinação impecável — apesar de dançar o tempo todo —, mixando
suas produções com sucessos de artistas brasileiros e internacionais, fazendo
uma mistura de deep e tech house que conquista um público crescente. No
encerramento da sétima turnê que fez pelo Brasil, a também DJ, compositora e
produtora dinamarquesa se derrete pelo país que a recebeu de braços abertos,
e já se considera “brasileira de coração”, apaixonada por açaí e canja de galinha.
Mas quem diria que o Egito, um lugar quase místico na imaginação dos
ocidentais, é muito parecido com o Brasil? Por isso, não foi nada difícil para
Ashibah, metade-dinamarquesa-metade-egípcia, cair de amores por seu novo
público assim que botou os pés no Brasil. “Era minha primeira apresentação
aqui [em Floripa], e não fazia ideia do que esperar. Antes disso, no dia, fui com
a equipe que me acompanhava em um churrasco: muitas pessoas diferentes,
familiares, amigos..., umas 15 pessoas. Estavam assando um peixe, as crianças
jogavam futebol no jardim e tudo isso com vista pro mar. Pelo jeito que interagiam,
sempre com um sorriso no rosto, vi o quanto os brasileiros são parecidos com
os egípcios, o que me fez sentir-se em casa imediatamente. No dia seguinte fiz
minha estreia no Green Valley, numa noite absolutamente mágica! Depois do
show, o público me abordou com muito carinho e intensidade. Nunca havia tido
uma experiência assim. E desta forma que começou o meu caso de amor com
o Brasil... a minha segunda casa!”
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A tropicalidade
toma conta
da dinamarquesa
Ashibah, em
pleno romance
com o Brasil
POR Irena de Almeida
FOTOS Rude
Já são sete turnês, numa relação que começou em 2013 e se fortalece a cada
vinda da artista. O país é realmente especial, pois foi aqui que pediu o amor da
vida dela em casamento, e também onde compôs e produziu algumas faixas
que a consolidaram no mercado. Ao lado de Vintage Culture, lançou a certeira
“Circles” — um dos maiores sucessos de 2014 e que continua incendiando as
pistas; “Will Be OK”, com Dashdot e Rocksted; “Make It Better”, outra colaboração
com Dashdot; “Without You”, com Sharam Jey; a cheia de groove “Get It On”,
ao lado de Jean Bacarreza; “Let You Go”, com Chemical Surf; a recém lançada
“Anything”, coprodução com Schwanka; e várias outras.
“Quando recebo uma produção, gosto de ficar imersa no som para sentir o que vou
compor pra música. Aí trabalho nas melodias e letras a quatro mãos: muitas das
músicas crio junto de minha ‘parceira no crime’, Nikoline. Nos completamos muito
bem no estúdio. E são nas sessões à capela, quando escrevo e canto sobre o que
estou sentindo, que geralmente as letras surgem. Acho que isso pode ser chamado
de ‘autoterapia’ e o Brasil tem me inspirado como nunca!”, explica, sorrindo. Quando
perguntada sobre qual artista brasileiro ela adoraria dividir as produções e pick-ups,
Ashibah responde na lata: “Gui Boratto. Ele é um gênio!”
Em sua última vinda, Ashibah chegou ao país em outubro de 2017 e foi embora no final
do mês de março. Foram seis meses de residência brasileira, mais precisamente em
Balneário Camboriú. E este período se transformou em trinta apresentações e muitas
músicas novas. Com vários lançamentos rolando — incluindo parcerias com Sharam
Jey, Dashdot, Gabriel Boni, Mumbaata e outros artistas —, finaliza seu primeiro álbum
ainda este ano. Tenho várias facetas e podem esperar por todas neste trabalho, com
músicas super agitadas pro club, mas também um som bem tranquilo, para relaxar
smoking a joint”, nos conta em tom descontraído.
QUEM É ESSA GAROTA?
A artista que dá vida à Ashibah é Sarah El Habashy. Ela nasceu em 1984, numa
cidade de 47 mil habitantes no sul da Dinamarca, chamada Naestved. O pai é
egípcio, a mãe é dinamarquesa, e as memórias de infância são recheadas de
música. Quando tinha dois anos de idade, seu pais se mudaram para a capital
do Egito, Cairo, cidade onde viveu com os irmãos até a adolescência. A bela voz
do pai foi a herança genética que despertou Sarah para a música, ainda muito
nova, influenciada pelo pop dinamarquês dos anos 80, a soul music americana e
artistas tradicionais egípcios. Sarah cantou no coral da escola e aos sete escreveu
sua primeira música, uma canção de amor. Aprendeu a tocar udo, um instrumento
egípcio parecido com o violão, e começou a brincar de produção musical, mesmo
sem nunca ter pisado numa escola de música. “Aprendi o que sei sozinha e com as
pessoas que conheci ao longo da minha jornada. Quando precisava saber algo, me
virava e dava um jeito”, conta, mostrando que a personalidade forte veio do berço.
AMAMOS HOUSE MUSIC... E BASQUETE
Nos anos 90, início da adolescência, Sarah se apaixonou pela house music de
Chicago, cheia de vozes poderosos e mensagens fortes. “Sonique foi quem me
despertou para os vocais originais na música eletrônica. Foi ela que começou este
movimento. Lembro de um show, no Cairo, em que eu conhecia os organizadores da
festa e fiquei bem atrás dela enquanto a via tocar. Só olhava e pensava: ‘ela é foda!
É isso que quero fazer da minha vida!’” E não demorou a acontecer.
No ensino médio, Ashibah dividiu seu tempo entre o colégio e as apresentações
como DJ em festinhas da turma, ao lado de seu melhor amigo; além dos treinos e
competições de basquete — esporte que pratica desde a infância. Mas quis o destino
que ela fizesse a escolha mais importante de sua vida, que definiria seu futuro, ainda
adolescente. “Fui escalada para a Seleção do Egito quando tinha 16 anos e ganhei
uma bolsa para jogar e estudar nos Estados Unidos. E foi neste momento que decidi
largar o basquete para me dedicar ao meu verdadeiro amor, a música.”
ENTÃO... NASCEU ASHIBAH!
O começo da carreira artística não foi tão fácil. Era a primeira década dos anos
2000 e num mercado dominado pelos homens, uma DJ enfrentava ainda mais
dificuldades para conquistar espaço. Foi, então, que os vocais ao vivo começaram
a fazer parte das apresentações de Sarah e o público de Copenhagen ficou curioso
com a novidade. Boom! Assim nasceu Ashibah. “As pessoas se interessaram porque
era algo diferente na noite, pois eu cantava e tocava ao mesmo tempo e a maioria se
surpreendia quando via isso”, lembra. E neste período que veio o primeiro grande
reconhecimento: um contrato de dois anos com as gigantes Ministry of Sound e
HedKandi, entre 2013 e 2014. “Foi tudo tão rápido: uma reunião em Londres e na
semana seguinte já estava na estrada. Viajei e toquei em diversos países com eles.
Tive muitos momentos especiais, como a noite em que me apresentei no 70˚ andar
de um dos arranha-céus mais altos do mundo, com vista pra cidade de Jacarta... e
quando toquei em Ibiza, claro.”
Outro divisor de águas foi a relação que Ashibah construiu com o produtor belga
Kolombo, que praticamente lançou sua carreira como vocalista em collabs. Ela o
conheceu numa festa na Dinamarca, depois de dizer que adorava suas músicas e
que colaboraria com vocais quando ele quisesse. Dois dias depois, Kolombo enviou
uma faixa, ela compôs uns versos e mandou de volta. “Passada uma hora ele ligou
e disse: ‘pqp, eu amei! Vamos lançar!’” Era o remix de “Wade in The Water”, uma das
mais tocadas em 2013, especialmente no verão de Ibiza — e com suporte de Laurent
Garnier.
ELA VAI ALI E JÁ VOLTA
Ashibah retorna ao Brasil para uma turnê de inverno, em julho. “Sinto uma conexão
especial com meus fãs brasileiros. Para mim, é como encontrar pessoas da minha
família em cada apresentação que faço. Afinal, são meus ashibunnys! E mal posso
esperar para vê-los novamente, em alguns dos meus clubs brasileiros favoritos, neste
inverno”, conta, referindo-se ao nome carinhoso que batizou os seus seguidores
tupiniquins. E a promessa é de grandes novidades: “A turnê do próximo verão será
a cereja do bolo. Tenho muitas músicas novas e quero proporcionar uma jornada
diferente e mais profunda. Meu álbum estará nas ruas e além das apresentações nos
clubs, teremos alguns shows bem especiais. Será incrível!”, finaliza.
Acompanhe as novidades e fique por dentro das próximas datas em facebook.com/
ashibahmusic e instagram.com/ashibah. ■
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 REVIEW
NOVAMENTE IMPECÁVEL
Dekmantel SP recebeu público expressivo e uma curadoria musical aplicada
POR Gabriela Loschi e Alexandre Albini FOTOS Ariel Martini, Eduardo Magalhães e Gabriel Quintão
“Feliz por ver um evento desse acontecendo aqui em São Paulo! Com essa
variedade e qualidade musical, pluralidade de um público tão preparado para
receber e se entregar a tantas sensações.” Essa não é a fala de apenas uma
pessoa. É um sentimento que tomou conta da maioria do público. Nos dias 3 e 4 de
março, esta metrópole não recebeu apenas um festival. Aquilo que vivemos foi uma
verdadeira egrégora energética.
O lado racional nos faz buscar por pontos-chave do que fez o Dekmantel manter-
-se tão especial em sua segunda edição na capital paulista: a música, a estrutura,
os detalhes, os artistas, os locais, as facilidades de acesso, a diversidade social, as
experimentações… um pouco de tudo! Depois de vivenciar cada segundo desses
dois dias mágicos, destacar um fator é necessário: a atmosfera do festival.
Não só para nós, mas a energia que contagiou o antigo Playcenter e o Sambódromo
do Anhembi por um final de semana inteiro, comandou os corpos e os sorrisos de
mais de seis mil pessoas, que vieram de todo o Brasil para viver ali algo que não se
vive tão comumente em nosso país.
Em 2018, com a pressão de entregar novamente algo que entrasse para a
história tupiniquim, a organização (capitaneada pela Gop Tun) se deparou com
um empecilho: o de não poder realizá-lo novamente no Jockey Club. Algo que se
transformou em uma grande alegria para quem tem no Playcenter um dos símbolos
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máximos da infância. E para todos os que puderam presenciar o aproveitamento
de cada espaço do antigo parque de diversões para a construção de pistas de
dança aconchegantes e altamente vibratórias, com estruturas montadas em meio a
árvores e plantas que refletiam colorido e felicidade nas iluminações.
"Para além da curadoria cuidadosa e representativa, tudo isso foi embalado pelo
respeito aos artistas nacionais, e por pistas divertidíssimas, tanto de dia quanto a
noite, cada uma com sua proposta. No Anhembi não havia a estrutura de um festival
em si, mas o after foi espetacular, com uma atmosfera underground tão poderosa
que me fez chorar, que aquilo estava acontecendo no Brasil…”, conta Gabriela Loschi.
Esta edição abriu ainda mais espaço para talentos nacionais. Foi muito bonito ver
o suporte dos fãs, das pessoas curiosas e abertas a conhecer o diferente, mas
principalmente da fomentação da cultura e da arte locais. O público estava antenado
e afim de ver nos grandes palcos aqueles que há tempos trabalham no Brasil, ao lado
de nomes relevantes que estão causando nos clubs pelo mundo. É a coroação de
anos de trabalho de muitos artistas brasileiros; e um possível carimbo no passaporte.
Quando dissemos que esse tipo de evento não é tão comum no Brasil, estamos
falando na categoria de quem participa da cena paulistana há anos. A nossa equipe
de cobertura foi formada por profissionais que costumam frequentar festivais e festas
underground ao redor do mundo e que estão até hoje em êxtase pelo Dekmantel SP.
Lena Willikens & Vladimir Ivkovic
Marcos Valle
A EXPERIÊNCIA
POR Marcelo Godoy
“De um modo opinativo bem pessoal, o que vi se equiparou a qualquer festival
europeu. E nisso, o público está de parabéns também. De vibrações leves a
estruturas impecáveis. De organização dos line-ups, à construção de momentos e
detalhes que deixaram a festa muito mais gostosa. E os after-parties… Nunca havia
me sentido tão à vontade em um evento no Brasil — desde sempre!
Acho que a palavra que mais se destaca quando penso no assunto é ‘inclusão’. As
festas aqui começaram a desenvolver processos de safe-spaces e inclusão social
de muitas ‘minorias’. Pela transgressão de normas e quebras de tabus, uma esfera
social contempla melhor as pessoas do jeito que elas são. E isso cria vibe. Quando
você dança com a pessoa ao seu lado, sem se importar com a aparência dela, e
sim somente por querer ter um tempo bom juntos, constata que a música e a arte
propiciam o pano de fundo para esses acontecimentos. Acredito fortemente que
festas são ferramentas de transformações sociais.
Dito isso, gostaria de parabenizar o time de performers e artistas que deixaram o
festival ainda mais colorido: Gabriella Garcia, Euvira, Valentina Luz, Alma Negrot,
Aretha Sadick, Alex Honda, Roberta Uiop. Parabéns também ao pessoal da 28.room
pelo trabalho de iluminação e criação de ambientes. E claro, para a Gop Tun, além
de todo o staff e trabalhadores que fizeram parte desse momento artístico coletivo.
Os eventos não são só música e artistas famosos, e é importante sabermos valorizar
todos os aspectos que nos trazem uma linda experiência multissensorial.
Entendo que muita gente gostaria de poder moldar os horários de uma forma em
que pudessem assistir mais de seus artistas favoritos, porém é impossível agradar
a todos. Já tive muitas oportunidades de ver a grande maioria do line-up, então o
jeito que curti o festival foi um pouco diferente: estava interessado na experiência
coletiva, ainda que a música em si tenha me puxado. Assim, pude transitar entre
Cashu DJ Stingray
Palms Trax Tessuto
boa parte das atrações, conhecer artistas que nunca havia visto antes; ‘pulando
de galho em galho’… Vinte minutos aqui, meia hora ali, encontrava amigos e
conhecidos que não via há tempos em todos os palcos. Foi demais!
Cheguei por volta das três e meia da tarde de sábado. No palco principal Davis
tocava um techno groovado, com BPM mais baixo e muito interessante. Dali parti
para explorar a área. Encontrei o palco Gop Tun, onde vi um pouco de TYV. Na
pistinha do Na Manteiga Rádio, Rotação Brasil dava o tom. Parei um pouco também
para ver Bufiman, na pista Selectors. Do lado, passando pela ponte — quem foi
nas ‘Noites do Terror do Playcenter’, certamente se lembra que ali só se passava
correndo — chegava-se ao UFO, que neste ano foi o segundo maior palco. Vi o final
do set do Tessuto e o começo da Cashu, ambos bem pra cima. Fui ao main stage
encontrar uns amigos, e estava rolando Peggy Gou. A coreana é supertalentosa.
Tocou alguns clássicos e fechou com “Transition”, do Underground Resistance.
Outro destaque desse momento foi o set ‘cabeçudo/ diferentão/ pra frentex’ da
Lena Willikens & Ikvovic. Os residentes do Salon des Amateurs, em Düsseldorf,
mostraram um derretimento cerebral que entortou a pista. Fiquei com muita vontade
de conhecer esse club alemão. Voltei ao palco principal para a apresentação do
Midland, que já havia visto algumas vezes — mas esse set, que maravilha! Passeou
por diversos estilos, do jeito que eu curto. Um pulo no Na Manteiga pra encontrar
outra amiga e ouvir um pouco do Thiago Guiselini, sempre um som classudo.
Kobosil pulei, pois já assisti várias vezes — o mesmo para o Mano Le Tough e
Modeselektor.
Curti bastante o Randomer, que nunca havia visto, e peguei um pouco do set do
Ney Faustini também. Só sonzeira em todos os palcos. Voltei para o UFO para uma
das apresentações mais aguardadas do meu roteiro: DJ Stingray, que teve uma
seleção de electro absurda, ‘malvada’, baterias que te espancavam — e um BPM
bem alto para a média. Muito foda ver mestres como Renato Cohen e Benjamin
Ferreira se jogando na pista. A música atravessa gerações e isso é sensacional!
Assim foi o primeiro dia de festividades. Bora pro after?!
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Chegando no Sambódromo do Anhembi, que local bonito: a arquitetura
quase brutal, as linhas de concreto e a iluminação na medida. A trilha do
palco principal foi aberta por Lust Attraction, de Medellín. Também conferi a
apresentação do Anthony Naples. Muito classe o som! Voltei pra ver o Juju &
Jordash — infelizmente o Juju (Gal) teve de se apresentar solo, mas mesmo
assim fez bonito. Passeei, vi mais um pouco de Lena Willikens, Cinnaman, e um
pedaço de RHR. Dois outros grandes destaques da programação noturna que
queria muito ver: Teto Preto e DJ Fett Burger.
Sou fã de Teto Preto há anos, e fazia três que não os via: que evolução sonora!
A unidade da banda, as transições e a musicalidade em si. Amei o som! Vi um
pedacinho de The Hacker presents Amato live, um electro/ techno com pegada
diferente da de Detroit. E na ‘saideira’ fiquei pingando entre o set do mestre brazuca
Magal e o b2b entre Palms Trax, Courtesy e Mano Le Tough. Saí de lá as sete da
manhã, acabado, porém feliz.
Dormidinha básica, banho tomado... Fui para o segundo dia e logo comi um
strogonoff vegano num dos trailers — bom demais! Nisso já estava rolando o set
do Marcio Vermelho. Muita classe sonora. Mesmo com a chuva que caiu, a pista
já estava cheia. Queria ter chegado mais cedo pra assistir ao mestre e caríssimo
colega Tahira, e o ‘bro’ Gui Scott. Mas descansar era preciso para aguentar uma
nova maratona. Parti então para o show do Azymuth com DJ Nuts. Há bastante
tempo queria ver esses caras: lendas vivas da música brasileira. Muita emoção em
forma de ondas sonoras e uma energia incrível!
Dali começou o meu ‘ping-pong’: um pouco de Mall Grab, para ouvir uns UK garage
e old school rave; aí fui para Dekmantel Soundsystem e de lá para o Selvagem,
que também é uma brisa delícia. Vi também um pouco de Floating Points, no Na
Manteiga. E voltei ao UFO para o final da Courtesy, com seu techno super fresh; e
um pedaço do live do Zopelar, que está há muito tempo um absurdo. Aí metade
do Four Tet... Que set lindo! Construções interessantíssimas, texturas e timbres
diferentes, subindo e descendo com um fluxo que poucos conseguem fazer.
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Ariana Miliorini
Jayda G
Gostaria de ter visto o show d’Os Mulheres Negras, mas me perdi para lá e para cá.
Outro destaque foi a Jayda G. Que vibe! Só de ver/ sentir a energia dela tocando você já
quer dançar. Som funkeado e super groove, que lotou a pista Selectors. Na sequência
acompanhei um pedaço de Marcel Dettmann e de lá fui ver Anthony Parasole — que
pegada! Acompanho o som dele há anos, e curti bastante o set no UFO.
De volta ao Sambódromo, o after estava em chamas! Chegando lá, a chilena Valesuchi
mandava um som maravilhoso. Na pistinha, esquentando as carrapetas, um b2b que
acredito ser de Interstellar Funk com John Gómez e Mall Grab. No palco principal algo
inédito se formava: Marcel Dettmann e Nina Kraviz convidavam Kobosil para participar
do b2b. Desceram a lenha, com bastante industrial e minimal techno — BPMs altos
e energia então, nem se fala! Foi muito lindo de ver tanta gente diferente dançando
junto, numa pista composta por uma galera internacional, junto aos locais de vários
núcleos e festas. No outro palco, Four Tet e Floating Points transmutavam o público
numa viagem cósmica. Passeando por diversos gêneros, e numa sintonia de amigos
de longa data.
Depois Gui Scott e Young Marco tocaram bastante groove e sons baleáricos
mesclados com house. E Augusto Olivani, o Trepanado do Selvagem, tocou b2b
com o Casper Tielrooij, do Dekmantel Soundystem — rolou até Fernanda Abreu,
fazendo a galera remexer num swing maroto. A hora de acabar foi chegando, e
na pista principal Anthony Parasole tomou conta e mostrou como os closings são
feitos do seu modo. Danny Daze se juntou a ele e um grande final foi feito, do jeito
que um festival tão especial como esse merece.
Quando o som parou, ficamos todos órfãos querendo mais! Mas foi lindo, e uma
festa acabar às 7:30 da manhã de segunda no Brasil não é tão comum. Saí de lá
com um sorriso enorme no rosto, com memórias lindas de dançar debaixo do sol
e da lua, de pegar uma chuvinha tropical e me esbaldar que nem criança numa
festa com tanta gente legal, interessante e de corações maravilhosos. Vida longa
ao Dekmantel São Paulo e a todo o público, organizadores, agitadores, artistas de
todos os âmbitos e trabalhadores da cultura!” ■
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 ENTREVISTA
EM CONEXÃO
Durante passagem pelo Brasil para a estreia do
The Hole Festival, Ellen Allien fala das mudanças na cena
clubber, DJs mulheres e novos projetos
POR Rodrigo
Com quase três décadas dedicadas ao techno, Ellen Allien já fez de
tudo para fomentar a cultura dos clubs. É DJ, produtora, chefe do
selo BPitch Control, idealizadora de festas e designer de camisetas
através de sua marca homônima. Neste período lançou sete álbuns de
estúdio, dezenas de EPs e já remixou músicas para uma quantidade
considerável de artistas, como Mountie Kimbie, na gravadora Warp, e
até para o Depeche Mode, só para citar os mais recentes.
A alemã, símbolo do techno berlinense, acumula residências nos
tempos áureos do Tresor Club e do extinto E-Werk nos anos 90; e,
claro, apresentações na Love Parade e Melt! Festival, nesta mesma
década. Atualmente possui residências nos clubs Nitsa, em Barcelona,
na festa Circo Loco, que acontece no DC 10 em Ibiza, além de viajar
com frequência para tocar nas principais festas ao redor do mundo.
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Cury
Com um fim de semana de folga, mas bem agitado, a artista
encontrou tempo após a gig para prestigiar eventos, como da amiga
Claudia Assef, no Women’s Music Event, visita a exposições de arte
(no Museu da Imagem e do Som de São Paulo), e a intenção de
conferir a apresentação da Octo Octa na ODD, que acabou não se
concretizando.
Momentos antes de embarcar para mais uma edição do Miami
Music Week, Ellen me recebeu no hotel que estava hospedada.
Em apenas cinco minutos já pude sentir toda sua empolgação,
fruto de como ela leva a vida e se dedica genuinamente ao techno.
Comecei perguntando como fazia para manter toda esta energia,
e me contou que em Valência, na véspera de vir ao Brasil, dormiu
antes do set, depois pegou um voo para Lisboa e lá conseguiu
descansar por mais algumas horas. Chegando em São Paulo, alimentou-se bem,
com direito a suco de maracujá e pão de queijo, que ela adora.
Em sua vibrante apresentação no The Hole Festival, mostrou mais uma vez todo
comprometimento e paixão em conduzir a pista, mesclando algumas novidades
com antigas composições de sua autoria, como um dos remixes da faixa
“Freak”, que abriu o set. Super simpática e disponível, nossa conversa abordou
assuntos dos mais diversos — desde a função dos clubs como aglomeradores de
experiências, até sua visão crítica que envolve o sistema da música eletrônica.
Como seguidor do techno desde a adolescência lembro de grandes
acontecimentos, como Jeff Mills tocando com a Orquestra Filarmônica de
Montpellier em 2006 ou a Love Parade transformando Berlim em uma imensa
rave, com um milhão de pessoas nas ruas durante os anos 90. Em sua opinião,
quais os fatos mais marcantes do gênero?
Em primeiro lugar a Love Parade, pois fiz parte desta história como DJ, a partir da
metade dos anos 90. Depois o Glastonbury, na Inglaterra. Nunca vi um festival tão
imenso e bonito em toda a minha vida. Sem gestão de marca, sem anúncios, com
pessoas super amigáveis e dispostas a interagir. É como se fosse uma cidade de
clubs e palcos. Uma mistura de estilos musicais: hippie, rock e techno, tudo junto!
É, talvez, o festival mais antigo do mundo. Você tem que ir!
Você vive a cultura clubber há quase três décadas. O que mudou neste período?
A cena cresceu muito, os sistemas de som ganharam potência e qualidade, os
toca-discos ficaram ainda melhores, o que facilita nossa vida como DJ. Soma-se
a isso o surgimento de novos formatos de áudio, como MP3 e Three Wave, o
que ajuda nas viagens. Sempre levo meus discos, mas é importante ter outras
possibilidades caso algo dê errado. Acredito que no passado a competição
entre artistas, promoters e organizadores era mais intensa e estressante. Hoje
é possível vivenciar esta cultura em diversas partes do mundo — antigamente
era mais em Berlim e no Reino Unido. Outro fator interessante é que agora é o
público quem escolhe aonde quer ir e o que ouvir, porque existem muito mais
opções. Mesmo com muito mais DJs mulheres, o techno ainda é um universo de domingo para segunda — a próxima acontece em abril. Já o Vinylism é um
masculino, mas para mim como mulher, ficou mais fácil. projeto realizado em diferentes lojas de discos ao redor do mundo, onde a ideia é
sempre tocar o que há disponível nas prateleiras e convidar artistas locais, mas as
Sobre as mulheres DJs de techno... isso era comum vinte anos atrás? vezes acabo me apresentando sozinha. É uma maneira de ativar estes espaços
Mais ou menos. Sempre houveram mulheres discotecando house e techno, como tão importantes para os DJs.
a K-Hand, Miss Djax, e outras menos conhecidas, principalmente em Berlim.
Muitas ficaram sem destaque porque não fizeram disso um negócio, não criaram Um dos momentos mais vibrantes da apresentação no The Hole Festival
gravadoras e não se envolveram com este cenário diretamente. Mas agora isso é foi quando você tocou sua versão remix de “Cover Me”, do último álbum do
diferente porque existem mais clubs, público e por isso necessitam de mais DJs. Depeche Mode. Não sei se sabe, mas São Paulo recebeu recentemente, e com
O “bolo” ficou maior, com melhores profissionais, e a música se tornou acessível público expressivo, a aclamada a turnê Global Spirit. Conte como começou sua
para todos através da internet, o que acho lindo. relação com a banda.
O Depeche Mode remete a minha infância, me fez abrir os ouvidos com faixas
Em termos de negócios, São Paulo vive o momento mais estruturado no diferentes para a época, especialmente por mesclarem eletrônica com pop e
cenário da música eletrônica e do techno de todos os tempos, com festas de com o dark. É o time dos sonhos da música, uma das melhores bandas do
rua fazendo parte do calendário oficial de eventos da cidade, grandes nomes mundo. Quando eles me perguntaram se eu gostaria de remixar alguma das
internacionais se apresentando toda semana, além de festivais estrangeiros faixas do álbum Spirit, escolhi “Cover Me” porque é a minha favorita deste
acontecendo anualmente. Se pudesse comparar a vida noturna de Berlim com disco. Ao enviaram as linhas cruas da composição, vi que todas as partes eram
a de São Paulo, o que diria? fantásticas — bateria, synths, voz... Então pensei: Como vou fazer para criar uma
São Paulo tem uma vida noturna bastante forte, assim como Berlim. A cena gay nova versão de uma música tão incrível? Não conseguiria nada melhor do que
também é notória em ambas as cidades, e muitas vezes as festas não têm horário eles já fizeram. Aí me veio a ideia de produzir algo simples que pudesse tocar,
definido para acabar. Me lembro que a primeira vez que cheguei aqui para tocar meio acid, mas do jeito Berlim.
no D-Edge, achei incrível o mix de pessoas, e não importava se você era homem
ou mulher, todo mundo ia junto ao banheiro. Uma loucura! Agora ambas as cenas Tem mais alguma coisa que gostaria de mencionar?
cresceram e se tornaram mais comerciais, com mais gente escutando música Gostaria de agradecer pelo calor do público e pela conexão que sinto em todas as
e indo aos clubs e festivais, o que é comum em metrópoles que possuem uma vezes que me apresentei aqui no Brasil. Não me considero uma pessoa com ego
grande concentração de pessoas. de superestrela. Não é porque estou no palco como DJ que sou diferente. Gosto
de me sentir conectada e de trocar energia com as pessoas que estão dançando.
Falando em novos projetos, explique as ideias por trás de We are not alone e E se isto não acontece, em qualquer lugar que seja, não consigo voltar para me
Vinylism. apresentar novamente — como já aconteceu. Para mim isso tudo é algo muito
O We are not alone é uma série de festas que estou fazendo em diferentes espiritual. Os clubs são pontos de encontro de pessoas que se conectam por uma
cidades pela Europa, em que convidamos artistas que amamos. Não é sobre a razão, de sair do sistema convencional e construir um outro sistema. Tem a ver com
minha gravadora ou qualquer outra coisa e sim sobre música. Em Berlin acontece um modo de vida, o de encontrar novas e criativas soluções para sobreviver. Criar
no Griessmuehle, novo club de Neuköln, com 24 horas de duração, sempre algo inédito, único e próprio e poder viver disso, isso pra mim é a verdadeira arte. ■
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 ENTREVISTA
A EXPERIÊNCIA DE
MÁRCIO VERMELHO
Frequentando a noite de São Paulo há vinte anos, é celebrado como um
grande conhecedor em vários aspectos da cultura da música eletrônica
POR Marcelo Godoy
Márcio Vermelho está entre os gigantes da
discotecagem brasileira. São praticamente duas
décadas imerso na cena clubber nacional — bagagem
que solidificou esse artista multifacetado. Passo-a-
passo tem se tornado referência perante gerações
e conquistado até mesmo os ouvidos de artistas
mais experientes. Formado em Química e já tendo
trabalhado como Fotógrafo, suas experimentações
em diversas áreas convergem ao centro de suas
atividades artísticas e socioculturais. Da organização
de eventos a vários outros projetos, suas atividades
incluem o uso de vídeos em mídias “obsoletas” no
Vídeo-Sistema, a parceria com Ivana Wonder no
Vermelho Wonder e o projeto Sphynx, com Zopelar.
Um dia antes do Dekmantel São Paulo, a House Mag
bateu um papo com ele. De lá até aqui já rolou a
edição c.odde em Cascavel (PR) e na capital paulista,
tendo em ambas a atração norte-americana Maya
Bouldry-Morisson, mais conhecida como Octo Octa;
e a ODD III, na Casa das Caldeiras, na capital paulista.
Criada por Márcio e que tem no time Davis e Zopelar,
é um pilar no ecossistema de festas do Brasil.
Em 18 anos de carreira, já se envolveu em projetos
dos mais variados, entre exposições, instalações,
audiovisuais e a cultura de integração social. Sente
que ainda há algo inexplorado a ser descoberto?
Sempre há o que ser explorado e descoberto.
A incessante busca por novas ideias, parcerias,
conteúdo e formatos é um combustível e tanto.
Combinar diversos projetos e linguagens é algo que
está no meu horizonte atualmente.
Você sempre salientou que todo DJ deveria se
envolver em muitos projetos, além de criar o seu
próprio evento e fomentar a cena local. Em 2018, o
conselho ainda é válido?
Criar o próprio espaço para desenvolver a sua
identidade, público e experiência continua sendo
imprescindível. O momento é propício, bem mais que
há 18 anos, pois temos um movimento em expansão,
com um público interessado e aberto a várias
propostas. Sobre se envolver em muitos projetos, é
uma questão muito particular e longe de ser uma regra.
26 WWW.HOUSEMAG.COM.BR
Alguma consideração em relação a eventos de rua
versus club? São Paulo vivenciou uma revolução
nos últimos anos. A fórmula deveria ser replicada
em outras regiões do país?
Eventos de rua têm o caráter de unir pessoas e
artistas de uma forma democrática e livre, além
da ressignificação dos espaços onde as festas
acontecem e o seu entorno. Acho que toda
região onde se concentram núcleos artísticos
deveria experimentar trazer para a rua as próprias
experiências. A transformação é real.
Em entrevistas concedidas em 2004, você disse
que havia uma certa distância sua com o techno, e
que por causa do Luiz Pareto e Marcos Morcef se
apaixonou pelo house underground. Atualmente a
ODD tem trazido grandes nomes em voga do techno
mundial. Como essa fusão é proposta/ balanceada?
Sempre gostei muito de house, foi o estilo que fez a
minha cabeça e me seduziu a “tornar-se DJ”. Em 2004
o cenário musical era bem diferente. São Paulo vinha
de um longo período onde os eventos de techno
predominavam. Em 2001/2002, quando comecei a
produzir as minhas primeiras festas, organizar algo
voltado ao house era um ato corajoso e arriscado.
O público era menor e as condições nem sempre
favoráveis. Hoje temos uma outra dimensão muito
mais diversificada e sólida. O direcionamento musical
da ODD vai além do techno. Nomes internacionais
como Legowelt, Steven Julien, Massimiliano Pagliara,
Ata, Tama Sumo e Lakuti, só para citar alguns,
traduzem bem o mosaico sonoro que criamos.
Existe alguma tendência que sinta que haverá nas
próximas ondas da música eletrônica? Muito se fala
de volta do trance, ou do gabber, e que as novas
gerações vão pedir BPMs altos novamente. Após
deep house, techno e agora electro, o que você
acredita que vem pela frente?
Talvez os timbres sintéticos do electro fiquem no ar
por um tempo. O vai e vem cíclico de sonoridades e
BPMs faz parte da renovação da música eletrônica,
vejo como algo natural. O meu set sempre absorve
um pouco de vários estilos, então acabo não me
preocupando tanto com a “próxima onda”.
Existe algum fator em que sinta falta ou nostalgia
em relação a esses anos de evolução? Uma vibe do
passado que não exista mais ou algo difícil de ser
recriado em função das mudanças tecnológicas e/
ou sociais?
Acredito que este momento, sem dúvida o mais
peculiar dos 20 anos que acompanho a noite de São
Paulo, é o que mais deixará o sentimento de nostalgia
nas pessoas quando se transformar. Cada época
tem suas peculiaridades, estéticas, personagens. De
modo geral, vejo que tudo o que experimentamos
anteriormente é a base do que está aí, talvez por isso
eu não seja tão saudosista.
Poderia nos dizer alguns momentos inesquecíveis
em que sentiu que todo o trabalho aplicado foi
compensado? E quais situações difíceis passou e
como fez para superá-las?
Momentos sublimes que ocorrem na troca entre
DJ e público são os mais especiais, principalmente
quando acontecem em pistas inesperadas. Um
momento extasiante recente se deu na edição da
ODD de dezembro. Como produtor de festa, curador
e DJ, foi uma realização única. Porém, uma situação
relativamente recente ocorreu quando tivemos
um evento interditado pela prefeitura, em meados
de 2017. Foi um baque inesperado, pois tínhamos
preparado uma edição muito especial da ODD.
Por outro lado, tivemos um apoio muito forte dos
seguidores e simpatizantes da festa. Saímos muito
mais fortes e renovados.
Fale um pouco do seu projeto com a Ivana Wonder.
Existe uma busca do house old school com vocais,
referências de Chicago e etc?
Sim, acabamos de lançar o EP da “Rock the Box” há
poucos dias pelo selo In Their Feelings, com remixes
do ROTCIV, RHR, Davis e Zopelar. A minha parceria
com a Ivana surgiu há mais ou menos um ano,
quando começamos a gravar os nossos primeiros
experimentos. House old school é só uma das várias
referências que temos. Synth pop, ítalo disco e
minimal wave também são influências fortes nesse
projeto. Em breve vamos lançar um novo trabalho e
seguiremos fazendo apresentações ao vivo.
Você, além de Químico por formação, é um excelente
Fotógrafo. Existe algum projeto seu atualmente nesse
âmbito, ou a tendência maior seria audiovisual?
Com fotografia, nenhum projeto no radar. Já com
o Vídeo-Sistema, pretendo produzir mais no futuro
próximo, e também experimentações com sons e
vídeos mais radicais, ideias além da dance music.
Então há vontade de apresentar o Vídeo-Sistema
em mais localidades? Como se sente em relação ao
espaço audiovisual nos eventos pelo país?
Este é um projeto de experimentação audiovisual
que se desenvolve melhor no ambiente de estúdio.
Não tenho intenções de apresentá-lo ao vivo, por
enquanto, talvez algo que se conecte aos meus DJ
sets ou um possível live no futuro. Há um entendimento
atualmente de que festa é um acontecimento
que reúne diversas linguagens de expressão. As
performances passaram a ser parte essencial do
line up das festas pelo país afora. Tenho observado
um olhar mais atento dos produtores de eventos em
relação a iluminação, o que sempre foi um pilar muito
importante na história dos clubs e festas, porém vejo
uma direção mais artística e experimental agora.
Você é uma referência para a cena queer brasileira,
promovendo integração de públicos e diminuindo
diferenças na pista de dança. Como avalia o atual
momento em relação à liberdade de ser e estar?
Qual o papel social das festas e das artes?
Há muito a ser feito, mas não podemos negar que
atravessamos um momento mais inclusivo na noite
se compararmos com outras épocas. O debate está
mais intenso e produtivo, as posições mais firmes e
as pessoas tem cada vez menos medo ou vergonha
de se posicionarem como são. Pelo contrário, é
tempo de afirmação e orgulho. As festas são espaços
vitais para abrigar esse comportamento de respeito,
tolerância, diversidade e segurança. Um contraste à
realidade fora do universo das festas, onde seguimos
na mesma luta por mais direitos e visibilidade; porém,
infelizmente, vivemos hoje em uma sociedade
histérica reacionária. Por isso é tão importante
reafirmarmos essa função importante das festas e
protegermos nossos espaços e uns aos outros.
Quais são suas fontes de pesquisa preferidas? O
que poderia recomendar ao público?
Tenho usado cada vez mais o Bandcamp, um lugar
para descobrir selos e artistas independentes. Gosto
muito das rádios online NTS e Beats In Space, fontes
inesgotáveis de pesquisa musical.
Quais os planos para 2018? O que podemos esperar?
Turnê europeia em junho e algumas datas em Nova
Iorque em agosto, quando gravo a minha segunda
participação no programa Beats In Space, dez anos
depois do primeiro. Dos lançamentos previstos, um
disco solo daqui a alguns meses e um novo Vermelho
Wonder em breve! ■
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 PERFIL

SUPER MÃE DA CENA blackmind.com.br

/blackmindbrasil

@blackmindbrasil
Tem quem escolha Poderíamos optar por uma entrevista tradicional, mas ao conversar com artistas,
amigos e família, os comentários foram unânimes: uma profissional dedicada e uma
a música eletrônica; super mãe. Logo sacamos que Jana Matheus é tão visceral e apaixonada pelo que

Jana Matheus foi faz, que seria melhor descrevê-la através do olhar de pessoas que a conhecem
bem, e muito! Na agência que comanda, a JAM Bookings, acumula as funções de
escolhida por ela booker, management, financeiro, logística e social media. Fundada há quatro anos,
atualmente conta com 18 artistas de destaque no cenário. Mas quem é essa mulher
que tem descoberto talentos e se tornado cada vez mais conhecida no mercado?
POR Luiza Serrano
Antes de mergulhar fundo nos bastidores da música eletrônica, Jana trabalhou no
Warung e El Fortin. Nas redes sociais, postava as suas descobertas musicais, de
artistas conhecidos e outros nem tanto. “Ela é influente no Facebook. Foi assim que
a conheci”, conta Marcos Violent, do Hot Bullet. Na época, ela realizava algumas
festas e um after no Estalerinho, em Balneário Camboriú. Em um desses eventos,
houve um embargo que a fez mudar os rumos.

Em 2014, com apenas três meses de projeto, Marcos a fez um convite desafiador:
“Jana, quer ser nossa booker?”. Sem experiência, apenas com contatos e força de
vontade, ela topou. Durante cerca de um ano, aprenderam juntos sobre o mercado,
o que não foi fácil. “Era tudo novo. Tomamos calote, tivemos problemas com
logística. Foi uma escola e ela nos ajudou muito. Abriu portas de grandes clubs e
nos deixou um legado enorme, mesmo após a nossa entrada para a Plus Network”,
conta o artista que, apesar de estar em outra agência, sempre manteve contato
como grande amigo, contratante e DJ.

DE MÃE QUE GOSTAVA DE DANCE MUSIC,

PARA MÃEZONA DA MÚSICA ELETRÔNICA
O processo de procurar novos artistas foi natural. Um dos primeiros da agência, e
que está até hoje, é Alex Senna. “Temos uma parceria que em breve fará quatro
anos, iniciada quando fui convidado para fazer parte do casting”, afirma. O trabalho
realizado com ele não foi diferente do que faz com seus outros artistas. Amigas
há anos, Jeniffer Ávila, diretora executiva da House Mag, enxerga Jana como
garimpeira e lapidadora de artistas. “Ela pega um artista do zero e o tira da inércia”,
explica. Para a família JAM Bookings, esse é um grande diferencial. “Somos tratados
da mesma forma. Se esforça por todos, e isso é admirável”, conta Senna.

Após o sufoco do início, ela aprendeu bem como se virar no mercado. Há quase
dois anos na agência, o Breaking Beattz tem Jana como manager e super mãe. “Ela
é muito pró ativa, não espera o contratante chegar. Está sempre disponível e faz
de tudo para mostrar que seus artistas são a melhor opção. O que temos é uma
parceria em que crescemos e batalhamos juntos”, revela Rafael Zocrato, um
dos integrantes do projeto ao lado de Lauro Viotti. “A Jana é uma máquina
de fechar gigs. Ela é do tipo que não deixa nada para amanhã e se entrega
a tudo que faz”, completa John Patrício, que faz parte do Clubbers junto
com Luiz Lopes, o Bozito.

Mas além de dar conta desses 18 filhos, tem outros três em casa
que dividem a sua atenção e um coração gigante. Júlia Machado,
a mais velha, acompanha de perto essa rotina. “Minha mãe teve
outros empregos, mas nenhum com essa paixão. Ela chora, vibra, vive
intensamente tudo em que se envolve. Acho que é capaz de matar um
leão por todos os seus artistas”, conta.

Com muita luta, determinação e claro, amor pelo que faz, Jana Matheus
pode se considerar bem posicionada entre as grandes agências. “Ela
sempre foi esforçada. Do tipo mãezona, que nos encoraja a ir mais
longe. Enxerga que somos capazes e nos mostra que podemos sempre
mais, tornando artistas pequenos em headliners brasileiros”, explica
Alex Senna. “Ela tem um olhar especial para encontrar DJs talentosos e
investir”, completa Rafael Zocrato. Se antes corria atrás de novos talentos,
hoje é procurada para auxiliar na carreira de muitos deles, um verdadeiro
reconhecimento para quem foi escolhida pela música eletrônica. ■

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 DIVERSIDADE

para minorias, o número de artistas negros no line-up é extremamente inferior

ao necessário — mulheres negras então, raríssimas. Camilo Rocha, uma das
referências do jornalismo na música eletrônica brasileira, trabalhando atualmente
no Nexo, levantou um questionamento interessante nas redes sociais sobre o
assunto e de lá surgiram alguns pontos de vista importantes. Caio Lauer comentou:
“Grande parte do underground eletrônico se originou na quebrada. Acho que
isso explica a fortíssima representatividade negra da cena no início dos 90’s. Já a
questão da elitização da dance music no Brasil fez, sim, o negro perder espaço nas
pick ups. Queiram as pessoas admitirem ou não.”

Durante muito tempo uma cena esteve consolidada nas periferias, fez escola e
deu espaço para muitos DJs negros se desenvolverem. Um deles, Andrew Santos,
também deixou sua opinião sobre o assunto: “Quando se fazia festas na periferia
(que somavam mais de 3mil, 4mil pessoas) não precisávamos nem de atrações. Mas,
assim que preciso, agências cobravam cachês absurdos, inviabilizando a parada.
Além de ignorar os artistas, ignoraram toda uma cena existente nos extremos da
cidade. Hoje muita gente paga o preço — e bem alto — por isso.”

Andrew também comentou, com exclusividade, alguns detalhes dessa cena que
foi de suma importância para a dance music na principal metrópole do país: “A
periferia sempre esteve à frente, os melhores DJs do mercado saíram dela. Além
de ter a sensibilidade musical, o talento nunca deixou de ser a carta na manga. Vivian Marques
Este foi o grande diferencial." Além disso, há também a inclusão sociocultural.
Segundo o próprio Andrew, os moradores dessa região não eram expostos à
cultura: “Não tínhamos acesso aos bailes de gala, com as orquestras, nos anos
50. Diversão do pobre era ter comida em casa, família unida e música tocando.”

Esse cenário um tanto quanto desfavorável não distanciou os negros das cabines nas
principais pistas do país. Nomes como Marky, Murphy, Marcio S, RHR, Akin Deckard,
Dany Bany e Vivian Marques já escreveram capítulos importantes na jornada musical
brasileira, mas tiveram que batalhar e muito para conquistar esse espaço. Uma das
principais dificuldades relatadas é o mal comportamento dos contratantes. Murphy
comenta o assunto: “A maioria dos DJs negros no Brasil hoje são somente vistos
em festas específicas de techno e house, boa parte delas em São Paulo, onde o
Tati Lisbon underground prega a diversidade entre mulheres, negros, gays e afins.” Dany Bany
também se posiciona de forma breve e incisiva sobre o tópico, deixando sua opinião

PERDEMOS
a respeito das razões que impedem a presença de mais negros nos line-ups: “Falta
de oportunidade, às vezes, por conta da origem e aparência.”

Já Tati Lisbon possui uma visão diferente sobre a questão e acredita que isso não
é algo de momento e sim histórico: “A presença dos DJs negros não diminuiu,
porque, na real, esse espaço na música eletrônica, assim como todos os outros

NOSSAS RAÍZES?
de trabalho — com exceção, é claro, dos cargos como os de limpeza, segurança
e etc (que tem toda sua honra, naturalmente) —, são majoritariamente ocupados
por pessoas brancas.” Entender quais caminhos são necessários para mudar
RHR, na Tantsa
esse panorama exige um esforço coletivo e urgente da cena. Marcio S, residente
do D-Edge e nome ativo desde a década de 90 comenta esse processo:
“Acredito que temos que fazer com que a música eletrônica underground chegue
POR Alan Medeiros FOTOS Nonono nononoon
Uma reflexão sobre a presença negra no atual mercado da dance music na periferia das cidades, pois lá estão 98% dos negros. Hoje não temos uma
quantidade significativa de festas e clubs nesses locais, coisa que nos anos 90
A dance music tem suas raízes cravadas no gueto. House, techno e boa parte
era muito presente e perdeu intensidade ao passar dos anos.”
dos movimentos musicais que hoje pulsam na pista surgiram na periferia e foram
POR
turbinados Alan Medeiros FOTOS
por gays e negros que transformaram Felipe Gabriel e Alexandre Barrenha
para sempre a forma como nos
Sem muitos representantes negros no cenário, jovens da periferia não possuem
relacionamos com a música.
uma representatividade motivadora no mercado e logo seus sonhos e objetivos
A dance music tem suas raízes cravadas no gueto. House, techno e boa parte representantes brancos e oriundos de outra cultura — algo perfeitamente normal e até
perdem força. “Os equipamentos de DJs são muito caros. Um setup profissional
Um
dos breve resgatemusicais
movimentos ao passado nos remete
que hoje pulsam anaalguns dos pioneiros
pista surgiram dos sons
na periferia que
e foram mesmo importante para o desenvolvimento dos estilos. O que não era esperado, ao
chega na casa dos R$ 20 mil e aí já temos um filtro desanimador para seguir
dançamos
turbinados hoje: Frankie
por gays Knucles,
e negros que Larry Heard, Derrick
transformaram May, Kevin
para sempre Saunderson...
a forma como nos menos em uma reflexão partindo do conceito lógico das coisas, foi o enfraquecimento
em frente. A música eletrônica no Brasil segue o parâmetro de outras áreas de
todos negros! com
relacionamos Se dermos
a música.um passo para trás para entendermos as origens de do número de DJs negros nos line-ups dos principais eventos do mundo.
trabalho, ela é elitista”, complementa Marcio. À exemplo do que a Tati comentou,
outros sons de pista, não dá outra: Afrika Bambaataa no hip hop, King Tubby no
não é somente nos palcos que faltam negros atuante: os bastidores também
dub e por aí
Um breve vai. Está
resgate ao na história,
passado noremete
nos sangueaealguns
no ritmo.
dosNão à toa ados
pioneiros black music
sons que É claro que o techno de Detroit ganhou um novo polo em Berlim e que a house
precisam receber estes profissionais com mais frequência e em posição de
— num contexto
dançamos hoje: mais geral
Frankie e não focando
Knucles, apenas
Larry Heard, em um
Derrick ou outro
May, Kevin estilo — é tida
Saunderson... music de Chicago influenciou a escola britânica com base cravada em Londres.
comando, para assim podermos ter mais oportunidades para os artistas.
por
todosmuitos como
negros! Seuma espinha
dermos um dorsal
passo do nosso
para trás cenário.
para entendermos as origens de Essas duas forças europeias da dance music são formadas em parte por muitos
outros sons de pista, não dá outra: Afrika Bambaataa no hip hop, King Tubby no DJs e produtores brancos, mas nem de longe isso justifica o que tem acontecido
Por parte das principais marcas do mercado, pouco tem se feito para que a presença
Quando
dub e porhouse
aí vai.e Está
techno
na saíram
história,donogueto,
sangueeraebem possível
no ritmo. Nãoque eles
à toa ganhassem
a black music nos últimos anos. Se pegarmos os principais eventos de house e techno no mundo,
de mulheres e homens negros aumente, o que é preocupante. Clubs, núcleos,
pistas
— nummais elitizadas
contexto mais ao redor
geral e não dofocando
globo eapenas
consequentemente
em um ou outro passassem
estilo — éa tida
ter alguns dos criadores do estilo estão lá, mas há poucos artistas negros da nova
gravadoras e empresários precisam começar a pensar de forma diferente, para que
representantes
por muitos como brancos e oriundos
uma espinha de outra
dorsal culturacenário.
do nosso — algo perfeitamente normal e até geração inclusos nesse cenário “high touch”.
finalmente a cena adquira a maturidade ideal e olhe com a devida atenção para as
mesmo importante para o desenvolvimento dos estilos. O que não era esperado, ao
raízes da nossa música. Mais do que um compromisso, precisamos reconhecer o
menos
Quandoem uma reflexão
house e techno partindo
saíramdo doconceito lógico
gueto, era bemdaspossível
coisas, foi
queo enfraquecimento
eles ganhassem Ao olharmos para o Brasil, a situação é ainda pior. Com a exceção de eventos
talento que reside nesses profissionais, pois bons exemplos devem ser replicados
do número
pistas maisde DJs negros
elitizadas ao nos linedo
redor upsglobo
dos principais eventos do mundo.
e consequentemente passassem a ter independentes que possuem uma preocupação genuína em oferecer espaço
e o debate sobre esse tipo de tópico precisa permanecer constantemente aberto. Tempos da Soweto

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 DIVERSIDADE
RESISTÊNCIA NEGRA
Histórias de vida e reflexões a respeito da representatividade na cena
POR Danila Moura FOTOS Ariel Martini e Felipe Gabriel (Red Bull Content Pool)
Durante a noite, enquanto assistia ao telejornal na TV de tubo, a mãe da DJ Dany
Bany aproveitava para rodar as fitas cassetes nas quais gravava pérolas como
“Pump Up The Jam”, do Technotronic. Rapidamente, a filha tomou gosto pelos
beats, e tempos depois, pelas viradas. “Minha única preocupação é fazer a pista
dançar”, conta a DJ que integra a coletividade NAMÍBIA e é uma das produtoras
do projeto Soul Freak, no club D-Edge. Talento de sobra e determinação foram a
chave para que conseguisse espaço num meio dominado por homens e brancos.
Assim como ela, outras estão firmando território na cena eletrônica, aqui e fora do
país. Uma lista de DJs produtoras impõe respeito pela qualidade musical. “As que
mais tenho escutado são Badsista, Jayda G, Natasha Diggs, Analog Soul e Tati
Lisbon”, recomenda a DJ GUILLERRRMO, que também faz parte da NÁMÍBIÀ. O
fato é que felizmente muitas estão indo além da pista, e a House Mag conversou
com quatro dessas mulheres que cumprem funções estratégicas no universo
eletrônico para abordar questões tocantes a representatividade.
DANY BANY, em depoimento
“Nos últimos anos, pude observar o crescimento e a valorização de uma
diversidade de estilos, festas e gente da minha cor. Em 1998, quando comecei
a sair, estava tão maravilhada com a música eletrônica que nem pensava
em tocar, ou percebia muitos preconceitos que sofria. Nessa época, havia
um pouco mais de DJs negros por conta da alta do drum and bass, mas, DJ
mulher, paulistana e negra eram uma ou duas. E olhe lá!
O tempo foi passando, os clubs foram fechando, outros abrindo... A cena
eletrônica tomou uma proporção imensa, e eu ali na pista. Uma nova era
chegava com tecnologia, modernidade e informações. E não tinha essa do
‘senhor DJ’ não vai falar o nome da música. Ou você terá que voltar na próxima
semana para escutar aquela tal música que ficou a semana inteira na cabeça.
Assim cresceu minha vontade de tocar e fazer parte do outro lado da pista. Tive
amigos que não me deixaram desistir e sempre acreditei no estilo que escolhi para
Elaine Ela
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tocar, pois é o mesmo que eu dançaria. Já percebi muitos DJs homens torcendo o
nariz para mim e também escutei: ‘o ela acha que vai fazer?’ Na hora fiquei um pouco
chateada, por dentro, porque minha resposta eu dei na música. Hoje, com quase
40 anos de idade, posso afirmar: existe preconceito na cena sim, e cabe a nós nos
juntarmos para gritar contra. Mas acima de tudo, acreditar e também prestar atenção
nas famosas panelinhas. Temos vários coletivos que levam isso muito a sério.”
ELAINE ELA
A ida a clubs lendários de São Paulo, como Sound Factory e Tocco, despertaram
os sentidos da produtora cultural Elaine Ela. A noite vista como local de trabalho
começou quando foi hostess no after-hours Paradise, a convite do DJ Oscar Bueno, e
depois no Lov.e. Em 2009, criou a festa Fervo, que nasceu de “uma grande vontade
de contribuir, de manter uma essência, nosso estilo de vida vivo, apresentando os
sons para novas gerações e para mostrar aos mais experientes que existe muita coisa
nova sendo produzida”, relata. Desde então, ela encara lindamente a organização de
uma festa movida pelas vertentes pesadas de techno.
Houve um aumento de mulheres negras em funções como DJ, produtoras
musicais e culturais, organizadoras de eventos e afins?
À passos de formiga, mas vem aumentando sim — o que é positivo. Tem muita gente
que relaciona a mulher negra somente ao Carnaval e samba no pé. Adoro samba,
mas a roda gira, né pessoal!
Já sofreu algum tipo de agressão e preconceito enquanto estava trabalhando?
Quando eu era hostess, uma mulher queria entrar sem pagar e perguntou: “O que
uma preta está fazendo aqui?” Deu confusão, queriam chamar a polícia, mas ela saiu
correndo. O primeiro sentimento que bate é constrangimento, porém depois, quem
realmente precisa se envergonhar? O ato foi deprimente, e só me arrependo de não
ter seguido com o chamado da polícia. Hoje faria diferente. Já nas edições das Fervos
e Raves, que têm a predominância de homens e brancos, isso nunca aconteceu.
Fazemos parte de um mesmo movimento, o que nos conecta é independente de
gênero, raça ou opção sexual. Meu trabalho sempre foi respeitado.
FOTOGRAFIA FELIPE GABRIEL/RED BULL CONTENT POOL
Ana Paula Paulino
MARCELA RAMOS AKA MAFALDA
A vida deu grandes voltas na trajetória de Mafalda. Frequentadora de festas como a
Mamba Negra, Capslock e Sonido Trópico, ela se sentia, às vezes, “como um corpo
estranho naqueles rolês”, apesar da identificação com as propostas e ideias. No ano
passado, graças a sua companheira, Pi Erra, teve contato com os organizadores da
festa BATEKOO. Desde então, é uma das produtoras do evento.
Como lida com o fato de estar num meio dominado por homens brancos?
Gosto muito da palavra resiliência: resistir para existir. Vivemos num mundo
dominado por homens brancos e a cena é reflexo disso, porém vejo a cena
cultural independente hoje com esperança. É um espaço onde os novos, como
eu, estão junto de uma galera mais velha do role, compartilhando das mesmas
ideias para se unir, se encontrar e construir, sabe? Isso me anima, pois existem
festas legais em São Paulo que são feitas por e para minas. E isso não acontece
só no centro. Acho que pelo menos nesse meio independente os paredões de
boys estão com os dias contados (risos)
Como avalia e sente a presença da mulher negra na cena eletrônica?
Têm nomes que me passam muita força e que me geram reconhecimento: a
Aérea Negrot, que recentemente veio ao Brasil; a Honey Dijon, que também é
uma baita artista e vem agora pro DGTL. Entre a galera daqui, temos gente que
não ficam devendo em nada. O som da Dany Bany, por exemplo, é o que me
representa. Tenho a mesma sensação quando vejo a Linn da Quebrada com
a Badsista no palco. É bom ver essa representatividade crescendo, porque na
realidade a cena eletrônica é fruto da efervescência cultural de uma juventude
em grande parte negra. As mulheres negras sempre foram o cerne dessa cultura,
então esse reconhecimento — não só delas, como dos LGBT e travestis — é
uma coisa que não noto só com orgulho e alegria. Há também um senso de
justiça, de reconquista de um espaço que existe por conta da potência de uma
galera que foi colocada em segundo plano por muito tempo, apesar de serem as
originadoras de parcela considerável da música e da arte que definem essa cena.
Dany Bany
ANA PAULA PAULINO
Largar tudo para seguir o instinto pela música. Esta foi a decisão da produtora cultural
Ana Paula Paulino, uma das organizadoras do Heavy Baile e curadora do projeto
musical Pulso, organizado pela Red Bull. Após dispensar um emprego na área da
comunicação, iniciou a carreira musical como assistente na organização da festa.
“Nunca tinha tido contato direto com funk carioca e a mistura de ritmos que o Leo
fazia era bem diferente da cena eletrônica de BH. Tudo era muito novo pra mim!”,
revela Ana, que e tem no currículo o trabalho de produtora da MC Carol.
Como avalia a representatividade da mulher negra em cargos musicais como os
que você atua, de produtora executiva e organizadora de selo musical?
Parece que por ser negra, a pessoa precisa necessariamente ser uma artista e não
alguém com competências para trabalhar em áreas estratégicas de gerenciamento
artístico. Fico até impressionada, porque é grande o número de homens nesses
cargos, inclusive se tratando de equipes de artistas mulheres. Sempre que encontro
uma produtora ou empresária negra nessa área, confesso que a empatia é imediata.
Pois parece que no olhar a gente sabe exatamente o que cada uma passou para
estar ali. Vai desde ouvir cantadas absurdas até tentar ser silenciada por homens em
cargos “inferiores” ou “superiores” aos nossos. Na real, só de ter uma mulher nesses
espaços já me sinto mais aliviada! É bem puxado às vezes...
Que mensagem daria para quem deseja trabalhar no mesmo ramo que o seu?
Ao longo da caminhada você vai encontrar outras mulheres negras que irão te dar
força, compartilhar suas vivências e histórias, e isso só te preencherá ainda mais, te
dando fôlego pra seguir. Nunca se faz nada sozinha, pois o trabalho de uma depende
da outra. Busque se aprimorar, principalmente com quem já está na área. Muita
coisa no mundo da música a gente não aprende em faculdade ou em curso. Eu me
formei em Comunicação e tudo que sei da minha área aprendi no corre! Não sei o
que seria de mim se não tivesse tanta gente disposta a me ensinar e compartilhar
o conhecimento deles comigo o tempo todo. Sigo buscando isso e hoje posso
compartilhar um pouquinho do que sei também.
MAIO/JUNHO/JULHO | 2018
33
 DIVERSIDADE
EXALTAÇÃO VISUAL
As performers estão na noite há anos, mas agora são reconhecidas e
aclamadas como figuras chaves das festas mais badaladas de São Paulo
POR Luana Dornelas FOTO Fernando Schaepfler
Performers e drag queens existem na noite paulistana há décadas, e desde o
início sempre estiveram lá com uma forte presença. Durante os anos 90, no auge
da era clubber, nomes como Johnny Luxo e Marcelona se tornaram personagens
importantes da cena. Toda essa história está muito bem registrada no livro Babado
Forte, de Erika Palomino, em que muitas vezes estas figuras eram consideradas
como atrações e entretenimento das festas, sendo tão importantes quanto os DJs.
Depois destes anos de efervescência, o cenário ficou meio adormecido.
Porém, nos últimos anos, mudanças vêm acontecendo e estes artistas visuais
estão voltando com força total, sendo reconhecidos como peças chave dos
eventos mais badalados da cidade. Loic Koutana, Ivana Wonder, Euvira Euvira,
Elloanigena Onasiss, Valentina Luz, Alma Negrot, Aretha Sadick, Kitty Kawakubo,
Alex Honda são algumas das figuras essenciais das festas de São Paulo.
As festas underground têm refletido o espectro político atual, e com a repressão,
vem a resistência. Criando uma consciência sob o corpo, estes artistas gritam
revolução, e isso é importante não somente para as pistas, mas também para a
própria existência. Com uma urgência de se expressar, passam suas mensagens
para o mundo em forma de montação e dança. Podemos dizer que tal momento
tem sido muito importante e que a história está sendo escrita.
Um destes protagonistas é Loic, artista francês-africano que mudou para a capital
paulista há alguns anos e se tornou performer do Teto Preto. “Temos criado um
movimento no qual crescemos juntos. No início focávamos mais no espetáculo
e no figurino, mas agora pensamos em qual mensagem queremos passar.
Estamos muito mais cientes do nosso papel, tanto eu, negro e gay, quanto a
Laura Diaz [vocalista] como mulher. Nossos corpos hoje são políticos, e não mais
uma atração da festa”, conta. Segundo ele, este movimento é muito exclusivo da
América Latina e quase não ocorre ainda nos festivais.
34 WWW.HOUSEMAG.COM.BR
No tocante da performance dentro da arte, se pensarmos bem, a importância
visual em que o corpo está presente sempre existiu, como na capoeira ou nos
desfiles das escolas de samba. “Não é uma surpresa ver esse impacto chegando
também na cultura underground”, completa Loic. “Temos vivido uma era muito
visual e isso dá abertura para a aceitação. Além de ter voz, precisamos ser
vistas”, diz a drag queen Kitty Kawakubo.
De um ano pra cá, a representatividade aumentou muito e a Coletividade NÁMÍBIÀ
é uma das grandes responsáveis por isso. A performer Euvira Euvira, criadora
do coletivo, começou a questionar sobre qual era o papel das minorias dentro
dos eventos, focando em aumentar a visibilidade da produção artística negra no
circuito underground eletrônico. “As pessoas sempre deram importância ao artista
visual, mas nunca questionavam o lugar dele na festa. Agora isso está mudando.”
Fato que gerou a lista VIP para trans e drag queens na Mamba Negra, em
que Kitty Kawakubo é a responsável junto de Euvira. Ainda que eu tenha meu
espaço, não fazia sentido ter uma comunidade visível com cinco pessoas
numa cena tão grande. Comecei a pensar em como as trazer de volta para
esse ambiente, já que nos anos 90 éramos figurinhas carimbadas da cena. Não
dá mais pra esconder que nós existimos!”, conclui Kitty. Euvira complementa:
“Pensamos nessa iniciativa porque são pessoas que trabalham na noite, então
acho legal que não precisem pagar para entrar nas festas. Abrir estas portas a
elas e possibilitar acesso a entretenimento e sociabilidade.”
Tendo em vista que o papel do performer é mostrar visualmente a mensagem que o
evento se propõe, foi criada e aprimorada com êxito uma atmosfera contempladora
e lúdica, com tais artistas trazendo um olhar questionador sobre o corpo que está ali
se expressando, e de forma ou outra, acabam por reeducar o público. E uma coisa
podemos ter certeza: estas vozes estão ecoando muito além das pistas de dança!
DIVERSIDADE
XÔ PRECONCEITO!
Valentina
Se perguntarmos hoje para qualquer frequentador da noite paulistana dicas para
o final de semana, várias das respostas serão “festas que têm um propósito em
comum por trás” — à exemplo de Mamba Negra, ODD, Sangra Muta, e outras.
Seja focada no segmento de techno, house ou música experimental, todos
esses eventos vão muito além das pistas de dança. Ou melhor, utilizam-se delas
para desenvolver iniciativas sociais de empoderamento e representatividade
de negros, mulheres e LGBTQs. Nas ruas, ocupações ou clubs, essas iniciativas
estão conquistando um público cada vez maior e trazendo à tona a voz das
minorias cansadas de serem silenciadas e ignoradas ao longo do tempo,
tentando promover visibilidade, combater o assédio e desconstruir, mesmo que
aos poucos, o racismo sistêmico no Brasil.
Apesar da discussão de tais questões muitas vezes parecer superficial — tratando o
feminismo ou o movimento trans e queer como tendências, e não como movimentos
sociais —, o contínuo levantamento e abordagem desses assuntos em espaços
noturnos e festas está colocando pressão em diversos outros eventos e levando a
Festas e coletivos de resistência
feminina, negra e LGBTQ
transformam
a cena noturna de São
Paulo em uma das mais
efervescentes do momento
POR Isabela Talamini FOTO Ariana Miliorini
juventude paulistana a reavaliar sua relação com a vida noturna. A Mamba Negra,
talvez um dos maiores exemplos, foi fundada por duas artistas mulheres e continua
expandindo seus ideais ao abrir espaço para DJs e performers pertencentes a
minorias. A festa, que conta com uma lista de entrada gratuita para transexuais, se
estende a oficinas, palestras e selo musical, exercendo um papel fundamental de
luta pelo equilíbrio de gênero na música eletrônica.
Na edição 2018 do Dekmantel São Paulo, que já se mostrou com um line-up mais
diversos do que no ano passado, pudemos ver o que a Mamba já vem fazendo:
desconstruir a ideia tradicional de DJ set, quase sempre masculino, para incluir
mais DJs mulheres e performances de artistas LGBTQ. Seja no show bombástico
da banda Teto Preto com o performer Loic Koutana, ou a Cashu representando as
minas nos toca-discos, isso foi também expressado nas performances de Euvira,
Valentina Luz, Aretha Sadick, Alex Honda, Alma Negrot e Roberta Robs.
A edição de aniversário da Mamba, em maio desse ano, já anunciou uma
apresentação da cantora negra e trans Linn da Quebrada, que representa bem
um outro espectro desse cenário, que ainda tem tomado forma no underground,
com festas como Batekoo, Milgrau e coletivos de artistas como a Tormenta ou
a Coletividade Namíbia — este último fundado pela performer Euvira, que vem
servindo como uma plataforma para mostrar a participação de artistas negros e
gays em eventos culturais.
No mês de abril o coletivo se uniu com a Sangra Muta em uma festa chamada
“trans.cendência/cyborg”, dividida em “linha áudio” e “linha ação”, equilibrando
e ressaltando a importância de todos os artistas envolvidos. A edição anterior
trouxe ao Brasil a cantora e performer trans venezuelana, radicada em Berlim,
Aerea Negrot. Já a ODD mais recente, por sua vez, foi marcada pela presença da
DJ, produtora e ativista das causas trans e negra Honey Dijon, de Nova Iorque.
Porém, apesar da crescente presença e prosperidade de artistas na cena
noturna, a luta pela igualdade e diversidade racial e sexual no cenário cultural
é mais urgente do que nunca. Afinal, o número de casos de violência contra a
comunidade LGBTQ está aumentando, fazendo com que, infelizmente, o Brasil se
distancie cada vez mais de abandonar o posto de primeiro lugar entre os países
que mais registram casos de crimes deste tipo.
É importante nunca esquecer, portanto, que gays, negros e queers sempre
exerceram papéis fundamentais na história da música eletrônica e hoje continuam
impulsionando as cenas undergrounds, mostrando-se mais relevantes. À medida
que projetos como os que citamos se fortaleçam, ganhem respeito e esgotem
ingressos antecipados, percebemos a necessidade e demanda por mais festas
inclusivas. Elas são mais que necessárias para termos os chamados “safe spaces”,
onde todas as minorias podem ser acolhidas para se expressarem livremente e
continuem a desconstruir preconceitos.
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35
 DIVERSIDADE
pervertidas, as mensagens primordiais foram subvertidas e os valores foram
convertidos, já que muito daquilo que estabeleceu sua existência como um
recanto onde se busca liberdade e tolerância, hoje se tornou algo mais próximo
de um resort à procura de amenidades e indolência. Isto não se refere apenas ao
recrudescimento de certos tipos de comportamentos infensos à militância, mas
principalmente de um certo tipo de ignorância que repele a diferença ao não
admiti-la ou até reconhecê-la. Este é o ponto crucial no qual uma pista se torna
algo especial, além de um mero estabelecimento comercial, exatamente no limiar
em que entretenimento se torna cultura e, aqui, vemos claramente os limites
daquilo que um ambiente estritamente interessado em retornos financeiros pode
prover, pois certas considerações de sustentabilidade e durabilidade não têm
como ser contempladas nessa dinâmica fugaz.
Basta vermos as imensas dificuldades que se põem a empregadores quando o
tema se torna inclusão, ou pior, diversidade no ambiente profissional. Este é o
ponto em que o nível comunitário se distancia do societário e no qual as relações
mais pessoais se tornam mais fundamentais. Assim se explica aquele ato tão
contraditório como o de colocar estritos controles de acesso a um local que deveria
ser ecumênico, quando quem está na porta de um club pretere alguns para o
privilégio de outros. Essa tensão entre dimensões distintas de sociabilidade também
define muitas das particularidades que a história do entretenimento noturno nos
trouxe nesse glorioso século de existência e, a partir delas, entendemos melhor
que a pista ser apreciada como um lugar universal é um mito em certo sentido.
Entretanto, a evolução da pista como um empreendimento trouxe com ela todas
lógica de um âmbito social no qual essas sutilezas comunais não teriam lugar, já
que um público cada vez mais amplo demanda códigos com maior disseminação.
Esta expansão custou uma bela parcela de autenticidade ao universo que fora
até então cultivado na — e pela — pista de dança, mas a contrapartida se deu
numa necessária democratização de suas normas e público. Daqui em diante não
apenas os escolhidos ou entendidos, os pioneiros e seus seguidores, detinham
o privilégio de definir seus pares e os rumos de sua comunidade: ela havia
se transformado, em algo maior e muito mais plural. Isto não se deu sem uma
transmutação radical da essência do que se entendia ou desejava, já que aquele
mesmo mundo contra o qual ela se moldou e protegeu os seus começava a ser
DIVERSIDADE
insinuar e penetrar em seus meandros mais profundos.
O que se seguiu foi a popularização desse universo e a transformação de vários de
seus mais elementares aspectos, para o melhor e para o pior. Pois, se a “perestroika
da pista” através de sua comercialização e popularização massivas trouxe uma
NA PISTA DE DANÇA
nova geração e, com ela, um novo fôlego à cena que a mantinha viva, mas também
se imiscuíram questões complexas que são parte intrínseca aos problemas que
fazem de uma sociedade aquilo que ela é. E, como sabemos, no caso de um país
diverso como o Brasil, mostra-se extremamente desigual em termos de distribuição
de oportunidades, privilégios ou simples condições de existência e dignidade.
E finalmente chegamos à questão central que se torna cada vez mais candente, seja
Como colorimos nossa cena? Com CMYK ou RGB?
POR Chico Cornejo FOTOS Felipe Gabriel e Eduardo Magalhães
Existe uma enorme quantidade de demandas e funções que recaem sobre um
espaço coletivo, especialmente aqueles que congregam uma vasta parcela de
indivíduos em torno de um objeto de desejo ou fruição comum. Assim, esses
espaços acabam tendo de atender a uma quantidade imensa de expectativas. E,
quanto mais diverso o contingente que abriga, maior a variedade de conteúdos
e, consequentemente, de finalidades que engloba. Algo aplicado a museus,
aeroportos, parques, praias, pistas de dança...
Cabe colocar desde o início que uma pista não encontra a realidade num vácuo,
pairando sobre a sociedade como um satélite ou mesmo existindo uma dimensão
paralela. Esta depende de inúmeros aspectos que a ancoram no mundo em que
todos nós existimos, feito de preocupações comerciais, condicionamentos legais
e demais assuntos triviais. Mesmo como um refúgio de todas essas agruras que
a vida numa cidade nos apresenta impiedosamente, ela está sujeita a ser poluída
por muito daquilo a que a própria procura se colocar como alternativa.
Porém, quando isto ocorre, fica claro que as finalidades originais foram
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nos clubs, festivais ou nas festas independentes. Se esta popularização era algo tão
desejável e positivo, por que não se deu de forma universal e radicalmente inclusiva
a ponto de criar uma verdadeira utopia na qual todos aqueles que nos legaram essa
cultura musical e comportamental tivessem um lugar nela? Ou, trocando em miúdos:
por que essa abertura não transformou a sociedade a ponto de termos mais negros,
gays, trans, lésbicas e cada parcela identitária que ajudou a criar esta comunidade
como integrantes de sua pluralidade, mas acabou por absorver as cisões externas
que operam na marginalização de cada um desses grupos?
É previsível que tal afirmação seja vista como uma injustiça e possível que seja
entendida como um exagero, mas como não se intrigar com a simples constatação
de observar essa mesma pista em muito desprovida de representantes das
comunidades que ajudaram a fazê-la ou, quando muito, sua presença em
posições subalternas distantes da simples fruição daquilo que esse ambiente
tem de melhor a oferecer? Como lidar com o fato de que a pista se tornou um
reflexo daquilo que procurava contestar desde suas origens?
Este é um dos dilemas que se apresentam a todos os clubs, mas que os coletivos
independentes souberam enfrentar de modo mais direto e frutífero justamente
por não estarem tolhidos pelas considerações comerciais mais imediatas às quais
essas estruturas institucionais de entretenimento mais tradicionais (e rígidas)
sempre estiveram submetidas. É evidente que, quando se tem em mente o êxito
financeiro num tipo de empreendimento cujo risco é extremamente elevado, por
conta do próprio tipo de bem cultural que circula no mercado, decisões que podem
ameaçar as posições e reputações que foram granjeadas com grandes custos são
vistas com um temor previsível. Grande parcela dos consumidores desses bens
que garantem a sobrevivência de tais empreendimentos são parte de uma elite que
tanto se sustenta dessa desigualdade quanto se envergonha dela, apresentando a
contraditoriedade manifesta de um país entrecortado de paradoxos.
Em contrapartida, o fator que moveu e deu originalidade ao novo movimento
propelido por festas como Mamba Negra, ODD, Capslock — e sua transformação
conjunta da fauna e flora noturnas da metrópole paulistana — foi uma radical
reproposição do que uma pista deveria ser enquanto lugar criativo, para além do
meramente contemplativo. Este contraste e a tensão que o alimenta são o que fazem
deste momento atual algo único em termos de seu potencial transformativo. Se, de
um lado temos o tipo de seletividade exclusiva que um dia fez de lugares de prazer
e apreciação musical verdadeiros refúgios, de outros temos uma permissividade
inclusiva que ainda se faz necessária frente ao avanço de um conservadorismo
tacanho que em muito se calca na segregação econômica. Mas não é apenas
nessa polarização que o potencial de mudança pode ser se encontrado, já que
núcleos como a Gop Tun e Soul.Set parecem estar conseguindo, não sem conflitos
e percalços, um equilíbrio entre representatividade dentro e fora das cabines, sem
ter de recorrer a uma postura mais aguerrida.
Todavia, seria ilusório pensar que vivemos uma renascença, aquele idílio que um
dia pôde ser aproveitado por tantos e tão distintos num só lugar e que marcou
as décadas pioneiras da música eletrônica dançante no Brasil e o cenário é
um tanto desalentador se levarmos em conta as promessas que se encerram
nessa cultura desde sua origem. Em plena segunda década do século XXI ainda
vemos seleções excludentes em termos de padrões convencionais de beleza na
porta de clubs; ainda não vemos tantos afro-brasileiros na pista quanto vemos
limpando-a ou servindo a quem nela curte a noite; uma visão erotizante-exotizante
ainda define muito de nossas relações com a população trans, quando não uma
transfobia explícita; e sequer podemos dizer que atingimos um equilíbrio entre
homens e mulheres nas posições de destaque desta “indústria”.
Em suma, temos pouco do que nos gabar, considerando que esta cena foi
construída por párias e sobre uma sólida base de respeito às diferenças, contudo
até que bastante do que nos orgulhar, pois as possibilidades abertas pela nova
geração, com seus novos modos de reivindicar direitos, reintroduzir questões e
repensar um futuro mais inclusivo estão aí para propor desafios e soluções. O
cenário não deixa de ser alentador, porém as apostas foram elevadas, pois o que
deve ser feito, não se aplica mais apenas a nossas interesses e sonhos imediatos
e circunscritos, mas devem atingir a sociedade como um todo.
A pista não acaba quando o som desliga, ela continua enquanto houver fôlego e
vontade para dançar, lutar, mudar e amar. Só nos resta saber, respondendo à pergunta
inicial, se em meio a tudo isso vamos colorir nossa cena por adição ou por subtração.
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 DIVERSIDADE

eventos, até as instruções que passamos para os seguranças, sempre há essa

preocupação em ressaltar o cuidado e importância destas minorias para nós e
manter todos alinhados sobre isso, afinal, também fazemos parte dela. Construir
um ambiente onde pessoas da nossa comunidade sintam-se acolhidas sempre
foi um dos maiores propósitos ao criar o 101Ø, principalmente pelo histórico
de repreensão e vulnerabilidade que passamos diariamente”, ressalta o DJ
OMOLOKO, assumidamente gay e um dos fundadores do coletivo mineiro, que
há três anos realiza festas em espaços públicos e fechados em Belo Horizonte.

“Basta enviar o seu nome social mais sua identificação de gênero.” É uma
das frases destacadas em uma postagem na página do Facebook da ODD
(SP), comunicando os seguidores sobre a entrada gratuita para transexuais.
“A ideia de criar uma lista para pessoas T é tornar as festas mais acessíveis
e seguras para esse público”, destaca Márcio Vermelho, DJ há mais de 20
anos e também um dos organizadores do evento. A festa também firmou
recentemente uma parceria com o Centro de Cidadania LGBT Luiz Carlos
Ruas. Sobre esse projeto, Vermelho explica: “A ponte que fizemos com eles
tem o objetivo de oferecer mais oportunidades através do mercado da música
eletrônica. Cadastrados no Programa Transcidadania poderão participar de
cursos com profissionais da área artística e operacional e ocupar vagas de
trabalho nas edições da ODD e outras festas.”

A já falecida Condessa Mônica, fundadora do lendário Nostro Mondo, club clássico
da cena paulistana na década de 70, se orgulharia de ver isso acontecendo.
Pratica esta que tem sido utilizada por diversas iniciativas do segmento e, sem
dúvida, é uma ferramenta que potencializa o protagonismo destas pessoas na
cena. “Eu como mulher trans e periférica dificilmente teria oportunidade de estar
nesses espaços, principalmente por falta de grana. Acho a lista off e essas ações
super importantes. É uma inclusão necessária diante da falta de oportunidades
para a nossa classe!”, afirma Titi Tiffany, hostess responsável pela “Lista T” das
festas dos coletivos de música eletrônica de BH e integrante da ONG Transvest.
“Historicamente a música eletrônica surgiu nessas comunidades LGBTQI e negras,
para depois ser absorvida pelos europeus brancos heteronormativos e assim se
espalhou no mundo. É mais do que nossa obrigação que o ambiente da festa seja
acolhedor para essas pessoas, não somente, mas também para as mulheres”,
ressalta Carol Schutzer, conhecida como DJ Cashu, uma das fundadoras do
coletivo e festa paulistana Mamba Negra. Cashu também acredita que “o mais
importante é ter diversidade e representatividade, porque esse é um problema
estrutural. Nada adiantaria fazer medidas de listas free e conscientização se
a festa não tiver pluralidade nela própria. [...] o próximo passo que a cena em

ABAIXO A
“Todo e qualquer tipo de ato violento e abusivo, verbal ou físico, seja motivado
por machismo, homofobia, transfobia, racismo, xenofobia, gordofobia ou
contato íntimo não consensual, não será tolerado.” Este é o alerta do coletivo
MASTERplano, de Belo Horizonte, ao divulgar um grupo no WhatsApp criado
exclusivamente para estreitar a comunicação entre o público e a produção. O
geral tem que se preocupar é em capacitação para minorias, workshops etc, já
que sabemos que o problema maior e anterior a tudo não está em nossa alçada
que é o acesso aos equipamentos, principalmente aqui no Brasil com impostos
gigantescos”. Sobre as ações de inserção de minorias adotadas por vários
coletivos do país, a DJ completa: “Não sei até que ponto é uma transformação
social tão abrangente, porque estamos falando de um nicho, mas arrisco dizer

INTOLERÂNCIA!
O que os produtores de eventos têm feito para construir ambientes cada
dia mais seguros para a comunidade LGBTQI+ dentro destes espaços?
POR Atrhur Cobat FOTOS Fábio Resende e Ivi Maiga
Em um país como o Brasil, onde fazer parte da noite sempre foi sinônimo de
resistência, diversas festas da cena eletrônica atual vêm criando estratégias que
acolhem e promovem um espaço cada vez mais legítimo para a comunidade
LGBTQI+ se expressar de diversas formas, levando sempre em consideração as
especificidades, vivências e barreiras sociais de cada indivíduo destes grupos.
Nos últimos cinco anos têm crescido o número de coletivos que carregam em
seu propósito muito mais do que a música, mas também o compromisso em criar
festas seguras para minorias e pessoas com pouca visibilidade na sociedade. São
coletivos que fortalecem a sociabilidade desta comunidade, diante de um cenário
não muito favorável. Pois, segundo dados da ONG Grupo Gay da Bahia (GGB), em
2017 o Brasil alcançou uma marca preocupante: a cada 19 horas uma pessoa é
assassinada vítima da “LGBTQIfobia”, o que coloca o nosso país como o campeão
mundial desse tipo de crime. Isso equivale a aproximadamente 450 mortes por
ano, sendo que 56% dos casos acontecem em vias públicas.
São Paulo e Minas Gerais aparecem entre os dois Estados onde se registraram
no ano passado o maior número de ocorrências, seguidos por Bahia e Ceará
— em termos absolutos. É importante lembrar que em um período não tão
distante de hoje (1982), durante a Ditadura Militar, um delegado rondava as
ruas da capital paulista a procura de festas ilegais em uma caça intimidadora
à comunidade LGBTQI e artistas da época, em missões que foram designadas
como “Operação Cidade”. O objetivo desta ação era prender assaltantes e
traficantes no centro da cidade, porém, nos finais de semana eram detidas
aproximadamente 500 pessoas acusadas de “práticas de homossexualismo”,
“expressões artísticas impróprias” e outros “delitos”. Ainda bem que não
estamos mais naquela época e hoje é possível produtores usarem a música
eletrônica como um agente social transformador.
“Nós temos o poder de criar espaços libertadores em nossas festas e precisamos
acreditar e lutar por esse ideal. Desde a comunicação durante a divulgação dos
link que direciona para este canal é divulgado para os participantes da festa que o que fazemos se aproxima de uma micropolítica.”
e tem o objetivo de receber possíveis denúncias que envolvam qualquer tipo
de assédio ou discriminação durante o evento. É uma espécie de “grupo de No país onde deputados são eleitos e passam tanto tempo de mandato sem
olheiros” que compactuam com os mesmos ideais da turma e zelam por um aprovar nenhuma Lei favorável aos anseios da sociedade, e mesmo assim sendo
ambiente mais harmônico na cena da cidade. aclamadas por algumas pessoas, torna-se cada vez mais importante a construção
de pequenas iniciativas visando uma melhoria macro. E, sem dúvida, a música
A respeito da ferramenta, Pedro Henrique Saldanha, um dos integrantes do
núcleo mineiro, explica que essa ideia foi colocada em prática depois de ter
eletrônica tornou-se uma forte ferramenta sócio-política no fortalecimento da
igualitariedade destas minorias e para a construção de espaços onde cada um
sido recebido diversos relatos de pessoas que haviam sofrido alguma forma pode ser livre para dançar e celebrar como realmente é... sem censuras!
de assédio ou discriminação nos eventos. “Resolvemos então fazer uma roda
de conversa aberta com o público e outros produtores da cidade para debater
formas de tornar esses espaços mais seguros. Tivemos a participação, inclusive,
de representantes de festas que não eram de música eletrônica. Nesse debate,
uma das soluções apontadas foi a mudança da equipe de segurança para uma
equipe composta majoritariamente por mulheres, além do grupo de mensagens.
Sempre que reforçamos isso em nossas comunicações, de alguma forma afasta
este tipo de comportamento.”
É bom frisar que toda essa preocupação trazida novamente para a cena
é extremamente importante para resgatar uma parcela essencial desta
comunidade para a música de pista. A dance music sempre teve uma relação
muito próxima dos LGBTQI+, acompanhando esses grupos em cada conquista
e nas batalhas sociais diárias. Gays, lésbicas, bissexuais, travestis, transexuais,
queers, intersex e tudo que percorre a sexualidade não-normativa, sempre
assumiram uma narrativa importante para a construção dos mais diversos
estilos eletrônicos, desde o início da década de 70, com a famosa boate
The Loft, de David Mancuso; pelo Chicago house com o Frankie Knuckles;
no Detroit techno, com importantes colaborações de Morris Mitchell; no acid
house do Paul Oakenfold e Nicky Holloway; na própria pista da Berghain, que
é completamente ocupada pelas mais diversas tribos; ou de todas as festas do
segmento underground que fortalecem este cenário.

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 DIVERSIDADE
O PODER DELAS!
Feminismo e empoderamento trans são fonte do que há de mais criativo hoje
POR Jade Augusto Gola FOTO Felipe Gabriel (Red Bull Content Pool)
Esta edição da House Mag foca na diversidade, pois em 2018 é impossível não falar
de política, sociedade e cultura sem abordarmos questões sobre representatividade.
Se por um lado é triste perceber como muita gente na cena eletrônica nem vergonha
tem de demonstrar apoio por políticos que vão contra os valores de P.L.U.R, por outro
lado é excitante perceber como no feminismo e no empoderamento transgênero
surgem algumas das demonstrações musicais mais legais do momento.
Está em turnê pela Europa o show da Fever Ray, com a vocalista Karin Dreijer (que já
foi a voz do célebre grupo sueco de techno pop The Knife). A banda canta o sexo e a
realização do desejo feminino como um ato político em uma apresentação dançante,
cheio de groove. Já aqui no Brasil, diversos holofotes estão direcionados para o
novo disco da rapper Karol Conka, Ambulante, prestes a ser lançado e ajustado pelo
produtor gay Boss in Drama, que terá um pé bem fundo na sexualidade fluida da
house music — algo notável para o ainda masculino universo hip hop.
Aqui no Brasil, diversos holofotes estão direcionados para o novo disco da rapper
Karol Conka, Ambulante, prestes a ser lançado e ajustado pelo produtor gay Boss
in Drama, que terá um pé bem fundo na sexualidade fluída da house music — algo
notável para o ainda masculino universo hip hop.
Em São Paulo, Linn da Quebrada é a trava língua que você respeita: negra,
babadeira, feroz na rima, excursionando na Europa e premiada no festival de
cinema Berlinale com o seu biodocumentário “Bixa Travesty”. Ela fechou, no
início de abril, a celebração de três anos da ODD, ao cantar sobre os beats da
DJ Bad$ista a faixa “Vencer é ‘vem ser’”: ela canta como ser travesti é bom,
esfregando a pepeca na cara da sociedade. E quem não gosta tem mais é que
se retirar, pois empoderamento é punk e é pra incomodar. Showzaço potente,
40 WWW.HOUSEMAG.COM.BR
Linn da Quebrada,
no RBMA Festival 2017
ainda mais adicionado por elementos de ghetto tech, house music e dançarinos
de vogue sci-fi e andróginos.
Em Berlim, o Berghain/ Panorama Bar tem noites em que 80% do line-up é
feminino — iniciativa que alguns núcleos do Brasil também adotam. Dos EUA, uma
referência vem da agência de artistas Discwoman, que reúne diversos talentos
femininos. Também de lá, The Black Madonna é a mina gorda, que dança e toca
de disco a house como ninguém, que um dia já foi considerada por haters como
“uma DJ para não ser vista, pois não se ‘parece’ apropriadamente como tal”, e
hoje é dos nomes mais celebrados, com programa na BBC inglesa e fãs como
Iggy Pop. Sua amiga Honey Dijon é negra, trans, houseira de primeira, roda o
mundo igualmente e estampa capas de revistas como a Vogue, com sua vigorosa
história e força criativa.
Gavin Russom — agora Gavin Rayna, após assumir-se como mulher trans — é
mestre dos synths do selo DFA e do LCD Soundsystem: tocou na capital paulista
na ocasião do show da banda e ficou emocionada com a força e o apoio da
comunidade trans paulistana. Seguindo os passos da icônica DJ Sprinkles, Octa
Octa é um dos nomes mais quente do deep e da house music hoje, que além de
magnífica produtora e também uma DJ insana — quem a viu tocando na ODD
recentemente está falando desse set até agora…
Ainda que o objetivo principal desse texto não seja insistir apenas no proselitismo
político, buscamos exemplificar aqui apenas como muitos que são alvos de
intolerâncias das mais diversas são os que estão fazendo o que há de mais criativo,
bonito e excitante na cena. Procure saber, abra sua mente, ouça música boa e livre,
e não se esqueça, como dizia o funk carioca já clássico: hoje, a pepeca é o poder!
DIVERSIDADE
Marian
QUEBRANDO
BARREIRAS!
Os desafios de ser DJ, numa profissão ocupada em maior parte por homens
POR Bruna Maia
As mulheres estão e conquistando cada vez mais espaço no mercado de trabalho,
e no mundo da música eletrônica não tem sido diferente. Apesar de sermos minoria,
vem sendo mais comum encontrá-las brilhando e atuando de forma significativa.
Mas nem tudo são flores e ainda há muitos desafios para essas artistas. Para tentar
traçar um panorama a respeito, conversei com as DJs Jessica Tribst, Marian Flow,
Viviane Mendes, Valentina Luz e Ana Giselle, que falaram sobre as dificuldades em
uma atividade exercida em maior parte pelo sexo oposto.
Inegavelmente, o ato de discotecar sempre teve uma característica mais masculina
— não só no Brasil. Talvez porque os meninos desde pequenos já tenham maior
afinidade com equipamentos tecnológicos e jogos eletrônicos. Como em toda
ocupação que possui mais homens, existe um certo preconceito quando encontram
uma mulher ocupando tal posição. Algo que pode vir de todos os lados: da família
que não considera essa profissão “adequada” para meninas; por uma parte dos
contratantes e colegas de ofício que as julgam “incapazes” de conseguir comandar
uma pista ou usar os equipamentos corretamente; e por aí vai.
Jessica conta que sofreu certo tipo de ceticismo no início da carreira: “Tem o lance
de ser julgada. A mulher é mais vulnerável a este tipo de situação, e fica com maior
receio de dar a cara a tapa. Isso acaba fazendo parte do processo, infelizmente.”
Marian reforça: “Passei por diversas barreiras para evoluir e aprimorar o meu
conhecimento ao longo dos anos. Muitos duvidam da capacidade feminina de
produzir música e executar bem a parte técnica.”
A existência de uma cobrança maior em cima da mulher em todas as profissões
é irrefutável. Situação resumida pela pergunta infeliz de sempre: “Será que ela
consegue?” Eu particularmente gosto quando esse tipo de desafio é lançado,
porque, como afirma Jéssica, “não existe gênero que fale mais alto do que
um trabalho bem feito”. E mesmo em meio a tantos empecilhos, estamos
conquistando o merecido espaço.
FOTOGRAFIA FERNANDO CYSNEIROS
Ana Gisele Viviane Mendes
Viviane Mendes e Valentina Luz são negras, e além dos desafios diários do
machismo, precisam também lidar com o preconceito racial. Viviane destaca que
algumas curadorias não costumam prestar atenção em artistas femininas por puro
comodismo. “Você é julgada o tempo inteiro pela aparência e jeito de tocar. Mesmo
se já tiver um trabalho reconhecido, sempre rola um tratamento de que não é boa o
suficiente pra estar lá”, conta. “Enfrento desafios desde muito cedo, então aprendi a
lidar com meus medos e ter amor próprio. O preconceito é diário”, comenta Valentina.
Ana Giselle, mulher trans, acaba tendo que provar muito mais a sua capacidade
profissional, sem contar a discrepância no valor dos cachês, “o que dificulta,
inclusive, a permanência na cena exercendo a profissão de DJ, que para a
otimização do trabalho exige equipamentos caros que não condizem com a
situação financeira da maioria de nós”, ressalta.
Assim como alguns coletivos já vem fazendo, o M.A.N.A.S e o Tetatrônica, de
Brasília, nasceram com objetivo de unir forças para conquistar mais visibilidade e
oportunidades de trabalho para as mulheres na cena. Exemplo disso é o club Zig,
que passou a oferecer workshops gratuitos de discotecagem para pessoas trans.
Nesse ponto Jéssica pondera: “Ainda há uma ‘barreira’ a ser quebrada. No começo
é difícil, mas acaba fluindo de forma mais natural na sequência.” Por mais que os
desafios sejam enormes, as mulheres que sonham com isso têm encontrado um
cenário promissor, com várias DJs de destaque fazendo história na música eletrônica.
Entretanto, é nítido que seguimos longe de uma equalização de gênero nos grandes
eventos, em que elas não representam nem 10% dos artistas contratados.
A fim de mudar esse cenário, temos contado com a luta de diversas profissionais
talentosas e de outras que estão esperando apenas uma oportunidade, trabalhando
em conjunto pela valorização do trabalho e visando construir uma cena mais
saudável, justa e igualitária.
MAIO/JUNHO/JULHO | 2018
41
 SAÚDE
SÍNDROME DE BURNOUT
Abril de 2018 trouxe uma triste notícia aos fãs de dance music: o jovem produtor
sueco Tim Bergling, mais conhecido por Avicii, fora encontrado morto. “Com
todas essas entrevistas, tours e tudo mais, ele vai cair morto”, relata Ash Pournouri
(então seu manager) em tom de ironia, numa cena do documentário sobre o artista
lançado em outubro de 2017. Apesar de chocante contrastar tal declaração com o
recente acontecimento, essa comparação nos evidencia algo digno de interesse: já
se sabia dos problemas com sua saúde mental. Em 2016, anunciou que pararia de
tocar em tours pelo mundo: “Falei para meus empresários que esse estilo de vida
me mataria”, diz no mesmo documentário.
Ollie Cornéer, um dos dois DJs da famosa dupla Dada Life, também anunciou há
uns meses que não sairá mais em tour pelo projeto. Promete, porém, focar no lado
da produção musical em estúdio, não abandonando o trabalho pela dupla. O duo já
tocou, por exemplo, no palco principal do Tomorrowland Bélgica (em 2014 e 2016).
Mesmo assim, com a possibilidade de se apresentar nos melhores eventos do
mundo e para uma legião de fãs, Ollie preferiu desistir desse lado da carreira. Esse
fenômeno se repete e merece uma análise pormenorizada.
Exemplos iguais seriam os de Bassjackers e Blasterjaxx. Ambos já tocaram nos
maiores festivais, e mesmo assim um membro de cada um dos duos desistiu da vida
de turnês. Mas o que faz DJs de tanto sucesso tomarem decisões que, para nós,
parecem absurdas? “Tinha vontade de desistir. Podia ver que não era eu que queria
parar de fazer música, e sim essa energia negativa tentando assumir o controle.”
A fala foi retirada de uma entrevista de Nicky Romero à revista Billboard, em 2015,
após ter crises de ansiedade que o impediam de progredir na carreira. Quando
perguntado se conhecia outro caso parecido, respondeu: “Um dos membros do
Blasterjaxx estava sofrendo de depressão, então liguei para ele e conversamos
por horas. Disse que, se precisasse do meu apoio, ficaria feliz em falar sobre isso.”
O que seria tão grave e danoso a ponto de os levarem a ter esse tipo de pensamento?
Nicky mesmo nos conta: “A vida em tour é quase um ataque ao próprio corpo. Não
é saudável em geral — o jetlag, a falta de sono, o horário de alimentação... O medo
42 WWW.HOUSEMAG.COM.BR
A urgente necessidade
do debate sobre saúde
mental na música
eletrônica
POR Lucas Arnaud
de entrar em crise é a pior parte deste trabalho”. Nota-se, então, que vários dos
elementos da vida de um DJ contribuem para o esgotamento mental e emocional.
E esse acometimento tem um nome científico: é a “Síndrome de Burnout”, definida
por Herbert J. Freudenberger como “(…) um estado de esgotamento físico e mental
cuja causa está intimamente ligada à vida profissional”.
A fundação Mental Health, da Inglaterra, afirma que um a cada quatro pessoas
em turnê vai sofrer com algum problema de saúde mental na vida. Para a revista
Only The Beat, Laidback Luke, DJ holandês, admite: “já tive a síndrome de Burnout
duas vezes”. O artigo “O impacto psicológico de estar no centro das atenções:
a luta emocional das celebridades” [em tradução livre] nos lista alguns fatores
que contribuem para o cansaço emocional destes artistas, a citar: ausência de
privacidade, despersonalização, falta de desafios e exposição midiática exagerada.
Empresários, fotógrafos, agentes, relações públicas e qualquer outro profissional que
viaje em turnês também podem desenvolvê-la. E o que chama a atenção: esse é um
tema ainda pouco debatido no meio da música eletrônica. A conscientização sobre
os malefícios do estilo de vida e da falta de descanso podem ajudar a conciliar o
trabalho com medidas que diminuam o estresse, como maiores intervalos e mais
tempo para sono. Avicii, de certa forma, não escondia sua situação: “Precisava decidir
o que queria para minha vida. Tudo girava em torno da busca pelo sucesso. Eu não
era mais feliz.” Também não era segredo que o produtor sofria de problemas crônicos
causados pelo abuso de álcool (como pancreatite), numa possível busca por válvulas
de escape para a ansiedade.
É inadmissível, portanto, que uma questão de tamanha importância tenha
relativamente tão pouca repercussão no meio da música eletrônica. Este trágico
falecimento deve ser encarado como um grave sinal de alerta. Precisamos de ações
que lidem com a conscientização sobre saúde mental dentro das equipes dos
envolvidos com música eletrônica, de forma que haja maior zelo pela integridade
psicológica desses profissionais. Enquanto isso não ocorrer, casos como de Avicii,
que não é o primeiro (e nem será o último), estarão longe de deixar de existir. ■
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 ENTREVISTA REDES SOCIAIS

ALCANCE EM BAIXA
A parte orgânica do Facebook agoniza. Como se adaptar a esta mudança?

POR Ilan Kriger

A forma de divulgar eventos passou por mudanças
profundas nos últimos 10 anos, em um cenário que
parecia estabilizado: com o marketing de massa
virando marketing de nicho; a busca orgânica
ganhando força; e as mídias sociais emergindo como
ferramentas gratuitas e de considerável impacto.
Através destas novas maneiras de chegar ao público
alvo, muitas empresas deixaram de ter um site
próprio ou criar e manter listas de e-mails — pois se
tinha a falsa impressão de que todos os clientes em
potencial estavam a poucos cliques de distância.
A mídia social que ganhou mais destaque neste
período foi o Facebook, disponibilizando já em 2007
a ferramenta Pages, que permitia qualquer empresa
criar um “site grátis” na plataforma.
Musk, ao excluir as páginas da Tesla e SpaceX que
juntas somavam mais de cinco milhões de curtidas.
Um ato que pode vir a ser seguido por outras
marcas no futuro próximo.
Uma peça importante que também tem diminuído a
credibilidade das mídias sociais é o uso e abuso de
campanhas com celebridades e influenciadores. As
agências e empresas apreciam este tipo de ação, pois
a marca é exposta para uma quantidade significativa
de usuários, gerando um salto no engajamento. O
problema é que as pessoas já perceberam que
esse tipo de ação não passa tanta credibilidade, e
o público que a celebridade/ YouTuber/ blogueiro
traz nem sempre é o que a marca procura. Poucas
empresas — e acredito que nenhum festival ou festa
IDENTIFIQUE OS SEUS MAIORES FÃS
Pesquise em mídias sociais a fim de identificar os
usuários que têm potencial para ações que chamem
mais clientes e novos fãs;
COMUNIDADE EM TORNO DA MARCA
Isso ajuda na divulgação do evento, no teste de
ideias, sugestão de atrações, avaliações e inúmeras
possibilidades;
MICRO INFLUENCIADORES Muitos eventos
estão focando nesse perfil, que são expoentes nas
respectivas áreas de atuação e contam com até 10 mil
seguidores; pois mega ou macro influenciadores são
caros e não tem tanta confiança do público;

TIPO EXPORTAÇÃO
As publicações de páginas, que inicialmente tinham
a mesma força orgânica que outras formas de
perfis, foram ficando cada vez mais restritas para os
seguidores mais ativos nelas. A mudança maior foi
anunciada pelo CEO Mark Zuckerberg no começo de
Vegas: um verdadeiro produto Vegas a um carimbo semelhante, e comecei a usar a hashtag nas redes sociais. A
minha intenção não era criar algo exclusivo, mas, com o passar do tempo, o público
2018, afirmando que a rede social passaria a dar ainda
— têm R$130 mil para gastar em uma publicação
com a Sabrina Sato, por exemplo.
Tendo este cenário em vista, o seu evento, produtora
ou empresa vai precisar se adequar a esta nova
realidade. Tenho trabalhado com diversos festivais,
labels de festas, casas noturnas... e algumas das
MIGRE PARA O INSTAGRAM O público de
música eletrônica está indo com força nesta direção. As
marcas têm se preocupado em adequar publicações e
linguagem para essa mídia;
NAVEGUE NA HASHTAG As mídias sociais vão
continuar mudando e os eventos têm criado hashtags

nacional em destaque
POR Luiza Serrano FOTO Leandro Quartiermeister
Já imaginou chegar em Joinville, Santa Catarina, e encontrar um tal de Paulo Vilela
de roupa social em um escritório administrativo? “Trabalhei anos na área de logística
no ramo moveleiro. No primeiro semestre de 2017, a minha carteira de trabalho ainda
era assinada em meio horário. Acredita?”, conta Vegas. Podemos dizer que os anos
recentes desta carreira foram de muitas conquistas, com suas músicas nos sets dos
principais DJs de progressive e psytrance do mundo. Em 2017, fez a primeira turnê
para a Argentina, México, Israel e países da Europa. Teve releituras assinadas por Vini
Vici e Bizzare Contact; criou versões oficiais para Major7 e Hi-Profile; além do remix
para uma faixa sua tocado por Armin Van Buuren e lançado pela Spinning Records.
“Quando tinha 14 anos, o movimento clubber chegou com força no Brasil. Aos 16,
já estava mergulhando no universo dos DJs. Me dividia entre trabalho, faculdade e
home studio. Enquanto meus amigos passavam noites jogando vídeo game, eu as
virava fazendo música”, diz o artista sobre como tudo começou.
Mas por que o psytrance em uma região onde se escuta muito house music?
O contato inicial foi com a dance music, depois techno e house, até o dia que ouvi
psytrance, em um CD que ganhei de um amigo. Foi paixão à primeira vista. Mesmo
sendo a terra do house music, Santa Catarina foi importante no cenário trance;
porém, uma onda que passou. Isso me forçou a buscar outras oportunidades fora
do Estado — algo que me deixou um bom tempo sem tocar. Hoje fico feliz e honrado
em ver este gênero novamente ganhando espaço nos clubs do Sul e de todo o país.
De onde surgiu o #produtonacional?
Sempre dei muita ênfase a nossa cultura, fazendo um som voltado para o público
brasileiro. Certa vez vi em um aeroporto uma caixa tipo exportação escrita “Produto
Nacional”, o que me chamou a atenção. Pedi ao designer uma logo que unisse
mais importância para os posts de amigos e familiares, soluções que as produtoras têm usado são: para as suas marcas, que podem migrar de uma mídia
começou a ligar a expressão ao meu projeto.
para tentar combater notícias falsas de todos os tipos. social para outra com facilidade.
SITE PRÓPRIO Por menos de R$ 500,00 é
Com o lançamento do primeiro álbum, Good Things, foi possível mostrar um
Se somar tal preocupação a uma dificuldade do possível ter um espaço seu (Wix, Wordpress e outras Ou seja, muitas empresas já perceberam que estas
outro Vegas. Como se deu a recepção dos fãs? Você prefere DJ set ou live?
Facebook em lidar com isso, e o escândalo recente soluções), com blog e ferramentas para captar ferramentas não são grátis e democráticas como se
No início foi um pouco estranho assimilar um lado mais melódico, para mim e para
de 50 milhões de contas com dados roubados para e-mails, fazer vendas e entender o público alvo; pensava, num cenário que causa certa incerteza,
o público, ao lançar também faixas experimentais de chill out. Aproveitei para
serem utilizados na eleição de 2016 nos EUA, tem Crie a sua lista: colete e-mails de todos os seus mas que também possibilita novas oportunidades.
mostrar a diversidade e amplitude musical que um produtor pode ter, afinal álbuns
crescido o movimento “delete Facebook”. Exemplo clientes, segmente por evento, tipo de ingresso e Aproveite-as enquanto o seu concorrente ainda está
permitem isso. Passei anos fazendo DJ set, mas sempre quis ter um live. Demorei
recente desta tendência foi protagonizado por Elon tudo mais que conseguir; esperando um milagre vindo do Facebook. ■
tanto tempo para produzir minhas próprias músicas que hoje quero apenas tocá-las
(risos). É raro, mas ainda faço DJ set.
Em todo esse tempo de carreira, qual foi o seu maior sonho realizado?
Tocar em Israel. Creio que esse seja o objetivo de qualquer DJ produtor deste
estilo. Me apresentei num importante festival em Tel Aviv, ao lado de lendas vivas
do psytrance. Foi uma experiência única chegar nos bastidores, ver todos os caras
que sou fã e poder dividir o palco com eles, na terra deles.
Quais os próximos países que vão importar este produto nacional? Algum remix
planejado?
2018 já começou mágico. Temos confirmados Áustria, Dinamarca, México, Canadá
e Alemanha. Sim! Estou trabalhando para um remix oficial da dupla israelense Vini
Vici, na faixa “100”, em parceria com DJ produtor australiano Timmy Trumpet. Ainda
está no processo de finalização, porém, já a tenho testado nas apresentações.
Já rolou até casamento em uma das suas gigs. Como é ter músicas como trilha
sonora das pessoas?
As vezes a gente não se dá conta da responsabilidade que temos. É mágico
saber que aquilo que buscamos inserir na nossa arte alcança mais do que o
entretenimento. Alguns já eternizaram as minhas músicas na pele, em forma de
tatuagem. Fico muito feliz, pois sei que fiz parte de um momento importante na
vida das pessoas. Elas acabam levando um pouco de mim e isso faz todo o meu
trabalho valer a pena! ■

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MAIO/JUNHO/JULHO | 2018
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 COLUNA
NÃO SIGA (SÓ)
A SUA PAIXÃO
POR Maurício Soares
Qual é a sua razão de ser? Uma pergunta aparentemente simples, em torno do qual
se ergue o Ikigai: conceito japonês que combina as palavras “ikiru” (viver) e “kai” (a
realização do que se almeja).
Originado em Okinawa, ilha japonesa com uma das populações mais longevas do
mundo, está inserido profundamente no estilo de vida dos habitantes locais. Mais
do que algo espiritual, é o sentido prático do conceito, ao focar na convergência
entre quatro campos, que parece manter o senso de propósito, realização e
comunidade deste povo.
Muitas vezes, especialmente quando somos mais novos, acreditamos que
amor nos basta para “chegar lá”. É claro que a maior parte dos profissionais de
primeiro escalão já foram jovens cheios de paixão, dispostos a fazer concessões
e tomar riscos que outras pessoas nem cogitariam para realizarem seus sonhos.
Paixão, contudo, é condição quase sempre necessária, mas nunca suficiente para
resolver a equação do sucesso. Fatores como educação, contatos e até mesmo
sorte cumprem um papel importante na trajetória de qualquer carreira.
Cito tais pontos como uma provocação para aqueles que pensam em trabalhar
com música eletrônica. Num mercado que muitos ainda percebem como restrito
a DJs, produtores, managers, contratantes e bookers, existe uma série de
oportunidades ainda pouco ou mal aproveitadas. E estas, quase sempre passam
longe do radar de quem tem intenção de entrar no jogo.
Cenografia, iluminação, decoração, arquitetura, design, roteiro e direção de
show, gestão de marca, captação de recursos, relações públicas, produção de
conteúdo, jornalismo, performances, programação, serviços (bar, operação, etc),
licenciamento... Todas são áreas também direta ou indiretamente ligadas a este
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Descubra seu Ikigai tendo em
vista o que você ama, do que
o mundo precisa, aquilo pelo
o que você pode ser pago
e o que você faz muito bem
nosso mercado, numa lista extensa — mas não exaustiva — de onde a competição é
significativamente menor do que pelo espaço dentro da cabine, em que a demanda
por profissionais competentes e criativos, de todas as idades, é crescente.
Para tomar emprestado um exemplo do esporte, é interessante observar a trajetória
do alemão Joachim Löw: um jogador absolutamente sem brilho e que hoje, como
técnico da seleção do seu país, ostenta uma das carreiras mais duradouras e
vitoriosas dentre os que já ocuparam a posição. A paixão dele pelo futebol é nítida
desde sempre, mas só encontrou seu ikigai quando conseguiu conciliar o que ama
com aquilo que faz com brilhantismo, o que a Alemanha precisava e aquilo pelo
que poderia ser pago.
A música, como dito na minissérie “The Defiant Ones”, é um jogo de jovens — porém
isso não quer dizer que a cadeia de valor que a envolve seja um território restrito
aos com menos idade —, como provam seus protagonistas, Dr. Dre e Jimmy Iovine,
dois gigantes do meio musical. No cenário da música eletrônica, o exemplo de
Pete Tong também ilustra claramente como é possível se reinventar para manter-se
relevante, buscando a convergência entre os quatro campos do ikigai: DJ, dono
de selo, radialista à frente de um dos programas mais relevantes do segmento e,
mais recentemente, cofundador da divisão de música eletrônica da WME (uma das
maiores agências artísticas do mundo).
A boa notícia é que vivemos num tempo em que as carreiras são líquidas, no
qual o aprendizado contínuo ao longo da vida e a dedicação a temas e projetos,
ao invés de organizações, deixam de ser a exceção para se tornarem a regra.
Por isso te pergunto: Qual é o seu Ikigai? Faça a você mesmo esta indagação
com frequência, sem esperar uma resposta definitiva. Ela tem mais a ver com o
caminho do que com o seu destino. ■
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 ENTREVISTA

Quando você é um DJ que nasceu em Detroit e se mudou para Berlim,
tornando-se residente do Berghain/ Panorama Bar, os olhares sobre ti podem
emanar da mais profunda admiração, a um julgamento pungente, daqueles que
anseiam sempre o próximo passo do artista. Mas Ryan Elliott não permite que
a rapidez de transformação da música eletrônica, em comunhão com a pressão
da velocidade da vida contemporânea o consumam. Suas habilidades são
fortalecidas, permitindo que as criações musicais e projetos tomem forma no
seu tempo, embebedando-se da consistência que um ritmo demasiadamente
frenético poderia anular.
Ryan é minucioso em seus passos, certeiro — visto os altos escalões onde ele se
firmou dentro dos redutos do techno e house mundial —, um profissional cujas
raízes são tão bem estabelecidas, que é considerado um dos seletores mais finos
e versáteis da cena. Tanto que seu set no Panorama Bar em 2014 foi eleito o
top mix do ano pelo Resident Advisor. E que sorte a nossa, brasileiros, em ter a
oportunidade de recebê-lo aqui para mais uma turnê que promete trazer tantas
novidades quanto seu case comportar. Ele chega para se apresentar nos festivais
D-Edge e Warung Day, dia 14, e para estrear em Campinas, dia 20, no club Caos,
ao lado de Efdemin. O Brasil já se tornou tão essencial para Ryan, que está na
hora de bater um papo sério com ele.
Olá Ryan. É um prazer tê-lo de volta no Brasil em breve. Começamos falando
um pouco sobre seu set ano passado no DGTL São Paulo — considerado por
muitos como um dos melhores (se não o melhor) —, que misturou novos sons e
passeou por nuances de house, techno e disco. Como você sentiu o público e
toda a experiência do festival? O que podemos esperar este ano?
Foi, sem dúvida, uma das minhas festas favoritas de 2017. Tudo se encaixou: a
multidão, o clima, a atmosfera... Foi um desses sets em que tudo era tão fácil e
natural. Não tinha nem que escolher a próxima faixa, pois meio que “surgiam” pra
mim. Foi um dia especial — do tipo que me dá energia e inspiração por meses
depois. Estou muito animado para voltar ao Brasil novamente. Tenho novas
músicas e ideias para compartilhar com todos.
separo alguns dias durante a maioria das semanas apenas para sentar no estúdio,
experimentar e me divertir.
Ainda considera o Panorama Bar/ Berghain o melhor do mundo? Quais outros
clubs, festas e eventos você se sente confortável tocando ao redor do mundo?
O Berghain ainda é absolutamente o melhor. É completamente único e sou muito
grato pela minha residência lá. Me sinto confortável se apresentando na maioria
das situações. Adoro tocar em grandes e pequenos shows, festivais, clubs...
Considero-me um DJ versátil e diferentes ambientes permitem mostrar isso — o
que mantém as coisas sempre interessantes.
Ouvi dizer que você é bem regrado para atividades físicas, que corre durante a
semana e tenta dormir bem. Já sentiu a necessidade de mudar alguns aspectos da
sua vida para se manter saudável? Quero dizer, muitos DJs lutam com este estilo
de vida de trabalhar à noite e viajar muito. Como está sua rotina atualmente?
Esta rotina muda conforme minhas necessidades como pessoa e artista se alteram.
Sempre procurei estar fisicamente saudável — fazendo exercícios, dormindo o
suficiente, comendo bem. Mas o que nós não falamos tanto (porque é mais difícil
de colocar o dedo) é da dificuldade de se manter mentalmente saudável e feliz.
Sempre reservo tempo para mim mesmo como uma pessoa normal, pra passar
com minha esposa e amigos, ler livros não relacionados a música, ver filmes —
que mantêm você feliz, curioso e jovem. Fazer essas coisas traz recompensas,
naturalmente. Tudo em nossas vidas está conectado e tem efeitos no outro. Isso
é o que muitos DJs extremamente ocupados não percebem.
Conte-nos sobre seus planos, o que vem em seguida na sua carreira?
Finalmente iniciei meu próprio selo! Isso é algo que queria fazer há muito
tempo, pra ter uma visão clara e também estar em um ponto da minha carreira
em que pudesse lidar exatamente da maneira que gostaria. Será meu escape
para músicas que amo e toco. Acredito que o lançamento de estreia precisa vir
de mim, então estou trabalhando para terminar o primeiro EP em breve. ■

Em 2017 também rolou por aqui uma apresentação na Capslock; e na

Beehive, no Sul do país. Este ano, você tocará em um novo club underground
em Campinas, chamado Caos. Então podemos dizer que já experimentou
diferentes tipos de festas, atmosferas e locais. A cena daqui te inspira de
alguma forma? Do que mais gosta?
O Brasil, ao meu ver, é um dos lugares mais inspiradores do mundo para tocar,
através de uma longa e rica história com a dance music. Porém, a dance music
“eletrônica” ainda é relativamente nova e excitante pra vocês. Acho que é essa
combinação de um profundo entendimento do ritmo, mas também a novidade do
clubbing, que os torna tão especiais para mim como DJ.

Passando pelo seu histórico, você acha que ser de Detroit o ajudou de
alguma forma a ser reconhecido no começo? Ou, na verdade, era uma
responsabilidade ainda maior, para se destacar entre tantos produtores e

DE VOLTA
artistas que surgiam da motor city?
Acho que ambos. Sim, no início da minha carreira isso certamente ajudou. Mas
apenas o fato de ser um “Detroiter” não te leva longe — você tem que se provar
como um bom DJ a cada apresentação se quiser ser bem-sucedido.

AO BRASIL
Após o enorme sucesso de suas gigs por aqui
em 2017, Ryan Elliot retorna para apresentações nos festivais
Quando se mudou para Berlim, em 2009, você já tinha um relacionamento
com Ostgut Ton e Berghain, onde costumava tocar às vezes. Já planejava ser
um residente do club? Depois de quase dez anos, Berlim ainda te inspira?
Me mudei em 2009, porque sabia que, se quisesse levar a carreira ao próximo
nível, precisava estar na Europa. Tendo passado toda a minha vida nos EUA,
também almejava uma mudança: viver em outro país e ver mais do mundo.
Naquela época, tocava no Berghain algumas vezes por ano e presumi que teria
mais gigs se morasse em Berlim; mas ir “apenas” para me tornar um residente
do club não era o plano. Fiz por mim e pela música. Amo morar aqui. Não há

D-Edge, Warung Day e Club Caos nenhuma cidade igual no mundo, que abraça culturas contrárias, diferente de
qualquer outro lugar que já fui.
“O Brasil, ao meu
POR Gabriela Loschi FOTOS Stephan Redel
Você começou como DJ e passou a produzir depois, especialmente quando passou
a morar em Berlim. Como está o seu relacionamento com a produção X DJing?
ver, é um dos lugares
Quanto mais longe vou em minha carreira, mais vou gostando da produção. mais inspiradores do
mundo para tocar.”
Acho que porque nunca tive que depender de lançamentos para ser bookado
para shows, e isso tornou o processo de produção mais puro para mim. Sempre

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 ENTREVISTA
Juju & Jordash:
sinônimo
de arranjos
complexos e
musicalidade
de sobra
POR Marcelo Godoy
ALTA QUALIDADE
A combinação de Gal Aner (Juju) e Jordan Czsamanski (Jordash) data do final
dos anos 90 na Holanda, quando se conheceram em jazz sessions de bandas
que estavam envolvidos na época. Gal nasceu em Israel, e Jordan nos EUA —
mas, se mudou para Israel ainda criança. Em Amsterdam o duo foi tomando
forma, quando passaram a se conectar com as raves locais. Em uma contínua
mescla de estilos, e de sua posição em não se fixar à uma fórmula de criação,
variam seu som a cada lançamento. Em cinco álbuns de estúdio e muitos
outros releases, a única constante é a atitude jazzy subconsciente que dita a
fluidez de suas jams. Eles também são parte do grupo Magic Mountain High,
juntamente com Move D. Conversamos de forma breve com a dupla antes de
se apresentarem no Dekmantel São Paulo.
Em entrevista para a Red Bull Radio, vocês disseram que a abordagem quando
estão tocando ao vivo não é tão improvisada como no álbum Sis-Boom-Bah!
Quais os truques usam para “colar” as músicas, já que possuem um grande
leque de estilos misturados em suas composições?
Desde o lançamento do nosso último álbum em outubro, começamos a inserir
um pouco de nossas músicas de estúdio em meio às jams; sendo as do LP
ou algumas antigas favoritas. Então tocamos partes e improvisamos em cima
daqueles acordes/ temas por um tempo. Isso realmente depende à cada
apresentação, de acordo com nosso humor e como introduzi-las na mix. É algo
que, nos melhores casos, acontece naturalmente. Acredito que o fato de termos
sempre certos instrumentos no palco nos ajudam a “colarmos” as músicas —
sonoramente falando.
Poderiam nos dar uma visão panorâmica do set-up? Como operam efeitos e etc?
Jordan: São três drum machines, um sampler, cinco sintetizadores, efeitos,
guitarra… Isso se a apresentação não for numa cabine de DJ. O Gal atua mais
como um baterista/ percussionista e eu sou o cara dos synths. Cada um opera
seus próprios efeitos durante o show, o que é sempre algo totalmente não
preparado, a não ser quando incorporamos uma faixa antiga na jam — o que é
raro. Somente para ocasiões específicas.
52 WWW.HOUSEMAG.COM.BR
Vocês já disseram que em locais grandes têm que tocar de uma forma um
pouco menos complexa — ou, os ecos e reverberações poderiam matar a vibe.
Como isso funciona na prática? Quais são os fatores técnicos que interferem
quando estão tocando ao vivo?
Gal: Ao chegarmos a checagem do som, é o melhor momento para decidirmos
a situação, e isso normalmente vai ditar como começaremos o show. Tocamos
um pouco durante a checagem, sentimos como é, deixando os equipamentos
preparados, e começamos depois a partir daquele ponto. Então temos a liberdade
de irmos a qualquer direção que sentirmos ser correta para aquele público. As
vezes tocando de uma forma menos complexa e pesada, pelo menos no começo,
pode servir de orientação em locais muito grandes. Também o mood criado pelo
DJ que toca antes de nós, é um fator a ser levado em consideração.
Suas primeiras músicas juntos são de 2004, mas o release de estreia pela
Dekmantel veio somente em 2009. Como foi esse período?
A intenção era que este trabalho saísse por uma outra gravadora, do Reino Unido,
mas eles perderam o esquema de distribuição no Japão e não puderam mais
fazer. Sorte que acabávamos de conhecer o pessoal do Dekmantel. Eles nos
bookaram para discotecar em uma festa que estavam fazendo numa praia. Assim
que tocamos o álbum, decidiram lançar o selo. Puta sorte!
Vocês acabaram de criar a Slack Trax. O que podemos esperar para os
próximos lançamentos?
Gal: Criamos este selo pois assim poderíamos mais fácil e frequentemente lançar
músicas orientadas às pistas de dança, sem termos de esperar muito. O primeiro
EP saiu em março. No mais, temos uma colaboração com a Peggy Gou, lançada
em abril, pela gravadora Needs. Esse é um projeto especial, sem fins lucrativos,
feito em parceria com a ONU Mulheres, em suporte à campanha e semana de
arte HeForShe. Também existem remixes para vários artistas, os quais viemos
trabalhando nos últimos tempos e sairão em breve. Outro lançamento que
está para sair ainda este ano será pelo selo do festival Freerotation, com dois
segmentos de nossa performance ao vivo na edição 2017.■
 OPINIÃO
APROPRIAÇÃO DO
O retorno do Swedish House Mafia trouxe à tona uma discussão que
parecia resolvida com as mudanças promovidas pelo Beatport em 2016
POR Jonas Fachi
Não há dúvidas: o momento mais comentado durante o Ultra Miami 2018 foi o
retorno do Swedish House Mafia. Axwell, Steve Angello e Sebastian Ingrosso,
após um hiato de cinco anos, subiram ao palco do festival e viraram o assunto
da semana dentro do movimento pop eletrônico. O trio sueco possui uma
extensa carreira de lançamentos e já inspirou uma série de novos artistas. Muitos
comemoraram no Twitter este acontecimento; mas duas postagens de nomes
conhecidos chamaram atenção da mídia, o que me fez escrever sobre o assunto.
ARTY publicou: “O progressive house acaba de voltar.” Outro nome, Crankdat
descreveu: “A música eletrônica verá mudanças por causa disso. Foda, estou
muito empolgado…, seja pelo retorno do progressive house ao mainstream, ou
a apreciação da volta de uma dance music mais instrumentada… Esse set vai ser
muito importante. É o SHM, baby!”
Apenas os dois artistas fizeram essa correlação, porém, o assunto tem ganhado
projeção e parece novamente abrir uma porta que parecia selada. Na comunidade
conceitual, a vertente é seguida por milhares de fãs mundo afora desde a
criação, ainda no início dos anos 90. Assim como o techno de Detroit e o house
de Chicago, o estilo desenvolvido no Reino Unido é um dos mais complexos e
difíceis de se produzir, por envolver uma série de capacidades musicais distintas,
em que melodias ou elementos obscuros, linhas de baixo e harmônicos, devem
funcionar como uma banda.
Sasha e John Digweed, considerados “pais” deste movimento, iniciaram em
Manchester o que viria a influenciar gerações de clubbers e DJs. Em 1994,
produziram a primeira compilação da lendária gravadora Renaissance, através
do CD The Mix Collection. Outros artistas ingleses como Nick Warren, Danny
Howells, Dave Seaman e Darren Emerson surgiram em seguida ajudando a levar
esta sonoridade para o resto do mundo. Ao mesmo tempo, Hernan Cattaneo, na
Argentina, e Timo Maas, na Alemanha, se juntaram aos britânicos para dominar as
pistas, ganhando seguidores fiéis até hoje.
Com as devidas explicações de maneira resumida, você poderia se perguntar:
Por que então esses caras do movimento mainstream falam em “retorno do
progressive house”? O que significa? Ao mesmo tempo que tais afirmações são
vazias, quando levamos em conta toda a história, é algo que também diz sobre
o que pode estar acontecendo no cenário. Artistas e público parecem saturados
de músicas superficiais, em que o show pirotécnico e o microfone na mão são
indispensáveis para a pista conseguir funcionar.
Após a explosão norte-americana do que convencionou-se chamar de “EDM”,
com Hardwell, Calvin Harris e outros que já possuíam longa carreira na cena, à
exemplo de David Guetta e o próprio SHM, estes artistas viram a oportunidade
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PROG HOUSE
de embarcar numa onda pop e trabalhar na porta de entrada de um novo
público sedento por música eletrônica. Até aí tudo bem, pois todos têm direito
de escolherem seus caminhos, o que acaba sendo importante para trazer mais
consumidores ao segmento.
A grande questão, entretanto, é a rapidez com que este fenômeno se apresentou
a partir de 2010, e a incapacidade do mercado em processar um novo estilo — nem
mesmo havia um subgênero definido no Beatport. Por isso, alguns resolveram
lançar estes sons como progressive house, transformando uma seção que era
estritamente relacionada a músicas cerebrais e imersivas em algo que fugia das
características originais do gênero. Os artistas mais puritanos se viram então
obrigados a procurar outros espaços, como deep house ou tech house, para
que seus seguidores os encontrassem nos lançamentos de músicas e álbuns.
Isto perdurou até 2016, quando finalmente foram criados espaços para a cena
mainstream, como big room, future house e dance, além da renovação completa
de deep house, house e progressive house.
Aos poucos, produtores conceituais voltaram para esta seção dentro do Beatport
e hoje encontramos Guy J, Eekle Kleijn, Khen, Guy Mantzur, 16 Bit Lolitas e
muitos outros de uma nova geração figurando entre os mais vendidos. Outro
ponto importante é que, coincidentemente ou não, na metade de março foi
criado um novo gênero para vendas. O melodic house e techno veio como uma
forma de agradar um outro lado importante da cena, representado por Dixon,
Mano Le Tough e Maceo Plex, que mesmo tendo músicas que se encaixam nas
características do house progressivo — com menos profundidade, é verdade —
não se sentiam à vontade em lança-las como tal. Essa foi a versão dada pelo
próprio portal, e que pareceu razoável à primeira vista.
Porém, esse retorno do trio e uma possível tentativa do universo mainstream em
tomar para si novamente um estilo que nunca lhes pertenceu, pode estar relacionado
com a antecipação do portal em criar outro espaço. Movimentos ensaiados ou não,
só o tempo dirá. O SHM lançará no big room? A lógica diz que sim, pois é lá que
devem estar. Olhando de um aspecto mais distante, parece haver uma tentativa de
“efeito manada” — à dos citados no início. Ou seja, quando se publica para milhares
de seguidores uma ideia e esta rapidamente se espalha pelas redes sociais como
verdade, isso acaba criando o resultado desejado pela força da repetição.
De toda forma, qualquer um que tenha conhecimento razoável sobre história da
dance music sabe que “buscar algo novo para vender aos fãs de primeira viagem”
é uma prática bem antiga. Vale lembrar, portanto, que o progressive house é um
só. Assim sendo, torço para que tudo se mantenha como tem ocorrido após as
mudanças promovidas pelo Beatport e que isso não passe de uma confusão sem
fundamento com a realidade atual — o que tem aparentado ser, de fato. ■
MAIO
MAIO/JUNHO/JULHO
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 REVIEW
RETROSPECTIVA
TIME WARP 2018
Com 24 anos de história, segue sendo o festival de headliners
POR Marcelo Madueño
O começo da primavera é um momento bastante emblemático para o europeu.
A paisagem, agora não tão gélida, já sinaliza que em breve o calendário de
festivais estará recheado por todo o continente; e, quando o assunto é techno,
quem abre alas é o Time Warp. Iniciado em 1994, o festival — que tem sede em
Mannheim — é o mais antigo do gênero e já circulou por oito cidades alemãs e
outros seis países (à exemplo de Holanda, República Checa e EUA). Com tanta
bagagem nas costas, iniciantes e experientes são nivelados na pista de dança
pela grandiosidade da experiência musical. Como tudo tem começo, meio, fim
e after, irei compartilhar com vocês um pouco de como foi a minha experiência.
COMEÇO
Minha chegada em Mannheim foi prematura: cerca de três dias antes do evento.
Tendo cerca de 300 mil habitantes, é dedicada à indústria química e possui uma
das melhores universidades da Alemanha, cuja escola de negócios da música é a
única do país. Considerada patrimônio histórico pela UNESCO, seu dossiê contou
com a presença do Time Warp para ser aprovado.
MEIO
Um dia antes a cidade ainda parecia bastante calma, porém com duas pré festas
sendo realizadas nos clubs que pertencem aos produtores do festival. Com
propostas complementares, o club Zimmer apresentou Patrick Topping e Steffen
Deux, enquanto o Loft recebeu Chris Liebing e Rod Malmok. Nenhum lotou e era
nítido que as pessoas estavam se resguardando. O melhor momento da noite se
deu no Loft através do duo local Confidns, que fez um long set de techno/ acid/
break beat em um espaço projetado dentro do fumódromo. Tendo em vista essa
ótima entrega, foram escalados para tocar novamente, desta vez na principal
após Liebing, segurando o público até o encerramento.
FIM
A chegada ao local foi a mais tranquila que já tive até hoje. As ruas pareciam
vaziam, como se não houvesse evento. Por quê? Os órgãos públicos têm uma
parceria com o Time Warp e disponibilizam trem e VLT grátis para todos que
viessem a partir de Frankfurt. São 20 mil pessoas distribuídas em seis pistas,
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em que a primeira começa 19:30h e as últimas (2 e 3) terminam às 14h do dia
seguinte — com os palcos 4, 5 e 6 indo até às 10h.
Às 22h os seis espaços estão abertos e então é possível entender um dos
elementos que colocam o festival como uma referência mundial: todos os artistas
são headliners. A minha sequência foi Dubfire, Sven Vath, Adam Beyer, Rodhad,
Ben Klock, Laurent Garnier, Ricardo Villalobos b2b Raresh, Len Faki e Nina Kraviz,
com destaque para Ben Klock. O artista costuma tocar uma linha mais sóbria,
linear e hipnótica, mas após o set cheio de energia de Rodhad, ele deu uma aula
de versatilidade, técnica e seleção musical.
Porém, a surpresa pra mim tem nome: Dubfire. Já o vi em tantas apresentações
ruins que não o colocaria em nenhum line-up. Talvez a energia do TW, o abandono
daquele bassline ultrapassado da M_nus, a lua cheia... Enfim! O set foi bom, fez
jus ao horário e mexeu com a pista.
Em um prato cheio dos melhores artistas do gênero, todos no mesmo lugar,
entram em jogo outros diferenciais: cenografia e técnica (som, luz e vídeo). A
vibe é uma “experiência de club gigante”, e lá toda pista se torna uma caverna
blindada da luz do dia, banhada por um show de luzes muito mais completo do
que já vi em qualquer outro festival. A cenografia dá um toque avançado no teto
dos dois principais palcos: um deles desenhado com fios de LED que formam
uma teia, e outro com “bolhas” suspensas e iluminadas por flashes que parecem
uma tempestade. Ah, e o som? Alto e em bom tom, obrigado!
AFTER
Ir embora sempre é algo trabalhoso, mas não em Mannheim. Após dez minutos
do encerramento estávamos dentro do taxi em direção ao after no club Zimmer.
Ao entrarmos já avistamos Butch saindo do banheiro, e ao descer as escadas me
deparei com o Sven Vath tomando shots de tequila com três amigos. Olhamos
para os decks e lá estavam Seth Troxler, Nastia e Marco Carola em um b3b. Seis
horas se passaram para finalmente dizermos adeus a nossa energia e a uma
maratona a ser repetida em todos os anos. ■
PERFIL
HOT BULLET
Contando uma história de sucesso
POR Nazen Carneiro
Formado pelos produtores musicais Marco Violent e Marc Ransson, o Hot Bullet
(que já foi trio) vem conquistando espaço considerável nestes quase cinco anos
de atividade. Em 2017, após três de Jam Bookings, o duo deu um importante
passo na carreira ao assinar com a agência Plus Network. Com três lançamentos
em 2018, os quais comentam a seguir, apresentamos nesta matéria um pouco
mais sobre este projeto que tem crescido na cena eletrônica brasileira.
Quando se inicia a carreira como DJ, tocar nos grandes festivais e clubs é sem
dúvida um dos maiores objetivos. “Seja numa pista com 100 pessoas ou num
evento para 10 mil, valorizamos igualmente cada lugar que nos apresentamos”,
contam. Tendo as gigs como um dos focos, pode-se destacar apresentações no
Tomorrowland Brasil, Eletric Zoo, Tribe, Universo Paralello; além de passagens
por clubs como Green Valley, Laroc, El Fortin, Sirena, Anzu e Belvedere.
No começo, o som do Amine Edge & Dance era a inspiração, no entanto
mudanças na cena possibilitaram que evoluíssem de uma forma diferente e com
tempo — e amadurecimento — criassem uma identidade. Hoje, o Hot Bullet figura
em importantes lines ups, trazendo consigo algo autêntico. Deixando referências
e rótulos à parte, nota-se um trabalho voltado para o cenário nacional e toda uma
construção de sonoridade com participações de outros brasileiros.
Tanto Marco quanto Marc tinham projetos com propostas semelhantes e, assim,
seguiram valorizando os vocais em português. “Muitos torciam o nariz por algo
no nosso idioma. Porém, vimos essa mudança ocorrendo a passos lentos, mas
que chegou num patamar de grande aceitação”. Sobre isso, Marco complementa:
“‘Sede pra te ver’, do KVSH, e o remix de ‘Deixe me ir’, do Liva, foram as que mais
ouvimos em festas no ano passado, através de uma quebra de tabu que aproximou
o público desse tipo de faixa. Acredito que esse fenômeno não vai ser passageiro,
e enxergo outras vertentes da eletrônica apostando em vocais nacionais”.
Exemplo dessa atuação constante no estúdio são os três releases nos últimos 40
dias. “Don’t Know” foi produzida em parceria com Maffei, do interior de São Paulo,
e que já conta com boa aceitação, segundo Marc. “Rolou um resultado legal na
pista. A gente já sabia da química e mistura de ideias. Devido à distância, foi
aquele processo de troca de arquivos do que acha que encaixa e vai adaptando.
O resultado ficou ótimo, melhor do que esperávamos”.
Já “I Don’t Know Why” é um bootleg de um hino da house music, da cantora
Moony. “A faixa foi produzida no estúdio do Wolsh, em São Paulo, com as
intenções convergindo tão rapidamente que a terminamos em um dia”. Já “Wake
Up” teve a participação do duo DoubleZ. “Eles disseram que tinham uma música
iniciada com vocal da Thayana e mostraram uma prévia disso. Gostamos da ideia
e resolvemos produzir juntos”.
Acompanhar o progresso do Hot Bullet é acreditar num sonho e saber que, com
trabalho e dedicação, não existe barreira capaz de impedir um objetivo. Questão
esta refletida por Marcos: “Recentemente vi um documentário que falava sobre
carreiras, e um dos entrevistados disse o seguinte: ‘Você precisa trabalhar 100% pra
alcançar o seu sonho, e 200% pra se manter nele’.” De fato: Entender a realidade do
nosso mercado e o que o público deseja, respeitando a identidade proposta, são
componentes de uma fórmula difícil de balancear e ideal para continuar relevante.
A dupla, que conta com agenda cheia, segue tocando incansavelmente por todo o país,
o que já proporcionou diversas histórias interessantes: das festas mais sensacionais
até caminhar quilômetros na estrada e conseguir se apresentar. Para conhecer alguma
delas a fundo acesse a entrevista na íntegra no site da House Mag. ■
MAIO/JUNHO/JULHO
MAIO/JUNHO/JULHO
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57
 CAPA

SHARAM
JEY
RESPEITO
PELO São mais
de 20 anos de

BRASIL mercado, sucessos

encravados nos
cases de artistas
e playlists de fãs,
e muito apoio aos
Uma coisa é certa: poucos artistas internacionais deram tanto apoio aos brasileiros
como fez — e ainda faz — Sharam Jey, que, através da sua gravadora Bunny Tiger,
DJs brasileiros.
se tornou um dos principais canais de conexão entre muitos DJs do Brasil e o Sharam Jey
mercado internacional. Em 2018, o selo alemão completa cinco anos de vida,
período no qual lançou diversos sucessos nos charts de nu disco, tech house, estampa nossas
deep house, house e afins.
páginas em
Para se ter uma ideia, das dez faixas da Bunny Tiger mais vendidas no Beatport comemoração aos
nos últimos 12 meses, três são ou tiveram colaboração dos brasucas. “Hey
Hey Hey”, do Chemical Surf; “Get Slow” (Sharam Jey, Chemical Surf e Breaking cinco anos do
Beatzz); e “Like it Better” (Easrstrip e Frey) estão em segundo, terceiro e quarto
lugares, respectivamente. Todas elas e uma infinidade de outras músicas caíram
seu selo Bunny
nos coros das pistas lotadas de bass e melodias de norte a sul do país. Tiger
Com tanto carinho à nossa cena, não é de se espantar que ele seja recebido sempre
de braços abertos. Suas raízes, no entanto, se encontram numa miscelânea de
POR Gabriela Loschi
nações. Várias de suas memórias de infância são iranianas, onde viveu até os nove
FOTOS Tiago Pavan
anos, quando seus pais e toda a família se mudaram para a Alemanha. País este
que se tornou sua pátria e onde ele passou a desenvolver a carreira musical em
bandas de escola, para então entrar na música eletrônica, sempre viajando muito
e adquirindo inúmeras influências — o que se reflete em seu som, que carrega
grooves latinos, com batidas e ritmos funkeados do mundo todo.

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 CAPA
“Ipsum e lorem aqui neste espaço de
texto falso precisa de uma frase aqui
por enquanto o texto é falso.”
Já deu pra perceber que a multifuncionalidade é característica de Sharam
Jey. Em meio a uma label respeitada, produções, lançamentos, grandes
apresentações e tantos outros projetos rolando, o artista ainda encontra
tempo para a família e faz questão de cuidar e estar com os filhos todos os
dias. Nossa conversa por Skype rolou às 22h no horário da Alemanha, logo
após os pequenos dormirem.
Olá, obrigada por essa entrevista. É um prazer falar contigo. Então acabou de
colocar os filhos pra dormir. Como é sua rotina atualmente?
Olá, o prazer é todo meu. Sim, tenho uma filha e um filho pequenos. Acordo por
volta das seis da manhã, ajudo a prepará-los para a escolinha, onde eles passam
o dia, e aí entro no estúdio. À noite fico feliz de poder passar mais um tempo com
eles, e só volto a trabalhar depois de irem pra cama.
Você lançou um álbum em 2005 que teve grande sucesso. Depois em 2009
repetiu a dose e de lá pra cá foram várias compilações e hits lançados. Por
que quase uma década para preparar um disco autoral?
Comecei a prepará-lo em outubro do ano passado. Demoro para fazer um
álbum artístico pois meu processo de criação é totalmente diferente de quando
produzo uma música de club ou single. Gosto de contar uma história, fazer algo
mais pessoal e não colocar apenas faixas que toco na pista. Penso de uma
forma mais old school também. Um trabalho desse envolve muita preparação,
por isso quero que as pessoas o escutem pela próxima década e que seja
atemporal. O 4 Da Loverz foi um grande sucesso, fui capa da DJ Mag inglesa
e fiquei três anos em tour. Sempre penso que tenho que finalizar um ciclo pra
começar o próximo, então este será outro passo, um novo bebê.
A Bunny Tiger foi criada há cinco anos, então imagino que estava com suas
forças concentradas em outra coisa, certo?
Sim, há cinco anos esse tem sido meu grande foco. Estamos lançando um
álbum, que não é o meu autoral, mas sim uma compilação com remixes das
melhores faixas do selo. Quando comecei, nunca esperei que fosse crescer
tanto assim, e ao olhar pra trás me sinto muito satisfeito, surpreso e agradecido
pelos suportes que tivemos.
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muita coisa boa, mas é impossível lançar todas,
infelizmente.
Agora está voltando com um selo antigo seu,
certo?
Sim. Tive um selo de vinil por dez anos e estou
retornando com esse projeto para disponibilizar
novamente alguns clássicos. Ano passado, durante
o encerramento da temporada do Space Ibiza, o Carl
Cox tocou uma música que fiz em 2003; e outros,
como Sasha, começaram a incluir minhas faixas
antigas nos sets, como “Rock City”. Então resolvi
fazer alguns remixes e relançar a label digital, com
edições de vinil limitadas.
Você lançou recentemente um álbum inteiro no
Spotify. Acha que o fato de hoje o número de
plays nos streamings valer até mais do que a
venda da música em si, é desafiador? Como foi a
sua adaptação?
O mercado muda a cada 2, 3 ou 4 anos, mas no final o
que evolui são as tecnologias. No ADE ano passado,
por exemplo, só falaram de Spotify e streamings.
Se você possui um selo, tem que estar lá, mesmo
sem ganhar. Isso obriga os DJs a viajarem muito e
fazer shows. Então se por um lado não é lucrativo,
Você costuma apoiar novos artistas pelo mundo.
Depois da Bunny Tiger Brazil Collection, veio a
compilação mexicana, por exemplo. Qual é a ideia
“Recebemos tantas
principal desses projetos? coisas boas que
é desperdício um
A ideia é encontrar talentos locais e apresentar as
particularidades de cada país com faixas exclusivas.
Ainda vai sair compilações dos EUA, da Austrália…, e
talvez mais algumas. A do Brasil tem grandes nomes artista com potencial
e foi um sucesso. Isso é algo muito pessoal meu,
pois sempre quis dar chance a novos talentos de se
se apresentando só
apresentarem de alguma forma ao mundo. com mashups.”
Em 2018 já teve tour no Brasil, tocou na Bunny
Tiger showcase no El Fortin e vai ser uma das
atrações na festa da House Mag em julho. Quais
são os planos para o país ainda este ano?
O plano é trazer toda a experiência Bunny Tiger,
através dos showcases com a Bunny crew e os
brasucas. O primeiro rolou ano passado no El Fortin
e tinham umas seis mil pessoas. Sem dúvida será
outro grande ano no território brasileiro. Faremos
muitos shows, e estamos focados em encontrar
artistas e dar a eles a chance de lançarem suas
músicas internacionalmente.
Um dos últimos artistas brasileiros que você
apoiou foi o Breaking Beatzz. Existem outros na
sua mira? Quais são as qualidades que mais busca
em um produtor para lançá-lo?
A “Don’t Stop”, do Breaking Beatz com o Chemical
Surf, se tornou uma grande faixa e recebeu ótimos
feedbacks. Eles são muito talentosos. Já a música
mais recente do Dakar teve apoio do Green Velvet.
Recebemos milhares de demos toda semana,
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61
 CAPA
por outro te traz visibilidade — pois com milhões de visualizações os bookers te
contratam. A nova geração não compra música, e não sabem como era antes de
ser tudo digital. Para eles isso é o normal. Então é algo diferente que temos que
acompanhar e não ficar saudosista.
Se lembra da primeira vez que você veio ao Brasil?
Foi em 2007 para tocar numa festa na praia em algum lugar de Jurerê,
Florianópolis, e naquela época a cena não era tão grande como é hoje. Um ano
depois voltei e não tive uma experiência muito boa (risos). Tinham outras coisas
acontecendo, a cena de psytrance e prog house eram bem maiores, e minha
música não cabia aqui. Mas aí há cinco anos voltei, no início da Bunny Tiger, e
o cenário estava completamente diferente. O meu público se mostrava mais
interessado, as reações foram maravilhosas e me apaixonei por essa cena em
crescimento. Vi que as pessoas começavam a amar esse tipo de música.
Das músicas de artistas brasileiros que já lançou, me parece que “Bass”, do
Illusionize com o Chemical Surf, teve um grande impacto na cena na época. Foi
a que mudou tudo, definitivamente, e diria que também representou bem o som
brasileiro. Foram milhares de charts, muitos apoios, e um sucesso no mundo. Amo
dar oportunidade a novos talentos e poderíamos ter lançado outras como aquela,
mas sem cópia. Se você é talentoso, não copie.
A cena brasileira também está repleta de mashups e reworks. O que
acha disso?
Eu fazia bastante há 10, 15 anos, e haviam selos apenas disso. Ainda gosto, mas
não acho correto um DJ ficar uma ou duas horas só tocando mashups. Pra mim não
é legal. Os brasileiros pagam caro pelas entradas nas festas e precisam esquecer
tudo quando estão lá curtindo, com o DJ sendo responsável em oferecer a
melhor experiência. Seria bom se os artistas mostrassem mais o talento, tocando
um maior número de músicas originais. Recebemos tantas coisas boas que é
desperdício um artista com potencial se apresentando só com mashups.
Você acredita que sua música combina mais com a cena brasileira do que
com a alemã?
Não toco tanto aqui [na Alemanha]. Desde muito novo estou acostumado a rodar
o mundo. No meu primeiro lançamento as pessoas me disseram: “Uau, sua música
parece tão Inglaterra.” Nisso os ingleses passaram a me apoiar, lancei em grandes
gravadoras e comecei a viajar, absorvendo inúmeras influências. O que vinha de
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lá crescia muito, e a Alemanha naquela época não
era assim. Aqui sempre foi mais techno e afins. Se
você não produz o techno, digamos, propriamente
dito, então não combina tanto. E aí comecei a amar
a cena do Brasil, porque me mostraram muito amor
e apoio. Se pudesse escolher alguma pra morar,
dentre todas, EUA, etc, escolheria a brasileira, meu
território número um atualmente, inclusive porque
comecei a viajar pelo país e amar. Estou tendo
a chance de conhecer pessoas e de aprender a
cultura, tanto que quase sempre levo minha família,
e ficamos normalmente em Florianópolis.
Tantos projetos, família, filhos, o que mais tem
pela frente?
Estou muito feliz em poder fazer o que amo. Tudo pode
sempre ser maior e melhor, mas ficaria feliz se pudesse
celebrar mais alguns anos de selo. Temos que curtir
o que estamos criando e aproveitar o agora também,
não ficar pensando só no futuro. E esse é o momento
de celebrar cinco anos da Bunny Tiger. Quero criar um
catálogo para a linha fashion e expandir a marca, além
da ansiedade por causa do meu novo álbum e pelas
compilações. É muito trabalho!
Por último, deixe uma mensagem para o público
brasileiro.
Quero agradecer imensamente o amor e carinho
que tenho recebido de vocês. Estou tentando
oferecer algo em troca e espero que esteja
conseguindo. Mal posso esperar para voltar. Temos
grandes planos pela frente! ■
JULHO/AGOSTO/SETEMBRO
MAIO/JUNHO/JULHO | 2018
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 PERFIL
GROUNDBASS
De DJ set para um dos destaques da nova geração de produtores brasileiros
POR Luiza Serrano e Luigi Vanucci FOTO Leandro Quartiemeister
Diretamente de Florianópolis, o prodígio Thiago Ramos é o nome por trás do
GroundBass — um dos projetos nacionais de maior repercussão no cenário do
trance psicodélico e progressivo mundo afora. Dono de um estilo peculiar, o artista
criou o nome em 2013 e, rapidamente, conquistou um espaço enorme no mercado,
ganhando muito destaque através de seu carisma e energia na música eletrônica.
Além de colecionar hits como “Savannah”, “Sentidos”, “Puro Extase”, “Devadeva”
e “Judgment Day”, se encontra em constante ascensão nos charts do Beatport.
Atualmente, faz parte de uma das maiores gravadoras do gênero no mundo,
a Blue Tunes Records, e integra o casting da Season Bookings, garantindo
marcantes apresentações em diversas festas e festivais.
Mas antes disso acontecer, já vinha sendo observado pelo DJ e CEO da agência,
Vitor Falabella. “Conhecia o Thiago e notava o seu grande potencial. No tempo
correto, nos envolvemos profissionalmente em 2016. Hoje, ele é uma realidade
no cenário nacional e um dos nossos objetivos é expandir cada vez mais o
alcance desse talento, inclusive no exterior”, revela Vitor.
Há cerca de seis anos, Thiago entrou no universo da produção musical. Suas
faixas têm influências de seus gostos pessoais, que incluem Captain Hook,
Sphera, MVMB, Freedom Fighters e amigos brasileiros. Além de ter crescido
ouvindo Pixel, Wrecked Machines, Infected Mushroom, Krome Angels, Xerox
Illumination, GMS, Cosmonet, entre outros, é também fã de Shanti e Eskimo, que
ele acredita terem revolucionado a cena do psy trance no ano de 2010.
Para manter o ritmo de bons lançamentos, investe de seis a oito horas de
estúdio por dia e, dependendo da inspiração, até dez. “Ultimamente estou com
um problema sério no meu sono e tenho acordado bem tarde. Então, quando
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levanto, tomo café, checo as minhas redes sociais e começo a produzir por volta
das 14h e vou ate às 23h. Não posso passar muito disso se não a minha mãe me
mata”, explica entre risos.
Com sonoridades temáticas, Thiago busca inspirações em filmes, seriados e até
mesmo documentários. E criatividade não lhe falta: em 2018, o DJ produtor lançará
o primeiro álbum da carreira, diferente de tudo que tem mostrado nos últimos anos.
Serão entre dez e doze faixas voltando as suas origens, com muita psicodelia, uma
forte influência do techno e pitadas de progressive dark.
“Vou contar em primeira mão, porque até agora não divulguei em nenhuma rede
social. O álbum vai se chamar Lost Paradise.” De acordo com o artista, algumas
músicas já estão sendo testadas em pistas de diversos lugares do Brasil, presentes
em sets de grandes DJs e recebendo um retorno bastante positivo dos fãs.
O novo álbum marca o aniversário de cinco anos de GroundBass e ele tem muitos
motivos para comemorar. Mostrando uma constante evolução, várias conquistas
já foram alcançadas em sua carreira. Entre elas, apresentações na XXXPerience
e no Green Valley. Ter participado em três edições do Universo Paralello, também
é muito especial. Um dos meus maiores sonhos já concretizei, que é viver da
música. Não há realização maior do que essa”, afirma.
Mesmo com todo esse sucesso, o artista tem focado em produzir e levar o seu
som o mais longe que conseguir. Meu maior foco é levar a felicidade através
da música, e não vou descansar enquanto não ver ainda mais pessoas com o
sorriso no rosto e dançando como se não houvesse amanhã”, finaliza. Se isso é
um plano futuro, é melhor planejar os próximos, pois, com certeza, Thiago Ramos
tem conquistado cada vez mais o seu público. ■
MAIO/JUNHO/JULHO | 2018
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 REVIEW
LOLLAPALOOZA 2018
O festival que não para de crescer — especialmente no palco eletrônico
POR Jode Seraphim e Bruna Antero (A melhor balada) FOTO Gui Urban
Em seu sétimo ano no Brasil, o Lollapalooza 2018 criou muita expectativa nos
fãs ao anunciar a maior edição de todos os tempos. Com três dias, um a mais
do que nos últimos anos, o festival precisou se reorganizar para oferecer uma
experiência ainda melhor para o público. E na entrada já foi possível sentir que a
organização tinha se preparado. As filas praticamente não existiam, e o fato de
ter contado com três acessos distintos ajudou muito para que isso fosse evitado.
Quem escolhia a entrada principal dava de cara com o novo Palco Perry, que
ocupava um espaço muito maior que em edições anteriores. Para amantes da
música eletrônica, como nós, essa mudança foi extremamente bem-vinda, já
que no último ano diversos shows tiveram lotação máxima e muitas pessoas não
conseguiram entrar para ver alguns de seus DJs favoritos.
No fim do primeiro dia, quando a dupla Galantis fechava o set, e Alok se preparava
para tocar, foi possível perceber que realmente espaço não era problema. Uma
multidão esperava os sets mais aguardados sem muvuca, o que aconteceu também
com DJ Snake e Hardwell — para muitos, o headliner de todo o festival. Outro
destaque eletrônico foi a forte presença da bass music, representada nos shows
de NGHTMRE, What So Not, Alison Wonderland, Yellow Claw e muitos outros.
Já o palco Budweiser se manteve cheio durante quase todo o dia. Algumas
apresentações surpreenderam, como Chance the Rapper e Anderson Paak,
que mesmo durante o dia animaram os que estavam por ali. Mais uma vez as
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maiores atrações, responsáveis por fechar o festival, cumpriram seu papel e
empolgaram o público.
Outra novidade foi a disposição dos palcos Onix e Axe, que dividiam praticamente
o mesmo espaço, intercalando os horários das apresentações. Na sexta, quem
assistiu LCD Soundsystem pôde curtir bem de perto a banda, que fazia uma
performance incrível, e ver Mac Demarco logo ao lado.
No sábado um dos shows mais comentados foi Imagine Dragons, que apesar de
todo entusiasmo da banda, deixou o público que estava mais para trás insatisfeito
por problemas de volume no som — que não chegava para todos que estavam no
local. Quem preferiu continuar por ali conferiu Kygo em seguida, que também fez
um dos sets mais animados do festival. No domingo a dobradinha foi de Lana del
Rey e Wiz Khalifa: a primeira com suas músicas melódicas que ecoavam em coro
pela plateia, e o segundo com seu jeito irreverente no palco Axe.
Apesar dos problemas do Palco Onix, e de reclamação da maioria do público
com relação aos valores cobrados, o Lolla mostra que vem crescendo de maneira
sustentável. Para um evento que teve ingressos esgotados em dois dos três
dias, surpreendeu pela quantidade e agilidade nos caixas e bares, assim como
na expansão do Chef’Stage. Porém, o destaque dessa edição, fica por conta
da melhoria do espaço Perry, que mostra uma maior atenção aos fãs de música
eletrônica, público que aumenta cada vez mais dentro do festival. ■
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 CENÁRIO
DE MINAS
PARA O MUNDO
Uma das principais agências de
DJs do Brasil, a Season Bookings
tem no casting diversos nomes de
destaque nacional e internacional
POR Luiza Serrano FOTO Leandro Quartiermeister
Prestes a completar 10 anos, a Season Bookings já pode comemorar o
amadurecimento da agência e dos artistas que fazem parte do casting. Atualmente, a
família SB é formada por 63 nomes da música eletrônica, de estilos e personalidades
diferentes, que se apresentam por todo o Brasil e em turnês fora do país.
Quem está à frente dela é o empresário, e também DJ, Vitor Falabella. “Quando
iniciei a caminhada, em 2009, com o meu ex-sócio Max Mendes, foi uma
oportunidade aliada a necessidade de artistas emergentes em terem alguém
de confiança para administrar esta demanda de apresentações”, explica. Hoje, a
missão de orientar e descobrir novos talentos se tornou uma das características
marcantes da Season. Prova disso, são os nomes revelados ao mundo por meio
desse trabalho, com alguns ainda agenciados e os que por ela passaram: Alok,
Vegas, Ruback/ Dubdogz, Mandragora, Rrotik, Shapeless, Devochka, Dirtyloud,
FTAMPA, Harmonika/ Darth&Vader, Capital Monkey, Bhaskar/ Logica, entre outros.
Se os mineiros comem quieto, podemos dizer que essa turma tem feito barulho.
Com a experiência de mercado e buscas frequentes para management, a agência
expandiu o seu leque de atuação. “Ao longo dos anos, investi muito na minha rede
de contatos e adquiri experiência tocando em vários festivais no mundo, participando
também de conferências como o WMC e ADE, desde 2010. Hoje, me orgulho em
ter atraído o interesse não só dos talentos brasileiros, mas também de importantes
nomes da cena mundial para gerir as suas carreiras por completo”, finaliza Victor.
Essa entrada no mercado fora do país também contribuiu para o aumento dos tours
internacionais, beneficiando todo o casting. O DJ produtor Vegas entrou para a
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agência em meados de 2014 e, desde o início, confiou no serviço oferecido. Ainda
para o primeiro semestre de 2018, foram fechadas gigs na Áustria, Dinamarca, México,
Canadá e Alemanha. “Gosto de reforçar que atrás da carreira de um artista não existe
apenas uma, mas várias pessoas envolvidas, que trabalham duro nos bastidores e
fazem toda a diferença. Já estou no meu quinto ano na Season Bookings e devo
muito a todo o staff pelo meu crescimento no nível nacional e internacional.”
É claro que uma agência sozinha não faz milagre. Ela conta com a dedicação e
empenho do artista para auxiliá-lo nesse mercado cada vez mais profissional e
repleto de novos nomes. Neelix, um dos principais destaques do trance mundial,
foi um dos primeiros a entrar na SB e sabe muito bem sobre a necessidade da
parceria que se deve ter com o artista. “A partir do momento em que se tem um
manager, você deve confiar na expertise dele e não tentar controlar o trabalho feito.
As decisões são tomadas com sabedoria e pensamento a longo prazo, e não só por
razões financeiras. O Vitor sempre teve um plano para mim e eu nunca questionei
as decisões que foram tomadas, pois ele é muito bom nisso. Várias agências vêm e
vão porque as prioridades escolhidas são erradas”, conta.
Muitos motivos para comemorar
Consolidada no mercado, mas consciente sobre a necessidade de inovar e
se desenvolver sempre mais, é presença confirmada nos principais clubs e
festivais brasileiros, à exemplo de El Fortin, The Garden e Green Valley; além
de showcases na Clash, Deputamadre Club, Danghai, entre outros.
Com sede em Belo Horizonte, realiza eventos na cidade desde quando foi
fundada. O primeiro deles foi a Summer Edition, iniciada em 2010. A demanda
crescente propiciou a criação da Label Party, que já conta com edições nas
cidades de Campo Grande, Curitiba, Joinville, São Paulo, Porto Belo, Vitória,
e acontecerá, pela primeira vez, em Recife, no mês de maio.
O SB Trance Club, criado para divulgar o casting da agência e unir música
com futebol, também virou selo de festa. A “partida inaugural” será realizada
em junho, em São Paulo, e seu formato poderá circular por todo país. ■
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 ENTREVISTA
WE ARE CLUBBERS
Autores de uma das faixas mais esperadas do final de 2017,
“Memories”, collab com Vintage Culture, Bozito e John Patrício
são os nomes por trás do projeto Clubbers. DJs produtores e
amigos, o duo chegou ao top #10 viral Brasil do Spotify e top #2
no Beatport em menos de uma semana com este lançamento
pela Spinnin’ Records, que contou com suporte de artistas
internacionais como Martin Garrix, Dimitri Vegas & Like Mike,
EDX e Sam Feldt
Ao longo da carreira já remixaram oficialmente a banda
mineira Jota Quest, trabalharam em estúdio ao lado de Joy
Corporation, fizeram a sua própria versão, em parceria com
ANICIO, da faixa “Wild Kidz”, de RICCI e Vintage Culture — que
passou a fazer parte dos sets do próprio artista. “Get It”, “Love
to Edit” e “Marrakesh” são algumas das músicas lançadas
recentemente e que caíram no gosto do público.
Parceria que teve início quando os dois tocavam e produziam
em projetos próprios e se encontravam em eventos de música
eletrônica e festas de amigos em comum. Luiz trouxe na
bagagem referências do deep house, e John entrou com a
influência do EDM e future house. A união destas diferentes
vertentes ajudou muito no crescimento da dupla, resultando
em várias conquistas, como a presença na 13º edição do
Universo Paralello e no Só Track Boa.
Como despertou a vontade de cada um de estar na música eletrônica?
72 WWW.HOUSEMAG.COM.BR
Como despertou a vontade de cada um de estar na música eletrônica?
Bozito: Antes de ser DJ eu frequentava várias festas de música eletrônica,
pesquisava muito sobre os artistas que iam se apresentar e os lançamentos
deles. Depois fui tendo curiosidade sobre como era tocar. Baixei o virtual DJ no
computador do trabalho e ficava lá por horas tentando mixar as músicas sem ter
nenhum conhecimento sobre a técnica. Até que em 2009 enchi tanto a paciência
do DJ residente do club que eu trabalhava, que ele me ensinou a tocar.
John: Em 2008 descobri algumas rádios online e uma delas estavam recrutando
novos DJs. Me inscrevi e fui selecionado logo no primeiro set que fiz por
streaming. A galera que estava online curtiu bastante e falou super bem! Acho
que foi nesse momento que fiquei maravilhado pela profissão e decidi que faria
isso dali pra frente.
Atualmente vivem apenas da música, ou exercem alguma outra atividade?
Bozito: Hoje, graças a Deus, consigo viver somente de música, mas nem
sempre foi assim. Quando comecei a tocar trabalhava na função de produtor
de eventos e como representante de uma marca de energético. Fazia muitas
festas no Deputamadre Club, em Belo Horizonte.
John: Trabalhei durante cinco anos em um escritório comercial, até o dia em que
percebi que dividir minhas energias em duas funções, ao mesmo tempo, não estava
me ajudando a alcançar meus objetivos. Pedi demissão e fui em direção a música.
Conte-nos um pouco mais sobre o entrosamento da dupla. O quanto de cada
um é essencial tanto na hora da produção, nas gigs e na carreira em si?
Bozito: Ficamos de terça a sexta produzindo e nos finais de semana viajando
para tocar. Passamos mais tempo juntos, no estúdio que fica na minha casa, do
que com a nossa família. É praticamente um casamento (risos). Na maioria das
vezes, o John começa algo do zero na cabeça dele e depois vamos lapidando.
Com conquistas importantes ao longo da carreira, o projeto Clubbers
colhe os frutos de uma fusão bem-sucedida de diversas influências
POR Breno Loschi
Ou, então, encontro um vocal e aí decidirmos se daremos prosseguimento ou
não. Sobre a carreira, a gente planeja e discute tudo junto, mas fico mais à
frente na parte burocrática, contato com a agência e marketing.
Quem são suas maiores referências dentro da música eletrônica?
Bozito: Gosto muito do som do Chris Lake, CID, Damien e outros que nem são
tão famosos ainda. Não vou citar nomes para não roubarem minhas fontes de
pesquisas (risos). Sou bem eclético no meio da música eletrônica, escuto do
deep house até progressive trance.
John: Como vim do “EDM”, a maioria das minhas influências são de lá. Posso citar
muitos artistas nos quais me espelho, mas acho que o número um seria o Zedd.
A faixa “Memories” teve grande repercussão, tanto nas pistas quanto na
carreira do Clubbers. Como foi o processo de criação dela até chegar na
Spinnin’ Records?
Foi como o de qualquer outra música. A gente tinha um vocal e começamos a criar
algo em cima disso. Nesse dia o Igor e o Caio, que são nossos amigos, estavam
no estúdio. O Caio gravou a guitarra, depois o John criou o lead principal do drop
e por aí foi. Fizemos várias versões até chegar em uma ideia legal. Mandamos
para o Lukas Ruiz, e ele deu os ajustes finais, entrando em contato com a Spinnin’,
o que acabou proporcionando o suporte de vários nomes importantes da cena.
Mas como tiveram contato com o Vintage Culture e como ele deu suporte
para vocês?
A primeira vez que tivemos o suporte do Vintage foi em 2014, com o nosso
primeiro trabalho, que é um bootleg da faixa “Latch”, do duo Disclosure.
Mandamos o link por e-mail, sem saber se aquele endereço realmente era
o oficial. Um dia, mexendo no Instagram, vimos que estava tocando a nossa
música em todos os sets. Ficamos eufóricos com aquilo. Alguns anos se
passaram e, no final de 2016, fizemos um remix para “Wild Kidz”, com o nosso
amigo ANICIO, que caiu no gosto da galera e dele também.
Minas Gerais está cheia de bons produtores! Quais nomes têm chamado a
atenção do duo?
Aqui na terra do pão de queijo (risos) temos ótimos nomes, à exemplo de
Dubdogz, KVSH, Woo2tech, Joy Corporation, Breaking Beattz, Devochka,
Shapeless, Rrotik, Digitaria e FTAMPA. Não podemos esquecer de alguns
nomes como Sam Marques, ANICIO e Talking Dirty, que também estão vindo
com tudo. É muita gente boa!
Quais são os clubs e festivais que vocês têm mais vontade de serem
escalados?
Cada club/ festival tem suas peculiaridades, e isso é o que torna cada festa
única. Caso fosse possível, tocaríamos em todos; mas como querer não é poder,
se tivéssemos que optar entre três clubs escolheríamos Green Valley, Laroc e El
Fortin. Os três festivais seriam Lollapalooza, UMF e XXXPerience.
Quais foram os momentos mais marcante que vocês vivenciaram quando
decidiram seguir no ramo da música eletrônica?
Apesar do projeto ter pouco tempo de estrada, já tivemos vários momentos
marcantes. A primeira grande festa que tocamos com mais de 10 mil pessoas;
nossa entrada na Plus Network; e a mais aguardada de todas: a estreia na pista
principal do Green Valley, que será em julho.
Depois de um 2017 incrível, o que podemos esperar do Clubbers para 2018?
2018 vai ser de desafios para a gente. Estamos focados em criar novos sons e
buscando crescer cada dia mais na cena eletrônica. Temos algumas músicas
prontas e estamos fazendo outras novas. Já posso adiantar que a nossa collab
com o Dubdogz é uma grande aposta para esse ano. ■
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73
 ENTREVISTA

IDENTIDADE PRÓPRIA
Duo Breaking Beattz fala sobre carreira, produções e projetos atuais

POR Breno Loschi Lauro Viotti e Rafael Zocrato são os nomes por trás do Breaking Beattz. A dupla
mineira agenciada pela Plus Network, que une talento e experiência adquirida
em caminhos distintos, apresenta faixas de forte identidade própria. Com
músicas lançadas por selos relevantes mundialmente como Bunny Tiger, Mix
Feed, House of Hustle, UP Club e Elevation, o projeto tem se destacado na
cena de música eletrônica nacional, através de colaborações importantes com
Chemical Surf, Sharam Jey e outros artistas. Entre horas no estúdio de segunda
a sexta, e gigs nos finais de semana, conversamos brevemente com o duo.

Como nasceu a vontade de estarem na música eletrônica? É no estúdio que

vocês passam a maior parte do tempo?
Começamos como DJs na mesma época, por volta de 2010, e o projeto surgiu
em uma conversa informal no Club Deputamadre, numa das várias noites que já
fomos lá. Desde então, começamos a nos encontrar a fim de criar algo que fosse
a nossa identidade musical. Não temos um momento definido para o processo
criativo, mas se calcularmos o tempo de trabalho por semana passa facilmente
das 40 horas entre estúdio, gigs, redes sociais e demais compromissos.

“Don’t Stop” e “Get Low”, lançadas pela Bunny Tiger, foram duas collabs de
sucesso com a dupla Chemical Surf. De que forma elas surgiram e chegaram
até Sharam Jey?
Foi durante nossas sessões no estúdio em março e abril de 2017. Nessa
época a gente já conhecia o Luca e o Hugo, e tínhamos vontade de
desenvolver algo juntos também. Enviamos a eles algumas ideias e foram
justamente essas as que mais gostaram. Após trabalharem em cima disso,
mostraram ao Sharam Jey, que além de ter curtido, se dispôs a colaborar
em ambas. Ele deu os últimos ajustes e no fim do ano passado passamos a
tocá-las, o que nos proporcionou um salto importante na carreira.

O “Bass de Vagabundo” é um podcast surgido recentemente. Em que se

inspiraram?
Foi a partir de uma brincadeira que fizemos para explicar qual era a pegada do
nosso som: como os vocais de hip hop são bem presentes, resolvemos inventar
essa “definição”. Acontece que aos poucos a parada foi pegando e muita gente
se identificando. Aí veio a ideia do podcast para poder incluir algumas faixas
ainda não lançadas e também outras que gostamos de tocar. É um set feito pra
galera que curte nosso estilo e quer ouvir novidades em primeira mão.

Diante de um mercado cheio de novos DJs, como é feito o trabalho para se

destacar e ser original ao mesmo tempo?
Tentamos fazer um som que a pista possa curtir, mas que se distancie um pouco
do que já está rolando, pois assim podemos chamar atenção de um público
que esteja procurando algo diferente. E foi com esse objetivo que conseguimos
criar nossa identidade, e é nela que acreditamos e trabalhamos todos os dias.

Vocês já lançaram por diversos selos. Quais ainda têm vontade de assinar?
As faixas que produzimos são a mistura de muitos sons que ouvimos em
diversas gravadoras, à exemplo de CUFF, Dirtybird, Confession, This Ain’t
Bristol, Box of Cats, Night Bass..., sendo verdadeiras inspirações e referências
pra gente, fazendo com que a vontade de lançar por estas surja naturalmente.
Algumas já temos mais liberdade e abertura para enviar nossas produções e
então essa meta tem ficado mais próxima.

Qual o maior sonho de vocês e as próximas novidades?

Estar no line-up dos maiores festivais do Brasil e quem sabe também do exterior.
Lançar nossas faixas nas labels que admiramos e o mais importante: ter uma
carreira sólida e duradoura. Estamos com muitas músicas prontas para serem
lançadas e alguns novos collabs em desenvolvimento. O ano de 2018 está sendo
especial, pois vamos tocar em lugares que sempre sonhamos e outros que nem
imaginávamos que estaríamos tão cedo por lá. Fiquem ligados! ■

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 COLUNA
A MÚSICA
CURA A ALMA
Godog conta como a música passou
a ter papel principal na sua vida
POR Jennifer Didjurgeit FOTO Maik Schrank
Marcelo Godoy, ou Godog, é um artista independente paulistano que vive atualmente
na Alemanha e já se apresentou de forma orgânica em clubs como D-Edge e Vibe,
além das festas Mamba Negra e Troop. Na Europa, teve gigs nos clus londrinos
Cafe 1001, Egg e Pacha; e em Berlim, nos clássicos Club Der Visionaere, Chalet,
Hoppetosse e outros. Em muitas dessas festas, esteve ao lado de expoentes mundias
como Fred P., Ian Pooley, Bill Patrick, Audio Werner, DeWalta, Bella Sarris e Voigtmann.
Protagonismo este que, aliado também as colaborações para mídias especializadas,
justifica sua presença no segundo capítulo desta nova coluna da House Mag, que irá
apresentar a cada edição profissionais que ajudam a movimentar o cenário musical
em que estão envolvidos.
O que te fez escolher a música e sair de São Paulo?
Um senso enorme de inadequação e não pertencimento. Nestes anos fora do Brasil,
perdi o florescimento ao qual a cena se encontra hoje. Mas não foi só essa a razão
por eu ter procurado outra cidade. Meus amigos haviam parado de falar comigo por
eu ser homossexual. Entrei em depressão e foi assim que comecei a sair sozinho em
São Paulo. Não é exagero dizer que a música salvou a minha vida. Londres foi minha
primeira vivência internacional e pude estudar produção de música eletrônica.
Então qual sua relação com o Brasil? Existe algum trauma?
Existe uma ferida cicatrizada. Hoje fala-se muito em representatividade de lutas e
movimentos. Boa parte das pessoas, pelo menos nos grandes centros, tem a mente
mais aberta e receptiva. As novas gerações estão dando um baile de consciência —
é bonito de ver. Hoje a relação que tenho com minha terra natal é mais madura: me
considero um primo distante, visitando de vez em quando. Uma coisa que Brasil nos
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DJ | PRODUCER
SINGER | SONGWRITER
dá é isso: você se obriga a ser resiliente. Sou muito grato por tudo, mas entendo que
meu lugar não é aí. Boa parte do mundo vem acompanhando essas novas ideias
que estão em sintonia com a liberdade de ser e estar. Sempre enfatizo a importância
do caráter social de festas, pois são nelas que se recarrega as energias depois de
uma semana enfadonha. E quando você dança do lado dos mais diferentes tipos de
pessoas, isso cria um laço humano. Precisamos de mais disso no mundo.
Existe algo que não tenha sido contemplado nessa sua caminhada?
São meio que duas vertentes de exposição dentro da música eletrônica, principalmente
a underground: produzir festas e/ou lançar músicas. Parei de fazer festas em 2014,
porque me desgastava muito e quase nunca conseguia entregar um set bacana. Sei
que quem me contrata é porque gosta do meu som e sabe da minha pesquisa, mas
sou consciente que hoje tenho menos gigs por não ter um evento próprio.
Então, o reconhecimento que teve até hoje se deu por conta de sua pesquisa?
Com certeza. Amo techno, house, minimal, dub, electro e todo o universo ao redor.
Meu principal ponto é não ficar estigmatizado como um DJ de um único estilo. Meus COLLABS WITH:
heróis são ecléticos e vejo música sob a mesma ótica liberal que encaro a vida.
CHEMICAL SURF, BRUNOBE, SHAPELESS, DUBDOGZ
Você acha que isso talvez confunda os contratantes?
REMIXED BY:
O que aprendi nesses anos é: contexto. Pesquiso sobre a festa que vou tocar e
os artistas do line-up em que estou. Recentemente encontrei amigos de núcleos
diferentes em uma festa, e um deles falou que eu devia parar de tocar techno, na VINTAGE CULTURE, KVSH, MANDRAGORA, GUSTAVO MOTA
frente de outro (do techno), que respondeu: “Mas ele é do minimal”; o que prova que
os dois estão errados, pois toco o que achar que devo e na hora que julgar correta.
Não levanto bandeira dentro da música, pois quero ser surpreendido, arriscar e sair OUT SOON:
da zona de conforto. Acho que a galera deveria se misturar mais… Em Berlim as
CAT DEALERS, GABRIEL BONI, FELGUK, BRUNO MARTINI E OUTROS
pessoas rotacionam com maior frequência entre clubs e festas.
Alguma consideração final?
Quero deixar como pensamento que se a música cura, quero ser curandeiro também.
E é nisso que estou interessado: poder propiciar momentos de transe coletivo. Muito
obrigado pelo espaço e oportunidade. ■
JULHO/AGOSTO/SETEMBRO
MAIO/JUNHO/JULHO | 2018
2017
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 OPINIÃO
CRISE DE IDENTIDADE
Precisamos falar sobre o “pós-EDM”!
POR Lucas Arnaud
Tem sido difícil definir quais estilos musicais atualmente compõem o movimento
que passamos a conhecer por “EDM”. A isto, me refiro a um conjunto de vertentes
da dance music — a exemplo do electro, big room e progressive, dentro do gênero
house — que se tornaram amplamente populares no mundo, tendo gerado todo um
mercado de crescimento explosivo desde o final da década passada. Em paralelo
os eventos se expandiram, cativaram um maior número de fãs, agregaram valor; no
entanto tornaram mais inflado e irrealista o cachê dos maiores artistas envolvidos.
Após o “boom” (entre 2011-2014), chegou-se em uma fase na qual notava-se
esgotamento da repetição dessas fórmulas musicais.
Começou-se a discutir, já no final de 2014, o EDM como uma bolha econômica —
que se tornaria inviável do ponto de vista financeiro. Notícias como a falência da
SFX (empresa responsável pelo Tomorrowland na época) e a venda da Spinnin’
Records para a Warner, em agosto de 2017, validavamesta visão. Apesar disso, a
esperada “explosão da bolha” acabou por nunca ocorrer, e os grandes festivais
continuam firmes e fortes. Mas houve um custo: para minimizar danos econômicos
e gerar menor dependência dos restritos estilos que o compunham, produtores,
gravadoras e empresários precisaram mudar de estratégia, investindo em uma
maior diversidade sonora.
E foi nesse contexto que surgiu o “pós-EDM”, termo criado numa postagem do
artista A-Trak, em 2014, em que ele alerta sobre a saturação e a necessidade de um
renascimento criativo na cena. Ele foi preciso na análise: não bastaria a produção e
reprodução de poucos estilos, o contexto pedia diversidade e maturidade musical.
Em 2016-2017, festivais como o Tomorrowland quebraram a hegemonia até então
dominante, confirmando artistas de techno e trance clássico em horários nobres
do palco principal. Warner reformula a Spinnin’ — que antes tinha claro enfoque
no electro/ bigroom/ “progressive” e passa a sons diversos como bass music e
hip-hop. Muitos trocaram sonoridades saturadas por novas vertentes (Alesso foi um
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dos nomes mais expressivos do “progressive house”, mas hoje admite que o deixou
de lado para focar no pop-music). Outros, como Porter Robinson (no projeto Virtual
Self), adotaram produções musicalmente maduras, procurando autenticidade
estilística. Portanto, não há mais hegemonia de poucos estilos, surgindo uma nova
realidade na qual várias vertentes coexistem no mainstream da música eletrônica.
Em 2017-2018, começam a se tornar comuns críticas à falta de foco estilístico e aos
nomes que renegaram as próprias raízes. Alesso chegou a bater boca com um fã
que ridicularizou suas produções atuais. Já Tiesto afirmou numa entrevista que não
está satisfeito com a cena e que se deveria “voltar ao básico”, referindo-se aos DJs
que “fugiram” para o pop. Porter Robison opinou também: “artistas deixaram de ser
ousados e apaixonados desde a convergência do EDM com o pop”. E Calvin Harris
anunciou que iria voltar a produzir house music nos tradicionais 128 BPMs. O que
isso tudo nos diz?
Pode-se dizer que, talvez, já se forma embriológicamente uma mentalidade “pós-
pós-EDM”, na qual fãs clamam pela volta da identidade tradicional da dance music
e maior fidedignidade dos artistas a suas origens. E fala a favor disso o retorno
do Swedish House Mafia, que parece estar novamente comprometido com o
“progressive house” mainstream — ao mesmo tempo em que o palco principal do
Tomorrowland 2018 volta a priorizar bigroom/ electro/ prog, se comparado com a
edição de 2017; e a Spinnin’ a lançar estilos aos velhos moldes, com artistas como
Ummet Ozcan produzindo bigroom.
O fato é que o movimento permanece numa crise de identidade. Enquanto muitos
procuram novas referências, outros, como Porter Robinson e A-trak, já mataram a
charada: o futuro do dance music mainstream pertence a aqueles que produzem
o que amam, livres das amarras criativas e dos estigmas que uma defasada, falha
e imprecisa nomenclatura possa gerar. Por fim, cabe a nós responder: “Estamos
entrando em um capítulo pós-EDM?” ■
 ENTREVISTA
EM PLENO VAPOR
POR Gabriela Loschi
Após três horas de set houseado e caloroso em pleno verão brasileiro,
apimentado pelo ritmo latino que tanto enriquece seu estilo, o ambiente foi
tomado inesperadamente por uma das batidas mais famosas da história da
dance music. Nenhum dos corpos suados naquela bela noite de janeiro, em
Florianópolis, esperava uma virada dessas. Ao final de 180 minutos de frenesi, a
pista voltou para 1999 explodindo em saltos e gritos: “Superstar DJs, here we go”.
Ser um DJ com mais de 20 anos de carreira, responsável por ajudar a construir
uma das cenas mais sólidas do nosso continente, a chilena, embaixador de Ibiza
e dono de um selo extremamente respeitado no universo da música eletrônica,
Cadenza Music, ajuda a ter o feeling de pista necessário para saber o momento
preciso de encaixar — no caso encerrar — com a clássica das clássicas do
Chemical Brothers, e ainda assim surpreender, sem cair em clichê, fazendo todos
descarregarem com prazer o resíduo de energia restante.
Três horas antes da pista do Terraza se embebedar com o jeito Luciano de
discotecar, estávamos com ele no camarim (que chegou em cima da hora, devido
a um engarrafamento) batendo um papo de 10 minutos, que se transformou na
entrevista que você lê a seguir:
Você foi capa da House Mag há oito anos e comentou na ocasião que a cena
brasileira era interessante, porém pequena e sem muitas coisas acontecendo.
Quais as suas impressões daqui hoje em dia?
Fui embora em 2000 e me desconectei da cena aqui. Mas mantenho contato
com artistas novos que me atualizam. A primeira vez que vim ao Brasil acho
que já faz 17 anos, então claro que nesse tempo a cena cresceu absurdamente,
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amadureceu, a música se tornou mais popular, tem mais lugares e DJs. Adoro vir
para América do Sul. É um dos lugares que mais gosto de visitar e me sinto em
casa, porque amo as pessoas, a vibe, várias coisas acontecendo, after-parties,
novos artistas. Na Europa existem diversas regras: não pode fazer isso e aquilo...
aqui sinto que existe muito mais liberdade.
Por que sente que aqui tem mais liberdade que na Europa?
Por exemplo: é possível acessar mais lugares pra fazer festas. Tenho amigos
no Chile fazendo afters nas florestas, e nada atrapalha. Ibiza era assim 20
anos atrás. Você podia ir nas praias e fazer algo especial pras pessoas; mas
agora é impossível, pois existem muitas regras. Claro, quando há liberdade, há
criatividade. A liberdade cria a criatividade, novos artistas, etc...
E nesse sentido, Ibiza ainda está te inspirando? A cidade faz parte de um grande
papel na sua carreira...
Tudo o que já fiz e faço é importante, ao meu ver. Minha missão na vida é fazer
música, entreter e levar boas vibes para as pessoas. Seja num club pequeno
ou grande festival, a importância é a mesma. Não dá pra lutar com o tempo, as
coisas mudam, é a evolução... Realmente estou mais velho (risos) e essa é a única
mudança. De resto são novas pessoas vindo pra ilha, e é isso.
Você foi uma peça importante para o desenvolvimento da cena chilena, no início
dos anos 90, e me lembro de uma afirmação sua antiga de que não havia tanto
apoio aos artistas locais quanto para os internacionais que iam tocar lá. E hoje, isso
mudou? É algo que melhorou da forma que esperava ou queria?
Acho que é a mesma coisa que acontece com o Brasil: ninguém é o profeta
Em passagem recente pelo Brasil, Luciano nos concedeu uma entrevista
exclusiva em que compartilhou sua visão sobre a cena na América Latina
de sua própria terra. Precisei ir embora do Chile para me acharem bom. Saía,
tinham muitos artistas ótimos, mas vinha alguém de fora e davam mais valor. Isso
é uma bobagem, pois talento nada tem a ver com a bandeira que você carrega.
Sei que ainda é difícil e tem muita luta, mas meus amigos de lá reclamam que
ninguém os reconhece. Não posso dizer com propriedade, porém é o que ouço.
Quando começamos a música eletrônica no país não havia nada: nós criamos a
cena e essa era a motivação. Não éramos movidos por reconhecimento, e sim por
criar algo novo. Hoje tem muita coisa acontecendo e a galera não percebe que
nem sempre foi assim. Tem redes de pessoas criando festas em diferentes lugares.
Naquela época, quando fui tocar música eletrônica pela primeira vez em uma cidade
no norte do país, cheguei no club e o dono me deu o fone de ouvido, um microfone
e disse: “Você vai tocar aqui hoje e convidar as pessoas para uma cerveja. Vou te
dar uns ingressos para vender”. Pensei: “tá louco?!” Acho que ele não entende o que
faço. Me expulsaram e fiquei sentado na parte de fora, num deserto. Precisei olhar
onde passava ônibus para poder voltar... Então existe uma grande distância entre o
que rolava e o que está acontecendo agora. Acredito que é uma questão de tempo.
Quando começou a criar a cena chilena, o sentimento foi parecido de quando criou
a Cadenza, há 15 anos?
Sim. Na verdade, nós nunca pensamos em criar um label. Minha irmã é designer
gráfica, estava terminando os estudos no Chile e precisava fazer a monografia.
Disse pra ela: faço a música e o vinil, aí você trabalha na capa e apresenta o
projeto. Logo que saiu a primeira faixa muitas pessoas queriam saber e ouvir
mais. Houve um alvoroço! Não conhecíamos sobre finanças, pagamentos,
contratos..., mas assim que começou.
Você sempre apoiou muito novos artistas. Que tipo busca hoje para o seu selo?
Nós precisamos de pessoas e de música que tenham um brilho especial. Procuramos
quem tem a música como o próprio universo. Pessoas que não estão tentando ser
como a gente é, como eu sou, mas que estão sendo quem eles são.
Seu destaque, tanto pelas produções como pela discotecagem, sempre foi algo
latente. Qual dos dois formatos te traz mais satisfação?
Separo muito bem essas duas coisas e tento fazer melhor as duas partes. Para
mim DJing é uma grande conversa com as pessoas. É um momento coletivo, uma
conexão com os outros. Já quando produzo música, faço pra mim. Coisas que gosto,
não necessariamente dance music. Pode ser música ambiente, leve ou de diferentes
gêneros. Faço o que realmente quero fazer e sou bem egoísta nesse sentido.
Nesses anos todos, o que te deixa mais irritado na cena?
Na verdade, é o fato de essa nova geração não ter tanto respeito, pois antigamente
existia algo muito aguçado e sério. Por exemplo, meus mentores são os veteranos
de Detroit e Chicago. Antes poderia levar anos para termos oportunidade de tocar
com eles, sendo um grande momento na carreira de qualquer artista. Hoje a cena é
tão rápida. Às vezes vejo alguém que acabou de surgir e em menos de dois anos já
está viajando de jatinho. Acho que se perderam os valores um pouco, e outras coisas
estão se tornando mais importantes do que realmente fazer música.
Por último... temos tempo para mais uma pergunta? O que vem pela frente?
Estou produzindo um novo álbum, que será lançado em breve... * Infelizmente ele
precisou sair para tocar, pois já estávamos além do limite do horário. Ficamos curiosos
sobre o novo álbum, e aguardamos ansiosos! ■
MAIO/JUNHO/JULHO | 2018
81
 MERCADO
BRMC 10ª EDIÇÃO
Realizada desde 2009, a maior conferência sobre música eletrônica da América
Latina segue proporcionando um meio para a discussão de temas importantes
POR Lucas Portilho de Faria Cunha FOTOS Ebraim Martini
O objetivo de uma conferência é propor, durante um
tempo específico, a discussão de diversos temas.
Atividades como palestras, workshops e cursos são
oferecidos no intuito de aproximar o público com o tema
central do evento. O Brazil Music Conference, antigo
RMC, é focado na discussão e aprofundamento do
mercado e da cultura da música eletrônica. Organizado
desde 2009, é considerado como o principal e o maior
encontro que abrange este nicho na América Latina.
Paralelo a conferência, o Rio Music Carnival também
possui destaque como um dos eventos brasileiros
mais importantes. Voltado ao entretenimento, o festival
reúne fãs da música eletrônica na época de maior
efervescência nacional: o Carnaval. Agregando artistas
renomados do mundo todo, já apresentou David
Guetta, Gui Boratto, Pete Tong, Armin van Buuren, Erick
Murillo, Steve Angello, Tocadisco, entre muitos outros.
82 WWW.HOUSEMAG.COM.BR
O RMC foi criado com o objetivo de oferecer ao
público sete dias de workshops e feira de negócios.
Com sede no Rio de Janeiro, sua realização se deu
em um dos pontos mais icônicos da capital carioca:
o galpão Marina da Glória. Estandes e atividades de
lazer permitiram que o evento tomasse fôlego, com
temas como a “Revolução Digital: da queda do Vinil
à ascensão do MP3” e o workshop de discotecagem
com, DJ Marky, estrearam o evento com maestria.
Após o sucesso da primeira edição, o RMC criou
o conceito de duas atividades principais: a “The
Conference” (formato principal, com workshops,
palestras e cursos) e “The Music” (reunindo grandes
atrações internacionais em um mesmo festival).
Reafirmando-se como um encontro de referência
global, a segunda edição contou com a apresentação
do maior torneio de scratching do mundo: o DMC.
Com o objetivo de transformar o Rio de Janeiro na
capital da música eletrônica, foi organizado durante o
Carnaval de 2011 um festival que atraiu mais de 25 mil
pessoas. Movimentando cerca de R$ 20 milhões em
dois dias, a Conferência, naquele ano, também bateu
recorde de público: cinco mil pessoas. Além disto, a
curadoria artística aprimorou o conceito apresentando
dois palcos que reuniram Booka Shade, Trentemoller,
Kaskade, Fatboy Slim e o b2b dos DJs Marky e
Murphy. Expandindo o evento em outros centros
urbanos, “Road Shows” levou a marca para diversas
capitais: Belo Horizonte, Curitiba, Florianópolis,
Fortaleza, Ribeirão Preto e São Paulo.
Ampliando a área de atuação, em 2012 a duração foi
estendida para doze dias repletos de atividades. Com
mais de 60 atrações e sete noites de festa, representou
um marco na história do evento com o lançamento
do Anuário RMC: uma publicação que visa discutir e
abordar o universo da música eletrônica através de
entrevistas, matérias especiais e um compilado de
dados sobre o mercado. Um dos destaques dessa
estreia foi a “invasão” de festivais internacionais em
território brasileiro. Outra novidade foi o lançamento
do “Prêmio RMC”, a fim de reconhecer o trabalho
realizado por profissionais de 16 categorias.
Devido o aumento da proporção do evento, é
decidido fracionar a “The Conference” e “The Music”
em espaços distintos: sendo as discussões sobre o
mercado, tecnologia e inovação realizadas no Hotel
Pestana (Copacabana); e o festival permanecendo
na icônica Mariana da Glória. Mais profissionais
internacionais são convidados exigindo, assim,
maior responsabilidade dos organizadores. Em 2013,
inaugura-se o Club Week: uma semana de atividades
em casas noturnas cariocas para apresentar ao
público o melhor do universo da música eletrônica.
Já estabelecida, em 2014 recebe, pela primeira
vez, a AFEM: uma associação internacional sem
fins lucrativos criada para representar os interesses
comuns das companhias e indivíduos que investem,
advogam e aplicam a boa prática no mercado.
Neste mesmo ano, mais de 30 estabelecimentos
participaram do Club Week, oferecendo para o
público 150 festas e cerca de 600 atrações musicais.
Para inaugurar as atividades daquele ano, aconteceu
o Boiler Room Live from RMC, no Morro do Vidigal.
No ápice da “EDM” mundial, em 2015, é lançado o RMC
Colab: um projeto que leva a música eletrônica para
instituições periféricas do Rio de Janeiro. Atraindo mais
de 40 mil pessoas a Marina da Glória, nomes como
Afrojack, Dimitri Vegas & Like Mike e outros artistas
internacionais se apresentam ao longo de 14 dias.
Em 2016, o evento foi marcado com a mudança de
sede: do Hotel Pestana para o Museu de Arte do Rio e
Museu do Amanhã. Com três dias de atividades e 1500
pessoas participando de painéis, teve como destaque
a discussão da valorização da música eletrônica
produzida nacionalmente. Além da edição principal,
as regionais tiveram modificações: a de Curitiba virou
RMC Brasil e a de São Paulo se tornou América Latina.
Em 2017 a conferência foi dividida em três cidades:
Curitiba, São Paulo e Rio de Janeiro, reunindo
novamente cerca de 1500 participantes e dezenas de
convidados que discutiram temas como: “How to Talk
Milennial” (painel que tratou formas de se comunicar
com o público da geração Y); “The Future Of Clubbing”
(uma conversa sobre o status da cultura clubber em
nível internacional); e “A música eletrônica além das
pistas — powered by Austro” (abordando a questão
das plataformas de streaming para a proliferação de
produtos artísticos fora da pista de dança).
BRMC #10
Comemorando a décima edição, a
conferência se reinventou em todos os
aspectos. Através de uma série de ações,
dentre elas, a renovação da identidade
visual, se reafirma como a maior da
América Latina. Segundo Bruna Calegari,
da agência Hot Content (empresa por
trás do marketing do evento), “BRMC é
a separação final entre a conferência e o
festival Rio Music Carnival, que acontece
na Marina da Glória. Sempre foi um grande
objetivo de comunicação da marca, e
finalmente com isso tornou-se possível
esclarecer o que é cada uma para os
respectivos públicos”, afirma.
Para 2018, um super Anuário foi preparado.
Focado nas tendências e inovações do
mercado da música eletrônica e outros
gêneros conectados, Calegari aponta
uma linha do tempo especial relembrando
os melhores momentos do BRMC como
um dos conteúdos desta publicação.
Além disso, mais de 400 marcas estarão
envolvidas e serão distribuídas em painéis,
workshops, cursos e feira de negócios.
Questionada sobre a comunicação
com o público, ela explica: “o BRMC é
uma plataforma que existe por e para o
mercado, retroalimentando o que está
acontecendo no presente, reunindo
visões distintas que podem apontar para
possíveis cenários futuros. Desde que
trabalho com a marca, em 2013, nunca
tantos públicos foram contemplados.
Aglutinar e trabalhar isso é um desafio,
mas infinitamente mais interessante do
que há cinco anos, quando tínhamos um
mercado menor e mais fechado.” ■
MAIO/JUNHO/JULHO | 2018
83
 ENTREVISTA
PRESENTE
E FUTURO
Claudio R. Miranda F, cofundador do
BRMC, fala das novidades dessa edição
Quais foram as inovações que a marca trouxe para o mercado nestes 9 anos?
A principal missão da nossa plataforma é de, no continente Latino Americano,
oferecer o ambiente ideal para trocas de informações, geração de novos
negócios, colaborações no mercado da dance music e do entretenimento ao
vivo. Acredito que muitas comunidades de valor na cadeia produtiva da música
e do showbusiness se fortaleceram e prosperaram ao longo destes nove anos
e tiveram no BRMC um aliado e agente impulsionador nas estratégias de
negócios e amadurecimento comercial.
Como foi a transição comercial, estratégica e criativa entre RMC e BRMC?
Sob a perspectiva comercial, penso que a formalidade dos negócios nas áreas
criativas evoluiu muito nos últimos anos, mas ainda há um nível de informalidade
grande em alguns setores, empresas e profissionais. Existir um encontro de
negócios no país, que reúna as principais marcas e os conteúdos do mercado,
acaba por ser uma oportunidade para representantes, profissionais e executivos se
apresentarem, buscarem novos negócios, atualizarem-se e desenvolverem formas
inovadoras para comunicar-se neste ambiente. Na parte criativa, a nova marca foi
concebida pela Diretora de Arte Leila Fittipaldi, a mesma que criou o design do RMC
e vem nos acompanhando, desde 2009. Já o key visual e campanha é liderada
pela agência Hot Content, da Bruna Calegari e João Anzolin. Estou muito satisfeito!
84 WWW.HOUSEMAG.COM.BR
Além da questão logística, de que forma o BRMC se identifica com São Paulo?
São Paulo é o maior centro de negócios do continente e local do maior PIB na
economia da música no Brasil, contando com uma cultura de dance music rica, com
história e significado. O clima urbano, de megalópole, é atraente para os clubs e
também para o estabelecimento dos festivais. Buscamos com esse movimento
nos aproximar ainda mais de outros países Latino-Americanos que são potenciais
impulsionadores de ecossistemas e negócios locais.
Em 2017 as principais conferências pegaram firme com relação a igualdade de
gêneros. De que maneira o BRMC aplicou isso sobre a programação deste ano na
escalação de artistas e profissionais para apresentações e palestras?
Em 2018 a programação contemplará mais de 100 conteúdos e é formada por seis
seminários, em que as abordagens, temas e convidados de cada atividade são
desdobradas e se conectam, seja direta ou transversalmente. São estes: Somos
Latinoamerica, Music + Brands, Future Forum, Trending Topics, ShowBusiness e
Art In Sound. O trabalho de compilação e coordenação é realizado por um time de
curadores e colaboradores do mercado, liderados pelo Gary Smith, Leo Janeiro e
Maurício Soares. Penso que a questão de gêneros na música eletrônica, assim como
própria atuação cultural deste meio, os movimentos políticos ou os temas nacionais
são assuntos, com mais ou menos foco, tratados no BRMC. Nas últimas duas edições
tivemos painéis com esse tema especificamente, e repetiremos a dose nesta também.
É um assunto que, por necessitar de um equilíbrio maior em toda a sociedade, precisa
ser discutido para que diversos caminhos se formem e se apresentem.
TASIA
A música eletrônica é extramamente abrangente. Quais atividades foram
N
0 7 SET 2018 A
desenvolvidas para os que apreciam diversas vertentes dentro desse gênero?
À F
Acredito que a diversidade encontrada dentro do ambiente da música
FES TA
eletrônica é o que a deixa mais atraente e estabelecida como o grande “guarda-
chuva” da indústria da música atualmente. É claro que há enormes diferenças,
principalmente sob o ponto de vista comportamental e perfil de consumidor
de cada uma destas cenas. E isso é interessante para se discutir e trocar
experiências, pois há um rico viés cultural, ideológico e filosófico existente
ao fazermos uma imersão em cada uma delas. Mas existe também os pontos
em comum, a criação de modelos de negócio, operação, estratégia e outras
análises empresariais, que são comuns ao mercado como um todo. ■
MAIO/JUNHO/JULHO | 2018
85
 REVIEWS
LANÇAMENTOS
HM RECORDS, HOUSE MACHINE, TIMELESS MOMENT
ZAC
MOONLIGHT
O ano de 2018 já começou a todo vapor para o DJ produtor ZAC ao receber três
suportes seguidos de Hernan Cattaneo. Para o EP Moonlight demonstra algumas de
suas características no estúdio, com a faixa-título seguindo uma linha obscura, com
um baixo marcante e percussões precisas; enquanto “Astronomy” é conduzida por
uma harmonia precisa no bass line entre atmosferas inebriantes e arpegios hipnóticos.
HIPPOCOON
WHAT YOU GOT?
Através de uma sequência de lançamentos de alta qualidade e um feedback de pista
bastante expressivo, o Hippocoon começa o ano com quatro ótimas faixas originais
de tech house que apresentam muita atitude e personalidade. O EP intitulado What
You Got?, lançado pela House Machine, traz quentíssimas linhas de baixo, envoltas
ao groove percussivo e dinâmico característico da dupla. Vale conferir!
UNCLOAK
TERRAFIRME
Formado pelo casal de produtores Tiago Lima e Cris Fernandes, o duo Uncloak
lança o primeiro EP solo pela Timeless Moment. Terrafirme começa com a hipnótica
“Gayatheia”, seguida dos fortes tambores de techno que ecoam com poder em
“Cratos” e das harmonias complexas e emocionantes da faixa-título. Logo após a
estreia, alcançou o top 16 álbuns de techno e top 6 de progressive house no Beatport.
EPS NACIONAIS
BINARYH
ÉOLO - PT 1
STEYOYOKE BLACK
O duo paulista Binaryh sempre apresenta um conceito diferente e criativo em seus
lançamentos — e com o próximo não será diferente. Éolo é uma ode ao guardião
grego dos Quatro Grandes Ventos e as duas faixas deste EP traduzem exatamente
as personalidades específicas dos ventos que lhes dão nome. “Noto” é a música que
representa o vento sul: quente e formador de nuvens; já “Bóreas” é enérgica e com
timbres marcantes. Éolo - pt 1 será lançado na primeira quinzena de julho.
86 WWW.HOUSEMAG.COM.BR
POR Danilo Morttagua e Iael Meyer
ELLIE KLOTZ
TAKING IT
Ellie Klotz vem ganhando destaque em apresentações por clubs como Green Valley,
Belvedere, Laroc, El Fortin, Matahari entre outros. Este ano a jovem pretende se
destacar também no estúdio, com uma agenda de lançamentos construídos após
intenso período de estudos na arte da produção musical. A primeira faixa deste novo
ciclo se chama “Taking It”, uma colaboração com 2owl lançada pela HM Records.
DAMAZIO
TUNES
Lucas Damazio é produtor há sete anos e tem buscado aplicar os conhecimentos
adquiridos em um projeto que passeia entre o tech house e o techno em suas
apresentações. O mais novo EP da carreira, Tunes, conta com as músicas “Fall” e
“Stakes”, em que ambas possuem um bassline constante, acompanhado de efeitos
e sintetizadores analógicos — claramente produzidas para a pista de dança.
SONIC FUTURE
ONDULANTE
Sonic Future conquistou grande notoriedade quando o hit “Regrets” recebeu o
renomado prêmio RMC como melhor faixa do ano. Para Ondulante, seus synths
característicos e o sound design impecável estão presentes. A trilha homônima conta
com um riff principal cativante embreado em atmosferas suaves e percussões precisas.
Já “Sinuoso” é um techno com drop ideal para momentos de explosão na pista.
COLORS SOUND SYSTEM
THE ADVENTURES
OF PAINTER JOE
EKORD
A dupla Jota Wagner e Captain Wander, mais conhecidos pelo projeto Colors Sound
System, chegou com tudo em 2018 trazendo o novo EP The Adventures Of Painter Joe.
Lançado pelo EKORD, selo do núcleo EKONCEPT, traz quatro músicas com grandes
influências de house misturadas a referências de funk e afro-house. A sonoridade
orgânica e percussiva das composições fica evidente na versão original da faixa “The
Groove Path”, que conta com um baixo cheio de slaps e muito suíngue.
GABRIEL MORAES
MEND
NIN92WO
Mend é um dos EPs mais importantes da Nin92wo. Com quatro faixas originais, “Kiev”
abre os trabalhos e é fruto de uma colaboração com o produtor francês Rafael Cerato.
“Holz” possui um kick mais denso e elementos distorcidos que o acompanham em
seu desenvolvimento. Já “Cycles” tem uma construção mais uniforme, sem grandes
picos ou surpresas. “Toro” finaliza com uma atmosfera mais melódica e progressiva.
Somadas, as características desse release espelham o que há de melhor nos artistas
envolvidos. Alan Medeiros
MUMBAATA
SON OF A GANDHY
BLACKYARD
A dupla formada por Lennox Hortale e Pedro Poyarte vive um momento intenso após
releases de destaque. A identidade sonora do novo trabalho faz referência a cultura
do Afoxé, ritmo que se tornou um alicerce nessa construção e que conta a história dos
filhos de Gandhy, um dos grupos de maior renome na Bahia. A faixa-título traz uma
percussão trabalhada entre o groove do atabaque, agbê e cabasas, que se intercalam
com os beats eletrônicos da 808 e 909 — clássicos da linha TR da Roland. As ótimas
interpretações de Monobloq e Fractal Mood completam o EP. Maikon Willian
VAS NACIONAIS E EPS INTERNACIONAIS
MILLIDIU, LUC VAARIN,
PEDRO FLORIANI E
RAFAEL TEIXEIRA
HARMONIZED SERIES 001
DECK 1264
Tornado possível através do financiamento coletivo na plataforma Qrates, o EP
Harmonized Series 001 será prensado levando o nome do selo baseado em
Florianópolis. Além de quatro faixas dos produtores brasileiros, ainda conta com
uma inédita do romeno Sebastian Eric, intitulada “Vicii”. Neste trabalho encontramos
desde o minimal house, com vocais que nos tele transportam a uma Chicago de nova
roupagem, passando por elementos de jazz, dub e deep house, até o minimal techno
com kicks secos e atmosferas sombrias. Uma viagem que vale a pena. Carolina BW
TOM TRAGO
BERGEN
DEKMANTEL
Tom Trago já se tornou uma figura frequente e querida nas pistas brasileiras. Sendo
um artista conhecido do público local após aparições memoráveis no D-Edge, em um
aniversário da Gop Tun e na primeira edição local do selo que abriga este álbum; salvo
engano, é o mais completo e brilhante de sua carreira: em que cada faixa possui uma
narrativa própria e encontra lugar em todo tipo de set. O resultado final nos faz pensar
no quanto ele deve curtir essa cidade ou no que já deve ter aprontado por lá, pois um
tributo desses é algo que não aparece todo dia. Chico Cornejo
WILIAN KRAUPP
GRAVITY
URBAN SOUL
Wilian Kraupp chega ao segundo lançamento em 2018 com o EP Gravity,
pela Urban Soul. A faixa que leva o título do trabalho transita entre techno com
pitadas progressivas, sendo ideal para warm up. “Injured Physically” carrega um
olhar dramático nos elementos, sendo levada por um ritmo intenso de baterias e
baixo curto. “Submission” é talvez a obra que tem mais peso dentro de todos os
lançamentos do artista, com um olhar obscuro e toques de imersão, ideal para a
fase mais aguda da noite. Jonas Fachi
SEMPER VOLT
LEVE
LOW TONE
Em uma interseção na qual coisas improváveis se encontram, este obscuro projeto
paulistano encontrou seu lugar e criou um mundo de possibilidades musicais
bem singular. Semper Volt é a criação de um veterano da música eletrônica que
já fez parte de inúmeros movimentos e agora se encontra livre para experimentar
manipulações rítmicas, contorcionismos melódicos senso de construção refinado. O
resultado é uma coleção de faixas que dialogam com o pop, mas sem abandonar os
fluxos de energia que orientam a música dançante da melhor estirpe. Chico Cornejo
VA
COCADA
GET PHYSICAL
Com uma capa híbrida entre o surrealismo e tropicália, Cocada — projeto do Leo
Janeiro com a Get Physical — teve a participação de quinze artistas para criar uma
mistura tão miscigenada quanto o Brasil em subgêneros da dance music. Destaques
para “BR-116” (colaboração de Mumbaata e Salata), com uma sobreposição de
ritmos que confunde e excita ao mesmo tempo; “10PM”, de Rodrigo Ferrari, é um
sucesso nos top 100 de deep tech do Beatport; e “Blaze”, de Leo e Mumbaata, foi
charteada por ninguém menos que Guy J. Merece nossa atenção! Alan Medeiros
SASHA, DEMS, MICHAEL
MAYER, THEO KOTTIS
TRUE - THE REMIXES
LATE NIGHT TALES
Lançada em março, a faixa “True” de Sasha foi uma das obras inéditas apresentadas
durante seu concerto eletrônico Re-Fracted. O destaque fica para a reinterpretação de
Mayer, em que o arranjo da espaço para toques marcantes de bateria. Os elementos
centrais demoram a aparecer até deixar um sintetizador progressivo emergir ao lado
de toques nos acordes e tons emotivos no vocal. O produtor alemão mostra sua
singularidade no estúdio enquanto retribui a altura a parceria com o lendário DJ inglês
iniciada em 2016, após o sucesso de “Out of Time” pela Kompakt. Jonas Fachi
MAIO/JUNHO/JULHO | 2018
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 ÁLBUNS
PAULO FOLTZ
PINEAL CONNECTION
PRISMA TECHNO
Apresentando um caráter autêntico e sólido, Paulo Foltz lança seu primeiro álbum
pela Prisma Techno. Depois de muito explorar e aperfeiçoar os fundamentos
de sua base musical, todo o esforço e dedicação é consolidado em Pineal
Connection. Com uma abordagem introspectiva e profunda através de synths
marcantes, pads atmosféricos, envolvidos por uma bateria espacial, o ouvinte é
levado a uma autêntica viagem sonora, transitando entre as diferentes dimensões
da natureza. A linguagem enfatiza a verdadeira conexão que existe entre música e
alma que ocorre por meio da glândula pineal, muito conhecida por ser o “o assento
da consciência”, onde ocorre a comunicação de nosso ser interno e o corpo físico.
Algo que resulta numa conversa silenciosa em que apenas sentimos como as
melodias ressoam em nosso interior. Leonardo Wallau
L_CIO
POEMA
D.O.C. RECORDS
Poema é o primeiro álbum de L_cio pela D.O.C. Records (sublabel da Kompakt),
que explora ao longo das oito faixas nuances distintas em sua obra — em um
panorama de seus 12 anos de carreira. Traz um balanço ideal entre peso e leveza,
texturas e ritmos e a marca já consagrada do artista: a flauta está presente e
serve como portal ao transe. “Paqe” conta com uma linda percussão orgânica
e claves acentuados marcando forte, numa quase bossa-nova eletrônica, com
colaboração de Gui Boratto na linha de baixo. Já “Canto”, “Forte” e “Avante”
são mais longas, ideais para os DJs. Como a bonanza vem após a tempestade,
“Poema” traz uma brisa leve e toca aos ouvidos como poesia; já “Canto2” tem
órgão e delays que te fazem viajar. Ao todo, uma linda obra para ser apreciada.
Marcelo Godoy
NILS FRAHM
ALL MELODY
ERASED TAPES
Nils Frahm é um músico alemão que se tornou um dos principais artistas desta
década por sua peculiar combinação entre música clássica e eletrônica, misturando
pianos, drum machines e sintetizadores em composições belas e intensas. No início
de 2018 ele lançou o nono álbum solo intitulado All Melody, que apresenta uma
proposta estética até então pouco explorada nos trabalhos anteriores, marcado
pelo uso de coros e uma diversidade maior de atmosferas eletrônicas. A obra é
melhor entendida se apreciada na íntegra, mas algumas faixas destacam-se: “My
Friend The Forest”, por sua linda história contada pelo piano; “Human Range”, pela
surpreendente construção; e “All Melody”, peça fundamental de apresentações
recentes de Frahm — que dá nome ao lançamento e era aguardada pelos fãs.
Mohamad H. Neto
88 WWW.HOUSEMAG.COM.BR
ZOPELAR
STEPPING STONE TO
THE FUTURE OF SPACE
EXPLORATION
IN THEIR FEELINGS
Após um ano dos mais agitados em todas as suas frentes de atuação criativa,
Pedro Zopelar não mostra sinal algum de que vá diminuir o passo incessante de
novidades que marcou esse período. E este álbum segue seu movimento geral
de crescimento e aprimoramento, já que é o primeiro ser lançado pela In Their
Feelings, selo que comanda em conjunto com Davis e Marcio Vermelho, é um
dos mais completos documentos de seu desenvolvimento artístico. Cada faixa
carrega aquele cuidado artesanal na criação de elementos e a inventividade
que até aqui caracterizaram seu trabalho, mas com a precisão e imaginação
que a experiência permite extravasar numa narrativa coesa, resultando em algo
tão simples no refinamento que emprega quanto primoroso no sentimento que
envolve. Chico Cornejo
OLIVER SCHORIES
BLITZBAHN
SOSO
Seja atrás dos toca-discos ou no estúdio, a mente criativa de Oliver Schories
é responsável por grandes feitos. O exemplo mais recente é Blitzbahn, albúm
lançado no início de março em sua label SOSO. Composto por 13 faixas que
juntas se tornam uma série de frequências dançantes, traz junto sintetizadores
barulhentos, além de graves agressivos e ásperos. “Fakir”, a primeira faixa,
apresenta tons dançantes e sons recheados de personalidade. Destaque
também para “lvre”, com sons escursos perfeitos para se perder de olhos
fechados numa noite sem fim, “Magnolia” não deixa nada a desejar criando um
espectro de mistério e sonoridades árabes — ouso dizer até um pouco espiritual.
Um trabalho honesto para não me repetir no “bem produzido” de um artista que
não cansa de ficar no topo . Fernanda Mello
GRANT
PERCEPTION
DUKE’S DISTRIBUTION
No final de 2017, o produtor norte-americano Grant lançou o terceiro álbum da
carreira. Perception apresenta o seu amadurecimento musical em plenitude, ao
misturar deep house com texturas de lo-fi e break beats. Tendo releases desde 2014
por selos como Lobster Theremin, Mork e Temporary State, além de coprodutor de
diversos álbuns e fundador de sua própria gravadora, trabalha ao contrário da nossa
era, em que muitos artistas chegam a extrapolar os limites da promoção pessoal.
Com pouco material sobre ele disponível nas redes virtuais, é adepto do “low
profile”, mas se firma fisicamente a cada disco lançado como um dos musicistas mais
promissores do cenário eletrônico atual. Grant é um nome para ficar atento, sendo
este um trabalho para se ouvir com extrema atenção e apreciado por diversas vezes.
Paulo Pires
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89
 Green Festival
O dia 6 de janeiro foi especial para quem passou
pelo Green Valley. Em parceria com a House Mag, o
club mais premiado das Américas recebeu a terceira
edição do Green Festival, que contou com três pistas
e várias atrações. No line da pista principal, estavam
nomes como Sam Feldt, Chemical Surf e Gabriel Boni.
Na Underline_, DJ Betoko se apresentou ao lado de
FractaLL, Fancy Inc e Fabrício Peçanha. E na Lagoon,
os expoentes Mandragora, Vegas, Fábio Fusco e
Paranormal Atack foram os destaques.
Créditos: Diego Luís Jarschel
90 WWW.HOUSEMAG.COM.BR
Carnaval Circus 2018
A fina garoa que caía na noite do dia 10 de fevereiro
não atrapalhou o público que foi conferir o super
espetáculo que rolou no Green Valley. Inspirado
no universo circense e com direito a decoração
temática, cenografia, interações e performances
especiais, a festa proporcionou uma experiência
única ao público. Quando o ponteiro marcou
22h, Aninha abriu os trabalhos da pista principal,
seguida pelo duo Dashdot, Bruno Be e atração
principal da primeira noite: Vintage Culture.
Créditos: Diego Luís Jarschel
MAIO/JUNHO/JULHO | 2018
91

AUDIO
A House Mag Áudio é uma seção especial dentro da House
Mag em que DJs, produtores musicais e amantes das
sonoridades eletrônicas vão poder descobrir todos os segredos
e mistérios da discotecagem, mixagem e masterização. Aqui
você vai encontrar: entrevistas com profissionais renomados
apresentando o estúdio e técnicas de produção musical;
reviews de softwares e equipamentos; tutoriais completos;
artistas mostrando como fizeram as suas faixas; e muito mais.
Para essa oitava edição, teremos as matérias especiais: Como
ele faz?, por Mateus B.; A nova era da democratização dos
sintetizadores, por Romulo Pierotti; O som do futuro, por Junior
Antonini; e O ruído do bem, por Andre Salata.
ÍNDICE
A nova era da democratização dos sintetizadores 94
O som do futuro 96
O ruído do bem 97
92 WWW.HOUSEMAG.COM.BR
COMO ELE FAZ?
POR Mateus B (AIMEC)
Com o suporte dos principais artistas do mundo tocando suas faixas (à exemplo
de Steve Lawler, Hector Couto, Hot Since 82, Lane 8, Mark Knight e muitos outros),
o duo Fancy Inc se tornou referência, com direito a alguns radioshows e podcasts
pela Ibiza Global Radio, Rinse FM, Data Transmission, Pioneer DJ Radio e BBC
Radio1. Colecionam lançamentos em inúmeros selos de prestígio, como Toolroom,
ElRow Music, Lost Records, Twisted Fusion e Criminal Hype. Com passagens pela
Europa, Ásia e América do Sul, Adriano Dub e Matheus Rodrigues estão deixando
uma marca grandiosa por onde passam.
Costumam usar músicas de referência ou criar algo específico para um selo?
Sim, porque isso ajuda a não fugir do objetivo. Sempre começamos uma ideia
imaginando em que selo ela poderia se encaixar.
Utilizam o plugin PunchBox, da D16, para o kick principal ou apenas criação
de camadas?
Sempre para o principal, pois gostamos de construir nossos próprios kicks. Importamos
um sample base de outra biblioteca ou usamos as drum machines internas, e a partir
das ferramentas do plugin geramos algo mais original, com a nossa cara. Acaba
sendo o processo de maior importância e que trabalhamos mais no projeto.
Têm costume de fazer alterações nas faixas depois de testá-las na pista?
Normalmente até antes disso. Temos o hábito de deixar a faixa “de molho” e depois
de alguns dias escutar novamente. Sempre há coisas pra melhorar.
Acham que a masterização da faixa faz diferença no processo de seleção
em um selo?
Acreditamos que sim. Com o aumento de produtores no mercado, os critérios são
aprofundados também. Se a ideia for boa, mas não tiver uma boa pressão, com
certeza é um fator que aumentará as chances de um “não”.
Qual dica dão para os produtores enviarem faixas para gravadoras?
Enviar playlist com no máximo quatro músicas, sem plays e aquele monte de
comentários. Também é importante escrever uma breve apresentação falando
quem você é, em que selos já lançou, e principalmente, não enviar para vários
destinatários ao mesmo tempo. O A&R tem que perceber que a sua demo é
exclusiva, e que a faixa soa de acordo com a identidade do selo. Encher a caixa
de e-mail com trabalhos que não dialoguem com esta proposta podem esgotar as
suas chances de receber um play quando tiver algo realmente bom.
MAIO/JUNHO/JULHO | 2018
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HARDWARES
A NOVA ERA DA DEMOCRATIZAÇÃO
Linha boutique,
a partir de U$ 299
Ultimamente o mercado vem oferecendo melhores
sintetizadores por preços cada vez menores, nos
mais diferentes tipos e formatos: analógicos e digitais,
com ou sem teclas, em forma de módulos, ou como
kits para montar em casa. Seja um clone ou um
produto original, essa nova tendência tem novamente
popularizado e democratizado a acessibilidade a
hardwares, como ocorreu em épocas passadas.
Alguns podem até argumentar que o mais
importante é como o timbre foi alcançado — neste
caso os equipamentos utilizados —, mas a verdade
é que a maioria esmagadora do público pouco
importa se a música que gosta foi feita com um
sintetizador raro da década de 60, um clone de U$
300, plugins, samples ou uma “calculadora”.
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Roland Aira,
a partir de U$ 199
Korg Minilogue
(U$ 300)
Por muito tempo, o comércio de synths esteve
estagnado. Isso se deve a alguns fatores: baixa
demanda graças aos estilos que dominaram as paradas
de sucesso; pouco investimento em desenvolvimento
de novos produtos; foco apenas em lançamentos
de luxo; e avanço da computação com consequente
melhoria e popularização de instrumentos virtuais.
Apesar da facilidade de ter diversos instrumentos
virtuais à disposição, seja de forma legal ou não,
o interesse pelo mundo dos hardwares vem
crescendo. Muito disso se deve a introdução
de bons equipamentos mais acessíveis e
principalmente a produção em massa que já é uma
realidade. A demanda aumentou drasticamente e
não parece dar sinais de diminuir tão cedo.
Korg MS-20,
a partir de U$ 449
Korg Volca,
a partir de U$ 150
Um número maior de jovens tem se interessado
por produção musical e as empresas perceberam
a necessidade de ofertar opções para todos os
bolsos. Produtos de baixo custo se fazem ainda
mais imprescindíveis em economias emergentes
e com moeda desvalorizada, como a nossa.
Outro fator decisivo para o aumento desse nicho
é o bizarro mercado especulativo de synths
vintage. Basta algum produtor famoso falar que
usa determinado equipamento para que o preço
triplique na mesma semana.
Outro ponto é a sensação tátil de manipular o som,
além de se deparar com belas surpresas. Claro
que isso também pode ser obtido através do uso
de plugins, mas na maioria dos casos será preciso
DOS SINTETIZADORES
Arturia Microbrute
U$ 290
Behringer Model D,
U$ 299
mapeá-las manualmente e recordar-se onde cada
parâmetro foi endereçado, com pouco ou nenhum
retorno visual. Sem falar que é raro ter uma
controladora com botões e controles deslizantes
suficientes para todos os parâmetros presentes nos
VSTs mais modernos.
Isso é só um detalhe, pois a maior vantagem de
instrumentos físicos são justamente as limitações.
Enquanto no meio virtual basta carregar
facilmente um novo plugin quantas vezes for
necessário, “no mundo real” você deve lidar de
forma criativa com suas restrições, seja o tipo de
ondas geradas, a quantidade de notas (mono,
poly e parafônico), o timbre..., algo extremamente
benéfico para a criatividade.
Arturia Drumbrute
U$ 449
Moog Minitaur
U$ 499
Com preços a partir de U$ 50, marcas como as
tradicionais Roland, Korg e Akai; as mais novas,
tal qual Teenage Engineering, Arturia, Novation
e Behringer; e até as de luxo, como Moog e DSi;
têm desenvolvido hardwares de entrada, brigando
por uma fatia desse mercado e apresentando
constantes lançamentos. Algumas têm relançado
seus próprios produtos com novos recursos, à
exemplo da Korg com o Ms-20 e o Odyssey. Já
outras apresentam edições digitais de clássicos
com sonoridades que se assemelham aos originais
e são fiéis a esse histórico, como é o caso da maioria
dos equipamentos da linha Boutique da Roland.
Para diminuir os custos, as empresas utilizam
algumas estratégias: painéis frontais reduzidos e
AUDIO
POR Romulo Pierotti
Teenage Engineering
Teenage Engineering U$ 49
com acesso a apenas alguns parâmetros (com a
necessidade de programar usando sub-menus
e/ou plugins específicos, o que tira um pouco
a graça); teclados em miniatura ou ausência de
teclas (sintetizadores de mesa); cases em materiais
mais baratos como plástico ou até ausência de
case externo (no caso da linha PO da Teenage
Engineering); lançamento de clones que diminuem
o custo de pesquisa e desenvolvimento; entre
outros.
Correndo por fora ainda temos a produção de
módulos com preço de entrada e também kits
DIY (em que o comprador tem que realizar toda a
montagem e soldagem do equipamento). Confira
alguns modelos. ■
MAIO/JUNHO/JULHO | 2018
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 SOFTWARE
O SOM DO FUTURO
Conheça os últimos lançamentos para se chegar a
um som de identidade e sem muitas dificuldades
POR Junior Antonini (AIMEC)
Ao longo da minha trajetória conheci várias pessoas
que entraram ou desejaram entrar no universo da
produção musical e um ponto que sempre foi motivo de
dúvida era: como conseguir produzir com sonoridade
convincente ou, ao menos, que soasse “profissional”?
Obviamente que este mundo é cheio de caminhos
e de aprendizado constantes, mas uma coisa que
muitos não se atentam é sobre quais equipamentos,
softwares e, principalmente, o modo de usá-los
que seu ídolo na produção musical utiliza para
chegar naquele som. Em décadas passadas muitos
estilos se basearam em teclados sintetizadores,
grooveboxes e samplers de marcas como Roland,
E-Mu, Korg, Yamaha, Ensoniq, entre outras. Ficar
atento aos novos lançamentos é nosso dever para
chegar ao “som do amanhã”. Digo isso pois o que
se lança hoje, certamente será utilizado em breve
e chegará aos principais charts em pouco tempo.
A dica que dou é um olhar mais atento ao pacote
Komplete 11, o software Maschine e expansões, todos
da Native Instruments. Se você deseja chegar a um
som de identidade e sem muitas dificuldades, esse
é o caminho. A vantagem é que são compatíveis
com a DAW [estação de trabalho de áudio digital]
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de sua preferência e você poderá experimentar
várias sonoridades interessantes e sair criando linhas
que soarão muito bem. Sons industriais, urbanos,
sintéticos… tem pra todos os gostos.
É interessante também ter uma controladora
Maschine para sair criando sem complicações.
Por que digo isso? Por um motivo simples e que,
às vezes, passa batido por vários iniciantes e até
outros mais experientes no mundo da produção:
música eletrônica é e sempre foi criada motivada
por elementos característicos: kick, bass, stabs,
plucks. Quem nunca ouviu uma faixa com sons de
TR-909, 808, TB-303? Ou Moogs? E aquele timbre
clássico de órgão do Korg M-1 utilizado em “Show
Me Love”, da Robin S, e tantas outras músicas?
Ter um som ao alcance dos dedos que seja
condizente com o seu estado de espírito é
fundamental para que você se inspire, resultando em
linhas realmente pessoais e com identidade. Nisso,
os Expansions da Native são quase imbatíveis. Você
quer uma atmosfera trap, boombap? Tem! House
clássico? Também! Quem sabe algo mais techno,
reggaeton ou funky? Tem de tudo, organizado por
estilos e com prévias no site da fabricante.
Mas e agora? Você tem em mãos o Maschine, o
Komplete e as expansões. Como começar? No
Maschine, tudo é separado por projetos, grupos,
sons, instrumentos, efeitos e amostras de sons.
O legal aqui é poder procurar por categorias,
facilitando o encontro de sonoridades específicas.
Os effects são separados por categorias, o que
descomplica a busca por algum processamento:
ambiências, distorções, equalizadores, delays,
filtros…, tudo está lá! E por último, porém não
menos importante, os samples contém todas as
amostras de som que você pode utilizar para criar
seu próprio som.
Uma dica essencial e que faz toda a diferença
na forma de criar e sentir sua música é ter um
controlador MIDI. Pode ser de qualquer marca
e que caiba no orçamento. A vantagem quando
você adquire um da Native (como o recém-lançado
Maschine MK3) é que junto vem o pacote Komplete
11 básico e a licença do software Maschine — o que
facilita na compra de atualizações e expansões,
que valem a pena. Assim, um mundo de novas
possibilidade se abrem e você passa a focar muito
mais nas ideias do que no processo em si.
ESTÚDIO
O RUÍDO DO BEM
Novos produtores estão buscando construir timbragens clássicas através de
equipamentos como sintetizadores e processadores analógicos mais antigos
POR Andre Salata
Ao longo do que já passamos nessas quase duas
décadas completas do século 21, pudemos ver
como o áudio digital se modificou. O que se buscou
durante muito tempo, como por exemplo um som
limpo e cristalino, foi realmente alcançado, quando
viramos de século, para então se perceber que o
som estava meio sem graça. Ora, não é à toa que
vemos diversas empresas retomando a produção
de sintetizadores e processadores analógicos, que
estavam outrora esquecidos na memória dos mais.
Vemos também novos produtores que buscam
por sonoridades talvez datadas, mas que, sem um
motivo muito plausível, encantam nossos ouvidos,
e encontramos esses sons nesses equipamentos
hoje considerados vintage. Daí temos esse grande
número de produções que soam como anos 90 e ao
mesmo tempo com elementos bem atuais, fazendo
uma espécie de revival do que já se ouviu.
Quando paro para pensar no assunto, sempre me
recordo do não tão antigo álbum Wasting Light (2011),
da banda norte-americana Foo Fighters, em que o
líder, Dave Grohl, decidiu por adotar um processo
inteiro analógico na produção e pós-produção do
disco, sem o uso de um único computador. Tudo
captado em gravadores de rolo de fita, edição feita
na navalha, processados em uma clássica mesa
de som Neve. Em um documentário da banda, ele
explicou que estava cansado desse som limpo e
cristalino que os desenvolvedores de software e
cientistas do áudio conseguiram alcançar e sentia
falta daquela vibe mais “tosca” e suja que, por
exemplo, o Nirvana tinha gravado. O álbum foi
indicado a cinco categorias do prêmio Grammy,
não somente por ter sido feito dessa maneira, mas
porque a mentalidade dos músicos mudou através
do desafio de tornar o som um pouco menos
artificial, e teriam que executar a gravação com
performance perfeita.
Calma, não estou dizendo para você jogar seu PC
ou Mac pela janela agora mesmo, para garimpar
por uma velha MPC e umas baterias eletrônicas
da década de 80. Felizmente a indústria de
softwares, atenta a isso, percebeu que muitos
procuravam essas sonoridades e vem entregando
cada vez melhores plug-ins de áudio que simulam
equipamentos antigos. No entanto, onde está a
magia no equipamento x ou y? A magia está nos
ruídos que eles tinham e nos defeitos que possuíam,
porque nem sempre o melhor equipamento dava o
som que os engenheiros de áudio procuravam.
Hoje temos diversos fabricantes de plug-ins que
estão em um nível muito alto de emulação desses
equipamentos, fornecendo ótimas opções de
equalizadores, compressores, reverbs, delays,
saturadores, entre outros. Recursos que, utilizados
da “maneira correta”, entregam harmônicos
importantes aos elementos de uma música e ruídos
quase que imperceptíveis; porém imperfeitos
quando somados um ao outro, deixando o som
mais quente e mais vibrante. E, ao serem usados
“incorretamente” também trazem uma textura única,
porque no final das contas não existe certo ou
errado na hora de criar seu som.
Então deixo de sugestão que vocês explorem
esses recursos que hoje estão cada vez mais
fáceis de termos acesso. Experimentem colocar um
equalizador que emula um equipamento analógico
nos elementos de sua faixa, gire seus botões de
maneira abusiva, sem ficar com regras tolas como
“não podemos subir mais de 3dB num equalizador”
(se não pudéssemos, o knob não giraria tanto,
concorda?). Use um compressor apenas para
mexer em seu controle de ganho (isso mesmo, sem
comprimir), sature sua bateria, seus vocais... Enfim,
faça sua música respirar e ganhar vida!
MAIO/JUNHO/JULHO | 2018
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 FALA DJ
EM ÓTIMA FASE
Aninha fala sobre a estreia como residente no Terraza e de novos projetos
POR Alexandre Albini
São quase 20 anos tendo a música como uma das suas maiores paixões. Fato que
a fez largar a faculdade de marketing para se dedicar à sua verdadeira vocação:
ser reconhecida e aclamada como uma das maiores referências em seleção
musical e warm-up. Já tocou na ODD, FACT Barcelona, Watergate... e passou
por Ibiza, Hanover, Áustria, Itália, Emirados Árabes, entre outros. Contudo, essa
carreira de destaque é composta também por produções musicais e eventos.
Batemos um papo rápido com Aninha abordando temas como discotecagem,
representatividade e sobre essa nova fase.
Sua caminhada começou em 1999, sendo promoter, passando a tocar em
2002. Como teve certeza que era a escolha mais certa a ser feita? Ser DJ
mudou nesse tempo?
Tive momentos lindos durante todos esses anos. Das muitas escolhas que tive até
aqui, a certeza é que segui o instinto e o meu coração. Para fazer o que gosta, em
qualquer profissão ou momento na vida, deve-se ter coragem. Mesmo que a profissão
tenha mudado com o tempo, seja na maneira de tocar ou na forma de se expor, hoje
não somos “apenas aqueles que divertem as pessoas e mesclam as músicas com
técnicas precisas”. Para nos mantermos ativos e relevantes é necessário atualizar-se
com o que está acontecendo na cena. Além disso, é preciso ter muita energia para
executar tudo, principalmente pra quem não tem 20 anos (risos).
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Sua preferência continua sendo o warm-up ou passou a ser tocar mais para o
meio da noite?
Sempre curti esse momento de ver a noite acontecendo, desde o início. Luzes
se apagando para dar o clima, bar abrindo, seguranças se posicionando e a
primeira música tocando. Quando era promoter acompanhava tudo isso, pois
também fui muito pista e chegava cedo pra sentir a progressão do DJ. Hoje a
minha preferência, independente do horário, é de tocar, de participar de um line
up legal. No entanto, se você fizer uma festa em que a atração convidada (que
seja condizente com o que eu toco) precise se sentir confortável para estar no
horário principal, pode me chamar que será um prazer fazer o warm-up (risos).
A questão do feminismo e da representatividade talvez nunca estiveram tão
em voga. Como se vê sendo um exemplo para quem está iniciando a carreira
ou pensa em tocar inspirada por suas conquistas?
Fico feliz em poder inspirar as pessoas de uma maneira geral. Se formos analisar,
são poucas mulheres artistas que se destacam na cena mundial. É preciso muita
determinação pra se jogar quando sentir que aquela oportunidade será legal para
seu crescimento como artista e ser humano também. Nossa profissão não é só
glamour, e a maioria sabe disso. Então caso sinta que é isso que te move, vai lá e
mostre ao mundo porque está aqui!
Você trabalha em várias frentes, seja na AIA Records, no Seas, ou em outros
projetos. Poderia falar um pouco sobre cada um?
A AIA criei com a Antonela Giampietro para abrir espaço aos novos produtores
brasileiros; e hoje o Maax (Cavan 77) me auxilia nos lançamentos. O Seas
Label é interessante porque tem muitos formatos, mas todos conversam de
maneira harmoniosa. A intenção é levar diversão a todos de um jeito mais leve,
retroalimentando a região que possui uma programação de música eletrônica
intensa e madura. Recentemente apareceu outro projeto que abracei de corpo e
alva e estou bem focada: o Solo.Doc. Mas não posso dar detalhes por enquanto.
A permanência na agência 24bit (que ajudou a fundar, em 2011) se deu até
dezembro, quando foi oficializada sua ida para a Entourage. Como tem sido ter
mais tempo para explorar a liberdade criativa no estúdio?
Tem rolado um fluxo legal ao lado do Fabo nas produções, e já temos algumas
músicas prontas. Mas isso não significa que todas serão lançadas agora. São várias
ideias e vamos deixar acontecer naturalmente. O fato de estarmos juntos nesse
ócio criativo é fundamental para o desenvolvimento de novos projetos, selos, outras
parcerias e por aí vai. Foram três lançamentos nos últimos meses e fechamos outro
EP interessante mês passado, que estão sendo enviados aos selos.
Recentemente você deu um novo passo na carreira assumindo como residente
no club Terraza. O que espera daqui pra frente?
Espero evoluir cada vez mais, colaborar com o Terraza e em outros projetos que
aparecerem durante o caminho. Um objetivo é continuar com as produções, criar
um alter ego ou um novo selo (quem sabe?). Quero poder contribuir com a cena
brasileira e inspirar, incentivar e dar espaço aos futuros artistas/ promoters para
prosseguirem nessa jornada e não deixarem que a música pare. ■