O Ato Criativo

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Copyright © 2023 por Rick Rubin

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(Para tudo há uma estação)
Palavras do Livro de Eclesiastes Adaptação
e Música de Pete Seeger TRO-© Copyright
1962 (Renovado) Melody Trails, Inc., Nova York, NY International Copyright Secured.
Fabricado nos EUA
Todos os direitos reservados. Usado com permissão.
Trecho de “John Wooden: First, How to Put On Your Socks”, contado a Devin Gordon, Newsweek (24 de outubro de
1999). Usado com permissão.
Dados de catalogação na publicação da Biblioteca do Congresso
Nomes: Rubin, Rick, autor. | Strauss, Neil, autor.

Título: O ato criativo: um modo de ser / Rick Rubin, com Neil Strauss.
Descrição: Nova York: Penguin Press, 2023.
Identificadores: LCCN 2022035005 | ISBN 9780593652886 (capa dura) | ISBN 9780593653425 (e-book)
Disciplinas: LCSH: Capacidade criativa. | Criação (Literária, artística, etc.)
Classificação: LCC BF408 .R7368 2023 | DDC 153.3/5—dc23/eng/20220921 Registro LC
disponível em https://lccn.loc.gov/2022035005
Design do livro de Rick Rubin com agradecimento especial ao Pentagram, adaptado para e-book por Cora Wigen
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O objetivo não é fazer arte, é estar

naquele estado maravilhoso que torna a
arte inevitável.
Roberto Henrique
78 áreas de pensamento
Todo mundo é um criador

Sintonizando
A Fonte da Criatividade
Conhecimento
O Recipiente e o Filtro
O invisível
Procurar pistas
Prática
Submergir (As Grandes Obras)

A Natureza como Professora
Nada é estático
Olhe para dentro
Memórias e o Subconsciente
Está sempre lá
Contexto
Dúvida
Faça as pazes
Distração
Colaboração
Intenção
Regras
O oposto é verdadeiro
Audição
Paciência
Mente de iniciante
Inspiração
Hábitos
Sementes
Experimentação
Experimente tudo
Construindo
Momento
Ponto de vista
Quebrando a Mesmice
Conclusão
A mentalidade abundante
O Experimentador e o Finalizador
Regras Temporárias
Grandeza
Sucesso
Destacamento Conectado (Possibilidade)

O êxtase
Ponto de referência
Não-Competição
Essência
Apócrifo
Afinando (prejudicando vozes)
Autoconsciência
Bem diante de nossos olhos

Um sussurro fora do tempo
Espere uma surpresa
Grandes Expectativas
Abertura
Cercando o Relâmpago
24 horas por dia, 7 dias por semana (permanecendo nele)
Espontaneidade (momentos especiais)

Como escolher
Tons e Graus
Implicações (Objetivo)
Liberdade
O Possuído
O que funciona para você (acreditar)

Adaptação
Tradução
Ardósia Limpa
Contexto
A Energia (No Trabalho)

Terminando para Começar de Novo (Regeneração)
Jogar
O Hábito Artístico (Sangha)
O Prisma do Eu
Que seja
Cooperação O
Dilema da Sinceridade O
Guardião Por que
fazer arte?
Harmonia
O que dizemos a nós mesmos
Nada neste livro é conhecido

como verdade.
É uma reflexão sobre o que percebi—
Não tanto fatos quanto pensamentos.
Algumas ideias podem ressoar,
outras não.
Alguns podem despertar um conhecimento interior
que você esqueceu que tinha.
Use o que é útil.
Deixe de lado o resto.
Cada um desses momentos
é um convite para uma
investigação mais
aprofundada: olhar
mais profundamente, diminuir ou ampliar.
Abrindo possibilidades para
uma nova forma de ser.

Todo mundo é um criador
Aqueles que não se dedicam às artes tradicionais podem ter receio de se autodenominarem
artistas. Eles podem perceber a criatividade como algo extraordinário ou que está além
de suas capacidades. Um chamado para os poucos especiais que nascem com esses
dons.
Felizmente, este não é o caso.
A criatividade não é uma habilidade rara. Não é difícil de acessar. A criatividade é
aspecto fundamental do ser humano. É nosso direito de nascença. E é para todos nós.
A criatividade não se refere exclusivamente a fazer arte. Todos nós nos envolvemos
nesse ato diariamente.
Criar é trazer à existência algo que não existia antes. Pode ser uma conversa, a
solução de um problema, um bilhete para um amigo, a reorganização dos móveis de um
quarto, um novo caminho para casa para evitar um engarrafamento.
O que você faz não precisa ser testemunhado, registrado, vendido ou envolto em
vidro para ser uma obra de arte. Através do estado normal de ser, já somos criadores da
forma mais profunda, criando a nossa experiência da realidade e compondo o mundo
que percebemos.
A cada momento, estamos imersos num campo de matéria indiferenciada, do qual os
nossos sentidos recolhem fragmentos de informação. O universo exterior que percebemos
não existe como tal. Através de uma série de reações elétricas e químicas, geramos uma
realidade internamente. Criamos florestas e oceanos, calor e frio. Lemos palavras,
ouvimos vozes e formamos interpretações.
Então, num instante, produzimos uma resposta. Tudo isso em um mundo de nossa
própria criação.
Independentemente de estarmos ou não formalmente fazendo arte, todos vivemos

como artistas. Percebemos, filtramos e coletamos dados e, em seguida, selecionamos uma
experiência para nós e para os outros com base nesse conjunto de informações. Quer
façamos isso consciente ou inconscientemente, pelo simples fato de estarmos vivos, somos
participantes ativos no processo contínuo de criação.
Viver como artista é uma forma de estar no mundo. Uma forma de perceber. Uma prática
de prestar atenção. Refinando nossa sensibilidade para sintonizar as notas mais sutis.
Procurando o que nos atrai e o que nos afasta.
Observar quais tons de sentimento surgem e aonde eles levam.
Escolha sintonizada por escolha sintonizada, toda a sua vida é uma forma de
autoexpressão. Você existe como um ser criativo em um universo criativo. Uma obra de
arte singular.
Sintonizando
Pense no universo como um eterno desdobramento criativo.

As árvores florescem.
As células se replicam.
Os rios criam novos afluentes.

O mundo pulsa com energia produtiva, e tudo o que existe
este planeta é movido por essa energia.
Cada manifestação deste desenvolvimento está a fazer o seu próprio trabalho em nome de
o universo, cada um à sua maneira, fiel ao seu próprio impulso criativo.
Assim como as árvores produzem flores e frutos, a humanidade cria obras de arte. A Ponte
Golden Gate, o Álbum Branco, Guernica, Hagia Sophia, a Esfinge, o ônibus espacial, a
Autobahn, “Clair de lune”, o Coliseu de Roma, a chave de fenda Phillips, o iPad, o cheesesteak
da Filadélfia.
Olhe ao seu redor: há tantas realizações notáveis para apreciar. Cada um deles é a
humanidade sendo fiel a si mesma, como um beija-flor é fiel a si mesmo ao construir um ninho,
um pessegueiro ao dar frutos e uma nuvem nimbo ao produzir chuva.
Cada ninho, cada pêssego, cada gota de chuva e cada grande obra são diferentes.
Algumas árvores podem parecer produzir frutos mais bonitos do que outras, e alguns humanos
podem parecer compor obras maiores do que outros. O sabor e a beleza estão nos olhos de
quem vê.
Como a nuvem sabe quando chover? Como a árvore sabe quando
a primavera começa? Como o pássaro sabe quando é hora de construir um novo ninho?
O universo funciona como um relógio:
Para tudo—
Há uma temporada—
E um tempo para todos os propósitos debaixo do céu

Hora de nascer, hora de morrer
Tempo de plantar, tempo de colher

Hora de matar, hora de curar
Hora de rir, hora de chorar

Um tempo para construir, um tempo para quebrar
Um tempo para dançar, um tempo para lamentar
Um tempo para jogar fora as pedras
Um tempo para juntar pedras
Esses ritmos não são definidos por nós. Estamos todos participando de um ato criativo
mais amplo que não estamos conduzindo. Estamos sendo conduzidos. O artista segue um
cronograma cósmico, assim como toda a natureza.
Se você tem uma ideia que o entusiasma e não a concretiza, não é incomum que a ideia
encontre sua voz por meio de outro criador. Não porque o outro artista roubou a sua ideia,
mas porque chegou a hora da ideia.
Neste grande desdobramento, ideias e pensamentos, temas e canções e outras obras
de arte existem no éter e amadurecem no prazo, prontos para encontrar expressão no mundo
físico.
Como artistas, é nosso trabalho extrair esta informação, transmutá-la e partilhá-la. Somos
todos tradutores das mensagens que o universo transmite. Os melhores artistas tendem a
ser aqueles com antenas mais sensíveis para captar o
energia ressoando em um determinado momento. Muitos grandes artistas desenvolvem

primeiro antenas sensíveis não para criar arte, mas para se protegerem. Eles têm que se
proteger porque tudo dói mais. Eles sentem tudo mais profundamente.
Muitas vezes a arte chega em movimentos. Arquitetura Bauhaus, expressionismo abstrato,

cinema New Wave francês, poesia Beat, punk rock, para citar alguns da história recente.
Esses movimentos parecem uma onda; alguns artistas são capazes de ler
a cultura e se posicionarem para surfar naquela onda. Outros podem ver a onda e optar
por nadar contra a corrente.
Somos todos antenas para o pensamento criativo. Algumas transmissões são fortes,
outras são mais fracas. Se sua antena não estiver sintonizada com sensibilidade, você
provavelmente perderá os dados no ruído. Principalmente porque os sinais que chegam
são muitas vezes mais sutis do que o conteúdo que coletamos através da consciência
sensorial. Eles são mais energéticos do que táteis, percebidos intuitivamente mais do
que registrados conscientemente.
Na maioria das vezes, coletamos dados do mundo por meio dos cinco sentidos.
Com a informação que está sendo transmitida em frequências mais altas, estamos
canalizando material energético que não pode ser captado fisicamente. Isso desafia a
lógica, da mesma forma que um elétron pode estar em dois lugares ao mesmo tempo.
Esta energia indescritível é de grande valor, embora tão poucas pessoas estejam abertas o suficiente
para mantê-la.
Como captamos um sinal que não pode ser ouvido nem definido?
A resposta é não procurar. Nem tentamos prever ou analisar o nosso caminho para isso.
Em vez disso, criamos um espaço aberto que permite isso. Um espaço tão livre da
condição normal de superlotação de nossas mentes que funciona como um vácuo.
Desenhar as ideias que o universo está disponibilizando.
Esta liberdade não é tão difícil de alcançar como se poderia pensar. Todos nós
começamos com isso. Quando crianças, experimentamos muito menos interferência
entre receber ideias e internalizá-las. Aceitamos novas informações com prazer em vez
de fazer comparações com o que já acreditamos; vivemos o momento em vez de nos
preocuparmos com as consequências futuras; somos mais espontâneos do que
analíticos; estamos curiosos, não cansados. Mesmo as experiências mais comuns da
vida são recebidas com admiração. A tristeza profunda e a excitação intensa podem
surgir a poucos momentos uma da outra. Não há fachada nem apego a uma história.
Artistas que são capazes de criar continuamente grandes obras ao longo da vida
muitas vezes conseguem preservar essas qualidades infantis. Praticar um modo de ser
que lhe permita ver o mundo através de olhos inocentes e não corrompidos pode libertá-
lo para agir de acordo com o cronograma do universo.
Há um tempo para que certas ideias cheguem

e elas encontrem uma
forma de se expressar através de nós.
A Fonte da Criatividade
Começamos com tudo:

tudo o que foi
visto, tudo o que
foi feito, tudo o que
foi pensado,
tudo o que foi sentido,
tudo o que foi
imaginado, tudo o que foi esquecido e tudo o que
permanece tácito e impensado dentro de nós.
Este é o nosso material de origem e a partir dele construímos cada momento criativo.
Este conteúdo não vem de dentro de nós. A Fonte está lá fora. A
sabedoria que nos rodeia, uma oferta inesgotável e sempre disponível.

Ou sentimos isso, lembramos ou sintonizamos com isso. Não apenas através de nossas
experiências. Também podem ser sonhos, intuições, fragmentos subliminares ou outras formas
ainda desconhecidas pelas quais o exterior encontra o seu caminho para dentro.
Para a mente, esse material parece vir de dentro. Mas isso é uma ilusão. Existem pequenos
fragmentos da vastidão da Fonte armazenados dentro de nós.
Esses preciosos fios surgem do inconsciente como vapor e se condensam para formar um
pensamento. Uma ideia.
Pode ser útil pensar na Fonte como uma nuvem.

As nuvens nunca desaparecem verdadeiramente. Eles mudam de forma. Eles se transformam em chuva e
tornam-se parte do oceano e depois evaporam e voltam a ser nuvens.

O mesmo se aplica à arte.

A arte é uma circulação de ideias energéticas. O que os faz parecer novos é que eles
combinam de forma diferente cada vez que voltam. Não existem duas nuvens iguais.
É por isso que, quando somos surpreendidos por uma nova obra de arte, ela pode
ressoar num nível mais profundo. Talvez este seja o familiar, voltando para nós de uma
forma desconhecida. Ou talvez seja algo desconhecido que não sabíamos que estávamos
procurando. Uma peça que falta num quebra-cabeça que não tem fim.
Transformar algo de uma ideia em

realidade pode
fazer com que pareça menor.
Ele muda de sobrenatural para terreno.
A imaginação não tem limites.

O mundo físico sim.
O trabalho existe em ambos.
Conhecimento
Na maioria das nossas atividades diárias escolhemos a agenda e desenvolvemos uma estratégia
para atingir o objetivo em questão. Nós criamos o programa.
A consciência se move de maneira diferente. O programa está acontecendo ao nosso redor.
O mundo é o executor e nós somos a testemunha. Temos pouco ou nenhum controle sobre o
contente.
O dom da consciência nos permite perceber o que está acontecendo ao nosso redor e dentro
de nós no momento presente. E fazê-lo sem apego ou envolvimento. Podemos observar
sensações corporais, pensamentos e sentimentos passageiros, sons ou pistas visuais, cheiros e
sabores.
Através da observação desapegada, a consciência permite que uma flor observada
revelar mais de si mesmo sem a nossa intervenção. Isto é verdade para todas as coisas.
A consciência não é um estado que você força. Há pouco esforço envolvido, embora a
persistência seja fundamental. É algo que você permite ativamente que aconteça. É uma presença
e aceitação do que está acontecendo no eterno agora.
Assim que você rotula um aspecto da Fonte, você não percebe mais, você está estudando.
Isso se aplica a qualquer pensamento que o tire da presença do objeto de sua consciência, seja
análise ou simplesmente tornar-se consciente de que está consciente. A análise é uma função
secundária. A consciência acontece primeiro como uma conexão pura com o objeto de sua
atenção. Se algo me parece interessante ou bonito, primeiro vivo essa experiência.
Só depois poderei tentar compreendê-lo.
Embora não possamos mudar o que estamos percebendo, podemos mudar nossa capacidade de
perceber.
Podemos expandir a nossa consciência e restringi-la, experimentá-la com os olhos

abertos ou fechados. Podemos aquietar nosso interior para que possamos perceber mais do
lado de fora, ou aquietar o exterior para que possamos perceber mais do que está
acontecendo lá dentro.
Podemos ampliar algo tão de perto que perde as características que o tornam o que
parece ser, ou ampliar tanto que parece algo inteiramente
novo.
O universo é tão grande quanto a nossa percepção dele. Quando cultivamos nossa
consciência, estamos expandindo o universo.
Isto amplia o escopo, não apenas do material à nossa disposição para criar
de, mas da vida que podemos viver.
A capacidade de olhar
profundamente é a raiz da criatividade.
Para ver além do comum e do mundano e
chegar ao que de outra forma poderia ser invisível.
O Recipiente e o Filtro
Cada um de nós tem um recipiente dentro de si. Ele está constantemente sendo preenchido com dados.
Ele contém a soma total de nossos pensamentos, sentimentos, sonhos e experiências em

o mundo. Vamos chamar isso de navio.
A informação não entra diretamente na embarcação, como a chuva preenchendo um

barril. Ele é filtrado de uma forma única para cada um de nós.
Nem tudo passa por esse filtro. E o que passa nem sempre acontece com fidelidade.
Cada um de nós tem seu próprio método de redução da Fonte. Nosso espaço de memória é
limitado. Nossos sentidos muitas vezes interpretam mal os dados. E nossas mentes não têm poder de
processamento para absorver todas as informações que nos rodeiam. Nossos sentidos seriam
dominados pela luz, cor, som e cheiro. Não seríamos capazes de distinguir um objeto de outro.
Para navegar neste imenso mundo de dados, aprendemos desde cedo a concentrar-nos em
informações que parecem essenciais ou de particular interesse.
E para desligar o resto.
Como artistas, procuramos restaurar a nossa percepção infantil: uma visão mais inocente
estado de admiração e apreciação não vinculado à utilidade ou sobrevivência.
Nosso filtro inevitavelmente reduz a inteligência da Fonte ao interpretar os dados que chegam em
vez de deixá-los passar livremente. À medida que o recipiente se enche desses fragmentos
reformulados, são criadas relações com o material já coletado.
Essas relações produzem crenças e histórias. Podem ser sobre quem somos, as pessoas que nos
rodeiam e a natureza do mundo em que vivemos.
Eventualmente, essas histórias se fundem em uma visão de mundo.
Como artistas, queremos manter essas histórias com delicadeza e encontrar espaço para a
vasta quantidade de informações que não cabem facilmente nos limites do nosso sistema de
crenças. Quanto mais dados brutos conseguirmos absorver e quanto menos os moldarmos, mais
nos aproximaremos da natureza.
Pode-se pensar no ato criativo como tomar a soma do conteúdo do nosso recipiente como material
potencial, selecionando elementos que parecem úteis ou significativos no momento e representando-
os.
Esta é a Fonte atraída através de nós e transformada em livros, filmes, edifícios,
pinturas, refeições, negócios – quaisquer projetos em que embarcamos.
Se decidirmos partilhar o que fazemos, o nosso trabalho pode recircular e tornar-se
material de origem para outros.
Fonte disponibiliza.
O filtro destila.
A embarcação recebe.
E muitas vezes isso acontece fora do nosso controle.
É útil saber que este sistema padrão pode ser ignorado. Com treinamento, podemos melhorar
nossa interface com a Fonte e expandir radicalmente a capacidade de recepção da nave. Mudar de
instrumento nem sempre é a maneira mais fácil de mudar o som da música, mas pode ser a mais
poderosa.
Não importa quais ferramentas você use para

criar, o verdadeiro instrumento é você.
E através de você, o
universo que nos rodeia entra em foco.
O invisível
Pela definição convencional, o propósito da arte é criar artefatos físicos e digitais. Para encher
as prateleiras com cerâmicas, livros e discos.
Embora os artistas geralmente não tenham consciência disso, esse trabalho final é um
subproduto de um desejo maior. Não estamos criando para produzir ou vender produtos materiais.
O ato de criação é uma tentativa de entrar em um reino misterioso. Um desejo de transcender.
O que criamos permite-nos partilhar vislumbres de uma paisagem interior, que está além da
nossa compreensão. A arte é o nosso portal para o mundo invisível.
Sem a componente espiritual, o artista trabalha com uma desvantagem crucial. O mundo
espiritual proporciona uma sensação de admiração e um grau de mente aberta nem sempre
encontrado dentro dos limites da ciência. O mundo da razão pode ser estreito e cheio de becos
sem saída, enquanto um ponto de vista espiritual é ilimitado e convida a possibilidades
fantásticas. O mundo invisível não tem limites.
A palavra espiritualidade pode não se dirigir àqueles que residem principalmente no
intelecto ou àqueles que equiparam a palavra à religião organizada. Se você prefere pensar na
espiritualidade como simplesmente acreditar na conexão, tudo bem. Se você decidir pensar
nisso como uma crença em magia, tudo bem também. As coisas em que acreditamos têm um
peso, independentemente de poderem ser provadas ou não.
A prática da espiritualidade é uma forma de olhar para um mundo onde você não está
sozinho. Existem significados mais profundos por trás da superfície. A energia ao seu redor
pode ser aproveitada para elevar seu trabalho. Você faz parte de algo muito maior do que pode
ser explicado – um mundo de imensas possibilidades.
Aproveitar essa energia pode ser maravilhosamente útil em suas atividades criativas. O
princípio opera na fé. Acreditar e se comportar como se fosse verdade. Nenhuma prova é
necessária.
Quando você está trabalhando em um projeto, você pode notar coincidências

aparentes aparecendo com mais frequência do que a aleatoriedade permite – quase
como se houvesse outra mão guiando a sua em uma determinada direção. Como se
houvesse um conhecimento interior informando suavemente seus movimentos. A fé
permite que você confie na direção sem precisar entendê-la.
Preste especial atenção aos momentos que o deixam sem fôlego – um lindo pôr do
sol, uma cor de olhos incomum, uma peça musical comovente, o design elegante de uma
máquina complexa.
Se uma obra, um fragmento de consciência ou um elemento da natureza está de
alguma forma nos permitindo acessar algo maior, esse é o seu componente espiritual
manifestado. Isso nos concede um vislumbre do invisível.
Não é incomum para a ciência
para alcançar a arte, eventualmente.

Nem é incomum para a arte
para alcançar o espiritual.

Procurar pistas
O material para o nosso trabalho nos rodeia a cada passo. Está entrelaçado em conversas,
natureza, encontros casuais e obras de arte existentes.
Ao procurar uma solução para um problema criativo, preste muita atenção ao que está
acontecendo ao seu redor. Procure pistas que apontem para novos métodos ou formas de
desenvolver ainda mais as ideias atuais.
Um escritor pode estar em uma cafeteria, trabalhando em uma cena e sem saber o que
o personagem dirá a seguir. Uma frase pode ser ouvida na conversa de outra mesa que
fornece uma resposta direta, ou pelo menos um vislumbre de uma possível direção.
Recebemos esse tipo de mensagens o tempo todo, se permanecermos abertos a elas.

Podemos ler um livro e encontrar uma citação saltando da página, ou assistir a um filme e
notar uma linha que nos leva a pausar e retroceder. Às vezes é a resposta exata que
procuramos. Ou pode ser o eco de uma ideia que se repete em outros lugares – implorando
por mais atenção ou afirmando o caminho que estamos trilhando.
Essas transmissões são sutis: estão sempre presentes, mas são fáceis de perder. Se
não procurarmos pistas, elas passarão sem que percebamos.
Observe as conexões e considere aonde elas levam.
Quando algo fora do comum acontecer, pergunte-se por quê. O que é
a mensagem? Qual poderia ser o significado maior?
Este processo não é uma ciência. Não podemos controlar as pistas, nem queremos
que elas sejam reveladas. Às vezes ajuda ter uma forte intenção de encontrar uma resposta
específica ou de confirmar um caminho específico. Outras vezes, abandonar completamente
essa intenção pode ajudá-lo a encontrar o seu caminho.
Parte integrante do trabalho do artista é decifrar esses sinais. Quanto mais aberto
você for, mais pistas encontrará e menos esforço precisará exercer. Você poderá
pensar menos e começar a confiar nas respostas que surgem dentro de você.
Você pode imaginar que o mundo exterior é uma esteira rolante com um fluxo de
pequenos pacotes, sempre passando. O primeiro passo é perceber que a correia
transportadora está ali. E então, quando quiser, você pode pegar um desses pacotes,
desembrulhar e ver o que tem dentro.
Um exercício útil pode ser abrir um livro em uma página aleatória e ler a primeira
linha que seus olhos encontrarem. Veja como o que está escrito ali se aplica de
alguma forma à sua situação. Qualquer relevância que isso tenha pode ser por acaso,
mas você pode considerar a possibilidade de que o acaso não seja tudo o que está
em jogo. Quando meu apêndice estourou, o médico que o diagnosticou insistiu que
eu fosse imediatamente ao hospital para removê-lo. Disseram-me que não havia
outras opções. Encontrei-me em uma livraria próxima. Sobre uma mesa na frente
estava um novo livro do Dr. Andrew Weil. Peguei-o e deixei-o cair aberto. A primeira
passagem que meus olhos passaram dizia: se um médico quiser retirar uma parte do
seu corpo e lhe disser que ela não tem função, não acredite nisso. A informação que
eu precisava foi disponibilizada para mim naquele momento. E ainda tenho meu
apêndice.
Quando as pistas se apresentam, às vezes pode parecer o delicado mecanismo
de um relógio em funcionamento. Como se o universo estivesse cutucando você com
pequenos lembretes de que está do seu lado e quer fornecer tudo que você precisa
para completar sua missão.
Procure o que você percebe,

mas ninguém mais vê.
Prática
Na natureza, os animais devem estreitar o seu campo de visão para sobreviver. Um foco
rígido evita a distração de necessidades críticas.
Comida,
Abrigo,
Predadores, Procriação.
Para o artista, esta ação reflexiva pode ser um obstáculo. Ampliar o escopo permite
que mais momentos de interesse sejam percebidos e coletados, construindo um tesouro
de material para extrair posteriormente.
Uma prática é a personificação de uma abordagem a um conceito. Isso pode nos ajudar
a alcançar o estado de espírito desejado. Quando repetimos o exercício de abrir os nossos
sentidos para o que é, aproximamo-nos de viver num estado continuamente aberto.
Construímos um hábito. Aquele em que a consciência expandida é a nossa forma padrão
de estar no mundo.
Aprofundar esta prática é embarcar num relacionamento mais profundo com a Fonte. À
medida que reduzimos a interferência do nosso filtro, tornamo-nos mais capazes de
reconhecer os ritmos e movimentos que nos rodeiam. Isso nos permite participar com eles
de forma mais harmoniosa.
Quando tomamos conhecimento dos ciclos do planeta e escolhemos viver de acordo
com as suas estações, algo notável acontece. Ficamos conectados.
Começamos a nos ver como parte de um todo maior que se regenera constantemente.
E poderemos então aproveitar esta força de propagação todo-poderosa e navegar na sua
onda criativa.
Para apoiar a nossa prática, podemos estabelecer uma programação diária, onde nos envolvemos
em rituais específicos em horários específicos todos os dias ou semanas.
Os gestos que realizamos não precisam ser grandiosos. Pequenos rituais podem fazer uma
grande diferença.
Podemos decidir fazer três respirações lentas e profundas ao acordar todas as manhãs. Este
simples ato pode definir um rumo para começar cada dia imóvel, centrado e no momento.
Também podemos fazer nossas refeições com atenção, saboreando lentamente cada mordida
com apreciação. Faça uma caminhada diária na natureza, olhando tudo que entra em nosso campo
de visão com gratidão e conexão. Reserve um momento para se maravilhar com a sensação dos
batimentos cardíacos e o movimento do sangue nas veias antes de dormir.
O propósito de tais exercícios não está necessariamente em fazer, assim como o objetivo da
meditação não está em meditar. O objetivo é evoluir a forma como vemos o mundo quando não
estamos envolvidos nesses atos. Estamos construindo a musculatura de nossa psique para nos
sintonizarmos de forma mais aguda. É disso que trata o trabalho.
A consciência precisa de atualização constante. Se isso se tornar um hábito, até mesmo um bom
hábito, ele precisará ser reinventado continuamente.
Até que um dia você percebe que está sempre praticando a consciência, em todos os momentos,
em todos os lugares, vivendo sua vida em um estado de constante abertura para receber.
Viver a vida como artista é uma prática.

Ou você está engajado na prática ou não.
Não faz sentido dizer que você não é bom nisso.

É como dizer: “Não sou bom em ser monge”.
Ou você está vivendo como monge ou não.
Tendemos a pensar no trabalho do artista como o resultado.
O verdadeiro trabalho do artista
é uma forma de estar no mundo.

Submergir
(As Grandes Obras)
Ampliar nossa prática de conscientização é uma escolha que podemos fazer a qualquer momento.
momento.
Não é uma busca, embora seja alimentada pela curiosidade ou pela fome. Uma fome de ver
coisas bonitas, ouvir sons bonitos, sentir sensações mais profundas. Aprender e ficar fascinado e
surpreendido continuamente.
A serviço desse instinto robusto, considere mergulhar no cânone das grandes obras. Leia a
melhor literatura, assista às obras-primas do cinema, aproxime-se das pinturas mais influentes,
visite marcos arquitetônicos. Não existe uma lista padrão; ninguém tem as mesmas medidas de
grandeza. O “cânone” está mudando continuamente, através do tempo e do espaço.
No entanto, a exposição à grande arte constitui um convite. Isso nos leva adiante e abre portas de
possibilidades.
Se você escolher ler literatura clássica todos os dias durante um ano, em vez de ler as
notícias, ao final desse período você terá uma sensibilidade mais aguçada para reconhecer a
grandeza dos livros do que da mídia.
Isso se aplica a todas as escolhas que fazemos. Não apenas com a arte, mas com os amigos
que escolhemos, as conversas que temos e até os pensamentos sobre os quais refletimos. Todos
estes aspectos afetam a nossa capacidade de distinguir o bom do muito bom, o muito bom do
ótimo. Eles nos ajudam a determinar o que merece nosso tempo e atenção.
Como há uma quantidade infinita de dados disponíveis e temos uma largura de banda limitada
para conservar, podemos considerar a curadoria cuidadosa dos dados.

qualidade daquilo que permitimos entrar.
Isso não se aplica apenas se o seu objetivo for fazer arte com significado duradouro.
Mesmo que seu objetivo seja fazer fast food, provavelmente o sabor será melhor se você experimentar os
melhores alimentos frescos disponíveis durante o processo. Aumente o nível do seu gosto.
O objetivo não é aprender a imitar a grandeza, mas calibrar o nosso medidor interno para a grandeza. Assim,
podemos fazer melhor as milhares de escolhas que podem levar ao nosso excelente trabalho.
A Natureza como Professora
De todas as grandes obras que podemos vivenciar, a natureza é a mais absoluta e duradoura.
Podemos testemunhar a mudança ao longo das estações. Podemos ver isso nas montanhas, nos
oceanos, nos desertos e nas florestas. Podemos observar as mudanças da lua a cada noite e a
relação entre a lua e as estrelas.
Nunca falta admiração e inspiração ao ar livre. Se dedicássemos nossas vidas apenas a
perceber as mudanças na luz e nas sombras naturais com o passar das horas, descobriríamos
constantemente algo novo.
Não precisamos entender a natureza para apreciá-la. Isto é verdade para todas as coisas.
Simplesmente fique atento aos momentos em que sua respiração é interrompida por algo de
grande beleza.
Pode ser testemunhar uma formação unifilar de pássaros serpenteando por um céu noturno
meio iluminado ou ficar maravilhado ao pé de uma sequoia gigante com milhares de anos de
idade. Há tanta sabedoria na natureza que quando a percebemos, ela desperta possibilidades
dentro de nós. É através da comunhão com a natureza que nos aproximamos da nossa própria
natureza.
Se você escolher cores com base em um livro Pantone, estará limitado a um certo número
de opções. Se você entrar na natureza, a paleta é infinita.
Cada pedra tem uma variação de cor tão grande que nunca conseguiríamos encontrar uma lata
de tinta que imitasse exatamente o mesmo tom.
A natureza transcende as nossas tendências de rotular e classificar, de reduzir e limitar.
O mundo natural é incompreensivelmente mais rico, entrelaçado e complicado do que nos
ensinam, e muito mais misterioso e belo.
Aprofundar a nossa ligação com a natureza servirá o nosso espírito, e o que serve o nosso
espírito invariavelmente serve a nossa produção artística.
Quanto mais nos aproximamos do mundo natural, mais cedo começaremos a perceber
que não estamos separados. E que quando criamos, não estamos apenas expressando a
nossa individualidade única, mas a nossa conexão perfeita com uma unidade infinita.
Há uma razão pela qual somos atraídos
para contemplar o oceano.

Diz-se que o oceano proporciona
um reflexo mais próximo de quem
somos do que qualquer espelho.

Nada é estático
O mundo está sempre mudando.

Você pode praticar a mesma prática de conscientização cinco dias seguidos no
mesmo local e ter uma experiência única a cada vez.
Diferentes sons e diferentes cheiros podem estar presentes. Não há duas rajadas de
vento iguais. O tom e a qualidade da luz solar mudam de minuto a minuto e de dia para
dia.
Dentro da riqueza da natureza, as variações são facilmente perceptíveis. Alguns são
gritos, outros sussurros. Mesmo que um elemento pareça estático, seja uma obra de arte
num museu ou um objeto do quotidiano numa cozinha, quando o olhamos profundamente,
podemos ver uma novidade. Reconhecemos aspectos antes despercebidos.
Releia o mesmo livro repetidas vezes e provavelmente encontraremos novos temas,
tendências, detalhes e conexões.
Você não pode entrar duas vezes no mesmo fluxo porque ele está sempre fluindo.
Tudo é.
O mundo está em constante mudança, por isso, não importa quantas vezes
pratiquemos prestar atenção, sempre haverá algo novo para notar. Cabe a nós encontrá-
lo.
Da mesma forma, estamos sempre mudando, crescendo, evoluindo. Aprendemos e
esquecemos as coisas. Passamos por diferentes estados de espírito, pensamentos e
processos inconscientes. As células do nosso corpo morrem e se regeneram. Ninguém é
a mesma pessoa o dia todo.
Mesmo que o mundo exterior permanecesse estático, a informação que colhemos
ainda estaria em constante mudança. E o mesmo aconteceria com o trabalho que realizamos.
A pessoa que faz algo hoje não é a

mesma que volta
ao trabalho amanhã.
Olhe para dentro
O som da água agitando-se ao longe é audível.

Sinto uma brisa do que pode ser ar quente, embora seja difícil dizer,
já que os pelos do meu braço sentem o movimento como se estivesse esfriando.
Dois pássaros cantam e, de olhos fechados, coloco-os a uns cinquenta passos atrás
de mim e à minha direita.
Agora, um pássaro menor, ou pelo menos um com um chilrear menor e mais agudo,
entra na paisagem sonora atrás de mim, à esquerda. Pela interação rítmica, parece
claro que os pássaros não estão conversando. Cada um canta o seu
canção.
Percebo o som de um veículo passando e, ao longe, crianças

vozes. Um borrão de música rítmica chega da extrema esquerda.
Sinto uma coceira no lado esquerdo do rosto, bem na frente da orelha.
Um veículo com som maior e mais pesado passa e um pouco de jazz aparece muito
mais próximo da minha posição. Só agora percebo que liguei mais cedo em um volume
baixo e estava inaudível até este momento.
momento.
Alguém chega. Abro os olhos. E tudo vai embora.
É comum acreditar que a vida é uma série de experiências externas. E que devemos
viver uma vida aparentemente extraordinária para ter algo para compartilhar. A
experiência do nosso mundo interior é muitas vezes completamente ignorada.
Se nos concentrarmos no que está acontecendo dentro de nós mesmos — sensações, emoções,
padrões de nossos pensamentos —, uma riqueza de material poderá ser encontrada. Nosso interior
O mundo é tão interessante, belo e surpreendente quanto a própria natureza. Afinal, nasceu
da natureza.
Quando entramos, estamos processando o que está acontecendo lá fora. Não estamos
mais separados. Estamos conectados. Nós somos um.
Em última análise, não faz diferença se o seu conteúdo tem origem interna ou externa.
Se um belo pensamento ou frase lhe vier à mente, ou se você vir um lindo pôr do sol, um
não é melhor que o outro. Ambos são igualmente bonitos de maneiras diferentes. É útil
considerar que sempre há mais opções disponíveis para nós do que imaginamos.
Memórias e o Subconsciente
Ao serem apresentados pela primeira vez a novas faixas instrumentais, alguns vocalistas gravam os
primeiros sons de suas bocas, sem nenhum pensamento ou preparação.
Freqüentemente, eles cantam palavras ou sons aleatórios que não são palavras. Não é incomum,
a partir do jargão, uma história se desenrolar ou frases-chave serem
aparecer.
Não há tentativa ativa de escrever neste processo. O trabalho está sendo
criado em um nível subconsciente. O material existe escondido dentro.
Existem práticas que podem auxiliar no acesso a esse poço mais profundo dentro de você. Por
exemplo, você pode tentar um exercício de liberação de raiva em que bate em um travesseiro por
cinco minutos. É mais difícil do que você imagina fazer isso durante todo o período. Cronometre você
mesmo e vá com força. Em seguida, preencha imediatamente cinco páginas com o que aparecer.
O objetivo é não pensar nisso, evitar direcionar o conteúdo de qualquer forma. Basta escrever
todas as palavras que surgirem.
Há um reservatório abundante de informações de alta qualidade em nosso subconsciente, e
encontrar maneiras de acessá-lo pode gerar novos materiais para extrair.
A psique tem acesso a uma sabedoria universal mais profunda do que aquela que podemos
imaginar em nossa mente consciente. Ele fornece uma visão muito menos limitada.
Uma fonte oceânica.
Não sabemos como funciona e não sabemos por que funciona, mas muitos artistas exploram algo
além de si mesmos sem reconhecer o processo em jogo, apenas através do acesso ao subconsciente.
Muitas vezes, chegar a esses estados está fora do nosso controle. Alguns artistas
criaram seus melhores trabalhos enquanto estavam febris, com temperatura acima de 40ºC.
Essas condições semelhantes a transe contornam a parte pensante do cérebro e acessam
o estado de sonho.
Há uma grande sabedoria nos reinos de transição entre a vigília e o sono. Pouco antes
de adormecer, que pensamentos e ideias lhe ocorrem?
Como você se sente quando acorda de um sonho?
Na tradição de sabedoria do yoga dos sonhos tibetano, entre outros, os lamas dizem
o estado de sonho é tão real — ou irreal — quanto o estado de vigília.
Manter um diário de sonhos pode ser útil. Coloque papel e caneta ao lado da cama e,
assim que acordar, comece a escrever imediatamente com o máximo de detalhes possível
antes de fazer qualquer outra coisa. Tente limitar qualquer movimento desnecessário.
Simplesmente virar a cabeça pode ser suficiente para desalojar o sonho da memória
armazenada.
À medida que você escreve, a imagem se desenvolverá e você se lembrará mais da
história, mais do cenário, mais detalhes do que quando colocou a caneta no papel pela
primeira vez. Quanto mais você fizer essa prática, manhã após manhã, melhor você se
lembrará de seus sonhos. Também pode ajudar definir a intenção de lembrar dos seus
sonhos antes de dormir.
As memórias também podem ser consideradas oníricas. São mais uma história
romântica do que um documento fiel de um acontecimento de vida. E há um bom conteúdo
nessas lembranças oníricas que temos de experiências passadas.
Outra ferramenta útil é a aleatoriedade – ou, mais precisamente, a aleatoriedade
aparente, uma vez que pode haver organização a acontecer num nível diferente daquele
que compreendemos.
Quando lançamos o I Ching, por exemplo, não determinamos como os gravetos ou
moedas caem. Mas através deles, obtemos informações que podemos usar para ajudar na
tomada de decisões e, mais uma vez, contornar a nossa mente consciente e talvez aceder
a uma inteligência maior.
Está sempre lá
Sou fortemente afetado pelo sol. Quando o dia está claro, sinto-me energizado.
Quando está sombrio, estou sombrio.
Naqueles dias nublados, ajuda sintonizar o fato de que o sol ainda está lá. Está apenas escondido
atrás de uma camada mais espessa de nuvens. Ao meio-dia, o sol está alto no céu, independentemente
de quão claro ou escuro esteja lá fora.
Da mesma forma, independentemente de quanta atenção prestamos, a informação que
procuramos está lá fora. Se estivermos conscientes, poderemos nos sintonizar com mais disso. Se
estivermos menos conscientes, sentiremos falta disso.
Quando sentimos falta, isso realmente passa por nós. O amanhã apresenta outra oportunidade
de conscientização, mas nunca é uma oportunidade para a mesma
conhecimento.
Contexto
Somos afetados pelo que nos rodeia e encontrar o melhor ambiente para criar um canal
claro é algo pessoal e que deve ser testado. Também depende da sua intenção.
Lugares isolados como uma floresta, um mosteiro ou um veleiro no meio do

oceano são locais excelentes para receber transmissões diretas do universo.
Se, em vez disso, você quiser entrar em sintonia com a consciência coletiva, poderá
sentar-se em um local movimentado, com pessoas indo e vindo, e experimentar a Fonte
filtrada pela humanidade. Esta abordagem de segunda mão não é menos válida.
Um passo adiante poderia ser conectar-se à própria cultura, consumindo
constantemente arte, entretenimento, notícias e mídias sociais. O tempo todo observando
os padrões que o universo está promovendo.
É útil observar as correntes na cultura sem nos sentirmos obrigados a seguir a
direção de seu fluxo. Em vez disso, observe-os da mesma maneira conectada e
distanciada que você notaria um vento quente. Deixe-se mover dentro dele, mas não faça
parte dele.
O lugar conectado de uma pessoa pode ser uma distração para outra. E diferentes
ambientes podem ser adequados em diferentes pontos do seu processo artístico. Dizia-
se que Andy Warhol criava com televisão, rádio e toca-discos ligados simultaneamente.
Para Eminem, o barulho de um único aparelho de TV é o cenário preferido para escrever.
Marcel Proust forrou as paredes com cortiça absorvente de som, fechou as cortinas e
usou protetores de ouvido. Kafka também levou ao extremo a sua necessidade de
silêncio – “não como um eremita”, disse ele uma vez, mas “como um homem morto”. Não
existe caminho errado. Existe apenas o seu caminho.
Nem sempre é fácil seguir as informações energéticas sutis que o universo

transmite, especialmente quando seus amigos, familiares, colegas de trabalho ou
aqueles com interesse comercial em sua criatividade oferecem conselhos aparentemente
racionais que desafiam seu conhecimento intuitivo. Da melhor maneira possível, segui
minha intuição para fazer mudanças na carreira e sempre fui recomendado a não fazer
isso. Ajuda perceber que é melhor seguir o universo do que aqueles ao seu redor.
A interferência também pode vir das vozes internas. Aqueles em sua cabeça que
murmuram que você não é talentoso o suficiente, que sua ideia não é boa o suficiente,
que a arte não vale a pena investir seu tempo, que o resultado não será bem recebido,
que você será um fracasso se o a criação não foi bem-sucedida. É útil diminuir o volume
dessas vozes para que você possa ouvir as badaladas do relógio cósmico, lembrando
que está na hora.
Sua hora de participar.
Dúvida
A dúvida vive em todos nós. E embora possamos desejar que isso desapareça, ele está lá para
nos sirva.
As falhas são humanas, e a atração da arte é a humanidade nela contida. Se fôssemos

mecânicos, a arte não teria ressonância. Seria sem alma. Com a vida vem a dor, a insegurança e
o medo.
Somos todos diferentes e todos imperfeitos, e são as imperfeições que tornam cada um de
nós e nosso trabalho interessantes. Criamos peças que refletem quem somos, e se a insegurança
faz parte de quem somos, então o nosso trabalho terá como resultado um maior grau de verdade.
A produção artística não é um ato competitivo. Nosso trabalho é representativo de si mesmo.

Seria errado dizer: “Não estou à altura do desafio”. Sim, você pode precisar aprofundar sua arte
para concretizar plenamente sua visão. Se você não estiver preparado, ninguém mais poderá
fazer isso. Só você pode. Você é o único com sua voz.
As pessoas que optam por fazer arte são, muitas vezes, as mais vulneráveis.
Existem cantores considerados entre os melhores do mundo que não conseguem ouvir a própria
voz. E estas não são raras exceções.
Muitos artistas em diferentes áreas têm problemas semelhantes.
A sensibilidade que lhes permite fazer a arte é a mesma vulnerabilidade que os torna mais
propensos a serem julgados. Ainda assim, muitos continuam a partilhar o seu trabalho e arriscam
críticas apesar disso. É como se eles não tivessem outra escolha. Ser um artista é quem eles
são, e eles se tornam completos por meio da autoexpressão.
Se um criador tem tanto medo do julgamento que não consegue seguir em frente, pode ser
que o desejo de compartilhar o trabalho não seja tão forte quanto o desejo de
proteger eles mesmos. Talvez a arte não seja o seu papel. Seu temperamento pode servir a
uma finalidade diferente. Este caminho não é para todos. A adversidade faz parte do
processo.
Não somos obrigados a seguir esse chamado porque temos talento ou habilidade. Vale
lembrar que somos abençoados por conseguir criar. É um privilégio. Estamos escolhendo.
Não estamos recebendo ordens para fazer isso. Se preferirmos não fazê-lo, não o faremos.
Alguns artistas de sucesso são profundamente inseguros, auto-sabotam-se, lutam contra

o vício ou enfrentam outros obstáculos para fazer e partilhar o seu trabalho.
Uma autoimagem prejudicial ou uma dificuldade na vida podem alimentar a grande arte,
criando um poço profundo de percepção e emoção para um artista se inspirar. Eles também
podem atrapalhar a capacidade do artista de fazer muitas coisas durante um longo período
de tempo.
As pessoas que são particularmente desafiadas neste sentido geralmente não
conseguem produzir trabalhos criativos repetidamente. Não porque não sejam artisticamente
capazes, mas porque só conseguiram resolver os seus próprios problemas uma ou duas
vezes e partilhar um excelente trabalho.
Uma das razões pelas quais tantos grandes artistas morrem de overdose no início de
suas vidas é porque usam drogas para entorpecer uma existência muito dolorosa. A razão
pela qual é doloroso é a razão pela qual eles se tornaram artistas: sua incrível sensibilidade.
Se você vê uma beleza tremenda ou uma dor tremenda onde outras pessoas veem
pouco ou nada, você se depara com grandes sentimentos o tempo todo. Essas emoções
podem ser confusas e opressoras. Quando as pessoas ao seu redor não veem o que você
vê e não sentem o que você sente, isso pode levar a uma sensação de isolamento e a um
sentimento geral de não pertencimento, de alteridade.
Essas emoções carregadas, poderosas quando expressas no trabalho, são as mesmas
nuvens escuras que imploram para serem entorpecidas para dormir ou para sair da cama e
enfrentar o dia pela manhã. É uma bênção e uma maldição.
Faça as pazes
Embora as tendências emocionais da dúvida possam servir à arte, elas também podem interferir
no processo criativo. Começar um trabalho, concluí-lo e compartilhá-lo são momentos-chave
em que muitos de nós ficamos presos.
Como avançamos, considerando as histórias que contamos a nós mesmos?

Uma das melhores estratégias é diminuir as apostas.
Tendemos a pensar que o que estamos fazendo é a coisa mais importante em nossas vidas
e que nos definirá por toda a eternidade. Considere seguir em frente com o ponto de vista mais
preciso de que é um trabalho pequeno, um começo. A missão é concluir o projeto para que
você possa passar para o próximo. O próximo é um trampolim para o trabalho seguinte. E assim
continua em ritmo produtivo durante toda a sua vida criativa.
Toda arte é um trabalho em andamento. É útil ver a peça em que estamos trabalhando
como um experimento. Aquele em que não podemos prever o resultado. Qualquer que seja o
resultado, receberemos informações úteis que beneficiarão a próxima experiência.
Se você partir da posição de que não existe certo ou errado, bom ou mau, e que a
criatividade é apenas um jogo livre, sem regras, será mais fácil mergulhar com alegria no
processo de fazer as coisas.
Não jogamos para vencer, jogamos para jogar. E, em última análise, jogar é divertido. O
perfeccionismo atrapalha a diversão. Um objetivo mais hábil pode ser encontrar conforto no
processo. Para realizar e executar trabalhos sucessivos com facilidade.
Oscar Wilde disse que algumas coisas são importantes demais para serem levadas a sério.
A arte é uma dessas coisas. Definir a fasquia baixa, especialmente para começar, liberta
você pode brincar, explorar e testar sem se apegar aos resultados.

Este não é apenas um caminho para pensamentos mais favoráveis. Brincadeira ativa e
experimentação até sermos surpreendidos é como o melhor trabalho se revela.
Outra abordagem para superar as inseguranças é rotulá-las. Eu estava trabalhando com um

artista que estava paralisado por dúvidas e incapaz de seguir em frente. Perguntei se ele
conhecia o conceito budista de papancha, que se traduz como preponderância de
pensamentos. Isto demonstra a tendência da mente de responder às nossas experiências
com uma avalanche de tagarelice mental.
Ele respondeu: “Eu sei exatamente o que é isso. Esse sou eu."
Agora que tinha um nome para o que o impedia, ele conseguiu normalizar suas dúvidas
e não levá-las tão a sério. Quando eles surgiam, nós os chamávamos de papancha,
notávamos e depois seguíamos em frente.
Eu estava em uma reunião com outra artista que havia acabado de lançar um álbum de
muito sucesso, mas tinha medo de trabalhar mais e listei diversos motivos pelos quais ela
não queria mais fazer música. Sempre há bons motivos para não continuar.
“Está tudo bem, você não precisa mais fazer música. Não há nada
errado com isso. Apenas pare se isso não estiver te fazendo feliz. É a sua escolha."
Assim que eu disse isso, sua expressão mudou e ela percebeu que iria
seja mais feliz criando do que não criando.
A gratidão também pode ajudar. Perceber que você tem a sorte de estar em uma posição
que lhe permite criar e, em alguns casos, ser pago para fazer o que ama, pode fazer pender
a balança a favor do trabalho.
Em última análise, o seu desejo de criar deve ser maior do que o seu medo disso.
Mesmo para alguns dos maiores artistas, esse medo nunca desaparece. Um cantor
lendário, apesar de atuar há mais de cinco décadas, nunca foi capaz de eliminar o medo do
palco. Apesar de um terror tão forte que o deixava mal do estômago, ele ainda se destacava
todas as noites e executava um
espetáculo fascinante. Ao aceitar a dúvida, em vez de tentar eliminá-la ou reprimi-la, diminuímos

a sua energia e interferência.
Vale a pena notar a distinção entre duvidar do trabalho e duvidar de si mesmo. Um exemplo de
dúvida sobre o trabalho seria: “Não sei se minha música é tão boa quanto poderia ser”. Duvidar
de si mesmo pode soar como: “Não consigo escrever uma boa música”.
Essas afirmações estão em mundos diferentes, tanto em precisão quanto em impacto no

sistema nervoso. Duvidar de si mesmo pode levar a uma sensação de desesperança, de não
estar inerentemente apto para assumir a tarefa em questão. Pensar tudo ou nada é um
não iniciante.
No entanto, duvidar da qualidade do seu trabalho pode, às vezes, ajudar a

melhore. Você pode duvidar do seu caminho para a excelência.
Se você tem uma versão imperfeita de uma obra que realmente ama, poderá descobrir que,
quando ela finalmente parece perfeita, você não a ama da mesma forma. Este é um sinal de que
a versão imperfeita era realmente essa. O trabalho não é sobre perfeição.
Uma coisa que aprendi com a verificação ortográfica é que invento palavras regularmente.
Digito uma palavra e o computador me diz que ela não existe.
Como parece o que pretendo dizer, às vezes decido usá-lo de qualquer maneira. Eu sei o que
significa, e talvez o leitor entenda melhor o significado do que se eu usasse uma palavra real.
As imperfeições que você se sente tentado a corrigir podem ser o que torna o trabalho
excelente. E às vezes não. Raramente sabemos o que torna uma peça excelente.
Ninguém pode saber. As razões mais plausíveis são, na melhor das hipóteses, teorias. O porquê
está além da nossa compreensão.
A Torre Inclinada de Pisa foi um erro arquitetônico, que os construtores agravaram ainda
mais ao tentarem consertar. Agora, centenas de anos depois, é um dos edifícios mais visitados
do mundo precisamente por causa deste erro.
Na cerâmica japonesa, existe uma forma artística de reparo chamada kintsugi. Quando uma
peça de cerâmica quebra, em vez de tentar restaurá-la ao seu estado original
condição, o artesão acentua a falha ao usar ouro para preencher a fissura. Isso chama a atenção
lindamente para onde o trabalho foi quebrado, criando um veio dourado. Em vez de a falha diminuir
a obra, ela se torna um ponto focal, uma área de força física e estética. A cicatriz também conta a
história da peça, narrando sua experiência passada.
Podemos aplicar essa mesma técnica a nós mesmos e abraçar nossas imperfeições. Quaisquer
que sejam as inseguranças que tenhamos, podem ser reformuladas como uma força orientadora
da nossa criatividade. Eles só se tornam um obstáculo quando impedem a nossa capacidade de
compartilhar o que está mais próximo do nosso coração.
A arte cria uma conexão profunda entre

o artista e o público.
Através dessa conexão,
ambos podem curar.
Distração
A distração é uma das melhores ferramentas disponíveis para o artista quando usada com habilidade.
Em alguns casos, é a única maneira de chegar aonde queremos.
Ao meditar, assim que a mente se aquieta, a sensação de espaço pode ser substituída por uma
preocupação ou por um pensamento aleatório. É por isso que muitas escolas de meditação ensinam
os alunos a usar um mantra. Uma frase repetida e automática deixa pouco espaço na mente para
pensamentos que nos tiram do momento.
O mantra, então, é uma distração. E embora certas distrações possam tirá-lo do momento
presente, outras podem manter sua parte consciente ocupada, para que o inconsciente fique liberado
para trabalhar para você. Contas de preocupação, rosários e malas funcionam da mesma maneira.
Quando chegamos a um impasse em qualquer ponto do processo criativo, pode ser útil nos
afastarmos do projeto para criar espaço e permitir uma solução para
aparecer.
Poderíamos manter um problema a ser resolvido levianamente no fundo da nossa consciência,
em vez de na frente da nossa mente. Dessa forma, podemos permanecer presentes ao longo do
tempo enquanto nos envolvemos em uma tarefa simples e não relacionada.
Os exemplos incluem dirigir, caminhar, nadar, tomar banho, lavar louça, dançar ou realizar qualquer
atividade que possamos realizar no piloto automático. Às vezes, o movimento físico pode estimular as
ideias a se moverem também.
Alguns músicos, por exemplo, escrevem melodias melhor enquanto dirigem do que sentados em
uma sala com um gravador de áudio ligado. Esses tipos de distrações mantêm uma parte da mente
ocupada enquanto liberam o resto para permanecer aberto a tudo o que vier .
nos permite acessar uma parte diferente do nosso cérebro. Aquele que pode ver mais ângulos
do que o caminho direto.
Distração não é procrastinação. A procrastinação prejudica consistentemente
nossa capacidade de fazer coisas. A distração é uma estratégia a serviço do trabalho.
Às vezes, desligar-se é a
melhor maneira de se envolver.
Colaboração
Nada começa conosco.

Quanto mais prestamos atenção, mais começamos a perceber que todo o trabalho
que fazemos é uma colaboração.
É uma colaboração com a arte que veio antes de você e a arte que virá depois. É
também uma colaboração com o mundo em que você vive. Com as experiências que
você teve. Com as ferramentas que você usa. Com o público. E com quem você é hoje.
O “eu” tem muitos aspectos distintos. É possível criar uma peça, amá-la e no dia
seguinte olhar para ela e se sentir completamente diferente. O seu aspecto de artista
inspirado pode estar em conflito com o aspecto de artesão, desapontado porque o
artesão é incapaz de criar a personificação física da visão do artista inspirado. Este é
um conflito comum entre os criadores, uma vez que não há conversão direta do
pensamento abstrato para o mundo material. A obra é sempre uma interpretação.
Existem muitas funções diferentes que o artista usa, e a criatividade é uma

discussão interna entre esses aspectos do eu. A negociação continua até que ambos
criem juntos o melhor trabalho possível.
O trabalho em si também tem chapéus diferentes. Você pode fazer uma peça e
sentir que sabe exatamente o que é, então outra pessoa pode experimentá-la e sentir
que sabe o que é, e ainda assim o que você vê e o que ela vê podem ser completamente
diferentes. O que é particularmente interessante nisso é que nenhum deles está certo.
E ambos estão certos.
Isso não é algo para se preocupar. Se o artista está satisfeito com o trabalho que
está criando e o espectador está animado com o trabalho que está
vivenciando, não importa se eles veem da mesma maneira. Na verdade, é impossível

que alguém experimente o seu trabalho como você ou qualquer outra pessoa.
Você poderia ter uma ideia clara do que uma peça significa, como ela funciona ou
por que é agradável – e outra pessoa pode gostar ou não dela por um motivo totalmente
diferente.
O objetivo do trabalho é despertar algo em você primeiro e depois permitir que algo
seja despertado nos outros. E está tudo bem se eles não forem a mesma coisa. Só
podemos esperar que a magnitude da carga que sentimos repercuta tão poderosamente
para os outros como para nós.
Às vezes o artista pode não ser o criador da obra. Marcel Duchamp encontrava
objetos do cotidiano – uma pá de neve, uma roda de bicicleta, um mictório – e
simplesmente decidia que eram arte. Ele os chamou de readymades. Uma pintura é
apenas uma pintura até que você coloque uma moldura nela e pendure na parede, então se chama
arte.
O que é considerado arte é simplesmente um acordo. E nada disso é verdade.

A verdade é que você nunca está sozinho quando faz arte. Você está em constante
diálogo com o que é e o que foi, e quanto mais próximo você puder entrar em sintonia
com essa discussão, melhor poderá servir ao trabalho que tem pela frente.
Intenção
Um velho em Calcutá caminhava todos os dias para buscar água em um poço. Ele carregava
um pote de barro e o abaixava com a mão lentamente, até o fundo, tomando cuidado para
não deixá-lo bater nas laterais do poço e quebrar.
Quando estivesse cheio, ele levantaria a panela lenta e cuidadosamente novamente. Foi
um ato focado e demorado.
Um dia, um viajante notou o velho empenhado nesta difícil tarefa.
Mais experiente em mecânica, mostrou ao velho como usar um sistema de polias.
“Isso permitirá que a panela desça rapidamente”, explicou o viajante, “depois encha de
água e volte a subir, sem bater nas laterais.
É muito mais fácil e o pote ficará igualmente cheio com muito menos trabalho.”
O velho olhou para ele e disse: “Acho que vou continuar fazendo isso do jeito que sempre
fiz. Eu realmente tenho que pensar em cada movimento e há muito cuidado para fazer isso
direito. Imagino que se usasse a polia seria mais fácil e poderia até começar a pensar em
outra coisa enquanto fazia isso. Se eu dedicar tão pouco cuidado e tempo a isso, qual seria o
gosto da água? Não poderia ter um gosto tão bom.
Nossos pensamentos, sentimentos, processos e crenças inconscientes possuem uma energia

que está oculta no trabalho. Esta força invisível e incomensurável dá a cada peça o seu
magnetismo. Um projeto concluído é composto apenas de nossa intenção e de nossos
experimentos em torno dele. Retire a intenção e tudo o que resta é a concha ornamental.
Embora o artista possa ter vários objetivos e motivações, há

apenas uma intenção. Este é o grande gesto da obra.
Não é um exercício de pensamento, uma meta a ser definida ou um meio de
mercantilização. É uma verdade que vive dentro de você. Ao vivê-la, essa verdade fica
incorporada no trabalho. Se o trabalho não representa quem você é e o que está
vivendo, como pode conter carga energética?
Uma intenção é mais que um propósito consciente, é a congruência desse propósito.
Requer um alinhamento de todos os aspectos de si mesmo. Do pensamento consciente
e das crenças inconscientes, das capacidades e do comprometimento, das ações
quando se trabalha ou não. É um estado de viver em harmonia consigo mesmo.
Nem todos os projetos levam tempo, mas levam uma vida inteira. Na caligrafia, o
trabalho é criado com um movimento do pincel. Toda a intenção está naquele movimento
único e concentrado. A linha é um reflexo da transferência de energia do ser do artista,
incluindo toda a história de suas experiências, pensamentos e apreensões, para a mão.
A energia criativa existe na jornada para a realização, não no ato de construir.
Nosso trabalho incorpora um propósito maior. Quer saibamos ou não, somos um canal
para o universo. O material é permitido através de nós. Se formos um canal claro, a
nossa intenção reflete a intenção do cosmos.
A maioria dos criadores se considera o maestro da orquestra. Se nos afastarmos
da nossa pequena visão da realidade, funcionaremos mais como instrumentistas numa
sinfonia muito maior que o universo está orquestrando.
Podemos não ter uma grande compreensão do que é esta obra-prima porque
vemos apenas o pequeno papel que desempenhamos.
As abelhas, atraídas pelo perfume da flor, pousam umas sobre as outras,
possibilitando inadvertidamente a reprodução. Se a abelha fosse extinta, não apenas
as flores, mas também os pássaros, os pequenos mamíferos e os humanos
provavelmente também deixariam de existir. É justo supor que a abelha não conhece o seu papel nes
quebra-cabeça interligado e na preservação do equilíbrio da natureza. A abelha está

simplesmente sendo.
Da mesma forma, a produção total da criatividade humana, em toda a sua amplitude
caleidoscópica, junta o tecido que forma a nossa cultura. A intenção subjacente ao nosso
trabalho é o aspecto que permite que ele se encaixe perfeitamente neste tecido.
Raramente, ou nunca, conhecemos a grande intenção, mas se nos rendermos ao impulso
criativo, a nossa peça singular do puzzle toma a sua forma adequada.
A intenção é tudo que existe. O trabalho é apenas um lembrete.
Regras
Uma regra é qualquer princípio orientador ou critério criativo. Pode existir dentro do artista, do
gênero ou da cultura. As regras, por sua natureza, são limitações.
As leis da matemática e da ciência são diferentes das regras que estamos examinando
aqui. Essas leis descrevem relações precisas no mundo físico, que sabemos serem verdadeiras
ao testá-las no próprio mundo.
As regras que os artistas aprendem são diferentes. São suposições, não absolutas.
Eles descrevem uma meta ou método para resultados de curto ou longo prazo. Eles estão lá
para serem testados. E eles só têm valor enquanto forem úteis.
Não são leis da natureza.
Todos os tipos de suposições se disfarçam de leis: uma sugestão de um livro de autoajuda,
algo ouvido em uma entrevista, a melhor dica do seu artista favorito, uma expressão cultural ou
algo que um professor lhe disse uma vez.
As regras nos direcionam para comportamentos medianos. Se pretendemos criar obras que
são excepcionais, a maioria das regras não se aplica. Média não é nada a que aspirar.
O objetivo não é se encaixar. Na verdade, é ampliar as diferenças, o que
não cabe, as características especiais únicas de como você vê o mundo.
Em vez de soar como os outros, valorize a sua própria voz. Desenvolva-o. Estimar
isto.
Assim que uma convenção for estabelecida, o trabalho mais interessante provavelmente
será aquele que não a segue. A razão para fazer arte é inovar e se expressar, mostrar algo
novo, compartilhar o que há dentro e comunicar sua perspectiva singular.
As pressões e expectativas vêm de diferentes direções. Os costumes da sociedade

ditam o que é certo e o que é errado, o que é aceito e desaprovado, o que é celebrado
e insultado.
Os artistas que definem cada geração são geralmente aqueles que vivem fora
dessas fronteiras. Não os artistas que incorporam as crenças e convenções do seu
tempo, mas aqueles que as transcendem. Arte é confronto. Amplia a realidade do
público, permitindo-lhe vislumbrar a vida através de uma janela diferente. Um com
potencial para uma nova visão gloriosa.
No início, abordamos nosso trabalho com um modelo do que veio antes. Se você
estiver escrevendo uma música, você pode pensar que ela deve ter de três a cinco
minutos de duração e uma certa quantidade de repetição.
Para um pássaro, um canto é uma coisa muito diferente. O pássaro não prefere um
formato de três a cinco minutos nem aceita o refrão como refrão, mas o canto do pássaro
é igualmente sonoro. E ainda mais intrínseco ao ser do pássaro. É um convite, um aviso,
uma forma de conexão, um meio de sobrevivência.
É uma prática saudável abordar nosso trabalho com o mínimo possível de regras,
pontos de partida e limitações aceitas. Freqüentemente, os padrões do meio que
escolhemos são tão onipresentes que os consideramos garantidos. Eles são invisíveis e
inquestionáveis. Isso torna quase impossível pensar fora do paradigma padrão.
Visite um museu de arte. A maioria das pinturas que você verá são telas esticadas
sobre uma moldura retangular de madeira, seja A Morte de Sócrates , de Jacques-Louis
David , ou as pinturas do Retábulo de Hilma af Klint. O conteúdo pode variar, mas os
materiais são consistentes. Existe um padrão geralmente aceito.
Se quiser pintar, é provável que você comece esticando a tela sobre uma moldura
retangular de madeira e apoiando-a em um cavalete. Com base apenas nas ferramentas
selecionadas, você já reduziu exponencialmente o que é possível, antes que uma única
gota de tinta entre em contato com a tela.
Assumimos que o equipamento e o formato fazem parte da própria forma de arte. No
entanto, a pintura pode ser qualquer coisa que envolva o uso da cor numa superfície
para um propósito estético ou comunicativo. Todas as outras decisões cabem ao artista.
Convenções semelhantes estão presentes na maioria das formas de arte: um livro tem um
certo número de páginas e é dividido em capítulos. Um longa-metragem dura de 90 a 120 minutos

e geralmente tem três atos. Incorporados em cada meio, existem conjuntos de normas que
restringem o nosso trabalho antes mesmo de começarmos.
Os gêneros, em particular, apresentam variações distintas nas regras. Um filme de terror, um
balé ou um álbum country – cada um vem com expectativas específicas. Assim que você usa um
rótulo para descrever aquilo em que está trabalhando, surge a tentação de obedecer às suas regras.
Os modelos do passado podem servir de inspiração nas fases iniciais, mas é útil pensar além
do que foi feito antes. O mundo não está esperando por mais do mesmo.
Muitas vezes, as ideias mais inovadoras vêm daqueles que dominam as regras a tal ponto que
conseguem ver além delas ou daqueles que nunca as aprenderam.
As regras mais enganosas não são aquelas que podemos ver, mas sim aquelas que não podemos.
Eles podem ser encontrados escondidos mais profundamente na mente, muitas vezes
despercebidos, um pouco além da nossa consciência. Regras que entraram em nosso pensamento
através da programação infantil, lições que esquecemos, osmose da cultura e emulação dos
artistas que nos inspiraram a experimentar por nós mesmos.
Essas regras podem nos servir ou limitar. Esteja ciente de quaisquer suposições baseadas na
sabedoria convencional.
As regras obedecidas inconscientemente são muito mais fortes do que aquelas estabelecidas propositalmente.
E é mais provável que prejudiquem o trabalho.
Toda inovação corre o risco de se tornar uma regra. E a inovação corre o risco de se tornar um fim
em si mesma.
Quando fazemos uma descoberta que serve ao nosso trabalho, não é incomum concretizá-la
em uma fórmula. Ocasionalmente, decidimos que esta fórmula é quem nós
é como artista. O que a nossa voz é e o que não é.
Embora isto possa beneficiar alguns fabricantes, pode ser uma limitação para outros.
Às vezes, uma fórmula tem retornos decrescentes. Outras vezes, não reconhecemos que a
fórmula é apenas um pequeno aspecto daquilo que dá responsabilidade ao trabalho.
É útil desafiar continuamente seu próprio processo. Se você obteve um bom resultado
usando um estilo, método ou condição de trabalho específico, não presuma que esse é o melhor
caminho. Ou do seu jeito. Ou a única maneira. Evite ser religioso sobre isso. Pode haver outras
estratégias que funcionem igualmente bem e permitam novas possibilidades, direções e
oportunidades.
Isso nem sempre é verdade, mas é algo a considerar.
Considerar todas as regras quebráveis é uma maneira saudável de viver como artista. Afrouxa
as restrições que promovem uma uniformidade previsível nos nossos métodos de trabalho.
À medida que você avança em sua carreira, pode desenvolver-se uma consistência que será
menos interessante com o tempo. Seu trabalho pode começar a parecer um trabalho ou uma
responsabilidade. Portanto, é útil observar se você trabalhou com a mesma paleta de cores o
tempo todo.
Comece o próximo projeto descartando essa paleta. A incerteza resultante pode ser uma
proposta emocionante e assustadora. Depois que você tiver uma nova estrutura, alguns
elementos do seu processo antigo poderão retornar ao trabalho, e tudo bem.
É útil lembrar que, quando você joga fora um manual antigo, ainda consegue manter as
habilidades que aprendeu ao longo do caminho. Essas habilidades conquistadas com dificuldade
transcendem as regras. Eles são seus para mantê-los. Imagine o que pode surgir quando você
sobrepõe um conjunto inteiramente novo de materiais e instruções ao seu conhecimento
acumulado.
À medida que você se afasta das regras familiares, você pode se deparar com regras mais
ocultas que o guiaram o tempo todo, sem o seu conhecimento.
Uma vez reconhecidas, essas regras podem ser divulgadas ou utilizadas com mais intenção.
Vale a pena testar qualquer regra, seja ela consciente ou inconsciente. Desafie suas
suposições e métodos. Você pode encontrar uma maneira melhor. E mesmo que não
seja melhor, você aprenderá com a experiência. Todos esses experimentos são como
lances livres. Você não tem nada a perder.
Cuidado com a suposição de

que a maneira como você
trabalha é a
melhor,
simplesmente porque é a maneira como você fez antes.
O oposto é verdadeiro
Para quaisquer regras

que você aceite sobre o que pode ou não ...
fazer como artista, o que sua ...
voz é ou não, o que é necessário para fazer o trabalho e o que . . .
você não precisa, valeria a pena tentar o oposto.
Se você é escultor, por exemplo, pode começar com a ideia de que o que
você está fazendo tem que existir no mundo material. Isso seria uma regra.
Explorar o oposto seria considerar como uma escultura pode existir sem ser
um objeto físico. Talvez o seu melhor trabalho possa ser concebido digital ou
conceitualmente, sem uma pegada sólida. Ou talvez não seja o seu melhor
trabalho, mas o processo de pensamento pode levá-lo a algum lugar novo e
intrigante.
Pense em uma regra como um desequilíbrio. A escuridão e a luz só têm
significado quando se relacionam uma com a outra. Sem um, o outro não existiria.
Eles são um sistema dinâmico compatível, como yin e yang.
Examine seus métodos e considere qual seria o oposto. O que equilibraria a
balança? Qual seria a luz para a sua escuridão ou a escuridão para a sua luz? Não
é incomum que um artista se concentre em uma das pontas da gangorra. Mesmo
que não optemos por criar do outro lado, compreender esta polaridade pode
informar as nossas escolhas.
Outra estratégia pode ser dobrar a aposta, pegar as cortinas que você está
atualmente trabalhando ao extremo.
Somente experimentando o equilíbrio você descobre onde está na gangorra.
Depois de identificar sua posição, você pode passar para o oposto
lado para encontrar o equilíbrio ou ir mais longe ao longo do membro em que você está, criando mais
alavancagem.
Para cada regra seguida, examine a possibilidade de que o oposto possa ser igualmente
interessante. Não necessariamente melhor, apenas diferente. Da mesma forma, você pode tentar o
oposto ou o extremo do que é sugerido nestas páginas e provavelmente será igualmente frutífero.
Audição
Ao ouvir, só existe o agora. Na prática budista, um sino é tocado como parte do ritual. O som puxa
instantaneamente o participante para o momento presente. É um pequeno lembrete para acordar.
Embora os olhos e a boca possam ser selados, o ouvido não tem tampa, nada para
fechar. Absorve o que o rodeia. Ele recebe, mas não pode transmitir.
O ouvido está simplesmente presente para o mundo.
Quando ouvimos, os sons entram no ouvido de forma autônoma. Freqüentemente, não temos
consciência de todos os sons individuais e de sua extensão completa.
Escutar é prestar atenção a esses sons, estar presente com eles, estar em comunhão com
eles. Embora dizer que ouvimos com os ouvidos ou com a mente possa ser um equívoco. Ouvimos
com todo o corpo, com todo o nosso ser.
As vibrações que preenchem o espaço que nos rodeia, o ato das ondas sonoras atingindo o
corpo, as percepções espaciais que indicam, as reações físicas internas que estimulam – tudo isso
faz parte da escuta. Certos sons graves podem ser sentidos apenas no corpo, não podem ser
percebidos pelos ouvidos.
A diferença pode ser notada ao ouvir música através
fones de ouvido em vez de alto-falantes.
Os fones de ouvido criam uma ilusão, enganando seus sentidos fazendo-os acreditar que você
está ouvindo tudo o que a música oferece. Muitos artistas se recusam a usar fones de ouvido no
estúdio, pois são uma réplica pobre da experiência auditiva do mundo real. Com os alto-falantes,
estamos mais próximos do som dos instrumentos na sala – imersos fisicamente em um espectro
sonoro completo de vibração.
Muitos de nós vivenciamos a vida como se a estivéssemos ouvindo através de um par de fones
de ouvido. Eliminamos o registro completo. Ouvimos informações, mas não detectamos as
vibrações mais sutis das sensações no corpo.
Quando você pratica ouvir com todo o eu, você expande o escopo de sua consciência para
incluir grandes quantidades de informações que de outra forma seriam perdidas e descobre mais
material para alimentar seu hábito artístico.
Se for música que você está ouvindo, considere fechar os olhos. Você pode se perder na
experiência. Quando a peça terminar, você poderá se surpreender com o local onde se encontra.
Você foi transportado para outro lugar. O lugar onde a música vive.
A comunicação se move em duas direções, mesmo quando uma pessoa fala e outra ouve em
silêncio.
Quando o ouvinte está totalmente presente, o falante geralmente se comunica de maneira
diferente. A maioria das pessoas não está acostumada a ser totalmente ouvida e isso pode ser
chocante para elas.
Às vezes, bloqueamos o fluxo de informações oferecidas e comprometemos a escuta

verdadeira. Nossa mente crítica pode entrar em ação, anotando o que concordamos e o que não
concordamos, ou o que gostamos e o que não gostamos. Podemos procurar razões para desconfiar
do orador ou torná-lo errado.
Formular uma opinião não é ouvir. Nem preparar uma resposta, nem defender a nossa posição
ou atacar a de outrem. Ouvir com impaciência é não ouvir absolutamente nada.
Ouvir é suspender a descrença.
Estamos recebendo abertamente. Prestar atenção sem ideias pré-concebidas.

O único objetivo é compreender plena e claramente o que está sendo transmitido, permanecendo
totalmente presente com o que está sendo expresso – e permitindo que seja o que é.
Qualquer coisa menos do que isso não é apenas um desserviço para quem fala, mas também para você mesmo.
Ao criar e defender uma história em sua própria cabeça, você perde informações que
podem alterar ou evoluir seus pensamentos atuais.
Se pudermos ir além da nossa resposta reflexiva, poderemos descobrir que há algo
mais por baixo que ressoa em nós ou ajuda a nossa compreensão.
A nova informação pode reforçar uma ideia, alterá-la ligeiramente ou revertê-la
completamente.
Ouvir sem preconceitos é como crescemos e aprendemos como pessoas. Na maioria
das vezes, não existem respostas certas, apenas perspectivas diferentes. Quanto mais
perspectivas podemos aprender a ver, maior se torna a nossa compreensão. Nosso filtro
pode começar a abordar com mais precisão o que realmente é, em vez de uma fatia
estreita interpretada através de nosso preconceito.
Independentemente do tipo de arte que você está fazendo, ouvir abre possibilidades.
Ele permite que você veja um mundo maior. Muitas de nossas crenças foram aprendidas
antes de termos escolha sobre o que nos ensinaram. Algumas delas podem remontar a
gerações e já não se aplicarem. Alguns podem nunca ter se candidatado.
Ouvir, então, não é apenas consciência. É a liberdade das limitações aceitas.
Paciência
Não existem atalhos.

O ganhador da loteria não fica feliz após a repentina mudança de sorte. A casa
construída às pressas raramente sobrevive à primeira tempestade. O resumo de uma
frase de um livro ou notícia não substitui a história completa.
Muitas vezes pegamos atalhos sem saber. Ao ouvir, tendemos a avançar e
generalizar a mensagem geral do orador. Perdemos as sutilezas do ponto, se não toda
a premissa. Além do pressuposto de que estamos a poupar tempo, este atalho também
evita o desconforto de desafiar as nossas histórias prevalecentes. E nossa visão de
mundo continua a diminuir.
O artista trabalha ativamente para experimentar a vida lentamente e depois reviver
a mesma coisa novamente. Ler devagar, ler e ler novamente.
Posso ler um parágrafo que inspira um pensamento e, enquanto meus olhos
continuam se movendo pela página no ato físico da leitura, minha mente ainda pode
estar perdida na ideia anterior. Não estou mais absorvendo informações.
Quando percebo isso, volto ao último parágrafo de que me lembro e começo a ler a
partir daí novamente. Às vezes são três ou quatro páginas atrás.
Reler até mesmo um parágrafo ou página bem compreendido pode ser revelador.
Novos significados, compreensões mais profundas, inspirações e nuances surgem e
entram em foco.
Ler, além de ouvir, comer e a maioria das atividades físicas, pode ser vivenciado
como dirigir: podemos participar no piloto automático ou com intenção concentrada.
Muitas vezes passamos a vida sonâmbulos. Considere quão diferente sua experiência
de mundo poderia ser se você se envolvesse em todas as atividades com a mesma
atenção que dedicaria ao pouso de um avião.
Há aqueles que abordam as oportunidades de cada dia como riscando itens de uma lista
de tarefas, em vez de realmente se envolverem e participarem com todos eles.
Nossa busca contínua por eficiência desencoraja olhar muito profundamente. A pressão
para entregar não nos dá tempo para considerar todas as possibilidades. No entanto, é
através da ação deliberada e da repetição que obtemos uma visão mais profunda.
Paciência é necessária para o

desenvolvimento diferenciado de seu ofício.
É preciso paciência para captar as

informações da forma mais fiel possível.
É necessária paciência para elaborar um trabalho

que ressoe e contenha tudo o que temos a oferecer.
Cada fase do trabalho e da vida de um artista se beneficia do cultivo desse hábito

alcançável.
A paciência é desenvolvida de forma muito semelhante à consciência. Através da
aceitação do que é. A impaciência é uma discussão com a realidade. O desejo de que algo
seja diferente do que estamos vivenciando aqui e agora. Um desejo de que o tempo acelere,
que o amanhã chegue mais cedo, que reviva o ontem, ou que feche os olhos e depois abra-
os e se encontre em outro lugar.
O tempo é algo sobre o qual não temos controle. Portanto, a paciência começa com a
aceitação dos ritmos naturais. O benefício implícito da impaciência é economizar tempo
acelerando e saltando à frente desses ritmos. Paradoxalmente, isso acaba demorando mais
e gastando mais energia. É um esforço desperdiçado.
Quando se trata do processo criativo, paciência é aceitar que a maior parte do trabalho
que fazemos está fora do nosso controle. Não podemos forçar a grandeza a acontecer. Tudo
o que podemos fazer é convidá-lo e aguardá-lo ativamente. Não ansiosamente, pois isso
pode assustá-lo. Simplesmente num estado de acolhimento contínuo.
Se retirarmos o tempo da equação do desenvolvimento de uma obra, o que nos resta é a paciência.
Não apenas para o desenvolvimento da obra, mas para o desenvolvimento do artista como um todo. Mesmo
as obras-primas que foram produzidas em prazos apertados são a soma de décadas gastas trabalhando
pacientemente em outras obras.
Se existe uma regra para a criatividade que é menos quebrável que as outras, é aquela
a necessidade de paciência está sempre presente.
Mente de iniciante
Há cerca de três mil anos, na China, foi desenvolvido o jogo de tabuleiro estratégico
Go. Alguns acreditam que os senhores da guerra e os generais basearam-se nas
pedras que colocaram nos mapas para determinar os seus planos de batalha. Além de
ser o jogo de tabuleiro mais antigo da história da humanidade, é também um dos mais
complexos.
Nos tempos modernos, vencer este jogo tornou-se conhecido na comunidade de
inteligência artificial como o Santo Graal. Como o número de configurações possíveis
no tabuleiro é maior que o número de átomos no universo, acreditava-se que os
computadores não tinham o poder de processamento necessário para vencer um
jogador humano habilidoso.
À altura do desafio, os cientistas construíram um programa de inteligência artificial
chamado AlphaGo. O programa aprendeu a jogar ensinando-se sozinho, estudando
mais de 100 mil jogos anteriores. Em seguida, jogou contra si mesmo repetidamente
até estar pronto para desafiar o grande mestre reinante do jogo.
No lance 37 da segunda partida, a máquina se deparou com uma decisão que
determinaria a forma como o resto do jogo seria disputado. Havia duas escolhas
aparentes a serem feitas. A escolha A era o tipo de movimento que sinalizaria que o
computador estava jogando um jogo ofensivo. A escolha B sinalizaria que estava
jogando um jogo defensivo.
Em vez disso, o computador decidiu fazer um terceiro movimento, um movimento
que ninguém mergulhado no jogo jamais havia feito em milhares de anos de jogo.
“Nem um único jogador humano escolheria o lance 37”, disse um comentarista. A
maioria achou que foi um erro ou simplesmente uma má jogada.
O grande mestre que jogava contra a máquina ficou tão surpreso que se levantou e
saiu da sala. Ele finalmente retornou, não com sua habitual compostura confiante, mas
visivelmente abalado e frustrado pela experiência. No final, AlphaGo venceu o jogo. E
esse movimento nunca visto antes, dizem os especialistas, foi o que mudou o rumo do
jogo a favor da IA.
No final, o computador venceu quatro das cinco partidas, e o

o grande mestre aposentou-se permanentemente da competição.
Ao ouvir essa história pela primeira vez, comecei a chorar e fiquei confuso com essa
súbita onda de emoção. Após mais reflexão, percebi que a história falava do poder da
pureza no ato criativo.
O que foi que permitiu a uma máquina conceber um movimento que ninguém
mergulhado no jogo jamais havia feito em milhares de anos de jogo?
Não era necessariamente sua inteligência. Foi o facto de a máquina ter aprendido o
jogo do zero, sem treinador, sem intervenção humana, sem lições baseadas na
experiência passada de um especialista. A IA seguiu as regras fixas, não os milénios de
normas culturais aceites que lhes estão associadas. Não levou em consideração as
tradições e convenções do Go com três mil anos de idade. Não aceitou a narrativa de
como jogar este jogo corretamente. Não foi retido por crenças limitantes.
E então este não foi apenas um evento marcante no desenvolvimento da IA. Foi a
primeira vez que Go foi jogado com todo o espectro de possibilidades disponíveis.
Do zero, AlphaGo foi capaz de inovar, inventar algo completamente novo e transformar
o jogo para sempre. Se tivesse sido ensinado a jogar por humanos, provavelmente não
teria vencido o torneio.
O especialista do One Go comentou: “Depois que a humanidade passou milhares de
anos melhorando nossas táticas, os computadores nos dizem que os humanos são
tocou no completamente, eu chegaria ao ponto de dizer que nem um único humano
errado. . . limite da verdade de Go.”
Para ver o que nenhum ser humano viu antes, para saber o que nenhum ser humano conheceu
antes, para criar como nenhum ser humano criou antes, pode ser necessário ver como se fosse
através de olhos que nunca viram, saber através de uma mente que nunca pensou. , crie com
mãos que nunca foram treinadas.
Esta é a mente de principiante – um dos estados de ser mais difíceis de habitar para um artista,
precisamente porque envolve abandonar o que as nossas experiências nos ensinaram.
A mente do iniciante está partindo de um estado puramente infantil de não saber.

Viver o momento com o mínimo de crenças fixas possível. Ver as coisas como elas são
apresentadas. Sintonizar o que nos anima no momento, em vez do que achamos que funcionará.
E tomando nossas decisões de acordo.
Quaisquer ideias preconcebidas e convenções aceitas limitam o que é possível.
Tendemos a acreditar que quanto mais sabemos, mais claramente podemos ver as
possibilidades disponíveis. Este não é o caso. O impossível só se torna acessível quando a
experiência não nos ensina limites. O computador venceu porque sabia mais que o grande mestre
ou porque sabia menos?
Há um grande poder em não saber. Quando nos deparamos com uma tarefa desafiadora,
podemos dizer a nós mesmos que é muito difícil, que não vale a pena o esforço, que não é a
maneira como as coisas são feitas, que provavelmente não funcionará ou que provavelmente não funcionará .
nós.
Se abordarmos uma tarefa com ignorância, ela poderá remover a barricada do conhecimento
que bloqueia o progresso. Curiosamente, não estar consciente de um desafio pode ser exatamente
o que precisamos para enfrentá-lo.
A inocência traz inovação. A falta de conhecimento pode criar mais aberturas para abrir novos
caminhos. Os Ramones pensaram que estavam fazendo pop chiclete mainstream. Para a maioria
dos outros, apenas o conteúdo das letras – sobre lobotomias, cheirar cola e cabeças de alfinete –
era suficiente para desafiar essa suposição.
Embora a banda se considerasse o próximo Bay City Rollers, eles involuntariamente inventaram
o punk rock e iniciaram uma revolução contracultural.
Embora a música dos Bay City Rollers tenha tido grande sucesso em sua época, a
abordagem singular do rock and roll dos Ramones tornou-se mais popular e influente. De
todas as explicações dos Ramones, a mais adequada pode ser: inovação através da
ignorância.
A experiência fornece sabedoria para extrair, mas modera o poder da ingenuidade. O

passado pode ser um professor, oferecendo métodos testados e comprovados, familiaridade
com os padrões do ofício, consciência dos riscos potenciais e, em alguns casos,
virtuosismo. Isso nos atrai para um padrão que nos absolve da oportunidade de nos
envolvermos inocentemente na tarefa que temos em mãos.
Quanto mais arraigada for a abordagem adotada, mais difícil será enxergar além dela.
Embora a experiência não exclua a inovação, ela pode torná-la mais difícil
acessar.
Os animais, assim como as crianças, não têm dificuldade em tomar decisões. Eles
agem por instinto inato e não por comportamento aprendido. Esta força primitiva contém
uma sabedoria antiga que a ciência ainda não conseguiu alcançar.
Esses superpoderes infantis incluem estar no momento, valorizar a brincadeira acima
de tudo, não ter consideração pelas consequências, ser radicalmente honesto sem
consideração e ter a capacidade de passar livremente de uma emoção para outra sem se
apegar à história. Para as crianças, cada momento é tudo o que existe. Sem futuro, sem
passado. Eu quero agora, estou com fome, estou cansado.
Tudo pura autenticidade.
Os grandes artistas ao longo da história são os que conseguem manter naturalmente
esse entusiasmo e exuberância infantil. Assim como uma criança é egoísta, ela protege
sua arte de uma forma que nem sempre é cooperativa. Suas necessidades como criadores
estão em primeiro lugar. Muitas vezes às custas de suas vidas e relacionamentos pessoais.
Para um dos cantores e compositores mais queridos de todos os tempos, se a

inspiração surgir, ela terá precedência sobre outras obrigações. Seus amigos e familiares
entendem que no meio de uma refeição, conversa ou evento, se uma música tocar, ele
sairá de cena e atenderá, sem explicação.
Vale a pena aspirar a acessar o espírito infantil em nossa arte e em nossas vidas. É simples
de fazer se você não acumulou muitos hábitos e pensamentos fixos.
Se tiver, é muito difícil. Quase impossível.
Uma criança não tem um conjunto de premissas nas quais se baseie para dar sentido ao
mundo. Pode servir para você fazer o mesmo. Qualquer rótulo que você assuma antes de começar
a criar, mesmo um tão fundamental como escultor, rapper, autor ou empresário, pode estar
fazendo mais mal do que bem. Retire os rótulos. Agora, como você vê o mundo?
Tente experimentar tudo como se fosse a primeira vez. Se você cresceu em uma cidade sem
litoral da qual nunca saiu, a primeira vez que viajou e viu o oceano provavelmente seria uma
experiência dramática e inspiradora. Se você passasse a vida inteira morando perto do oceano,
sua experiência quase certamente seria menos dramática.
Quando você vê o que está presente ao seu redor como se fosse a primeira vez, você começa
para perceber como tudo isso é surpreendente.
Como artistas, pretendemos viver de uma forma que vejamos o extraordinário escondido no
aparentemente mundano. Depois, desafie-nos a partilhar o que vemos de uma forma que permita
aos outros um vislumbre desta beleza notável.
Talento é a capacidade de permitir

que ideias se manifestem através de você.
Inspiração
Aparece em um momento.
Uma concepção imaculada.
Um flash divino de luz. Uma ideia que de outra forma exigiria trabalho para se
desenvolver de repente floresce em uma única inspiração.
O que define a inspiração é a qualidade e a quantidade do download. A uma velocidade
tão instantânea que parece impossível de processar. A inspiração é o combustível do
foguete que alimenta nosso trabalho. É uma conversa universal da qual desejamos fazer
parte.
A palavra vem do latim – inspirare, que significa inspirar ou soprar.
Para que os pulmões inspirem ar, eles devem primeiro ser esvaziados. Para que a
mente se inspire, ela precisa de espaço para acolher o novo. O universo busca equilíbrio.
Através desta ausência, você está convidando energia para entrar.
O mesmo princípio se aplica a tudo na vida. Se procuramos um relacionamento
quando já o temos, então estamos satisfeitos. Não há espaço para o novo entrar. E não
conseguimos acolher no relacionamento que queremos.
Para criar espaço para inspiração, podemos considerar práticas para aquietar a mente:
meditação, consciência, silêncio, contemplação, oração, qualquer ritual que nos ajude a
afastar a distração e a papancha.
A própria respiração é um veículo potente para acalmar nossos pensamentos, criar
espaço e entrar em sintonia. Ela não pode garantir que a inspiração virá, embora a vaga
possa atrair a musa para a brincadeira.
Considerada de forma mais espiritual, inspiração significa dar vida a algo. Uma
interpretação antiga define-o como a influência imediata do divino. Para o
artista, a inspiração é um sopro de força criativa extraído instantaneamente de fora de nosso pequeno
eu. Não podemos ter certeza de onde se origina essa centelha de insight.
É útil saber que não estamos sozinhos.
Quando a inspiração chega, é invariavelmente energizante. Mas não é algo em que confiar. Uma
vida artística não pode ser construída apenas em torno da espera.
A inspiração está fora de nosso controle e pode ser difícil de encontrar. É necessário esforço e os
convites devem ser estendidos. Na sua ausência, poderemos trabalhar em outras áreas do projeto
independentes desta transmissão cósmica.
As epifanias estão escondidas nos momentos mais comuns: a projeção de uma sombra, o cheiro
de um fósforo acendendo, uma frase incomum ouvida ou mal ouvida. A dedicação à prática de
comparecer regularmente é o principal requisito.
Para variar sua inspiração, considere variar suas contribuições. Desligue o som para assistir a um
filme, ouça a mesma música repetidamente, leia apenas a primeira palavra de cada frase de um conto,
organize as pedras por tamanho ou cor, aprenda a ter sonhos lúcidos.
Quebre hábitos.
Procure diferenças.
Observe as conexões.
Um indicador de inspiração é a admiração. Tendemos a considerar muitas coisas como garantidas.

Como podemos superar a desconexão e a dessensibilização em direção às incríveis maravilhas da
natureza e da engenharia humana ao nosso redor?
A maior parte do que vemos no mundo tem o potencial de inspirar espanto se for visto de uma
perspectiva menos cansada. Treine-se para ver a admiração por trás do óbvio. Olhe para o mundo
deste ponto de vista sempre que possível. Mergulhe.
A beleza que nos rodeia enriquece nossas vidas de muitas maneiras. É um fim em si mesmo. E dá
um exemplo para o nosso próprio trabalho. Podemos ter como objetivo desenvolver um olhar para a
harmonia e o equilíbrio, como se as nossas criações sempre estivessem aqui, como montanhas ou
penas.
Aproveite a onda enquanto ela puder ser surfada. Se você tiver a sorte de experimentar a inspiração,
aproveite ao máximo o acesso. Permaneça na energia deste momento rarefeito enquanto ele durar.
Ao fluir, continue.
Se você é um escritor e aproveita um fluxo de ideias antes de dormir, talvez queira ficar com isso
até o amanhecer. Se você é músico e atingiu seu objetivo de criar uma ou dez músicas, mas a música
ainda está surgindo, capture tudo o que puder.
O trabalho produzido não poderá ser utilizado no projeto atual, mas poderá ser útil em outro
momento. Ou pode não ser. A tarefa do artista é simplesmente reconhecer a transmissão e
permanecer com ela em gratidão, até que ela realmente siga seu curso.
Em termos de prioridade, a inspiração vem em primeiro lugar. Você vem em seguida. O público
vem por último.
São momentos especiais e devem ser tratados com a maior dedicação.

Nossos horários são deixados de lado quando chegam esses momentos fugazes de iluminação.
Reúna suas forças e comprometa-se em prol desta oferta, mesmo quando ela surgir em um momento
inoportuno. Esta é a obrigação do artista sério.
John Lennon certa vez aconselhou que se você começar uma música, escreva-a até o fim
naquela sessão. A inspiração inicial contém uma vitalidade que pode transportá-lo por toda a peça.
Não se preocupe se algumas das partes ainda não forem tudo o que poderiam ser. Faça um rascunho.
Uma versão completa e imperfeita geralmente é mais útil do que um fragmento aparentemente
perfeito.
Quando uma ideia se forma ou um gancho é escrito, podemos sentir que deciframos o código e
o resto cuidará de si mesmo. Se nos afastarmos e deixarmos a centelha inicial desaparecer,
poderemos voltar e descobrir que não é tão fácil reacender. Pense na inspiração como uma força
não imune às leis da entropia.
Hábitos
A primeira coisa que eu mostraria aos jogadores em nosso primeiro dia de treinamento era como
reservar um pouco mais de tempo para calçar os sapatos e as meias corretamente.
A parte mais importante do seu equipamento são os sapatos e as meias. Você joga em um
chão duro. Então você deve ter sapatos que caibam bem. E você não deve permitir que suas
meias tenham rugas ao redor do dedinho do pé – onde geralmente ficam bolhas – ou ao redor
dos calcanhares.
Mostrei aos meus jogadores como queria que fizessem. Segure a meia, passe-a na região
do dedinho do pé e na região do calcanhar para que não haja rugas. Suavize bem. Em seguida,
segure a meia enquanto calça o sapato. E o sapato deve ser aberto - não apenas puxado nos
cadarços superiores.
Você aperta bem em cada ilhó. Aí você amarra. E então você amarra duas vezes para que
não se desfaça - porque não quero que os sapatos sejam desamarrados durante o treino ou
durante o jogo. Eu não quero que isso aconteça.
Esse é apenas um pequeno detalhe que os treinadores devem aproveitar, porque são os
pequenos detalhes que fazem acontecer as grandes coisas.
Os sentimentos acima são de John Wooden, o treinador de maior sucesso na

história do basquete universitário. Suas equipes venceram mais jogos e campeonatos
consecutivos do que qualquer outra na história.
Deve ter sido frustrante para esses atletas de elite, que queriam entrar em quadra
e mostrar o que podiam fazer, chegar ao treino pela primeira vez com esse lendário
treinador e ouvi-lo dizer: Hoje vamos aprender a amarrar os sapatos .
O que Wooden queria dizer era que criar hábitos eficazes, nos mínimos detalhes,
é o que faz a diferença entre ganhar e perder jogos. Cada hábito pode parecer
pequeno, mas somados, eles têm um efeito exponencial no desempenho. Apenas
um hábito, no topo de qualquer área, pode ser suficiente para dar vantagem sobre a
concorrência.
Wooden considerou todos os aspectos do jogo onde um problema poderia surgir,

e treinou seus jogadores para cada um. Repetidamente. Até que se tornaram hábitos.
O objetivo foi um desempenho imaculado. Wooden costumava dizer que a única pessoa
contra quem você compete é você mesmo. O resto está fora do seu controle.
Essa forma de pensar também se aplica à vida criativa. Tanto para o artista quanto
para o atleta, os detalhes importam, quer os jogadores reconheçam sua importância ou não.
Bons hábitos criam boa arte. A maneira como fazemos qualquer coisa é a maneira
como fazemos tudo. Trate cada escolha que você fizer, cada ação que você realizar, cada
palavra que você proferir com cuidado hábil. O objetivo é viver sua vida a serviço da arte.
Considere estabelecer uma estrutura consistente em torno do seu processo criativo. Muitas
vezes acontece que quanto mais definido for o seu regime pessoal, mais liberdade você
terá dentro dessa estrutura para se expressar.
Disciplina e liberdade parecem opostas. Na verdade, eles são parceiros.
Disciplina não é falta de liberdade, é uma relação harmoniosa com o tempo.
Gerenciar bem sua agenda e seus hábitos diários é um componente necessário para liberar
a capacidade prática e criativa para fazer grande arte.
Pode-se até dizer que uma eficiência focada na vida é mais importante do que no
trabalho. Abordar os aspectos práticos do seu dia com precisão militar permite que as
janelas artísticas se abram com liberdade infantil.
Os hábitos que apoiam a criatividade podem começar no momento em que você acorda todos os dias.
Isso pode incluir olhar para a luz do sol antes da luz da tela, meditar (ao ar livre, se
possível), fazer exercícios e tomar banho em água fria antes de iniciar o tempo criativo em
um espaço adequado.
Esses hábitos parecem diferentes para cada pessoa e talvez diferentes para o mesmo
artista no dia a dia. Você pode sentar-se na floresta, prestar atenção aos seus pensamentos
e fazer anotações. Ou dirija um carro por uma hora, sem destino em mente, ouvindo música
clássica e vendo se surge alguma faísca.
É útil definir horários de expediente programados ou períodos ininterruptos de brincadeiras

alegres que permitam que sua imaginação voe. Para uma pessoa, essa janela de tempo pode ser
de três horas, para outras trinta minutos. Alguns preferem trabalhar do anoitecer ao amanhecer,
enquanto outros criam sessões de vinte minutos, com intervalos de cinco minutos entre cada uma.
Encontre os rituais sustentáveis que melhor apoiam o seu trabalho. Se você estabelecer uma
rotina opressiva, provavelmente encontrará desculpas para não comparecer. É do interesse da
sua arte criar um cronograma facilmente alcançável para começar.
Se você se comprometer a trabalhar meia hora por dia, algo bom pode acontecer e gerar
impulso. Você pode então olhar para o relógio e perceber que está trabalhando há duas horas. A
opção está sempre aberta para estender suas horas criativas assim que o hábito for formado.
Sinta-se à vontade para experimentar. O objetivo é comprometer-se com uma estrutura que
possa ganhar vida própria, em vez de criar apenas quando estiver com vontade. Ou começar cada
dia com a questão de como e quando você vai trabalhar na sua arte.
Coloque a tomada de decisão no trabalho, não em quando trabalhar. Quanto mais você reduz
suas tarefas diárias de manutenção, maior será a largura de banda disponível para decisões
criativas. Albert Einstein usava a mesma coisa diariamente: um terno cinza. Erik Satie tinha sete
roupas idênticas, uma para cada dia da semana.
Limite suas escolhas práticas para liberar sua imaginação criativa.
Todos ansiamos por estabelecer novos hábitos saudáveis e produtivos, como fazer exercício,
comer mais alimentos locais e naturais ou praticar o nosso artesanato com mais regularidade.
Mas com que frequência consideramos examinar e eliminar os hábitos que atualmente
impulsionam os nossos dias? Quantas vezes consideramos os comportamentos aceitos como “o
jeito que as pessoas são” ou “o jeito que nós somos” apenas como hábitos?
Cada um de nós tem hábitos automáticos. Temos hábitos em movimento. Hábitos de fala,
pensamento e percepção. Hábitos de sermos nós mesmos. Alguns deles são praticados todos os
dias desde que éramos crianças. Um caminho é esculpido no cérebro e torna-se difícil de mudar.
A maioria desses hábitos controla
nós, além das nossas decisões, a ponto de funcionarem de forma autônoma e

automática, como a regulação da nossa temperatura corporal.
Recentemente aprendi uma maneira diferente de nadar. Parecia estranho e contra-
intuitivo, porque aprendi a nadar quando era muito jovem. Meu método anterior estava
tão arraigado que nem precisei pensar sobre isso. Eu sabia como fazer isso sem
esforço. Funcionou bem o suficiente para me levar de um lado a outro da piscina,
embora houvesse outras maneiras que poderiam me levar mais longe, mais rápido e
com mais facilidade.
Em nossas atividades artísticas, também contamos com hábitos para ir de um
ponto a outro. Alguns deles não servem o trabalho ou prejudicam o seu progresso.
Quando permanecemos abertos e prestamos muita atenção, é possível reconhecer
esses hábitos menos úteis e suavizar o seu feitiço. E comece a explorar novas práticas.
Aqueles que entram e saem de nossas vidas criativas como colaboradores
temporários, permanecendo enquanto servem o trabalho e partindo quando não são
mais benéficos.
Pensamentos e hábitos não propícios ao trabalho:
Acreditar que você não é bom o suficiente.
Sentir que não tem a energia necessária.
Confundindo regras adotadas com verdades absolutas.
Não querer fazer o trabalho (preguiça).
Não levar o trabalho à sua expressão máxima (acomodação).
Ter metas tão ambiciosas que você não consegue começar.
Pensar que você só pode fazer o seu melhor trabalho em determinadas condições.
Requer ferramentas ou equipamentos específicos para realizar o trabalho.
Abandonar um projeto assim que fica difícil.
Sentir que precisa de permissão para começar ou seguir em frente.
Deixar que uma necessidade percebida de financiamento, equipamento ou suporte atrapalhe.
Ter muitas ideias e não saber por onde começar.
Nunca finalizando projetos.
Culpar as circunstâncias ou outras pessoas por interferirem no seu processo.
Romantizar comportamentos negativos ou vícios.
Acreditar em um determinado humor ou estado é necessário para fazer o seu melhor trabalho.
Priorizar outras atividades e responsabilidades em detrimento do seu compromisso de fazer arte.
Distração e procrastinação.
Impaciência.
Pensar que qualquer coisa que está fora do seu controle está no seu caminho.
Crie um ambiente
onde você é livre para
expressar o que tem medo de expressar.
Sementes
Na primeira fase do processo criativo, devemos estar completamente abertos, colecionando tudo o que
acharmos de interesse.
Podemos chamar isso de fase Semente. Estamos em busca de possíveis pontos de partida que, com
amor e carinho, possam se transformar em algo lindo. Nesta fase, não as comparamos para encontrar a
melhor semente. Nós simplesmente os reunimos.
A semente de uma música pode ser uma frase, uma melodia, uma linha de baixo ou uma sensação
rítmica.
Para uma peça escrita, pode ser uma frase, um esboço de personagem, um cenário, uma tese ou um
ponto de virada.
Para uma estrutura, uma forma, uma escolha de material, uma função ou as propriedades naturais
de um local.
E para uma empresa, pode ser um inconveniente comum, uma necessidade social,
um avanço técnico ou um interesse pessoal.

Coletar sementes normalmente não envolve muito esforço.
É mais um recebimento de uma transmissão. Um aviso.
Como se estivéssemos pescando, caminhamos até a água, colocamos a isca no anzol, lançamos a linha e
espere pacientemente. Não podemos controlar o peixe, apenas a presença da nossa linha.
O artista lança uma linha para o universo. Não podemos escolher quando surge uma observação ou
inspiração. Só podemos estar lá para recebê-lo. Tal como acontece com a meditação, o nosso envolvimento
no processo é o que permite o resultado.
A coleta de sementes é melhor abordada com consciência ativa e sem limites.
curiosidade. Não pode ser musculado, embora talvez possa ser desejado.
À medida que as sementes chegam, tirar conclusões sobre o seu valor ou destino pode
prejudicar o seu potencial natural. Nessa fase, o trabalho do artista é coletar sementes,
plantá-las, regá-las com atenção e ver se criam raízes.
Ter uma visão específica do que uma semente se tornará poderá servir como um guia
útil em fases posteriores. Nesta fase inicial, pode eliminar possibilidades mais interessantes.
Uma ideia que parece ter menos vitalidade pode transformar-se num belo trabalho.
Outras vezes, a semente mais interessante pode não produzir frutos. É muito cedo para
dizer. Até que estejamos mais avançados no processo e a ideia tenha sido desenvolvida,
é impossível avaliar com precisão esses germes de uma ideia. A semente apropriada se
revelará com o tempo.
Colocar muita ênfase em uma semente ou descartá-la prematuramente pode interferir
no seu crescimento natural. A tentação de se inserir demais nesta primeira fase pode
prejudicar todo o empreendimento. Tenha cuidado ao usar atalhos ou riscar itens da sua
lista muito rapidamente.
A semente que não é regada não pode revelar a sua capacidade de dar frutos.
Colete muitas sementes e então, com o tempo, olhe para trás e veja quais delas ressoam.
Às vezes estamos demasiado perto deles para reconhecer o seu verdadeiro potencial, e
outras vezes o momento mágico que inspirou a existência de uma semente é maior do
que a própria semente.
Geralmente é preferível acumular ideias de várias semanas ou meses e depois
escolher em qual delas focar, em vez de seguir um impulso ou obrigação de correr para a
linha de chegada com o que está diante de nós hoje.
Quanto mais sementes você acumular, mais fácil será julgar. Se você coletou cem
sementes, poderá descobrir que a semente número cinquenta e quatro fala com você de
uma forma que nenhuma das outras fala. Se o número cinquenta e quatro for sua única
escolha, sem outras sementes para contextualizar, será mais difícil dizer.
Quando fazemos suposições sobre quais sementes não funcionarão ou podem não
se adequar ao que acreditamos ser a nossa identidade artística, podemos ser impedidos
de crescer como criadores. Às vezes, o propósito de uma semente é nos impulsionar em um
direção completamente nova. Ao longo do caminho, pode transformar-se em algo que dificilmente
se assemelha à sua forma original e tornar-se o nosso melhor trabalho até agora.
Neste momento, é útil pensar no trabalho como algo maior do que nós. Cultivar um
sentimento de admiração e admiração pelo que é possível e reconhecer que essa produtividade
não é gerada apenas pelas nossas mãos.
O trabalho se revela conforme você avança.

Experimentação
Coletamos um punhado de sementes – de pontos de partida e potencialidades.

Entramos agora na segunda etapa, a fase de Experimentação.
Alimentados pela excitação inicial de descobrir um ponto de partida, brincamos com diferentes
combinações e possibilidades para ver se alguma delas revela como a semente quer se desenvolver.
Pense nisso como uma busca pela vida. Estamos tentando ver se conseguimos fazer com que as
sementes criem raízes e germinem um caule.
Não existe uma maneira certa de experimentar. De modo geral, queremos começar a interagir
com as sementes, desenvolvendo o nosso ponto de partida em diferentes direções. Estamos cultivando
cada semente, da mesma forma que um jardineiro cria condições ideais para promover o crescimento.
Esta é uma das partes divertidas de um projeto, porque nada está em jogo. Você pode brincar
com as formas e ver o que toma forma. Não há regras.
O cultivo será diferente para cada artista e para cada semente.
Se a semente for um personagem de um romance, talvez ampliemos o mundo em que eles vivem,
desenvolvamos uma história de fundo ou nos tornemos o personagem e comecemos a escrever do
ponto de vista deles.
Se a semente for uma história para um filme, podemos querer explorar vários cenários.
Podem ser diferentes países, comunidades, períodos de tempo ou realidades.
As peças de Shakespeare, por exemplo, foram adaptadas para filmes centrados em tudo, desde
gangues de rua de Nova York a samurais, de Santa Mônica ao espaço sideral.
Existem inúmeras direções para explorar, e nunca sabemos qual nos guiará para um beco sem
saída e qual nos levará a novos reinos até que a testemos. No caso de uma música, um vocalista pode
responder muito rapidamente a uma faixa musical
e a melodia se revelará imediatamente. Outras vezes, embora o cantor ache a faixa musical
atraente, ele a ouvirá mil vezes e nada sairá dela.
Nesta fase, não estamos analisando qual iteração progride mais rápido ou mais longe,
mas qual é a mais promissora. Focamos no florescimento e esperamos podar. Geramos
possibilidades em vez de eliminá-las.
A edição prematura pode fechar rotas que podem levar a belas paisagens nunca antes vistas.
Na fase de Experimentação, as conclusões são encontradas. Eles nos surpreendem ou

desafiam com mais frequência do que atendem às nossas expectativas.
Os antigos alquimistas chineses em busca da imortalidade misturavam salitre, enxofre e
carvão. Eles descobriram outra coisa: pólvora. Inúmeras outras invenções – penicilina,
plástico, marcapassos, post-its – foram descobertas por acidente. Considere quantas
inovações que poderiam ter mudado o mundo foram perdidas porque alguém estava tão
focado em seu objetivo que perdeu a revelação que estava bem na sua frente.
O cerne do experimento é o mistério. Não podemos prever onde uma semente irá levar
ou se criará raízes. Permaneça aberto ao novo e ao desconhecido. Comece com um ponto
de interrogação e embarque em uma jornada de descoberta.
Aproveite ao máximo a energia inerente à própria semente e faça o que for possível para
não perturbá-la. Você pode ficar tentado a intervir e direcionar seu desenvolvimento para um
objetivo específico ou ideia pré-concebida. Isto pode não levar às suas possibilidades mais
produtivas nesta fase do processo.
Permita que a semente siga seu próprio caminho em direção ao sol. A hora de
discriminar virá mais tarde. Por enquanto, deixe espaço para a magia entrar.
Nem toda semente deve crescer. Mas pode ser que haja um momento certo para cada um.
Se uma semente não parece estar se desenvolvendo ou respondendo, considere armazená-la
em vez de descartá-lo.
Na natureza, algumas sementes permanecem dormentes em antecipação à estação mais
propícia ao seu crescimento. Isto também se aplica à arte. Há ideias cujo tempo ainda não
chegou. Ou talvez tenha chegado a hora deles, mas você ainda não está pronto para interagir
com eles. Outras vezes, desenvolver uma semente diferente pode lançar luz sobre uma
semente dormente.
Algumas sementes estão prontas para germinar instantaneamente. Você pode começar a
experimentar e concluir o trabalho e ficar satisfeito com o resultado. Ou você pode chegar na
metade do projeto e não ter certeza de onde ele quer ir.
À medida que perdemos o entusiasmo, muitas vezes continuamos a trabalhar numa

semente, acreditando que o trabalho tem que resultar para melhor porque investimos muito
tempo nele. Se a energia continuar a cair, não significa necessariamente que a semente seja
má. Talvez não tenhamos encontrado o experimento certo para isso.
Talvez precisemos nos afastar por um tempo e mudar a perspectiva. Podemos optar por
recomeçar ou deixá-lo de lado por um tempo e examinar os outros.
O resultado não depende de nós. Dê alguma atenção a cada semente, independentemente

do que você acredita que seja o seu potencial e procure uma bela resposta.
Se você tem apenas uma semente – uma visão muito específica que deseja realizar – tudo
bem. Não existe um caminho certo. Você pode considerar a possibilidade, entretanto, de que
isso acabe sendo uma limitação, porque você não está mais aproveitando tudo o que tem
dentro de você. Estar aberto às possibilidades leva você a um lugar que deseja ir e que talvez
não soubesse que queria chegar.
Se você sabe o que quer fazer e o faz, esse é o trabalho de um artesão. Se você começa
com uma pergunta e a utiliza para guiar uma aventura de descoberta, esse é o trabalho do
artista. As surpresas ao longo do caminho podem expandir o seu trabalho e até a própria forma
de arte.
Quando uma planta está florescendo, podemos ver a vida brotar de cada caule, folha e flor.
Como sabemos quando uma ideia está florescendo?
Muitas vezes as indicações mais precisas são emocionais e não intelectuais.

A excitação tende a ser o melhor barômetro para selecionar em quais sementes focar.
Quando algo interessante começa a acontecer, desperta deleite.
É uma sensação energizante de querer mais. Uma sensação de inclinação para frente.
Siga essa energia.
Durante a fase de Experimentação, estamos atentos a esta reação natural de
encantamento do corpo. Há um tempo para o trabalho principal de análise, mas ainda
não. Aqui seguimos o coração. Em algum momento, poderemos olhar para trás e
entender por que o sentimento surgiu. Outras vezes não o faremos, e tudo bem
também. Por enquanto, isso não é motivo de preocupação.
Se duas ideias parecem iguais em peso, e uma tem claro potencial para se transformar
em algo bonito e a outra mostra menos potencial, mas parece mais interessante, sinta-
se à vontade para seguir seu interesse. Baseie as decisões no sentimento interno de
estar emocionado e observe o que lhe interessa. Isto estará sempre no maior serviço
da obra.
Falha
é a informação que você precisa
para chegar onde você está indo.
Experimente tudo
Misturar azul e amarelo resulta em verde. Somando dois mais dois dá quatro.
Ao combinar elementos básicos no curso normal da vida, muita coisa é previsível.
Na criação de arte, a soma total das partes muitas vezes desafia as expectativas.
Teoria e prática nem sempre se alinham. A fórmula que funcionou ontem pode não
funcionar amanhã. As soluções comprovadas às vezes são as menos úteis.
Existe uma lacuna entre a imaginação e a realidade. Uma ideia pode parecer
brilhante em nossa mente. Mas uma vez empregado, pode não funcionar. Outro pode
parecer triste à primeira vista. Então, após a execução, pode ser exatamente o que
é necessário.
Descartar uma ideia porque ela não funciona em sua mente é prestar um
desserviço à arte. A única maneira de saber realmente se alguma ideia funciona é
testá-la. E se você está procurando a melhor ideia, teste tudo.
Faça a si mesmo o máximo de perguntas do tipo “e se” que puder. E se esta
fosse a primeira pintura que alguém viu na vida? E se eu removesse todos os advérbios?
E se eu silenciasse todas as partes barulhentas? Procure polaridades diferentes e
veja como elas afetam a peça.
Talvez assuma a regra temporária de que não existem más ideias. Teste-os
todos, mesmo aqueles que parecem desanimadores ou com pouca probabilidade de funcionar.
Este método torna-se especialmente útil em esforços de grupo. Muitas vezes, ao

trabalhar com outras pessoas, ideias diferentes são apresentadas e acabam em
competição. Com base na experiência, podemos acreditar que podemos ver o que
cada pessoa está imaginando e qual será o resultado.
É impossível, porém, saber exatamente o que outra pessoa está pensando.

E se não podemos prever como as nossas próprias ideias funcionarão – e não podemos!
– como poderemos tirar conclusões sobre o que outra pessoa imagina?
Em vez de discutir diferentes soluções para descobrir qual é a melhor, tire-a do âmbito
verbal. Para realmente pesar as escolhas, é necessário trazê-las para o mundo físico.
Faça com que eles representem, representem ou incorporem um modelo. As descrições
não fazem justiça às ideias.
Queremos criar um ambiente onde a tomada de decisões ocorra livre da força
equivocada da persuasão. A persuasão leva à mediocridade. Para serem avaliadas, as
ideias devem ser vistas, ouvidas, provadas ou tocadas.
É melhor que a pessoa que tem a ideia a demonstre ou supervisione a execução até
que corresponda ao que está sugerindo. Isso ajudará a evitar mal-entendidos.
Uma vez que a ideia seja testemunhada em sua plena expressão, ela poderá acabar
sendo muito melhor do que você imaginou. Pode até ser um ajuste perfeito. Ou pode ser
exatamente o que você esperava. Algo será ganho através do processo, qualquer que
seja o resultado. Permita-se errar e experimente a alegria de ser surpreendido.
Ao trabalhar em maneiras de resolver um quebra-cabeça, não há erros.

Cada solução malsucedida aproxima você de uma que funciona. Evite se apegar às
particularidades do problema. Amplie seu campo de visão. Se a ideia levar o projeto para
algum lugar com carga energética mais forte, siga o novo rumo. Exigir o controle de uma
obra de arte seria tão tolo quanto exigir que um carvalho cresça de acordo com a sua
vontade.
Permitir que a obra cresça na direção que busca, evolua de acordo com seu estado
natural e tenha vida própria. Aproveite a jornada de percorrer todas as permutações para
revelar a verdadeira forma de uma obra.
Tomar o caminho
errado permite que você veja
paisagens que de outra forma não teria visto.
Construindo
Depois que o código de uma semente é decifrado e sua verdadeira forma decifrada, o
processo muda. Não estamos mais no modo ilimitado de descoberta. Surgiu um claro
senso de direção.
Muitas vezes sem o nosso conhecimento, encontramo-nos na fase Craft. Agora
vem o trabalho de construção.
Trabalhamos para agregar a uma base que se revelou através de nossa
experimentação. As linhas foram traçadas. Agora estamos preenchendo as cores.
Onde as fases anteriores foram mais livres e abertas, as inspirações e ideias que
aparecem agora estão mais diretamente relacionadas com as questões em questão.
Procuramos uma forma que se encaixe em um furo específico, enquanto antes
procurávamos apenas formas.
De certa forma, a fase Craft é uma das partes menos glamorosas do trabalho do
artista. Há criatividade envolvida, mas muitas vezes ela carrega menos a magia da
exploração e mais o trabalho de assentar tijolos.
Este é o ponto da jornada em que alguns lutam para continuar. Por enquanto,
precisamos desviar o olhar do campo aberto e nos voltar para uma escada em caracol
de cem andares de altura. Uma subida longa e precária está por vir.
Podemos ficar tentados a voltar atrás e perseguir a emoção de sentir a lâmpada
acender acima de nossas cabeças. Mas as duas primeiras fases têm pouco propósito
ou significado por si só. A arte só pode existir, e o artista só pode evoluir, completando
a obra.
Como decidimos qual experimento criar?

Continuamos seguindo indícios de entusiasmo. Cada um de nós tem que encontrar o seu
Caminho próprio. Se várias direções parecerem cativantes, considere elaborar mais de
um experimento por vez. Trabalhar em vários deles muitas vezes traz uma sensação
saudável de desapego.
Quando focado apenas em um, é fácil obter visão de túnel. Embora possa parecer que
um projeto está caminhando na direção certa, estamos muito intimamente ligados a ele
para realmente sabermos.
Afastar-se e voltar com novos olhos traz uma visão mais clara dos próximos passos.
Mudar para outros projetos envolverá diferentes músculos e padrões de pensamento.
Estes podem lançar luz sobre caminhos que de outra forma não seriam vistos. E isso pode
acontecer ao longo de dias, semanas, meses ou anos.
Mesmo em uma única sessão de trabalho, alternar entre vários projetos pode ser útil.
Há também momentos em que uma única semente tem tanto poder que você
escolha focar exclusivamente nisso, e essa escolha é sua.
Na fase de Experimentação, plantamos a semente, regamos e demos tempo para que
a planta resultante crescesse ao sol. Deixamos a natureza seguir seu curso.
Agora, nesta terceira fase, estamos nos aproximando do projeto para ver o que podemos
oferecer.
Esta é uma das razões pelas quais a fronteira entre as fases de Experimentação e
Artesanato não é uma progressão linear. Muitas vezes oscilamos entre os dois, porque às
vezes o que acrescentamos não é tão bom quanto o que a natureza traz. Quando
percebemos isso, paramos e voltamos para onde a natureza parou.
Enquanto a fase de Experimentação trata do que a semente tem a oferecer, agora

estamos aplicando nosso filtro. Revendo a totalidade da nossa experiência no mundo e
procurando conexões: o que isso nos lembra, com o que podemos compará-lo, com o que
isso se relaciona com o que percebemos ao longo de nossas vidas?
Nesta fase, começamos com um projeto que se desenvolveu naturalmente.

Reconhecemos potencial nisso. E vemos o que podemos adicionar, retirar ou combinar
para desenvolvê-lo ainda mais.
A fase Craft não é apenas uma construção. É também um colapso. O objetivo de

desenvolvimento do trabalho pode ser alcançado através de um processo de poda de
pequenos cortes. Nós decidimos quais detalhes e direções podem ser removidos, para
que mais energia e foco possam ser usados para alimentar os elementos centrais.
Embora a fase Craft possa ser difícil, nem sempre é esse o caso. Existem alguns artistas
cujo foco está mais em formalizar uma ideia do que em executá-la.
E no caso de alguns projetos, a terceirização da fase Craft é o que se pede.
Muitas das pinturas de Andy Warhol foram feitas por outros artistas e por máquinas,
enquanto ele forneceu as ideias e manteve a autoria. Algumas bandas famosas de rock
da Califórnia dos anos 60 não tocaram em seus próprios álbuns. E alguns autores
prolíficos simplesmente inventam personagens e enredos e deixam para outros escritores
preencher a prosa.
Quando se trata de realizar você mesmo esses aspectos trabalhosos do processo,
não é uma questão de certo ou errado. Depende do projeto. Permaneça aberto para
fazer o que for preciso para tornar a arte tão boa quanto possível, quer isso signifique se
inserir mais nos detalhes do processo ou se afastar ainda mais deles.
Para alguns projetos, um artista pode achar necessário estar envolvido em todo o
trabalho. O ato físico de elaboração pode proporcionar-lhes uma maior compreensão da
arte e um controle mais direto sobre os detalhes. Outros projetos poderão ser melhor
atendidos se o artista atuar como maestro ou designer nesta fase, conduzindo trabalhos
de terceiros.
Criar pode ser assustador. É útil pensar nisso como mais uma oportunidade para
brincar. Para alguns artistas, o artesanato é a parte favorita do processo. Há uma alegria
natural e uma sensação de realização em seguir um conjunto de instruções para criar
algo físico e bonito. O amor e o carinho que colocaram nesta fase podem ser claramente
reconhecidos no trabalho final.
Momento
Quando tratada como as fases anteriores, sem limites ou restrições de tempo, a fase Craft pode
se estender mais do que o necessário.
Depois que dados suficientes forem coletados e a visão estiver clara, pode ser útil definir
prazos para conclusão. As opções não são mais ilimitadas; o processo é menos aberto. Pode
não haver uma linha de chegada clara à vista, mas os elementos principais estão lá.
Imagine que você tem um roteiro que foi traduzido para storyboard. Passar do storyboard
ao filme finalizado é um processo meio mecânico. Há arte e inspiração envolvidas, e há um
milhão de escolhas a serem feitas, mas o caminho a seguir é claro. Nossa tarefa criativa agora
tem parâmetros mais restritos.
Se estivermos satisfeitos com o projeto, ele poderá ser construído de muitas maneiras
diferentes. Contanto que continuemos nos referindo para garantir que o projeto desenvolvido
seja tão bom quanto o plano original, pode haver várias versões diferentes que parecem
verdadeiras. O poder é mantido na estrutura subjacente.
Se o projeto fosse um edifício, escolheríamos quais materiais revesti-lo e que tipo de janelas
instalar. Você pode ter uma preferência, mas o edifício manterá a sua integridade. Os detalhes
são importantes, mas provavelmente não afundarão o empreendimento.
Na fase de elaboração, os prazos são datas de conclusão sugeridas, e não imutáveis. Ainda
existe um elemento de surpresa e exploração ao longo da nossa execução, sendo possível nos
encontrarmos a qualquer momento de volta à fase de Experimentação.
Durante a elaboração, um artista pode sucumbir à pressão externa para definir uma data
fixa de lançamento para seu projeto. Os preparativos estão feitos. Pessoas de fora são notificadas.
Então, às vezes, à medida que trabalhamos diligentemente em direção ao estágio final, uma
direção inteiramente nova e preferível pode surgir. Mas o artista fica sem tempo para
prosseguir. E isso leva a um resultado comprometido.
O objetivo do artista não é apenas produzir, mas fazer o melhor trabalho de que é capaz.
A empresa pensa em termos de ganhos trimestrais e cronogramas de produção. O artista
pensa em termos de excelência atemporal. Ao elaborar, estabeleça prazos para sua própria
motivação, não necessariamente para serem compartilhados com outras pessoas, a menos
que isso ajude na responsabilidade.
Quando a fase Craft estiver chegando ao fim, poderemos começar a pensar em
termos de prazos fixos.
Crafting contém um paradoxo. Para criar o nosso melhor trabalho, somos pacientes e evitamos
apressar o processo, ao mesmo tempo que trabalhamos com rapidez e sem demora.
Ao permanecer muito tempo nesta fase, muitas armadilhas podem surgir. Uma delas é a
desconexão. Se um artista está criando um belo trabalho e continua elaborando-o
incessantemente além da necessidade, às vezes ele de repente quer começar tudo de novo.
Isso pode ser porque eles mudaram ou os tempos mudaram.
A arte é um reflexo do mundo interno e externo do artista durante o período de criação.
Prolongar o período complica a capacidade do artista de capturar um estado de ser. O
resultado pode ser uma perda de conexão e entusiasmo pelo trabalho ao longo do tempo.
Outro desafio que poderíamos chamar de demo-itis. Demo-itis acontece quando o artista
se apega com muita força, por muito tempo, ao seu primeiro rascunho.
O perigo de conviver com o projeto inacabado por muito tempo é que quanto mais
frequentemente um artista é exposto a um determinado rascunho de uma obra, mais final
essa forma pode se tornar em sua mente. Um músico pode gravar uma demo de uma música
muito rapidamente. Eles poderiam ouvi-lo milhares de vezes e imaginar desenvolvê-lo ao
máximo. No entanto, quando chega a hora de realmente fazer a melhor versão da música, a
demo pode estar tão arraigada em suas cabeças que qualquer
mudanças nele parecem blasfemas. Quando nos apegamos demais a uma versão
prematura do trabalho, prestamos um péssimo serviço ao potencial do projeto.
Para evitar a demo-ite, existe uma técnica simples. A menos que esteja
trabalhando ativamente para melhorar algo, evite ouvir, ler, tocar, olhar ou mostrar
aos amigos. Trabalhe o mais longe que puder durante a elaboração e depois afaste-
se, sem consumir repetidamente o trabalho inacabado. Ao não aceitar o trabalho
em andamento como a versão padrão, deixamos espaço para o crescimento, a
mudança e o desenvolvimento continuarem.
Tenha em mente que também é possível que algo excelente seja feito muito
rapidamente. Um artista pode passar cinco minutos esboçando uma ideia para um
projeto e pensar muito pouco nisso. Eles podem sentir a semente de algo grande e
depois passar horas ou anos tentando transformá-la em algo mais. Mas é possível
que o esboço ou demo inicial, nascido em cinco minutos, tenha sido na verdade a
melhor versão, a expressão mais pura da semente. Podemos não perceber isso até
depois de embelezá-lo ou nos afastarmos dele por um tempo.
Outro impedimento que alguns enfrentam é que a sua visão do trabalho excede a
sua capacidade de manifestá-lo. Eles conseguem ouvir a bateria, mas o ritmo é
mais complexo do que a habilidade de tocar. Eles conseguem imaginar a dança,
mas seu corpo não consegue executar os movimentos com graça suficiente. Pode
parecer que o próximo passo seja um salto impossível.
Nestes momentos é fácil sentir-se desanimado. Confundimos a versão fantasiosa
do trabalho em nossas mentes com aquilo que o trabalho real tem a possibilidade
de se tornar. Na verdade, pode haver momentos em que a nossa concepção mental
de uma peça se traduz quase diretamente no domínio físico. Outras vezes, é uma
versão idealizada e irrealista. E às vezes, nossa visão para o trabalho é uma meta
pela qual trabalhar e, no processo que aprendemos, alcançaremos um destino novo
e inesperado.
Ficar aquém de visões mais grandiosas pode, na verdade, colocar o trabalho
exatamente onde ele deseja estar. Não deixe que a escala da sua imaginação
atrapalhe a execução de uma versão mais prática do seu projeto. Podemos perceber
que esta versão é melhor do que a visão inicial, aparentemente impossível.
Quando você estiver na fase de elaboração, trabalhe em direção a um primeiro rascunho completo.
Mantenha o ritmo. Se você chegar a uma seção do trabalho que lhe causa problemas, em vez de
deixar que esse bloqueio o impeça, contorne-o. Embora seu instinto seja criar sequencialmente,
ignore a seção onde você está preso, complete as outras partes e depois volte a ela.
Por vezes, as soluções para estas peças difíceis revelar-se-ão assim que o contexto geral tiver
surgido. Uma ponte é mais fácil de construir quando está claro o que há de cada lado dela.
Outro benefício é que, se você estiver preso em uma seção intermediária, pode ser opressor
saber que está apenas na metade do trabalho. Se você terminar o restante do rascunho e retornar
à parte que pulou, será mais fácil alcançá-lo quando restarem apenas 5 ou 10% do projeto para
ser concluído. Com o fim à vista, é mais fácil sentir-se motivado para terminar.
Se você estiver segurando uma peça central do quebra-cabeça e olhando para uma mesa
vazia, será difícil determinar onde colocá-la. Se todo o quebra-cabeça estiver completo, exceto
aquela peça, você saberá exatamente para onde ela vai.
O mesmo se aplica geralmente à arte. Quanto mais trabalho você puder ver, mais fácil será colocar
os detalhes finais claramente onde eles pertencem.
Arte é escolher fazer algo com habilidade, cuidar dos

detalhes, dedicar tudo de si
para fazer o melhor trabalho
possível.
Está além do ego, da vaidade, da autoglorificação e
da necessidade de aprovação.
Ponto de vista
O objetivo da arte não é atingir a perfeição. O objetivo é compartilhar quem somos. E como
vemos o mundo.
Os artistas nos permitem ver o que não conseguimos ver, mas de alguma forma já
sabemos. Pode ser uma visão do mundo singularmente diferente da nossa. Ou tão perto
que parece milagroso, como se o artista estivesse olhando através dos nossos próprios
olhos. Em ambos os casos, a percepção do artista lembra-nos quem somos e quem podemos
ser.
Uma das razões pelas quais a arte ressoa é porque os seres humanos são muito
semelhantes. Somos atraídos pela experiência compartilhada realizada no trabalho. Incluindo
a imperfeição nele. Reconhecemos alguma parte de nós mesmos e nos sentimos compreendidos.
E conectado.
Carl Rogers disse: “O pessoal é o universal”. O pessoal é o que faz a arte importar.
Nosso ponto de vista, não nossas habilidades de desenho ou virtuosismo musical ou
capacidade de contar uma história.
Considere a diferença entre arte e a maioria dos outros ofícios. Nas artes, nosso filtro é
o fator definidor da obra. Na ciência ou na tecnologia, os objetivos são diferentes. A razão
pela qual criamos arte não é com a intenção de fazer algo útil para outra pessoa. Criamos
para expressar quem somos. Quem somos e onde estamos em nossa jornada.
Nosso ponto de vista não precisa ser coerente. E raramente é simples. Podemos ter
pontos de vista diferentes e, às vezes, contraditórios sobre uma variedade de tópicos.
Pretender restringir tudo a uma expressão elegante é irrealista e limitante.
Qualquer que seja a nossa perspectiva, desde que a partilhemos, inalterada e sem alterações,
teremos sucesso no propósito fundamental da arte.
Ao fazer arte, criamos um espelho no qual alguém pode ver o seu próprio reflexo oculto.
Um ponto de vista é diferente de ter um ponto de vista.

Um ponto é uma ideia expressa intencionalmente. Um ponto de vista é a perspectiva – consciente
e inconsciente – através da qual o trabalho emerge.
O que nos faz notar uma obra de arte raramente é o que está sendo dito. Somos atraídos pela
forma como o filtro de um artista refrata as ideias, e não pelas ideias em si.
Não adianta saber o seu ponto de vista. Já está aí, trabalhando em segundo plano, sempre
evoluindo. Os esforços para retratar o ponto de vista propositalmente muitas vezes levam a uma
representação falsa. Nos apegamos a histórias sobre nossa perspectiva que são imprecisas e
limitantes.
Wayne Dyer disse que quando você espreme uma laranja, o que sai é suco de laranja. Quando
você é espremido, o que sai é o que está dentro de você. E parte desse extrato é o ponto de vista que
você nem sabe que tem. Está embutido na arte que você faz e nas opiniões que você compartilha.
Muito depois de uma obra estar concluída, podemos olhar para trás e compreender o nosso
verdadeiro ponto de vista sobre ela.
Não precisamos fazer questão de defender uma posição. Ele aparecerá quando aparecer. A
verdadeira questão já foi apresentada no ato inocente de percepção e criação. Saber disso é libertador.
Isso alivia um pouco a pressão. Podemos nos preocupar menos em entender por que isso funciona
ou se os outros entenderão de onde viemos. Somos livres para estar presentes e permitir que o
material passe através de nós, e livres para ficar fora do seu caminho quando ele passar.
Grande parte da grandeza da arte é sentida visivelmente. Sua autoexpressão permite que o
público tenha sua própria autoexpressão. Se o seu trabalho fala com eles, não terá importância se
você for ouvido e compreendido.
Deixe de lado essas preocupações sobre se o seu trabalho será compreendido.

Esses pensamentos só podem causar interferência, tanto para a arte quanto para o público.
A maioria das pessoas não está interessada em saber o que pensar ou sentir.
A grande arte é criada através da liberdade de auto-expressão e recebida com
liberdade de interpretação individual.
A grande arte abre uma conversa em vez de fechá-la. E muitas vezes isso
a conversa é iniciada por acidente.
A maioria dos seres humanos gosta de se encaixar.
Nós nos adaptamos não apenas ao fluxo evolutivo de material que passa por nós, mas
também aos limites e modelos da cultura que nos rodeia.
A grande arte pode vir da conformidade? E qual é o propósito de ser um
artista se negarmos nosso ponto de vista pessoal único?
Aqueles de nós que escolhem viver como artistas aceitam o nosso filtro como uma dádiva.
Rejeitá-lo seria trágico. A luz refratada que projeta é a nossa paisagem singular de possibilidades
artísticas. Como pode uma obra de arte ser verdadeiramente um prazer culposo?
Os Beatles foram inspirados no rock and roll americano, artistas como Chuck Berry e Shirelles.
Mas quando eles tocaram foi diferente. Não foi diferente porque eles queriam que assim fosse.
Era diferente porque eles eram diferentes. E o mundo respondeu.
Existem inúmeros exemplos de imitações que se transformam em inovações legítimas. Ter

uma visão romantizada de um artista, gênero ou tradição pode permitir que você crie algo
novo, porque você o vê de uma perspectiva diferente daquela daqueles que estão mais
próximos dele. Os Spaghetti Westerns de Sergio Leone são uma mitologia psicodélica abstrata
em comparação com os westerns americanos das décadas de 1940 e 1950 que ele esperava
espelhar.
É impossível imitar o ponto de vista de outro artista. Só podemos nadar nas mesmas
águas. Portanto, fique à vontade para copiar as obras que o inspiram no caminho para
encontrar sua própria voz. É uma tradição testada pelo tempo.
Na cultura há sempre um diálogo entre o passado, o presente e o futuro, mesmo quando

não está claro qual é a influência. Como criadores e entusiastas, compartilhamos e
recebemos pontos de vista para participar e promover esse intercâmbio.
Quando ouvimos algo novo, isso nos dá uma ideia de onde estivemos e para onde
mais poderíamos ir. Podemos ter pensado que só poderíamos seguir em frente. Mas
quando alguém vira à esquerda, isso mostra que também podemos virar à direita. E
então a nossa guinada à direita talvez possa inspirar alguém a explorar uma direção
inteiramente nova.
É um ciclo simbiótico. A cultura informa quem você é. E quem você é
informa seu trabalho. Seu trabalho então retroalimenta a cultura.
Esta marcha constante rumo ao desconhecido não existiria sem a
partilha simultânea de milhões de pontos de vista divergentes.
Expressar-se no mundo e criatividade são a mesma coisa. Pode não ser
possível saber quem você é sem expressá-lo de alguma forma.
Quebrando a Mesmice
Há momentos durante a fase Craft em que você bate em uma parede e o trabalho não
melhora. Antes de se afastar da peça, vale a pena encontrar uma forma de quebrar a
mesmice e refrescar o entusiasmo pela obra, como se estivesse se engajando nela pela
primeira vez.
No estúdio de gravação, ocasionalmente sugiro exercícios aos artistas com esse
objetivo em mente. Nós os tentamos sem expectativas em relação ao resultado. A
intenção é simplesmente reacender o entusiasmo e acessar novas formas de atuação.
Seguem vários desses exercícios. Quer você se encontre ou não em um

impasse, talvez eles possam inspirar experiências semelhantes no campo escolhido.
Pequenos passos
Para criar movimento para um músico bloqueado, oferecemos-lhe uma pequena tarefa:
escrever apenas uma linha por dia. Não importava o quão bom ou ruim ele se sentisse
em relação à frase, contanto que ele se comprometesse a escrevê-la. Se mais
chegasse, tudo bem, mas não era necessário. Ao dividir o que parecia intransponível
em versos únicos, ele conseguiu reabrir o canal criativo e finalmente começou a compor
músicas inteiras novamente. Isso aconteceu muito mais rapidamente do que o esperado.
Mude o ambiente
Se procuramos uma performance de natureza diferente, pode ajudar a mudar um

elemento do ambiente. Apagar as luzes e tocar no escuro pode criar uma mudança na
consciência e quebrar a cadeia de mesmice de performance em performance. Outras
mudanças que experimentamos incluem fazer com que um cantor segure o microfone
em vez de ficar na frente dele, e gravar de manhã cedo em vez de à noite. Para acessar
um maior grau de variação, um vocalista optou por ficar pendurado de cabeça para
baixo enquanto cantava.
Mude as apostas
Além de mudar o ambiente externo, você também pode mudar o interior. Se uma banda
imagina que esta é a última vez que tocará uma determinada música, é provável que a
execute de forma diferente do que se fosse apenas mais um take. Outras vezes, riscos
mais baixos, como fazer um ensaio antes da gravação, podem trazer o melhor
desempenho.
Convide um público
Quando um artista gosta de estar diante de uma multidão, podemos trazer várias
pessoas para assistir a uma sessão. Ser observado muda a forma como um artista age.
Mesmo que o público seja composto apenas por uma pessoa que não faz parte do
projeto, isso pode ser suficiente. Embora alguns artistas possam exagerar na
apresentação para o público e outros possam se conter, a maioria tende a se concentrar
mais com outra pessoa presente. Mesmo que sua arte não seja performática, como
escrever ou cozinhar, ela provavelmente mudará com a presença de um observador. O
objetivo é encontrar os parâmetros específicos em cada caso que revelem o seu melhor.
Mude o contexto
Há momentos em que um cantor não se conecta com uma música, como um ator cuja
leitura da fala falha. Pode ser útil criar um novo significado ou uma
história de fundo adicional para a letra de uma música. Uma canção de amor pode soar diferente se
for cantada para uma alma gêmea há muito perdida, um parceiro de trinta anos com quem você não
se dá bem, uma pessoa que você viu na rua, mas com quem nunca conversou, ou para sua mãe.
Com um artista, sugeri cantar uma canção de amor escrita para uma mulher como um devocional
a Deus. Podemos tentar muitas permutações diferentes enquanto cantamos a mesma música, sem
alterar nenhuma letra, para ver qual versão traz o melhor desempenho.
Altere a perspectiva
Uma técnica que às vezes usamos no estúdio é aumentar o volume dos fones de ouvido extremamente
alto. Quando cada som explode em seus ouvidos, há uma tendência natural de tocar de forma muito
mais baixa para restaurar o equilíbrio. É uma mudança de perspectiva forçada e pode trazer à tona
uma atuação muito delicada. Até os vocais serão sussurrados, porque qualquer coisa além disso seria
opressor. Por outro lado, para persuadir alguém a cantar mais alto, com mais energia, posso pedir-lhe
que baixe o volume da voz nos auscultadores para que a sua voz seja abafada pela música. Seja qual
for a situação, se uma tarefa for difícil de realizar, muitas vezes há uma maneira de projetar o ambiente
para incentivar naturalmente o desempenho que você almeja.
Em um show, configurar a iluminação de forma que o artista veja a multidão e os rostos presentes
ou não consiga ver ninguém alterará a performance.
Se um artista usar monitores intra-auriculares e tudo o que ouvir for a música que está tocando e não
a resposta do público, será muito diferente do que se os gritos da multidão estivessem misturados.
eles trazem e para encontrar o desempenho que você
querer.
Escreva para outra pessoa
No caso de um músico que normalmente escreve seu próprio material, sugiro: “Imagine que um artista
favorito lhe pediu para escrever uma música para seu próximo álbum.
Como seria essa música?

Ao criar algo que você gostaria de ouvir seu artista favorito tocar, isso despersonaliza
o processo e pode permitir que o escritor se liberte de si mesmo. Uma canção por
excelência do empoderamento feminino, “(You Make Me Feel Like) A Natural Woman”
foi escrita por Carole King e Gerry Goffin.
King - e depois, é claro, Aretha Franklin - cantou. Fiquei surpreso ao saber que Goffin
escreveu as letras e King a música.
Às vezes, pedirei ao músico que selecione um artista cujas letras e ponto de vista
sejam muito diferentes dos seus, como forma de evitar a mesmice que pode ocorrer em
uma carreira ao longo do tempo. Se um artista normalmente é cheio de fanfarronice,
podemos escolher um letrista mais vulnerável e de fala mansa. Se você tende a escrever
no estilo x, pode ser interessante escolher um artista que seja o oposto de x.
Isso não significa que a música será boa. É simplesmente interessante ver aonde isso
leva. E às vezes isso leva você exatamente para onde você está indo.
Como os outros exercícios, este pode ser aplicado a qualquer arte. Se você é pintor,
criar uma nova obra original de seu artista favorito pode abrir um canal e levar a
resultados interessantes. Muitos artistas têm uma ideia do que está em sua casa do
leme e isso é, em última análise, uma limitação. Portanto, é útil sair de si mesmo e
entrar na casa do leme de outra pessoa.
Adicionar imagens
Eu estava trabalhando em um álbum e a banda estava lutando com o solo de teclado.

O clima não estava certo. Queríamos algo mais grandioso. Então, em vez de uma
referência musical, criamos uma cena. Criamos uma descrição do resultado de uma
batalha: “Imagine que há uma linda colina verde coberta de árvores e flora, de tirar o
fôlego, e uma batalha acaba de terminar. A fumaça sobe da colina e revela soldados
feridos espalhados por ela, esperando a chegada de ajuda.” Pintamos a cena de forma
muito vívida, depois dissemos: “Toque o solo assim” e gravamos . O tecladista começou
a tocar lindamente.
Desde então, tem sido uma técnica que continuamos a usar. Muitas vezes, nem
sabemos quais são as conexões entre a imagem e o que queremos
ouvir. Pensar em uma imagem ou história específica, ou imaginar que você está fazendo a
trilha sonora de um filme e depois começando a tocar, muitas vezes trará uma direção mais
forte a uma melodia sinuosa.
Limite as informações
Quando um compositor envia a demo de uma faixa para uma banda gravar em estúdio, não
quero que os músicos sejam de forma alguma informados pelas escolhas musicais feitas para
a demo. Então normalmente terei um músico, geralmente um guitarrista, ouvindo e aprendendo
os acordes, anotando-os na folha da letra e entregando-a à banda.
O guitarrista e o cantor podem então tocá-la, sem sugestão

de ritmo diferente da velocidade implícita na forma como o tocam.
Quando você trabalha com grandes músicos, isso os deixa livres para trazer mais de si
mesmos. Em vez de gravar uma boa versão da demo, eles usarão toda a sua criatividade e
capacidade de tomada de decisão para levar a música a algum lugar novo e muitas vezes
inesperado. Se os resultados não forem bons depois de tentar abordagens diferentes, eles
sempre poderão ouvir a demonstração naquele momento, embora isso raramente aconteça.
O princípio geral é ser protetor e impedir que as pessoas com quem você trabalha
experimentem coisas que possam interferir em seu processo criativo.
Limite as informações aos esboços mais básicos. Se você deseja que os criadores se dediquem
totalmente a alguma coisa, dê-lhes mais liberdade para criar. Se você der a um roteirista um
livro, um esboço ou uma frase para transformar em roteiro, cada um levará a um roteiro muito
diferente.
Esses exercícios não são imutáveis. A intenção é estabelecer diferentes

perspectivas ou condições e veja onde você ou seus colaboradores vão parar.
Considere criar suas próprias versões desses experimentos. Ou, se estiver usando esses
parâmetros específicos, sinta-se à vontade para alterar os parâmetros enquanto trabalha ou
removê-los completamente quando chegar a hora certa. Os exercícios reais são de pouca
importância. O objetivo é criar uma estrutura para ir além do seu método habitual
e encontrar novos caminhos a seguir.
Conclusão
À medida que o trabalho melhora durante a fase Craft, você chegará ao ponto em que
todas as opções disponíveis foram suficientemente exploradas.
A semente alcançou sua plena expressão e você a podou a seu gosto. Nada resta
a acrescentar ou retirar. A essência da obra soa clara. Há uma sensação de realização
nesses momentos.
A partir daqui avançamos para o movimento final do processo criativo.
Na fase de Conclusão, deixamos para trás a descoberta e a construção. Com um
belo volume de material trabalhado diante de nós, a forma final é refinada para ser
lançada no mundo.
Os retoques finais e ajustes são diferentes para cada projeto. Eles podem ser tão
simples quanto colocar uma moldura em uma pintura, corrigir a cor de um filme, ajustar
a mixagem final de uma música ou reler um manuscrito para ter certeza de que o
fraseado está correto.
Tal como acontece com os outros estágios do ato criativo, a fase de Conclusão não
é uma linha clara que você atravessa em uma jornada futura. No processo de
preparação do seu trabalho para compartilhar, você poderá perceber que há mais a ser
feito. Uma revisão, um acréscimo, uma exclusão ou alguma outra alteração pode ser
necessária. Então você volta para Craft ou Experiment e segue em frente mais uma vez.
Podemos pensar na fase de Conclusão como a última parada de uma linha de
montagem. A peça acabada é examinada para garantir que atenda aos mais altos
padrões. Se não os atender, você o envia de volta para ser melhorado. Quando isso
acontecer, você assina, deixa para lá e começa o próximo capítulo do trabalho da sua
vida - seja ele qual for.
Quando você sentir que um projeto está próximo da conclusão, pode ser útil abrir o trabalho
para outras perspectivas.
O objetivo principal não é receber notas ou opiniões. Este é o seu trabalho, a sua
expressão. Você é o único público que importa. A intenção é que você experimente o trabalho
de uma nova forma.
Ao tocar música para outra pessoa, ouvimos de forma diferente do que quando ouvimos
nós mesmos. É como se você estivesse pegando emprestado um segundo par de orelhas.
Não estamos necessariamente procurando uma perspectiva externa. Estamos mais
interessados em ampliar o nosso.
Se escrevermos uma redação e a entregarmos a um amigo, antes mesmo de ouvirmos
sua perspectiva, nossa relação com o trabalho muda. Dê isso a um mentor e nossa
perspectiva mudará de uma maneira diferente. Nós nos interrogamos quando oferecemos
nosso trabalho a outras pessoas. Fazemos perguntas que não nos perguntamos quando o
estávamos fazendo. Compartilhá-lo nesta capacidade limitada traz à luz as nossas dúvidas
subjacentes.
Se alguém decidir compartilhar feedback, ouça para compreender a pessoa, não o
trabalho. As pessoas contarão mais sobre si mesmas do que sobre a arte ao dar feedback.
Cada um de nós vê um mundo único.
Ocasionalmente, um comentário atingirá o alvo. Irá ressoar com algo que sentimos, seja
em nossa consciência ou logo atrás dela, e poderemos descobrir espaço para melhorias.
Outras vezes, um julgamento atinge um ponto sensível e nos vemos defendendo o trabalho
ou perdendo a fé.
Nesses momentos, pode ser útil afastar-se, reiniciar e retornar com uma mente neutra. A
crítica nos permite envolver-nos com nosso trabalho de uma nova maneira. Podemos
concordar ou podemos duplicar os nossos instintos originais.
Às vezes, um desafio permite-nos concentrar-nos num aspecto do trabalho e perceber
que é mais importante do que pensávamos anteriormente. No processo, acessamos poços
mais profundos de compreensão do trabalho e de nós mesmos.
À medida que você coleta feedback, as soluções oferecidas nem sempre parecem úteis.
Antes de descartá-los, reserve um momento para ver se eles estão apontando para um
problema subjacente que você não percebeu.
Por exemplo, se houver uma sugestão para remover a ponte de uma música, você
pode interpretar isso como “vale a pena reexaminar a ponte”. E então comece a observá-lo
no contexto de toda a peça.
Se você realmente criou um trabalho inovador, é provável que ele aliene tantas pessoas
quanto atraia. A melhor arte divide o público. Se todo mundo gosta, provavelmente você
não foi longe o suficiente.
No final, você é o único que tem que amar isso. Este trabalho é para você.
Quando o trabalho é concluído?
Não existe fórmula ou método para encontrar essa resposta. É uma intuição: o
trabalho está feito quando você sente que está.
Embora evitemos prazos no início do processo, na fase de Conclusão, um prazo pode

ajudar a concentrar o tempo e apoiá-lo na conclusão do trabalho.
A arte não é feita na hora. Mas pode ser concluído na hora.

Alguns consideram esta fase a parte mais difícil do processo. Eles resistem ao
abandono com uma ferocidade teimosa. Até este ponto, a argila ainda está macia. Tudo
pode mudar. Uma vez corrigidos, perdemos o controle. Esse medo da permanência é
comum além da arte. É conhecido como fobia de compromisso.
Quando o último capítulo estiver prestes a terminar, podemos criar desculpas para adiar
a conclusão do trabalho.
Pode ser uma perda repentina de fé no projeto. Decidir que não é mais bom o suficiente.
Encontramos falhas que realmente não existem. Fazemos mudanças inconsequentes.
Sentimos a miragem distante de alguma opção criativa melhor que ainda não foi descoberta.
E se continuarmos trabalhando, isso pode acontecer algum dia.
Quando você acredita que o trabalho que está diante de você é a única peça que o
definirá para sempre, é difícil abandoná-lo. O desejo de perfeição é avassalador.
É muito. Ficamos paralisados e às vezes acabamos nos convencendo de que descartar todo o
trabalho é a única forma de seguir em frente.
A única arte que o mundo pode desfrutar vem de criadores que superaram esses obstáculos e
lançaram seus trabalhos. Talvez existissem artistas ainda maiores do que os que conhecemos,
mas nunca foram capazes de dar esse salto.
Lançar uma obra para o mundo fica mais fácil quando lembramos que cada peça nunca poderá
ser um reflexo total de nós, apenas um reflexo de quem somos neste momento. Se esperarmos,
não será mais a reflexão de hoje. Em um ano, podemos ser orientados a criar uma peça que não
se parece em nada com ela. Há uma pontualidade no trabalho. A passagem das estações pode
dissipar o valor que o trabalho tem para nós.
Manter o trabalho é como passar anos escrevendo a mesma anotação em um diário. Momentos
e oportunidades são perdidos. As próximas obras são roubadas de serem trazidas à vida.
Quantas páginas ficarão vazias porque o seu processo foi prejudicado pela dúvida e pela
deliberação? Mantenha esta questão em mente. Isso pode permitir que você avance com mais
liberdade.
Num ambiente onde nada é permanente, produzimos artefatos estáticos. Lembranças do
espírito. Esperamos que vivam para sempre, mantendo ressonância a cada década que passa.
Alguns podem, muitos não. É impossível saber. Só podemos continuar construindo.
Quando você e o trabalho estão sincronizados, é hora de colocá-lo para fora e seguir em frente
sobre.
Cada novo projeto é mais uma oportunidade de comunicar o que está passando por você. É
mais uma chance de morcego. Mais uma oportunidade de conexão.
Mais uma página preenchida no diário da sua vida interior.
As preocupações sobre o lançamento de uma obra no mundo podem estar enraizadas em

ansiedades mais profundas. Pode ser o medo de ser julgado, incompreendido, ignorado ou
rejeitado. Virão mais ideias? Será que algum dia eles serão tão bons de novo?
Alguém vai se importar?
Parte do processo de desapego é liberar quaisquer pensamentos sobre como você ou sua
peça serão recebidos. Ao fazer arte, o público vem em último lugar. Não vamos considerar como
uma peça será recebida ou nossa estratégia de lançamento até que o trabalho esteja finalizado e
nós o amemos.
Isso é diferente de um trabalho ser perfeito. Podemos nos envolver com qualquer uma das
obras das quais participamos e reconhecer coisas erradas nelas.
Talvez não tenhamos feito isso no momento em que os terminamos, mas quando olhamos para
trás, muitas vezes o fazemos. Há mudanças eternas a serem feitas. Não existe uma versão certa.
Cada obra de arte é simplesmente uma iteração.
Uma das maiores recompensas de fazer arte é a nossa capacidade de compartilhá-la. Mesmo
que não haja público para recebê-lo, construímos a força necessária para fazer algo e divulgá-lo
ao mundo. Terminar nosso trabalho é um bom hábito a desenvolver. Isso aumenta a confiança.
Apesar de nossas inseguranças, quanto mais vezes conseguirmos liberar nosso trabalho, menor
será o peso da insegurança.
Evite pensar demais. Quando você está feliz com o trabalho e se emociona
para compartilhá-lo com um amigo, talvez seja hora de compartilhá-lo com o mundo também.
Esta fase final é um momento fértil para plantar uma nova safra de sementes. A excitação do
que está por vir pode gerar a energia vital necessária para encerrar o trabalho atual. Você pode
achar difícil manter o foco no projeto em questão quando novas ideias começarem a surgir.
Este é um bom problema para se ter. Aproveitar a força vital do projeto que está por vir muitas
vezes nos tira do transe da presente peça. Mal podemos esperar para terminar, porque há outra
ideia nos chamando que nos ilumina.
É hora do próximo projeto porque o relógio

ou o calendário
diz que está na hora,

ou porque o trabalho em si
diz que está na hora?

A mentalidade abundante
Um rio de material flui através de nós. Quando compartilhamos nossos trabalhos e nossas
ideias, eles são reabastecidos. Se bloquearmos o fluxo mantendo-os todos dentro, o rio não
poderá correr e novas ideias demorarão a aparecer.
Na mentalidade abundante, o rio nunca seca. As ideias estão sempre surgindo. E um
artista é livre para liberá-los com a fé de que mais chegarão.
Se vivermos em uma mentalidade de escassez, acumularemos grandes ideias. Um

comediante pode ter a oportunidade perfeita de contar uma nova piada favorita que escreveu,
mas, em vez disso, irá segurá-la esperando por uma ocasião de maior destaque.
Quando usamos nosso material, novos conteúdos aparecem. E quanto mais compartilhamos,
mais nossas habilidades melhoram.
Escolher viver na escassez leva à estagnação. Se trabalharmos em um projeto para
sempre, nunca conseguiremos fazer outro. O medo da seca e o impulso ao perfeccionismo
nos impedem de seguir em frente e bloqueiam o fluxo do rio.
Cada mentalidade evoca uma regra universal: tudo em que nos concentramos, nós
obtemos.
Se a mente criar um mundo limitado, onde pensamos que não temos ideias ou materiais
valiosos suficientes, não veremos a inspiração que o universo está fornecendo.
E o rio abranda.
No mundo abundante, temos maior capacidade de completar e liberar o nosso trabalho.
Quando há tantas ideias disponíveis e tanta arte excelente para fazer, somos compelidos a
nos envolver, deixar ir e seguir em frente.
Se houver apenas um trabalho a fazer e pretendemos nos aposentar quando estiver

concluído, não há ímpeto para terminá-lo. Se cada peça for abordada como o trabalho que
define a nossa vida, revisamos e sobrescrevemos indefinidamente, visando o ideal irrealista
de perfeição.
Um músico pode atrasar o lançamento de um álbum por medo de não ter levado as
músicas o mais longe possível. No entanto, um álbum é apenas um diário de um momento,
um reflexo instantâneo de quem o artista é naquele período. E nenhuma entrada do diário
é a história da nossa vida.
O trabalho da nossa vida é muito maior do que qualquer recipiente individual. Os
trabalhos que fazemos são no máximo capítulos. Sempre haverá um novo capítulo e outro
depois desse. Embora alguns possam ser melhores que outros, essa não é nossa
preocupação. Nosso objetivo é sermos livres para encerrar um capítulo e passar para o
próximo, e continuar esse processo pelo tempo que quisermos.
Seu antigo trabalho não é melhor que seu novo trabalho. E seu novo trabalho não é
melhor que o antigo. Haverá altos e baixos ao longo da vida de um artista.
Presumir que houve um período áureo e que você já passou, só é verdade se você aceitar
essa premissa. Colocar o seu melhor esforço em cada momento, em cada capítulo, é tudo
o que podemos esperar realizar.
Sempre há mais que podemos melhorar ou outra versão a ser feita. Poderíamos
trabalhar em algo por mais dois anos e será diferente. Mas não há como saber se será
melhor ou pior – apenas diferente. Assim como você será. E você pode ter evoluído além
do trabalho no qual passou anos trabalhando. O reflexo direto de você desapareceu. A
obra começa a parecer uma foto antiga em vez de uma imagem espelhada. É desanimador
concluir e compartilhar um trabalho com o qual você perdeu a conexão.
O reconhecimento da abundância nos enche de esperança de que nossas ideias mais

brilhantes ainda nos aguardam e que nosso maior trabalho ainda está por vir. Somos
capazes de viver num estado energizado de impulso criativo, livres para fazer coisas, deixá-
las ir, fazer a próxima coisa e deixá-la ir. A cada capítulo que criamos, ganhamos
experiência, melhoramos nossa arte e nos aproximamos de quem somos.
O Experimentador e o Finalizador
Por natureza, muitos artistas tendem para uma de duas categorias: Experimentadores ou
Finalizadores.
Os experimentadores gostam de sonhar e brincar, achando mais difícil
concluir e liberar seu trabalho.
Os finalizadores são a imagem espelhada, um reflexo para trás. Eles avançam
rapidamente para o ponto final com clareza imediata. Eles estão menos interessados em
explorar as possibilidades e alternativas que as fases de Experimentação e Artesanato
podem sugerir.
Cada um pode achar útil pedir emprestado ao outro.
Os finalistas podem se beneficiar se dedicarem mais tempo nas fases iniciais.
Escrever além do requisito mínimo, experimentando outros materiais, considerações e
perspectivas. Permitindo-se espaço para improvisação e surpresa no processo.
Os experimentadores podem se beneficiar ao levar um aspecto do trabalho até a

conclusão. Pode ser um desenho, uma música ou o capítulo de um livro. Até mesmo
tomar uma decisão fundamental a partir da qual construir pode ajudar.
Veja o exemplo de um álbum. Se você é um músico que luta com dez músicas,
restrinja seu foco a duas. Quando tornamos a tarefa mais gerenciável e focada, ocorre
uma mudança. E completar até mesmo um pequeno segmento gera confiança.
Ir de dois para três é mais fácil do que ir de zero para dois. E se você
acontecer de ficar preso em três, então pule e faça quatro e cinco.
Conclua o máximo de elementos do projeto que puder sem ficar preso. É muito mais
fácil voltar atrás quando a carga de trabalho é reduzida. Muitas vezes
o conhecimento que adquirimos ao terminar as outras peças torna-se uma chave

para superar obstáculos anteriores.
Regras Temporárias
Grande parte do processo artístico envolve ignorar regras, abandoná-las, minar

regras e erradicar regras que não sabíamos que estávamos seguindo. Há também
lugar para impor regras. Por usar regras como ferramenta para definir um determinado
projeto.
Quando não há restrições de material, tempo e orçamento, você tem opções
ilimitadas. Quando você aceita limitações, seu leque de escolhas é reduzido. Quer
sejam impostas pelo design ou pela necessidade, é útil ver as limitações como
oportunidades.
Pense nisso como definir uma paleta para cada projeto. Dentro destas restrições,
os aspectos de resolução de problemas tornam-se mais específicos e as soluções
mais óbvias podem não estar disponíveis. Essa seleção pode ajudar a dar caráter ao
novo trabalho e diferenciá-lo dos esforços anteriores, com potencial para resultados
inovadores. Problemas novos levam a soluções originais.
Georges Perec escreveu um livro inteiro sem usar a letra mais comum do alfabeto
francês: e. Tornou-se uma das obras experimentais mais célebres da literatura
moderna.
O pintor Yves Klein decidiu limitar a sua paleta a uma cor. Isso o levou a descobrir
um tom de azul que ninguém havia visto antes. A própria sombra
foi visto por muitos como efetivamente se tornando uma arte e mais tarde foi chamado
de “International Klein Blue”.
O diretor Lars von Trier elaborou dez regras, Dogma 95 O Voto de Castidade,
destinadas a reduzir a artificialidade da produção cinematográfica. Eles eram os
seguintes:
1. A filmagem deverá ser realizada no local, sem fornecimento de adereços ou cenários que não
existem logicamente dentro desse cenário.
2. Somente som diegético. Nunca devem ser produzidos sons, como música que não
existem dentro da cena.
3. Todas as fotos devem ser feitas com a mão. Movimento, imobilidade e estabilidade devem ser alcançados por
mão.
4. O filme deve ser colorido, sem iluminação especial. Se não houver exposição suficiente, um
uma única lâmpada pode ser anexada à câmera.
5. Não pode haver trabalho óptico ou filtros de lente.
6. Nenhuma ação “superficial” (como assassinatos encenados, acrobacias elaboradas, etc.).
7. A alienação geográfica é estritamente proibida, pelo que o filme deve acontecer aqui
e agora.
8. Nenhum filme de gênero.
9. Academy 35mm é o único formato de filme aceito.

10. Os diretores não devem ser creditados.
Três anos após o anúncio do manifesto, o primeiro filme oficial do Dogma 95 foi lançado
por Thomas Vinterberg. Intitulado The Celebration (Festen), o filme foi um sucesso
instantâneo de crítica, ganhando o Prêmio do Júri no Festival de Cinema de Cannes de
1998.
Inspirado por Von Trier, o tecladista Money Mark fez um conjunto de regras
semelhantes, aplicáveis à música, para gravar um de seus álbuns mais conceituados.
As regras do beisebol ou basquete definem o jogo e raramente são alteradas.
A inovação existe apenas dentro dessas regras. Como artistas, criamos um novo conjunto
de regras cada vez que jogamos. Após consideração cuidadosa, podemos optar por quebrá-
los no meio de um projeto se uma descoberta nos impelir. Embora seja fácil fazer essas
mudanças, há pouca utilidade nas regras se elas não forem levadas a sério.
Não existem regras ruins ou regras boas. Somente regras que se ajustem à situação e
sirvam à arte, ou aquelas que não o façam. Se o objetivo é criar o trabalho mais bonito
possível, então quaisquer diretrizes que estejam realmente a serviço desse fim são as
corretas a serem utilizadas.
A imposição de regras é mais valiosa para um artista que já realizou algum trabalho.
Se você está estabelecido em um ofício ou área, regras temporárias podem ser úteis
para quebrar um padrão. Eles podem desafiá-lo a se tornar melhor, a inovar e a trazer
à tona um novo lado seu ou de seu trabalho.
Alguns artistas virtuosos optam por mudar para instrumentos ou meios menos
familiares, porque o desafio os revela como os artistas que realmente são, sem a
distração da sua habilidade técnica.
Defina parâmetros que o tirem da sua zona de conforto. Se você sempre escreve
em um laptop, tente usar um bloco de notas amarelo. Se você for destro, pinte com a
mão esquerda. Se você baseia suas melodias em instrumentais, escreva uma acapella.
Se você filma usando equipamento profissional, considere fazer um filme inteiro apenas
com a câmera do seu telefone. Se você sempre se prepara para atuar por meio de
pesquisas, tente uma improvisação cega.
Seja qual for sua escolha, escolha uma estrutura que quebre seu ritmo normal e
veja aonde ela leva. Apenas pela natureza das limitações que você definiu, o trabalho
será diferente do que você fez antes. É de pouca importância se é melhor. O objetivo
é a autodescoberta.
Se você costuma escrever parágrafos curtos, pode decidir experimentar parágrafos
longos. Você pode não gostar tanto do novo formulário, mas provavelmente aprenderá
algo no processo que melhorará os parágrafos curtos. Ao quebrar as regras, você terá
uma maior compreensão de suas escolhas anteriores.
Um problema para alguns artistas de sucesso quando consideram mudanças de

estilo ou método é a preocupação com seus seguidores. Eles perguntam: o público
acompanhará o passeio?
Ao explorar novos horizontes, você pode muito bem perder alguns fãs. Novos fãs
também podem aparecer. Seja qual for o caso, a decisão de limitar o seu trabalho ao
que lhe é familiar é um desserviço tanto para você quanto para o seu público. A energia
da admiração e da descoberta pode se perder ao trilhar o mesmo terreno repetidamente.
Uma regra é uma forma de estruturar a consciência.

Grandeza
Imagine ir morar sozinho no topo de uma montanha, para sempre. Você constrói uma casa que
ninguém jamais visitará. Mesmo assim, você investe tempo e esforço para moldar o espaço em que
passará seus dias.
A madeira, os pratos, as almofadas – tudo magnífico. Curadoria ao seu gosto.
Esta é a essência da grande arte. Fazemos isso com o único propósito de criar a nossa versão
do belo, trazendo tudo de nós mesmos para cada projeto, quaisquer que sejam seus parâmetros e
restrições. Considere isso uma oferenda, um ato devocional. Fazemos o melhor, conforme vemos o
melhor – com o nosso próprio gosto. De mais ninguem.
Criamos nossa arte para que possamos habitá-la nós mesmos.
A medição da grandeza é subjetiva, como a própria arte. Não há difícil
métrica. Estamos nos apresentando para um público de um só.
Se você pensa: “Eu não gosto disso, mas outra pessoa vai gostar”, você não está fazendo arte
para si mesmo. Você se encontrou no ramo do comércio, o que é bom; simplesmente pode não ser
arte. Não há uma linha clara entre os dois. Quanto mais estereotipada for a sua criação, mais ela
abraça o que tem sido popular e menos parecida com arte ela provavelmente será. E, de facto, a
criatividade com esse espírito muitas vezes falha mesmo nos seus próprios objectivos. Não existe
métrica mais válida para prever o que outra pessoa pode gostar do que nós mesmos.
Medo de críticas. Apego a um resultado comercial. Competindo com trabalhos anteriores.

Restrições de tempo e recursos. A aspiração de querer mudar o mundo. E qualquer história além de
“Quero fazer o melhor que posso, seja o que for” está minando as forças na busca pela grandeza.
Em vez de se concentrar no que isso lhe trará, concentre-se no que você contribui para esta
arte para torná-la o melhor possível, sem
limitação.
Se você estiver criando algo com um propósito exclusivamente funcional, como um carro
projetado para atingir uma determinada velocidade máxima, outras intenções podem ser
importantes. Se o seu projeto for puramente artístico, redirecione sua voz interior para se
concentrar na intenção criativa pura.
Com o objetivo de simplesmente fazer um ótimo trabalho, ocorre um efeito cascata. Um

padrão é definido para tudo o que você faz, o que pode não apenas elevar seu trabalho a novos
patamares, mas também elevar a vibração de toda a sua vida. Pode até inspirar outros a fazerem
o seu melhor trabalho. Grandeza gera grandeza. É infeccioso.
Sucesso
Como devemos medir o sucesso?
Não é popularidade, dinheiro ou estima crítica. O sucesso ocorre na privacidade da alma.

Chega no momento em que você decide lançar o trabalho, antes de ser exposto a uma única
opinião. Quando você tiver feito tudo o que puder para revelar o maior potencial do trabalho.
Quando você estiver satisfeito e pronto para deixar ir.
O sucesso não tem nada a ver com variáveis externas a você.
Seguir em frente é um aspecto do sucesso. Isso acontece quando finalizamos um

trabalho, compartilhamos e iniciamos um novo projeto.
O que quer que venha depois deste sentimento tranquilo de realização está sujeito às
condições do mercado. Condições além de nós. Nossa vocação é fazer belos trabalhos com
o melhor de nossa capacidade. Às vezes eles serão aplaudidos ou recompensados, às vezes
não. Se questionarmos o nosso conhecimento interior para tentar prever o que os outros
podem gostar, o nosso melhor trabalho nunca aparecerá.
O sucesso popular é um barômetro pobre de trabalho e valor. Para que uma obra se conecte
comercialmente, as estrelas devem estar alinhadas e nenhuma delas está relacionada à
qualidade do projeto. Pode ser o momento, o mecanismo de distribuição, o clima da cultura
ou uma conexão com eventos atuais.
Se uma catástrofe global acontecer no mesmo dia em que um projeto for lançado, o
projeto poderá ser ofuscado. Se você fez uma mudança estilística, seus fãs podem não ser
receptivos a ela inicialmente. Se um trabalho altamente aguardado de outro
artista for lançado no mesmo dia, seu projeto pode não ter o mesmo impacto. A maioria das
variáveis está completamente fora do nosso controle. Os únicos que podemos controlar são
fazer o nosso melhor trabalho, compartilhá-lo, começar o próximo e não olhar para trás.
Não é incomum desejarmos o sucesso exterior, na esperança de que ele preencha um vazio
dentro de nós. Alguns imaginam a conquista como um remédio para consertar ou curar a
sensação de não ser suficiente.
Artistas que trabalham diligentemente para conseguir isso raramente estão preparados
para a realidade. A maioria dos aspectos da popularidade não são tão anunciados. E o
artista muitas vezes está tão vazio quanto antes, provavelmente ainda mais.
Se você acredita que o sucesso curará sua dor, quando o tratamento chega e não
funciona, isso pode levar à desesperança. A depressão pode acompanhar a percepção de
que aquilo que você passou a maior parte da vida perseguindo não resolveu suas
inseguranças e vulnerabilidades. O mais provável é que, com os riscos e as consequências
agora mais elevados, isso apenas tenha amplificado a pressão.
E nunca aprendemos como lidar com essa decepção épica.
Um público fiel pode começar a se sentir como uma prisão. Um músico pode começar a
trabalhar em um determinado gênero porque é aquele que ele ama e pode alcançar grande
sucesso com ele. Se o seu gosto mudar, eles poderão sentir-se acorrentados ao estilo
antigo, porque agora existem gestores, publicitários, agentes, assistentes e outros que têm
interesse no seu sucesso comercial. A nível pessoal, podem até vincular a sua própria
identidade ao estilo de trabalho que exerceram no passado.
Sempre que surge um instinto de movimento e evolução, é aconselhável ouvi-lo. A

alternativa – ficar preso pelo medo de perder terreno – é um beco sem saída. Você pode
perder o prazer e a crença no trabalho porque ele não é mais fiel a você. Como resultado, o
trabalho pode soar vazio e, de qualquer maneira, não conseguir envolver o público.
Considere que pode não ter sido o seu estilo inicial que atraiu o sucesso, mas a sua
paixão pessoal por ele. Então, se sua paixão mudar
claro, siga-o. Sua confiança em seus instintos e entusiasmo são o que repercute nos
outros.
O mesmo resultado pode ser visto como um grande sucesso ou um terrível
fracasso, dependendo da perspectiva. Essa percepção pode ter um impulso que se
estende ao longo da carreira do escritor. Ser rotulado como um fracasso com um
trabalho que foi bem-sucedido pela maioria das outras métricas pode tornar o avanço
muito mais difícil de navegar.
É por isso que é fundamental proteger sua compreensão pessoal do sucesso. E
fazer com que cada novo trabalho, não importa onde você esteja na escada da
percepção pública, como se você não tivesse nada a perder.
Se pudermos entrar em sintonia com a ideia
de fazer coisas e compartilhá-las sem se apegar ao
resultado, é mais provável que o trabalho chegue em sua
forma mais verdadeira.

Desapego Conectado
(Possibilidade)
Considere desligar-se da história da sua vida enquanto ela está acontecendo.
O manuscrito do romance em que você trabalhou durante anos se perdeu em um incêndio.
Seu relacionamento romântico termina quando você pensa que está indo bem.
Você perde um emprego de que gosta. Por mais difícil que pareça, procure vivenciar acontecimentos como
esses como se estivesse assistindo a um filme. Você está observando uma cena dramática onde o
protagonista enfrenta um desafio aparentemente intransponível.
É você, mas não é você.
Em vez de afundar na dor do desgosto ou no estresse de ser demitido ou na dor da perda, se praticar o
desapego a resposta poderia ser: eu não estava esperando aquela reviravolta na história. Eu me pergunto o
que acontecerá com nosso herói a seguir.
Sempre há uma próxima cena, e essa próxima cena pode ser de grande beleza e realização. Os tempos
difíceis foram a configuração necessária para permitir que essas novas possibilidades surgissem.
O resultado não é o resultado. A escuridão não é um ponto final, nem a luz do dia. Eles vivem em um
ciclo em constante desenvolvimento e mutuamente dependente.
Nem é ruim nem bom. Eles simplesmente existem.
Esta prática – de nunca assumir que uma experiência que você tem é a história toda – irá apoiá-lo em
uma vida de possibilidades abertas e equanimidade. Quando nos concentramos obsessivamente nesses
eventos, eles podem parecer catastróficos. Mas eles são apenas um pequeno aspecto de uma vida maior, e
quanto mais você retrocede, menor se torna cada experiência.
Aumente o zoom e fique obcecado. Diminua o zoom e observe. Nós podemos escolher.
Quando chegamos a um impasse, podemos experimentar sentimentos de desesperança.

A capacidade de ficar fora da história, voltar atrás e ver novos caminhos dentro e fora de um
desafio será de utilidade ilimitada.
Se permitirmos que este princípio atue em nós enquanto trabalhamos nele, a nossa
imaginação libertar-nos-á da teia de histórias pessoais e culturais que nos envolvem. A arte
tem o poder de nos tirar da nossa paralisação, abrir as nossas mentes para o que é possível
e reconectar-nos com a energia eterna que se move através de todas as coisas.
O êxtase
Você já se sentiu atraído, como se estivesse em transe, enquanto ouvia uma peça musical?
Que tal enquanto lê um livro ou contempla uma pintura?
Para começar, essa pode ser uma das razões pelas quais você se sente atraído pelo
trabalho criativo – a memória, a experiência recorrente, da alegria sensorial. É como morder
um pedaço de fruta no auge da maturação.
Agora pense em tudo o que acontece num trabalho que antecede o momento de
perfeito equilíbrio. Todos os experimentos que erram o alvo. As ideias que não levam a
lugar nenhum. As decisões difíceis que são tomadas. Os pequenos ajustes que parecem
mudar tudo.
Qual é o teste que um artista usa nesses momentos cruciais do processo? Como saber
quando o trabalho – e o trabalho – é bom?
Como você pode saber quando está se movendo na direção certa? Como é o movimento
para frente?
Você poderia dizer que é um sentimento. Uma voz interior. Um sussurro silencioso que
faz você rir. Uma energia que entra na sala e possui o corpo. Chame isso de alegria,
admiração ou euforia. Quando uma sensação de harmonia e realização de repente prevalece.
É um surgimento do êxtase.
O êxtase é a nossa bússola, apontando para o nosso norte verdadeiro. Surge
genuinamente no processo de criação. Você está trabalhando e lutando e, de repente,
percebe uma mudança. Uma revelação. Um pequeno ajuste é feito, um novo ângulo é
revelado e é de tirar o fôlego.
Pode surgir até mesmo dos detalhes aparentemente mais mundanos. A mudança de
uma palavra em uma frase. Instantaneamente, a passagem passa do absurdo à poesia, e
tudo se encaixa.
Um artista estará no meio da criação, e o trabalho pode parecer normal por um tempo.
De repente, ocorre uma mudança ou um momento é revelado, e a mesma peça agora
parece extraordinária.
Tão pouco foi necessário para dar o salto da mediocridade para a grandeza. O salto
nem sempre pode ser compreendido, mas quando acontece é claro e animador.
Isso pode ocorrer a qualquer momento durante um projeto. Você pode estar se
movendo na zona neutra por algum tempo. Você atinge uma nova nota e de repente se
sente magnetizado. Você está noivo. Você se inclina para frente e sente uma onda de
energia, como uma oração respondida.
Esse sentimento é a afirmação de que você está no caminho certo. É um empurrãozinho
para continuar. Um sinal de que você está trabalhando na direção da grandeza, de que há
uma verdade mais profunda no que você está fazendo. Está fundamentado em algo digno.
Essa epifania é o coração da criatividade. É algo que sentimos em todo o nosso corpo.
Isso nos faz prestar atenção e acelerar nossos batimentos cardíacos, ou rir de surpresa.
Dá-nos um vislumbre de um ideal mais elevado, abrindo em nós novas possibilidades que
não sabíamos que existiam. É tão revigorante que faz com que valha a pena realizar todas
as partes trabalhosas e menos interessantes do trabalho.
Estamos explorando esses eventos: os momentos em que os pontos se conectam. Nós
deleite-se com a satisfação de ver toda a forma entrar em foco claro.
A natureza do êxtase é animalesca. Uma reação visceral centrada no corpo, não cerebral.
Não precisa fazer sentido. Não foi feito para ser compreendido. Está aí para nos guiar.
O intelecto pode ajudar a completar o trabalho e pode decifrar o que está motivando
nosso deleite em retrospectiva, mas a criação de arte depende de sairmos de nossas
cabeças. Parte da beleza da criação é que podemos nos surpreender e fazer algo maior
do que somos capazes de compreender naquele momento, se algum dia conseguirmos.
Idéias e emoções latentes escondidas em camadas mais profundas da psique podem

chegar às nossas letras, cenas e telas. Muitos artistas percebem, muito depois de seu
trabalho ser lançado, que ele era, na verdade, uma forma chocantemente vulnerável e
enigmática de confissão pública. Uma parte deles estava tentando encontrar uma solução
ou uma voz.
A profundidade do nosso trabalho não importa necessariamente. Porém, quando você
segue suas reações corporais instintivas, muitas vezes você chegará a lugares mais
profundos do que chegaria de outra forma.
O êxtase pode ser vivenciado de diferentes maneiras. Às vezes, é uma sensação de
excitação relaxada, como quando lhe fazem uma pergunta para a qual você acha que não
sabe a resposta, mas você se vê respondendo perfeitamente a partir de um sentimento
mais profundo de conhecimento. Um aumento de energia no corpo pode criar uma
confiança calma e revigorante.
Outras vezes, é um momento de espanto, quando você sente emoções tão poderosas
que não consegue acreditar que estão acontecendo. Eles sacodem sua realidade e levam
você a uma sensação de descrença. Como perceber que você está dirigindo em sentido
contrário.
Depois, há um terceiro tipo, onde você é gentilmente transportado para fora da
realidade, sem saber. Ao ouvir uma música, você pode fechar os olhos e ser levado a
algum lugar. Quando termina, você fica quase perplexo ao se encontrar de volta ao seu
corpo. Como se acordasse de um sonho espontâneo.
Sintonize esses sentimentos em seu trabalho criativo. Procure as reações internas.

De todas as experiências que ocorrem durante o processo criativo, tocar o êxtase e
permitir que ele guie a nossa mão são as mais profundas e preciosas.
Ponto de referência
De vez em quando, você ouve uma nova gravação de um artista que você acompanha há
algum tempo e que está abrindo novos caminhos estranhos.
É estranho ouvir o trabalho a princípio. Parece estranho. Você não tem
contexto para isso. Você pode não ter certeza se gosta. Você pode até rejeitá-lo.
Ainda assim você é obrigado a ouvir de novo e de novo. Um novo padrão começa a
surgir em seu cérebro. O que era estranho torna-se um pouco mais familiar. Você começa
a ver como isso se conecta com o que veio antes. Isso começa a clicar em sua mente,
goste você ou não.
E então um dia você percebe que não consegue viver sem isso.
Quando um artista querido frustra nossas expectativas ou um novo artista desafia
precedentes conhecidos, pode ser confuso. Inicialmente, o trabalho pode parecer
insatisfatório ou sem qualquer interesse. Depois de superarmos o obstáculo de nos
adaptarmos à nova paleta, essas podem acabar sendo nossas obras favoritas. Por outro
lado, obras de que gostamos imediatamente podem não ter o mesmo poder no futuro.
O mesmo fenômeno pode acontecer enquanto fazemos nosso próprio trabalho.

Se você está procurando soluções para um problema ou um novo projeto para
começar, você pode reagir de forma fortemente negativa a uma opção que surgir. Isso
pode acontecer quando a ideia é tão nova que você não tem nenhum contexto para ela.
Quando não temos contexto, novas ideias parecem estranhas ou estranhas.
Às vezes as ideias que menos correspondem às nossas expectativas são as mais
inovadoras. Por definição, as ideias revolucionárias não têm contexto. Eles inventam os
seus próprios.
Quando experimentamos inicialmente o que é radicalmente novo, nosso primeiro

instinto pode ser afastá-lo e pensar: isso não é para mim. E às vezes pode não ser.
Outras vezes, pode levar ao nosso trabalho mais importante e duradouro.
Esteja ciente de respostas fortes. Se você ficar imediatamente desanimado com uma
experiência, vale a pena examinar o porquê. Reações poderosas geralmente indicam
poços mais profundos de significado. E talvez, ao explorá-los, você seja levado ao próximo
passo em seu caminho criativo.
Não-Competição
A arte é sobre o criador.

Seu objetivo: ser uma expressão de quem somos.
Isso torna a concorrência absurda. O campo de atuação de cada artista é específico
para eles. Você está criando o trabalho que melhor representa você. Outro artista está
fazendo o trabalho que melhor os representa. Os dois não podem ser medidos um contra
o outro. A arte está relacionada ao artista que a faz e à contribuição única que ele traz para
a cultura.
Alguns podem argumentar que a competição inspira grandeza. O desafio de superar o
que outros realizaram pode funcionar como um incentivo para ultrapassar os nossos limites
criativos. Na maioria dos casos, porém, esta energia de competição oscila numa vibração
mais baixa.
Querer superar outro artista ou fazer um trabalho melhor que o dele raramente resulta
em verdadeira grandeza. Nem é uma mentalidade que tenha um impacto saudável no
resto de nossas vidas. Como apontou Theodore Roosevelt, a comparação é a ladra da
alegria. Além disso, por que quereríamos criar com o propósito de diminuir outra pessoa?
Quando outro grande trabalho nos inspira a elevar o nosso, porém, a energia é
diferente. Ver o nível elevado em nosso campo pode nos encorajar a chegar ainda mais
alto. Essa energia de ascensão para o encontro é bem diferente daquela de conquista.
Quando Brian Wilson ouviu pela primeira vez Rubber Soul dos Beatles , sua mente
explodiu. “Se algum dia eu fizer alguma coisa na minha vida, vou fazer um álbum tão bom
assim”, pensou ele na época. Ele continuou explicando: “Fiquei tão feliz em ouvir isso que
comecei a escrever 'God Only Knows'. ”
Ficar feliz com o melhor trabalho de outra pessoa e depois deixá-lo inspirar
você estar à altura da ocasião, não é competição. É colaboração.
Quando Paul McCartney ouviu o álbum resultante dos Beach Boys, Pet Sounds, ele também
ficou impressionado e levado às lágrimas, proclamando que “God Only Knows” era para seus
ouvidos a melhor música já escrita. Estimulados pela experiência, os Beatles tocaram Pet
Sounds repetidamente enquanto criavam outra obra-prima, Sgt. Banda do Pepper's Lonely
Hearts Club. “Sem sons de animais de estimação, sargento. Pepper nunca teria acontecido”,
disse o produtor dos Beatles, George Martin. “Pepper foi uma tentativa de igualar Pet Sounds.”
Essas idas e vindas criativas não se baseavam na competição comercial, mas no amor
mútuo. E todos nós somos os beneficiários desta espiral ascendente em direção à magnificência.
Não existe nenhum sistema que possa classificar qual trabalho reflete melhor o criador. A
grande arte é um convite, apelando aos criadores de todo o mundo para que se esforcem por
níveis ainda mais elevados e profundos.
Existe outro tipo de competitividade que pode ser vista como um ganho infinito: uma história
que pode continuar a desenrolar-se ao longo da vida de um artista.
Esta é a competição consigo mesmo.
Pense na autocompetição como uma busca pela evolução. O objetivo não é vencer nosso
outro trabalho. É fazer as coisas avançarem e criar uma sensação de progressão. Crescimento
acima da superioridade.
Nossa habilidade e gosto podem evoluir, gerando trabalhos diferentes ao longo do tempo,
mas nenhum pode ser avaliado como mais ou menos que outro. São instantâneos diferentes de
quem somos e de quem éramos. Todos eles são o nosso melhor trabalho no momento em que
foram criados.
A cada novo projeto, nos desafiamos a refletir da maneira mais bela o que vive em nós
naquele período específico de tempo.
Neste espírito de autocompetição, encarregue-se de ir mais longe e avançar
o inesperado. Não pare nem na grandeza. Aventure-se além.
Essência
Todo o trabalho que fazemos, por mais complexo que seja, contém uma essência subjacente.
Uma identidade central ou estrutura fundamental, como um esqueleto que sustenta a carne.
Alguns podem chamar isso de “ser”.
Se uma criança fizer um desenho de uma casa, ela pode ter uma janela, um telhado e uma
porta. Se você tirar a janela e olhar a foto, ainda é uma casa. Se você tirar a porta, ainda será
uma casa. Se retirarmos o telhado e as paredes exteriores e deixarmos a janela e a porta, já
não fica claro se ainda é uma casa.
Da mesma forma, cada obra de arte tem uma característica única e vivificante que a torna
o que é. Pode ser o tema, o princípio organizador, o ponto de vista do artista, a qualidade da
performance, os materiais, o clima transmitido ou uma combinação de elementos. Qualquer um
deles pode desempenhar um papel na formação da essência.
Se um escultor faz uma obra em pedra ou em barro, a experiência desse trabalho é muito
diferente. No entanto, uma obra de pedra e uma de barro podem ter a
mesma essência.
A essência está sempre presente, e nosso trabalho na fase Craft não é obscurecê-la. A
essência de uma obra também pode mudar, desde o momento em que você começa até o
momento em que termina. À medida que você refina o trabalho, adiciona elementos e move
peças, uma essência nova e diferente pode surgir.
Às vezes você pode ainda não conhecer a essência quando está envolvido no trabalho.
Você está apenas experimentando e brincando. Quando você acabar com algo de que gosta,
poderá perceber qual é a essência.
Destilar uma obra para aproximá-la o máximo possível da sua essência é uma
prática útil e informativa. Observe quantas peças você pode remover antes que o
trabalho que você está fazendo deixe de ser o trabalho que você está fazendo.
Refine-o até o ponto em que fique nu, em sua forma menos decorativa, mas ainda
intacto. Sem nada extra. Às vezes a ornamentação pode ser útil, muitas vezes não.
Menos geralmente é mais.
Se você deseja reunir duas unidades, sejam duas frases ou duas partes de uma
música, pode haver uma enorme quantidade de poder em fazê-lo sem usar uma
transição. Tente encontrar a maneira mais simples e elegante de transmitir uma ideia,
com o mínimo de informações.
Se houver alguma dúvida se um elemento serve à peça, provavelmente é uma boa
ideia deixá-lo de lado. Alguns artistas ficam supersticiosos em remover aspectos de uma
obra, como se isso fizesse o projeto evaporar diante de seus olhos. Por isso, vale
lembrar que tudo o que for retirado sempre poderá ser devolvido posteriormente, se
necessário.
A perfeição é finalmente obtida não quando não há mais nada a acrescentar,

mas quando não há mais nada a tirar.
—Antoine de Saint-Exupéry, Vento, Areia e Estrelas
No final, a
soma total da essência dos
nossos trabalhos individuais
pode servir de reflexão.

Quanto mais nos
aproximamos da verdadeira essência
de cada obra, mais cedo elas de
alguma forma, em algum
momento, fornecerão pistas sobre a nossa.
Apócrifo
Todo artista tem heróis.

Criadores com cujo trabalho nos conectamos, cujos métodos aspiramos, cujas
palavras valorizamos. Esses talentos excepcionais podem parecer além do humano,
como figuras mitológicas.
À distância, o que podemos saber ser verdade?
Sem testemunhar a criação real de uma obra amada, é impossível saber o que
realmente aconteceu. E se observássemos o processo com os nossos próprios olhos,
o nosso relato seria, na melhor das hipóteses, uma interpretação externa.
As histórias sobre como as obras são feitas e os rituais dos artistas que as fazem
são geralmente exageradas e, muitas vezes, pura ficção.
Uma obra de arte acontece naturalmente, por si só. Podemos perguntar-nos de
onde veio a ideia subjacente e como cada elemento individual foi reunido para produzir
tal obra-prima. Mas ninguém sabe como ou por que essas coisas acontecem. Muitas
vezes, nem mesmo o criador.
Nos casos em que o artista pensa que sabe, a sua interpretação pode não ser
precisa ou a história completa.
Vivemos em um mundo misterioso e cheio de incertezas. E regularmente fazemos
suposições para explicá-los. Aceitar a complexidade da nossa experiência humana
permite-nos sair do nosso estado natural de confusão. Para sobreviver.
Geralmente nossas explicações são suposições. Essas vagas hipóteses ficam

fixadas em nossas mentes como fatos. Somos máquinas de interpretação e este
processo de rotulagem e separação é eficiente, mas não preciso. Somos os narradores
não confiáveis de nossa própria experiência.
Então, quando um artista cria uma obra que é montada por uma mão invisível, e o processo
é posteriormente analisado, o que obtemos é mais narrativa. Isto é história da arte. A realidade
da arte é para sempre desconhecida.
Essas histórias podem ser interessantes e divertidas de se pensar. Mas acreditar que um
método específico é responsável pela qualidade de um trabalho é enganoso.
Especialmente se isso fizer com que você repita esse processo na esperança de obter um
resultado semelhante.
Figuras lendárias na arte e na história às vezes são consideradas divindades. É

contraproducente comparar-nos com eles porque nunca existiram como tais. Eles são seres
com vulnerabilidades e falhas humanas típicas, assim como nós.
Cada artista trabalha com seu próprio equilíbrio entre pontos fortes e fracos.
E não existe uma regra segundo a qual forças mais louváveis ou autodestruição romantizada
equivalem a arte melhor. Expressar-se é tudo o que importa.
Toda arte é uma forma de poesia. Está sempre mudando, nunca é corrigido. Podemos
pensar que sabemos o que significa uma peça que fizemos, mas com o tempo essa interpretação
pode mudar. O criador deixa de ser o criador quando termina o trabalho.
Eles então se tornam o espectador. E o espectador pode trazer tanto significado para uma peça
quanto o criador.
Nunca saberemos o verdadeiro significado de uma obra. É útil lembrar que existem forças
atuando além da nossa compreensão. Vamos fazer arte e deixar que outros façam as histórias.
Estamos lidando com um reino mágico.

Ninguém sabe por que ou como funciona.
Desligando
(Sabotando Vozes)
Podemos levar anos, até décadas, para criar nosso primeiro projeto. Normalmente se desenvolve
no vácuo, de maneira comum, em uma conversa principalmente com nós mesmos.
Depois de compartilhá-lo, podem surgir influências externas. Aparece um público, seja ele
composto por amigos ou grandes grupos de estranhos. Pessoas físicas e jurídicas com interesses
comerciais podem se inscrever. E à medida que começamos a trabalhar em nosso próximo
projeto, vozes externas podem falar conosco do lado de fora, influenciando-nos em diferentes
direções criativas. Exigindo a obra agora, sem preocupação com a qualidade.
À medida que essas vozes entram na cabeça de um artista – preocupação com prazos,
negócios, vendas, atenção da mídia, imagem pública, equipe, despesas gerais, aumento do
público, manutenção da base de fãs existente – elas podem minar nosso foco. A intenção da
nossa arte pode mudar da autoexpressão para a autossustentação. De escolhas criativas a
decisões de negócios.
A chave para navegar nesta fase de uma jornada artística é aprender a se desligar. Para
evitar que pressões externas entrem em nosso processo interno e interfiram no estado criativo
puro.
Ajuda lembrar a mentalidade clara que produziu o primeiro trabalho e
permitiu que o sucesso acontecesse originalmente.
Deixe de lado não apenas as preocupações comerciais, mas também as necessidades e
pensamentos dessas vozes externas. Mantenha-os fora de sua consciência enquanto busca seu
melhor trabalho.
Quando você consegue se concentrar puramente na criatividade e trabalhar em um espaço

sagrado, todos se beneficiam. E todas as outras prioridades são atendidas.
Em qualquer fase da carreira, o crítico em sua cabeça pode fazer sua voz ser ouvida.
Repetir que você não é talentoso o suficiente. Sua ideia não é boa o suficiente. A arte não é um
investimento que vale a pena do seu tempo. O resultado não será bem recebido. Você é um
fracasso.
Ou pode haver uma voz contrária que lhe diga que tudo o que você faz é
perfeito e você será o maior fenômeno que o mundo já viu.
Na maioria das vezes, estas são vozes externas que foram absorvidas cedo na vida. Talvez
um pai, professor ou mentor crítico ou amoroso. Essas vozes não são as nossas. Internalizamos
o julgamento de outra pessoa. Portanto, pode ser recebido com a mesma indiferença que outras
conversas aleatórias.
Qualquer pressão que você sinta em torno do trabalho – de dentro ou de fora – é um sinal
para um auto-exame. O objetivo do artista é manter-se puro e desapegado. Para evitar deixar
que o estresse, a responsabilidade, o medo e a dependência de um resultado específico
distraiam. E se isso acontecer, nunca é tarde para reiniciar.
O primeiro passo da compensação é o reconhecimento. Observe-se sentindo o peso da
autocrítica ou a pressão para corresponder às expectativas. E lembre-se de que o sucesso
comercial está completamente fora do seu controle. Tudo o que importa é que você esteja
fazendo algo que ama, com o melhor de sua capacidade, aqui e agora.
Trabalhar para se libertar das vozes interiores é uma espécie de meditação. Deixe de lado
todas as preocupações por um período de tempo e diga: só vou me concentrar nesta prática:
fazer um ótimo trabalho.
Se surgir alguma distração durante esse período, não a ignore nem se concentre nela. Não
lhes dê nenhuma energia. Deixe-os passar, como nuvens se abrindo ao redor de uma montanha.
O envolvimento regular nesta prática constrói o músculo da intenção concentrada, que você
pode usar em tudo o que faz. Eventualmente, desligando o
minar vozes e perder-se no trabalho não será um esforço de vontade, mas

uma capacidade conquistada.
Autoconsciência
Quando crianças, poucos de nós somos ensinados a compreender e priorizar nossos sentimentos.
Na maior parte dos casos, o sistema educativo não nos pede para aceder à nossa sensibilidade,
mas para sermos obedientes. Para fazer o que é esperado. Nosso espírito independente natural
é domesticado. O pensamento livre é limitado. Há um conjunto de regras e expectativas impostas
a nós que não se trata de explorar quem somos ou do que somos capazes.
O sistema não está aqui para nosso benefício. Isso nos impede como indivíduos de sustentar
sua própria existência continuada. Isto prejudica particularmente o pensamento independente e a
liberdade de expressão. Como artistas, a nossa missão não é enquadrar-nos ou conformar-nos
com o pensamento popular. Nosso propósito é valorizar e desenvolver nossa compreensão de nós
mesmos e do mundo que nos rodeia.
Ter autoconsciência é ter a capacidade de entrar em sintonia com o que pensamos, como
sentimos e o quanto sentimos sem interferência. Para perceber como percebemos o mundo
exterior.
Uma capacidade bem afinada de expandir e refinar nossa autoconsciência é a chave para
realizar trabalhos reveladores. Às vezes, existem muitas versões de muito bom.
Como sabemos quando chegamos à grandeza?
A autoconsciência nos permite ouvir o que está acontecendo no corpo e perceber as mudanças
energéticas que nos puxam para frente ou nos afastam.
Às vezes são sutis, outras vezes intensos.
Nossa definição de autoconsciência como artistas está diretamente relacionada à maneira
como nos sintonizamos com nossa experiência interior, e não à maneira como somos percebidos
externamente. Quanto mais nos identificamos com o nosso eu tal como ele existe através dos
olhos dos outros, mais desconectados nos tornamos e menos energia temos para extrair.
Ampliamos nosso alcance para uma consciência superior. Liberar o apego ao

nosso eu percebido e às limitações. Estamos buscando não nos definir, mas nos
expandir, entrar em sintonia com nossa natureza ilimitada e conexão com tudo o que
existe.
A autoconsciência é uma transcendência. Um abandono do ego. Um desapego.
Essa noção pode parecer evasiva, porque ao mesmo tempo inclui entrar em
sintonia com o eu e entregar-se. No entanto, estas não são tão contraditórias como
podem parecer. Como artistas, estamos em uma busca contínua para nos
aproximarmos do universo, aproximando-nos de nós mesmos. Aproximamo-nos cada
vez mais do ponto em que já não conseguimos dizer onde começa um e termina o
outro. Estamos numa distante jornada metafísica do aqui até o agora.
É útil trabalhar como se o projeto no qual você está

envolvido fosse maior do que você.
Bem diante de nossos olhos
Os artistas ocasionalmente experimentam uma sensação de estagnação. Um bloco. Isso não ocorre
porque o fluxo de criatividade parou. Não pode. Esta energia geradora é incessante. Pode ser que
estejamos optando por não nos envolver com isso.
Pense no impasse artístico como outro tipo de criação. Um bloco de sua autoria. Uma decisão,
consciente ou inconsciente, de não participar do fluxo de energia produtiva que está à nossa disposição o
tempo todo.
Quando nos sentimos constrangidos, podemos começar a criar uma abertura através da rendição. Se
abandonarmos nossos pensamentos analíticos, o fluxo poderá encontrar um caminho através de nós com
mais facilidade. Podemos ser e fazer, em vez de pensar e tentar. Crie no presente, em vez de antecipar o
futuro.
Cada vez que nos rendemos, podemos descobrir que a resposta que procuramos está bem diante
dos nossos olhos. Surge uma nova ideia. Um objeto na sala inspira.
Os sentimentos no corpo se amplificam.
Vale a pena considerar isso em momentos difíceis, quando parecemos estar presos, perdidos, sem
mais nada para dar.
E se tudo isso for uma história?
Esteja atento para não abandonar um projeto prematuramente porque você cedeu ao pensamento de tudo
ou nada. Já testemunhei vários artistas iniciarem projetos e jogá-los fora exatamente por esse motivo. É
fácil criar uma peça, reconhecer uma falha e querer descartar toda a obra. Esse reflexo acontece em todas
as áreas da vida.
Ao olhar para o trabalho, pratique ver verdadeiramente o que está lá, sem viés de negatividade. Esteja
aberto para ver tanto a força quanto a fraqueza, em vez de
focando na fraqueza e permitindo que ela supere a força. Você pode perceber que 80% do
trabalho é muito bom e, se os outros 20% se encaixarem da maneira certa, o trabalho se
tornará magnífico. Isso é muito melhor do que destruir o trabalho porque uma pequena
parte não se encaixa perfeitamente.
Ao reconhecer uma fraqueza, sempre considere como ela poderia ser removida ou
melhorada antes de descartar a peça inteira.
E se a fonte da criatividade estiver sempre presente, batendo pacientemente nas portas
da nossa percepção, esperando que destranquemos as fechaduras?
Se você estiver aberto e atento

ao que está
acontecendo, as respostas serão reveladas.
Um sussurro fora do tempo
É comum um artista questionar o peso de suas ideias.

Um processo criativo de cinco anos pode ter começado com um momento fugaz de um
sonho ou com um comentário ouvido em um estacionamento. Olhando para trás, esta
pequena semente que nos conduziu por um caminho sinuoso pode parecer insignificante.
Poderíamos nos perguntar se é grande o suficiente ou se a direção é importante o suficiente
para continuar viajando.
Ao colher sementes para iniciar o nosso trabalho, podemos ser tentados a procurar um
grande sinal antes de nos comprometermos. Um trovão para nos garantir que encontramos o
caminho certo. Podemos descartar ideias que não parecem de grande importância ou
magnitude.
Mas o tamanho não importa. Volume não é igual a valor.
Não podemos pesar o material de origem com base no impacto inicial que ele causa na
chegada. Às vezes, a menor semente cresce e se transforma na maior árvore. A ideia mais
inocente pode levar à escrita mais consequente. Insights triviais podem abrir as portas para
vastos mundos novos. A mensagem mais delicada pode ser da maior importância.
Mesmo que a semente nada mais seja do que aquilo que notamos – uma percepção
momentânea, um pensamento inesperado, até mesmo o eco de uma memória – ela é suficiente.
Na maioria das vezes, as sugestões de inspiração e direção da Fonte são pequenas.
Eles aparecem como pequenos sinais viajando pelo vazio do espaço, silenciosos e sutis,
como um sussurro.
Para ouvir sussurros, a mente também deve estar tranquila. Prestamos muita atenção em todas as
frentes. Nossas antenas sintonizadas com sensibilidade.
Aumentar nossa receptividade pode exigir um relaxamento de esforço. Se estamos tentando
resolver um problema, tentar pode atrapalhar. Salpicar em um lago levanta nuvens de sujeira na água
cristalina. Ao relaxar a mente, poderemos ter maior clareza para ouvir o sussurro quando ele chegar.
Além da meditação, podemos nos agarrar suavemente a uma pergunta e sair para caminhar, nadar
ou dirigir. A questão não está sendo trabalhada, apenas mantida vagamente na consciência. Estamos
apresentando-o gentilmente ao Universo e nos abrindo para receber uma resposta.
Às vezes as palavras parecem surgir de fora e outras vezes de dentro. Seja qual for a rota pela
qual a informação chega, permitimos que ela chegue pela graça, não pelo esforço. O sussurro não pode
ser criado à força, apenas recebido com um estado de espírito aberto.
Espere uma surpresa
Se prestarmos atenção, poderemos perceber que algumas de nossas escolhas artísticas

mais interessantes surgem por acidente. Nasce de momentos de comunhão com o trabalho,
quando o eu desaparece. Às vezes eles parecem erros.
Esses erros são o subconsciente engajado na resolução de problemas. Eles são uma
espécie de deslize freudiano criativo, onde uma parte mais profunda de você substitui sua
intenção consciente e oferece uma solução elegante. Quando questionado sobre como isso
aconteceu, você pode dizer que não sabe. Acabou de passar por você no
momento.
Com o tempo, nos acostumamos a vivenciar momentos difíceis de explicar. Momentos

em que você dá à arte exatamente o que ela precisa, sem querer, onde uma solução parece
ter surgido sem a sua intervenção.
Com o tempo, aprendemos a contar com a mão do desconhecido.

Para alguns artistas, ser surpreendido é uma experiência rara. Mas é possível
cultive esse dom por meio do convite.
Uma maneira é abrir mão do controle. Libere todas as expectativas sobre como será o
trabalho. Aborde o processo com humildade e o inesperado o visitará com mais frequência.
Muitos de nós somos ensinados a criar por pura vontade. Se escolhermos a rendição, as
ideias que querem passar por nós não serão bloqueadas.
É semelhante a escrever um livro seguindo um esboço detalhado. Deixe de lado o

esboço, escreva sem mapa e veja o que acontece. A premissa com a qual você começa pode
evoluir para algo mais. Algo que você não poderia ter planejado
e nunca teria surgido se você estivesse preso a seguir um script específico.
Com sua intenção definida e o destino desconhecido, você está livre para entregar
sua mente consciente, mergulhar no fluxo furioso de energia criativa e observar o
inesperado aparecer repetidas vezes.
À medida que cada pequena surpresa leva a outra, você logo encontrará a maior
surpresa:
você aprende a confiar em si mesmo – no universo, com o universo, como um canal
único para uma sabedoria superior.
Essa inteligência está além da nossa compreensão. Pela graça, é acessível a todos.
Viver na descoberta é sempre preferível

a viver através de suposições.
Grandes Expectativas
Ao iniciar um novo projeto, muitas vezes nos deparamos com ansiedade. Ele visita quase todos
nós, não importa quão experientes, bem-sucedidos ou bem preparados possamos ser.
Ao enfrentar o vazio, há uma tensão de opostos. Há um entusiasmo pela possibilidade de

que algo grande possa ser realizado e um pavor de que isso não aconteça.
E o resultado está fora do nosso controle.
O peso das nossas expectativas pode ficar pesado. Assim como o medo de que nós
não estão à altura da tarefa em questão. E se não conseguirmos desta vez?
O que ajuda a manter essas preocupações sob controle e seguir em frente é a confiança no
processo.
Quando nos sentamos para trabalhar, lembre-se de que o resultado está fora de nosso
controle. Se estivermos dispostos a dar cada passo em direção ao desconhecido com coragem
e determinação, carregando conosco todo o conhecimento acumulado, chegaremos onde
estamos indo. Este destino pode não ser aquele que escolhemos antecipadamente.
Provavelmente será mais interessante.
Esta não é uma questão de crença cega em si mesmo. É uma questão de fé experimental.
Você não trabalha como um evangelista, esperando milagres, mas como um cientista,
testando, ajustando e testando novamente. Experimentando e aproveitando os resultados. A fé
é recompensada, talvez até mais do que o talento ou a habilidade.
Afinal, como podemos oferecer à arte o que ela precisa sem uma confiança cega? Somos
obrigados a acreditar em algo que não existe para permitir que ele venha a existir.
Quando ainda não sabemos para onde vamos, não esperamos. Avançamos no escuro.
Se nada do que tentamos produz progresso, confiamos na crença e na vontade. Podemos
dar vários passos para trás na sequência para avançar.
Se tentarmos dez experimentos e nenhum deles funcionar, teremos escolha.

Podemos levar isso para o lado pessoal, pensar em nós mesmos como um fracasso e
questionar nossa capacidade de resolver o problema. Ou podemos reconhecer que
excluímos dez maneiras que não funcionam, aproximando-nos ainda mais de uma
solução. Para o artista, cujo trabalho é testar possibilidades, o sucesso é tanto excluir
uma solução quanto encontrar uma que funcione.
No processo de experimentação, permitimo-nos cometer erros, ir longe demais, ir
ainda mais longe, ser ineptos. Não existe fracasso, pois cada passo que damos é
necessário para chegar ao nosso destino, inclusive os erros. Cada experimento é valioso
à sua maneira se aprendermos algo com ele. Mesmo que não possamos compreender o
seu valor, ainda estamos praticando o nosso ofício, aproximando-nos cada vez mais da
maestria.
Com fé inabalável, trabalhamos sob a suposição de que o problema já está resolvido.
A resposta está aí, talvez seja óbvia. Apenas ainda não nos deparamos com isso.
Com o tempo, à medida que você conclui mais projetos, essa fé na experimentação
cresce. Você é capaz de manter grandes expectativas, seguir em frente com paciência
e confiar no mistério que se desenrola diante de você. Com a compreensão de que o
processo o levará aonde você está indo. Onde quer que isso se revele. E a natureza
mágica do desenrolar nunca deixa de nos tirar o fôlego
ausente.
Às vezes os erros
são o que torna um trabalho excelente.
A humanidade respira erros.
Abertura
Nossas mentes buscam regras e limites. Ao tentar navegar num mundo vasto e incerto,
desenvolvemos crenças que nos dão uma estrutura coerente, opções reduzidas e uma
falsa sensação de certeza.
Antes da civilização, o mundo natural era muito mais perigoso. Para que os humanos
sobrevivessem, tivemos que avaliar as situações e analisar as informações rapidamente.
Este instinto de sobrevivência persiste até hoje. Com a enorme quantidade de
informações disponíveis, dependemos mais do que nunca de categorização, rotulagem e
atalhos. Poucos têm tempo e experiência para avaliar cada nova escolha com uma mente
completamente aberta e imparcial. Há também uma sensação de segurança em encolher
o nosso mundo para torná-lo mais administrável.
O artista não valoriza a segurança e a pequenez. Reduzir nossa paleta para caber no
perímetro de crenças limitadas suprime o trabalho. Novas possibilidades criativas e fontes
de inspiração ficam bloqueadas. Se um artista continua tocando a mesma nota,
eventualmente o público perde o interesse.
Há um embotamento na mesmice. A certa altura da jornada do criador, a mente pode
tornar-se mais resistente a novos métodos ou novos estilos de expressão. Uma rotina
outrora útil pode, com o tempo, transformar-se numa forma estreita e fixa de trabalhar.
Para sair dessa mentalidade, nossa tarefa é suavizar, tornar-nos mais porosos e deixar
entrar mais luz.
Para manter a evolução da produção artística, reabasteça continuamente o recipiente
de onde ela vem. E amplie ativamente seu ponto de vista.
Convide crenças diferentes daquelas que você mantém e tente ver além do seu
próprio filtro. Experimente propositadamente além dos limites do seu gosto. Examine
abordagens que você pode considerar muito intelectuais ou vulgares.
O que podemos aprender com esses extremos? Quais são as surpresas inesperadas?
Que porta fechada pode se abrir no seu trabalho?
Considere expandir essa prática também para relacionamentos. Quando o feedback ou método
de um colaborador parecer questionável e entrar em conflito com sua configuração padrão,
reformule isso como uma oportunidade interessante. Faça tudo o que puder para ver a partir da
perspectiva deles e compreender o ponto de vista deles, em vez de defender o seu. Além de
resolver o problema em questão, você pode descobrir algo novo sobre si mesmo e tomar
consciência dos limites que o prendem.
O cerne da mente aberta é a curiosidade. A curiosidade não toma partido nem insiste em uma
única maneira de fazer as coisas. Ele explora todas as perspectivas. Sempre aberto a novos
caminhos, buscando sempre chegar a insights originais. Ansiando por expansão constante, ele
olha para os limites externos da mente com admiração. Ela pressiona para expor limites falsamente
estabelecidos e romper novas fronteiras.
Quando nos deparamos com um problema artístico, a razão pela qual ele é um problema é
normalmente porque entra em conflito com nossas crenças aceitas sobre o que é e o que não é
possível. Ou nossas expectativas sobre o que se espera que aconteça.
Uma música pode começar a se afastar do nosso gênero assumido. Um pintor pode ficar sem
certo tipo de tinta. Um diretor de cinema pode ter um mau funcionamento em um equipamento no
set.
Quando algo não sai conforme o planejado, temos a opção de
resistir ou incorporá-lo.
Em vez de encerrar o projeto ou expressar frustração, podemos considerar o que mais pode
ser feito com os materiais disponíveis. Que soluções podem
ser improvisado? Como o fluxo pode ser redirecionado?

Pode haver um propósito benéfico por trás do problema em questão. O universo poderia estar
nos levando a uma solução ainda melhor.
Não há como saber.
Só podemos fluir com os desafios à medida que eles surgem e manter a mente aberta, sem
bagagem, sem história anterior para viver. Simplesmente começamos de
,
um lugar neutro permite que o processo se desenvolva, , e dê as boas-vindas aos ventos
mude para guiar o caminho.
Muitas pessoas podem parecer isoladas.

Mas às vezes as paredes podem fornecer
diferentes maneiras de ver
por cima e ao redor dos obstáculos.
Cercando o Relâmpago
Uma explosão de informações chega em momentos inspirados. Como podemos evitar ficar
fixados nesses relâmpagos? Alguns artistas vivem como caçadores de tempestades, aguardando
ataques espontâneos, ansiando pela emoção.
Uma estratégia mais construtiva é focar menos no raio e mais nos espaços que o rodeiam. O
espaço antes, porque o raio não atinge a menos que as pré-condições corretas sejam atendidas,
e o espaço depois, porque a eletricidade se dissipa se você não capturá-la e usá-la. Quando
somos atingidos por uma epifania, a nossa experiência do que é possível foi ampliada.
Nesse instante, estamos arrombados. Entramos em uma nova realidade. Mesmo quando
deixamos esse estado elevado, a experiência às vezes permanece em nós. Outras vezes é
passageiro.
Se um raio cair e essa informação for canalizada até nós através do éter, o que se segue
será um grande trabalho prático. Embora não possamos comandar a chegada de um raio,
podemos controlar o espaço ao seu redor. Conseguimos isso preparando-nos antecipadamente
e honrando nossa obrigação depois.
Se o raio não cair, o nosso trabalho não precisa ser adiado. Alguns caçadores de tempestades
acreditam que a inspiração precede a criação. Isso não é sempre o caso.
Trabalhar sem raios é simplesmente funcionar. Como carpinteiros, comparecemos todos os dias
e fazemos o nosso trabalho. Os escultores amassam argila, varrem o chão do estúdio e trancam
o local durante a noite. Os designers gráficos sentam-se em suas estações de trabalho,
selecionam imagens, escolhem fontes, criam layouts e clicam em salvar.
Os artistas são, em última análise, artesãos. Às vezes, nossas ideias surgem através de
raios. Outras vezes, apenas através de esforço, experiência e habilidade. Como
trabalhamos, podemos perceber conexões e ficar surpresos com a maravilha do que é revelado
através do próprio fazer. De certa forma, esses pequenos a-ha! momentos também são
relâmpagos. Menos vívidos, eles ainda iluminam nosso caminho.
Um raio pode ser apenas um fenômeno temporário, uma expressão momentânea de potencial
cósmico. Nem toda ideia inspirada está destinada a se tornar uma grande obra de arte. Às
vezes chega um raio e não temos utilidade para ele. Um momento de inspiração pode estimular-
nos a iniciar uma longa exploração para descobrir a sua forma prática, apenas para chegar a
um beco sem saída.
A única maneira de descobrir é engajar-se de todo o coração no trabalho.
Sem diligência, a inspiração por si só raramente produz um trabalho de grandes consequências.
Em alguns projetos, a inspiração pode ser mínima e o esforço toma conta. Noutros, a inspiração
pode surgir e o esforço necessário para manifestar o seu potencial não pode ser realizado.
Fazer grande arte nem sempre exige grande esforço, mas sem ele você nunca saberá. Se
a inspiração chama, cavalgamos no relâmpago até que a energia se esgote.
A viagem pode não durar muito. Mas estamos gratos pela oportunidade. Se
a inspiração não vem para mostrar o caminho, a gente aparece mesmo assim.
Faça o que puder

com o que você tem.
Nada mais é necessário.
24 horas por dia, 7 dias por semana
(Permanecendo nele)
O trabalho do artista nunca está verdadeiramente concluído.
Em muitas profissões, quando voltamos para casa, deixamos o trabalho no escritório. O artista está
sempre de plantão. Mesmo depois de acordarmos de horas ocupadas com nosso ofício, o relógio ainda está
funcionando.
Isto porque o trabalho do artista é de dois tipos: O trabalho de
fazer.
O trabalho de ser.
Criatividade é algo que você é, não apenas algo que você faz. É uma forma de se
movimentar pelo mundo, a cada minuto, todos os dias. Se você não segue um padrão
irreal de dedicação, esse pode não ser o caminho para você. Grande parte do trabalho
do artista é uma questão de equilíbrio, por isso é irônico que esse modo de vida deixe
pouco espaço para isso.
Depois que você concorda com as demandas da vida criativa, ela se torna parte de você. Mesmo no meio
de um projeto, você ainda busca novas ideias a cada dia.
A qualquer momento, você está preparado para parar o que está fazendo para fazer uma anotação ou desenho,
ou capturar um pensamento fugaz. Torna-se uma segunda natureza. E estamos sempre nisso, a cada hora do
dia.
Permanecer nele significa o compromisso de permanecer aberto ao que está ao seu redor.
Prestando atenção e ouvindo. Procurando conexões e relacionamentos no mundo exterior. Em busca da
beleza. Procurando histórias. Perceber o que você acha interessante, o que faz você se inclinar para frente. E
saber que tudo isso está disponível para uso na próxima vez que você começar a trabalhar, onde os dados
brutos serão colocados em forma.

Não há como dizer de onde virá a próxima grande história, pintura, receita ou ideia
de negócio. Assim como um surfista não consegue controlar as ondas, os artistas
estão à mercê dos ritmos criativos da natureza. É por isso que é tão importante
permanecer atento e presente em todos os momentos. Observando e esperando.
Talvez a melhor
ideia seja aquela que
você terá esta noite.
Espontaneidade
(Momentos especiais)
A música que vem à mente totalmente formada.

Os enrolamentos impulsivos de um Jackson Pollock.
O movimento de dança espontâneo que preenche a pista.
Os artistas podem valorizar trabalhos espontâneos, pensando que há alguma pureza ou

especialidade superior em obras canalizadas em vez de cuidadosamente planejadas.
Mas você consegue dizer a diferença entre a arte que veio à mente e a arte que
foi criado com premeditação? E o que importa essa diferença?
A arte feita acidentalmente não tem mais nem menos peso do que a arte criada com suor
e luta.
Se demorou meses ou minutos, não importa. A qualidade não se baseia na quantidade de
tempo investido. Enquanto o que emerge for agradável para nós, o trabalho terá cumprido o
seu propósito.
A história da espontaneidade pode ser enganosa. Não vemos toda a prática e preparação
necessária para preparar um artista para que o evento espontâneo aconteça. Cada trabalho
contém uma vida inteira de experiência.
Grandes artistas muitas vezes trabalham para fazer com que seu trabalho pareça fácil. Às
vezes, eles podem passar anos elaborando e refinando meticulosamente uma composição
para parecer que ela foi feita em um dia ou em um momento.
Há outros que romantizam o planejamento e a preparação. Para eles, um trabalho
espontâneo tem menos validade. Parece mais um produto da sorte de um artista do que do
talento.
Considere a neutralidade. Basta fazer o trabalho e ver o que acontece. Se você gosta de um
resultado, aceite-o graciosamente, quer ele chegue repentinamente ou após longos períodos de
trabalho difícil e qualificado.
Para alguns artistas, o trabalho é fácil. Bob Dylan conseguia escrever uma música em
minutos, enquanto Leonard Cohen às vezes levava anos. E podemos amar as músicas igualmente.
Não há padrão ou lógica neste processo enigmático. Nem todos os projetos são iguais, não
há duas pessoas iguais. O projeto é o guia que seguimos.
E cada um vem com suas próprias condições e requisitos.
Se você é um artista cujo processo é baseado intelectualmente, pode ser benéfico brincar com a
espontaneidade como uma ferramenta, uma janela para a descoberta e um ponto de acesso para
novas partes de você mesmo.
O apego a qualquer processo criativo específico pode selar a porta pela qual entra a
espontaneidade. Mesmo que por pouco tempo, pode ser benéfico deixar esta porta entreaberta.
Podemos fazer uma experiência de entrega para permitir que surja a surpresa da descoberta.
Se você se sentar para escrever sem nenhuma preparação ou premeditação, poderá ignorar
a mente consciente e recorrer ao inconsciente. Você pode descobrir que o que emerge contém
uma carga que não pode ser duplicada através de métodos racionais.
significa.
Essa abordagem está no cerne de algumas formas de jazz. Quando os músicos estão
improvisando uma peça, ideias preconcebidas sobre o que tocar podem impedir que a performance
decole. O objetivo é estar presente e permitir que a música essencialmente toque sozinha,
aceitando os riscos. As performances serão boas em uma noite boa e ruins em uma noite ruim.
E talvez os melhores músicos de jazz sejam aqueles que têm a capacidade de criar momentos
especiais de forma bastante consistente. Até a espontaneidade melhora com a prática.
Você pode temer que uma grande ideia se perca ou seja esquecida na espontaneidade de
um momento. Para evitar isso, quando estou trabalhando com um artista, faço uma quantidade
infinita de anotações. Quando observadores externos entram em
no estúdio, muitas vezes eles não conseguem acreditar em como o processo

parece clínico. Eles imaginam uma grande festa musical. Mas estamos
constantemente gerando notas detalhadas sobre pontos de foco e experimentos
para testar. Para quase tudo o que é dito, alguém está anotando. Duas semanas
depois, chegará um momento em que alguém fará uma pergunta como: Qual
era aquela letra que amamos? Como era a versão anterior desse elemento?
Qual take foi o melhor para preencher o segundo refrão? E voltamos às notas.
Há um grande volume de material sendo gerado constantemente, e estamos
tão no momento que é impossível lembrar de tudo, mesmo de algo que
aconteceu segundos atrás. Quando chegamos ao final da música, estou absorto
em ouvir e esses pensamentos desaparecem. A tomada de notas fiel por um
observador conectado ajuda a evitar que momentos especiais se percam na
agitação da excitação.
Às vezes,
pode ser o momento mais comum que
cria uma obra de arte extraordinária.
Como escolher
Cada obra de arte consiste em uma série de escolhas, como uma árvore com muitos galhos.
Nosso trabalho começa com uma semente, da qual brota um tronco da ideia central. À
medida que cresce, cada decisão que tomamos torna-se um ramo que se divide em uma
nova direção, tornando-se cada vez mais detalhado à medida que avançamos.
Em cada bifurcação, podemos seguir em qualquer direção, e nossa escolha será
alterar o resultado final. Muitas vezes radicalmente.
Como decidimos que direção tomar? Como podemos saber qual
escolha nos levará à melhor versão possível da obra?

A resposta está enraizada num princípio universal de relacionamentos. Só podemos
dizer onde algo está em relação a outra coisa. E só podemos avaliar um objeto ou princípio
se tivermos algo para comparar e contrastar.
Caso contrário, é uma avaliação absolutamente além.
Podemos hackear esse princípio para melhorar nossas criações por meio de testes A/
B. É difícil avaliar uma obra ou uma escolha por si só, sem outro ponto de referência. Se
você colocar duas opções lado a lado e fizer uma comparação direta, nossas preferências
ficam claras.
Limitamos nossas opções para cada teste a duas opções sempre que possível. Mais
alguma coisa atrapalhará o processo. Ao preparar um prato, podemos provar duas
variedades diferentes do mesmo ingrediente antes de decidir qual usar. Dois atores lendo o
mesmo monólogo, dois tons de uma mesma cor ou duas plantas diferentes de um
apartamento.
Nós os colocamos um ao lado do outro, recuamos e comparamos diretamente. Na
maioria das vezes, haverá uma clara atração por um.
Se não houver, nos aquietamos para ver qual tem uma atração sutil. Seguindo o
feedback natural do corpo, avançamos em direção à opção que sugere o êxtase.
Sempre que possível, torne o teste A/B cego. Oculte o máximo de detalhes possível
sobre cada opção para remover quaisquer preconceitos que prejudiquem a comparação
justa. Por exemplo, alguns músicos preferem gravação analógica ou digital. Vale a
pena gravar usando os dois métodos e depois inventar uma maneira de ouvir cada um
sem qualquer indicação de qual é qual. Às vezes os artistas se surpreendem com sua
preferência.
Se você estiver em um impasse em um teste A/B, considere o método do sorteio.
Decida qual opção será cara e qual será coroa e, em seguida, jogue a moeda.
Quando a moeda estiver girando no ar, você provavelmente notará uma preferência
silenciosa ou desejará que uma das duas apareça. Por qual você está torcendo? Esta
é a opção a seguir. É aquele que o coração deseja. O teste termina antes que a moeda
caia.
Ao testar, não intelectualize demais sua escolha de critérios. Você está procurando
aquele primeiro instinto, a reação instintiva antes de qualquer pensamento. O puxão
instintivo tende a ser o mais puro, enquanto o segundo pensamento, mais
fundamentado, tende a ser processado e distorcido através da análise.
O objetivo é desligar a mente consciente e seguir nossos impulsos.
As crianças são excepcionalmente boas nisso. Eles podem passar por diversas
expressões espontâneas de emoção em um único minuto, sem julgamento ou apego.
À medida que envelhecemos, somos ensinados a esconder ou enterrar essas reações.
Isso silencia nossa sensibilidade interior.
Se aprendêssemos alguma coisa, seria libertar-nos de qualquer crença, bagagem
ou dogma que nos impeça de agir de acordo com a nossa verdadeira natureza. Quanto
mais nos aproximamos de um estado infantil de livre expressão, mais puro será o
nosso teste e melhor será a nossa arte.
Depois que um trabalho é concluído, nenhum teste pode garantir que fizemos a melhor
versão possível. Essas qualidades não são mensuráveis. Testamos para identificar
qual é a melhor versão das opções disponíveis.

Não importa o caminho que você faça, se você completar a viagem, chegará ao mesmo
destino. Este destino é um trabalho que nos sentimos com energia para compartilhar. Um
para o qual olhamos para trás e nos perguntamos com espanto como isso poderia ter acontecido.
vem de nós.
Tons e Graus
Na criação de arte, as proporções podem enganar.

Duas sementes de inspiração podem parecer indistinguíveis, mas uma pode produzir
volumes e a outra pouco ou nada. O que começa como um raio pode não produzir uma obra
que reflita sua magnitude inicial, enquanto uma humilde faísca pode se transformar em uma
obra-prima épica.
Na elaboração, a quantidade de tempo que dedicamos e os resultados que obtemos
raramente estão em equilíbrio. Um grande movimento pode materializar-se de uma só vez;
outras vezes, um pequeno detalhe pode levar dias. E não há como prever qual será o papel
que cada um deles terá no resultado final.
Outra faceta surpreendente do processo é como o mais ínfimo detalhe pode definir
claramente uma obra. Eles podem determinar se uma peça é estimulante ou lânguida, acabada
ou inacabada. Damos uma pincelada no pincel, um ajuste na mixagem – e de repente o
trabalho passa da metade para o final. Quando isso acontece, parece milagroso.
Em última análise, o que torna um trabalho excelente é a soma total dos mínimos detalhes.
Do início ao fim, tudo tem tonalidades e graus. Não existe uma escala fixa. Não pode haver,
porque às vezes os menores elementos são os que mais pesam.
Quando o trabalho apresenta cinco

erros, ainda não está concluído.
Quando tiver oito erros, pode ser.
Implicações
(Propósito)
Às vezes você pode se perguntar: Por que estou fazendo isso? Para que serve tudo isso?
Perguntas como essas surgem cedo e com frequência para alguns. Outros parecem passar a
vida inteira sem nunca se preocuparem com esses pensamentos.
Talvez saibam que quem faz e quem explica são sempre duas pessoas diferentes, mesmo quando
são a mesma pessoa.
No final, essas questões são de pouca importância. Não precisa haver um propósito orientando
o que escolhemos fazer. Quando examinada mais de perto, poderemos achar inútil esta ideia
grandiosa. Isso implica que sabemos mais do que podemos saber.
Se gostamos do que estamos criando, não precisamos saber por quê. Às vezes as razões são
óbvias, às vezes não. E eles podem mudar com o tempo. Pode ser bom por milhares de razões
diferentes. Quando estamos fazendo coisas que amamos, nossa missão é cumprida. Não há nada
para descobrir
fora.
Pense consigo mesmo:

estou aqui apenas para criar.
Liberdade
O artista tem responsabilidade social?

Alguns podem concordar com esta noção e querer encorajar os artistas a criarem de acordo.
Aqueles que defendem esta crença podem não ter uma compreensão clara da função da arte na
sociedade e do seu valor social integral.
A obra de arte serve o seu propósito independentemente do interesse do criador na responsabilidade
social. Querer mudar a opinião das pessoas sobre um assunto ou ter um efeito na sociedade pode
interferir na qualidade e na pureza do trabalho.
Isso não significa que nosso trabalho não possa ter essas qualidades, mas geralmente não chegamos
lá planejando-as. No processo criativo, muitas vezes é mais difícil atingir um objetivo mirando nele.
Decidir antecipadamente o que dizer não permite que aconteça o que há de melhor.
O significado é atribuído quando uma ideia inspirada é implementada.
É melhor esperar até que um trabalho seja concluído para descobrir o que ele diz.
Manter seu trabalho refém do significado é uma limitação.
Obras que tentam pregar abertamente uma mensagem muitas vezes não se conectam como
esperado, enquanto uma peça que não pretende abordar um mal social pode se tornar um hino para uma
causa revolucionária.
A arte é muito mais poderosa do que nossos planos para ela.
A arte não pode ser irresponsável. Ele fala a todos os aspectos da experiência humana.
Existem lados nossos que não são bem-vindos na sociedade educada, pensamentos e
sentimentos sombrios demais para serem compartilhados. Quando os reconhecemos expressos
na arte, sentimo-nos menos sozinhos.
Mais real, mais humano.
Este é o poder terapêutico de fazer e consumir arte.
A arte está acima e além do julgamento. Ou fala com você ou não.

A única responsabilidade do artista é para com a obra em si. Não há outros
requisitos. Você é livre para criar o que quiser.
Você não precisa defender o seu trabalho, nem o seu trabalho precisa
representar nada além de si mesmo. Você não é um símbolo disso. Nem é
necessariamente simbólico para você. Será interpretado e reinterpretado aos
olhos e ouvidos de quem não sabe quase nada sobre você.
Se houvesse algo que você pudesse defender, seria defender essa
autonomia criativa. Não apenas dos censores externos, mas das vozes em sua
cabeça que internalizaram o que é considerado aceitável. O mundo é tão livre
quanto permite que seus artistas sejam.
O que dizemos,
o que cantamos,
o que pintamos –
podemos escolher.
Não temos responsabilidade

com nada além da arte em si.
A arte é a palavra final.
O Possuído
Os artistas são frequentemente retratados em filmes e livros como gênios torturados.

Faminto, autodestrutivo, dançando à beira da loucura.
Isso incutiu a crença de que para fazer arte é preciso estar quebrado. Ou que a
força da arte é tão poderosa que quebra o seu criador.
Nenhuma das generalizações é verdadeira. Esses equívocos têm um efeito
desanimador sobre o aspirante a artista. Alguns criadores podem viver em profunda
escuridão. Outros avançam com facilidade e exuberância. No meio existe uma ampla
gama de temperamentos artísticos.
Para aqueles chamados à arte que lutam com uma sensibilidade avassaladora,
o processo criativo pode ter um poder terapêutico. Oferece uma sensação de conexão
profunda. Um lugar seguro para expressar o indizível e desnudar sua alma. Nestes
casos, a arte não desvenda o criador, mas o torna inteiro.
Embora o personagem do artista torturado tenda a viver mais na mitologia do que
na realidade, isso não significa que a arte venha facilmente. Requer o desejo
obsessivo de criar grandes coisas. Essa busca não precisa ser angustiante. Pode ser
animador. Você decide.
Quer você tenha uma paixão poderosa ou uma compulsão torturada, nada disso
torna a arte melhor ou pior. Se você puder escolher entre esses caminhos, considere
selecionar o mais sustentável. Um artista ganha o título simplesmente através da
autoexpressão, pois trabalha à sua maneira e à sua maneira.
ritmo.
O que funciona para você

(Acreditando)
Há uma compositora que escreveu todas as suas músicas na mesma sala bagunçada de
um antigo prédio comercial. Não é tocado há trinta anos e ela se recusa a permitir que seja
limpo. O segredo está naquela sala, ela diz.
Ela acredita nisso e funciona para ela.
Charles Dickens carregava uma bússola para garantir que sempre dormisse voltado
para o norte. Ele acreditava que o alinhamento com as correntes elétricas da Terra apoiava
sua criatividade. O Dr. Seuss tinha uma estante de livros com uma porta falsa que escondia
centenas de chapéus incomuns. Ele e seu editor escolhiam um chapéu e se entreolhavam
até que a inspiração surgisse.
Essas histórias podem ou não ser completamente verdadeiras. Não importa. Se um
ritual ou superstição tem um efeito positivo no trabalho de um artista, vale a pena persegui-
lo.
Os artistas criaram de todas as maneiras possíveis – nos extremos do caos e da
ordem, e no ponto de encontro de diferentes métodos ao mesmo tempo. Não existe
momento certo, estratégia certa ou equipamento certo.
Pode ser útil receber conselhos de artistas mais experientes, mas como informação e
não como prescrição. Pode abrir você para outro ponto de vista e ampliar sua ideia do que
é possível.
Artistas consagrados geralmente baseiam-se em sua experiência pessoal e recomendam
as soluções que funcionaram para eles. Eles tendem a ser específicos da jornada deles,
não da sua. Vale lembrar que o jeito deles não é o
caminho.
Seu caminho é único, só você pode seguir. Não existe um caminho único para a
grande arte.
Isso não significa ignorar a sabedoria dos outros. Receba sabedoria com habilidade.
Experimente o tamanho e veja como fica. Incorpore o que é útil. Deixe de lado o resto.
E não importa quão confiável seja a fonte, teste e sintonize-se para descobrir o que
funciona para você.
A única prática que importa é aquela que você pratica consistentemente, não a
prática de qualquer outro artista. Encontre o seu método mais produtivo, aplique-o e
deixe-o ir quando não for mais útil. Não existe maneira errada de fazer arte.
Adaptação
Algo peculiar acontece quando praticamos.

Com uma peça musical que estamos aprendendo, por exemplo, podemos tocá-la
indefinidamente. Fica um pouco mais fácil, um pouco mais difícil, um pouco mais fácil.
Então paramos e voltamos um ou dois dias depois, e de repente isso flui de nós com
muito mais naturalidade. Nossos dedos parecem ter mais agilidade. Um nó difícil se
desatou.
Este fenômeno é diferente da maioria das formas de aprendizagem. Não é ler
informações e lembrá-las. É mais misterioso do que isso. Você acorda uma manhã,
transportado para esta nova realidade onde de repente você tem mais habilidade do
que antes de dormir. O corpo mudou, adaptando-se à tarefa que lhe foi apresentada e
surgindo para realizá-la.
A prática nos leva a parte do caminho até lá. Então leva tempo para que a prática
seja absorvida pelo corpo. Poderíamos chamar isso de fase de recuperação. No
levantamento de peso, a prática quebra os músculos e a recuperação os reconstrói
mais fortes do que antes. O elemento passivo da prática é tão importante quanto o
ativo.
É comum pensar que alcançar o domínio artístico significa trabalhar incansavelmente.
Isto é verdade. Mas é apenas metade disso. Pode haver benefícios em fazer pausas,
afastar-se e voltar mais tarde. Seja ao praticar seu instrumento ou ao longo de sua vida
profissional, a recuperação no momento oportuno causará maiores avanços na melhoria.
Este ciclo de prática e adaptação cria um crescimento multifacetado. Você está

construindo concentração e foco e treinando seu cérebro para aprender de forma mais
eficaz. Mais facilmente.
Como resultado, outras habilidades também são aprimoradas. Aprendendo sozinho a tocar piano
provavelmente melhorará sua audição. E você pode muito bem melhorar em matemática.
Este processo de adaptação desempenha um papel ainda maior. Um além do aprendizado. É um

aspecto do universo que se manifesta através de nós. Uma vontade de vida.
Uma ideia reúne energia, constrói carga, anseia por ser abraçada. Podemos ouvi-lo, vê-lo,
imaginá-lo, mas pode estar alguns centímetros mais longe do que podemos alcançar atualmente. À
medida que o rastreamos, repetidas vezes, mais e mais detalhes entram em foco e ficamos totalmente
consumidos.
Nossa capacidade cresce e se expande para tocar a ideia que a Fonte está oferecendo.
Aceitamos esta responsabilidade com gratidão, valorizamo-la e protegemo-la.
Reconhecer com humildade que isso vem de além de nós. Mais importante que nós. E não apenas
para nós. Estamos a seu serviço.
Esse é o motivo de estarmos aqui. É o impulso através do qual a humanidade evolui. Adaptamo-
nos e crescemos para receber. Estas capacidades inerentes tornaram possível aos humanos e a
toda a vida, ao longo de eras, sobreviver e prosperar num mundo em constante mudança. E
desempenhar o nosso papel predestinado no avanço do ciclo da criação. Apoiando o nascimento de
outras formas novas e mais complexas. Se decidirmos participar.
Tradução
A arte é um ato de decodificação. Recebemos inteligência da Fonte e a interpretamos

através da linguagem da nossa nave escolhida.
Em todas as áreas, existem diferentes graus de fluência. Nosso nível de habilidade
influencia nossa capacidade de articular melhor essa tradução, da mesma forma que o
vocabulário afeta a comunicação.
Esta não é uma correlação direta. É um relacionamento fluido. Ao aprender um novo
idioma, você poderá fazer uma pergunta, falar uma frase lindamente memorizada ou
acidentalmente dizer algo engraçado. Ao mesmo tempo, você pode se sentir incapaz de
compartilhar ideias maiores, sentimentos mais sutis e expressar toda a extensão de quem
você é.
Quanto mais desenvolvemos, expandimos e aprimoramos nossas habilidades, mais
fluentes nos tornamos. Podemos experimentar maior liberdade e menos uniformidade no
ato de fazer. E melhorar enormemente a nossa capacidade de manifestar a melhor versão
das nossas ideias no mundo físico.
Para o bem do trabalho e do nosso prazer, é de grande valor continuar aprimorando
nosso ofício. Cada artista, em cada momento do processo, pode melhorar através da
prática, do estudo e da pesquisa. Os dons da arte são mais aprendidos e desenvolvidos
do que inatos. Sempre podemos melhorar.
Como Arn Anderson observou certa vez: “Sou professor e aluno, porque se você não
é mais estudante, não tem o direito de se autodenominar professor”.
Se você se sentir incapaz de acertar uma nota ou pintar uma imagem com fidelidade,
é útil lembrar que o desafio não é que você não consiga fazer isso, mas que ainda não o
fez. Evite pensar em impossibilidades. Se houver uma habilidade ou parte de
conhecimento necessário para um projeto específico, você pode fazer a lição de casa e trabalhar
nisso ao longo do tempo. Você pode treinar para qualquer coisa.
Embora essa estrutura amplie suas habilidades, não garantirá que você se torne um grande
artista. Um guitarrista pode tocar o solo mais complexo e, embora tecnicamente impressionante,
pode não conectar emocionalmente, enquanto um amador pode tocar uma música simplista de
três acordes e fazer você chorar.
Ao mesmo tempo, não há necessidade de temer aprender muita teoria. Isso não prejudicará
a expressão pura da sua voz. Se você não deixar.
Ter o conhecimento não prejudicará o trabalho. Como você usa o conhecimento pode. Você
tem novas ferramentas. Você não precisa usá-los.
O aprendizado oferece mais maneiras de transmitir suas ideias de maneira confiável. Do
nosso menu ampliado ainda podemos escolher a opção mais simples e elegante. Pintores como
Barnett Newman, Piet Mondrian e Joseph Albers tiveram formação clássica e optaram por
passar suas carreiras explorando formas geométricas simples, monocromáticas.
Considere sua arte como uma energia viva em você. Faz parte do ciclo de evolução tanto
quanto outras coisas vivas. Ele quer crescer. Quer florescer.
Aprimorar seu ofício é honrar a criação. Não importa se você se torna o melhor em sua
área. Ao praticar para melhorar, você está cumprindo seu propósito final neste planeta.
Ardósia Limpa
Depois de passar milhares de horas trabalhando em uma peça, é difícil julgá-la de um ponto
de vista neutro. Quando alguém experimenta o trabalho pela primeira vez, depois de apenas
dois minutos ele poderá vê-lo com mais clareza do que você.
Com o tempo, quase todos os artistas ficam muito próximos das coisas que fazem. Depois
de trabalhar incessantemente na mesma peça, a perspectiva se perde. Desenvolvemos uma
espécie de cegueira. A dúvida e a desorientação podem surgir.
O julgamento está prejudicado.
Se nos treinarmos para nos afastarmos do trabalho, para realmente nos desligarmos dele,
distrair-nos completamente, mergulhar totalmente em outra coisa ...
Depois de ficar longe por um longo período de tempo, quando voltarmos,

talvez possamos ver isso como se fosse a primeira vez.
Esta é a prática de limpar a lousa. A capacidade de criar como artista e vivenciar o
trabalho como um espectador de primeira viagem, deixando cair a bagagem do passado sobre
o que você pensava que queria que o trabalho fosse. A missão é estar no momento presente
com o trabalho.
Aqui está um exemplo concreto de como manter uma lousa limpa. A etapa final do
processo de gravação é a mixagem. É aqui que um engenheiro de som equilibra os níveis dos
diferentes instrumentos para melhor apresentar o material.
Ao ouvir uma mixagem em andamento, faço uma lista de notas. Talvez o vocal na ponte
não esteja alto o suficiente. O preenchimento de bateria na transição para o último refrão quer
ter mais importância. Ou talvez precisemos diminuir um determinado instrumento na introdução
para abrir espaço para outro evento.
Uma prática comum é fazer essas alterações, marcar cada item da lista e depois reproduzir
a música com a lista em mente. Ok, são os
vocais na ponte mais altos como eu pedi? Sim, verifique. O preenchimento do tambor na
transição parece mais importante? Sim, verifique.
Você está antecipando cada parte. Prestar atenção seletivamente para ver se suas
alterações foram feitas, em vez de ouvir a música como um todo e ver se ela está realmente
melhor do que antes.
O ego entra, dizendo: eu queria que isso acontecesse, consegui o que queria, então é
um problema resolvido.
Mas isso não é necessariamente verdade. Sim, as mudanças foram feitas, mas
melhoraram o trabalho? Ou desencadearam um efeito dominó que criou outros problemas?
Nesta fase do processo, cada elemento de uma obra é interdependente. Portanto,

mesmo uma pequena mudança pode ter ramificações inesperadas. Quando o mix é
atualizado para refletir sua lista, você pode presumir erroneamente que fez progresso.
O segredo é dar as notas para outra pessoa implementar quando puder, depois descartar
a lista e nunca mais consultá-la. Quando a mixagem revisada for tocada, ouça como se
fosse a primeira vez e comece uma nova lista de notas do zero. Isso geralmente ajuda a
ouvir as coisas como elas realmente são e a orientar seu progresso para chegar à melhor
versão.
Uma maneira de praticar como manter a lousa em branco é evitar olhar o trabalho com
muita frequência. Se você terminar uma seção ou chegar a um ponto crítico, considere
deixar o projeto de lado e não se envolver nele por um período de tempo. Deixe descansar
por um minuto, uma semana ou mais, enquanto você se perde.
A meditação é uma ferramenta valiosa para apertar o botão de reset. Você também
pode tentar exercícios vigorosos, uma aventura cênica ou mergulhar em um empreendimento
criativo não relacionado.
Ao retornar com uma perspectiva clara, é mais provável que você tenha discernimento
para ver o que o projeto deseja e precisa.
O que permite que isso aconteça é o passar do tempo. O tempo é onde o aprendizado
ocorre. Desaprender também.
Contexto
Imagine uma flor em um prado aberto.

Agora pegue a mesma flor e coloque-a no cano de um rifle. Ou coloque-o em uma lápide.
Observe em cada caso como você se sente. O significado muda.
Em novos ambientes, o mesmo objeto pode assumir significados consideravelmente diferentes.
O contexto muda o conteúdo.

No seu trabalho, considere as implicações deste princípio. Se você estiver pintando um
retrato, o fundo faz parte do contexto. Alterar o plano de fundo lança uma nova luz sobre o
primeiro plano. Um ambiente escuro envia uma mensagem diferente de um ambiente claro. Um
ambiente denso parece diferente de um ambiente esparso. A moldura, a sala onde a pintura está
pendurada, a obra de arte ao lado dela. Todos esses elementos afetam a percepção da obra.
Alguns artistas optam por controlar completamente todos esses fatores. Outros os deixam ao
acaso. E alguns criam arte que depende completamente do contexto.
As caixas Brillo de Andy Warhol, por exemplo. Em um supermercado, são embalagens
descartáveis para itens úteis de cozinha. Num museu, são objetos raros de fascínio e intriga.
Ao sequenciar uma coleção de músicas, colocar uma música baixa ao lado de uma música
alta afeta a maneira como o ouvinte ouve as duas. Depois da música calma, a alta parece mais
bombástica.
Disseram-me que um músico adicionava sua faixa mais recente a uma playlist junto com as
músicas mais queridas de todos os tempos para ver se seu trabalho se destacava nesse contexto.
Caso contrário, ele deixaria isso de lado e continuaria trabalhando em direção à grandeza.
As normas sociais de qualquer época e lugar são outra caixa contextual em que a arte vive. A
mesma história de um relacionamento entre duas pessoas poderia acontecer em Detroit ou em
Bali, na Roma antiga ou numa dimensão diferente. Em cada caso, a história pode assumir um
novo significado.
Publique o trabalho em um determinado ano e não em outro, e o significado poderá mudar
novamente. Acontecimentos atuais, tendências culturais e outros trabalhos lançados
simultaneamente afetam a recepção de um projeto. O tempo é outra forma de
contexto.
Quando uma peça não corresponde às suas expectativas, considere mudar o contexto. Olhe
além do elemento principal e examine as variáveis ao seu redor.
Jogue com diferentes combinações. Coloque-o ao lado de outras obras. Surpreenda-se.
Algumas opções comuns são:
suave-alto
rápido lento
alto-baixo
perto-longe
claro-escuro
grande-
pequeno curvado-
reto áspero-suave
antes-depois
dentro fora
igual-diferente
Um novo contexto pode criar uma obra mais poderosa do que aquela que você esperava. Algo
que você nunca poderia ter imaginado antes de mudar um elemento aparentemente inconsequente.
A energia
(No trabalho)
O que nos motiva a trabalhar com tanta diligência? O que nos leva a terminar certas peças
e não outras?
Gostaríamos de pensar que é o nosso entusiasmo. Um sentimento que brota
quando no meio da auto-expressão.
Essa energia não é gerada por nós. Somos pegos por isso. Nós pegamos isso do
trabalho. Ele contém a cobrança. Uma vitalidade contagiante que nos impulsiona para frente.
Obras que sugerem grandeza contêm uma carga que podemos sentir, como a estática
antes de uma tempestade com raios. Eles consomem seu criador, ocupando pensamentos
e sonhos acordados. Às vezes, eles se tornam a razão de viver do artista.
A energia parece semelhante a outra força de criação no mundo: o Amor.
Um empate cinético além da nossa compreensão racional.

No início de um projeto, o entusiasmo é o voltímetro interno a ser observado para ajudar
a escolher qual semente desenvolver. Quando você está manuseando uma semente e a
agulha salta, indica que o trabalho é digno da sua atenção, da sua devoção. Ele tem o
potencial de sustentar o seu interesse e fazer o esforço valer a pena.
À medida que você experimenta e cria, cargas mais energéticas são acionadas à medida
que novas decisões são tomadas. Você se pega perdendo a noção do tempo, esquecendo
de comer, se afastando do mundo exterior.
Outras vezes, o processo é árduo. Os minutos passam devagar e você conta os dias
até que o trabalho seja concluído. Um prisioneiro gravando marcas na parede de uma cela.
Lembre-se de que a energia do trabalho nem sempre está acessível para você. Às
vezes, você toma o caminho errado e a carga é perdida. Ou você está tão envolvido nos
detalhes que não consegue ver o quadro geral. Mesmo com o melhor trabalho, é natural que
a excitação aumente e diminua.
Se o trabalho for emocionante um dia e não o for por muito tempo, você pode ter
experimentado um falso indicador. Quando os momentos de alegria parecem uma memória
distante e o trabalho parece uma obrigação para com uma ideia passada, isso pode significar
que você foi longe demais ou que aquela semente em particular ainda não estava pronta
para germinar.
Se a energia estiver esgotada, recue alguns passos para recuperar a carga ou encontre
uma nova semente que gere excitação. Uma das habilidades que um artista desenvolve é a
capacidade de reconhecer quando ele ou a obra não têm mais nada para dar um ao outro.
Todos os seres vivos estão interligados, dependendo uns dos outros para sobreviver.
Uma obra de arte não é diferente. Isso gera excitação em você. Isso chama sua atenção. E
sua atenção é exatamente o que é necessário para que ela cresça.
É uma relação harmônica e mutuamente dependente. O criador e a criação dependem um
do outro para prosperar.
O chamado do artista é seguir a emoção. Onde há
excitação, há energia. E onde há energia, há luz.
O melhor trabalho
é o trabalho que o entusiasma.

Terminando para começar de novo
(Regeneração)
Carl Jung estava obcecado em construir uma torre redonda para viver, pensar e
criar. A forma era importante porque ele via “a vida redonda como algo que sempre
surge e passa adiante”.
Fazemos parte de um ciclo constante e interconectado de nascimento, morte e
regeneração. Nossos corpos decaem na terra para gerar nova vida, nossa mente
energética é devolvida ao universo para ser reaproveitada.
A arte existe neste mesmo ciclo de morte e renascimento. Participamos disso
concluindo um projeto para que possamos começar de novo. Como na vida, cada
final convida a um novo começo. Quando consumidos por um único trabalho na
medida em que acreditamos ser a missão da nossa vida, não há espaço para o
próximo se desenvolver.
Embora o objetivo do artista seja a grandeza, também é seguir em frente. A
serviço do próximo projeto, finalizamos o atual. A serviço do projeto atual, nós o
finalizamos para que ele possa ser liberado no mundo.
Compartilhar arte é o preço de fazê-la. Expor sua vulnerabilidade é a taxa.
Dessa experiência surge a regeneração, encontrando frescor dentro de você

para o próximo projeto. E todos os que virão a seguir.
Cada artista cria uma história dinâmica. Um museu vivo de objetos acabados.
Um trabalho após o outro. Iniciado, concluído, lançado. Iniciado, concluído,
lançado. Uma e outra vez. Cada um com um carimbo de data/hora comemorando um momento de passagem.
Um momento cheio de energia, agora corporizado para sempre numa obra de

arte.
Uma obra de arte não é um ponto final em si mesma.

É uma estação em uma jornada.
Um capítulo em nossas vidas.
Reconhecemos essas transições
documentando cada uma delas.
Jogar
Fazer arte é um assunto sério.

Aproveitando a energia criativa da Fonte.
Pastoreando ideias para o plano físico.
Participando do ciclo cósmico da criação.
O oposto também é verdade. Fazer arte é pura brincadeira.
Dentro de cada artista há uma criança esvaziando uma caixa de giz de cera no chão, em
busca da cor certa para desenhar o céu. Pode ser violeta, verde-oliva ou laranja queimado.
Como artistas, nos esforçamos para preservar essa ludicidade durante toda a gravidade
do empreendimento. Abraçamos tanto a seriedade do compromisso quanto a diversão de
sermos completamente livres na criação.
Leve a arte a sério, sem levá-la a sério.
A seriedade sobrecarrega o trabalho com um fardo. Falta o lado lúdico do ser humano.
A exuberância caótica de estar presente no mundo. A leveza do puro prazer pelo prazer.
Em jogo, não há apostas. Sem limites. Não há certo ou errado. Sem cotas
para produtividade. É um estado desinibido onde seu espírito pode correr livremente.
As melhores ideias surgem com mais frequência e facilidade através desse estado de relaxamento.
Dar importância ao trabalho cedo demais desperta instintos de cautela.

Em vez disso, queremos libertar-nos dos grilhões da realidade e evitar todas as formas de
restrição criativa.
Sinta-se à vontade para experimentar. Faça bagunça. Abrace a aleatoriedade. Terminada a

brincadeira, nosso aspecto adulto pode entrar para analisar: O que as crianças fizeram hoje? Eu me
pergunto se isso é bom e o que isso pode significar.
Cada dia é para aparecer, construir coisas, desmontá-las, experimentar e nos surpreender. Se
uma criança de quatro anos perde o interesse em uma atividade, ela não tenta concluí-la nem se força
a se divertir com ela.
Eles apenas mudam de direção para uma nova missão. Outra forma de jogo.
Alguns aspectos do trabalho podem ser entediantes. Nesses momentos, você consegue se
reconectar com o espírito do processo desde o início?
Certa vez, no estúdio com um artista, estávamos trabalhando em uma faixa acelerada.
Decidimos experimentá-lo acusticamente, o que nos levou a adicionar um overdub interessante.
Então silenciamos tudo, exceto o overdub, e ouvimos sozinho, o que nos levou a uma direção
totalmente nova. Cada iteração diferente levou a uma nova versão, nenhuma delas planejada ou
vinculada a uma noção pré-concebida.
No final, surgiu uma bela gravação que não se parecia em nada com a visão original da música,
e só foi possível ao permitir que o que estava presente sugerisse uma nova possibilidade. Em vez de
seguir um plano, um caminho foi trilhado às cegas.
Isso pode acontecer todos os dias. Encontre uma pista, siga uma pista, permaneça desapegado
do que veio antes. E evite ficar preso a uma decisão que tomou há cinco minutos.
Pense em quando você era um iniciante esperançoso, quando as ferramentas do seu ofício eram
exóticas e novas. Lembre-se do fascínio de aprender, das alegrias dos seus primeiros passos.
Esta pode ser a melhor maneira de reter a energia que impulsiona o trabalho, e
apaixonar-se pela prática repetidas vezes.
Quer o trabalho seja fácil através da brincadeira

ou com dificuldade através do
esforço, a qualidade da peça acabada não é afetada.
O hábito artístico
(Sangha)
Se você está procurando um trabalho para apoiá-lo, pode estar pedindo demais. Criamos a
serviço da arte, não pelo que podemos obter da arte.
Você pode ansiar pelo sucesso como uma forma de deixar um emprego insatisfatório e se
sustentar por meio de sua paixão. Este é um objetivo razoável. No entanto, se a escolha for
entre fazer grande arte e sustentar-se, a arte vem em primeiro lugar. Considere outra maneira
de ganhar a vida. O sucesso é mais difícil de alcançar quando sua vida depende disso.
A arte é uma carreira instável para a maioria. A recompensa financeira geralmente vem
em ondas, se é que chega. Alguns artistas podem ter uma visão daquilo que querem criar,
mas podem sentir-se restringidos porque não acreditam que isso pagará as contas. Não há
problema em ter um emprego que apoie seu hábito artístico. Fazer as duas coisas é a melhor
maneira de manter o trabalho puro.
Existem empregos que exigem seu tempo, mas pouco mais. Você pode proteger a arte
que faz escolhendo uma ocupação que lhe dê espaço mental para formular e desenvolver sua
visão criativa do mundo.
O conteúdo pode vir de empregos que não têm nada a ver com a sua paixão.
Grandes ideias geralmente surgem de lugares inesperados. Muitas canções memoráveis
foram escritas por pessoas em ocupações das quais não gostavam.
Outra opção é buscar viver na área pela qual você é apaixonado. Pode ser uma galeria,
uma livraria, um estúdio de música ou um set de filmagem. Se não houver empregos
disponíveis perto da ação, pergunte se você pode trabalhar como estagiário.
Ao escolher estar perto do que você ama, você terá uma visão dos bastidores da arte.
Você pode observar o dia a dia de criadores profissionais
e compreender a indústria e sua infraestrutura por dentro. Depois de experimentar como ele
funciona, você saberá se esse caminho é digno de sua devoção.
Mesmo que isso signifique inicialmente uma redução salarial, a escolha desse tipo de
trabalho pode levar a oportunidades inesperadas no futuro.
Você também pode seguir uma carreira não relacionada que ofereça segurança e, ao
mesmo tempo, manter a arte como um hobby, um hobby que é a coisa mais importante da sua vida.
Todos os caminhos são de igual mérito.
Seja qual for sua escolha, é útil ter companheiros de viagem ao seu redor. Eles não precisam
ser como você, apenas pensar como você de alguma forma. A criatividade é contagiante.
Quando passamos tempo com outras pessoas artísticas, absorvemos e trocamos uma forma
de pensar, uma forma de ver o mundo. Este grupo pode ser chamado de Sangha. Cada pessoa
neste relacionamento começa a ver com um olhar imaginativo diferente.
Não importa se a forma de arte deles é igual ou diferente da sua.

É gratificante fazer parte de uma comunidade de pessoas entusiasmadas com a arte, com
quem você pode ter longas discussões e com quem você pode trocar feedback sobre o trabalho.
Fazer parte de uma comunidade artística pode ser uma das grandes alegrias da vida.
O Prisma do Eu
Definir o verdadeiro eu não é tão simples. Pode ser impossível.

Habitamos muitas versões diferentes de um eu em mudança. A sugestão de ser você
mesmo pode ser geral demais para ser útil. É ser você mesmo como artista, ser você mesmo
com sua família, ser você mesmo no trabalho, ser você mesmo com os amigos, ser você
mesmo em tempos de crise ou em tempos de paz, e ser você mesmo por si mesmo, quando
estiver sozinho.
Além dessas variações ambientais, também estamos sempre mudando internamente.
Nosso humor, nosso nível de energia, as histórias que contamos a nós mesmos, nossas
experiências anteriores, quão famintos ou cansados estamos: todas essas variantes criam
uma nova maneira de estar a cada momento.
Dependendo de com quem estamos, onde estamos e do quão seguros ou desafiados
nos sentimos, estamos mudando o tempo todo. Movendo-se entre diferentes aspectos de si
mesmo.
Podemos ter um aspecto que quer ser mais ousado ou subversivo, que luta com o nosso
eu mais agradável e que evita conflitos. Pode haver um aspecto sonhador, aspirando a
habitar vastos mundos magníficos, em desacordo com o nosso lado pragmático que
questiona a nossa capacidade de tornar os nossos sonhos reais.
Há uma negociação constante entre esses vários aspectos.
E cada vez que nos sintonizamos com um determinado, resultam escolhas diferentes,
mudando o resultado do nosso trabalho.
Num prisma, um único feixe de luz entra e é dividido em uma variedade de cores. O eu
também é um prisma. Eventos neutros entram e são transformados em um espectro de
sentimentos, pensamentos e sensações. Todas essas informações são
processado distintamente por cada aspecto do eu, refratando a luz da vida à sua própria
maneira e emitindo diferentes tons de arte.
Por esta razão, nem todo trabalho pode refletir tudo de nós mesmos. Talvez nunca
seja possível, por mais que tentemos. Em vez disso, podemos abraçar o prisma do eu
e continuar permitindo que a realidade se dobre de forma única através de nós.
Como um caleidoscópio, podemos ajustar a abertura da nossa visão e alterar os
resultados. Podemos ter como objetivo trabalhar a partir de um aspecto específico,
como assumir um personagem, e criar algo a partir do nosso eu mais sombrio ou do
nosso eu mais espiritual. Essas duas obras não serão iguais, mas ambas vêm de nós e
seriam verdadeiras.
Quanto mais aceitamos a nossa natureza prismática, mais livres nos tornamos para
criar em cores diferentes e mais confiamos nos instintos inconsistentes que
segure enquanto faz arte.
Não precisamos saber por que algo é bom ou nos perguntar se é a decisão “certa”
ou se nos reflete com precisão. É simplesmente a luz que nosso prisma emite
naturalmente neste momento.
Qualquer estrutura, método ou rótulo que

você impor a si mesmo
provavelmente será tanto uma limitação
quanto uma abertura.
Deixe estar
Primeiro nao faça nenhum mal.
Este credo é o conhecido princípio orientador do juramento do médico.

Considere isso um preceito universal. Se for solicitado a participar do projeto de um colega
criador, proceda com cautela.
Em sua forma aproximada, uma iteração inicial de uma obra pode conter uma magia
extraordinária. Acima de tudo, isso deve ser protegido. Ao trabalhar ao lado de outras
pessoas, mantenha o juramento em mente.
O simples reconhecimento dos pontos fortes pode ser suficiente para fazer avançar o
projecto. Um amigo me mostrou seu trabalho atual pedindo sugestões. Para mim, não havia
nada a ser acrescentado ou alterado. Na mixagem final, sugeri, pular o típico refinamento de
equilíbrios e sons. Esse padrão apenas diluiria uma obra-prima. Às vezes, o toque mais
valioso que um colaborador pode ter é não ter nenhum toque.
Cooperação
O prisma do eu reflete um aspecto do nosso ser em nosso trabalho. Quando mais de um prisma é
aplicado, possibilidades inesperadas podem ser desbloqueadas. Quer as perspectivas contrastem ou se
complementem, elas se combinam para criar uma nova visão.
Vamos chamar isso de Cooperação.

Assim como a conscientização, a cooperação é uma prática. Quanto mais habilmente participamos
do processo, mais confortável ele se torna.
A cooperação é comparável à forma como um conjunto de jazz improvisa. Um punhado de
colaboradores, cada um com seu ponto de vista original, trabalha em conjunto para criar um novo todo,
agindo e reagindo intuitivamente no momento.
Você pode conduzir a peça ou deixar-se levar, aproveitando a surpresa do inesperado. Você pode fazer
o solo ou o layout completo, conforme melhor atender ao trabalho.
Cada vez que cooperamos, estamos expostos a diferentes formas de trabalhar e
resolução de problemas, que pode informar nosso processo criativo daqui para frente.
A cooperação não deve ser confundida com competição. Não é uma luta pelo poder para conseguir
o que quer ou para provar que está certo.
A competição serve ao ego. A cooperação apoia o resultado mais elevado.
Pense na cooperação como dar ou receber um incentivo para ver por cima de um muro alto.
Não há luta pelo poder neste ato. Você está simplesmente encontrando o melhor caminho para uma
nova perspectiva.
É um desserviço ao projeto avaliar nossa contribuição para ele. Acreditar que uma ideia é melhor
porque é nossa é um erro de inexperiência. O ego exige autoria pessoal, inflando-se às custas da arte.
Pode rejeitar novos métodos que parecem contra-intuitivos e proteger os familiares.
Os melhores resultados são encontrados quando somos imparciais e desapegados de nossas

próprias estratégias. Todos nós nos beneficiamos quando a melhor ideia é escolhida,
independentemente de ser nossa ou não.
Quando trabalho com artistas, fazemos um acordo:

Continuamos o processo até chegar ao ponto em que estamos todos satisfeitos com o
trabalho. Este é o objetivo final da cooperação. Se uma pessoa adora, mas outra não, geralmente
há um problema subjacente ao qual vale a pena prestar atenção. Provavelmente significa que não
fomos longe o suficiente e que o trabalho não atingiu todo o seu potencial.
Se um colaborador gosta da Escolha A e outro prefere a Escolha B, então a solução não é

escolher A ou B. É continuar trabalhando até que seja desenvolvida uma Escolha C que ambos
os artistas considerem superior. A escolha C pode incorporar elementos de A, de B, de ambos ou
de nenhum.
No momento em que um colaborador cede e escolhe uma opção menos preferencial para
seguir em frente, todos perdem. Grandes decisões não são tomadas com espírito de sacrifício.
São feitos pelo reconhecimento mútuo da melhor solução disponível.
Se você já gosta do trabalho em sua forma atual, não há nada a perder tentando melhorá-lo
até que todos gostem. Você não está se comprometendo. Vocês estão trabalhando juntos para
superar a iteração atual.
Podemos não criar de forma igual com todos os parceiros. Pode haver pessoas incrivelmente
talentosas unindo forças, mas por alguma razão, elas não se identificam umas com as outras. Ou
talvez um participante não trabalhe com espírito de cooperação e, em vez disso, estabeleça um
tom de competição e persuasão.
Se você nunca concorda com um colaborador e depois de muitas iterações de
o trabalho não pode chegar a algo especial, pode não ser a combinação certa.
Ao mesmo tempo, também pode haver um desalinhamento se você sempre concordar

com um colaborador. Não procuramos alguém que pense como nós, trabalhe como nós e
partilhe os nossos gostos. Se você e um colaborador concordarem em tudo, um de vocês
pode ser desnecessário.
Imagine iluminar um feixe de luz através de dois filtros de cor idêntica.
Separados ou juntos, eles produzem a mesma tonalidade. Já a sobreposição de dois filtros
contrastantes produz uma nova tonalidade.
Em muitas das maiores bandas, coletivos e colaborações, um certo grau de polaridade
entre os membros fazia parte da fórmula para a grandeza. A magia vem de uma tensão
dinâmica entre diferentes pontos de vista, criando obras mais distintas do que uma voz
solitária faria.
A tensão saudável numa colaboração não é incomum. O atrito permite que o fogo
venha. Contanto que não estejamos apegados a que as coisas sejam do nosso jeito,
acolhemos bem esse atrito. Está nos aproximando da melhor versão do trabalho em
questão.
Algumas colaborações funcionam mais como ditaduras do que como democracias.
Este sistema também pode funcionar. Nestes casos, todos concordam em alinhar-se atrás
da visão de uma pessoa e fazer tudo o que puderem para manifestá-la.
Quer a decisão final seja tomada por um único líder ou por um coletivo, ainda assim é
um ato colaborativo. Os participantes oferecem o seu melhor trabalho num espírito de
cooperação.
A comunicação é o núcleo da cooperação hábil.

Ao dar feedback, não o torne pessoal. Sempre comente sobre o trabalho em si e não
sobre a pessoa que o fez. Se um participante leva uma crítica para o lado pessoal, ele
tende a se fechar.
Seja o mais específico possível com seu feedback. Aumente o zoom para discutir os
detalhes do que você está vendo e sentindo. Quanto mais clínico for o feedback, melhor
será recebido.
Dizer “Acho que as cores nessas duas áreas não interagem bem” é mais útil do que
“Não gosto das cores”.
Embora você possa ter uma solução específica em mente, evite compartilhá-la
imediatamente. O destinatário pode conseguir encontrar uma solução melhor por conta
própria.
Quando recebemos feedback, nossa tarefa é deixar de lado o ego e trabalhar para
compreender completamente a crítica oferecida. Quando um participante sugere um detalhe
específico que poderia ser melhorado, podemos pensar erroneamente que todo o trabalho
está sendo questionado. Nosso ego pode perceber a assistência como uma interferência.
É útil ter em mente que a linguagem é um meio de comunicação imperfeito. Uma ideia é
alterada e diluída através de sua tradução incorreta em palavras. Essas palavras são então
ainda mais distorcidas através do nosso filtro à medida que as absorvemos, deixando-nos
num mundo de ambiguidade.
Requer paciência e diligência para superar a história do que você pensa
você está ouvindo e chega perto de entender o que realmente está sendo dito.
Ao receber feedback, uma prática útil é repetir as informações. Você pode descobrir que
o que ouviu não é o que foi dito. E o que foi dito pode nem ser o que realmente quis dizer.
Faça perguntas para obter clareza. Quando os colaboradores explicam pacientemente

em quais aspectos do trabalho estão se concentrando, podemos reconhecer que nossas
visões não estão em oposição. Estamos apenas usando uma linguagem diferente ou
percebendo elementos diferentes.
Ao compartilhar observações, a especificidade cria espaço. Dissipa o nível de carga
emocional e permite-nos trabalhar juntos a serviço da peça.
A sinergia de um grupo
é tão importante
— se não mais importante
— que o
talento dos indivíduos.
O dilema da sinceridade
A maioria dos artistas supervaloriza a sinceridade.
Eles se esforçam para criar arte que expresse sua verdade. A versão mais verdadeira de si
mesmos.
A sinceridade, no entanto, é uma característica evasiva. É diferente de outros objetivos que

possamos ter. Onde a grandeza é um alvo digno do nosso objetivo, focar na sinceridade pode
ser contraproducente. Quanto mais nos esforçamos para alcançá-lo, mais ele recua. Quando
um trabalho se apresenta como sincero, pode ser visto como meloso. Doçura diminuída. Uma
rima vazia em um cartão de felicitações.
Na arte, a sinceridade é um subproduto. Não pode ser o objectivo principal.

Gostamos de pensar que somos seres consistentes e racionais, possuindo certos atributos
e não outros. No entanto, uma pessoa completamente consistente, que não possui contradições,
parece menos real. De madeira. Plástico.
Os nossos aspectos mais verdadeiros e irracionais estão muitas vezes ocultos, e o nosso
acesso a eles reside através da criação de arte. Cada obra nos diz quem somos, muitas vezes
de uma forma que o público entende antes de nós.
A criatividade é um processo exploratório para encontrar o material oculto dentro dele.
Nem sempre descobriremos isso. Se o fizermos, pode não fazer sentido. Uma semente poderia
nos atrair porque contém algo que não entendemos, e essa vaga atração estará o mais perto
que chegaremos do conhecimento.
Alguns aspectos do eu não gostam de ser abordados de frente. Preferem chegar
indiretamente, à sua maneira. Como vislumbres repentinos capturados em momentos acidentais,
como a luz do sol brilhando na superfície de uma onda.
Estas aparições não cabem em palavras que possam ser facilmente expressas na linguagem comum.
Eles são extraordinários. Além do mundano. Um poema pode transmitir informações que não podem ser
transmitidas por meio de prosa ou conversa.
E toda arte é poesia.
A arte vai mais fundo do que o pensamento. Mais profundo do que as histórias sobre você. Ele rompe
paredes internas e acessa o que está por trás.
Se sairmos do caminho e deixarmos a arte fazer o seu trabalho, ela poderá produzir o
sinceridade que buscamos. E a sinceridade pode não parecer nada com o que esperávamos.
Qualquer coisa que permita ao

público saber como você vê o
mundo é
precisa, mesmo que a informação esteja errada.
O porteiro
Não importa de onde venham suas ideias ou sua aparência, todas elas eventualmente
passam por um aspecto particular de você: o editor, o guardião.
É quem determinará a expressão final da obra, independente de

quantos eus estiveram envolvidos em sua construção.
O papel do editor é reunir e peneirar. Ampliando o que é vital e eliminando o excesso.
Selecionando o trabalho até a melhor versão de si mesmo.
Às vezes, o editor encontra lacunas e nos envia para coletar dados para preenchê-
las. Outras vezes, existe uma riqueza de informações e o editor removerá o que for
desnecessário para revelar o trabalho finalizado.
A edição é uma demonstração de gosto. Não se expressa apontando itens de que
gostamos: a música que agrada ao nosso ouvido ou os filmes que revisitamos. Nosso
gosto se revela na forma como nosso trabalho é curado. O que está incluído, o que não
está e como as peças são montadas.
Você pode se sentir atraído por diferentes ritmos, cores e padrões, embora eles
possam não conviver harmoniosamente. As peças devem caber juntas no recipiente.
O contêiner é o princípio organizador do trabalho. Ele determina quais elementos

pertencem ou não. Os mesmos móveis adequados a um palácio podem não fazer sentido
num mosteiro.
O editor é obrigado a deixar o ego de lado. O ego se atribui orgulhosamente a
elementos individuais de uma obra. O papel do editor é permanecer desapegado e
veja além dessas paixões para encontrar unidade e equilíbrio. Artistas talentosos que
editores não qualificados podem fazer um trabalho abaixo da média e não cumprir a promessa de
seu presente.
Evite confundir o distanciamento frio do editor com o crítico interior. O crítico duvida da
obra, enfraquece-a, aproxima-a e desmonta-a. O editor recua, vê o trabalho de forma
holística e apoia todo o seu potencial.
O editor é o profissional do poeta.
À medida que nos aproximamos da conclusão de um projeto, pode ser útil reduzir
drasticamente o trabalho para apenas o necessário, para realizar uma edição implacável.
Grande parte do processo criativo até agora foi aditivo. Então pense nisso como a
parte subtrativa do projeto. Normalmente ocorre depois que toda a construção foi concluída
e as opções esgotadas.
Muitas vezes, a edição é considerada como um corte, eliminando a gordura. Na edição
implacável, este não é o caso. Estamos decidindo o que é absolutamente necessário para
que o trabalho continue sendo ele mesmo, o que é absolutamente necessário.
Não pretendemos reduzir a obra à sua extensão final. Estamos trabalhando para reduzi-
lo além do seu comprimento final. Mesmo que cortar 5% deixe o trabalho na escala que
você pretende, podemos cortar mais fundo e deixar apenas metade ou um terço.
Se você está trabalhando em um álbum de dez músicas e gravou vinte músicas, você
não pretende reduzi-lo para dez. Você está reduzindo para cinco, apenas para as faixas
sem as quais você não pode viver.
Se você escreveu um livro com mais de trezentas páginas, tente reduzi-lo
para menos de cem sem perder sua essência.
Além de chegar ao cerne da obra, através desta edição brutal mudamos a nossa
relação com ela. Passamos a compreender a sua estrutura subjacente e a perceber o que
realmente importa, a desligar-nos do apego de fazê-lo e a vê-lo como realmente é.
Que efeito cada componente tem? Amplifica a essência?

Isso distrai da essência? Contribui para o equilíbrio? Será que isso
contribuir para a estrutura? É absolutamente necessário?

Com as camadas extras removidas, você pode recuar e perceber que o trabalho é bem-sucedido
como está, em sua forma mais simples. Ou você pode sentir que deseja restaurar certos elementos.
Contanto que você mantenha a integridade do trabalho, é uma questão de preferência pessoal.
Vale a pena observar se algum de seus complementos realmente melhora o trabalho. Não estamos
procurando mais por mais. Estamos apenas procurando mais para melhorar.
O objetivo é fazer com que o trabalho chegue ao ponto em que quando você o vê, você sabe disso
não poderia ter sido organizado de outra maneira. Há uma sensação de equilíbrio.
De elegância.
Não é fácil deixar para trás elementos nos quais você dedicou tanto tempo e cuidado. Alguns
artistas se apaixonam por todo o material trabalhado a ponto de resistirem a abandonar um elemento,
mesmo que o todo fique melhor sem ele.
“Tornar o simples complicado é comum”, disse certa vez Charles Mingus. “Tornar o complicado
simples, incrivelmente simples, isso é criatividade.”
Ser artista
significa perguntar continuamente:
“Como pode ser melhor?”
o que quer que seja .
Pode ser a sua arte

e pode ser a sua vida.
Por que fazer arte?
À medida que você aprofunda sua participação no ato criativo, poderá se deparar com um
paradoxo.
Em última análise, o ato de auto-expressão não é realmente sobre você.
A maioria dos que escolhem o caminho do artista não tem escolha. Sentimo-nos compelidos
a envolver, como que por algum instinto primitivo, a mesma força que chama as tartarugas em
direção ao mar depois de eclodirem na areia.
Seguimos esse instinto. Negá-lo é desanimador, como se estivéssemos violando a natureza.
Se diminuirmos o zoom, veremos que esse impulso cego está sempre presente, guiando nosso
objetivo além de nós mesmos.
No momento em que sentimos que o trabalho está a tomar forma, surge uma onda dinâmica,
seguida de uma necessidade de partilhar, na esperança de replicar essa misteriosa carga
emocional nos outros.
Este é o chamado para nos expressarmos, nosso propósito criativo. Não é necessariamente
para nos compreendermos ou sermos compreendidos. Compartilhamos nosso filtro, nossa
forma de ver, para despertar eco nos outros. A arte é uma reverberação de uma vida
impermanente.
Como seres humanos, vamos e voltamos rapidamente e podemos fazer obras que
permanecem como monumentos ao nosso tempo aqui. Afirmações duradouras de existência.
O David de Michelangelo , as primeiras pinturas rupestres, as paisagens pintadas a dedo por
uma criança – todos ecoam o mesmo grito humano, como grafites rabiscados num box de
banheiro:
Eu estive aqui.
Quando você contribui com seu ponto de vista para o mundo, outras pessoas podem vê-lo.
É refratado através do filtro e distribuído novamente. Este processo é contínuo e contínuo.
Tomados em conjunto, cria o que vivenciamos como realidade.
Cada trabalho, por mais trivial que pareça, desempenha um papel nesta maior
ciclo. O mundo se desenrola continuamente. A natureza se renova. A arte evolui.
Cada um de nós tem sua própria maneira de ver este mundo. E isso pode levar a
sentimentos de isolamento. A arte tem a capacidade de nos conectar além das limitações da
linguagem.
Através disso, conseguimos encarar o nosso mundo interior, remover os limites da
separação e participar da grande lembrança do que viemos para esta vida sabendo: Não há
separação. Nós somos um.
A razão pela qual estamos vivos
é nos expressarmos no mundo.

E criar arte pode ser o método mais
eficaz e bonito de fazê-lo.
A arte vai além da linguagem, além das vidas.

É uma forma universal de enviar
mensagens entre si e através do tempo.
Harmonia
Os fios invisíveis da matemática estão entrelaçados em toda a beleza natural.

Podemos encontrar as mesmas proporções em ação nas espirais das conchas e das
galáxias. Nas pétalas das flores, nas moléculas de DNA, nos furacões e no desenho do rosto
humano.
Certas proporções criam uma sensação de equilíbrio sagrado.
Nosso ponto de referência de beleza é a natureza. Quando encontramos essas proporções

ao fazer arte, elas nos acalmam. Nossas criações são inspiradas nos relacionamentos que mais
nos impressionam.
O Partenon, a Grande Pirâmide, o Homem Vitruviano de Leonardo, o Pássaro no Espaço
de Brancusi , as Variações Goldberg de Bach , a Quinta Sinfonia de Beethoven : todas estas
obras baseiam-se na mesma geometria encontrada na natureza.
O universo mantém um senso de harmonia, um sistema interdependente maravilhosamente
profundo. Ao se afastar de um projeto no qual está trabalhando há algum tempo e reconhecer
uma nova simetria que você nunca imaginou ser possível, você provavelmente sentirá uma
satisfação serena. Uma excitação que contém em sua essência uma sensação de paz. A ordem
aparece. Uma ressonância harmônica é palpável. Você é um participante deste intrincado
mecanismo.
Na música, as regras da harmonia são definidas em fórmulas. Cada nota tem um
comprimento de onda vibracional e cada comprimento de onda tem uma relação específica com
os outros. Seguindo princípios matemáticos, pode-se calcular pares harmônicos dessas ondas.
Todos os elementos têm comprimentos de onda: objetos, cores, ideias. Quando os

combinamos, uma nova vibração é gerada. Às vezes essa vibração é harmoniosa,
e outras vezes é dissonante.

Não precisamos entender a matemática para criar um trabalho poderoso a partir
dessas vibrações. Para alguns, a compreensão da matemática mina o seu sentido intuitivo
natural. Nós nos sintonizamos para sentir harmonia. Usamos o intelecto na tentativa de
explicá-lo somente após o fato.
Para quem não chega a esse conhecimento naturalmente, ele pode ser desenvolvido,
com o tempo. Através da sintonização praticada, você pode ficar alerta para essas
ressonâncias naturais. Sentir com mais agudeza o que está em equilíbrio e reconhecer as
proporções divinas. Quando você está criando ou concluindo uma obra, há um
reconhecimento mais claro, um toque harmônico. Há uma sensação de acordo. Uma coerência.
Os elementos individuais se fundem e se tornam um.
Um grande trabalho não precisa estar em harmonia. Às vezes, o objetivo da arte é
mostrar desequilíbrio ou criar uma sensação de desconforto.
Em uma música, quando você ouve uma harmonia dissonante de repente entrar em
sintonia, há um efeito agradável. É por isso que a escolha discordante pode ser interessante.
Cria tensão e liberação, chamando nossa atenção para a harmonia que de outra forma
não teríamos notado.
À medida que nos aprofundamos no alinhamento com os princípios harmônicos
fundamentais em nossa arte, poderemos ser capazes de reconhecê-los para onde quer
que olhemos. Ao trabalharmos no específico, nossos gostos se tornam mais refinados
também no geral.
Quando não conseguimos reconhecer a harmonia do universo que nos rodeia, é
provavelmente porque não estamos a recolher dados suficientes. Se diminuirmos ou
ampliarmos o suficiente, a natureza integrada de tudo o que existe torna-se clara.
Assim como cada pequeno traço numa tela não consegue nos afastar para ver a
pintura inteira, somos incapazes de absorver o grande todo de relações e contrapesos que
nos rodeia em todas as direções.
Nossa incapacidade de compreender o funcionamento interno do universo pode, na
verdade, nos deixar mais sintonizados com sua infinidade. A magia não está na análise ou
na compreensão. A magia mora na maravilha daquilo que não conhecemos.
Não importa como você se enquadre como artista,

o quadro é muito pequeno.
O que dizemos a nós mesmos
Temos histórias sobre nós mesmos, e

essas não são quem somos.
Temos histórias sobre o trabalho, e não é

isso que o trabalho é.
Todos os nossos esforços para dar sentido a nós mesmos e à nossa arte são uma cortina de
fumaça, um ofuscamento. Eles não iluminam o que é. Eles nos enganam. Não temos como saber o
que é insignificante e o que é essencial, ou o que significam as nossas contribuições.
Contamos a nós mesmos diversas histórias sobre quem somos e como o trabalho fica
feito. Mas nenhum deles importa.
O que importa é o trabalho em si. A arte que realmente é feita e como ela é percebida.
Você é você.
O trabalho é o trabalho.
Cada pessoa na plateia é ela mesma. Exclusivamente assim.

Nada disso pode ser verdadeiramente compreendido, muito menos destilado em equações
simples ou em linguagem comum.
Bilhões de pontos de dados estão disponíveis a qualquer momento e coletamos apenas um
pequeno número. Com esse vislumbre pelo buraco da fechadura, montamos uma interpretação e
acrescentamos mais uma história ao nosso acervo.
Com cada história que contamos a nós mesmos, negamos a possibilidade. A realidade é
diminuída. Os quartos do eu estão isolados. A verdade entra em colapso para se ajustar a um princípio
organizador fictício que adotamos.
Como artistas, somos chamados a abandonar estas histórias, uma e outra vez, e
depositamos cegamente nossa fé na energia curiosa que nos atrai no caminho.
A obra de arte é o ponto onde todos os elementos se unem – o universo, o prisma do
eu, a magia e a disciplina de transmutar a ideia em carne. E se isso o leva à contradição
– a territórios que parecem intransponíveis ou incognoscíveis – isso não significa que não
sejam harmoniosos.
Mesmo no caos percebido, existe ordem e padrão. Uma corrente cósmica que
atravessa todas as coisas, que nenhuma história é imensa o suficiente para conter.
O universo
nunca explica o porquê.
Sobre o autor
Rick Rubin é um produtor nove vezes vencedor do GRAMMY, nomeado

uma das 100 pessoas mais influentes do mundo pela Time e o produtor de
maior sucesso em qualquer gênero pela Rolling Stone. Ele colaborou com
artistas de Tom Petty a Adele, Johnny Cash ao Red Hot Chili Peppers,
Beastie Boys ao Slayer, Kanye West ao Strokes e System of a Down a Jay-Z.
O que vem a
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Copyright © 2023 por Rick Rubin

VEZ! VEZ! VEZ!

Dados de catalogação na publicação da Biblioteca do Congresso

Nomes: Rubin, Rick, autor. | Strauss, Neil, autor.

O objetivo não é fazer arte, é estar

Todo mundo é um criador

Submergir (As Grandes Obras)

Destacamento Conectado (Possibilidade)

Bem diante de nossos olhos

Espontaneidade (momentos especiais)

O que funciona para você (acreditar)

A Energia (No Trabalho)

Nada neste livro é conhecido

É uma reflexão sobre o que percebi—

Não tanto fatos quanto pensamentos.

Algumas ideias podem ressoar,

Alguns podem despertar um conhecimento interior

que você esqueceu que tinha.

Use o que é útil.

Deixe de lado o resto.

Cada um desses momentos

é um convite para uma

mais profundamente, diminuir ou ampliar.

Abrindo possibilidades para

uma nova forma de ser.

Todo mundo é um criador

Independentemente de estarmos ou não formalmente fazendo arte, todos vivemos

Pense no universo como um eterno desdobramento criativo.

Os rios criam novos afluentes.

E um tempo para todos os propósitos debaixo do céu

Tempo de plantar, tempo de colher

Hora de rir, hora de chorar

Um tempo para jogar fora as pedras

Um tempo para juntar pedras

energia ressoando em um determinado momento. Muitos grandes artistas desenvolvem

Muitas vezes a arte chega em movimentos. Arquitetura Bauhaus, expressionismo abstrato,

Há um tempo para que certas ideias cheguem

Começamos com tudo:

sabedoria que nos rodeia, uma oferta inesgotável e sempre disponível.

Pode ser útil pensar na Fonte como uma nuvem.

tornam-se parte do oceano e depois evaporam e voltam a ser nuvens.

O mesmo se aplica à arte.

Transformar algo de uma ideia em

A imaginação não tem limites.

Só depois poderei tentar compreendê-lo.

Podemos expandir a nossa consciência e restringi-la, experimentá-la com os olhos

Ele contém a soma total de nossos pensamentos, sentimentos, sonhos e experiências em

A informação não entra diretamente na embarcação, como a chuva preenchendo um

E muitas vezes isso acontece fora do nosso controle.

Não importa quais ferramentas você use para

Quando você está trabalhando em um projeto, você pode notar coincidências

Não é incomum para a ciência

para alcançar a arte, eventualmente.

para alcançar o espiritual.

Recebemos esse tipo de mensagens o tempo todo, se permanecermos abertos a elas.

Procure o que você percebe,

Viver a vida como artista é uma prática.

Não faz sentido dizer que você não é bom nisso.

Tendemos a pensar no trabalho do artista como o resultado.

O verdadeiro trabalho do artista

é uma forma de estar no mundo.

para conservar, podemos considerar a curadoria cuidadosa dos dados.