O que é Animação?

Animação é a arte de dar vida a um objeto inanimado, ou

personagens ilustrados / gerados em 3D.
É criada através da projeção rápida de imagens sequenciadas, uma
após outra, para criar a ilusão de vida.
Mas essa não é realmente a primeira coisa que se imagina
quando se ouve a palavra Animação... não é?
Isso são apenas coisas técnicas...
Deve estar a pensar na Disney, Pixar, ou na Ghibli. Nós vamos
chegar lá...
A parte mais importante de tudo isto é a palavra vida. Trazer vida
é a verdadeira essência do trabalho do animador. E há muitas
maneiras de fazer isso.
Pode ser através de desenho.
Poderia ser ao mover rigs de personagens num software 3D.
Pode ser com bonecos, personagens recortadas ou figuras de
lego.
Então o que é que ser um animador significa?
Antes de passarmos à ação, podem assistir a este vídeo onde eu
explico as diferenças entre animar em 2D e 3D. Isto dar-vos-á uma
ideia do que um animador realmente faz.
Pode também dar‐lhe uma pista sobre a direcção que quer seguir.

Vocabulário de Animação
Agora que cobrimos a ideia básica do que é animação, é
importante entender o vocabulário e termos especializados
utilizados na animação e na realização de filmes indústria.
Estes termos surgirão com frequência, por isso, vamos tirar
alguns minutos para os rever:
Cronograma/Linha do tempo
O cronograma é a parte do software de animação que representa o
progresso da animação ao longo do tempo.

Dependendo do software, podemos usar o cronograma para fazer

alterações no tempo da animação, assim como a posição dos
elementos.

Taxa de Quadros/Frames
A taxa de frames de uma animação é o número de imagens
individuais (ou frames) que estão a ser exibidas no espaço de um
segundo. É uma definição que se pode ajustar no software de
animação.
Animação, no geral, é normalmente feita a 24 frames por
segundo (FPS).

Trabalhar em Uns/One's & Dois/Two's

Trabalhar em One's ou Two's é um termo usado em animação
desenhada à mão.
Trabalhar em uns (ones) significaria fazer um novo desenho
para cada um dos quadros (frames) da animação.
Trabalhar em dois (twos) significa segurar cada desenho por
dois quadros, então um segundo de animação a 24 quadros por
segundo seriam apenas 12 desenhos, não 24.
Na animação 2D, trabalhar em dois parece bem na maioria dos
casos, e há até casos em que os desenhos podem ser segurados
por mais tempo. Em 3D, no entanto, trabalhar em uns é o padrão.

Planos e Cenas
Normalmente, na produção de filmes de ação ao vivo, o termo
'plano' refere-se às imagens entre as edições da câmera, enquanto
uma cena são todos os planos e diálogos que ocorrem num
determinado local por um bloco de tempo contínuo.
Na animação, no entanto, usamos frequentemente os termos
'cena' e 'tiro' intercambiavelmente. Quando falamos de uma
cena/shot, muitas vezes nos referimos a uma peça de animação
contínua específica entre cortes de câmera.

Quadros-chave | Breakdowns | Inbetweens

Os quadros-chave, os breakdowns e os in-betweens são termos
importantes, mas significam coisas ligeiramente
diferentesdependendo no tipo de animação.
Na animação desenhada à mão, os quadros‐chave (ou apenas
chaves [keys]) são as principais poses importantes que definem a
cena. Breakdowns surgem entre chaves e definem qual será o
movimento de chave para chave. Os in‐betweens são todos os
quadros que entram entre eles para suavizar o movimento.
Em 3D, um quadro‐chave é qualquer posição no cronograma
onde o animador define a posição da personagem. In‐betweens
(frames de interpolação) são todos os quadros que o
computador interpreta ou gera automaticamente para mover o
personagem de quadro chave para quadro chave.

QUADROS-CHAVE
 BREAKDOWNS

FRAME DE INTERPOLAÇÃO

Imagens tiradas de O Kit de Sobrevivência do Animador /

Richard Williams

Temporização | Espaçamento | Easing

O tempo, o espaçamento e a suavização são termos intimamente
relacionados.
A temporização significa o número total de quadros que serão
utilizados para um movimento. O espaçamento é a quantidade de
mudança que vem entre cada fotograma. Diminuir o espaçamento,
torna um objecto mais lento, enquanto que aumentar o
espaçamento faz com que pareça mais rápido.
Na animação digital, a facilidade é como o espaçamento é
controlado, geralmente através de um motion graphic no
cronograma.
Onion Skinning
Ao animar, é muito útil poder ver mais do que um quadro de cada
vez.
Na animação em papel isto é feito tendo vários desenhos
numa mesa de luz, mas nos programas de animação modernos
ggggggg há muitas vezes uma funcionalidade chamada
"descascamento de cebola" (onion skinning). Permite ver
representações semi-transparentes dos quadros atrás ou à frente
do quadro atual em que se está a traba

Composição
Compor é o processo de juntar todas as peças individuais de uma
cena para criar a saída visual final.
Pode estar um fundo, múltiplas personagens, e alguns cenários a
serem desenvolvidos separadamente. A composição é como todas
essas peças se juntam numa única cena.
Os 12 Princípios da Animação
A base de qualquer educação em animação são os 12 princípios
da animação.
Os 12 princípios foram um conjunto de conceitos centrais
desenvolvidos nos anos 30 pelos animadores dos estúdios Walt
Disney enquanto transicionavam de fazer curtas-metragens para
longas-metragens. Foi um processo gradual de descoberta e
refinamento à medida que os animadores tentavam levar o seu
trabalho a um padrão superior..
Estes 12 princípios foram compilados pela primeira vez pelos
lendários animadores Frank Thomas e Ollie Johnston em 1981,
no seu livro A Ilusão da Vida.
Os princípios são sobre criar a ilusão de vida. Eles ajudam-nos a
criar personagens que parecem ter peso, personalidade e existir
num mundo real com uma física real a trabalhar.
Apesar de terem sido desenvolvidos por animadores 2D, eles
ainda se aplicam a animação 3D e qualquer outro tipo de
animação.
1. Comprimir e esticar (Squash and Stretch)

Squash e stretch descrevem como um objeto muda de forma em

resposta às forças que agem sobre ele.
Squash é quando o objeto é comprimido por um impacto de uma
força oposta. Stretch é quando um objeto é distendido porque
algo o puxa, ou devido a um movimento rápido.
2. Antecipação

A antecipação é um movimento menor que vem antes de um

movimento maior e sinaliza que o movimento maior está prestes a
acontecer.
3. Encenação

A encenação é a apresentação de uma cena de forma a tornar o

conteúdo da cena o mais claro possível, e a função narrativa da
cena o mais forte possível.
4. Animação direta e pose a pose (Straight Ahead Action e
Pose to Pose)
Straight ahead e pose-a-pose são abordagens diferentes para a
animação.
Straight ahead significa criar cada novo quadro em sequência do
princípio ao fim. Pose‐to‐pose significa criar primeiro as poses
chave para cada acção, e depois preencher as poses
intermediárias.
5. Continuidade e sobreposição da ação (Follow Through
e Overlapping Action)

A ação de acompanhamento e sobreposição refere-se à tendência

das diferentes partes de um corpo para se moverem a velocidades
diferentes.
Isto inclui o conceito de arrastamento, que é quando uma parte
do corpo fica para trás quando um movimento começa.
6. Aceleração e desaceleração (Slow In and Slow Out)
Slow-in e slow-out referem-se à tendência dos objectos
a acelerarem gradualmente (e depois desacelerarem) quando se
movem de uma posição para outra.
Estes são por vezes referidos como ease‐in e ease‐out, ou
simplesmente easing.
7. Arcos

O princípio dos arcos provém da observação de que os seres vivos

não se movem em linhas retas, mas sim em movimentos curvos.
A criação de arcos claros e graciosos eleva frequentemente a
animação e revela o nível de experiência do animador.
8. Ação Secundária
Ação secundária refere-se a movimentos (ou
gestos) menores que suportam as ações primárias de uma
personagem.
Estas ações tornam a cena mais clara, enfatizando
a atitude ou motivação por trás do movimento.
9. Temporização (Timing)

O timing é controlar a velocidade de uma ação através do

número de frames utilizados para a representar.
É um dos mais fundamentais dos 12 princípios e leva anos a ser
dominado.

10. Exagero
O exagero significa representar um tema de uma
forma elevada ou mais extrema, em vez de estritamente realista,
a fim de impulsionar ainda mais a sua animação.
11. Desenho Sólido

Desenho sólido significa colocar personagens de uma forma que

cria uma sensação de volume, peso e equilíbrio.
O desenho para animação requer ser capaz de desenhar
personagens de qualquer ângulo ou pose, tendo em mente a
tridimensionalidade.
12. Apelo
Apelo é um termo amplo para quaisquer qualidades do design de
uma personagem que os torna inerentemente atraentes de se ver.
Isto inclui o design da personagem, assim como a forma como a
personagem é animada.

Para um olhar mais profundo sobre os 12

princípios...
Sugerimos que veja o nosso Fundamentos da Animação curso.
Cobre os princípios básicos da animação de personagens, e
aprofunda cada um dos 12 princípios da animação, bem como
os fluxos de trabalho e técnicas básicas de animação. Se está
apenas a começar e quer ter a certeza de que os básicos estão
cobertos - este curso é o melhor lugar para começar.

Obter o curso

Tipos de Animação
Existem muitos tipos diferentes de animação, alguns dos quais
provavelmente já conhece, então vamos fazer um rápido resumo
dos diferentes tipos de animação e quais são
as diferenças e semelhanças.

3D
 Desenhada à mão

Vetorial

Stop Motion

Motion Graphics

Animação 3D

TOY STORY 4 | ESTÚDIOS DE ANIMAÇÃO DA PIXAR

3D, também conhecido como CGI (imagens geradas por

computador), é o tipo mais popular de animação para filmes de
longa‐metragem atualmente, e tornou-se comum também na TV
e em curtas-metragens.
Este é também o mesmo tipo de animação usada para criar
personagens digitais para filmes de ação ao vivo e animação
para videojogos.
Um animador usa um fantoche digital (chamado de "character
rig") para posicionar a personagem, e depois usa um sistema de
caminhos de movimento (ou splines) para definir o movimento da
personagem entre essas poses
O computador procede à interpolação dos quadros da animação
entre os quadros-chave. O animador então refina esses frames até
que eles fiquem satisfeitos com a animação.
A animação 3D é um processo tecnicamente intensivo, que muitas
vezes envolve muitos especialistas separados para modelar o
personagem, montá-lo com ossos e controlos, animá-lo, e depois
texturizá-lo e iluminá-lo para a versão final.

Animação 2D desenhada à mão

O LIVRO DA SELVA | PRODUÇÃO WALT DISNEY

O primeiro tipo de animação 2D pode ser chamado de animação

tradicional ou animação celuloide. Prefiro o termo animação
desenhada à mão porque isso define o seu aspecto mais
importante - o facto de ser desenhada à mão.
Este é o tipo clássico de animação com que provavelmente está
mais familiarizado. Antigamente, os animadores desenhavam
personagens quadro a quadro, e depois esses desenhos eram
transferidos para folhas de acetato transparente chamadas
celuloides para pintura. É daí que vem o termo animação cel.
Durante os anos 90, quase todos os estúdios de animação
deixaram de usar cels e começaram a digitalizar desenhos para o
computador para colorir digitalmente, e agora muitos
animadores de desenhos à mão saltam completamente o papel e
desenham directamente para o computador usando
um tablet ou monitores Wacom Cintiq.
Assim, a animação desenhada à mão poderia ser feita
inteiramente analógica ou inteiramente digital, ou alguma mistura
das duas. O importante é que os animadores de desenho à mão
ainda criam as suas animações quadro a quadro usando as
mesmas técnicas e princípios dos velhos tempos do papel e dos
cels.

Animação Vetorial 2D

RICK E MORTY | ADULT SWIM

Hoje em dia existem novas formas de criar animação 2D usando
um boneco digital 2D. São personagens 2D que são construídos
com um sistema de ossos e controles que podem ser manipulados
de uma forma semelhante a um equipamento de personagens 3D.
A diferença entre os personagens 2D manipulados e os
desenhados à mão pode ficar um pouco confusa. Programas
como Toon Boom Harmony e Adobe Animate CC permitem-lhe
misturar e combinar perfeitamente animação desenhada à mão
com técnicas de fantoches 2D, por vezes até dentro da mesma
personagem.
Uma personagem pode ter ossos que deixam o animador criar
poses, mas também ter outras partes que são animadas à mão.

Animação de Stop Motion

KUBO E AS DUAS CORDAS | LAIKA

O stop motion tem várias variantes, mas todas elas envolvem a

manipulação de objectos do mundo real. Estes objectos são
movidos ligeiramente, e fotografados um quadro de cada vez.
Quando mostrados em sequência, estes quadros criam a ilusão de
movimento.
Em stop motion de ponta, como os criados pela Laika (Coraline,
Kubu e as Duas Cordas), um boneco especialmente preparado é
filmado num palco em miniatura.
Claymation (animação com argila) é uma técnica semelhante.
Nela são utilizados personagens maleáveis, embora geralmente
sejam feitos de uma substância chamada plasticina, e não de argila
propriamente dita.
Você também pode fazer stop motion com bonecos normais, e
objetos, como todas aquelas grandes animações de Lego que se
podem encontrar no YouTube.
Outra variação do stop motion é a animação de recorte de papel.
Neste estilo, os personagens são construídos a partir de formas de
papel. Eles são então movidos e fotografados quadro a quadro, tal
como um fantoche de stop motion. Foi assim que o South Park foi
originalmente animado.
Outro tipo raro de stop motion é chamado pixelation. Na
pixelação, são usadas pessoas reais em vez de bonecos.
Todos estes tipos de stop motion partilham uma
característica importante:
Todos eles têm de ser filmados continuamente, o que significa
começar no frame um e filmar cada frame um após o outro, até ao
fim da cena.
Se for cometido um erro num quadro, é muito difícil consertá-lo
sem ter de começar tudo de novo. Não se pode simplesmente
redesenhar esse frame como se pode em animação 2D. Isto torna
este tipo de animação particularmente intenso e requer
muita paciência.

Animação de Motion Graphics

 MOTION GRAPHICS

A última grande categoria de animação são os motion graphics. Os

motion graphics focam-se em fazer apresentações dinâmicas e
interessantes de logotipos de texto em movimento e
ilustrações básicas.
Os motion graphics podem ser tanto 2D como 3D, e encontrá-los-
á em todos os lugares em reclames, vídeos explicativos, eventos
desportivos, notícias e outras produções de TV.
A animação de personagens está geralmente fora do escopo dos
motion graphics, mas muitos dos princípios centrais da animação
também se aplicam aos gráficos em movimento.

Para um olhar mais aprofundado sobre os 5 tipos de animação,

veja o nosso guia completo sobre os 5 tipos de animação,
incluindo a história detalhada de cada tipo, e as melhores escolas,
softwares e cursos.
 O Processo de Animação
Agora que entendemos os conceitos básicos do que é animação,
vamos rever o fluxo de trabalho da criação de animação.
Primeiro, vou cobrir os passos básicos do pipeline de produção
de filmes de animação (todas as partes móveis necessárias para
criar um filme de animação), e depois vou analisar o processo de
realmente animar um filme do início ao fim.

Então, quais são os passos para fazer um filme

de animação?
1. História
A primeira (e provavelmente a mais importante) parte da
realização de qualquer filme é uma boa história.
Se não acertar na sua história desde o início, por melhor que seja
o seu filme, as pessoas não vão gostar de vê‐lo. A história vem
primeiro. Certifique-se de que é boa e que funciona antes de
seguir em frente.
Na animação, a história muitas vezes evolui e muda durante a
produção, uma vez que você não está restrito a quaisquer cenários
num set, então quanto mais trabalho coloca no desenvolvimento
da sua história, mais você reduz o tempo
desperdiçado durante a produção.
2. Guião
Uma vez que a ideia da história esteja pronta para ser colocada
em palavras, o próximo passo é escrever o roteiro.
É importante transferir a ideia para palavras o mais rápido
possível, para que possamos detetar quaisquer problemas com a
história antes de entrarmos em produção.

3. Arte Conceptual
Quando o roteiro está pronto, a arte conceitual é muitas vezes
criada para estabelecer o estilo visual do filme.
É um passo muito divertido e é a primeira oportunidade que
temos de ver partes do filme ganharem vida no papel. É tudo uma
questão de explorar e experimentar coisas.

4. Storyboard
Em seguida, é criado um storyboard, que é provavelmente um dos
passos mais importantes para a realização do filme.
O Storyboarding permite que você olhe o seu filme como um todo
e veja a história e os problemas de ritmo. Fazer um também lhe
fornece algo que você pode mostrar a outras pessoas para obter
feedback. A maioria das pessoas reage melhor a um storyboard do
que a um roteiro.
Quando estivermos felizes com as pranchas, passamos a criar um
animatic.

5. Animatic
Um animatic é a versão cinematográfica do seu storyboard.
Se o storyboard é como uma banda desenhada, então um
animatic é como um filme.
Trazemos todas as placas para um programa de edição e editamos
com o timing correto, adicionamos algumas músicas e efeitos
sonoros temporários (apenas o suficiente para transmitir os
diferentes ritmos da história), e quando terminamos temos a
primeira versão do nosso filme pronta para assistir.
Por melhor que seja um storyboard, um animatic realmente nos
dá um primeiro vislumbre de como vai ser o nosso filme.

6. Criação de ativos
Neste momento, dependendo do seu meio de animação escolhido,
estaremos a criar os diferentes recursos para o nosso filme.
Para animação 3D, vamos criar os modelos para os personagens,
ambientes, cenários e adereços. Usaremos a arte conceptual e as
folhas de modelos como nossa referência. Estes modelos terão
então que ser manipulados com um esqueleto 3D com controles,
para que possamos animá-los na nossa cena.
Para animação 2D vamos desenhar o fundo, finalizar as folhas de
desenho dos personagens e, se necessário, montar os personagens
no nosso software de animação 2D.
Para a animação em stop-motion vamos construir os nossos
cenários, os nossos bonecos, os adereços e as diferentes peças de
roupa necessárias para o filme.

7. Previs
Antes de começarmos a animar as nossas cenas, há outro passo
importante para que a história funcione, e que é criar um previs
(ou pré-visualização).
Um previs é a próxima encarnação do animatic, desta vez
usando modelos 3D.
Configuramos as nossas filmagens no programa 3D, com os
ângulos finais de câmara e movimento, e criamos animação muito
básica para os personagens, apenas o suficiente para transmitir a
ação que supostamente devem estar a fazer.
Depois trazemos todas estas fotos para o programa de edição, tal
como fizemos com o animatic, e agora temos uma versão previz do
nosso filme, com os modelos 3D e o movimento da câmara
correctos.
porque a animação leva muito tempo, esta é a última chance que
podemos ter de fazer qualquer mudança séria na história do nosso
filme. Será um enorme desperdício se tivermos de fazer mudanças
na história após a fase de animação.

8. Animação
Estamos finalmente prontos para a animação!
É aqui que finalmente trazemos vida ao filme. Os personagens
começam a mover-se, e podemos ver a alma do filme ganhar vida
na nossa frente.
É uma coisa incrível de se ver, mas também leva muito tempo.
Feito incorretamente, pode arruinar o nosso filme. Uma má
animação é como uma má representação: Mesmo que a escrita e a
história sejam sólidas, as pessoas não vão notar se não for bem
vendido.
Mais tarde, nesta secção, vamos aprofundar os 6 passos da
animação.

9. Texturização | Iluminação | Renderização

Esta etapa aplica-se principalmente à animação 3D, embora a
animação 2D passe por etapas de pós-produção semelhantes a
esta, e a animação em stop-motion passa muito tempo a fazer
composições e efeitos diversos em cima das suas fotos também.
Em 3D, os modelos precisam de ser texturizados, o que significa
criar diferentes materiais atribuídos às diferentes partes dos
modelos. Alguns simulam metal, alguns plásticos e até alguns para
pele e cabelo.
Depois acendemos as fotos com luzes virtuais, replicando o mais
próximo possível como a luz funciona na vida real.
Depois, quando as nossas fotos são texturizadas e iluminadas,
iniciamos o processo de renderização, que é o computador que
calcula todos os dados das nossas cenas, e cria imagens estáticas a
partir delas.
Depois levamos estas imagens para um programa de composição,
como Nuke ou After Effects, extraímos os dados necessários das
imagens e combinamo-los para criar as nossas imagens finais.

10: Edição | Correção de cor

Uma vez que as nossas imagens estejam compostas e prontas,
trazemo-las de volta para o nosso programa de edição e
substituímos as nossas fotos previsíveis pelas nossas novas fotos
compostas, tal como substituímos as fotos animadas pelo previz.
Agora podemos ver o nosso filme acabado no cronograma de
edição pela primeira vez, mas, na verdade, ainda não está
terminado. Precisamos fazer alguma correção de cor e
classificação.
A correcção de cor é o processo de manipulação das cores de cada
plano individual para que corresponda à cor que vem antes /
depois dele. Nós também nos certificamos de que cada foto não
tenha partes muito brancas ou muito pretas, basicamente a
trabalhar para que tenhamos uma cor consistente e correta em
todo o filme.
Depois fazemos gradação do nosso filme, que é a parte mais
divertida e criativa, na qual tentamos criar um estilo visual para o
filme inteiro, e dar-lhe um aspecto distinto.

11. Música | Design de Som

O ideal é trabalharmos com um músico desde o primeiro dia de
produção, certificando-nos de que a música se encaixa no que
estávamos a tentar fazer com o filme, e certificando-nos de que o
filme funciona com a música.
A música não é normalmente algo em que nos limitamos a
despachar no final, e por isso prefiro tê-la comigo durante toda a
produção para que se torne parte integrante da história.
O designer de som finaliza então todos os efeitos sonoros do filme,
como loucura, ambientação e vozes, além de dominar e misturar
no áudio final do filme.

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metragens animadas...
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realizadores de filmes de animação interessados em dar os seus
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Os 6 passos da animação
Falamos sobre o fluxo de trabalho do pipeline de produção de
filmes de animação, agora vamos entrar nos passos reais da
animação de personagens.
Aqui estão os 6 passos da animação:

1. Filmagem do vídeo de referência

2. Poses de chaves
3. Bloqueio
4. Splining
5. Suavização
6. Acrescentar vida

Passo 1: Filmar Vídeo de Referência

Este é um passo muito importante e negligenciado. É estranho

como as pessoas realmente pensam que sabem como certas ações
são, e quanto tempo elas levam, mas acabam entendendo errado.
As ações físicas são algo que você precisa analisar antes de
animar, especialmente se você é um iniciante.
Tens uma cena de alguémo a atirar uma bola de basebol? Procura
no YouTube vídeos de arremessadores a atirar bolas.
Não assumas que sabes como é uma ação só porque já a viste
antes.
Olhar para uma ação como animador é completamente diferente
de olhar para ela como um espectador.

Passo 2: Poses

Depois de gravada uma referência, é hora de criar as poses

chave do plano.
Estas poses são chamadas poses chave porque são as poses mais
importantes do plano. Estas são as poses que transmitem a
história. Temos de ter a certeza de acertar essas poses, porque
vamos construir sobre elas, o resto do processo.

Passo 3: Bloqueio
Quando estamos satisfeitos com as nossas poses chave,
começamos a quebrar o movimento de cada pose para a próxima,
adicionando 'in betweens' (também conhecidas como poses de
quebra ou poses intermédias). Estas são as poses que ligam as
poses chave.
Continuamos adicionando mais poses até que o movimento pareça
o melhor possível, enquanto ainda permanecemos em modo
escalonado (modo escalonado é quando você não permite
interpolação entre as poses, o que resulta em um movimento
muito agitado/blocky).

Passo 4: Splining

Splining é um termo de animação 3D. É o processo no qual se

converte a interpolação das chaves de escalonado para spline.
Em outras palavras - você faz o computador conectar o
movimento entre cada uma de suas poses, e isso faz o
movimento parecer mais suave.
O problema é que o computador não faz um trabalho muito bom
de interpolação. Ele só funciona com o que tem. É por isso que
quanto melhor for o bloqueio - melhor a versão estriada vai
parecer.

Passo 5: Refinação e compensação

Agora que todas as nossas chaves estão em modo spline,

precisamos de trabalhar nelas. Aperfeiçoamos as curvas de
animação e asseguramos que o movimento pareça suave.
Também é uma boa idéia compensar algumas das ações para não
parecer tão "parar e começar", como se o personagem estivesse
fazendo todo o movimento de uma só vez.
No final deste passo, a sua tacada deverá parecer bastante sólida e
quase terminada.

Passo 6: Acrescentar vida

Este passo é muito divertido.
Já terminamos o trabalho grunhido de animação, e é hora de
acrescentar pequenas imperfeições que dêem vida ao
personagem.
Talvez uma piscadela extra ou um estremecimento da boca aqui e
ali. A diferença entre os dois últimos passos é pequena mas pode
fazer a diferença entre uma boa animação e
uma grande animação.
Software de Animação
Depois de "Por onde eu começo", o tópico que mais me perguntam
é provavelmente sobre software. Todos querem saber sobre
ferramentas.
É Maya? After Effects? Flash?
Aqui está uma lista das nossas opções ao escolher um software
de animação com base no tipo de animação:

Software de Animação 3D
Este é um guia para iniciantes, por isso o software 3D pode ser
avançado para alguns, mas eu acho que é importante estar
familiarizado com o que há por aí, para que você saiba o que a
indústria usa e o que você deve considerar seguir se você planeja
fazer disto a sua carreira.
Tendo dito tudo isso, o Blender é um programa gratuito, então
você é bem-vindo a entrar e brincar com ele (com a ajuda do
nosso Curso de Blender), e Maya oferece uma licença
educacional de graça, então se está apenas a aprender, será capaz
de começar sem investir nenhum dinheiro por enquanto.

Autodesk Maya
O padrão da indústria para animação por computador. Se você
quer fazer animação profissionalmente, este é o programa em que
você deve se concentrar. Animação 3D, modelagem, simulação e
software de renderização com um conjunto de ferramentas
integradas e poderosas. Use-o para animação, ambientes, motion
graphics, realidade virtual, e criação de personagens.
Preço: $195/Mês | Grátis para estudantes
Saiba mais...

Blender
Um programa 3D gratuito e de código aberto, o Blender oferece
um amplo espectro de modelagem, texturização, iluminação,
animação e funcionalidade de pós-processamento de vídeo em um
único pacote. Através de sua arquitetura aberta, o Blender oferece
interoperabilidade entre plataformas, extensibilidade, uma
pegada incrivelmente pequena, e um fluxo de trabalho totalmente
integrado.
Preço: Grátis
Saiba mais...

Cinema 4D
Cinema 4D é o melhor amigo de um artista motion graphics. É
um programa 3D para o usuário do After Effects. Muito intuitivo, e
funciona diretamente com o After Effects sem a necessidade de
renderizar primeiro. Esta não seria a minha primeira escolha para
a produção séria de filmes 3D, uma vez que foi concebido a partir
do zero com os gráficos em movimento em mente, mas é um
programa incrivelmente versátil.
Preço: $59.99/Mês
Saiba mais...
 Software de Animação 2D
A animação 2D é um ótimo lugar para começar a sua jornada de
animação. A maioria dos programas abaixo são baratos e
relativamente fáceis de aprender.
Animate CC e After Effects são ótimas escolhas para brincar com
animação 2D tanto na forma desenhada à mão quanto criando
bonecos, enquanto o Character Animator não requer nenhum
desenho e usa seu rosto como o impulsionador para a animação. E
se você quiser ser profissional, Toon Boom
Harmony e TVPaint serão suas melhores opções.

Animate CC (anteriormente Flash)

Provavelmente o mais popular software de animação 2D por aí.
Animate tem uma longa linhagem de animação, que remonta aos
primeiros tempos da publicação de vídeos na internet. Sua
interface intuitiva e seu preço relativamente barato fazem dele
uma ótima escolha para começar a fazer animação 2D.
Leia: Toon Boom Harmony vs. Flash (Animate)
Preço: $20.99/Mês
Saiba mais...
Toon Boom Harmony
O Harmony é um software 2D mais avançado, ideal tanto para
animação quadro a quadro como para animação baseada em
plataformas. Possui avançados sistemas de rigging, efeitos e
ferramentas de câmera. É baseado em vetores, mas a versão mais
avançada também tem a opção de desenho bitmap.
Leia: Toon Boom Harmony vs. Flash (Animate)
Preço: $24/Mês
Saiba mais...
TVPaint
Um software de animação francês, o TVPaint é o software de
animação 2D tudo‐em‐um de que sempre precisará. É
definitivamente mais robusto e complexo do que o Photoshop,
mas também é muito mais caro. Este software é para animadores
e estúdios profissionais.
Preço: 500 euros (250 euros para estudantes)
Saiba mais...
Animador de personagens
Um programa de animação mais recente com uma reviravolta
interessante. Em vez de animar da forma tradicional, o Character
Animator usa sua webcam e microfone para animar
automaticamente um personagem pré-construído em tempo
real, quase como uma captura de movimento. Esta é uma ótima
opção para iniciantes, pois requer a menor quantidade de
experiência em animação.
Preço: $20.99/Mês
Saiba mais...
Curso de Animação
Uma escolha interessante para animação 2D. Depois dos efeitos
dá-lhe um grande controlo quando se criam plataformas para 2D
ao usar a ferramenta marionete e diferentes expressões. É uma
boa escolha se já está confortável com o ambiente Adobe.
Preço: $20.99/Mês
Saiba mais...

Software Stop-Motion
Stop-motion é como vários jovens aspirantes a animadores
conseguem a sua primeira experiência de animação, usando
figuras de ação, legos, ou mesmo barro.
Nós listamos 2 opções muito diferentes aqui. Uma destinada
a principiantes que estão a experimentar animação pela primeira
vez, e a outra é um software de animação de nível profissional,
destinado a levar o seu trabalho para o próximo nível.

Dragonframe
Dragonframe é o padrão da indústria para animação em stop-
motion, e foi usado em filmes como Kubo e as Duas
Cordas e Shaun, a Ovelha.
Se você planeia criar um vídeo profissional em stop motion, o
Dragonframe é a melhor ferramenta para o trabalho. Seu
software abrangente pode ser usado com muitos acessórios
diferentes, como um dispositivo que controla a câmera, luzes e até
puxar o foco.
Preço: $295
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Stop Motion Studio

O Stop Motion Studio é uma aplicação de stop motion de nível
básico para todos os dispositivos e plataformas que se ligam a
qualquer câmara digital, telefone ou tablet para criar excelentes
vídeos em stop-motion com simplicidade e facilidade. Esta é uma
ótima escolha se você está apenas a começar.
Preço: $4.99 (iOs/Android) | $9.99 (Mac/Windows)
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Hardware de Animação
O hardware está a ficar mais barato, e o software estámais
eficiente. Você pode executar a maioria dos programas de
animação na maioria dos computadores modernos, e os tablets de
desenho estão ficando muito acessíveis.
Aqui está uma pequena lista do que recomendamos para
animadores de todos os níveis:

One da Wacom
A escolha perfeita para iniciantes.
Este tablet Wacom de nível introdutório é a forma mais barata
de ao usar um tablet. Isto permite-lhe fazer animação desenhada
à mão sobre um orçamento, e irá beneficiar também os
animadores 3D, uma vez que o tablet é muitas vezes mais fácil de
usar do que um rato num programa 3D.
Preço: $59-$69
Comprar agora

Wacom Intuos Pro

Levar isto para o próximo nível.
Se você precisa de mais material de desenho, ou se você está a
usar um tablet para animação 3D, esta é a melhor escolha para o
trabalho. Você verá estes tablets na maioria dos estúdios de
produção, e é uma escolha popular para estudantes de animação
que querem fazer um bom trabalho, mas não podem pagar os
tablets Cintiq de alta qualidade. Vem em 3 tamanhos, sendo que o
Medium é o mais popular.
Preço: $230-$479
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Wacom Cintiq Pro

Tornar‐se profissional.
Para a produção de animação topo de gama, o Wacom Cintiq é a
escolha final. Basicamente é um monitor gigante (13", 16", 24" ou
32") no qual você pode desenhar diretamente. Torna o desenho
preciso muito mais fácil e mais ágil do que um tablet normal, mas
tem um custo muito mais elevado.
Preço: $649-$3299
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Computador
O bom de usar programas 2D como o Animate CC ou mesmo o
Toon Boom, é que a maioria dos computadores modernos são
capazes de executá-los muito bem.
Quando se entra em 3D, as coisas podem ficar complicadas, mas
não têm de ficar. Se estás a renderizar mundos enormes com
configurações de iluminação complicadas, vais precisar de um
computador forte com um placa gráfica cara...mas há outras
opções:

 Você pode fazer a maior parte da composição em Nuke

como eu fiz para o LIFT UP.
 Você pode usar uma quinta de renderização
como fizemos para o Tasteful.
 Livros de Animação
Diferentes argumentos poderiam ser apresentados para qual é o
melhor livro para aprender animação, mas aqui estão alguns que o
ajudarão a aprender e refinar as suas habilidades,
independentemente do tipo de animador que você queira ser.

O Kit de Sobrevivência do Animador / Richard

Williams
Este livro é a Bíblia de um animador. Cobre a fundo os conceitos
básicos de espaçamento, tempo, caminhadas, corridas, peso,
antecipação, ação sobreposta, tomadas, cambalear, diálogo,
animação animal e muito mais. Não é chamado de "Kit de
Sobrevivência" por nada.
Este livro irá ensinar-lhe TUDO O QUE VOCÊ PRECISA DE
SABER para começar a sua formação como animador.
Comprar agora

Animação de desenhos animados / Preston Blair

Originalmente lançado em 1994, Cartoon Animation (também
conhecido como "The Preston Blair Book"), tem sido uma incrível
fonte de referência para a criação de animação no estilo dos
desenhos animados.
Com este livro você aprenderá a desenvolver um personagem de
desenho animado, a criar movimento dinâmico e a animar o
diálogo com a ação.
Comprar agora

A Ilusão da Vida / Frank Thomas e Ollie

Johnston
Este livro começou como um guia de animação e transformou-se
num levantamento detalhado da progressão da animação, tanto
dentro dos estúdios da Disney como no mundo da animação em
geral.
Escrito por dois dos nove homens velhos que definiram o estilo
de animação Disney, este livro leva o leitor através de todas as
etapas de descoberta e pesquisa do os melhores métodos de
animação.

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Preparando os seus planos / Jeremy Vineyard

Um ótimo livro para obter um entendimento básico da
composição da cena e do movimento da câmera para melhor
contar histórias e fazer filmes.
Este livro é ótimo tanto para cineastas estreantes quanto para
experientes à procura de grandes referências de rodagem.

Comprar agora

Cursos de Animação
A Bloop Animation é, acima de tudo, uma plataforma de
aprendizagem de animação com cursos de vídeo premium.
Alguns focam em software (como Maya ou Animate CC) enquanto
outros lhe ensinam habilidades específicas (como fundações de
animação ou storyboarding).
Os cursos online tornaram-se loucamente populares nos últimos
anos, e agora são altamente produzidos, e
uma alternativa muito eficaz às escolas tradicionais.
Porquê?

É mais barato. Muito mais barato.

As escolas de arte são loucamente caras. Gastar 20-40k dólares
por ano (o mais provável é endividar-se) é uma decisão enorme, e
está a ficar cada vez menos valiosa.
Cursos onlineMesmo os mais caros, só lhe custarão algumas
centenas de dólares (talvez alguns milhares se estiver a fazer um
programa de certificados online que leva vários meses). Isso não
fica perto de quanto custa uma faculdade de artes tradicional. Ou
seja, torna muitomais acessível para uma grande variedade de
artistas que no passado teriam que desistir de seus sonhos, ou
pedir emprestado uma tonelada de dinheiro.

É um grande test-drive
Talvez a animação não seja para ti? Não seria ótimo descobrir isso
antes de passar dezenas de milhares de dólares + preciosos anos
da sua vida?
Fazer um curso de animação online é uma forma barata e
eficiente de verificar se você está pronto para a tarefa. Veja se
você gosta. Pode sempre decidir seguir um curso depois, mas esta
é uma óptima maneira de fazer a sua pesquisa e certificar-se que
seguir este caminho é o correcto para si.

Você não precisa de um diploma, de qualquer

forma.
Um dos benefícios de trabalhar numa indústria criativa como a
animação é que o seu trabalho fala mais alto do que qualquer
credencial no seu currículo. Se o seu portfólio for bom - você
será contratado. Ninguém vai se importar com a escola que você
não frequentou.

Você pode tê-los enquanto trabalha.

Uma coisa boa dos cursos on-line é que você pode vê-los no
seu tempo livre.
Se você está em transição de uma profissão diferente e trabalha
em tempo integral, você pode fazer esses cursos nos finais de
semana, noites e intervalos para almoço.

Você pode personalizar o seu próprio caminho

de aprendizagem
Uma das coisas incríveis sobre educação online é que você pode
combinar fontes de diferentes lugares.
Numa escola tradicional você tem que se cingir ao programa
(geralmente 3-4 anos) e muitas vezes fazer muitos cursos nas
quais não tem interesseou que não contribuam realmente para o
seu caminho de crescimento pessoal. Com cursos online, pode
construir o seu próprio caminho de aprendizagem.
Sim, os nossos cursos incluem um caminho construído para você
seguir, mas só é feito de coisas que você precisa saber para
animar, e nada mais. Além disso, você sempre pode pular uma
lição que você acha irrelevante.

É uma ótima maneira de maximizar a sua

educação
Os cursos on-line podem beneficiá-lo QUANDO for um aluno de
um programa tradicional.
Quando fui para a escola de arte procurei CONSTANTEMENTE por
tutoriais online (os cursos online não eram tão populares na
época, mas ainda havia alguns) e assisti a tudo o que eu conseguia
deitar a mão.
Fazer isso enquanto estava na escola realmente empurrou
minhas habilidades e me motivou a trabalhar mais e melhorar. A
escola só te pode levar tão longe, e vai guiar-te na direcção certa,
mas cabe-te a ti assegurar que te esforças para dominares a tua
arte.
Aqui está a lista completa dos nossos cursos em vídeo:

Cursos de Software
Animação Blender
Um curso completo de animação de personagens com o programa Blender 3D
GRATUITO.

Detalhes do curso
Animação Animada
Saiba como criar animações para o YouTube ou animações 2D quadro a quadro
para uso comercial.

Detalhes do curso
Animação After Effects
Um curso passo a passo para animação de personagens com o After Effects.

Detalhes do curso
Animação Maya
Aprenda a animar com o líder da indústria em animação e efeitos visuais.

Detalhes do curso
Animação de Toon Boom Harmony
Um curso completo para animação 2D high-end com Toon Boom Harmony.

Detalhes do curso
Animação TVPaint
Aprenda a animar com a líder do setor em animação 2D quadro a quadro.

Detalhes do curso
Animação Moho
Aprenda animação 2D com o software profissional tudo-em-um Moho.

Detalhes do curso
Animação Character Animator
Aprenda a animar em tempo real, usando a sua própria cara. Não é necessária
nenhuma habilidade de animação.

Detalhes do curso
Animação de Stop-Motion
Um curso completo para animação em stop motion usando o software líder da
indústria Dragonframe.

Detalhes do curso
Passe de Acesso Total
Obtenha acesso vitalício a toda a nossa biblioteca de cursos com uma única
compra.

Obter Acesso Total

Cursos de Habilidades
Fundamentos da Animação
Aprenda os princípios fundamentais da animação de personagens.

Detalhes do curso
Fundamentos do Storyboarding
Aprenda os fundamentos da criação de storyboards profissionais para qualquer
projeto.

Detalhes do curso
Fazer um romance gráfico
Um curso passo a passo para criar e publicar romances gráficos e histórias em
quadrinhos.

Detalhes do curso
A Criação de um Filme Animado
Um curso passo a passo para fazer curtas-metragens de animação do início ao fim.

Detalhes do curso
Animação de boneco palito
Uma masterclass de Animador vs. Animação o criador Alan Becker, o animador
mais popular do YouTube.

Detalhes do curso
Animação de Stop-Motion
Um curso completo para animação em stop motion usando o software líder da
indústria Dragonframe.

Detalhes do curso
Ensino de Animação
Um curso completo para professores e pais interessados em ensinar animação.

Detalhes do curso