Como criar um filme de animação

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ÍNDICE
INTRODUÇÃO ................................................. .................................................. ...... 1
1. ANIMAÇÃO, O QUE É ISSO? .................................................. .......................... 4
2. UM POUCO DE HISTÓRIA ........................................ ....................................... 5
2.1. Começos .................................................. .................................................. .. 5
2.2. Dispositivos de animação iniciais .................................................. ......................... 6
2.2.1. A lanterna mágica ....................................................... ......................... 6
2.2.2. Taumatrópio .................................................. .......................................... 6 2.2.3.
Fenaquistoscópio ......................................................... ................................... 6
2.2.4. Zoétropo .................................................. .................................................. 7
2.2.5. Flipbook .................................................. .................................................. 7
2.2.6. Praxinoscópio .................................................... .......................................... 7 2.3. Uma linha do
tempo (1887-2014) ........................................ ....................................... 8

3. TIPOS DE ANIMAÇÃO ............................................. ....................................... 12
3.1. Animação tradicional ........................................................ .................................... 12
3.2. Animação de stop motion .................................................. ......................... 12
3.3. Animação por computador .................................................. ......................... 13

4. 12 PRINCÍPIOS DE ANIMAÇÃO ............................................. .............................. 14
4.1. Esmagar e alongar ......................................................... ....................................... 14
4.2. Antecipação .................................................... .................................................. 15
4.3. Encenação .................................................. .................................................. ...... 15
4.4. Ação direta e animação pose a pose .............................. 16
4.5. Ação de acompanhamento e sobreposição ............................................. ........... 16

4.6. Desacelerar e desacelerar ......................................... ......................................... 17
4.7. Arcos .................................................... .................................................. ........... 17
4.8. Ação secundária ........................................................ ......................................... 17
4.9. Tempo ................................................. .................................................. ......... 18 4.10.
Exagero .................................................... ............................................. 19 4.11. Desenho
sólido ........................................................ ............................................. 19
4.12. Apelo ................................................. .................................................. ..... 19

5. CRIANDO UM FILME DE ANIMAÇÃO ............................................. ....................... 21
5.1. Nota pessoal ........................................................ ............................................. 21
5.2. Apresentação do personagem .................................................. ......................... 21
5.3. Buscando inspiração ......................................................... ....................................... 21

5.4. Desenvolvendo a ideia ........................................ ....................................... 22 5.5.

Escrevendo o roteiro ....................................................... .......................................... 22
5.6. O plano de produção .................................................... ....................................... 23
5.6.1. Data de entrega ................................................ ....................................... 23
5.6.2. Cronograma preliminar ........................................................ ......................... 23 5.6.3.
Plano da tripulação ................................................. ............................................. 23
5.6.4. Orçamento ................................................. .................................................. 23 5.6.5.
Recrutamento .................................................... ............................................. 24
5.7. Pesquisa ................................................. .................................................. ... 25
5.8. Projetando .................................................... .................................................. .. 26 5.8.1.

Criação de personagens ........................................................ .............................. 26 5.8.2.
Projeto de localização principal ......................................... .............................. 28
5.9. Composição .................................................... .................................................. 28
5.10. Storyboard .................................................. .......................................... 29
5.11. Arte conceitual ................................................ ......................................... 30 5.12 .
Gravando os diálogos ....................................................... ......................... 31 5.12.1.
Fundição .................................................. ............................................. 31
5.12.2. Apresentação do personagem ....................................... ....................... 31
5.12.3. Gravação .................................................... .......................................... 32
5.13. Animação .................................................... .................................................. 32 5.13.1.
Principais animadores ......................................................... ......................... 32
5.13.2. Intermédios .................................................... ....................................... 34
5.14. Pintar e colorir ......................................................... ....................................... 34

5.15. Antecedentes .................................................... ............................................. 35
5.16. Processo de fotografia ......................................... ......................... 36 5.17. Efeitos de
computador .................................................. ....................................... 36
5.18. Som ................................................. .................................................. ...... 36
5.19. Dia de lançamento ................................................ .............................................. 37

6. MEU PROJETO PESSOAL / EXPERIMENTANDO O PROCESSO DE ANIMAÇÃO POR CONTA
PRÓPRIA ..................................... .................................................. ....................... 38
6.1. Fontes de inspiração ......................................................... ................................... 38

6.2. Desenvolvendo a ideia ........................................ ....................................... 39
6.3. Escrevendo meu próprio roteiro ............................................. ....................................... 40
6.4. Pesquisa ................................................. .................................................. ... 44
6.5. Processo de projeto ......................................................... ....................................... 46

6.6. Storyboard .................................................. ............................................. 48 6.7. Gravando os
diálogos ....................................................... .............................. 49
6.8. Animação .................................................... .................................................. .. 51

6.9. Som ................................................. .................................................. ........ 53
7. CONCLUSÃO ............................................... .................................................. ... 54
8. WEBOGRAFIA ............................................. .................................................. 57
8.1. Vídeos .................................................... .................................................. ...... 58
9. BIBLIOGRAFIA ............................................. .................................................. 61
10. ANEXO .............................................. .................................................. ............ 62
10.1. Um estúdio de animação: Ghibli Studio .................................................. ............... 62

INTRODUÇÃO
Amo animação desde pequena.
Eu costumava assistir muitos filmes de animação e desenhos quando era jovem.

Toda vez que eu via uma cena, uma pose ou uma expressão de um personagem que eu
realmente gostava, eu pausava e tentava copiar no meu sketchbook. Embora isso tenha
incomodado muito minhas irmãs, que estavam assistindo TV comigo, isso me ajudou a me
tornar uma artista melhor e de certa forma, foi assim que descobri o que queria fazer para o resto da minha vida
Animando.
Claro que, como eu era muito jovem, não sabia como eram feitos aqueles filmes que
eu tanto amava. Quando descobri fiquei maravilhado. Eu não podia acreditar o quanto os
animadores tiveram que trabalhar para criar apenas um único filme.
O que basicamente me fez querer fazer este projeto sobre animação foi uma conversa
que tive com um grupo de amigos há algum tempo. Estávamos discutindo o quão difícil poderia
ter sido fazer um certo filme que estava nos cinemas naquele momento. No meio da conversa,
um deles disse: “Bom, obviamente é muito mais complicado fazer um live action do que um
animado. Filmes de animação são para crianças, devem ser tão fáceis de fazer ” Ela achava
que os desenhos animados eram produzidos automaticamente pelo computador.
Isso me fez pensar. Quantas pessoas podem pensar como ela? Quantas pessoas não
sabiam como é difícil animar algo? De repente, senti o desejo de corrigi-la e dizer a ela o quanto
ela estava errada. Eu precisava espalhar a palavra e dizer às pessoas como os filmes de
animação são realmente feitos. Este projeto de pesquisa foi a oportunidade perfeita para fazê-
lo.
Embora fazer este projeto em catalão fosse muito mais fácil para mim, optei por fazê-lo
em inglês. Basicamente, eu queria saber o vocabulário oficial e os termos que os animadores
usam sem traduzi-los. Além disso, sempre sonhei em estudar pelo menos um curso universitário
no exterior, então pensei que isso poderia ser uma boa prática antes de ir para a faculdade.
Decidi focar meu projeto em animação 2D porque todos me disseram para trabalhar em
algo mais específico do que apenas animação em geral. Embora eu adore filmes de animação
em 3D, pensei que seria melhor seguir seus conselhos.
O principal objetivo que eu tinha em mente quando iniciei este projeto era fazer com
que as pessoas valorizassem mais aqueles filmes que consideravam “para crianças” ou
“crianças”. Eu decidi que se eu fizesse pelo menos uma pessoa mudar de ideia sobre filmes de
animação ou desenhos animados, esse projeto teria valido a pena.
O processo de criação de filmes de animação 2D 1

Comecei a fazer algumas pesquisas. Fui à biblioteca e peguei vários livros sobre
cinema e animação. Baixei mais livros da internet também.
Também procurei informações aleatórias sobre animação 2D, tanto quanto pude. Copiei
tudo o que achei interessante em um pequeno caderno e comecei a planejar como gostaria
de organizar meu projeto.
Passei muitos dias das minhas férias de verão apenas assistindo vídeos e mais
vídeos sobre o processo de criação de filmes animados, testes de lápis de diferentes
animadores, tutoriais, documentários, etc. Enquanto os assistia, escrevi o máximo que
pude baixa.
Comecei a pensar no que poderia fazer para a parte prática do meu projeto. Eu não
achava que seria capaz de criar um curta de animação inteiro porque nunca tinha animado
antes e sabia que levaria muito tempo.
Como eu queria focar meu projeto na forma como os estúdios de animação criam
seus filmes, achei que seria uma boa ideia fingir que trabalhava em algum desses estúdios
e seguir os mesmos passos que eles fazem para produzir um de seus filmes. Resolvi tentar
aplicar todo o processo que os profissionais seguem de uma forma mais simples para ver
quais eram as vantagens e desvantagens de cada uma das etapas.
Depois de reunir todas as informações que queria incluir no meu projeto, comecei
a planejar e desenvolver minha própria animação. Como você lerá mais tarde, tive muitas
dificuldades durante esse processo, mas consegui resolver tudo de uma maneira ou de
outra.
Dividi este projeto em sete partes. A primeira é uma pequena introdução do conceito
geral de animação. A segunda parte foca-se mais na sua história e evolução ao longo do
tempo. A seguir, falo sobre os três principais tipos de animação e explico seus doze
princípios, que foram criados por funcionários da Disney. Após essa introdução, descrevo
como grandes estúdios como Ghibli ou Dreamworks criam seus filmes de animação.
Finalmente, explico minha própria experiência tentando animar e resumi meus pensamentos
sobre todo o projeto na seção de conclusão.
Como mencionei anteriormente, as principais fontes de informação que usei para

criar esses projetos foram livros, diversos sites online e muitos vídeos da Internet.
Espero que todos gostem do meu projeto tanto quanto eu gostei de fazê-lo.


1. ANIMAÇÃO, O QUE É ISSO?
Se você procurar o verbo “animar” no dicionário, encontrará duas definições.

De acordo com o dicionário Oxford, animar algo ou alguém significa dar (um filme ou personagem) a
aparência de movimento usando técnicas de animação. A segunda definição -e minha favorita pessoal-
descreve a ação como a capacidade de dar vida.
Para retratar a mencionada “aparência de movimento”, precisamos criar uma sequência de

imagens -desenhadas, pintadas ou produzidas por outros métodos artísticos- que diferem ligeiramente
umas das outras. A exibição cronológica das imagens anteriores produzirá a ilusão de mudança de
forma e movimento. Embora possa parecer fácil explicar dessa maneira, na verdade a animação é muito
mais complicada. Requer trabalho duro, perseverança e muito tempo.
Ao longo dos anos, as técnicas de animação mudaram e evoluíram; passando de dispositivos

simples que simulam movimento com alguns quadros para dispositivos mais sofisticados capazes de
criar animações 3D complexas.
A animação está ao nosso redor, desempenha um papel muito importante em nossa sociedade
moderna. É uma forma de comunicação e pode ser utilizada com diversas finalidades; como intenção
publicitária (como podemos encontrar em comerciais de televisão hoje), intenção didática (como alguns
vídeos educativos ou documentários online) e também como uma forma simples de entretenimento
(referente a desenhos e filmes infantis).
A animação é quase mágica. Dá aos animadores a capacidade de criar personagens a partir

de linhas desenhadas e esboços. Ao animar, eles são capazes de dar vida a esses desenhos e dar-lhes
uma personalidade, uma história de fundo, um propósito e, mesmo que apenas por um momento, eles
se tornam reais.
A animação faz parte da nossa vida há muito tempo. Todos nós crescemos assistindo a
diferentes desenhos animados e filmes. Quando éramos crianças (ou mesmo agora), sofríamos quando
nossos personagens favoritos estavam em perigo ou riam quando estavam felizes, choravam quando
morriam Vivíamos suas histórias com tanta intensidade que esquecemos que por trás daquele filme
específico usávamos para gostar, havia toda uma equipe de animadores que passaram semanas ou
até anos trabalhando muito duro.
Nós esquecemos momentaneamente que esses personagens eram apenas linhas desenhadas.
Acredito que é isso que torna a animação tão especial.

2. UM POUCO DE HISTÓRIA
2.1. Começos
Ao longo dos anos, os historiadores encontraram diferentes amostras de arte que tentavam
simular a sensação de movimento. Obviamente, eles ainda não foram considerados “animação”, mas
foi um bom começo.
As primeiras tentativas de animação na história podem

ser vistas em algumas pinturas rupestres pré-históricas. Diferentes
desenhos de animais selvagens com conjuntos de pernas
sobrepostos da época foram encontrados. Esses desenhos dão a
impressão de que os animais estavam correndo de alguma forma.
No entanto, também podemos pensar que o motivo da quantidade
não natural de pernas é que eles simplesmente queriam mudar
sua posição e não tinham como apagar.
Outra abordagem inicial do movimento na arte é a ilustração encontrada em uma tigela de

cerâmica de 5.200 anos em Shahr-e Sukhteh, Irã. Seu padrão é formado por cinco imagens que
mostram as fases de uma cabra saltando para beliscar uma árvore.
Outro exemplo é um mural egípcio encontrado

no túmulo de Khnumhotep no cemitério Beni Hassan.
Tem aproximadamente 4000 anos. O Mural mostra
uma longa série de imagens que ilustram uma sequência
de eventos em uma luta livre entre dois homens. É uma
pintura de parede muito curiosa devido ao fato de que
os hieróglifos egípcios e a arte em geral tendem a
representar figuras muito estáticas, mas no mural
podemos ver facilmente diferentes poses e posturas.

2.2. Dispositivos de animação iniciais
2.2.1. A lanterna mágica

A lanterna mágica foi inventada em 1650, mas ninguém
sabe quem a fez. É um projetor de slides simples que utiliza
imagens pintadas ou fotografadas em vidro.
Embora muitas pessoas acreditem que só produzia imagens
estáticas, na verdade poderia criar a ilusão de movimento e
fazer todo tipo de truques diferentes e é por isso que é chamado
de “lanterna mágica”.
Era comumente usado para fins educacionais e

fins de entretenimento. A lanterna mágica causou grande impacto na sociedade, as pessoas pensavam
que produzia imagens sobrenaturais. As apresentações com este dispositivo atraíam todas as classes e
idades, de modo que rapidamente se tornou a forma mais popular de entretenimento de imagem
cinematográfica até o cinema mudo.
2.2.2. Taumatrópio
Um taumatrópio é um brinquedo que era popular no
século 19. É formado por um disco com uma figura desenhada
de cada lado que tem dois pedaços de barbante presos. Quando
as cordas são giradas rapidamente entre os dedos, as duas
imagens parecem se misturar em uma.
Curiosamente, um taumatrópio pré-histórico foi

descoberto nas cavernas de Chauvet, na França.
2.2.3. Fenaquistoscópio
O fenaquistoscópio foi inventado em 1841 por Joseph
Plateau e é um disco giratório preso verticalmente a uma alça.
O disco possui uma sequência de imagens que produz a ilusão
de movimento ao ser girado e projeta a animação em qualquer
espelho.
Sabe-se que o princípio deste dispositivo foi inventado

por um matemático grego chamado Euclides. Essa é a razão
de seu nome complicado.
O termo “fenakistoscópio” significa “enganar, enganar”, porque
engana o olho criando uma ilusão de ótica de movimento.

2.2.4. Zoetrope
Um zootrópio é um dispositivo cilíndrico inventado em 1834 pelo
matemático britânico William George Horner. É muito semelhante ao
fenaquistoscópio em termos de aparência e, como todos os aparelhos
mencionados anteriormente, cria a ilusão de movimento.
Seu nome vem do termo grego zoe, que significa “vida” e tropos,
que significa “virar”. O zootrópio costumava ser vendido como brinquedo
por muitos anos, bem como faixas de papel com ciclos de desenhos para
usar com ele.
2.2.5. Flipbook
Um flipbook é uma série de imagens combinadas destinadas a
serem viradas para criar uma sequência animada a partir de um pequeno
livro simples sem máquina. Tornou-se muito popular no final do século 19
e início do século 20. É um dos dispositivos de animação mais simples e
simples.
Também é chamado de “livro de polegar” porque para fazer as

imagens se moverem você tem que segurá-lo em uma mão enquanto você
vira as páginas com o polegar da outra mão.
2.2.6. Praxinoscópio
O Praxinoscópio é um dispositivo inventado por um professor de
ciências de Paris chamado Charles-Émile Reynauda em 1876. É muito
semelhante ao zootrópio. A principal diferença entre os dois aparelhos é que
o zootrópio tinha fendas para olhar e o praxinoscópio as substituiu por
espelhos, de modo que a qualidade da imagem era mais clara e menos
distorcida. A palavra “praxinoscópio” vem do termo grego praxis, que significa
“ação” e scopein, que significa “olhar”.

2.3. Uma linha do tempo (1887-2014)




3. TIPOS DE ANIMAÇÃO
3.1. Animação tradicional
A animação tradicional (também conhecida como animação desenhada à mão, animação

cel ou animação clássica) é uma técnica de animação onde todos os quadros usados para criar a
ilusão de movimento são primeiro desenhados em papel e, consequentemente, feitos à mão.
Esse processo foi o mais utilizado até o surgimento da animação por computador
(explicado abaixo). Com a evolução da tecnologia, o processo tradicional de animação em cel
tornou-se obsoleto no início do século XXI. Hoje em dia, os planos de fundo e desenhos de
personagens dos animadores são digitalizados ou desenhados diretamente em um sistema de
computador.
Embora a tecnologia do computador tenha ajudado os animadores em seus esforços ao

longo dos anos, o resultado final ainda se parece com a animação cel tradicional no início e
permaneceu essencialmente o mesmo nos últimos 70 anos. Hoje, existem pessoas que usaram o
termo “tradigital” para descrever a animação cel que é assistida digitalmente.
Alguns filmes de animação tradicionalmente populares são Branca de Neve e os Sete

Anões (1937) e Pinóquio (1940).
3.2. Parar animação de movimento

A animação em stop motion - ou animação em stop frame - é um processo ou técnica
cinematográfica usada para fazer objetos do mundo real parecerem estar se movendo. Esses
objetos são fisicamente manipulados e fotografados todas as vezes após serem movidos entre os
quadros. Quando a sequência de imagens é exibida rapidamente, os objetos são “trazidos à vida”.
Esta técnica é muito parecida com a animação em cel, exceto que ao invés de desenhos
ela usa objetos físicos.
Existem muitos tipos diferentes de animação em stop motion e eles geralmente são
nomeados de acordo com o meio usado para criar a animação. Por exemplo, claymation - ou clay
animation - é uma forma de stop motion que usa figuras feitas de argila, como Wallace & Gromit.
A animação de marionetes é aquela que utiliza marionetas paradas, como em Coraline (2009).
Esta técnica é usada em muitos filmes de Tim Burton.
O stop motion inicial foi capturado com câmeras de filme. Os animadores não podiam ver
como era seu trabalho até que o filme fosse processado. Se a animação não fosse fluida, se o
cenário tivesse batido ou a iluminação estivesse ruim, o trabalho era perdido e o animador tinha
que começar tudo de novo.

3.3. Animação por computador

A animação por computador, também chamada de animação CGI, é a técnica usada para gerar
imagens animadas com computação gráfica. A animação por computador é dividida em duas categorias.
Animação assistida por computador é quando as animações tradicionais são computadorizadas. Por outro
lado, a animação gerada por computador é aquela projetada exclusivamente no sistema computacional usando
software de animação e gráficos 3D.
A animação por computador moderna geralmente usa gráficos de computador 3D, mas 2D
gráficos de computador ainda são usados de tempos em tempos.
A animação gerada por computador é muito útil quando se trata de criar cenas de multidão ou efeitos
especiais, etc.
Hoje em dia, a maioria dos filmes animados são criados usando computação gráfica.
Pixar, Dreamworks ou mesmo Disney, são estúdios que estão usando esse tipo de animação para criar a
maioria de seus filmes.
Alguns exemplos de filmes gerados por computador são Como Treinar o Seu Dragão
(2010), Enrolados (2010), Valente (2012), etc.

4. 12 PRINCÍPIOS DE ANIMAÇÃO
Os doze princípios básicos da animação foram desenvolvidos pelos animadores do

Walt Disney Studios durante a década de 1930. Entre eles estavam Frank Thomas e Ollie
Johnston, que os publicaram em seu livro The Illusion of Life: Disney Animation, em 1981.
Esses princípios surgiram como resultado de seu esforço para produzir animações
mais realistas através do movimento e expressão do corpo do personagem. Os princípios
seguem as leis básicas da física, mas também lidam com questões mais abstratas, como o
timing emocional e o apelo dos personagens.
Eles foram usados como diretrizes para criar desenhos animados naquela época e
ainda são usados hoje em muitos estúdios de animação, onde o livro A Ilusão da Vida tem
sido referido por alguns como a “Bíblia da animação”.
4.1. Esmagar e alongar

Esta ação é considerada o mais importante dos doze princípios. Dá a ilusão de peso,
volume e flexibilidade aos personagens (e também aos objetos) à medida que se movem.
Squash and Stretch é útil para animar diálogos e fazer expressões faciais porque
pode ser aplicado a objetos simples - como bolas quicando - e também a construções mais
complexas, como a musculatura de um rosto humano.
Quanto mais extremo for o uso desse princípio, mais efeito cômico ele terá.
No entanto, é a mais usada e a primeira técnica que os animadores aprendem a dominar.

4.2. Antecipação
Esse princípio prepara o público para uma ação
importante que o personagem está prestes a realizar (como
começar a correr ou pular) e faz com que a ação mencionada
pareça mais realista.
Um dançarino não pode simplesmente pular do chão.

Um movimento para trás ocorre antes que a ação para frente
seja executada. O movimento para trás é a antecipação.
Para criar esse princípio, os animadores estudaram a

antecipação que quase todas as ações reais têm, por exemplo,
o back swing de um golfista ou o arremesso de um
arremessador. Depois de fazer isso, eles aplicaram em suas
animações e deram mais personalidade.
4.3. Encenação
A encenação é um princípio cujo objetivo principal consiste em direcionar a atenção do
público para o que é importante em uma cena, seja essa ideia uma ação, uma personalidade, uma
expressão ou um humor dos personagens no quadro. Em outras palavras, a encenação é usada
para manter o foco no que é relevante e evitar detalhes desnecessários.
Para encenar corretamente, os animadores precisam fazer o fundo e a animação

trabalharem juntos como uma unidade pictórica em uma cena. Cada sequência deve se relacionar
de alguma forma com a história geral e fornecer informações aos espectadores sobre os
personagens e a localização da história, o momento histórico etc.
Esta técnica também é usada no teatro e no cinema. A ideia da encenação é encontrar o

uso efetivo de diferentes ângulos de câmera, luz e sombra, a colocação de um personagem no
quadro etc. para ajudar a contar a história e desenvolver seu enredo.

4.4. Ação direta e pose para pose de animação

Os animadores usam a expressão “ação direta” quando desenham uma cena quadro a quadro
do começo ao fim. Esta técnica é muito útil para criar uma ilusão de movimento fluida e dinâmica, mas
a animação pode perder tamanho, volume e proporções. Ele é usado em cenas de ação rápidas e
selvagens porque dá espontaneidade e frescor ao resultado final.
Pose a pose é muito um pouco diferente. Em primeiro lugar, os animadores planeiam as cenas
que têm de desenvolver e fazem desenhos chave em intervalos que, posteriormente, serão entregues
aos seus assistentes que preencherão os intervalos e terminarão a animação.
Tamanho, volumes e proporções são melhor controlados desta forma. Este método funciona
melhor para cenas dramáticas ou emocionais, onde a composição e a relação com o ambiente são de
maior importância.
Muitas cenas são criadas usando uma combinação de ambos os métodos.
4.5. Acompanhamento e ação sobreposta

Esses são dois conceitos que juntos ajudam a representar o movimento de forma mais realista.
Follow through consiste em evitar a parada repentina de um personagem e fazer com que
todas as outras partes de seu corpo continuem a se mover depois que ele parou para alcançar o resto
da massa principal.
O principal objetivo da técnica de sobreposição é evitar qualquer “efeito robótico” e dar mais
fluidez à movimentação do personagem. É usado pelos animadores para enfatizar a ação e o humor do
personagem, movendo as diferentes partes do corpo do personagem em diferentes velocidades e em
diferentes momentos. Quando se move, algumas partes do corpo lideram a ação e outras seguem a
ação principal. Normalmente, braços e pernas seguem o movimento do tronco.
“Arrastar” é outra técnica popular em que as “partes seguintes” do corpo levam mais alguns
quadros para alcançar suas “partes principais”. Por exemplo, se um

personagem começa a correr, sua cabeça, orelhas, parte superior do corpo e roupas podem não
acompanhar suas pernas. Dessa forma, pareceria que o personagem estava correndo o mais rápido
que podia.
Outro exemplo que podemos usar é a famosa cena de dança de Branca de Neve e os Sete
Anões. Nele, ela começa a dançar, mas seu vestido não começa a se mover com ela até alguns quadros
depois.
4.6. Desacelerar e desacelerar

A técnica slow-out e slow-in consiste em desenhar
mais quadros perto do início e do fim de uma ação e menos
no meio. Dessa forma, as partes onde houver mais quadros
parecerão mais lentas e a ação em si mais rápida. Isso dará
tempo ao personagem para acelerar e desacelerar e tornar a
animação mais realista.
4.7. Arcos
Esta técnica é baseada na trajetória natural que quase todas as
ações seguem, arcos. Pode ser aplicado à figura humana e animais ou
simplesmente a objetos arremessados. Os arcos tornam a animação
mais natural e têm um fluxo melhor.
Objetos que se movem fora de seu arco natural parecerão

erráticos. Para evitar isso, os animadores tendem a desenhar o arco no
papel para referência e apagá-lo mais tarde.
4.8. Ação secundária

A ação secundária é um método de animação cujo objetivo principal é complementar e reforçar
a ação principal de uma cena. É importante lembrar que é preciso enfatizar e não desviar a atenção.

Usamos ação secundária quando estamos animando um personagem que está andando
furiosamente. Acrescentar uma ação secundária seria fazer seus braços se moverem
agressivamente ou sua cabeça balançar apenas para acentuar sua caminhada e expressar sua
emoção ao espectador.
4.9. Tempo
O tempo é uma das técnicas de animação que as pessoas aprendem com a experiência
e experimentação pessoal. Consiste em escolher o número de quadros ou desenhos que serão
usados para animar uma cena ou uma ação.
O número de quadros se traduz na velocidade da ação no filme: quanto menos quadros

e ação tiver, mais rápido e mais nítido ele ficará. Se uma ação tiver muitos quadros, ela será
lenta e suave.
O tempo adiciona textura e interesse ao movimento de seus personagens. Uma boa

maneira de praticar essa técnica seria estudar a atuação e o movimento de atores e performers
no palco e usá-la como referência na hora de animar.

4.10. Exagero
O exagero é o efeito que os animadores adicionam aos

seus desenhos para exagerar as expressões, poses, atitudes e
ações de seus personagens. O nível de
exagero depende do efeito cômico que o animador está procurando.

Quando exageradas, as animações parecem mais naturais do que
quando são apenas uma perfeita imitação da realidade.
De acordo com os animadores da Disney, exagerar é

permanecer fiel à realidade, mas apresentá-la de uma forma mais
selvagem e extrema. No entanto, os animadores têm que usar o
bom gosto e o bom senso para evitar que se torne muito teatral e
excessivamente animado.
4.11. Desenho sólido
Ao falar sobre desenho sólido, os animadores referem-se à

aplicação dos princípios básicos da forma do desenho, peso e solidez
do volume para fornecer às animações um aspecto muito mais
tridimensional.
Veja.
Para conseguir isso, os animadores precisam fazer aulas de

arte e fazer esboços da vida real. O principal
O objetivo deste método é dar às animações uma aparência realista

e torná-las críveis.
4.12. Apelo
O termo “apelo” na animação é o mesmo que “carisma” quando se fala de atores. Esse método
consiste em tornar os personagens simpáticos e capturar e envolver o interesse do público. Para conseguir
isso, os personagens devem ter um design de fácil leitura, desenho claro e desenvolvimento de personalidade.

O apelo não se aplica apenas ao protagonista principal do filme,

também inclui vilões, ajudantes, etc. Os espectadores devem sentir que cada
personagem da história é real, interessante e envolvente.
Como todas as formas de contar histórias, o recurso tem que apelar tanto
para a mente quanto para os olhos.
Para tornar seus personagens mais “atrativos”, os animadores usam

simetria e curvas e formas suaves em sua composição. Rostos de bebê com
olhos grandes tendem a ser as características favoritas dos espectadores;
podemos encontrar essas características em quase todos os designs das
princesas da Disney.

5. CRIANDO UM FILME ANIMADO
5.1. Nota pessoal

Nesta parte do projeto, vou explicar o processo de criação de um filme de animação.
No entanto, quero esclarecer que cada filme de animação foi feito de uma maneira diferente,
com técnicas e dispositivos diferentes. Não existe uma maneira “correta” ou “única” de animar
e as etapas explicadas abaixo nem sempre são seguidas na mesma ordem.
O que vou explicar é o processo geral que os grandes estúdios de animação (Disney,
Dreamworks, Ghibli, etc.) seguem para criar seus filmes famosos; desde que uma ideia surge
na cabeça de alguém até o dia em que o filme final estrear nos cinemas.
No entanto, para isso, criei um personagem fictício chamado Tom Abbott, que usarei
para mostrar como os filmes são feitos de uma maneira diferente. Ele vai falar em primeira
pessoa, como se isso fosse parte de uma história.
5.2. Introdução do personagem

Olá a todos, meu nome é Tom Abbott. Sou o diretor de um dos estúdios de animação
mais bem sucedidos do mundo, o Abbott Pictures Studio. Você pode ter ouvido falar.
Chegou ao meu conhecimento que você está interessado no processo de criação de

filmes animados, então decidi mostrar como fazemos isso na minha empresa. Vamos começar!
5.3. Encontrando inspiração

Como Earl Nightingale disse uma vez, tudo começa com uma ideia. Para fazer um filme
de animação (ou qualquer filme em geral) você precisa pensar em uma história primeiro. No
entanto, tentar criar uma boa história pode ser muito difícil às vezes.
A história é a parte mais importante de qualquer filme de animação. Se a animação não

é a melhor, mas a história é ótima, você tem um bom filme; mas quando é o contrário, então o
filme é inútil.
Para criar uma boa história, você precisa encontrar inspiração. Como você pode fazer
isso? Você apenas tem que observar o que está ao seu redor. A inspiração pode vir de qualquer
lugar, de um filme, de uma música, de um poema. Use qualquer coisa de sua própria vida para
se inspirar. Qualquer pessoa que você já conheceu, qualquer lugar que você já esteve, qualquer

experiência que você já teve pode fazer todas as ideias em sua cabeça clicar e criar uma história.
Uma boa maneira de organizar suas ideias é sempre carregar um caderninho e anotar tudo o
que vier à sua mente. Ao fazer isso, você garante que não esquecerá nada.
Além disso, você nem sempre precisa criar tudo sozinho, muitos filmes de animação foram
baseados em livros ou lendas anteriores. Por exemplo, Mulan da Disney foi baseado na lenda tradicional
chinesa The Ballad of Hua Mulan.
Muitos estúdios de animação baseiam seus filmes em contos de fadas tradicionais e adicionam
algumas modificações neles, como Cinderela e Bela Adormecida, entre outras.
5.4. Desenvolvendo a ideia

Este é sempre um processo longo com muitas mudanças. É quando nós, o diretor e
o(s) produtor(es), nos reunimos e pensamos nas mudanças que queremos adicionar à história que
escolhemos animar. Propomos diferentes formas de aprofundá-lo, a mensagem que queremos transmitir,
o enredo principal, etc. Tentamos torná-los mais complexos e apelativos para o público contemporâneo.
Todas as diferentes ideias que surgem são arquivadas e salvas para serem usadas como
projetos futuros. Alguns deles nunca chegam a ver a luz do dia, outros são retomados no futuro. O
importante é nunca parar de pensar em novas ideias.
5.5. Escrevendo o roteiro

Uma vez que escolhemos sobre o que será nosso filme, passamos para o próximo passo:
escrever o roteiro, que é o texto onde estão escritos todos os diálogos do filme.
Esta etapa também é muito importante porque a chave para um projeto de sucesso é um bom
roteiro. Ao escrevê-lo, é importante levar em consideração o público ao qual o filme será dirigido. No
caso dos animados, normalmente são crianças. Tendo isso em mente, temos que tentar não incluir
nenhum palavrão nele, assim como cenas violentas e sexuais.
O roteiro evolui muito durante a criação do filme, muda muitas vezes até chegarmos ao final.
Nossos roteiristas estão sempre mudando as falas ou criando novas situações para adicionar ao filme.

É muito importante dar vozes diferentes aos personagens, nenhum deles precisa soar igual. Você
tem que pensar nos personagens como pessoas diferentes com maneiras diferentes de pensar. É por
meio do roteiro que o espectador conhece a personalidade dos personagens.
5.6. O plano de produção

Como o nome indica, esta etapa consiste em planejar tudo antes de iniciar o processo de
produção. Embora possa parecer muito chato, é fundamental organizar o projeto e preparar tudo antes de
começar a animar.
Gosto de comparar este passo com a preparação da mala antes de uma viagem, é
necessário para ter certeza de que você tem tudo o que precisa para fazer a viagem.
5.6.1. Data de entrega
Em primeiro lugar, definimos o dia de lançamento do filme que vamos fazer. Quanto mais
apertado, menos qualidade o filme pode ter, pois teremos menos tempo para produzi-lo.
5.6.2. Cronograma preliminar
O(s) produtor(es) começa(m) a planejá-lo com base na data de entrega. Fazer o cronograma
preliminar consiste em organizar o número de dias, semanas, meses ou mesmo anos que serão
necessários para criar o filme.
Ao fazer isso, é importante sermos realistas sobre o que nosso estúdio pode realizar no tempo
disponível até o dia do lançamento.
Para organizar tudo, os produtores utilizam diferentes gráficos e horários com

notas sobre o que precisa ser feito todos os dias.
5.6.3. Plano de tripulação
Depois de organizar tudo, os produtores calculam a quantidade de coisas que o estúdio vai
precisar para realizar cada tarefa para cumprir o cronograma. Eles também determinam o tempo que
todos na tripulação terão para terminar sua tarefa.
5.6.4. Orçamento
O orçamento é a construção financeira das despesas estimadas que a produção do filme pode
causar. Baseia-se nos elementos e objetivos criativos, na duração estimada, na complexidade do projeto,
etc.

O orçamento de um filme é algo muito importante porque se algo for mal calculado o estúdio
pode perder dinheiro, como aconteceu com o Ghibli Studio com a produção de seu filme “Kiki's delivery
service”.
Orçamento detalhado e resumido

Existem dois tipos de orçamentos, o detalhado e o resumido. O
o orçamento resumido geralmente não tem mais de duas páginas, enquanto o orçamento detalhado lista
cada item e os custos específicos associados a ele.
Para calculá-lo temos que levar em conta taxas de licenciamento, direitos e taxas de liberação,
aluguel/locação de instalações, custos de treinamento, taxas de novos equipamentos, despesas de
viagem, custos promocionais, custos de relações públicas, entre outros.
Orçamento acima e abaixo da linha

As listas de orçamento podem ser divididas em duas partes, acima e abaixo da linha. Os
números acima da linha são comumente aqueles números baseados em contratos. Eles incluem
pagamentos de direitos, acordos e pagamentos a serem feitos aos produtores, diretores e roteiristas,
bem como qualquer outro talento chave associado ao projeto (como atores).
Todos são considerados os custos criativos da produção.
Por outro lado, os itens abaixo da linha são todas as outras verbas necessárias para
produzir o projeto, como equipe, equipamentos, subcontratados e assim por diante.
O produtor também precisa estabelecer quais serão os benefícios adicionais para o projeto.
5.6.5. Recrutamento
É o departamento de recursos humanos que cuida disso. São eles que empregam todo o
material necessário que foi calculado previamente, sempre sob minha supervisão.
Os diferentes trabalhos que geralmente são incluídos em uma produção de filme de animação
são artistas de storyboard, animadores de referência, leitores de som, cronômetros de animação,
especialistas em sincronização labial, talentos de voz (atores), agentes de elenco, diretor de gravação,
técnicos de gravação, engenheiros de som, especialistas em liberação de direitos autorais , supervisores
no exterior, entre outros.

5.7. Pesquisa
Quando o plano de produção termina, a pesquisa começa. Todo filme é ambientado em
um determinado período de tempo, pode ser colocado nos tempos pré-históricos ou na Londres
vitoriana, em qualquer caso, pesquisas devem ser feitas. Os animadores precisam investigar e
conhecer tudo sobre aquela época para definir a história corretamente.
Livros de história são sempre úteis, mas a melhor maneira de aprender sobre um país e
sua cultura é viajando para lá. Há muitos casos em que os animadores passaram quase um mês
em um país estrangeiro estudando-o.
Em Mulan da Disney , os membros do material viajaram para a China 3 semanas para conhecer
melhor a cultura. Eles sempre carregavam cadernos e desenhavam o que viam em todos os
lugares, bandeiras, portas, moldes de roupas, plantas, arquitetura, animais... Mais tarde, eles
usaram esses desenhos para desenhar os cenários do filme.
O mesmo aconteceu em O Príncipe do Egito, da Dreamworks, onde os animadores usaram tudo

o que viram em sua viagem ao Egito como modelo para o filme, as enormes colunas, as estátuas,
etc.
Para criar O Corcunda de Notre Dame, os animadores da Disney viajaram para Paris e
estudaram cuidadosamente a catedral. Eles tiraram fotos dela de diferentes ângulos, exploraram
cada canto dela, fizeram desenhos dos sinos, etc. só para capturar depois no papel. Como o
filme é ambientado em um lugar real, pareceria falso se eles inventassem ou modificassem a
igreja.
Além disso, a pesquisa não é feita apenas para obter os fundos corretamente, mas
também o movimento dos personagens. Ao animar danças típicas de um determinado lugar, os
animadores investigam os diferentes passos que os bailarinos seguem para executá-las; como
fizeram em Lilo e Stitch para estudar a dança havaiana, a Hula.
Os animadores às vezes também precisam estudar o movimento dos animais, por

exemplo, para criar os gorilas em Tarzan, os leões em O Rei Leão e os ursos em Irmão Urso.

A pesquisa é essencial para obter a roupa certa. A moda das roupas evoluiu e mudou
drasticamente ao longo do tempo. É por isso que os animadores precisam ter certeza de que não
usarão um vestido medieval em um filme ambientado no final dos anos 70, por exemplo. Existem muitos
recursos úteis na Internet onde você pode encontrar diferentes fotos e pinturas de diferentes períodos
da história para obter os desenhos corretamente.
5.8. Projetando
Uma vez que toda a pesquisa é feita, começamos a desenhar os personagens e cenários para
o filme.
5.8.1. Design de personagens
Quando se trata de desenhar personagens, todos contribuem com suas ideias.

Cada animador pega um lápis e um papel e começa a esboçar diferentes designs dos personagens
repetidamente.
Muitos designs diferentes são criados até chegarmos

a escolher os finais. Se você visse os esboços originais que
alguns estúdios fizeram sobre seus personagens, você não
seria capaz de dizer quem eles são.
eram.
Os personagens devem ser atraentes para o

público, existem diferentes técnicas que ajudam a conseguir
isso. Uma delas é usar formas e desenhos redondos, assim
os personagens ficam mais calorosos e parecem mais
infantis. Alguns exemplos de personagens desenhados com
formas redondas são Mickey Mouse e Stitch, ambos da
Disney.

Às vezes, os animadores criam seus

personagens baseados em pessoas da vida real.
Por exemplo, Chihiro de Spirited Away de Ghibli ,
foi inspirado na filha de um dos animadores do
estúdio na época.
Além disso, o rei Tritão de A Pequena Sereia
foi baseado no pai de Andreas Deja, assim como
Ariel, que foi baseado na esposa de Glen Keane.
(Ambos são animadores da Disney.)
Ao projetar os personagens, os animadores

também levam em consideração o país em que o
filme está estabelecido. Eles querem que o estilo de
desenho do filme se assemelhe de alguma forma à
cultura daquele país, por exemplo, em Hércules eles
usaram como inspiração diferentes colunas gregas e
em Lilo e Stitch , os animadores desenhavam
personagens gordinhos com pernas pesadas. Além
disso, eles devem desenhá-los de acordo com a raça
do país específico em que querem que o filme seja
ambientado, chineses, africanos, sul-americanos
Quando os designs finais são

escolhidos, os animadores criam o modelo do
personagem. Os modelos do personagem
são folhas com diferentes visões do
personagem (frontal total, metade frontal, lado
esquerdo) que são criadas para que cada
animador saiba como eles ficarão de todos os
ângulos. Os animadores também desenham
o rosto dos personagens com diferentes
expressões.
Eles também criam uma folha de comparação de tamanhos, onde desenham todos os
personagens principais um ao lado do outro para ver a diferença de altura entre eles e obter as escalas
corretamente. Às vezes, pequenas estátuas conhecidas como maquetes são produzidas para mostrar
como os personagens se parecem em três dimensões.

5.8.2. Projeto de localização principal
Os animadores também têm que projetar os cenários do filme,

mesmo que seja apenas o quarto do personagem principal, uma
turma da escola ou uma vila inteira, tudo deve ser planejado.
Ao projetar os planos de fundo, eles às vezes usam fotografias

que tiraram durante o processo de pesquisa. Outras vezes, eles
apenas extraem de sua imaginação. Em A Bela e a Fera, os
animadores usaram pinturas clássicas como inspiração para dar
ao filme um visual mais fantástico, o visual de um conto de fadas.
Os fundos são desenhados em vários ângulos e com diferentes

atmosferas, durante o dia, a noite, etc.
5.9. Composição
Essa parte do processo consiste, como o próprio
nome indica, em compor as músicas que serão cantadas
pelos personagens.
Este passo só é aplicável quando se fala de um filme
musical, nem todos os filmes de animação têm cantos
nele.
É através das músicas que o espectador conhece

mais os personagens, a forma como eles pensam, seus
sonhos e esperanças, etc. Às vezes, elas são usadas
para explicar uma parte de uma história ou apenas
como uma simples apresentação para o filme.
Ao compor, os músicos tendem a adicionar músicas

fáceis e cativantes para que as pessoas se lembrem
das letras e fiquem presas em suas cabeças. As
músicas de que mais se lembrarão serão aquelas que
o público associará ao filme. Por exemplo, Under the
Sea ou Part of your World são músicas que todo mundo
sabe que são de A Pequena Sereia.

Às vezes, a trilha sonora é composta por mais de uma pessoa. Muitos filmes diferentes da Disney
usaram a música do compositor Alan Menken e as letras de Tim Rice. Ambos trabalharam juntos em
muitos filmes diferentes.
Compor é um processo muito longo. Hans Zimmer, que criou a trilha sonora de O Rei Leão , passou
dois anos organizando as músicas. Os compositores geralmente se inspiram na música do lugar em que
o filme é baseado. Eles tendem a usar instrumentos típicos e ritmos musicais de lá. Ao ouvir a trilha sonora
de O Rei Leão , você pode notar melodias e ritmos com sabor africano e instrumentação associados à
África, como a marimba.
Para criar a trilha sonora de Mulan , eles usaram o di, uma flauta chinesa de bambu, e o gu-zheng,
uma espécie de harpa chinesa horizontal, e em Lilo e Stitch, o instrumento clássico havaiano, o ukulele.
No entanto, é importante mencionar que a música de fundo geralmente é composta depois

que todas as cenas são finalizadas.
5.10. Storyboard
Storyboards são esboços
semelhantes a histórias em quadrinhos
que seguem a ação do roteiro e mostram
como os personagens se moverão
cada cena.
Para planejar o storyboard, os

animadores usam uma folha de barras
para organizar as cenas. Uma folha de
barra (ou folha de exposição) é uma tabela
que contém a divisão da ação, diálogo e
som de cada sequência. Ele determina
exatamente quais posses, desenhos e movimentos os animadores terão que desenhar posteriormente.
Ele é organizado de maneira semelhante a um pentagrama de música e geralmente é menor que um papel
A4.
Uma vez que a folha de barra está completa, os artistas de storyboard começam a desenhar tudo.
Os storyboards não precisam ser tão limpos quanto a animação final, eles são apenas esboços. As
características do personagem também não precisam ser muito exatas. No entanto, existem storyboards
muito bem elaborados e até coloridos. Depende do artista que desenha.
Às vezes, os artistas reutilizam o mesmo desenho várias vezes. Dessa forma eles
não precisa redesenhá-lo toda vez que ele aparece na cena.

Os artistas de storyboard criam storyboards diferentes para cada cena e os apresentam ao

diretor e aos produtores. Para isso, eles juntaram todos os desenhos pendurados em um quadro
chamado carretel de histórias. Eles apresentam seu trabalho para os outros animadores e membros da
equipe e todos discutimos juntos as cenas.
Este processo ainda tem muitas mudanças, algumas vezes as cenas serão eliminadas ou
pode ser modificado ou combinado com outra cena para criar uma nova.
Sob os desenhos pendurados no carretel de histórias, eles colocaram pequenos gráficos com
as frases de diálogo ditas em cada sequência. Mais tarde, eles adicionam efeitos sonoros e música
temporários e trabalham com isso temporariamente.
5.11. Arte conceitual

É o departamento de desenvolvimento visual que se
encarrega desta etapa. É quando começamos a planejar o visual
do filme. O departamento deve desenvolver o estilo, o tom, a cor
e a abordagem artística geral de cada sequência.
A arte conceitual não estará em nenhuma parte do filme,

apenas ajuda os animadores a se inspirarem e saberem como o
filme finalmente ficará. Tudo tem que ser projetado, desde os
personagens principais até o menor dos adereços. Eles fazem milhares e milhares de desenhos, pinturas,
plantas, esculturas e maquetes para projetar tudo.
Normalmente eles tendem a fundir o estilo de desenho do animador principal com a arquitetura
e pinturas de cada país. Dessa forma, eles criam novos estilos e dão ao filme um visual mais único. Na
confecção de Mulan, eles uniram o estilo de Chen Yi (animador dos estúdios da Disney) e a simplicidade
das pinturas chinesas. O mesmo acontece em muitos outros filmes.

5.12. Gravando os diálogos

Quando a arte conceitual já estiver finalizada, é hora de gravar as vozes dos personagens. Esse processo
pode ser dividido em três etapas: casting, apresentação dos personagens e gravação.
5.12.1. Fundição
Ao escalar os dubladores, não é a aparência

que importa, mas suas vozes.
Os atores devem ter a mesma idade de

seus personagens, você não pode usar uma atriz
velha para interpretar uma menina de 6 anos, obviamente.
Além disso, é importante levar em conta a

origem dos atores. É aconselhável procurar
dubladores do
lugar em que o filme é baseado. Ou talvez, às vezes,
os dubladores apenas finjam outro sotaque para um personagem. Normalmente, quando os filmes são
baseados na Grã-Bretanha, eles tendem a usar dubladores britânicos, como fizeram em 1951 com Alice
no País das Maravilhas.
A voz pode refletir a personalidade dos personagens, por exemplo, ao procurar atores para
interpretar uma garotinha inocente, os agentes de elenco procurarão alguém com uma voz suave.
Eles geralmente escalam atores famosos de Hollywood para promover o filme. No entanto, nem
sempre é o mesmo ator que interpreta a voz falada e cantada do personagem. Normalmente, eles
procuram duas pessoas com vozes semelhantes para interpretar as diferentes partes.
5.12.2. Apresentação do personagem
Depois de escolher quem vai interpretar quem, o diretor de gravação apresenta os personagens
aos atores. Eles explicam como são suas personalidades, como reagem em cada situação, etc. Eles
contam tudo o que precisam saber para entrar no personagem.
Ao gravar, os dubladores geralmente são cercados por fotos e maquetes de seus personagens
para se inspirar.

5.12.3. Gravação
Para gravar os diálogos, eles colocaram

um microfone e leram o roteiro frase por frase
várias vezes.
O(s) diretor(es) de gravação dão indicações de
como devem pronunciar tudo, como devem
enfatizar cada palavra que dizem de forma
diferente.
Atores têm que expressar emoção

através de sua voz. São eles que dão
personalidade aos personagens, eles têm que
capturar seu espírito. Um pequeno truque que
alguns dubladores usam é imaginar que estão lendo um livro para uma criança, assim fica mais fácil para
eles conseguirem a voz que dariam ao seu personagem corretamente.
A dublagem é muito diferente de atuar em um filme de ação da vida. Os atores têm que transmitir
sem o corpo e isso é mais difícil do que parece. Tudo o que eles dizem tem que soar crível.
Quando os dubladores estão dizendo suas frases, eles são filmados. Às vezes, os animadores
usam essas fitas para adicionar um pouco de personalidade ao movimento dos personagens ao animá-los.
Eles prestam atenção na maneira como esses atores movem a mão ao gritar algo ou a maneira como
movem a boca ao falar e tentam colocar isso no papel.
5.13. Animando
É quando a animação realmente começa. Todos os storyboards e o planejamento estão feitos,
então agora é hora de deixar os animadores fazerem mágica.
Os animadores são divididos em dois grupos, os animadores principais (ou animadores principais)
e os intermediários.
5.13.1. Principais animadores
Cada personagem é atribuído a um animador principal, geralmente aquele que os desenhou, que
irá desenhar todas as cenas em que o personagem mencionado aparece.
Os principais animadores desenham os quadros que têm as poses essenciais dos personagens sem levar
em conta a fluidez do movimento.

Costumam desenhar com

lápis em folhas de papel transparentes
perfuradas para encaixar as barras
de pinos em suas mesas ou mesas
de luz. Dessa forma, eles podem
observar o último desenho que
fizeram e desenhar um novo acima
dele que
difere um pouco dele.
Assim como os dubladores,

os animadores têm suas mesas e
estudos cobertos com desenhos e maquetes de seus personagens. Eles os usam como referência, bem
como as folhas de modelo que criaram anteriormente.
Se eles se deparam com uma cena difícil de animar, eles usam modelos de vida como guias.
Foi o que fizeram para animar a famosa cena de dança na floresta de A Bela Adormecida e em A
Pequena Sereia, quando ela resgatou o príncipe de um afogamento e espera que ele acorde na praia,
entre outras.
Às vezes, o mesmo dublador inspira os animadores, os animadores da Dreamworks usaram

Brat Pitt (dublador de Sinbad) como inspiração para animá-lo.
Os animadores também usam pessoas que conhecem para animar seus personagens. Glen Keane usou sua
esposa como inspiração não apenas para o design de Ariel, mas também para a maneira como ela se movia.
Se você assistir o filme de perto, notará que a sereia morde o lábio muitas vezes em diferentes cenas,
ele diz que é algo que tirou de sua esposa também.
Animadores criam cenas baseadas

em experiências passadas e como se sentiram
durante elas e tentam colocar isso no papel.
Eles têm que fazer seus personagens parecerem
tão reais quanto possível.
Eles devem parecer pessoas reais, os
espectadores devem ser capazes de adivinhar
o que estão pensando através da expressão de
seus rostos e olhos. Por exemplo, Glen Keane
explica que quando ele estava animando a
cena em Tarzan quando ele e Jane juntaram as mãos e ele percebeu que existem mais pessoas como
ele, ele usou como inspiração o momento em que viu sua filha nascer e o momento em que ele tocar a
mão dela. Ele diz que o olhar nos olhos de Tarzan é o olhar que ele tinha quando ela olhou para a filha
pela primeira vez.

5.13.2. Intermediários
Os intermediários são os animadores que recebem os quadros principais que o animador
principal criou e os preenchem com mais quadros para fazer o movimento fluir e parecer real. O número
médio de quadros que um segundo deve conter é 24 f/s. Esse procedimento de preenchimento dos
quadros principais é chamado de interpolação.
Eles têm que ter em mente que os personagens devem fazer coisas humanas simples como
respirar e piscar, etc. Eles têm que dar a eles a sensação de ter carne e ossos.
A interpolação também é um processo difícil porque tudo tem que parecer igual, unificado. Os
espectadores não podem notar a diferença entre o que um animador desenhou e o que outro desenhou.
Para ver se há algum erro na animação, eles juntam todos os desenhos em uma fita de vídeo
chamada teste do lápis. É uma versão preliminar da cena animada final, às vezes eles até adicionam
os diálogos para ver se a sincronização labial é feita corretamente.
5.14. Tinta e coloração

Quando todas as cenas estiverem animadas, elas são levadas para o departamento de tintas.
É aí que eles passam os esboços a lápis para o celulóide. O celulóide é uma folha fina e transparente
de plástico transparente.
Lá, eles pintam ou fotocopiam o contorno do desenho em cel, dependendo se estão fazendo
isso tradicional ou digitalmente. Originalmente, todos pintavam os esboços à mão e podiam passar
muitas horas com apenas um deles. Felizmente, com a invenção do computador, o processo se tornou
muito mais rápido e fácil.

Mais tarde, eles usam guache,

acrílico ou qualquer tinta similar para pintar
as cores do verso do cel. Novamente, se eles
estão fazendo isso digitalmente, os
animadores apenas os pintam com o computador.
A escolha das cores é muito

importante. Uma paleta de cores pode definir
o clima de uma cena e torná-la
mais quente ou mais frio, dependendo do
que eles querem realizar. Há especialistas
encarregados de escolher as cores para
cada quadro.
As cores são capazes de transmitir emoções, por isso os animadores usam paletas de
cinza ao fazer cenas tristes, vermelhas quando a sequência contém cenas apaixonadas, como
cenas de amor ou de luta, além de cores vivas para momentos felizes do filme.
Para escolher as cores eles levam em conta a iluminação da cena, os desenhos dos
personagens, etc.
5.15. Fundos Os fundos

são os cenários onde ocorre a ação
de cada sequência animada. Assim como o
passo anterior, eles podem ser feitos por
computador ou à mão.
Tradicionalmente, os desenhos pintados geralmente

são feitos com guache ou tinta acrílica, embora algumas
produções animadas também usem aquarela e tinta a óleo.
Os digitais são feitos com programas 3D específicos

e são editados para parecerem mais bidimensionais. (2D)
Em ambos os casos levam-se em conta a paleta utilizada para colorir os personagens no

processo de coloração para que fiquem harmônicos e unificados.

5.16. Processo de fotografia

Depois que o fundo e os personagens estiverem prontos, é hora de montá-los. Ambos são
colocados juntos um em cima do outro com um pedaço de vidro no topo para impedir quaisquer
irregularidades que as células possam ter. Em seguida, eles são fotografados usando um tipo específico
de câmera chamada rostrum camera (ou câmera de animação).
O processo é repetido com cada célula até que todas estejam finalizadas. Mais tarde, o filme
final é enviado para revelação e processamento. Hoje, porém, eles são montados diretamente no
computador.
5.17. Efeitos de computador

Às vezes, uma sequência requer algum
tipo de animação que seria muito difícil de fazer à
mão e é quando usamos efeitos de computador.
Eles são usados para muitas coisas diferentes.
Os animadores usam o computador quando

precisam animar uma cena com uma grande
multidão ou com algum tipo de efeito mágico ou
fogo sobre eles. Ao animar os personagens de
fundo com o computador, podemos economizar
trabalho e tempo extras.
Usando o computador, os animadores mudam o ângulo da câmera, editam possíveis erros,

corrigem os raios, a velocidade do movimento, a atmosfera das cenas, etc. Eles dão o aspecto final ao
filme.
Eles também usam o computador para adicionar os créditos iniciais e finais.
5.18. Som
Esta é a última parte do processo de animação. Os designers de som criam e gravam efeitos
sonoros e ambientes (passos, farfalhar de roupas, portas se abrindo,...) para criar as texturas e camadas
de som que enriquecem a história. Hoje em dia eles são criados digitalmente, mas no início da animação,
os designers de som tinham que fazer os sons de que precisavam. Em Branca de Neve eles gravaram
os sons de pratos quebrados, animais, portas batendo etc. porque não tinham outra maneira de fazer
isso.

Depois disso, a música de fundo é composta. A música de fundo reflete a maneira como o
personagem principal está se sentindo no momento. É por isso que, dependendo do tipo de cena, a
música será rápida ou lenta.
Em seguida, os diálogos gravados anteriormente são somados fazendo-os coincidir com o

movimento labial dos personagens.
Por fim, o diálogo, a música e os efeitos sonoros são montados no palco de mixagem de som.
Eles adicionam níveis de áudio, equalização, perspectiva e tratamentos (eco, som de TV ou rádio...)
como faixas e são mixados na versão final do filme.
5.19. Dia de lançamento

Assim que todas as etapas anteriores forem concluídas, nosso filme estará pronto para ser
exibido ao mundo. Distribuímos o filme em todo o mundo e, dependendo do país, sairá mais cedo ou
mais tarde.
Quando um filme estreia pela primeira vez, o elenco, os produtores e eu, o diretor, nos juntamos
para assisti-lo no cinema e ver a reação do público. Se o filme que fizemos for bom o suficiente, terá
boas críticas dos críticos e especialistas.
Quem sabe, talvez até ganhemos um prêmio?

6. MEU PROJETO PESSOAL / EXPERIMENTANDO O

PROCESSO DE ANIMAÇÃO POR MEU PRÓPRIO
Deixando de lado a explicação de Tom Abbott sobre o processo, gostaria agora de falar sobre
minha própria experiência:
6.1. Fontes de inspiração

Para criar minha própria animação usei diferentes fontes como inspiração.
Um deles, e meu favorito de todos os tempos, foi o Ghibli Studio. Eu cresci assistindo a
todos os seus filmes e não estou mentindo quando digo que assisti Spirited Away pelo menos 50
vezes.
Toda vez que vejo Meu Vizinho Totoro ou Princesa Mononoke (ou qualquer filme do Ghibli)
fico sem palavras. Admiro muito o trabalho de Hayao Miyazaki, a magia e singularidade de seus
filmes, todos os designs de personagens e personalidades, as histórias fantásticas que eu realmente
amo.
Decidi que queria dar à minha animação um visual parecido com os filmes dele, cheio de
cores brilhantes e lineart preto bem definido.
A Disney também teve um grande impacto em mim. Cada filme que eles produziram me
surpreende. Embora seja uma grande corporação multinacional, acho que não perdeu sua essência
original. Seus filmes ainda valem a pena assistir, e eu diria que sempre serão. No entanto, a Disney
está produzindo muitos filmes de animação em 3D ultimamente, então baseei meu trabalho nos
filmes da era do Renascimento da Disney, o período de 1989 a 1999, quando o estúdio experimentou
um ressurgimento criativo na produção de filmes de animação baseados em histórias conhecidas ,
como Tarzan, A Bela e a Fera, Aladdin,
Pocahontas e O Rei Leão, entre outros.
Também usei o trabalho de Glen Keane como inspiração. Eu realmente admiro a maneira
como ele desenha figuras e personagens tão vividamente com apenas algumas linhas. Ele tem muito
talento e imaginação e que, combinados, podem criar personagens memoráveis como Ariel de A
Pequena Sereia ou Rapunzel de Enrolados. Eu sempre olhei para ele.
Os desenhos e modelos dos meus personagens foram baseados em seus esboços e

desenhos e o último curta-metragem de Keane “Duet” me inspirou a criar uma curta animação para
este projeto.
Além do Ghibli e da Disney, existem outros estúdios que me inspiraram, que são o
Dreamworks e o Fox Animated Studios. Ambos têm muitos filmes animados em 2D que, na minha
opinião, não são reconhecidos o suficiente. Por exemplo, Anastasia , da Fox, ou Prince of Egypt , da
Dreamworks .

6.2. Desenvolvendo a ideia

No começo, eu não sabia sobre o que seria minha animação. Eu tentei muito, mas não consegui
inventar nada. É por isso que decidi que basearia minha animação em uma história existente, assim
como muitos estúdios de animação fazem.
Comecei a pensar em diferentes contos que eu poderia animar. Procurei diferentes contos de
fadas nos livros dos Irmãos Grimm ou Hans Christian Andersen.
No entanto, a maioria deles já havia sido feita em filme ou eram muito longas ou difíceis de animar. Eu
queria fazer algo novo, algo que não tinha sido feito antes em um filme de animação.
Finalmente, algo surgiu na minha cabeça: “Se a Disney baseia seus filmes em lendas e contos
tradicionais de todo o mundo, por que não faço isso com uma história do meu país?” Foi assim que tudo
começou.
Fiz uma lista de todas as diferentes lendas e fábulas da Catalunha que consegui inventar.
Alguns deles foram:
• El Patufe
• El Tió
• La Castanyera • La
vella Quaresma dels set peus • Sant Jordi
(São Jorge)
Também procurei mais histórias de catalão na internet mas, como não sabia
não estava motivado o suficiente para usá-los.
No final, decidi que basearia minha animação na lenda de São Jorge. Eu queria dar um visual
mágico ao filme; a idéia de baseá-lo no período medieval me convenceu no final. Era a história perfeita
de “princesa” da Catalunha, assim como Mulan era da China ou Aladdin da Arábia.
Ainda assim, eu queria fazer a história um pouco diferente do original. Eu queria contar a
história do ponto de vista da princesa, não de São Jorge. Eu queria que o filme refletisse a luta dos
aldeões quando eles ficam sem animais e sua impotência contra a constante ameaça do dragão
maligno. Eu queria que São Jorge fosse um personagem menor na história.
Eu sabia que não poderia animar um filme inteiro, então fiz uma lista de diferentes cenas
possíveis que eu poderia fazer e tentei escolher uma para animar. Algumas das cenas que planejei
eram:

• Uma cena em que mostrava como o dragão levou a última ovelha da aldeia e como o pastor
avisou à aldeia que tinham ficado sem animais para alimentar a fera.
• Outro que mostrava a primeira vez que os aldeões escolheram uma pessoa para
ser sacrificado.
• Além disso, a famosa cena em que a princesa é escolhida e tem que enfrentar o dragão. •
Eu planejei uma cena em que o rei pediu para a princesa escapar na noite anterior, ela
teve que ser comida pelo dragão porque ele não queria que ela morresse.
• Para deixar a história um pouco diferente, achei que seria uma ótima ideia fazer a princesa
querer lutar contra a fera e que ela pegou uma espada e planejou matar o dragão ao
invés de ir enfrentá-lo indefeso como conta a lenda .
Como você pode ver, eu não queria animar algo que foi narrado especificamente na história
original. Preferi dar-lhe o meu toque pessoal e torná-lo mais meu, se é que isso faz sentido.
Por fim, optei por animar a segunda cena da minha lista, aquela em que se
aldeão aleatório é escolhido pela primeira vez.
6.3. Escrevendo meu próprio roteiro

Quando soube exatamente o que queria fazer, comecei a planejar o roteiro e
como a cena iria se desenvolver.
Eu pensei que tinha tudo planejado, mas quando eu ia escrever os diálogos e a ação eu percebi
que não sabia como escrever um roteiro. Existe uma maneira específica de fazer isso ou você apenas
escreve o que os personagens dizem?
Pesquisei a forma correta de formatar um roteiro na internet e também li diferentes roteiros de

filmes famosos para me inspirar. Gostei muito do roteiro do filme O Gigante de Ferro, de Tim McCanlies e
Brad Bird.
Depois de fazer isso, comecei a escrever meu próprio roteiro. Resolvi escrevê-lo em catalão
porque achei que assim seria mais fácil para todos entenderem.
EXT. POBLE EMMURALLAT RODEJAT DE MUNTANYES I BOSCOS - DE DIA
Se você é capaz de ser capaz de muito bem, você pode ser capaz. No s'entén res.
PREGADOR

Silencie si us plau!
Ningu calla.
EXT. PLAÇA DEL POBLE
El rei i la princesa són asseguts a sobre d'un entarimat. La gent del poble ho envolta i continua xerrant. El pregoner està
també a l'entarimat demanant silenci.
PREGADOR
Atenção!
Veu que ningu el fa cas. Mira al rei i s'encongeix de braços sense saber què més fer. El rei es du la mà al front, esgotat
per la dificil situació. No sap què fer.
La princesa el mira i després mira la gent. S'aixeca poc a poc i camina lentament fin on es troba el pregoner.
Les veus continua. Ella Tanca els ulls i al cap d'un moment els obre.
PRINCESA
Calleu!
(crida fin que les veus es fonen)
Se enviado una lleu estossegada, el poble es mira la princesa estupefacte.
PREGADOR
Gracies, altesa…
Mira la princesa agraït i després es gira cap al poble, s'aclara la gola.
PREGADOR
Em… Bé, doncs… eh…
(sem seiva por començar)
Bon dia a tothom!
(energia)
La gent del poble se'l enfadada, trista, servindo p… Se enviado un nenlorar de fons.
PREGADOR
D'això…
(modo incómodo)

Dedica un somriure torçat al poble i de seguida es torna a posar seriós per parlar.
PREGADOR
(veu em off)
Com tots sabeu, ja no queden més animal per oferir al drac que domina les nostres terres.
Primer van ser totes les ovelles, després les cabres, més tard les vaques i ahir…
(se li entretalla la veu)
...ahir vam sacrificar el darrrer porc que ens quedava.
La princesa es torna a seure i mira al rei, ell li fa una reverencia afectiva amb el cap, agraït. Ella li dedica un
somriure comprensiu.
PREGADOR
El rellotge marca les dotze ben aviat i la ofrena s'ha de realitzar com cada dia.
Es veu el rellotge de la torre del poble, gairebé son les dotze. Ampliação. La agulla minutera avança un
minut.
PREGADOR
Estem aqui tots para escollir qui donarà avui la seva vida para satisfer la gana del temible drac de la
nostra muntanya.
Es veuen care de diferents persones del poble, un home, una dona, una família… finalment la carauna de
la princesa. De fons se send el lleu so del vent.
PREGADOR
Sense més preàmbuls…
Agafa una cistella ple de paperets amb els noms de la gent del poble. Se la mira. Es veu l'interior d'aquesta.
Uns núvols que es mouen amb el vent.
Agafa un nom i obre el paper. Pla detall dels ulls del pregoner que llegeixen el paper. Es tanquen uns
momentos trobant el valor per dir el nom en veu alta.
Es mira la gent. Tensão. El vent li mou els cabells suaument.

PREGADOR
Marc Destral!
Zoom fin a tenir un primeríssim primer pla a la cara del Marc. Está en xoc.
La dona i la filla se li abracen plorant. El pregoner es mira la família amb pena.
PREGADOR
Dezenas de minutos por acomiadar-te de la teva família…
La princesa i el rei es miren amb pena. El pregoner observa la escena dessolat.
La família del Marc s'abraça trista i plorant. Uns guàrdies chegaram por endur-se el Marc.
Rellotge de la plaça que é um punt de doar les dotze del migdia.
Zoom emprestado de la cara del Marc mentre camina fin a la sortida del poble. Está plantando
mirant al terra.
Chegada a les portes del castell.
EXT. Vista da porta para o mural do castelo de fora.
La porta s'obre i es veu la petita silueta del Marc que surt for del poble.
Es gira fin a mirar la seva família. La seva dona el mira plorant desesperada i la seva filla s'abraça
a la cama de la
égua seva.
El Marc comença a tremular mentre les portes es tanquen al seu davant. Se senten les ales del
drac que bé a menjar-se'l. Les portes é tanquenamentoment.
Es veuen un núvols i se send el rugit ferotge del drac. La imatge torna a ser la inicial del poble,
però que ara rest en silenci. Fos en negre.

6.4. Pesquisa
Para fazer minha pesquisa, primeiro li muitas versões diferentes da história. Todos
eles eram muito parecidos e tinham apenas pequenas diferenças entre eles, mas o meu
favorito foi o escrito por Joan Amades.
Para acertar as roupas, passei algum tempo procurando imagens e blogs de

roupas com referências que eu pudesse usar para fazer meus próprios designs. Gostei
muito dos vestidos coloridos e dos penteados exóticos da época. Usei algumas fotos
que meu pai havia tirado alguns anos atrás em uma feira medieval que aconteceu em
Montblanc, a vila onde supostamente tudo aconteceu.
Além disso, procurei fotos na internet de diferentes vilarejos da Catalunha para

projetar a vista externa da vila do meu filme. Eu queria que a arquitetura parecesse algo
que você poderia encontrar na Catalunha medieval.
Por fim, procurei diferentes pinturas e ilustrações de São Jorge para ver como
outras pessoas imaginavam os personagens principais e como os retratavam.
Alguns deles eram muito bonitos e me deixaram atônito. Os que eu mais gostei
eram:


6.5. Processo de design No começo

eu comecei a esboçar diferentes personagens sem pensar, para ver o que eu poderia
fazer. Eles eram muito simples e ainda assim me ajudaram a visualizar melhor como eu
queria que os personagens fossem. Depois disso, fiz alguns desenhos e esboços um
pouco mais detalhados. Usei como referência todas as imagens que encontrei durante o
processo de pesquisa.
Eu queria que os personagens se parecessem com a

maneira como quase todos os imaginavam, então
perguntei à minha família e a alguns amigos como eles
imaginavam os personagens quando lhes contavam a história.
A maioria deles me descreveu a princesa como uma
jovem loira e um São Jorge muito bonito.
Olhando para as pinturas mencionadas na seção

anterior, notei que a maioria dos pintores captura a
princesa com longos cabelos loiros presos em um
penteado trançado.
Combinei esses designs com a forma como imaginei

os personagens. Eu queria que seus designs refletissem
sua personalidade, que dissessem algo sobre eles.
A princesa foi inspirada em todas as princesas da

Disney e heroínas Ghibli. Eu queria que ela fosse uma
jovem muito madura com personalidade forte, muito
carinhosa e compreensiva

menina que não tem medo de falar o que

pensa. Eu não queria que ela fosse a típica
princesa inútil que precisa ser resgatada.
Tive problemas para desenhar o rei da minha

história. Eu não estou acostumado a desenhar
pessoas velhas, então isso foi meio que um negócio para mim.
No entanto, acho que posso dizer que consegui
fazê-lo muito bem, pelo menos, melhor do que
esperava. Eu o imaginei como uma pessoa
muito tranquila, alguém que sofre e se preocupa
com seu povo, alguém que é justo e sábio.
Eu queria criar um personagem que não fosse explicitamente mencionado na história original.
Gostei da ideia de combinar a aparência engraçada e a personalidade de um bufão com um toque
um pouco mais sério nesse personagem. Foi assim que desenhei o arauto.
Ele é alguém que tem a obrigação de dizer as “más notícias” em voz alta, é ele quem tem que
dizer às pessoas o que elas já estão imaginando e suspeitando. E, no entanto, ele ainda tenta
dizer isso gentilmente e tentar confortar os aldeões. Desde que eu o desenhei ele começou a
crescer em mim até se tornar um dos meus personagens favoritos e ele nem está na história
original!
Quando terminei de pensar em como todos ficariam, fiz alguns modelos deles com diferentes
expressões e ângulos de câmera. Gostei muito desta parte do processo. Esboçar e projetar é algo
que sempre gostei de fazer.
O resto dos personagens da vila eu inventei no momento em que estava fazendo o storyboard.

6.6. Storyboard
Criar meu storyboard levou muito tempo. Embora os storyboards não devam ser muito detalhados,
gastei mais tempo do que esperava.
Criei meus storyboards usando um programa de pintura digital chamado Paint Tool SAI. É o programa
que costumo usar para fazer meus desenhos e ilustrações, então achei que a melhor opção seria me
ater a algo que já conhecia.
Decidi que queria dar ao storyboard um visual confuso, mas ainda queria que as características dos
personagens fossem definidas porque eu tinha uma imagem muito clara deles na minha cabeça. Assisti
a tantos storyboards online quanto pude, alguns eram de estúdios profissionais de animação, outros
não, mas todos eles me serviram para ter uma ideia de como funcionava o storyboard. Eu pensei que
fazer isso apenas com uma paleta preto e branco faria com que parecesse mais com as que eu vi
online, então foi o que eu fiz.
Alguns quadros foram mais difíceis que outros, sou muito ruim em desenhar fundos, como você pode
notar ao assistir. Os edifícios são o meu calcanhar de Aquiles. Por outro lado, a figura humana (ou o
rosto humano, mais do que o corpo inteiro) é algo que estou muito habituado a desenhar.
Estes são alguns desenhos do storyboard que criei:

6.7. Gravando os diálogos

Fazer parte de uma família grande tem suas vantagens às vezes. Não precisei procurar muito
para encontrar os dubladores perfeitos para minha animação.
Como sou uma de quatro irmãs, só podia usar meu pai como a voz do arauto e minha irmã
queria muito bancar a princesa, então deixei. Minhas outras duas irmãs e eu interpretamos os aldeões
que estão falando no início da animação e minha mãe e uma de minhas irmãs também fizeram as
vozes da esposa e filha de Marc Destral, respectivamente. Um dos meus primos também veio e nos
ajudou.
Mostrei-lhes os desenhos dos personagens e expliquei-lhes o que eram

gostam, como pensavam e como estavam se sentindo naquela situação.
Usei o IMovie para gravar o áudio porque assim poderíamos assistir a animação durante a
gravação. Repetimos as mesmas frases várias vezes até obtermos a entonação perfeita.
Ao tocar as vozes dos aldeões, minhas irmãs e eu tínhamos que decidir toda vez quem
éramos antes de gravar. Diríamos: Ok, agora somos um casal de velhos

senhoras que estão realmente preocupadas com o que vai acontecer a seguir. Então,
clicamos no botão de gravação e improvisamos no momento. Depois de fazer isso, voltamos
a gravar com personagens diferentes: um velho mal-humorado cansado de esperar ali, dois
filhos perguntando à mãe o que estava acontecendo, etc. Nos divertimos muito.
Aqui estão algumas fotos do casting de voz:

6.8. Animando
Este foi um processo muito longo e difícil. Eu nunca tinha animado antes, então não tinha ideia
de qual software eu poderia usar para fazer minha animação. Comecei a assistir vários tutoriais na
internet, mas a maioria deles usava alguns programas que pareciam muito profissionais para mim e que
eu sabia que não teria tempo suficiente para dominar antes do prazo.
Quando estava quase desistindo, encontrei um tutorial que mostrava como animar usando o
Photoshop. Parecia menos complicado, mas o processo era mais lento e ainda mais demorado do que
as outras opções. No entanto, como já havia trabalhado com o Photoshop antes, achei que seria a
melhor opção para mim.
Comecei a fazer algumas animações toscas para ver como tudo funcionava. Quando eu mais ou menos
peguei o jeito, comecei com os primeiros quadros. Eu desenhei tudo digitalmente usando meu tablet
Wacom.
A primeira imagem, onde se vê a aldeia e as montanhas, foi muito difícil de fazer. Baixei alguns
brushes do Photoshop para dar texturas diferentes ao quadro. Usei como referência todas as fotos que
encontrei durante meu processo de pesquisa. É uma das ilustrações mais complicadas que já fiz em
toda a minha vida.
Levei dois dias inteiros sem sair da minha mesa para criá-lo.
Eu não achava que conseguiria animar todo o meu storyboard a tempo. É por isso que
finalmente decidi dividi-lo em quatro partes. O storyboard tem quase 100 quadros, então pensei em
começar a animar 25 deles e, se tivesse tempo, faria mais. Eu queria experimentar todas as diferentes
partes da criação de um filme de animação. Achei que se tentasse animar todo o storyboard não teria
tempo suficiente para adicionar som ou mesmo colorir.
Para o resto dos quadros, criei o fundo de forma diferente. Baixei um programa chamado
Sketch Up, que é usado principalmente para criar modelos animados em 3D de prédios, móveis, etc. Eu
não tinha usado antes, então tive que assistir mais tutoriais para saber como funcionava. Depois disso,
procurei um modelo existente de um castelo medieval e criei a estrutura de uma tábua com dois tronos.
Baixei meu modelo e editei com o Photoshop para deixá-lo mais parecido com 2D.
Quando terminei o fundo, era hora de desenhar os personagens. Baseei meu processo de
criação na técnica de layout que os animadores usam. Primeiro desenhei os personagens de fundo,
que neste caso eram a princesa e o rei sentados em seus tronos, depois o arauto e finalmente todos os
aldeões que o ouviam.
Desenhar todos esses personagens diferentes e colori-los foi um processo muito longo que
levou muito tempo. Quando finalmente terminei o segundo quadro, fui para o terceiro. Desenhei os
personagens novamente em uma posição diferente para dar a ilusão de movimento.

Em suma, este processo foi o mais difícil e demorado de todo o processo. De acordo
com os animadores, um segundo deve conter 24 desenhos diferentes para tornar o
movimento fluido e natural. Não tive tempo suficiente para repetir o mesmo processo 24
vezes, mas tentei fazer o máximo de desenhos que pude. Passei tardes inteiras desenhando
e colorindo molduras depois da escola.
Para colorir as linearts da minha animação, usei meus primeiros desenhos dos
personagens para obter a cor corretamente. Criei paletas diferentes para os personagens
extras da vila para que todos parecessem diversos e únicos. Quando todos os personagens
foram coloridos, adicionei algumas camadas com cores mais claras sobrepostas para dar
um visual mais claro às molduras.
Como eu fazia tudo diretamente no meu computador, não precisei fotografar ou escanear
nenhum dos meus desenhos.
Eu queria ver como seria o visual final do meu “filme” então finalmente animei os
primeiros 25 frames do storyboard, que dura mais ou menos 30 segundos.
Isso pode soar como nada, mas para fazer isso, passei semanas e até meses trabalhando
nisso. Aqui estão alguns exemplos da animação final:

6.9. Som
Quando terminei todos os quadros que queria usar, juntei-os usando o IMovie. Em
seguida, adicionei todos os diálogos que havia gravado antes de garantir que os movimentos
dos lábios e as vozes estivessem sincronizados.
Fiz esse processo duas vezes, uma com a animação final e uma segunda com
o storyboard porque era um clipe mais longo.
Depois de terminar de adicionar os diálogos, baixei diferentes efeitos sonoros para

dar uma aparência mais profissional à minha animação. Os sons que usei foram um bebê
chorando, o vento uivando e um dragão rugindo.
Por fim, adicionei dois clipes de música de fundo. Uma delas era uma melodia de
inspiração medieval, mas a outra era uma canção de trovador catalão chamada “Quant ai
lo mon consirat”. Escolhi essa música porque queria usar pelo menos um clipe de música
daqui, Catalunha.

7. CONCLUSÃO
Este projeto me ajudou a entender a complexidade do mundo da animação. Eu aprendi um

monte de coisas novas sobre ele que eu não sabia antes. Pude experimentar com meus próprios
recursos como as animações são feitas e tem sido uma experiência muito gratificante. Encontrei
diferentes obstáculos durante este processo, mas consegui ultrapassá-los e aprender com eles.
Comecei este projeto com uma pequena ideia sobre o processo de criação de filmes de
animação, todo o meu conhecimento veio da confecção de vídeos dos DVDs da Disney que eu tinha
quando era pequena. Nesses vídeos tudo parecia tão fácil, mas com todas as pesquisas que fiz aprendi
que há muito mais por trás desses filmes de animação. Eles não mostraram o processo de pré-produção
em seus vídeos, nem o trabalho duro que os intermediários fazem ou como ajustam o áudio e os efeitos
finais ao filme.
Estou muito feliz por saber tudo isso agora, pois assim posso valorizar melhor todos os
desenhos e filmes de animação que vejo.
Achei muito interessante a evolução que os dispositivos de animação fizeram ao longo da

história, parece tão irreal que tudo começou com pinturas em algumas cavernas pré-históricas. Olhando
para trás, me pergunto como a animação evoluirá e mudará nos próximos 50 ou 100 anos? Eu adoraria
descobrir.
Além disso, ao fazer este projeto, descobri como criar uma linha do tempo e é definitivamente
algo que usarei novamente em futuros projetos escolares porque foi muito divertido de fazer. Fiquei
realmente surpreso com a idade de algumas séries e filmes que eu costumava assistir. Por exemplo,
lembro-me de assistir aos curtas-metragens da Disney Os Três Porquinhos e A Lebre e a Tartaruga,
mas certamente não sabia que eram feitos na década de 1930.
Os 12 princípios da animação foi algo que achei fascinante ao ler A Ilusão da Vida. Fiquei
chocado com o quão bem desenvolvido cada princípio foi e como eles realmente ajudaram as animações
a se tornarem mais fluentes e cômicas de certa forma. Estou ansioso para aprender a usá-los no futuro.
Depois de introduzir todos esses conceitos, descrevi o processo que os estúdios de animação
seguem para criar seus filmes. Basicamente, eles primeiro pensam em uma ideia para desenvolver,
depois escrevem um roteiro. Uma vez que a ideia é aprovada pelos diretores e produtores, eles
começam a desenhar os diferentes personagens e cenários dos filmes. Em seguida, elaboram algumas
artes conceituais para obter o visual artístico do filme e gravam os diálogos. Às vezes eles compõem
músicas para serem cantadas durante o filme.
Então, os animadores principais e intermediários começam a animar tudo. Depois disso, eles enviam
seus desenhos para o departamento de tintas, onde são coloridos e fotografados. Eles passam tudo
para o computador para adicionar o correspondente

efeitos sonoros e corrija quaisquer possíveis erros. O último passo é enviá-lo para os cinemas de todo
o mundo e esperar até a data de lançamento.
Na minha opinião, é bastante irônico que um processo tão longo possa ser descrito em apenas
algumas linhas. Os estúdios levam pelo menos um ano para produzir um filme de animação simples e
eles têm milhares e milhares de funcionários trabalhando nele todos os dias.
Criar um filme de animação requer muito esforço e perseverança e acho que todos deveriam começar
a perceber isso. Como mencionei na introdução deste projeto, encontrei diferentes pessoas que
pensavam que, como os filmes de animação são geralmente para crianças, eles são mais fáceis de
produzir do que um filme de ação. Agora que eu realmente percebi como eles estão errados, sinto que
tenho que espalhar a palavra e mostrar às pessoas como a animação é realmente complexa.
Depois de experimentar todas as diferentes etapas da produção de um filme de animação,

quero compartilhar meus pensamentos sobre cada uma delas.
Encontrar inspiração pode parecer uma coisa fácil de fazer. No entanto, quando sua mente fica
em branco e você não tem boas ideias, pode ser a coisa mais difícil encontrar uma ótima história para
animar. O que eu aprendi é que, mesmo que você não ache que eles são bons o suficiente, você tem
que escrever qualquer coisa que vier à sua mente. Se você não encontrar nada, pare de pensar. Faça
outra coisa em vez disso.
Depois disso, leia o que você escreveu e talvez você os veja de forma diferente.
A inspiração é algo que vem e vai, você só precisa esperar até que ela volte.
Uma vez que você sabe o que quer fazer, desenvolver a ideia é muito mais fácil.
Os filmes de animação permitem que as pessoas criem qualquer coisa que imaginem, então cabe a
você pensar em uma grande história para contar ao mundo. Para fazer isso, você precisa escrever um
script. Aprendi a escrever um roteiro formal para um filme e é algo que realmente gostei de fazer. Eu
não sabia que havia um formato específico que os scripts deveriam seguir e foi bastante interessante
para mim aprender a escrevê-los corretamente. Os roteiristas precisam pensar nas palavras perfeitas
para narrar sua história através dos diálogos dos personagens.
Plano de produção é algo que eu não tive que fazer da mesma forma que os grandes estúdios
fazem porque eu não tinha funcionários para contratar nem orçamento para calcular.
No entanto, tive que planejar minha própria agenda para organizar todas as tarefas que tive que realizar
para concluir este projeto. Às vezes era muito cansativo segui-lo e todo o processo definitivamente me
levou mais do que eu esperava.
A pesquisa também é muito importante. Eu tinha que procurar informações o tempo todo,
acertar as roupas, saber como eram os castelos, etc. Eu ambientei o filme na Catalunha porque é
minha terra natal, então não tive que fazer tanta pesquisa quanto outros animadores , porque eu já
sabia quase tudo sobre isso. No entanto, isso me fez perceber o quão difícil deve ter sido para alguns
animadores ambientar seus filmes em outros países estrangeiros com culturas e histórias diferentes.
Eu ainda não consigo acreditar que eles

faltam apenas algumas semanas para saber tudo sobre aquele lugar e fazer o máximo de
desenhos e fotografias que puderem para transmitir toda essa informação em um filme de
duas horas.
Desenhar personagens e cenários é provavelmente o passo que eu mais gostei. Os

animadores precisam criar personagens que sejam atraentes para o público e depois trazê-
los à vida, animá-los. Criar os diferentes quadros é a parte que consome mais tempo porque
os animadores passam muitas horas desenhando os personagens se movendo de novo e de
novo até acertar o movimento.
Eles têm que levar em conta muitas coisas diferentes como as 12 regras da animação, a
anatomia do corpo humano, até algumas leis físicas, etc. Fiquei um pouco louco quando vi
que todos os desenhos que eu tinha feito para a animação final pode ser exibido em apenas
30 segundos. Como pode o trabalho de várias semanas caber em um período de tempo tão
curto? Acho que todos os animadores sentem o mesmo que eu.
Pintar, colorir e fotografar também tem suas dificuldades. Não sabia que existiam especialistas
que escolhem as melhores cores para cada sequência. Não importa se você faz isso de forma
tradicional ou digital, mas é algo que exige muita dedicação e tempo. Adicionar os efeitos
sonoros ao filme é algo que leva o filme a outro nível, porque faz com que pareça mais real.
Adicionar sons de pegadas e vento são pequenos detalhes que realmente ajudam a dar um
visual mais crível ao filme.
Aprendi muito fazendo este projeto de pesquisa. Escrevê-lo em inglês tem sido um desafio
para mim e, embora às vezes tenha sido difícil, estou feliz por ter feito assim.
Com a ajuda do meu professor de inglês e minha própria pesquisa, melhorei minhas
habilidades de escrita e leitura, então pessoalmente posso dizer que aprendi não apenas
coisas novas sobre animação, mas também sobre inglês.
Como mencionei algumas vezes, foi a primeira vez que animei algo em toda a minha vida. Eu
gostaria de ter mais experiência e tempo para poder fazer minha animação melhor e mais
profissional, mas sendo a primeira animação que fiz, acho que está boa o suficiente. Este
projeto me motivou a continuar praticando cada vez mais para melhorar em animação e mal
posso esperar para começar outro projeto de animação por conta própria em breve.
Meu sonho sempre foi trabalhar em um estúdio de animação famoso, então acho que essa
foi a oportunidade perfeita para eu entrar nesse mundo de linhas em movimento.

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https://www.youtube.com/watch?v=vBizuKu091c

https://www.youtube.com/watch?v=e_-kPmnfvQc
https://www.youtube.com/watch?v=ZyWXXcnIY_o
Making of Omohide Poro Poro 1 (2011) Youtube,

https://www.youtube.com/watch?v=GX0jwPePTo4

https://www.youtube.com/watch?v=v0fsQCSLn5Y

https://www.youtube.com/watch?v=4QNFmNBLM9A
Making of Spirited Away - Parte 1 (2011) Youtube,

https://www.youtube.com/watch?v=ZJ7ymWBf7XE
Making of Spirited Away - Parte 2 (2011) Youtube

https://www.youtube.com/watch?v=OgxZzU1fctQ
Era Uma Vez Uma Cena Bravos Extras. (2013)

Youtube, https://www.youtube.com/watch?v=cedfWxYWJt8
Paperman e o futuro da animação 2D. (2012) Youtube, https://

www.youtube.com/watch?v=TZJLtujW6FY
Príncipe do Egito – Corrida de Carruagens, Noções Básicas de Animação. (2013) Youtube,
https://www.youtube.com/watch?v=m91L4ZfiYrc
Abertura alternativa emaranhada. (2011) Youtube,

https://www.youtube.com/watch?v=6K0EO4lTDi8
Teste do Lápis de Tarzan. (Monólogo de Jane). (2012)

Youtube, https://www.youtube.com/watch?v=6K0EO4lTDi8
O nascimento do Studio Ghibli (Parte 1 de 3). (2012)

Youtube, https://www.youtube.com/watch?v=cZtnNdJP83I

O nascimento do Studio Ghibli (Parte 2 de 3). (2012) Youtube,
https://www.youtube.com/watch?v=1OaNoCQFXmU
O nascimento do Studio Ghibli (Parte 3 de 3). (2012) Youtube,
https://www.youtube.com/watch?v=w3uMpJ2UW-I
The Lion King: The Making of a Walt Disney Masterpiece (Parte 1 de 2). (2011)
Youtube, https://www.youtube.com/watch?v=WmcJthJmF98ç
The Lion King: The Making of a Walt Disney Masterpiece (Parte 2 de 2). (2011)
Youtube, https://www.youtube.com/watch?v=dqRHdH_4PK0
A Criação de Aladim (1992). (2014) Youtube, https://

www.youtube.com/watch?v=ZGI4rkpuGXI
The Making of Beauty and the Beast (1991) Disney Classic. (2007) Youtube, https://
www.youtube.com/watch?v=BJX0EoHx3w8
A fabricação de Pocahontas (1/3). (2009) Youtube,

https://www.youtube.com/watch?v=5PhTF1FD3SA
A confecção de Pocahontas (2/3). (2009) Youtube

https://www.youtube.com/watch?v=fatQVpYox_c
A confecção de Pocahontas (3/3). (2009) Youtube

https://www.youtube.com/watch?v=Ytr3wtfzDiw
The Making of Sinbad Parte 1 de 1. (2012) Youtube,

https://www.youtube.com/watch?v=QvWJBvptXkg
A Criação da Bela Adormecida (1/5). (2009) Youtube, https://

www.youtube.com/watch?v=r0Od2Qo__xk

www.youtube.com/watch?v=CNIFQOwqGZc
A Criação da Bela Adormecida (3/5). (2009) Youtube,
https://www.youtube.com/watch?v=-DptIpXEXgo

www.youtube.com/watch?v=KR8TKvbm-Ro

www.youtube.com/watch?v=OyVMM5Awo2g
Treasure Planet (2002) – Nos bastidores Informações Parte 1. (2012) Youtube,

https://www.youtube.com/watch?v=0V8iBid54hw
Treasure Planet (2002) – Nos bastidores Informações Parte 2. (2012) Youtube,

https://www.youtube.com/watch?v=eoI4HFSZ2EY

9. BIBLIOGRAFIA
Blair, Preston (1994) Animação Cartoons [PDF Reader Version] http://
desgraff.com/downloads/prestonblair.pdf
Milic, Lea e McConville, Yasmin (2006) The Animation Producer's Handbook [Preview from
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&q=crew%20plan%20animation&f=false
Robles, Manuel (2010) Antología del Studio Ghibli de Nausicaä a Mononoke (1984-
1997) [Livros de Mangá]
Robles, Manuel (2013) Antología del Studio Ghibli de los Yamada a Kokuriko (1999-
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Stanchfield, Walt e Brodie, Leo (1970-1990) Gesture Drawing for Animation [PDF Reader
Version] http://www.floobynooby.com/pdfs/gesturedrawingforanimation.pdf
Thomas, Frank e Johnson, Ollie (1981) A Ilusão da Vida [Nova York, Walt
Disney Productions]
Winder, Catherine e Dowlatabadi, Zahra (2001) Produzindo animação [Preview from Google
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&ots=DAwEXXmyf2&sig=6g4RuLAW0WPxuhSERP_FeR7_hlk&hl=ca&sa=X&ei=Fv
VDVJ_OGdHYaoXOgPAH&ved=0CDQQ6AEwAw#v=onepage&q=preliminar%20sc
hedule%20animation&f=false
Webster, Chris (2005) Animação: A Mecânica do Movimento [PDF Reader Version] http://
www.cen.com.kh/general_knowledge_detail/detail_knowledge/Animation_Book
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White, Tony (2009) Como fazer filmes animados [PDF Reader Version] http://
www.cen.com.kh/general_knowledge_detail/detail_knowledge/Animation_Book
s/How%20to%20Make%20Animated%20Films.pdf

10. ANEXO
10.1. Um estúdio de animação: Ghibli Studio

O Ghibli Studio é um estúdio de animação japonês com
sede em Koganei, Tóquio e foi fundado em 1985. Desde
então, produziu diferentes longas-metragens de anime,
vários curtas-metragens, comerciais de televisão, um filme
de televisão e até alguns videoclipes.
O nome Ghibli foi dado por Hayao Miyazaki, um dos

animadores mais importantes e icônicos de todos os
tempos. É baseado no nome árabe para o
Sirocco (um vento mediterrâneo) que os italianos usaram
para seus aviões de reconhecimento do Saara durante a
Segunda Guerra Mundial. Sirocco em italiano é “Ghibli” e eles o escolheram com a ideia de que o
estúdio “sopraria um novo vento na indústria de anime” mudando as coisas e oferecendo uma lufada
de ar fresco.
No entanto, sempre houve discussões sobre a pronúncia do mundo porque em italiano, o mundo é
pronunciado com um g muito forte, mas em japonês, eles dizem com um g suave (Ji-bu-ri)
Miyazaki sempre teve uma grande paixão por aviões e isso também se reflete, não apenas no nome
do estúdio, mas também em seus filmes, onde você pode ver pelo menos um aparelho ou veículo
voador.
Tudo começou com Toshio Suzuki, agora produtor do estúdio, que trabalhava como jornalista para
uma revista de animação chamada Animage. Um dia, eles lhe disseram que ele tinha que cobrir um
dos novos filmes de Takahata, então ele foi ao estúdio de animação onde estava trabalhando na época
para entrevistá-lo. No entanto, nem ele nem Miyazaki queriam responder suas perguntas.
No ano seguinte, ele foi convidado a cobrir o primeiro filme

de Hayao Miyazaki, Castle of Cagliostro. Novamente, quando
ele foi visitá-lo, Miyazaki o ignorou.
Suzuki ficou fascinado com sua animação e depois de
conversar com ele e visitá-lo em diferentes ocasiões, eles
começaram a se tornar amigos.
Hayao estava planejando seu próximo filme na época e

Suzuki e ele discutiram sua arte conceitual juntos.
Ele queria fazer um filme chamado “Nausicaa e o Vale do
Vento” , mas foi rejeitado porque não era baseado em nenhum
quadrinho ou mangá. Muito determinado, Hayao Miyazaki
começou um quadrinho baseado no filme que queria fazer e
rapidamente se tornou um dos mais famosos de todo o Japão.
Naturalmente, o projeto foi aceito devido à resposta popular.

Suzuki promoveu o filme através de sua coluna na revista

e pediu uma vez que os animadores participassem da
produção. Um dia, um jovem misterioso bateu na porta
com um storyboard na mão. Ele era Hideaki Anno, que
mais tarde se tornaria o criador de uma das séries
animadas de maior sucesso do Japão, Evangelion.
Todos produziram o filme juntos e foi lançado em 11 de

março de 1984. Foi um sucesso total e foi classificado
entre os melhores filmes de animação do Japão. Eles
queriam fazer mais filmes por conta própria, então em
1985 eles criaram um novo estúdio de animação e o
chamaram de Ghibli.
O primeiro filme oficial do Ghibli que eles produziram foi

Castle in the Sky, um filme sobre uma jovem que é a
princesa secreta de uma cidade voadora.
Quando eles apresentaram o roteiro de seu novo filme,
Meu Vizinho Totoro, os produtores disseram que precisavam fazer mais do que apenas um filme em
dois anos. Os membros da equipe do Ghibli planejaram um segundo filme chamado The Grave of the
Fireflies, que seria dirigido por Takahata. A proposta deles foi finalmente aceita e eles conseguiram
produzir os dois filmes ao mesmo tempo.
Apesar de terem feito muito sucesso, o estúdio sofreu alguns problemas econômicos.
Seu próximo filme, Kiki's Delivery Service, vendeu quatro vezes mais ingressos do que qualquer um de
seus filmes anteriores. Foi um sucesso total. Mais uma vez, a produção exigia muito dinheiro e eles não
conseguiam pagar o salário de todos os funcionários.
Eles decidiram que precisavam de jovens animadores motivados o suficiente para animar sem receber
um salário muito alto. Com a ajuda deles, o estúdio criou Only Yesterday em 1991. Ghibli começou a
produzir quase um filme por ano: Porco Rosso, The Ocean Waves, Pompoko, Whisper of the Heart
Em 1997, Miyazaki dirigiu Princesa Mononoke, que se

tornou o filme de maior bilheteria de todos os tempos e uma
referência para todos os animadores. Ele realmente levou a
animação a outro nível com esse filme.
Ghibli produziu muitos filmes novos desde então, Meus
vizinhos Yamada, Spirited Away, Cat Returns, entre outros.
Em 2001, o Museu Ghibli abriu em Tóquio. É um museu

dedicado a todos os seus filmes com estátuas gigantes,
pinturas, os storyboards originais, uma réplica do estúdio
de Hayao Miyazaki, cafés temáticos ghibli Poderíamos dizer
que é a Disneylândia do Ghibli Studio, mas sem o parque
de diversões.

Hayao Miyazaki se considera feminista, ele diz que a

animação tem cinco mais importância para a mulher.
Quase todos os seus filmes incluem protagonistas
femininas que são personagens muito fortes; são sempre
as heroínas da história. Isso é algo que eu pessoalmente
amo no estúdio.
Em 1º de setembro de 2013, Hayao Miyazaki deu uma
entrevista coletiva em Veneza confirmando sua
aposentadoria dizendo: "Eu sei que já disse que me
aposentaria muitas vezes no passado. Muitos de vocês
devem pensar: 'Mais uma vez'. Mas desta vez estou falando sério."
Em 3 de agosto de 2014, Toshio Suzuki anunciou que o
Studio Ghibli faria uma "breve pausa" para reavaliar e
reestruturar após a aposentadoria de Miyazaki. Muitos
fãs dedicados do estúdio ficaram arrasados ao ouvir a
notícia.
No entanto, o último filme do estúdio When Marnie was

There ainda não foi lançado na Espanha, então todos
nós ainda temos uma última oportunidade de assistir a
um filme do Ghibli Studio na tela grande.

Como criar um filme de animação

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INTRODUÇÃO ................................................. .................................................. ...... 1

1. ANIMAÇÃO, O QUE É ISSO? .................................................. .......................... 4

2. UM POUCO DE HISTÓRIA ........................................ ....................................... 5

2.1. Começos .................................................. .................................................. .. 5

2.2. Dispositivos de animação iniciais .................................................. ......................... 6

2.2.1. A lanterna mágica ....................................................... ......................... 6

2.2.2. Taumatrópio .................................................. .......................................... 6 2.2.3.

Fenaquistoscópio ......................................................... ................................... 6

2.2.4. Zoétropo .................................................. .................................................. 7

2.2.5. Flipbook .................................................. .................................................. 7

2.2.6. Praxinoscópio .................................................... .......................................... 7 2.3. Uma linha do

tempo (1887-2014) ........................................ ....................................... 8

3.1. Animação tradicional ........................................................ .................................... 12

3.2. Animação de stop motion .................................................. ......................... 12

3.3. Animação por computador .................................................. ......................... 13

4.1. Esmagar e alongar ......................................................... ....................................... 14

4.2. Antecipação .................................................... .................................................. 15

4.3. Encenação .................................................. .................................................. ...... 15

4.4. Ação direta e animação pose a pose .............................. 16

4.5. Ação de acompanhamento e sobreposição ............................................. ........... 16

4.7. Arcos .................................................... .................................................. ........... 17

4.8. Ação secundária ........................................................ ......................................... 17

4.9. Tempo ................................................. .................................................. ......... 18 4.10.

Exagero .................................................... ............................................. 19 4.11. Desenho

sólido ........................................................ ............................................. 19

4.12. Apelo ................................................. .................................................. ..... 19

5.1. Nota pessoal ........................................................ ............................................. 21

5.2. Apresentação do personagem .................................................. ......................... 21

5.3. Buscando inspiração ......................................................... ....................................... 21

5.4. Desenvolvendo a ideia ........................................ ....................................... 22 5.5.

5.8. Projetando .................................................... .................................................. .. 26 5.8.1.

5.14. Pintar e colorir ......................................................... ....................................... 34

5.19. Dia de lançamento ................................................ .............................................. 37

6.1. Fontes de inspiração ......................................................... ................................... 38

6.5. Processo de projeto ......................................................... ....................................... 46

6.6. Storyboard .................................................. ............................................. 48 6.7. Gravando os

diálogos ....................................................... .............................. 49

6.8. Animação .................................................... .................................................. .. 51

7. CONCLUSÃO ............................................... .................................................. ... 54

8. WEBOGRAFIA ............................................. .................................................. 57

8.1. Vídeos .................................................... .................................................. ...... 58

9. BIBLIOGRAFIA ............................................. .................................................. 61

10. ANEXO .............................................. .................................................. ............ 62

10.1. Um estúdio de animação: Ghibli Studio .................................................. ............... 62

Amo animação desde pequena.

Eu costumava assistir muitos filmes de animação e desenhos quando era jovem.

O processo de criação de filmes de animação 2D 1

Como mencionei anteriormente, as principais fontes de informação que usei para

O processo de criação de filmes de animação 2D 2

O processo de criação de filmes de animação 2D 3

1. ANIMAÇÃO, O QUE É ISSO?

Se você procurar o verbo “animar” no dicionário, encontrará duas definições.

Para retratar a mencionada “aparência de movimento”, precisamos criar uma sequência de

Ao longo dos anos, as técnicas de animação mudaram e evoluíram; passando de dispositivos

A animação é quase mágica. Dá aos animadores a capacidade de criar personagens a partir

Acredito que é isso que torna a animação tão especial.

O processo de criação de filmes de animação 2D 4

As primeiras tentativas de animação na história podem

Outra abordagem inicial do movimento na arte é a ilustração encontrada em uma tigela de

Outro exemplo é um mural egípcio encontrado