Pantone On Fashion - A Century of Color in Design (PDFDrive) - Páginas-1 (1) - Mesclado

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Os autores agradecem: Frank Burrafato, Yolanda Cazares, Julie Chen, Joyce

Corrigan, Brian Cottle, Herb Eiseman, Gretchen Fenston, Stefan Freed,
Bobbie Hawkes, Lisa Herbert, Tim Heyer, Brooke Johnson, Caitlin Kirkpatrick,
Karen Lantelme, Bob Lynn , Christine L. Mace, Gena McGregor, Ellen Pinto,
Lynne K. Ranieri, Leigh Saffold, Judy Theuerkauf, Gnyuki “Yuki”
Torimaru, Elizabeth Vitiello, Shawn Waldron e Bridget Watson Payne, bem
como sua família e amigos solidários.
Direitos autorais do texto © 2014 da Pantone LLC.

Todos os direitos reservados. Nenhuma parte deste livro pode ser reproduzida
de qualquer forma sem permissão por escrito do editor.
As páginas 123–124 constituem uma continuação da página de direitos autorais.
Imagem da capa: Casaco, Bottega Veneta; Vogue alemã, novembro de

2013; Fotógrafa, Julia Noni/Trunk Archive; Modelo, Hailey Clauson/One
Management Library of Congress Dados de catalogação na publicação disponíveis.
ISBN: 978-1-4521-1535-1 (hc)

ISBN: 978-1-4521-3052-1 (epub, mobi) Desenhado por Brooke Johnson Typesetting por
DC Typography
A identificação de cores PANTONE é apenas para fins artísticos e não se

destina a ser usada para especificação. Consulte as publicações atuais da
PANTONE Color para obter cores precisas. PANTONE e Pantone Chip
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outros países. Este é um produto autorizado PANTONE UNIVERSE fabricado
sob licença pela Chronicle Books LLC.
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Francisco, CA 94107
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Conteúdo
Introdução 4
Ciber Amarelo 8
Super Limão 10
Creme Dourado 12
Calêndula Brilhante 14
Laranja Vibrante 16
Pêssego 18
Nu 20
Ferrugem 22
Licor de Café 24
Camelo 26
Rosa Celestial 28
Rosa Chocante 30
Papoula Vermelha 32
Granadina 34
Carmesim 36
Vinho Rubi 38
Vinho Rosé 40
Festival Fúcsia 42
Sombras Malva 44
Névoa Lavanda 46
Roxo Real 48
Ameixa Roxa 50
Pervinca Profunda 52
Azul deslumbrante 54
Bijuteria Azul 56
Jeans Escuro 58
Marinha da Meia-Noite 60
Céu Azul 62
Azul Turquesa 64
Azul-petróleo profundo 66
Caçador Verde 68
Verde Ultramarino 70
Opala 72
Cicuta 74
Veneno Verde 76
Daiquiri Verde 78
Arara Verde 80
Azeitona monótona 82
Cáqui 84
Branco Brilhante 86
Creme Nuvem 88
Areia Branqueada 90
Bege 92
Cogumelo 94
Simplesmente Taupe 96
Cinza Glaciar 98
Prata 100
Cinza Carvão 102
Noite sem Lua 104
Preto azeviche 106
Cor PANTONE do Ano 108
Notas finais 116
Bibliografia 119
Créditos das fotos 123
Índice 125
Sobre o Autor 129
Introdução
A história da moda é a história da cor. Mais do que qualquer outro fator, a cor dá impacto à
roupa (e à pessoa que a usa) - tanto visual quanto emocional. Uma mulher caminhando em
sua direção com um vestido vermelho conta uma história muito diferente da mesma
mulher de azul. No entanto, as histórias gêmeas da moda e da cor raramente são interligadas.
Todo mundo sabe que as tendências de cores fazem parte da moda, mas a importância
delas vai muito além da cor “must-have” da estação. Mapeados e estudados ao
longo de períodos de tempo, surgem padrões e repetições fascinantes. A natureza fugidia da
cor fala da efemeridade da existência. O Bold Fuchsia aparece apenas para hibernar por
períodos prolongados de tempo, enquanto o clássico Navy está sempre presente. Este
livro é uma tentativa de rastrear e iluminar essas histórias históricas de cores no mundo
da moda.
Embora olhemos aqui principalmente para a moda e a cor nos séculos XX e

No início do século 21, o passado distante – mesmo tão antigo quanto a história antiga
– ainda ecoa hoje.
O vermelho cochonilha, historicamente associado a “sangue, fogo, fertilidade e 1 A
ainda exala sexualidade e perigo. planta verde que produz alquimia do índigo, uma força vital”,
um corante azul, ainda é reverenciada. Purpuridae, um corante roxo, que utilizou centenas
de milhares de moluscos para produzir 30 gramas, ainda transmite riqueza e drama. Nossas
associações profundas com as cores perduram, mesmo quando as inovações
tecnológicas tornam obsoletos os processos artesanais originais pelos quais as roupas eram
tingidas nesses tons. A nossa era é única porque o surgimento dos corantes sintéticos em
meados da década de 1850 permitiu, desde então, uma democratização da cor
nunca antes vista; o verdadeiro arco-íris agora disponível para todos.
Ao mergulhar na história da moda e sua relação com a cor,

torna-se evidente que a sua história está inerentemente entrelaçada com a história em
geral. O motivo pelo qual as pessoas usam o que vestem é influenciado por eventos,
locais e globais, políticos e culturais. As guerras do século XX e posteriores – desde a
Primeira Guerra Mundial, a Segunda Guerra Mundial e a Guerra do Vietname até à Guerra do
Golfo e as guerras no Iraque e no Afeganistão – afectaram todas o uso da cor na moda. As
eras do jazz, da glamorosa Hollywood, da
o uso da cor na moda. As eras do jazz, da glamorosa Hollywood, dos elegantes anos 50, do
terremoto da juventude, do movimento hippie, dos opulentos anos 80, do grunge dos anos
90 e do novo milênio também foram visualmente representados pelas cores na
moda.
O “significado” de certas cores muda com o tempo. O branco, tradicionalmente
associado à virgindade no Ocidente, assumiu um tipo diferente de “pureza” em meados do
século XX, quando se tornou a cor preferida dos modernistas. Outrora fúnebre, o preto
tornou-se conhecido sucessivamente como chique, clássico, sexy e depois existencial, nas
mãos de Gabrielle “Coco” Chanel, Hubert de Givenchy, Azzedine Alaïa e Yohji Yamamoto,
respetivamente. Uma cor poderia possuir um significado singular na virada do século XX,
apenas para se transformar em numerosos e díspares significados no início do século
XXI.
Os modismos impermanentes aceleraram na era moderna à medida que a moda se

tornou cada vez mais disponível, acessível e rápida. A moda foi uma das primeiras
indústrias globais (como provam as antiquadas rotas comerciais), mas mesmo assim o
fenómeno da “globalização” alterou-a. À medida que a produção se transferiu para países em
desenvolvimento com leis laborais frouxas e sem salário mínimo, tanto a ética como o ritmo
da moda mudaram radicalmente.
Mas embora estas rápidas mudanças tenham ocorrido na moda e nas cores durante
No século XX, cabe-nos ter em mente, como Colin McDowell argumenta no seu livro
Fashion Today, que as premissas básicas da moda mudam, na verdade, muito lentamente.
McDowell afirma: “É possível dizer da moda do século XX que houve apenas duas mudanças
sérias e permanentes: a mudança das saias longas para as curtas e a adoção de calças
pelas mulheres”. 2 O ponto de vista de McDowell deve ser observado e a moda
considerada dentro de um vasto contexto histórico, semelhante ao filme Powers of Ten, de
Charles e Ray Eames. No grande esquema da história, a moda move-se mais
lentamente do que o público acredita.
Ao observar quais cores foram usadas e quando e tentar determinar por quê,
examinamos o contexto histórico e exploramos os designers que as escolheram.
Embora muitos dos nomes dos designers sejam familiares - como Ralph Lauren, Donna
Karan e Calvin Klein - também sopramos a poeira de nomes esquecidos - como Augusta
Bernard, Sydney Wragge e Gnyuki Torimaru -, trazendo as roupas eles projetaram a partir
dos arquivos, por assim dizer, e reexaminaram seu significado. A história, que continua a
se editar, destaca alguns
e ignora os outros. Para combater isso, alguns dos grandes designers podem não ser
abrangidos e alguns dos menos conhecidos podem ser iluminados. Deixamos que as cores
nos mostrem o caminho e sejam o nosso guia, e isso significa que este livro não é de
forma alguma exaustivo. Talvez trabalhos futuros possam incluir, sem nenhuma ordem
específica, Nicolas Ghesquière, Hussein Chalayan, Veronique Branquinho, Olivier Theyskens,
Arnold Scaasi, Erdem Moralioÿlu, Haider Ackermann, Damir Doma, as irmãs Callot
Soeurs, Cédric Charlier, Phillip Lim, Karen Walker, et al.
Mas não se preocupe! Alguns designers se tornaram quase sinônimos

com cores específicas e elas, claro, estão incluídas. Um trabalho sobre moda e cor
ficaria incompleto sem seções sobre Elsa Schiaparelli e seu Shocking Pink, Valentino
e seu vermelho característico, e o uso do preto por Yohji Yamamoto e Rei Kawakubo da
Comme des Garçons (cujas predileções por isso lhes valeram os respectivos apelidos “O
Monge” e “A Freira”).
Existem muitos mitos sobre a moda e sua relação com a cor.

Infelizmente para os mais sensacionalistas entre nós, não existe conspiração de cores. Não
existe uma conspiração secreta composta por nomes como Anna Wintour, executivos
da Pantone e Bernard Arnault, que escolhem os tons “da moda” de um chapéu, reclinam-se
e observam as massas semelhantes a ovelhas acorrerem aos seus caprichos da moda. Não
existe uma árvore telefônica de designer, onde Marc Jacobs disca rapidamente Anna
Sui, Michael Kors, Raf Simons e Alber Elbaz para conspirar sobre o tom da temporada.
Na verdade, dois dos maiores desastres da moda vieram de tentativas de

fazer lavagem cerebral nos consumidores para que comprem itens que não estejam na
moda. Em 1950, Carmel Snow, editor-chefe da Harper's Bazaar, foi pressionado por um
importante anunciante a promover a Sunset Pink por “bolsas, luvas, casacos, tecidos –
tudo”, a fim de promover seu novo trem (sim, um trem real, com rodas, carros e trilhos), a
Sunset Limited. 3 Snow admitiu em retrospectiva que dedicar páginas e páginas a esta
tendência fabricada pela 4 Fashion era “o cúmulo do absurdo”. os consumidores rejeitaram
este estratagema flagrante. Essa experiência fracassada custou a ou ignoraram
Snow não apenas seu “esteio editorial”, mas também uma de suas melhores
funcionárias, Frances McFadden, que deixou a revista por causa disso. 5 Cinco anos depois,
Edens e Gershe escreveram a música
"Pense o rosa!" como um “hino de abertura perverso” para o filme Funny Face (1957),
transformando o evento em uma piada de moda que já dura tanto tempo que a maioria
das pessoas não entende mais a piada. 6 Outro grande fiasco da
moda ocorreu na década de 1970, quando a indústria
7 8
fontes internas do Women's Wear Daily para o varejista Bergdorf Goodman,
insistiram que a “saia midi” (comprimento abaixo do joelho) estava no auge da moda
quando a moda da minissaia estava longe de acabar. Mas a moda das saias curtas,
feitas com menos material, teve seus efeitos sobre os produtores de tecidos, que queriam
abandonar as bainhas e restaurar as vendas. Mas, em vez disso, este endosso
agressivo a uma moda que nega o zeitgeist simplesmente abalou a credibilidade
dos seus defensores e, em última análise, resultou na perda de milhões de dólares.
Como estes exemplos ilustram claramente, a moda não pode ser refreada.
Pelo contrário, a moda é um diálogo entre designers e consumidores, com os guardiões
(como jornalistas e editores de moda) como intermediários, e não ditadores. Os
designers propõem a sua visão do futuro através das suas coleções, os guardiões
defendem os seus favoritos e os consumidores os abraçam ou evitam. Esta troca
essencialmente capitalista é o que cria movimentos de moda que são claramente
evidentes em retrospectiva.
Como qualquer pesquisa abrangente, este livro é culpado de consolidar mitos

históricos; Afinal, os historiadores são contadores de histórias, e as épocas são
histórias convenientes e fáceis de digerir. É importante notar, porém, que a realidade é
muito mais confusa do que isso: as mulheres mais velhas não jogaram fora os espartilhos
em 1º de janeiro de 1920; nem todas as pessoas na década de 1970 usavam calças
boca de sino. A história, assim como a moda, é apaixonada pelo novo e pelo extraordinário.
Este é o arco da história frequentemente encontrado neste livro – os saltos de uma
inovação para outra – mas também tentamos fazer referência a realidades
diferenciadas, tanto quanto possível.
Ao abordar o tema da história da cor na moda,
surgem inúmeros desafios. Em primeiro lugar, discutir a cor em si é
surpreendentemente difícil. Ao contrário de outros tópicos, quando a cor é discutida nos
livros de história, raramente é notada. Não é fácil consultar o índice de um livro para
descobrir se ou onde o vermelho é abordado em um texto, embora possa ser
extensivamente. Além disso, o vocabulário em inglês é surpreendentemente limitado
quando se trata de cores. A razão pela qual os serviços de uma empresa como a
Pantone são tão essenciais é que nem todos querem dizer a mesma coisa quando
use palavras coloridas como “azul claro” ou “verde escuro”. Além disso, termos de cores
mais sutis, como Cerulean (um azul enevoado e acinzentado) ou Cerise (um vermelho
arroxeado), podem nem estar no vocabulário da maioria das pessoas.
Outra armadilha na discussão da cor é que, por ser aparentemente “óbvia”,
raramente é exposta. A partir de 1963, o artista Dan Flavin usou luzes fluorescentes em suas
instalações para expor os espectadores aos efeitos táteis e psicológicos da cor,
propriedades que os designers de moda já utilizavam há muito mais tempo.
No entanto, só recentemente os cientistas começaram a estudar as nossas reações

psicológicas e emocionais a certas tonalidades. Um estudo de 2009 confirmou que o
vermelho desencadeia a reação de “fuga” do “cérebro de lagarto” do ser humano, estimulando
9 O azul, por outro lado,
uma resposta ao perigo.
é calmante. No entanto, esta pesquisa apenas reforça o que nós, como humanos,
há muito entendemos intuitivamente. A experiência humana partilhada da cor
como um vocabulário sem palavras que abrange toda a espécie significa que capturá-la
na linguagem é complicado, para dizer o mínimo. Acrescente a isso o fato de que cores
diferentes têm associações culturais diferentes dependendo de onde você está no globo, e
todo o assunto pode parecer totalmente desconcertante. Mais uma razão para a existência
de um vocabulário partilhado – e, ainda mais tecnicamente preciso, de um sistema
de numeração – para a existência de cores, como a fornecida pela Pantone.
Este livro é para os obcecados por moda, os amantes do design e os famintos por cores. É para
historiadores e sociólogos, estudantes e pessoas que nunca querem parar de aprender. É para jovens e idosos,
mas firmemente cimentado como uma obra do agora. Aqueles vorazes por anedotas e boatos
perdidos, geralmente encontrados em bibliotecas silenciosas e arquivos que cheiram a pergaminho e cedro,
ficarão, esperamos, satisfeitos. Utilizamos fontes originais sempre que possível, bem como informações de
livros raros e esgotados. O New York Times e o The New Yorker foram recursos inestimáveis, tanto
pela facilidade de acesso quanto pela adoção precoce do jornalismo de moda. Mas todos sabemos que a
natureza da forma como a informação é comunicada hoje em dia está a mudar rapidamente e, por isso,
também foram utilizados blogs (depois de verificados os factos, é claro).
De acordo com a escrita de moda e como uma ode aos jornalistas de moda do
passado, os franceses e os italianos apimentam estas páginas, e a linguagem do então e
do agora prevalece. Assim como a ciência tem sua própria linguagem, a moda também tem.
Para quem está fora da comunidade da moda, pode parecer
faz moda. Para quem está fora da comunidade da moda, pode parecer (e literalmente ser)
estranho. Isto demonstra o amplo alcance da moda, embora esteja centrado nas capitais da
moda: Paris, Milão, Londres e Nova Iorque.
Ao produzir seu Fashion Color Report nos últimos quinze anos,

A Pantone estabeleceu relacionamentos com muitos designers importantes.
Grande parte desse diálogo ocorreu em torno da Semana de Moda de Nova York e, como
resultado de uma simples geografia (sendo a Pantone uma empresa norte-americana),
percebemos que os designers norte-americanos podem ser ligeiramente favorecidos
aqui. Mas a moda nada mais é do que uma busca internacional, e fizemos o nosso melhor
para apresentar uma liga completa de nações nos designers abrangidos.
Embora esteja repleto de pesquisas, incentivamos os leitores a usar este livro como
um roteiro. É importante lembrar que o nome de cada designer representa uma vida cheia de
drama, dificuldades e paixão, e sua história única (sem mencionar os milhares de esboços e
peças de vestuário que eles provavelmente fizeram ao longo de suas carreiras). Mas
muitas vezes, uma única peça de roupa de um determinado designer deve ser a parte que
representa o todo. Esporadicamente, também nomeamos modelos, sejam eles “super” ou
promissores. Esta é uma tentativa de reconhecer a contribuição para a indústria e, na
verdade, para a personalidade destes importantes colaboradores na história da moda. Sua
contribuição merece ser mais explorada em trabalhos futuros.
Ao traçar o fluxo e refluxo da cor no passado, seu futuro pode ser antecipado.
Correlações podem ser feitas à medida que a história se repete, imitando Ouroboros,
a serpente mítica que come a própria cauda. Uma vez consumido e considerado este texto,
esperamos que a moda, seus designers e, principalmente, suas cores ganhem um
novo significado, fazendo com que seu olhar se demore um pouco mais ao longo
do dia nas escolhas de indumentária das pessoas ao seu redor. você, à medida que a
história se desenrola de momento a momento.
Amarelo cibernético
Não há nada de suave neste amarelo. É cinético e otimista, complementando
perfeitamente o que a ex-modelo e diretora criativa da Vogue, Grace Coddington, chamou
de “estalo, estalo e mod dos anos 60 10. A cor não adornou apenas o terremoto
roupas. Em juvenil Smiley Face de Harvey Ball em 1963”. logotipo, mas também muitas
1969, a excêntrica designer britânica Zandra Rhodes serigrafou sua estampa “Button Flower”
em tecido Vibrant Yellow, produzindo sua primeira peça de vestuário. Apresentado a “dois
maravilhosos e loucos modelos ucraniano-americanos” 11 por David Bailey, Rhodes seguiu
o conselho deles e foi para Nova York. A editora da Vogue, Diana Vreeland,
enlouqueceu com o trabalho maluco de Rhodes e pressionou Henri Bendel a examiná-lo.
Bendel comprou a coleção inteira para sua loja de departamentos sofisticada e, de
repente, as senhoras da sociedade da Quinta Avenida pareciam descoladas.
A alegria irrestrita do Vibrant Yellow é inerentemente conflituosa, tornando

é o pigmento perfeito para a United Colors of Benetton. A empresa, fundada
originalmente pelos irmãos Luciano e Giuliana Benetton, desejava não apenas promover a
cor, mas também eliminar as barreiras coloridas da sociedade. Os anúncios de
Oliviero Toscani, que ignoravam as malhas básicas da Benetton, centravam-se, em
vez disso, em problemas globais decididamente nada ensolarados.
Para o primeiro desfile de Anna Sui, ela reinterpretou a Carnaby Street dos anos
1960 com um toque punk e grunge. Seu visual Cyber Yellow da cabeça aos pés para o outono
de 1991 era visualmente ofensivo, perfeito para a Geração X que buscava chocar.
Embora os tênis Converse quase não tenham mudado no último século, o

a demografia que os usa continua a mudar. Usado primeiro por jogadores de basquete,
como Charles “Chuck” Taylor em 1918, o Converse All Stars foi posteriormente adotado por
músicos como Ramones e Kurt Cobain. O público “alternativo”, desde estudantes
do ensino médio de Hunter S. Thompson até descolados de Bushwick, continua a clamar
por calçados acessíveis e duráveis que a cantora Karen O do Yeah Yeah Yeahs considera
um “sapato sem besteira”. 12 Mas o brilhante e amanteigado Dandelion Converse
parece complementar melhor a luz do dia do que a vida noturna.
Ganhe uma jaqueta com saia combinando, luvas, chapéu e bolsa Anna Sui
Outono/Inverno 1991
Anúncio impresso United Colors of Benetton

Outono/Inverno 2012
Casaco de noite em corte A Zandra Rhodes 1969

Tênis All Star Converse 2005

Super Limão
Esta cor limão azedo varia de outros amarelos, possuindo tons esverdeados
do limão ao oliva, o que aprofunda a sua complexidade. Em 1947, o designer
britânico Victor Stiebel optou por usar Super Lemon em seu vestido diurno
de gorgorão de seda, que se afasta drasticamente das roupas racionadas da
Segunda Guerra Mundial. A pièce de résistance é o grande laço nas costas, que
é tão grande que o folho de crina tem que apoiá-lo por baixo da saia. O vestido,
oferecido ao Victoria & Albert Museum por Lady Cornwallis, trai a clientela de Stiebel:
a aristocracia inglesa. No entanto, o designer frequentemente esquecido também
atendeu à realeza de Hollywood, como Katharine Hepburn e Vivienne Leigh.
Meio século depois, a cor Bambu voltou a ser extremamente relevante.
Estrelas de reality shows competiam com celebridades pelos holofotes e tudo
(quando bem editado) trazia possibilidade de entretenimento. Em 2004, começou
o Project Runway, um desfile que oferecia aos aspirantes a estilistas a
oportunidade de disputar visibilidade e fundos para iniciar sua própria linha de
moda. O pequenino Christian Siriano, que estagiou na Vivienne Westwood e na
Alexander McQueen, conquistou o público americano com sua personalidade
peculiar e as celebridades de Hollywood com seus vestidos notoriamente grandes.
Albert Kriemler da Akris, para a primavera/verão 2012, vestiu a modelo
Roberta Narciso com um top esportivo amarelo Ceilão combinando (algo
entre um cardigã de crochê e uma jaqueta universitária) e calças com listras
de smoking de couro nas costuras externas. O único visual amarelo da linha foi
uma adição marcante à coleção. A mistura de tecidos do look é característica de
Kriemler, que valoriza a experiência háptica do vestuário.
O conjunto ilustra a atenção perfeccionista de Kriemler aos detalhes, a
qualidade intransigente e o compromisso inabalável com os tecidos. Tudo isso
fiel ao espírito de sua avó, a fundadora da marca, Alice Kriemler-Schoch, da qual
Akris é uma sigla.
Nos últimos cento e cinquenta anos, as mulheres tiveram maior capacidade
de brilhar do que os homens. Após a suposta Grande Renúncia Masculina
(quando os homens pararam de usar tons vibrantes no final dos anos 1700), a
moda masculina tornou-se sombria e monocromática, o que não começou a mudar
até que le sport e le weekday começaram a iluminar a moda masculina entre
1943 e 1953. Apesar disso, roupas masculinas com cores vibrantes ainda são a exceção
em vez da regra. Christopher Bailey, no entanto, tem prazer em quebrar essas

regras, arrasando nos parâmetros estabelecidos de traje masculino aceitável.
As calças metálicas Sulphur da Bailey para a Burberry Prorsum Primavera/
Verão 2013 são adequadas tanto para passeios urbanos quanto para
brincadeiras na praia.
Conjunto de suéter e calça Albert Kriemler para Akris

Primavera/Verão 2012
Vestido de seda listrado Victor Stiebel 1947

Vestido de chiffon em camadas Christian Siriano

Trench coat sobre camisa longa estampada com calça de seda metálica Christopher Bailey para Burberry
Creme Dourado
Se o amarelo brilhante ficasse bronzeado, ele se tornaria a cor do Creme Dourado.
Embora a cor só tenha chegado à moda masculina mais tarde, o fornecedor sofisticado
Austin Reed a escolheu para um anúncio de 1935 ilustrado pelo renomado artista de
pôsteres Tom Purvis. A cor dourada transmite o status da loja londrina que criou ternos
sob medida para cavalheiros ingleses, e também de Winston Churchill. As mulheres
vestiram a tonalidade em 1940, como evidenciado pela ilustração de Pierre Mourgue para a
Harper's Bazaar, que apresenta uma mulher ágil em um vestido Edward Molyneux da cor
do pôr do sol. As faixas de tecido e pregas em cascata feitas pelo londrino Molyneux
hipnotizaram Paris. Embora a história não o tenha lembrado com o mesmo
entusiasmo que outros, costureiros como Balmain e Dior nunca esqueceram a sua
“elegância moderada”.
13 ou “influência”. 14
Livres de arame farpado e de submarinos, as pessoas migraram de volta para as praias

após a vitória aliada. A princesa Irene Galitzine, uma russa exilada que morava na
Itália, capturou o luxo do lazer com seu “pijama palazzo” Samoan Sun, usado pelas
amigas Jacqueline Kennedy e Elizabeth Taylor, assim como por ela mesma. Afinal, a
própria posição social de Galitzine contribuiu para sua moda.
Oscar de la Renta, como Molyneux antes dele, aproveitou a energia de

Energia solar. Quarenta anos depois de iniciar a sua marca, a capacidade de de la
Renta de traduzir sofisticação e suavidade em peças de vestuário não tinha diminuído.
O estilista compensou o tom ofuscante de seu vestido Primavera/Verão 2007 com
ousadas flores bordadas em preto e branco. Ao transformar a crina da modelo
Natasha Poly em um bouffant bagunçado no estilo Maria Antonieta, de la Renta
simultaneamente suavizou a opulência do vestido e o tornou acessível para um
grupo demográfico mais jovem, como a especialista em mídia social “Oscar PR Girl” Erika
Bearman. Igualmente jovem e irônica era uma capa de chuva Sunset Gold de Stella
McCartney em 2011 que sem dúvida brilharia em um dia nublado. As linhas limpas
e fortes de McCartney foram exacerbadas pela cor primária, especialmente quando mostrada
sobre calças brancas imaculadas. O poncho-cumminidress de mangas três quartos não
é totalmente funcional (Martin Margiela aprovaria), mas implica um nível de capacidade
atlética semelhante ao da Adidas quando combinado com óculos de aviador.
M at ela ss é ca ft an com calças compridas Ir ene G alit zin e

Outono/Inverno 1 9 6 7
Vestido de seda com bordado floral Oscar de la Renta

Pôster de Austin Reed por Tom Purvis por volta de 1935

Vestido de noite com lenço combinando Ilustração de Pierre Mourgue para Harper's Bazaar Edward
Molyneux 1940
Calêndula Brilhante
“Laranja é o novo vermelho.” —Carolina Herrera15
Esta cor imediatamente faz o coração palpitar!

A força da Hermès reside na sua capacidade de fazer uma transição perfeita. A
casa mudou seu propósito original de 1837, de vender freios de luxo para carruagens
puxadas por cavalos, para produzir acessórios de couro de alta qualidade
quando os automóveis começaram a tomar conta das estradas. Antes da Segunda
Guerra Mundial, a Hermès usava caixas de cor creme, depois mostarda, até que a escassez
de papel a forçou a mexer e usar o último cartão disponível: o seu inconfundível laranja,
agora sinónimo de opulência. O laranja brilhante das caixas, sacolas e outras
embalagens da Hermès é hoje considerado “a cor mais distinta no varejo”. 16 Após a guerra,
o seu “Sac à dépêches” ganhou um novo apelido, depois de Grace Kelly ter
manobrado a bolsa para esconder a sua gravidez dos paparazzi. A icônica bolsa Kelly, que
leva duas semanas para ser feita por um artesão e pode custar mais de seis dígitos,
sempre vem em embalagem de clementina.
Competindo nas Olimpíadas de Londres de 1948, Ottavio “Tai” Missoni saltou obstáculos
pela Itália, mas acabou fugindo com o coração da espectadora Rosita Jelmini. Quando
foram apresentados pela primeira vez em um jantar após os jogos, o interesse de
Octavio pelas malhas, que o levou a desenhar os agasalhos de lã do time,
complementou o conhecimento de Rosita sobre xales e tecidos bordados, cortesia de
sua criação. Em 1953, eles se casaram e começaram a trabalhar juntos. Vinte anos depois,
Missoni fez seu primeiro show em grande escala na América, assumindo a Bloomingdale's.
Seu espaço tingido
têxteis, em “tons arrebatadores do laranja ao vermelho do pôr 17 fizeram sucesso e ainda são
do sol”, roubando a cena hoje.
Nascida em ilustre linhagem venezuelana, María Carolina Josefina Pacanins y
Niño estava sempre bem vestida. Em 1968, depois de se casar com sua alma gêmea e
amigo de infância, o jet-setter Reinaldo Herrera, Carolina Herrera rapidamente se tornou
conhecida por seu estilo incomparável que consistia em combinar a alta costura parisiense
com seus próprios designs. Elogiada pela crítica de moda Eleanor Lambert, Herrera
estreou sua primeira coleção em 1981 para um público que
incluído Nan Kempner e Pat Buckley. 18 Desde então, Herrera foi

conhecido pela elegância reduzida. “[A] complexidade deve aparecer
2013 é a como 19 Enquanto a organza laranja usada na Primavera/Verão
simplicidade.” tropical, Herrera se distanciou dos estereotipados “tecidos
nativos e
exóticos”. 20 A designer de moda e têxtil sueca e radicada em
Barcelona, Ida Johansson, queria que sua linha Primavera/Verão 2012
“Reflecting Roots”, com tons laranja intensos, “iluminasse a mente sueca
e compartilhasse a energia espontânea e criativa [de] Barcelona”. 21 Sua
principal inspiração veio das flores Bright Marigold que brotavam do solo invernado.
Saia de algodão usada sobre vestido de algodão Ida Johansson

Bolsa de ombro Kelly Relax de edição limitada Hermès por volta de 2012
Conjunto de suéter de três peças com jaqueta estilo camisa, top e saia plissada Missoni 1973–74
Saia listrada com top floral Carolina Herrera

Laranja Vibrante
Quando laranjas vivas (a cor e a fruta) foram importadas para o Ocidente, a elite
renascentista clamou por obter essas novidades. No século 20, o laranja ainda capturava
a exuberância de artistas e designers de moda abastados, como Leon Bakst, dos
Ballets Russes, e Paul Poiret. Em 1921, um vestido laranja mandarim e um lenço combinando
estamparam a capa da Vogue. Desenhada por Helen Dryden, a ilustração
extravagante e fantástica é característica do período déco, que repreendeu a reticente
coloração pastel da primeira parte do século. A jovem retratada parece estar sem espartilho,
divertida e livre, em sintonia com os tempos.
Na década de 1960, o laranja poderia mais uma vez dar o salto energético, e quem
melhor para mostrar o lado indisciplinado do laranja do que Jacques Tiffeau?
Depois de estudar com a Dior, Tiffeau mudou-se para Nova York, onde criou designs
que misturavam a sutileza francesa com a energia americana.
Quase instantaneamente, ele ficou conhecido por “criar roupas que chamavam a
atenção por causa de seu corte, formato e cor, e não por causa de babados ou truques de
design sofisticados”. 22 Em 1969, o conjunto Orange Peel de Jacques Tiffeau foi capa de
setembro da Harper's Bazaar.
O designer francês Jean Paul Gaultier, um malandro e provocador, apresentou
ao mercado mainstream uma estética queer com seu vestido laranja com espartilho de
peito cônico que era tão feminino e abertamente sexual que beirava o camp. Felizmente,
Gaultier começou sua carreira enviando esboços para Pierre Cardin, apesar de não ter
formação em moda. Cardin o contratou e cuidou dele até 1976, quando Gaultier entrou
sozinho no mundo da moda. Em 1983, Gaultier fez seu primeiro vestido espartilho, que
apresentou ao mundo em sua famosa coleção “Barbès”. Gaultier via os espartilhos da
mesma forma que o artista Richard Lindner, que os usava para representar “emoções
femininas mistas de agressão e contenção”. 23 A loira e ambiciosa Madonna, que
também era fascinada pela subcultura gay underground, escolheu vestir e usar as roupas
de Gaultier durante sua turnê de 1990, levando o estilista ao estrelato ao lado dela.
Nascido em Casablanca e criado em Israel, Alber Elbaz recebeu sete anos de formação
na Geoffrey Beene, trabalhou na Guy Laroche, Yves Saint Laurent e Krizia, e depois tornou-
se diretor criativo da Lanvin. Ao projetar seu
primeira coleção para a Maison, Elbaz disse: “Quero vestir mulheres que
conheço, mulheres que quero conhecer - e deixá-las lindas”. 24 O outono/
inverno 2012–2013 marcou seu 10º aniversário na marca, e a coleção foi
eletrizante. Seus grandes vestidos com babados, como o de Golden Poppy,
eram divertidos e frescos, ao mesmo tempo que introduziam novas silhuetas,
um feito quase impossível e uma prova da genialidade de Alber Elbaz.
Ilustração da capa de Helen Dryden para a Vogue 1921
Terno com shorts de tweed, couro e lã, gola alta e meia-calça Jacques Tiffeau Outtake de um
Sessão da capa da Harper's Bazaar fotografada por Neal Barr em 1969
Vestido com gola grande com babados Alber Elbaz para Lanvin
Outono/Inverno 2012
Vestido espartilho com busto cônico exagerado Jean Paul Gaultier 1984
Pêssego
A Garota Jantzen com certeza é um pêssego. Seu maiô colante de cor coral faz com que 25 The
ainda “mais adorável, mais vívida e [e] mais emocionante”. a a faça virar a cabeça
beleza, ilustrada em 1941 pelo artista da Esquire, Alberto Vargas, é corada - seja pelo sol ou
pela atenção! A Jantzen Knitting Mills, originalmente batizada de Portland Knitting Company,
ganhou destaque em 1915 depois que o designer de malhas Carl C. Jantzen aperfeiçoou um maiô
de lã com costura canelada, que dominou as ondas até o início dos anos 1930, quando Lastex
chegou ao mercado.
Embora tenha sido usado pela primeira vez em cintas, Jantzen rapidamente usou o tecido híbrido
em trajes de banho. O tecido lisonjeiro se ajusta perfeitamente às curvas pin-up das Vargas Girls.
Enquanto a garota da praia de Vargas ajudou a vender trajes de banho Jantzen, a
mulher americana idealizada também ajudou a elevar o moral das tropas que atacavam outras
praias.
“Gaultier, sendo Gaultier, virou todas as noções de propriedade de cabeça para baixo” por
desenha roupas íntimas para serem usadas como agasalhos.26 Jean Paul Gaultier
lingerie que virou alta costura ganhou impulso exponencial devido à crise da AIDS que assolou
durante a era de seus designs mais provocantes. A epidemia de saúde exigiu da sociedade uma
nova honestidade sexual – em toda a sua especificidade científica. A Revolução Sexual
dos anos 60 não teve nada a ver com as décadas de 1980 e 1990, quando não falar sobre sexo
poderia custar a vida. Em 1992, cinco anos depois de JPG ter mostrado seu vestido espartilho
Shell Coral, a Newsweek classificou o final da década de 1980 e o início da década de 1990 como
um período de “novo voyeurismo”. E ninguém fez guarda-roupas voyeurísticos melhor do que
Gaultier.
Em vez de garotas pin-up, a designer Shelly Steffee, nascida na Pensilvânia,
sua linha primavera/verão 2005 em torno das mulheres do fim do século do retratista
belga Fernand Khnopff. Steffee refletiu: “[Khnopff] captura uma mulher que falou
diretamente comigo e com quem eu estava tentando falar. mulheres modernas e muito . . muito
profundas.” 27 A filosofia de cores de Steffee foi então influenciada pelas “mudanças

28
sutis de cor com detalhes de profundidade” de Khnopff.
Desde 1965, Karl Lagerfeld, nascido na Alemanha, faz parte da família Fendi. Embora
seja mais conhecido pelo seu trabalho na Chanel, Lagerfeld é há muito tempo diretor artístico
da marca italiana, cada vez mais conhecida pelas suas peles excecionais, pelo pronto-a-
vestir e pela abundância de acessórios. Para
Primavera/Verão 2013, Lagerfeld reinterpretou o mod com um esquema de cores

atualizado, como um top amarelo iluminado com culotes Coral Reef cor de pêssego.
Sempre voltada para o futuro, esta coleção trazia uma nova técnica: a “saldatura”,
uma soldagem elétrica que torna a moda literalmente perfeita.
Vestido espartilho Jean Paul Gaultier por volta de 1987

Top e culotes Karl Lagerfeld para Fendi

Vestido casaco com cinto e bainha suflê Shelly Steffee

®
Anúncio impresso ilustrado por Alberto Vargas Jantzen 1941
Nu
Num mundo global, é problemático considerar a cor da pele caucasiana “nua”.
Mas por enquanto a palavra permanece na língua como um nome para a cor rosada
suave (com um tom bege) também conhecida como Pêssego Pálido. A cor doce tem
qualidades sensacionais, evocando o corpo nu de certas mulheres. Por esta razão, era
popular nas décadas de 1920 e 1930 para roupas íntimas, e no final dos anos 1990
e 2000 para peças de vestuário exteriores.
Como prova uma pesquisa da Comissão Tarifária dos Estados Unidos, os espartilhos não
desapareceram repentinamente em 1920, embora tenham mudado para se adaptar à
moda atual. O Costume Institute do Metropolitan Museum of Art tem dois espartilhos feitos na
França para a Saks Fifth Avenue: um de Bienjay (1920–1925) e outro de Facon (1930–1935).
Embora ambos sejam Pale Peach, o espartilho Bienjay quase não tem suporte, pendurado
frouxamente no busto, cintura e quadris (Paul Poiret ficaria orgulhoso); o espartilho Facon é
mais conservador, com sutiã com costura de apoio, elástico que aperta a cintura
e os quadris e mede quinze centímetros a mais. Ambos evitam o uso anterior de desossa e
refletem as atitudes flutuantes do novo século em relação à moda e aos corpos.
Para a primavera/verão de 2002, Donna Karan foi estranhamente suave e hiperfeminina,

vestindo Liya Kebede com seda pára-quedas. Durante a Segunda Guerra Mundial, as
mulheres muitas vezes coletavam seda de pára-quedas para fazer roupas, às vezes até
correndo com tesouras para aviões caídos. Embora Karan não tenha comentado os motivos de
sua escolha específica do tecido, apenas dizendo que a coleção foi inspirada em seu
falecido marido, em sua arte e em tudo que ele amava - a justaposição de história e beleza é, no
entanto, fascinante.
Ao lado das criações curvas de Azzedine Alaïa, os vestidos curativos de Hervé Léger
definiram o amor do final dos anos 80 e início dos anos 90 pela Lycra, uma estética também
vista no videoclipe “Freedom”, repleto de supermodelos, de George Michael. Mas o encanto pelo
visual diminuiu no final da década, e Max Azria, do BCBG, comprou a marca em 1998, sendo o
primeiro estilista americano a adquirir uma casa de alta costura francesa. Como os vestidos
originais de Léger usavam tecidos normalmente encontrados em roupas íntimas e trajes de
banho, parece apropriado que Max Azria para Hervé Léger apresentasse um maiô
assimétrico em tons de Alesan em sua passarela Primavera/Verão 2009. Embora sexy, o
terno está longe de ser prático - quem quer marcas de bronzeado de escravidão?
sexy, o terno está longe de ser prático - quem quer marcas de bronzeado de escravidão?
Voltando aos neutros, Giorgio Armani mostrou o outro lado, mais calmo, do Nude, atenuando
o “exibicionismo feminino” ao criar roupas protetoras que escondem imperfeições, como um paletó
longo e uma saia com babados na altura dos joelhos em Tender Peach para seu “Privé " coleção.
Armani, galardoado com a Legião de Honra pela sua contribuição à moda, explicou que gosta de
“mulheres que têm elegância, que têm encanto, que usam a moda, e não o contrário”. 29
Terno Giorgio Armani

Outono/Inverno 2013
Fato de banho com faixas Max Azria para Hervé Léger

Vestido sem alças com costura assimétrica Donna Karan

Espartilho em seda, elástico e metal Facon para a Saks Fifth Avenue por volta de 1930–35
Ferrugem
A ferrugem ganhou ascendência na prática década de 1930, na terrosa década de 1970 e na retro
década de 1990.
Na primeira metade do século 20, os americanos não conseguiam fazer compras nas grandes cidades
as lojas de departamentos dependiam de catálogos de vendas pelo correio para
comprar seus guarda-roupas. Embora a história tenha se lembrado melhor dos
catálogos da Sears-Roebuck e Montgomery Ward, Aldens, Spiegel e Bellas Hess também foram
amplamente distribuídos. Ao contrário de outros, Bellas Hess foi ilustrada em cores, permitindo
aos clientes visualizar opções de cores populares, como a tendência de 1936 para tons
Rust. O texto inspirado no jornalismo de moda dá as boas-vindas às donas de casa para um
encontro com uma túnica - por US$ 2,98 mais 13 centavos pela postagem.
Embora seja parte integrante do mundo da moda, Alexandre de Paris é mais conhecido
como designer de cabelos, produzindo hauts coiffeurs para a Duquesa de Windsor, Elizabeth
Taylor e Sophia Loren. Seus acessórios foram desenhados com o propósito de enfeitar
seus penteados. O Victoria & Albert Museum exibe um raro par de óculos de sol Raw Sienna
cravejados de latão Alexandre de Paris da década de 1970, que provavelmente parecia
igualmente fabuloso quando colocado em cima de uma fabulosa explosão.
. . por ele, é claro.
Apesar de estar hospitalizado entre os desfiles, Yves Saint Laurent desenhou e terminou seu desfile de alta-costura de
1990 em vinte dias. O espetáculo, uma homenagem às suas diferentes musas ao longo dos anos, “cobriu todos os aspectos
da rica vida contemporânea sem nunca tocar no absurdo”. 30 Uma de suas melhores peças era um magnífico vestido de
penas em tons Rust. A coleção, considerada “a melhor que ele já fez”, recebeu nota treze- 31
minutos de ovação de pé e levou a socialite Nan Kempner às lágrimas.

Apropriado considerando, como disse Loulou de la Falaise: “Um dos grandes talentos de Yves
[é] fazer as pessoas chorarem, porque acho que quando você atinge momentos de perfeição. . .
toda pessoa sensível será levada às lágrimas.” 32
A coleção outono / inverno 1996-1997 de Anna Sui foi uma mistura histórica: uma parte Vita
Sackville-West e o Bloomsbury Group da Vogue britânica de Dorothy Todd dos anos 1920, e uma
parte a interpretação do cineasta Ken Russell dos anos 1970 da era pós-Primeira Guerra
Mundial do Twiggy veículo O namorado.
Então, como Anna Sui funde a década de 1920 e uma interpretação da década de 1970
para um público da década de 1990? Com uma mistura de tons Autumn Leaf, incluindo um
top de malha de gola larga, lenço combinando e uma saia xadrez levemente contrastante
na altura do joelho na modelo Trish Goff.
Capa de penas Yves Saint Laurent Alta Costura

Outono/Inverno 1990
Óculos de sol femininos em imitação de tartaruga Alexandre de Paris por volta de 1970
Conjunto multipadrão Anna Sui

Outono/Inverno 1996
Vestido Swingtime Peplum em crepe ondulado de acetato e vestido túnica com acabamento em ciré
Página do catálogo National Bellas Hess Winter Style Hits 1936–37
Licor de café
Depois dos psicodélicos ofuscantes da década de 1960, os marrons taciturnos entraram
no mundo da moda da década de 1970, simbolizando a natureza terrena da
consciência ambiental. Na década de 1980, o marrom tornou-se mais polido à medida que
o feroz “visual de leopardo” se intensificava. Na década de 1990, o “fenômeno Starbucks” fez
com que os tons suntuosos do café passassem “para uma posição de destaque ricamente
merecida”, que ainda continua. 33 A estilista
Anne Klein, nascida no Brooklyn, que trouxe as roupas esportivas para a galáxia do
alto estilo, competiu na batalha francesa de arrecadação de fundos e alta-costura realizada
em Versalhes em 1973, onde “les Américains” roubou a cena. Apesar de ter iniciado sua
carreira na moda aos quinze anos, ela só desenvolveu sua própria empresa de
manufatura em 1968, aos quarenta e cinco anos. Em 1974, Klein morreu aos cinquenta
anos, mas sua estética sobreviveu em peças como os saltos de leopardo com manchas
marrons da marca em Desert Palm, ideais para a selva urbana.
Elie Tahari conquistou a cidade fria e de concreto, literalmente indo de um banco de
parque até a Park Avenue. Depois de se mudar de Israel para Nova York com US$ 300 no
bolso, Tahari passou por crises de falta de moradia antes de abrir sua própria empresa em
1973, que hoje tem uma receita anual de mais de US$ 500 milhões. Seu sucesso vem
de não ser “muito moderno e nem muito conservador”. 34 É uma linha tênue, mas seu Liqueúr
de Café Outono/Inverno 2011
vestido mostra que ele anda com facilidade.
Educada na Parsons, Tracy Reese, nascida em Detroit, aprimorou seu ofício trabalhando
em Martine Sitbon, Perry Ellis e Magaschoni antes de lançar sua própria linha. A designer
afro-americana de sucesso internacional estava particularmente entusiasmada
com o Outono de 2011, tendo a sua criatividade sido estimulada por uma visita a
uma prestigiada feira de tecidos francesa. Reese transformou o tecido de malha que
descobriu lá em uma capa de suéter de teca em cascata usada sobre uma saia plissada de
acordeão na altura do tornozelo.
Se o diabo usa Prada, mande-nos para o inferno! De 1913 até sua morte em 1958,
Mario Prada vendeu artigos de couro de luxo. A Câmara definhou até que a sua neta
Miuccia assumiu o cargo em 1977. Com um doutoramento em ciências políticas e
cinco anos como mímica profissional, ela parecia uma candidata improvável para
revitalizar a Câmara. No entanto, com a ajuda do “cérebro de tubarão empresarial”
Patrizio Bertelli, que mais tarde se tornou seu marido e
CEO da empresa, Prada tornou-se uma das marcas de luxo mais reconhecidas do mundo.
35 Para o outono/inverno 2013, a Prada criou um casaco de crocodilo marrom Desert Palm
(muito Super Fly) com uma camisa de botões em tons semelhantes e uma saia na altura
da panturrilha. As saias são há muito tempo uma das peças favoritas da Prada, um “feminino
símbolo [que] você usa todos os dias.” 36
Casaco de couro com saia longa e vestido de lantejoulas com cinto Prada
Outono/Inverno 2013
Capa enrolada e saia maxi plissada acordeão Tracy Reese

Outono de 2011
Vestido com acabamento em renda Elie Tahari

Outono/Inverno 2011
Sapatos de camurça com estampa de leopardo Anne Klein por volta de 1990
Camelo
Tons marrons quentes e neutros são essenciais no guarda-roupa. Do final da década
de 1940 até a década de 1960, marcas sofisticadas como Burberry, Traina-Norell
e Geoffrey Beene adotaram o tom tostado, assim como MaxMara, Bill Blass e Calvin Klein
décadas depois.
Parsons não só possui alguns dos melhores designers, mas também os melhores
desistentes. Norman Norell raramente assistia às aulas, em vez disso desenhava para
filmes mudos em Long Island City, onde vestiu Rudolph Valentino e Gloria Swanson.
Mais tarde, ele terminou seus estudos na Pratt e foi orientado por Hattie Carnegie por onze
anos. Norell começou a trabalhar para Anthony Traina em 1941, aceitando um
salário menor em troca de ser citado na gravadora. Em 1958, Norell desenhou um
casaco de caxemira torrado inesperadamente forrado com lantejoulas (para combinar
com as do vestido). Doado ao Museu da FIT por Lauren Bacall, é improvável que o casaco
“metrô” da Traina-Norell tenha sido usado no subsolo.
Na década de 1990, todos os adolescentes descolados conheciam o nome “Todd

Oldham” do programa da supermodelo Cindy Crawford na MTV, House of Style. Crawford
desfilou nos shows do texano e nova-iorquino, junto com as “supers” Linda
Evangelista e Kate Moss. Evitando a modéstia, Oldham se vangloria: “Nós o matamos
shows foram muito, muito bons.” moda ou tendências, o terno de todas as vezes. Nossos
tweed Toasted Nut de Oldham de 1997 e o chapéu cor de camelo ainda são
relevantes e podem ser usados quinze anos depois.
Para a Primavera/Verão de 2000, Douglas Hannant ruminou: “No final do milénio, sinto-me. . . nudez – um renascimento
que começa com o que é natural ”, daí sua escolha pelo tom bronzeado. antecipa as “necessidades de roupas [de seu cliente]
para cada hora do dia”, percebeu que os tons de Tawny Brown funcionam para Hannant, que
todos eles. 39
Em 1981, trinta anos depois de Achille Maramotti fundar a empresa italiana MaxMara,
Anna Marie Beretta desenhou 101801, o “codinome” de seu icônico casaco Camel. A peça
“sob o radar” tem sido apresentada quase todos os invernos desde então. 40 Para o
outono/inverno 2012, a marca sexagenária reinterpretou a peça transformando-
a em um macacão feminino com cinto
41
“cucita a mano” (criada à mão).
Casaco grande Oscar de la Renta

Outono/Inverno 1984
Sapatos com plataforma Vivienne Westwood

Outono/Inverno 1993
Casaco longo acolchoado Pierre Cardin

Outono/Inverno 2008
Bijuteria Azul
“Não há nada mais sexy ou mais real do que a marinha e o jato.”
—Zac Posen 100
Em geral, os esboços para o outono de 2006 foram feitos com uma fina linha azul.
Designers como Behnaz Sarafpour, aprovado pela Barneys, Charlotte Ronson, nascida em
Londres, o mestre de vestidos de baile Naeem Khan e Yigal Azrouël, orientado por
Giancarlo Giammetti, gravitaram em torno do azul profundo, incorporando tons de True Navy,
Ensign Blue, Bijou Blue e Vintage Indigo em seus coleções.
As guerras no Afeganistão e no Iraque, juntamente com as preocupações económicas, lançaram um

sombra na Semana de Moda de Nova York. Como é historicamente comum, a influência da
guerra chegou às pistas. A designer Cynthia Steffe admitiu que sua coleção foi inspirada em uma estética
de “colegial militar” com um toque feminino, como “roupa masculina com mudança de sexo”.
101 O designer James
Coviello traçou paralelos entre o terreno mutável dos “anos ingleses entre guerras” (entre a Primeira e a
Segunda Guerra Mundial) e a incerteza do início do século 21 através de suas roupas.
102 O designer Alvin Valley abraçou a True Navy e sua
associação com os “movimentos intelectuais e de design do início dos anos 70” que surgiram em
resposta à Guerra do Vietnã. 103
No entanto, este azul não estava associado apenas ao conflito. Pam Devos para Pamella
Roland usou um azul profundo em tons de joia de uma forma carinhosamente nostálgica, com base no
trabalho do artista da virada do século John Singer Sargent, cuja paleta de azul foi usada para capturar
riqueza emergente, lazer luxuoso e decididamente paisagens pacíficas. Da mesma forma, o
uso de Bijou Blue por Y & Kei em seus ternos bem ajustados pretendia evocar uma “cena nítida de
inverno”. 104 Em contraste, em vez de romantizar o azul do céu noturno, o designer “da moda” do
momento, Zac Posen, via o Ensign Blue como “feroz e temperamental”, ideal para um “rebelde
perfeccionista”, como sua namorada habitual, Natalie Portman.
Revendo a coleção, Cathy Horyn, crítica de moda do The New York Times, destacou positivamente
as “calças super justas (sic) em python marinho” de Posen.
105
como sendo “fantástico” e “agressivo”, com “estilo de garota Rapper e
durona”. o magnata dos negócios Sean “Diddy” Combs concordou, aplaudindo de
pé, que marcou o azul como inquestionavelmente legal.
Calças Charlotte Ronson Outono 2006

Vestido Zac Posen

Outono/Inverno 2006
Vestido sem costas com franja de brilhantes Alvin Valley

Outono/Inverno 2006
Calça Y & Kei

Outono/Inverno 2006
Jeans escuro
O documentário Blue Alchemy, de Mary Lance, atesta que o índigo “capturou a imaginação
humana por milênios” e “está em uso em todo o mundo desde a antiguidade”. A história do
índigo natural é, em parte, sombria: demorada e trabalhosa, está enredada na escravatura (na
América pré-Guerra Revolucionária) e na colonização (em Bengala sob o Raj britânico
em meados do século XIX). Mas também é onipresente.
Os primeiros jeans da Levi Strauss usavam corante índigo natural. No entanto, em

Em 1890, foi desenvolvido um produto químico que produzia um corante sintético
semelhante ao índigo, e o cultivo da cultura diminuiu significativamente. Em 1915, a Cone
Mill na Carolina do Norte começou a produzir jeans para a Levi's usando índigo
sintético. A maior parte do índigo é agora sintética; no entanto, pequenos movimentos
locais surgiram no século 21 para tentar reviver a arte do tingimento natural de índigo.
Do século XIX ao início do século XX, o jeans foi usado exclusivamente como
desgaste de trabalho. Mas a partir daí a sua ascendência no vestuário casual
popular disparou. Em 1934, foram lançados os “Lady Levi's”. Na década de 1950, a
.
marca original de jeans ocidental sugeriu às mulheres que estava “certo. . para lazer." Em
1955, os “grasers” começaram a se apropriar do jeans depois que James Dean os exibiu
sexualmente em Rebel Without a Cause. Em 1977, os hippies usavam patchwork de
jeans e roupas tie-dye, como as feitas pela varejista Serendipity 3.
Calvin Klein foi o primeiro designer a abraçar a sexualidade adolescente, usando-a

para criar marcas e vender moda em 1980, uma aposta provocativa que rendeu vendas
de até US$ 2 milhões por mês. Vestida com uma camisa masculina enorme, abotoada
singularmente no busto, e jeans Calvin Klein justos em jeans escuro, a modelo Brooke
Shields, de quinze anos, afirmou sem fôlego: “Você quer saber o que há entre mim e meu
Calvin's? Nada." Afinal, a Calvin Klein só começou a vender cuecas femininas em 1983.
Rei Kawakubo para Comme des Garçons transforma regularmente o banal

no belo (ou, em alguns casos, no grotesco). Ao fazer isso, ela envolve o espectador
e o usuário em um questionamento filosófico existencial sobre o propósito da moda e
os ideais da sociedade. A designer da Comme des Garçons, Junya Watanabe, que
está na marca desde 1984, compartilha esse tipo de abordagem. Watanabe começou a
mostrar sua própria linha
1984, partilha este tipo de abordagem. Watanabe começou a exibir sua própria
linha sob a égide da CdG em 1992. Intensamente privado, Watanabe não é o
ícone cult que Kawakubo é e, embora seu trabalho se encaixe na ideologia da
gravadora, ele é único. Ironicamente, ao contrário de Kawakubo, Watanabe não
foge nem confronta a ideia de feminilidade. Seu vestido Primavera/Verão 2002
imita a silhueta de um vestido de baile, libertando o jeans de sua singularidade de propósito.
Jeans estampados anúncio Lady Levi's por volta de 1950
Anúncio impresso de jeans e camisa com Brooke Shields Calvin Klein no início dos anos 1980
Vestido jeans desgastado Junya Watanabe

Vestido jeans multicolorido com motivo de cobra Serendipity 3 1972

Marinha da meia-noite
“Entre todas as cores, o azul marinho é a única que pode competir com o preto; tem todas
as mesmas qualidades.”
—Christian Dior 106
Marinha é o tom de azul preferido que, apesar de sua conexão com atividades marítimas,
resiste às mudanças climáticas. Os blazers da Marinha apareceram pela primeira vez na
moda masculina da década de 1920, que as mulheres adaptaram e se apropriaram. Depois
que Muriel King vestiu Katharine Hepburn com um “pijama de descanso” da Marinha para o
filme de Hollywood de 1937, Stage Door, as mulheres americanas, tendo notado a cor em
pôsteres e cartões de lobby, clamaram para copiar o visual. Durante a Segunda Guerra
Mundial, a Marinha voltou às suas raízes militares enquanto homens de azul partiam para
lutar. Compreensivelmente, a popularidade da Marinha diminuiu após a guerra; o público
americano estava mais interessado em “sapatos de camurça azul” e jeans na década
de 1950. Mas na década de 1980, o Manual Oficial Preppy chamou a atenção do público para
as atividades de lazer da classe alta, como iates e esportes náuticos, e para o traje da
Marinha que as acompanhava. Da década de 1990 até o início do século 21, a Marinha foi
repetidamente proclamada “o novo preto” e usada com frequência semelhante.
Educada como ilustradora em Paris, Muriel King tornou-se designer de Nova York
e, às vezes, figurinista de Hollywood, apesar de sua incapacidade de cortar, armar ou
costurar. King ficou conhecido por equipar Katharine Hepburn com “ousadia cautelosa”
dentro e fora do palco, satisfazendo a tendência pouco convencional da estrela por
calças. 107
Em 1967, o deus da moda Yves Saint Laurent cortou um vestido fino e listrado da Marinha.
terno com botão de bolinhas da Marinha. Embora o processo possa parecer
conservador em retrospecto, na época seu estilo de flexibilização de gênero era tudo
menos isso. Mais revolucionário do que a roupa masculina fina de Hedi Slimane de
2002 para a Dior Homme, o terno de Saint Laurent expressava estranhamente “a juventude
dos anos sessenta. . . linda e maldita. 108 Antes que a ideia de androginia fosse divulgada, o
traje mod de Saint Laurent para homens e/ou mulheres ectomórficas preencheu a lacuna entre
a masculinidade quadrada e
feminilidade da ampulheta da década de 1950. Fascinada com o “mundo em incrível

transição”, Saint Laurent ajudou na evolução da época, em parte através do uso de uma
109
Marinha cega em termos de género.
No início do século 21, a Marinha tem sido um clássico sempre presente, desde as
bolsas Coach até as jaquetas J.Crew. Na verdade, em 2013, o clássico blazer da Marinha foi
retrabalhado repetidas vezes, quando o catálogo J. Peterman, referenciado por Seinfeld,
ofereceu um blazer da Marinha “Lady Mendl”, usando cópias espirituosas para
educar seu público sobre a primeira decoradora de interiores feminina da América. E
a atrevida marca britânica de Caroline Smiley, Moloh, ofereceu agasalhos Midnight Navy
que eram “bastante esportivos com um toque de teatro militar”. 110
Blazer de Elsie J. Peterman 2013

Terno trespassado de lã Yves Saint Laurent 1967

Pijama relaxante projetado para Katharine Hepburn Muriel King 1939

Jaqueta stamp e saia envolvente com borla Moloh 2013

Céu azul
“O azul claro é uma das cores mais bonitas, e se você tem olhos azuis, nenhuma cor combina
mais.”
—Christian Dior 111
Nas décadas de 1920 e 1930, o novo fascínio da praia e das suas ondas trouxe o Sky Blue
da estratosfera para o corpo.
Coco Chanel e seu círculo transformaram a pele bronzeada em um símbolo de status da rica classe
ociosa e, em 1930, a Harper's Bazaar dedicou uma edição inteira à Riviera Francesa. Embora “o
nome de Victor Stiebel seja sinônimo de vestidos de noite românticos e impecáveis, Stiebel era igualmente
adepto do design para a praia e da alfaiataria”, evidenciado por seu vestido longo de algodão com alças
designer cruzadas nas costas e uma jaqueta combinando em Sky Blue. Embora fosse um
essencialmente inglês, a infância de Stiebel na África do Sul sem dúvida o ajudou a projetar para o clima
quente entre as guerras.
Embora o clima úmido e cinzento de Seattle tenha influenciado a escolha do Nirvana

vestuário, os designers de moda da década de 1990 introduziram a cor na estética grunge. Anna
Sui mostrou uma versão Sky Blue de um suéter sujo com buraco de traça para sua coleção primavera/
verão de 1994. Nicole Miller, formada na Rhode Island School of Design e na L'École de la Chambre Syndicale
de la Couture Parisienne em Paris, revigorou a tradicional capa de chuva tipo mackintosh trocando o bronzeado
característico da Burberry por um suave azul glaciar. A linha “DKNY” de Donna Karan New York, voltada para
um grupo demográfico mais jovem e com preço mais acessível, apresentou calças de pijama azuis claras
e sedosas na passarela, sua versão primavera/verão de 1999 do visual “acabado de sair da cama”.
A promessa de um novo século e o aumento da preocupação com o meio

ambiente fizeram com que o azul claro continuasse a reinar na década de 2000. A linha
homônima de Tracy Reese, conhecida por “combinações de cores excêntricas” e “tecidos
exuberantes e enfeites” não apenas cultivou seguidores leais de celebridades como
Gabrielle Union e Veronica Webb com peças como seu vestido Aquamarine Primavera /
Verão 2007 de cintura império, mas também aquela cliente mais procurada, a primeira-dama
Michelle Obama. 113
Na década de 1990, Richard James era o “novo garoto causando agitação”, estabelecendo
uma loja Saville Row sem experiência em alfaiataria. Embora a tradição seja honrada
na Grã-Bretanha, a nova guarda é igualmente apreciada, e o conhecimento de James
sobre alta costura, quando aliado a uma equipe fluente em customização, rapidamente
lhe rendeu o prêmio de Designer de Moda Masculina do Ano do British Fashion Council.
James ainda é destemido vinte anos depois, usando cores que não são tipicamente
associadas à moda masculina, como o azul celeste, que resumiu a ideia Primavera/Verão
2014 de uma “hora fresca e cheia de cor, quando o sol do verão se esvai”.
114
Top de crochê Anna Sui 1994

Vestido de praia com cinto Tracy Reese

Terno e alpercatas Richard James

Conjunto usado no musical Music in the Air Victor Stiebel 1933

Azul Turquesa
“Seus amigos estão acostumados com você de azul marinho. Eles dificilmente olham duas vezes.
Mas se o azul marinho mudar para turquesa, você pode ter certeza de que isso será notado.”
—Claire McCardell 115
“Turquesa” descreve tanto o mineral distinto quanto sua cor. Embora encontrado em culturas
antigas da Pérsia (Irã) ao México, os franceses o encontraram no Turquestão, referindo-se a
ele como pierre turqueise (pedra turca). Tornou-se anglicizado para “turquesa” em 1567
DC. Na América do Norte, os Anasazi extraíram turquesa já em 1000 DC, e os Pueblo em
900 DC. os Zuni caracteristicamente o esculpem em formas de mosaicos.
Depois do 11 de setembro, uma paleta monocromática neutra dominou, mas a cor

começou a voltar às passarelas da primavera/verão de 2005. O turquesa começou a ter seu
momento ao sol.
Michael Kors, o menino de ouro americano do jet set e personalidade da TV Project
Runway, baseou sua coleção no magnífico azul mediterrâneo das ilhas gregas. A linha,
considerada “tão suave quanto uma vela ao luar”, incluía um vestido de sereia turquesa
como parte do final. 116 Embora a cor seja mais forte do que a maioria de seu trabalho
minimalista “silencioso”, ela ainda exemplifica as distintas “linhas limpas” e a natureza
clássica de Kors. Kors, cujo trabalho tem grande apelo, orgulha-se de ser capaz de atender a
um espectro de mulheres, de Barbara Walters a Jessica Simpson.
O ex-aluno de Parsons e protegido de Bill Blass, Peter Som, escolheu “tons frios e
lavados de verde com tons azuis” para refletir a “cultura descontraída e despreocupada das
praias do norte da Califórnia”. 117 Narciso Rodriguez afrouxou suas roupas de corte
característico da temporada, exibindo sete conjuntos em Azul Turquesa.
Em 2005, Ralph Lauren estreou um novo perfume, “Pure Turquoise”, um

tema no qual também baseou sua coleção. O interesse de Lauren pelo sudoeste
surgiu em 1978, quando ele lançou seu “Westernwear”, uma mistura boêmia de
cowboy e Little House on the Prairie. Lauren ganhou bilhões promovendo o estilo de vida
americano, desde o preparador de pólo até O Grande Gatsby. Nascido no Bronx, filho de
dois imigrantes judeus pobres, ele
incorpora o “sonho americano” de Horatio Alger. No entanto, como o trabalho de muitos

designers que se apropriam de tropos extraídos de culturas nativas, a adoção de
recursos visuais dos nativos americanos por Lauren “também foi criticada”. 118 O
designer nova-
iorquino nascido na Itália, Luca Orlandi, de Luca Luca, foi atraído pela primeira vez
por “cores requintadas” 119 como o azul das águas do Caribe em meados da década de
1990. E quase uma década depois, na coleção Primavera/Verão 2012, a marca revisitou
novamente o Lake Blue para um vestido leve e arejado de deusa.
Vestido Raul Melgoza para Luca Luca

Vestido sem alças Michael Kors

Colar, brincos, punho e cinto Ralph Lauren outono de 2004

Pulseira Zuni com bordado da Bela Adormecida Durango Silver Company por volta de 1953
Azul-petróleo profundo
Deep Teal é uma cor resplandecente inspirada em vários tons ornitológicos, desde pavões
em tons de azul até drakes em tons de verde. Os azuis-petróleos, também presentes no
escurecimento do céu e no aprofundamento das águas, retratam as transições da natureza e,
portanto, da humanidade.
Após o fim da ocupação alemã, judeus-alemães autodidatas
a artista Ursula Sternberg-Hertz (que, apesar de ser caçada, sobreviveu milagrosamente)
usou azul-petróleo para representar uma emergência colorida da escuridão em sua inscrição
em aquarela para um concurso de arte realizado pelo Ascher Studio de Londres.
A representação de Sternberg-Hertz de uma mulher elegante do pós-guerra com um grande
chapéu Deep Teal e uma blusa vibrante combinando ganhou o terceiro prêmio e lhe rendeu
um emprego como freelancer para a Câmara. Esta obra original, juntamente com algumas de
suas outras peças, agora faz parte da coleção do Victoria & Albert Museum. A proprietária
da galeria, Carol Schwartz, considera o trabalho de Sternberg-Hertz “primitivo e surrealista ao
mesmo tempo, exibindo charme, alegria e capricho”.
120 um tipo de arte que, após a Segunda Guerra Mundial, teve grande procura.
Em sua coleção de outono de 2008, a designer japonesa Akiko Ogawa celebrou uma
combinação de azul-petróleo: iridescente, tingido de índigo e misturado com preto azeviche
para sua coleção inspirada no “arco brilhante da Via Láctea”. 121
Ogawa, que se formou na Kuwasawa Design School, trabalhou para a fabricante de

roupas japonesa Onward Kashiyama antes de iniciar sua própria marca em 2001. Mulheres
cosmopolitas de Tóquio, Paris e Nova York abocanharam suas peças glamourosas e prontas
para festas, destinadas a artistas de alta qualidade. .
Teal foi usado com zelo em 2011 na New York Fashion Week. Tommy Hilfiger, Tadashi
Shoji e Shaun Kearney para Cynthia Steffe optaram por usá-lo em suas linhas diferentes. O
designer britânico Kearney criou um casaco exagerado com gola funil em tom
Everglade para a marca de Cynthia Steffe. Kearney, que desenhou pessoalmente para
celebridades como Jennifer Aniston, deseja criar continuamente roupas que “evoquem
uma resposta emocional na pessoa que as usa”. 122
AF Vandevorst enviou modelos para a passarela com os rostos obscurecidos

por Stephen Jones chapéus de feltro e lenços agrupados. Para o outono/inverno
2012-2013, a dupla belga refletiu sobre a coreógrafa Pina Bausch, esmagando
Em 2013, a dupla belga refletiu sobre a coreógrafa Pina Bausch, misturando

o traje masculino do dia a dia de Bausch com o traje hiperfeminino normalmente
usado pelos dançarinos. O resultado foi efetivamente um manequim sem rosto
com um colete de seda Deep Lake, capturado no meio da metamorfose. A
calça preta de corte alto destacava o fato de a peça não ser bem um vestido de baile.
Esboço pintado Ursula Sternberg-Hertz 1947

Vestido com laço sob um suéter longo Akiko Ogawa

Outono/Inverno 2008
V estedcapeovers contratam calças combinadas com botas, chapéu e cachecol AF V andevorst F all/Win ter
2012
Casaco envolvente Shaun Kearney para Cynthia Steffe

Outono/Inverno 2011
Caçador Verde
Hunter Green tem uma longa história, já que os corantes silvestres profundos eram
facilmente acessíveis em muitos países. Na década de 1920, o Evergreen escuro foi
apropriado por la garçonne (uma menina juvenil); a neogarçonne do século XXI de
hoje seguiu recentemente o exemplo. Na década de 1930, Mariano Fortuny
intensificou o romantismo de seus vestidos clássicos gregos com tons inspirados na floresta.
As mulheres na década de 1940 usavam a cor como símbolo de unidade com as tropas,
embora tenha sido rapidamente abandonada após a vitória. Na década de 1960, os
adolescentes Baby Boomers encantaram-se com a cor recentemente considerada “unissex”.
Na década de 2000, os obstinados da Cerimônia de Abertura ficaram igualmente
entusiasmados, apaixonados pela ideia de uma safra passada, mas desejando algo realmente
novo.
Em 1932, Mariano Fortuny confeccionou imaculadamente um vestido de chá de seda
Hunter Green, usando um dispositivo de pregas que ele criou. As vestes internas
vanguardistas de Fortuny promoveram a casualização da moda, já que as mulheres
desejavam exibi-las pela cidade.
Depois de tempestuosas idas e vindas na Christian Dior, onde bateu de frente com o
menino maravilha Yves Saint Laurent, Marc Bohan tornou-se designer-chefe da venerável
Maison em 1960. Um sucesso estrondoso, Bohan apresentou um vestido de veludo
verde escuro com detalhes de strass na bainha para a linha outono de 1963 da Dior.
Durante a Segunda Guerra Mundial, as mulheres incapazes de contribuir para o esforço de

guerra adotaram os conjuntos Verde Escuro como forma de demonstrar solidariedade com as
tropas. Este anúncio britânico de 1944 de um conjunto Hunter Green da Leeds Ltd. usa
técnicas fotográficas geralmente vistas em editoriais de moda, mas também inclui,
de forma um tanto incongruente, uma roda giratória. Embora as mulheres certamente não
fiassem seus próprios tecidos durante a guerra, elas usavam máquinas de costura para
fazer e consertar suas próprias roupas, além de preferirem tecidos resistentes que resistissem
ao desgaste.
Os proprietários/designers da Cerimônia de Abertura, Carol Lim e Humberto Leon, têm
sido os árbitros de tudo que é “importante” na última década. Sua loja oferece as marcas mais
badaladas do mundo, incluindo as suas próprias - o que amplia as tendências das ruas
do centro de Nova York. A bota de camurça Evergreen 2010 era mais alta e mais pesada
do que a de outras marcas, e seu minimalismo (três ilhós e dois pedaços de couro cortados)
visivelmente austero em
ilhós e dois pedaços de couro cortados) visivelmente austeros em

comparação, o que os tornava uma peça ideal para crianças descoladas como
Chloë Sevigny.
Depois de anos de saias, a marca Miu Miu de Miuccia Prada apresentou
terninhos verdes Pineneedle combinando para o outono/inverno 2010; modernos
e metálicos, eles eram ideais para garçons modernos como Kate Lanphear.
Terno diurno com casaco combinando Imprimir anúncio Leeds Ltd. 1944
Terno com blazer oversized Miuccia Prada para Miu Miu

Outono/Inverno 20102
Vestido de noite longo em veludo de seda com mangas moldadas e bainha recortada com motivo floral em pampilles metálicos
dourados, strass e pedras lapidadas Marc Bohan para Christian Dior 1963
Bota clássica de cunha Suede W5 Cerimônia de Abertura 2010

Verde Ultramarino
Aproveitando a força de uma esmeralda, o atraente Ultramarine Green exala confiança,
tornando-o um favorito da moda.
Em 1947, Nancy Berg fugiu de casa e começou a modelar. Três anos depois, Berg lembra-
se de ter ido para Nova York: “Fiquei no 123 Em 1955, no hotel Plaza e em seis meses, estava
Vogue”. na capa da
Berg modelou um blazer quadradão “Capri” em Viridis para Talbott. Cinco anos depois, Nancy
Berg ganhava US$ 40 mil por ano como uma “garota glamourosa” e “aproveitava cada minuto
disso”. 124 Berg, nascido nos Estados Unidos, mais tarde passou a atuar quando uma nova safra
de modelos londrinos - Twig, Cod e Tree - saltou na frente das lentes.
Henrietta Kenengeiser, mais conhecida como Hattie Carnegie, tornou-se incrivelmente

bem-sucedida na indústria da moda, apesar de não saber costurar nem desenhar. Depois
de anos trabalhando na Macy's, Carnegie, de dezenove anos, abriu sua própria chapelaria
em 1909. Em 1940, a Hattie Carnegie Inc. empregava mais de 1.000 pessoas. Os
Originais de Carnegie, baseados em designs parisienses, foram criados por meio da comunicação
de ideias de estilo de Carnegie àqueles que tinham a capacidade de torná-las realidade. Em
1943, o “minúsculo, tempestuoso e talentoso” Carnegie vendeu um vestido de malha com
gola canoa Verde Ultramarino, fotografado por John Rawlings.
125
Sempre que uma socialite experimenta a moda, os insiders zombam e riem.

Até Carolina Herrera sofreu esse destino no início de sua carreira. No entanto, tal como Herrera,
Tory Burch construiu um império glorioso com uma base sólida. Desde 2004, as
roupas esportivas americanas clássicas, porém modernas, de Burch - com detalhes estrangeiros
de suas viagens aqui e ali - encantam. A beleza e as conexões WASPy de Burch foram
mais notadas do que suas sérias credenciais na indústria, apesar do fato de que, antes de
lançar sua própria linha, ela trabalhou para Ralph Lauren, Vera Wang e Narciso Rodriguez
na Loewe. Para o outono / inverno 2012-2013, Burch baseou sua linha no filme In the
Mood for Love, incluindo peças afetadas com um pouco de coragem, como seu vestido franzido
na altura dos joelhos em Shady Glade da modelo Codie Young.
Nascida nas Filipinas, Monique Lhuillier mudou-se para Los Angeles para estudar no Fashion
Institute of Design and Merchandising (FIDM). Como Vera Wang,
o Instituto de Design e Merchandising da Moda (FIDM). Assim como Vera Wang, Lhuillier
ficou desencantada com as opções de vestidos de noiva e começou seu negócio
confeccionando vestidos de sonho para eventos especiais; como os de Randolph
Duke, os vestidos de Lhuillier são vistos com mais frequência em premiações de
celebridades como Kerry Washington e Lucy Liu. Para o outono de 2013, Lhuillier
escolheu a modelo Elsa Sylvan para exibir seu vestido Emerald de lantejoulas com
referência art déco, digno de um Oscar.
Vestido com cinto Tory Burch

Outono/Inverno 2012
Vestido de malha com decote largo Hattie Carnegie 1943

Blazer “C ap ri” P rin tad T alb ott 1 9 5 5

Vestido frisado Monique Lhuillier

Outono/Inverno 2013
Opala
Com o nome da pedra preciosa, a cor Opala é difícil de definir. Em constante
mudança sob a luz, Opala tem uma qualidade mágica que evoca admiração infantil.
Este verde suave carece de agressividade e exala vulnerabilidade, o que é evidente no
acessível padrão de casaco mod de 1970 da Vogue e na roupa masculina
Primavera/Verão 2012 de Van Beirendonck. Em contraste, Thierry Mugler escolheu o tom
suave para a sua roupa abertamente sexual no final da década de 1990, uma justaposição
que aumentou a sua natureza incendiária.
Mesmo em 1899, a Vogue sabia que nem todos os seus leitores teriam condições de
comprar as roupas apresentadas em suas páginas e começou a vender padrões de costura.
Em 1970, a Vogue Patterns ofereceu um casaco Brook Green estilo Cardin. Ao
vender looks de “designer” do tipo “faça você mesmo” por quase nada, a Vogue
Patterns continua a existir, apesar da diminuição exponencial da costura doméstica
americana.
Thierry Mugler usa provocativamente o erotismo em seus designs. Para a
primavera/verão de 1999, Mugler vestiu a modelo Ester Cañadas com um
peignoir de chiffon transparente Lucite Green que revelou uma tanga correspondente.
Justificando seu design, Mugler brincou: “a maioria da população mundial sempre
colocaria o decote acima da praticidade”. 126
Nanette Lepore sabe o que é preciso para fazer sucesso em Nova York: “um guarda-roupa
como armadura e saltos de batalha.” 127 Desde o lançamento da sua marca de
sucesso em 1992, Lepore tem criado peças femininas e boho que, apesar da sua vibração
cool, provocam brigas entre clientes insaciáveis e celebridades, incluindo Blake Lively e
Leighton Meester. Para a primavera/verão 2009, ela produziu um vestido floral glamouroso
em Opala, confeccionado no Garment District da cidade.
Parte do “Antwerp Six”, o belga Walter Van Beirendonck vem causando confusão
desde 1983. Van Beirendonck apresentou o verde doce em seu desfile primavera/verão de
1998, “A Fetish for Beauty”, onde complementou um vestido de tule opala com uma
máscara de gás correspondente. Para a primavera/verão 2012, ele colocou
subversivamente o delicado tom Honeydew em sua coleção masculina. O conjunto é
surpreendentemente usável para Van Beirendonck. Fora do contexto, o blazer
funcionaria para um benefício dos Hamptons, excluindo a pintura facial complementar, é
claro. A paleta pastel fez com que as peças desconstruídas, destruídas, oversized e
babadas
parecem menos abrasivos. “Desde o primeiro dia, quando comecei a estudar moda,
gostei e usei muito as cores. Para mim, fazem parte da forma como expresso as
128
minhas ideias nas coleções”, explicou Van Beirendonck.
Vestido com babados Nanette Lepore

®
Casaco Vogue Padrões 1970
Blazer estampado com camisa, calças e sapatos Walter Van Beirendonck

Penhoir de chiffon com babados sobre calcinha combinando Thierry Mugler

Cicuta
“O gosto pelos requintes do século XVIII levou todas as mulheres a uma espécie de
deliquescência. . . tudo o que era macio, desbotado e insípido era tido em honra. Eu
joguei neste redil alguns lobos rudes. . . verdes. . . isso fez todo o resto
cantar em voz alta.”
—Paul Poiret 129
Este tom amigável de verde deve o seu nome a uma planta notoriamente letal. O
tom sutil da cicuta tem nuances naturais, uma das cores mais neutras da Mãe Natureza.
Designers como Vivienne Westwood e Basso & Brooke reconheceram sua versatilidade
e apelo.
Fundada na década de 1930, a Idées: Détails-Couture foi uma das primeiras marcas limitadas.
edição de publicação da indústria da moda com estampas pochoir coloridas à
mão, talvez um precursor da previsão de tendências. Antecipando a moda futura na
década de 1950, a edição de 1949 publicou um casaco de alta costura verde
Meadow com uma versão inicial da silhueta A-line, que Christian Dior estreou com
ótimas críticas na primavera de 1955.
A rainha da reinvenção, Vivienne Westwood lançou “Let It Rock”, promoveu
“Sex” e convocou “Seditionaries” para se reunirem antes do “World’s End”. Em sua
contínua reviravolta nas normas inglesas, Westwood mergulhou na literatura do
século XVII e na arte do século XVIII, inspirada na fête galante de Jean-Antoine
Watteau e nas máximas de François de La Rochefoucauld.
Feito para Les Femmes ne connaissent pas toute leur coquetterie (Mulheres que não
entendem toda a extensão de sua coquete), o vestido “Watteau” primavera/verão 1996
de Westwood coopta roupas idílicas de tempos passados e as desestabiliza. O
babado e o pufe assimétricos aparecem como protuberâncias e protuberâncias não
naturais que são, enfatizando a maleabilidade da silhueta nas mãos de um designer
mestre como Westwood. A tonalidade Hemlock do vestido é brilhante, ao mesmo
tempo doce e sinistra.
Em 2004, o artista digital brasileiro Bruno Basso e o estilista britânico
Christopher Brooke, que forma a dupla londrina Basso & Brooke, fez história com
a primeira coleção 100% impressa digitalmente. Como o Dr.
Cathy Treadaway, da Cardiff School of Art & Design, destaca: “Monitores de
computador. . . são capazes de produzir até 16,4 milhões de cores,
muito mais do que o olho humano pode ver”, 130 o que, observa Basso, permite uma
e muito milimétrica” de trabalhar de Basso & Brooke. “maneira muito precisa
A coleção primavera/verão 2007 incluía cores numerosas demais para serem
contadas, mas contou com tons Sprucestone por toda parte.
Desde 1986, Blanc de Chine cria peças de vestuário que incorporam os valores
do design chinês em artigos de moda de luxo. A blusa de chiffon de seda e as calças
largas de seda em Jadesheen desenhadas no final dos anos 2000 por Kin Yeung
incorporam a filosofia Blanc de Chine de sutileza, funcionalidade e conforto.
Top torcido de chiffon de seda e calças largas Kin Yeung para Blanc de Chine no final dos anos 2000
Vestido estampado, meia-calça e boné Basso & Brooke

Casaco feminino e chapéu de penas Estampa Pochoir de uma Idées: Détails-Couture folio 1949
Vestido de noite de seda e tafetá Vivienne Westwood

Veneno Verde
A tonalidade da moda conhecida como “Verde Paris” tornou-se subitamente mortal no
século XIX, quando o arsénico se tornou um componente do seu fabrico.
A tonalidade sinistra ganhou o apelido de “Verde Venenoso”, que permaneceu mesmo
depois que elementos inofensivos substituíram a adição mortal. Existem vários outros
nomes para tons semelhantes, como Kelly, Fern ou simplesmente Vibrant Green, mas
nenhum transmite a mesma ameaça e intriga da tonalidade que Poison Green.
Hoje, Gabrielle “Coco” Chanel é uma lenda, um ícone, uma ideia, cuja
persona eclipsou sua personalidade. Dez anos após sua entrada na alta-costura,
Georges Auric lembra: “Paris em 1925 era uma festa perpétua.
E Coco Chanel era o símbolo vivo de todo luxo e cada 132 Chanel é tão famosa
por sua extravagância Little Black do período.”
Vista-se de forma que seu notável uso de cores seja muitas vezes esquecido. Em 1927,
Chanel fundiu art déco e Japonisme para seu casaco de teatro em crepe de seda verde
vibrante e preto com crisântemos em brocado de ouro. Loelia Ponsonby observou:
“As roupas [da Chanel], simples e descomplicadas, eram consideradas o cúmulo do chique”.
133 Enquanto o sucesso do “retorno” da Chanel no pós-guerra ainda estava sendo debatido
na Paris dos anos 1960, os consumidores americanos estavam nas garras da
Chanelmania. Aqueles que não pudessem comprar seus ternos (ou mesmo cópias)
poderiam se deliciar com suas bijuterias coloridas, como esta pulseira dourada com vidro
Fern Green e pérolas artificiais.
A obsessão de Manolo Blahnik por sapatos manifestou-se em 1971 a pedido da editora-
chefe da Vogue, Diana Vreeland. Blahnik relembra: “Ela olhou meus desenhos e começou a
gritar. . . . Ela disse: 'Vá fazer sapatos'. Foi como um mandamento de Deus.” 134
Obedecendo, Blahnik rapidamente alcançou a fama no calçado. Para o desfile de Ossie
Clark em 1971, Blahnik evitou a tendência das plataformas, em vez disso criou saltos
altos de tiras Poison Green com cerejas decorativas. Perigosos e deliciosos, “os sapatos
de Manolo Blahnik são sobre sexo – sexo ousado, até mesmo um pouco ameaçador”. 135
“Gostamos de cores bonitas e lisonjeiras!” 136 Tracy Reese
sorriu, resumindo
as coleções de sua carreira. Artistas dadaístas como Man Ray inspiraram a coleção
primavera/verão 2009 de Reese. Reese queria que a coleção “fazia você
Green, para te deixar feliz e otimista.” O 137 Seu sonho de mangas Kelly
minivestido sem dúvida trouxe alegria para muitos participantes de
coquetéis, incluindo a socialite nova-iorquina Tinsley Mortimer.
Para a primavera/verão 2013, Frida Giannini da Gucci vestiu roupas gigantescas
a modelo do momento Ondria Hardin em um vestido Vibrant Green com capa.
Combinando com ele, havia um colar berrante, uma referência falsa às joias dos
anos 60 de Liz Taylor. A disposição da Giannini em incluir cores vivas está
fortalecendo a popularidade da marca durante os verões escaldantes.
Vestido com sobretudo combinando Frida Giannini para Gucci

Tal como os “Três Grandes” japoneses, os “Seis de Antuérpia” foram movidos

pelas possibilidades do preto. O contingente belga entrou no cenário da moda
londrina em 1986, garantindo imediatamente encomendas da Barneys New York.
Embora Ann Demeulemeester e Dries Van Noten compartilhem histórias de origem
semelhantes, seu trabalho difere dramaticamente. Demeulemeester, cujo
trabalho expressa uma força sem remorso, explica suas criações sombrias: “Quando
estou trabalhando com uma nova forma, não quero me distrair com a cor”. 198
Dries Van Noten, cerebral e experimental, muitas vezes combina temas
incongruentes como florais e padrões. Seu terno preto outono/inverno 2012-2013 é
tudo menos básico com sua visão pós-moderna do Japonismo.
Vestido “Cruella de Vil” Ann Demeulemeester

Outono/Inverno 2011
Suéter de renda sobre blusa e saia de jersey Rei Kawakubo para Comme des Garçons 1982
Terno Seca Van Noten

Outono/Inverno 2012–2013
Vestido de malha elástica Yohji Yamamoto

Preto azeviche
“Antes de haver luz, havia preto. Preto é tudo, querido.”
—Francesco Scavullo 199
Entre 1883 e 1884, John Singer Sargent pintou Madame X em um vestido preto
com corpete em V profundo e alça deslizante, mas o mundo não estava pronto
para que a cor fúnebre fosse sexualizada, e o 200 No entanto, trinta anos
“mais ridículo do que elogios”. depois, a pintura recebeu
Gabrielle “Coco” Chanel criou seu primeiro vestido preto, alterando drasticamente sua
associação com o luto. Em 1926, a Vogue declarou-o “o vestido que todo o mundo
usará” em 201 e ainda considera este “Ford” da moda o “ne plus ultra do chique
discreto”. 202 O vestidinho preto da Chanel (agora tão onipresente que é abreviado pela
mídia da moda como “LBD”) tornou-se de fato um item básico do guarda-roupa
em todo o mundo, em parte por causa de suas propriedades emagrecedoras
e capacidade de esconder a sujeira da vida urbana.
Em 1961, Audrey Hepburn como Holly Golightly em Breakfast at Tiffany's
ansiava por uma vida fora de seu alcance, fazendo tudo ao seu alcance para agarrá-
la e fingi-la até conseguir. O vestido de Hubert de Givenchy representava as
aspirações glamorosas de Golightly e transmitia visualmente um status de elite - ao
mesmo tempo que cobria as clavículas salientes de Hepburn, que ela odiava!
Ironicamente, o desejo de Golightly por uma vida extravagante (inacessível), ilustrado
por seu traje, passou a representar a imagem definitiva do luxo, sendo vendido por
US$ 923.187 no leilão da Christie's em 2006 (o preço mais alto pago por um vestido
usado em um filme). Se o vestido é “puro” da Givenchy é motivo de
especulação: há rumores de que a figurinista de Hollywood, Edith Head, alongou o
vestido, já que seu tamanho parisiense original era muito atrevido para a tela grande.
O preto fez a transição ao longo do século 20 do chique da Chanel para o
glamoroso da Givenchy e para o sensualmente sexy, cortesia do mestre do body-con
Azzedine Alaïa. Seu vestido de 1984, que cobria todos os contornos, transformou as
mulheres em obras-primas da topografia. A obsessão de Alaïa pelo preto tornou-
se cimentada quando ele solicitou a todos os 1.186 participantes do seu desfile
de 1985 que o usassem. A maioria de seus admiradores sim, incluindo Andy Warhol,
Stephen Sprouse e a modelo/ícone Tina Chow.
Donna Karan foi fundamental não apenas para colocar Nova York na moda
mapa, mas também em tornar o preto a cor preferida nos guarda-roupas dos nova-iorquinos.
O trabalho de Donna Karan, ao contrário do de Alaïa, não possui uma sexualidade
evidente, o que o torna ideal para mulheres trabalhadoras cosmopolitas como ela. Karan,
que construiu sua marca com base na ideia de “sete peças fáceis” em 1985, acredita que
vestir deve ser simples. Um de seus looks essenciais é o body, usado por baixo da saia ou
calça. Praticante de zen urbano, Karan também observa que pode ser usado para fazer
ioga - uma de suas maneiras favoritas de encontrar calma no caos da cidade.
Vestido de couro Azzedine Alaïa 1984

Vestido para Audrey Hepburn em Breakfast at Tiffany's desenhado por Edith Head Hubert de Givenchy e
Edith Cabeça 1961
Anúncio impresso de body com Cate Blanchett Donna Karan 2003

Retrato de Coco Chanel de Man Ray 1935

Cor PANTONE do Ano

No início de cada ano, desde o início do novo século, a Pantone seleciona
a Cor do Ano. Esta é a tonalidade que melhor sintetiza o espírito da época
e que deverá surgir em todo o lado ao longo dos próximos meses,
tanto na moda como noutras áreas do design e da vida quotidiana. Aqui
estão as primeiras quinze iterações da Cor do Ano, conforme capturadas
no comunicado de imprensa anual da Pantone sobre o assunto,
reunidas pela primeira vez.
2000
PANTONE 15-4020
Cerulean
O momento milenar correu em direção a um futuro estimulante, mas incerto, mas também
foi tingido de nostalgia. Consolo, paz interior e realização espiritual eram desejados
nesta era estressante e de alta tecnologia, e Cerulean oferecia calma.
Vestido sem mangas com bolsa e sandália tipo sling atrás Calvin Klein
2001
PANTONE 17-2031
Fuchsia Rose
Depois da consternação do milênio, Fuchsia Rose celebrou o início de uma nova era.
No início de 2001, o futuro era antecipado com grande entusiasmo, sem qualquer forma de
saber as mudanças trágicas que aquele ano traria.
Blazer Seca Van Noten

2002
PANTONE 19-1664 True
Red True
Red é a cor do patriotismo - não apenas nos Estados Unidos, mas em muitas nações ao
redor do mundo. Evocando paixão e energia adrenalizada, refletia a onda de emoção
que varreu o mundo nos meses que se seguiram ao 11 de setembro.
Regata esportiva universitária “Tommy” Tommy Hilfiger

2003
PANTONE 14-4811
Aqua Sky A
ansiedade permaneceu alta em 2003. Aqua Sky atendeu à necessidade de constância,
serenidade e confiabilidade sentida por muitos nesta época. Como um mar tranquilo ou um
firmamento, essa tonalidade oferecia paz e conforto em tempos incertos.
Quimono “romance hardcore” John Galliano para Christian Dior Haute Couture
Primavera de 2003
2004
PANTONE 17-1456 Tigerlily
Quanto
pior as coisas ficam, mais as pessoas precisam de cores para melhorar seu humor. À sombra do terrorismo
global, de uma economia lenta e das guerras em curso no Iraque e no Afeganistão, uma sombra de calor e
alegria como Tigerlily proporcionou um impulso muito necessário.
Conjunto Tim van Steenbergen

Outono/Inverno 2004
2005
PANTONE 15-5217 Blue
Turquoise Mais
uma vez foi necessária a garantia de um azul calmante. Mas a novidade em 2005 foi o
toque de excitação que o Azul Turquesa, como muitos azuis-verdes tropicais, sugere.
Talvez as coisas estivessem começando a melhorar.
Spaghet ti-s trap tie reddress Jason C auc hi para Alic e R oi

Primavera de 2005
2006
PANTONE 13-1106 Sand
Dollar Sand
Dollar, um neutro confiável, falava de solidez. À medida que a era começou a buscar formas de vida mais
naturais e orgânicas, os tons que evocavam o mundo natural estavam na ordem do dia. A cor foi atenuada.
Vestido Proenza Schouler

2007
PANTONE 19-1557 Chili
Pepper Este
ano assistimos a uma maior consciência das diversas influências culturais. A Chili Pepper,
com as suas conotações de exotismo picante tanto no sabor como na cor, evoca a
intimidade do mundo global e a fusão de tradições.
Vestido de mangas compridas M adame B em camadas John Gallia nofor Ch rist ain Dio r H aute C outure
Primavera / Verão 2 0 0 7
2008
PANTONE 18-3943 Blue
Iris
Combinando os aspectos estáveis e calmantes do azul com as qualidades místicas e
espirituais do roxo, Blue Iris satisfez a necessidade de confiança em um mundo complexo,
sem descartar a possibilidade de mistério e excitação.
Vestido Reem Acra

Outono/Inverno 2008
2009
PANTONE 14-0848
Mimosa
A profunda incerteza económica esteve lado a lado com a mudança política histórica
quando Barack Obama entrou na Casa Branca. A necessidade de otimismo era primordial. E
nenhuma outra cor expressa mais esperança e segurança do que o tom de amarelo mais
edificante, Mimosa.
Vestido com babados em cascata Carolina Herrera

2010
PANTONE 15-5519
Turquesa
As qualidades serenas do azul eram procuradas intermitentemente há uma década, mas
agora, pela primeira vez, estavam decididamente ligadas aos aspectos revigorantes
do verde. Alternadamente calmante, lânguido, escapista e energizante, o Turquesa restaurou
uma sensação de bem-estar.
Vestido com cinto e fivela Peter Som

2011
PANTONE 18-2120
Honeysuckle
Honeysuckle, um rosa avermelhado dinâmico, evoca vibração e vigor.
Encorajador e edificante, foi uma sombra para elevar a psique, incutindo confiança,
coragem e espírito para enfrentar os desafios por vezes exaustivos da vida moderna.
Quimono estampado com obi preto Nanette Lepore

2012
PANTONE 17-1463 Tangerine
Tango Não foi por acaso

que na segunda década do século a laranja ganhou maior aceitação. À medida que os tempos se tornavam
mais animados e prontos para avançar, o Tangerine Tango, um tom dramático e de alta visibilidade que
emana calor e energia, ofereceu um impulso de recarga.
Terno sob medida com cinto Kate e Laura Mulleavy para Rodarte
Outono/Inverno 2012
2013
PANTONE 17-5641
Esmeralda
Crescimento e renovação, cura e prosperidade, unidade e clareza – 2013 trouxe
esperança para a regeneração. Sofisticada e luxuosa, a verdejante esmeralda verde – a
cor poderosa da beleza e da nova vida – aumenta a sensação de bem-estar ao promover
visão, equilíbrio e harmonia.
Calças Tracy Reese

2014
PANTONE 18-3224
Radiant Orchid
Em 2014, o calor cativante de Radiant Orchid – um roxo expressivo, confiante e
envolvente – intrigou os olhos e despertou a imaginação. Emanando alegria, amor e
saúde, o encanto sedutor deste tom rosado e brilhante incentivou a inovação, a
originalidade e o pensamento criativo.
Look de noite com enfeites florais Temperley

Notas finais
1 Elena Phipps, “Vermelho Cochonilha: A História da Arte de uma Cor”, Boletim
do Metropolitan Museum of Art, Inverno de 2010: 5.
2 Colin McDowell, Fashion Today (Londres: Phaidon, 2000), 60.
3 Carmel Snow com Mary Louise Aswell, The World of Carmel Snow (Nova York: McGraw-Hill
Book Company, 1962), 170.
4 Sam Irvin, Kay Thompson: De Funny Face a Eloise (Nova York: Simon & Schuster, 2010),
242.
5 Mundo de Carmel Snow, 170.
6
Kay Thompson, 242.
7 Marvin Klapper e Mort Sheinman, Moda, Varejo e um Passado

Era: Inside Women's Wear Daily (Washington, DC: Beard Books, 2005), 44.
8 Erika Stalder, Fashion 101: Um curso intensivo em roupas (São Francisco: Zest Books,
2008), 25.
9 Ravi Mehta e Rui Juliet Zhu, “Azul ou Vermelho? Explorando o efeito de

Cor no desempenho de tarefas cognitivas”, Science 27, vol. 323 não. 5918 (fevereiro de
2009).
10 Grace Coddington, “Grace Notes: Um trecho do livro de Grace Coddington

Memórias”, Vogue.com, 18 de outubro de 2012, http://
www.vogue.com/magazine/article/grace-coddington-notes-excerpt-from-grace-a-
memoir/#1.
11 “Zandra Rhodes: um caso de amor para toda a vida com os têxteis”, Universidade de
Penny W. Stamps Speaker Series da Michigan School of Art & Design, outono de 2011,
http://vimeo.com/34954653.
12 Krissi Murison, “Estou com a banda”, The Guardian, 20 de março de 2008,

http://www.theguardian.com/lifeandstyle/2008/mar/21/fashion.popandrock .
13 Richard Martin, “Edward H. Molyneux”, Enciclopédia de Designer de Moda, http://

www.fashionencyclopedia.com/Ma-Mu/Molyneux-Edward-H.html.
14 Ernestine Carter, Nomes Mágicos da Moda (Englewood Cliffs, NJ:

Prentice-Hall, 1980), 73.
15
Tracey Lomrantz Lester, “Carolina Herrera Says Orange Is the New Red: What Do You
Think?”, Glamour blog, 8 de junho de 2009, http://
www.glamour.com/fashion/blogs/slaves-to-fashion/2009 /06/
carolina-herrera-diz-orange-i.html.
16 Laura Jacobs, “From Hermès to Eternity”, Vanity Fair, setembro de 2007.
17 Bernadine Morris, “Para ajudar o festival, as malhas são dançadas na moda

Show”, The New York Times, 23 de fevereiro de 1973.
18 Alexandra Kotur, Carolina Herrera (Nova York: Assouline, 2004), 144.
19 Corina Miller, “Carolina Herrera: Designer de Moda”, Líderes Latinos 8,

não. 2 (abril de 2007).
20 Fabricio Forastelli, “Scattered Bodies, Unfashionable Flesh”, The Latin American

Fashion Reader, editado por Regina A. Root (Oxford, Reino Unido: Berg, 2005),
288.
21 Entrevista com Ida Johansson realizada em 14 de fevereiro de 2013.
22 Diane Dakers, Calvin Klein: Superstar do Design de Moda, Nova York:

Publicação Crabtree Tree (2011): 25.
23 Akiko Fukai e Tamami Suoh, Moda: A Coleção de Kyoto

Costume Institute: Uma História do Século 18 ao 20 (Nova York: Taschen, 2002), 620.
24
Suzy Menkes, “McCartney cresce, Vuitton é charmosa, Elbaz para Lanvin abriga uma
questão de identidade”, The New York Times, 12 de março de 2002.
25 “Aquela garota Jantzen está aqui de novo!”, anúncio da Jantzen Knitting Mills
(1941), ilustrado por Alberto Vargas.
26 Jean Demachy e François Baudot, Elle Style: The 1980s, Paris: Filapacchi
Publishing (2003): 12.
27 Lauren David Peden, “Dossiê em conversa com Shelly Steffee,”

Dossier Journal, 14 de maio de 2010,
http://dossierjournal.com/style/fashion/dossier-in-conversation-with-shelly-steffee/.
28 “Relatório de cores da moda primavera/verão 2005”, Pantone 22 (setembro

2004).
29. Daniela Morera, “Giorgio Armani”, Entrevista.

http://www.interviewmagazine.com/fashion/giorgio-armani/#_
30 Bernadine Morris, “Saint Laurent Draws Cheers and Tears”, The New York
Times, 25 de janeiro de 1990.
31 Ibidem.
32 Alicia Drake, A bela queda: moda, gênio e excesso glorioso na década de 1970
Paris, Nova York: Black Bay Books, 2006: 211.
33
“Daily Hues for Fall 1998”, Pantone 9, no. 5 (1998).
34 Kate Betts, “Moda: Tahari on a Tear”, TIME, 29 de outubro de 2006.

35
“Prada”, blog da Voguepedia, http://www.vogue.com/voguepedia/Prada.
36
Cathy Horyn, “Girando e girando, Prada mostra suas saias”, The New York Times, 13 de
abril de 2006.
37 Maxwell Gillingham-Ryan, “An Interview with Todd Oldham,” blog Apartment

Therapy, 8 de novembro de 2012,
http://www.apartmenttherapy.com/next-thursday-nov-8th-todd-oldham-
apartmenttherapy-design-evenings -179754.
38 “7th on Sixth Fashion Color Report, Spring 2000,” Pantone 12 (setembro de

1999).
39 Robert Janjigian, “American Fresh”, Palm Beach Life (dezembro de 2005),

74.
40 Meenal Mistry, “Arma secreta de Max Mara”. Revista Partidas, novembro/dezembro

de 2011.
41 Ibidem.
42 Bênção Maregere, quem disse que você não pode ser jovem e bem-sucedido?
(Bloomington, IN: Xlibris, 2011), 98.
43 Charlotte Cowles, “O figurinista da dinastia Nolan Miller está morto”

Blog da New York Magazine, http://nymag.com/thecut/2012/06/dynasty-costume-
designer-nolan-miller-is-dead.html.
44 Sarah Mower, “Review: Alexander McQueen Fall 2012”, blog da Vogue, http://
www.vogue.com/fashionweek/fall-2012-rtw/alexander-mcqueen/review/
#.
45 Betty Wilson, “Schiaparelli inspirado em Wattle and Rabbits”, The Sydney Morning
Herald, 1º de julho de 1937.
46 Elsa Schiaparelli, Shocking Life (Londres: V&A Publications, 2007), 89.
47 Diana Vreeland, DV, ed. George Plimpton e Christopher Hemphill

(Nova York: Da Capo Press, 1997), 106.
48
“Mallyn Monroe: William Travilla Entrevistado”, filmagem original da A&E, http://
www.youtube.com/watch?v=6DAHcwgQv5k.
49 Kate Finnigan, “Dressing Marilyn Monroe”, Telegraph UK, 9 de outubro de 2011,

http://fashion.telegraph.co.uk/news-features/
TMG8811806/Dressing-Mallyn-Monroe-html.
50 Bernadine Morris, Valentino (Nova York: Universe/Vendome, 1996), 76.
51 Bill Blass, Bare Blass (Nova York: HarperCollins, 2003), 108.

52
“Biografia: Valentino Garavani”, Museu Virtual Valentino Garavani, http://
www.valentino-garavani-archives.org/.
53
“Valentino”, NYTimes.com, http://
topics.nytimes.com/top/reference/timestopics/people/v/valentino/i ndex.html.
54 Brenda Dionisi, “Elio Fiorucci,” The Florentine, 28 de janeiro de 2010,

http://www.theflorentine.net/articles/article-view.asp?issuetocld=5297.
55 “Deusa do Sol”, Praça Nelson Mandela em Sandton City,

http://www.nelsonmandelasquare.co.za/libprop/content/en/nelsonmand ela-square/
nelsonmandela-square-store-search?
oid=440&sn=Detalhe&pid=115.
56 “South African Fashion: Sun Goddess”, vídeo do YouTube, 2 de setembro de

2007, http://www.youtube.com/watch?v=_5klFd1cjb0.
57 “Sobre: Perfil do Designer: Yeohlee,” YEOHLEE, yeohlee.com/about/, acessado

em 21 de novembro de 2012.
58 Jill Fairchild, “A casa que Hannant construiu”, Avenue Magazine,

janeiro de 2010.
59Mark Badgley. Blog CFDA. http://www.cfda.com/members#!mark-

badgley.
60 “Fashion Color Report Outono 2004”, Pantone 21 (fevereiro de 2004).
61 Ibidem.
62 Janet Ozzard, “Ralph Lauren”, Style.com blog, http://

www.style.com/fashionshows/review/F2004RTW-RLAUREN.
63 Elizabeth Hawes, Fashion Is Spinach (Nova York: Random House, 1938),

337.
64 Christian Esquerin, Adrian: Silver Screen to Custom Label (Nova York: The
Monacelli Press, 2008), 20.
65 Janet Markarian, “Allard, Linda”, Enciclopédia de Designers de Moda,

http://www.fashionencyclopedia.com/A-Az/Allard-
Linda.html#ixzz2Qte1sFuv.
66 “Entrevista: Christopher Bailey”, blog Stylist UK, http://

www.stylist.co.uk/fashion/londonfashionweek/interview-christopher-
bailey#imagerotator-1.
67 Deborah Arthurs, “Impertinente, mas legal! Christopher Bailey dá Burberry

a Kinky Makeover,” Daily Mail (blog), 18 de fevereiro de 2013, http://
www.dailymail.co.uk/femail/article-2280653/LondonFashion-Week-Christopher-
Bailey-wows-Burberry-Christine-Keeler- inspirado-Cara-Delevingne-rubber-
skirt.html.
68 Ibidem.
69 R. Couri Hay entrevistando Michele Gerber Klein, “The Charles James Story”,
vídeo, Anton Perich (Nova York, 2008), https://
www.youtube.com/watch?v=jxGHaR5QXp0.
70 Joan Kron, “Exibicionismo: História como poder da moda”, New York

Magazine, 12 de janeiro de 1976.
71 Anne Hollander, Alimentando os Olhos: Ensaios Berkeley: University of

California Press, 2000 51.
72
“Amy Smilovic”, Huffington Post, http://www.huffingtonpost.com/amy-smilovic/.
73 “Paris Couturiers Show New Style”, The New York Times, 27 de julho de 1926.
74 Valerie Steele, Paris Fashion: A Cultural History (Oxford, Reino Unido: Oxford
University Press, 1988) 247.
75 “Paris Designs Winter Coats”, The New York Times, 19 de setembro de

1926.
76 “Um guia genial para cortar a curva”, site da Organização Mundial da Propriedade
Intelectual, http://www.wipo.int/ipadvantage/en/details.jsp? id=2720.
77 Ibidem.
78 Diana Lurie, “Close-Up: Quando Mollie Parnis acha que um vestido vai vender, ele vai”,
LIFE, 17 de junho de 1966.
79 Ibidem.
80 Andrew Bolton, Anna Sui (São Francisco: Chronicle Books, 2010), 189.
81 Robert Janjigian, “American Fresh”, Palm Beach Life (dezembro de 2005).
82 Leatrice Eiseman, Cores para todos os seus humores (Washington, DC: Capital Press,
1998), 92.
83
“Augusta Bernard está na vanguarda da moda parisiense”, L'Officiel de la Mode 94 (1929):
http://patrimoine.jalougallery.com/lofficiel-de-la-mode-numero_94-page_18-detailp-13-88
-18.html#.
84
“Augustabernard,” O Museu da FIT, http://
fashionmuseum.fitnyc.edu/view/people/asitem/A/15.
85
Stephen Gaines, Simply Halston (Nova York: GP Putnam's Sons, 1991), 115.
86
Ibid., 125.
87
Jerry Bowles, “Will Halston Take Over the World?”, Esquire, agosto de 1975.
Casaco de caxemira sobre vestido de jersey de seda com lantejoulas douradas Norman Norell para Traina-Norell por volta de 1958
Vestido de Douglas Hannant Pantone 7º no Sexto Fashion Color Report

Primavera de 2000
Macacão em caxemira dupla face MaxMara

Outono/Inverno 2012
Terno social de tweed estampado com chapéu de camelo Todd Oldham

Outono/Inverno 1997
Rosa Celestial
“Eu acredito em rosa. Eu acredito em beijar, beijar muito. Acredito que amanhã é outro dia e
acredito em milagres.”
—Audrey Hepburn
42
No século 20, o rosa se tornou a cor característica da feminilidade: de meninas, bonecas, sapatilhas
de bailarina e vestidos de dama de honra. Ao longo dos anos, Heavenly Pink passou por uma
metamorfose. Em 1929, Madeleine Vionnet inventou uma confeitaria de chiffon esvoaçante, que
quase beiraria a sacarina se não fosse pelo seu decote ousado.
Após a Segunda Guerra Mundial, ocorreu uma corrida desesperada para “normalizar” os papéis de género.
A hiperfeminilidade floresceu. É preciso “Pensar Rosa!” afinal. A roupa de 1956 da R&K Originals
encapsula perfeitamente um visual moderno, feminino e relativamente acessível. O slogan da
empresa com sede em Manhattan, “Para a menina que conhece roupas”, reflete a era pré-feminista,
quando, independentemente da idade, as mulheres eram chamadas de “meninas”.
Os anos 60 movidos a ácido não se prestaram à doçura do Heavenly Pink, nem os naturalistas dos
anos 70. Mas, nos anos 80, o rosa pó estava de volta com força. Os trajes femininos dos anos 80, muitas
vezes deslumbrados com lantejoulas, eram a armadura das mulheres trabalhadoras. Até mesmo
mulheres fora do mundo corporativo começaram a adotar o estilo de roupa. Os figurinos da dinastia
do designer Nolan Miller comunicavam um poder feminino exclusivamente americano: “Quando ela
anda pelo corredor, você pode não saber quem ela é, mas sabe que ela é rica e é melhor sair do
caminho”.
43
Assim como Miller, Alexander McQueen também desenhou para mulheres ferozes, mas
após seu suicídio, o futuro de sua gravadora era incerto. Humilde e trabalhadora, Sarah Burton
está ao lado de McQueen desde 1997 e continua a traduzir a sua visão para o mundo de hoje. O
vestido “Pink Fluff” de Burton homenageia o fascínio de McQueen pela natureza e também pelo
surreal, ao mesmo tempo que permite que a voz feminina de Burton seja ouvida.
O “futurismo suave” de Burton transformou a modelo Frida Gustavsson em uma heroína de ficção científica
vestida com “um enorme vestido rosa pastel ondulando em oito camadas de centenas de minúsculas
dobras de chiffon”. 44
Os vestidos de dama de honra são geralmente trágicos, desgastados e, idealmente, queimados.

Vendo o padrão baixo e o mercado aberto, Jenny Yoo, nascida na Pensilvânia
Vendo a barra baixa e o mercado aberto, Jenny Yoo, nascida na Pensilvânia, sentiu-se
chamada a criar trajes lisonjeiros para aqueles que caminhavam pelo corredor, mas não se
dirigiam ao altar. O vestido “Hannah” de chiffon enrugado com cintura império da graduada
da Parsons em Pink Dogwood apresenta um babado enviesado que molda e suaviza a
silhueta.
Vestido com saia completa Anúncio impresso com Jan Rylander R&K Originals 1956
Jaqueta de lã Nolan Miller Dynasty Collection por volta de 1980

Hannahc hiff ongown Jenny Y oo Coleção de vestidos de noiva

Primavera 2 0 0 9
Vestido fofo Sarah Burton para Alexander McQueen

Outono/Inverno 2012
Rosa choque
Tudo começou com um diamante Cartier de 17,47 quilates. O tom Shocking Pink da
famosa pedra da herdeira Daisy Fellowes, a Tête de Bélier, inspirou a coleção de 1937
da designer Elsa Schiaparelli. A jornalista de moda Betty Wilson pode ter sido a
primeira pessoa a ficar chocada com a cor. Depois de ver o tom vibrante na
passarela, ela escreveu: “Schiaparelli é 'louco, mau e selvagem'”, embora aquele “rosa
impressionante. . . pode ser tremendamente bom.” 45
Schiap considerou a tonalidade “brilhante, impossível, vivificante, como toda a luz
e os pássaros e os peixes do mundo juntos.” 46 A lendária formadora
de moda Diana Vreeland adorava “o rosa de Schiaparelli, o rosa dos Incas”. 47

Tornou-se a cor característica de Schiaparelli, adornando seu perfume Shocking, para
o qual Leonor Fini desenhou um frasco no formato rechonchudo de Mae West.
Embora o diamante mítico esteja perdido há muito tempo, a cor continua viva.
Shocking Pink voou da Paris dos anos 1930 para Hollywood dos anos 1950, e
mais uma vez os diamantes estiveram envolvidos. Pouco antes de ela filmar seu
número icônico em Gentlemen Prefer Blondes, “Diamonds Are a Girl's Best Friend”,
O calendário de nudez de Marilyn Monroe foi exposto à imprensa. Em pânico, o estúdio
ligou freneticamente para o figurinista William Travilla. “Temos que [realmente] vesti-
la!” Travilla se lembra deles dizendo. “Então, fiz um vestido bem coberto, um vestido
rosa muito famoso, com um laço grande nas costas.” 48 Monroe adorou o vestido e
posteriormente escreveu para ele: “Billy, querido, por favor
me vista para sempre. Eu te amo, Marilyn.” 49
Sempre entrando e saindo de moda, Hot Pink desfrutou de uma passagem pela
meia-calça mod de Rudi Gernreich em 1971 e uma homenagem DayGlo nas coleções
sofisticadas inspiradas em graffiti de Stephen Sprouse de 1983 a 1985. Em 2011, o já
escandaloso a cor foi levada a novos patamares de erotismo quando Christian Louboutin
a apresentou em um par de sapatos de salto agulha com salto de quinze centímetros e
plataforma de cinco centímetros e meio. Negativamente chamados de saltos de
stripper, sua sexualidade sem remorso foi, no entanto, adotada, mesmo durante o
dia, por mulheres que não queriam esperar até o anoitecer para serem chocantes.
Para quem quer ser maluco e não lascivo, Fandango Pink resolve o problema,
especialmente na forma de chapelaria bizarra. A fabricante de chapéus de Yorkshire,
Justine Bradley-Hill, mantém viva a tradição anglo-americana de chapéus selvagens com
Justine Bradley-Hill mantém viva a tradição anglo-americana de chapéus

selvagens com seu “Disco Sinamay” adornado com um nó torcido e pena de
faisão, uma ode ao interior da Inglaterra.
Vestido Elsa Schiaparelli Outono 1937

Vestido “Pink Diamonds” para Marilyn Monroe em Gentlemen Prefer Blondes desenhado e desenhado por
William Travilla 1953
Capacete com nós feito de sisal sinamay Justine Bradley-Hill por volta de 2010
Papoula Vermelha
“O vermelho é uma cor fascinante; a cor da vida, do sangue e da morte, da paixão e

do amor; a cura definitiva para a tristeza.
—Valentino 50
O vermelho é impressionante e chama a atenção. Na década de 1980, a primeira-

dama Nancy Reagan ficou tão encantada com os designs de James Galanos que eles
se tornaram onipresentes em seu guarda-roupa. Ela usou suas peças em retratos oficiais,
eventos sociais, ocasiões oficiais e duas inaugurações. Como resultado, “Reagan
Red” passou a simbolizar poder, conservadorismo e democracia.
O designer Bill Blass adorava o vermelho, acreditando que era a cor definitiva. Ele
brincou: “Em caso de dúvida, use vermelho”. Nunca tendo trabalhado em nenhuma das
casas de alta costura parisienses, Blass é conhecido como o designer americano
por excelência. Ele era uma presença constante na Sétima Avenida e conquistou o
público das “senhoras que almoçam” na parte alta da cidade, incluindo Pat
Buckley e Nan Kempner, colecionadora de alta-costura, que se referia a ele como “como
a segunda vinda de Cristo” e o adorava. 51
Em 1999, Alexander McQueen criou uma peça de couro para o torso em High Risk
Red durante seu tempo na Givenchy. Embora o irascível McQueen nunca tenha
se misturado com a herança ou a obra da Givenchy, o seu trabalho para a Maison é
claramente um precursor da sua marca homônima estabelecida após a sua
saída. Embora o trabalho de McQueen como um todo seja brilhantemente inflamatório e
perturbador, esta peça específica é derivada do peitoral de bronze de 1969 de
François-Xavier e Claude Lalanne – slash – Yves Saint Laurent. No entanto, o corpete
justo em couro prensado ilustra a habilidade, engenhosidade e capacidade de McQueen
de levar a moda um passo adiante: aumentando a sexualidade evidente da peça,
tornando-a um vermelho diabólico.
Valentino criou seu próprio tom de “Vermelho Valentino”, que combina
a cor primária com “notas de laranja profundo para intensificar seu tom e 52 Em
apaixonou- 1949, Valentino Clemente Ludovico Garavani tornou-se impacto”.
se pela tonalidade durante uma viagem a Barcelona, e esta tornou-se a sua obsessão
para toda a vida. Uma década depois, ele mostrou seu primeiro vestido vermelho,
“Fiesta”, um divertido vestido de coquetel sem alças feito de tule drapeado e adornado
com quatro fileiras de rosetas. Para seu último desfile de alta costura em 2008, Valentino fez seu
o público ansioso espera com crescente expectativa, exibindo setenta e quatro

vestidos em branco, pistache e azul claro. Para o final do desfile - e de sua carreira
- seu septuagésimo quinto look contou com todo o elenco de trinta modelos
desfilando na passarela em vestidos vermelhos ardentes. Foi um final catártico para “o
Sheik do chique”. 53
Trinta modelos em vestidos idênticos durante o desfile final de Valentino Haute Couture
Vestido de seda James Galanos por volta de 1980

Saia de noite de seda com suéter de caxemira (invertido) Bill Blass 1984
Corpete de couro prensado com calças de couro (homenagem a Stanley Kubrick) Alexander McQueen por
Givenchy
Outono/Inverno 1999
granadina
As culturas antigas, dos hebreus aos hindus, acreditavam que o néctar das romãs
aumentava a fertilidade. Os bartenders podem usar xarope de granadina por seu sabor
azedo e doce, mas os designers da Era da Lei Seca até hoje usam a cor por seu apelo
sexual.
O vestido vermelho mandarim incrustado de strass de 1926, de Jean Charles Worth,
era condizente com a festa contínua da época, e sua cor provavelmente mascarava os
respingos de qualquer bebida em tons semelhantes. E embora a Grande Depressão tenha
matado instantaneamente o clima, o glamour sobreviveu na década de 1930. Em
novembro de 1934, o ilustrador da Harper's Bazaar, Reynaldo Luza, capturou um vestido
“Vermelho Chinês” de Eva Lutyens (nascida Lywbrinska). Embora a fama de seu sogro, o
arquiteto Sir Edwin Lutyens, tenha superado a sua ao longo do tempo, em 1940, Eva Lutyens
recebeu a mesma reputação de outros costureiros londrinos como Norman Hartnell
e Victor Stiebel.
A figurinista duas vezes indicada ao Oscar Irene Lentz, que vestiu
Lana Turner e Doris Day não são tão conhecidas quanto Edith Head ou Adrian, mas seu
trabalho possui um fascínio atemporal de Hollywood. O vestido ombre de Lentz, que parecia
ter sido tingido em Grenadine, teve destaque em uma cena de dança do filme Easter
Parade de 1948, estrelado por Fred Astaire e Judy Garland.
A partir de 1967, Elio Fiorucci rapidamente mostrou “ao mundo uma 'nova' Itália, uma
Itália que poderia definir tendências.” Sua loja em Nova York, considerada a primeira
loja conceito, era adorada pelo amigo Andy Warhol e apelidada de “The Daytime Studio
54”. 54 No final dos anos 70 e início dos anos 80, Fiorucci transformou as botas de chuva
em algo para amar. Ao cortar as pernaltas um pouco acima dos tornozelos, forrá-las com lã e
adicionar um salto gatinho, as “Love Boots” do sapateiro italiano de segunda geração em
vermelho Fiesta fizeram as mulheres ansiarem pelos dias chuvosos.
"Sun Goddess", selo sul-africano de Vany e Thando Mangaliso. uma das lendas, reis e
apresenta “uma África majestosa. . rainhas, deuses e Embora autoexotizante, o rótulo refuta
55
deusas.” estereótipos de um
continente assolado pela pobreza, desprovido de alta moda, oferecendo e definindo
o luxo africano. A dupla explica: “Fazemos roupas africanas para o povo africano. Por
mais que sigamos as tendências internacionais, nós. . . combinar
combinamos com as tendências africanas, e fazemos algo bastante contemporâneo

e usável para as mulheres africanas”, como o vestido sem alças de 2008, cor de
tomate cereja, bordado em ouro. 56
Vestido de jantar com túnica de chiffon grosso e saia até o chão com corte enviesado e estampa
floral que também aparece no decote e na cintura Eva Lutyens Ilustração de Reynaldo Luza para
Harper’s Bazaar 1934
Vestido de seda “Bomvana Khamanga” com bolsa e capacete combinando Vanya e Thando Mangaliso para Sun Goddess
Primavera de 2008
Borracha “Love Boots” Elio Fiorucci por volta de 1979

Vestido de penas para Ann Miller no desfile de Páscoa Irene Lentz 1949
Carmesim
No outono de 2004, os designers começaram a se afastar da paleta de cores
puritana que se tornou a norma após o 11 de setembro, reintroduzindo o Scarlet
e o Crimson. Este vermelho mais profundo, com os seus tons azuis, abrangia
a escuridão da época, ao mesmo tempo que começava a afastar-se dela. Um
vermelho dramático e acelerado (da família da cochonilha) conquistou os corações
dos artistas têxteis já no século II aC e estava igualmente na moda em
2004 dC. Embora os designers de Nova York não tenham remontado sua
inspiração à antiguidade Na América do Sul, o seu ímpeto para utilizar a cor
resultou de um passado mais abrangente do que o habitual.
As capas drapeadas, capuzes e mantos usados por cavaleiros reais durante
as Cruzadas e o traje de Merlin, personagem de Geoffrey de Monmouth em 1150
dC, inspiraram o designer Yeohlee Teng, que acredita apropriadamente que
forma “as roupas de Rebecca Taylor eram tem magia. inspirado de
semelhante em unicórnios e dragões mitológicos, como aqueles apresentados na
tapeçaria Wild Men and Moors de 1440 DC, tecida com um fundo carmesim
distinto. As tapeçarias de parede da Renascença também inspiraram a
inconformista Nicole Miller; no entanto, ela misturou ecleticamente essa inspiração
com uma estética vitoriana e “uma pitada de militar [moderno]”.
Em vez de recorrer a têxteis medievais, a cliente Clueless Jill Stuart,
Douglas Hannant, vitrinista da Barneys que virou estilista de vestidos, e Max
Azria da BCBG (“Bon Chic, Bon Genre”) pensaram em joias brilhantes ao escolher
os tintos de suas coleções. Hannant afirmou que, assim como os rubis, “é a mulher
que você quer que brilhe”. 58 Enquanto aquele trigêmeo equiparava o vermelho
ao luxo das joias, Carolina Herrera refletia sobre os luxuosos resorts de
inverno suíços da década de 1930 e o traje chique usado perto das lareiras
dos salões. A dupla Mark Badgley e James Mischka inspirou-se naquela era
luxuosa de Nova York, quando El Marrocos e o Stork Club fervilhavam de estrelas
do cinema, aristocratas e da alta sociedade. A confiança de Badgley nas
Red 59 Uma infinidade transbordou, dizendo: “Um zíper e peças Lipstick
você é glamoroso!” os designers ficaram apaixonados pelo Rococco Red. Peter Som
e Ralph Lauren ficou fascinado por 60 Carmen Marc Valvo pelo seu “glamour”, 61
pelo seu “rico luxo”, pelo seu “drama”. 62 Para sua coleção Louis Vuitton, o sempre eclético Marc
Jacobs combinou o escarlate do xadrez escocês com referências a pintores

díspares: James Tissot e Tsuguharu Foujita. Para o outono de 2004, sem
dúvida, o vermelho acertou em cheio.
Anúncio impresso de Chloë Sevigny Louis Vuitton

Outono/Inverno 2004
Vestido Badgley Mischka

Outono/Inverno 2004
Casaco e vestido Douglas Hannant Outono 2004

Jaqueta Ralph Lauren

Outono/Inverno 2004
Vinho Rubi
Este rico tom de joia é a cor preferida pelos designers que são quase iconoclastas em seu
amor pela simplicidade. Ele fala por si - não são necessários acessórios.
Na década de 1930, Elizabeth Hawes disse abertamente “para o inferno com” o

americano, da supremacia
parisiense
da moda.63. Um defensor declarado da reforma do vestuário
Hawes implorou ao público: “Compre porque está certo. . . não porque seja verde ou azul,
não porque Patou o mostrou no mês passado, não porque todo mundo em Nova York
esteja usando, não porque a Vogue diz que é chique.
Compre porque você o usará com prazer por vários anos.” A defensora dos direitos das
mulheres, Elinor S. Gimbel, acatou o conselho de Hawes e comprou seu vestido de seda
Syrah outono/inverno de 1937 com gravatas azul-acinzentadas contrastantes na parte inferior
do quadril, que mais tarde ela doou ao Museu do Brooklyn.
Nascido Adrian Greenberg em Connecticut, Adrian, educado em Parsons, era uma “estrela
que vestia estrelas”. 64 Ele transformou Greta Garbo, Joan Crawford e Jean Harlow em
glamorosas deusas do cinema e, ao fazê-lo, transformou Hollywood na Paris da
América. Em 1941, Adrian deixou a MGM e fundou sua própria gravadora. O vestido de crepe
rayon de Adrian consiste em cinco tons variados de tinto Cabernet, tingidos demais
para se complementarem.
Datado entre 1944 e 1945, o vestido foi criado durante o período de fascínio de Adrian
pela arte moderna. De acordo com isso, Adrian detestava a tendência das mulheres
americanas para o excesso de acessórios. Adrian acabou inspirando designers décadas
depois, como Azzedine Alaïa, Christian Lacroix, Tom Ford, Elie Saab e Thierry Mugler.
A designer Shelly Steffee, que começou na Liz Claiborne e Tahari antes de lançar a
sua marca em 1999, procurou cores “puras e verdadeiras” como o Porto Tawny para a sua
coleção de outono de 2005, inspirada nos automóveis de luxo da década de 1930.
Alerta de spoiler: não existe Ellen Tracy. Linda Allard desenhou o rótulo
desde 1962, quando o proprietário Herbert Gallen a contratou logo após a faculdade.
Semelhante às opiniões de Elizabeth Hawes, Allard acredita que “o extremo da moda é
superestimado. . . isso não significa nada para muitas mulheres.” 65
As peças conservadoras e usáveis de Allard são feitas sem “brilho ou desprezo”,

ilustradas por seu terninho Ruby Wine do outono de 2005 com blusa e lenço combinando.
Terninho, top e cachecol Linda Allard para Ellen Tracy

Outono/Inverno 2005
Casaco e meia-calça combinando Shelly Steffee

Outono/Inverno 2005
Vestido de veludo com fitas Elizabeth Hawes

Outono/Inverno 1937
Capa, túnica e saia longa em crepe de rayon Adrian 1944–45

Vinho rosé
A culpa é daqueles vampiros sensuais. Crepúsculo, True Blood e The Vampire
Diaries levaram as passarelas outono/inverno 2012-2013 (de Yves Saint Laurent a
Rodarte, Acne a Maison Martin Margiela) sendo salpicadas de sangue de boi
macabro. No outono seguinte, houve um ligeiro afastamento da cor sanguínea,
abraçando tons de Vinho Rosé, com tons de uva em vez de turvos. Essa cor
fermentada, que só melhora com o tempo, simboliza maturidade, coragem e força.
Designers como Christopher Bailey, Andrew Gn e Frida Giannini convidaram seus
clientes a se intoxicarem indulgentemente com a cor deliciosa.
Christopher Bailey projetou um império em torno da icônica trincheira da Burberry

casaco. Bailey, que foi nomeado diretor criativo da Burberry em 2001, após um
período de cinco anos desenhando roupas femininas para a Gucci de Tom Ford,
explicou que quando ingressou, a marca britânica era “uma linda joia que
precisava de 66 Hoje, brilha. Para outono/inverno 2013–2014, Bailey
polimento.” brincou com a seriedade da Burberry de 157 anos, “tornando-a subversiva

e 67. Para fazer isso, Bailey manipulou a clássica bainha de coquetel usando
excêntrico”. vinil em vez de tecido. A peça transparente, em tom bordô, atingiu seu
objetivo de criar uma moda que “fazia o coração disparar”. 68
O designer parisiense Andrew Gn inspirou-se no Wiener Werkstätte para sua
coleção outono/inverno 2013–2014. A sua luxuosa parka acolchoada, num tom
escuro de Málaga, apresentava padrões semelhantes aos do artista Koloman
Moser, bem como mangas quimono, que ilustravam a sua capacidade de incorporar
o Oriente e o Ocidente sem cair num cliché entre o Oriente e o Ocidente. Nascido em
Cingapura, Gn recebeu formação internacional em design na Central Saint
Martins de Londres e na Domus Academy de Milão.
Depois, Gn auxiliou Emanuel Ungaro antes de lançar sua própria gravadora no bairro
do Marais. Os clientes de Gn, tão internacionais quanto ele, incluem famílias asiáticas
abastadas, aristocratas da Europa e membros da realeza do Oriente Médio.
Fundada em 1934 pelos irmãos Giovanni e Giacomo, a marca italiana
Canali é conhecida pela qualidade intransigente desde o seu início.
Orgulhosa de combinar os melhores têxteis com uma alfaiataria impecável, a Canali
permanece inabalável no seu compromisso com a excelência na moda masculina
três gerações depois. Para o outono/inverno 2013-2014, a marca com sede em Milão foi
gerações depois. Para o outono/inverno 2013-2014, a marca sediada em Milão tornou-

se “britânica”, criando um casaco trespassado de veludo marrom com grandes
lapelas de pele. Embora fosse inglês antigo, a roupa ainda expressava a arrogância
atrevida dos homens de hoje.
Zac Posen trouxe emoção consigo ao entrar no New York
cenário da moda em 2001. Com apenas vinte anos, ele já vestia Naomi Campbell
e Claire Danes com seus designs inspirados em Vionnet. Para o outono/
inverno 2013-2014, ele vestiu a esbelta modelo Catherine McNeil com um vestido de
capa Dry Rose, evocando o glamour adulto.
Casaco com cinto e bolsa combinando Andrew Gn

Outono/Inverno 2013
Vestido sem mangas em vinil Burberry

Outono/Inverno 2013
Sobretudo com gola de pele Canali

Outono/Inverno 2013
Vestido com cauda Zac Posen

Outono/Inverno 2013
Festival Fúcsia
Fúcsia é um tom comemorativo que combina o roxo majestoso com o vermelho sedutor. O seu
surgimento na Segunda Guerra Mundial, auxiliado por corantes mais facilmente disponíveis, expressou
uma recusa em ceder às terríveis realidades dos tempos de guerra. Em 1948, ilustrava a nova
alegria de um mundo sem guerra total. A cor Baton Rouge foi revivida no início do século 21,
transmitindo as possibilidades emocionantes do novo milênio.
Charles James trabalhou obsessivamente em suas “esculturas suaves” a tal ponto que, em sua
altura, só conseguia vestir dez mulheres.
69 Mulheres da sociedade
como Millicent Rogers e Mona von Bismarck toleraram a atitude notoriamente tempestuosa de
James apenas por causa de sua genialidade. Arrogantemente, James disse uma vez: “Sou uma lenda.
Um mestre da magia. . . Poiret disse: 'Eu passo minha coroa para
você. Você faz com a tesoura o que eu faço com as cores. Madame Grès viu meu trabalho e quase
desmaiou.” 70 Infelizmente, uma olhada no vestido fúcsia “La Sirene” de James, de 1939,
torna qualquer refutação discutível.
Amante da metamorfose, Germaine Krebs não só transformou a moda, mas também a si mesma.
Ela adotou o nome “Alix Barton” no início dos anos 1930 e depois em 1940 “Madame Grès”. Fascinada
pelo corpo em movimento, Madame Grès criou drapeados (vestidos drapeados) gregos neoclássicos
durante mais de meio século. Meticulosa e obsessiva, Madame Grès tentou repetidamente criar a
perfeição: um vestido que pudesse ser colocado e esquecido. Seu vestido de seda fúcsia de 1967
exemplifica sua capacidade de usar padrões geométricos exclusivos cortados em viés para
complementar sem esforço a forma feminina. Apesar do seu talento, o negócio de Madame Grès
faliu em 1984. Saindo da moda, ela lamentou: “Hoje, o luxo é confundido com desperdício e
excesso”. 71
Quando Amy Smilovic se apaixonou pelos mercados de tecidos de Hong Kong (enquanto uma
expatriada), seu hobby de desenhar se transformou em um talento especial para a moda.
Ao abraçar as contradições (“jovem e sofisticado, masculino e feminino, ousado e discreto”), a
marca de Smilovic, Tibi, conquistou seguidores leais de criadores de tendências como Miroslava
Duma, ansiosa para vestir seus minivestidos Purple Orchid e similares. 72 Após a saída de
Tom Ford, a Gucci sofreu até que Frida
Giannini foi promovida a diretora criativa. Muitos duvidaram que ela estivesse à altura
do desafio, questionando como a sua personalidade feminina italiana iria
desafio, questionando como sua personalidade feminina italiana se

materializaria (física e fiscalmente) após o legado sexual hiper-masculino-americano
de Ford. Demorou algumas temporadas relutantes para o mundo da moda se
aclimatar, mas no final todos admitiram seu brilhantismo. Para o outono / inverno
2011-2012, Giannini vestiu a modelo Chanel Iman em um vestido com decote em
V baixo e fenda alta na coxa com faixas de chiffon Rosebud semitransparentes.
Embora o vestido fosse sedutoramente revelador, ao combiná-lo com grossos óculos
de sol retangulares da Gucci, Giannini fez o visual e o usuário parecerem tentadores, mas intocáveis.
”
“Lá Sir ene vestido de seda old ed C ha rle s James 1 9 3 9
Esboço de moda Amy Smilovic para Tibi

Outono/Inverno 2010
Vestido Gucci
Outono/Inverno 2011
Vestido de noite de seda Madame Grès 1967

Sombras Malva
Malva é definida como uma cor roxa pálida, mas, enigmática e versátil, pode variar do rosa
acinzentado ao uva. Considerado o primeiro corante de anilina, inventado e nomeado em
1856 pelo jovem químico Sir William Henry Perkin, o malva tornou-se tão popular na década
de 1890 que o período foi apelidado de “Década Malva”. Designers como Jean Patou,
Drecoll e Jane Regny usaram o matiz 73 Christian Dior, Cristóbal Balenciaga e Philip
Segunda Guerra Mundial; durante a década de 1920; Mangone escolheu a cor após a
e Badgley Mischka junto com Elie Saab o ressuscitaram no início do novo milênio.
Promovido pela designer Jane Regny, o visual “esportivo” da década de 1920

tornou-se uma “obsessão da moda, mesmo entre aqueles cujo exercício físico mais
extenuante era almoçar no Ritz”. 74 Em sintonia com o humor da mulher moderna, as
roupas de Regny, de “cores brilhantes”, eram geralmente mostradas. 75 Enquanto as
de Regny esquiavam, jogavam tênis ou jogavam mulheres de 1926, vestidas de lilás,
golfe. A mulher que veste Art-Goût-Beauté está apenas parada na praia, seu lenço
esvoaçante e seu olhar distante sugerem que ela está prestes a embarcar em uma
aventura, talvez em um novo automóvel.
O designer Philip Mangone personifica melhor a moda no sangue,
com sete gerações de alfaiates em sua árvore genealógica. Mangone, um ítalo-
americano de primeira geração, abriu seu próprio negócio em Nova York em 1916. Viajante
frequente, Mangone sobreviveu milagrosamente à explosão de Hindenburg em 1937. Ele
ficou gravemente queimado, mas o sucesso de seu negócio ajudou a cobrir seus altos
custos médicos. . Após uma longa recuperação, ele continuou seu trabalho na moda e,
em 1946, ganhou o Golden Thimble Award da revista Fashion Trades como um dos
dez melhores designers da América. O terno e capa Lilas de 1948 de Mangone,
fotografados por John Rawlings, demonstraram sua habilidade distinta com a lã, seu tecido
preferido.
Dois ex-alunos da Parsons, Mark Badgley e James Mischka, mais uma vez
forneceram roupas formais fabulosas para a primavera / verão 2012, vestindo Kristy
Kaurova com um vestido corpete Mauve Orchid.
Milão e Paris deram as boas-vindas ao designer Elie Saab, baseado em Beirute, com
braços abertos, nomeando-o respectivamente membro da Câmara Italiana
Nazionale della Moda e a Chambre Syndicale de la Haute francesa
Alta costura. As “roupas bem feitas e cortadas sob medida” da Saab, inspiradas na
elegância das mulheres libanesas, fundem influências árabes e ocidentais. A editora de
moda 76 da Marie Claire Arabia, Amine Jreissati, explicou que “a cultura [do Oriente
Médio] está no vestido, no corte e na forma, com a fama da 77 Saab disparada em 2002,
quando Halle Berry usou seu vestido durante sua camadas, movimentos e bordados”.
vitória no Oscar. Para sua coleção “Heiress” primavera/verão 2013, a Saab
vestiu a modelo Tilda Lindstam com um vestido Wistful Mauve com cinto.
Vestido à beira-mar com chapéu, jaqueta e lenço Jane Regny Capa de Art-Goût-Beauté 1926
Terno, capa e chapéu anúncio impresso Philip Mangone Designs 1948

Vestido com cinto, sapatos e bolsa Elie Saab

Bustiê estampado sobre vestido longo Badgley Mischka

Névoa Lavanda
Em 1934, Chicago, os irmãos Emil, Bernard e Maurice Adelaar fundaram uma
empresa de blusas usando os designs de Maurice. Em 1945, mudaram sua base para
a Big Apple, onde continuaram a produzir vestidos e blusas femininas, muitas vezes
utilizando mão de obra sindicalizada. A empresa, que também ostentava uma linha
chamada Adelaar's Aristocrat voltada para a alta sociedade aspiracional, criou esta
blusa Lavendula de 1960 com cinto e saia de tweed combinando. A roupa fala do
maior foco em conforto e roupas esportivas visto na América pós-Segunda Guerra
Mundial, bem como uma paleta de cores mais “feminina” adotada no
era.
Durante sua longa carreira de meados do século, Mollie Parnis teve a distinção de
vestir quatro primeiras-damas – Mamie Eisenhower, Bess Truman, Lady Bird Johnson
e Patricia Nixon – que é exatamente como ela gostaria. “Não estou interessado em
projetar para a dona de casa comum. Eu nem a conheço”, admitiu Parnis ao LIFE. 78
O designer, que cresceu no Lower East Side de Manhattan, era um americano de
primeira geração, filho de refugiados judeus austríacos. Aos dezenove anos, ela já era
um “sucesso estrondoso”, colocando seu nome na porta de seu empregador
atacadista. Em 1933, que se dane a Depressão, Parnis começou seu próprio
negócio, apesar de não saber cortar, costurar ou desenhar. O olho e editor da marca,
Parnis garantiu que roupas como seu vestido-camisa Lavender Fog Ultrasuede dos anos
1970 possuíssem “qualidade” e “um pouco de sexo”. 79 A designer Anna Sui, nascida
em Detroit, nomeia a música
como sua musa. Sui reuniu “confiança para fazer seu próprio show” somente depois
que Madonna usou um de seus vestidos. Lisa Marie Presley, filha de Elvis, considera
os designs de Sui “emocionantes, sem cautela. A inspiração para a primavera/verão de
2004 foi a série de filmes de . . boa e velha moda, rock and roll arrasador.” Sui
festas na praia dos anos 1960, com os ídolos adolescentes cantores Frankie Avalon e
Annette Funicello. Sui gostou da ideia de “uma garota que mal podia esperar para
entrar na água”, por isso a parte superior e inferior do conjunto Lavender de Sui são
baseadas em um biquíni. 80
O costureiro americano Geoffrey Beene ofereceu seu showroom ao recém-
chegado Douglas Hannant no final da década de 1990, economizando dinheiro para o
novato e aumentando seu perfil. A relação Hannant/Beene foi
de natureza simbiótica, já que Hannant nomeou Beene como sua principal

inspiração de design. A carreira de Hannant continuou a ganhar impulso desde
então. Seu vestido Primavera/Verão 2009 em Bougainvillea é elegante sem
ser ostentoso. Hannant resumiu seu decreto de design dizendo: “Há uma
81
pureza inerente ao estilo americano. Não é exagerado ou extremamente extravagante.”
Biquíni sob uma minissaia transparente Anna Sui

Vestido camisa ultracamurça Mollie Parnis por volta de 1970

Top com cinto e saia estampada Anúncio impresso Adelaar 1960

Vestido de noite chemise Douglas Hannant

Roxo Real
“Quando eu for velha, usarei roxo.”
—Jenny Joseph
Historicamente, Royal Purple foi o corante mais precioso do mundo. Colhidos das
glândulas dos caracóis, são necessários 336.000 moluscos para produzir 30 gramas
de 82 Como resultado, caro, o roxo era uma mercadoria acessível
purpurídeos. apenas para a realeza e os ricos. Nos tempos modernos, o corante

sintético permitiu que o roxo se tornasse cada vez mais acessível, embora ainda exala
um certo nível de drama e complexidade do passado.
Em 1929, L'Officiel de la Mode pronunciou “Augusta Bernard est au premier plan
de la création parisienne” (Augusta Bernard está na vanguarda 83 De acordo, a Vogue
ilustrar um vestido de convidou Rene Bouet-Willaumez da moda parisiense). para
noite Royal Lilac Augusta Bernard para a edição de setembro de 1933. Mais
ativa entre 1922 e 1934, Bernard foi aclamada por seus designs neoclássicos,
considerados “grandes assuntos simples”. 84 A propósito da era dos “happenings”
dos anos
70, Halston tornou-se conhecido pelas “festas loucas, selvagens e malucas em seu
showroom”, onde nova-iorquinos como “Babe 85 Halston trabalhavam duro como Paley
riquenha” se misturavam. enquanto ele festejava, ficandoe uma drag queen porto-
acordado metade da noite, “costurando até suas mãos sangrarem”. 86 Em 1975, a Esquire
se perguntava: “Será que Halston dominará o mundo?” 87 A razão de ser de Halston
era criar roupas simples, mas não enfadonhas, como seu vestido de noite de seda de
1975. O “clássico americano” ousadamente roxo da era disco teria facilmente se
adequado à clientela de Halston de pessoas elegantes como Angelica Huston e
Candice Bergen. 88
Os elegantes pais de Jill Stuart, donos de “Mister Pants”, vestiram Lucille Ball e
Natalie Wood. Aos quinze anos, Stuart seguiu precocemente o exemplo, vendendo
acessórios para a Bloomingdale's. Depois de se formar na Rhode Island School of
Design, ela lançou sua própria coleção em 1993, que agora é usada por celebridades
como Jennifer Aniston e Kirsten Dunst. Seu vestido de 1996 em Meadow Violet é
mais adequado para as noites de Hollywood do que para os dias sujos e chuvosos
de Seattle.
O assassinato de Gianni Versace em 1997 poderia ter sido fácil e
O assassinato de Gianni Versace em 1997 poderia ter deixado a Câmara

em ruínas, de forma fácil e compreensível. Determinada a continuar seu legado,
Donatella Versace deu um passo à frente (com salto de 160 mm, nada menos). Tendo
trabalhado com o irmão ao longo de sua carreira, Donatella compreendeu
profundamente o espírito Versace, mas a princípio evitou a iconografia clássica da
marca, preferindo deixá-la intocada como uma espécie de “santuário” para seu falecido irmão.
Mas no outono/inverno de 2006-2007, ela estava pronta para revisitá-lo. Sua coleção
masculina articulava a masculinidade de Miami dos anos 1990, com camisas de seda
estampadas e calças combinando em Purple Heart.
Vestido com alças finas Jill Stuart Outono 1996

Ilustração de Renet B ouet - Willa umezfor Vo guefeatu rin gthe M arq uis ede P a ris Augusta B ernard
1933
Camisa de seda e lenço Donatella Versace para Versace

Outono/Inverno 2006
Vestido grego de seda com ombros largos Halston por volta de 1975
Ameixa Roxa
A morte iminente de Couture é prevista apocalipticamente em intervalos regulares.
No entanto, ele vive, em grande parte devido a Lucien Lelong. Durante a Segunda
Guerra Mundial, a Alemanha nazi, cansada de ser infinitamente ridicularizada pelas
suas Fräuleins fora de moda, queria que Berlim se tornasse o centro do universo
da moda, expulsando a Paris ocupada do seu trono. O estilista e presidente da
Chambre Syndicale de la Haute Couture, Lucien Lelong, correndo grande risco
pessoal, lutou diplomaticamente, com astúcia, para manter a alta-costura em Paris.
Essa conquista consolidou Lelong na história da moda, mas desde então
ofuscou seu talento como designer, que pode ser visto em seu vestido Royal Purple
da década de 1920. Lelong também foi eclipsado pelos designers talentosos sob sua tutela:
“um tímido e angelical” Christian Dior e Pierre Balmain. 89 A beleza irlandesa-americana
do Brooklyn,
Dorothy McGowan, trabalhou com os melhores
fotógrafos de moda de sua época: Irving Penn, Melvin Sokolsky e William Klein,
que eventualmente garantiu para ela o papel principal na sátira cinematográfica de
moda de 1966, Who Are You, Polly Maggoo? Antes de aparecer na tela grande, McGowan
foi modelo para a Vogue e Harper's Bazaar, bem como para a revista McCall's Pattern
Fashions em 1960, usando um chapéu Grape Royale para combinar com sua jaqueta e
saia.
Lie Sang Bong, apelidado de “McQueen Coreano”, ganhou destaque em
Seul durante a década de 1990, ganhando o prêmio de “Melhor Designer do Ano”,
antes de estrear em Paris em 2002 e fazer da Cidade Luz sua base. Ao entrar no
mercado da moda ocidental, foi considerado “uma maravilha”, um
sentimento ainda compartilhado por fãs de seu trabalho como Beyoncé e Lady Gaga. 90
As roupas de Lie são inspiradas em uma variedade de elementos díspares, como
“poesia e caligrafia coreanas, cubismo e heroínas do filme noir dos anos 1930”,
91
muitas vezes inventados com uma paleta vívida de vermelhos ricos e roxos ameixa.
A coleção outono/inverno 2012-2013 de Tomas Maier para a Bottega Veneta foi
o mais forte que ele apresentou desde que ingressou na Câmara em 2001. A crítica de
moda Sarah Mower e os espectadores experimentaram uma “onda involuntária de emoção”.
92 A coleção taciturna encobriu os modelos (luvas altas, meias altas), em forte contraste
com as peças cada vez mais transparentes que
estava na moda. Maier colocou a modelo Maria Bradley em um conjunto grosso de

terno peplum Wineberry, apropriado para mulheres com confiança inabalável, mas não
para o grupo demográfico mais jovem de meninas que o mundo da moda vinha cortejando.
Vestido de cetim com saia em camadas e cauda cascata Lucien Lelong por volta de 1920
Terno social com chapéu combinando McCall's Pattern Fashions

Edição outono/inverno de 1960
Top e saia com joias Bottega Veneta

Outono/Inverno 2012
Saia franzida Lie Sang Bong Outono/Inverno 2006

Pervinca Profunda
Em 1925, inspirado nos seus modelos americanos, o designer francês Jean Patou
produziu um “tom interessante de pervinca pálida com um toque de malva. 93 Com a
a moda explodiu com quase aprovação parisiense, a cor ganhou aplausos”.
todas as colunas de moda do The New York Times mencionando isso naquele ano. A cor
jovem era inevitável!
Abundavam os exemplares americanos, assim como as peças caseiras no mesmo tom
do jacarandá, como este vestido da década de 1920 de um estilista não identificado. Nas
décadas seguintes, a compatriota de Patou, Maggy Rouff, levou a cor para as décadas de
1930 e 1940, quando, consciente da frivolidade da moda e de sua profunda importância na
Paris ocupada pelos nazistas, exclamou: “Queridos e lindos vestidos, inúteis e tolos, é você
quem eu amor!" 94 Para Miriam Haskell, “falsificação de alta
qualidade” não se refere a nada nefasto ou do mercado negro. Suas bijuterias
meticulosamente montadas à mão são coletadas com fervor e apreciadas até mesmo
pelos conhecedores da moda.
Fundada em 1926, a boutique Haskell de Nova York, Le Bijou de l'Heure, foi glorificada por
seu chefe de design, Frank Hess, que anteriormente decorava as vitrines da Macy's. Inspiradas
nos luxuosos esquemas de cores da natureza, como flores selvagens de pervinca, as
peças de Haskell foram adquiridas por estrelas de Hollywood, incluindo Lucille Ball.
A empresa Rossimoda, sediada em Veneza, produz os melhores calçados da alta

costura, embora seu rótulo possa ser Givenchy, Céline, Yves Saint Laurent ou Ungaro.
Fundada em 1942 por Narciso Rossi, a Rossimoda exalta a arte do artesanato de
calçados. Seu processo de doze etapas combina o melhor da tecnologia atual de design
auxiliado por computador (CAD) com intervenção humana, como o corte manual de
cada peça do formato do calçado em couro. Todos os anos, quase vinte milhões de pares
são feitos em mais de quinhentos tipos de materiais e cores, incluindo o tom de ovo de
Páscoa do sapato de 1994 da Fendi.
A saia Dusted Peri de Eley Kishimoto é particularmente notável quando estilizada

com um top preto, branco e cinza, característico de seus esquemas de cores brilhantes e
contrastantes. A equipe de marido e mulher Mark Eley do País de Gales e Wakako
Kishimoto do Japão uniram forças em 1992 e fundaram a Eley Kishimoto em 1996.
Além de sua própria linha, Eley e Kishimoto, que
estudou moda na Brighton Polytechnic e Central Saint Martins, respectivamente,

e também design para clientes como Hussein Chalayan, Alexander McQueen e
Jil Sander. Conhecidos pelos seus têxteis estampados, explicam: “Misturamos uma
paleta à medida que avançamos em cada estação. . e compre. estoque da cor 95 Em
e também o tecido cinza para tingir.” par “projetar,um dia normal, o tecido ininterrupto
imprimir, fabricar, comercializar, comunicar e rir”, o
segredo do seu sucesso de vinte anos. 96
Vestido tarde de renda e georgette Designer desconhecido por volta de 1920

Colar (detalhe) Miriam Haskell por volta de 1950

Sapato plataforma de couro e madeira Rossimoda para Fendi

Saia transparente com top listrado Eley Kishimoto

Azul deslumbrante
Do oceano ao céu, grande parte do planeta é azul, mas o Azul Deslumbrante não vem da
Mãe Natureza. Esta cor primária sinistra ostenta sua artificialidade. Mais estranho do
que celestial, Amparo Blue encontrou seu momento na década de 1980 como uma alternativa
ao Reagan Red.
No outono de 1984, Oscar de la Renta mostrou o tom quase neon de seus casacos
de lã. O agasalho com ombros fortes, um formato não natural em uma cor não natural, foi
considerado pela redatora do The New York Times, Bernadine Morris, como “obrigatório
para a próxima temporada”. 97 Dame Vivienne Westwood
zombou dos calçados funcionais em 1993, criando o sapato “Mock-Croc Super
Elevated Gillie” para sua famosa coleção “Anglomania”. Os saltos de 210 mm em
azul afrontoso desafiam a gravidade e desafiam a mobilidade. A supermodelo Naomi
Campbell, conhecida por seu porte feroz, caiu completamente na passarela, ilustrando que
até mesmo os “caminhantes” profissionais estão se submetendo a perigos. O calçado
fetichista, que eleva o usuário bem acima da briga, é inquestionavelmente sensacional, ao
mesmo tempo empoderador e debilitante. A escolha de Westwood pelo couro azul é
convencional e evita o clichê do vermelho, frequentemente associado a esses sapatos
sexualizados.
Em 2008, Deep Ultramarine ressurgiu quando Pierre Cardin o escolheu para seu
casaco acolchoado tipicamente geométrico. Cardin, que estudou com os grandes
costureiros Jeanne Paquin, Elsa Schiaparelli e Christian Dior, viveu o auge do seu
sucesso quarenta anos antes, criando peças prêt-à-porter (sem dúvida as primeiras) para
a era espacial. “Os vestidos que prefiro são aqueles que invento para uma vida que ainda
não existe – o mundo de amanhã.” 98 O designer de noventa anos continua a
olhar para o futuro, por exemplo apresentando a sua coleção de 2008 em Pequim, na China,
cujo poder económico ultrapassará o dos Estados Unidos até 2020.
Depois do sucesso desenfreado nas décadas de 1980 e 1990, a Casa de Thierry Mugler
foi fechada em 2003. A casa renovada ganhou notoriedade quando Nicola Formichetti,
editora de moda que virou Lady Gagastylist, foi escolhida como diretora criativa em 2010.
Falando sobre não ser designer, Formichetti adicionou Romain Kremer, ex-Christian Dior
Monsieur, ao seu
equipe de design de moda masculina. Juntos, para o outono/inverno 2013-2014,

eles criaram um exército “MuglAIR” vestido em “azul químico”. Elisabeta Tudor, da
NOWFashion, considerou a cor por si só “violenta”. 99
Terno e camisa Thierry Mugler

Outono/Inverno 2013
Vestido sem alças Tracy Reese

Pulseira feita de metal dourado, vidro fundido verde e pérola simulada Chanel por volta de 1960
”
“Eu e você cherryshoe M an olo Bla h nik para O s sie Clark 1 9 7 1
Daiquiri Verde
A cor viva do ponche de limão e rum que provoca rugas (regularmente consumido
por Ernest Hemingway e John F. Kennedy) surge esporadicamente na moda. Nos
psicodélicos anos 60, nos anos 80 movidos pelo punk e no brilhante novo milénio,
designers de moda de todo o mundo, da Rússia à Coreia, ousaram criar peças de vestuário
em tons inebriantes.
Quando Alena Akhmadullina fez sua estreia em Paris em 2005, ela queria provar que
sua Rússia natal não era um país “longe da moda”. 138 Seus conjuntos Daiquiri Green
Primavera/Verão 2007 (repletos de um cocar digno de Philip-Treacy) afirmaram seu
talento, bem como a relevância da moda em seu país. Combinando “audácia russa e
senso parisiense de 139 Akhmadullina fabrica roupas inspiradas no construtivismo
Tamararusso, estilo”, fotografias do final do século XIX e a pintora art déco polonesa
de Lempicka para clientes como Eva Green, Naomi Campbell e a elite de Moscou.
Quer sejam suas roupas impecáveis, sua filosofia poderosa ou sua beleza que rivaliza
com a de Tom Ford, algo sobre o designer e surfista Yigal Azrouël chama a atenção das
mulheres. Seus ditames, como o epítome do luxo é “confiança” 140 e que “não é preciso
mostrar muita pele”, são imediatamente seguidos. 141 Para o outono/inverno
2007-2008, Azrouël optou por uma paleta de cores nova-iorquina de pretos, marrons e
cinzas, com exceção de uma túnica larga de jersey em Sulphur Spring usada em
camadas sobre leggings e uma camiseta.
A equipe de marido e mulher Gene Kang e Hanii Yoon admitem que são “verdadeiros
workaholics” que são “os mais felizes quando projetam”, o que explica o fato de eles
liderarem não um, não dois, mas três rótulos: OBZEE, O'2nd e Y & Kei. 142 Kang e Yoon
começaram a Y & Kei em 2001 e a fecharam em 2008. Para o show final da Y & Kei,
eles pontuaram a coleção concisa com uma única peça Limeade. Originalmente
imaginado como um vestido de coquetel, a criação realizada foi um vestido solto e brilhante.
Para a Alta Costura Primavera 2012, Giorgio Armani renegou seu habitual estilo “limpo”.
e funcional” 143 estética modernista, sugerindo em vez disso “silhuetas de
declaração” brilhantes em Wild Lime. 144 A coleção, inspirada na metamorfose,
trazia modelos com cabelos desgrenhados, como se tivessem acabado de surgir
de casulos. As roupas de malha “absinto brilhante” da linha transcenderam sua

associação atlética, parecendo uma cobra. 145 A “imaginação, utilização
de tecidos e design” de Armani ao longo de quase quarenta anos fascinou
não só consumidores em todo o mundo, mas também realizadores de cinema como
Martin Scorsese. 146
Terno com capa Y & Kei

Blazer e vestido escultural Giorgio Armani Haute Couture

Vestido Yigal Azrouël

Outono/Inverno 2007
Saia longa, top e cocar Alena Akhmadullina

Arara Verde
Entre 1920 e 1933, as elegantes mulheres parisienses consumiram o periódico Art-Goût-Beauté
(Art-Taste-Beauty), absorvendo as últimas modas através das deslumbrantes estampas art
déco pochoir em cores vivas pintadas à mão.
A ilustração de Christoff von Drecoll de 1924 para a publicação apresentava um modelo gamine
com bochechas pintadas de ruge, cabelo revelando o lóbulo da orelha e um conjunto
Macaw Green combinando com uma silhueta esguia, casaco de cintura baixa, chapéu e lenço.
Implacável com o mau tempo, esta mulher moderna exalava o vivaz esprit du temps.
Verdadeira modernista, Bonnie Cashin detestava o que considerava um

“desenvolvimento paralisado” da moda e estava sempre em busca de novas ideias que
pudessem promover o funcionalismo. 147 Seu top de malha dupla de 1973 revela a
barriga, enquanto a saia midi de camurça Parrot Green brilhante esconde a maior parte da
perna. Descaradamente, o top tem botões de madrepérola na linha dos ombros que servem
de fecho. . . ou acesso fácil caso alguém se delicie com uma “deleite da tarde”.
Personagens da moda nos programas de TV de sucesso Friends e Sex and the City
usou as roupas de David Rodriguez do final dos anos 1990 até o início dos anos 2000,
fazendo com que os espectadores copiassem rapidamente seu estilo. Para a primavera/
verão 2009, Rodriguez criou uma jaqueta Dark Citron oversized, parcialmente cortada na
frente e mais longa atrás. O casaco de clima quente alonga as pernas, vestido com calças
largas. A roupa revela a experiência de Rodriguez na Chanel e na Richard Tyler. O cabelo
e a jaqueta são tão parisienses para sua época quanto os de von Drecoll oito décadas
antes, mas as calças são pura Hollywood do século XXI.
Da década de 1970 até sua morte em 1986, Perry Ellis obteve sucesso fazendo roupas
casuais para mulheres que “acabavam de sair dos jeans e não estavam prontas para se vestir
para o sucesso”. Pai do visual “desleixado”, Ellis quebrou o monopólio das roupas justas no
apelo sexual. A jornalista de moda Carrie Donovan explicou: “Quando usados pelas
mulheres que os entendem, eles são tão sexy quanto 148 Ellis desejava transmitir “a
O terno de tweed facilidade da vida hoje e daqueles que se apegam”. humor disso. 149
Leaf Green “Burren” de Ellis também apresentava um fez, garantindo que ninguém o levaria
muito a sério.
Para a primavera/verão 2013, Marc Jacobs mostrou roupas xadrez em um

verde “cítrico intenso, quase enjoativo” para a Louis Vuitton. 150 A coleção,
baseada na obra do “tesouro nacional francês” Daniel Buren, era uma ode ao
trabalho “mínimo, matemático, arquitetônico” do artista. Para o espetáculo,
Buren (a mando de Jacobs) transformou o pátio do Palais du Louvre,
instalando escadas rolantes para a descida das modelos. Depois de ver a
Coleção LV, Buren a chamou de “linda, extremamente rigorosa, quase cubista;
não foi projetado pelo design”, o maior dos elogios. 151
Conjuntos de minissaia Marc Jacobs para Louis Vuitton

Top cropped de lã e saia de couro Bonnie Cashin

Jaqueta sobre calça David Rodriguez

Ilustração do conjunto de chuva para Art-Goût-Beauté Baron Christoff von Drecoll 1924
Azeitona monótona
Associado aos uniformes de guerra, Olive Drab chegou às passarelas e aos guarda-
roupas civis, evocando a consciência ambiental, a sensualidade terrena e (é claro) o clássico
chique militar.
Mais de 150.000 mulheres serviram no Corpo do Exército Feminino (WAC) durante
Segunda Guerra Mundial. Muitas destas mulheres “manuseavam material altamente
confidencial, trabalhavam longas horas com poucos dias de folga e estavam expostas a uma
152
quantidade Apesar da sua dedicação ao seu país, porque a WAC
significativa de perigo”. desafiaram as normas de género, surgiram debates sobre como uma
mulher poderia ser uma “dama” e também servir o seu país, com rumores bizarros de que a
WAC estava cheia de prostitutas. No entanto, isso não impediu mulheres devotadas que
acreditavam que “Esta é a minha guerra também” de se inscreverem e usarem os
uniformes Olive Drab.
A túnica verde-oliva outono/inverno 2007-2008 de Igor Chapurin (“o Armani russo”)
exalta a estética militar da antiga União Soviética, confrontando de forma divertida os
clichês sobre a sociedade russa. Combinando elementos únicos da cultura russa com
“chique moderno e rico”, explica Chapurin, “quero mostrar a Rússia que pertence a Chagall
e Kandinsky, para tornar a Rússia famosa pela criatividade e estilo, em vez de caviar e
vodka”. 153
Tia Cibani poderia facilmente ser chamada de mulher misteriosa internacional, e
seus designs para a marca Ports 1961, com sede em Nova York, eram voltados para mulheres que
viajavam pelo mundo como ela. Nascido no Norte de África, o designer de herança turca e italiana foi criado
em Vancouver, na Colúmbia Britânica, e viveu e trabalhou na China e nos Estados Unidos. Sobre sua
coleção de 2008 ela explicou: “Nesta temporada estamos em outra jornada para outro lugar. Desta vez
estamos na Escócia. Estamos sob o feitiço de um inverno escocês. É muito escuro e temperamental, muito
rico em encanto, misticismo e 154 Os tecidos são “lãs resistentes de Shetland, tweeds rústicos”. Magia
das cores.” sábio, existem “tons de joias. . toques de tons intensos no verde.” Embora seu esboço
inspiração Mosstone para o Pantone Fashion Color Report não tenha entrado na coleção, ele ilustra sua
e a direção da linha. .
Embora seja improvável que a geração de hoje veja a guerra de trincheiras, a “trincheira”
O casaco ainda está presente, e Christopher Bailey continua atualizando o Burberry
Mac temporada após temporada. Mantendo intactos seus propósitos utilitários,
Burberry mac temporada após temporada. Mantendo intactos seus propósitos utilitários,
Bailey tenta não reinventá-lo, mas simplesmente adicionar elementos elegantes e
muitas vezes nostálgicos, como a cor do Elm durante a guerra.
Casaco Tia Cibani para Portos 1961

Outono/Inverno 2011
Anúncio impresso do Corpo do Exército Feminino por volta de 1943

Túnica com cinto Igor Chapurin

Outono/Inverno 2007
Trench coat Christopher Bailey para Burberry

Outono/Inverno 2010
Cáqui
Inevitável ou não, a guerra tem atormentado a humanidade desde o seu início.
O conflito contínuo penetra em todos os aspectos da vida. Os uniformes de combate
entraram na moda durante a Renascença, quando as mangas foram deliberadamente
cortadas para expor as camisetas, imitando roupas danificadas por espadas. Em
1846, o tenente inglês baseado em Punjab, Harry Lumsden, cansado das baixas
causadas pelos uniformes britânicos vermelhos brilhantes em uma região desértica, tingiu-
o com lama. Outros soldados de infantaria seguiram o exemplo, alguns usando tinta, café,
chá ou suco de tabaco como corante. Embora não seja o primeiro a usar a terra como
camuflagem, Lumsden é responsável pelo nascimento de “cáqui”, a palavra urdu
para “lama”, como nome de uma cor de roupa. Em 1884, a tintura cáqui foi patenteada.
O que se originou como uniforme militar lentamente se tornou parte do cotidiano.
Para entreter as tropas durante a Segunda Guerra Mundial, a pinup Chili Williams
vestiu shorts curtos camuflados e uma camisa combinando com algumas folhas como
enfeite, imitando Eve. A sensualidade da foto de Ewing Krainin, publicada na revista LIFE
em 10 de abril de 1944, foi vista como um aumento do moral.
Durante a década de 1960 até a década de 1980, o significado do cáqui, dos
uniformes militares e da camuflagem foi subvertido. Em vez de simbolizar a coragem
dos soldados, foi adoptado por manifestantes anti-guerra para dar visibilidade à Guerra do
Vietname em todo o mundo. Roqueiros como Frank Zappa e Jimi Hendrix “se apropriaram
desrespeitosamente do icônico traje militar dos Estados Unidos” como uma forma visual de
capturar a “desilusão dos jovens com a política, a política externa e a cultura de consumo
suburbana”. 155 Na pós-modernidade, o signo foi afastado do seu
significante, com os uniformes militares quase todos desprovidos de significado. Richard
Geist, proprietário de uma empresa do Exército e da Marinha, referiu-se aos civis que
adquiriam os itens como sendo como “comprar um personagem”. 156
Saia “street chic” Covert Green de John Richmond, nascido em Manchester, de

A Primavera/Verão de 2003 faz referência ao rock 'n' roll, não à Guerra do Golfo. A estilista
japonesa Akiko Ogawa não remete à Segunda Guerra Mundial com seu vestido cáqui; ela
está apenas “empurrando os limites nervosos de sempre” com isso. 157 A roupa
camuflada verde e cáqui de Wayne Lee no outono de 2010 segue a mesma linha pós-moderna.
Lee, que deixou o Vietname devastado pela guerra quando era criança, não se manifesta
com o traje militar, apenas oferece um “visual” para consumo. A jaqueta militar cáqui e os
shorts de Oscar de le Renta para a primavera/verão 2010 não são direcionados a mulheres
soldados, mas a mulheres ricas em uma excursão a Dubai. A bolsa camuflada de 2013
de Lucien Pellat-Finet é mais adequada para uma viagem de fim de semana à Costa
Amalfitana do que ao Iraque ou ao Afeganistão.
Bolsa de lona Lucien Pellat-Finet por volta de 2013
Conjunto de camuflagem Anúncio impresso para Fort Belvoir, VA Camouflage Division apresentando Chili Williams
revista LIFE 1944
Fato safari com cinto Oscar de la Renta

Saia camuflada em camadas, joelheiras combinando e top John Richmond

Branco brilhante
“[Estilo é] fugir do tédio. . . A Ópera de Paris, branca.
. . A voz de Marlene. . .”
—Noël Coward 158
Como que para enfrentar a eterna escuridão do espaço, a “cor” principal da NASA era o
branco brilhante. A Corrida Espacial conquistou não apenas as manchetes, mas também a
imaginação do designer francês André Courrèges, que criou modas para a era espacial.
Courrèges, que trabalhou para Cristóbal Balenciaga durante uma década, abriu a sua
própria Maison em 1961, mas só se estabeleceu em 1964, quando lançou a sua “Moon Girl
Collection” com os seus botins rasos de couro e velcro. A coleção futurista deu uma reviravolta
tão grande que não recebeu aplausos. Horrorizado, o editor do L'Officiel de la
Couture chegou a enviar uma carta a Courrèges: “Você estava louco.
. . botas no verão. Não vai
lágrimas. O que você estava pensando?159 A princípio, Courrèges recebeu a obra em

última risada quando sua coleção disparou, sendo usada pela estrela Catherine Deneuve.
Um sensual Rei Midas, tudo que Tom Ford toca goteja sexo.
A coleção Gucci de 1996 da Ford desconsiderou os tabus do Dia do Trabalho e abraçou o
Blanc de Blanc para o outono, deixando o branco quente. As ferragens resistentes que
adornavam os vestidos de jersey fosco acrescentaram um componente tátil: o corpo
aquece naturalmente o metal frio. Os recortes de esconde-esconde de Ford imploram por
beijos roubados em lugares inesperados. Sob o reinado de Ford, a Gucci (anteriormente à
beira da falência) tornou-se uma fênix de US$ 10 bilhões, e os brancos perderam sua inocência.
A maioria das noivas ainda se casa de branco, independentemente do seu simbolismo
original. O nome em roupas de noiva de grife é Vera Wang, que desenhou seu primeiro vestido
de noiva para suas próprias núpcias em 1989. Linda Wells, do The New York Times,
descreveu o vestido “feito à mão com saia cheia” com uma “cauda esvoaçante e um longo véu”
como adequado para um “evento de conto de fadas”. 160 Quase um ano depois, Wang
abriu seu negócio na Madison Avenue, apostando em seus dezesseis anos de experiência na
Vogue e no conhecimento de design que acumulou na Ralph Lauren. Duas décadas de
sucesso depois, o escritor Ron Alexander brincou dizendo que Wang e sua equipe são
capazes de falar sobre tendências de noivas por mais tempo do que dura a maioria dos
casamentos.
Em total contraste com seus habituais cinquenta tons de preto, Donna Karan estreou
Em total contraste com seus habituais cinquenta tons de preto, Donna Karan estreou
um look inteiramente Branca de Neve para a coleção Primavera/Verão 2013 da DKNY.
A DKNY ofereceu apenas alguns brancos frescos para a temporada, que estavam lá
principalmente para acentuar os elementos amarelo-táxi do show.
Camisa, calças e jaqueta DKNY

Camisola de noite completa Tom Ford para Gucci

Outono/Inverno 1996
Casaco e botas de corte quadrado usados por Catherine Deneuve André Courrèges 1965
Vestido de noiva Vera Wang para David's Bridal 2012

Creme Nuvem
As togas naturalmente esbranquiçadas da Grécia antiga levaram à associação das cores
creme com a antiguidade. Avançamos para o início do século 20, onde os clientes de
Hollywood usavam habilmente cremes no lugar do branco para suavizar sua rigidez na
tela. De meados do século 20 até hoje, as cores cremosas têm sido elogiadas como sendo
“mais amigáveis” do que os brancos modernos, frios e austeros.
A extraordinária figurinista Edith Head (cuja carreira de 58 anos incluiu 546 créditos
no cinema, 35 indicações ao Oscar e 8 vitórias) sabia que figurinos brancos puros em filmes
em preto e branco eram visualmente abrasivos e vestiu Audrey Hepburn com um
vestido branco antigo para Roman Cena final do feriado. Após pequenas alterações,
Hepburn usou-o no Oscar, onde ela e Head venceram. Em 2011, o vestido foi
comprado em leilão por £ 84.000 (US$ 131.292).
Apesar de desenhar há mais de meio século e vestir a Princesa Diana, entre outros, o
designer japonês Gnyuki Torimaru (“Yuki”) não recebeu o que lhe era devido, talvez porque
fez da Inglaterra (e não da França) a sua base. Embora a formação de Yuki inclua anime
japonês, engenharia têxtil e arquitetura, ele acabou optando pela moda. Depois
de aprender alfaiataria com Norman Hartnell e terminar com Pierre Cardin, ele lançou sua
própria empresa em Londres em 1973. Em 1977, um ano depois de conseguir sua primeira
capa da Vogue britânica, Yuki criou uma capa de noite em jersey de rayon Winter
White com organdi plissado. Relembrando, Yuki lembra de ter escolhido a cor
“despretensiosa” e “legal” porque transmitia uma atitude de “pegar ou largar”. 161
Para a primavera/verão 2006, Oscar de la Renta começou com uma lousa limpa Cloud
Cream: uma regata de corte justo, calças largas e largas e acessórios combinando em Antique
White na modelo Jaquetta Wheeler. O estilista dominicano começou como aprendiz na
Balenciaga e ajudou Antonio del Castillo na Lanvin, antes de impressionar o mundo da
moda nova-iorquino com seus designs para Elizabeth Arden em 1963. Naquele ano,
ele disse ao The New York Times: “Eu só quero fazer roupas lindas. .” 162 Durante
quase cinquenta anos, ele tem feito exatamente isso na sua própria casa.
David Rodriguez criou um longo casaco de renda com gola de pele combinando
Papyrus para o outono de 2003. Embora o agasalho evocasse a Velha

Hollywood, ele foi comprado e usado por heroínas da Nova Hollywood, como
Kirsten Dunst e Jessica Alba, ambas fãs de Rodriguez.
Vestido de renda com cinto para Audrey Hepburn em Roman Holiday Edith Head 1953
Casaco com gola de pele combinando David Rodriguez

Outono/Inverno 2003
Manto noturno Gnyuki (Yuki) Torimaru 1977

Conjunto Óscar de la Renta
Areia Branqueada
Os designers de moda devem viajar no tempo entre o passado (um tesouro de inspiração)
e a cultura presente para criar a moda do futuro. Os designers, que mostram coleções
pelo menos nove meses antes que os consumidores possam adquiri-las, devem
evocar conceitos, esboçá-los e obter materiais antes disso. Muitas vezes vivem pelo menos
um ano à frente do resto do mundo. No entanto, prever o futuro exige que as ondas do
tempo sejam relativamente suaves, o que deixa pouco espaço para uma tempestade abrupta
(num dia claro) que mude imediatamente o curso da história, como foi o caso em 11 de
setembro de 2001.
O início de setembro é marcado como a Semana da Moda de Nova York, o que significa
que milhares de celebridades bem vestidas circulavam entre Bryant Park, Chelsea e SoHo
para ver a moda primavera/verão 2002 criada por designers nova-iorquinos. Muitos
ainda estavam cacarejando com a apresentação de Imitação de Cristo em 9 de setembro,
onde modelos sentadas imitavam editores arrogantes enquanto jornalistas reais eram
conduzidos à passarela, enquanto a comediante Tracey Ullman fazia comentários
zombeteiros para eles pelo alto-falante. Aquela risada, irreverência e frivolidade
cessaram imediatamente dois dias depois, de uma forma que ninguém poderia prever.
Qualquer que fosse o futuro previsto, pela moda ou pelo país, tinha mudado. A Semana da
Moda foi cancelada.
Teria sido compreensível se toda a temporada para todos os designers de todo o mundo
se tornasse irrelevante e inadequada, precisando ser completamente descartada.
Curiosamente, esse não foi inteiramente o caso.
As roupas em Areia Branqueada assumiram um novo nível de importância. Em outras
circunstâncias, o tom neutro pode ter sido esquecido, mas após os acontecimentos
catastróficos daquela manhã de setembro, o tom incontroverso tornou-se uma
referência para o mundo da moda. O designer sueco Lars Nilsson, da Bill Blass, viu a cor
como uma representação do “equilíbrio perfeito”. 163 Carmen Marc Valvo referiu-se à cor
“empoeirada, queimada pelo sol, diáfana” como sendo “sofisticada e humilde”. O
designer peso-pesado nova - iorquino Ralph Lauren e a novata britânica Phoebe Philo, da
Chloé, inspiraram-se no romantismo associado ao Parchment. Os babados soltos de
Lauren eram uma ode vitoriana, enquanto as roupas esvoaçantes de Philo aludiam
aos anos 70. Cynthia Steffe lembrou os anos 20 ao adornar suas modelos
com chapéus cloche, longos fios de contas e roupas justas e justas. A
sempre acessível marca GAP, sob a direção criativa de Jerome Jessup,
escolheu a discreta Sandshell para suas camisas de sarja. O designer David
Rodriguez usou a cor “leve e feminina” para “transmitir uma trégua de toda
negatividade”, porque simplesmente “faz você sorrir”. 165 E quando chegou a
primavera, isso era exatamente o que era necessário.
Anúncio impresso de camisa de sarja com Danny Glover The Gap 2002
Blusa manga curta com calça Ralph Lauren

Top com franjas Phoebe Philo para Chloé

Túnica sem alças sobre capris Cynthia Steffe

Bege
Neutro, natural e indiferente O bege é uma referência para os grandes nomes, desde
costureiros antigos como Jacques Fath, Cristóbal Balenciaga e Gabrielle Chanel até os
profetas da moda de hoje como Phoebe Philo para Céline e Christopher Bailey para
Burberry.
Em 1872, Aaron Montgomery Ward revolucionou o consumo americano ao criar o primeiro
catálogo de vendas pelo correio. O prestigiado Grolier Club de Nova York posteriormente o
honrou, dizendo: “O catálogo de pedidos por correspondência [de Montgomery Ward] tem
sido talvez a maior influência no aumento do padrão de 166 Como recurso de moda, a
insights sobre práticas de consumo e publicação American middle-class living.” oferece
verdades históricas; O catálogo de 1943 de Montgomery Ward comunica o zeitgeist do tempo
de guerra vendendo trajes militares para meninos e meninas, bem como ternos bege
inspirados em uniformes para
mulheres.
Com alta costura sob medida, a história da peça não é apenas do estilista, mas também de
quem a veste. A partir de 1947, Lady Alexandra Henrietta Louisa Howard-Johnson (nascida
Haig) usou apenas alta costura de Jacques Fath. Como um vestido branco seria considerado
impróprio para seu segundo casamento, Lady Alexandra usou um terno Almond Buff
bordado com fio Lurex dourado para as núpcias. Emocionada com o resultado, ela notou que
o vestido estava “gasto e desgastado”. O traje era atraente não só pela elegância e
simbolismo romântico, mas também por ser um dos últimos de Fath. O costureiro morreu
cerca de um mês depois do dia do casamento de Lady Alexandra. Só então ela vestiu outra
estilista: Jeanne Lanvin.
Para alarde exuberante, Phoebe Philo assumiu como diretora criativa da Céline para
a primavera/verão 2010. Apesar de uma cacofonia de inspiração (Cher vestida com Bob
Mackie e editoriais de David Sims e Melanie Ward do início dos anos 90), o trabalho de Philo
para a Céline é nítido e prático. , sua estreia com uma “paleta estrita de preto, branco e
vários tons de pedra”. A editora de moda da 167, Penny Martin, refletiu: “[Como] diretora
criativa da Céline, Phoebe superou a fantasia cansada da moda, transformando a
poeira da Casa Parisiense em uma plataforma 168 Fundada em 1945 para realidade nítida
de Céline Vipiana, a Casa era originalmente conhecida por seu “luxo e roupas hiperluxuosas.”
moderado”. 169
A pedido do Ministério da Guerra Britânico, em 1914, o inventor do gabardine,

Thomas Burberry, transformou seu tecido respirável e impermeável em casacos
para soldados nas trincheiras, conhecidos desde então como “trench coats”. Hoje,
o diretor criativo da Burberry, Christopher Bailey, homenageia o fato de o casaco
Tan da marca, com seu interior xadrez bege, preto, branco e vermelho, ser “um
dos emblemas mais potentes do caráter inglês”, mas não hesita em modernizá-
lo. 170 Escolhendo a atriz britânica Emma Watson como rosto da campanha, Bailey
imbuiu o casaco com a energia de megawatts de Watson.
®
Vestido de algodão Cover Girl ternos Page do bairro Montgomery
Catálogo Primavera/Verão 1943
Top, calça e cinto Phoebe Philo para Céline

Vestido penteado de algodão e linha Jacques Fath por volta de 1954

Anúncio impresso de gabardinas com George Craig e Emma Watson Burberry 2010
Cogumelo
“As pessoas tornaram-se mais matizadas na compreensão dos tons orgânicos sutis;
existem milhões de tons orgânicos sutis e um milhão de maneiras de ser lamacento.”
—Simon Doonan da Barneys 171
As derivações em tons mais quentes da família taupe, como o Mushroom, são

extremamente versáteis e favorecem quase todos os tons de pele. Calças clássicas, como
“cáqui”, geralmente vêm em tons de cinza atemporais e usáveis, que têm a capacidade
de “combinar com tudo” sem parecer desatualizadas.
A especialista americana em roupas esportivas Claire McCardell desenhou
roupas funcionais e descontraídas. Enquanto o “New Look” de saia longa e cintura estreita
continuou a influenciar a moda dos anos 1950, as roupas de McCardell, como seu casaco
Mushroom de 1952 e saia combinando, permaneceram fiéis ao seu estilo característico
mais usável, que complementava as mulheres sem ultrapassá-las.
Após a década de 1980, repleta de logotipos, Calvin Klein mudou
inteligentemente sua estratégia anteriormente bem-sucedida, projetando para vários
grupos demográficos na década de 1990: jovens adultos interessados em androginia
suja (CK One) e mulheres adultas em busca de algo “refinado, sexy e, em última análise,
ousado”. vestidos. 172 O vestido slip de renda Primavera/Verão 1992 da Klein pega o
visual de espartilho cônico de Jean Paul Gaultier e o transforma em um elegante look boudoir para noite.
Brian Atwood pode não ser tão conhecido como Blahnik ou Louboutin, mas as
mulheres com esses dois no armário provavelmente também têm sapatos dele.
Os saltos altíssimos da Atwood combinam apelo sexual e habilidade artesanal, os dois
ingredientes essenciais para sapatos dignos de luxúria. Atwood, que começou na
(Gianni) Versace, desenha sapatos para sua marca que são menos vampiros – mais para
a esposa troféu, menos para a amante. Seus botins desleixados Warm Taupe de 2010
combinam facilmente com qualquer look de outono, assim como os similares de Tory Burch
ou Jimmy Choo.
O tema calçado leva naturalmente a Ferragamo, sendo o calçado o
pedra angular sobre a qual a marca é construída. Entre 1927 e 1960, Salvatore
Ferragamo desenhou mais de vinte mil sapatos, para nomes como Audrey Hepburn, Sophia
Loren, a Duquesa de Windsor e Eva Perón.
Depois que ele deixou o cargo, seus seis filhos continuaram a administrar a marca
em diversas funções, aumentando seu alcance muito além dos sapatos. Para
capacidades variadas, aumentando seu alcance muito além dos

sapatos. Para a primavera/verão 2013, o estilista Massimiliano Giornetti
ofereceu um look da cabeça aos pés em tons de Portabella e Chanterelle,
com sapatos inspirados em espartilhos, bolsa hobo bege, jaqueta e calças,
tudo em couro leve e macio. Ferragamo disse uma vez: “Elegância e conforto
não são incompatíveis, e quem afirma o contrário simplesmente não sabe do
que está falando”, ideologia ainda hoje mantida pela marca.
Jaqueta, top e calça de couro Massimiliano Giornetti para Ferragamo

Botins de camurça Jimmy Choo (esquerda) e Tory Burch (direita) 2010

Vestido de noite metálico, renda chantilly e chiffon Calvin Klein

Conjunto apresentado na revista Vogue Claire McCardell 1952

Simplesmente cinza
“Tive sucesso com oito tons diferentes de bege.”
—Giorgio Armani 173
Giorgio Armani confundiu as linhas de gênero ao produzir roupas masculinas “suaves e

fluidas, portanto feminizadas” e roupas femininas “robustamente adaptadas e
em 1975. masculinizada”. discretas, por isso Armani lançou sua própria marca
Na década de 1980, as mulheres do local de trabalho clamavam por seus ternos fluidos,
assim como os homens que queriam exibir sua sexualidade, ao estilo do Gigolô Americano.
Usar a mesma paleta neutra de Simply Taupe em suas coleções masculinas e femininas
exacerbou a falta de fronteiras de gênero distintas de Armani.
Os designers belgas provocaram um choque sísmico na moda parisiense na
década de 1990, tal como os japoneses fizeram na década de 1980. Pair An Vandevorst
e Filip Arickx da AF Vandevorst fazem parte da segunda geração de designers belgas
a ganhar notoriedade, atrás dos “Antwerp Six”, que incluíam Walter Van Beirendonck,
Dries van Noten e Ann Demeule meester. AF
A Vandevorst, fundada em 1997, imediatamente incitou comoção com seu cinto espartilho
exponencialmente fetichista que também funcionava como sela. Para o outono de 2009, a
marca continuou interpretando conceitos clichês de moda com literalismo humorístico:
hipismo (sapatos de cavalo) e nomadismo (casacos de dormir). “Look 21”, um dos
quatorze looks Light Taupe, reinterpreta o blazer, exagerando as lapelas com excesso
de tecido, fazendo com que a peça singular pareça uma jaqueta com lenço combinando.
Criada em Paris, Rio de Janeiro e Nova York, a vida de Laura Poretzky por si só
lhe dá a credibilidade necessária para ter sucesso na moda. O graduado da Rhode Island
School of Design lançou a linha de pronto-a-vestir Abaeté em 2004. No outono de 2006,
Poretzky misturou Plaza Taupe com Manhattan Black para o vestido ideal para o dia-a-
noite. Embora ela tenha fechado Abaeté em 2010, seu mais novo empreendimento,
os trajes de banho Été aprovados pela Vogue, combinam perfeitamente com mulheres
que viajam pelas ilhas fora de serviço.
Clare Waight Keller só agora está recebendo os holofotes que merece. Depois
passagens pela Calvin Klein, Ralph Lauren, Gucci de Tom Ford e Pringle da Escócia,
Keller foi nomeado diretor criativo da Chloé em 2011. Chloé, fundada por Gaby
Aghion e Jacques Lenoir em 1952, começou com o algodão
vestidos de popeline adorados por Maria Callas e Grace Kelly. Desde então,
Chloé teve alguns dos melhores designers do mundo no comando, incluindo
Karl Lagerfeld, Martine Sitbon, Stella McCartney, Phoebe Philo e Keller. Para o
outono/inverno 2012–2013, Keller mostrou um vestido Greige com cinto e
bolsos grandes e amplos. Ao contrário de outras marcas, que foram abaladas
negativamente por diferentes personalidades do design, Chloé conseguiu
manter um “fio constante” fiel à visão de Aghion de prêt-à-porter acessível
(termo que ela cunhou) com um ar de liberdade.
Conjunto com botas de plataforma em forma de cascos de cavalo Filip A rick x e AF V andevorst Outono/Inverno
2009
Vestido de duas peças com cinto Clare Waight Keller para Chloé
Outono/Inverno 2012
Vestido sem mangas Laura Poretzky para Abaeté

Outono/Inverno 2006
Anúncio impresso de Giorgio Armani por volta dos anos 1980

Geleira Cinza
“Gray prevalecerá.”
—Christian Dior
A associação do cinza com dias nublados e os eternamente deprimidos (como o personagem

do Ursinho Pooh, Bisonho) ofusca sua história de esperança e luxo. No final do século
XIX, inovações tecnológicas como elevadores seguros e paredes de cortina de vidro,
juntamente com aço acessível, permitiram que os edifícios tocassem as nuvens. Em
1928, Sob os olhos dos arranha-céus de Nova York, da revista Femina, mostra uma
mulher com um bob la garçonne em um vestido Lanvin branco, azul e cinza em camadas,
parada perto de uma janela com o horizonte visível da cidade. As influências art déco na
ilustração e na arquitetura são imediatamente evidentes, assim como os paralelos entre o corpo
ágil da modelo e a silhueta dos edifícios, que representam a promessa de modernidade.
Enquanto a estilista Jeanne Lanvin, a matrona da alta-costura, tinha sessenta e um anos
quando o vestido foi desenhado, sua filha e musa, então Marie-Blanche de Polignac, tinha
trinta e um anos e estava no pulso da alta sociedade.
A Segunda Guerra Mundial fez com que o luxo se tornasse “uma sombra meio esquecida”.
175 No entanto, Pierre Balmain, Cristóbal Balenciaga, Christian Dior e Jacques Fath
trouxeram a extravagância de volta aos holofotes da Paris do pós-guerra ao polarizarem a roupa
masculina e a roupa feminina. Jacques Fath, o enfant terrível original da alta-costura, viu
o otimismo do cinza, usando-o em seu vestido de noite de 1949. O vestido de cintura marcada
e excesso de tecido tem semelhanças com a coleção “Corolle” de 1947 da Dior. No entanto,
a ascendência de Fath ilustra claramente a realidade de que não havia nada de novo no
“The New Look”; sua bisavó ajudou na costura da Imperatriz Eugénie. A influência
do Segundo Império é evidente no vestido de noite de Fath, já que o arco enorme quase imita
uma agitação.
Depois de Monsieur Fath, os ex-alunos do Central Saint Martins, John Galliano e

Alexander McQueen, disputaram o cobiçado título de enfant terrível. Em 1996, Galliano foi
nomeado designer-chefe da Christian Dior, onde permaneceu até sua queda em desgraça,
como Ícaro, em 2011. Sua implosão psicológica infelizmente incinerou seu legado como talento
do design. Assim como Fath, Galliano adorava coisas maiores.
opulência, teatralidade e vestimentas históricas. No entanto, o seu terno cinza para a

Dior no final dos anos 1990 é um raro exemplo da moderação de Galliano. As linhas
duras da jaqueta abrangem tanto o orientalismo quanto o fetichismo, ao mesmo
tempo em que permanecem fiéis ao estruturado “New Look” da Dior, que lhe rendeu
um lugar no Kyoto Costume Institute.
Os designers nova-iorquinos Yigal Azrouël e Jen Kao foram atraídos pelo
suavidade do Frost Grey, evitando suas associações frias e usando-o na primavera
de 2009 e 2010, respectivamente.
Jaqueta, saia e gargantilha John Gallia nofor Christian Dio r H aute C outure
Outono/Inverno 1 9 9 7
Vestido Yigal Azrouël

Primavera de 2009
Litografia Sob os Olhos dos Arranha-céus de Nova York de Leon Benigni para Femina Jeanne Lanvin 1928
Vestido longo transparente Jen Kao

Primavera de 2010
Prata
“A prata me intoxica com seu fluxo moderno e descolado.”
—Robert Lee Morris 176
Sleek Silver transmite tecnologia avançada e futurismo, uma vibração que a

American Enka Company, Paco Rabanne e Iris Van Herpen aproveitaram. Mas
com a pátina, Silver também pode expressar a passagem do tempo, como bem demonstrado
por Isaac Mizrahi.
Com a seda necessária para os pára-quedas da Segunda Guerra Mundial, a moda voltou-
se para os sintéticos como o rayon, fornecido pela American Enka Company. Para ajudar no
esforço de guerra, os líderes da moda, da Harper's Bazaar à Bloomingdale's, divulgaram o
tecido, vendendo-o como um avanço tecnológico vestível, em vez de apenas seda
artificial. Em 1944, a American Enka Company ofereceu aos consumidores
elegantes e preocupados com a guerra um vestido de noite Quicksilver com cinto e luvas
combinando.
O refugiado francês nascido na Espanha, Francisco de Rabanne de Cuervo (conhecido
como Paco Rabanne) teve coragem de usar literalmente metal. Usando
materiais não convencionais como alumínio e plástico, Rabanne infundiu em seus designs
um ar de experimentação, levando a jornalista de moda Madge Garland a chamá-lo de
um dos “designers mais inventivos e originais de Paris no final dos anos sessenta”. 177
Antes de Isaac Mizrahi começar a projetar tudo e qualquer coisa (cheesecake

para QVC, alguém?), Ele era o assunto da cidade na década de 1990 em Nova York. O
New York Times chamou a estreia de Mizrahi de “uma das mais
teve um início 178 Sua coleção outono/inverno 1997-1998
promissor.” forte: suas roupas “Rouge Chic” eram atuais, mas ainda
faziam referência à “Cidade Nua” da Velha Nova York. Seu suéter Silver
Filigree brilhava sob as luzes da passarela, enfatizado ainda mais por sua
combinação com calças Silver foscas, que a jornalista de moda Amy M.
Spindler lembrou “pareciam amadas”. 179 Explicando o seu ímpeto pelo
design, Mizrahi explicou: “Não faço roupas para ser influente. Eu faço isso
porque são lindos e não posso evitar.” 180
Depois de adquirir experiência na Alexander McQueen e na Viktor & Rolf, Iris

Van Herpen começou a criar suas próprias roupas que poderiam deixar alguém “com
um humor diferente ou às vezes até com uma identidade diferente”. 181 Apesar de
utilizou nova tecnologia, a coleção de alta costura Primavera 2012 de Van Herpen
também explorou a fome emocional e o vazio fertilizados pelo mundo digital.
A modelo Elsa Sylvan mostrou um vestido prateado de manga única estampado em
3D “que parece refletir sua própria superfície”. 182 A complexidade da impressão, que
parecia um fungo da floresta tropical, fazia com que a bainha parecesse inacabada.
O ícone da moda Daphne Guinness e a musicista Björk, ambos conhecidos por
moldarem sua identidade, admiram o trabalho brilhante de Van Herpen, assim como Rem
Koolhaas, arquiteto extraordinário e diretor criativo dos impressionantes sapatos
United Nude esculpidos.
Minivestido metálico Paco Rabanne 1967

Vestido e luvas combinando, anúncio impresso da American Enka Company 1944

Suéter com calças Isaac Mizrahi

Outono/Inverno 1997–1998
Minid ress com hru ffle s Iris V an H erpen

Primavera 2 0 1 2
Cinzento carvão
À medida que o cinza se aproxima do preto no espectro de cores, ele ganha intensidade,
exigindo respeito e atenção, o que Sydney Wragge, de BH
Wragge, entendido. Um dos primeiros pioneiros das roupas esportivas e separadas
americanas, Wragge era conhecido por ser “inegavelmente o melhor em apresentar ao
público guarda-roupas intercambiáveis”. 183 Inspirado nas aquarelas de Gordon Grant e na
paisagem da América, Wragge tendia a usar cinzas ardósia e a cor “telha” para
equipar seu grupo demográfico: esposas elegantes. Em 1957, Wragge ganhou o Coty
American Fashion Critics' Award, o Oscar da moda, e é lembrado com carinho por Ira
Neimark, de Bonwit Teller, como um dos “nobres da moda que visitou” a loja de
departamentos. 184
“O reconhecido reitor dos designers americanos,” 185 Norman Norell

acreditava que uma mulher “nunca pode ser muito simples durante o dia ou muito
em um elaborada. 186 Na década de 1940, Norell transformou o cinza acinzentado
brilhante à noite”. prata derretida através do uso de lantejoulas (não racionadas durante a
Segunda Guerra Mundial), trazendo frisson às suas roupas de noite. Extremamente
bem-sucedido, Norell continuou a fazer variações do vestido, que “nunca parecia sair de
moda”, até sua morte em 1972. 187 A crítica de moda Marilyn Bender escreveu
sobre os empecilhos de Norell: “Seus vestidos incomparavelmente sexy aderem a o
corpo como a pele de uma sereia através das mangas, depois sussurra de
facilidade na cintura até o tornozelo. 188 A descrição de Bender pegou, e os
vestidos de “sereia” de Norell ficaram para a história como os mais famosos, em parte
por causa do carinho que Marilyn Monroe tinha por eles. 189
O sul-africano que virou nova-iorquino Mark Eisen ganhou fama instantânea em 1988
com o lançamento de sua coleção “Couture Denim”.
Quando Eisen desistiu em 2009, sua linha já estava presente em mais de 800 lojas
em 18 países. Este visual cinza urbano de sua coleção outono/inverno 1998-1999 mostra
sua distinta capacidade de fazer roupas esportivas sob medida, elegantes e fáceis.
A dupla Doppelgänger, Viktor Horsting e Rolf Snoeren, mantém uma relação

de amor e ódio com o mundo da moda desde que se mudou para Paris em 1992.
A dupla, que se conheceu e se formou na Academia de Arte e Design de Arnhem, começou
mais por desconstruir a indústria da moda do que
roupas. Colecionadas por galerias e museus, suas mercadorias pareciam

destinadas a ficar confinadas atrás de vidros. Irritados com a falta de sucesso comercial,
eles entraram em greve no outono/inverno de 1996-1997. Frustração semelhante levou
ao seu “NÃO!” coleção mais de uma década depois. Exaustos pelo carrossel ininterrupto
do calendário da moda, Viktor e Rolf literalmente costuraram suas emoções nas roupas.
Tal como os funcionários da Office Space que se tornaram postal, eles usaram milhares
de agrafos para bainhar as peças de vestuário, expressando a sua frustração
com o comercialismo evidente da moda. Irônico, dada a greve anterior.
SEM casaco Viktor & Rolf

Outono/Inverno 2008
Conjunto noturno Mark Eisen

Outono/Inverno 1998
Vestido de jersey com lantejoulas Norman Norell por volta de 1968–69

Casaco longo, vestido de gola alta e gorro de tricô BH Wragge por volta de 1953
Noite sem lua

“O negro é modesto e arrogante ao mesmo tempo. As pretas são preguiçosas e fáceis – mas
misteriosas. Mas acima de tudo o preto diz isto: 'Eu não te incomodo – você não me
incomoda.' ”
—Yohji Yamamoto 190
Este preto suave e naturalista com um toque de cinza carvão foi a cor da “Revolução Japonesa em
Paris” durante os anos 1970 e início dos anos 1980. 191 Embora a estética de Issey Miyake, Yohji
Yamamoto e Rei Kawakubo da Comme des Garçons difira tremendamente, todos eles
desmantelaram noções de Orientalismo ao confiarem nos “princípios firmes do design tradicional
japonês”.
192
O suéter Pirate Black de Kawakubo de 1982 pode parecer surrado. No entanto, a intencionalidade
por trás da sua criação aliada à sua construção meticulosa mostra a genialidade do designer e a
complexidade envolvida na criação da destruição. A malha preta oversized disfarça o corpo
anatômico e ao mesmo tempo o revela através de furos propositais, feitos a partir do afrouxamento
de parafusos do tear. Quando perguntaram a Kawakubo por que ela usa tanto preto, ela respondeu:
“Vejo cores suficientes na vida”. 193 Para confeccionar o “Vestido Saltitante” de poliéster
permanentemente plissado de Issey Miyake da Primavera/Verão
de 1993, mais de quatro pessoas torceram e depois “cozinharam” a peça, um processo inventado
por Miyake junto com seu diretor criativo, Dai Fujiwara.
194
Ao ver pela primeira vez o trabalho silencioso de Yohji Yamamoto, o ex-editor da revista francesa
Vogue Irène Silvagni exclamou: “A era do negro chegou!” 195 Sobre sua afinidade com o preto,
Yamamoto explicou seu fluxo de consciência no design: “Eu amo as mulheres, a
impressão, a silhueta, o corte, o movimento, a ação, o tecido. .
. . É por isso que às vezes esqueço de colocar cor.” 196 O
próprio Yamamoto tem uma propensão para usar a cor Moonless Night (o que lhe valeu o apelido
de “O Monge”) e vestir outros homens, como os cantores Sting e David Bowie, com ela. 197

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Os autores agradecem: Frank Burrafato, Yolanda Cazares, Julie Chen, Joyce

Direitos autorais do texto © 2014 da Pantone LLC.

As páginas 123–124 constituem uma continuação da página de direitos autorais.

Imagem da capa: Casaco, Bottega Veneta; Vogue alemã, novembro de

ISBN: 978-1-4521-1535-1 (hc)

A identificação de cores PANTONE é apenas para fins artísticos e não se

Chronicle Books LLC 680

Embora olhemos aqui principalmente para a moda e a cor nos séculos XX e

Ao mergulhar na história da moda e sua relação com a cor,

Os modismos impermanentes aceleraram na era moderna à medida que a moda se

Mas não se preocupe! Alguns designers se tornaram quase sinônimos

Existem muitos mitos sobre a moda e sua relação com a cor.

Na verdade, dois dos maiores desastres da moda vieram de tentativas de

Como qualquer pesquisa abrangente, este livro é culpado de consolidar mitos

No entanto, só recentemente os cientistas começaram a estudar as nossas reações

Ao produzir seu Fashion Color Report nos últimos quinze anos,

A alegria irrestrita do Vibrant Yellow é inerentemente conflituosa, tornando

Embora os tênis Converse quase não tenham mudado no último século, o

Anúncio impresso United Colors of Benetton

Casaco de noite em corte A Zandra Rhodes 1969

Tênis All Star Converse 2005

em vez da regra. Christopher Bailey, no entanto, tem prazer em quebrar essas

Conjunto de suéter e calça Albert Kriemler para Akris

Vestido de seda listrado Victor Stiebel 1947

Vestido de chiffon em camadas Christian Siriano

Livres de arame farpado e de submarinos, as pessoas migraram de volta para as praias

Oscar de la Renta, como Molyneux antes dele, aproveitou a energia de

M at ela ss é ca ft an com calças compridas Ir ene G alit zin e

Vestido de seda com bordado floral Oscar de la Renta

Pôster de Austin Reed por Tom Purvis por volta de 1935

Esta cor imediatamente faz o coração palpitar!

incluído Nan Kempner e Pat Buckley. 18 Desde então, Herrera foi

Saia de algodão usada sobre vestido de algodão Ida Johansson

Saia listrada com top floral Carolina Herrera

Ilustração da capa de Helen Dryden para a Vogue 1921

profundas.” 27 A filosofia de cores de Steffee foi então influenciada pelas “mudanças

Primavera/Verão 2013, Lagerfeld reinterpretou o mod com um esquema de cores

Vestido espartilho Jean Paul Gaultier por volta de 1987

Top e culotes Karl Lagerfeld para Fendi

Vestido casaco com cinto e bainha suflê Shelly Steffee

Para a primavera/verão de 2002, Donna Karan foi estranhamente suave e hiperfeminina,

Terno Giorgio Armani

Fato de banho com faixas Max Azria para Hervé Léger

Vestido sem alças com costura assimétrica Donna Karan

minutos de ovação de pé e levou a socialite Nan Kempner às lágrimas.

Capa de penas Yves Saint Laurent Alta Costura

Conjunto multipadrão Anna Sui

Capa enrolada e saia maxi plissada acordeão Tracy Reese

Vestido com acabamento em renda Elie Tahari

Na década de 1990, todos os adolescentes descolados conheciam o nome “Todd

Casaco grande Oscar de la Renta

Sapatos com plataforma Vivienne Westwood

Casaco longo acolchoado Pierre Cardin

As guerras no Afeganistão e no Iraque, juntamente com as preocupações económicas, lançaram um

Calças Charlotte Ronson Outono 2006

Vestido Zac Posen

Vestido sem costas com franja de brilhantes Alvin Valley

Calça Y & Kei

Os primeiros jeans da Levi Strauss usavam corante índigo natural. No entanto, em

Calvin Klein foi o primeiro designer a abraçar a sexualidade adolescente, usando-a

Rei Kawakubo para Comme des Garçons transforma regularmente o banal