BREVE HISTÓRIA DA ARTE

BREVE
Um guia de
HISTÓRIA

Susie Hodge
bolso para os
principais movimentos,
obras, inovações DA
e temas
ARTE

editoraolhares.com.br Susie Hodge

Sumário
6 Introdução
9 Como usar este livro
MOVIMENTOS
12 Arte pré-histórica
13 Arte greco-romana
14 Arte bizantina
15 Arte medieval
16 Renascimento inicial
17 Renascimento nórdico
18 Renascimento
19 Alto renascimento
20 Renascimento veneziano
21 Maneirismo
22 Era de ouro holandesa
23 Barroco
24 Rococó
25 Neoclassicismo
26 Romantismo
27 Realismo
28 Impressionismo
29 Pós-impressionismo
30 Neoimpressionismo
31 Art Nouveau
32 Expressionismo
33 Expressionismo alemão
34 Fauvismo
35 Cubismo
36 Futurismo
37 Suprematismo
38 Dadaísmo
39 Neoplasticismo
40 Realismo mágico
41 Surrealismo
42 Expressionismo abstrato
43 Colour Field
44 Pop Art
45 Arte performática
46 Minimalismo
47 Arte conceitual
OBRAS
50 Grande Sala dos Touros (Lascaux)
52 Vênus de Milo
54 Cristo Pantocrator
56 Lamentação, Giotto
58 Retrato do casal Arnolfini, Van Eyck
60 Primavera, Botticelli
64 Hércules na encruzilhada, Dürer
66 Pietà, Michelangelo
68 Mona Lisa, Da Vinci
70 Cristo cai a caminho do calvário, Rafael
72 Vênus de Urbino, Ticiano
76 Caçadores na neve, Bruegel
78 Espólio de Cristo, El Greco
80 Baco, Caravaggio
82 Judite matando Holofernes, Gentileschi
84 Descida da cruz, Rubens
86 Apolo e Dafne, Bernini
88 Autorretrato com os olhos arregalados,
Rembrandt
90 As Meninas, Velázquez
92 Moça com brinco de pérola, Vermeer
94 O balanço, Fragonard
96 Juramento dos Horácios, David
100  Alto das cataratas de Reichenbach: Arco-
íris, Turner
102 Três de maio de 1808, Goya
104 Massacre de Quios, Delacroix
106 Banho turco, Ingres
108 Olympia, Manet
110 Impressão, nascer do sol, Monet
112 A Idade do Bronze, Rodin
114 Uma tarde de domingo na ilha de Grande
Jatte, Seurat
116 Café noturno, Van Gogh
118 O grito, Munch
120 Natureza-morta com cebolas, Cézanne
124 Barcos em Collioure, Derain
126 O beijo, Klimt
128 Acordeonista, Picasso
130 Formas únicas de continuidade no
espaço, Boccioni
132  ua com prostituta de vermelho,
R 182 Forma e formato
Kirchner 183 Man-made
134 Quadrado vermelho, Malevich 184 Abstração
136 Fonte, Duchamp 185 Consumismo
138 Os amantes, Magritte
140 As duas Fridas, Kahlo TÉCNICAS
142 Broadway Boogie Woogie, Mondrian 188 Lápis
144 Caminhos ondulados, Pollock 189 Cerâmica
146 Sem título, Rothko 190 Mosaico
148 O caracol, Matisse 191 Giz
150 Sem título, a partir de “Marilyn”, 192 Mármore
Warhol 193 Têmpera
152 Sem título, Judd 194 Douração
154 Eu gosto da América e a América 195 Underpainting
gosta de mim, Beuys 196 Sfumato
156 A impossibilidade física da morte na 197 Óleo sobre painel
mente de alguém vivo, Hirst 198 Perspectiva linear
199 Perspectiva atmosférica
TEMAS 200 Escorço
160 Animais 201 Xilogravura
161 Figuras humanas 202 Argila
162 Religião 203 Óleo sobre tela
163 Retrato 204 Afresco
164 Autorretrato 205 Chiaroscuro
165 Interiores 206 Gravura
166 Mitologia 207 Água-forte
167 Alegoria 208 Pena e tinta
168 Paisagem 209 Câmera escura
169 Cor 210 Aquarela
170 Gênero 211 Bronze
171 Natureza 212 Pontilhismo
172 Guerra 213 Impasto
173 História 214 Ready-mades
174 Paisagens marinhas 215 Guache
175 Natureza-morta 216 Colagem
176 Isolamento 217 Serigrafia
177 Morte
178 Inconsciente 218 Índice
179 Amor 223 Museus
180 Movimento 224 Créditos das imagens
181 Paisagens urbanas
8 INTRODUÇÃO

as criaram foram por vezes ridicularizados ou desacreditados ao

produzir ou apresentar suas obras pela primeira vez. Contudo,
por fazerem algo diferente e se recusarem a seguir as convenções,
esses artistas mudaram o rumo da história da arte. Embora, do
ponto de vista atual, muitas dessas obras possam parecer banais
ou pouco revolucionárias aos olhos contemporâneos, várias delas
foram consideradas chocantes ou irreverentes quando foram
originalmente criadas.
Cada obra é discutida e analisada dentro de seu contexto, e
uma breve biografia proporciona uma compreensão maior dos
artistas e das razões pelas quais produziram sua criações de
vanguarda naquele momento específico.

Temas
EDWARD HOPPER: “SE EU PUDESSE EXPRESSAR ISSO COM
PALAVRAS, NÃO HAVERIA RAZÃO PARA PINTAR”
Representados de inúmeras maneiras por diferentes artistas,
muitas vezes os mesmos temas – ou temas semelhantes –
apareceram no decorrer da história em uma grande variedade
de contextos. Explorar a arte através dos temas pode aumentar
nossa compreensão das intenções e ideias que ela representa.
Os temas na arte são, muitas vezes, mensagens sobre a vida,
a sociedade ou a natureza humana e costumam ser mais
insinuados que explicitamente declarados. Esses temas, que não
correspondem exatamente ao assunto específico da obra, muitas
vezes são ambíguos ou vagos. Alguns temas – como paisagem,
religião ou cor – são mais prevalentes durante determinados
movimentos ou períodos.

Técnicas
GEORGES BRAQUE: “HÁ MAIS SENSIBILIDADE NA TÉCNICA DO QUE
NO RESTANTE DO QUADRO”
Do desenho a carvão à serigrafia e do afresco ao escorço,
desde que a arte foi produzida pela primeira vez, os artistas
desenvolveram inúmeras técnicas e métodos. O capítulo Técnicas
explica e explora a evolução de muitas das principais técnicas
artísticas usadas ao longo da história, como o underpainting, a
água-forte, o método da cera perdida, a pintura a óleo e o impasto.
Discutem-se também os materiais em relação aos métodos, e são
citados muitos artistas que usaram ou inventaram certas técnicas,
além de várias mudanças de abordagem e fatos relevantes.
 9

Como usar este livro

Este livro está dividido em quatro capítulos importantes feitas por artistas famosos.
separados: Movimentos, Obras, Temas As referências no rodapé de cada página
e Técnicas. Cada capítulo pode ser lido conduzem o leitor de um capítulo para outro,
independentemente dos outros. A parte enquanto os blocos em destaque apresentam
central do livro – Obras – apresenta 50 obras fatos relevantes e o histórico de cada artista.

18 MOVIMENTOS MOVIMENTOS 19

Renascimento
PRINCIPAIS ARTISTAS: PIERO DELLA FRANCESCA • SANDRO BOTTICELLI •
PERUGINO ANDREA MANTEGNA • FILIPPO LIPPI
Abrangendo o renascimento inicial, o
nórdico e o alto renascimento, o termo
renascimento ou renascença descreve
o “renascer” de um novo interesse pelo
aprendizado e proliferação das artes na
Europa, assim como seu desenvolvimento.
Uma quantidade surpreendente da
arte e dos escritos renascentistas
sobreviveu – e muito mais se perdeu.
Novas tecnologias e técnicas, incluindo
a descoberta das leis matemáticas da
perspectiva linear, a invenção da prensa
tipográfica, um novo sistema astronômico,
a produção do lápis de grafite, o uso da
tinta a óleo e a fundição de bronze com
cera perdida acompanharam as novas
ideias. O renascimento teve seu apogeu no
FIGURAS HUMANAS p.161 RELIGIÃO p.162 PORTRAITURE p.163 MITOLOGIA p.166 AMOR p.179
MORTE p.177 AFRESCO p.204 TÊMPERA p.193 ARGILA p.202 BRONZE p.211 PERSPECTIVA LINEAR p.198
1400
–
1550
FATOS RELEVANTES
Ao longo do século xv, Florença
foi o centro mais produtivo
da arte na Itália, muitas
vezes chamada de “berço
do renascimento”. Mas, no
século xvi, Roma e Veneza a
ultrapassaram em importância,
e muitas outras cidades
italianas – especialmente
Urbino, Mântua, Ferrara,
Bolonha e Milão – também
desenvolveram “escolas”
artísticas significativas.
Madona e o Menino com o nascimento
da Virgem e o encontro de Joaquim e
Ana, Filippo Lippi, c. 1452, óleo sobre
madeira, 135 cm de diâmetro, Galleria
Palatina, Palazzo Pitti, Florença, Itália
fim do século xv e início do século xvi,
quando os artistas procuravam capturar
a experiência e a emoção humanas, e a
beleza e o mistério do mundo natural. Pela
primeira vez desde a Antiguidade clássica,
a arte se tornou convincentemente realista.
Os temas religiosos eram os mais comuns,
enquanto os retratos refletiam um novo
senso de autoestima, e histórias mitológicas
eram representadas por seus ensinamentos
morais. Os artistas alcançaram um prestígio
equivalente ao dos poetas e membros
da corte: a genialidade de Leonardo da
Vinci (1452-1519) foi reconhecida em
Florença, Milão, Roma e na França, e
consta que o imperador Carlos v se abaixou
para apanhar o pincel de Ticiano.
Alto renascimento
PRINCIPAIS ARTISTAS: LEONARDO DA VINCI • MICHELANGELO •
RAFAEL • ANDREA SANSOVINO • ANDREA DEL SARTO • PAOLO VERONESE
A partir do final do século xv, quando
o poder papal se estabilizou em Roma,
vários papas encomendaram obras de arte
e arquitetura, determinados a restaurar a
antiga glória da cidade.
Nos primeiros anos do século xvi (o
período do alto renascimento), progressos
anteriores culminaram em uma síntese
harmoniosa e um novo estilo clássico e
heroico para a figura humana. Os papas
Júlio ii (1503-1513) e Leão x (1513-1521),
em particular, encomendaram projetos
extensos e ambiciosos a artistas de enorme
talento, sobretudo Rafael (1483-1520) e
Michelangelo (1475-1564) com as Stanze
do Vaticano e o teto da Capela Sistina,
onde eles implementaram totalmente os
ideais do humanismo e aperfeiçoaram
os métodos do realismo e ilusionismo.
Havia a crença de que o passado clássico
tinha sido não apenas igualado, como
superado. Os artistas tinham acesso a
FIGURAS HUMANAS p.161 RELIGIÃO p.162 RETRATO p.163 MITOLOGIA p.166 ALEGORIA p.167 AMOR p.179
ÓLEO SOBRE TELA p.203 MÁRMORE p.192 BRONZE p.211 GIZ p.191 ESCORÇO p.200 SFUMATO p.196
1490
– Datas importantes
1530
Principais artistas
técnicas extremamente elaboradas de
perspectiva linear e atmosférica, escorço,
gradação tonal e a novas cores vivas e
repletas de “nuances” ou “matizes”. Muitos
dos artistas tinham um conhecimento
avançado de anatomia, mostravam
incríveis habilidades no uso dos materiais
e empregavam grande imaginação.
FATOS RELEVANTES
A partir das bases estabelecidas por seus
antecessores, os artistas do alto renascimento
criaram composições ambiciosas usando efeitos
precisos de perspectiva e figuras humanas
observadas atentamente. Embora reverenciassem
a Antiguidade clássica, eles refletiam novas
Fatos relevantes
atitudes em relação à beleza e à harmonia – todos
com extraordinárias capacidades técnicas. Pela
primeira vez, alguns artistas se tornaram famosos
por suas inovações e habilidades.
Banquete na casa de Levi, Paolo Veronese, 1573, pintura a
óleo, 5,55 × 13,1 m, Gallerie dell’Accademia, Veneza, Itália
Referências
a temas e
técnicas

Artista, técnica, dimensões e local Data da obra

76 OBRAS OBRAS 77

Hunters in the Snow 1565

PIETER BRUEGEL, O VELHO: ÓLEO SOBRE PAINEL • 117 × 162 CM •
KUNSTHISTORISCHES MUSEUM, VIENA, ÁUSTRIA

Geralmente considerado o maior pintor flamengo

do século xvi, Pieter Bruegel, o Velho (1525-1569)
pintou cenas religiosas e mitológicas, alegorias e
sátiras sociais em um estilo narrativo original.
Também conhecida como O regresso dos caçadores,
esta obra faz parte de uma série pintada por Bruegel que
representa os meses do ano. Retratando janeiro, ela era a
primeira do friso, portanto as árvores na lateral esquerda
serviam de moldura. Como era característico de Bruegel, a
pintura é repleta de detalhes. Tendo conseguido pouca coisa
pelo trabalho do dia, três caçadores e seus cães cruzam
um vale gelado de volta para casa aparentemente exaustos.
Sobre a paisagem nevada podem-se ver várias atividades,
como pessoas andando em trenós, patinando em lagos
congelados e camponeses tentando apagar uma fogueira.
O dia está frio e calmo. Pingentes de gelo acumulam-se
numa roda de moinho, as árvores escuras estão sem folhas
e a fumaça paira no ar. A maneira como o pintor faz a
neve se ressaltar em tamanha brancura é um triunfo da
técnica. As encostas e picos montanhosos ao longe foram
baseados na visita que Bruegel fez aos Alpes em 1552-1553.

PIETER BRUEGEL, O VELHO

Famoso ainda em vida, Pieter Bruegel, o Velho era às vezes chamado
de “Bruegel Camponês” por suas representações detalhadas de

Informações gerais
camponeses e da vida nas aldeias. No início de sua carreira, ele
retratava muitas figuras humanas em dimensões bastante reduzidas,
porém mais tarde suas figuras se tornaram maiores, e suas

sobre o artista
composições, mais ambiciosas. Ele foi o primeiro de uma grande
família de pintores.
OUTRAS OBRAS DE BRUEGEL
Provérbios holandeses 1559, Gemäldegalerie, Berlim, Alemanha
Brincadeiras infantis 1560, Kunsthistorisches Museum, Viena, Áustria
O casamento camponês 1566-1569, Kunsthistorisches Museum, Viena, Áustria

RENASCIMENTO NÓRDICO p.17 ÓLEO SOBRE PAINEL p. 197 PAISAGEM p. 168 GÊNERO p. 170 UNDERPAINTING p. 195

Outras obras importantes do artista Referências a movimentos, temas e técnicas

 Movimentos
ARTE PRÉ-HISTÓRICA 12 • ARTE GRECO-ROMANA 13 • ARTE BIZANTINA 14
ARTE MEDIEVAL 15 • RENASCIMENTO INICIAL 16 • RENASCIMENTO NÓRDICO 17
RENASCIMENTO 18 • ALTO RENASCIMENTO 19 • RENASCIMENTO VENEZIANO 20
MANEIRISMO 21 • ERA DE OURO HOLANDESA 22 • BARROCO 23 • ROCOCÓ 24
NEOCLASSICISMO 25 • ROMANTISMO 26 • REALISMO 27 IMPRESSIONISMO 28
PÓS-IMPRESSIONISMO 29 • NEOIMPRESSIONISMO 30 • ART NOUVEAU 31
EXPRESSIONISMO 32 • EXPRESSIONISMO ALEMÃO 33 • FAUVISMO 34 • CUBISMO
35 • FUTURISMO 36 • SUPREMATISMO 37 • DADAÍSMO 38 • NEOPLASTICISMO 39
REALISMO MÁGICO 40 • SURREALISMO 41 • EXPRESSIONISMO ABSTRATO 42
COLOUR FIELD 43 • POP ART 44 • ARTE PERFORMÁTICA 45 • MINIMALISMO 46
ARTE CONCEITUAL 47
20 MOVIMENTOS
Renascimento veneziano
PRINCIPAIS ARTISTAS: GIOVANNI BELLINI • GIORGIONE • TITIAN • TINTORETTO •
PAOLO VERONESE • JACOPO SANSOVINO
Nos séculos x e xvi, Veneza era a cidade
mais poderosa da Itália, tendo enriquecido
graças a quase mil anos de comércio e à
recente aquisição de territórios no continente
e colônias no Mediterrâneo oriental.
Os artistas venezianos tornaram-se
reconhecidos internacionalmente por
seus quadros em cores vibrantes, que
exploravam as novas técnicas de pintura a
óleo vindas do norte. A dinastia artística
mais importante do renascimento inicial
em Veneza foi a família Bellini, que
compreendia Jacopo Bellini (c. 1400-1470) e
seus filhos Gentile (c. 1429-1507) e o grande
Giovanni (c. 1430-1516), que continuou
a inovar até a idade avançada, além da
FIGURAS HUMANAS p.161 RELIGIÃO p.162 RETRATO p.163 MITOLOGIA p.166 ALEGORIA p.167
AMOR p.179 MORTE p.177 PAISAGEM p.168 ÓLEO SOBRE TELA p.203 GIZ p.191
1430
–
1550
nova geração de Giorgione (1477-1510),
Ticiano (1488/1490-1576) e Sebastiano
del Piombo (c. 1485-1547). Após a morte
prematura de Giorgione, Ticiano passou
a ser reconhecido como o maior pintor do
século xvi, exportando suas obras para a
França, a Espanha e o restante da Itália.
Giorgione e Ticiano foram os primeiros
artistas a usar cenários de paisagens como
elementos importantes em seus quadros. O
magnífico colorido de Ticiano (muitas vezes
comparado ao “desenho” de Michelangelo)
foi continuado por Tintoretto (1518-1594)
e Paolo Veronese (1528-1588), que deram
início aos temas e esquemas decorativos
dos palácios barrocos do século xvii.
A tempestade, Giorgione, c. 1508,
óleo sobre tela, 82 × 73 cm, Gallerie
dell’Accademia, Veneza, Itália
FATOS RELEVANTES
A partir da segunda metade do
século xv, o estilo distinto da pintura
veneziana tornou-se evidente,
reconhecido por suas cores fortes,
perspectiva dramática e composições
dinâmicas. Os pintores venezianos
foram os primeiros a abandonar o
painel de madeira em favor da tela
como suporte para a tinta a óleo, com
um acabamento mais “solto”.
 MOVIMENTOS 21

Maneirismo 1520
–
1600
PRINCIPAIS ARTISTAS: PARMIGIANINO • ANTONIO DA CORREGGIO •
ROSSO FIORENTINO • PONTORMO • GIULIO ROMANO

A partir da década de 1520, um novo

estilo de pintura surgiu na tentativa de
levar adiante as realizações artísticas do
alto renascimento, porém, muitas vezes
perturbando sua harmonia em nome do
efeito e do virtuosismo.
Originado do termo italiano “maniera”,
que significa maneira ou estilo, o maneirismo
é um movimento pictórico que se
desenvolveu entre 1510 e 1520 na Itália,
entre artistas que valorizavam cada vez
mais a originalidade acima de tudo.
A palavra destinava-se a descrever o
padrão de excelência atingido no alto
renascimento, que toda arte deveria passar
a seguir, mas na prática levou à estilização
e ao uso da arte “para mostrar a arte”, às
vezes com grande sucesso – como na obra
do aprendiz de Rafael, Giulio Romano (c.
1499-1546), em Mântua. O maneirismo
Natividade, Antonio da Correggio, c. 1529-1530,
ganhou uma conotação negativa quando óleo sobre tela, 256,5 × 188 cm, Gemäldegalerie Alte
se tornou obsessivo e quando a arte Meister, Dresden, Alemanha
começou a ofuscar ou obscurecer o que
estava sendo representado: o Concílio
de Trento, com novas regras para a
arte sacra, reagiu contra os excessos do FATOS RELEVANTES
maneirismo. Embora o termo seja aplicado O maneirismo foi um estilo que surgiu nas cortes,
principalmente à arte italiana, houve movido por uma necessidade de competir e de
também um maneirismo nórdico. Os agradar patronos autocráticos que desejavam
usar a arte para ostentar sua magnificência. A
maneiristas do norte incluem Hendrick
pintura maneirista muitas vezes parece artificial,
Goltzius (1558-1617) e Bartholomeus com exageros que incluem figuras alongadas,
Spranger (1546-1611), artistas de enorme poses estranhas, efeitos de luz, perspectiva e
talento que criaram composições proporções incomuns e cores extravagantes.
mitológicas complexas e retorcidas.

FIGURAS HUMANAS p.161 RELIGIÃO p.162 MITOLOGIA p.166 ALEGORIA p.167 AMOR p.179
MORTE p.177 MÁRMORE p.192 BRONZE p.211 GIZ p.191 PENA E TINTA p.208

Expressionismo alemão
PRINCIPAIS ARTISTAS: ERNST LUDWIG KIRCHNER • MAX BECKMANN •
OTTO DIX • GEORGE GROSZ • EMIL NOLDE • MAX PECHSTEIN
O movimento expressionista que
surgiu na Alemanha começou com dois
movimentos menores: Die Brücke, em
Dresden, e Der Blaue Reiter, em Munique.
Com seu histórico de artistas fervorosos
como Matthias Grünewald (c. 1470-1528),
a Alemanha era uma localização natural
para o surgimento do expressionismo.
Van Gogh e Edvard Munch (1863-1944)
– especiamente seu quadro O grito, de
1893 – também foram fortes influências. Em
1889, uma colônia de artistas formou-se em
Worpswede, na Baixa Saxônia, inicialmente
pintando paisagens ao estilo dos franceses
de Barbizon, mas logo desenvolvendo uma
abordagem mais expressionista. Os artistas
do Die Brücke expressavam visões sociais
radicais por meio de figuras humanas, cenas
FIGURAS HUMANAS p. 161 FORMA E FORMATO p. 182 ABSTRAÇÃO p. 184 COR p. 169 PAISAGEM p. 168
MAN-MADE p. 183 ISOLAMENTO p. 176 GUERRA p. 172 ANIMAIS p. 160 LÁPIS p. 188 ÁGUA-FORTE p. 207
MOVIMENTOS 33
1905
–
1935
Rua com prostituta de vermelho, Ernst
Ludwig Kirchner, 1914-1925, óleo sobre
tela, 125 × 90,5 cm, Museo Nacional
Thyssen-Bornemisza, Madri, Espanha
(ver Obras p. 132)
FATOS RELEVANTES
O centro de arte mais importante da Alemanha
no início do século xx era a galeria Der Sturm,
em Berlim, que exibia obras expressionistas,
especialmente pinturas de artistas do Die Brücke
e Der Blaue Reiter. A galeria foi fundada e dirigida
pelo crítico de arte alemão de esquerda Herwarth
Walden (1879-1941), que também lançou a revista
Der Sturm, defensora do expressionismo alemão.
urbanas e paisagens, enquanto os artistas do
Der Blaue Reiter procuravam injetar valores
espirituais na arte por meio da cor. Na
década de 1920 surgiu o Neue Sachlichkeit
(Nova Objetividade), um estilo artístico que
protestava visualmente contra a corrupção e
a desmoralização da Alemanha pós-guerra.
Os artistas do Neue Sachlichkeit desejavam
retratar a realidade objetiva no lugar do
foco subjetivo do expressionismo. Entre
eles estavam Max Beckmann (1884-1950),
Otto Dix (1891-1969) e George Grosz
(1893-1959), que produziam imagens
pungentes e satíricas da sociedade de
Weimar. Muitos expressionistas alemães
ficaram traumatizados com a Primeira
Guerra Mundial e, a partir de 1915, sua obra
tornou-se uma forma de protesto consciente.
34 MOVIMENTOS

Fauvismo 1905
–
1909
PRINCIPAIS ARTISTAS: HENRI MATISSE • ANDRÉ DERAIN • MAURICE DE
VLAMINCK • HENRI MANGUIN • ALBERT MARQUET

FATOS RELEVANTES
Com suas inovações no
uso da cor, expressão e
enfatizando a planicidade
das superfícies pintadas,
o fauvismo tornou-se um
precursor do cubismo,
do expressionismo e da
abstração. Quando um grupo
liderado por Matisse fez uma
exposição em Paris em 1905,
o crítico Louis Vauxcelles
(1870-1943) descreveu seus
quadros como “feras”.

Barcos em Collioure, André Derain,

1905, óleo sobre tela, 38,4 × 46 cm,
coleção particular (ver Obras p. 124)

Inspirados inicialmente por diversos transmitir emoções inspiradoras. Muito

pós-impressionistas, o grupo de
pintores que passaram a ser chamados
de Les Fauves (“As Feras”) usava
cores vivas e pinceladas soltas.
Vários fauvistas, como Henri Matisse
(1869-1954), Albert Marquet (1875-1947)
e Georges Rouault (1871-1958), haviam
sido alunos do artista simbolista Gustave
Moreau (1826-1998) e a maioria deles foi
inspirada pela forma como Cézanne (1839-
1906) explorou a solidez, pelas pinceladas
expressivas de Vincent van Gogh (1853-
1890) e pelo uso de cores puras justapostas
de Georges Seurat. Matisse geralmente é
visto como líder do fauvismo, e os outros
artistas o acompanharam no uso de cores
intensas para descrever a luz e o espaço e
influenciado pelo ensinamento de Moreau,
de que a expressão pessoal era um aspecto
importante de um grande pintor, Matisse
também foi particularmente influenciado
pelo pontilhismo de Seurat. Abandonando
os anseios dos artistas anteriores para
criar imagens realistas, os fauvistas
usaram as cores de novas maneiras
para projetar uma atmosfera positiva e
estabelecer um senso de estrutura sem
reproduzir diretamente a realidade. Suas
formas simplificadas e cores saturadas
também chamavam a atenção para suas
superfícies sem profundidade, e suas
reações emocionais e sua intuição eram
consideradas mais importantes do que
teorias acadêmicas ou temas elevados.

FIGURAS HUMANAS p. 161 COR p. 169 FORMA E FORMATO p. 182 ABSTRAÇÃO p. 184 MOVIMENTO
p. 180 PAISAGEM p. 168 RETRATO p. 163 ÓLEO SOBRE TELA p. 203 CERÂMICA p. 189 COLAGEM p. 216
 Obras
GRANDE SALA DOS TOUROS (LASCAUX) 50 • VÊNUS DE MILO 52 • CRISTO PANTOCRATOR

54 • LAMENTAÇÃO GIOTTO 56 • RETRATO DO CASAL ARNOLFINI VAN EYCK 58

PRIMAVERA BOTTICELLI 60 • HÉRCULES NA ENCRUZILHADA DÜRER 64 • PIETÀ

MICHELANGELO 66 • MONA LISA DA VINCI 68 • CRISTO CAI A CAMINHO DO CALVÁRIO

RAFAEL 70 • VÊNUS DE URBINO TICIANO 72 • CAÇADORES NA NEVE BRUEGEL 76

ESPÓLIO DE CRISTO EL GRECO 78 • BACO CARAVAGGIO 80 • JUDITE MATANDO

HOLOFERNES GENTILESCHI 82 • DESCIDA DA CRUZ RUBENS 84 • APOLO E DAFNE

BERNINI 86 • AUTORRETRATO COM OS OLHOS ARREGALADOS REMBRANDT 88

AS MENINAS VELÁZQUEZ 90 • MOÇA COM BRINCO DE PÉROLA VERMEER 92

O BALANÇO FRAGONARD 94 • JURAMENTO DOS HORÁCIOS DAVID 96 • ALTO DAS

CATARATAS DE REICHENBACH: ARCO-ÍRIS TURNER 100 • TRÊS DE MAIO DE 1808 GOYA

102 • MASSACRE DE QUIOS DELACROIX 104 • BANHO TURCO INGRES 106 • OLYMPIA

MANET 108 • IMPRESSÃO, NASCER DO SOL MONET 110 • A IDADE DO BRONZE

RODIN 112 • UMA TARDE DE DOMINGO NA ILHA DE GRANDE JATTE SEURAT 114

CAFÉ NOTURNO VAN GOGH 116 • O GRITO MUNCH 118 • NATUREZA-MORTA COM

CEBOLAS CÉZANNE 120 • BARCOS EM COLLIOURE DERAIN 124 • O BEIJO KLIMT 126

ACORDEONISTA PICASSO 128 • FORMAS ÚNICAS DE CONTINUIDADE NO ESPAÇO

BOCCIONI 130 • RUA COM PROSTITUTA DE VERMELHO KIRCHNER 132 • QUADRADO

VERMELHO MALEVICH 134 • FONTE DUCHAMP 136 • OS AMANTES MAGRITTE 138

AS DUAS FRIDAS KAHLO 140 • BROADWAY BOOGIE WOOGIE MONDRIAN 142 • CAMINHOS

ONDULADOS POLLOCK 144 • SEM TÍTULO ROTHKO 146 • O CARACOL MATISSE 148

SEM TÍTULO, A PARTIR DE “MARILYN” WARHOL 150 • SEM TÍTULO JUDD 152

EU GOSTO DA AMÉRICA E A AMÉRICA GOSTA DE MIM BEUYS 154 • A IMPOSSIBILIDADE

FÍSICA DA MORTE NA MENTE DE ALGUÉM VIVO HIRST 156

50 OBRAS

Grande Sala c. 16 mil –

dos Touros
14 mil a.C

RECONSTRUÇÃO DE PINTURAS RUPESTRES DO PERÍODO

PALEOLÍTICO, LASCAUX • 350,5 CM DE ALTURA × 1.900 CM
DE COMPRIMENTO × 550-750 CM DE LARGURA • MUSÉE
DES ANTIQUITÉS, SAINT-GERMAIN-EN-LAYE, FRANÇA

Entre as obras mais conhecidas da arte paleolítica estão as

grandes pinturas rupestres da série de cavernas interligadas
em Lascaux, na região francesa de Dordogne.
Dentro do complexo de Lascaux fica a chamada Grande
Sala dos Touros. Ali, as pinturas preenchem os dois lados
da caverna em toda a sua extensão, compreendendo cerca
de 130 animais, figuras humanas e símbolos geométricos
abstratos. Predominam cavalos, bisões, cervos e touros.
O fato de todos os animais serem retratados de forma
realista, quase sempre de lado, e passarem a impressão de
movimento atesta a habilidade dos artistas. Entre os muitos
animais estão quatro enormes touros negros. Um deles é o
maior animal pintado já descoberto na arte rupestre, com
520 cm de comprimento.
A maioria das imagens foi pintada nas paredes com
pigmentos minerais. Alguns contornos foram entalhados.
Os pigmentos são predominantemente vermelhos,
marrons, brancos e pretos, mas mesmo com uma paleta
tão reduzida os artistas conseguiam transmitir a sensação
de textura – do pelo, por exemplo. As superfícies ásperas
e as projeções naturais das paredes da caverna foram
incorporadas na representação dos animais, enfatizando
seu contorno e estrutura. É provável que houvesse um
artista “mestre”, auxiliado por assistentes que misturassem
os pigmentos e segurassem lamparinas de gordura animal
para iluminar o espaço.

OS ARTISTAS DE LASCAUX
A Grande Sala dos Touros fica nas profundezas das cavernas de
Lascaux, razão pela qual se costuma acreditar que as imagens tenham
sido pintadas como uma forma de ritual religioso, não como ornamento.
Os instrumentos rudimentares usados para aplicar o pigmento sobre o
calcário úmido provavelmente incluíam gravetos aos quais se prendiam
pelos de animais, para pincelar a tinta entre as fendas.

ARTE PRÉ-HISTÓRICA p.12

 OBRAS 51

OUTRAS OBRAS PALEOLÍTICAS

Vênus de Willendorf Naturhistorisches Museum, Viena, Áustria
Homem com cabeça de pássaro com bisão Lascaux, França
Horseshoe Canyon Utah, Estados Unidos

ANIMAIS p.160 GIZ p.191

58 OBRAS
Retrato do casal Arnolfini
JAN VAN EYCK: ÓLEO SOBRE MADEIRA DE CARVALHO • 82,2 × 60 CM •
NATIONAL GALLERY, LONDRES, REINO UNIDO
OUTRAS OBRAS DE VAN EYCK
Retábulo de Gante c. 1430-1432,
Catedral de São Bavão, Gante,
Bélgica
A anunciação c. 1434-1436,
National Gallery of Art, Washington,
DC, Estados Unidos
A Virgem do chanceler Rolin
1435, Musée du Louvre, Paris,
França
JAN VAN EYCK
Nascido em Flandres, Jan van
Eyck trabalhou inicialmente
com seu irmão mais velho,
o pintor Hubert van Eyck
(1370-1426), mas após a morte
de Hubert foi contratado pelo
poderoso duque de Borgonha,
Felipe, o Bom (1396-1467). Um
homem inteligente, educado
e muito viajado, Van Eyck
trabalhou como diplomata
além de sua atividade como
artista. Seu trabalho minucioso
era bastante admirado,
principalmente pelo uso
revolucionário da tinta a óleo.
1434
Famoso pelas técnicas pioneiras no uso da pintura
a óleo e por explorar as múltiplas camadas de tinta
que elas permitiam, Jan van Eyck (1390-1441)
representou figuras humanas e objetos com detalhes
minuciosos e cores intensas e abundantes.
Um dos primeiros artistas a usar tinta a óleo em
lugar da têmpera, as pinturas coloridas e detalhadas de
Jan van Eyck estão imbuídas de sutis efeitos de luz. Este
é um retrato duplo de Giovanni de Nicolao Arnolfini
(1400-1452) e talvez de sua falecida esposa, Costanza
Trenta (c. 1405-1433). Arnolfini vinha de uma próspera
família de mercadores de Lucca, mas vivia em Bruges,
que era um importante centro de comércio. Costanza
não está grávida, ela apenas ergue sua farta e pesada
saia – um sinal da riqueza do casal. Eles se encontram
em um quarto do piso superior no início do verão, como
indicam os frutos na cerejeira do lado de fora. Entre os
vários sinais de riqueza incluem-se o espelho, o grande
candelabro de bronze, as laranjas e o elegante cortinado
da cama. Refletidas no espelho estão duas figuras junto
à entrada do recinto. Uma delas, provavelmente, é o
próprio Jan van Eyck. A mão erguida de Arnolfini acusa
a presença das figuras. A pintura não é um simples
retrato, mas um quadro cuidadosamente calculado
para transmitir várias mensagens – nas laranjas que
simbolizam amor e fertilidade, nos caros tamancos de
Arnolfini, que apontam para o mundo do lado de fora,
insinuando sua atividade cosmopolita, e no cãozinho
que representa fidelidade e lealdade. A assinatura
ornamentada em latim na parede “Johannes de eyck fuit
hic, 1434” significa “Jan van Eyck esteve aqui, 1434”.
RENASCIMENTO NÓRDICO p.17
 OBRAS 59

FIGURAS HUMANAS p. 161 ALEGORIA p. 167 INTERIORES p. 165 ÓLEO SOBRE PAINEL p. 197
PERSPECTIVA LINEAR p. 198