Surrealismo

O surrealismo foi um movimento artístico e literário nascido em Paris na década de 1920,

inserido no contexto das vanguardas que viriam a definir o modernismo no período entre as
duas Grandes Guerras Mundiais. Reúne artistas anteriormente ligados ao dadaísmo ganhando
dimensão mundial. Fortemente influenciado pelas teorias psicanalíticas do psicólogo Sigmund
Freud (1856-1939), o surrealismo enfatiza o papel do inconsciente na atividade criativa. Um dos
seus objetivos foi produzir uma arte que, segundo o movimento, estava sendo destruída pelo
racionalismo. O poeta e crítico André Breton (1896-1966) era o principal líder e mentor deste
movimento.
A palavra surrealismo supõe-se ter sido criada em 1917 pelo poeta Guillaume
Apollinaire (1886-1918), jovem artista ligado ao cubismo, e autor da peça teatral As Mamas de
Tirésias (1917), considerada uma precursora do movimento.
Um dos principais manifestos do movimento é o Manifesto Surrealista de (1924). Além de
Breton, seus representantes mais conhecidos são Antonin Artaud no teatro, Luis
Buñuel no cinema e Max Ernst, René Magritte e Salvador Dalí no campo das artes plásticas.

Visão surrealista
As características deste estilo: uma combinação do representativo, do abstrato, do irreal e do
inconsciente. Entre muitas das suas metodologias estão a colagem e a escrita automática.
Segundo os surrealistas, a arte deve libertar-se das exigências da lógica e da razão e ir além
da consciência cotidiana, procurando expressar o mundo do inconsciente e dos sonhos.
No manifesto e nos textos escritos posteriores, os surrealistas rejeitam a chamada ditadura da
razão e valores burgueses como pátria, família, religião, trabalho e honra. Humor,sonho e a
contra lógica são recursos a serem utilizados para libertar o homem da existência utilitária.
Segundo esta nova ordem, as ideias de bom gosto e decoro devem ser subvertidas.
Mais do que um movimento estético, o surrealismo é uma maneira de enxergar o mundo, uma
vanguarda artística que transcende a arte. Busca restaurar os poderes da imaginação, castrados
pelos limites do utilitarismo da sociedade burguesa, e superar a contradição entre objetividade e
subjetividade, tentando consagrar uma poética da alucinação, de ampliação da consciência.
Breton declara no Primeiro Manifesto sua crença na possibilidade de reduzir dois estados
aparentemente tão contraditórios, sonho erealidade, “a uma espécie de realidade absoluta, de
sobre-realidade [surrealité]”.
A escrita automática procura buscar o impulso criativo artístico através do acaso e do fluxo de
consciência despejado sobre a obra. Procura-se escrever no momento, sem planejamento, de
preferência como uma atividade coletiva que vai se completando. Uma pessoa escreve algo num
papel e outro completa, mas não de maneira lógica, passando a outro que dá sequência. O
filme Um Cão Andaluz, de Luis Buñuel, por exemplo, é formado por partes de um sonho de
Salvador Dalí e outra parte do próprio diretor, sem necessariamente objetivar-se uma lógica
consciente e de entendimento, mas um discurso inconsciente que procura dialogar com outras
leituras da realidade.
Esse e outros métodos, no entanto, não eram exercícios gratuitos de caráter estético, mas, como
disse Octavio Paz, seu propósito era subversivo: abolir esta realidade que uma sociedade
vacilante nos impôs como a única verdadeira. Para além de criar uma arte nova, criar um
homem novo.

Imagens poéticas e significado

Grande parte da estética surrealista apoia-se na concepção de imagem poética de Pierre
Reverdy, segundo a qual a imagem nasce não da comparação, mas da aproximação entre duas
realidades afastadas. E quanto mais distantes forem as realidades aproximadas, mais forte será a
imagem poética. Reverente distancia mais ainda o mundo captado pelos sentidos e o mundo
criado pela poesia. Além disso, a linguagem surrealista faz grande uso de descontextualizações,
esvazia-se um significante de seu significado para atingir novos e inusitados significados.
Herança de Arthur Rimbaud, procuram o desregramento também das relações de significação
para a emersão de uma nova linguagem. Há uma busca da expressão por meio de uma
linguagem não-instrumental e uma associação de liberdade à ruptura do discursiva.

Trajetória
Em 1929, os surrealistas publicam um segundo manifesto e editam a revista A Revolução
Surrealista. Entre os artistas ligados ao grupo em épocas variadas estão os escritores
franceses, Antonin Artaud (1896-1948), também dramaturgo, Paul Éluard (1895-1952), Louis
Aragon (1897-1982), Jacques Prévert (1900-1977) e Benjamin Péret (1899-1959,) que viveu
no Brasil. Entre os escultores encontram-se os italianos Alberto Giacometti (1901-1960), o
pintor italiano Vito Campanella (1932), assim como os pintores espanhóisSalvador Dali (1904-
1989), Juan Miró (1893-1983) e Pablo Picasso, o pintor belga René Magritte (1898-1967), o
pintor alemão Max Ernst (1891-1976) e o cineasta espanhol Luis Buñuel (1900-1983).
Nos anos 30, o movimento internacionaliza-se e influencia muitas outras tendências,
conquistando adeptos em países da Europa e nas Américas, tendo Breton assinado um manifesto
com Leon Trotski na tentativa de criar um movimento internacional que lutava pela total
liberdade na arte - FIARI: o Manifesto por uma Arte Revolucionária Independente.
No Brasil, o surrealismo é uma das muitas influências assimiladas pelo modernismo.

Surrealismo na arte
O surrealismo destacou-se nas artes, principalmente por quadros, esculturas ou produções
literárias que procuravam expressar o inconsciente dos artistas, tentando driblar as amarras do
pensamento racional. Entre seus métodos de composição estão a escrita automática.

Curiosidade
Como muitos dos primeiros participantes do surrealismo foram originados do dadaísmo, uma
separação enfática entre surrealismo e dadaísmo na teoria e prática pode ser difícil de ser
estabelecida, apesar das declarações de Andre Breton sobre o assunto não deixarem dúvidas
sobre sua própria claridade sobre suas diferenças. No círculo académico, esta linha imaginária é
diferente entre diferentes historiadores.
As raízes do surrealismo nas artes visuais tomam características do dadaísmo e do cubismo,
assim como da abstração de Wassily Kandinsky e do expressionismo, assim também como do
pós-impressionismo.
Fauvismo

Retrato de Matisse, expoente do fauvismo, em 20 de maio de 1933.

O fauvismo ou fovismo (do francês fauvisme, oriundo de les fauves, "as feras", como foram
chamados os pintores não seguidores docânone impressionista, vigente à época) é uma corrente
artística do início do século XX, que se desenvolveu entre 1905 e 1907.
O estilo começou em 1901 mas só foi denominado e reconhecido como um movimento
artístico em 1905. Segundo Henry Matisse, em"Notes d'un Peintre", pretendia-se com o
fauvismo "uma arte do equilíbrio, da pureza e da serenidade, destituída de temas perturbadores
ou deprimentes".

História
Este grupo de pintores utilizava nos seus quadros cores
violentas, de forma arbitrária. A denominação do movimento
deve-se ao crítico conservador Louis Vauxcelles, que, no Salão
de Outono de 1905, em Paris, comparou-os a feras (fauves).

La Danseuse jaune (1912) de Alexis Mérodack-Jeanneau (1873-

1919). Musée des Beaux-Arts d'Angers.

Havia ali uma escultura acadêmica representando um menino,

rodeada de pinturas neste novo estilo, que o levou a dizer que
aquilo lhe lembrava "um Donatello entre as feras". Tal
denominação, inicialmente de caráter depreciativo, acabou por
se fixar e passou designar o movimento.
O campo da criação artística é atingido fortemente
pela Revolução Industrial. As mudanças são tão rápidas que
seria impossível adotar os cânones artísticos anteriores. Neste
meio não é mais permitido o estudo profundo, é preciso
ingressar na corrida artística. As amarras criadas por normas
sagradas buscam agora um novo propósito: pintar as sensações
que despertam o estado de espírito no livre curso dos impulsos
interiores. Muitas vezes o aprendizado é questionado. É a época
da glorificação do instinto. O meio artístico gira em torno de um
novo mundo. Está em ebulição. Multiplicam-se novos temas a
respeito da arte, surgem novos comerciantes de quadros, críticos
e exposições particulares. O artista possui, diante de si, cada vez mais informações em razão das
mudanças e dos acontecimentos de sua época.
Os pintores fauvistas foram influenciados por: Van Gogh, através de seu emocionalismo e ardor
passional no uso das cores, e por Gauguin, com seu primitivismo e visão sintética da natureza.
A nova estética obedece aos impulsos instintivos ou as sensações vitais. Criar desobedecendo a
uma ordem intelectual, onde as linhas e as cores devem jorrar no mesmo estado de pureza das
crianças e selvagens, afrontando os cânones tradicionais da pintura. Evitam a ilusão da
tridimensionalidade. A tela se apresentava plana, fornecendo apenas comprimento e largura.
Basearam-se na força dos matizes saídos das bisnagas de tinta.
A realidade era deformada com a finalidade de produzir o estado de espírito do artista diante do
espetáculo oferecido pela natureza em movimento (reflexos dos tons vivos sobre a água e
galhos retorcidos). A nova geração de artistas buscava recomeçar sem se preocupar com a
composição. Na ânsia de pintar o estado de graça, muitas vezes aplicava-se a tinta diretamente
na tela, onde os vermelhos, os amarelos, os verdes uivavam e antecipavam o gosto moderno
pela cor pura. Era o novo espírito de síntese, que deixava para segundo plano o desenho e a
forma. Os elementos formais tornaram-se deformadores e criavam contrastes ou harmonia de
coloridos inexistentes no mundo visível. Não se deixaram escravizar pelos aspectos visuais da
realidade e do naturalismo. A nova arte surgiu como verdadeira libertação da realidade objetiva
e foi construída pelas sensações visuais impulsivas dos artistas.

Características da pintura
O fauvismo tem como características marcantes:

 A simplificação das formas e utilização maciça de cores puras;

 A pouca, ou nenhuma, gradação entre os matizes;
 As pinceladas, largas e definitivas, que continham espontânea gestualidade;
 A utilização da cor na delimitação dos planos e na sensação de profundidade;
 A escolha dos matizes sem relação com a realidade;
 O movimento rítmico sugerido pelas linhas, texturas e pela continuidade dos elementos
desenhados;
 Impulsividade e experimentação, em vez de exaustivos estudos preparatórios;
 Temas cotidianos que retratavam emoções e a alegria de viver;
 A tradução de sensações elementares, no mesmo estado de graça das crianças e dos
selvagens;
Dadaísmo
O dadaísmo ou movimento dadá (dada) foi um movimento artístico da
chamada vanguarda artística moderna iniciado em Zurique, em 1916, durante a Primeira Guerra
Mundial, no chamado Cabaret Voltaire. Formado por um grupo de escritores, poetas e artistas
plásticos – dois deles desertores do serviço militar alemão – liderados por Tristan Tzara, Hugo
Ball e Hans Arp.

Significado
Embora a palavra dada em francês signifique "cavalo de madeira", sua utilização marca o non-
sense ou falta de sentido que pode ter a linguagem (como na fala de um bebê). Para reforçar esta
ideia, estabeleceu-se o mito de que o nome foi escolhido aleatoriamente, abrindo-se uma página
de um dicionário e inserindo um estilete sobre ela, de forma a simbolizar o caráter antirracional
do movimento, claramente contrário à Primeira Guerra Mundial e aos padrões da arte
estabelecida na época. Em poucos anos o movimento alcançou, além de Zurique, as cidades
de Barcelona, Berlim, Colônia, Hanôver, Nova York e Paris. Muitos de seus seguidores deram
início posteriormente ao surrealismo, e seus parâmetros influenciam a arte até hoje.[1] [2]
Eu redijo um manifesto e não quero nada, eu digo portanto certas coisas e sou por princípios
contra manifestos (...). Eu redijo este manifesto para mostrar que é possível fazer as ações
opostas simultaneamente, numa única fresca respiração; sou contra a ação pela contínua
contradição, pela afirmação também, eu não sou nem pró nem contra e não explico por que
odeio o bom-senso
—Tristan Tzara[3]

Impacto

O impacto causado pelo dadaísmo justifica-se plenamente pela atmosfera de confusão e desafio
à lógica sugerido por ele, optando por expressar de modo inconfundível suas opiniões acerca da
arte oficial e também das próprias vanguardas ("sou por princípio contra os manifestos, como
sou também contra princípios"). O dada vem para abolir de vez a lógica, a organização, a
postura racional, trazendo para arte um caráter de espontaneidade e gratuidade total. Segundo o
próprio Tzara:
Dada não significa nada: Sabe-se pelos jornais que os negros Krou denominam a cauda da vaca
santa: Dada. O cubo é a mãe em certa região da Itália: Dada. Um cavalo de madeira, a ama-
de-leite, dupla afirmação em russo e em romeno: Dada. Sábios jornalistas viram nela uma arte
 para os bebês, outros Jesus chamando criancinhas do dia, o retorno ao primitivismo seco e
barulhento, barulhento e monótono. Não se constrói a sensibilidade sobre uma palavra; toda a
construção converge para a perfeição que aborrece, a ideia estagnante de um pântano dourado,
relativo ao produto humano.
—Tristan Tzara[4]
O principal problema de todas as manifestações artísticas estava, segundo os dadaístas, em
almejar algo que era impossível: explicar o ser humano. Na esteira de todas as outras afirmações
retumbantes, Tzara decreta: "A obra de arte não deve ser a beleza em si mesma, porque a beleza
está morta".
No seu esforço para expressar a negação de todos os valores estéticos e artísticos correntes, os
dadaístas usaram, com frequência, métodos deliberadamente incompreensíveis. Nas pinturas e
esculturas, por exemplo, tinham por hábito aproveitar pedaços de materiais encontrados pelas
ruas ou objetos que haviam sido jogados fora.
Foi na literatura, porém, que o ilogismo e a espontaneidade alcançaram sua expressão máxima:
no último manifesto que divulgou, Tzara disse que o grande segredo da poesia é que "o
pensamento se faz na boca". Como uma afirmação desse tipo é evidentemente incompreensível,
ele procurou orientar melhor os seus seguidores dando uma receita para fazer um poema
dadaísta:

 Pegue um jornal.
 Pegue a tesoura.
 Escolha no jornal um artigo do tamanho que você deseja dar a seu poema.
 Recorte o artigo.
 Recorte em seguida com atenção algumas palavras que formam esse artigo e meta-as num
saco.
 Agite suavemente.
 Tire em seguida cada pedaço um após o outro.
 Copie conscienciosamente na ordem em que elas são tiradas do saco.
 O poema se parecerá com você.
 E ei-lo um escritor infinitamente original e de uma sensibilidade graciosa, ainda que
incompreendido do público.