índice

Modos de usar 04

Mandamentos para se divertir à beça em um museu 06

Você sabia que... 08

Um passeio pelas obras de Velázquez

“Felipe IV” (1623/27) 10

“El triunfo de Baco” (1628/29) 12

Paisagens Italianas (1630)

“Vista del Jardin de la Villa Médicis, en Roma” 14

“Cristo crucificado” (1631/32) 16

“San Antonio Abad y San Pablo, Primer Ermitaño” (1633) 18

“Pablo de Valladolid” (1635) 20

Os anões (1635/40) 22

“Felipe IV” (1653) 23

‘“La reina doña Mariana de Austria” (1652/53) 24

“Las Hilanderas” ou “La Fábula de Aracne” (1657) 26

“Las Meninas” (1656) 28

“Las Lanzas” ou “La Rendición de Breda” (1634/35) 31

Cenas eqüestres (1635/36)

“Felipe IV a caballo”, “La reina doña Isabel de Francia,
a caballo” e “El príncipe Baltasar Carlos, a caballo”. 33
Um passeio pelas obras de Goya

“El Cacharrero” (1779) 35

“La familia de Carlos IV” (1800) 36

Las Majas
“La maja desnuda” (1797/1800) e “La maja vestida” (1800/1805) 38

“El dos de mayo de 1808 en Madrid” e

“El tres de mayo de 1808 en Madrid” (1814) 40

Um passeio pelas obras de Hieronymus Bosch

“El Jardín de las Delicias” (1500/1505) 43

“La mesa de los pecados capitales” (1480) 46

“La extracción de la piedra de la locura” (1490) 48

“El carro del heno” (1515) 50

O Prado na hora H 52
 Este guia pretende funcionar como um

Modos aumenta-prazer. O quê? Isto mesmo!

Eu escrevi uma tese sobre museus.

de Usar Durante 10 anos estive fazendo

visitas técnicas a estas instituições.
Em muitas delas, observei visitantes
literalmente acabados. Gente que
parecia estar exausta e nada feliz. Eu
achava aquilo tão estranho, porque
eu simplesmente entro em êxtase
quando sei que vou a um museu.

Pensei com meus botões, queria tanto

que as pessoas se divertissem tanto
quanto eu! Prá começar, pensei em
regrinhas básicas. Coisas bem fáceis
de fazer e que podem aumentar
teus níveis de alegria durante a
visita. Servem para qualquer tipo de
museu. Estão enumeradas como:
Mandamentos para se divertir à beça
em um museu.

Depois disso, comecei a pensar

em museus concretos. Resolvi que
iria fazer guias dos meus museus
favoritos no mundo. O primeiro deles
seria do país onde moro atualmente
- a Espanha. Entre tantos, escolhi o
museu de arte mais visitado do país
e o 11º. do mundo - o Museu Nacional
do Prado.
4
 5

Para ficar por dentro do Prado.

Separei dados e fatos interessantes
sobre o museu, que estão na seção:
Você sabia que…

Todo grande museu tem certas obras

ou objetos que você não vai poder ver
em nenhum outro lugar. Costumam
ser obras consideradas peças-chave
para entender uma época ou um
estilo. Em outros casos, um museu
possui uma coleção de quadros de
um artista que permite ao visitante
entender melhor a trajetória do pintor.
Na seção: Imperdível no Prado, você
fará um passeio por estas obras que
de uma forma ou de outra são a alma
deste museu.

Você pode ler antes

ou durante sua visita.
Ou quem sabe ler e reler
diante de cada quadro.
Você decide!

Museu
Por fim, para organizar a parte prática
da visita, leia a seção: “O Prado na
hora H”. Vai encontrar os horários do
museu, preços, dicas de serviços e os
melhores acessos. do Prado
 Mandamentos
para se divertir à
beça em um museu
1. Um museu por dia.
Por mais que você esteja gastando
em euros ou em dólares tente evi-
tar a tentação. Nada de saturação.
Vai acabar sendo obrigação, e não
diversão! Para começar bem...
2. Estude o mapa do museu
antes ou tomando um café
depois de passar pela
bilheteria.
Um ato simples que vai ser um super
remédio contra um dos primeiros
elementos estressantes de um
grande museu: a sensação de estar
perdido e de não ter a mínima idéia
por onde começar. Entre, pegue o
mapa, sente confortavelmente e
dedique 3 minutinhos para “estudá-
lo”. Você vai se sentir menos pato,
menos perdido e economizar cami-
nhadas sem sentido pelo museu.
Vai ter a sensação de ser um velho
conhecido, e todo mundo sabe como
é gostoso este sentimento. Para ser
ainda mais efetivo...
3. Escolha antes o que
pretende ver.
Passar os olhos pelo museu para
dizer: “Eu fui” não tem muito sentido.
Pode ter certeza que suas lem-
branças serão confusas. Aqui
vale a máxima, menos é mais.
Numa primeira visita, vá aos
imprescindíveis do museu. Aquilo
que a instituição tem de melhor
e que você não poderá ver em
nenhum outro museu do mundo ou
naquela viagem! Acontece que às
vezes o museu tem tanta coisa boa,
então o melhor é...
4. Estipular um tempo
para a visita.
Esta atitude diminui a ansiedade. É
estressante olhar aquelas galerias
enormes, que parecem não ter fim!
Determinando o tempo que você
vai ficar por lá, isso vai fazer você
ir direito “ao grão” e aproveitar bem
cada minuto. Afinal aquela visita
não será “ad eternum”. Leve em
conta que a maioria dos adultos
apenas assimila o que vê nos
primeiros 45 minutos da visita.
Uma solução é...
5. Faça um lanche no meio.
Muitos museus oferecem cafete-
rias, restaurantes-bar sensacionais.
Alguns até gerenciados por chefs
premiados. Após a primeira hora,
hora e meia de visita vá tomar um
café ou almoçar. Se estiver acom-
panhado, é o melhor momento para
trocar idéias, impressões. Se esti-
 Série Viajando na Arte
ver sozinho, é hora de exercitar
o “people watching” ou ler este
guia. Também...
6. Deixe um tempo
para a lojinha.
Primeiro por motivos óbvios, levar
uma lembrança. Depois porque é
extremamente satisfatório passar os
olhos pelos produtos e reconhecer
as obras. Sem contar, que tudo é
tão fofo e cheio de estilo, você vai
se sentir super “in” quando esteja
em casa e olhe para o que comprou
naquele Museu X. Será teu ativador
de memória! Vai lembrar que...
7. Não deve rejeitar
nada de plano.
Ui, museu de arte contemporânea,
eu não entendo nada, não vou.
Ou museu de artes decorativas
é coisa de mulher. Vá de mente
aberta. Deixe-se surpreender. Seja
explorador. Muitas vezes quem
julga é nosso medo de não entender
nada, de nos sentir estúpidos.
Ninguém nasceu sabendo tudo.
Sem contar que...
8. Museu não é sinônimo
de coisa bonita.
Há obras que não foram criadas
para estar na sala da tua casa. Nem
sempre nos produzem sensações
7
boas. A arte também pode dar
nojo, vontade de chorar, igualzinho
quando vemos um filme. Também
não esqueça que...
9. Ninguém é obrigado
a fazer nada, muito
menos nas férias.
Se vai entrar no museu só para
tirar uma foto na frente da obra X,
economize seu tempo e dinheiro.
Vá fazer algo que realmente tenha
vontade. Ninguém é obrigado a
gostar de museu. Caso tenha sido
“abduzido” pelo marido, mulher, tio,
amiga, a entrar no museu, lembre
que...
10. Ao vivo e a cores
é sempre melhor
Deixe de lado teu trauma das aulas
chatas e cheias de slides de Artes.
Um museu é um bicho cheio de vida.
Uma pesquisa realizada na
Noruega descobriu que ir
a galerias de arte melhora
a saúde, já que diminui a
ansiedade e o stress.
Assim, se você come até aquela
verdura gosmenta e sem sabor para
viver mais, que custa andar um
pouco entre umas obras de arte?!
 você
sabia
que...

• O Prado abriu em 1819, como Museu

Real de Pinturas.

• O local escolhido para construir o

edifício foi o “prado” ocupado pelo
mosteiro vizinho de São Jerônimo,
e daí vem o nome do museu.

• A princípio se construiu o edifício

para abrigar o Museu e Academia
de História Natural.
• Devido à Revolução Francesa a
construção foi abandonada. Quando
o Rei Fernando VII resolveu terminá-
lo, acabou convertendo o que seria
um museu de história natural num
museu de arte.
• O museu nasceu como lugar para
expor a Coleção Real, ou seja, as
obras de arte que pertenciam ao rei
espanhol.
• O edifício original era comprido e
estreito, porque ainda não existia
a luz elétrica e, portanto, toda a
iluminação provinha das janelas que
davam à rua.
• Em 2010, o museu recebeu
2.732.000 visitantes, convertendo-
se no 11º. museu de arte mais vis-
itado do mundo.
• O artista com mais trabalhos expos-
tos é Goya com 116 obras.
• As obras mais visitadas são: “Las
Meninas”, de Velázquez; as “Majas”,
de Goya e o “Jardim das Delícias”,
de Bosch.
• Apenas se expõe 1/7 do acervo do
museu, conformado por: 8.800
pinturas, 5.000 desenhos, 2.000
gravuras, 1.000 moedas/medalhas
e 700 objetos de artes decorativas.
• As menores obras são duas mini-
aturas pintadas por Goya de 8,5 cm
de diâmetro.
• A maior obra é um quadro pintado
por Strobel, o Jovem. Intitulado
“A Decapitação de São João
Batista”, que mede 9,5 metros de
comprimento e 2,8 metros de altura!

• A obra “O Barbeiro do Papa” (1650)
realizada por Velázquez, foi comprada
pelo Governo Espanhol em 2003
pela bagatela de 23 milhões de
euros dos antiquários novaiorquinos
Wildenstein & Company.
• O Prado possui a maior coleção de
obras de: El Greco, Velázquez, Patinir,
Goya, Ribera, Rubens e Tiziano.
• Na sua inauguração estavam
expostas 311 obras. Os visitantes
podiam entrar no local de 2 a 3
vezes por semana. Mas se em
algum destes dias chovia, o museu
não abria!
• A primeira exposição temporária
do Prado aconteceu em 1902 e era
sobre El Greco.
Série Viajando na Arte
Museu do Prado
• Durante a Guerra Civil Espanhola,
o Prado fechou suas portas e suas
obras foram levadas à Genebra para
que estivessem protegidas. O museu
reabriu no dia 7 de julho de 1939.
• Durante o curto governo republicano,
Pablo Picasso foi nomeado diretor
do Museu do Prado, isto ocorreu no
dia 20 de setembro de 1.936 (ele
nunca assumiu o cargo).
• O “Guernica” de Picasso permane-
ceu anos no museu até ser levado
ao seu atual “domicílio”, o Museu
Reina Sofia.
9
Imperdível
no Prado “Felipe IV” (1623/27)

Você vai visitar o Prado

pela primeira vez. É
certo que o museu
tem muita coisa legal,
mas você não terá
outra oportunidade em
nenhum outro museu de
ver as melhores obras
de 3 artistas: Velázquez,
Goya e Bosch. Por isso,
vamos ao ataque!

Sem dúvida nenhuma,

a super estrela do Prado
é Velázquez. Ele pintou
pouco, uns 120 quadros,
dos quais 50 estão no
museu. Entre eles “Las
Meninas” que já foi
considerada uma das
obras mais importantes
do mundo por um júri
nos idos de 1985!
 Série Viajando na Arte 11

Um passeio pelas
obras de Velázquez

Velásquez nasceu em Sevilha no ano O fundo é neutro, mas existem

de 1.599. Nesta cidade começou sua
formação de pintor com o cara que
acabou sendo seu sogro. Com apenas
24 aninhos já estava em Madri. Era
pintor da corte do Rei Felipe IV, que
você vê neste retrato.
Felipe IV foi um grande mecenas
(pessoa que financia e ajuda artistas)
e também um grande colecionador
de arte. Dá para dizer que sem ele
dificilmente o Museu do Prado seria
o que é hoje! Durante seu reinado que
durou 44 anos, reuniu para a Coleção
Real aproximadamente 800 quadros.
Muitos deles foram selecionados por
Diego Velázquez.
símbolos no quadro que indicam a
condição de monarca do retratado,
sabe quais?
• O tosão de ouro da cintura, que era
a representação de uma ordem de
cavaleiros. Esta ordem foi criada
pelos reis espanhóis em 1422.
Portanto, sua presença no retrato
indica a Monarquia Hispânica.Que
raios é um tosão de ouro? É a lã de
ouro do cordeiro alado Crisómalo: o
velo de ouro da mitologia grega.
• O papel branco que o rei tem em
sua mão esquerda representa a
administração.

• A espada representa a defesa do

Este foi o primeiro retrato de reino.
corpo inteiro que Velázquez
fez do rei. Basicamente o
que se vê é a figura de um
rei jovem, com idade entre
18 e 22 anos.

Curiosidade: O artista às vezes realizava mudanças posteriores em seus

quadros, já que a tinta a óleo permite estes “arrependimentos”. Aqui, se pode
apreciar que Velázquez alterou a forma da capa, e a colocação do pé esquerdo
do rei, talvez para que a figura parecesse mais esbelta. Ainda se pode ver
como uma sombra a posição anterior do pé.
 “El triunfo de Baco” (1628/29)

12
Velázquez não levava uma vida
fácil. Não era SÓ pintor. Tinha que
fazer muitas outras coisas na Corte.
Estas outras coisas lhe permitiram
ter uma vida mais estável e um certo
status. Por quê? Neste momento, as
profissões manuais não estavam bem
vistas. Eram consideradas inferiores.
Se por um lado ele levava uma vida
mais sossegada por causa de seus
múltiplos trabalhos na corte. Por
outro lado, não tinha todo o tempo do
mundo para pintar. Por isso realizou
apenas 120 telas durante toda sua
vida. Das quais, 50 estão aqui, no
Museu do Prado.
Tudo que ele pintava, fosse retrato,
tema religioso ou mitológico, ele sem-
pre inovava em algo. Nada de fazer o
que todo mundo fazia!
Aqui nesta tela, vemos um
tema mitológico. Está Baco
com o peito desnudo olhando
para o lado, coroando a um
dos seus fiéis. Mas olhe para
a Corte de Baco, parecem
personagens saídos da
Antiga Grécia?
Série Viajando na Arte
O pintor tratou este tema de forma
realista, utilizou homens saídos
diretamente das ruas da Madrid
do século 17 (época que pintou o
quadro). E assim, aproximou o mito
das pessoas normais.
Além disso, neste quadro ele repre-
sentou as diferentes fases de uma
bebedeira, veja só:
• O homem de chapéu que olha ao
espectador seria a primeira fase,
a euforia. Suas bochechas estão
vermelhas, e parece oferecer a taça
a quem observa ao quadro, como
nos convidando a entrar na festa.
• O homem ao seu lado, é a exaltação
da amizade, tocando o ombro do
amigo, demonstra seu carinho.
• O seguinte, coberto pela capa
marrom, já mostra os efeitos da
intoxicação alcoólica, e parece que
poderíamos derrubá-lo com apenas
um toque.
13

Velázquez é considerado um pintor
Barroco. Que foi um período artístico
que veio logo após o Renascimento.
Nesta época, os pintores
viajavam para Itália
para estar frente a
frente com as obras de
Michelangelo, Leonardo
Da Vinci & cia. Era um
ritual importante para a
formação de cada artista.
Velázquez viajou duas vezes à Itália.
Nas duas vezes se hospedou na Villa
Médicis, em Roma. Na segunda vez
foi com a missão de comprar obras de
arte para a coleção real. Durante suas
Paisagens
Italianas (1630)
“Vista del
Jardin de la
Villa Médicis,
en Roma”.
estâncias, pintou. Não se sabe ao certo
se estas duas pequenas paisagens
foram realizadas na primeira ou na
segunda viagem.
De qualquer maneira, elas são um
grande avanço para a época, por quê?
• Qual é o tema que o artista pintou
nas duas telas?
Ok, paisagens, e quê? Nesta época
as paisagens emolduravam cenas
narrativas. Por exemplo, de dois
homens caçando, de um exército em
batalha, etc. Aqui como você mesmo
observou, o tema em si é a paisagem.
Veja que as pessoas não foram
pintadas com detalhe, não podemos
nem ver seus rostos.
• Aproxime-se do quadro com os
arcos. Como pintou as folhas?
São pinceladas curtas sem nenhum
detalhe, tanto que de perto são como
manchas verdes.
• Agora, distancie-se do quadro. Você
continua vendo as folhas. Esta é
uma técnica moderna que vai voltar
com toda força séculos mais tarde,
e vai mudar a forma de se ver e
fazer arte. Aqui nestas pinturas, já
se vê um germe deste novo estilo, o
impressionismo!
15
“Cristo crucificado” (1631/32)
No barroco era comum a temática
religiosa. Até porque este estilo
surgiu dentro de um movimento da
Igreja Católica contra a Reforma
Protestante. Mas Velázquez tinha
tantas atribuições na corte, que não
teve tempo para pintar muitos quadros
com este tema.
Este Cristo Crucificado foi realizado
para o Convento das Beneditinas de
Madri. Contam as más-línguas que
o Rei Felipe IV pediu que o pintor
realizasse esta obra ao convento.
Para tentar se redimir da culpa que
sentia, por ter se apaixonado por uma
freira de lá!
Observe que ao fundo escuro se
contrapõe uma figura banhada de luz.
Esta técnica aumenta a dramaticidade
da cena, é típica do barroco – conhecida
como: contraste claro-escuro. Com ela
se pretendia que os fiéis se sentissem
envolvidos pela cena quase teatral, e
não abandonassem a fé católica em
prol da protestante.
Voltando ao Cristo, sabemos que ele
havia passado por um calvário. Mas
fora os pregos de mãos e pés. Parece
que ele ainda sofre? Até o cabelo tem
um “q” de dramático e teatral, cobrindo
metade do rosto do personagem.

Fofocas à parte, encare esta tela, o

que você sente?

Ela impacta, mas ao mesmo tempo é

tão serena.

O fundo, sem nada que nos

distraía. Sem paisagem,
somente um tom verdoso,
mas não plano. Observe
que ele trabalhou o fundo
com diferentes nuances da
cor, porque se simplesmente
passasse a cor na tela, a
figura pareceria chapada,
sem volume.

Série Viajando na Arte 17

“San Antonio Abad y San Pablo, Primer Ermitaño” (1633)
Outra obra de temática religiosa.
Realizada para uma pequena igreja
dos Jardins do Retiro. Pode parecer
um quadro simples sobre a visita que
São Paulo realizou a Santo Antônio.
Mas é uma telenovela, o quê?
O artista conta toda a viagem na tela:
• Bem no fundo do quadro, em uma
imagem diluída está São Paulo.
Perguntando o caminho a um
centauro (cabeça e torso de homem,
com corpo de cavalo).
• Depois ele pergunta a um sátiro
(metade homem, metade bode -
na mitologia personifica o culto à
natureza). A imagem se vê do lado
esquerdo.
O céu é outro ponto alto
desta pintura. O uso das
linhas circulares dá mais
dinamismo a toda cena.
E faz um contraponto a
arvore do lado direito,
porque sua linha vertical
indica espiritualidade,
tranqüilidade, e não por
acaso se encontra ao lado
dos dois personagens
principais.

• A terceira cena, está do lado direito,

bem atrás da figura principal de
Santo Antônio. É o momento que
São Paulo toca na porta da caverna
onde vive o outro santo.

• Em seguida, os dois santos se

reúnem. Esta é a cena que aparece
em destaque no quadro. Nela está
o corvo, que todos os dias trazia
um pedaço de pão a Santo Antônio.
Sabendo que o santo tinha visita
(olha que esperto!) naquele dia
levava dois pedaços!

• A última cena se encontra no canto

esquerdo. São Paulo reza ao lado
do corpo sem vida de seu amigo, e
se vêem os leões cavando a tumba
do santo.

Série Viajando na Arte 19

“Pablo de Valladolid” (1635)
Velázquez fez muitos retratos. Não Manet (pintor do final do século XIX,
só da Corte Real, mas também início do XX) ao admirar este quadro
de pessoas que transitavam no afirmou: “quem sabe este troço de
palácio. Dedicou muitas pinturas aos pintura seja o mais assombroso que
chamados homens do prazer. Eram os jamais se tenha pintado”. Este quadro
bufões, os “bobos da corte”. Estavam lhe inspirou na sua obra “Pífano”.
no palácio para entreter a família real,
daí seu nome. Na época do barroco,
muitos destes homens do prazer
apresentavam deficiências físicas ou
psíquicas.

O interessante é que muitos deles

chegaram a ocupar cargos com certo
status social. Um destes homens
do prazer foi Pablo de Valladolid,
que declamava textos teatrais e
aparece neste quadro. Um retrato
extraordinário. O que você percebe de
mais diferente nesta tela?

Olhe o fundo e depois onde

se apóia o personagem. O
que você vê? Cor, e nada
mais. Somente o retratado
cercado de cor. O que faz
Velázquez, para que não
tenhamos a sensação que a
figura flutua neste espaço?
Projeta a sombra que se vê
atrás da figura, e trabalha
com nosso velho conhecido
– o contraste claro-escuro.

Série Viajando na Arte 21

 Os anões (1635/40)

“Don Sebastián
de Mora”.

“Francisco
Lezcano, el niño
de Vallecas”.

Os mais famosos “homens do

prazer” eram os anões. Alguns
tinham funções nada dignas,
como servir de bonecas aos
herdeiros da coroa. Eram
motivo de riso e chacota,
mas Velázquez pintou estes
homens com a dignidade,
que em muitas ocasiões lhe
era negada. Foram vários os
retratos que realizou, pare
um pouco diante destes dois
exemplos. Pense na vida que
eles levavam!

Lembra do primeiro retrato do rei de
corpo inteiro? Agora dá uma olhada
neste. Aqui não tinha nem 50 anos.
Mas repare nos olhos cansados e
na melancolia de quem parece estar
segurando todo o peso do mundo nas
costas.
Diferente do primeiro, onde apareciam
muitos símbolos da monarquia. Aqui
não se vê nada. Um retrato que
mostra o estado de espírito do rei, e
nada mais. Que estava totalmente
abalado pelas guerras, pela perda de
Portugal, de Holanda, pela morte de
sua esposa Isabel e do seu único filho
homem e herdeiro, Baltasar Carlos.
Série Viajando na Arte
“Felipe IV”
(1653)
Observe:
• O queixo e o tratamento que dá ao
cavanhaque, com poucas pinceladas
obtém um lindo efeito.
• Como a gola branca ilumina grande
parte do rosto do rei. Outra vez aqui,
o contraste claro-escuro.
• Que na roupa se podem ver as
pinceladas do pintor, ou seja, o
próprio gesto do artista. É uma
marca pessoal.
23
‘“La reina doÑa Mariana de Austria” (1652/53)
Os nobres se casavam entre si Acontece que com a morte do seu
para que sua fortuna e seu poder prometido, e da esposa do rei. A Coroa
não fossem sendo diluídos com o Espanhola necessitava um herdeiro. O
tempo. Isto gerava muitos problemas que fizeram? Casaram a sobrinha com
nos descendentes. Como Felipe IV o tio, isso mesmo. Mariana casou com
e a Rainha Isabel eram parentes, Felipe IV.
perderam muitos filhos que nasceram
fracos e não sobreviveram. Entre eles, Voltando ao quadro:
o herdeiro do trono, Baltasar Carlos.
Que estava destinado a casar com • Aproxime-se da tela, veja que a roupa
a retratada neste quadro: sua prima, está construída com manchas de
Mariana. cor. Pequenas e poucas pinceladas
mais estruturadas. O mesmo efeito
utiliza no lenço branco que ostenta
Este retrato foi uma na mão esquerda e com o enfeite do
encomenda de seu pai. cabelo.
Retratada quando era
adolescente, mas pensem
que já tinha seu destino
totalmente decidido! Como
estava predestinada a ser
a futura rainha de Espanha
se utilizaram os elementos
dos retratos oficiais: a
cortina vermelha e esta
cadeira, que se conhece
como “frailuno” (própria
de frade). Dois símbolos de
nobreza e poder.

Série Viajando na Arte 25

 “Las Hilanderas” ou “La Fábula de Aracne” (1657)

26
Na época de Velázquez, a igreja
proibia as pinturas mitológicas. Por-
que tratavam de temas pagãos. Este
quadro foi uma encomenda dos reis,
pelo que estava protegido desta
proibição. Conta a história de Minerva
e Aracne.
Aracne era fiandeira, realizava tão
bem seu trabalho, que chegou a dizer
que era melhor que a Deusa Minerva
(Protetora das artes e inventora da roca
de tecer). Minerva irada, convocou um
concurso. A cena do primeiro plano
mostra o concurso. Minerva aparece
como uma senhora, simbolizando a
sabedoria (lado esquerdo). Aracne
se encontra em pleno trabalho e de
costas ao espectador, de blusa branca
do lado direito.
O problema todo começa quando
Aracne vence o concurso, com uma
tapeçaria que contava a história do
“Rapto de Europa”. Que história é
essa? É a que narra quando o pai
de Minerva (Zeus) aparece como um
cavalo para raptar a ninfa Europa. Ou
seja, quando o pai de Minerva trai sua
mãe! A deusa que já estava brava
por perder o concurso, entende que
o tema utilizado por Aracne é uma
forma de tirar sarro dela.
Série Viajando na Arte
A deusa fica uma fera e lança um
feitiço contra Aracne. Transforma a
jovem em aranha, fadada a tecer
durante toda sua vida! Esta cena
aparece na tapeçaria no fundo
do quadro. Suba as escadas da
pintura e veja!
O que temos diante
de nós, é o recurso do
quadro dentro do quadro,
algo bastante utilizado
no barroco. Sem contar,
que o pintor inverte a
importância dos fatos, o
que é mais trivial aparece
em primeiro plano, e o que
seria o ponto central da
fábula em segundo plano.
A iluminação ajuda a mostrar esta
diferença de importância entre as
cenas. No primeiro plano uma luz vem
da direita e ilumina a Aracne, dando
importância a um personagem que
se encontra de costas ao espectador.
Na segunda cena a luz vem do lado
oposto (esquerdo) de uma janela, que
ilumina de forma mais equilibrada
toda a cena, o que demonstra seu
caráter central.
27
 “Las Meninas” (1656)

28
 Em 1985, este quadro
foi escolhido por um juri
de especialistas como
a maior obra de arte
realizada por um ser
humano. É a “jóia do
Prado” e se encontra
na principal sala do
antigo edifício.
Primeiro, deixe-se emocionar. Cami-
nhe em sua direção, e pare pelo
menos por um minuto diante desta
enorme tela. Desfrute com a cara dos
demais visitantes e tenha em mente
que foi pintada em 1656!
A cena
Estamos no atelier do pintor, antigo
quarto do falecido herdeiro, Baltasar
Carlos. Velázquez aparece no canto
esquerdo pintando uma tela enorme.
Ao seu lado, o grupo que acompanha
a Infanta Margarita. Em Espanha, as
infantas são as filhas dos reis. Ao lado
da Infanta suas duas damas de com-
panhia, María Augustina Sarmiento
que lhe oferece água e do outro lado
olhando para nós, Isabel de Velasco.
Com elas, ainda no primeiro plano,
estão dois anões, a alemã – Maribár-
bola e o italiano Nicolasito Pertusato
que molesta o cachorro, um “mastín”
espanhol, raça que existe em terras
espanholas há mais de 4.000 anos.
Série Viajando na Arte
Atrás deles, meio na penumbra, uma
mulher que não é uma freira, e sim
uma viúva. Este era o traje utilizado
na época pelas viúvas. É Marcela de
Ulloa, guarda-damas que conversa
com um senhor.
Já ao fundo, José Nieto, aposentador
real (uma espécie de mordomo de
luxo), abre ou fecha a porta do fundo
do estúdio. Na parte superior da tela
se vêem quadros que decoram ou
inspiram ao pintor. E um espelho.
O espectador
e o espelho
Tente se colocar na frente do espelho,
desta maneira você estaria no mesmo
lugar que os reis, que aparecem
refletidos: Felipe IV e sua segunda
esposa, a Rainha Mariana. Não é
genial? Desta maneira o artista te
convida a formar parte do próprio
quadro, é como se formássemos
parte da cena, e pudéssemos nos ver
refletidos naquele espelho.
O nome e seu
lugar no palácio
O primeiro nome do quadro foi “A
Família”, depois se utilizou o nome
português: Meninas. O rei colocou
este quadro nas suas dependências
privadas e por muito tempo esteve
oculto dos olhos do mundo!
29
A iluminação
O quadro tem 3 fontes de iluminação,
e por que isto é importante? A luz
condiciona toda a composição, e a
partir dela se constroem os volumes
e se obtém esta sensação de
tridimensionalidade.
A primeira fonte de luz vem da janela
da parede da direita, que ilumina todo o
grupo da infanta. E deixa na penumbra
Marcela e seu acompanhante. A
segunda vem da última janela do
lado direito que quebra um pouco a
escuridão, e a terceira da porta onde
se encontra José Nieto, e que projeta
uma luz em diagonal.
O que estaria
pintando Velázquez
Será que pintava os reis, ou a infanta?
Não se sabe e isto aumenta mais o
mistério do quadro.
Montes e montes
de interpretações
Este quadro já foi interpretado por
muita gente. Alguns dizem que seria
um conjunto de retratos diretos e
indiretos (o retrato dos reis no espelho).
Mais a interpretação mais bonita e mais
aceita, é que seria uma homenagem
à pintura em si. Ao ato de pintar e a
dignificação daquele que pinta.
Naquela época, ser pintor era ter uma
função de segunda categoria porque
utilizava as mãos no processo. Por
isso, foi uma ousadia do pintor retratar-
se junto aos reis e à infanta. Colocar-
30
se quase de igual para igual. E isto
só foi possível, porque Velázquez era
um gênio respeitado pelo rei. E mais
do que isso, em certo ponto, alguém
muito próximo do rei. Se é certo que
pintou pouco em razão das suas
outras atividades no palácio, também
é, que se não tivesse o status social
concedido por estas outras atividades,
quem sabe não poderia ter realizado
uma obra como esta.
A Ordem de Santiago
No traje de Velázquez se vê uma cruz
vermelha, que representa a Ordem
de Santiago. Uma ordem de nobres
que não era nada fácil de entrar. A
vida dos candidatos era investigada
a fundo. Primeiro, sua ascendência.
Como Velázquez tinha parentes que
não nasceram católicos, o rei teve que
pedir ao papa que dispensasse este
requisito para que o pintor pudesse
recebê-la. Mas não pararam aí as
exigências, como era pintor, teve que
ir frente a um tribunal afirmar que
esta era uma atividade secundária,
que vivia de suas outras funções no
palácio. Por fim, conseguiu a ordem,
mas em 1658, dois anos depois que
pintou o quadro. Portanto, a cruz foi
pintada posteriormente em seu traje.
“Las Meninas” (1656)
 “Las Lanzas” ou “La Rendición de Breda” (1634/35)

Sabe o parque que está atrás do
Prado? Antigamente formava parte
do Palácio do Retiro, eram os jardins.
O palácio se construiu durante o
reinado de Felipe IV. Acontece que
construíram com tanta pressa e com
uns materiais “meia boca” que muita
coisa não agüentou e não chegou
até nossos dias. Do que sobrou, um
destaque é o Salão dos Reinos. Era
utilizado para festas e cerimônias. Para
sua decoração se encomendaram
uma série de pinturas para diferentes
artistas, entre eles Velázquez.
Em uma das paredes queriam cenas
de importantes batalhas vencidas pela
Monarquia Espanhola. Por exemplo, a

Série Viajando na Arte 31

Rendição de Breda. Velázquez pintou
esta cena, mas nada de batalha e
sangue. Ele retrata o momento que
os holandeses entregavam a chave
da cidade de Breda ao comandante
espanhol, após sua rendição.
Ao fundo se vêem as cinzas remanes-
centes da batalha, mas a cena princi-
pal enfoca outro momento. O ato de
clemência do comandante espanhol,
Ambrosio Spínola, diante do vencido
Justino de Nassau. Ele se encontra
prestes a ajoelhar-se em uma posição
de reverência ao vencedor, quando
é impedido por Ambrosio. Tanta é a
humildade do vencedor, que desce do
seu cavalo, que se encontra de cos-
tas ao espectador e trata à Justino de
igual para igual.
Do lado dos holandeses, se vêem os
soldados cabisbaixos e em posturas
diferentes. Do lado espanhol, os sol-
dados mantém as lanças levantadas
em sinal de ordem e poder.
“Las Lanzas” ou “La
Rendición de Breda”
(1634/35)
32
Velázquez teria se inspirado para
realizar este quadro na obra de
teatro escrita por Calderón de La
Barca (El sitio de Breda), onde
Ambrosio recita os seguintes
versos: “Justino, eu as recebo (as
chaves da cidade) e reconheço que
valente és”.
Como no mundo da arte também há
fofocas, dizem que o personagem
bem na direita do quadro, entre o
que seria a moldura e o cavalo, é o
próprio Velázquez.
Veja um papel em branco
no canto direito da tela,
normalmente os pintores
utilizavam este recurso
para assinar o quadro.
Mas Velázquez deixou em
branco. Como dizendo:
“Tá na cara que esta tela é
minha. É possível dizer isto,
sem que eu precise colocar
minha assinatura!!!
Cenas eqüestres (1635/36)
“Felipe IV a caballo”
“La reina doña Isabel de Francia, a caballo”
“El príncipe Baltasar Carlos, a caballo”.

Para outra parede do Salão dos Reinos,

Velázquez realizou retratos da família
real a cavalo – retratos equestres.
Estavam dispostos de maneira a
representar a continuidade dinástica.
Os pais do rei – Felipe III e a Rainha
Margarita de Austria, e em frente
Felipe IV e sua esposa, Isabel. Entre os
dois em cima de uma porta, o herdeiro
Baltasar Carlos (claro que Isabel e
Baltasar ainda estavam vivos, quando
Velázquez realizou estes quadros!).

Felipe IV aparece vestido como general

e ao fundo uma paisagem da serra de
Guadarrama, a 60 Km de Madri. Com
o bastão de comando, que era utilizado

33
durante as batalhas para fazer sinais
ao exército, e a faixa de general. O
cavalo aparece em pleno movimento,

Imperdível
mas Felipe mantém sua altivez e
tranqüilidade, passando a mensagem
de que estava preparado para tudo.

Ao seu lado, a Rainha Isabel. Entre

eles, o que seria o futuro da monarquia,
no Prado
seu filho Baltasar Carlos. Que levava a
mesma faixa de general e também um
bastão de comando, olha só a cara
altiva e firme do menino que contava
então com 6 ou 7 anos!
Francisco de Goya
Agora detenha teus olhos no corpo do y Lucientes nasceu
cavalo do príncipe, tem algo estranho?
Tudo bem com as patas dianteiras? no ano de 1746, em
Fuendetodos. Uma
Não, você não está enganado, o
cavalo está meio gordinho, e as patas cidade pequena pertinho
dianteiras parecem meio curtas. Sabe de Zaragoza. E foi em
por quê?
Zaragoza que estudou
Velázquez fez esta pintura arte ajudado pelo padre
para ser vista de baixo para de sua cidade natal.
cima. Ela estaria colocada
bem acima do espectador. Em Zaragoza estudou e
Assim quando olhássemos
para cima, teríamos a virou amigo de Ramón
sensação de que o príncipe Bayeu. Acontece que
estava prestes a saltar Ramón era irmão de
sobre nossa cabeça! um importante pintor
da época - Francisco
Bayeu. Goya acabou
Cenas eqüestres
(1635/36) casando com a irmã dos
caras, Josefa. Quando o
Há outras obras de Velázquez, se pintor tinha 29 anos, eles
quiser passar os olhos, fique à von-
tade. Porque nosso próximo artista é se mudaram a Madrid.
outro espanhol: Goya!
 Série Viajando na Arte 35

Um passeio pelas obras de GOYA

“El Cacharrero” (1779)

Foram os contatos de Francisco que

levaram Goya a trabalhar para a Real
Fábrica de Tapeçaria, na capital. Esta
obra foi realizada para esta fábrica.
O artista realizava um quadro, e eles
realizavam uma “tapeçaria” utilizando
como modelo o quadro. Goya realizou
muitas obras com este fim. Esta é uma
das mais famosas - “El Cacharrero”,
que significa “louceiro”, a pessoa que
vende louça. Vejam as peças de louça
no chão!

Esta obra pertence a uma série de

sete quadros pintados entre 1778 e
1779 destinados ao quarto do príncipe
de Asturias. Na Espanha, o filho
primogênito do rei, que é o herdeiro
natural à coroa, recebe o título de
“Príncipe de Asturias”. A partir das
tapeçarias, Goya ficou famoso na corte.

O que vemos no quadro é uma

cena de mercado onde muita coisa
acontece. Duas mulheres analisam
as mercadorias expostas pelo
“cacharrero”. Uma senhora mais velha
ao lado está perplexa e sua expressão
está congelada. Uma carruagem
passa ao fundo, dentro dela uma
mulher parece olhar diretamente ao
espectador.
O artista contrapõe duas
cenas diferentes. Num
primeiro plano uma cena
mais estática, e no segundo
plano uma carruagem em
pleno movimento, portanto
muito mais dinâmica. Veja
como Goya pinta a figura
humana com formas mais
arredondadas...
 “La familia de Carlos IV” (1800)

36
Em 1799, Goya com 53 anos, é
nomeado primeiro pintor de câmara do
rei, que era o principal pintor da casa
real. O que fez com que todo mundo
quisesse ser retratado pelo artista. Ou
seja, ele estava na crista da onda.
Neste quadro de 1800, ele pinta a
família do Rei Carlos IV. Esta obra tem
algo em comum com “As Meninas” de
Velázquez. Sabe o que é???
Goya também se retratou no quadro.
Ele aparece ao fundo com sua tela (do
lado esquerdo). E quem mais aparece
na tela? Vamos ver, da esquerda para
a direita:
• Carlos María, filho do rei, e segundo
na sucessão.
• Fernando, o Príncipe de Asturias,
ou seja filho do rei e o primeiro na
sucessão.
• María Josefa, irmã do rei.
• Mulher não identificada, que seria
a futura esposa de Fernando VII
(Príncipe de Asturias), que ainda não
havia sido escolhida. Fernando VII
achou que Goya estava rindo dele
ao pintar a que seria sua prometida
com o rosto virado. Como querendo
dizer que nenhuma princesa
européia ia querer casar com ele.
Meio neurótico este príncipe, não?!
Série Viajando na Arte
• María Isabel, filha dos reis.
• Rainha Maria Luisa.
• Francisco de Paula, filho dos reis.
• Rei Carlos IV.
• Antonio Pascual, irmão do rei
(bem atrás do rei).
• E olha quem estava a seu lado,
Carlota Joaquina, sim a nossa
Carlota, Rainha de Portugal e
a filha mais velha dos reis (só
aparece seu rosto).
• Luis de Borbon, genro dos reis.
• E sua esposa, a Infanta Maria
Luisa, segurando a Carlos Luis.
Outra vez veja as formas
arredondadas utilizadas por
Goya. Agora me diga de
onde vem a luz do quadro?
Da esquerda ou da direita?
Da esquerda, possivelmente de uma
janela que não se vê. Esta tela é
bem grande, e antes de se enfrentar
a um trabalho tão colossal, o artista
realizou estudos em telas menores de
cada integrante do quadro.
37
 Las Majas
“La maja desnuda” (1797/1800)
“La maja vestida” (1800/1805)
Você está vendo duas majas, ou
a mesma linda mulher (daí maja)
pintada em duas ocasiões. Goya
pintou primeiro a “Maja Desnuda”. Um
dos seus quadros mais polêmicos. E
olha que este quadro não foi mostrado
ao público logo após o artista terminá-
lo. Porque estava na galeria particular
do Primeiro Ministro espanhol –
Godoy. Meio que escondida, porque
naquela época a Igreja proibia este
tipo de obras.
Mas como a “maja” chegou até a galeria
de Godoy? Existem duas teorias. Uma
diz que foi uma encomenda que
Godoy realizou diretamente ao pintor.
E outra, que a Duquesa de Alba deu
de presente o quadro a Godoy.
38
Mas todo o mistério da obra não acaba
aí. Não se sabe ao certo quem foi a
modelo que posou para o pintor. Uns
dizem que teria sido a suposta amante
de Goya, a Duquesa de Alba. Outros
que seria a amante do próprio Godoy.
Fofocas à parte. Observe como pintou
os lençóis, as almofadas, a riqueza de
detalhes. O corpo da mulher também
tem o mesmo tratamento, olhe os
dedos dos pés. Agora, suba até o
rosto, não é tão detalhado, qual é tua
impressão ao observá-lo?
Alguns estudiosos pensam que foi
pintado depois do corpo, como se o
artista quisesse esconder a identidade
da modelo. Agora olhe o corpo e o
fundo, o que vê? São da mesma cor?
O fundo é escuro e o corpo
mais claro, isto chamamos
contraste claro-escuro.
Ajuda a aumentar a
sensação de profundidade e
atrai o olhar do espectador
para onde o pintor deseja.
Para onde? Para o rosto da
modelo. Não parece que
ela nos encara?! E que não
tem vergonha nenhuma de
estar peladona!?
Série Viajando na Arte
Quando Godoy é retirado do poder,
descobrem sua galeria privada
e imagina o escândalo. A Santa
Inquisição chama Goya diante de
seu tribunal para um interrogatório
onde deveria responder quem havia
encomendado tal obscenidade e
quem tinha posado. Goya se nega a
responder às duas perguntas!
Os quadros foram confiscados, e
apenas a maja vestida foi inicialmente
exposta ao público. Bem nesta época
quando pintava as “majas”, Goya
sofreu uma doença que praticamente
lhe deixou surdo.
39
“El dos de mayo de 1808 en Madrid”
“El tres de mayo de 1808 en Madrid” (1814)
Estes quadros mostram dois episódios
ocorridos durante a Guerra da Inde-
pendência. Esta guerra aconteceu em
1808. O povo espanhol não queria
que Napoleão I colocasse no trono a
seu irmão José Bonaparte. Por quê?
Tudo isto começou antes, em 1807.
Quando Espanha e França assinaram
o Tratado de Fointanebleau. Decidiram
conquistar Portugal e governá-lo em
conjunto. Só que Napoleão decide
tirar do jogo a Espanha, e convertê-
la de certa maneira em sua colônia.
Começa retirando de Espanha todos
aqueles que por sangue pudessem
ter direito à reclamar o trono - os
herdeiros reais. O povo fica sabendo
dos planos franceses e se amotina
para evitar a retirada de Madri do filho
menor do Rei Carlos IV (lembra do
retrato familiar!?). Isto aconteceu no
dia 2 de maio, e é este enfrentamento
que você vê na primeira tela.
Os espanhóis revoltados com as
pretensões francesas atacam suas
tropas. Os soldados que levam
turbantes eram egípcios incorporados
à Guarda Imperial de Napoleão. No
centro, um deles está morto em cima
de um cavalo, já meio caído. Olha que
louco, mesmo assim o outro homem
que está a seu lado continua com
as punhaladas. Goya com isso quer
mostrar a falta de lógica da guerra.
Vamos ao fundo. As caras de raiva e
ira da multidão de madrilenhos. Os
que estão mais metidos na batalha
Série Viajando na Arte
mostram cara de perplexidade e
medo. Não te dá a sensação que até
os cavalos querem fugir dali!?
Na mesma madrugada do dia 3 de
maio, os franceses começaram a
executar os rebeldes em diferentes
partes da cidade. É o que se vê na
pintura em frente. Toda a luz do quadro
vai em direção ao homem com braços
estendidos, de joelhos e com cara de
resignação. Ele se enfrenta naquele
instante à sua execução.
O artista utiliza duas fontes de luz, o
que significa isso? Quando um artista
pinta, pensa de onde vem a luz, porque
esta informação lhe mostra como
deve construir as sombras. Existe
uma fonte de luz no quadro que sai
de cima do monte do lado esquerdo,
já que vemos as sombras projetadas
dos executores. E outra fonte de
luz que sai de cima dos mesmos
executores. É esta luz que atinge de
cheio ao homem de joelhos e provoca
as sombras do canto esquerdo do
quadro. Goya utilizou estas 2 fontes
de luz para aumentar a dramaticidade
do quadro.
Estas duas obras não
prestam homenagem a
vencedores ou a vencidos.
Mostram a loucura que
desata a guerra. Uma
loucura que presenciou o
artista, que nesta época
morava no centro de Madri.
41

A agonia do artista de se ver metido
no meio da guerra, a hipocrisia da
corte, a surdez que lhe abatia, levarão
Goya a realizar obras mais escuras
e com temas nos quais existe uma
explosão dos defeitos humanos. São
as pinturas negras.
Se você estiver meio cansado deixe
para vê-las depois de passear pelas
obras de nosso próximo artista. Ou
quem sabe chegou a hora de tomar
algo na cafeteria do museu antes de
continuar teu passeio.
“El dos de mayo
de 1808 en Madrid”
“El tres de mayo
en Madrid” (1814)
Imperdível no Prado
Bosch foi um artista
único. Pintou seres de sua
própria imaginação, ou
saídos de textos religiosos
e literários. Algumas
vezes recebeu o apelido
de criador de monstros.
De qualquer maneira,
um pintor diferente de
todos os demais. É uma
oportunidade para ver
uma pintura que se
encaixa perfeitamente
entre a Idade Média
e o Renascimento, e
sobretudo, moralista.
Mostra onde o homem
pode chegar ao deixar
que os pecados lhe
conduzam!? Uau!!! Meio
macabro, né!? Mas é
esta mistura entre o bem
e o mal que é a coisa
mais legal da obra deste
holandês.
O rei espanhol Felipe II
adorava os quadros de
Bosch. Após sua morte,
comprou vários, e por
isso o Prado possui 7
obras do artista. Levando
em consideração, que
apenas se atribuem a
Bosch entre 30 e 40
obras, sete é um número
bem alto! Sem contar,
que no Prado encontram-
se a maioria das suas
obras mais famosas!
 Série Viajando na Arte 43

Um passeio pelas obras de

Hieronymus Bosch, na Espanha
conhecido como El Bosco.

“El Jardín de las Delicias” (1500/1505)

Nesta obra, Bosch utiliza um formato
bem comum na Idade Média, um
tríptico. Quando está fechado o que
vemos é o terceiro dia da Criação
do Mundo, pintado em tons verdes e
cinzas. Na parte superior esquerda
aparece Deus e o escrito: “Ipse dixit
et facta sunt, ipse mandavit et creata
sunt” – “Porque Ele disse, e foi feito;
Ele mandou, e assim foi”. Normalmente
quando não havia missa, estes trípticos
permaneciam fechados.
Eram abertos para decorar e reforçar o
discurso dos padres durante as missas.
Esta obra aberta revela três mundos
bem diferentes. No centro, o jardim
que dá nome ao quadro. Num princípio
se pode pensar que é um local de
amor e diversão, mas em verdade é
um engano. Um local de pecado que
vai conduzir o homem ao Inferno. No
século 13, o poema “Romance da
Rosa” falava sobre os jardins do amor.
Lugares de encontros dos amantes.
Portanto, estes jardins são retratos que
descrevem a vida sexual, ou seja, o
pecado da Luxúria.
Basta com observar algumas imagens
para que possamos entender que
Bosch nesta parte central usou como
tema este pecado. O ambiente está
cheio de fontes d´água, rios e um
estanque. A água estava associada com
o amor e os jogos amorosos. No lago
ao fundo do quadro, nadam homens e
mulheres. Agora observe o estanque
circular mais ou menos no centro. Nele
vemos apenas mulheres, agora olhe ao
redor. Apenas homens circundam este
estanque. Estes homens vão montados
em animais, e a cena das mulheres
parece que lhes excita. Por que estão
cavalgando? A ação de cavalgar é uma
metáfora do ato sexual, e os animais
estavam relacionados com os instintos
mais primitivos do homem. Lembre
que nesta época, o sexo sem intenção
de procriação estava muito mal visto.
Uma mulher começa a sair da água, na
Idade Média se pregava que a mulher
conduzia o homem à libertinagem, tal
qual Eva fez com Adão. Quer dizer,
tudo era culpa da mulher!
Algumas mulheres arrancam frutas no
centro à direita, que era outra metáfora
para o ato sexual. Aparecem muitos
morangos, um padre havia relacionado
esta fruta com os prazeres passageiros.
Como é passageira a alegria de todos
aqueles que estão neste jardim, porque
à morte lhes espera. Algo pior que a
morte em si, o Inferno.
44
Mas antes de chegar a este jardim, o
homem e a mulher estavam no Paraíso
da esquerda. Deus estava criando a
mulher e Adão observava sentado.
Neste Éden aparece um elefante, uma
relação com a Índia, lugar onde se
pensava que estava o Paraíso Perdido.
Mas nem no paraíso, o pessoal tinha
sossego. Os animais estranhos que
estão na parte debaixo avisam dos
perigos que se aproximam.
Como o homem não segue os
ensinamentos de Cristo e cai nas
tentações deste falso jardim do amor.
O pecado leva o homem diretinho pro
Inferno. Bosch pintou outros infernos,
mas este é o mais perverso. Procure
um pássaro azul no lado inferior direito
com uma espécie de vaso verde na
cabeça. Encontrou? O que ele faz?
Come pessoas, e as defeca em um poço
onde outros vomitam e fazem suas
próprias necessidades. Ao lado deste
monstro podemos ver representados 3
pecados capitais:
• O guloso que é obrigado a vomitar
no poço - o pecado da gula.
• O preguiçoso que recebe a visita de
um monstro - o pecado da preguiça.
• A dama orgulhosa que vê sua
imagem refletida nas nádegas de
um monstro - o pecado da Soberbia.
No inferno reina um caos louco, onde
objetos do cotidiano se convertem
em instrumentos de tortura.Um
exemplo? Os instrumentos musicais
do lado esquerdo. Estes instrumen-
tos estavam relacionados com a
Luxúria porque eram utilizados
pelos trovadores que viajavam e
tocavam nas tabernas e induziam
à libertinagem. Tocar o alaúde era
uma metáfora para “fazer amor”.
Chama atenção este homem meio
ovo com corpo de árvore. Há muitas
teorias sobre ele, em uma delas,
se diz que este homem olha ao
espectador como dizendo: “Você
não escapará!”.
Para saber como são as figuras
de Bosch chegue o mais perto
possível da tela. Parece que
as figuras humanas são reais?
Parece que elas pesam? Esta é
uma característica de Bosch, a
maneira que ele constrói estas
figuras esbranquiçadas, meio
etéreas, que parecem que não
pesam nadica de nada.

Agora se coloque no lugar

de uma pessoa do século
16, cercada por restrições
religiosas. Imagina como se
sentia ao ver materializado
este Inferno diante de seus
olhos. Um lugar em que
nunca se alcançava a paz,
porque ali ninguém morria,
o sofrimento era eterno!
Cruz credo!!!

“El Jardín de las

Delicias” (1500/1505)

Série Viajando na Arte 45

 “La mesa de los pecados capitales” (1480)

46
 Esta mesa deve ter sido
utilizada como ponto
de apoio para reflexão
antes da confissão, tudo
a ver né?! Assim você
podia lembrar se tinha
cometido algum pecado,
ao vê-los ilustrados bem
ali na tua frente!
Olhe para o centro do quadro, este
círculo do qual saem as linhas
representa o olho de Deus. Na sua
pupila está Cristo. Ao redor da pupila
se lê: “Atenção, Atenção, Deus vê”. O
que quer dizer nas entrelinhas: “Por
isso tenha cuidado, principalmente
com os sete pecados capitais”, que
estão representados na parte mais
exterior do círculo. Ache o primeiro e
depois veja os demais no sentido anti-
horário.
1) A gula – dois homens comem
loucamente.
2) A preguiça – um cavaleiro bem
alimentado dorme junto ao
fogo.
3) A luxúria – dois casais de
amantes dentro de uma
cabana.
Série Viajando na Arte
4) A soberbia – uma mulher
admira seu chapéu e nem se
dá conta que quem segura o
espelho é um diabo.
5) A ira - dois homens brigam.
6) A avareza - um juiz aceita
subornos.
7) A inveja: um pretendente
rejeitado que olha com ciúmes
a seu rival.
Na parte superior da mesa, está escri-
to: “Porque é um povo que nada com-
preende e não tem visão, porque caso
fossem inteligentes entenderiam isto
(o que está na mesa) e se preparariam
para seu fim”.
Na parte inferior: “Esconderei deles
meu rosto e lhes observarei no mo-
mento final”. Este final se representa
nos outros 4 círculos dispostos em
cada canto da mesa: a morte, o juízo
final, o céu e o inferno. Possivelmente
estes círculos não foram pintados
por Bosch, e sim por seus discípulos
porque a técnica não é tão apurada.
Observe bem e veja esta diferença!
47
“La extracción de la piedra de LA locura” (1490)
Um médico extrai uma pedra da
cabeça de um homem que está preso
na cadeira. A cena é observada por
um monge e uma freira. A retirada da
pedra curaria a pessoa da estupidez, e
provavelmente Bosch quer representar
a prática dos curandeiros.

Na parte de cima há uns escritos,

que dizem: “Mestre, tire-me a pedra,
chamo-me Lubbert Das”. Na literatura
holandesa, o nome Lubbert se utiliza
para indicar aquelas pessoas com alto
grau de estupidez.

O que sai da cabeça do

homem, não é uma pedra,
é uma flor, igual a que está
sobre a mesa.

Não se sabe por que o artista pintou o

funil, o livro sobre a cabeça da freira,
e nem porque ela e o monge estão
na cena.

Série Viajando na Arte 49

 “El carro del heno” (1515)

Outro tríptico de Bosch.

Na verdade este quadro
tem duas versões, a
outra também está na
Espanha, no Palácio do
Escorial (bem pertinho de
Madri). O quadro recebe
este nome por causa da
cena central.

50
Uma carroça de feno é seguida por
um séquito dos mais importantes:
um imperador, um papa e cavaleiros
(na parte central do lado esquerdo).
Enquanto isso, as massas arrancam
uns troços de feno ou brigam entre
si. Cristo resignado com o que vê
aparece na parte superior da cena.
Apenas um anjo em cima da carroça
percebe sua presença. A multidão não
vê a Cristo, e tampouco que a carroça
está sendo conduzida por um exército
de monstros, em direção ao Inferno.
A carroça de feno é uma metáfora das
coisas sem valor, mas que os homens
dão tanta importância, e que não
lhes servirão de nada no Juízo Final.
Estas coisas mundanas que levam ao
pecado.
Como por exemplo, o pecado da
Avareza. Que se representa na parte
debaixo da cena. Procure um homem
com chapéu junto a uma bandeira
com um coração. É um médico que
engana ao paciente, algo parecido
com o quadro anterior da “Extração
da Pedra”. Dá para perceber que ele
cobrou muito dinheiro, porque seu
bolso está cheio de feno.
E lá vem mais pecado da Avareza,
olha lá as freiras enchendo de feno
um saco enquanto um monge gordo
lhes supervisiona.
O pecado da Luxúria está representado
pelos amantes em cima da carroça.
Que leva também um diabo azul, esta
cor representa o engano.
Série Viajando na Arte
No século 16, empurrar um carro de
feno era uma metáfora para dizer que
alguém estava enganando, ludibriando
a outra pessoa. E este engano, leva o
homem para onde?
Diretinho para o Inferno, que está
do lado direito. É cruel, mas não tão
cruel como aquele do “Jardim das
Delícias”. Chama atenção um homem
sobre uma vaca, teria sido tirado de
um texto religioso do século 12, onde
o personagem conta sua passagem
pelo Céu e o Inferno por 3 dias da
mão de um anjo. No Inferno narra
que teve que atravessar uma perigosa
ponte montado em uma vaca, porque
teria roubado um animal de seu
vizinho. Que na ponte se encontravam
também ladrões de igrejas, daí que
Bosch tenha colocado na mão do
personagem um cálice eucarístico,
daqueles utilizados durante as missas.
Olhe para a torre que está sendo
construída, não parece com um rosto
mutilado, onde as janelas são as
narinas e a porta é a boca?!
Do lado oposto, está o Paraíso. Lembra
que no “Jardim das Delícias”, no
primeiro plano aparecia a criação da
mulher? Aqui não, no primeiro plano
vemos a expulsão de Adão e Eva por
um anjo. Na parte superior Deus, daí
vem a criação da mulher e no centro
o pecado original. Oh, my god, a
serpente tem cabeça de mulher!
51
 Que tipo de
O Prado entrada comprar

na hora H Se você quer ver as obras que per-

tencem ao Prado, compre a entrada
para a COLECCIÓN. Seria o acervo do
museu. Mas se já conhece o acervo
e está interessado em algumas das
exposições que na maioria das vezes
Esta parte vai mostram obras emprestadas de ou-
dos serviços e da tras instituições, e até mesmo de
particulares, compre a entrada para
infra-estrutura as EXPOSICIONES TEMPORALES.
que o museu Se quiser ver tanto o acervo como
as exposições temporárias especiais,
oferece. compre a ENTRADA COMBINADA.

Comprando a
entrada por Internet
A única entrada que tem desconto por
Internet é para a coleção. O desconto
é de 1€. No caso das exposições tem-
porárias, muitas vezes eles controlam
o número de pessoas que as visitam
por dia, para não ficar chupando o
dedo sem entrada, o melhor é com-
prá-la antecipadamente. Na hora da
compra deve escolher o horário da
visita. Se vai estar em Madrid vários
dias, pode arriscar comprar a entradas
para as temporárias na própria bilhe-
teria do museu.
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 Série Viajando na Arte
Para comprar por
Internet entre em:
www.entradasprado.com
Em setembro de 2011,
valor da entrada:
De 10 a 12€. O valor
pode variar dependendo
da exposição temporária
em cartaz.
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Quando o
museu é grátis
De terça-feira a sábado das
18:00 às 20:00 horas, e
aos domingos das 17:00 às
20:00 horas.
A entrada também é gratuita
para menores de 18 anos. Os
estudantes que não pertencem à
União Européia, menores de 25
anos, pagam meia entrada.
Os horários do museu
Abre de terça-feira a domingo das
09:00 às 20:00 horas.
Para chegar ao museu
com transporte público
Ônibus: 9, 10, 14, 19, 27, 34, 37
e 45. Metrô: Linha 2 (parada:
Banco de Espanha) e Linha 1
(parada: Atocha).
Serviços
Há pouco tempo ampliaram o Museu
do Prado. Desde então, a maioria dos
serviços estão reunidos na entrada da
Porta dos Jerônimos.
Lojas e livraria
A grande loja do museu fica junto à
entrada da “Puerta de los Jerónimos”.
Aqui você vai encontrar desde
pequenos souvenirs até livros hiper
ultra especializados. Há outras
pequenas lojas normalmente nas
saídas das exposições temporárias e
na parte mais antiga do museu.
Café-Prado
Na hora do almoço servem um “menu”,
durante todo o dia funciona como uma
cafeteria com alguns pratos quentes.
Audioguia
Dá para alugar nos 3 acessos do
museu: Jerônimos, Sala das Musas e
na Entrada de Goya. Os preços são os
seguintes:
Coleção,
permanente: 3,50€
Exposições
temporárias: 3,50€
Combinado:
Coleção + Exposição
Temporária (1): 5€
Combinado especial:
Coleção + Exposições
Temporárias (2): 6€
Serviço oferecido em espanhol, inglês,
francês, italiano e alemão.
Guias de artistas
Estão à venda uns pequenos guias
coloridos, veja os títulos:
Obras-primas do Museu do Prado,
”Bosch e a Pintura Flamenca”,
“Tiziano e a Pintura Veneziana”,
“El Greco”, “Velázquez”, “Goya” e
“Goya - Pinturas Negras”.
Custam 2€ e são excelentes sou-
venirs. Podem ser adquiridos junto
à Porta de Jerônimos ou em cada
sala onde estão expostas às obras
que tratam os guias, através de
máquinas dispensadoras.
Educação
Quando entrar pela Porta dos
Jerônimos vá no balcão da Educa-
ção. Costumam oferecer atividades
gratuitas, geralmente relacionadas
com as exposições temporárias.
Também pode
encontrar no Prado:
Sala de lactância, lugar para trocar
os bebês tanto nos banheiros
femininos como nos masculinos,
empréstimo gratuito de cadeiras
de bebê, assim como de cadeiras
de roda. Em todos os acessos,
encontrará lugar para deixar
casacos, bem como bolsas e
mochilas.
Para quem está visitando o Prado
com crianças menores de 8 anos,
vale a pena passar por algum
ponto de informação e pedir o
“Juego de Pistas”. É gratuito.
EXPEDIENTE Autora do Guia do Museu do Prado,
Patricia de Camargo é doutora
em turismo cultural e museus.
Escritora de viagens e produtora de
material didático de artes.
Editora dos sites:
www.turomaquia.com
www.artetropia.blogspot.com
www.viajandonaarte.com

Para entrar em contato:

turomaquia@gmail.com ou
contato@viajandonaarte.com

Projeto Gráfico, Diagramação:

ddq design
www.ddq.com.br

Esta é uma publicação dos sites

Turomaquia e Viajando na Arte.
Todos os direitos de edição desta
publicação são reservados à
Turomaquia. É terminantemente
proibido, sem limitações, reproduzir
qualquer material contido
nesta publicação. Informações
atualizadas até agosto de 2011.

Série Viajando na Arte 55

Museu do Prado - Madri

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