TEATRO - Parte 02
TEATRO DO SÉCULO XX
Teatro do Absurdo é uma expressão
cunhada pelo crítico húngaro Martin Esslin (1918-
2002) no fim da década de 1950 para abarcar peças
que, surgidas no pós-Segunda Guerra Mundial, tratam
da atmosfera de desolação, solidão e
incomunicabilidade do homem moderno por meio de
alguns traços estilísticos e temas que divergem
radicalmente da dramaturgia tradicional realista.
Trata-se, porém, não de um movimento teatral
organizado tampouco de um gênero, mas de uma
classificação que visa colocar em destaque uma das
tendências teatrais mais importantes da segunda
metade do século XX. Entre os principais dramaturgos
"do Absurdo" estão o romeno radicado na França
Eugène Ionesco (1909-1994), o irlandês Samuel
Beckett (1906-1989), o russo Arthur Adamov (1908-
1970), o inglês Harold Pinter (1930-2008) e o
espanhol Fernando Arrabal (1932).
Esperando Godot', de Samuel Beckett.
Pode-se tomar como marcos do início do
Teatro do Absurdo as peças Esperando Godot (1949),
de Beckett; A Cantora Careca e A Lição, de Ionesco
(ambas de 1950). Estas, assim como outras obras dos
dramaturgos do absurdo, apesar da novidade formal,
reutilizam alguns elementos que marcam a história do
teatro e das artes em geral: os mimodramas
(espetáculos gestuais surgidos na Antiguidade greco-
romana, que atravessam a Idade Média com os
saltimbancos e bobos); a commedia dell'arte (gênero
cômico de muito sucesso na Europa entre os séculos
XVI e XVIII); os espetáculos de music hall e vaudeville
(que misturam números musicais, cômicos e de
dança); a comédia de nonsense (com falas absurdas
ou sem sentido).
Os movimentos artísticos de vanguarda do
início do século XX (como o expressionismo e,
principalmente, o dadaísmo e o surrealismo); a
literatura de nomes como o irlandês James Joyce
(1882-1941) e o tcheco Franz Kafka (1883-1924); o
1
2º Ano
cinema do inglês Charles Chaplin (1889-1977), dos
norte-americanos Buster Keaton (1895-1966), Oliver
Hardy (1892-1957) e Stan Laurel (1890-1965) e dos
irmãos Marx; e o teatro de nomes como Alfred Jarry
(1873-1907), dramaturgo francês, criador da
patafísica, precursor tanto do Teatro do Absurdo
quanto de movimentos artísticos como o dadaísmo e o
surrealismo.
Cena da peça “o coração de gás” Escrita por Tristan Tzara
(dadaísmo).
O Teatro do Absurdo une a comicidade ao
trágico sentimento de desolação e de perda de
referências do homem moderno. Tal sentimento deriva
não apenas do horror da Segunda Guerra como
também da Guerra Fria e do estágio atingido em
meados do século XX pela filosofia, especialmente a
existencialista, que afirma definitivamente a solidão e
a responsabilidade do homem por seu destino em um
mundo sem Deus.
No Teatro do Absurdo, a incerteza e a solidão
humanas são traduzidas por procedimentos que,
fazendo uso de elementos conhecidos (situações
banais, frases feitas, gestual cômico) ou menos usuais
(construções verbais aparentemente sem sentido,
gestual mecânico repetido incessantemente, ações
sem motivação aparente), buscam criar outros
universos, estranhos, porém assemelhados ao
universo cotidiano.
Um exemplo disso é apresentado por Beckett
quando relata a interminável espera dos dois
vagabundos de Esperando Godot; na patológica
estagnação e decadência dos personagens de Fim de
Partida; no soterramento, físico e existencial, da
personagem principal de Dias Felizes; na repetição
sem sentido de frases feitas em diversas peças de
Ionesco; na surpresa e no caráter enigmático e tenso
das ações e falas dos personagens de Pinter; e na
obsessividade infantil dos personagens de Arrabal.
O Teatro do Absurdo chega ao Brasil em
meados da década de 1950, com Esperando Godot,
encenado na Escola de Arte Dramática (EAD) e,
depois, com espetáculos de Luís de Lima (1925-2002)
para peças de Ionesco. Nas décadas de 1960 e 1970,
continuam a ser montadas peças "do absurdo", e são
dignos de nota a montagem do diretor argentino Victor
García (1934-1982) para Cemitério de Automóveis
(1968), de Arrabal; a encenação de Esperando Godot
(1969), com participação de Cacilda Becker (1921-
1969); e o espetáculo O Arquiteto e o Imperador da
Assíria (também de Arrabal), realizado pelo Teatro
Ipanema em 1971.
A partir da década de 1970, com a assimilação
do Teatro do Absurdo, alguns de seus elementos
permeiam não apenas peças de vanguarda, mas
também obras ligadas à tradição. Entre esses
elementos, podem-se destacar, grosso modo, a
Brecht orientando atores
presença do insólito e da estranheza em personagens
A construção de uma teoria de representação
e temas, a não linearidade e a existência de elementos
teatral fundamentada no distanciamento do ator tem
oníricos ou simbólicos que, muitas vezes dificultando a
por objetivo deixar claro o caráter social e mutável do
apreensão da narrativa, são parte fundamental do
que é mostrado, o que vai de encontro à imutabilidade
contexto poético das obras.
da natureza humana pregada pelo teatro dramático.
Essa apropriação de traços do Teatro do
A intenção do teatro épico é apresentar as
Absurdo pela tradição, além da não organização dos
estruturas sociais que organizam direta e
participantes em um movimento, é um dos motivos
indiretamente as vidas de todas as pessoas em uma
pelos quais diz-se tratar de uma tendência e não
sociedade, estruturas essas que, por serem tão
propriamente de uma corrente artística. Ainda por isso
presentes e determinantes para a vida, são
é tarefa praticamente impossível citar exemplos de
geralmente vistas como naturais.
representantes contemporâneos do Teatro do
Portanto, reside aí uma fundamental diferença
Absurdo, já que é possível encontrar ecos de suas
em relação ao teatro dramático: o dramático busca a
características, em maior ou menor grau, no trabalho
identificação do espectador com a cena e, para tal, do
de boa parte dos dramaturgos contemporâneos.
ator com o seu papel; já o teatro épico busca
Teatro épico
distanciar o espectador do que seria visto por ele
O teatro épico de Brecht virá marcada pela
como natural e, por isso, não pretende ter o público
luta contra o capitalismo e contra o imperialismo. Todo
imerso na encenação, mas diante dela, frente à
o tempo há uma profunda reflexão sobre a situação do
situação mostrada/narrada no espaço cênico.
homem num mundo dividido em classes; e o estudo
Sua obra tem compromissos firmados com a
do relacionamento entre os homens que vivem
causa política sem deixar de apresentar seu autor
condicionados a uma divisão econômica e política.
como um artista talentoso, criador e renovador de sua
A característica mais importante da obra de
arte. Isso marcou profundamente suas concepções na
Brecht é a visão que ele tinha do teatro como um
história da dramaturgia e do teatro mundial.
elemento que deve apresentar à sociedade os fatos
A obra de Brecht exprime em sua quase
cotidianos a fim de que o espectador os julgasse,
totalidade uma revolta contra a arrogância dos
portanto, tudo serviria de depoimento e
detentores do poder e, contra toda a disciplina cega.
documentação.
Com a finalidade de alcançar a massa oprimida através
de seus escritos cria um teatro de ação social voltado
para mostrar que o homem tem a capacidade, o
direito e o dever de transformar o mundo em que vive.
E que não é possível lutar contra a retórica de um
governo, mostrando que o destino do homem deve ser
sempre preparado por ele mesmo.
A partir daí a preocupação de Brecht em
relação ao teatro terá como cunho específico utilizá-lo
não apenas como forma de interpretar o mundo, mas
principalmente como um meio de mudá-lo e o autor
confirma esse pressuposto ao escrever: “A arte segue
a realidade”
Bertolt Brecht Ao escrever suas peças, Brecht imagina um
A alienação do homem, para Brecht, não se espectador atento e não passivo perante a arte
manifesta como produto da intuição artística. Brecht apresentada nos palcos, um espectador cujo papel não
ocupa-se dela de maneira consciente e proposital. Mas era apenas de sentir a emoção, mas entender-se como
não basta compreendê-la e focalizá-la. O essencial não ator da própria realidade, com capacidade de criticar e
é a alienação em si, mas o esforço histórico para a mudar o mundo, era preciso usar meios imediatos de
desalienação do homem. chegar às pessoas.
2
 Teatro no Brasil difusão de textos autorais e discussão politizada da
Até o início dos anos 1960, a arte teatral realidade nacional. Após o golpe militar, com Augusto
brasileira era representada principalmente pelo Teatro Boal e Guarnieri à frente do grupo, e muito
Brasileiro de Comédia (TBC), tradicional influenciado pelo teatro político de Bertolt Brecht, o
companhia paulistana, fundada em 1948. O TBC, como grupo precisou elaborar novas estratégias para fugir
a maior parte do teatro produzido no Brasil até então, do realismo e enfrentar a censura sem perder sua
era voltado para a montagem de espetáculos com essência.
características estéticas e dramatúrgicas
internacionais, importando encenadores, diretores e
técnicos estrangeiros, principalmente italianos.

Palco de arena
E nesse contexto, no qual começou-se a
pesquisar novos formatos de encenação, que Augusto
Boal começou a estruturar as técnicas que mais tarde
comporiam o sistema que ficou conhecido como
Teatro do Oprimido.
Tônia Carrero, Eva Wilma, Odete Lara, Norma Benghel e Ruth
Escobar.
Além disso, geralmente, os espetáculos da
companhia eram montagens de textos de famosos
dramaturgos europeus, o que fazia bastante sucesso,
principalmente entre a classe média paulistana.
Com a Ditadura Militar, o TBC viveu um de
seus piores momentos, pois peças realistas, como as
montagens realizadas pela companhia, ou que
retratassem a realidade brasileira, não poderiam mais
ser encenadas.
Havia também o Teatro de Arena, grupo
teatral, formado em 1953, que ganhou forças ao se
fundir ao grupo Teatro Paulista dos Estudantes. A Augusto Boal.
princípio, os espetáculos do grupo se baseavam em Foi assim que, em 1965, nasceu o espetáculo
textos de autores estrangeiros, porém, a partir de Arena Conta Zumbi, que apresenta uma metáfora da
1958, o grupo assume a politização e o situação política vivida naquele período, baseado na
"abrasileiramento" como características do seu saga dos quilombolas, no contexto do Brasil Colônia,
trabalho, levando à cena diversos textos originais, período marcado pela resistência dos escravizados ao
escritos por integrantes do grupo, como a domínio dos portugueses.
emblemática ”Eles não usam black-tie”, escrita por
Gianfrancesco Guarnieri.

Arena 1967 AUTORIA Derly Marques

Teatro de Arena de São Paulo.
O grupo se transforma num expressivo
movimento de nacionalização das artes teatrais,
3
Esse espetáculo marcou o início de um novo
procedimento cênico que ficou conhecido como
sistema coringa, sistematizado posteriormente, na
montagem de “Arena Conta Tiradentes”. Nele,
qualquer ator pode representar qualquer personagem,
 revezando-se no decorrer do espetáculo. Para isso,
utiliza-se uma marca que identifique cada personagem
em relação aos outros, mantendo apenas um ator fixo,
com a função de coringa.
O coringa é o responsável pela função
narrativa do espetáculo, aquele que faz a ligação entre
os fatos e acontecimentos com a plateia. Nesse tipo de
encenação, o ponto de vista autoral é assumido pelo
elenco, e cada cena tem seu estilo próprio (drama,
comédia, sátira, etc.), independentemente do restante
do espetáculo, tornando a encenação totalmente
eclética em termos de gênero e estilo. A música é
utilizada para marcar as passagens das cenas, fazendo
a ligação entre elas e acrescentando diferentes climas
ao espetáculo.
Em 1958, com base na iniciativa de José Celso
Martinez Corrêa (Zé Celso), foi fundado, na Faculdade
de Direito da Universidade de São Paulo, o Teatro
Oficina. O grupo é, ainda hoje, uma referência de
teatro político brasileiro e está sempre buscando novas
formas de representação. O Teatro Oficina é
conhecido por sua inovação e investigação cênica,
numa busca constante de novas linguagens para o
teatro e de uma estética que seja totalmente
brasileira.
Teatro Oficina / Lina Bo Bardi e Edson Elito
Com isso, o grupo se destaca e se diferencia,
transformando os espetáculos em grandes festas,
grandes rituais que, muitas vezes, fazem confundir a
plateia sobre se tratar de realidade ou ficção. Outra
característica do grupo é a subversão de valores
morais, naturalizando questões como a nudez,
questionando esses valores e propondo reflexões
sobre eles de forma que, muitas vezes, escandalizam a
plateia.
Driblar o sistema pelo deboche é também uma
característica do grupo e de seus integrantes. Isso
resultou em montagens polêmicas, como a da peça
Roda Viva, escrita por Chico Buarque de Hollanda em
1968. A peça foi invadida durante uma apresentação
por cerca de 100 integrantes do Comando de Caça aos
Comunistas (CCC), que depredaram o cenário e
agrediram os atores e depois foi proibida pela
ditadura.
Outro grupo de teatro marcante no contexto
da Ditadura Militar no Brasil foi o Dzi Croquettes,
que surgiu na década de 1970, no Rio de Janeiro,
montando espetáculos musicais cheios de ousadia,
humor e irreverência. "A força do macho e a graça da
fêmea" era o slogan da trupe, um conjunto de forças
masculinas, mas carregadas de referências femininas,
que entrava no palco balançando as estruturas em
pleno regime de Ditadura Militar no Brasil. Composto
por 13 atores, cantores e bailarinos, os artistas se
apresentavam vestidos com saias, cílios postiços e
muita purpurina.
O grupo tinha uma preparação corporal
extremamente rígida, com aulas de jazz, dance e
sapateado, o que garantia ao espetáculo a grande
qualidade técnica dos movimentos coreografados pelos
artistas, que tinham extrema liberdade em suas
encenações. Apropriando-se do gênero pastelão,
utilizavam da caricatura, do deboche e da comédia de
costumes, com vigor e presença.
Dessa forma, o grupo conseguia ser político,
criticando as instituições nas entrelinhas da comédia
musical, mas sem ser panfletário, fazendo disso uma
forma de driblar a censura e tornando-se um sucesso
não apenas no Brasil, mas também na Europa.
Os espetáculos do Teatro Arena e do Teatro
Oficina, bem como suas contribuições para a criação
de estéticas brasileiras de encenação, ainda hoje, são
referências para os artistas brasileiros, inspirando
dramaturgos, atores e diretores. Inspirado no
espetáculo Arena Conta Zumbi, o diretor João das
Neves montou, em 2013, o espetáculo Zumbi, com um
elenco inteiro de atores negros, diferentemente da
montagem original. Essa nova montagem rememora o
sistema coringa de encenação e reforça o caráter
musical do espetáculo original, mas também insere na
cena discussões e possibilidades de reflexão a respeito
de negritude, representatividade negra e racismo.
Foto do espetáculo Zumbi 2013 dirigido por João das neves.
Outro espetáculo contemporâneo com
inspiração nos espetáculos desses grupos é a
remontagem, 50 anos depois, do espetáculo O Rei da
Vela, pelo próprio Oficina Uzyna Uzona, o antigoTeatro
Oficina. Aos 80 anos de idade, o ator Renato Borghi
retorna ao espetáculo, no mesmo papel que
interpretou aos 30 anos, o agiota Abelardo I.
Ref. Teatro do absurdo. Acesso em: 17 de setembro de
2022. Verbete da Enciclopédia. ISBN: 978-85-7979-060-7