FASM - Faculdade Santa Marcelina

A Paisagem Brasileira no Século XX

Pós 1922
Pesquisa realizada para a disciplina de História da Aquarela
Professor: Norberto Stori

Curso de Pós-Graduação “Lato-Sensu” em Artes Plásticas - Pintura em Aquarela

alunos

Iracema de Macedo Almeida

Maria Roberta F. De Sanna
Rosane Rodrigues Wanderley

Agosto 1998

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 Introdução
A natureza sempre fascinou o homem desde a pré-histó-
ria. Campos florais, matas, florestas, árvores silvestres e
pantanais foram e são desafios para numerosos artistas.
De Rafael a Picasso, de Van Gogh a Bonadei e Aldemir
Martins, a busca continua sendo a (re)presentação da
natureza, o (re)fazer do que já foi idealizado e concretizado
interminável vezes.
Nos tempos recentes, de um século para cá, as obras
re-presentativas da natureza aparecem com freqüência
durante e após a tendência Impressionista. E em seguida
pelo Cubismo, Expressionismo, Surrealismo e o Abstra-
cio-nismo. Isso tradu-zido significa que a natureza em
sua infinita beleza e esplendor original, ganha formas que
poucos fazem lembrar da peça original retratada. É a
contemporaneidade em pleno processo de reformulação
na tentativa de recriar tudo o que já foi criado.
Essa livre (re)interpretação do artista pela chamada pai-
sagem, possibilita-lhe alterar globalmente o motivo que
está sendo desenhado ou pintado, chegando em alguns
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casos tornar-se impossível ao espectador visualizar fo-lhas
e caules, troncos e galhos, casas ou prédios. O que pouco
ou nada preocupa o artista, interessado apenas em redi-
mensionar o que está a sua frente ou em sua mente. Não
fosse assim, a arte e todos os seus segmentos estariam
fatalmente estagnados, distante anos-luz das conquistas
havidas desde que o mundo é mundo.
Os pintores acadêmicos sempre trataram as paisagens
tais como seus olhos as vêem. Eles são minuciosos em
reproduzir todos os detalhes. Privilegiam as cores, após
exaustivas pesquisas e confrontos espatulados, que pare-
cem não ter fim. Até que chegam às tonalidades próximas
ao real. Só assim sentem-se recompensados.
O perfeccionismo entra nessa batalha de cores e formas,
na busca incansável para a reprodução quase fotográfica
do que estão pintando, Assim agiram os pintores brasi-
leiros Alexandrino, Clodomiro Amazonas ou Batista da
Costa.
Do fim do século para cá, as constantes e vertiginosas
transformações da arte resultaram que as pinturas de
paisagens enveredaram por caminhos jamais imaginados.
A simples cópia do que estava à frente do artista já não
satisfazia. Muitos artistas, então, passaram a recriar o
conteúdo formal e cromático.
O modernismo a partir de 1922, fez novos entusiastas e
adeptos da pintura. Excluídas as manifestações culturais
indígenas, a cultura que aqui se desenvolve não é mais que
um ramo da cultura européia, estendida até a América.
Visconti faz a ligação entre o conceito acadêmico e a nova
sensibilidade que irrompe na Semana da arte Moderna,
não ultrapassa a fronteira do território que essa nova
sensibilidade descobre. Ela se manifesta primeiramente
no Fauvismo e em seguida no Cubismo.
São de inspiração expressionista as obras que Anita
Malfati expôs em 1917, como deriva do Cubismo e mais
diretamente de Léger a pintura de Tarsila que vai resultar
no “pau-brasil”.
Armando Reis Pacheco
(Rio de Janeiro, 1913 - Rio, 1965)
Pintor ativo em S. Paulo. Participou do Salão Paulista de
Belas-Artes, obtendo menção honrosa, 1943. e medalha
de bronze, 1953
Clodomiro Amazonas
Paisagista, toda a sua obra reflete a atração pela nature-
za, revelando também a influência dos pintores chamados
acadêmicos.
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Sendo natural de Taubaté, dedicou-se fundamentalmente
retratar a paisagem daquela região.
João Batista de Paula Fonseca
(Rio de Janeiro, 1887 - RJ, 1960)
Pintor. Aluno da antiga Escola Nacional de Belas-Artes,
recebeu orientação de Rudolf Sindemam, e mais tarde de
João Batista da Costa. Com as telas “Trecho da Gávea” e
“Trecho de Petrópolis”, obteve menção honrosa de Primeiro
Grau, no Salão Nacional de Belas-Artes (1915). Em 1923.
foi agraciado com o Prêmio de Viagem à Europa. Participou
do Salão Nacional de Belas-Artes, Prêmio Viagem ao País
(1933); Salão Paulista de Belas-Artes, laureado com a
Medalha de Prata (1939). Ocupou, na Academia Brasileira
de Belas-Artes, a cadeira cujo patrono é Antônio Parreiras.
José Benevenuto Madureira
(Sorocaba, SP, 1903 - Santos, SP, 1976)
Pintor ativo em Santos, SP. Iniciou seus estudos de arte
em Itapetininga. SP. com Campos Aires e depois. no Liceu
de Artes e Ofícios da capital paulista. Participou das
coletivas: Salão Paulista de Belas-Artes (1941), obtendo
menção honrosa. medalha de bronze e o segundo prêmio
Prefeitura de S. Paulo (1943), pequena medalha de prata
(1951). e prêmio aquisição (1954, 1956,1957 e 1962).
Marie Nivouliès de Pierrefort
Suas telas situam-se na mesma faixa de transição da lin-
guagem pictórica de onde se percebe um gosto mais moderno
do colorido e maior desenvoltura no tratamento das figuras
e dos planos de cor.
Pedro Alexandrino Borges
 (São Paulo, SP, 1856 - 1942)
Com onze anos trabalhou na decoração da catedral de Cam- Nascimento de uma
Arte Nova
pinas, com coordenação do decorador francês Claude Paul
Barandier, decorando também casas particulares. Iniciou seus
estudos com José Ferraz de Almeida Júnior aos vinte sete A arte nova aparece através da atividade crítica e
anos. Estudou na Academia Imperial de Belas Artes do Rio literária de Oswald de Andrade, Menotti del Picchia,
de Janeiro em 1887 com pensão do Governo de São Paulo, de
onde retorna sem conclusão do curso; voltando a trabalhar Mário de Andrade e alguns artistas que vão se cons-
e estudar com Almeida Júnior. Em 1894 e 1895 participou cientizando do tempo em que vivem. São feitas em
da Exposição Geral de Belas Artes no Rio de Janeiro, onde
foi premiado as duas vezes. Como pensionista do Governo do
Estado de São Paulo foi à França completar seus estudos.
Participou dos Salões de Paris de 1899 a 1903. Regressou em
1905, abriu ateliê na Rua Sete de Abril, tendo como discípulos:
Anita Malfatti, Tarsila do Amaral, Aldo Bonadei, Renèe Lefèvre
e Alice Gonçalves, entre outros.

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 São Paulo, 11 a 18 de Fev. 1922
Organizadores: Di Cavalcanti, Graça Aranha, Guilherme de Almeida, Mário de Andrade, Menotti del Picchia, Oswald de Andrade,

São Paulo duas exposições de pintura que colocam a Mas, foi a polêmica em torno da mostra de Anita Mal-
arte moderna de modo concreto para os brasileiros: fatti, em 1917, que deflagrou o movimento modernista.
a de Lasar Segall, em 1913, até recentemente acredi-
tava-se que passara desapercebida do meio cultural
paulista, com importância apenas cronológica. Estudos Semana De Arte Mo-
recentes, comprovam que foi uma preparação para
compreensão da modernidade. derna

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estudos. Na Alemanha, freqüenta a Academia de Belas Artes de Berlim e o Museu de Dresden, entrando em contato
com Lowis Corinth e Bishoff Culm, mestres do expressionismo. Em 1915, Anita está nos Estados Unidos aprendendo
pintura na Independence School of Art, cujo diretor, Homer Boss, desempenha um papel importante na sua formação
artística. Regressando à pátria, diversos artistas, entre os quais Di Cavalcanti, entusiasmados pelo seu trabalho,
insistiram para que fizesse a exposição que tantos debates causaria – a de dezembro de 1917, à Rua Libero Badaró,

Ronald de Carvalho e Ruben Borba de Moraes
Integrantes: Anita Malfatti, Di Cavalcanti, Ferrignac, John Graz,
Martins Ribeiro. Paim Vieira, Vicente do Rego Monteiro, Yan de
Almeida Prado e Zina Aita (Pintura e Desenho); Hildegardo
Leão Velhos, Victor Brecheret e Wilhelm Haarberg (Escultura);
Antônio Moa e Geogr. Przirembel (Arquitetura); Ernani Braga,
Guiomar Novaes e Heitor Villa-Lobos (Musica); Afonso Schmi-
dt, Graça Aranha, Guilherme de Almeida, Mário de Andrade,
Menotti del Picchia, Oswald de Andrade, Plínio Salgado, Ronald
de Carvalho e Sérgio Milliet (Literatura), entre outros
Histórico/Objetivos
Afinal, de quem foi a idéia da Semana de Arte Moderna? Mário
de Andrade afirma não ser dele. Di Cavalcanti afirma ter sido
o idealizador do evento, sugerindo a Paulo Prado a realização
de “uma semana de escândalos literários e artísticos de meter
estribos na burguesia paulistana”.
Somados os esforços desde a Exposição de Anita Malfatti em
1917, os defensores da arte moderna decidem tornar pu-blicas
suas idéias.
Assim, no ano do centenário da Independência, inauguram-se
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no Teatro Municipal as atividades da Semana de Arte Moderna,
com uma conferencia de Graça Aranha, recebidas tanto com
aplausos quanto com vaias. 0 evento tem em sua programação
conferencias e leituras de poemas, recitais de musica, alem da
mostra de artes plásticas. Pretendendo agitar o ma-rasmo
da cultura nacional, a Semana propunha uma arte que não
fosse mera reprodução da natureza, mas resultado de uma
liberdade de pesquisa estética, deixando entrever uma tomada
de consciência da realidade nacional. Entretanto, como coloca
Roberto Pontual, como toda ponta-de-lança, a Semana de Arte
Moderna pagava o prego do pioneirismo: era mais vontade do
que concretização, mais ebulição de idéias do que aplicação de
ideologia”. De fato, foi apenas no decorrer da década de 20 que
os modernistas, assimilando concretamente as inovações da
arte moderna européia, realizaram uma obra mais consistente.
Anita Malfatti (São Paulo, SP, 1893 – 1964)
Anita nasceu em 1893, em São Paulo, e é da mãe que
obtém seus primeiros conhecimentos de pintura. Já em
1912, a jovem segue para a Europa a fim de prosseguir seus
nº 111. Porém, o ambiente artístico que precedera a Sema-
na de Arte Moderna de 1922 não estava suficientemente
maduro para compreender o vanguardismo de suas obras.
Entretanto, é indiscutível que a ação reveladora das obras
de Anita contribuiu de forma decisiva para a eclosão do
movimento da semana da Arte Mo-derna.
Di Cavalcanti (Rio de Janeiro, RJ, 1897 – 1976)
Sua atividade artística continha o germe do inconfor-
mismo; seus primeiros desenhos marcavam um cunho de
rebeldia às tradições.
Iniciou os estudos de Direito em São Paulo, ao mesmo
tempo que trabalhava para o jornal “O Estado de São
Paulo” e evoluía como pintor. Abandonou a faculdade para
dedicar-se ao movimento intelectual que encontraria sua
definição na Semana de Arte Moderna de São Paulo, de-
dicando-se, desde então, inteiramente à arte.
Vive em Paris de 1923 a 1925 em contato com as maiores
personalidades do mundo artístico da época. Isto lhe dá
um amadurecimento que, voltando ao Brasil, descobre a
cor, a luz, as frutas, as paisagens tropicais, pintando o
Brasil mais brasileiro que já se pintou. Retrata muito a
mulata com sua cor, graça e malícia.
Foi capaz de transformar as influências européias numa
produção muito pessoal e associada aos temas nacionais.
Sérgio Milliet (S. Paulo, 1898 - S. Paulo, 1966)
Pintor, escritor e critico de arte. Fez seus estudos primá-
rio e ginásio em S. Paulo. Em 1913, com 15 anos de idade.
seguiu para a Europa entrando na Escola de Comercio de
Genebra, ingressando depois, na seção de ciências econô-
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micas e sociais da Universidade Suíça. Logo dedicou-se a
poesia, publicando três livros de poemas em francês. Em
I922, regressou ao Brasil tomando parte na Semana de
Arte Moderna; como animador do movimento. Foi secre-
tário geral da USP (1932 a 1931). De 1922 a l943 tornou-
se critico para alguns dos principais jornais e revistas
literárias e artísticas do pais e do estrangeiro. Em 1954,
foi designado adido cultural da Embaixada Brasileira na
Suíça. Foi diretor do Museu de Arte :Moderna de S. Paulo
de 1952 a 1956. Foi membro da Associação Internacional
dos Críticos de Arte (Aica). Desde 1945, começou a dedi-
car-se à pintura, tento exposto nas galerias do Salão de
Arte Moderna, Domus, Itá e KLM.
Grupo Cândido Porti-
nari
Após a Semana de arte Moderna e a agitação que ela
provocou nos meios artísticos, aos poucos foi surgindo
um novo grupo de artistas plásticos, que se caracterizou
pela valorização da cultura brasileira. Além disso, esses
artistas não eram adeptos dos princípios acadêmicos,
mas preocupavam-se em dominar os aspectos técnicos
da ela-boração de uma obra de arte. Faziam parte desse
grupo Cândido Portinari (1903 – 1962), Guignard (1898
– 1962), Ismael Neri (1900 – 1934), Cícero Dias (1908 -)
e Bruno Giorgi (1905 -).
Alberto da Veiga Guignard (1898-1962)
Após uma longa permanência no estrangeiro, Guignard
retorna e se sente extasiado diante da luminosidade da pai-sagem brasileira e maravilhado com a amplidão dos seus
espaços.
É nessa época, por volta de 1940, que o artista, devido a problemas materiais e psicológicos, resolve viajar para a

região de Itatiaia, e volta a se sentir bem em meio à ve-
getação local, dando longos passeios e contemplando a
pai-sagem do Vale do Paraíba.
Nas paisagens que pintou desta região, os elementos co-
locados em primeiro plano são encarados com a mesma
resoluta verdade dos objetos de um interior flamengo.
Guignard parece ter estudado pacientemente cada pi-
nheiro ou folha de árvore, contemplou demoradamente
a variada vegetação, buscou o melhor ângulo, e encarou
com a paixão de um topógrafo cada saliência do terreno.
Pintou tudo com o maior verismo.

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Ao contemplar estas paisagens o espectador é tocado
primeiro pela totalidade da cena, e sente-se bem. Logo em
seguida, em nova leitura, a vista percorre a paisagem da
direita para a esquerda, em relação ao que está próximo,
até alcançar o pinheiro, de onde prossegue, buscando a
maior profundidade.
Cícero Dias (Judiá, PE, 1908 .....)
Em sua pintura, Cícero Dias tem sido sempre, totalmente
brasileiro. Inicialmente surrealista, depois passou por um
período abstracionista, conservando sempre as cores dos
canaviais que constituíram seu mundo de criança. Uma
fase posterior será uma volta ao passado, um figurati-
vismo ingênuo, não contaminado pela paisagem francesa,
quase sempre inspirado nos temas de sua adolescência:
o Capiberibe, o Recife, as cantigas do Carnaval.
Núcleo Bernardelli
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Em 1931, foi formado no Rio de Janeiro outro grupo de
jovens artistas que não aceitava mais os princípios tra-
dicionalistas que predominavam no ensino da arte, prin-
cipalmente na Escola Nacional de Belas Artes, que ainda
era regida pelas idéias da Missão Artística Francesa.
Esse grupo carioca recebeu o nome de “Núcleo Bernardelli”,
em homenagem aos irmãos Rodolfo e Henrique Bernardelli
que, no final do século XIX, haviam contribuído para a re-
novação da arte brasileira. Dele faziam parte os artistas
Ado Malagoli, José Pancetti, Milton Dacosta, Expedito
Camargo Freire, Bustamante Sá, Eugênio Proença Sigaud,
Yoshia Takaoka, Bruno Lechowski, Manoel Santiago, Edson
Motta, Bráulio Poiava, José Rescala, Martinho de Haro,
José Gomes Correa, Yugi Tamaki e Quirino Campofiorito.
Apesar de esse grupo ter sido renovador, ele representou
um aspecto menos radical do Modernismo.
Camargo Freire (1908)
Residindo há alguns anos em Campos do Jordão, realizou importante trabalho paisagístico sobre a região.
As suas telas representam vales e montanhas em sucessivos planos, com muita realidade. Na sua simplicidade de
feitura, revela-se um sensível colorista onde o verde queimado é a cor predominante.
José Pancetti

(Campinas, SP, 1902 - Rio de Janeiro, RJ. 1958)
Paisagista por índole, por instinto, Pancetti irá permanecer
fiel, durante toda a sua carreira, a uma linguagem mais
clássica, limitada pela referência à natureza, não procu-
rando reinventar, mas retratar.
Ativo no Rio nos anos 30 e 40 e depois na Bahia. Filho
de imigrantes italianos, seguiu com a família para a Itália,
onde fez seus primeiros estudos. Retornou ao Brasil em
1920, e em 1922 seguiu para o Rio de Janeiro. Alistou-se
na Marinha de Guerra. Em 1925, época em que trabalhava
como pintor de bordo, começou a pintar pequenas mari-
nhas. A partir de 1933 freqüentou sessões de desenho e
pintura do núcleo Bernardelli e participou do Salão Nacio-
nal de Belas-Artes, que na sua Divisão Moderna. obteve
o prêmio de viagem ao estrangeiro (1941), viagem ao país
(1947) e meda-lha de ouro (1948). Só a partir de 1946,
quando passou para a reserva da marinha, dedicou-se

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integralmente à pintura.
Henrique Cavalleiro e Manoel Santiago
Aproximam-se da linguagem pictórica surgida com o mo-
dernismo, não se libertam inteiramente do gosto anterior.
Nessa linha, são quadros representativos da sua obra os
que pertencem a coleção. A “Chacrinha dos Tuneleiros”, de
atmosfera goyesca, explora mais as nuanças e relações
de luz e sombra do que os valores cromáticos intensos
- presentes em “Haydéa e Assumpção” - que melhor ca-
racterizam a pintura a de Manoel Santiago. Na paisagem
“Montanhas de Teresópolis”, Cavalleiro consegue expressiva
síntese dos elementos da paisagem natural que lhe serve
de motivo.
Histórico/Objetivos
Em 1930, Lúcio Costa foi nomeado diretor da Escola
Nacional de Belas-Artes por Francisco Campos, ministro
da Educação e Saúde do governo Getúlio Vargas. 0 jovem
arquiteto, mesmo mantendo os antigos professores da
Escola, reduto da arte acadêmica, contratou outros de
tendência renovadora, como Gregori Warchavchik, Leo Putz
e Celso Antônio. Costa também supervisionou a comissão
de organização da 38ª Exposição Geral de Belas-Artes
em 1931, composta por Manuel Bandeira, Anita Malfatti,
Portinari e Celso Antônio. Esta comissão atraiu os mo-der-
nistas do Rio de Janeiro e de São Paulo, e de forma inédita
decidiu aceitar todas as obras inscritas, provocando a

Salão Revolucionário
Rio De Janeiro, Set. 1931
Integrantes: Anita Malfatti, Antônio Gomide, Bonadei,
Cardosinho, Carlos Oswald, Celso Antônio, Cícero Dias,
Di Ca-valcanti, Flávio de Carvalho, Gregori Warchavchik,
Guignard, Hélios Seelinger, Henrique Bernardelli, Ismael
Nery, John Graz, Lasar Segall, Leo Putz, Lúcio Costa, Or-
lando Teruz, Luiz Correia de Araújo, Portinari, Quirino da
Silva, Regina Graz, Rescala, Rossi Osir, Sigaud, Tarsila do
Amaral, Victor Brecheret, Vittorio Gobbis e Waldemar da
Costa, entre outros

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desistência dos acadêmicos de renome. 0 Salão Revolucionário, como se tornou conhecido, reuniu 506 trabalhos de
106 pintores, 129 de 41 escultores e 35 projetos de 10 arquitetos, formando, em alguns casos, verdadeiras mos-
tras individuais. Pela primeira vez no Brasil, os moder-nistas tinham presença significativa em uma exposição oficial,
Pressionado pelos acadêmicos que dominavam a ENBA, e sem ter respaldo político, Lúcio Costa demitiu-se enquanto

ainda se realizava o polêmico Salão, retornando a escola Segall deixa Vilna em 1906, sua cidade natal, para estu-
a sua estrutura tradicional. dar em Berlim e Dresden, onde participa ativamente do
Antonio Gomide (1895-1967) movimento expressionista alemão. Sempre em busca de
Retornando ao Brasil, em 1930, depois de um longo perío- novos caminhos, vem ao Brasil em 1913, realizando ex-
do na Europa, onde recebeu forte influência do movimento posição em São Paulo e Campinas, tida como a primeira
cubista, Gomide demonstra esse traço adquirido, aliado a manifestação de Arte Moderna promovidas no país. Segall
um lirismo bem seu de redescoberta da terra, da gente, e regressa à Europa mas retorna definitivamente em 1923,
cenas decorrentes. É essa sua fase mais realista, quando naturalizando-se brasileiro. Depois de passar 4 anos em
dedicou-se aos temas folclóricos e às cenas populares, Paris – de 1928 a 1932 – volta a São Paulo, onde traba-
acentuando o seu reencontro com a natureza e o ambiente lha sem cessar até o fim da vida. Sua produção vigorosa
brasileiro. marcou profundamente a história das artes plásticas
brasileiras, sendo considerado um dos grandes nomes do
Cardosinho (1861-1947) nosso modernismo.
Ele procura captar com seu pontilhismo sutil o mistério do
seu mundo objetivo e da subjetividade humana. Ele trans- Orlando Teruz (Rio de Janeiro, RJ, 1902 – 1984)
figura o real, faz com que uma vista de Paquetá adquira
a estranheza e o fascínio das coisas vistas em so-nho.
Lasar Segal
(Vilna, capital da Lituânia, 1891 – São Paulo, 1957)
Pintor, desenhista, gravador e escultor, o russo Lasar
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Embora com formação essencialmente acadêmica, Teruz
lutou, juntamente com Lúcio Costa e Portinari, pela im-
plantação das novas tendências, para a criação da divisão
moderna do Salão Nacional, o que se concretiza em 1940.
Participou dos eventos patrocinados pela vanguarda pau-
lista, como o II Salão da Sociedade Pró-Arte Moderna, em
1934, que visava aproximar os artistas do Rio e de São
Paulo.
Cultivando temas suburbanos, demonstrando sensibilidade
para os problemas sociais, figurou na “Exposição de Pin-
turas Modernas Brasileiras”, na sede da Royal Academy
of Art, de Londres, em 1944.
Trabalhando a matéria pictórica sem textura, retratou as
favelas, embora diluindo o caráter dramático da represen-
tação, pela expressão lírica na mensagem.
SPAM
Em São Paulo, no ano de 1932, um grupo de artistas e
intelectuais fundou a Sociedade Pró Arte Moderna – a
SPAM. Desse grupo fizeram parte, entre outros, o ar-
quiteto Gregori Warchavchik (1895-1967) Anita Malfatti
(1896-1964), Tarsila do Amaral (1886-1973) e Regina
Graz Gomide (1902-1973).
Em abril de 1933, foi inaugurada a primeira Exposição
de Arte Moderna da SPAM. Essa exposição, além de
mostrar os trabalhos dos seus integrantes, criou a
oportunidade de se tornarem conhecidas, no Brasil,
obras de importantes artistas modernos estrangeiros,
como Pi-casso, Léger, Brancussi e De Chirico.
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Tarsila do Amaral
(Capivari, SP, 1886 – São Paulo, 1973)
Com Tarsila do Amaral a pintura brasileira começa a
procurar uma expressão moderna, porém mais ligada às
nossas raízes culturais. Apesar de não ter exposto na
Semana de 22, Tarsila colaborou decisivamente para o
desenvolvimento da arte moderna brasileira, pois produziu
uma obra indicadora de novos rumos.
Sua carreira artística começou em 1916. Em 1920, foi para
a Europa, onde estudou com mestres franceses até 1922.
Em 1923 a artista voltou à Europa. Passou pela influência
impressionista e, a seguir, encontrou o Cubismo. Nessa
fase, ligou-se a importantes artistas do modernismo eu-
ropeu, tais como Fernand Léger, Picasso, De Chirico, entre
outros. No ano seguinte, ou seja, em 1924, estava nova-
mente no Brasil. Foi quando iniciou a fase que ela própria
chamou de Pau-Brasil. Segundo o crítico Sérgio Milliet, as
características dessa fase são “as cores ditas caipiras,
rosas e azuis, as flores de baú, a estilização geométrica
das frutas e plantas tropicais, dos caboclos e negros, da
melancolia das cidadezinhas, tudo isso enquadrado na
solidez da construção cubista.
A sua obra traz a mistura da técnica estrangeira e da
vivência nacional. As impulsões surreais fazem emergir
figu-ras primordiais em paisagem selvagem nativa. Usando
temas ligados à natureza, seus trabalhos refletem paisagens subconscientes, como Sol Poente, O Lago, Sono, Cartão
Postal e Urutu, onde há simplificações, gigantismo de formas e alteração da paleta pau-brasil, com uma invasão de

verdes e terras. Por volta de 1935-36 tomava consistência em São Paulo um

As fases “pau-brasil” e “antropofágica” são os pontos
culminantes de sua carreira como pintora e os responsá-
veis por sua inscrição na história da arte no Brasil.
Grupo Santa Helena
núcleo de artistas de origem social modesta, concentrados em
ateliês improvisados do Palacete Santa Helena, no centro da
cidade, onde se localizavam numerosos escritórios de profissio-
nais liberais e onde tinha sede a entidade representativa dos
sindicatos dos operários. Descendiam quase todos de famílias
de imigrantes italianos e sua condição proletária ou pequeno
-burguesa caracterizava-os no confronto com os mo-dernistas

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com atri-butos comuns, reflete em primeiro lugar o extrato
social a que pertencem – e demonstra-o o seu proletarismo,
como afirma Mário de Andrade Prevalecem em suas represen-
tações, as paisa-gens humildes despojadas, os arrabaldes
operários anônimos, as naturezas-mortas, a figura humana
popular, os temas religiosos e alguns outros raros motivos por
onde definiram as limi-tações do seu próprio quadro de vida,
Nas soluções plásticas predominou o registro tecnicamente
acurado das emoções experimentadas, valendo-se nas cores
de terras e cinzas. Pertencem ao Grupo Santa Helena os pin-
tores Francisco Rebolo Gonsales, Mário Zanini (1907 - 71), os
primeiros a instalar atelier no prédio, Aldo Bonadei (1906- 74l,
Alfredo Volpi, Clóvis Graciano (1907), Fulvio Pennacchi, Manoel
Martins, Alfredo Rullo Rizzotti (1909 – 72) e Humberto Rosa
(1908 - 48). Vários outros artistas, porém, freqüentavam os
ateliês do edifício da velha praça da Sé, sobretudo os de Rebolo e
Mário Zanini.
Aldo Cláudio Felipe Bonadei
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dos anos 20. Autodidatas ou ex-alunos do Liceu de Artes e
Ofícios, também por esse aspecto diferenciavam-se da ge-ra-
ção pioneira. Exerciam-se na pintura decorativa de residência,
entre outras tarefas, e este vinculo profissional tornou-se
fator decisivo para a sua aproximação, que perdurou com mais
força até o inicio dos anos 40. Foi sem idéias pré-concebidas
que deram forma a uma existência comunitária. Mostravam-se
ciosos da necessidade do conhecimento dos materiais e das
técnicas da arte e esteticamente tiravam proveito da petite
sensation do Impressionismo, como das formas construídas
de Cézanne ou ainda do trago incisivo de Van Gogh. É de rele-
var-se a influência que recebiam da pintura italiana à qual se
ligavam naturalmente pela sua quase sempre origem peninsular
ou pelo que captavam de pintores visitantes ou ra-dicados no
meio e ainda pela informação fotográfica. A pintura do Grupo
“Novecento” , por exemplo, repercutia na capital paulista. Não
se aproximando das linhas de vanguarda, mas ao mesmo tem-
po guardando distancia das regras acadêmicas, escolheram o
cami-nho de um Modernismo contido. A obra que produziram,
 (São Paulo, SP, 1906 - S. Paulo, 1974 )
Pintor. Começou a estudar desenho com Alexandrino e Antônio Scavone. Aperfeiçoou-se com Carone na Academia de

Florença. Itália ( 1930). Em 1933. regressou ao Brasil e
integrou-se ao grupo Família Artística Paulista. Participou
da coletiva Salão Nacional de Belas-Artes Rio de Janei-
ro. Obteve menção honrosa (1928), medalha de bronze
(1930) medalha de prata (I940), medalha de ouro (1950).
Realizou individuais, destacando a da galeria Bonino, Rio
de Janeiro (1963). Possui obras no acervo do Museu Na-
cional de Belas-Artes, Rio de Janeiro e no Museu de Arte
Contemporânea de Campinas. S. Paulo.
A arte de Bonadei, caracteriza-se por uma tensão cons-
tante entre seu lirismo e sua vontade de contenção, tan-
to no grafismo como na cor. Essa contradição pode ser
encontrada em todas as suas fases, levando o seu apego
ao negro e aos tons pouco luminosos.
Alfredo Volpi (1896-19..)
Nasceu em Lucca na Itália e veio para o Brasil com apenas
um ano de vida.
Símbolo de nossa arte contemporânea, iniciou como pintor
de paredes executando numerosos afrescos em residên-
cias, enquanto pinta pequenas paisagens da infância. Na
pintura destes anos destaca-se a cor vibrante e uma
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aparente simplicidade: é o subúrbio paulistano, meio ci-
dade, meio roça.
Conseguiu assimilar as virtudes da nossa cultura com
suas potencialidades cromáticas, seguindo orientações
estéticas desligadas da Praxis.
Francisco Rebolo Gonsales (1902-1980)
Rebolo é um pintor essencialmente paisagista. Suas pai-
sagens, no dizer de Sérgio Milliet, eram “humildes e ler-
das”, daí o encanto um tanto primitivo dessas telas, sua
espontaneidade e frescura. Permaneceu, até sua morte,
fiel a esse tipo de pintura.
Suas obras eram poemas de amor ao chão ao qual se
sentia ligado. Sem pretender estabelecer comparações,
sua pintura se identificava tão profundamente com a fi-
sionomia espiritual e material dos pequenos aglomerados
humanos, situados na orla de São Paulo, quanto as de
Utrillo com os encantadores recantos de Paris.
Fulvio Penacchi (1905)
Nascido na Itália, Penacchi chega ao Brasil em 1929,
Prado Jr.), sessões com modelo vivo, concertos e recitais
(Camargo Guarnieri e Elsie Houston), tornando-se um mo-
vimentado ponto de encontro de artistas e intelectuais.
Seu Teatro da Experiência, criado por Flávio de Carvalho,
foi fechado pela policia após a terceira apresentação da
peça inaugural “0 Bailado do Deus Morto” , o que motivou
um abaixo-assinado de artistas e intelectuais. 0 CAM, que
fechou suas portas pouco tempo depois, foi, para Paulo
Mendes de Almeida, “um grande e vibrante movimento de
arte e inteligência, que dificilmente se repetirá”.
Grupo Seibi
Não deve ser ignorado outro movimento surgido no meio
paulistano na segunda metade do decênio de 1930 e de
caráter mais fechado por reunir exclusivamente artistas da
colônia japonesa. 0 Grupo Seibi era formado inicialmente
pelos pintores Tomoo Handa (1906), Tomie Otake (1913),
Walter Shigeto Tanaka (1910-70), Yuji Tamaki e Yoshyia
Takaoka, a sua figura de maior projeção. Estes dois últimos
já haviam sido atuantes no Núcleo Bernardelli. 0 Seibikai
(Grupo de Artistas plásticos de São Paulo, que abriu a
primeira exposição em l 938, teve longa duração, sofreu
uma interrupção devido a Segunda Guerra, incentivou a
prática amadora da arte, só se extinguindo na década
de 1970. Seus participantes daquele período, em geral de
ní-vel modesto, revelavam todavia tragos comuns a índole
dos componentes do Grupo dos “19”
17
quando inicia um trabalho árduo, “onde, inspirado nas téc-
nicas compositivas dos artistas toscanos, transporta as
Influências assimiladas para o seu novo mundo atual, de
onde retira os elementos de que se nutre a sua pintura.
As suas cenas campestres tem como componentes es-
senciais, algo de antigo é de muita intensidade realística,
onde a policromia dos céus, as curvas dos montes e as
longínquas casas refletem uma aparência suficientemente
mística e profunda.
Clube dos Artistas Mo-
dernos - CAM
São Paulo, 24 Nov. 1932/1933
Fundadores: Antônio Gomide (1895-1967), Carlos Prado
(1908), Di Cavalcanti (1897-1976) e Flávio de Carvalho
(1899-1973)
Histórico/Objetivos
Idealizado e presidido por Flávio de Carvalho, o CAM visa-
va, entre outras coisas, promover intercâmbio entre os
artistas e defender os interesses da classe. Sua sede
funcionava no prédio em que os fundadores tinham ateliê e
contava com um salão para eventos, biblioteca sobre arte
e bar. Enfatizando os aspectos sociais e políticos da arte,
o Clube promoveu exposições (Kaethe Kollwitz; cartazes
russos; desenhos de crianças e loucos), conferencias e
debates (David Siqueiros; Tarsila do Amaral; Mário sa; Caio
 Grupo dos "19"
Pertencentes a geração formada no período da Segunda Guerra Mundial, surgia em São Paulo, em 1947, participando
da exposição “19 Pintores” , uma leva de jovens que antes da chegada das correntes abstratas conduzia-se dentro
de normas figurativas de predominância expressionista A mostra servia ao seu lançamento “oficial” , sob a circuns-

tancia tutela da União Cultural Brasil Estados Unidos.
Os organizadores, ao reuni-los, haviam pensado somente
no que os pudesse identificar em linhas mais gerais, isto
é , no fato de cada um ser “novo” e de ser “moderno”
Constituíam esse aglomerado (mais propriamente que
grupo) os artistas Lothar Charoux, Maria Leontina, Aldemir
Martins, Luís Sacilotto, Odetto Guersoni, Marcelo Gras-
smann, Eva Lieblich I1925), Otávio Araújo, Mário Gruber
(“1927), Flavio-Shiró (1928) e Jorge Fiori (1933), ao lado
de outros de presença efêmera ou mais esporádica na arte
No Brasil a arte dos chamados artistas primitivos,
passou a ser valorizada após o movimento modernista,
que apresentou, entre as suas tendências, o gosto
por tudo o que era genuinamente nacional. Geralmente
este artista é autodidata e criador dos recursos e
técnicas com que trabalha.
Entre os primitivos brasileiros mais importante estão:
Cardosinho, Heitor dos Prazeres, Djanira e Mestre Vitalino.
Djanira da Motta e Silva
(Avaré, 1914 – Rio de Janeiro, 1979)

Primitivos do Brasil
Nasceu e cresceu numa fazenda da pequena cidade ca-
feeira de Avaré, no interior de São Paulo. Autodidata,
baseou-se na tradição popular para compor uma obra de

18
amor à terra e à gente brasileira.
Iniciou sua participação no Salão Nacional de Belas-Artes, em 1942, mesmo ano em que seus quadros foram adqui-

ridos na mostra de pintores brasileiros, na Grã-Bretanha, , pintado em Parati.

tendo ainda, realizado a primeira exposição individual na
associação Brasileira de Imprensa, no Rio de Janeiro.
Reconhecida como um talento natural na arte brasileira,
colecionou diversos prêmios em vários salões oficiais In-
cluída em verbete na “Current Biography, Who’s New and
Why”, em janeiro de 1961, em Nova Iorque, realizou, no ano
seguinte, seu trabalho de maior dimensão, “Festa do divino”
Em 1972, Djanira ingressou na Ordem Terceira do Carme-
lo, passando a usar, desde então, o hábito e o nome de
Irmã Teresa do Amor Divino. Envolta pela espiritualidade
e pela fé religiosa, recebeu, em 1973, a Comenda Papal,
e foi escolhida para representar o Brasil, na nova galeria
moderna da Pinacoteca do Vaticano, quando pintou a tela
“Senhora Santana de Pé”.
Heitor dos Prazeres (1898-1966)

19
Pintor primitivista, participou da I Bienal de São Paulo e foi o primeiro pintor ingênuo a Ter premiação neste certame
de vanguarda internacional, com o quadro “Moenda”.
Nos últimos anos de sua vida, integrou várias mostras importantes no Brasil e no exterior, além de realizar exposições

individuais, nos museus e galerias das capitais nacionais.

Ficou consagrado especialmente por sua pintura, por um
desenho peculiar da figura humana e a ingenuidade da ver-
são cenográfica de sua cidade e do cotidiano de seu povo.
O artista é considerado no exterior, como um dos poucos e
verdadeiros pintores primitivos de importância que o Brasil
possui, constando de catálogos de museus internacionais.
A arte contemporânea
Depois da década de 50, a arte brasileira evoluiu
em novas e diversas direções. Surgiram importantes
gravadores, como Marcelo Grassmann, Carlos Scliar,
Maria Bonomi, Fayga Ostrower, Renina Katz, Mário
Cravo Júnior, Iole di Natale e Iberê Camargo. Alguns
pintores como: Wesley Duke Lee, Manabu Mabe, Tomie
Ohtake, Lygia Clark, Lothar Charoux, Norberto Stori,
Gilberto Salvador, entre outros, ligaram-se a diferen-

20
 Concretismo
Serviu para designar a tendência artística que surgiu como evolução do Abstracionismo. É uma arte construída ob-

tes movimentos estéticos, como o Abstracionismo e geométrica, manifestou-se em nosso país sobretudo nos
o Concretismo. trabalhos de alguns artistas japoneses que se radicaram
no Brasil entre as décadas de 30 e 60. Os mais conhe-
Abstracionismo cidos do grupo são: Manabu Mabe (1924) e Tomie Ohtake
Esse movimento, ligado à estética não figurativa e não (1913),

21
jetivamente e em estreita ligação matemática.
Depois da I Bienal, os concretistas brasileiros começaram
a agrupar-se dando origem a duas tendências principais
que ficaram conhecidas como o Grupo do Rio de Janeiro
formado pelos pintores Ivan Serpa (1923-1973), Lygia
Clark (1920-1980), Hélio Oiticica (1937-1980) e Abraão
Palatnik (1928)), não era dogmático quanto á linguagem
geométrica do concretismo, pois não a considerava um
ponto de chegada, mas sim um campo aberto á experiência
e á indagação e o Grupo de São Paulo com os pintores
Waldemar Cordeiro (1925-1973), Geraldo Barros (1923)
(1923), Luiz Sacilotto (1924), Judith Lauand (1922).
Esses artistas preocupavam-se mais rigidamente com os
princípios matemáticos da arte concreta e exploravam a
possibilidade do movimento como efeito óptico de linhas
e cores.
Antônio Bandeira (1922-19..)
Participou de movimento abstrato internacional dos anos
60. Suas paisagens, de execução livre e expressiva, que
se situa numa fase de transição entre o figurativo e o
abstrato.
Darel Valença Lins (Pernambuco 1924)
Aluno de Henrique Oswald e Oswaldo Goeldi, Darel Valença
é um gravador e desenhista fiel à grande tradição expres-
22
sionista. O seu trabalho é dotado de grande conteúdo
emocional e os seus temas prediletos são a paisagem
urbana e a figura humana. Pintor, desenhista e gravador,
Darel é mais conhecido por esta última atividade. Isto
se deve ao seu grau de maestria e à imensa obra criada,
sempre dotada de forte grau de atração.
Fayga Ostrower (1920. Polônia)
Fayga é uma das principais gravadoras brasileiras. O seu
trabalho é dotado de grande sutileza e delicadeza de fei-
tura, e o principal núcleo deste trabalho são as formas
abstratas que a artista desenvolve há muitos anos. De-
senhista, pintora, ilustradora, gravadora, escritora, Fayga
tem desenvolvido uma fecunda discussão da criatividade,
do ensino e do caminho da arte e da estética atual. A sua
posição, estreitamente vinculada à tradição humanística,
tem influenciado fortemente a discussão estética entre
nós. Hoje o seu trabalho é um dos geradores de nossa
gravura.
 Fernando Odriozola (Oviedo, Espanha, 1921)
Em 1952 viaja para o Brasil, fixando-se em São Paulo. A arte de Odriozola é uma visão onírica do mundo e da na-
tureza. Céus vermelhos, amarelos e azuis banham os pássaros misteriosos que desenha. O colorido, quase sempre

noturno, procura mais a harmonia de tons suaves que os
contrastes. As telas são povoadas de fundos de mares
transparentes, nos quais se movimenta uma estranha
fauna, luminosa e colorida. “Não gosto”, diz ele, “da figura
humana. Tem um aspecto muito transitório. O fato de eu
haver nascido nas Asturias talvez explique o amor que
sinto por temas da natureza, pássaros, prados, sol, lua,
flores e horizontes.”
Classificado por muitos como surrealista, Odriozola envolve
seus quadros em um clima fantástico e cheio de signos.
Desde sua chegada ao Brasil, participa de inúmeras expo-
sições. Individualmente, expõe no Museu de Arte Moderna
de São Paulo, em 1955, e em galerias. No final da década
de 60, Odriozola apresenta temas ligados à terra e ao
espaço, trabalhando com pedaços de madeira entalhada,
quadrados de metal, espelhos e ferros retorcidos.
Flávio-Shiró Tanaka
Nascido na cidade de Sapporo, no Japão, em 1928, veio
para o Brasil com três anos de idade e passou sua infância
23
em Tomé-Açu, no Pará. Seus estudos artísticos foram em
São Paulo e no Rio de Janeiro, sob orientação de Tadashi
Kaminagai. Suas paisagens figurativas completam-se com
detalhes surrealistas.
Aos poucos vai abandonando o figurativismo passando a
fazer uma espécie de realismo lírico: as paisagens não são
mais definidas em todos os pormenores, mas constituem
formas vagas, obtidas através de manchas coloridas.
Em 60 sua pintura sofre novas transformações, aban-
donando o abstracionismo ortodoxo, para constituir um
misto de abstração e figuração. Quando surgem em suas
telas, florestas de máquinas fantásticas, desenvolvidas
em intensos arabescos e cores brilhantes.
Ione Saldanha
Desde o inicio, Ione demonstra grande preferencia pelas
paisagens de Ouro Preto, que interpreta de maneira inti-
mista, colocando em primeiro plano todos os elementos
importantes da composição, enquanto a paisagem, ao
longe, dilui-se em sombras esfumaçadas. É a partir des-
sas representações, onde são enfatizados os elementos
verticais, que a artista inicia uma síntese das formas,
reduzindo-as a aglomerados verticais de figuras geo-mé-
tricas. A cor também se transforma adquirindo tons vi-
vos e alegres. Quadros dessa fase são apresentados na
primeira exposição individual da pintora, no Rio de Janeiro,
em 1956. Uns seis anos mais tarde, seu abstracionismo
geométrico torna-se lírico, revelando formas suaves’ e co-
res claras, que conferem aos quadros uma luminosidade e
uma transparência cada vez mais intensas. Participa de
salões oficiais, das bienais paulistas, realiza individuais.
Jenner Augusto da Silveira (Aracaju - 1924)
Trabalhando desde os onze anos de idade, Jenner dedi-
cou-se a várias atividades antes de iniciar sua carreira
artística. Não pode em sua vida difícil, seguir um curso
regular de pintura, mas estudou autodidaticamente.
Em 1944 após ter percorrido o interior de Sergipe, volta
para Aracaju e aí realiza sua primeira exposição individual.
A paisagem urbana da Bahia é a temática principal, re-
presentada sempre ao longe, sob um céu imenso, cuja cor
não é necessariamente o azul. Em algumas obras o artista
aborda temas religiosos, descrevendo figuras de padres
e coroinhas, com uma concepção totalmente figurativa.
João Batista Da Costa (Itaguaí, RJ, 1865 - 1926)
Teve infância sofrida, ficando órfão aos oito anos, acolhido
por tios muito pobres, com os quais não se adaptou. Foge,
perambula pelas ruas do Rio e acaba no Asilo de Menores
Desamparados. Estuda na Imperial Academia de Belas
Artes. Em 1894 recebe o prêmio viagem concedido pela
24
primeira vez no Salão Nacional de Belas Artes. Retorna
após a morte de sua esposa e trabalha incessantemente.
Nomeado diretor da Escola Nacional de Belas Artes, ali
permanece até sua morte. Paisagista acadêmico, descreve
-as com visão real, recriando a serenidade das paisagens
tranqüilas.
José Guyer Salles. (São Paulo -1942).
É um artista da nova geração brasileira, com aperfeiçoa-
mento no exterior e vivência internacional de seu trabalho.
Os seus assuntos são simples, a paisagem e a nature-
za-morta. Com estes temas aparentemente esgotados,
Guyer Salles tem obtido excelente repercussão. A sua
gravura tem algumas particularidades, entre elas a sua
capacidade de conferir uma aparência de aquarela para a
gravura. Pintor, gravador, professor, Guyer Salles produz
uma obra intensa na qual cada imagem é pesquisada va-
garosamente.
Lívio Abramo (São Paulo - 1903)
Lívio Abramo, com Oswaldo Goeldi e Carlos Oswald, é o
trio central pioneiro da gravura moderna brasileira. Au-
todidata, jornalista, ilustrador, desenhista, Lívio Abramo
viria a marcar a nossa gravura por um trabalho extenso,
de forte conotação inicialmente expressionista, no qual
retrata a vida dos trabalhadores. Lívio Abramo, atento a
vida dos pobres, registra uma parte importante da vida
nacional. A sua serie de macumba, com as manifestações
afro-brasileiras, faz parte, definitivamente, da iconografia
brasileira. Incisivo, severo, a sua gravura em madeira abriu
novas luzes nas relações entre o branco e o preto. Funda-
dor do Estúdio Gravura, com Maria Bonomi, em 1960, ele Bajé, RS. A paisagem dos pampas impressionou Norberto
foi uma das grandes influências da arte na cidade de São Stori, incorporando-a de forma persistentre a seu re-per-
Paulo e no Brasil. Ha muitos anos radicado no Paraguai, tório de imagens.
trabalhando junto ao serviço diplomático brasileiro, desdeDesde então tem sido um firme cultor da paisagem bra-
1962 ele é uma das fortes influências e incentivador da sileira.
arte moderna naquele pais. Suas aquarelas fogem completamente dos cânones aca-
Maciel Babinsk (Varsóvia 1931) dêmicos. Ele mistura aquarela, guache, usa papéis colo-
Chegou ao Brasil em meados de 1953, dedicando-se a uma ridos, tecido, telas, ampliando as dimensões do suporte,
forma de pintura mais complexa. Foi só a partir de 1977 eli-minou as áreas de respiros.
que desenvolveu um trabalho paisagístico. Gestos largos produzem sugestões de paisagens com céus
Ele mesmo afirma: “É importante a percepção do lugar cheios de tons contrastantes, que vão desde um violento
onde a gente está, porque lilás, até os mais suaves tons de amarelo e rosa. Assim
estar e ser são a mesma coisa. como Nolde, Norberto Stori trabalha com saturação de
Trabalho com imagens muito antigas, relacionadas com a cores em tons fortes.
natureza. Eu faço parte da natureza, e a minha possibili- Oswaldo Goeldi,
dade de ser é diretamente ligada à percepção da natureza, De formação e temperamento europeus, enriquece a arte
que muito ensina de como funciona o universo não estático brasileira com sua sabedoria técnica e um sentimento
e fechado, mas estruturado abertamente, um fato que profundo da modernidade. Fiel à expressividade específica
assusta quem gosta das coisas muito determinadas”. da xilo, introduziu nela, mais tarde, a cor - mas, como ele
Norberto Stori (São Joaquim da Barra, SP - 1946) mesmo dizia, “a cor gravada”, que difere da cor superficial-
Formado em Desenho e Artes Plásticas pela Faculdade mente acrescentada à gravura, cor apenas estampada.
de Artes Plásticas e Comunicação da Fundação Armando Renina Katz (1925) Rio de Janeiro
Álvares Penteado, em 1971 e com cursos de especialização Pintora, desenhista, muralista, gravadora, professora,
no Brasil e no Exterior. Re-nina Katz desenvolveu o seu trabalho a partir de uma
Norberto é um dos artistas sensíveis ao fascínio da pai- figu-ração de caráter realista, com forte conotação
sagem. Ele redescobriu a aquarela e a paisagem em 1976, expressionista, até formas abstratas nas quais revelou
durante o I Encontro Nacional de Artistas Plásticos, em

25
extrema sensibilidade. O seu universo icnográfico sempre foi
requintado e, nos últimos anos, tomou um sentido cósmico,
com paisagens fantásticas e cenas alusivas. O que já se
verificava igualmente, no seu trabalho anterior, no qual se
destaca uma série figurativa de conotação fantástica.
Artista de excelente formação teórica, Renina Katz tem
participado ativamente da vida intelctual brasileira, e o seu
trabalho didático se afirmou pela severidade e seriedade
de postura.
Tikashi Fukushima (Fukushima, Japão - 1920)
Aos vinte anos de idade, Tikashi Fukushima trabalhava
como desenhista numa fabrica de aviões em Fukushima, A
iminência da guerra, entretanto, obriga-o a deixar seu pais,
Em 1940 vem para o Brasil e, radicado em Lins, no Es-
tado de São Paulo, passa a depender do trabalho braçal
para sobreviver, Nessa época. conhece Manabu Mabe e,
influenciado pelo artista, começa a dedicar suas horas
vagas à pintura. Em 1946, muda-se para o Rio de Janeiro
e, fazendo molduras para o atelier de Tadashi Kaminagai,
encontra, nesse pintor, um grande mestre, que o orienta
na execução de paisagens impressionistas. Três anos mais
tarde, o jovem artista transfere-se para São Paulo, onde
realiza as primeiras exposições.
Ao fim de três anos, define um estilo próprio, interpre-
tando, em seus quadros abstratos, as líricas paisagens
impressionistas da fase inicial. Após essa transformação,
o artista realiza sucessivas exposições e alcança grande
êxito. Apesar de consagrada, a pintura de Fukushima
continua a amadurecer. Aos poucos, seus quadros deixam
26
de ser uma abstração de paisagens, adquirindo grande
espiritualidade. Os tons dourados assumem importância
e o pincel cede lugar à espátula. Enquanto a matéria e a
textura tornam-se o ponto fundamental de suas obras,
as tintas vão sendo elaboradas numa transparência cada
vez mais sublime e diáfana.
Núcleo de Aquarelis-
tas da FASM
Durante a década de 80 foi criado em São Paulo o
Núcleo de Aquarelistas da FASM, que reúne artistas
desde 1986, buscando manifestar o respeito pelo va-lor
à genuína expressão pessoal apesar das diferenças
existentes, devido ao grande números de artistas que
o núcleo aglutina. Existem artistas dos mais diversos
estilos, como paisagistas, figurativos, abstratos, e
tantos mais, podemos citar alguns: Iole Di Natale,
Norberto Stori, Carla Petrini, Célia Custarella, Wilson
Gottardi, e muitos outros.
Bibliografia
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helena. livraria Nobel s/a, 1991, SP.
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Klintowitz, Jacob. A cor na Arte Brasileira. A Pinacoteca do Estado, Banco Safra S/A, impresso no
Klintowitz, Jacob. Mestres do desenho Brasileiro. Volkswa- Brasil, 1994
gem do Brasil S/A; A pintura no Brasil. Abril Cultural
Livro do Acervo da Pinacoteca Municipal - Divisão de Artes Novis, Vera. Antonio Bandeira - Un Raro. Editôra Sala-
plásticas, seção de catalogação, conservação e montagem, mandra,
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O Museu Lasar Segall, Banco Safra S/A, impresso no USP, 1920-1970
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Renina Katz, Ed. USP Artistas Gravadores do Brasil, Raízes Artes Gráficas,
Santos, Maria das Graças Vieira P. dos. História da Arte. 1984
Editora Ática Ateliê Calcográfico Iole - 15 anos, SESC - Serviço Social
Zanini, Walter. História geral da arte no brasil - vol.II. Ins- do Comércio de São Paulo
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Boghici, Jean. 150 anos de pintura no Brasil (1820-1970).
Ed. Artes Gráficas, RJ, 1989.
Cadernos História da pintura no Brasil. Instituto Cultural
Itaú
Catálogo do Festival de Inverno Campos do Jordão. apoio
RTC - Fundação Padre Anchieta, 1983.
Frederico Morais Guignard. Edição Centro de artes novo
mundo, MAM do Rio de janeiro
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28
29
 Conclusão

A Paisagem Brasileira tem surgido sempre renovada, quer pelo emprego de no-
vas técnicas de pintura, quer pela sensibilidade do artista na disposição dos ele-
mentos, no estudo das cores e principalmente pela paisagem que, independente
da observação o artista tem dentro de sí e que aparecerá em sua obra, resultado
de todo o seu conhecimento e da sua relação com a paisagem brasileira.

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