04 de Março de 2024

Habilidades: (EF69AR01) (EF69AR06)

Estratégias: Explicação sobre Grafite, após colorir criar um grafite com seu nome.

O que é a arte do grafite?

O grafite é uma forma de arte contemporânea de características essencialmente

urbanas. São pinturas e desenhos feitos nos muros e paredes públicos. Não é
simplesmente uma pichação, mas uma expressão artística. Tem a intenção de interferir
na paisagem da cidade, transmitindo diferentes idéias.

ATIVIDADE

Desenhar o seu nome em forma de grafite, após colorir e recortar p/ montar um mural.
 11 de Março de 2024
Habilidades: (EF69AR01) (EF69AR06)
Estratégias: Explicação sobre Grafite, após colorir criar um grafite com seu nome.

Continuação aula anterior…

 18 de Março de 2024
Habilidades: (EF69AR01) (EF69AR04)(EF69AR05)(EF69AR06)(EF69AR07)
Estratégias: Pesquisar em livros de recorte fotos de intervenções urbanas, recortar e colar no caderno.

INTERVENÇÃO URBANA

A Cow Parade(desfile de vacas), maior evento de arte a céu aberto do mundo, tem
como propósito democratizar a arte através da inclusão cultural. Artistas selecionados
usam uma escultura de vaca, em fibra de vidro e em tamanho natural, como suporte.
Suas obras são espalhadas pelas cidades, transformando ruas e praças em espaço de
exposição acessível a todos.
Exemplo de Cow Parede

ATIVIDADE

1. Pesquisar em livros de recorte fotos de intervenções urbanas, recortar e colar no

caderno.
2. Em grupos confeccionar uma intervenção urbana inspirados na Cowparade.
A relação entre o artista e o público desempenha um papel fundamental na apreciação e compreensão da art
contemporânea. A arte contemporânea frequentemente desafia as convenções tradicionais, e essa mudança é evident
na forma como os artistas e espectadores interagem e se envolvem com as obras de arte. Vamos explorar como
participação do artista e do público se manifesta na arte contemporânea.
A Evolução da Participação na Arte:
Na história da arte, a relação entre o artista e o público passou por mudanças significativas. Nas eras clássicas, o artist
frequentemente criava obras para patrocinadores ou instituições religiosas, e o público tinha um papel mais passivo n
apreciação da arte. No entanto, com o advento da arte moderna e contemporânea, essa dinâmica começou a mudar.
O Papel Ativo do Artista:
Os artistas contemporâneos muitas vezes desempenham um papel mais ativo na criação de suas obras. Eles podem
incorporar elementos interativos, performances ao vivo e participação direta do público em suas peças. Isso permite qu
os artistas expressem suas ideias de maneiras mais dinâmicas e envolventes.
O Espectador como Parte da Obra:
Na arte contemporânea, o espectador muitas vezes se torna parte integrante da obra. Por exemplo, uma instalaçã
interativa pode convidar o público a entrar no espaço da obra e interagir com os elementos presentes. Isso cria um
experiência única e pessoal para cada espectador.
A Arte Relacional:
O movimento da "arte relacional" coloca ênfase na interação social e na construção de relações como forma de arte. O
artistas que adotam essa abordagem muitas vezes organizam eventos, encontros ou intervenções que envolvem o públic
em experiências compartilhadas. O objetivo é criar conexões humanas e promover o diálogo por meio da arte.
Desafios e Reflexões:
A participação ativa do público na arte contemporânea levanta questões complexas sobre o papel do espectador e
natureza da experiência artística. Os espectadores são convidados a se envolverem mais profundamente com a arte
questionando suas próprias percepções e pensamentos.
1: Qual é a relação fundamental discutida no texto?

a) Artista e patrono.
b) Artista e mecenas.
c) Artista e público.
d) Artista e crítico.

2: Qual foi a dinâmica entre artista e público nas eras clássicas da arte?

a) O público era ativo na criação da arte.

b) O público tinha um papel passivo na apreciação da arte.
c) O público patrocinava artistas.
d) O público era responsável pela crítica de arte.

3: O que os artistas contemporâneos frequentemente incorporam em suas obras para torná-las mais envolventes?

a) Elementos abstratos.
b) Elementos religiosos.
c) Elementos clássicos.
d) Elementos interativos.

4: Na arte contemporânea, o espectador muitas vezes se torna o quê em relação à obra?

a) Crítico.
b) Espectador passivo.
c) Co-criador.
d) Patrono.

5: Qual é o objetivo do movimento da "arte relacional"?

a) Enfatizar a interação social e construção de relações.

b) Promover a introspecção individual.
c) Criar obras estáticas.
d) Desafiar a participação do público.

6: Como os artistas que adotam a abordagem da "arte relacional" envolvem o público?

a) Organizando eventos e encontros.
b) Criando obras exclusivamente pessoais.
c) Isolando o público das obras.
d) Ignorando a interação social.

7: O que a participação ativa do público na arte contemporânea levanta?

a) Questões sobre a criatividade do artista.

b) Questões sobre o papel tradicional do público.
c) Questões sobre a autoria da obra.
d) Questões sobre a história da arte.

8: Qual é o objetivo final da participação ativa do público na arte contemporânea, de acordo com o texto?

a) Criar obras estáticas.

b) Questionar a natureza da arte.
c) Promover a passividade do público.
d) Reforçar as normas tradicionais da arte.

9: O que a relação entre artista e espectador na arte contemporânea é, em comparação com eras anteriores?

a) Mais passiva.
b) Mais isolada.
c) Menos envolvente.
d) Mais dinâmica e interativa.

10: Qual é a mensagem final do texto sobre a participação do artista e do público na arte contemporânea?

a) A participação ativa do público é uma parte vital da experiência artística contemporânea.

b) A relação entre artista e público é estática.
c) O público deve permanecer passivo na apreciação da arte.
d) A arte contemporânea ignora completamente o público.
1- c) Artista e público.
2- b) O público tinha um papel passivo na apreciação da arte.
3- d) Elementos interativos.
4- c) Co-criador.
5- a) Enfatizar a interação social e construção de relações.
6- a) Organizando eventos e encontros.
7- c) Questões sobre a autoria da obra.
8- b) Questionar a natureza da arte.
9- d) Mais dinâmica e interativa.
10- a) A participação ativa do público é uma parte vital da experiência artística contemporânea.
A história da arte é rica em movimentos e tendências que moldaram e redefiniram a maneira como entendemos
apreciamos a criatividade humana. Entre esses movimentos, a instalação artística se destaca como uma form
contemporânea e inovadora de expressão artística.

A Evolução da Arte e seus Movimentos:

A história da arte é marcada por uma série de movimentos artísticos que surgiram em diferentes períodos e regiões. Esse
movimentos representam a evolução das ideias artísticas e das técnicas utilizadas pelos artistas. Exemplos notáveis incluem
Renascimento, o Impressionismo, o Cubismo e o Surrealismo.

A Instalação Artística:
A instalação artística é uma forma de expressão artística contemporânea que se concentra na criação de ambiente
tridimensionais interativos para os espectadores. Essas instalações muitas vezes utilizam uma variedade de materiais
incluindo esculturas, vídeos, sons e elementos interativos. O objetivo é envolver os espectadores de maneira única e cria
uma experiência imersiva.

Características da Instalação Artística:

As instalações artísticas podem variar amplamente em termos de tamanho, escala e conteúdo. Elas podem ser exibidas em
museus, galerias, espaços públicos ou até mesmo ao ar livre. O espectador é convidado a entrar no ambiente criado pel
artista, interagir com os elementos presentes e explorar novas perspectivas.

A Experiência do Espectador:
Uma das características mais marcantes da instalação artística é o papel ativo do espectador. Os espectadores não são mero
observadores, mas participantes ativos da obra de arte. Eles podem tocar, mover-se e interagir com os
elementos da instalação, tornando-se parte integrante da experiência artística.
1: O que são movimentos artísticos?

a) Tendências de moda.
b) Períodos históricos.
c) Marcas de arte famosas.
d) Danças tradicionais.

2: Qual é uma característica distintiva da instalação artística?

a) Uso exclusivo de pinturas a óleo.

b) Foco em obras bidimensionais.
c) Ambientes tridimensionais interativos.
d) Escassez de materiais artísticos.

3: O que os espectadores são convidados a fazer em uma instalação artística?

a) Observar passivamente.
b) Tocar, mover-se e interagir ativamente.
c) Ficar longe dos elementos da instalação.
d) Ignorar completamente a obra de arte.

4: Onde as instalações artísticas podem ser exibidas?

a) Apenas em museus.
b) Apenas em galerias de arte.
c) Apenas em espaços públicos.
d) Em museus, galerias, espaços públicos e ao ar livre.

5: Qual é o papel do espectador em uma instalação artística?

a) Observar passivamente.
b) Ser o único criador da obra.
c) Participar ativamente da experiência.
d) Ficar indiferente à obra de arte.
1-b) Períodos históricos.
2- c) Ambientes tridimensionais interativos.
3- b) Tocar, mover-se e interagir ativamente.
4- d) Em museus, galerias, espaços públicos e ao ar livre.
5- c) Participar ativamente da experiência.
O Construtivismo, um movimento artístico que teve seu auge no início do século XX, é conhecido por sua abordagem
revolucionária na criação de obras de arte. Diferentemente de muitos outros movimentos artísticos, o Construtivismo nã
buscava apenas expressar emoções e subjetividade, mas sim criar obras que fossem fundamentadas em princípio
estruturais e funcionais. Esse movimento teve um impacto significativo nas artes visuais, na arquitetura, no design e em
outras disciplinas criativas.

No coração do Construtivismo estava a crença de que a arte deveria servir a um propósito social. Os artistas construtivista
acreditavam que a beleza e a forma deveriam ser usadas para melhorar a sociedade e a vida das pessoas. Eles buscavam
uma fusão entre arte e vida cotidiana, e viam a arte como uma ferramenta para a transformação social.

Um dos aspectos mais distintivos do Construtivismo foi o uso de materiais industriais. Os artistas desse moviment
frequentemente trabalhavam com metal, vidro, madeira e plástico, em contraste com os materiais tradicionais das arte
plásticas, como óleo sobre tela. Esses materiais industriais permitiam a criação de obras de arte que eram ao mesmo temp
duráveis e funcionais.

A Rússia foi o berço do Construtivismo, e artistas russos como Vladimir Tatlin e Kasimir Malevitch foram figuras-chave n
desenvolvimento desse movimento. Malevitch, por exemplo, é famoso por suas composições geométricas abstratas, com
o famoso quadro "Quadrado Negro", que se tornou um ícone do Construtivismo. Ele acreditava que a arte deveria se
despojada de elementos figurativos e narrativos, e focar na pureza da forma.

Outro aspecto notável do Construtivismo foi a ênfase na interação do espectador com a obra de arte. O movimento de art
cinética, que se originou como uma extensão do Construtivismo, buscou criar obras de arte que se movessem o
mudassem quando o espectador interagisse com elas. Isso desafiava a ideia convencional de que a arte era algo estático
imutável.

Além das artes plásticas, o Construtivismo também teve um impacto significativo na arquitetura e no design. Arquiteto
como Konstantin Melnikov e El Lissitzky aplicaram os princípios do Construtivismo na construção de edifícios e na criação d
espaços funcionais e inovadores. A escola de design Bauhaus, que se tornou famosa por sua ênfase na simplicidade e n
funcionalidade, também foi influenciada pelo Construtivismo.
HORIZONTAL

6. País que foi o berço do Construtivismo.

8. Aspecto notável do Construtivismo que desafiava a ideia convencional de que a arte era estática.
9. Crença central do Construtivismo de que a arte deveria servir a um propósito.
10. Artista russo famoso por suas composições geométricas abstratas e ícone do Construtivismo

VERTICAL

1. Princípios em que as obras de arte construtivistas eram fundamentadas.

2. Movimento artístico que teve seu auge no início do século XX, conhecido por sua abordagem revolucionária.
3. Escola de design influenciada pelo Construtivismo, famosa por sua ênfase na simplicidade e funcionalidade.
4. Movimento de arte que se originou como uma extensão do Construtivismo, buscando criar obras que se movessem ou
mudassem.
5. Arquiteto construtivista conhecido por aplicar os princípios do movimento na construção de edifícios.
7. Material frequentemente utilizado pelos artistas construtivistas que era diferente dos tradicionais nas artes
plásticas.
O quadro de Kazimir Malevich “Quadrado Negro” é um símbolo revelador do vanguardismo russo. Lacônico ao máximo, com
um logotipo de uma marca desportiva, gerou muitas de discussões, lendas e histórias.

Seu título original é “Quadrado Negro Suprematista”. Malevich, criador da corrente de pintura abstrata chamada d
suprematismo, o idealizou em 1913 e o pintou em 1915, no auge da Primeira Guerra Mundial.

Malevich também pintou “Quadrado Vermelho” e “Quadrado Branco”. Aliás, o “Quadrado Negro” não é único. O segundo fo
pintado para o Bienal de Veneza, em 1923, se diferenciando do primeiro em dimensões. O terceiro, Malevich criou para um
exposição na Galeria Tretiakov, em 1929. Segundo se conta, foi um pedido do diretor da galeria, que não queria expor
original gretado. No segundo e no terceiro, já não há pequenas rachaduras; provavelmente, o artista usou verniz para protege
as tintas.

V R A C H A D U R A S E
F A A E V B I E N A L O
M T N S R E A N A C O T
U I E G V E R N I Z N W
N N K G U S Í M B O L O
D T W Q A A N E E O M T
I A E U Y L R N N L E S
A S T A S U E D G S H N
L O T D E D H R I T R O
S U P R E M A T I S T A
E X P O S I Ç Ã O A M N

H S T Ó R A S I W O
I I
V R A C H A D U R A S
A V B I E N A L
M T N E
U I G V E R N I Z
N N G U S Í M B O L O
D T Q A A E
I A U L R L
A S A E D H
L D R I O
S U P R E M A T I S T A
E X P O S I Ç Ã O A M
H I S T Ó R I A S O

● BIENAL ● RACHADURAS
● EXPOSIÇÃO ● SUPREMATISTA
● GALERIA ● SÍMBOLO
● HISTÓRIAS ● TINTAS
● MUNDIAL ● VANGUARDISMO
● QUADRO ● VERMELHO
● VERNIZ
O Concretismo marcou uma fase crucial na história da arte brasileira, emergindo nas décadas de 1950 e
1960 como um movimento que redefiniu as formas de expressão artística. Caracterizado por uma
abordagem rigorosamente geométrica e abstrata, os artistas concretos buscavam romper com a
subjetividade e introduzir uma linguagem visual mais objetiva e universal.

A Essência do Concretismo:

O movimento concretista foi profundamente influenciado por ideias provenientes do Manifesto

Concreto de 1956, assinado por artistas como Ferreira Gullar, Lygia Clark e Hélio Oiticica. A rejeição da
figuração e a adoção de formas geométricas e abstratas foram fundamentais para a estética concreta,
que visava à racionalização da composição artística.

Obras e Artistas Emblemáticos:

Lygia Clark:

Artista prolífica, Lygia Clark explorou esculturas modulares e interativas, incentivando a participação do
espectador nas suas obras.

Hélio Oiticica:

Hélio Oiticica contribuiu com a arte ambiental e as experiências sensoriais, desafiando a ideia tradicional
de arte como algo estático.

Ferreira Gullar:

Ferreira Gullar, além de suas contribuições como poeta, esteve envolvido no desenvolvimento teórico do
Concretismo, promovendo a ideia de uma arte objetiva.
HORIZONTAL

5. Quem assinou o Manifesto Concreto de 1956?

6. Qual é o termo que descreve a rejeição da representação figurativa nas obras concretistas?
7. Quem foi o artista concreto associado à arte ambiental e experiências sensoriais?
8. Que termo desafia a ideia tradicional de arte como algo estático nas obras de Hélio Oiticica?
9. O concretismo é caracterizado por uma abordagem rigorosamente geométrica e -------
10. Qual movimento redefiniu as formas de expressão artística na década de 1950?

VERTICAL

1. Qual artista concreto explorou esculturas modulares e interativas?

2. os artistas concretos buscavam romper com a -------- e introduzir uma linguagem visual mais
objetiva e universal.
3. Em 1950 marcou o surgimento do Concretismo na arte -----------
4. Qual é o objetivo das esculturas modulares e interativas de Lygia Clark?
Lygia Clark, uma das figuras mais proeminentes da arte contemporânea brasileira, deixou um legado marcante com
suas obras inovadoras e interativas. Sua trajetória artística evoluiu desde as influências iniciais do movimento
Concretista até uma abordagem mais livre e sensorial, que desafiou as fronteiras convencionais entre a arte e o
espectador.

No início de sua carreira, Lygia Clark esteve imersa no movimento Concretista, que enfatizava a abstração
geométrica e a composição rigorosa. No entanto, ela logo se afastou das restrições formais desse movimento em
busca de uma expressão artística mais livre e orgânica. Esse afastamento culminou na sua participação no
movimento Neoconcretista, que valorizava a relação entre a arte e o indivíduo de forma mais subjetiva e sensorial.

Uma das contribuições mais significativas de Lygia Clark para a arte contemporânea foi sua ênfase na interação ativa
do espectador com suas obras. Suas esculturas modulares conhecidas como "bichos" eram compostas por módulos
que o espectador podia manipular e rearranjar de acordo com sua vontade. Essas obras desafiavam a ideia
tradicional de uma obra de arte estática, convidando o público a se envolver fisicamente e mentalmente na criação
artística.

Outra série de obras notáveis de Lygia Clark foram os "parangolés", capas coloridas que os participantes podiam
vestir e dançar. Essa experiência participativa e corporal expandiu ainda mais os limites da arte ao incorporar o
movimento e a presença física do espectador na criação artística. Os "parangolés" buscavam transcender a fronteira
entre arte e vida cotidiana, oferecendo uma experiência sensorial única.

Lygia Clark também explorou a ideia de "estruturas de corpo" em sua série "Casulos", nas quais os participantes
podiam se deitar ou entrar, experimentando uma sensação de refúgio e introspecção. Essas obras se tornaram
símbolos da fusão entre arte e experiência pessoal, convidando os espectadores a se conectarem com suas próprias
sensações e emoções.

Sua influência não se limitou ao Brasil; Lygia Clark é reconhecida internacionalmente por sua abordagem inovadora
da arte. Ela é frequentemente citada como uma precursora da arte contemporânea interativa e participativa, uma
influência que pode ser vista em muitas obras de artistas contemporâneos em todo o mundo.
1-Qual foi uma das influências iniciais na carreira artística de Lygia Clark?
a) Movimento Surrealista
b) Movimento Expressionista
c) Movimento Neoconcretista
d) Movimento Impressionista

2-Qual foi uma das características marcantes das obras de Lygia Clark?
a) Abstração geométrica rígida
b) Uso de materiais tradicionais
c) A ênfase na contemplação passiva
d) A interação ativa do espectador

3-Que série de obras de Lygia Clark convidava os participantes a manipular e rearranjar

módulos?
a) "Parangolés"
b) "Casulos"
c) "Bichos"
d) "Abstracionismos"

4-O que os "parangolés" de Lygia Clark buscavam incorporar em sua experiência artística?
a) Movimento e presença física
b) Cores brilhantes
c) Materiais tradicionais de arte
d) Abstração geométrica

5-Qual é a principal contribuição de Lygia Clark para a arte contemporânea?

a) A rejeição da interação do espectador
b) A criação de obras de arte estáticas
c) O uso predominante de figuras figurativas
d) A ênfase na interação ativa do espectador

1- a) Movimento Concretista
2- d) A interação ativa do espectador
3- c) "Bichos"
4- a) Movimento e presença física
5- d) A ênfase na interação ativa do espectador
Hélio Oiticica é uma figura icônica da arte contemporânea brasileira, conhecido por suas obras inovadoras que
desafiam as fronteiras convencionais entre a arte e o espectador. Sua trajetória artística começou sob a influência
do movimento Neoconcretista, mas rapidamente evoluiu para uma abordagem mais radical e participativa. Neste
texto, exploraremos algumas de suas obras mais notáveis e sua contribuição única para a arte contemporânea.

Oiticica iniciou sua carreira como um neoconcretista, um movimento que valorizava a relação entre a arte e o
indivíduo de maneira mais subjetiva e sensorial. No entanto, sua abordagem foi além, buscando criar experiências
artísticas que fossem profundamente envolventes e participativas, muitas vezes desafiando o espectador a se
tornar parte integrante da obra de arte.

1-Qual movimento artístico influenciou inicialmente o trabalho de Hélio Oiticica?

a) Surrealismo
b) Concretismo
c) Cubismo
d) Neoconcretismo

2-Uma das séries de obras mais notáveis de Oiticica foram os "Parangolés". Essas capas coloridas e
ornamentadas eram feitas para serem vestidas pelos participantes, transformando-os em parte da obra de
arte. Com os "Parangolés", Oiticica trouxe o movimento e a presença física do corpo para o centro da
experiência artística.

Que série de obras de Hélio Oiticica permitia que os participantes vestissem capas coloridas e dançassem?
a) "Bichos"
b) "Tropicália"
c) "Parangolés"
d) "Casulos"

3-Além dos "Parangolés", outra série notável de Oiticica foram os "Bólides". Essas esculturas interativas
continham objetos sensoriais que o espectador podia manipular, como espelhos e materiais táteis. Os
"Bólides" buscavam criar experiências multissensoriais e convidar o público a explorar a arte por meio do
toque e da interação.

O que caracterizava os "Bólides" de Hélio Oiticica?

a) Objetos sensoriais para interação
b) Materiais tradicionais de escultura
c) Capas coloridas
d) Pinturas abstratas

4-Hélio Oiticica também é lembrado por sua contribuição para transcender as fronteiras entre a arte e a vida
cotidiana. Suas obras desafiaram a ideia convencional de que a arte deve ser contemplada passivamente e
destacaram a importância da experiência sensorial e participativa na apreciação da arte.

Como Hélio Oiticica contribuiu para transcender as fronteiras entre arte e vida cotidiana?
a) Criando pinturas abstratas
b) Incorporando elementos tradicionais da arte em suas obras
c) Criando obras de arte estáticas
d) Introduzindo o movimento e a participação do público em suas criações

5-Oiticica é frequentemente lembrado como um pioneiro da arte participativa e sensorial, uma influência que
pode ser vista em muitas obras de artistas contemporâneos ao redor do mundo.

Como Hélio Oiticica é frequentemente lembrado no contexto da arte contemporânea?

a) Como um pintor realista
b) Como um escultor minimalista
c) Como um pioneiro da arte participativa e sensorial
d) Como um artista abstrato

1-d) Neoconcretismo
2- c) "Parangolés"
3- a) Objetos sensoriais para interação
4- d) Introduzindo o movimento e a participação do público em suas criações
5- c) Como um pioneiro da arte participativa e sensorial
O teatro de Bertolt Brecht, conhecido como teatro épico, revolucionou a forma como as histórias eram
contadas no palco. Brecht, dramaturgo e encenador alemão, buscava afastar-se das convenções tradicionais
do teatro, propondo uma abordagem que estimulasse a reflexão crítica do público. Suas peças
caracterizam-se pela quebra da chamada "ilusão teatral", onde o espectador é levado a analisar os
acontecimentos de forma distanciada e consciente.

Características do Teatro de Brecht:

Alienação (Estranhamento): Brecht procurava evitar que o público se identificasse emocionalmente com os
personagens. Ao invés disso, ele introduzia elementos que causavam estranhamento, como músicas,
projeções visuais e interrupções na narrativa.

Narrador:

A presença de um narrador era comum nas peças de Brecht, que quebrava a linearidade da história e oferecia
análises críticas ao público.
Música e Canções:

Brecht incorporava músicas e canções em suas peças, muitas vezes com letras que comentavam ironicamente
os eventos da trama, contribuindo para a distância emocional.
Cenário Simples:

Os cenários eram simples e abstratos, evitando criar uma atmosfera realista, de modo a manter o foco na
mensagem política e social.
1-O que caracteriza a técnica de estranhamento (alienação) no teatro de Brecht?

a) Identificação emocional com os personagens.

b) Uso de narradores para guiar a história.
c) Cenários realistas.
d) Ausência de músicas e canções.

2-Por que Brecht incorporava músicas e canções em suas peças?

a) Para causar estranhamento no público.

b) Para criar cenários realistas.
c) Para envolver emocionalmente os espectadores.
d) Para aumentar a complexidade da trama.

3-Qual era o objetivo principal do cenário simples no teatro de Brecht?

a) Criar uma atmosfera realista.

b) Introduzir elementos fantasiosos na encenação.
c) Proporcionar identificação emocional.
d) Manter o foco na mensagem política e social.

4-O que significa o termo "teatro épico" associado ao trabalho de Bertolt Brecht?

a) Um estilo teatral focado na expressão emocional intensa.

b) Uma abordagem teatral que valoriza a narrativa linear.
c) Uma forma de teatro que busca distanciar o espectador emocionalmente.
d) Um tipo de teatro que prioriza a representação realista dos acontecimentos.

5-Como Brecht abordava a questão da identificação emocional do público com os personagens?

a) Encorajando fortes laços emocionais.

b) Utilizando cenários detalhados e realistas.
c) Criando estranhamento para evitar a identificação.
d) Desenvolvendo diálogos altamente emotivos.

1- b) Uso de narradores para guiar a história.

2- a) Para causar estranhamento no público.
3- d) Manter o foco na mensagem política e social.
4- c) Uma forma de teatro que busca distanciar o espectador emocionalmente.
5- c) Criando estranhamento para evitar a identificação.
Explorando as Mágicas Sonoridades de Hermeto Pascoal

Hermeto Pascoal, ícone da música brasileira, é conhecido por sua genialidade e inovação musical.
Nascido em 22 de junho de 1936, em Lagoa da Canoa, Alagoas, esse multi-instrumentista, compositor e
arranjador é reverenciado por sua contribuição única para a música brasileira e mundial.

Hermeto Pascoal e sua Jornada Musical:

Desde cedo, Hermeto Pascoal demonstrou uma conexão peculiar com os sons ao seu redor. Aprendeu
a tocar acordeão ainda criança e, ao longo dos anos, expandiu suas habilidades para uma ampla
variedade de instrumentos. Sua carreira deslanchou na década de 1960, quando integrou o influente
grupo Os Copa 5 e, posteriormente, a lendária banda de jazz fusion, o Quarteto Novo.

A Experimentação Sonora:

A marca registrada de Hermeto é a exploração sonora sem limites. Ele é conhecido por utilizar objetos
inusitados como instrumentos, como chaleiras, bichos de pelúcia e até mesmo água. Essa abordagem
única confere às suas composições uma sonoridade extraordinária e imprevisível, característica
marcante em álbuns como "A Música Livre de Hermeto Pascoal".
HORIZONTAL
3. Que objeto inusitado Hermeto utiliza como instrumento em suas performances?
7. Qual é o termo que descreve a habilidade de Hermeto Pascoal de criar música de forma espontânea, muitas
vezes sem partituras?
8. Qual é o mês de nascimento de Hermeto Pascoal?
9. Além do Quarteto Novo, em que outro grupo importante Hermeto participou na década de 1960? Os------ 5

VERTICAL
1. Que tipo de música Hermeto Pascoal é conhecido por explorar?
2. Em 1960 --------- Pascoal integrou o Quarteto Novo.
4. Qual é o instrumento que Hermeto Pascoal aprendeu a tocar ainda criança?
5. Qual é o estado de origem de Hermeto Pascoal?
6. Em qual álbum encontramos a obra "A Música Livre de Hermeto Pascoal"? Música----
8. Que gênero musical Hermeto Pascoal é frequentemente associado por suas fusões inovadoras?
A arte nas ruas, muitas vezes associada ao termo "arte de rua" ou "street art", é uma forma de expressão que
transcende as galerias tradicionais, levando a criatividade diretamente para o ambiente urbano. Surgindo como
um movimento artístico e cultural, a arte nas ruas abrange uma variedade de formas, desde grafite e murais até
instalações e intervenções artísticas. Essa prática não apenas transforma espaços urbanos, mas também desafia as
normas da arte convencional.

A Diversidade da Arte Urbana:

Grafite:

O grafite, muitas vezes associado à rebeldia e autenticidade, é uma forma de arte nas ruas que utiliza letras, cores
e formas para criar composições visuais impactantes.

Murais Monumentais:

Murais monumentais são obras de grande escala que muitas vezes contam histórias, celebram a cultura local ou
abordam questões sociais e políticas.

Intervenções Urbanas:

Intervenções urbanas são ações artísticas que modificam ou interagem com o ambiente urbano existente,
desafiando a percepção do público sobre o espaço que habita.
HORIZONTAL

4. Murais de grande escala que contam histórias ou abordam questões sociais.

5. As intervenções urbanas desafiam a percepção do público sobre o espaço que ________.

8. Tipo de ação artística que modifica o ambiente urbano existente.

9. O grafite é frequentemente associado a uma sensação de ___________.

VERTICAL

1. O que os murais monumentais muitas vezes celebram ou abordam?

2. Forma de arte nas ruas associada a letras e formas coloridas.

3. Outro termo para "arte de rua".

4. O que as intervenções urbanas fazem com o ambiente existente?

6. Forma de arte nas ruas que desafia as normas da arte convencional.

7. Murais que celebram a diversidade _________.

Monumentos públicos são testemunhos tangíveis da história, cultura e identidade de uma cidade. Eles
desempenham um papel vital na preservação da memória coletiva e na transmissão de valores para as gerações
futuras. Essas estruturas imponentes não são apenas elementos decorativos, mas sim pilares que conectam o
presente ao passado, contribuindo significativamente para a riqueza do patrimônio urbano.
Preservação da História:
Os monumentos públicos servem como registros físicos da história da cidade, narrando eventos importantes e
personagens que moldaram seu desenvolvimento. Essas estruturas proporcionam uma compreensão visual e
tangível do passado, permitindo que os cidadãos se conectem diretamente com suas raízes históricas.
Identidade Cultural:
Além de preservar a história, os monumentos públicos desempenham um papel crucial na expressão da
identidade cultural da comunidade. Esculturas, estátuas e monumentos arquitetônicos refletem os valores,
conquistas e símbolos que são significativos para o povo da cidade, reforçando um senso de pertencimento e
coesão.
Atração Turística:
Monumentos icônicos muitas vezes se tornam pontos turísticos proeminentes, atraindo visitantes de diferentes
partes do mundo. A presença dessas estruturas não apenas enriquece a experiência dos turistas, mas também
contribui para a economia local, impulsionando o setor de turismo e promovendo a cidade como um destino
cultural.
Educação Pública:
Monumentos públicos oferecem oportunidades valiosas para a educação pública. Podem ser utilizados como
recursos educacionais ao ar livre, proporcionando aos estudantes e aos cidadãos em geral uma experiência de
aprendizado única. Visitas guiadas, exposições e eventos culturais em torno dessas estruturas contribuem para a
disseminação do conhecimento histórico.
Preservação do Patrimônio Urbano:
Além de contar histórias e enriquecer a cultura, os monumentos públicos desempenham um papel fundamental
na preservação do patrimônio urbano. Ao conservar essas estruturas, as cidades garantem que as gerações futuras
possam apreciar e aprender com o legado deixado pelos antecessores, promovendo a continuidade e a
estabilidade cultural.

1-Qual é a principal função dos monumentos públicos em relação à história da cidade?

a) Preservação da história

b) Decoração urbana

c) Entretenimento turístico
d) Promoção econômica

2-Como os monumentos públicos contribuem para a identidade cultural da comunidade?

a) Através de eventos esportivos

b) Refletindo valores e símbolos importantes

c) Através da promoção de produtos locais

d) Por meio de competições culturais

3-O que os monumentos icônicos frequentemente se tornam para a cidade?

a) Pontos de encontro social

b) Centros comerciais

c) Locais de recreação infantil

d) Pontos turísticos proeminentes

4-Como os monumentos públicos podem contribuir para a educação pública?

a) Através de competições de arte

b) Fornecendo recursos educacionais ao ar livre

c) Organizando festivais de música

d) Desenvolvendo parques temáticos

5-Qual é o papel fundamental dos monumentos públicos na preservação do patrimônio urbano?

a) Aumentar a densidade populacional

b) Promover a modernização

c) Preservar e conservar a história e a cultura

d) Estimular o desenvolvimento tecnológico

1-a) Preservação da história

2-b) Refletindo valores e símbolos importantes

3-d) Pontos turísticos proeminentes

4-b) Fornecendo recursos educacionais ao ar livre

5-c) Preservar e conservar a história e a cultura

No coração do Rio de Janeiro, na vibrante Praça Onze, ergue-se um monumento que transcende o bronze e a
pedra. Este monumento homenageia Mercedes Baptista, uma figura notável que quebrou barreiras como a
primeira bailarina negra a se apresentar no prestigioso Theatro Municipal. A importância desse monumento vai
além de sua beleza escultural, pois representa um marco na história da dança e da inclusão racial no cenário
artístico brasileiro.
1. Desbravando Barreiras Artísticas:

Mercedes Baptista não foi apenas uma bailarina talentosa, mas uma pioneira que desbravou barreiras e desafiou
os padrões estabelecidos. Seu monumento na Praça Onze não apenas celebra sua habilidade artística, mas
também destaca a importância de abrir caminhos para outros artistas negros.

2. Representatividade e Inspiração:

Ao erguer o monumento a Mercedes Baptista, a cidade do Rio de Janeiro envia uma mensagem de
representatividade e inspiração. O monumento é um símbolo tangível do talento e da contribuição significativa
de artistas negros para as artes cênicas, inspirando futuras gerações.

3. Memória Cultural:

O monumento serve como uma cápsula do tempo, preservando a memória cultural de Mercedes Baptista e seu
impacto na história da dança no Brasil. Ele convida os transeuntes a refletir sobre a diversidade e a riqueza
cultural que moldam a identidade artística do país.

4. Inclusão no Theatro Municipal:

A presença do monumento na Praça Onze destaca não apenas as conquistas de Mercedes Baptista, mas também
ressalta a importância da inclusão no Theatro Municipal. O espaço torna-se um lembrete de que todos os
talentos, independentemente de origem ou cor, têm um lugar no cenário artístico.

5. Perenidade do Legado:

O monumento assegura que o legado de Mercedes Baptista perdure ao longo do tempo. Ao enfrentar desafios e
triunfar como a primeira bailarina negra no Theatro Municipal, sua história é imortalizada para educar, inspirar e
promover a valorização da diversidade nas artes.

1-Por que Mercedes Baptista é celebrada no monumento na Praça Onze?

a) Por sua contribuição à dança e quebra de barreiras

b) Por suas habilidades culinárias

c) Por sua carreira como atriz

d) Por sua habilidade como cantora

2-Qual mensagem o monumento envia ao destacar Mercedes Baptista?

a) A importância da culinária na cultura

b) A representatividade e inspiração para artistas negros

c) A exclusividade da dança clássica

d) A superioridade de determinadas raças na arte

3-O que o monumento na Praça Onze representa em termos de inclusão no Theatro Municipal?

a) Uma celebração de artistas brancos

b) Um lembrete da exclusividade na dança

c) A importância de abrir caminhos para todos os talentos

d) A manutenção de padrões tradicionais na arte

4-Como o monumento contribui para a memória cultural de Mercedes Baptista?

a) Ignorando seu legado

b) Preservando a memória de suas contribuições artísticas

c) Enfatizando sua irrelevância na história da dança

d) Focando em outros artistas contemporâneos

5-O que o monumento assegura em relação ao legado de Mercedes Baptista?

a) Sua história é esquecida ao longo do tempo

b) Seu impacto é esquecido pelas gerações futuras

c) Sua história é imortalizada para educar, inspirar e promover a valorização da diversidade nas artes

d) Sua contribuição é minimizada devido a outros artistas mais proeminentes

1-a) Por sua contribuição à dança e quebra de barreiras

2-b) A representatividade e inspiração para artistas negros

3-c) A importância de abrir caminhos para todos os talentos

4-b) Preservando a memória de suas contribuições artísticas

5-c) Sua história é imortalizada para educar, inspirar e promover a valorização da diversidade nas artes
O majestoso Cristo Redentor, erguido no pico do Morro do Corcovado, no Rio de Janeiro, é uma das
mais emblemáticas estruturas do Brasil. Esta colossal estátua de Jesus Cristo, com seus braços
abertos, não apenas domina a paisagem carioca, mas também desempenha um papel significativo
como símbolo nacional e expressão de fé. Além do impacto no Rio, o Cristo Redentor também inspira
devoção e admiração em outras partes do Brasil, tornando-se um elemento unificador em meio à
diversidade cultural do país.

1. Ponto Turístico Internacional:

O Cristo Redentor é uma atração turística internacionalmente reconhecida. Milhões de visitantes de

todo o mundo viajam ao Rio de Janeiro para contemplar a vista espetacular da cidade a partir do
Morro do Corcovado e testemunhar a grandiosidade desta obra arquitetônica.

2. Símbolo de Fé e Espiritualidade:
Para os brasileiros, o Cristo Redentor é mais do que uma atração turística; é um símbolo de fé e
espiritualidade. A estátua representa a presença divina, transmitindo uma mensagem de paz, amor e
esperança para aqueles que a veem como um farol espiritual.

3. Unidade Nacional:

Além de sua influência no Rio de Janeiro, o Cristo Redentor serve como um símbolo de unidade
nacional. Presente em vários pontos do país, réplicas ou monumentos semelhantes do Cristo
Redentor são encontrados em diferentes estados, contribuindo para um sentimento de coesão e
identidade nacional.

4. Expressão Cultural e Artística:

O Cristo Redentor transcende sua função religiosa e torna-se uma expressão cultural e artística do
Brasil. Sua imponência e beleza inspiraram artistas, escritores e músicos, contribuindo para a riqueza
da produção cultural brasileira.

5. Conservação Ambiental:

Além de seu impacto cultural e espiritual, o Cristo Redentor também desempenha um papel na
conservação ambiental. O Morro do Corcovado e seus arredores são áreas de preservação,
destacando a importância de equilibrar o turismo com a proteção do meio ambiente.

1-O que torna o Cristo Redentor um ponto turístico internacionalmente reconhecido?

a) Sua função religiosa

b) Sua localização no Rio de Janeiro

c) Sua presença em outros estados brasileiros

d) Sua influência na cultura brasileira

2-Para os brasileiros, o Cristo Redentor é principalmente visto como:

a) Uma atração turística

b) Uma obra de arte contemporânea

c) Um símbolo de fé e espiritualidade

d) Uma representação da diversidade cultural

3=Como o Cristo Redentor contribui para a unidade nacional no Brasil?

a) Pela presença de réplicas em outros países

b) Ao servir como um farol espiritual

c) Pela influência do Rio de Janeiro na cultura nacional

d) Pela presença de réplicas ou monumentos semelhantes em diferentes estados brasileiros

4-Além de sua função religiosa, como o Cristo Redentor contribui para a cultura brasileira?

a) Através de sua influência na gastronomia

b) Inspirando artistas, escritores e músicos

c) Como cenário para eventos esportivos

d) Promovendo a diversidade cultural

5-Qual é um dos aspectos além de sua função cultural e espiritual que é destacado no texto?

a) Seu papel na conservação ambiental

b) Sua influência na moda brasileira

c) Sua importância na política nacional

d) Seu impacto na economia do Rio de Janeiro

1-b) Sua localização no Rio de Janeiro

2-C) Um símbolo de fé e espiritualidade

3-d) Pela presença de réplicas ou monumentos semelhantes em diferentes estados brasileiros

4-b) Inspirando artistas, escritores e músicos

5-a) Seu papel na conservação ambiental

Tomie Ohtake, renomada artista plástica japonesa naturalizada brasileira, deixou um legado
significativo com suas esculturas públicas que adornam diferentes espaços urbanos. Suas obras,
marcadas por formas geométricas abstratas, são expressões ousadas que dialogam com o ambiente
ao seu redor. Vamos explorar o fascinante mundo das esculturas públicas de Tomie Ohtake.

As esculturas públicas de Tomie Ohtake são testemunhas visuais da fusão entre geometria e
abstração. Suas obras destacam-se pelo uso inventivo de formas, cores e materiais que, muitas
vezes, desafiam as convenções estéticas. Ao caminhar por espaços urbanos que abrigam suas
criações, somos convidados a contemplar a interação dinâmica entre as esculturas e o entorno.

As formas geométricas predominam em suas obras, desde linhas simples até composições mais
complexas, criando uma linguagem visual única. Os materiais variam de aço inoxidável a concreto,
proporcionando uma diversidade tátil e visual. Cada escultura é uma narrativa abstrata que convida
o observador a interpretar, questionar e apreciar.
HORIZONTAL

2. Que tipo de linguagem visual as esculturas de Tomie Ohtake criam?

5. Qual é a interação dinâmica destacada no texto? as---------- e o entorno.

6. Qual é um dos materiais usados ​por Tomie Ohtake em suas esculturas?

9. Tomie Ohtake é uma artista plástica ________-brasileira.

10. As esculturas de Tomie Ohtake destacam-se por formas ________.

VERTICAL

1. Tomie Ohtake utiliza desde linhas simples até composições ________.

3. As esculturas convidam o observador a ________, questione e aprecie.

4. Qual é a nacionalidade de Tomie Ohtake?

7. Que tipo de ambiente é considerado como palco para as esculturas de Tomie Ohtake?

8. Além de formas, que outro elemento é enfatizado nas esculturas?

O grafite, uma forma de expressão artística que floresceu nas paisagens urbanas, vai além de simples rabiscos
coloridos. Trata-se de uma manifestação cultural que envolve talento, criatividade e uma voz única. As ruas se
tornam telas, e os grafiteiros, artistas que compartilham histórias, críticas sociais e um olhar distinto sobre o
mundo. Vamos explorar a riqueza dessa manifestação artística contemporânea.

O grafite, muitas vezes marginalizado, é uma poderosa forma de arte que transforma paredes cinzentas em murais
vibrantes. Originado nos movimentos de contracultura das décadas de 1960 e 1970, o grafite foi uma resposta à
monotonia do ambiente urbano e uma forma de expressão para comunidades marginalizadas.

Atualmente, o grafite transcende os estigmas associados ao vandalismo. É uma linguagem artística em constante
evolução, incorporando técnicas complexas e narrativas profundas. Os grafiteiros utilizam paredes, túneis e
fachadas como seus suportes, dando vida às cidades de maneiras inesperadas.

A paleta de cores no grafite é um espetáculo por si só. Vibrantes e ousadas, as cores muitas vezes contrastam com
a rigidez do ambiente urbano, proporcionando uma experiência visual única. Cada traço é carregado de
significado, seja um reflexo da cultura local, uma crítica social afiada ou uma representação puramente estética.

As cidades tornam-se galerias a céu aberto, onde o grafite se mistura à arquitetura urbana. Além de sua dimensão
estética, o grafite é uma forma de dar voz a questões sociais e políticas. Muitas obras apresentam comentários
sociais, reflexões sobre identidade e uma narrativa visual que desafia a passividade do espectador.

A aceitação crescente do grafite como forma de arte legítima é uma prova de sua influência duradoura. Hoje,
galerias renomadas exibem trabalhos de grafiteiros reconhecidos internacionalmente, reconhecendo a
importância dessa manifestação artística na cultura contemporânea.

1-O que motivou a origem do grafite nas décadas de 1960 e 1970?

a) Lucro financeiro

b) Pressão governamental

c) Influência da arte clássica

d) Monotonia do ambiente urbano

2-Como o grafite transcende os estigmas associados ao vandalismo?

a) Ignorando a crítica social

b) Incorporando técnicas complexas e narrativas profundas

c) Evitando áreas urbanas

d) Limitando-se a tons de cinza

3-O que as cores vibrantes no grafite frequentemente contrastam?

a) Com a monotonia do ambiente urbano

b) Com a rigidez da arte clássica

c) Com a neutralidade das cidades

d) Com a falta de expressividade das paredes

4-Além da dimensão estética, qual é outra função importante do grafite?

a) Incentivar o vandalismo

b) Desafiar a passividade do espectador

c) Restringir-se a temas puramente estéticos

d) Evitar questões sociais

5-O reconhecimento do grafite como forma de arte legítima é evidenciado por:

a) Restrições governamentais

b) A recusa de galerias em exibir essas obras

c) A aceitação crescente e exposição em galerias renomadas

d) O isolamento do grafite das correntes artísticas contemporâneas

1-d) Monotonia do ambiente urbano

2-b) Incorporando técnicas complexas e narrativas profundas

3-a) Com a monotonia do ambiente urbano

4-b) Desafiar a passividade do espectador

5-c) A aceitação crescente e exposição em galerias renomadas

O grafite, muitas vezes subestimado e mal compreendido, emerge como uma forma de arte urbana vibrante e
influente. Nas ruas, ele transcende as fronteiras convencionais, transformando espaços cinzentos em galerias de
cores e narrativas.
O grafite é mais do que simplesmente tinta spray em paredes. É uma declaração ousada, uma expressão artística
que respira vida nas superfícies urbanas muitas vezes monótonas. Sua importância vai além do estigma do
vandalismo, pois o grafite é uma voz criativa que reflete a complexidade da sociedade contemporânea.
**Origens no Protesto Social:
Desde suas origens nos movimentos de contracultura nas décadas de 1960 e 1970, o grafite frequentemente
esteve entrelaçado com protestos sociais, sendo uma forma de dar voz a questões muitas vezes negligenciadas.
**Democratização da Arte:
Uma das características mais notáveis é sua capacidade de democratizar a arte. Ao invadir o espaço público, o
grafite torna a arte acessível a todos, desafiando as barreiras tradicionais dos museus e galerias.
**Expressão Individual e Coletiva:
O grafite é uma plataforma para expressão individual e coletiva. Cada obra é única, mas, juntas, essas criações
formam um mosaico que conta histórias sobre a comunidade, identidade e experiências compartilhadas.
**Desafio Estético:
Desafiando as normas estéticas, o grafite abraça a diversidade de estilos, técnicas e mensagens. Não se encaixa
facilmente em definições tradicionais de arte, o que o torna provocativo e estimulante.
**Influência Cultural e Global:
O grafite transcende fronteiras culturais, exercendo uma influência global. Grafiteiros de diferentes partes do
mundo compartilham estilos únicos, criando uma rede global de expressão artística.
**Valorização do Espaço Urbano:
Ao transformar espaços urbanos, o grafite contribui para a valorização do ambiente. Ele rompe a monotonia e
adiciona uma camada de beleza e significado às paisagens urbanas.
**Conscientização Social:
Muitas obras de grafite abordam questões sociais e políticas, agindo como uma forma de conscientização. São
manifestos visuais que provocam reflexão e diálogo.
**Colaboração Artística:
Em muitos casos, o grafite envolve colaborações entre artistas, resultando em murais impressionantes que
celebram a diversidade e a riqueza cultural.
**Desenvolvimento de Talentos:
Para alguns, o grafite é uma porta de entrada para o mundo das artes. Muitos artistas começaram como grafiteiros
e expandiram seus talentos para outras formas de expressão artística.
**Reconhecimento Institucional:
À medida que a percepção sobre o grafite evolui, instituições culturais e governamentais começam a reconhecer
seu valor. Exposições, festivais e projetos de arte urbana destacam a legitimidade do grafite como forma de arte.

HORIZONTAL

2. Qual é a capacidade única do grafite em contar histórias sobre a comunidade?

4. Qual é uma das características notáveis do grafite que o torna acessível a todos?
5. O grafite desafia as normas estéticas, tornando-se provocativo e ________.

8. À medida que a percepção sobre o grafite evolui, instituições culturais e governamentais começam a
reconhecer seu ________.

9. Em 1960 e 1970 o grafite teve suas origens nos movimentos de contracultura.

10. O grafite frequentemente envolve colaborações entre ________.

VERTICAL

1. O grafite exerce influência global, transcendendo ________ culturais.

3. O grafite contribui para a valorização do ambiente urbano, rompendo a ________.

6. Para alguns artistas, o grafite é uma porta de entrada para o mundo das ________.

7. Muitas obras de grafite abordam questões ________ e políticas.

Christo Vladimirov Javacheff, conhecido simplesmente como Christo, e sua parceira Jeanne-Claude Denat de
Guillebon foram um casal de artistas famosos por suas instalações monumentais temporárias. Juntos,
desafiaram os conceitos tradicionais de arte, envolvendo paisagens icônicas com tecidos e materiais inusitados.
Suas obras, marcadas por escala impressionante e efemeridade, provocaram reflexões sobre a natureza
transitória da arte e sua relação com o espaço.
A arte de Christo e Jeanne-Claude é uma celebração da efemeridade e da transformação. Ao longo de décadas, o
casal criou instalações envolventes que alteraram a percepção de espaços familiares. Uma das obras mais
emblemáticas foi "The Gates", no Central Park de Nova York, onde milhares de portais laranja iluminaram os
caminhos do parque durante um breve período.
Origens da Colaboração:
Christo e Jeanne-Claude iniciaram sua colaboração artística em 1961, marcando o início de uma parceria criativa
única. Sua primeira obra conjunta foi a cobertura de barris em um porto em Colônia, Alemanha.
Escala e Grandiosidade:
A grandiosidade das obras de Christo e Jeanne-Claude é uma característica marcante. A instalação "The Floating
Piers", no Lago Iseo, na Itália, consistiu em passarelas flutuantes que conectavam ilhas. A escala monumental era
uma parte intrínseca de sua estética artística.
Efemeridade e Reflexão:
A temporariedade das obras de Christo e Jeanne-Claude desafiou a ideia convencional de arte duradoura. Suas
instalações existiam por um curto período, convidando os espectadores a refletirem sobre a transitoriedade da
experiência artística.
Relação com o Espaço:
A escolha de envolver monumentos e paisagens icônicas estava ligada à intenção de transformar a percepção
desses espaços. Ao cobrir o Reichstag em Berlim com tecido prateado, por exemplo, Christo e Jeanne-Claude
alteraram a aparência e o significado do edifício histórico.
Obras Póstumas e Legado:
Após a morte de Jeanne-Claude em 2009, Christo continuou a realizar projetos póstumos em homenagem à sua
parceira. O casal deixou um legado duradouro que desafia as fronteiras entre arte, espaço e tempo.

1-O que marcou o início da colaboração artística entre Christo e Jeanne-Claude?

a) "The Floating Piers"

b) A cobertura de barris em Colônia

c) "The Gates" no Central Park

d) A instalação no Reichstag em Berlim

2-Qual característica é marcante nas obras de Christo e Jeanne-Claude?

a) Efemeridade

b) Durabilidade eterna

c) Dimensões pequenas

d) Ausência de escala

3-O que a temporariedade das obras desafia?

a) A grandiosidade artística

b) A ideia de espaços familiares

c) A durabilidade da experiência artística

d) A transitoriedade da arte

4-Por que Christo e Jeanne-Claude escolhiam envolver

monumentos e paisagens icônicas?

a) Para danificar a arquitetura histórica

b) Para alterar a percepção desses espaços

c) Para criar obras duradouras

d) Para desconsiderar o contexto histórico

5-O que Christo continuou a realizar após a morte de Jeanne-Claude?

a) Instalações em Colônia

b) Esculturas em dimensões pequenas

c) Trabalhos solo em Nova York

d) Projetos póstumos em homenagem a Jeanne-Claude

1-b) A cobertura de barris em Colônia

2-a) Efemeridade

3-c) A durabilidade da experiência artística

4-b) Para alterar a percepção desses espaços

5-d) Projetos póstumos em homenagem a Jeanne-Claude

A Origem do Teatro de Rua: Uma Jornada nas Raízes da Performance ao Ar Livre

O teatro de rua, uma forma vibrante de expressão artística que transcende os limites convencionais dos
palcos, tem uma rica história que remonta a séculos. Originando-se das tradições populares e das
apresentações ao ar livre, o teatro de rua evoluiu para uma manifestação dinâmica que busca envolver e
surpreender o público em espaços públicos.

O teatro de rua tem suas raízes nas práticas teatrais antigas que eram inerentemente ligadas às comunidades
e celebrações públicas. Desde as antigas tradições gregas, onde as apresentações dramáticas eram parte
integrante dos festivais, até as misteriosas festividades medievais, o teatro ao ar livre sempre teve um caráter
acessível e participativo.

Ao longo da Idade Média, as trupes teatrais ambulantes viajavam de cidade em cidade, apresentando-se em
praças públicas, feiras e festivais. Essas performances muitas vezes envolviam máscaras, música e uma
combinação de elementos dramáticos e cômicos para cativar uma audiência variada.
A Renascença viu uma revitalização do teatro de rua com os "commedia Dell’Arte" na Itália. Trupes itinerantes
apresentavam peças improvisadas, muitas vezes usando máscaras distintas para personagens arquetípicos.
Essa abordagem inovadora influenciou diretamente o desenvolvimento do teatro de rua em toda a Europa.

No século XX, o teatro de rua experimentou um renascimento significativo, alimentado pelos movimentos de
contracultura e pela busca de formas artísticas mais acessíveis. Artistas de rua passaram a utilizar espaços
urbanos como seus palcos, desafiando as convenções teatrais estabelecidas.

HORIZONTAL

5. No século XX, o teatro de rua experimentou um renascimento alimentado pelos movimentos de

7. Na Idade Média, trupes teatrais ambulantes viajavam de cidade em cidade, apresentando-se em _______
públicas.

8. Trupes itinerantes apresentavam peças _______ durante a Renascença.

VERTICAL

1. O teatro de rua busca envolver e surpreender o público em espaços _______.

2. O teatro ao ar livre sempre teve um caráter acessível e _______.

3. As festividades medievais muitas vezes envolviam máscaras, música e uma combinação de elementos _______
e cômicos.

4. ------- de rua passaram a utilizar espaços urbanos como seus palcos.

6. O teatro de rua transcende os limites convencionais dos _______.

O teatro de rua, ao se desdobrar nas praças, ruas e parques, transcende as paredes tradicionais dos teatros,
encontrando um palco no coração das cidades. Essa forma de expressão artística não apenas proporciona
entretenimento, mas também desempenha um papel crucial na valorização dos espaços públicos e na
construção de uma relação mais rica entre os cidadãos e a cidade.
O teatro de rua é uma celebração da interação entre a arte e o ambiente urbano. Ao invadir praças
movimentadas, oferece espetáculos que dialogam diretamente com a arquitetura e a atmosfera da cidade. Esta
interação dinâmica não só enriquece a experiência teatral, mas também valoriza os espaços públicos ao
transformá-los em palcos vibrantes.
Proximidade e Acessibilidade:
Uma das características marcantes do teatro de rua é sua proximidade com o público. Ao se desenrolar em
espaços abertos, cria uma atmosfera mais acessível, permitindo que pessoas de todas as idades e origens
participem das performances de forma espontânea.
Democratização Cultural:
O teatro de rua desempenha um papel essencial na democratização cultural. Ao levar apresentações para além
dos teatros convencionais, alcança uma audiência mais ampla, contribuindo para a diversidade cultural e o
acesso universal à arte.
Integração com a Comunidade:
As apresentações ao ar livre envolvem a comunidade de maneiras únicas. Os cidadãos tornam-se parte ativa do
espetáculo, conectando-se não apenas com os artistas, mas também entre si. Essa integração fortalece os laços
comunitários e promove um senso de pertencimento.
Apropriação dos Espaços Urbanos:
O teatro de rua promove a apropriação positiva dos espaços urbanos. Praças e parques tornam-se palcos
efêmeros que acolhem narrativas cativantes, transformando o cotidiano em algo extraordinário e inspirador.
Desafio à Rotina Urbana:
Ao desafiar a rotina urbana, o teatro de rua oferece um escape temporário do ritmo acelerado da vida moderna.
Proporciona momentos de pausa, reflexão e celebração, incentivando os cidadãos a apreciarem a cidade de
maneiras novas e inesperadas.

1-O que é uma característica marcante do teatro de rua em relação à proximidade com o público?

a) Distância distante

b) Isolamento social

c) Proximidade acessível

d) Exclusividade elitista

2-Qual papel essencial o teatro de rua desempenha na cultura?

a) Restrição cultural

b) Democratização cultural

c) Cultura elitista

d) Cultura inacessível

3-Como as apresentações ao ar livre impactam a comunidade?

a) Isolamento comunitário

b) Desconexão cultural

c) Integração com a comunidade

d) Exclusão comunitária

4-O que o teatro de rua promove em termos de espaços urbanos?

a) Apropriação positiva

b) Desinteresse comunitário

c) Desvalorização urbana
d) Ruptura comunitária

5-Qual é o efeito do teatro de rua na rotina urbana?

a) Aceleração da vida moderna

b) Estagnação cultural

c) Ignorar a cidade

d) Pausa e reflexão

1-c) Proximidade acessível

2-b) Democratização cultural

3-c) Integração com a comunidade

4-a) Apropriação positiva

5-d) Pausa e reflexão

 "O Auto da Compadecida" é um filme brasileiro lançado em 2000,
dirigido por Guel Arraes e baseado na peça teatral homônima de
Ariano Suassuna. O filme conquistou o público brasileiro com sua
comédia inteligente, personagens cativantes e uma abordagem
única das tradições nordestinas.

1. Sinopse do Filme:

"O Auto da Compadecida" se passa no Nordeste brasileiro e

narra a história de João Grilo e Chicó, dois amigos muito
espertos e engraçados que vivem uma série de aventuras
enquanto tentam sobreviver em um mundo repleto de
personagens excêntricos e desafios inesperados. A trama se
desenrola em torno de suas artimanhas e golpes, mas também
aborda temas mais profundos, como a religiosidade e a moralidade.

2. Personagens Inesquecíveis:

O filme apresenta uma galeria de personagens memoráveis, incluindo o cangaceiro Severino, o padre João, a
Compadecida (a Virgem Maria) e o diabo, interpretado brilhantemente por Matheus Nachtergaele. Cada
personagem desempenha um papel importante na história e contribui para o humor e a sátira social do filme.

3. Humor e Crítica Social:

"O Auto da Compadecida" é conhecido por seu humor inteligente e sua crítica social. Embora seja uma
comédia, o filme aborda questões como a hipocrisia religiosa, a desigualdade social e a corrupção, tudo isso
com um toque de irreverência e sarcasmo.

4. A Recepção do Público:

O filme foi um grande sucesso de bilheteria no Brasil e conquistou o público com seu estilo único. Ele se tornou
um clássico do cinema nacional e é frequentemente lembrado como uma das melhores brasileiras já
produzidas.

1. Qual é o nome dos protagonistas de "O Auto da Compadecida"?

a) Zé e Maria

b) João Grilo e Chicó

c) Severino e João

d) Pedro e Bento

2. Qual é o gênero cinematográfico de "O Auto da Compadecida"?

a) Drama

b) Ação

c) Comédia

d) Terror

3. Quem dirigiu o filme "O Auto da Compadecida"?

a) Ariano Suassuna

b) Guel Arraes

c) Matheus Nachtergaele

d) Lima Duarte

4. Qual personagem é interpretado por Matheus Nachtergaele no filme?

a) João Grilo

b) Chicó

c) Severino
d) O diabo

5. Além do humor, "O Auto da Compadecida" aborda quais temas importantes?

a) Religião e moralidade

b) Ficção científica e tecnologia

c) Política internacional

d) Esportes radicais

1- b) João Grilo e Chicó

2- c) Comédia
3- b) Guel Arraes
4- d) O diabo
5- a) Religião e moralidade
A Arte de Resistência é um fenômeno cultural e político que emerge em contextos desafiadores, servindo como
uma voz para os oprimidos e uma expressão de desafio diante de regimes autoritários. Neste texto, exploraremos
como a arte se torna uma forma de resistência, desafiando estruturas de poder e provocando reflexões sobre
questões sociais.
A Arte de Resistência é uma resposta ousada a circunstâncias que exigem a expressão de descontentamento,
protesto e aspirações por mudança. Artistas que se dedicam a essa forma de expressão muitas vezes
encontram-se em situações em que a liberdade de expressão é limitada ou a opressão é predominante. Eles usam
suas criações para transcender barreiras, alcançar o público e inspirar movimentos de resistência.
Narrativas Desafiadoras:
A Arte de Resistência desafia narrativas estabelecidas, questionando as versões oficiais dos eventos e
proporcionando uma visão alternativa. Isso cria um espaço para discutir verdades ocultas e promover diálogos
críticos.
Desconstrução de Estereótipos:
Artistas de resistência frequentemente trabalham para desconstruir estereótipos prejudiciais, apresentando
narrativas autênticas que desafiam as percepções negativas impostas a certos grupos sociais.
Exploração de Meios Diversos:
A diversidade de meios de expressão é uma característica marcante da Arte de Resistência. Pode se manifestar em
pinturas, esculturas, performances, música e outras formas, ampliando o alcance das mensagens de resistência.
Solidariedade e Empatia:
Através da representação de experiências compartilhadas, a Arte de Resistência promove a solidariedade e a
empatia. Ela cria uma conexão entre os espectadores e as realidades enfrentadas por aqueles que resistem.
Desencadeamento de Mudanças Sociais:
Além de ser uma forma de expressão, a Arte de Resistência tem o poder de catalisar mudanças sociais. Ao inspirar
reflexão e ação, ela pode se tornar um impulso para movimentos que buscam transformações significativas.

1-O que a Arte de Resistência desafia em relação às narrativas estabelecidas?

a) A aceitação passiva
b) As versões oficiais dos eventos
c) A conformidade irrestrita
d) A indiferença artística

2-Qual é um dos objetivos principais da Arte de Resistência em relação aos estereótipos?

a) Reforçar estereótipos
b) Criar narrativas prejudiciais
c) Desconstruir estereótipos
d) Ignorar representações autênticas

3-O que caracteriza a diversidade na Arte de Resistência?

a) Restrição de meios
b) Uniformidade expressiva
c) Limitação de formas
d) Diversidade de meios

4-Que conexão a Arte de Resistência busca criar entre os espectadores e aqueles que resistem?

a) Desinteresse mútuo
b) Desconexão emocional
c) Solidariedade e empatia
d) Indiferença compartilhada

5-Qual é o potencial transformador da Arte de Resistência?

a) Desencadeamento de mudanças sociais

b) Incentivo à conformidade
c) Manutenção do status quo
d) Estagnação cultural

1-b) As versões oficiais dos eventos

2-c) Desconstruir estereótipos

3-d) Diversidade de meios

4-c) Solidariedade e empatia

5-a) Desencadeamento de mudanças sociais

1-O que inspirou Pablo Picasso a criar a obra "Guernica" em 1937?
a) Uma paisagem tranquila
b) Eventos mitológicos
c) Cenas do cotidiano parisiense
d) O conflito da Guerra Civil Espanhola

2-Qual evento específico da Guerra Civil Espanhola é representado na pintura?

a) A queda de Barcelona
b) O bombardeio de Guernica
c) A assinatura do Tratado de Não Intervenção
d) O cerco a Madri

3-Quais elementos visuais na pintura "Guernica" expressam o sofrimento humano e a devastação?

a) Cores vibrantes e cenas alegres
b) Figuras distorcidas, gritos e chamas
c) Paisagens serenas e retratos formais
d) Símbolos abstratos sem significado aparente

4-Que animal recorrente na obra simboliza o sofrimento e a brutalidade da guerra?

a) Cavalo
b) Águia
c) Leão
d) Cobra

5-Quais são os tons predominantes na paleta de cores de "Guernica", contribuindo para a atmosfera
sombria da obra?
a) Tons vivos e alegres
b) Cores neutras e pastéis
c) Preto, branco e cinza
d) Vermelho, amarelo e verde

1-d) O conflito da Guerra Civil Espanhola

2-b) O bombardeio de Guernica
3-b) Figuras distorcidas, gritos e chamas
4-a) Cavalo
5-c) Preto, branco e cinza
Durante o período militar no Brasil (1964-1985), a arte se tornou uma ferramenta poderosa de resistência
contra o regime autoritário. Artistas de diversas disciplinas encontraram maneiras de expressar seu
descontentamento e questionar as injustiças por meio de obras que transcendiam as limitações impostas pelo
governo. Vamos explorar como a arte se tornou um veículo essencial de resistência nesse contexto.
O período militar no Brasil foi marcado por uma atmosfera repressiva, com censura e perseguições políticas.
No entanto, muitos artistas desafiaram essas restrições, utilizando suas obras para expressar críticas sutis,
simbolismos e mensagens de resistência. A música, o teatro, a literatura e as artes visuais foram meios pelos
quais a criatividade floresceu, apesar das adversidades.
Censura e Desafio:
A censura rigorosa imposta pelo regime militar levou os artistas a encontrarem formas criativas de driblar as
restrições. O uso de metáforas e símbolos permitiu que as mensagens de resistência fossem transmitidas de
maneira menos explícita.
Tropicália e Inovação Musical:
O movimento da Tropicália na música brasileira, liderado por artistas como Caetano Veloso e Gilberto Gil,
incorporou elementos tradicionais e inovadores, desafiando as normas estéticas e políticas estabelecidas.
Teatro de Resistência:
O teatro também desempenhou um papel crucial na resistência. Peças como "Roda Viva", de Chico Buarque,
ofereciam críticas sociais por meio de narrativas complexas e simbolismos, exigindo uma leitura mais profunda
por parte do público.
Literatura Engajada:
Autores como Guimarães Rosa e Graciliano Ramos, embora sob vigilância, produziram obras que capturavam a
essência do período, destacando as tensões e a opressão vivenciadas pela sociedade.
Arte Visual como Protesto:
Artistas visuais, como Cildo Meireles, exploraram instalações e obras conceituais para transmitir mensagens de
resistência, muitas vezes de forma subversiva e críptica
A arte faz parte da existência humana. O filósofo alemão Nietzsche (1844-1900) afirmou que “a arte é o grito de
liberdade do ser humano”. Ela é a forma de expressarmos, de várias formas, nossas angústias e sentimentos, seja
pela poesia ou pela pintura, pela escultura ou pela fotografia, ou pela escultura, por um filme ou coreografia.
Toda cultura sempre tem presente a arte, tanto no domínio religioso quanto no profano. Recorre a técnicas com o
fim de elaborar a visão do mundo em que vivemos, criando o
belo. Nesse sentido, a estética passou a analisar o sentido, a
sensibilidade, o espírito presente nas obras-primas.
Enquanto, no Período Moderno, o espírito encarnava-se na
arte romântica, no século XIX, de acordo com o filósofo Hegel
(1770-1831), o conceito de beleza dependeria de mudanças
culturais. O desafio, então, era apresentar a realidade
brasileira para o mundo. No ano em que comemoramos o
centenário da Semana de Arte Moderna, pudemos refletir um
pouco sobre a importância desse movimento em nosso país, apreciando várias obras.
A identidade e a nacionalidade brasileira foram muito bem retratadas por vários artistas, como o quadro de Tarsila
do Amaral acima, além das obras de Anita Malfatti, Mário de Andrade, Oswald de Andrade, Victor Brecheret,
Graça Aranha, Menotti Del Picchia, Guilherme de Almeida, Heitor Villa-Lobos, Di Cavalcanti e outros. Destacaram a
passagem da economia rural do café para a indústria, a realidade do êxodo, da seca, do morro, do samba, da
miscigenação, enfim, de vários cenários sociais, culturais, religiosos e também questões políticas.
A arte tem a preocupação de retratar, por meio de traços criativos,
situações-problemas e demonstrar a resistência de um povo que
trabalha. Segundo Cassiano Cordi, “A missão do artista é criar (o belo,
o feio, o trágico…)”.
Para alguns estudiosos da arte, há três problemas que fazem parte
no campo de investigação da estética: a relação entre arte e a
natureza, da arte com o homem e a função da arte. Para que serve a
arte?
Na relação entre arte e natureza, há três concepções: 1) da
reprodução, da imitação que o ser humano vê a partir do objeto
observado; 2) com o Romantismo, a arte parte da criatividade,
originalidade do artista, a obra independe da natureza e passa a
exprimir sentimentos do artista; 3) por último, a arte resulta das relações do artista com a natureza e de sua
experiência com o estar no mundo, desvela a realidade e constrói um sentido novo para sua obra contemporânea
(como exemplo, a obra que está acima). Novas formas artísticas surgiram, como o grafite, que também tem
demonstrado a diversidade.

S E O O R R A U I E L F H L R N T N T C D T
N T T A A M C O R E O G R A F I A E E R R S
C S E D T N R D A T R E S I S T Ê N C I A N
S U L C E I N E O H E G R N U S Á O M A D W
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R S E M F R L É X P A D S O R L N L S I N P
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C R T R E S
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G R A F I T E A Ê E M E A Ê
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D I V E R S I D A D E C A T E C
L I B E R D A D E I N O I
A
M I S C I G E N A Ç Ã O A A

● ARTE ● GRAFITE
● ARTISTA ● IDENTIDADE
● BELEZA ● LIBERDADE
● CENÁRIOS ● MISCIGENAÇÃO
● COREOGRAFIA ● MODERNO
● CRIATIVIDADE ● MOVIMENTO
● CULTURA ● MUNDO
● DIVERSIDADE ● NATUREZA
● ESTÉTICA ● PASSAGEM
● EXISTÊNCIA ● REALIDADE
● EXPERIÊNCIA ● RESISTÊNCIA
● FOTOGRAFIA ● ROMANTISMO
● SEMANA
1-Qual é o título da obra de Tarsila do Amaral que retrata operários?

2-De acordo com a obra "Os Operários", que grupo social Tarsila do Amaral escolheu representar?

3-Como a arte é destacada na pintura de Tarsila do Amaral, sugerindo uma forma de resistência?

4-Que elementos específicos na obra indicam a presença da temática da resistência artística contra questões sociais?
1-A obra é intitulada "Operários" ou "Os Operários".

2-: Tarsila do Amaral escolheu representar operários, indicando a classe trabalhadora.

3-A arte é destacada na pintura por meio da expressividade dos traços, das cores e da escolha da
temática operária, sugerindo uma resistência artística ao abordar questões sociais.

4-Elementos como a representação da classe operária, a escolha de cores e o estilo artístico podem
indicar a presença da temática da resistência artística, pois Tarsila do Amaral utiliza a arte como meio de
expressar críticas e reflexões sobre a sociedade.
1-Quem é o artista responsável pela obra "Os Retirantes"?

2-Como a obra "Os Retirantes" de Portinari aborda a temática da resistência?

3-Qual é a principal temática social representada na pintura "Os Retirantes"?

4-Como a expressividade das figuras humanas na pintura de Portinari contribui para transmitir a mensagem de
resistência?
1-Cândido Portinari.

2-A obra aborda a resistência ao retratar a dura realidade dos retirantes, destacando a persistência e
resiliência em meio às adversidades.

3-A principal temática social é a migração forçada e as dificuldades enfrentadas pelos retirantes, o que
ressalta a resistência diante das condições adversas.

4-A expressividade das figuras humanas, por meio de suas posturas e expressões faciais, destaca a luta e
a resistência dos retirantes, transmitindo uma mensagem emotiva sobre as dificuldades enfrentadas.
1-Quem é o artista responsável pela obra "Colheita de Café"?

2-Como a pintura "Colheita de Café" reflete a temática da resistência por meio da arte?

3-Qual elemento central na obra "Colheita de Café" simboliza a resistência dos trabalhadores?

4-De que maneira a composição de "Colheita de Café" contribui para transmitir a mensagem de resistência?
1-A obra "Colheita de Café" é de autoria do artista Cândido Portinari.

2-A pintura reflete a resistência ao representar o trabalho árduo dos colhedores de café, destacando a
força e a resiliência diante das condições desafiadoras.

3-O elemento central que simboliza a resistência dos trabalhadores é a representação da colheita,
evidenciando o esforço e a determinação no trabalho agrícola.

4-A composição da obra contribui para transmitir a mensagem de resistência ao enfatizar a coletividade
dos trabalhadores, suas expressões determinadas e a grandiosidade da lavoura, destacando a
importância do trabalho conjunto na superação de desafios.
A música "Pra Não Dizer Que Não Falei Das Flores," também conhecida como "Caminhando," é uma obra
emblemática do cantor e compositor brasileiro Geraldo Vandré. Lançada em 1968, durante um período de
intensa repressão política no Brasil, a canção tornou-se um hino de resistência e protesto. Vamos explorar as
nuances da música e suas conexões com o contexto sociopolítico da época.

A Música "Pra Não Dizer Que Não Falei Das Flores" e a Resistência Artística: Uma Análise

A música "Pra Não Dizer Que Não Falei Das Flores," também conhecida como "Caminhando," é uma obra
emblemática do cantor e compositor brasileiro Geraldo Vandré. Lançada em 1968, durante um período de
intensa repressão política no Brasil, a canção tornou-se um hino de resistência e protesto. Vamos explorar as
nuances da música e suas conexões com o contexto sociopolítico da época.

"Pra Não Dizer Que Não Falei Das Flores" é uma composição que reflete o clima político tenso vivido durante o
regime militar brasileiro. Geraldo Vandré, por meio de sua poesia engajada, convoca à ação e expressa a
esperança por um futuro mais justo. A canção tornou-se um símbolo da resistência civil e foi entoada em
manifestações e protestos.
A letra da música é carregada de simbolismos e metáforas, convidando o ouvinte a refletir sobre a situação
política do país. O refrão enfático, "Vem, vamos embora, que esperar não é saber / Quem sabe faz a hora, não
espera acontecer," ressoa como um chamado à mobilização e à participação ativa na busca por mudanças.

1-Qual é o título alternativo da música "Pra Não Dizer Que Não Falei Das Flores"?
a) "Caminhando"
b) "Protesto Popular"
c) "Resistência Sonora"
d) "Grito pela Liberdade"

2-Em que ano a música foi lançada?

a) 1964
b) 1980
c) 1972
d) 1968

3-Qual é a mensagem central do refrão da música?

a) Apelo à violência
b) Esperança e resistência
c) Aceitação passiva
d) Submissão ao regime

4-O que a expressão "Quem sabe faz a hora, não espera acontecer" sugere na música?
a) Inatividade
b) Proatividade e ação
c) Dependência do tempo
d) Aceitação resignada

5-Em que contexto político a música ganhou destaque como hino de resistência?
a) Ditadura Militar Brasileira
b) Revolução Industrial
c) Guerra Fria
d) Primavera Árabe

1-a) "Caminhando"

2-d) 1968

3-b) Esperança e resistência

4-b) Proatividade e ação

5-a) Ditadura Militar Brasileira

HORIZONTAL
2. Geraldo ----- compôs a música "Pra não dizer que não falei de flores".
4. Quais são os indivíduos que estão "marchando indecisos cordões" segundo a letra?
5. "Nas escolas, nas _______, campos, construções."
6. "Há soldados armados, amados ou não, quase todos perdidos de armas na ________."
8. Qual é a atividade mencionada nos versos: "Pelos campos há fome em grandes _______"?
9. "Somos todos ______, braços dados ou não."

VERTICAL
1. Qual é a palavra que representa a luta pela justiça social no trecho: "Quem sabe faz a hora, não
espera acontecer"?
3. Qual é a palavra que simboliza a resistência pacífica na frase: "Caminhando e cantando e seguindo a
canção"?
4. Que lição é ensinada nos quartéis, de acordo com a música? ------- pela pátria e viver sem razão.
7. Qual é a palavra que representa a luta contra a opressão nos versos: "E acreditam nas flores
vencendo o _______"?
 Ao longo dos séculos, os povos indígenas de todo o mundo enfrentaram
inúmeras adversidades, incluindo a colonização, a opressão e a perda de
território. No entanto, eles também têm demonstrado uma incrível
resiliência e capacidade de resistência, que se manifestam de maneiras
diversas, uma das quais é a arte. A expressão artística indígena não apenas
celebra a riqueza cultural e espiritual desses povos, mas também serve
como um meio poderoso de resistência, lembrando ao mundo de sua
existência e das lutas que enfrentam.

A Arte como Um Veículo de Resistência

A arte indígena tem sido usada como uma forma de resistência desde os tempos antigos. Pinturas, esculturas,
danças, músicas e cerâmicas são apenas algumas das maneiras pelas quais os indígenas se expressam e resistem
às pressões da colonização e da assimilação. Essas
formas de expressão artística frequentemente
abordam questões críticas, como a perda de
território, a destruição do meio ambiente, a
preservação das línguas indígenas e a luta contra a
opressão.

A Música e a Dança como Manifestações de

Resistência

A música e a dança também desempenham papéis

significativos na resistência indígena. Através de
canções tradicionais e danças cerimoniais, os povos
indígenas celebram sua cultura e espiritualidade,
reforçando a importância desses elementos em suas vidas. Além disso, a música e a dança são frequentemente
usadas em protestos e eventos culturais para chamar a atenção para questões como a luta por direitos territoriais
e a preservação das tradições.

1-Como a expressão artística indígena é vista em relação à resistência?

a) Como uma forma de assimilação.

b) Como uma maneira de negar suas tradições.

c) Como um poderoso meio de resistência.

d) Como algo irrelevante para a luta indígena.

2-Que formas de expressão artística são mencionadas no texto como sendo usadas pelos indígenas na
resistência?

a) Literatura e teatro.

b) Pinturas, esculturas, danças, músicas e cerâmicas.

c) Fotografia e cinema.

d) Arquitetura e design de interiores.

3-Qual das seguintes questões não é abordada como tema na arte indígena mencionada no texto?

a) A perda de território.

b) A destruição do meio ambiente.

c) A preservação das línguas indígenas.

d) A história da colonização europeia.

4-Como a música e a dança são utilizadas na resistência indígena?

a) Para entretenimento exclusivo.

b) Para reforçar estereótipos culturais.

c) Como formas de celebrar a cultura e chamar a atenção para questões importantes.

d) Para alienar os não indígenas.

5-Qual é o propósito principal da arte indígena mencionada no texto?

a) Celebrar a riqueza cultural e espiritual e resistir à pressão externa.

b) Promover a assimilação cultural.

c) Substituir as tradições culturais.

d) Ignorar questões sociais e políticas.

1- c) Como um poderoso meio de resistência.

2- b) Pinturas, esculturas, danças, músicas e cerâmicas.
3- d) A história da colonização europeia.
4- c) Como formas de celebrar a cultura e chamar a atenção para questões importantes.
5- a) Celebrar a riqueza cultural e espiritual e resistir à pressão externa.
Jean-Baptiste Debret, um renomado artista francês, desempenhou um papel fundamental na documentação
visual do Brasil do século XIX. Sua extensa obra oferece uma visão única da cultura, história e sociedade
brasileira da época. Neste texto, exploraremos a vida e o legado de Debret, bem como algumas de suas obras
mais notáveis.

Jean-Baptiste Debret nasceu em 1768, na França, e tornou-se conhecido por suas ilustrações detalhadas que
capturaram a vida no Brasil durante o período em que residiu no país, de 1816 a 1831. Suas obras incluem
pinturas, desenhos e gravuras que documentam aspectos variados da sociedade brasileira da época, desde cenas
do cotidiano até retratos de figuras históricas.

Alguns destaques notáveis das obras de Debret incluem:

"Fala do Trono" (1823): Esta pintura retrata a cerimônia em que Dom Pedro I discursa na Assembleia
Constituinte, marcando um momento crucial na história do Brasil.

"A Feira" (1828): Debret retrata uma animada feira no Rio de Janeiro, capturando a diversidade cultural e social
da cidade na época.

"Cenas de Escravidão": Muitas das obras de Debret também abordam a escravidão no Brasil, lançando luz sobre
a realidade brutal enfrentada pelos africanos escravizados.
"Tipos Populares do Brasil": Debret criou uma série de gravuras que representavam diferentes grupos étnicos e
sociais do Brasil, oferecendo um panorama da diversidade do país.

"Vistas do Rio de Janeiro": Este livro de Debret apresenta várias vistas panorâmicas da cidade do Rio de Janeiro,
que se tornaram uma referência histórica importante.

1-Qual foi o período em que Jean-Baptiste Debret viveu no Brasil?

a) 1700s

b) 1800s

c) 1900s

d) 2000s

2-Qual evento histórico é retratado na obra "Fala do Trono" de Debret?

a) A Independência do Brasil

b) A Proclamação da República

c) A Abolição da Escravatura

d) A Guerra dos Farrapos

3-Que aspecto da sociedade brasileira do século XIX Debret documentou em suas obras?

a) A tecnologia industrial

b) A política internacional

c) A vida cotidiana e cultural

d) A exploração espacial

4-Qual foi o tema principal das gravuras de Debret na série "Tipos Populares do Brasil"?

a) Animais selvagens

b) Grupos étnicos e sociais

c) Paisagens naturais

d) Monumentos históricos

5-Qual cidade brasileira é amplamente retratada nas "Vistas do Rio de Janeiro" de Debret?

a) São Paulo
b) Brasília

c) Salvador

d) Rio de Janeiro

1-b) 1800s

2-a) A Independência do Brasil

3-c) A vida cotidiana e cultural

4-b) Grupos étnicos e sociais

5-d) Rio de Janeiro

O movimento Top Rock, uma forma de dança originada nas ruas de Nova Iorque, nos Estados Unidos, como parte
da cultura hip-hop, encontrou um lar caloroso e vibrante no Brasil. O Top Rock é uma dança de rua que se destaca
por seus movimentos de pés rápidos e estilo energético, frequentemente realizado em batalhas de dança ou em
apresentações públicas. No Brasil, o movimento Top Rock cresceu e se desenvolveu de forma única, influenciado
pelas ricas tradições culturais do país e pelo compromisso apaixonado dos dançarinos de rua.

O movimento Top Rock brasileiro é uma celebração da cultura e da criatividade. Os dançarinos locais incorporaram
elementos da cultura brasileira em suas performances, fundindo o Top Rock com ritmos e músicas tradicionais do
país, como o samba e o funk carioca. Esse sincretismo cultural deu origem a um estilo distintamente brasileiro de
Top Rock, que é reconhecido por sua energia contagiante e movimentos únicos.

Além de ser uma forma de expressão artística, o Top Rock também desempenha um papel importante na vida de
muitos jovens brasileiros. Ele oferece uma alternativa positiva para jovens que podem estar expostos a desafios
sociais e econômicos, fornecendo-lhes uma plataforma para canalizar sua criatividade e paixão. As batalhas de
dança de Top Rock são eventos sociais e culturais que reúnem pessoas de todas as idades e origens, promovendo
a comunidade e a união.

No entanto, o movimento Top Rock brasileiro também enfrenta desafios. A falta de espaços adequados para a
prática, bem como o acesso limitado a recursos e apoio institucional, podem ser obstáculos para sua expansão e
desenvolvimento. Apesar desses obstáculos, os dançarinos de Top Rock brasileiros continuam a se destacar
internacionalmente, participando de competições e eventos em todo o mundo e conquistando reconhecimento
por sua destreza e originalidade.
O movimento Top Rock brasileiro é uma história de resiliência, criatividade e paixão. É uma manifestação artística
que celebra a diversidade cultural do Brasil, enquanto oferece oportunidades e inspiração para jovens em todo o
país. À medida que o movimento continua a evoluir, é importante reconhecer seu impacto cultural e social
duradouro e apoiar seus praticantes em sua busca contínua por excelência na dança de rua.

HORIZONTAL

1. O Top Rock também desempenha um papel importante na vida de muitos jovens -----

7. O movimento Top Rock brasileiro é uma história de resiliência, ---------- e paixão

8. Qual é a origem do Top Rock?

9. Como o Top Rock é realizado com frequência?

10. Quais são os desafios enfrentados pelo movimento Top Rock no Brasil?

VERTICAL

2. O que o Top Rock oferece aos jovens brasileiros?

3. O movimento Top Rock brasileiro é uma------- da cultura e da criatividade.

4. Quais são as principais características do Top Rock?

5. O que é o Top Rock?

6. Que tipo de música brasileira influenciou o Top Rock no Bras

"Vem Dançar" é um filme de 2006, dirigido por Liz Friedlander e estrelado por Antônio Banderas. A
história é baseada em fatos reais e segue a jornada de Pierre Dulaine, um renomado dançarino de
salão, que decide usar sua paixão pela dança para fazer a diferença na vida de jovens problemáticos
de uma escola pública de Nova Iorque.
O filme começa quando Pierre Dulaine, interpretado por Antônio Banderas, se aposenta das
competições de dança de salão e retorna a sua cidade natal de Nova Iorque. Lá, ele oferece sua
experiência em dança para os alunos de uma escola pública que enfrenta problemas de disciplina e
falta de perspectiva. Pierre acredita que a dança de salão não apenas ensina passos de dança, mas
também valores como respeito, disciplina e trabalho em equipe.
Ao longo do filme, Pierre enfrenta diversos desafios, incluindo a resistência inicial dos alunos em
participar das aulas de dança, a falta de apoio da
administração escolar e suas próprias dúvidas
sobre o impacto que pode causar. No entanto, à
medida que ele se envolve com os alunos e os
inspira a se superarem, a dança se torna uma
ferramenta poderosa de transformação e
empoderamento.

Qual é o nome do personagem interpretado por Antônio Banderas em "Vem Dançar"?

a) Pierre Dulaine

b) Tony Manero

c) John Smith

d) Michael Jackson

O que motiva Pierre Dulaine a oferecer aulas de dança de salão para os alunos da escola pública em
"Vem Dançar"?

a) Ele quer ganhar dinheiro com as aulas.

b) Ele busca uma forma de reviver sua carreira de dançarino.

c) Ele acredita que a dança pode ensinar valores importantes aos jovens.

d) Ele é forçado a dar aulas como parte de sua pena.

Que tipo de desafios Pierre Dulaine enfrenta ao tentar ensinar dança de salão aos alunos da escola
pública?

a) Falta de experiência em dança.

b) Resistência dos alunos e falta de apoio da administração escolar.

c) Conflitos pessoais com outros instrutores.

d) Incapacidade de encontrar um local adequado para as aulas.

Além de ensinar passos de dança, quais valores Pierre Dulaine acredita que a dança de salão pode
transmitir?

a) Respeito, disciplina e trabalho em equipe.

b) Agressividade, competição e individualismo.

c) Desprezo pelos outros e desonestidade.

d) Tolerância, indiferença e egoísmo.

Como a dança de salão é retratada no filme "Vem Dançar"?

a) Como uma atividade sem importância.

b) Como uma forma de entretenimento superficial.

c) Como algo apenas para pessoas ricas e privilegiadas.

d) Como uma ferramenta de transformação e empoderamento.

1- a) Pierre Dulaine
2- c) Ele acredita que a dança pode ensinar valores importantes aos jovens.
3- b) Resistência dos alunos e falta de apoio da administração escolar.
4- a) Respeito, disciplina e trabalho em equipe.
5- d) Como uma ferramenta de transformação e empoderamento.
HORIZONTAL

2. A arte contemporânea busca transcender o _________ ao abordar questões ambientais.

6. Muitos artistas contemporâneos adotam uma abordagem ecológica, utilizando materiais _________.

8. Artistas que se dedicam à Land Art utilizam elementos encontrados _________ na natureza.

9. Muitas obras contemporâneas abordam ameaças à _________, mudanças climáticas e exploração desenfreada
dos recursos naturais.

10. Objetivo de muitas obras contemporâneas que buscam sensibilizar o público para questões _________.

VERTICAL

1. Alguns artistas se engajam diretamente no _________ ambiental, usando suas criações como ferramentas para
inspirar mudanças.
3. A arte também desempenha um papel na preservação da _________ e das tradições ligadas à natureza.

4. A Land Art envolve a criação de obras diretamente no ambiente _________.

5. Artistas que exploram a relação complexa entre seres humanos e a natureza utilizam suas criações como uma
forma de reflexão e _________.

7. A Land Art destaca a temporalidade e a _________ das obras, provocando reflexões sobre a fragilidade do meio
ambiente
A Land Art., também conhecida como Earthworks ou Arte Ambiental, é uma forma de expressão artística
que utiliza elementos naturais encontrados no ambiente para criar obras. Surgiu na década de 1960
como resposta ao movimento artístico tradicional, buscando uma conexão mais direta com a natureza e
promovendo a interação entre a arte e o meio ambiente. Artistas que adotam a Land Art.
frequentemente utilizam rochas, troncos, terra, plantas e outros materiais orgânicos para criar esculturas
temporárias ou permanentes em ambientes naturais.
A integração com a paisagem é fundamental para a Land Art. Ao contrário das obras convencionais em
galerias, essas criações são concebidas para existir em harmonia com o entorno, muitas vezes em locais
remotos e intocados. A paisagem não apenas serve como inspiração, mas é parte intrínseca da obra de
arte, modificando-se ao longo do tempo devido às condições naturais.
Artistas como Andy Goldsworthy, Richard Long e Robert Smithson foram pioneiros na Land Art.,
deixando um legado de obras que desafiam as fronteiras entre a natureza e a arte. Suas criações muitas
vezes evocam um senso de efemeridade, destacando a transitoriedade da vida e a dinâmica constante
da natureza.

HORIZONTAL

6. Qual é o sentido evocado pelas criações de Land Art.?

7. Em 1960 a Land Art. surgiu como ------- artística.

8. O que a paisagem representa nas obras de Land Art.?

9. Rochas, troncos, terra e -----são materiais orgânicos frequentemente usados ​na Land Art.

VERTICAL

1. Quais artistas são referenciados como pioneiros na Land Art.?

2. Qual é o objetivo da Land Art. em relação à paisagem?

3. Qual conceito a Land Art. desafia nas artes convencionais?

4. Onde as obras de Land Art. podem ser localizadas?

5. Em que tipo de ambiente as obras de Land Art. são frequentemente criadas?

6. Qual é o nome alternativo para a Land Art.?

l
A interseção entre arte e ativismo tem sido uma força poderosa na sociedade, utilizando a expressão artística
como meio de protesto, conscientização e transformação social. Artistas engajados encontram na criação visual,
musical e performática uma plataforma para abordar questões urgentes, provocar diálogo e inspirar ação. Vamos
explorar como a arte e o ativismo se entrelaçam para gerar impacto.
A arte e o ativismo têm uma longa história de colaboração, cada um amplificando o poder do outro. Artistas
ativistas buscam ir além da estética visual, incorporando mensagens políticas, sociais e ambientais em suas obras.
Essa abordagem desafia a ideia convencional de que a arte deve ser apolítica e destaca o papel vital que ela
desempenha na moldagem da consciência coletiva.
A Arte como Ferramenta de Protesto:
Muitos movimentos sociais encontram na arte um meio de protestar de maneira impactante. Pinturas, esculturas,
músicas e performances podem transmitir mensagens poderosas que ressoam nas mentes e nos corações das
pessoas.
Conscientização e Empatia:
A arte ativista frequentemente busca gerar conscientização e empatia em relação a questões sociais. Fotografias,
instalações e peças teatrais são usadas para narrar histórias que humanizam causas e conectam indivíduos a
realidades muitas vezes distantes.
Inovação e Subversão:
A natureza inovadora da arte permite que artistas ativistas subvertam normas e desafiem o status quo. A quebra
de convenções artísticas tradicionais muitas vezes reflete a urgência de mudança social.
Movimentos Culturais e Artísticos:
Artistas frequentemente desempenham papéis-chave em movimentos culturais e artísticos que buscam mudanças
significativas. O movimento hip-hop, por exemplo, é conhecido por seu ativismo cultural, abordando questões
raciais e sociais por meio da música, dança e Graffiti.
Impacto Duradouro:
O impacto da arte ativista muitas vezes transcende o momento do protesto. Obras emblemáticas, como a famosa
pintura "Guernica" de Pablo Picasso, continuam a inspirar reflexão sobre a brutalidade da guerra muito após sua
criação.

1-Como a arte ativista pode ser uma ferramenta de protesto?

a) Transmitindo mensagens poderosas

b) Ignorando questões sociais

c) Isolando comunidades

d) Promovendo conformidade

2-Qual é um dos objetivos da arte ativista em relação à conscientização?

a) Gerar alienação

b) Humanizar causas

c) Ignorar realidades distantes

d) Reforçar estereótipos

3-O que permite à arte ativista desafiar o status quo?

a) Adesão estrita às normas

b) Repetição de fórmulas tradicionais

c) Conservadorismo artístico

d) Inovação e subversão

4-Qual movimento é citado como exemplo de ativismo cultural por meio da música, dança e Graffiti?

a) Movimento punk

b) Movimento hip-hop

c) Renascimento artístico
d) Surrealismo

5-Por que algumas obras de arte ativista têm um impacto duradouro?

a) Porque são efêmeras

b) Porque são esquecidas rapidamente

c) Porque inspiram reflexão contínua

d) Porque são desprovidas de significado

1-a) Transmitindo mensagens poderosas

2-b) Humanizar causas

3-d) Inovação e subversão

4-b) Movimento hip-hop

5-c) Porque inspiram reflexão contínua

O Brasil, um país com vasta biodiversidade e recursos naturais, enfrenta diversos problemas ambientais que
impactam negativamente ecossistemas cruciais. Esses desafios vão desde o desmatamento da Amazônia até a
poluição de rios e mares. Compreender e abordar essas questões tornou-se uma urgência para garantir a
sustentabilidade ambiental no país.

Desmatamento na Amazônia:

O desmatamento na Amazônia é um dos problemas mais críticos. A exploração madeireira ilegal e a conversão de
terras para a agricultura têm levado à perda de biodiversidade e contribuído para as mudanças climáticas.

Poluição da Água:

A poluição de rios e mares é uma preocupação crescente. Descarte inadequado de resíduos industriais e
domésticos impacta negativamente a qualidade da água, prejudicando a vida aquática e ameaçando a saúde
humana.

Queimadas e Incêndios Florestais:

Incêndios, muitos deles provocados, afetam diversas regiões do país. Além dos impactos diretos na flora e fauna, a
fumaça contribui para problemas respiratórios e agrava as condições climáticas.
Gestão de Resíduos Sólidos:

O manejo inadequado dos resíduos sólidos é um desafio persistente. A falta de infraestrutura para coleta seletiva
e reciclagem resulta em acúmulo de lixo, contaminando o solo e causando danos ambientais.

Ameaças à Biodiversidade:

A expansão urbana e agrícola, juntamente com atividades como a caça ilegal, representa ameaças significativas à
biodiversidade. Espécies endêmicas e ecossistemas únicos estão em risco de extinção.

1-Qual é um dos principais impactos do desmatamento na Amazônia mencionado no texto?

a) Aumento da biodiversidade

b) Redução das mudanças climáticas

c) Perda de biodiversidade

d) Promoção da agricultura sustentável

2-O que contribui para a poluição de rios e mares no Brasil?

a) Manejo adequado de resíduos industriais

b) Descarte correto de resíduos domésticos

c) Descarte inadequado de resíduos industriais e domésticos

d) Uso responsável de produtos químicos agrícolas

3-Quais são os impactos mencionados dos incêndios florestais no Brasil?

a) Melhoria das condições climáticas

b) Prejuízos à flora e fauna, e problemas respiratórios

c) Aumento da biodiversidade

d) Reflorestamento natural

4-O que o manejo inadequado de resíduos sólidos pode causar?

a) Promoção da reciclagem

b) Acúmulo de lixo, contaminando o solo e causando danos ambientais

c) Redução da poluição do ar

d) Preservação da biodiversidade
 5-O que representa uma ameaça significativa à biodiversidade no Brasil?

a) Ações de conservação

b) Caça legalizada

c) Espécies exóticas

d) Expansão urbana e agrícola, e caça ilegal

1-c) Perda de biodiversidade

2-c) Descarte inadequado de resíduos industriais e domésticos

3-b) Prejuízos à flora e fauna, e problemas respiratórios

4-b) Acúmulo de lixo, contaminando o solo e causando danos ambientais

5-d) Expansão urbana e agrícola, e caça ilegal

A arte da paisagem transcende a mera representação da natureza. Do surrealismo à inovação
contemporânea, artistas exploram a criação de paisagens inventadas, transportando-nos para reinos
oníricos e desafiando nossas percepções da realidade. Vamos adentrar esses universos imaginários e
conhecer alguns artistas notáveis que contribuíram para esse fascinante campo artístico.
Paisagem Inventada:
A paisagem inventada é uma manifestação artística que vai além da reprodução realista. Artistas buscam
criar mundos imaginários, muitas vezes distorcendo elementos naturais para instigar a imaginação do
observador. Um exemplo notável é o pintor Hieronymus Bosch, cujas obras do século XV como "O Jardim
das Delícias Terrenas" apresentam paisagens fantásticas, povoadas por seres míticos e simbolismos
intrigantes.
Paisagem Surreal:
O surrealismo trouxe uma abordagem única à paisagem, desafiando a lógica e explorando o
subconsciente. Salvador Dalí, um ícone surrealista, pintou paisagens surreais que mesclam elementos
familiares de forma inusitada. Em "A Persistência da Memória", relógios derretidos são colocados em
paisagens de sonho, evocando a natureza fluida do tempo.

HORIZONTAL

1. Salvador Dalí pintou relógios derretidos na obra surrealista -------- da memória.

3. Paisagem -------- é o termo para a criação artística que vai além da reprodução realista da natureza.

7. Além da reprodução realista, a paisagem inventada busca criar o que nos observadores? Mundos---------

8. Qual é o termo para obras artísticas que distorcem elementos naturais na paisagem inventada?

VERTICAL
2. O que os artistas procuram instigar ao criar paisagens inventadas?

4. A Natureza fluida do-------que Salvador Dalí evoca ao colocar relógios derretidos em paisagens de sonho

5. Qual movimento artístico desafia a lógica e explora o subconsciente na criação de paisagens surreais?

6. Hieronymus ------- é o pintor conhecido por obras como "O Jardim das Delícias Terrenas" no estilo de paisagem
inventada

8. Salvador -----é o artista surrealista famoso por pintar relógios derretidos em paisagens de sonho em "A
Persistência da Memória"
1: Quem é o artista responsável pela pintura ‘A PERSISTÊNCIA DA MEMÓRIA"?

2: O que os relógios derretidos simbolizam na obra "A Persistência da Memória"?

3Por que os relógios estão derretidos e deformados na pintura?

4: Quais elementos naturais coexistem com os relógios na paisagem de "A Persistência da Memória"?
1-Salvador Dalí

2-O ritmo constante do tempo

3-Para sugerir a fluidez do tempo

4- Árvore e montanhas
 "O Mundo Imaginário do Dr. Parnassus" é uma obra cinematográfica
que nos leva a uma jornada surreal e fantástica, dirigida por Terry
Gilliam e lançada em 2009. Este filme é uma ode à imaginação, à
criatividade e à luta entre o bem e o mal. Com uma trama complexa e
uma estética visual deslumbrante, o filme mergulha o espectador em
um mundo onde os limites entre sonho e realidade são
constantemente desafiados.
O enredo do filme gira em torno do personagem Dr. Parnassus,
interpretado com maestria por Christopher Plummer. Dr. Parnassus é o
líder de um circo itinerante que percorre as ruas de Londres
oferecendo aos espectadores a oportunidade de explorar seus sonhos mais profundos e imaginativos. No entanto,
o circo esconde um segredo sombrio: um pacto feito com o diabo, representado por Mr. Nick, interpretado por
Tom Waits. Este acordo põe em risco a alma da filha de Dr. Parnassus, Valentina, interpretada por Lily Cole, que
deve ser entregue ao diabo quando completar 16 anos.
Uma das características mais intrigantes do filme é a forma como lida com a narrativa não linear. Durante as
filmagens, o ator Heath Ledger, que interpretava o misterioso Tony,
faleceu inesperadamente. Para superar esse obstáculo, Gilliam fez
uma escolha ousada e criativa, recorrendo a Johnny Depp, Jude
Law e Colin Farrell para interpretar diferentes encarnações do
personagem de Ledger quando ele entra no mundo imaginário do
espelho mágico de Dr. Parnassus. Essa solução única não apenas
permitiu que a produção continuasse, mas também contribuiu
para a atmosfera onírica do filme.
A estética visual de "O Mundo Imaginário do Dr. Parnassus" é uma
verdadeira festa para os olhos. Os cenários e figurinos são
espetaculares, repletos de elementos fantásticos que transportam o espectador para um universo onde a
imaginação corre solta. As cenas no mundo imaginário do espelho são particularmente impressionantes, com
cenários que se transformam em paisagens exuberantes e surreais, de acordo com os desejos das pessoas que
entram nele.
Além disso, o filme aborda temas profundos, como a natureza da imaginação e a luta entre o bem e o mal. Dr.
Parnassus, um homem atormentado por erros do passado e pelo pacto com o diabo, representa a luta da
humanidade para preservar sua inocência e criatividade diante das tentações e adversidades. Valentina, sua filha,
personifica a pureza ameaçada pelo mundo corrupto e ganancioso de Mr. Nick.
A trilha sonora do filme, composta por Jeff Danna e Mychael Danna, é igualmente impressionante e contribui para
a atmosfera única da obra. A música acompanha perfeitamente os momentos emocionais e fantásticos da
narrativa, aprofundando ainda mais a experiência do espectador.

1-Quem é o diretor de "O Mundo Imaginário do Dr. Parnassus"?

2-Qual é o segredo sombrio que envolve o circo de Dr. Parnassus?

3-Como a produção do filme lidou com a morte de Heath Ledger durante as filmagens?

4-Descreva a estética visual do filme.

5-Quais são alguns dos temas abordados em "O Mundo Imaginário do Dr. Parnassus"?
1- O diretor do filme é Terry Gilliam.
2- O circo esconde um pacto com o diabo, representado por Mr. Nick, que põe em risco a alma da filha de Dr.
Parnassus, Valentina.
3- Para superar a morte de Heath Ledger, Johnny Depp, Jude Law e Colin Farrell foram escolhidos para
interpretar diferentes encarnações do personagem de Ledger quando ele entra no mundo imaginário do
espelho de Dr. Parnassus.
4- A estética visual do filme é espetacular, com cenários e figurinos repletos de elementos fantásticos que
transportam o espectador para um universo onde a imaginação corre solta. As cenas no mundo imaginário do
espelho são particularmente impressionantes
5- Alguns dos temas abordados no filme incluem a natureza da imaginação, a luta entre o bem e o mal, a pureza
ameaçada e a busca pela criatividade e inocência.
Nos primórdios da botânica e da arte, os primeiros livros de ilustrações botânicas surgiram como preciosos
tesouros, revelando não apenas a diversidade da flora, mas também a habilidade meticulosa de artistas que
transformaram plantas em obras de arte. Esses livros, verdadeiras maravilhas visuais, desempenharam um papel
crucial na documentação e compreensão das plantas ao longo dos séculos.
I. A Era das Descobertas:
No Renascimento, uma época de fervor intelectual e exploração, o interesse pela natureza floresceu. Botânicos e
exploradores desbravavam terras desconhecidas, trazendo consigo amostras de plantas exóticas e desconhecidas.
Essas descobertas inspiraram os primeiros livros de ilustrações botânicas, onde artistas, muitas vezes autodidatas,
capturavam a novidade e a beleza das plantas recém-descobertas.
II. A Fusão de Ciência e Arte:
Os primeiros livros de ilustrações botânicas eram muito mais do que meros catálogos visuais. Eles representavam
uma fusão única de ciência e arte, pois os ilustradores não apenas buscavam retratar a aparência das plantas, mas
também destacar detalhes botânicos essenciais para a identificação e compreensão.
III. Artistas Pioneiros:
Entre os primeiros artistas notáveis encontrava-se Leonhart Fuchs, cujo "New Herbal" (1543) foi um marco,
apresentando ilustrações notáveis de plantas com suas características distintas. Outro pioneiro foi Pierre-Joseph
Redouté, que no final do século XVIII, encantou o mundo com suas luxuosas ilustrações florais em "Les Liliacées."
IV. Uma Jornada Visual:
Explorar esses livros é uma jornada visual através do tempo e da natureza. Cada página revela a paixão dos artistas
e a meticulosidade de suas observações. A atenção aos detalhes, desde a anatomia até as cores vibrantes,
transforma essas obras em jardins encantados impressos.
V. Herança Duradoura:
A influência desses primeiros livros transcende os séculos. Eles estabeleceram padrões para a representação
botânica e continuam a inspirar artistas contemporâneos. A união entre arte e ciência, tão evidente nessas obras,
deu origem a uma tradição que perdura.

1-Quem foi um dos artistas pioneiros na ilustração botânica mencionado no texto?

2-Além de retratar a aparência das plantas, o que os ilustradores dos primeiros livros de ilustrações botânicas
buscavam destacar?

3-Em que período histórico os primeiros livros de ilustrações botânicas surgiram e prosperaram?

4-Qual foi o livro de Leonhart Fuchs que se tornou um marco na ilustração botânica?
5-Por que os primeiros livros de ilustrações botânicas são considerados uma fusão única de ciência e arte?

1- Leonhart Fuchs.
2- Detalhes botânicos essenciais para a identificação e compreensão.
3- No Renascimento.
4- "New Herbal" (1543).
5- Porque não apenas retratavam a aparência das plantas, mas também destacavam detalhes
botânicos essenciais para a identificação e compreensão, unindo, assim, ciência e arte.
Materiais Necessários:

Flores e folhas coletadas da natureza.

Papel branco ou cartolina.

Cola, Tesoura, Canetas coloridas.

Passos:

1. Coleta na Natureza:

Saia para um passeio ao ar livre e colete uma variedade de flores e folhas. Escolha diferentes formas, cores e
tamanhos para enriquecer sua atividade.

2. Organização dos Materiais:

Separe as flores e folhas em grupos, organizando-as de acordo com suas características. Isso permitirá uma
seleção mais fácil durante a atividade.

3. Criação de Mandalas Botânicas:

Sobre uma superfície plana, comece a criar mandalas com as flores e folhas. Disponha-as de maneira
harmoniosa e experimente diferentes padrões. Use a criatividade!

4. Pressão e Secagem:

Se desejar preservar suas criações, você pode prensar as flores e folhas entre duas folhas de papel e deixar sob
algo pesado por alguns dias. Isso resultará em uma obra de arte prensada que pode ser emoldurada.

5. Colagem em Papel:

Cole as flores e folhas no papel ou cartolina, criando um arranjo 2D. Experimente sobrepor diferentes
elementos para adicionar profundidade à sua composição.

6. Adição de Detalhes:

Com canetas coloridas, adicione detalhes às flores e folhas coladas. Pode ser contornos, padrões ou até mesmo
pequenos desenhos. Deixe sua imaginação fluir.

7. Reflexão Criativa:

Ao concluir a atividade, reserve um momento para refletir sobre a experiência. Como as formas naturais
influenciaram sua criação? Como essa atividade o conectou à natureza?
8. Exposição e Compartilhamento:

Se possível, exponha suas criações em casa ou em um local onde possa apreciá-las regularmente. Compartilhe
suas obras com amigos e familiares para inspirar outros a explorar a beleza da natureza de maneira artística.

Esta atividade não apenas oferece uma experiência prática e artística, mas também promove a apreciação pela
diversidade e beleza encontradas nas flores e folhas da natureza.
 A "Arte nas Folhas Secas" é uma expressão artística que
transcende as convenções tradicionais e incorpora a beleza
efêmera e fugaz das folhas secas encontradas na natureza. Essa forma de arte única combina a criatividade dos
artistas com a maravilha da flora e se manifesta de várias maneiras surpreendentes. Ela celebra a harmonia entre
o ser humano e o ambiente natural, oferecendo uma perspectiva singular sobre a relação entre a humanidade e a
natureza.

Ao longo dos anos, diversos artistas talentosos se destacaram nessa disciplina e deixaram uma marca indelével na
cena artística contemporânea. Alguns deles merecem destaque:

Susanna Bauer: A artista alemã Susanna Bauer é conhecida por suas delicadas
esculturas de crochê em folhas secas. Ela cria intricados padrões de crochê nas
folhas, transformando-as em obras de arte impressionantes que mesclam o
orgânico com o feito à mão.

Lorenzo Durán: Originário da Espanha, Lorenzo Durán é famoso por suas

intrincadas obras de arte esculpidas em folhas secas. Ele utiliza pequenas
lâminas e corta desenhos minuciosos nas folhas, criando padrões complexos e
detalhados.

Hillary Fayle: A artista norte-americana Hillary Fayle é conhecida por suas intricadas criações bordadas em folhas.
Ela combina habilidades de bordado com folhas cuidadosamente selecionadas para produzir obras que exploram a
fragilidade e a resistência da natureza.

Kathryn Mapes Turner: A pintora Kathryn Mapes Turner é conhecida

por suas paisagens rurais pintadas diretamente sobre folhas de
choupo. Suas obras são uma homenagem à paisagem do Wyoming,
onde vive, e à sua conexão com a natureza.

Hiroshi Senju: Este renomado artista japonês cria pinturas

exuberantes usando folhas de ouro e pigmentos naturais em folhas
de amoreira. Suas obras evocam uma sensação de serenidade e
beleza atemporal.

A "Arte nas Folhas Secas" representa um desafio criativo e uma

celebração da efemeridade da natureza. Ela nos convida a
reconsiderar nossa relação com o ambiente natural e a apreciar a
beleza que muitas vezes passa despercebida. Por meio dessas obras, os artistas revelam a extraordinária
diversidade da expressão artística e a interconexão entre a humanidade e o mundo natural, inspirando-nos a
contemplar nossa própria relação com o meio ambiente.

HORIZONTAL

2. O que Hiroshi Senju utiliza para criar suas pinturas em folhas de amoreira?

5. Estados Unidos é a---------- da pintora Kathryn Mapes Turner?

8. Quem é um artista alemão conhecido por suas esculturas de crochê em folhas secas?

9. Qual é a forma de arte que utiliza folhas secas da natureza como matéria prima?

10. Que elemento é frequentemente encontrado nas obras de Hillary Fayle, explorando a resistência da
natureza?

VERTICAL

1. Que técnica a artista Hillary Fayle utiliza em suas obras com folhas secas?

3. Qual tipo de padrões Lorenzo Durán cria em folhas secas?

4. O que a "Arte nas Folhas Secas" nos convida a reconsiderar?

6. Qual palavra descreve a relação entre a humanidade e a natureza na "Arte nas Folhas Secas"?

7. De que país é originário o artista Lorenzo Durán, famoso por esculpir em folhas secas?
Título da Atividade: "Arte com Folhas Secas"

Objetivo: Esta atividade visa promover a criatividade dos alunos, incentivando-os a criar obras de arte
únicas usando folhas secas como base.

Materiais Necessários:

Folhas secas coletadas previamente.

Papel em branco.

Lápis, borracha e lápis de cor ou tintas.

Cola (opcional).

Pincéis (caso opte por usar tinta).

Pratos ou paletas para misturar cores (caso use tinta).

Instruções:

Coleta de Folhas Secas: Antes da atividade, vá com os alunos a uma área externa, como um jardim ou
parque, para coletar uma variedade de folhas secas. Certifique-se de que as folhas estejam completamente
secas.

Apresentação: Comece mostrando aos alunos exemplos de obras de "Arte nas Folhas Secas" feitas por
artistas profissionais ou exemplares feitos por você previamente.

Inspiração e Planejamento: Discuta a importância da criatividade na arte e encoraje os alunos a pensarem

em suas próprias ideias. Eles podem planejar seus desenhos com antecedência ou começar a trabalhar
diretamente nas folhas.

Desenho nas Folhas: Os alunos devem escolher uma folha seca como base para sua obra de arte. Usando
lápis ou tinta, eles podem criar desenhos, padrões, ou pinturas diretamente na folha. Eles também podem
incorporar elementos das folhas, como veias, na composição.

Detalhes e Cor: Encoraje os alunos a prestarem atenção aos detalhes e à cor. Eles podem usar lápis de cor,
tintas ou outros materiais para dar vida às suas criações.

Secagem e Apresentação: Após a conclusão, deixe as obras de arte secarem completamente. Em seguida, os
alunos podem apresentar suas criações para a classe, compartilhando sua inspiração e o processo criativo
por trás de suas obras.

Avaliação:
Os alunos podem ser avaliados com base na originalidade de suas criações, na atenção aos detalhes, no uso
eficaz das folhas secas como base e na capacidade de compartilhar suas ideias e inspiração com os colegas.

Esta atividade não apenas estimula a criatividade dos alunos, mas também os conecta com a natureza e
demonstra como elementos naturais podem ser incorporados à arte de maneira única e significativa.

Celebrando a Criatividade Japonesa

No Japão, a arte das folhas secas é uma forma única de expressão que celebra a beleza efêmera da natureza e
a conexão entre a humanidade e o mundo natural. Os artistas japoneses têm uma longa história de
transformar folhas secas em obras de arte deslumbrantes, utilizando técnicas como prensagem, corte e
colagem. O outono é uma estação particularmente importante, pois as árvores exibem cores vibrantes antes
de suas folhas caírem, inspirando a prática cultural de apreciar as cores outonais, conhecida como "kōyō."

Esses artistas exploram uma variedade de estilos artísticos, desde representações realistas de paisagens
outonais até abstrações que enfatizam texturas e formas das folhas. Muitos incorporam elementos naturais,
como galhos, flores secas e sementes, em suas composições. Inspirados pela natureza japonesa, suas obras
 refletem temas de harmonia, simplicidade e tranquilidade, profundamente enraizados na espiritualidade do
país.

A arte das folhas secas japonesa não é apenas uma forma de expressão artística, mas também uma mensagem
sobre a relação entre a humanidade e a natureza. Ela nos lembra da importância de apreciar e preservar a
beleza efêmera do mundo natural. Essas criações únicas continuam a inspirar e encantar, celebrando a
criatividade japonesa e a conexão entre o ser humano e o meio ambiente.

HORIZONTAL

2. Qual é a técnica comum que envolve prensar folhas secas entre papel para preservar sua forma e cor?

6. O que a arte das folhas secas japonesa nos lembra da importância de apreciar e preservar?

8. Qual é o país destacado no texto que possui uma rica tradição artística?

9. Galhos, flores secas e ------ são elementos naturais além de folhas secas são frequentemente incorporados nas
obras de arte.

VERTICAL

1. Os artistas japoneses têm uma longa história de transformar folhas secas em obras de arte ----
3. as árvores exibem cores --------- antes de suas folhas caírem

4. koyo é uma prática ------- japonesa que influencia profundamente a arte das folhas secas durante o outono.

5. Que tema culturalmente significativo é transmitido pela arte das folhas secas japonesa?

7. Qual estação do ano é particularmente significativa para os artistas japoneses que trabalham com folhas
secas?
Arte, Meio Ambiente e Alimentos: A Inspiração de Frutas, Hortaliças e Legumes nas Obras Artísticas
A arte tem sido uma ferramenta poderosa para transmitir mensagens sobre o meio ambiente e nossa relação com a
natureza. Nos últimos anos, uma tendência emergente na cena artística tem sido a incorporação de frutas,
hortaliças e legumes nas obras de arte. Essa forma de expressão não apenas celebra a diversidade e a beleza desses
alimentos, mas também chama a atenção para questões ambientais, alimentares e culturais.
A Beleza das Cores e Formas Naturais
Frutas, hortaliças e legumes são uma rica fonte de inspiração para artistas. Suas cores vibrantes, formas variadas e
texturas únicas oferecem um vasto repertório de elementos visuais para explorar na criação de obras de arte. Desde
pinturas realistas que capturam a essência de uma fruta suculenta até abstrações que incorporam formas orgânicas,
esses alimentos se tornaram um tema fascinante para muitos artistas contemporâneos.
A Conexão com a Natureza
A inclusão de alimentos nas obras de arte também ressalta nossa interconexão com o meio ambiente. Ao destacar a
origem natural dos alimentos, os artistas nos lembram da importância de respeitar e preservar os recursos naturais
da Terra. Além disso, essa abordagem artística nos incentiva a refletir sobre nossos hábitos alimentares e o impacto
que eles têm no meio ambiente.
Questões Alimentares e Culturais
As obras de arte que apresentam frutas, hortaliças e legumes muitas vezes abordam questões alimentares e
culturais. Elas podem explorar temas como segurança alimentar, desperdício de alimentos, a importância da
agricultura sustentável e a diversidade culinária ao redor do mundo. Essas representações artísticas podem servir
como uma plataforma para discutir questões importantes relacionadas à nossa dieta e à maneira como interagimos
com os alimentos.
A Arte como Agente de Mudança
Além de conscientizar sobre questões ambientais e alimentares, a arte que incorpora frutas, hortaliças e legumes
também pode inspirar ação e mudança. Muitos artistas estão envolvidos em projetos que promovem a
sustentabilidade, a agricultura local e a conscientização sobre a importância de consumir alimentos frescos e
saudáveis. Suas obras podem inspirar outras pessoas a adotar práticas alimentares mais conscientes e
ambientalmente responsáveis.

HORIZONTAL
5. O que a arte que incorpora frutas, hortaliças e legumes pode inspirar as pessoas a fazer?
6. O que a inclusão de alimentos nas obras de arte nos lembra sobre nossa relação com o meio ambiente?
Questões------ relacionadas à comida e ao meio ambiente as obras de arte podem abordar
7. A arte tem sido uma ferramenta poderosa para transmitir mensagens sobre o meio ambiente e nossa relação
com a -------.
8. O que a inclusão de elementos naturais nas obras de arte nos lembra sobre nossa interação com o meio
ambiente?
9. Muitos artistas estão envolvidos em projetos que promovem a ----------
VERTICAL
1. As obras de arte abordam questões -------- e culturais.
2. A arte é uma das formas de ------- artística emergentes que incorpora alimentos nas obras de arte.
3. Abordagem artística nos incentiva a refletir sobre nossos hábitos alimentares e o impacto que eles têm no
meio-------.
4. Que elementos visuais únicos oferecem frutas, hortaliças e legumes para os artistas?
10. A ------ tem sido uma ferramenta poderosa para transmitir mensagens sobre o meio ambiente
 Pintor italiano nascido em Milão, de grande influência em futuros
surrealistas, como o espanhol Salvador Dali. Iniciou a carreira aos 22 anos,
como desenhista dos vitrais da catedral milanesa, ao lado do pai, Biaggio,
seu primeiro mestre. Combinou o trabalho com o estudo das gravuras de
Leonardo da Vinci, especialmente os de veia caricaturesca, cuja marca se
evidenciaria em sua produção posterior. Mudou-se para Praga (1562), onde
se tornou pintor favorito da corte, realizando vários cenários para o teatro
imperial, trabalhando sucessivamente para os imperadores Fernando I,
Maximiliano II e Rodolfo II. Morreu em Milão e em diversos museus europeus encontram-se obras desse famoso
artista. Seu trabalho mais conhecido é a série As quatro estações (1573), série de cabeças formadas por uma
infinidade de elementos vegetais como flores, folhas etc. Outros trabalhos foram Água (1566), Fogo (1566), Terra
(1570), Autorretrato (1575), Flora (1591), entre vários mais.

E T S A R F S P E T R A B A L H O D
Y V Y F O G O S H H I E M O N W A E
T F M G L M F L O R E S T T A O I S
P L C T C H S N H H I T U D R V E E
N O E N N C M A S A W A S D T M A N
E R N V E G E T A I S Ç Á A I U E H
N A Á V O L S P P A E Õ G L S S Y I
O L R O A E T A I O D E U Í T E H S
Y N I H I A R R Y N W S A U A U H T
S E O S M D E T I Y T H D R M S N A
A N S F A T E O U P R O D U Ç Ã O U
G R A V U R A S O T E R R A E I Y H

F T R A B A L H O D
F O G O E E
F F L O R E S A S
L C H T R E
O E M A A D T M N
R N V E G E T A I S Ç Á A I U E H
A Á S P Õ G L S S I
R T I E U Í T E S
I R N S A U A U T
O E T D S A
S P R O D U Ç Ã O
G R A V U R A S T E R R A

● ARTISTA
● CENÁRIOS
● DALÍ
● DESENHISTA
● ESTAÇÕES
● ESTUDO
● FLORA
● FLORES
● FOGO
● FOLHAS
● GRAVURAS
● MESTRE
● MUSEUS
● PINTOR
● PRODUÇÃO
● TERRA
● TRABALHO
● VEGETAIS
● ÁGUA
Nos últimos anos, a crescente preocupação com as questões ambientais tem levado à emergência de uma poderosa
forma de expressão artística conhecida como "arte ecológica". Essa forma de arte visa não apenas inspirar, mas
também conscientizar o público sobre os desafios ambientais que nosso planeta enfrenta. Artistas ao redor do
mundo têm utilizado sua criatividade para abordar questões urgentes, desde as mudanças climáticas até a
conservação da biodiversidade e a poluição.

A arte ecológica se manifesta de várias maneiras, desde esculturas feitas de materiais reciclados até pinturas que
retratam a beleza da natureza. Muitas vezes, essas obras incorporam elementos naturais, como folhas, galhos,
pedras e água, criando uma conexão direta com o meio ambiente. Através de sua expressão artística, os artistas
transmitem uma mensagem profunda sobre a importância de preservar a Terra e de agir de forma responsável em
relação ao meio ambiente.

As exposições de arte ecológica atraem um público diversificado, desde entusiastas do meio ambiente até aqueles
que estão apenas começando a se conscientizar sobre as questões ecológicas. Essas exposições não apenas
oferecem uma oportunidade para apreciar a beleza da arte, mas também para refletir sobre nosso papel na
proteção do planeta. Muitas vezes, os artistas compartilham informações sobre as questões abordadas em suas
obras, educando o público sobre os problemas ambientais que precisam de atenção.

1-Qual é o objetivo da arte ecológica?

a) Entretenimento

b) Conscientização sobre questões ambientais

c) Venda de obras de arte

d) Competição entre artistas

2-O que diferencia a arte ecológica de outras formas de arte?

a) Utilização de materiais caros

b) Uso exclusivo de cores naturais

c) Incorporação de elementos naturais e foco em questões ambientais

d) Temas políticos predominantes

3-Qual é o público-alvo das exposições de arte ecológica?

a) Apenas entusiastas da arte

b) Apenas cientistas ambientais

c) Apenas crianças
d) Diversificado, incluindo entusiastas do meio ambiente e novos conscientes das questões ecológicas

4-O que muitas vezes é incorporado em obras de arte ecológica para criar uma conexão com o meio ambiente?

a) Elementos naturais, como folhas, galhos e água

b) Produtos químicos tóxicos

c) Artefatos históricos

d) Espelhos

5-Qual é o papel dos artistas na exposição de arte ecológica?

a) Apenas criar arte bonita

b) Compartilhar informações sobre questões ambientais

c) Ignorar questões ecológicas

d) Promover a venda de suas obras

1- b) Conscientização sobre questões ambientais

2- c) Incorporação de elementos naturais e foco em questões ambientais
3- d) Diversificado, incluindo entusiastas do meio ambiente e novos conscientes das
questões ecológicas
4- a) Elementos naturais, como folhas, galhos e água
5- b) Compartilhar informações sobre questões ambientais
A arte e o lixo são dois elementos aparentemente opostos que, em um olhar mais atento, revelam uma relação
complexa e intrigante. Enquanto a arte é muitas vezes associada à criatividade, beleza e expressão humana, o lixo
é frequentemente visto como algo indesejado, sujo e descartável. No entanto, a interseção entre esses dois
conceitos oferece uma oportunidade única para a reflexão sobre nossa sociedade, nossos valores e nossos hábitos
de consumo.
A arte, ao longo da história, tem sido uma forma de expressão que transcende culturas, épocas e barreiras
linguísticas. Ela nos permite explorar nossas emoções, transmitir mensagens profundas e provocar pensamentos
críticos. Artistas muitas vezes encontram inspiração em lugares inesperados, incluindo materiais descartados. A
prática de reutilizar objetos e transformá-los em obras de arte, conhecida como "arte reciclada" ou "upcycling",
exemplifica a capacidade da arte de dar nova vida ao que é considerado lixo. Essas criações desafiam nossa
percepção tradicional de valor e nos lembram da importância da criatividade na reutilização de recursos.
Por outro lado, o lixo é um problema cada vez mais premente em nossa sociedade contemporânea. O consumo
desenfreado e a produção excessiva de resíduos têm sérias consequências ambientais, desde a poluição dos
oceanos até a degradação do solo e a emissão de gases de efeito estufa. O lixo muitas vezes é visto como um sinal
do descuido humano em relação ao planeta que habitamos. No entanto, essa visão negativa pode ser
transformada em uma oportunidade para repensar nossa relação com o lixo e explorar maneiras de minimizar seu
impacto.
A arte contemporânea tem desempenhado um papel fundamental na conscientização sobre os problemas
ambientais relacionados ao lixo. Artistas de todo o mundo têm usado materiais descartados, como plástico, metal
e papelão, para criar esculturas, instalações e pinturas que destacam a urgência da sustentabilidade e da redução
do desperdício. Essas obras não apenas chamam a atenção para questões ambientais, mas também incentivam o
espectador a repensar o valor dos materiais que muitas vezes jogamos fora.
Além disso, a arte do lixo nos lembra que o conceito de beleza é subjetivo e pode ser encontrado em lugares
inesperados. Esculturas feitas de sucata, mosaicos construídos com pedaços quebrados de vidro e instalações
compostas por plástico reciclado demonstram que a criatividade humana pode transformar até mesmo os objetos
mais comuns em algo extraordinário.
Em última análise, a arte e o lixo são dois lados da mesma moeda, representando nossa capacidade de criar e
destruir. A maneira como escolhemos lidar com o lixo e incorporá-lo à arte é um reflexo de nossos valores,
preocupações e aspirações como sociedade. Através dessa reflexão, podemos encontrar maneiras de reduzir
nosso impacto ambiental, valorizar a criatividade e abraçar uma abordagem mais consciente em relação aos
recursos que temos à nossa disposição. A arte do lixo nos convida a repensar o que consideramos valioso e a
reconhecer que, mesmo no descarte, há potencial para transformação e renovação.

HORIZONTAL

3. A ------- e o lixo são dois elementos aparentemente

4. Upcycling é o termo usado para a prática de------- objetos e transformá-los em obras de arte

7. O que a arte do lixo nos lembra que o conceito de beleza pode ser?
8. O lixo muitas vezes é visto como um sinal do descuido humano em relação ao ------- que
habitamos

9. Qual é o potencial encontrado mesmo no descarte, de acordo com o texto?

10. O que é frequentemente associado a algo indesejado, sujo e descartável?

VERTICAL

1. A arte e o lixo representam nossa -------- de criar e destruir

2. É um tipo de material frequentemente usado na criação de esculturas, instalações e pinturas que

destacam a urgência da sustentabilidade

5. Qual é o nome dado à produção excessiva de resíduos devido ao consumo desenfreado?

6. Artistas muitas vezes encontram inspiração em lugares inesperados, incluindo materiais-------

"Lixo Extraordinário" é um documentário de 2010 que nos leva a uma jornada emocionante e inspiradora,
dirigido por Lucy Walker, João Jardim e Karen
Harley. O filme foca no renomado artista plástico
brasileiro Vik Muniz e seu trabalho inovador com
catadores de materiais recicláveis que labutam no
maior aterro sanitário do mundo, o Jardim
Gramacho, localizado no Rio de Janeiro. Ao longo
do filme, somos levados a uma reflexão profunda
sobre a arte, a sociedade e a capacidade de
transformação humana.

A história começa com Vik Muniz, um artista

brasileiro de sucesso que vive em Nova Iorque. Após uma visita ao Brasil, Muniz decide voltar ao seu país de
origem e trabalhar com os catadores de lixo que sobrevivem recolhendo materiais recicláveis no Jardim
Gramacho. Muniz não apenas documenta a vida desses trabalhadores, mas também os convida a se tornarem
colaboradores em suas criações artísticas. Ele os fotografa em poses icônicas, utilizando materiais encontrados
no próprio aterro para criar retratos gigantes no chão.

O filme explora a jornada de Muniz e dos catadores de lixo enquanto eles trabalham juntos na criação dessas
obras de arte. A medida que o projeto avança, as vidas dos catadores começam a mudar. Eles ganham
autoestima, dignidade e uma voz para expressar suas preocupações e sonhos. É uma poderosa demonstração do
potencial transformador da arte e da capacidade de empoderar indivíduos marginalizados.
 Através de imagens impactantes e depoimentos emocionantes dos catadores, "Lixo Extraordinário" lança luz
sobre questões sociais, econômicas e ambientais. O filme destaca a desigualdade e a injustiça que muitas vezes
passam despercebidas em nossa sociedade. Ele nos lembra da importância de reconhecer a humanidade em
todos os seres, independentemente de sua posição social ou econômica.

1-Qual é o nome do artista plástico brasileiro que trabalha com catadores de lixo no Jardim Gramacho?

a) Pablo Picasso

b) Vik Muniz

c) Leonardo da Vinci

d) Frida Kahlo

2-Onde está localizado o Jardim Gramacho, o maior aterro sanitário do mundo?

a) São Paulo, Brasil

b) Cidade do México, México

c) Rio de Janeiro, Brasil

d) Nova Iorque, EUA

3-O que Vik Muniz utiliza como material principal em suas criações artísticas no Jardim Gramacho?

a) Papel e tinta

b) Plástico e metal

c) Vidro e madeira

d) Alimentos orgânicos

Resposta: b) Plástico e metal

4-Qual é a principal transformação que ocorre na vida

dos catadores de lixo ao longo do filme?

a) Eles ganham autoestima e dignidade

b) Eles abandonam o trabalho no aterro

c) Eles se tornam artistas famosos

d) Eles começam a ganhar muito dinheiro

5-Qual mensagem principal o filme "Lixo Extraordinário" transmite aos espectadores?

a) A arte é inacessível para a maioria das pessoas

b) A produção de lixo é inevitável e não deve ser questionada

c) Os catadores de lixo são incapazes de melhorar suas vidas

d) A arte tem o poder de transformar vidas e dar dignidade a pessoas em situações difíceis

1- b) Vik Muniz
2- c) Rio de Janeiro, Brasil
3- b) Plástico e metal
4- a) Eles ganham autoestima e dignidade
5- d) A arte tem o poder de transformar vidas e dar dignidade a pessoas em situações difíceis
 A obra Atlas e outras do mesmo estilo foram produzidas com os
objetos retirados do Lixão de Gramacho (Duque de Caxias, Rio de
Janeiro). O projeto Lixo extraordinário mudou a perspectiva do
artista e transformou muito a vida das pessoas que trabalhavam
ali. Em seu depoimento sobre o trabalho realizado, o artista afirmou:

Nesse projeto, o que mais me sensibilizou foi o tamanho do nosso preconceito. É muito fácil e conveniente definir
uma sociedade baseada em funções, na qual se imagina que o morador de Duque de Caxias da área de Gramacho
não quer dizer absolutamente nada. [...] O que eu queria provar para mim mesmo – e que resultou em uma
experiência satisfatória, no fim das contas – é que a arte muda as pessoas, não só pelo convívio e pela experiência,
mas também pelo engajamento, pela produção.

Vik Muniz. Lixo extraordinário. Rio de Janeiro.

01 – Nesse texto, no trecho “... a arte muda as pessoas, não só pelo convívio e pela experiência, mas também pelo
ENGAJAMENTO, pela produção.” a palavra destacada significa *

a) distanciamento, ausência de envolvimento em uma causa.

b) participação, colaboração, interesse em partilhar uma causa.

c) renúncia, abdicação de algo que se desejava anteriormente.

d) conhecimento adquirido pela experiência em uma atividade.

02 - Releia o texto Lixo extraordinário. Qual foi a consequência do projeto Lixo extraordinário no Lixão de
Gramacho?

a) O projeto transformou a vida das pessoas, não só pelo convívio e pela experiência, mas também pelo
engajamento, pela produção.

b) O projeto Lixo extraordinário mudou a perspectiva do artista, que compreendeu que o lixo não pode virar arte.

c) O projeto retirou os objetos do Lixão de Gramacho e, consequentemente, acabou com o lixão, transformando a
paisagem do lugar.

d) O projeto Lixo extraordinário mudou a visão das pessoas sobre a cidade de Duque de Caxias, no Rio de Janeiro.​
03-Em sua opinião, como se sentiu o profissional retratado ao ver a obra pronta?
 Thiago Mundano é um artista contemporâneo cujas
obras de arte têm o poder de provocar uma ampla
gama de sensações e emoções no público. Suas
criações, muitas vezes, transcendem o simples aspecto
visual e envolvem o observador em uma experiência
única e profunda.

Mundano é conhecido por suas obras que exploram questões sociais e políticas, especialmente relacionadas ao
ambiente urbano e à injustiça social. Seu trabalho muitas vezes envolve a transformação de espaços urbanos
degradados em obras de arte vivas e vibrantes. Essas intervenções artísticas em lugares abandonados ou
esquecidos revitalizam não apenas os locais, mas também despertam uma sensação de esperança e renovação
no público que as testemunha.

Ao ver as obras de Thiago Mundano, o público frequentemente experimenta uma mistura de emoções, que
variam desde a admiração pela criatividade e habilidade do artista até a reflexão sobre as questões sociais que
suas obras abordam. Suas intervenções urbanas muitas
vezes chamam a atenção para a desigualdade, a
pobreza, a degradação ambiental e outros problemas
críticos que afetam as comunidades urbanas em todo o
mundo. Essa consciência despertada pelo trabalho de
Mundano pode levar o público a se engajar mais
ativamente em questões sociais e a buscar soluções
para os problemas que suas obras destacam.

Além disso, as obras de Thiago Mundano também têm

o poder de inspirar sentimentos de esperança e
otimismo. Ao transformar espaços urbanos
abandonados em obras de arte vibrantes e cheias de
vida, ele demonstra a capacidade da criatividade
humana para superar desafios e criar beleza em meio à
adversidade. Essa mensagem de resiliência e renovação
é uma das razões pelas quais suas obras são tão
impactantes.

As obras de Thiago Mundano também estimulam a

empatia, à medida que o público é convidado a se
colocar no lugar das pessoas afetadas pelos problemas sociais retratados em suas criações. Isso pode gerar um
maior senso de solidariedade e compreensão em relação às dificuldades enfrentadas por comunidades
marginalizadas.

1-Como Thiago Mundano costuma abordar questões sociais em suas obras de arte?

A) Através de esculturas abstratas

B) Por meio de intervenções urbanas

C) Pintando retratos de figuras políticas

D) Criando obras de arte abstratas

2-Qual é uma das principais emoções que as obras de Thiago Mundano podem despertar no público?

A) Raiva

B) Tristeza

C) Esperança

D) Desânimo

3-Que tipo de mensagem o trabalho de Thiago Mundano transmite ao público?

A) Desespero diante dos problemas sociais

B) A impossibilidade de resolver questões sociais

C) Resiliência e renovação em face de desafios

D) A alienação da sociedade em relação aos problemas urbanos

4-Além da reflexão, que outra emoção as obras de Thiago Mundano podem despertar?

A) Empatia

B) Frustração

C) Indiferença

D) Euforia

5-Qual é um dos principais temas abordados nas intervenções urbanas de Thiago Mundano?

A) Tecnologia moderna
B) Moda e estilo de vida

C) Problemas ambientais

D) Questões sociais e políticas

1- B) Por meio de intervenções urbanas

2- C) Esperança
3- C) Resiliência e renovação em face de desafios
4- A) Empatia
5- D) Questões sociais e políticas