E.M.E.F.

ANTÔNIO LAUREANO DA CUNHA FILHO – 1º TRIMESTRE

Prof.ª Édina dos Santos Muniz - Arte– 6º ano - 20/02/2024

Joan Miró
O artista espanhol Joan Miró é um dos grandes nomes da pintura do século XX.

Sua obra carrega simplicidade, equilíbrio e muitos elementos imaginativos.

Com composições poéticas, muitas vezes trazendo explosões cromáticas, Miró produziu um trabalho
inovador e tornou-se referência no movimento surrealista.

Joan Miró i Ferrá nasceu em 20 de abril de 1893, na cidade catalã de Barcelona.

Em casa, fazer uma pesquisa sobre as obras de Joan Miró.

1
 E.M.E.F. ANTÔNIO LAUREANO DA CUNHA FILHO – 1º TRIMESTRE
Prof.ª Édina dos Santos Muniz - Arte– 6º ano - 27/02/2024 - AVALIAÇÃO DIAGNÓSTICA

Escolher uma obra de Joan Miró e fazer um desenho.

2
 E.M.E.F. ANTÔNIO LAUREANO DA CUNHA FILHO – 1º TRIMESTRE
Prof.ª Édina dos Santos Muniz - Arte– 6º ano - 05/03/2024 -

O dia 8 de Março representa uma conquista muito grande para as mulheres e é importante elaborar aulas para
falar dessa data.
O Dia Internacional da Mulher, comemorado no dia 08 de Março, tem uma história de lutas pela valorização da
mulher, lembrando de sua força e sensibilidade para conquistar seu espaço na sociedade. Assim, este dia está
relacionado aos movimentos feministas que buscavam mais dignidade para as mulheres, tentando organizar uma
sociedade mais justa e igualitária. Apesar da discriminação contra a mulher ser bem antiga, é a partir da
Revolução Industrial, em 1789, que os movimentos e reivindicações começam a crescer. Tudo começou com a
mobilização organizada por operárias de uma fábrica de tecidos em Nova York, Estados Unidos, em 8 de março
de 1857. Neste dia, 129 operárias paralisaram suas atividades para reivindicar melhores condições de trabalho,
redução de carga horária de 14 horas para 10 horas e direito à licença maternidade. A polícia e os donos da
fábrica reagiram duramente, trancando essas mulheres no local e em seguida atearam fogo, fazendo com que
todas morressem carbonizadas. A partir daí esse dia foi escolhido para ser o Dia Internacional da Mulher em
homenagem a essas operárias, que representam as diversas lutas empreendidas pelas mulheres na sociedade.

ATIVIDADE:
1. Completar o desenho de acordo com os traços de uma mulher que admira, após escrever dentro
do coração porque ela é importante para você.

3
E.M.E.F. ANTÔNIO LAUREANO DA CUNHA FILHO – 1º TRIMESTRE
Prof.ª Édina dos Santos Muniz - Arte– 6º ano - 05/03/2024 -

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E.M.E.F. ANTÔNIO LAUREANO DA CUNHA FILHO – 1º TRIMESTRE
Prof.ª Édina dos Santos Muniz - Arte– 6º ano - 12/03/2024 -

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E.M.E.F. ANTÔNIO LAUREANO DA CUNHA FILHO – 1º TRIMESTRE
Prof.ª Édina dos Santos Muniz - Arte– 6º ano - 19/03/2024

6
 O QUE É CULTURA?

Quando ouvimos a palavra "cultura", o que nos vem à mente? Alguns podem pensar em danças,
músicas, festivais ou até mesmo em roupas tradicionais. Mas cultura é muito mais do que isso! Ela
é um conjunto de ideias, práticas, crenças, valores, arte e conhecimentos que são passados de
geração em geração. Cultura é como uma identidade coletiva que nos ajuda a entender de onde
viemos e como vemos o mundo.

Imagine que a cultura é como uma enorme colcha de retalhos. Cada retalho representa diferentes
aspectos da nossa vida e de sociedades ao redor do mundo. Alguns desses retalhos podem
representar a comida que comemos, as histórias que ouvimos dos nossos avós, as festas que
celebramos e até mesmo a maneira como cumprimentamos uns aos outros.

No entanto, vale lembrar que a cultura não é algo estático ou imutável. Ela está sempre em
movimento, transformando-se e evoluindo conforme as pessoas interagem entre si e com o
ambiente ao seu redor. Por exemplo, a internet e as redes sociais têm influenciado culturas ao
redor do mundo, trazendo novas maneiras de se comunicar, novos tipos de música, danças e até
modas.

Agora, imagine o mundo sem cultura. Seria como um livro sem palavras ou um filme sem som. A
cultura nos dá cor, significado e propósito. Ela nos une através de experiências compartilhadas e
nos ajuda a entender e apreciar nossas diferenças.

7
1-O que a cultura representa?
a) Apenas danças e músicas tradicionais.
b) Somente a história de um país.
c) Um conjunto de ideias, práticas, crenças, valores, arte e conhecimentos.
d) Apenas as comidas tradicionais de uma região.

2-Por que a cultura é comparada a uma colcha de retalhos?

a) Porque é feita de tecido.
b) Porque tem muitas cores.
c) Porque é algo que cobrimos quando dormimos.
d) Porque cada retalho representa diferentes aspectos de nossa vida e sociedade

3-A cultura é algo que:

a) Nunca muda.
b) Muda apenas a cada 100 anos.
c) Está sempre em movimento, evoluindo e se transformando.
d) Desaparece depois de algum tempo.

4-Qual é o papel da internet e das redes sociais em relação à cultura?

a) Elas tornam a cultura obsoleta.
b) Elas têm influenciado culturas ao redor do mundo com novas formas de comunicação, música e
dança.
c) Elas impedem as pessoas de aprender sobre novas culturas.
d) Elas não têm nenhum impacto na cultura.

5-O que aconteceria ao mundo sem cultura?

a) Seria como um livro sem palavras ou um filme sem som.
b) Seria mais colorido.
c) As pessoas dançariam mais.
d) Não haveria diferença perceptível.

8
c) Um conjunto de ideias, práticas, crenças, valores, arte e conhecimentos.
d) Porque cada retalho representa diferentes aspectos de nossa vida e sociedade.
c) Está sempre em movimento, evoluindo e se transformando.
b) Elas têm influenciado culturas ao redor do mundo com novas formas de comunicação, música e
dança.
a) Seria como um livro sem palavras ou um filme sem som.

9
 O Brasil, conhecido por sua vasta extensão territorial e
diversidade, é um mosaico de culturas. Esta nação colorida
é o lar de uma rica tapeçaria de tradições, costumes e
histórias. Ao longo dos anos, o Brasil foi formado por uma
mistura de culturas indígenas, africanas, europeias e
asiáticas, cada uma contribuindo com elementos únicos
que moldaram a identidade cultural do país.
Os Povos Indígenas: Antes da chegada dos europeus, os
povos indígenas já habitavam o Brasil. Com mais de 300
grupos diferentes, eles possuem uma diversidade
linguística, artística e cultural imensa. As pinturas
corporais, as cerâmicas, as danças e os rituais são
expressões significativas desses povos.
Os Africanos: Durante o período colonial, milhões de
africanos foram trazidos para o Brasil como escravos.
Apesar das adversidades, eles desempenharam um papel
fundamental na formação cultural brasileira. O samba, a
capoeira e a culinária são apenas alguns dos inúmeros
legados africanos no Brasil.
Os Europeus: Principalmente portugueses, mas também italianos, alemães, espanhóis e outros, trouxeram
consigo tradições, festas e práticas que se incorporaram ao cotidiano brasileiro.
Os Asiáticos: Embora em menor número, os imigrantes asiáticos, especialmente japoneses, trouxeram suas
tradições, culinária e artes, que também enriqueceram a cultura brasileira.

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P I D E N T I D A D E E
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T R A D I Ç Õ E S E M P

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I M I G R A N T E S
P I D E N T I D A D E
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S D L S
T R A D I Ç Õ E S E

● ARTÍSTICA
●BRASIL
● CAPOEIRA
● CULTURAS
● DIVERSIDADE
● IDENTIDADE
● IMIGRANTES
● INDÍGENAS
● PINTURAS
● POVOS
● PRÁTICAS
● SAMBA
● TRADIÇÕES

11
O Brasil é uma terra rica em diversidade cultural, e uma das mais antigas e importantes influências
vem dos povos indígenas. Por séculos, antes mesmo da chegada dos europeus, os indígenas já
expressavam sua relação com a natureza, seus deuses, seus rituais e sua vida cotidiana através da
arte. Uma das mais marcantes formas de expressão artística indígena é o grafismo e as pinturas
corporais.

Grafismo e Pinturas Corporais:

A arte gráfica indígena é um patrimônio cultural brasileiro. Não é apenas estética; cada traço, cada
cor tem um significado. O corpo torna-se uma tela viva, contando histórias e expressando crenças,
status social, fase da vida e eventos importantes, como nascimentos, casamentos e rituais de
passagem.
Estas pinturas são realizadas com tintas naturais extraídas de plantas, frutos e até mesmo de animais.
As cores mais predominantes são o preto, obtido do jenipapo, e o vermelho, extraído do urucum.
Além das pinturas corporais, o grafismo indígena também se estende a objetos de uso diário, como
cerâmicas, utensílios, cestos e adornos, tornando cada objeto uma obra de arte única.

12
HORIZONTAL
1. Material natural usado para moldar objetos.
4. Fruto de onde é extraída uma tinta preta para pinturas.
8. Povos originários do Brasil.
9. Objetos decorativos feitos para embelezar o corpo.
10. Pequenos corpos de plantas, usados ​tanto para plantio quanto em adornos.
VERTICAL
2. Arte gráfica tradicional dos povos nativos.
3. Objetos que cobrem o rosto, representando diferentes expressões ou
entidades.
5. O que os indígenas respeitavam e tinham como parte central de sua vida e arte.
6. Material frequentemente usado em adornos, extraído de aves.
7. Planta de onde os indígenas extraem uma cor vermelha para suas pinturas.

13
14
Observe a imagem:

1-Quais os elementos da arte você reconhece nessa imagem?

--------------------------------------------------------------------------------------

--------------------------------------------------------------------------------------
2-O que você vê nessa imagem?

--------------------------------------------------------------------------------------

--------------------------------------------------------------------------------------
3-Pesquisar - O que é grafismo?

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15
16
A Fascinante Arte Rupestre: Uma Janela para o Passado Pré-Histórico

Ao olharmos para trás, para os tempos mais antigos da humanidade, descobrimos uma forma de arte que nos dá
pistas sobre como nossos antigos ancestrais viam o mundo: a Arte Rupestre. Estas são pinturas ou gravuras feitas
em paredes de cavernas ou superfícies rochosas, encontradas em diferentes partes do mundo, que datam de
milhares de anos.

O que é a Arte Rupestre?

A Arte Rupestre é considerada uma das primeiras manifestações artísticas da humanidade. As imagens
representadas variam desde animais, como bisões, cavalos e mamutes, até figuras humanas e símbolos abstratos.
Por meio destas pinturas, é possível perceber a importância da caça, os rituais religiosos, as danças e o cotidiano
das comunidades pré-históricas.

Essas pinturas foram feitas com pigmentos naturais, como o óxido de ferro, que dá uma cor avermelhada, e
carvão, para as cores mais escuras. Muitas vezes, as mãos dos próprios artistas eram usadas como "pincéis", ou
elas eram representadas nas pinturas como uma assinatura ou marca.

1-Por que a arte rupestre é considerada uma das principais janelas para entender a pré-história, mesmo sendo
apenas desenhos e gravuras em paredes de cavernas?

2-Quais são os tipos comuns de imagens retratadas nas pinturas rupestres e o que elas podem representar sobre a
vida e crenças das comunidades pré-históricas?

3-Descreva como eram feitas as pinturas rupestres em termos de materiais e técnicas utilizadas pelos nossos
ancestrais.

17
1- A arte rupestre é uma das principais janelas para entender a pré-história porque é uma manifestação
direta e tangível das expressões culturais, crenças, práticas e vida cotidiana dos grupos humanos daquela
época. Embora sejam "apenas" desenhos e gravuras, eles contam histórias, mostram a importância de certos
animais e atividades, refletem rituais e crenças espirituais e até mesmo a evolução das habilidades artísticas.
Em um período da história humana onde os registros escritos não existiam, essas pinturas e gravuras se
tornam testemunhos preciosos da vida e pensamento dos nossos ancestrais.

2- As imagens comuns encontradas nas pinturas rupestres incluem animais (como bisões, cavalos e
mamutes), figuras humanas e símbolos abstratos. Estas imagens podem representar diversas facetas da vida
das comunidades pré-históricas. Animais, por exemplo, podem indicar a importância da caça ou o respeito
pelos seres vivos. As danças, rituais e cenas cotidianas também são frequentemente retratadas,
proporcionando insights sobre a vida social, religiosa e cotidiana da época.

3- As pinturas rupestres eram feitas com pigmentos naturais, como o óxido de ferro, que
proporciona uma cor avermelhada, e carvão, que era usado para as cores mais escuras. Muitas
vezes, os artistas pré-históricos usavam as mãos como "pincéis", aplicando diretamente os
pigmentos nas paredes das cavernas. Além das mãos, ferramentas rudimentares podem ser
utilizadas para gravar ou desenhar nas superfícies rochosas.

18
Grafite: As Cores da Cidade

Você já passeou por uma rua e de repente se deparou com um muro cheio de desenhos coloridos? Isso
provavelmente é grafite! O grafite é uma forma de arte que nasceu nas ruas e ganhou o mundo.

Como começou o grafite?

Tudo começou em lugares como Nova York, nos Estados Unidos, durante os anos 1960 e 1970. Jovens artistas,
munidos de latas de spray, começaram a fazer desenhos e escrever seus nomes ou apelidos em muros, trens e
prédios. Era uma maneira de se expressar e também de marcar presença na cidade.

Mas, é arte ou vandalismo?

Algumas pessoas podem pensar que o grafite é apenas uma forma de sujar as paredes, mas não é bem assim.
O grafite é uma maneira de os artistas mostrarem sua visão do mundo, seus sentimentos e até mesmo de
criticar algo que não acham justo. Claro, nem todos os desenhos são permitidos, e é importante respeitar os
espaços. Por isso, em muitas cidades, existem lugares específicos onde os artistas podem fazer seus grafites
sem problemas.

Por que é tão colorido?

Uma das coisas mais legais do grafite é o uso de cores. Os artistas utilizam cores vibrantes para dar vida às suas
obras e fazer com que as pessoas que passam por ali parem e olhem. É uma forma de trazer alegria e cor para
lugares que, muitas vezes, são cinzentos e sem graça.

O grafite é uma maneira incrível de transformar as cidades em galerias de arte a céu aberto. E o melhor? É
grátis! Todos podem admirar e se inspirar. Então, da próxima vez que você passar por um grafite, pare um
minutinho e tente entender.

19
 AGORA É SUA VEZ!

FAÇA A RELEITURA DA IMAGEM ACIMA

20
 1-Onde o grafite começou a ganhar destaque?

A) Paris
B) São Paulo
C) Tóquio
D) Nova York
E) Mumbai

2-O que os artistas querem ao fazer grafite?

A) Apenas sujar as paredes

B) Se expressar e mostrar sua visão do mundo
C) Marcar território
D) Apenas escrever seus nomes
E) Fazer propaganda

3-O que torna o grafite tão atrativo para muitas pessoas?

A) Ser sempre em preto e branco

B) O uso de cores vibrantes
C) Ser sempre pequeno
D) A assinatura do artista
E) O preço da lata de spray

4-Em muitas cidades, por que existem lugares específicos para os artistas grafitarem?

A) Para organizar competições de grafite

B) Porque o spray é vendido apenas nesses lugares
C) Para garantir que os artistas tenham um espaço para se expressar sem problemas
D) Para limitar as cores que podem ser usadas
E) Para cobrar entrada das pessoas que querem ver

5-Qual é o principal objetivo do grafite quando transforma lugares cinzentos da cidade?

A) Aumentar o valor dos imóveis

B) Promover marcas de spray
C) Chamar atenção para problemas de infraestrutura
D) Trazer alegria e cor para esses espaços
E) Criar um guia turístico

1- D) Nova York
2- B) Se expressar e mostrar sua visão do mundo
3- B) O uso de cores vibrantes
4- C) Para garantir que os artistas tenham um espaço para se expressar sem problemas
5- D) Trazer alegria e cor para esses espaços

21
22
Vamos imaginar uma pintura. Mas não uma pintura pequena, daquelas que a gente vê em molduras.
Imagine uma pintura gigante, que cobre toda a parede de um prédio. Essa é a essência do muralismo.

Muralismo é o tipo de arte que tem como suporte paredes e painéis permanentes.

Também conhecido como pintura mural ou arte mural, o muralismo propicia uma relação de
proximidade com o público. Isso acontece na medida em que suas obras são encontradas nas ruas e
exploram problemas sociais, bem como temas históricos.

23
A arte muralista desempenha um papel social bastante forte, já que ela se aproveita da exposição
pública para manifestar-se de forma crítica.

As primeiras manifestações do que viria a se tornar o muralismo são as pinturas rupestres.

R P R E F M H T T H L C
B Ú I T S O I O N N S S
B B M N R L S L N E S E
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S S N R Ã
M A E O
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O P R O B L E M A S

● ARTE
● EXPOSIÇÃO
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● HISTÓRICOS
● IMAGINAR
● MOLDURAS
● MURALISMO
● OBRAS
● PEQUENA
● PINTURA
● PROBLEMAS
● PÚBLICO
● RUPESTRES
● SOCIAL

25
26
O começo de tudo

Depois de uma grande guerra no México, chamada Revolução Mexicana, que aconteceu entre 1910 e 1920, o
país estava buscando uma forma de unir o povo e mostrar sua cultura e história. Então, o governo teve uma
ideia: por que não usar as paredes dos prédios públicos para contar a história do México através da arte

Os Grandes Artistas:

Três artistas se destacaram nesse movimento: Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros e José Clemente Orozco.
Eles são como os "três amigos" do muralismo mexicano. Eles pintaram murais incríveis que mostravam cenas
do passado do México, das tradições, das lutas do povo e até dos sonhos para o futuro.

Mais do que só pintura:

Os murais não eram apenas desenhos bonitos. Eles tinham mensagens fortes. Muitas vezes, os murais falavam
sobre os direitos dos trabalhadores, a importância dos indígenas e a justiça social. Era uma forma de fazer as
pessoas pensarem e também de mostrar o orgulho mexicano.

Murais hoje:

O muralismo mexicano inspirou muitos outros países a usar a arte de forma parecida. Até hoje, no México,
você pode ver murais sendo pintados por artistas novos. Eles continuam contando histórias, mostrando a
beleza do México e passando mensagens importantes.

Na próxima vez que você ouvir falar do México, lembre-se de que não é só sobre sombreros e tacos. É sobre
uma rica tradição de contar histórias gigantes nas paredes. E isso é o muralismo mexicano: uma arte que fala,
que mostra e que ensina.

27
HORIZONTAL

2. Arte que fala, mostra e...

4. Evento histórico importante no México entre 1910 e 1920. ------ Mexicana.

6. Outro artista destacado, com nome composto, que pintou murais emocionante. ------ALFARO

7. Tipo de mensagem frequentemente representado nos murais que fala sobre justiça e direitos.

9. País de origem do muralismo discutido.

VERTICAL

1. Essa arte é feita nas...

3. Forma de arte que conta histórias em grandes paredes.

5. O último dos "três amigos", conhecido por seu sobrenome.

8. Um dos "três amigos" do muralismo, que tem o mesmo nome do explorador espanhol. --------Riviera.

28
PROFESSOR,

Sugestão de Mural Artístico nos espaços da escola.

Material:

Rolos, pincéis, tinta acrílica, bisnagas de várias cores, recipientes para

misturar tinta, trapos.

Passo a Passo para fazer o Mural

Coloque uma lona no chão para proteção; cobrir o fundo do muro com tinta
29
branca até ficar uniforme para receber o desenho e deixe secar; transferir a

imagem selecionada, caso queira utilizar o projetor, use a imagem escolhida,

podendo ampliá-la no xérox, faça uma transparência e coloque no projetor,

ligue o projetor e projete a imagem na área desejada da parede, contorne o

desenho com lápis ou giz; com a ajuda do professor misture a tinta,

proporcional a área pintada, coloque a tinta branca no pote e misturar com a

bisnaga colorida, até chegar a cor pretendida, baseando-se nas cores da

cópia do projeto; use pincéis do tamanho necessário para a sua área de

trabalho detalhe o tema; use pedaços de fitas para separar as imagens que

ficarão em segundo plano; espere a tinta secar, antes de pintar sobre ela,

caso queira acrescentar algum detalhe.

30
Portinari: O Pintor dos Murais Brasileiros

Quando pensamos em arte e em grandes pintores brasileiros, é difícil não lembrar de Candido Portinari.
Ele não apenas pintou quadros, mas também deu vida a imensas paredes com suas pinturas, contando
histórias do Brasil.

Quem foi Candido Portinari?

Nascido em uma pequena cidade chamada Brodowski, em São Paulo, em 1903, Portinari era filho de
imigrantes italianos. Mesmo vindo de uma família simples, ele mostrou desde cedo um grande talento
para a arte.

Murais de Portinari

Murais são como grandes pinturas em paredes, e Portinari era mestre nisso. Ele usava essa forma de arte
para mostrar a vida do povo brasileiro, suas festas, trabalhos e tradições. Um dos seus murais mais
famosos é o "Guerra e Paz", que está na sede da ONU, em Nova York. Ele mostra os horrores da guerra,
mas também a esperança da paz.

Candido Portinari foi um artista que conseguiu capturar a essência do Brasil em suas pinturas. Ele

mostrou ao mundo quem somos, nossas alegrias, tristezas, lutas e esperanças. Ele nos ensinou que a
arte está em todo lugar, até mesmo nas grandes paredes das cidades.

31
32
Rito e Rituais: Entendendo a Diferença e sua História

Ao longo da história humana, as culturas desenvolveram uma série de práticas e cerimônias que têm
significados profundos e são essenciais para a compreensão de suas crenças e tradições. Duas palavras que
frequentemente aparecem neste contexto são "rito" e "rituais". Mas qual é a diferença entre elas? E como os
rituais indígenas se encaixam neste panorama? Vamos explorar isso.

Rito vs. Rituais:

Rito refere-se a um costume, uma prática ou uma série de ações realizadas em uma ordem específica. Pode ser
algo simples como um gesto simbólico ou uma palavra específica dita em uma cerimônia.
Rituais, por outro lado, são mais complexos e envolventes. Eles consistem em séries de ritos e ações que são
realizados em uma sequência específica, muitas vezes com um propósito simbólico ou religioso. Eles podem
envolver músicas, danças, orações e outras práticas.

33
A História dos Rituais:

Desde os primórdios da civilização, os humanos têm realizado rituais. Eles marcam eventos importantes da
vida, como nascimentos, casamentos e mortes, mas também são usados para apaziguar deuses, pedir uma boa
colheita ou mesmo para unir a comunidade.
Os rituais variam enormemente de uma cultura para outra. Eles são moldados por crenças religiosas, tradições
culturais e até mesmo pelo ambiente em que uma comunidade vive.

Rituais Indígenas:

Os povos indígenas do Brasil possuem uma rica tapeçaria de rituais que são intrinsecamente ligados à sua
conexão com a natureza e seus antepassados. Por exemplo, muitas tribos realizam rituais de passagem quando
um jovem entra na idade adulta. Estes rituais podem incluir danças, jejuns, e tarefas que devem ser realizadas
para demonstrar coragem e maturidade.
Outro ritual significativo entre os povos indígenas é o Kuarup ou festa dos mortos. Esse é um grande evento
que homenageia os membros falecidos da comunidade e busca harmonizar a relação entre os vivos e os
mortos.

1-O que é um rito?

A) Uma dança complexa.
B) Uma série de ações realizadas em ordem específica.
C) Uma festa indígena.
D) Uma antiga língua falada no Brasil.

2-O que diferencia rituais de ritos?

A) Rituais são mais simples.
B) Ritos envolvem danças, enquanto rituais não.
C) Ritos são gestos simbólicos, enquanto rituais consistem em séries de ritos.
D) Ritos são modernos, e rituais são antigos.

3-Qual é a principal finalidade dos rituais humanos?

A) Marcar eventos importantes da vida e unir a comunidade.
B) Apenas para entretenimento.
C) Celebrar aniversários.
D) Cozinhar alimentos.

34
4-Qual dos seguintes é um ritual de passagem comum em muitas tribos indígenas?
A) Festa junina.
B) Kuarup.
C) Carnaval.
D) Ceia de Natal.

5-Por que os rituais indígenas são frequentemente realizados?

A) Apenas para diversão.
B) Para demonstrar riqueza.
C) Para conectar-se com a natureza e antepassados.
D) Para competir com outras tribos.

1- B) Uma série de ações realizadas em ordem específica.

2- C) Ritos são gestos simbólicos, enquanto rituais consistem em séries de ritos.
3- A) Marcar eventos importantes da vida e unir a comunidade.
4- B) Kuarup.
5- C) Para conectar-se com a natureza e antepassados.

35
 Os rituais de dança ameríndia são parte fundamental da cultura indígena das Américas. Esses rituais têm
diferentes significados e objetivos, como agradecer aos deuses, pedir por chuva ou fertilidade, celebrar a vida
ou honrar os antepassados. A música e a dança são elementos essenciais desses rituais, que muitas vezes
envolvem o uso de instrumentos tradicionais e trajes típicos. Os rituais de dança ameríndia também são
importantes para a preservação da identidade cultural dos povos indígenas, que lutam contra a assimilação e
o apagamento de suas tradições

Visite: https://religiao.app/dancas-rituais-na-cultura-amerindia-tradicoes-e-significados-ancestrais/

Observe a imagem abaixo:

36
1-Descreva o que você observa nesta imagem

37
Dança do Sol A Dança do Sol é um ritual sagrado para muitas tribos indígenas
norte-americanas. Ela é realizada no solstício de verão e é uma forma
de agradecimento e renovação espiritual

Dança da Chuva A Dança da Chuva é um ritual realizado por muitas tribos indígenas
para pedir chuva e fertilidade para as colheitas. É uma forma de honrar
a natureza e pedir sua ajuda.

Dança do Urso A Dança do Urso é um ritual de cura realizado por muitas tribos
indígenas. É uma forma de honrar o espírito do urso e pedir sua ajuda
na cura de doenças e ferimentos.

Dança do Fogo A Dança do Fogo é um ritual de purificação realizado por muitas tribos
indígenas. É uma forma de purificar o corpo e a alma e se conectar
com o espírito do fogo.

38
 Dança da Serpente A Dança da Serpente é um ritual sagrado realizado por muitas tribos
indígenas. É uma forma de honrar o espírito da serpente e pedir sua
ajuda na cura e proteção.

As máscaras têm sido uma parte integrante das tradições humanas por milênios. Elas transcendem barreiras
geográficas e culturais, desempenhando papéis vitais em muitas cerimônias e rituais. Mas o que essas
máscaras realmente representam? Vamos mergulhar nos mundos indígena, grego e africano para descobrir.

Máscaras Indígenas:

Para muitas tribos indígenas, a máscara não é apenas um objeto: é um ser vivo. Elas frequentemente retratam
deidades, espíritos da natureza ou ancestrais. Em rituais, elas servem como um meio de comunicação entre o

39
mundo humano e o espiritual. Usar uma máscara é assumir a identidade e o poder do ser que ela representa,
seja para cura, proteção ou celebração.

Máscaras Gregas:

No antigo teatro grego, as máscaras eram ferramentas essenciais para os atores. Estas máscaras amplificam
suas vozes e lhes permitiam assumir múltiplos papéis. Além disso, as máscaras representavam diferentes
emoções, como tristeza, alegria ou raiva, e ajudavam o público a identificar rapidamente o caráter e o humor
da cena. Em muitos aspectos, as máscaras no teatro grego eram uma janela para a alma humana.

Máscaras Africanas:

A diversidade das máscaras africanas é impressionante, refletindo a riqueza das centenas de culturas no
continente. Estas máscaras podem representar espíritos, ancestrais, animais ou ideais, como beleza, coragem e
sabedoria. Usadas em rituais de iniciação, cerimônias de cura e celebrações, elas são mais do que apenas
objetos: são pontes entre o visível e o invisível.

40
1- b) Servem como meio de comunicação entre o mundo humano e o espiritual.
2- c) Amplificar as vozes dos atores.
3- d) Em rituais de iniciação, cerimônias de cura e celebrações.
4- c) O caráter e o humor da cena.
5- a) As máscaras são pontes entre o visível e o invisível na cultura africana.

41
 As máscaras são mais do que meros objetos; elas são símbolos poderosos carregados de
significado e história. Seja nas tribos indígenas da Amazônia, nos palcos da Grécia Antiga ou nas
aldeias da África, elas nos lembram da nossa incessante busca de conexão, expressão e
transcendência. Ao explorar e compreender estas tradições, ganhamos uma janela para o coração
de diferentes culturas e, por extensão, para a humanidade como um todo.

42
Um mito é uma narrativa tradicional, frequentemente dotada de caráter fundacional, que explica, através da ação
de seres sobrenaturais ou heróis, a origem de elementos naturais, rituais, instituições e fenômenos inexplicáveis
pela ciência ou lógica comum. Os mitos são transmitidos de geração em geração e são fundamentais para
compreender as crenças, valores e a visão de mundo de uma cultura.
Existem vários elementos-chave associados ao conceito de mito:
Natureza simbólica: Os mitos frequentemente operam em um nível simbólico, representando ideias universais,
dilemas morais ou questões existenciais.
Origens: Muitos mitos explicam as origens do mundo, dos humanos e das tradições culturais. Eles são, portanto,
frequentemente considerados narrativas cosmogônicas ou etiológicas.
Ensinos morais: Além de explicar as origens, muitos mitos têm uma função didática, ensinando valores, normas
morais e consequências de ações boas ou ruins.
Componente sobrenatural: Quase todos os mitos contêm elementos sobrenaturais. Deuses, monstros, heróis com
habilidades especiais e outros seres extraordinários são comuns em histórias míticas.

43
Tradição oral: Muitos mitos foram inicialmente transmitidos através da tradição oral antes de serem registrados
por escrito.
Universalidade: Embora os detalhes específicos e os personagens variem, muitos temas míticos são universais e
podem ser encontrados em culturas ao redor do mundo. Por exemplo, muitas culturas têm mitos sobre um dilúvio
ou um "grande dilúvio".
Adaptação e reinterpretação: Com o tempo, os mitos podem ser adaptados e reinterpretados. A maneira como
uma sociedade conta e entende um mito pode mudar com base em novas crenças, valores ou circunstâncias
sociais.
Em muitas sociedades modernas, o termo "mito" também pode ser usado em um sentido pejorativo para
descrever uma crença falsa ou uma ideia equivocada. No entanto, é importante entender que, em seu contexto
cultural original, um mito não é considerado "falso" - é uma verdade profunda que transmite os valores e crenças
mais fundamentais de uma cultura.

1-O que é um mito?

a) Uma narrativa histórica baseada em fatos reais.

b) Uma lenda sobre um herói sem relevância cultural.

c) Uma história fictícia criada para entretenimento.

d) Uma narrativa tradicional que explica fenômenos naturais, origens ou valores através da ação de seres
sobrenaturais ou heróis.

2-Qual é uma das principais funções dos mitos?

a) Para fornecer instruções técnicas.

b) Para transmitir notícias atuais.

c) Para explicar a origem de elementos naturais, rituais e fenômenos.

d) Para criar contos de ficção científica.

3-Qual das seguintes opções é um elemento comum na maioria dos mitos?

a) Comédia.

b) Elemento sobrenatural.

c) Ação contemporânea.

d) Referências a tecnologias modernas.

4-Como muitos mitos foram originalmente transmitidos antes do advento da escrita?

44
a) Através de sinais.

b) Através da tradição oral.

c) Através de gravações.

d) Através de emails.

5-Muitos mitos possuem qual função adicional além de explicar origens?

a) Fornecer previsões meteorológicas.

b) Descrever os modos de vestimenta da cultura.

c) Ensinar valores e normas morais.

d) Dar instruções sobre agricultura.

1- d) Uma narrativa tradicional que explica fenômenos naturais, origens ou valores

através da ação de seres sobrenaturais ou heróis.
2- c) Para explicar a origem de elementos naturais, rituais e fenômenos.
3- b) Elemento sobrenatural.
4- b) Através da tradição oral.
5- c) Ensinar valores e normas morais.

45
A Origem do Fogo nas Diversas Mitologias

O fogo, com seu poder de iluminar, aquecer e transformar, é um elemento místico que desempenhou um papel
central em muitas mitologias ao redor do mundo. A origem do fogo, e os contos que a cercam, oferecem uma
janela para o entendimento das diferentes culturas e como elas percebem o mundo ao seu redor.
Mitologia Grega:
Na mitologia grega, o fogo foi roubado dos deuses pelo titã Prometeu e dado à humanidade. Prometeu, que
amava os humanos, viu seu sofrimento sem o fogo e decidiu agir. Ele subiu ao Olimpo, roubou o fogo dos deuses e
o trouxe escondido em um talo de funcho. Como punição por este ato rebelde, Zeus ordenou que Prometeu fosse
acorrentado a uma rocha, onde uma águia comeria seu fígado todos os dias, apenas para ele se regenerar e o
tormento recomeçar.
Mitologia Nórdica:
Na mitologia nórdica, o fogo tem origens nas terras de Muspelheim, um dos nove mundos. Governado pelo
gigante do fogo Surtr, este mundo ardente está repleto de chamas, faíscas e fumaça. Acredita-se que as faíscas
que voam de Muspelheim são as responsáveis pela criação das estrelas no céu.
Mitologia Maori:
Para os Maori da Nova Zelândia, o fogo foi adquirido através de engenhosidade. Maui, o herói trapaceiro, pegou o
fogo das unhas da deusa Mahuika, após enganá-la várias vezes. Cada vez que ele apagava o fogo, ela lhe dava
outra unha, até que quase todas se foram. Em sua ira, ela jogou a última unha em Maui, causando incêndios
florestais, mas Maui conseguiu trazer o fogo para a humanidade.

46
Mitologia Nativo-Americana:
Muitas tribos nativas americanas têm suas próprias histórias de origem do fogo. Uma história comum é sobre o
Corvo, que roubou o fogo de uma tribo e o trouxe para o mundo, muitas vezes sob a forma de um galho em
chama.
Mitologia Indígena Brasileira:
Em algumas lendas indígenas brasileiras, o fogo era guardado por um pássaro mágico, conhecido em algumas
tribos como o pássaro Uirapuru. No início, os humanos não tinham acesso ao fogo e, portanto, comiam tudo cru.
Um dia, um astuto guerreiro decidiu seguir o Uirapuru, roubou o fogo e compartilhou com seu povo.

47
48
 Identidade e Autorretrato: Uma Expressão do Eu

A identidade é um conceito profundo que diz respeito a quem somos, como nós percebemos e como os outros
nos veem. Ela é formada por diversas camadas, incluindo nosso nome, cultura, história pessoal, gostos,
desgostos, sonhos e experiências. A identidade é única para cada indivíduo, fazendo de nós seres únicos no vasto
universo.
A identidade refere-se a quem somos, tanto por dentro quanto por fora. Ela é moldada por nossa história,
experiências, cultura, gostos e até mesmo pelos sonhos que temos. Todos nós temos uma identidade única que
nos torna especiais e diferentes de todas as outras pessoas do mundo.
Agora, pense em uma maneira de mostrar a todos como você se vê. Uma das maneiras mais poderosas de fazer
isso é através do autorretrato. O autorretrato é um desenho, pintura ou até uma foto que uma pessoa faz de si
mesma. É uma forma de se expressar, mostrar suas emoções e contar uma história sobre quem você é.
Ao longo da história, muitos artistas, como Frida Kahlo, Vincent van Gogh e Pablo Picasso, criaram autorretratos
incríveis. Por meio de suas pinturas, eles nos mostraram como viam a si mesmos e como sentiam sobre seu lugar
no mundo.

49
A coisa interessante sobre os autorretratos é que eles não precisam ser um reflexo exato da realidade. Eles
podem ser abstratos, cheios de cores e formas que representam sentimentos ou pensamentos. Ou podem ser
realistas, mostrando todos os detalhes do rosto e do corpo,
Em resumo, a identidade é a essência de quem somos, e o autorretrato é uma janela para essa essência. Cada
vez que você cria um autorretrato, está contando uma história sobre si mesmo, permitindo que outros vejam o
mundo através de seus olhos.

HORIZONTAL

5. Artista Vincent van ------que pintou um autorretrato com uma orelha enfaixada.

6. Conceito que descreve quem somos e como somos percebidos.

8. Nacionalidade da artista conhecida por seus autorretratos vibrantes.

VERTICAL

50
1. Tipo de arte que não se baseia na realidade.

2. Maneira artística de mostrar como alguém se vê.

3. Artista que, junto com Pablo Picasso e Van Gogh, é conhecido por seus autorretratos.

4. Identidade ----- é o que cada pessoa tem, tornando-a diferente de todas as outras.

7. Aquilo que um autorretrato pode contar sobre uma pessoa.

51
52
Observe as imagens e responda às seguintes perguntas:

1-Quais cores predominam no autorretrato de Frida Kahlo que você está analisando? O que você acha que essas
cores podem simbolizar sobre sua personalidade ou emoções?

2-Frida frequentemente incluía elementos simbólicos em seus autorretratos, como animais, plantas ou objetos.
Quais elementos você identifica no quadro e qual poderia ser seu significado?

53
3-Como Frida retrata suas características físicas, como sobrancelhas e lábios? O que você acha que ela estava
tentando comunicar sobre sua autoimagem?

1-Van Gogh é conhecido por suas pinceladas expressivas. Como essas pinceladas afetam sua percepção do
humor ou emoção retratada no autorretrato?

2-Que tipo de atmosfera ou ambiente você acredita que Van Gogh estava tentando criar com a escolha de suas
cores?

3-Van Gogh pintou vários autorretratos ao longo de sua vida. Como as alterações em sua aparência e estilo
entre eles podem refletir diferentes períodos ou eventos em sua vida?

54
1-Em qual período artístico (Azul, Rosa, cubista, etc.) você categorizaria o autorretrato de Picasso que está
analisando?

2-Se estiver observando um autorretrato cubista de Picasso, como a fragmentação e a geometria afetam sua
interpretação do estado emocional ou mental do artista?

3-Picasso frequentemente brincava com proporções e perspectivas. O que você acha que ele estava tentando
expressar ao alterar esses elementos em seu autorretrato?

55
1-Courbet foi um pioneiro do realismo. Que características do autorretrato que você está observando
refletem esse movimento artístico?

2-Como Courbet retrata sua própria posição ou status como artista em seu autorretrato?

3-Quais detalhes ou elementos no autorretrato de Courbet lhe dão pistas sobre sua personalidade ou sua
visão de mundo?

56
É importante lembrar que a arte é subjetiva, e diferentes pessoas (ALUNOS) podem interpretar uma obra de
maneiras diferentes.

Frida Kahlo:

As cores nos autorretratos de Frida muitas vezes são vívidas e intensas, refletindo sua herança mexicana e suas
intensas emoções pessoais.

Em muitos de seus autorretratos, Frida inclui macacos, pássaros, flores, e espinhos, que podem simbolizar
proteção, amor, beleza e dor, respectivamente.

Ela frequentemente destaca suas sobrancelhas unidas e lábios fortes, celebrando sua individualidade e
desafiando normas convencionais de beleza.

Vincent van Gogh:

As pinceladas expressivas muitas vezes transmitem emoção, movimento e energia. Em alguns autorretratos,
elas podem indicar tumulto emocional ou agitação.

As cores podem variar desde azuis frios e verdes, indicando períodos de melancolia ou depressão, até
vermelhos e laranjas quentes, que podem indicar paixão ou agitação.

Os diferentes autorretratos refletem os altos e baixos da vida tumultuada de Van Gogh, incluindo sua luta com
a saúde mental.

Pablo Picasso:

Se for um autorretrato do período Azul, haverá tons de azul e verde, refletindo um período melancólico em sua
vida. Se for do período Cubista, a imagem pode ser fragmentada em formas geométricas.

A fragmentação no cubismo pode indicar uma visão multifacetada do self ou uma desconstrução da
identidade.

Ao brincar com proporções e perspectivas, Picasso desafiava as noções convencionais de retrato e identidade,
apresentando uma visão mais complexa e dinâmica do self.

Gustave Courbet:

O realismo de Courbet é evidente em sua atenção meticulosa aos detalhes e em sua representação não
idealizada de si mesmo.

Em "O Desesperado", por exemplo, Courbet se retrata com cabelos desgrenhados e olhos arregalados,
possivelmente comunicando uma sensação de ansiedade ou paixão.

Os detalhes de sua vestimenta, postura e ambiente podem indicar sua visão de si mesmo como um artista
sério, engajado e rebelde.

57
 Lembre-se de que essas são apenas interpretações generalizadas, e cada obra de arte tem nuances que podem
ser interpretadas de várias maneiras. A discussão e reflexão em sala de aula são essenciais para aprofundar a
compreensão dos alunos sobre esses autorretratos.

O Autorretrato no Século XX: Uma Jornada de Descoberta e Expressão

Quando falamos de século XX, estamos nos referindo a um período entre 1901 e 2000. Foi um tempo de muitas
mudanças e inovações, não só na tecnologia e na ciência, mas também na arte! Durante este século, os artistas
começaram a explorar novas maneiras de se expressar, e uma dessas formas foi através do autorretrato.

O autorretrato, que é quando um artista se pinta ou se desenha, não era algo novo. Ele já existia há séculos. Mas,
no século XX, ele ganhou novas formas e significados.

No início do século, vemos artistas como Picasso usando estilos abstratos em seus autorretratos. Ele brincava com
formas e cores, de modo que muitas vezes, era difícil reconhecê-lo em suas próprias pinturas!

Mais tarde, durante os anos 1950 e 1960, com a popularidade da fotografia, artistas como Andy Warhol começaram
a criar autorretratos usando fotos e técnicas de impressão. Ele até fez imagens de si mesmo usando cores brilhantes
e repetindo a mesma imagem várias vezes na mesma tela.

No final do século XX, com a chegada da tecnologia digital, artistas começaram a usar computadores para criar
imagens de si mesmos de formas nunca antes vistas. Eles poderiam manipular suas imagens, misturar diferentes

58
técnicas e até mesmo criar animações de autorretratos!

------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------

59
60
Crie o Seu Autorretrato Abstrato: Usando tintas, lápis de cor ou giz de cera, peça para que cada
aluno crie um autorretrato, mas de forma abstrata, ou seja, sem se preocupar em fazer tudo
perfeitamente realista. Use cores e formas para representar suas emoções e personalidades.

61
IMAGEM: DO AUTORRETRATO ÀS SELFIES

A evolução da imagem humana, desde o autorretrato nas pinturas clássicas até a era moderna das selfies, é uma
jornada fascinante através da história da arte e da tecnologia. O desejo humano de se capturar, de registrar a própria
existência, está presente em nossa cultura desde os tempos mais antigos. De desenhos rupestres à tecnologia das
câmeras digitais, essa jornada revela muito sobre a natureza humana e sua necessidade incessante de expressão.

O Autorretrato na História da Arte

Nas eras anteriores à fotografia, o autorretrato era uma declaração artística e técnica. Pintores como Rembrandt, Van
Gogh e Frida Kahlo usavam o autorretrato não apenas como uma maneira de estudar o rosto humano, mas também
para se expressar, para transmitir emoções e contar histórias. Esse tipo de imagem era um trabalho meticuloso, que
exigia horas, às vezes dias, de atenção aos detalhes, à luz, à sombra e à paleta de cores.

A Invenção da Fotografia

Com a invenção da fotografia no século XIX, a capacidade de capturar um momento tornou-se mais acessível.
Inicialmente, devido à natureza demorada do processo, as primeiras fotografias mantinham a pose estática dos
retratos pintados. No entanto, à medida que a tecnologia avançava, tornou-se possível capturar momentos
espontâneos, movimento e expressões autênticas.

A Era da Selfie

Avançamos rapidamente para o século XXI, e a fotografia tornou-se uma parte intrínseca de nossas vidas,
especialmente com o surgimento dos smartphones. As selfies, autorretratos tirados com esses dispositivos,
tornaram-se uma forma predominante de expressão. Rapidamente compartilhadas nas redes sociais, as selfies são,
muitas vezes, momentos efêmeros que capturam a essência de uma era dominada pela instantaneidade.
No entanto, por trás do ato aparentemente simples de tirar uma selfie, há uma complexidade de questões
relacionadas à identidade, à representação e à busca de validação. As selfies são celebradas por muitos como uma
forma de autoaceitação e empoderamento, enquanto são criticadas por outros como um sintoma de uma cultura
narcisista.
De pinturas a fotografias, de estúdios a smartphones, a imagem humana evoluiu, mas o desejo de nos vermos e
compartilharmos nossa imagem permanece constante. Através de autorretratos e selfies, continuamos a explorar
nossa identidade, nosso lugar no mundo e a complexidade da experiência humana.

62
HORIZONTAL

4. Através de autorretratos e selfies, continuamos a explorar nossa -------------

5. Ação de capturar um momento, emoção ou cena.

6. A evolução da imagem humana é uma jornada fascinante através da história da arte e da --------------.

7. Uma plataforma popular para compartilhar selfies.

8. Tipo moderno de autorretrato, geralmente tirado com um smartphone.

VERTICAL

1. Era artística anterior à fotografia.

2. O desejo de se ver e registrar sua existência.

3. Inovação tecnológica que permitiu o registro rápido de imagens.

63
64
1- O que você observa nessa imagem?

2- O que você achou dessa decoração?

3- É comum esse tipo de Arte em sua cidade?

4-Qual é a reação das pessoas ao se depararem com essa Arte nas ruas?

65
COLE FOTOGRAFIAS DE PESSOAS DO SEU CONVÍVIO E MONTE UM
MURAL

66
Desenho do Espelho:

Forneça a cada aluno um espelho pequeno e peça que se observem por alguns minutos.

Os alunos devem então desenhar um autorretrato usando lápis de cor, giz de cera ou aquarela. Eles podem
escolher retratar-se de forma realista ou focar em aspectos emocionais, usando cores e formas que sintam que
representam sua personalidade.

Mosaico de Identidade:

Peça aos alunos que recortem imagens de revistas, jornais ou imprima da internet - imagens que sintam que
representam partes de sua identidade.

Usando essas imagens, eles devem criar um "mosaico de identidade", colando-as em uma folha de papel,
formando um autorretrato.

Autorretrato de Palavras:

Em vez de usar materiais de arte tradicionais, peça aos alunos que pensem em palavras que sintam que os
descrevem. Pode ser qualquer coisa, desde "corajoso" ou "sonhador" até "amante de pizza".

Eles devem então escrever essas palavras em uma folha de papel, formando a silhueta de seu rosto ou corpo.

História de Vida:

Peça aos alunos que criem uma linha do tempo visual de sua vida até agora, marcando eventos, memórias e
experiências significativas.

Ao lado de cada marca na linha do tempo, eles podem desenhar uma imagem pequena ou colar uma foto
representando aquele momento.

Máscaras de Identidade:

Forneça a cada aluno uma máscara de papel ou cartolina.

Os alunos devem decorar a máscara de uma forma que sintam que representa sua identidade interna. Eles
podem pintar, colar itens, desenhar ou escrever nela.

Após as atividades, organize uma exposição na sala de aula com todos os autorretratos. Essa é uma excelente
oportunidade para os alunos compartilharem suas criações, aprenderem mais sobre si mesmos e sobre seus
colegas, e celebrarem a diversidade e singularidade de cada identidade.

67
O ritmo e o movimento são conceitos fundamentais nas artes visuais, tal como na música e na dança. Eles dão
vida às obras, conduzem o olhar do espectador e criam uma experiência dinâmica. Entender como esses
elementos funcionam pode enriquecer nossa apreciação da arte e ajudar os artistas a comunicarem suas
intenções com mais eficácia.

1. Conceito de Ritmo:

O ritmo na arte refere-se à repetição ou alternância de elementos, seja através de cores, formas, linhas, ou
qualquer outro componente visual. Assim como na música, onde o ritmo é criado através da repetição de notas
e silêncios, na arte visual, o ritmo pode ser percebido pela repetição de padrões ou contrastes.

2. Conceito de Movimento:

O movimento é a sugestão de ação na obra de arte. Pode ser literal, como em uma escultura cinética que se
move fisicamente, ou ilusório, como na representação do movimento em pinturas e desenhos. O movimento cria
uma narrativa, guiando o espectador através da composição e contando uma história.

Como Ritmo e Movimento Trabalham Juntos:

Enquanto o ritmo organiza a arte, estabelecendo uma sensação de harmonia através da repetição e alternância,
o movimento dá vida e energia a essa organização. Juntos, eles criam uma dança visual, onde cada elemento
desempenha um papel na condução do olhar e na evocação de emoções.

68
1-O que na pintura "Noite Estrelada" parece estar em movimento?

2-Quais elementos da pintura repetem-se, criando um ritmo?

3-As linhas onduladas no céu da pintura lembram mais qual elemento natural: água, fogo, terra ou ar?

4-Existe alguma construção presente na pintura? Se sim, qual é?

5-Como você descreveria o clima ou atmosfera da pintura: calmo, turbulento, alegre ou sombrio?

6-As estrelas na pintura são pequenas e discretas ou grandes e chamativas?

7-Em sua opinião, o céu da pintura parece mais um céu de inverno ou de verão?

69
 Se você pudesse introduzir um novo elemento na pintura original que
reforçasse ritmo e movimento, qual seria? Acrescente o desenho e depois
faça um belo colorido!

70
(Resposta subjetiva) Por exemplo: "Eu introduziria pássaros voando para reforçar o sentido de movimento no
céu."

Lembrando que as respostas ao gabarito são baseadas em uma análise de "Noite Estrelada", mas poderiam
variar enormemente com base na pintura escolhida para a atividade.

1-O céu, com suas ondas e redemoinhos, parece estar em movimento.

2-As curvas e redemoinhos no céu repetem-se, criando um ritmo.

3-As linhas onduladas no céu lembram mais o elemento "água", como ondas.

4-Sim, há uma igreja e algumas casas no vilarejo presente na pintura.

5-O clima da pintura pode ser descrito como turbulento devido às formas onduladas e redemoinhos no céu.

6-As estrelas na pintura são grandes e chamativas.

7-Isso é subjetivo, mas considerando as cores e o clima, pode-se pensar em um céu de inverno.

Nota: Algumas respostas, especialmente a última, são interpretativas e podem variar dependendo da percepção
individual. A pintura "Noite Estrelada" é rica em detalhes e cada espectador pode ter uma experiência e
interpretação única ao observá-la.

71
Análise de Obras:

Peça aos alunos para escolherem uma obra de arte (pode ser uma pintura, escultura ou fotografia) e analisar os
elementos de ritmo e movimento presentes. Como o artista usou repetição? Onde o movimento é mais
evidente? Que emoções são evocadas?

2. Criação de Colagens Rítmicas:

Forneça aos alunos revistas, tesouras e cola. Peça-lhes para criar colagens focadas no ritmo, recortando e
colando imagens repetidas ou padrões contrastantes.

3. Desenho em Movimento:

Toque uma peça de música e peça aos alunos para desenhar o que sentem em resposta ao ritmo e movimento
da música. Isso pode ser feito com linhas, formas ou cores. Ao final, discuta as diferentes interpretações e como
a música influenciou suas decisões artísticas.

4. Estudo de Fotografia:

Peça aos alunos para tirarem fotografias que capturem o movimento, seja através de técnicas de longa exposição
ou capturando momentos de ação. Em seguida, peça-lhes para organizar essas fotos de forma rítmica, seja
digitalmente ou em um painel físico.

5. Esculturas Cinéticas:

Introduza os alunos ao mundo das esculturas que se movem. Usando materiais como papel, arame e objetos
reciclados, peça-lhes para criar esculturas que possam se mover com o vento, toque ou algum mecanismo.

A compreensão de ritmo e movimento é vital na apreciação e criação de artes visuais. Estes elementos dão vida
às obras, conectando-as com o mundo real e evocando respostas emocionais dos espectadores. Através da
exploração prática desses conceitos, os alunos podem desenvolver uma apreciação mais profunda da arte e uma
maior capacidade de expressão em seus próprios trabalhos.

72
Uma Jornada Musical pelo Brasil

O Brasil, com sua vasta extensão territorial e diversidade cultural, é palco de uma riqueza rítmica inigualável.
Cada região tem seus ritmos, danças e tradições que refletem a fusão das influências indígenas, africanas e
europeias. Vamos embarcar em uma jornada pelos ritmos musicais brasileiros e descobrir os instrumentos que
dão vida a cada um deles.

1. Samba:

Originário do Rio de Janeiro e tendo raízes africanas, o samba é, sem dúvida, o ritmo mais icônico do Brasil.
Movendo-se ao som do pandeiro, cavaquinho, surdo e tamborim, o samba é a alma do Carnaval carioca.

2. Bossa Nova:

Nascida na década de 1950, a Bossa Nova é uma fusão do samba com o jazz. Com um ritmo mais suave e letras
poéticas, ela se popularizou internacionalmente. Os principais instrumentos são o violão e a flauta.

3. Forró:

Originário do Nordeste, o forró é um ritmo contagiante que convida todos a dançar. Instrumentos como a
sanfona, triângulo e zabumba são essenciais para criar seu som característico.

4. Frevo:

Também do Nordeste, o frevo nasceu em Pernambuco e é marcado por sua energia e acrobacias de dança. O
som do frevo é liderado por instrumentos de sopro e percussão, como trombones e saxofones.

5. Axé:

Vindo da Bahia, o axé é uma mistura de ritmos afro-brasileiros com pop, reggae e outros estilos. O atabaque, o
agogô e o timbau são alguns dos instrumentos que caracterizam esse ritmo.

6. Brega:

Originado no Pará, o brega é conhecido por suas letras românticas e melodias pegajosas. Guitarras elétricas e
sintetizadores são frequentemente usados nesse estilo.

7. Sertanejo:

Vindo do interior do país, o sertanejo é uma expressão do coração do Brasil rural. Com letras que falam de amor
e vida no campo, o violão e a sanfona são centrais neste estilo.

73
1-Qual ritmo é considerado a alma do Carnaval carioca?

a) Forró

b) Bossa Nova

c) Samba

d) Axé

2-A Bossa Nova é uma fusão de samba com:

a) Rock

b) Jazz

c) Reggae

d) Eletrônico

3-Qual instrumento é essencial no forró e dá um som característico ao ritmo?

a) Pandeiro

b) Agogô

c) Sanfona

d) Trombone

4-O frevo é originário de qual estado brasileiro?

a) Bahia

b) Rio de Janeiro

c) Pernambuco

d) Pará

5-O ritmo brega é caracterizado pelo uso de:

a) Timbau

b) Atabaque

c) Sintetizadores

d) Tamborim

74
75
1-c) Samba

2-b) Jazz

3-c) Sanfona

4-c) Pernambuco

5-c) Sintetizadores

Instrumentos e Ritmos: A Alma Sonora do Brasil

76
A tapeçaria sonora do Brasil é repleta de cores e texturas, um reflexo de sua rica herança cultural. Da sedução
dos tambores africanos à suavidade das cordas europeias, passando pela vitalidade dos instrumentos
indígenas, a música brasileira é um caldeirão de influências. Vamos explorar os diversos instrumentos que
caracterizam os ritmos do Brasil.

1. Pandeiro:

Este instrumento de percussão é um dos mais emblemáticos do samba. Com suas platinelas (ou pratinhos),
permite uma variedade de ritmos e é usado em vários estilos, incluindo o choro e o pagode.

2. Atabaque:

De origem africana, o atabaque é um tambor longo frequentemente usado em cerimônias religiosas do

candomblé e da umbanda. Também é encontrado em ritmos como o samba-de-roda e o axé.

3. Cavaquinho:

Semelhante ao ukulele, este pequeno instrumento de corda desempenha um papel fundamental no samba e
no choro, proporcionando harmonia e ritmo.

4. Sanfona (ou acordeão):

Este instrumento de fole é o coração do forró. Também é usado no sertanejo, baião e xote, evocando imagens
de festas juninas e danças folclóricas.

5. Berimbau:

Originário da África, este instrumento de corda única é essencial na capoeira.

Com seu som distintivo, o berimbau dita o ritmo e o clima da roda de capoeira.

6. Cuíca:

Muitas vezes chamado de "leão que chora", este instrumento de percussão é

famoso pelo som único que produz, parecido com um choro. É um
componente chave no samba.

7. Zabumba:

Um grande tambor de percussão, a zabumba é a base rítmica do forró, sendo tocada com duas baquetas, uma
em cada lado, produzindo sons graves e agudos.

8. Triângulo:

Este simples instrumento metálico é indispensável no forró e no baião. Seu som agudo contrasta
lindamente com a sanfona e a zabumba.

77
1-Qual instrumento é essencial na capoeira e tem apenas uma corda?

a) Cavaquinho

b) Sanfona

c) Berimbau

d) Zabumba

2-Qual instrumento é conhecido como "leão que chora" e é comum no samba?

a) Pandeiro

b) Atabaque

c) Cuíca

d) Triângulo

3-O que caracteriza o som do triângulo?

a) Som grave

b) Som agudo

c) Som parecido com choro

d) Som de platinelas

4-Em qual ritmo o cavaquinho desempenha um papel fundamental, fornecendo harmonia e ritmo?

a) Forró

b) Axé

c) Sertanejo

d) Samba

5-O atabaque, com suas raízes africanas, é frequentemente usado em:

a) Capoeira

b) Candomblé

c) Choro

d) Baião

1-c) Berimbau

2-c) Cuíca
78
3-b) Som agudo

4-d) Samba

5-b) Candomblé

A riqueza dos ritmos brasileiros se deve, em grande parte, à diversidade de instrumentos

utilizados. Cada um, com sua história e sonoridade, contribui para o mosaico musical que faz o
Brasil ser reconhecido mundialmente por sua inigualável identidade sonora.

79
Instrumentos Musicais, cada um com sua característica única, são o coração de
muitos ritmos brasileiros e representam a diversidade e riqueza cultural do país.

80
HORIZONTAL

5. Esse instrumento de fole é indispensável nas festas juninas e é a alma do forró. Qual é ele?
6. Grande tambor de percussão, tocado com duas baquetas, sendo um dos principais instrumentos do forró.
Qual é o nome dele?
7. Qual instrumento de corda, pequeno e semelhante ao ukulele, é fundamental para dar ritmo e harmonia no
samba?
8. Conhecida como "leão que chora", essa percussão é famosa pelo seu som peculiar e é um componente chave
no samba. O que é?

VERTICAL

1. Simples e metálico, este instrumento tem seu som agudo como característica e é indispensável no
forró e no baião. Qual é?
2. Instrumento de uma única corda e com uma cabaça na extremidade, é essencial para ditar o ritmo e
atmosfera nas rodas de capoeira. Qual é?
3. Qual instrumento, frequentemente associado ao samba, possui platinelas (pratinhos) e é tocado com
a mão para produzir diferentes tipos de som?
4. Esse tambor longo, com raízes africanas, é comumente utilizado em cerimônias religiosas, como as do
candomblé e umbanda. Qual é?

81
 Sons do Corpo: Ritmo, Dança e Movimento

O corpo humano é uma orquestra. Desde os batimentos cardíacos, que marcam o ritmo da vida, até o estalar
dos dedos, os sons do corpo sempre estiveram presentes na nossa existência. Ao longo da história, diferentes

82
culturas descobriram maneiras de explorar esses sons naturais, usando o corpo como instrumento para a música
e a dança.

A percussão corporal é uma prática antiga que envolve o uso do corpo para criar ritmos. As palmas, batidas no
peito, estalos e até mesmo o uso da voz em percussivos vocais são maneiras de transformar o corpo humano em
um instrumento rítmico. Esta forma de expressão é universal e pode ser encontrada em culturas ao redor do
mundo, desde as tribos africanas até os flamencos espanhóis.

Mas o corpo não se limita apenas a produzir sons. Ele se move e dança, transformando ritmos em expressão
visual. A dança é a manifestação física da música, onde o ritmo encontra seu par na forma de movimento. Seja
em uma valsa suave ou em uma dança tribal energética, o corpo interpreta os sons e os traduz em movimentos
que contam histórias, expressam emoções e celebram a vida.

Os movimentos na dança não são aleatórios; eles têm propósito e intenção. Eles podem representar a caça em
uma dança tribal, o amor em uma dança romântica ou a celebração em um festival. Cada movimento, desde os
mais sutis até os mais exuberantes, tem um significado.

A conexão entre som, ritmo, e movimento é profunda. O ritmo é o elo que une a música e a dança, guiando os
movimentos e moldando a expressão. Quando nos deixamos levar pelo ritmo, seja batendo os pés, balançando a
cabeça ou dançando, estamos reconhecendo e celebrando a relação intrínseca entre o som do corpo e o
movimento da dança.

C U C O N E X Ã O H S Y
E E N E R G É T I C A D
T D C E L O R S U O A F
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C U L T U R A S T D I T

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1-O que a percussão corporal utiliza para criar ritmos?

2-Como a dança é descrita em relação à música no texto?

3-Quais são alguns exemplos de movimentos que o corpo pode usar para produzir sons, conforme
mencionado no texto?

1-A percussão corporal utiliza o corpo para criar ritmos.

2-A dança é descrita como a manifestação física da música.

3-Alguns exemplos de movimentos que o corpo pode usar para produzir sons são palmas,
batidas no peito e estalos.

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C U L T U R A S

● CELEBRAÇÃO
● CONEXÃO
● CULTURAS
● DANÇA
● ENERGÉTICA
● HISTÓRIA
● HUMANO
● INSTRUMENTO
● MANIFESTAÇÃO
● PERCUSSÃO
● RELAÇÃO
● RITMO

85
1-Quantos dançarinos estão presentes na imagem? Eles estão dançando juntos ou separadamente?

2-Descreva a postura e expressão facial dos dançarinos. O que elas revelam sobre a emoção ou a
intenção da dança?

3-Que tipo de vestimenta os dançarinos estão usando? Ela se relaciona com algum estilo de dança ou
cultura específica?

4-Como você descreveria a atmosfera ou o clima da imagem? É alegre, sombrio, intenso, relaxante ou
outro?

5-Se você tivesse que interpretar a história ou mensagem por trás dessa imagem de dança, qual seria?

1-Existem dois dançarinos, dançando juntos em um dueto.

2-Eles têm posturas elevadas e expressões faciais intensas, indicando paixão e dedicação.

3-Eles estão vestidos com trajes de flamenco, relacionados à cultura espanhola.

4-A atmosfera é intensa e apaixonada.

5-A imagem pode representar um momento crucial em uma história de amor, onde os
personagens enfrentam desafios, mas sua paixão pela dança e um pelo outro é inegável.

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87
88
Desde os primórdios da humanidade, o corpo foi usado como um instrumento de expressão. O som que ele
produz e os ritmos que ele cria, conscientemente ou não, têm sido uma linguagem fundamental na comunicação
interpessoal. Este aspecto ganha mais destaque quando falamos em artes cênicas, em particular no teatro.

Em sua essência, o teatro é uma forma de contar histórias, de transmitir emoções e refletir sobre a humanidade.
E, para isso, o corpo do ator é uma ferramenta indispensável. Não apenas na forma como se move pelo palco,
mas também nos sons que ele produz. Um suspiro, um grito, o ritmo da respiração, um estalo de dedos, ou até o
simples bater dos pés no chão — tudo isso carrega significado.

Ritmo, no contexto teatral, não se refere apenas à musicalidade, mas à cadência da atuação. O ritmo de um
monólogo, a pausa dramática entre as falas, o crescendo de uma cena de confronto — todos são exemplos de
como o ritmo influencia a interpretação e a recepção de uma peça teatral. Cada gesto, cada movimento e cada
som tem o poder de intensificar, atenuar ou transformar o significado de uma cena.

O corpo, em sua sonoridade, é também um eco das emoções do personagem. Uma respiração ofegante pode
indicar medo, enquanto o som de mãos batendo pode simbolizar frustração ou raiva. Estes sons, muitas vezes
sutis, ampliam a profundidade e a complexidade da atuação.

Ao compreender a importância do corpo sonoro, os atores podem explorar uma ampla gama de possibilidades
em suas performances. A consciência do próprio corpo, de seus ritmos e de sua sonoridade, é uma forma de se
conectar mais profundamente com o personagem, com o público e com o espaço teatral.

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1-De que maneira o som e o ritmo do corpo podem enriquecer a performance de um ator no teatro?

2-Como o ritmo influencia a construção e a entrega de um monólogo ou diálogo em uma peça teatral?

3-Quais são os possíveis significados emocionais que podem ser transmitidos através dos sons naturais
produzidos pelo corpo no teatro?

1-O som e o ritmo do corpo podem enriquecer a performance de um ator ao adicionar profundidade e
nuance à atuação. Eles servem como uma extensão da linguagem verbal, permitindo que o ator
comunique emoções, tensões e subtextos por meio de sons e ritmos corpóreos.

2-O ritmo influencia a construção e a entrega de um monólogo ou diálogo ao determinar a cadência e o

timing da atuação. Ele pode criar tensão, oferecer pausas para reflexão, ou intensificar a emoção de uma
cena. Através do ritmo, o ator pode guiar a atenção do público, construindo e liberando energia
dramática.

3-Os sons naturais produzidos pelo corpo podem transmitir uma variedade de emoções no teatro. Por
exemplo, uma respiração ofegante pode indicar ansiedade ou medo, o estalar de dedos pode ser um sinal

90
de impaciência, e o bater das mãos pode representar frustração ou raiva. Cada som tem o potencial de
comunicar um aspecto diferente da experiência humana, dependendo do contexto e da intenção do ator.

91
Nosso corpo é incrível! Ele pode correr, saltar, dançar, girar e fazer tantos outros movimentos. Toda vez que você
pula corda no recreio, joga bola com seus amigos ou dança sua música favorita, seu corpo está em movimento.

Os ossos, músculos e articulações trabalham juntos para permitir que você faça todos esses movimentos
incríveis. Por exemplo, quando você estende a mão para pegar algo, os músculos do seu braço se contraem e
relaxam, fazendo os ossos se moverem.

Além de ser divertido, mover o corpo também é importante para a saúde. Exercícios ajudam a manter os
músculos fortes, os ossos saudáveis e o coração batendo forte. Então, seja jogando, dançando, nadando ou
simplesmente caminhando, é sempre bom estar em movimento.

Mas, lembre-se: enquanto é bom mover-se, também é essencial dar ao corpo um descanso. Depois de um longo
dia de atividades, dormir bem é a maneira do corpo se recuperar e se preparar para outro dia cheio de
movimentos!

1-O que nosso corpo pode fazer?

a) Dormir
b) Correr
92
c) Estudar
d) Desenhar
e) Cantar

2-Quem trabalha junto para permitir que você se mova?

a) Ossos, músculos e articulações

b) Estômago e cérebro
c) Olhos e orelhas
d) Pele e unhas
e) Cabelo e dentes

3-O que acontece quando você estende a mão para pegar algo?

a) Seus ossos se contraem

b) Seus músculos se contraem e relaxam
c) Suas articulações se movem sozinhas
d) Sua pele se estica
e) Seus olhos fecham

4-Por que é importante mover o corpo?

a) Para fazer barulho

b) Para desenhar melhor
c) Para manter os músculos fortes e os ossos saudáveis
d) Para ficar mais alto
e) Para ouvir melhor
5-O que é essencial fazer após um dia cheio de movimentos?a) Comer muitos doces

b) Assistir muita TV
c) Jogar videogame a noite toda
d) Dormir bem
e) Cantar canções

1-b) Correr

2-a) Ossos, músculos e articulações

3-b) Seus músculos se contraem e relaxam

4-c) Para manter os músculos fortes e os ossos saudáveis

5-d) Dormir bem

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 C A M I N H A N D O
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D A N Ç A S

● ARTICULAÇÕES
● ATIVIDADES
● CAMINHANDO
● CORPO
● DANÇA
● DESCANSO
● ESSENCIAL
● MOVEREM
● MÚSCULO
● PREPARAR

94
Leonardo da Vinci, um dos mais renomados artistas e cientistas do Renascimento, teve uma fascinação particular
pelo corpo humano. Ele não apenas pintou corpos em posições expressivas em suas obras de arte, mas também
realizou estudos detalhados da anatomia humana, dissecando corpos e fazendo esboços precisos de músculos,
ossos e outros sistemas do corpo. Mas, o que a dança e o movimento têm a ver com isso?

Primeiramente, é vital entender que, para da Vinci, o corpo humano era uma obra de arte por si só. Uma máquina
perfeitamente desenhada, capaz de movimentos complexos e expressivos. Ao estudar a anatomia, ele buscava
compreender como os músculos e articulações permitiam essa ampla variedade de movimentos, desde um
simples aceno até a complexa coreografia de uma dança.

A dança, uma expressão artística que celebra o movimento e a capacidade do corpo humano de contar histórias e
expressar emoções, pode ser vista sob a lente dos estudos de da Vinci. Ao entender como cada parte do corpo
funciona e se inter-relaciona, podemos apreciar ainda mais a beleza e a técnica por trás de cada passo de dança.

Os esboços anatômicos de da Vinci podem servir como um guia para dançarinos e coreógrafos. Eles mostram
como os músculos se contraem e relaxam, como as articulações se dobram e estendem, e como o corpo humano,
em sua totalidade, é um instrumento de expressão inigualável.

Em resumo, a visão de Leonardo da Vinci sobre o corpo humano nos oferece uma perspectiva profunda sobre o
movimento e a dança. Seu trabalho nos lembra de que a dança não é apenas uma série de movimentos, mas uma
celebração da incrível máquina que é o corpo humano.

DÊ CORES AO HOMEM VITRUVIANO

95
1-a) identifique diferentes formas geométricas no desenho.

-b) Como o círculo e o quadrado se relacionam com o corpo humano no desenho? Quais são os
pontos de intersecção?

Imagine o Homem Vitruviano em um contexto moderno. Como seria esse desenho se

da Vinci vivesse nos dias de hoje? Quais elementos modernos seriam incorporados?

96
a) No Homem Vitruviano, as formas geométricas mais proeminentes são o círculo e o
quadrado.
b) O centro do círculo está no umbigo, enquanto o centro do quadrado está na região
genital. Estas formas destacam a harmonia e proporção do corpo humano.

97
UMA CELEBRAÇÃO DO CORPO HUMANO

98
A dança é uma linguagem universal que transcende fronteiras, culturas e gerações. Ela é a poesia do corpo em
movimento, uma celebração rítmica que expressa emoções, conta histórias e une as pessoas. A complexidade e
diversidade dos movimentos de dança revelam a incrível capacidade do corpo humano de se mover com graça,
força e paixão.

Existem diversos tipos de dança, desde as tradicionais, enraizadas em culturas ancestrais, até as mais modernas,
influenciadas pela urbanização e globalização. No entanto, todos eles possuem alguns elementos fundamentais:

Postura: A base de qualquer dança é uma postura correta. Seja em pé, sentado ou até mesmo no ar, manter a
postura adequada é crucial para executar os movimentos com precisão.

Equilíbrio: Especialmente importante em estilos como o balé e a dança contemporânea, o equilíbrio permite que
os dançarinos mantenham a estabilidade enquanto executam movimentos complexos.

Coordenação: A habilidade de mover diferentes partes do corpo de forma harmoniosa é essencial. Uma boa
coordenação não só torna a dança mais fluida, mas também mais expressiva.

Expressão: Acima de tudo, a dança é uma forma de expressão. Através dos movimentos, os dançarinos contam
histórias, expressam emoções e se conectam com o público.

Ritmo: Fundamental em estilos como samba, tango e salsa, o ritmo é a batida que guia a dança, fazendo com que
os dançarinos se movam em sintonia com a música.

À medida que exploramos diferentes estilos de dança, descobrimos que, embora os movimentos possam variar, a
paixão e a emoção permanecem constantes. A dança é, e sempre será, uma celebração do que significa ser
humano.

99
HORIZONTAL

2. Forma de dança que exige uma postura elegante e movimentos precisos.

4. A base para a execução de qualquer movimento de dança.

5. A batida que guia a dança e sincroniza movimento com música.

7. Forma pela qual os dançarinos contam histórias e expressam sentimentos.

9. Linguagem que transcende fronteiras e é expressa através do corpo.

10. Crucial para mover diferentes partes do corpo de forma harmoniosa.

VERTICAL

1. Habilidade que permite manter-se estável durante movimentos complexos.

3. Quando a dança se torna mais fluida e significativa.

6. Um dos estilos de dança influenciado pela urbanização.

8. Estilo de dança conhecido por seus movimentos rápidos e paixão.

100
101
102
 Nossos corpos são máquinas magníficas, projetadas para uma variedade de movimentos, desde os mais
simples e funcionais aos mais elaborados e expressivos. No dia a dia, frequentemente realizamos ações
motoras sem sequer nos darmos conta da complexidade por trás delas: caminhar até o trabalho, subir
escadas, pegar objetos ou simplesmente se esticar pela manhã. Esses são chamados de movimentos
funcionais, essenciais para nossa sobrevivência e interação com o mundo.
No entanto, o que acontece quando esses movimentos rotineiros são transpostos para um palco? A magia
da dança reside exatamente nessa transformação. O que é funcional e rotineiro pode ser amplificado,
estilizado e transformado em uma expressão artística profunda. Um caminhar pode virar um deslizar
elegante; um salto simples pode se transformar em um Grand jeté; o ato de se esticar pode ser ampliado
para um arabesque.
Espetáculos de dança têm o poder de fazer o público reavaliar os movimentos que muitas vezes são
tomados como garantidos. Ao observar a dança, somos lembrados da incrível capacidade de expressão do
corpo humano, de como cada movimento tem potencial para contar uma história e transmitir emoção.
As performances de dança também refletem o ritmo da vida cotidiana. Da mesma forma que nossas
rotinas diárias podem ser agitadas ou calmas, rápidas ou lentas, os espetáculos de dança podem variar em
ritmo e energia, capturando a essência do movimento humano em todas as suas facetas.

M O V I M E N T O S A T
C M S N E G K D A N Ç A
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H I S T Ó R I A R O A H

Reinterpretação do Cotidiano: Peça aos alunos que escolham um movimento funcional

comum, como amarrar os sapatos ou beber água, e o transformem em uma breve
sequência de dança. Como esse movimento pode ser ampliado e estilizado?

Mime e Movimente: Os alunos devem trabalhar em pares. Um aluno realiza um

movimento funcional sem qualquer exagero, enquanto o parceiro tenta transformá-lo
em um movimento expressivo, imitando e ampliando a ação.

Diálogo através da Dança: Em grupos, os alunos devem criar uma "conversa" usando
apenas movimentos. Sem palavras, como eles podem se cumprimentar, discordar,
concordar ou se despedir usando apenas o corpo?

Ritmo da Vida: Usando diferentes gêneros musicais (como jazz, clássico, hip-hop etc.),
os alunos devem adaptar um movimento funcional ao ritmo da música. Como o
mesmo movimento pode ser interpretado em diferentes ritmos?

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M O V I M E N T O S
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● ARTÍSTICA
● COMPLEXIDADE
● CORPOS
● DANÇA
● FACETAS
● FUNCIONAIS
● HISTÓRIA
105
 ● HUMANO
● MOTORAS
● MOVIMENTOS
● MÁQUINAS
● PERFORMANCES

Na atualidade, as paisagens urbanas e sociais são repletas de jovens envolvidos com seus dispositivos móveis. O
que se observa, contudo, não é apenas uma imersão no mundo virtual, mas também uma série de movimentos
e posturas associados a essa interação. O uso do celular transformou a maneira como os jovens se movem e se
posicionam no espaço.

Observa-se, por exemplo, o "andar distraído", com o olhar fixo na tela e movimentos lentos e às vezes
cambaleantes, muitas vezes fazendo com que os jovens esbarrem em obstáculos ou até mesmo em outras
pessoas. A postura curvada, com o pescoço inclinado para baixo e os ombros para a frente, é outro movimento
comum, decorrente da posição de leitura e interação com a tela. Além disso, os dedos ágeis deslizam, clicam e
rodam, movimentos que se tornaram tão rotineiros quanto o ato de respirar.

Mas, além dos movimentos físicos, há também uma transformação no movimento social. Grupos de amigos
podem estar fisicamente juntos, mas cada indivíduo está imerso em sua própria bolha digital, movendo-se entre
aplicativos, mensagens e redes sociais, em um ritmo que muitas vezes isola mais do que conecta.

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D I S T R A Í D O A N Y
R O T I N E I R O S L N

1- Os jovens retratados estão em movimento ou parados? Se estiverem se movendo, parecem estar

cientes do ambiente ao redor?

2- Qual a postura predominante dos jovens com seus celulares? Parecem confortáveis ou tensos?
Existem sinais de possíveis desconfortos a longo prazo devido à sua postura?

107
3- Como os dedos e as mãos dos jovens se movimentam na tela? Eles parecem ágeis, hesitantes,
rápidos, lentos?

4- Os jovens parecem estar cientes do espaço ao seu redor? Eles interagem com o ambiente ou estão
completamente absortos em seus dispositivos?

5- Há alguma comunicação física ou verbal entre os jovens ou toda a interação parece ser mediada
pelo dispositivo?

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L O B S T Á C U L O S
D I S T R A Í D O A
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● APLICATIVOS
● CONECTA
● DIGITAL
● DISTRAÍDO
● ESPAÇO
● JOVENS
● MOVIMENTOS
● OBSTÁCULOS
● PAISAGENS
● POSTURA
● ROTINEIROS
● VIRTUAL
●

1-Movimento de Deslocamento: Os jovens retratados estão em movimento ou parados? Se estiverem se movendo, parecem
estar cientes do ambiente ao redor?

A resposta pode variar com base na imagem. Se os jovens estiverem em movimento, é possível que não estejam totalmente
cientes do ambiente, dada a distração do dispositivo.

108
 2-Postura e Ergonomia: Qual a postura predominante dos jovens com seus celulares? Parecem confortáveis
ou tensos? Existem sinais de possíveis desconfortos a longo prazo devido à sua postura?

A postura curvada é comum entre os usuários de dispositivos móveis, o que pode sugerir desconforto ou problemas
ergonômicos a longo prazo.

3-Movimentos das Mãos: Como os dedos e as mãos dos jovens se movimentam na tela? Eles parecem ágeis, hesitantes,
rápidos, lentos?

Dependendo da imagem, os movimentos das mãos podem variar, mas geralmente são ágeis e habituais.

4-Consciência Espacial: Os jovens parecem estar cientes do espaço ao seu redor? Eles interagem com o ambiente ou estão
completamente absortos em seus dispositivos?

Na era digital, é comum ver grupos de jovens fisicamente juntos, mas cada um em sua própria bolha digital.

5-Interação entre eles: Há alguma comunicação física ou verbal entre os jovens ou toda a interação parece ser mediada pelo
dispositivo? Novamente, a interpretação pode variar, e o educador deve estar aberto às diferentes perspectivas dos alunos
sobre a imagem.

A TRANSFIGURAÇÃO DOS MOVIMENTOS

"Tempos Modernos" é mais do que um filme. É uma obra-prima cinematográfica que decompõe e reinterpreta os
movimentos humanos na era da industrialização. Charlie Chaplin, no papel de Carlitos, cria um retrato vívido de
como os movimentos funcionais, intrínsecos à sobrevivência humana, podem ser transformados em expressões
artísticas poderosas.

A mímica é uma parte essencial do filme, e Chaplin, um mestre desta arte, utiliza-a para comunicar o impacto da
mecanização no ser humano. Sem palavras, ele retrata os dilemas, frustrações e comicidade da vida em uma
sociedade industrial. A ausência de diálogo falado eleva a importância do movimento corporal, tornando-o o
principal meio de comunicação entre os personagens e o público.

Um dos elementos mais icônicos do filme é o movimento dos parafusos. Carlitos trabalha freneticamente em uma
linha de montagem, apertando parafusos de maneira obsessivamente repetitiva. Este movimento, que

109
inicialmente parece meramente funcional, torna-se um gesto expressivo que denuncia a monotonia e a
desumanização do trabalho em massa.

A maneira repetitiva e incessante com que Carlitos executa seu trabalho não apenas destaca a robotização do
homem, mas também se transforma em uma dança cômica. Chaplin brinca com a ideia de ritmo: o ritmo
acelerado da linha de montagem é contrastado com os momentos de descompasso de Carlitos, gerando cenas
memoráveis e hilariantes.

O filme também ressalta como a repetição contínua pode afetar a psique humana. Há uma cena em que Carlitos,
após horas de trabalho contínuo, não consegue parar de fazer o movimento de apertar parafusos, mesmo longe
da linha de montagem. Essa compulsão transforma um movimento funcional em uma expressão trágico-cômica do
impacto da industrialização no indivíduo.

1-Qual elemento do filme destaca a monotonia e a desumanização do trabalho em massa?

a) As falas de Carlitos

b) A trilha sonora

c) O movimento dos parafusos

d) O cenário da cidade

e) As roupas dos personagens

2-O que a mímica, utilizada extensivamente por Chaplin, ajuda a retratar no filme?

a) A riqueza da sociedade

b) O impacto da mecanização no ser humano

c) As aventuras de Carlitos

d) As relações românticas

e) A natureza

3-Como o ritmo acelerado da linha de montagem é retratado em relação a Carlitos?

a) Ele sempre se adapta perfeitamente

b) Ele luta para acompanhar e frequentemente entra em descompasso

c) Ele se recusa a trabalhar no ritmo da máquina

d) Ele controla o ritmo da máquina

e) Ele desmonta a máquina

4-O que acontece com Carlitos após horas de trabalho contínuo na linha de montagem?

110
a) Ele começa a cantar

b) Ele decide sair e viajar pelo mundo

c) Ele não consegue parar o movimento de apertar parafusos

d) Ele é promovido a gerente da fábrica

e) Ele constrói sua própria máquina

5-Qual é o principal meio de comunicação entre os personagens e o público no filme?

a) Diálogos falados

b) Músicas cantadas

c) Cartas escritas

d) Movimento corporal e mímica

e) Desenhos e ilustrações

1-c) O movimento dos parafusos

2-b) O impacto da mecanização no ser humano

3-b) Ele luta para acompanhar e frequentemente entra em descompasso

4-c) Ele não consegue parar o movimento de apertar parafusos

5-d) Movimento corporal e mímica

111
Rudolf Laban, nascido no Império Austro-Húngaro em 1879, foi uma das figuras mais proeminentes da dança
moderna no século XX. Sua abordagem revolucionou a maneira como entendemos o movimento e a
expressividade na dança, estabelecendo fundamentos que ainda influenciam a educação em dança hoje.
Laban acreditava que o movimento não era apenas uma sequência mecânica de ações, mas uma linguagem rica
em expressão e significado. Ele percebeu que todo movimento tem uma intenção e uma qualidade, e que, através
da análise e da compreensão dessas qualidades, poderíamos compreender mais profundamente a expressividade
humana.
A partir dessa premissa, Laban desenvolveu o que veio a ser conhecido como a Análise de Movimento Laban
(LMA), um método abrangente para descrever, visualizar, interpretar e documentar todos os tipos de movimento
humano. LMA não se concentra apenas na forma ou na sequência do movimento, mas também na dinâmica, no
espaço e na relação entre os movimentos.
A contribuição de Laban para a arte da dança reside em sua capacidade de entender o movimento como uma
linguagem, uma forma de comunicação que pode expressar emoções, histórias e até mesmo aspectos culturais.
Ele percebeu que cada indivíduo tem uma assinatura de movimento única, que é influenciada tanto por fatores
internos (como emoções e intenções) quanto por fatores externos (como cultura e ambiente).

1-Quem foi Rudolf Laban e qual foi sua principal contribuição para a dança moderna?

112
2-O que é a Análise de Movimento Laban (LMA) e quais aspectos do movimento ela considera?

3-Por que Laban acreditava que cada indivíduo possui uma "assinatura de movimento" única?

1-Explorando Qualidades de Movimento: Peça aos alunos que escolham uma emoção (por
exemplo, alegria, tristeza, raiva) e criem uma sequência de movimentos que expressam essa
emoção sem usar palavras. Depois, peça a outros alunos que interpretem a emoção expressa.

2-Narrativa de Movimento: Escolha uma história ou conto popular. Divida os alunos em grupos
e peça a cada grupo que recrie a história usando apenas movimentos, sem palavras ou sons.

3-Espaço e Movimento: Desenhe formas ou padrões no chão (círculos, espirais, ziguezagues).

Peça aos alunos que se movimentem seguindo esses padrões, observando como o espaço
determina e influencia seu movimento.

4-Diálogo de Dança: Em pares, peça aos alunos que "conversem" um com o outro apenas
através da dança. Um aluno começa com um movimento, e o outro responde com outro
movimento, e assim por diante.

5-Assinatura de Movimento: Peça aos alunos que pensem em seus movimentos cotidianos (por
exemplo, como andam, como se sentam, como se esticam) e criem uma "assinatura de
movimento" que represente sua personalidade e estilo únicos.

113
1-Rudolf Laban foi uma das figuras mais proeminentes da dança moderna no século XX, nascido no Império
Austro-Húngaro em 1879. Sua principal contribuição para a dança foi o desenvolvimento de um entendimento
profundo do movimento como uma linguagem rica em expressão e significado, e não apenas uma sequência
mecânica de ações.

2-A Análise de Movimento Laban (LMA) é um método desenvolvido por Laban para descrever, visualizar,
interpretar e documentar todos os tipos de movimento humano. LMA não se concentra apenas na forma ou na
sequência do movimento, mas também em aspectos como dinâmica, espaço e relação entre os movimentos.

4-Laban acreditava que cada indivíduo tem uma assinatura de movimento única porque o movimento é
influenciado tanto por fatores internos, como emoções e intenções, quanto por fatores externos, como cultura e
ambiente. Essa combinação de influências cria uma forma única e individual de se mover para cada pessoa.

1-As interpretações podem variar. O objetivo é que os alunos compreendam que o movimento pode ser uma
poderosa ferramenta de expressão.

114
 2-As recriações das histórias variarão de grupo para grupo. O foco deve estar na criatividade e na habilidade de
contar uma história através do movimento.

3-O movimento deve seguir os padrões desenhados, mas a maneira como os alunos interpretam e se movem
dentro desses padrões pode variar.

4-Não há resposta certa ou errada. A ideia é promover a comunicação e a resposta através do movimento.

5-Cada aluno terá uma assinatura de movimento única. A atividade visa promover a autoexpressão e a
autocompreensão.

O trabalho de Laban enfatiza a profundidade e a riqueza da

expressão humana através do movimento. Suas teorias e práticas
continuam a inspirar dançarinos, coreógrafos e educadores de
dança em todo o mundo.

A MAGIA DO MOVIMENTO EM UNIÃO

As danças circulares são uma tradição antiga que atravessou gerações e fronteiras. Elas têm origens em várias
culturas ao redor do mundo, de tradições folclóricas europeias a cerimônias nativas americanas. Mas o que todas
têm em comum é o formato: os participantes dançam em um círculo, geralmente de mãos dadas, movendo-se
juntos em harmonia.
Essas danças são mais do que apenas passos e músicas; elas representam comunidade, conexão e celebração.
Dançar em círculo simboliza a unidade e a igualdade, pois todos os dançarinos estão na mesma distância do
centro e ninguém lidera ou segue. É um lembrete de que todos têm um papel igual e valioso a desempenhar.
Ao longo dos anos, as danças circulares foram usadas para marcar várias ocasiões: mudanças de estação,
colheitas, nascimentos, casamentos e outras celebrações da vida. Elas também podem ter um propósito espiritual,
servindo como uma forma de meditação ou oração em movimento.
Uma das coisas mais bonitas sobre as danças circulares é a sua acessibilidade. Pessoas de todas as idades e
habilidades podem participar. Os passos são muitas vezes simples, e o foco está mais na conexão com os outros e
com a música do que na técnica.
Ao se envolverem em uma dança circular, os participantes frequentemente relatam um sentimento de
pertencimento e de estar presente no momento. O ritmo, os passos e a conexão com os outros dançarinos podem
criar uma experiência quase hipnótica, onde as preocupações do dia a dia são deixadas de lado e tudo o que
importa é o movimento e a música.
Para muitos, as danças circulares não são apenas uma atividade divertida, mas uma prática espiritual e uma forma
de se conectar com outros seres humanos em um nível mais profundo. Elas nos lembram da importância da
comunidade, da celebração e da alegria simples do movimento compartilhado.

1-Quais são os significados e simbolismos associados às danças circulares?

115
2-Como as danças circulares têm sido usadas ao longo da história e em diferentes culturas?

3-Por que as danças circulares são consideradas acessíveis para pessoas de todas as idades e habilidades?

116
Objetivo: Esta atividade visa a explorar a representação visual das danças circulares, permitindo aos alunos
expressarem sua compreensão e interpretação do conceito através da arte.

Materiais:

Papel de desenho (formato A3 é ideal)

Lápis de cor, giz de cera ou aquarela

Canetas de ponta fina para detalhes

Compasso (opcional)

Instruções:

Discussão inicial: Comece com uma discussão sobre as danças circulares, abordando sua origem, significado e a
ideia de comunidade e conexão. Peça aos alunos para pensarem sobre como se sentem quando imaginam uma
dança circular.

Início do desenho: Peça aos alunos para desenharem um grande círculo no centro de sua folha. Este círculo
representará a dança em si.

Adicionando dançarinos: Dentro do círculo, os alunos devem desenhar várias pessoas de mãos dadas, em
movimento, formando uma dança circular. Incentive-os a adicionar detalhes aos dançarinos: roupas
tradicionais, expressões faciais etc.

Elementos da Natureza: Como muitas danças circulares estão ligadas à celebração da natureza, os alunos
podem desenhar elementos naturais ao redor do círculo - árvores, flores, sol, lua, estrelas etc.

Incluindo movimento: Para mostrar o movimento, os alunos podem usar linhas onduladas, espirais ou outros
símbolos que representem a dinâmica da dança.

Cores: Após finalizarem o esboço, os alunos podem colorir seus desenhos. Encoraje-os a pensar sobre as cores
que associam às danças circulares e o que elas representam para eles.

117
Apresentação: Após terminarem, cada aluno pode apresentar seu desenho para a turma, explicando sua
interpretação e os elementos que escolheu incluir.

Finalização: Os desenhos podem ser expostos no mural da sala ou em um local de destaque na escola, com um
título como "A Magia das Danças Circulares".

Dicas:

Esta atividade também pode ser adaptada para uma versão em grupo, onde os alunos colaboram para criar um
grande mural das danças circulares.

Você também pode incluir música durante a atividade para inspirar os alunos, optando por canções
tradicionais relacionadas a danças circulares.

1-As danças circulares simbolizam comunidade, conexão, celebração, unidade e igualdade. Dançar em círculo
representa que todos os dançarinos estão na mesma distância do centro, indicando que ninguém lidera ou segue,
refletindo a ideia de igualdade e papel valioso de cada um.

2-Ao longo da história, as danças circulares foram usadas para marcar diversas ocasiões, como mudanças de
estação, colheitas, nascimentos, casamentos e outras celebrações da vida. Em diferentes culturas, elas têm
origens variadas, de tradições folclóricas europeias a cerimônias nativas americanas. Em alguns contextos, elas
também têm um propósito espiritual, servindo como meditação ou oração em movimento.

3-As danças circulares são consideradas acessíveis porque os passos são muitas vezes simples e o foco principal
está na conexão com os outros dançarinos e com a música, e não necessariamente na técnica. Isso permite que
pessoas de diferentes idades e habilidades possam participar e se conectar.

118
1-: Quais cores predominam na obra e que emoções elas transmitem ao observador?

2-Como as figuras humanas são retratadas na pintura em termos de proporção e forma? Elas seguem uma
representação realista ou são mais abstratas?

3-Como Matisse representa o movimento na pintura? O que pode ser interpretado a partir da disposição das
figuras no espaço?

119
4-Quais são os elementos da natureza presentes na obra e qual é o papel deles em relação às figuras humanas?

5-O título "A Dança" corresponde à sua interpretação da obra? Por quê?

120
 SUGESTÕES DE GABARITO RELEITURA
DA PINTURA “A DANÇA”DE HENRI MATISSE

1-As cores predominantes na obra são o vermelho intenso do fundo e o azul do céu. Estas cores
transmitem energia, paixão e vitalidade, bem como uma sensação de movimento e ritmo.

2-As figuras humanas são representadas de forma um pouco abstrata, com proporções exageradas
e curvas sinuosas. Elas não seguem uma representação estritamente realista, dando mais ênfase ao
movimento e à emoção do que à anatomia precisa.

3-O movimento é retratado através das posturas das figuras e da maneira como elas estão
interligadas, formando um círculo quase fechado. A disposição delas sugere um movimento
contínuo e fluído, como se estivessem em uma dança giratória.

4-O elemento natural mais proeminente é o céu azul, que contrasta com o vermelho intenso do
chão. A ausência de outras características da paisagem dá mais destaque às figuras dançantes,
tornando-as o foco principal da obra.

5-O título "A Dança" é apropriado para a obra, pois a pintura claramente retrata figuras em um
movimento de dança. A emoção e a energia transmitidas pelas cores e formas reforçam o tema da
dança como uma celebração da vida e da conexão humana.

121
A capoeira é uma expressão cultural brasileira que combina luta, dança, música e jogo. Originária dos tempos da
escravatura, foi desenvolvida por escravos africanos no Brasil como uma forma de resistência e autoafirmação.
Com o tempo, a capoeira evoluiu, tornando-se uma prática cultural celebrada em todo o mundo.

Uma característica marcante da capoeira é a "roda", uma formação circular onde os participantes se reúnem para
jogar. A roda não é apenas um espaço físico, mas também um espaço simbólico. Ela representa a comunidade, a
tradição e o respeito entre os jogadores. Dentro da roda, dois capoeiristas jogam entre si, enquanto os demais
observam, cantam e tocam instrumentos tradicionais como o berimbau, o pandeiro e o atabaque.

Os movimentos da capoeira são fluídos e acrobáticos, incluindo chutes, rasteiras, cabeçadas e esquivas. Estes
movimentos são executados de forma dançante, com os jogadores sempre em movimento, evitando serem
atingidos pelo oponente. A forma circular da roda reflete a dinâmica da capoeira, onde tudo é fluido e em
constante mudança.

122
Além dos movimentos de ataque e defesa, a capoeira também é rica em movimentos acrobáticos, como saltos e
giros. Estes movimentos não são apenas para exibição, mas também são uma parte fundamental do jogo, usados
para surpreender o oponente ou para se esquivar de um ataque.

A música desempenha um papel crucial na capoeira. Ela determina o ritmo e o estilo do jogo. Canções
tradicionais, muitas das quais contam a história e as tradições da capoeira, são cantadas pelos participantes. Estas
canções, juntamente com o ritmo dos instrumentos, guiam os jogadores, fazendo com que a capoeira seja tanto
uma arte marcial quanto uma performance musical.

1-Qual é a origem da capoeira?

a) Espanha

b) Índia

c) Estados Unidos

d) Brasil

2-O que a "roda" de capoeira simboliza?

a) Apenas um espaço para lutar

b) Um espaço para dançar

c) A comunidade e a tradição

d) Um círculo mágico

3-Quais são alguns dos instrumentos tradicionais usados na capoeira?

a) Guitarra e tambor

b) Berimbau e pandeiro

c) Flauta e bateria

d) Violino e gaita

4-Qual é a principal característica dos movimentos da capoeira?

a) São rígidos e estáticos

b) São fluídos e acrobáticos

c) São lentos e pesados

d) São repetitivos e monótonos

5-Qual papel a música desempenha na capoeira?

123
a) Determina o ritmo e o estilo do jogo

b) É apenas para entretenimento

c) É usada apenas no início e no final do jogo

d) Não tem papel significativo

1-d) Brasil

2-c) A comunidade e a tradição

3-b) Berimbau e pandeiro

4-b) São fluídos e acrobáticos

5-a) Determina o ritmo e o estilo do jogo

124
Balé, uma das mais belas e graciosas formas de expressão artística, tem uma longa e rica história.
Originou-se nas cortes da Renascença italiana do século XV e logo se difundiu para a França. Foi na
corte francesa que o balé realmente começou a se desenvolver como uma forma de arte distinta.
O rei Luís XIV, amante da dança, desempenhou um papel fundamental no desenvolvimento do balé
durante o século XVII. Ele estabeleceu a primeira escola de balé, a Academia Real de Dança, em 1661.
O balé, originalmente uma diversão para a aristocracia, passou a ser apresentado em palcos,
alcançando públicos mais amplos.
Há vários estilos de balé, refletindo sua evolução ao longo dos séculos. O balé clássico é conhecido por
sua técnica rigorosa e sapatos de ponta. O balé romântico, surgido no século XIX, é caracterizado por
sua ênfase nas emoções e na narrativa. O balé contemporâneo, por outro lado, é mais aberto a
interpretações e fusões, permitindo mais liberdade de movimento.
No Brasil, o balé tem uma história rica e variada. Chegou ao país no século XIX e rapidamente ganhou
popularidade. Ao longo dos anos, o Brasil produziu notáveis bailarinos e coreógrafos que alcançaram
reconhecimento internacional. O país tem uma forte tradição em balé, com escolas e companhias de
renome que continuam a promover e inovar esta arte deslumbrante.

125
HORIZONTAL

3. Estilo de balé conhecido por sua ênfase nas emoções e na narrativa.

5. Tipo de sapato usado principalmente no balé clássico.

6. Nome da primeira escola de balé estabelecida em 1661. -----Real da Dança

7. Forma artística que combina música, dança e performance.

9. País que popularizou o balé durante o século XVII.

126
VERTICAL

1. Ato de girar sobre um pé ou ambos os pés, movimento comum no balé.

2. Estilo de balé que permite mais liberdade de movimento.

4. País onde o balé se originou no século XV.

8. Rei francês que desempenhou um papel crucial no desenvolvimento do balé. ----XIX

127
128
 Jackson Pollock e Seus Movimentos Pioneiros

Jackson Pollock, nascido em 1912 e falecido em 1956, é uma das figuras mais icônicas da arte do século
XX. Ele desempenhou um papel fundamental na emergência do expressionismo abstrato, um
movimento artístico que se afastou da representação tradicional em favor de uma expressão mais pura
e intuitiva.
Pollock é talvez mais famoso por sua técnica de "dripping", onde ele gotejava ou jogava tinta sobre
suas telas a partir do ar, muitas vezes sem nunca tocar a superfície da tela com a escova. Isso permitiu
que ele trabalhasse em uma escala grande e de uma perspectiva de 360 graus, frequentemente
caminhando em volta ou até mesmo sobre a tela enquanto trabalhava. Seus movimentos eram fluidos
e dinâmicos, e ele muitas vezes comparava seu estilo de pintura a uma dança.
Mas por que esses movimentos eram tão revolucionários? Pollock introduziu uma nova forma de
interagir com a tela, tornando o processo de pintura tão vital quanto o produto final. Através desta
técnica, ele capturou a energia bruta, a emoção e o caos, refletindo, talvez, a incerteza e a turbulência
da era pós-Segunda Guerra Mundial na qual ele trabalhava.

129
Além do "dripping", Pollock também era conhecido por incorporar objetos estranhos e materiais não
tradicionais em suas pinturas, como vidro triturado, areia e até mesmo pregos. Isso adicionou textura e
profundidade a seus trabalhos, tornando-os multidimensionais tanto literal quanto figurativamente.

Recriação de "Dripping":
Materiais: Tintas diversas cores, papelão ou tela, palitos ou pincéis.
Instruções: Derrame ou espirre a tinta no papelão ou tela, permitindo que a tinta caia naturalmente,
sem tentar controlar o padrão. Permita-se ser guiado pela intuição, assim como Pollock. Após secar,
reflita sobre os sentimentos e emoções que o padrão evoca.

Estudo de Movimento:
Materiais: Tinta, papel grande, música.
Instruções: Coloque uma música e tente capturar o ritmo e a energia da música no papel usando suas
mãos, pincéis ou qualquer outro objeto. Concentre-se em como a música faz você se sentir e tente
transferir essa emoção para o papel.

Incorporação de Materiais:
Materiais: Tinta, papel ou tela, materiais variados (areia, pedaços de papel, lantejoulas, etc.).
Instruções: Comece a pintar intuitivamente, e enquanto trabalha, incorpore os materiais variados na
pintura. Como eles mudam a textura? Como afetam a sensação geral da obra?

A atividade do "dripping" pode evocar várias respostas emocionais nos participantes. É importante
enfatizar que não há respostas "certas" ou "erradas" aqui; o foco é na expressão pessoal e na
exploração.

130
Com o estudo do movimento, o educador pode discutir como diferentes ritmos e gêneros musicais
influenciam o processo criativo e como a música e a arte visual podem se complementar.

Na atividade de incorporação de materiais, os participantes podem refletir sobre como diferentes

texturas e materiais influenciam a interpretação e percepção de uma obra de arte. Isso pode levar a
discussões sobre como Pollock usou materiais em suas pinturas e por quê.

131
Edvard Munch era um pintor e ilustrador norueguês, conhecido por suas representações emotivas e
simbolistas da vida humana. Uma das suas obras mais famosas e icônicas é "O Grito", que foi pintada
em 1893. A pintura é frequentemente interpretada como uma representação visual do desespero
humano e da ansiedade, emoções que Munch experimentou em primeira mão.
Munch registrou um incidente particularmente perturbador em seu diário, que muitos acreditam ter
sido a inspiração para "O Grito". Ele escreveu: "Eu estava caminhando ao longo da estrada com dois
amigos - o sol se pôs - eu senti um sopro de melancolia - de repente, o céu ficou vermelho sangue.
Parei, me inclinei no parapeito, cansado de morte - sobre os fiordes e a cidade azul e preta - o sangue e
as chamas se erguiam e lamiam sobre o céu azul e negro, meus amigos continuaram - eu fiquei ali
tremendo de ansiedade - senti um grito infinito atravessando a natureza."
132
Este acontecimento ocorreu em Ekeberg, uma colina com vista para Oslo, Noruega. A sensação
avassaladora de melancolia e ansiedade que Munch experimentou naquele momento parece ter sido
tão intensa e avassaladora que ele sentiu a necessidade de expressá-la através da pintura. A imagem
central do quadro, um homem com as mãos nos ouvidos e a boca aberta em um grito silencioso,
parece estar no meio de um ataque de ansiedade. O céu vermelho-sangue, que Munch descreveu em
seu diário, está presente na pintura e acrescenta uma qualidade sinistra e perturbadora à cena.

1-O que Edvard Munch descreveu em seu diário que é comumente acreditado como a inspiração para "O Grito"?

a) Uma festa alegre com amigos.

b) Um pôr do sol tranquilo sobre a cidade.

c) Um momento de intensa melancolia e ansiedade.

d) Uma viagem relaxante pelo campo.

2-Onde aconteceu o incidente que Munch descreveu em seu diário?

a) Em uma floresta.

b) Na casa de um amigo.

c) Em uma colina com vista para Oslo.

d) Em um barco no fiorde.

3-Qual era a cor do céu descrita por Munch em seu diário e retratada em "O Grito"?

a) Azul e branco.

b) Vermelho sangue.

c) Amarelo e laranja.

d) Preto e cinza.

4-Como Munch descreveu suas emoções durante o incidente em seu diário?

a) Tremendo de ansiedade.

b) Relaxado e calmo.

c) Feliz e contente.

d) Entediado e indiferente.

5-O que o personagem central em "O Grito" parece estar fazendo?

133
a) Rindo.

b) Cantando.

c) Dormindo.

d) Gritando

1-: c) Um momento de intensa melancolia e ansiedade.

2- c) Em uma colina com vista para Oslo.

3-: b) Vermelho sangue.

4- a) Tremendo de ansiedade.

5- d) Gritando.

134
1-Qual é a principal emoção retratada na pintura "O Grito"?

2- O que o personagem central na pintura parece estar fazendo?

3- Em "O Grito", o artista usou linhas retas ou curvas?

4- Onde o personagem central está localizado na pintura?

5- Que tipo de paisagem é retratada no fundo da pintura?

135
 6- Qual é a principal característica do rosto do personagem central?

1-A principal emoção retratada na pintura é o desespero ou a ansiedade.

2- O personagem central na pintura parece estar gritando ou em profundo desespero.

3- O artista usou principalmente linhas curvas em "O Grito".

4- O personagem central está localizado no primeiro plano da pintura, na frente de uma ponte ou
passarela.

5- A paisagem no fundo da pintura é um pôr do sol sobre a água, com barcos e edifícios ao longe.

6- A principal característica do rosto do personagem central é a boca aberta e os olhos arregalados,

que sugerem um grito ou expressão de terror.

136
O que causa medo e pavor em mim? Se você pudesse introduzir um novo cenário na pintura original
qual seria? Acrescente no quadro abaixo através de desenhos, colagem de revistas, aquilo que
representam seus medos e depois faça um belo colorido!

137
138
1-Como você acha que o uso de cores e pinceladas no Expressionismo ajuda a comunicar as emoções do artista?

2-De que maneira a arte pode ser usada para sensibilizar as pessoas sobre questões importantes?

3-Como a expressão de emoções através da arte pode ser benéfica para o artista e para o observador?

139
HORIZONTAL

3. Qual pintor retratou os horrores da guerra nas suas obras?

4. O que as cores expressas no Expressionismo podem expressar?

6. O que as cores mais escuras e sombrias podem expressar no Expressionismo?

8. Qual era o foco principal do Expressionismo?

10. Qual era o objetivo das fotografias de Dorothea Lange?

VERTICAL

1. Que tipo de temas muitas obras expressionistas lidavam?

2. Qual é um exemplo de movimento artístico que surgiu no início do século XX na Alemanha?

5. Quem foi um artista renomado do período renascentista mencionado no texto?

7. Qual é uma maneira pela qual a arte pode ser benéfica para o observador?

9. Qual artista expressionista é considerado no texto

140
1- O uso de cores vibrantes e contrastantes no Expressionismo ajuda a capturar a intensidade das emoções
do artista. As cores brilhantes podem expressar emoções fortes, como paixão, raiva ou alegria, enquanto as cores
mais escuras e sombrias podem expressar emoções como tristeza, desespero ou solidão. Da mesma forma, as
pinceladas soltas e distorcidas podem representar a angústia e a tensão emocional do artista.

2- A arte pode ser usada para sensibilizar as pessoas sobre questões importantes, retratando visualmente
os problemas e desafios enfrentados por indivíduos ou comunidades. Isso pode ajudar a criar empatia e
compreensão, motivando as pessoas a agirem ou pensar de maneira diferente sobre uma determinada questão.

3- A expressão de emoções através da arte pode ser benéfica para o artista, pois pode ser uma forma de
catarse e autoexpressão. Isso pode ajudar o artista a processar e entender suas emoções de uma maneira
saudável. Para o observador, a arte pode ajudar a criar empatia e compreensão, permitindo que eles vejam o
mundo através dos olhos de outra pessoa. Além disso, a arte pode ser uma fonte de inspiração e consolo,
ajudando as pessoas a lidarem com suas próprias emoções e desafios.

141
Atividade de Pintura Expressionista:

Peça aos alunos para criar sua própria pintura expressionista usando cores vibrantes e
contrastantes para expressar uma emoção específica. Eles devem pensar sobre como as cores e
as pinceladas podem ser usadas para comunicar a emoção que estão sentindo.

Análise de Obras de Arte:

Mostre aos alunos várias obras de arte de diferentes movimentos artísticos (por exemplo,
Renascimento, Expressionismo etc.) e peça-lhes para analisar como as emoções são expressas
em cada uma delas. Eles podem discutir as cores, as pinceladas, os temas e outros elementos
que contribuem para a expressão das emoções.

Criação de Fotografias:

Peça aos alunos para tirar fotografias que capturem uma emoção ou uma questão importante
para eles. Em seguida, peça-lhes para escrever um parágrafo explicando por que escolheram
esse tema e como a fotografia ajuda a comunicar suas emoções ou a sensibilizar sobre a
questão escolhida.

142
A pintura da Mona Lisa é uma das obras de arte mais famosas e intrigantes de todos os tempos.
Pintada por Leonardo da Vinci no início do século XVI, é um retrato de Lisa Gherardini, a esposa de
um rico mercador florentino. Mas, ao longo dos anos, a pintura se tornou muito mais do que apenas
um retrato de uma mulher. A Mona Lisa é agora vista como uma representação do divino, um reflexo
do transcendental e do sublime.
O Aspecto Divino da Pintura
O aspecto divino da pintura da Mona Lisa pode ser
observado em vários elementos da obra. Primeiramente, o
uso da luz e da sombra por da Vinci é notável. A forma
suave e quase etérea com que ele pinta o rosto de Lisa,
com luzes e sombras suaves, confere-lhe uma qualidade
quase divina, como se ela fosse mais do que apenas uma
mulher, mas uma representação do divino feminino.
Além disso, o sorriso enigmático da Mona Lisa sempre foi
objeto de muita especulação e interpretação. Para alguns,
esse sorriso representa a sabedoria e a serenidade que
vêm com o conhecimento divino. É um sorriso que sabe
mais do que revela, um sorriso que é ao mesmo tempo
acolhedor e misterioso.
Os Sentimentos Expressos no Retrato
A Mona Lisa expressa uma gama de sentimentos que a
tornam uma obra de arte profundamente emocional e
intrigante. O sentimento mais óbvio expresso no retrato é o de serenidade. A expressão calma e
pacífica de Lisa sugere uma paz interior que muitos interpretam como um reflexo de sua conexão com
o divino.
Além da serenidade, há também um certo ar de melancolia na pintura. Os olhos de Lisa parecem um
pouco tristes, como se ela estivesse perdida em pensamentos profundos. Isso pode ser interpretado
como uma reflexão sobre a natureza efêmera da vida, uma compreensão que vem com a proximidade
do divino.
Por fim, há um certo mistério na expressão de Lisa que é difícil de decifrar. Esse mistério tem
fascinado e intrigado as pessoas por séculos. Alguns interpretam isso como um reflexo da natureza
insondável do divino, algo que está além da compreensão humana

1-Quem pintou a Mona Lisa?

143
A. Michelangelo

B. Rafael

C. Leonardo da Vinci

D. Rembrandt

E. Caravaggio

2-Qual é a interpretação mais comum do sorriso de Mona Lisa?

A. Felicidade

B. Sabedoria e serenidade

C. Tristeza

D. Raiva

E. Indiferença

3-O que a expressão de Lisa na pintura sugere?

A. Alegria e contentamento

B. Raiva e frustração

C. Serenidade e melancolia

D. Excitação e entusiasmo

E. Indiferença e apatia

4-O que o uso da luz e da sombra na pintura sugere?

A. A qualidade divina de Lisa

B. A luta entre o bem e o mal

C. A passagem do tempo

D. A natureza dual da humanidade

E. O contraste entre a vida e a morte

5-Qual dos seguintes sentimentos NÃO é expresso na pintura da Mona Lisa?

A. Serenidade

B. Melancolia

C. Mistério

D. Raiva

E. Sabedoria

1- C. Leonardo da Vinci
144
2- B. Sabedoria e serenidade
3- C. Serenidade e melancolia
4- A. A qualidade divina de Lisa
5- D. Raiva

145
1-Qual é a primeira coisa que chama sua atenção na pintura?

2-Em qual ambiente você imagina que a Mona Lisa foi pintada?

3-Se você pudesse mudar uma coisa na pintura, o que seria?

4- O que você sente ao olhar para a pintura?

5-O que você acha que Mona Lisa está pensando?

Se você fosse criar uma versão moderna da Mona Lisa, o que incluiria na pintura?

Acrescente o desenho na imagem abaixo

146
1-A. O sorriso
147
 2-Em um estúdio de arte (embora as respostas possam variar, a obra foi provavelmente pintada
em um estúdio de arte)

3- Pessoal

4- Pessoal

5- Pessoal

Objetivo: Esta atividade tem como objetivo ajudar os alunos do 6º ano a desenvolver suas habilidades de escuta e
reconhecimento de voz, promovendo a atenção, a concentração e a memória auditiva.

148
Material Necessário:

Gravador de voz ou smartphone

Lista de frases simples ou trechos de textos
Folhas de papel e canetas para os alunos
Prêmios pequenos (opcional)
Passo a Passo:

Preparação: Antes da aula, peça a alguns professores ou funcionários da escola para gravar algumas frases ou
trechos de textos. Certifique-se de ter uma variedade de vozes, tanto masculinas quanto femininas, e diferentes
entonações. Você também pode usar gravações de celebridades ou personagens de desenhos animados
disponíveis online.

Introdução: Comece a aula explicando aos alunos que eles vão participar de um jogo de reconhecimento de voz.
Explique que eles ouvirão várias gravações de voz e terão que identificar a pessoa ou personagem que está
falando.

Distribua as folhas de papel e canetas para os alunos e peça-lhes para numerar de 1 a 10 (ou o número de
gravações que você preparou).

O Jogo: Toque as gravações de voz uma a uma, pausando entre cada uma para dar tempo aos alunos para
escreverem suas respostas. Certifique-se de não dar dicas visuais ou auditivas sobre a identidade da pessoa ou
personagem que está falando.

Correção: Após tocar todas as gravações, revele as respostas corretas e peça aos alunos para corrigirem suas
próprias folhas.

Vencedor: O aluno que acertar o maior número de vozes é o vencedor. Você pode dar um pequeno prêmio ao
vencedor, se desejar.

Discussão: Após o jogo, discuta com os alunos sobre como foi a experiência. Foi fácil ou difícil? O que eles acharam
mais desafiador? Eles conseguiram identificar alguma estratégia para melhorar o reconhecimento de voz?

Dicas:

Certifique-se de que as gravações de voz sejam claras e de boa qualidade.

Escolha frases ou trechos de textos que não dê dicas óbvias sobre a identidade da pessoa ou personagem.

Ajuste a dificuldade do jogo de acordo com a idade e o nível dos alunos. Para alunos do 6º ano, é recomendável
usar vozes de pessoas ou personagens que eles provavelmente conheçam.

Espero que esta atividade ajude seus alunos a desenvolverem suas habilidades de escuta e reconhecimento de voz
de maneira divertida e envolvente!

149
Käthe Kollwitz foi uma destacada artista alemã, conhecida principalmente por suas gravuras, desenhos e
esculturas, que retratam de forma vívida as angústias e sofrimentos da classe trabalhadora, especialmente
durante as guerras e crises econômicas. Nasceu em 1867 e faleceu em 1945, sendo uma testemunha atenta e uma
crítica sensível dos conflitos sociais e políticos de sua época.

Käthe Kollwitz sofreu uma tragédia pessoal profunda quando seu filho mais novo, Peter, foi morto em 1914,
durante a Primeira Guerra Mundial, um acontecimento que viria a catalisar uma mudança profunda em sua arte.
Este acontecimento traumático aprofundou ainda mais sua conexão com temas de sofrimento e perda,
conduzindo-a a explorar com intensidade ainda maior a dor e o luto em suas obras. Kollwitz canalizou sua dor
materna em criações artísticas que serviram não apenas como um meio de processar sua própria perda, mas
também como uma crítica contundente às atrocidades da guerra. A série "Guerra" e o monumento "Mãe com seu
Filho Morto", por exemplo, são reflexos diretos dessa fase amarga de sua vida, onde ela usou sua arte para
expressar o luto e a revolta, dando voz à dor silenciosa de tantas outras mães que também perderam seus filhos
nos campos de batalha.

Através de suas obras, Kollwitz expressava uma profunda empatia pelos desprivilegiados, abordando temas como
a pobreza, o sofrimento e a morte. Suas obras são repletas de emoção crua e muitas vezes retratam mães com
seus filhos, destacando a vulnerabilidade humana e a força da mulher.

Ela não apenas capturou a dor, mas também a resiliência e a dignidade humana, conseguindo expressar com
habilidade os sentimentos mais profundos do ser humano em tempos de crise. Sua arte se tornou um símbolo de
resistência e um chamado à ação por justiça social e igualdade.

150
1-Em que século Käthe Kollwitz viveu e produziu a maior parte de suas obras?

a) XVIII

b) XIX e XX

c) XX e XXI

d) XVII

2=Além de gravuras, que outros tipos de arte Käthe Kollwitz praticava?

a) Desenho e escultura

b) Pintura a óleo e aquarela

c) Fotografia e cinema

d) Arte digital e instalação

3--Quais sentimentos são frequentemente retratados nas obras de Käthe Kollwitz?

a) Alegria e satisfação

b) Serenidade e paz

c) Euforia e entusiasmo

d) Dor, sofrimento e empatia

4-Que papel as mulheres geralmente desempenham nas obras de Kollwitz?

a) Figurantes sem importância

b) Representações de beleza e glamour

c) Símbolos de força e resiliência

d) Personagens místicas e distantes

1- b) XIX e XX
2- a) Desenho e escultura
3- d) Dor, sofrimento e empatia
151
4- c) Símbolos de força e resiliência

152
1-Qual é o nome do monumento criado por Käthe Kollwitz que retrata uma mãe com seu filho morto nos braços?

2-Qual emoção é mais claramente transmitida pelo monumento "Mãe com seu Filho Morto"?

3-O que o monumento "Mãe com seu Filho Morto" representa na arte de Kollwitz e em sua vida pessoal?

4-De que material é feito o monumento "Mãe com seu Filho Morto"?

Estas perguntas e as respectivas opções de resposta devem fornecer uma maneira eficaz de
testar a compreensão e a retenção de informações sobre o monumento "Mãe com seu Filho
Morto" e o contexto emocional e histórico de sua criação.

1- Mãe com seu Filho Morto

2- Desespero e luto
153
3- A dor da perda de seu filho na guerra
4- Bronze

"Mãe com seu Filho Morto" e o contexto emocional e histórico de sua criação.

Crie um desenho ou cole gravuras representando o Sentimento do Povo brasileiro

nos dias de hoje.

154
155
Lasar Segall foi um proeminente pintor, escultor e gravurista, nascido na Lituânia em 1891 e naturalizado
brasileiro, que teve grande parte de sua trajetória artística desenvolvida no Brasil. A arte de Segall é
amplamente reconhecida por sua habilidade em retratar as angústias humanas, a pobreza e as mazelas
sociais de sua época.
Segall tinha uma forte inclinação para expressar sentimentos profundos e complexos através de suas
obras. Ele costumava retratar pessoas em estados de sofrimento, solidão e desespero, muitas vezes
utilizando cores sombrias e formas distorcidas para transmitir essas emoções intensas. Sua arte era uma
forma de crítica social, onde ele buscava expor as desigualdades e injustiças presentes na sociedade.
Muito influenciado pelo Expressionismo e Modernismo, Segall soube utilizar cores vibrantes e
contrastantes para dar vida a cenas que muitas vezes representavam a dor e a tristeza humanas. Sua
obra possui uma conexão profunda com suas raízes judaicas e com sua experiência de imigrante,
explorando temas de deslocamento e identidade.

1-De onde era originário Lasar Segall antes de se mudar para o Brasil?

a) Argentina

b) Espanha

c) Lituânia

d) Itália

2-Qual dos seguintes movimentos artísticos teve grande influência nas obras de Lasar Segall?

a) Expressionismo

156
b) Barroco

c) Surrealismo

d) Impressionismo

3-Quais sentimentos Lasar Segall geralmente retratava em suas obras?

a) Felicidade e alegria

b) Angústia e solidão

c) Euforia e entusiasmo

d) Satisfação e contentamento

4-Como Lasar Segall muitas vezes representava as figuras humanas em suas pinturas?

a) Com formas realistas e detalhadas

b) Com figuras geométricas e abstratas

c) Com traços leves e cores pastéis

d) Com formas distorcidas e cores sombrias

5-Qual era uma das principais críticas sociais presentes nas obras de Lasar Segall?

a) A celebração da modernidade e tecnologia

b) A exposição de desigualdades e injustiças sociais

c) A valorização da aristocracia e riqueza

d) A promoção da harmonia e paz mundial

1-c) Lituânia

2- a) Expressionismo

3- b) Angústia e solidão

4- d) Com formas distorcidas e cores sombrias

5- b) A exposição de desigualdades e injustiças sociais

157
Observe com atenção a expressam da face de cada pessoa, depois faça sua releitura baseada
nos sentimentos que cada um expressa.

158
Agora é sua vez! Crie um desenho expressionista, use sua imaginação!

159
160
A comédia Dell’Arte, que pode ser traduzida como "a comédia dos profissionais", originou-se na Itália no
início do século XVI e desempenhou um papel crucial na história do teatro. A comédia Dell’Arte era uma
forma de teatro popular, caracterizada por apresentações improvisadas e geralmente executadas por
trupes itinerantes que viajavam de cidade em cidade.

A principal característica desse estilo teatral era o uso de personagens estereotipados, que eram
representados por atores especializados. Esses personagens, tais como o astuto Arlequim, a inocente
Colombina, ou o velho e bobo Pantaleão, tornaram-se ícones na tradição teatral, influenciando várias
formas de arte por séculos. Esses personagens muitas vezes usavam máscaras elaboradas que destacavam
suas características distintas.

A comédia Dell’Arte também se destacava pela sua liberdade criativa. Em vez de seguir scripts rigorosos,
os atores improvisavam as performances baseados em esquemas gerais conhecidos como "canovaccios",
que delineavam a trama básica e os conflitos entre os personagens. Esse formato permitia aos atores a
liberdade de adaptar a apresentação conforme a reação do público, inserindo piadas atuais e comentários
sociais pertinentes.

1-O que significa a "comédia Dell’Arte"?

a) A comédia da arte

b) A comédia dos profissionais

c) A comédia dos mestres

d) A comédia dos amadores

2-Quais são alguns dos personagens típicos da comédia Dell’Arte mencionados no texto?

a) Arlequim, Colombina e Pantaleão

b) Romeo, Julieta e Mercúrio

c) Hamlet, Ofélia e Polônio

d) Macbeth, Lady Macbeth e Banquo

161
3-O que são "canovaccios" no contexto da comédia Dell’Arte?

a) Máscaras utilizadas pelos atores

b) Esquemas gerais que delineiam a trama básica e conflitos entre personagens

c) Roupas típicas usadas nas apresentações

d) Instrumentos musicais usados para acompanhar as performances

4-Onde e quando a comédia Dell’Arte originou-se?

a) França, no século XVII

b) Espanha, no século XV

c) Itália, no início do século XVI

d) Inglaterra, no final do século XV

5-Por que os atores da comédia Dell’Arte muitas vezes usavam máscaras elaboradas?

a) Para proteger suas identidades

b) Para destacar as características distintas dos personagens

c) Para seguir uma tradição religiosa

d) Para impressionar os críticos de arte

1-a) A comédia dos profissionais

2- a) Arlequim, Colombina e Pantaleão

3- b) Esquemas gerais que delineiam a trama básica e conflitos entre personagens

4- c) Itália, no início do século XVI

5- b) Para destacar as características distintas dos personagens

162
A Fascinante História do Palhaço e suas Mímicas: Um Jogo de Expressões e Risadas

163
Desde os primórdios da história, a figura do palhaço tem sido um pilar central no mundo do
entretenimento. Esses mestres da comédia têm a habilidade inata de provocar risadas e emoções
através das suas mímicas elaboradas e presença de palco carismática.
Originários das cortes e teatros da antiguidade, os palhaços têm evoluído ao longo dos séculos. Nas
cortes reais, eles eram conhecidos como bobos da corte, trazendo leveza e humor para a nobreza. Com
o tempo, a arte do palhaço migrou para o circo, tornando-se um dos atrativos centrais desses
espetáculos.
As mímicas, que são uma parte significativa da arte do palhaço, são caracterizadas por expressões
faciais exageradas e gestos corporais que conseguem transmitir uma narrativa inteira sem a
necessidade de palavras. O uso da maquiagem brilhante e roupas coloridas ajuda a acentuar essas
expressões, criando personagens vibrantes e memoráveis.
Outra característica importante é o uso do nariz vermelho, um símbolo universalmente reconhecido da
profissão. Este elemento simples, mas marcante serve para atrair o olhar do público e centralizar a
atenção nas expressões faciais do palhaço.
O palhaço também possui um repertório diversificado de habilidades que vão além da mímica,
incluindo acrobacias, malabarismo e mágica, tornando cada apresentação uma experiência única e
inesquecível.

164
HORIZONTAL

5. Onde os palhaços se tornaram uma atração central ao longo da história?

6. Qual é a função do nariz vermelho de um palhaço? atrair a ---------

8. Além das mímicas, qual é uma das habilidades comumente associada aos palhaços?

9. Que tipo de espetáculo é tradicionalmente associado aos palhaços?

10. O que é acentuado pelo uso de maquiagem brilhante e roupas coloridas pelos palhaços?

VERTICAL

1. Além de mímicas, que outra forma de arte física os palhaços frequentemente dominam?

2. Qual é a cor do nariz característico de um palhaço?

3. Como eram conhecidos os palhaços nas cortes reais? -------da corte

4. Qual o tipo de expressões os palhaços geralmente usam para comunicar suas narrativas?

7. Como são chamados os profissionais que conseguem transmitir narrativas inteiras sem a
necessidade de palavras, muitas vezes usando gestos e expressões faciais?

165
166
As manifestações artísticas têm o poder incrível de tocar as cordas mais sensíveis do coração humano, criando
ressonâncias que podem evocar uma ampla gama de emoções. A arte tem a capacidade de nos levar em uma
jornada de introspecção, alegria, tristeza, e até mesmo nos proporcionar uma experiência transcendental. Seja
através da pintura que captura a beleza efêmera da natureza, da música que ressoa com nossa alma ou da dança
que celebra a graça e a fluidez do corpo humano, as manifestações artísticas podem, de fato, ser
emocionalmente ressonantes.

Atividade 1: Interpretação de Pinturas

Descrição: Os alunos escolhem uma pintura famosa e escrevem um parágrafo sobre como a pintura os faz sentir
e por quê.

Gabarito: Esta atividade pode ajudar os alunos a desenvolverem a habilidade de interpretar e apreciar pinturas,
além de aprender a expressar suas emoções através da escrita.

Atividade 2: Criação de Playlist Musical Temática

Descrição: Os alunos criam uma playlist com músicas que evocam emoções específicas (por exemplo, felicidade,
tristeza, tranquilidade) e compartilham suas playlists com a classe, discutindo porque escolheram essas músicas.

Gabarito: Esta atividade pode ensinar os alunos a apreciarem a variedade de emoções que a música pode
evocar, e a usar a música como uma forma de expressar e compartilhar suas emoções com os outros.

Atividade 3: Oficina de Dança Expressiva

Descrição: Os alunos participam de uma oficina onde aprendem a expressar emoções através da dança, criando
pequenas coreografias que representam diferentes estados emocionais.

167
Gabarito: Esta atividade pode ajudar os alunos a entenderem como o movimento corporal pode ser uma
poderosa forma de expressão emocional, além de promover a consciência corporal e a coordenação.

Atividade 4: Escultura de Argila Emocional

Descrição: Os alunos criam esculturas de argila que representam uma emoção específica, e depois apresentam
suas criações à classe, explicando o significado por trás de suas obras.

Gabarito: Esta atividade pode promover habilidades manuais e criatividade, além de ajudar os alunos a
explorarem a representação tridimensional das emoções.

Atividade 5: Teatro de Sombras Emocionais

Descrição: Os alunos criam um pequeno teatro de sombras, usando silhuetas para contar uma história que
destaca uma gama de emoções. Posteriormente, discutem sobre as emoções retratadas na peça.

Gabarito: Esta atividade pode ajudar os alunos a desenvolverem habilidades narrativas e a explorar a
representação visual das emoções, além de promover a colaboração e a discussão em grupo.

O filme "Luzes da Cidade", lançado em 1931, é uma criação magnífica de Charlie Chaplin, que atua como diretor,
produtor, roteirista e também como o protagonista, o inesquecível Vagabundo. Este filme é uma mescla

168
emocional de comédia e drama, que destaca a habilidade única de Chaplin de combinar humor com um toque
de sentimentalismo.

Na trama, o personagem Vagabundo se apaixona por uma jovem florista cega, interpretada por Virginia Cherrill.
Apesar de suas adversidades pessoais, ele se empenha em ajudá-la, demonstrando uma pureza e um altruísmo
que contrastam com sua posição social marginalizada. A interação entre os dois destaca a desigualdade social e a
luta diária pela sobrevivência, enquanto introduz momentos de leveza e humor, marcas registradas do estilo de
Chaplin.

O filme também apresenta uma amizade peculiar que o Vagabundo desenvolve com um milionário bêbado,
interpretado por Harry Myers. Esta amizade é caracterizada por altos e baixos, dependendo do estado de
embriaguez do milionário, uma metáfora sutil para a volatilidade das relações humanas e a fluida natureza da
memória.

"Luzes da Cidade" é celebrado por sua narrativa visual poderosa e seu uso mínimo de diálogos, dependendo
fortemente da expressão corporal e facial para comunicar emoções e avançar na história. A sequência final do
filme, onde ocorre o reencontro emocionante entre o Vagabundo e a florista, agora capaz de ver, é
frequentemente aclamada como uma das cenas mais comoventes da história do cinema.

1-Quem é o criador e protagonista do filme “Luzes da Cidade”?

a) Harry Myers

b) Virginia Cherrill

c) Charlie Chaplin

d) Orson Welles

2-Qual é a principal característica da jovem florista pela qual o Vagabundo se apaixona?

a) Ela é cega

b) Ela é uma dançarina

c) Ela é surda

d) Ela é milionária

3-Qual é a natureza da relação entre o Vagabundo e o milionário no filme?

a) Relação comercial

b) Relação familiar

c) Rivalidade constante

d) Amizade volátil
169
4-Por que “Luzes da Cidade” é notável em termos de narrativa cinematográfica?

a) Por seu uso intenso de diálogos

b) Por sua dependência de expressões faciais e corporais para contar a história

c) Por seu foco em efeitos especiais avançados

d) Por sua trilha sonora pop

5-Qual é a característica marcante da cena final do filme “Luzes da Cidade”?

a) Uma cena de ação intensa

b) Um reencontro emocionante

c) Uma reviravolta surpreendente na trama

d) Um final trágico

1- c) Charlie Chaplin
2- a) Ela é cega
3- d) Amizade volátil
4- b) Por sua dependência de expressões faciais e corporais para contar a história
5- b) Um reencontro emocionante

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