7ºANO Docx-11

E.M.E.F.
ANTÔNIO LAUREANO DA CUNHA FILHO – 1º TRIMESTRE

Prof.ª Édina dos Santos Muniz - Arte– 7º ano - 20/02/2024 - REVISÃO
Joan Miró
O artista espanhol Joan Miró é um dos grandes nomes da pintura do século XX.
Sua obra carrega simplicidade, equilíbrio e muitos elementos imaginativos.
Com composições poéticas, muitas vezes trazendo explosões cromáticas, Miró produziu um trabalho inovador e
tornou-se referência no movimento surrealista.
Joan Miró i Ferrá nasceu em 20 de abril de 1893, na cidade catalã de Barcelona.
TEATRO
Elementos que compõem a linguagem teatral: Personagem, figurino, maquiagem, cenário, sonoplastia,iluminação e
objetos de cena.
Línguas e culturas
O que é a cultura brasileira
A cultura brasileira é representada pelo conjunto de tradições, manifestações culturais, costumes, culinária e
religião dos povos que viveram no país ao longo da história.
Devido a um grande processo de miscigenação de etnias, o Brasil é um dos países com maior diversidade
cultural do mundo.
E.M.E.F. ANTÔNIO LAUREANO DA CUNHA FILHO – 1º TRIMESTRE
Prof.ª Édina dos Santos Muniz - Arte– 7º ano - 27/02/2024 - AVALIAÇÃO DIAGNÓSTICA
Nome:_____________________________________________________Turma:__________
Responda às seguintes perguntas:

1. Quem é Joan Miró?
2. Em qual movimento artístico Joan Miró tornou-se referência?
3. Quando e onde Joan Miró nasceu?
4. Quais os elementos que compõem a linguagem teatral?
5. Qual a história da peça teatral Os Saltimbancos?
6. Como uma língua deixa de existir?
7. Cite duas palavras derivadas da língua indigena que foram incorporadas ao nosso vocabulário?
8. O que é a cultura Brasileira?
9. Por que o Brasil é um dos países com maior diversidade cultural do mundo?
10. Faça um desenho com inspiração nas obras de Joan Miró:
Prof.ª Édina dos Santos Muniz - Arte– 7º ano - 05/03/2024
Tarsila do Amaral
Tarsila do Amaral foi uma importante artista plástica brasileira do movimento modernista.
Junto à Anita Malfatti, ela ficou conhecida como uma das mais importantes pintoras da
primeira fase do modernismo.
E, ao lado dos escritores Oswald de Andrade e Raul Bopp, Tarsila inaugurou o movimento
denominado “Antropofagia.
Próxima aula trazer massinha de modelar

Conheça Urutu, ou O Ovo, de Tarsila do Amaral
Urutu, de Tarsila do Amaral, deixou um marco na história das artes visuais brasileiras. Atualmente na coleção
Gilberto Chateaubriand do MAM do Rio de Janeiro, a obra é símbolo do Movimento Antropofágico iniciado em
1928, ano em que foi criada.Com óleo sobre tela e dimensões 60,5 x 72,5 cm, recebe o nome de uma serpente
venenosa que possui 2m de comprimento e é encontrada em algumas regiões do Brasil.
Urutu faz parte da segunda exposição individual da artista e compõe uma série na qual os bichos são os temas
centrais. Ela foi exposta pela primeira vez na Galerie Percier, em Paris.
Apesar de não ter participado da Semana de Arte Moderna de 1922, a pintora e desenhista Tarsila do Amaral foi
um dos expoentes do modernismo brasileiro, junto com Mário de Andrade (1893-1945), Oswald de Andrade
(1890-1954), Menotti del Picchia (1892-1988), e Anita Malfatti,; juntos fundaram o que chamavam de “Grupo
dos Cinco”.
Tendo morado por alguns anos em Paris, Tarsila foi muito influenciada pelas vanguardas europeias, portanto,
cumprindo alguns dos preceitos da antropofagia, a artista criou um estilo próprio que explorava formas,
temáticas e cores. Ela tinha por objetivo aquilo que grande parte dos modernistas paulistas tinham: criar uma
arte tipicamente brasileira.Os trabalhos da pintora contemplam muitos elementos temáticos das narrativas
populares, buscando inspiração em componentes os quais, segundos os modernistas paulistas, faziam parte da
identidade nacional.
Michele Bete Petry afirma que Urutu possui uma forte relação com o poema Cobra Norato (1931), de Raul Bopp
(1898-1984), e faz uma alusão ao mito da cobra grande, que amedronta os ribeirinhos da Amazônia. A pintora
modernista estava muito interessada em retrabalhar seus traumas a partir de suas recordações da infância, de
maneira que, a memória de urutu representa o medo primordial relativo à saída do útero, o trauma de seu
nascimento. O Ovo é outro título da pintura, o qual também recupera sua semelhança com a obra de René
Magritte (1898-1967) ‘Lés affinités électives’ [As afinidades eletivas], de 1933.
Assim, Tarsila entrou para história da cultura nacional, se eternizando por meio de quadros que efetivamente
compõem a memória coletiva nacional atual, como o Abaporu, A Negra, Os operários, entre muitos outros.
Prof.ª Édina dos Santos Muniz - Arte– 7º ano - AVALIAÇÃO 26/03/2024
ATIVIDADE AVALIATIVA - Colorir desenho feito na aula anterior usando tinta guache e cotonete.
Prof.ª Édina dos Santos Muniz - Arte– 7º ano –02/04/2024
Prof.ª Édina dos Santos Muniz - Arte– 7º ano –09/04/2024
O Trançado Indígena
-------- Os trançados feitos pelos indígenas possuíam como matérias-primas as folhas, palmas, cipós, talas e fibras.
Os indígenas produzem uma variada gama de peças de vestuário, cestas e redes, além de perneiras e abanos.
------ Os principais produtos que eram produzidos com esta arte de tecelagem eram as vestimentas, que
caracterizam muito a sua cultura indígena, já que dependendo de qual cultura a vestimenta também muda.
------ Nos trabalhos de cestaria dos índios há uma definição bastante clarano estilo do trabalho, de forma que um
estudioso da área pode através de um trabalho em trançado facilmente identificar a região ou até mesmo que
tribo o produziu. As cestarias são utilizadas para o transporte de víveres, armazenamento, como recipientes,
utensílios, cestas, assim como objetos como esteiras.
ATIVIDADE
1. Com folha A4 branca e preta, giz de cera produzir um trançado indigena.
Passo a passo no vídeo abaixo:
https://youtu.be/bkNxRRGKVdE
Exemplos:
]
No vasto e diversificado panorama artístico brasileiro, existem artistas que se dedicam a capturar a essência, a
cultura e as vivências do povo brasileiro através de suas obras. Eles trazem à tona representações vibrantes que
destacam a diversidade e a riqueza cultural que o Brasil possui. Aqui, destacamos alguns desses artistas e suas
notáveis obras:
Cândido Portinari (1903-1962) - Um dos artistas brasileiros mais célebres, Portinari é conhecido por retratar a
realidade brasileira em suas pinturas. Uma de suas obras mais emblemáticas é "Os Retirantes", que ilustra a dura
realidade dos migrantes nordestinos.
Patrícia Galvão, a Pagu (1910-1962) - Além de escritora, Pagu também era artista visual. Em suas obras, ela
retratava o cotidiano e a luta dos trabalhadores brasileiros, enfocando na questão social e política da época.
Heitor dos Prazeres (1898-1966) - Um artista que celebrou a cultura afro-brasileira através de suas obras, que
frequentemente retratavam cenas de samba e festas populares, destacando a cultura popular brasileira em sua
forma mais pura e vibrante.
Anita Malfatti (1889-1964) - Foi uma das precursoras do modernismo brasileiro e em sua trajetória artística
destacou-se por representar a diversidade do povo brasileiro e suas tradições através de um estilo único e
moderno.
Tarsila do Amaral (1886-1973) - Uma das figuras centrais do modernismo brasileiro, Tarsila é celebrada por suas
representações da cultura brasileira, focando em temas do folclore e paisagens nativas. Obras como "Abaporu" e
"Antropofagia" são exemplos notáveis do seu esforço para criar uma arte genuinamente brasileira.
1-Qual dos artistas abaixo é conhecido por retratar a dura realidade dos migrantes nordestinos em
suas obras?
a) Heitor dos Prazeres
b) Anita Malfatti
c) Cândido Portinari
d) Patrícia Galvão
2-"Abaporu" é uma obra notável de qual artista?

a) Anita Malfatti
b) Tarsila do Amaral
d) Heitor dos Prazeres
3-Qual artista tinha um foco significativo em retratar a cultura afro-brasileira em suas obras?
a) Tarsila do Amaral
b) Heitor dos Prazeres
d) Patrícia Galvão
4-Quem foi uma das precursoras do modernismo brasileiro, sendo conhecida por seu estilo único e
moderno?
b) Heitor dos Prazeres
c) Anita Malfatti
d) Cândido Portinari
5-Patrícia Galvão, também conhecida como Pagu, enfocava em retratar qual aspecto do Brasil em suas
obras?
a) Festas populares e cenas de samba
b) A luta e o cotidiano dos trabalhadores brasileiros
c) Paisagens nativas e temas do folclore
d) A realidade dos migrantes nordestinos
1- c) Cândido Portinari
2- b) Tarsila do Amaral
3- d) Patrícia Galvão
4- c) Anita Malfatti
5- b) A luta e o cotidiano dos trabalhadores brasileiros
1-Na obra "Operários", como Tarsila do Amaral representa a industrialização que estava ocorrendo no Brasil durante
aquele período?
2-Como a diversidade étnica do Brasil é destacada na obra "Operários"?
3-De que maneira a obra "Operários" pode ser vista como uma representação da migração interna e externa que ocorria
no Brasil?
4-Como a interação social durante o período da industrialização é refletida na pintura "Operários"?

1- Através da representação de máquinas e fumaça no fundo da pintura (A Industrialização)
2- Através da variedade de tons de pele e características faciais dos indivíduos retratados (Etnia)
3- Apresentando uma amalgamação de rostos e figuras que simbolizam a mistura de culturas e regiões
(Migração)
4- Demonstrando as hierarquias sociais e classes trabalhadoras (Interação Social)
1-Quais são os personagens principais representados na pintura "Os Retirantes" de Cândido Portinari?
2-Qual é o ambiente retratado na pintura "Os Retirantes"?

3-Como os personagens da pintura "Os Retirantes" aparentam estar fisicamente?
4-Como é a expressão facial dos personagens em "Os Retirantes"?
5-O que os personagens parecem estar buscando em sua jornada na obra "Os Retirantes"?
1- Uma família (homem, mulher e criança) com suas posses em uma jornada (Elementos
Principais da Pintura)
2- Uma região árida e desolada (Ambiente Retratado)
3- Desnutridos e com semblantes sofridos (Condição Física dos Personagens)
4- Tristes e com expressões de desespero (Expressão Facial dos Personagens)
5- Um novo início, fugindo da seca e da fome (Objetivo da Jornada dos Personagens)
Tarsila do Amaral e Anita Malfatti são nomes célebres no universo artístico brasileiro, conhecidas por suas representaçõ
vibrantes e emocionais do Brasil, tanto em termos de paisagens quanto de sua população. Vamos mergulhar no univer
destas pintoras para entender como cada uma delas conseguiu, com maestria, transpor para suas telas a essência vibran
do Brasil, sendo cada pincelada uma celebração das riquezas naturais e culturais deste vasto país.
Tarsila do Amaral: A Harmonia entre Homem e Natureza

Tarsila do Amaral, uma das principais figuras do modernismo brasileiro, soube como ninguém unir em suas pinturas
cores e formas da paisagem brasileira com a simplicidade e alegria de seu povo. Em suas obras, podemos ver um Bra
rural, com sua flora diversificada, montanhas majestosas e céus de um azul sem igual. Tarsila tinha a habilidade de faz
cada observador sentir a brisa leve que acaricia os campos verdes do Brasil, ouvir o canto dos pássaros e sentir a energ
pulsante das cores que compõem cada detalhe de suas pinturas.
O povo brasileiro, sob o olhar de Tarsila, é retratado como parte integrante desta paisagem, interagindo com a natureza
forma harmoniosa. É possível ver nas expressões das figuras em suas pinturas a representação da diversidade cultu
brasileira, marcada pela mistura de etnias e a alegria inerente ao povo desta nação.
Anita Malfatti: A Vibrante Tapeçaria Humana

Anita Malfatti, igualmente uma força proeminente do modernismo, se destaca por sua abordagem ousada e revolucioná
ao retratar a população brasileira. Em sua jornada artística, Anita trouxe para suas telas o Brasil em sua mais crua e be
realidade, mostrando um povo resiliente, vibrante e multifacetado. As expressões humanas capturadas por Anita n
conhecem barreiras, mostrando a verdadeira face do povo brasileiro, um mosaico de culturas, cores e tradições.
A pintura de Anita é uma janela para a alma brasileira, uma celebração das várias facetas que compõem a identida
nacional. Com pinceladas fortes e cores vivas, Anita desvendou o espírito vibrante e multifacetado do Brasil, construin
uma tapeçaria visual que encanta e desafia o observador a mergulhar mais fundo na compreensão da complexida
humana que compõe o Brasil.
HORIZONTAL
3. Que aspecto da diversidade brasileira Anita Malfatti destaca em suas obras? -------de culturas, núcleos e tradições
8. Como é referido o Brasil no contexto das pinturas de Anita Malfatti? Vibrante e -------
9. Qual aspecto da população brasileira é evidenciado nas pinturas de Tarsila do Amaral? -------cultural e alegria
10. Que elemento da natureza é destacado como uma característica marcante nas pinturas de Tarsila? ----diversificada
VERTICAL
1. Qual era o estilo artístico predominante nas obras de Tarsila do Amaral e Anita Malfatti?
2. Como Tarsila do Amaral retratava as paisagens brasileiras em suas pinturas? núcleos e formas ------
4. Qual característica das pinturas de Anita Malfatti oferece uma janela para a alma brasileira? -------fortes e cores vivas
5. Como é descrito o céu nas pinturas de Tarsila do Amaral? ----sem iguais
6. Como Anita Malfatti interpretou a população brasileira em suas obras? Crua e bela ------
7. Qual elemento é descrito como "energia pulsante" nas pinturas de Tarsila do Amaral?
Albert Eckhout, um pintor e desenhista neerlandês do século XVII, é conhecido por suas obras detalhadas qu
documentam a vida e a natureza no Brasil colonial. Durante sua estadia no Brasil, Eckhout dedicou-se a pintar retrato
realistas e detalhados de pessoas, flora e fauna do país, apresentando uma visão única de um Brasil que começava a se
descoberto pelo mundo ocidental.
As pinturas de Eckhout são uma verdadeira aula de história e biologia, onde ele utilizava uma paleta de cores ricas
vibrantes para dar vida aos elementos que compunham a paisagem brasileira da época. Nas suas obras, é possíve
perceber uma forte presença de elementos naturais, como plantas exuberantes, frutos selvagens e animais típicos d
região, retratados com um nível de detalhe que beira o científico.
Além da natureza, Eckhout também retratava com maestria a diversidade da população local. Em seus quadros, vemo
representações realísticas de grupos indígenas, africanos e colonizadores europeus, com destaque para a riqueza d
detalhes nos trajes, adornos e expressões faciais, que demonstram uma profunda observação e respeito pelas cultura
representadas.
Embora algumas críticas apontem para uma possível idealização ou exotificação das figuras retratadas, não há como nega
a importância histórica e artística de suas obras. Albert Eckhout, com sua técnica apurada e olhar atento, oferece um
janela preciosa para entendermos melhor a complexidade e a riqueza do Brasil colonial.
1-Quem foi Albert Eckhout e qual período histórico suas obras mais retratam?
2-Que tipo de elementos naturais são frequentemente retratados nas obras de Eckhout? Dê exemplos com base no
texto.
3-Como Eckhout retratava a população local em suas pinturas? Quais grupos eram mais destacados em suas obras?
4-Com base no texto, quais são as características marcantes dos retratos de pessoas feitos por Eckhout?
5-Qual crítica é comumente apontada em relação às representações de Eckhout em suas pinturas?
6-Com base no texto, por que as obras de Eckhout são consideradas importantes do ponto de vista histórico e
artístico?
1-Albert Eckhout foi um pintor e desenhista neerlandês do século XVII, conhecido por suas obras que
documentam a vida e a natureza no Brasil colonial.
2-Em suas obras, Eckhout retratava frequentemente elementos naturais como plantas exuberantes, frutos
selvagens e animais típicos da região brasileira, com um detalhamento que se aproxima do científico.
3-Eckhout retratava a diversidade da população local, com representações realísticas de grupos indígenas,
africanos e colonizadores europeus, destacando-se pela riqueza de detalhes em trajes, adornos e expressões
faciais.
4-As características marcantes dos retratos de pessoas feitos por Eckhout são a riqueza de detalhes,
especialmente nos trajes e adornos, além das expressões faciais realísticas que demonstram uma profunda
observação e respeito pelas culturas retratadas.
5-Uma crítica comum às representações de Eckhout é a possível idealização ou exotificação das figuras retratadas
em suas obras.
6-As obras de Eckhout são consideradas importantes historicamente e artisticamente por oferecerem uma visão
única e detalhada da vida e da natureza no Brasil colonial, além de demonstrarem uma técnica apurada e um
olhar atento à complexidade e riqueza da época.
Ao longo da história, a arte tem sido um poderoso instrumento para retratar e criticar diferentes aspectos da sociedade.
No Brasil, a representação da escravidão em pinturas é um exemplo significativo dessa função da arte. Artistas como
Debret e Portinari, através de obras emblemáticas como "Aplicação do Castigo do Açoite" e "O Café", respectivamente,
trouxeram para suas telas cenas marcantes da vida dos escravos. Vamos explorar como essas pinturas, além de outras,
ilustram esse sombrio capítulo da história brasileira.
Jean-Baptiste Debret, um artista francês que veio ao Brasil no século XIX, não hesitou em retratar as crueldades da
escravidão em sua obra "Aplicação do Castigo do Açoite". Nesta pintura, Debret apresenta uma cena chocante e
desumanizante, onde escravos são brutalmente açoitados enquanto outros observam, demonstrando a violência e a
subjugação presentes na sociedade da época. Com uma precisão gráfica, ele conseguiu documentar a dor e o sofrimento
físico imposto aos escravos, servindo como uma denúncia visual da barbárie da escravidão.
Já Candido Portinari, um renomado artista brasileiro, nos apresenta uma perspectiva diferente, porém não menos
pungente, da escravidão em sua obra "O Café". Nessa pintura, Portinari ilustra os escravos trabalhando incansavelmente
nas plantações de café, uma das principais atividades econômicas do Brasil naquela época. Com traços fortes e cores
marcantes, Portinari captura a essência do trabalho árduo e da exploração dos escravos nos campos de café.
Além desses dois artistas, outros também se dedicaram a retratar a escravidão em suas obras, focando tanto na dor
física quanto na resiliência e na dignidade dos escravos. Estas pinturas servem como documentos históricos que nos
permitem refletir e aprender sobre o passado, além de apreciar a habilidade e sensibilidade dos artistas que as criaram.
D R P O R T I N A R I T
L I D E B R E T D E N S
I N B T H S E N L S T O
H S R D I O A D S C W F
N T A T I C E I H R P R
I R S A V I S N I A I I
H U I I U E C B S V N M
C M L T B D R S T I T E
O E E W T A A T Ó D U N
R N I A M D V A R Ã R T
E T R L O E O C I O A O
S O A R T I S T A S S D
1-Qual era a nacionalidade de Jean-Baptiste Debret?

a) Brasileira
b) Italiana
c) Francesa
d) Portuguesa
2-Qual é o tema central da obra "Aplicação do Castigo do Açoite" de Debret?
a) A celebração de festas tradicionais
b) A brutalidade e a violência da escravidão
c) A harmonia entre senhores e escravos
d) A beleza das paisagens brasileiras
3-O que a pintura "O Café" de Candido Portinari retrata?

a) A vida urbana no século XIX
b) O convívio pacífico entre diferentes classes sociais
c) O trabalho árduo dos escravos nas plantações de café
d) A modernização das cidades brasileiras
4-Que aspecto da arte de Candido Portinari é destacado no texto?

a) Cores vivas e traços leves
b) Traços fortes e cores marcantes
c) Uso predominante de cores frias
d) Abstração e foco em formas geométricas
5-Além de Debret e Portinari, outros artistas também retrataram o quê em suas pinturas?
a) A resiliência e a dignidade dos escravos
b) A prosperidade dos senhores de escravos
c) A evolução tecnológica do século XIX
d) A flora e fauna brasileira
6-Qual é a importância dessas pinturas que retratam a escravidão, como mencionado no texto?
a) Servem apenas como objetos de decoração
b) Atuam como documentos históricos para refletir e aprender sobre o passado
c) São utilizadas para glorificar o período da escravidão
d) Representam uma visão idealizada e romantizada da história
P O R T I N A R I
I D E B R E T E S
N B S S O
S R O C F
T A C E H R P R
R S I S I A I I
U I E C S V N M
C M L D R S T I T E
O E E A A Ó D U N
R N I D V R Ã R T
E T R O E O I O A O
S O A R T I S T A S S
● ARTISTAS ● ESCRAVOS ● PORTINARI
● BRASILEIRA ● HISTÓRIA ● SOCIEDADE
● CORES ● INSTRUMENTO ● SOFRIMENTO
● DEBRET ● PASSADO
● ESCRAVIDÃO ● PINTURAS
1-c) Francesa
2-b) A brutalidade e a violência da escravidão
3-c) O trabalho árduo dos escravos nas plantações de café
4-b) Traços fortes e cores marcantes
5-a) A resiliência e a dignidade dos escravos
6-b) Atuam como documentos históricos para refletir e aprender sobre o passado
No século XIX, uma figura destacou-se notavelmente no
cenário artístico brasileiro, seu nome era José Ferraz de
Almeida Júnior. Ele soube, como nenhum outro, capturar a
essência e a simplicidade do mundo caipira, representando
através de suas obras os costumes, o modo de vida e a
humanidade dessa população que vivia distante dos centros
urbanos, nas zonas rurais do Brasil.
José Ferraz de Almeida Júnior nasceu em Itu, São Paulo, em

1850 e desde cedo demonstrou uma grande habilidade para
as artes. Sua pintura, meticulosa e detentora de uma
profunda sensibilidade, retratou com precisão e realismo os
detalhes do dia a dia do caipira brasileiro. Com um olhar
atento, ele capturou as nuances da vida rural, desde as
vestimentas típicas até os gestos e expressões faciais que
revelavam a vida simples, mas rica em tradições e valores.
As obras de Almeida Júnior, como "O Caipira" e "Caipira Picando Fumo", são ricas em detalhes que
demonstram uma profunda compreensão da vida no campo. É evidente em suas pinturas a forte
ligação dos caipiras com a terra e a natureza. Por meio de cores terrosas e uma técnica apurada, ele
conseguiu retratar a harmonia e a serenidade que
permeiam a vida no campo, mostrando também os
árduos trabalhos físicos, parte integrante da vida
rural.
Além disso, Almeida Júnior tinha uma habilidade

ímpar para capturar a luz e a atmosfera do mundo
rural brasileiro, traduzindo em suas telas a
tranquilidade e a cadência da vida fora da cidade.
Suas pinturas também destacam a comunidade e a
unidade familiar como pilares da sociedade caipira,
onde as tradições e os valores são transmitidos de
geração em geração.
Com suas pinceladas, Almeida Júnior não apenas criou obras de arte, mas documentos históricos que
nos permitem viajar no tempo e vislumbrar um período importante da história brasileira. Suas pinturas
nos convidam a refletir sobre a cultura, a identidade e a história de um grupo de pessoas que formam a
espinha dorsal do Brasil.
HORIZONTAL
4. Além de pintor, Almeida Júnior também era profissional em que outra forma de arte?
5. Qual o nome dado à pessoa que vive no campo e tem um modo de vida simples, tema central das obras de
Almeida Júnior?
9. Qual é o elemento natural frequentemente retratado nas obras de Almeida Júnior como fundo das cenas
rurais?
10. Como é chamado o estilo artístico que se caracteriza pelo realismo e atenção aos detalhes, muito presente
nas obras de Almeida Júnior?
VERTICAL
1. Nas pinturas de Almeida Júnior, qual o valor social é destacado como pilar da sociedade caipira?
2. Como são chamadas as roupas típicas e tradicionais retratadas em suas pinturas?
3. Qual o título de uma famosa pintura de Almeida Júnior que retrata um homem cortando tabaco? Caipira
Picando -----
6. Em que cidade do estado de São Paulo nasceu Almeida Júnior?
7. Que tipo de trabalho, muitas vezes árduo e ligado à terra, é comumente retratado nas obras de Almeida
Júnior? Trabalho------
8. Qual é o elemento atmosférico que Almeida Júnior tinha uma habilidade única para capturar em suas
pinturas, criando uma sensação de tranquilidade?
O filme "A Tristeza do Jeca", lançado em 1961 e dirigido e estrelado por Amácio Mazzaropi, é uma das obras
cinematográficas mais emblemáticas quando se trata de retratar a vida do caipira no interior do Brasil. A narrativa,
permeada por um humor sutil e ao mesmo tempo uma certa melancolia, conduz os espectadores pelos caminhos
da vida rural e suas singularidades.
No papel de Jeca Tatu, Mazzaropi nos oferece um retrato sensível e profundo do caipira brasileiro, destacando não
apenas suas dificuldades e desafios diários, mas também a sabedoria e a resiliência que caracterizam essas
comunidades. A personagem, com sua inocência e bom humor, traz uma visão humanizada do caipira, quebrando
estereótipos e apresentando uma figura que harmoniza sabedoria popular e simplicidade.
A narrativa é pontuada por momentos de grande beleza, mostrando a conexão profunda do caipira com a terra e
com a natureza, uma relação que é ao mesmo tempo de respeito e dependência. O filme consegue capturar a
essência da vida no campo, onde o tempo parece fluir de maneira diferente, e as pessoas cultivam valores como
comunidade, solidariedade e respeito mútuo.
Além disso, "A Tristeza do Jeca" não deixa de mostrar as adversidades enfrentadas pelos habitantes do campo,
muitas vezes relegados à pobreza e à falta de acesso a serviços básicos. Nesse sentido, o filme oferece uma crítica
social que ainda se mantém relevante, apontando para as desigualdades que persistem no Brasil.
Qual é o ano de lançamento do filme "A Tristeza do Jeca"?

a) 1955
b) 1961
c) 1970
d) 1982
Quem dirige e estrela o filme no papel de Jeca Tatu?

a) Anselmo Duarte
b) Lima Duarte
c) Amácio Mazzaropi
d) Grande Otelo
Qual das seguintes características NÃO é atribuída a Jeca Tatu no filme?

a) Sabedoria popular
b) Melancolia
c) Resiliência
d) Arrogância
O filme "A Tristeza do Jeca" retrata a vida de qual comunidade?
a) Caipira
b) Urbana
c) Costeira
d) Sertaneja
Além de retratar a vida caipira, o filme também oferece uma crítica a quê?
a) Aos estereótipos dos caipiras
b) Às desigualdades sociais no Brasil
c) À modernização do campo
d) À influência estrangeira no Brasil
1- b) 1961
2- c) Amácio Mazzaropi
3- d) Arrogância
4- a) Caipira
5- b) Às desigualdades sociais no Brasil
A Peça "O Juiz de Paz da Roça": Um Olhar sobre a Vida Simples e Amor Genuíno
Martins Pena, com sua peça "O Juiz de Paz da Roça", nos transporta para um recanto da vida rural brasileira do
século XIX, uma época em que a simplicidade da vida no campo se mesclava com as intrigas e disputas de poder
locais. No enredo, encontramos um juiz de paz que é mais interessado em tirar vantagens pessoais do que em
realmente cumprir sua função de forma ética e justa. A peça, embora permeada por situações cômicas e
personagens caricatos, apresenta uma essência de amor genuíno e a beleza da vida simples dos roceiros.
A vida dos roceiros é representada como uma existência tranquila e descomplicada, uma jornada diária de
trabalho e convivência harmoniosa com a natureza. Eles valorizam os pequenos prazeres da vida, seja um bom
bate-papo à sombra de uma árvore ou a alegria de uma colheita bem-sucedida. Em meio a isso, surgem histórias
de amor genuíno, onde os laços afetivos são construídos com sinceridade e pureza.
Essa representação positiva da vida rural, no entanto, também convive com as críticas que Martins Pena faz à
sociedade da época, especialmente no que diz respeito ao abuso de poder e à corrupção. Mas, mesmo diante de
tais críticas, a peça ressalta a força da comunidade, da união e da bondade, que muitas vezes se sobrepõem aos
vícios humanos apresentados.
A peça é, assim, uma ode à simplicidade e ao amor genuíno, uma janela para um tempo em que, apesar das
mazelas sociais, a humanidade e a bondade ainda encontravam espaço para florescer.
1-Descreva como é representada a vida dos roceiros na peça "O Juiz de Paz da Roça".
2-Como o amor genuíno é retratado na peça e por que você acha que é importante para a narrativa?
3-Explique como a simplicidade da vida rural é destacada na peça.
4-Que críticas sociais Martins Pena apresenta em "O Juiz de Paz da Roça" e como ele as equilibra com a
representação positiva da vida rural?
5-Por que você acha que a peça "O Juiz de Paz da Roça" consegue transcender o tempo e ainda ser relevante nos
dias de hoje?
1-Na peça, a vida dos roceiros é representada como simples e tranquila, marcada pela convivência harmoniosa
com a natureza e pelos pequenos prazeres do dia a dia. Apesar das intrigas e disputas locais, há uma essência de
comunidade e união entre eles.
2-O amor genuíno é retratado na peça como uma força pura e sincera, que surge nas relações entre alguns
personagens. É importante para a narrativa porque serve como um contraponto às críticas sociais apresentadas,
mostrando que, apesar das mazelas da sociedade, ainda existe espaço para a bondade e o amor verdadeiro.
3-A simplicidade da vida rural é destacada na peça através das descrições das atividades diárias dos roceiros, sua
convivência com a natureza e a valorização dos pequenos prazeres da vida. Eles levam uma vida sem grandes
luxos, mas rica em comunidade e em conexão com a terra.
4-Martins Pena apresenta críticas sociais relacionadas ao abuso de poder e à corrupção, especialmente através
da figura do juiz de paz. Ele equilibra estas críticas com uma representação positiva da vida rural, destacando a
bondade, a união e o amor genuíno que existem entre os roceiros, mostrando que há uma força positiva na
comunidade que muitas vezes supera os vícios humanos.
5-Respostas podem variar, mas podem incluir o fato de que a peça aborda temas universais e atemporais, como
a corrupção, o abuso de poder e a disparidade social, que ainda são relevantes e discutidos na sociedade
contemporânea. Além disso, a mensagem de amor genuíno e simplicidade pode ressoar com muitos que
anseiam por uma vida mais tranquila e conectada com a comunidade e a natureza.
A peça "O Juiz de Paz da Roça", escrita por Martins Pena, é uma obra que consegue
transitar entre a comédia e a crítica social, pintando um retrato vívido da vida no Brasil
rural do século XIX. Martins Pena, com sua habilidade ímpar de criar personagens
marcantes e situações cômicas, nos apresenta uma narrativa que vai além do riso,
trazendo à tona questões sérias que marcaram a sociedade brasileira da época.
No enredo, encontramos um juiz de paz que é mais interessado em tirar vantagens pessoais do que em realmente
cumprir sua função de forma ética e justa. Ao lado dele, uma série de personagens caricatos, mas extremamente
humanos, compõem uma visão da sociedade da roça, onde os interesses pessoais muitas vezes se sobrepõem ao
bem comum.
Além de ser uma crítica ao abuso de poder e à corrupção, a peça também mostra a estrutura social da época,
onde a disparidade de classes era marcante e as relações pessoais eram pautadas por interesses. Ainda assim, há
espaço para o amor genuíno e a bondade, que surgem como contrapontos aos vícios humanos apresentados.
Martins Pena, com sua escrita afiada e habilidosa, constrói uma peça que, apesar de escrita há quase dois séculos,
ainda ressoa atualmente, mostrando que os temas por ele abordados são atemporais e universais.
1-Quem é o autor da peça "O Juiz de Paz da Roça"?

a) Machado de Assis
b) Monteiro Lobato
c) Martins Pena
d) Álvares de Azevedo
2-O que o personagem do juiz de paz busca principalmente em sua posição de poder na peça?
a) Justiça e igualdade
b) Vantagens pessoais
c) O bem-estar da comunidade
d) A promoção da educação
3-Em que século a história da peça "O Juiz de Paz da Roça" está ambientada?
a) Século XVIII
b) Século XIX
c) Século XX
d) Século XXI
4-Qual é o gênero principal da peça "O Juiz de Paz da Roça"?

a) Comédia
b) Drama
c) Tragédia
d) Romance
5-Além da comédia, o que a peça "O Juiz de Paz da Roça" também oferece aos espectadores?
a) Um thriller policial
b) Uma aventura épica
c) Um musical encantador
d) Uma crítica social
1- c) Martins Pena
2- b) Vantagens pessoais
3- b) Século XIX
4- a) Comédia
5- d) Uma
crítica
social
Atividade Prática: Montando um Álbum Ilustrado
Objetivo: Através desta atividade, os estudantes poderão explorar de forma lúdica e criativa a peça "O Juiz
de Paz da Roça", enquanto aprofundam a compreensão sobre os personagens, o ambiente e a trama
narrativa apresentada na obra.
Materiais Necessários:
Folhas de papel sulfite ou papel cartão.

Lápis de cor, canetinhas e/ou tintas.
Cola e tesoura.
Cópias de trechos da peça "O Juiz de Paz da Roça".
Instruções:
Parte 1: Leitura Compartilhada (20 minutos)
Leitura Coletiva: Faça uma leitura compartilhada da peça "O Juiz de Paz da Roça", onde cada aluno lê um
trecho em voz alta, promovendo uma compreensão geral da história e dos personagens.
Parte 2: Criação do Álbum Ilustrado (60 minutos)
Divisão de Grupos: Divida a turma em grupos pequenos e distribua folhas de papel e material de desenho
para cada grupo.
Escolha de Cenas: Cada grupo escolherá uma cena da peça que acharam interessante para ilustrar. Eles
devem discutir e decidir juntos como vão representar a cena escolhida.
Ilustração das Cenas: Os grupos começarão a ilustrar a cena escolhida, usando lápis de cor, canetinhas ou
tintas. Eles podem também recortar formas de papel para criar uma colagem.
Descrição da Cena: Após terminarem a ilustração, cada grupo escreverá uma descrição curta da cena,
explicando o que está acontecendo e quem são os personagens envolvidos.
Parte 3: Montagem do Álbum (20 minutos)

Montagem do Álbum: Após todas as ilustrações estarem prontas, os grupos irão apresentar suas cenas e
descrições para a turma.
Colagem no Álbum: Cada cena ilustrada, juntamente com sua descrição, será colada em um "álbum" grande
(que pode ser um cartaz ou um conjunto de folhas agrupadas) para criar um álbum ilustrado da peça.
Parte 4: Apresentação e Discussão (20 minutos)

Apresentação do Álbum: Uma vez que o álbum esteja completo, a classe inteira irá revisitar cada cena,
discutindo sobre as representações e como elas capturam os temas e eventos da peça.
Discussão: Encerre com uma discussão sobre a experiência de criar o álbum, perguntando aos alunos o que
eles aprenderam e o que encontraram de mais interessante na atividade.
Avaliação:
A avaliação será baseada na participação ativa dos alunos na atividade e na colaboração e criatividade
demonstradas na criação das ilustrações e descrições.
Na trajetória das artes visuais brasileiras, a fase do modernismo foi um período particularmente vibrante e
transformador. Caracterizado por uma quebra com as tradições acadêmicas e um fervoroso desejo de inovação,
o modernismo brasileiro marcou o surgimento de uma nova linguagem artística, enraizada na busca por uma
identidade nacional genuína, mas também aberta a influências globais.
Por volta das décadas de 1920 e 1930, o Brasil vivia momentos de profundas mudanças socioculturais. Nessa
época, a Semana de Arte Moderna, que ocorreu em 1922 em São Paulo, serviu como o estopim para o
movimento modernista no país. Esse evento reuniu pintores, escritores, e músicos que desejavam revolucionar a
arte brasileira, introduzindo conceitos modernos e inovadores, e ao mesmo tempo valorizando a cultura
nacional.
Pintores como Tarsila do Amaral e Anita Malfatti foram figuras centrais nesse movimento, com suas obras
marcadas por cores vibrantes, formas abstratas e a retratação de temas tipicamente brasileiros, como a
paisagem e o povo. Tarsila, por exemplo, pintou obras icônicas como "Abaporu" e "Antropofagia", que
demonstram uma forte influência do cubismo e surrealismo, mas com uma essência profundamente brasileira.
A literatura também floresceu durante esse período, com escritores como Mário de Andrade e Oswald de
Andrade trazendo uma nova linguagem literária, mais coloquial e diretamente ligada às raízes culturais do Brasil.
A arquitetura, igualmente, sofreu uma grande transformação, tendo Oscar Niemeyer como um de seus maiores
representantes. Suas obras, marcadas por linhas curvas e formas inusitadas, se tornaram ícones do modernismo
no Brasil, demonstrando uma fusão única de funcionalidade e arte.
Ao longo do tempo, o modernismo no Brasil se desdobrou em diversas outras correntes artísticas, dando espaço
para o surgimento de novos movimentos e estilos, cada um contribuindo para a rica tapeçaria que compõe a
arte brasileira contemporânea.
HORIZONTAL
4. Em que cidade ocorreu a Semana de Arte Moderna de 1922?
5. O que a Semana de Arte Moderna de 1922 buscou introduzir na arte brasileira? Conceitos ------
6. Além de cores vibrantes e formas abstratas, os pintores modernistas retratavam quais temas típicos
brasileiros?
8. Qual escritor, junto com Mário de Andrade, também foi uma figura central na literatura modernista
brasileira?
VERTICAL
1. Qual pintor é conhecido por obras como “Abaporu” e “Antropofagia”?
2. O modernismo buscou criar uma identidade nacional combinada com quais influências?
3. Qual arquiteto é conhecido por suas obras com linhas curvas e formas inusitadas durante o período
modernista?
5. Cite um dos escritores que trouxeram uma nova linguagem literária durante o modernismo brasileiro.
----de Andrade
7. Qual outro pintor foi uma figura central no modernismo brasileiro junto com Tarsila do Amaral?
A Semana de Arte Moderna de 1922, também conhecida
como Semana de 22, foi um marco cultural na história do
Brasil e da arte mundial. Realizada em São Paulo entre os dias
11 e 18 de fevereiro, essa semana icônica trouxe uma série de transformações artísticas, sociais e culturais para o
país. Vamos explorar a importância dessa semana, seus principais artistas e algumas de suas obras emblemáticas.
Contexto da Semana de Arte de 22:
No início do século XX, o Brasil vivia um momento de efervescência cultural e política. A arte acadêmica
predominava, mas havia um grupo de artistas, escritores e intelectuais insatisfeitos com essa abordagem
conservadora. A Semana de 22 surgiu como uma resposta a essa insatisfação, marcando o início do movimento
modernista no país.
Artistas e suas obras na Semana de Arte de 22:
Anita Malfatti: Obra mais famosa: "O Homem Amarelo" (1915)
Importância: Anita Malfatti foi uma das pioneiras do modernismo no Brasil. Sua exposição de 1917, que incluiu "O
Homem Amarelo", causou polêmica e debate, ajudando a abrir caminho para a Semana de 22.
Tarsila do Amaral: Obra mais famosa: "Abaporu" (1928)
Importância: Tarsila é conhecida como uma das artistas mais importantes da Semana de 22. Suas obras, como
"Abaporu", representaram uma nova visão da identidade e cultura brasileira.
Oswald de Andrade: Obra mais famosa: "Manifesto Antropófago" (1928)
Importância: Oswald de Andrade foi um dos principais escritores do modernismo brasileiro e seu manifesto
"Antropófago" expressou a ideia de "devorar" influências estrangeiras para criar algo genuinamente brasileiro.
Mário de Andrade: Obra mais famosa: "Macunaíma" (1928)
Importância: Mário de Andrade foi um escritor, poeta e musicólogo que desempenhou um papel fundamental na
promoção da cultura brasileira. "Macunaíma" é uma de suas obras mais emblemáticas.
Di Cavalcanti: Obra mais famosa: "Carnaval" (1923)
Importância: Di Cavalcanti era um dos principais artistas visuais da Semana de 22. Suas obras frequentemente
retratavam aspectos da vida urbana e cultural brasileira.
Heitor Villa-Lobos: Obra mais famosa: "Bachianas Brasileiras" (1930-1945)

Importância: Heitor Villa-Lobos é amplamente reconhecido como um dos maiores compositores brasileiros do
século XX. Sua música, influenciada pelas tradições folclóricas brasileiras e pelo modernismo europeu, desafiou as
convenções musicais de sua época. Suas "Bachianas Brasileiras" combinam elementos da música clássica com a
riqueza do folclore brasileiro.
1-Qual artista da Semana de Arte de 22 é conhecido por sua obra "O Homem Amarelo"?
b) Mário de Andrade
c) Oswald de Andrade
d) Anita Malfatti
2-Qual obra de Tarsila do Amaral se tornou um ícone do movimento modernista brasileiro?
a) "Manifesto Antropófago"
b) "Carnaval"
c) "Abaporu"
d) "Macunaíma"
3-Quem escreveu o "Manifesto Antropófago"?
a) Anita Malfatti
d) Tarsila do Amaral
4-Qual escritor é conhecido por sua obra "Macunaíma"?
d) Anita Malfatti
5-Qual artista da Semana de 22 é famoso por suas representações da vida urbana e cultural brasileira?
c) Di Cavalcanti
d) Anita Malfatti
6-Qual compositor brasileiro é conhecido por suas "Bachianas Brasileiras"?
a) Heitor Villa-Lobos
c) Tarsila do Amaral
d) Anita Malfatti
1- d) Anita Malfatti
2- c) "Abaporu"
3- b) Mário de Andrade
4- b) Mário de Andrade
5- c) Di Cavalcanti
6- a) Heitor Villa-Lobos
Atividade 1: Oficina de Pintura Moderna
Objetivo: Explorar as técnicas de pintura moderna e criar obras inspiradas nos artistas da Semana de Arte Moderna de 1922
Materiais Necessários
Tintas (óleo, acrílica ou aquarela)
Pincéis de diferentes tamanhos
Telas ou papéis para pintura
Imagens de obras de Tarsila do Amaral e Anita Malfatti para inspiração
Procedimento:
Introdução às técnicas de pintura moderna, explicando as características distintas das obras de artistas como Tarsila e Anita.
Prática de pintura onde cada participante criará sua própria obra de arte, usando as técnicas aprendidas.
Exposição das pinturas criadas, com uma discussão sobre as técnicas utilizadas e as inspirações por trás de cada obra.
Atividade 2: Sarau de Poesia Moderna
Objetivo: Explorar a poesia moderna brasileira através da leitura e criação de poemas inspirados na literatura da época.
Livros ou cópias de poemas modernistas
Papel e canetas para escrever
Procedimento:
Introdução à poesia moderna, explicando as características e estilos de escrita dos poetas da época.
Leitura de poemas de autores como Mário de Andrade e Oswald de Andrade.
Atividade criativa onde cada participante escreverá seu próprio poema, utilizando as técnicas e estilos discutidos.
Sarau onde cada pessoa terá a oportunidade de recitar seu poema para o grupo.
Atividade 3: Performance Teatral Modernista
Objetivo: Explorar o teatro moderno através da criação e apresentação de peças curtas inspiradas nos temas e estilos da Semana de Arte
Moderna.
Roupas e adereços para a criação de figurinos
Um espaço para atuação
Procedimento:
Introdução ao teatro moderno, destacando as inovações trazidas por este movimento.
Divisão do grupo em pequenas equipes, cada uma responsável por criar uma peça curta que reflita os temas e estilos do teatro moderno.
Apresentação das peças, com uma discussão posterior sobre as escolhas criativas e temáticas exploradas em cada performance.
Estas atividades têm como objetivo não apenas educar sobre a Semana de Arte Moderna de 1922, mas também estimular a criatividade e a
apreciação pela arte e cultura brasileira, honrando o espírito inovador e revolucionário daquele momento crucial em nossa história artística.
Quando falamos sobre a música clássica brasileira, é impossível não mencionar o nome de Heitor Villa-Lobos,
um compositor que soube como ninguém capturar a alma vibrante e diversificada do Brasil em suas obras.
Villa-Lobos, nascido no Rio de Janeiro em 1887, cresceu cercado pelos sons pulsantes da natureza e pelas
melodias genuínas da música popular brasileira, elementos que mais tarde influenciariam grandemente suas
composições.
Nas criações de Villa-Lobos, podemos ouvir a sinfonia da floresta brasileira, onde cada nota parece evocar
imagens de animais exóticos e paisagens naturais deslumbrantes. É como se, através de sua música, ele nos
levasse em uma viagem sonora pelos rincões do Brasil, permitindo-nos sentir a pulsação da vida selvagem e a
tranquilidade das matas.
Uma de suas obras mais famosas é "O Trenzinho do Caipira", parte da série "Bachianas Brasileiras", onde ele
integra elementos da música barroca de Bach com ritmos e melodias brasileiras. Nesta peça, Villa-Lobos retrata
de forma poética e lúdica uma viagem de trem pelo interior do Brasil, apresentando os sons característicos da
locomotiva e da natureza ao redor através de sua música.
C O M P O S I T O R H A
O E L O C O M O T I V A
I N A T U R E Z A A L P
H B R A S I L E I R A F
O V I B R A N T E I V I
E L E M E N T O S O N S
C M E L O D I A S A O H
C N E T S O G A H T O L
L E I T R E N Z I N H O
N I S I N F O N I A F E
O D W S H M Ú S I C A T
S F T V H E I T O R Y H
Escute músicas de Heitor Villa - Lobos, crie um desenho e escreva em uma frase o que sente ou imaginam com
base na música.
C O M P O S I T O R
L O C O M O T I V A
N A T U R E Z A P
B R A S I L E I R A
V I B R A N T E I
E L E M E N T O S O N S
M E L O D I A S
G
T R E N Z I N H O
S I N F O N I A
S M Ú S I C A
H E I T O R
● BRASILEIRA ● LOCOMOTIVA ● PAISAGENS

● COMPOSITOR ● MELODIAS ● SINFONIA
● ELEMENTOS ● MÚSICA ● SONS
● HEITOR ● NATUREZA ● TRENZINHO
● VIBRANTE
Pixinguinha e Os Oito Batutas: Ecoando a Alma Brasileira na França
No ano de 1922, enquanto o Brasil vivia o marco da Semana de Arte

Moderna, um fenômeno significativo ocorria paralelamente na
França, que entrelaçava ainda mais o laço cultural e artístico entre o
Brasil e o mundo. Este evento significativo foi a ida de Pixinguinha e
seu grupo, Os Oito Batutas, para a França, uma jornada que não apenas ampliou horizontes para a música
brasileira, mas também ressoou a riqueza cultural do Brasil no cenário internacional.
Pixinguinha: O Maestro da Melodia Brasileira
Pixinguinha, um flautista, saxofonista e compositor talentoso, é uma das figuras mais proeminentes na história
da música brasileira. Ele nasceu no Rio de Janeiro e, desde cedo, demonstrou uma inclinação notável para a
música. Ao longo dos anos, ele desenvolveu um estilo musical que incorporava elementos de música africana,
brasileira e jazz, criando uma melodia que reverberava a verdadeira essência do Brasil.
A Formação dos Oito Batutas
Os Oito Batutas foi um conjunto musical formado por Pixinguinha junto com outros músicos talentosos. Eles
eram conhecidos por sua habilidade de entrelaçar ritmos brasileiros tradicionais, como o samba e o choro, com
influências internacionais, criando apresentações que eram uma verdadeira festa de sonoridades e culturas.
A Jornada na França em 1922
No ano emblemático de 1922, este grupo fez história ao se apresentar em Paris, mostrando pela primeira vez na
Europa o calor e a diversidade da música brasileira. Nesse período, Paris era o centro da vanguarda artística, um
lugar onde novas formas de arte eram avidamente consumidas e apreciadas. O ritmo contagioso e a harmonia
inovadora dos Oito Batutas encantaram o público francês, apresentando a eles uma nova perspectiva da arte
brasileira, pulsante, vibrante e singular.
Nesta temporada na França, Os Oito Batutas não apenas

tocaram em vários locais prestigiados, mas também se
misturaram com importantes figuras artísticas da época. A
mistura de ritmos e estilos apresentados por eles ofereceu uma
rica tapeçaria sonora, onde a identidade brasileira estava
fortemente presente, ressoando a alma vibrante do Brasil em
terras estrangeiras.
1-Em que ano Pixinguinha e Os Oito Batutas foram à França apresentar a música brasileira?
a) 1910
b) 1922
c) 1930
d) 1945
2-Qual era a principal característica do estilo musical de Pixinguinha?
a) Incorporava apenas elementos de música clássica.
b) Era uma fusão de elementos de música africana, brasileira e jazz.
c) Era focado exclusivamente no rock.
d) Não tinha influências brasileiras.
3-Que tipo de músicas Os Oito Batutas eram conhecidos por tocar?
a) Apenas samba
b) Apenas choro
c) Uma mistura de samba e choro com influências internacionais
d) Música clássica europeia
4-Onde Os Oito Batutas realizaram suas apresentações na França em 1922?
a) Em vários locais prestigiados

b) Em locais pequenos e desconhecidos
c) Apenas em festivais de música ao ar livre
d) Exclusivamente em teatros operísticos
5-Qual era o foco artístico do grupo Os Oito Batutas durante sua temporada na França?
a) Apresentar música clássica europeia
b) Imitar outros grupos musicais da época
c) Focar apenas em ritmos africanos
d) Mostrar a riqueza cultural e musical do Brasil
1- b) 1922
2- b) Era uma fusão de elementos de música africana, brasileira e jazz.
3- c) Uma mistura de samba e choro com influências internacionais
4- a) Em vários locais prestigiados
5- d)Mostrar a riqueza cultural e musical do Brasil
O Brasil é um país vasto e diversificado, e suas
manifestações artísticas refletem essa riqueza cultural.
Ao longo dos anos, desenvolveu-se uma multiplicidade
de formas de expressão artística que combinam
influências indígenas, africanas e europeias.
1. Samba: Características: Ritmo contagiante, uso de

instrumentos de percussão como pandeiro, tamborim e
cuíca, dança animada.
2. Bossa Nova: Características: Estilo musical suave,

influenciado pelo jazz, conhecido por suas letras
poéticas e harmonias complexas.
3. Capoeira: Características: Arte marcial disfarçada de dança, inclui movimentos acrobáticos e música com
berimbau.
4. Carnaval: Características: Maior festa popular do Brasil, desfiles de escolas de samba, fantasias coloridas, música
e dança nas ruas.
5. Tropicália: Características: Movimento cultural dos anos 1960, mistura de música, arte, cinema e política, crítica
social.
6. Frevo: Características: Dança e música típicas de Pernambuco, ritmo acelerado, guarda-chuvas coloridos.
7. Maracatu: Características: Manifestação cultural afro-brasileira, ritmo percussivo, desfiles com fantasias e reis e
rainhas.
8. Literatura de Cordel: Características: Poesia popular impressa em folhetos, temas variados, narrativa rimada.
9. Teatro de Bonecos: Características: Espetáculos com bonecos articulados, histórias tradicionais e humor. -
Características do Teatro: Amplamente influenciado por elementos culturais e sociais, peças de sucesso como "O
Auto da Compadecida" de Ariano Suassuna.
10. Artes Plásticas: Características das Artes Plásticas: Diversidade de estilos, artistas como Tarsila do Amaral e Di
Cavalcanti, expressão visual da cultura brasileira.
11. Graffiti: Características: Arte de rua, expressão urbana, mensagens sociais e políticas, cores vibrantes.
HORIZONTAL
3. Que forma de literatura popular é caracterizada por poesia impressa em folhetos com temas variados? Literatura
de----
5. Qual famosa pintora brasileira é conhecida por obras como "Abaporu" e é uma figura importante nas artes
plásticas do país?
6. Que forma de teatro utiliza bonecos articulados em espetáculos que frequentemente apresentam histórias
tradicionais e humor? Teatro de -----
8. Qual movimento cultural brasileiro dos anos 1960 combinava música, arte, cinema e crítica social?
9. Qual é a festa popular brasileira famosa por desfiles de escolas de samba e fantasias coloridas?
VERTICAL
1. Qual estilo musical brasileiro, surgido nos anos 1950, é conhecido por sua suavidade e influências do jazz?
2. Qual é a famosa dança brasileira caracterizada por um ritmo contagiante e uso de instrumentos de percussão?
3. Qual é a arte marcial brasileira que incorpora elementos de dança e música com o uso do berimbau?
4. Qual é a manifestação cultural afro-brasileira que envolve ritmo percussivo, desfiles com fantasias e reis e
rainhas?
7. Qual é a dança típica de Pernambuco, caracterizada por um ritmo acelerado e guarda-chuvas coloridos?
A arte popular brasileira é um espelho da alma do povo, um reflexo de suas crenças, tradições e identidade cultural.
Ela é uma manifestação artística que floresce nas mãos de artistas autodidatas, frequentemente oriundos de
comunidades rurais e pequenas cidades. Diversificada e vibrante, essa forma de arte tem raízes profundas e se
desdobra em várias expressões, desde esculturas de barro a bordados coloridos, passando por objetos utilitários e
festivais culturais.
Origens da Arte Popular Brasileira:
A arte popular brasileira tem suas raízes nas tradições indígenas, africanas e europeias que se entrelaçaram ao
longo dos séculos. A rica diversidade cultural do Brasil proporcionou o solo fértil para o desenvolvimento de uma
ampla gama de formas artísticas. Durante a colonização, a cultura europeia trouxe influências como o barroco, o
rococó e a azulejaria, que foram incorporadas de maneira única pelos artesãos locais.
Principais Manifestações da Arte Popular Brasileira:
Cerâmica: A cerâmica é uma das manifestações mais antigas da arte popular brasileira. Os mestres ceramistas,
como Mestre Vitalino, de Pernambuco, e Mestre Nhô Caboclo, de Minas Gerais, esculpem figuras que retratam a
vida cotidiana, lendas e festividades.
Literatura de Cordel: A literatura de cordel é uma forma poética popular no nordeste do Brasil. Os cordelistas
escrevem histórias em versos que são impressas em pequenos folhetos e vendidas nas feiras. Os temas variam de
romances a contos populares.
Esculturas em Madeira: Artistas populares, como Zezinho de Tracunhaém, produzem esculturas em madeira que
representam figuras religiosas, animais e cenas folclóricas. Essas obras frequentemente adornam igrejas e espaços
públicos.
Bordados e Rendas: As regiões do Nordeste são conhecidas por suas rendas e bordados, com destaque para o
município de Ipu, no Ceará. As rendeiras produzem peças delicadas que são apreciadas em todo o país.
Festivais e Danças: O Brasil é famoso por seus festivais culturais e danças tradicionais, como o Bumba Meu Boi do
Maranhão, o Maracatu de Pernambuco e o Carnaval em todo o país. Essas celebrações são momentos em que a
arte popular brilha com todo o seu esplendor.
1: Qual é uma das principais características da arte popular brasileira?
a) Uso exclusivo de materiais sofisticados.
b) Origens estritamente europeias.
c) Reflexo das tradições e identidade cultural do povo.
d) Uso predominante de técnicas abstratas.
2: De que forma as influências indígenas, africanas e europeias contribuíram para a formação da arte popular
brasileira?
a) Elas não tiveram impacto na arte popular brasileira.
b) Elas resultaram em uma arte homogênea e uniforme.
c) Elas enriqueceram a expressão artística do país.
d) Elas causaram conflitos e divisões na arte popular
3: Qual manifestação da arte popular brasileira é caracterizada por esculturas de cerâmica que retratam a vida
cotidiana e lendas?
a) Maracatu.
b) Cerâmica Maiolica.
c) Rendeiras.
d) Mestre Vitalino.
4: O que é a literatura de cordel?

a) Uma forma de literatura popular em que os livros são encadernados com corda.
b) Uma forma poética popular no nordeste do Brasil, escrita em versos e impressa em pequenos folhetos.
c) Uma forma de literatura de terror.
d) Um tipo de literatura acadêmica.
5: Quem é um dos artistas populares brasileiros famosos por transformar materiais simples em móveis e
objetos de arte únicos?
a) Irmãos Campana.
b) Francisco Brennand.
c) Mestre Vitalino.
d) Zezinho de Tracunhaém.
1- c) Reflexo das tradições e identidade cultural do povo.

2- c) Elas enriqueceram a expressão artística do país.
3- d) Mestre Vitalino.
4- b) Uma forma poética popular no nordeste do Brasil, escrita em versos e impressa em
pequenos folhetos.
5- a) Irmãos Campana.
A xilogravura é uma forma de arte que tem uma longa história e tem sido apreciada em várias culturas ao longo
dos séculos. No entanto, é no Brasil que essa técnica ganhou destaque como uma forma de expressão artística
profundamente enraizada na cultura popular.
A Xilogravura: Uma Visão Geral
A xilogravura é uma técnica de impressão em que uma imagem é esculpida em uma placa de madeira, que é
então entintada e impressa em papel ou tecido. Essa técnica remonta à China antiga, mas ganhou popularidade
em todo o mundo, incluindo o Brasil. A xilogravura brasileira tem fortes raízes na cultura nordestina e é
amplamente associada à literatura de cordel, que frequentemente inclui ilustrações xilográficas.
O Mestre da Xilogravura: José Francisco Borges

José Francisco Borges, mais conhecido como J. Borges, é um dos mestres mais renomados da xilogravura
brasileira. Nascido em Pernambuco em 1935, J. Borges aprendeu a arte da xilogravura com seu pai e avô, e
aprimorou suas habilidades ao longo de décadas de prática dedicada. Sua obra é uma celebração da cultura
nordestina, repleta de cenas do cotidiano, lendas, mitos e histórias populares.
Características da Xilogravura de J. Borges:
Uso de linhas e formas simples para criar imagens vívidas.
Temas que refletem a cultura e a tradição do Nordeste brasileiro.
Cores vibrantes e contrastantes que dão vida às suas obras.
Representações de figuras populares, como cangaceiros, vaqueiros e dançarinos de frevo.
1-Qual é a técnica de impressão em que uma imagem é esculpida em uma placa de madeira e depois
impressa em papel ou tecido?
a) Aquarela.
b) Gravura em metal.
c) Xilogravura.
d) Litografia.
Resposta: c) Xilogravura.
2-Onde nasceu o mestre da xilogravura brasileira, José Francisco Borges, mais conhecido como J. Borges?
a) Pernambuco.
b) Rio de Janeiro.
c) São Paulo.
d) Bahia.
3-Quais são algumas das características da xilogravura de J. Borges mencionadas no texto?
a) Uso de formas complexas e cores suaves.
b) Temas abstratos e futuristas.
c) Uso exclusivo de linhas retas.
d) Cores vibrantes e representações da cultura nordestina.

4-Qual forma de literatura frequentemente inclui ilustrações xilográficas?
a) Poesia lírica.
b) Literatura de cordel.
c) Novelas de ficção científica.
d) Enciclopédias.
5-Qual é o objetivo da xilogravura?
a) Criar obras de arte exclusivas e caras.
b) Representar a cultura popular e tradicional.
c) Promover a tecnologia digital.
d) Preservar a cultura erudita.
1-c) Xilogravura.
2- a) Pernambuco.
3- d) Cores vibrantes e representações da cultura nordestina.
4- b) Literatura de cordel.
5- b) Representar a cultura popular e tradicional.

Objetivo da Oficina:
Esta oficina tem como objetivo ensinar aos alunos uma forma simplificada e segura de criar xilogravuras
usando EVA, promovendo habilidades artísticas, criatividade e compreensão dos princípios da gravura.
Placas de EVA (também chamadas de EVA emborrachado) de diferentes cores, Papel sulfite ou papel para
xilogravura, Lápis, Borracha, Estiletes ou lâminas de corte, tinta guache ou tinta acrílica, Rolos de espuma ou
pincéis, Bandejas para tinta, Papel-toalha, Panos úmidos para limpeza, Grampos ou fita adesiva,
Superfícies de apoio (mesas ou bancadas)
Passos da Oficina:
Passo 1: Introdução (10 minutos)
Explique aos alunos os objetivos da oficina e forneça informações básicas sobre a xilogravura, destacando sua
história e importância nas artes visuais.
Passo 2: Preparação do Material (10 minutos)
Organize todos os materiais necessários em estações de trabalho para os alunos. Certifique-se de que cada
aluno tenha acesso a todos os materiais de segurança, como estiletes, de forma controlada.
Passo 3: Escolha do Desenho (15 minutos)
Peça aos alunos que escolham um desenho simples que desejam gravar em sua placa de EVA. Eles podem
desenhar algo relacionado a um tema específico ou criar algo completamente original.
Passo 4: Transferência do Desenho para o EVA (15 minutos)
Instrua os alunos a desenhar o seu desenho escolhido no EVA usando lápis. Eles devem pressionar firmemente
o lápis para que as linhas fiquem visíveis no EVA.
Passo 5: Gravação da Placa (20 minutos)

Com o auxílio dos estiletes ou lâminas de corte, os alunos devem seguir as linhas do desenho e esculpir as
áreas que deseja imprimir. Eles devem remover o EVA das áreas que querem deixar em branco, criando relevos
para a impressão.
Passo 6: Aplicação de Tinta (15 minutos)
Em bandejas para tinta, coloque uma pequena quantidade de tinta guache ou tinta acrílica. Os alunos devem
usar rolos de espuma ou pincéis para aplicar uma camada uniforme de tinta sobre a placa de EVA gravada.
Passo 7: Impressão (20 minutos)
Coloque uma folha de papel sulfite ou papel para xilogravura sobre a placa de EVA com tinta. Pressione
suavemente para que a tinta seja transferida para o papel. Remova cuidadosamente o papel para ver a
impressão. Passo 8: Discussão e Avaliação (15 minutos)
Reúna os alunos para discutir suas experiências e resultados. Peça-lhes para compartilhar seus desenhos e
impressões e discutir os desafios e sucessos que enfrentaram durante o processo.
A literatura de cordel é uma forma única de expressão literária que tem raízes profundas na cultura nordestina do Brasil.
Com seus versos rimados e ilustrações coloridas, os folhetos de cordel contam histórias do cotidiano, lendas, romances
e críticas sociais, tudo isso em um estilo poético cativante.
Origens da Literatura de Cordel:
A literatura de cordel tem origens antigas, mas se popularizou no nordeste do Brasil nos séculos XIX e XX. Seu nome
deriva da prática de pendurar os folhetos em cordas ou varais para que as pessoas pudessem lê-los e apreciá-los em
feiras e mercados. Essa forma de literatura é escrita em versos rimados e é frequentemente acompanhada de
ilustrações coloridas.
Características da Literatura de Cordel:
Versos rimados: Os cordelistas usam a rima como uma ferramenta essencial para contar suas histórias de forma
cativante.
Tema diversificado: Os temas dos cordéis podem variar amplamente, desde histórias de amor até narrativas épicas e
críticas sociais.
Linguagem acessível: A linguagem dos cordéis é geralmente simples e acessível, tornando-os populares entre todas as
faixas etárias.
Cordelistas Famosos:
Leandro Gomes de Barros (1865-1918): Considerado o "Pai da Literatura de Cordel", escreveu uma vasta coleção de
cordéis que abrangem diversos temas.
Patativa do Assaré (1909-2002): Um dos mais respeitados cordelistas do Brasil, escreveu sobre a vida no sertão
nordestino e as dificuldades do povo.
João Martins de Athayde (1880-1959): Produziu cordéis humorísticos e populares que cativaram o público.
HORIZONTAL
4. Estado nordestino com forte tradição em cordel
6. Nome do "Pai da Literatura de Cordel"
7. Figura popular em cordéis, como Lampião
8. Forma de arte que combina texto e ilustrações coloridas
9. A linguagem da literatura de cordel é geralmente simples e-----
VERTICAL
1. Técnica de escrita em versos com rima
2. Estilo poético utilizado na literatura de cordel
3. Tema recorrente em cordéis sobre o sertão nordestino
5. Tipo de poesia tradicional em cordel
7. Local onde os cordéis eram suspensos para leitura
.
Ariano Suassuna, um dos maiores nomes da cultura
nordestina e brasileira, deixou um legado inestimável no
teatro e nas artes em geral. Sua trajetória é marcada por
obras que exaltam a cultura popular nordestina, suas
tradições, costumes e crenças.
1. O Início da Jornada:
Ariano Vilar Suassuna nasceu em 16 de junho de 1927, na

Paraíba. Sua paixão pelas artes começou cedo, mas sua
formação acadêmica foi marcada pela graduação em
Direito. No entanto, ele nunca deixou de lado seu amor
pelo teatro e pela cultura popular do Nordeste.
2. O Movimento Armorial:
Ariano Suassuna foi um dos fundadores do Movimento Armorial, que tinha como objetivo enriquecer a cultura
brasileira a partir de suas raízes nordestinas. O Movimento propunha uma arte erudita inspirada nas
manifestações populares, como a literatura de cordel e o repente.
3. Obras Teatrais Marcantes:
Suassuna é conhecido por suas peças teatrais memoráveis, como "O Auto da Compadecida" e "O Santo e a
Porca". Suas obras são repletas de humor, críticas sociais e elementos da cultura nordestina, tornando-se
clássicos do teatro brasileiro.
4. Adaptações para o Cinema:

Muitas das peças de Suassuna foram adaptadas para o cinema com grande sucesso. "O Auto da Compadecida",
dirigido por Guel Arraes, é um exemplo notável. O filme preserva o humor e a essência da obra original,
conquistando o público de todo o Brasil.
5. Reconhecimento Nacional:
Ariano Suassuna recebeu inúmeras honrarias e prêmios ao longo de sua carreira, incluindo a Academia
Brasileira de Letras. Sua contribuição para as artes e a cultura brasileira é amplamente reconhecida e
celebrada.
1. Qual foi o movimento cultural fundado por Ariano Suassuna, que buscava enriquecer a cultura
brasileira a partir de suas raízes nordestinas?
a) Movimento Romântico
b) Movimento Armorial
c) Movimento Modernista
d) Movimento Tropicalista
2. Qual das seguintes obras teatrais de Ariano Suassuna é conhecida por seu humor, críticas sociais e
elementos da cultura nordestina?
a) "O Auto da Compadecida"
b) "Romeu e Julieta"
c) "Esperando Godot"
d) "Édipo Rei"
3. Qual diretor adaptou a peça "O Auto da Compadecida" de Ariano Suassuna para o cinema?
a) Ariano Suassuna
b) Guel Arraes
c) Nelson Rodrigues
d) Jorge Amado
4. Qual era a formação acadêmica de Ariano Suassuna?
a) Engenharia
b) Medicina
c) Direito
d) Artes Cênicas
5. Qual data marca o nascimento de Ariano Suassuna?
a) 16 de junho de 1927
b) 25 de dezembro de 1942
c) 7 de setembro de 1822
d) 2 de novembro de 1905
1- b) Movimento Armorial
2- a) "O Auto da Compadecida"
3- b) Guel Arraes
4- c) Direito
5- a) 16 de junho de 1927
"O Auto da Compadecida" é um filme brasileiro lançado em 2000,
dirigido por Guel Arraes e baseado na peça teatral homônima de
Ariano Suassuna. O filme conquistou o público brasileiro com sua
comédia inteligente, personagens cativantes e uma abordagem única das tradições nordestinas.
1. Sinopse do Filme:
"O Auto da Compadecida" se passa no Nordeste brasileiro e

narra a história de João Grilo e Chicó, dois amigos muito
espertos e engraçados que vivem uma série de aventuras
enquanto tentam sobreviver em um mundo repleto de
personagens excêntricos e desafios inesperados. A trama se
desenrola em torno de suas artimanhas e golpes, mas também aborda temas mais profundos, como a
religiosidade e a moralidade.
2. Personagens Inesquecíveis:
O filme apresenta uma galeria de personagens memoráveis, incluindo o cangaceiro Severino, o padre João, a
Compadecida (a Virgem Maria) e o diabo, interpretado brilhantemente por Matheus Nachtergaele. Cada
personagem desempenha um papel importante na história e contribui para o humor e a sátira social do filme.
3. Humor e Crítica Social:

"O Auto da Compadecida" é conhecido por seu humor inteligente e sua crítica social. Embora seja uma
comédia, o filme aborda questões como a hipocrisia religiosa, a desigualdade social e a corrupção, tudo isso
com um toque de irreverência e sarcasmo.
4. A Recepção do Público:
O filme foi um grande sucesso de bilheteria no Brasil e conquistou o público com seu estilo único. Ele se tornou
um clássico do cinema nacional e é frequentemente lembrado como uma das melhores brasileiras já
produzidas.
1. Qual é o nome dos protagonistas de "O Auto da Compadecida"?
a) Zé e Maria
b) João Grilo e Chicó
c) Severino e João
d) Pedro e Bento
2. Qual é o gênero cinematográfico de "O Auto da Compadecida"?
a) Drama
b) Ação
c) Comédia
d) Terror
3. Quem dirigiu o filme "O Auto da Compadecida"?
a) Ariano Suassuna
b) Guel Arraes
c) Matheus Nachtergaele
d) Lima Duarte
4. Qual personagem é interpretado por Matheus Nachtergaele no filme?
a) João Grilo
b) Chicó
c) Severino
d) O diabo
5. Além do humor, "O Auto da Compadecida" aborda quais temas importantes?
a) Religião e moralidade
b) Ficção científica e tecnologia
c) Política internacional
d) Esportes radicais
1- b) João Grilo e Chicó

2- c) Comédia
3- b) Guel Arraes
4- d) O diabo
5- a) Religião e moralidade
A arte popular e a produção artesanal são manifestações culturais ricas e diversificadas que refletem a identidade
e a criatividade de comunidades ao redor do mundo. Essas formas de expressão valorizam a tradição, a história e a
conexão com a natureza, enquanto produzem objetos de beleza e significado. Neste texto, vamos explorar a arte
popular e a produção artesanal, com foco em cestarias, roupas e culinária
Arte Popular e Cestarias:
As cestarias são uma das formas mais antigas e amplamente difundidas de arte popular e produção artesanal. Elas
envolvem a tecelagem de fibras naturais, como palha, bambu ou cipó, para criar objetos úteis e decorativos, como
cestos, esteiras e bolsas. As cestarias são encontradas em muitas culturas ao redor do mundo e frequentemente
apresentam padrões geométricos e designs intricados.
Arte Popular e Roupas:
A produção artesanal de roupas é outra manifestação importante da arte popular. Muitas culturas têm tradições
de tecelagem manual, tingimento natural e bordado elaborado para criar roupas que refletem a identidade
cultural e regional. Roupas artesanais podem ser simples trajes tradicionais ou obras de arte complexas, exibindo
padrões e cores exclusivos.
Arte Popular e Culinária:
A culinária também é uma forma de arte popular e produção artesanal. Ela envolve a preparação de alimentos
tradicionais e típicos de uma região ou cultura, muitas vezes transmitidos de geração em geração. Pratos
artesanais podem incluir pães, queijos, doces, condimentos e pratos principais que destacam ingredientes locais e
técnicas culinárias tradicionais.
1-Quais são alguns materiais comuns usados na produção de cestarias?
a) Metal e plástico.
b) Tecido e vidro.
c) Palha, bambu e cipó.
d) Couro e cerâmica.
2-: Qual é uma característica comum das roupas artesanais em muitas culturas?
a) Uso de padrões geométricos.
b) Uso exclusivo de cores escuras.
c) Uso de máquinas de costura industriais.
d) Uso de materiais sintéticos.
3-Qual é o objetivo da culinária como forma de arte popular?
a) Criar pratos complexos e sofisticados.
b) Preservar ingredientes raros.
c) Refletir a identidade cultural e regional.
d) Reduzir o consumo de alimentos.
4-Qual é um exemplo de objeto produzido por meio da técnica de cestaria?
a) Esculturas de madeira.
b) Cestos de vime.
c) Pinturas a óleo.
d) Vasos de cerâmica.
5-O que é comum nas roupas artesanais de muitas culturas ao redor do mundo?
a) Uso de materiais sintéticos.
b) Ausência de padrões ou cores.
c) Técnicas de produção industrial.
d) Reflete a identidade cultural e regional.
1- c) Palha, bambu e cipó.

2- a) Uso de padrões geométricos.
3- c) Refletir a identidade cultural e regional.
4- b) Cestos de vime.
5- d) Reflete a identidade cultural e regional.
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A música, a dança e o teatro são manifestações culturais que desempenham um papel fundamental na expressão
da identidade de uma sociedade e na transmissão de tradições ao longo das gerações. Cada uma dessas formas de
arte tem suas características únicas e contribui para a riqueza cultural do mundo.
Música: Uma Linguagem Universal
A música é uma linguagem universal que transcende barreiras linguísticas e culturais. Ela pode ser encontrada em
todas as sociedades humanas e desempenha diversos papéis, desde a celebração de rituais religiosos até a
expressão de sentimentos profundos. As características da música incluem ritmo, melodia e harmonia, e ela pode
ser executada com uma ampla variedade de instrumentos, desde percussão até cordas e sopros.
Dança: A Expressão do Movimento

A dança é uma forma de expressão artística que envolve o movimento do corpo de forma rítmica e coordenada. Ela
pode ser usada para contar histórias, celebrar eventos especiais, expressar emoções ou simplesmente para
diversão. Cada cultura possui suas próprias danças tradicionais, muitas vezes acompanhadas de trajes específicos e
músicas características.
Teatro: A Arte da Representação
O teatro é uma manifestação cultural que envolve a representação de personagens e histórias diante de um público
ao vivo. Os atores utilizam a linguagem verbal e não verbal para transmitir emoções e narrativas. O teatro pode ser
dramático, cômico, trágico ou uma combinação de estilos, e frequentemente aborda questões sociais e políticas.
1-Quais são as principais características da música? Como a música é usada em diferentes culturas ao redor do
mundo?
2-Cite três exemplos de danças tradicionais de diferentes culturas. Qual é a importância das danças tradicionais
na preservação da identidade cultural?
3-O que diferencia o teatro das outras formas de representação artística, como o cinema e a televisão? Quais
são os elementos essenciais de uma produção teatral?
4-Como a música, a dança e o teatro podem ser usados para promover a compreensão intercultural e a
diversidade cultural?
5-Qual é a importância da preservação das manifestações culturais na música, na dança e no teatro? Como
essas manifestações contribuem para a identidade cultural de uma sociedade?
1- As principais características da música incluem ritmo, melodia e harmonia. A música é usada em

diferentes culturas para expressar emoções, celebrar eventos, transmitir tradições e rituais religiosos,
entre outros fins.
2- Exemplos de danças tradicionais incluem a dança do Hula no Havaí, o tango na Argentina e a dança do
ventre no Oriente Médio. As danças tradicionais desempenham um papel fundamental na preservação
da identidade cultural, pois refletem tradições, histórias e valores específicos de cada cultura.
3- O teatro é uma forma de representação artística ao vivo, enquanto o cinema e a televisão envolvem
gravações prévias. Os elementos essenciais de uma produção teatral incluem o roteiro, os atores, o
cenário, a iluminação e a interação ao vivo com a audiência.
4- Música, dança e teatro podem ser usados para promover a compreensão intercultural e a diversidade
cultural ao compartilhar tradições e histórias de diferentes culturas. Essas formas de arte podem criar
pontes entre as pessoas, celebrando as semelhanças e diferenças culturais.
5- A preservação das manifestações culturais na música, na dança e no teatro é importante porque elas são
parte integrante da identidade cultural de uma sociedade. Essas manifestações conectam as gerações
passadas e futuras, transmitindo tradições, histórias e valores culturais. Além disso, elas enriquecem a
diversidade cultural global e promovem o entendimento entre as pessoas.
O Brasil é um país vasto e diversificado, e essa diversidade se reflete de forma vibrante em suas manifestações
culturais, especialmente na música. Cada região do país possui sua própria riqueza musical, com influências
culturais únicas que se desenvolveram ao longo de séculos.
Nordeste: Frevo, Forró e Axé
O Nordeste do Brasil é conhecido por sua música festiva e ritmos contagiantes. O frevo, com suas marchas
animadas e movimentos de dança acrobáticos, é uma das manifestações mais emblemáticas de Pernambuco. O
forró, com suas letras apaixonadas e dança agitada, é popular em toda a região nordestina. O axé, com sua
mistura de influências africanas, é associado à Bahia e é uma parte fundamental do carnaval de Salvador.
Sudeste: Samba e Bossa Nova
O Sudeste do Brasil é a casa de dois dos gêneros musicais mais conhecidos do país: o samba e a bossa nova. O
samba é a trilha sonora do Carnaval e tem raízes na cultura afro-brasileira. A bossa nova, por outro lado, é
conhecida por seu estilo suave e influências do jazz, com artistas como João Gilberto e Tom Jobim sendo
figuras-chave desse movimento.
Norte: Carimbó e Brega
A região Norte do Brasil oferece uma riqueza de manifestações musicais únicas. O carimbó, com suas percussões
vibrantes e danças sensuais, é uma parte importante da cultura paraense. A brega, com suas letras melódicas e
muitas vezes emotivas, é uma forma popular de música romântica na região.
Centro-Oeste: Sertanejo e Cururu
O Centro-Oeste é conhecido pelo sertanejo, um gênero musical que celebra a vida no interior do Brasil. Artistas
como Zezé Di Camargo & Luciano são ícones desse estilo. O cururu, por outro lado, é uma forma de música
folclórica e religiosa que tem suas raízes nas tradições indígenas e africanas da região.
Sul: Gaúcha e Choro
A região Sul do Brasil tem suas próprias manifestações musicais distintas. A música gaúcha, fortemente ligada à
cultura dos pampas, celebra a vida rural e a tradição do gaúcho. O choro é um gênero musical instrumental que
tem raízes na cidade do Rio de Janeiro, mas também é apreciado na região sul, conhecida por sua musicalidade e
habilidades instrumentais.
HORIZONTAL
1. Qual é o estilo musical vibrante com danças sensuais associadas ao estado do Pará?
5. Qual é o gênero musical que tem raízes na vida rural do Brasil e é conhecido por artistas como Zezé Di Camargo
& Luciano?
7. Qual é a forma popular de música romântica na região Norte do Brasil?
8. Qual é a manifestação musical associada ao Carnaval e à dança com movimentos acrobáticos em Pernambuco?
9. Qual é o estilo musical que é a trilha sonora do Carnaval e tem raízes na cultura afro-brasileira?
VERTICAL
2. Qual é o gênero musical suave com influências do jazz, cujos representantes incluem João Gilberto e Tom
Jobim?
3. Qual é a forma de música folclórica e religiosa com raízes nas tradições indígenas e africanas do Centro-Oeste?
4. Qual é o gênero musical conhecido por suas letras apaixonadas e dança agitada, popular em toda a região
nordestina?
6. Qual é o gênero musical com influências africanas associado à Bahia e ao Carnaval de Salvador?
A dança é uma linguagem universal que transcende fronteiras e reflete a identidade
cultural de uma sociedade. No Brasil, um país vasto e diversificado, a dança desempenha um papel significativo na
expressão da riqueza cultural de suas diferentes regiões.
Samba no Rio de Janeiro: O Rio de Janeiro é o berço do samba, um gênero

musical e uma dança que desempenha um papel central nas celebrações do
Carnaval. Com suas raízes na cultura afro-brasileira, o samba é caracterizado
por movimentos sensuais e ritmos contagiantes.
Forró no Nordeste: O forró é um dos estilos de dança mais populares do

Nordeste brasileiro. É conhecido por seus passos animados e pelo acordeão
como instrumento principal. O forró é uma parte essencial das festas e
celebrações na região nordestina.
Bailado Gaúcho no Sul: No Sul do Brasil, especialmente no estado do Rio

Grande do Sul, o bailado gaúcho é uma manifestação importante da cultura. É
uma dança tradicional que reflete as tradições do gaúcho, com passos
elegantes e movimentos que evocam a vida rural.
Carimbó no Norte: O carimbó é uma dança típica da região Norte do Brasil, especialmente do estado do Pará. É
uma dança de roda animada, muitas vezes realizada ao ar livre. Os dançarinos usam roupas coloridas e movimentos
energéticos.
Maracatu em Pernambuco: O maracatu é uma manifestação de dança e música que tem suas raízes em
Pernambuco. É uma parte essencial do Carnaval em Recife e Olinda. O maracatu inclui desfiles extravagantes e
movimentos coreografados.
Quadrilha no Centro-Oeste: A quadrilha é uma dança popular em todo o Brasil, mas é especialmente destacada no
Centro-Oeste durante as festas juninas. É uma dança de grupo que segue uma narrativa e inclui passos
coreografados.
Coco no Nordeste: O coco é uma dança tradicional do Nordeste, especialmente em estados como Pernambuco e
Alagoas. Os dançarinos batem os pés no chão, criando ritmos percussivos, e frequentemente usam roupas coloridas
e chapéus de palha.
Frevo em Pernambuco: O frevo é uma dança cheia de energia originária de Pernambuco, especialmente de Recife.
Os dançarinos movem-se rapidamente ao som de músicas animadas, muitas vezes carregando guarda-chuvas
coloridos como parte da coreografia. Bumba Meu Boi no Norte e Nordeste: O Bumba Meu Boi é uma manifestação
cultural que combina dança, música e teatro. É realizado em várias regiões do Norte e Nordeste do Brasil durante as
festas juninas. A dança representa a história de um boi que é morto e ressuscitado.
HORIZONTAL
2. Qual é a dança tradicional do Rio de Janeiro associada ao Carnaval e à cultura afro-brasileira?
6. Qual é a dança típica da região Norte, especialmente do estado do Pará, que é realizada em roda e inclui
movimentos energéticos?
9. Que dança tradicional do Sul do Brasil, especialmente em estados como o Rio Grande do Sul, envolve
movimentos coordenados em pares?
10. Qual é o estilo de dança popular no Nordeste do Brasil, conhecido por seus passos animados e acordeão?
VERTICAL
1. Qual é a dança de grupo tradicionalmente realizada durante as festas juninas, com passos coreografados?
3. Qual é a manifestação cultural que combina dança, música e teatro, representando a história de um boi morto e
ressuscitado, realizada no Norte e Nordeste do Brasil durante as festas juninas?-----Meu Boi.
4. Qual é a dança típica do Nordeste, especialmente em Pernambuco e Alagoas, onde os dançarinos batem os pés
no chão para criar ritmos percussivos?
5. Que manifestação de dança e música é essencial no Carnaval de Recife e Olinda e inclui desfiles extravagantes?
7. Que dança tradicional reflete as tradições do gaúcho e é popular no Sul do Brasil?-----Gaúcho.
8. Que dança energética originária de Pernambuco envolve movimentos rápidos e, muitas vezes, guarda-chuvas
coloridos?
"Festa Cultural de Danças Regionais"
Objetivo: Esta atividade tem como objetivo permitir que os alunos explorem e apresentem as
diferentes danças regionais do Brasil, promovendo a compreensão da diversidade cultural do país.
Música representativa de cada dança regional mencionada no texto (samba, forró, bailado gaúcho,
carimbó, maracatu, quadrilha, coco, frevo, Bumba Meu Boi, chimarrita).
Espaço amplo para dançar (pode ser uma sala de aula com mesas e cadeiras movidas para o lado).
Instruções:
Divida a turma em grupos, com cada grupo representando uma região do Brasil (Sudeste, Nordeste,
Sul, Norte e Centro-Oeste).
Peça a cada grupo que escolha uma das danças regionais mencionadas no texto para representar.
Forneça às equipes uma lista de reprodução com as músicas representativas de cada dança.
Dê tempo para que cada grupo pratique sua dança escolhida.
Após a prática, organize uma "Festa Cultural de Danças Regionais", na qual cada grupo se apresentará
com sua dança ao som da música correspondente.
Encoraje os alunos a vestirem-se de acordo com as tradições culturais da região que estão
representando, se possível.
Após as apresentações, promova uma discussão em sala de aula sobre as diferenças e semelhanças
entre as danças regionais. Discuta como a dança reflete a cultura e a história de cada região.
Peça aos alunos que reflitam sobre o que aprenderam com a atividade e como isso contribuiu para sua
compreensão da diversidade cultural do Brasil.
A fotografia é uma das formas mais populares e acessíveis de

expressão visual em nossa sociedade moderna. Mas você já se
perguntou como essa forma de arte e comunicação visual
começou? Vamos explorar a fascinante história da origem da
fotografia no mundo.
1. O Começo da Jornada (1820-1830)
No início do século XIX, a ideia de capturar imagens permanentes começou a tomar forma. Vários inventores e
cientistas exploraram métodos para preservar imagens de forma duradoura. Um deles foi Joseph Nicéphore Niépce,
um inventor francês, que é amplamente considerado o pioneiro da fotografia. Em 1826, ele conseguiu capturar uma
imagem permanente usando uma substância chamada asfalto da Judéia, que endurecia quando exposta à luz. Essa
imagem, chamada de "heliografia", é considerada a primeira fotografia permanente da história.
2. O Aperfeiçoamento do Daguerreótipo (1830-1840)
Em 1839, Louis Daguerre, outro inventor francês, aperfeiçoou a técnica fotográfica e criou o daguerreótipo. Esse
processo envolvia a exposição de uma chapa de prata revestida de iodeto de prata à luz, criando uma imagem
latente que podia ser revelada com vapor de mercúrio. O daguerreótipo se tornou um método popular para a
produção de retratos fotográficos, e estúdios de daguerreótipos começaram a surgir em todo o mundo.
3. A Invenção do Negativo Positivo (1840-1850)
O próximo avanço significativo na fotografia foi a invenção do negativo positivo por William Henry Fox Talbot, um
cientista e matemático britânico. Essa técnica permitia a produção de várias cópias de uma imagem a partir de um
único negativo. Foi um marco importante na democratização da fotografia, tornando-a mais acessível a um público
mais amplo.
4. A Popularização da Fotografia (1850-1900)

Durante o século XIX, a fotografia se popularizou rapidamente em todo o mundo. Fotógrafos documentaram
eventos históricos, exploraram paisagens exóticas e capturaram a vida
cotidiana. As câmeras se tornaram mais portáteis e acessíveis, e a produção de
cartões de visita com retratos fotográficos se tornou uma tendência social.
5. A Era Digital (Século 20 - Presente)
O século XX trouxe avanços tecnológicos significativos para a fotografia. As

câmeras digitais substituíram gradualmente as câmeras analógicas, tornando
mais fácil para as pessoas tirar e compartilhar fotos instantaneamente. Hoje,
os smartphones têm câmeras de alta qualidade que permitem que todos se
tornem fotógrafos amadores.
1: Quem é considerado o pioneiro da fotografia, criando a primeira imagem permanente conhecida como
"heliografia"?
a) Louis Daguerre
b) William Henry Fox Talbot
c) Joseph Nicéphore Niépce
d) Ansel Adams
2: Qual foi a principal invenção de Louis Daguerre no campo da fotografia?
a) Negativo Positivo
b) Daguerreótipo
c) Heliografia
d) Fotolito
3: Quem desenvolveu a técnica do "negativo positivo", permitindo a produção de várias cópias a partir de um
único negativo?
a) Louis Daguerre
b) Joseph Nicéphore Niépce
c) William Henry Fox Talbot
d) Thomas Edison
4: Qual foi um dos principais avanços na fotografia do século XIX que permitiu a democratização dessa forma de
arte?
a) Fotografia colorida
b) Câmera digital
c) Daguerreótipo
d) Negativo positivo
5: Qual avanço tecnológico do século XX revolucionou a fotografia, tornando-a mais acessível e instantânea?
a) Câmeras digitais
b) Fotolito
c) Heliografia
d) Daguerreótipo
1- c) Joseph Nicéphore Niépce

2- b) Daguerreótipo
3- c) William Henry Fox Talbot
4- d) Negativo positivo
5- a) Câmeras digitais
A Fotografia na Imprensa: Capturando Histórias em Imagens
A fotografia desempenha um papel fundamental na imprensa, ajudando a contar histórias de maneira visual e
impactante. Vamos explorar o papel e a importância da fotografia na imprensa, bem como seu desenvolvimento
ao longo dos anos.
A Importância da Fotografia na Imprensa:
A fotografia na imprensa desempenha um papel crucial ao transmitir informações de forma rápida e envolvente.
Ela complementa o texto e permite que os leitores visualizem os eventos.
A fotografia é uma linguagem universal que transcende barreiras de idioma, tornando as notícias acessíveis a
pessoas em todo o mundo.
Ela evoca emoções e empatia, permitindo que os leitores se conectem emocionalmente com as histórias e os
acontecimentos.
O Desenvolvimento da Fotografia na Imprensa:
No século XIX, jornais começaram a incluir ilustrações gravadas e desenhos. A fotografia ainda não era
amplamente usada devido à limitação técnica.
O desenvolvimento da fotografia jornalística acelerou no início do século XX com câmeras mais portáteis e a
disseminação de revistas ilustradas.
Durante a Primeira Guerra Mundial, fotógrafos de guerra documentaram os horrores do conflito, destacando o
poder da imagem na reportagem.
Na era moderna, a fotografia na imprensa se tornou digital, permitindo a captura e distribuição instantânea de
imagens.
HORIZONTAL
1. Qual é a linguagem que a fotografia na imprensa transcende, tornando as notícias acessíveis a pessoas em
todo o mundo?
2. Qual foi a invenção que permitiu a captura e distribuição instantânea de imagens na fotografia moderna?
5. Que tipo de câmeras permitiu a disseminação de revistas ilustradas no início do século XX?
6. Que tipo de imagens os fotógrafos de guerra documentaram durante a Primeira Guerra Mundial?
8. O que a fotografia ajuda a transmitir na imprensa?
9. O que a fotografia na imprensa permite que os leitores façam com os eventos?
VERTICAL
1. Qual era a limitação técnica que dificultava o uso generalizado da fotografia na imprensa no século XIX?
3. O que a fotografia jornalística complementa no jornalismo?
4. Como a fotografia na imprensa contribui para superar barreiras de idioma?
7. O que a fotografia evoca nos leitores, permitindo que eles se conectem emocionalmente com as histórias?
Simulação de Cobertura Fotográfica de Notícias
Objetivo: Esta atividade tem como objetivo envolver os alunos em uma experiência prática simulada de
cobertura fotográfica de notícias, permitindo que eles explorem a importância da fotografia na imprensa.
Câmeras (pode ser qualquer câmera, incluindo smartphones).
Computadores ou dispositivos para edição de fotos (opcional).
Recortes de notícias ou histórias fictícias (pode ser impresso ou exibido em um projetor).
Local para a simulação (sala de aula, área externa da escola, etc.).
Acesso à internet (opcional).
Passos da Atividade:
Passo 1: Introdução (15 minutos)
Comece a atividade introduzindo os alunos à importância da fotografia na imprensa. Mostre exemplos de fotos
de notícias que tiveram um impacto significativo. Discuta como as imagens podem contar histórias de maneira
única e poderosa.
Passo 2: Seleção da Notícia (10 minutos)
Distribua recortes de notícias ou histórias fictícias para os alunos. Peça a cada aluno ou grupo que escolha uma
notícia para simular a cobertura fotográfica.
Passo 3: Planejamento (15 minutos)

Os alunos devem planejar como vão cobrir a notícia. Eles devem considerar:
O local da cobertura.
As pessoas envolvidas.
Os ângulos de fotografia.
Os momentos-chave que desejam capturar.
Passo 4: Simulação da Cobertura (30 minutos)
Realize a simulação da cobertura fotográfica. Os alunos devem atuar como fotojornalistas e capturar imagens
relacionadas à notícia escolhida.
Passo 5: Discussão e Seleção das Melhores Fotos (20 minutos)
Após a simulação, reúna os alunos para uma discussão. Peça a cada grupo ou aluno para apresentar suas
melhores fotos e explicar por que escolheram essas imagens. Discuta como as fotos contribuem para contar a
história da notícia.
Passo 6: Edição e Compartilhamento (opcional, 20 minutos)
Se disponível, os alunos podem usar computadores ou dispositivos para editar suas fotos, aplicar legendas e
melhorar a qualidade das imagens. Eles podem criar uma apresentação de slides digital ou um painel físico com
as fotos e suas legendas.
Passo 7: Apresentação (15 minutos)
Cada grupo ou aluno apresenta sua cobertura fotográfica aos colegas. Eles devem explicar as escolhas feitas
durante a simulação e como as imagens contribuem para a compreensão da notícia.
A fotografia é uma parte essencial de nossas vidas cotidianas. Ela nos permite capturar momentos preciosos,
contar histórias, comunicar ideias e documentar o mundo ao nosso redor. Vamos explorar a importância do
registro fotográfico e como a fotografia desempenha um papel fundamental em nosso dia a dia.
1. Preservação de Memórias
A fotografia nos permite congelar o tempo e capturar momentos especiais, como aniversários, casamentos,
viagens e reuniões familiares. Essas fotos se tornam preciosas lembranças que podemos revisitar sempre que
quisermos, permitindo-nos reviver as emoções e os eventos do passado.
2. Comunicação Visual
A fotografia é uma linguagem universal que transcende as barreiras linguísticas. Uma única imagem pode
transmitir emoções, contar histórias e comunicar ideias de maneira poderosa. Na mídia, as fotos são
frequentemente usadas para ilustrar notícias e histórias, tornando-as mais envolventes e impactantes.
3. Documentação Histórica
A fotografia desempenha um papel fundamental na documentação da história. Fotografias históricas registram
eventos, pessoas e locais que moldaram o mundo. Elas são uma fonte valiosa para historiadores e pesquisadores
que desejam entender o passado.
4. Criatividade e Expressão Artística
A fotografia é uma forma de arte que permite que as pessoas expressem sua criatividade e perspectiva única.
Fotógrafos podem capturar a beleza da natureza, explorar temas sociais e experimentar com a composição
visual. A fotografia é uma forma de autoexpressão e criatividade.
5. Comércio e Publicidade
A fotografia desempenha um papel crucial no mundo dos negócios e na publicidade. Imagens bem-produzidas
são usadas para promover produtos, serviços e marcas. A qualidade das fotos pode influenciar as decisões de
compra dos consumidores.
1: Descreva um momento específico de sua vida que você registrou com uma fotografia. Por que essa foto é
importante para você?
2: Como as fotografias podem ser usadas para contar histórias? Dê um exemplo de uma foto que conta uma
história por si só.
3: Qual é a importância das fotografias históricas? Cite um exemplo de uma foto histórica famosa e explique
por que ela é significativa.
4: Como as fotografias são usadas na publicidade e no comércio? Dê um exemplo de uma campanha
publicitária que utiliza imagens de forma eficaz.
1- Resposta pessoal
2- Os alunos podem mencionar que uma foto de uma criança brincando na chuva pode
contar a história da alegria e da liberdade da infância.
3- Os alunos podem mencionar fotos como a "Menina Afegã" ou a "Bandeira Levantada
em Iwo Jima" e explicar como essas imagens documentam momentos históricos e
emoções humanas.
4-Os alunos podem mencionar campanhas publicitárias de marcas conhecidas, como a

Apple, que usam fotos de produtos de maneira atraente e persuasiva.
ATIVIDADE FOTOGRAFIA
Identifique a legenda de cada fotografia. Recorte e cole no quadrinho correspondente.
ALGUMAS FOTOS MAIS FAMOSAS DO MUNDO!

ALGUMAS FOTOS MAIS FAMOSAS DO MUNDO!
ANSEL ADAMS: O MESTRE
DA FOTOGRAFIA DE
PAISAGENS EM PRETO
E BRANCO
Ansel Adams foi um renomado fotógrafo americano conhecido por suas extraordinárias imagens de paisagens
naturais em preto e branco. Sua obra não apenas capturou a beleza das paisagens americanas, mas também
refletiu sua visão artística e sua paixão pela natureza. Vamos explorar a vida e o trabalho desse grande fotógrafo
e como sua visão artística se manifestou em suas fotografias.
A Vida de Ansel Adams:
Ansel Adams nasceu em 1902, em São Francisco, Califórnia, e cresceu em meio à impressionante paisagem da
Sierra Nevada. Desde jovem, ele demonstrou interesse pela natureza e pela arte, e sua paixão pela fotografia
começou cedo. Adams aprendeu técnicas fotográficas autodidaticamente e, ao longo de sua vida, aprimorou
suas habilidades.
A Visão Artística de Adams:
A visão artística de Ansel Adams era profundamente influenciada por sua conexão emocional com a natureza e
seu desejo de compartilhar essa conexão com os outros. Aqui estão alguns elementos-chave que definem sua
visão artística:
Beleza Natural: Adams acreditava que a natureza em si era uma fonte infinita de beleza e que a fotografia
poderia revelar essa beleza de maneira única. Suas imagens frequentemente capturavam paisagens majestosas,
como montanhas, rios e florestas, com uma atenção meticulosa aos detalhes.
Zona do Sistema: Adams desenvolveu o famoso "Sistema de Zonas", uma técnica que envolvia o controle
cuidadoso da exposição e do processo de revelação para garantir que todas as áreas da imagem, desde as
sombras profundas até os destaques mais claros, fossem reproduzidas com detalhes. Isso permitiu que suas
fotos fossem ricas em tonalidades e contrastes.
Equilíbrio e Composição: A composição de suas fotos era notável. Adams tinha uma habilidade excepcional para
equilibrar elementos na cena, criando imagens harmoniosas e impactantes. Ele frequentemente usava linhas
naturais, como rios ou montanhas, para guiar o olhar do espectador pela foto.
Compromisso Ambiental: Adams não era apenas um fotógrafo talentoso, mas também um defensor apaixonado
do meio ambiente. Ele usou sua fotografia como meio de conscientização sobre a conservação da natureza e
influenciou políticas de preservação de terras, incluindo a criação do Parque Nacional de Kings Canyon e o
aumento do Parque Nacional de Yosemite.
HORIZONTAL
2. O que Ansel Adams capturou em suas fotografias? ------ naturais

6. Qual era a cor predominante nas fotografias de Ansel Adams? ---- e branco
7. Como Ansel Adams aprendeu sobre fotografia?
VERTICAL
1. Além do fotógrafo, como Ansel Adams contribuiu para a conservação ambiental? influenciando políticas de -----
3. Qual era a nacionalidade de Ansel Adams?
4. Qual técnica famosa Adams desenvolveu para controlar a exposição e a revelação em suas fotos? ----de Zonas
5. O que Ansel Adams usou para equilibrar elementos em suas fotos e guiar o olhar do espectador? -----naturais
Como a fotografia pode ser uma forma de expressão artística? Cite um fotógrafo famoso e
descreva seu estilo ou obra.
A fotografia é uma forma poderosa de preservar memórias,
documentar momentos e capturar a beleza da vida cotidiana. No
Brasil, a fotografia tem uma história rica e diversificada que
reflete não apenas a evolução da técnica fotográfica, mas
também a transformação da sociedade brasileira ao longo dos anos. Vamos explorar a história da fotografia no
Brasil e suas contribuições significativas.
1. Os Primeiros Daguerreótipos no Brasil:
A fotografia chegou ao Brasil em meados do século XIX, com a introdução do daguerreótipo. O daguerreótipo, um
processo fotográfico pioneiro, foi trazido ao Brasil por estrangeiros que documentaram paisagens, pessoas e
eventos locais.
2. O Registro da Escravidão:
A fotografia desempenhou um papel importante na documentação da escravidão no Brasil. Fotógrafos como

Christiano Jr. e Marc Ferrez capturaram imagens que revelavam a dura realidade da época e ajudaram a
conscientizar sobre a necessidade de abolição da escravidão.
3. A Era do Retrato Fotográfico:
No final do século XIX e início do século XX, os estúdios de retratos fotográficos se proliferaram nas cidades
brasileiras. As pessoas buscavam fotografias de si mesmas e de suas famílias como um registro de suas vidas.
4. O Modernismo na Fotografia:
Na década de 1920, a fotografia

experimentou uma revolução com a chegada
do modernismo. Fotógrafos como Pierre
Verger e Thomaz Farkas adotaram uma
abordagem mais artística, explorando novas
técnicas e perspectivas.
5. A Fotografia como Documento Histórico:
Ao longo do século XX, a fotografia continuou

a ser uma ferramenta valiosa para
documentar eventos históricos, como a construção de Brasília, a ditadura militar e a vida urbana. Fotógrafos como
Evandro Teixeira e Claudia Cardinale desempenharam papéis cruciais nesse sentido.
6. A Fotografia Contemporânea:
A fotografia contemporânea no Brasil é caracterizada por uma ampla variedade de estilos e abordagens.
Fotógrafos contemporâneos exploram temas que vão desde a cultura indígena até a vida nas favelas urbanas.
HORIZONTAL
5. Quem é conhecido por explorar a cultura indígena na fotografia contemporânea brasileira? -------
Contemporâneos
6. O que a fotografia contemporânea no Brasil é caracterizada por? Variedade de ------ e abordagens

7. Qual movimento artístico influenciou a fotografia na década de 1920, trazendo uma abordagem mais artística?
8. Que estilo fotográfico se tornou popular no final do século XIX, com estúdios de retratos se proliferando?
Retrato-------
VERTICAL
1. Qual processo fotográfico pioneiro foi lançado no Brasil no século XIX?
2. Christiano Jr. e Marc Ferrez foram alguns dos fotógrafos que documentaram a ----- no Brasil
3. Quem foi um fotógrafo importante que documentou a ditadura militar no Brasil? ----Teixeira
4. Qual cidade brasileira foi construída em parte com o registro fotográfico de sua construção?
Observe imagens em revistas, recorte ou desenhe a imagem que representa o
momento atual brasileiro
O cinema é uma forma de arte e entretenimento que desempenhou um papel crucial na cultura e na história do
século XX. Vamos explorar a importância histórica do cinema e como ele influenciou a sociedade.
1. Uma Nova Forma de Narrativa:
O cinema introduziu uma maneira completamente nova de contar histórias. Antes do cinema, as narrativas eram
principalmente baseadas em texto, teatro e rádio. O cinema trouxe a capacidade de contar histórias visualmente,
adicionando elementos como ação, emoção e cenários vívidos.
2. Registro Histórico:
O cinema também serviu como um registro histórico poderoso. Ao longo das décadas, documentários
cinematográficos capturaram eventos históricos significativos, como guerras, movimentos sociais e avanços
científicos. Esses filmes fornecem uma visão valiosa para as gerações futuras.
3. Impacto Cultural:
O cinema teve um impacto profundo na cultura popular. Filmes e personagens icônicos se tornaram parte
integrante da cultura, influenciando moda, música e até mesmo linguagem. Por exemplo, filmes como "Star Wars"
e "O Poderoso Chefão" têm legiões de fãs dedicados.
4. Mudanças Sociais:
O cinema também desempenhou um papel na promoção de mudanças sociais. Filmes como "12 Anos de
Escravidão" e "Selma" trouxeram questões sociais e raciais importantes para a consciência pública, contribuindo
para debates e movimentos sociais.
5. Entretenimento Global:
O cinema é uma forma de entretenimento

global que transcende fronteiras culturais e
linguísticas. Filmes de diferentes países
alcançam públicos internacionais e promovem
a compreensão global.
1: Qual foi uma das principais contribuições do cinema para a forma de contar histórias?
a) Introduziu elementos musicais
b) Adicionou elementos visuais e emocionais
c) Reduziu o tempo de narrativa
d) Limitou a complexidade das histórias
2: Qual é uma das funções importantes dos documentários cinematográficos?
a) Entretenimento puro
b) Registro histórico
c) Ficção criativa
d) Promoção de produtos
3: Como o cinema impactou a cultura popular?
a) Não teve impacto significativo
b) Influenciou apenas a moda
c) Contribuiu para mudanças sociais
d) Tornou-se parte integrante da cultura e influenciou moda, música e linguagem
4: Qual é um exemplo de um filme que promoveu mudanças sociais?
a) "Star Wars"
b) "O Poderoso Chefão"
c) "12 Anos de Escravidão"
d) "Jurassic Park"
5: Por que o cinema é considerado uma forma de entretenimento global?
a) Porque limita-se a um único gênero
b) Porque não transcende fronteiras culturais
c) Porque alcança públicos internacionais e promove a compreensão global
d) Porque é exclusivo para o público infantil
1- b) Adicionou elementos visuais e emocionais

2- b) Registro histórico
3- d) Tornou-se parte integrante da cultura e influenciou moda, música e linguagem
4- c) "12 Anos de Escravidão"
5- c) Porque alcança públicos internacionais e promove a compreensão global
A Reação da Plateia
No final do século XIX, o mundo testemunhou uma das mais emocionantes inovações tecnológicas e artísticas: o
cinema. Os irmãos Lumière, Auguste e Louis Lumière, foram pioneiros nessa revolução, realizando a primeira
exibição cinematográfica pública em 28 de dezembro de 1895, em Paris. O evento marcou o início de uma era
cinematográfica que transformou para sempre o entretenimento e a forma como as pessoas experimentavam o
mundo visual. Vamos explorar como foi essa primeira exibição e a reação da plateia.
A Primeira Exibição Cinematográfica:
A primeira exibição pública de cinema ocorreu no Grand Café em Paris. Os irmãos Lumière apresentaram uma
série de curtas-metragens, cada um com cerca de um minuto de duração, projetados na tela usando o
cinematógrafo, uma máquina de projeção que eles inventaram.
A Reação da Plateia:
Surpresa e Assombro: A plateia que assistiu às primeiras exibições dos irmãos Lumière ficou completamente
surpresa e assombrada com o que viu. Nunca haviam testemunhado imagens em movimento projetadas em uma
tela grande. As pessoas ficaram maravilhadas com a ilusão de que o que viam na tela estava vivo.
Reações Físicas: Alguns espectadores pularam de suas cadeiras quando viram um trem se aproximando na tela,
pois acreditavam que o trem sairia da tela e os atingiria. Essa reação destacou o realismo das imagens para a
época.
Risos e Aplausos: As comédias dos irmãos Lumière, como "A Chegada de um Trem à Estação" e "A Saída dos
Operários da Fábrica Lumière", provocaram risos e aplausos da plateia. As pessoas estavam encantadas com a
simplicidade e a comicidade dessas cenas cotidianas.
Fascínio pela Novidade: A reação da plateia à primeira exibição do cinema foi caracterizada por uma sensação de
fascínio pela novidade. As pessoas estavam ávidas para ver mais e experimentar essa forma inovadora de
entretenimento
O Nascimento do Cinema: A primeira exibição dos irmãos Lumière marcou o nascimento oficial do cinema como
uma forma de arte e entretenimento. Foi o começo de uma indústria que mudaria radicalmente o mundo do
entretenimento e a maneira como as histórias eram contadas.
1-Onde ocorreu a primeira exibição pública de cinema realizada pelos irmãos Lumière?
2: Qual era a principal inovação tecnológica apresentada pelos irmãos Lumière na primeira exibição de cinema?
3: Como a plateia reagiu ao ver um trem se aproximando na tela durante a exibição?
4: Quais foram algumas das reações

emocionais e físicas da plateia durante a
primeira exibição?
5: O que a primeira exibição pública dos irmãos Lumière representou para o cinema?
1- A primeira exibição ocorreu no Grand Café em Paris.

2- A principal inovação era o cinematógrafo, uma máquina de projeção.
3- Alguns espectadores pularam de suas cadeiras, acreditando que o trem sairia da tela e
os atingiria.
4- As reações incluíram surpresa, assombro, risos, aplausos e fascínio pela novidade.
5- Representou o nascimento oficial do cinema como uma forma de arte e
entretenimento.
Uma das cenas mais famosas dos irmãos Lumière é "A Chegada de um Trem à Estação". Quando
o trem se aproximou da câmera, muitos espectadores sentiram uma sensação de aflição. Alguns
até mesmo acreditavam que o trem sairia da tela e os atropelaria. Essa cena provocou reações
físicas intensas.
O cinema e a fotografia são duas formas de arte visual que
têm a capacidade única de contar histórias por meio de
imagens em sequência. Quando usados de maneira eficaz,
eles têm o poder de cativar audiências, transmitir emoções e
até mesmo provocar mudanças sociais.
O Cinema: Uma Jornada Visual
O cinema é a arte de contar histórias por meio de uma série de imagens em movimento, projetadas em uma tela
em rápida sucessão. Essas imagens criam a ilusão de movimento, permitindo que os espectadores mergulhem em
narrativas emocionantes. Aqui estão alguns aspectos importantes do cinema:
1. Roteiro e Direção: Um filme começa com um roteiro que descreve a história, os diálogos e a estrutura da
narrativa. O diretor é responsável por dar vida ao roteiro, tomando decisões criativas sobre como as cenas serão
filmadas e como os atores interpretarão seus papéis.
2. Fotografia Cinematográfica: A fotografia de um filme é fundamental para criar atmosfera e transmitir emoções.
A iluminação, as cores e a composição das cenas são cuidadosamente planejadas para criar a estética desejada.
3. Edição: A edição é o processo de selecionar e unir as cenas filmadas para criar a sequência final do filme. A
edição determina o ritmo da narrativa e como as diferentes cenas se conectam.
4. Música e Som: A trilha sonora e os efeitos sonoros desempenham um papel crucial na criação de atmosfera e
na amplificação das emoções. A música pode elevar a tensão, criar suspense ou evocar nostalgia.
1: Qual é a principal característica que distingue o cinema das formas de arte visual estáticas?
a) A cor das imagens
b) A composição da cena
c) A sucessão rápida de imagens em movimento
d) A iluminação
2: O que é um storyboard cinematográfico?
a) Um tipo de fotografia em sequência
b) Um filme feito sem roteiro
c) Uma representação visual da sequência de uma cena com vários quadros
d) Uma técnica de fotografia noturna
3: Qual é a principal função da edição em cinema?
a) Escolher o elenco
b) Selecionar e unir as cenas filmadas para criar a sequência final do filme
c) Criar a trilha sonora
d) Escolher o local de filmagem
4: O que a trilha sonora e os efeitos sonoros contribuem para o cinema?
a) Atmosfera e emoções
b) Efeitos especiais
c) Efeitos visuais
d) Iluminação
5: O que é animação stop motion?

a) Uma técnica de fotografia noturna
b) Um tipo de fotografia em sequência
c) Uma técnica de filmagem de ação ao vivo
d) Uma técnica de animação que usa imagens estáticas em diferentes posições para criar a ilusão de movimento
1- c) A sucessão rápida de imagens em movimento

2- c) Uma representação visual da sequência de uma cena com vários quadros
3- b) Selecionar e unir as cenas filmadas para criar a sequência final do filme
4- a) Atmosfera e emoções
5- d) Uma técnica de animação que usa imagens estáticas em diferentes posições para criar a ilusão de
movimento
A Fotografia em Sequências: Capturando Momentos
A fotografia em sequências é uma técnica que envolve a captura de uma série de imagens estáticas que,
quando visualizadas em rápida sucessão, contam uma história ou mostram uma progressão de eventos. Aqui
estão algumas formas de explorar a fotografia em sequências:
Atividade 1: Storyboard Cinematográfico
Peça aos alunos que escolham uma cena de um filme ou criem sua própria cena.
Eles devem desenhar uma série de quadros que representem os momentos-chave da cena, como um
storyboard cinematográfico.
Isso ajuda a compreender a importância da composição e do enquadramento na narrativa visual.
Atividade 2: Stop Motion
Explique o conceito de animação stop motion, em que objetos são fotografados em diferentes posições para
criar a ilusão de movimento.
Divida os alunos em grupos e forneça materiais, como massinha de modelar ou objetos, para criar suas
próprias animações stop motion.
Eles podem usar smartphones ou câmeras digitais para fotografar cada quadro.
Atividade 3: Sequência Fotográfica Narrativa
Peça aos alunos que escolham um tema ou uma história curta.
Eles devem usar suas câmeras ou smartphones para tirar uma série de fotos que contem a história.
Em seguida, podem criar uma apresentação de slides narrativa ou um álbum de fotos online para
compartilhar com os colegas.
Atividade 4: Cinemagrafia
Introduza a ideia de cinemagrafia, que são imagens estáticas com elementos em movimento.
Os alunos podem experimentar criando cinemagrafias usando aplicativos de edição de fotos, como o
Photoshop ou aplicativos específicos de cinemagrafia.
Essas atividades práticas ajudam os alunos a compreenderem melhor como o cinema e a fotografia em
sequências contam histórias de maneiras diferentes, permitindo-lhes explorar sua criatividade visual e
narrativa. Além disso, incentivam a apreciação pela arte visual e o desenvolvimento de habilidades técnicas.
George Méliès é uma figura icônica na

história do cinema, conhecido por seu
pioneirismo e contribuições significativas
para a sétima arte. Vamos explorar quem foi
George Méliès e porque ele é tão
importante para o cinema.
1. A Vida de George Méliès:
George Méliès nasceu em 1861, na França. Inicialmente, ele estudou para ser um ilusionista e dono de teatro,
mas sua vida mudaria drasticamente quando assistiu a uma exibição do cinematógrafo, uma das primeiras
formas de cinema. Méliès ficou fascinado pela nova tecnologia e viu o potencial de combinar sua habilidade
como mágico com o cinema.
2. O Pai dos Efeitos Especiais:
Uma das maiores contribuições de Méliès para o cinema foi sua inovação na área de efeitos especiais. Ele
desenvolveu técnicas como a substituição de fundo e a superposição de imagens, permitindo a criação de
truques visuais impressionantes. Méliès foi responsável por alguns dos primeiros efeitos especiais no cinema,
como a famosa cena da lua sendo atingida por uma nave em "Viagem à Lua" (1902).
3. Narrativa Visual e Fantasia:
Méliès também foi um pioneiro na narrativa visual e na criação de histórias fantásticas no cinema. Ele dirigiu
filmes como "Viagem à Lua", "O Alquimista Sinistro" (1906) e "O Homem da Cabeça de Borracha" (1901), que
exploravam temas de fantasia e imaginação. Seu trabalho influenciou diretamente a criação de gêneros como a
ficção científica e o cinema de fantasia.
4. Patrimônio Cultural Cinematográfico:
Infelizmente, a carreira de Méliès teve altos e baixos financeiros, e muitos de seus filmes foram perdidos ou
destruídos ao longo do tempo. No entanto, seu legado artístico e técnico permaneceu, e ele é reconhecido
como um dos primeiros cineastas a explorar plenamente o potencial do cinema como meio de contar histórias
e criar ilusões.
5. O Declínio e a Redescoberta:
Após enfrentar dificuldades financeiras, Méliès deixou a indústria cinematográfica e trabalhou em uma loja de
brinquedos na estação de trem Montparnasse, em Paris. No entanto, em seus últimos anos de vida, ele foi
redescoberto e homenageado por sua contribuição ao cinema. Hoje, George Méliès é lembrado como um dos
visionários que moldaram a linguagem cinematográfica.
1: Qual era a ocupação original de George Méliès antes de se tornar

um cineasta?
a) Astrônomo
b) Mágico e dono de teatro
c) Engenheiro
d) Escritor
2: Qual foi uma das maiores contribuições de Méliès para o cinema?
a) Uso pioneiro de efeitos especiais
b) Desenvolvimento de som sincronizado
c) Criação do cinema colorido
d) Introdução do cinema de animação
3: Quais são alguns dos filmes famosos dirigidos por George Méliès?
a) "O Poderoso Chefão" e "Titanic"
b) "Star Wars" e "E.T. - O Extraterrestre"
c) "Viagem à Lua" e "O Alquimista Sinistro"
d) "Cidadão Kane" e "Casablanca"
4: Como George Méliès contribuiu para a narrativa visual no cinema?
a) Desenvolveu técnicas de animação avançadas
b) Introduziu o uso de câmera lenta
c) Dirigiu filmes com histórias complexas de época
d) Foi pioneiro na criação de histórias fantásticas e de imaginação
5: Qual foi o destino de muitos dos filmes de George Méliès?
a) Foram premiados com o Oscar
b) Foram destruídos ou perdidos ao longo do tempo

c) Foram adaptados para livros
d) Foram transformados em séries de TV
1- b) Mágico e dono de teatro

2- a) Uso pioneiro de efeitos especiais
3- c) "Viagem à Lua" e "O Alquimista Sinistro"
4- d) Foi pioneiro na criação de histórias fantásticas e de imaginação
5- b) Foram destruídos ou perdidos ao longo do tempo
A Invenção de Hugo Cabret: A Homenagem a Georges Méliès
"A Invenção de Hugo Cabret", dirigido por Martin Scorsese, é um filme que
presta uma homenagem tocante a Georges Méliès, um dos pioneiros do
cinema. O filme é uma adaptação do livro de mesmo nome e narra a história
de um jovem órfão chamado Hugo Cabret, que vive nos corredores da
estação de trem de Paris durante a década de 1930. Vamos explorar o
importante papel de Sr. Georges (Georges Méliès) no filme e sua conexão
com o início do cinema.
1. Sr. Georges: O Destino de um Pioneiro do Cinema:
No filme, Hugo Cabret descobre que Sr. Georges, o dono da loja de

brinquedos na estação de trem, é na verdade Georges Méliès, um homem que uma vez foi um cineasta visionário.
Méliès foi um dos primeiros a reconhecer o potencial do cinema como uma forma de contar histórias e criar
ilusões visuais. Ele dirigiu filmes notáveis, como "Viagem à Lua" (1902), que apresentava efeitos especiais
inovadores para a época.
2. O Resgate das Memórias Cinematográficas:
No filme, Hugo Cabret e Isabelle, sua amiga, descobrem que Méliès não apenas dirigiu filmes, mas também atuou
como mágico e ilusionista. No entanto, após enfrentar dificuldades financeiras e ver muitos de seus filmes
destruídos, Méliès abandonou a indústria do cinema. A trama gira em torno dos esforços de Hugo e Isabelle para
resgatar as memórias cinematográficas de Méliès e devolver-lhe o reconhecimento que ele merece.
3. A Importância de Méliès para o Cinema:
Georges Méliès é considerado um dos primeiros mestres dos efeitos especiais no cinema e um dos precursores da
ficção científica e da fantasia cinematográfica. Seu trabalho influenciou diretamente cineastas posteriores, como
Alfred Hitchcock e Steven Spielberg. Através de suas inovações técnicas e narrativas visuais, Méliès contribuiu para
o desenvolvimento da linguagem cinematográfica.
4. O Legado de Georges Méliès:

"A Invenção de Hugo Cabret" não apenas presta homenagem a Georges Méliès, mas também serve como uma
lembrança da importância de preservar a história do cinema. Méliès é um exemplo de como muitos pioneiros do
cinema enfrentaram desafios financeiros e a perda de seus filmes, mas suas contribuições continuam a inspirar
gerações futuras de cineastas.
1: Qual é o nome do personagem interpretado por Georges Méliès no filme "A Invenção de Hugo Cabret"?
a) Sr. Cabret
b) Sr. Martin
c) Sr. Georges
d) Sr. Hitchcock
2: Qual foi a profissão original de Georges Méliès antes de se tornar um cineasta?
a) Mágico e ilusionista
b) Escritor de ficção científica
c) Arquiteto
d) Pintor renomado
3: Por que Georges Méliès abandonou a indústria cinematográfica em "A Invenção de Hugo Cabret"?
a) Porque se tornou um pintor famoso
b) Devido a dificuldades financeiras e a destruição de seus filmes
c) Porque se aposentou para viver uma vida tranquila
d) Porque perdeu o interesse no cinema
4: Qual é a mensagem principal de "A Invenção de

Hugo Cabret" em relação à história do cinema?
a) A história do cinema não é importante
b) É essencial preservar a história do cinema e

reconhecer os pioneiros
c) O cinema não tem influência na sociedade
d) Georges Méliès não foi um cineasta importante

5: No filme "A Invenção de Hugo Cabret", o que motivou Hugo Cabret a se aproximar do Sr. Georges (Georges
Méliès) inicialmente?
a) Hugo estava interessado em comprar brinquedos da loja de Georges Méliès
b) Hugo estava curioso para saber mais sobre a história da estação de trem
c) Hugo queria ajuda para consertar um relógio que pertencia a seu pai
d) Hugo estava tentando vender ingressos para um filme
1- c) Sr. Georges
2- a) Mágico e ilusionista
3- b) Devido a dificuldades financeiras e a destruição de seus filmes
4- b) É essencial preservar a história do cinema e reconhecer os pioneiros
5- c) Hugo queria ajudar para consertar um relógio que pertencia a seu pai.
A relação entre arte e ciência é um tema
fascinante que tem sido explorado ao longo
da história por diversos artistas renomados.
Um dos exemplos mais marcantes dessa
intersecção é a obra de Michelangelo Buonarroti, um dos maiores artistas do Renascimento italiano.
1. Anatomia Humana:
Michelangelo era conhecido por sua profunda compreensão da anatomia humana. Ele estudou minuciosamente o
corpo humano, dissecando cadáveres e estudando a musculatura, ossos e proporções. Esses estudos anatômicos
influenciaram significativamente suas esculturas e pinturas, conferindo-lhes uma precisão anatômica
surpreendente.
2. A Criatividade e a Ciência da Engenharia:
Ao criar suas esculturas monumentais, como a estátua de David, Michelangelo também aplicou princípios de
engenharia. Ele enfrentou desafios técnicos para esculpir peças de mármore de grande escala, como a elaboração
de suportes internos para garantir a estabilidade das esculturas. Sua abordagem inovadora demonstrou uma fusão
notável de criatividade artística e conhecimento científico.
3. A Criação da Capela Sistina:
A pintura do teto da Capela Sistina é um dos projetos mais famosos de Michelangelo. Para criar essa obra-prima,
ele não apenas demonstrou habilidades artísticas extraordinárias, mas também um entendimento profundo de
perspectiva e anatomia. A representação das figuras humanas e a arquitetura celestial revelam uma combinação
única de habilidades artísticas e científicas.
4. A Influência de Leonardo da Vinci:
Michelangelo e Leonardo da Vinci, outro gigante do Renascimento, mantiveram um relacionamento complexo.

Embora fossem frequentemente vistos como rivais, suas abordagens complementares à arte e à ciência
influenciaram um ao outro. Leonardo era conhecido por sua curiosidade científica e suas investigações em campos
como a anatomia e a óptica, e esses interesses também inspiraram Michelangelo em suas próprias explorações
científicas.
5. A Perene Inspiração:
A interação entre arte e ciência na obra de Michelangelo

continua a inspirar artistas e cientistas até hoje. Sua
capacidade de combinar a observação científica com a
expressão artística demonstra o poder da
interdisciplinaridade e como a criatividade pode florescer
quando a arte e a ciência se encontram.
1: Qual aspecto da anatomia humana foi fortemente influenciado pelas observações de Michelangelo?
a) Sistema circulatório
b) Sistema nervoso
c) Sistema digestivo
d) Sistema musculoesquelético
2: Como Michelangelo aplicou princípios de engenharia em suas esculturas?
a) Ele usou técnicas avançadas de impressão 3D
b) Ele elaborou suportes internos para esculturas de grande escala
c) Ele utilizou computadores para modelagem digital
d) Ele não tinha conhecimento de engenharia
3: Qual é uma das obras mais famosas de Michelangelo que demonstra sua compreensão profunda de
anatomia e perspectiva?
a) A Última Ceia
b) O Nascimento de Vênus
c) A Criação de Adão
d) A Mona Lisa
4: Qual artista renascentista teve uma influência mútua com Michelangelo, inspirando-o em suas
explorações científicas?
a) Rafael
b) Leonardo da Vinci
c) Caravaggio
d) Ticiano
5: O que a obra de Michelangelo continua a inspirar nos dias de hoje?
a) A interdisciplinaridade entre arte e ciência
b) A única inspiração para cientistas
c) A criação de esculturas feitas com tecnologia moderna
d) O uso exclusivo de materiais tradicionais na arte
1- d) Sistema musculoesquelético
2- b) Ele elaborou suportes internos para esculturas de grande escala
3- c) A Criação de Adão
4- b) Leonardo da Vinci
5- a) A interdisciplinaridade entre arte e ciência
1: Quem é o artista responsável pela pintura "A Criação de Adão"?
2: Quais personagens estão representados na pintura "A Criação de Adão"?
3: Qual é o elemento icônico da pintura que simboliza a criação de Adão?

4: Qual é o significado simbólico da pintura "A Criação de Adão"?
1- Michelangelo Buonarroti.
2- A pintura representa Deus e Adão. Deus está estendendo a mão para dar vida a Adão.
3- O toque das mãos de Deus e Adão, quase se tocando, é o elemento icônico que simboliza a criação
de Adão.
4- A pintura simboliza o momento da criação do primeiro ser humano, Adão, por Deus. Ela representa a
dádiva da vida e a conexão entre a divindade e a humanidade.
O Renascimento foi um período histórico
extraordinário que floresceu na Europa entre os
séculos XIV e XVI. Foi uma época de renovação
cultural, artística e científica que se destacou pela
busca da excelência e da expressão humana. Nesse
contexto, a escultura desempenhou um papel
fundamental, e dois artistas em particular se
destacaram: Michelangelo Buonarroti, da Itália renascentista, e Policleto, da Grécia Antiga. Vamos explorar suas
obras e diferenças.
Michelangelo e o Renascimento Italiano:
Michelangelo Buonarroti foi um dos maiores escultores renascentistas. Ele é famoso por obras como "David" e "A
Pietá", que representam o auge da escultura renascentista italiana.
Suas esculturas são marcadas pela busca da perfeição anatômica, detalhes realistas e uma profunda expressão
emocional. "David", por exemplo, retrata o herói bíblico com detalhes anatômicos precisos e uma expressão intensa
de concentração.
Michelangelo também é conhecido por suas contribuições na pintura, arquitetura e poesia, tornando-se um
verdadeiro "homem renascentista".
Policleto e a Grécia Antiga:
Policleto foi um escultor da Grécia Antiga, especificamente da época clássica do século V a.C. Ele é famoso por sua
escultura "Doríforo", também conhecida como "O Homem de Canon", que exemplifica os ideais gregos de
harmonia, proporção e equilíbrio.
A escultura de Policleto seguia um conjunto de princípios matemáticos, conhecidos como "cânone", que visava criar
a representação ideal da figura humana. Isso resultou em figuras atléticas e proporcionais.
A abordagem de Policleto para a escultura era altamente influente na Grécia Antiga e teve um impacto duradouro
na arte ocidental, influenciando até mesmo artistas renascentistas como Leonardo da Vinci.
Diferenças entre Michelangelo e Policleto:
Período Histórico: Michelangelo pertenceu ao Renascimento italiano, que ocorreu nos séculos XV e XVI, enquanto
Policleto era da Grécia Antiga, especificamente do século V a.C.
Estilo Artístico: Michelangelo enfatizou detalhes realistas e expressões emocionais intensas em suas esculturas,
enquanto Policleto aderiu a princípios matemáticos para criar figuras ideais e proporcionais.
Técnicas e Materiais: Michelangelo frequentemente esculpia em mármore, enquanto Policleto trabalhava com
bronze e mármore.
HORIZONTAL
5. Qual escultor da Grécia Antiga é famoso pela sua escultura "Doríforo" que exemplifica os ideais de proporção
e equilíbrio?
6. O conjunto de princípios matemáticos que Policleto baixo em suas esculturas é conhecido como?
7. Que escultura renascentista de Michelangelo representa um herói bíblico com detalhes anatômicos precisos?
9. Michelangelo era conhecido como um "homem ____________" por suas diversas habilidades artísticas.
10. Qual material comum Michelangelo usou para suas esculturas?
11. Que técnica matemática Policleto usou para criar suas esculturas ideais?
VERTICAL
1. Qual escultor italiano do Renascimento é famoso por suas obras "David" e "A Pieta"?
2. Qual é o nome da obra de Michelangelo que representa a criação de Adão por Deus?
3. Qual período histórico viu o florescimento das obras de Michelangelo?
4. Qual foi a contribuição adicional de Michelangelo para a arte além da escultura?
6. Em que período histórico da Grécia Antiga Policleto viveu?
8. Que escultura grega antiga é conhecida como "O Homem de Canon" e representa os ideais de harmonia e
proporção?
Leonardo da Vinci, um dos maiores gênios da Renascença, é amplamente conhecido por suas contribuições nas
áreas da arte, ciência e engenharia. Sua insaciável curiosidade e genialidade fizeram dele um polímata, alguém com
conhecimento profundo em várias disciplinas. Vamos explorar suas contribuições notáveis:
1. Pintura e Arte:
Leonardo é famoso por suas pinturas icônicas, incluindo a "Mona Lisa" e "A Última Ceia". Sua habilidade em retratar
a anatomia humana com precisão e capturar expressões faciais únicas elevou a pintura renascentista a novos
patamares.
2. Ciência e Anatomia:
Da Vinci dedicou tempo ao estudo da anatomia humana, dissecando cadáveres para entender a estrutura interna
do corpo. Seus cadernos de esboços detalhados revelam suas descobertas anatômicas, que foram revolucionárias
para a época.
3. Engenharia e Invenções:
Leonardo projetou inúmeras invenções, algumas das quais estavam muito à frente de seu tempo. Ele concebeu
máquinas voadoras, como o "Ornithopter", e projetou dispositivos para a exploração subaquática. Seu design do
"Helicóptero" é uma precursora das aeronaves modernas.
4. Observação Científica:
Leonardo da Vinci era um observador meticuloso da natureza. Ele documentou cuidadosamente observações sobre
botânica, geologia e física. Seus cadernos incluem esboços detalhados de plantas, rochas e padrões de água.
5. Anotações Codificadas:
Muitos de seus escritos e esboços eram

codificados, escritos da direita para a
esquerda. Isso foi feito para manter suas ideias
em segredo, já que ele era conhecido por sua
natureza reservada.
1: Qual das seguintes obras de Leonardo da

Vinci é famosa por seu sorriso enigmático?
a) A Última Ceia
b) Vênus de Milo
c) Mona Lisa
d) A Noite Estrelada
2: Além da pintura, em qual campo Leonardo da Vinci se destacou?
a) Música
b) Ciência
c) Agricultura
d) Literatura
3: Qual dessas invenções foi projetada por Leonardo da Vinci como uma máquina voadora com asas batendo?
a) Submarino
b) Telescópio
c) Máquina a vapor
d) Ornithopter
4: O que Leonardo da Vinci estudou detalhadamente, dissecando cadáveres humanos?
a) Botânica
b) Astronomia
c) Anatomia
d) Geologia
5: Por que Leonardo da Vinci escrevia muitos de seus cadernos de esboços da direita para a esquerda?
a) Para manter suas ideias em segredo
b) Porque ele era canhoto
c) Porque ele gostava de desafios
d) Porque era uma prática comum na Renascença
1- c) Mona Lisa
2- b) Ciência
3- d) Ornithopter
4- c) Anatomia
5- a) Para manter suas ideias em segredo
A arte e a ciência, muitas vezes vistas como disciplinas separadas, têm uma relação intrincada que pode ser
altamente benéfica para o desenvolvimento do conhecimento em ambas as áreas. A arte pode contribuir para o
avanço da ciência, assim como a ciência pode inspirar a criatividade artística.
Como a Arte Contribui para o Desenvolvimento do Conhecimento Científico:
Visualização Criativa: A arte permite que os cientistas visualizem suas descobertas de maneira criativa. Por meio
de ilustrações, gráficos e representações visuais, os cientistas podem comunicar suas ideias de forma mais eficaz.
Inspiração Estética: A beleza das formas naturais e dos padrões encontrados na arte pode inspirar os cientistas a
explorar fenômenos naturais e aprofundar suas pesquisas.
Comunicação Visual: A arte facilita a comunicação de conceitos científicos complexos para o público em geral.
Gráficos e infográficos bem elaborados são ferramentas poderosas para explicar teorias científicas.
Como a Ciência Contribui para a Arte:

Precisão e Realismo: A ciência fornece conhecimento sobre anatomia, física da luz e química de pigmentos,
permitindo que artistas representem com maior precisão a realidade em suas obras.
Tecnologia Avançada: Novas tecnologias, como a fotografia e a impressão em 3D, abriram novas possibilidades
para artistas explorarem formas e técnicas criativas.
Exploração de Materiais: A pesquisa científica sobre materiais inovadores pode levar à criação de novos meios de
expressão artística, como a pintura com materiais bioluminescentes.
Desenhando a Anatomia Humana:
Escolha uma parte do corpo humano, como uma mão ou um olho, e desenhá-la com o máximo de detalhes
anatômicos possível. Use livros ou recursos online para pesquisar a estrutura e os detalhes da parte escolhida.
Arte Botânica:
Desenhe plantas ou flores, prestando atenção aos detalhes das folhas, pétalas e estruturas botânicas. Coloque
informações científicas, como nomes científicos e características específicas, em seus desenhos.
Exploração Espacial:
Criem desenhos de paisagens espaciais, planetas ou galáxias. Pesquise sobre os corpos celestes e as
características do espaço sideral antes de criar suas obras.
Ilustrações de Invenções:
Os alunos podem escolher uma das invenções de Leonardo da Vinci, como o helicóptero ou a máquina voadora,
e criar uma ilustração detalhada da invenção em ação, destacando os princípios científicos por trás delas.
HORIZONTAL
4. A perspectiva na arte desempenha um papel crucial na criação de ilusões de ________ e espaço em uma
imagem.
6. O princípio que afirma que objetos mais próximos ao ponto de vista do espectador parecem maiores é
conhecido como? Diminuição-----
7. A perspectiva é uma técnica fundamental para representar objetos tridimensionais em uma superfície
____________.
8. Quando um objeto se sobrepõe a outro na imagem, ele parece estar mais próximo. Qual é esse princípio de
perspectiva?
9. As linhas imaginárias que se estendem a partir de objetos e direcionam o olhar do espectador em direção aos
pontos de fuga são chamadas de? ------de fuga
VERTICAL
A pintura renascentista foi um período de
renovação artística que floresceu na Europa
durante os séculos XV e XVI. Uma das
características mais marcantes dessa época foi
o desenvolvimento e a aplicação da
perspectiva na arte. A perspectiva
renascentista trouxe uma abordagem mais
realista e tridimensional para a pintura, revolucionando a maneira como o mundo
era retratado nas telas.
Princípios da Perspectiva Renascentista:
Perspectiva Linear: A perspectiva linear é uma técnica que utiliza linhas

convergentes para criar a ilusão de profundidade em uma imagem. As linhas
paralelas que se estendem na direção do horizonte parecem convergir para um
ou mais pontos de fuga.
Pontos de Fuga: Os pontos de fuga são pontos imaginários no horizonte onde as linhas de perspectiva se
encontram. Eles são usados para determinar a direção das linhas convergentes.
Diminuição Relativa: Na pintura renascentista, os objetos que estão mais próximos ao ponto de vista do
espectador aparecem maiores, enquanto os objetos mais distantes parecem menores. Isso é conhecido como
diminuição relativa.
Atmosfera e Profundidade: Os artistas renascentistas também usavam a técnica de representar a atmosfera para
criar a sensação de profundidade. Cores mais intensas e detalhadas eram usadas em primeiro plano, enquanto
cores mais suaves e menos detalhadas eram usadas em objetos distantes.
Sobreposição: A sobreposição de objetos na pintura também era usada para criar a sensação de profundidade. Os
objetos sobrepostos parecem estar mais próximos, enquanto os objetos que não se sobrepõem parecem estar
mais distantes.
1: Qual técnica foi amplamente usada na pintura renascentista para criar a ilusão de profundidade?
a) Abstração
b) Impressionismo
c) Perspectiva Linear
d) Cubismo
2: O que são pontos de fuga na perspectiva renascentista?
a) Pontos onde os objetos desaparecem
b) Pontos de encontro de linhas de perspectiva
c) Pontos brilhantes nas pinturas
d) Pontos de sombra nas pinturas
3: Qual dos seguintes princípios da perspectiva renascentista se refere ao fato de que objetos mais próximos
parecem maiores?
a) Diminuição Relativa
b) Sobreposição
c) Atmosfera
d) Abstração
4: Que técnica de representar a atmosfera foi usada na pintura renascentista para criar profundidade?
a) Pintura a óleo
b) Aquarela
c) Abstração
d) Atmosfera
5: Qual técnica de pintura renascentista envolve o uso de linhas convergentes para criar profundidade?
a) Pontilhismo
b) Cubismo
c) Perspectiva Linear
d) Surrealismo
1- c) Perspectiva Linear
2- b) Pontos de encontro de linhas de perspectiva
3- a) Diminuição Relativa
4- d) Atmosfera
5- c) Perspectiva Linear
1. Na pintura "A Última Ceia" de Leonardo da Vinci, como a perspectiva é utilizada para criar a ilusão de
profundidade no cenário da cena?
2. Quais objetos na pintura parecem estar mais próximos do espectador devido à aplicação da perspectiva
renascentista?
3. Como a diminuição relativa é usada na pintura "A Última Ceia" para criar a ilusão de profundidade?
4. O que são os pontos de fuga na perspectiva renascentista e como são usados na pintura?
5. Além da perspectiva, quais outros princípios da arte renascentista são evidentes na pintura "A Última Ceia"?
1- A perspectiva é usada por Leonardo da Vinci para criar a ilusão de profundidade na pintura "A Última Ceia"
através do uso de pontos de fuga e linhas de fuga. As linhas de perspectiva convergem para um ponto de
fuga central na parte de trás da sala, criando a sensação de profundidade e espaço tridimensional na
composição.
2- Os objetos que parecem estar mais próximos do espectador devido à aplicação da perspectiva renascentista
incluem a mesa com os pratos e taças, bem como os apóstolos que estão mais próximos do centro da cena.
3- A diminuição relativa é aplicada na pintura "A Última Ceia" por meio do tamanho dos personagens. Os
apóstolos que estão mais próximos da figura central, Jesus, aparecem maiores em tamanho, enquanto os
que estão mais distantes são representados de forma menor, criando uma sensação de profundidade.
4- Os pontos de fuga são pontos imaginários no horizonte onde as linhas de perspectiva convergem. Na pintura
"A Última Ceia", Leonardo da Vinci usa um ponto de fuga central na parte de trás da sala, onde as linhas de
fuga convergem. Isso ajuda a direcionar o olhar do espectador para o centro da cena, criando profundidade.
5- Além da perspectiva, outros princípios da arte renascentista evidentes na pintura "A Última Ceia" incluem a
atenção aos detalhes anatômicos dos personagens, a representação realista das emoções e a aplicação de
luz e sombra para criar volume e profundidade nos personagens e objetos.
A perspectiva aérea é uma técnica utilizada na arte para criar a ilusão de distância e profundidade em
paisagens e cenas ao ar livre. Essa técnica é especialmente eficaz na representação de vastos espaços
naturais, como montanhas, florestas e horizontes distantes.
O Que é a Perspectiva Aérea?
A perspectiva aérea, também conhecida como perspectiva atmosférica, é uma técnica em que os objetos
distantes em uma cena são representados com cores mais suaves, menos detalhes e menor contraste em
relação aos objetos próximos. Essa técnica se baseia na observação de como a atmosfera terrestre afeta a
visibilidade das coisas à distância.
Como a Perspectiva Aérea é Aplicada:
Cores mais Suaves: Na perspectiva aérea, as cores dos objetos distantes são representadas de forma mais
suave e dessaturada. Isso ocorre porque a luz que viaja através da atmosfera tende a dispersar as cores,
criando uma aparência esmaecida à distância.
Menor Contraste: Objetos distantes geralmente têm menos contraste em relação ao fundo. Isso significa
que os tons claros e escuros são menos distintos, o que contribui para a sensação de profundidade.
Menos Detalhes: A distância diminui a visibilidade dos detalhes dos objetos. Portanto, na perspectiva aérea,
os objetos distantes são representados com menos detalhes em comparação com os objetos próximos, que
podem ser ricamente detalhados.
Sobreposição: A técnica de sobreposição também é usada para indicar a profundidade em uma cena.
Objetos distantes podem ser parcialmente obscurecidos por objetos mais próximos, criando a sensação de
camadas na paisagem.
HORIZONTAL
3. Qual técnica é usada para criar a sensação de camadas na paisagem em uma cena com perspectiva aérea?
6. O que a perspectiva aérea busca criar a ilusão de distância em uma cena?
7. Qual é o outro nome pelo qual a perspectiva aérea é conhecida? Perspectiva-----
8. Quais são as cores dos objetos distantes na perspectiva aérea? Cores mais ------ e dessaturadas
VERTICAL
1. Como a perspectiva aérea lida com a visibilidade de detalhes de objetos distantes? Reduz a ------representando
menos detalhes.
2. Como a perspectiva aérea lida com o contraste entre objetos próximos e distantes? Ela reduz o ------,
tornando-o menor
4. Quais tipos de espaços naturais são especialmente bem representados pela perspectiva aérea? Montanhas,
------ e horizontes distantes.
5. Na perspectiva aérea, os objetos distantes têm mais ou menos detalhes em comparação com os objetos
próximos? Menos-----
Cena de Paisagem Natural:
Peça aos alunos para escolherem uma cena de paisagem natural, como uma montanha, floresta ou um
campo amplo. Eles devem desenhar a cena, aplicando a técnica de perspectiva aérea para criar a ilusão de
profundidade. Certifique-se de enfatizar o uso de cores suaves e menos detalhes para objetos distantes.
Cidade em Perspectiva:
Os alunos podem desenhar uma rua movimentada de uma cidade, com edifícios altos e ruas estreitas. Eles
devem usar a perspectiva aérea para criar a sensação de profundidade ao longo da rua, destacando a
suavização das cores e a redução do contraste para os prédios distantes.
Horizonte Distante:
Peça aos alunos para criar um desenho de um horizonte distante, como uma paisagem marinha ou um
campo aberto. Eles devem praticar a técnica de diminuição relativa, representando objetos mais próximos
com mais detalhes e cores vibrantes, enquanto os objetos distantes devem ser menos detalhados e com
cores suaves.
Cena Urbana em Camadas:
Os alunos podem escolher uma cena urbana, como uma vista da cidade a partir de um ponto alto. Eles
devem criar camadas na paisagem, usando a técnica de sobreposição para indicar a profundidade. Objetos
mais próximos devem sobrepor objetos mais distantes.
Efeito do Nascer ou Pôr do Sol:
Peça aos alunos para desenhar uma cena ao ar livre com o nascer ou o pôr do sol como pano de fundo. Eles
podem praticar a perspectiva aérea ao representar o efeito da luz suave e cores quentes no cenário,
especialmente à medida que se afasta do horizonte.
Experimentação com Camadas Atmosféricas:
Os alunos podem criar uma representação visual de várias camadas atmosféricas em uma paisagem, como
montanhas ao longe, uma floresta intermediária e uma cidade próxima. Eles devem usar cores e detalhes
apropriados para cada camada, demonstrando seu entendimento da perspectiva aérea.
Releitura de Obras de Arte Famosas:
Peça aos alunos que escolham uma obra de arte famosa que utilize a perspectiva aérea e tentem recriá-la.
Isso os ajudará a entender como artistas renomados aplicaram essa técnica em suas obras.
Observação ao Ar Livre:
Leve os alunos para um espaço ao ar livre, como um parque ou área com uma vista panorâmica, e peça que
observem a cena. Eles devem fazer um esboço ou desenho rápido da paisagem, aplicando o que
aprenderam sobre perspectiva aérea durante a observação.
Sfumato: A Técnica do Esfumado na Arte Renascentista
O Renascimento foi um período de revolução artística na Europa, onde os artistas exploraram várias técnicas
para criar obras de arte mais realistas e imersivas. Além das técnicas de perspectiva linear e perspectiva aérea,
outra técnica crucial que surgiu nessa época foi o sfumato, também conhecido como "esfumaçado". O sfumato
é uma técnica que consiste em criar transições suaves e graduais entre as cores e as tonalidades, eliminando
contornos nítidos e criando uma atmosfera nebulosa e misteriosa nas pinturas.
Principais Características do Sfumato:
Transições Suaves: O sfumato é caracterizado por transições suaves e graduais entre áreas de cores diferentes,
eliminando contornos nítidos e abruptos. Isso cria uma sensação de fusão e suavidade nas pinturas.
Atmosfera Nevoenta: A técnica do sfumato frequentemente confere uma atmosfera nevoenta ou enevoada à
obra de arte, tornando-a mais etérea e misteriosa. Essa qualidade contribui para a sensação de profundidade e
distância.
Aplicação em Retratos: Leonardo da Vinci foi um dos mestres renascentistas que usou amplamente o sfumato
em seus retratos, como a "Mona Lisa". Essa técnica foi usada para suavizar os contornos faciais e criar uma
aparência mais natural e tridimensional.
Variações de Tonalidade: O sfumato permite variações sutis de tonalidade, o que é essencial para representar a
luz e a sombra de forma realista. Essas variações tornam as formas mais tridimensionais.
Mistério e Profundidade: A técnica do sfumato adiciona um elemento de mistério e profundidade às pinturas,

convidando os espectadores a explorarem os detalhes e as nuances da obra.
1: O que é o sfumato na arte renascentista
a) Uma técnica de escultura em pedra.
b) Uma técnica de pintura com contornos nítidos.
c) Uma técnica de criação de transições suaves entre cores e tonalidades.
d) Uma técnica de perspectiva atmosférica.
2: Qual é o efeito principal da técnica do sfumato em uma pintura?
a) Criar contornos nítidos e precisos.
b) Adicionar cores vibrantes e intensas.
c) Eliminar a atmosfera da obra.
d) Criar uma sensação de fusão e suavidade.
3: Qual famoso pintor renascentista foi conhecido por usar amplamente a técnica do sfumato em
seus retratos, como a "Mona Lisa"?
a) Rafael
b) Michelangelo
c) Leonardo da Vinci
d) Botticelli
4: Além da suavização de contornos, qual outra qualidade o sfumato adiciona às pinturas?
a) Cores intensas e vibrantes.
b) Uma atmosfera enevoada e misteriosa.

c) Contornos nítidos e precisos.
d) Ausência de profundidade.
5: Por que a técnica do sfumato foi usada em retratos renascentistas?
a) Para suavizar os contornos faciais e criar uma aparência mais natural e tridimensional.
b) Para adicionar cores vibrantes aos retratos.
c) Para criar contornos faciais mais nítidos.
d) Para eliminar completamente os contornos dos retratos.
1- c) Uma técnica de criação de transições suaves entre cores e tonalidades.

2- d) Criar uma sensação de fusão e suavidade.
3- c) Leonardo da Vinci
4- b) Uma atmosfera enevoada e misteriosa.
5- a) Para suavizar os contornos faciais e criar uma aparência mais natural e
tridimensional.
Objetivo: Permitir que os alunos experimentem e pratiquem a técnica do sfumato enquanto
criam um retrato artístico.
Papel de desenho
Lápis (grafite)
Borracha
Esfuminho ou cotonete
Lápis de cor ou lápis aquarelável (opcional)
Passos:
Escolha do Modelo: Cada aluno deve escolher um retrato de referência, que pode ser uma
fotografia de uma revista, uma imagem impressa da internet ou até mesmo uma foto pessoal.
Certifique-se de que o retrato tenha detalhes faciais interessantes, como sombras suaves e
nuances.
Esboço Inicial: Peça aos alunos para fazerem um esboço leve do retrato no papel de desenho
usando um lápis de grafite. Eles devem se concentrar nos contornos gerais do rosto e das
características faciais, evitando detalhes muito específicos nesta fase.
Aplicação do Sfumato: Agora, explique aos alunos como funciona a técnica do sfumato. Eles
devem usar um lápis de grafite para criar transições suaves e graduais entre as áreas de sombra
e luz no rosto, eliminando contornos nítidos. Isso pode ser feito aplicando pressão variável no
lápis e esfumando as áreas com um esfuminho ou cotonete. Encoraje-os a trabalhar
lentamente e com cuidado.
Detalhes Faciais: Após aplicar o sfumato nas áreas de sombra e luz, os alunos podem começar a
adicionar detalhes faciais, como olhos, nariz, boca e sobrancelhas. Eles devem continuar
usando a técnica do sfumato para criar transições suaves em torno desses detalhes.
Ajustes e Finalização: Os alunos podem fazer ajustes conforme necessário, adicionando mais
camadas de sfumato para aprimorar a profundidade e o realismo do retrato. Eles também
podem optar por adicionar cores com lápis de cor ou lápis aquarelável para dar mais vida ao
retrato, embora isso seja opcional.
Apresentação e Discussão: Depois que os retratos estiverem concluídos, os alunos podem

compartilhar seus trabalhos com a turma e discutir as técnicas que utilizaram, os desafios
encontrados e como o sfumato contribuiu para a representação mais realista.
Esta atividade permite que os alunos pratiquem a técnica do sfumato enquanto criam retratos
artísticos, explorando a suavização de contornos e a criação de transições suaves entre luz e
sombra. Além disso, promove a apreciação das habilidades dos colegas durante a apresentação
e discussão dos trabalhos.
Tecnologia e Técnicas no Teatro: Iluminação e Cenas de Voo
O teatro é uma forma de arte que continua a evoluir com o uso de tecnologia e técnicas avançadas para criar
experiências memoráveis para o público. Entre as muitas áreas onde a tecnologia desempenha um papel vital no
teatro, destacaremos a iluminação no palco e as encenações de voos.
Iluminação no Palco:
A iluminação é essencial no teatro para criar a atmosfera certa, destacar personagens e cenários, e direcionar a
atenção do público. A tecnologia desempenha um papel crucial na iluminação no palco. Hoje em dia, as
lâmpadas tradicionais foram em grande parte substituídas por iluminação LED devido à sua eficiência energética
e versatilidade. Os sistemas de iluminação controlados
por computador permitem que os designers de
iluminação ajustem a cor, a intensidade e o foco das
luzes de maneira precisa, criando uma gama incrível
de efeitos visuais.
Encenações de Voo:
Cenas de voo no teatro são emocionantes e muitas

vezes cruciais para contar a história. A tecnologia
tornou possível criar cenas de voo seguras e
convincentes. Cabos e polias são frequentemente
usados para elevar atores ou objetos no palco. Esses sistemas são projetados com segurança em mente e são
operados por técnicos especializados. Para cenas mais complexas, como voos simulados, são utilizados sistemas
hidráulicos e eletrônicos avançados.
1. Qual é o objetivo principal da iluminação no palco no teatro?
a) Destacar os figurinos dos atores
b) Criar atmosfera, destacar personagens e direcionar a atenção do público
c) Aquecer o palco
d) Iluminar uniformemente todo o cenário
2. Por que a iluminação LED é frequentemente preferida sobre as lâmpadas tradicionais no teatro?
a) É mais barata
b) É mais brilhante
c) É mais eficiente em termos de energia e oferece versatilidade de controle
d) Produz cores mais vibrantes
3. O que permite que os designers de iluminação ajustem a cor, a intensidade e o foco das luzes de
maneira precisa?
a) Lâmpadas incandescentes
b) Refletores de alta potência
c) Sistemas de iluminação controlados por computador

d) Velas
4. Qual é a tecnologia comumente usada para criar cenas de voo seguras no teatro?
a) Cabos e polias
b) Foguetes
c) Pipas
d) Molas
5. Para cenas de voo mais complexas, quais sistemas avançados podem ser usados?
a) Geradores a diesel
b) Sistemas de comunicação via satélite
c) Trens de alta velocidade
d) Sistemas hidráulicos e eletrônicos
1- b) Criar atmosfera, destacar personagens e direcionar a atenção do público

2- c) É mais eficiente em termos de energia e oferece versatilidade de controle
3- c) Sistemas de iluminação controlados por computador
4- a) Cabos e polias
5- d) Sistemas hidráulicos e eletrônicos
As artes cênicas, seja no teatro ou no cinema, são muito mais do que apenas os atores que se apresentam no
palco ou diante das câmeras. Por trás de cada espetáculo, existe uma equipe talentosa nos bastidores, composta
por diversos profissionais, que desempenha papéis cruciais na criação de adereços, figurinos, cenários e
cenografia. Neste texto abrangente, exploraremos a função desses profissionais e como a sua contribuição é
fundamental para a excelência das produções artísticas.
1. Figurinistas: Os Criadores de Identidades

Os figurinistas são profissionais especializados em criar, selecionar e cuidar dos figurinos usados pelos atores em
uma produção teatral ou cinematográfica. Eles desempenham um papel crucial ao garantir que as roupas dos
personagens estejam de acordo com a época, o estilo e a personalidade de cada um, contribuindo
significativamente para a construção das identidades dos personagens.
2. Cenógrafos: Arquitetos do Mundo Ficcional
Os cenógrafos são responsáveis por projetar e construir os cenários onde a ação ocorre. Eles são como
arquitetos do mundo fictício, criando ambientes que transportam o público para diferentes épocas e lugares. Seu
trabalho envolve desde a concepção inicial dos cenários até a coordenação da equipe de produção para
construí-los fisicamente.
3. Aderecistas: Detalhes que Contam Histórias
Os aderecistas são encarregados de criar, adquirir e cuidar dos adereços usados em cena. Esses objetos são
fundamentais para contar a história, desde um simples jornal de época até objetos mais complexos e simbólicos.
Os aderecistas garantem que cada adereço seja autêntico e esteja em perfeita sintonia com a produção.
4. Maquiadores: Transformadores de Aparências
Os maquiadores são responsáveis por criar as maquiagens dos atores, garantindo que eles estejam
adequadamente caracterizados de acordo com os personagens que interpretam. Além disso, maquiadores de
efeitos especiais têm a habilidade de criar ferimentos, envelhecimento e outras transformações físicas que são
necessárias para a narrativa.
5. Diretores de Arte: Coordenadores dos Bastidores
Os diretores de arte supervisionam toda a equipe de bastidores, incluindo figurinistas, cenógrafos, aderecistas e
maquiadores. Eles desempenham um papel crucial na coordenação desses profissionais para garantir que todos
os elementos visuais estejam em harmonia e sigam a visão criativa da produção.
6. Cenários Virtuais e Tecnologia: Expandindo os Limites da Imaginação
Além dos cenários físicos, a tecnologia desempenha um papel cada vez mais importante nas artes cênicas.
Projeções de vídeo e cenários virtuais permitem a criação de ambientes digitais que ampliam as possibilidades
cênicas. Isso é particularmente evidente no cinema, onde a tecnologia de ponta é usada para criar mundos
fantásticos.
1. Quem é responsável por criar os figurinos usados pelos atores?
a) Diretor
b) Figurinista
c) Maquiador
d) Aderecista
2. Qual profissional projeta e constrói os cenários onde a ação ocorre?
a) Diretor de arte
b) Cenógrafo
c) Figurinista
d) Aderecista
3. Quem é encarregado de criar e cuidar dos adereços usados em cena?
a) Diretor
b) Figurinista
c) Maquiador
d) Aderecista
4. Qual é a função dos maquiadores de efeitos especiais?
a) Criar penteados sofisticados
b) Realizar maquiagens artísticas

c) Criar ferimentos, envelhecimento e outras transformações físicas
d) Preparar os atores para as cenas de ação
5. Quem supervisiona toda a equipe de bastidores, incluindo figurinistas, cenógrafos, aderecistas e maquiadores?
a) Diretor de arte
b) Figurinista
c) Diretor
d) Produtor
6. Além dos cenários físicos, qual tecnologia é usada para criar ambientes digitais nas artes cênicas?
a) Cenários pintados à mão
b) Maquetes em miniatura
c) Projeções de vídeo e cenários virtuais
d) Efeitos sonoros ao vivo
1- b) Figurinista
2- b) Cenógrafo
3- d) Aderecista
4- c) Criar ferimentos, envelhecimento e outras transformações físicas
5- a) Diretor de arte
6- c) Projeções de vídeo e cenários virtuais

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ANTÔNIO LAUREANO DA CUNHA FILHO – 1º TRIMESTRE

Sua obra carrega simplicidade, equilíbrio e muitos elementos imaginativos.

Joan Miró i Ferrá nasceu em 20 de abril de 1893, na cidade catalã de Barcelona.

O que é a cultura brasileira

Responda às seguintes perguntas:

Próxima aula trazer massinha de modelar

1. Com folha A4 branca e preta, giz de cera produzir um trançado indigena.

Passo a passo no vídeo abaixo:

2-"Abaporu" é uma obra notável de qual artista?

2-Como a diversidade étnica do Brasil é destacada na obra "Operários"?

4-Como a interação social durante o período da industrialização é refletida na pintura "Operários"?

2-Qual é o ambiente retratado na pintura "Os Retirantes"?

4-Como é a expressão facial dos personagens em "Os Retirantes"?

Tarsila do Amaral: A Harmonia entre Homem e Natureza

Anita Malfatti: A Vibrante Tapeçaria Humana

5-Qual crítica é comumente apontada em relação às representações de Eckhout em suas pinturas?

1-Qual era a nacionalidade de Jean-Baptiste Debret?

3-O que a pintura "O Café" de Candido Portinari retrata?

4-Que aspecto da arte de Candido Portinari é destacado no texto?

José Ferraz de Almeida Júnior nasceu em Itu, São Paulo, em

Além disso, Almeida Júnior tinha uma habilidade

Qual é o ano de lançamento do filme "A Tristeza do Jeca"?

Quem dirige e estrela o filme no papel de Jeca Tatu?

Qual das seguintes características NÃO é atribuída a Jeca Tatu no filme?

3-Explique como a simplicidade da vida rural é destacada na peça.

1-Quem é o autor da peça "O Juiz de Paz da Roça"?

4-Qual é o gênero principal da peça "O Juiz de Paz da Roça"?

Folhas de papel sulfite ou papel cartão.

Parte 3: Montagem do Álbum (20 minutos)

Parte 4: Apresentação e Discussão (20 minutos)

4. Em que cidade ocorreu a Semana de Arte Moderna de 1922?

Contexto da Semana de Arte de 22:

Artistas e suas obras na Semana de Arte de 22:

Anita Malfatti: Obra mais famosa: "O Homem Amarelo" (1915)

Tarsila do Amaral: Obra mais famosa: "Abaporu" (1928)

Oswald de Andrade: Obra mais famosa: "Manifesto Antropófago" (1928)

Mário de Andrade: Obra mais famosa: "Macunaíma" (1928)

Di Cavalcanti: Obra mais famosa: "Carnaval" (1923)

Heitor Villa-Lobos: Obra mais famosa: "Bachianas Brasileiras" (1930-1945)

2-Qual obra de Tarsila do Amaral se tornou um ícone do movimento modernista brasileiro?

3-Quem escreveu o "Manifesto Antropófago"?

4-Qual escritor é conhecido por sua obra "Macunaíma"?

Tintas (óleo, acrílica ou aquarela)

Pincéis de diferentes tamanhos

Telas ou papéis para pintura

Imagens de obras de Tarsila do Amaral e Anita Malfatti para inspiração

Atividade 2: Sarau de Poesia Moderna

Livros ou cópias de poemas modernistas

Papel e canetas para escrever

Leitura de poemas de autores como Mário de Andrade e Oswald de Andrade.

Atividade 3: Performance Teatral Modernista

Roupas e adereços para a criação de figurinos

Um espaço para atuação

● BRASILEIRA ● LOCOMOTIVA ● PAISAGENS

No ano de 1922, enquanto o Brasil vivia o marco da Semana de Arte

Pixinguinha: O Maestro da Melodia Brasileira

A Formação dos Oito Batutas

A Jornada na França em 1922

Nesta temporada na França, Os Oito Batutas não apenas

2-Qual era a principal característica do estilo musical de Pixinguinha?

a) Incorporava apenas elementos de música clássica.

b) Era uma fusão de elementos de música africana, brasileira e jazz.