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 SHARED MOMENTS*
IUCATÃO, MÉXICO

*Momentos compartilhados

DESCUBRA A HISTÓRIA DE PRIMAVERA-VERÃO ’20

EM MANGO.COM
ASCOISASPELONOME.PT
EDITORIAL
“I think everything in life is art. What you do. How you dress.
The way you love someone, and how you talk. Your smile and
your personality. What you believe in, and all your dreams. The
way you drink your tea. How you decorate your home. Or party.
Your grocery list. The food you make. How your writing looks.
And the way you feel. Life is art.” Helena Bonham Carter
e a vida é arte, todos somos artistas.
Talvez toda esta "viagem" não seja so-
bre nos tornarmos grandes pintores,
escritores ou designers. Talvez se trate
de encontramos uma ferramenta, algo
que dê um sentido ao lado mais sombrio da
vida, algo que possamos lançar de volta ao
universo de forma a sentirmos que impor-
tamos, que fazemos alguma diferença. Mas,
no final, talvez seja apenas sobre estar vivo,
sobre realmente ousar viver – não apenas para passar o nosso tempo
aqui, mas para o cantar, pintar, dançar ou escrever, para o transfor-
mar na nossa própria obra-prima. Criar move-nos. Ninguém que crie
pode permanecer estagnado. E um dia de cada vez, dos pequenos aos
grandes gestos, a Arte pode invadir a nossa vida, de formas mágicas,
que tanto nos fazem atravessar os campos de batalha mais contur-
bados como servem de porto de abrigo, onde podemos descansar.
Enquanto esta edição da Vogue Portugal se centra no tema Arte,
cada uma das outras edições, e os seus respectivos temas, são sem-
pre pensadas, tratadas e desenhadas com um fio condutor, maior do
que o próprio tema – a arte e a criatividade de todos os que fazem
parte de cada número. Da fotografia ao styling, do design à escrita, da
maquilhagem à ilustração, da direcção criativa à forma como é vista,
e lida, existe um elo comum – a necessidade de criatividade, de uma
linguagem artística nas nossas vidas, que ultrapasse as fronteiras
linguísticas, geográficas e culturais, é tão universal como as emoções
que nos definem como seres humanos.
Quando a LightHouse relançou a Vogue Portugal, há exactamente
30 edições, o grande desafio, a responsabilidade maior, foi estar à
altura destas duas palavras: Vogue e Portugal. E torná-las numa só, fiel
a si mesma e ao ADN de cada uma. A herança de um título histórico e
internacional como a Vogue não se poderia limitar a ser uma revista
local. Esta Vogue, feita em Portugal, por uma equipa portuguesa, tem
essa responsabilidade acrescida. E tem também um imenso orgulho
no talento nacional e internacional que fazem dela muito mais do que
uma revista mensal, mas sim uma plataforma artística e intemporal,
nos dois sentidos que mais sentido fazem: mostrar ao mundo o que
de melhor se faz em Portugal e o que de melhor se faz no mundo,
em Portugal. Menos de dois meses após esse relançamento, a Vogue
Portugal começou a afirmar-se internacionalmente, com uma grande
circulação no Brasil, a esgotar em Londres, Paris, Milão, a conquistar
assinantes em toda a parte do mundo, Espanha, Alemanha, Russia,
China, Japão, Austrália, Estados Unidos.
Capas, produções de moda, reportagens e entrevistas feitas pela
Vogue Portugal são destaque nos media internacionais, mês após mês.
Apesar da riqueza de imagens e da diversidade artística patentes ao longo da edição,
a capa espelha uma imagem simples e minimal, clara na mensagem. Uma imagem,
quatro capas diferentes, na quadricomia CMYK (Cian, Magenta, Yellow e Black) a
base cromática das Artes Gráficas e da própria Pintura que, junto com a cor branca,
permitem a criação quase ilimitada de tons, tão ilimitada quanto a nossa imaginação.
Assim é a Arte. Assim é uma revista, que a cada edição começa sempre como uma tela
em branco. A modelo Ola Rudnicka, fotografada por Guillhaume Roemaet, faz parte
de um dos shootings de Alta Costura, realizado em exclusivo para a Vogue Portugal.
E é inevitável um sentimento de orgulho ao ver Portugal citado como
referência ou fonte – na abertura de um noticiário em prime time na
RTL ou em grande parte dos late light shows nos Estados Unidos, em
jornais, revistas e centenas de sites de todo o mundo, ou até pelas
imensas partilhas nas redes sociais de fotos de leitores com a revista
nas mãos, nos quatro cantos do mundo. A quantidade crescente de
mensagens, que nos chegam dos mais variados países, a perguntar
como podem ter acesso à Vogue Portugal, levaram-nos a criar a
nossa Vogue Store [vogue.pt/store], onde agora todas as edições em
banca, números anteriores e edições limitadas, podem ser pedidas
e entregues em qualquer ponto do planeta, à distância de um clique.
Perceber que uma revista, escrita em português, ultrapassa tantas
das fronteiras que seriam previsíveis faz-me ter a certeza de que o
caminho e a linguagem artística são universais, que o poder das capas
e das imagens criadas, por todos os talentos, jovens e consagrados,
envolvidos em cada edição, são a ponte. Que a arte e a criatividade são
embaixadoras de Portugal, as verdadeiras influencers num planeta que
precisa de muito mais do que imagens bonitas vazias de conteúdo.
Porque a Arte nem sempre é sobre coisas bonitas, ou só uma imagem
bonita. É sobre quem somos, sobre o que nos acontece, sobre a forma
como as nossas vidas são afetadas. A vida é experiência e a Arte é a
expressão dessa experiência.
P.S. E porque a riqueza e a criatividade das palavras também não
merecem fronteiras, a partir de agora, e já ao longo desta edição, vai
encontrar vários artigos com QR Code, assinalados com "English
version" para que a maioria dos textos possam ser lidos por grande
parte da nossa audiência que não consegue ler em Português. Ainda. ●
Sofia Lucas
Diretora da Vogue
English version

2 4 Editorial
3 0 Ficha Técnica
3 2 Backstage
1 5 6 E-shop
3 8 4 To be continued
IN VOGUE
3 6 Tendências. Rocócó em
vestidos compridos? Cubismo em
casacos estruturados? Bauhaus
em carteiras geométricas?
Diz que sim, que esta
primavera se usa tudo isso.
4 6 Shopping. As semelhanças
entre esta lista de compras
e alguns dos mais relevantes
movimentos artísticos
não é pura coincidência.
5 6 Fashion, meet Art.
Este texto é para todos os que
ainda pensam que a Moda não
é Arte, e que a Arte não é Moda.
6 2 Backstage. Tudo o que
está por detrás da inspiração
de um génio criativo está nestes
still lifes - em forma de acessórios
que queremos ter.
7 2 Para além da tela.
Alguns artistas têm armários
tão ou melhores que as suas
obras. Como estes.
7 6 O contador de histórias.
Fabien Baron, “o diretor criativo
mais procurado do mundo”,
em discurso direto.
8 0 De cor e salteado.
Lamentavelmente, nem toda a
gente sabe o que é um vermelho-
Valentino ou um azul-Tiffany.
Aqui está a solução.
KENDALL JENNER
Março
2020
LIFESTYLE
1 0 2 Roteiro. O que ouvir,
onde comer, o que fazer.
1 0 8 High heels allowed.
Solas há muitas, mas vermelhas
só as de Christian Louboutin.
Visita guiada à exposição que
o mestre inaugurou em Paris.
1 1 4 Ctrl-X, ctrl-V. Lola,
Lola Dupré. A mulher que
transforma a vida em collages.
1 2 6 Who runs the (art) world?
A História da Arte tem
ignorado as mulheres, mas nós
não vamos deixar que
isso continue a acontecer.
1 3 0 Arte e facto. Este programa
de mecenato garante que
nenhum talento fica longe
das luzes da ribalta.
1 3 4 Artes em partes. Chama-se
Melides Art, mas também
se poderia chamar microcosmos
de produção artística.
1 4 6 Guggenhome. Não é só
o Musée d’Orsay que pode ter
obras de Monet. A sua casa
também pode. Quando se cansar
delas, substitua por um
Salvador Dalí ou um Picasso.
1 5 2 Em Prata que é uma Arte.
Poema em prosa à arte de
empratar. Por Nuno Miguel Dias.
256
8 4 Tela em branco. É a junção
de todos os outros tons.
A cor da luz. O branco
é a razão de ser destas páginas.
8 6 Chiuri & Chicago: a
conversation. Duas feministas
convictas, um desfile
de Alta-Costura. A arte
é quem mais ordena.
9 0 A Academia da Musa.
A obra não vive sem um criador.
O criador não vive sem a obra.
Mas nenhum deles vive
sem inspiração. Fotografia
de Brendan Freeman.
Styling de Kat Ambroziak.
LISBOA | PORTO
LONGCHAMP.COM

BELEZA
1 6 8 Ginástica artística.
Limpem-se os pincéis,
porque a nova estação traz
uma série de looks que vamos querer
experimentar.
1 7 4 Quando vier a primavera.
Pele sedosa, cores memoráveis,
mãos cuidadas, flores frescas.
As texturas e os cheiros
que importa conhecer.
Fotografia de Pedro Ferreira.
1 7 6 Going once, going twice.
E se lhe disséssemos que usar
um só perfume de cada vez
é completamente démodé?
1 7 8 Arte Nova. Os quadros, agora,
também se usam nos olhos. E na
boca. E nos lábios. Fotografia de
Maddalena Arcelloni. Styling de
Veronica Bergamini.
1 8 8 Inspiração divina.
Se o título makeup artist cola bem
com alguém, essa pessoa é Jo Baker.
1 9 2 Estado da Arte. Cada semana
é lançada uma nova marca de
maquilhagem. Esta, por seu lado,
demorou anos a ser pensada.
1 9 6 Ask na Expert. À sua volta
pululam tantos mitos como os fios
que tem. O cabelo com coloração,
segundo quem sabe tratar dele.
1 9 8 Seleção natural. A arte
de fazer crescer e multiplicar
pestanas e sobrancelhas.
2 0 0 Pintado de fresco. Três talentos
emergentes da maquilhagem cujo
trabalho respira #makeupgoals.
2 0 3 Test drive. Porque também
arranjamos desculpas para ir
ao ginásio, fomos experimentar
novas formas de ficar em forma.
2 0 4 Lado B. O ideal de corpo
feminino mudou tantas vezes
ao longo dos tempos, que
fizemos uma revisão da matéria.
362
Março
2020
VOGUE
2 1 0 Quando a vida imita
a arte... Ou será que
é ao contrário?
Fotografia de Hilde van Mas.
Styling de Thomas Reinberger.
2 2 8 The Art of Fashion.
É a pergunta de um milhão
de dólares. Qual pergunta?
Vai ter de ler este texto.
2 3 2 Blue is the warmest colour.
Se fosse possível replicar a obra
de Helena Almeida (e não é)
esta seria a produção a fazê-lo.
Fotografia de Ricardo Santos.
2 5 0 Crítica Desconstrutiva da
Crítica de Arte. Leitores cheios
de opiniões sobre tudo e alguma
coisa, nomeadamente Arte:
uni-vos! Por Nuno Miguel Dias.
2 5 6 No limiar do (in)consciente.
Ou outra forma de dizer: a Arte
é o que vemos nela. Fotografia
de Roberto Greco. Realização
de Laurent Dombrowicz.
2 7 0 Alexandre, o Grande. Para
Alexandre de Betak, “o Fellini
dos desfiles”, impossible is nothing.
2 7 6 Art-Couture. É a expressão
máxima da Moda enquanto Arte.
A Alta-Costura passou por aqui.
Fotografia e direção criativa
de Guillaume Roemaet.
Styling de Joana Dacheville.
2 9 2 The Bolton effect. Poucas
pessoas sabem tanto de Moda,
e de Arte, e da combinação
das duas, como Andrew Bolton.
2 9 8 Formas de Expressão.
Se não encontrar traços de Calder
e Kandinsky nestas páginas...
volte atrás. Fotografia de The
Bardos. Styling de Gaelle Bon.
3 1 6 Monumental Paula Rego.
Provavelmente, a maior
artista portuguesa ainda viva.
3 2 2 Arts & Crafts. A arte é
como o amor, está em todo o lado.
Basta olhar. Direção criativa
de Michelle Landazuri.
Fotografia de Jaime Pavon.
Styling de Manuela Montenegro.
3 3 6 Surrealismo poético. Se o
ilustrador polaco Rafal Olbinski
fosse Moda, seria isto. Fotografia
e direção criativa de Alessandro
Esposito. Styling de Pablo Patanè.
3 5 8 Couture Renaissance.
A Alta-Costura (não) está morta.
Viva a Alta-Costura.
3 6 2 Fashion(art)ista.
Se estas imagens não forem Arte,
então não sabemos o que isso é.
Fotografia de Branislav Simoncik.
Styling de Lisa Jarvis.

SOFIA LUCAS Diretora
Moda
Ana Caracol EDITORA DE ACESSÓRIOS
Larissa Marinho ASSISTENTE DE MODA
Eduarda Pedro ASSISTENTE DE MODA
Beatriz Mafra e Bárbara Nunes ESTAGIÁRIAS DE MODA
Redação
Ana Murcho CHEFE DE REDAÇÃO
Mónica Bozinoski JORNALISTA
Joana Moreira EDITORA DE BELEZA
Alda Couto REVISÃO DE TEXTO
Érica Cunha e Alves TRADUÇÃO
Paula Bento ASSISTENTE DE REDAÇÃO
paula.bento@gq.light-house.pt
Arte
João Oliveira DIRETOR DE ARTE
Mariana Matos DESIGNER
Nuno da Costa ILUSTRAÇÕES
Fotografia e Vídeo
Branislav Simoncik DIRETOR DE FOTOGRAFIA
Ismael de Jesus DIRETOR DE VÍDEO
Catarina Almeida e Eduardo Gonçalves EDIÇÃO DE VÍDEO
Produção de Moda
Helena Silva SNOWBERRY PRODUCTION
Online
Rui Matos JORNALISTA – rui.matos@vogue.light-house.pt
Mathilde Misciagna JORNALISTA – mathilde.misciagna@light-house.pt
Ana Catarina Machado ESTAGIÁRIA
Colaboradores
Alessandro Esposito, Brendan Freeman, Gaelle Bon, Guillaume Roemaet, Hilde van Mas,
Jaime Pavon, Joana Dacheville, Kat Ambroziak, Laurent Dombrowicz, Lisa Jarvis,
Maddalena Arcelloni, Manuela Montenegro, Michelle Landazuri, Nuno Miguel Dias, Pablo Patanè,
Pedro Ferreira, Ricardo Santos, Roberto Greco, The Bardos, Thomas Reinberger, Veronica Bergamini.
Publicidade & Marketing
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The Netherlands: Glamour, Vogue, Vogue Living,
Vogue Man, Vogue The Book
Turkey: GQ, La Cucina Italiana, Vogue
Ukraine: Vogue, Vogue Café Kiev
Condé Nast is a global media company producing
premium content with a footprint of more than 1 billion
consumers in 31 markets. condenast.com
BACKSTAGE
Behind the scenes,
de Blue is the Warmest
Colour, um dos editoriais
de Moda publicados

Corrida de São Silvestre

e que é um tributo à
incontornável Helena
Almeida, p. 232.
Trabalhar numa edição da Vogue é como uma
maratona: temos de organizar o conteúdo para
garantir que chegamos ao final com a qualidade que
defendemos e dentro do nosso melhor tempo. Mas
nem sempre a corrida é feita sem algumas pedras no
caminho e há, por vezes, percalços que vêm por bem.
Como este mês, em que um editorial de 20 páginas
acabou por não entrar no line-up final, mesmo em
cima de fechar a edição, abrindo espaço para outros
editoriais que enriqueceram uma secção já de si rica
para admirar com vagar a partir da página 210.

Efeitos colaterais
O coronavírus também afetou o mês da Vogue, que viu inúmeras viagens e projetos cancelados
à conta do COVID-19. Nenhum elemento da equipa se viu afetado pela epidemia, mas ficou
impedido de aceder a diversas apresentações por precaução. Aproveitámos para aprimorar um
número de arte que se publica em março e fica para sempre. A começar em 3… 2… 1…

Sabia que…
…o quadro que mais vezes foi roubado é o Retábulo de Gante, um
políptico composto por 12 painéis criado por Hubert van Eyck e,

ALDOSHOES.PT
diz-se, executado pelo seu irmão mais novo, Jan van Eyck? A peça
foi roubada, no seu todo ou em partes, num total de 13 crimes ao
longo dos seus seis séculos de existência e o painel Os Juízes Justos,
agora exposto como cópia, está em parte incerta desde 1934.
…Salvator Mundi, de Leonardo da
Vinci, é o quadro mais caro alguma No sentido dos ponteiros
vez, até agora? Qualquer coisa do relógio: escultura
Dressed Head, retrato
como 450 milhões de dólares foi
da Rainha Isabel II, por
o que custou a Badr bin Abdullah Arnold Machin, 1967.
Al Saud, Ministro da Cultura da Obra Salvator Mundi,
de Leonardo da Vinci,
Arábia Saudita, em 2017, quando o circa 1499. O Retábulo
comprou num leilão da Christie’s. de Gante, por Hubrert e
…a obra mais reproduzida de todos Jan van Eyck, na St Bavo
Cathedral em Gante, 1829.
os tempos não é a Mona Lisa? De
acordo com o site Artsy, nem todas
as t-shirts, canecas e posters do FOTOGRAFIA: HERITAGE IMAGES / JACK TAYLOR / GETTY IMAGES; D.R.
mundo batem as 220 mil milhões
de cópias em selos do perfil da
Rainha Isabel II. Criado pelo
escultor britânico Arnold Machin,
há mais de 50 anos, para ser
adotado pelos Correios Ingleses.

3 2 vogue.pt
 IN
VOGUE FOTOGRAFIA: GETTY IMAGES.

TENDÊNCIAS
SHOPPING
COMPORTAMENTO Câmara escura: vestido em seda estampada da coleção SS20, Moschino.
 INVOGUE TENDÊNCIAS

Rocócó
Folhos, armações, laços, flores, brocados, rendas, cetins, acessórios, arabescos, flores, fruta…
respira. Ou não respira, graças aos corsets. É usado tudo ao mesmo tempo, querem-se em tons pasteis
e na mais perfeita harmonia. É assim o estilo Rococó, um desdobramento do barroco,
numa vertente mais lúdica e prazerosa, com mais luz. Este verão, a moda revisita a aristocracia
do período de Luís XIV, com ancas largas desconstruídas, tops a substituir corpetes e mini bolsas
em materiais tecnológicos. Nobreza, luxo, formas curvas e elementos decorativos, conchas,
sensualidade discreta, festas ao ar livre – isto é verão, século XVIII e XIX ou não.

1. Quadro Archduchess Marie Antoinette Queen of France, 1778.

2. Carteira em malha de seda, € 900, The Row, em Net-a-porter.com.
3. Vestido em seda selvagem, € 4.950, Rosie Assoulin, em Modaoperandi.com.
4. Vestido em algodão, € 1.890, Marni, em Farfetch.com.
5. Cinto em pele e renda de algodão, € 850, Loewe, em Mytheresa.com.
6. Sapatos em pele e cetim de seda com cristais, € 595, Rochas.
7. Chapéu em seda e rede de nylon, Merve Bayindir.

REALIZAÇÃO: ANA CARACOL E LARISSA MARINHO ASSISTIDAS POR EDUARDA PEDRO. FOTOGRAFIA: FINE ART IMAGES/HERITAGE IMAGES/GETTY IMAGES; IMAXTREE; D.R.
LOEWE

THOM BROWNE
ANDREAS KRONTHALER FOR
VIVIENNE WESTWOOD

5
DINO ALVES

FOTOGRAFIA: D.R.
RICK OWENS

2 3 4 6 7

3 6 vogue.pt vogue.pt 3 7
 INVOGUE TENDÊNCIAS

Impressionismo
Deixemos o realismo e a representação neutra e desapaixonada para trás, deixemos os seus
preconceitos e o apontar o dedo ao academismo. O impressionismo veio trazer humanidade, emoção e
experimentação aos artistas e é com base nesta filosofia que a Moda se rege. Esta estação, os designers
uniram-se à chamada Belle Époque e trouxeram-na para as passerelles. O resultado deste impressionismo no
século XXI foi impressionante: peças estampadas com a perceção de luz e do movimento das pinceladas
soltas do pintor, paisagens e elementos da natureza, looks totais em tons naturais, o privilégio da cor em
detrimento das formas, a representação da impressão visual da realidade. Christopher Kane, Jacquemus,
Burberry e outros mais, vieram reavivar-nos a memória ao fazerem-nos recordar a obra que
deu expressão e vida ao impressionismo – Impressão: Nascer do Sol (1872), de Claude Monet.

RICHARD QUINN
1. Quadro Bridge Over a Pond of Water Lilies, Claude Monet, 1899.
2. Sandálias em pele e algodão, € 480, No 21.
3. Vestido em cetim de seda, € 2.490, Balenciaga.
4. Carteira em pele e seda, € 550, Dries Van Noten.
5. Saia em jacquard de algodão, € 590, Marni.
6. Trench coat em algodão, € 2.200, Acne Studios.

REALIZAÇÃO: ANA CARACOL ASSISTIDA POR EDUARDA PEDRO E LARISSA MARINHO. FOTOGRAFIA: UNIVERSAL IMAGES GROUP/ GETTY IMAGES; IMAXTREE; D.R.
JACQUEMUS
CHRISTOPHER KANE

1
FOTOGRAFIA: D.R.

2 3 4 5 6
BURBERRY

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 INVOGUE TENDÊNCIAS INVOGUE TENDÊNCIAS

Cubismo
Não vale a pena ser quadrado: nesta vertente, as geometrias são sinónimo de beleza. As dimensões
em 2D com manias de três dimensões assaltam as telas de esboços dos principais designers para
se materializarem em guarda-roupas de ideias disformes, fracionadas, desconstruídas. Perfeitas.
Tão perfeitas como Les Demoiselles d’Avignon, de Picasso, 1907, que em todo o seu cubismo ganham
formas reais. Assimetrias, aberturas, estampagens e divertimento nas silhuetas foi o resultado
dos looks de marcas como Balmain, Versace, Moschino, que pensaram fora da caixa.

1. Quadro Les Demoiselles d’Avignon, Pablo Picasso, 1907, em exposição no Museu de Arte Moderna de Nova Iorque.
2. Trench coat em lã, € 1.750, Michael Kors.
3. Mules em pele, € 660, Bottega Veneta, em Net-a-porter.com.
4. Carteira Snatched em pele envernizada, € 1.290, Maison Margiela.
5. Body em jersey de algodão, € 1.242, Balmain, em Modaoperandi.com.
6. Vestido em tela de algodão, € 2.195, Moschino.
7. Vestido em lã fria, € 3.053 p. ap., Monse, em Net-a-porter.com.

PYER MOSS
BALMAIN

REALIZAÇÃO: ANA CARACOL ASSISTIDA POR EDUARDA PEDRO E LARISSA MARINHO. FOTOGRAFIA: STAN HONDA/AFP VIA GETTY IMAGES; IMAXTREE; D.R.
DAVID KOMA

3
YOHJI YAMAMOTO

FOTOGRAFIA: D.R.

2 4 5 6 7
VERSACE

4 0 vogue.pt vogue.pt 4 1
 INVOGUE TENDÊNCIAS INVOGUE TENDÊNCIAS
1

Surrealismo
Parece impossível, parece estranho, parece qualquer coisa que não é, mas existe, nem que seja
na mente de um qualquer mestre desta corrente. É o surrealismo a dar cartas que pairam no ar
enquanto caras derretidas as olham incrédulas. O absurdo belo desta Arte – vanguardista e muito
à frente das mentes da sua época – veio provar que o irreal e o inconsciente têm muito mais para
RICHARD MALONE

dar e fazer sonhar. E o sonho que comanda a vida também comandou os criadores para a estação
que agora chega, colocando-os a imaginar elementos subconscientes em peças materiais.

1. Quadro Les Cygnes se Refletant en Elephants, óleo sobre tela, Salvador Dali, 1937.
2. Brincos em resina e metal, € 650, Balenciaga.
3. Clutch The Big Wave em acrílico reciclado, € 1.755, Benedetta Bruzziches.
4. Saia em algodão, € 1.290, Bottega Veneta.
5. Top em malha de algodão e brocado de seda, € 598, Dries Van Noten.
6. Sandálias em pele e acrílico, € 950, Alexander McQueen.
7. Carteira Tabi Ballerina em pele e madeira, € 820, Maison Margiela.

ANA CARACOL ASSISTIDA POR EDUARDA PEDRO E LARISSA MARINHO. FOTOGRAFIA: DEA/ G.DAGLI ORTI/ GETTY IMAGES; IMAXTREE; D.R.
BALENCIAGA
NOIR KEI NINOMIYA
EMILIA WICKSTEAD

2 4
FOTOGRAFIA:REALIZAÇÃO:
FOTOGRAFIA: D.R.

D.R.

3 4 5 6 7

vogue.pt 4 3
 INVOGUE TENDÊNCIAS
1

Bauhaus
Hora de voltar para a escola. Mas não uma escola qualquer: uma inovadora e funcional, uma das mais
importantes no design e na arquitetura, fundada por Walter Gropius – que quis mudar o mundo com
uma nova estética e produzir o cenário da modernidade, a Bauhaus. Tal como ela, unam-se as artes e
as energias em prol de um guarda-roupa surpreendente, daqueles de fazer inveja às invejosas. Como
cúmplices, contabilize-se a Balmain, a lembrar os quadros de Kandinsky, ou Proenza Schouler, a assinalar
os quadros dessa mesma escola. Vamos geometrizar a vida e dar-lhe cor, é o slogan para o manifesto
que aqui se lança. Com manchas de azul, preto, amarelo e vermelho – no seu tom mais vibrante.

1. Quadro Composition 8, óleo sobre tela, Vassily Kandinsky, 1923.

2. Saia em crepe de seda e algodão, € 512,15, Solance London, em Net-a-porter.com.
3. Fato de banho em malha de seda e lurex, € 260, Oséree.
4. Carteira Puzzle em pele, € 2.100, Loewe.
5. Óculos em acrílico, € 39,99, H&M.
6. Mules em pele e madeira, € 474,05, Rejina Pyo.
7. Blazer em lã fria, € 908, Matériel, em Farfetch.com.

MUGLER

REALIZAÇÃO: ANA CARACOL ASSISTIDA POR EDUARDA PEDRO E LARISSA MARINHO. FOTOGRAFIA: DEA PICTURE LIBRARY/GETTY IMAGES; IMAXTREE; D.R.
BALMAIN

5
PROENZA SCHOULER

TORY BURCH

FOTOGRAFIA: D.R.

2 3 4 6 7

4 4 vogue.pt vogue.pt 4 5
INVOGUE SHOPPING

RICK OWENS
Balde de
CHLOÉ
água fria
3

Para refrescar os dias

quentes de verão, as bucket
bags, inspiradas nos sacos
que os nómadas usavam
Smurfy day
às costas, têm tanto de Podiam ser da família
design como de funcional. daqueles pequenos seres
4
azuis que nos recordam a
PRADA

infância, pelo seu diminuto

VERSACE
tamanho, mas esta
seleção de minicarteiras 3 4

multiplicam-se em muitos
mais azuis – e verdes e
rosas e amarelos…

REALIZAÇÃO: ANA CARACOL. ASSISTENTE DE REALIZAÇÃO: EDUARDA PEDRO. FOTOGRAFIA: IMAXTREE; D.R.
5
MIU MIU

TOD’S
1

5 6

1. Vanity Mini em pele, € 550, Marc Jacobs, em

1. Cannes em pele, € 21.500, Louis Farfetch.com. 2. Gate Pocket em pele, € 590, Loewe.
Vuitton. 2. Em pele, € 1.550, Marni. 3. Pico Baguette em missangas e pele, € 590, Fendi.
LANVIN

3. 1955 Horsebit em pele e metal, 4. Mini Pochette em pele, € 795, Proenza Schouler,
€ 1.590, Gucci. 4. 5AC em pele, € 990, em Farfetch.com. 5. Le Nani Micro em pele,
Maison Margiela, em Mytheresa.com. € 250, Jacquemus, em Mytheresa.com. 6. AirPods
5. Balloon em pele, € 2.250, Loewe. em pele, € 350, Prada, em Net-a-porter.com.
2 1

CELINE
2

vogue.pt 4 7
INVOGUE SHOPPING

ERDEM
Último
andar 3 3

LANVIN
Este verão, os telhados
vão ser pouco para nos
sentirmos nas alturas: os
sapatos da estação são de
Raiz
SIMONE ROCHA
chegar às nuvens em mais
Quadrada
4

do que um sentido. Os saltos 4

querem-se altos, muito
altos, em versão plataforma, A Moda escreve certo
chunky heels e compensados. por ângulos retos: os
sapatos quadrados à

NO.21
frente estão de volta
5

e vão ficar por uma 5

temporada. Se não
é fã, esconda-se em
casa. Porque este é um
daqueles casos em que

REALIZAÇÃO: ANA CARACOL. ASSISTENTE DE REALIZAÇÃO: EDUARDA PEDRO. FOTOGRAFIA: IMAXTREE; D.R.
GIAMBATTISTA VALLI

não vai conseguir,

vai juntar-se a eles.
6
6

STELLA MCCARTNEY
1

1. Sandálias em pele e madeira, Stella

DRIES VAN NOTEN

McCartney. 2. Botas em pele, € 1.198,

Saint Laurent, em Farfetch.com. 3. Mules

BOTTEGA VENETA
em pele, € 490, Simon Miller, em Farfetch. 1. Sandálias em pele, € 470, A.W.A.K.E Mode,
com. 4. Sandálias em pele, veludo e em Net-a-porter.com. 2. Pumps em pele
madeira, € 570, Marni, em Farfetch.com. envernizada, € 650, Prada, em Net-a-porter.com.
5. Sandálias em pele e cortiça, € 850, 3. Sandálias em pele e madeira, € 850, Givenchy.
Gabriela Hearst, em Mytheresa.com. 4. Sandálias em pele, € 1.291, Proenza Schouler.
6. Sandálias em tela de algodão e pele, 5. Mules em pele e metal, € 750, Gucci. 6. Mules
2 € 690, Miu Miu, em Mytheresa.com. 2
em pele, € 375, Wandler, em Mytheresa.com.

vogue.pt 4 9
 INVOGUE SHOPPING

SAINT LAURENT
GUCCI
1

DOLCE & GABBANA

MARC JACOBS

Avózinha... 4

Porque é que tens uns olhos tão

grandes? É para usar os óculos Jogo

REALIZAÇÃO: ANA CARACOL. ASSISTENTE DE REALIZAÇÃO: EDUARDA PEDRO. FOTOGRAFIA: IMAXTREE; D.R.
do lenço
da estação. E não vale a pena
STELLA MCCARTNEY

cobri-los com capuchinhos 5

vermelhos ou de qualquer 3

outra cor: estes protagonistas Regras: procurar nos

CELINE
do rosto querem-se em versão baús das avós pelos
XL e tonalidades vibrantes. quadrados em seda
Para se verem melhor. 6 estampada de outros
tempos. O primeiro
a encontrar o lenço,
leva vantagem.
Só ganha quem souber
a forma mais original
2 de usá-lo na cabeça. 4

1. Em acetato, € 750, Linda Farrow.

2. Em acetato, € 170, Emilio Pucci.

MISSONI
3. Em acetato, € 435, Calvin Klein, na 1. Em seda, € 340, Valentino.
André Opticas. 4. Em acetato, € 350, 2. Em seda, € 390, Bulgari.
Loewe. 5. Em acetato, € 340, Fendi. 3. Carré WOW em seda, € 490, Hermès.
FENDI

3 6. Em acetato, € 220, Sportmax. 4. Em seda, € 370, Christian Dior.

vogue.pt 5 1
INVOGUE SHOPPING

7
3

Retratos de família
Da família Vogue para o mundo: estes são os brincos e os colares
que vão fazer furor não apenas esta estação, mas de geração em
geração. E como a família não se escolhe, escolha antes as joias que
vai querer partilhar com a sua. Realização: Ana Caracol. Ilustrações: Eduarda Pedro.
1. Brincos Idylle Blossom em ouro branco, amarelo e rosa com diamantes, € 6.750, Louis Vuitton. 2. Brincos Stay Lucky, Stay Happy em prata
de lei vermeil e ametista, € 75, Tous. 3. Brinco Idylle Blossom em ouro rosa e diamantes, € 3.450, Louis Vuitton. 4. Brincos Maillon L em ouro
branco e diamantes, € 3.200, Dinh Van. 5. Colar Magnitude Theia em ouro branco com diamantes, esmeraldas e onix, Cartier. 6. Brincos Eternal
em metal banhado a ouro amarelo e prata com cristais Swarovski, € 249, Swarovski. 7. Brincos Malha em prata, € 93, Liliana Guerreiro.

vogue.pt 5 3
INVOGUE SHOPPING
2 8
De mãos dadas
Partilhamos momentos, sentimentos, pessoas, espaços...
Assim sendo, porque não haveremos de partilhar joias?
Estas usam-se de mãos dadas, para partilhar com
a sua cara metade. Realização: Ana Caracol. Ilustrações: Eduarda Pedro.
10
1. Anel Fiorever em ouro rosa com diamantes, € 8.420, Bulgari. 2. Anel Cactus em ouro rosa com diamantes, € 4.500, Cartier. 3. Relógio Nautilus com caixa
e bracelete em ouro rosa e movimento mecânico, € 44.290, Patek Philippe, na David Rosas. 4. Relógio Classic Fusion com caixa e bracelete em ouro
rosa com diamantes e movimento automático, € 37.300, Hublot. 5. Relógio Day-Date 36 com caixa e bracelete em ouro rosa e diamantes e movimento
automático, € 37.550, Rolex. 6. Anel em ouro branco, rubi e diamantes, Chopard Alta Joalharia. 7. Anel Clear Heart Solitaire em prata de lei e zircónia,
€ 45, Pandora. 8. Anel Diamant Évanescent Camélia em ouro branco com diamantes, Chanel Alta Joalharia 9. Relógio Reverso Classic Small Duetto com
caixa e bracelete em aço, mostrador em guilloché e movimento mecânico, € 9.250, Jeager LeCoultre, na Torres Joalheiros. 10. Relógio Conquest Classic
com caixa e bracelete em aço, mostrador em madrepérola com diamantes e movimento quartzo, € 1.180, Longines, na Boutique dos Relógios.
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INVOGUE HISTÓRIA

Fashion, meet Art  

Jean Paul Gaultier,
primavera/verão 1998.

Quando os designers se deixaram inspirar por artistas, pintores

e escultores, a passerelle transformou-se numa galeria onde
a cor de Yves Klein coexistia com o surrealismo de Picasso.
Quando os designers se deixaram inspirar por pintura,
escultura e fotografia, a arte transformou-se em arte.
E o nosso guarda-roupa nunca mais foi o mesmo. Por Mónica Bozinoski.

Modelo com um vestido Viktor & Rolf, Alta-Costura

de Balenciaga, 1956. outono/inverno 2015.

Santa Casilda, Francisco

de Zurbarán, circa 1635.

La Primavera, Comme des Garçons,

Giuseppe Arcimboldo, 1563. primavera/verão 2018.

GIUSEPPE ARCIMBOLDO À NOITE NO MUSEU Jean Paul Gaultier,

A PINTURA ESPANHOLA
Da La reina María Luisa
con tontillo de Goya a Las
Meninas de Velázquez, sem
esquecer as cores de El Greco
e os volumes de Francisco
de Zurbarán, foram várias
as obras-primas da pintura
espanhola que inspiraram
Cristóbal Balenciaga e as
silhuetas que o couturier
nascido em Espanha viria a
criar durante a sua carreira.
Como descreveu em tempos
Diana Vreeland, citada por
filho de um país forte, cheio
de estilo, cores vibrantes e
uma história rica”, e “as suas
inspirações vinham das praças
de touros, dos bailarinos de
flamenco, dos pescadores nas
suas botas e blusas soltas, da
glória das igrejas e dos airosos
claustros e mosteiros. Ele
pegou nas suas roupas, nos
seus cortes, e depois decorou-
-os ao seu próprio gosto.”
Em 2019, o impressionante
diálogo entre Cristóbal
Algures entre 1590 e 1591, o Há quem olhe para uma primavera/verão 1998.
italiano Giuseppe Arcimboldo pintura e a imprima num
pintou a famosa obra sobretudo. Há quem olhe para
Frida Kahlo, 1931.
Vertumnus, na qual o imperador uma fotografia e a estampe
Rodolfo II assumia a forma de numa camisa. Há quem
Vertumnus, o deus romano da olhe para uma escultura e a FRIDA KAHLO
metamorfose na natureza e replique num vestido. E depois Da riqueza da cor à roupa “A influência [de Frida Kahlo] o designer francês decidiu
na vida. Para simbolizar que o há a coleção Alta-Costura como mensagem, do espírito também esteve presente nos transformar Kahlo em musa e
reinado de Rodolfo II seria um outono/inverno 2015 de Viktor feminista à alma revolucionária, corações vermelhos brilhantes, homenageá-la com uma coleção
de abundância e harmonia, & Rolf, justamente batizada de da identidade orgulhosa à nas rendas e nos padrões composta por 80 coordenados.
Arcimboldo – conhecido pelos Wearable Art. Mais do que um imagem autêntica, é impossível hortícolas de Dolce & Gabbana, O resultado foi não só
seus retratos surrealistas de desfile, a estação fria da dupla negar o quão central Frida e no hot pink visto nas passerelles uma dedicatória à imagem
figuras humanas compostas de designers foi uma verdadeira Kahlo continua a ser na de Balenciaga e Burberry. O inconfundível da artista – não
por objetos como vegetais, performance piece – look atrás de cultura popular – e, claro, tailoring quadrado e masculino faltaram referências às suas
livros, plantas, utensílios de look, os casacos, coletes, saias, na indústria da Moda, onde – um look chave da estação sobrancelhas unidas e à sua
cozinha, frutas, criaturas vestidos e capas usados pelas a figura da artista mexicana – em Céline [na altura ainda preferência por flores no
marinhas, animais e raízes – modelos, uns como telas em continua a ser interpretada e tinha acento] e Isabel Marant cabelo, saias até aos pés, tons
cobriu o rosto do imperador branco e outros como pinturas reinterpretada ao mais ínfimo lembram um retrato de família vibrantes e joias – mas também
com flores e frutas de todas as mais elaboradas, rodeadas pormenor. Como notou Ellie de 1926, no qual Kahlo está a à sua obra e à sua mensagem
épocas e criou a imagem que, por uma espécie de moldura Violet Bramley no artigo Frida usar um fato do pai.” Apesar – numa clara referência à obra
passados mais de 400 anos, dourada desconstruída, iam Kahlo: feminist, selfie queen, queer de tudo, um dos exemplos The Broken Column de 1944, a
viria a ser recuperada por sendo pendurados por Viktor icon and style muse of 2017, mais notáveis deste romance parte de cima do quarto look da
Rei Kawakubo na primavera/ Horsting e Rolf Snoeren como publicado no The Guardian duradouro entre mentes coleção consistia numa série
verão 2018 da Comme des quadros num museu ou galeria em outubro desse ano, “no criativas tinha acontecido de fitas pretas apertadas por
Garçons. Para além dos de arte. No final dos vinte que diz respeito à high fashion, há algumas estações, mais fivelas. “A beleza, a força e a dor
dois vestidos volumosos coordenados – uma evolução a influência de Kahlo pode ser precisamente na primavera/ que emanam das suas obras
FOTOGRAFIA: GETTY IMAGES; D.R.

Hamish Bowles num artigo
da edição norte-americana
da Vogue, Balenciaga “trouxe
o estilo de Espanha para as
vidas de todas aquelas que
vestiam as suas criações”.
Para a lendária editora, o
English version couturier era “o verdadeiro
Balenciaga e a Arte deu origem
à exposição Balenciaga and
Spanish Painting, no museu
Thyssen-Bornemisza, em
Madrid, onde as mais diversas
criações de Balenciaga
coexistiam com exemplos
maiores da pintura espanhola.
estampados com retratos harmoniosa do processo sentida na estética maximalista verão 1998 de Jean-Paul tocaram-me profundamente”,
do pintor italiano, a coleção criativo, de espaço em branco de Alessandro Michele para a Gaultier. A história foi mais disse Gaultier à Vogue, citado
incluía outras referências a florais estonteantes –, Gucci. No outono/inverno 2017 ou menos assim: depois de ter pela plataforma Google Arts
artísticas, entre elas os a questão “A Moda é arte?” isso traduziu-se em padrões conhecido as obras da artista & Culture. “A Frida representa
florais de Abraham Mignon, foi respondida com um florais e laços arrojados, folhos mexicana por intermédio de alguém sem medo, e alguém
as paisagens pixelizadas de E simples “A Moda pode e clashing, mantendo o amor Madonna, e de ter sentido atemporal. Eu sempre gostei
Boy, e os desenhos anime de ser tudo. Incluindo Moda. de Kahlo pelo excesso; anéis, o seu espírito na casa da da diferença, e a Frida não teve
Macoto Takahashi. E arte também”. flores e bordados”. E continua: cantora, na Cidade do México, medo de ser diferente.”

vogue.pt 5 7
INVOGUE HISTÓRIA
Moschino, primavera/verão 2020.
PABLO PICASSO
Existe uma série de curiosidades
sobre Pablo Picasso que
poderiam inspirar qualquer
coleção de pronto-a--vestir dos
tempos modernos – entre os
muitos pedaços de trívia sobre
o artista espanhol estão os seus
23 nomes, a coincidência da sua
primeira palavra ter sido “lápis”
ou a ironia de não ter sido um
aluno brilhante nos seus tempos
de escola – mas foi a história da
acusação de Picasso ter roubado
a Mona Lisa do Louvre, em 1911,
que levou Jeremy Scott a gritar
art attack na primavera/verão
2020 da Moschino. “É isso que
o torna tão interessante”, disse
Scott à edição norte-
-americana da Vogue. “Quando
achas que já sabes tudo o que há
para saber, ele surpreende-
-te.” Quem também surpreendeu
foi o designer norte-americano,
que reinterpretou alguns
dos maiores clássicos do
fundador do cubismo com a
também clássica estética kitsch
Moschino – representações
artísticas de touradas deram
origem a casacos e calções ao
estilo matador, as guitarras de
Picasso foram transformadas
em vestidos com dimensões
surpreendentes, e pinturas
como Les Demoiselles D’Avignon,
Le Marin e Femme au beret et
a la robe quadrille inspiraram
coordenados que podiam, muito
literalmente, ter saído de um
qualquer museu.  respeito e admiração –
Pablo Picasso, 1957.
Modelo com um chapéu
de Elsa Schiaparelli, 1949.
SALVADOR DALÍ
Ninguém sabe ao certo como
se conheceram, mas todos
sabem aquilo que aconteceu
quando os caminhos do
mestre surrealista Salvador
Dalí e da brilhante couturier
Elsa Schiaparelli se cruzaram,
pela primeira vez, no início
dos anos 30, em Paris.
“No sentido artístico,
partilhavam uma ousadia
muito real”, defendeu Hank
Hine, diretor executivo do
Dalí Museum, ao site Artsy.
“Partilhavam esta vontade
de criar coisas estonteantes,
que fossem capaz de chocar
e encantar.” Juntos, Dalí e
Schiaparelli criaram as bases
da colaboração entre artistas
e designers, e o trabalho
que partilham é uma prova
extraordinária do mútuo
enquanto Dalí escrevia que a
segunda metade dos anos 30
Niki de Saint Phalle com uma
das suas “Nanas”, circa 1965.
Salvador Dalí, circa 1900.
foi definida por Schiaparelli
e pelo seu estabelecimento
na Place Vendôme, a criadora
olhava para o surrealista como
uma das suas maiores fontes de
inspiração. De uma fotografia
de Dalí com um sapato na
cabeça nasce o famoso “shoe
hat”, um chapéu preto e
rosa em forma de sapato,
de Schiaparelli; da ironia de
ambos nasce o famoso Lobster
Dress, de 1937, que oitenta anos
mais tarde é reinterpretado
na coleção de Alta-Costura
primavera/verão 2017, com
Bertrand Guyon ao lema da
Casa francesa; e de um desenho
do pintor de uma mulher com
um vestido transparente, que
deixava à vista a caixa torácica
e os ossos das ancas, nasce o
de 19 Skeleton Dress de 1938.
E, depois de tudo isto,
Arte e Moda nunca mais
foram as mesmas.
Yves Saint Laurent, Alta-Costura
primavera/verão 2002.
Composition in
blue, red and
yellow, Piet
Mondrian, 1921.
Calvin Klein 205W39NYC,
Versace, primavera/verão 2018. primavera/verão 2018.
Versace, primavera/verão 1991.
PIET MONDRIAN
Cores primárias. Valores
primários. Direções primárias.
Christian Dior, primavera/verão 2018.
Com três elementos apenas se
escrevem (pintam?) algumas
NIKI DE SAINT PHALLE das mais famosas obras do
“Não me importo de usar pintor holandês, pioneiro da
botas de salto alto ou uma arte abstrata e fundador do
flor no meu cabelo se estiver neoplasticismo. Em 1965, as
nesse mood. Acho que a roupa linhas horizontais e verticais, as
devia ser um statement. As formas preenchidas a vermelho,
minhas são. São aquilo que amarelo e azul, e o uso do
eu sinto.” A frase pertence a preto e do branco como fios
Niki de Saint Phalle, a modelo condutores, levaram Yves Saint
franco-americana que decidiu Laurent a criar aquilo que hoje
dedicar-se à arte e dar ao se conhece simplesmente como
mundo uma série de esculturas The Mondrian Collection. Apesar
exuberantes e coloridas – Andy Warhol, 1973. da coleção de Alta-Costura ter
entre elas as famosas Nanas, sido composta por mais de
que contemplavam os papéis ANDY WARHOL 80 coordenados – dos quais
da mulher na sociedade – e É difícil imaginar a indústria a primavera/verão 2013 da apenas seis faziam referência
uma outra série de pinturas da Moda – e o mundo da arte, Prada; antes de colaborar com a obras de Piet Mondrian – e
abstratas que ganhavam vida claro – sem o génio criativo a The Andy Warhol Foundation do artista holandês ter sido
através de um método pouco de Andy Warhol, o homem for the Visual Arts e estampar uma inspiração last minute para
ortodoxo – num protesto que trabalhou como ilustrador diversas imagens icónicas de Yves Saint Laurent – como o
contra o patriarcado e a rigidez, da Harper’s Bazaar (fun fact: a Warhol na coleção primavera/ próprio confessou à revista
a artista colocava sacos cheios então editora Diana Vreeland verão 2018 da Calvin Klein France Dimanche na altura, a
de tinta no topo das suas telas chamava o artista de Andy 205W39NYC, Raf Simons ideia só surgiu quando abriu
e alvejava-os. Não é, por isso, Paperbag) antes de criar as incorporou uma série de um livro sobre Mondrian que
surpresa que Maria Grazia famosas telas impressas com desenhos de sapatos feitos pelo a mãe lhe tinha oferecido no
Chiuri tenha olhado para a as latas de sopa Campbell’s artista nos anos 50 na coleção Natal – os vestidos geométricos
vida, obra e guarda-roupa de e se transformar num ícone outono/inverno 2013 da Dior; e coloridos criados pelo couturier
Niki de Saint Phalle para a da cultura pop. Apesar da sua Gianni Versace concretizou a francês tornaram-se num dos
primavera/verão 2018 da Dior, forte ligação com a Moda, foi sua paixão por Andy Warhol mais famosos (e copiados)
transformando-a, uma vez nos anos 80 que Andy Warhol na primavera/verão 1991, na ícones de estilo da Maison. Mais
mais, em musa da Casa francesa verdadeiramente tomou de qual surge o famoso vestido do que isso, marcaram o início
– curiosamente, a artista assalto a passerelle, cortesia da estampado com imagens de um diálogo entre Moda e
nutria uma forte amizade primavera/verão 1984 de Jean- de Marilyn Monroe e James Arte, que viria a definir uma
por Marc Bohan, em tempos -Charles de Castelbajac, na qual Dean, um ícone recuperado e parte considerável da carreira de
diretor criativo da maison, e foi a modelo Inès de La Fressange reinterpretado por Donatella Saint Laurent e dos coordenados
FOTOGRAFIA: GETTY IMAGES; D.R.
uma fiel admiradora e cliente surgiu com um vestido em na primavera/verão 2018 da criados como tributo aos
da etiqueta. O resultado foi forma de soup can. Daí em Casa italiana; e Jeremy Scott artistas que admirava – para
uma coleção com inúmeras diante, o trabalho de Warhol permanece um dos nomes além de Piet Mondrian, nomes
referências a de Saint Phalle, foi uma referência constante mais influenciados pelo estilo como Andy Warhol, Henri
das Nanas aos corações para inúmeros designers – de Warhol e pelo seu fascínio Matisse, Vincent Van Gogh,
multicolor, os dragões, a árvore Miuccia Prada inspirou-se nas pelo consumismo, tanto Pablo Picasso e Georges Braque
do amor e o Tarot Garden, na Flowers do mestre da figura na sua marca homónima foram fontes de inspiração para
Toscana. incontornável da Pop Art para como na italiana Moschino. o couturier ao longo dos anos.
vogue.pt 5 9
INVOGUE HISTÓRIA
Céline, primavera/verão 2017.
YVES KLEIN
“Um dia, percebi que as minhas
mãos, as ferramentas com as
quais manipulo a cor, já não
eram suficientes. Precisava de
pintar telas monocromáticas
com as modelos.” E foi
precisamente isso que Yves
Klein fez, em 1960, com a série
Anthropometries, que herda o
nome do estudo das medidas
do corpo humano. Com as
suas modelos transformadas
em “pinceis vivos” e
unicamente cobertas com o
seu patenteado Azul Klein, o
artista criou uma sequência de
obras monocromáticas – para
Klein, a pintura com um só
tom era o equivalente a “uma
janela aberta para a liberdade,
à possibilidade de ser imerso
na imensurável existência
da cor” – que serviram de
inspiração à primavera/verão
2017 de Phoebe Philo para a
Céline. Tal como Klein fez no
seu tempo, a designer e então
diretora criativa da etiqueta
francesa usou a tela imaculada
de dois vestidos brancos para
dar vida às figuras femininas
pintadas com o azul do artista
francês nos anos 60, numa
espécie de reinterpretação
moderna do corpo feminino
como arte – e liberdade.
Untitled Anthropometry
Ant 110, Yves Klein, 1960.
Robert Mapplethorpe, 1969.
Raf Simons, primavera/verão 2017.
ROBERT MAPPLETHORPE
“Queria que [o desfile] fosse
como uma apresentação num
museu, ou uma apresentação
numa galeria de arte. Tudo
isto já foi feito com o trabalho
do Mapplethorpe. A Cindy
Sherman fez isso, o David
Hockney também. Mas
sempre numa galeria. Eu
sou um designer de Moda. O
maior desafio foi fazer isso
no meu próprio ambiente.”
As palavras foram ditas por
Raf Simons à Vogue Runway,
A capa do Comic Book Miss
Fury No. 3, de Tarpe Mills.
aquando da apresentação da
primavera/verão 2017 da sua
marca homónima – uma coleção
concretizada em colaboração
com a Robert Mapplethorpe
Foundation, que convidou o
designer belga a mergulhar
nos arquivos e criar uma
impressionante homenagem ao
fotógrafo. Escusado será dizer
que o desafio foi perfeitamente
superado: para além dos mais
de cinquenta looks estampados
com imagens da autoria de
Mapplethorpe, das suas flores
aos seus retratos, a coleção
estava recheada de referências
ao fotógrafo, das cores aos
materiais, sem esquecer os
modelos (segundo Simons, cada
um deles é “uma representação
de um dos trabalhos” de
Mapplethorpe, ao invés de
um doppelgänger) e os muitos
piscares de olhos ao próprio
estilo do fotógrafo.
Capa do álbum Sonic Nurse,
dos Sonic Youth, 2004.
Prada, primavera/verão 2018. Alexander McQueen,
primavera/verão 1999.
Jackson Pollock, 1953.
Louis Vuitton, primavera/verão 2008.
RICHARD PRINCE
Nos seus dezasseis anos
como diretor criativo da
Louis Vuitton, Marc Jacobs
não poupou qualquer tipo de
louvor à arte e aos artistas
BANDA DESENHADA JACKSON POLLOCK que a concretizam – primeiro
Os trabalhos ilustrados de Uma das primeiras referências com uma colaboração com
Brigid Elva, Jöelle Jones, à arte de Pollock no universo Stephen Sprouse, em 2001,
Stellar Leuna, Giuliana da Moda acontece em 1951, que injetou uma série de
Maldini, Natsume Ono, Emma na edição de março da Vogue tons vibrantes ao até então
Rios, Trina Robbins, Fiona US, pela lente de Cecil Beaton, sagrado monograma da Casa
Staples e os arquivos de Tarpé num editorial com diversos francesa; dois anos depois
Mills, a criadora da primeira vestidos usados em frente a com Takashi Murakami, cujo
super--heroína, Miss Fury. pinturas do artista. Seguiram- monograma multicolorido,
Para a primavera/verão de -se muitas outras referências, estampado numa série de
Mary Katrantzou, Poster de Joost Schmidt para
2018, foram estas as mulheres como o outono/inverno 2007 a exposição da Bauhaus em Weimar, 1923. carteiras como telas em
outono/inverno 2018.
e artistas que Miuccia Prada da Dior Homme, a primavera/ branco, se transformou num
– uma verdadeira apaixonada verão 2011 de Dries Van símbolo dos anos 2000; e
por arte, em todas as suas Noten ou a primavera/verão BAUHAUS mais tarde com Yayoi Kusama,
formas – trouxe para a 2014 de Vivienne Westwood, “Enquanto escola, a Bauhaus Mary Quant, sem esquecer Jil que emprestou o seu icónico
passerelle da Casa homónima, todas elas com diversas é o epítome da forma Sander, cujas raízes, como o polka dot a carteiras, vestuário
numa coleção empoderadora interpretações do trabalho como os designers pensam próprio disse a Suzy Menkes e acessórios da maison em
(como sempre, claro) onde de Pollock – fosse com sobre o design no mundo numa entrevista de 2017, estão 2012. Mas um dos encontros
os cartoons e a manga (e borrões de tinta em blazers atual. Penso que a Moda, no movimento Bauhaus, a mais memoráveis entre Louis
as questões feministas, ou diretamente aplicados na enquanto disciplina de abordagem interdisciplinar da Vuitton (via Marc Jacobs) e
claro) foram os melhores pele das modelos. Apesar design, tem de encontrar um escola alemã foi várias vezes a Arte aconteceu no desfile
protagonistas, não só dos de todos estes exemplos, equilíbrio entre o criativo e interpretada pela indústria da primavera/verão 2008, num
coordenados criados por a imagem mais icónica do o comercial; deve olhar para Moda – incluindo Katrantzou, piscar de olhos ao trabalho
Miuccia como do cenário pintor norte-americano na a funcionalidade do design, ao primeiro na primavera/verão de Richard Prince. Para além
envolvente. “Encontrei passerelle surgiu na final do mesmo tempo que comunica 2011, e mais tarde no outono/ das carteiras apresentadas,
inspiração nesta ideia de desfile primavera/verão 1999 algo para o nosso tempo. inverno 2018, onde com um monograma “lavado”,
que consegues contar a do genial Alexander McQueen. Isso é tão relevante hoje incorporou posters da Bauhaus e estampadas com a série
tua história [de vida] com Num momento inesquecível como era antes.” As palavras em diversos coordenados. Jokes do artista, Jacobs fez
um lápis na mão”, contou de mulher versus máquina, são de Mary Katrantzou “Na coleção outono/inverno referência às famosas pinturas
a designer à edição norte- Shalom Harlow transformou- à edição norte-americana 2018, a Bauhaus representou Nurse (uma das quais deu vida
americana da Vogue. E essa se na mais perfeita das da Vogue, num artigo que a pureza da forma, a natureza à capa do álbum Sonic Nurse
FOTOGRAFIA: GETTY IMAGES; D.R.
inspiração traduziu-se em bailarinas, posicionada no explora a influência dos cem pragmática do design e a dos Sonic Youth) de Prince
fatos desconstruídos, vestidos centro de uma plataforma anos da Bauhaus na Moda forma como isso se traduz – uma alusão concretizada
baby-doll com um twist punk, giratória enquanto dois braços – e, se dúvidas restassem, diretamente na Moda. por doze modelos, entre elas
casacos oversized e peças mecânicos pulverizavam tinta a influência da escola Graficamente, olhámos para Naomi Campbell, Stephanie
ilustradas dos pés à cabeça – preta e verde num vestido conhecida pelas suas formas muitos posters da Bauhaus, Seymour, Eva Herzigova,
e numa vontade de mudar o branco – uma clara alusão, se geométricas, linhas fortes e e para a utilização da Nadja Auermann, que abriram
mundo, especialmente dúvidas restassem, à técnica pops de cor, é impossível de geometria, que traduzimos o desfile da Casa francesa
para as mulheres. do pintor norte-americano. negar. De André Courrèges e através das malhas.” vestidas como enfermeiras.
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INVOGUE ACESSÓRIOS

Backstage

Arrombámos a porta do mundo das artes para descobrir o que está para Carteira 1955 Horsebit, em pele, € 2.400, Gucci. Na página ao lado: vestido em jersey de seda estampada, € 1.700, Moschino.

além da obra e do artista. Resultado: um universo onde todos os pormenores,

detalhes, e acessórios - esses que a rotina nos habituou a ver como banais
e corriqueiros - ganham vida, graças a um olhar mais visionário, que
transforma o normal em excecional. Fotografia de Pedro Ferreira. Realização de Ana Caracol.
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INVOGUE ACESSÓRIOS

Carteira em pele e metal, € 795, Moschino. Na página ao lado: carteiras em pele, tela estampada e bambu, € 1.800 cada, Miu Miu.

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Carteira 19, em seda estampada, pele e metal, € 4.300, Chanel. Na página ao lado: slingbacks em pele, € 550, Tod’s.

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INVOGUE ACESSÓRIOS

Ténis Arclight, em pele e tela, € 850, Louis Vuitton. Na página ao lado: ténis em pele, € 490, Alexander McQueen, na Stivali.

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Saco em pele, € 2.200, Fendi, na Stivali. Na página ao lado: Clutch em pele e metal, € 895, Moschino.
A Vogue Portugal agradece a José Loureiro por todas as facilidades concedidas.

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INVOGUE ESTILO

iz o ditado que não há duas sem três e o mundo da arte

parece confirmar esta crença popular de que, por vezes,
os trios são (mesmo) melhores do que as duplas. Vamos

FOTOGRAFIA: ISTOCK. BETTMANN/ EXPRESS NEWSPAPERS/ JACK MITCHELL/ GEORGE STROUD/ SANTI VISALLI/ TONY VACCARO/ GETTY IMAGES.
aos factos. Não há Pablo Picasso sem chapéus, Breton tops
e sobretudos oversized. Não há Andy Warhol sem casaco
de pele preto, camisolas de gola alta e óculos com lentes
que ora eram transparentes, ora eram escuras. Não há
David Hockney sem cabelo loiro, óculos redondos e cores
infinitas. Não há Frida Kahlo sem androginia, herança e
maximalismo. Não há Lee Miller sem calças com um corte
masculino, trench coats e botas de combate. Não há Geor-
gia O’Keeffe sem fatos à medida, vestidos longos e quimonos. Diz o
ditado que não há duas sem três porque, na verdade, não há artista
sem guarda-roupa distinto, sem look de assinatura, sem acessório
inconfundível. Os chapéus de René Magritte. Os fatos de Jeff Koons.
Os óculos de Yoko Ono. O cabelo de Yayoi Kusama. Cada pormenor tão
revelador como uma qualquer pincelada oculta num qualquer quadro
que já foi observado vezes sem conta – mas que continua a carregar
em si mais significado do que aquele que alguma vez se imaginou ser
possível. Cada pormenor tão influente como uma qualquer imagem à
qual voltamos vezes e vezes sem conta – mas que continua a carregar
em si relevância, atualidade e pertinência. O high and low de Jean-Michel
Basquiat, que coordenava de forma harmoniosa uma peça de designer
com um par de calças de ganga rasgadas e um par de ténis que eram dita, é sempre mais do que uma camisola às riscas. Continuamos a
tudo menos uma tela em branco. O workwear de Jackson Pollock, vê-los porque nos sentimos ligados a eles. A todas as partes deles.
concentrado num ciclo de t-shirts pretas ou brancas, macacões Levi’s Mas se dúvidas restassem de que o guarda-roupa de alguns dos nomes
e jeans Lee. O surrealismo de mãos dadas com a Moda de Salvador mais influentes da história é tão impressionante como a sua obra, a
Dalí, uma personalidade mítica que fundiu o mais extravagante e o autora Terry Newman tira-as todas em Legendary Artists and the Clo-
mais clássico. Ícones de estilo nos seus próprios termos, ícones de thes They Wore (Harper Collins, 2019), um livro com mais de quarenta
estilo não conformes com tendências, ícones de estilo dotados de um perfis que exploram a relação entre o guarda-roupa de nomes como
entendimento da Moda que vai além da sua camada mais superficial, Salvador Dalí, Jackson Pollock, Piet Mondrian e Niki de Saint Phalle,
cada um destes artistas influenciou a forma como a indústria e os seus as suas próprias manifestações artísticas e a indústria da Moda. Como
mais brilhantes criativos pensam e constróem. Continuamos a vê-los explica Newman, que conversou com a Vogue Portugal por email, na
nas ruas e nas passerelles. Continuamos a vê-los quando a autenticidade introdução desta sua segunda obra (a primeira, Legendary Authors and
fala mais alto do que qualquer moda passageira. Continuamos a vê-los the Clothes They Wore, explora o estilo de alguns dos maiores nomes da
quando vestimos um fato de proporções oversized, um sobretudo literatura), “pode parecer um pouco simplista ou rebuscado examinar
assoberbado ou uma simples camisola às riscas – que, verdade seja a arte através da Moda – olhar para as roupas que os artistas usavam e
para o trabalho que criaram como duas partes de uma mesma equação.
Contudo, explorar o guarda-roupa destes artistas pode ajudar-nos a

Para lá da tela
compreender as suas formas de expressão profundas.” E continua,
dizendo que “a história de um artista pode ser contada através das
roupas que usou”. “O carisma dos grandes artistas é algo que resiste.
Os seus guarda-roupas, ainda que mais efémeros, mas tal e qual como
a sua obra, foram cuidadosamente escrutinados pelos olhos curiosos
O que têm em comum Jean-Michel Basquiat, Yoko Ono, Robert Mapplethorpe, dos designers, e as mensagens que carregam têm sido incorporadas
na inconstante narrativa da Moda.” Nós dissemos que não há duas
Louise Nevelson, Salvador Dalí e Louise Bourgeois? Um guarda-roupa Na página aolado, da esquerda para a direita: Georgia O’Keeffe, sem três: nem arte sem artista, nem artista sem guarda-roupa. Mas
que é tão digno de museu quanto as próprias obras. Por Mónica Bozinoski. Andy Warhol, Keith Haring, Frida Kahlo, David Hockney e Pablo Picasso. quem melhor para o explicar do que Terry Newman?

vogue.pt 7 3
INVOGUE ESTILO
Quem foram os artistas que a influenciaram durante a in-
fância? Quando era miúda, a Yoko Ono sempre me pareceu o auge
do chic esotérico, e contemplava o guarda-roupa dela com uma mi-
nuciosidade tão aguçada como a obra estranha e maravilhosa dela.
Quando estava na universidade, no final dos anos 80, apaixonei-me
pelo mundo nova-iorquino de Keith Haring e Jean-Michel Basquiat, a
fusão entre hip hop, streetwear e high-fashion no trabalho deles. Eles eram
outsiders, mas criaram a sua própria cena, que dominou o mainstream
com aquilo que eles vestiam e aquilo que eles faziam.
Foi uma das editoras da revista i-D nos anos 90. Como era
a relação entre Moda e arte nessa altura? A i-D nos anos 90 era
um sítio especial; era uma revista que abraçava verdadeiramente o
novo e o intrépido, e os fotógrafos, a Moda, as modelos e os criativos
eram pessoas brilhantes que normalmente não se encaixavam com
aquilo que se via noutros editoriais. Esta visão inclusiva significava
que a Moda se fundia facilmente com a arte – o estilo e a identidade
eram desconstruídos e mesclados com uma individualidade artística
que designers como Margiela, McQueen, Chalayan e Galliano levavam
até à passerelle. As suas coleções eram inspiradoras e visionárias em
diversas formas artísticas.
Antes de escrever Legendary Artists and the Clothes They Wore,
publicou o livro Legendary Authors and the Clothes They Wore.
Como foi todo este processo? Sempre me senti muito fascinada
pela noção de estilo pessoal: para mim, o carácter está diretamente
ligado àquilo que uma pessoa veste, e era uma miúda que se interes-
sava muito por livros, roupa, Moda e Arte. Por isso, fazia bastante
sentido pesquisar estas ideias e escrever um livro sobre elas. Quando
olhas para as peças de roupa de alguém que te inspira, ganhas uma
perceção extra do porquê dessa pessoa se comportar da forma como
se comporta.
Quando falamos em estilo, o que é que mais distingue os
autores dos artistas? A ideia de que os artistas se vestem para o
trabalho que têm, porque é esperado que assim seja, enquanto os
autores ficam o dia todo em casa de pijama é um tanto cliché, e aquilo
que quis fazer foi explorar esses preconceitos e testar a minha teoria
de que as pessoas interessantes vestem roupas interessantes. Olhar
English version
para todos aqueles titãs da literatura e da arte através das roupas
que usavam deixou-me um pouco nervosa no início – especialmente
porque comecei com o Samuel Beckett no meu primeiro livro, e pa-
recia um conceito bastante audaz. Mas resultou. Também encontrei
muitas ligações entre a indústria da Moda, a Arte e a Literatura, o
que desenvolveu a minha ideia ainda mais além.
O livro Legendary Artists and the Clothes They Wore explora o
estilo de uma série de artistas, de Niki de Saint Phalle a Andy
Warhol, de Yoko Ono a Cindy Sherman. Tem algum favorito?
Adoro-os a todos mas, se tivesse que escolher apenas um, seria a
Georgia O’Keeffe, visto que o estilo dela é exatamente aquilo que eu
gosto: um pouco empertigado e severo, mas prático, e um pouco
utilitário com um twist feminino.
Na introdução do livro, escreveu que “a história de um artis-
ta pode ser contada através das suas peças de roupa”. Quais
foram as melhores histórias que descobriu durante a sua
investigação? Estava encantada com as histórias de todos estes
artistas, e todas elas eram realmente envolventes. A Cindy Sherman,
por exemplo, cuja obra explora a identidade, começou a mascarar-se
em criança – ela era a mais nova de cinco crianças, a crescer em New
Jersey, e disse em tempos que pensa que a sua compulsão para fazer
isso surgiu do facto de ter que relembrar aos pais que estava ali. A
atitude que a Marina Abramovich tem em relação à Moda nos dias de
hoje é completamente diferente do modo como ela se sentia quando
era mais nova. Nas palavras dela, “nos anos 70, quando as artistas
usavam batom vermelho e verniz nas unhas e qualquer coisa que
se relacionasse com Moda, eram olhadas com repugnância, como
se fossem mesmo más artistas”. Mas depois de ela ter percorrido a
Grande Muralha da China, tomou a decisão consciente de se divertir
e usar peças de roupa de designers. Hoje, a Marina já foi capa de mais
revistas do que algumas supermodelos, a usar o seu batom verme-
lho de assinatura, e colaborou com designers de Moda, incluindo o
Riccardo Tisci.
Moda e Arte são muito pessoais, e ambas se relacionam
com a nossa identidade, personalidade e ideias. De que forma
é que o estilo dos grandes artistas que explora no seu livro
influenciou as obras que criaram? A Louise Nevelson disse que
“a arte e a vida são a mesma coisa para mim, e a Moda é uma parte da
vida. Sinto-me feliz quando uso roupas bonitas, joias incríveis. Estou
constantemente a criar. Porque é que devia parar quando se trata de
mim?” Na minha opinião, aquela espécie de colagem cacofónica que
era o estilo dela espelhava as culturas que ela criou. Aquela justa-
posição estranha de peças de roupa dissimilares coalescia de uma
forma única e convincente quando ela as misturava e, similarmente, os
materiais inúteis da vida que ela juntava nas suas esculturas evocavam
sentimentos intensos, ao mesmo tempo que transmitiam harmonia.
A ideia de tempo tem sido cada vez mais explorada pela
indústria da Moda, seja através do tempo de vida de uma peça
de vestuário ou da sustentabilidade de materiais. De todos os
artistas que explora em Legendary Artists and the Clothes They
Wore, quem tem o estilo mais intemporal? Uma das razões que
me levou a escrever este livro foi defender a ideia de um estilo in-
temporal, ao invés de estar on trend. A ideia é que a tua personalidade
está entrelaçada com as roupas que vestes, e todos os artistas no
meu livro refletem isso de uma forma ou de outra. Muitas das artis-
tas ainda são musas nos moodboards de designers nos dias de hoje. As
peças de vestuário que a Lee Miller usava, por exemplo, inspiraram
uma coleção da Phoebe Philo para a Céline, e a Georgia O’Keeffe foi a
engenheira de estilo de campanhas e desfiles de Maria Grazia Chiuri
para a Dior. O estilo delas resiste porque era original no seu tempo e
"A IDEIA DE QUE OS ARTISTAS
SE VESTEM PARA O TRABALHO
QUE TÊM, PORQUE É ESPERADO
QUE ASSIM SEJA, ENQUANTO OS
AUTORES FICAM O DIA TODO
EM CASA DE PIJAMA É UM
TANTO CLICHÉ " TERRY NEWMAN
não encaixava com aquilo que era a última tendência. Em vez disso,
era um reflexo das suas vidas e dos seus interesses. A Frida Kahlo,
que está na capa do meu livro, encapsula isto na perfeição.
A Moda tem uma longa relação com a arte e ainda é, nos
dias de hoje, influenciada por obras e artistas de igual mo-
do. Qual é a razão deste fascínio duradouro? Ambas são áreas
criativas que expressam identidade e emoção. Foi Pierre Bergé quem
em tempos disse que “a Moda não é arte, mas a Moda não consegue
viver sem arte”. Penso que isto é verdade, mas também acredito que
a arte também não consegue viver sem a Moda. Hoje, os impérios da
Moda e da Arte andam de mãos dadas e produzem ideias que podem
ser companheiras bastante felizes e a relação, por vezes, fica menos
clara com uma ingenuidade estilosa – por exemplo, a instalação
Double Club cor-de-rosa e iluminada por néon de Miuccia Prada, em
colaboração com o artista Carsten Holler, primeiramente exibida
em Londres, no ano de 2008. No passado, também se fundiu de uma
forma bastante orgânica. Quando a artista suíça Meret Oppenheim
conheceu Schiaparelli, em 1936, e propôs uma pulseira de pelo para
a coleção de inverno da designer, acabou por ser impulsionada a
revestir uma chávena e um pires com pelo animal, criando um dos
seus trabalhos mais famosos: Le Déjeuner em fourrure.
Foram vários os momentos em que Moda e Arte se encontra-
ram. Tem algum de eleição? Os meus favoritos são quase sempre
algo relacionado com o trabalho de Yves Saint Laurent, pela sua beleza
transparente – por exemplo, ele adorava Matisse e homenageou a
pintura de 1940, La Blouse Roumaine, recriando a blusa da modelo
de uma forma muito idêntica nos anos 80 e apresentando-a com
uma saia de veludo azul safira, tal como no retrato. Também gosto
muito do cut-out inspirado em Matisse do outono/inverno 2012-13
de Comme des Garçons, porque parece tão simples, mas, ao mesmo
tempo, é muito avant-garde e arrojado. O final à la Jackson Pollock da
primavera 1999 de Alexander McQueen, quando o vestido de Shalom
Harlow foi borrifado com tinta por dois robôs enquanto ela girava
numa plataforma, foi um momento único entre arte e Moda. Tive a
sorte de me sentar muito perto da front row e nunca me irei esquecer
do quão espetacular foi ver esse momento. l
vogue.pt 7 5
INVOGUE ENTREVISTA
oram precisas mais de três décadas para que se decidisse
a lançar uma monografia. E podia tê-lo feito antes, muito
antes, porque o volume, e a qualidade, do seu trabalho
facilmente se prestam a esses coffee table books de edição
limitada que o século XXI aprendeu a adorar. Em vez disso,
aguardou. Esperou que o instinto falasse mais alto, que a
curiosidade se aguçasse, que o fulgor criativo atingisse
novos picos. E então resolveu-se a partilhar connosco, que
o acompanhamos ao longe, Fabien Baron: Works 1983-2019,
uma biografia visual que olha tanto para o passado como
para o futuro. Não está tudo aqui, seria impossível, mas
o que está chega, e sobra, para nos fazer acreditar no impossível.
Fabien Baron (Antony, Hauts-de-Seine, França, 1959) não vê as
mesmas coisas que nós. O sítio onde se encontra balança algures
entre o real e o imaginário, um lugar mágico onde se inventam
sonhos de todas as cores. Alguns desses sonhos têm apelidos co-
nhecidos: Calvin Klein, Giorgio Armani, Burberry, Givenchy, Yves
Saint Laurent, Fendi, Guerlain, Dior. Outros escrevem páginas que
ocupam lugares de honra na nossa memória: Vogue Itália, Vogue
Paris, Interview, Harper’s Bazaar, Arena Homme Plus. Por detrás
de todos eles, garantindo que não se perdem no éter das ideias que
nunca chegam a acontecer, está um homem cuja vida se confunde
com as imagens mais marcantes daquilo a que costumamos chamar
cultura pop.  seja qual for o meio: pensar como um contador de histórias. Não
Fabien Baron: Works 1983-2019 é a sua primeira monografia.
Porque é que demorou tanto tempo a lançar um livro deste
género? Na verdade, assinei um contrato com a Phaidon há muitos
anos, mas montar o livro parecia esmagador e demorado. Sabia
que não queria o livro por ordem cronológica, por isso, a grande
questão era como juntar todo o trabalho para que fizesse sentido
como um todo. Isso levou algum tempo e foi só no ano passado que
me senti totalmente certo da direção a seguir. Uma vez definido, o
livro foi projetado em seis meses.
Como decidiu quais dos seus trabalhos deveriam ser incluídos
e quais ficariam de fora? Sentiu-se “sobrecarregado” ao vascu-
lhar o arquivo? Examinar o arquivo foi francamente trabalhoso, mas
o que demorou mais tempo foi preparar todo o trabalho de forma a
que cada peça estivesse pronta para impressão. A seleção final foi mui-
to natural e definiu o conceito do livro: dez capítulos representando
dez aspetos diferentes da minha visão e do meu ponto de vista. Um
O contador
autorretrato, algo do género. Uma contradição entre caos e ordem.
O que pretende com este livro? Mistura trabalhos mais co-
merciais com coisas mais pessoais. Isso tem um propósito?
O livro existe para abrir uma janela para o meu trabalho como
de histórias
Pode não saber o seu nome, pode até não distinguir o seu rosto, mas
Na página ao lado, à esquerda: Dispersal Series, fotografia, 2008. À direita: Fragments Series, desenho vetorial, 1999.
Em baixo, da esquerda para a direita: Interview, direção criativa, 1990, fotografia © Herb Ritts/Trunk Archive.
Calvin Klein Jeans, direção criativa, 1993, fotografia de David Sims.
Vogue Paris, tipografia, 2007 (à esquerda). Interview, fotografia, 2011, cabelos, Guido (à direita).
de certeza que conhece o seu trabalho. A campanha de publicidade do
icónico CK One, nos anos 90? É dele. O livro Sex, de Madonna? É dele.
FOTOGRAFIA: STEPHEN BRAYNE.
A revolução visual da Vogue Itália? Idem. Em mais de 30 anos de carreira,
este francês de olhos serenos foi responsável por alguns dos momentos
mais memoráveis da história da Moda. Fabien Baron, no entender da
Vanity Fair “o diretor criativo mais procurado do mundo”, relembra
um percurso onde a arte é, sempre, quem mais ordena. Por Ana Murcho.
um todo; uma espécie de manifesto da minha filosofia de design.
As pessoas conhecem-me através do meu trabalho comercial, das
revistas, da publicidade, dos filmes, do design de produto, etc., mas
nos últimos 30 anos tenho feito as minhas próprias “obras de ar-
te”, e parte desse trabalho é mostrado no livro pela primeira vez.
Acumulei um arquivo bastante grande e só agora é que me sinto
confortável em publicar algumas dessas coisas.
No que diz respeito a questões mais práticas, como o formato
e a escala do livro, qual é a estética que os une? Antes de mais,
queria que o livro fosse um objeto e que a impressão fosse algo cui-
dado. Era importante para mim mostrar o trabalho num contexto
diferente daquele de onde veio originalmente. [...] Trabalhei com
a Sue Medlicott no lado da produção, impressão, escolha de papel,
encadernação, etc. Sue foi absolutamente incrível, ela fez tudo acon-
tecer de uma forma que eu nem podia imaginar, e entregou um objeto
[final] bonito. Trabalhar com a Phaidon também foi um sonho. Eles
entenderam imediatamente o nível [de exigência] para fazer este livro.
É diretor de arte. A seu ver, qual é definição correta de diretor
de arte, hoje em dia? É difícil dizer, já que toda a gente é criativa
em alguma coisa. Portanto, o título é meio sem sentido. Na verda-
de, nunca trabalhei com um título em mente e tentei experimentar
tudo o que se relacionava com comunicação, revistas, filmes, livros,
produtos e publicidade. A minha abordagem sempre foi a mesma,
complicar demasiado o que tenho a dizer, apenas contar a histó-
ria. E depois, claro que é preciso solucionar o problema para ter
sucesso. Essa é provavelmente a minha definição do que é ser um
bom creative director.
Trabalha com revistas há mais de 30 anos. O que é que, na
sua opinião, as torna tão atraentes? O que mais gosto nas re-
vistas é o ritmo a que temos de trabalhar. O facto de precisarmos
de criar tantos conteúdos num prazo tão apertado é empolgante.
Eu gosto de ter pouco tempo para tomar decisões. É importante
usar a espontaneidade. Nunca existe uma edição perfeita, mas
existe sempre o próximo número em que podemos melhorar. É um
processo sem fim que nos mantém no limite.
Acha que, à semelhança do que muitos dizem, a imprensa es-
crita está morta? As revistas ainda são relevantes? Acho que o
papel acabará por sobreviver, mas as revistas terão de repensar o seu
conteúdo, em grande parte, se quiserem ser sustentáveis no futuro.
Se algumas revistas perderam a razão de ser é porque oferecem
conteúdos medíocres ou porque tentam “copiar” o digital de forma
desesperada. Elas vendem para os anunciantes. As revistas carecem
de um ponto de vista sólido e de uma verdadeira conexão com o leitor.
vogue.pt 7 7
INVOGUE ENTREVISTA
É muito difícil fazer uma boa revista que as pessoas queiram comprar.
E com o digital nas mãos de toda a gente, é fácil ignorar as revistas.
Redesenhou a Vogue Itália e a Vogue Paris. Como foi trabalhar
nestas publicações? A Vogue Itália com a Franca Sozzani era bas-
tante revolucionária, nessa época. Nós, de certa forma, quebrámos
as regras. Eu era jovem, pronto a experimentar, o meu instinto
falava. Foi um grande momento, de criatividade total. Depois veio
a Interview, os grandes anos na Harper’s Bazaar e, finalmente, a
Arena Homme Plus. A Vogue Paris surgiu mais de 20 anos depois
da Vogue Itália. Os tempos não eram os mesmos, nem o eram o
diretor e a própria Moda. Já tinha acumulado muita experiência
ao longo dos anos, por isso o meu trabalho com revistas era mais
refinado ou, de certa forma, calculado. Trabalhar com Carine Roitfeld
foi emocionante e francamente divertido. Ela estava num grande
momento e eu fiz parte disso.
Menciona a necessidade de “imitar” o digital… Como é que a
transição para uma comunicação (mais) digital influenciou
a forma como aborda o seu trabalho? Para dizer a verdade, eu
fiquei realmente entusiasmado com essa nova ferramenta. A minha
mente está habituada a adaptar-se às mudanças, e como mergulhei
em muitos campos e media diferentes, quando o digital surgiu, era
como adquirir um novo conjunto de lápis de cor para brincar. Nunca
tive receio que as coisas mudassem ou seguissem em frente. É assim
que a vida caminha, para a frente.
Por outro lado, tem uma longa relação com a Moda. O que
é que ainda o entusiasma na indústria, depois de tantos
anos? A Moda, para mim, será sempre algo entusiasmante. Está
em constante mudança e adapta-se aos tempos. É um barómetro
da vida. Estar sentado num bom desfile, a ver algo novo – essa é
a razão pela qual faço o que faço. Se consegui um pequeno lugar
na Moda é porque tenho um estilo muito distinto, e um ponto de
vista específico, e nunca tive medo de os usar. Ao longo dos anos,
o meu trabalho foi “imitado” por muitos, e sinto-me bem com isso.
A Moda é, em grande parte, um processo colaborativo. Kate
Moss, Madonna, Franca Sozzani, Steven Meisel... Trabalhou
com todos. Com quem se sentiu mais conectado? Tive muita
sorte, e sim, trabalhei em todos os campos com os melhores da
indústria. A Franca Sozzani era extraordinária, era dura, sabia o
que queria e nunca desistia de nada. Tenho ótimas lembranças dela.
De Liz Tilberis [histórica editora da Harper's Bazaar] também, era
um anjo com quem trabalhar.
O público recorda o seu trabalho para a Calvin Klein, mais
recentemente algumas campanhas da Dior, mas há outro
lado mais comercial, onde encontramos marcas como a Zara.
Como passa de um ponto ao outro sem perder o seu ponto
de vista? O meu ponto de vista é importante, claro, e faz sempre
parte do mix quando desenvolvo conceitos para as marcas. Conhecer
o cliente, entender o que ele precisa e entregar um trabalho de alta
qualidade, “no alvo”, está sempre em primeiro lugar. Depois de mais
de 30 anos na indústria tenho muita experiência, por isso não caio
nas armadilhas fáceis da Moda; em vez disso, aplico regras estritas
que aprendi e que pratiquei ao longo do caminho. Mas há outra parte
do sucesso que tem muito a ver com a equipa com quem se traba-
lha. Para a Dior, lidar apenas com a Maria Grazia Chiuri, o Olivier
Bialobos e o Laurence Despouys ajuda a criar uma certa confiança e
permite que sejamos mais criativos. Um pequeno comité é sempre
melhor. No caso da Zara, é o mesmo. Trabalho com a Marta Ortega
e o João Pedro da Silva Rebelo de forma bastante direta. Eles são,
"O QUE MAIS GOSTO NAS
REVISTAS É O RITMO A QUE TEMOS
DE TRABALHAR. O FACTO DE
PRECISARMOS DE CRIAR TANTOS
CONTEÚDOS NUM PRAZO TÃO
APERTADO É EMPOLGANTE."
FABIEN BARON
English version
provavelmente, os clientes mais gentis com quem se pode trabalhar.
O que é que faz com que um vídeo, ou uma campanha, sejam
autênticos? O conceito é sempre a chave de tudo, e tem de ser ori-
ginal, caso contrário basta copiar e colar. Hoje em dia toda a gente
trabalha com moodboards, o que é bastante prático para descrever
uma ideia, mas tem as suas armadilhas. Podemos acabar a duplicar
Em cima: Interview, fotografia, 2013, cabelos, Guido. À esquerda:
uma ideia ou a sermos demasiado influenciados por alguma coisa, Fabien Baron, retrato de Mert Alas & Marcus Piggott. Ao centro:
e acho que é por isso que há cada vez menos trabalho autêntico. capa do livro Fabien Baron: Works 1983-2019, editado pela Phaidon.
Muitas pesquisas no Google e no Pinterest, muito copy/paste, e Em baixo, à esquerda: Calvin Klein CK One, design de produto, 2003,
tipografia, Futura, fotografia de Frederik Lieberath (à esquerda).
pouco trabalho com o cérebro. No fim de contas, a ideia é a única Tipografia, 2008 (à direita). Em baixo, à direita: Interview, direção
coisa que interessa. criativa, 2010. Fotografia de Mert Alas & Marcus Piggott. Interview,
Consegue folhear uma revista, ou ver um anúncio, sem julgar direção criativa, 2008. Fotografia de Mert Alas & Marcus Piggott.
a sua estética? Sinceramente, acho que é quase impossível não ter
uma opinião. Não que queira criticar ou diminuir o trabalho das
outras pessoas, mas é demasiado fácil, para mim, ver através de
tudo, ver a forma como as coisas foram feitas, e preciso de muito
para ficar impressionado. 
Quais considera serem os pontos altos da sua carreira? Se
tudo correr bem a minha carreira ainda está em andamento, ou
pelo menos é assim que encaro as coisas: para a frente. Nunca
penso sobre isso. Sou uma espécie de bulldozer. Gosto de trabalhar
e depois passar para o projeto seguinte com o mesmo entusiasmo.
Acho que foi por isso que demorei tanto tempo a tomar uma decisão
sobre o livro. Só a ideia de olhar para trás, para todo esse trabalho,
dava-me dores de cabeça. Se o livro parece mais intemporal do que
nostálgico, é porque o encarei como um novo projeto, e não como
um estudo sobre a minha carreira. Todas estas justaposições de
trabalhos novos e antigos dão-lhe um toque moderno, um novo olhar. 
O que é que vem a seguir? Já sentiu vontade de deixar tudo,
e descansar, ou tem outras coisas que deseja explorar, como
FOTOGRAFIA: GETTY IMAGES; D.R.
fazer uma longa-metragem? Na verdade, tenho tentado trabalhar
cada vez mais no cinema. Há algo a ser feito neste momento, um
filme. Além disso, dedico cada vez mais tempo real ao meu trabalho
pessoal, a publicá-lo e a mostrá-lo. É tudo muito emocionante. Tive
muita sorte, e estou muito agradecido por estar num lugar tão bom.
Esta edição é dedicada à arte. A seu ver, a Moda pode ser
uma forma de arte? Tudo, qualquer coisa é arte. Depende da
forma como se pinta. ●
vogue.pt 7 9
INVOGUE COR

De cor e salteado
Conseguimos ditar os seus nomes de coração e reconhecê-las a
quilómetros de distância. Não precisamos que ninguém nos diga a quem
é que elas pertencem e aquilo que elas significam. Mas qual é o verdadeiro
impacto de uma cor distintiva para uma marca de Moda? Por Mónica Bozinoski.

a sua fonte, se servir qualquer outra função significativa”. Questão:

é mesmo possível que uma só cor seja assim tão importante? “A
cor desempenha um papel importante na identidade visual de uma
marca, na medida em que ajuda a garantir uma distinção única.
Marcas como a Tiffany & Co., a Hermès e a Christian Louboutin,
que incorporam de forma sistemática as suas cores únicas no seu
marketing e nos seus produtos, criam uma associação muito clara
entre a marca e a cor da mesma”, defende Pressman. “Claro que
isto é muito conveniente para uma marca, especialmente para uma
marca de luxo, visto que realça a posição no mercado e promove a
força da casa e o valor de fazer estes produtos altamente cobiçados,
seja uma compra original ou de revenda. Isto também é útil para os
ntes de o mundo morrer de amores pelo millennial pink e consumidores, especialmente para aqueles
cair nas graças do cor-de-rosa Glossier, esse pigmento que querem ser associados com a imagem e
suave estampado em produtos de culto e pouches com o mantra de uma determinada marca, tendo
uma aura bubbly, já Elsa Schiaparelli tinha transformado em conta que estas marcas fizeram os seus
o Shocking Pink no seu tom de assinatura. Altamente produtos altamente identificáveis e fáceis
vibrante e impossível de passar despercebido, o tom de reconhecer no mercado.” A ideia da vi-
predileto da designer italiana ajudou não só a distinguir ce-presidente do Pantone Color Institute
as suas criações das paletas restritas que dominavam a é corroborada por Danilo Venturi, diretor
Moda nos anos 30, mas também a alterar a perceção que da Polimoda e brand management expert. “A
as pessoas tinham em relação à cor, particularmente em cor é muito importante para definir a iden-
relação ao cor-de-rosa. Apesar de maravilhosamente tidade de uma marca de Moda, e quando
chocante, o caso de Schiaparelli e do pigmento magenta que viria uma determinada cor faz parte do ADN
a associar-se para sempre à sua marca não é o único que nos faz da marca, torna-se fundamental”, começa
questionar o impacto que uma só cor consegue ter numa Maison por contar num e-mail. “A cor alavanca
e no reconhecimento da mesma, esteja ela a que distância estiver. sensibilidades psicológicas individuais e
Azul? Tiffany. Laranja? Hermès. Vermelho? Valentino. “Um dos coletivas e, portanto, liga a marca à per-
motivos pelos quais a cor é tão essencial à Moda é o facto de ser ceção que os consumidores têm dela. Esta
uma forma de expressão, que desempenha um papel fundamental importância deriva do facto da Moda ser
na forma como nos apresentamos ao mundo”, começa por explicar Moda quando traz um valor intangível ao
Laurie Pressman, vice-presidente do Pantone Color Institute, à Vogue utilizador, caso contrário é só roupa. As
Portugal. “Sem a cor, ou sem a distinção da cor, teríamos todos a marcas ajudam a definir a identidade dos
mesma aparência. Numa altura em que todos procuramos ser únicos, consumidores e, visto que a marca também
a cor é um ingrediente indispensável.” Tão indispensável que pode tem a sua própria identidade, é importante
chegar mesmo a representar uma marca registada – no início dos que ambas se reflitam uma à outra como
anos 90, a cor foi convidada a comparecer em tribunal para resolver um espelho, seja de uma forma idêntica ou
a disputa legal entre duas empresas norte-americanas, sendo que complementar. É por isso que introduzo a
FOTOGRAFIA: ISTOCK.

uma delas acusava a outra de ter criado os mesmos produtos no utilização de arquétipos no master course de
mesmo tom que o dos seus; no final, a justiça ditou que “a cor por Fashion Brand Management da Polimoda.
si só, em algumas circunstâncias, pode ir ao encontro dos requeri- Ser um Brand Manager na Moda significa
mentos legais básicos para uma marca registrada. Pode agir como compreender o subconsciente primeiro,
um símbolo que distingue os bens de uma empresa e que identifica como é traduzido para a superfície e, só

vogue.pt 8 1
INVOGUE COR
no final, como produzir, distribuir, comunicar e vender.” Mas qual
é o verdadeiro impacto de uma marca se associar a uma cor distin-
ta? “A identidade é individual”, defende Danilo Venturi. “Escolher
uma cor e a marca associada significa, primeiro, descartar todas
as outras, isto é, estabelecer aquilo que tu não és. Tendo em conta
que os seres humanos vivem em sociedade, definir a sua relação
com os outros e o conceito amplo de alteridade é fundamental. Na
sociedade, a cor associada a uma marca ajuda o consumidor a jogar
ao jogo da inclusão e exclusão, relacionado com um estatuto, com
uma tendência ou com a ideia de ser trendy.” E continua: “O mesmo
se aplica à originalidade. Quando a cor que usas é similar àquela
de uma marca, mas não necessariamente igual, isso significa que
tu também não és. Por último, a cor está associada ao storytelling,
não só da marca, mas também do imaginário
social. Por exemplo, se eu disser Fifty Shades
of Grey, o que é que te vem à cabeça? Dirias
que o cinzento, tão longe do óbvio vermelho,
poderia tornar-se num sinónimo de sensuali-
dade? E, mais uma vez, se o cinzento se tornar
a cor da sensualidade por causa de um filme,
o que acontece ao vermelho?”
se este vermelho – ou este cinzento,
quem sabe – for sinónimo de sen-
sualidade, poderá algum dos tons
que imediatamente associamos aos pilares
da indústria ser sinónimo de luxo? “Podía-
mos defender que algumas cores se tornaram
sinónimas do conceito de luxo. Tons metá-
licos e, claro, o preto, são bons exemplos de
cores ou acabamentos que entendemos como
caras. Em tempos, os vermelhos e os roxos
também eram consideradas cores luxuosas
devido aos custos dos seus ingredientes”,
defende Laurie Pressman, antes de apresen-
tar o outro lado da questão. “Contudo, não
sei se faria esta afirmação de que as cores
podem simbolizar o luxo, visto que as cores
refletem a cultura e aquilo que consideramos
ser luxuoso hoje pode ser bastante diferente
daquilo que pode acontecer no futuro. Hoje,
muita gente pode considerar a ausência de
cor como luxo, devido à sua aparência mi-
nimalista e homenagem ao meio ambiente,
“A COR É MUITO IMPORTANTE PARA
DEFINIR A IDENTIDADE DE UMA
MARCA DE MODA, E QUANDO UMA
DETERMINADA COR FAZ PARTE
DO ADN DA MARCA, TORNA-SE
FUNDAMENTAL” DANILO VENTURI
visto que é completamente natural e que não envolve a utilização
de tintas. Por outro lado, a utilização de uma cor particular por
parte de uma marca pode mudar a nossa perceção. Por exemplo,
quando a Hermès começou a usar o seu tom de laranja, este não
era considerado como uma cor luxuosa. E, mesmo hoje, não é co-
mum considerar um laranja, especialmente um laranja vivo, como
uma cor luxuosa. Mas a Hermès ajudou a criar isso.” Para Danilo
Venturi, “o luxo e a Moda podem cruzar-se, mas, intrinsecamente,
são duas coisas diferentes”. Como explica o brand management expert,
“a Moda relaciona-se com a mudança e o luxo com a estabilidade.
As cores tradicionais do luxo são o preto, o branco, o dourado e o
roxo, e todas elas vêm dos trajes religiosos. De facto, o luxo requer
um certo nível de rituais, algo que também é típico dos ambientes
religiosos. Dito isto, muito mais lentamente que a Moda, os valo-
res que definem o luxo na sociedade também podem ser alvo de
mudança.” E continua com um exemplo. “Se eu falar do sidereal grey
ou do rose gold, o que te vem à cabeça? A tecnologia de luxo, porque
estas são as cores introduzidas por uma marca de tecnologia cujo
estilo e qualidade é considerado superior quando comparada com
outras. Ainda assim, muitas pessoas acreditam que a introdução
de cores coincidiu com o decréscimo da exclusividade dessa mar-
ca. Muito antes da introdução desses novos pigmentos, que essa
marca tecnológica se tornou popular com o branco, a sua própria
cor icónica, de tal forma que influenciou a indústria dos carros de
luxo. Consegues lembrar-te de um mundo sem carros brancos?” É
possível que nenhum de nós se consiga lembrar de um mundo sem
carros brancos, da mesma forma que também é possível que nenhum
de nós se consiga lembrar de ícones como o vestido Chanel ou o
sobretudo Max Mara – dois ícones que, apesar de não terem uma
cor altamente distintiva, se associam a tons chave como o preto e
o camel. Poderá a “ausência” de cor ser boa para estas marcas? “A
Chanel e o little black dress andam de mãos dadas, tal como a Max
Mara e o sobretudo camel, mas também temos de considerar que
estas marcas têm muito mais para oferecer”, defende Pressman.
“Ainda assim, estas peças fundamentais são um símbolo forte
de cada uma delas. Quanto ao debate entre ausência de cor (por
exemplo, mais monocromático) e um tom mais vivo e arrojado,
penso que é bom para uma marca ter um estilo de assinatura ou
um visual de assinatura, visto que isto também ajuda a construir a
identidade e a equidade da marca.” Para Danilo Venturi, a questão
pode ir ainda mais além. “O camel é um pigmento que, a começar
pelo seu nome, te faz pensar em camelos, por isso é uma cor total.
De acordo com a teoria de Moda, deviam existir apenas duas não
cores, que são o preto e o branco. Mas isto é apenas uma teoria”,
diz o diretor da Polimoda. “Na prática, depois de Stanley Kubrick,
o branco pode ser uma cor muito violenta e, quando um pigmento
te faz pensar em alguma coisa, então é uma cor. Se considerarmos
o preto, hoje também conseguimos ter diferentes tipos de preto. O
preto de Versace é religioso, o de Dolce & Gabbana é um de postais
antigos, o de John Varvatos é punk e o de Yohji Yamamoto é um dos
elementos que define o avant garde dos anos 80 e 90. Na verdade, a
Moda japonesa tentou considerar uma espécie de preto saturado
como uma não cor, criada para haver mais foco na peça de roupa
enquanto conceito. Mas assim que começámos a associar esse preto
dessaturado ao avant garde, esse preto tornou-se numa cor também.
Mais recentemente, se olhares para softwares de retoque de fotografia,
o preto e o branco são considerados como alternativas à cor. Para
mim não é assim, tens apenas duas cores em vez de teres a paleta
inteira. Por isso, se me perguntares se a ausência de cor é boa ou
má para uma marca, a minha resposta é que não é boa nem má, é
simplesmente impossível.”
ão é difícil perceber esta impossibilidade de viver sem
cor. Seja a preto e branco ou numa paleta cromática que
desafia todo e qualquer limite, a cor faz-nos sonhar mais
alto. Mais do que isso, como defende Danilo Venturi, “a cor, tal
como a silhueta, os volumes, o corte e as decorações, é um dos
elementos que, partindo de uma peça de vestuário icónica ou de
uma coleção completa, pode causar mudança.” Não só pode causar
mudança como pode causar emoções, sensações e reações – mas
será que podemos afirmar que o tipo de cor usada por uma marca,
numa coleção ou numa peça, altera a perceção que temos da mes-
ma? “Numa primeira instância sim, podemos dizer que as cores
que uma marca usa nas suas coleções podem influenciar a forma
como olhamos para elas, e de certa forma existe algum conforto
nisso; mas tal não significa que as marcas
tenham de ficar presas num estilo particular
e que não se possam reinventar a si mesmas
ou, pelo menos, atualizarem a sua persona”,
defende a vice-presidente do Pantone Color
Institute. “Se voltarmos aos casos da Chanel
e da Max Mara, sim, são conhecidas pelo
LBD e pelo sobretudo camel, mas, em cada
estação, apresentam uma visão que vai muito
além, e penso que é por isso que continuam
a ter sucesso. Estas marcas sabem quem são,
constroem-se com base nisso e brincam à
volta – o que as mantém relevantes. A Gucci
e a Prada são bons exemplos disso, e até a
Louis Vuitton, que certamente encontrou
formas interessantes de apresentar um novo
look e, ao mesmo tempo, manter a sua he-
rança.” Sobre a mesma questão, o diretor da
Polimoda explica que, “no passado, quando
a sociedade era definida por dualismos (por
exemplo, homem/mulher, verão/inverno,
cidade/campo, ordem/desordem) era cer-
tamente assim. Formas clean e tons neutros
coincidiam com o minimalismo, enquanto o
exagero e as cores vivas coincidiam com o
maximalismo na Moda. Mas a Moda sempre
refletiu a sociedade e a sociedade de hoje,
depois do fim das ideologias, da globaliza-
ção e do advento da Internet, já não é sobre
dualidades, mas antes sobre contradição,
paradoxo e sincretismo”, defende Danilo
Venturi. “Uma das primeiras marcas a compreender e interpretar
estas mudanças foi a Prada. Se olhares para o vermelho da Marni,
é o contrário do minimalismo das suas formas, e se olhares para
o rosa da Gucci, é o contrário do seu maximalismo. Pessoalmente,
prefiro esta nova forma, oferece mais possibilidades criativas, mais
opções para a diversidade a um nível humano. Certamente que pre-
cisamos de mais educação para compreender o belíssimo caos que
a Moda é hoje, mas é precisamente por isso que as escolas de Moda
existem.” Uma coisa parece-nos bastante certa: nesse belíssimo
caos que é a Moda, nesse complexo sistema que é a indústria, nesse
incrível universo criativo em constante mudança, nesse mundo
que gira para nunca mais parar, existirá sempre cor. E essa cor,
independentemente da sua natureza, será sempre impactante. l
vogue.pt 8 3
INVOGUE SHOPPING

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vogue.pt 8 5
INVOGUE COLEÇÃO

Chiuri & Chicago:

a conversation
“E se as mulheres governassem o mundo?” Foi esta questão,
lançada pela icónica artista americana Judy Chicago, que serviu
de mote à apresentação das propostas primavera/verão 2020
Alta-Costura da Dior. O repto original, “What if Women Ruled the
World?” podia ler-se em vários elementos que deram vida à visão
criativa de Maria Grazia Chiuri, que volta a trazer para a arena da
Moda um dos temas centrais do século XXI: o feminismo. Por Ana Murcho.

Propostas da coleção primavera/

o final de janeiro, os jardins do Musée Rodin, em Paris,
verão 2020 Alta-Costura da Dior.
foram ocupados por uma gigantesca estrutura branca -
cerca de 15 metros de altura – que serviu de palco para a
apresentação da coleção de Alta-Costura da Dior para a
primavera/verão 2020. Apropriadamente apelidada The
Female Divine (numa tradução livre, o divino feminino),
a instalação foi especialmente projetada por Judy Chi-
cago, emblemática artista americana que ao longo de
uma extensa e bem sucedida carreira se tem batido pela
emancipação feminina. É um santuário, antes de mais,
porque representa uma homenagem a todas as mulheres
e ao seu poder ancestral – não é por acaso que bebe da figura de uma
deusa que Chicago projetou na década de 1970 e que nunca chegou
a construir. Talvez tenha sido por isso que a inspiração para esta
temporada tenha partido do título de uma exposição do MoMa, em
1994, assinada precisamente por Judy Chicago: “What if Women Ruled
the World?” (à letra, e se as mulheres governassem o mundo?). Foi essa
questão que serviu de fio condutor ao processo criativo de Maria Grazia
Chiuri, creative director da maison francesa, que mostrou vestidos de
noite que piscam o olho às túnicas que as mulheres da Grécia Antiga
usavam, no longínquo ano 500 a.C. (peplos), drapeados que seguem as
curvas do corpo, e casacos cujo corte acaricia a silhueta. É um allure
de modernidade intemporal, que mistura representações clássicas das
divindades, em particular Athena, deusa da sabedoria, com a inter-
venção em problemas mais amplos da sociedade, tornando-se numa
espécie de manifesto – como, de resto, tem sido recorrente desde que
Chiuri assumiu o leme da Dior. “Tenho uma certa responsabilidade no
meu papel como primeira mulher a chefiar a Dior”, assume a designer
à Vogue. E acrescenta: “Gosto de colaborar com artistas. Às vezes,
é importante colaborar com um artista que nos possa dar outros
pontos de vista sobre o nosso trabalho.” Nesse sentido, a decisão
de escolher Chicago não foi casual: “Sempre acompanhei com muito
FOTOGRAFIA: SARAH BLAIS.
As colaborações estão na génese de tudo o que Chiuri faz enquanto
primeira mulher à frente da centenária Casa francesa. Das agora virais
t-shirts “We should all be feminists” (frase retirada ao ensaio de Chima-
manda Ngozi Adichie) da sua primeira coleção, em 2016, passando
pelas camisolas que estampavam o título de um ensaio publicado por
Linda Nochlin em 1971, Why have there been no Great Women Artists?, um
ano depois, e pelas “nanas” (enormes esculturas femininas feitas em
lã) de Niki de Saint Phalle, que inspiraram a coleção primavera/verão
2018, a italiana tem sabido alinhar ativismo e Moda, numa dança
constante entre o que é belo e supérfluo, e o que é real e necessário.
“Acho que a roupa, em Moda e num sentido mais geral, é uma ferra-
menta que usamos para vestir os nossos corpos, mas também para
refletir sobre nós próprios. Acredito que através do meu papel [como
designer] posso contribuir para a consciencialização das gerações
mais jovens de mulheres, e para o surgimento de um novo processo
de emancipação ou, melhor ainda, de igualdade na diferença.” Maria
Grazia, que à altura desta entrevista estava em plena Semana de Moda
de Paris, assume que "esta coleção nasceu de um encontro entre a
força intelectual e a harmonia estética. Cada uma das técnicas usadas
conta uma história, que para mim representa a expressão mais alta da
feminilidade contemporânea.” Em termos práticos, é uma nova forma
de entender tanto a Alta-Costura como as necessidades das mulheres:
“Quando aplicado em tecidos deslumbrantes, o ouro simboliza o
poder exaltado da criatividade feminina. É isso que eu celebro nesta
coleção para a Dior, que honra um vínculo especial com o poder e
a majestosidade da cor; os brilhos dourados também iluminam as
faixas na decoração [concebida por] Judy Chicago para este desfile.”
As palavra-chave, aqui, são força intelectual e harmonia estética.

interesse o trabalho de Judy Chicago, uma artista importante não

apenas na história da Arte contemporânea, mas também pelas suas
ações em prol do empoderamento das mulheres. Dialogar com ela foi
incrível, porque ela não tem limites e pensa sempre de uma maneira
incomensurável. Ela não impõe limites a si mesma, o que é algo que
todas nós, mulheres, devemos fazer.” 

vogue.pt 8 7
INVOGUE COLEÇÃO
Mas dê-se a palavra à americana que ficou conhecida, entre outras,
pela série Atmospheres, que inclui Orange Atmosphere (1968), Purple
Atmosphere (1969), Immolation e Smoke Bodies (1972), onde se serve de
explosões pirotécnicas para criar jogos de cor que são, na verdade,
um grito para a condição feminina. “Este projeto proporcionou-me
uma das maiores oportunidades criativas da minha vida. Agradeço
a Maria Grazia, Olivier Bialobos e à Dior por este presente. Embora
tenha exigido meses intensos de trabalho para mim e para o Donald,
ficámos emocionados com a oportunidade, e o desafio, que este pro-
jeto significou.” O facto de a diretora criativa da Dior colaborar com
artistas femininas tornou-se um aliciante extra. "A Maria Grazia está
claramente a utilizar a sua posição como primeira diretora criativa
da Dior para ajudar as mulheres. Designers anteriores colaboraram
com artistas, mas nenhum, que eu saiba, trabalhou com mulheres
artistas da forma como ela o faz. Além disso, sei que ela apoia muitas
instituições em todo o mundo que ajudam mulheres, como a escola
de bordados Chanakya School of Craft, em Mumbai, na Índia, mas
o mais importante é que as suas roupas parecem estar libertas de
formas distorcidas e de sapatos de salto alto, que muitos designers
masculinos infligiram às mulheres em nome da liberdade criativa.”
No entanto, Chicago assume que, até recentemente, desconhecia
o trabalho de Maria Grazia. “Conheci a Maria Grazia quando ela
trouxe o meu marido, o fotógrafo Donald Woodman, a Paris, em
julho passado, para discutir uma possível colaboração. Antes disso,
tornei-me consciente do seu trabalho quando fui contactada pela re-
vista Frankfurter Allgemeine Quarterly sobre um artigo sobre ela que
envolvia dez mulheres que a tinham influenciado. Fiquei emocionada
e honrada ao perceber que era uma delas. Desde então, reunimo-nos
três vezes para discutir a nossa colaboração; uma vez quando ela e a
sua equipa vieram ao Novo México para trabalhar connosco, e duas
em Nova Iorque para examinar o andamento do trabalho.”  termos de significado. O desfile de Alta-Costura [aconteceu] dentro
omo foi o processo criativo? De onde veio a ideia de ape-
lidar a tudo isto The Female Divine? “Propus um conceito
a Maria Grazia: a 'divina mulher', uma vez que há muito
tempo me interesso em transformar a forma como as mulheres são
vistas – e, de facto, muitas mulheres consideram-se secundárias aos
homens. Na década de 70 criei The Dinner Party, uma obra monumental
que simboliza a história das mulheres na civilização ocidental e que
percorreu o mundo, foi vista por mais de um milhão de pessoas e
agora está em permanência no Brooklyn Museum. Restaurar essa
divindade para as mulheres era um dos objetivos do The Dinner Party
e era um dos meus objetivos para a minha colaboração com Maria
Grazia. O interior da estrutura era como uma capela, com um brilho
dourado e uma série de faixas em francês e inglês que levantavam
uma série de perguntas começando com ‘E se as mulheres governas-
sem o mundo?’ e explorar isso tornaria o mundo um lugar diferente,
mais equitativo.” Depois disso, foi pôr mãos à obra. “Fizemos uma
estrutura insuflável [em forma de] deusa com base numa escultura
que eu projetei na década de 70, e que nunca tive a oportunidade de
“LI MUITAS CRÍTICAS FEMINISTAS
SOBRE MODA E SOBRE COMO ELA
PODE OPRIMIR AS MULHERES. ESTAVA
CURIOSA PARA SABER SE ISSO
PODERIA SER ALTERADO; SE A MODA
PODE EMPODERAR AS MULHERES.
NISTO, ACREDITO QUE MARIA GRAZIA
E EU ESTAMOS ALINHADAS. "
JUDY CHICAGO
construir. Os espectadores entraram, literalmente, no corpo dessa
deusa e, tanto eles como as modelos, estavam envolvidos na luz
quente e dourada da sua divindade. O jantar [cuja decoração também
esteve a cargo de Chicago] realizou-se após o desfile de Alta-Costu-
ra, que realmente aconteceu, em contraste com a minha instalação
monumental no Brooklyn Museum, que é uma história simbólica Em cima, à esquerda: vista geral do cenário que recebeu
das mulheres na civilização ocidental. Projetei as chapas usando as a apresentação da coleção primavera/verão 2020
quatro cores básicas da instalação: roxo, magenta, vermelho e verde, Alta-Costura da Dior, concebido em colaboração com a
artista Judy Chicago. Em cima, à direita: Judy Chicago e a
que eram as cores básicas do motivo dos mille fleurs – a íris roxa; diretora criativa da maison francesa, Maria Grazia Chiuri.
magenta para violetas e verde para a folhagem. Essas cores foram
realizadas durante toda a instalação e também no design dos vestidos.
O desenho da espiral e da concha repetia os motivos na grande faixa
e que eram os primeiros símbolos da deusa.” Nenhum detalhe foi
deixado ao acaso, nem mesmo o tableware do jantar, que em breve
estará disponível nas lojas da Dior. Será isso mais uma prova de que
Moda e Arte estão interconectadas? Sobre isso, Chicago tem uma
posição clara: “Não penso em arte em termos de mensagem. Penso em
do corpo de uma deusa. Trata-se de contribuir para mudar as nossas
percepções sobre as mulheres. É sobre empoderar as mulheres. Tra-
ta-se de transformar a Moda de um veículo de opressão a um veículo
de empoderamento. E está a demonstrar que pode haver uma fusão
FOTOGRAFIA: KRISTEN PELOU; MORGAN O’DONOVAN; INES MANAI.
entre arte e Moda.” E acrescenta: “Li muitas críticas feministas sobre English version
Moda e sobre como ela pode oprimir as mulheres. Estava curiosa
para saber se isso poderia ser alterado; se a Moda pode empoderar
as mulheres. Nisto, acredito que Maria Grazia e eu estamos alinhadas.
Fiquei particularmente impressionada por ela ter decidido bordar
os banners [que caíam das paredes] numa escola da Índia que já
mencionei, que está a ensinar as mulheres para serem bordadeiras
profissionais. Este é um exemplo perfeito de como a Moda pode ter
um efeito positivo no mundo, nas roupas que são desenhadas e na
forma como a Alta-Costura é apresentada.” Afinal, o que aconteceria
se as mulheres governassem o mundo? A resposta de Maria Grazia
é peremptória: “Penso que se as mulheres governassem o mundo, o
significado de ‘poder’ seria muito diferente. As mulheres têm uma À esquerda, um dos banners idealizados por Chicago, onde se lê a frase
"What if Women Ruled the World?", em referência a uma exposição da
relação diferente com o poder, temos uma atitude mais comunitária.” artista, de 1994, com o mesmo nome. Em cima: A monumental escultura
Esta colaboração é apenas mais uma prova disso. l "The Female Divine", em pleno Musée Rodin, autoria da americana.
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INVOGUE MODA

A Academia da Musa
Obra de arte e artista. Objeto e criadora. Neste atelier, não há musa e
pintor, a musa é o pintor: fonte de inspiração e executante inspirador, foco
e ponto de vista, tela e pincel, ser criação e criar… os termos confundem-se
num corpo artístico que não acaba no sujeito nem começa no ilustrador;
o artista e a musa continuam incessantemente um no outro. Porque a obra
não vive sem o seu criador, e o criador não cria sem a sua inspiração.
Eles são unos. Como nestas páginas. Fotografia de Brendan Freeman. Styling de Kat Ambroziak.

Top em chiffon de seda, Acne Studios. Camisola em chiffon de seda, Alexandra Larrabure. Colar em cobre revestido a ródio, Moya.

vogue.pt 9 1
INVOGUE MODA INVOGUE MODA

Na página ao lado: casaco em camurça, Acne Studios. Saia em chiffon de seda, Alexandra Larrabure.
Calças em malha de lã e missangas, Kenzo. Brincos em madre pérola e prata, Mutter.

vogue.pt 9 3
INVOGUE MODA

Casaco em lã fria, Maison Margiela. Saia em jersey de algodão, Lecavalier. Sandálias em pele, Valentino.
Brincos em prata, Mutter. Anel em metal e quartzo, Acne Studios. Meias em algodão, da produção.
Na página ao lado: cardigã em lã, Miu Miu. Top e saia em crepe de seda, Jil Sander. Sapatos em pele e acetato,
Kiko Kostadinov x Camper. Brincos em cobre revestido a ródio, Moya. Meias em algodão, da produção.

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INVOGUE MODA INVOGUE MODA

Vestido em algodão e alfinete-de-ama em metal, ambos Louis Vuitton. Botas em pele,

Maison Margiela. Brincos em prata, Mutter. Na página ao lado: vestido em linho, Salvatore Ferragamo.

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INVOGUE MODA INVOGUE MODA

Na página ao lado: casaco em pele, Marni.

Modelo: Martina Boaretto @ Viva Model Management. Cabelos: Maki Tanaka. Maquilhagem: Yae Pascoe. Set Design: Kimberley Harding.
Assistente de set design: Ava Asaadi, Leah Freeman-Harding. Assistentes de fotografia: Tom Ortiz e Kristos Giourgas.
Assistentes de styling: Federica Murgia e Andrew Demetry. Editorial realizado em exclusivo para a Vogue Portugal.

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 LIFE
STYLE
ARTES
FOTOGRAFIA: GETTY IMAGES.

LIVING
DESIGN Câmara escura: cenário do desfile SS20, Chanel.
LIFESTYLE ROTEIRO

O que visitar, o que ler, o que fazer. Por Ana Murcho.

A arte está... em exibição nos melhores museus do mundo, de Londres

FOTOGRAFIA: YAYOI KUSAMA / CORTESIA DA TATE PHOTOGRAPHY; CHRISTO 1963 /CHRISTIAN BAUR, BASEL; KATRIN BAUMANN / NIKI CHARITABLE FOUNDATION; 2020 THE ANDY WARHOL FOUNDATION FOR THE VISUAL ARTS, INC; TOMIO OHASHI; D.R.
Foi um dos maiores artistas do final do século XX. Ainda hoje
a Nova Iorque, de Paris a Lisboa, via Düsseldorf. Estas são as exposições que não continua a influenciar gerações, tanto pelas suas obras como
pela persona que criou para si. Agora a Tate Modern, em Londres,
pode perder, ao longo do ano, seja porque ver as Marilyn’s de Andy Warhol nunca apresenta Andy Warhol, uma monumental retrospetiva do
é demais, ou porque os objetos que ocupam as nossas casas são mais do que americano que transformou latas de sopa Campbell e garrafas
simples peças decorativas – têm uma identidade que transcende a História. de Coca-Cola em peças de arte. Patente de 12 de março a 6 de
setembro. Informações sobre horário e bilhetes em tate.org.uk.

Portrait empaqueté,
de Jeanne-Claude, 1963. “As nossas casas são uma expressão da forma
como vivemos, elas moldam as nossas rotinas
diárias e afetam profundamente o nosso bem--
estar.” É este o mote para Home Stories – 100 Years,
20 Visionary Interiors, no Vitra Design Museum,
em Weil am Rhein, Alemanha, uma mostra que
pretende reabir a discussão entre o interior
privado contemporâneo (aka o nosso
lar) e a sua evolução. Os trabalhos
expostos falam por si. Aqui se
encontram obras de arquitetos como
Adolf Loos, Finn Juhl e de designers
como Elsie de Wolfe. Até 23 de
agosto. Saiba mais em design-museum.de.

Detalhe da instalação Infinity Mirrored Room-

– Filled with the Brilliance of Life, 2011/2017

Muito antes de o mundo ter descoberto, via

Instagram, as maravilhosas instalações e
pinturas de Yayoi Kusama, a artista japonesa já Em 2019, o mundo
contava com uma longa, e profícua, carreira – despediu-se de Peter
de nove décadas, para sermos precisos. Yayoi Lindbergh, o fotógrafo
Kusama: Infinity Rooms é a maior surpresa da alemão que, com as suas
Tate Modern, em Londres, para 2020. Teremos fotografias a preto e branco,
de esperar até maio para a abertura transformou a Moda num
Green Coca-Cola Bottles, 1962, Whitney
das portas, mas vai valer a pena. Os curiosos Museum of American Art, Nova Iorque. lugar etéreo. Agora é tempo
podem ir desvendando detalhes em tate.org.uk. de celebrar o seu legado,
numa exposição organizada
pelo próprio. A Kunst Palast,
em Düsseldorf, Alemanha,
acolhe até 1 de junho Peter
É uma das novidades do Lindbergh: Untold Stories,
Photo de la Hon repeinte, 1979. Detalhe da exposição Meet Vincent
MoMA PS1 para o calendário Van Gogh, criada pelo Van Gogh uma retrospetiva dos
cultural deste ano: uma Museum, em Amesterdão. seus melhores trabalhos,
retrospectiva da obra de retirados de publicações
Niki de Saint Phalle, artista, Em 1975, Christo e Jeanne-Claude, um dos como a Vogue, a Interview
feminista, ativista e visionária. casais de artistas mais reputados do século ou a Rolling Stone.
Niki de Saint Phalle: Structures XX, desenvolveram a ideia de envolver a Informação completa em
for Life abre a 5 de abril e fica Pont-Neuf, em Paris, numa tela de poliamida kunstpalast.de/em/home.
até 7 de setembro, atuando dourada, que cobria os lados e as abóbodas dos
como (mais uma) justificação 12 arcos da ponte, os parapeitos, as bordas e as
para voarmos até Nova Iorque. trilhas. Agora, a exposição Christo and Jeanne-
Todos os detalhes em moma.org. Claude Paris! passa esse projeto em revista,
e relembra o período parisiense da dupla,
entre 1958 e 1964. Para ver no Centre
Se ainda não voou até ao Terreiro das Missas, em Lisboa, para viver
Pompidou, entre 18 de março a 15 de junho.
Horários e preço de bilhetes em centrepompidou.fr. esta experiência na primeira pessoa, não hesite. Tem até ao final de
maio para mergulhar na magia de Meet Vincent Van Gogh. Resultado
de uma parceria com o Museu Van Gogh, em Amesterdão, esta é uma
viagem imersiva e multissensorial através da história de um dos mais Querelle Jansen,
conceituados pintores de sempre. Mais detalhes em meetvincent.com/lisbon. Paris, 2012.

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LIFESTYLE ROTEIRO

A arte está... na estante da sala, na mesa de cabeceira,

espalhada pelo chão e pelos recantos mais inesperados – no armário
da casa de banho, quem nunca? Os livros são a forma mais fácil
de acedermos ao mundo dos outros e estes falam-nos de mundos
tão alternativos, e especiais, que não os podemos deixar escapar.

BODIES OF LIGHT, SPECTRUM 26: ART: THE DEFINITIVE ROTHKO: THE

de Rob Woodcox, THE BEST IN VISUAL GUIDE, COLOR FIELD
Thought Catalog CONTEMPORARY de Andrew Graham- PAINTINGS, de Dore
Books (2020), € 55. FANTASTIC ART, Dixon, Dorling Ashton, Chronicle
de John Fleskes, Kindersley Ltd (2018), Books (2017), € 37.
Flesk Publications € 32,57.
(2019), € 45.

BETAK: FASHION ARCHITECTURAL

DAVID HOCKNEY,
SHOW REVOLUTION, 1000 RECORD DIGEST AT 100: A
A BIGGER BOOK,
de Alexandre de COVERS, de Michael CENTURY OF STYLE,
de David Hockney,
Betak e Sally Singer, Ochs, Taschen de Architectural
Taschen (2016),
Phaidon (2017), (2019), € 15. Digest, Abrams
€ 2.500.
€ 89.95. (2019), € 93,41.

INTERVIEW, 50
YEARS, de Bob
Colacello, Assouline
(2019), € 250.
CHRISTO AND
PABLO PICASSO: JEANNE-CLAUDE. ZAHA HADID.
THE IMPOSSIBLE TEMPORARY WONDERFUL COMPLETE WORKS
COLLECTION, PROJECTS, ETERNAL THINGS, de Tim 1979-TODAY. 2020
de Diana Widmaier IMPRESSIONS, Walker, Victoria & EDITION, de Philip
Picasso, Assouline de Paul Goldberger, Albert (2019), € 25. Jodidio, Taschen
(2019), € 820. Taschen (2019), (2020), € 50.
€ 150.

PETER MARINO -
ART ARCHITECTURE
(THE LUXURY
COLLECTION), de Brad
Goldfarb, Phaidon
(2016), € 300.

HENRY TAYLOR,
FOTOGRAFIA: D.R.

CHRISTIAN de Rachel Zaadi ART & QUEER

CINDY SHERMAN, LOUBOUTIN, THE Ghabsah, Zadie CULTURE,
de Erika Balsom e EXHIBITION[NIST], Smith, Sarah Lewis de Catherine Lord
Magda Keany, Rizzoli de Eric Reinhardt, e Charles Gaines, e Richard Meyer,
(2019), € 42,20. Rizzoli (2020), € 49. Rizzoli (2018), € 60. Phaidon (2019), € 35.

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LIFESTYLE ROTEIRO
Concebido como um espaço multicultural, aqui os eventos têm,
normalmente, um caráter imersivo, ou seja, tudo pode acontecer.
A ideia é colaborar, de forma estreita, com artistas e designers

A arte está... em pequenos espaços no coração da cidade, uns mais conhecidos nacionais e internacionais, promover o artesanato local e os
produtores, seguindo uma agenda onde a sustentabilidade tem a
que outros, todos em permanente ebulição. As galerias são a forma mais prática de primeira palavra. Sebastião Lobo inaugurou o local, em outubro
descobrir novos artistas, e de nos apaixonarmos por manifestações do inconsciente passado, muitos se lhe seguirão. Boa Lab, Rua da Boavista, 73, Lisboa.
tão maravilhosas que, por vezes, apenas precisam de uma parede onde se expor.

A história remonta a 2012, quando esta

galeria começou a apresentar projetos
expositivos em diferentes espaços O trabalho de Joanna Piotrowska
culturais da capital. Anos depois, em 2017, ocupava até há dias neste espaço,
assentou arraiais em Marvila e tornou-se ocupando paredes onde já estiveram
um dos destinos mais cobiçados daquela
zona da cidade. Vasco Araújo, João Pedro
Adrián Balseca, Rodrigo Hernández
Cortes, Tris Vonna-Michell e Carla Filipe ou Belén Uriel. Desde que abriu portas
são alguns dos nomes que já tiveram as em 2016, através da crença do italiano
suas obras por estas paredes. Adrien Matteo Consonni e do português
Missika é o senhor que se segue. Galeria
Francisco Fino, Rua Capitão Leitão, 76, Lisboa.
Gonçalo Jesus, todo um
mundo aconteceu, incluindo
uma primeira presença na
Arco Madrid, no ano seguinte. O conceito que motivou esta galeria
Galeria Madragoa, Rua Machadinho, 45, Lisboa.
é, em si mesmo, inovador. Porque
esta é uma plataforma online de arte
contemporânea, onde artistas e público
partilham inspiração. Fundada pelo
premiado curador Darko Stanic, tem
competições mensais onde é possível
explorar a arte em todas as suas
vertentes – vender, comprar,
descobrir, e alargar horizontes.
Galeria Art Room, Pátio do Tijolo, 1, Lisboa.
Benjamin Gothier é a mente por detrás deste
espaço. O arquiteto francês apaixonou-se por
Lisboa e decidiu mudar-se de armas e bagagens com
o intuito de promover o trabalho de artistas, tanto
portugueses como estrangeiros. Até final de março,
é possível ver Just Before We Begin, de Hugo Cantegrel.
Galeria Foco, Rua da Alegria, 34 R/C, Lisboa.

Há mais de cinco décadas que esta galeria, fundada por

Manuel de Brito, promove a apresentação de exposições de
um alargado conjunto de artistas nacionais e internacionais Por aqui respira-se arte. Pintura, escultura, vídeo, instalação...
– além de colaborar com instituições públicas e privadas na A representação e gestão de jovens artistas, em início de carreira, é
FOTOGRAFIA: D.R.

divulgação da arte portuguesa contemporânea. Os trabalhos de uma das mais-valias desta galeria, onde agora se expõe Out of Sight Out
Cristina Lamas, João Leonardo, e Alexandre Conefrey já por ali of Mind, de Hugo Brazão. Para maio, está prevista uma mostra coletiva,
passaram, até final de março é tempo de ver o que vai na alma prova de que a descoberta de talentos não encerra nem mesmo quando
de Pedro A. H. Paixão. Galeria 111, Rua Dr. João Soares, 5B, Lisboa. as luzes se apagam. Galeria Balcony, Rua Coronel Bento Roma, 12 A, Lisboa.

1 0 6 vogue.pt
LIFESTYLE VISITA GUIADA
om, na verdade, o melhor mesmo será optar pelos mais
confortáveis, porque o Palais de la Porte Dorée tem 1.300
metros quadrados e mais de uma dezena de salas, quase
todas tomadas de assalto pela criatividade de Louboutin
e companhia, cada uma mais elaborada do que a outra.
O melhor é libertar a agenda – e vai perceber porquê ao
longo desta tour guiada pelo próprio designer. “O facto
da exposição ser feita naquele museu não é um acaso.
Devo-lhe muito”, conta-nos, numa das suas frequentes
visitas a Lisboa, quando nos encontramos na moradia
palaciana que ocupa largos meses por ano para os lados
do Castelo de S. Jorge. “As primeiras vezes que fui [em jovem], co-
mecei a reparar que havia um pequeno cartaz com um perfil de um
sapato num esboço a negro e com uma cruz a vermelho, por cima.
E, como criança nos anos 70, não conseguia entender porque é que
aquele desenho estava ali. E depois percebi que o que mostrava era
um salto alto, que eu nem sabia que existia, e isso fez-me pensar: ‘é
assim que tudo começa – com um desenho. Podes desenhar algo que
não existe, que é um produto puramente da tua imaginação. Alguém
desenhou um sapato pontiagudo, com um estranho salto na parte
de trás e este sapato não existe.’ Eu não tinha consciência, na altura,
que este era o perfil de um clássico pump dos anos 50. E acabou por
se tornar na génese da minha obsessão por sapatos.” Um pontapé
de saída tão frutífero que, hoje, a carreira deste senhor que dispensa
apresentações já acumula quase 30 anos de vida e não vê reforma
à vista. É por isso que Christian Louboutin | L’Exhibicion[niste], a
exposição que é uma porta de entrada no mundo e no imaginário de
Christian Louboutin, e que abriu a 26 de fevereiro, “é uma celebração
do meu trabalho e não uma retrospetiva, porque eu ainda estou no
processo de criação, de trabalho, eu não estou a terminar o processo.
Representa o passado, o presente e, de certa maneira, leva-te até ao
futuro”. Aliás, a temporalidade mistura-se de uns tempos para os
outros, a começar pela morada que acolhe este projeto massivo com
treze áreas pensadas em modo go big or go home: “Praticamente tudo o
que fiz enquanto crescia, este museu ficava no caminho. Por isso, antes
de sequer entrar no edifício, eu já o conhecia, física e visualmente.
Quando finalmente decidi entrar… – porque é um edifício massivo
de 1931, deslumbrante e imponente, e, quando és miúdo, é um pouco
intimidante. Foi um amigo mais velho que me disse: ’vais adorar,
tens uma série de coisas para ver, há peixes e aquários…’, por isso
FOTOGRAFIA: PHILIPPE GARCIA.
eu comecei a ir por causa dos aquários. E depois, a pouco e pouco,
deixei de ter medo de entrar no edifício, ia sozinho e cada vez mais
aventureiro. Foi quando comecei a explorar o piso superior. Na altura,
chamava-se (…) Museu de Arte Africana e Oceânica e tinha todas estas
coleções de arte. Nunca tendo viajado para fora de França, esta era a
minha porta de entrada [a seguir aos livros do Tintim, confessa-nos]
para mundos diferentes, culturas diferentes. Por isso, este é um
High Heels Allowed
Quando tinha 10, 12 anos, Christian Louboutin viu, no museu que
fazia parte das suas commutes diárias, um aviso ilustrado com um pump
censurado. O alerta “no heels allowed" traria para a sua vida, para sempre,
os saltos altos, e aquele museu tornar-se-ia palco de uma mostra que é
muito mais que a história contínua das solas vermelhas. Para ver já – em
Paris – e levar os Louboutin mais vertiginosos que tiver. Por Sara Andrade.
espaço que me é muito querido desde tenra idade”, explica-nos, para
contextualizar como é que esta celebração do seu trabalho começou
a materializar-se. Depois de se envolver na restauração do espaço
que lhe era tão caro, a evolução até chegar à exposição em nome
próprio foi orgânica – e conta com espólio seu, mas também fruto
de colaborações ou simplesmente de outros artistas. “A exposição
é sobre a minha viagem enquanto criador – o antes, o durante e o
depois, sendo que o depois se prende com o trabalho que tenho feito
com artistas e artesãos, etc., mas definitivamente há muitos sapatos
dos meus 30 anos de carreira, acho que são cerca de 400 ou 500 pares
ou um sapato único. Alguns, é a primeira vez que estou a mostrá-los a
quem quer que seja, alguns foram inclusivamente criados só para esta
exposição, por isso, nunca existiram antes. Outros vêm do meu ateliê
em Paris, que são os que estou a imaginar e a criar neste momento,
e outros são exemplares que já deves ter visto ou ouvido falar.” E
continua: “quando eu comecei a pensar na exposição, apercebi-me de
que, por causa do local, era um projeto muito pessoal, falava do meu
trabalho, mas também de mim próprio. Por isso é que a exposição
se chama L’Exhibicion[niste], porque ser um ‘exibicionista’ significa
que te mostras e revelas muita coisa. Não é só aquela ideia de ser um
show off… É uma exposição que definitivamente fala de mim, do meu
trabalho, mas também das minhas influências, da minha infância, da
minha família… eu nunca fui a um psiquiatra nem nada do género,
mas de certa forma é uma análise de mim próprio, e eu acho que não
havia maneira de contornar o facto de ser feito numa morada que
estava intimamente ligada à minha infância. E muitas coisas estão
definitivamente ligadas à minha infância, até o meu trabalho.”
Cada tema/sala é resultado de um trabalho colaborativo, um aspeto
que não podia deixar de existir numa exposição com Christian: “uma
das coisas que estou sempre a fazer é a colaborar e trabalhar com
diferentes artistas e artesãos, por isso queria muito que esta expo-
sição também celebrasse aqueles que não tens necessariamente de
conhecer, mas são pessoas que são muito importantes para mim. O
meu trabalho sempre foi uma série de acidentes felizes. Eu sempre
trabalhei dessa forma, nunca fui muito decisivo no sentido de dizer
que quero fazer as coisas desta forma ou planeio fazê-las daquela
maneira. Por isso, ao longo da minha jornada, acabei por conhecer
coisas que me pareciam interessantes e que eu desconhecia, e essa
série de encontros, viagens, amizades, que mexem com o teu trabalho,
a tua mortalidade, o teu modo de pensar, basicamente, com quem tu
és, tornam-te melhor, tornam o teu trabalho melhor, mas tornam-te
acima de tudo uma pessoa melhor.” É por isso que a exposição ganha
não só dimensão verdadeira enquanto reflexo do modo de trabalhar
de Christian, mas também uma dimensão rica, com estes convidados
de Louboutin: “A decisão de ter estas pessoas tem diferentes pro-
pósitos. Alguns artesãos, eu adorava os seus trabalhos, e o meu pai
era artesão, por isso sempre fui curioso com os objetos devido ao
meu pai, e é verdade que nunca lhe dei os devidos créditos, porque
ele era um homem muito silencioso, por isso, sempre creditei mais a
minha mãe pelo modo como ela era feliz, sólida, sem me aperceber o
quão o meu pai me influenciava. Porque quando as pessoas são mais
caladas, enquanto criança, nunca pensas que o seu silêncio te está a
influenciar, achas que és mais influenciado pelo sol do que pela lua,
mas hoje toda a gente sabe que a lua também influencia os vegetais,
as marés, é apenas mais discreta. Por isso, enquanto miúdo, eu acre-
ditava mais nesta influencia visível do sol, realizando, entretanto,
que eu sou uma mistura da minha mãe enquanto sol e do meu pai
enquanto lua. Dito isto, tudo o que tem a ver com artesãos tem sido
importante para mim, porque eu vejo que me liga ao meu pai. Há
vogue.pt 1 0 9
LIFESTYLE VISITA GUIADA
alguns artesãos incríveis com quem tenho trabalhado e que tenho
encontrado, por isso quando chegou a altura de construir determi-
nadas peças, eu simplesmente não consegui deixar de pensar nestas
pessoas que foram importantes e, além disso, a arte da manufactura
sempre foi um grande laboratório para mim, onde crias algo que não
consegues repetir. É bom criares algo que não dá para duplicar. Vai
levar-te a outro lugar e nunca é desperdício de tempo fazeres algo
que é único. Por isso, na exposição, vais encontrar parte do meu
trabalho que consegui multiplicar, mas também algumas que foram
feitas apenas uma vez – há peças que nunca foram vistas, porque
foram apenas um teste em laboratório, coisas que tenho construído
e que me ajudaram a fazer outras coisas. Mas o primeiro passo, a
criação tridimensional, depois do esboço, colocou-me numa direção
para fazer outra coisa. Então, é essa parte do processo que também
mostro na exposição.”
Christian Louboutin | L’exhibixion[niste] está aberto ao público
desde 26 de fevereiro, mas, antes de ir a Paris, pode fazer a visita
guiada com o exibicionista, ele próprio – Christian Louboutin. Ladies
and gentlemen, right this way. Watch your step.
Early Years “A primeira sala chama-se Early Years e diz
respeito aos primeiros dez anos da minha carreira”, começa por
explicar o designer francês. “A maioria das salas tem uma espécie de
tema ou uma história; por vezes, é em torno de uma palavra, outras
em torno de uma ideia. E começa com esta primeira década, e, nessa
secção, apercebi-me que a minha obsessão, ao longo desse tempo
– e que tem sido contínua em todo o meu trabalho –, é a mesma
coisa: o primeiro amor que tive pelos meus sapatos, e o porquê, e a
inspiração por detrás deles teve sempre a ver com entertainers, com o
entretenimento, com tudo o que tem a ver com viagens, com tudo o
que tem a ver com couture e pequenos objetos, tudo o que tem a ver
com o feito à mão e o artesanato, inovação… todos estes temas já lá
estavam nos primeiros anos. E estão simbolizados através de vitrais.”
É a Maison du Vitrail que faz as honras de convidado e enumera,
nestes painéis em vidro pintado que, imponentes, colocam no espaço
um ambiente quase de catedral, os suportes criativos de Louboutin.
Fundada em 1973, é a única companhia em França a trabalhar com
vitrais de forma tradicional e chegaram até ao designer de acessórios
porque Christian quis representar sete pilares da sua criatividade. “Eu
tinha estado a trabalhar no desenho destes vitrais e foi esta Maison
que se responsabilizou por executá-los.” A vontade de usar técnicas
tradicionais e o savoir-faire centenário para criar estes sete murais
trouxe a Maison du Vitrail para dentro do Palais de la Porte Dorée,
agora exibida lado a lado com os primeiros sapatos que Christian
Louboutin desenhou antes de fundar a marca homónima.
Salle des Trèsors “Depois, na sala seguinte”, con-
tinua, olhando para o teto como se imaginasse as áreas daquele
palacete na sua mente e as percorresse virtualmente. “Trabalhei com
um espanhol de Sevilha, para o palanquim, que contactei através da
sua casa, a Orfebreria Villareal, que é um negócio de família que tem
fabricado palanquins e objetos em prata, mas principalmente aquelas
liteiras tradicionais da Semana Santa.” – diz “Semana Santa” num
português quase perfeito. O palanquim, neste caso, inteiramente
criado e esculpido à mão, é um objeto das cerimónias religiosas que
sempre fascinou o parisiense e é uma especialidade dos artesãos
em Sevilha. A obra comissionada para a exposição foi criada em
conjunto, entre Louboutin e os artesãos da Orfebreria Villareal,
uma das mais conceituadas em Espanha pelo trabalho com liteiras
e objetos de arte religiosos. “Para o topo desse
palanquim, criei um sapato de cristal, que é uma
escultura gigante e inacabada, que representa o
sapato, mas também o futuro, porque o meu sapato
preferido é sempre aquele que eu tenho em mente
e que ainda não terminei.”, revela. “Esta grande
escultura representa também o sapato enquanto
ícone, daí a ideia de tê-lo num palanquim. Porque
aquilo que me tenho apercebido é que os sapatos
se têm tornado, não só pequenos objetos de desejo,
ou símbolo de status, mas também motivo de ado-
ração. O que fiz foi, do palanquim, remover tudo
o que eram referências religiosas, como cruzes e
outros símbolos religiosos, mas mantive a aura, a
energia, de algo a que as pessoas prestam adoração.”
A acompanhar a liteira, Louboutin pediu ainda ao
seu amigo Sabyasachi Mukerjee, de Calcutá (Índia)
um designer de moda com quem costuma colaborar
e que conheceu numa viagem ao país, depois de ter
ficado deveras impressionado com a arquitetura
da sua loja em Mumbai, para criar os bordados
que adornam o palanquim nesta Sala dos Tesou-
ros. E “em torno de tudo”, acrescenta o criador,
“pedi a um ótimo e jovem arquiteto egípcio, Tarek
De cima para baixo: sinalética que deu Shamma, que tem vindo a construir uma espécie
origem à obsessão de Louboutin por de templo neo-azteca redondo onde haverá sapatos
sapatos. Christian Louboutin com 2 anos,
na Avenue Daumesnil, em Paris, e com em exposição. Há outro artesão com quem tenho
14 anos, à saída do colégio. Christian trabalhado: um fantástico pintor chamado Imran
Louboutin no Palais de La Porte Dorée. Qureshi, de Hyderabad, Paquistão, fez uma peça,
digamos assim, em que pega num sapato e cria uma
sala em torno dele – dessa forma, o sapato deixa
de ser um objeto e passa a ser uma personagem.
E é esta escultura em que quase que parece que o
sapato ganha vida – é difícil de explicar, mas lindo
de se olhar”, explica, deliciado.
Nudes Mesmo que não conheça o trabalho
de Louboutin a fundo, deve ter ouvido, pelo menos,
que o criador lançou já uma coleção em todos os
tons de pele em cabeçal envernizado. Não é por
isso de estranhar que Nudes não seja apenas uma
tonalidade, é também um conceito para uma sala in-
teira: “tenho colaborado com dois incríveis artistas
britânicos, Patrick Whitaker e Keir Malem (Whitaker & Malek) e eles
têm trabalhado em fibra de vidro e cabedal, por isso são os respon-
sáveis pelas lindas e sensuais esculturas criadas a pensar na ideia
FOTOGRAFIA: BERNARD FAUCON; CHRISTIAN LOUBOUTIN.
do cabedal, que imita os tons da pele.” A dupla criou seis esculturas
que representam uma parte deste espectro de tonalidades e a ligação
ao criador francês passa pela admiração de ambos pelo trabalho de
Allen Jones, escultor que os inspira e com quem Whitaker Malek já
trabalhou. Nesta sala, vai poder ver de perto a mestria do seu corpo
de trabalho, antes de entrar numa área que mostra de perto a mestria
do processo de criação de Christian Louboutin.
L’Atelier Há um artesão central que importa falar e, claro,
dedicar uma sala: Christian Louboutin. O lado artesanal da criação
do sapato coloca também a sua marca no espectro da tradição e,
por isso, uma divisão dedicada a esse processo de manufatura era
incontornável. Além de ser uma vertente óbvia do seu trabalho, é um
bastidor ao qual nem todos têm acesso: “quando trabalhas em Moda,
ficas com a impressão de que toda a gente conhece o teu trabalho, mas
a indústria da Moda é apenas uma ínfima parte do mundo de pessoas
que gostam de Moda. Eu ainda tenho consciência dessa realidade.
Pensa que podemos viver uns dos outros, mas se olhares para esta
indústria, ela é basicamente 2.000 ou 3.000 pessoas com acesso a
desfiles e showrooms… e achas que toda a gente já viu as tuas coisas?
Ninguém viu as tuas coisas. Esta exposição é também dedicada às
pessoas que adoram Moda, mas que não são profissionais da área
e que gostariam de saber mais sobre o processo, mas que não têm
necessariamente acesso a isso”, defende. “Por isso, quero muito que
esta exposição seja uma exposição popular, mas com um nível de
qualidade elevado. As pessoas por vezes associam a popularidade
a uma qualidade baixa, mas os conceitos não são mutualmente ex-
clusivos. Tenho consciência que as pessoas estão interessadas no
trabalho, mas não apenas no visível, querem saber como foi feito e
porquê, daí esta divisão chamada L’Atelier, onde podes ver, de uma
forma engraçada, como se criam os sapatos. Então, tudo isto está
nesta exibição para que as pessoas possam entrar no cérebro, mais
do que ver os bastidores do trabalho, de uma pessoa que não está
limitada a algo tão pequeno como um sapato”.
Suggestion & Projection “Há uma sala que
é uma abordagem ao trabalho de um fotógrafo francês chamado
Pierre Molinier, sempre adorei o trabalho dele. Mas o Molinier foi
muito controverso e, mesmo que ele tivesse uma boa relação com
os surrealistas, até os mestres do surrealismo, como André Breton,
mantinham a sua distância.” É assim que começa a sua descrição da
divisão Suggestion & Projection. “Ele fazia incríveis fotografias, com
uma demarcada tendência fetichista, que sempre adorei, porque são
uma forma de collage, mas aquilo que vejo é o efeito caleidoscópico;
não necessariamente o assunto da imagem, mas a forma e a profundi-
dade. Por isso, esta sala fala da forma, da profundidade e do quanto as
pessoas, frequentemente, quando olham para o trabalho de alguém,
estão a julgá-lo. Mas só o julgas de acordo com as tuas aceções, com o
que achas sobre ti próprio, por isso, essa sala chama-se ‘Sugestões e
Projeções’. A ideia por detrás disto é que tenho feito muitos sapatos
que têm sido considerados muito sensuais, quase bondage, por isso
as pessoas tendem a olhar para mim como alguém que está muito
ligado à sexualidade no seu extremo. É um ponto de vista, mas na
realidade eu nunca fui muito virado para isso. Por exemplo, a minha
paixão pela pele vem maioritariamente das artes decorativas. Mas não
me faz diferença que as pessoas tenham essa visão. Está tudo bem.”
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LIFESTYLE VISITA GUIADA

Théâtre Bhoutanais
Se até agora não lhe passou pela cabeça todo
o trabalho e iniciativa megalómana que se
encontra em exposição, esse pensamento
acontece em 3… 2… 1…: “há uma sala onde
todos os sapatos apresentados foram criados
a pensar em artistas, entertainers, ou pessoas
com as quais tenho colaborado – dançarinos,
atores, toda a gente, todo o mundo do entrete-
nimento, que tem tido uma grande influência
em mim. E esta divisão foi completamente
criada nas montanhas do Butão, em Thimphu,
a capital. E trouxemo-la depois fisicamente
até Paris, por isso, do Butão, desceu das mon-
tanhas até Calcutá, depois de barco fez toda
a costa até à Índia, depois subiu para norte,
até ao Paquistão, depois desceu até à costa de
Moçambique apenas para subir até ao canal
do Suez. Depois, quando chegou a França,
tínhamos greves, claro, por isso foi parada, e
teve de ir para a Holanda e depois da Holanda
foram preciso dois camiões massivos para
finalmente seguir para Paris, onde foi levada
para o Museu, local onde agora a estamos a
reconstruir.” Façamos uma pausa para digerir.
Afinal, esta exposição não toca só o tema das
viagens, as próprias obras são passageiros
frequentes. O resultado é impressionante,
mas não se esgota apenas na estrutura física:
“esta sala é um grande teatro, quase como
um cabaré chinês dos anos 30, uma versão
de Hollywood, com um grande palco, onde
terás dois espetáculos com hologramas, ou
seja, olhas para um show de imagens que desaparecem para depois
mostrar o rol de sapatos que dedico às artes do entretenimento.”
Um dos espetáculos planeados é sobre um street artist chamado Iya
Traore, um “futebolista, artista, trapezista… há um show com ele e a
sua bola de futebol”, coreografado pela atriz, realizadora, dançarina
e coreógrafa Blanca Li, que trabalha como coreógrafa nos filmes de
Pedro Almodóvar e é amiga de Christian Louboutin. O outro espe-
táculo é com a dançarina burlesca Dita Von Teese, amiga de longa
data do designer e com quem já trabalhou em diversas ocasiões. Ali,
naquele teatro butanês num palácio parisiense, a artista sediada em
Los Angeles, “atuará, versão holograma”, numa performance que mostra
“Dita a transformar-se noutra coisa”. E mais não diz.
Biographie A sala da Biographie “queria que fosse um
filme de uma artista neozelandesa, Lisa Reihana”. A primeira vez
que Louboutin descobriu o trabalho de Reihana foi quando a artista
representou a Nova Zelândia na Biennale de Veneza, em 2017. Na
de ter uma biografia… e ela criou uma bela peça, que é esta tela pa-
norâmica com 12 metros de comprimento, que acabou por não ser
uma biografia em si, o que para mim está tudo bem. O importante
é que ela se inspirou numa parte de mim que conhecia, numa parte
do meu trabalho e combinou-os nesta reverie [sonho], como lhe
chamou. Eu depois acabei por incluir uma biografia de uma forma
mais tradicional, que abre caminho para este trabalho de Reihana”.
Le Pop Corridor É já na reta final da exposição que
“surge o chamado Pop Corridor, que é um espaço com uma série de
coisas, não só fotografias, mas também pequenos elementos que se
prendem com o facto de eu estar associado, há já algum tempo, à
cultura pop”, elucida. “Na música, no cinema, há muitos documentos
através dos quais eu tenho participado ou onde o meu nome e o
meu trabalho têm sido mencionados, absorvidos”, conta, instigando
a ideia de um corredor com uma miscelânea de referências suas,
quase como um patchwork de clippings que colocam as suas obras de
arte nas bocas do mundo.
Fetish “Colaborei com o David Lynch, em 2007, 2008, numa
exposição, em Paris (depois tornou-se itinerante e viajou pelo mun-
do), e chamava-se Fetish. Por isso, pedi ao David que fotografasse
sapatos que eram muito ligados ao fetiche. E ele disse logo que sim e
perguntou-me que sapatos ia fotografar. E eu disse, ‘bem, eu tenho-os
na minha cabeça, mas se me dizes que sim a fotografá-los, eu vou
criá-los’. Foi assim que fizemos”, explica sobre a concretização de As icónicas solas vermelhas pelo ponto
de vista artístico de Jean-Vincent Simonet.
uma sala cujo nome recorda de imediato as formas dos seus sapa-
tos de salto alto. É Lynch que remata também as colaborações com
outros artistas e artesãos, antes de entrarmos no museu imaginário
de Louboutin, um compêndio de peças por si selecionadas que estão
ligadas a fontes de inspiração para o criador.
Un Musée Imaginaire É a “segunda parte da
exposição: vais ver peças diferentes que vêm de coleções privadas por ele [facilitando o empréstimo de peças].” E confessa que “o E eu dou-te um exemplo, (…) há um medalhão da Wedgewood na ex-
um pouco de todo o mundo, outras vêm de museus… mas é verdade processo de seleção das obras surgiu de forma muito natural, eu posição [marca que sempre adorou], datado de 1787, (…) e o Joshua
que às vezes senti que havia ali alguma peça em falta e pensava, ‘ah, comecei por pegar numa caneta e escrever tudo o que adorava e/ou Wedgewood, da segunda geração da família Wedgewood, costumava
adorava ter uma estátua de um determinado período porque isto que tinham tido um impacto no meu trabalho, e tentei – a lista era distribuir um pin quando fazia vendas, um lindo objeto nas cores da
ou aquilo’, por isso, acabei por comprar. Assim, de facto, há itens muito grande – editá-la até ficar só com o essencial, coisas que me marca, pela abolição da escravatura. Por vezes, as pessoas que gostam
que vêm da minha coleção particular e um dos grandes motivos trariam à memória de forma imediata histórias, esse foi o processo.” de objetos, de decoração, de arte, são consideradas fechadas no seu
impulsionadores foi ‘ok, é para a exposição’. Sempre que queria mundo, como se não se interessassem por mais nada ou como se
comprar alguma coisa, justificava-me, ‘Ok, não é para mim, é para a O Livro Mesmo que passe o dia no Palais de la porte Dorée, o fossem desatentas. E, para mim, este medalhão prova exatamente o
exposição’.” Para esta secção, em muito contribuiu a recruta do amigo rol de informação e conhecimento com que sai é tal que vai precisar contrário: aqui tens esta família super proeminente e que foi uma das
Olivier Gabet, curador do Musée dés Arts Décoratifs: “A exposição é de uma cábula para o fazer perdurar na sua mente. Para tudo o que mais relevantes na luta contra a escravatura. E é por aqui que acho
engendrada por um curador muito credível e deveras interessante, não ficar gravado na sua alma – será pouco, provavelmente –, há que a conversa foi muito além do meu trabalho.” O livro acaba por
que é o Olivier Gabet, que é o diretor do Musée des Arts Décoratifs, aquele souvenir que será em si uma obra de arte: um livro escrito por encerrar em si uma nova camada de aprofundamento deste mundo
ou seja, a especialidade dele não é Moda, mas ele sabe muito de Moda. Eric Reinhardt, editado pela Rizzoli, que inclui uma capa lenticular e que é a mente criativa de Christian Louboutin e que não se esgota
Graças ao Olivier, toda a parte do Musée Imaginaire foi orientada três conceitos nas suas páginas – uma visão do autor sobre algumas nas curvas com que desenha um Pigalle nem na tonalidade escarlate
das peças escolhidas por Louboutin para o Musée Imaginaire e a sua que denuncia a sua assinatura nas solas de cada um deles. É uma obra
ligação com o espólio da marca; imagens artísticas de uma seleção que complementa a exposição, mas que vive por si própria, como um
de solas vermelhas captadas pelo fotógrafo Jean Vincent Simonnet; pedaço do museu que leva consigo para casa.
FOTOGRAFIA: JEAN-VINCENT SIMONET.

altura, Christian viajou propositadamente para Auckland, para a
conhecer, e propôs-lhe participar na exposição onde agora assina
um mural digital com uma curta-metragem que recria a vida de
Christian e alguns momentos-chave da sua carreia. O duo chegou
mesmo a viajar para o Egito, Portugal e Champgillion para registar
alguns dos locais mais queridos para o criador. “Quando trabalhas
com artistas, podes dar-lhes umas diretrizes, mas depois cabe-lhes
a eles transformarem-nas nas suas próprias formas de expressão; eu
nunca lhe disse quero isto ou quero aquilo, só lhe disse que gostava
Visite L’Exhibicion[niste] em mais imagens.
Also, see the video for the english version.
e cinco pequenos livros focados nos Nudes, na cápsula Fetish, nos
vitrais, no palanquim e nos padrões inspirados em Pierre Molinier.
“Reinhardt, quando falámos a primeira vez, disse-me que queria
falar de objetos, porque sempre que falávamos – e conheço o Eric
há muitos anos – de objetos, eles iam parar ao meu trabalho. E eram
esses momentos que ele queria apanhar, os momentos primários, da
inspiração e o que sai daí, sobre o que está na minha cabeça, acima de
tudo, a viagem que começa na cabeça e que acaba por se tornar num
design. (…) De certa forma, de algo físico, queria perceber o momentum.
Volte sempre “Eu já me apercebi que sou muito influen-
ciável. Quando alguém me diz alguma coisa, eu tendo a ouvi-la. Mas
não no meu trabalho. Quando estás a criar algo, tens de ter cuidado
para não ser tão influenciado, ou ficas diluído. Eu não sou um control
freak, mas controlei tudo, sim, discutindo questões com as pessoas,
mas quando se tratava de tomar uma decisão, foi sempre minha.” E
a decisão de visitar L’Exhibicion[niste] também está tomada. Porque
nós somos fracos e já fomos influenciados por esta tour verbalizada. l

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LIFESTYLE PORTEFÓLIO

ctrl-X, ctrl-V
Lola Dupré dedicou a vida ao corte e à cola para as suas collages
artísticas. Seja através da forma tradicional, tesoura, papel
e cola, fosse através de atalhos no computador, usando os
recursos digitais contemporâneos, o resultado são imagens
surrealistas capazes de fazer cair o queixo, multiplicar os olhos
e trocar os membros a qualquer mestre dadaísta. Por Sara Andrade.

Em cima: Marie Bashkirtseff. Na página ao lado: Hari Santana With Joao Miguel Santana.

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LIFESTYLE PORTEFÓLIO
ste texto podia começar de uma forma biográfica, mencio-
nando o seu local de nascimento, data, filiação… Mas no caso
de Dupré em particular, essa informação é residual numa
vida passada a saltitar entre países e a absorver as suas
culturas. Lola Dupré é uma original do mundo e intemporal
nas suas criações, ao imaginar cenários que podiam ser tão
contemporâneos de Dalí como do século XXI, como, adivi-
nhamos sem reservas, de um novo milénio que ainda estará
para vir. É engraçado, porque fala com doçura e sapiência,
mas emprega frequentemente com alguma delícia adjetivos
como grotesco e bizarro. É surreal – daquele que nos capta
o olhar e rapta a imaginação. Porque o que não é estranho em Lola
é que, de todas as viagens que fez e lugares que visitou, o mais belo
mundo é o que cria nas suas collages.
Como é que começou a interessar-se e a fazer este tipo de
arte? Como é que tudo começou? Eu sempre adorei coisas belas e
incomuns, coisas lindas e estranhas para olhar e experienciar. Quando
era jovem, os prints de arte que os meus pais expunham em casa foram
uma grande inspiração para mim. Eu queria criar obras lindas que
chocassem, fossem até aterradoras. Eu costumava fazer esculturas
bizarras e desenhava também pequenos e chiques monstros engra-
çados no meu bloco de notas, a partir de recortes, como uma collage.
Isto rapidamente se tornou o meu foco.  workaholic, estou sempre a trabalhar. Normalmente prefiro a peça mais
Li que se inspira em movimentos como o dadaísmo, o surrealis-
mo e que os combina com as técnicas digitais contemporâneas.
Que referências tem desses géneros artísticos e o que lhe apelou
tanto neles? Eu amo coisas estranhas, o surrealismo em geral e a
louca justaposição do Dada mexeu com o meu âmago. O surrealismo
mostrou-me que a arte podia ser chocante, sensual, e parecia-me ser
um espaço onde a Arte se podia cruzar com a Moda e a Literatura.
O mundo moderno é perfeito para aplicar a collage, se é em papel ou
digital, é indiferente. O conteúdo na imagem é relevante. O mundo está
cheio de imagens artísticas, de publicidade, de intervenção. Eu trabalho
sempre com papel, mas é só o caminho que a vida traçou para mim.
O que acha que o digital e as técnicas contemporâneas trou-
xeram de novo às collages? Acho que o meio não interessa, é-me
indiferente se é feito digitalmente ou em papel, importa-me se é belo
e interessante. Eu na verdade adoro o mundo digital e a arte digital e
o modo como a arte é partilhada um milhão de vezes em social media.
É uma libertação de ideias.
Fale-nos um pouco do seu processo criativo e de produção.
Quanto tempo demora a ter uma obra feita? Bem, eu só uso papel
e cola, tudo o que faço é feito com papel. Encontro uma imagem que me
inspire e corto-a como se não houvesse amanhã. Eu tento criar uma
nova imagem, mas que de certa forma ainda te faça lembrar a versão
original. Todas as peças têm um tempo de produção diferente. Mas
o tempo interessa? Acho que o tempo que leva não interessa. Como
cortas o papel é o que é importante.
Quais são os principais protagonistas nas suas collages e o que
pode inspirá-la a criar uma nova obra? Eu inspiro-me muito na
Moda, em [coisas] vintage, noutros artistas. Para ser franca, tudo
me inspira, na verdade, a inspiração é como o ar que respiro. Tenho
tantas ideias na minha cabeça, mas só consigo fazer uma pequena
percentagem delas. Uma grande fonte de inspiração, para mim, é
colaborar com fotógrafos em projetos conjuntos. Isso dá vida extra
e entusiasmo ao trabalho.
Li que está ou já esteve sediada em Portugal – é verdade?
Como é que Portugal se tornou um local de trabalho e em
que cidades esteve? Passei algum tempo em Coimbra e no Porto,
também no centro – Lousã, Gois, Vila Nova do Ceira… nas montanhas,
mas também em cidades. Eu morei em Espanha, França, Portugal,
Irlanda, agora estou na Escócia, mas não para sempre. Eu penso em
voltar para Portugal um dia, se conseguir.
Conte-nos mais sobre todas essas viagens e essas origens.
Como se tornou assim uma cidadã do mundo e como é que
esses itinerários influenciaram o seu trabalho? Eu agora estou
na Escócia, mas viajei imenso quando era jovem, também. Acho que
estar ciente de que há diferentes sítios no mundo onde as pessoas
vivem de formas diferentes me tem ajudado em todos os aspetos da
vida, não só no profissional. Para o trabalho, acho que me ajudou muito
a compreender “o que é normal” e o que é que é apenas particular a
determinada cidade ou país. Apreciar as diferenças ou semelhanças é
compreender melhor o nosso lugar no mundo.
Tem alguma peça sua que lhe diga mais ou que tenha algum
significado especial para si? Nem por isso. Eu sou uma espécie de
recente que fiz, depois tento esquecê-la e seguir em frente.
Já alguma vez criou uma peça que decidiu que nunca iria vender?
Nunca, está tudo para venda. Fiz milhares de collages e acho que só
tenho umas 15, de momento. Tudo o resto vendi, ofereci ou, por vezes,
se não estou contente com o resultado, destruí. Tudo está disponível
para compra porque preciso de comer e alugar casa. Mas também
porque estou muito feliz e lisonjeada por poder partilhar o meu tra-
balho com o mundo.
Costuma comprar obras de arte de outros artistas? Qual foi
o último que comprou? Já há alguns anos que não compro, tenho
uma pequena coleção de peças de amigos que colecionei ao longo do
tempo. Mas de uma maneira geral tento não colecionar muita coisa,
quero viajar de forma leve. Não quero imensas possessões porque
dificulta as viagens.
Qual é a sua peça de arte favorita, uma que gostaria de ter,
se o dinheiro ou acesso não fossem uma questão? Adoro
o trabalho grotesco e bizarro de Bosch, Arcimboldo.. Algo dark,
floral e lindo deles seria ótimo… Não tenho assim uma peça em
particular que me venha à mente. ●
Hammerhead after Rosalba Carriera.
English version
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LIFESTYLE PORTEFÓLIO

Em cima: Untitled Portrait With Tre And Elmaz. Na página ao lado: Yma Sumac.

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LIFESTYLE PORTEFÓLIO

Em cima: Vivien Leigh. Na página ao lado: Untitled Portrait, Lola Dupre & Tre Koch.

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LIFESTYLE PORTEFÓLIO

Em cima: Wake Up St Pancras. Na página ao lado: Chica Desnuda En La Playa.

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LIFESTYLE PORTEFÓLIO

Em cima: After Serge Lutens. Na página ao lado: After Kensai Yamamoto Aw 1979 1980 Worn By Sayoko Yamaguchi By Paul Van Riel.

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LIFESTYLE HISTÓRIA
Who run the
(art) world?*
Em 2009, a crítica de arte do jornal britânico Observer escreveu, a
propósito de uma exposição na Ikon Gallery, em Birmingham: “Carmen
Herrera é a descoberta do ano – da década... Como é possível termos
perdido estas composições brilhantes?” A jornalista referia-se à extensa
(e desconhecida) obra da artista cubano-americana, que vendeu o primeiro
quadro em 2004. Na altura tinha 89 anos. Hoje tem 104 e é unanimemente
considerada uma das vozes mais brilhantes do minimalismo e do
abstracionismo. Infelizmente, a sua história não é única. Por Ana Murcho.
uando abriu as portas da sua casa, em downtown Manhattan,
para uma conversa com o The Guardian, Carmen Herre-
ra já era um nome estabelecido no panteão das artes. O
reconhecimento tardou a chegar (a repórter relembra, a
dada altura, que se não tivesse vivido “tanto tempo” nunca
poderia ter aproveitado o sucesso), mas por aqueles dias a
mulher, natural de Havana, Cuba, falava com uma segurança
quase indiferente às opiniões alheias. Este é o seu período
de maior integridade artística, sugerem os entendidos
com uma convicção que desafia o século de vida da artista
– aquando da entrevista tinha 101 anos; em maio, e se o
destino continuar a desafiar a eternidade, fará 105. Ela, por
seu lado, ironiza o facto de as suas obras se venderem por milhares de
dólares. “Bom trabalho”, afirma, “é que não é barato envelhecer.” Feroz
opositora de Picasso (“Não gosto de Picasso, ele é perigoso. Matisse é
uma boa pessoa”), garante que o seu percurso, que aparenta um final
mais-ou-menos-feliz, não é uma inspiração (“Não sou uma professora.
Um exemplo, talvez; uma professora não”) e que os homens sempre
controlaram “tudo”. “Eles eram melhores do que eu a perceber as
regras do jogo, o que fazer, e quando o fazer. Eles perceberam [como
funcionava] o sistema das galerias, o sistema dos colecionadores, o
sistema dos museus, e eu não tinha essa personalidade.” A história
deu-lhe razão. Na imprensa, a primeira referência ao seu trabalho
surgiu em 1998, uma pequena review de uma mostra coletiva dedicada
à arte latino-americana. Quando finalmente vendeu um quadro, em
2004, teve direito a uma nota de rodapé no The New York Times. E
depois a sua carreira explodiu.
Catharina van Hemessen. Lavinia Fontana. Artemisia Gentileschi.
Anne Seymour Damer. Louise Elisabeth Vigée Le Brun. Berthe Morisot.
Lyubov Popova. Hannah Höch. Luchita Hurtado. Procure estes nomes
em qualquer conversa de café, e o mais provável é que as reações sejam
de estranheza. Afinal de contas, o mundo esqueceu que foi Catharina
(1528-1587) a primeira artista a fazer um autorretrato de um criati-
vo em plena ebulição – acabou por se tornar uma das artistas mais
famosas do seu país, para o que muito contribuiu o apoio da rainha
regente da Holanda – e que Lavinia (1552-1614) foi a primeira pintora
italiana a trabalhar fora de um contexto religioso, isto é, das paredes
de um convento. E foi o mundo, também, que apagou das parangonas
o facto de Artemisia (1593-1624), apelidada de “Caravaggio, versão
feminina”, ter sido a primeira mulher a fazer parte da Accademia di
Arte del Disegno, em Florença. E que ignorou a proeza de Anne (1747-
1828), um dos primeiros vultos da escultura, normalmente renegada
para os homens devido à força necessária para manipular materiais
e ferramentas, de Louise (1755-1842), retratista oficial de Luís XVI e
de Marie Antoinette, e de Berthe (1841-1895), primeiro membro do
sexo feminino a ser aceite nos circuitos impressionistas. Tudo isto
era suficientemente trágico, mas o mundo também desdenhou Lyubov
(1889-1924), para muitos a fundadora do construtivismo russo, e Han-
nah (1889-1978), feminista assumida e uma das criadoras da técnica
de fotomontagem. E assim chegamos a Luchita, 99 anos, recipiente de
uma exposição retrospetiva no Lacma, em Los Angeles – a primeira que
Persimmon, Andrea Torres Balaguer.
lhe oferece a dimensão internacional que nunca conseguiu em 80 anos
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LIFESTYLE HISTÓRIA
de carreira. Em 2018, na mostra “Made in L.A.”, patente no Hammer
Museum, alguns visitantes perguntaram aos curadores se a data de
nascimento de Hurtado estava correta, tendo em conta a contempo-
raneidade da sua obra. “É impossível que a pintora que dá pelo nome
de Luchita Hurtado tenha nascido em 1920.” E, no entanto, é verdade.
“O problema não reside tanto no conceito que algumas feministas
têm do que é a feminilidade, mas antes no equívoco – compartilhado
com o público em geral – sobre o que a sua arte é: a ideia ingénua de
que a arte é a expressão direta, e pessoal, das experiências emocionais
do indivíduos, uma tradução da vida pessoal em termos visuais. A arte
quase nunca é isso, a grande arte nunca é. A criação de arte depende
[da existência] de uma linguagem autoconsciente da forma, que é mais
ou menos dependente, ou livre, dadas as convenções, os esquemas e
os sistemas de notação temporariamente definidos, e que têm de ser
apreendidos ou trabalhados, seja por meio do ensino, da aprendizagem
ou de um longo período de experimentação individual. A linguagem
da arte é, em termos materiais, incorporada em tinta e linha, em tela
ou papel, em pedra ou argila ou plástico ou metal – não é uma história
triste nem um sussurro confidencial.” As palavras pertencem a Linda
Nochlin e ao seu ensaio Why Have There Been No Great Women Artists?,
publicado em 1971, onde a historiadora americana refletia sobre os
obstáculos institucionais, em oposição aos pessoais, que impediram
as mulheres de atingirem a excelência no mundo da arte. Nesse texto,
considerado leitura fundamental do paradigma feminista que explodiu
no final do século XX, Nochlin relembra: “O facto é que não existem
artistas mulheres extremamente grandes, tanto quanto sabemos,
embora existam muitas interessantes e muito boas, que permanecem
insuficientemente investigadas ou apreciadas. […] Não há mulheres
equivalentes para Michelangelo ou Rembrandt, Delacroix ou Cézanne,
Picasso ou Matisse, nem mesmo, mais recentemente, para de Kooning
ou Warhol.” Por isso, refere a autora, há que repensar a pergunta
English version
‘porque é que não houve grandes artistas mulheres?’, que é apenas “a
ponta de um iceberg de más interpretações e equívocos; debaixo dele
existe um vasto e sombrio leque de ideias sobre a natureza da arte e a
sua situação concomitante, sobre a natureza das habilidades humanas
em geral e da excelência em particular, e o papel que a ordem social
desempenha em tudo isso.”  de facto, sempre houve obras de arte pastel/com centros abertos,
ancy G. Heller é professora de História de Arte Moderna e
Contemporânea na School of Critical Studies, University
of the Arts, em Filadélfia, e autora do livro Women Artists:
An Illustrated Story. É com a sua ajuda que tentamos perceber como se
justifica o esquecimento a que têm sido renegadas as mulheres artis-
tas. “Julgo poder falar principalmente sobre a situação nos Estados
Unidos e na Europa, onde diria que a fonte do problema é cultural – e
envolve, inevitavelmente, questões de género. Ao longo da minha vida
observei, e fui afetada, pela tendência que a maioria das instituições
(criadas e administradas por homens) têm de subestimar firmemente
o trabalho realizado por mulheres em várias esferas, incluindo as ar-
tes. Um exemplo infame nos EUA é a Mary Boone Gallery, um espaço
de prestígio, em Nova Iorque, onde se vende arte contemporânea de
valores consideráveis. Ao longo dos anos 80, Boone [fundadora da
galeria] foi questionada, repetidas vezes, porque é que não apresentava
trabalhos de artistas mulheres. Ela respondeu: ‘Porque o trabalho
das mulheres não vende.’ Ela, claramente, não podia vender obras de
artistas mulheres se não as exibisse, e a sua atitude (como uma das
mulheres mais poderosas e influentes da área) causou danos terríveis
por muito tempo.” Recordamos-lhe o ensaio de Nochlin. Queremos
saber se continua pertinente. “O ensaio de Nochlin, que entretanto se
tornou um clássico, sugeria que embora existissem várias ‘boas’ mu-
lheres artistas, nenhuma se qualificava como ‘grande’ – precisamente
porque a definição de ‘grande’ artista exigia que o indivíduo fizesse o
que a maioria das mulheres não podia fazer (por exemplo, ser admi-
tido e estudar numa academia nacional de belas artes; passar anos a
trabalhar com modelos nus). E depois, é claro, como muitas mulheres
escolhem casar e ter filhos, as exigências com a sua criatividade, e com
o seu tempo, têm sido historicamente maiores do que as impostas nos
homens, ou nas mulheres, sem filhos. Por outras palavras, o problema
está na palavra ‘ótimo’, não nas mulheres artistas.” 
Faz sentido, então, afirmar que o trabalho artístico das mulheres
é na sua génese, e obrigatoriamente, diferente do trabalho feito por
homens? “Pessoalmente, nunca acreditei que o género de um artista
"NÃO HÁ MULHERES EQUIVALENTES
PARA MICHELANGELO OU
REMBRANDT, DELACROIX OU
CÉZANNE, PICASSO OU MATISSE,
NEM MESMO, MAIS RECENTEMENTE,
PARA DE KOONING OU WARHOL.”
LINDA NOCHLIN
tenha de ser refletido no seu trabalho. Houve uma altura nos EUA,
durante a década de 70, em que algumas feministas acreditavam que
todo o trabalho feito por mulheres era facilmente identificável – porque
havia uma tendência para usar cores pastel, ‘centros abertos’ (como
vaginas) e dava-se muito ênfase à delicadeza [das proporções]. Mas,
delicadas, feitas por artistas de todos os géneros, e há excelentes
exemplos de trabalhos sem nenhuma dessas características, feitos
por mulheres, desde o século XVI.” Basta pensarmos na obra de
Georgia O’Keeffe ou Bridget Riley para que o argumento da delicadeza
caia por terra. Ainda assim, o mundo da arte parece estar cada vez
mais receptivo a artistas mulheres. “Com base no que li, e observei,
diria que o mundo da arte (novamente nos EUA e na Europa) está, de
facto, mais female-friendly do que em épocas anteriores… Mas o campo
está longe de ser igualitário. O melhor índice de que as coisas estão a
melhorar, e de quão longe ainda têm de chegar, pode ser encontrado
no site The Guerrilla Girls, um grupo de artistas anónimas que, desde
1985, coleciona dados exatos nesse ponto, e os divulga através de
posters, manifestações políticas, livros, filmes e palestras.”
s números não são animadores. Savaldor Mundi, de Leo-
nardo da Vinci é, tanto quanto se sabe, o quadro mais caro
alguma vez vendido. Por ele foram pagos, em novembro
de 2017, cerca de 450 milhões de dólares. O top dos artistas mais bem
cotados inclui velhos conhecidos (Van Gogh, Picasso e Andy Warhol
surgem mais do que uma vez) mas empurra para o fim da lista as
mulheres – as que se podem dar ao luxo de pertencer a este clube
de cavalheiros. Neste campeonato, Georgia O’Keeffe sai claramente
vencedora. A sua obra Jimson Weed/White Flower No.1 foi adquirida pelo
Crystal Bridges Museum of American Art, em 2014, por qualquer
coisa como 48 milhões de dólares. Uma diferença abissal para os 133
milhões dados por The Scream, de Edward Munch e para os 80 milhões
que valeu, em 2010, La Belle Romaine, de Amedeo Modigliani. Será o
dinheiro o melhor barómetro para decidir a qualidade, e o génio, de
alguém? O caso de Carmen Herrera é paradigmático: como podemos
ignorar pessoas tão talentosas, independentemente do seu sexo?
“Como refere, Carmen Herrera é um excelente exemplo de uma artista
feminina maravilhosa que só recebeu reconhecimento significativo
muito tarde na vida. Mas não acho que possamos realmente dizer
que o sexo dela foi a única razão para esse infeliz atraso. Parece-me
que existem muitas razões diferentes, muitas delas ilógicas e possi-
velmente desconhecidas, para que um determinado trabalho alcance
fama generalizada e sucesso financeiro. Nos Estados Unidos, entre os
artistas da Pop Art, por exemplo, Marisol Escobar foi bem-sucedida
e bem conhecida no início dos anos 60 (talvez, em parte, porque
era sofisticada e glamorosa, e não apenas porque era uma criadora
inteligente de sátira original), enquanto Dorothy Grebenak teve al-
gum sucesso nos anos 60, mas desapareceu da memória da maioria
da pessoas, pouco depois – provavelmente, porque trabalhava com
tapetes com ganchos (considerados ‘menos importantes’ do que a
pintura ou a escultura) e porque depois do seu marido morrer, em
1971, se mudou de Nova Iorque para Londres. Além disso, devemos
lembrar-nos que a grande maioria dos artistas, homens, mulheres
ou não-binários, raramente obtém sucesso com o seu trabalho, por
mais maravilhoso que seja. As tendências, a economia, a geografia
e a pura sorte também conta nessa equação.” No final da conversa
mencionada no início deste texto, realizada quando a entrevistada
ainda tinha “apenas” 101 anos, a jornalista aproveitou para pergun-
tar a Carmen Herrera quem era a sua artista preferida de todos os
tempos. “Carmen Herrera”, respondeu. “Sim, a Carmen Herrera é a
minha preferida.” Nem mais. l
* Men. Os homens. Mas, espera-se, não será por muito tempo.
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LIFESTYLE MECENATO
Arte e facto
Arte: atividade humana com um cunho estético e/ou comunicativo que se
manifesta sob uma variedade de linguagens como a arquitetura, a escrita,
a música, a dança, o cinema, entre outros. Facto: o programa Mentor & Protegé
da Rolex tem enriquecido a Arte em todas as suas linguagens. Por Sara Andrade.
acto também é que nada neste artigo é uma campanha. Nem
pelo fator novidade, nem por estarmos a falar de uma mar-
ca – isso é secundário. Aquilo que a Rolex ganha com esta
iniciativa, que já tem quase duas décadas, tem tudo a ver com
a riqueza de saber que consagrou mais um – ou dois ou três
ou dezenas de – talento(s) no mundo artístico e pouco ou
nada com a riqueza que se coloca em cofres. Nenhum destes
artistas cedeu royalties à marca suíça ou lhe deu uma percen-
tagem dos seus ganhos. Nenhum destes artistas assinou um
contrato sobre potenciais direitos de autor partilhados ou
qualquer acordo do género. Mas, seguramente, todos esta-
rão eternamente em dívida com a marca, dívida essa paga com uma
sucessão de conquistas na área. Voltemos um pouco atrás – ainda
antes de 2002, ano em que a iniciativa Mentor & Protegé se lançou. Vol-
temos ao ano 70 a.C., quando nasce Caio Cílnio Mecenas, um cidadão
romano que hoje em dia poderia ter sofrido algumas represálias na
escola, pelo nome peculiar, mas que eventualmente se vingaria pelo
papel proeminente no governo – na altura, enquanto conselheiro de
confiança do imperador Augusto. A devoção ao seu círculo literário
de amigos, que patrocinou também com bens materiais e proteção
política, sustentando a sua produção artística, bem como as vezes
em que representou o imperador enquanto orador e patrono, fez o
seu apelido sobreviver aos séculos e gerar o conceito de mecenato. O
termo revolve em torno da ideia do incentivo e patrocínio de pessoas
e atividades artísticas e culturais, sendo que o mecenas será, portanto,
aquela pessoa cujo poder e dinheiro permite apoiar financeiramente
as artes sob que forma for. O Renascimento (séc. XV, mais século,
menos século) pôs e dispôs do seu significado e foi provavelmente a
época áurea da valorização das artes, criando obras que ainda hoje
são cartazes para a importância do setor na vida humana. A Rolex,
através do seu programa Mentor & Protegé, reavivou esta ideia de apoio
cultural que vai além de um aplauso sentido – é um investimento
visível para a sua manutenção e procriação.
Regressemos ao séc. XXI, onde, desde 2002, a iniciativa já forjou
dezenas de ligações e outras tantas sagrações artísticas. O compro-
misso a longo prazo da Rolex com as artes e a cultura globais faz
parte do legado de visão e valores do fundador Hans Wilsdorf, um
empreendedor e filantropo cujo propósito, desde o primeiro dia,
foi adotar excelência, performance e contínua melhoria em todas as
atividades da marca, sendo que a transmissão de conhecimentos é
vertente primordial para a casa, seja na manufactura relojoeira, seja
no apoio à atividade artística. Conhecendo este background, é fácil de
perceber que o Mentor & Protegé era um projeto fadado a acontecer. A
ideia por detrás do programa (um spin off do Rolex Awards for Enterprise,
que apoia cientistas e exploradores, e já conta com mais de quatro
décadas de existência) é promover a passagem de conhecimento de
uma geração de artistas para a próxima, acreditando que a Arte é uma
constante em crescendo, um acumular de experiências que inspiram as
gerações vindouras. Através deste projeto, a marca dá continuidade à
sua dedicação de longa data em apoiar a excelência e a descobrir novos
talentos, seja em que área for. Nesta iniciativa, os nomes dos mentores
são de topo, os dos protegidos para lá caminham, e o privilégio de
interagir com um estabelecido artista acontece ao mais alto nível de
intimidade – um para um. A experiência não tem preço – em todos os
sentidos. Ao longo dos dois anos em que a marca apoia estes protegés
– durante os quais, ambos devem passar, pelo menos, seis semanas
juntos, mas por norma o tempo de troca excede em muito este mínimo
obrigatório –, é a Rolex que suporta toda a logística, seja em termos
financeiros seja em termos organizacionais, para garantir que este
espaço temporal de partilha acontece da forma mais confortável e
produtiva possível, para ambos os lados. E é importante frisar que o
termo chave, aqui, é troca, e não passagem de conhecimento: nesta
iniciativa, todos ganham – mentor e protegido.
FOTOGRAFIA: D.R. Os mentores – dos quais já fez parte o português Álvaro Siza Vieira
(coincidentemente, integrou a estreia da iniciativa e foi mentor nas
Artes Visuais, antes da marca ter colocado a arquitetura como uma dis-
ciplina separada, em 2012) – são sugeridos por um Conselho rotativo
de especialistas ligados às artes. A escolha e contacto dos mentores
Em cima: Sir David Adjaye e Mariam Kamara, Mentor e Protegée da
disciplina Atquitetura. © Rolex/Thomas Chéné. Em baixo: Colin Barrett
com o mentor Colm Tóibín, da área da Literatura. © Rolex/Bart Michiels.
é feita de forma muito orgânica – muitas vezes,
o Conselho já tem uma relação próxima com a
pessoa e agiliza o contacto. Depois de seleciona-
dos, trabalham de perto com a Rolex para traçar
um perfil de protegido que é então passado a um
painel de nomes da área – anónimos para garantir
imparcialidade – para propostas de potenciais
protegés. O protegido é selecionado finalmente pelo
mentor (muitos dos protegés, quando contactados
pela primeira vez, julgam que é uma partida e
não acreditam, revela Rebecca Irvin, diretora do
Rolex Institute), e a interação entre os dois envol-
ve, por norma, ainda que não obrigatoriamente,
um projeto específico por parte do protegé, feito
sob a alçada e consultoria do mentor. As duplas
são depois convidadas a apresentar o dito pro-
jeto num fim de semana dedicado às Artes que,
este ano, aconteceu na Cidade do Cabo, África
do Sul, ocupando o Baxter Theatre como palco,
agora gerido por Lara Foot, uma outrora protegé
de Teatro (2004/2005).
A temporada de 2018/2019 acolheu as discipli-
nas da arquitetura, dança, literatura e música, mas
as linguagens podem variar de temporada para
temporada, incluindo ainda uma categoria aberta
para uma mentoria que pode acontecer noutra
área não contemplada pelo curriculum delineado
pela Rolex. No ciclo que agora se fecha, o arquiteto Sir David Adjaye,
que detém um OBE e é uma referência na arquitetura contemporânea,
orientou Mariam Kamara no desenvolvimento de um projeto em Ni-
ger, o seu berço, cujo intuito é criar espaços de empoderamento da
comunidade, com estruturas e tipologias inovadoras que trabalhem
em prol da sustentabilidade, da aproximação de classes, da igualdade; a
bailarina Crystal Pite, que já coreografou mais de 50 performances para
reputadas companhias de dança e dirige a sua própria companhia, Kidd
Pivot, serviu de guia a Khoudia Touré, uma figura incontornável da
street dance urbana, vencedora de inúmeras competições e fundadora
da SUNU Street, uma iniciativa nascida em 2014 que disponibiliza
formação em dança para jovens com poucos recursos, no Senegal;
o indiano Zakir Hussain, um dos mais reverenciados músicos dos
tempos que correm, ajudou o inovador baterista Marcus Gilmore a
completar a sua primeira peça de orquestra; e o aclamado escritor
Colm Tóibín foi fulcral para Colin Barrett, exímio nas short stories, a
escrever o seu primeiro romance. “Nunca foi uma coisa de eu dizer
ao Colin o que fazer, foi sempre muito mais uma discussão de como o
formato conto passaria a romance, o quanto colocar, o quanto deixar
de fora, como lidar com as personagens… Em suma, eu ouvia o Colin
tanto quanto ele me ouvia a mim”, confessa Colm Tóibín, ratificando
uma das premissas da iniciativa que passa pelo facto de a mentoria
ser uma partilha, em que não há uma figura mais preponderante na
passagem de conhecimento. “Nunca julguei que isso fosse acontecer,
mas ainda assim perguntei-me como lidaria se ele me quisesse dizer
o que fazer”, confirma Colin Barrett sobre esta possibilidade de o
vogue.pt 1 3 1
LIFESTYLE MECENATO
mentor ser uma pessoa autoritária. “E a única coisa que ele me disse
foi: ‘eu não vou ser o teu editor. Tu tens um editor. Eu estou aqui para
quando precisares de ajuda.’ E ele tinha este lado de intuição, esta sen-
sibilidade de estar lá, estar disponível, mas mantendo a sua distância.
Ele não podia escrever isto por mim, por mais que eu gostasse. Foi
a coisa mais generosa que fez por mim: tratou-me como igual, não
como autoridade.” Não é a única dupla a expressar esta sensação de
igualdade. “Só o tê-la ali ao lado enquanto trabalhava nos meus dife-
rentes projetos foi a melhor maneira de levar a cabo esta função de
mentora, não a tratei de uma maneira diferente do que trataria qualquer
bailarino da minha companhia de dança, ou colegas”, revela Crystal
Pite sobre o acompanhamento de Khoudia Touré. “Nunca senti que
precisasse de averiguar o que é que ela estava a aprender. Também
não achei que esse controlo me competia. É interessante porque ao
início ganhas esta oportunidade e pensas, ‘ok, o que é que eu tenho
de fazer?’ É uma responsabilidade tão grande quanto a oportunidade
que é.” O crescimento pessoal e profissional ao longo da temporada é
absolutamente patente, confirma Khoudia: “Conhecer a Crystal fez-me
avançar muitos passos na minha formação em dança, colocou-me em
contacto com novos nomes na área.” E continua, acrescentando que
a sua oportunidade não termina em si: “Uma das coisas do programa
é a possibilidade de aprender a usar ferramentas, como a improvisa-
ção, de um modo ainda melhor, saber controlar estas ferramentas.
(…) Esta mentoria chegou numa altura em que procurava sabedoria.
Ao estar disposta a perder-me, procurava ser desafiada e descobrir
novos pormenores sobre o meu corpo. Mas também queria absorver
conhecimento para poder depois passá-lo aos bailarinos que não
podem viajar como eu pude.”
iajar faz parte do processo. A maioria
dos duos vem de países diferentes e pre-
cisa de colecionar escalas para fomentar
os encontros – a Rolex promove esses rendez-vous
com uma única expectativa de retorno: o enri-
quecimento profissional (e pessoal), seja de que
lado for. “Eu senti que tínhamos muita liberdade
[da parte da Rolex] para decidir onde queríamos
encontrar-nos e como, senti que estavam aqui para
dar apoio em logística e questões organizacionais”,
explica-nos a dançarina do Senegal. “Em termos
de produção, acho que pode ser intimidante, no
início, ter acesso a tamanha riqueza, por isso eles
deram muito apoio moral e fizeram tudo para que
nos sentíssemos confortáveis, mas nunca inter-
feriram no espaço criativo. Não há prazos nem
pedidos para um retorno específico…”, diz Khoudia.
Crystal Pite ratifica: “Sim, é deveras extraordinário.
Pensar que fazem um investimento destes e não
pedem nada em troca em termos de um produto
específico… não há cobrança. Eles confiam em nós
para fazermos o que fazemos e que vamos fazê-lo
com rigor e clareza e compromisso.” “Eles nem
sequer ditam a duração ou formato do que vais
apresentar. Foi de facto extraordinário ter essa
liberdade.”, remata Khoudia.
Apesar de não serem obrigados a tal, por nor-
ma, as duplas trabalham num projeto na área da
sua excelência. Primeiro, porque ajuda a colocar
em prática e a absorver aprendizagens, mas também porque podem
depois apresentar essa obra no fim de semana de artes que a Rolex
promove depois de cada ciclo terminar: “Uma das coisas mais genero-
sas nesta mentoria”, começa Mariam Kamara, protégé na arquitetura,
“e no modo como o David [Adjaye] quis estruturá-la é que, como ele
queria trabalhar nos meus projetos, isso permitiu-me expressar a
minha voz e ele ajudou-me ao longo do caminho. Continuou a ser o
meu próprio instinto.” Os protégés que vêm a integrar o programa já
têm algum CV e provas dadas de talento em cada área, mas o progra-
ma pode ser – ou melhor, é – um ponto de viragem para qualquer
um dos talentos, muitos deles com um background de batalha só para
chegarem a patamares muito abaixo deste da Rolex: “Eu quis ser
arquiteta desde muito cedo, confesso”, conta Mariam à Vogue. “Mas
acabei por não estudar arquitetura, porque não conseguia conceber
seguir uma carreira artística. Sentia que era quase indulgente escolher
seguir algo relacionado com as Artes, colocar os meus pais a pagar
propinas e a ir para longe, terem de ser feitos sacrifícios… parecia-me
obsceno, um desperdício. O que fazia sentido era ser médica ou advo-
gada ou engenheira. Por isso, decidi-me pela última e fui engenheira
informática durante muitos anos. Mas aquele desejo de ser arquiteta
nunca me deixou. Por isso, larguei tudo da noite para o dia, voltei à
arquitetura.” “Há outro fenómeno que acontece”, corrobora Sir David
Adjaye, “que é esta ideia de que, se o continente é pobre, só te podes
comprometer com determinados assuntos. E isso foi uma lengalen-
ga que a nossa geração teve de engolir. És pobre, por isso tens de
fazer algo que é percecionado como útil, tipo, tens de ser médico ou
engenheiro, não podes ser artista. Na verdade… não é bem assim. A
arte é tão importante como as engenharias, porque ambos acarretam
conhecimento nos seus sistemas.” “Sim”, acrescenta Mariam, que
hoje pode gabar-se de ser um exemplo para colegas e conterrâneos,
mostrando que é possível contrariar estes dogmas. “É obvio que é
importante construir diques e ser médico, mas eu também posso
querer ir ver uma peça de teatro. Não é algo exclusivo a uma porção
do planeta”. “A criatividade nunca teve a ver com a quantidade de
dinheiro que tens, tem a ver com a tua expressão.”, remata David. E
é isso que a Rolex recompensa, não olhando a origens ou credos dos
seus selecionados. O mais importante é escolher valências e empa-
FOTOGRAFIA: D.R.
relhá-las da melhor maneira. Este ciclo foi mais uma prova de que o
conseguem – e o próximo promete dar continuidade ao repto com
estas parelhas. Para 2020/2021, as disciplinas serão cinema, teatro,
rtes visuais e uma “categoria aberta”. No cinema, é Spike Lee quem
serve de mentor: o realizador, um dos mais proeminentes nomes no
panorama atual, orientará na próxima temporada o nativo-america-
no Kyle Bell, cujo corpo de trabalho se tem focado no povo indígena
americano – o seu. No teatro, é Whitney White, uma das jovens ence-
nadoras mais procuradas no âmbito dos palcos norte-americanos, que
terá o privilégio de partilhar conhecimentos com Phyllida Lloyd, que
tem entre as suas produções galardoadas peças como Mamma Mia! e
The Iron Lady. Nas artes visuais, a multidisciplinar Carrie Mae Weems
junta-se à realizadora e artista visual colombiana Camila Rodríguez
Triana. Na “categoria aberta”, o protégé ainda por anunciar beneficiará
da experiência de Lin-Manuel Miranda, responsável por criar e atuar
no afamado musical Hamilton, da Broadway, e galardoado com vários
prémios, dos Emmys aos Tonys.
Até agora, o programa contou com 54 mentores (de luxo, acrescen-
te-se, como Alfonso Cuarón, Martin Scorsese, Margaret Atwood, Mario
Vargas Llosa, Gilberto Gil, William Kentridge, entre outros) e outros
tantos protegidos (um dos quais o português Vasco Mendonça, na área
da música, que foi protegido do compositor finlandês Kaija Saariaho),
mas também com cerca de 1.200 nomeados ao longo do processo e
ainda mais umas centenas de proeminentes figuras que serviram de
conselheiros ao programa. Apesar de durar um par de anos, as relações
forjadas entre os dois intervenientes resultam em amizades duradouras
e trabalhos conjuntos que vão muito além da temporalidade do ciclo.
Por vezes, antigos protegidos podem vir a tornar-se mentores ou a
participar de forma indireta no projeto, um dos efeitos colaterais da
iniciativa. O impacto de uma oportunidade deste nível é game changer,
A TEMPORADA DE 2018/2019 pode mudar o rumo de qualquer dos selecionados. Os comentários
ACOLHEU AS DISCIPLINAS mais recorrentes são o aprofundamento de noções sobre a disciplina
DA ARQUITETURA, DANÇA,
na qual atuam, o incremento da confiança em si próprios, pensar fora
LITERATURA E MÚSICA, MAS AS
LINGUAGENS PODEM VARIAR DE da caixa, promover um perfil internacional e estabelecer uma rede de
TEMPORADA PARA TEMPORADA contactos inigualável. Muitos deles acabam por singrar solidamente,
sendo que os benefícios da sua participação não se esgotam no pe-
ríodo de mentoria. “Também senti que a beleza deste programa é a
oportunidade de estabeleceres relações humanas além de tudo o resto
e isso é incrível, simplesmente te conectares além da parte formal, sem
fazer parte do dever, é só uma ligação humana, que definitivamente
irá evoluir com o tempo, porque sei que fiz uma amiga para a vida”,
finaliza Khoudia. E contra estes factos, não há argumentos. l
Em cima: Zakir Hussain com o "discípulo" de Música, Marcus Gilmore.
© Rolex/Bart Michiels. Em baixo: Khoudia Touré em performance, sob o
olhar da mentora de Dança, Crystal Pite. © Rolex/Tina Ruisinger
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LIFESTYLE CASA

Artes
em partes
Mas não em parte incerta. Melides Art é a morada
que serve de ponto de partida para um conceito
ligado à criação artística que não tem endereço ou
ponto geográfico. Um conjunto de ecossistemas
que nem sequer tem fronteiras – apesar de
encerrar em si diversas disciplinas e performances
culturais num determinado tempo e espaço. Só
que elas não se esgotam nessa temporalidade, vão
além de um encontro numa agenda. Porque, aqui,
o todo é de facto maior que as partes. Por Sara Andrade.
primeira vez que me cruzei com o Miguel Carvalho, o
nome por detrás destes ecossistemas, foi nas casas que
vê nestas páginas. Ainda o outono/inverno não tinha
chegado, a rentrée não se fazia sentir e o sol estival aque-
cia bem demais qualquer impromptu road trip até Melides,
como aquela que fizemos nessa sexta-feira, 30 de agosto
de 2019. Queríamos ver de perto esta iniciativa que servia
de palco a uma multiplicidade de disciplinas e linguagens
artísticas e conhecer o homem que – nunca sozinho,
defenderá o próprio – fervorosa e incansavelmente as
promovia e fazia acontecer. Tinha um panamá de palha
que viríamos a constatar ser um trademark tão icónico quanto a sua
farta barba. Recebeu-nos descalço (ou algo nessas linhas) e ratificava
essa noção de descontração enquanto nos mostrava os recantos à casa
e à zona. Comentava o quão pesadas eram as portadas, a primeira
vez que lhe invadimos o espaço, porque “a ideia é mesmo ter um
ritmo diferente daquele que temos na cidade. É suposto ser pesado.
É suposto demorar”. É suposto pararmos para olhar, para deambular
devagar: num ambiente que se pinta a bege mas que não é baunilha
– no senso aborrecido que às vezes se diz que a baunilha tem – a
tranquilidade de uma paleta cromática harmoniosa é só perturbada
(e bem) pelas obras de arte que se destacam nas paredes largas e
átrios imponentes q.b.. Umas serão temporárias, outras serão prata
da casa. Todas são e serão as eternas protagonistas – naquele dia e
sempre: “a etiologia desta ideia eu não consigo dissecá-la, porque a
minha vida é uma sequência de acontecimentos e estão todos ligados
entre si.”, diz Miguel, já em 2020, quando nos voltamos a encontrar
a propósito desta edição da Vogue. O fundador refere-se a isto que
se chama Melides Art, mas que não é um hotel nem um conjunto de
moradas, nem alojamento local, nem refúgio de fim de semana – ou é
tudo isso, mas mais além, é uma espécie de meca para as Artes, mesmo
que num microcosmos (em sistemático crescendo, assinale-se). Aqui,
expõe-se arte nas paredes, pelos vastos hectares, e em performances
na sala e no quintal. “Esta ideia”, continua o seu autor, “no fundo, é
o resultado de uma intenção, de uma inquietação permanente em
relação à vida, de procurar oportunidades de criação. E de o fazer de
uma forma que seja viável e sustentável. A base é uma inquietação
perante a vida e uma busca pela criatividade em que a criatividade
e a arte são repositórios de respostas existenciais e de esperança.
Isso é a ideia de Melides. Até mesmo na aceção: é um conceito que
não tem espaço físico nem limites conceptuais. Não tem localização
física – quer dizer, é um hotel rural, com unidades de alojamento e
as pessoas podem comprar essas unidades, mas isso é meramente
instrumental, porque Melides existe enquanto ideia, é uma intenção
de abordar e de se relacionar com o mundo e com os outros de uma

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LIFESTYLE CASA

FOTOGRAFIA: D.R.

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LIFESTYLE CASA
certa forma. Pode acontecer em qualquer lado, eu espero que aconteça
em qualquer lado, que esta ideia seja infeciosa e inspiradora e que se
replique, e isso é o que Melides pretende ser.” E essa ideia é a de um
sistema de trocas a diferentes níveis que promove encontros abertos
ligados às diversas linguagens artísticas, bem como viabiliza a criação
artística – é esta a maior especificidade em termos de definição que
o termo permite, porque a abertura para se criarem e viabilizarem
projetos, desde que ligados à produção, criação, arte, é inesgotável.
Tudo o que tentar detalhar sobre este conceito – que já viu concertos
acústicos numa sala repleta e grupos corais ao ar livre, exposições a
céu aberto e residências artísticas – será sempre redutor.
Apesar da ideia não ter espaço físico ou limites concetuais, ela tem
um ponto de partida, uma morada que a vê nascer e crescer, indicada
no GPS como Melides Art, mas dissimulada se explorar a vista satélite
do Maps. É que o planeamento das estruturas que Miguel apelida de
estúdios foi totalmente pensada em harmonia com os arredores: “A
arquitetura foi feita pelo atelier do Toni e Tomeu Esteva [Esteva i Este-
va], um atelier de pai e filho que fez uma série de projetos emblemáticos
no meio da hotelaria a nível mundial. E pareceram-me os arquitetos
ideais por várias razões”, lista Carvalho. “São artistas, que depois en-
contram na arquitetura uma forma de vida viável e de expressão. O pai
foi escultor, por isso, eu conseguia exprimir esta ideia e ele entendia
o que nós pretendíamos. E o que nós pretendíamos era que o espaço
fosse um estúdio, com uma volumetria generosa para receber muitas
pessoas, para poder receber peças de arte e performances, mas que fosse
ao mesmo tempo um espaço invisível, que não se impusesse ao terri-
tório, à paisagem belíssima de pinheiros que pontuam dunas de areia,
e isso parecia uma proposta impossível, quer dizer, como é que eu ia
ter edifícios inteiros generosos, com uma volumetria generosa, mas
invisíveis? E que promovam uma relação permanente entre o interior
e o exterior, em que muitas vezes as pessoas se perdem sem saber
se estão no lado de dentro ou de fora. E a solução que ele encontrou
do ponto de vista arquitetónico foi uma estrutura muito minimal de
linhas e ângulos retos que se desenvolve num espectro cromático
muito estreito – não só o edifício tem uma cor muito similar à das
FOTOGRAFIA: D.R.
1 3 8 vogue.pt
dunas (parece que as casas nasceram das dunas, quais castelos de
areia) como usou um espectro muito limitado de materiais. Todos os
estúdios no interior e exterior foram revestidos a um único material,
que é uma espécie de um barramento industrial, altamente resistente,
exatamente para poder receber pessoas e poder servir de atelier, para
não se danificar. E depois no resto usou poucos materiais: usou pi-
nho, que é um material da região, o vidro… Os interiores, pelo James
Waterworth, levam a um nível ainda maior de refinamento, aquilo
que são os interiores dos estúdios”. Porquê estúdios e não casas ou
moradias? “Um estúdio, na sua origem, é uma palavra inglesa que pode
significar um lugar de criação, um lugar de habitação, com uma certa
tipologia, portanto, tem uma certa ambiguidade. E nós estamos nessa
ambiguidade. Somos um espaço no qual as pessoas podem pernoitar,
mas é um espaço de criação e é um espaço de encontro. Por isso é que
nós chamamos de forma intencional estúdio porque queremos que
estes espaços sejam tudo isso. E também um espaço de exposição e
de apresentação e residência artística. E de permanência. Temporária,
mas a ideia também é essa”.
icar maravilhado pela arquitetura e espaços interiores e exte-
riores é natural – e encorajado –, mas deixar que a admiração
se fique por aqui é não entender o propósito de Melides
enquanto ideia (atrevo-me a dizer, antes, enquanto movimento). É
que a sua beleza não está na incrível combinação das madeiras com a
tonalidade das estruturas, ou das piscinas que parecem ser namoradas
pelas árvores, está na iniciativa, no almejo, no querer ser um espaço de
troca criativa, com intervenientes que facilitam essa troca e cedem os
seus espaços, conhecimentos, contactos em prol de fazer crescer isto
que é Melides Art – seja ali, seja em qualquer parte do mundo. E o lado
humano deste espaço físico é o âmago de um projeto apenas limitado
pelos limites da imaginação – e todos sabemos que a imaginação não
tem limites: “Todas as ideias, se tiverem uma expressão física, serão
mais fáceis de assimilar. E mesmo o processo de criação, se tiver ao
seu dispor uma estrutura física, também oferece novas oportunida-
des para os seus criadores. Melides, enquanto espaço físico, procura
ser isso, um local onde os artistas e os criadores se possam cruzar
naquilo que é uma rede informal de troca espontânea, e nessa troca
espontânea de ideias surgem novas ideias. Essa plataforma física
só existe porque as pessoas que, no fundo, participam no projeto,
quando decidem participar dele, também aceitam expandir esta ideia,
através da sua rede de contactos, através da sua energia e capacidade
de realização.” E acrescenta: “Uma das grandes alegrias que tenho,
ao olhar para este projeto, é que ele vive mesmo das pessoas que
participam nele. Elas fazem tanto ou mais do que eu. Posso dar um
exemplo de 2019 – eu não gosto de lhe chamar evento, porque um
evento passa a ideia de entretenimento, estes são mais encontros em
que os artistas apresentam a sua arte e exploram cruzamentos da sua
arte com outras artes, que podem ser do mesmo género ou doutro
tipo, como um poeta que atua com um violoncelista ou quando um
 LIFESTYLE
CASA

FOTOGRAFIA: D.R.

FOTOGRAFIA: D.R.

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LIFESTYLE CASA
bailarino decide encontrar-se com um músico ou com um cineasta
ou com um poeta. E esses encontros, que são em si uma performance,
Em cima: The Humans, por Olaf Breuning. são abertos às pessoas, podem-se inscrever, podem-se propor a ir,
Ao lado: Colorful Monsters, de Robert Melee.
Em baixo: The Autumn Bear, da autoria
não é um clube privado, que é aquilo em que eu acho que o mundo se
de Marnie Weber, no Melides Art. está a transformar – um espaço aberto onde as pessoas se cruzam
de uma forma contínua e desregrada. O ano passado, nós tivemos
tranquilamente mais de 50 encontros. Alguns com 800 pessoas, ou-
tros menores com 50 pessoas, 100 pessoas. Só nos meses de verão
tivemos dois por semana, só aí são cerca de 24. Depois tivemos mais
espalhados”. E isto é apenas a ponta de um iceberg que não derrete
sob influência nenhuma, enquanto houver vontade e paixão pelas
artes. Aliás, o próprio espaço de Miguel Carvalho, um de muitos
num terreno que projetou 34 residências de 600 m2, tem sido palco
recorrente para as mais variadas manifestações artísticas, sejam de
um serão apenas ou prolongadas no tempo. É esse o seu propósito,
afinal, garante: “Eu não tenho nada ali [no seu estúdio]. Eu ocupo um
espaço, sou um visitante regular e estou envolvido na promoção de
um projeto. Mas esse estúdio já teve várias residências (e os outros
também, é preciso que se diga). Nós não divulgamos todas as resi-
dências porque as residências são um espaço de recolhimento, mas
posso dizer que tivemos alguns dos expoentes máximos da pintura
mundial, do cinema, da poesia contemporânea, este ano vamos ter da
dança contemporânea… pessoas que ninguém viu, mas que estiveram
lá a criar. De uma forma mais pública, posso divulgar porque ele já
divulgou, esteve lá o Salvador a preparar recentemente o concerto do
Jacques Brel, esteve com um naipe de músicos de excelência, e vi que
ele já falou em entrevistas e que sintetiza muito bem a experiência que
nós queríamos que as pessoas tivessem lá. Que é poderem sentir-se
em casa e estarem num espaço completamente focados na criação, mas
num espaço que é inspirador, tranquilo, e que não perturba a criação,
antes a potencia. (…) Eu acho que Melides é um contributo modesto,
mas não deixou de ser importante para a realização desse projeto.”
Conhecer o conceito por detrás de Melides Art é assumi-lo como
um projeto altruísta, mas Melides [Art] é puramente egoísta, tanto
quão belo o egoísmo pode ser. É que Miguel Carvalho vibra no limiar
da transcendência com cada quadro que lhe passa pelas paredes, cada
escultura que lhe ocupa o terreno, cada nota que lhe invade a sala com
FOTOGRAFIA: D.R.
FOTOGRAFIA: D.R.
vista para a natureza, cada obra que o cativou de um qualquer artista
que agora é um amigo para a vida. “Não há uma estrutura formal de
curadoria no Melides Art, uma das propostas que nós trazemos é
ser realmente uma rede, ou melhor, um ecossistema aberto, porque
uma rede não pressupõe uma troca de energia nem tem um objetivo
comum que é a sobrevivência.” começa por explicar sobre a forma
como tudo acontece e evolui. “Uma rede pode ser uma realidade fixa
e imóvel. Pode implicar uma troca, mas o ecossistema prevê todo o
tipo de trocas – é a expressão correta para aquilo que estamos a fazer.
Nós estamos a tentar construir um ecossistema que se inicia num
local físico, que tem uma estrutura física, mas que não se limita, nem
é, aquela estrutura física.” Por isso, falar em curadoria não faz muito
sentido, porque à medida que o ecossistema cresce e se desenvolve
e funciona da melhor maneira, essa curadoria acontece. E continua:
“A ideia de ecossistema é a de uma estrutura de agentes biónicos e
abióticos que se organizam numa rede de troca de energia tendente
à sua sobrevivência. A sociedade é um ecossistema. Mas também há
ecossistemas criativos e ecossistemas de criação e de futuro e de
inovação. E isso é o que eu tento criar. Melides é isso. E como é que
se sustenta esse sistema? É aí que os estúdios ganham relevância
porque são elementos que são vitais para o ecossistema funcionar. É
que os agentes de um ecossistema, normalmente, não são idênticos.
A diversidade e a heterogeneidade dos elementos de um ecossistema
é que lhe dão vitalidade e beleza. E, portanto, o meu interesse é o
da criação de um ecossistema, porque ele é sustentável, é diverso,
é criador, renova-se, é tudo aquilo que o Melides Art pretende ser.”
uvir Miguel falar de todos os detalhes que compõem este
ecossistema que nasceu na sua mente e se materializou
das suas mãos e relações pessoais e profissionais, qual
obra criativa de que área for, é assumir que a sua ligação à arte tem
sido de natureza íntima – e tem, mas não da forma como julga. O seu
background é muito diferente do de alguém que estudou as disciplinas
da área e que hoje é pintor, escultor, etc. “O meu pai era diplomata e,
na fase da carreira dele em que eu nasci, esteve sempre no estrangeiro;
eu não vivi em Portugal. Portanto, quando me tornei jovem-adulto,
também fiz a minha vida fora de Portugal. Tive várias atividades, na
indústria, na tecnologia, sempre fui empresário, sempre fui apoiado
por investidores que acreditaram nos projetos que eu promovia e esses
projetos que eu fiz na área empresarial foram projetos interessantes
que também me levaram a ter as competências para poder chegar
aqui e ter os recursos de gestão e de organização para poder levar
a cabo este ecossistema. E eu sempre tive uma grande afeição pelas
ideias, pela capacidade transformadora das ideias e pela longevidade
das ideias. Porque nós temos um prazo de validade incerto, mas curto,
mas as ideias não. Se formos pensar como é que as ideias têm 100,
500, 1000 anos e ainda nos ocupam, ainda nos dirigem, ainda nos
promovem enquanto pessoas, isso é fascinante. Também me fascinou a
revolução que o Duchamp trouxe à arte, através do ready-made, o valor
vogue.pt 1 4 3
LIFESTYLE CASA
Art Pavilion
da intenção e do contexto, e como é que os contextos são capazes de
ditar o significado do seu conteúdo. E, eu acho importante dizer isto,
porque ninguém nasce órfão, este projeto evidentemente radica naquilo
que é a energia que a minha mãe sempre pôs em tudo aquilo que faz.
Que é uma empreendedora, sempre foi uma grande organizadora de
iniciativas de caráter social, uma grande dinamizadora e promotora
da imagem de Portugal e eu vi isso na primeira pessoa. E o meu pai
sempre foi uma pessoa intimamente ligada à poesia e à filosofia e ele
transmitiu-me esse interesse. Mais tarde, cruzei o meu caminho com
aquele que é um grande amigo meu e que eu admiro imenso por aquilo
que ele já fez na arte contemporânea enquanto promotor de artistas
e pensador, e é uma pessoa que respirava de forma constante aquilo
que são os modelos da Arte e os mecanismos do comércio da Arte e
dos Museus, que é o Stephen St. Claire. O Stephen é um amigo meu da
adolescência, com quem eu passei bastante tempo nos Estados Unidos,
em Los Angeles. Mas mais tarde na vida cruzámo-nos e decidimos de
uma forma espontânea iniciar um projeto de apoio a um artista que
queria fazer um projeto que era de difícil viabilização. Como eu tinha
experiência industrial e ele vinha do mundo da Arte, tínhamos esta
vontade de nos juntarmos e ajudar este artista. E juntos, idealizamos
muitos projetos para um grande número de artistas que ajudamos e
viabilizamos realizar exposições em museus, em galerias, no espaço
público. E ver o entusiasmo dele e o comprometimento que ele tem
com as suas ideias e com a prática dos artistas foi muito inspirador e
foi, de certa forma, um modelo que eu depois vim a seguir de forma
autónoma na minha relação com os artistas em diferentes áreas. Há um
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conjunto de pessoas, de artistas, como o Johannes VanDerBeek, com
quem tenho uma relação próxima, que me fizeram ver que a arte tem
um relevo fundamental na vida das pessoas. Que não é um elemento
decorativo, que não é um pretexto de reunião social; objetivamente,
a criação artística é fundamental na existência do Homem.”
ão é de estranhar por isso que os hectares que se estendem
pelo horizonte contemplem, além dos estúdios, um Art Park
que pontua os caminhos ao longo da extensão e ainda um
Art Pavillion – e pavillion surge em inglês porque é o termo estrangeiro
que melhor o define, enquanto, de uma forma simplista e como diz o
Oxford Dictionary, “temporary building used at public events and exhibitions”.
“O pavillion”, conta-nos, “é a primeira estrutura (não é a única, há um
conjunto de estruturas coletivas destinadas à criação, vamos fazer
um estúdio de gravação de música, um estúdio de pós-produção de
cinema, e queremos ter espaços que funcionem não só como espaços
de exposição, mas também como espaços de criação). Além do Art Pa-
villion, Melides tem um conjunto de propostas culturais, um deles uma
exposição permanente de esculturas; e tem uma segunda exposição
que se chama Transformer. Foi uma proposta do Marc-Olivier Wahler,
que foi diretor do Palais de Tokyo e diretor do Broad Museum, de
Michigan. Quando eu o convidei para fazer um parque de esculturas,
ele disse-me que tinha todo o interesse, desde que fosse uma coisa
nova, porque ele não faria mais nenhum onde elas fossem colocadas
de forma inerte na natureza, que no fundo é a realidade da maior par-
te das esculturas. Se fores lá múltiplas vezes, não vais ver o mesmo
cenário. Ele queria uma intervenção artística que se transformasse,
daí ter-lhe chamado Transformer, em que houvesse uma relação de
tensão entre a criação artística e a natureza.” E conseguiu. Entre os
estúdios, há obras de Marnie Weber, Robert Melee, Olaf Breuning, que
se apresentam diferentes a cada dia que nasce, tão distinto do anterior,
como podem comprovar os visitantes e moradores: “As pessoas que
participam neste ecossistema, mais do que vizinhos, são pessoas que
vêm de todo o mundo e que à sua maneira acreditam nesta ideia. E é
por isso que estão lá. E são pessoas que, à sua maneira, de uma forma
empenhada, têm tudo feito para que esta ideia progrida. As semelhan-
ças que têm é que viveram pelo mundo, que tiveram algum sucesso
profissional em determinada área e que viram neste ecossistema um
canal para abordarem a vida de uma forma diferente. Como acedem
e como participam na criação de arte, porque há também aqui uma
ideia de cocriação, sem elas seria completamente impossível esta ideia
materializar-se como tem vindo a materializar-se. Nem todas, tendo
FOTOGRAFIA: ANABELA SOARES.
ligação às artes, têm essa vontade de ter e veem nisto um caminho.
Mas são pessoas que, de alguma forma, foram inovadoras na sua área.
Entraram numa realidade com sistemas pré-estabelecidos e criaram
um novo sistema. São pessoas que têm uma ligação à inovação. E a
inovação, por definição, está ligada à criação, percebem que esta pro-
posta que parece etérea, de facto tem muito valor. E isso, para mim, é
o mais importante”. Para o mundo das artes também. l
LIFESTYLE TENDÊNCIAS LIFESTYLE SHOPPING

Rocócó
Com os olhos postos naqueles que apreciam uma decoração sumptuosa, mas
ao mesmo tempo elegante, leve, e um tanto ao quanto intimista, o Rococó pode não
ser uma escolha óbvia mas, depois de entrarmos neste jogo, é go big or go big.

1. The Large Hall, por Francesco Chiarottini.

2. Cadeira GG em jacquard, € 4.900, Gucci. 3. Estátua Apollo em gesso, € 179, HKliving.
4. Relógio Antique French Gilr Bronze Roco Mantel Clock, circa 1893, € 5.360,14, em 1stdibs.com.
5. Espelho de mão em prata, € 980, Gucci. 6. Armário em madeira, € 3.401,24 (aproximadamente), Pamono.com.

FOTOGRAFIA: MAURO MAGLIANI / ELECTA / MONDADORI PORTFOLIO / GETTY IMAGES.

Guggenhome 3
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Que atire o primeiro pincel quem nunca quis levar consigo, debaixo do braço, 5

o Les Demoiselles d’Avignon, de Pablo Picasso – que está no Met, em Nova Iorque,
para quem se quiser arriscar. Mas, para que a arte nunca saia da nossa casa,
e para evitar penas de prisão, fomos buscar inspiração aos principais movimentos
artísticos para um lar doce lar mais artístico. Afinal, com a primavera a bater
à porta, não é só o guarda-roupa que pede um upgrade. Por Rui Matos. 2
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LIFESTYLE TENDÊNCIAS

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Impressionismo Cubismo
Claude Monet, o expoente máximo do Impressionismo, costumava afirmar que só é possível Tentar representar objetos em três dimensões, numa superfície plana, sob formas
conhecer plenamente um objeto se for possível experimentar toda a gama de possibilidades geométricas e com o predomínio de linhas retas? Pablo Picasso e Georges Braque
e impressões que ele provoca. E se Monet o diz, quem somos nós para refutar. provaram que é possível. O resultado é digno de uma hashtag millennial: #goals.

FOTOGRAFIA: ASHMOLEAN MUSEUM / HERITAGE IMAGES / GETTY IMAGES; FINE ART IMAGES / HERITAGE IMAGES / GETTY IMAGES.
1. The Tuileries Gardens, Rainy Weather, 1899, Camille Pissaro. 2. Mala de viagem Almond Blossom, € 479, Samsonite. 1. Nature Morte Au Pain. Encontrado na coleção do museu Sprengel Museum Hannover.
3. Puzzle Monet Bridge and Water Lilies, € 18,34 (aproximadamente), em Metmuseum.org. 2. Prato Dayo em cerâmica, € 95, Ferm Living. 3. Vaso Love Handles em cerâmica, € 377, Anissa Kermiche,
4. Armário Club Ocean Lacquer em madeira, Armani Casa.. 5. Cache-Pot Médio em grés fino, € 10,50, Le Jardin, Costa Nova. em Matchesfashion.com. 4. Máscara Masque Abstrasso VII, € 199, Umasqu, em Felux.com.
6. Almofada Winterthur em algodão acetinado, € 297, Missoni. 5. Cadeira Vondom Faz Lounge Chair, € 1.067,74, em Milanclick.com. 6. Tapete em lã, € 393,62 (aproximadamente), Alex Rocca.

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LIFESTYLE TENDÊNCIAS LIFESTYLE SHOPPING

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FOTOGRAFIA: DESMOND MORRIS COLLECTION/UNIVERSAL IMAGES GROUP / GETTY IMAGES; VIEW PICTURES / UNIVERSAL IMAGES GROUP / GETTY IMAGES.
Surrealismo Bauhaus
Sonhos, fantasias, inconsciência e ausência de lógica, estas são as bases das criações No início do século XX, quando se fundou a Escola de Arte Bauhaus, o objetivo era inovador:
surrealistas. Essas são também as bases da nossa mente, que se perde em devaneios romper com o ensino clássico da arte. O resultado foi de tal forma promissor que, mesmo
e se junta aos mestres desta arte: Salvador Dalí, Joan Miró e René Magritte. 100 anos depois da escola ter fechado, o Bauhaus mudou completamente o design moderno.

1. Limbo, Desmond Morris. 2. Vaso Fish Design, € 427, Gaetano Pesce, em Yoox.com. 1. Bauhaus Dessau 1925/26, Dessau, Alemanha. Walter Gropius Office, interior com cadeiras Tubular e secretária em madeira.
3. Vaso Crumpled Salmon Powder, € 237,19, em 1stdibs.com. 4. Espelho Pond Mirror, € 269, Ferm Living. 2. Candeeiro de mesa Coulisse em aço, pele, madeira de bambu e papel colorido japonês, € 4.900, Tomàs Alonso para Hermès
5. Cadeira Kolho Lounge Chair, € 3.610,72 (aproximadamente), Matthew Day Jacksin for Made by Choice, Maison 3. Candeeiro Eclisse, € 150, Vico Magistretti, em Yoox.com. 4. Cadeira Exploded Chair em madeira e acrílico, Joyce Lin.
em Thefutureperfect.com. 6. Mesa Bonnie & Clyde em mármore, € 17.139, Dooq. 5. Espelho Half Moon Mirror, aproximadamente € 4.996,71, Bohinc Studio. 6. Mesa Concrete Coffee Table, € 1.175, em TH2 Studio.

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LIFESTYLE GOURMET
Em Prata que
é uma Arte
Que os olhos também comem já todos sabemos.
Também sabemos que esta é uma expressão
antiquíssima. Então porque não colocámos a
porventura óbvia hipótese de ser tão ancestral
quanto a arte de empratar? É que, visto deste
prisma, cai a teoria do "Oh, isso são tudo
modernices". A aparência da composição de
um prato é, desde sempre, um dos pilares que
sustenta a restauração. Pelo menos, a que
apetece comer. Só de ver. Por Nuno Miguel Dias.
é Dias começou a trabalhar aos 12 anos como copeiro num
navio de cruzeiro. A única fotografia que lhe conheço sem
bigode é aquela que lhe tiraram, num dos poucos dias de
folga, à secretária do camarote do pai, espaçosos aposentos
de despenseiro, a redigir uma carta de saudades para a sua
mãe (a minha avó) e irmãs (as minhas tias, pois claro). A
melhor parte do itinerário do Príncipe Perfeito, esse "pa-
FOTOGRAFIA: DEA / G. DAGLI ORTI / GETTY IMAGES.
quete" que era um verdadeiro gigante dos mares e, logo,
orgulho nacional, contava-me ele com aquele brilho nos
olhos que assoma quando nos recordamos de quando éra-
mos meninos, era aportar em Cape Town e correr até à loja
da Cadbury's, um lugar mágico onde os chocolates tinham passas e
avelãs e casca de laranja e coisas ainda mais inimagináveis do que
tentarmos hoje regredir a um tempo em que Portugal tinha muito
pouco. Não ali, em África. "Lourenço Marques continua a ser o lugar
mais bonito que eu já vi", confessava já nos seus 60, marinheiro feito,
meio mundo na bagagem da memória, algumas mazelas de tanto
trabalho e aquela necessidade quase diária de "ir ver o mar", fosse à
Caparica, ali a dois passos, ou à Milfontes da sua meninice. Para se
tornar despenseiro (responsável pelo aprovisionamento do navio em
Still life, de Georg Flegel (1566-1638), óleo sobre madeira, 22x28 cm.
termos alimentares), cargo que assumiu o resto da vida laboral, tirou
o curso de hotelaria. O que é que uma coisa tem a ver com a outra?
Quase nada. A não ser a paixão que nunca mais o deixou, aplicada
a frigideiras, panelas, sertãs e panelinhas. Lá em casa, a minha mãe
tinha o condão, o meu pai a arte. Era o molheiro de serviço, o crítico
e o empratador, o fim da linha de uma criativa cozinha para apenas
quatro clientes habituais, mas exigentes. Habituei-me mal, portanto. Os
primeiros tempos num navio de cruzeiro, onde o
brio era obrigatório, os olhos habituados a outras
paragens e o less is more que lhe vinha do âmago
alentejano (umas ervinhas aqui, dispostas assim
sobre uns sumarentos nacos de borrego assado
no forno) casavam na perfeição com a sapiência
da minha mãe no que toca a tempos de cozedura
e pontos de caramelo. Chegavam-nos à mesa uns
belíssimos pratos (que ainda hoje existem) onde a
comida era depositada tão ordeiramente quanto
se comia, previamente, com os olhos. E nariz,
também. Um dia, ouvi do meu pai a coisa mais
ofensiva de sempre, tão díspar da sua personali-
dade, só que estava relacionada com aquilo que
o apaixonava. Felizmente, foi dita em surdina,
num restaurante. O empregado traz-nos Rancho
Beirão. Ele fita a mistura de grão-de-bico, couves,
massa cotovelinhos, cenoura e carne de porco.
Franze o sobrolho, depois sorri e declara: "Deus
me perdoe, mas isto parece o que lá na terra se
deitava no masseirão para os porcos. Vou pedir
um bitoque". Encantador, Zé Dias. Encantador.
Sim, as nossas omeletes nunca ficam iguais às
que vemos nos programas de culinária, o carrê
de borrego nunca se queda tão suculento como o
da foto da revista da Bimby e nem o aveludado de
abóbora aguenta os croutons à superfície como na-
quele spot publicitário. É uma luta inglória. Muitos
foram os que pereceram nesse afã, abandonando
para sempre o fogão lá de casa e todos os utensílios que compraram
com tanto entusiasmo, entregando-se para sempre aos despiciendos
pratos do dia do snack-bar lá da rua, bacalhau com grão à segunda,
pernas de frango no forno à terça, bacalhau à brás à quarta, vitela
estufada à quinta e arroz de pato à sexta, todas as santas semanas.
Mas, pior do que isso, muito pior, oh inclemência, oh ignomínia, oh vã
esperança, é sabermos que até temos algum jeito para a cozinha, que
conhecemos os truques mais eficazes para um Bacalhau à Gomes de
Sá perfeito, o tempo exacto do salmonete na grelha, o segredo para
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LIFESTYLE GOURMET
um polvo tenro mas não mole e, quando chega a hora de empratar e
fazer um brilharete naquele jantar lá em casa, é a queda no precipício.
Temos ralador para o queijo pecorino (parmigiano é para meninos),
pinça para que nenhum espargo fira de transversalidade o paralelismo
da composição e até uns dedos afilados para conseguir espetar aquela
mínima folha de salsa no topo do risotto. Mas depois afastamos o olhar
e... desastre! É por isso que a velha técnica de deixar os convivas com
uma garrafa de branco monovarietal Bical da Bairrada, que nos abre
um apetite de Perca do Nilo, sem qualquer entrada, resulta sempre.
Famintos, à chegada do prato à mesa os convivas dão uma primeira
garfada de forma tão urgente que ninguém sequer se lembrará de
fazer uma story para o Instagram. Graças não a Deus mas ao engenho
inequívoco do cozinheiro, tudo acaba por correr bem. À excepção do
empratamento, essa arte para poucos.
fiabilíssima Universidade de Oxford fez um estudo no qual
comprova, por A (30 homens) mais B (30 mulheres), que
um prato apresentado artisticamente sabe de facto melhor.
O prato era uma salada, o que só por si é de dificílima apresentação.
Servida de três formas distintas: ora replicando uma famosa pintura,
ora na sua forma comum (tossed salad, que poderíamos traduzir como
"naquela malga de onde todos tiram para o prato"), ora de uma forma
mais "arrumada", com cada um dos elementos (ingredientes) separado
no prato. Pediu-se então que os sujeitos da experiência avaliassem,
de 1 a 10, a "salinidade" e a "doçura". Aqui, todas elas receberam
pontuações semelhantes. Mas quando indagados acerca do "sabor",
a salada "arrumada" recebeu, no geral, a melhor pontuação. Melhor
ainda, todos os sujeitos concordaram que esta versão era aquela pela
qual pagariam mais, muito embora lhes tivesse sido revelado que os
ingredientes eram absolutamente os mesmos, servidos nas rigorosa-
mente iguais quantidades. De notar ser claramente óbvio que toda a
gente conclui que este tipo de preparação requer um cuidado maior
e, como tal, há valor acrescentado.
Nas escolas de hotelaria, a tendência natural é a de que os novos
alunos procurem que os seus pratos tenham tão boa aparência como
sabor. Como se esta nova vaga de chefs soubesse que cada cliente é
um potencial instagrammer com mais de mil likes por cada foto. Para
quem quer fazer um brilharete, temos algumas dicas. Atentai: sendo
que a prioridade num prato é encontrar o equilíbrio perfeito entre
sabor, textura e estímulo, é melhor ter em conta alguns dos princípios
básicos da apresentação de um prato. Ponto número um, imaginar o
prato como um relógio. Já está? Ok. Agora é dividi-lo em três secções:
o espaço entre as 0h e as 3h e as 9h e as 12h. A maior secção é, assim,
a que está entre as 3h e as 9h. É aí que ficará a proteína principal, seja
carne ou peixe. Arroz, batatas, ou quaisquer hidratos ficam no espaço
entre as 9h e as 12h e os nobilíssimos vegetais quedar-se-ão entre
as 0h e as 3h. Porquê? Supostamente, é assim que o nosso cérebro
reconhece o devido valor ascético daquilo que, em breve, irá comer.
Há, claro, variações artísticas que grandes chefes têm como suas
interpretações, mas isso levar-nos-ia mais três edições subordinadas
a este tema. Os detalhes, como o de não deixar muito espaço vazio
(deve escolher-se o tamanho perfeito do prato para a quantidade a
servir), a escolha de produtos sazonais para que o mesmo se torne
mais festivo, o contraste das cores entre os vários elementos e o
equilíbrio como um todo (nenhuma secção deverá "pesar" mais que
a outra em termos visuais) também são fatores importantíssimos.
Havendo molho ou caldo da proteína principal, este deverá ser espa-
lhado pelo prato em forma de gotas desiguais. As formas também são
tão importantes porquanto deverá procurar-se, sempre que possível,
emprestar alguma "altura" ao prato que contraste com a costumeira
e enfadonha horizontalidade.
No que toca aos estabelecimentos de restauração da nossa praça,
e para quem os visitava pela primeira vez, antes, era a completa in-
cógnita. Ou isso ou aquelas saloiíssimas fotos dos pratos no menu.
Ou pior, expostas por traz do balcão, no cimo das prateleiras das
bebidas, retroiluminadas e descoloradas por via dessa mesma luz
fluorescente. Entretanto, criaram-se as redes sociais e nunca mais
se descansou. Um estabelecimento de restauração pode ter as mais
apelativas fotos no seu website oficial, pagas a peso de ouro ao melhor
food stylist e fotógrafo de gastronomia. Mas tem de contar com o facto
de, hoje em dia, toda a gente achar que é fotógrafa, só pelo facto de ter
um telemóvel e alguns filtros no Instagram. E são precisamente esses
que publicam fotos a rodos nos Zomatos e nos Tripadvisors. Ninguém
escolhe um restaurante na net se a apresentação dos seus pratos não
for minimamente apelativa. Ou seja, estamos nos tempos em que o
empratamento dos chefs tem de ser tão exímio que é anti-instagrammer
de flash ligado. É um trabalho inglório, moroso, duro e, convenhamos,
desanimador. Tenho a certeza de que todos os que estão a ler isto
têm lá na repartição um Zé Carlos qualquer que adquiriu o novíssimo
Huawei topo de gama com lente Leica e que fotografa tudo o que mexe,
conseguindo a inacreditável proeza de não tirar uma só foto de jeito.
Sim, é esse mesmo. Não o convidem para jantar. Obrigado.
Não se enganem. Na mais Alta Cozinha, o sucesso de um determi-
nado prato depende tanto do seu sabor como da sua apresentação.
A arte de um chefe reside tanto na sua capacidade de elaborar uma
criação que é um verdadeiro fogo de artifício para o palato como
na aptidão para o transportar, na perfeição, do recipiente onde foi
confecionado para o prato que irá para a mesa. Não são poucos os
que não vingam por falhar num dos passos. Imagine-se uma sala
onde tudo está espalhado num inacreditável caos. Alguém se sentirá
NINGUÉM ESCOLHE UM
RESTAURANTE NA NET SE A
APRESENTAÇÃO DOS SEUS PRATOS
NÃO FOR MINIMAMENTE APELATIVA.
OU SEJA, ESTAMOS NOS TEMPOS EM
QUE O EMPRATAMENTO DOS CHEFS
TEM DE SER TÃO EXÍMIO QUE É ANTI-
-INSTAGRAMMER DE FLASH LIGADO.
tentado a sentar-se no sofá? Agora concebam-na arrumada. São os
mesmos elementos, mas ordeiramente dispostos. Não soa a algo
mais confortável?
No empratamento, existem leis que são invioláveis. Muitas vezes,
tão óbvias como ninguém imagina que, numa cozinha, sejam man-
damentos. A limpeza dos pratos, por exemplo… Uma simples mancha
pode gerar o caos lá, na cozinha que nos é inacessível e, por isso
mesmo, ninguém imagina o quão exigente é manter um ambiente de
trabalho ordeiro. Depois, há a questão dos timings... Quantos de vocês
consideram que, num prato de três elementos, preparado por três
diferentes pessoas em três estações de preparação distintas, as coisas
têm de estar todas prontas ao mesmo tempo por forma a chegarem
com a mesma temperatura à mesa? E o equilíbrio entre a variedade
de ingredientes e o seu contraste? De como as texturas combinam?
Para nós, comuns mortais que ficamos na sala de refeições à espera
do pedido, tudo parece simples. Transposta aquela porta basculante,
o mundo é outro. E espelha uma tendência tão antiga como a nossa
civilização. Os romanos, por exemplo, aplicavam todo o seu cuidado
decorativo na sala de refeições (triclinium). Mosaicos e murais, es-
culturas e mobiliário nobre serviam de cenário a banquetes festivos
onde cada um dos três pratos (entrada, prato principal e sobremesa),
eram trazidos até junto dos convivas ao
som de trompetas. Há, inclusivamente,
relatos de episódios em que o impera-
dor Cláudio deitava flocos de folha de
ouro sobre ervilhas. Mas foi na Euro-
pa Medieval que os reis começaram a
contratar artistas para que criassem
complicadas esculturas a partir dos ali-
mentos que iriam ser consumidos no
banquete, por forma a encantarem os
convidados. Não raras eram as empadas
e os bolos que libertavam pássaros ao
primeiro corte. Contemporaneamente, a
tendência é suprimir o fosso entre ricos
e pobres no que toca ao design da comi-
da. Hoje pode consumir-se um hambúr-
guer cuidadosamente empratado num
estabelecimento de cinco estrelas, assim
como há produtos exóticos, empratados
com arte, em restaurantes de bairro. A
Alta Cozinha francesa foi a responsável
pela ruptura com a ostentação e pelo
seguimento da linha less is more que hoje,
pode dizer-se, é transversal.
English version
omo curiosidade, chamamos a atenção para um fenómeno
que parece ter transposto já as fronteiras do Japão, onde foi
inventado (tinha de ser, certo?). As Bento Boxes (ou “caixas”
Bento) são um fenómeno nipónico que, não seguindo nenhuma lei con-
vencionada no empratamento contemporâneo, acabou por criar uma
tendência. Não passam de vulgos tupperwares (passo a publicidade) ou
“tápáruéres”, como diziam as nossas avós, e alguns colegas de trabalho
ainda hoje) ou, como agora se convencionou denominá-las, lancheiras
ou marmitas. Aqui, usaram-se no advento fabril do século XX (eram de
alumínio com a tampa rosa) e, com o surgimento do novo-riquismo,
caíram em desuso. Desde a crise de 2011, contudo, os “marmiteiros”
voltaram em força e hoje já passam modelos nos transportes públicos,
com padrões lindíssimos e alças néglige. Só que o que está lá dentro é
que conta. Pelo menos, para os japoneses. Tradicionalmente, as Bento
Boxes têm arroz, carne (ou peixe) e vegetais. Mas o cuidado com que
são dispostos no interior da caixa é impressionante. Hoje, é mais do
que isso. Preocupadas com a falta de qualidade dos produtos usados
na confecção das cantinas escolares, as mãezinhas japonesas procu-
ram que os seus filhos comam de forma mais saudável e nutritiva.
Para os encorajar, aproveitam para demonstrar todo o seu amor e
dedicação em esculturas geniais. O arroz é um panda, ao que ajuda
as formas recortadas de nori (alga seca) ou outro animal “fofinho”
qualquer, que pode ter bracinhos de cenouras ou perninhas de aipo.
A este tipo muito particular de Bentos deu-se o nome de “Kyaraben” e
são já uma tendência mundial de pais em cuidados com a alimentação
dos seus rebentos. Seguem a tradição antiquíssima do empratamento
japonês, que tem o seu epítome nos Kaiseki (refeições de alta cozinha
com 14 pratos cuidadosamente empratados) servidas em pequenos
estabelecimentos de Quioto e com a presença de geishas. Claro que tudo
isto é relativíssimo em Portugal. Pelo menos enquanto nos sentirmos
tentados a optar, de entre tantos pratos mais ou menos apetecíveis
no menu, por uma alheira com um ovo estrelado por cima e batatas
fritas em volta. Assim não vamos lá, meus amigos. ●
vogue.pt 1 5 5
 AS O VM I E R UV SI R CU AS N A BR E E CC OO OO L L
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V I S I TA
G U I A D A
À E D I Ç Ã O
D E M A R Ç O
D A G Q
P O R T U G A L
CAPA
Diogo Amaral com o seu cão Lobo. Esta é uma de três capas. As outras duas são
com os seus filhos Mateus e Oliver. No interior, mais uma edição a não perder.
158 GQPORTUGAL.PT DEZEMBRO 2019 / JANEIRO 2020 DEZEMBRO 2019 / JANEIRO 2020 GQPORTUGAL.PT 159
 ALPS RESORT REPORTAGEM
Se gosta de lugares abandonados acompanhe o nosso enviado a Gangwon-do, uma província remota da Coreia do Sul, Tashkent, capital do Usbequistão, um lugar cheio de segredos e tabus.
e descubra um enorme resort abandonado há mais de uma década, onde tudo ficou parado no tempo. Pela lente de Matilde Gattoni e texto de Matteo Fagotto. Leitura obrigatória.
160 GQPORTUGAL.PT DEZEMBRO 2019 / JANEIRO 2020 DEZEMBRO 2019 / JANEIRO 2020 GQPORTUGAL.PT 161
 JOÃO PESTE MUSA
“Estava sempre tudo com a música portuguesa, a música portuguesa, e eu tentei explicar que aquilo que andávamos a fazer, não só nós, mas Ana Ventura, modelo e artista, numa produção fotográfica ilustrada com entrevista, ou vice-versa.
outros, como o Rui Veloso, talvez não fosse música portuguesa – podia ser cantada em português.” Entrevista ao mentor dos Pop Dell'Arte. Fotografias de Branislav Simoncik.
Retratos de Estelle Valente.
162 GQPORTUGAL.PT DEZEMBRO 2019 / JANEIRO 2020 DEZEMBRO 2019 / JANEIRO 2020 GQPORTUGAL.PT 163
 DEBATE MODA
Já cancelou alguém hoje? O fenómeno que invadiu as redes sociais visto à lupa. Quem disse que Moda não é Arte?
Nesta edição dedicamos mais de 40 páginas às novas tendências.
164 GQPORTUGAL.PT DEZEMBRO 2019 / JANEIRO 2020 DEZEMBRO 2019 / JANEIRO 2020 GQPORTUGAL.PT 165
 BE
LEZASAÚDE
FOTOGRAFIA: GETTY IMAGES.

MAQUILHAGEM
CUIDADOS Câmara escura: make up do desfile SS20, Prada.
BELEZA TENDÊNCIAS

Ginástica
Artística
FOTOGRAFIA: D.R.

Entre o entusiasmo pela arte apresentada nos desfiles e a confiança O grito

nas fórmulas já conhecidas que nos salvam todas as manhãs está...
o equilíbrio. Numa altura em que se discute cada vez mais
a relevância das tendências, a Vogue mostra como, com ginástica
e criatividade, se pode elevar a beleza desta estação. Por Joana Moreira.
Os olhos sobrepõem-se. Dizem coisas, transmitem sensações e, acima de tudo, causam impacto. Mistura-se
anos 60 com 80, dá-se a Twiggy um toque de punk e cá estamos, em pleno desfile de Ralph & Russo em 2020.
Como usar: O que a mestre Val Garland fez será difícil de replicar. Para manter o efeito e facilitar a
competência num look que não se quer messy, aposta-se numa boa máscara de pestanas, e num eyeliner preto
líquido, para desenhar pelo menos a linha superior que ocupa o osso da sobrancelha.

Máscara de pestanas Le Volume Strech de Chanel, € 36, Chanel.

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BELEZA TENDÊNCIAS BELEZA SHOPPING

O Nascimento de Vénus O Jardim das Delícias Terrenas

Onde há nascimento, há felicidade, e onde há felicidade há blush, que esta estação regressa em força, sobretudo O universo botânico continua a inspirar-nos – não que flores na primavera sejam, como
em tons alaranjados e corais – e sem planos de parar nas maçãs do rosto. Como usar: Em Erdem, se sabe, groundbreaking. Mas, que mais não seja, pelos aromas. Sim, se é certo que teremos
FOTOGRAFIA: D.R.

usava-se batom nas maçãs do rosto. Fora de Erdem, poder-se-ia fazer o mesmo, não fosse o mercado sempre Paris, também é certo que teremos sempre um floral ao qual voltar na primavera.
já ter percebido que havia ali alguma coisa. Os produtos multifunções vieram diretamente até nós Como usar: Uma vez que as flores no rosto dificilmente se livram da teatralidade
com a promessa (cumprida) de sticks que servem para blush, batom e o que nos apetecer. Tudo aplicado e excentricidade, resta-nos optar por uma fragrância que nada tem de propriamente
à mão, para que o pobre pincel nunca mais possa ser culpado de um “estou a usar demasiado blush”. novo senão o conforto dos sítios (e das flores dos sítios) onde já fomos felizes.

Stick de cor para lábios e bochechas, no tom Perk, € 22,90, Milk, na Sephora. Água de colónia Agua Flores, 125 ml, € 90, Claus Porto.

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BELEZA TENDÊNCIAS

A maja nua O beijo

Abraçar a pele nua é um mote: deixá-la com o seu aspeto de pele – cuidada, muito hidratada e Gucci, Richard Quinn e Balmain foram só três dos desfiles em que as modelos surgiram com lábios brilhantes,
com um brilho típico de quem respeita a sua rotina de limpeza e cuidados. Afinal, “a tua pele cheios e simultaneamente polidos. O brilho (sem glitter, apenas brilho) podemos encontrá-lo nos lábios,
FOTOGRAFIA: D.R.

está ótima” não é o elogio mais cobiçado dos últimos tempos? Como usar: Esquecer olhos ou noutras zonas do rosto para um aspeto mais visceral e futurístico. Como usar: A forma
a base e os produtos de tez por um minuto e escolher um bom creme de rosto, que garanta mais fácil de interpretar a tendência é na boca, com glosses de fórmulas confortáveis, e acabamentos
hidratação para todo o dia (se tiver proteção solar, melhor), e que não seja totalmente transparentes ou com muito pouco pigmento – a ter, que seja do tom mais próximo do tom natural
absorvido pela pele ao ponto de não deixar sequer um rasto de luminosidade. dos lábios. Convém só garantir uma aplicação frequente para manter o tão desejado efeito glossy.

Creme hidratante de rosto Eight Hour Great Daily Defense SPF 35, € 44,95, Elizabeth Arden. Gloss para lábios Dior Addict Lip Glow Oil, no tom 001 Pink, € 36,90, Dior.

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BELEZA MOOD

Quando vier
a primavera
As flores florirão da mesma maneira*. Até lá, mudam-se as fragrâncias,
vestem-se as unhas de novos tons e redescobre-se a importância dos
cuidados com a pele. Por Joana Moreira. Fotografia de Pedro Ferreira. Realização de Ana Caracol.

Pele sedosa
Ter o corpo suave é uma busca permanente. Particularmente depois dos meses frios,
viramo-nos para os óleos, que, por oposição a outros produtos, têm a capacidade
de não só hidratar a pele como de a deixar com um rasto de luminosidade difícil de
igualar com uma textura cremosa. Esta novidade, da portuguesa Benamôr, tem o
aroma quente da canela e deixa a pele macia e confortável. Óleo seco Nata, € 19,90, Benamôr.

Cores memoráveis
“Estava à procura de algo poético, como uma memória”, diz Lucia
Pica, maquilhadora global da Chanel, sobre a inspiração para Éclat
Du Désert, o nome dado à coleção de maquilhagem para a primavera-
-verão da marca francesa. De acabamento opaco, este Mirage é nada
mais do que um malva ligeiramente leitoso, que resulta numa cor que
reúne o equilíbrio perfeito entre o discreto e o capaz de suscitar
a pergunta: “que verniz está a usar?”. Verniz Le Verniz, no tom Mirage, € 26, Chanel.

Mãos cuidadas
Àparte da manutenção da manicura, é fácil esquecer o cuidado com as mãos, que
estão sempre expostas e tantas vezes em contacto com outros elementos. Um
bálsamo ou um óleo para a zona das unhas e cutículas pode ser o elemento em
falta para restaurar a hidratação natural e devolver um aspeto cuidado. Basta aplicar
algumas gotas e massajar na zona das unhas, insistindo nas cutículas. Este óleo
tem ainda uma deliciosa fragrância a frutos secos (à conta da predominância do óleo
de amêndoas doces na lista de ingredientes). Óleo Specialist Hand Oil, € 25, ComfortZone.

Flores frescas
O sol descobre-se e, com o mesmo entusiasmo que afastamos
as malhas, rendemo-nos às fragrâncias que emanam todos os
aromas da estação. Para os que, no seu guarda-roupa olfativo, não
dispensam as flores, o novo perfume criado por Jacques Cavallier-
-Belletrud tem a elegância de um bouquet requintado, salpicado com
toques de framboesa. Para usar com a mesma facilidade que um
vestido de corte perfeito. Perfume Heures d'Absence, 100 ml, € 210, Louis Vuitton.

*verso de “Quando vier a Primavera”, Alberto Caeiro, in Poemas Inconjuntos

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BELEZA PERFUMES
izem que é uma arte praticada há séculos pelas mulheres
no Médio Oriente. Como qualquer técnica artística, nasce
da vontade de criar algo singular, pessoal, único. Como
qualquer obra-prima, começa com uma tela em branco, à
qual se acrescenta, tipicamente, uma base de oud oil – um
aroma raro e poderoso, proveniente da madeira de ágar –,
seguida de uma fragrância mais leve, seja ela mais cítrica
ou mais floral. Por outras palavras, e se quisermos simpli-
ficar a história, a técnica a que hoje chamamos de layering
é tudo menos recente – mas isso não significa que não
continue a fascinar perfumistas e marcas de igual modo.
Case in point: em 2018, no seguimento do sucesso massivo da Huda
Beauty, as irmãs Huda e Mona Kattan aventuraram-se pelo mundo
da perfumaria com Kayali, uma espécie de submarca da gigante de
maquilhagem composta por quatro aromas distintos, pensados es-
pecificamente para serem combinados entre si. “A Mona sempre foi
obcecada por perfumes. Assim que ela me introduziu ao layering de
fragrâncias, soube que queria transformar isto num estilo de vida”,
explicou Huda à edição britânica da Vogue. “Com a Kayali, aquilo que
queremos é ensinar aos consumidores esta forma de layer, educá-los
sobre os aromas e as várias famílias olfativas, os diferentes ingredien-
tes e o modo como notas distintas se podem complementar umas
FOTOGRAFIA: IMAGNO / GETTY IMAGES.
às outras”, defendeu Mona na mesma entrevista. “É uma forma de
empoderar os consumidores no que diz respeito à perfumaria, para
que possam criar uma combinação própria e única.”
As irmãs Kattan não estão sozinhas nesta arte. No ano passado,
por exemplo, a Chloé lançou Atelier des Fleurs, uma coleção de nove
fragrâncias especialmente criadas para serem sobrepostas em com-
binações de duas ou três, de modo a criar uma assinatura floral única,
enquanto a marca Narciso Rodriguez expandiu a família For Her com
Going once,
For Her Pure Musc, uma eau de parfum inspirada no layering e criada para
ser combinada com as restantes assinaturas olfativas da linha. “Há
uma certa liberdade de expressão quando combinas uma fragrância
com outra, visto que é uma forma de personalizares o teu próprio
going twice
aroma e criar a tua própria assinatura”, defende Sonia Constant, uma
das perfumistas da marca, sobre esta forma de combinar duas ou
mais fragrâncias. “Quando criei o For Her Pure Musc, a minha intenção
foi desenhar uma fragrância com base num coração de almíscar, que
é muito querido para Narciso Rodriguez. Construí todas as facetas
das restantes fragrâncias de modo a realçar ao máximo o coração
Como qualquer génio incompreendido, o ato de combinar de almíscar. Desta forma, a fragrância foi criada para ser misturada
duas fragrâncias na mesma tela (perdão, pele) pode torcer com todos os perfumes For Her. Quando combinada com outras fra-
grâncias For Her, o For Her Pure Musc realça a assinatura do almíscar
alguns narizes. Mas no mundo da perfumaria (e da arte) o grito que está presente em todos os perfumes desta linha.” A intenção de
pessoal do sold é aquele que fala sempre mais alto. Por Mónica Bozinoski. construir perfumes que funcionam tão bem a solo como em dupla
também é partilhada pela Jo Malone London, uma das marcas pio-
neiras deste conceito, batizado pela mesma como Fragrance Combining
(em português, e numa tradução livre, “combinação de perfumes”).
“Existem muitas formas de criar um aroma único. Na Jo Malone Lon-
don, gostamos muito de combinar as nossas fragrâncias”, explicam
Alba Jiménez de la Rosa, Field Educator, e Maria Angeles Cepeda San
Jose, Communication Manager. Como esclarecem as duas representantes
da marca na Península Ibérica, “o Fragrance Combining é o processo
de sobrepor aromas”, e resulta na criação de “uma marca aromática
absolutamente única”.
Mas como se cria, afinal, esta marca aromática? “Tudo é possível.
A regra é combinar notas simples”, defende Sonia Constant. “Eu
recomendo a sobreposição de fragrâncias que tenham sido espe-
cialmente criadas para serem utilizadas em conjunto, visto que cada
uma delas tem uma assinatura que deverá combinar bem uma com a
outra.” E continua: “As fragrâncias com almíscar combinam muito
bem com rosas, flores brancas ou notas amadeiradas. Os orientais
funcionam bem com notas cítricas, e as notas frutadas com as notas
florais. As notas amadeiradas e as notas cítricas também são uma
boa combinação.” Para Alba e Maria, quando o tema é combinar fra-
grâncias, os limites não existem. “Todas as opções são permitidas.
Vai tudo depender daquilo que queremos da fragrância, e daquilo
que queremos sentir quando a usamos.” E na Jo Malone London
não faltam exemplos para corroborar a teoria. “Se quisermos uma
fragrância floral com um toque amadeirado, podemos aplicar o
Peony & Blush Suede Body Crème e um toque da fragrância Wood Sage &
Sea Salt, de modo a conseguirmos um floral opulento, envolto num
calor amadeirado, luxuoso e com um toque de camurça. Também
podemos combinar o Oud & Bergamot Dry Body Oil com a Cologne
Lime Basil & Mandarin, para criar uma opulenta fragrância amadei-
rada com toques cítricos, que aportam uma frescura que ilumina a
profundidade fumada da madeira preciosa.”
Apesar da sobreposição de duas ou mais
fragrâncias ser a forma mais “comum” de
layering, não faltam alternativas para encon-
trar aquele aroma de assinatura. “Podes so-
brepor uma loção de corpo perfumada com
uma fragrância, ou uma fragrância concen-
trada com uma [água de] colónia”, explica
Constant. “No Médio Oriente, é frequente
adicionar oud oil a uma fragrância ocidental,
de modo a que esta encaixe melhor no gosto
de cada pessoa.” O conselho é partilhado
pelas representantes da Jo Malone. “Exis-
tem muitas formas de conseguir um layering
personalizado com os produtos da linha de
corpo. Podemos começar por aplicar o Body
Crème ou o Dry Body Oil para ter uma base
delicada, e realçá-la com uma fragrância.
Outra opção é pulverizar uma cologne por
cima de um creme de corpo. Em casa, por
exemplo, também podemos fazer layering –
para criar um ambiente único, basta acender
duas velas de aromas complementares no
mesmo espaço.” No fim do dia, como dizem
Alba e Maria, a melhor forma de layering é
aquela que fizer sentido para cada pessoa.
“Põe-na. Mistura-a. Cria um novo aroma.
Correto, incorreto. Sim, não. Experimenta
uma combinação. Depois experimenta ou-
tra. Faz com que seja tua.” l
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BELEZA MAQUILHAGEM

Num universo paralelo em que o corpo é a tela, a Moda a moldura,

Arte Nova
e a Beleza a obra, jogamos com referências, elevamos conceitos e
questionamos, uma vez mais: somos nós que inspiramos a Arte ou
é a Arte que nos inspira a nós? Fotografia de Maddalena Arcelloni. Styling de Veronica Bergamini.

Hey: casaco em nylon e macacão em licra, ambos 0 Moncler Richard Quinn. Corset em nylon, Salvatore Vignola.
Base Studio Waterweight, € 36, corretor Conceal and Correct Palette, € 41,40, lápis de sobrancelhas Eye Brows
Styler, € 19,50, e iluminador Strobe Cream, € 33,50, tudo MAC. Iluminador Strobe Gel, € 15,50, Zoeva.

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BELEZA MAQUILHAGEM BELEZA MAQUILHAGEM

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€ 19,50, e iluminador Strobe Cream, € 33,50, tudo MAC. Iluminador Strobe Gel, € 15,50, Zoeva. Sombra de olhos da paleta
12 Flash Color Case, € 90, Make Up For Ever. Na página ao lado, Hey: casaco e calças em veludo cotelê e camisola em
malha de algodão, tudo Annakiki. Brincos em acetato, Sylvio Giardina. Base Studio Waterweight, € 36, corretor Conceal
and Correct Palette, € 41,40, lápis de sobrancelhas Eye Brows Styler, € 19,50, e iluminador Strobe Cream, € 33,50, tudo MAC.
Iluminador Strobe Gel, € 15,50, Zoeva. Sombra de olhos da paleta 12 Flash Color Case, € 90, Make Up For Ever.

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BELEZA MAQUILHAGEM BELEZA MAQUILHAGEM

Bronte: casaco em lã fria, Salvatore Ferragamo. Brincos em acetato, Sylvio Giardina. Base Studio Waterweight, € 36,
corretor Conceal and Correct Palette, € 41,40, lápis de sobrancelhas Eye Brows Styler, € 19,50, e iluminador Strobe
Cream, € 33,50, tudo MAC. Iluminador Strobe Gel, € 15,50, Zoeva. Sombra de olhos (usada na cara) da paleta 12 Flash
Color Case, € 90, Make Up For Ever. Sombra de olhos (usada na cara) da paleta Chiarissimi, Neve Cosmetics. Na página
ao lado, Bronte: camisa em organza de seda, Greta Boldini. Calças em denim, Ganni. Base Studio Waterweight, € 36,
corretor Conceal and Correct Palette, € 41,40, lápis de sobrancelhas Eye Brows Styler, € 19,50, e iluminador Strobe Cream,
€ 33,50, tudo MAC. Iluminador Strobe Gel, € 15,50, Zoeva. Sombra de olhos (usada na cara) da paleta 12 Flash Color
Case, € 90, Make Up For Ever. Sombra de olhos (usada na cara) da paleta Chiarissimi, Neve Cosmetics.

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BELEZA MAQUILHAGEM BELEZA MAQUILHAGEM

Base Studio Waterweight, € 36, corretor Conceal and Correct Palette, € 41,40, lápis de sobrancelhas Eye Brows
Styler, € 19,50, e iluminador Strobe Cream, € 33,50, tudo MAC. Na página ao lado, Bronte: vestido em crepe
e tule de seda, Davorin Cordone Maison. Base Studio Waterweight, € 36, corretor Conceal and Correct Palette,
€ 41,40, lápis de sobrancelhas Eye Brows Styler, € 19,50, e iluminador Strobe Cream, € 33,50, tudo MAC.
Pigmento colorido (usado nos olhos, lábios e sobrancelhas) Pigment Colour Powder, no tom Pure Gold, MAC.

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BELEZA MAQUILHAGEM BELEZA MAQUILHAGEM

Bronte: laço em latex, Yezael by Angelo Cruciani. Base Studio Waterweight, € 36, corretor Conceal and Correct Palette,
€ 41,40, lápis de sobrancelhas Eye Brows Styler, € 19,50, e iluminador Strobe Cream, € 33,50, tudo MAC. Iluminador Strobe
Gel, € 15,50, Zoeva. Sombra de olhos da paleta Chiarissimi e blush da paleta Blushissimi, ambos Neve Cosmetics.
Modelos: Bronte Coates @ Next Management e Hey Yeon @ MP Management.
Cabelos: Renos Politis @ Etoile Management. Maquilhagem: Martina Bellinato. Produção: Khalder Productions.
Assistente de styling: Michela Isola. Editorial realizado em exclusivo para a Vogue Portugal.

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BELEZA ENTREVISTA
Inspiração divina
Inspira-se em movimentos artísticos como o Renascimento,
mas também em gatos, botões, telhados, compota ou pickles de
gengibre. Esta é a maquilhadora que se inspira, literalmente, em
tudo para criar looks de cortar a respiração. Se o rosto da atriz Lucy
Boynton ocupa a sua pasta de “guardados” no Instagram, deixe a
Vogue apresentá-la à responsável por isso: Jo Baker. Por Joana Moreira.
omo era a Jo em miúda? Já fanática por maquilha-
gem? Era uma adolescente super ativa, andava a cavalo,
participava em corta-matos, aprendi a pilotar pequenos
aviões na RAF Air Cadets. Experienciava o lado verdadei-
ramente aventureiro da minha personalidade. Isto para
dizer que estava muito ocupada, mas a arte estava sempre
à frente de tudo. Adorava arte, aguarelas, desenhar com
carvão, giz, pinturas a óleo, acrílicos... Adorava tudo! No
meu primeiro ano da escola secundária, fui apanhada a pôr
cola de glitter nos lábios de um amigo só porque queria ver
como ficava. Naturalmente, com o interesse em arte e em
rostos... veio a maquilhagem. Lembro-me de me sentar em frente ao
espelho de pernas cruzadas durante horas a usar a maquilhagem para
esculpir e sombrear as partes do meu rosto de que eu não gostava,
através da iluminação. Insegura, jovem e a querer sentir-me bonita
enquanto adolescente, acabei por descobrir quão valiosa era a ma-
quilhagem para aumentar a minha confiança e me ajudar a passar por
aqueles anos estranhos. Praticava em todos os meus amigos, usava
glitter turquesa e fazia aquele olho azul fosco. Crescer em Londres
contribuiu para uma grande parte do meu desenvolvimento criativo.
Sentia-me influenciada por tudo o que estava à minha volta. Tudo
desde a cultura pop à música, arquitetura, história, o movimento
punk, gótico, grunge, as Spice Girls, os guardas da rainha e os seus
uniformes, as árvores, o tempo tipicamente inglês. Basta dizer que
está tudo arquivado no meu cérebro como tendo tido um efeito em
mim. A diversidade multicultural fazia de Londres uma cidade muito
vibrante visualmente, com toda a sua autoexpressão e Moda de todo
o tipo. Costumava ficar colada nos quiosques a vibrar com a i-D, a
Dazed & Confused, a Spoon Magazine, a Pop Magazine, a Vogue
Itália, e maravilhada com os editoriais longos com styling, cabelo e
maquilhagem loucos, com nomes dos meus ídolos, Pat McGrath, Val
Garland, nos créditos! Estava viciada e sabia desde logo que era isso
que queria fazer.
FOTOGRAFIA: INSTAGRAM @MISSJOBAKER.
Começou por trabalhar num balcão da MAC. O que é que se
aprende a maquilhar pessoas tão diferentes todos os dias?
Era o balcão da MAC no Selfridges London, na altura era a MAC mais
ativa do mundo. No momento em que as portas se abriam, um mar
de caras aparecia a pedir para encontrar o tom de base certo, fazer
um novo look, testar batons, descobrir o pó perfeito ou perceber a
preparação ideal para ajudar com os problemas de pele. Era inten-
so e aprendi imenso lá. A MAC encorajava os nossos trabalhos de
freelancer, por isso era um sítio seguro para os artistas aprenderem,
crescerem e construírem uma reputação! Tendo vindo da London
College of Fashion, onde fiz um curso de maquilhagem bastante
básico, esta experiência prática foi fantástica. Não só aprendi muito
rápido como encontrar as cores certas para qualquer etnia de forma
perfeita, como também li imenso sobre as diferentes tendências
culturais e tradições relacionadas com maquilhagem. Por exemplo,
algumas mulheres queriam uma base que fosse claramente mais
clara que o seu tom de pele. Outras eram extremamente fãs de estar
cheias de bronzer e excessivamente bronzeadas. Foi uma educação
incrível, observar o comportamento humano e a psicologia com
a arte, àquele ritmo. Aprendi a ouvir, a respeitar e a navegar pelas
ferramentas para ajudar as mulheres a chegarem aos resultados que
desejavam. É um momento muito íntimo e até vulnerável para uma
mulher ver um estranho num balcão de maquilhagem e discutir com
ele as suas inseguranças e imperfeições, como cobrir uma cicatriz,
por exemplo. Sentia-me inspirada para fazer as pessoas sentirem-se
na sua melhor versão com a maquilhagem que tinha à minha frente,
era muito recompensador!
Também chegou a fazer desfiles, a dada altura. Como é que
foi essa experiência? Eu estava hipnotizada pela Moda e belo buzz
dos desfiles até ter experienciado trabalhar em alguns.... Descobri
que havia um mar de bancadas de maquilhagem, uma atmosfe-
ra frenética que era alimentada por uma pressão para que toda a
gente fosse perfeita. Horas de preparação e espera nos bastidores
rapidamente se convertiam nuns passos rápidos numa passerelle e
depois acabava tudo. Naquele momento, ao estar só a assistir e não a
desenvolver o show ou a desenhar os looks, sentia-me um bocadinho
vazia depois. Ninguém conseguia distinguir a minha maquilhagem
de todas as outras, o que suponho que seja o objetivo [num desfile
de Moda]. Pensei que se não podia mostrar o meu trabalho, o meu
estilo, então estava só a criar a visão e as ideias de outras pessoas,
o que não me satisfazia.
O Usher foi o seu primeiro grande cliente, e serviu de entrada
para o universo de Los Angeles. Como é que isso aconteceu?
Um amigo meu, fotógrafo, estava a fotografar o Usher para a Smash
Hits Magazine UK e perguntou-me se eu estava disponível e queria
fazer a maquilhagem. O Usher tinha uma energia incrível e elogiou
o meu estilo e a minha abordagem. Depois da sessão pediu ao seu
manager para me contratar para tudo aquilo que ele estivesse a
fazer. Antes de conseguir sequer respirar já estávamos a viajar
pela Europa fora a promover o seu novo single na altura, o Yeah, e o
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BELEZA ENTREVISTA
álbum Confessions. Ele explodiu assim ao nível Elvis [Presley]. Passei
um ano e meio na estrada a viajar pelo mundo com o Usher e a sua
equipa, a quem chamo a minha primeira família americana... Fazer
uma tourné, aprender sobre maquilhagem para atuações ao vivo, o
negócio, como viajar com maquilhagem... Fiz isso tudo ali. Sinto que
foi o meu curso de base para a indústria do entretenimento e estava
completamente viciada em toda essa magia.
Acabou por fazer grooming e maquilhar praticamente apenas
homens durante muito tempo. Quando é que se decidiu focar
nas mulheres? E quão diferentes são esses dois universos?
Estava só a fazer grooming e a trabalhar com clientes masculinos
porque eles pareciam ligeiramente mais fáceis para começar. As
suas exigências eram simples e desde que os fizesse ficar com bom
aspeto toda a gente estava feliz... menos eu. Eu nunca quis ser uma
groomer masculina, mas estava entusiasmadíssima por ter tantos
talentos gigantes a trabalhar comigo e com quem podia aprender
sobre a indústria. Lembro-me que estava a trabalhar com várias
produtoras de música e depois de alguns anos tinha um batalhão
de estrelas masculinas comigo. Mas ser uma boa groomer masculina
tornava-me invisível para as artistas femininas com quem eu queria
desesperadamente trabalhar. Foi uma transição difícil, mas para ser
levada a sério enquanto maquilhadora tinha de parar de trabalhar
com os meus clientes homens, de vez, e mostrar às pessoas a minha
verdadeira criatividade, para sair do estereótipo em que estava a ser
colocada. Os clientes achavam que eu só podia fazer o que eles me
viam a fazer, por isso concentrei-me em qualquer cliente feminina
que me quisesse e as coisas rapidamente evoluíram quando comecei
a ganhar confiança criativa.
E a ganhar liberdade criativa. Foi um alívio enorme... Fui do
Usher, Kanye, 50 Cent, Eminem e Robin Thicke até ao George Cloo-
ney… E até artistas mais desconhecidos como a Robyn que estava
a estrear-se na América. E eu pensava “como é que posso trazer
mais visibilidade à Robyn?”. Ela deixou-me fazer um eyeliner louco
nela e ambas adorámos. Genuinamente, senti um alívio por ter a
oportunidade de trabalhar com mulheres talentosas cuja música
era tão inspiradora e estava a despontar. De repente, os looks e a
criatividade não tinham qualquer tipo de limites. Com os videoclipes
e as fotos de álbuns, senti que estava de volta ao caminho certo
para trabalhar com gigantes da indústria como a Melina Matsou-
kas, com quem trabalhei numa série de videoclipes, com briefings
épicos e criativos, a Fatima Robinson, que é uma diretora criativa e
coreógrafa lendária... Estava rodeada pelo tipo de pessoas que põe
simplesmente energia criativa em ti e te ajuda a sério!
Hoje faz muitas passadeiras vermelhas, mas com uma aborda-
gem à maquilhagem muito fora da caixa. Quão fácil é convencer
os clientes a fugir ao óbvio e a correr riscos? É mais fácil do
que costumava ser, isso é certo! As mulheres que eu maquilho são
mais experimentais hoje em dia e os meus clientes ao longo dos anos
aprenderam a confiar nas minhas ideias mirabolantes. As pessoas
veem como eu e a Lucy [Boynton] nos divertimos e acho que isso
lhes dá confiança para tentar coisas e não levar a maquilhagem tão
a sério. Acho que as mulheres estão cada vez mais a sentirem-se
menos obrigadas a jogar pelo seguro no que diz respeito a cabelo
e maquilhagem e a usar isso como ferramenta para mostrar a sua
personalidade, estilo e gosto. Cada momento na red carpet é uma
oportunidade para um novo alter ego emergir... Com um ótimo styling,
cria-se um momento ideal para a diversão e um pouco de fantasia – é
sobre isso que se trata nesta indústria! Tender para combinações de
cores audazes, com acabamentos editoriais na pele, formas poucos
usuais e inesperadas e têxteis dramáticos podem trazer uma mo-
dernidade à passadeira vermelha, que tem estado parada no modo
glamour clássico há décadas. Estou supercontente por estar na frente
de tudo isso – a respirar nova arte e ideias num palco para o mundo!   Já tenho isso e está pronto a agarrar, o que
Foi sempre assim? Mudou muito nos últimos anos. Passámos de
querer ser iguais aos nossos ídolos e estar o mais bonitas possível
até uma mensagem muito mais desenvolvida. Há toda uma nova
onda de liberdade e autoaceitação. As mulheres não querem só ser
bonitas. Queremos destacar-nos, sentir-nos mais fortes, inteligentes,
únicas, enquanto celebramos quem somos de uma forma positiva
e saudável! Em vez de aspirarmos à imagem da beleza publicitada,
estamos agora a celebrar a beleza e o corpo em todas as formas e
tamanhos, de todos os backgrounds étnicos, o que – e acho que toda a
gente vai concordar – é um sinal de alívio. Finalmente podemos ser
todos bonitos e encorajados a sentirmo-nos bem connosco mesmos
e não com aquilo que nunca vamos ser! Estamos no meio de uma
revolução na beleza... Por isso, a chave é mesmo deixar de tentar
pertencer e mais tentar destacar-se!
Li que não planeia nenhum look, nem para a gala do MET. É
verdade? Sim, é verdade, nem sequer para a gala do MET! Nem nunca
testei um look ou pratiquei algo com antecedência. De alguma forma,
as ideias acabam por fluir e ganhar vida enquanto olhamos para o
Maquilhadora Jo Baker.
vestido e discutimos opções para cabelo e
maquilhagem. A chave para isto resultar é
estar sempre preparada para tudo... Por isso
se for preciso ter pequenas luas cor de rosa
com pérolas coladas na pálpebra... Tenho de
saber que elas estão no meu kit ao lado de
outro tipo de contas, brilhos, papel, glitter,
sombra, em todas as cores possíveis, tudo
preparado para ser colado no sítio. O meu
kit é relativamente pequeno... Mas a mala do
meu carro está completamente cheia, com um
arquivo de diferentes kits extra. E isto inclui
desde glitter em todas as cores do arco-íris
até paletas em todas as sombras muted, até
néons vibrantes ou cores muito metálicas.
Precisam de estar prontos e disponíveis pa-
ra que qualquer look que eu imagine possa
ser executado de imediato. Não há tempo
para “se eu tivesse brilhantes azul pastel...”.
ajuda a estar completamente envolvida em
criar ideias que são fora da caixa!
Como é que conheceu a Lucy Boynton
e como é trabalhar com ela? A Lucy e eu
conhecemo-nos num editorial, há cerca de
três anos, e lembro-me de ter adorado estar
com ela desde o primeiro dia. Duas miúdas
de Londres que adoram arte, Moda, música,
cinema, criatividade. Tornámo-nos amigas
muito rápido! Na verdade, na segunda sessão
fotográfica que fizemos juntas, lembro-me
de lhe pôr uma sombra de olhos cor-de-rosa
néon ao longo da pálpebra e imensa máscara
de pestanas para o look e é como se não tivés-
semos parado de nos divertir desde então. Ela
é um sonho para se trabalhar, divertimo-nos
mesmo muito a trabalhar juntas!
Ao olhar para os seus trabalhos e looks,
vemos que há algo de muito experimental, mas que, ao mesmo
tempo, mantém uma elegância. Como é que se encontra esse
equilíbrio? Estudo o equilíbrio natural do rosto, percebendo o que
quero evidenciar nesse dia e o que quero que passe mais desperce-
bido, o equilíbrio é a chave para todos os meus looks. Nunca quero
que a maquilhagem ofusque o vestido ou o cabelo. Quero que tudo
se complemente perfeitamente. É também importante para mim
que o look favoreça, já tive muitos maridos e namorados das minhas
clientes a elogiar os looks que eu criei e a dizer que é bom ver maqui-
lhagem tão diferente e que parece tão cool. O que é um enorme elogio,
quando um casal aparece lado a lado. Muitas pessoas preferem os
companheiros sem maquilhagem em vez de em demasia. Por isso,
tenho sido bastante consciente em criar looks com um balanço que
acaba por não ser demasiado ao ponto em que pode parecer teatral.
Quero que as minhas miúdas pareçam e se sintam cool, por isso ter
o fixe do marido ou das namoradas ou amigas é super significativo
e faz-me sentir que esse balanço está perfeito!
“A MAQUILHAGEM É O MEIO, MAS O
MEU CÉREBRO É DEFINITIVAMENTE
INSPIRADO POR TUDO AQUILO EM
QUE TOCO E VEJO TODOS OS DIAS”
Para aqueles que normalmente jogam mais pelo seguro com
a maquilhagem, o que é que aconselharia para começar? Os
tons pastel podem ser uma ótima forma de experimentar usar cores!
Aqueles tons doces e suaves parecem inocentes e podem facilmente
adicionar uma doçura e um toque feminino a toda uma aparência.
Foram muito usados no ano passado e acredito que vão continuar a
aparecer em força este ano porque ficam bem em qualquer tom de
pele e em qualquer idade! A maquilhagem pode ajudar a mostrar ao
mundo os diferentes moods em que se está, seja o primeiro dia num
trabalho novo, ou um encontro romântico, um enorme pitch ou um
dia normal no tribunal. A maquilhagem pode ser uma forma subtil
de conseguir o tom certo.
No Instagram vemos que muitas das suas ideias vêm dos
sítios mais aleatórios. É seguro dizer que a Jo se inspira
em literalmente tudo? Grande parte da minha carreira é passada
em corredores, aeroportos, trânsito, e parques de estacionamen-
to. Ando sempre de olhos abertos e acabei por começar a olhar
mais profundamente para diferentes objetos. Por exemplo, estou
a olhar para uma parede de cimento, mas como é que sabemos que
é cimento? O tom, a textura, a crueza e o acabamento industrial...
Até a temperatura ao toque nos diz que aquilo é cimento. Comecei
a estudar tudo, a querer perceber a sua composição e perceber o
que é que usar este material podia trazer para a estética, design ou
praticidade. Outro exemplo é o pão com compota, que me lembra
desde logo a minha infância em casa em Inglaterra, por isso esses
tons usados de certa forma conseguem trazer nostalgia, memórias
e bons sentimentos... Portanto, a maquilhagem é o meio, mas o meu
cérebro é definitivamente inspirado por tudo aquilo em que toco e
vejo todos os dias. Às vezes estamos num sítio escuro e húmido a
fotografar às quatro da manhã, e em vez de me sentir aborrecida
encontro inspiração em como a luz está a incidir sobre a poça suja
ao lado do caixote do lixo. É nestes momentos mais azedos que
muitas vezes encontramos os tons mais bonitos de cinzento, lama,
toupeira, uma mancha de óleo na água, as muitas cores do petróleo
quando está numa superfície macia. É tudo muito bonito quando
nos damos esse tempo para o observar. 
Agora, sente algum tipo de pressão para criar os próximos
looks? Sim, mas só a pressão saudável que ponho em mim mesma.
Quero criar looks para os meus clientes que são entusiasmantes e
diferentes do que já fiz antes. Gosto do desafio e da expectativa para
dar às mulheres com quem trabalho algo novo! Tenho algumas coisas
no meu kit que estou morta para usar... Por isso, preparem-se que há
mais arte e criatividade a caminho! l
vogue.pt 1 9 1
BELEZA LANÇAMENTO

Estado da Arte Na sombra do ritmo frenético da “fast beauty”, uma das

maiores casas de luxo do mundo ergue-se com um novo
métier: La Beauté Hermès. A Vogue foi a Paris conhecer
o coletivo artístico que durante três anos se dedicou a
criar o que pretende ser a Birkin dos batons. Por Joana Moreira.

ali Barret senta-se com rapidez no chão e abre uma capa de
arquivo recheada de páginas de cores. Qualquer hipótese
de formalismo termina ali, com a diretora artística do
universo feminino da Hermès sentada no chão, a folhear
com um sorriso as muitas referências de sedas coloridas
do arquivo da marca. Afinal, é o entusiasmo pela cor e
pelo que é belo que junta, numa tarde de novembro, em
Paris, uma equipa de jornalistas de beleza dos quatro
cantos do mundo.
Sente-se um friozinho na barriga, e não é da tempe-
ratura da capital francesa. Todos os presentes sabem a
importância do momento que estão a presenciar: a inauguração de
um novo métier na casa Hermès. A Beleza faz agora parte, no seu
estado mais literal, do universo da marca com 183 anos. O início está
aqui, nestas páginas, e chega às lojas em março – em Portugal a loja
única localiza-se no coração de Lisboa, em pleno Largo do Chiado.
Mas voltando a Paris. Estamos numa sala com os três elementos
que, sob a liderança do diretor artístico da marca, Pierre-Alexis Du-
mas, compõem o coletivo artístico que há três
anos prepara a chegada da Beleza da Hermès:
Bali Barret, diretora artística do universo femi-
nino, Pierre Hardy, diretor criativo de calçado,
Fine Jewelry, Haute Bijouterie Collections e de-
primeira vez. Porém, Jérôme assegura: “O matte é superconfortável.
Não ficas com os lábios secos”, graças a uma boa percentagem de
cera de abelha, cera de candelila e manteiga de karité.
A devoção pela cor
“Começámos pelas cores porque sentimos que tínhamos legitimidade
no campo da cor, graças à generosidade e à cultura da cor que está na
Hermès há muito tempo. Por isso, começámos pelos livros de cores
dos lenços de seda. Temos 75 mil, por isso esta é uma biblioteca
enorme. Começamos a escolher cores com o Jérôme e lentamente
fomos editando, testando em batom e finalmente encontrámos as
tais. Foi um longo processo, mas é tão entusiasmante. Foi muito
interessante enquanto experiência”, descreve Barret, sobre a coleção
emblemática (e permanente) de 24 cores, 10 de acabamento matte e
14 acetinadas, cuja inspiração vem da própria maison. Se as cores são
inspiradas pelas sedas, os acabamentos são pelas peles da marca. Para
ser mais específica, os batons de acabamento matte são inspirados
pela pele Doblis, suave e quase empoeirada, e os de acabamento satin
Jérôme Touroun

FOTOGRAFIA: JOAQUIN LAGUINGE; ALEXANDRE NICOLAS.

signer de objetos de Beleza, e Jérôme Touroun,
diretor criativo de Beleza. Juntos acabam de criar
a primeira coleção, Rouge Hermès, uma coleção
de batons, entre vermelhos frios, vermelhos
quentes e, claro, um vibrante laranja – como
não poderia deixar de ser. Mas Jérôme Touroun
Bali Barret
garante: “a beleza da Hermès está também na
fórmula, mesmo no que não se vê”. De facto,
não conseguimos ver para lá dos tons altamente
pigmentados, que deslizaram de forma impres-
sionante quando os testámos nas costas da mão
há uns meses com o entusiasmo de crianças
a ver algo novo (na altura ainda secreto) pela
Pierre Hardy

vogue.pt 1 9 3
 BELEZA LANÇAMENTO
"O BATOM É UM OBJETO
QUE SÓ COM UMA
APLICAÇÃO CONSEGUE
FACILMENTE REVELAR
UMA PERSONALIDADE."
JÉROME TOUROUN
A coleção Rouge Hermès inclui 24 batons, um
bálsamo de lábios (Lip Care Balm), um batom
para dar brilho (Poppy Lip Shine), um lápis
de lábios (Universal Lip Pencil) e um pincel de lábios.
são reminiscentes da luminosa pele Box. Mas há mais referências
aos arquivos da marca que podem passar despercebidas aos olhares
mais desatentos. Pierre Hardy não se coíbe de admitir: “A parte de
cima [do batom] é uma autocitação (risos). Porque há alguns anos
Cada batom da coleção Rouge emblématique
desenhei o frasco do perfume Jour e a parte de cima era exatamente
tem o custo de € 62. Os sazonais, lançados este branco com este selo e com esta curva, e queríamos manter esta
de seis em seis meses, pertencem à Rouge continuidade neste vocabulário (...), mas não há muitas referências,
édition limitée e têm o custo de € 68.
A recarga é possível nas lojas por € 38. porque é um métier completamente novo na casa, por isso criámos
tudo do zero. A textura, a cor, a forma, tudo.”
Entre as cores, havia uma óbvia, evidente e incontornável: cor
de laranja. Cor de laranja Hermès. “Claro que queríamos ter um
laranja, mas só se, no final, fosse favorecedor”, diz Jérôme. “E foi
esse o caso. Ficámos muito felizes, mas foi onde demorámos mais
tempo até encontrar a cor certa, porque tem de ser surpreendente,
audacioso, mas também tem de favorecer, e esse é o caso”, remata.
Sustentabilidade e bom senso
Já o responsável pela forma do objeto tinha uma missão: luxo sus-
tentável. Mas não foi fácil encontrar materiais, assume Pierre Hardy.
“Querer manter a ideia de luxo [num objeto] elimina logo uma
série de texturas e materiais, como plástico, etc. Temos de pensar
FOTOGRAFIA: JOAQUIN LAGUINGE; REMY-LONVIS.
também que funcionem com os produtos, as cores, etc. Por isso, no
final, é uma questão de ver o que existe e como pode ser usado da
melhor forma para produzir o objeto mais bonito. E, lidando com
isso, como encontrar não só uma forma, mas uma harmonia com
estes elementos para construir este testemunho do que achamos
que é a beleza. É um statement.”
A coleção inclui também alguns O resultado foi uma embalagem feita com recurso a papel não
acessórios em pele, uma bolsa para tratado, fabricado a partir de fibras recicladas, e, no interior, o luxo
o batom com um espelho, uma bolsa
para o batom em pop-up e ainda um
reconhecível de sempre: uma caixa cor de laranja, Hermès-style. E, den-
espelho na forma de pendente. Todos tro dela, mais uma surpresa: um pequeno saco de lona para proteger
os acessórios estão disponíveis em o batom elegante que se esconde no seu interior. A preocupação da
três tons distintos de pele Hermès.
marca com a longevidade das peças é visível, bem como o seu apreço
pelo tempo. Aliás, o tempo parece ser a estrela-guia da equipa de
criadores. Não há relógio. Não há pressas. Há tempo. “Ter tempo para
criar produtos dá-te tempo para pensar realmente no que é impor-
tante, no que realmente queres e precisas. É uma virtude”, acredita
Bali Barret. “Quando cheguei à Hermès era muito impaciente. Foi aí
[que me debati com isso pela primeira vez] Quando alguma coisa
era difícil ou demorava tempo, diziam-me ‘fazemos isso na próxima
estação’. E eu dizia ‘o quê?!’. Punha-me doida. Mas hoje percebo.
Aprendi a ser paciente e percebi o porquê. É uma grande virtude
porque podes pensar muito bem sobre o que queres, como o queres
fazer, porque o queres fazer, é muito interessante. Dá profundidade
ao projeto e às ideias”.
Mas no ritmo alucinante a que a beleza caminha (corre?), que re-
levância ganha uma Hermès a ir a jogo? A democratização da beleza
está aí, e com ela mil marcas, ofertas e produtos. “A democratização
é uma coisa boa. Mas toda esta onda da fast beauty, o que foi interes-
sante porque criou dinamismo e entusiasmo e tal, tinha muito a ver
com quantidade, quantidade e renovação de cores, produtos que
substituem outros... Nós [Hermès] temos uma abordagem diferente,
e uma abordagem diferente ao tempo”, diz Jérôme. “Em vez de só nos
focarmos em quantidade, focamo-nos muito na qualidade, porque a
Hermès é sobre alta qualidade. E provavelmente uma miúda nova,
que começou com a fast beauty, vai acabar por querer outra coisa,
e isso não quer dizer que tenha de deitar fora essas coisas de fast
beauty, mas acho que vai ser diferente, algo complementar, algo que
vai querer começar com um [batom], e vai ser um progresso... A
indústria está a mover-se, e acho que há necessidade de uma visão
mais elevada da beleza.”
Porquê um batom?
Pierre Hardy desafia-nos: “Porque é que comprarias uma camisola de
gola alta preta da Hermès? Há tantas golas altas pretas em qualquer
lado. Mas sabes que ao usares esta há detalhes, texturas, diferen-
ças que fazem toda a diferença.” E as diferenças estão lá: no fecho
magnético, na embalagem elegante, no aroma suave com notas de
arnica, sândalo e angélica – sim, a perfumista Christine Nagel criou
a fragrância que perfuma a bala do batom. Mas se estes deliciosos
detalhes justificam o desejo por um batom Hermès, algo continua
sem justificação aparente: porquê escolher um batom para primeiro
item de maquilhagem da marca? “Acho que o batom é um objeto
muito pequeno que encapsula tanto o que é a cor e a maquilhagem”,
argumenta Jérôme. “E é um pequeno objeto capaz de concentrar
muita da dimensão Hermès. Um objeto com todo este aspeto de
ser recarregável, com todas as cores e materiais. É um concentrado
Hermès. Além disso, o batom é um objeto que só com uma aplicação
consegue facilmente revelar uma personalidade. Quando se aplica
pode-se descobrir algo de alguém que se conhece. Ah, isto é uma
faceta da sua personalidade que eu não conhecia. É uma assinatura.”
E quem não gostaria de assinar com Hermès? l
vogue.pt 1 9 5
BELEZA ASK AN EXPERT

United Colors of Hair

Fazer coloração seca o cabelo?
Sim, pode secar, depende da coloração. O histórico do cabelo é muito importante
e há que sensibilizar as clientes para os cuidados a ter após um trabalho técnico.

No cabelo tal como na Arte, a paleta de cores à disposição é É possível ter alergia aos produtos usados na coloração?
Sim, é possível. Daí que seja importante ter uma boa conversa com a cliente,
praticamente infinita. A Vogue falou com o hairstylist Rui Rocha sobre fazer um teste de sensibilidade para não correr riscos. Mesmo assim, existem
mitos, problemas e todas as principais questões que pairam sobre produtos que ajudam a proteger e a respeitar a pele do couro cabeludo.
o nada aborrecido mundo das colorações capilares. Por Joana Moreira.
Lavar o cabelo diariamente faz a cor de cabelo perder a força?
Depende muito da coloração. Se for um “tom sobre tom”, ao lavar todos
os dias corre-se o risco de o pigmento que fica só na camada superficial
da cutícula sair muito rápido. Usar uma gama específica para coloração
ajuda a manter o reflexo. O mesmo acontece com uma coloração com
mais poder de abertura e cobertura, que, com as lavagens, pode perder
a intensidade dos reflexos. Diria que, lavando todos os dias, o uso
de uma boa linha para cabelos com coloração faz toda a diferença.

Que cuidado acrescido se deve ter após fazer uma coloração?

Os cuidados a ter após um trabalho técnico de coloração, seja
ele qual for, são sempre a reparação e hidratação [dos fios],
que ajudam a manter a cor por muito mais tempo.

Quais são os principais erros relacionados com coloração?

Não ser feito um diagnóstico ao couro cabeludo, e só ao fio do cabelo. Para não
correr riscos, também é preciso saber dizer não à cliente quando o fio do cabelo
não reúne as características para iniciar um compromisso com a coloração.

O que é que pode provocar o efeito manchado depois da coloração?

O efeito manchado acontece quando, numa situação de retoque, a coloração não é a
mesma. Até pode ser muito parecida, mas a curto prazo notam-se essas diferenças.

Quanto tempo pode durar uma coloração de cabelo?

A duração tem a ver com o tipo de coloração, o número de lavagens...

FOTOGRAFIA: GETTY IMAGES.

A cor está lá, mas os reflexos e o brilho podem desvanecer.
Se não houver determinados cuidados a cor não dura tanto.

Que produtos é que podem ajudar a prolongar a cor?

As gamas indicadas para cabelos com coloração, que têm uma ação
antioxidante e ajudam a manter a cor bonita por muito mais tempo.

Quais são os principais tipos de coloração capilar?

Hoje há colorações vegan, sem amoníaco, há as colorações chamadas “tom sobre tom”, que podem
ser usadas sem oxidação, só para repor pigmento, brilho e dar reflexos, mas que não mexem com
a estrutura do cabelo, ou seja, não alteram em nada o cabelo. Depois temos o “tom sobre tom”, mas
Qual o período mínimo entre sessões de coloração?
Depende muito do crescimento do cabelo, no caso de ser uma coloração direta,
onde se utiliza já uma volumagem, em que se consegue alterar um bocadinho, na base [do cabelo],
por exemplo, para cobertura de brancos. Se for só reflexos de “tom sobre tom”,
já se mexe na estrutura do cabelo. Mais na camada superficial, mas mexe-se. E, depois, há a coloração
dependendo da coloração, pode repor-se sempre que houver necessidade,
por oxidação que, dependendo do fim para o qual é utilizada, acaba por ter mais cobertura.
pois algumas colorações sem amoníaco ajudam a proteger o fio do cabelo.

Fazer coloração danifica o cabelo? A água da piscina pode deixar o cabelo loiro esverdeado?
A base é um bom diagnóstico. Em princípio, isso só acontecerá se Descubra uma série de Sim, as piscinas podem deixar os loiros esverdeados, sejam eles naturais
realmente o produto for extremamente forte. Mas depende muito da champôs para não perder ou com coloração. Tem a ver com o cloro. Se isso acontecer, o ideal é procurar um
estrutura capilar, reforço sempre que é importante um bom diagnóstico. pitada do seu tom em vogue.pt profissional, pois existem colorações, com pigmentos, que ajudam a retirar o verde.

vogue.pt 1 9 7
BELEZA INVESTIGAÇÃO
reencho as sobrancelhas todos os dias. Com lápis, cera,
pó ou máscara. O tipo de produto é indiferente, desde
que a enorme falha de pelo que tenho na sobrancelha
esquerda fique camuflada. Quem diria que ir contra um
banco de cimento enquanto corria, aos três anos, ia ter
tamanha influência na minha rotina de beleza: posso
esquecer-me da máscara de pestanas ou do corretor de
olheiras, mas nunca deste pequeno passo. Ser Editora
de Beleza traz algumas funções, que também podem ser
vistas como vantagens, sendo uma delas experimentar
vários produtos de beleza, de diferentes marcas. Isto para
dizer que terão sido poucos os produtos no mercado (pelo menos o
português) destinados ao crescimento de pelo nas sobrancelhas e
pestanas que não experimentei. Até o famoso óleo de rícino, defen-
dido pelos mais puristas e que tanto tempo apliquei na dita falha,
não vingou. Pensei: seria o problema meu?
Pelos vistos, não. Nenhum produto de estimulação de crescimento
de pelo pode resultar se o folículo de cabelo está destruído. As pa-
lavras de Ricardo Vila Nova, tricologista, arrasaram a minha réstia
de esperança e obrigaram-me a prometer fidelidade aos produtos de
maquilhagem. “[Não há produto que ajude topicamente] quando a
pestana, por exemplo, ou a sobrancelha, que é mais visível, perdeu
poder folicular. Mesmo que apliquem o RevitaLash ou algum tipo
de medicação com glaucoma ou até com óleo de ricínio, não vão
conseguir multiplicar o número de fios de cabelo na pestana, ou na
sobrancelha”, explica à Vogue.
E se o folículo existir? De facto, o RevitaLash é um dos mais popu-
lares séruns de crescimento, mas há mais. De marcas de farmácia
FOTOGRAFIA: MIN HYUN WOO / NEW ROUND.
até, recentemente, marcas de supermercado, como a Maybelline, não
faltam referências deste tipo de produto nas prateleiras das lojas.
Mas resultam?
“Algumas pessoas que aplicam o sérum quer na sobrancelha quer
nas pestanas notam que há efetivamente uma mudança, um engros-
samento, parece que um recrescimento do fio”, começa por dizer.
“Em alguns casos, a diferença não é muito significativa, porque a
base ou o estado atual da sobrancelha já é demasiado fino, já tem
algumas películas inativas”, acrescenta. “Assim como o cabelo, a
sobrancelha e a pestana têm um tempo de crescimento, uma fase de
crescimento, de extensão e de renovação. A pestana e a sobrancelha,
ao contrário do cabelo, crescem em menos comprimento. O cabelo
fica comprido se nós o deixarmos crescer. Quer no cabelo, quer na
Seleção natural
sobrancelha, quer na pestana, é possível induzir o crescimento em
termos de alongamento e espessura. Agora, a pestana tem um tem-
po de renovação rápido, daí que eles [séruns] não estendam mais
do que um certo tamanho, um certo comprimento”, explica Vila
Nova. Como o tempo de vida do pelo é mais curto nestas zonas do
Nasceu com sobrancelhas fartas, pestanas intermináveis e nem
um pelo fora do sítio? Fantástico. Se não, já deve ter pesquisado
sobre os séruns que prometem oferecer o que a Natureza não
cedeu. Falámos com um especialista para perceber se a promessa se
cumpre – e como. Por Joana Moreira. Fotografia de Min Hyun Woo.
rosto, não é improvável que o maravilhoso
sérum que acabou de comprar esteja a ser
aplicado já no pelo morto. “Mesmo que haja
penugem, quer seja fina, ou quase invisível,
automaticamente ao criar o alargamento do
fio consegue-se uma sessão de novo cresci-
mento. Mas apenas funciona com folículos
de pelo ativo. Efetivamente dão um boost,
uma diferença, principalmente quem aplica
nas pestanas, nota que as pestanas alongam
mais e ganham uma certa espessura. Mas é
momentâneo”, admite. O tricologista com-
para a “quase como uma makeup, mas que
dura quase um mês, mês e meio, pode durar
até dois meses. Mas há sempre necessidade
de reaplicar”. “A condição é que metabolica-
mente, as pessoas para não criarem dependência, aplicam durante
um tempo e depois suspendem, não é? Mas depois, para terem o
mesmo efeito de alargamento ou de engrossamento da pestana e
da sobrancelha, vão ter de voltar a aplicar”, diz.
Habituado a lidar com cabelos todos os dias, na sua clínica em
Lisboa, no Harrods em Londres ou um pouco por todo o mundo,
Ricardo Vila Nova explica que o ciclo de vida do cabelo condiciona
totalmente a eficácia do produto. “Se eu em clínica tratar de cabelo
no couro cabeludo, como o ciclo de cabelo é longo, o efeito de alonga-
mento e de extensão é mais a longo prazo. Como o ciclo da pestana é
curto, o que acontece é que, quando as pessoas utilizam o RevitaLash
[ou outro qualquer produto de fortalecimento de sobrancelhas e
pestanas], notam de facto que há um aumento da densidade e um
engrossamento dos fios, mas se suspendem a utilização durante um
mês, ele gradualmente volta à fase inicial. Ele perde aquele impacto.
Porquê? Porque o ciclo da pestana e da sobrancelha é bem mais
curto, é uma média de 4 meses”, remata.
Na sua clínica, Ricardo executa tratamentos em casos mais graves
do que o desejo comum por sobrancelhas ou pestanas mais fortes.
“[Tratamos do] crescimento da pestana e sobrancelha para casos
mais sérios, como alopecia, por exemplo, em que a sobrancelha tem
um ciclo fora de balanço, em que a pessoa perde o pelo de forma
geral. Temos tratamentos que criam uma certa estabilidade no ciclo
do pelo, com um melhor crescimento e uma melhor cobertura. Não é
efetivo, não tenho um tratamento de multiplicação dos fios. Se houver
essa necessidade, então aí pode-se complementar, ao tratamento
que alarga e metaboliza o fio existente, o processo cirúrgico que
agora já se começa a ver mais: cirurgia de implante agora nas áreas
da sobrancelha.” Enquanto a tecnologia evolui, uma coisa é certa:
por enquanto, óleo de ricínio [para sobrancelhas fortes] no más. l
vogue.pt 1 9 9
BELEZA TALENTOS
Maquilhadoras2.0
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Pintado de fresco Há uma nova vaga de criadores que se exprime através de um
Maquilhagem do futuro
@milk4god @ddals00p @annesophiecosta #fresh #new #talents
trabalho que respira contemporaneidade. Falámos com três talentos
http://vogue.pt emergentes na maquilhagem que já estão a dar cartas. Por Joana Moreira.
PUBLICAÇÕES MARCADO
número de seguidores não espelha – ainda – a força que a
jovem Renata Mottironi (@milk4god no Instagram) traz
consigo. A jovem do Porto tem 22 anos, dupla nacionali-
dade (portuguesa e italiana) e uma apetência natural para
que é belo. “Por volta do oitavo ano deve ter sido a primeira
@milk4god
@milk4god
@milk4god
vez que tive um eyeliner ou algo do género. Passei pela
fenomenal fase emo”, conta à Vogue, com humor. Fez o
percurso na Soares dos Reis, uma escola artística no centro
da Invicta, e os gostos mudaram. Educaram-se. “[os meus
gostos] mudaram muito porque de repente estava num
ambiente em que era ok tudo e mais alguma coisa. Podias
levar os outfits mais crazy de sempre que até alguns dos professores
se vestiam assim. E isso foi muito libertador”, diz. “Nesses três anos,
passei por uma série de penteados diferentes. Do cabelo castanho a
um cabelo meio loiro meio preto, a um com bolinhas pintadas.” As
bolinhas vemos agora referenciadas em criações como a da página ao
lado, em que um rosto é salpicado por gigantes círculos em azul ciano.
A forma não convencional de abordar a maquilhagem surgiu cedo.
@ddals00p
@ddals00p
@ddals00p
“Quase todos os dias sem exceção usava pérolas na cara ou brilhan-
tes, mesmo que fosse um apontamento simples (...) Acho que isso
é semelhante ao que sou hoje em dia em relação à maquilhagem.
Nunca me interessou muito a questão de fazer um smokey eye incrível.
Até porque tenho olhos hooded e super desiguais. Fiz a maquilhagem
que me fazia sentir especial”, explica. Não tem formação na área, vê
tutoriais e outras pessoas a fazer a maquilhagem delas. “Nunca fiz
nenhum curso, por enquanto”, diz.
No Instagram – onde a descobrimos – admite encontrar estímulos
para a criatividade. “Há muita coisa por aí super interessante. São
estímulos. Às vezes, há um detalhe de cada um que cola mais contigo
@annesophiecosta
@annesophiecosta
@annesophiecosta
e, com isso, crias a tua própria coisa. Mesmo que o mood dessa conta
ou pessoa não seja 100% aquilo de que gostas”, conta. Renata não acha
FOTOGRAFIA: D.R.
que esta geração de maquilhadoras seja diferente das anteriores. “Só
acho que tudo o resto mudou. As trends mudaram. Hoje em dia, mais
do que nunca, não existe apenas uma trend a acontecer ao mesmo
tempo. Ou seja, a liberdade é muito maior. E aquilo que tu ‘tens de
fazer’ como maquilhador já não é tão rígido. (...) Não tenho dúvida
nenhuma que tenham já existido maquilhadores super fora da caixa
com cenas incríveis, mas que talvez não tenham ficado para a História
porque não existia Instagram. Imagino muito bem o que seria hoje
em dia. Por exemplo, uma rapariga na vibe punk inglesa a catalogar
os looks de sair [à noite] seria tal como eu hoje em dia. Só que na
altura não foi considerada maquilhadora. Era apenas uma rapariga
dentro de uma cultura subversiva e artisticamente fértil”, compara.
Renata, que não se considera ainda “maquilhadora de carreira”, diz
tentar ter uma abordagem “orgânica” à maquilhagem. “Não faço muitas
coisas muito geométricas, rígidas e minimais. Também faço e já fiz
e gostei, mas são coisas que me saem menos naturais, acho. Gosto
de não ser tão rígida na aplicação e na técnica, até nos materiais”,
diz. Por outro lado, é uma defensora do, por vezes assustador, blush.
“Eu amo blush. Amo mesmo muito. Sou capaz de usar todos os dias
e a notar-se que está lá. Não tenho medo de blush. Blush em pó uso
também como sombra e se for em creme ou líquido uso nos lábios
como lip tint. (...) Gosto muito do flushed face look. Pôr blush no nariz
também. Acho muito fofo”.
Embaixadora da cor
Daniella Alsopp (@ddals00p no Instagram) tem 23 anos. Nasceu
em Bristol, no Reino Unido, mas veio para Lisboa ainda era criança.
“Adorava usar a maquilhagem da minha mãe, ela tinha uma série de
sombras e lápis de olhos com cores vibrantes e máscaras de pestanas
azuis que eu amava”, conta à Vogue. “Durante muito tempo, pintava
os olhos um pouco como a Avril Lavigne, foi uma fase genial mesmo.
A partir daí, tornou-se impensável para mim sair de casa sem eyeliner
e, aos poucos, fui tomando interesse por várias técnicas e produtos.”
Não só por uma questão de estética, mas principalmente pelo fascínio
pela liberdade que só a maquilhagem consegue dar, Daniella inspira-se
em absolutamente tudo: “podem ser apenas as cores ou detalhes de
logótipos, sobretudo logos do género dos da Hot Wheels ou de sitcoms
dos anos 90, são os meus de eleição, cinestills, objetos menos ou até
mais convencionais do nosso dia-a-dia, texturas, tudo!”
vogue.pt 2 0 1
BELEZA TALENTOS
ez um estágio em televisão e depois um curso com a maqui-
lhadora Antónia Rosa, uma referência na maquilhagem em
Portugal. Com ela aprendeu “a fazer uma pele maravilhosa,
sem dúvida. E com tão pouco! As minhas costas agradecem os quilos
que evaporaram da minha mala”, diz. Admiradora de nomes como
Isabelle De Vries ou Danessa Myricks, Alsopp confessa que o que
mais gosta de fazer é eyeliner. “Quanto mais gráfico e nonsense melhor”,
garante a jovem para quem maquilhagem é uma forma de liberdade
de expressão. “Não há regras”, diz, frisando que este é um dos pontos
particulares desta nova geração de criativos maquilhadores: “Estamos
todos a fugir muito ao que é considerado mais clássico ou ‘comercial’.
Há todo um leque de estilos de makeup maior hoje em dia, cada vez
surgem mais artistas com ideias fora do comum e não podia ser mais
incrível.” Pelo Instagram, vai conhecendo alguns desses artistas: “tiro
bastante inspiração de tudo o que vou vendo, seja de maquilhagem,
cinema, design, fotografia, the list goes on...”Já quem segue a @ddals00p
pode esperar encontrar cor. A maquilhadora diz que é a sua imagem
de marca: não ter medo da cor. “Gosto imenso da liberdade que a
conjugação de cores nos dá. Sempre que tento fazer um look mais
neutro, algo começa a roer-me por dentro e diz-me para juntar cor.
E depois mais uma cor. E outra. É mesmo um fator que pesa muito
no meu trabalho. As formas também, procuro sempre encontrar uma
maneira de dar um toque mais distinto a alguma técnica clássica.
Talvez seja isso que me define e distingue mais”, acredita.
Alentejana em Londres
Chamar a Anne Sophie Costa emergente pode ser uma blasfémia.
Mas é um talento emergente lá fora, já que, há quase uma década em
Londres, vinga com a portugalidade às costas. Cresceu em Barbacena,
em Elvas, numa vida de campo, em que andava a cavalo e os sonhos
pairavam ao longe. Com uma mãe farmacêutica, Ana Sofia (o nome
artístico ‘Anne Sophie’ só chegou com o My Space e a necessidade
de tornamos os nossos usernames cool) cresceu “a experimentar tex-
turas na parte de trás da mão”. “Esses eram os meus hobbies favoritos
depois da escola”, conta à Vogue, por telefone. Hoje, o hobby passou a
trabalho. Desde setembro que pertence a uma das principais agências,
a Streeters, onde estão nomes gigantes da maquilhagem como Lisa
Eldrige, Val Garland ou Pat McGrath. “Para mim [ser agenciada pela
Streeters] foi o sonho. Ainda não acredito. Até hoje ainda não consigo
bem assimilar que estou lá. Agora é que começo a ter trabalhos um
2 0 2 vogue.pt
BELEZA EXERCÍCIO
Test drive
Numa revolta contra o exercício físico por obrigação, testámos
novas modalidades e conceitos que – surpresa – nos vão
verdadeiramente fazer desfrutar de um bom treino. Por Joana Moreira.
NÃO TENHO DÚVIDA NENHUMA Promete: Depois de Nova Iorque e Los Angeles, é em Londres que não
QUE TENHAM JÁ EXISTIDO
MAQUILHADORES SUPER param de surgir estúdios de stretching. A promessa é óbvia: redução da
FORA DA CAIXA COM CENAS probabilidade de lesões, relaxamento muscular e, claro, flexibilidade. E quem
INCRÍVEIS, MAS QUE TALVEZ não desejou já ser capaz de fazer a espargata? Palavra de editora:
NÃO TENHAM FICADO PARA A A tendência de estúdios só para alongar o corpo ainda não chegou em força
HISTÓRIA PORQUE NÃO EXISTIA a Portugal, mas há ginásios que contemplam no seu menu aulas dedicadas a
INSTAGRAM. RENATA MOTTIRONI. stretching. No primeiro quarto de hora a sensação era a de que tudo era fácil,
ora estica um membro, ora estica o outro, com movimentos lentos e precisos.
Não tardou para que toda a minha confiança se dissipasse, sobretudo quando
uma das presentes na aula, com idade para ser seguramente minha avó, me
mostrou (pelo exemplo) que o meu nível de flexibilidade se aproxima do
de um esparguete por cozer. Fazendo uma autoavaliação, posso dizer que
cheguei ao fim dos 45 minutos com o corpo quente, a mente limpa
e a sensação de que estava pelo menos um milímetro mais próxima da
espargata, e não do esparguete. Aula Stretching, 45 minutos, no Clube VII, em Lisboa.
Promete: Satisfazer quem sempre desejou fazer
bocadinho maiores e penso (suspiro) ok, isto está a começar (risos)”. ballet, mas nunca concretizou o sonho. As aulas
Perguntamos-lhe o que lhe dá mais prazer, mas a maquilhadora de ballet flow inspiram-se nos exercícios do ballet
portuguesa revela-se uma apaixonada por tudo o que faz. “Para mim, e da dança contemporânea para trabalhar a força
o meu trabalho é desafiante a todos os pontos. Tanto faz ser um muscular e abdominal, a postura e a mobilidade.
trabalho para um retrato pessoal mega clássico ou fazer canetas de Palavra de editora: O ambiente de ginásio parece
feltro na cara de uma miúda”, garante. Sem falsa confiança. “Mesmo desadequado para uma aula que inclui a palavra ballet.
que já tenha quase 12 anos de experiência, ainda tremo, de vez em Mas basta passar além das portas de vidro da sala
quando, à frente de certos modelos e certas pessoas. Em que penso para esquecer as elípticas, as bicicletas de cycling, as
passadeiras e os pesos. A instrutora faz questão de
FOTOGRAFIA: FABRICE COFFRINI / GETTY IMAGES; FIZKES / ISTOCK; PEOPLEIMAGES / ISTOCK; D.R.
‘bem, o que é que eu vou fazer aqui’. É sempre um desafio”, assegura.
Apesar de estar na cidade que transpira estilo e Moda por todos os que ninguém (sobretudo quem ali está pela primeira
poros, Anne Sophie diz ligar pouco a tendências. “Eu faço aquilo de vez) se sinta intimidado pelos passos. Depois de
que gosto”, diz prontamente. “De maquilhagem tento não ver [mui- uma série de exercícios localizados, é com o corpo
tas coisas]. A minha fonte é sem dúvida a Arte. É aí que eu me guio já aquecido e os abdominais em brasa que se executa
pelas cores, pelas formas, pelos materiais, é mais isso. Porque pela Promete: Ser um treino interativo composto por um uma coreografia adequada à experiência de cada
[tendência] de beleza não me sigo. Como eu estudei Arte e design circuito funcional que trabalha todo o corpo, com foco na turma. No final, agradece-se, como uma verdadeira
gráfico, acho que a minha pesquisa acaba sempre por cair naquilo força, condição física e core. A inovação está na plataforma bailarina. Aula Ballet Flow, 45 minutos, nos clubes Holmes Place.
que eu fui. E depois passo isso para a pele”, afirma. Prama, que disponibiliza sequências que determinam
Sobre a eterna discussão geracional, Costa reconhece que hoje os nossos movimentos através de uma base tecnológica
“há uma falta de conhecimento clássico” por parte das gerações desenhada para melhorar toda a performance. Através
mais novas. “O meu trabalho é muito sobre quebrar regras. Porquê? de ecrãs, é só seguir os exercícios, graças a estímulos
Porque eu aprendi as regras, eu tive um curso com a Antónia [Rosa] permanentes. Palavra de editora: Foram 40 minutos,
e assisti a Naná [Benjamim] e assisti a Joana Moreira. Ou seja, eu mas pareceram 90. De cara vermelha e respiração
aprendi as regras todas, o clássico todo, portanto o meu trabalho é ofegante, claramente não tinha noção do que me esperava
desprender-me dessas regras, mas com elas ainda lá. Ou seja, é um quando entrei na sala de paredes pretas com círculos
trabalho subtil. O que acontece com muitas miúdas hoje é fazerem o e números luminosos. Deslizar os braços no chão em
que aprenderam na Internet, mas, na verdade, a muitas delas depois posição de prancha, correr e pisar os pontos de luz que se
falta-lhes informação”, lamenta. l acendem aleatoriamente no chão ou atingir com o punho
zonas da parede que se acendem alternadamente são
apenas alguns dos exercícios que compõem o circuito da
aula, não só desgastante como altamente divertida.
Aula Energy, 40 minutos, no Circle - Augmented Wellness, em Lisboa.
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BELEZA

Body of work
Seja numa mancha berrante, numa imagem revelada a preto
e branco, numa amálgama de barro ou num traço indefinido,
a mulher é uma constante nos novos e velhos mundos que
se estendem pelo universo da arte – e a forma como o corpo
feminino é representado nas mais diversas manifestações
artísticas é um assunto que tem tinta para telas. Por Mónica Bozinoski.

s mulheres... não podem ser vistas como uma entidade fixa, pré-existente,
ou como uma ‘imagem’ congelada, transformada por esta ou por aquela
circunstância histórica, mas sim como um significante complexo, proble-
mático, que muda constante e frequentemente, mesclado nas suas men-
sagens, que resiste a interpretações ou posicionamentos fixos, apesar das
numerosas tentativas da arte visual de, literalmente, colocar a ‘mulher’ no
seu lugar. Como a guerreira, o termo ‘mulher’ luta e resiste às tentativas
que são feitas para subjugar o seu significado ou reduzi-lo a uma simples
essência, universal, natural e, acima de tudo, não problemática.” As palavras
foram escritas por Linda Nochlin, a historiadora de arte feminista que nunca
teve medo de colocar as questões “difíceis”, na introdução de Representing
Women, um livro originalmente publicado em 1999 e reeditado 20 anos depois do seu
lançamento com sete dos seus mais importantes ensaios sobre a representação da
mulher – como guerreira, trabalhadora, mãe, figura sensual e até ausente – na pintura
ocidental. Ao longo dos séculos, e apesar do seu papel ter mudado drasticamente no
decorrer dos mesmos, a figura feminina manteve-se um dos modelos prediletos da
arte. Foi uma estatueta curvilínea, esculpida no Paleolítico e considerada por muitos
arqueólogos como deusa da fertilidade. Foi uma Afrodite esculpida até à perfeição
pelos gregos, uma mulher no papel de deusa, como todo o potencial de criar vida com
vida. Foi um mosaico de Bikini Girls do início do século IV, como são conhecidas, com
uma postura atlética e um corpo delgado. Foi uma pintura de Paula Modersohn-Becker,

FOTOGRAFIA: HERITAGE IMAGES / GETTY IMAGES.

a primeira artista a pintar um autorretrato nu. Foi uma fotografia a preto e branco de
Robert Mapplethorpe, revolucionária, atlética, musculada. Teve peito grande e ancas
largas. Teve contornos magros e suavemente redondos. Escondeu as suas imperfeições.
Pôs a nu as suas características naturais. Conformou-se aos ideais. Rejeitou os padrões.
Não foi fixa, estática, congelada. Foi problemática, complexa, capaz de se transformar.
Charlotte Jansen é jornalista, editor-at-large da revista Elephant e autora do livro Girl
on Girl: Art and Photography in the Age of the Female Gaze. À Vogue começa por explicar que
“o corpo feminino tem sido maioritariamente representado por homens heterossexuais,
e para homens, desde o início da história da arte até ao início do século XX”, uma ideia
que é também explicitada por Luísa Soares de Oliveira. “O corpo feminino é sempre
visto, desde que há representação do corpo feminino na arte, como um objeto, como

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BELEZA
a razão de ser da beleza, como aquilo que concentra em si a beleza, porque as nossas
sociedades, desde essa altura, se habituaram a considerar o corpo feminino como o
modelo de beleza vigente”, diz a professora universitária na ESAD.CR e crítica de arte.
“Para os gregos da Época Clássica, o corpo perfeito era o corpo masculino, o corpo
que participava nos Jogos Olímpicos; a partir dos gregos, e depois de todo o ocidente
até à atualidade, esse papel inverte-se e passa a ser atribuído ao corpo feminino. E ob-
viamente que isso tem que ver com questões ligadas à maternidade, questões ligadas
à própria estrutura societária, que é uma estrutura patriarcal, onde a mulher é sempre
vista, ou era sempre vista, como parte do património da família, isto é, a que gere, a
que vai ter filhos e a que, implicitamente, deve garantir todos os atributos físicos para
assegurar que a sua descendência será a melhor e a mais saudável possível. Há muito
esta equivalência entre saúde e beleza, e a representação da beleza que existe concen-
trada no corpo feminino.” Como explica a professora universitária, “o corpo feminino,
o nu feminino, por exemplo, só aparece no século IV a.C.”, citando a Vénus de Milo
como um dos exemplos mais conhecidos. “Antes disso, as mulheres estavam sempre
vestidas, ao contrário dos homens. Daí para a frente ela é a Eva, que é a tentadora por
excelência, ou é Maria, a santa por excelência. Oscila entre estes dois pólos, mas sempre
com esta ideia de materializar uma série de conceitos que a sociedade tem respeitantes
ao corpo da mulher.” Este conceito de polos opostos também é defendido por Char-
lotte Jansen quando a questiono sobre aquilo que podemos aprender sobre o corpo
feminino e os ideais de beleza associados a ele. “Isto é uma questão muito abrangente,
tendo em conta o quão longa e ampla a história da arte é”, explica a jornalista e autora.
“Mas penso que o facto de a história da arte ter sido dominada pelo olhar masculino
teve um grande efeito na forma como somos condicionadas a olhar para o corpo das
mulheres e a pensar sobre ele. No geral, as mulheres foram construídas para caber no
complexo madonna-whore – ora como objetos passivos e sexualizados, ora como figuras
maternais, beatificadas e inatingíveis. E, durante séculos, foram poucos os artistas que
se desviaram destes estereótipos.”
as estarão estas ideias e estereótipos sobre o corpo da mulher e a sua re-
presentação na arte a mudar? “Isso está a mudar porque a sociedade está a
mudar”, defende Luísa Soares de Oliveira. “A arte é transparente, a arte vai
espelhar as inquietações da sociedade, e obviamente que quando a sociedade começa a
atribuir outros papéis às mulheres para além destes tradicionais, ou quando as próprias
mulheres se tornam artistas reconhecidas e começam a espelhar os seus próprios me-
dos, e as suas próprias angústias, e até os seus desejos na própria representação, ou
autorrepresentação, obviamente que a arte muda. Não é tanto o parâmetro de beleza que
muda, mas é a maneira de representar um corpo, por exemplo.” A professora começa
por citar o exemplo de Paula Rego, que utiliza representações do corpo feminino que
não se conformam com os estereótipos tradicionais. “O modelo dela por excelência é
uma rapariga que foi empregada na casa dela e que ajudou nos últimos anos de vida
do marido, e que é aquilo que nos imaginamos ser uma mulher do campo, uma mulher
forte, uma mulher que não está de todo conforme aos padrões das manequins, portan-
to, é vigorosa, com músculos, sem grande apelo sexualizado, digamos assim. A Paula
Rego faz isto de uma maneira consciente, ou seja, ela pega nos estereótipos ligados à
representação do corpo feminino e vira-os ao contrário.” A artista portuguesa não é a
única: também Cindy Sherman, através da fotografia, “usa muito os estereótipos ligados
à representação do corpo feminino” e “vai caricaturar justamente essas representações
através de algo que nós poderíamos considerar como feio, ou seja, há uma introdução
daquilo que a sociedade considera como feio dentro da própria arte, na representação do
corpo feminino”. Como explica ainda Luísa Soares de Oliveira, é a própria sociedade que
também exige esta mudança. “Cada vez mais eu vejo artistas vindos de outras latitudes,
que não a europeia ou a norte-americana, a terem um papel ativo na cena internacional,
obviamente com os seus próprios padrões de beleza. Ou seja, a arte não promove coisa
nenhuma, mas ela reflete as inquietações do mundo”, defende. “A Mónica de Miranda,
por exemplo, que é uma artista com ascendência das antigas colónias, trabalha muito
a questão da autorrepresentação, de uma maneira muito livre e muito liberta de todas
as condicionantes, e introduz modelos de beleza que nós não veríamos na arte portu-
guesa contemporânea até há vinte anos. As coisas estão de facto a mudar. A arte não
tem o papel de mudar as mentalidades, embora isso também vá acontecer, mas é o
papel dela testemunhar aquilo que incomoda os artistas. Isso começa a aparecer, de
facto.” Charlotte Jansen também diz sentir esta mudança, referindo-se a uma espécie
de revolução global. “Penso que isso emergiu do espírito destes artistas visionários,
que exigem serem vistos de forma diferente, nos seus próprios termos. Movimentos
como o #MeToo estão ligados a isto. Mas, como sabemos, também existiu um backlash
contra isso – no mundo das artes visuais, penso que tem existido bastante debate,
particularmente sobre esta tendência ‘hiperfeminina’ e a ‘quarta vaga do feminismo’,
e o quão eficaz pode realmente ser, e penso que a tendência da “mulher artista” se
tornou tão popular na arte que, agora, as mulheres estão um pouco cansadas disso.
Ninguém quer ser definido pelo seu género, quer ser definido pelo seu trabalho; ser
chamada ‘uma grande artista mulher’ é, de certo modo, mais uma forma de sexismo.
Mas, ao mesmo tempo, temos de criar espaços e promover aquilo que as mulheres
fazem porque tem sido muito ignorado...”
a arte, um corpo nunca é só um corpo. Um ideal de beleza nunca é só um
ideal de beleza. Uma representação nunca é só uma representação. Uma
mudança nunca é só uma mudança. Tudo se interliga. Tudo tem significado
para além do aparente. Charlotte Jansen e Girl on Girl: Art and Photography in the Age of
the Female Gaze parecem ser a confirmação disso mesmo. “Quis editar este livro porque
estava a ver muita atenção dos media neste novo movimento de artistas na fotografia
a colocarem o corpo feminino em primeiro plano no seu trabalho, mas senti que
muita desta atenção era bastante superficial e limitada, e que desvirtuava os aspetos
mais subtis daquilo que as mulheres estavam a fazer naquela altura”, explica. “Nem
todas as mulheres usam o corpo feminino para falar sobre sexualidade, género ou
feminismo, por exemplo – podem usá-lo como uma tela para explorar a arquitetura,
o lugar, a política, o teatro, a morte, a violência, e tantos outros temas.” Como defende
Luísa Soares de Oliveira, cada artista define a sua obra, e cada artista trata de si. “Mas
o que nós temos hoje, e eu que também sou professora posso dizer isso, é que cada
vez há mais alunos na faculdade que vêm das comunidades migrantes, coisa que não
acontecia há dez anos. Há dez anos eles não chegavam, e hoje chegam. E obviamente
que eles vêm trazer a sua própria cultura para a arte, o que enriquece nitidamente
a arte portuguesa contemporânea, que deixa de ser branca e centrada numa visão
binária da sociedade, deixa de ser isso e passa a ser múltipla, muito mais rica, muito
mais diversa.” E isso, claro, vai afetar a representação. “Penso que as melhores artis-
tas não estão a redefinir o ideal de beleza, mas antes a reinventar completamente o
sistema para que não tenhamos que ter ideais que são impossíveis de alcançar – um
ideal vai sempre excluir alguém, é algo que depende da comparação e da competição,
e isso faz parte do patriarcado”, defende Charlotte Jansen. “Hoje, as artistas estão a
usar o seu trabalho para fazer statements radicais sobre isto e dizer que estes padrões
e ideais são absurdos, e que até estarmos livres deles não seremos liberadas. Estou a
pensar em artistas como Juno Calypso, por exemplo, que usa a sátira para mostrar
como a perfeição é inalcançável; ou a fotógrafa Nadine Ijewere, que está a celebrar o
facto de existir beleza em toda a gente, e que ninguém é igual a ninguém – por isso,
como poderiam existir padrões?” l
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 VO
GUE FOTOGRAFIA: GETTY IMAGES.

MODA
FOTOGRAFIA
REPORTAGEM Câmara escura: Vogue Portugal em processo de revelação.
 QUANDO A VIDA IMITA A ARTE…
…a Arte ganha vida. Se uma
Mona Lisa de carne e osso ou
um David com direito a guarda-
-roupa estivessem entre nós,
seriam menos criativos que o
protagonista destas páginas.
Quadros andantes, escultu-
ras com fôlego, personagens
retirados da imaginação de
um Picasso ou de um Breton,
ser arte no dia-a-dia é obra.
Obra-prima: prima de um
Da Vinci ou de um Monet
ou de um Van Gogh. Podem
mandar emoldurar e entregar.
Fotografia de Hilde van Mas. Styling de Thomas Reinberger.

English version

Blazer em cetim de seda, CHRISTOPH RUMPF. Brincos em metal e acetato, AENEA. Collants em malha de lã, WOLFORD. Mules em pele e cetim de seda, NIKOLA MARKOVIC.
Blazer em jacquard de seda e calças em algodão, ambos CHRISTOPH RUMPF.
Ilustração por Marcus Richter. Na página ao lado: Blazer em jacquard de seda e calças em algodão, ambos CHRISTOPH RUMPF. Collants em malha de lã, WOLFORD.
 Blazer em cetim de seda, CHRISTOPH RUMPF. Brincos em metal e acetato, AENEA. Collants em malha de lã, WOLFORD.
Na página ao lado: calças em algodão, PETAR PETROV. Chapéu em ráfia, STRESS.LER. Mules em pele, NIKOLA MARKOVIC.
Casaco em pelo sintético e camisa em algodão, ambos WENDY JIM. Calças em algodão, MAXIMILIAN RITTLER.
Collants em malha de lã, WOLFORD. Mules em cetim de seda, NIKOLA MARKOVIC.
Camisa em algodão, WENDY JIM. Calças em algodão, MAXIMILIAN RITTLER. Collants em malha de lã, WOLFORD. Mules em cetim de seda, NIKOLA MARKOVIC.
Ilustração por Marcus Richter. Na página ao lado: máscara, camisola e calças em lã, tudo MAXIMILIAN RITTLER. Brincos em metal e acetato, AENEA.
Blazer em cetim de seda, CHRISTOPH RUMPF. Brincos em metal e acetato, AENEA.
 Luvas em cetim de seda com missangas, MAXIMILIAN RITTLER. Headpiece em acetato, SASSA ANN VAN WYK.
Fotografia: Hilde van Mas @ Vizard London. Modelo: Markus Richter. Cabelos e maquilhagem: Jody Cuberli @ Kasteel Artist Management com produtos Dior.
Assistente de fotografia: Matthias Heschl. Editorial realizado em exclusivo para a Vogue Portugal.
REFLEXÃO

Instalação Uniforme, de Cláudia Casarino, 2008.

um sinal dos tempos. É um sopro de beleza. É uma amálgama
de tudo o que é real e imaginário. É o espelho de uma cultura,
o retrato de uma sociedade. É a concretização de um sonho.
É a palavra que ocupa o silêncio. É a ação que antecede o

FOTOGRAFIA: CORTESIA DA ARTISTA CLÁUDIA CASARINO E DO MUSEU HAW CONTEMPORARY.

espanto. É a mistura do possível e do impossível, do passado
e do futuro, do desejo e da vontade. A Moda é tudo isto. E mais.
É o babygrow de algodão que nos protege nos primeiros dias
de vida, o bibe de vichy que levamos para o infantário, o kispo

The Art of
impermeável que nos ampara a chuva nos intervalos da escola.
É a saia em tweed das matinés de cinema, a camisola de lã que
recebemos no Natal, o vestido em chiffon que usamos nas festas
de aniversário. É o par de calças de ganga que cobiçamos na

Fashion
adolescência, as leggings em lurex que veneramos quando a
sensatez ainda não se sobrepôs ao gosto, o soutiã em renda que
experimentamos com restos de inocência. É o blazer de veludo
que cobiçamos depois dos 30, o casaco de cabedal que não
abandonamos por amor aos ícones do grande ecrã, o chapéu
O mundo habituou-se a aceitar que um urinol de porcelana branco em feltro que atesta o descansar da personalidade. A Moda é
possa ser uma das maiores expressões do dadaísmo, e que uma tudo isto. E mais, muito mais. Aparentemente, a Moda pode
banana colada à parede com fita adesiva cinzenta possa ser vendida ser qualquer coisa. Só não pode ser arte. Nem mesmo perante
os desfiles-espetáculo de Alexander McQueen, a extravagância
por 108 mil euros, mas continua a ter dificuldades em aceitar que luxuriante das propostas de John Galliano para a Dior, as
um vestido com seis mil metros de tule bordado, que se assemelha apresentações maiores-que-a-vida de Karl Lagerfeld, na Chanel
e na Fendi. Nem mesmo perante os coordenados artsy de Rei
a uma pilha de nuvens vaporosas e cuja concepção envolve um Kawakubo. E no entanto, se nada disto é arte, se nada disto for
savoir-faire centenário, seja apelidado de “arte”. Porquê? Por Ana Murcho. arte, como explicar e emoção que tudo isto nos provoca?

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REFLEXÃO
oco Chanel uniu-se a Picasso para
desenhar os figurinos do Ballet Russes.
Elsa Schiaparelli serviu-se de Dalí para
criar um vestido-lagosta. Yves Saint
Laurent dedicou uma coleção inteira
a Mondrian. Gianni Versace estampou a Pop Art de Andy
Warhol em jumpsuits coleantes. Marc Jacobs serviu-se do
génio de Jeff Koons para elevar o hype da Louis Vuitton. Não
há volta a dar. Por mais que se revolvam enciclopédias, a
Moda e a Arte caminham de mãos dadas desde que o homem
tomou consciência de que o ato de vestir é mais do que uma
necessidade supérflua. Contudo, e historicamente falando, a
Moda não costuma ser elevada ao mesmo patamar que outras
manifestações artísticas, como a pintura, a música, a escultura
ou a arquitetura. Porque é que isso acontece? Lançámos a
pergunta a Alexander Fury, fashion features director da Another
Magazine, crítico de Moda masculina do Financial Times, e
autor de um número incontável de livros e ensaios: “Penso
que existem várias razões. Por um lado, existe uma hierarquia
até dentro dessas artes – com a pintura considerada uma
forma de arte ‘mais pura’ do que a escultura, por exemplo. O
pragmatismo da Moda (o facto de vestir um corpo) diminui-a
frequentemente, da mesma forma que uma grande cadeira ou
uma bela peça de porcelana também são objetos utilizáveis,
em oposição à mera decoração. Há também a conexão entre
Moda e vaidade, que é um pecado – e há especialmente a
sensação persistente de um certo puritanismo anglo-saxão
sobre arremessar a Moda por causa desse contexto (é por
isso que ela parece mais defendida e valorizada nos países
católicos, eu diria). E, depois, há também um certo grau de
misoginia – para muitos, a Moda é considerada um interesse
‘feminino’ e, portanto, de menos seriedade e valor.”
Menos seriedade e valor, ou seja, mais preconceito e
ignorância. Porque a relação entre Moda e Arte é, sem sombra
de dúvida, simbiótica: podemos dizer tanto sobre uma cultura
pelos quadros que produz como pelas peças de roupa que
vende. Ou será esta afirmação um exagero? “A diferença
fundamental, penso, entre Arte e Moda é que a Moda é
igualitária. Embora muitas vezes encarada como um símbolo
de elitismo, ela é, na verdade, democrática – a qualquer nível da
sociedade, as pessoas precisam de se vestir e geralmente tentam
adornar-se. Assim, a Moda, por si só, está presente mesmo
onde a Arte está ausente. A tensão entre sonho e realidade –
entre quem alguém é e quem pretende ser, entre os requisitos
pragmáticos das suas roupas e a imagem que desejam projetar
– é algo universal.” A ideia é corroborada por Graziela Sousa,
professora e investigadora da Faculdade de Arquitetura da
Universidade de Lisboa e responsável pelos Projetos Especiais da
Associação ModaLisboa: “A Moda tem uma representação social
fortíssima. Seja high street, seja couture. Diz sobre onde estamos,
como pensamos, e que escolhas fazemos para viver ou coexistir
socialmente.” E sublinha: “A Moda é arte e também é design,
há uns dias lia um comentário do diretor da Parsons School
of Design que era algo como: vamos sempre ter dois braços e
duas pernas para vestir – o corpo precisa de se movimentar
e cobrir. E acho que é isso que torna a Moda especial – não
podemos vestir um quadro. Mas a Moda, que te veste e que
diz tanto de ti, tem no seu próprio produto essa celebração e,
enquanto reflexão social, psicológica e humana, oferece uma
espécie de valor acrescentado – porque podes vivê-la também.”
Mas como é que a arte, essa coisa tão indecifrável e inatingível,
se traduz nos nossos guarda-roupa diários? Aqui, se Graziela é
otimista, Fury nem tanto: “Muitas vezes de forma simplista – e
é esse o problema de alinhar Moda e Arte”, explica o jornalista.
"Muitas vezes a inspiração necessária é, para ser franco, banal
e superficial. Uma pintura torna-se uma ilustração que, em
certo sentido, é uma prostituição da sua intenção original, e
uma comercialização. A Alta-Costura está mais próxima da
arte na sua singularidade, a ideia de uma criação singular. Dito
isto, podemos ver algo de Vivienne Westwood do outono/
inverno de 1990 e perceber que toda a proposta estética da
estação se centrou em espalhar a riqueza encontrada na pintura
barroca e rococó, não apenas reproduzindo os seus gráficos.”  delas”, defende Graziela Sousa. E nós, em que ficamos? Tudo
Será a Moda uma expressão de arte, e das mais puras, porque
pode ser vivida diariamente? Porque, ao depender de um ator
que a interprete, é uma espécie de performance art? “Em termos
históricos, a [noção de] Moda foi evoluindo de ‘arte aplicada
ou decorativa’ para ‘produto artístico’. Não só pela plasticidade
inerente ao trabalho material, ou ao património que constitui”,
sublinha Graziela Sousa. E acrescenta: "Mas também porque
está em linha, ou a par, com outro tipo de representações de
uma cultura e de uma visão artística.” Alexander Fury, por seu
lado, não vê necessidade em fazer essa associação. “Não acho
que façamos nenhum favor à Moda pelo facto de lhe chamarmos
arte. Como uma grande cadeira – uma Prouvé, por exemplo – a
grande Moda é uma grande obra de design. Não precisa de ser
arte para ser valorizada.” E, contudo, sabemos que hoje em dia
a Moda é, à semelhança da arte, uma indústria que se rege pela
oferta e pela procura. “Atualmente, temos artistas como Jeff
Koons ou Damien Hirst, que empregam centenas de pessoas – é
um modelo habitual para os artistas. E há pessoas em certas áreas
da Moda, como Marc Jacobs, que têm esse tipo de sensibilidade
empreendedora”, decidiu o escritor Glenn O’Brien, citado pelo site
Not Just A Label. O paralelo explorado pelo americano é curioso
porque, de facto, são indústrias que jogam segundo as mesmas
regras. A diferença é que a validação dos seus produtos finais é
totalmente distinta. É mais fácil dizer que uma pintura de Francis
Bacon é arte do que concordar que um vestido de Iris van Harpen
possa pertencer a essa mesma categoria. Talvez seja por isso
que muitos designers usam os desfiles e as apresentações para
comunicar os seus imaginários. “Um desfile de Moda pode por
vezes confundir-se com performance art – mas depende da intenção
do designer. Alexander McQueen tinha intenções artísticas ao
criar muita da sua roupa, não apenas imitando a arte, mas
English version
É MAIS FÁCIL DIZER QUE UMA PINTURA
DE FRANCIS BACON É ARTE DO QUE
CONCORDAR QUE UM VESTIDO DE
IRIS VAN HARPEN POSSA PERTENCER
A ESSA MESMA CATEGORIA.
TALVEZ SEJA POR ISSO QUE MUITOS
DESIGNERS USAM OS DESFILES
E AS APRESENTAÇÕES PARA
COMUNICAR OS SEUS IMAGINÁRIOS.
pretendendo evocar o semelhante tipo de resposta emocional.”
Quase todos os desfiles de Alexander McQueen foram um desafio
à eternidade. O que serviu para apresentar a coleção primavera/
verão 1999 (quando dois robôs pintaram, com spray, o vestido
branco de Shalom Harlow) foi um ato divino. Graziela, que alinha
nas memórias, acrescenta: “Lembro-me logo dos do Henrik
Vibskov [designer dinamarquês] ou do último desfile do Marc
Jacobs na Semana de Moda de Nova Iorque. Também me lembro
de tudo o que seja Balenciaga e Gucci. E daquelas salas onde a
Moncler apresenta as suas colaborações – palmas sobretudo para
o Pierpaolo Piccioli. É a Moda como arte e com tudo o que de
inspirador tem para dar. Aquele momento irrepetível de emoção.
Eu ainda acredito que esse é um último cumprimento da obra
de arte – a emoção e a contemplação humana do outro lado.”
impacto da Moda será tanto a sua mais-valia quanto é a sua
salvação. Renegada enquanto arte, descobre-se detentora
de variadíssimas formas em expressar a criatividade. Um
exemplo? A exposição Savage Beauty, realizada em 2011 no
Metropolitan Museum of Art enquanto retrospetiva da
obra de McQueen, foi uma das mais vistas de sempre daquela
instituição nova-iorquina. E despontou numa verdadeira corrida
aos museus. Não para ver quadros, mas para ver roupa. “Um
executivo de um museu disse-me uma vez que a Moda era o
novo Picasso – que as exposições de Moda, agora, atraem o
tipo de número de visitantes que antigamente eram reservados
para mostras de artistas de renome internacional. Sinto
que isso provocou uma mudança na forma como a Moda é
considerada em ambiente de museu – mas ainda faz parte das
artes decorativas. Dito isto, as exposições de Moda em museus
mudaram consideravelmente nos últimos 50 anos e sem dúvida
que mudarão novamente.” Em que ficamos? Será que podemos
declarar, alto e bom som, que a Moda é, também ela, uma forma
de arte? “A Moda não é arte: a Moda é Moda. E a Moda é fabulosa”,
garante Alexander Fury. “A Moda é muitas coisas – arte é uma
isto é arte. Tudo isto é Moda. E, se não for, que seja apenas a
concretização de um sonho bom. Um sonho tão bom como
um urinol de porcelana ou uma banana colada na parede. ●
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BLUE IS THE WARMEST COLOUR
Principalmente quando o azul não
é ciano, nem marinho, nem klein, é
Azul-Helena-Almeida. Principalmen-
te quando o seu corpo (de trabalho)
nos toma de assalto. A artista,
incontornável do panorama de Arte
contemporâneo, pode ter saído de cena
em setembro de 2018, mas a sua morte
não levou o espólio artístico que toca
a fotografia, a pintura, o desenho mas,
acima de tudo, que nos toca a todos.
Colocando o corpo como elemento
nuclear, o título A minha obra é o meu
corpo, o meu corpo é a minha obra, que
nomeou uma retrospetiva da sua arte,
fica agora multiplicado nesta homena-
gem. Porque o seu corpo é a nossa
obra. E a sua obra é o nosso corpo.
Fotografia de Ricardo Santos. Realização de Larissa Marinho.

English version

Ben: camisola em malha de lã, MARNI.

Ben: top e saia em malha de lã, ambos HERMÈS.
Yakiv: casaco e camisa em algodão e seda, ambos PRADA. Ben: casaco em linho e pele, SALVATORE FERRAGAMO. Na página ao lado, Ben: casaco e camisa
em algodão e vestido em algodão e organza de seda, tudo MAISON MARGIELA. Collants em mousse, CALZEDONIA. Sapatos em pele, BOTTEGA VENETA.
Ben: camisola e saia em algodão, ambos DRIES VAN NOTEN. Botas em pele, MIU MIU. Na página ao lado, Ben: casaco e saia em algodão, ambos BOSS.
Yakiv: camisa em algodão, HERMÈS. Na página ao lado, Ben: vestido em tweed de lã, CHANEL.
Ben: casaco e saia em lã e seda, ambos MIU MIU. Blusa em cetim de seda, CHLOÉ. Yakiv: casaco em algodão, INÊS TORCATO. Camisa em algodão, BALENCIAGA. Calças em algodão, MASSIMO DUTTI.
Ben: casaco em pele e algodão, e saia em pele, ambos PRADA. Collants em mousse, FALKE. Na página ao lado, Yakiv: trench coat em algodão, BURBERRY. Macacão em denim, HIBU.
Veja o fashion
film, aqui.
Ben: camisola em malha de lã, MARNI. Yakiv: macacão em denim, HIBU.
Na página ao lado, Yakiv: casaco e calças em lã, camisa em algodão e sapatos em pele, tudo ALEXANDER MCQUEEN.
Modelos: Ben Massarenti @ Monster MGMT. Yakiv Brychuk @ Just Models. Cabelos: Cláudio Pacheco.
Maquilhagem: Sílvia Ferreira. Assistente de realização: Beatriz Mafra.

A Vogue Portugal agradece ao J9A Warehouse e a Duarte Figueiredo todas as facilidades concedidas. Editorial realizado em exclusivo para a Vogue Portugal.
 “A memória mais forte que tenho da minha avó são as suas
gargalhadas contagiantes e os seus abraços fortes. E o seu
cheiro, Angel, de Thierry Mugler. A Helena-mulher e a Helena-
avó foram sempre, para mim, a mesma, sempre consegui
encaixar uma na outra. Ou talvez ingenuamente nunca me tenha
apercebido se eram mesmo diferentes ou não. Era das pessoas
mais coesas e decididas que conheci, tinha uma força enorme
e era de uma elegância invulgar, todas estas características se
estendiam a todas as áreas da sua vida. Facilmente desafiava
a seriedade de um assunto ou conceito ao transformá-lo
em algo puro e autêntico. Enquanto artista, talvez me tenha
influenciado na maneira de ver e filtrar a realidade, para mim
o trabalho dela são sonhos. Mas principalmente na maneira
como se levou muito a sério enquanto artista, numa altura
em que poucas mulheres trabalhavam sequer, ainda para mais
na área das artes plásticas. E isso enquanto mulher artista
motiva-me e acompanha-me diariamente no meu trabalho.”
Branca Cuvier, artista, neta da artista plástica Helena Almeida.

SURPREENDENTE. CORAJOSA. REVOLUCIONÁRIA. DEDICADA. ELEGANTE.

MODERNA. ARROJADA. GENEROSA. REFINADA. CARISMÁTICA. FORTE.
SAGAZ. MAGNÍFICA. PACIENTE. HONESTA. DETERMINADA. SENSATA.
MARAVILHOSA. GIGANTE. SENSÍVEL. LUMINOSA. ENCANTADORA.
INTEMPORAL. NOBRE. PRODIGIOSA. TRANSFORMADORA. ABSTRATA.
BRILHANTE. DISTINTA. FEROZ. INESQUECÍVEL. PROFUNDA. REALISTA.
TRANSPARENTE. SÁBIA. PERFECCIONISTA. TOLERANTE. INDEPENDENTE.
PERSPICAZ. OUSADA. JUSTA. MULTIFACETADA. CRIATIVA. COESA.
SUBVERSIVA. HONRADA. ASSERTIVA. SOLAR. EXTRAORDINÁRIA.
INOVADORA. VALENTE. GENUÍNA. DISCIPLINADA. INSPIRADORA.
COMPREENSIVA. AUDAZ. FIEL. ELOQUENTE. ARREBATADORA.
PERSISTENTE. INTEMPORAL. SÁBIA. EMANCIPADA. NOTÁVEL. SINGULAR.
ARRISCADA. INSUBMISSA. MÁGICA. ESPIRITUAL. AUTODIDATA.
IMPREVISÍVEL. SUBLIME. CURIOSA. ALTRUÍSTA. GRANDIOSA.
Em cima: Tela habitada, Helena Almeida. VANGUARDISTA. SONHADORA. EXTRAORDINÁRIA. SINGULAR.
Fundação Calouste Gulbenkian, Lisboa. Museu Calouste
Gulbenkian- Coleção Moderna. Fotografia: Mário de Oliveira. INCONTORNÁVEL. DECIDIDA. TRANSFORMADORA. INTRÉPIDA. ETERNA.
Ao lado: A cadeira branca, Helena Almeida, 2013.
Cortesia da Galeria Filomena Soares.
Na página ao lado: Tela rosa para vestir, Helena Almeida.
Cortesia da Fundação de Serralves. Fotografia: Filipe Braga. AUTÊNTICA. ENORME. LIVRE. MAIOR-QUE-A-VIDA.

HELENA ALMEIDA.
ANÁLISE
Crítica
Desconstrutiva
da Crítica
de Arte "A Crítica de Arte é uma forma de literatura que condensa
ou amplia/enfatiza, organiza ou tenta harmonizar, todas
as ideias que nos vêm à mente, quando confrontada com
o fenómeno artístico", Paul Valéry, 1932. Por Nuno Miguel Dias.
ão são bons tempos para se ser crítico do que quer que seja.
Há demasiados. Bons? É discutível. Muitos? É indiscutível. Se
há porta que as redes sociais abriram é aquela que, até agora,
funcionava como a que existe sempre nos (bons) filmes de
terror. Não a podíamos abrir sob pena de tudo descambar
em rios de sangue, poltergeists, almas penadas e até duas gémeas
a exclamar em coro "anda brincar connosco, Danny". Entretanto,
o Ti Zuckerberg não soube estar quieto e agora não há dia em
que não nos apeteça chamar um médium para exorcizar o nosso
feed. E não estou a falar das trezentas e cinquenta e quatro fotos
dos disfarces de carnaval dos filhos dos nossos amigos (duzentas
e dez Elsas do Frozen e cento e quarenta e quatro Jokers), das
mil e uma lamechices em restaurantes duvidáveis do Dia dos
Namorados, das 164 pulseirinhas verdes quando estão no hospital
ou, assim que o calor aperta, dos (demasiados) pés, mas com os
dedinhos enterrados na areia porque houve todo um Inverno a
poupar na pedicura. Refiro-me, sim, à opinião formada sobre
tudo e todos com base em opiniões formadas sobre esses tudos
e todos dadas por alguém que, por sua vez, tinha uma opinião
formada por todos os que sobre tudo opinam. Estes são tempos
em que todos se acham críticos e expõem as suas críticas tão
apaixonadamente como só seria capaz quem não tem um pingo
de capacidade de autocrítica. É de uma impunidade atroz. Como
se A Crítica da Razão Pura, de Kant, responsável pela mudança nas
consciências da civilização ocidental, fosse um panfleto dado por
uma velhota à porta de um estabelecimento comercial quando
respondemos "Eh pá agora não tenho tempo" à pergunta "Tem
um minuto para escutar a palavra do Senhor?" Não havendo
qualquer espécie de razão na crítica, na qual tanto veneno se
destila, tantas frustrações se deixam entrever, tanta falta de
informação grita por um mínimo de cultura, é óbvio que a cultura
é hoje ainda mais urgente que nunca. Em qualquer uma das suas
formas. Mas é necessário separar as águas. E é para isso que
servem os críticos de arte, que persistem perante um marasmo
de contrariedades. Se eu fosse um deles, já tinha desistido.
Muitas vezes através de palavras duras, a análise crítica
e descritiva de uma peça de arte (isto é, a crítica de arte), é
provavelmente tão antiga como a própria arte. É claro que não nos
referimos à fase muito inicial da criação musical, que corresponde
aos nossos antepassados a bater em troncos ocos, onde apareceria
um elemento extrínseco que diria "Tu estás fora de tom e esta peça
é monótona e repetitiva", ou quando alguém desenhava uma pintura
rupestre para no dia seguinte um elemento muito influente da
comunidade dizer "A noção de escala é aviltante e a iluminação da
caverna um desastre". Foi preciso tomar consciência da produção
artística como um elemento essencial da nossa civilização para
que o crítico de arte passasse a ser uma figura cujo papel era
essencial na discussão e interpretação da arte e do seu valor. O
FOTOGRAFIA: GETTY IMAGENS.
que nos leva à consideravelmente plausível hipótese de terem
sido os críticos de arte a chamar a atenção dos vários extratos da
sociedade para a importância da arte. Não obstante, comprovam
escritos de Platão, Vitrúvio e Santo Agostinho, que a crítica de arte
é bastante provecta. Nos últimos séculos, a análise interpretativa
e os julgamentos ascéticos dominaram o discurso utilizado pela
crítica de arte, o que porventura terá levado não só a que os artistas
tivessem desenvolvido o seu trabalho como também a concederem-
lhe uma maior profundidade, para além de permitir que os
espectadores percebam e até interpretem as obras. Todos nós
achamos que o crítico de arte tem uma perceção superior da arte,
uma espécie de consciência privilegiada que, sem qualquer margem
para dúvidas, nos ofereceu durante muito tempo o discernimento
que requeria um outro nível de conhecimento. Os artistas (pelo
menos aqueles que são capazes de aceitar uma crítica por vezes
ácida), tinham as opiniões dos críticos como úteis, instrutivas
vogue.pt 2 5 1
ANÁLISE
e até encorajadoras para fazerem melhor. Elena Martinique,
uma filósofa norte-americana que dá pelo pseudónimo de Jelena
Martinovic, sugeriu em 2017 que a crítica de arte estaria em
crise. Para o corroborar, citava Dave Hickey, um crítico de arte
que contra si próprio argumentava: "O criticismo, na sua forma
mais séria, tenta canalizar a mudança. Mas quando nada está a
mudar, quando ninguém disserta, quem precisa do criticismo?"
No livro O Que Aconteceu à Crítica de Arte, de 2003, o historiador
James Elkins chama a atenção para o declínio da atividade:
"Numa crise mundial, dissolvendo-se o mundo num cenário de
desordem de crises culturais efémeras, a crítica de arte está a
morrer. Produzida em massa, ignorada em massa". A opinião é
generalizada entre os especialistas: nas últimas duas décadas,
a crítica de arte tornou-se chata, amadora e perdeu o seu
propósito. Os críticos tornaram-se relações públicas de artistas
e galerias, e o mercado das artes tornou-se um elemento
que integra a mecânica da arte contemporânea, cujo objetivo
único é fazer dinheiro. Muito dinheiro. Para muitos, numa
produção cultural para massas, o pensamento crítico, só por si,
é tido como sombrio. O crítico de arte ter-se-á transformado
numa caricatura de todo o pensamento antagónico ou
contracorrente, um hipster, que é o "alternativo" do século XXI.
Elena Martinique consegue a proeza de descrever o
exato estado da Arte como hoje a percebemos: "O mercado
contemporâneo da arte preocupa-se principalmente com a
criação de dinheiro e não com a fertilidade da arte. Assim, as
obras de arte mais caras existem para aumentar o poder do
dinheiro de se fertilizar a si, não o valor da arte. O dinheiro
não tem valor em si, só é valioso mediante aquilo pelo qual
o podemos trocar. Ainda assim, na sociedade capitalista,
apresenta-se como a quintessência do valor. Com o valor
comercial da arte a usurpar o seu valor espiritual, os valores
ascético, cognitivo, emocional e moral foram ultrapassados
pelo valor do dinheiro. Assim que é exibida e vendida, a
peça de arte torna-se o produto destinado a ser consumido
como qualquer outro objeto produzido em massa". Walter
Benjamin também o frisou: "Parece que a arte se tornou numa
mercadoria para ser vendida e comprada. Como qualquer
outra coisa, a arte foi absorvida pelo dinheiro e é o mercado,
não os críticos, que decide quem é o grande artista da época".
Em suma, e trocando tudo isto por miúdos, temos que há
estereótipos assertivíssimos: quem tem dinheiro para comprar
obras de arte caríssimas, percebe tanto de arte como a maioria
de nós sabe fazer um Beef Weelington irrepreensível. Ou
trocando por miúdos ainda mais miudinhos, “dá Deus nozes
a quem não tem dentes”. Ah sabedoria popular, que tantas
nozes nos dás desde tenra idade, com os 36 dentinhos todos!
Depois de tantos argumentos de malta que vê o copo meio-
-vazio, talvez seja tempo de avançarmos para o otimismo que,
neste assunto como na esmagadora maioria dos outros, vê uma
oportunidade (ou várias) naquilo que parece ser um negrume
intenso e generalizado. Se Baudelaire disse "É no útero que
nasce a crítica de arte", quem somos nós para discordar?
e o papel do crítico de arte é, mais do que
contextualizar o público, ligar o discurso
crítico deste à obra de arte, haverá sempre a
necessidade da existência de cada vez mais
perspetivas desta relação. Assim, o mundo
artístico precisará sempre, e cada vez mais, de críticos de arte.
Com o crescimento das indústrias onde a criatividade é o mote,
a obra de arte é tida como um fenómeno criativo e não como
o ponto de partida para um diálogo crítico. É o princípio e o
fim. Vivemos tempos de uma quase obsessão pela arte, com
as visitas aos museus em franco crescimento, festivais onde
a música se celebra, ciclos de cinema espalhados pelas nossas
cidades, street art como um dos hashtags mais presentes. Por tudo
isso, o papel do crítico de arte é, hoje e mais que nunca, separar
o trigo do joio. Se o velhinho crítico de arte tinha como objetivo
uma espécie de controlo de qualidade, o atual deverá educar o
público, encorajando-o a entrar no mundo da produção artística,
seja boa ou má, para que as gentes pensem por si próprias.
O ideal seria podermos curar este otimismo em terras de
Sua Majestade, onde os jornais desempenham um papel tão
importante que nem sequer permitem que os críticos sejam
ignorados. O The Observer premeia, anualmente, mediante
o prémio Anthony Burgess for Arts and Criticism, críticos da
nova geração com uma coluna num jornal sobre as mais
diversas formas de arte. Mas, como isto do Brexit tende a
funcionar para ambos os lados, vamos antes recordar um
tempo em que, por cá, o sábado de manhã era feito de uma
ida à banca de jornais para podermos perceber o que andava
a "ser dito" acerca dos eventos artísticos que poderíamos
ver nas semanas seguintes. O Se7e, o Blitz, o DNa e tantos
outros eram os comprimidos de valeriana para acalmar uma
geração ávida de cultura, mas sem as facilidades da Internet.
Sobreviventes desse tempo das correrias às discotecas (lojas
de discos, não boates), de sermos obrigados a pedir a amigos
que fossem a Inglaterra para nos trazerem um disco do Nick
Cave ou àquela família emigrante em França que nos trouxesse a
obra X do Boris Vian no próximo agosto, Rui Tendinha e Miguel
Somsen começaram nisto juntos. Nisto como em crítica de
arte, claro. No Blitz, o jornal. Com os gigantes Nuno Galopim
e Álvaro Romão. Fotografias sempre a cargo de Cameraman
Metálico e Carlos Didelet. Rui Tendinha já tinha trabalhado no
Minho Semanário. Seguiu depois para O Jornal e, mais de duas
décadas volvidas, é o homem do Cinetendinha, um "cinecartaz" de
referência e bússola dos curiosos da sétima arte. Miguel Somsen
começou a escrever sobre pequenas editoras independentes no
semanário musical LP. Quando este foi extinto, "o Blitz comprou
o peixe que lhe vendi", como refere, e passou a escrever sobre
cinema. Hoje é jornalista na TVI e o cinema é o seu mote. O que
levou estes dois jornalistas a enveredarem pela crítica de arte?
Somsen considera que foi a necessidade de sobrevivência no
meio: "A música indie não chegava a Portugal, tínhamos de ir
buscá-la à fonte, falar com os produtores e editores em Inglaterra
e França, convencê-los a abrir-nos a porta e mandar discos para
Portugal. Eles acreditavam no mercado nacional, mandavam-nos
discos, nós escrevíamos sobre eles, enviávamos os textos para
Inglaterra, tudo estava bem", lembra. Com a escrita sobre cinema,
foi diferente: "Teve mesmo a ver com uma voracidade e paixão
em descobrir mais sobre filmes e cinema. Primeiro através de
um centro de documentação, o chamado CINEDOC, que existia
em Oeiras, e onde eu passava as tardes e investigar sobre filmes,
realizadores e atores; depois através das revistas francesas,
inglesas e americanas que foram surgindo cá; finalmente através
desse passe VIMECA que era a possibilidade de ver os filmes
à borla e antes de estrear nos chamados visionamentos para a
crítica. Foi tipo Charlie e a Fábrica de Chocolate, eu tinha acesso
livre a tudo. Só me faltava mesmo o talento. Talento esse que,
TODOS NÓS ACHAMOS QUE
O CRÍTICO DE ARTE TEM UMA
PERCEÇÃO SUPERIOR DA ARTE,
UMA ESPÉCIE DE CONSCIÊNCIA
PRIVILEGIADA QUE, SEM QUALQUER
MARGEM PARA DÚVIDAS, NOS
OFERECEU DURANTE MUITO TEMPO O
DISCERNIMENTO QUE REQUERIA UM
OUTRO NÍVEL DE CONHECIMENTO.
creio, que só se revelou no Independente, portanto depois de ter
sido despedido do Blitz por mediocridade" (ups). Rui Tendinha
confessa a sua compulsividade cinéfila como causa para abraçar
este métier: "Quando ainda era adolescente, escrevia críticas
para mim próprio. Lembro-me que essa minha pancada cinéfila
começou ainda em puto quando gravava trailers em beta dos
anúncios no intervalo e imitava as vozes dos anúncios. Depois
também recortava os cartazes que saíam nos jornais".
screver sobre cinema ou música, quando são paixão, é mais
fácil que escrever sobre todas as outras artes? Rui Tendinha
nega: "Nada é fácil. Mas sinto que a música é ainda algo mais
subjetivo. Sinto ainda que dizer que um filme é bom ou mau
pode ser um exercício de preguiça intelectual. Há que evitar
a tendência do empolar o meu gosto é melhor que o teu, se bem
que em cinema estamos numa fase em que está tudo a ficar em
trincheiras: as capelinhas do cinema experimental, os saudosistas
que pararam no tempo e os que têm mais abertura eclética.
Na música acredito que uma prosa pode ter um conteúdo mais
poético, mais livre. Se há capelinhas por aí? Claro que há, mas o
grau de liberdade do contexto do crítico de música é sempre mais
deliciosamente caótico, sobretudo nestes dias em que há facilidade
para ouvir tudo". Miguel Somsen prefere deixar o seu a seu dono:
"Não considero nada. Cada arte tem as suas particularidades,
cada crítico terá a sua capacidade de interpretar aquilo que vê
da forma que conseguir desenvolver. De certa forma, é fácil para
quem percebe, é difícil para quem não compreende, é impossível
para quem se esforça demasiado por entender. Eu não sei como se
faz um crítico, mas para mim é essencial gostar muito de música
e de cinema, e é muito importante compreender a linguagem
histórica, para se distinguir a cópia da autenticidade, o epígono da
originalidade, a farsa do esforço. Mas ver muito cinema ou ouvir
muita música não bastam, é preciso mesmo acumular intuição às
rotinas. O cinema e a música têm vantagens características que
podem funcionar contra si, como serão o facto de serem muito
populares e provocarem diversidades de opinião pública e análise
crítica diferente da nossa. Isso leva a que muita gente em Portugal
ache que o importante para escrever uma crítica seja dizer 'Foi
um sucesso nos EUA ou ganhou os Brit Awards'. Mas isso serve
realmente para quê? Para vendermos melhor os nossos produtos
ou distorcermos a nossa crítica? O desafio que se coloca hoje
tem a ver com essa dificuldade em ser-se crítico independente no
meio de tanta arte dominada pela indústria. Ou decides ir a jogo
vogue.pt 2 5 3
ANÁLISE
ou jogas contra". Fala ainda da antiga urgência de escrever sobre
estes temas mesmo que não seja inserido no trabalho: "Senti essa
urgência muito antes de ser pago para o fazer, quando, na infância,
enviei o meu primeiro texto crítico sobre a gestão do Belenenses
para um pasquim desportivo dos anos 80 (nunca sei se era o Golo
ou o Offside, ambos extintos). Portanto, se isso acontecia antes
de ser crítico, creio que, com propriedade, poderei continuar
a dizer isto depois de morrer como crítico – o que, como bem
sabemos, apenas irá acontecer quando morrer como pessoa.
O que quero dizer aqui é que há mundo para além da crítica, e
esse mundo continua a ser criticado, mesmo que, como acontece
agora nas redes sociais, não sejamos pagos para o fazer". Rui
Tendinha fá-lo por instinto gutural, nas redes sociais: "Não sou
do clube do Twitter mas com o Cinetendinha já me senti atiçado
para o reflexo imediato. Num festival de cinema internacional há
sempre a tentação de partilhar com o leitor o que se acabou de ver
em primeira mão. Dei por mim, no TIFF, mal rolaram os créditos
finais do Diamante Bruto, dos manos Safdie, a escrever uma crítica
de um minuto a empolar o meu amor pelo filme e pelo Sandler.
Foi mais forte do que eu. Crítica para ninguém ler no Instagram".
om tanta música ouvida e cinema visto, não sentirão
estes moços que o tempo os tornou mais exigentes? Rui
Tendinha não hesita: “Acho bem que sim. No Cinetendinha
ando a experimentar ser mais sintético. Sinto que uma
frase é mais poderosa do que um parágrafo. Mas o tempo
tem que se lhe diga. Em Cannes cansei-me de elogiar o Parasitas
e as pessoas desconfiaram. Depois da temporada dos prémios
voltei à carga com o filme e senti maior feedback. Há filmes que
precisam de chegar na altura certa. Quem lançou o vencedor dos
Óscares em Portugal em setembro deve estar a fazer contas aos
euros que perdeu". Miguel Somsen é da mesma opinião: "Sim,
imenso. Porque com tanta cultura acumulada, consegues mais
facilmente perceber porque é que certas coisas não funcionam,
porque é que Parasitas parece um filme ocidental e não sul-
-coreano, e [percebes] onde falha, percebes quais os defeitos
e vantagens do último Tarantino e insistes até em explicar aos
outros por que não gostas daquela cena final que todos gostam,
com tanta coisa acumulada ao longo de tantos anos, percebes
porque é que Jojo Rabbit parece copy paste de Wes Anderson, por
que razão Scorsese insiste em fazer sempre o mesmo filme
mas agora com o dobro do tamanho. E ficas a amar filmes que
recorrem a uma simplicidade de linguagem que não insultam
o espectador ou pretendem atirar areia aos olhos dos críticos.
Em suma, tornamo-nos mais preparados para os truques e as
armadilhas, os chutos e os pontapés". Aqui quem se riu fui eu.
E aquela tendência de acharmos que os críticos são elitistas,
é um estereótipo que se confirma? Miguel Somsen foge dessa
etiqueta a sete pés: "Não me considero nada elitista, mas
considero que o meu caminho foi elitista, porque tomei opções
concretas de gosto em relação aos meus passos na formação,
e isso não pode deixar de influenciar os gostos que hoje tenho
– para não falar da cultura que me foi proporcionada pelos
meus pais. A minha formação de cinema é comercial, comecei
pelos americanos, só mais tarde percebi quais os vícios de
propaganda associados à linguagem do cinema de Hollywood.
Ainda hoje, apesar de tudo, apesar do cinema francês, italiano,
as novas vagas turcas e iranianas, o Dogma, o cinema alemão,
o austríaco Haneke, o louco Von Trier, pessoas que nos dão
uma visão plural, subjetiva e única sobre o mundo, para mim a
escola de cinema é o cinema americano dos anos 70, from easy
riders to raging bulls, já escrevia Peter Biskind. Portanto, desde
Hopper em 1969 até Touro Enraivecido em 1981, tudo o que está no
meio é o cinema que hoje vemos e que a nossa geração consome
(a tendência errada é pensar que somos todos fruto dos anos
80, eu acho os anos 80 uma tentativa moralista de corrigir a
podridão manifestada pelo cinema dos anos 70, mas isso são
teorias, não interessa nada). Com a música é diferente: durante
os anos 80 e 90, portanto o advento MTV, eu só ouvia música
que não estava nos tops. Isto levou-me a passar ao lado de muita
coisa fixe que estava nos tops e que hoje reconheço algum valor,
mas que na altura, pela necessidade elefanto-juvenil de ser do
contra, deixei passar. Hoje, em que tudo é alternativo, cansei de
ser sexy, portanto tento descobrir as coisas que me dão mais
prazer ouvir, independentemente de serem comerciais ou não.
English version
"EU NÃO SEI COMO SE FAZ UM CRÍTICO,
MAS PARA MIM É ESSENCIAL GOSTAR
MUITO DE MÚSICA E DE CINEMA, E É
MUITO IMPORTANTE COMPREENDER
A LINGUAGEM HISTÓRICA, PARA
SE DISTINGUIR A CÓPIA DA
AUTENTICIDADE, O EPÍGONO DA
ORIGINALIDADE, A FARSA DO ESFORÇO."
MIGUEL SOMSEN
Isso tanto pode ser os Fleetwood Mac como os War on Drugs".
Rui Tendinha prova ainda mais que escolhemos os entrevistados
ideais para este assunto: "O truque é não ser elitista à frente da
elite. Os meus críticos de cinema são aqueles que sabem venerar
um filme do Tsai Ming-Liang mas que sabem perceber que um
blockbuster da Marvel com assinatura do Taika Waititi é cinema
de autor. A meu ver, o grande problema de uma certa crítica
é a snobeira e o preconceito. Quando aparece um logotipo
Paramount há logo um pé atrás. Isso irrita-me profundamente."
odos já tivemos algum filme ou banda que,
na altura do hype, considerámos inócuos.
Hoje, porém, temo-lo como um clássico
e talvez um guilty pleasure. Os críticos de arte
são imunes a isto? Rui Tendinha acha que não:
"Reconheço que tive resistências com Vanda do Pedro Costa.
Hoje, já acho que é um filme que envelhece bem. Mas adoro
ter guilty pleasures. Por exemplo, o díptico Pequenas Mentiras entre
Amigos, do Canet, é um bom exemplo. É um daqueles filmes que
temos de dizer que gostamos de forma silenciosa, tal como
O Mascarilha, aquele fracasso que começou a enterrar a carreira
de Johnny Depp. Tenho um fraquinho por turkeys, confesso, em
especial quando eram assinados pelo Barry Levinson". Miguel
Somsen acha que, em relação a esse assunto, o problema está
nele. É da humildade: "Devo ter imensos casos que negligenciei
e aprendi a gostar, ou não gostei na altura certa. Não sou um
grande fã do Apocalypse Now, por causa de Platoon, não sou um
grande fã do ET porque acho os Encontros Imediatos de Terceiro
Grau muito melhor, nunca aderi ao Wild At Heart do Lynch, embora
lhe reconheça um universo à parte, o One From The Heart do
Coppola era incompreensível, mas a mim faltava-me mundo,
eu era mais Os Marginais e Rumblefish. Portanto, não vou ao
ponto de considerar que algo é menor para a minha grandeza,
bem pelo contrário, sou eu que ainda não cresci o suficiente
para perceber certas coisas, tal como agora acho que muita
gente ainda não cresceu o suficiente para distinguir a qualidade
das coisas". Se ambos acreditam no que fazem e no papel
determinante da crítica de arte? Miguel Somsen é um crente:
"Acredito imenso. Mas já não acredito nas plataformas
de acesso a essa crítica, são elas que têm de ser renovadas –
os jornais morreram. Para mim, não há nada mais importante
que ouvir alguém falar ou escrever (bem ou mal) de algo que
desconheço, ainda ontem fui comer um bitoque num tasco a
Rio de Mouro só porque alguém mo recomendou, sou muito
sensível à crítica e a quem tem um passado e uma experiência
diferente da minha, isso tanto se revela numa análise crítica
como num apontar a direção da lua – ou de Rio de Mouro". Rui
Tendinha é mais específico: "Como diálogo e ponto de partida
de partilhas, claro que sim. A crítica de cinema nestes dias em
que todas as semanas estreiam sempre mais do que cinco filmes
é um barómetro quase de serviço público. Cada vez há pior
cinema nas salas comerciais e é preciso críticos com alguma
coragem para terem bom-senso. Sim, bom-senso é agora a nossa
arma mais valiosa. Mas também gosto da crítica que é teimosa
e que defende até à morte alguns cineastas de cabeceira. O que
seria deste mundo se descobríssemos que João Lopes escreveu
horrores de um Steven Spielberg... O horror! O horror!"
E casos concretos de colegas de profissão que tenham mudado,
para o bem ou para o mal, a perspetiva da maioria acerca de um
filme/disco? "Lembro-me do Manuel Cintra Ferreira do Expresso
a afagar o Million Dollar Baby. A forma como ele sempre afagou e
inflamou as mais-valias de um certo cinema americano clássico
tocou-me de forma inconsciente. Despertou em mim um gosto
por um certo classicismo que eu julgava que estava arredado
do meu coração (era quando endeusava o David Lynch). Mas já
antes outros críticos me mostraram de forma encapotada que
os filmes têm de ser avaliados pela nossa emoção e coração.
Mas o coração convém realmente estar escancarado", revela
Rui Tendinha. Já Miguel Somsen prefere referir a capacidade
que alguns críticos tiveram em mudar a perspetiva da própria
crítica de arte: "Tenho de remeter para os textos de Mário
Castrim sobre televisão, ou a forma como críticos como Paulo
Nogueira e Fernando Caetano reescreveram o cinema através
de O Independente. Não posso dizer que o Bénard da Costa
ou o Prado Coelho não tenham sido influentes, mas foram, de
forma diferente nas suas áreas, por causa do poder institucional
que tinham, não necessariamente pelo rigor intelectual que
transmitiam. Tirando esses, só o Miguel Esteves Cardoso
pode ser considerado seminal até aos dias de hoje, porque fez
tudo antes dos outros, porque estava no epicentro da música
na altura certa, porque criou uma linguagem própria que era
tanto de elite e sobranceria como de humor, popularidade e
distintividade. Ensinou muitos a ler e tantos a escrever".
Como se vê, afinal os críticos de arte não são nenhuns
papões. São pessoas como nós. Que até vão jantar a Rio de
Mouro. A mim não me apanham lá, de certeza. Apre! l
vogue.pt 2 5 5
NO LIMIAR DO (IN)CONSCIENTE
Quando o inacreditável se
cruza com o palpável, isso
é Arte. Quando o surreal se
cruza com o (ir)real, isso é
Arte. Quando as paisagens
se pintam em tecidos e os
acessórios ganham contornos
de imaginação, isso é Arte.
Quando a Moda se cruza com
todos estes cenários oníricos
e uma objetiva contempla tudo
numa sequência de imagens
que mexe com a cor da alma,
das entranhas e das emoções,
isso é Vogue. E Vogue é Arte.
Fotografia de Roberto Greco. Realização de Laurent Dombrowicz.

English version

Felize: camisola em jacquard de lã e lurex, calções em cetim de seda e gola em plumas de avestruz, tudo DRIES VAN NOTEN.
 Carteira Le Brillant Dans Les Nuages em pele, DELVAUX.
Na página ao lado, Nicole: colete e saia em lã fria, camisa em crepe de seda, e cinto em pele e metal, tudo CELINE.
Na página ao lado, Felize: blazer em cetim de seda, camisola em tule de seda
e óculos em metal, tudo SCHIAPARELLI. Mão em gesso, SELETTI na Fleux.
 Carteira em acrílico e metal, BOTTEGA VENETA. Copo em vidro, BRIGITTE TANAKA.
Na página ao lado, Felize: vestido em tule de seda, CHRISTIAN DIOR. Trompete, da produção.
Nicole: vestido em jersey de algodão, MARCO DE VINCENZO. Colar em ouro amarelo e esmalte, SAMUEL FRANÇOIS JEWELRY.
Na página ao lado, Nicole: vestido em cetim de seda bordado em algodão, LOUIS VUITTON.
 Pumps em pele, CHRISTIAN LOUBOUTIN. Porta-jóias em porcelana, RICHARD GINORI para GUCCI.
Busto em terracota, UN WEEK-END À BRUXELLES. Na página ao lado, Nicole: vestido em crepe de seda, PRADA.
Nicole: vestido em crepe de seda, PRADA. Na página ao lado, Nicole: camisa em crepe de seda e lurex e calças em seda, MANISH ARORA.
Modelos: Felize Kolibius e Nicole Atieno @ SMC Model Management. Cabelos: Olivier Schawalder. Maquilhagem: Lloyd Simmonds.
Manicure: Adrienne Soter. Set Design: Haruna Ogata. Assistentes de realização: Timothe Grand Chavin e Julian Desouvigny.
Editorial realizado em exclusivo para a Vogue Portugal.
ENTREVISTA

Alexandre,
o grande É a mente criativa por detrás dos desfiles de algumas das mais
importantes marcas de Moda. Melhor ainda: é a mente criativa
por detrás dos desfiles mais espetaculares, inesquecíveis
e magnificentes das melhores marcas de Moda. Como por magia,
faz acontecer tudo o que nunca pensámos ser possível ver
numa passerelle. Só que para Alexandre de Betak, o francês que
montou uma passadeira cor-de-rosa de 500 metros no meio de um
campo de lavanda da Provença, não há impossíveis. Por Ana Murcho.

uem se lembrou de lhe chamar “o Houdini da Moda”
não estava a cometer nenhuma gafe. Nem quem decidiu
apelidá-lo de “Fellini dos desfiles”. O homem de voz
sedutora que nos atende o telefone, em plena azáfama da Paris
Fashion Week, é uma espécie de mago. Foi ele que, tal como refere
o site Business of Fashion, “transformou os desfiles de Moda em
eventos multi-sensoriais.” Por outras palavras, foi ele que ajudou
a ampliar o conceito de apresentação periódica das coleções,
durante décadas organizadas pelas próprias marcas in-house,
convertendo-as em superproduções elaboradas, vistas por milhões
de pessoas, e que nada devem à emoção provocada por uma peça
de teatro ou uma longa-metragem. Natural de França (o sotaque
ainda arranha o inglês com que nos fala), é um homem do mundo
que se divide entre o país natal, Nova Iorque e os aeroportos dos
cinco continentes, numa ânsia constante de fazer mais e melhor.
Isso significa desdobrar-se criativamente para acorrer a um sem
fim de instalações, eventos privados, fashion shows, exposições,
e tudo o que inclua engenho e arte. Revolucionário, como os
grandes pensadores sempre são, lançou recentemente, via Bureau
Betak (agência que fundou em 1990) um plano de sustentabilidade
apelidado Ten Commandments que pretende tornar a indústria mais
verde – e convencer muitos dos seus clientes, como Saint Laurent,
Dior, Rodarte, Jacquemus, Viktor & Rolf, Michael Kors a assumir
uma postura mais responsável no que toca a práticas ambientais.
A sua primeira incursão na Moda foi com a designer
espanhola Sybilla, em Madrid. Como é que tudo aconteceu?
Tudo começou quando comecei a tirar fotografias, ainda muito
novo. Em adolescente, continuei a fazê-lo e, entretanto, comecei
a vender essas mesmas fotografias a travel guides e outras
revistas. Isso fez com que fosse conhecendo algumas pessoas da
indústria da Moda. Mas a verdade, penso, é que a Moda funcionou
como um álibi. Eu estava mais interessado, e ainda estou, nas
FOTOGRAFIA: ANNA HUIX.
Quando começou, os desfiles eram produzidos in-house.
A sua profissão basicamente não existia. Considera-se
um pioneiro? Tive a sorte de ser um espírito livre, porque
nunca estudei nada, e não sabia nada de Moda. E até certo ponto
considero isso sorte, porque me permitiu entrar nesse mundo
sem ideias pré-concebidas e sem qualquer noção de como as
coisas deveriam ser feitas. Fui pioneiro por acaso. Fui pioneiro
por causa dessa liberdade. Não sabia nada sobre desfiles, não
tinha ido para uma escola de Moda, nem sequer tinha estagiado
em qualquer marca ou lugar. Uma coisa levou à outra: as
fotografias, a colaboração com Sybilla... Primeiro era apenas em
termos de ideias globais, imagem e direção de arte, depois ela
quis fazer desfiles, e eu nunca tinha feito um desfile... Mas nada
disso foi planeado. As coisas simplesmente aconteceram. Até
hoje penso que estou aqui por acaso. Em retrospetiva, julgo que
sempre encarei os desfiles como um meio, um meio criativo,
que me permitiu expressar a minha criatividade. E a razão pela
qual estou aqui, e ainda me divirto com isto, é porque percebi
bastante cedo que era um meio criativo que necessitava de todas
as disciplinas – é um meio para onde podemos trazer o design, a
iluminação, a música, tecnologia, efeitos especiais, qualquer coisa.
É provavelmente um dos mais amplos campos de criatividade.
Já produziu mais de mil desfiles. O que é que faz com
que um seja mais espetacular que o outro? É o dinheiro?
Na verdade, o dinheiro não é a coisa mais importante. Não
quero dar um tiro no pé ao dizer isto [risos] mas, para ser
honesto, alguns dos melhores desfiles que produzi não eram
aqueles onde estava envolvido muito dinheiro. O dinheiro é
certamente importante, mas o mais importante é quando o
dinheiro consegue superar as expectativas. Podemos fazer
desfiles ultracriativos com menos dinheiro, mas a condição
para esses, e faço bastantes assim, é existir liberdade criativa

necessidades criativas do mundo da Moda, e na liberdade
artística que ele me podia, e pode, dar. Acho que o mundo da
Moda tem uma necessidade real em ser inspirado por tudo e mais
alguma coisa que não seja... Moda. Acredito que essa é a razão
pela qual me mantenho nele. É uma realidade que me permite
perseguir todos os meus interesses e alimentá-la com eles.
total. De certa forma, esse é o truque de não ter dinheiro,
desde que encontre uma grande ideia e uma grande solução. 
Quando começa um novo projeto transporta para ele a
sua estética, ou prefere seguir o ponto de vista de um
cliente? Claro que sim, é tudo sobre respeito. Tudo se baseia
em respeitar o ponto de vista do cliente. Aliás, nem é tanto o

vogue.pt 2 7 1
ENTREVISTA
ponto de vista, é a mensagem. Julgo que quando começamos
a trabalhar com um cliente [isso significa que] falamos a
mesma língua, estamos de acordo na forma como ele deverá
apresentar o seu ponto de vista, concordamos na linguagem a
usar. Claro que quando propomos uma ideia para um desfile,
essa ideia é para o cliente. Trazemos o que julgamos ser a
resposta que melhor se adeque ao seu ponto de vista.
Podemos dizer que dá vida à imaginação dos seus
clientes? Acho que sim. É parte do nosso papel, sem dúvida.
Onde gostaria de fazer um desfile? Aceitaria fazer um em
Marte? Totalmente. Consideraria isso, sem dúvida. Gostaria
de ser o primeiro a fazer um desfile no espaço, algures, e
Marte é um belo sítio para começar. [risos] Mas não quero ser
demasiado ganancioso, poderia começar na atmosfera, ou na
Lua. Mas além do espaço, e de Marte, consideraria um milhão
de outros sítios onde a indústria da Moda ainda não foi. No
Bureau Betak estamos a trabalhar num projeto muito importante
e eco-conscious, o Ten Commandments, que no fundo é a base da
nossa política de sustentabilidade. Seremos a primeira agência
do mundo especializada em luxo a ser certificada pelas Nações
Unidas relativamente a uma norma que rege os eventos em
todo o mundo, a ISO20121. Nos últimos anos, temos tentado
reduzir a nossa pegada de carbono, incluindo nas viagens,
e uma das formas que proponho para fazer isso é reduzir
drasticamente a quantidade de media que se desloca para os
desfiles, e substitui-la, de certa forma, por pessoas locais, em
lugares mais exóticos, onde a criatividade do desfile, juntamente
com grande tecnologia, será suficiente para o difundir.
Alguma vez será possível fazer desfiles totalmente
carbon neutral? É impossível. Como referi, nos últimos anos
temos tentado arranjar as ferramentas para que os clientes
possam reduzir ao máximo a sua pegada de carbono. Por
exemplo, tentamos compensar as emissões de carbono [prática
conhecida como carbon offset]. Mas não é algo total. É tão bom
quanto conseguirmos que seja, porque sempre se emitirá algum
carbono. Voltando à questão do sítio de sonho para fazer um
desfile, penso que iremos, cada vez mais, fazer desfiles em
sítios extraordinários onde nunca ninguém esteve antes. E
procurar não “transportar” tanta gente, porque isso já não se
justifica. Existe tecnologia fenomenal para ajudar a disseminar
imagens, elas espalham-se muito rapidamente. Fizemo-lo com
a Jacquemus o ano passado [o tal acontecimento nos campos
de lavanda] e resultou. Havia uma quantidade ultra-reduzida
de fashion media na audiência e uma enorme quantidade de
“pessoas comuns”, amigos, familiares. E esse desfile tornou-
-se viral. Por isso, onde é que gostava de fazer um desfile? Em
Portugal! Portugal é um sítio onde adorava fazer um desfile.
Quando é que começou a ter esta preocupação com a
sustentabilidade? Acha que as pessoas vão concordar com
estas mudanças que tem em mente? Estou a pensar nos
influencers, que se habituaram a viajar constantemente para
tudo o que é evento de Moda. Sim. Na verdade, acho que os
influencers serão, provavelmente, aqueles que vão reagir melhor.
Enquanto o sistema funcionar, claro, enquanto forem convidados,
porque são eles que espalham a mensagem de forma mais rápida
e com maior amplitude… Algumas pessoas ficarão chateadas, mas
existem tantos desfiles de Moda, todos os anos, no mundo inteiro,
que nem todas as pessoas precisam de assistir a todos eles. É
apenas isso que estou a dizer. Há demasiados desfiles, deveríamos
tentar reduzi-los em quantidade, fazer com que todos ficássemos
felizes por existirem menos, e felizes por podermos assistir a
alguns deles. Isso abriria a porta, a meu ver, à liberdade criativa,
porque poderíamos fazer coisas diferentes, em lugares diferentes.
Sente que tem uma responsabilidade com o seu trabalho?
Que, de certa forma, educa as pessoas? Sim, totalmente.
Penso que sim. Milhares de pessoas veem os desfiles, por isso
temos a responsabilidade de sensibilizar as consciências e
educar as pessoas – na forma como os desfiles são feitos e na
mensagem que passam. É exatamente isso que iremos fazer com
o programa que anunciámos. Agora todos os nossos eventos
serão produzidos de acordo com essas soluções. Estamos a testar
estas coisas, principalmente nos desfiles grandes, como os da
Dior e os da Saint Laurent, mas também nos mais pequenos.
Os desfiles têm um enorme impacto, mas a grande maioria
Em cima: passerelle que serviu para apresentação da coleção Primavera/
dura 10, 15 minutos no máximo. Contudo, é preciso um Verão 2020 de Raf Simons. Ao lado: cenário do desfile Cruise 2020 da
trabalho abissal para os fazer acontecer. Acha que isso Dior, no Hotel La Mamounia, em Marraquexe. Em baixo: detalhe do set
é uma contradição? Gosta de trabalhar em algo que criado para o Outono/Inverno 2019 da Tommy Hilfiger X Zendaya.
"HÁ DEMASIADOS DESFILES,
DEVERÍAMOS TENTAR REDUZI-LOS
EM QUANTIDADE, FAZER COM QUE
TODOS FICÁSSEMOS FELIZES POR
FOTOGRAFIA: D.R.
EXISTIREM MENOS, E FELIZES POR
PODERMOS ASSISTIR A ALGUNS
DELES. ISSO ABRIRIA A PORTA, A
MEU VER, À LIBERDADE CRIATIVA."
vogue.pt 2 7 3
ENTREVISTA

A seu ver, um budget ilimitado faz com que tudo seja

possível? Sim e não. Sim, na medida em que há tanto dinheiro,
e tanta liberdade, que quase não existem limites. Mas por
vezes maiores budgets significam maiores constrangimentos.
Os desfiles acontecem de forma seguida, muito próximos uns
dos outros, em alturas que não escolhemos, e só podem ter
uma certa duração. Tudo isso faz com que não exista assim
Ao lado: instalação para o Outuno/Inverno 2020 da Zegna.
Ao centro: a supermodelo Naomi Campbell no final do desfile Primavera/
Verão 2020 da Saint Laurent, com a Torre Eiffel como pano de fundo.
Em baixo: em plena Provença, nos meios de campos de lavanda, a
passerelle cor-de-rosa criada para a Primavera/Verão 2020 da Jacquemus.

tanta liberdade. E depois o budget, mesmo quando é grande,

parece existir apenas durante um instante? Não sei se é
tanto o caso de gostar ou não gostar, é o mundo em que vivemos.
Concordo que existe uma contradição, principalmente porque
são tão “gigantescos” e tão curtos, mas penso que a quantidade
não significa qualidade. Podemos espalhar uma mensagem
incrivelmente bem, uma imagem respeitada e artística, em
cinco minutos. É possível. Muitas vezes é um pouco apressado
e frustrante para nós, para ser sincero. Mas percebo que assim
seja. O mundo em que vivemos, a tecnologia, os telefones, o
Instagram, a quantidade de informação, tudo isso fez com que o
nosso attention span se tornasse muito reduzido. Por isso, agora,
quando criamos conteúdos, por vezes olhamos para coisas
que deveriam ter 20 segundos e temos de as fazer em dois.
Mencionou o papel preponderante da tecnologia. Como
é que ela influencia o seu trabalho? Mudou tudo. Mudou o
ambiente – quando comecei era tudo ao vivo. Depois passámos a
ter a televisão, da televisão passámos aos ecrãs de computador,
depois passámos para os telefones nas palmas das nossas mãos.
Não há como ir contra a modernização. Não adoro, às vezes
gostava que coisas em que passo tanto tempo a trabalhar, em
que invisto energia, fossem apreciadas um pouco mais. Mas
a verdade é que é assim. Temos de ser eficientes em poucos
segundos. E penso que isso estimula a criatividade – a ser
diferente e a ser, por vezes, melhor. O meu objetivo, hoje em dia,
é criar algo do qual as pessoas queiram ver, e saber, mais. Porque
se uma coisa de dois segundos, difundida no Instagram, for
eficiente, as pessoas vão querer ver mais e vão apreciar mais.
Concorda que a tecnologia foi a maior revolução na indústria
desde que começou, há mais de 25 anos? Tem havido
muitas mudanças. Como já referi, fomos do live para a televisão
para a web para os smartphones. A segunda maior mudança foi
a própria importância da indústria da Moda. Tornou-se maior,
tornou-se mais rica, tornou-se mais internacional, tornou-se
mais imediata. Mais global. Apareceram uma série de novos
mercados, como o Médio Oriente, Rússia, América do Sul, China.
nunca é suficientemente grande! [risos] Não existe isso de
“demasiado dinheiro”. Até porque a maior parte do dinheiro
é gasto em coisas que não se veem. É um trabalho muito
técnico. Coisas práticas, normas, segurança, burocracia...
Há quem defenda que os desfiles vão acabar. O que tem
a dizer sobre isso? Penso que não. Julgo que as Semanas de
Moda podem acabar, ou mudar, e têm de o fazer. As Semanas de
Moda não se enquadram no mundo atual e na nova tecnologia.
Elas pertencem a um sistema antigo, onde tudo acontece ao
mesmo tempo, no mesmo local, com muitas coleções... E parte
do mundo está no verão e a outra no inverno, toda a gente tem
de lidar com os constrangimentos de uma série de desfiles que
nem sempre [nos] interessam. A indústria é global, o timing é
global, as estações propriamente ditas não existem, e os media
tradicionais acabaram. Com base nisso, julgo que devemos
libertar o calendário das Semanas de Moda, não precisamos
de tanto público, e poderíamos ter a possibilidade de fazer
desfiles em qualquer lado, vistos por toda a gente. Mas
penso que os desfiles se irão manter, porque as marcas
precisam dessa ferramenta de comunicação, e as pessoas
English version
precisam de sonhar. E até certo ponto precisamos de
um “evento real” para que isso seja possível. Mas não
precisamos de fazer grandes eventos e transportar muitas
pessoas de um lado para o outro, a toda a hora.
 Além dos desfiles, que tipo de eventos prefere fazer?
Acho que é a combinação de todos eles. Eu nunca subtraio nada,
só adiciono! Tenho feito exposições, furniture design, installation
design, house design – amo desenhar casas – acho que é uma forma
de fazer algo mais permanente do que tudo o resto que faço.
O que é que ainda lhe falta experimentar? Gostaria de
experimentar tudo o que ainda não fiz. E acredito que tudo o que
já fiz, poderia fazer melhor. Essa é uma das razões pelas quais
continuo. Estou disposto a experimentar tudo, todos os meios. E
penso que certas coisas que já fiz, poderia refazê-las, com novas
ferramentas. Adoro altos contrastes, adoro o high e o low, adoro a
simplicidade, adoro o luxo, adoro o detalhe, adoro grandes gestos. 
Esta edição é sobre arte. Acha que podemos dizer que a
Moda é, ela mesma, arte?Antes de mais, importa frisar que não
sou designer de Moda, por isso não posso falar sobre o que não
faço. Mas penso que a própria definição de arte tem evoluído, e
continua a evoluir. A palavra em si é old fashioned. A Moda é um
meio artístico e criativo e, além disso, é um meio comercial – é
totalmente um meio comercial, porque é algo que compramos
e usamos, e nesse sentido a Moda não é arte. Por outro lado,
julgo que a arte, hoje em dia, também é um meio comercial, algo
FOTOGRAFIA: D.R.

Tudo isto foram mudanças enormes na forma como fazemos que compramos e que... penduramos. É a mesma coisa! Penso
o nosso trabalho. E como tudo cresceu, o budget dos desfiles que, de acordo com a definição clássica, a Moda não é arte. Mas
aumentou, e com isso aumentou também a responsabilidade. a arte, por seu lado, é Moda. No fundo, talvez seja o mesmo… l

vogue.pt 2 7 5
ARTE - COSTURA
A Moda enquanto arte ganha a
sua expressão mais artesanal
na Haute Couture. Quando o tra-
balho de um artesão depende
apenas da mestria das suas
mãos, da clareza da sua visão,
da sua capacidade de produzir
exemplares únicos, desfilar
uma peça que nunca verá uma
homóloga exatamente igual
é assistir à magia do talento
humano. Porque um bom guar-
da-roupa pode ser sofisticação,
estilo, elegância, mas a Alta-
-Costura será sempre emoção.
Direção criativa e Fotografia de Guillaume Roemaet. Styling de Joana Dacheville.

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Vestido em organza de seda, ALEXANDRE VAUTHIER ALTA-COSTURA.

 Vestido em tule de seda e acetato, IRIS VAN HERPEN ALTA-COSTURA.
Na página ao lado: top em organza de seda e lã, GIVENCHY ALTA-COSTURA.
Vestido em renda e tule de seda, collants em mousse, e sapatos em pele e veludo, tudo CHANEL ALTA-COSTURA.
 Blusa em chiffon de seda, VALENTINO ALTA-COSTURA.
Na página ao lado: vestido em lamé e veludo, véu em mousse e luvas em pele, tudo MAISON MARGIELA ALTA-COSTURA.
Vestido em tule de seda, GIAMBATTISTA VALLI ALTA-COSTURA.
 Véu em mousse e vestido em lamé e veludo, ambos MAISON MARGIELA ALTA-COSTURA.
Na página ao lado: vestido em tule de seda e colar em acetato, ambos JEAN-PAUL GAULTIER ALTA-COSTURA.
 Vestido em crepe de seda e brincos em metal e cristais, ambos SCHIAPARELLI ALTA-COSTURA.
Na página ao lado: blusa em chiffon de seda, vestido em seda e luvas em pele, tudo VALENTINO ALTA-COSTURA.
 Macacão em crepe de seda e lantejoulas, chapéu em feltro de lã, gola em cetim e chiffon de seda,
e botas em camurça e metal, tudo ALEXANDRE VAUTHIER ALTA-COSTURA.
Modelo: Ola Rudnicka @ IMG Models. Cabelos: Kazue Deki @ Calliste Agency. Maquilhagem: Caroline Fenouil @ Bryant Artists.
Casting: Remi Fellipe. Set Design: Sylvain Cabouat @ WSM. Produção: Kitten. Retouch: Post Production DPT.
Assistentes de fotografia: Milena Le Mao e Maria Vaughan. Assistentes de styling: Glen Man e Agathe Phillipart.
Assistente de set design: Flavien Perrottey. Editorial realizado em exclusivo para a Vogue Portugal.
ENTREVISTA

The Bolton
effect Falar de arte, Moda, e da arte que é a Moda, é falar
de – e com – Andrew Bolton, o homem por detrás
de algumas das maiores exposições de Moda
no mundo. Não queremos estragar o efeito surpresa,
mas foi precisamente isso que fizemos. Por Mónica Bozinoski.

á um determinado momento em The First Monday in May – o

documentário de 2016 de Andrew Rossi que nos leva aos
bastidores da Met Gala, evento anual que André Leon Talley
define, muito simples e resumidamente, como o Superbowl
da indústria da Moda – em que Anna Wintour declara que
“é raro encontrarmos alguém tão criativo que consegue mudar
a forma como olhamos para a arte”. Esse alguém é, se dúvidas
restassem, Andrew Bolton. São onze da manhã em Nova Iorque
(quatro da tarde em Lisboa, numa sexta-feira soalheira de inverno)
quando o curador do Costume Institute do Metropolitan Museum
of Art atende um telefonema vindo do outro lado do Atlântico.
“Estamos muito entusiasmados”, diz a encantadora voz a oeste
da linha depois de lhe confessar que seria difícil imaginar uma
edição dedicada à arte sem o visionário que nos deu, em mais de

FOTOGRAFIA: CORTESIA DO THE METROPOLITAN MUSEUM OF ART/PARI DUKOVIC/TRUNK ARCHIVE.

uma mão cheia de anos, AngloMania (2006), Alexander McQueen:
Savage Beauty (2011), China: Through the Looking Glass (2015), Rei
Kawakubo/Comme des Garçon; Art of the In-Between (2017) e Camp:
Notes on Fashion (2019). Da quase interminável lista de questões, e
porque o tempo é tudo menos semelhante a ela, surge a primeira
e mais óbvia: porquê a Moda? “Acho que o meu interesse veio,
provavelmente, das revistas de estilo que estavam a emergir
nos anos 80. Revistas como a The Face, a i-D e a Blitz”, recorda
Andrew Bolton, o englishman in New York que passou a sua infância
em Lancashire, Reino Unido. “Os anos 80 em Inglaterra foram
uma época muito rica para a Moda, particularmente para o street
style e para o estilo das subculturas. Foi entusiasmante estar em
Inglaterra nessa altura, e ver o impacto do estilo das subculturas
na Moda. Inicialmente, foi isso que realmente despertou o meu
interesse em Moda.” O que se seguiu está bem documentado nesse
enorme museu que é a Internet – aos 17 anos, e numa altura em
que todos lhe perguntavam o que queria fazer, um jovem Andrew
Bolton já sonhava com a hipótese de, um dia, vir a ser curador
do Costume Institute do Metropolitan Museum of Art. Mas os
trilhos que o acabaram por levar até à Universidade de East Anglia,
em Norwich, pareciam indicar um rumo um pouco diferente.
“Na verdade, estava no caminho para me tornar um académico”, Andrew Bolton.
conta Bolton quando lhe pergunto sobre a carreira de curador.

vogue.pt 2 9 3
ENTREVISTA
“Estava a fazer o meu PhD na Universidade de East Anglia
quando surgiu uma oportunidade de trabalho no Victoria
and Albert Museum. Decidi candidatar-me e tive a sorte de
ficar. A minha intenção era trabalhar um ano e, depois disso,
voltar aos meus estudos académicos. Mas apaixonei-me pela
curadoria, pela ideia dos objetos e das histórias, pela ideia
de que todos os objetos têm uma história para contar, e que
é o curador que tem o papel de as revelar ao público. Acabei
por me apaixonar pela cultura material, e pelas histórias
que ela pode contar.” Essa mesma paixão é uma que se sente
na voz de Andrew, que permaneceu nove anos no Victoria
and Albert Museum, em Londres, onde ocupou a posição de
Curatorial Assistant in the Far Eastern Department antes de assumir
o cargo de Senior Research Fellow in Contemporary Fashion. “De
certa forma, foi uma transição”, explica o curador quando
lhe pergunto sobre a mudança que aconteceu em 2002, ano
em que transitou para o Metropolitan Museum of Art como
Associate Curator do Costume Institute. “O V&A é um museu
de artes decorativas. A ênfase que é dada à Moda e à cultura
material é muito focada nos estudos culturais, na interpretação
da cultura material através dos estudos culturais. Por isso, foi
uma mudança.” Desde então, os dezoito anos no Metropolitan
Museum of Art passaram-se mais ou menos assim: em 2006,
Andrew Bolton é nomeado curador da instituição; dez anos
mais tarde, sucede a Harold Koda como Curator in Charge; e em
março de 2018, altura em que a posição foi subvencionada, é
nomeado Wendy Yu Curator in Charge of The Costume Institute.
ast forward para o hoje e o agora. Debaixo da
manga dos fatos exímios que associamos à
sua imagem discreta, Andrew Bolton guarda
algumas das exposições mais vistas do museu
nova-iorquino – entre elas está Heavenly Bodies:
Fashion and the Catholic Imagination, de 2018, que contou com
um número recorde de 1.65 milhões de visitantes. Não é difícil
perceber o appeal das exposições que contam com o dedinho
mágico de Bolton, um homem que, nos poucos minutos de
conversa, se revela um contador de histórias nato. Mas qual
foi a sua favorita, até hoje? “Gostei de todas elas, ainda que de
formas diferentes”, confessa o curador. “Penso que a exposição
que provavelmente foi uma espécie de mudança de paradigma
foi a do Alexander McQueen. Acho que foi a primeira vez que
até os historiadores de arte mais conservadores começaram
a olhar para a Moda como uma forma de arte. Penso que
McQueen conseguiu alterar a perceção das pessoas sobre a
Moda e as ideias que as pessoas têm sobre os designers. Para
mim, foi uma exposição que mudou o paradigma. Também
adorei a exposição Schiaparelli and Prada, que foi uma espécie
de conversa ficcional entre uma designer falecida e uma designer
viva. Penso que foi muito interessante. Apesar de Schiaparelli e
Prada terem inspirações muito diferentes, e abordagens muito
diferentes, chegaram as duas a conclusões estéticas muito
semelhantes. Para mim, essa exposição foi uma revelação.
E depois AngloMania [o primeiro trabalho a solo de Bolton],
que foi uma exposição onde mostrámos, lado a lado, peças
de vestuário, trajes históricos e Moda contemporânea. Penso
que aquilo que diferencia as nossas exposições é esta junção
entre o antigo e o novo, e a AngloMania foi uma exposição onde
articulámos bastante essa metodologia.” E a mais desafiante?
“Todas elas apresentam desafios diferentes”, defende Bolton.
“Quando achas que conseguiste encontrar um modelo para
a exposição de Moda, o tema ganha vida própria. Aquilo que
tento fazer é ouvir o tema e deixar que o tema tenha essa
vida própria. Penso que tento fazer isso com todas as nossas
exposições, ter uma abordagem leve e manter um final aberto.
Para mim, é importante não ser demasiado maçudo com os
argumentos que expomos, e é importante apresentar o tema
de uma forma ligeira para que as pessoas possam pensar
nele da forma que entenderem. Suponho que o desafio seja
sempre encontrar um equilíbrio entre a interpretação no que
diz respeito à curadoria e a interpretação subjetiva.” Por falar
em desafios: estamos a poucos meses da inauguração de About
Time: Fashion and Duration, a próxima exposição do Costume
Institute que irá abrir portas no dia 4 de maio deste ano. O que
é que podemos esperar? “Sabes, esta foi bastante desafiante”,
conta Andrew Bolton. “Tudo começou com a celebração dos 150
anos do Met, e com as diversas iniciativas do museu que estão a
colocar o foco nas obras de arte pertencentes à coleção do Met.
Para mim, foi mesmo importante olhar para a nossa coleção,
examiná-la uma vez mais e apresentar uma exposição que fosse
FOTOGRAFIA: THE METROPOLITAN MUSEUM OF ART.
quase exclusivamente baseada na nossa coleção. Queríamos
partilhar a extensão dela e, ao mesmo tempo, criar um tema
que fosse atual. Penso que tentamos fazer isso com todas as
nossas exposições, encontrar um tema que tenha relevância
para o zeitgeist contemporâneo.” Haverá algo mais apropriado
do que o tempo? “A Moda é, muito basicamente, a cultura do
tempo. É ditada pelo tempo, reflete o espírito do tempo e é,
ao mesmo tempo, ditada pelo espírito do tempo. E penso que
estamos todos a ter dificuldades com a efemeridade da Moda,
e com as características que definem a Moda.” É assim que
surge About Time: Fashion and Duration? “Queria focar-me numa
exposição que olhasse para a ideia do tempo e do impacto do
tempo na Moda, algo que é bastante atual. Aquilo que fizemos
foi uma espécie de linha temporal gémea, ou seja, duas linhas
temporais. Uma delas é bastante tradicional e linear, e explora a
história da Moda de 1870 até 2020, sendo que 1870 foi o ano em
que o Met foi fundado. Mas também vamos apresentar uma linha
cronológica alternativa, que chamamos de interrupção, isto é, uma
linha temporal que interrompe a linearidade da linha principal,
e que permite que repensemos a ideia do tempo na Moda, e o
conceito de duração. De certa forma, é uma exposição altamente
conceptual, com um número de linhas temporais que nos ajudam
a olhar para a Moda de forma diferente.” Enquanto conversamos
sobre o tempo, recupero algo que Andrew Bolton disse em
entrevista à edição norte-americana da Vogue em 2016: “Esta
ideia de Moda 24/7 [a abreviação da expressão 24 horas por dia,
7 dias por semana] – acho que não é uma coisa boa. Não encoraja
os designers a darem um passo atrás e terem ideais originais.”
Numa altura em que se torna quase impossível falar sobre Moda
sem tropeçar na palavra sustentabilidade, o que é que o curador
vê no futuro da indústria? “Isso é algo que tem estado muito
presente na minha mente, e acredito que também esteja presente
na mente dos designers, esta noção do ritmo da Moda. Penso que
parte da ideia por detrás desta exposição [About Time: Fashion and
Duration] é promover a ideia de abrandar a Moda, de sermos mais
Imagem da exposição Heavenly Bodies: Fashion and the Catholic ponderados em relação à produção e ao consumo de Moda, e dar
Imagination, 2018. Vista da Galeria, Fuentidueña Chapel. aos designers tempo para refletirem sobre a sua criatividade, para
desenvolverem ideias que sejam duradouras e resistentes.” Numa
espécie de reflexão interior que o mundo consegue testemunhar
em tempo real, Bolton continua. “A efemeridade é uma coisa
muito poderosa na Moda, mas podes abraçar a efemeridade da
Moda de uma forma que seja mais ponderada e mais sustentável.
Penso que os novos designers estão a caminhar nessa direção de
sustentabilidade, não só no que diz respeito aos materiais, mas
também no que toca a ideias e conceitos. Para mim, a ideia de
abrandar o ritmo da Moda permite-nos pensar e refletir sobre o
valor da criatividade na indústria, e isso é muito importante.”
Por falar no valor da criatividade – algo que não falta a Andrew
Bolton e à lista de blockbusters que imaginou e concretizou para
o Met –, onde é que o curador encontra inspiração para as suas
exposições? “Em todo o lado. Acho que aquilo que tento fazer,
acima de tudo, é ouvir o zeitgeist e pensar numa ideia ou num tema
"SINTO QUE A MODA É TÃO RICA que considero ser relevante para uma audiência contemporânea,
EM HISTÓRIAS, CADA PEÇA e para os visitantes contemporâneos do museu. De certo modo,
DE VESTUÁRIO É TÃO RICA EM
é esse o meu objetivo. Em primeiro lugar, aquilo que tenho em
HISTÓRIAS, E NÓS TEMOS A
RESPONSABILIDADE DE REVELÁ-LAS mente é pensar numa ideia que fará com que as pessoas pensem
E TORNÁ-LAS EXPLICITAS sobre a Moda de forma diferente, uma ideia que as envolva e
PARA UMA AUDIÊNCIA." que as inspire. É importante encontrar um equilíbrio entre criar
vogue.pt 2 9 5
ENTREVISTA
uma exposição que seja educativa, esclarecedora e elucidativa,
e que, ao mesmo tempo, consiga entreter. Penso que educação
e entretenimento não são noções contraditórias, mas sim
complementares. Todas as exposições deviam ter ambas. Acho
que muitos dos curadores mais conservadores têm esta ideia de
que o entretenimento não é digno de estar num museu, mas a
verdade é que é. Uma exposição deve entreter, deve inspirar os
visitantes tanto a nível visual como intelectual. Acho que este
equilíbrio é muito importante.” Poderá ser esta a explicação para
o porquê de, nos últimos anos, termos testemunhado um número
exorbitante de exposições dedicadas ao fantástico tema da Moda
em todo o mundo? “Acho que as pessoas estão a perceber
a centralidade da Moda na cultura contemporânea”, defende
Bolton quando o questiono sobre este crescente interesse.
“A Moda é um tema tão complexo, e penso que o poder da Moda
está no facto de conseguir refletir o zeitgeist. Acho que isso é
muito apelativo para as audiências.” Isso e o fator Internet, essa
força transformadora que mudou para sempre a indústria e
todas as suas facetas. “A Internet veio permitir que a Moda fosse
muito mais acessível, e de certa forma mais democrática, a uma
audiência maior, uma audiência global. E isso tem um impacto tão
positivo no nosso campo. Claro que representa novos desafios
para os curadores, porque quem nos visita tem um conhecimento
muito maior sobre Moda. Mas acho que tudo se resume ao facto
de a Moda ser tão central às nossas vidas e de poder ser tão
complexa no que toca à identidade, ao género, à sexualidade,
às raças e etnias. A Moda sempre foi um veículo para explicar
significados mais profundos sobre todas estas questões, e acho
que as pessoas estão a começar a perceber o poder da Moda
dentro da cultura, e a sua importância central nas nossas vidas.”
English version
De cima para baixo, e da esquerda para a direira: Imagem da
exposição Alexander McQueen: Savage Beauty, 2011, vista da
Galeria, Romantic Gothic; Imagem da exposição Heavenly Bodies:
Fashion and the Catholic Imagination, 2018. Vista da Galeria,
Romanesque Hall; Imagem da exposição Camp: Notes on Fashion,
2019. Vista da Galeria, Failed Seriousness; Imagem da exposição
Camp: Notes on Fashion, 2019. Vista da Galeria, Part 2.
onversar com Andrew Bolton sobre esta
indústria é ter um passe de livre acesso, ainda
que temporário, a um mundo onde a Moda
parece não perder o seu entusiasmo. A um
mundo onde podemos aprender tanto com o
passado como com o presente. A um mundo onde cada casaco,
cada bolso e cada botão têm uma história única para contar. Não
resisto a perguntar-lhe: ao longo da sua carreira, qual foi a peça
de roupa que lhe tirou o fôlego? “Mais uma vez, tenho de voltar
à exposição do Alexander McQueen. A oportunidade de visitar
os arquivos e escolher aquelas peças foi de facto comovente.
Aquilo que era extraordinário no McQueen, e penso que não
existe nenhum designer como ele, era a capacidade que ele tinha
de evocar estas emoções viscerais em ti. Ele sempre disse que
não queria saber se as pessoas gostavam ou não gostavam de
Moda, desde que tivessem uma reação. Acho que esse era o
poder dele, e desde então não voltou a existir nenhum designer
como ele. Foi incrível homenagear o legado dele.” Incrível é uma
palavra que parece definir o trabalho de Andrew Bolton e os seus
dezoito anos como curador do Costume Institute do Metropolitan
Museum of Art, e um adjetivo tão bem usado nos documentos
que envolvem o seu nome e as suas exposições – no mesmo
artigo da edição norte-americana da Vogue, de 2016, Nathan
Heller define Bolton como “um talento que aparece uma vez numa
geração, que consegue olhar para 200 anos de história de Moda,
escolher 100 peças e organizá-las numa exposição que famílias
de Duluth [uma cidade do Estado de Minnesota] voam para ver e
que experts exaustos consideram totalmente fresca”. É a prova de
que o entretenimento e a educação podem não só coexistir, como
podem ser também uma dupla absolutamente imbatível – e de que FOTOGRAFIA: THE METROPOLITAN MUSEUM OF ART.
Andrew Bolton, como escreveu o The New York Times em 2015,
é mesmo o “storyteller in chief” do Met.
O curador ri-se quando refiro este título e lhe pergunto quais são
as melhores histórias que guarda das quase duas décadas com o
museu. “Acho que são mesmo os objetos. Tenho tido tanta sorte
em ter acesso não só aos arquivos dos designers, mas também
ao arquivo do Met. Sinto que a Moda é tão rica em histórias,
cada peça de vestuário é tão rica em histórias, e nós temos a
responsabilidade de as revelar e de as tornar explicitas para uma
audiência. Para mim, a felicidade sempre esteve em observar os
objetos, encontrar as suas histórias e evocar as suas memórias.” ●
vogue.pt 2 9 7
FORMAS DE EXPRESSÃO
Se Alexander Calder e Wassily
Kandinsky congeminassem um edi-
torial para a Vogue, viveria com a
geometria, a abstração, os ângulos
retos e não (cor)retos representativos
de uma não-realidade, aquela ima-
ginada pelo abstracionismo. Viveria
das cores vivas que perduram tam-
bém em quadros como Yellow-
-Red-Blue ou esculturas como The Four
Elements, e encontrar-se-iam não só em
detalhes de adereços, mas nas linhas
das silhuetas, dos acessórios, das
tonalidades dos tecidos. Se Alexander
Calder e Wassily Kandinsky conge-
minassem um editorial para a Vogue,
seria o destas páginas. Onde a obra
permanece além da própria obra.
Fotografia de The Bardos. Styling de Gaelle Bon.

English version

Felize: camisola em jacquard de lã e lurex, calções em cetim de seda e gola em plumas de avestruz, tudo DRIES VAN NOTEN.
Nyagua: camisa e calças em algodão, ambos ROCHAS. Anel em metal, DRIES VAN NOTEN.
Na página ao lado, Nyagua: top e calças em algodão, ambos LACOSTE.
Nyagua: top e saia em algodão, ambos MARNI. Chapéu em feltro de lã, NINA RICCI. Chapéu em algodão, ISSEY MIYAKE.
Canlan: camisa em organza de seda bordada a algodão, calças em cetim de seda e sandálias em pele, tudo LOUIS
VUITTON. Na página ao lado, Nyagua: casaco em lã, GMBH. Anel em acetato e metal, AURÉLIE BIDERMANN.
Nyagua: top e calças em algodão, ambos COURRÈGES. Canlan: vestido em crepe de seda, VALENTINO.
Na página ao lado, Canlan: casaco em cetim de seda, MIU MIU.
 Nyagua: vestido em malha de algodão e pulseira em acetato, ambos MAISON RABIH KAYROUZ. Pumps em
veludo e metal, ROGER VIVIER. Na página ao lado, Nyagua: vestido em jersey de algodão, STELLA MCCARTNEY.
Canlan: fato em lã fria, BOSS. Na página ao lado, Canlan: vestido em crepe de seda, DRIES VAN NOTEN.
Nyagua: vestido em cetim de seda e botas em pele, ambos BALENCIAGA.
 Na página ao lado, Canlan: vestido em algodão, GIVENCHY.
Fotografia: The Bardos @ Artsphere. Styling: Gaelle Bon @ T&P. Modelos: Canlan Wang e Nyagua Ruea
@ 360 Management. Cabelos: Christos Vourlis @ Bryant. Maquilhagem: Anthony Preel @ Artlist. Manicure: Laura Forget
@ Artlist. Casting: Christopher Landais e Luc Royer @ Andi Casting. Set Design: Alison Reid. Produção: Nanna @ Kitten.
Assistente de styling: Elyse Arnould Derosier. A Vogue Portugal agradece ao Studio Deux Choses Lune
todas as facilidades concedidas. Editorial realizado em exclusivo para a Vogue Portugal.

Veja o fashion film, aqui.

ARTISTA

Monumental
Paula Rego
Os direitos das mulheres. A mutilação genital
feminina. O aborto. A beleza disforme. Olhar para
os quadros de Paula Rego é olhar para histórias de
mulheres, para a História das mulheres, e perceber
que a Arte pode, tão somente, recriar o que é
visível aos olhos – ou à imaginação. Por Joana Moreira.

aria Paula Quaresma Paiva Figueiroa Rego Willing. Sou eu.

É um nome muito comprido. Porque é da minha mãe, da
família da minha mãe, e o último é do meu marido. Isso
sou eu.” Paula Rego descreveu-se assim, em entrevista
à TVI, em 2011. Porque Paula Rego é a soma de todas as
partes, a soma de tudo o que passou, viveu e sentiu. E, por isso,
não é de admirar que em Paula Rego se sinta Portugal. Quando
tinha 15 anos, o pai disse-lhe: “Tens de te ir embora daqui que
isto [Portugal] não é um país para mulheres. Vai-te embora”,
contou na mesma entrevista ao canal de televisão. “E mandou-me.
Mandou-me embora (...) Não havia direitos nenhuns, as mulheres
não podiam ter contas bancárias, não podiam ter nada, os maridos
mandavam nelas, batiam-lhes e essas coisas todas. Ou então tinha
de jogar canastra constantemente, e comer bolos na Garrett. Ou
seja, coisas que eu detestava”, disse. “Não sabe jogar canastra?”,
questionou-a o jornalista. “Não”, respondeu indignada. “Eu jogo
poker.” Hoje, quase uma década após estas tiradas extraordinárias
que deixam qualquer um sem resposta, Paula Rego não acede a
falar com a Vogue de viva voz, mas mantém a franqueza e arrojo
no discurso quando responde a cada pergunta por e-mail. A

CHRIS STEELE-PERKINS/MAGNUM PHOTOS/ FOTOBANCO.PT

artista portuguesa, que acaba de completar 85 anos, admite sem
rodeios que se sente “muito desconfortável” a pintar e declara
que nada mais quer senão que a sua arte transmita “verdades”.
Mulher de segredos, mas não de silêncios, Paula ouve música
enquanto trabalha: ópera pela manhã – especificamente La
Traviata – e fado pela tarde. São estes os sons que acompanham
o seu labor no seu estúdio, em Londres, onde vive e faz o que é
incapaz de fazer em Portugal: pintar. É que apesar de cada tela,
gravura ou desenho seu retratar memórias do tempo em Portugal,
a pintora precisa do distanciamento físico para reproduzir o
que lhe é mais próximo. Pintar em solo português é “muito
perto dos medos”. Mas “que medos são esses?”, perguntamos-
-lhe agora. “Medo dos papões”, escreve, com a simplicidade
de quem dá o assunto por arrumado. Mas são esses medos,

vogue.pt 3 1 7
ARTISTA
Ao lado: Paula Rego, Triptych, 1997–1998.
Em baixo: Paula Rego, Dog Woman, 1994.
CORRIA O ANO 2000 QUANDO PAULA
REGO CRIAVA UMA SÉRIE DE PINTURAS
SOBRE O TEMA [ABORTO], DOIS ANOS
DEPOIS DE O PRIMEIRO REFERENDO
SOBRE A DESPENALIZAÇÃO DA
INTERRUPÇÃO VOLUNTÁRIA DA
GRAVIDEZ (IGV) NÃO TER PROVOCADO
QUAISQUER MUDANÇAS NA LEI. FOI
UMA TOMADA DE POSIÇÃO.
que “vêm de dentro”, que, muitas vezes, a motivam a pintar
desenfreadamente. Artista assumidamente amedrontada, Rego
pinta os medos e as histórias, sobretudo de mulheres. “Sou
mulher e conto as minhas histórias”, diz, admitindo, contudo, que
nem tudo o que pinta é necessariamente real: “Muitos quadros
foram pintados da imaginação. Mas o que eu gosto mais é de
desenhar. E é mais apropriado com modelos”. Isso justifica um
estúdio carregado de bonecos, grandes, pequenos, animalescos,
infantis, aquilo que a imaginação da artista ditar. Uma imaginação,
essa sim, sem medos, receios de represálias ou inibições.
Examinando a obra de Paula Rego, a expressão "artista de
intervenção" parece assentar-lhe como uma luva. A pintora, que se
considera uma feminista “não académica” (“defendo os direitos das
mulheres”, elucida), define o seu trabalho como “antiautoritário”.
Historicamente, o seu maior desafio à autoridade não é difícil
de encontrar, graças à sua série dedicada à temática do aborto.
FOTOGRAFIA: CORTESIA DE NICK WILLING.
Corria o ano 2000 quando Paula Rego criava uma sequência de
pinturas sobre o tema, dois anos depois de o primeiro referendo
sobre a despenalização da interrupção voluntária da gravidez
(IGV) não ter provocado quaisquer mudanças na lei – apesar da
vitória pelo fim da criminalização, o referendo não foi vinculativo
uma vez que a taxa de abstenção dos eleitores foi superior a 50%.
Foi claramente uma tomada de posição. Mas o planeta continuou
a girar e o aborto acabou por precisar de um outro referendo,
realizado só quase dez anos depois, em fevereiro de 2007, para
ser despenalizado. Ainda assim, o contributo da artista viria a
ficar marcado como decisivo e fundamental não só enquanto
registo documental desse momento no tempo, mas também
enquanto bandeira pela luta pelo reconhecimento de que as
mulheres têm o direito a ter controlo sobre o seu próprio corpo.
Entretanto, as regras mudaram, o mundo retrocedeu. Em 2019,
vários Estados norte-americanos aprovaram diplomas legislativos
que criminalizam a prática do aborto. Com a administração de
Donald Trump, começou por ser o Estado do Alabama a aprovar
uma lei tão histórica quanto radical que prevê duras penalizações
para as mulheres e os profissionais de saúde envolvidos nas
interrupções voluntárias da gravidez. A este seguiram-se outros
Estados e uma ascensão do posicionamento comummente
apelidado de “pró-vida”. Paula Rego voltou a intervir, voltou
a fazer-se ouvir. Chamou-lhe um “retrocesso perigoso”, num
texto que escreveu para a publicação especializada The Art
Newspaper. “Se uma mulher tiver de fazer um aborto, vai fazê-
-lo de qualquer maneira", disse então. “Vai fazê-lo num lugar
sem segurança para a sua saúde, se estiver desesperada, e não
conseguir que um médico o faça. É assim que tem acontecido
desde o início dos tempos. Portanto, se 25 homens no Alabama a
considerarem uma criminosa, isso só vai aumentar o seu
sofrimento”, escreveu. Para a artista, banir o aborto “é cruel e
injusto, seja na América ou noutro país qualquer”. À Vogue, quase
um ano depois, admite que ver estas notícias causa-lhe nada
mais do que “nojo”. Ainda assim, continua a acreditar que a Arte
pode ajudar a mudar o mundo. “Há essa esperança”, assume.
Medalhas e homenagens
A idade trouxe-lhe “coisas interessantes”, escreve, destacando “a
capela do Palácio de Belém e um museu em Cascais”. Pode dizer-se
que a pintora, que cresceu entre a Ericeira e o Estoril, viu o seu
talento ser reconhecido já tardiamente na sua carreira. Hoje colhe
medalhas, menções, homenagens e retrospetivas. “Agrada-me, são
grandes honras”, confessa. Já com uma retrospetiva da sua obra
prevista no museu Tate Britain, em Londres, para 2021, o último
par de anos tem sido particularmente feliz para a pintora, que
em 2019 foi considerada uma das mulheres do ano pela revista
Harper’s Bazaar. Também no último ano recebeu uma Medalha
de Mérito Cultural. A ministra da Cultura, Graça Fonseca, afirmou
que "faltava este reconhecimento" pelo Governo português, e
destacou a atribuição a “uma artista extraordinária, que sempre
procurou transformar a realidade através da arte". Quando
recebeu a medalha, a ministra fez questão de frisar: “[É] a última
medalha que faltava, do nosso Governo”. Perante uma das maiores
artistas portuguesas, não resistimos a perguntar-lhe o que é que
hoje, em 2020, lhe faz falta. A resposta foi tão surpreendente e
desarmante como se a tivéssemos ouvido in loco: “Pão de ló”. l
vogue.pt 3 1 9
ARTISTA

FOTOGRAFIA: CORTESIA DE NICK WILLING.

Paula Rego, Dancing Ostriches, painel direito, 1995. Na página ao lado: Paula Rego, War, 2003.

“O MEU TRABALHO É ANTIAUTORITÁRIO”

PAULA REGO

vogue.pt 3 2 1
ARTS & CRAFTS
A criatividade não conhece limites –
apenas os da sua imaginação. E assim
como qualquer artista pensa fora da
caixa para materializar um quadro,
polir uma escultura, conceber um
prédio ou alinhavar uma peça de roupa,
ser criativo no quotidiano também é
uma arte por si só. Já Pessoa dizia que
“o homem sonha, a obra nasce”. Mas
nem todas as obras são dignas de um
Louvre – e não faz mal. Há umas que
são só dignas de uma palmadinha
nas costas por tornar o mundano em
arte – como aquela vez em que comeu
esparguete de um copo de champanhe
ou casou batatas fritas com pérolas.
E isso também merece holofote.
Direção criativa de Michelle Landazuri. Fotografia de Jaime Pavon. Styling de Manuela Montenegro.

English version

Vestido em seda, CRISTINA LEON. Brincos e colar em metal e madeira, ambos VERONICA BURBANO. Pulseira em metal, da produção.
Vestido em crepe de seda com lantejoulas, DETELLE. Brincos em metal e resina, da produção.
Vestido em crepe georgette, STEPHANIE RODAS. Brincos e anel em prata e resina, VERONICA BURBANO.
Vestido em cetim e chiffon de seda, CRISTINA LEON. Colar em metal e anel em metal e madeira, ambos da produção.
 Na página ao lado: blusa em jersey de algodão, AZZAR. Saia em neoprene, MARIA GARCIA ROBLES. Brincos em
metal e lenço em cetim de seda, ambos da produção. Sandálias em pele e veludo, MAKKIATO BY PAULINA ANDA.
Casaco em tweed, ZARA. Vestido em crepe de seda com lantejoulas, CRISTINA LEON. Brincos e anel em metal e resina, ambos da produção.
 Vestido em crepe de seda, ALCATRAZ. Brincos e colar em metal, ambos da produção.
Seleção de carteiras, da produção. Sandálias em pele e veludo, MAKKIATO BY PAULINA ANDA.
Direção criativa: Michelle Landazuri @ Starving For Attention. Modelo: Carmen Mina @ DISManagement.
Cabelos e maquilhagem: Karen Villamar. Casting: Luisa Fernanda. Produção: Pietro Polit @ Dis360.
Retouch: Juan Pablo Castillo e Karla Cevallos @ Lola Retouch. Assistente de fotografia: Julian Villamar. Assistente de styling: David Aldean.
A Vogue Portugal agradece ao Cevallos House por todas as facilidades concedidas.
Editorial realizado em exclusivo para a Vogue Portugal.
SURREALISMO POÉTICO
É assim que Rafal Olbinski des-
creve a sua obra. O ilustrador
surrealista polaco prima pelas
realidades imaginadas que se
pintam muitas vezes com céus
azuis e personagens descons-
truídas em cenários no limiar da
realidade. Um toque de Magritte,
outro onírico, tantos no reino do
subconsciente, é nas referências
que, garante, chegam de “todos”,
que Olbinski cria algo único,
difícil de igualar. Mas as páginas
seguintes chegam, à sua própria
maneira artística, muito próximo.
Direção criativa e Fotografia de Alessandro Esposito. Styling de Pablo Patanè.

English version

Lila: colar em metal e pérolas, CHRISTIAN DIOR.

Beatrice: corset em algodão, acetato e ráfia, DOLCE & GABBANA. Colar em metal e acetato, ELIE SAAB.
Pulseiras e brinco em metal, ALEXANDER MCQUEEN. Luvas vintage em mousse, da produção.
Na página ao lado, Ernest: fato em algodão, GIORGIO ARMANI. Sapatos em pele, THOM BROWNE.
Kim: vestido e saiote em tule de seda, BROGNANO. Boá em tule de seda, GIORGIO ARMANI. Luvas vintage em mousse, da produção.
Na página ao lado, Kim: vestido em crepe de seda, ANTONIO MARRAS. Colar em metal, ALEXANDER MCQUEEN.
 Beatrice: vestido em algodão, DRIES VAN NOTEN. Body em renda de seda, KIM KASSAS COUTURE.
Brincos e bijuteria de mãos em metal, MYRIL JEWELS. Na página ao lado, Ernest: camisa em algodão, ALEXANDER MCQUEEN.
 Kim: vestido em cetim de seda, GIAMBATTISTA VALLI. Vestido em tule e renda de seda, KIM KASSAS COUTURE.
Brincos em metal, MYRIL JEWELS. Na página ao lado, Oliver: fato em linho, DOLCE & GABBANA. Sapatos em pele, VERSACE.
Beatrice: casaco, corset, camisa, saia e gravata em algodão, tudo THOM BROWNE. Dakota: camisa e calças em algodão, ambos BURBERRY.
Gola em algodão, da produção. Guarda-chuva em pele e madeira, FRANCESCO MAGLIA. Chapéu em feltro de lã, PASQUALE BONFILIO.
Na página ao lado: casaco e colete em lã, camisa em algodão e gravata em seda, tudo MAX MARA.
 Lila: vestido em algodão, brinco e gargantilha em metal, e colar em metal e zircónia, tudo ALEXANDER MCQUEEN.
Oliver: casaco em lã e seda, e camisa em seda, ambos ALEXANDER MCQUEEN. Na página ao lado, Ernest: casaco e calças em cetim de seda,
ambos GIORGIO ARMANI. Sapatos em pele, VERSACE. Lila: vestido em renda de algodão, GIVENCHY. Brincos e anel em metal, ambos DIOR.
Cinto em pele e metal, ALEXANDER MCQUEEN.
 Vestido em cetim e renda de seda, e sandálias em pele e plumas, ambos BALENCIAGA.
Na página ao lado, Beatrice: blazer em lã e camisa em algodão, ambos BURBERRY. Brincos em metal, MIU MIU.
Ernest: casaco em cetim de seda, GIORGIO ARMANI. Camisa em algodão, ALEXANDER MCQUEEN.
Beatrice: top em veludo de algodão, pele e lantejoulas, LOUIS VUITTON. Na página ao lado, Beatrice: macacão em algodão e cetim de seda,
MOSCHINO. Chapéu de chuva em pele e madeira, FRANCESCO MAGLIA. Brinco em metal, ROBERTO CAVALLI.
 Lila: vestido em cetim de seda e plumas, RALPH & RUSSO. Saiote em metal, THOM BROWNE.
Colar em metal e zircónia, ALEXANDER MCQUEEN. Dakota: camisa em organza de seda, MOSCHINO. Calças em lã e sapatos em pele,
ambos VERSACE. Na página ao lado, casaco em linho, DOLCE & GABBANA. Beatrice: vestido em tule de seda, DIOR.

Fotografia e direção criativa: Alessandro Esposito @ Production Link. Styling: Pablo Patanè @ B.agency @ Art Factory Studio. Modelos: Beatrice Brusco
@ Fabbrica. Kim Davis @ Major Models Milan. Lila Braghero @ Elite Milano. Ernest Klimko @ Crew Model Management. Dakota Martinez @ Fashion Model
Management. Oliver Nicholson @ Fashion Model Management. Cabelos: Maurizio Kulpherk @ Etoile Management. Maquilhagem: Fausto Cavaleri @ Art
Factory Studio. 3D Artist: Raffaele Micillo. Ilustração e colagem: Rebecca Coltorti. Casting: Vanessa Contini @ Production Link. Set e prop design: Lorenzo
Dispensa. Produção: Passepartout4u Srl. Assistente de fotografia: Luca Trelancia. Assistentes de styling: Lisa Tedeschini e Fabrizio Rocchi. Assistente
de cabelos: Liliana Rosetta. Assistentes de maquilhagem: Giuseppe Paladino, Nicolo’ Iovino e Simone Piacenti. Assistente de retouch: Giulia Frigerio.
A Vogue Portugal agradece a March Johannes todas as facilidades concedidas. Editorial realizado em exclusivo para a Vogue Portugal.
 Poster da ópera Semiramide,
de Gioacchini Rossini, 2013.

Poster polaco da ópera Tosca, Winter’s Tales, 1987.

de Giacomo Puccini, 2004.

Poster da ópera La Traviata, Poster da ópera The Marriage of

de Gioseppe Verdi, 1992. Figaro, de W.A. Mozart, 2001.

Poster da ópera Sapho,

de Massanel, 1973.
Poster da exposição Kunstdruck no Poster de um teatro
Polish Museum of America, 1995/1996. em Olsztyn, 2015.

Poppy, 2006. Midsummer Dreams, 2016.

Poster polaco do Festival of Pleasant

Howl, 2009. and Unpleasent Plays, 2004.
Poster original da Semana Poster da opera de Giuseppe
Polaca em Berlim, 2001. Verdi: Luisa Miller, 2010.

Winter Umbrella, 1992.

Friendly persuasion, 1997. Poster polaco de Satyrykon, 1999. Shakespeare’s Prison, 2017. Poster da exposição Recent Paintings
de Rafal Olblinski, em Nova Iorque, 1994.
ALTA-COSTURA

Couture
Renaissance São como aves do paraíso no meio da selva
urbana. As coleções de Alta-Costura, que
duas vezes por ano destroem a ideia de
que o mundo é um lugar de cínicos, são
o que sobra de uma quimera chamada
Moda. Mesmo quando tudo o resto colapsa,
elas mantêm-se como prova viva de que a
criatividade, e a excelência, não se regem
pela pressa do século XXI. Por Ana Murcho.

Alta-Costura é a fundação desta casa, por

isso é meu dever criativo e visionário trazer
a couture de volta. Para mim, a Alta-Costura é
uma forma inexplorada de liberdade criativa e
uma plataforma de inovação. Ela não só oferece
outro espectro de possibilidades na alfaiataria, mas também
traz a visão moderna da Balenciaga de volta às suas fontes de
origem.” As palavras de Demna Gvasalia, habitualmente associado
a looks mais streetwear, evocam um desejo há muito anunciado:
o regresso da maison fundada por Cristóbal Balenciaga à arena
grande da Moda. A Balenciaga não produz nenhuma coleção haute
couture desde que o seu fundador fechou as portas do ateliê, em
1968, precisamente quando a revolução de costumes começou
a privilegiar a rapidez do prêt-à-porter. Neste renascimento,
que coincide com uma procura cada vez maior da roupa feita
à mão, por medida e sem prazo de validade, a marca terá uma
equipa de artesãos dedicada unicamente à Alta-Costura, sediada
no histórico número 10 da Avenue George V. “Este projeto foi
possível devido ao sucesso da visão criativa de Demna Gvasalia,
bem como aos resultados excecionais da Balenciaga nos últimos

FOTOGRAFIA: KAMMERMAN / GETTY IMAGES.

anos”, afirmou Cedric Charbit, presidente e CEO da casa fundada
em 1919 em San Sebástian, Espanha, citado pela Vogue Runway.
“Já temos pedidos para [peças] couture, por isso sabemos que
existe um cliente”, acrescentou. E, longe de fugir à pergunta de
um milhão de dólares (o que leva alguém a investir seis dígitos
num vestido?), explicou em que ponto é que este regresso
alinha com os tempos que correm, e que encaminha a Moda, e o
mundo, em torno da sustentabilidade. “O que acho ótimo acerca
da Alta-Costura atual é a sua abordagem sustentável. Nós não
fazemos coisas que não sejam guardadas para sempre. Também

vogue.pt 3 5 9
ALTA-COSTURA
é sustentável na forma como nos relacionamos. Sinto que a
maioria das marcas de luxo, hoje, se tornaram apenas marcas,
e não são mais casas. Eu gosto do conceito de maison. Quando
és uma maison, és uma família.” Como referia Nicole Phelps,
jornalista que assina o artigo da Vogue Runway, “o anúncio da
Balenciaga chega num momento crucial para a Alta-Costura.”
Poucos dias antes, Jean-Paul Gaultier tinha anunciado que o seu
desfile primavera/verão seria o último. E se em circunstâncias
normais isso “poderia ter despertado preocupação com o lugar
de vestidos e saias extravagantemente caros num mundo de fast
fashion”, agora parecemos estar perante um momento de couture
renaissance: a Balmain apresentou a sua primeira coleção de Alta-
Costura em 16 anos, em 2019, e a Celine, pela mão de Hedi Slimane,
também já garantiu que vai regressar ao calendário oficial.
outure is dead. Long live couture. A ideia de que a Alta-Costura
está em declínio não podia estar mais longe da verdade. Karl
Lagerfeld explicou isso mesmo após o desfile primavera/
verão de Alta-Costura da Chanel, em 2018: “Quando as
pessoas dizem que a haute couture está morta... talvez
esteja para elas, mas não para nós.” O kaiser poderia ser um
interlocutor suspeito, mas a verdade é que não são apenas as
maisons centenárias que insistem em apostar nesta categoria.
Nomes como Richard Quinn, Mary Katrantzou e Marine Serre têm
explorado, recorrentemente, a ideia de demi couture. Foi o próprio
presidente da Fédération de la Haute Couture e da Chambre
Syndicale de la Haute Couture, Ralph Toledano, quem explicou
o momentum: “A Alta-Costura é um mercado em crescimento; as
marcas de Moda continuam a aumentar as vendas neste ramo,
e a clientela está a expandir-se e a diversificar-se.” Ela sempre
foi, “e continua a ser, uma terra de livre expressão para designers,
uma terra onde a criatividade se encontra com a tradição e a
inovação.” De acordo com Toledano, as novas tecnologias ajudam
a “expandir fronteiras e possibilidades com materiais, técnicas
e abordagens” (basta pensarmos no trabalho da holandesa
Iris van Harpen para corroborar tal afirmação) e a despertar
o interesse de novos públicos, como os millennials. “Enquanto
existirem pessoas a procurar o excecional, vai haver Alta-Costura”,
determinava Toledano. Até porque o que era, antigamente, um
grupo fechado, tornou-se, com o passar dos anos, numa espécie
de lounge vip. Em 1997, a Fédération decidiu criar o estatuto de
“membro convidado”, o que permitiu alargar o leque de marcas
que apresentam durante a exclusiva Couture Week – casos de
Guo Pei e da Vetements, em 2016. Estas, no entanto, não podem
usar o título “haute couture”, ficando limitadas ao mais prosaico
(mas igualmente etéreo) “couture”. É aqui que se separa o trigo do
joio e o banal do fabuloso. Para que uma peça seja considerada
Alta-Costura deverá ser produzida à mão e por medida, num ateliê
com um mínimo de 20 funcionários, por uma marca/designer
que mostre as suas coleções (daytime e eveningwear) duas vezes
por ano, em Paris. Isso faz com que exista uma enorme pressão
para manter o título: a Versace retirou-se do calendário oficial
durante oito anos, regressou em 2012, e, atualmente, aposta em
“apresentações personalizadas”; Christian Lacroix abandonou-o
em 2009. Basta pensarmos que a própria designação de “alta-
costura” está protegida, é revista anualmente pelo Ministério da
Indústria francês, e restringe-se a 16 marcas (15, se pensarmos
que Jean-Paul Gaultier fez o seu último desfile em janeiro),
entre as quais a Chanel, a Christian Dior e a Schiapparelli,
para compreender a dimensão deste microcosmo paralelo.
Por volta de 1947, existiam, em todo o mundo, cerca de 47
mil clientes de Alta-Costura. Atualmente, esse número ronda os
dois mil, três mil, especula-se. É um negócio caro, que se paga
caro. Em 2014, o jornal inglês The Guardian questionava-se: “Os
preços são tão extravagantes como os vestidos: um ball gown pode
English version
“ENQUANTO EXISTIREM PESSOAS
A PROCURAR O EXCECIONAL,
VAI HAVER ALTA-COSTURA”
RALPH TOLEDANO
facilmente custar o mesmo que um Rolls-Royce, uma blusa pode
ser tão cara como um apartamento em Madrid. O que nos leva à
questão: partindo do princípio que poucas pessoas podem gastar
seis dígitos num vestido, qual é o sentido da Alta-Costura?” De
facto, o que leva alguém a entregar o cartão de crédito em troca
de uma capa de chiffon com brilhantes incrustados que demorou
400 horas a ficar pronta? Resposta possível: um cliente couture
(que se situam em latitudes tão distintas como a Rússia, a China
ou o Médio Oriente) não conhece limites; há quem encomende
coleções inteiras – cerca de 30 vestidos por temporada. É isso
que dá força ao comeback de casas como a Balenciaga. “Somos
uma casa francesa, pertencemos a Paris. Temos de fazer o nosso
trabalho para que a Alta-Costura de Paris, o artesanato, as
pessoas, as casas... temos de manter isso vivo.” Foi também com
este argumento que Cedric Charbit justificou a decisão da marca.
E nem as acusações de arrogância, que encaram o negócio da
haute couture como algo desnecessário num planeta em constante
ebulição, conseguem destruir o mito que sustenta a criação de
vestidos com caudas de dois metros, intrincadamente bordados à
mão, num ofício que se assemelha à produção de arte. "Seríamos
os mesmos sem esses coordenados incandescentes, que passam
ao longe, nesse universo paralelo de centenas, de milhares de
euros, onde o último ponto não é dado pela pressa, mas pelo
toque? Provavelmente, sim. E, no entanto, seríamos infinitamente
mais pobres porque a Alta-Costura, como o cinema, é um
escape para o que nos rodeia”, concluiu a Vogue há três anos.
De acordo com os registos, o uso do termo Alta-Costura foi
inicialmente aplicado ao trabalho do inglês Charles Frederick
Worth, que realizou o primeiro desfile de Moda de que há
relato, em meados do século XIX, em Paris. Contudo, os traços
de haute couture perdem-se na História, particularmente nos
trajes ricamente trabalhados dos membros da realeza. Seria,
aliás, Rose Bertin, costureira da rainha Maria Antonieta, a
trazer para a capital francesa a noção de “tendências”, ainda
no século XVIII. E a cidade, que já era um fervoroso centro
cultural, tornou-se referência para curiosos de todo o mundo,
que copiavam os maravilhosos looks expostos nas vitrines
das suas lojas. Fast-forward para o trambolhão civilizacional
proporcionado pela revolução industrial e estavam criadas as
condições perfeitas para a emergência de génios como Jean
Patou, Paul Poiret, Madeleine Vionnet ou Jeanne Lanvin. E se,
nos dias que correm, a Alta-Costura parece mais próxima do
comum mortal – quando mais não seja pelo acesso imediato às
imagens dos desfiles – ela continua a ser sinónimo de desejo,
magnificência e savoir faire, tanto nos looks imaginados por Viktor
& Rolf em 2017 com a coleção Boulevard of Broken Dreams, onde
os vestidos eram feitos de material “reciclado” (e imediatamente
vendidos online a quem estivesse disposto a desembolsar 20 mil
euros), como na couture rock and roll de Alexandre Vauthier, que
nos faz suspirar perante a sensualidade meio desenvergonhada
dos seus ball gowns. E, nas suas múltiplas encarnações, da rigidez
feminista de Virginie Viard, sucessora de Karl Lagerfeld na
Chanel, aos metros e metros de tule coloridos de Giambattista
Valli e à teatralidade refinada de Clare Waight Keller, na Givenchy,
mantém aberta a porta para o impossível, onde a delicadeza
se cruza com o romance, o espetáculo e a magia. “Esqueça a
realidade, a Alta-Costura é pura fantasia", escrevemos em 2017.
“Precisamos da Alta-Costura porque precisamos do sonho.” l
vogue.pt 3 6 1
F A S H I O N ( A R T ) I S T A
Silhuetas dignas de um Louvre,
padrões à altura de um Tate,
poses dignas de um Guggenheim.
Quando a Moda é liberdade de
expressão, ela é obra-prima.
Quando a Moda ultrapassa a arte
de vestir para passar a ser mais,
para passar a ser linguagem
artística, ela é expressionismo,
surrealismo, cubismo, e qualquer
vertente deste mundo que queira
veicular. Quando a Moda é Alta-
-Costura, ela é também emoção,
manifestação repleta de sentido.
Dúvidas houvesse que Moda é
arte? Não nas próximas páginas.
Fotografia de Branislav Simoncik. Styling de Lisa Jarvis.

English version

Eva e Sasha: vestidos em algodão e cetim de seda, ambos VIKTOR & ROLF ALTA-COSTURA.
Na página ao lado, Eva: quimono, vestido e sapatos em cetim de seda, e chapéu em feltro de lã, tudo AGANOVICH ALTA-COSTURA.
 Sasha: vestido em rede de nylon, organza de seda e espuma, JEAN PAUL GAULTIER ALTA-COSTURA. Eva: vestido em cetim
e organza de seda, missangas, pérolas e espuma, JEAN PAUL GAULTIER ALTA-COSTURA. Na página ao lado, Sasha: macacão em cetim
de seda bordado a seda,e vestido em metal, cetim e organza de seda bordado, JEAN PAUL GAULTIER ALTA-COSTURA.
Sasha: vestido em cetim de seda, GIAMBATTISTA VALLI ALTA-COSTURA.
 Eva: vestido em tule de seda e acetato, IRIS VAN HERPEN ALTA-COSTURA.
Na página ao lado: vestido, máscara e sapatos em cetim de seda, tudo AGANOVICH ALTA-COSTURA.
 Sasha: macacão em tule e organza de seda bordado a algodão, JEAN PAUL GAULTIER ALTA-COSTURA. Na página ao lado,
Eva: vestido e sapatos em cetim de seda e máscara em cetim de seda e cristais, tudo AGANOVICH ALTA-COSTURA. Sasha: vestido em
acetato e brincos em metal e pérolas, tudo SCHIAPARELLI ALTA-COSTURA. Chapéu em feltro de lã, AGANOVICH ALTA-COSTURA.
Eva: vestido em organza e cetim de seda, máscara em PVC e cinto em pele, tudo AGANOVICH ALTA-COSTURA.
 Eva: vestido em organza de seda e plumas, chapéu em plumas e sapatos em pele, tudo JEAN PAUL GAULTIER ALTA-COSTURA. Luvas em pele,
AGANOVICH ALTA-COSTURA. Na página ao lado, Sasha: macacão em tule e organza de seda bordado a algodão, JEAN PAUL GAULTIER ALTA-COSTURA.
Eva: vestido em algodão e metal, macacão em cetim
de seda, luvas e sapatos em pele envernizada,
tudo JEAN PAUL GAULTIER ALTA-COSTURA.
Sasha: vestido em organza de seda bordada com aplicações em plumas, GIAMBATTISTA VALLI ALTA-COSTURA.
 Eva: vestido em cetim de seda, chapéu em feltro de lã, véu em organza de seda e colar de pérolas, tudo AGANOVICH ALTA-COSTURA.
Na página ao lado, Eva e Sasha: vestidos em algodão e cetim de seda, ambos VIKTOR & ROLF ALTA-COSTURA.
Modelos: Sasha Krivosheya @ Elite Paris e Eva Klimkova @ Elite Prague. Cabelos: Olivier Schawalder @ Bryant Artists Paris. Maquilhagem: Lisa Michalik
com produtos Mac Cosmetics @ Saint Germain Agency. Casting: Anna Kozyakova. Set Design: Nicola Scarlino. Assistente de fotografia e vídeo: Tomas
Thurzo. Assistentes de maquilhagem: Chloé Demoussis. Assistente de set design: Louise Pisselet. Editorial realizado em exclusivo para a Vogue Portugal.
TO BE CONTINUED

O EVENTO PRINCIPAL PARA LÍDERES DE LUXO

Art imitates Life
Ou é a vida que imita a arte? O dilema é (sur)real. E, na impossibilidade de
lhe conseguirmos dar resposta – é a eterna questão do ser ou não ser, não
será? –, pedimos a uma seleção de entrevistados com grande competência
em matéria artística que nos desse o seu insight sobre a interrogação.

FOTOGRAFIA: JOHN KOBAL FOUNDATION / GETTY IMAGES.

É a arte que imita a vida ou a vida que imita a arte?

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