DESENHANDO O

CORPO HUMANO:
DOS ESTUDOS DE
ANATOMIA AOS
QUADRINHOS
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DESENHO O corpo humano é um dos temas mais
retratados ao longo de toda a história.
E ANATOMIA Na pintura rupestre, nos traços rabiscados em
paredes de pedras por nossos antepassados
AO LONGO distantes, encontramos figuras de pessoas
caçando ou em outras ações cotidianas que
DA HISTÓRIA marcaram um tempo pré-civilizatório.

Avançando para a antiguidade clássica, temos, tanto no Egito quanto

na Grécia, artistas que desenharam a morfologia do corpo. No caso
egípcio, baseados na ideia de harmonia e organização, foram criados
sistemas de proporções. As silhuetas eram desenhadas sobre uma base
quadriculada cuja altura era dividida em 18 partes iguais, que equivaliam
a altura do corpo inteiro e guiavam a relação entre a os tamanhos das
partes. Essa técnica permitia a reprodução dos desenhos em qualquer
escala, favorecendo a unidade encontrada na arte egípcia. As figuras
eram sempre desenhadas com a cabeça de perfil, os olhos e segmento
superior do tronco de frente e parte inferior e as pernas de perfil, de
acordo com o que consideravam o melhor ângulo para identificar cada
parte do corpo, além disso, a proporção entre as personagens dentro
de uma mesma cena correspondia uma escala de importância.

A atenção às proporções também

estava presente na Grécia, onde era
hábito dedicar horas e mais horas aos
esportes e à apreciação da beleza.
Isso e o costume dos atletas treinarem
nus em meio à polis explicam como
os artistas gregos compreenderam
tão bem as formas dos corpos em
movimento.
O corpo humano, aliás, era tema central
na arte grega, que não buscava uma
representação real, mas um ideal de
proporção divina, em perfeita sintonia
com o universo e o cosmos. Observando
os padrões da natureza, os intelectuais
gregos desvendaram a proporção áurea,
um cálculo matemático aplicável a diversos
fenômenos e elementos
naturais e usada para
desenhar formas
com estruturas de
proporções perfeitas
e, por isso,
esteticamente
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muito agradáveis de
serem vistas e admiradas.
Um corpo retratado a partir
da proporção áurea seria
uma prova de perfeição
matemática na vida humana.

Proporção áurea
na anatomia:
baseado na altura da cabeça,
uma pessoa tem a altura
de 7,5 cabeças
APRENDENDO SOBRE
O CORPO HUMANO
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Em Roma, os estudos da Anatomia humana
dão um grande salto a partir do trabalho
de Galeno (129-199), médico do imperador
Marco Aurélio e assistente nas arenas
romanas, onde podia aprender observando
os cortes dos gladiadores. Além disso, ele
fez estudos em corpos de macacos. Com a
queda do Império Romano Ocidental, os
escritos de Galeno são levados para o Leste
(Síria, Pérsia e Arábia) onde são traduzidos
para o árabe. O legado do médico romano é
tão importante que se tornou um referencial
dogmático na Europa até o século XVI.

Outro médico, o italiano Mondino da Luzzi

(1270-1326), considerado o restaurador da
ciência da Anatomia e professor na
Universidade de Bolonha, praticava
autópsias públicas e, em 1316, escreveu
“Anatomia”, que é tido como o primeiro
manual prático de Anatomia da história.
 No desenho
“Homem Vitruviano”,
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Leonardo da Vinci
representou o ideal
clássico de beleza
e proporção,
inspirado no arquiteto
romano Vitrúvio.

Uma técnica aperfeiçoada no Renascimento foi

o desenho em escorço. A partir da aplicação
das leis da perspectiva é possível produzir a
impressão de tridimensionalidade na figura
representada. O termo “escorço” deriva do
verbo italiano scorciare, que significa “tornar
mais curto”, “encurtar”, remetendo à técnica
de representar, a partir do ponto de vista do
desenhista, as partes do corpo que estão em
primeiro plano mais curtas do que seriam de
verdade, conferindo o efeito de profundidade.

PROPORÇÃO:
UM ELEMENTO FUNDADOR
A relação entre as artes visuais e a
proporção áurea pode ter nascido
com um livro escrito pelo matemático
e religioso italiano Luca Pacioli,
chamado “De Divina Proportione”.
O frei confiou ao seu amigo Leonardo
da Vinci as ilustrações do manuscrito.
Era século XVI, tempo do Renascimento
e resgate de valores, artes, temas e
técnicas do universo grego clássico.
Então, diversos artistas passaram a
empregar em seus quadros e esculturas
o método áureo buscando o maior
equilíbrio e beleza em suas produções.
A partir disso, durante séculos
desenhistas e ilustradores usaram
esses padrões canônicos de beleza na
representação de corpos. Mas o mundo
se transforma, suas ideias e padrões de
beleza também. Tudo isso acompanha
questões sociais, econômicas e políticas
e, hoje, o debate sobre corpos e suas
anatomias, apesar dos padrões estéticos
impostos, precisa ser repensado.
O “Homem Vitruviano”, de Da Vinci,
por si só, não mais dá conta da explosão
de subjetividades e corpos que
marcam o contemporâneo.
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O CORPO EM TRÊS DIMENSÕES:
PROPORÇÕES, MOVIMENTOS E POSES DINÂMICAS
Para além das questões específicas de representação, alguns referenciais técnicos
precisam ser observados quando estamos diante um desenho anatômico.
Vejamos alguns exemplos de como aplicá-los.

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PROPORÇÕES
Vimos na história do desenho
anatômico, como o tema de
proporção é central para quem
pretende fazer desenho a partir
dos referenciais anatômicos,
tomados da Medicina e Biologia.
A primeira parte a ser ilustrada
é a cabeça, que é a referência
para ilustrar as demais partes
do corpo.

Um cálculo aplicável para

desenhos e esboços, por
exemplo, é que a distância
entre a clavícula e a virilha
equivale à altura de duas
cabeças e meia. Esse e outros
parâmetros similares orientam
o ilustrador em termos de
proporcionalidade corporal
como um todo.
MOVIMENTO
Neste ponto, é preciso levar em conta
inicialmente os ângulos de ilustração dos
músculos, bem como da estrutura óssea.
Ao se ilustrar qualquer parte do corpo
humano, há diferentes posições que
podem ser retratadas a depender da
perspectiva: pode-se ter uma visão
frontal, lateral ou interna de cada parte
e consequentes angulações específicas.
A técnica do desenhista, que mantém
o controle sobre o traço, fazendo linhas mais
leves e fluidas, contribui para reforçar o gestual
dos corpos e seus movimentos.

POSES DINÂMICAS
Com as formas, movimentos e
proporção estabelecidos, temos os
referenciais base para variação de
poses dos corpos. Cada pose dinâmica,
desenho gestual, traz um certo
exagero ao desenho, tornando-o
ainda mais interessante.

Por exemplo, na representação de uma

pessoa espirrando, a postura de corpo
ilustrada expressa o tamanho do
espirro. A variação de posições nos
desenhos anatômicos incrementará
uma série de estilos visuais narrativos,
atribuindo ritmo e dramaticidade
e comunicando sentidos.
3
A FIGURA HUMANA EM
DIFERENTES ESTILOS

Para perceber como o corpo desenhado

pode comunicar muito, que tal conhecer
como alguns estilos narrativos ilustram
corpos e suas intenções?

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CARTOON
Cada personagem tem seu Uma técnica muito utilizada
estilo, sua forma, seus atributos para desenhos de corpos
e sua personalidade. Por isso, a questão neste estilo é fazer uma forma
da proporcionalidade é tratada de de pera e, a partir daí,
maneira a reforçar um traço que reflita a desenvolver as demais
personalidade de um cartoon, além de formas, em variações elípticas.
termos as expressões faciais como Também é bastante indicado
elemento chave nessas ilustrações. A começar o esboço com
depender do personagem, interessa ao formas geométricas
artista destacar um membro específico elementares, como círculos e
do corpo. Como por exemplo: traços, demarcando os pontos
desenhar uma cabeça grande em de articulação de movimento
comparação ao restante do corpo e dos membros.
assim destacar o rosto e suas reações.

Por fim, as características físicas

e gestuais devem ser claras, pois
elas, por si só, respondem pela
personalidade das figuras ilustradas.
E caberá a cada leitor amar ou não
essas fascinantes representações.
REALISMO NOS
QUADRINHOS
Nos quadrinhos com histórias onde os
personagens precisam ser representados
de maneira mais realista, um enredo mais
adulto, por exemplo, é preciso priorizar
questões como composição, proporção,
luz, sombra e volume nas figuras.
A proporção destes corpos deve estar em
conformidade com medidas padrão de um
corpo considerado mediano, sem acentuar
drasticamente nenhuma das partes.

A carga dramática dos personagens, 9

a expressão dos seus sentimentos, fica
dividida entre as suas falas e o gestual do
corpo, tal qual é na vida real. Se chorar, um
personagem realista não terá exacerbada
a sua boca aberta, por exemplo. No lugar
disso, algumas lágrimas no rosto ou as
mãos tapando os olhos demonstrarão de
maneira clara o lamento pelo qual o
personagem está passando.

MANGÁ
Com um acervo gigantesco de histórias, são muito
os estilos e técnicas para se desenhar os corpos e
suas anatomias no mangá. O estilo que ficou mais
conhecido no mundo é o que traz
personagens com expressões
faciais dramáticas. Sejam de
alegria, tristeza ou raiva, elas
exponenciam o grau de emoção
da cena. A natureza e a
intensidade do sentimento
são representadas a partir
das expressões do rosto e dos
olhos em particular. Como olhos
mais abertos para demonstrar
medo ou olhos fechados para
indicar uma alegria intensa.
Um detalhe no desenho
pode levar o personagem
do riso ao choro.
O mangá não é realista,
mas nele também não
há tantas variações nas
proporções entre os
membros do corpo como
no cartoon. Além disso,
é uma marca desse estilo
japonês desenhar o
corpo em movimento,
fazendo parecer que
o personagem vai sair
do quadro e invadir a
nossa realidade.
Esses são apenas alguns estilos, mas a arte de
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representar os corpos, em toda sua variedade
de formas, movimentos e poses, é muito ampla e,
como vimos, reflete os conhecimentos e as ideias
de cada época e de cada sociedade.

Mas, independente de onde ou quando,

os artistas vão seguir experimentando e criando
imagens para registrar suas visões do ser humano.

E VOCÊ?
COMO SE DESENHARIA?
OBRIGADO!