MENSAL

ANO XXII
N.º 247
10/2021
€3.50
[cont.]

VIDA A SOLO E OS ALICE IN CHAINS

CRADLE OF FILTH LVCIFYRE WHITECHAPEL

FULL OF HELL MONOLORD ASKING ALEXANDRIA
 EDITORIAL
JOSÉ MIGUEL RODRIGUES

ÍNDICE
“OS RIFFS,
#247
N.º 247 / OUTUBRO 2021

LOUD!
Sede do editor/redacção:
Rua Carlos Mardel, 32 - 3.º Esquerdo
1900-122 Lisboa

MAN,
Tel. 215816655
E-MAIL
[geral@loudmagazine.net]
26
WEBSITE
FULL OF HELL
[www.loudmagazine.net]

OS RIFFS”
FACEBOOK
[www.facebook.com/loudmagazine.net]
ASSINATURAS
[assinaturas@loudmagazine.net]
NOTICIAS
[noticias@loudmagazine.net]
PUBLICIDADE

A
[ads@loudmagazine.net]
PUBLICAÇÃO MENSAL
ISSN: 087-9531
final, o que é um riff? Que palavra é essa, usada com tanta frequên- DEPÓSITO LEGAL: 152667/00
cia a cada nova edição da nossa/vossa revista, mas que nem tem
Registada na Entidade Reguladora para
tradução na língua portuguesa? Deve ser especial. Como definir
uma palavra que fala por si própria, numa linguagem tão directa que
a Comunicação Social sob o n.º 126774 28
acaba por dispensar explicações? Pois bem, em casos como este, TIRAGEM WHITECHAPEL
em que até as letras correm o risco de falhar, não haverá solução 15.000 exemplares
mais racional que voltar à base; leia-se, às raízes da terminologia. A PROPRIEDADE
origem da palavra é atribuída aos músicos de jazz que, durante os Pessoal do 13 – Publicações, Lda.
anos 20 do milénio passado, começaram a usar o termo entre si. NIF: 510172342
Reza a lenda que a palavra era usada para descrever combinações/progressões de notas DETENTORES COM MAIS DE 5% DO CAPITAL
que soavam bem e que, depois, eram repetidas ciclicamente em actuações e ensaios. Eram DA EMPRESA
o suporte das infindáveis viagens dos solos – de trompete, piano, contrabaixo e bateria. José Miguel Rodrigues, José Carlos Santos,
Bernardo Serralha, Pedro Oliveira,
Riff é uma derivação da palavra “refrain” [refrão] e, portanto, mais uma estrutura com uma Signoff - Consulting Unipessoal, Lda.
identidade própria e papel diferenciado dentro da música.
DIRECTOR
Aqui, as onomatopeias não funcionam, mas se não quiserem ir pelo lado técnico da ques- José Miguel Rodrigues
tão, é relativamente fácil dar um ou dois exemplos de riffs. Daqueles que se podem perfei- [jmr@loudmagazine.net]
tamente dar como resposta a quem nos pergunte “o que é um riff?”, matando logo ali a con- CHEFE DE REDACÇÃO / DIRECTOR ADJUNTO
versa. A não ser que vivam debaixo de uma pedra enorme, pensem na introdução da «Sweet José Carlos Santos
Child O’ Mine», dos Guns N’ Roses. Isso é um riff. Se forem fãs, recordem a introdução da [jcs@loudmagazine.net]
«It’s So Easy» – aí está outro riff. No espectro do rock/metal, um dos mais famosos será GERÊNCIA
para sempre o da «Smoke On The Water», dos Deep Purple. Há muitos, há alguns intempo-
rais, de outras bandas e de outros artistas, de guitarra, de baixo, de piano e até de bateria.
Pedro Oliveira, Daniel Marujo
40
CRADLE OF FILTH
Sim, é algo assim tão transversal. Trata-se aqui de um gancho, daqueles que se prendem ao COLABORADORES
córtex cerebral como uma pastilha se cola a uma sola de sapato. Cátia Nóbrega, David Rosado, Emanuel
Ferreira, Fernando Ferreira, José Almeida
Ribeiro, José Raposo, Luís Pires, Luís Rattus,
Sobretudo o rock, mas também o metal, sempre se basearam nos riffs para fazerem passar Marta Louro, Nelson Santos, Pedro C. Silva,
a mensagem – frases melódicas, curtas e altamente ritmadas. Será, de resto, daí que vem Ricardo Agostinho, Ricardo S. Amorim
muita da energia fulgurante que tantas vezes é associada à música feita com guitarras. E,
FOTOGRAFIA
como um riff é essencialmente uma sequência repetida de notas ou acordes, também há Catarina Torres, Estefânia Silva, Jorge Botas,
muitos ouvidos uma vez e que ninguém, a não ser o autor, vai recordar. Muitas vezes injus- Pedro Almeida, Pedro Roque, Sónia Ferreira
tamente ignorado, o Sr. Jerry Cantrell, figura de capa da edição de Outubro 2021 da LOUD!, Capa: Jonathan Weiner
é um daqueles guitarristas que, ao longo da sua carreira, tem mostrado saber exactamente DESIGN
como “sacar” riffs memoráveis, alguns até intemporais, às seis cordas da sua guitarra. Uma Joaquim Pedro
excepção à regra, a que sempre valeu a pena prestar atenção. Parte de uma geração mais
ILUSTRAÇÕES
nova de executantes dessa arte mágica de criar sons que ficam na cabeça, o Jerry apanhou
Stebba Ósk, Pedro Silva
um comboio que se movia já a alta velocidade e, mesmo num nicho em que se diz que tudo
já foi criado, conseguiu evidenciar-se. IMPRESSÃO
Jorge Fernandes, Lda.
Foi logo no início dos 90s que se afirmou como um dos pioneiros de uma cena grunge em Sede do Impressor: Rua Quinta Conde
de Mascarenhas, Lote 9, Vale Fetal,
crescimento e, nos anos seguintes, assinou alguns dos maiores álbuns da história do rock 2820-652 Charneca Da Caparica
moderno. Porque a vida, trágica, se meteu pelo caminho, só gravou seis álbuns com os
DISTRIBUIÇÃO
seus Alice In Chains – três antes, e três depois da trágica morte do vocalista Layne Staley.
Apesar dos longos hiatos, Cantrell fez deles um caso raro de uma banda daquelas que, VASP
30
apesar de terem sido enfiadas numa tendência estanque, deram o salto para o panteão. E ESTATUTO EDITORIAL

JERRY CANTRELL
esses seis álbuns, assim como os três que gravou a solo, estão pejados de riffs pesados Disponível online em:
loudmagazine.net/estatuto-editorial
e negros, com a dose certa de melancolia e ganchos. Só aqueles que são precisos para
nos fazer voltar uma, outra, outra e outra vez a discos que, por esta altura, alguns de nós já A LOUD! escreve de acordo com a antiga ortografia.
ouvem há mais de 30 anos.

4 LOUD!
 EDITORIAL
JOSÉ MIGUEL RODRIGUES

ÍNDICE
“OS RIFFS,
#247
N.º 247 / OUTUBRO 2021

LOUD!
Sede do editor/redacção:
Rua Carlos Mardel, 32 - 3.º Esquerdo
1900-122 Lisboa

MAN,
Tel. 215816655
E-MAIL
[geral@loudmagazine.net]
26
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FULL OF HELL
[www.loudmagazine.net]

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NOTICIAS
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A
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PUBLICAÇÃO MENSAL
ISSN: 087-9531
final, o que é um riff? Que palavra é essa, usada com tanta frequên- DEPÓSITO LEGAL: 152667/00
cia a cada nova edição da nossa/vossa revista, mas que nem tem
Registada na Entidade Reguladora para
tradução na língua portuguesa? Deve ser especial. Como definir
uma palavra que fala por si própria, numa linguagem tão directa que
a Comunicação Social sob o n.º 126774 28
acaba por dispensar explicações? Pois bem, em casos como este, TIRAGEM WHITECHAPEL
em que até as letras correm o risco de falhar, não haverá solução 15.000 exemplares
mais racional que voltar à base; leia-se, às raízes da terminologia. A PROPRIEDADE
origem da palavra é atribuída aos músicos de jazz que, durante os Pessoal do 13 – Publicações, Lda.
anos 20 do milénio passado, começaram a usar o termo entre si. NIF: 510172342
Reza a lenda que a palavra era usada para descrever combinações/progressões de notas DETENTORES COM MAIS DE 5% DO CAPITAL
que soavam bem e que, depois, eram repetidas ciclicamente em actuações e ensaios. Eram DA EMPRESA
o suporte das infindáveis viagens dos solos – de trompete, piano, contrabaixo e bateria. José Miguel Rodrigues, José Carlos Santos,
Bernardo Serralha, Pedro Oliveira,
Riff é uma derivação da palavra “refrain” [refrão] e, portanto, mais uma estrutura com uma Signoff - Consulting Unipessoal, Lda.
identidade própria e papel diferenciado dentro da música.
DIRECTOR
Aqui, as onomatopeias não funcionam, mas se não quiserem ir pelo lado técnico da ques- José Miguel Rodrigues
tão, é relativamente fácil dar um ou dois exemplos de riffs. Daqueles que se podem perfei- [jmr@loudmagazine.net]
tamente dar como resposta a quem nos pergunte “o que é um riff?”, matando logo ali a con- CHEFE DE REDACÇÃO / DIRECTOR ADJUNTO
versa. A não ser que vivam debaixo de uma pedra enorme, pensem na introdução da «Sweet José Carlos Santos
Child O’ Mine», dos Guns N’ Roses. Isso é um riff. Se forem fãs, recordem a introdução da [jcs@loudmagazine.net]
«It’s So Easy» – aí está outro riff. No espectro do rock/metal, um dos mais famosos será GERÊNCIA
para sempre o da «Smoke On The Water», dos Deep Purple. Há muitos, há alguns intempo-
rais, de outras bandas e de outros artistas, de guitarra, de baixo, de piano e até de bateria.
Pedro Oliveira, Daniel Marujo
40
CRADLE OF FILTH
Sim, é algo assim tão transversal. Trata-se aqui de um gancho, daqueles que se prendem ao COLABORADORES
córtex cerebral como uma pastilha se cola a uma sola de sapato. Cátia Nóbrega, David Rosado, Emanuel
Ferreira, Fernando Ferreira, José Almeida
Ribeiro, José Raposo, Luís Pires, Luís Rattus,
Sobretudo o rock, mas também o metal, sempre se basearam nos riffs para fazerem passar Marta Louro, Nelson Santos, Pedro C. Silva,
a mensagem – frases melódicas, curtas e altamente ritmadas. Será, de resto, daí que vem Ricardo Agostinho, Ricardo S. Amorim
muita da energia fulgurante que tantas vezes é associada à música feita com guitarras. E,
FOTOGRAFIA
como um riff é essencialmente uma sequência repetida de notas ou acordes, também há Catarina Torres, Estefânia Silva, Jorge Botas,
muitos ouvidos uma vez e que ninguém, a não ser o autor, vai recordar. Muitas vezes injus- Pedro Almeida, Pedro Roque, Sónia Ferreira
tamente ignorado, o Sr. Jerry Cantrell, figura de capa da edição de Outubro 2021 da LOUD!, Capa: Jonathan Weiner
é um daqueles guitarristas que, ao longo da sua carreira, tem mostrado saber exactamente DESIGN
como “sacar” riffs memoráveis, alguns até intemporais, às seis cordas da sua guitarra. Uma Joaquim Pedro
excepção à regra, a que sempre valeu a pena prestar atenção. Parte de uma geração mais
ILUSTRAÇÕES
nova de executantes dessa arte mágica de criar sons que ficam na cabeça, o Jerry apanhou
Stebba Ósk, Pedro Silva
um comboio que se movia já a alta velocidade e, mesmo num nicho em que se diz que tudo
já foi criado, conseguiu evidenciar-se. IMPRESSÃO
Jorge Fernandes, Lda.
Foi logo no início dos 90s que se afirmou como um dos pioneiros de uma cena grunge em Sede do Impressor: Rua Quinta Conde
de Mascarenhas, Lote 9, Vale Fetal,
crescimento e, nos anos seguintes, assinou alguns dos maiores álbuns da história do rock 2820-652 Charneca Da Caparica
moderno. Porque a vida, trágica, se meteu pelo caminho, só gravou seis álbuns com os
DISTRIBUIÇÃO
seus Alice In Chains – três antes, e três depois da trágica morte do vocalista Layne Staley.
Apesar dos longos hiatos, Cantrell fez deles um caso raro de uma banda daquelas que, VASP
30
apesar de terem sido enfiadas numa tendência estanque, deram o salto para o panteão. E ESTATUTO EDITORIAL

JERRY CANTRELL
esses seis álbuns, assim como os três que gravou a solo, estão pejados de riffs pesados Disponível online em:
loudmagazine.net/estatuto-editorial
e negros, com a dose certa de melancolia e ganchos. Só aqueles que são precisos para
nos fazer voltar uma, outra, outra e outra vez a discos que, por esta altura, alguns de nós já A LOUD! escreve de acordo com a antiga ortografia.
ouvem há mais de 30 anos.

4 LOUD!
 PLAYLISTS

FOTO: CATARINA ROCHA

NOTÍCIAS
NOTICIAS@LOUDMAGAZINE.NET
JOSÉ MIGUEL RODRIGUES
MOONSPELL
BLACK WING – No Moon
FLUISTERAARS – Gegrepen Door De Geest
30 ANOS DE CARREIRA
Der Zielsontluiking
ISKANDR – Vergezicht
EM GRANDE ESTILO

LAMP OF MURMUUR – Submission And Slavery
MASTIFF – Leave Me The Ashes Of The
Earth
JOSÉ CARLOS SANTOS
EMMA RUTH RUNDLE – Engine Of Hell
THE GOD MACHINE – One Last Laugh In A
Place Of Dying
DOLD VORDE ENS NAVN – Mørkere
TOWER – Shock To The System
THE STRANGLERS – Dark Matters
PEDRO ROQUE
GAEREA LOW – HEY WHAT
THE BUG – Fire
FUSTILARIAN – All This Promiscuous
O
s MOONSPELL vão andar na estrada durante o
próximo ano e, depois de anunciada uma tour
com os PARADISE LOST, no Reino Unido, agora
sabe-se que vão regressar aos concertos também no
velho continente – e inseridos num cartaz de luxo. Isto
porque a Vltima Ratio Fest, assim se intitula a digressão,
conjuga cinco nomes, três dos quais incontornáveis:
MY DYING BRIDE, BORKNAGAR e, claro, MOONSPELL.
Além deste trio de peso, juntam-se ainda ao cartaz os
WOLFHEART — imagine-se de onde virá o nome — e os
HINAYANA. A rota de dezoito datas inicia-se em finais
de Setembro de 2022 na Alemanha, terminando nos
Países Baixos em meados de Outubro. Nesta lista não
existem datas para a Península Ibérica, sendo oito dos
espectáculos já anunciados em território alemão, mas

O
s tempos em que «LIMBO» foi editado não
se revelaram fáceis, mas os GAEREA têm
lutado para promover aquele que foi o seu
álbum mais popular até à data. Sucedem-se anún-
cios de datas, nem sempre concretizados, como o
caso recente do River Stone Fest — que, depois de
os convidar para cabeças-de-cartaz, numa mudan-
ça de programa, acabou por cancelar a sua edição
deste ano. Contratempos como esse não parecem,
no entanto, travar a vontade de fazer acontecer e
os músicos anunciaram uma primeira digressão
como cabeças-de-cartaz no Reino Unido, com su-
porte dos WODE. A rota arranca a 21 de Abril no
The Black Heart, em Londres, terminando no dia
28 de mesmo mês no Dead Wax, em Birmingham.
Pelo meio, os músicos nacionais passam ainda
por Ipswich, Bristol, Plymouth, Brighton, Manches-
ter e Glasgow, num total de oito datas. Em solo
nacional, confirmam-se os planos previamente
Decadence Fernando Ribeiro e companhia já revelaram estar a
e “oficializar” a banda para esta edição. Foi uma preparar dois grandes concertos para celebrar 30 anos
THE BODY AND BIG BRAVE – Leaving None
saga de seis volumes da AZOREAN HEAVY METAL But Small Birds de carreira por cá. Além disso, está também agendada
“1980 - 2000” COLLECTION, à qual ainda se pode 10 000 RUSSOS – Superinertia para o próximo ano a edição do espectáculo intimista
juntar a «AZORES & METAL Vol #1», uma compi- que deram nas Grutas de Mira de Aire no passado mês
lação com os artistas actualmente mais ativos no de Maio nos formatos vinil, CD, DVD e Blu-ray. Em curso
arquipélago açoriano. Este sexto volume conclui EMANUEL FERREIRA
está também o processo de composição do sucessor
a colecção com chave de ouro, pois reedita dois AKHLYS – Melinoë
de «Hermitage», que foi editado este ano, sabendo-se
títulos da mais conhecida banda açoriana, MOR- THROANE – Plus Une Main À Mordre
BLUT AUS NORD – Hallucinogen que os músicos estão actualmente a trabalhar não num,
BID DEATH. Viajamos então até aos princípios mas em dois álbuns novos, um cantado em inglês e ou-
A PALE HORSE NAMED DEATH – Infernum
da década de 90 para escutar as duas primeiras In Terra tro cantado em português. “A começar a ser composto
maquetas do grupo, «Nomad», de 1993, e «Sha- COUNT RAVEN – The Sixth Storm está o material que irá constituir os dois próximos álbuns
meless Faith», de 1995. Curiosamente a edição de Moonspell, um em inglês, outro em português,“ expli-
deste sexto volume, coincide com o mês em que cou a banda nas suas redes sociais.
a banda celebra 31 anos de existência. Criado em FERNANDO FERREIRA
plena pandemia, o MUSEU DO HEAVY METAL IRON MAIDEN – Senjutsu
AÇORIANO, existe apenas na internet, mas fisica- MORTE INCANDESCENTE – Vala Comum
WANG WEN – 100,000 Whys
mente deu nas vistas através desta colecção de
SHY LOW – Behind The Sun
seis cassetes em que reúne nomes das nove ilhas. WAZZARA – Cycles

O
anunciados, com um espectáculo muito especial a s veteranos do hard’n’heavy nacional XE-
decorrer a 12 de Novembro, no Hard Club, Porto. QUE-MATE continuam a celebrar os 35 DAVID ROSADO
anos da edição do seu primeiro disco. “No

P
ois, nem vale a pena explicar porque não se
realizou uma edição do SEBADELHE METAL
FEST em 2020, mas tal como prometido
para esse ano, os lisboetas THERIOMORPHIC
vão aparecer por terras de Foz de Côa na edição
PULLEY – Esteem Driven Engine
concerto de 2020, fizemos gravações ao vivo e FACE TO FACE – No Way Out But Through
vamos editar, exactamente passado um ano, um TURNSTILE – Glow On
TEENAGE BOTTLEROCKET – Sick Sesh!
CD com o concerto na íntegra, com oferta de DVD
LEPROUS – Aphelion
da respectiva actuação,” disse Francisco Soares
à LOUD! sobre a divulgação deste novo lança-

deste ano. Como prometido também, a data é 16
de Outubro de 2021 e são vários os nomes a subir
ao palco. Como cabeça-de-cartaz estão os HEA-
VENWOOD, que continuam a preparar o sucessor
de «The Tarot Of The Bohemians», que já data de
2016, e celebram ainda os 25 anos de «Diva». A
eles junta-se o punk dos MATA-RATOS e o crust/
metal dos SIMBIOSE, com os BIOLENCE a terem
aqui a oportunidade de mostrar o seu excelente EP
«Enslave, Deplete, Destroy!!», que surpreendeu
muitos. A fechar o cartaz, dois nomes da região
de Vila Real: SOLLUST e NEMATOMORPHOS. A
entrada é gratuita e, naturalmente, o festival se-
JCS
mento do grupo, que será disponibilizado com OS TOPS DO
chancela Larvae Records. Recorde-se que a 27
de Setembro, de 2020, no Forum Maia – Grande
Auditório, efectuou-se o concerto de comemo-
ração do 35.º aniversário da edição em vinil do
«Em Nome Do Pai, Do Filho… E Do Rock’N’Roll».
Nesse concerto foram executados todos os te-
mas do álbum, bem como do single da época.
Por essa altura dos 30 anos, o disco, já um clás-
sico do underground nacional, recebeu uma ree- MELHORES BANDAS
dição em CD e cassete. Agora, chega o disco ao
vivo, intitulado «Ao Vivo @ Forum Maia 2020».
DE SEATTLE
EXTRA-GRUNGE

guirá as normas em vigor na fase de pandemia. A
empresa Strike Tours está a organizar o transporte
a partir do Porto para o festival. Mais informação
na página oficial da empresa, em www.striketours.
pt. Regras de acesso e toda a informação extra re-
lativa ao festival estará disponibilizada nas redes
sociais associadas ao evento.
F
USTILARIAN é um novo projecto nacional de
black metal e o álbum de estreia foi editado, 01. Sunn O)))
sem grande alarido, através da germânica 02. The Accüsed
Amor Fati. Intitulado «All This Promiscuous De- 03. Black Breath
cadence», a versão em formato CD já está dispo-
nível e no início de 2022 chegará então a edição
04, Nevermore
em vinil. O projecto possui apenas um elemento, 05. Big Business
que a LOUD! sabe ser alguém bem conhecido no 06. The Murder City Devils

É 07. Queensrÿche
oficial, dia 20 de Setembro uma das colec- underground nacional, e responsável por uma das
ções de cassetes mais originais, com mar- maiores estreias dos últimos cinco anos no campo
ca lusa, chega ao fim. Não é surpresa, pois da música extrema feita por cá. Com cerca de 43
08. Bell Witch
desde o princípio que estavam anunciados apenas minutos, o disco traz um som situado no black me- 09. These Arms Are Snakes
seis títulos, faltava apenas a data de lançamento tal dos 90s, com veia mais tradicional. 10. Lesbian
6 LOUD!
 PLAYLISTS

FOTO: CATARINA ROCHA

NOTÍCIAS
NOTICIAS@LOUDMAGAZINE.NET
JOSÉ MIGUEL RODRIGUES
MOONSPELL
BLACK WING – No Moon
FLUISTERAARS – Gegrepen Door De Geest
30 ANOS DE CARREIRA
Der Zielsontluiking
ISKANDR – Vergezicht
EM GRANDE ESTILO

LAMP OF MURMUUR – Submission And Slavery
MASTIFF – Leave Me The Ashes Of The
Earth
JOSÉ CARLOS SANTOS
EMMA RUTH RUNDLE – Engine Of Hell
THE GOD MACHINE – One Last Laugh In A
Place Of Dying
DOLD VORDE ENS NAVN – Mørkere
TOWER – Shock To The System
THE STRANGLERS – Dark Matters
PEDRO ROQUE
GAEREA LOW – HEY WHAT
THE BUG – Fire
FUSTILARIAN – All This Promiscuous
O
s MOONSPELL vão andar na estrada durante o
próximo ano e, depois de anunciada uma tour
com os PARADISE LOST, no Reino Unido, agora
sabe-se que vão regressar aos concertos também no
velho continente – e inseridos num cartaz de luxo. Isto
porque a Vltima Ratio Fest, assim se intitula a digressão,
conjuga cinco nomes, três dos quais incontornáveis:
MY DYING BRIDE, BORKNAGAR e, claro, MOONSPELL.
Além deste trio de peso, juntam-se ainda ao cartaz os
WOLFHEART — imagine-se de onde virá o nome — e os
HINAYANA. A rota de dezoito datas inicia-se em finais
de Setembro de 2022 na Alemanha, terminando nos
Países Baixos em meados de Outubro. Nesta lista não
existem datas para a Península Ibérica, sendo oito dos
espectáculos já anunciados em território alemão, mas

O
s tempos em que «LIMBO» foi editado não
se revelaram fáceis, mas os GAEREA têm
lutado para promover aquele que foi o seu
álbum mais popular até à data. Sucedem-se anún-
cios de datas, nem sempre concretizados, como o
caso recente do River Stone Fest — que, depois de
os convidar para cabeças-de-cartaz, numa mudan-
ça de programa, acabou por cancelar a sua edição
deste ano. Contratempos como esse não parecem,
no entanto, travar a vontade de fazer acontecer e
os músicos anunciaram uma primeira digressão
como cabeças-de-cartaz no Reino Unido, com su-
porte dos WODE. A rota arranca a 21 de Abril no
The Black Heart, em Londres, terminando no dia
28 de mesmo mês no Dead Wax, em Birmingham.
Pelo meio, os músicos nacionais passam ainda
por Ipswich, Bristol, Plymouth, Brighton, Manches-
ter e Glasgow, num total de oito datas. Em solo
nacional, confirmam-se os planos previamente
Decadence Fernando Ribeiro e companhia já revelaram estar a
e “oficializar” a banda para esta edição. Foi uma preparar dois grandes concertos para celebrar 30 anos
THE BODY AND BIG BRAVE – Leaving None
saga de seis volumes da AZOREAN HEAVY METAL But Small Birds de carreira por cá. Além disso, está também agendada
“1980 - 2000” COLLECTION, à qual ainda se pode 10 000 RUSSOS – Superinertia para o próximo ano a edição do espectáculo intimista
juntar a «AZORES & METAL Vol #1», uma compi- que deram nas Grutas de Mira de Aire no passado mês
lação com os artistas actualmente mais ativos no de Maio nos formatos vinil, CD, DVD e Blu-ray. Em curso
arquipélago açoriano. Este sexto volume conclui EMANUEL FERREIRA
está também o processo de composição do sucessor
a colecção com chave de ouro, pois reedita dois AKHLYS – Melinoë
de «Hermitage», que foi editado este ano, sabendo-se
títulos da mais conhecida banda açoriana, MOR- THROANE – Plus Une Main À Mordre
BLUT AUS NORD – Hallucinogen que os músicos estão actualmente a trabalhar não num,
BID DEATH. Viajamos então até aos princípios mas em dois álbuns novos, um cantado em inglês e ou-
A PALE HORSE NAMED DEATH – Infernum
da década de 90 para escutar as duas primeiras In Terra tro cantado em português. “A começar a ser composto
maquetas do grupo, «Nomad», de 1993, e «Sha- COUNT RAVEN – The Sixth Storm está o material que irá constituir os dois próximos álbuns
meless Faith», de 1995. Curiosamente a edição de Moonspell, um em inglês, outro em português,“ expli-
deste sexto volume, coincide com o mês em que cou a banda nas suas redes sociais.
a banda celebra 31 anos de existência. Criado em FERNANDO FERREIRA
plena pandemia, o MUSEU DO HEAVY METAL IRON MAIDEN – Senjutsu
AÇORIANO, existe apenas na internet, mas fisica- MORTE INCANDESCENTE – Vala Comum
WANG WEN – 100,000 Whys
mente deu nas vistas através desta colecção de
SHY LOW – Behind The Sun
seis cassetes em que reúne nomes das nove ilhas. WAZZARA – Cycles

O
anunciados, com um espectáculo muito especial a s veteranos do hard’n’heavy nacional XE-
decorrer a 12 de Novembro, no Hard Club, Porto. QUE-MATE continuam a celebrar os 35 DAVID ROSADO
anos da edição do seu primeiro disco. “No

P
ois, nem vale a pena explicar porque não se
realizou uma edição do SEBADELHE METAL
FEST em 2020, mas tal como prometido
para esse ano, os lisboetas THERIOMORPHIC
vão aparecer por terras de Foz de Côa na edição
PULLEY – Esteem Driven Engine
concerto de 2020, fizemos gravações ao vivo e FACE TO FACE – No Way Out But Through
vamos editar, exactamente passado um ano, um TURNSTILE – Glow On
TEENAGE BOTTLEROCKET – Sick Sesh!
CD com o concerto na íntegra, com oferta de DVD
LEPROUS – Aphelion
da respectiva actuação,” disse Francisco Soares
à LOUD! sobre a divulgação deste novo lança-

deste ano. Como prometido também, a data é 16
de Outubro de 2021 e são vários os nomes a subir
ao palco. Como cabeça-de-cartaz estão os HEA-
VENWOOD, que continuam a preparar o sucessor
de «The Tarot Of The Bohemians», que já data de
2016, e celebram ainda os 25 anos de «Diva». A
eles junta-se o punk dos MATA-RATOS e o crust/
metal dos SIMBIOSE, com os BIOLENCE a terem
aqui a oportunidade de mostrar o seu excelente EP
«Enslave, Deplete, Destroy!!», que surpreendeu
muitos. A fechar o cartaz, dois nomes da região
de Vila Real: SOLLUST e NEMATOMORPHOS. A
entrada é gratuita e, naturalmente, o festival se-
JCS
mento do grupo, que será disponibilizado com OS TOPS DO
chancela Larvae Records. Recorde-se que a 27
de Setembro, de 2020, no Forum Maia – Grande
Auditório, efectuou-se o concerto de comemo-
ração do 35.º aniversário da edição em vinil do
«Em Nome Do Pai, Do Filho… E Do Rock’N’Roll».
Nesse concerto foram executados todos os te-
mas do álbum, bem como do single da época.
Por essa altura dos 30 anos, o disco, já um clás-
sico do underground nacional, recebeu uma ree- MELHORES BANDAS
dição em CD e cassete. Agora, chega o disco ao
vivo, intitulado «Ao Vivo @ Forum Maia 2020».
DE SEATTLE
EXTRA-GRUNGE

guirá as normas em vigor na fase de pandemia. A
empresa Strike Tours está a organizar o transporte
a partir do Porto para o festival. Mais informação
na página oficial da empresa, em www.striketours.
pt. Regras de acesso e toda a informação extra re-
lativa ao festival estará disponibilizada nas redes
sociais associadas ao evento.
F
USTILARIAN é um novo projecto nacional de
black metal e o álbum de estreia foi editado, 01. Sunn O)))
sem grande alarido, através da germânica 02. The Accüsed
Amor Fati. Intitulado «All This Promiscuous De- 03. Black Breath
cadence», a versão em formato CD já está dispo-
nível e no início de 2022 chegará então a edição
04, Nevermore
em vinil. O projecto possui apenas um elemento, 05. Big Business
que a LOUD! sabe ser alguém bem conhecido no 06. The Murder City Devils

É 07. Queensrÿche
oficial, dia 20 de Setembro uma das colec- underground nacional, e responsável por uma das
ções de cassetes mais originais, com mar- maiores estreias dos últimos cinco anos no campo
ca lusa, chega ao fim. Não é surpresa, pois da música extrema feita por cá. Com cerca de 43
08. Bell Witch
desde o princípio que estavam anunciados apenas minutos, o disco traz um som situado no black me- 09. These Arms Are Snakes
seis títulos, faltava apenas a data de lançamento tal dos 90s, com veia mais tradicional. 10. Lesbian
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recônditos, negros ou extraordinários da música, literatura e história.
FREIRÁTICOS
E FREIRAS
ARMADAS
DAVID SOARES
Os freiráticos portugueses da Época Moderna – homens que através
das grades dos ginecenóbios mantinham relações imateriais com freiras
em clausura, trocando cartas, oferecendo preciosidades e figurinhas de
presépio – subsistem como sombras silhuetadas em momices teatrais,
tão caricaturais quanto cabotinos; de resto, eram vistos pelos contem-
porâneos como sendo já figuras típicas: os homens explorados por “frei-
ras devoradoras de presentes”. Esta dinâmica de mulheres inacessíveis
prometerem em troca de presentes algumas recompensas platónicas a
um transido público masculino permanece actual no universo das redes
sociais e das aplicações onde modelos oferecem fotos e filmes em tro-
ca de vestuário e acessórios adquiridos e remetidos por patronos; nesse
sentido, a analogia com o freiratismo seiscentista e setecentista adquire
espantosa similitude quando se compreende que o hodierno ecrã está a
agir exactamente da mesma forma que a antiga grade conventual – in-
clusive na matriz quadricular, uma de ferro e outra de pixéis.
Assim, tem de levar-se a sério os freiráticos para compreender a mentali-
dade de Seiscentos e Setecentos; na verdade, sob esse patusco fenómeno
pulsa o embrião de um espaço misto a haver, à
imagem daquele que coalesceria com o advento
dos salões das Luzes presididos por cultas anfi-
triãs – e que melhores candidatas a esse “teste
de fábrica” que as freiras letradas? Atrás de uma
grade, protegidas de consórcio íntimo, podiam ser
interlocutoras alegres e descomprometidas. Tão
simbiótica era a sociabilidade entre freiras e freirá-
ticos que rebentavam revoltas dentro dos conven-
tos quando instâncias superiores tentavam coarc-
tar as visitas masculinas; às vezes com imposição
de grades duplas, separadas por alguns palmos.
O freiratismo irrompeu no início do século XVII,
cerca de 1603, como comprovam reiteradas leis,
cartas régias, alvarás, diplomas, decretos e provi-
sões publicados no decurso da centúria, proibindo
o trato com freiras, familiaridades suspeitas nas
clausuras, as frequências nas grades e o abuso de
falar nos adros das igrejas. À medida que o século
XVIII se aproximava, o freiratismo desenvolvera já
uma coreografia e um discurso próprios, cristali-
zando na literatura de cordel arquétipos consoli-
dados do freirático e da freira concupiscente, mas
a coberto da caricaturização fermentavam forças
que prenunciavam um novo modo de ambos os
sexos se relacionarem e que mascaravam, ainda,
uma controvérsia religiosa: a que opôs os Jaco-
8 LOUD!
ASSINA A LOUD! SE ASSINARES
• Poupas dinheiro, porque compras
a LOUD! ao preço antigo
OFERTA • Recebes a LOUD! no conforto do lar
sem o mínimo esforço adicional
EXCLUSIVA! • Podes começar a ler a LOUD!
antes de chegar às bancas
Este mês, vale ainda mais a pena assinar
a LOUD!, já que para além das vantagens
habituais, temos para oferecer a cada novo
Para tal, basta que efectues a tua transfe-
assinante uma cópia da compilação «AZO-
RES & METAL Vol #1». Criado em plena pandemia, o MUSEU DO HEAVY rência, e nos envies o respectivo compro-
METAL AÇORIANO tem dado nas vistas ultimamente na divulgação do vativo para assinaturas@loudmagazine.net,
metal das nove ilhas. Agora, edita esta compilação em CD, que reúne a partir das 12:00 do dia 2 de Outubro.
os artistas actualmente mais activos do arquipélago no campo da mú- Também podes fazer a assinatura direc-
sica pesada, a saber: DEPTHS OF MAKIND, RIOTS AT LOBE, KASKA- tamente em loudmagazine.bigcartel.com,
VEIL, MORBID DEATH, BEWARE THE WOLF, DRVZKA, VEIA, BURIED BY
onde estará disponível a partir da mesma
LAVA, WRECKAGE, KHTHON, SANCTUS NOSFERATU, DARK AGE OF
RUIN, MAZK, PALHA D’AÇO, DRAKH VENÊN e DREAMING IN BLACK. hora. Os novos assinantes têm direito a
Uma edição marcante para a descoberta de um sector importante do uma cópia de um destes discos dentro do
beus (que, entre outras coisas, queriam reformar os costumes dos conven-
tos femininos) contra os Mundanos (estes, pelo contrário, não achavam
metal nacional, a não perder – é aproveitar enquanto esta nossa pro- limite do stock existente.
problemáticas as relações entre freiras e freiráticos – até porque provi- moção dura. Podem entretanto visitar o Museu em museuhmazores. Sejam rápidos!
nham quase todos do mesmo grupo social: a nobreza). Nessa proteifor- bandcamp.com e em facebook.com/museuHEAVYMETALacoriano.
me conjuntura, os chamados “outeiros” (ou seja, as tertúlias às grades dos
conventos das ordens religiosas femininas), diversificaram e difundiram a
literatura escrita por freiras, integrando-a como constituinte de uma novi-
dade europeia que vagarosamente se estabelecia: a dita “esfera pública”.
Falando em nobreza, D. João V não se livrou de ser classificado de freirá-
tico, em função de relações sobejamente conhecidas; entre outras, com
a madre Paula do convento de Odivelas. Não obstante, um aspecto que
nesse caso se evidencia é o facto de as mulheres plebeias cobiçarem
sexualmente o rei; algo admirável quando se constata a reduzida exposi-
ção pública praticada pelos barrocos reis brigantinos, em contraste com
monarcas de dinastias anteriores. Cite-se como representativo da atrac-
ção exercida pelo rei sobre as mulheres do povo, o episódio algo bizanti-
no das Salemas: estas eram duas bruxas mulatas de Alcácer do Sal que
foram contratadas por quatro mulheres residen-
tes na Aldeia Galega (Montijo) para embruxarem
D. João V, levá-lo a abandonar a madre Paula e
a apaixonar-se por outra freira que era irmã da
freira que namorava com o padre Bartolomeu
de Gusmão, inventor da Passarola; ora, o “pa-
dre voador” era irmão de Alexandre de Gusmão,
secretário particular do rei (uma espécie de pri-
meiro-ministro). Feitiçaria e luta palaciana pelo
poder caldeadas no melífluo pote do freiratismo.
ASSINATURA LOUD! O pagamento pode ser feito por cheque ou vale postal em nome
de Pessoal do 13 - Publicações, LDA. e remetido para a nossa
morada ou, mais simples ainda, por transferência bancária (num
assinatura anual em papel multibanco não existem quaisquer comissões de transferência)
Todavia, o freiratismo também contribuiu para a
dissolução da respeitabilidade monacal; a par-
tir de meados de Setecentos acentuou-se um 36€ para o seguinte NIB: 0036 0027 99100151466 59.
Essencial é também o envio do nome completo, número de
declínio irreversível das ordens monásticas e o
desfecho foi o de que os serôdios amores freirá- (desconto de 14%) B.I./C.C., morada, contacto telefónico e e-mail, assim como o
ticos às grades e a significante literatura conven- comprovativo da transferência, para o endereço
tual feminina passaram a ser observados como Se gostaste de ler a LOUD! em versão digital durante assinaturas@loudmagazine.net
coisas passadiças, como “grifarias”. Aliás, esta os meses do confinamento, continuamos a oferecer
crise monástica (de dimensão europeia, mas Também é possível assinar a LOUD! na nossa loja online
com alterações nacionais) não foi pacífica, ocor-
esse serviço em gumroad.com/loudmagazine em:
rendo por todo o território português verdadeiras – com um preço de capa reduzido! Aproveita já!
loudmagazine.bigcartel.com
“batalhas monacais” num longo período em que
ASSINA JÁ!
ocorreram várias mortes à escala do reino. Os Se resides no estrangeiro, a LOUD! pode chegar a ti pelo correio
séculos XVII e XVIII foram em Portugal um tem- na mesma. Envia e-mail para o endereço referido acima a pedir
po de armadas em freiras e de freiras armadas.
informações.
Freirático, por Alberto De Souza
9
 MARGINÁLIA E IMAGINÁRIO
Todos os meses, o DAVID SOARES explora os aspectos mais
recônditos, negros ou extraordinários da música, literatura e história.
FREIRÁTICOS
E FREIRAS
ARMADAS
DAVID SOARES
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tão caricaturais quanto cabotinos; de resto, eram vistos pelos contem-
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ras devoradoras de presentes”. Esta dinâmica de mulheres inacessíveis
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agir exactamente da mesma forma que a antiga grade conventual – in-
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Assim, tem de levar-se a sério os freiráticos para compreender a mentali-
dade de Seiscentos e Setecentos; na verdade, sob esse patusco fenómeno
pulsa o embrião de um espaço misto a haver, à
imagem daquele que coalesceria com o advento
dos salões das Luzes presididos por cultas anfi-
triãs – e que melhores candidatas a esse “teste
de fábrica” que as freiras letradas? Atrás de uma
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simbiótica era a sociabilidade entre freiras e freirá-
ticos que rebentavam revoltas dentro dos conven-
tos quando instâncias superiores tentavam coarc-
tar as visitas masculinas; às vezes com imposição
de grades duplas, separadas por alguns palmos.
O freiratismo irrompeu no início do século XVII,
cerca de 1603, como comprovam reiteradas leis,
cartas régias, alvarás, diplomas, decretos e provi-
sões publicados no decurso da centúria, proibindo
o trato com freiras, familiaridades suspeitas nas
clausuras, as frequências nas grades e o abuso de
falar nos adros das igrejas. À medida que o século
XVIII se aproximava, o freiratismo desenvolvera já
uma coreografia e um discurso próprios, cristali-
zando na literatura de cordel arquétipos consoli-
dados do freirático e da freira concupiscente, mas
a coberto da caricaturização fermentavam forças
que prenunciavam um novo modo de ambos os
sexos se relacionarem e que mascaravam, ainda,
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dade europeia que vagarosamente se estabelecia: a dita “esfera pública”.
Falando em nobreza, D. João V não se livrou de ser classificado de freirá-
tico, em função de relações sobejamente conhecidas; entre outras, com
a madre Paula do convento de Odivelas. Não obstante, um aspecto que
nesse caso se evidencia é o facto de as mulheres plebeias cobiçarem
sexualmente o rei; algo admirável quando se constata a reduzida exposi-
ção pública praticada pelos barrocos reis brigantinos, em contraste com
monarcas de dinastias anteriores. Cite-se como representativo da atrac-
ção exercida pelo rei sobre as mulheres do povo, o episódio algo bizanti-
no das Salemas: estas eram duas bruxas mulatas de Alcácer do Sal que
foram contratadas por quatro mulheres residen-
tes na Aldeia Galega (Montijo) para embruxarem
D. João V, levá-lo a abandonar a madre Paula e
a apaixonar-se por outra freira que era irmã da
freira que namorava com o padre Bartolomeu
de Gusmão, inventor da Passarola; ora, o “pa-
dre voador” era irmão de Alexandre de Gusmão,
secretário particular do rei (uma espécie de pri-
meiro-ministro). Feitiçaria e luta palaciana pelo
poder caldeadas no melífluo pote do freiratismo.
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Todavia, o freiratismo também contribuiu para a
dissolução da respeitabilidade monacal; a par-
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Essencial é também o envio do nome completo, número de
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desfecho foi o de que os serôdios amores freirá- (desconto de 14%) B.I./C.C., morada, contacto telefónico e e-mail, assim como o
ticos às grades e a significante literatura conven- comprovativo da transferência, para o endereço
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crise monástica (de dimensão europeia, mas Também é possível assinar a LOUD! na nossa loja online
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rendo por todo o território português verdadeiras – com um preço de capa reduzido! Aproveita já!
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“batalhas monacais” num longo período em que
ASSINA JÁ!
ocorreram várias mortes à escala do reino. Os Se resides no estrangeiro, a LOUD! pode chegar a ti pelo correio
séculos XVII e XVIII foram em Portugal um tem- na mesma. Envia e-mail para o endereço referido acima a pedir
po de armadas em freiras e de freiras armadas.
informações.
Freirático, por Alberto De Souza
9

THE VOYNICH CODE
Já com um álbum e dois EPs na algibeira,
fomos descobrir mais sobre este trio nacional.
o meio do metal nacional, o peso das
redes sociais e de alguns meios ciber-
néticos acaba a ocultar correntes que
recrutam muitos seguidores, e que merecem
tanta ou mais atenção que certos nomes que
dominam determinados ciclos viciosos e algo
preguiçosos. Deathcore, metalcore, são ape-
nas estilos que sofrem desse problema e aca-
bam muitas vezes negligenciados. É isso que
acontece com THE VOYNICH CODE. Activos
há quase uma década, possuem já um EP, «Ig-
notum» de 2015, e um álbum, «Aqua Vitae», de
2017. Recentemente saiu mais um EP, «Post
Mortem». Neste momento o grupo é forma-
do apenas por três elementos, Vinnie Afonso
e Vinnie Mallet nas guitarras e Nelson Rebelo
na voz. “Acabámos por decidir fazer este EP,
só os três,” explica Nelson. “Provar que éra-
mos capazes de fazer este trabalho sozinhos.
Estando à procura de baterista, e sem baixista
há algum tempo, procurámos, mas não foi fá-
cil encontrar um. Neste momento trabalhamos
com bateristas de sessão até encontrarmos
alguém definitivo.” No caso do baixista, opta-
ram não por procurar, pois o vocalista consi-
dera funcionarem bem, com baixo de backing
track. “Apesar de ter os seus pontos positivos
e negativos – o backtracking nunca se engana,
por exemplo – mas claro que eventualmente
queremos ter um baixista a sério.” Apesar de
tudo, há ainda outro argumento que reforça a
opção do backtracking, para Nelson: “Estáva-
mos para ir em tour, em 2018, tocando muito
lá fora e sem tempo para procurar alguém.
Começámos depois a compor o álbum e não
era o momento certo para incorporar um bai-
xista, e depois veio a pandemia.” Vinnie refor-
ça a posição. “Ao ficarmos sem baixista, isso
abriu-nos portas para dividirmos carrinhas de
nove lugares. Sendo quatro podíamos entrar
10 LOUD!
em tour, fosse mais um e já teríamos de pro-
curar uma carrinha só para nós.” Na realidade,
a logística joga a favor de números pares. “Na
ida ao Japão foi menos uma viagem, e quando
precisamos de alugar quartos, bastam dois,”
explica Vinnie. Essa passagem pelo Japão
foi um marco importante para o grupo, como
seria de esperar. Ficou até a sensação de te-
rem mais fãs por lá que em Portugal, algo que
Nelson considera ser “não linear”. Diz ele: “Ava-
liando o streaming, uma grande parte ainda é
de Portugal, cerca de 20%, com 50% sendo
dos Estados Unidos e Canadá.” Mas Japão e
Austrália são de facto os outros dois merca-
dos com peso na audiência dos The Voynich
Code. O músico considera que “há uma gran-
de fanbase no Japão graças ao promotor que
nos levou lá, que é também jornalista e mentor
de uma página na internet, que descobriu o
“Escrevo sobre aquilo que vou vivendo.”
grupo e fez questão de nos agendar para lá to-
car. Metade ou até mesmo 70% do pessoal no
concerto nem conhecia a nossa banda, eram o
público regular da venue.” Vinnie defende mes-
mo os fãs nacionais: “Havendo muito mais po-
pulação, naturalmente que isso se reflecte em
número de fãs, mas olhando para os números
face à população, a base nacional até fica bem
representada.”
Apesar dessa representatividade, o impac-
to mediático é menor, talvez devido à idade
dos fãs. “Quando começámos a tocar no Sa-
botage, enchemos a sala, com malta muito
jovem, de dezassete, vinte anos,” considera
o guitarrista, que acredita que há uma nova
vaga de juventude para estes estilos. “Há
toda uma geração nova que acaba de entrar
no metalcore e deathcore,” explica. “Isso até
se nota nas bandas que estão no mesmo
‘grupo’ que nós, como Slaughter To Prevail,
Born Of Osiris, Brain Of Sacrifice, Lorna Sho-
re, toda uma veia nova de deathcore que
está a surgir. Quando olhamos para as redes
sociais, a malta que interage é um público
mais novo. Muitas vezes as pessoas dizem
que somos desconhecidos em Portugal, mas
porque não conseguimos chegar tão facil-
mente ao público mais velho.” E foi depois de
muitos concertos lá fora, e uma pandemia,
que o grupo chegou a «Post Mortem». “To-
dos os trabalhos têm um título em latim,” ex-
plica Nelson. “Escrevo sobre aquilo que vou
vivendo, e há uma sequência. O «Ignotum»
é relativo ao desconhecido da vida e muito
associado ao manuscrito que dá nome à
banda.” O vocalista afirma que “olhava para
a vida e não sabia o que esperar hoje, como
será o dia de amanhã, qual o meu destino,
a seguir veio o «Aqua Vitae», pois comecei a
velejar para encontrar o rumo da minha vida,
em que acabei a passar um mau bocado,
o que levou ao «Post Mortem», que podem
considerar como a calma depois da tempes-
tade.” O músico considera que “à semelhan-
ça de outras bandas, resolvemos começar a
olhar a música de uma forma mais madura,
começando por escutar a geração anterior
à nossa. Começámos a tirar influências de
black metal, death, brutal death, até heavy
metal, pois na verdade foi o que começamos
a ouvir quando miúdos. Foi a junção do con-
ceito ‘post mortem’ e a temática mais negra
que criou este bolo a que chamamos «Post
Mortem», e é isso o novo EP.” [E.F.]
AEON
Suecos desaparecidos em combate, voltam
à carga com um petardo de death metal
obscuro.
C
onvenhamos, apesar de terem dado
que falar na viragem do milénio, os
suecos AEON nunca conseguiram real-
mente furar para a primeira liga do death me-
tal. Apoiados numa sequência de álbuns bem
obscuros e extremos, os músicos liderados
pelo intrépido Zeb Nilsson estabeleceram
a sua reputação com uma série de lança-
mentos entre 2005 e 2012, que lhes valeram
primeiras partes de digressões com bandas
como os Cannibal Corpse. No entanto, nunca
se profissionalizaram e, claro, não é estranho
que, a dada altura, a vida se tenha intrometido
pelo caminho. Após ter andado na estrada a
promover exaustivamente «Aeons Black», de
2012, Nilsson voltou a casa e viu, de um gol-
pe, a banda ruir aos seus pés. Claro, foi esse o
percalço que fez com que tivéssemos de es-
perar quase uma década para ouvir música
nova vinda daqueles lados. “Esse foi, efectiva-
mente, o maior problema, sim,” diz o guitarris-
ta, principal compositor e, no geral, timoneiro
do grupo. “Passámos uma série de anos sem
formação completa. O Ronnie [Björnström, ex-
-guitarrista] entrou depois de termos lançado
o «Aeons Black», fez duas tours connosco e
depois desistiu. Estivemos sete semanas em
FOTO: TONY ÖSTMAN
digressão, primeiro na Europa e depois nos
Estados Unidos... Ele nunca tinha feito nada
assim, e não se adaptou bem. Entretanto falei
com o Daniel [Dlimi, guitarrista], que já tinha
tocado connosco, e ele aceitou voltar, por isso
não foi uma mudança muito complicada. Pior,
foi com a situação do baterista... O Emil [Wiks-
ten] juntou-se ao Abbath, fez umas digressões
com ele e, às tantas, teve um burnout total. Até
hoje, não voltou a tocar bateria.” Será essa a
maldição destes Aeon – versão moderna dos
Spinal Tap? “Começo a pensar que é mesmo
isso,” diz o guitarrista entre risos. “Até porque
o problema do baterista não está resolvido.
Quem nos safou durante as gravações foi
o Janne [Jesper Jaloma], mas ele é um tipo
ocupado e, se quisermos ir em tour, temos
de continuar à procura de uma solução mais
permanente.” Pese esta imparável dança de
cadeiras, os Aeon “nunca se separaram”, diz
o nosso interlocutor – e, a prová-lo, estão de
volta com um petardo de death metal blasfe-
mo. Intitulado «God Ends Here», o disco parte
exactamente do ponto em que «Aeons Bla-
ck» nos tinha deixado em 2012. “Não sei até
que ponto é que as pessoas vão apanhar isto,
mas sim, tive essa ideia de continuar de onde
“Achámos que,
depois de tanto
tempo, fazia
sentido olhar para
trás.”
tínhamos parado no «Aeons Black». A primeira
coisa que as pessoas vão ouvir neste álbum é
uma versão alternativa do final do disco ante-
rior,” revela o músico.
Desengane-se, no entanto, quem estiver à
espera de uma sequela do último registo,
uma vez que, no novo, Nilsson e compa-
nhia cavam “um pouco mais fundo”, segun-
do o músico. “Queria incorporar esses sons
grandes na nossa música. Desde o primeiro
álbum, sempre tivemos intros entre os te-
mas, para não se transformar tudo só numa
explosão de 45, 50 minutos. Isso, às tantas,
torna-se aborrecido, para nós e para quem
nos ouve. Mas sim, desta vez queria dar ao
material uma sensação de álbum concei-
tual, como se houvesse uma história a ser
contada.” E não, pasmem-se, não há aqui
um conceito lírico, por isso a história está
só mesmo na imaginação do músico. “Eu
faço a música e quem escreve as letras é
o Tommy [Dahlström, vocalista]. Às vezes,
acho que tem algum tipo de conceito, sim,
mas não discutimos as letras. Para mim,
na verdade, pouco importa, porque sei que
ele as escreve para que todos possam fazer
a sua própria interpretação. Podem ter um
significado para ti e podem ter um signifi-
cado diferente para mim, ou para ele. Mes-
mo assim, gosto de manter a música sob a
impressão de que existe um conceito, que
existe uma história.” Entusiasmado, Zeb vai
elaborando, diz que é “como se estivesse
a escrever uma banda-sonora na cabeça,
para um livro, um filme imaginário ou algo
parecido.” E, depois, como quem não quer
a coisa, ainda nos revela que, afinal, as se-
melhanças entre o último tema de «Aeons
Black» e o início da «The Nihilist», tema
de abertura de «Gods End Here», não são
os únicos easter eggs a descobrir neste
regresso. “Achámos que, depois de tan-
to tempo, fazia sentido olhar para trás. Há
temas, melodias, progressões de acordes;
há muitos pormenores diferentes que vão
surgindo, de forma recorrente, de vez em
quando. As pessoas provavelmente vão ter
de ouvir o álbum muitas vezes para perce-
berem, mas... Um spoiler: a linha de baixo
do tema-título tem a mesma melodia que o
final da «Liar’s Den». A melodia do coro é a
mesma que na linha de baixo no início do te-
ma-título.” Brutalidade que também é nerd,
portanto. A verdade é que «God Ends Here»
se afirma, de facto, como um disco “maior”,
mais intrincado e algo difícil, mas também
mais forte em quase todos os sentidos;
uma colecção de temas sombrios e épicos,
que a espaços até empurram a música dos
Aeon em novas direcções. [J.M.R.]
LOUD! 11

THE VOYNICH CODE
Já com um álbum e dois EPs na algibeira,
fomos descobrir mais sobre este trio nacional.
o meio do metal nacional, o peso das
redes sociais e de alguns meios ciber-
néticos acaba a ocultar correntes que
recrutam muitos seguidores, e que merecem
tanta ou mais atenção que certos nomes que
dominam determinados ciclos viciosos e algo
preguiçosos. Deathcore, metalcore, são ape-
nas estilos que sofrem desse problema e aca-
bam muitas vezes negligenciados. É isso que
acontece com THE VOYNICH CODE. Activos
há quase uma década, possuem já um EP, «Ig-
notum» de 2015, e um álbum, «Aqua Vitae», de
2017. Recentemente saiu mais um EP, «Post
Mortem». Neste momento o grupo é forma-
do apenas por três elementos, Vinnie Afonso
e Vinnie Mallet nas guitarras e Nelson Rebelo
na voz. “Acabámos por decidir fazer este EP,
só os três,” explica Nelson. “Provar que éra-
mos capazes de fazer este trabalho sozinhos.
Estando à procura de baterista, e sem baixista
há algum tempo, procurámos, mas não foi fá-
cil encontrar um. Neste momento trabalhamos
com bateristas de sessão até encontrarmos
alguém definitivo.” No caso do baixista, opta-
ram não por procurar, pois o vocalista consi-
dera funcionarem bem, com baixo de backing
track. “Apesar de ter os seus pontos positivos
e negativos – o backtracking nunca se engana,
por exemplo – mas claro que eventualmente
queremos ter um baixista a sério.” Apesar de
tudo, há ainda outro argumento que reforça a
opção do backtracking, para Nelson: “Estáva-
mos para ir em tour, em 2018, tocando muito
lá fora e sem tempo para procurar alguém.
Começámos depois a compor o álbum e não
era o momento certo para incorporar um bai-
xista, e depois veio a pandemia.” Vinnie refor-
ça a posição. “Ao ficarmos sem baixista, isso
abriu-nos portas para dividirmos carrinhas de
nove lugares. Sendo quatro podíamos entrar
10 LOUD!
em tour, fosse mais um e já teríamos de pro-
curar uma carrinha só para nós.” Na realidade,
a logística joga a favor de números pares. “Na
ida ao Japão foi menos uma viagem, e quando
precisamos de alugar quartos, bastam dois,”
explica Vinnie. Essa passagem pelo Japão
foi um marco importante para o grupo, como
seria de esperar. Ficou até a sensação de te-
rem mais fãs por lá que em Portugal, algo que
Nelson considera ser “não linear”. Diz ele: “Ava-
liando o streaming, uma grande parte ainda é
de Portugal, cerca de 20%, com 50% sendo
dos Estados Unidos e Canadá.” Mas Japão e
Austrália são de facto os outros dois merca-
dos com peso na audiência dos The Voynich
Code. O músico considera que “há uma gran-
de fanbase no Japão graças ao promotor que
nos levou lá, que é também jornalista e mentor
de uma página na internet, que descobriu o
“Escrevo sobre aquilo que vou vivendo.”
grupo e fez questão de nos agendar para lá to-
car. Metade ou até mesmo 70% do pessoal no
concerto nem conhecia a nossa banda, eram o
público regular da venue.” Vinnie defende mes-
mo os fãs nacionais: “Havendo muito mais po-
pulação, naturalmente que isso se reflecte em
número de fãs, mas olhando para os números
face à população, a base nacional até fica bem
representada.”
Apesar dessa representatividade, o impac-
to mediático é menor, talvez devido à idade
dos fãs. “Quando começámos a tocar no Sa-
botage, enchemos a sala, com malta muito
jovem, de dezassete, vinte anos,” considera
o guitarrista, que acredita que há uma nova
vaga de juventude para estes estilos. “Há
toda uma geração nova que acaba de entrar
no metalcore e deathcore,” explica. “Isso até
se nota nas bandas que estão no mesmo
‘grupo’ que nós, como Slaughter To Prevail,
Born Of Osiris, Brain Of Sacrifice, Lorna Sho-
re, toda uma veia nova de deathcore que
está a surgir. Quando olhamos para as redes
sociais, a malta que interage é um público
mais novo. Muitas vezes as pessoas dizem
que somos desconhecidos em Portugal, mas
porque não conseguimos chegar tão facil-
mente ao público mais velho.” E foi depois de
muitos concertos lá fora, e uma pandemia,
que o grupo chegou a «Post Mortem». “To-
dos os trabalhos têm um título em latim,” ex-
plica Nelson. “Escrevo sobre aquilo que vou
vivendo, e há uma sequência. O «Ignotum»
é relativo ao desconhecido da vida e muito
associado ao manuscrito que dá nome à
banda.” O vocalista afirma que “olhava para
a vida e não sabia o que esperar hoje, como
será o dia de amanhã, qual o meu destino,
a seguir veio o «Aqua Vitae», pois comecei a
velejar para encontrar o rumo da minha vida,
em que acabei a passar um mau bocado,
o que levou ao «Post Mortem», que podem
considerar como a calma depois da tempes-
tade.” O músico considera que “à semelhan-
ça de outras bandas, resolvemos começar a
olhar a música de uma forma mais madura,
começando por escutar a geração anterior
à nossa. Começámos a tirar influências de
black metal, death, brutal death, até heavy
metal, pois na verdade foi o que começamos
a ouvir quando miúdos. Foi a junção do con-
ceito ‘post mortem’ e a temática mais negra
que criou este bolo a que chamamos «Post
Mortem», e é isso o novo EP.” [E.F.]
AEON
Suecos desaparecidos em combate, voltam
à carga com um petardo de death metal
obscuro.
C
onvenhamos, apesar de terem dado
que falar na viragem do milénio, os
suecos AEON nunca conseguiram real-
mente furar para a primeira liga do death me-
tal. Apoiados numa sequência de álbuns bem
obscuros e extremos, os músicos liderados
pelo intrépido Zeb Nilsson estabeleceram
a sua reputação com uma série de lança-
mentos entre 2005 e 2012, que lhes valeram
primeiras partes de digressões com bandas
como os Cannibal Corpse. No entanto, nunca
se profissionalizaram e, claro, não é estranho
que, a dada altura, a vida se tenha intrometido
pelo caminho. Após ter andado na estrada a
promover exaustivamente «Aeons Black», de
2012, Nilsson voltou a casa e viu, de um gol-
pe, a banda ruir aos seus pés. Claro, foi esse o
percalço que fez com que tivéssemos de es-
perar quase uma década para ouvir música
nova vinda daqueles lados. “Esse foi, efectiva-
mente, o maior problema, sim,” diz o guitarris-
ta, principal compositor e, no geral, timoneiro
do grupo. “Passámos uma série de anos sem
formação completa. O Ronnie [Björnström, ex-
-guitarrista] entrou depois de termos lançado
o «Aeons Black», fez duas tours connosco e
depois desistiu. Estivemos sete semanas em
FOTO: TONY ÖSTMAN
digressão, primeiro na Europa e depois nos
Estados Unidos... Ele nunca tinha feito nada
assim, e não se adaptou bem. Entretanto falei
com o Daniel [Dlimi, guitarrista], que já tinha
tocado connosco, e ele aceitou voltar, por isso
não foi uma mudança muito complicada. Pior,
foi com a situação do baterista... O Emil [Wiks-
ten] juntou-se ao Abbath, fez umas digressões
com ele e, às tantas, teve um burnout total. Até
hoje, não voltou a tocar bateria.” Será essa a
maldição destes Aeon – versão moderna dos
Spinal Tap? “Começo a pensar que é mesmo
isso,” diz o guitarrista entre risos. “Até porque
o problema do baterista não está resolvido.
Quem nos safou durante as gravações foi
o Janne [Jesper Jaloma], mas ele é um tipo
ocupado e, se quisermos ir em tour, temos
de continuar à procura de uma solução mais
permanente.” Pese esta imparável dança de
cadeiras, os Aeon “nunca se separaram”, diz
o nosso interlocutor – e, a prová-lo, estão de
volta com um petardo de death metal blasfe-
mo. Intitulado «God Ends Here», o disco parte
exactamente do ponto em que «Aeons Bla-
ck» nos tinha deixado em 2012. “Não sei até
que ponto é que as pessoas vão apanhar isto,
mas sim, tive essa ideia de continuar de onde
“Achámos que,
depois de tanto
tempo, fazia
sentido olhar para
trás.”
tínhamos parado no «Aeons Black». A primeira
coisa que as pessoas vão ouvir neste álbum é
uma versão alternativa do final do disco ante-
rior,” revela o músico.
Desengane-se, no entanto, quem estiver à
espera de uma sequela do último registo,
uma vez que, no novo, Nilsson e compa-
nhia cavam “um pouco mais fundo”, segun-
do o músico. “Queria incorporar esses sons
grandes na nossa música. Desde o primeiro
álbum, sempre tivemos intros entre os te-
mas, para não se transformar tudo só numa
explosão de 45, 50 minutos. Isso, às tantas,
torna-se aborrecido, para nós e para quem
nos ouve. Mas sim, desta vez queria dar ao
material uma sensação de álbum concei-
tual, como se houvesse uma história a ser
contada.” E não, pasmem-se, não há aqui
um conceito lírico, por isso a história está
só mesmo na imaginação do músico. “Eu
faço a música e quem escreve as letras é
o Tommy [Dahlström, vocalista]. Às vezes,
acho que tem algum tipo de conceito, sim,
mas não discutimos as letras. Para mim,
na verdade, pouco importa, porque sei que
ele as escreve para que todos possam fazer
a sua própria interpretação. Podem ter um
significado para ti e podem ter um signifi-
cado diferente para mim, ou para ele. Mes-
mo assim, gosto de manter a música sob a
impressão de que existe um conceito, que
existe uma história.” Entusiasmado, Zeb vai
elaborando, diz que é “como se estivesse
a escrever uma banda-sonora na cabeça,
para um livro, um filme imaginário ou algo
parecido.” E, depois, como quem não quer
a coisa, ainda nos revela que, afinal, as se-
melhanças entre o último tema de «Aeons
Black» e o início da «The Nihilist», tema
de abertura de «Gods End Here», não são
os únicos easter eggs a descobrir neste
regresso. “Achámos que, depois de tan-
to tempo, fazia sentido olhar para trás. Há
temas, melodias, progressões de acordes;
há muitos pormenores diferentes que vão
surgindo, de forma recorrente, de vez em
quando. As pessoas provavelmente vão ter
de ouvir o álbum muitas vezes para perce-
berem, mas... Um spoiler: a linha de baixo
do tema-título tem a mesma melodia que o
final da «Liar’s Den». A melodia do coro é a
mesma que na linha de baixo no início do te-
ma-título.” Brutalidade que também é nerd,
portanto. A verdade é que «God Ends Here»
se afirma, de facto, como um disco “maior”,
mais intrincado e algo difícil, mas também
mais forte em quase todos os sentidos;
uma colecção de temas sombrios e épicos,
que a espaços até empurram a música dos
Aeon em novas direcções. [J.M.R.]
LOUD! 11

EXISTENCE:VOID
Projecto conimbricense, que existe há já uma década.
Amadurecer foi a chave para o quarteto surgir com «Anatman».
O
s EXISTENCE:VOID agregam músicos
de vários outros projectos musicais de
Coimbra, em particular dos Antichthon.
Destroyers Of All, Terror Empire ou Grimlet são
outros dos nomes associados. Alex Mendes na
voz, Diogo Ferraz nas guitarras, Filipe Gomes
no baixo e João Dourado na bateria são os qua-
tro integrantes, com a particularidade de João
Dourado ser também responsável pela pro-
dução, enquanto Filipe Gomes, normalmente
baterista, assume aqui um novo instrumento.
“Quando os Antichthon foram formados, ainda
nenhum de nós tinha aprendido a tocar algum
instrumento,” revela Diogo Ferraz, referindo
que apenas João Dourado seria a excepção.
“Formámos a banda e no dia seguinte fomos
todos inscrever-nos em aulas de música. Crad-
le Of Filth e Dimmu Borgir eram as bandas que
queríamos emular, e o grupo desenvolveu-se a
partir dos gostos que tínhamos em comum.” To-
dos jovens, foram crescendo como músicos e
pessoas, ao mesmo tempo que os Antichthon.
“Mas a uma dada altura os nossos gostos musi-
cais já tinham atingido uma certa maturidade. É
um salto grande, dos catorze para os dezanove
anos,” sublinha Alex Mendes. “Os Existence:-
Void foram o meu amadurecer como músico, já
com capacidade de compor músicas do princí-
pio ao fim,” refere Diogo, lembrando que é nes-
sa altura que começam a conviver mais com
o Filipe, que os acompanhava nos concertos.
“É dessa altura a «Eternal Recurrence», primeira
música do nosso álbum,” diz o guitarrista, com
Alex a recordar quando recebeu a notícia pelo
Messenger, enquanto João e Diogo estavam a
compor esse tema. “Era tão diferente daquilo
que nós tínhamos, e por isso mesmo pensámos
em criar um projecto diferente. Até porque pas-
sávamos por uma crise de identidade, no senti-
do em que não nos revíamos em certas bandas
como acontecia dois ou três anos antes.” Pros-
segue Diogo: “No fundo, as nossas principais
12 LOUD!
influências da actualidade são nomes que já
precisam de alguma maturidade musical para
compreender. É necessário passar níveis para
chegar a uns Deathspell Omega, por exemplo.”
Maturidade parece ser o conceito chave, que
também marca a criação do novo álbum,
«Anatman». Primeiro, porque houve uma dis-
persão dos vários membros da banda, como
recorda Alex, que admite que ele e o Diogo se
dedicaram mais a outras coisas e que todos os
outros se envolveram noutros projectos. Diogo
sublinha mesmo que “quando entrámos para
a universidade, as prioridades alteraram-se um
bocado, foi uma altura em que notámos que
cada um tinha um objectivo um bocadinho dife-
rente,” algo que levou alguns a estudar mesmo
fora de Portugal. “Também deixou de haver a
prioridade de lançar por lançar, até porque não
tínhamos ficado muito satisfeitos com o resul-
tado final do álbum dos Antichton. Achámos
melhor esperar até ao momento em que todos
tivessem a capacidade de apresentar um produ-
to com um mínimo de qualidade e produção que
pudesse influenciar o resultado final.” É por esta
altura que João Dourado cria os seus próprios
estúdios, e o Filipe Gomes arranca também
com a sua editora. “Assim estavam criadas as
condições para retomar o que tínhamos feito,
com novas composições, e o desenvolvimento
do registo vocal do Alex,” considera o guitarris-
ta. Para lá da música, este primeiro trabalho
“As nossas principais influências da
actualidade são nomes que já preci-
sam de alguma maturidade musical
para compreender.”
revela-se a várias dimensões, com as letras a
assumirem um papel determinante na comple-
xidade do disco. É Alex o seu autor. “Na parte
formal, não considero que tenha sido difícil fa-
zer as letras, pois não há grande preocupação
com a rima, seguindo mais a tradição do black
metal ortodoxo, em que se declama e encaixa
um texto.” O vocalista revela escutar a música
e só depois fazer a notação e procurar onde
pertence a voz. Na parte material, as letras fo-
ram escritas há algum tempo. “Quando tinha 21
anos, quando nos juntámos todos, no início dos
Existence:Void,” recorda. “Era uma altura em que
estava muito envolvido na leitura de filosofia,
em particular a mais iconoclasta de Nietzsche
e Schopenhauer, por isso não queria fazer algo
que fosse ficção como fiz no passado, querendo
mesmo pôr os meus próprios pensamentos.” Os
anos passaram e Alex voltou a rever as letras.
“Em 2019 ou 2020 peguei nelas outra vez, e pen-
sei que estava demasiado dependente destes
filósofos, não querendo estar a pregar com a ar-
rogância de um jovem de 22 anos. Optei por dar
um twist mais poético e imaginário, diluindo os
textos filosóficos no que seriam páginas perdi-
das de um livro encontrado, como o manuscrito
de Voynich.” Os Existence:Void não são, assim,
apenas mais uma nova banda, mas um projec-
to que assumiu a maturidade pessoal, como
um ponto decisivo para a conclusão do produto
final, da arte, que começa logo pela interessan-
te capa com que se apresenta. [E.F.]
THE BOTS
Em 2014, atingiram o estrelato com o seu
indie punk incendiário, e regressam agora
depois de anos conturbados.
S
eria compreensível que o Mikaiah Lei
estivesse nervoso. A última vez que
lançou um disco com os THE BOTS,
ainda na companhia do seu irmão mais
novo, o baterista Anaiah Lei (que entre-
tanto saiu da banda), era um jovem de 21
anos. Estávamos em 2014, e «Pink Palms»
catapultou-os para o sucesso, levando-os
a aparecer em todos os maiores festivais
norte-americanos de música independen-
te, algo improvável para o garage punk
meio oblíquo que praticavam. Seguiram-se
alguns anos de silêncio discográfico sur-
preendente, enquanto Mikaiah passava di-
ficuldades para gerir todo este crescimento
prematuro. Foram sete anos até aparecer
o sucessor, «2 Seater», que tinha saído há
dias quando conversámos com o guitarris-
ta. “Sinto-me muito calmo, estranhamente,”
diz com um sorriso. “Antes de o álbum sair
estava bastante ansioso, mas só porque
queria mesmo que esse dia chegasse. Ago-
ra, é como se essa fase da minha vida tenha
finalmente terminado, e já me posso con-
centrar a sério em continuar a fazer música
nova. Não posso ficar muito tempo parado a
pensar no que as pessoas vão achar, se bem
que queremos sempre que gostem, como é
FOTO: JACQUELINE SCRIPPS
óbvio. Nesse sentido, encaro o «2 Seater»
com muito positivismo.” Compreende-se a
necessidade por algum closure, até porque,
segundo consta, muito de «2 Seater» ainda
são temas que foram aproveitados daquela
época de explosão que se seguiu ao «Pink
Palms». “Neste conjunto de canções há de
facto muito material que já escrevi há vários
anos, mas outras que fui escrevendo ao lon-
go do tempo, portanto há coisas bastante
mais recentes, também,” explica o norte-a-
mericano, originário de Detroit. “No final de
contas acaba por ser um documento dos úl-
timos sete anos, de forma bastante literal. É
mesmo o melhor da música que escrevi nes-
te intervalo. Resolvi não descartar nada só
por ser material ‘antigo’. Havia muita coisa
que queria ter gravado logo a seguir ao «Pink
Palms» mas que por uma razão ou outra
não consegui fazer, e não queria desperdiçar
essa música, porque acho que ainda tinha
bastante valor. Enfrentei vários obstáculos
e dificuldades durante estes últimos anos
que foram impedindo que pudesse lançar
música nova, e portanto a intenção é mes-
mo fazer um compêndio do que de melhor
fiz nesse período complicado. Sinto que,
desta forma, documentei estes anos, fechei
um período, e posso continuar em frente pa-
cificamente.”
Apesar da criatividade lírica deste álbum
novo, com muitas alegorias, «2 Seater»
acaba realmente por parecer muito pes-
soal. É uma história de amadurecimento,
e não só musicalmente. “Sim, acabei por
perceber que este álbum é de facto a minha
história pessoal, mas não foi com essa in-
tenção que escrevi as coisas, e só percebi
isso de facto quando outras pessoas mo
fizeram ver, sinceramente,” explica Mikaiah.
“Foi só quando tive que falar sobre a mensa-
gem que estava a transmitir em voz alta, ver-
balmente, quando tive que pensar nisso, que
se tornou óbvio. É uma crónica dos meus
últimos anos, e por isso é que me comecei a
“É possível
comparar os
Foo Fighters e
os Beatles, são
ambos bandas
de rock… só que
é rock muito
diferente!”
referir a este trabalho como uma cena meio
coming of age, trata de temas como cres-
cimento, amadurecimento, aprendizagem
sobre quem sou… Eu era muito jovem quan-
do comecei a actuar de forma profissional.
Tinha acabado de sair do liceu! Era um rapaz
de dezoito anos, e esses anos são muito for-
mativos. E eu passei-os com muitas distrac-
ções que não são comuns, estive dentro de
uma espécie de nuvem, que de várias for-
mas atrasou e dificultou algum amadureci-
mento e alguma percepção sobre mim pró-
prio que depois tive necessariamente que
atravessar. Tive que aprender a respeitar-me
a mim próprio e a ser paciente. E acho que
essa transformação se reflecte na música.”
Agora com 28 anos, e cheio de ideias novas
para que o sucessor de «2 Seater» não vol-
te a demorar sete anos… que diferenças é
que o Mikaiah de hoje nota em relação ao
miúdo que começou a fazer música ainda
adolescente? “É uma pergunta complica-
da!” ri-se ele. “Acho que queria fazer músi-
ca mais rápida, mais crua. Pensava menos,
quando era mais novo. Não que o material
que está no álbum novo não tenha também
essas componentes, continua a ser punk,
mas é um processo mental diferente. E que
está sempre a mudar – este álbum é muito
diferente do anterior, mas a música que te-
nho estado a escrever esta semana também
é bastante diferente de tudo isso! É possível
comparar tudo, claro, mas tal como é possí-
vel comparar os Foo Fighters e os Beatles,
são ambos bandas de rock… só que é rock
muito diferente! [risos]” [J.C.S.]
LOUD! 13

EXISTENCE:VOID
Projecto conimbricense, que existe há já uma década.
Amadurecer foi a chave para o quarteto surgir com «Anatman».
O
s EXISTENCE:VOID agregam músicos
de vários outros projectos musicais de
Coimbra, em particular dos Antichthon.
Destroyers Of All, Terror Empire ou Grimlet são
outros dos nomes associados. Alex Mendes na
voz, Diogo Ferraz nas guitarras, Filipe Gomes
no baixo e João Dourado na bateria são os qua-
tro integrantes, com a particularidade de João
Dourado ser também responsável pela pro-
dução, enquanto Filipe Gomes, normalmente
baterista, assume aqui um novo instrumento.
“Quando os Antichthon foram formados, ainda
nenhum de nós tinha aprendido a tocar algum
instrumento,” revela Diogo Ferraz, referindo
que apenas João Dourado seria a excepção.
“Formámos a banda e no dia seguinte fomos
todos inscrever-nos em aulas de música. Crad-
le Of Filth e Dimmu Borgir eram as bandas que
queríamos emular, e o grupo desenvolveu-se a
partir dos gostos que tínhamos em comum.” To-
dos jovens, foram crescendo como músicos e
pessoas, ao mesmo tempo que os Antichthon.
“Mas a uma dada altura os nossos gostos musi-
cais já tinham atingido uma certa maturidade. É
um salto grande, dos catorze para os dezanove
anos,” sublinha Alex Mendes. “Os Existence:-
Void foram o meu amadurecer como músico, já
com capacidade de compor músicas do princí-
pio ao fim,” refere Diogo, lembrando que é nes-
sa altura que começam a conviver mais com
o Filipe, que os acompanhava nos concertos.
“É dessa altura a «Eternal Recurrence», primeira
música do nosso álbum,” diz o guitarrista, com
Alex a recordar quando recebeu a notícia pelo
Messenger, enquanto João e Diogo estavam a
compor esse tema. “Era tão diferente daquilo
que nós tínhamos, e por isso mesmo pensámos
em criar um projecto diferente. Até porque pas-
sávamos por uma crise de identidade, no senti-
do em que não nos revíamos em certas bandas
como acontecia dois ou três anos antes.” Pros-
segue Diogo: “No fundo, as nossas principais
12 LOUD!
influências da actualidade são nomes que já
precisam de alguma maturidade musical para
compreender. É necessário passar níveis para
chegar a uns Deathspell Omega, por exemplo.”
Maturidade parece ser o conceito chave, que
também marca a criação do novo álbum,
«Anatman». Primeiro, porque houve uma dis-
persão dos vários membros da banda, como
recorda Alex, que admite que ele e o Diogo se
dedicaram mais a outras coisas e que todos os
outros se envolveram noutros projectos. Diogo
sublinha mesmo que “quando entrámos para
a universidade, as prioridades alteraram-se um
bocado, foi uma altura em que notámos que
cada um tinha um objectivo um bocadinho dife-
rente,” algo que levou alguns a estudar mesmo
fora de Portugal. “Também deixou de haver a
prioridade de lançar por lançar, até porque não
tínhamos ficado muito satisfeitos com o resul-
tado final do álbum dos Antichton. Achámos
melhor esperar até ao momento em que todos
tivessem a capacidade de apresentar um produ-
to com um mínimo de qualidade e produção que
pudesse influenciar o resultado final.” É por esta
altura que João Dourado cria os seus próprios
estúdios, e o Filipe Gomes arranca também
com a sua editora. “Assim estavam criadas as
condições para retomar o que tínhamos feito,
com novas composições, e o desenvolvimento
do registo vocal do Alex,” considera o guitarris-
ta. Para lá da música, este primeiro trabalho
“As nossas principais influências da
actualidade são nomes que já preci-
sam de alguma maturidade musical
para compreender.”
revela-se a várias dimensões, com as letras a
assumirem um papel determinante na comple-
xidade do disco. É Alex o seu autor. “Na parte
formal, não considero que tenha sido difícil fa-
zer as letras, pois não há grande preocupação
com a rima, seguindo mais a tradição do black
metal ortodoxo, em que se declama e encaixa
um texto.” O vocalista revela escutar a música
e só depois fazer a notação e procurar onde
pertence a voz. Na parte material, as letras fo-
ram escritas há algum tempo. “Quando tinha 21
anos, quando nos juntámos todos, no início dos
Existence:Void,” recorda. “Era uma altura em que
estava muito envolvido na leitura de filosofia,
em particular a mais iconoclasta de Nietzsche
e Schopenhauer, por isso não queria fazer algo
que fosse ficção como fiz no passado, querendo
mesmo pôr os meus próprios pensamentos.” Os
anos passaram e Alex voltou a rever as letras.
“Em 2019 ou 2020 peguei nelas outra vez, e pen-
sei que estava demasiado dependente destes
filósofos, não querendo estar a pregar com a ar-
rogância de um jovem de 22 anos. Optei por dar
um twist mais poético e imaginário, diluindo os
textos filosóficos no que seriam páginas perdi-
das de um livro encontrado, como o manuscrito
de Voynich.” Os Existence:Void não são, assim,
apenas mais uma nova banda, mas um projec-
to que assumiu a maturidade pessoal, como
um ponto decisivo para a conclusão do produto
final, da arte, que começa logo pela interessan-
te capa com que se apresenta. [E.F.]
THE BOTS
Em 2014, atingiram o estrelato com o seu
indie punk incendiário, e regressam agora
depois de anos conturbados.
S
eria compreensível que o Mikaiah Lei
estivesse nervoso. A última vez que
lançou um disco com os THE BOTS,
ainda na companhia do seu irmão mais
novo, o baterista Anaiah Lei (que entre-
tanto saiu da banda), era um jovem de 21
anos. Estávamos em 2014, e «Pink Palms»
catapultou-os para o sucesso, levando-os
a aparecer em todos os maiores festivais
norte-americanos de música independen-
te, algo improvável para o garage punk
meio oblíquo que praticavam. Seguiram-se
alguns anos de silêncio discográfico sur-
preendente, enquanto Mikaiah passava di-
ficuldades para gerir todo este crescimento
prematuro. Foram sete anos até aparecer
o sucessor, «2 Seater», que tinha saído há
dias quando conversámos com o guitarris-
ta. “Sinto-me muito calmo, estranhamente,”
diz com um sorriso. “Antes de o álbum sair
estava bastante ansioso, mas só porque
queria mesmo que esse dia chegasse. Ago-
ra, é como se essa fase da minha vida tenha
finalmente terminado, e já me posso con-
centrar a sério em continuar a fazer música
nova. Não posso ficar muito tempo parado a
pensar no que as pessoas vão achar, se bem
que queremos sempre que gostem, como é
FOTO: JACQUELINE SCRIPPS
óbvio. Nesse sentido, encaro o «2 Seater»
com muito positivismo.” Compreende-se a
necessidade por algum closure, até porque,
segundo consta, muito de «2 Seater» ainda
são temas que foram aproveitados daquela
época de explosão que se seguiu ao «Pink
Palms». “Neste conjunto de canções há de
facto muito material que já escrevi há vários
anos, mas outras que fui escrevendo ao lon-
go do tempo, portanto há coisas bastante
mais recentes, também,” explica o norte-a-
mericano, originário de Detroit. “No final de
contas acaba por ser um documento dos úl-
timos sete anos, de forma bastante literal. É
mesmo o melhor da música que escrevi nes-
te intervalo. Resolvi não descartar nada só
por ser material ‘antigo’. Havia muita coisa
que queria ter gravado logo a seguir ao «Pink
Palms» mas que por uma razão ou outra
não consegui fazer, e não queria desperdiçar
essa música, porque acho que ainda tinha
bastante valor. Enfrentei vários obstáculos
e dificuldades durante estes últimos anos
que foram impedindo que pudesse lançar
música nova, e portanto a intenção é mes-
mo fazer um compêndio do que de melhor
fiz nesse período complicado. Sinto que,
desta forma, documentei estes anos, fechei
um período, e posso continuar em frente pa-
cificamente.”
Apesar da criatividade lírica deste álbum
novo, com muitas alegorias, «2 Seater»
acaba realmente por parecer muito pes-
soal. É uma história de amadurecimento,
e não só musicalmente. “Sim, acabei por
perceber que este álbum é de facto a minha
história pessoal, mas não foi com essa in-
tenção que escrevi as coisas, e só percebi
isso de facto quando outras pessoas mo
fizeram ver, sinceramente,” explica Mikaiah.
“Foi só quando tive que falar sobre a mensa-
gem que estava a transmitir em voz alta, ver-
balmente, quando tive que pensar nisso, que
se tornou óbvio. É uma crónica dos meus
últimos anos, e por isso é que me comecei a
“É possível
comparar os
Foo Fighters e
os Beatles, são
ambos bandas
de rock… só que
é rock muito
diferente!”
referir a este trabalho como uma cena meio
coming of age, trata de temas como cres-
cimento, amadurecimento, aprendizagem
sobre quem sou… Eu era muito jovem quan-
do comecei a actuar de forma profissional.
Tinha acabado de sair do liceu! Era um rapaz
de dezoito anos, e esses anos são muito for-
mativos. E eu passei-os com muitas distrac-
ções que não são comuns, estive dentro de
uma espécie de nuvem, que de várias for-
mas atrasou e dificultou algum amadureci-
mento e alguma percepção sobre mim pró-
prio que depois tive necessariamente que
atravessar. Tive que aprender a respeitar-me
a mim próprio e a ser paciente. E acho que
essa transformação se reflecte na música.”
Agora com 28 anos, e cheio de ideias novas
para que o sucessor de «2 Seater» não vol-
te a demorar sete anos… que diferenças é
que o Mikaiah de hoje nota em relação ao
miúdo que começou a fazer música ainda
adolescente? “É uma pergunta complica-
da!” ri-se ele. “Acho que queria fazer músi-
ca mais rápida, mais crua. Pensava menos,
quando era mais novo. Não que o material
que está no álbum novo não tenha também
essas componentes, continua a ser punk,
mas é um processo mental diferente. E que
está sempre a mudar – este álbum é muito
diferente do anterior, mas a música que te-
nho estado a escrever esta semana também
é bastante diferente de tudo isso! É possível
comparar tudo, claro, mas tal como é possí-
vel comparar os Foo Fighters e os Beatles,
são ambos bandas de rock… só que é rock
muito diferente! [risos]” [J.C.S.]
LOUD! 13
 THE RAVEN AGE
EXÍLIO
ACÚSTICO
Os THE RAVEN AGE aproveitaram a pandemia e a
incerteza em relação a um hipotético regresso à
estrada para concretizarem uma ideia: recriarem
alguns dos seus temas em formato acústico. «Exile» é o
álbum resultante, que para além das suas canções em
versões unplugged, ainda inclui dois temas inéditos e
mais alguns ao vivo. A LOUD! aproveitou o facto de a
banda estar em estúdio, já em avançado processo de
gravação do terceiro álbum de originais, para falar com
o guitarrista George Harris sobre esta novidade.
JORGE BOTAS JOHN MCMURTRIE
14 LOUD!
Fizeram muito recentemente um concerto
live stream. Como correu?
Correu bem. Foi um longo processo de
antecipação desse concerto e da edição
do «Exile». Todo o planeamento demorou
algum tempo... e o lançamento do disco,
que era uma ideia que já tínhamos, aca-
bou por se transformar numa grande
empreitada! [risos] A ideia inicial era fa-
zer algo mais simples, lançar apenas em
formato digipack. Mas depois veio o live
stream com o pianista, o quarteto de cor-
das, a arte para o álbum, e tudo acabou
por exceder as nossas expectativas. Foi
divertido finalmente fazer isto.
Quando se aperceberam que alguns destes
temas ganhavam com esta roupagem mais
espartana?
Acho que a ideia surgiu por causa das di-
gressões que fizemos. Tínhamos sempre
umas guitarras acústicas connosco, brin-
cávamos um pouco com elas e tocávamos
uns dois ou três temas nesse formato. Na
digressão de 2019 fizemos mesmo alguns
sets acústicos, normalmente entre datas na
América do Sul, onde tocávamos um set de
meia hora nos concertos. Obviamente que
tínhamos de fazer uns arranjos diferentes,
e despir um pouco as músicas, se assim se
pode dizer. Foi aí que veio a ideia de fazer
isto como deve ser, gravá-las e tentar en-
volver uma orquestra ou algo do género, e
agora estou satisfeito por finalmente termos
concretizado tudo isso.
Esta ideia concretiza-se independentemen-
te da pandemia, ou se o mundo estivesse
“Tudo para que tínhamos trabalhado
parou e não sabíamos se iríamos
conseguir ter de volta esse ímpeto.”
estado normal vocês teriam seguido a
vida no formato eléctrico?
Acho que teríamos seguido como nor-
malmente e talvez não tivéssemos con-
cretizado este projecto, realmente. Isto
foi algo que já tínhamos dito que quería-
mos fazer há algum tempo, mas o pro-
blema era sempre arranjar o tempo para
o fazer, porque antes da pandemia, não
queríamos que o nosso próximo trabalho
fosse algo em formato mais relaxado.
Não era esse o plano, queríamos seguir a
todo o gás depois do «Conspiracy» para
o próximo disco, para podermos conti-
nuar a aumentar a nossa base de fãs.
Só que, entretanto, chegou a pandemia e
tínhamos tempo livre, sabíamos que não
queríamos editar o terceiro álbum durante
o confinamento porque acabaria por ser
engolido, e quando chegasse a altura para
dar concertos já não era exactamente um
lançamento novo. Por isso a oportunidade
acabou por se proporcionar para fazermos
este álbum.
Antes da pandemia, estavam com um
ímpeto grande e a fazer bastantes digres-
sões, e de repente parou tudo. Como é
que reagiram, houve algum pânico?
Não diria que foi pânico, acho que foi
mais desolador. E o não saber... Não sa-
ber quando as coisas vão voltar ao nor-
mal, não saber quando vamos dar o pró-
ximo concerto, se vamos conseguir fazer
o próximo disco. Estávamos à beira de
dar o primeiro concerto como cabeças-
-de-cartaz nos Estados Unidos e já está-
vamos em solo norte-americano quando
soubemos que a pandemia era séria e
tivemos que voar na véspera daquele que
seria o nosso primeiro concerto como ca-
beças-de-cartaz em Nova Iorque. Foi uma
desilusão e, como disseste, íamos com um
ímpeto grande e tínhamos tocado bastante
em 2018 e 2019. Em 2019 fizemos cerca
de cinco meses de concertos. Foi mesmo
devastador! Tudo a ser cortado... Tudo para
que tínhamos trabalhado parou e não sa-
bíamos se iríamos conseguir ter de volta
esse ímpeto. Como te disse, não saber o
futuro é muito difícil.
Agora, o Reino Unido está a voltar ao nor-
mal no que diz respeito a concertos. Já
houve o Download em versão reduzida, e
os festivais de Leeds e Reading mais recen-
temente. Quais são os vossos planos nos
próximos tempos?
Temos planos, e a ideia é dar uma série de
concertos no Reino Unido em Dezembro.
Vamos tocar nas principais cidades, vão
ser cerca de oito ou nove concertos. Ideal-
mente gostaríamos que tivesse acontecido
mais cedo, mas as coisas ainda estavam
um pouco complicadas. Apesar dos festi-
vais de Leeds e Reading terem seguido em
frente, ainda havia rumores que podiam não
acontecer. Como não havia muitas certezas,
achámos que seria melhor avançar as datas
para o final do ano e esperar que as coisas
já estejam bem nessa altura. Estamos mor-
tinhos para dar estes concertos em Dezem-
bro, porque já há bastante tempo que esta-
mos parados nesse aspecto. Como temos
algum trabalho para fazer em estúdio, não se
dá o caso de estarmos à espera que chegue
Dezembro para poder tocar, e assim aprovei-
tamos os meses que faltam para ir fazendo
mais alguma coisa.
Isso quer dizer o terceiro álbum – não con-
tando com o «Exile» - já está em prepara-
ção?
Sim, definitivamente. Já está bem adiantado,
aliás. Neste momento estou sentado, literal-
mente, no estúdio a gravar guitarras. Já está
tudo escrito. Aproveitámos a pandemia para
ir trocando ideias nos nossos estúdios casei-
ros e íamos enviado ficheiros com regulari-
dade uns aos outros. Não foi o mesmo que
estarmos juntos numa sala para perceber o
que funciona e o que não funciona. Mas com
o tempo que tínhamos livre, acabámos por
aproveitar para ir aperfeiçoando os temas. A
bateria já está gravada, as guitarras estão a
ser captadas neste momento... Estamos su-
per excitados para o próximo capítulo.
E qual o plano para o lançamento? Prima-
vera de 2022?
Essa parece ser a altura mais provável. Di-
ria que é o nosso alvo. Mas não temos uma
ideia certa, tendo em conta os tempos que
estamos a viver neste momento. Não faze-
mos ideia de quando vai começar a promo-
ção, de quando lançamos o primeiro single,
quando fazemos um vídeo. E está difícil es-
colher um tema para lançar primeiro, porque
há algumas canções de que gostamos bas-
tante. É um bom problema para se ter.
E quão frustrante é não poderem planear
algo por causa de tudo o que estamos a
viver?
É bastante frustrante! Essa é a questão, por-
que nós ainda nem temos um calendário de
digressão planeado. Queremos voltar à Euro-
pa, queremos ir aos Estados Unidos, mas en-
quanto não tivermos esse planeamento con-
creto de onde são as datas… Até porque só
nessa altura é que sabemos quais os temas
que vamos lançar e como vai ser a campa-
nha. Basicamente, como nos últimos dezoito
meses, vai ser um jogo de espera. [risos]
Entretanto, já tens alguma opinião formada
em relação ao novo disco dos Iron Maiden?
Sou grande fã dos últimos três temas!
Por acaso, tenho de concordar contigo. A
minha preferida é a «Hell On Earth». Apesar
de gostar dos singles, «Writing On The Wall»
e «Stratego», há algo de especial nos temas
mais longos.
LOUD! 15
 THE RAVEN AGE
EXÍLIO
ACÚSTICO
Os THE RAVEN AGE aproveitaram a pandemia e a
incerteza em relação a um hipotético regresso à
estrada para concretizarem uma ideia: recriarem
alguns dos seus temas em formato acústico. «Exile» é o
álbum resultante, que para além das suas canções em
versões unplugged, ainda inclui dois temas inéditos e
mais alguns ao vivo. A LOUD! aproveitou o facto de a
banda estar em estúdio, já em avançado processo de
gravação do terceiro álbum de originais, para falar com
o guitarrista George Harris sobre esta novidade.
JORGE BOTAS JOHN MCMURTRIE
14 LOUD!
Fizeram muito recentemente um concerto
live stream. Como correu?
Correu bem. Foi um longo processo de
antecipação desse concerto e da edição
do «Exile». Todo o planeamento demorou
algum tempo... e o lançamento do disco,
que era uma ideia que já tínhamos, aca-
bou por se transformar numa grande
empreitada! [risos] A ideia inicial era fa-
zer algo mais simples, lançar apenas em
formato digipack. Mas depois veio o live
stream com o pianista, o quarteto de cor-
das, a arte para o álbum, e tudo acabou
por exceder as nossas expectativas. Foi
divertido finalmente fazer isto.
Quando se aperceberam que alguns destes
temas ganhavam com esta roupagem mais
espartana?
Acho que a ideia surgiu por causa das di-
gressões que fizemos. Tínhamos sempre
umas guitarras acústicas connosco, brin-
cávamos um pouco com elas e tocávamos
uns dois ou três temas nesse formato. Na
digressão de 2019 fizemos mesmo alguns
sets acústicos, normalmente entre datas na
América do Sul, onde tocávamos um set de
meia hora nos concertos. Obviamente que
tínhamos de fazer uns arranjos diferentes,
e despir um pouco as músicas, se assim se
pode dizer. Foi aí que veio a ideia de fazer
isto como deve ser, gravá-las e tentar en-
volver uma orquestra ou algo do género, e
agora estou satisfeito por finalmente termos
concretizado tudo isso.
Esta ideia concretiza-se independentemen-
te da pandemia, ou se o mundo estivesse
“Tudo para que tínhamos trabalhado
parou e não sabíamos se iríamos
conseguir ter de volta esse ímpeto.”
estado normal vocês teriam seguido a
vida no formato eléctrico?
Acho que teríamos seguido como nor-
malmente e talvez não tivéssemos con-
cretizado este projecto, realmente. Isto
foi algo que já tínhamos dito que quería-
mos fazer há algum tempo, mas o pro-
blema era sempre arranjar o tempo para
o fazer, porque antes da pandemia, não
queríamos que o nosso próximo trabalho
fosse algo em formato mais relaxado.
Não era esse o plano, queríamos seguir a
todo o gás depois do «Conspiracy» para
o próximo disco, para podermos conti-
nuar a aumentar a nossa base de fãs.
Só que, entretanto, chegou a pandemia e
tínhamos tempo livre, sabíamos que não
queríamos editar o terceiro álbum durante
o confinamento porque acabaria por ser
engolido, e quando chegasse a altura para
dar concertos já não era exactamente um
lançamento novo. Por isso a oportunidade
acabou por se proporcionar para fazermos
este álbum.
Antes da pandemia, estavam com um
ímpeto grande e a fazer bastantes digres-
sões, e de repente parou tudo. Como é
que reagiram, houve algum pânico?
Não diria que foi pânico, acho que foi
mais desolador. E o não saber... Não sa-
ber quando as coisas vão voltar ao nor-
mal, não saber quando vamos dar o pró-
ximo concerto, se vamos conseguir fazer
o próximo disco. Estávamos à beira de
dar o primeiro concerto como cabeças-
-de-cartaz nos Estados Unidos e já está-
vamos em solo norte-americano quando
soubemos que a pandemia era séria e
tivemos que voar na véspera daquele que
seria o nosso primeiro concerto como ca-
beças-de-cartaz em Nova Iorque. Foi uma
desilusão e, como disseste, íamos com um
ímpeto grande e tínhamos tocado bastante
em 2018 e 2019. Em 2019 fizemos cerca
de cinco meses de concertos. Foi mesmo
devastador! Tudo a ser cortado... Tudo para
que tínhamos trabalhado parou e não sa-
bíamos se iríamos conseguir ter de volta
esse ímpeto. Como te disse, não saber o
futuro é muito difícil.
Agora, o Reino Unido está a voltar ao nor-
mal no que diz respeito a concertos. Já
houve o Download em versão reduzida, e
os festivais de Leeds e Reading mais recen-
temente. Quais são os vossos planos nos
próximos tempos?
Temos planos, e a ideia é dar uma série de
concertos no Reino Unido em Dezembro.
Vamos tocar nas principais cidades, vão
ser cerca de oito ou nove concertos. Ideal-
mente gostaríamos que tivesse acontecido
mais cedo, mas as coisas ainda estavam
um pouco complicadas. Apesar dos festi-
vais de Leeds e Reading terem seguido em
frente, ainda havia rumores que podiam não
acontecer. Como não havia muitas certezas,
achámos que seria melhor avançar as datas
para o final do ano e esperar que as coisas
já estejam bem nessa altura. Estamos mor-
tinhos para dar estes concertos em Dezem-
bro, porque já há bastante tempo que esta-
mos parados nesse aspecto. Como temos
algum trabalho para fazer em estúdio, não se
dá o caso de estarmos à espera que chegue
Dezembro para poder tocar, e assim aprovei-
tamos os meses que faltam para ir fazendo
mais alguma coisa.
Isso quer dizer o terceiro álbum – não con-
tando com o «Exile» - já está em prepara-
ção?
Sim, definitivamente. Já está bem adiantado,
aliás. Neste momento estou sentado, literal-
mente, no estúdio a gravar guitarras. Já está
tudo escrito. Aproveitámos a pandemia para
ir trocando ideias nos nossos estúdios casei-
ros e íamos enviado ficheiros com regulari-
dade uns aos outros. Não foi o mesmo que
estarmos juntos numa sala para perceber o
que funciona e o que não funciona. Mas com
o tempo que tínhamos livre, acabámos por
aproveitar para ir aperfeiçoando os temas. A
bateria já está gravada, as guitarras estão a
ser captadas neste momento... Estamos su-
per excitados para o próximo capítulo.
E qual o plano para o lançamento? Prima-
vera de 2022?
Essa parece ser a altura mais provável. Di-
ria que é o nosso alvo. Mas não temos uma
ideia certa, tendo em conta os tempos que
estamos a viver neste momento. Não faze-
mos ideia de quando vai começar a promo-
ção, de quando lançamos o primeiro single,
quando fazemos um vídeo. E está difícil es-
colher um tema para lançar primeiro, porque
há algumas canções de que gostamos bas-
tante. É um bom problema para se ter.
E quão frustrante é não poderem planear
algo por causa de tudo o que estamos a
viver?
É bastante frustrante! Essa é a questão, por-
que nós ainda nem temos um calendário de
digressão planeado. Queremos voltar à Euro-
pa, queremos ir aos Estados Unidos, mas en-
quanto não tivermos esse planeamento con-
creto de onde são as datas… Até porque só
nessa altura é que sabemos quais os temas
que vamos lançar e como vai ser a campa-
nha. Basicamente, como nos últimos dezoito
meses, vai ser um jogo de espera. [risos]
Entretanto, já tens alguma opinião formada
em relação ao novo disco dos Iron Maiden?
Sou grande fã dos últimos três temas!
Por acaso, tenho de concordar contigo. A
minha preferida é a «Hell On Earth». Apesar
de gostar dos singles, «Writing On The Wall»
e «Stratego», há algo de especial nos temas
mais longos.
LOUD! 15
 ASKING ALEXANDRIA
Da geração pós-MySpace, que é também a geração de
todas as redes sociais que lhes permitiram transformar-
se em fenómenos de popularidade à escala mundial
num curto espaço de tempo, os ASKING ALEXANDRIA
são das bandas que mais furor têm provocado nos
últimos anos. Com um contagiante híbrido de metal,
rock, punk, pop, post-hardcore e, numa fase inicial,
uma abundância de texturas electrónicas, ao longo de
mais de uma década o quinteto britânico, com base nos
Estados Unidos e raízes no Dubai, assinou uma sequência
de sete álbuns irrepreensíveis, que os viram crescer
de forma exponencial. «See What’s On The Inside» é o
mais recente, editado pouco mais de um ano após «Like
A House On Fire», o disco que a pandemia não lhes
permitiu levar em tour. Aproveitámos a ocasião para
fazer ponto de situação com o guitarrista e estratega do
projecto, o simpático Ben Bruce.
JOSÉ MIGUEL RODRIGUES DANNY WORSNOT
BASEADO EM
FACTOS REAIS
16 LOUD!
Têm estado muitos activos nas redes so-
ciais, com mais e mais acções à medida
que a data de edição ao álbum se aproxi-
ma. Lês o que se escreve sobre vocês?
Sei que não devia, mas dou sempre uma vis-
ta de olhos. Não consigo resistir! É uma coi-
sa difícil. Dantes, era algo que estava sempre
presente, mesmo que estivesse muito lá para
trás na minha cabeça. Costumava ficar cha-
teado com isso, especialmente porque po-
des dar tudo de ti a algo, trabalhar tão dura-
mente, e vai sempre haver alguém que acha
que o que fizeste é péssimo. A verdade é que
as pessoas não conhecem esse contexto,
nem me conhecem a mim. Há milhões de
bandas no planeta, há músicos de que não
gosto, mas não sinto qualquer necessidade
de lhes mostrar ódio em relação à música
que fazem. Parece tão bizarro perder tanto
tempo e energia a fazer isso em vez de me
concentrar nas coisas de que gosto... Enfim,
à medida que fui ficando mais velho, percebi
que faz parte do jogo.
Pela forma como falas, percebe-se que ain-
da te custa.
[risos] É simples, eu sei que não podemos
agradar a toda a gente. E sim, é perturbador e
doloroso quando as pessoas começam a ati-
rar merda na nossa direcção, especialmente
quando as coisas não fazem sentido. No ou-
tro dia, li um comentário em que alguém dizia
que o Danny [Worsnop] não consegue cantar
porque tudo o que faz é ficar bêbado o dia in-
teiro e não cuida da voz. Eu sei o que se pas-
sa. O Danny está sóbrio há dois anos... Não
tocou numa gota de álcool durante esse tem-
po e, já agora, tem um treinador vocal. Treina
todos os dias. De acordo com essa pessoa,
não é isso que se passa. É meio perturbador
porque... bem, simplesmente porque não é
verdade.
Imagino que também não estejas preocu-
pado com agradar a toda a gente quando
estás a escrever, certo?
Certo. Isso é ponto assente; nunca vai acon-
tecer, nem vale a pena estar preocupado
com isso. Acho que essa é a importância
de escrevermos música de que gostemos,
e que seja verdadeira. Se nos sentarmos a
pensar sobre como vão ser as reacções e as
respostas das outras pessoas a isso, vamos
enlouquecer. Isso, no final, é só uma espécie
de produto. Bem, é exactamente isso que é:
produto. Não é uma obra de arte. Não é um
pedaço de ti, é algo em que pensaste cogni-
tivamente para vender a alguém. É por isso
que acho tão engraçado as pessoas chama-
rem “vendidas” às bandas. Para mim, vendi-
do é alguém que está sempre a escrever a
mesma coisa. Que não arrisca, só porque o
que já fez funciona.
Não se pode dizer que o vosso público este-
ja propriamente a decrescer.
Certo, mas nunca nos vendemos. Temos
mudado sempre, de disco para disco. É o
oposto de um músico vender-se, que é fazer
o que ama ou o quer fazer, independente-
mente do que vier. Nós estamos a fazer arte,
estamos a arriscar.
O «Like A House On Fire» foi lançado há
pouco mais de um ano – e aqui estão, com
um sucessor resultado da pandemia. Ou já
estava planeado?
Não, o «See What’s On The Inside» é real-
mente um produto do tempo de inactividade
provocado pela pandemia. No início, foi meio
assustador porque lançámos o álbum e, às
tantas, percebemos que não íamos poder
tocá-lo ao vivo, mas depois... Sejamos sin-
ceros, este foi o primeiro período de folga
que tivemos em muito tempo. E esse tempo
de folga permitiu-me relembrar e pensar no
que queria quando comecei a banda. Fez-me
“Somos nós os cinco que fazemos este
grupo mágico e conseguimos captar
essa energia novamente.”
pensar na sensação que tive quando tinha
doze anos e queria começar uma banda
com os meus amigos. Sinto que é tão fácil
perder isso quando a música se transforma
na tua carreira. Estás tão focado em coisas
como o management, as editoras, os tipos
que te marcam as tours, tudo o que tens de
fazer para divulgar o álbum. A magia acaba
por diluir-se.
E o que saiu desse período de reflexão?
Reflecti sobre tudo, sobre o que fizemos e
conquistámos. E percebi que não me sentia
da mesma forma, e isso deixou-me triste,
por isso pensei “caraças, tenho de voltar
ali”, dar um twist na forma como fazemos
as coisas. Nós, ao longo dos anos, fomo-
-nos separando como banda. Uns vivem
aqui, outros vivem ali, outros vivem além,
há algum tempo que já não escrevíamos
uns temas juntos na sala de ensaios. Além
disso, quando começámos a pensar em
fazer este disco, nem sequer tínhamos
editora.
E foram em frente, sem expectativas.
Exactamente. Não sabíamos quem o
iria lançar. Devíamos lançá-lo nós? Na-
quela altura, estava tudo em aberto.
Aproveitando o facto de estarmos mais
descontraídos, decidimos ir para um
estúdio, nós os cinco no meio do nada,
para recuperarmos a ligação e vermos
o que acontecia. Man, foi a melhor
experiência de sempre. Apaixonei-me com-
pletamente por guitarras, amplificadores e
pedais. Todos nos apaixonámos de novo uns
pelos outros, a amizade até ficou mais for-
te. Pela primeira vez em muito, muito tempo,
partilhámos uma acomodação que não era
um tour bus. Estivemos um mês fechados no
mesmo sítio, a gravar, a escrever e a passar
um bom bocado. Para nós, foi muito impor-
tante ter isso de volta.
Soa quase como um novo começo.
Foi uma experiência incrível! Foi algo que
nunca mais vamos esquecer e tomámos a
decisão de que nunca vamos voltar a fazer
discos da maneira que fazíamos antes, com
toda a gente separada. Daqui para a frente,
vamos fazer as coisas assim. Vamos arran-
jar tempo para estarmos todos juntos no
mesmo sítio quando chegar o momento de
fazer um álbum. Quando estás metido na
máquina, estás a fazer o melhor que podes,
mas só vais, vais, vais. Basicamente, estás
apenas no modo go e dizem-te que tens
de fazer isto, isto, isto. No passado, houve
muitos momentos em que tive ideias e aca-
bei por fazer os temas do início ao fim, sem
grande input deles, mas desta vez foi uma
colaboração.
Como é que esse sair “da máquina” se re-
flectiu?
Acho que este é o disco mais Asking Alexan-
dria desde o primeiro, para ser muito since-
ro. Foi um período muito criativo, mesmo.
Resultou bem estarmos a trabalhar todos
juntos, como um quinteto, que é algo que
não fazíamos num álbum inteiro desde o
«Stand Up And Scream», que também foi
um esforço colectivo. Naquela altura éra-
mos nós os cinco, numa sala juntos. Eu
sempre fui, e continuo a ser, o compositor
principal. Portanto, muitas das ideias come-
çam aqui, mas quando há cinco pessoas
envolvidas no processo, todos têm sua
opinião, e é isso que fez as coisas serem
mágicas. Foi isso que nos fez homens, que
fez os Asking Alexandria. Parece que estou
entusiasmado? [risos] É porque estou mes-
mo, essa dinâmica e colaboração foram
super importantes, tornaram o resultado
final muito melhor. Somos nós os cinco que
fazemos este grupo mágico e conseguimos
captar essa energia novamente. Posso ou-
vir um tema e pensar “fixe, isto foi uma ideia
do Sam que deixou a canção muito melhor”.
Posso ouvir um riff e lembrar-me de estar a
tocá-lo na guitarra para o Cameron e, juntos,
descobrirmos as harmonias. Há algo muito
especial na capacidade que uma banda tem
de se unir e criar, num processo que envolve
mais do que apenas uma mente. Geralmen-
te, é nesses momentos que acontece algo
especial.
LOUD! 17
 ASKING ALEXANDRIA
Da geração pós-MySpace, que é também a geração de
todas as redes sociais que lhes permitiram transformar-
se em fenómenos de popularidade à escala mundial
num curto espaço de tempo, os ASKING ALEXANDRIA
são das bandas que mais furor têm provocado nos
últimos anos. Com um contagiante híbrido de metal,
rock, punk, pop, post-hardcore e, numa fase inicial,
uma abundância de texturas electrónicas, ao longo de
mais de uma década o quinteto britânico, com base nos
Estados Unidos e raízes no Dubai, assinou uma sequência
de sete álbuns irrepreensíveis, que os viram crescer
de forma exponencial. «See What’s On The Inside» é o
mais recente, editado pouco mais de um ano após «Like
A House On Fire», o disco que a pandemia não lhes
permitiu levar em tour. Aproveitámos a ocasião para
fazer ponto de situação com o guitarrista e estratega do
projecto, o simpático Ben Bruce.
JOSÉ MIGUEL RODRIGUES DANNY WORSNOT
BASEADO EM
FACTOS REAIS
16 LOUD!
Têm estado muitos activos nas redes so-
ciais, com mais e mais acções à medida
que a data de edição ao álbum se aproxi-
ma. Lês o que se escreve sobre vocês?
Sei que não devia, mas dou sempre uma vis-
ta de olhos. Não consigo resistir! É uma coi-
sa difícil. Dantes, era algo que estava sempre
presente, mesmo que estivesse muito lá para
trás na minha cabeça. Costumava ficar cha-
teado com isso, especialmente porque po-
des dar tudo de ti a algo, trabalhar tão dura-
mente, e vai sempre haver alguém que acha
que o que fizeste é péssimo. A verdade é que
as pessoas não conhecem esse contexto,
nem me conhecem a mim. Há milhões de
bandas no planeta, há músicos de que não
gosto, mas não sinto qualquer necessidade
de lhes mostrar ódio em relação à música
que fazem. Parece tão bizarro perder tanto
tempo e energia a fazer isso em vez de me
concentrar nas coisas de que gosto... Enfim,
à medida que fui ficando mais velho, percebi
que faz parte do jogo.
Pela forma como falas, percebe-se que ain-
da te custa.
[risos] É simples, eu sei que não podemos
agradar a toda a gente. E sim, é perturbador e
doloroso quando as pessoas começam a ati-
rar merda na nossa direcção, especialmente
quando as coisas não fazem sentido. No ou-
tro dia, li um comentário em que alguém dizia
que o Danny [Worsnop] não consegue cantar
porque tudo o que faz é ficar bêbado o dia in-
teiro e não cuida da voz. Eu sei o que se pas-
sa. O Danny está sóbrio há dois anos... Não
tocou numa gota de álcool durante esse tem-
po e, já agora, tem um treinador vocal. Treina
todos os dias. De acordo com essa pessoa,
não é isso que se passa. É meio perturbador
porque... bem, simplesmente porque não é
verdade.
Imagino que também não estejas preocu-
pado com agradar a toda a gente quando
estás a escrever, certo?
Certo. Isso é ponto assente; nunca vai acon-
tecer, nem vale a pena estar preocupado
com isso. Acho que essa é a importância
de escrevermos música de que gostemos,
e que seja verdadeira. Se nos sentarmos a
pensar sobre como vão ser as reacções e as
respostas das outras pessoas a isso, vamos
enlouquecer. Isso, no final, é só uma espécie
de produto. Bem, é exactamente isso que é:
produto. Não é uma obra de arte. Não é um
pedaço de ti, é algo em que pensaste cogni-
tivamente para vender a alguém. É por isso
que acho tão engraçado as pessoas chama-
rem “vendidas” às bandas. Para mim, vendi-
do é alguém que está sempre a escrever a
mesma coisa. Que não arrisca, só porque o
que já fez funciona.
Não se pode dizer que o vosso público este-
ja propriamente a decrescer.
Certo, mas nunca nos vendemos. Temos
mudado sempre, de disco para disco. É o
oposto de um músico vender-se, que é fazer
o que ama ou o quer fazer, independente-
mente do que vier. Nós estamos a fazer arte,
estamos a arriscar.
O «Like A House On Fire» foi lançado há
pouco mais de um ano – e aqui estão, com
um sucessor resultado da pandemia. Ou já
estava planeado?
Não, o «See What’s On The Inside» é real-
mente um produto do tempo de inactividade
provocado pela pandemia. No início, foi meio
assustador porque lançámos o álbum e, às
tantas, percebemos que não íamos poder
tocá-lo ao vivo, mas depois... Sejamos sin-
ceros, este foi o primeiro período de folga
que tivemos em muito tempo. E esse tempo
de folga permitiu-me relembrar e pensar no
que queria quando comecei a banda. Fez-me
“Somos nós os cinco que fazemos este
grupo mágico e conseguimos captar
essa energia novamente.”
pensar na sensação que tive quando tinha
doze anos e queria começar uma banda
com os meus amigos. Sinto que é tão fácil
perder isso quando a música se transforma
na tua carreira. Estás tão focado em coisas
como o management, as editoras, os tipos
que te marcam as tours, tudo o que tens de
fazer para divulgar o álbum. A magia acaba
por diluir-se.
E o que saiu desse período de reflexão?
Reflecti sobre tudo, sobre o que fizemos e
conquistámos. E percebi que não me sentia
da mesma forma, e isso deixou-me triste,
por isso pensei “caraças, tenho de voltar
ali”, dar um twist na forma como fazemos
as coisas. Nós, ao longo dos anos, fomo-
-nos separando como banda. Uns vivem
aqui, outros vivem ali, outros vivem além,
há algum tempo que já não escrevíamos
uns temas juntos na sala de ensaios. Além
disso, quando começámos a pensar em
fazer este disco, nem sequer tínhamos
editora.
E foram em frente, sem expectativas.
Exactamente. Não sabíamos quem o
iria lançar. Devíamos lançá-lo nós? Na-
quela altura, estava tudo em aberto.
Aproveitando o facto de estarmos mais
descontraídos, decidimos ir para um
estúdio, nós os cinco no meio do nada,
para recuperarmos a ligação e vermos
o que acontecia. Man, foi a melhor
experiência de sempre. Apaixonei-me com-
pletamente por guitarras, amplificadores e
pedais. Todos nos apaixonámos de novo uns
pelos outros, a amizade até ficou mais for-
te. Pela primeira vez em muito, muito tempo,
partilhámos uma acomodação que não era
um tour bus. Estivemos um mês fechados no
mesmo sítio, a gravar, a escrever e a passar
um bom bocado. Para nós, foi muito impor-
tante ter isso de volta.
Soa quase como um novo começo.
Foi uma experiência incrível! Foi algo que
nunca mais vamos esquecer e tomámos a
decisão de que nunca vamos voltar a fazer
discos da maneira que fazíamos antes, com
toda a gente separada. Daqui para a frente,
vamos fazer as coisas assim. Vamos arran-
jar tempo para estarmos todos juntos no
mesmo sítio quando chegar o momento de
fazer um álbum. Quando estás metido na
máquina, estás a fazer o melhor que podes,
mas só vais, vais, vais. Basicamente, estás
apenas no modo go e dizem-te que tens
de fazer isto, isto, isto. No passado, houve
muitos momentos em que tive ideias e aca-
bei por fazer os temas do início ao fim, sem
grande input deles, mas desta vez foi uma
colaboração.
Como é que esse sair “da máquina” se re-
flectiu?
Acho que este é o disco mais Asking Alexan-
dria desde o primeiro, para ser muito since-
ro. Foi um período muito criativo, mesmo.
Resultou bem estarmos a trabalhar todos
juntos, como um quinteto, que é algo que
não fazíamos num álbum inteiro desde o
«Stand Up And Scream», que também foi
um esforço colectivo. Naquela altura éra-
mos nós os cinco, numa sala juntos. Eu
sempre fui, e continuo a ser, o compositor
principal. Portanto, muitas das ideias come-
çam aqui, mas quando há cinco pessoas
envolvidas no processo, todos têm sua
opinião, e é isso que fez as coisas serem
mágicas. Foi isso que nos fez homens, que
fez os Asking Alexandria. Parece que estou
entusiasmado? [risos] É porque estou mes-
mo, essa dinâmica e colaboração foram
super importantes, tornaram o resultado
final muito melhor. Somos nós os cinco que
fazemos este grupo mágico e conseguimos
captar essa energia novamente. Posso ou-
vir um tema e pensar “fixe, isto foi uma ideia
do Sam que deixou a canção muito melhor”.
Posso ouvir um riff e lembrar-me de estar a
tocá-lo na guitarra para o Cameron e, juntos,
descobrirmos as harmonias. Há algo muito
especial na capacidade que uma banda tem
de se unir e criar, num processo que envolve
mais do que apenas uma mente. Geralmen-
te, é nesses momentos que acontece algo
especial.
LOUD! 17
 BRAINSTORM
O TREZE
DA SORTE
Os BRAINSTORM estão de regresso com um novo
trabalho, «Wall Of Skulls», já o 13.º disco de estúdio
da carreira da banda germânica. Conversámos com
o vocalista Andy B. Franck, que nos revelou como
a pandemia acabou por ser uma bênção para a
concepção do álbum, e ainda nos falou da sensação
de regressar aos palcos, passados quase dois anos.
JORGE BOTAS ALEX KUEHR
18 LOUD!
Regressaram aos palcos, num festival re-
cente. Como foi essa sensação?
Por um lado, foi extraordinário, e por outro,
foi muito estranho, sinceramente. Foi quase
como estar a subir ao palco pela primeira
vez, tal era o nervosismo. Não tivemos tem-
po para ensaiar as canções, mas por muito
que possamos ensaiar, é sempre diferente
quando tocamos ao vivo. Mas foi uma sen-
sação tão boa. Adorámos! Demorou alguns
minutos, mas depois logo veio ao de cima
aquele sentimento de estar em palco.
Tens conseguido lidar bem com a pande-
mia?
Nós, enquanto banda, conseguimos lidar
bem com a situação. Todos temos empre-
gos normais, por isso deu para nos focarmos
no trabalho e depois um pouco na música.
No festival, não era obrigatório o uso de más-
cara. Bastava estar vacinado ou ter um resul-
tado negativo. Não usar máscara foi um pou-
co estranho, porque dentro do festival eram
10.000 pessoas sem máscara, mas depois
quando saías e ias a uma bomba de gaso-
lina para comprar alguma coisa, ouvias logo
gritos para colocar a máscara. [risos] Mesmo
só lá estando uma pessoa dentro da loja tens
de usar a máscara e vens de um local ao lado
com 10.000 pessoas num festival sem ser
necessário. Surreal.
Falando agora do novo disco dos Brains-
torm, «Wall Of Skulls»… Referiste-te a certa
altura ao álbum anterior, «Midnight Ghost»,
como um ponto de viragem na carreira da
banda. Acabou por servir de inspiração para
o novo material?
Acho que o «Wall Of Skulls» é um passo em
frente em relação ao «Midnight Ghost», pelo
menos para os meus ouvidos. E é verdade
o que disse em relação a esse disco ante-
rior há três anos. Acho que foi uma mistura
perfeita entre um estilo mais moderno e as
nossas raízes, das quais nunca nos esque-
cemos. Acho que, agora, no «Wall Of Skulls»,
temos mais algumas das nossas imagens
de marca que nos tornaram conhecidos já lá
vão 25 anos. São temas mais rápidos, mais
directos ao assunto, canções mais curtas,
temas mais orelhudos. Acho que essa é a
diferença principal. Mas não consigo dizer
qual dos dois é melhor. Adoro ambos. Para
mim, e também para os restantes elementos
da banda, não foi chegar lá e gravar apenas
um «Midnight Ghost» parte dois, queríamos
mesmo fazer algo excelente e que tivesse
uma identidade própria. Acho que o «Walls
Of Skulls» tem muita melodia e, ao mesmo
tempo, uma melancolia que o torna muito
especial.
Acontece-vos, quando passam muito tempo
a trabalhar num tema, que perderem o foco
inicial da ideia que tinham para a canção?
Isso aconteceu-nos no «On The Spur Of The
Moment» onde trabalhámos nas canções
vezes sem conta, a modificar os arranjos,
a acrescentar outras partes, e depois ainda
pensámos que, se calhar, nos esquecemos
de mais alguma coisa. O que aconteceu nes-
te novo, por um lado foi especial, porque es-
távamos preparados para entrar em estúdio
na Primavera de 2020 e eis que aparece essa
coisa chamada COVID-19 e não nos foi pos-
sível ir. Tivemos que reagendar as gravações,
e decidimos gravar em Outubro. Entretanto,
eu não estava muito satisfeito com algumas
das linhas vocais e certas partes de algumas
canções, e decidi que devíamos voltar à sala
de ensaios. Falei com os restantes elemen-
tos da banda e disse-lhes que devíamos tra-
balhar mais nos temas, mas não da forma
obsessiva como tínhamos feito no «On The
Spur Of The Moment». Somos muito conhe-
cidos pela maneira como tocamos música
ao vivo, e foi isso que fizemos. Retirámos al-
gumas partes, modificámos alguns arranjos
e fizemos as coisas como se estivéssemos
em palco. Depois voltei para a casa e a minha
mulher ficou um pouco chateada porque eu
apaguei tudo o que tinha gravado e comecei
outra vez da estaca zero. Mas o resultado fi-
nal é tão bom, que fiquei bastante satisfeito.
Por estranho que possa parecer, a pandemia
acabou por ser uma bênção porque deu para
repensarmos algumas coisas e é por isso
que estamos tão contentes com este novo
disco. Tivemos mais tempo, mas focámo-
-nos no que é mais importante, que são os
Brainstorm em 2021.
Contam com dois convidados de luxo: o
“Peavy” dos Rage e o “Seeb” dos Orden
Ogan que também produz o disco.
Sempre quis trabalhar com alguns músicos
que admiro há muito. No entanto, às vezes
as pessoas não têm tempo ou não encaixam
bem na música, porque tem de fazer sentido.
Desde que estou na banda, nunca fizemos
nada do género, e eu queria mesmo fazer
isso. Por isso, no estúdio, falei com o Seeb
e disse-lhe que seria porreiro que tivésse-
“A pandemia acabou por ser
uma bênção porque deu para
repensarmos algumas coisas e é
por isso que estamos tão contentes
com este novo disco.”
mos um músico convidado. Perguntou-me
quem tinha em mente e eu comecei a falar
de músicos nos Estados Unidos, Inglaterra,
Suécia... ao que ele contrapôs que devíamos
pensar em alguém que morasse perto do
estúdio. Alguém que eu já conhecia há anos
e que é um dos grandes nomes da cena na
Alemanha. Porque não perguntar-lhe se es-
taria disponível? Decidimos então ligar ao
Peavy e ele mostrou-se logo entusiasmado
com a ideia de poder participar. Nessa altura
disse ao Seb que, se já tínhamos uma lenda
no disco, tínhamos também de ter um ícone
mais recente. E ele perguntou de quem es-
tava a falar e eu só lhe disse para não fazer
perguntas parvas, se não queria uma respos-
ta parva. [risos] Tínhamos o tema «Turn Off
The Light» que era perfeito, e assim que ele
gravou a sua parte, deu logo para perceber
que assentou que nem uma luva. Ter estes
dois convidados acaba por tornar o disco
ainda mais especial.
E é fácil trabalhar em estúdio com o Seeb?
Hmmm.. acho que tens de lhe perguntar a
ele. [risos] A sério, acho que se pode chamar
ao Seeb um verdadeiro produtor, e essa é a
grande diferença comparando com outras
pessoas com quem já trabalhamos no pas-
sado. Não todas, mas algumas. Porque al-
guns deles são apenas engenheiros de som.
Já o Seeb é um verdadeiro produtor porque
trabalha no duro contigo nas canções. Ele
ouve-as, abre a sua mente, e depois diz-te o
que odeia. [risos] Depois discute-se um pou-
co as ideias e tentam-se coisas diferentes, e
é isso que eu espero de um produtor. Acaba
por tornar-se um sexto elemento da banda
enquanto estamos em estúdio. Para mim,
é uma situação perfeita porque podes dizer
o que gostas e o que não gostas nas músi-
cas. O importante é o resultado final. Houve
alturas em que ele me obrigou a gravar uma
frase vezes sem conta, durante umas duas
horas, e eu só tive vontade de o matar! E ele
insistia que ainda não estava bem e na tua
cabeça pensas que estás a cantar bem e de-
pois ele mostra-te as diferenças. Acabas por
ter que concordar e o resultado final é sem-
pre bem melhor.
Têm uma digressão agendada para Outubro
e Novembro, com passagem por Portugal.
Acreditas que isso vai acontecer?
As datas na Alemanha, ainda não sabemos,
porque a situação muda de dia para dia e
é difícil prever se as salas têm capacidade
para nos receber ou não. Pela conversa que
temos com o promotor em Espanha e Portu-
gal, parece que as datas vão mesmo aconte-
cer. É aguardar!
LOUD! 19
 BRAINSTORM
O TREZE
DA SORTE
Os BRAINSTORM estão de regresso com um novo
trabalho, «Wall Of Skulls», já o 13.º disco de estúdio
da carreira da banda germânica. Conversámos com
o vocalista Andy B. Franck, que nos revelou como
a pandemia acabou por ser uma bênção para a
concepção do álbum, e ainda nos falou da sensação
de regressar aos palcos, passados quase dois anos.
JORGE BOTAS ALEX KUEHR
18 LOUD!
Regressaram aos palcos, num festival re-
cente. Como foi essa sensação?
Por um lado, foi extraordinário, e por outro,
foi muito estranho, sinceramente. Foi quase
como estar a subir ao palco pela primeira
vez, tal era o nervosismo. Não tivemos tem-
po para ensaiar as canções, mas por muito
que possamos ensaiar, é sempre diferente
quando tocamos ao vivo. Mas foi uma sen-
sação tão boa. Adorámos! Demorou alguns
minutos, mas depois logo veio ao de cima
aquele sentimento de estar em palco.
Tens conseguido lidar bem com a pande-
mia?
Nós, enquanto banda, conseguimos lidar
bem com a situação. Todos temos empre-
gos normais, por isso deu para nos focarmos
no trabalho e depois um pouco na música.
No festival, não era obrigatório o uso de más-
cara. Bastava estar vacinado ou ter um resul-
tado negativo. Não usar máscara foi um pou-
co estranho, porque dentro do festival eram
10.000 pessoas sem máscara, mas depois
quando saías e ias a uma bomba de gaso-
lina para comprar alguma coisa, ouvias logo
gritos para colocar a máscara. [risos] Mesmo
só lá estando uma pessoa dentro da loja tens
de usar a máscara e vens de um local ao lado
com 10.000 pessoas num festival sem ser
necessário. Surreal.
Falando agora do novo disco dos Brains-
torm, «Wall Of Skulls»… Referiste-te a certa
altura ao álbum anterior, «Midnight Ghost»,
como um ponto de viragem na carreira da
banda. Acabou por servir de inspiração para
o novo material?
Acho que o «Wall Of Skulls» é um passo em
frente em relação ao «Midnight Ghost», pelo
menos para os meus ouvidos. E é verdade
o que disse em relação a esse disco ante-
rior há três anos. Acho que foi uma mistura
perfeita entre um estilo mais moderno e as
nossas raízes, das quais nunca nos esque-
cemos. Acho que, agora, no «Wall Of Skulls»,
temos mais algumas das nossas imagens
de marca que nos tornaram conhecidos já lá
vão 25 anos. São temas mais rápidos, mais
directos ao assunto, canções mais curtas,
temas mais orelhudos. Acho que essa é a
diferença principal. Mas não consigo dizer
qual dos dois é melhor. Adoro ambos. Para
mim, e também para os restantes elementos
da banda, não foi chegar lá e gravar apenas
um «Midnight Ghost» parte dois, queríamos
mesmo fazer algo excelente e que tivesse
uma identidade própria. Acho que o «Walls
Of Skulls» tem muita melodia e, ao mesmo
tempo, uma melancolia que o torna muito
especial.
Acontece-vos, quando passam muito tempo
a trabalhar num tema, que perderem o foco
inicial da ideia que tinham para a canção?
Isso aconteceu-nos no «On The Spur Of The
Moment» onde trabalhámos nas canções
vezes sem conta, a modificar os arranjos,
a acrescentar outras partes, e depois ainda
pensámos que, se calhar, nos esquecemos
de mais alguma coisa. O que aconteceu nes-
te novo, por um lado foi especial, porque es-
távamos preparados para entrar em estúdio
na Primavera de 2020 e eis que aparece essa
coisa chamada COVID-19 e não nos foi pos-
sível ir. Tivemos que reagendar as gravações,
e decidimos gravar em Outubro. Entretanto,
eu não estava muito satisfeito com algumas
das linhas vocais e certas partes de algumas
canções, e decidi que devíamos voltar à sala
de ensaios. Falei com os restantes elemen-
tos da banda e disse-lhes que devíamos tra-
balhar mais nos temas, mas não da forma
obsessiva como tínhamos feito no «On The
Spur Of The Moment». Somos muito conhe-
cidos pela maneira como tocamos música
ao vivo, e foi isso que fizemos. Retirámos al-
gumas partes, modificámos alguns arranjos
e fizemos as coisas como se estivéssemos
em palco. Depois voltei para a casa e a minha
mulher ficou um pouco chateada porque eu
apaguei tudo o que tinha gravado e comecei
outra vez da estaca zero. Mas o resultado fi-
nal é tão bom, que fiquei bastante satisfeito.
Por estranho que possa parecer, a pandemia
acabou por ser uma bênção porque deu para
repensarmos algumas coisas e é por isso
que estamos tão contentes com este novo
disco. Tivemos mais tempo, mas focámo-
-nos no que é mais importante, que são os
Brainstorm em 2021.
Contam com dois convidados de luxo: o
“Peavy” dos Rage e o “Seeb” dos Orden
Ogan que também produz o disco.
Sempre quis trabalhar com alguns músicos
que admiro há muito. No entanto, às vezes
as pessoas não têm tempo ou não encaixam
bem na música, porque tem de fazer sentido.
Desde que estou na banda, nunca fizemos
nada do género, e eu queria mesmo fazer
isso. Por isso, no estúdio, falei com o Seeb
e disse-lhe que seria porreiro que tivésse-
“A pandemia acabou por ser
uma bênção porque deu para
repensarmos algumas coisas e é
por isso que estamos tão contentes
com este novo disco.”
mos um músico convidado. Perguntou-me
quem tinha em mente e eu comecei a falar
de músicos nos Estados Unidos, Inglaterra,
Suécia... ao que ele contrapôs que devíamos
pensar em alguém que morasse perto do
estúdio. Alguém que eu já conhecia há anos
e que é um dos grandes nomes da cena na
Alemanha. Porque não perguntar-lhe se es-
taria disponível? Decidimos então ligar ao
Peavy e ele mostrou-se logo entusiasmado
com a ideia de poder participar. Nessa altura
disse ao Seb que, se já tínhamos uma lenda
no disco, tínhamos também de ter um ícone
mais recente. E ele perguntou de quem es-
tava a falar e eu só lhe disse para não fazer
perguntas parvas, se não queria uma respos-
ta parva. [risos] Tínhamos o tema «Turn Off
The Light» que era perfeito, e assim que ele
gravou a sua parte, deu logo para perceber
que assentou que nem uma luva. Ter estes
dois convidados acaba por tornar o disco
ainda mais especial.
E é fácil trabalhar em estúdio com o Seeb?
Hmmm.. acho que tens de lhe perguntar a
ele. [risos] A sério, acho que se pode chamar
ao Seeb um verdadeiro produtor, e essa é a
grande diferença comparando com outras
pessoas com quem já trabalhamos no pas-
sado. Não todas, mas algumas. Porque al-
guns deles são apenas engenheiros de som.
Já o Seeb é um verdadeiro produtor porque
trabalha no duro contigo nas canções. Ele
ouve-as, abre a sua mente, e depois diz-te o
que odeia. [risos] Depois discute-se um pou-
co as ideias e tentam-se coisas diferentes, e
é isso que eu espero de um produtor. Acaba
por tornar-se um sexto elemento da banda
enquanto estamos em estúdio. Para mim,
é uma situação perfeita porque podes dizer
o que gostas e o que não gostas nas músi-
cas. O importante é o resultado final. Houve
alturas em que ele me obrigou a gravar uma
frase vezes sem conta, durante umas duas
horas, e eu só tive vontade de o matar! E ele
insistia que ainda não estava bem e na tua
cabeça pensas que estás a cantar bem e de-
pois ele mostra-te as diferenças. Acabas por
ter que concordar e o resultado final é sem-
pre bem melhor.
Têm uma digressão agendada para Outubro
e Novembro, com passagem por Portugal.
Acreditas que isso vai acontecer?
As datas na Alemanha, ainda não sabemos,
porque a situação muda de dia para dia e
é difícil prever se as salas têm capacidade
para nos receber ou não. Pela conversa que
temos com o promotor em Espanha e Portu-
gal, parece que as datas vão mesmo aconte-
cer. É aguardar!
LOUD! 19
 PORTRAIT
São suecos e tocam heavy metal. É talvez
a melhor, e mais simples, definição para os
autores de «At One With None», os PORTRAIT.
Christian Lindell é o guitarrista e mentor do
grupo, e foi também ele que conversou com a
LOUD! para apresentar o novo disco.
EMANUEL FERREIRA STEFAN JOHANSSON
A TRADIÇÃO
E A EVOLUÇÃO
20 LOUD!
“Não lutamos para manter novo um som
old school, mas para criarmos o nosso pró-
prio som,” afirmam vocês no press release.
Achas importante destacar isto?
O que se tem tornado importante para nós,
ao longo dos anos, é encontrar a nossa pró-
pria identidade musical. Começámos como
muitas bandas fazem, a tocar de forma se-
melhante a alguns dos nossos heróis. Após
algum tempo, isso deixou de fazer sentido
e de nos satisfazer. Começámos a procurar
inspiração dentro do que fazíamos e do que
outros faziam. É isso que quero dizer, porque
nos movimentamos num estilo musical com
50 anos, e é importante percebermos que
adicionamos algo que ainda não tenha sido
acrescentado. Ainda gosto das velhas bandas
e de muito do que elas fazem hoje, ajudaram a
formar todo o género. Fizeram a sua parte, de-
senvolvendo este estilo. Nós queremos fazer
o mesmo, desenvolver o heavy metal.
E isso é fácil? Como tu próprio disseste, já
são décadas de música até hoje.
Talvez não seja fácil, e demora tempo até que
um grupo desenvolva o seu próprio som. Tem
de ser feito passo a passo. Em cada álbum
que lançamos, chegamos mais perto daquilo
que pretendemos, do nosso próprio som. En-
quanto atravessamos esse desenvolvimento,
tudo é válido e satisfatório para nós próprios.
É importante que não haja repetição, mas
evolução. Claro que é ao ouvinte que cabe de-
cidir se isso está a acontecer ou não, mas do
nosso ponto de vista, estamos no caminho
correcto, pelo menos. Creio que, embora ain-
da possamos fazer lembrar muitos nomes,
há já um som característico dos Portrait.
Melodias características da nossa música.
É isso que quero seguir ainda mais à frente.
No momento em que falamos, já aparece-
ram algumas reviews, e quase sempre mui-
to positivas. É uma forma de perceberes
que estás no caminho certo para esse som?
É bom saber que as pessoas gostam do que
tu fazes, mas reviews positivas não são o su-
ficiente, se não estivermos satisfeitos com o
disco. O mais importante para nós, é estar-
mos satisfeitos enquanto músicos, com o
álbum que conseguimos obter do nosso tra-
balho. Claro que é bom ler todo esse feedba-
ck positivo e estamos contentes com isso.
Mostra-nos algo, pelo menos, mesmo não
sendo a confirmação de que tudo está certo.
Em que pensaste quando resolveste dar a
este trabalho o título «At One With None»?
Refere-se a quando te sentes um estranho
numa terra estranha, seja uma localidade, ou
uma sociedade. Tem uma ligação também, a
quando és diferente, ou te sentes diferente,
fazendo algo que não é permitido. Quando
vês os outros alinhados como cordeiros e
tu caminhas no teu próprio trilho, pelos teus
próprios passos, em direcção ao desconhe-
cido, ao escuro. Este é um dos sentidos do
título, o outro é mais espiritual, e relaciona-
-se com reunires-te com algo maior, e depois
nada acontecer. As letras, pelo menos algu-
mas, são escritas sobre essas linhas. Por
vezes escritas de diferentes perspectivas,
umas mais espirituais e mágicas, enquanto
outras estão mais focadas no mundo e so-
ciedade contemporânea.
“Movimentamo-nos num estilo
musical com 50 anos, e é importante
percebermos que adicionamos
algo que ainda não tenha sido
acrescentado.”
Ao dizeres isso, recordas-me o tema «Phan-
tom Fathomer». É um bom exemplo daquilo
a que chamaste espírito de rebanho?
Sim, anda muito à volta desse conceito. Fala
da importância de questionar as coisas, prin-
cipalmente o que os media e aqueles que nos
rodeiam, dizem ser “a verdade”. As autorida-
des dizem-nos “a verdade”. No tema falo da
importância de procurar para lá dessa “ver-
dade”, perceber o verdadeiro sentido das pa-
lavras que nos dizem. Esse é um dos temas
em que procuramos explorar o quotidiano.
Há outras que lidam mais com o lado espi-
ritual e místico.
É uma letra influenciada por aquilo que es-
tamos a passar, na actualidade?
As letras foram todas escritas antes da pan-
demia, ou no máximo, no seu princípio. Mas
realmente, as restrições e tudo que se se-
guiu, ou muito disso, envolvem parte desta
de temática que falo nas letras. Na Suécia ti-
vemos restrições leves, mas durante dezoito
meses, não pudemos ter concertos. Muitas
outras coisas aconteceram. Houve diferen-
tes níveis de restrições e medidas, ao longo
da pandemia e no mundo todo. Apesar disso,
a narrativa é praticamente a mesma em todo
o lado e há pouca resistência a essas deci-
sões, por parte das pessoas, ou dos media.
Não estou, com isto, a dizer que possuo to-
das as respostas, ou que sei a verdade. Ape-
nas sinto a falta de debate, de discussão, pôr
tudo claro. Quando esse tipo de debates não
aparece, significa que algo está a acontecer.
Há muitos interesses em jogo em tudo isto.
Políticos, económicos e, obviamente do lado
da indústria da saúde. É importante perceber
o que se passa. O mundo está a mudar e vi-
mos isso nestes dezoito meses. Espero que
tudo melhore rapidamente e que as mudan-
ças sejam apenas temporárias e se volte ao
normal, sem mudar muito o que havia antes.
Não acreditas que possa haver uma mudan-
ça, para aceitar mais a ciência, e acreditar
menos na religião?
Não acredito que isso possa acontecer. Tudo
o que está a acontecer, pode ter uma expli-
cação em termos religiosos. Olhando para a
história da humanidade, podemos concluir
que, se deus existir, não é um bom deus. É
por isso que não acredito que a pandemia vá
mudar a forma como os sistemas de crença
funcionam. Por outro lado, há tantos resul-
tados diferentes no campo científico, que
podes escolher um dos lados e ele vai soar
como certo e adequado. Outro tipo pode sur-
gir com algo diferente que contradiz o esta-
belecido. Isso pode ajudar a que as pessoas
olhem para estes assuntos por sua conta, em
lugar de apenas acreditarem nos cabeçalhos.
Isso pode vir a ser bom. Quanto ao fanatismo
religioso, penso que não há muito a fazer.
Passando à banda, mais uma vez fizeste
uma alteração e há um novo guitarrista, Karl
Gustafsson. Onde o encontraste?
Ele é um amigo do nosso baixista, o Fredrik
Petersson. Queríamos focar-nos na compo-
sição dos temas do disco, antes de conside-
rarmos um novo guitarrista, pois achámos
estranho incorporar alguém enquanto esti-
véssemos na fase de escrita. Esperámos até
à Primavera, colocámos nomes na mesa. O
Karl foi sugestão do Fredrik e estava disponí-
vel. Ele não está em nenhuma banda, apenas
num grupo de versões dos Manowar. É ele e
o Hellbutcher dos Nifelheim. Eles tocam duas
a três horas de versões dos Manowar, volta e
meia. É o guitarrista perfeito para nós e um
tipo fantástico, por isso creio que vai resultar.
Neste disco as guitarras são só tuas, sem
convidados como no passado?
Sim, desta vez não quis convidados e fiquei
com bastante para gravar, mas como gosto
de gravar, não há problema.
O Per Lengstedt tem-se revelado um exce-
lente vocalista, até que ponto a sua voz tem
ajudado a definir o rumo da banda?
Tem sido muito importanto e não me lembro
de algum registo que não consiga cantar.
A voz dele consegue atingir vários níveis...
Por exemplo, no disco anterior, na «Pure Of
Heart», conseguiu alguns graves que nunca
lhe tinha ouvido. Pensei logo que no disco
seguinte teríamos de usar mais esse alcance
vocal, algo com que o Per também concorda.
No tema «The Gallow’s Crossing», ele mostra
muito dessas capacidades e do seu espec-
tro. Tem sido muito importante para o nosso
som e para o seu desenvolvimento.
Já que falámos das músicas deste disco,
como surge a «Ashen»?
É uma faixa escrita pelo nosso baterista.
Grande tema, pois ele tem um grande senti-
do de melodia. É algo invulgar, pois quando
os bateristas escrevem temas, tendem a se-
guir uma linha bastante ritmada. Ele optou
pela melodia, num tema que é o mais antigo
daqueles que estão no disco. Uma grande
parte já estava composta, e até ensaiada,
quando gravámos o «Burn The World», em
2017. Fizemos uns rearranjos, e duas ou
três semanas antes de entrarmos em es-
túdio, fizemos muitas mudanças mesmo.
Creio que no final resultou muito bem. É
um dos lados positivos de não termos dea-
dlines e podermos usar todo o tempo que
quisermos para compormos e fazermos os
arranjos correctos.
LOUD! 21
 PORTRAIT
São suecos e tocam heavy metal. É talvez
a melhor, e mais simples, definição para os
autores de «At One With None», os PORTRAIT.
Christian Lindell é o guitarrista e mentor do
grupo, e foi também ele que conversou com a
LOUD! para apresentar o novo disco.
EMANUEL FERREIRA STEFAN JOHANSSON
A TRADIÇÃO
E A EVOLUÇÃO
20 LOUD!
“Não lutamos para manter novo um som
old school, mas para criarmos o nosso pró-
prio som,” afirmam vocês no press release.
Achas importante destacar isto?
O que se tem tornado importante para nós,
ao longo dos anos, é encontrar a nossa pró-
pria identidade musical. Começámos como
muitas bandas fazem, a tocar de forma se-
melhante a alguns dos nossos heróis. Após
algum tempo, isso deixou de fazer sentido
e de nos satisfazer. Começámos a procurar
inspiração dentro do que fazíamos e do que
outros faziam. É isso que quero dizer, porque
nos movimentamos num estilo musical com
50 anos, e é importante percebermos que
adicionamos algo que ainda não tenha sido
acrescentado. Ainda gosto das velhas bandas
e de muito do que elas fazem hoje, ajudaram a
formar todo o género. Fizeram a sua parte, de-
senvolvendo este estilo. Nós queremos fazer
o mesmo, desenvolver o heavy metal.
E isso é fácil? Como tu próprio disseste, já
são décadas de música até hoje.
Talvez não seja fácil, e demora tempo até que
um grupo desenvolva o seu próprio som. Tem
de ser feito passo a passo. Em cada álbum
que lançamos, chegamos mais perto daquilo
que pretendemos, do nosso próprio som. En-
quanto atravessamos esse desenvolvimento,
tudo é válido e satisfatório para nós próprios.
É importante que não haja repetição, mas
evolução. Claro que é ao ouvinte que cabe de-
cidir se isso está a acontecer ou não, mas do
nosso ponto de vista, estamos no caminho
correcto, pelo menos. Creio que, embora ain-
da possamos fazer lembrar muitos nomes,
há já um som característico dos Portrait.
Melodias características da nossa música.
É isso que quero seguir ainda mais à frente.
No momento em que falamos, já aparece-
ram algumas reviews, e quase sempre mui-
to positivas. É uma forma de perceberes
que estás no caminho certo para esse som?
É bom saber que as pessoas gostam do que
tu fazes, mas reviews positivas não são o su-
ficiente, se não estivermos satisfeitos com o
disco. O mais importante para nós, é estar-
mos satisfeitos enquanto músicos, com o
álbum que conseguimos obter do nosso tra-
balho. Claro que é bom ler todo esse feedba-
ck positivo e estamos contentes com isso.
Mostra-nos algo, pelo menos, mesmo não
sendo a confirmação de que tudo está certo.
Em que pensaste quando resolveste dar a
este trabalho o título «At One With None»?
Refere-se a quando te sentes um estranho
numa terra estranha, seja uma localidade, ou
uma sociedade. Tem uma ligação também, a
quando és diferente, ou te sentes diferente,
fazendo algo que não é permitido. Quando
vês os outros alinhados como cordeiros e
tu caminhas no teu próprio trilho, pelos teus
próprios passos, em direcção ao desconhe-
cido, ao escuro. Este é um dos sentidos do
título, o outro é mais espiritual, e relaciona-
-se com reunires-te com algo maior, e depois
nada acontecer. As letras, pelo menos algu-
mas, são escritas sobre essas linhas. Por
vezes escritas de diferentes perspectivas,
umas mais espirituais e mágicas, enquanto
outras estão mais focadas no mundo e so-
ciedade contemporânea.
“Movimentamo-nos num estilo
musical com 50 anos, e é importante
percebermos que adicionamos
algo que ainda não tenha sido
acrescentado.”
Ao dizeres isso, recordas-me o tema «Phan-
tom Fathomer». É um bom exemplo daquilo
a que chamaste espírito de rebanho?
Sim, anda muito à volta desse conceito. Fala
da importância de questionar as coisas, prin-
cipalmente o que os media e aqueles que nos
rodeiam, dizem ser “a verdade”. As autorida-
des dizem-nos “a verdade”. No tema falo da
importância de procurar para lá dessa “ver-
dade”, perceber o verdadeiro sentido das pa-
lavras que nos dizem. Esse é um dos temas
em que procuramos explorar o quotidiano.
Há outras que lidam mais com o lado espi-
ritual e místico.
É uma letra influenciada por aquilo que es-
tamos a passar, na actualidade?
As letras foram todas escritas antes da pan-
demia, ou no máximo, no seu princípio. Mas
realmente, as restrições e tudo que se se-
guiu, ou muito disso, envolvem parte desta
de temática que falo nas letras. Na Suécia ti-
vemos restrições leves, mas durante dezoito
meses, não pudemos ter concertos. Muitas
outras coisas aconteceram. Houve diferen-
tes níveis de restrições e medidas, ao longo
da pandemia e no mundo todo. Apesar disso,
a narrativa é praticamente a mesma em todo
o lado e há pouca resistência a essas deci-
sões, por parte das pessoas, ou dos media.
Não estou, com isto, a dizer que possuo to-
das as respostas, ou que sei a verdade. Ape-
nas sinto a falta de debate, de discussão, pôr
tudo claro. Quando esse tipo de debates não
aparece, significa que algo está a acontecer.
Há muitos interesses em jogo em tudo isto.
Políticos, económicos e, obviamente do lado
da indústria da saúde. É importante perceber
o que se passa. O mundo está a mudar e vi-
mos isso nestes dezoito meses. Espero que
tudo melhore rapidamente e que as mudan-
ças sejam apenas temporárias e se volte ao
normal, sem mudar muito o que havia antes.
Não acreditas que possa haver uma mudan-
ça, para aceitar mais a ciência, e acreditar
menos na religião?
Não acredito que isso possa acontecer. Tudo
o que está a acontecer, pode ter uma expli-
cação em termos religiosos. Olhando para a
história da humanidade, podemos concluir
que, se deus existir, não é um bom deus. É
por isso que não acredito que a pandemia vá
mudar a forma como os sistemas de crença
funcionam. Por outro lado, há tantos resul-
tados diferentes no campo científico, que
podes escolher um dos lados e ele vai soar
como certo e adequado. Outro tipo pode sur-
gir com algo diferente que contradiz o esta-
belecido. Isso pode ajudar a que as pessoas
olhem para estes assuntos por sua conta, em
lugar de apenas acreditarem nos cabeçalhos.
Isso pode vir a ser bom. Quanto ao fanatismo
religioso, penso que não há muito a fazer.
Passando à banda, mais uma vez fizeste
uma alteração e há um novo guitarrista, Karl
Gustafsson. Onde o encontraste?
Ele é um amigo do nosso baixista, o Fredrik
Petersson. Queríamos focar-nos na compo-
sição dos temas do disco, antes de conside-
rarmos um novo guitarrista, pois achámos
estranho incorporar alguém enquanto esti-
véssemos na fase de escrita. Esperámos até
à Primavera, colocámos nomes na mesa. O
Karl foi sugestão do Fredrik e estava disponí-
vel. Ele não está em nenhuma banda, apenas
num grupo de versões dos Manowar. É ele e
o Hellbutcher dos Nifelheim. Eles tocam duas
a três horas de versões dos Manowar, volta e
meia. É o guitarrista perfeito para nós e um
tipo fantástico, por isso creio que vai resultar.
Neste disco as guitarras são só tuas, sem
convidados como no passado?
Sim, desta vez não quis convidados e fiquei
com bastante para gravar, mas como gosto
de gravar, não há problema.
O Per Lengstedt tem-se revelado um exce-
lente vocalista, até que ponto a sua voz tem
ajudado a definir o rumo da banda?
Tem sido muito importanto e não me lembro
de algum registo que não consiga cantar.
A voz dele consegue atingir vários níveis...
Por exemplo, no disco anterior, na «Pure Of
Heart», conseguiu alguns graves que nunca
lhe tinha ouvido. Pensei logo que no disco
seguinte teríamos de usar mais esse alcance
vocal, algo com que o Per também concorda.
No tema «The Gallow’s Crossing», ele mostra
muito dessas capacidades e do seu espec-
tro. Tem sido muito importante para o nosso
som e para o seu desenvolvimento.
Já que falámos das músicas deste disco,
como surge a «Ashen»?
É uma faixa escrita pelo nosso baterista.
Grande tema, pois ele tem um grande senti-
do de melodia. É algo invulgar, pois quando
os bateristas escrevem temas, tendem a se-
guir uma linha bastante ritmada. Ele optou
pela melodia, num tema que é o mais antigo
daqueles que estão no disco. Uma grande
parte já estava composta, e até ensaiada,
quando gravámos o «Burn The World», em
2017. Fizemos uns rearranjos, e duas ou
três semanas antes de entrarmos em es-
túdio, fizemos muitas mudanças mesmo.
Creio que no final resultou muito bem. É
um dos lados positivos de não termos dea-
dlines e podermos usar todo o tempo que
quisermos para compormos e fazermos os
arranjos correctos.
LOUD! 21
 GUS G
GUS G é hoje em dia sinó-
-nimo de virtuosismo.
O guitarrista grego, conhe-
cido por ter tocado com
Ozzy Osbourne, Dream Evil
e os seus Firewind, aprovei-
tou o interregno nas digres-
sões provocado pela pande-
mia para escrever mais um
disco a solo, mas desta vez,
quando me aventuro um pouco mais. Foi
importante perceber também quanto esta
música pode ser audível. Porque podes
perfeitamente ser maluco e fazer com que
a música instrumental seja muito difícil.
[risos] Mas isso não era algo que quises-
se fazer, nem sequer andava atrás disso.
Claro que queria esticar a coisa um pouco,
tentar coisas que combinassem com a for-
ma como toco e a nível dos arranjos, mas
também queria grandes melodias, porque
sou grande fã disso. A abordagem foi fei-
ta, portanto, sempre de mente aberta, mas
também a tentar com que a guitarra fosse
a voz. Fazer com que as melodias fossem
cantáveis, era o objectivo principal.

totalmente instrumental. Quando se pensa em discos instrumentais,

Falámos com Gus para sa-
ber mais pormenores sobre
esta novidade, chamada
«Quantum Leap».
JORGE BOTAS
Quando percebeste que ias fazer um disco
instrumental? Fazer mais música para os
Firewind não fazia sentido?
Quando lançámos o último álbum dos Fi-
rewind no ano passado e percebemos que
vinha aí um confinamento, definitivamente
que não estava a pensar em mais música
para os Firewind, de facto. Vi muitas ban-
das a entrarem em pânico e a dizerem que
iam para estúdio fazer mais álbuns. No
vêm à memória os da era Shrapnel. Por
exemplo, Marty Friedman com Jason Be-
cker, Richie Kotzen, Paul Gilbert, Michael
Lee Firkins, Greg Howe. Tudo o que tivesse
o selo da Shrapnel, quase de certeza que
eram bons discos…
E grande maioria eram mesmo bons! Era
bom material e foram trabalhos pioneiros. Eu
oiço guitarristas novos hoje em dia, e depois
vou ouvir os discos do Greg Howe a seguir, e
percebo que ele fazia coisas mais extremas
com a guitarra e estava muito à frente do
tempo. Estamos a falar de obras com mais
de 25 anos. Muitos dos gajos novos, mesmo
os mais loucos, não conseguem estar ao ní-
vel dele. [risos]
Mas diferente do teu objectivo de ter a gui-
tarra a fazer as vezes da voz. Nos discos do
Marty e Jason por exemplo, havia solos de
guitarra à farta...
Sim.. sim... Há vários tipos de música instru-

“Uma das vantagens de fazer música

nosso caso, qual era o sentido de fazer
um disco número dez, quando nem sequer
demos um concerto para promover o nú-
mero nove? Estamos num ponto da nossa
carreira em que não necessitamos de lan-
çar música a toda hora. Já temos um bom
catálogo. Não entrei em pânico para fazer
nova música para os Firewind, porque sa-
bia que ainda tínhamos um bom álbum nas
mãos. Por isso, pensei em ir para as minhas
cenas a solo e fazer algo diferente. O disco
instrumental era algo que tinha na minha
lista de coisas para fazer. Era algo em que
já tinha pensado, mas que nunca tinha feito.
No fundo, foi uma boa altura para me focar
em projectos que nunca tinha concretizado
e nunca seria capaz de concretizar se an-
mental. Há material como nos discos dos
Cacophony e depois há coisas como os ál-
buns do Joe Satriani, e eu tentei ir mais nes-
sa direcção. Apesar do Satriani ter um estilo
distinto, a minha abordagem foi um pouco
instrumental é que podes ser aventureiro
e fazer o que bem te apetecer.”
essa. A guitarra assume o papel de destaque,
mas não está a “solar” durante cinco minutos
em cada canção. Há espaço para solos, para
outras partes de guitarra, temas e coisas do
género. Mas tem de haver um tema e melo- fazer o que quiser e as pessoas até aceitam que estaria disponível para tocar comigo,
dia principal, onde a guitarra assume o papel porque é um disco a solo e posso mostrar as caso eu necessitasse. Eu gosto da forma
da voz. mais variadas influências. Quando se faz um como ele toca, mas originalmente disse-
disco com a banda, há um certo tipo de som -lhe que não, porque estava a trabalhar
Neste «Quantum Leap» há um pouco de a respeitar, e acabamos por ter que seguir completamente sozinho. Já tinha a bateria
cada estilo nas variadas canções. Por esse caminho. toda programada, e com bom som – eu, na
exemplo, a «Enigma Of Life» é uma espécie verdade, até sou bom a fazer isso. [risos] Ia
de balada blues. Não sendo conhecido pelo Contas feitas, quanto demorou todo este ser um disco Gus G onde eu tocava mes-

VOZ COM
dasse em digressão sem parar, que é o que
acontece normalmente.
Sendo este o teu primeiro trabalho instru-
mental, como foi a abordagem à composi-
ção? Porque uma coisa é escreveres com
uma letra em mente, outra coisa é teres só
música, suponho.
Uma das vantagens de fazer música instru-
mental é que podes ser aventureiro e fazer
estilo blues, foi uma forma de mostrares um
pouco a tua versatilidade?
Eu sou conhecido primordialmente por tocar
metal, mas para um guitarrista de metal, aca-
bo por ter muitas influências blues rock. Mui-
tas pessoas falam do meu vibrato e bending
e todas as cenas melódicas que faço. Esse
tema acaba por estar num contexto mais de
balada e a retirar o ganho no amplificador um
pouco. E assim ouves as minhas influências
processo?
Comecei em Junho e terminei tudo em Ja-
neiro deste ano com a mistura e masteriza-
ção. Foram três meses para terminar a com-
posição das canções e dos arranjos. A partir
de Setembro foi gravar tudo como deve ser,
incluindo arranjar o baterista... Talvez tenha
começado mais tarde, porque o ano passado
está assim um pouco como uma névoa, qua-
se como se não tivesse acontecido. [risos]
mo tudo, incluindo o baixo e os teclados.
Disse-lhe que era porreiro ter um baterista,
mas com restrições para voar e dificul-
dades em arranjar estúdio para gravar a
bateria, porque queria estar presente para
produzir... só que apercebi-me entretanto
que ele tinha um estúdio. Como seria uma
pena não lhe dar uma oportunidade, pe-
di-lhe para gravar uma canção que serviu
também para perceber se conseguia cap-

CORDAS
o que bem te apetecer. Não tens de seguir
a estrutura verso, refrão, verso. Podes com-
por como quiseres e adicionar mais cama-
das de harmonias ou outras coisas. Não
tem de seguir um caminho comercial, por
assim dizer. Ao mesmo tempo, para mim,
é importante manter uma fórmula de com-
posição, e saber como manter o equilíbrio
mais hard rock, tipo Gary Moore. Também
escrevo este tipo de coisas, e até escrevi um
tema que é mais synth wave. Isso é uma das
vantagens de embarcar num disco a solo e
instrumental. Não há nenhum limite para o
que eu possa fazer, estilisticamente. Posso
tocar temas acústicos, posso tocar temas
de fusão, posso fazer cenas de metal, posso
Já que falaste no baterista, a escolha aca-
bou por recair no Jan-Vincent Velazco.
Como aconteceu esta ligação?
Foi ele que me enviou um e-mail do nada!
[risos] Tinha visto algo online que dizia que
eu estava a trabalhar num novo disco a
solo. Enviou-me uma série de links e disse
tar e gravar bem o som da bateria. Quando
recebi o ficheiro, o som estava muito bom
e deu para entender que ele percebia mes-
mo do assunto e que tinha bons microfo-
nes de captação. Acabámos por fazer tudo
forma remota, depois o Dennis Ward fez as
misturas e ainda acabou por tocar baixo
no disco.

22 LOUD! LOUD! 23
 GUS G
GUS G é hoje em dia sinó-
-nimo de virtuosismo.
O guitarrista grego, conhe-
cido por ter tocado com
Ozzy Osbourne, Dream Evil
e os seus Firewind, aprovei-
tou o interregno nas digres-
sões provocado pela pande-
mia para escrever mais um
disco a solo, mas desta vez,
quando me aventuro um pouco mais. Foi
importante perceber também quanto esta
música pode ser audível. Porque podes
perfeitamente ser maluco e fazer com que
a música instrumental seja muito difícil.
[risos] Mas isso não era algo que quises-
se fazer, nem sequer andava atrás disso.
Claro que queria esticar a coisa um pouco,
tentar coisas que combinassem com a for-
ma como toco e a nível dos arranjos, mas
também queria grandes melodias, porque
sou grande fã disso. A abordagem foi fei-
ta, portanto, sempre de mente aberta, mas
também a tentar com que a guitarra fosse
a voz. Fazer com que as melodias fossem
cantáveis, era o objectivo principal.

totalmente instrumental. Quando se pensa em discos instrumentais,

Falámos com Gus para sa-
ber mais pormenores sobre
esta novidade, chamada
«Quantum Leap».
JORGE BOTAS
Quando percebeste que ias fazer um disco
instrumental? Fazer mais música para os
Firewind não fazia sentido?
Quando lançámos o último álbum dos Fi-
rewind no ano passado e percebemos que
vinha aí um confinamento, definitivamente
que não estava a pensar em mais música
para os Firewind, de facto. Vi muitas ban-
das a entrarem em pânico e a dizerem que
iam para estúdio fazer mais álbuns. No
vêm à memória os da era Shrapnel. Por
exemplo, Marty Friedman com Jason Be-
cker, Richie Kotzen, Paul Gilbert, Michael
Lee Firkins, Greg Howe. Tudo o que tivesse
o selo da Shrapnel, quase de certeza que
eram bons discos…
E grande maioria eram mesmo bons! Era
bom material e foram trabalhos pioneiros. Eu
oiço guitarristas novos hoje em dia, e depois
vou ouvir os discos do Greg Howe a seguir, e
percebo que ele fazia coisas mais extremas
com a guitarra e estava muito à frente do
tempo. Estamos a falar de obras com mais
de 25 anos. Muitos dos gajos novos, mesmo
os mais loucos, não conseguem estar ao ní-
vel dele. [risos]
Mas diferente do teu objectivo de ter a gui-
tarra a fazer as vezes da voz. Nos discos do
Marty e Jason por exemplo, havia solos de
guitarra à farta...
Sim.. sim... Há vários tipos de música instru-

“Uma das vantagens de fazer música

nosso caso, qual era o sentido de fazer
um disco número dez, quando nem sequer
demos um concerto para promover o nú-
mero nove? Estamos num ponto da nossa
carreira em que não necessitamos de lan-
çar música a toda hora. Já temos um bom
catálogo. Não entrei em pânico para fazer
nova música para os Firewind, porque sa-
bia que ainda tínhamos um bom álbum nas
mãos. Por isso, pensei em ir para as minhas
cenas a solo e fazer algo diferente. O disco
instrumental era algo que tinha na minha
lista de coisas para fazer. Era algo em que
já tinha pensado, mas que nunca tinha feito.
No fundo, foi uma boa altura para me focar
em projectos que nunca tinha concretizado
e nunca seria capaz de concretizar se an-
mental. Há material como nos discos dos
Cacophony e depois há coisas como os ál-
buns do Joe Satriani, e eu tentei ir mais nes-
sa direcção. Apesar do Satriani ter um estilo
distinto, a minha abordagem foi um pouco
instrumental é que podes ser aventureiro
e fazer o que bem te apetecer.”
essa. A guitarra assume o papel de destaque,
mas não está a “solar” durante cinco minutos
em cada canção. Há espaço para solos, para
outras partes de guitarra, temas e coisas do
género. Mas tem de haver um tema e melo- fazer o que quiser e as pessoas até aceitam que estaria disponível para tocar comigo,
dia principal, onde a guitarra assume o papel porque é um disco a solo e posso mostrar as caso eu necessitasse. Eu gosto da forma
da voz. mais variadas influências. Quando se faz um como ele toca, mas originalmente disse-
disco com a banda, há um certo tipo de som -lhe que não, porque estava a trabalhar
Neste «Quantum Leap» há um pouco de a respeitar, e acabamos por ter que seguir completamente sozinho. Já tinha a bateria
cada estilo nas variadas canções. Por esse caminho. toda programada, e com bom som – eu, na
exemplo, a «Enigma Of Life» é uma espécie verdade, até sou bom a fazer isso. [risos] Ia
de balada blues. Não sendo conhecido pelo Contas feitas, quanto demorou todo este ser um disco Gus G onde eu tocava mes-

VOZ COM
dasse em digressão sem parar, que é o que
acontece normalmente.
Sendo este o teu primeiro trabalho instru-
mental, como foi a abordagem à composi-
ção? Porque uma coisa é escreveres com
uma letra em mente, outra coisa é teres só
música, suponho.
Uma das vantagens de fazer música instru-
mental é que podes ser aventureiro e fazer
estilo blues, foi uma forma de mostrares um
pouco a tua versatilidade?
Eu sou conhecido primordialmente por tocar
metal, mas para um guitarrista de metal, aca-
bo por ter muitas influências blues rock. Mui-
tas pessoas falam do meu vibrato e bending
e todas as cenas melódicas que faço. Esse
tema acaba por estar num contexto mais de
balada e a retirar o ganho no amplificador um
pouco. E assim ouves as minhas influências
processo?
Comecei em Junho e terminei tudo em Ja-
neiro deste ano com a mistura e masteriza-
ção. Foram três meses para terminar a com-
posição das canções e dos arranjos. A partir
de Setembro foi gravar tudo como deve ser,
incluindo arranjar o baterista... Talvez tenha
começado mais tarde, porque o ano passado
está assim um pouco como uma névoa, qua-
se como se não tivesse acontecido. [risos]
mo tudo, incluindo o baixo e os teclados.
Disse-lhe que era porreiro ter um baterista,
mas com restrições para voar e dificul-
dades em arranjar estúdio para gravar a
bateria, porque queria estar presente para
produzir... só que apercebi-me entretanto
que ele tinha um estúdio. Como seria uma
pena não lhe dar uma oportunidade, pe-
di-lhe para gravar uma canção que serviu
também para perceber se conseguia cap-

CORDAS
o que bem te apetecer. Não tens de seguir
a estrutura verso, refrão, verso. Podes com-
por como quiseres e adicionar mais cama-
das de harmonias ou outras coisas. Não
tem de seguir um caminho comercial, por
assim dizer. Ao mesmo tempo, para mim,
é importante manter uma fórmula de com-
posição, e saber como manter o equilíbrio
mais hard rock, tipo Gary Moore. Também
escrevo este tipo de coisas, e até escrevi um
tema que é mais synth wave. Isso é uma das
vantagens de embarcar num disco a solo e
instrumental. Não há nenhum limite para o
que eu possa fazer, estilisticamente. Posso
tocar temas acústicos, posso tocar temas
de fusão, posso fazer cenas de metal, posso
Já que falaste no baterista, a escolha aca-
bou por recair no Jan-Vincent Velazco.
Como aconteceu esta ligação?
Foi ele que me enviou um e-mail do nada!
[risos] Tinha visto algo online que dizia que
eu estava a trabalhar num novo disco a
solo. Enviou-me uma série de links e disse
tar e gravar bem o som da bateria. Quando
recebi o ficheiro, o som estava muito bom
e deu para entender que ele percebia mes-
mo do assunto e que tinha bons microfo-
nes de captação. Acabámos por fazer tudo
forma remota, depois o Dennis Ward fez as
misturas e ainda acabou por tocar baixo
no disco.

22 LOUD! LOUD! 23
 CRIMINAL
Figura bem conhecida do underground, através das
suas presenças nos Brujeria e Lock Up especialmente,
o chileno Anton Reisenegger é um old schooler a sério.
Para além de ter fundado os lendários Pentagram
Chile nos anos 80, mantém há 30 anos a sua
máquina implacável de thrash metal, os CRIMINAL,
que regressam agora à boa forma com o excelente
«Sacrifício», já o décimo da carreira da banda sul-
americana, e uma espécie de regresso às raízes. É
sempre um prazer conversar com o Anton, senhor de
opiniões vincadas e que sabe o que quer do seu metal.
JOSÉ CARLOS SANTOS CRISTIAN CARRASCO
THRASH
À ANTIGA
24 LOUD!
O «Sacrifício» destaca-se logo à primeira
audição, pela crueza bruta que mostra. Pa-
rece os teus primeiros tempos com os Cri-
minal. Concordas?
Sim, até porque era essa a ideia, em parte. A
inspiração para este álbum centrou-se mui-
to naquele momento da história em que o
metal extremo começou a explodir, no início
dos anos 90, em que apareceram em grande
os Sepultura, os Napalm Death, essas ban-
das todas, com grande alcance depois dos
seus inícios no underground. É talvez uma
era pouco valorizada, porque as pessoas se
focam muito só nos anos 80, mas os 90s
também foram altamente!
Especialmente nos mais “puristas”, gerou-
-se muito a ideia que os 90s foram uma
merda, mas isso é ignorar injustamente tan-
ta coisa boa, e importante, que aconteceu…
Concordo totalmente. Até mesmo aqui no
Chile, com a minha história pessoal, que se re-
flecte um pouco do que se passou globalmen-
te. Eu já tinha a minha banda, os Pentagram,
nessa altura, e era tudo muito underground,
tudo muito subterrâneo, tínhamos que nos
esconder da polícia, coisas assim. Depois tive-
mos finalmente a mudança de governo, com o
fim da ditadura no final dos anos 80, e tudo se
começou a abrir. Havia major labels a mostrar
interesse, havia imprensa livre, havia a MTV…
Podíamos ter os nossos vídeos na MTV! Ima-
gina o que isto significava para nós, era uma
loucura. E isso gerou uma criatividade imensa
e um entusiasmo muito grande.
Achas que houve alguma razão para teres
recuperado este feeling rebelde e contesta-
tário dos primeiros tempos? O clima social
complicado que se viveu no teu país terá
contribuído para isso?
Acho que a razão principal para o álbum ter
resultado assim é mesmo a forma como
escrevemos a música. Nos últimos anos,
para aí nos últimos três ou quatro álbuns, o
procedimento era basicamente eu sentado
em frente ao computador a escrever riffs, e
a pensar “olha, este é bom!”, e depois outro
riff e “este é muito bom!” e por aí fora. [risos]
Ao fim de algum tempo, decidia que tinha
uma canção, enviava ao baterista, ele gra-
vava a bateria, e pronto. Agora foi diferente,
porque o nosso baterista actual, o Danilo
Estrella, desde que se juntou a nós demons-
trou uma vontade enorme de ser parte do
processo criativo, de fazer parte de toda a
escrita. Sempre teve tanto entusiasmo nes-
se sentido, que cada vez que tenho vindo ao
Chile – tenho vindo cá muito frequentemente
nos últimos anos – nos encontramos na sala
de ensaio e tocamos muito à moda antiga.
Sem planos, sem tocarmos nada pré-defini-
do a não ser meia dúzia de ideias de riffs, é
mesmo só ir para lá e tocar, tocar, tocar. E
foi nessas horas lá passadas que acabámos
por escrever o álbum quase todo, e acho que
isso dá aos temas o tal feeling de crueza, de
espontaneidade, porque o período que pas-
sámos naquela sala a tocar teve essa “elec-
tricidade” que era mais comum antigamente.
Fez-me lembrar quando fui visitar os Cavale-
ras a Belo Horizonte, enquanto estavam a es-
crever o «Schizophrenia», e estive com eles
“É talvez uma era pouco valorizada,
porque as pessoas se focam muito
só nos anos 80, mas os 90s também
foram altamente!”
no estúdio. É das melhores memórias que
tenho, e a energia que senti durante a escrita
deste álbum teve vibes parecidas.
Tal como os Cavaleras nessa ocasião, tam-
bém tu e o Danilo foram o núcleo duro da
composição, não foi?
Sim, éramos só os dois, com aquela ligação
directa, com feedback imediato, foi incrível.
É a melhor maneira de canalizar a criativi-
dade. Quando estamos sozinhos, temos a
tendência de começar a reciclar os nossos
pensamentos e apenas amplificá-los. Gos-
to muito mais de ter este intercâmbio com
outra pessoa. Mas não quero deixar passar
algo que perguntaste que realmente tam-
bém foi um factor importante, que é o clima
social que se viveu neste país. Em Outubro
de 2018 houve uma revolta popular muito
grande no Chile, e apesar de eu não estar
aqui na altura em que tudo aconteceu, tinha
estado pouco tempo antes, e regressei pou-
co tempo depois. Em ambas as ocasiões
percebi que se conseguia sentir algo no
ar, estava carregado, havia uma atmosfera
bastante pesada. As pessoas não sabiam
o que ia acontecer. O Chile é habitualmente
um lugar muito animado, Santiago é uma
cidade que está sempre a vibrar de energia,
e naquela altura essa vibração era maior
ainda, havia quase uma agressão latente a
pairar no ar, era tudo muito volátil. As pes-
soas estavam prontas para ir para as ruas
e queimar tudo. Como é óbvio, tudo isto foi
uma séria influência no nosso estado de es-
pírito e encontra-se representado no álbum
também.
Consideras que há algo inerentemente chi-
leno nos Criminal? É um exercício hipotéti-
co, claro, mas acreditas que a banda seria
muito diferente se as tuas origens fossem
outras?
Acho que há, sem dúvida, um elemento chile-
no na banda. E até sou capaz de definir o que
é, porque quando me mudei para a Europa e
comecei a colaborar mais com músicos euro-
peus, perdemos isso, e começámos a parecer
mais uma banda sueca, ou inglesa! Agora que
voltámos a ter três membros chilenos na ban-
da, e que estamos praticamente baseados no
Chile outra vez, isso voltou-se a sentir. Tem a
ver com um certo tipo de percussão, com uma
cadência, com um… eu hesito sempre em usar
a palavra groove, porque actualmente ganhou
um significado diferente, mas creio que as
pessoas entendem o contexto em que estou
a usá-la. É algo rítmico, o que nos define como
chilenos, e como sul-americanos no geral. Po-
demos ter perdido isso durante algum tempo,
mas fico feliz que o tenhamos recuperado.
Adorei o teu cuidado com o groove. [risos]
[risos] Não quero que pensem que somos
uma daquelas bandas americanas horríveis!
Por exemplo, sou grande fã dos álbuns que
os Napalm Death fizeram no final dos anos
90, o «Diatribes» e assim, é a esse groove que
me refiro. Tem um ritmo semelhante, tum-
-tum-ta-tum-turum-tum-ta-tum, consegue-se
perceber bem, e com o nosso baterista, nota-
-se perfeitamente o espalhafato latino. [risos]
Ele é um músico treinado e talentoso, conse-
gue tocar jazz, consegue basicamente tocar
tudo o que quiser, e ajudou a trazer essa iden-
tidade de volta à banda.
Groove mas extremo. Mais Napalm Death e
Sepultura, menos Disturbed ou Five Finger
Death Punch. [risos]
Exactamente! [risos] Ou até Machine Head
do primeiro álbum. O «Burn My Eyes», que
grande disco. Coisas pesadas, com “toma-
tes”!
A formação dos Criminal sempre foi uma
roda viva à tua volta, mas pareces especial-
mente contente com este pessoal que tens
agora. Será desta que é para durar?
O Danilo cresceu a ouvir os Criminal, é fã
de longa data, tal como o nosso guitarrista,
o Sergio Klein. Creio que eles, subconscien-
temente, deram à nossa música aquilo que
eles próprios já tinham saudades de ouvir
nela. Espero que esta relação dure bastante
tempo. Já há muitos anos que não fazemos
dois álbuns seguidos com a mesma forma-
ção, talvez consigamos desta vez. Estou mui-
to feliz por tocar com estes tipos. Já falei dos
chilenos, pessoal de formação técnica séria
e altamente entusiastas com a banda, mas
tenho que elogiar particularmente o Danny
[Biggin, baixista], é o meu sidekick há mais de
quinze anos, é uma fundação extraordinária
nesta banda. Ele que até é guitarrista, mas
fez-se num baixista incrível.
O «Sacrifício» tem duas músicas em espa-
nhol, ao contrário da solitária do costume…
e é tão fixe ouvir-te cantar na tua língua. Não
queres fazer mais umas no futuro?
Tenho andado a pensar em tentar fazer um
EP inteiro em espanhol, confesso. Talvez en-
tre dois álbuns, uma coisa de quatro ou cinco
músicas, acho que o pessoal ia gostar. Pelo
menos na América do Sul ia ficar tudo doido.
[risos] Há essa possibilidade, sim. Em rela-
ção ao «Sacrifício», quando estávamos a gra-
var – porque eu deixo sempre as letras para o
fim –, apercebi-me que com toda a temática
que o disco ia ter, o momento na história do
Chile que estávamos a viver, fazia sentido
ter mais que um tema em espanhol. E sabia
exactamente quais iam ser, tinham que ter
a ver com isto tudo, e assim foi. Fiquei real-
mente com vontade de fazer mais. Olha! E
tu, não queres contribuir com um tema em
português?! [risos]
LOUD! 25
 CRIMINAL
Figura bem conhecida do underground, através das
suas presenças nos Brujeria e Lock Up especialmente,
o chileno Anton Reisenegger é um old schooler a sério.
Para além de ter fundado os lendários Pentagram
Chile nos anos 80, mantém há 30 anos a sua
máquina implacável de thrash metal, os CRIMINAL,
que regressam agora à boa forma com o excelente
«Sacrifício», já o décimo da carreira da banda sul-
americana, e uma espécie de regresso às raízes. É
sempre um prazer conversar com o Anton, senhor de
opiniões vincadas e que sabe o que quer do seu metal.
JOSÉ CARLOS SANTOS CRISTIAN CARRASCO
THRASH
À ANTIGA
24 LOUD!
O «Sacrifício» destaca-se logo à primeira
audição, pela crueza bruta que mostra. Pa-
rece os teus primeiros tempos com os Cri-
minal. Concordas?
Sim, até porque era essa a ideia, em parte. A
inspiração para este álbum centrou-se mui-
to naquele momento da história em que o
metal extremo começou a explodir, no início
dos anos 90, em que apareceram em grande
os Sepultura, os Napalm Death, essas ban-
das todas, com grande alcance depois dos
seus inícios no underground. É talvez uma
era pouco valorizada, porque as pessoas se
focam muito só nos anos 80, mas os 90s
também foram altamente!
Especialmente nos mais “puristas”, gerou-
-se muito a ideia que os 90s foram uma
merda, mas isso é ignorar injustamente tan-
ta coisa boa, e importante, que aconteceu…
Concordo totalmente. Até mesmo aqui no
Chile, com a minha história pessoal, que se re-
flecte um pouco do que se passou globalmen-
te. Eu já tinha a minha banda, os Pentagram,
nessa altura, e era tudo muito underground,
tudo muito subterrâneo, tínhamos que nos
esconder da polícia, coisas assim. Depois tive-
mos finalmente a mudança de governo, com o
fim da ditadura no final dos anos 80, e tudo se
começou a abrir. Havia major labels a mostrar
interesse, havia imprensa livre, havia a MTV…
Podíamos ter os nossos vídeos na MTV! Ima-
gina o que isto significava para nós, era uma
loucura. E isso gerou uma criatividade imensa
e um entusiasmo muito grande.
Achas que houve alguma razão para teres
recuperado este feeling rebelde e contesta-
tário dos primeiros tempos? O clima social
complicado que se viveu no teu país terá
contribuído para isso?
Acho que a razão principal para o álbum ter
resultado assim é mesmo a forma como
escrevemos a música. Nos últimos anos,
para aí nos últimos três ou quatro álbuns, o
procedimento era basicamente eu sentado
em frente ao computador a escrever riffs, e
a pensar “olha, este é bom!”, e depois outro
riff e “este é muito bom!” e por aí fora. [risos]
Ao fim de algum tempo, decidia que tinha
uma canção, enviava ao baterista, ele gra-
vava a bateria, e pronto. Agora foi diferente,
porque o nosso baterista actual, o Danilo
Estrella, desde que se juntou a nós demons-
trou uma vontade enorme de ser parte do
processo criativo, de fazer parte de toda a
escrita. Sempre teve tanto entusiasmo nes-
se sentido, que cada vez que tenho vindo ao
Chile – tenho vindo cá muito frequentemente
nos últimos anos – nos encontramos na sala
de ensaio e tocamos muito à moda antiga.
Sem planos, sem tocarmos nada pré-defini-
do a não ser meia dúzia de ideias de riffs, é
mesmo só ir para lá e tocar, tocar, tocar. E
foi nessas horas lá passadas que acabámos
por escrever o álbum quase todo, e acho que
isso dá aos temas o tal feeling de crueza, de
espontaneidade, porque o período que pas-
sámos naquela sala a tocar teve essa “elec-
tricidade” que era mais comum antigamente.
Fez-me lembrar quando fui visitar os Cavale-
ras a Belo Horizonte, enquanto estavam a es-
crever o «Schizophrenia», e estive com eles
“É talvez uma era pouco valorizada,
porque as pessoas se focam muito
só nos anos 80, mas os 90s também
foram altamente!”
no estúdio. É das melhores memórias que
tenho, e a energia que senti durante a escrita
deste álbum teve vibes parecidas.
Tal como os Cavaleras nessa ocasião, tam-
bém tu e o Danilo foram o núcleo duro da
composição, não foi?
Sim, éramos só os dois, com aquela ligação
directa, com feedback imediato, foi incrível.
É a melhor maneira de canalizar a criativi-
dade. Quando estamos sozinhos, temos a
tendência de começar a reciclar os nossos
pensamentos e apenas amplificá-los. Gos-
to muito mais de ter este intercâmbio com
outra pessoa. Mas não quero deixar passar
algo que perguntaste que realmente tam-
bém foi um factor importante, que é o clima
social que se viveu neste país. Em Outubro
de 2018 houve uma revolta popular muito
grande no Chile, e apesar de eu não estar
aqui na altura em que tudo aconteceu, tinha
estado pouco tempo antes, e regressei pou-
co tempo depois. Em ambas as ocasiões
percebi que se conseguia sentir algo no
ar, estava carregado, havia uma atmosfera
bastante pesada. As pessoas não sabiam
o que ia acontecer. O Chile é habitualmente
um lugar muito animado, Santiago é uma
cidade que está sempre a vibrar de energia,
e naquela altura essa vibração era maior
ainda, havia quase uma agressão latente a
pairar no ar, era tudo muito volátil. As pes-
soas estavam prontas para ir para as ruas
e queimar tudo. Como é óbvio, tudo isto foi
uma séria influência no nosso estado de es-
pírito e encontra-se representado no álbum
também.
Consideras que há algo inerentemente chi-
leno nos Criminal? É um exercício hipotéti-
co, claro, mas acreditas que a banda seria
muito diferente se as tuas origens fossem
outras?
Acho que há, sem dúvida, um elemento chile-
no na banda. E até sou capaz de definir o que
é, porque quando me mudei para a Europa e
comecei a colaborar mais com músicos euro-
peus, perdemos isso, e começámos a parecer
mais uma banda sueca, ou inglesa! Agora que
voltámos a ter três membros chilenos na ban-
da, e que estamos praticamente baseados no
Chile outra vez, isso voltou-se a sentir. Tem a
ver com um certo tipo de percussão, com uma
cadência, com um… eu hesito sempre em usar
a palavra groove, porque actualmente ganhou
um significado diferente, mas creio que as
pessoas entendem o contexto em que estou
a usá-la. É algo rítmico, o que nos define como
chilenos, e como sul-americanos no geral. Po-
demos ter perdido isso durante algum tempo,
mas fico feliz que o tenhamos recuperado.
Adorei o teu cuidado com o groove. [risos]
[risos] Não quero que pensem que somos
uma daquelas bandas americanas horríveis!
Por exemplo, sou grande fã dos álbuns que
os Napalm Death fizeram no final dos anos
90, o «Diatribes» e assim, é a esse groove que
me refiro. Tem um ritmo semelhante, tum-
-tum-ta-tum-turum-tum-ta-tum, consegue-se
perceber bem, e com o nosso baterista, nota-
-se perfeitamente o espalhafato latino. [risos]
Ele é um músico treinado e talentoso, conse-
gue tocar jazz, consegue basicamente tocar
tudo o que quiser, e ajudou a trazer essa iden-
tidade de volta à banda.
Groove mas extremo. Mais Napalm Death e
Sepultura, menos Disturbed ou Five Finger
Death Punch. [risos]
Exactamente! [risos] Ou até Machine Head
do primeiro álbum. O «Burn My Eyes», que
grande disco. Coisas pesadas, com “toma-
tes”!
A formação dos Criminal sempre foi uma
roda viva à tua volta, mas pareces especial-
mente contente com este pessoal que tens
agora. Será desta que é para durar?
O Danilo cresceu a ouvir os Criminal, é fã
de longa data, tal como o nosso guitarrista,
o Sergio Klein. Creio que eles, subconscien-
temente, deram à nossa música aquilo que
eles próprios já tinham saudades de ouvir
nela. Espero que esta relação dure bastante
tempo. Já há muitos anos que não fazemos
dois álbuns seguidos com a mesma forma-
ção, talvez consigamos desta vez. Estou mui-
to feliz por tocar com estes tipos. Já falei dos
chilenos, pessoal de formação técnica séria
e altamente entusiastas com a banda, mas
tenho que elogiar particularmente o Danny
[Biggin, baixista], é o meu sidekick há mais de
quinze anos, é uma fundação extraordinária
nesta banda. Ele que até é guitarrista, mas
fez-se num baixista incrível.
O «Sacrifício» tem duas músicas em espa-
nhol, ao contrário da solitária do costume…
e é tão fixe ouvir-te cantar na tua língua. Não
queres fazer mais umas no futuro?
Tenho andado a pensar em tentar fazer um
EP inteiro em espanhol, confesso. Talvez en-
tre dois álbuns, uma coisa de quatro ou cinco
músicas, acho que o pessoal ia gostar. Pelo
menos na América do Sul ia ficar tudo doido.
[risos] Há essa possibilidade, sim. Em rela-
ção ao «Sacrifício», quando estávamos a gra-
var – porque eu deixo sempre as letras para o
fim –, apercebi-me que com toda a temática
que o disco ia ter, o momento na história do
Chile que estávamos a viver, fazia sentido
ter mais que um tema em espanhol. E sabia
exactamente quais iam ser, tinham que ter
a ver com isto tudo, e assim foi. Fiquei real-
mente com vontade de fazer mais. Olha! E
tu, não queres contribuir com um tema em
português?! [risos]
LOUD! 25
 FULL OF HELL
JARDIM DA
HUMANIDADE
INSIGNIFICANTE
O quinto álbum dos FULL OF HELL, «Garden
Of Burning Apparitions», é mais uma prova de
vitalidade e não-conformidade estilística dada pelo
quarteto da Pennsylvania. Há grindcore, há death
metal, mas também há muito noise, instrumentos de
sopro e, desta feita, uma dose saudável de noise rock,
tudo a decorrer em simultâneo enquanto o vocalista
(e homem da maquinaria) Dylan Walker, com quem
a LOUD! não perdeu a oportunidade de falar, berra
versos de angústia existencialista.
LUÍS PIRES JESS DANKMEYER
Este foi o vosso primeiro disco com o Seth
Manchester. Essa ideia surgiu após a tua
experiência com os Sightless Pit?
Até foi mais por causa das colaborações
com os The Body, que foram feitas as duas
com ele também. Quando vimos a forma
como ele aborda álbuns, é tão fora daquilo a
que estamos habituados, que é perfeito para
uma banda como nós que quer sempre no-
vas experiências. Quase que fomos trabalhar
com ele para o último, e desta vez sentimos
que estávamos prontos. Ele tem uma pers-
26 LOUD!
pectiva fresca sobre o que estamos a fazer,
portanto é muito bom tê-lo na equipa.
Imagino que seja muito diferente de gravar
com o Kurt Ballou.
São dois génios que existem em espaços
criativos completamente diferentes. Não
consigo comentar na parte da engenharia,
mas a forma de trabalhar do Seth, que vem
de fora do metal e hardcore do Kurt, parece-
-me muito única. É muito interessante ter um
gajo que grava toda esta música não-tradi-
cional, desde a pop experimental, ao noise,
ao folk… Acho que ele acaba por trazer umas
sensibilidades bastante únicas para este
mundo da música extrema.
Continuando um pouco por fora, vocês há
uns anos gravaram um split com os Intensi-
ve Care, e desta vez tiveram o Ryan Bloomer
a fazer noise como convidado. Correu bem,
portanto.
Sim, o Ryan é um gajo pesado na cena do
noise e o Spencer tinha interesse em saber
se ele estaria disponível para nos ajudar a
tratar do noise neste disco e ele alinhou. Ado-
ramos Intensive Care e adoramos o Ryan. O
Spencer queria que os convidados neste dis-
co fossem mais subtis, daí não termos vo-
calistas extras, porque queríamos um álbum
mais insular. O mesmo se aplica à Shoshana,
o clarinete baixo del é fantástico, mas é mais
uma presença deep cut.
E como é que uma pessoa que toca clarine-
te e vive na Austrália acabou num disco de
Full Of Hell?
Eu sou um fã enorme da banda del, os Su-
ffer, que tocavam powerviolence, conhece-
mo-nos há seis ou sete anos quando fomos
tocar à Austrália e criámos uma amizade
desde então. Eu sempre gostei de instrumen-
tos de sopro e acho que ficam muito bem na
nossa música. Desta vez queríamos um som
não tradicional; temos o Sam que é muito
bom com o saxofone alto mas queríamos
uma voz diferente.
Esse é portanto mais um exemplo do quão
importantes as digressões e a vossa abor-
dagem DIY às mesmas têm sido.
Desde o momento em que eu e o Spencer
nos conhecemos, que estamos naquele ce-
nário get in the van. Queríamos imenso fazer
a banda, começámos logo a viajar e nunca
parámos. Durante a pandemia, acabou por
ser bom perceber que ainda podemos ter
uma experiência que nos satisfaz mesmo
sem as digressões. É uma variável enorme
e eu não sabia como é que lidaria com a au-
sência dela, mas agora sei que continuaria
com esta banda mesmo que as digressões
nunca voltassem.
Falaste da tua paixão pelos sopros, e sendo
estes fundamentais na vossa colaboração
com Merzbow, parecem estar mais em foco
de novo no novo álbum.
Eu estou sempre a puxar nessa direcção.
Tínhamos de facto muito trompete na co-
laboração com Merzbow, mas acho que o
Spencer não quer exagerar nisso porque já
foi feito antes por outras bandas e de forma
muito melhor. Eu simplesmente gosto de
ouvir esses instrumentos na nossa música,
portanto vai haver sempre algum debate in-
terno sobre até onde ir com eles e desta vez
vieram mais ao de cima do que nos últimos
discos. Pessoalmente, só espero ter mais de-
les no futuro.
Há muito debate entre vocês durante a es-
crita?
Nem por isso. Sempre foram o Spencer e
o Dave a tratar da maioria da música, en-
quanto eu trato das letras e da estética.
Acho que nunca tivemos uma discussão
acesa, quando me juntei à banda eu e o
Spencer concluímos que queríamos mis-
turar as cenas rápidas de que gostamos
com merdas extremas e noise, expulsámos
imediatamente os outros membros porque
eles não queriam essa direcção e desde en-
tão temos sido uma frente unida. Eu estou
finalmente a sentir-me confortável com o
que fazemos, no sentido em que sinto que
metade dos elogios que nos fazem até têm
algum sentido, até aqui sempre achei um
exagero.
“Eu gosto de cenas arrastadas,
e como não somos uma banda
verdadeira de grindcore, podemos
fazer o que quisermos. Mais, como
não somos verdadeiramente nada,
podemos fazer tudo, não interessa
realmente.”
Sentes que aquela dose extra de noise rock
à Harvey Milk é um resultado da experiência
recente do Spencer com os Eye Flys?
Ele próprio admite-o. Tocar com essa malta
foi uma experiência muito fixe para ele, que
sempre gostou do género. Gravar um disco
fez com que esses sons escoassem para a
nossa música. Por acaso quando estávamos
a falar no início do álbum, surgiu a ideia de
fazer um disco todo arrastado e eu estava
todo entusiasmado com a ideia, que um dia
vamos certamente concretizar. Desta vez,
conforme as músicas foram saindo eram
blastbeats por toda a parte, simplesmente
aconteceu assim. Eu gosto de cenas arras-
tadas, e como não somos uma banda ver-
dadeira de grindcore, podemos fazer o que
quisermos. Mais, como não somos verda-
deiramente nada, podemos fazer tudo, não
interessa realmente.
Como foi a tua escrita de letras desta vez?
Foi bastante natural, fui-me apercebendo de
várias coisas ao longo dos últimos anos, en-
quanto estava aqui a passar-me da cabeça.
Nunca me procurei obrigar a escrever sobre
algo específico, mas um dos temas foi a falta
de conforto de estar em público, sempre me
senti estranho a expor-me e a pensar naqui-
lo que devia ser e o que era suposto fazer.
Quero tanto que esta banda seja o melhor
possível que isso às vezes gera confusão
sobre aquilo que devo fazer. Conforme fico
mais velho, acabo por me preocupar menos
e menos com isso. Felizmente nunca me for-
cei a escrever coisas que não queria fazer e
agora estou a aproveitar. As letras acabaram
por ser bastante pessoais, eu estava a lidar
com várias merdas, ainda estou, e acho que
são ideias com as quais as pessoas se po-
dem relacionar.
Na «Eroding Shell» pareces explorar um
pouco a ideia do medo que podemos sentir
numa multidão. Trata-se de uma experiên-
cia pessoal?
É sem dúvida aplicável nesse sentido literal
de estar num público enorme, é uma expe-
riência assustadora. É uma canção que fala
sobre ter medo de pessoas, de seres huma-
nos, e do potencial dessas pessoas em con-
junto. A humanidade é como que uma mana-
da que se move colectivamente às mãos de
ideologias. Numa multidão, as pessoas não
pensam realmente no que estão a fazer no
momento, e assusta-me o potencial que têm
nessa situação.
Outra ideia que exploras, esta mais profun-
da, é a noção de espiritualidade. Conside-
ras-te uma pessoa espiritual?
É uma grande questão no álbum e algo que
tenho vindo a ponderar com muita frequên-
cia. Sempre tive uma enorme ausência de
ideias sobre deus, os meus pais não me
deram uma educação religiosa e sempre
me considerei puramente ateu. Os últimos
anos mudaram isso, mas não te sei dizer
em que é que acredito. Acho que sempre fui
uma pessoa espiritual sem direcção. Duran-
te a escrita para este álbum estava mental-
mente num local bastante negro, foi um pe-
ríodo para examinar essas ideias, o pensar
na minha impermanência. No fundo estava
a tentar aceitar a ideia de que a minha exis-
tência não é mais do que um mísero flash
de luz no enorme caminho do universo,
aceitar essa merda enquanto sentia medo
existencial, pensar na minha relação com o
universo e o que isso pode significar. Não
tenho respostas, o álbum é essencialmen-
te uma crise, é o procurar de algum tipo de
iluminação interior. Acaba por ser a mesma
merda de sempre, percebo hoje que sem-
pre escrevi sobre isto, simplesmente com
menos urgência e sem saber sobre o que
estava a escrever.
LOUD! 27
 FULL OF HELL
JARDIM DA
HUMANIDADE
INSIGNIFICANTE
O quinto álbum dos FULL OF HELL, «Garden
Of Burning Apparitions», é mais uma prova de
vitalidade e não-conformidade estilística dada pelo
quarteto da Pennsylvania. Há grindcore, há death
metal, mas também há muito noise, instrumentos de
sopro e, desta feita, uma dose saudável de noise rock,
tudo a decorrer em simultâneo enquanto o vocalista
(e homem da maquinaria) Dylan Walker, com quem
a LOUD! não perdeu a oportunidade de falar, berra
versos de angústia existencialista.
LUÍS PIRES JESS DANKMEYER
Este foi o vosso primeiro disco com o Seth
Manchester. Essa ideia surgiu após a tua
experiência com os Sightless Pit?
Até foi mais por causa das colaborações
com os The Body, que foram feitas as duas
com ele também. Quando vimos a forma
como ele aborda álbuns, é tão fora daquilo a
que estamos habituados, que é perfeito para
uma banda como nós que quer sempre no-
vas experiências. Quase que fomos trabalhar
com ele para o último, e desta vez sentimos
que estávamos prontos. Ele tem uma pers-
26 LOUD!
pectiva fresca sobre o que estamos a fazer,
portanto é muito bom tê-lo na equipa.
Imagino que seja muito diferente de gravar
com o Kurt Ballou.
São dois génios que existem em espaços
criativos completamente diferentes. Não
consigo comentar na parte da engenharia,
mas a forma de trabalhar do Seth, que vem
de fora do metal e hardcore do Kurt, parece-
-me muito única. É muito interessante ter um
gajo que grava toda esta música não-tradi-
cional, desde a pop experimental, ao noise,
ao folk… Acho que ele acaba por trazer umas
sensibilidades bastante únicas para este
mundo da música extrema.
Continuando um pouco por fora, vocês há
uns anos gravaram um split com os Intensi-
ve Care, e desta vez tiveram o Ryan Bloomer
a fazer noise como convidado. Correu bem,
portanto.
Sim, o Ryan é um gajo pesado na cena do
noise e o Spencer tinha interesse em saber
se ele estaria disponível para nos ajudar a
tratar do noise neste disco e ele alinhou. Ado-
ramos Intensive Care e adoramos o Ryan. O
Spencer queria que os convidados neste dis-
co fossem mais subtis, daí não termos vo-
calistas extras, porque queríamos um álbum
mais insular. O mesmo se aplica à Shoshana,
o clarinete baixo del é fantástico, mas é mais
uma presença deep cut.
E como é que uma pessoa que toca clarine-
te e vive na Austrália acabou num disco de
Full Of Hell?
Eu sou um fã enorme da banda del, os Su-
ffer, que tocavam powerviolence, conhece-
mo-nos há seis ou sete anos quando fomos
tocar à Austrália e criámos uma amizade
desde então. Eu sempre gostei de instrumen-
tos de sopro e acho que ficam muito bem na
nossa música. Desta vez queríamos um som
não tradicional; temos o Sam que é muito
bom com o saxofone alto mas queríamos
uma voz diferente.
Esse é portanto mais um exemplo do quão
importantes as digressões e a vossa abor-
dagem DIY às mesmas têm sido.
Desde o momento em que eu e o Spencer
nos conhecemos, que estamos naquele ce-
nário get in the van. Queríamos imenso fazer
a banda, começámos logo a viajar e nunca
parámos. Durante a pandemia, acabou por
ser bom perceber que ainda podemos ter
uma experiência que nos satisfaz mesmo
sem as digressões. É uma variável enorme
e eu não sabia como é que lidaria com a au-
sência dela, mas agora sei que continuaria
com esta banda mesmo que as digressões
nunca voltassem.
Falaste da tua paixão pelos sopros, e sendo
estes fundamentais na vossa colaboração
com Merzbow, parecem estar mais em foco
de novo no novo álbum.
Eu estou sempre a puxar nessa direcção.
Tínhamos de facto muito trompete na co-
laboração com Merzbow, mas acho que o
Spencer não quer exagerar nisso porque já
foi feito antes por outras bandas e de forma
muito melhor. Eu simplesmente gosto de
ouvir esses instrumentos na nossa música,
portanto vai haver sempre algum debate in-
terno sobre até onde ir com eles e desta vez
vieram mais ao de cima do que nos últimos
discos. Pessoalmente, só espero ter mais de-
les no futuro.
Há muito debate entre vocês durante a es-
crita?
Nem por isso. Sempre foram o Spencer e
o Dave a tratar da maioria da música, en-
quanto eu trato das letras e da estética.
Acho que nunca tivemos uma discussão
acesa, quando me juntei à banda eu e o
Spencer concluímos que queríamos mis-
turar as cenas rápidas de que gostamos
com merdas extremas e noise, expulsámos
imediatamente os outros membros porque
eles não queriam essa direcção e desde en-
tão temos sido uma frente unida. Eu estou
finalmente a sentir-me confortável com o
que fazemos, no sentido em que sinto que
metade dos elogios que nos fazem até têm
algum sentido, até aqui sempre achei um
exagero.
“Eu gosto de cenas arrastadas,
e como não somos uma banda
verdadeira de grindcore, podemos
fazer o que quisermos. Mais, como
não somos verdadeiramente nada,
podemos fazer tudo, não interessa
realmente.”
Sentes que aquela dose extra de noise rock
à Harvey Milk é um resultado da experiência
recente do Spencer com os Eye Flys?
Ele próprio admite-o. Tocar com essa malta
foi uma experiência muito fixe para ele, que
sempre gostou do género. Gravar um disco
fez com que esses sons escoassem para a
nossa música. Por acaso quando estávamos
a falar no início do álbum, surgiu a ideia de
fazer um disco todo arrastado e eu estava
todo entusiasmado com a ideia, que um dia
vamos certamente concretizar. Desta vez,
conforme as músicas foram saindo eram
blastbeats por toda a parte, simplesmente
aconteceu assim. Eu gosto de cenas arras-
tadas, e como não somos uma banda ver-
dadeira de grindcore, podemos fazer o que
quisermos. Mais, como não somos verda-
deiramente nada, podemos fazer tudo, não
interessa realmente.
Como foi a tua escrita de letras desta vez?
Foi bastante natural, fui-me apercebendo de
várias coisas ao longo dos últimos anos, en-
quanto estava aqui a passar-me da cabeça.
Nunca me procurei obrigar a escrever sobre
algo específico, mas um dos temas foi a falta
de conforto de estar em público, sempre me
senti estranho a expor-me e a pensar naqui-
lo que devia ser e o que era suposto fazer.
Quero tanto que esta banda seja o melhor
possível que isso às vezes gera confusão
sobre aquilo que devo fazer. Conforme fico
mais velho, acabo por me preocupar menos
e menos com isso. Felizmente nunca me for-
cei a escrever coisas que não queria fazer e
agora estou a aproveitar. As letras acabaram
por ser bastante pessoais, eu estava a lidar
com várias merdas, ainda estou, e acho que
são ideias com as quais as pessoas se po-
dem relacionar.
Na «Eroding Shell» pareces explorar um
pouco a ideia do medo que podemos sentir
numa multidão. Trata-se de uma experiên-
cia pessoal?
É sem dúvida aplicável nesse sentido literal
de estar num público enorme, é uma expe-
riência assustadora. É uma canção que fala
sobre ter medo de pessoas, de seres huma-
nos, e do potencial dessas pessoas em con-
junto. A humanidade é como que uma mana-
da que se move colectivamente às mãos de
ideologias. Numa multidão, as pessoas não
pensam realmente no que estão a fazer no
momento, e assusta-me o potencial que têm
nessa situação.
Outra ideia que exploras, esta mais profun-
da, é a noção de espiritualidade. Conside-
ras-te uma pessoa espiritual?
É uma grande questão no álbum e algo que
tenho vindo a ponderar com muita frequên-
cia. Sempre tive uma enorme ausência de
ideias sobre deus, os meus pais não me
deram uma educação religiosa e sempre
me considerei puramente ateu. Os últimos
anos mudaram isso, mas não te sei dizer
em que é que acredito. Acho que sempre fui
uma pessoa espiritual sem direcção. Duran-
te a escrita para este álbum estava mental-
mente num local bastante negro, foi um pe-
ríodo para examinar essas ideias, o pensar
na minha impermanência. No fundo estava
a tentar aceitar a ideia de que a minha exis-
tência não é mais do que um mísero flash
de luz no enorme caminho do universo,
aceitar essa merda enquanto sentia medo
existencial, pensar na minha relação com o
universo e o que isso pode significar. Não
tenho respostas, o álbum é essencialmen-
te uma crise, é o procurar de algum tipo de
iluminação interior. Acaba por ser a mesma
merda de sempre, percebo hoje que sem-
pre escrevi sobre isto, simplesmente com
menos urgência e sem saber sobre o que
estava a escrever.
LOUD! 27
 WHITECHAPEL
Depois de uma primeira metade da sua carreira forte-
mente associada ao deathcore, os WHITECHAPEL co-
meçaram a soltar-se um pouco. O último álbum, «The
Valley», de 2019, foi o último passo de um processo de
libertação da “caixa” estilística onde estavam metidos,
e «Kin», para além de liricamente continuar a história
contada nesse trabalho, mostra a banda de Knoxville,
no Tennessee, plenamente virada para o futuro, con-
forme nos garantiu o guitarrista Ben Savage.
JOSÉ CARLOS SANTOS ALEX MORGAN
AVENIDAS
NOVAS
28 LOUD!
Ao vosso oitavo álbum da carreira, ainda é
possível sentir aquele frio na barriga quando
um novo trabalho está prestes a ser editado?
É mesmo, sim. Se não mais que antes, até!
Sinto que este é o nosso melhor material,
e estou ansioso para ter feedback das pes-
soas. Quando se é mais novo, somos mais
cépticos em relação à forma como as coi-
sas vão ser recebidas, há alguma insegu-
rança. Mas neste momento sentimo-nos
mais maduros e bastante confiantes, por
isso só há mesmo razões para estar entu-
siasmado.
O «The Valley» foi um passo especialmente
importante para vocês? Parece ter sido o
culminar de algo, olhando agora com pers-
pectiva.
Considero que sim. Em termos de história
contada, o «Kin» é uma continuação do
«The Valley». Abriu como que um mundo
novo para nós, esse álbum, que se sente em
pleno no novo. Já não nos sentimos enfia-
dos dentro de uma caixa como antigamen-
te, queremos experimentar coisas novas,
e isso deixa-nos sempre com a pica toda.
Neste momento, vejo à minha frente um fu-
turo enorme a escrever e tocar música, que
não via necessariamente nos nossos pri-
meiros anos. Já não precisamos de escre-
ver o que é esperado de nós, descobrimos
que podemos perfeitamente escrever vindo
directamente “das tripas”, que os resultados
são ainda melhores. Sinto-me mais inspira-
do, e sei que esse sentimento vai aumentar
cada vez mais a partir daqui.
Quando é que essa libertação começou a
tomar forma, és capaz de apontar?
Sinto que é algo que já vinha a crescer há al-
guns anos. Diria que desde o «Whitechapel»,
quando começámos a experimentar com
tempos mais lentos, e riffs mais angulares, de
outro estilo. Os temas mais lentos que intro-
duzimos nesse álbum levaram directamente
a melodias mais ricas e mais perceptíveis
na música. Quando abrandas a cadência, é
como se abrisses espaço, espaço esse que
podemos preencher com texturas várias. A
partir daí é como se tudo tivesse acontecido
em cadeia. Os ritmos mais lentos deram ori-
gem a mais melodia, e mais melodia teve o
condão de inspirar o Phil [Bozeman, vocalista]
a cantar em voz limpa, porque era algo que
complementava melhor os temas. E a cada
novidade que vamos introduzindo, estamos
constantemente a pensar noutras ideias.
Mas sim, o «The Valley», como sugeriste, teve
um papel muito importante, decisivo. De-
pois de fazermos esse álbum, as comportas
abriram-se de vez, e chegámos rapidamente
onde estamos agora, com o «Kin».
Souberam logo o tipo de álbum que ia ser,
ou foi difícil seguir o «The Valley» ao prin-
cípio?
Não sabíamos logo, não, confesso. Era algo
“A cada novidade que vamos
introduzindo, estamos constantemente
a pensar noutras ideias.”
que não estava claro, e isso ainda durou
bastante tempo. Andámos um bocado às
apalpadelas às escuras. Tudo começa com
uma ideia, e tentamo-nos pôr na situação de
um fã: o que é que eu quero ouvir? Ou mais
especificamente ainda: depois de ouvir «The
Valley», o que é que eu quero ouvir agora? O
princípio do álbum foi mesmo a «I Will Find
You», quando conseguimos polir tudo e me-
ter aquele riff enorme em destaque. Soava-
-nos exactamente ao que pretendíamos, e
percebemos que era aquele o caminho em
termos sonoros. Tendo esse tema quase
concluído como base, outros riffs e ideias
foram encaixando no sítio, tudo parecia com-
plementar-se. Toda a arte começa com uma
ideia, e depois vai-se trabalhando até chegar
à forma que queremos. E foi assim.
O Phil falou com vocês sobre a performance
dele no álbum? Terá sido um desafio gran-
de, a quantidade de voz limpa que usa, e as
várias formas como a aplica?
Sabes que ele não é de falar muito nessas coi-
sas. [risos] Mas acredito que sim, que tenha
sido um desafio. Nós escrevemos sempre a
música primeiro, sequenciamos o álbum todo
musicalmente, e depois o Phil escreve as letras
do princípio ao fim. Mas da minha parte, o que
me pareceu ter sido um desafio maior para ele
foi a voz limpa em registo mais agudo. Lem-
bro-me da parte final do tema-título, que tem
uma parte num registo vocal altíssimo, depois
do solo de guitarra, onde faz uma espécie de
grito cantado, acho que é a nota mais alta que
ele já atingiu, e sei que isso foi um desafio.
Mas no geral, durante a gravação, pareceu to-
talmente calmo e à vontade.
O press release diz que o álbum é tão rock
como metal. Achas que os vossos fãs vão
reagir bem a isto?
Gostamos de pensar que vão reagir bem.
Damos o benefício da dúvida às pessoas.
Espero que compreendam que sentimos
que esta era a única maneira de continuar a
contar esta história. Se fores um ser huma-
no [risos], acho que é fácil de perceber. Mas
se ergueste paredes à tua volta e só gostas
de uma cena, então também entendo se não
gostares deste disco e dos próximos. Tudo é
uma escolha, e está tudo bem.
Já falas dos próximos com alguma proprie-
dade, já têm material novo ou pelo menos
ideais soltas nesta altura?
Sim sim, sem dúvida! Claro que não temos te-
mas completos, mas temos muitos esboços e
ideias. Como sempre, ainda não sabemos ao
que vai soar – só descobrimos isso quando nos
juntamos todos numa sala e começamos a fil-
trar tudo, aí é que a personalidade da música,
através da banda, se revela. Para já é um monte
de ideias com potencial ainda em processo de
recolha, veremos como será o resultado.
Ao fim destes anos todos, para além da es-
tabilidade da vossa formação – bateristas à
parte –, nunca houve grande actividade vos-
sa em termos extra-Whitechapel. Ninguém
na banda teve alguma vez a tentação de se
aventurar noutra coisa diferente?
Nunca, realmente. Quero que todas as mi-
nhas boas ideias vão para os Whitechapel.
Tudo o que eu escrevo que possa soar a
esta banda, vai para esta banda. Qualquer
outro projecto que eu tivesse, seria estar a
dispersar boas ideias, e no fim de contas
alguém iria sofrer com isso. Para além de
que iríamos saturar os fãs, se tivéssemos
várias bandas relacionadas connosco a
funcionar ao mesmo tempo. O resto do
pessoal nos Whitechapel também pensa
assim, já falámos disso algumas vezes.
Enfim, claro que toco música com ami-
gos, em Nashville, onde vivo. Coisas muito
funky, geralmente. Sou grande fã do John
Frusciante, e com o grupo de amigos mú-
sicos que tenho, tocamos esse tipo de
música, que sei que nunca vai fazer parte
de um álbum dos Whitechapel. Não é nada
público nem nada disso, só nos juntamos
às vezes e tocamos, para estar uns com os
outros e para “coçar essa comichão” musi-
cal. E acho que isso é saudável para a mi-
nha actividade principal.
A tua toada é de optimismo inabalável, hoje
em dia. Sentes que estão no ponto alto da
vossa carreira como Whitechapel?
Sim, é um ponto alto, digo-o claramente. Mas
demorou muito a chegar aqui. Não foi nada
fácil. Fizemos por merecê-lo. Muito traba-
lho, muita dedicação. Durante muitos anos
foi frustrante, admito. Sentíamo-nos presos,
super categorizados. Chegar ao ponto onde
estamos demora tempo, e requer muito tra-
balho. Mas vale a pena.
LOUD! 29
 WHITECHAPEL
Depois de uma primeira metade da sua carreira forte-
mente associada ao deathcore, os WHITECHAPEL co-
meçaram a soltar-se um pouco. O último álbum, «The
Valley», de 2019, foi o último passo de um processo de
libertação da “caixa” estilística onde estavam metidos,
e «Kin», para além de liricamente continuar a história
contada nesse trabalho, mostra a banda de Knoxville,
no Tennessee, plenamente virada para o futuro, con-
forme nos garantiu o guitarrista Ben Savage.
JOSÉ CARLOS SANTOS ALEX MORGAN
AVENIDAS
NOVAS
28 LOUD!
Ao vosso oitavo álbum da carreira, ainda é
possível sentir aquele frio na barriga quando
um novo trabalho está prestes a ser editado?
É mesmo, sim. Se não mais que antes, até!
Sinto que este é o nosso melhor material,
e estou ansioso para ter feedback das pes-
soas. Quando se é mais novo, somos mais
cépticos em relação à forma como as coi-
sas vão ser recebidas, há alguma insegu-
rança. Mas neste momento sentimo-nos
mais maduros e bastante confiantes, por
isso só há mesmo razões para estar entu-
siasmado.
O «The Valley» foi um passo especialmente
importante para vocês? Parece ter sido o
culminar de algo, olhando agora com pers-
pectiva.
Considero que sim. Em termos de história
contada, o «Kin» é uma continuação do
«The Valley». Abriu como que um mundo
novo para nós, esse álbum, que se sente em
pleno no novo. Já não nos sentimos enfia-
dos dentro de uma caixa como antigamen-
te, queremos experimentar coisas novas,
e isso deixa-nos sempre com a pica toda.
Neste momento, vejo à minha frente um fu-
turo enorme a escrever e tocar música, que
não via necessariamente nos nossos pri-
meiros anos. Já não precisamos de escre-
ver o que é esperado de nós, descobrimos
que podemos perfeitamente escrever vindo
directamente “das tripas”, que os resultados
são ainda melhores. Sinto-me mais inspira-
do, e sei que esse sentimento vai aumentar
cada vez mais a partir daqui.
Quando é que essa libertação começou a
tomar forma, és capaz de apontar?
Sinto que é algo que já vinha a crescer há al-
guns anos. Diria que desde o «Whitechapel»,
quando começámos a experimentar com
tempos mais lentos, e riffs mais angulares, de
outro estilo. Os temas mais lentos que intro-
duzimos nesse álbum levaram directamente
a melodias mais ricas e mais perceptíveis
na música. Quando abrandas a cadência, é
como se abrisses espaço, espaço esse que
podemos preencher com texturas várias. A
partir daí é como se tudo tivesse acontecido
em cadeia. Os ritmos mais lentos deram ori-
gem a mais melodia, e mais melodia teve o
condão de inspirar o Phil [Bozeman, vocalista]
a cantar em voz limpa, porque era algo que
complementava melhor os temas. E a cada
novidade que vamos introduzindo, estamos
constantemente a pensar noutras ideias.
Mas sim, o «The Valley», como sugeriste, teve
um papel muito importante, decisivo. De-
pois de fazermos esse álbum, as comportas
abriram-se de vez, e chegámos rapidamente
onde estamos agora, com o «Kin».
Souberam logo o tipo de álbum que ia ser,
ou foi difícil seguir o «The Valley» ao prin-
cípio?
Não sabíamos logo, não, confesso. Era algo
“A cada novidade que vamos
introduzindo, estamos constantemente
a pensar noutras ideias.”
que não estava claro, e isso ainda durou
bastante tempo. Andámos um bocado às
apalpadelas às escuras. Tudo começa com
uma ideia, e tentamo-nos pôr na situação de
um fã: o que é que eu quero ouvir? Ou mais
especificamente ainda: depois de ouvir «The
Valley», o que é que eu quero ouvir agora? O
princípio do álbum foi mesmo a «I Will Find
You», quando conseguimos polir tudo e me-
ter aquele riff enorme em destaque. Soava-
-nos exactamente ao que pretendíamos, e
percebemos que era aquele o caminho em
termos sonoros. Tendo esse tema quase
concluído como base, outros riffs e ideias
foram encaixando no sítio, tudo parecia com-
plementar-se. Toda a arte começa com uma
ideia, e depois vai-se trabalhando até chegar
à forma que queremos. E foi assim.
O Phil falou com vocês sobre a performance
dele no álbum? Terá sido um desafio gran-
de, a quantidade de voz limpa que usa, e as
várias formas como a aplica?
Sabes que ele não é de falar muito nessas coi-
sas. [risos] Mas acredito que sim, que tenha
sido um desafio. Nós escrevemos sempre a
música primeiro, sequenciamos o álbum todo
musicalmente, e depois o Phil escreve as letras
do princípio ao fim. Mas da minha parte, o que
me pareceu ter sido um desafio maior para ele
foi a voz limpa em registo mais agudo. Lem-
bro-me da parte final do tema-título, que tem
uma parte num registo vocal altíssimo, depois
do solo de guitarra, onde faz uma espécie de
grito cantado, acho que é a nota mais alta que
ele já atingiu, e sei que isso foi um desafio.
Mas no geral, durante a gravação, pareceu to-
talmente calmo e à vontade.
O press release diz que o álbum é tão rock
como metal. Achas que os vossos fãs vão
reagir bem a isto?
Gostamos de pensar que vão reagir bem.
Damos o benefício da dúvida às pessoas.
Espero que compreendam que sentimos
que esta era a única maneira de continuar a
contar esta história. Se fores um ser huma-
no [risos], acho que é fácil de perceber. Mas
se ergueste paredes à tua volta e só gostas
de uma cena, então também entendo se não
gostares deste disco e dos próximos. Tudo é
uma escolha, e está tudo bem.
Já falas dos próximos com alguma proprie-
dade, já têm material novo ou pelo menos
ideais soltas nesta altura?
Sim sim, sem dúvida! Claro que não temos te-
mas completos, mas temos muitos esboços e
ideias. Como sempre, ainda não sabemos ao
que vai soar – só descobrimos isso quando nos
juntamos todos numa sala e começamos a fil-
trar tudo, aí é que a personalidade da música,
através da banda, se revela. Para já é um monte
de ideias com potencial ainda em processo de
recolha, veremos como será o resultado.
Ao fim destes anos todos, para além da es-
tabilidade da vossa formação – bateristas à
parte –, nunca houve grande actividade vos-
sa em termos extra-Whitechapel. Ninguém
na banda teve alguma vez a tentação de se
aventurar noutra coisa diferente?
Nunca, realmente. Quero que todas as mi-
nhas boas ideias vão para os Whitechapel.
Tudo o que eu escrevo que possa soar a
esta banda, vai para esta banda. Qualquer
outro projecto que eu tivesse, seria estar a
dispersar boas ideias, e no fim de contas
alguém iria sofrer com isso. Para além de
que iríamos saturar os fãs, se tivéssemos
várias bandas relacionadas connosco a
funcionar ao mesmo tempo. O resto do
pessoal nos Whitechapel também pensa
assim, já falámos disso algumas vezes.
Enfim, claro que toco música com ami-
gos, em Nashville, onde vivo. Coisas muito
funky, geralmente. Sou grande fã do John
Frusciante, e com o grupo de amigos mú-
sicos que tenho, tocamos esse tipo de
música, que sei que nunca vai fazer parte
de um álbum dos Whitechapel. Não é nada
público nem nada disso, só nos juntamos
às vezes e tocamos, para estar uns com os
outros e para “coçar essa comichão” musi-
cal. E acho que isso é saudável para a mi-
nha actividade principal.
A tua toada é de optimismo inabalável, hoje
em dia. Sentes que estão no ponto alto da
vossa carreira como Whitechapel?
Sim, é um ponto alto, digo-o claramente. Mas
demorou muito a chegar aqui. Não foi nada
fácil. Fizemos por merecê-lo. Muito traba-
lho, muita dedicação. Durante muitos anos
foi frustrante, admito. Sentíamo-nos presos,
super categorizados. Chegar ao ponto onde
estamos demora tempo, e requer muito tra-
balho. Mas vale a pena.
LOUD! 29
 ILUMINADA ESCURIDÃO
Porventura a mais importante banda da história do grunge (ou
segunda, depende a quem perguntarem), os Alice In Chains são
hoje em dia a mais resiliente manifestação do som de Seattle
e muito disso se deve ao seu mentor, guitarrista, e vocalista,
JERRY CANTRELL. Três anos volvidos do lançamento de «Rainier
Fog», o lendário músico prepara-se para lançar «Brighten», o seu
terceiro disco a solo da carreira e o primeiro desde «Degradation
Trip Volumes 1 & 2» de 2002. Para o novo trabalho, para além do
productor Tyler Bates, que já gravou uma série de bandas-sonoras
com realizadores como James Gunn, Rob Zombie, e Zack Snyder,
recrutou ainda uma série de músicos de renome na nossa praça,
com Greg Puciato e Duff McKagan à cabeça. A LOUD! não perdeu a
oportunidade para uma profunda conversa sobre o novo álbum e
sobre a génese de Jerry Cantrell enquanto músico.
LUÍS PIRES JONATHAN WEINER

Já há dezanove anos que não tínhamos
um álbum a solo teu. Como surgiu o «Bri-
ghten»?
Provavelmente em 2019, quando começá-
mos a terminar as digressões de apresenta-
ção do «Rainier Fog», nessa altura comecei
a pensar na ideia de fazer um disco a solo.
Normalmente temos sempre uma pausa de-
pois de uma campanha de álbum, porque é
um compromisso de cerca de três anos, des-
de a escrita, à gravação, e respectiva digres-
são de apresentação. Apercebemo-nos que
é uma boa ideia afastarmo-nos um bocado
uns dos outros, e criarmos esse espaço en-
tre nós. Acho que é uma forma saudável de
lidar com a banda e portanto 2020 acabou
por não nos afectar nesse aspecto. Já não
fazia um disco a solo há tanto tempo porque
estava sempre a trabalhar no meu day job,
que são os Alice In Chains. [risos] Ou night
job, como lhe preferires chamar. [risos] Tive a
sorte de, quando a pandemia aconteceu, ter
algo para trabalhar que não requeria concer-
tos e felizmente já tínhamos a maioria dos
básicos gravados. Para o resto, tínhamos
outros músicos que ainda queríamos gra-
var, mas o esqueleto estava pronto e traba-
lhei com o meu engenheiro Paul Fig e com
o Tyler [Bates, produtor]. Foi essencialmente
trabalho em pares, sempre com a máscara,
a usar Purell [NR: desinfectante de mãos], e
a tentar minimizar a nossa exposição tanto
quanto possível. Felizmente conseguimos
terminar tudo sem ninguém adoecer.
Li uma referência tua ao Tyler Bates e ao
Paul Fig como parceiros de composição e
parece em geral que tiveram um envolvi-
mento muito maior do que o do produtor e
engenheiro habituais.
A base do álbum foi um quarteto composto
por mim, pelo Tyler Bates, pelo Paul Fig, e
pelo Joe Barresi. [NR: mistura] Entre nós os
quatro, toda a gente foi fundamental para
concretizar a ideia, para a gravar, e para
convidar um grupo fantástico de músicos.
Toda a gente trouxe alguém. Eu já tinha to-
cado com o Tyler e com o Gil Sharone [ba-
teria, Team Sleep e ex-The Dillinger Escape
Plan] e o Gil estava numa banda com o Greg
Puciato [guitarra e voz], pelo que o Greg apa-
rece no disco graças ao Gil. Eu convidei o
Duff [McKagan, baixo, Guns N’ Roses] para
“Em geral escrevo em fluxo de
consciência. Às vezes nem sei bem
o que raio ou sobre que raio escrevi
até anos mais tarde.”
aparecer, o Joe Barresi trouxe o Abe Laboriel
Jr. [bateria, Paul McCartney], e o Tyler trouxe
o Michael Rozon, que é um tipo fenomenal
com a pedal steel guitar, o Jordan Lewis para
os teclados, e a filha dele, a Lola Bates, que
fez vozes de acompanhamento muito boas
também.
Um dos singles de apresentação, o «Ato-
ne», tem um ambiente reminiscente das
composições do Morricone para os filmes
do Sergio Leone, que é algo que já há umas
décadas querias fazer, não é?
Não é assim tão invulgar isso acontecer.
Sempre que ouves um álbum, algumas
dessas ideias já existem há meses ou até
anos. Pela altura que te chega uma ideia
aos ouvidos, já nós tivemos de viver com ela
durante imenso tempo [risos] e nem todas
as ideias acabam por chegar a um álbum.
Durante um processo criativo, tens todas
estas ideias que nunca foram lançadas e
que são boas ideias, e com a «Atone» em
particular, acho que era uma ideia muito
boa que simplesmente nunca foi desenvol-
vida até se tornar naquela canção, na qual
tenho muito orgulho, acho que está muito
boa e finalmente na sua verdadeira forma.
Dito isto, ficar preso ao tempo ao qual já tive
uma ideia parece-me pouco relevante, pre-
cisamente porque toda a música que ouves
de um certo artista é composta por ideias
que já andam na cabeça da pessoa há um
tempo. Há coisas que acontecem espon-
taneamente, claro, e nós também fazemos
música assim, mas a maioria do material é
uma colagem de ideias e de partes já escri-
tas no passado. Todos os álbuns dos Alice
In Chains têm uma mão cheia de canções
que provavelmente surgiram em sessões de
discos anteriores e simplesmente não fo-
ram usadas ou não se encaixavam naquele
trabalho específico.

30 LOUD! LOUD! 31
 ILUMINADA ESCURIDÃO
Porventura a mais importante banda da história do grunge (ou
segunda, depende a quem perguntarem), os Alice In Chains são
hoje em dia a mais resiliente manifestação do som de Seattle
e muito disso se deve ao seu mentor, guitarrista, e vocalista,
JERRY CANTRELL. Três anos volvidos do lançamento de «Rainier
Fog», o lendário músico prepara-se para lançar «Brighten», o seu
terceiro disco a solo da carreira e o primeiro desde «Degradation
Trip Volumes 1 & 2» de 2002. Para o novo trabalho, para além do
productor Tyler Bates, que já gravou uma série de bandas-sonoras
com realizadores como James Gunn, Rob Zombie, e Zack Snyder,
recrutou ainda uma série de músicos de renome na nossa praça,
com Greg Puciato e Duff McKagan à cabeça. A LOUD! não perdeu a
oportunidade para uma profunda conversa sobre o novo álbum e
sobre a génese de Jerry Cantrell enquanto músico.
LUÍS PIRES JONATHAN WEINER

Já há dezanove anos que não tínhamos
um álbum a solo teu. Como surgiu o «Bri-
ghten»?
Provavelmente em 2019, quando começá-
mos a terminar as digressões de apresenta-
ção do «Rainier Fog», nessa altura comecei
a pensar na ideia de fazer um disco a solo.
Normalmente temos sempre uma pausa de-
pois de uma campanha de álbum, porque é
um compromisso de cerca de três anos, des-
de a escrita, à gravação, e respectiva digres-
são de apresentação. Apercebemo-nos que
é uma boa ideia afastarmo-nos um bocado
uns dos outros, e criarmos esse espaço en-
tre nós. Acho que é uma forma saudável de
lidar com a banda e portanto 2020 acabou
por não nos afectar nesse aspecto. Já não
fazia um disco a solo há tanto tempo porque
estava sempre a trabalhar no meu day job,
que são os Alice In Chains. [risos] Ou night
job, como lhe preferires chamar. [risos] Tive a
sorte de, quando a pandemia aconteceu, ter
algo para trabalhar que não requeria concer-
tos e felizmente já tínhamos a maioria dos
básicos gravados. Para o resto, tínhamos
outros músicos que ainda queríamos gra-
var, mas o esqueleto estava pronto e traba-
lhei com o meu engenheiro Paul Fig e com
o Tyler [Bates, produtor]. Foi essencialmente
trabalho em pares, sempre com a máscara,
a usar Purell [NR: desinfectante de mãos], e
a tentar minimizar a nossa exposição tanto
quanto possível. Felizmente conseguimos
terminar tudo sem ninguém adoecer.
Li uma referência tua ao Tyler Bates e ao
Paul Fig como parceiros de composição e
parece em geral que tiveram um envolvi-
mento muito maior do que o do produtor e
engenheiro habituais.
A base do álbum foi um quarteto composto
por mim, pelo Tyler Bates, pelo Paul Fig, e
pelo Joe Barresi. [NR: mistura] Entre nós os
quatro, toda a gente foi fundamental para
concretizar a ideia, para a gravar, e para
convidar um grupo fantástico de músicos.
Toda a gente trouxe alguém. Eu já tinha to-
cado com o Tyler e com o Gil Sharone [ba-
teria, Team Sleep e ex-The Dillinger Escape
Plan] e o Gil estava numa banda com o Greg
Puciato [guitarra e voz], pelo que o Greg apa-
rece no disco graças ao Gil. Eu convidei o
Duff [McKagan, baixo, Guns N’ Roses] para
“Em geral escrevo em fluxo de
consciência. Às vezes nem sei bem
o que raio ou sobre que raio escrevi
até anos mais tarde.”
aparecer, o Joe Barresi trouxe o Abe Laboriel
Jr. [bateria, Paul McCartney], e o Tyler trouxe
o Michael Rozon, que é um tipo fenomenal
com a pedal steel guitar, o Jordan Lewis para
os teclados, e a filha dele, a Lola Bates, que
fez vozes de acompanhamento muito boas
também.
Um dos singles de apresentação, o «Ato-
ne», tem um ambiente reminiscente das
composições do Morricone para os filmes
do Sergio Leone, que é algo que já há umas
décadas querias fazer, não é?
Não é assim tão invulgar isso acontecer.
Sempre que ouves um álbum, algumas
dessas ideias já existem há meses ou até
anos. Pela altura que te chega uma ideia
aos ouvidos, já nós tivemos de viver com ela
durante imenso tempo [risos] e nem todas
as ideias acabam por chegar a um álbum.
Durante um processo criativo, tens todas
estas ideias que nunca foram lançadas e
que são boas ideias, e com a «Atone» em
particular, acho que era uma ideia muito
boa que simplesmente nunca foi desenvol-
vida até se tornar naquela canção, na qual
tenho muito orgulho, acho que está muito
boa e finalmente na sua verdadeira forma.
Dito isto, ficar preso ao tempo ao qual já tive
uma ideia parece-me pouco relevante, pre-
cisamente porque toda a música que ouves
de um certo artista é composta por ideias
que já andam na cabeça da pessoa há um
tempo. Há coisas que acontecem espon-
taneamente, claro, e nós também fazemos
música assim, mas a maioria do material é
uma colagem de ideias e de partes já escri-
tas no passado. Todos os álbuns dos Alice
In Chains têm uma mão cheia de canções
que provavelmente surgiram em sessões de
discos anteriores e simplesmente não fo-
ram usadas ou não se encaixavam naquele
trabalho específico.

30 LOUD! LOUD! 31
 Enquanto compositor isso significa que es-
tás sempre a escrever ideias para mais tar-
de ou são coisas que te ficam na cabeça?
Tenho de as gravar, senão esqueço-me! [ri-
sos] Há coisas que ficam, mas a maioria das
ideias são efémeras a não ser que as grave
de uma forma ou outra. Aprendi bastante
cedo no processo de me tornar um compo-
sitor que tenho de gravar as coisas numa
fita, ou no telemóvel, ou no computador, o
que interessa é que elas estejam nalgum
lugar. [risos] O critério é simples, se for algo
que me toque auditivamente, que me faça di-
zer “foda-se, isto é mesmo fixe,” então gravo-
-o; não é algo que faça constantemente, mas
faço-o com regularidade, digamos assim. Ao
fazer isto ao longo de um período de anos,
fico com imensas ideias para explorar quan-
do entro no processo de escrita. Claro que
começo com as ideias novas, mas acabo
“Tens sempre de tentar ser mesmo
bom, tão bom quanto possível.
Estás a apontar para um nível que é
essencialmente inatingível, mas se
os teus objectivos forem assim tão
altos, consegues chegar francamente
próximo durante a maioria do tempo.”
sempre por revisitar ideias antigas que não
usei ou que não desenvolvi até ao fim, por-
que muitas vezes encontro partes que encai-
xam na perfeição como o que estou a fazer
naquele momento. Sinto-me bastante bem
com a proporção de boas ideias que tenho
escrito ao longo dos anos, claro que nem
tudo é bom e nem todas merecem ser edi-
tadas, mas há uma percentagem considera-
velmente alta de material que se traduziu em
canções bastante boas. Digamos que tenho
uma batting average bastante boa, no senti-
do em que, se acho que uma cena é fixe, se
me faz sentir alguma coisa, seja entusiasmo
ou uma emoção, há uma probabilidade bas-
tante boa que vai acabar por fazer alguém
sentir alguma coisa quando a ouvir.
Também é assim que elaboras letras?
As letras são sempre a cena mais fodida para
mim, sem excepção, e são sempre a última
coisa que faço. Começo sempre pela música
e sou capaz de ter uma frase ou uma ideia
para um refrão ou assim, mas na maioria das
vezes é só mesmo uma melodia vocal. Pala-
vras são fodidas, man! [risos] É esse o mo-
mento em que as coisas se podem estragar,
mesmo quando tens uma boa ideia musical;
claro que eventualmente podes ter letras
que não são merdas para prémios literários
e ter uma canção de rock’n’roll do caralho,
porque não é suposto ser grande literatura,
é mesmo só rock, man. Mas tentas sempre
ter palavras e letras que tenham um impacto,
provoquem uma emoção, e contem uma his-
32 LOUD!
tória. A forma como abordo as letras é tentar
que elas não sejam demasiado literais e não
ter álbuns em que tens uma canção sobre
isto e outra sobre aquilo. Não é assim que
escrevo, tento escrever algo que se aplique
em níveis diferentes e em geral escrevo em
fluxo de consciência. Às vezes nem sei bem
sobre que raio escrevi até anos mais tarde,
percebes? Pode até não ser só sobre uma
coisa, pode ser sobre uma mistura de coisas.
Para além disso, gosto de escrita que possa
ser interpretada de uma série de formas dife-
rentes, em que uma linha significa algo para
uma pessoa e algo completamente diferente
para outra, adoro isso.
Isso aconteceu-me com os Alice In Chains,
cresci a interpretar canções de forma com-
pletamente diferente do que era suposto,
mas acho que enquanto ouvinte é positiva
essa criação de laços e interpretações pes-
soais com as canções.
Não só é positivo, é mesmo assim que deve
ser! É como na analogia do quadro antigo;
pegas em dez pessoas e pões um quadro à
frente delas; não vais ter duas interpretações
iguais do que lá está, e as canções funcio-
nam exactamente da mesma forma. O facto
de eu deixar as coisas em aberto, acho que
também se dá a essas interpretações, até
porque nunca gostei daquela ideia de fazer
análise de significados canção a canção.
Falando em emoções criadas por canções,
fiquei com a impressão que há uma atmos-
fera inspiradora e positiva que é transversal
ao «Brighten», mesmo que este não esteja
isento de escuridão.
Sim, esse ambiente está presente, mas
quando fores ler as letras descobres que
não são muito diferentes do que escrevi no
passado. É material novo e isso é fixe, é uma
nova colecção de canções, mas há um esti-
lo e uma forma de misturar escuridão e luz,
de passar entre acordes maiores e menores
de forma não discordante, de forma que faz
sentido. Penso que isso tem sido uma marca
da música dos Alice In Chains ao longo dos
anos, bem como da minha forma de escre-
ver música noutros contextos. Tenho orgulho
nisso, é um tema que revisito com frequência
e que ainda não fiquei sem formas de explo-
rar, isso dá-me gozo. É uma linguagem que
desenvolvi com o meu parceiro de escrita
Layne Staley e com a minha banda, e penso
que encontrei o meu próprio caminho. Nesse
sentido, é algo que tento transportar para o
que faço hoje em dia com a banda, sozinho,
e com outros músicos.
Como acabou por correr a interacção com
este elenco de luxo que recrutaste para o
«Brighten», alguns dos quais, como o Greg
Puciato, que vêm de um mundo diferente e
não tinham experiência de gravação conti-
go?
Bem, trabalhar com o Greg foi fantástico,
damo-nos muito bem, ele é um tipo muito
versátil e talentoso. Conheci-o através do Gil
Sharone que estava na altura nos The Dillin-
ger Escape Plan com ele. Eu, o Gil e o Tyler
já tínhamos trabalhado numa canção para
a banda-sonora do «John Wick: Chapter
2» chamada «A Job To Do», portanto já tí-
nhamos essa história. Quando quis dar uns
concertos em Dezembro de 2019, o Tyler e
o Gil ajudaram-me a montar uma banda e
uma série desses músicos acabaram nes-
te álbum: o Gil Sharone, o Greg Puciato, o
Tyler Bates, claro, o Michael Rozon, o Jor-
dan Lewis. O resto dos músicos surgiram
como que do nada… Quer dizer, não foi do
nada, foram outros membros da equipa que
os convidaram. O meu engenheiro e co-pro-
dutor Paul Fig trouxe o Vincent Jones que
é um músico fantástico e que fez alguns
arranjos fenomenais de teclas e cordas, so-
bretudo na «Goodbye», que encerra o disco,
mas também pontualmente no resto dos te-
mas. O Joe Barresi, que misturou o disco e
também ajudou a determinar a direcção da
produção, trouxe o Abe Laboriel Jr. e acho
que foi fundamental tê-lo a bordo; a mistura
do Gil e do Abe a tocar basicamente metade
do álbum cada um, ter dois bateristas talen-
tosos com sensibilidades diferentes, penso
que acrescentou imensa profundidade ao
disco.
Consta que tiveste permissão do próprio El-
ton John para incluir a tua versão da «Goo-
dbye» no disco, depois de ele ter participa-
do na «Black Gives Way To Blue». Como é
que olhas para a vossa colaboração ao lon-
go dos anos?
É uma curiosidade para mim sobre o que
decidi fazer com a minha vida. Em primeiro
lugar, o simples facto de o ter conseguido
fazer com amigos, ter-me tornado num mú-
sico e compositor. Depois acabamos por
ser uma comunidade bastante pequena de
aberrações carnivalescas [risos] e de piratas
neste barco à deriva, mas conhecer o Elton
e desenvolver uma pequena amizade com
ele ao longo dos anos significa o mundo
para mim. O facto de ele ter feito parte do
nosso regresso com o «Black Gives Way
To Blue», da nossa despedida para o Lay-
ne conforme seguíamos em frente, essa
canção é imensamente poderosa. Essa
canção para mim relaciona-se com um par
de canções dele, uma é a «Goodbye», cuja
versão incluí neste álbum, e outra é a «Cur-
tains», que é uma espécie de canção curta
e emotiva de um outro disco do Elton John.
[NR: «Captain Fantastic And The Brown Dirt
Cowboy», de 1975] A «Black Gives Way To
Blue» é como essas duas canções, é curta,
é potente, é sombria, mas também é inspi-
radora ao mesmo tempo. No que diz respei-
LOUD!
LOUD! 33
33
 Enquanto compositor isso significa que es-
tás sempre a escrever ideias para mais tar-
de ou são coisas que te ficam na cabeça?
Tenho de as gravar, senão esqueço-me! [ri-
sos] Há coisas que ficam, mas a maioria das
ideias são efémeras a não ser que as grave
de uma forma ou outra. Aprendi bastante
cedo no processo de me tornar um compo-
sitor que tenho de gravar as coisas numa
fita, ou no telemóvel, ou no computador, o
que interessa é que elas estejam nalgum
lugar. [risos] O critério é simples, se for algo
que me toque auditivamente, que me faça di-
zer “foda-se, isto é mesmo fixe,” então gravo-
-o; não é algo que faça constantemente, mas
faço-o com regularidade, digamos assim. Ao
fazer isto ao longo de um período de anos,
fico com imensas ideias para explorar quan-
do entro no processo de escrita. Claro que
começo com as ideias novas, mas acabo
“Tens sempre de tentar ser mesmo
bom, tão bom quanto possível.
Estás a apontar para um nível que é
essencialmente inatingível, mas se
os teus objectivos forem assim tão
altos, consegues chegar francamente
próximo durante a maioria do tempo.”
sempre por revisitar ideias antigas que não
usei ou que não desenvolvi até ao fim, por-
que muitas vezes encontro partes que encai-
xam na perfeição como o que estou a fazer
naquele momento. Sinto-me bastante bem
com a proporção de boas ideias que tenho
escrito ao longo dos anos, claro que nem
tudo é bom e nem todas merecem ser edi-
tadas, mas há uma percentagem considera-
velmente alta de material que se traduziu em
canções bastante boas. Digamos que tenho
uma batting average bastante boa, no senti-
do em que, se acho que uma cena é fixe, se
me faz sentir alguma coisa, seja entusiasmo
ou uma emoção, há uma probabilidade bas-
tante boa que vai acabar por fazer alguém
sentir alguma coisa quando a ouvir.
Também é assim que elaboras letras?
As letras são sempre a cena mais fodida para
mim, sem excepção, e são sempre a última
coisa que faço. Começo sempre pela música
e sou capaz de ter uma frase ou uma ideia
para um refrão ou assim, mas na maioria das
vezes é só mesmo uma melodia vocal. Pala-
vras são fodidas, man! [risos] É esse o mo-
mento em que as coisas se podem estragar,
mesmo quando tens uma boa ideia musical;
claro que eventualmente podes ter letras
que não são merdas para prémios literários
e ter uma canção de rock’n’roll do caralho,
porque não é suposto ser grande literatura,
é mesmo só rock, man. Mas tentas sempre
ter palavras e letras que tenham um impacto,
provoquem uma emoção, e contem uma his-
32 LOUD!
tória. A forma como abordo as letras é tentar
que elas não sejam demasiado literais e não
ter álbuns em que tens uma canção sobre
isto e outra sobre aquilo. Não é assim que
escrevo, tento escrever algo que se aplique
em níveis diferentes e em geral escrevo em
fluxo de consciência. Às vezes nem sei bem
sobre que raio escrevi até anos mais tarde,
percebes? Pode até não ser só sobre uma
coisa, pode ser sobre uma mistura de coisas.
Para além disso, gosto de escrita que possa
ser interpretada de uma série de formas dife-
rentes, em que uma linha significa algo para
uma pessoa e algo completamente diferente
para outra, adoro isso.
Isso aconteceu-me com os Alice In Chains,
cresci a interpretar canções de forma com-
pletamente diferente do que era suposto,
mas acho que enquanto ouvinte é positiva
essa criação de laços e interpretações pes-
soais com as canções.
Não só é positivo, é mesmo assim que deve
ser! É como na analogia do quadro antigo;
pegas em dez pessoas e pões um quadro à
frente delas; não vais ter duas interpretações
iguais do que lá está, e as canções funcio-
nam exactamente da mesma forma. O facto
de eu deixar as coisas em aberto, acho que
também se dá a essas interpretações, até
porque nunca gostei daquela ideia de fazer
análise de significados canção a canção.
Falando em emoções criadas por canções,
fiquei com a impressão que há uma atmos-
fera inspiradora e positiva que é transversal
ao «Brighten», mesmo que este não esteja
isento de escuridão.
Sim, esse ambiente está presente, mas
quando fores ler as letras descobres que
não são muito diferentes do que escrevi no
passado. É material novo e isso é fixe, é uma
nova colecção de canções, mas há um esti-
lo e uma forma de misturar escuridão e luz,
de passar entre acordes maiores e menores
de forma não discordante, de forma que faz
sentido. Penso que isso tem sido uma marca
da música dos Alice In Chains ao longo dos
anos, bem como da minha forma de escre-
ver música noutros contextos. Tenho orgulho
nisso, é um tema que revisito com frequência
e que ainda não fiquei sem formas de explo-
rar, isso dá-me gozo. É uma linguagem que
desenvolvi com o meu parceiro de escrita
Layne Staley e com a minha banda, e penso
que encontrei o meu próprio caminho. Nesse
sentido, é algo que tento transportar para o
que faço hoje em dia com a banda, sozinho,
e com outros músicos.
Como acabou por correr a interacção com
este elenco de luxo que recrutaste para o
«Brighten», alguns dos quais, como o Greg
Puciato, que vêm de um mundo diferente e
não tinham experiência de gravação conti-
go?
Bem, trabalhar com o Greg foi fantástico,
damo-nos muito bem, ele é um tipo muito
versátil e talentoso. Conheci-o através do Gil
Sharone que estava na altura nos The Dillin-
ger Escape Plan com ele. Eu, o Gil e o Tyler
já tínhamos trabalhado numa canção para
a banda-sonora do «John Wick: Chapter
2» chamada «A Job To Do», portanto já tí-
nhamos essa história. Quando quis dar uns
concertos em Dezembro de 2019, o Tyler e
o Gil ajudaram-me a montar uma banda e
uma série desses músicos acabaram nes-
te álbum: o Gil Sharone, o Greg Puciato, o
Tyler Bates, claro, o Michael Rozon, o Jor-
dan Lewis. O resto dos músicos surgiram
como que do nada… Quer dizer, não foi do
nada, foram outros membros da equipa que
os convidaram. O meu engenheiro e co-pro-
dutor Paul Fig trouxe o Vincent Jones que
é um músico fantástico e que fez alguns
arranjos fenomenais de teclas e cordas, so-
bretudo na «Goodbye», que encerra o disco,
mas também pontualmente no resto dos te-
mas. O Joe Barresi, que misturou o disco e
também ajudou a determinar a direcção da
produção, trouxe o Abe Laboriel Jr. e acho
que foi fundamental tê-lo a bordo; a mistura
do Gil e do Abe a tocar basicamente metade
do álbum cada um, ter dois bateristas talen-
tosos com sensibilidades diferentes, penso
que acrescentou imensa profundidade ao
disco.
Consta que tiveste permissão do próprio El-
ton John para incluir a tua versão da «Goo-
dbye» no disco, depois de ele ter participa-
do na «Black Gives Way To Blue». Como é
que olhas para a vossa colaboração ao lon-
go dos anos?
É uma curiosidade para mim sobre o que
decidi fazer com a minha vida. Em primeiro
lugar, o simples facto de o ter conseguido
fazer com amigos, ter-me tornado num mú-
sico e compositor. Depois acabamos por
ser uma comunidade bastante pequena de
aberrações carnivalescas [risos] e de piratas
neste barco à deriva, mas conhecer o Elton
e desenvolver uma pequena amizade com
ele ao longo dos anos significa o mundo
para mim. O facto de ele ter feito parte do
nosso regresso com o «Black Gives Way
To Blue», da nossa despedida para o Lay-
ne conforme seguíamos em frente, essa
canção é imensamente poderosa. Essa
canção para mim relaciona-se com um par
de canções dele, uma é a «Goodbye», cuja
versão incluí neste álbum, e outra é a «Cur-
tains», que é uma espécie de canção curta
e emotiva de um outro disco do Elton John.
[NR: «Captain Fantastic And The Brown Dirt
Cowboy», de 1975] A «Black Gives Way To
Blue» é como essas duas canções, é curta,
é potente, é sombria, mas também é inspi-
radora ao mesmo tempo. No que diz respei-
LOUD!
LOUD! 33
33
 to à «Goodbye», é uma canção que sempre
ressoou comigo, já a tinha tocado nos dois
concertos em L.A. em Dezembro de 2019 e
é uma canção de encerramento muito boa,
pelo que decidimos mantê-la para o disco. O
Vincent Jones fez um arranjo maravilhoso
de cordas e teclas, eu toquei um pouco de
guitarra e cantei. Depois queria confirmar
com o Elton que ele estava okay com a mi-
nha versão da canção, foi uma questão de
respeito, percebes? Ele respondeu “absolu-
tamente, deves inclui-la no álbum, fizeste um
trabalho óptimo!” Isso teve um significado
enorme para mim, foi mesmo muito fixe. A
coincidência estranha é que a «Goodbye» é
a última canção no «Madmen Across The
34 LOUD!
Water», que senão me engano é um álbum
de nove canções [NR: é mesmo] e é a última
canção do «Brighten», que é outro álbum de
nove canções, também ele encerrado pela
«Goodbye».
Diz muito sobre o quão intemporal uma can-
ção é quando consegue encerrar desta for-
ma dois álbuns tão diferentes e separados
por tantas décadas.
Sem dúvida, até porque cada disco é uma
espécie de cápsula temporal de um período
de tempo e de um grupo de pessoas que tra-
balham nele. Fazer um álbum é uma jornada
muito interessante, tens aqueles exemplos
de grandes percursos, seja o cruzar de um
oceano ou um deserto, ou o escalar de uma
montanha, todos requerem esforço, demo-
ram um bom bocado, e assim que começas
não podes parar e estás comprometido até
ao fim. Estas analogias aplicam-se ao fazer
um álbum, é um processo muito longo, muito
complicado, e requer uma série de pessoal
para garantir que o álbum é segurado até à
sua compleição.
Sentes que essa jornada se manteve igual
para ti ao longo do tempo ou a tua expe-
riência aliada ao aparecimento de novas
ferramentas tecnológicas mudou-a consi-
deravelmente?
Penso que cada álbum tem os seus desafios
particulares. Claro que há ferramentas novas
a aparecer conforme o tempo passa e tens
de te adaptar a essas mudanças e incorporar
o que te faz sentido nessa altura. Não penso
que o desafio se torne mais fácil ou difícil, é
o que é, e é um esforço que vale a pena. A
cada disco que começo, sai um “oh foda-se,
como caralho é que faço isto outra vez? [ri-
sos] Consigo fazer isto outra vez?” Tens de
começar com um quadro em branco, sem
nada, apagas tudo o que fizeste no passado,
não te podes referir a nada disso, tens mes-
mo de começar do zero a cada vez, com um
rascunho novo. É um desafio entusiasmante
e assustador ao mesmo tempo.
Mencionaste há pouco que tinhas desen-
volvido uma linguagem própria ao longo
dos anos e a verdade é que quando ouvi-
mos canções tuas, tanto a solo como nos
Alice In Chains, há uma sonoridade à Jerry
Cantrell. Já te aconteceu escreveres algo
que sentias não ser a tua voz e que tinhas
de remover?
Não sinto a escrita dessa maneira e para o
explicar tenho de mencionar parte do que
fizemos no início da carreira com os Alice
In Chains. Quando editámos o EP acústico
imediatamente a seguir ao nosso primeiro
disco de rock bem sucedido, isto apanhou as
pessoas desprevenidas, ficaram estilo “que
merda é esta?” [risos], mas vieram connos-
co na mesma quando arriscámos nesses
EPs acústicos com sensibilidades diferentes
daquelas que apresentámos nos dois pri-
meiros discos de rock. Primeiro tínhamos o
«Facelift» e seguimos caminho com o «Sap»,
depois fizemos o «Dirt» e demos-lhe sequên-
cia com o «Jar Of Flies». Foi um risco que
corremos em ter esta variedade no tipo de
música que conseguimos fazer e acho que
isso fez toda a diferença; o termos corrido
estes riscos no início, no fundo, abriu o cam-
po das possibilidades para nos permitir fazer
o que quer que seja que estejamos a sentir
ser necessário na altura. Podemos fazê-lo
precisamente porque as pessoas podem
confiar que temos um som, e que vamos
soar dessa forma, qualquer que seja a so-
noridade ou abordagem que tenhamos es-
colhido para a ocasião. Tudo isto para dizer
que não sinto que quando escrevo algo, isso
possa não soar a Jerry Cantrell ou a Alice
In Chains, porque tanto eu como os Alice In
Chains podemos fazer o que quer que seja.
No fundo, resume-se a uma só questão: “hey
isto é bom ou é só okay?” [risos] Tens sempre
de tentar ser mesmo bom, tão bom quanto
possível. Estás a apontar para um nível que
é essencialmente inatingível, mas se os teus
objectivos forem assim tão altos, conse-
gues chegar francamente próximo durante a
maioria do tempo.
Mudando de assunto e olhando um pouco
para a forma como te tornaste no composi-
tor que és hoje, numa entrevista que deste
recentemente à Gibson para a série Icons,
mencionaste umas condições incríveis para
a música nas tuas escolas básica e secun-
dária, ao ponto de teres salas de ensaio
equipadas com tudo o que é preciso para,
por exemplo, começares o dia a tocar ma-
lhas de Judas Priest e Iron Maiden com os
teus amigos.
Considero que tive imensa sorte nesse as-
pecto, já que infelizmente ao longo dos anos
as artes têm decaído imenso nas escolas.
Por artes, quero dizer a disponibilidade de
aulas de arte, de aulas de música. Hoje em
dia são muito poucas as escolas que ainda
têm uma componente artística forte. No
geral, cresci num tempo em que este in-
vestimento existia, fui o beneficiário destas
aulas e tive alguns professores fantásticos.
A música sempre foi algo que falou comigo
desde uma tenra idade e nesses anos for-
mativos tive o privilégio de ter professores
muito importantes, tive por exemplo profes-
sores fantásticos de coro e de teatro, mas
mesmo o meu professor de matemática era
alguém com quem eu tocava guitarra de-
pois da escola, eu e uns amigos íamos sem-
pre rockar com o Brian. [risos] Ele adorava
“Começas por aprender canções
que outras pessoas escreveram e
emulas os teus heróis, até que, de
repente, soas a ti próprio. Com o
passar do tempo, tornas-te no herói
de outra pessoa, e essas influências
são passadas. Isso é incrível, e é
mesmo muito bom fazer parte
dessa história.”
rock e era um guitarrista bastante decente,
aprendemos imensas coisas com ele. Tive
estes três professores no secundário e ain-
da um no básico, o senhor Hall. Eles foram
tão importantes que quando o «Facelift» se
tornou álbum de ouro, enviei-lhes uma có-
pia, porque reconheço que a orientação que
me deram foi muito importante. Quem me
dera que mais jovens tivessem essa expo-
sição à música neste ambiente escolar, por-
que acho que é mesmo importante. Claro
que a matemática, a biologia, a geologia, a
ciência, e essas merdas são todas impor-
tantes também, mas acho que há qualquer
coisa na música e nas artes dramáticas que
é fundamental. Fazem parte das nossas
sociedades desde o início, tanto o drama
como a música, como o contar de histórias,
tudo isso são formas de comunicar tanto
verbal como não verbalmente que temos
que manter.
Sem dúvida. A ideia de uma escola ter esse
acesso a amplificadores, salas de ensaio,
baterias, também dá um acesso à arte que
deixa de depender da condição socio-eco-
nómica da pessoa, e isso parece-me funda-
mental.
Exactamente. A verdade é que muitas des-
sas aulas que foram fundamentais para
mim, poucos anos depois de terminar o
meu ensino secundário, deixaram de ser
oferecidas, o que é uma pena. Torna-se
necessário encontrar outras estratégias e
tens por exemplo o museu MoPop em Sea-
ttle [NR: Museum Of Pop Culture] no qual os
Alice In Chains foram homenageados o ano
passado com uma série de amigos nossos
a tocar canções da banda, e é um museu
interactivo em que as crianças podem
simplesmente pegar num baixo e tocá-lo,
podem sentar-se atrás de um kit de bateria
e tocar, e aprender em conjunto, é fantás-
tico. É uma experiência interactiva, e acho
que fizeram algo muito bom em tornar os
instrumentos e a música disponíveis para a
miudagem.
Voltando à tal linguagem que foste de-
senvolvendo… Nos teus anos formativos
recebeste uma grande influência dos can-
tautores de country da velha guarda, tipo
Hank Williams e Merle Haggard, só para
mencionar dois. São influências que ainda
sentes estarem presentes na tua música, ou
apenas no contar de uma história com a tua
música?
Acho que é material que está sem dúvida
neste álbum, e que na verdade tem estado
na minha música desde o início. Em qual-
quer que seja a música que tenha feito, seja
a solo ou com Alice In Chains, são influên-
cias que podes ouvir. No entanto, acaba
por ser tudo um grande mosaico. Eu não
me sento a tentar escrever uma canção à
Hank Williams porque o Hank Williams já
fez essas canções, mas de vez em quando
ouço coisas e penso “oh, já sei de onde é
que isto veio,” e tanto pode ser um artista
como uma combinação de vários que me
faz sentido. Mas é uma influência filtrada
pela minha voz ou pela nossa voz como
banda, que é sem dúvida algo que desen-
volves com o tempo. O que acho realmente
fixe nisto tudo é que começas por emular
pessoas, começas por aprender canções
que outras pessoas escreveram, e emulas
os teus heróis, até que de repente soas a
ti próprio. Porventura, com o passar do
tempo, tornas-te no herói de outra pessoa,
e essas influências são passadas. Isso é
incrível, é mesmo muito bom fazer parte
dessa história.
LOUD! 35
 to à «Goodbye», é uma canção que sempre
ressoou comigo, já a tinha tocado nos dois
concertos em L.A. em Dezembro de 2019 e
é uma canção de encerramento muito boa,
pelo que decidimos mantê-la para o disco. O
Vincent Jones fez um arranjo maravilhoso
de cordas e teclas, eu toquei um pouco de
guitarra e cantei. Depois queria confirmar
com o Elton que ele estava okay com a mi-
nha versão da canção, foi uma questão de
respeito, percebes? Ele respondeu “absolu-
tamente, deves inclui-la no álbum, fizeste um
trabalho óptimo!” Isso teve um significado
enorme para mim, foi mesmo muito fixe. A
coincidência estranha é que a «Goodbye» é
a última canção no «Madmen Across The
34 LOUD!
Water», que senão me engano é um álbum
de nove canções [NR: é mesmo] e é a última
canção do «Brighten», que é outro álbum de
nove canções, também ele encerrado pela
«Goodbye».
Diz muito sobre o quão intemporal uma can-
ção é quando consegue encerrar desta for-
ma dois álbuns tão diferentes e separados
por tantas décadas.
Sem dúvida, até porque cada disco é uma
espécie de cápsula temporal de um período
de tempo e de um grupo de pessoas que tra-
balham nele. Fazer um álbum é uma jornada
muito interessante, tens aqueles exemplos
de grandes percursos, seja o cruzar de um
oceano ou um deserto, ou o escalar de uma
montanha, todos requerem esforço, demo-
ram um bom bocado, e assim que começas
não podes parar e estás comprometido até
ao fim. Estas analogias aplicam-se ao fazer
um álbum, é um processo muito longo, muito
complicado, e requer uma série de pessoal
para garantir que o álbum é segurado até à
sua compleição.
Sentes que essa jornada se manteve igual
para ti ao longo do tempo ou a tua expe-
riência aliada ao aparecimento de novas
ferramentas tecnológicas mudou-a consi-
deravelmente?
Penso que cada álbum tem os seus desafios
particulares. Claro que há ferramentas novas
a aparecer conforme o tempo passa e tens
de te adaptar a essas mudanças e incorporar
o que te faz sentido nessa altura. Não penso
que o desafio se torne mais fácil ou difícil, é
o que é, e é um esforço que vale a pena. A
cada disco que começo, sai um “oh foda-se,
como caralho é que faço isto outra vez? [ri-
sos] Consigo fazer isto outra vez?” Tens de
começar com um quadro em branco, sem
nada, apagas tudo o que fizeste no passado,
não te podes referir a nada disso, tens mes-
mo de começar do zero a cada vez, com um
rascunho novo. É um desafio entusiasmante
e assustador ao mesmo tempo.
Mencionaste há pouco que tinhas desen-
volvido uma linguagem própria ao longo
dos anos e a verdade é que quando ouvi-
mos canções tuas, tanto a solo como nos
Alice In Chains, há uma sonoridade à Jerry
Cantrell. Já te aconteceu escreveres algo
que sentias não ser a tua voz e que tinhas
de remover?
Não sinto a escrita dessa maneira e para o
explicar tenho de mencionar parte do que
fizemos no início da carreira com os Alice
In Chains. Quando editámos o EP acústico
imediatamente a seguir ao nosso primeiro
disco de rock bem sucedido, isto apanhou as
pessoas desprevenidas, ficaram estilo “que
merda é esta?” [risos], mas vieram connos-
co na mesma quando arriscámos nesses
EPs acústicos com sensibilidades diferentes
daquelas que apresentámos nos dois pri-
meiros discos de rock. Primeiro tínhamos o
«Facelift» e seguimos caminho com o «Sap»,
depois fizemos o «Dirt» e demos-lhe sequên-
cia com o «Jar Of Flies». Foi um risco que
corremos em ter esta variedade no tipo de
música que conseguimos fazer e acho que
isso fez toda a diferença; o termos corrido
estes riscos no início, no fundo, abriu o cam-
po das possibilidades para nos permitir fazer
o que quer que seja que estejamos a sentir
ser necessário na altura. Podemos fazê-lo
precisamente porque as pessoas podem
confiar que temos um som, e que vamos
soar dessa forma, qualquer que seja a so-
noridade ou abordagem que tenhamos es-
colhido para a ocasião. Tudo isto para dizer
que não sinto que quando escrevo algo, isso
possa não soar a Jerry Cantrell ou a Alice
In Chains, porque tanto eu como os Alice In
Chains podemos fazer o que quer que seja.
No fundo, resume-se a uma só questão: “hey
isto é bom ou é só okay?” [risos] Tens sempre
de tentar ser mesmo bom, tão bom quanto
possível. Estás a apontar para um nível que
é essencialmente inatingível, mas se os teus
objectivos forem assim tão altos, conse-
gues chegar francamente próximo durante a
maioria do tempo.
Mudando de assunto e olhando um pouco
para a forma como te tornaste no composi-
tor que és hoje, numa entrevista que deste
recentemente à Gibson para a série Icons,
mencionaste umas condições incríveis para
a música nas tuas escolas básica e secun-
dária, ao ponto de teres salas de ensaio
equipadas com tudo o que é preciso para,
por exemplo, começares o dia a tocar ma-
lhas de Judas Priest e Iron Maiden com os
teus amigos.
Considero que tive imensa sorte nesse as-
pecto, já que infelizmente ao longo dos anos
as artes têm decaído imenso nas escolas.
Por artes, quero dizer a disponibilidade de
aulas de arte, de aulas de música. Hoje em
dia são muito poucas as escolas que ainda
têm uma componente artística forte. No
geral, cresci num tempo em que este in-
vestimento existia, fui o beneficiário destas
aulas e tive alguns professores fantásticos.
A música sempre foi algo que falou comigo
desde uma tenra idade e nesses anos for-
mativos tive o privilégio de ter professores
muito importantes, tive por exemplo profes-
sores fantásticos de coro e de teatro, mas
mesmo o meu professor de matemática era
alguém com quem eu tocava guitarra de-
pois da escola, eu e uns amigos íamos sem-
pre rockar com o Brian. [risos] Ele adorava
“Começas por aprender canções
que outras pessoas escreveram e
emulas os teus heróis, até que, de
repente, soas a ti próprio. Com o
passar do tempo, tornas-te no herói
de outra pessoa, e essas influências
são passadas. Isso é incrível, e é
mesmo muito bom fazer parte
dessa história.”
rock e era um guitarrista bastante decente,
aprendemos imensas coisas com ele. Tive
estes três professores no secundário e ain-
da um no básico, o senhor Hall. Eles foram
tão importantes que quando o «Facelift» se
tornou álbum de ouro, enviei-lhes uma có-
pia, porque reconheço que a orientação que
me deram foi muito importante. Quem me
dera que mais jovens tivessem essa expo-
sição à música neste ambiente escolar, por-
que acho que é mesmo importante. Claro
que a matemática, a biologia, a geologia, a
ciência, e essas merdas são todas impor-
tantes também, mas acho que há qualquer
coisa na música e nas artes dramáticas que
é fundamental. Fazem parte das nossas
sociedades desde o início, tanto o drama
como a música, como o contar de histórias,
tudo isso são formas de comunicar tanto
verbal como não verbalmente que temos
que manter.
Sem dúvida. A ideia de uma escola ter esse
acesso a amplificadores, salas de ensaio,
baterias, também dá um acesso à arte que
deixa de depender da condição socio-eco-
nómica da pessoa, e isso parece-me funda-
mental.
Exactamente. A verdade é que muitas des-
sas aulas que foram fundamentais para
mim, poucos anos depois de terminar o
meu ensino secundário, deixaram de ser
oferecidas, o que é uma pena. Torna-se
necessário encontrar outras estratégias e
tens por exemplo o museu MoPop em Sea-
ttle [NR: Museum Of Pop Culture] no qual os
Alice In Chains foram homenageados o ano
passado com uma série de amigos nossos
a tocar canções da banda, e é um museu
interactivo em que as crianças podem
simplesmente pegar num baixo e tocá-lo,
podem sentar-se atrás de um kit de bateria
e tocar, e aprender em conjunto, é fantás-
tico. É uma experiência interactiva, e acho
que fizeram algo muito bom em tornar os
instrumentos e a música disponíveis para a
miudagem.
Voltando à tal linguagem que foste de-
senvolvendo… Nos teus anos formativos
recebeste uma grande influência dos can-
tautores de country da velha guarda, tipo
Hank Williams e Merle Haggard, só para
mencionar dois. São influências que ainda
sentes estarem presentes na tua música, ou
apenas no contar de uma história com a tua
música?
Acho que é material que está sem dúvida
neste álbum, e que na verdade tem estado
na minha música desde o início. Em qual-
quer que seja a música que tenha feito, seja
a solo ou com Alice In Chains, são influên-
cias que podes ouvir. No entanto, acaba
por ser tudo um grande mosaico. Eu não
me sento a tentar escrever uma canção à
Hank Williams porque o Hank Williams já
fez essas canções, mas de vez em quando
ouço coisas e penso “oh, já sei de onde é
que isto veio,” e tanto pode ser um artista
como uma combinação de vários que me
faz sentido. Mas é uma influência filtrada
pela minha voz ou pela nossa voz como
banda, que é sem dúvida algo que desen-
volves com o tempo. O que acho realmente
fixe nisto tudo é que começas por emular
pessoas, começas por aprender canções
que outras pessoas escreveram, e emulas
os teus heróis, até que de repente soas a
ti próprio. Porventura, com o passar do
tempo, tornas-te no herói de outra pessoa,
e essas influências são passadas. Isso é
incrível, é mesmo muito bom fazer parte
dessa história.
LOUD! 35
 MONOLORD
ESTES RIFFS MATAM
NEGACIONISTAS
Pensa-se nos MONOLORD e a primeira coisa que vem à
cabeça são os riffs, paquidérmicos e carregados de fuzz,
naquilo que, na raiz, seria um estereótipo muito bem
pensado do que é o stoner/doom. É sobre esse peso es-
sencialmente tradicional que têm construído uma car-
reira, assinando uma sequência de quatro álbuns a que
nenhum apreciador do género pode apontar o dedo. No
entanto, havia algo mais a borbulhar debaixo daquele
peso monolítico e, a acompanhar as subtis mudanças
que foram operando musicalmente, começou a crescer
dentro do guitarrista, vocalista e principal compositor
da banda uma consciência político-social, que tinha de
sair cá para fora. Thomas V Jäger recebeu-nos no Zoom,
sentado no sofá da sua sala, com ar visivelmente can-
sado, mas com vontade de conversar sobre a carreira do
trio sueco e a novidade «Your Time To Shine».
JOSÉ MIGUEL RODRIGUES JOSEFINE LARSSON
36 LOUD!
Parece que tiveste um dia e tanto.
Tenho estado no estúdio com o Esben
[Willemm, baterista e produtor], estamos a
misturar o meu próximo álbum a solo. Pelo
meio, hoje fiz uma série de entrevistas, por
isso... sim, digamos que me tenho consegui-
do manter ocupado. Estamos agora a sair
de um período em que quase não fizemos
nada. Obviamente não fizemos nenhuma
tour, mas gravámos o novo álbum em Feve-
reiro, Março. Por aí. Não sei se posso falar
pelos três, mas acho que estávamos quase,
uh, deprimidos com tudo isto. Estes tempos
têm sido estranhos. [risos] Tu sabes, é meio
uma piada, mas ao mesmo tempo não é. Foi
muito difícil não podermos andar na estra-
da. Isso é tudo o que temos feito extensiva-
mente durante os últimos quatro ou cinco
anos. Agora, tivemos de voltar aos velhos
empregos. Por outro lado, houve coisas po-
sitivas; felizmente, na Suécia, as restrições
não eram tão apertadas, por isso tivemos
um bom tempo para ensaiar e trabalhar es-
tes temas. Geralmente, temos de entrar em
tour três segundos depois de termos acaba-
do de gravar, desta vez foi tudo mais des-
contraído. Foi fixe podermos gravar assim,
sem termos aquele stress do deadline nos
ombros.
Consegues apontar algo de que tenhas
sentido mais falta durante este período?
É complicado, porque não foi fácil de início,
mas depois a balança equilibrou-se. Colma-
tei a ausência de concertos com criativida-
de, tentei concentrar-me mais em fazer mú-
sica nova. Nesse aspecto tive a vida facilita-
da, porque tenho um estúdio caseiro lá em
cima, por isso posso subir e gravar quando
quiser. Depois faltam, claro, os concertos,
que são uma outra forma de me expressar.
Gosto de conhecer novos lugares, nova co-
mida, novas pessoas. É estranho estarmos
privados disso.
Até que ponto terem tido mais tempo para
escrever e gravar – “sem o stress do dea-
dline”, como disseste – afectou o «Your
Time To Shine»?
Afectou bastante. Tivemos tempo para fa-
zer pré-produção a sério, que é algo algo
que raramente fazíamos antes. Estávamos
sempre a ensaiar, fosse um alinhamento ou
temas novos... ou então estávamos a com-
por, para gravar e sair em digressão. O tem-
po estava sempre contado. Nesse aspecto,
o período de inactividade foi positivo; apren-
demos a dar mais valor ao que interessa. O
processo de composição acabou por ser
um pouco mais elaborado, tentámos coisas
diferentes, arranjos, novas soluções. Fize-
mos as coisas todas que não tínhamos tido
tempo para fazer antes.
Gravaram no novo estúdio do Esben, não
foi?
Sim, e isso foi interessante porque, quando
mudas para um novo lugar, uh... Vou voltar
ao início. [pausa] Então, o Esben comprou
um estúdio já existente em Gotemburgo,
mas foi tudo pacífico. Como já estava toda
a estrutura montada, foi simplesmente ele
mudar-se para lá, e nós fomos atrás. A pri-
meira coisa que fizemos foi configurar as
nossas coisas, experimentar a sala, e co-
meçámos a gravar. É uma grande sala, por
isso começou logo a soar tudo incrível. Por-
tanto, houve essa mudança de sítio, mas as
peças encaixaram todas sem problemas.
Talvez por isso, e por nos termos dado
tanto a tudo, do processo de escrita ao de
gravação, sinto que este pode bem ser o
disco que mais se parece connosco e tenho
a sensação que as pessoas vão perceber
que trabalhámos mais para este álbum que
para os anteriores.
Queres dar exemplos mais concretos?
Gravámos todos na mesma sala, por isso o
disco tem uma espécie dessa vibração ao
vivo, mas depois tivemos espaço e tempo
para irmos adicionando texturas ao que já
estava gravado. A ideia era dar aos temas
toda a vibe que merecem, porque sentimos
que, às vezes, não tivemos tempo para o
fazer no passado. Incluímos um monte de
coisas que podem não ser óbvias, mas que
fazem a diferença. Há guitarras limpas a
realçar algumas partes, mellotrons, diferen-
tes camadas de guitarras e outros instru-
mentos.
Sempre achei que os vossos temas sur-
giam em jams, com os três enfiados na sala
de ensaio e os amplificadores no máximo,
mas já disseste que não vivem todos no
mesmo sítio...
É engraçado como a música pode soar às
pessoas. Na maioria das vezes, escrevo
cerca de 98% das canções. Normalmente,
gravo uma demo, com a bateria programa-
da. Sei como o Mika [Häkki, baixista] toca.
Sei como Esben toca. Portanto, é fácil. Crio
a base, mas eles têm liberdade total para al-
terarem o que quiserem nas suas partes. Às
vezes fica igual ao que fiz ou muito próximo,
outras vezes arranjamos as coisas e fica di-
ferente. Isto não é nenhuma tirania, simples-
mente aconteceu ser assim. Estou sempre
a escrever; estou aqui no meu sofá, à frente
da TV, tenho uma guitarra na mãos e toco;
às vezes, acordo logo de manhã, pego numa
caneca de café, subo as escadas e começo
a tocar. Sempre que surge uma ideia de que
gosto, mesmo que seja curta, gravo para me
lembrar.
Não podia ter estado mais ao lado com a
minha interpretação, nesse caso.
Não, totalmente. De resto, é fantástico que
os discos passem essa ideia, porque algo
que não queremos é soar menos que ge-
“Podia sentar-me aqui a escrever
letras sobre magos, feitiços ou orcs
a cortarem cabeças de cobras. Mas
não é o que somos.”
nuínos em termos de som. E, até certo pon-
to, até tens razão, porque o primeiro álbum
foi uma espécie de jam, as coisas foram
acontecendo na sala de ensaios. A primeira
canção que fizemos juntos foi a «Empress
Rising», que é um primeiro tema do caraças
para qualquer banda. [risos] Depois, havia
riffs e ideias que eu já tinha há quase uma
década quando a banda começou, no final
de 2013, 2014. Estive à espera para tocar
este tipo de música durante muito, muito
tempo.
Porquê?
Não encontrei as pessoas certas até ter co-
meçado a tocar com eles.
Pode dizer-se que a música foi ganhan-
do outras nuances com a passagem dos
anos, concordas com uma afirmação deste
género?
Sim, o último disco não é, de todo, igual ao
primeiro, temos vindo a mudar. No início,
foi como uma descarga de adrenalina, mas
esse também é o álbum mais uni dimen-
sional que fizemos, por isso, quando come-
çámos a trabalhar no segundo, sentimos
necessidade de dar um passo. E tem sido
assim desde então. Não estou a sugerir que
os nossos temas se tenham tornado com-
plexos ou algo assim, mas queríamos mais
ganchos e mais dinâmica. O «Empress Ri-
sing» era um rolo compressor.
E como é que esse atenuar no embate tem
sido recebido pelos fãs?
Digamos que talvez conheça alguns fãs que
têm dificuldades com a evolução que temos
operado. Às vezes, isso causa comentários
nas nossas redes sociais. Acho que algu-
mas pessoas consideram que mudámos
demais e estou sempre a responder-lhes
que agora é que vai ser, “não vamos ter dis-
torção no próximo álbum”. Digo-o só para os
irritar. [risos] Agora a sério, isto é algo que
temos de fazer. Se tivéssemos feito três ou
quatro álbuns a soar todos ao mesmo, pro-
vavelmente já nenhum de nós teria interes-
se em fazer isto. O novo álbum mistura um
pouco mais do antigo com o novo e há mais
camadas, há muito mais coisas a acontece-
rem.
E em termos de letras? As coisas também
estão mais complexas, não estão?
Mais sérias, pelo menos. E talvez mais
complexas, sim, porque o mundo em que
vivemos também é mais complexo. Os
dois primeiros álbuns eram inspirados em
lendas de folclore. Crenças das pessoas
nos tempos antigos. No entanto, no «No
Comfort» e, agora, no «Your Time To Shi-
ne», as letras tomaram uma direcção... não
diria política, mas de certa forma é mesmo.
Para começar, é um disco anti-religião e é,
também, sobre falar daquilo em que acre-
ditamos e apontar as coisas que estão er-
radas.
Que, certamente, são assuntos bastante
mais relevante que demónios.
Às vezes, o público não reage bem. Quando
publicamos nas redes sociais coisas que,
para nós, são importantes, como um post
a defender a igualdade ou o que quer que
seja, há sempre – quase sempre homens,
é certo – que acham que o fazemos para
ser politicamente correctos. Dizem que não
devemos misturar política com música e
tudo o mais, mas para nós é mesmo muito
importante falarmos das coisas. Estamos a
destruir o mundo em que vivemos e as gera-
ções futuras vão ter de tentar contornar, se
é que vai ser possível, todas as merdas que
temos feito nos últimos 100 anos. Estamos
cansados de tudo isso, de toda a pobreza...
Parece que ninguém se importa, contanto
que recebam o seu salário ao final do mês.
E sim, eu podia sentar-me aqui a escrever
letras sobre magos, feitiços ou orcs a cor-
tarem cabeças de cobras. Mas não é onde
estamos agora, não é o que somos.
LOUD! 37
 MONOLORD
ESTES RIFFS MATAM
NEGACIONISTAS
Pensa-se nos MONOLORD e a primeira coisa que vem à
cabeça são os riffs, paquidérmicos e carregados de fuzz,
naquilo que, na raiz, seria um estereótipo muito bem
pensado do que é o stoner/doom. É sobre esse peso es-
sencialmente tradicional que têm construído uma car-
reira, assinando uma sequência de quatro álbuns a que
nenhum apreciador do género pode apontar o dedo. No
entanto, havia algo mais a borbulhar debaixo daquele
peso monolítico e, a acompanhar as subtis mudanças
que foram operando musicalmente, começou a crescer
dentro do guitarrista, vocalista e principal compositor
da banda uma consciência político-social, que tinha de
sair cá para fora. Thomas V Jäger recebeu-nos no Zoom,
sentado no sofá da sua sala, com ar visivelmente can-
sado, mas com vontade de conversar sobre a carreira do
trio sueco e a novidade «Your Time To Shine».
JOSÉ MIGUEL RODRIGUES JOSEFINE LARSSON
36 LOUD!
Parece que tiveste um dia e tanto.
Tenho estado no estúdio com o Esben
[Willemm, baterista e produtor], estamos a
misturar o meu próximo álbum a solo. Pelo
meio, hoje fiz uma série de entrevistas, por
isso... sim, digamos que me tenho consegui-
do manter ocupado. Estamos agora a sair
de um período em que quase não fizemos
nada. Obviamente não fizemos nenhuma
tour, mas gravámos o novo álbum em Feve-
reiro, Março. Por aí. Não sei se posso falar
pelos três, mas acho que estávamos quase,
uh, deprimidos com tudo isto. Estes tempos
têm sido estranhos. [risos] Tu sabes, é meio
uma piada, mas ao mesmo tempo não é. Foi
muito difícil não podermos andar na estra-
da. Isso é tudo o que temos feito extensiva-
mente durante os últimos quatro ou cinco
anos. Agora, tivemos de voltar aos velhos
empregos. Por outro lado, houve coisas po-
sitivas; felizmente, na Suécia, as restrições
não eram tão apertadas, por isso tivemos
um bom tempo para ensaiar e trabalhar es-
tes temas. Geralmente, temos de entrar em
tour três segundos depois de termos acaba-
do de gravar, desta vez foi tudo mais des-
contraído. Foi fixe podermos gravar assim,
sem termos aquele stress do deadline nos
ombros.
Consegues apontar algo de que tenhas
sentido mais falta durante este período?
É complicado, porque não foi fácil de início,
mas depois a balança equilibrou-se. Colma-
tei a ausência de concertos com criativida-
de, tentei concentrar-me mais em fazer mú-
sica nova. Nesse aspecto tive a vida facilita-
da, porque tenho um estúdio caseiro lá em
cima, por isso posso subir e gravar quando
quiser. Depois faltam, claro, os concertos,
que são uma outra forma de me expressar.
Gosto de conhecer novos lugares, nova co-
mida, novas pessoas. É estranho estarmos
privados disso.
Até que ponto terem tido mais tempo para
escrever e gravar – “sem o stress do dea-
dline”, como disseste – afectou o «Your
Time To Shine»?
Afectou bastante. Tivemos tempo para fa-
zer pré-produção a sério, que é algo algo
que raramente fazíamos antes. Estávamos
sempre a ensaiar, fosse um alinhamento ou
temas novos... ou então estávamos a com-
por, para gravar e sair em digressão. O tem-
po estava sempre contado. Nesse aspecto,
o período de inactividade foi positivo; apren-
demos a dar mais valor ao que interessa. O
processo de composição acabou por ser
um pouco mais elaborado, tentámos coisas
diferentes, arranjos, novas soluções. Fize-
mos as coisas todas que não tínhamos tido
tempo para fazer antes.
Gravaram no novo estúdio do Esben, não
foi?
Sim, e isso foi interessante porque, quando
mudas para um novo lugar, uh... Vou voltar
ao início. [pausa] Então, o Esben comprou
um estúdio já existente em Gotemburgo,
mas foi tudo pacífico. Como já estava toda
a estrutura montada, foi simplesmente ele
mudar-se para lá, e nós fomos atrás. A pri-
meira coisa que fizemos foi configurar as
nossas coisas, experimentar a sala, e co-
meçámos a gravar. É uma grande sala, por
isso começou logo a soar tudo incrível. Por-
tanto, houve essa mudança de sítio, mas as
peças encaixaram todas sem problemas.
Talvez por isso, e por nos termos dado
tanto a tudo, do processo de escrita ao de
gravação, sinto que este pode bem ser o
disco que mais se parece connosco e tenho
a sensação que as pessoas vão perceber
que trabalhámos mais para este álbum que
para os anteriores.
Queres dar exemplos mais concretos?
Gravámos todos na mesma sala, por isso o
disco tem uma espécie dessa vibração ao
vivo, mas depois tivemos espaço e tempo
para irmos adicionando texturas ao que já
estava gravado. A ideia era dar aos temas
toda a vibe que merecem, porque sentimos
que, às vezes, não tivemos tempo para o
fazer no passado. Incluímos um monte de
coisas que podem não ser óbvias, mas que
fazem a diferença. Há guitarras limpas a
realçar algumas partes, mellotrons, diferen-
tes camadas de guitarras e outros instru-
mentos.
Sempre achei que os vossos temas sur-
giam em jams, com os três enfiados na sala
de ensaio e os amplificadores no máximo,
mas já disseste que não vivem todos no
mesmo sítio...
É engraçado como a música pode soar às
pessoas. Na maioria das vezes, escrevo
cerca de 98% das canções. Normalmente,
gravo uma demo, com a bateria programa-
da. Sei como o Mika [Häkki, baixista] toca.
Sei como Esben toca. Portanto, é fácil. Crio
a base, mas eles têm liberdade total para al-
terarem o que quiserem nas suas partes. Às
vezes fica igual ao que fiz ou muito próximo,
outras vezes arranjamos as coisas e fica di-
ferente. Isto não é nenhuma tirania, simples-
mente aconteceu ser assim. Estou sempre
a escrever; estou aqui no meu sofá, à frente
da TV, tenho uma guitarra na mãos e toco;
às vezes, acordo logo de manhã, pego numa
caneca de café, subo as escadas e começo
a tocar. Sempre que surge uma ideia de que
gosto, mesmo que seja curta, gravo para me
lembrar.
Não podia ter estado mais ao lado com a
minha interpretação, nesse caso.
Não, totalmente. De resto, é fantástico que
os discos passem essa ideia, porque algo
que não queremos é soar menos que ge-
“Podia sentar-me aqui a escrever
letras sobre magos, feitiços ou orcs
a cortarem cabeças de cobras. Mas
não é o que somos.”
nuínos em termos de som. E, até certo pon-
to, até tens razão, porque o primeiro álbum
foi uma espécie de jam, as coisas foram
acontecendo na sala de ensaios. A primeira
canção que fizemos juntos foi a «Empress
Rising», que é um primeiro tema do caraças
para qualquer banda. [risos] Depois, havia
riffs e ideias que eu já tinha há quase uma
década quando a banda começou, no final
de 2013, 2014. Estive à espera para tocar
este tipo de música durante muito, muito
tempo.
Porquê?
Não encontrei as pessoas certas até ter co-
meçado a tocar com eles.
Pode dizer-se que a música foi ganhan-
do outras nuances com a passagem dos
anos, concordas com uma afirmação deste
género?
Sim, o último disco não é, de todo, igual ao
primeiro, temos vindo a mudar. No início,
foi como uma descarga de adrenalina, mas
esse também é o álbum mais uni dimen-
sional que fizemos, por isso, quando come-
çámos a trabalhar no segundo, sentimos
necessidade de dar um passo. E tem sido
assim desde então. Não estou a sugerir que
os nossos temas se tenham tornado com-
plexos ou algo assim, mas queríamos mais
ganchos e mais dinâmica. O «Empress Ri-
sing» era um rolo compressor.
E como é que esse atenuar no embate tem
sido recebido pelos fãs?
Digamos que talvez conheça alguns fãs que
têm dificuldades com a evolução que temos
operado. Às vezes, isso causa comentários
nas nossas redes sociais. Acho que algu-
mas pessoas consideram que mudámos
demais e estou sempre a responder-lhes
que agora é que vai ser, “não vamos ter dis-
torção no próximo álbum”. Digo-o só para os
irritar. [risos] Agora a sério, isto é algo que
temos de fazer. Se tivéssemos feito três ou
quatro álbuns a soar todos ao mesmo, pro-
vavelmente já nenhum de nós teria interes-
se em fazer isto. O novo álbum mistura um
pouco mais do antigo com o novo e há mais
camadas, há muito mais coisas a acontece-
rem.
E em termos de letras? As coisas também
estão mais complexas, não estão?
Mais sérias, pelo menos. E talvez mais
complexas, sim, porque o mundo em que
vivemos também é mais complexo. Os
dois primeiros álbuns eram inspirados em
lendas de folclore. Crenças das pessoas
nos tempos antigos. No entanto, no «No
Comfort» e, agora, no «Your Time To Shi-
ne», as letras tomaram uma direcção... não
diria política, mas de certa forma é mesmo.
Para começar, é um disco anti-religião e é,
também, sobre falar daquilo em que acre-
ditamos e apontar as coisas que estão er-
radas.
Que, certamente, são assuntos bastante
mais relevante que demónios.
Às vezes, o público não reage bem. Quando
publicamos nas redes sociais coisas que,
para nós, são importantes, como um post
a defender a igualdade ou o que quer que
seja, há sempre – quase sempre homens,
é certo – que acham que o fazemos para
ser politicamente correctos. Dizem que não
devemos misturar política com música e
tudo o mais, mas para nós é mesmo muito
importante falarmos das coisas. Estamos a
destruir o mundo em que vivemos e as gera-
ções futuras vão ter de tentar contornar, se
é que vai ser possível, todas as merdas que
temos feito nos últimos 100 anos. Estamos
cansados de tudo isso, de toda a pobreza...
Parece que ninguém se importa, contanto
que recebam o seu salário ao final do mês.
E sim, eu podia sentar-me aqui a escrever
letras sobre magos, feitiços ou orcs a cor-
tarem cabeças de cobras. Mas não é onde
estamos agora, não é o que somos.
LOUD! 37
 LVCIFYRE
Começando pelo momento… Depois do úl-
timo álbum em 2014 e de um EP em 2019,
porquê editar agora este disco?
Não há uma cronologia deliberada. É isto que
fazemos, lançamos quando estamos satis-
feitos com o que temos. Não é algo planea-
do, mas é algo que tem vida própria.
Então ainda não será desta vez que os Lvci-
fyre irão entrar naquele ciclo, disco, digres-
são, disco. Continua mais como um projec-
to que resulta da vontade de ambos?
Com Lvcifyre iremos tentar tocar ao vivo,
mas não temos sequer planos para um novo
álbum. Tanto pode acontecer daqui a um ano
como daqui a cinco anos, ou não acontecer
de todo. Como disse, não há uma cronologia,
as energias que canalizamos em Lvcifyre
têm vontade própria.
Como é que o novo álbum acaba a ser gra-
vado em Milão?
Fomos gravar a Milão aos estúdios SPVN
do Stefano Santi, que é o nosso técnico de
som ao vivo. Para além de ser excelente
na parte técnica, o Stefano percebe o que
Lvcifyre significa artisticamente, portanto
é fácil comunicarmos as nossas ideias.
Além disso, o nosso processo de gravação
é como um ritual, através do qual tentamos
chegar a um estado de flow, para canalizar-
mos as energias da forma mais pura pos-
sível. Tanto eu como o T. Kaos temos que
estar num ambiente onde nos sintamos
confortáveis para nos libertarmos comple-
tamente.
Quando perceberam que esse estado era o
melhor para vocês?
Acho que atingir este estado de flow é es-
sencial para qualquer artista produzir arte
A CHAMA
Passaram-se sete anos que não caia no erro de ser demasiado
intelectualizada, ou que é criada por qual-
desde o último trabalho quer outro tipo de razão em detrimento da
dos LVCIFYRE. Finalmen- pureza da forma artística. A determinada
altura temos que largar as rédeas e a ten-
te, o duo baseado no Reino tação de controlo e deixar que as coisas
sigam o seu próprio caminho. No final,
Unido e que conta com apesar dos anos de preparação para esta
o polaco T. Kaos e o luso
ETERNA
gravação, tínhamos a sensação que o re-
sultado final de «The Broken Seal» foi algo
Menthor, lançou um su- que veio a ser por vida própria e não por
cessor para «Svn Eater», criação nossa.
intitulado «The Broken Há aquela corrente de black metal, muito
comum em Portugal, em que marcas um
Seal». Argumento mais par de tardes, gravas umas coisas em con-
que válido para a LOUD! junto com alguém e sai um disco. Tu falas
da necessidade de “estado de flow”. Há
estabelecer uma conversa meio termo?
com o baterista português. Não tenho nada contra gravações impro-
visadas. Muitas vezes há um processo de
EMANUEL FERREIRA preparação que não tem necessariamente a
ver com ensaiar ou escrever os temas pre-
EMILY POWER viamente, mas com uma preparação mental
para capturar algo mais espontâneo, primi-
tivo talvez. Temos projectos paralelos aos
Lvcifyre onde usamos este tipo de aborda-
gem, mas com Lvcifyre penso que isso não
funcionaria.
Como funciona a composição no disco e
como se articulam? Chegam a encontrar-se?
A composição é demorada. Para construir
algo imponente, não há volta a dar, é um
38 LOUD!
processo moroso. Um a dois anos depois
de gravarmos o «Svn Eater», tínhamos
um álbum quase completo em demo, mas
acabámos por não usar a maior parte dos
temas. Não estávamos satisfeitos com o
material, e o que restou foi alterado até ficar
irreconhecível, acabando algumas dessas
ideias no EP «Sacrament», em 2019. Lvci-
fyre é uma entidade que nos devora, há algo
nessa entidade que nos deixa obcecados e
não deixa espaço para mais nada. Acho que
este álbum foi particularmente difícil para
o T.K.. Quanto a mim, a determinada altura
tive que parar e estive ausente da banda
durante um ano. É algo que nos transcende
como indivíduos e que drena todas as nos-
sas energias.
Qual é, então, a relação com o EP «Sacra-
ment»?
O EP «Sacrament» foi escrito em simultâ-
neo, mas a determinada altura parámos o
trabalho para o álbum e gravámos o EP. Al-
guns dos temas em «Sacrament» estavam
alinhavados para o «The Broken Seal». Por
exemplo, «The Greater Curse» era suposto
ser a faixa de abertura do álbum. Tomou-se
a decisão de gravar o EP porque, a deter-
“Lvcifyre existe para acender a
chama que te acorda para veres
para além do véu de ilusões. Para
saberes de onde vens, o que és e
onde tudo acaba.”
minada altura, algo nos Lvcifyre procurava
uma voz que não podia ser expressada
através dos temas para o álbum. Essa voz
torturou-nos até que tivemos que a canali-
zar através do «Sacrament». A história de
uma alma deambulante que perde o con-
tacto com a existência mortal e não con-
segue distinguir o que é real daquilo que
não é.
Apesar disso, este disco não é conceptual,
ao contrário do que já fizeram no passado.
Não, «The Broken Seal» não é um álbum con-
ceptual per se, mas todos os temas estão re-
lacionados. Há uma temática comum e uma
intenção. Depois de gravar o álbum tive uma
visão onde, através de Lvcifyre, espalháva-
mos a Chama, cuspíamos fogo e o mundo à
nossa volta ardia.
Qual a temática?
Lvcifyre existe para acender a chama que te
acorda para veres para além do véu de ilu-
sões. Para saberes de onde vens, o que és
e onde tudo acaba. Põe-te em contacto com
forças que vão para além do material. Lvci-
fyre faz-te pensar o impensável.
Este lado mais “atmosférico”, no sentido de
clima criado no álbum, resulta de tudo isso?
Todo o lado mais atmosférico de Lvcifyre
vem de forças ocultas que nos usam como
um canal para chegar ao mundo material,
portanto sim, todas essas partes são criadas
em estúdio depois de atingido um determina-
do estado de espírito.
Como se relaciona a temática com a capa
escolhida?
A capa foi criada pelo Daniele Valeriani e
estamos muito satisfeitos com o resultado
final. Ele criou este artwork depois de ouvir
o álbum enquanto lia as letras durante dias
a fio, até que tudo se revelou num sonho, e
assim nasceu esta peça.
Oficialmente Lvcifyre é ainda um trio? Hou-
ve colaborações neste disco?
Lvcifyre neste momento é um duo. O Cultus
decidiu sair antes de gravarmos o álbum,
mas sempre tivemos a colaboração do Mark
Of The Devil, dos Cultes Des Ghoules. O input
dele é sempre surpreendente e tem uma voz
única.
Esquecendo as condições actuais, podendo
existir concertos, de forma normal, podere-
mos ver Lvcifyre na estrada?
Como tudo nesta banda, isso vai ser um de-
safio, mas vamos tentar, e estamos a traba-
lhar para isso. É difícil encontrar as pessoas
certas para trabalharem connosco, e ainda
não temos um line-up completo. Temos o
J, que é o nosso guitarrista ao vivo, e ele é
quase um terceiro membro, mas a disponi-
blidade dele é limitada, pois está envolvido
com outras bandas importantes, como Cor-
pus Christii, Vltimas, por aí fora. Além disso,
vive em Portugal, o que também acaba por
ser um problema logístico. Temos vários
convites para concertos e tours, mas ainda
nada definido.
Para lá dos Lvcifyre, é conhecido o teu en-
volvimento com outros grupos, com des-
taque óbvio para Enthroned. Como está
a tua agenda de momento, em termos de
bandas?
Neste momento o meu foco principal é com
Lvcifyre e Enthroned. É provável que haja
algo de Nightbringer num futuro próximo,
mas nada ainda 100% definido. Tenho tam-
bém gravações de sessão agendadas. Algu-
mas com bandas portuguesas. Em relação
aos Enthroned, estamos a trabalhar para o
novo álbum.
E no caso do T. Kaos? Sabes quais os pla-
nos dele para lá dos Lvcifyre?
Estamos a trabalhar no novo álbum dos Dea-
th Like Mass e o T.K. está envolvido também
nos Sodality.
LOUD! 39
 LVCIFYRE
Começando pelo momento… Depois do úl-
timo álbum em 2014 e de um EP em 2019,
porquê editar agora este disco?
Não há uma cronologia deliberada. É isto que
fazemos, lançamos quando estamos satis-
feitos com o que temos. Não é algo planea-
do, mas é algo que tem vida própria.
Então ainda não será desta vez que os Lvci-
fyre irão entrar naquele ciclo, disco, digres-
são, disco. Continua mais como um projec-
to que resulta da vontade de ambos?
Com Lvcifyre iremos tentar tocar ao vivo,
mas não temos sequer planos para um novo
álbum. Tanto pode acontecer daqui a um ano
como daqui a cinco anos, ou não acontecer
de todo. Como disse, não há uma cronologia,
as energias que canalizamos em Lvcifyre
têm vontade própria.
Como é que o novo álbum acaba a ser gra-
vado em Milão?
Fomos gravar a Milão aos estúdios SPVN
do Stefano Santi, que é o nosso técnico de
som ao vivo. Para além de ser excelente
na parte técnica, o Stefano percebe o que
Lvcifyre significa artisticamente, portanto
é fácil comunicarmos as nossas ideias.
Além disso, o nosso processo de gravação
é como um ritual, através do qual tentamos
chegar a um estado de flow, para canalizar-
mos as energias da forma mais pura pos-
sível. Tanto eu como o T. Kaos temos que
estar num ambiente onde nos sintamos
confortáveis para nos libertarmos comple-
tamente.
Quando perceberam que esse estado era o
melhor para vocês?
Acho que atingir este estado de flow é es-
sencial para qualquer artista produzir arte
A CHAMA
Passaram-se sete anos que não caia no erro de ser demasiado
intelectualizada, ou que é criada por qual-
desde o último trabalho quer outro tipo de razão em detrimento da
dos LVCIFYRE. Finalmen- pureza da forma artística. A determinada
altura temos que largar as rédeas e a ten-
te, o duo baseado no Reino tação de controlo e deixar que as coisas
sigam o seu próprio caminho. No final,
Unido e que conta com apesar dos anos de preparação para esta
o polaco T. Kaos e o luso
ETERNA
gravação, tínhamos a sensação que o re-
sultado final de «The Broken Seal» foi algo
Menthor, lançou um su- que veio a ser por vida própria e não por
cessor para «Svn Eater», criação nossa.
intitulado «The Broken Há aquela corrente de black metal, muito
comum em Portugal, em que marcas um
Seal». Argumento mais par de tardes, gravas umas coisas em con-
que válido para a LOUD! junto com alguém e sai um disco. Tu falas
da necessidade de “estado de flow”. Há
estabelecer uma conversa meio termo?
com o baterista português. Não tenho nada contra gravações impro-
visadas. Muitas vezes há um processo de
EMANUEL FERREIRA preparação que não tem necessariamente a
ver com ensaiar ou escrever os temas pre-
EMILY POWER viamente, mas com uma preparação mental
para capturar algo mais espontâneo, primi-
tivo talvez. Temos projectos paralelos aos
Lvcifyre onde usamos este tipo de aborda-
gem, mas com Lvcifyre penso que isso não
funcionaria.
Como funciona a composição no disco e
como se articulam? Chegam a encontrar-se?
A composição é demorada. Para construir
algo imponente, não há volta a dar, é um
38 LOUD!
processo moroso. Um a dois anos depois
de gravarmos o «Svn Eater», tínhamos
um álbum quase completo em demo, mas
acabámos por não usar a maior parte dos
temas. Não estávamos satisfeitos com o
material, e o que restou foi alterado até ficar
irreconhecível, acabando algumas dessas
ideias no EP «Sacrament», em 2019. Lvci-
fyre é uma entidade que nos devora, há algo
nessa entidade que nos deixa obcecados e
não deixa espaço para mais nada. Acho que
este álbum foi particularmente difícil para
o T.K.. Quanto a mim, a determinada altura
tive que parar e estive ausente da banda
durante um ano. É algo que nos transcende
como indivíduos e que drena todas as nos-
sas energias.
Qual é, então, a relação com o EP «Sacra-
ment»?
O EP «Sacrament» foi escrito em simultâ-
neo, mas a determinada altura parámos o
trabalho para o álbum e gravámos o EP. Al-
guns dos temas em «Sacrament» estavam
alinhavados para o «The Broken Seal». Por
exemplo, «The Greater Curse» era suposto
ser a faixa de abertura do álbum. Tomou-se
a decisão de gravar o EP porque, a deter-
“Lvcifyre existe para acender a
chama que te acorda para veres
para além do véu de ilusões. Para
saberes de onde vens, o que és e
onde tudo acaba.”
minada altura, algo nos Lvcifyre procurava
uma voz que não podia ser expressada
através dos temas para o álbum. Essa voz
torturou-nos até que tivemos que a canali-
zar através do «Sacrament». A história de
uma alma deambulante que perde o con-
tacto com a existência mortal e não con-
segue distinguir o que é real daquilo que
não é.
Apesar disso, este disco não é conceptual,
ao contrário do que já fizeram no passado.
Não, «The Broken Seal» não é um álbum con-
ceptual per se, mas todos os temas estão re-
lacionados. Há uma temática comum e uma
intenção. Depois de gravar o álbum tive uma
visão onde, através de Lvcifyre, espalháva-
mos a Chama, cuspíamos fogo e o mundo à
nossa volta ardia.
Qual a temática?
Lvcifyre existe para acender a chama que te
acorda para veres para além do véu de ilu-
sões. Para saberes de onde vens, o que és
e onde tudo acaba. Põe-te em contacto com
forças que vão para além do material. Lvci-
fyre faz-te pensar o impensável.
Este lado mais “atmosférico”, no sentido de
clima criado no álbum, resulta de tudo isso?
Todo o lado mais atmosférico de Lvcifyre
vem de forças ocultas que nos usam como
um canal para chegar ao mundo material,
portanto sim, todas essas partes são criadas
em estúdio depois de atingido um determina-
do estado de espírito.
Como se relaciona a temática com a capa
escolhida?
A capa foi criada pelo Daniele Valeriani e
estamos muito satisfeitos com o resultado
final. Ele criou este artwork depois de ouvir
o álbum enquanto lia as letras durante dias
a fio, até que tudo se revelou num sonho, e
assim nasceu esta peça.
Oficialmente Lvcifyre é ainda um trio? Hou-
ve colaborações neste disco?
Lvcifyre neste momento é um duo. O Cultus
decidiu sair antes de gravarmos o álbum,
mas sempre tivemos a colaboração do Mark
Of The Devil, dos Cultes Des Ghoules. O input
dele é sempre surpreendente e tem uma voz
única.
Esquecendo as condições actuais, podendo
existir concertos, de forma normal, podere-
mos ver Lvcifyre na estrada?
Como tudo nesta banda, isso vai ser um de-
safio, mas vamos tentar, e estamos a traba-
lhar para isso. É difícil encontrar as pessoas
certas para trabalharem connosco, e ainda
não temos um line-up completo. Temos o
J, que é o nosso guitarrista ao vivo, e ele é
quase um terceiro membro, mas a disponi-
blidade dele é limitada, pois está envolvido
com outras bandas importantes, como Cor-
pus Christii, Vltimas, por aí fora. Além disso,
vive em Portugal, o que também acaba por
ser um problema logístico. Temos vários
convites para concertos e tours, mas ainda
nada definido.
Para lá dos Lvcifyre, é conhecido o teu en-
volvimento com outros grupos, com des-
taque óbvio para Enthroned. Como está
a tua agenda de momento, em termos de
bandas?
Neste momento o meu foco principal é com
Lvcifyre e Enthroned. É provável que haja
algo de Nightbringer num futuro próximo,
mas nada ainda 100% definido. Tenho tam-
bém gravações de sessão agendadas. Algu-
mas com bandas portuguesas. Em relação
aos Enthroned, estamos a trabalhar para o
novo álbum.
E no caso do T. Kaos? Sabes quais os pla-
nos dele para lá dos Lvcifyre?
Estamos a trabalhar no novo álbum dos Dea-
th Like Mass e o T.K. está envolvido também
nos Sodality.
LOUD! 39
 CRADLE OF FILTH
Depois do lançamento de «Cryptoriana – The Seduc-
tiveness Of Decay», os CRADLE OF FILTH embarca-
ram na mais longa digressão da sua carreira, digres-
são essa que originou um novo álbum, «Existence Is
Futile». Lançado no ano em que celebram 30 anos de
existência, é uma espécie de regresso ao mais bruto
passado da banda, em oposição aos temas que abor-
da, como nos contou o bem disposto Dani Filth.
LUÍS PIRES JAMES SHARROCK
Esta foi a tua mais surreal experiência de
escrita e gravação?
Escrevemos antes do confinamento, portanto
surreal só mesmo a gravação, mas foi bom,
porque nos deu mais tempo. Não trabalhámos
dias inteiros e eu era o único no estúdio. Foi
complicado juntar pessoas por causa das res-
trições de viagens, demorámos quatro meses
a ter o nosso guitarrista [NR: Ashok, que vive
na Republica Checa] em estúdio e felizmente
o Martin já tinha gravado as baterias antes da
confusão começar, caso contrário tínhamos
ficado na merda. Fora isso foi bom, trabalhar
sem os prazos, sem ninguém saber o que es-
tava a acontecer. Ainda por cima o tempo es-
tava óptimo, ao contrário deste ano.
Desde a última vez que falámos, trocaram
RELAXADA
FUTILIDADE
40 LOUD!
de teclistas. A escolha da Anabelle Iratni
para substituir a Lindsay Schoolcraft foi na-
tural dado o envolvimento da Anabelle nos
teus Devilment?
Sim, foi. Ela só tinha tocado uns concertos
connosco, mas era evidente que tinha muito
talento, uma grande voz e muita capacidade
com as teclas, que é exactamente o que es-
távamos à procura. Para além disso, ela vive
em Londres, enquanto que a Lindsay vive no
Canadá, o que complicava as coisas, a não
ser que fossemos tocar ao Canadá. [risos]
A nota de imprensa cita-te a dizer que o
«Crytporiana» era extremamente ornamen-
tado e complicado e percorria caminhos
sinuosos um pouco por toda a parte. Isso
quer dizer que não envelheceu bem ou era
esse o objectivo e desta vez simplesmente
optaram por outro caminho?
Era esse o objectivo, até porque porque o
álbum incidia na era Victoriana, a sua subse-
quente falibilidade, os seus interesses, a sua
paixão pelo macabro, e penso que isso exi-
ge algo intrincado e complicado. Desta vez
queríamos mesmo algo mais simples, mais
despojado de ornamentos, com excepção
de um dos temas de bónus, que é a terceira
parte da trilogia começada na «Her Ghost In
The Fog». No resto do álbum quisemos um
som mais próximo do palco, simplesmente
porque achámos que esta era a forma de
conseguir concretizar o som correcto para
esta época na carreira dos Cradle Of Filth.
Há uma sensação de regresso ao passado
nalgum do peso que o álbum carrega, mas
de certa forma conseguem manter a sono-
ridade contemporânea dos Cradle Of Filth
sem embarquem em grandes nostalgias.
Julgo que é uma consequência do tempo
enorme que passámos na estrada, foram
quase três anos. Tivemos uns problemas
após a reforma do nosso manager anterior,
eventualmente encontrámos a The Oracle
Management do Dez [NR: dos DevilDriver e
ex-Coal Chamber] e da Tiger Farfara, que são
excelentes, e eles queriam-nos na estrada a
sério antes de escreveremos um novo álbum.
Acho que nunca tínhamos tido um período
tão grande entre discos, que até acabou au-
mentado por causa da pandemia – tínhamos
o álbum pronto em Outubro do ano passado
mas não fazia sentido lançá-lo antes. Agora
que parece que o mundo se encaminha para
um regresso à normalidade, torna-se possí-
vel lançar um álbum com todas as possibili-
dades que este exige. Temos uma digressão
americana planeada, ainda que para tocar o
«Cruelty And The Beast», mas já vai dar para
tocar uma ou duas canções do novo disco.
Tiveram recentemente também o regresso
com o Bloodstock, em que até cantaste a
«Betrayer» com os Kreator e tudo. Como foi
a experiência?
Toda a gente tinha um sorriso na cara, havia
uma enorme felicidade. Conheço algumas
pessoas que apanharam COVID-19 desde en-
tão, mas como estão todos vacinados não es-
tão prestes a morrer ou algo do género. Pare-
cem estar com a atitude de “bem, foi um mal
necessário.” Por causa das restrições, nem
todas as bandas conseguiram tocar, mas as
que tocaram foram todas bem recebidas e
deram grandes concertos, a área VIP estava
cheia de pessoal que conheço, foi como um
regresso a casa. Apostámos numa produção
enorme para o nosso concerto e correu mui-
to bem, e lá está, cantei uma canção com os
Kreator, que foi um sonho tornado realidade.
Nos vídeos que circulam dessa participa-
ção pareces genuinamente feliz por estar
com eles.
Sem dúvida. O Fred Leclercq, o novo baixista,
perguntou-me se queria fazer algo do géne-
ro e eu atirei-me de cabeça. Isto foi umas
semanas antes, portanto treinei um bocado
em casa e depois no dia o Mille levou-me aos
bastidores e fizemos um ensaio rápido em
conjunto. Foi muito divertido.
Voltando ao álbum, de que forma é que im-
plementaste este som de palco no estúdio?
Em primeiro lugar, reduzir a produção na
bateria e não optar por tempos digitais ou
quantizados. Depois foi tentar um som gran-
de mas não saturado, essencialmente captar
uma banda a divertir-se ao vivo em estúdio,
não abusar dos overdubs. Se reparares, a
quantidade de overdubs vocais está muito
reduzida e o mesmo aplica-se ao resto. Acho
que o conseguimos, o som está espaçoso e
adoro a produção. Mais do que isto é com-
plicado de analisar ao pormenor, porque
se pegares por exemplo na «Crawling King
Chaos» ou no segundo single, «Necromantic
Fantasies», são tão diferentes que é difícil de
explicar a quem não as ouviu.
Compreendo, a própria «Discourse Between
A Man And His Soul» é completamente di-
ferente dessas duas e ainda tens o spoken
word da «Suffer Our Dominon». A própria
fluidez e diversidade parece relaxada.
Exactamente. Até temos estado a escrever
para o próximo disco, que claro que não va-
mos lançar num futuro próximo, mas quan-
do isso acontecer vai ser muito interessante,
porque vamos passar tanto tempo na com-
panhia dessas canções, que se tudo correr
bem elas vão ser o melhor possível. Vamos
ter todo o tempo para as melhorar vez após
vez. Com o «Existence Is Futile» o relaxa-
do foi mesmo a gravação, o estúdio era no
campo e não havia ninguém por lá. Claro que
tivemos sorte em poder trabalhar, que havia
um confinamento rígido aqui. A minha cida-
de parecia fantasmagórica quando voltava
“O título parece niilista, mas acho
que há esperança nele, porque se a
existência é mesmo fútil, então não
há um plano exterior, não há um
senhorio a olhar para nós, não há
um objectivo comum, pelo que mais
vale assumir o efémero.”
a casa às seis e meia da tarde. Penso que
conseguimos um disco com um som muito
actual e convém referir que não foi inspirado
pela pandemia, pelo simples facto de termos
literalmente escrito tudo cerca de quatro me-
ses antes dela começar.
Como porta de entrada nos temas que ex-
ploras no álbum, conta-nos sobre o vídeo da
«Crawling King Chaos», que parece ter sido
muito divertido de fazer para vocês.
No fundo queríamos criar uma atmosfera lo-
vecraftiana. Tínhamos este armazém enorme
no sul de Inglaterra e acabámos por gravar
dois vídeos em dois dias com o mesmo pro-
dutor que veio de Los Angeles, com o segun-
do a ser para a «Necromantic Fantasies». Foi
uma experiência fantástica, tínhamos imen-
sos props, mas alguns dos actores que vês no
vídeo foram filmados mais tarde em LA. Da-
qui a uns dias vou ver o primeiro draft do «Ne-
cromantic Fantasies» e estou entusiasmado,
optámos por um esquema de cores diferente,
mais azuis e púrpuras em vez da coisa infernal
do «Crawling King Chaos». Foi muito divertido
e escolhemos o «Crawling King Chaos» em
vez de um tema mais comercial (como nos ti-
nham sugerido) porque queríamos voltar com
estrondo, com uma coisa cheia de blastbeats,
fogo, e imaginário de fim do mundo, que é um
bocado o reflexo do que as pessoas pensam
quando olham à volta hoje em dia.
E de que forma é que as tuas letras reflec-
tem esse imaginário?
Neste tema focam-se no fim do mundo, na
forma como o mundo se encaminha para
um maelstrom, mas demos-lhe uma perso-
nificação, e fomos buscar os cavaleiros do
Apocalipse. A maioria do álbum está repleto
de crises existencialistas, filosofia, medo do
desconhecido, a incerteza do destino, e o
sentido ou falta dele da vida. O título parece
niilista, mas acho que há esperança nele, por-
que se a existência é mesmo fútil, então não
há um plano exterior, não há um senhorio a
olhar para nós, não há um objectivo comum,
pelo que mais vale assumir o efémero. Sem
sentido na vida e regras para cumprir, é apro-
veitar o pouco que ainda temos.
É complicado falhar quando não há objecti-
vo a cumprir.
Exacto! Suponho que seja muito filosófico e
é um assunto que podia ficar aqui a discutir
durante horas, mas as músicas estão essen-
cialmente à volta deste tema e a explorar di-
ferentes ideias à volta dele. Tens a «Discourse
Between A Man And His Soul» que referiste
que é mais introspectiva, um pouco como a
«Black Smoke Curling From The Lips Of War»,
mas esta vai buscar a meretriz da Babilónia,
o livro do Apocalipse e todo esse simbolismo.
A «Us, Dark, Invincible» é um resumo disso
tudo, se o mundo não tem sentido, se esta-
mos a caminho do fim e vamos todos morrer
no meio do caos em que só a morte é certa
e sabemos não haver grande propósito para
isto tudo, é aproveitar enquanto podemos.
Ironicamente, temos isto escrito e chega a
pandemia para como que enfeitar isto tudo,
mas já estávamos a caminho do fim de qual-
quer maneira. Não deixa de ser interessante
olhar para o antes, com as pessoas à procu-
ra de uma casa maior, de um carro maior, de
consumir mais e mais, e agora quase que per-
deram tudo e estão a concluir que se calhar o
que tinham antes não era assim tão mau. Era
suposto aprendermos com isto, era suposto
tirarmos lições ecológicas disto tudo. Gover-
nos fizeram promessas de que quando vol-
tássemos ao normal íamos cortar emissões,
íamos cumprir prazos nesta e naquela data,
mas já tens facções que estão estilo “bem,
isto está a chegar ao fim, hora de voltar ao
grind diário de foder o mundo outra vez.”
Acaba por ser um desespero para os indiví-
duos, porque não são as nossas palhinhas
de cartão que vão servir de contraponto à ja-
vardice de emissões das grandes empresas.
Sim, e isso é um tema que abordámos na-
quela que deve ser a nossa canção mais
socio-política de sempre, a «Suffer Our Domi-
nion». Não somos banda que normalmente
vá por aí, mas dado o tema do álbum, senti-
mos que era relevante.
Olhando para a letra dessa canção, tu acre-
ditas mesmo que a sobrepopulação é a
principal causa disto tudo, mesmo com da-
dos a mostrar que 50% do que é emitido a
vir de uma mão cheia de super-ricos?
Sem dúvida, sim. Acho que a incerteza da con-
dição humana e a abundância de problemas
climáticos vem de um denominador comum
que é o excesso de pessoas com carros e a
exigir mais e mais. Daqui a uns anos vamos
chegar aos dez biliões de pessoas no plane-
ta e eu sei que há previsões de que o cresci-
mento vai acalmar porque as pessoas têm
carreiras e não querem ter filhos, mas não
acredito nisso. [NR: crença ou não, os dados
são sólidos e prevêem um estabilizar da po-
LOUD! 41
 CRADLE OF FILTH
Depois do lançamento de «Cryptoriana – The Seduc-
tiveness Of Decay», os CRADLE OF FILTH embarca-
ram na mais longa digressão da sua carreira, digres-
são essa que originou um novo álbum, «Existence Is
Futile». Lançado no ano em que celebram 30 anos de
existência, é uma espécie de regresso ao mais bruto
passado da banda, em oposição aos temas que abor-
da, como nos contou o bem disposto Dani Filth.
LUÍS PIRES JAMES SHARROCK
Esta foi a tua mais surreal experiência de
escrita e gravação?
Escrevemos antes do confinamento, portanto
surreal só mesmo a gravação, mas foi bom,
porque nos deu mais tempo. Não trabalhámos
dias inteiros e eu era o único no estúdio. Foi
complicado juntar pessoas por causa das res-
trições de viagens, demorámos quatro meses
a ter o nosso guitarrista [NR: Ashok, que vive
na Republica Checa] em estúdio e felizmente
o Martin já tinha gravado as baterias antes da
confusão começar, caso contrário tínhamos
ficado na merda. Fora isso foi bom, trabalhar
sem os prazos, sem ninguém saber o que es-
tava a acontecer. Ainda por cima o tempo es-
tava óptimo, ao contrário deste ano.
Desde a última vez que falámos, trocaram
RELAXADA
FUTILIDADE
40 LOUD!
de teclistas. A escolha da Anabelle Iratni
para substituir a Lindsay Schoolcraft foi na-
tural dado o envolvimento da Anabelle nos
teus Devilment?
Sim, foi. Ela só tinha tocado uns concertos
connosco, mas era evidente que tinha muito
talento, uma grande voz e muita capacidade
com as teclas, que é exactamente o que es-
távamos à procura. Para além disso, ela vive
em Londres, enquanto que a Lindsay vive no
Canadá, o que complicava as coisas, a não
ser que fossemos tocar ao Canadá. [risos]
A nota de imprensa cita-te a dizer que o
«Crytporiana» era extremamente ornamen-
tado e complicado e percorria caminhos
sinuosos um pouco por toda a parte. Isso
quer dizer que não envelheceu bem ou era
esse o objectivo e desta vez simplesmente
optaram por outro caminho?
Era esse o objectivo, até porque porque o
álbum incidia na era Victoriana, a sua subse-
quente falibilidade, os seus interesses, a sua
paixão pelo macabro, e penso que isso exi-
ge algo intrincado e complicado. Desta vez
queríamos mesmo algo mais simples, mais
despojado de ornamentos, com excepção
de um dos temas de bónus, que é a terceira
parte da trilogia começada na «Her Ghost In
The Fog». No resto do álbum quisemos um
som mais próximo do palco, simplesmente
porque achámos que esta era a forma de
conseguir concretizar o som correcto para
esta época na carreira dos Cradle Of Filth.
Há uma sensação de regresso ao passado
nalgum do peso que o álbum carrega, mas
de certa forma conseguem manter a sono-
ridade contemporânea dos Cradle Of Filth
sem embarquem em grandes nostalgias.
Julgo que é uma consequência do tempo
enorme que passámos na estrada, foram
quase três anos. Tivemos uns problemas
após a reforma do nosso manager anterior,
eventualmente encontrámos a The Oracle
Management do Dez [NR: dos DevilDriver e
ex-Coal Chamber] e da Tiger Farfara, que são
excelentes, e eles queriam-nos na estrada a
sério antes de escreveremos um novo álbum.
Acho que nunca tínhamos tido um período
tão grande entre discos, que até acabou au-
mentado por causa da pandemia – tínhamos
o álbum pronto em Outubro do ano passado
mas não fazia sentido lançá-lo antes. Agora
que parece que o mundo se encaminha para
um regresso à normalidade, torna-se possí-
vel lançar um álbum com todas as possibili-
dades que este exige. Temos uma digressão
americana planeada, ainda que para tocar o
«Cruelty And The Beast», mas já vai dar para
tocar uma ou duas canções do novo disco.
Tiveram recentemente também o regresso
com o Bloodstock, em que até cantaste a
«Betrayer» com os Kreator e tudo. Como foi
a experiência?
Toda a gente tinha um sorriso na cara, havia
uma enorme felicidade. Conheço algumas
pessoas que apanharam COVID-19 desde en-
tão, mas como estão todos vacinados não es-
tão prestes a morrer ou algo do género. Pare-
cem estar com a atitude de “bem, foi um mal
necessário.” Por causa das restrições, nem
todas as bandas conseguiram tocar, mas as
que tocaram foram todas bem recebidas e
deram grandes concertos, a área VIP estava
cheia de pessoal que conheço, foi como um
regresso a casa. Apostámos numa produção
enorme para o nosso concerto e correu mui-
to bem, e lá está, cantei uma canção com os
Kreator, que foi um sonho tornado realidade.
Nos vídeos que circulam dessa participa-
ção pareces genuinamente feliz por estar
com eles.
Sem dúvida. O Fred Leclercq, o novo baixista,
perguntou-me se queria fazer algo do géne-
ro e eu atirei-me de cabeça. Isto foi umas
semanas antes, portanto treinei um bocado
em casa e depois no dia o Mille levou-me aos
bastidores e fizemos um ensaio rápido em
conjunto. Foi muito divertido.
Voltando ao álbum, de que forma é que im-
plementaste este som de palco no estúdio?
Em primeiro lugar, reduzir a produção na
bateria e não optar por tempos digitais ou
quantizados. Depois foi tentar um som gran-
de mas não saturado, essencialmente captar
uma banda a divertir-se ao vivo em estúdio,
não abusar dos overdubs. Se reparares, a
quantidade de overdubs vocais está muito
reduzida e o mesmo aplica-se ao resto. Acho
que o conseguimos, o som está espaçoso e
adoro a produção. Mais do que isto é com-
plicado de analisar ao pormenor, porque
se pegares por exemplo na «Crawling King
Chaos» ou no segundo single, «Necromantic
Fantasies», são tão diferentes que é difícil de
explicar a quem não as ouviu.
Compreendo, a própria «Discourse Between
A Man And His Soul» é completamente di-
ferente dessas duas e ainda tens o spoken
word da «Suffer Our Dominon». A própria
fluidez e diversidade parece relaxada.
Exactamente. Até temos estado a escrever
para o próximo disco, que claro que não va-
mos lançar num futuro próximo, mas quan-
do isso acontecer vai ser muito interessante,
porque vamos passar tanto tempo na com-
panhia dessas canções, que se tudo correr
bem elas vão ser o melhor possível. Vamos
ter todo o tempo para as melhorar vez após
vez. Com o «Existence Is Futile» o relaxa-
do foi mesmo a gravação, o estúdio era no
campo e não havia ninguém por lá. Claro que
tivemos sorte em poder trabalhar, que havia
um confinamento rígido aqui. A minha cida-
de parecia fantasmagórica quando voltava
“O título parece niilista, mas acho
que há esperança nele, porque se a
existência é mesmo fútil, então não
há um plano exterior, não há um
senhorio a olhar para nós, não há
um objectivo comum, pelo que mais
vale assumir o efémero.”
a casa às seis e meia da tarde. Penso que
conseguimos um disco com um som muito
actual e convém referir que não foi inspirado
pela pandemia, pelo simples facto de termos
literalmente escrito tudo cerca de quatro me-
ses antes dela começar.
Como porta de entrada nos temas que ex-
ploras no álbum, conta-nos sobre o vídeo da
«Crawling King Chaos», que parece ter sido
muito divertido de fazer para vocês.
No fundo queríamos criar uma atmosfera lo-
vecraftiana. Tínhamos este armazém enorme
no sul de Inglaterra e acabámos por gravar
dois vídeos em dois dias com o mesmo pro-
dutor que veio de Los Angeles, com o segun-
do a ser para a «Necromantic Fantasies». Foi
uma experiência fantástica, tínhamos imen-
sos props, mas alguns dos actores que vês no
vídeo foram filmados mais tarde em LA. Da-
qui a uns dias vou ver o primeiro draft do «Ne-
cromantic Fantasies» e estou entusiasmado,
optámos por um esquema de cores diferente,
mais azuis e púrpuras em vez da coisa infernal
do «Crawling King Chaos». Foi muito divertido
e escolhemos o «Crawling King Chaos» em
vez de um tema mais comercial (como nos ti-
nham sugerido) porque queríamos voltar com
estrondo, com uma coisa cheia de blastbeats,
fogo, e imaginário de fim do mundo, que é um
bocado o reflexo do que as pessoas pensam
quando olham à volta hoje em dia.
E de que forma é que as tuas letras reflec-
tem esse imaginário?
Neste tema focam-se no fim do mundo, na
forma como o mundo se encaminha para
um maelstrom, mas demos-lhe uma perso-
nificação, e fomos buscar os cavaleiros do
Apocalipse. A maioria do álbum está repleto
de crises existencialistas, filosofia, medo do
desconhecido, a incerteza do destino, e o
sentido ou falta dele da vida. O título parece
niilista, mas acho que há esperança nele, por-
que se a existência é mesmo fútil, então não
há um plano exterior, não há um senhorio a
olhar para nós, não há um objectivo comum,
pelo que mais vale assumir o efémero. Sem
sentido na vida e regras para cumprir, é apro-
veitar o pouco que ainda temos.
É complicado falhar quando não há objecti-
vo a cumprir.
Exacto! Suponho que seja muito filosófico e
é um assunto que podia ficar aqui a discutir
durante horas, mas as músicas estão essen-
cialmente à volta deste tema e a explorar di-
ferentes ideias à volta dele. Tens a «Discourse
Between A Man And His Soul» que referiste
que é mais introspectiva, um pouco como a
«Black Smoke Curling From The Lips Of War»,
mas esta vai buscar a meretriz da Babilónia,
o livro do Apocalipse e todo esse simbolismo.
A «Us, Dark, Invincible» é um resumo disso
tudo, se o mundo não tem sentido, se esta-
mos a caminho do fim e vamos todos morrer
no meio do caos em que só a morte é certa
e sabemos não haver grande propósito para
isto tudo, é aproveitar enquanto podemos.
Ironicamente, temos isto escrito e chega a
pandemia para como que enfeitar isto tudo,
mas já estávamos a caminho do fim de qual-
quer maneira. Não deixa de ser interessante
olhar para o antes, com as pessoas à procu-
ra de uma casa maior, de um carro maior, de
consumir mais e mais, e agora quase que per-
deram tudo e estão a concluir que se calhar o
que tinham antes não era assim tão mau. Era
suposto aprendermos com isto, era suposto
tirarmos lições ecológicas disto tudo. Gover-
nos fizeram promessas de que quando vol-
tássemos ao normal íamos cortar emissões,
íamos cumprir prazos nesta e naquela data,
mas já tens facções que estão estilo “bem,
isto está a chegar ao fim, hora de voltar ao
grind diário de foder o mundo outra vez.”
Acaba por ser um desespero para os indiví-
duos, porque não são as nossas palhinhas
de cartão que vão servir de contraponto à ja-
vardice de emissões das grandes empresas.
Sim, e isso é um tema que abordámos na-
quela que deve ser a nossa canção mais
socio-política de sempre, a «Suffer Our Domi-
nion». Não somos banda que normalmente
vá por aí, mas dado o tema do álbum, senti-
mos que era relevante.
Olhando para a letra dessa canção, tu acre-
ditas mesmo que a sobrepopulação é a
principal causa disto tudo, mesmo com da-
dos a mostrar que 50% do que é emitido a
vir de uma mão cheia de super-ricos?
Sem dúvida, sim. Acho que a incerteza da con-
dição humana e a abundância de problemas
climáticos vem de um denominador comum
que é o excesso de pessoas com carros e a
exigir mais e mais. Daqui a uns anos vamos
chegar aos dez biliões de pessoas no plane-
ta e eu sei que há previsões de que o cresci-
mento vai acalmar porque as pessoas têm
carreiras e não querem ter filhos, mas não
acredito nisso. [NR: crença ou não, os dados
são sólidos e prevêem um estabilizar da po-
LOUD! 41
 pulação mundial] Nos três anos que andámos
em digressão, e acho que foi daí que surgiu
o «Existence Is Futile» em termos temáticos,
viajámos pelo mundo todo. É um mundo vas-
to e parece cada vez mais pequeno, com mais
e mais pessoas. É tudo muito bonito passar
para carros eléctricos e ovos orgânicos, mas
isso dá zero quando tens uma quantidade
muito maior de pessoas sem o luxo de poder
fazer estas escolhas.
Precisamente o que te estava a dizer, a res-
posta individual é inútil perante um proble-
ma sistémico.
Certo, também durante a pandemia vimos de
facto os oligarcas e milionários e bilionários
que, em vez de ajudarem as pessoas com as
suas fortunas, resolveram que queriam era
ir passear ao espaço e expandir o império. É
absolutamente ridículo.
Olhando para as vossas actividades extra-
-álbum, nos últimos tempos tens feito (e
vais fazer) umas colaborações algo ines-
peradas. Em primeiro lugar queria pergun-
tar-te pelo tema de hip-hop / metal com os
Twiztid, como é que surgiu e como é que
têm sido as reacções.
Não ligo muito as reacções, para te ser sin-
cero, fi-lo porque o queria fazer. Tenho pro-
postas para colaborações a toda a hora e
para mim não há grande ponto em cantar
num disco de black metal. Podia fazê-lo pelo
dinheiro, mas a verdade é que não preciso.
Quero fazer coisas desafiantes. Mais recen-
temente tenho estado em contacto com o
Ed Sheeran e ele que fazer qualquer coisa
em conjunto, foda-se, o Ed Sheeran, um dos
maiores nomes que tens no mundo de mo-
mento. As pessoas dizem-me “oh, vai ser
uma merda,” mas não acho isso, acho que
vai ser um desafio e sobretudo acho que
vai ser único, vai ser algo que mais ninguém
está a fazer. Pessoas que conheço também
me diziam “não sei se devias fazer a cena
com os Twiztid, não vai ser bom para a tua
42 LOUD!
“Ironicamente, temos isto escrito e
chega a pandemia para como que
enfeitar isto tudo, mas já estávamos a
caminho do fim de qualquer maneira.”
carreira,” e acho que isso não faz sentido, vai
ser algo completamente diferente. Para além
disso, gostei imenso da canção, eles deram-
-me imensa liberdade no que diz respeito à
produção, fomos alterando uma série de
coisas na canção e foi um processo muito
colaborativo. O resultado final, quando sair
o vídeo completo, acho que vai surpreender
muita gente, tem uma atmosfera muito ne-
gra. Foi um bocado como a colaboração que
fiz com os Bring Me The Horizon.
Estas colaborações acabam por ser uma
forma de testares coisas que não podes fa-
zer em Cradle, não?
Sim e tens o exemplo do que fiz com os The
69 Eyes, que foi uma canção de goth’n’roll [ri-
sos] que funcionou muito bem.
Passando para a colaboração com o Shee-
ran, vai ser entre ti e ele ou entre os Cradle
Of Filth e ele?
Para te ser sincero, ainda não sabemos. É
uma ideia num estado muito primitivo ainda,
trocámos uns e-mails e pouco mais, portan-
to vamos ver.
Aquando do anúncio, no meio da chuva de
críticas apanhei um comentário da Myrkur
a salientar o quão bom isto seria no sentido
de expor a base de fãs do Sheeran ao “nos-
so” estilo de música, por assim dizer.
Concordo plenamente com essa posição, e a
verdade é que nem sequer queríamos fazer o
anúncio com a ideia num estado tão embrio-
nário, mas fomos forçados a fazê-lo. Não te
vou dizer qual foi a revista, mas estava à con-
versa com um jornalista no Bloodstock e ele
estava a pressionar-me sobre esse assunto.
Como é alguém que conheço, disse-lhe off
the record e eis que duas horas depois um
amigo meu me aparece “não sabia que esta-
vas a trabalhar com o Ed Sheeran!” Pergun-
tei-lhe como raio é que sabia e claro, tinha
lido na revista daquele jornalista.
Foda-se, esse jornalista não tem ética pro-
fissional nenhuma.
Ya, ele e a revista dele, ética zero.
Para terminar, podes-nos falar um pouco do
tema de bónus, «Sisters Of The Mist», que
volta a ter a participação do grande Doug
Bradley [NR: o actor do Pinhead na série
«Hellraiser»], que de resto também narra a
«Suffer Our Dominion».
A canção de bónus nem era suposto ser uma
canção de bónus, só se tornou numa depois
de mudarmos um bocado o álbum. Já é as-
sim um bocado na «Us, Dark, Invincible», mas
a «Sisters Of The Mist» é o final da trilogia que
começou com a «Her Ghost In The Fog» e ele
narrou tanto essa como a «Swansong For A
Raven», que aparece no «Nymphetamine».
Foi necessário tê-lo para completar a história
e tornou-se uma canção de bónus, não por
não ser tão boa como o resto do álbum, mas
porque sentimos que era um desvio excessi-
vo ter o disco de repente a atirar-se de volta
a esta atmosfera e temática gótica quando
o resto é essencialmente existencialismo e
filosofia.
 pulação mundial] Nos três anos que andámos
em digressão, e acho que foi daí que surgiu
o «Existence Is Futile» em termos temáticos,
viajámos pelo mundo todo. É um mundo vas-
to e parece cada vez mais pequeno, com mais
e mais pessoas. É tudo muito bonito passar
para carros eléctricos e ovos orgânicos, mas
isso dá zero quando tens uma quantidade
muito maior de pessoas sem o luxo de poder
fazer estas escolhas.
Precisamente o que te estava a dizer, a res-
posta individual é inútil perante um proble-
ma sistémico.
Certo, também durante a pandemia vimos de
facto os oligarcas e milionários e bilionários
que, em vez de ajudarem as pessoas com as
suas fortunas, resolveram que queriam era
ir passear ao espaço e expandir o império. É
absolutamente ridículo.
Olhando para as vossas actividades extra-
-álbum, nos últimos tempos tens feito (e
vais fazer) umas colaborações algo ines-
peradas. Em primeiro lugar queria pergun-
tar-te pelo tema de hip-hop / metal com os
Twiztid, como é que surgiu e como é que
têm sido as reacções.
Não ligo muito as reacções, para te ser sin-
cero, fi-lo porque o queria fazer. Tenho pro-
postas para colaborações a toda a hora e
para mim não há grande ponto em cantar
num disco de black metal. Podia fazê-lo pelo
dinheiro, mas a verdade é que não preciso.
Quero fazer coisas desafiantes. Mais recen-
temente tenho estado em contacto com o
Ed Sheeran e ele que fazer qualquer coisa
em conjunto, foda-se, o Ed Sheeran, um dos
maiores nomes que tens no mundo de mo-
mento. As pessoas dizem-me “oh, vai ser
uma merda,” mas não acho isso, acho que
vai ser um desafio e sobretudo acho que
vai ser único, vai ser algo que mais ninguém
está a fazer. Pessoas que conheço também
me diziam “não sei se devias fazer a cena
com os Twiztid, não vai ser bom para a tua
42 LOUD!
“Ironicamente, temos isto escrito e
chega a pandemia para como que
enfeitar isto tudo, mas já estávamos a
caminho do fim de qualquer maneira.”
carreira,” e acho que isso não faz sentido, vai
ser algo completamente diferente. Para além
disso, gostei imenso da canção, eles deram-
-me imensa liberdade no que diz respeito à
produção, fomos alterando uma série de
coisas na canção e foi um processo muito
colaborativo. O resultado final, quando sair
o vídeo completo, acho que vai surpreender
muita gente, tem uma atmosfera muito ne-
gra. Foi um bocado como a colaboração que
fiz com os Bring Me The Horizon.
Estas colaborações acabam por ser uma
forma de testares coisas que não podes fa-
zer em Cradle, não?
Sim e tens o exemplo do que fiz com os The
69 Eyes, que foi uma canção de goth’n’roll [ri-
sos] que funcionou muito bem.
Passando para a colaboração com o Shee-
ran, vai ser entre ti e ele ou entre os Cradle
Of Filth e ele?
Para te ser sincero, ainda não sabemos. É
uma ideia num estado muito primitivo ainda,
trocámos uns e-mails e pouco mais, portan-
to vamos ver.
Aquando do anúncio, no meio da chuva de
críticas apanhei um comentário da Myrkur
a salientar o quão bom isto seria no sentido
de expor a base de fãs do Sheeran ao “nos-
so” estilo de música, por assim dizer.
Concordo plenamente com essa posição, e a
verdade é que nem sequer queríamos fazer o
anúncio com a ideia num estado tão embrio-
nário, mas fomos forçados a fazê-lo. Não te
vou dizer qual foi a revista, mas estava à con-
versa com um jornalista no Bloodstock e ele
estava a pressionar-me sobre esse assunto.
Como é alguém que conheço, disse-lhe off
the record e eis que duas horas depois um
amigo meu me aparece “não sabia que esta-
vas a trabalhar com o Ed Sheeran!” Pergun-
tei-lhe como raio é que sabia e claro, tinha
lido na revista daquele jornalista.
Foda-se, esse jornalista não tem ética pro-
fissional nenhuma.
Ya, ele e a revista dele, ética zero.
Para terminar, podes-nos falar um pouco do
tema de bónus, «Sisters Of The Mist», que
volta a ter a participação do grande Doug
Bradley [NR: o actor do Pinhead na série
«Hellraiser»], que de resto também narra a
«Suffer Our Dominion».
A canção de bónus nem era suposto ser uma
canção de bónus, só se tornou numa depois
de mudarmos um bocado o álbum. Já é as-
sim um bocado na «Us, Dark, Invincible», mas
a «Sisters Of The Mist» é o final da trilogia que
começou com a «Her Ghost In The Fog» e ele
narrou tanto essa como a «Swansong For A
Raven», que aparece no «Nymphetamine».
Foi necessário tê-lo para completar a história
e tornou-se uma canção de bónus, não por
não ser tão boa como o resto do álbum, mas
porque sentimos que era um desvio excessi-
vo ter o disco de repente a atirar-se de volta
a esta atmosfera e temática gótica quando
o resto é essencialmente existencialismo e
filosofia.
 DISCOS 1914
«Where Fear And Weapons
Meet»
[Napalm]
Já com o terceiro álbum
na bagagem, o black/death
dos ucranianos 1914 olha
para a memória colectiva da Primeira Guerra
Mundial partindo das possibilidades expressivas
do metal extremo. Não será bem aquela rawzada
apocalíptica que tenta aproximar a devastação
sonora aos horrores vividos no campo de batalha,
mas não é por isso que o trabalho do quinteto
deixa de provocar um efeito emocionalmente
dilacerante. Mais do que fazer o retrato sonoro
da agressividade do confronto, a carreira do
grupo tem evoluído no sentido de encontrar um
contexto musical que sirva de suporte a uma
escavação narrativa de episódios do conflito
que teve como catalisador o assassinato do
arquiduque Francisco Fernando. Neste «Where
Fear And Weapons Meet» encontramos agora
apontamentos sinfónicos que ainda se afastam
mais desse lodo cru e empapado em sangue das
trincheiras, uma intromissão a que corresponde o
abandono de elementos deathcore (pense-se no
TURNSTILE
tema «Gasmask» do álbum de estreia e nem vale
a pena ir mais longe) que cedem protagonismo a
no final deste mês, com um autêntico petardo de
death metal técnico. Da vaga moderna do género,
digamos, mas que em nada deve ser confundido
com deathcore. Diríamos que, na actualidade, o
grupo canadiano constitui só uma das melhores
máquinas triturantes de velocidade, técnica, ex-
tremismo e catchiness (sim!), ao nível de uns Ne-
crophagist ou The Faceless, por exemplo. «Bleed
The Future» é o quarto álbum dos Archspire, onde
encontramos mais de tudo aquilo com que já nos
haviam espantado. Mais habilidade musical, mais
rapidez (sim!), mais low-end nas afinações, mais
classe nas guitarras (neoclássicas, a momentos,
mas sempre extremas), mais efectividade nos
interlúdios de baixo onde pára tudo só para reco-
meçar com mais brutalidade, e mais sílabas por
segundo de Oliver Aleron, provavelmente, o growler
mais tagarela do momento! Um tema como «Gol-
den Mouth Of Ruin» é uma autêntica maldade para
bandas do mesmo ambiente que julgam tocar
BETWEEN THE
BURIED AND ME
muito (muito rápido, muito bem, muito ________ [in-
serir virtude]). Apesar da tonelagem sónica, Dave
Otero soube como tornar todos os elementos bem
audíveis, sem que se destaque alguém em particu-
lar, mas todos os cinco integrantes. A temática é,
mais uma vez, ficção científica. Às vezes, parece
que a música também. E que Spencer Prewett e os
outros são um bando de aliens. [8.5] N.S.
ARMORED SAINT
«Symbol Of Salvation Live»
[Metal Blade]
Nunca é demais recordar
que os Armored Saint
tinham tudo para serem
maiores do que foram. Com
a recuperação de grupos dos anos 80, e a pas-
sagem de John Bush pelos Anthrax, o nome tem
ganho uma dimensão mais próxima do merecido.
«Symbol Of Salvation» é o disco final da primeira

«Colors II»
um ambiente épico, mas com uma grandiloquên-
cia a que não se pode deixar de torcer o nariz
(«FN .380 ACP#19074», um tema com nome
«Glow On» esquisito mas que afinal é apenas modelo de…
[SUMERIAN]

O
pistola). [7] J.R. s BTBAM (podem mesmo dizer “be-te-bam”, que todos nos
[ROADRUNNER] entendemos) têm nos últimos álbuns, precisamente no seguimento do primeiro «Colors»
AEON

D
e tempos a tempos algo acontece no
universo musical, chamemos-lhe uma
conjugação de eventos, alinhamento
dos astros ou obra do acaso, o que é certo
é que surge um disco que por si só muda as
regras do jogo. Olhando para trás, todas as
“cenas” têm isso num certo e determinado
momento, e o hardcore não é excepção. For-
mados há sensivelmente onze anos, cada
lançamento dos Turnstile tem sido um mar-
co alcançado pela banda. A partir de certa al-
tura estes rapazes decidiram esquecer todas
as noções de como o hardcore deve soar e
limitaram-se a explorar terrenos desconheci-
dos à procura de inovação e de injectar algo
fresh e que soe realmente “novo”. Se no disco
anterior já havia indícios de que este seria o
caminho, «Glow On» mostra-nos que afinal
existe ainda muito por onde ir. Desde a inclu-
são de ritmos inesperados, a refrães melódi-
cos e orelhudos, guitarras limpas à new wave
(«New Heart Design») a piscares de olhos
aos Bad Brains («Don’t Play»). Há inclusiva-
mente espaço para uma colaboração com
Blood Orange («Alien Love Call») que percor-
re terrenos dreamy, naquilo que os Turnstile
consideram uma canção de amor. Ao todo
são quinze faixas, que isoladamente podem
parecer distantes umas das outras, mas que
em sequência fazem todo o sentido. O «The
Shape Of Punk To Come» dos Refused mu-
dou as regras do jogo quando saiu. «Glow
On» vai fazer o mesmo. [9.5] D.R.
«God Ends Here»
[Metal Blade]
Após uma ausência de qua-
se uma década – «Aeons
Black» data de 2012 –, os
suecos Aeon regressam aos
discos com «God Ends Here», um trabalho que,
pese embora a distância temporal que o separa
dos seus antecessores, soa como a sequência
lógica dos mesmos. A matriz de death metal téc-
nico e brutal continua a definir a personalidade
da banda, aqui e ali adornada com subtis apon-
tamentos sinfónicos que adensam um lado mais
grandioso da sua música e a torna mais apetecí-
vel a ouvidos que, não apreciando propriamente
death metal, ainda vão à bola com nomes como
e em tudo o que se seguiu do «The Great Misdirect» em diante, seguido um percurso que,
com altos e baixos puramente preferenciais, de um modo algo brusco mas não tão falível quanto
isso, pode ser definido como os Dream Theater do metalcore. A vertente mais técnica, não neces-
sariamente progressiva, quase mathcore mas sem o ser devidamente, que ali por volta do «The
Silent Circus» quase rivalizava com os The Red Chord, foi-se diluindo em prol de um crescente
progressismo, alcançando no «Colors» um equilíbrio perfeito entre as ideias que a banda tinha
vindo até então a materializar e o que queriam passar a alcançar: praticamente uma música só,
dividida entre partes por vezes de largos minutos, em que a escola metalcore, dos riffs aos break-
downs, das vozes às melodias, se transformava em explorações em novas direcções misturadas
com concepções, até à data, completamente fora da caixa. Assim, não é de admirar que, tanto
entre fãs mais antigos como mais recentes, tenha surgido um imediato alvoroço quando a banda
apontou o nome do seu novo álbum como «Colors II», apelando a que o sentido não seria fazer
uma mera segunda versão do já considerado clássico mas sim voltar a abraçar aquela mesma
mentalidade, aquela frescura à procura do desconhecido, agora com mais uma década de expe-
riência em cima. O resultado, mesmo colocando toda a nostalgia inerente de parte, que parece
que borbulha emoções anteriores em músicas totalmente diferentes, como se de uma revisita se
tratasse, é de tal maneira mágico que permite dizer que o colosso que era «White Walls» quase

L! RANKING Dimmu Borgir, Septicflesh ou Fleshgod Apocalyp-

se. «God Ends Here» irrompe com estrondo, apre-
sentando um alinhamento de dezasseis faixas
que tem em «Human Is Hell (Another One With Love)» uma contraparte. É um álbum recheado
de detalhes, muitos que se vão descobrindo escuta após escuta, o que não impede a surpresa
OUTUBRO 2021 de outros tão bem colocados ou tão estranhos que se tornarão emblemáticos: uma passagem
que não vão além dos 50 minutos de duração, em «The Double Helix Of Extinction» evoca o tribalismo dos Sepultura, outra em «Turbulent» até
E.F. J.B. J.C.S. J.M.R. J.R. L.P. R.A.
sendo a monotonia na qual algumas ameaçam parece Tool, e isto são meros segundos em uma hora e vinte, que ainda tem um solo de bateria
cair interrompida por diversos interlúdios instru-
DOLD VORDE ENS NAVN 7,5 5 9 8 8 9,5 7,5 7,79 mentais e orquestrais que permitem recuperar
providenciado por três ilustres e samples de desenhos animados. Um must. [9] P.C.S.
«Mørkere» algum fôlego e a esperança de uma sequência
de canções que realmente nos deixe de cara ao
FULL OF HELL 8 6 8 8 7 8,5 7 7,50 lado. Infelizmente essa nunca aparece, desenvol-
«Garden Of Burning Apparitions» vendo-se o disco à imagem daquilo que tem sido
a carreira da banda até então: de forma discreta,
CRADLE OF FILTH conservadora e sem particular capacidade em
«Existence Is Futile»
7 8 7 7 7 6,5 8 7,21 marcar a diferença. Ainda assim, não deixamos
de estar perante um interessante exercício de
peso e técnica envolto em negritude. [7] R.A.
A PALE HORSE NAMED DEATH 8 7,5 6 7 7,5 6 6,5 6,93
«Infernum In Terra» ARCHSPIRE
«Bleed The Future»
RUNNING WILD 6 8,5 8 6 6,5 4 7,5 6,64 [Season Of Mist]
«Blood On Blood» Confirmando todos os
predicados enunciados nos
excelentes e anteriores «Re-
HATE 8 7,5 6 6 5 5 7 6,36 lentless Mutation» e «The
«Rugia»
Lucid Collective», os Archspire apresentam-se,

44 LOUD! LOUD! 45
 DISCOS 1914
«Where Fear And Weapons
Meet»
[Napalm]
Já com o terceiro álbum
na bagagem, o black/death
dos ucranianos 1914 olha
para a memória colectiva da Primeira Guerra
Mundial partindo das possibilidades expressivas
do metal extremo. Não será bem aquela rawzada
apocalíptica que tenta aproximar a devastação
sonora aos horrores vividos no campo de batalha,
mas não é por isso que o trabalho do quinteto
deixa de provocar um efeito emocionalmente
dilacerante. Mais do que fazer o retrato sonoro
da agressividade do confronto, a carreira do
grupo tem evoluído no sentido de encontrar um
contexto musical que sirva de suporte a uma
escavação narrativa de episódios do conflito
que teve como catalisador o assassinato do
arquiduque Francisco Fernando. Neste «Where
Fear And Weapons Meet» encontramos agora
apontamentos sinfónicos que ainda se afastam
mais desse lodo cru e empapado em sangue das
trincheiras, uma intromissão a que corresponde o
abandono de elementos deathcore (pense-se no
TURNSTILE
tema «Gasmask» do álbum de estreia e nem vale
a pena ir mais longe) que cedem protagonismo a
no final deste mês, com um autêntico petardo de
death metal técnico. Da vaga moderna do género,
digamos, mas que em nada deve ser confundido
com deathcore. Diríamos que, na actualidade, o
grupo canadiano constitui só uma das melhores
máquinas triturantes de velocidade, técnica, ex-
tremismo e catchiness (sim!), ao nível de uns Ne-
crophagist ou The Faceless, por exemplo. «Bleed
The Future» é o quarto álbum dos Archspire, onde
encontramos mais de tudo aquilo com que já nos
haviam espantado. Mais habilidade musical, mais
rapidez (sim!), mais low-end nas afinações, mais
classe nas guitarras (neoclássicas, a momentos,
mas sempre extremas), mais efectividade nos
interlúdios de baixo onde pára tudo só para reco-
meçar com mais brutalidade, e mais sílabas por
segundo de Oliver Aleron, provavelmente, o growler
mais tagarela do momento! Um tema como «Gol-
den Mouth Of Ruin» é uma autêntica maldade para
bandas do mesmo ambiente que julgam tocar
BETWEEN THE
BURIED AND ME
muito (muito rápido, muito bem, muito ________ [in-
serir virtude]). Apesar da tonelagem sónica, Dave
Otero soube como tornar todos os elementos bem
audíveis, sem que se destaque alguém em particu-
lar, mas todos os cinco integrantes. A temática é,
mais uma vez, ficção científica. Às vezes, parece
que a música também. E que Spencer Prewett e os
outros são um bando de aliens. [8.5] N.S.
ARMORED SAINT
«Symbol Of Salvation Live»
[Metal Blade]
Nunca é demais recordar
que os Armored Saint
tinham tudo para serem
maiores do que foram. Com
a recuperação de grupos dos anos 80, e a pas-
sagem de John Bush pelos Anthrax, o nome tem
ganho uma dimensão mais próxima do merecido.
«Symbol Of Salvation» é o disco final da primeira

«Colors II»
um ambiente épico, mas com uma grandiloquên-
cia a que não se pode deixar de torcer o nariz
(«FN .380 ACP#19074», um tema com nome
«Glow On» esquisito mas que afinal é apenas modelo de…
[SUMERIAN]

O
pistola). [7] J.R. s BTBAM (podem mesmo dizer “be-te-bam”, que todos nos
[ROADRUNNER] entendemos) têm nos últimos álbuns, precisamente no seguimento do primeiro «Colors»
AEON

D
e tempos a tempos algo acontece no
universo musical, chamemos-lhe uma
conjugação de eventos, alinhamento
dos astros ou obra do acaso, o que é certo
é que surge um disco que por si só muda as
regras do jogo. Olhando para trás, todas as
“cenas” têm isso num certo e determinado
momento, e o hardcore não é excepção. For-
mados há sensivelmente onze anos, cada
lançamento dos Turnstile tem sido um mar-
co alcançado pela banda. A partir de certa al-
tura estes rapazes decidiram esquecer todas
as noções de como o hardcore deve soar e
limitaram-se a explorar terrenos desconheci-
dos à procura de inovação e de injectar algo
fresh e que soe realmente “novo”. Se no disco
anterior já havia indícios de que este seria o
caminho, «Glow On» mostra-nos que afinal
existe ainda muito por onde ir. Desde a inclu-
são de ritmos inesperados, a refrães melódi-
cos e orelhudos, guitarras limpas à new wave
(«New Heart Design») a piscares de olhos
aos Bad Brains («Don’t Play»). Há inclusiva-
mente espaço para uma colaboração com
Blood Orange («Alien Love Call») que percor-
re terrenos dreamy, naquilo que os Turnstile
consideram uma canção de amor. Ao todo
são quinze faixas, que isoladamente podem
parecer distantes umas das outras, mas que
em sequência fazem todo o sentido. O «The
Shape Of Punk To Come» dos Refused mu-
dou as regras do jogo quando saiu. «Glow
On» vai fazer o mesmo. [9.5] D.R.
«God Ends Here»
[Metal Blade]
Após uma ausência de qua-
se uma década – «Aeons
Black» data de 2012 –, os
suecos Aeon regressam aos
discos com «God Ends Here», um trabalho que,
pese embora a distância temporal que o separa
dos seus antecessores, soa como a sequência
lógica dos mesmos. A matriz de death metal téc-
nico e brutal continua a definir a personalidade
da banda, aqui e ali adornada com subtis apon-
tamentos sinfónicos que adensam um lado mais
grandioso da sua música e a torna mais apetecí-
vel a ouvidos que, não apreciando propriamente
death metal, ainda vão à bola com nomes como
e em tudo o que se seguiu do «The Great Misdirect» em diante, seguido um percurso que,
com altos e baixos puramente preferenciais, de um modo algo brusco mas não tão falível quanto
isso, pode ser definido como os Dream Theater do metalcore. A vertente mais técnica, não neces-
sariamente progressiva, quase mathcore mas sem o ser devidamente, que ali por volta do «The
Silent Circus» quase rivalizava com os The Red Chord, foi-se diluindo em prol de um crescente
progressismo, alcançando no «Colors» um equilíbrio perfeito entre as ideias que a banda tinha
vindo até então a materializar e o que queriam passar a alcançar: praticamente uma música só,
dividida entre partes por vezes de largos minutos, em que a escola metalcore, dos riffs aos break-
downs, das vozes às melodias, se transformava em explorações em novas direcções misturadas
com concepções, até à data, completamente fora da caixa. Assim, não é de admirar que, tanto
entre fãs mais antigos como mais recentes, tenha surgido um imediato alvoroço quando a banda
apontou o nome do seu novo álbum como «Colors II», apelando a que o sentido não seria fazer
uma mera segunda versão do já considerado clássico mas sim voltar a abraçar aquela mesma
mentalidade, aquela frescura à procura do desconhecido, agora com mais uma década de expe-
riência em cima. O resultado, mesmo colocando toda a nostalgia inerente de parte, que parece
que borbulha emoções anteriores em músicas totalmente diferentes, como se de uma revisita se
tratasse, é de tal maneira mágico que permite dizer que o colosso que era «White Walls» quase

L! RANKING Dimmu Borgir, Septicflesh ou Fleshgod Apocalyp-

se. «God Ends Here» irrompe com estrondo, apre-
sentando um alinhamento de dezasseis faixas
que tem em «Human Is Hell (Another One With Love)» uma contraparte. É um álbum recheado
de detalhes, muitos que se vão descobrindo escuta após escuta, o que não impede a surpresa
OUTUBRO 2021 de outros tão bem colocados ou tão estranhos que se tornarão emblemáticos: uma passagem
que não vão além dos 50 minutos de duração, em «The Double Helix Of Extinction» evoca o tribalismo dos Sepultura, outra em «Turbulent» até
E.F. J.B. J.C.S. J.M.R. J.R. L.P. R.A.
sendo a monotonia na qual algumas ameaçam parece Tool, e isto são meros segundos em uma hora e vinte, que ainda tem um solo de bateria
cair interrompida por diversos interlúdios instru-
DOLD VORDE ENS NAVN 7,5 5 9 8 8 9,5 7,5 7,79 mentais e orquestrais que permitem recuperar
providenciado por três ilustres e samples de desenhos animados. Um must. [9] P.C.S.
«Mørkere» algum fôlego e a esperança de uma sequência
de canções que realmente nos deixe de cara ao
FULL OF HELL 8 6 8 8 7 8,5 7 7,50 lado. Infelizmente essa nunca aparece, desenvol-
«Garden Of Burning Apparitions» vendo-se o disco à imagem daquilo que tem sido
a carreira da banda até então: de forma discreta,
CRADLE OF FILTH conservadora e sem particular capacidade em
«Existence Is Futile»
7 8 7 7 7 6,5 8 7,21 marcar a diferença. Ainda assim, não deixamos
de estar perante um interessante exercício de
peso e técnica envolto em negritude. [7] R.A.
A PALE HORSE NAMED DEATH 8 7,5 6 7 7,5 6 6,5 6,93
«Infernum In Terra» ARCHSPIRE
«Bleed The Future»
RUNNING WILD 6 8,5 8 6 6,5 4 7,5 6,64 [Season Of Mist]
«Blood On Blood» Confirmando todos os
predicados enunciados nos
excelentes e anteriores «Re-
HATE 8 7,5 6 6 5 5 7 6,36 lentless Mutation» e «The
«Rugia»
Lucid Collective», os Archspire apresentam-se,

44 LOUD! LOUD! 45

LUÍS RATTUS
SCATTERBRAINIAC
A
NHEDONIA é o título da banda desenhada, em
formato fanzine/revista, de Matias Caro Abarca,
tatuador e graffiter de Santiago do Chile, que se
dedica também a esta forma de arte. São várias his-
tórias curtas onde através de um estilo a lembrar os
comics da MAD, cruzado com Chiclete Com Banana,
expõem aventuras baseadas em culturas de rua como
os mods, skinheads, punks, rockers ou bikers.
Se acharam estranho o retorno em força das cassetes
como suporte musical físico, o que dizer então dos
flexi discs? Longe dos anos 60 em que eram usados
como telegramas, dos anos 70 e 80 em que despoleta-
ram numa vertente promocional, ou mesmo dos anos
90 onde foram usados em força pelos anarco-punks,
eis que corre o ano 2021 e os flexi voltam a marcar
presença no circuito alternativo. Neste contexto re-
ferimos o EP dos SCALPO, «È La Lotta L’Avvenire»,
editado pela basca Mendeku Diskak. Apenas um lado
gravado com quatro temas a 33rpm, onde a fúria do
punk/hardcore se cruza com as influências do oi! ita-
liano (de onde os Scalpo são originários) dos anos 80.
Influências de bandas como Dioxina ou Wretched são
notórias no mid-tempo dos Scalpo. O disco é apresen-
tado numa capa forte para dar consistência à edição.
Vindos da República Checa, os NÁPOIKA lançam o
seu primeiro trabalho, o álbum «Prvni Snyt», numa
co-edição entre a Ragtime Records, Dubuttons, Skala
Music e Smisené Zbozi. Trata-se de um CD com oito
temas de oi! punk fortemente influenciado pelo som
das bandas de Leste como Operace Artaban ou Or-
lik. Baixo bastante presente a guiar a melodia, tempo
pausado num street rock´n´roll talhado para bootboys.
«VISEU DEMO TAPES VOLUME 1» é o resultado do
trabalho de pesquisa, recolha e tratamento das bandas
que fizeram o underground em Viseu e construíram um
circuito muito peculiar, principalmente nos anos 80 e 90.
Este trabalho, levado a cabo pelo melómano Ricardo Ra-
mos, resultou num duplo CD com edição da Zip CD, onde
encontramos um pouco de tudo, desde o post punk mais
obscuro às riffalhadas mais metal, passando pela pop
mais alternativa. Obviamente o punk movido a maquina-
ria dos Major Alvega ou dos Lucretia Divina saltam-nos à
vista, ou neste caso aos ouvidos. Vemo-nos no Volume 2?
Uma última referência para «Scatter The Brains!!», o álbum
dos SCATTERBRAINIAC, o projecto do multifacetado
Bruno Esteves. Nove originais e a fechar o disco uma co-
ver de «The Bomb» das L7. Editado pela Miasma Of Barba-
rity e pela Half Beast Records, com um apelativo artwork
de João Martins Moca, o disco é carregado de temas
punk curtos, rasgados e in-your-face, com um feeling sóni-
co e rock’n’roll sujo a roçar o lo-fi. Há ainda tempo para
um piscar de olho ao surf em «Surf Song In D-Beat Minor».
46 LOUD!
fase do grupo. Registado pouco depois da morte
do guitarrista Dave Prichard, aos 26 anos, o tra-
balho marcou o encerramento dessa era. 30 anos
depois, surge esta celebração, em registo ao vivo.
Como bónus, cinco temas da maqueta que levou
à preparação do trabalho, com a participação o
malogrado guitarrista. É uma obra que vale para
lá do simples registo ao vivo, pois retrata bem
o US power metal em que o grupo se inseria.
Mesmo baseando-se em temas de um só disco,
tudo resulta bem e pode-se esquecer a voz de
Bush, ficando só pelos solos de Phil Sandoval, por
exemplo em «Last Train Home», ou pelos arranjos
de «Tribal Dance». Assim se percebe porque ainda
agora o grupo continua a ser reverenciado. [8] E.F.
AURI
«II – Those We Don’t Speak
Of»
[Nuclear Blast]
Serei o único a ficar mais
entusiasmado com este
projecto de Tuomas
Holapainen do que com qualquer coisa que os
Nightwish tenham lançado nos últimos tempos?
O segundo álbum surge alguns anos depois (uma
década para ser exacto), mas o impacto não deixa
de ser bem acima da média. A união do teclista e
líder dos Nightwish à vocalista Johanna Kurkela
e ao multi-instrumentista Troy Donockley é quase
mágica pelos diversos campos onde passam, do
folk ao ambient alternativo (a roçar o trip hop)
até à beleza da música de câmara – sem o ser
realmente. Poderá não ser o disco imediato para
ouvidos metálicos mas quem aprecia todos os
géneros/subgéneros citados atrás não vai ficar
desiludido. Recomenda-se especialmente o tema
«Light And Flood» como algo belíssimo e marcan-
te, que motivará apreciar o resto do álbum ainda
com mais paixão. [8] F.F.
BLOOD RED THRONE
«Imperial Congregation»
[Nuclear Blast]
Estávamos em 1998 e os
Blood Red Throne surgiam
mais conotados enquanto
projecto dos guitarristas
Død e Tchort, dois nomes ligados, entre outros,
aos Satyricon, do que propriamente enquanto
banda a ser levada a sério numa perspectiva de
longevidade. Chegados a 2021, os noruegueses
ainda por cá andam e, sem qualquer pudor ou
misericórdia, trucidam-nos com mais um exercício
de death metal de alto calibre. «Imperial Congrega-
tion», o décimo álbum da banda, assinala mais um
marco importante numa carreira errante, plena de
altos e baixos, ainda que mais a nível de reconhe-
cimento e posicionamento na editora certa do que
propriamente no que diz respeito à qualidade do
trabalho apresentado. Este disco marca a estreia
da banda na gigante Nuclear Blast, que não ficou
indiferente à brutidade que «Fit To Kill» represen-
tou há dois anos. «Imperial Congregation» é death
metal sem tretas ou artifícios, bruto, directo e
honesto. Sem entrar em exercícios de técnica e
rapidez desmesurada, até porque nunca foi esse o
desígnio da banda, os Blood Red Throne centram-
-se numa abordagem mais contida, mais arrastada
e mais sadicamente trucidante pela forma como
riffs demolidores se interligam com a cavernosida-
de de uma voz que intimida pelo seu poder, e com
a excelência de sucessivos e assertivos solos de
guitarra que contrabalançam com uma secção rít-
mica discreta mas incrivelmente segura. «Imperial
Congregation» não reinventa a roda nem apresenta
falsos pretensiosismos, ganhando na honestidade entre black metal e shoegaze que faziam então mosh parts e até um
e paixão com que nos serve um festim de death com algum interesse deu lugar neste «The ocasional solo de gui-
metal de altíssimo nível (a esmagadora «6:7» é um Rain Will Cleanse» a uma mescla de shoegaze, tarra cheio de reverb.
exemplo perfeito), capaz de ombrear com grandes dream pop, e rock lo-fi, com pinceladas de É pesado o suficiente,
nomes do género e de colocar os Blood Red Thro- metal aqui e ali, sobretudo na bateria. As vozes não chegando a ser
ne definitivamente (e merecidamente) na shortlist berradas foram-se com a chuva, fazendo ape- metálico, e tem rapidez
de bandas a seguir. [7.5] R.A. nas uma breve aparição em «Aspiring Death», e nas doses certas. O.C.
os cantares que sobraram não deixarão grande Straight Edge a marcar
BOKASSA memória. Não obstante, o principal aspecto ne- pontos. [8] D.R.
«Molotov Rocktail» gativo jaz na escrita das canções, com o tema
[Napalm] de abertura «When Night Falls» a ser disso
Quem? Era a pergunta que exemplo com a sua pobre tentativa de inspira-
se fazia há uns anos a pro- ção catártica, enquanto «Sometimes» é emble-
pósito da banda de primeira mático da placidez que vai reinando no disco.
parte dos Metallica. Hoje já Pela positiva, «Tired» e «A Future» aproxima-os
alguns sabem “quem”, e este é o primeiro disco do do registo dos Nothing e é justamente nesse
grupo após essa digressão. Lá dentro, um rock a shoegaze melancólico e etéreo que «The Rain
Will Cleanse» funciona melhor e deixa melhores DESCENDENTS
meio gás, um pouco de hardcore orelhudo e aquele
lado mais arrastado do stoner, com coros fáceis. augúrios para o futuro, ainda que claramente «9th & Walnut»
Boas malhas? Muitas, ainda que lentas para fãs de não joguem no mesmo campeonato de Dome- [Epitaph]
Offspring, por exemplo, e sempre no rock a meio nic Palermo e companhia. Pode-se ter perdido Ao oitavo álbum, sem
gás. Escute-se «Godless», tema retro que muitos uma banda mediana de post-black metal, mas que tivessem qualquer
grupos adorariam levar ao top, metendo apenas a julgar pelo que de melhor encontramos neste necessidade de demar-
um pouco de aditivo. «Careless (In The Age Of terceiro disco do quarteto de Chicago, podemos car o impacto que tive-
Altruism)» é malhão, provavelmente melhor do ter um nome sério para o futuro do shoegaze ram na formulação do
disco e com o ritmo certo. «So Long Idiots!» tem mais pesado. [6] L.P. universo punk rock, os
aquele feeling NOFX, e resulta, tal como a seguinte Descendents decidem
«Pitchforks R Us». Já «Low (And Behold)» soa a CRIMSON BRIDGE antes tomar pela frente
Beastie Boys. Sendo noruegueses, pode também «In Pitch Black» um exercício que tem
falar-se no humor corrosivo dos Turbonegro, de [Blast Beat] tanto de celebração
quem herdam alguma influência musical. Com esta São novos como banda e como de reconstrução
amostra, os Bokassa podem mesmo representar como músicos, e isso jus- do que foi a sua histó-
uma nova vaga de rock fresco e orelhudo, que não tifica o melting pot musical ria: os dezoito temas
se leva muito a sério, e que pretende concorrer deste disco. Há aqui uma apresentados em «9th
para as tabelas de popularidade. [6.5] E.F. mistura de estilos que resulta bem, mas onde & Walnut» – o nome
um rumo mais concreto faria ganhar definição. aponta o cruzamento
CAVEMAN CULT Neste «In Pitch Black» há thrash, pouco, tech onde se localizava o
«Blood And Extinction» death, algum, e metalcore. Trabalho audacioso, seu primeiro espaço de
[Nuclear War Now!] que vem servido de excelentes solos de guitarra. ensaio em Long Beach,
Aviso: se não tens qualquer O ritmo resulta bem, com a bateria a precisar de Califórnia – datam
interesse pelo war/bestial outra captação. As vozes são bem conseguidas, entre 1977 e 1981,
metal ou não sentes qual- mas eventualmente mais polidas e harmoniosas foram compostos pelo
quer tipo de apelo por esse que alguns desejariam. «Ruthless Tides», com alinhamento original
tipo de som bárbaro feito de híbridos black/death direito a convidado, João Miguel, acaba a ser um de Bill Stevenson,
– e impulsionado pelo punk –, o melhor mesmo é dos temas mais conseguidos, onde a vertente Frank Navetta e Tony
saltares já para a próxima review. Apesar de se- técnica se alia perfeitamente à melodia, cruzando Lombardo, mas apenas
rem oriundos do lado mais ensolarado da Flórida, com blastbeats típicos do metalcore. No entanto, gravados em 2002, aos
a nível musical os Caveman Cult posicionam-se o álbum tem mais malhas, como «At The Cliffs» quais a “mascote” Milo
num quadrante totalmente oposto em termos e «The Disheartened», terminando com um tema Aukerman – embora
de estado de espírito, mergulhando fundo num bem longo, «Fight For The Chance», muito interes- desconhecesse a maio-
universo feio e sombrio. Ainda mais primitivos sante, revelando a faceta melódica do grupo, mas ria das canções, pois
do que os Bestial Warlust e mais simples que os talvez dispensável no contexto. Fica uma estreia só mais tarde entraria
Diocletian, os três músicos – o baterista R. Smith auspiciosa, resta esperar pelo refinar e maturar do na banda – aplicou a
acumula funções nos bastante mais moderados trabalho. [7.5] E.F. sua icónica voz através
Torche – focam-se em ritmos ferozes, riffs violen- de gravações caseiras
tos e vocalizações que parecem vir directamente DARE em plena pandemia.
das profundezas do inferno. O resultado são «Against All Odds» Deste modo, o resul-
descargas curtas e acutilantes, repletas de bati- [Revelation] tado demonstra uma
das em sincronia e padrões de ritmo frenéticos, Há discos que emanam competência técnica
totalmente devastadores, num ataque implacável uma certa vibe. É inevi- (como quem diz, uma
e hermético, que não cede nem por um momento, tável, antes de partirmos enorme falta de pregos)
e não permite que haja qualquer espaço para para a descoberta, sermos que os miúdos naquela
respirar enquanto o disco rola no leitor. Fiel aos livres de qualquer preconceito, principalmente garagem certamente
seus propósitos, em pouco mais de vinte minutos quando há acesso a detalhes como o nome do não teriam, ao mesmo
este trio consegue elevar ao zénite a selvajaria artista, título do álbum ou a capa. Este primeiro tempo que se torna
primordial, com o seu quê de louco e abrasivo, disco dos DARE foi editado pela Revelation, curioso imaginar estes
capaz de libertar as reservas de adrenalina para a uma das mais influentes editoras de sempre na punks, agora bem mais
corrente sanguínea do ouvinte. [8] J.M.R. cena hardcore e escolhe fazer poucas edições velhos, a emular os
por ano, mas que se nota serem escolhidos seus hinos a uma rebel-
CHROME WAVES cuidadosamente (claro que há sempre algumas dia juvenil. Ainda assim,
«The Rain Will Cleanse» falhas, mas regra geral são tiros certeiros no para compreender a
[Transcending / Disorder] alvo). «Against All Odds» é um disco de hard- passagem de um punk
Longe, muito longe, estão core moderno, mas que ao mesmo tempo sabe rock mais ácido para a
os Chrome Waves de «A honrar e prestar tributo aos últimos 40 anos, base do nascimento do
Grief Observed» e «Where sem aquele rip off descarado que facilmente pop punk, é em si uma
We Live». O cruzamento acontece. Há muito groove aqui, há two step e lição. [7] P.C.S.
LOUD! 47

LUÍS RATTUS
SCATTERBRAINIAC
A
NHEDONIA é o título da banda desenhada, em
formato fanzine/revista, de Matias Caro Abarca,
tatuador e graffiter de Santiago do Chile, que se
dedica também a esta forma de arte. São várias his-
tórias curtas onde através de um estilo a lembrar os
comics da MAD, cruzado com Chiclete Com Banana,
expõem aventuras baseadas em culturas de rua como
os mods, skinheads, punks, rockers ou bikers.
Se acharam estranho o retorno em força das cassetes
como suporte musical físico, o que dizer então dos
flexi discs? Longe dos anos 60 em que eram usados
como telegramas, dos anos 70 e 80 em que despoleta-
ram numa vertente promocional, ou mesmo dos anos
90 onde foram usados em força pelos anarco-punks,
eis que corre o ano 2021 e os flexi voltam a marcar
presença no circuito alternativo. Neste contexto re-
ferimos o EP dos SCALPO, «È La Lotta L’Avvenire»,
editado pela basca Mendeku Diskak. Apenas um lado
gravado com quatro temas a 33rpm, onde a fúria do
punk/hardcore se cruza com as influências do oi! ita-
liano (de onde os Scalpo são originários) dos anos 80.
Influências de bandas como Dioxina ou Wretched são
notórias no mid-tempo dos Scalpo. O disco é apresen-
tado numa capa forte para dar consistência à edição.
Vindos da República Checa, os NÁPOIKA lançam o
seu primeiro trabalho, o álbum «Prvni Snyt», numa
co-edição entre a Ragtime Records, Dubuttons, Skala
Music e Smisené Zbozi. Trata-se de um CD com oito
temas de oi! punk fortemente influenciado pelo som
das bandas de Leste como Operace Artaban ou Or-
lik. Baixo bastante presente a guiar a melodia, tempo
pausado num street rock´n´roll talhado para bootboys.
«VISEU DEMO TAPES VOLUME 1» é o resultado do
trabalho de pesquisa, recolha e tratamento das bandas
que fizeram o underground em Viseu e construíram um
circuito muito peculiar, principalmente nos anos 80 e 90.
Este trabalho, levado a cabo pelo melómano Ricardo Ra-
mos, resultou num duplo CD com edição da Zip CD, onde
encontramos um pouco de tudo, desde o post punk mais
obscuro às riffalhadas mais metal, passando pela pop
mais alternativa. Obviamente o punk movido a maquina-
ria dos Major Alvega ou dos Lucretia Divina saltam-nos à
vista, ou neste caso aos ouvidos. Vemo-nos no Volume 2?
Uma última referência para «Scatter The Brains!!», o álbum
dos SCATTERBRAINIAC, o projecto do multifacetado
Bruno Esteves. Nove originais e a fechar o disco uma co-
ver de «The Bomb» das L7. Editado pela Miasma Of Barba-
rity e pela Half Beast Records, com um apelativo artwork
de João Martins Moca, o disco é carregado de temas
punk curtos, rasgados e in-your-face, com um feeling sóni-
co e rock’n’roll sujo a roçar o lo-fi. Há ainda tempo para
um piscar de olho ao surf em «Surf Song In D-Beat Minor».
46 LOUD!
fase do grupo. Registado pouco depois da morte
do guitarrista Dave Prichard, aos 26 anos, o tra-
balho marcou o encerramento dessa era. 30 anos
depois, surge esta celebração, em registo ao vivo.
Como bónus, cinco temas da maqueta que levou
à preparação do trabalho, com a participação o
malogrado guitarrista. É uma obra que vale para
lá do simples registo ao vivo, pois retrata bem
o US power metal em que o grupo se inseria.
Mesmo baseando-se em temas de um só disco,
tudo resulta bem e pode-se esquecer a voz de
Bush, ficando só pelos solos de Phil Sandoval, por
exemplo em «Last Train Home», ou pelos arranjos
de «Tribal Dance». Assim se percebe porque ainda
agora o grupo continua a ser reverenciado. [8] E.F.
AURI
«II – Those We Don’t Speak
Of»
[Nuclear Blast]
Serei o único a ficar mais
entusiasmado com este
projecto de Tuomas
Holapainen do que com qualquer coisa que os
Nightwish tenham lançado nos últimos tempos?
O segundo álbum surge alguns anos depois (uma
década para ser exacto), mas o impacto não deixa
de ser bem acima da média. A união do teclista e
líder dos Nightwish à vocalista Johanna Kurkela
e ao multi-instrumentista Troy Donockley é quase
mágica pelos diversos campos onde passam, do
folk ao ambient alternativo (a roçar o trip hop)
até à beleza da música de câmara – sem o ser
realmente. Poderá não ser o disco imediato para
ouvidos metálicos mas quem aprecia todos os
géneros/subgéneros citados atrás não vai ficar
desiludido. Recomenda-se especialmente o tema
«Light And Flood» como algo belíssimo e marcan-
te, que motivará apreciar o resto do álbum ainda
com mais paixão. [8] F.F.
BLOOD RED THRONE
«Imperial Congregation»
[Nuclear Blast]
Estávamos em 1998 e os
Blood Red Throne surgiam
mais conotados enquanto
projecto dos guitarristas
Død e Tchort, dois nomes ligados, entre outros,
aos Satyricon, do que propriamente enquanto
banda a ser levada a sério numa perspectiva de
longevidade. Chegados a 2021, os noruegueses
ainda por cá andam e, sem qualquer pudor ou
misericórdia, trucidam-nos com mais um exercício
de death metal de alto calibre. «Imperial Congrega-
tion», o décimo álbum da banda, assinala mais um
marco importante numa carreira errante, plena de
altos e baixos, ainda que mais a nível de reconhe-
cimento e posicionamento na editora certa do que
propriamente no que diz respeito à qualidade do
trabalho apresentado. Este disco marca a estreia
da banda na gigante Nuclear Blast, que não ficou
indiferente à brutidade que «Fit To Kill» represen-
tou há dois anos. «Imperial Congregation» é death
metal sem tretas ou artifícios, bruto, directo e
honesto. Sem entrar em exercícios de técnica e
rapidez desmesurada, até porque nunca foi esse o
desígnio da banda, os Blood Red Throne centram-
-se numa abordagem mais contida, mais arrastada
e mais sadicamente trucidante pela forma como
riffs demolidores se interligam com a cavernosida-
de de uma voz que intimida pelo seu poder, e com
a excelência de sucessivos e assertivos solos de
guitarra que contrabalançam com uma secção rít-
mica discreta mas incrivelmente segura. «Imperial
Congregation» não reinventa a roda nem apresenta
falsos pretensiosismos, ganhando na honestidade entre black metal e shoegaze que faziam então mosh parts e até um
e paixão com que nos serve um festim de death com algum interesse deu lugar neste «The ocasional solo de gui-
metal de altíssimo nível (a esmagadora «6:7» é um Rain Will Cleanse» a uma mescla de shoegaze, tarra cheio de reverb.
exemplo perfeito), capaz de ombrear com grandes dream pop, e rock lo-fi, com pinceladas de É pesado o suficiente,
nomes do género e de colocar os Blood Red Thro- metal aqui e ali, sobretudo na bateria. As vozes não chegando a ser
ne definitivamente (e merecidamente) na shortlist berradas foram-se com a chuva, fazendo ape- metálico, e tem rapidez
de bandas a seguir. [7.5] R.A. nas uma breve aparição em «Aspiring Death», e nas doses certas. O.C.
os cantares que sobraram não deixarão grande Straight Edge a marcar
BOKASSA memória. Não obstante, o principal aspecto ne- pontos. [8] D.R.
«Molotov Rocktail» gativo jaz na escrita das canções, com o tema
[Napalm] de abertura «When Night Falls» a ser disso
Quem? Era a pergunta que exemplo com a sua pobre tentativa de inspira-
se fazia há uns anos a pro- ção catártica, enquanto «Sometimes» é emble-
pósito da banda de primeira mático da placidez que vai reinando no disco.
parte dos Metallica. Hoje já Pela positiva, «Tired» e «A Future» aproxima-os
alguns sabem “quem”, e este é o primeiro disco do do registo dos Nothing e é justamente nesse
grupo após essa digressão. Lá dentro, um rock a shoegaze melancólico e etéreo que «The Rain
Will Cleanse» funciona melhor e deixa melhores DESCENDENTS
meio gás, um pouco de hardcore orelhudo e aquele
lado mais arrastado do stoner, com coros fáceis. augúrios para o futuro, ainda que claramente «9th & Walnut»
Boas malhas? Muitas, ainda que lentas para fãs de não joguem no mesmo campeonato de Dome- [Epitaph]
Offspring, por exemplo, e sempre no rock a meio nic Palermo e companhia. Pode-se ter perdido Ao oitavo álbum, sem
gás. Escute-se «Godless», tema retro que muitos uma banda mediana de post-black metal, mas que tivessem qualquer
grupos adorariam levar ao top, metendo apenas a julgar pelo que de melhor encontramos neste necessidade de demar-
um pouco de aditivo. «Careless (In The Age Of terceiro disco do quarteto de Chicago, podemos car o impacto que tive-
Altruism)» é malhão, provavelmente melhor do ter um nome sério para o futuro do shoegaze ram na formulação do
disco e com o ritmo certo. «So Long Idiots!» tem mais pesado. [6] L.P. universo punk rock, os
aquele feeling NOFX, e resulta, tal como a seguinte Descendents decidem
«Pitchforks R Us». Já «Low (And Behold)» soa a CRIMSON BRIDGE antes tomar pela frente
Beastie Boys. Sendo noruegueses, pode também «In Pitch Black» um exercício que tem
falar-se no humor corrosivo dos Turbonegro, de [Blast Beat] tanto de celebração
quem herdam alguma influência musical. Com esta São novos como banda e como de reconstrução
amostra, os Bokassa podem mesmo representar como músicos, e isso jus- do que foi a sua histó-
uma nova vaga de rock fresco e orelhudo, que não tifica o melting pot musical ria: os dezoito temas
se leva muito a sério, e que pretende concorrer deste disco. Há aqui uma apresentados em «9th
para as tabelas de popularidade. [6.5] E.F. mistura de estilos que resulta bem, mas onde & Walnut» – o nome
um rumo mais concreto faria ganhar definição. aponta o cruzamento
CAVEMAN CULT Neste «In Pitch Black» há thrash, pouco, tech onde se localizava o
«Blood And Extinction» death, algum, e metalcore. Trabalho audacioso, seu primeiro espaço de
[Nuclear War Now!] que vem servido de excelentes solos de guitarra. ensaio em Long Beach,
Aviso: se não tens qualquer O ritmo resulta bem, com a bateria a precisar de Califórnia – datam
interesse pelo war/bestial outra captação. As vozes são bem conseguidas, entre 1977 e 1981,
metal ou não sentes qual- mas eventualmente mais polidas e harmoniosas foram compostos pelo
quer tipo de apelo por esse que alguns desejariam. «Ruthless Tides», com alinhamento original
tipo de som bárbaro feito de híbridos black/death direito a convidado, João Miguel, acaba a ser um de Bill Stevenson,
– e impulsionado pelo punk –, o melhor mesmo é dos temas mais conseguidos, onde a vertente Frank Navetta e Tony
saltares já para a próxima review. Apesar de se- técnica se alia perfeitamente à melodia, cruzando Lombardo, mas apenas
rem oriundos do lado mais ensolarado da Flórida, com blastbeats típicos do metalcore. No entanto, gravados em 2002, aos
a nível musical os Caveman Cult posicionam-se o álbum tem mais malhas, como «At The Cliffs» quais a “mascote” Milo
num quadrante totalmente oposto em termos e «The Disheartened», terminando com um tema Aukerman – embora
de estado de espírito, mergulhando fundo num bem longo, «Fight For The Chance», muito interes- desconhecesse a maio-
universo feio e sombrio. Ainda mais primitivos sante, revelando a faceta melódica do grupo, mas ria das canções, pois
do que os Bestial Warlust e mais simples que os talvez dispensável no contexto. Fica uma estreia só mais tarde entraria
Diocletian, os três músicos – o baterista R. Smith auspiciosa, resta esperar pelo refinar e maturar do na banda – aplicou a
acumula funções nos bastante mais moderados trabalho. [7.5] E.F. sua icónica voz através
Torche – focam-se em ritmos ferozes, riffs violen- de gravações caseiras
tos e vocalizações que parecem vir directamente DARE em plena pandemia.
das profundezas do inferno. O resultado são «Against All Odds» Deste modo, o resul-
descargas curtas e acutilantes, repletas de bati- [Revelation] tado demonstra uma
das em sincronia e padrões de ritmo frenéticos, Há discos que emanam competência técnica
totalmente devastadores, num ataque implacável uma certa vibe. É inevi- (como quem diz, uma
e hermético, que não cede nem por um momento, tável, antes de partirmos enorme falta de pregos)
e não permite que haja qualquer espaço para para a descoberta, sermos que os miúdos naquela
respirar enquanto o disco rola no leitor. Fiel aos livres de qualquer preconceito, principalmente garagem certamente
seus propósitos, em pouco mais de vinte minutos quando há acesso a detalhes como o nome do não teriam, ao mesmo
este trio consegue elevar ao zénite a selvajaria artista, título do álbum ou a capa. Este primeiro tempo que se torna
primordial, com o seu quê de louco e abrasivo, disco dos DARE foi editado pela Revelation, curioso imaginar estes
capaz de libertar as reservas de adrenalina para a uma das mais influentes editoras de sempre na punks, agora bem mais
corrente sanguínea do ouvinte. [8] J.M.R. cena hardcore e escolhe fazer poucas edições velhos, a emular os
por ano, mas que se nota serem escolhidos seus hinos a uma rebel-
CHROME WAVES cuidadosamente (claro que há sempre algumas dia juvenil. Ainda assim,
«The Rain Will Cleanse» falhas, mas regra geral são tiros certeiros no para compreender a
[Transcending / Disorder] alvo). «Against All Odds» é um disco de hard- passagem de um punk
Longe, muito longe, estão core moderno, mas que ao mesmo tempo sabe rock mais ácido para a
os Chrome Waves de «A honrar e prestar tributo aos últimos 40 anos, base do nascimento do
Grief Observed» e «Where sem aquele rip off descarado que facilmente pop punk, é em si uma
We Live». O cruzamento acontece. Há muito groove aqui, há two step e lição. [7] P.C.S.
LOUD! 47
 EMPLOYED TO SERVE
«Conquering»
[Spinefarm]
Pouco mais de dois anos
volvidos desde a fúria
musculada que é «Eternal
Forward Motion» e os
jovens britânicos, encabeçados pela endiabrada
vocalista Justine Jones, já estão de regresso para
mais uma dose do seu metalcore particularmente
hardcorizado. Se nesse antecessor já se notava
uma direcção menos caótica e mais in your face,
em comparação aos seus primeiros trabalhos,
inclusive com alguma incorporação de subtis
elementos nu-metal bem colocados, este novo
«Conquering» eleva ainda mais essa fasquia sem
receio de experimentar, por exemplo, com as
vozes melódicas que o guitarrista Sammy Urwin
emprega nos versos de «Mark Of The Grave» ou
em «Stand Alone». Mas não se preocupem, não
fiquem já a pensar que só por isso o caminho já
aponta para uns While She Sleeps, quando na
realidade continuam muito mais próximos de uns
Rolo Tomassi, sem tanta matemática, mas com o
pé constantemente no acelerador, com cadências
que vão entre a visão mais disruptiva dos Code
Orange e a vontade de distribuir tabefes dos Kno-
cked Loose. [8] P.C.S.
EX DEO
«The Thirteen Years Of Nero»
[Napalm]
Este é já o quarto álbum
do projecto, aliás, banda
paralela de músicos dos
Kataklysm. Sendo um
trabalho conceptual sobre determinado momento
do Império Romano, o título é auto-explicativo.
Desde que Maurizio Iacono – canadiano de raízes
italianas – encarnou Rómulo na estreia de 2009,
os Ex Deo têm vindo a conquistar o seu espaço
naquilo que pode ser descrito como “metal his-
toricista” num combo de death metal sinfónico,
algures entre os Fleshgod Apocalypse e os Amon
Amarth. A vantagem dos Ex Deo é que não são tão
complexos como os primeiros, nem tão simplistas
experimentalismo e improvisação a meio do tema,
e um arrepiante e grandioso final. [9.5] L.P.
GHOST BATH
«Self Loather»
[Nuclear Blast]
Por duas vezes a biografia
facultada a propósito do
quarto álbum dos Ghost
Bath, refere “depressive
black metal”, mas procura-se e não se encontra
o argumento para tal. De facto, temas como
«Sanguine Mask» possuem uma toada doomíca,
mas daí até ao “depressive”, ainda vai muito. Na
realidade, é redutor usar esse termo acerca de um
disco com imensos elementos por onde pegar,
estatuto que já alcançaram, sejam os Behemoth
– sem prejuízo de também não querer deixar de
parte nomes como Vader, Decapitated, Lost Soul
ou Azarath, por exemplo. No entanto, formados
sensivelmente pela mesma altura – mantendo
apenas o seu guitarrista e vocalista, Adam “The
First Sinner” Buszko, como membro original – e
alcançando agora os doze registos de longa-
-duração, temos os veteranos Hate como peça
incontornável do blackened death metal. Manten-
do a mesma comparação temporal – talvez algo
injusta até pelos percursos traçados por ambas
–, se «I Loved You At Your Darkest» tem os seus
momentos mais melódicos e atmosféricos, já
«Rugia» é um verdadeiro tanque que leva tudo à
frente, praticamente sem momentos em que se
Filth («Horror Injection» do anterior «Into The
Red», por exemplo) eis que resolvem abordar de
forma explicita uma série de filmes de terror que
se lhes ficaram queimados nas pálpebras, muito
provavelmente à custa de muitas sessões da
meia noite regadas a cerveja. O resultado desse
revisitar é este pequeno EP, uma homenagem ao
imaginário de realizadores como John Carpenter
(«Halloween» e «The Thing») ou William Lustig
(«Maniac»), mas com uma toada muito mais
roqueira que o metal da morte a que nos habitua-
ram. Slash ‘n’ Roll sem merdas, com uma pitada
de versões de Misfits e Ramones a rematar, e
nada mais. [5] J.R.
HELHEIM

CRADLE OF FILTH
como por exemplo o bom trabalho de guitarras ou desacelera, numa constante sucessão de riffs de- «WoduridaR»
ou mitológicos como os segundos. «The Thirteen os arranjos de teclas. Também não é pelo uso do molidores, linhas vocais possantes e uma percus- [Dark Essence]
Years Of Nero» enleia informação histórico-política termo que ficam a ganhar, pois o que está plasma- são all over the place carregada de pedal duplo, ao Em actividade desde 1992

«Existence Is Futile»
do primeiro século d.C. (aludindo à personalidade
paranóica de um dos imperadores mais extrava-
[NUCLEAR BLAST] gantes de sempre) com instrumentos da altura,
como a lira e a harpa. Este disco é particularmente
do neste «Self Loather», certamente afastará os ponto que apelar a um habitat entre Hate Eternal e e contando na sua forma-
verdadeiros fãs do género. As teclas até conferem Zyklon, cortando as respectivas gorduras de géne- ção com três elementos
um carácter mais goth, como na introdução de «I ro, não parece exagerado. [8] P.C.S. que a integram desde o
Hope Death Finds Me Well», e um dos problemas primeiro momento, os noruegueses Helheim já

M
esmo que a realidade tenha muito mais nuances que cinemático, fruto das elaboradas orquestrações de reside mesmo na salgalhada de referências que HEADS FOR THE DEAD pouco ou nada têm a provar a quem quer que
estas generalizações que fazemos às vezes, parece rela- Ardek dos Carach Angren que jogam muito bem acaba a retirar consistência. Ao contrário de ou- «Slash ‘n’ Roll» seja, sendo senhores de um espaço muito pró-
tivamente seguro fazer a observação de que os fãs dos com a distorção típica de J-F Dagenais e com a tros nomes do USBM, como Uada ou Cobalt, não [Transcending Obscurity] prio e ao qual permanecem fiéis de forma algo
Cradle Of Filth se dividem, grosso modo, em dois “campos”: de determinação vocal de Iacono. Destaque ainda para há uma linha definida, nem o grupo consegue criar É ponte por onde ainda ortodoxa. O paralelismo com os Enslaved será,
um lado, tipicamente os mais jovens, que adoram a teatralidade da coisa, se estão borrifando para o elemento feminino em «Boudicca (Queen Of The algo transcendental, em particular na visão de há-de passar muito lamaçal, porventura, um dos mais recorrentes, quer pela
kvltismos, e papam (sem qualquer carácter depreciativo, note-se) sem reservas os álbuns regula- Iceni)» com a participação da vocalista dos Unleash quem usufruiu da riqueza musical europeia. [6] E.F. mas a ligação do death contemporaneidade de ambas as bandas, quer
res e vão enchendo concertos. Por outro lado, normalmente os mais velhotes, que já cá andavam The Archers, Brittney Slayes. Os temas são maiori- metal ao imaginário cine- pela inspiração viking que influencia e molda,
quando lhes terá eventualmente chegado à mão, provavelmente numa cassete qualquer vinda de tariamente lentos, mas o som geral não perde poder HATE matográfico do horror é mais traiçoeira que as desde sempre, as respectivas sonoridades e
outras paragens, uma maqueta chamada «Total Fucking Darkness» (especialmente essa), que, (pelo contrário!) por isso. Um trabalho que merece a «Rugia» primeiras impressões fazem parecer. Pegue-se imaginários. Mas ao contrário dos autores de
sejamos sinceros, revolucionou um bocado a nossa visão do black metal – que ainda se desen- atenção dos apreciadores do género. [7.5] N.S. [Metal Blade] no exemplo destes Heads For The Dead, que têm «Mardraum», que evoluíram para terrenos mais
volvia enquanto género dia a dia perante os nossos olhos e ouvidos –, e iniciou uma lua-de-mel Quando se fala de bandas editado uma série de discos onde acompanham progressivos e para abordagens mais cativantes
quase perfeita que durou, na melhor das hipóteses, até ao «Cruelty And The Beast». Este escriba FLUISTERAARS polacas, é normal que a de perto uma série de clichés que associamos ao ao ouvido, os Helheim teimam em manter as
assume sem problemas fazer parte dessa equipa, e mesmo tendo dado oportunidades amplas a «Gegrepen Door De Geest Der primeira referência que género: praticantes de um death metal cavernoso coisas numa forma mais conservadora e fiel às
todos os álbuns que se seguiram, face ao crédito infinito que a existência 1993-1998 dos Cradle Of Zielsontuiking» ocorra hoje em dia, até pelo sensível às texturas do horror gótico à la Dani raízes. Os dialectos locais e ancestrais continuam
Filth providenciou, a coisa nunca mais teve o mesmo encanto. A porta giratória de membros (que [Eisenwald / Haeresis No-
já existia antes, mas que fez o conjunto caminhar cada vez mais ao actual estado de Dani Filth viomagi]
+ uns gajos, que ironicamente até já se mantêm na sua maior parte estáveis há algum tempo), a Parece que fez bem aos
comercialização e diluição daquela antiga grandiloquência temática e sonora que parece cada vez Fluisteraars passar para for-
mais forçada… Apesar de um sinal de esperança ou outro pelo caminho (o «Hammer Of The Wit- mato duo (um bocado como aqueles noruegueses
ches» terá sido o sinal mais intenso), a expectativa para este “campo” já não é muito. Enfim, este que o fizeram em 1993 e não mais olharam para
longo preâmbulo serve para concluir que vale a pena esperar por coisas em que não se acredita trás). Desde então, lançaram o belíssimo «Bloem»
muito, às vezes. Não, «Existence Is Futile» não está, de todo, no campeonato dos três primeiros no ano passado, todo ele beleza evocada através
(+ EP). Mas sim, é de longe o melhor álbum desde então, e que nos deixa um deliciosamente de um minimalismo naturalista, e regressam agora
irritante what if para o que virá a seguir. Mais directos e menos sinfónicos que o habitual, como com «Gegrepen Door De Geest Der Zielsontuiking»,
que fazendo jus à temática apocalíptica e niilista, com «Crawling King Chaos» e a última «Us, Dark, que consegue ser ainda mais idiossincrático.
Invincible» em particular a apresentarem-se como do mais selvagem que a banda fez nos últimos Há um aumento de agressividade, fruto de uma
anos, os britânicos aparecem revitalizados em boa parte do álbum e às vezes é isso que faz a produção mais aberta, a acontecer em simultâneo
diferença. Basta pensar que não, «Existence Is Futile» não é assim tão diferente, esteticamente, com guitarras de uma textura de tal forma etérea
do anterior – e horrível, convenhamos – «Cryptoriana…», mas os “tomates” que algumas destas – a influência do psicadélico dos anos 60 é nesse
malhas têm elevam-nas grandemente a algo muito acima da média. Filler com fartura? Também sentido mais clara que nunca – que forçou a ban-
há, claro que sim. Mas tudo bem. Mesmo que a existência seja fútil e que lá no fundo saibamos da a declarar que nenhum teclado fora usado na
que nunca mais vamos ter uma «Queen Of Winter, Throned», deixem-nos ter esperança. [7] J.C.S. gravação do álbum. No campo vocal, Bob Mollema
assina porventura a sua mais subtil e expressiva
performance até hoje, criando o complemento
perfeito para o torrencial instrumental de M. Koops,
que se assume como um dos grandes bateristas
do género, e conferindo a urgência necessária
para cumprir o objectivo de criar um álbum para
a exaltação da psique. Performances à parte, é na
composição e estruturação do disco que encon-
tramos a chave para o seu génio. Duas canções
ligeiramente abaixo dos dez minutos abrem-no num
registo essencialmente Fluisteraars clássico, ainda
que a primeira termine numa peculiar outro de ex-
perimentação à volta da bateria, feedback, e ecos.
Chega-nos então «Verscheuring In De Schemering»,
que do alto dos seus vinte minutos é a melhor
canção que o colectivo já gravou e a razão para a
qual a referência aos Tangerine Dream a tocar black
metal na nota da imprensa não pareça de todo des-
cabida. Há espaço para tudo, de riffs fenomenais, a
baixos sinuosos, arranjos perfeitos, dinâmicas em
constante mutação, uma entrada a pés juntos no

48 LOUD! LOUD! 49
 EMPLOYED TO SERVE
«Conquering»
[Spinefarm]
Pouco mais de dois anos
volvidos desde a fúria
musculada que é «Eternal
Forward Motion» e os
jovens britânicos, encabeçados pela endiabrada
vocalista Justine Jones, já estão de regresso para
mais uma dose do seu metalcore particularmente
hardcorizado. Se nesse antecessor já se notava
uma direcção menos caótica e mais in your face,
em comparação aos seus primeiros trabalhos,
inclusive com alguma incorporação de subtis
elementos nu-metal bem colocados, este novo
«Conquering» eleva ainda mais essa fasquia sem
receio de experimentar, por exemplo, com as
vozes melódicas que o guitarrista Sammy Urwin
emprega nos versos de «Mark Of The Grave» ou
em «Stand Alone». Mas não se preocupem, não
fiquem já a pensar que só por isso o caminho já
aponta para uns While She Sleeps, quando na
realidade continuam muito mais próximos de uns
Rolo Tomassi, sem tanta matemática, mas com o
pé constantemente no acelerador, com cadências
que vão entre a visão mais disruptiva dos Code
Orange e a vontade de distribuir tabefes dos Kno-
cked Loose. [8] P.C.S.
EX DEO
«The Thirteen Years Of Nero»
[Napalm]
Este é já o quarto álbum
do projecto, aliás, banda
paralela de músicos dos
Kataklysm. Sendo um
trabalho conceptual sobre determinado momento
do Império Romano, o título é auto-explicativo.
Desde que Maurizio Iacono – canadiano de raízes
italianas – encarnou Rómulo na estreia de 2009,
os Ex Deo têm vindo a conquistar o seu espaço
naquilo que pode ser descrito como “metal his-
toricista” num combo de death metal sinfónico,
algures entre os Fleshgod Apocalypse e os Amon
Amarth. A vantagem dos Ex Deo é que não são tão
complexos como os primeiros, nem tão simplistas
experimentalismo e improvisação a meio do tema,
e um arrepiante e grandioso final. [9.5] L.P.
GHOST BATH
«Self Loather»
[Nuclear Blast]
Por duas vezes a biografia
facultada a propósito do
quarto álbum dos Ghost
Bath, refere “depressive
black metal”, mas procura-se e não se encontra
o argumento para tal. De facto, temas como
«Sanguine Mask» possuem uma toada doomíca,
mas daí até ao “depressive”, ainda vai muito. Na
realidade, é redutor usar esse termo acerca de um
disco com imensos elementos por onde pegar,
estatuto que já alcançaram, sejam os Behemoth
– sem prejuízo de também não querer deixar de
parte nomes como Vader, Decapitated, Lost Soul
ou Azarath, por exemplo. No entanto, formados
sensivelmente pela mesma altura – mantendo
apenas o seu guitarrista e vocalista, Adam “The
First Sinner” Buszko, como membro original – e
alcançando agora os doze registos de longa-
-duração, temos os veteranos Hate como peça
incontornável do blackened death metal. Manten-
do a mesma comparação temporal – talvez algo
injusta até pelos percursos traçados por ambas
–, se «I Loved You At Your Darkest» tem os seus
momentos mais melódicos e atmosféricos, já
«Rugia» é um verdadeiro tanque que leva tudo à
frente, praticamente sem momentos em que se
Filth («Horror Injection» do anterior «Into The
Red», por exemplo) eis que resolvem abordar de
forma explicita uma série de filmes de terror que
se lhes ficaram queimados nas pálpebras, muito
provavelmente à custa de muitas sessões da
meia noite regadas a cerveja. O resultado desse
revisitar é este pequeno EP, uma homenagem ao
imaginário de realizadores como John Carpenter
(«Halloween» e «The Thing») ou William Lustig
(«Maniac»), mas com uma toada muito mais
roqueira que o metal da morte a que nos habitua-
ram. Slash ‘n’ Roll sem merdas, com uma pitada
de versões de Misfits e Ramones a rematar, e
nada mais. [5] J.R.
HELHEIM

CRADLE OF FILTH
como por exemplo o bom trabalho de guitarras ou desacelera, numa constante sucessão de riffs de- «WoduridaR»
ou mitológicos como os segundos. «The Thirteen os arranjos de teclas. Também não é pelo uso do molidores, linhas vocais possantes e uma percus- [Dark Essence]
Years Of Nero» enleia informação histórico-política termo que ficam a ganhar, pois o que está plasma- são all over the place carregada de pedal duplo, ao Em actividade desde 1992

«Existence Is Futile»
do primeiro século d.C. (aludindo à personalidade
paranóica de um dos imperadores mais extrava-
[NUCLEAR BLAST] gantes de sempre) com instrumentos da altura,
como a lira e a harpa. Este disco é particularmente
do neste «Self Loather», certamente afastará os ponto que apelar a um habitat entre Hate Eternal e e contando na sua forma-
verdadeiros fãs do género. As teclas até conferem Zyklon, cortando as respectivas gorduras de géne- ção com três elementos
um carácter mais goth, como na introdução de «I ro, não parece exagerado. [8] P.C.S. que a integram desde o
Hope Death Finds Me Well», e um dos problemas primeiro momento, os noruegueses Helheim já

M
esmo que a realidade tenha muito mais nuances que cinemático, fruto das elaboradas orquestrações de reside mesmo na salgalhada de referências que HEADS FOR THE DEAD pouco ou nada têm a provar a quem quer que
estas generalizações que fazemos às vezes, parece rela- Ardek dos Carach Angren que jogam muito bem acaba a retirar consistência. Ao contrário de ou- «Slash ‘n’ Roll» seja, sendo senhores de um espaço muito pró-
tivamente seguro fazer a observação de que os fãs dos com a distorção típica de J-F Dagenais e com a tros nomes do USBM, como Uada ou Cobalt, não [Transcending Obscurity] prio e ao qual permanecem fiéis de forma algo
Cradle Of Filth se dividem, grosso modo, em dois “campos”: de determinação vocal de Iacono. Destaque ainda para há uma linha definida, nem o grupo consegue criar É ponte por onde ainda ortodoxa. O paralelismo com os Enslaved será,
um lado, tipicamente os mais jovens, que adoram a teatralidade da coisa, se estão borrifando para o elemento feminino em «Boudicca (Queen Of The algo transcendental, em particular na visão de há-de passar muito lamaçal, porventura, um dos mais recorrentes, quer pela
kvltismos, e papam (sem qualquer carácter depreciativo, note-se) sem reservas os álbuns regula- Iceni)» com a participação da vocalista dos Unleash quem usufruiu da riqueza musical europeia. [6] E.F. mas a ligação do death contemporaneidade de ambas as bandas, quer
res e vão enchendo concertos. Por outro lado, normalmente os mais velhotes, que já cá andavam The Archers, Brittney Slayes. Os temas são maiori- metal ao imaginário cine- pela inspiração viking que influencia e molda,
quando lhes terá eventualmente chegado à mão, provavelmente numa cassete qualquer vinda de tariamente lentos, mas o som geral não perde poder HATE matográfico do horror é mais traiçoeira que as desde sempre, as respectivas sonoridades e
outras paragens, uma maqueta chamada «Total Fucking Darkness» (especialmente essa), que, (pelo contrário!) por isso. Um trabalho que merece a «Rugia» primeiras impressões fazem parecer. Pegue-se imaginários. Mas ao contrário dos autores de
sejamos sinceros, revolucionou um bocado a nossa visão do black metal – que ainda se desen- atenção dos apreciadores do género. [7.5] N.S. [Metal Blade] no exemplo destes Heads For The Dead, que têm «Mardraum», que evoluíram para terrenos mais
volvia enquanto género dia a dia perante os nossos olhos e ouvidos –, e iniciou uma lua-de-mel Quando se fala de bandas editado uma série de discos onde acompanham progressivos e para abordagens mais cativantes
quase perfeita que durou, na melhor das hipóteses, até ao «Cruelty And The Beast». Este escriba FLUISTERAARS polacas, é normal que a de perto uma série de clichés que associamos ao ao ouvido, os Helheim teimam em manter as
assume sem problemas fazer parte dessa equipa, e mesmo tendo dado oportunidades amplas a «Gegrepen Door De Geest Der primeira referência que género: praticantes de um death metal cavernoso coisas numa forma mais conservadora e fiel às
todos os álbuns que se seguiram, face ao crédito infinito que a existência 1993-1998 dos Cradle Of Zielsontuiking» ocorra hoje em dia, até pelo sensível às texturas do horror gótico à la Dani raízes. Os dialectos locais e ancestrais continuam
Filth providenciou, a coisa nunca mais teve o mesmo encanto. A porta giratória de membros (que [Eisenwald / Haeresis No-
já existia antes, mas que fez o conjunto caminhar cada vez mais ao actual estado de Dani Filth viomagi]
+ uns gajos, que ironicamente até já se mantêm na sua maior parte estáveis há algum tempo), a Parece que fez bem aos
comercialização e diluição daquela antiga grandiloquência temática e sonora que parece cada vez Fluisteraars passar para for-
mais forçada… Apesar de um sinal de esperança ou outro pelo caminho (o «Hammer Of The Wit- mato duo (um bocado como aqueles noruegueses
ches» terá sido o sinal mais intenso), a expectativa para este “campo” já não é muito. Enfim, este que o fizeram em 1993 e não mais olharam para
longo preâmbulo serve para concluir que vale a pena esperar por coisas em que não se acredita trás). Desde então, lançaram o belíssimo «Bloem»
muito, às vezes. Não, «Existence Is Futile» não está, de todo, no campeonato dos três primeiros no ano passado, todo ele beleza evocada através
(+ EP). Mas sim, é de longe o melhor álbum desde então, e que nos deixa um deliciosamente de um minimalismo naturalista, e regressam agora
irritante what if para o que virá a seguir. Mais directos e menos sinfónicos que o habitual, como com «Gegrepen Door De Geest Der Zielsontuiking»,
que fazendo jus à temática apocalíptica e niilista, com «Crawling King Chaos» e a última «Us, Dark, que consegue ser ainda mais idiossincrático.
Invincible» em particular a apresentarem-se como do mais selvagem que a banda fez nos últimos Há um aumento de agressividade, fruto de uma
anos, os britânicos aparecem revitalizados em boa parte do álbum e às vezes é isso que faz a produção mais aberta, a acontecer em simultâneo
diferença. Basta pensar que não, «Existence Is Futile» não é assim tão diferente, esteticamente, com guitarras de uma textura de tal forma etérea
do anterior – e horrível, convenhamos – «Cryptoriana…», mas os “tomates” que algumas destas – a influência do psicadélico dos anos 60 é nesse
malhas têm elevam-nas grandemente a algo muito acima da média. Filler com fartura? Também sentido mais clara que nunca – que forçou a ban-
há, claro que sim. Mas tudo bem. Mesmo que a existência seja fútil e que lá no fundo saibamos da a declarar que nenhum teclado fora usado na
que nunca mais vamos ter uma «Queen Of Winter, Throned», deixem-nos ter esperança. [7] J.C.S. gravação do álbum. No campo vocal, Bob Mollema
assina porventura a sua mais subtil e expressiva
performance até hoje, criando o complemento
perfeito para o torrencial instrumental de M. Koops,
que se assume como um dos grandes bateristas
do género, e conferindo a urgência necessária
para cumprir o objectivo de criar um álbum para
a exaltação da psique. Performances à parte, é na
composição e estruturação do disco que encon-
tramos a chave para o seu génio. Duas canções
ligeiramente abaixo dos dez minutos abrem-no num
registo essencialmente Fluisteraars clássico, ainda
que a primeira termine numa peculiar outro de ex-
perimentação à volta da bateria, feedback, e ecos.
Chega-nos então «Verscheuring In De Schemering»,
que do alto dos seus vinte minutos é a melhor
canção que o colectivo já gravou e a razão para a
qual a referência aos Tangerine Dream a tocar black
metal na nota da imprensa não pareça de todo des-
cabida. Há espaço para tudo, de riffs fenomenais, a
baixos sinuosos, arranjos perfeitos, dinâmicas em
constante mutação, uma entrada a pés juntos no

48 LOUD! LOUD! 49

Negro
Mais
Profundo
EMANUEL FERREIRA
O
s Morte Incandescente gritam “Nós somos o
underground” no seu último trabalho. De facto,
o black metal nacional, similarmente a outros
países, fervilha de edições. Em certos casos, é qua-
se possível assistir ao processo criativo. É o caso de
um projecto já aqui referido, TORMENTO. Através
do seu Bandcamp e YouTube, aqui em preview, sur-
giu um novo tema, «Que Esta Terra Seja O Meu Local
De Repouso». Som atmosférico, rito de expurgação,
a cada faixa o projecto se vai tornando mais elabora-
do. Sentimento transportado para a música.
«O Culto Do Mal E Da Violência» traz quatro temas,
cujos títulos estão invertidos. Começando com «Et-
-Alitum», e terminando em «Et-Atam». Quais sata-
nistas de banco de escola, que invertem os nomes
para surgir nas redes sociais em formato anónimo.
Mesmo assim, a quinta maqueta dos bragantinos
INSÓMNIA PÁLIDA, oferece um black tão cru como
experimentalista. É o terceiro trabalho do grupo para
este ano, depois de «Ruídos Residuais», e de «3
Comprimidos», compilação, também digital, lançada
através da norte-americana Skull Dungeon. Ambos
os títulos foram lançados em Junho. «O Culto…» é o
único a ter formato físico, em cassete, editada agora
em Setembro. Uma lâmina de barbear, inserida na
cassete, serve de complemento perfeito para quem
pretender seguir as letras.
A prepararem o segundo álbum, os WINTER-
MOONSHADE libertaram duas faixas em formato
demo para a webzine Terra Relicta. O título digital
lançou uma colectânea, «In Sickness We Reign», no
Bandcamp, e este grupo é o único lusitano a figurar
nas dezoito faixas.
Outra estreia, são os ZHURDHARB. O projecto sur-
ge com «A Morte Dos Homens», EP em formato digi-
tal, datado de Agosto. São cinco temas de um black/
death old school, que se revela promissor e que me-
recia formato físico. Também cinco temas, apenas
numerados, é o que aparece na maqueta homónima
de NOITE RITUAL. Algo entre o atmosférico, doom
e raw, o trabalho revela algum experimentalismo,
com recurso a teclados, mas sem ser tão pessoal
como Tormento.
Mais perto do death/doom que passíveis de se
inscreverem em territórios de black metal, estão
os ILL OMENS, que surgem com «Crossing The
Dead». Pouco interessante e certamente adequado
a outro tipo de seguidores. O mesmo se passa com
os THRONE OF MISERY, que se aproximam mais
do gothic metal, com veia doom. «Empty Halls» é o
EP de quatro temas agora divulgado. Dois títulos a
encerrar que podem interessar aos seguidores de
black metal, mas que certamente se encontram de-
masiado à superfície para esta coluna. Fica apenas
o registo.
50 LOUD!
a ser ponto de honra, as melodias e crescendos
épicos continuam a dominar a sonoridade da
banda, a visita a paisagens sonoras de maior en-
volvência melódica confere o necessário dinamis-
mo às canções e, a soma de tudo isto, são discos
desafiantes, que se desenvolvem em crescendo e
que revelam detalhes a cada nova audição. «Wo-
duridaR» não constitui excepção e tanto é capaz
do melhor através do tema-título ou de uma as-
sombrosa «Ni S Soli Sot», como gera momentos
de algum embaraço, sobretudo quando teimam
em insistir no uso de uma voz limpa de arrepiar, e
não pelas melhores razões. «WoduridaR» marca
posição, dá continuidade a uma carreira pautada
pela obstinação e persistência, sem, no entanto,
empolgar mais do que já haviam feito com regis-
tos anteriores. [7.5] R.A.
ISKANDR
«Vergezicht»
[Eisenwald]
Por entre os dois membros
dos Iskandr, O (Omar K.) e o
baterista M. Koops, temos
quase todas as bandas
necessárias para traçar um mapa completo da
actual cena neerlandesa, que tão essencial se
tornou ao black metal deste século. Qualquer
preocupação de “projectos a mais” já se tornou
fútil face ao output deste pessoal – dois primeiros
álbuns de Iskandr incluídos –, portanto a sua
presença já funciona mais como marco de qua-
lidade do que outra coisa. O que mais uma vez
se confirma. Numa clara evolução desde «Heilig
Land» (2016) e «Euprosopon» (2018), em que o
prog, o psicadelismo e até a monumentalidade
épica (consta que o «A Sun That Never Sets» dos
Neurosis foi inspiração importante para «Verge-
zicht», façam disso o que quiserem) estão lá, são
até mais importantes para o resultado final, mas
paradoxalmente são influências empregues de
forma mais subtil face ao aumento da agressivi-
dade e da crueza. Parece estranho, mas basta ou-
vir que se percebe. É imaginar que alguém viajava
no tempo e dava o tal «A Sun That Never Sets» e o
«Eld» dos Enslaved ao Quorthon, e lhe dizia “vai lá
escrever o «Blood Fire Death» outra vez, vá. E diz
ao teu pai que queres guita para gravar isso como
deve ser desta vez.” Se a ideia agrada, provavel-
mente vão gostar do «Vergezicht». [8] J.C.S.
JINJER
«Wallflowers»
[Napalm]
Não é difícil perceber o
porquê de os Jinjer estarem
numa curva ascendente em
termos de popularidade e
reconhecimento. O talento é inegável e a expecta-
tiva para este álbum também. Pelo que é positivo
ver que a banda não vai pelo caminho mais fácil
– que lhes facilitaria muito a vida – e mete cá
para fora um álbum “feio” e “desagradável”, onde
o peso e os riffs intricados ganham claramente às
passagens bonitas e orelhudas, que não deixam
de marcar presença, mas não são utilizadas como
um simples gimmick para garantir que existam
novos fãs, estranhos ao estilo a serem agarrados.
Como dissemos atrás, não é um álbum “bonito”,
mas em compensação mexe com as nossas emo-
ções e não mete paninhos quentes em lado ne-
nhum. Hoje em dia é difícil prever o quer que seja,
principalmente no mundo da música, mas este
álbum prova não só que os ucranianos são uma
banda com os pés no chão, como também com
capacidade de chegar muito mais longe. [9] F.F.
JOEY CAPE
«A Good Year To Forget»
[Fat Wreck Chords]
Os Lagwagon, a banda de
sempre de Joey Cape, esta-
vam a meio de uma tour na
Austrália quando a pande-
mia rebentou, e por sorte conseguiram voltar para
casa mesmo antes das fronteiras fecharem por
todo o mundo. Se não bastasse a Joey ter de ficar
sem poder tocar ao vivo por tempo indeterminado,
também se havia divorciado recentemente, o que
o forçou a voltar a morar em casa da mãe e do
padrasto. «A Good Year To Forget» transforma-se,
assim, no culminar de todos estes acontecimen-
tos e emoções, num registo acústico, de singer/
songwriter, que contrasta com a energia e veloci-
dade normalmente presente nos Lagwagon. Disco
sombrio e melancólico, para ser apreciado em
doses pequenas não vá transportar o ouvinte para
caminhos mais obscuros. O Sr. Cape apresenta-se
aqui sem filtros e a abrir-nos o coração, de forma
terapêutica a enfrentar os acontecimentos deste
último ano. [7] D.R.
KATATONIA
«Mnemosynean»
[Peaceville]
Ena, outra compilação dos
Katatonia! Ali a parte da
estante onde estão os Ks já
parecia meio vazia, só com
o «Brave Yester Days», as «The Black Sessions»
e o «Kocytean», isto só para falar das “oficiais”. E
sem pegar nos álbuns ao vivo, que só na última
década foram quatro. Mas pronto, deixemo-nos
de acidez, porque verdade seja dita, das bandas
que enveredam por este tipo de exercício, os Ka-
tatonia até são das que o faz (se não mesmo “a”)
com mais bom gosto e pertinência. Mesmo com
um overlap pontual ou outro entre «Mnemosy-
nean» e as compilações referidas, a verdade é que
a temática é diferente, e temos aqui muito mate-
rial inédito ou pelo menos muito pouco divulgado
anteriormente. A ideia da coisa é reunir raridades,
b-sides, temas bónus de edições especiais, remis-
turas e alguns temas nunca antes divulgados, a
abarcar o período 1994-2016. O tema mais antigo
é «Scarlet Heavens» (originalmente do split com
Primordial, gravado precisamente em 1994 apesar
de só editado dois anos depois pela saudosa
Misanthropy Records), e os mais recentes são
alguns das sessões de «The Fall Of Hearts». O
que impressiona mais, e que já era notório em
compilações prévias, é a linha condutora que se
nota claramente, mesmo em temas “secundários”
como estes, a reflectir uma evolução extraordiná-
ria. Pondo em oposição os temas mais distantes,
pode fazer confusão como uma banda mudou
tanto, mas ouvindo o fluir dos dois discos desta
compilação, até nos esquecemos disso mesmo,
de que é uma compilação. É uma viagem pelo
mundo dos Katatonia, recheada de surpresas
mesmo para os fãs mais dedicados, e que mais
uma vez, tal como as anteriores, faz por justificar
plenamente o espaço que vai ocupar na estante,
com todo o mérito. Nem costumamos dar notas a
estas coisas, mas esta merece: [8] J.C.S.
KAYO DOT
«Moss Grew On The Swords
And Plowshares Alike»
[Prophecy]
Décimo álbum da entidade
que, há já quase vinte
anos, sucedeu aos Maudlin
Of The Well. Atendendo ao incremento de peso
neste trabalho dos Kayo Dot, a alusão à anterior
banda de Toby Driver não é inocente. O vocalista
e multi-instrumentista de Brooklyn – de “apenas”
42 anos mas já com uma discografia respeitável
às costas – parece ter desejado soltar mais
um par de demónios em «Moss Grew On The
Swords And Plowshares Alike», um disco que
não é fácil, mas a sua arte também nunca foi
imediatista. Experimental, ambiental, avant-
-garde são termos algo vagos que, ainda assim
servem para mitigar a complexidade criativa de
Kayo Dot e de trabalhos como este, em particu-
lar. A certa altura, a meio de «Brethren Of The
Cross», a segunda faixa, já estamos lançados
em possível hipnose pelas pancadas certeiras
da percussão, guarnecidas por guitarras omni-
presentes que se enleiam na narrativa de Driver.
Dark rock? Doom? Progressivo/jazzístico? Metal,
propriamente dito?... Esta hora de melancolia flui
a todos esses ventos, sem hastear a bandeira,
exactamente, de algum deles. Esse continua a
ser o maior atributo de Kayo Dot – uma estra-
nheza própria. [7] N.S.
KEHLVIN
«Holistic Dreams»
[Division]
Hoje em dia, as coisas
acontecem tão rapidamen-
te, as tendências surgem e
desaparecem tão depressa,
que parece incrível pensar naquela altura, ali na
viragem do milénio, em que surgiu na Europa
uma vaga de bandas sucedâneas da explosão
post-metal que se fazia sentir do outro lado do
Atlântico. Impulsionados pela vontade de mistu-
PROUDLY PRESENTS
LA CHANSON NOIRE
“CRUZ CREDO”
CHAOSCP029
300 COPIES
LTD. EDT. CD
The new and fifth full length release for the most heretic Portuguese
avant-garde noir rocker! With an handful of luxurious collaborations
and mastered by Jon Astley (The Who, Led Zeppelin, Rolling Stones)!
RUA VIRIATO Nº 12, 1050-235 LISBOA, PORTUGAL
GLAMORAMA.ROCKSHOP@GMAIL.COM / + 351 211 320 835
www.glam-o-rama.net
rar post-hardcore e a parede monolítica de gui-
tarras lamacentas popularizada pelos Neurosis
no «Through Silver In Blood», no velho continente,
Suécia, França e Suíça afirmavam-se como os
três países com maior representação dentro
do espectro e nomes como Cult Of Luna, Dirge,
Overmars, Knut, Rorcal e Impure Wilhelmina
começavam então a dar os primeiros passos, e a
dar que falar entre os indefectíveis que queriam
ouvir mais que só os Isis, Mouth Of The Architect
ou Rosetta, entre outros. De todos esses projec-
tos, poucos foram aqueles que se mantiveram no
activo durante as duas últimas décadas, ainda
menos os que se mantiveram agarrados a essa
sonoridade, que foi perdendo muito daquele
brilho que tinha inicialmente. Os Kehlvin, que são
suíços, lançaram «The Mountain Daylight Time»,
o seu disco de estreia, em 2005 e, à semelhança
de muitos dos seus pares, nunca conseguiram
manter um plano rigoroso de edições, sendo que
os lançamentos se tornaram ainda mais espa-
çados a partir do momento em que o vocalista
Yonni Chapate se juntou aos Rorcal. No entanto,
volta e meia lá decidem dar um ar de sua graça
e em 2021, seis anos de hiato editorial depois
do split «To Deny Everything That’s Mundane»,
servem-nos finalmente o terceiro longa-duração.
Justo será dizer que, à excepção de uma costela
progressiva mais vincada (como se nota logo na
abertura com «The Impossibility Of Progress»), é
como se o tempo não tivesse passado por eles,
com os músicos a manterem-se fiéis à repetição
de riffs e linhas melódicas, que têm como ob-
jectivo colocar o ouvinte, lentamente, em transe.
Precisa como um relógio (o que não será surpre-
sa tendo em conta a sua proveniência), a banda
apoia-se nos ritmos quebrados do post-hardcore
CHAOSPHERE RECORDINGS
MATA-RATOS
“SENTE O ÓDIO”
CHAOSCD005
5300 COPIES
LTD. EDT. CD
The 1999's long time sold out album from one of the most
important bands from the Portuguese punk scene!
With 12 unreleased 1997's rehearsal songs as bonus!
INFO / ORDER:
e do math rock e na contundência cadenciada do
noise rock para construir uma surpreendente via-
gem sensorial por diversos estados de espírito,
que vão da pura catarse raivosa à contemplação
melancólica. No fim, sem terem de mexer muito
na fórmula, os Kehlvin continuam a explorar uma
sonoridade que, por esta altura, já é quase só
deles próprios. [7.5] J.M.R.
LVCIFYRE
«The Broken Seal»
[NoEvDia]
É uma carreira que não tem
deixado de produzir um
corpo de trabalho capaz de
procurar novos caminhos,
sem nunca deixar propriamente para trás a dis-
sonância forjada a ferros que serve de referência
ao trio de black/death. «The Broken Seal» é um
dos muitos discos que estão finalmente a ver a
luz do dia, agora que começa a ser ultrapassada
essa travessia pelo deserto pandémico. Gravado
em 2020, o disco assinala um novo capítulo do
conjunto liderado por T. Kaos, numa produção
onde o destaque dado às bordoadas blasfémicas
do blastbeat do Menthor o confirmam (se dúvidas
ainda existissem) como um baterista de black
metal de primeira água. Já se percebeu que não
vamos encontrar tão cedo por aqui grandes evolu-
ções ou variações, mas os pontos altos do disco
(os serrotes que trocam as voltas ao tempo de
«Tribes Of Khen», a piscadela de olho aos Portal
em «Wolves In The Dark» ou mesmo a inventi-
vidade teatral das vocalizações do tema-título)
são manifestações ímpias de uma atmosfera que
celebra a blasfémia com uma convicção que não
convém propriamente ignorar. [7.5] J.R.
DECAYED / DESASTER
“SPLIT”
CHAOSV027
LTD. EDT. 7”
150 BLACK VINYL / 150 RED VINYL
Two classic German and Portuguese underground bands,
two exclusive infernal songs packaged with an amazing
artwork by André Coelho! This is a must have!
LOUD! 51
www.chaosphererecordings.net

Negro
Mais
Profundo
EMANUEL FERREIRA
O
s Morte Incandescente gritam “Nós somos o
underground” no seu último trabalho. De facto,
o black metal nacional, similarmente a outros
países, fervilha de edições. Em certos casos, é qua-
se possível assistir ao processo criativo. É o caso de
um projecto já aqui referido, TORMENTO. Através
do seu Bandcamp e YouTube, aqui em preview, sur-
giu um novo tema, «Que Esta Terra Seja O Meu Local
De Repouso». Som atmosférico, rito de expurgação,
a cada faixa o projecto se vai tornando mais elabora-
do. Sentimento transportado para a música.
«O Culto Do Mal E Da Violência» traz quatro temas,
cujos títulos estão invertidos. Começando com «Et-
-Alitum», e terminando em «Et-Atam». Quais sata-
nistas de banco de escola, que invertem os nomes
para surgir nas redes sociais em formato anónimo.
Mesmo assim, a quinta maqueta dos bragantinos
INSÓMNIA PÁLIDA, oferece um black tão cru como
experimentalista. É o terceiro trabalho do grupo para
este ano, depois de «Ruídos Residuais», e de «3
Comprimidos», compilação, também digital, lançada
através da norte-americana Skull Dungeon. Ambos
os títulos foram lançados em Junho. «O Culto…» é o
único a ter formato físico, em cassete, editada agora
em Setembro. Uma lâmina de barbear, inserida na
cassete, serve de complemento perfeito para quem
pretender seguir as letras.
A prepararem o segundo álbum, os WINTER-
MOONSHADE libertaram duas faixas em formato
demo para a webzine Terra Relicta. O título digital
lançou uma colectânea, «In Sickness We Reign», no
Bandcamp, e este grupo é o único lusitano a figurar
nas dezoito faixas.
Outra estreia, são os ZHURDHARB. O projecto sur-
ge com «A Morte Dos Homens», EP em formato digi-
tal, datado de Agosto. São cinco temas de um black/
death old school, que se revela promissor e que me-
recia formato físico. Também cinco temas, apenas
numerados, é o que aparece na maqueta homónima
de NOITE RITUAL. Algo entre o atmosférico, doom
e raw, o trabalho revela algum experimentalismo,
com recurso a teclados, mas sem ser tão pessoal
como Tormento.
Mais perto do death/doom que passíveis de se
inscreverem em territórios de black metal, estão
os ILL OMENS, que surgem com «Crossing The
Dead». Pouco interessante e certamente adequado
a outro tipo de seguidores. O mesmo se passa com
os THRONE OF MISERY, que se aproximam mais
do gothic metal, com veia doom. «Empty Halls» é o
EP de quatro temas agora divulgado. Dois títulos a
encerrar que podem interessar aos seguidores de
black metal, mas que certamente se encontram de-
masiado à superfície para esta coluna. Fica apenas
o registo.
50 LOUD!
a ser ponto de honra, as melodias e crescendos
épicos continuam a dominar a sonoridade da
banda, a visita a paisagens sonoras de maior en-
volvência melódica confere o necessário dinamis-
mo às canções e, a soma de tudo isto, são discos
desafiantes, que se desenvolvem em crescendo e
que revelam detalhes a cada nova audição. «Wo-
duridaR» não constitui excepção e tanto é capaz
do melhor através do tema-título ou de uma as-
sombrosa «Ni S Soli Sot», como gera momentos
de algum embaraço, sobretudo quando teimam
em insistir no uso de uma voz limpa de arrepiar, e
não pelas melhores razões. «WoduridaR» marca
posição, dá continuidade a uma carreira pautada
pela obstinação e persistência, sem, no entanto,
empolgar mais do que já haviam feito com regis-
tos anteriores. [7.5] R.A.
ISKANDR
«Vergezicht»
[Eisenwald]
Por entre os dois membros
dos Iskandr, O (Omar K.) e o
baterista M. Koops, temos
quase todas as bandas
necessárias para traçar um mapa completo da
actual cena neerlandesa, que tão essencial se
tornou ao black metal deste século. Qualquer
preocupação de “projectos a mais” já se tornou
fútil face ao output deste pessoal – dois primeiros
álbuns de Iskandr incluídos –, portanto a sua
presença já funciona mais como marco de qua-
lidade do que outra coisa. O que mais uma vez
se confirma. Numa clara evolução desde «Heilig
Land» (2016) e «Euprosopon» (2018), em que o
prog, o psicadelismo e até a monumentalidade
épica (consta que o «A Sun That Never Sets» dos
Neurosis foi inspiração importante para «Verge-
zicht», façam disso o que quiserem) estão lá, são
até mais importantes para o resultado final, mas
paradoxalmente são influências empregues de
forma mais subtil face ao aumento da agressivi-
dade e da crueza. Parece estranho, mas basta ou-
vir que se percebe. É imaginar que alguém viajava
no tempo e dava o tal «A Sun That Never Sets» e o
«Eld» dos Enslaved ao Quorthon, e lhe dizia “vai lá
escrever o «Blood Fire Death» outra vez, vá. E diz
ao teu pai que queres guita para gravar isso como
deve ser desta vez.” Se a ideia agrada, provavel-
mente vão gostar do «Vergezicht». [8] J.C.S.
JINJER
«Wallflowers»
[Napalm]
Não é difícil perceber o
porquê de os Jinjer estarem
numa curva ascendente em
termos de popularidade e
reconhecimento. O talento é inegável e a expecta-
tiva para este álbum também. Pelo que é positivo
ver que a banda não vai pelo caminho mais fácil
– que lhes facilitaria muito a vida – e mete cá
para fora um álbum “feio” e “desagradável”, onde
o peso e os riffs intricados ganham claramente às
passagens bonitas e orelhudas, que não deixam
de marcar presença, mas não são utilizadas como
um simples gimmick para garantir que existam
novos fãs, estranhos ao estilo a serem agarrados.
Como dissemos atrás, não é um álbum “bonito”,
mas em compensação mexe com as nossas emo-
ções e não mete paninhos quentes em lado ne-
nhum. Hoje em dia é difícil prever o quer que seja,
principalmente no mundo da música, mas este
álbum prova não só que os ucranianos são uma
banda com os pés no chão, como também com
capacidade de chegar muito mais longe. [9] F.F.
JOEY CAPE
«A Good Year To Forget»
[Fat Wreck Chords]
Os Lagwagon, a banda de
sempre de Joey Cape, esta-
vam a meio de uma tour na
Austrália quando a pande-
mia rebentou, e por sorte conseguiram voltar para
casa mesmo antes das fronteiras fecharem por
todo o mundo. Se não bastasse a Joey ter de ficar
sem poder tocar ao vivo por tempo indeterminado,
também se havia divorciado recentemente, o que
o forçou a voltar a morar em casa da mãe e do
padrasto. «A Good Year To Forget» transforma-se,
assim, no culminar de todos estes acontecimen-
tos e emoções, num registo acústico, de singer/
songwriter, que contrasta com a energia e veloci-
dade normalmente presente nos Lagwagon. Disco
sombrio e melancólico, para ser apreciado em
doses pequenas não vá transportar o ouvinte para
caminhos mais obscuros. O Sr. Cape apresenta-se
aqui sem filtros e a abrir-nos o coração, de forma
terapêutica a enfrentar os acontecimentos deste
último ano. [7] D.R.
KATATONIA
«Mnemosynean»
[Peaceville]
Ena, outra compilação dos
Katatonia! Ali a parte da
estante onde estão os Ks já
parecia meio vazia, só com
o «Brave Yester Days», as «The Black Sessions»
e o «Kocytean», isto só para falar das “oficiais”. E
sem pegar nos álbuns ao vivo, que só na última
década foram quatro. Mas pronto, deixemo-nos
de acidez, porque verdade seja dita, das bandas
que enveredam por este tipo de exercício, os Ka-
tatonia até são das que o faz (se não mesmo “a”)
com mais bom gosto e pertinência. Mesmo com
um overlap pontual ou outro entre «Mnemosy-
nean» e as compilações referidas, a verdade é que
a temática é diferente, e temos aqui muito mate-
rial inédito ou pelo menos muito pouco divulgado
anteriormente. A ideia da coisa é reunir raridades,
b-sides, temas bónus de edições especiais, remis-
turas e alguns temas nunca antes divulgados, a
abarcar o período 1994-2016. O tema mais antigo
é «Scarlet Heavens» (originalmente do split com
Primordial, gravado precisamente em 1994 apesar
de só editado dois anos depois pela saudosa
Misanthropy Records), e os mais recentes são
alguns das sessões de «The Fall Of Hearts». O
que impressiona mais, e que já era notório em
compilações prévias, é a linha condutora que se
nota claramente, mesmo em temas “secundários”
como estes, a reflectir uma evolução extraordiná-
ria. Pondo em oposição os temas mais distantes,
pode fazer confusão como uma banda mudou
tanto, mas ouvindo o fluir dos dois discos desta
compilação, até nos esquecemos disso mesmo,
de que é uma compilação. É uma viagem pelo
mundo dos Katatonia, recheada de surpresas
mesmo para os fãs mais dedicados, e que mais
uma vez, tal como as anteriores, faz por justificar
plenamente o espaço que vai ocupar na estante,
com todo o mérito. Nem costumamos dar notas a
estas coisas, mas esta merece: [8] J.C.S.
KAYO DOT
«Moss Grew On The Swords
And Plowshares Alike»
[Prophecy]
Décimo álbum da entidade
que, há já quase vinte
anos, sucedeu aos Maudlin
Of The Well. Atendendo ao incremento de peso
neste trabalho dos Kayo Dot, a alusão à anterior
banda de Toby Driver não é inocente. O vocalista
e multi-instrumentista de Brooklyn – de “apenas”
42 anos mas já com uma discografia respeitável
às costas – parece ter desejado soltar mais
um par de demónios em «Moss Grew On The
Swords And Plowshares Alike», um disco que
não é fácil, mas a sua arte também nunca foi
imediatista. Experimental, ambiental, avant-
-garde são termos algo vagos que, ainda assim
servem para mitigar a complexidade criativa de
Kayo Dot e de trabalhos como este, em particu-
lar. A certa altura, a meio de «Brethren Of The
Cross», a segunda faixa, já estamos lançados
em possível hipnose pelas pancadas certeiras
da percussão, guarnecidas por guitarras omni-
presentes que se enleiam na narrativa de Driver.
Dark rock? Doom? Progressivo/jazzístico? Metal,
propriamente dito?... Esta hora de melancolia flui
a todos esses ventos, sem hastear a bandeira,
exactamente, de algum deles. Esse continua a
ser o maior atributo de Kayo Dot – uma estra-
nheza própria. [7] N.S.
KEHLVIN
«Holistic Dreams»
[Division]
Hoje em dia, as coisas
acontecem tão rapidamen-
te, as tendências surgem e
desaparecem tão depressa,
que parece incrível pensar naquela altura, ali na
viragem do milénio, em que surgiu na Europa
uma vaga de bandas sucedâneas da explosão
post-metal que se fazia sentir do outro lado do
Atlântico. Impulsionados pela vontade de mistu-
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LA CHANSON NOIRE
“CRUZ CREDO”
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dar que falar entre os indefectíveis que queriam
ouvir mais que só os Isis, Mouth Of The Architect
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menos os que se mantiveram agarrados a essa
sonoridade, que foi perdendo muito daquele
brilho que tinha inicialmente. Os Kehlvin, que são
suíços, lançaram «The Mountain Daylight Time»,
o seu disco de estreia, em 2005 e, à semelhança
de muitos dos seus pares, nunca conseguiram
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Yonni Chapate se juntou aos Rorcal. No entanto,
volta e meia lá decidem dar um ar de sua graça
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Justo será dizer que, à excepção de uma costela
progressiva mais vincada (como se nota logo na
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como se o tempo não tivesse passado por eles,
com os músicos a manterem-se fiéis à repetição
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noise rock para construir uma surpreendente via-
gem sensorial por diversos estados de espírito,
que vão da pura catarse raivosa à contemplação
melancólica. No fim, sem terem de mexer muito
na fórmula, os Kehlvin continuam a explorar uma
sonoridade que, por esta altura, já é quase só
deles próprios. [7.5] J.M.R.
LVCIFYRE
«The Broken Seal»
[NoEvDia]
É uma carreira que não tem
deixado de produzir um
corpo de trabalho capaz de
procurar novos caminhos,
sem nunca deixar propriamente para trás a dis-
sonância forjada a ferros que serve de referência
ao trio de black/death. «The Broken Seal» é um
dos muitos discos que estão finalmente a ver a
luz do dia, agora que começa a ser ultrapassada
essa travessia pelo deserto pandémico. Gravado
em 2020, o disco assinala um novo capítulo do
conjunto liderado por T. Kaos, numa produção
onde o destaque dado às bordoadas blasfémicas
do blastbeat do Menthor o confirmam (se dúvidas
ainda existissem) como um baterista de black
metal de primeira água. Já se percebeu que não
vamos encontrar tão cedo por aqui grandes evolu-
ções ou variações, mas os pontos altos do disco
(os serrotes que trocam as voltas ao tempo de
«Tribes Of Khen», a piscadela de olho aos Portal
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vidade teatral das vocalizações do tema-título)
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 M1KE
«The Siege»
[Edição de autor]
Miguel F. Silva vive a “cavalo
entre Lisboa e Valência”,
segundo a sua biografia.
Em «The Siege», este aço-
riano, da ilha Terceira, revela-se um excelente e
versátil guitarrista, autor de bons solos, como
em «Born Human». São quase três décadas nas
cordas, com passagem por Nightshift, Crosshatch
e Growing Titans. Agora grava três discos, dos
quais este é o primeiro a ser lançado, um trabalho
interessante, assente totalmente, para o bom e
para o mau, na guitarra. Os temas podiam ganhar
com o input que resulta de uma banda e do tra-
balho em conjunto. Por exemplo, «The Contract»
desenvolve-se com um bom solo e umas interes-
santes malhas de guitarra, mas bateria e voz não
acompanham o virtuosismo, com os coros até
a diminuírem o resultado final. Certamente que
no software tudo soará muito bem, mas haverá
sempre uma grande diferença entra ver um do-
cumentário e fazer a viagem do mesmo. É esse
lado “real” que falta acompanhar os bons solos de
M1ke, nesta viagem ao prog e hard. [6.5] E.F.
MASSACRE
«Resurgence»
[Nuclear Blast]
Não há como negá-lo: os
Massacre foram uma das
primeiras bandas a tocar
death metal e deram o
pontapé de saída para a infame cena da Flórida
na transição dos anos 80 para os 90. No entanto,
olhando para tudo o que fizeram desde que lança-
ram uma sequência de demos influentes e aban-
donaram subitamente os planos de gravação do
primeiro disco quando Terry Butler, Rick Rozz e Bill
Andrews decidiram saltar do barco para se junta-
rem aos Death, não se pode dizer que alguma vez
tenham sido uma banda consistente. A estreia,
«From Beyond», que seria finalmente editada em
1991, continua a ser um petardo de brutalidade
Neandertal cheio de balanço mas, numa dança de
muitos avanços, recuos e incontáveis mudanças
de formação, nunca conseguiram voltar a captar
aquele rasgo de génio contido em canções como
«Dawn Of Eternity» ou a intemporal «Corpsegrin-
der». O que esperar, então, deste regresso aos
lançamentos, sete anos depois de «Back From
The Beyond»? Para começar, a banda mudou de
novo, registando-se o regresso de Kam Lee à voz,
coadjuvado por uma nova formação onde já não
constam o guitarrista Rick Rozz nem o baixista
Terry Butler que, ao invés de Lee, tinham gravado
o último álbum. Contra todas as expectativas,
depois da intro que dá início ao tema de abertura
«Eldritch Prophecy» torna-se rapidamente claro
que os Massacre estão de volta para nos esmur-
rar com death metal norte-americano vintage,
cheio de groove, solos (aqui e ali mais melódicos
do que era habitual) e aquele urro inconfundível
do Kam Lee. Até aqui nada a apontar; estamos em
território familiar e somos invadidos pelo senti-
mento nostálgico que se quer deste tipo de coisa.
O problema é que, ao terceiro ou quatro tema,
percebemos que, embora muito disto soe como
soava nos (escassos) dias de glória do grupo,
há por aqui demasiados riffs genéricos e uma
escassez atroz de ideias e ganchos capazes de
deixarem uma impressão duradoura no ouvinte.
Costuma dizer-se que “o que nasce torto jamais
se endireita” e esta gente parece ser um exemplo
perfeito disso. [5] J.M.R.
MINNESJORD/TEUFELS-
BERG
«Minnesjord/Teufelsberg»
[Signal Rex]
Split entre os nacionais
letras – digamos que o mentor do projecto, Tho-
mas Jäger, pinta um retrato muito fiel dos tempos
conturbados que vivemos –, os Monolord 2021
apresentam-se também mais negros, atentos ao
detalhes e arranjos, chegando mesmo a atingir
uma aura épica, como acontece logo ao terceiro
tema, «I’ll Be Damned», que provavelmente só
estava mesmo ali à espera para sair de dentro
deles. Aconteceu agora, e ainda bem, porque
«Your Time To Shine» acaba mesmo por se revelar
a experiência sonora mais rica que os músicos já
assinaram. [8] J.M.R.
MORTE INCANDESCENTE
«Vala Comum»
[Signal Rex]
Há, no início deste quinto
álbum dos Morte Incandes-
cente, um cruzamento entre
grupos de referência, não
no sentido de cópia, mas de precursores naturais.
Escutar «Cerra Os Dentes» não deixa, a um dado
momento, de fazer pensar em Bizarra Locomo-
tiva. Logo a seguir, o andamento rítmico de «O
Véu», transporta para Mão Morta. É nesse mesmo
tempo que a guitarra rasga referências e o som
dos Morte Incandescente se autonomiza. Com
o «Uivo Da Noite», o puro heavy metal suja-se no
THE NIGHT FLIGHT OR-
CHESTRA
«Aeromantic II»
[Nuclear Blast]
Aquilo que pode ter sido
entendido como uma brin-
cadeira de escape musical
por parte de Björn “Speed” Strid e Sharlee D’An-
gelo, afinal, já vai em seis álbuns. «Aeromantic
II» é uma espécie de continuação do disco com
o mesmo nome lançado no início de 2020 sendo
que, no som desta “orquestra voadora” pela nos-
talgia dos anos 80, não há, exactamente, quebras
de estilo ou fases mais assim ou assado. Temos
hard rock, AOR, arena pop, disco sound e até uma
costela prog como era frequente nas produções
dos eighties. Com a experiência acumulada pelos
The Night Flight Orchestra ao longo de mais de
uma década compete-lhes, sobretudo, criar as
canções mais chamativas possível, algo que, num
presente ficcional dominado por teclados saudo-
sistas e cores brilhantes, seriam autênticos hits.
«White Jeans» e «You Belong To The Night» são
apenas dois certinhos, já para não falar em «Burn
For Me» e o seu video-clip ao género de «Dancing
In The Streets» ou «Fame» de Irene Cara. Björn e
Sharlee são dois músicos que começaram por
se evidenciar no metal extremo, mas que nunca
tiveram visão de túnel e sempre sonharam alto.
Nesta crew, também voam alto. [7.5] N.S.
NIGRUM PLUVIAM
«Eternal Fall Into The Abyss»
[Signal Rex]
No press release deste que é
o primeiro álbum do projecto
francês, descreve-se os
Nigrum Pluviam como uma
“banda nascida demasiado tarde”. É uma descrição
que assenta como uma luva, para o bem ou para o
mal. À semelhança de outros nomes franceses, os
Nigrum Pluviam tentam fazer uma reinterpretação
do black metal norueguês, num movimento para-
lelo ao NWOFBM de uns Throane, por exemplo. A
questão é se haverá interesse em reproduzir um
som que muitos daqueles que o criaram, quando
aprenderam a tocar e a dominar os estúdios,
rapidamente abandonaram. No lado positivo,
Kraëh Määtruum consegue, através deste projecto,
oferecer temas bem interessantes, como «Passa-
ge» e «In the Suffocating Mist», enquanto outros
facilmente seriam melhorados com outra mistura,

DOLD VORDE ENS NAVN FULL OF HELL

raw black, numa mescla tão interessante como
Minnesjord e os polacos já conhecida. Em «Nós Somos O Underground»,
Teufelsberg, ambos com ergue-se a bandeira do black metal, sobre o regis-

«Mørkere» apenas dois músicos. Estreía em vinil para am-

bos, com os nacionais a antecederem esta edição
[LUPUS LOUNGE / PROPHECY] com a cassete «Agrura» de 2019, e os polacos
a optarem pelo lançamento digital de «Ancient
to mais clássico. O experimentalismo e alguma
esquizofrenia vocal regressam em «As Luzes Da «Garden Of Burning Apparitions»
Cidade», como animais do underground, desorien- [RELAPSE]
tados face à exposição da sociedade. Talvez por

«M
ørkere», a estreia longa-duração dos Dold Vorde Ens Darkness Triumphant», em 2020. No que toca
Navn (já tinham editado um belo EP em 2019) é um aos portugueses, cujo nome deriva da maqueta
daqueles trabalhos de black metal que, feito Billy Pil- dos noruegueses Ildjarn, trata-se de black metal
grim, salta entre a nostalgia e um vanguardismo futurista como cru, rápido e sujo. Com títulos invulgares, é em
se não fosse nada, simultaneamente uma obra contemporânea, clássica, e para lá de qualquer «Mavórcio» que se encontra o tema que justifica o
categorização temporal. Assente numa belíssima secção rítmica, é acima de tudo um tratado vinil. Oito minutos que viajam entre o black mais
a duas vozes: a guitarra de Haavard e a voz de Vicotnik, dois génios cujo legado já há muito rápido e a toada mais doom, num tema que não
que superou o de qualquer membro dos Mayhem ou Immortal (para não falar da totalidade da só é o mais longo, como o mais ousado de todos.
cena sueca). Afinal de contas, o Vicotnik tem no currículo o «Written In Waters» e a discografia Para o lado dos Teufelsberg, embora na mesma
dos seus Dødheimsgard, cujo «A Umbra Omega» é dos melhores discos do género editados no linha dos lusos, a oferta é menos interessante,
século XXI – a performance vocal que assina em «Mørkere» retira quaisquer dúvidas sobre a com quatro faixas, uma das quais a intro. Muralha
capacidade do homem quando não tem o Aldrahn por perto, de tão evocativa, criativa, e des- sonora, mas não tão densa quanto desejado,
concertante que é. Já o Haavard havia desaparecido da cena em 1998 após as obras primas alguma versatilidade, como a bateria a meio de
que são o «Bergtatt» e o «Nattens Madrigal», voltando agora como que para mostrar que ainda «Moloch Worshipers», mas sempre alinhando pelo
é dos melhores escritores de riffs que o género já viu, oferecendo-nos desta feita épicos berg- black mais clássico e raw. [6.5] E.F.
tattianos a rodos, sublimes composições acústicas, boas orquestrações, e dissonâncias mid
tempo clássicas. Tudo somado, um álbum genial que faz sem o anunciar aquilo que muitos MONOLORD
anunciam e falham, que é demonstrar que o black metal dos 90s está vivo, de boa saúde, e «Your Time To Shine»
capaz de assinar um dos mais relevantes trabalhos do género em 2021. [9.5] L.P. [Relapse]
Em termos de popularidade
e exposição, os suecos
Monolord têm vindo a cres-
cer a cada novo disco de
uma forma constante desde a explosiva estreia
com «Empress Rising». E, claro, como resultado,
as recompensas têm ficado maiores a cada ano,
com o trio doom a captar atenção da Relapse
Records com o mais dinâmico «Rust», de 2017.
Esse disco já mostrava um lado mais polido, tons
mais claros e vozes menos cheias de reverb, num
lento processo de mutação que se intensificou
com «No Confort». Agora, «No Time To Shine»
chega para fazer o ponto de equilíbrio, ao fundir o
peso mais cru e sufocante dos primeiros registos
com a atitude mais melódica e aventureira destes
mais recentes. Por esta altura, certamente que
já ninguém espera um retorno à produção mais
cavernosa de «Empress Rising» ou «Vaenir», mas
estão aqui os riffs contundentes que se esperam,
em paralelo com alguns desvios interessantes.
Instigados pelo teor de mau estar que premeia as
D
isso, o punk de «A Ceia Dos Vermes» traga algum úvidas restassem – como se pela tareia abrasiva que nos
conforto no seu caos. Um disco que, não sendo é aplicada somente nos dois últimos álbuns, «Weeping
uma obra maior, sabe sair do nicho onde outros Choir» e «Trumpeting Ecstasy», não chegasse a expecta-
grupos se acoitam. [7.5] E.F. tiva de voos crescentes –, cada vez mais estes rapazes cheios
de inferno demonstram como é possível, sob a égide do grindcore, experimentar muito além
MORTIFERUM das fronteiras de um estilo já de si nascido pela inclusão. Se de início, ainda garotos, tinham
«Preserved In Torment» uma postura predominantemente punk, quiçá também caracterizada pelas explosões pára-
[Profound Lore] -arranca à powerviolence, a que se foram adicionando camadas de exploração mais noise e
Como já havíamos deixado uma ampla vontade de tornar o extremo ainda mais extremo – o arrastado do sludge ainda
claro o mês passado a mais cavernoso, o desconforto da frieza industrial ainda mais palpável, o peso bruto do dea-
propósito do «Feel» dos th metal ainda mais visceral –, é pela sucessão de experiências, ora por colaborações ora
Apparition (também ele por vontade de ir mais além, que os norte-americanos mais nos apanham desprevenidos.
lançado pela Profound Lore), nesta casa venera- «Burst Synapse», da parceria com Merzbow, começava a rasgar pano? Pois a abertura de
mos o «Into Darkness» e o «Transcendence Into «Guided Blight», só para o começo, tem o mesmo frenesim em ácidos. Uma espiral barulhen-
The Peripheral». Suspeitamos que os Mortiferum ta e maquinal? Temos «Derelict Satellite». Riffs à Discordance Axis? Segue «All Bells Ringing».
alinham por este diapasão, já que ali a meio Estruturas angulares, vortexs vocais e partes slam trituradoras com linhas orelhudas? Há
da «Eternal Procession», tema de abertura de «Industrial Messiah Complex». Gostam daquele noise rock à anos 90 tipo The Jesus Lizard?
«Preserved In Torment», desaceleraram o death «Reeking Tunnels». São 21 minutos que passam a voar, e ao arrastar de «Celestial Hierarch»
metal cavernoso para um delicioso death/doom à dá vontade de ouvir de novo. [8.5] P.C.S.
antiga, tendência de resto já exibida em «Disgor-
ged From Psychotic Depths», LP de estreia dos
californianos, editado em 2019. Este novo traba-
lho mantém muito do que de bom fizeram então,
mudando essencialmente dois pontos. Em primei-
ro lugar, a belíssima gravação do Andrew Oswald
(responsável por uma boa parte dos lançamentos
da Vrasubatlat e que só tinha misturado a estreia)
é menos turva e bafienta, aumentando o impacto
de cada riff, de cada gutural, e sobretudo, dando
aquela aspereza seca à bateria quando o anda-
mento arrasta completamente para o death/doom
que os clássicos tão bem faziam. Em segundo
lugar, há dinâmicas muito maiores entre anda-
mentos, com a bitola de qualidade a manter-se
ora por tortuosos poços de doom, ora por violen-
tas descargas de death metal a alta velocidade,
ora por virulentas caminhadas mid tempo. Bruto,
profundamente cavernoso, e com tanto as gui-
tarras como a secção rítmica a serem do melhor
que temos ouvido neste simpático revivalismo do
death metal old school. [8] L.P.

52 LOUD! LOUD! 53
 M1KE
«The Siege»
[Edição de autor]
Miguel F. Silva vive a “cavalo
entre Lisboa e Valência”,
segundo a sua biografia.
Em «The Siege», este aço-
riano, da ilha Terceira, revela-se um excelente e
versátil guitarrista, autor de bons solos, como
em «Born Human». São quase três décadas nas
cordas, com passagem por Nightshift, Crosshatch
e Growing Titans. Agora grava três discos, dos
quais este é o primeiro a ser lançado, um trabalho
interessante, assente totalmente, para o bom e
para o mau, na guitarra. Os temas podiam ganhar
com o input que resulta de uma banda e do tra-
balho em conjunto. Por exemplo, «The Contract»
desenvolve-se com um bom solo e umas interes-
santes malhas de guitarra, mas bateria e voz não
acompanham o virtuosismo, com os coros até
a diminuírem o resultado final. Certamente que
no software tudo soará muito bem, mas haverá
sempre uma grande diferença entra ver um do-
cumentário e fazer a viagem do mesmo. É esse
lado “real” que falta acompanhar os bons solos de
M1ke, nesta viagem ao prog e hard. [6.5] E.F.
MASSACRE
«Resurgence»
[Nuclear Blast]
Não há como negá-lo: os
Massacre foram uma das
primeiras bandas a tocar
death metal e deram o
pontapé de saída para a infame cena da Flórida
na transição dos anos 80 para os 90. No entanto,
olhando para tudo o que fizeram desde que lança-
ram uma sequência de demos influentes e aban-
donaram subitamente os planos de gravação do
primeiro disco quando Terry Butler, Rick Rozz e Bill
Andrews decidiram saltar do barco para se junta-
rem aos Death, não se pode dizer que alguma vez
tenham sido uma banda consistente. A estreia,
«From Beyond», que seria finalmente editada em
1991, continua a ser um petardo de brutalidade
Neandertal cheio de balanço mas, numa dança de
muitos avanços, recuos e incontáveis mudanças
de formação, nunca conseguiram voltar a captar
aquele rasgo de génio contido em canções como
«Dawn Of Eternity» ou a intemporal «Corpsegrin-
der». O que esperar, então, deste regresso aos
lançamentos, sete anos depois de «Back From
The Beyond»? Para começar, a banda mudou de
novo, registando-se o regresso de Kam Lee à voz,
coadjuvado por uma nova formação onde já não
constam o guitarrista Rick Rozz nem o baixista
Terry Butler que, ao invés de Lee, tinham gravado
o último álbum. Contra todas as expectativas,
depois da intro que dá início ao tema de abertura
«Eldritch Prophecy» torna-se rapidamente claro
que os Massacre estão de volta para nos esmur-
rar com death metal norte-americano vintage,
cheio de groove, solos (aqui e ali mais melódicos
do que era habitual) e aquele urro inconfundível
do Kam Lee. Até aqui nada a apontar; estamos em
território familiar e somos invadidos pelo senti-
mento nostálgico que se quer deste tipo de coisa.
O problema é que, ao terceiro ou quatro tema,
percebemos que, embora muito disto soe como
soava nos (escassos) dias de glória do grupo,
há por aqui demasiados riffs genéricos e uma
escassez atroz de ideias e ganchos capazes de
deixarem uma impressão duradoura no ouvinte.
Costuma dizer-se que “o que nasce torto jamais
se endireita” e esta gente parece ser um exemplo
perfeito disso. [5] J.M.R.
MINNESJORD/TEUFELS-
BERG
«Minnesjord/Teufelsberg»
[Signal Rex]
Split entre os nacionais
letras – digamos que o mentor do projecto, Tho-
mas Jäger, pinta um retrato muito fiel dos tempos
conturbados que vivemos –, os Monolord 2021
apresentam-se também mais negros, atentos ao
detalhes e arranjos, chegando mesmo a atingir
uma aura épica, como acontece logo ao terceiro
tema, «I’ll Be Damned», que provavelmente só
estava mesmo ali à espera para sair de dentro
deles. Aconteceu agora, e ainda bem, porque
«Your Time To Shine» acaba mesmo por se revelar
a experiência sonora mais rica que os músicos já
assinaram. [8] J.M.R.
MORTE INCANDESCENTE
«Vala Comum»
[Signal Rex]
Há, no início deste quinto
álbum dos Morte Incandes-
cente, um cruzamento entre
grupos de referência, não
no sentido de cópia, mas de precursores naturais.
Escutar «Cerra Os Dentes» não deixa, a um dado
momento, de fazer pensar em Bizarra Locomo-
tiva. Logo a seguir, o andamento rítmico de «O
Véu», transporta para Mão Morta. É nesse mesmo
tempo que a guitarra rasga referências e o som
dos Morte Incandescente se autonomiza. Com
o «Uivo Da Noite», o puro heavy metal suja-se no
THE NIGHT FLIGHT OR-
CHESTRA
«Aeromantic II»
[Nuclear Blast]
Aquilo que pode ter sido
entendido como uma brin-
cadeira de escape musical
por parte de Björn “Speed” Strid e Sharlee D’An-
gelo, afinal, já vai em seis álbuns. «Aeromantic
II» é uma espécie de continuação do disco com
o mesmo nome lançado no início de 2020 sendo
que, no som desta “orquestra voadora” pela nos-
talgia dos anos 80, não há, exactamente, quebras
de estilo ou fases mais assim ou assado. Temos
hard rock, AOR, arena pop, disco sound e até uma
costela prog como era frequente nas produções
dos eighties. Com a experiência acumulada pelos
The Night Flight Orchestra ao longo de mais de
uma década compete-lhes, sobretudo, criar as
canções mais chamativas possível, algo que, num
presente ficcional dominado por teclados saudo-
sistas e cores brilhantes, seriam autênticos hits.
«White Jeans» e «You Belong To The Night» são
apenas dois certinhos, já para não falar em «Burn
For Me» e o seu video-clip ao género de «Dancing
In The Streets» ou «Fame» de Irene Cara. Björn e
Sharlee são dois músicos que começaram por
se evidenciar no metal extremo, mas que nunca
tiveram visão de túnel e sempre sonharam alto.
Nesta crew, também voam alto. [7.5] N.S.
NIGRUM PLUVIAM
«Eternal Fall Into The Abyss»
[Signal Rex]
No press release deste que é
o primeiro álbum do projecto
francês, descreve-se os
Nigrum Pluviam como uma
“banda nascida demasiado tarde”. É uma descrição
que assenta como uma luva, para o bem ou para o
mal. À semelhança de outros nomes franceses, os
Nigrum Pluviam tentam fazer uma reinterpretação
do black metal norueguês, num movimento para-
lelo ao NWOFBM de uns Throane, por exemplo. A
questão é se haverá interesse em reproduzir um
som que muitos daqueles que o criaram, quando
aprenderam a tocar e a dominar os estúdios,
rapidamente abandonaram. No lado positivo,
Kraëh Määtruum consegue, através deste projecto,
oferecer temas bem interessantes, como «Passa-
ge» e «In the Suffocating Mist», enquanto outros
facilmente seriam melhorados com outra mistura,

DOLD VORDE ENS NAVN FULL OF HELL

raw black, numa mescla tão interessante como
Minnesjord e os polacos já conhecida. Em «Nós Somos O Underground»,
Teufelsberg, ambos com ergue-se a bandeira do black metal, sobre o regis-

«Mørkere» apenas dois músicos. Estreía em vinil para am-

bos, com os nacionais a antecederem esta edição
[LUPUS LOUNGE / PROPHECY] com a cassete «Agrura» de 2019, e os polacos
a optarem pelo lançamento digital de «Ancient
to mais clássico. O experimentalismo e alguma
esquizofrenia vocal regressam em «As Luzes Da «Garden Of Burning Apparitions»
Cidade», como animais do underground, desorien- [RELAPSE]
tados face à exposição da sociedade. Talvez por

«M
ørkere», a estreia longa-duração dos Dold Vorde Ens Darkness Triumphant», em 2020. No que toca
Navn (já tinham editado um belo EP em 2019) é um aos portugueses, cujo nome deriva da maqueta
daqueles trabalhos de black metal que, feito Billy Pil- dos noruegueses Ildjarn, trata-se de black metal
grim, salta entre a nostalgia e um vanguardismo futurista como cru, rápido e sujo. Com títulos invulgares, é em
se não fosse nada, simultaneamente uma obra contemporânea, clássica, e para lá de qualquer «Mavórcio» que se encontra o tema que justifica o
categorização temporal. Assente numa belíssima secção rítmica, é acima de tudo um tratado vinil. Oito minutos que viajam entre o black mais
a duas vozes: a guitarra de Haavard e a voz de Vicotnik, dois génios cujo legado já há muito rápido e a toada mais doom, num tema que não
que superou o de qualquer membro dos Mayhem ou Immortal (para não falar da totalidade da só é o mais longo, como o mais ousado de todos.
cena sueca). Afinal de contas, o Vicotnik tem no currículo o «Written In Waters» e a discografia Para o lado dos Teufelsberg, embora na mesma
dos seus Dødheimsgard, cujo «A Umbra Omega» é dos melhores discos do género editados no linha dos lusos, a oferta é menos interessante,
século XXI – a performance vocal que assina em «Mørkere» retira quaisquer dúvidas sobre a com quatro faixas, uma das quais a intro. Muralha
capacidade do homem quando não tem o Aldrahn por perto, de tão evocativa, criativa, e des- sonora, mas não tão densa quanto desejado,
concertante que é. Já o Haavard havia desaparecido da cena em 1998 após as obras primas alguma versatilidade, como a bateria a meio de
que são o «Bergtatt» e o «Nattens Madrigal», voltando agora como que para mostrar que ainda «Moloch Worshipers», mas sempre alinhando pelo
é dos melhores escritores de riffs que o género já viu, oferecendo-nos desta feita épicos berg- black mais clássico e raw. [6.5] E.F.
tattianos a rodos, sublimes composições acústicas, boas orquestrações, e dissonâncias mid
tempo clássicas. Tudo somado, um álbum genial que faz sem o anunciar aquilo que muitos MONOLORD
anunciam e falham, que é demonstrar que o black metal dos 90s está vivo, de boa saúde, e «Your Time To Shine»
capaz de assinar um dos mais relevantes trabalhos do género em 2021. [9.5] L.P. [Relapse]
Em termos de popularidade
e exposição, os suecos
Monolord têm vindo a cres-
cer a cada novo disco de
uma forma constante desde a explosiva estreia
com «Empress Rising». E, claro, como resultado,
as recompensas têm ficado maiores a cada ano,
com o trio doom a captar atenção da Relapse
Records com o mais dinâmico «Rust», de 2017.
Esse disco já mostrava um lado mais polido, tons
mais claros e vozes menos cheias de reverb, num
lento processo de mutação que se intensificou
com «No Confort». Agora, «No Time To Shine»
chega para fazer o ponto de equilíbrio, ao fundir o
peso mais cru e sufocante dos primeiros registos
com a atitude mais melódica e aventureira destes
mais recentes. Por esta altura, certamente que
já ninguém espera um retorno à produção mais
cavernosa de «Empress Rising» ou «Vaenir», mas
estão aqui os riffs contundentes que se esperam,
em paralelo com alguns desvios interessantes.
Instigados pelo teor de mau estar que premeia as
D
isso, o punk de «A Ceia Dos Vermes» traga algum úvidas restassem – como se pela tareia abrasiva que nos
conforto no seu caos. Um disco que, não sendo é aplicada somente nos dois últimos álbuns, «Weeping
uma obra maior, sabe sair do nicho onde outros Choir» e «Trumpeting Ecstasy», não chegasse a expecta-
grupos se acoitam. [7.5] E.F. tiva de voos crescentes –, cada vez mais estes rapazes cheios
de inferno demonstram como é possível, sob a égide do grindcore, experimentar muito além
MORTIFERUM das fronteiras de um estilo já de si nascido pela inclusão. Se de início, ainda garotos, tinham
«Preserved In Torment» uma postura predominantemente punk, quiçá também caracterizada pelas explosões pára-
[Profound Lore] -arranca à powerviolence, a que se foram adicionando camadas de exploração mais noise e
Como já havíamos deixado uma ampla vontade de tornar o extremo ainda mais extremo – o arrastado do sludge ainda
claro o mês passado a mais cavernoso, o desconforto da frieza industrial ainda mais palpável, o peso bruto do dea-
propósito do «Feel» dos th metal ainda mais visceral –, é pela sucessão de experiências, ora por colaborações ora
Apparition (também ele por vontade de ir mais além, que os norte-americanos mais nos apanham desprevenidos.
lançado pela Profound Lore), nesta casa venera- «Burst Synapse», da parceria com Merzbow, começava a rasgar pano? Pois a abertura de
mos o «Into Darkness» e o «Transcendence Into «Guided Blight», só para o começo, tem o mesmo frenesim em ácidos. Uma espiral barulhen-
The Peripheral». Suspeitamos que os Mortiferum ta e maquinal? Temos «Derelict Satellite». Riffs à Discordance Axis? Segue «All Bells Ringing».
alinham por este diapasão, já que ali a meio Estruturas angulares, vortexs vocais e partes slam trituradoras com linhas orelhudas? Há
da «Eternal Procession», tema de abertura de «Industrial Messiah Complex». Gostam daquele noise rock à anos 90 tipo The Jesus Lizard?
«Preserved In Torment», desaceleraram o death «Reeking Tunnels». São 21 minutos que passam a voar, e ao arrastar de «Celestial Hierarch»
metal cavernoso para um delicioso death/doom à dá vontade de ouvir de novo. [8.5] P.C.S.
antiga, tendência de resto já exibida em «Disgor-
ged From Psychotic Depths», LP de estreia dos
californianos, editado em 2019. Este novo traba-
lho mantém muito do que de bom fizeram então,
mudando essencialmente dois pontos. Em primei-
ro lugar, a belíssima gravação do Andrew Oswald
(responsável por uma boa parte dos lançamentos
da Vrasubatlat e que só tinha misturado a estreia)
é menos turva e bafienta, aumentando o impacto
de cada riff, de cada gutural, e sobretudo, dando
aquela aspereza seca à bateria quando o anda-
mento arrasta completamente para o death/doom
que os clássicos tão bem faziam. Em segundo
lugar, há dinâmicas muito maiores entre anda-
mentos, com a bitola de qualidade a manter-se
ora por tortuosos poços de doom, ora por violen-
tas descargas de death metal a alta velocidade,
ora por virulentas caminhadas mid tempo. Bruto,
profundamente cavernoso, e com tanto as gui-
tarras como a secção rítmica a serem do melhor
que temos ouvido neste simpático revivalismo do
death metal old school. [8] L.P.

52 LOUD! LOUD! 53
 tornando-se épicos, como o caso de «From The Bug e Ivan Drip, dois músicos com raízes nas se o museu de que nos fala o título fosse um do tema-título que abre o álbum só não vão rasgar a longa e emotiva
Earth To The Abyss Through Suffering». Esta faixa, fronteiras do noise rock aos quais mais tarde se recorte de um arquivo de uma Nova Iorque vivida um sorriso na cara do cínico mais empedernido. «Cidade 2», do EP
que encerra o disco, tem pormenores bem interes- juntou Matthew Hord, uma entrada que arrastou a partir do aço do club, e o disco que temos em É heavy metal fácil, cheio de malhões orelhudos, «Cidade», constituem
santes, mas perde-se na sonoridade final. [7] E.F. a sonoridade do agora trio para territórios mais mãos uma banda-sonora do que resta dessa esteja o homem a cantar sobre piratas ou sobre o alinhamento deste
próximos e permeáveis à música electrónica. memória. [8] J.R. advogados, who cares. Com aquele som horrível disco, apresentando-
POP. 1280 «Museum On The Horizon» dá continuidade a típico que os Running Wild sempre ownaram de -se como um exce-
«Museum On The Horizon» «Way Station», o EP que cristalizou essa primeira QUICKSAND tal maneira que até parece bom, é de longe o lente cartão de visita
[Profound Lore] exploração das possibilidades do arsenal de «Distant Populations» melhor que fizeram desde o tal Tesourinho que é o para quem toma
O grupo nova-iorquino Pop. sequenciadores e drum machines com que desde [Epitaph] «Masquerade». Gozem à vontade, mas ouçam na contacto com a ban-
1280 tem ao longo dos então se fizeram acompanhar, numa viagem pelo Walter Schreifels, o génio mesma. Faz bem à alma. [8] J.C.S. da pela primeira vez
anos assumido o papel de lado mais industrial da pop ambientada num por trás dos Quicksand, é e enquanto registo
laboratório criativo de Chris universo que apetece dizer hipnagógico. É como um excelente compositor. THE SILVER histórico de um mo-
Em toda a sua carreira é «Ward Of Roses» mento especial que,
difícil encontrar algo seu que não seja acima da [Gilead Media] ainda assim, não faz
média, e esta banda é um exemplo perfeito. For- Curiosa esta apropriação jus ao real potencial

IRON MAIDEN mados nos anos 90 e atingindo um certo grau de

popularidade, dois discos bastaram para deixar
do imaginário do roman-
tismo que 2021 nos tem
catártico e hipno-
tizante da banda,

«Senjutsu»
uma marca que acabou por influenciar nomes trazido: primeiro com esse quer em palco, quer
como Deftones ou Handsome. Pode-se mesmo objecto de culto que é o novo longa duração de em disco. A mistura
[PARLOPHONE] afirmar que o termo post-hardcore surgiu por Këkht Aräkh, o inclassificável «Pale Swordsman», surge por vezes algo
culpa destes rapazes. Após um hiato de 22 anos, um fascínio que também se fez sentir na parti- embrulhada e toda

M
esmo longe de ser inesperado, com a forma como tudo voltaram às edições, sendo este já o segundo
se precipitou, a meio do Verão, «Senjutsu» criou um LP desde o regresso. Uma característica que
buzz que ainda acentuou mais a curiosidade habitual. define este disco é a qualidade das tonalidades
No primeiro balanço, após escuta de uma dezena de faixas, das guitarras. Cada som tem um propósito e foi
distribuídas por dois CDs ou três rodelas de vinil, o disco passa a prova e facilmente poderá, esculpido para atingir o fim desejado, quer seja
num par de anos, situar-se como o melhor deste século, logo a seguir ao fabuloso «Brave New uma parede compacta de som ou algo mais subtil
World». Mas não é uma obra imediata, nem estará perto de agradar à maioria dos fãs da banda. e ambiental. O groove do baixo de Sergio Vega
Desde logo, é o disco mais lento do grupo, por vezes com temas que poderiam ser encurtados, (agora nos Deftones) também deixa a sua marca
e nunca justificando plenamente o duplo, ou triplo, álbum. Aqueles que glosam com o estilo bastante vincada. Disco delicioso, está cheio de
das guitarras Maiden, ficarão aqui sem argumentos, com o som muitas vezes a ficar mais pró- pormenores que se deixam descobrir a cada audi-
ximo do hard rock que do metal – basta escutar o solo aos quatro minutos de «Darkest Hour», ção. Obrigado, Walter e companhia. [8] D.R.
em que Adrian Smith como que regressa aos A.S.a.P.. Um excelente arranque para o segundo
CD, tal como «Senjutsu», também com marca de Smith, é um grande arranque para a obra a RUNNING WILD
que dá nome. Bateria tensa, tema com ritmo, sempre à beira da explosão, que nunca chega a «Blood On Blood»
acontecer. Já «Stratego», falha como single e podia bem ter ficado de fora. «The Writing On The [Steamhammer/SPV]
Wall» dispensa comentários, pois todos já escutaram e tiveram algo a dizer sobre o tema. Cer- Há bandas que ganham
tamente poderá ocupar um lugar no setlist dos próximos cinco anos. Dificilmente sobreviverá a o estatuto de “gozo” em
vinte anos, mas nessa altura também dificilmente o Eddie andará por aí. «Lost In A Lost World» alguns círculos, e façam o
é também um tema digno deste trabalho. Há aqui um pouco de «Wasting Love», e de um cami- que fizerem, nunca mais
nho que tentou ser seguido por altura do «Fear Of The Dark». E se «Days Of Future Past» tinha conseguem sair daí aos olhos de alguns. Basta
tudo para ser uma malha rápida, percebe-se que, em 2021, os Iron Maiden pretendem desace- dizerem o nome Running Wild em voz alta num
lerar. Afinal, a idade pesa. As três últimas faixas ultrapassam a dezena de minutos, «The Parch- concerto ou num festival, e vai haver alguém que
ment» é a mais longa, mas ilustrativa de como é este disco, muita música, rica em pormenores, se vai rir e dizer “a sério?”. E sendo sinceros, todos
e que a um dado instante faz perder a noção de tempo. Definitivamente, o disco mais versátil nós havemos de ter uma banda ou um género ou
em termos de guitarras da carreira da banda, e nesse campo poderá até surpreender. Em ter- qualquer coisa que na maior parte das vezes nem
mos vocais, Bruce Dickinson tem um dos seus trabalhos mais ousados, e nem sempre ganha conhecemos bem, mas com o qual gozamos, ou
com isso. Harris está lá, mas percebe-se que passou mais tempo a procurar a musicalidade simplesmente não gostamos. Faz parte. Mas tam-
que a fazer maratonas de baixo, enquanto Nicko, brilha em dois ou três pontos e no resto fica bém faz parte do crescimento e da maturidade
a marcar ritmo à sua maneira muito própria. O balanço final é obrigatório. O disco estará longe aprender a perder esses “automatismos”, já que a
de ser consensual. Audacioso, mas nunca arriscando demasiado. Será muito interessante para única coisa para que servem é manter-nos afasta-
o veterano que, com os anos, aprendeu a apreciar uma guitarra acústica ou um bom solo. Sen- dos de boa música. Tudo bem, acham que “pirate
tado no sofá, a olhar para a colecção de discos e com uma cerveja na mão, terá aqui motivo metal” é um conceito estúpido (e infelizmente, os
de longas conversas no próximo concerto. Dificilmente agradará a quem insiste no shuffle de racistas dos Alestorm ainda dão mais argumen-
uma aplicação de streaming, e quer apenas ouvir algo para postar numa story. Um disco com tos, como se a “qualidade” dos seus álbuns só
gorduras, sim, mas também a pisar num campo em que estas são apreciadas. [8] E.F. não bastasse). Se calhar depois têm 50 álbuns de
viking metal nas estantes, mas pronto, não vamos
discutir (isto para já nem ir ao pormenor de os
dois primeiros LPs dos Running Wild não meterem
piratas – sim, o «Gates To Purgatory» em parti-
cular é uma pérola quase escondida de speed/
proto-black metal). E sim, claro que mesmo para
fãs, o output do grande Rock ‘n’ Rolf, especialmen-
te desde o reformar da banda depois do “fim” de
2009, não tem sido propriamente grande coisa.
Mas ignorar clássicos intemporais como «Under
Jolly Roger», «Death Or Glory» ou «Port Royal»
(e pessoalizo um bocado a questão ao incluir o
fantástico, e tão pouco elogiado, «Masquerade»)
é só parvo. O que nos traz finalmente ao «Blood
On Blood» (já era altura), que não estando exac-
tamente ao mesmo nível dos referidos, é, acima
de tudo um álbum respeitável, de qualidade, e,
aguentem aí, divertidíssimo. Sim, no metal somos
todos bueda maus e não nos queremos divertir,
mas a ginga do riff principal e o pegajoso refrão
cipação de Jonathan Hultén, antigo guitarrista e
compositor dos Tribulation, nesta última edição
Redux do Roadburn, uma quase tendência que
agora vem desaguar na estreia de The Silver pela
mão da Gilead Media. Menos dado a releituras
do legado nos anos 1980 que os exemplos an-
teriores, este novo projecto que reúne membros
dos Crypt Sermon e Horrendous procura ainda
assim fixar uma certa vulnerabilidade incomum
no género, e aqui se cristaliza num imaginário
lírico centrado no tema da perda e do amor. É
uma sublimação alquímica ancorada na prata de
um black metal estridente, e que tem na voz de
V uma das qualidades mais interessantes. São
dele alguns dos momentos fulgurantes que se vão
assomando ao longo do disco, como aquele mo-
mento na «Vapor» em que o gutural black metal
se transforma num desarranjo vocal à Keiji Haino,
ou o diálogo melódico que vai desenvolvendo com
as guitarras no tema-título. Belíssimo. [8] J.R.
SINISTRO
«Live At Roadburn»
[Ragingplanet]
Ao longo da última déca-
da, os Sinistro conquista-
ram, por direito próprio,
um lugar no panteão da
música portuguesa. E não, não nos referimos
apenas ao metal, rock pesado e seus derivados.
Referimo-nos mesmo à música no seu sentido
mais lato, pese embora a importância e singula-
ridade desta banda passar ao lado da maioria.
Reconhecimento mediático à parte, aos Sinistro
reconhece-se o incrível feito de levarem literal-
mente a todo o mundo uma sonoridade que,
por si só, já não é de fácil assimilação – algo
entre o doom, o sludge ou o post qualquer coisa
–, quanto mais quando usa um tão honesto e
belo português enquanto idioma de expressão
nos três trabalhos que a banda gravou com
Patrícia Andrade. Um dos momentos mais altos
de uma rápida ascensão terá sido pisar o palco
do mítico Roadburn, na sua edição de 2016,
com um excelente «Semente» debaixo do braço.
Num momento no qual a banda se readapta
a profundas alterações de formação – com a
saída da vocalista Patrícia e do baixista Fernan-
do Matias – e prepara o sucessor de «Sangue
Cássia», «Live At Roadburn» soa ao fechar de um
ciclo, ao imortalizar de um momento especial,
protagonizado por uma formação especial, num
palco especial, sendo o próprio disco limitado a
apenas 200 cópias em vinil. «Relíquia», «Corpo
Presente» e «Estrada», sacadas a «Semente» e
a expressividade de
Patrícia Andrade que
elevava as presta-
ções da banda a algo
realmente especial
fica aqui amputada,
deixando a voz assu-
mir a preponderân-
cia, com o resultado
aquém do que lhe
conhecemos. Talvez
pelo maior tempo
de maturação que já
existia, é em «Cidade
2» que sentimos um
pulsar mais intenso e
uma emoção mais à
flor da pele, embora
seja indiscutivel-
mente especial ouvir a língua portuguesa tão
bem interpretada num palco internacional…e que
palco! Vale pelo pedaço de história e pela vénia
que é devida a um trabalho inigualável. [7] R.A.
SUCCUMB
«XXI»
[The Flenser]
Se bem se recordam, já
quando saiu o auto-intitula-
do de estreia deste pessoal
de São Francisco, em 2017,
ficámos parvos com a negritude que emanava do
death metal lamacento que os Succumb praticam.
Atirando sludge, mau ambiente, violência emocio-
nal e uma inteligência lírica fora do comum para
cima do take já de si brilhante que têm do death
old school, são daquelas bandas que obrigam a
tomar atenção a partir do primeiro segundo que
se ouve. O destaque absoluto, apesar da excelên-
cia de tudo o resto à volta dela, vai outra vez intei-
ramente para a vocalista Cheri Musrasrik. É ela o
ponto focal, o factor principal de diferenciação e o
olho da tempestade desta selvajaria toda. Expres-
siva, confrontacional e tremendamente intensa
do princípio ao fim do álbum (como ela aguenta
mais de meia hora neste registo, é surreal, mas
a verdade é que os concertos que já deram
provam-no), é o tipo de frontwoman que eleva o
estatuto de qualquer banda a que pertencesse,
na categoria de uma Karyn Crisis do seu auge ou
de uma Dawn Crosby. Quando já de si o resto dos
Succumb são uma das bandas mais interessantes
do underground norte-americano da actualidade,
enfim, é caso para dizer que calha bem. Muito
bem mesmo. [9] J.C.S.
TEENAGE BOTTLERO-
CKET
«Sick Sesh!»
[Fat Wreck Chords]
Já o nono disco de estúdio
destes punks do Wyoming,
e não se sabe ao certo o
que é mais surpreendente, se os Teenage Bottle-
rocket terem já quase duas mãos cheias de dis-
cos ou o facto de haverem punks no Wyoming há
pelo menos mais de vinte anos. Uma banda que
faz questão de a capa dos seus discos ser sem-
pre a mesma, alterando apenas o esquema de co-
res e outro pormenor aqui e ali a cada lançamen-
to, não surpreende ninguém que toque o mesmo
tipo de som que sempre tocou. Aqui o culto aos
Ramones e aos Screeching Weasel mantém-se
bastante vivo. Uma coisa é certa, este é um lan-
çamento que cumpre todos os propósitos a que
se propõe. Doze malhas em pouco mais de meia
hora com «Ghost Story» e «Never Sing Along» a
ficarem imediatamente retidas e alojadas naquela
zona do nosso cérebro que é activada horas mais
tarde e que nos faz cantarolar aquela melodia que
não sabemos bem de onde surgiu. [8] D.R.
THECODONTION
+ VESSEL OF INIQUITY
«The Permian​-​Triassic Extinc-
tion Event»
[I, Voidhanger]
Há coisa de 250 milhões
de anos, ocorreu a grande
extinção do Permiano-Triássico, o maior evento
de extinção em massa registado na história do
planeta. Eis que o duo italiano de death metal

54 LOUD! LOUD! 55
 tornando-se épicos, como o caso de «From The Bug e Ivan Drip, dois músicos com raízes nas se o museu de que nos fala o título fosse um do tema-título que abre o álbum só não vão rasgar a longa e emotiva
Earth To The Abyss Through Suffering». Esta faixa, fronteiras do noise rock aos quais mais tarde se recorte de um arquivo de uma Nova Iorque vivida um sorriso na cara do cínico mais empedernido. «Cidade 2», do EP
que encerra o disco, tem pormenores bem interes- juntou Matthew Hord, uma entrada que arrastou a partir do aço do club, e o disco que temos em É heavy metal fácil, cheio de malhões orelhudos, «Cidade», constituem
santes, mas perde-se na sonoridade final. [7] E.F. a sonoridade do agora trio para territórios mais mãos uma banda-sonora do que resta dessa esteja o homem a cantar sobre piratas ou sobre o alinhamento deste
próximos e permeáveis à música electrónica. memória. [8] J.R. advogados, who cares. Com aquele som horrível disco, apresentando-
POP. 1280 «Museum On The Horizon» dá continuidade a típico que os Running Wild sempre ownaram de -se como um exce-
«Museum On The Horizon» «Way Station», o EP que cristalizou essa primeira QUICKSAND tal maneira que até parece bom, é de longe o lente cartão de visita
[Profound Lore] exploração das possibilidades do arsenal de «Distant Populations» melhor que fizeram desde o tal Tesourinho que é o para quem toma
O grupo nova-iorquino Pop. sequenciadores e drum machines com que desde [Epitaph] «Masquerade». Gozem à vontade, mas ouçam na contacto com a ban-
1280 tem ao longo dos então se fizeram acompanhar, numa viagem pelo Walter Schreifels, o génio mesma. Faz bem à alma. [8] J.C.S. da pela primeira vez
anos assumido o papel de lado mais industrial da pop ambientada num por trás dos Quicksand, é e enquanto registo
laboratório criativo de Chris universo que apetece dizer hipnagógico. É como um excelente compositor. THE SILVER histórico de um mo-
Em toda a sua carreira é «Ward Of Roses» mento especial que,
difícil encontrar algo seu que não seja acima da [Gilead Media] ainda assim, não faz
média, e esta banda é um exemplo perfeito. For- Curiosa esta apropriação jus ao real potencial

IRON MAIDEN mados nos anos 90 e atingindo um certo grau de

popularidade, dois discos bastaram para deixar
do imaginário do roman-
tismo que 2021 nos tem
catártico e hipno-
tizante da banda,

«Senjutsu»
uma marca que acabou por influenciar nomes trazido: primeiro com esse quer em palco, quer
como Deftones ou Handsome. Pode-se mesmo objecto de culto que é o novo longa duração de em disco. A mistura
[PARLOPHONE] afirmar que o termo post-hardcore surgiu por Këkht Aräkh, o inclassificável «Pale Swordsman», surge por vezes algo
culpa destes rapazes. Após um hiato de 22 anos, um fascínio que também se fez sentir na parti- embrulhada e toda

M
esmo longe de ser inesperado, com a forma como tudo voltaram às edições, sendo este já o segundo
se precipitou, a meio do Verão, «Senjutsu» criou um LP desde o regresso. Uma característica que
buzz que ainda acentuou mais a curiosidade habitual. define este disco é a qualidade das tonalidades
No primeiro balanço, após escuta de uma dezena de faixas, das guitarras. Cada som tem um propósito e foi
distribuídas por dois CDs ou três rodelas de vinil, o disco passa a prova e facilmente poderá, esculpido para atingir o fim desejado, quer seja
num par de anos, situar-se como o melhor deste século, logo a seguir ao fabuloso «Brave New uma parede compacta de som ou algo mais subtil
World». Mas não é uma obra imediata, nem estará perto de agradar à maioria dos fãs da banda. e ambiental. O groove do baixo de Sergio Vega
Desde logo, é o disco mais lento do grupo, por vezes com temas que poderiam ser encurtados, (agora nos Deftones) também deixa a sua marca
e nunca justificando plenamente o duplo, ou triplo, álbum. Aqueles que glosam com o estilo bastante vincada. Disco delicioso, está cheio de
das guitarras Maiden, ficarão aqui sem argumentos, com o som muitas vezes a ficar mais pró- pormenores que se deixam descobrir a cada audi-
ximo do hard rock que do metal – basta escutar o solo aos quatro minutos de «Darkest Hour», ção. Obrigado, Walter e companhia. [8] D.R.
em que Adrian Smith como que regressa aos A.S.a.P.. Um excelente arranque para o segundo
CD, tal como «Senjutsu», também com marca de Smith, é um grande arranque para a obra a RUNNING WILD
que dá nome. Bateria tensa, tema com ritmo, sempre à beira da explosão, que nunca chega a «Blood On Blood»
acontecer. Já «Stratego», falha como single e podia bem ter ficado de fora. «The Writing On The [Steamhammer/SPV]
Wall» dispensa comentários, pois todos já escutaram e tiveram algo a dizer sobre o tema. Cer- Há bandas que ganham
tamente poderá ocupar um lugar no setlist dos próximos cinco anos. Dificilmente sobreviverá a o estatuto de “gozo” em
vinte anos, mas nessa altura também dificilmente o Eddie andará por aí. «Lost In A Lost World» alguns círculos, e façam o
é também um tema digno deste trabalho. Há aqui um pouco de «Wasting Love», e de um cami- que fizerem, nunca mais
nho que tentou ser seguido por altura do «Fear Of The Dark». E se «Days Of Future Past» tinha conseguem sair daí aos olhos de alguns. Basta
tudo para ser uma malha rápida, percebe-se que, em 2021, os Iron Maiden pretendem desace- dizerem o nome Running Wild em voz alta num
lerar. Afinal, a idade pesa. As três últimas faixas ultrapassam a dezena de minutos, «The Parch- concerto ou num festival, e vai haver alguém que
ment» é a mais longa, mas ilustrativa de como é este disco, muita música, rica em pormenores, se vai rir e dizer “a sério?”. E sendo sinceros, todos
e que a um dado instante faz perder a noção de tempo. Definitivamente, o disco mais versátil nós havemos de ter uma banda ou um género ou
em termos de guitarras da carreira da banda, e nesse campo poderá até surpreender. Em ter- qualquer coisa que na maior parte das vezes nem
mos vocais, Bruce Dickinson tem um dos seus trabalhos mais ousados, e nem sempre ganha conhecemos bem, mas com o qual gozamos, ou
com isso. Harris está lá, mas percebe-se que passou mais tempo a procurar a musicalidade simplesmente não gostamos. Faz parte. Mas tam-
que a fazer maratonas de baixo, enquanto Nicko, brilha em dois ou três pontos e no resto fica bém faz parte do crescimento e da maturidade
a marcar ritmo à sua maneira muito própria. O balanço final é obrigatório. O disco estará longe aprender a perder esses “automatismos”, já que a
de ser consensual. Audacioso, mas nunca arriscando demasiado. Será muito interessante para única coisa para que servem é manter-nos afasta-
o veterano que, com os anos, aprendeu a apreciar uma guitarra acústica ou um bom solo. Sen- dos de boa música. Tudo bem, acham que “pirate
tado no sofá, a olhar para a colecção de discos e com uma cerveja na mão, terá aqui motivo metal” é um conceito estúpido (e infelizmente, os
de longas conversas no próximo concerto. Dificilmente agradará a quem insiste no shuffle de racistas dos Alestorm ainda dão mais argumen-
uma aplicação de streaming, e quer apenas ouvir algo para postar numa story. Um disco com tos, como se a “qualidade” dos seus álbuns só
gorduras, sim, mas também a pisar num campo em que estas são apreciadas. [8] E.F. não bastasse). Se calhar depois têm 50 álbuns de
viking metal nas estantes, mas pronto, não vamos
discutir (isto para já nem ir ao pormenor de os
dois primeiros LPs dos Running Wild não meterem
piratas – sim, o «Gates To Purgatory» em parti-
cular é uma pérola quase escondida de speed/
proto-black metal). E sim, claro que mesmo para
fãs, o output do grande Rock ‘n’ Rolf, especialmen-
te desde o reformar da banda depois do “fim” de
2009, não tem sido propriamente grande coisa.
Mas ignorar clássicos intemporais como «Under
Jolly Roger», «Death Or Glory» ou «Port Royal»
(e pessoalizo um bocado a questão ao incluir o
fantástico, e tão pouco elogiado, «Masquerade»)
é só parvo. O que nos traz finalmente ao «Blood
On Blood» (já era altura), que não estando exac-
tamente ao mesmo nível dos referidos, é, acima
de tudo um álbum respeitável, de qualidade, e,
aguentem aí, divertidíssimo. Sim, no metal somos
todos bueda maus e não nos queremos divertir,
mas a ginga do riff principal e o pegajoso refrão
cipação de Jonathan Hultén, antigo guitarrista e
compositor dos Tribulation, nesta última edição
Redux do Roadburn, uma quase tendência que
agora vem desaguar na estreia de The Silver pela
mão da Gilead Media. Menos dado a releituras
do legado nos anos 1980 que os exemplos an-
teriores, este novo projecto que reúne membros
dos Crypt Sermon e Horrendous procura ainda
assim fixar uma certa vulnerabilidade incomum
no género, e aqui se cristaliza num imaginário
lírico centrado no tema da perda e do amor. É
uma sublimação alquímica ancorada na prata de
um black metal estridente, e que tem na voz de
V uma das qualidades mais interessantes. São
dele alguns dos momentos fulgurantes que se vão
assomando ao longo do disco, como aquele mo-
mento na «Vapor» em que o gutural black metal
se transforma num desarranjo vocal à Keiji Haino,
ou o diálogo melódico que vai desenvolvendo com
as guitarras no tema-título. Belíssimo. [8] J.R.
SINISTRO
«Live At Roadburn»
[Ragingplanet]
Ao longo da última déca-
da, os Sinistro conquista-
ram, por direito próprio,
um lugar no panteão da
música portuguesa. E não, não nos referimos
apenas ao metal, rock pesado e seus derivados.
Referimo-nos mesmo à música no seu sentido
mais lato, pese embora a importância e singula-
ridade desta banda passar ao lado da maioria.
Reconhecimento mediático à parte, aos Sinistro
reconhece-se o incrível feito de levarem literal-
mente a todo o mundo uma sonoridade que,
por si só, já não é de fácil assimilação – algo
entre o doom, o sludge ou o post qualquer coisa
–, quanto mais quando usa um tão honesto e
belo português enquanto idioma de expressão
nos três trabalhos que a banda gravou com
Patrícia Andrade. Um dos momentos mais altos
de uma rápida ascensão terá sido pisar o palco
do mítico Roadburn, na sua edição de 2016,
com um excelente «Semente» debaixo do braço.
Num momento no qual a banda se readapta
a profundas alterações de formação – com a
saída da vocalista Patrícia e do baixista Fernan-
do Matias – e prepara o sucessor de «Sangue
Cássia», «Live At Roadburn» soa ao fechar de um
ciclo, ao imortalizar de um momento especial,
protagonizado por uma formação especial, num
palco especial, sendo o próprio disco limitado a
apenas 200 cópias em vinil. «Relíquia», «Corpo
Presente» e «Estrada», sacadas a «Semente» e
a expressividade de
Patrícia Andrade que
elevava as presta-
ções da banda a algo
realmente especial
fica aqui amputada,
deixando a voz assu-
mir a preponderân-
cia, com o resultado
aquém do que lhe
conhecemos. Talvez
pelo maior tempo
de maturação que já
existia, é em «Cidade
2» que sentimos um
pulsar mais intenso e
uma emoção mais à
flor da pele, embora
seja indiscutivel-
mente especial ouvir a língua portuguesa tão
bem interpretada num palco internacional…e que
palco! Vale pelo pedaço de história e pela vénia
que é devida a um trabalho inigualável. [7] R.A.
SUCCUMB
«XXI»
[The Flenser]
Se bem se recordam, já
quando saiu o auto-intitula-
do de estreia deste pessoal
de São Francisco, em 2017,
ficámos parvos com a negritude que emanava do
death metal lamacento que os Succumb praticam.
Atirando sludge, mau ambiente, violência emocio-
nal e uma inteligência lírica fora do comum para
cima do take já de si brilhante que têm do death
old school, são daquelas bandas que obrigam a
tomar atenção a partir do primeiro segundo que
se ouve. O destaque absoluto, apesar da excelên-
cia de tudo o resto à volta dela, vai outra vez intei-
ramente para a vocalista Cheri Musrasrik. É ela o
ponto focal, o factor principal de diferenciação e o
olho da tempestade desta selvajaria toda. Expres-
siva, confrontacional e tremendamente intensa
do princípio ao fim do álbum (como ela aguenta
mais de meia hora neste registo, é surreal, mas
a verdade é que os concertos que já deram
provam-no), é o tipo de frontwoman que eleva o
estatuto de qualquer banda a que pertencesse,
na categoria de uma Karyn Crisis do seu auge ou
de uma Dawn Crosby. Quando já de si o resto dos
Succumb são uma das bandas mais interessantes
do underground norte-americano da actualidade,
enfim, é caso para dizer que calha bem. Muito
bem mesmo. [9] J.C.S.
TEENAGE BOTTLERO-
CKET
«Sick Sesh!»
[Fat Wreck Chords]
Já o nono disco de estúdio
destes punks do Wyoming,
e não se sabe ao certo o
que é mais surpreendente, se os Teenage Bottle-
rocket terem já quase duas mãos cheias de dis-
cos ou o facto de haverem punks no Wyoming há
pelo menos mais de vinte anos. Uma banda que
faz questão de a capa dos seus discos ser sem-
pre a mesma, alterando apenas o esquema de co-
res e outro pormenor aqui e ali a cada lançamen-
to, não surpreende ninguém que toque o mesmo
tipo de som que sempre tocou. Aqui o culto aos
Ramones e aos Screeching Weasel mantém-se
bastante vivo. Uma coisa é certa, este é um lan-
çamento que cumpre todos os propósitos a que
se propõe. Doze malhas em pouco mais de meia
hora com «Ghost Story» e «Never Sing Along» a
ficarem imediatamente retidas e alojadas naquela
zona do nosso cérebro que é activada horas mais
tarde e que nos faz cantarolar aquela melodia que
não sabemos bem de onde surgiu. [8] D.R.
THECODONTION
+ VESSEL OF INIQUITY
«The Permian​-​Triassic Extinc-
tion Event»
[I, Voidhanger]
Há coisa de 250 milhões
de anos, ocorreu a grande
extinção do Permiano-Triássico, o maior evento
de extinção em massa registado na história do
planeta. Eis que o duo italiano de death metal

54 LOUD! LOUD! 55
 atmosférico Thecodontion, cuja discografia é toda
ela focada em paleontologia e fósseis, se aliou aos
Vessel Of Iniquity, onde o britânico S.P. White tem
erigido montanhas profundamente desconfortáveis
de black/death e noise, para dedicar um split à
coisa. Os dois temas dos Thecodontion são autên-
ticos tratados de death metal podre e primitivo, e
focam-se em criaturas que viveram após a catás-
trofe, uma delas o thecodontosaurus, sobre o qual
era inevitável que um dia escrevessem por razões
óbvias. Já o bom do White escreve uma coisa
chamada «The Great Dying» ao lado da qual não só
o longa-duração deste ano dos Vessel Of Iniquity
(«The Doorway») parece bonito e melódico, como
se diria que os Revenge tocam umas coisas acessí-
veis e cheias de estrutura aparente. Não podíamos
pensar em forma mais apropriada para criar uma
banda-sonora para o maior cataclismo da história
do planeta nem em melhor exemplo para o porquê
dos Vessel Of Iniquity serem hoje autores de algum
do melhor black/death que por aí se faz, com a
séria incorporação de noise nos ingredientes a ser
para isso um muito importante factor. [7] L.P.
TIMES OF GRACE
«Songs Of Loss And Sepa-
deixado escapar o primeiro álbum deste seu projec-
to paralelo – «The Hymn Of A Broken Man», que em
2011 juntava em duo criativo o então ex-vocalista
dessa banda, Jesse Leach, ao seu guitarrista, Adam
Dutkiewicz –, não só ainda vão a tempo de desco-
brir um disco por si só marcante no contexto da
familiaridade do metalcore de Massachusetts, como
observam agora o amadurecimento que uma dé-
cada pode acrescentar a ideias que provavelmente
não fariam assim tanto sentido na banda principal
que inicialmente juntou estes músicos. Por um lado,
não deixam de existir riffs musculados e passagens
berradas partilhadas pelas vozes de ambos («Res-
cue» ou «Far From Heavenless»), embora a influên-
cia de Gotemburgo esteja mais diluída, por outro, e
o mais importante de mencionar, é o alcance meló-
dico, dos arranjos às vozes, que alastra as influên-
cias para um público mais amplo: por exemplo, «The
Burden Of Relief» podia ser um esboço de Jerry
Cantrell, «Bleed Me» dá uns ares de «Something In
The Way» dos Nirvana, e até «Medusa» tem ali um
jeito à Zakk Wylde. No fim, mesmo que a emoção
pareça demasiado na manga, é fácil deixarmo-nos ir
atrás. [7.5] P.C.S.
TOWER
“sim, muitas” ou “não conheço, vou ouvir”, porque
a tristemente separada banda de Olympia foi
das melhores coisas a acontecer ao heavy metal
deste século. Felizmente deixaram para trás três
álbuns fantásticos que vamos revisitar muitas
vezes à espera que os envolvidos tenham outros
projectos relevantes, ou que alguma outra banda
apareça para tentar ocupar o espaço que deixaram
na cena. Boas notícias, então, porque pelo menos
esse segundo desejo parece estar a ser cumprido,
aqui com a ajuda dos Tower. Não é só pelo facto
de também terem uma vocalista incrível, cheia
de personalidade e com uma voz meio rouca que JOSÉ CARLOS SANTOS STEBBA ÓSK
nasceu para cantar heavy metal a plenos pulmões
(se bem que ajuda, claro), uma Sarabeth Linden
que está plenamente à altura do standard elevado
deixado pela Christine Davis, mas tudo o que fazia
dos Christian Mistress geniais está aqui bem
patente também. A vibe muito 70s, vintage no
melhor sentido do termo, com as noções certas
de hard rock e de melodia e com laivos de doom
antigo e até algum thrash a enriquecerem os
temas, a vontade de não se encaixotarem numa
só fórmula (os sete minutos de «In Dreams»
mostram uma banda sem medo nenhum de nadar
para fora de pé, e com grande sucesso), as letras

REDBONE
ration» «Shock To The System» inteligentes, as cavalgadas irresistíveis… E não se
[Wicked Good] [Cruz Del Sur] preocupem, que apesar de esta apreciação estar
Se ainda existirem fãs dos Têm saudades dos Christian baseada numa comparação directa com outra
Killswitch Engage suficiente- Mistress? Vá, aqui só há banda, é mesmo só para se perceber o brilho
mente distraídos para terem duas respostas certas, ou semelhante emanado pelos Tower, já que têm a «Wovoka»
sua personalidade própria perfeitamente formada [Epic, 1973]
e têm valor para aguentar qualquer escrutínio só
pela qualidade da sua música. Vejam lá se não se

WHITECHAPEL separam, agora! [8.5] J.C.S. É comum afirmar-se que estamos num período dourado da tele- dos personagens, que até calha ser polícia, chamado Big, passa o dia
visão, e realmente é difícil negá-lo. O advento das plataformas de com um adolescente num drive around, ambos nativos americanos,
WORM streaming fez explodir o formato da série televisiva, principalmen- e quando o rádio do carro finalmente decide funcionar, apresenta-lhe
«Kin» «Foreverglade»
[20 Buck Spin]
te em quantidade, mas mesmo com muita pessegada à mistura,
também em qualidade. Como sempre aconteceu na música, hoje
os Redbone através desse tema, o mais conhecido da carreira da
banda. Aquilo parecia bom demais para ser fictício, e dez minutos de
[METAL BLADE] O nome poderá soar parece haver uma reserva inesgotável de séries para descobrir – Google depois do episódio terminar, estava encontrada a nova ob-

N
familiar, e não é pela dezena
ão adoram quando as bandas de deathcore começam de bandas que já houve
a afastar-se progressivamente do estilo – que diga-se com o mesmo, é porque
em abono da verdade, se esgotou criativamente logo à estes mesmos Worm já andam aí há alguns
nascença? Poderá ser aborrecido para os fãs, que esperam anos, com uma carreira feita na Iron Bonehead
ouvir aquele breakdown duzentas mil vezes em três minutos, mas não é de estranhar que até agora. E diga-se de passagem que eram
os músicos queiram fazer algo diferente disso, independentemente do resultado ser algo uma banda típica dessa editora, com tudo o
melhor ou pior. Os Whitechapel são uma das bandas que mais tem impressionado nesse que de bom e eventualmente menos bom isso
aspecto e «Kin» segue as boas indicações de «The Valley», o anterior álbum da banda. Aliás, acarreta. Começaram praticando um black metal
é literalmente a sua sequela. As letras têm a intensidade que se espera – para quem não apa- consistente, obscuro e animalesco, com muito
nhou o trabalho anterior, o conceito fala de traumas de infância do vocalista Phil Bozeman, pouca personalidade própria, mas com imensa
devidamente ficcionados. Musicalmente podemos dizer que entre death metal melódico, convicção. Felizmente, com o tempo, foram
metalcore e, obviamente, deathcore, temos a variedade que tanto faltava ao género e que é refinando essa lacunas, através da introdução de
fundamental para se ter um álbum memorável. [8.5] F.F. doom e death metal na sua fórmula – o segundo
álbum, «Gloomlord», já era um esboço do que este
pessoal da Florida poderia vir a fazer, e parece
ter sido agora com este «Foreverglade», já numa
editora muito mais apropriada ao(s) estilo(s)
onde agora se movem, que chegaram finalmente
àquele que é o seu som. Não são, de repente, uma
entidade absolutamente única, longe disso, mas
a mescla podre de doom arrastado, death metal
old school cadenciado a meio tempo e os restos
de black metal que ainda poluem esta espessa
neblina fantasmagórica criam um resultado final
bem mais interessante. Chamar à música dos
Worm “pantanosa” é um cliché, dada a sua origem
geográfica, mas não só faz total sentido, como
parece que com os títulos, as fotos de banda e o
artwork, eles próprios não fazem questão de fugir
a isso. E se assim é, os onze minutos de «Cloaked
In Nightwings», a peça central de «Foreverglade»,
são a banda-sonora perfeita para nos afundarmos
num pântano cheio de criaturas maléficas
indescritíveis prontas a sugarem-nos a carne
lamacenta dos ossos. [7.5] J.C.S.
parece sempre possível “desenterrar” aquela preciosidade, aquele
Tesourinho, lá está, de que nunca tínhamos ouvido falar por alguma
razão. Como é natural, isto deu mais espaço para programas “fora
da caixa”, para apostas que outrora seriam um pouco mais impro-
váveis. Este clima de criatividade reflecte-se, também, na própria
música que é usada nas produções televisivas. Se antigamente era
uma festa rara apanhar qualquer coisa interessante – e acontecia
principalmente em filmes, não tanto em séries –, hoje em dia os
pontos de ligação já são mais que muitos. Desde ouvirmos Chelsea
Wolfe, Marissa Nadler, Swans, Yes ou Perfume Genius em «Good
Girls» (um dos exemplos mais notórios de bom gosto), até aos Ca-
liban em «Dead To Me», passando pela revelação dos S U R V I
V E através da super-popular «Stranger Things», ou pela sublime
«Patriot» que referencia Townes Van Zandt, Leonard Cohen, Beastie
Boys ou The Clash entre muitos outros, cada vez mais a televisão
“alternativa” é fonte de boas confirmações ou até mesmo desco-
bertas musicais.
E foi precisamente por aí que este que vos
escreve chegou aos Redbone recentemente.
Podia fingir que já os conhecia há décadas,
dava muito mais street cred, até porque não
são assim tão super-desconhecidos como
isso – para além do sucesso que tiveram nos
seus anos áureos (este álbum de que vos fala-
mos hoje chegou ao #66 do Billboard 200 em
1974), até já tiveram outras aparições prévias.
Pois é, o mega hit «Come And Get Your Love»
já tinha feito parte do filme «Guardians Of The
Galaxy», e também da série de animação «F
Is For Family». Foi precisamente esse tema
que foi a base (e o título, até) de um episódio
recente de «Reservation Dogs» (sim, o pun é
intended), série fenomenal actualmente em
exibição na FX, da autoria do grande Taika
Waititi (em parceria com Sterlin Harjo). Um
sessão musical.
Quem são os Redbone então? Não são, de todo, a única banda de rock
formada por nativos americanos (basta pensar nos Blackfoot, even-
tualmente os mais conhecidos), mas são unanimemente considera-
dos como sendo a melhor. Tendo no seu núcleo os irmãos Pat e Lolly
Vegas, tiveram o seu apogeu nos anos 70, década na qual editaram
sete dos seus oito álbuns («Peace Pipe» surgiu em 2005, uma espécie
de regresso só com Pat e Lolly, poucos anos antes deste último fale-
cer, em 2010 – um ano antes, já o guitarrista Tony Bellamy tinha tam-
bém morrido). Apesar de haver preciosidades em todos eles, o estilo
muito particular de funk rock exuberante e de surpreendente riqueza
instrumental e melódica que praticam terá tido o seu ponto alto neste
«Wovoka», o quinto LP em apenas três anos de existência da banda.
Não só tem o seu hino maior, a tal «Come And Get Your Love», mas
também a incrível «We Were All Wounded At Wounded Knee» (ausente
no entanto da versão original norte-americana, porque a censura é tra-
mada e também existe nos países ditos “civili-
zados”), e mais um par de canções soberbas,
totalmente à altura dos hits. A pertinência das
letras, subtis mas fortes, sem medo de tocar
em assuntos “sensíveis” sem que no entanto
isso atropele a música, a excelência das har-
monias vocais, o talento discreto mas sempre
presente dos guitarristas Lolly e Tony, a quase
ausência de filler nesses sete álbuns lançados
de 1970 a 1977, até mesmo a máquina que
pareciam ser em palco, a avaliar pelos muitos
e bons vídeos que existem no YouTube, tudo
isto faz dos Redbone uma pérola intemporal.
O próprio Pat Vegas continua a combater a
passagem do tempo – aos 80 anos, ainda
toca com uma banda que interpreta temas
tanto da sua carreira a solo como dos anos de
glória dos Redbone. Que o faça ainda durante
muito tempo.

56 LOUD! LOUD! 57
 atmosférico Thecodontion, cuja discografia é toda
ela focada em paleontologia e fósseis, se aliou aos
Vessel Of Iniquity, onde o britânico S.P. White tem
erigido montanhas profundamente desconfortáveis
de black/death e noise, para dedicar um split à
coisa. Os dois temas dos Thecodontion são autên-
ticos tratados de death metal podre e primitivo, e
focam-se em criaturas que viveram após a catás-
trofe, uma delas o thecodontosaurus, sobre o qual
era inevitável que um dia escrevessem por razões
óbvias. Já o bom do White escreve uma coisa
chamada «The Great Dying» ao lado da qual não só
o longa-duração deste ano dos Vessel Of Iniquity
(«The Doorway») parece bonito e melódico, como
se diria que os Revenge tocam umas coisas acessí-
veis e cheias de estrutura aparente. Não podíamos
pensar em forma mais apropriada para criar uma
banda-sonora para o maior cataclismo da história
do planeta nem em melhor exemplo para o porquê
dos Vessel Of Iniquity serem hoje autores de algum
do melhor black/death que por aí se faz, com a
séria incorporação de noise nos ingredientes a ser
para isso um muito importante factor. [7] L.P.
TIMES OF GRACE
«Songs Of Loss And Sepa-
deixado escapar o primeiro álbum deste seu projec-
to paralelo – «The Hymn Of A Broken Man», que em
2011 juntava em duo criativo o então ex-vocalista
dessa banda, Jesse Leach, ao seu guitarrista, Adam
Dutkiewicz –, não só ainda vão a tempo de desco-
brir um disco por si só marcante no contexto da
familiaridade do metalcore de Massachusetts, como
observam agora o amadurecimento que uma dé-
cada pode acrescentar a ideias que provavelmente
não fariam assim tanto sentido na banda principal
que inicialmente juntou estes músicos. Por um lado,
não deixam de existir riffs musculados e passagens
berradas partilhadas pelas vozes de ambos («Res-
cue» ou «Far From Heavenless»), embora a influên-
cia de Gotemburgo esteja mais diluída, por outro, e
o mais importante de mencionar, é o alcance meló-
dico, dos arranjos às vozes, que alastra as influên-
cias para um público mais amplo: por exemplo, «The
Burden Of Relief» podia ser um esboço de Jerry
Cantrell, «Bleed Me» dá uns ares de «Something In
The Way» dos Nirvana, e até «Medusa» tem ali um
jeito à Zakk Wylde. No fim, mesmo que a emoção
pareça demasiado na manga, é fácil deixarmo-nos ir
atrás. [7.5] P.C.S.
TOWER
“sim, muitas” ou “não conheço, vou ouvir”, porque
a tristemente separada banda de Olympia foi
das melhores coisas a acontecer ao heavy metal
deste século. Felizmente deixaram para trás três
álbuns fantásticos que vamos revisitar muitas
vezes à espera que os envolvidos tenham outros
projectos relevantes, ou que alguma outra banda
apareça para tentar ocupar o espaço que deixaram
na cena. Boas notícias, então, porque pelo menos
esse segundo desejo parece estar a ser cumprido,
aqui com a ajuda dos Tower. Não é só pelo facto
de também terem uma vocalista incrível, cheia
de personalidade e com uma voz meio rouca que JOSÉ CARLOS SANTOS STEBBA ÓSK
nasceu para cantar heavy metal a plenos pulmões
(se bem que ajuda, claro), uma Sarabeth Linden
que está plenamente à altura do standard elevado
deixado pela Christine Davis, mas tudo o que fazia
dos Christian Mistress geniais está aqui bem
patente também. A vibe muito 70s, vintage no
melhor sentido do termo, com as noções certas
de hard rock e de melodia e com laivos de doom
antigo e até algum thrash a enriquecerem os
temas, a vontade de não se encaixotarem numa
só fórmula (os sete minutos de «In Dreams»
mostram uma banda sem medo nenhum de nadar
para fora de pé, e com grande sucesso), as letras

REDBONE
ration» «Shock To The System» inteligentes, as cavalgadas irresistíveis… E não se
[Wicked Good] [Cruz Del Sur] preocupem, que apesar de esta apreciação estar
Se ainda existirem fãs dos Têm saudades dos Christian baseada numa comparação directa com outra
Killswitch Engage suficiente- Mistress? Vá, aqui só há banda, é mesmo só para se perceber o brilho
mente distraídos para terem duas respostas certas, ou semelhante emanado pelos Tower, já que têm a «Wovoka»
sua personalidade própria perfeitamente formada [Epic, 1973]
e têm valor para aguentar qualquer escrutínio só
pela qualidade da sua música. Vejam lá se não se

WHITECHAPEL separam, agora! [8.5] J.C.S. É comum afirmar-se que estamos num período dourado da tele- dos personagens, que até calha ser polícia, chamado Big, passa o dia
visão, e realmente é difícil negá-lo. O advento das plataformas de com um adolescente num drive around, ambos nativos americanos,
WORM streaming fez explodir o formato da série televisiva, principalmen- e quando o rádio do carro finalmente decide funcionar, apresenta-lhe
«Kin» «Foreverglade»
[20 Buck Spin]
te em quantidade, mas mesmo com muita pessegada à mistura,
também em qualidade. Como sempre aconteceu na música, hoje
os Redbone através desse tema, o mais conhecido da carreira da
banda. Aquilo parecia bom demais para ser fictício, e dez minutos de
[METAL BLADE] O nome poderá soar parece haver uma reserva inesgotável de séries para descobrir – Google depois do episódio terminar, estava encontrada a nova ob-

N
familiar, e não é pela dezena
ão adoram quando as bandas de deathcore começam de bandas que já houve
a afastar-se progressivamente do estilo – que diga-se com o mesmo, é porque
em abono da verdade, se esgotou criativamente logo à estes mesmos Worm já andam aí há alguns
nascença? Poderá ser aborrecido para os fãs, que esperam anos, com uma carreira feita na Iron Bonehead
ouvir aquele breakdown duzentas mil vezes em três minutos, mas não é de estranhar que até agora. E diga-se de passagem que eram
os músicos queiram fazer algo diferente disso, independentemente do resultado ser algo uma banda típica dessa editora, com tudo o
melhor ou pior. Os Whitechapel são uma das bandas que mais tem impressionado nesse que de bom e eventualmente menos bom isso
aspecto e «Kin» segue as boas indicações de «The Valley», o anterior álbum da banda. Aliás, acarreta. Começaram praticando um black metal
é literalmente a sua sequela. As letras têm a intensidade que se espera – para quem não apa- consistente, obscuro e animalesco, com muito
nhou o trabalho anterior, o conceito fala de traumas de infância do vocalista Phil Bozeman, pouca personalidade própria, mas com imensa
devidamente ficcionados. Musicalmente podemos dizer que entre death metal melódico, convicção. Felizmente, com o tempo, foram
metalcore e, obviamente, deathcore, temos a variedade que tanto faltava ao género e que é refinando essa lacunas, através da introdução de
fundamental para se ter um álbum memorável. [8.5] F.F. doom e death metal na sua fórmula – o segundo
álbum, «Gloomlord», já era um esboço do que este
pessoal da Florida poderia vir a fazer, e parece
ter sido agora com este «Foreverglade», já numa
editora muito mais apropriada ao(s) estilo(s)
onde agora se movem, que chegaram finalmente
àquele que é o seu som. Não são, de repente, uma
entidade absolutamente única, longe disso, mas
a mescla podre de doom arrastado, death metal
old school cadenciado a meio tempo e os restos
de black metal que ainda poluem esta espessa
neblina fantasmagórica criam um resultado final
bem mais interessante. Chamar à música dos
Worm “pantanosa” é um cliché, dada a sua origem
geográfica, mas não só faz total sentido, como
parece que com os títulos, as fotos de banda e o
artwork, eles próprios não fazem questão de fugir
a isso. E se assim é, os onze minutos de «Cloaked
In Nightwings», a peça central de «Foreverglade»,
são a banda-sonora perfeita para nos afundarmos
num pântano cheio de criaturas maléficas
indescritíveis prontas a sugarem-nos a carne
lamacenta dos ossos. [7.5] J.C.S.
parece sempre possível “desenterrar” aquela preciosidade, aquele
Tesourinho, lá está, de que nunca tínhamos ouvido falar por alguma
razão. Como é natural, isto deu mais espaço para programas “fora
da caixa”, para apostas que outrora seriam um pouco mais impro-
váveis. Este clima de criatividade reflecte-se, também, na própria
música que é usada nas produções televisivas. Se antigamente era
uma festa rara apanhar qualquer coisa interessante – e acontecia
principalmente em filmes, não tanto em séries –, hoje em dia os
pontos de ligação já são mais que muitos. Desde ouvirmos Chelsea
Wolfe, Marissa Nadler, Swans, Yes ou Perfume Genius em «Good
Girls» (um dos exemplos mais notórios de bom gosto), até aos Ca-
liban em «Dead To Me», passando pela revelação dos S U R V I
V E através da super-popular «Stranger Things», ou pela sublime
«Patriot» que referencia Townes Van Zandt, Leonard Cohen, Beastie
Boys ou The Clash entre muitos outros, cada vez mais a televisão
“alternativa” é fonte de boas confirmações ou até mesmo desco-
bertas musicais.
E foi precisamente por aí que este que vos
escreve chegou aos Redbone recentemente.
Podia fingir que já os conhecia há décadas,
dava muito mais street cred, até porque não
são assim tão super-desconhecidos como
isso – para além do sucesso que tiveram nos
seus anos áureos (este álbum de que vos fala-
mos hoje chegou ao #66 do Billboard 200 em
1974), até já tiveram outras aparições prévias.
Pois é, o mega hit «Come And Get Your Love»
já tinha feito parte do filme «Guardians Of The
Galaxy», e também da série de animação «F
Is For Family». Foi precisamente esse tema
que foi a base (e o título, até) de um episódio
recente de «Reservation Dogs» (sim, o pun é
intended), série fenomenal actualmente em
exibição na FX, da autoria do grande Taika
Waititi (em parceria com Sterlin Harjo). Um
sessão musical.
Quem são os Redbone então? Não são, de todo, a única banda de rock
formada por nativos americanos (basta pensar nos Blackfoot, even-
tualmente os mais conhecidos), mas são unanimemente considera-
dos como sendo a melhor. Tendo no seu núcleo os irmãos Pat e Lolly
Vegas, tiveram o seu apogeu nos anos 70, década na qual editaram
sete dos seus oito álbuns («Peace Pipe» surgiu em 2005, uma espécie
de regresso só com Pat e Lolly, poucos anos antes deste último fale-
cer, em 2010 – um ano antes, já o guitarrista Tony Bellamy tinha tam-
bém morrido). Apesar de haver preciosidades em todos eles, o estilo
muito particular de funk rock exuberante e de surpreendente riqueza
instrumental e melódica que praticam terá tido o seu ponto alto neste
«Wovoka», o quinto LP em apenas três anos de existência da banda.
Não só tem o seu hino maior, a tal «Come And Get Your Love», mas
também a incrível «We Were All Wounded At Wounded Knee» (ausente
no entanto da versão original norte-americana, porque a censura é tra-
mada e também existe nos países ditos “civili-
zados”), e mais um par de canções soberbas,
totalmente à altura dos hits. A pertinência das
letras, subtis mas fortes, sem medo de tocar
em assuntos “sensíveis” sem que no entanto
isso atropele a música, a excelência das har-
monias vocais, o talento discreto mas sempre
presente dos guitarristas Lolly e Tony, a quase
ausência de filler nesses sete álbuns lançados
de 1970 a 1977, até mesmo a máquina que
pareciam ser em palco, a avaliar pelos muitos
e bons vídeos que existem no YouTube, tudo
isto faz dos Redbone uma pérola intemporal.
O próprio Pat Vegas continua a combater a
passagem do tempo – aos 80 anos, ainda
toca com uma banda que interpreta temas
tanto da sua carreira a solo como dos anos de
glória dos Redbone. Que o faça ainda durante
muito tempo.

56 LOUD! LOUD! 57
 AGENDA
NOTA: Todos os concertos já oficialmente
cancelados/adiados à data de fecho da
edição estão rasurados. Todos os outros,
face às circunstâncias actuais, podem
sofrer o mesmo destino a qualquer altura.
21.11.18
SEPULTURA
OUTUBRO
02 – The Toy Dolls [E.U.A.] / Mata-Ratos – Hard Club, Porto
Adiado para 02/10/2022
06 – Aborted [Bel] / The Acacia Strain [E.U.A.] /
Benighted [Fra] / Fleddy Melculy [Bel] – Hard Club,
Porto Adiado para 02/03/2022
07 – Aborted [Bel] / The Acacia Strain [E.U.A.] /
Benighted [Fra] / Fleddy Melculy [Bel] – LAV –
Lisboa Ao Vivo, Lisboa Adiado para 03/03/2022
07 – Fleshgod Apocalypse [Ita] / Ex Deo [Can] /
Ethereal Sin [Jap] – Hard Club, Porto Adiado para
06/10/2022
08 – Fleshgod Apocalypse [Ita] / Ex Deo [Can] /
Ethereal Sin [Jap] – RCA Club, Lisboa Adiado para
07/10/2022
08 – Arch Enemy [Sué] / Behemoth [Pol] / Carcass [Ing] /
Unto Others [E.U.A.] – Sala Tejo, Lisboa Adiado para
07/10/2022
08-10– Amenra [Bel] / Cult Of Luna [Sué] / Caspian
[E.U.A.] / Elder [E.U.A.] / Envy [Jap] / Holy Fawn
[E.U.A.] / Irist [E.U.A.] / Jo Quail [Ing] / Oranssi
Pazuzu [Fin] / Pallbearer [E.U.A.] / Telepathy [Ing]
/ Wolves In The Throne Room [E.U.A.] – Hard Club,
Porto Amplifest Adiado para 07-09
e 13-15/08/2022
09 – Evanescence [E.U.A.] – Altice Arena, Lisboa Adiado
para 18/04/2022
16 – Heavenwood / Mata-Ratos / Simbiose
/ Theriomorphic / Biolence / Sollust /
Nematomorphos – Sebadelhe, V.N. Foz Côa
Sebadelhe Metal Fest
16 – Persuader [Sué] – Side B Rocks, Alenquer
17 – Frogleap [Nor] – Cineteatro Capitólio, Lisboa
22 – Xentrix [Ing] – Side B Rocks, Alenquer
25 – Opeth [Sué] – Coliseu dos Recreios, Lisboa Adiado
para 26/11/2022, na Sala Tejo
30 – All Against / Infraktor – Metalpoint, Porto
31 – Gwydion / Enchantya – RCA Club, Lisboa
NOVEMBRO
03 – Brainstorm [Ale] / Sinheresy [Ita] / Glasya – RCA
Club, Lisboa
04 – Igorrr [Fra] / Otto Von Schirach [E.U.A.] / Drumcorps
[E.U.A.] – LAV – Lisboa Ao Vivo, Lisboa
05 – Igorrr [Fra] / Otto Von Schirach [E.U.A.] / Drumcorps
[E.U.A.] – Hard Club, Porto
ABORTED EMMA RUTH RUNDLE
ENSLAVED EPICA
CYNIC HYPOCRISY
58 LOUD!
07 – Mystic Prophecy [Ale] / Kilmara [Esp] / (…) – RCA
Club, Lisboa
12 – Gaerea / Obsidian Kingdom [Esp] – Hard Club, Porto
12 – The Black Crowes [E.U.A.] – Campo Pequeno, Lisboa
13 – Obsidian Kingdom [Esp] / Gaerea – RCA Club, Lisboa
13 – The Insane Slave / Sollar / Three Of Me / Sugiru /
Treewax – Metalpoint, Porto The Skull Room Studio Fest
18 – Sepultura [Bra] / Sacred Reich [E.U.A.] / Crowbar
[E.U.A.] – Hard Club, Porto
27 – Trivium [Bra] / Heaven Shall Burn [Ale] / TesseracT
[Ing] / Fit For An Autopsy [E.U.A.] – Sala Tejo, Lisboa
DEZEMBRO
02 – Soen [Sue] – LAV – Lisboa Ao Vivo, Lisboa
04/05 – Tiamat [Sué] / Labirinto [Bra] / Inhuman / (…)
– LAV – Lisboa Ao Vivo, Lisboa Under The Doom
11 – Artillery [Din] – Hard Club, Porto
JANEIRO
08 – Pestilence [Hol] / Satan [Ing] / Iron Angel [Ale] /
Mortuary Drape [Ita] / Hate Squad [Bra] / Deathless
Legacy [Ita] / Attick Demons / Gwydion / Toxikull
/ Biolence / Sadistic Overkill – C.C. Santo André,
Mangualde Hardmetalfest
13 – Imperial Age [Rus] – RCA Club, Lisboa
14 – Imperial Age [Rus] – Metalpoint, Porto
16 – The Ocean [Ale] / pg.lost [Sue] / Hypno5e [Fra] /
Psychonaut [Bel] – LAV – Lisboa Ao Vivo, Lisboa
20 – Hexis [Din] – RCA Club, Lisboa
20 – The Darkness [Ing] / (…) – Cineteatro Capitólio,
Lisboa
21/22 – Benighted [Fra] / Rot [Bra] / Vulvodynia [A. Sul] /
Inhumate [Fra] / Jig-Ai [R. Che] / Grog / Analepsy /
Xavlegbmaofffassssitimiwoamndutroabcwapwae
iippohfffX [A. Sul] / Stillbirth [Ale] / Serrabulho /
Abysmal Torment [Mal] / Cerebral Effusion [Esp] /
Grindead / Dead Meat / Excoriation [Rus] / Rabid
Dogs [Ita] / Convulsions [Esp] / Colpocleisis [Ing]
/ Basement Torture Killings / Verme / Downfall Of
Mankind – RCA Club, Lisboa XXXapada Na Tromba
29 – Cirith Ungol [E.U.A.] / Night Demon [E.U.A.] / Toxikull
– RCA Club, Lisboa
FEVEREIRO
10 – Frank Carter & The Rattlesnakes [Ing]/ (…) – LAV
– Lisboa Ao Vivo, Lisboa
18 – Semblant [Bra] / Secret Rule [Ita] / As I May [Fin] /
Crusade Of Bards [Esp] – Hard Club, Porto
19 – Semblant [Bra] / Secret Rule [Ita] / As I May [Fin] /
Crusade Of Bards [Esp] – RCA Club, Lisboa
21.11.27
TRIVIUM
PRÓXIMA LOUD! #248
22.01.20
THE DARKNESS
19 – Avatar [Sue] / (…) – LAV – Lisboa Ao Vivo, Lisboa
21 – Mono [Jap] / A.A.Williams [Ing] – Hard Club, Porto
22 – Mono [Jap] / A.A.Williams [Ing] – LAV – Lisboa Ao
Vivo, Lisboa
22 – Bullet For My Valentine [Gal] / … – Sala Tejo, Lisboa
MARÇO
02 – Aborted [Bel] / The Acacia Strain [E.U.A.] / Benighted
[Fra] / Fleddy Melculy [Bel] – Hard Club, Porto
03 – Aborted [Bel] / The Acacia Strain [E.U.A.] / Benighted
[Fra] / Fleddy Melculy [Bel] – LAV – Lisboa Ao Vivo,
Lisboa
10 – The Mission [Ing] / Gene Loves Jezebel [Ing]
– LAV – Lisboa Ao Vivo, Lisboa
11 – The Mission [Ing] / Gene Loves Jezebel [Ing]
– Hard Club, Porto
11 – Idles [Ing] / Bambara [E.U.A.] / Witch Fever [Ing]
– Coliseu dos Recreios, Lisboa
11 – Nervosa [Var] / Warbringer [E.U.A.] / Warfect [Sue]
– Hard Club, Porto
12 – The Mission [Ing] / Gene Loves Jezebel [Ing]
– Hard Club, Porto
12 – Nervosa [Var] / Warbringer [E.U.A.] / Warfect [Sue]
– RCA Club, Lisboa
18 – Orphaned Land [Isr] – LAV - Lisboa Ao Vivo, Lisboa
18 – Skunk Anansie [Ing] – Coliseu do Porto, Porto
19 – Skunk Anansie [Ing] – Coliseu dos Recreios, Lisboa
20 – Apocalyptica [Fin] / Epica [Hol] – Coliseu dos Recreios,
Lisboa
25 – As I Lay Dying [E.U.A.] / Dying Fetus [E.U.A.] / Emmure
[E.U.A.] – Sala Tejo, Lisboa
25 – 1914 [Ucr] / (0) [Din] – Metalpoint, Porto
26 – 1914 [Ucr] / (0) [Din] – Side B Rocks, Alenquer
ABRIL
04 – Ross The Boss [E.U.A.] / Asomvel [Ing] / Dark Embrace
[Esp] – Hard Club, Porto
05 – Ross The Boss [E.U.A.] / Asomvel [Ing] / Dark Embrace
[Esp] – LAV – Lisboa Ao Vivo, Lisboa
09 – Conception [Nor] – LAV – Lisboa Ao Vivo, Lisboa
17 – Metz [Can] / Psychic Graveyard [E.U.A.] – Hard Club,
Porto
18 – Metz [Can] / Psychic Graveyard [E.U.A.] – LAV – Lisboa
Ao Vivo, Lisboa
18 – Evanescence [E.U.A.] – Altice Arena, Lisboa
23 – Manticora [Din] – Hard Club, Porto
29 – Devin Townsend [Can] / … - Cineteatro Capitólio, Lisboa
29 – Dream Theater [E.U.A.] – Campo Pequeno, Lisboa
29 – Russian Circles [E.U.A.] – Hard Club, Porto
30 – Russian Circles [E.U.A.] – LAV – Lisboa Ao Vivo, Lisboa
 AGENDA
NOTA: Todos os concertos já oficialmente
cancelados/adiados à data de fecho da
edição estão rasurados. Todos os outros,
face às circunstâncias actuais, podem
sofrer o mesmo destino a qualquer altura.
21.11.18
SEPULTURA
OUTUBRO
02 – The Toy Dolls [E.U.A.] / Mata-Ratos – Hard Club, Porto
Adiado para 02/10/2022
06 – Aborted [Bel] / The Acacia Strain [E.U.A.] /
Benighted [Fra] / Fleddy Melculy [Bel] – Hard Club,
Porto Adiado para 02/03/2022
07 – Aborted [Bel] / The Acacia Strain [E.U.A.] /
Benighted [Fra] / Fleddy Melculy [Bel] – LAV –
Lisboa Ao Vivo, Lisboa Adiado para 03/03/2022
07 – Fleshgod Apocalypse [Ita] / Ex Deo [Can] /
Ethereal Sin [Jap] – Hard Club, Porto Adiado para
06/10/2022
08 – Fleshgod Apocalypse [Ita] / Ex Deo [Can] /
Ethereal Sin [Jap] – RCA Club, Lisboa Adiado para
07/10/2022
08 – Arch Enemy [Sué] / Behemoth [Pol] / Carcass [Ing] /
Unto Others [E.U.A.] – Sala Tejo, Lisboa Adiado para
07/10/2022
08-10– Amenra [Bel] / Cult Of Luna [Sué] / Caspian
[E.U.A.] / Elder [E.U.A.] / Envy [Jap] / Holy Fawn
[E.U.A.] / Irist [E.U.A.] / Jo Quail [Ing] / Oranssi
Pazuzu [Fin] / Pallbearer [E.U.A.] / Telepathy [Ing]
/ Wolves In The Throne Room [E.U.A.] – Hard Club,
Porto Amplifest Adiado para 07-09
e 13-15/08/2022
09 – Evanescence [E.U.A.] – Altice Arena, Lisboa Adiado
para 18/04/2022
16 – Heavenwood / Mata-Ratos / Simbiose
/ Theriomorphic / Biolence / Sollust /
Nematomorphos – Sebadelhe, V.N. Foz Côa
Sebadelhe Metal Fest
16 – Persuader [Sué] – Side B Rocks, Alenquer
17 – Frogleap [Nor] – Cineteatro Capitólio, Lisboa
22 – Xentrix [Ing] – Side B Rocks, Alenquer
25 – Opeth [Sué] – Coliseu dos Recreios, Lisboa Adiado
para 26/11/2022, na Sala Tejo
30 – All Against / Infraktor – Metalpoint, Porto
31 – Gwydion / Enchantya – RCA Club, Lisboa
NOVEMBRO
03 – Brainstorm [Ale] / Sinheresy [Ita] / Glasya – RCA
Club, Lisboa
04 – Igorrr [Fra] / Otto Von Schirach [E.U.A.] / Drumcorps
[E.U.A.] – LAV – Lisboa Ao Vivo, Lisboa
05 – Igorrr [Fra] / Otto Von Schirach [E.U.A.] / Drumcorps
[E.U.A.] – Hard Club, Porto
ABORTED EMMA RUTH RUNDLE
ENSLAVED EPICA
CYNIC HYPOCRISY
58 LOUD!
07 – Mystic Prophecy [Ale] / Kilmara [Esp] / (…) – RCA
Club, Lisboa
12 – Gaerea / Obsidian Kingdom [Esp] – Hard Club, Porto
12 – The Black Crowes [E.U.A.] – Campo Pequeno, Lisboa
13 – Obsidian Kingdom [Esp] / Gaerea – RCA Club, Lisboa
13 – The Insane Slave / Sollar / Three Of Me / Sugiru /
Treewax – Metalpoint, Porto The Skull Room Studio Fest
18 – Sepultura [Bra] / Sacred Reich [E.U.A.] / Crowbar
[E.U.A.] – Hard Club, Porto
27 – Trivium [Bra] / Heaven Shall Burn [Ale] / TesseracT
[Ing] / Fit For An Autopsy [E.U.A.] – Sala Tejo, Lisboa
DEZEMBRO
02 – Soen [Sue] – LAV – Lisboa Ao Vivo, Lisboa
04/05 – Tiamat [Sué] / Labirinto [Bra] / Inhuman / (…)
– LAV – Lisboa Ao Vivo, Lisboa Under The Doom
11 – Artillery [Din] – Hard Club, Porto
JANEIRO
08 – Pestilence [Hol] / Satan [Ing] / Iron Angel [Ale] /
Mortuary Drape [Ita] / Hate Squad [Bra] / Deathless
Legacy [Ita] / Attick Demons / Gwydion / Toxikull
/ Biolence / Sadistic Overkill – C.C. Santo André,
Mangualde Hardmetalfest
13 – Imperial Age [Rus] – RCA Club, Lisboa
14 – Imperial Age [Rus] – Metalpoint, Porto
16 – The Ocean [Ale] / pg.lost [Sue] / Hypno5e [Fra] /
Psychonaut [Bel] – LAV – Lisboa Ao Vivo, Lisboa
20 – Hexis [Din] – RCA Club, Lisboa
20 – The Darkness [Ing] / (…) – Cineteatro Capitólio,
Lisboa
21/22 – Benighted [Fra] / Rot [Bra] / Vulvodynia [A. Sul] /
Inhumate [Fra] / Jig-Ai [R. Che] / Grog / Analepsy /
Xavlegbmaofffassssitimiwoamndutroabcwapwae
iippohfffX [A. Sul] / Stillbirth [Ale] / Serrabulho /
Abysmal Torment [Mal] / Cerebral Effusion [Esp] /
Grindead / Dead Meat / Excoriation [Rus] / Rabid
Dogs [Ita] / Convulsions [Esp] / Colpocleisis [Ing]
/ Basement Torture Killings / Verme / Downfall Of
Mankind – RCA Club, Lisboa XXXapada Na Tromba
29 – Cirith Ungol [E.U.A.] / Night Demon [E.U.A.] / Toxikull
– RCA Club, Lisboa
FEVEREIRO
10 – Frank Carter & The Rattlesnakes [Ing]/ (…) – LAV
– Lisboa Ao Vivo, Lisboa
18 – Semblant [Bra] / Secret Rule [Ita] / As I May [Fin] /
Crusade Of Bards [Esp] – Hard Club, Porto
19 – Semblant [Bra] / Secret Rule [Ita] / As I May [Fin] /
Crusade Of Bards [Esp] – RCA Club, Lisboa
21.11.27
TRIVIUM
PRÓXIMA LOUD! #248
22.01.20
THE DARKNESS
19 – Avatar [Sue] / (…) – LAV – Lisboa Ao Vivo, Lisboa
21 – Mono [Jap] / A.A.Williams [Ing] – Hard Club, Porto
22 – Mono [Jap] / A.A.Williams [Ing] – LAV – Lisboa Ao
Vivo, Lisboa
22 – Bullet For My Valentine [Gal] / … – Sala Tejo, Lisboa
MARÇO
02 – Aborted [Bel] / The Acacia Strain [E.U.A.] / Benighted
[Fra] / Fleddy Melculy [Bel] – Hard Club, Porto
03 – Aborted [Bel] / The Acacia Strain [E.U.A.] / Benighted
[Fra] / Fleddy Melculy [Bel] – LAV – Lisboa Ao Vivo,
Lisboa
10 – The Mission [Ing] / Gene Loves Jezebel [Ing]
– LAV – Lisboa Ao Vivo, Lisboa
11 – The Mission [Ing] / Gene Loves Jezebel [Ing]
– Hard Club, Porto
11 – Idles [Ing] / Bambara [E.U.A.] / Witch Fever [Ing]
– Coliseu dos Recreios, Lisboa
11 – Nervosa [Var] / Warbringer [E.U.A.] / Warfect [Sue]
– Hard Club, Porto
12 – The Mission [Ing] / Gene Loves Jezebel [Ing]
– Hard Club, Porto
12 – Nervosa [Var] / Warbringer [E.U.A.] / Warfect [Sue]
– RCA Club, Lisboa
18 – Orphaned Land [Isr] – LAV - Lisboa Ao Vivo, Lisboa
18 – Skunk Anansie [Ing] – Coliseu do Porto, Porto
19 – Skunk Anansie [Ing] – Coliseu dos Recreios, Lisboa
20 – Apocalyptica [Fin] / Epica [Hol] – Coliseu dos Recreios,
Lisboa
25 – As I Lay Dying [E.U.A.] / Dying Fetus [E.U.A.] / Emmure
[E.U.A.] – Sala Tejo, Lisboa
25 – 1914 [Ucr] / (0) [Din] – Metalpoint, Porto
26 – 1914 [Ucr] / (0) [Din] – Side B Rocks, Alenquer
ABRIL
04 – Ross The Boss [E.U.A.] / Asomvel [Ing] / Dark Embrace
[Esp] – Hard Club, Porto
05 – Ross The Boss [E.U.A.] / Asomvel [Ing] / Dark Embrace
[Esp] – LAV – Lisboa Ao Vivo, Lisboa
09 – Conception [Nor] – LAV – Lisboa Ao Vivo, Lisboa
17 – Metz [Can] / Psychic Graveyard [E.U.A.] – Hard Club,
Porto
18 – Metz [Can] / Psychic Graveyard [E.U.A.] – LAV – Lisboa
Ao Vivo, Lisboa
18 – Evanescence [E.U.A.] – Altice Arena, Lisboa
23 – Manticora [Din] – Hard Club, Porto
29 – Devin Townsend [Can] / … - Cineteatro Capitólio, Lisboa
29 – Dream Theater [E.U.A.] – Campo Pequeno, Lisboa
29 – Russian Circles [E.U.A.] – Hard Club, Porto
30 – Russian Circles [E.U.A.] – LAV – Lisboa Ao Vivo, Lisboa
 IN THE COURT OF THE DRAGON

NOVO ÁLBUM DISPONÍVEL A 8 DE OUTUBRO