VII DOBRA - Festival Internacional de Cinema Experimental online

6-30 SET|SEP 2021
MINISTÉRIO DO TURISMO APRESENTA

MINISTÉRIO DO TURISMO PRESENTS
VII DOBRA
FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINEMA EXPERIMENTAL
06-30 SET | SEP 2021
festivaldobra.com.br
festivaldobra
dobrafestival
ORGANIZAÇÃO DA PUBLICAÇÃO | PUBLICATION ORGANIZATION

CRISTIANA MIRANDA
LUCAS MURARI
LUIZ GARCIA
RAQUEL ROCHA
EDITORA | PUBLISHER
MUSEU DE ARTE MODERNA DO RIO DE JANEIRO
ANO DA PUBLICAÇÃO | YEAR OF PUBLICATION

2021
VI DOBRA
ROCHA, RAQUEL ( ORG. )
1ª EDIÇÃO
RIO DE JANEIRO: MUSEU DE ARTE MODERNA
DO RIO DE JANEIRO, 2020.
ISBN Nº 978-65-88670-00-2
VII DOBRA
RIO DE JANEIRO, 2021.
ÍNDICE | CONTENTS PROGRAMAS DA CONVOCATÓRIA | OPEN CALL SCREENINGS 24
_ ARQUEOLOGIAS LATINAS – POEIRA E ENCONTROS 25

_ LATIN AMERICAN ARCHAEOLOGIES – DUST AND ENCOUNTERS
_ CARTAS SOBRE UMA TEMPESTADE POR VIR 38

_ LETTERS ABOUT AN INCOMING STORM
_ PARA PROVOCAR OS SENTIDOS: O CINEMA EM VENTOS PICTÓRICOS 50

_ TO PROVOKE SENSES: CINEMA IN PICTORIAL WINDS
_ SOBRE OS LÍQUIDOS, OS SONHOS E OS RISCOS QUE A PELÍCULA NOS TRAZ 66

_ ABOUT LIQUIDS, DREAMS AND RISKS THAT CELLULOID BRINGS US
_ CORPOS: INVOCAÇÕES, CORPORIFICAÇÕES E PROJEÇÕES 80

_ BODIES: INVOCATIONS, EMBODIMENTS AND PROJECTIONS
_ MODERNIDADE URBANA - LINHAS DE RUA, LINHAS DE FUGA 91

_ URBAN MODERNITY – STREET LINES, LINES OF FLIGHT
APRESENTAÇÃO | PRESENTATION 05 _ ENTRE TRAMAS, RELEVOS E TEXTURAS 108

_ BETWEEN WEFTS, RELIEVES AND TEXTURES
ENSAIOS | ESSAYS 11
_ VANGUARDA OU O CINEMA NA LINHA DE FRENTE 119
_ O TRABALHO DE CRIAÇÃO DO ARTISTA ETNÓGRAFO 12 _ AVANT-GARDE OR CINEMA IN THE FRONTLINE
_ THE WORK CREATION OF THE ARTIST ETHNOGRAPHER
CRISTIANA MIRANDA
PROGRAMA CONVIDADO / INVITED PROGRAMME 130
_ CINEMA ANIMISTA - NÃO ESTAMOS SOZINHOS NO MUNDO 16
_ RITUAIS DE REGENERAÇÃO 131
_ ANIMIST CINEMA – WE’RE NOT ALONE IN THE WORLD
_ RITUALS OF RECLAMATION
LUCAS MURARI
_ NOSSOS RESTOS E A BUSCA DOS OBJETOS FÍLMICOS 20 SOBRE OS CURADORES | ABOUT THE CURATORS 156
_ OUR REMAINS AND THE SEARCH OF FILMIC OBJECTS
LUIZ GARCIA CRÉDITOS | CREDITS 159
UM MUSEU DE EXPERIMENTAÇÕES
O Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro vem consolidando um processo de

transformação iniciado em janeiro de 2020. A abertura para o novo, para a
diversidade cultural, para as múltiplas dimensões do patrimônio cultural e para
a experimentação é algo que vem sendo buscado cada vez mais pelo MAM Rio.
Sua cinemateca, um dos principais centros de patrimônio e memória audiovisual

do país, vem de forma pulsante e criativa enfrentando o desafio da pandemia.
Mesmo com seu auditório fechado desde março de 2020, conseguiu construir um
canal online que vem sendo reconhecido nacional e internacionalmente como um
espaço de difusão cultural singular e de grande qualidade.
A realização, em 2020, da primeira edição totalmente digital do DOBRA - Festival

Internacional de Cinema Experimental mostrou muito da potência dessa produção
e o alcance que os meios digitais podem ter. Foram milhares de acessos vindos
de dezenas de países. Ainda que o digital não possa substituir a experiência
presencial, em particular aquela dos corpos e dos olhares na sala escura e na
tela grande, a realização do DOBRA online nos ajudou a perceber o quanto o
encontro com as obras, mesmo que de forma online, pode ser potente e
transformador.
Ainda com o auditório Cosme Alves Netto fechado, o DOBRA acontecerá novamente
de forma online. Esta é uma edição que vai mostrar a força e a criatividade da
produção experimental contemporânea. São dezenas de novas produções criadas em
plena pandemia, às quais poderão ser assistidas gratuitamente no mundo todo pelo
MAM RIO _____________

canal online da Cinemateca do MAM. É com renovada energia que, neste ano de
2021, o MAM Rio correaliza mais uma edição do DOBRA. Vida longa ao cinema
experimental!
_ FABIO SZWARCWALD
_ Diretor-executivo do MAM Rio
AN EXPERIMENTATIONS MUSEUM
The Modern Art Museum of Rio de Janeiro has been consolidating a process of
transformation initiated in January 2020. The opening to the new, to cultural
diversity, to multiple dimensions of cultural patrimony and to experimentation
is something that has been sought more and more by MAM.
Its Cinematheque, center of audiovisual patrimony and memory, inexorable to

Brazil, has been, in a pulsating and creative way, facing the defy of the
pandemic. Even with its auditorium closed since March 2020, MAM has managed to
build an online channel that has been recognized national and internationally
as a great quality space of singular cultural diffusion.
The production in 2020 of the first totally online edition of DOBRA –

International Experimental Film Festival showed a lot of the power of this event
and the reach that the digital means can have. It captured thousands of accesses
that came from dozens of countries. Even if the digital can’t really substitute
the in-person experience, in particular that of the bodies at the dark room with
the eyes at the big screen, the online production of DOBRA helped us to realize
how much the encounter with the works, even in online formats, can be powerful
and transforming.
Still with the Cosme Alvez Netto auditorium closed, DOBRA – International
Experimental Film Festival will happen online again. This edition will show the
strength and creativity of contemporary experimental production. It is dozens
of new film productions created in the pandemic days and that can be watched
again for free in the whole world through the online channel of MAM’s
Cinematheque. It is with a renewed energy in this year of 2021 that MAM Rio
co-products one more edition of DOBRA – International Experimental Film
Festival. Long live to experimental film!
_ FABIO SZWARCWALD
_ Executive Director of MAM Rio
TEMPO DE EXPERIMENTAÇÃO, TEMPO DE DOBRA
Há um ano, estávamos dando um passo importante com a realização do primeiro

festival online coorganizado pela Cinemateca do MAM. Estruturávamos nossas
primeiras ações online de difusão, e a realização do VI DOBRA - Festival
Internacional de Cinema Experimental foi um momento de enorme aprendizagem. Com
o festival, pudemos refletir sobre questões técnicas, diferentes formas de
exibição e as potencialidades e limitações do formato online. Aprendemos, em
particular, sobre o alcance que um festival online pode ter.
Hoje apresentamos mais uma edição do DOBRA, que chega a sua 7ª edição. Pelo
segundo ano consecutivo, o evento acontece de forma online, ainda em
consequência da pandemia de Covid-19, que segue tristemente ceifando vidas,
sobretudo no Brasil. Se, em 2020, estávamos ao lado da equipe do DOBRA
imaginando como caminhar no mundo da difusão digital, experimentando
possibilidades para fazer essa travessia da sala de exibição para uma plataforma
online, hoje a situação é diferente. A construção desta edição se deu de forma
muito mais segura, consciente das dificuldades, mas também das possibilidades
dos meios digitais. Os desafios estavam em outros lugares e no próprio momento
CINEMATECA DO MAM ___

em que vivemos.
A grande oferta de eventos e festivais de cinema online proveniente de todos os

lugares enriquece mas também sobrecarrega os públicos. Além disso, por ser um
festival voltado à produção contemporânea de cinema experimental, ou seja, aos
filmes finalizados a partir de 2020, existia uma incerteza sobre o estado dessa
produção em um período quase todo coberto pela pandemia. No entanto, ao
contrário do que se imaginou, a criação experimental seguiu numerosa, rica e
diversificada. Como tem acontecido de forma regular, o festival recebeu mais de
mil inscrições de filmes, vindos de 43 países. A partir deste universo, a equipe
do DOBRA preparou uma seleção organizada em oito programas. Uma seleção de
filmes que nos ajudam a caminhar nesse mundo nebuloso, obscurecido por tanta
fuligem e morte, e que, mesmo momentaneamente, nos permitem enxergar outros
horizontes.
Acreditando na força desse cinema, a Cinemateca do MAM convida todas as pessoas challenges were in other places and in the moment itself in which we live.
a aproveitarem mais uma edição do DOBRA - Festival Internacional de Cinema
Experimental. The great offer of online events and online film festivals offered from
everywhere, enrich but also overcharge the public. Moreover, being DOBRA a
É tempo de experimentar! festival that focus on contemporary production of experimental film, that is,
films that were finished from 2020, there was an uncertainty about the state of
this production in a period almost totally covered by the pandemic. However,
_ JOSÉ QUENTAL instead of this distrust, the experimental creation kept going numerous, rich
_ Coordenador da Cinemateca do MAM and diversified. As has been happening in a regular basis, the festival received
more than a thousand film submissions that came from 43 countries. From this
universe, DOBRA’s curators prepared a selection organized in 8 screenings. A
selection of films that helps us to walk on this nebulous world, darkened by so
much grime and death, and that, even momentarily, allows us to see other
horizons.
EXPERIMENTATION TIME, DOBRA TIME Believing in the strength of cinema, MAM’s Cinematheque invites all people to
enjoy one more edition of DOBRA – International Experimental Film Festival.
One year ago we were taking an important step with the production of the first It’s time to experiment!
online festival co-organized by MAM’s Cinematheque. We were structuring our
first online actions of diffusion and production of the VI DOBRA – International
Experimental Film Festival, it was a moment of great learning. With the _ JOSÉ QUENTAL
festival, we could reflect on technical issues, on different forms of _ MAM’s Cinematheque Coordinator
exhibition, on the potentialities and limitations of the online format. We
learned, in particular, about the reach that an online festival can have.
Today we present one more edition of DOBRA – International Experimental Film

Festival, that reaches its 7th edition. For the second consecutive year the
event happens online, still due to the COVID-19 pandemic that sadly has been
taking away lives, especially in Brazil. If, in 2020, we were side by side with
DOBRA’s crew wondering how to walk on the world of digital diffusion,
experimenting possibilities to make this crossing from the exhibition room to
the online platform, today the situation is different. The construction of this
festival’s edition has been done in a more safe way, conscious of its
difficulties, but also of the possibilities of the digital environment. The
Com que armas podemos vencer o desalento? Luta árdua e incerta, nesse contexto
de neofascismo, pandemia e aquecimento global. Sobre a potência vital da arte,
muito já tivemos oportunidade de ler e escrever. Hoje fica a certeza de que
nesse combate pelo encanto de viver, precisamos ter pés que tocam a terra e
olhos que veem o céu, esse mesmo céu cuja pintura móvel feita de luzes é
ofuscada pelas telas de nossos inteligentes e portáteis aparelhos de
comunicação. Se o século XX parece ter finalmente terminado com a pandemia, a
odisseia do século XXI ainda está por se construir. Muitas maravilhas antigas
sobreviverão como meras curiosidades pouco atuantes; o cinema, no entanto,
segue crescendo em práticas cada vez mais novas e necessárias.
Nessa presença maciça da linguagem audiovisual no mundo contemporâneo, o cinema

experimental cresce em formas e luzes, num contágio ainda mais pandêmico, que
nos conecta em vez de nos separar. Há sete anos, o DOBRA - Festival
Internacional de Cinema Experimental vem sendo autor e testemunha de uma
história na qual a linguagem experimental do cinema se tornou uma ferramenta
DOBRA ___
____________
fundamental de atuação do artista na crítica e na transformação do mundo.
No ano de 2021, o festival DOBRA mantém o seu fôlego trazendo ao público uma
programação em que as vozes de artistas dos mais variados locais do planeta nos
brindam com filmes que remexem a ferida contemporânea, praticam o exercício
crítico e propõem diferentes formas de compreender e viver os desafios do mundo
atual. Partindo dos mais de mil filmes inscritos na convocatória aberta pelo
festival, a curadoria composta por Cristiana Miranda, Lucas Murari e Luiz Garcia
criou oito programas, nos quais tramas, corpos e linhas de fuga trazem um cinema
de vanguarda, que não teme estar à frente na construção de um outro mundo. Para
celebrar a força dos encontros e dos laços de amizade, temos a honra de receber
a participação de Steve Polta como curador convidado, trazendo um programa que
nos brinda com filmes exibidos em edições recentes do célebre festival
“CROSSROADS”, que há mais de dez anos ocupa a cinemateca do MoMa/SF com uma
vibrante programação de cinema experimental.
Permanecemos movidos pela consciência de uma urgência, pelo desejo de recuperar

a vida como um ato de produção de beleza. Cada vez mais convencidos da potência
transformadora do cinema experimental, convidamos todos para participarem de
mais uma edição do DOBRA, para que possamos juntos fazer da virtualidade das festival, the curators, Cristiana Miranda, Lucas Murari and Luiz Garcia,
transmissões online um encontro de pensamentos e emoções, um ato compartilhado created 8 screenings where wefts, bodies and lines of flight bring a vanguard
de criação. Que o cinema nos contagie em luminosas experimentações. cinema that doesn’t fear being ahead in the construction of another world. To
celebrate the force of encounters and bonds of friendship, we have the honor to
Abraços redobrados, receive the participation of Steve Polta as invited curator, bringing a
screening that toasts us with films exhibited in recent editions of the renowned
_ CRISTIANA MIRANDA “CROSSROADS” Festival, which for over ten years occupies the MoMa/SF’s
Cinematheque, with a vibrant experimental film screening program.
We are still moved by the consciousness of urgency, by the desire of retrieve

life as an act of producing beauty. More and more convinced of the transforming
power of experimental film, we invite all to one more edition of DOBRA, so
together we can make of the virtuality of online transmissions an encounter of
With which weapons can we overcome dismay? Arduous and uncertain struggle, in thinking and emotions, a shared act of creation. May cinema infect us with
this Neo-fascist, pandemic and global warming context. About art’s vital power, luminous experimentations.
we had many opportunities to read and write. Today, it rests the certainty that
in this battle for the enchantment of living, we need to have feet that touch Most kind regards,
the land and eyes that see the sky, this same sky whose movable painting made
of lights is overshadowed by the screens of our smart and portable communication _ CRISTIANA MIRANDA
equipment. If the 20th century seems to have finally ended with the pandemic,
the 21th century’s odyssey is yet to be build. Many ancient wonders will survive
as mere little active curiosities, cinema, however, continues to grow in
practices more and more new and necessary.
In the massive presence of audiovisual language in the contemporary world,

experimental film grows in shapes and lights, in an even more pandemic contagion
that connects us, instead of separating us. Seven years ago, DOBRA -
International Experimental Film Festival has been the author and the witness of
a history where the experimental language of film has become a fundamental tool
of the artist’s action in critics and in the world’s transformation.
In 2021, DOBRA maintains its breath bringing to the public a screening program
where the artists’ voices from various locations of the planet toast us with
films that stir the contemporary sore, practice critical exercise and propose
different forms of comprehending and living the defies of the current world.
From the more than a thousand film submissions on the open call made by the
ENSAIOS
ESSAYS
_________ O TRABALHO De diferentes formas, as criações artísticas realizadas desde o final dos anos
70 até o momento atual reagem à capitalização da cultura e à privatização da
DE CRIAÇÃO
sociedade. A recepção da arte é afetada por forças, muitas vezes em oposição,
que envolvem a qualidade estética e a relevância política. O artista como
produtor (Benjamim) foi uma forma de superar essa oposição durante a década de
DO ARTISTA 30 no contexto europeu. No final dos anos 70, outra conjuntura fez surgir um
novo paradigma estruturalmente semelhante, mas geograficamente mais amplo: o
ETNÓGRAFO artista como etnógrafo (Foster).
Para o artista como etnógrafo, o objeto de contestação também é a instituição

_ CRISTIANA MIRANDA, da arte capitalista burguesa, com todas as suas definições excludentes. O
agosto de 2021. sujeito de associação do artista é o que muda com a atitude etnográfica; esse
sujeito passa a ser definido em termos de identidade cultural. Dentro dessa
maneira de experimentar a atitude do etnógrafo, o artista pratica uma
investigação identitária que não perde de vista a percepção do todo da sociedade
e compreende as identidades pessoais e coletivas como elos que conectam a
cultura e o planeta; elos sempre móveis em um permanente devir. O artista
etnógrafo mantém uma postura de quem aprende com o mundo, alargando sua
compreensão sobre si mesmo e sobre a comunidade humana.
Dentro dessa atenção com a identidade, surge também a recriação da relação com
o outro, em que a atitude etnográfica constrói uma poética na qual não existe
a condição do outro como exterioridade. Para o artista como etnógrafo, o fora
não é o outro em nenhum sentido simples. A alteridade e a diferença são
experimentadas internamente na constituição da própria subjetividade e o
desafio é fazer do outro não um contraponto do eu, mas compreendê-lo como um
outro eu. A diferença é permitida e apreciada, trazendo a experiência da teia
comunitária que nos une enquanto humanidade, com amplidão e multiplicidade.
O reconhecimento de uma alteridade no interior do eu é um ponto de partida em

muitos filmes experimentais marcados por uma atitude etnográfica. Os modelos
relacionais da diferença, as zonas fronteiriças mistas, os estranhamentos e os
encontros aparecem nos filmes experimentais etnográficos como a expressão de
uma crítica do sujeito, realizada com as estratégias do cinema e a liberdade e
a provocação do experimental. Uma crítica que não permanece centrada na primazia
do sujeito burguês ocidental, mas que experimenta novos eixos e órbitas, (Arthur Omar, 1970), os brilhos momentâneos das estórias não escritas das
vislumbrando novas constelações. madrugadas cariocas em Angela Noite (Roberto Moura, 1980) e a voracidade da
investigação de corpos e lares em Nada levarei quando morrer e aos que me devem
* cobrarei no inferno (Miguel Rio Branco, 1975) fazem da atitude etnográfica
desses filmes uma estratégia de enfrentamento das lacunas históricas e
No contexto brasileiro, os desafios de um cinema experimental etnográfico passam epistemológicas de nossa herança colonial.
necessariamente por uma atenção à longa história colonial que nos constitui
enquanto comunidade plural de povos. Em sua livre e irreverente investigação, No cenário contemporâneo, cineastas como Lívia Sá, Louise Botkay, Renato
os filmes experimentais etnográficos expõem que o Brasil é muitos e não é Coelho, Marcos Bonisson, Sebastian Wiedemann, entre outros, trazem, em filmes
ninguém. feitos a partir da virada do século XXI, imagens e narrativas de diferentes fios
culturais que nos conectam e dos quais somos feitos. Em seus filmes, o
Com diferentes poéticas etnográficas, o cinema experimental brasileiro enfrenta território brasileiro, cuja história o discurso colonial nos negou conhecer, é
as armadilhas de nossas categorias identitárias nacionais para tecer experimentado na sua amplidão de propostas de bem viver. Com seus transes,
investigações nas quais a imagem, o som e os jogos de montagem constroem obras relatos e imaginações, filmes como Resistir Existir (Lívia Sá, 2018), Pena Verde
onde pulsa a pergunta: “sabemos quem somos?”. Filmes que nos fazem experimentar (Louise Botkay, 2019), Kopacabana (Marcos Bonisson, 2020) ou Obatala (Sebastian
a constatação de que não sabemos quem somos e nos despertam para a urgência de Wiedmann, 2018) nos conduzem em experiências etnográficas que investigam o
nos conhecermos. passado e o presente, questionando sobre o conhecimento que temos acerca de nós
mesmos. Nessa busca por saber quem somos e onde estamos, esses filmes mergulham
Para o artista que tem no cinema a sua linguagem, o enfrentamento do peso em arquivos, viagens e ritos, filmados em película Super 8 ou pequenas câmeras
histórico e da violência colonial das categorias que constituem as identidades digitais, para criar obras que agitam nossos sentidos e pensamentos.
nacionais brasileiras é um eixo de atuação que se realiza de diferentes formas
e poéticas. Ao longo dos últimos anos, o Festival Dobra vem trazendo ao público Mostrar outras propostas de viver e nos permitir, com elas, nos conectar é a
uma produção contemporânea de filmes experimentais na qual é possível observar força da poética experimental do cinema etnográfico. Filmes que são
uma forte atitude etnográfica entre os cineastas. Filmes realizados por artistas irremediavelmente políticos, por reforçarem as narrativas da diferença e da
que percorrem distâncias próximas ou longínquas para enfrentar as ilusões multiplicidade dentro das disputas discursivas que marcam o mundo
identitárias e os apagamentos dos conflitos históricos coloniais. Filmes que contemporâneo. Feitos muitas vezes com recursos limitados e equipe mínima,
aceitam o desafio de dobrar o pensamento sobre o mundo e instaurar novos esses filmes fazem do cinema uma arma no combate pelo alargamento das histórias
caminhos em busca de outros futuros para a experiência do viver. de nossos pertencimentos, pelo aprofundamento da compreensão sobre nós mesmos
e pela criação de um discurso cinematográfico livre e ético, no qual o artista
No cinema experimental brasileiro, a atitude e as reflexões etnográficas estão experimenta estar no mundo sem se limitar às fronteiras espaciais ou temporais,
presentes desde os anos 70. Cineastas como Arthur Omar, Miguel Rio Branco, e exercita sua criatividade de forma livre e crítica.
Sérgio Péo, Sandra Werneck, Roberto Moura, Paula Gaitán, entre outros, trazem
uma produção de filmes que atravessam as últimas décadas do século passado em
investigações e vivências antropológicas sobre nosso ser, território e
identidades multiculturais. A crise da representação apresentada em Congo
___________ THE WORK In different forms, artistic creations made since the end of the 1970’s until
the present moment react to the capitalization of culture and to the
CREATION
privatization of society. Art reception is affected by forces that involve
aesthetic quality and the relevance of politics, forces that are many times in
opposing. The artist as producer (Benjamin) was a form of overcoming this
OF THE ARTIST opposition during the 1930’s in the European context. By the end of the 1970’s,
another conjuncture brought up a new paradigm structurally similar, but wider
ETHNOGRAPHER geographically: the artist as ethnographer (Foster).
To the artist as ethnographer, the object of contestation is also the

_ CRISTIANA MIRANDA, institution of capitalist bourgeois art, with all its exclusionary definitions.
August 2021. The subject on which the artist associates with is what changes with the
ethnographic attitude, this subject is then defined in therms of cultural
identity. Within this way of experimenting the ethnographer attitude, the artist
practices an identity investigation that doesn’t lose of sight the perception
of the whole of society and comprehends personal and collective identities as
links that connect culture to the planet, links always mobile, in a permanent
becoming. The artist ethnographer maintains a posture of one who learns from the
world, enlarging her comprehension about herself and about the human community.
Within this awareness with identity, it also emerges the recreation of the
relation with the other, where the ethnographic attitude builds a poetics in
which the condition of the other doesn’t exists as outsideness. To the artist
as ethnographer the outside isn’t the other in any simple meaning. The otherness
and the difference are experimented internally in the constitution of
subjectivity itself, and the defy is to do of the other not a counterpoint of
the self, but to comprehend it as an other self. The difference is allowed and
appreciated, bringing the experience of the community weft that unites us as
humanity with wideness and multiplicity.
The recognizing of an otherness inside the self is a starting point to many

experimental films marked by an ethnographic attitude. The relational models of
difference, the mixed frontier zones, the strangeness and the encounters, appear
in experimental ethnographic films as an expression of a critique of the
subject, made up with cinema strategies and freedom and the provocation of
experimental. A critique that doesn’t remain focused in the primacy of the nights in Angela Noite (Roberto Moura, 1980), the voracity of the investigation
bourgeois occidental subject, but that experiments with new axis and orbits, of bodies and homes in Nothing with Me When I Die, Those Who Owe Me I'll Collect
glimpsing new constellations. in Hell (Miguel Rio Branco, 1975) make of the ethnographic attitude of these
films a strategy of confronting the historical and epistemological gaps of our
* colonial heritage.
In the Brazilian context, the defies of an experimental ethnographic film pass In the contemporary scenery, filmmakers such as Lívia Sá, Louise Botkay, Renato
necessarily through an awareness to the long colonial history that constitutes Coelho, Marcos Bonisson, Sebastian Wiedemann, among others, bring, in films made
us as a plural community of peoples. In its free and irreverent investigation, from the turn to the 21st century, images and narratives from different cultural
the experimental ethnographic films know that Brazil are many and none. threads that connect us and from which we’re made of. In their films, the
Brazilian territory, whose history was denied to us by the colonial discourse,
With different ethnographic poetics, Brazilian experimental film faces the is experienced in its wideness of proposals of good living. With its trances,
traps of our national identity categories to weave investigations where image, narrations and imaginations, films like Resistir Existir (Lívia Sá, 2018), Pena
sound and editing assembly build works in which pulses the question: “do we know Verde (Louise Botkay, 2019), Kopacabana (Marcos Bonisson, 2020) or Obatala
who we are?”. Films that make us experience the ascertainment that we don’t know (Sebastian Wiedmann, 2018), conduct us in ethnographic experiences that
who we are and awake us to the urgency of knowing ourselves. investigate the past and the present, questioning the knowledge we have about
ourselves. In this search to know who we are and where we are, these films dive
To the artist that finds in cinema her language, the confrontation of historical in archives, trips and rites, filming in Super 8 celluloid or in small digital
burden and the colonial violence of categories which constitute Brazilian cameras, to create works that stir our senses and thoughts.
national identities is the action axis that takes place in different forms and
in the most diverse poetics. Over the last years, DOBRA Festival has been Show other proposals to good living and allow us to connect with them is the
bringing to the public a contemporary experimental film production where it’s strength of the experimental poetics of the ethnographic cinema. Films that are
possible to observe a strong ethnographic attitude among filmmakers. Films made irretrievably political because they reinforce the narratives of difference and
by artists that travel close or faraway distances to face the identity illusions of multiplicity within the discursive disputes that mark the contemporary world.
and the erasures of historic colonial conflicts. Films that accept the defy of Often made with limited resources and minimum crew, these films made of cinema
folding thinking about the world and of establishing new paths in search of a weapon in the battle to enlarge the histories of our belongings, by the
other futures to the experience of living. deepening of comprehension about ourselves and by the creation of a free and
ethical cinematographic discourse, where the artist experiments being in the
In Brazilian experimental film, the attitude and the ethnographic reflections world without limiting herself to time and space frontiers, and exercises her
are present since the 1970’s. Filmmakers such as Arthur Omar, Miguel Rio Branco, creativity in a free and critical way.
Sérgio Péo, Sandra Werneck, Roberto Moura, Paula Gaitán, among others, bring a
film production that crosses the last decades of the past century in
anthropological investigations and experiences about our being, our territory
and our multicultural identities. The representations’ crisis in Congo (Arthur
Omar, 1970), the momentary sparkles in the non-written stories of the “carioca”
______ CINEMA ANIMISTA A antropologia é um campo que permite vários tipos de investigação. É um domínio
ao mesmo tempo epistemológico e que também possibilita trabalhos estéticos. Ao
- NÃO ESTAMOS
longo dos séculos XIX e XX, um dos segmentos que mais se desenvolveu está
relacionado à pesquisa visual. O cinema antropológico, por exemplo, é realizado
desde os primórdios do cinematógrafo dos irmãos Lumière, com objetivos e
SOZINHOS NO MUNDO utilizações das mais diversas. Um dos elementos que essa vertente sustenta é que
um filme pode ser assimilado como intercessor, ou seja, o estudo social pode se
valer da instrumentação técnica para registrar expressões visuais e sonoras. O
_ LUCAS MURARI
material audiovisual expressa a percepção de mundo por meio de obras que
“escapam” do domínio da linguagem textual, complexificando os cânones da escrita
objetivista e racional. Para o antropólogo Claude Lévi-Strauss, a arte está a
meio caminho entre o conhecimento científico e o pensamento mítico e mágico.
Em alguns momentos dessa rica interação, a antropologia visual foi fortemente

influenciada pelo campo do documentário, como o Cinema Direto e o Cinema
Verdade. Outras referências importantes são as produções de vanguarda. Dois dos
principais cineastas-teóricos da década de 1920 escreveram sobre uma importante
questão antropológica, o animismo (do latim animus, “espírito”). Serguei
Eisenstein e Jean Epstein refletiram sobre os modos pelos quais o cinema poderia
implantar novas estratégias sensíveis, que tinham como objetivo dar forças às
imagens. A câmera possibilita outras estratégias perceptivas, uma configuração
de encantamento com o mundo. É importante ressaltar que ambos os cineastas
estavam ligados aos movimentos das vanguardas históricas. Segundo Edgar Morin,
o cinema é o maior discípulo do animismo. Os elementos não humanos – animais,
coisas, plantas, rochas – possuem alma, vida, isto é, presença subjetiva, o que
gera novos tipos de intercâmbio entre sujeito e objeto.
Em outro tipo de abordagem, o animismo também está presente em muitas culturas

e sistemas de crenças, que adotam essa perspectiva como forma de interação
recíproca com outras entidades mundanas. É um tipo de pensamento presente no
norte e no sul das Américas, na Sibéria e em algumas partes do sudoeste
asiático. A interpretação animista afirma que todos os seres são pessoas, o que
os diferencia é a corporalidade. O termo é uma construção antropológica, e não
uma designação dada pelas próprias etnias. Nas últimas décadas, as teorias
ontológicas têm sido amplamente investigadas por pensadores como Bruno Latour,
Eduardo Viveiros de Castro, Donna Haraway, Philippe Descola etc, os quais têm
pensado as relações entre humanos e não humanos a partir de novos paradigmas.
Tanto o pensamento fílmico como as teorias da antropologia são importantes para

elaborar essa ideia de animismo cinematográfico. As obras se tornaram maneiras
de complexificar as relações entre os seres. O animismo se tornou uma importante
tradição artística, que remonta às vanguardas da década de 1920 e que permanece
viva até os dias de hoje. O campo do cinema experimental tem se mostrado
sensível a essa questão. Uma preocupação frequente desse tipo de filme é abarcar
a multiplicidade de formas de vida, agenciando novos modos de expressão.
_______ ANIMIST CINEMA Anthropology is a field which allows several types of investigation. It belongs
to an epistemological domain but also enables aesthetic works. Over the 19th
– WE’RE NOT ALONE

and 20th centuries, one of its most developed segments is related to visual
research. Anthropological cinema, for instance, is produced since the
beginnings of the Lumière brothers’ cinematograph, with the most diverse goals
IN THE WORLD and uses. One of the elements that this genre sustains is that a film can be
assimilated as an intercessor, that is, the social study can use technical
instrumentation to register visual and sound expressions. The audiovisual
_ LUCAS MURARI
material expresses the perception of the world through works that “escape” from
the textual language domain, complexifying the canons of objectivist and
rational writing. For the anthropologist Claude Lévi-Strauss, art is halfway
between scientific knowledge and mythical and magical thinking.
In some moments of this rich interaction, visual anthropology was strongly

influenced by the documentary field, as in direct cinema and in cinéma-vérité.
Other important references are the vanguard film productions. Two of the main
filmmakers/theorists of the 1920’s wrote about an important anthropological
issue, the animism (from the latin animus, “spirit”). Sergei Eisenstein and Jean
Epstein reflected about the ways in which cinema could implement new sensible
strategies, whose goal was to strengthen images. The camera enables other
perceptive strategies, a setting of enchantment with the world. It is important
to highlight that both filmmakers were connected to historical vanguard
movements. According to Edgar Morin, cinema is the greatest disciple of animism.
The non-human elements – animals, things, plants, rocks – have soul, life, that
is, subjective presence, what generates new types of exchange between subject
and object.
In another type of approach, animism is also present in many cultures and belief
systems, which adopt this perspective as a form of reciprocal interaction with
other mundane entities. It is a type of thinking present in the north and in
the south of the Americas, in Siberia and in some parts of Southwest Asia. The
animist interpretation affirms that all beings are people, what differ us is
corporality. The term is an anthropological construction, and not a designation
given by the ethnicities themselves. In the last decades the ontological
theories have been widely investigated by thinkers such as Bruno Latour, Eduardo
Viveiros de Castro, Donna Haraway, Philippe Descola etc., which have been
thinking the relations between humans and non-humans from new paradigms.
Both filmic thinking and anthropological theories are important to elaborate

this idea of cinematographic animism. The works have become ways of
complexifying the relations between beings. This became one important artistic
tradition, that remounts to the 1920’s vanguards and which is still alive
nowadays. The field of experimental film has been sensitive to that issue. A
frequent preoccupation of this type of film is to embrace the multiplicity of
the forms of life, assembling new ways of expression.
_______ NOSSOS RESTOS Fazer filmes a partir de outros filmes.
E A BUSCA DOS
Tomada de maneira simplista, a frase acima pode levar a um entendimento limitado
acerca das inúmeras implicações que dela derivam. Atualmente reconhecido como
um modo distinto de se fazer um certo tipo de cinema, esta prática atende por
OBJETOS FÍLMICOS um amplo número de rótulos; dentre eles (e apenas como indicativo): filmes de
imagens recicladas, found footage, de reemprego. Independentemente da
terminologia adotada, a prática envolve o reuso de um produto cultural
_ LUIZ GARCIA
resultante das interações de uma vasta rede sociotécnica: o filme, considerando
aqui seus múltiplos suportes. É desse ponto que se pode vislumbrar algumas
implicações. O cinema constituiu-se a partir de uma diversificada malha
científica e tecnológica, a qual, associada ao contexto da modernidade e a
vetores socioculturais, moldaram e determinaram modos de organização e produção,
formas de distribuição e exibição, parâmetros qualitativos, modelos estéticos.
Enfim, todo um conjunto de fatores que proporcionaram o desenvolvimento da
atividade cinematográfica hegemônica como a conhecemos, mas também por essa
razão a domesticaram. Este fato, por sua vez, adestrou nosso olhar, acomodando-o
ao consumo de padrões de imagem e estruturas narrativas. Os filmes de reemprego,
sob as várias abordagens das quais se utilizam, buscam justamente desestabilizar
esses padrões, chamando atenção para certos aspectos presentes no material
reutilizado.
Pode-se sugerir, então, que em cada filme, ou mesmo somente em um pedaço dele,
encontra-se exposta (ou ainda oculta) uma miríade de temas e questões sobre o
mundo, captadas e registradas pelo aparato cinematográfico. É dessa coleta, nas
descobertas e encontros com esses fragmentos de mundo, que podemos lançar mão
de reflexões sobre o cinema, sobre o seu fazer, sobre as dinâmicas
socioeconômicas que o envolvem em incontáveis desdobramentos. Nesse sentido,
pensar uma etnografia experimental associada ao cinema, como fala Catherine
Russell, torna-se uma incursão metodológica que assume o vanguardismo do cinema
experimental, ao mobilizar seus jogos com a linguagem e a forma para fins
históricos. A prática torna-se ferramenta para um repensar sobre estética e
representação cultural.
A cinematografia de reemprego tornou-se uma das mais representativas vertentes

do cinema experimental, originária do cruzamento entre aplicações pragmáticas forjar reelaborações e ressignificações acerca de nossa cultura.
na produção e/ou exibição de filmes, percebidas desde o início do cinema, por
um lado, e dos preceitos das vanguardas históricas, por outro. Ao longo do
século XX, ampliou seu espectro de atuação – das intervenções plásticas e
formais às alternativas documentais –, e nos chega multiplicando e apresentando
novas formas de pesquisa criativa a partir do acervo do cinema e de outras
mídias audiovisuais. Esta cinematografia demonstra uma potencialidade
discursiva crítica e renovadora, pois expõe uma rede de informações visuais
tecida por justaposições, incentivando o espectador a estabelecer outras
conexões, muitas vezes completamente diversas àquelas originalmente
apresentadas no material fílmico.
Ao longo do século passado, notadamente após a Segunda Guerra Mundial,

percebemos o exercício desses questionamentos e o aprofundamento sobre as
representações culturais no cinema (e também sobre a TV), proporcionando o
aparecimento de títulos marcantes (evidentemente, aqui, restrito a pouquíssimos
exemplos): o seminal A Movie (Bruce Conner, 1958), filme que, segundo Patricia
Mellencamp, antecipava em 30 anos os debates sobre a cultura de massa; Perfect
Film (Ken Jacobs, 1985), notado por Tom Gunning como um “documento
antropológico”; a arqueologia de Histoire(s) du cinéma (Jean-Luc Godard, 1988)
e as múltiplas relações que estabelece entre a história do mundo no século XX
e a cultura cinematográfica. No Brasil, podemos apontar alguns exemplos, tais
como: Contestação (João Silvério Trevisan, 1969), Pacific (Marcelo Pedroso,
2009) e Um dia na vida (Eduardo Coutinho, 2010). Atualmente assistimos a uma
proliferação de filmes realizados a partir de materiais recolhidos na internet,
games, colagens híbridas entre arquivos analógicos e digitais, vídeoensaios, e
inúmeras outras formas experimentadas na convergência de antigas e novas
tecnologias.
Vivemos em um mundo permeado por imagens audiovisuais; elas nos cercam sob
condições nas quais não conseguimos assimilá-las devidamente. Na constatação
dessa impossibilidade, cabe instrumentalizar-nos para tentar melhor

entendê-las. Como Russell apontou, as formulações e reformulações de linguagem
que o cinema experimental utiliza o tornam um dos lugares possíveis onde podemos
_________ OUR REMAINS Make films from other films.
AND THE SEARCH

Taken in a simplistic way, the phrase above can lead to a limited understanding
about the numerous implications that derive from it. Currently, recognized as
a distinct way of making a certain kind of cinema, this practice answers to a
OF FILMIC OBJECTS wide number of labels, among them (and just as an indication): films from
recycled images, found footage, reused images. Regardless of the adopted
terminology, the practice involves the reuse of a cultural product resulting
_ LUIZ GARCIA
from the interactions of a wide sociotechnical net: the film, considering, here,
its multiple devices. It is from this point that we can glimpse some
implications. Cinema has constituted itself from a diversified scientific and
technological mesh, which, associated with the modern context and sociocultural
vectors, molded and determinated modes of organization and production, forms of
distribution and exhibition, qualitative parameters, aesthetic models. Anyway,
a whole set of factors that provided the development of the hegemonic
cinematographic activity as we know it, but also, for that reason, ended up
domesticating it. This fact, in turn, trained our gaze accommodating it to the
consume of image patterns and narrative structures. The films of reuse, by the
many approaches that they utilize, seek exactly to destabilize these patterns,
drawing attention to certain aspects present in the reused material.
We can suggest, then, that in each film, or even only in a part of it, we find
exposed (or still hidden) a myriad of themes and issues about the world,
captured and registered by the cinematographic apparatus. It is from this
gathering, in the discoveries and in the encounters with these world fragments,
that we can deploy reflections about cinema, about its making, about the
socioeconomic dynamics that involves it in countless developments. In this
sense, thinking about an experimental ethnography associated to cinema, as
Catherine Russell says, becomes a methodological incursion that assumes
experimental film’s vanguardism, mobilizing its language-games and the filmic
form to historical purposes. The practice becomes a tool for re-thinking about
aesthetics and cultural representation.
The cinematography of reuse became one of the most representative genres of

experimental film, originated, on one side, from the crossing of pragmatic
applications in the production and/or exhibition of films, noticed at the
beginning of cinema; and on the other, from the precepts of historical
vanguards. Over the 20th century, it expanded its action spectrum – from plastic
and formal interventions to documentary alternatives –, and now it comes to us
multiplying and presenting new forms of creative research from film and other
audiovisual media’s acquis. This cinematography demonstrates a critical and
renovating discursive potentiality, because it exposes a visual network of
information woven by juxtapositions, inciting the spectator to establish other
connections, often completely diverse from those originally presented in the
filmic material.
Over the past century, notably after the Second World War, we perceive a
questioning and deepening exercise about cultural representations in cinema
(and also on TV), providing the appearance of outstanding works (here, of
course, restricted to just a little few examples): the seminal A Movie (Bruce
Conner, 1958), from which Patricia Mellencamp detached that the film
anticipated, in 30 years, the debates about mass culture; Perfect Film (Ken
Jacobs, 1985), which according to Tom Gunning is an “anthropological document”;
and Histoire(s) du Cinéma (Jean-Luc Godard, 1988) and its archaeology with
multiple relations established with contemporary culture. In Brazil, we can
point out Contestação (João Silvério Trevisan, 1969), Pacific (Marcelo Pedroso,
2009), and Um dia na vida (Eduardo Coutinho, 2010). Currently, we watch a
proliferation of films made from collected material from the internet,
videogames, hybrid collages between analog and digital archives, video essays,
and other numerous experienced forms in the convergence of old and new
technologies.
We live in a world permeated by audiovisual images; they surround us under

conditions that we can’t properly assimilate. In finding this impossibility,
it’s up to us to prepare ourselves to understand them better. As referred by
Russell: the formulations and reformulations of language that experimental film
uses make of it one of the possible places in which we can forge re-elaborations
and re-significations about our culture.
PROGRAMAS DA CONVOCATÓRIA
OPEN CALL SCREENINGS
ARQUEOLOGIAS LATINAS
– POEIRA E ENCONTROS
LATIN AMERICAN ARCHAEOLOGIES
– DUST AND ENCOUNTERS
O gesto de revisitar memórias através dos rastros materiais deixados por elas
pode deflagrar enormes potenciais criativos e reflexivos. Com ele,
reconstitui-se uma experiência, geram-se possibilidades de novas abordagens
sobre algum tema, fato, pessoas. Tal qual reler um livro, revisitar um local,
rever um filme: as novas investidas tendem a revelar nuances ainda não
percebidas. Ou mesmo quando esses materiais do passado não são ainda conhecidos,
mas trazidos de volta por alguma contingência, repentinamente descobertos em
algum arquivo, achados acidentalmente num baú, promovendo, então, condições
para novas leituras. No cinema, o recurso de reutilizar materiais fílmicos
previamente elaborados é largamente detectado desde
o princípio de sua história. Os filmes documentários de compilação, por exemplo,
são vistos desde as primeiras décadas dessa história. No cinema experimental,
encontramos a vertente, cada vez mais difundida, dos filmes
de reemprego de imagens. Essa filmografia debruça-se e trabalha, exatamente,
a partir de materiais prévios. Nesse sentido, seus cineastas agem como
verdadeiros arqueólogos, escavam e buscam reconectar pedaços do passado e,
através do olhar crítico, reformulam questões e as disponibilizam em novas
experiências ao espectador. Assim, o passado é atualizado, retornam questões
ignoradas, esquecidas ou silenciadas, as quais ajudam a entendê-lo e, quem sabe,
a interferir no nosso presente.
Neste programa, são apresentados filmes de reemprego em produções

latino-americanas. Chegam até nós marcas, em formas de filmes, de um continente
onde as memórias nacionais são largamente desprezadas, abafadas
e distorcidas. Um continente de nações extremamente diversas em seus povos
e culturas, mas que carregam traumas comuns em suas histórias: explorações
políticas, sociais e culturais. Torna-se, então, extremamente relevante
entrarmos em contato com as obras formuladas por esses realizadores, que,
ao revistarem o passado sob múltiplas estratégias, oferecem outras leituras
sobre a organização social e política do continente e dos sintomas e reflexos
perceptíveis atualmente. São filmes que partem de um indivíduo, de um lugar ou
situação, para tentarem redesenhar cenários mais amplos e inteligíveis ou, ao
menos, que favoreçam pistas mais concretas ao entendimento de certas questões.
Seja no justapor do depoimento oral ao arquivo fílmico, na colagem de imagens
e sons de origens distintas, na valorização e estudo daquilo que pouco sobrou,
ou ainda na recomposição e reintrodução de memórias esfaceladas sobre lutas histories: political, social and cultural exploitations. It is, then, extremely
camponesas. As inscrições dessas imagens, mesmo quando deterioradas e relevant for us to make contact with works formulated by these filmmakers that,
silenciosas, guardam camadas de memórias a serem exploradas: são rostos, revisiting the past with multiple strategies, offer other readings about the
corpos, gestos, palavras e lugares a serem visitados. social and political organization of the continent and the perceivable symptoms
and reflexes nowadays. Films that start from
_ CRISTIANA MIRANDA, LUCAS MURARI E LUIZ GARCIA an individual, from a place or situation, to try to redesign more wider and
_ Curadoria intelligible scenery or, at least, a scenery that favor more concrete clues to
the understanding of certain issues. Whether in overlapping an oral testimony
with the filmic archive, in a collage of images and sounds from distinct
origins, in the appreciation and study of what little is left,
or still in the re-composition and reintroduction of crumbled memories about
peasant struggles. The inscriptions of these images, even when deteriorated and
The gesture of revisiting memories from material traces left by them, can silenced, retain layers of memories to be explored: faces, bodies, gestures,
unleash great creative and reflexive potentials. With it an experience is words and places to be visited.
reconstituted, possibilities of new approaches about some theme, fact, people
are generated. Just as rereading a book, revisiting a place, re-watching _ CRISTIANA MIRANDA, LUCAS MURARI AND LUIZ GARCIA
a film, the new lunges tend to reveal nuances yet not perceived. Or even when _ Curatorship
these materials of the past are still unknown but, brought back by some
contingency, suddenly discovered in some archive, found accidentally in
a trunk, they promote, then, conditions to new readings. In cinema, the
resource of reusing filmic material previously elaborated is largely detected
since the beginning of its history. The documentary compilation films,
for instance, are seen since the first decades of this history. In experimental
film, we find this genre, more and more diffused, of films based on the reuse
of images. This filmography pores over and works, exactly, from previous
materials. In this sense, its filmmakers act as true archaeologists, digging
and seeking to reconnect pieces of the past, and, through critical view,
reformulate issues and make them available in new experiences to the spectator.
Thus, the past is updated; ignored, forgotten or silenced issues return, issues
that help us to understand the past and, who knows, interfere in our present.
In this screening we present films of reuse in Latin American productions.

It comes to us marks, in the form of films, of a continent where national
memories are largely despised, muffled and distorted. A continent extremely
diverse in its peoples and cultures, but that carry common traumas in their
_ HIPÓTESES SOBRE A GUERRA
_ HIPÓTESIS SOBRE LA GUERRA
_ A HYPOTHESIS ABOUT WAR
de Pablo Rivas.
Chile, 2020, 15’
SINOPSE | SYNOPSIS This short film happened in a very intuitive way, during the Coronavirus
lockdown in Valparaiso. Back then, as a country we were struggling with very
Hugo, o avô do diretor, conta como ele forjou seus documentos para deixar hard emotions due to the confinement and the police abuses committed during
o Chile em 1939 e se alistar na Segunda Guerra Mundial. Suas aventuras ecoam the 2019 "social outbreak". The fabrication of this film was a personal way
o "surto social" chileno de 2019, que resultou em centenas de violações to deal with those emotions.
dos direitos humanos.
Hugo, the director's grandfather, tells him about how he forged his documents
to leave Chile in 1939, and enlist in World War II. His adventures echo SOBRE X ARTISTA | ABOUT THE ARTIST
the Chilean "social outbreak" of 2019, which has resulted in hundreds
of human rights violations. Pablo Rivas dirigiu os curtas-metragens Vieux tango español (2012),
selecionado para o programa Chicago Latino transmitido pelo Canal+, França,
e Hipóteses sobre a Guerra (2020), vencedor na categoria Melhor
EQUIPE | CREW Curta-metragem no Festival Internacional de Cinema de Viña del Mar (Ficviña).
Pablo Rivas has directed the short films Vieux tango español (2012), selected
Direção, Som Direto, Montagem, Desenho de Som | Direction, Direct Sound, at Chicago Latino and broadcasted by Canal+ France, and A hypothesis about
Film Editing, Sound Design: Pablo Rivas the war (2020), Best Short Film at Ficviña.
Produção | Production: Javiera Bonnefoy, Pablo Rivas
Fotografia | Cinematography: Sergio Aranda, Javiera Bonnefoy, Daniel Pacheco,
Pablo Rivas CONTATO | CONTACT
Material de Arquivo | Archival Footage: Rivas Lombardi family, pablosalvador@gmail.com
Prelinger Archives, Encyclopaedia Britannica Films, Avis Films,
Karl Kurt Bosse, General Motors Corporation
_______
Arquivo Twitter | Twitter Footage: @cristiancrespoj, @robertoNRM,
@ClaudioRoman, @MegafonoPopular, @El_Ciudadano, @eldegrego, @pablo_m,
@PiensaPrensa
Elenco | Cast: Julián Marras, Leonor Rivas, Hugo Rivas, Miguel Rivas,
Cecilia Sepúlveda
Correção de Cor | Color Grading: Daniel Tomasello
Mixagem de Som | Sound Mixer: Sergio Urcelay
SOBRE A OBRA | ABOUT THE WORK
Esse curta-metragem foi realizado de um modo bastante intuitivo, durante

o lockdown do Coronavírus em Valparaíso. Na época o país se debatia com
emoções bastante difíceis devido ao confinamento e aos abusos policiais
cometidos durante a “revolta social” do ano de 2019. A criação desse filme
foi um modo pessoal de lidar com essas emoções.
_ O URUGUAI NÃO É UM RIO
_ EL URUGUAY NO ES UN RÍO
_ URUGUAY IS NOT A RIVER
de Daniel Yafalian.
Uruguai, 2021, 16’30’’
EQUIPE | CREW
Direção, Som Direto, Montagem, Desenho de Som, Trilha Sonora Original |

Direction, Direct Sound, Film Editing, Sound Design, Original Soundtrack:
Daniel Yafalian
Produção | Production: Ignacio Seimanas
Pesquisa de Imagens | Image Researcher: Lucía Secco
Em meu encontro com os materiais de arquivo, observando sua temática

e ausência de conservação, fiquei fascinado. Fui me interessando então por
outras visões sobre esse tipo de realização, e a partir de alguns discos
de vinil dos anos 60, que encontrei em uma feira, me propus explorar
a nacionalidade e a passagem do tempo.
In my encounter with found-footage material, observing its thematics and
absence of conservation, I became fascinated. I began to feel interested then
in other visions about this kind of film-making, and from a few music records
from the 60’s, that I found in a fair, I proposed myself to explore
nationality and the passage of time.
SOBRE X ARTISTA | ABOUT THE ARTIST
____
Daniel Yafalian (Uruguai, 1974). Trabalhou em cerca de cinquenta
longas-metragens como diretor de som e compositor. Editou três discos e um EP.
SINOPSE | SYNOPSIS Codirigiu o curta Uruguay hoy. O Uruguai não é um rio é seu primeiro curta
solo.
A partir de imagens de arquivo e utilizando a deterioração natural, Daniel Yafalian (Uruguay, 1974). He worked in about fifty feature films as
arranhões, fungos e ruídos do material original, as diferentes camadas sound director and composer. He has edited three music records and one EP.
de som, música, texto e sua interação com a imagem levantam questões sobre He has co-directed the short film Uruguay Hoy. Uruguay is not a river is his
a ideia de nação, identidade e a passagem do tempo. first solo short film.
From found footage and using the natural deterioration, scratches, fungus
and noises of the original material, the different layers of sound, music,
text and their interaction with the image raise questions about the idea CONTATO | CONTACT
of nation, identity and the passage of time. piensaypienso@gmail.com
_ REPÚBLICA DO MANGUE
_ MANGUE REPUBLIC
de Julia Chacur, Priscila Serejo
e Mateus Sanches Duarte.
Brasil, 2020, 7’57’’
filma de dentro de um carro. São imagens que sobreviveram ao tempo e ao
desgaste material, nos instigando a propor um outro olhar sobre esta memória
de disputa e resistência.
From damaged images of the Zona do Baixo Meretrício (a red-light district)
of Rio de Janeiro, women close their windows and doors due to the camera that
films them from inside of a car. These are images that survive time and
material wear, instigating us to propose another outlook about this memory
of dispute and resistance.
____ SINOPSE | SYNOPSIS SOBRE X ARTISTA | ABOUT THE ARTIST
Julia Chacur é historiadora, produtora cultural e fotógrafa. Formada em

A Zona do Mangue do Rio de Janeiro era uma conhecida área de prostituição
História pela UFRJ, cursa especialização em Comunicação Pública da Ciência na
que enfrentou diversas perseguições ao longo do século XX. Entre 1954 e 1974,
UFMG e Mestrado na Escola de Comunicação da UFRJ.
vigorou na região a chamada República do Mangue, um regime representativo,
Mateus Sanches Duarte é formado em Ciências Sociais pela PUC-Rio e mestrando
que sob controle médico e vigilância policial, as mulheres decidiam quem
da Escola de Comunicação da UFRJ, atuando nas áreas de direção, produção
deveria assumir a administração das “casas de tolerância”.
e roteiro do Coletivo Audiovisual MilFita Filmes.
The Mangue Zone of Rio de Janeiro was a well-known area of prostitution
Priscila Serejo é pesquisadora. Formada em História pela UERJ, atua desde 2005
that faced several persecutions throughout the 20th century. Between 1954 and
em atividades de pesquisa histórica, de conteúdo e de imagem para publicações,
1974, was established the Mangue Republic, a representative regime, that
exposições, cinema e TV.
under medical control and police surveillance, women decided who should take
Julia Chacur is an historian, cultural producer and photographer. Graduated
over the administration of the houses of prostitution.
in History at the Federal University of Rio de Janeiro (UFRJ), she’s
undergoing a specialization course in Science’s Public Communication at the
Federal University of Minas Gerais (UFMG) and a master degree at the School
EQUIPE | CREW
of Communication of the Federal University of Rio de Janeiro.
Mateus Sanches Duarte is graduated in Social Sciences at the Catholic
Direção, Produção | Direction, Production: Julia Chacur, Mateus Sanches
University of Rio de Janeiro (PUC/Rio) and is a master degree student at the
Duarte, Priscila Serejo
School of Communication of the Federal University of Rio de Janeiro, working
Montagem | Film Editing: Pedro Fontoura
in the areas of direction, production and screenplay of the MilFita Filmes
Desenho de Som | Sound Design: Julia Chacur, Mateus Sanches Duarte, Priscila
Audiovisual Collletive.
Serejo, Pedro Fontoura
Priscila Serejo is a researcher. Graduated in History at the State University
Oficina Lanterna Mágica – 2020 – Arquivo Nacional. Orientação Patrícia Machado.
of Rio de Janeiro (UERJ), she works since 2005 in historic, content and image
research activities for publications, expositions, film and TV.
A partir das imagens deterioradas da Zona do Baixo Meretrício do Rio de

CONTATO | CONTACT
mateus.sanches14@gmail.com
Janeiro, mulheres fecham suas janelas e portas em virtude da câmera que as
_ DESARQUIVAR
_ UNARCHIVE
de Cecilia Araneda.
Canadá / Chile, 2020, 12’43’’
SINOPSE | SYNOPSIS
Desarquivar justapõe a vida do pai da cineasta com a história política

do Chile - o lugar de seu nascimento - durante o século passado. O filme
reflete sobre como nos lembramos e como esquecemos, e o papel da câmera
em transcender o complexo espaço no meio disso.
Unarchive juxtaposes the filmmaker’s father’s life with the political history
of Chile – his birthplace – over the past century. It reflects on how we
remember and how we forget, and the role of the camera in transcending the
complex space in between.
______
EQUIPE | CREW
Direção, Fotografia, Som Direto | Direction, Cinematography, Direct Sound:

Cecilia Araneda
Montagem, Desenho de Som | Film Editing, Sound Design: Cecilia Araneda,
Chad Tremblay
SOBRE A OBRA | ABOUT THE WORK Cecilia Araneda nasceu no Chile e chegou ao Canadá como refugiada ainda
criança, depois que sua família escapou da ditadura militar de direita.
Desarquivar foi iniciado como uma jornada sobre a memória e como ela se Ela produziu 15 curtas-metragens que foram apresentados em festivais de
conecta à identidade. O filme começou como uma jornada pessoal que finalmente cinema, centros culturais e museus de arte ao redor do mundo, e que foram
se expandiu após os protestos em massa no Chile, iniciados em outubro de 2019 reconhecidos com vários prêmios e distinções nacional e internacionalmente.
ao mesmo tempo em que eu estava começando a editar do filme. Para mim se Cecilia Araneda was born in Chile and arrived in Canada as a refugee as a
tornou impossível não falar sobre a importância da memória coletiva através child, after her family escaped the right-wing military dictatorship. She has
do filme, mesmo quando as memórias pessoais podem desaparecer. completed 15 short films that have been presented at film festivals, artist
Unarchive started out as a journey about memory and how it connects to run centres and art museums around the world, and that have been recognized
identity. It began as a personal journey that ultimately spread itself with various awards and distinctions nationally and internationally.
outward after the mass protests in Chile started in October 2019 at the same
time as I was starting to edit the film. It became impossible for me not to
speak about the importance of collective memory through the film, even as CONTATO | CONTACT
personal memories may vanish. cecilia@ceciliaaraneda.ca
_ O PETICIONÁRIO ( EXERCÍCIO #1 )
_ EL PETICIONARIO ( EJERCICIO #1 )
_ THE PETITIONER ( EXERCISE #1 )
de Edén Bastida Kullick.
México, 2021, 8’05’’
SINOPSE | SYNOPSIS
Primeiro exercício de remontagem de um filme inacabado sobre as lutas pela

apropriação de terras na cidade de Monterrey, que envolvia grande parte and typographic press. PhD in Theory and Art History at the University
da energia da classe trabalhadora durante os anos 1970. Este filme tenta of Buenos Aires (UBA). He’s a member of the National System of Creators,
narrar uma assembleia dentro da Frente Popular Terra e Liberdade Argentina.
e a incorporação de uma família ao movimento.
First exercise in reediting an unfinished film about the struggles for land
grabbing in the city of Monterrey, which involved much of the energy CONTATO | CONTACT
of the working class during the 1970s. This film tries to narrate an assembly edenbastidakullick@gmail.com
within the Popular Front for Land and Freedom and the incorporation
____
of a family into the movement.
EQUIPE | CREW
Direção, Produção | Direction, Production: Edén Bastida Kullick

Montagem | Film Editing: Daniel Celina
Um documento histórico retirado das lutas urbanas populares na cidade

de Monterrey, México. Por meio da reconstrução de fragmentos de um filme
inacabado.
A historical document cut out of the popular urban struggles in the city
of Monterrey, Mexico. By reconstructing fragments of an unfinished film.
Edén Bastida Kullick é artista visual e pesquisador. Trabalha os cruzamentos

entre arte e política, o audiovisual em múltiplos formatos, as intervenções
em espaço público e a impressão tipográfica. Doutor em Teoria e História das
Artes na Universidade de Buenos Aires (UBA). Integrante do Sistema Nacional
de Criadores, Argentina.
Edén Bastida Kullick is a visual artist and researcher. He works crossing art
and politics, audiovisual in its multiple formats, public space interventions
CARTAS SOBRE UMA
TEMPESTADE POR VIR
LETTERS ABOUT
AN INCOMING STORM
A relação entre o cinema e a literatura sempre foi básica e primordial. Sem o
contágio de Charles Dickens, Griffith não teria concebido os alicerces da
linguagem cinematográfica. Na civilização moderna das máquinas de imagem, os
filmes são as cartas do artista para um público por vir. Um desejo de
comunicação que compartilha a esperança do náufrago que lança sua garrafa ao
mar. Nesse mundo de exibições online, cada vez mais a recepção de um filme é um
encontro com um público que não se vê. Os filmes deste programa expressam
imaginações e intimidades do momento atual, diários de pandemia transformados
em potentes experimentações de poesia e linguagem cinematográfica. O programa
reúne um conjunto de filmes com um múltiplo e provocador aceno latino, obras
provenientes do Brasil, Argentina, Uruguai e Espanha nas quais as invenções de
formas nos fazem recuperar a experiência do sublime diante da tempestade
contemporânea.
_ CRISTIANA MIRANDA, LUCAS MURARI E LUIZ GARCIA

_ Curadoria
The relation between cinema and literature was always basic and primordial.
Without the influence of Charles Dickens, Griffith wouldn’t have conceived the
foundations of cinematographic language. In the modern civilization of image
machines, the films are like letters from the artist to an incoming public. The
desire to communicate shared with the hope of a castaway that throws the message
in a bottle. In this world of online exhibitions, more and more the reception
of a film is an encounter with a public that can’t be seen. The films in this
screening express imaginations and intimacies of the present moment, pandemic
diaries transformed in powerful experimentations with poetry and film language.
The screening brings together a set of films with a multiple and provoking latin
gesture, in works that come from Brazil, Argentina, Uruguay and Spain in which
the inventions of forms make us recover the experience of the sublime faced with
the contemporary storm.
_ CRISTIANA MIRANDA, LUCAS MURARI AND LUIZ GARCIA

_ Curatorship
_ ATÉ ESGOTAR O ESPAÇO
_ HASTA AGOTAR EL ESPACIO
_ UNTIL THERE IS NO SPACE
de Silvana Camors.
Uruguai, 2021, 6’
EQUIPE | CREW
Direção, Produção, Montagem | Direction, Production, Film Editing:

Silvana Camors
Fotografia | Cinematography: Diego Nessi, Silvana Camors
Som Direto, Desenho de Som, Trilha Sonora Original | Direct Sound, Sound
Design, Original Soundtrack: Nandy Cabrera, Bruno Boselli
Uma visão sensorial do corpo em relação ao seu entorno.

Habitar o espaço não foi a mesma coisa durante os últimos meses de 2020.
Sentir-se como sombras, como silhuetas capturadas entre telas poderia
ser um modo de pensar sobre nós.
O corpo abarcou uma relação dupla, se separando de nós mesmos e ao mesmo tempo
se fazendo consciente e necessário.
A sensory view of body in relations of its surrounding.
Inhabit space was not the same during the last months of 2020. Feeling like
shadows, like silhouettes caught between screens could be a way of thinking
about us.
Body has embraced a double relation, separating from ourselves and at the same
time being conscious and necessary.
____
Cineasta. Seus filmes, instalações e filme-performances participam de diversos
festivais e mostras nacionais e internacionais.
SINOPSE | SYNOPSIS Filmmaker. Her films, installations and film-performances participate in
several festivals and in national and international exhibitions.
Do contato à distância, como variam as percepções corporais?
O corpo e o espaço parecem confusos. A sensação permanece, quase
fantasmagórica, de nossos corpos se movendo. Dançar ou simplesmente estar
juntos parece uma memória distante.
From contact to distance, how do bodily perceptions vary?
The body and space feel blurred. The sensation remains, almost ghostly of our CONTATO | CONTACT
bodies moving. Dancing or just being together seems like a distant memory. silvanacamors@gmail.com
_ ANGUSTURA
_ ANGUISH
de Caio Sales.
Brasil, 2021, 10’
SINOPSE | SYNOPSIS CONTATO | CONTACT
caiomjsaleslima@gmail.com
A peste e as bombas inventaram mais uma distância que não se mede no mapa.
The plague and the bombs invented yet another distance that can’t be traced
in the map.
EQUIPE | CREW
Direção, Produção, Montagem, Desenho de Som | Direction, Production,

Film Editing, Sound Design: Caio Sales
Elenco | Cast: Luana Assis
Revisão de texto e tradução | Profreading and Translation: Rafaela Cruz
Finalização de áudio | Audio Finishing: Cássio Sales/Estúdio Glândula
Arte/Cartaz | Design/Poster: Gio Simões
Design gráfico | Graphic Design: Celso Hartkopf
Angustura é um filme-carta experimental que busca evocar certa dimensão

traumática engendrada no contexto da pandemia do novo Coronavírus. Através
_______
da compilação e reemprego de imagens de arquivo, o filme articula uma
representação fabular e ruidosa a partir de uma angústia real do nosso tempo,
entre bombas, assombros e saudades.
Anguish is an experimental film-letter that seeks to evoke a certain
traumatic dimension engendered by the pandemic context of the new
Coronavirus. Through the compilation and reuse of found-footage, the film
articulates a fable and noisy representation from a real anguish of our time,
between bombs, frights and longings.

Caio Sales (Recife, 1989) é cineasta e mestrando no Programa de Pós-Graduação
em Comunicação/UFPE.
Caio Sales (Recife, 1989) is a filmmaker and master degree student
in the Post-Graduation in Communication Program at the Federal University
of Pernambuco (UFPE).
_ ESTRATOS
_ ESTRATOS
_ STRATA
de Julián Galay.
Argentina / Alemanha, 2020, 11’
built by humans and the spread of a virus is sought. What is the secret
relationship between stones and pixels?
EQUIPE | CREW
Direção | Direction: Julián Galay

Montagem, Design 3D | Film Editing, 3D Design: Sebastián Zanzottera
Desenho de Som | Sound Design: Julián Galay
Texto | Text: Luis “Bocha” Caporossi
Produção | Production: Antes Muerto Cine
Em março de 2020 me mudei para Berlim. Alguns poucos dias após chegar
à cidade, havia uma conversa sobre um possível “lockdown”. Primeiro, um e-mail
chegou, no dia seguinte encontrei um livro na rua. Eu tinha um saco com pedras
vulcânicas na minha mochila. Na minha mente havia uma relação entre as coisas.
Então começamos a ligar os pontos.
In March 2020 I moved to Berlin. A few days after arriving there was a talk of
a possible "lockdown". First an email arrived, the next day I found a book on
the street. I had a bag with volcanic stones in my backpack. In my mind there
was a relationship between things. Then we started to connect the dots.
____ SOBRE X ARTISTA | ABOUT THE ARTIST
Julián Galay (Argentina, 1988) é um compositor e artista sonoro que trabalha

com o som, as imagens em movimento e a linguagem através da instalação,
SINOPSE | SYNOPSIS da performance e do cinema experimental.
Julián Galay (Argentina, 1988) is a composer and sound artist who works with
Um e-mail e um livro encontrado são tomados como evidência para uma sound, moving images and language through installation, performance and
investigação: a partir da análise com software forense, eles tentam encontrar experimental cinema.
uma relação entre o que os seres humanos construíram e a propagação de um
vírus. Qual é a relação secreta entre as pedras e os pixels?
An e-mail and a found book are taken as evidence for an investigation: CONTATO | CONTACT
through analysis from a forensic software a relationship between what is juliangalay@gmail.com
_ ARTificial (R)evolução ( VENTOS PANDÊMICOS )
_ ARTificial (R)evolución ( VIENTOS PANDÉMICOS )
_ ARTificial (R)evolution ( PANDEMIC WINDS )
de Rrose Present.
Espanha, 2020, 3’47’’
SINOPSE | SYNOPSIS
O ruído artificial da mídia do vento pandêmico inunda a rede.

O humano quer dominar tudo.
A natureza se revela.
A natureza dentro do humano é revelada.
Como em uma guerra entre nossa existência natural e/ou artificial.
O vento pandêmico que nos sacode é natural ou artificial?
Toda representação é artificial
The artificial medial noise of the pandemic wind floods the network.
The human wants to dominate everything.
_______
Nature reveals itself.
The nature within the human is revealed.
Like a war between our natural and/or artificial existence.
Is the pandemic wind that shakes us natural or artificial?
All representation is artificial.
Is the pandemic wind that shakes us natural or artificial?
All representation is artificial.
EQUIPE | CREW
Direção, Fotografia, Som Direto, Montagem, Desenho de Som, Trilha Sonora SOBRE X ARTISTA | ABOUT THE ARTIST
Original, Produção | Direction, Cinematography, Direct Sound, Film Editing,
Sound Design, Original Soundtrack, Production: Rrose Present Rrose Present é de Barcelona, ela é graduada em Artes Plásticas pela
Música | Music: Oriol Perucho Universidade de Barcelona (UB) e mestre em Filosofia da Arte Contemporânea
pela Universidade Autônoma de Barcelona (AUB). A partir de um início bastante
conceitual, seu trabalho abandona a literalidade das imagens, mais próximo da
SOBRE A OBRA | ABOUT THE WORK linguagem do cinema experimental. Ela participa de inúmeros festivais de
cinema e vídeo experimental ao redor do mundo.
O pixel é uma metáfora do sistema capitalista criado pelos humanos para impor Rrose Present is from Barcelona, she has a degree in Fine Arts at the
sua ditadura sobre os humanos e sobre todas as espécies do planeta. University of Barcelona (UB), a master degree in Contemporary Art Philosophy
A natureza dentro do humano é revelada. at the Universitat Autònoma de Barcelona (AUB). From a very conceptual
Como em uma guerra entre nossa existência natural e/ou artificial. beginning, her work abandons the literality of images, closer to the language
O vento pandêmico que nos sacode é natural ou artificial? of experimental cinema. She participates in numerous experimental film and
Toda representação é artificial. video festivals around the world.
The pixel is a metaphor for the capitalist system created by humans to impose
its dictatorship on humans and all species on the planet.
The nature within the human is revealed. CONTATO | CONTACT
Like a war between our natural and / or artificial existence. rroserpresent@gmail.com
_ IGUAL / DIFERENTE / AMBAS / NENHUMA
_ SAME / DIFFERENT / BOTH / NEITHER
de Adriana Barbosa e Fernanda Pessoa.
Brasil / EUA, 2020, 19’
but in a deeper and significant way. Second, we yearn for a collaborative
creation, being in a dialogue with another filmmaker, sharing reflections
about life, politics and cinema.
____ SINOPSE | SYNOPSIS

Fernanda Pessoa é cineasta e artista, diretora de Histórias que nosso cinema
(não) contava e Zona Árida. Cineasta mexicana-brasileira, Adriana Barbosa
realizou os curtas Ferroada e La Flaca, e atualmente produz os longas
Fernanda é brasileira e mora em São Paulo, Adriana é mexicana-brasileira Fronteiras e Exu e o Universo.
e mora em Los Angeles. Em um período de isolamento, distantes uma da outra,
elas se reconectam por meio de vídeo-cartas, inspiradas pelo olhar poético Fernanda Pessoa is a filmmaker and artist, she has directed Stories our cinema
de cineastas mulheres experimentais: Marie Menken, Joyce Wieland, Gunvor did (not) tell and Arid Zone. Adriana Barbosa is a Mexican-Brazilian
Nelson e Yvonne Rainer. filmmaker. She has directed the short films Bite and The Bony Lady,
Fernanda is a Brazilian living in São Paulo, Adriana is a Mexican-Brazilian and is currently producing the feature films Fronteiras and Exu e o Universo.
living in Los Angeles. In a period of isolation, far away from each other,
the two friends reconnect through video-letters, inspired by the poetic gaze
of women filmmakers: Marie Menken, Joyce Wieland, Gunvor Nelson and Yvonne CONTATO | CONTACT
Rainer. fernanda@pessoaproducoes.com
EQUIPE | CREW
Direção, Produção, Fotografia, Som Direto, Montagem | Direction, Production,

Cinematography, Direct Sound, Film Editing: Adriana Barbosa e Fernanda Pessoa
Desenho de Som | Sound Design: Julia Teles
O curta usa o formato epistolar por duas razões principais. Primeiro,

porque havia uma necessidade genuína de nos reconectarmos, à distância,
mas de uma forma mais profunda e significativa. Em segundo lugar, ansiávamos
por uma criação colaborativa, por estar em um diálogo com outra cineasta,
compartilhando reflexões sobre a vida, a política e o cinema.
This short film uses the epistolary format due to two main reasons. First,
because we had a genuine necessity to reconnect with each other, remotely,
PARA PROVOCAR OS SENTIDOS:
O CINEMA EM VENTOS PICTÓRICOS
TO PROVOKE SENSES:
CINEMA IN PICTORIAL WINDS
A chegada da tecnologia digital da imagem, com suas possibilidades de
manipulação e montagem não linear, tornou ainda mais intensa e provocadora a
relação entre o cinema e as artes plásticas. Os filmes experimentais
contemporâneos aliam a permanência da película às possibilidades de manipulação
da imagem na ilha de edição digital, fazendo do cinema a arte do êxtase
audiovisual. Com diferentes estratégias e provocações de linguagem, os filmes
aqui selecionados experimentam o contágio entre a pintura e o cinema
experimental, criando densas sensações visuais que provocam nossos sentidos e
invocam novas imagens técnicas e performáticas.

_ Curadoria
The arrival of digital image technology, with its manipulation and non-linear
editing possibilities, made even more intense and provoking the relation
between cinema and fine arts. The contemporary experimental films ally the
permanence of celluloid with the image manipulation possibilities on the
editing room, making cinema the art of audiovisual bliss. With different
strategies and provocations from language, the films selected here experiment
with the contagion between painting and experimental film, creating dense
visual sensations that provoke our senses and invoke new technical and
performative images.

_ Curatorship
_ BICICLETAS DE PEQUIM
_ BEIJING BICYCLES
de Jean-Michel Rolland.
França, 2020, 4’11’’
____ SINOPSE | SYNOPSIS and a painter, he brings together his two passions – the sound and the image –
in digital arts since 2010.
Bicicletas de Pequim é a memória poética deixada no artista pelas milhares
de bicicletas que circulam em Pequim. A rodada interminável de imagens
é transformada, passando vagarosamente de uma forma indefinida para aquela – CONTATO | CONTACT
construída – dos ciclistas, sem jamais permanecer na tomada original. jimrolland13@gmail.com
Beijing Bicycles is the poetic memory left on the artist by the thousands
of bicycles that circulate in Beijing. The endless round of images is
transformed, slowly passing from an indefinite form to that – constructed –
of cyclists, without ever dwelling on the original shot.
EQUIPE | CREW
Direção e Realização | Direction and Production: Jean-Michel Rolland
Bicicletas de Pequim é uma fotovideografia, uma série de fotografias que

evoluem com o tempo para alterar o status e se tornar uma obra de arte em
vídeo. O espectador pode se sentir frustrado pelo rápido sobrevoo das
fotografias iniciais, mas a contemplação da imagem reconstituída não é o
objetivo, o que importa é a jornada da observação fixa de uma forma à outra.
Beijing Bicycles is a photovideography, a series of photographs that evolve
over time to change status and become a video artwork. The viewer may feel
frustrated by the rapid flyover of the initial photographs, but the
contemplation of the reconstituted image is not the goal, what matters
is the journey of the gaze from one form to another.
Jean-Michel Rolland é um artista francês nascido em 1972. Músico e pintor

de longa data, ele reúne suas duas paixões – o som e a imagem – nas artes
digitais desde 2010.
Jean-Michel Rolland is a French artist born in 1972. A long time a musician
_ AZUL PROFUNDO
_ DEEP BLUE
de Sebastian Wiedemann.
Colômbia / em lugar nenhum durante o confinamento
da pandemia Covid-19 | nowhere during the confinement
of the Covid-19 pandemic, 2020, 7’45’’
EQUIPE | CREW
Direção, Montagem | Direction, Film Editing: Sebastian Wiedemann

Desenho de Som | Sound Design: Michael Gordon
Um não-espaço, um espaço intensivo e cósmico. Um retorno ao útero do mundo.

Uma reconexão com os afetos marinhos e oceânicos que habitam em todos nós.
Sentir a vertigem do nascimento de mundos em todas as escalas. Uma queda do
humano, uma emergência constante. Uma experiência imersiva, uma apneia.
A non-space, an intensive and cosmic space. A return to the world’s uterus.
A re-connection with marine and oceanic affections that inhabit all of us.
To feel the vertigo of the birth of worlds in all scales.
A fall of the human, a constant emergency. An immersive experience, an apnea.
Cineasta experimental, já exibiu seus filmes em galerias, museus e festivais

das Américas, Europa e Ásia. Durante 2019-2020 seu filme Obatalá Film ganhou
____
diversos prêmios no Brasil. Seu trabalho já recebeu retrospectivas no Brasil,
Colômbia, Espanha e Irlanda.
Sebastian Wiedemann is an experimental filmmaker, that has exhibited his films
on galleries, museums and festivals in the American continent, Europe and
Asia. During 2019-2020, his film Obatalá Film has won several awards in
Brazil. His work have received retrospectives in Brazil, Colombia, Spain and
Ireland.
SINOPSE | SYNOPSIS
Nascentes e apneias entre mundos para resistir e reexistir à pandemia. CONTATO | CONTACT
Springs and Apneas between Worlds to resist and re-exist the pandemic. wiedemann.sebastian@gmail.com
_ FÓTONS PERDIDOS
_ LOST PHOTONS
de Stuart Pound.
Reino Unido, 2021, 4’14’’
stuartpound@stuartpound.plus.com
Um clipe do icônico filme de ficção científica de 1999, Matrix, se torna um
____
filme mudo bem mais antigo com um acompanhamento de piano, visto novamente em
seu próprio futuro distante ou onde o tempo não conta mais. Os dois amantes
trocam de papéis e também de gênero no obscuro espaço cinemático no qual
estão contidos.
A clip from the iconic 1999 science fiction film The Matrix becomes a much
older silent movie with piano accompaniment, seen again in its own far future
or where time no longer counts. The two lovers shift roles and even genders
in the obscure cinematic space that contains them.
EQUIPE | CREW
Direção | Direction: Stuart Pound
Eu estava particularmente interessado na relação entre os dois trechos

de músicas, de J. S. Bach e de Béla Bartok, utilizados nesse trabalho.
I was particularly interested in the relationship between the two pieces
of music used in this work by J.S. Bach and Béla Bartók.
Stuart Pound vive em Londres e tem trabalhado em filmes experimentais desde

o início da década de 1970 e com vídeo digital desde os anos de 1990. Em 1995,
ele começou a colaborar com a poeta Rosemary Norman. O trabalho dos dois tem
sido exibido regularmente em festivais internacionais e em galerias de arte.
Stuart Pound lives in London and has worked in experimental film since the
early 1970’s and digital video since the 1990’s. In 1995, he began
collaborating with the poet Rosemary Norman. Their work has been screened
regularly at international festivals and in galleries.
_ O DEVIR
_ THE BECOMING
de Mélissa Faivre.
França, 2020, 5’10’’
EQUIPE | CREW
Direção e Realização | Direction and Production: Mélissa Faivre
Em O Devir, Mélissa Faivre expande as tradições do filme experimental com

a experiência da nova mídia digital. Através de várias técnicas digitais
e processos manuais, ela traduz e redescobre a estética e as práticas do filme
dentro do digital.
In The Becoming, Mélissa Faivre expands the traditions of experimental film
with the experience of new digital media. Through various digital techniques
and hand-made processes she translates and rediscovers the aesthetics and
practices of film within the digital.
Mélissa Faivre cria imagens em movimento que apresentam realidades mescladas

e distorcidas que procuram testar as coordenadas temporal e espacial fundantes
para a experiência perceptiva.
Mélissa Faivre creates moving images that present blended and distorted
realities that seek to test the temporal and spatial co-ordinates foundational
to the perceptive experience.
SINOPSE | SYNOPSIS
O Devir é uma colagem em ritmo acelerado de fotografias animadas de pinturas CONTATO | CONTACT
à tinta bem como de material de vídeo de espécies extintas e vivas de peixes, melissa.faivre@yahoo.fr
_______
répteis e pássaros. A sobreposição de diferentes formas de vida com
a natureza expressa a ideia de regeneração. Essa colagem em movimento se
torna cada vez mais vibrante e termina com uma explosão de formas e cores.
The Becoming is a fast-paced collage of animated photographs of ink paintings
as well as video material of extinct and living species of fish, reptiles
and birds. The superposition of different life forms with nature expresses
the idea of regeneration. This moving collage becomes increasingly vibrant
and ends with an explosion of shapes and colors.
_ FOGO FÁTUO
_ NIGHT FIRE
de Beto Brant, Gabriela Miranda e Matheus Brant.
Brasil, 2020, 6’42’’
O filme faz parte da residência PINK UMBRELLAS – “criar à distância

e mergulhar em uma experiência de linguagem deslocada do ‘lugar-comum’”.
Foi com esse mote que nos juntamos para realizar algo. Em tempos
de catástrofe, nossa quietude estava em observar os pequenos movimentos
da natureza. O filme é uma tentativa de escutar os reclames dessa que vem
sendo devastada.
The film is part of the art residence PINK UMBRELLAS – “create remotely
and dive in the experience of language displaced from ‘common-place’”.
It was with that motto that we got together to produce something.
In catastrophic times, our quietness was in observing the little movements
of nature. The film is an attempt to listen the reclaims of the one that has
been devastated.
____
Beto Brant dirigiu os filmes Os Matadores, Ação Entre Amigos, O Invasor,
Crime Delicado, Cão Sem Dono, Eu receberia as piores notícias dos seus lindos
SINOPSE | SYNOPSIS lábios e Pitanga, entre outros.
Gabriela Miranda, realizadora audiovisual e montadora, e Matheus Brant,
Tentativa de comunicação com a natureza em reação. Luz como disparador realizador audiovisual, fotógrafo e iluminador teatral, trabalham juntos desde
de energia, imagem que se molda e ascende no ar. 2019, dirigiram o curta Aguado (2020) e fizeram a direção de imagem
Attempt to communicate with nature in reaction. Light as energy trigger, da peça-filme Desfazenda (2021).
an image that shapes and rises in the air. Beto Brant has directed the feature films Belly Up, Friendly Fire,
The Invader, Delicate Crime, Bezpański pies, I’d receive the worst news
from your beautiful lips and Pitanga, among others.
EQUIPE | CREW Gabriela Miranda is an audiovisual filmmaker and film editor. Matheus Brant
is an audiovisual filmmaker, photographer and theatre lighting designer.
Direção, Fotografia, Som Direto, Desenho de Som, Trilha Sonora Original | They work together since 2019 and have also directed the short film Aguado
Direction, Cinematography, Direct Sound, Sound Design, Original Soundtrack: (2020) and made the image direction of the play-film Desfazenda (2021).
Beto Brant, Gabriela Miranda, Matheus Brant
Montagem | Film Editing: Gabriela Miranda, Matheus Brant
Produção | Production: Beto Brant, Gabriela Miranda, Matheus Brant,
PINK UMBRELLAS ART RESIDENCY CONTATO | CONTACT
Agradecimento | Thanks to: Mirella Brandi e/and Muep Etmo matheusbrantc@gmail.com
_ QUEDA
_ FALL
de Lia Leticia.
Brasil, 2021, 6’
Montagem | Film Editing: Leticia Barros
Desenho de Som, Trilha Sonora Original | Sound Design, Original Soundtrack:
Nicolau Domingues
Produção | Production: Adah Lisboa
A videoperformance QUEDA propõe fricções entre construções sociais e questões

raciais. Elenquei, por um lado, um objeto que age dentro de um protocolo
social demarcador de classe e, por outro lado, o confronto através de uma
ruptura simbólica material. QUEDA é uma fábula que expõe rotas possíveis de um
futuro rompido.
The video-performance FALL proposes frictions between social constructions and
racial issues. I’ve chose, on one hand, the object that acts within the
social-class demarcation protocol and, on other hand, the confrontation
through the material symbolic disruption. FALL is a fable that exposes
possible routes of a broken future.
_______ SOBRE X ARTISTA | ABOUT THE ARTIST
Artista visual, natural de Viamão/RS, mudou-se para Olinda/PE no final da

década de 90. Desde então explora a pintura em diversos suportes, inclusive o
SINOPSE | SYNOPSIS audiovisual, e investiga as relações entre este e a performance.
Lia Leticia is a visual artist from Viamão/RS – Brazil. She is based in
Memória inventada, futuro rompido, fogo! Olinda/PE – Brazil since the 1990’s and explores painting in several devices,
Invented memory, broken future, fire! including audiovisual, and investigates the relations between audiovisual and
performance.
EQUIPE | CREW
Direção | Direction: Lia Leticia CONTATO | CONTACT

Fotografia | Cinematography: Rennan Peixe lia.leticia@gmail.com
_ ZAPEAR ZUMBI
_ ZOMBI ZAPPING
_ ZOMBIE ZAPPING
de Luca Sorgato.
Itália, 2020, 4’15’’
Uma imagem de acompanhamento de dez canais de televisão. Um zapping

indiferente e inconclusivo, em que as personagens, semelhantes aos zumbis,
são aprisionadas num laço aparentemente eterno.
A medley of ten TV networks. A lame, inconclusive zapping in which
the characters, similar to zombies, appear trapped in an eternal loop.
EQUIPE | CREW
Direção, Produção, Montagem | Direction, Production, Film Editing:

Luca Sorgato
Desenho de Som | Sound Design: Gabriele Cardullo
Eu encontrei um antigo televisor Thompson, com um videocassete integrado.

Comecei a assistir fitas VHS de vários tipos, apertei o botão de stand-by
e notei um efeito estranho de tremulação que estava sendo gerado. O filme
é feito exclusivamente de imagens congeladas, capturadas de fitas VHS
de vários gêneros. Para filmar a tela da TV eu utilizei um celular.
I found an old Thomson TV set, with an integrated video-recorder. I started
watching VHS of various kinds, I pressed the stand-by button and noticed the
strange wobbly effect that was being generated. The movie is made exclusively
of freeze images, taken from VHSs of various genres. In order to film the TV
screen I used a smartphone.
Luca Sorgato é um diretor nascido em Milão - Itália, em 1985. Sua pesquisa

fílmica transita entre a exploração de corpos, espaços e objetos esquecidos,
com uma reflexão constante sobre o tempo.
Luca Sorgato is a film director born in Milan - Italy in 1985. His filmic
research moves between the exploration of bodies, places and forgotten CONTATO | CONTACT
objects, with a constant reflection on time. luca.sorgato@gmail.com
SOBRE OS LÍQUIDOS,
OS SONHOS E OS RISCOS
QUE A PELÍCULA NOS TRAZ
ABOUT LIQUIDS,
DREAMS AND RISKS
THAT CELLULOID BRINGS US
A necessidade da permanente superação intrínseca à tecnologia moderna dá às
imagens técnicas uma história de mudanças cada vez mais profundas na captação da
imagem luminosa. Ainda assim, a tecnologia analógica de fixar a imagem em uma
emulsão feita de grãos de prata e nuvens de corantes permanece encantando e
estimulando os artistas para filmar com película, em pleno deslumbre das
transmissões em 8K. Em diferentes pontos do planeta, muitos artistas que fazem
do cinema a sua linguagem escolhem as antigas câmeras de filmar com película
Super 8 ou 16mm para criar suas imagens. As engrenagens rolantes das câmeras
analógicas e a materialidade surpreendente da emulsão fotoquímica sobre o
suporte plástico do acetato ainda são uma ferramenta de criação indispensável
para os cineastas do mundo atual. O programa “Sobre os líquidos, os sonhos e os
riscos que a película nos traz” proclama a vitalidade da película cinematográfica
como meio material de criação artística. Atualizando práticas históricas do
cinema experimental, esses filmes fazem da materialidade fotoquímica da imagem
analógica uma ferramenta para infinitas criações e surpresas.

_ Curadoria
The permanent necessity of resilience, intrinsic to modern technology, gives to

technical images a history of changes more and more deep in capturing luminous
images. Even so, analog technology of fixing the image in an emulsion made by
silver grains and coloring clouds keeps enchanting and stimulating artists to
film in celluloid, even in the broad dazzle of 8k transmissions. In different
parts of the planet, many artists that make of cinema their language, choose old
cameras to film with Super 8 and 16mm celluloid and create their images. The
rolling gear of analog cameras and the surprising materiality of photochemical
emulsion in the acetate plastic device are still indispensable tools for
creation to filmmakers in the current world. The screening “About liquids,
dreams and risks that celluloid brings us” proclaims the vitality of film
celluloid as a material means of artistic creation. Updating a historical and
scathing practice in experimental film, these films make of the photochemical
materiality of analog image a tool for infinite creations and surprises.

_ Curatorship
_ DO TEMPO SEM COMEÇO
_ FROM TIME WITHOUT BEGINNING
de Lorenzo Gattorna.
Índia / EUA, 2021. 6’40’’
caseiros, se funde com preocupações presentes e os modos de estar dos dois
lados da lente.
My work attempts to subtly expose and somewhat resolve sublime yet shocking
encounters at the interstice of reality and the artifice born on the screen.
An affective engagement with the past, originating from such sources as
literary fiction, personal distress, sacred traditions and home movies, fuses
with the present concerns and modes of being on both sides of the lens.

Lorenzo Gattorna é um cineasta, instrutor, programador de cinema e técnico
de Nova Iorque. Ele já exibiu seus filmes na Antimatter, no CROSSROADS,
na CUFF, na EPFC, na FRACTO, na Microscope Gallery e na NYFF. Ele já criou
“A morte em Kashi é ‘libertação’”. – Death in Banaras, Jonathan P. Parry, programas para a AFA, a Maysles Cinema, a The Nightingale e a UNDO.
1994. Lorenzo Gattorna is a filmmaker, instructor, film programmer and technician
'Death in Kashi is "liberation"'. – Death in Banaras, Jonathan P. Parry, from New York City. He has shown at Antimatter, CROSSROADS, CUFF, EPFC,
1994. FRACTO, Microscope Gallery and NYFF. He has programmed for AFA, Maysles
Cinema, The Nightingale and UNDO.
EQUIPE | CREW
CONTATO | CONTACT
Direção, Fotografia, Montagem | Direction, Cinematography, Film Editing: gattorenz@gmail.com
Lorenzo Gattorna
Som Direto | Direct Sound: Christian Schroeder, Yvan Salomone, Charlie
Atanasyan
Trevor Welch
Produção | Production: Mary Ancel, Navneet Raman, Ajay Pandey, Vinod Sahani,
Petra Manefeld
Meu trabalho tenta expor sutilmente e de algum modo resolver sublimes, ainda
que chocantes, encontros no interstício da realidade e do artifício nascidos
na tela. Um engajamento afetivo com o passado, originado de fontes tais como
a ficção literária, o sofrimento pessoal, as tradições sagradas e os filmes
_ ANTFILM
de Tetsuya Maruyama.
Brasil, 2021, 2’
SINOPSE | SYNOPSIS
Como alguém pode ir contra o sistema quando você faz parte dele?
_______
How can one go against the system when you are part of it?
EQUIPE | CREW
Direção, Montagem, Desenho de Som | Direction, Film Editing, Sound Design:

Tetsuya Maruyama
Estamos no eterno ciclo de abismo. Ir contra algo é uma forma de

manifestação. Civilização contra natureza. Humanidade contra animalidade.
Desde quando nós separamos? Não podemos continuar mais no mesmo sistema.
We are in the eternal cycle of abyss. To go against something is a form
of manifestation. Civilization against nature. Humanity against animality.
Since when did we separated? We can’t stay anymore in the same system.

Tetsuya Maruyama é artista cuja prática multidisciplinar inclui filme,
performance, instalação e tudo entre isso. Seu trabalho parte de
re-contextualização de experiências vividas, como um registro de observações
cotidianas.
Tetsuya Maruyama is an artist whose multidisciplinary practice includes film,
performance, installation and everything in-between. His work starts from the
re-contextualization of lived experiences, as a register of everyday
observations.
CONTATO | CONTACT
papmaruyama@gmail.com
_ FOXTROT
de Moira Lacowicz.
Brasil / Argentina, 2021, 4’27’’
EQUIPE | CREW
Imagem | Image: Moira Lacowicz

Montagem | Film Editing: Moira Lacowicz, Thiago Mello
Desenho de Som | Sound Design: Thiago Mello
Transfer: Leche Lab
Trilha Sonora Original | Original Soundtrack: Thiago Mello, Santiago Beis
Foxtrot é um exercício plástico realizado inteiramente com material de arquivo

em formato 16mm. Foi montado com algumas provas que realizei durante
o confinamento do ano de 2020 quando ainda morava em Buenos Aires. Sem muita
pretensão, é um filme que se trata simplesmente de processos efeitistas,
onde o meio é a própria finalidade.
Foxtrot is a plastic exercise produced entirely with found-footage in 16mm
format. Its montage was made with some film tests I’ve done during the
shelter-in-place of the year 2020, when I was still living in Buenos Aires.
____
Without much ambition, it is a film that simply deals with effect processes,
where the means is the goal itself.
SINOPSE | SYNOPSIS
“Você sabia o que Kant dizia? SOBRE X ARTISTA | ABOUT THE ARTIST
Que se desse tudo certo no meio também
Daria no fim dependendo da ideia que se Moira Lacowicz (Fraiburgo/SC – Brazil, 1992). Artista multidisciplinar.
Fizesse de começo Estudou Direção Cinematográfica na Fundación Universidad del Cine (Buenos
E depois — para ilustrar — saiu dançando um Foxtrot.” Aires - Argentina). Atualmente vive e trabalha em Curitiba/PR - Brasil.
Foxtrot é um exercício plástico sobre processos azarados realizado Moira Lacowicz (Fraiburgo/SC – Brazil, 1992). Multidisciplinary artist.
com material de arquivo em formato 16mm. Studied Film Direction at the Fundación Universid del Cine (Buenos Aires –
“You know what Kant said? Argentina). Currently lives and works in Curitiba/PR – Brazil.
That if everything went ok at the middle
It will also be alright at the end,
depending over the idea made at the beginning.
And then - as illustration - went on dancing
a foxtrot.”
Produced with found-footage in 16mm format, Foxtrot is a visual plasticity CONTATO | CONTACT
exercise that deals with bad luck processes. moirasllacowicz@gmail.com
_ FERIADO
_ HOLIDAY
de Azucena Losana.
Brasil / Argentina / México, 2021, 2’
_______ SINOPSE | SYNOPSIS
Paisagens eletromagnéticas e poesia marginal em um feriado.

Electromagnetic landscapes and marginal poetry on a holiday.
EQUIPE | CREW
Direção e Realização | Direction and Production: Azucena Losana

Poesia e Voz | Poetry and Voice: Bruno Negrão
As paisagens eletromagnéticas de São Paulo e do Rio de Janeiro avançam de

forma irregular e é possível ver o que há fora do recorte do fotograma.
Esta imagem “hackeada” se conecta com “Se Jesus fosse negro”, do poeta gaúcho
Bruno Negrão, que propõe reimaginar algumas de nossas crenças mais
arraigadas.
The electromagnetic landscapes from São Paulo and Rio de Janeiro advance
irregularly and it is possible to see what is in the outside of the film
frame. This “hacked” image connects itself with “Se Jesus fosse negro”
(“If Jesus were black”), from the gaucho-poet Bruno Negrão, that proposes
the re-imagination of some of our most rooted beliefs.
Azucena Losana nasceu na Cidade do México, em 1977. Vive e trabalha

na Cidade do México e em Buenos Aires. Sua obra abarca o cinema experimental,
instalações artísticas e vídeo.
Azucena Losana was born in Mexico City, in 1977. She lives and works
in Mexico City and in Buenos Aires. Her work embraces experimental film,
installation art and video.
CONTATO | CONTACT
azucena.losana@gmail.com
_ VISITA AO MUSEU
_ VISIT TO THE MUSEUM
de Francisco Benvenuto Gusso e Lígia Teixeira.
Brasil, 2021, 4’15’’
Filmed while in social distance during the Covid-19 pandemic. Developed
at home with blueberry, autumn flowers and herbs soup. March 2021.
Lígia Teixeira e Francisco Benvenuto são uma dupla de cineastas-artistas

responsáveis pela Monteverde Filmes, produtora sediada em Curitiba, com foco
em cinema analógico e experimental e arte sonora.
Lígia Teixeira and Francisco Benvenuto Gusso are a duo of filmmakers-artists
responsible for Monteverde Filmes, a film production company based on
Curitiba, Brazil, that focus on analogical and experimental cinema and sound
art.
CONTATO | CONTACT
franciscogusso@gmail.com
SINOPSE | SYNOPSIS
Uma tarde no museu, uma sopa de mirtilos com flores.

_______
An afternoon at the museum, one soup of flowers and blueberries.
EQUIPE | CREW
Direção e Realização | Direction and Production:

Lígia Teixeira e Francisco Benvenuto
Produção | Production: Monteverde Filmes
Revelação | Development: Super Lab Solar
Filmado com distanciamento social durante a pandemia de Covid-19. Revelado

em casa com sopa de blueberries, flores de outono e ervas. Março de 2021.
_ 35MM CIANÓTIPO:
UMA VISUALIZAÇÃO DA FELICIDADE
_ 35MM CYANOTYPE:
A VISUALISATION OF HAPPINESS
de Matthis Frickhoeffer.
Alemanha, 2021, 12’47’’
This work is an exploration of aesthetics. I focused on form, color palettes
and a technique which is enjoyable for me in the creative process.
The soundtrack is partly the distorted noise of the 35mm film being projected
____
and the song “Antigone (David Lynch Remix)” by Moby. I am grateful for Moby’s
work and for giving me the opportunity of using it.
Matthis Frickhoeffer é um artista da mídia baseada no tempo. Atualmente ele

SINOPSE | SYNOPSIS trabalha na Academia de Artes Plásticas da UfBK e na Universidade de Hamburgo,
Alemanha. Sua pesquisa foca em pós-estruturalismo e gênero.
O filme não sendo narrativo é um trabalho sem câmera. Utilizei a técnica Matthis Frickhoeffer is a time based media artist, currently working at the
do cianótipo para imprimir em uma película 35mm. Essa abordagem de exposição Fine Arts Academy HfBK and the University of Hamburg, Germany. His research
permitiu que eu me concentrasse em compor um quadro por vez, discutindo focuses on post-structuralism and gender.
a lacuna entre a fotografia e o filme. O que quero ver; o que quero ouvir?
É sobre a procura, e não sobre um produto.
The movie being non-narrative is a camera-less work. I used the cyanotype
technique to print on 35mm film material. This approach of exposure let me
focus on composing one frame at a time discussing the gap between photography
and film. What do I want to see, what do I want to hear? It´s about CONTATO | CONTACT
searching, not about a product. frickhoeffer@outlook.de
EQUIPE | CREW
Direção, Desenho de Som, Produção | Direction, Sound Design, Production:

Matthis Frickhoeffer
Trilha Sonora Original | Original Soundtrack: Moby and David Lynch
Esse trabalho é uma exploração da estética. Foquei na forma, nas paletas

de cores e em uma técnica que é agradável para mim no processo criativo.
A trilha sonora é em uma parte composta pelo ruído distorcido do filme 35mm
sendo projetado e em outra pela canção “Antigone (David Lynch Remix)”
do Moby. Agradeço a Moby por seu trabalho assim como por ter me dado
a oportunidade de utilizá-lo.
CORPOS: INVOCAÇÕES,
CORPORIFICAÇÕES E PROJEÇÕES
BODIES: INVOCATIONS,
EMBODIMENTS AND PROJECTIONS
O corpo humano sempre foi um dos temas mais explorados pelo cinema, senão o
principal. Antes mesmo de ser declarada sua instituição, em 1895, o interesse
em se registrar a mecânica do corpo humano foi definitivo para o desenvolvimento
tecnológico que aportaria no que conhecemos hoje como cinema. Basta lembrar os
estudos fundamentais de Eadweard Muybridge e Étienne-Jules Marey, que, ao
fotografarem os movimentos dos corpos, contribuíram enormemente para as
múltiplas tecnologias que convergiram no cinematógrafo. Desde então, a máquina
cinema capturou, documentou, moldou, com extrema eficácia, um universo de
estratos e matizes tendo o corpo humano como referência norteadora, mesmo quando
este, aparentemente, não estava lá. Isso também ajudou a fortalecer e
desencadear novos progressos tecnológicos para a mídia, assim como para
reflexões e ideias sobre essa mídia. O cinema começou a transitar em diversos
campos do conhecimento humano, passou também a ser objeto de estudo e
instrumento que possibilitava a formulação de poéticas cada vez mais complexas.
Para os interesses e especificidades do cinema experimental, essa conformidade
adequou-se perfeitamente. Uma longa e vasta tradição de filmografias foi
constituída na abordagem do corpo humano, seja em novas formas de mise-en-scène,
nas relações do corpo na dança/performance, nos trabalhos sobre a percepção
visual e sonora, nas intervenções diretas na película – que incorporava o
traço/mão do cineasta ao filme –, dentre outras.
É nesse sentido que o corpo se apresenta como uma espécie de interface no

presente programa, mobilizador/condutor de forças indescritíveis: religiosas,
cosmológicas, sexuais, naturais. Construídas sob formas fílmicas sugeridas ou
alegorizadas, mas que parecem reconhecer na natureza os limites de suas origens
e seus fins.

_ Curadoria
The human body was always one of the most explored themes in cinema, if not the
main one. Even before being declared its institution, in 1895, the interest in
registering the mechanics of the human body was definitive to the technological
development that would moor in what we know today as cinema. Just remember the
fundamental studies by Eadweard Muybridge and Étienne-Jules Marey, that while
photographing the movement of bodies, largely contributed for the multiple
technologies which converged in the cinematograph. Since then, the film-machine
captured, documented, molded, with extreme efficacy, a universe with strata and
hues having human body as its guiding reference, even when this one, apparently,
wasn’t there. This helped too to strengthen and chain new technological
progresses for media, as also to create reflections and ideas about this media.
Cinema started to transit between several fields of human knowledge, also
beginning to be an object of study and an instrument that enabled the
formulation of more and more complex poetics. To the interests and specificities
of experimental film, this conformity suited in perfectly. A long and vast
tradition of filmographies were constituted in the approach of human body:
alternative forms of mise-en-scène, the body relations in dance/performance,
works about visual and sound perception, the direct interventions on celluloid
– which incorporated the trace/hand from the filmmaker to the film –, among
others.
It is in this sense that the body presents itself as a sort of interface in

the present screening, mobilizer/conductor of indescribable forces: religious,
cosmological, sexual, natural. Constructed under filmic forms suggested and
allegorized, but that seem to recognize in nature the limits of its origins and
its ends.

_ Curatorship
_ BÚFALA
_ BUFFALO COW
de Tothi dos Santos.
Brasil, 2021, 9’
SINOPSE | SYNOPSIS
Inez recebe a visita de Iansã.

Inez receives a visit from Iansã.
EQUIPE | CREW
Direção, Fotografia, Montagem | Direction, Cinematography, Film Editing:

Tothi dos Santos
Desenho de Som | Sound Design: Guile Martins
Trilha Sonora Original | Original Soundtrack: Rei Souza
Colorização | Color Grading: Larry Machado
Cartaz | Poster: Gabriel Caetano
Búfala é o encontro com a memória ancestral do movimento do corpo de uma

mulher preta. Uma presença onírica que incorpora os elementos que representam
Iansã, Orixá conhecida como a portadora dos ventos e senhora das batalhas.
Através das cores, movimentos e energia. A passagem acontece em tempo
_______
e espaço etéreo para que o trabalho aconteça.
Buffalo Cow is the encounter with the ancestral memory of movement of a black
women’s body. A dreamlike presence that incorporates the elements
that represent Iansã, Orixá known as the bearer of the winds and Lady
of the battles. Through colors, movements and energy. The passage happens
in an ethereal time and space for the work to happen.
SOBRE X ARTISTA | ABOUT THE ARTIST corporealities and researches related to documentary filmmaking. Member of the
film production company Dafuq Filmes and co-creator of the affirmative action
Negro, 1990, Goiás - Brasil. Realizador audiovisual e artista visual. certificate Filmes de Preto.
Propõe investigações experimentais em videoarte acerca das corporalidades
Afrodiáspóricas e pesquisas relacionadas ao fazer documental. Membro
da produtora Dafuq Filmes e cocriador do selo afirmativo Filmes de Preto.
Black, 1990, Goiás - Brazil. Audiovisual filmmaker and visual artist. CONTATO | CONTACT
He proposes video-art experimental investigations about Afro-diasporic tothi.av@gmail.com
_ LIBIDO
de Rubens Takamine.
Brasil, 2021, 4’
SINOPSE | SYNOPSIS
A energia psíquica que impulsiona a vida.
_______
The psychic energy that drives life.
EQUIPE | CREW
Direção | Direction: Rubens Takamine
Em Libido, o elemento fogo é vislumbrado em diferentes escalas: o sol,

o fósforo, a fogueira, o vulcão. Há um fluxo energético que interliga todas
as coisas vivas e não vivas. Gaia alivia sua tensão através de orgasmos
telúricos. A força instintiva da criação está latente dentro de cada
molécula.
In Libido, the fire element is glimpsed in different scales: the sun,
the match, the bonfire, the volcano. There is an energetic flux that
interconnects all living and non-living things. Gaia reliefs the tension
through tellurian orgasms. The instinctive force of creation smolders within
each molecule.
Rubens Takamine (São Paulo - Brasil, 1993) é artista-pesquisador, mestrando

em Artes Visuais pela EBAUFRJ. Sua pesquisa borra fronteiras entre arte
e vida, nutrindo vínculos profundos com as culturas não-ocidentais.
Rubens Takamine (São Paulo - Brazil, 1993) is an artist-researcher, master
degree student in Visual Arts at the School of Fine Arts of the Federal
University of Rio de Janeiro (EBA/UFRJ). His research blurs the borders
between art and life, nurturing profound bonds with non-occidental cultures.
CONTATO | CONTACT
rubenstakamine@gmail.com
_ PLANETÁRIO
_ PLANETARIUM
de Natália Reis.
Brasil, 2021, 9’08’’
The short film starts from some investigations undertaken previously by me,
crossing image appropriation, collage through different media, vintage erotica
and the desire of mediation of two works apparently distant from each other;
in this case, the poem “Planetarium” by Adrienne Rich and the film Nude on the
Moon by Doris Wishman.
Natália Reis é pesquisadora de cinema, formada em artes pela Universidade

Federal de Juiz de Fora, realizadora (Filé, Para Atravessar Contigo o Deserto
do Mundo, Fratura Exposta) e redatora na revista Multiplot!
Natália Reis is a cinema researcher, graduated in arts at the Federal
University of Juiz de Fora, filmmaker (Filé, Para Atravessar Contigo o Deserto
do Mundo, Fratura Exposta) and writer in Multiplot! Magazine.
CONTATO | CONTACT
SINOPSE | SYNOPSIS sanguecorsario@gmail.com
“os céus estão cheios delas”
_______
“the skies are full of them”
EQUIPE | CREW
Direção, Produção, Montagem, Desenho de Som | Direction, Production, Film

Editing, Sound Design: Natália Reis
O curta parte de algumas investigações já empreendidas anteriormente por mim,

passando pela apropriação de imagens, colagem a partir de diferentes mídias,
vintage erotica e o desejo de mediação de duas obras aparentemente distantes
entre si; nesse caso, o poema “Planetarium” de Adrienne Rich e o filme Nude
on the Moon de Doris Wishman.
_ MASISI VERMELHA
_ MASISI WOUJ
_ RED MASISI
de Steevens Simeon, Sanba Yonel, Marcos Serafim e Zé Kielwagen.
Haiti, 2021, 21’54’’
Montagem, Desenho de Som | Film Editing, Sound Design: Marcos Serafim
(Brasil), Zé Kielwagen (Brasil)
Trilha Sonora Original | Original Soundtrack: Ezra Teboul (França)
Masisi Vermelha documenta uma série de performances informadas pela cultura

LGBT no Haiti e pelo histórico haitiano de resistência e revolução. As ações
foram concebidas em processo interdisciplinar e colaborativo. O trabalho
se vale de estratégias poéticas de documentação e do vislumbre de um ato
revolucionário contínuo.
_______
Red Masisi documents a series of performances informed by the LGBT culture
in Haiti and by the Haitian historic of resistance and revolution. The actions
SINOPSE | SYNOPSIS were conceived in a collaborative and interdisciplinary process. The work uses
poetic strategies of documentation and of the glimpse of a continuous
O artista e ativista haitiano Sanba Yonel cria um tributo queer aos deuses revolutionary act.
em uma série de performances que combinam Vudu e drag. No Haiti, homens
considerados femininos são chamados de masisi, palavra que também é usada
como xingamento para homens gays, travestis e pessoas não-binárias. Em face SOBRE X ARTISTA | ABOUT THE ARTIST
de preconceitos e hostilidades, muitas masisi encontram abrigo no contexto
religioso do Vudu. Marcos Serafim (Brasil), Steevens Siméon (Haiti) e Zé Kielwagen (Brasil) são
Haitian artist and activist Sanba Yonel creates a queer tribute to the gods artistas com trajetórias distintas que se encontraram na Bienal do Gueto do
in a series of performances that combine Vodou and drag. In Haiti, men Haiti para colaborar em projetos artísticos interdisciplinares. Sanba Yonel
considered feminine are called masisi, a word also used as a slur on gay men, é artista e ativista haitiano, criador do grupo de dança e manifestações
trans and non-binary people. In face of prejudice and hostility, many masisi culturais LGBT Gran Lakou Folklorik, e da Peace House, iniciativa de suporte
find shelter in the religious context of Vodou. e educação sexual a juventude LGBT haitiana.
Marcos Serafim (Brazil), Steevens Siméon (Haiti) and Zé Kielwagen (Brazil) are
artists with distinct trajectories that met in the Haitian Bienal do Gueto to
EQUIPE | CREW collaborate in artistic interdisciplinary projects. Sanba Yonel is an artist
and Haitian activist, creator of the dance and cultural LGBT manifestations
Roteiro | Screenplay: Sanba Yonel (Haiti), Marcos Serafim (Brasil), group Gran Lakou Folklorik and of Peace House, an initiative of support and
Zé Kielwagen (Brasil) sexual education to the LGBT Haitian youth.
Performance e coreografia | Performance and choreography: Sanba Yonel (Haiti)
Direção, Produção | Direction, Production: Marcos Serafim (Brasil),
Steevens Siméon (Haiti), Zé Kielwagen (Brasil)
Fotografia, Som Direto | Cinematography, Direct Sound: Marcos Serafim CONTATO | CONTACT
(Brasil), Steevens Siméon (Haiti) ivillek@gmail.com
MODERNIDADE URBANA
- LINHAS DE RUA,
LINHAS DE FUGA
URBAN MODERNITY
– STREET LINES,
LINES OF FLIGHT
Dois aspectos fundamentais na constituição da vida moderna foram o florescimento
das metrópoles e a invenção do cinematógrafo. A virada do século XIX para o XX
remodelou o imaginário das grandes cidades em pleno desenvolvimento, na era
industrial, ao mesmo tempo em que viu surgir manifestações culturais como o
cinema, as vanguardas e o cinema de vanguarda.
Esse cruzamento histórico produziu uma das principais categorias dos filmes de
arte da década de 1920, as “Sinfonias das Cidades”, obras que retratavam o
fascínio de espaços urbanos em plena expansão. Cidades como Amsterdam, Berlim,
Nova York, Paris e São Paulo foram abordadas não como pano de fundo, mas como
protagonistas de filmes interessados em demonstrar suas complexidades inerentes.
A metrópole, nesse sentido, impôs uma outra dinâmica econômica, social e
artística, na qual a questão da velocidade se tornou um elemento fundamental. As
cidades sempre foram movimentadas, mas nunca haviam sido tão frenéticas como
nesse momento, em que se viu a difusão de cadeias de produção com atividades
incessantes, novas formas de transporte rápido e a consolidação do cinema como
um dos grandes símbolos da modernidade. Este programa se insere em uma importante
tradição artística em que a própria urbanidade é tematizada. Os filmes oscilam
entre um olhar histórico e contemporâneo, evidenciando seus ritmos, memórias e
contradições. Um aspecto importante a ser ressaltado é que a seleção que compõe
“Modernidade urbana - linhas de rua, linhas de fuga” é toda composta por filmes
que se passam em metrópoles brasileiras – Belo Horizonte, São Paulo, Recife e
Rio de Janeiro –, explicitando como a apropriação do espaço público é uma das
disputas centrais a serem travadas nos dias de hoje.

_ Curadoria
The permanent necessity of resilience, intrinsic to modern technology, gives to

technical images a history of changes more and more deep in capturing luminous
images. Even so, analog technology of fixing the image in an emulsion made by
silver grains and coloring clouds keeps enchanting and stimulating artists to
film in celluloid, even in the broad dazzle of 8k transmissions. In different
parts of the planet, many artists that make of cinema their language, choose old
cameras to film with Super 8 and 16mm celluloid and create their images. The
rolling gear of analog cameras and the surprising materiality of photochemical
emulsion in the acetate plastic device are still indispensable tools for
creation to filmmakers in the current world. The screening “About liquids,
dreams and risks that celluloid brings us” proclaims the vitality of film
celluloid as a material means of artistic creation. Updating a historical and
scathing practice in experimental film, these films make of the photochemical
materiality of analog image a tool for infinite creations and surprises.

_ Curatorship
_ 69
de Marcos Bonisson.
Brasil, 2021. 8’04’’
SINOPSE | SYNOPSIS
69 é um filme experimental realizado a partir de um extenso arquivo em Super

8 filmado por Edmond Conilh de Beyssac, um aviador francês. Em contexto,
tudo foi filmado em 1969, em uma viagem ao Brasil. Esse trabalho
se transmutou na ideia de Anarquivo, conceito da filósofa Erin Manning,
ativado no filme em processo de experimentação audiovisual.
69 is an experimental film made from an extensive Super 8 archive filmed by
Edmond Conilh de Beyssac, a French aviator. In context, everything was filmed
in March of 1969, on a trip to Brazil. The film was transmuted into the idea
of Anarchive, a concept created by the philosopher Erin Manning, activated
in a process of audiovisual experimentation.
EQUIPE | CREW
_______
Direção | Direction: Marcos Bonisson
Fotografia | Cinematography: Edmond Conilh de Beyssac
Montagem | Film Editing: Luciano Siqueira
Trilha Sonora Original | Original Soundtrack: Arnaldo Brandão, Tavinho Paes
Produção | Production: Marie-Cécile Conilh de Beyssac
Agradecimentos | Thanks to: Khalil Charif, Liliana Lindenberg
SOBRE A OBRA | ABOUT THE WORK Marcos Bonisson é Artista, Pesquisador e Mestre em Ciência da Arte (UFF).
Nasceu e trabalha na cidade do Rio de Janeiro - Brasil.
69 é uma poética cinemática de imagens acústicas, a partir de um extenso Participou da 27ª Bienal Internacional de São Paulo em 2006, entre outras.
acervo de Super 8’s de 1969 e do conceito de Anarquivo. Neste filme, ativado Marcos Bonisson is an Artist, Researcher and Master in Art Science at the
em trabalho experimental com imagens e sons, em cruzamento cotidiano direto Federal University of the State of Rio de Janeiro (UFF). He was born and works
com a vida em um País marcado pelo signo da adversidade. in the city of Rio de Janeiro - Brazil. He has participated
69 is a cinematic poetics of acoustic images, from an extensive Super 8 in the 27ª International Biennial de São Paulo in 2006, among others.
collection from the year 1969 and from the Anarchive concept. In this film,
activated in an experimental work with images and sounds, in a direct
crossover with the everyday life in a Country marked by the sign of CONTATO | CONTACT
adversity. marcosbonisson@gmail.com
_ REMA NASCENTES
_ RHEME MAINING SOURCES
de Ж.
Brasil / Alemanha, 2021, 16’44’’
_______ Pintura | Painting: Surubim Feliciano da Paixão
Laboratórios | Development Labs: Andec Berlin, Subversões Fotoquímicas
(Distruktur workshop)
Transfer 16mm para HD | Transfer 16mm to HD: Korn Manufactur
Vai-Vai ter Samba branco e preto.

‟Passagens” pictogramas do W. Benjamin.
Progresso: tapo um rio enquanto posso.
Mercadoria: mata, arraso, Metro.
O real estado das coisas, real estate: banimento do orgânico.
Cita-chão, taiobas-bravas, abacates, tanques d’agua, oxum: reação
(cosmo)política.
SINOPSE | SYNOPSIS Rema nascentes: a vida pede passagem.
There’ll be Vai-Vai’s black and white Samba.
Filme-escavação de lugar específico, Bixiga - São Paulo. “Passages” pictograms by W. Benjamin.
Coreografia de forças que atravessam o presente. Progress: I shut a river while I can.
Filmancia, vidência é a visão do que está tomando forma. Merchandise: kill, slash, Meter.
Alegoria: lobby-cor, especula. Oco no peito da cidade, Rocha. Pousa uma ave The real state of things, real estate: banishment of the organic.
de Rappina. Cita-chão, poisonous taiobas, avocados, water tanks, oxum: (cosmo)political
Novidade: Quilombo, boca, viela, beco, passo. reaction.
A place-specific film-excavation of Bixiga neiborhood - São Paulo. Rheme maining sources: life makes its way.
Choreography of forces that cross present time.
Filmancy, clairvoyance is the vision of what is taking shape.
EQUIPE | CREW Ж (São Paulo - Brasil, 1983) é um filme-designer, educador, programador

e editor. Sua prática artística tem caráter inter e transdisciplinar
Direção, Montagem, Desenho de Som | Direction, Film Editing, Sound Design: Ж e é orientada pela reinserção socioambiental do artista.
Fotografia | Cinematography: Ж, João Rubio Rubinato Ж (São Paulo - Brazil, 1983) is a film-designer, educator, programmer and
Som Direto | Direct Sound: Akira editor. His artistic practice have an inter and transdisciplinary character
Produção | Production: .txt texto de cinema and is oriented to the artist socioenvironmental reinsertion.
Elenco | Cast: Carla Lombardo [Lobby(ster) with a Theodolite]
Música | Music: Escola de Samba Vai-Vai (Bateria); José Bispo e Mario Pereira
(Cantos para Oxum); Halim el Dabh & Ron Slabe (Aviary) CONTATO | CONTACT
Pictogramas | Pictograms: Walter Benjamin kkotik@gmail.com
_ ERÊKAUÃ
de Paulo Accioly.
Brasil, 2021, 1’
____ SINOPSE | SYNOPSIS Idealizou as videodanças experimentais O Abraço Logo Vem e Erekauã.
Hoje desenvolve dois projetos: A gente foi feliz aqui e Cara de V*ado.
Coreografia, dança, vídeo, frames, imprime, recorta, cola, fotografa, monta, Paulo Accioly is a visual artist graduated in the École Kourtrajmé, France.
trilha. He has idealized the experimental dance videos O Abraço Logo Vem and Erekauã.
Uma mistura das cores, manifestações e texturas do morro com a instabilidade Currently he develops two projects: A gente foi feliz aqui and Cara de V*ado.
carioca, presente em todos os níveis, assuntos e momentos.
Choreography, dance, video, frames, prints, cuts, pastes, photographs,
assembles the film, soundtrack.
A mixture of colors, manifestations and textures of the favela with Rio's CONTATO | CONTACT
instability, present at all levels, subjects and moments. pauloacciolyk@gmail.com
EQUIPE | CREW
Direção, Produção, Fotografia, Montagem, Animação | Direction, Production,

Cinematography, Film Editing, Animation: Paulo Accioly
Igor Peixoto
Apoio | Support: Douglas Dobby e/and Casa Amarela
O filme tem duas frentes: a experimentação - fazer um filme com colagem;

e também conversar sobre o Morro da Providência - sua arquitetura
e manifestações culturais pretas, sempre apagadas. A obra nasce de uma visão
que teria tudo para dar errado e que só se transforma em um filme no momento
em que é finalizado. Até lá, ele é uma grande incógnita.
The film has two forefronts: experimentation - making a film with collage;
and also talking about Morro da Providência - its architecture and black
cultural manifestations, always erased. The work was born from a vision
that had it all to fail and only transforms itself into a film in the moment
that it is finalized. Until there, it is a great incognito.
Paulo Accioly é artista visual formado pela École Kourtrajmé, na França.

_ CIDADE SUBMERSA
_ SUBMERGED CITY
de Bárbara Lissa. Brasil, 2020, 5’32’’
EQUIPE | CREW
Direção, Realização, Edição | Direction, Production, Film Editing: Bárbara

Lissa
Filme experimental que reflete sobre as decisões políticas e públicas que

visam a dominar a natureza ao invés de conviver harmoniosamente com ela,
_______
como é o caso de Belo Horizonte, onde correm 208 km de rios invisíveis sob
as avenidas e em 2020 tivemos na capital mineira a maior chuva nos últimos 112
SINOPSE | SYNOPSIS anos, sem escoamento, causando graves danos.
Experimental film that reflects about public and political decisions that aim
Em um exercício de colagem e intervenção sobre imagens e sons coletados to dominate nature instead of living together harmoniously with it, which is
na internet, o filme retrata as chuvas que acontecem todos os anos em Belo the case of the city of Belo Horizonte, where 208 km of invisible rivers run
Horizonte (...) e suas consequências, a destruição ambiental em nome under the avenues and in 2020 we had in the capital of the state of Minas
do progresso e a distância e insensibilidade do poder público em relação Gerais the biggest rain in the last 112 years, with no runoff, causing serious
às populações das regiões periféricas. (Clarissa Campolina) damages.
In an exercise of collage and images and sounds interventions collected
on the internet, the film portrays the rains that happen every year in Belo
Horizonte (…) and its consequences, the environmental destruction in the SOBRE X ARTISTA | ABOUT THE ARTIST
progress name and, the distance and insensitivity of public authorities
in relation to peripheral populations. (Clarissa Campolina) Bárbara Lissa é artista-pesquisadora, mestranda em artes pela EBA/ UFMG,
graduada em Artes Plásticas pela Universidade do Estado de Minas Gerais (2019)
e graduada em Letras pela UFMG (2013).
Bárbara Lissa is an artist-researcher, master degree student in arts at
the School of Fine Arts of the Federal University of Minas Gerais (EBA/UFMG),
graduated (in 2019) in Fine Arts at the State University of Minas Gerais
(UEMG) and in Language and Literature (in 2013) at the Federal University
of Minas Gerais (UFMG).
CONTATO | CONTACT
barbaralissa@gmail.com
_ TRAZ LUZ
_ IT BRINGS LIGHT
de Georges Racz.
Brasil, 2021, 2’57’’

camadas de cartazes e de grafite, existem infinitas camadas culturais
e espirituais agindo naquele cenário.
Performance itself has something of an “out of command”, a dreamlike and
at the same time realistic experience. I wanted, freely, during editing,
to insert the elements that were invisible there, at least some of them.
Because, beyond posters and graffiti layers, there are infinite cultural
and spiritual layers acting in that scenario.
Carioca, do Rio de Janeiro, Brasil. Formado em Comunicação e atuante como

produtor e professor de audiovisual.
From Rio de Janeiro, Brazil. Graduated in Communication, works as an
audiovisual producer and professor.
SINOPSE | SYNOPSIS
Uma performance capaz de suscitar diferentes energias e conexões: a lavagem

de uma obra de arte pública de Marcos Chaves. Uma proeza do também artista CONTATO | CONTACT
Fernando Mendonça em um túnel secular escondido no centro do Rio de Janeiro. raczgeorges@hotmail.com
A performance capable of eliciting different energies and connections:
_______
the washing of a public artwork by Marcos Chaves. A prowess by the artist
Fernando Mendonça in a centuries-old tunnel hidden in the center of Rio de
Janeiro.
EQUIPE | CREW
Direção, Fotografia, Som Direto, Montagem | Direction, Cinematography, Direct

Sound, Film Editing: Georges Racz
Produção | Production: Atelier FM - Marisa Bordadeira, Fernando Mendonça
A performance em si tem algo de “fora da ordem”, uma experiência onírica

e ao mesmo tempo realista. Quis livremente, durante a montagem, inserir os
elementos que estavam ali invisíveis, pelo menos alguns. Porque para além das
_ NOVA PASTA. ANTIGO BAÚ
_ NEW FOLDER. OLD TRUNK
de Sylvio Lanna.
Brasil, 2021, 18’26’’
SINOPSE | SYNOPSIS
Pequeno ensaio sobre a vida e o nascimento do amor.

An essay about life and the birth of love.
EQUIPE | CREW
Direção, Fotografia, Trilha Sonora Original | Direction, Cinematography,

Original Soundtrack: Sylvio Lanna
Montagem | Film Editing: Carlos Gabriel Pegoraro, Lourenço Veloso
Desenho de Som | Sound Design: Bernardo Gebara
Produção | Production: Liciane Mamede
Animação | Animation: Lourenço Veloso
Cartelas | Cards: Sylvio Lanna e Christian Caselli
Lanna guardava, desde os anos 1970, num velho baú em sua casa, rolinhos
de filme em Super-8. Nem ele se lembrava do que havia nesses filmes.
O Projeto Cine Brasil Experimental digitalizou esse material com a intenção
de mostrá-lo. Mas ao voltar para aquelas imagens, o cineasta decidiu fazer
_______
um filme sobre suas memórias.
Lanna kept, since the 1970’s, in an old trunk at his house, little Super 8
film rolls. Not even him remembered what was in those film rolls. The
Brazilian project Projeto Cine Brasil Experimental digitized this material
with the intention of exhibiting it. But when returning to those images,
the filmmaker decided to make a film about his memories.
short film, O Roteiro do Gravador, currently a film considered lost.
With Andrea Tonacci, he founded the film production company Total Filmes
SOBRE X ARTISTA | ABOUT THE ARTIST and directed the feature film Sagrada Familia, considered one of the exponents
of the so-called Brazilian Cinema Marginal movement.
Sylvio Lanna iniciou sua carreira no fim dos anos 1960, dirigindo seu
primeiro curta-metragem, O Roteiro do Gravador, filme hoje considerado
perdido. Junto com Andrea Tonacci fundou a Total Filmes e dirigiu o longa
Sagrada Família, considerado um dos expoentes do Cinema Marginal Brasileiro. CONTATO | CONTACT
Sylvio Lanna began his career by the end of the 1960’s, directing his first liciane.mamede@gmail.com
_ SETHICO
de Wagner Montenegro.
Brasil, 2021, 14’23’’
Pesquisa e Criação de Lambes | Research and Creation of Street Posters: Filipe
Gondim
Máscara Fang | Fang Mask: Coleção Casa Africana
Figurino | Costume Design: Abdoulaye Dit Goumb Sow, Ousmane Diop
Costureiro | Dressmaker: Ousmane Diop
Sons Percussivos | Percussive Sounds: Nino Souza
Design Gráfico | Graphic Design: Aurora Jamelo
Criação de Hotsite | Hotsite Creation: Diogo Mota | Vitrola Banana
____ SOBRE A OBRA | ABOUT THE WORK
Sethico é protagonizado por Wagner Montenegro, nascendo a partir de reflexões

sobre si e sobre o estar no mundo enquanto um corpo negro. O processo de
SINOPSE | SYNOPSIS criação foi engatilhado pela peça Revolução na América do Sul, de Augusto
Boal, e amarrado à filosofia que orbita o deus egípcio do caos – Seth –,
Esta travessia começa no rio Capibaribe, por onde muitas pessoas traficadas que inspira a entidade protagonista do filme.
da África entraram no Brasil. Seguimos por lugares que quase escondem Sethico is starred by Wagner Montenegro, being born through reflections about
o horror da tragédia colonial. Apesar de tudo isso, encontramos estratégias himself and about being-in-the-world as a black body. The creation process was
para sobrevivermos à feiura do mundo. Seth é o juiz; e Sethico, seu triggered by the play Revolution in South America, by Augusto Boal, and tied
julgamento. to the philosophy that orbits the Egyptian god of chaos – Seth –,
This crossing begins in Capibaribe river, from where many people trafficked that inspires the entity protagonist in the film.
from Africa entered into Brazil. We continue through places that hide the
horror of our colonial tragedy. Despite this, we're finding strategies to
survive in this terrible world. Seth is our judge; and Sethico, his judgment. SOBRE X ARTISTA | ABOUT THE ARTIST
Ator, produtor e diretor. Investiga a utilização do Teatro do Oprimido como

EQUIPE | CREW dispositivo para a criação cinematográfica. É cofundador do NEXTO – Núcleo
de Experimentações em Teatro do Oprimido.
Direção | Direction: Wagner Montenegro Actor, producer and director. He has been investigating the use of the
Fotografia | Cinematography: Breno César so-called Theatre of the Oppressed as a device for cinematographic creation.
Som Direto | Direct Sound: Camila Silva He’s a co-founder of NEXTO – Center of Experimentation in the Theatre
Montagem | Film Editing: Felipe Correia of the Oppressed.
Rafaella Orneles
Produção | Production: Andréa Veruska CONTATO | CONTACT
Roteiro e Pesquisa | Screenplay and Research: Andréa Veruska, Danielle wagner@nextope.com
Valentim, Wagner Montenegro wagnermontt@gmail.com
ENTRE TRAMAS,
RELEVOS E TEXTURAS
BETWEEN WEFTS,
RELIEVES AND TEXTURES
Hans Richter realizou seus filmes abstratos no início dos anos 1920, formulando,
ele próprio, o processo para sua execução. Uma forma cinematográfica até então
não conhecida era concebida, experimentada e aplicada. O traço definidor do
cinema experimental é o trabalhar nos limites extremos da expressão
cinematográfica. Buscar constantemente e redesenhar as fronteiras que delimitam
um certo modo de pensar e acomodar a linguagem. Podemos pensar, por analogia,
que assim como uma folha de papel em branco guarda uma reserva secreta de
possibilidades, seja para escrita ou grafismo, o quadro inicial de um filme
também a dispõe. A sequência a ser iniciada no primeiro quadro de um filme
recorrendo a uma certa grafia inaugura (em cada filme) uma forma de ensaio de
escrita cinematográfica. Neles, recursos são convocados, equações são
enunciadas, jogos visuais e sonoros são propostos.
O programa apresentado a seguir é composto por filmes que podem ser localizados
em uma certa zona de confluência, não exatamente por suas similaridades formais,
mas por um modus operandi, o de trabalhar os usos de certa tateabilidade,
grafismos e texturas. Em graus diferenciados, mensuram e aplicam esses usos em
seus processos constitutivos e, no conjunto, promovem a sensibilização de todos
os nossos sentidos.

_ Curadoria
Hans Richter produced his abstract films in the beginning of the 1920’s
formulating, himself, the process for its execution. A cinematographic form
until then unknown was conceived, experienced and applied. The defining trace
of experimental film is to work in the extreme limits of cinematographic
expression. Seek constantly and redesign the frontiers that delimit a certain
way of thinking and adjusting language. We can think, by analogy, that just as
a blank sheet of paper keeps a secret reservoir of possibilities, whether to
writing or to graphism, the initial frame of a film has it too. The sequence
beginning in the first frame of a film appeals to a certain spelling, opens (in
each film) a form of cinematographic essay. In it, resources are summoned,
equations are uttered, visual and sound games are proposed.
The screening presented next is composed by films which we can locate in a

certain zone of confluence, not exactly by their formal similarities, but by a
modus operandi, operating the uses of a certain tactileness, graphisms and
textures. In differentiated degrees, they measure and apply these uses in their
constitutive processes, and, together, promote the sensibilization of all our
senses.

_ Curatorship
_ DOOM
de Randolpho Lamonier e Victor Galvão.
Brasil, 2021, 4’56’’
Não reconhecer o passado não quer dizer ignorá-lo, assim como não acreditar
no futuro, não nega que algo está por vir. Na desconfiança entre esses dois
extremos, mais vale admitirmos nossa ansiedade e apostar no presente
victorgalvao00@gmail.com
_______
e nos nossos erros. (Raphael Fonseca)
Not recognizing the past does not mean ignoring it, and not believing
in the future does not negate that something is yet to come. In distrusting
these two extremes, it is better to admit our anxiety and bet on the present
and on our mistakes. (Raphael Fonseca)
EQUIPE | CREW
Direção, Fotografia, Montagem, Desenho de Som, Animação | Direction,

Cinematography, Film Editing, Sound Design, Animation: Randolpho Lamonier,
Victor Galvão
Numa farra de objetos banais que criam vida, é um filme que diz sobre
a pulsão de vida que resiste numa paisagem de caos e instabilidade.
In a spree of banal objects that create life, it is a film that tells about
the life drive that resists in a landscape of chaos and instability.
Randolpho Lamonier e Victor Galvão são artistas visuais. Eles vivem em

São Paulo. Desde 2012 trabalham juntos de forma experimental em projetos
que atravessam e conciliam múltiplas linguagens.
Randolpho Lamonier and Victor Galvão are visual artists. They live in
São Paulo. Since 2012 they work together in an experimental form in projects
that cross and conceal multiple languages.
_ EXPONENCIAIS
_ EXPONENTIALS
de Cristina Amiran & Khalil Charif.
Brasil, 2021, 3’27’’
EQUIPE | CREW
Direção, Produção, Imagens | Direction, Production, Images: Cristina Amiran,

Khalil Charif
Voz | Voice: Cristina Amiran
Texto, Montagem, Trilha Sonora Original | Text, Film Editing, Original
Soundtrack: Khalil Charif
Inspirado na poesia concreta, Exponenciais traz uma experimentação onde o som,

a imagem e a palavra estabelecem relações que buscam possibilidades de
entendimento em diferentes tempos e esferas de alcance. Iniciado em 2011 e não
finalizado, o projeto foi retomado durante a pandemia, sendo ressignificado
nesse tempo “outro” em que vivemos.
Inspired by the concrete poetry, Exponentials brings an experimentation where
sound, image and words establish relations that seek possibilities of
understanding in different times and range spheres. Initiated in 2011 and
unfinished, the project was resumed during the pandemic, been re-signified
in this “other” time in which we live.
_____ SOBRE X ARTISTA | ABOUT THE ARTIST
Cristina Amiran (1960-2018) e Khalil Charif (1967), ambos do Rio de Janeiro -

Brasil, estudaram na EAV Parque Lage. Participaram da “Trienal de Arte
SINOPSE | SYNOPSIS Contemporânea” (Praga, 2008), entre outras mostras.
Cristina Amiran (1960-2018) and Khalil Charif (1967), both from Rio de Janeiro
Através de diferentes linguagens, este trabalho experimental utiliza poesia - Brazil, studied in the School of Visual Arts (EAV) of Parque Lage. They
visual e sonora, apresentando imagens com um fluxo não linear de palavras, participated in the International Triennale of Contemporary Art in Prague,
em um contexto de equações exponenciais, fazendo uso integrado da palavra, 2008, among other exhibitions.
do significado da palavra e do som da palavra.
Through different languages, this experimental work uses sound and visual
poetry, presenting images with a non-linear flow of words in a context
of exponential equations, making integrated use of the word, the meaning CONTATO | CONTACT
of the word, and the sound of the word. kaliosto21@yahoo.com.br
_ AS GUARDIÃS DA MEMÓRIA
_ PRISIMINIMŲ NEŠĖJAI
_ THE BEARERS OF MEMORIES
de Miglė Križinauskaitė-Bernotienė.
Lituânia, 2020, 13’17’’
SINOPSE | SYNOPSIS
A cada momento - mais uma memória. Mas às vezes a memória fica cega
e o que resta fica nebuloso.
With every moment - one more memory. But memory sometimes goes blind
and what is left becomes hazy.
EQUIPE | CREW
Direção, Montagem | Direction, Film Editing: Miglė Križinauskaitė-Bernotienė

Fotografia | Cinematography: Nojus Drąsutis
Som Direto, Desenho de Som | Direct Sound, Sound Design: Rūta Girnytė
Trilha Sonora Original | Original Soundtrack: Agnė Matulevičiūtė
Produção | Production: Miglė Križinauskaitė-Bernotienė, Rūta Jekentaitė
As Guardiãs da Memória entrelaça a realidade ao nosso redor com as formas

do cinema experimental. É uma obra de arte profundamente pessoal, seu tema
_______
é o da erosão da memória e do tempo. O filme 16mm apresenta ideias abstratas
através de uma narrativa subjetiva e sensível. Além disso, o som, a luz,
a água e a paisagem protagonizam um papel importante nesse documentário
experimental nos carregando através das memórias.
The Bearers of Memories intertwines the reality around us with the forms
of experimental cinema. It is deeply personal artwork, the theme of which Em 2020, obteve um mestrado em Direção Fílmica na Academia de Música
is the erosion of memory and time. 16mm film presents abstract ideas through e Teatro da Lituânia.
a subjective and sensitive way of storytelling. In addition, sound, light, Miglė Križinauskaitė-Bernotienė (1987) is an audiovisual artist and a creator
water and landscape play an important role in this experimental documentary of experimental documentary films, who is currently based in Utena
and carries us through memories. (Lithuania). In 2020, she graduated from the Lithuanian Academy of Music
and Theatre with an MA in Film Directing.
Miglė Križinauskaitė-Bernotienė (1987) é uma artista audiovisual e criadora CONTATO | CONTACT

de documentários experimentais. Ela mora atualmente em Utena (Lituânia). migle.krizinauskaite@gmail.com
_ INTERDITO
_ INTERDICT
de CH Malves e Gladson Galego.
Brasil, 2021, 7’36’’
CH Malves
Mestre em Música - Práticas Interpretativas pela UFRN. Pesquisa processo
criativo, vídeo e performance experimental.
Gladson Galego
Bacharel em Ciências Sociais pela UFPB, mestre em Cinema pela UFS e realizador
audiovisual.
CH Malves
Master in Music – Interpretative Practices at the Federal University of Rio
_______
Grande do Norte (UFRN). He researches creative process, video and experimental
performance.
SINOPSE | SYNOPSIS Gladson Galego
Graduated in Social Sciences at the Federal University of Paraíba (UFPB),
Terreno do “todo” que é dito. Mergulhados no vazio, corpos vibram. master in Film at the Federal University of Sergipe (UFS) and audiovisual
Terrain of “all” that is said. Dipped in the void, bodies vibrate. artist.
EQUIPE | CREW CONTATO | CONTACT

chmalves12@gmail.com
Direção | Direction: Ch Malves, Gladson Galego
Fotografia, Montagem | Cinematography, Film Editing: Gladson Galego
Roteiro, Som Direto, Desenho de Som, Produção | Screenplay, Direct Sound,
Sound Design, Production: Ch Malves
A partir de uma estrutura reduzida de performance, percebe-se o comportamento

interessante entre pequenos objetos postos em vibração. Esse cenário se torna
síntese de um discurso sobre disputa, linguagem, performance e narrativa.
O comportamento dos corpos além do que é dito/imaginado esgarça a fissura do
movimento e da linguagem através do que está interdito.
From a reduced structure of performance, it’s possible to notice the
interesting behavior between small objects set into vibration. This scenario
becomes a synthesis of a discourse about dispute, language, performance
and narrative. The bodies’ behavior, besides of what it is said/imagined,
frays the clefts of movement and language through what is interdict.
VANGUARDA OU O CINEMA
NA LINHA DE FRENTE
AVANT-GARDE OR CINEMA
IN THE FRONTLINE
Vanguarda (do francês avant-garde, “guarda avançada”) é um termo que pertence
ao vocabulário militar. Nessa tradição, seria a primeira linha do exército em
ordem de batalha. Seu uso foi incorporado ao debate cultural no século XIX e
popularizado no início do século XX, quando alguns movimentos artísticos
elaboraram seus programas estéticos em oposição a modelos tidos como
classicistas. O cinema também se fez presente nessa discussão. Uma ideia que
atravessa os diversos grupos e coletivos desse contexto é a proposta de ruptura
com o passado e a elaboração de novos procedimentos de criação. Os artistas
buscavam modos de manter a cultura viva, em ebulição, em um momento em que
surgiam diversas forças de experimentação e engajamento. A seleção “Vanguarda
ou o cinema na linha de frente” recupera este ímpeto inicial do filme
experimental, alinhando diversos campos de militância às experiências estéticas
radicais. Arte e política caminhando lado a lado. Mais do que uma proposta
formal de cinema, há um autêntico estado de espírito que permeia este programa.
O cinema como atitude de luta e resistência diante dos problemas dos mais
urgentes.

_ Curadoria
Vanguard (from the french avant-garde, “advanced guard”) is a term that belongs
to the military vocabulary. In this tradition, it refers to the first army line
in a battle order. Its use was incorporated in the cultural debate in the 20th
century, when some art movements elaborated their aesthetic programs as opposed
to models taken as classicists. Cinema also made itself present in this
discussion. An idea that crosses several groups and collectives in this context
was the disruption proposal with the past and the elaboration of new creation
procedures. The artists sought new ways of keeping culture alive, vibrating, in
a moment in which several experimentation and engagement forces arise. The
selection “Avante-Garde or cinema in the frontline” recovers the initial
impulse of experimental film, aligning several fields of activism to radical
aesthetic experiences. Art and politics advancing side by side. More than a
formal cinema proposal, there’s an authentic state of mind that permeates this
screening. Cinema as a battle and a resistance attitude faced with one of the
most urgent problems.

_ Curatorship
_ O MUNDO MINERAL
_ THE MINERAL WORLD
de Guerreiro do Divino Amor.
Brasil, 2020, 9’20’
social, medial, political or religious, interfere in the construction
of territory and in the collective imaginary.

Em sua produção, Guerreiro do Divino Amor investiga as Superficções, forças

Quinto capítulo do Atlas Superficcional Mundial, O Mundo Mineral ocultas que interferem na construção do território e do imaginário coletivo,
é uma fantasia de harmonia e perdão, a superficção do milagroso equilíbrio construindo um universo de ficção científica mesclado a fragmentos de
entre povos, norte e sul, superdesenvolvimento e supertradição. realidade.
Fifth chapter of the Superfictional Atlas, The Mineral World is a fantasy of In his production, Guerreiro do Divino Amor investigates the Superfictions,
harmony and forgiveness, the superfiction of the miraculous balance between occult forces that interfere in the construction of territory and in the
Brazil’s ethnicities, north and south, superdevelopment and supertradition. collective imaginary, building a science fiction universe blended with
fragments of reality.
EQUIPE | CREW
Direção, Fotografia, Som Direto, Montagem, Desenho de Som, Produção, CONTATO | CONTACT
Animação | Direction, Cinematography, Direct Sound, Film Editing, rranquine@gmail.com
Sound Design, Production, Animation: Guerreiro do Divino Amor
Trilha Sonora Original | Original Soundtrack: Neural Xolotl
Produtor Associado | Associated Producer: Renato Ranquine
Distribuição | Distribution: A Gota Preta Filmes
Elenco | Cast: Júlia Mesquita
Assistente de Fotografia e Produção | Cinematography and Production
Assistance: Ventura Profana
Participação Especial | Special Participation: Sallisa Rosa, Oscar Niemayer,
Sanuze Farias, Xuxa
No âmbito de constituir um Atlas Superficcional Mundial, Guerreiro do Divino

Amor investiga como ficções de diferentes naturezas, sejam elas geográficas,
sociais, midiáticas, políticas ou religiosas, interferem na construção
do território e do imaginário coletivo.
Within the scope of constituting a World Superfictions Atlas, Guerreiro do
Divino Amor investigates how fictions of different natures, being geographic,
_ MESTRES DA TERRA
_ MASTERS OF THE LAND
de Jan Locus.
Bélgica, 2021, 14’
SINOPSE | SYNOPSIS Rencontres Internationales Paris/Berlim e no FIFA Montreal, entre outros.
The long-term projects of Brussels based photographer and filmmaker Jan Locus
O crescimento da mineração e as mudanças climáticas levaram a uma vasta study the complexity of worldwide, socio-political issues. His films have been
desertificação na Mongólia. De acordo com a crença xamânica Mongol a violação screened at IFFR Rotterdam, DokFest Kassel, Oberhausen, Rencontres
da natureza pelo homem provoca a ira dos espíritos dominantes ou “mestres da Internationales Paris/Berlin and FIFA Montreal among others.
terra”.
The rise of mining and climate change have led to vast desertification in
Mongolia. According to Mongolian shamanistic belief violation of nature by CONTATO | CONTACT
men provokes the anger of the ruling spirits or the “masters of the land”. jan@janlocus.com
EQUIPE | CREW _______

Direção, Fotografia, Som Direto, Montagem, Produção | Direction,
Cinematography, Direct Sound, Film Editing, Production: Jan Locus
Yves De Mey
Assistência | Assistance: Nomi Turmunkh
O crescimento da mineração, as mudanças climáticas e o excesso de pasto

levaram a uma vasta desertificação na Mongólia pós-comunista. Xamãs Mongóis
alertaram sobre a destruição da natureza no passado. A estrutura do filme se
refere a uma sessão de ritual xamã, começando com uma iniciação e terminando
em um estado de transe.
The rise of mining, climate change and overgrazing have led to vast
desertification in post-communist Mongolia. Mongolian shamans have warned for
the destruction of nature in the past. The structure of the film refers to a
shamanistic séance, starting with an initiation and ending in a trance state.
Os projetos de longa duração do fotógrafo e cineasta Jan Locus, que vive em

Bruxelas, estudam a complexidade de questões sociopolíticas mundiais. Seus
filmes foram exibidos na IFFR Roterdã, no DokFest Kassel, no Oberhausen, no
_ VOZES PARA O FUTURO
_ VOICES FOR THE FUTURE
de Carla Romero e Isabela Couto.
Brasil / Chile, 2021, 15’
Nossa intenção é dar voz ao som e ao discurso ambientalista de Angela e Chico.

As imagens entregam pronto um discurso. Nossa intenção não é realizar
um documentário tradicional com imagens, mas um documentário que liberta
_______
a imaginação do espectador por meio do som e que dá espaço à sensibilidade
e aos afetos.
Our intention is to voice out the sound and the environmental discourse of
Angela and Chico. The images deliver a prompt discourse. Our intention is not
to produce a traditional documentary with images, but a documentary that frees
the spectator's imagination through sound and gives space to sensibility and
affections.
SINOPSE | SYNOPSIS Carla Romero é atriz e dramaturga chilena. Isabela Couto é artista
e professora de Brasília - Brasil. Ambas são estudantes de Mestrado em Arte
É uma co-produção entre Chile e Brasil. Angela Mendes narra a carta pela Pontifícia Universidade Católica do Chile.
que escreve a seu pai, Chico Mendes. A ambientalista nos conta como conheceu Carla Romero is an actress and Chilean play-writer. Isabela Couto is an artist
seu pai, por mosaicos de relatos. Angela convida o espectador a participar and professor from Brasília, Brazil. They both are master degree students
da carta com sua imaginação. Sua voz narra em pensamento para o além, um além at the Catholic University of Chile (UC – Chile).
que está próximo de nós, pois a realidade de Angela e Chico é a nossa
realidade do dia-a-dia.
It is a co-production between Chile and Brazil. Angela Mendes narrates CONTATO | CONTACT
the letter she writes to her father, Chico Mendes. The environmentalist tells isabela.ribeiro.couto@gmail.com
how she met her father, through mosaics of reports. Angela invites the viewer carlaromeromartinez07@gmail.com
to participate in the letter with their imagination. Her voice narrates
in thought to the beyond, a beyond that is close to us, as Angela and Chico's
reality is our everyday reality.
_______
EQUIPE | CREW
Direção | Direction: Carla Romero, Isabela Couto

Voz | Voice: Angela Mendes
Montagem, Produção | Film Editing, Production: Isabela Couto
Trilha Sonora Original | Original Soundtrack: Guillermo Eisner
_ O ENTARDECER
_ EL ATARDECER
_ THE SUNSET
de Martín Emiliano Díaz.
Argentina / Chile, 2021, 5’
Como parte das metodologias repressivas utilizadas pelo Estado durante

a revolta social iniciada em outubro de 2019, a polícia do Chile disparou
sistematicamente contra os olhos dos manifestantes. Centenas de pessoas
sofreram lesões oculares e perderam parcial ou totalmente a visão.
O entardecer observa e percorre as ruas de uma Santiago do Chile, testemunha
dessas mutilações.
As part of repressive methodologies used by the State during the Social
Revolt that began in October 2019, Chilean police has systematically shot the
protesters in the eyes. Hundreds of people have suffered eye damage and have
partially or totally lost their vision. The sunset walks through the streets
of a Santiago de Chile, witness to these mutilations.
EQUIPE | CREW
Direção, Som Direto, Montagem, Desenho de Som | Direction, Direct Sound,

Film Editing, Sound Design: Martín Emiliano Díaz
Fotografia, Produção | Cinematography, Production: Fernanda Chain Fuentes,
Martín Emiliano Díaz
SOBRE A OBRA | ABOUT THE WORK SOBRE X ARTISTA | ABOUT THE ARTIST
O entardecer faz parte de uma série de trabalhos que refletem sobre Martín Emiliano Díaz é um cineasta e videoartista nascido em Buenos Aires,
a observação fixa como um gesto de resistência. O Estado Chileno desenvolveu em 1987. Atualmente apresenta a videoarte O entardecer e seu primeiro longa
várias técnicas repressivas, entre as quais está a de atirar nos olhos dos de ficção, Lo Habitado.
manifestantes. Os traços dessas mutilações brotam pelas ruas de Santiago Martín Emiliano Díaz is a filmmaker and videoartist born in Buenos Aires,
e dão conta da validade da revolta. in 1987. Currently presents the videoart The sunset and his first feature
The sunset is part of a series of works that reflect on the gaze as a gesture ficctional film, Lo Habitado.
of resistance. The Chilean State has developed various repressive techniques,
among which are that of shooting into the eyes of the protesters. The traces
of these mutilations sprout through the streets of Santiago and give CONTATO | CONTACT
an account of the validity of the revolt. diazmartinemiliano@gmail.com
PROGRAMA CONVIDADO
INVITED PROGRAMME
RITUAIS DE REGENERAÇÃO
RITUALS OF RECLAMATION
Fundado em 2010, CROSSROADS é o festival anual de cinema da Cinemateca de São
Francisco, que apresenta o cinema contemporâneo e a mídia experimental produzida
por artistas da comunidade do cinema e da arte internacional. O CROSSROADS conta
com a curadoria do Diretor Artístico da Cinemateca de São Francisco, Steve Polta,
com a intenção de evocar a ressonância criativa entre trabalhos de artistas já
consagrados e o de artistas em ascensão, refletindo sobre o campo e inspirando
tendências.
Consistindo em onze trabalhos apresentados no CROSSROADS 2019 e 2020, rituais de

regeneração evoca ao mesmo tempo o tóxico e o transcendente, o violento e o
sublime, enquanto contempla a paisagem psíquica contemporânea. Intimidades e
delicadezas descobertas na natureza e no espaço doméstico contrastam com as
brutalidades da Era do Antropoceno capitalista ao passo que mitologias de cômputo
são exploradas.
A vida mágica dos objetos reanima a ancestralidade da estética do sonho.

( Coletivo los ingrávidos )
_ STEVE POLTA | CROSSROADS | SAN FRANCISCO CINEMATHEQUE

_ Curadoria
Established in 2010, CROSSROADS is San Francisco Cinematheque’s annual film

festival, presenting contemporary cinema and experimental media by artists from
the international art and film community. CROSSROADS is curated by
Cinematheque’s Artistic Director Steve Polta with the intent of evoking creative
resonance between works by established and emerging artists while reflecting on
and inspiring trends in the field.
Consisting of eleven works presented in CROSSROADS 2019 and 2020, rituals of
reclamation evokes both toxic and transcendent, violent and sublime, while
contemplating the contemporary psychic landscape. Intimacies and delicacies
discovered in nature and domestic space are contrasted with brutalities of the
capitalist Anthropocene era as mythologies of reckoning are explored.
The magic life of the objects reanimate the ancestrality of the aesthetic of
dream. ( Colectivo los ingrávidos )
_ STEVE POLTA | CROSSROADS | SAN FRANCISCO CINEMATHEQUE

_ Curatorship
_ LÚMEN
_ LUMEN
de Richard Ashrowan.
Reino Unido, 2018, 3’
Uma exploração silenciosa da luz e do gesto; encontrando a luz, perdendo-a:

momentos de exploração, hesitação e conexão. Uma colaboração com as
performers Sandra Johnston e Alastair MacLennan, Escócia, agosto de 2018.
A silent exploration of light and gesture, finding the light, losing it,
moments of exploration, hesitation and connection. A collaboration with
performance artists Sandra Johnston and Alastair MacLennan, Scotland, August
2018.
EQUIPE | CREW
Direção | Direction: de Richard Ashrowan
Dr. Richard Ashrowan (1966) é artista da imagem em movimento e curador

de cinema independente. Seu trabalho se preocupa com a luz e a luminosidade,
referindo à linguagem da metafísica da luz da manhã e aos processos
alquímicos na metodologia e no conteúdo.
Dr. Richard Ashrowan (1966) is a moving image artist and independent film
curator. His work is concerned with light and luminosity, referring to the
language of early light metaphysics and alchemical processes in methodology
and content.
CONTATO | CONTACT
richard@ashrowan.com
_ ABERTURAS ( UMA ESCURIDÃO MAIS ILUMINADA )
_ APERTURES ( A BRIGHTER DARKNESS )
de Karissa Hahn.
EUA, 2019, 3’
SINOPSE | SYNOPSIS
____
e assim como as planícies escaldantes em direção a um horizonte vertical
a cortina cai plana em movimento
uma dobradiça se desgarra do peitoril
e uma camada de tinta é finalmente removida, clareando
– a janela continua a abrir
and just as the swelter plateaus toward a vertical horizon

the curtain falls flat in motion
a hinge unlatches from sill
and a slab of paint is finally relieved, alighting
—the window continues to open
EQUIPE | CREW
Direção | Direction: Karissa Hahn
Karissa Hahn é artista visual e vive em Los Angeles. Seu trabalho articula
a natureza da reprodução e da disseminação da imagem contemporânea através
do uso das tecnologias analógica e digital.
Karissa Hahn is a visual artist based in Los Angeles. Her work articulates
the nature of contemporary image reproduction and dissemination through
the use of analogue and digital technologies.
CONTATO | CONTACT
karissahahn@alum.calarts.edu
_ OLHO VAGA-LUME
_ FIRE FLY EYE
de Kerry Laitala.
EUA, 2020, 7’
____ SINOPSE | SYNOPSIS EQUIPE | CREW
OLHO Vaga-lume é minha resposta para a devastante reconstrução do mundo Direção | Direction: Kerry Laitala
trazida pela mudança climática antropogênica e as “mordomias” das corporações
quanto aos nossos recursos naturais. Um ritual de regeneração frente
a esmagadora destruição, invocada através da filmagem de produtos descartados SOBRE X ARTISTA | ABOUT THE ARTIST
pelos consumidores, filtrando o espetáculo da catástrofe.
Fire Fly EYE is my response to the devastating re-making of the world brought Kerry Laitala é arqueologista das mídias, seu trabalho abarca a fotografia
on by anthropogenic climate change and corporate “stewardship” of our natural e as performances de cinema expandido levadas ao trabalho com o vídeo 3D de
resources. A ritual of reclamation in the face of overwhelming destruction, canal único e à instalação escultural, sintetizando ideias e efemérides dos
invoked through filming discarded consumer products, sifting spectacle out reinos da ciência, da história e da tecnologia.
of catastrophe. Kerry Laitala is a media archaeologist whose work spans photography and
expanded cinema performances to 3D single-channel video works and sculptural
installation, synthesizing ideas and ephemera from the realms of science,
history and technology.
CONTATO | CONTACT
kerrylaitala@gmail.com
_ AMULETOS
_ AMULETS
de Colectivo los ingrávidos.
México, 2019, 5’
A vida mágica dos objetos reanima a ancestralidade da estética do sonho.

The magic life of the objects reanimate the ancestrality of the aesthetic
of dream.
EQUIPE | CREW
Direção | Direction: Colectivo los ingrávidos
O Coletivo los ingrávidos foi fundado em 2012 para desmantelar a ideologia

embutida na gramática audiovisual comercial e corporativa. O coletivo
é inspirado pelo uso histórico da forma e do conteúdo feito pelas vanguardas
contra as realidades alienadoras.
Colectivo los ingrávidos was founded in 2012 to dismantle the embedded
ideology of commercial and corporate audiovisual grammar. The collective
is inspired by the historical avant-gardes’ use of form and content against
alienating realities.
CONTATO | CONTACT
colectivolosingravidos@gmail.com
_ UM ESTUDO DA MOSCA
_ A STUDY OF FLY
de Cherlyn Hsing-Hsin Liu.
Taiwan / EUA, 2018, 13’

Cherlyn Hsing-Hsin Liu trabalha entre a literatura, as artes plásticas e o

cinema. Ela é autora do romance Write Across, da peça Sorrows of the Island,
e de filmes como How Old Are You? How Old Were You? e Um Estudo da Mosca.
Cherlyn Hsing-Hsin Liu works between literature, fine art and filmmaking.
She is the author of the novel Write Across, the play, Sorrows of the Island,
and whose films include How Old Are You? How Old Were You? and A Study of Fly.
CONTATO | CONTACT
cherlynhsing@gmail.com
_______
SINOPSE | SYNOPSIS
Um Estudo da Mosca é uma reflexão sobre a relação entre o inseto, o humano,

o meio ambiente e o universo. A mosca nesse filme pode ser abordada como um
ser vivo, como uma metáfora para o desejo humano de ir além, e como um estado
que demonstra a capacidade de se mover entre os reinos da vida e da morte.
Artefatos manuais e filtros coloridos são utilizados como ênfase para a nossa
intervenção física, para a manipulação e para a violência contra a natureza.
A Study of Fly is a reflection on the relationship between insect, human,
environment and the universe. The fly in this film can be approached as
a living being, a metaphor for human desire to reach beyond, and a state that
demonstrates the capacity to move between the realms of life and death.
Artifacts from hand-processing and color filters are emphases of our physical
intervention, manipulation and violence against nature.
EQUIPE | CREW
Direção | Direction: Cherlyn Hsing-Hsin Liu

_ ONDA EMPOEIRADA
_ DUSTY WAVE
de Eeva Siivonen.
Finlândia / Canadá, 2017, 3’
SINOPSE | SYNOPSIS
Meu trabalho com a imagem em movimento experimenta com texto, imagem e som
_______
para criar um espaço experiencial – uma espécie de ontologia – dentro do qual
as subjetividades e os corpos como totalidades não existem e as conexões
e hierarquias são continuamente desfeitas e reconstituídas. A experiência
subjetiva existe como uma relação dialógica e retórica, como algo disseminado
no tempo e no espaço, emergindo e desaparecendo, resistindo à linguagem
e à definição. Esses trabalhos descrevem as relações complexas, flutuantes EQUIPE | CREW
e interdependentes entre entidades viventes e não-viventes – relações que
desafiam a linearidade e as fronteiras. Minha prática está baseada na recusa Direção | Direction: Eeva Siivonen
e na resistência a definições e categorias fechadas como as de eu/outro,
humano/animal, interior/exterior, vivente/não-vivente e em um compromisso com
a falha inerente para se obter o conhecimento de nós mesmos e dos outros como SOBRE X ARTISTA | ABOUT THE ARTIST
o lugar de onde a ética emerge e evolui.
My moving image work experiments with text, image and sound to create an Eeva Siivonen é uma artista da imagem em movimento natural de Helsinque,
experiential space—a kind of ontology—within which subjectivities and bodies Finlândia. Em seu trabalho, ela sutura os espaços visual e sônico onde
as totalities don’t exist and connections and hierarchies are continuously o pequeno e esquecido se torna visível e amplificado em um esforço para criar
undone and remade. Subjective experience exists as a dialogical and um espaço de atenção e empatia.
rhetorical relationship, as something scattered in time and space, emerging Eeva Siivonen is a moving image artist originally from Helsinki, Finland.
and disappearing, resisting language and definition. These works describe In her work, she sutures together visual and sonic spaces where the small
the complex, fluctuating, and interdependent relationships between living and forgotten become visible and amplified in an effort to create a space for
and non-living entities—relationships that defy linearity and boundaries. attention and empathy.
My practice is grounded in refusal and resistance to closed definitions
and categories such as self/other, human/animal, interior/exterior,
living/non-living and in a commitment to an inherent failure to gain
knowledge of ourselves and others as the place from which ethics emerge CONTATO | CONTACT
and evolve. eevaleenasiivonen@gmail.com
_ IMPORTA O QUÊ
_ IT MATTERS WHAT
de Francisca Duran.
Chile / Canadá, 2019, 10’
____ SINOPSE | SYNOPSIS SOBRE X ARTISTA | ABOUT THE ARTIST
Ausências e traduções motivam essa animação experimental numa exploração Francisca Duran é uma artista experimental das mídias Chileno-Canadense que
dos métodos e materiais de reprodução e inscrição. A investigação é definida produz filmes, instalações e trabalhos que misturam mídias a partir dos temas
dentro de uma estrutura de relações humanas práticas e críticas com da história, da memória e da violência.
espécies-que-não-a-humana elucidadas pela teórica Donna Haraway. Francisca Duran is a Chilean-Canadian experimental media artist who creates
films, installations, and mixed-media works about history, memory and
Um fragmento do ensaio de Haraway: “Pensamento Tentacular: Antropoceno, violence.
Capitaloceno, Chthuluceno” é retrabalhado aqui como um manifesto poético.
O material de arquivo enigmático questiona a violência humana sobre as
espécies animais. A vida das plantas é o conteúdo das imagens tanto quanto CONTATO | CONTACT
auxilia os meios da reprodução fotográfica. franciduran.artist@gmail.com
As técnicas utilizadas incluem animação feita na câmera, impressões de

contato e fitogramas criados pela exposição de filme 16mm sobreposto com
material vegetal seco por horas sob a luz solar.
Absences and translations motivate this experimental animation in an

exploration of the methods and materials of reproduction and inscription.
The inquiry is set within a framework of practical and critical human
relationships with other-than-human-species elucidated by the theorist Donna
Haraway.
A fragment from Haraway’s essay “Tentacular Thinking: Anthropocene,

Capitalocene, Chthulucene” is reworked here as a poetic manifesto. Enigmatic
found-footage calls into question human violence over animal species.
Plant life is both the subject matter of the images and assists the means
of photographic reproduction.
The techniques used include in-camera animation, contact-prints and

phytograms created by the exposure of 16mm film overlaid with plant material
and dried for hours in direct sunlight.
EQUIPE | CREW
Direção | Direction: Francisca Duran

_ TRANSCRITO
_ TRANSCRIPT
de Erica Sheu.
Taiwan / EUA, 2018, 3’

Transcrevo uma relação em filme com o que encontro em casa: a respiração

da flor bebê, cartas de amor que meu pai escreveu e papéis de impressão solar
que meu namorado me deu. Esse filme é dedicado a Shadow Film: A Woman with
Two Heads (Nito-onna: Kage No Eiga), 1977, de Shuji Terayama.
I transcribe a relationship on film with what I found at home: the flower
baby's breath, love letters my father wrote and sun print papers my lover
gave me. This film is a dedication to Shadow Film: A Woman with Two Heads
(Nito-onna: Kage No Eiga), 1977, by Shuji Terayama.
EQUIPE | CREW
Direção | Direction: Erica Sheu
Erica Sheu é uma cineasta que trabalha com película. Seus interesses incluem
objetos cotidianos, emoção/expressão audiovisual abstrata,
isolamento/pertencimento e as políticas identitárias Taiwanesas.
Ela é integrante do coletivo de arte ReaRflex 後照鏡.
Erica Sheu is a filmmaker who works with celluloid. Her interests include
everyday objects, abstract audiovisual emotion/expression,
isolation/belongingness and Taiwanese identity politics. She is a member
of the artist collective ReaRflex 後照鏡.
CONTATO | CONTACT
ericasheu@alum.calarts.edu
_ A PRESENÇA DA GAROTA
_ GIRL IS PRESENCE
de Lynne Sachs e Anne Lesley Selcer.
EUA, 2020, 4’
_______ SINOPSE | SYNOPSIS essay film, collage, performance, documentary and poetry.
Anne Lesley Selcer’s language-based video has screened internationally.
Durante a pandemia global, Lynne Sachs e Anne Lesley Selcer colaboraram She won the CSU Poetry Prize for Sun Cycle, which investigates image, power
remotamente para criar A Presença da Garota, um poema visual rítmico tingido and gender. She is also author of the essay collection Blank Sign Book, which
pelo gênero e pela violência. Contra a atmosfera incerta e de ansiedade da challenges boundaries of art criticism.
pandemia, dentro do espaço doméstico, uma “garota” arranja e rearranja uma
coleção de pequenas coisas misteriosas. À medida que as palavras aumentam
a tensão, a cena se torna oculta, ritualística e alquímica. Comissionado pela
Small Press Traffic para o programa Bay Area Shorts (curtas-metragens da Baía
de São Francisco) durante o isolamento social instituído nacionalmente devido CONTATO | CONTACT
à Pandemia do Coronavírus de 2020. lynnesachs@gmail.com
During the global pandemic, Lynne Sachs and Anne Lesley Selcer collaborated
remotely to create Girl is Presence, a rhythmic visual poem tinged by gender
and violence. Against the uncertain and anxious pandemic atmosphere, inside
domestic space, a “girl” arranges and rearranges a collection of small and
mysterious things. As the words build in tension, the scene becomes occult,
ritualistic and alchemical. Commissioned by Small Press Traffic for Bay Area
Shorts during the national shelter-in-place order caused by the Coronavirus
Pandemic of 2020.
EQUIPE | CREW
Direção | Direction: Lynne Sachs, Anne Lesley Selcer
Lynne Sachs cria trabalhos cinemáticos que desafiam os gêneros através do uso
de formas híbridas e colaborações transdisciplinares, incorporando elementos
do filme-ensaio, da colagem, da performance, do documentário e da poesia.
A linguagem de vídeo de Anne Lesley Selcer já foi exibida internacionalmente.
Ela venceu o Prêmio de Poesia Sun Cycle da Universidade do Estado de
Cleveland (CSU), que investiga a imagem, o poder e o gênero. Ela também
é autora da coletânea de ensaios Black Sign Book, que contesta as fronteiras
da crítica de arte.
Lynne Sachs creates cinematic works that defy genre through the use of hybrid
forms and cross-disciplinary collaboration, incorporating elements of the
_ ENQUANTO HOUVER RESPIRAÇÃO
_ AS LONG AS THERE IS BREATH
de Emily Chao.
EUA, 2020, 2’
SINOPSE | SYNOPSIS
Um conjunto de memórias coletadas rompe o interior e abre portais para

o fora. Realizado durante o isolamento social no Norte da Califórnia.
Comissionado pela Small Press Traffic.
An assembly of collected memories shatter the interior and open portals
to the outside. Completed during shelter-in-place in Northern California.
Commissioned by Small Press Traffic.
EQUIPE | CREW
Direção | Direction: Emily Chao
____ SOBRE X ARTISTA | ABOUT THE ARTIST
Emily Chao (Estados Unidos) é uma cineasta que vive na Baía de São Francisco.
Ela é coprogramadora do Light Field, uma mostra internacional da arte da
imagem em movimento feita em película, e é integrante do Black Hole
Collective Film Lab em Oakland, Califórnia.
Emily Chao (USA) is a filmmaker based in the San Francisco Bay Area. She is a
co-programmer of Light Field, an international exhibition of moving image art
on celluloid, and a member of Black Hole Collective Film Lab in Oakland, CA.
CONTATO | CONTACT
chao.emily@gmail.com
_ WASTELAND Nº 2: FORTE, FARTO
_ WASTELAND NO 2: HARDY, HEARTY
de Jodie Mack.
EUA, 2019, 7’
the first leaf. They were very silent a while. (Felix Salten, Bambi: A Life in
the Woods)
Garden ghosts flirt with the weeds of spring, cycling matter[s] and lives and
deaths.
EQUIPE | CREW
Direção | Direction: Jodie Mack
Os filmes feitos a mão de Jodie Mack (Estados Unidos) exploram a relação entre
o cinema gráfico e a contação de histórias, a tensão entre a forma
e o significado, liberando a energia cinética de objetos negligenciados
e questionando o papel da decoração na vida cotidiana.
Jodie Mack’s (USA) handmade films explore the relationship between graphic
_______
cinema and storytelling, the tension between form and meaning, unleashing the
kinetic energy of overlooked objects and questioning the role of decoration in
daily life.
SINOPSE | SYNOPSIS
“Será que é verdade”, disse a primeira folha, “será que é mesmo verdade, que
outras venham tomar nosso lugar quando formos embora e depois delas outras
CONTATO | CONTACT
e outras?”. “Claro que é verdade”, murmurou a segunda folha. “Não quero nem
jodienmack@gmail.com
imaginar, não dá para entender.”. “Isso me deixa muito triste.”, acrescentou
a primeira folha. Elas ficaram caladas por um tempo. (Felix Salten, Bambi:
Uma história de vida na floresta).
Fantasmas do jardim flertam com as ervas da primavera, matéria[s] cíclicas

e vidas e mortes.
“Can it be true,” said the first leaf, “can it really be true, that others
come to take our places when we're gone and after them still others, and more
and more?” “It really is true,” whispered the second leaf. “We can't even
begin to imagine it, it's beyond our powers.” “It makes me very sad,” added
SOBRE OS CURADORES
ABOUT THE CURATORS
Steve Polta is an occasional writer, occasional archivist, occasional historian
and former San Francisco taxi driver. He lives in the San Francisco Bay Area.
He is the Director of San Francisco Cinematheque and co-founder of
Cinematheque’s CROSSROADS Film Festival, presented annually (non-pandemic
years) at the San Francisco Museum of Modern Art. He holds an MFA from the San
Francisco Art Institute and a Masters of Library and Information Science (MLIS)
from San José State University. He is the co-editor (with Brett Kashmere) of
Craig Baldwin: Avant to Live! which will be published in late 2021 by San
Francisco Cinematheque and INCITE – Journal of Experimental Media.
_______ CRISTIANA MIRANDA

Cineasta experimental e pesquisadora no campo das artes da imagem, fotografia
e cinema. Graduada em Sociologia pela Pontifícia Universidade Católica do Rio
de Janeiro (PUC/RJ), Mestre em Comunicação pela Universidade Federal do Rio de
Janeiro (PPGCOM/UFRJ). Doutora em Artes pelo Programa de Pós-graduação em Artes
da Universidade do Estado do Rio de Janeiro (PPGARTES/UERJ), com período
sanduíche na Universidade Mandume ya Ndemufayo, na cidade do Lubango, Angola
_____________ STEVE POLTA (2018-2019; bolsa CAPES). Como curadora, organiza o DOBRA – Festival
Internacional de Cinema Experimental. Realizou a exibição Poly Visions:
Meditations On The Uncertainties Of Language (2016; Nantes/França). É
restauradora de cinema, tendo trabalhado na restauração de filmes brasileiros,
Steve Polta é escritor ocasional, arquivista ocasional e historiador ocasional, em projetos na Cinemateca do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM/RJ)
além de ter sido taxista em São Francisco. Vive na região da Baía de São e na Filmoteca UNAM, da cidade do México. Em 2017, foi agraciada com uma
Francisco. É diretor da Cinemateca de São Francisco e cofundador do CROSSROADS, retrospectiva de seus filmes na Cinemateca do MAM/RJ. Participou de diversos
Festival de Cinema da Cinemateca, que ocorre anualmente (em anos festivais, mostras e exposições, incluindo o CROSSROADS Film Festival (2019;
não-pandêmicos) no Museu de Arte Moderna de São Francisco. Realizou um mestrado São Francisco/EUA). Como pesquisadora, tem participado de eventos
profissional em artes plásticas no Instituto de Arte de São Francisco (San artísticos-científicos incluindo o 26º Encontro da Anpap (2017) e o SOCINE
Francisco Art Institute) e é Mestre em Biblioteconomia e Ciência da Informação (2019). Sua investigação artística no cinema volta-se para a experiência da
pela Universidade de San José (San Jose State University). É ainda coeditor (com revelação manual do filme e as consequências materiais e sensíveis desse
Brett Kashmere) do livro Craig Baldwin: Avant to Live!, que será publicado no processo.
final de 2021 pela Cinemateca de São Francisco e pela INCITE – Revista de Mídia
Experimental. Experimental filmmaker and researcher in the fields of image arts, photograph
and cinema. Graduated in Sociology at the Catholic University of Rio de Janeiro founding member of RISCO Cinema and one of the curators of DOBRA – International
(PUC/RJ), Master in Communication at the Federal University of Rio de Janeiro Experimental Film Festival. Currently, he is a post-PhD researcher at ECO/UFRJ,
(PPGCOM/UFRJ) and PhD in Arts in the Post-Graduation Arts Program at the State investigating vanguard cinema in Brazil.
University of Rio de Janeiro (UERJ), with a Sandwich PhD at the Mandume ya
Ndemufayo University, in the city of Lubango, Angola (2018-2019; financed by
CAPES). As a curator, organizes DOBRA – International Experimental Film
Festival. She has produced the exhibition Poly Visions: Meditations On The
Uncertainties Of Language (2016; Nantes/France). She is an art restorer for
cinema, having worked in the restoration of Brazilian films, in projects of the
_____________ LUIZ GARCIA
Modern Art Museum of Rio de Janeiro (MAM/RJ), and at the UNAM Filmotheque, in
Mexico City. In 2017, she was awarded with a retrospective of her films at MAM’s
Doutor e mestre pelo Programa de Pós-graduação em Comunicação da Universidade
Cinematheque. She participated in several festivals, exhibitions and
Federal Fluminense (PPGCOM/UFF). Pesquisador e designer gráfico. Curador e
expositions, including CROSSROADS Film Festival (2019; San Francisco/USA). As
programador do DOBRA – Festival Internacional de Cinema Experimental desde 2017
a researcher, she has participated in artistic-scientific events including the
e da plataforma RISCO Cinema, apresentada na Cinemateca do Museu de Arte Moderna
26º Anpap Meeting (2017) and the Brazilian Society of Film and Audiovisual
do Rio de Janeiro (MAM/RJ) desde 2015. Curador e produtor da mostra Cinema de
Studies, SOCINE (2019). Her artistic investigation in cinema is focused on the
Invenção (2017; Rio de Janeiro). Curador da Mostra Maricá – Cinema & Memória
revelation of manual experience in film and the material and sensitive
(2017; Maricá/RJ) e da mostra Kafka e o Cinema (2016; CAIXA Cultural). Curador
consequences of this process.
do festival de cinema Curta-SE (Aracaju/SE). Participou de produções de curtas
e longas-metragens. Foi membro do KUMã – Laboratório de Pesquisa e
Experimentação em Imagem e Som – UFF, e coidealizador do projeto Inventar com
a Diferença: Cinema, Educação e Direitos Humanos.
____________ LUCAS MURARI PhD and master in the Communication Post-Graduation Program at Federal Flumin-
ense University (PPGCOM/UFF). Researcher and graphic designer. Curator and pro-
grammer of DOBRA – International Experimental Film Festival since 2017 and of
Pesquisador de cinema experimental e arte de vanguarda. Doutor em Comunicação the RISCO Cinema platform, presented at the Modern Art Museum of Rio de Janeiro
e Cultura pelo Programa de Pós-graduação em Comunicação e Cultura da Escola de (MAM/RJ)’s Cinematheque since 2015. Curator and producer of the exhibition “In-
Comunicação da Universidade Federal do Rio de Janeiro (PPGCOM/UFRJ), com vention Cinema” (2017; Rio de Janeiro). Curator of the “Mostra Maricá – Cinema
período sanduíche na Université Sorbonne Nouvelle – Paris 3. É membro fundador & Memory” (2017; Maricá/RJ) and of the exhibition “Kafka and Cinema” (2016;
da plataforma RISCO Cinema e um dos curadores do DOBRA – Festival Internacional CAIXA Cultural). Curator of the Curta-SE Film Festival (Aracaju/SE). He partic-
de Cinema Experimental. Atualmente realiza estágio de pós-doutorado na ECO/UFRJ ipated in short and feature film productions. He was a member of KUMã – Image
sobre cinema de vanguarda no Brasil. and Sound Research and Experimentation Laboratory – UFF, and co-idealizer of
the project “Invent with Difference: Cinema, Education and Human Rights”.
Experimental film and vanguard art researcher. PhD in Communication and Culture
in the Communication and Culture Post-Graduation Program at the School of
Communication of the Federal University of Rio de Janeiro (PPGCOM/ECO/UFRJ),
with a Sandwich PhD at the Sorbonne Nouvelle University – Paris 3. He is a
CRÉDITOS
CREDITS
COORDENAÇÃO DE PRODUÇÃO
PRODUCTION COORDINATOR
_ Raquel Rocha
DESIGN
DESIGN
_ Lilian Cavalcante
WEB
WEB
____
_ Arnoldo Miranda | Gato de Ap
FICHA TÉCNICA DOBRA GERENCIAMENTO DE REDES SOCIAIS

SOCIAL MEDIA MANAGER
DOBRA TECHNICAL INFORMATION _ Raquel Gandra
CONCEPÇÃO E ORGANIZAÇÃO ORIGINAL CURSO

ORIGINAL DESIGN AND CONCEPTION COURSE
_ Cristiana Miranda _ Cristiana Miranda
_ Hernani Heffner _ Lucas Murari
_ Luiz Garcia
DIREÇÃO E CURADORIA
DIRECTION AND CURATORSHIP REVISÃO DE TEXTOS
_ Cristiana Miranda COPYDESK
_ Fernanda Cupolillo
CURADORIA
CURATORSHIP TRADUÇÃO DE TEXTOS
_ Lucas Murari TRANSLATION OF TEXTS
_ Luiz Garcia _ Ciro Lubliner
CURADORIA CONVIDADA TRADUÇÃO CONSECUTIVA - LIVES

INVITED CURATORSHIP CONSECUTIVE TRANSLATION - LIVES
_ Steve Polta _ Roberta Arantes
CURADORIA
CURATORSHIP
_ Beatriz Lemos
_ Natasha Felix
MUSEOLOGIA
MUSEOLOGY
_ Cátia Louredo
_ Camila Pinho
_ Manuela Pereira
_ Ana Beatriz Cascardo
MONTAGEM
INSTALLATION
_ José Marcelo Peçanha
_ Noan Moreira
CINEMATECA
____
FILM ARCHIVE
_ Hernani Heffner
FICHA TÉCNICA MAM _ Carlos Eduardo Pereira
MAM TECHNICAL INFORMATION _ Edson Gomes
_ Fábio Vellozo
_ José Quental
DIRETORIA _ Sidney de Mattos
DIRECTORS _ Tiago Ferreira
DIRETOR EXECUTIVO EDUCAÇÃO E PARTICIPAÇÃO

EXECUTIVE DIRECTOR EDUCATION AND ENGAGEMENT
_ Fabio Szwarcwald _ Renata Sampaio
_ Antônio Amador
DIRETORIA ARTÍSTICA _ Daniel Bruno
ARTISTIC DIRECTORS _ Gilson Plano
_ Keyna Eleison _ Juca Fiis
_ Pablo Lafuente _ Lais Daflon
_ Shion Lucas _ Fabio Souza
_ Ualace Miliorini _ Flávio Vivório
_ Mariana Boghossian
RESIDÊNCIAS ARTÍSTICAS _ Matheus Freitas
_ ART RESIDENCIES _ Mônica Villela Assessoria
_ Camilla Rocha Campos
RELAÇÕES INSTITUCIONAIS
PESQUISA E DOCUMENTAÇÃO INSTITUTIONAL RELATIONS
RESEARCH AND DOCUMENTATION _ Andrea Lombardi
_ Leno Veras _ Hariel Martins
_ Aline Siqueira _ Michèle Fajardo
_ Cláudio Barbosa _ Paula Correia
_ Flávio Augusto
_ Maurício Sales SUPERINTENDÊNCIA FINANCEIRA
_ Márion Strecker FINANCIAL SUPERINTENDENCE
_ Moema Bacelar _ Carlos Mineiro
_ Reinaldo Alves
_ Yasmin Mesquita ASSESSORIA DE DIRETORIA
DIRECTOR'S ADVISOR
EXPOGRAFIA _ Diana Quadra
EXHIBITION DESIGN
_ Juliana Prado Godoy RH E GESTÃO DE PESSOAS
HUMAN RESOURCES
PRODUÇÃO _ Giselle Lima
PRODUCTION _ Gleyce Souza
_ Adriana Salomão
_ Helena Ramos FINANÇAS E CONTABILIDADE
_ Ana Terra FINANCE AND ACCOUNTING
_ Julliana Santos _ Vinícius Fazio
_ Juliana Orsolon
COMUNICAÇÃO E DESIGN
COMMUNICATION AND DESIGN COORDENAÇÃO DE PROJETOS
_ Erika Palomino PROJECT COORDINATION
_ Amanda Lianza _ Jusele Sá
_ Domi Valansi
OPERAÇÕES E TI _ Raquel Sousa
OPERATIONS AND IT
_ Cassio Pereira BILHETERIA
TICKET OFFICE
MANUTENÇÃO _ Regina Barbosa
MAINTENANCE
_ Antonio Marcos Araújo RECEPÇÃO E LOJA
_ Edmilson Fernandes Carvalho RECEPTION AND STORE
_ Elvis de Oliveira Rodrigues _ Evelin Damascena
_ João Elias de Almeida _ Fabiana Lima
_ Josias da Conceição Madeira
_ Marcelo Antonio de Almeida PRESTADORAS DE SERVIÇOS
_ Reginaldo Pessanha dos Santos SERVICE PROVIDERS
_ Roberto Monteiro Leocadio _ Air Service Ar condicionado Eireli
_ Best Force Geradores Eireli EPP
ORIENTAÇÃO DE PÚBLICO _ Brasil Forte Vigilância e Segurança Ltda.
AUDIENCE GUIDANCE _ Elevadores Salta
_ Ana Paula Pinheiro _ Lacus Tratamento de Água e Serviços Químicos Eireli
_ Joice Jessica Fernandes _ Limppo MultiServiços
_ Jucelia de Karla Souto _ Red Safety Segurança Contra Incêndio Ltda.
_ Ana Carolina Brandizzi _ Siciliano Construções e Reformas Eireli
_ Apoena Maia
_ Brena Araujo
_ Camila Souto
_ Carolina Jovino
_ Edem Lis
_ Eduardo Inácio Paiva
_ Jefferson Borelli
_ Jonathan Lemos
_ Julia Corrêa Dos Santos
_ Luma Anunciação
_ Maria Arêas
_ Marllon Fernandes Americo
_ Martina Rangel
_ Patrick Magalhães
Coorganização Co-organised by
Parceiro Estratégico Strategic Partner Patrocinador Master Master Sponsor Realização Presented by

VII DOBRA - Festival Internacional de Cinema Experimental online

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VII DOBRA - Festival Internacional de Cinema Experimental online

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6-30 SET|SEP 2021

MINISTÉRIO DO TURISMO APRESENTA

ORGANIZAÇÃO DA PUBLICAÇÃO | PUBLICATION ORGANIZATION

ANO DA PUBLICAÇÃO | YEAR OF PUBLICATION

_ ARQUEOLOGIAS LATINAS – POEIRA E ENCONTROS 25

_ CARTAS SOBRE UMA TEMPESTADE POR VIR 38

_ PARA PROVOCAR OS SENTIDOS: O CINEMA EM VENTOS PICTÓRICOS 50

_ SOBRE OS LÍQUIDOS, OS SONHOS E OS RISCOS QUE A PELÍCULA NOS TRAZ 66

_ CORPOS: INVOCAÇÕES, CORPORIFICAÇÕES E PROJEÇÕES 80

_ MODERNIDADE URBANA - LINHAS DE RUA, LINHAS DE FUGA 91

APRESENTAÇÃO | PRESENTATION 05 _ ENTRE TRAMAS, RELEVOS E TEXTURAS 108

O Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro vem consolidando um processo de

Sua cinemateca, um dos principais centros de patrimônio e memória audiovisual

A realização, em 2020, da primeira edição totalmente digital do DOBRA - Festival

MAM RIO _____________

Its Cinematheque, center of audiovisual patrimony and memory, inexorable to

The production in 2020 of the first totally online edition of DOBRA –

Há um ano, estávamos dando um passo importante com a realização do primeiro

CINEMATECA DO MAM ___

A grande oferta de eventos e festivais de cinema online proveniente de todos os

Today we present one more edition of DOBRA – International Experimental Film

Nessa presença maciça da linguagem audiovisual no mundo contemporâneo, o cinema

Permanecemos movidos pela consciência de uma urgência, pelo desejo de recuperar

We are still moved by the consciousness of urgency, by the desire of retrieve

In the massive presence of audiovisual language in the contemporary world,

ETNÓGRAFO artista como etnógrafo (Foster).

Para o artista como etnógrafo, o objeto de contestação também é a instituição

O reconhecimento de uma alteridade no interior do eu é um ponto de partida em

ETHNOGRAPHER geographically: the artist as ethnographer (Foster).

To the artist as ethnographer, the object of contestation is also the

The recognizing of an otherness inside the self is a starting point to many

Em alguns momentos dessa rica interação, a antropologia visual foi fortemente

Em outro tipo de abordagem, o animismo também está presente em muitas culturas

Tanto o pensamento fílmico como as teorias da antropologia são importantes para

– WE’RE NOT ALONE

In some moments of this rich interaction, visual anthropology was strongly

Both filmic thinking and anthropological theories are important to elaborate

A cinematografia de reemprego tornou-se uma das mais representativas vertentes

Ao longo do século passado, notadamente após a Segunda Guerra Mundial,

dessa impossibilidade, cabe instrumentalizar-nos para tentar melhor

AND THE SEARCH

The cinematography of reuse became one of the most representative genres of

We live in a world permeated by audiovisual images; they surround us under

Neste programa, são apresentados filmes de reemprego em produções

In this screening we present films of reuse in Latin American productions.

SOBRE A OBRA | ABOUT THE WORK

Esse curta-metragem foi realizado de um modo bastante intuitivo, durante

Direção, Som Direto, Montagem, Desenho de Som, Trilha Sonora Original |

SOBRE A OBRA | ABOUT THE WORK

Em meu encontro com os materiais de arquivo, observando sua temática

SOBRE X ARTISTA | ABOUT THE ARTIST

____ SINOPSE | SYNOPSIS SOBRE X ARTISTA | ABOUT THE ARTIST

Julia Chacur é historiadora, produtora cultural e fotógrafa. Formada em

A partir das imagens deterioradas da Zona do Baixo Meretrício do Rio de

Desarquivar justapõe a vida do pai da cineasta com a história política

Direção, Fotografia, Som Direto | Direction, Cinematography, Direct Sound:

Primeiro exercício de remontagem de um filme inacabado sobre as lutas pela

Direção, Produção | Direction, Production: Edén Bastida Kullick

SOBRE A OBRA | ABOUT THE WORK

Um documento histórico retirado das lutas urbanas populares na cidade

SOBRE X ARTISTA | ABOUT THE ARTIST

Edén Bastida Kullick é artista visual e pesquisador. Trabalha os cruzamentos

_ CRISTIANA MIRANDA, LUCAS MURARI E LUIZ GARCIA