2020 | RHODES MUSIC ACADEMY

O GUIA DEFINITIVO SOBRE

MIXAGEM

ESCRITO POR:
VINÍCIUS BERNUCCI
ESTE LIVRO FOI FEITO PARA VOCÊ
QUE SEMPRE BUSCOU UM
MATERIAL ORGANIZADO COM
TODAS AS INFORMAÇÕES
NECESSÁRIAS SOBRE MIXAGEM
RHODES MUSIC
RHODES MUSIC ACADEMY
SOBRE NÓS
Idealizada pelo produtor
musical e engenheiro de
áudio Vinicius Bernucci, a
Rhodes Music Academy foi
criada em 2014 na cidade de
Belo horizonte-MG com o
intuito de Formar futuros
Engenheiros de áudio e
Produtores Musicais. Desde
então em seus cursos on-line
e presenciais totalizam-se
mais de 600 alunos formados
por nossa instituição.
 
Missão
Ser referência de qualidade.
Inspirar novos Talentos.
Contribuir para o cenário
musical nacional.
Valores
Seriedade em todos os
nossos compromissos.
Paixão pela música.
Qualidade na busca por
Excelência.
Compromisso com tudo o
que propusermos fazer.
Colaboração para
potencializar o trabalho
coletivo
Visão
Pessoas: para proporcionar
um bom ambiente de
trabalho no qual os
profissionais sintam-se
inspirados a darem o melhor
de si, todos os dias.
Produtividade: Ser uma
organização eficaz e
dinâmica.
Parceiros: Desenvolver uma
rede de trabalho para criar
um valor comum e
duradouro.
 RHODES MUSIC
VINÍCIUS BERNUCCI
SOBRE
Vinicius Bernucci, Produtor
musical, Músico e Engenheiro de
áudio. É formado em música pela
Universidade Federal de Minas
Gerais, estudou música no Centro
de Formação Artística (CEFART) -
Palácio das Artes em Belo
Horizonte. Além disso, é também
um membro votante da
Academia Latina de Gravação
dessa forma, participando
ativamente na inscrição e votação
dos concorrentes ao Latin
GRAMMY AWARDS a maior
premiação da música na América
Latina.
Na Universidade teve
oportunidade de estudar com
grandes músicos da música
popular brasileira e internacional
como Wilson Lopes (Milton
Nascimento) e Cliff Korman.
Vem construindo em sua
trajetória diferentes olhares sobre
a música, tanto do ponto de vista
da interpretação e criação
musical como também na
captação e gravação das obras.
Como empresário e engenheiro
de áudio trabalhou no Studio
Rhodes em Belo Horizonte e no
Estúdio da Banda Dominus  diversas regiões do Brasil como
também na capital mineira.
Foram nesses estúdios que
adquiriu em sua carreira 
rabalhos importantes como a
masterização do CD do produtor
austríaco Boris Porsch, além de
ter mixado e masterizado a
interpretação da música “O Abre
alas” de Chiquinha Gonzaga
executada pela Big Band norte
americana BYU SYNTHESIS JAZZ
BAND e a pianista brasileira Aline
Tomanik. Possui em seu currículo
trabalhos notáveis como o DVD
“Pra Sempre” de Rick Rodrigues
gravado no centro histórico de
Diamantina – MG (Patrimônio
cultural da Humanidade
declarado pela UNESCO).
Trabalho esse que assumiu a
direção artística e a mixagem.
Como músico já dividiu palco
com artistas de renome e como
Engenheiro de áudio e produtor
musical, já gravou e trabalhou
com grandes músicos do meio
Gospel como padre Fábio de
Melo, Dunga (Canção Nova),
Davidson Silva entre outros. Além
disso, ministra cursos presenciais
e on-line de produção musical,
áudio, gravação e mixagem. Em
seus cursos on-line, atualmente
possui alunos matriculados de
também alunos do Reino Unido,
EUA e Portugal.
 MIXAGEM
A mixagem é uma das etapas que
envolvem a produção de uma
música, CD ou DVD. Nessa etapa
envolvem conhecimentos técnicos e
artísticos.  É nela que definimos os
níveis dos instrumentos, timbres e
efeitos. Nela fazemos com que
diversos canais se tornem apenas 2,
o L (Left) e o R (Right). Podemos
dizer também que a mixagem é a
fusão da arte com a técnica.
Mixagem é um tema muito
complicado de ser tratado, isso
porque, tudo que envolve arte é
complicado dizer o que é certo ou
errado. O engenheiro de mixagem
pode tomar a decisão de por
exemplo, colocar todos os
instrumentos apenas de um lado
dos fones e ninguém pode arriscar
em dizer que isso está errado.
Porém, é de praxe seguir algumas
regrinhas básicas, além de
tendências do mercado. Como
costumo dizer: Se você optar por
colocar a voz principal somente de
um lado dos fones você é louco, mas
se o Cris Lord Alge (um dos mais
famosos engenheiros de mixagem
do mundo) optar por fazer essa
escolha ele é um gênio. Então meu
primeiro conselho é: Não tente
reinventar a roda. Siga
primeiramente os padrões e
aprenda a fazer boas mixagens
dentro desses padrões. Depois que
você adquirir bastante experiência
você pode começar a querer se
aventurar por caminhos mais
excêntricos.  
COMO APRENDER
A MIXAR?
Gosto de tratar o aprendizado da
mixagem como o aprendizado de
um instrumento musical. Tenho dito
muito isso, mas é preciso ser
insistente mesmo. Isso porque
muitos não encaram dessa maneira e
acredito que ao tratar dessa forma, a
sua evolução será muito evidente.
Imagine o seguinte cenário: Você
estudando mixagem
aproximadamente 4 horas todos os
dias (tempo mínimo gasto com
estudos por um músico). Sua
evolução será realmente notável.
Mixagem no final das contas é um
treino auditivo. Claro, isso se você
dominar as técnicas. Faça assim:
Crie uma rotina de estudos todos os
dias. Mixe pelo menos uma música
por dia e mantenha essa rotina.
Agora, tenha muita calma, seja
coerente com você mesmo. Assim
como qualquer instrumento, não
adianta com pouco tempo mixando
músicas, querer mixar como uma
pessoa que está há 30 anos no
mercado. Seja justo com você
mesmo e não lhe cobre além do que
você pode entregar. Isso não lhe fará
bem, muito pelo contrario, só lhe
trará frustrações. Mantenha o foco!
 " O ENTUSIASMO É A MAIOR
FORÇA DA ALMA. CONSERVA-O E
NUNCA TE FALTARÁ PODER PARA
CONSEGUIRES O QUE DESEJAS"
Napoleon Hill
A MIXAGEM E SUA
EVOLUÇÃO
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Antes de entrarmos em conceitos

mais atuais da mixagem, é
importante ter alguma perpesctiva
de como essa arte se desenvolveu ao
longo dos anos. É obvio para quase
todos que estão há bastante tempo
mixando, como essa arte mudou ao
longo das décadas, mas o porque e O que  mudou de acordo com o
como isso aconteceu não é tão reverenciado engenheiro Eddie
óbvio. Nos primórdios da gravação Kramer:
nos anos 50, realmente não havia
nenhuma mixagem em si, já que a "Tudo (quando eu comecei a me aproximar da
mídia de gravação era mono e uma gravação), a perspectiva de gravação era muito
grande gravação usava no máximo diferente da que as pessoas fazem atualmente.
apenas quatro microfones. É claro Meu treinamento na Inglaterra foi felizmente com
alguns dos maiores engenheiros da época, que
que, ao longo dos anos, a gravação
eram basicamente engenheiros clássicos
evoluiu da captura de um evento treinados de um jeito que eles poderiam sair e
musical inalterado para um que foi gravar uma orquestra sinfônica e depois voltar
artificialmente criado através de para o estúdio e depois fazer um Jazz ou o Pop,
overdubs, multitracks, etc. A que é exatamente o que costumávamos fazer.
disponibilidade de mais e mais faixas Quando eu estava treinando com Bob Auger,
gerou consoles cada vez maiores, o que era o sênior engenheiro na Pye Studios, ele e
eu costumávamos sair e fazer álbuns clássicos
que gerou a automação de
com uma máquina Ampex de 3 pistas e três
computadores e o Recall (função microfones Neumann U47 e um único mixer de
utilizada para carregar configurações três canais. O fato é que tínhamos muito poucas
salvas de mixagens finalizadas) ferramentas à nossa disposição. Foi isso."
apenas para gerenciar os consoles
maiores alimentados por mais faixas.
Com tudo isso veio não apenas uma
mudança inevitável na filosofia da
mixagem, mas também uma
mudança no modo como um mixer
escutava ou pensava.
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Hoje em dia, com esse luxo do
computador, praticamente temos
quantas faixas quisermos. A
microfonação da bateria
normalmente passava pelos
microfones de overhead e bumbo,
agora é comum mais de um
microfone em cada peça da bateria,
já que os consoles e interfaces de
áudio agora possuem mais entradas
de microfone. E dessa forma, a
bateria podendo ser distribuída em
seis, oito ou mais faixas, os
engenheiros podiam se concentrar
mais no processo de mixagem,
porque a bateria, 
não precisava mais ser pré-mixada
em apenas uma ou duas faixas. Em
vez de os tambores da bateria
serem considerados apenas mais
um instrumento igual ao baixo, eles
passaram a exigir mais atenção
porque mais faixas são usadas.
Nesse ponto (aproximadamente
1975), graças ao uso generalizado do
“tape deck” de 24 faixas (gravador
de 24 canais), a mixagem mudou
para sempre. E, para melhor ou
para pior, a mixagem mudou para o
que é hoje em dia.
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OS ESTILOS DE
MIXAGEM
LOS ANGELES

NEW YORK

LONDON

Até o final dos anos 80, era fácil dizer

onde um registro tinha sido feito, apenas
pelo seu som. Houve uma
homogeneização de estilos nos últimos
anos, principalmente porque os
engenheiros passaram a mixar em vários
locais e muitos se mudaram para novas
áreas levando seus estilos de mixagem
ao longo do caminho. Há três estilos de
gravação principais e a maioria das
gravações se enquadram em uma delas;
Nova Iorque, LA e Londres.  
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NEW YORK

O ESTILO NOVA
IORQUINO

As características da mixagem
de Nova York talvez sejam as
mais fáceis de identificar. Isso
porque apresentam muita
compressão, o que torna a
mixagem muito agressiva. Em
muitos casos, os instrumentos
comprimidos (principalmente a
seção rítimica) são
comprimidas várias vezes ao
longo do caminho, com
compressão paralela através de
mandadas auxiliares ou outras
práticas. Um exemplo disso,
ouça qualquer uma das
mixagens que Ed Stasium (um
orgulhoso praticante deste
método) fez, como o álbum
solo de Mick Jagger, She's the
Boss, ou qualquer coisa de The
Smithereens ou Living Colour.
EXEMPLO

https://www.youtube.com/watch?
v=KqoXN0cLRs0
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LOS ANGELES

O ESTILO LA

O som LA é um som um pouco

mais natural; é comprimido,
mas em grau menos agressivo
que o estilo nova-iorquino. Há
também muito menos
camadas de efeitos do que o
estilo de Londres. O estilo LA
sempre tentou capturar um
evento musical e aumentá-lo
um pouco, em vez de recriá-lo.
Alguns bons exemplos são os
sucessos dos Doobie Brothers
ou Van Halen dos anos 70 e 80.

EXEMPLOS

https://www.youtube.com/watch?v=DkytJLox

https://www.youtube.com/watch?v=SwYN7m
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LONDON

O ESTILO LONDRES
O som de Londres é um estilo
altamente estratificado que
empresta algo do estilo de Nova
York, pois é um pouco
comprimido, mas lida com
várias camadas de efeito. Esse
estilo faz uso extensivo do que é
conhecido como perspectiva, o
que coloca cada instrumento
em seu próprio ambiente
sonoro distinto. Embora o
arranjo musical seja importante
para qualquer boa mixagem, é
ainda mais uma característica
distintiva de uma mix londrina.
O que isto significa é que
muitas partes aparecem em
momentos diferentes durante
uma mixagem, alguns para
efeito, alguns para mudar a
dinâmica da música. Cada nova
parte estará em seu próprio
ambiente e, como resultado,
terá uma perspectiva diferente.
Um exemplo perfeito disso seria
Yes 'Owner of a Lonely Heart ou
qualquer coisa feita por Trevor EXEMPLO
Horn, como Seal ou Grace
Jones. À medida que nos
https://www.youtube.com/watch?v=SVOuYqu
aproximamos do milênio, há
muito menos diferença entre
estilos do que havia durante os
anos 80, mas ainda existem
variações.
ANALÓGICO
OU DIGITAL
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ANALÓGICO X DIGITAL
QUAL É O MELHOR?
Essa é uma longa discussão e
que acredito que irá se
perdurar durante anos. Isso
porque, na minha visão, a
indústria de equipamentos
analógicos ainda vende muito.
Claro que o desejo dela será
sempre de vender novos
equipamentos e conquistar
novos clientes como também
manter os antigos
compradores e admiradores.
Não estou dizendo que o
analógico é ruim ou melhor do
que o digital, longe disso. Estou
apenas lhe propondo uma
outra reflexão que é menos
abordada sobre o assunto: O
Marketing de vendas. Os
próprios plug-ins se beneficiam
disso ao lançarem versões de
equipamentos analógicos
consagrados. O que precisamos
discutir e tirar de proveitoso
desse assunto é que não existe
melhor e nem pior. São
mundos completamente
diferentes. 
Devemos saber aproveitar o
melhor de cada mundo.
Tanto o digital como o
analógico têm vantagens e
desvantagens. Há grandes
mixagens feitas totalmente em
um sistema analógico como
com toda certeza, existem
mixagens muito ruins feitas
nesse mesmo sistema. O mais
importante é o seu
conhecimento. Se você sentar
na cabine de um avião mais
moderno do mundo eu te
garanto que você não vai
conseguir nem ligar ele (a não
ser que você tenha curso de
aviação aí não vale rsrs). O que
quero dizer com isso, é que
você precisa de muito
conhecimento e experiência
para dominar seu avião e fazê-
lo decolar, no caso o avião é
seu estúdio. Enfim, analógico
ou digital qual é o melhor?
Depende de quem opera.
 DAW 
(DIGITAL AUDIO
WORKSTATION)
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DAW
QUAL DEVO USAR?
Atualmente existe uma lista
bem grande de possibilidades.
Qual devo escolher? A resposta é
simples: Qualquer uma. Escolha
o software que você irá se
adaptar melhor e que te ofereça
as ferramentas que você precisa.
Muitas pessoas por exemplo,
utilizam o Logic da Apple para
fazer produções 
e arranjos e utilizam o Pro Tools
para mixar. Conheço grandes
produtores e engenheiros de
mixagem que utilizam o Cubase,
Reaper entre outros. O mais
importante é fazer sua escolha e
se aprofundar o máximo possível
no conhecimento da sua
ferramenta de trabalho.
OS FUNDAMENTOS
DO ÁUDIO
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FUNDAMENTOS DO ÁUDIO

ÁUDIO BÁSICO

Precisamos construir o O QUE SÃO ONDAS?

entendimento de alguns
Ondas são fenômenos de
conceitos básicos antes de
repetição cíclica. Parte-se de
entrarmos no conteúdo mais
um repouso(A) até chegar em
específico referente a
um valor positivo máximo (B),
mixagem. Este estudo de
após isso o valor começa a
alguns conceitos básicos
diminuir até chegar em um
sobre áudio, é extremamente
valor máximo negativo (C). Em
necessário para que você
seguida retorna-se para o ponto
possa ter uma melhor
inicial, o repouso (D) e assim,
compreensão de todos os
inicia-se novamente este
conceitos envolvidos neste
caminho que a cada vez que se
processo.
completa denominamos de
O QUE É ÁUDIO? ciclo.
VEJA A FIGURA A SEGUIR
A palavra áudio provém do
latim e podemos interpretá-la
segundo sua origem como
"ouço". Fenômenos que B
possuam de 20 a 20 mil
ondas por segundo, podem
ser considerados como áudio.
Nosso ouvido é capaz de A D
ouvir justamente ondas que
estão compreendidas dentro
dessa faixa.  C
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FREQUÊNCIA

A Frequência de uma onda, é

o número de ciclos que
ocorrem a cada segundo. A
unidade de frequência que
utilizamos é o HERTZ,
unidade de frequência que
corresponde a 1 ciclo por
segundo. 

Por exemplo:

 • Uma onda que completa

100 ciclos em um segundo
 essa onda corresponde a 100
Hertz - Abreviação 100Hz
 • Uma onda que possui 2.000
ciclos em um segundo
corresponde a 2000Hz = 2
kilohertz = 2KHz

Nas Figuras a Seguir Temos 4

ondas com frequências
diferentes: 110Hz, 440Hz,
220Hz e 880Hz. 
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AMPLITUDE
A amplitude da onda tem
relação com a intensidade do
som.
Por exemplo:
 • Quanto maior a Intensidade
Sonora, maior a Amplitude da
onda e maior a energia
transmitida ao meio de
propagação do som;
 • Quanto menor a
Intensidade Sonora, menor a
Amplitude da onda sonora e
menor a energia transmitida
ao meio de propagação do
som.  exemplo temos uma onda de
• Uma Onda de Alta
intensidade pode ter Uma
Frequência Baixa assim como.
 • Uma onda de Baixa
intensidade pode ter uma
alta frequência.
Cuidado para não confundir!
A frequência está relacionada
com a altura do som, e a
amplitude influenciará na
intensidade dessa onda, ela
determinará se a onda será
forte ou fraca. Aqui por
frequências diferentes porém
com a mesma amplitude. 
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COMPRIMENTO DE ONDA

O comprimento de onda é a Nesta tabela abaixo temos algumas

distância entre o início de um frequências e o comprimento de onda
ciclo até o final deste ciclo. em metros correspondente. Perceba o
Cuidado para não confundir o tamanho de uma onda de 20Khz o
comprimento de onda com a quanto ela é pequena. Agora veja o
frequência do som, a tamanho de uma onda de 20Hz, ela
frequência indica quantos mede cerca de 17 metros.  
ciclos ocorrem em um
segundo e é medida em
hertz, já o comprimento é o
tamanho da onda e é medido
em metros. Esse
comprimento é calculado
pela expressão: 

O comprimento de onda é
representado por esta letra
grega chamada lambda (ƛ)

ƛ = Velocidade do som/f

(frequência)

Exemplo: Qual o
comprimento de onda
correspondente a frequência
de 1Khz?

 ƛ= 344/1000 = 0,344m =

344mm

 
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FASE

Para começar a entender o

que é fase, vamos
primeiramente entender
exatamente o que é uma
onda senoidal (onda de
frequência pura). Sabemos
que uma circunferência tem
um angulo total de 360˚
graus. Ou seja, 360˚ graus são
uma volta completa, 180˚ são
meia volta, 90˚ são um quarto
de volta etc. Imaginemos
uma circunferência, de raio R,
e vamos marcar um ponto
sobre ela. Com a rotação
dessa circunferência, o ponto
marcado vai, então, descrever Esse tipo de onda não é
uma curva ondulada, que é a encontrado na natureza. Ela
senóide. Uma onda de só pode ser reproduzida
frequência pura formada por eletronicamente. O tipo de
um movimento simples. onda que comumente
Acompanhe as ilustrações e encontramos se assemelha
perceba como a senóide é com a seguinte figura:
formada: 
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Em algumas ocasiões, temos

duas ondas idênticas mas
que possuem uma diferença
de ângulo entre elas. Quando
essa diferença chega a 180º
podemos dizer que essas
ondas estão fora de fase.
FIGURA C

Perceba que na figura A

temos uma senóide, em
seguida na figura B temos
uma onda senoidal idêntica a
da figura A porém, com a fase
invertida em relação a da
figura A.

FIGURA A

FIGURA B

Na Figura C temos o mesmo

caso porém, representado por
ondas mais complexas
semelhantes as que vamos
manipular nos softwares.
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O ENVELOPE

O som de cada instrumento,

voz, animal ou ruído tem sua
forma particular de:

 1-Começar;
 2-Se manter por algum tempo;
 3-Se extinguir.

 Alguns começam suavemente, E mais uma diversidade de

se mantem por algum tempo, e
terminam também de forma
suave:
Outros começam com forte
impacto, duram pouco e se
extinguem rapidamente:
combinações de maneira de
começar, se sustentar e
terminar. O conjunto dessas
variações dinâmicas do som
de determinada fonte é
denominado Envelope. O
envelope pode ser complexo,
tendo várias etapas de
variação, dinâmica, ou muito
simples, tendo poucas
transições. O caso típico tem
4 fases, chamadas: 
Ataque (attack),
Decaimento (Decay),
Sustentação (Sustain),
Relaxamento (release).

Outros começam com forte

impacto, duram bastante e se
extinguem de forma suave:
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FENÔMENOS DA ACÚSTICA
Chamamos de acústica o
comportamento que um espaço,
como salas, igrejas, entre outros,
possui em relação ao som
reproduzido dentro dele. E
isolamento acústico é a
capacidade de um ambiente
fechado de evitar a passagem de
som do interior para fora ou o
contrário. Alguns fenômenos
podem acontecer quando a onda
sonora encontra uma superfície.
São eles:  Transmissão: O som, ou parte
Reflexão: A onda não é absorvida
pela superfície. Ela é refletida de
volta para o ambiente com
ângulo igual ao de incidência.
Absorção: A onda é absorvida pela
superfície, e não retorna energia
sonora para o ambiente.
Difusão: As ondas não são
absorvidas, são espalhadas
para todas as direções.
dele, atravessa a superfície e
surge do outro lado mais ou
menos atenuado, do outro
lado da superfície.
Nenhum desses fenômenos
acontecem de maneira
isolada e de maneira pura.
Uma parede nunca é
totalmente absorvedora, nem
difusora etc. Uma espuma
acústica por exemplo, pode
absorver totalmente a região
de agudos porém, não
absorve com eficiência região
de graves.
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Bom vamos falar agora de Essa diferença de fase só é

alguns fenômenos que podem relevante quando estamos
acontecer no ambiente. tratando de duas ondas
idênticas. Instrumentos muito
CANCELAMENTO DE FASE distintos não causam esse
tipo de interferência umas
Um cancelamento ocorre nas outras. Um som de piano
quando duas ondas chegam até não interferirá no som de
nós com uma defasagem de uma voz quando se trata da
180º ou seja, fora de fase. fase desses dois elementos. 
Quando isso ocorre as ondas se
anulam e não ouvimos a
frequência em questão. Pode
ocorrer também, além dessa
interferência que chamamos de
interferência destrutiva, uma
interferência construtiva, que é
quando duas ondas em fase
idênticas se somam, ocorrendo
assim o reforço daquela
frequência.

Veja a Imagem abaixo

ilustrando essas interferências
de Fase:
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DECIBÉIS E A AUDIÇÃO No nosso modelo musical, o

HUMANA conjunto de notas entre duas
Duas são as grandezas que o notas do mesmo nome
ouvido precisa perceber: contém oito notas, por
exemplo:  
• Amplitude
• Frequência dó, re, mi, fa, sol, la, si, dó.
 
Um bom exemplo para Por isso, o intervalo entre
entender frequência são duas notas do mesmo nome
alguns conceitos musicais: se chama uma oitava.
Existem outros intervalos
Os instrumentos possuem menores que a oitava mas,
notas mais graves e outras por enquanto, o importante é
mais agudas com o mesmo saber que intervalos iguais
nome. Um Dó por exemplo ele entre notas soam para os
pode ser uma nota grave, uma ouvidos como diferenças
nota média ou uma nota iguais de afinação. 
aguda, apesar disso nós a
identificaremos sempre como
um dó.
Se medirmos as frequências de
todas as notas dó
descobriremos que umas são o
dobro das outras, desde os
graves até os agudos: 32,70HZ;
65,41Hz; 130,81Hz; 261,63Hz;
523,25HZ; 1046,5Hz; 2093Hz
etc. Para qualquer outra nota,
isto também acontece. 
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O DECIBEL
As sensações humanas, são
processadas pelo cérebro de
forma logarítmica. Uma
variação de 10 vezes na
potência sonora, para nós, soa
como “o dobro do som”.   mais sentido, pois nesse caso
Por isso o logaritmo na base 10
foi escolhido para medidas de
nível sonoro, ele representa de
uma forma mais natural essa
grandeza.  em dB:
Como unidade de medida, o
nome de Alexander Graham
Bell foi escolhido, e assim
nasceu o bel, abreviado B.
Porém, logo se percebeu que o
uso do bel era um pouco
inconveniente, produzindo
números muito pequenos.
Adotou-se então, um
submúltiplo do bel, o decibel
dB, igual a 0,1 bel.  profissional)
ESCALAS ABSOLUTAS EM
DECIBEL
Ao contrário do que Muitos
pensam, o decibel não é uma
unidade física (como o metro
ou o segundo), e nem sequer é
específica do som.
O dB serve para comparar
valores, neste caso, o dB é
usado para comparar a pressão
sonora com um valor de
referência (limiar da audição
0,00002 Pa).
O decibel é uma medida
comparativa entre potências.
Não faz sentido, por exemplo,
dizer que um amplificador
tem 20dB. Já dizer que o pré
amplificador X tem 3dB a
mais de ganho do que o Y faz
há uma comparação.
*0dB significa que não houve
variação alguma. Vejamos as
mais usadas escalas absolutas
dBSPL: Nível de Pressão
Sonora. Ref=Limiar de
audição humano (portanto
0dB SPL é o som mais baixo
que podemos escutar, e NÃO
ausência de som)
 
dBV: Voltagem. Ref=1V (áudio
doméstico) dBu: Voltagem.
Ref=0,775V (áudio
dBFS: Full Scale (áudio
digital). Ref=Máximo valor
digital representável
(portanto 0dBFS = nível
máximo no domínio digital,
todos os outros valores são
negativos) 
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SOMA DE DECIBÉIS Sabemos que quando a

intensidade sonora (física,
real) DOBRA, temos um
dB SPL é uma representação
ganho de 3dB. Assim, se dois
do nível de pressão sonora.
sons de mesmo volume são
Matematicamente, representa
combinados (assumindo que
uma relação logarítmica entre
não há cancelamentos por
o limiar de audição e o volume
interferência de fase)
que estamos medindo. Por se
podemos dizer que o volume
tratar de uma relação
final em dB será o volume de
logarítmica, não podemos
um deles acrescido de 3dB.
somar valores em dB como se
estivéssemos somando dois
Dois sons de 82dB SPL se
números quaisquer.
somam e criam um volume
resultante de 85dB SPL. Dois
Em teoria, deveríamos aplicar
sons de 48dB SPL se somam e
as fórmulas de decibel e
resultam em 51dB SPL.
descobrir o resultado em dB
sempre que dois sons se
Importante: veremos que em
somam acusticamente. Na
algumas situações, dois sinais
prática, este procedimento é
somados podem causar um
trabalhoso, sendo mais rápido
ganho de 6dB. Isso ocorre por
usarmos algumas regras que
exemplo, em um
facilitam nossa vida para
equipamento elétrico
descobrir o volume resultante.
(voltagem) ou no computador
(digital). O importante é nos
É por isso que não precisamos
lembrarmos que, NA
e não vamos entrar nos
ACÚSTICA, a soma representa
detalhes das equações. Cada
sempre um ganho de 3dB. 
grandeza (pressão,
intensidade, voltagem,
potência etc.) tem sua própria
fórmula de decibel, mas
podemos memorizar os
conceitos básicos sem precisar
utilizá-las. 
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PSCICOACÚSTICA
Além da forma como o som Elas mostram o nível de
chega aos ouvidos, existe a pressão sonora (SPL = Sound
maneira como nosso cérebro pressure Level) necessário
entende a informação sonora. para que, em várias
Chamamos isso de frequências, se tenha a
pscicoacústica mesma sensação de volume
de som que em 1KHz  
LOUDNESS
A nossa capacidade de ouvir
uma faixa de frequências é
grande, chegando a alguns
jovens de 20Hz a 20KHz.
Porém, a sensibilidade do
nosso ouvido não é a mesma
para todas as frequências.
Além disso, essa variação
depende muito do nível
sonoro. A níveis altos, a
resposta é bem mais plana do
que níveis baixos.
De maneira geral, o ouvido é Note que o volume (loudness)
mais sensível as frequências é medido em Phons. O Phon
entre 3KHz e 5 KHz, piorando é uma medida subjetiva do
fortemente em direção aos volume, igual ao dB-SPL em
graves e piorando um pouco 1KHz mas variando em
em direção aos agudos.   relação ao SPL nas demais
frequências. Por exemplo:
As curvas de Fletcher e para obter 80 phons,
Munson foram obtidas precisamos de 80dB SPL a
extraindo a média da 1KHz, mas precisamos de
sensibilidade relativa a 94dB SPL em 50Hz e cerca de
frequência de um grande 70dB SPL em 4KHz, onde o
número de pessoas de audição ouvido é mais sensível.
normal. 
 RHODES MUSIC
A audição é limitada, na
frequência, por um mínimo de
20Hz e por no máximo de
20KHz; e no nível, por um
mínimo de 0 dB-SPL e por no
máximo 120 dB-SPL (acima
deste nível, sentimos a
vibração nos tímpanos, e mais
acima sentimos dor).
MASCARAMENTO
Muitas vezes um som intenso
pode encobrir um som mais
fraco. Claro que se alguém
usar um apito perto do nosso
ouvido, não vamos conseguir
ouvir mais nada do que o
estridente som do apito.
A isso é dado o nome de
Masking (mascaramento). Um
som pode mascarar
completamente um outro
som menos intenso,
especialmente se tiverem
frequências próximas. Este é
um dos princípios básicos em
que se baseia a maior parte
dos processo de compressão
de áudio (compressão de
arquivos), como MP3, que
detectam se determinado
som é encoberto por outro ou
não; se o som ficar encoberto
então não precisa ser
reproduzido, uma vez que o
ser humano não seria capaz
de ouvir.
EFEITO HAAS
Outra característica da
percepção sonora é o fato de
o cérebro “fundir” dois sons,
se estes chegarem aos
ouvidos com uma diferença
de tempo inferior a 30 ou
40ms, ou seja, se uma pessoa
ouvir dois sons, por exemplo
dois tiros, espaçados meio
segundo, consegue
claramente distinguir os dois
sons. Mas se a diferença entre
os dois tiros for de 20 ms, a
pessoa apenas ouvirá um
único tiro, uma vez que o
cérebro irá fundir os dois
sons.
 RHODES MUSIC
Este comportamento tem o
nome de efeito Haas. O
mesmo acontece ainda que os
sons venham de direções
diferentes, pois o cérebro irá
considerar que o som captado
vem da direção do primeiro,
mesmo que o segundo som
seja mais intenso (até cerca de
10dB acima).
DIREÇÃO DO SOM
O cérebro aplica um conjunto
de técnicas de forma a
detectar a direção de um
determinado som (frente/trás
esquerda/direita, cima/baixo).
Uma das mais importantes,
tem a ver com a diferença de
amplitude entre o som
recebido no nosso ouvido
esquerdo e o som recebido
no ouvido direito. Se a origem
do som estiver localizada
perto do lado direito, o som
captado pelo ouvido direito
terá uma amplitude maior do
que o som captado pelo
ouvido esquerdo. O cérebro
também tem em atenção o
atraso entre o som captado
num ouvido e no outro. Mais
uma vez, para o exemplo
anterior, o som será captado
primeiro no ouvido direito e
uma fração de segundos
depois do ouvido esquerdo.
Este atraso poderá variar
entre 0 ms (som ao centro) e
cerca de 1 ms (som
completamente no lado
esquerdo ou direito). Embora
o cérebro não consiga
detectar intervalos inferiores
a cerca de 40 ms, este tipo de
defasamento entre o ouvido
direito e esquerdo é
detectado e contribui para a
construção da imagem
sonora. Mas como é que o
cérebro distingue um som
vindo da frente, e um som
vindo de frente mas 3 metros
acima? Ou até mesmo, vindo
de trás? Nestas situações não
existe diferença de
amplitude, nem de atraso
entre os dois ouvidos. É aí que
entram as nossas orelhas. O
fato de elas terem uma forma
tão esquisita faz com que
pequenos atrasos existentes
na reflexão funcionem como
pequenos equalizadores
dependendo da direção que
vem o som.
BATIMENTOS
Quando duas ondas sonoras,
com frequências diferentes,
mas muito próximas, chegam
aos nossos ouvidos
simultaneamente,
percebemos uma variação na
intensidade do som
resultante; 
 RHODES MUSIC
ela aumenta e diminui
alternadamente, produzindo um
fenômeno chamado batimento.
Esse batimento é resultante da
interferência construtiva e
destrutiva das duas ondas quando
ficam em fase ou em oposição de
fase. Se as duas frequências forem
ficando próximas, o batimento
ficará gradualmente mais lento e
desaparecerá quando elas forem
idênticas (uníssono).
FREQUÊNCIAS
Já sabemos que as frequências se
dividem em graves, médios e
agudos. Mas essa classificação
pode ser dividida em regiões
menores.
Os graves, de 20Hz a 200Hz,
incluem o subgrupo dos
subgraves, de 20Hz a 80Hz. São as
frequências mais baixas. O
restante (de 80Hz a 200Hz) ainda
têm características de graves, mas
não o “peso” e a “profundidade”
dos subgraves.
Os médios se dividem em três
regiões, de características
diferentes: os médios-graves de 
200 a 600Hz, possui as frequências
fundamentais das vozes e da
maioria dos instrumentos musicais.
Os “médio- médios”, entre 600Hz e
2KHz, incluem regiões importantes
para caracterizar os timbres dos
sons e a clareza da voz masculina. E
os médios-agudos, indo de 2KHz
ate 6 KHz, possui a região que o
nosso ouvido é bem mais sensível,
portanto tem grande
responsabilidade no volume
aparente do som. Possui uma
característica bem estridente.
A 6KHz, começa a região dos
agudos. Os agudos trazem o “brilho”
e a “transparência” do som, mas não
acrescentam muito volume ao final.
A oitava mais alta dos agudos, de
10Khz até 20KHz, é chamada de
região de super-agudos, e responde
pelos detalhes mais sutis do som.
Várias pessoas não percebem bem
estas frequências.
SIGNAL FLOW
RHODES MUSIC

SIGNAL FLOW

O CAMINHO QUE O
SINAL PERCORRE
Nesta sessão iremos acompanhar o
caminho que o sinal percorre desde o
microfone, até este mesmo sinal sair pelos
seus monitores de referência.

É importante ter noção desse caminho que o sinal percorre. Parece

ser algo bobo porém, é algo muito importante para que se
compreenda as ligações do seu Home Studio ou do seu estúdio, seja
ele de pequeno ou grande porte. Muitas dúvidas que surgem de
alunos meus na maioria das vezes, estão relacionados a não
compreensão desse caminho.
RHODES MUSIC

SIGNAL FLOW

1-Primeiramente temos a origem de um som, que como

já vimos anteriormente, gera diferenças de pressão no ar.

2-Essas diferenças de pressão são captadas pelo

microfone, que são transdutores de energia. O microfone,
transforma essa energia mecânica em energia elétrica.
RHODES MUSIC

3-Essa energia elétrica é conduzida por um cabo.

Normalmente esse cabo, é um cabo balanceado XLR. Esse
sinal que é conduzido é muito baixo.

4-O cabo é conectado a uma Interface de áudio.

Normalmente as interfaces atuais, já possuem um pré
amplificador. O que é isso? Esse pré amplificador irá
“ampliar” aquele baixo sinal que vem do microfone. Caso
sua placa não possua pré amplificador você precisará
adquirir um.
RHODES MUSIC

5-Na interface de áudio é onde as coisas acontecem. Ao

receber esse sinal que é analógico, a interface converte
esse sinal em digital através do conversor A/D  (Conversor
de analógico para digital). Existem também
equipamentos que têm como única função realizar essa
conversão A/D.

6-Essa informação digital é transmitida ao computador,

normalmente ou por um cabo firewire, ou USB.
RHODES MUSIC

7-No computador o áudio é manipulado pela DAW

(Digital áudio Workstation). Nesse caso depende de qual
plataforma você esteja utilizando. Seja ele o Cubase,
Reaper, Pro Tools entre outros.

8-Continuando nosso caminho do sinal, após essa

manipulação do áudio, o computador envia esses dados
digitais de volta para sua interface de áudio.

9-A sua interface faz uma nova conversão porém, desta

vez uma conversão de D/A (De digital para analógico). 

10-Após essa conversão o sinal é conduzido por um cabo

até os seus monitores de referência. Eles reproduzirão o
som manipulado gerando novamente diferenças de
pressão no ar.
RHODES MUSIC

Esse é o caminho que normalmente o sinal percorre na

maioria dos sistemas. Claro que algumas modificações
podem ocorrer dependendo da configuração de cada
estúdio porém, entendendo esse padrão básico, a
compreensão fica mais fácil, pois o que normalmente
acontece é apenas um acréscimo de algum periférico em
algum momento dessa cadeia.

INTERFACE DE ÁUDIO COMPUTADOR

Atualmente temos diversas
opções de interfaces de áudio,
desde as mais básicas as mais
sofisticadas. Essa diversidade
assombra a todos que estão
começando nesta área e a
pergunta fica no ar: qual
comprar? Costumo dizer para
os meus alunos que o melhor
equipamento é aquele que
você pode pagar. Compre
aquela que cabe em seu bolso
e que atende as suas
necessidades. Por exemplo:
Caso você irá fazer apenas pré
produções, gravar teclado mas
nada muito além disso,
essencialmente você precisa
de uma interface de no
mínimo duas entradas. Agora
se precisar gravar bateria sua
interface terá que ter no
mínimo 8 entradas. Apesar de
que é totalmente possível
gravar bateria com duas
entradas mas enfim, analise
suas necessidades para fazer a
melhor escolha.
Invista o quanto puder no seu
computador. Imagine você
mixando uma música e de
repente no meio de uma
mixagem você descobre que
não pode usar mais plug-ins e
além disso, o seu computador
começa a travar a cada play
que você dá na música. Encare
o computador como o cérebro
do seu estúdio, é através dele
que sai as informações de
áudio e é também onde você
armazena todos os dados.
Invista em um bom
computador, no melhor que
você puder pagar.
MONITOR DE REFERÊNCIA
Na hora de mixar ou gravar, o
que irá reproduzir tudo o que
você precisa ouvir será seus
monitores de referência. O
próprio nome já diz tudo, eles
serão sua referência, seu norte.
Todas suas decisões serão
tomadas com base no que
você está escutando através
deles.
 RHODES MUSIC

Por isso é muito importante a escolha de bons monitores de áudio.

Tome apenas cuidado com caixas multimídia disfarçadas de monitores
de áudio, no mercado tem bastante e essas são principalmente as mais
baratas. Fique atento também com a faixa de resposta de frequência
do monitor. O tamanho dele importa pouco, o que importa é
justamente sua resposta de frequências. Conheço bons engenheiros de
mixagem que utilizam caixas consideradas pequenas de 5 polegadas.
Novamente compre o melhor que você puder pagar e se acostume
bem com eles. 

ACÚSTICA
Quando você escuta música através dos seus monitores de referência, o
som que você escuta não é apenas o som que sai diretamente dos seus
monitores. Você irá escutar uma soma desse som direto com o som da
sua sala. Se sua sala de mixagem não tem um tratamento adequado,
você terá muita dificuldade de entender o que realmente está
acontecendo. É possível que escute "sobra" de graves, problemas com
reverberação entre outros. Por esses e outros motivos, é
EXTREMAMENTE importante se preocupar com o tratamento acústico
da sua sala.
 FERRAMENTAS DE
TRABALHO
 VAMOS AGORA CONHECER
NOSSAS FERRAMENTAS DE
TRABALHO.

A MIXAGEM ALÉM DE UM
PROCESSO ARTÍSTICO É UM
PROCESSO TÉCNICO. POR ISSO
TEMOS QUE NOS ATENTAR
TAMBÉM NAS TÉCNICAS. 

PRECISAMOS CONHECER BEM AS

FERRAMENTAS QUE
UTILIZAREMOS PARA MELHOR
APLICÁ-LAS. 
EQUALIZADORES
RHODES MUSIC

FERRAMENTAS

EQUALIZADORES

Equalizador Com o equalizador

eletronicamente falando podemos atenuar por
é um conjunto de filtros. exemplo um excesso de
Os instrumentos grave no contrabaixo ou
musicais possuem uma até mesmo acentuar
série de freqüências de uma falta dele no
acordo com sua mesmo instrumento.
característica de timbre Podemos também
e tonal. A equalização é pensar no equalizador
a manipulação destas como uma ferramenta
frequências que podem de estética artística,
ser divididas em Sub para criar uma
graves, graves, médio sonoridade diferente
graves, médios, médios como por exemplo: o
agudos e agudos. efeito de um megafone
Utilizamos o equalizador na voz. Temos
para reforçar ou atenuar basicamente dois tipos
o volume dessas de equalizadores: O
frequências, que sofrem Paramétrico e o
modificações devido as equalizador gráfico. 
características do
ambiente em que foi
gravado, microfone
etc... 
RHODES MUSIC
PARAMÉTRICO
Em hardwares costumamos
encontrar equalizadores
paramétricos mais desse tipo:
Em softwares é muito
comum encontrarmos o que
alguns chamam de
equalizador paragráfico:
Eles possuem os mesmos
parâmetros do paramétrico
porém possuem a curva de
equalização representada por
um gráfico.
EQUALIZADOR GRÁFICO
Muito comum encontrarmos
em sistemas de Som para
fazermos correções de
equalização no sistema,
alinhamento da P.A ou
monitores etc
A diferença principal dos dois
é que no equalizador gráfico
temos a banda de atuação de
frequência fixa ja pré
determinada como podem
ver nesse equalizador. Além
disso, a curva(Q) também é
fixa não podemos alterar. Já
no paramétrico temos uma
gama de parâmetros, que
podemos alterar.  
 RHODES MUSIC

PARÂMETROS
No parâmetro frequência e a partir dessa
FREQUÊNCIA como próprio frequência tudo que estiver
nome diz escolhemos a abaixo dela será cortado pelo
frequência de atuação que filtro deixando apenas as
desejamos alterar. frequências acima da
frequência de corte.
O parâmetro Q, diz respeito a
quantidade de frequências, em
torno da frequência central,
sobre as quais ele atua. Se o Q
(coeficiente) for maior ele
atuará sobre poucas
frequências. Agora o contrário
ele não será tão seletivo e
atuará sobre mais frequências
ao redor da frequência que
escolhemos.
No filtro Low-Pass ocorre
justamente o contrário,
O GANHO é justamente o
determinamos a frequência
volume da frequência que
de corte e tudo que estiver
escolhemos. Podemos tanto
acima dessa frequência será
acrescentar como atenuar
cortado permitindo apenas o
utilizando o ganho.
que estiver abaixo dessa
frequência. 
O equalizador paramétrico é
um equipamento que nos
permite o máximo de precisão
na equalização. Vejamos além
disso alguns tipos de curvas e
filtros que os equalizadores
possuem:

 Temos inicialmente o filtro Hi-

pass. Nesse filtro
determinamos uma 
RHODES MUSIC

Temos além desses filtros Hi Shelving as frequências

basicamente três tipos de acima da escolhida são
curvas : Bell, que é a curva alteradas juntamente.
normalmente que utilizamos
para equalizar.

Low shelving, nesta curva

todas as frequências abaixo
da frequência que
determinamos são alteradas
também 
RHODES MUSIC
EQUALIZADORES
PLUGINS
Existem diversos plugins
de equalização, qual o
melhor? Bom, eu costumo
dizer aos meus alunos
dessa forma: O que um
plugin de equalização do
Pro Tools faz? E o do
Reaper? E o plug-in de
equalização do pacote da
Waves? Todos fazem a
mesma coisa não é
mesmo? Eles equalizam.
Agora é claro que temos
equalizadores que
simulam equipamentos
analógicos consagrados
como alguns plug-ins da
Waves, entre outras
desenvolvedoras de plug-
ins. Nesses plug-ins, eles
tentam incrementar as
características daquele
equipamento na
sonoridade, mas no fundo
todos fazem a mesma
coisa, Equalizam. Outra
coisa importante, é não
ficar naquela caça aos
plug-ins. Eles não irão fazer
o trabalho por você. O
mais importante é que
você saiba equalizar. Ter
total conhecimento da
ferramenta que você tem
em mãos, isso é
extremamente necessário.
É melhor que você tenha
apenas um plug-in para
equalizar e conheça tudo
sobre ele do que ter vários
e não dominar nenhum
deles.
O que é mais importante
saber na hora de
equalizar?
Você já se perguntou isso?
Vários engenheiros de
áudio têm a seguinte
opinião:
O mais importante é
conhecer a sonoridade do
instrumento. É importante
ouvi-lo e perceber a
sonoridade que ele possui
e depois imaginar como
ele se encaixaria em sua
mixagem. A primeira coisa
que penso antes de
equalizar é, qual o
espectro sonoro do
instrumento em questão?
RHODES MUSIC

A figura a seguir, descreve o espectro sonoro da maioria dos

instrumentos. Essa imagem pode ser uma grande aliada na hora de
fazer escolhas sobre a equalização de algum instrumento,
principalmente nos cortes de frequência.
RHODES MUSIC
Tendo essas informações o
primeiro passo são os cortes de
frequências, por exemplo:
É muito comum que a
primeira coisa que eu faça ao
equalizar um violão, seja
inicialmente cortar tudo
abaixo de 80Hz, pois abaixo
disso o que podemos
encontrar são sons indesejáveis
como poups no microfone,
ruído da rede elétrica, sons de
carro na rua etc… Tendo em
vista isso, os cortes de
frequência são muito
importantes. Para realizar esses
cortes com mais precisão, é
necessário que tenhamos
ciência da região do espectro
que se encontra cada
instrumento, pelo menos dos
instrumentos mais comuns.
Depois disso penso nas
frequências que desejo corrigir.
Penso primeiramente em
cortar os excessos, fazer uma
equalização subtrativa. Depois
de ter corrigido esses excessos,
posso começar a pensar em
uma possível adição de
frequências ou não.
O que tem que ficar claro em
nossas cabeças é que, nem
todo instrumento precisa ser
equalizado, ou comprimido. É
importante ouvir primeiro. Em
muitos casos o som já está do
jeito que você precisa. Vejo
muitas pessoas que nem
escutam o som e antes de
qualquer coisa, colocam
plug-ins no instrumento sem
mesmo ouvir a necessidade.
Agindo dessa forma, você
estará ignorando a sua
ferramenta mais importante:
O Seu Ouvido. 
PRESETS
Temos nos plug-ins alguns
presets de equalização, que
são configurações de
equalização de fábrica. Mas
cuidado! Eu não sou contra
presets, mas se você optar
por utilizá-los, tenha a
consciência de tê-los como
ponto de partida. Estude os
presets e veja o que cada
configuração agrega para o o
seu som. Isso é importante
para quem está começando.
Entender como as
frequências influenciam em
cada instrumento. 
Por último, mas não menos
importante vou falar de um
erro muito comum. Muitas
pessoas ao mixar uma música
escutam por exemplo, o
violão separado dos outros
instrumentos e gastam mais
de 1 hora para deixar o som
lindo. Mas quando colocam
junto com a música toda, um
verdadeiro desastre! Cadê o
violão? O som do violão
parece se perder no meio de
tudo e está com uma
sonoridade bem feia. 
RHODES MUSIC

Não se esqueça que estamos mixando. Mixagem significa misturar!  

Ou seja o som do violão sozinho pode ser lindo, mas não é sozinho que ele
deve ser lindo. Ele deve soar esplendoroso com todos os instrumentos
juntos. Então, não deixe de conferir sempre sua equalização com os outros
instrumentos soando juntos. Isso fará com que você escute como o
instrumento se encaixa melhor na música. Outra situação comum, é
quando fazemos uma equalização que quando escutamos somente esse
instrumento, o som parece horroroso, mas quando ele se soma com os
outros instrumentos aí sim, os instrumentos se completam, e tudo se
encaixa. Experimente antes de mixar uma música planejar a região que
cada instrumento ocupará no espectro sonoro. Pois assim, sua equalização
se tornará mais eficiente!  
PROCESSADORES
DE
DINÂMICA
RHODES MUSIC

PROCESSADORES DE DINÂMICA

COMPRESSOR
Iremos tratar de uma disso, muitos
ferramenta muito compressores -
importante na vida de hardware e software -
um engenheiro de terão um som
mixagem que são os característico que pode
compressores. De todos ser usado para injetar
os anos que dou aula de cores e tons em
gravação e mixagem este instrumentos sem vida.
é o tema que apresenta
A compressão também
mais dúvidas dos alunos.
pode ser usada para
Vamos desvendar o
sutilmente moldar uma
funcionamento dessa
faixa para torná-la mais
incrível ferramenta muito
natural e inteligível sem
utilizada por todos nós.
adicionar distorção,
 
Resultando assim em
O compressor atua
uma música que é mais
diretamente na faixa de
“confortável” de se
dinâmica do sinal de
ouvir. Como alternativa,
áudio. Ele reduz essa
a compressão excessiva
dinâmica. Compressores
da sua música pode
são amplificadores
realmente tirar a vida
especializados usados
dela. Para aqueles que
para reduzir o alcance
não estão familiarizados
dinâmico - o intervalo
com compressores e
entre os sons mais
querem ter uma boa
suaves e mais altos. O
noção do básico, saibam
uso de compressores
que irão percorrer um
pode fazer gravações e
longo caminho para
mixagens soarem mais
entender como a
polidas, controlando os
compressão funciona e
níveis máximos e
usar com confiança.
mantendo um volume
médio mais alto. Além
 RHODES MUSIC

PORQUE COMPRIMIR? Knee (Joelho)

O “joelho” refere-se a como o
compressor transita entre os
Podemos desejar diminuir essa
estados não comprimido e
faixa de dinâmica para controlar
comprimido de um sinal de
por exemplo um instrumento
áudio que passa por
com uma variação de dinâmica
ele. Normalmente, os
muito alta. Essa variação em
compressores oferecem uma ou,
uma mixagem dificulta muito
em alguns casos, uma escolha
nosso trabalho pois, como já
entre os dois, um "soft knee" e
vimos anteriormente esse
um "hard knee". Alguns
instrumento por possuir uma
compressores permitem até
faixa de dinâmica muito grande
controlar a seleção de qualquer
pode ser mascado por outros,
posição entre os dois tipos de
dificultando dessa forma a
joelhos.
mixagem.
Como você pode ver no
diagrama, um “joelho macio”
Como disse anteriormente, o
permite uma compressão
compressor atua na faixa de
dinâmica do sinal para isso, é
mais suave e gradual do que
importante entender um conceito um “joelho duro”.
muito importante que é o
Envelope sonoro citado em
capítulos anteriores.

Vamos ver resumidamente as

funções típicas encontradas nos
compressores.

Threshold: é o volume a partir do

qual o nível deve ser reduzido.
Determinamos um nível de
volume que toda hora que o som
do instrumento chegar nesse
patamar o compressor irá atuar.
RHODES MUSIC

Ratio: Especifica o quanto será começa a entrar em forte

essa atenuação. É estabelecido compressão e 20: 1 (vinte e
na forma de proporção por um) até ∞: 1 (infinito para um)
exemplo: seria considerado "limiter"
Se determinarmos o Ratio 2:1 a pela maioria e pode ser usado
cada 2dB que entra no para garantir que um sinal
compressor atingindo o não exceda a amplitude do
threshold, na saída desse Threshold. O diagrama abaixo
compressor irá sair apenas 1dB.
mostra as taxas de
 
compressão relacionadas aos
Este parâmetro é
sinais de entrada e saída e
frequentemente mal
ilustram como a configuração
compreendido, mas especifica
da taxa de compressão
simplesmente a quantidade de
afetará o sinal geral.
atenuação a ser aplicada ao
sinal. Você encontrará uma
ampla variedade de
proporções disponíveis,
dependendo do tipo e
fabricante do compressor que
estiver usando. Uma proporção
de 1: 1 (um para um) é a mais
baixa e representa “ganho de
unidade”, ou, em outras
palavras, nenhuma
atenuação. Essas taxas de
compressão são expressas em
decibéis, de modo que uma
relação de 2: 1 indica que um
sinal que excede o Threshold Attack: Especifica o tempo que o
em 2 dB será atenuado até 1 compressor demorará a
dB acima do limite, ou um começar  atuar ao sinal
sinal excedendo o Threshold ultrapassar o nosso Threshold.
em 8 dB será atenuado a 4 dB, Isso se refere ao tempo que leva
etc. Uma relação de cerca de 3: para o sinal ficar totalmente
1 pode ser considerada comprimido depois de exceder
compressão moderada, 5: 1 o nível do Threshold.
seria compressão média, 8: 1
RHODES MUSIC
Tempos de ataque mais
rápidos são geralmente entre
20 e 800 us (microssegundos)
dependendo do tipo e marca
do compressor, enquanto os
tempos mais lentos
geralmente variam de 10 a 100
ms (milissegundos). Alguns
compressores expressam isso
como declives em dB por
segundo em vez de
tempo. Tempos de ataque
rápidos podem criar distorção
modificando formas de onda
inerentemente lentas de baixa
frequência (Ex. Se um ciclo a
100 Hz dura 10 ms, então um
tempo de ataque de 1 ms terá
tempo para alterar a forma de
onda, o que gerará distorção).
Release: O Tempo que o
compressor leva para deixar de
atuar.
 
Isso é literalmente o oposto do
tempo de ataque. Mais
especificamente, é o tempo
que leva para o sinal passar do
estado comprimido - ou
atenuado - de volta ao sinal
original não comprimido
Os tempos de Release serão
consideravelmente maiores
do que os tempos de ataque,
geralmente variando de 40 a
60 ms a 2 a 5 segundos,
dependendo do compressor
com o qual você está
trabalhando.
Às vezes, essas também
podem ser referenciadas como
declives em dB por segundo,
em vez de tempos. A operação
normal do compressor será
ajustar o tempo de release
para ser o mais curto possível
sem produzir um efeito de
"pumping", que é causado pela
ativação cíclica e desativação
da compressão. Esse efeito
causa algo como uma
respiração no instrumento.
Você praticamente escutará o
volume do instrumento
abaixando e aumentando ao
nível inicial toda vez que o
compressor for ativado.
 
Output Gain ou Make up:
Quando um sinal é
comprimido, você está
reduzindo o sinal de saída
com esse processo. É onde o
“ganho” ou “Make up” entra
em jogo. Você pode usar o
ganho de saída para maquiar
(make up) a atenuação feita
pelo compressor. Alguns
compressores fornecerão
medidores que podem ser
colocados no modo “GR” ou
“Gain reduction” para indicar
visualmente a atenuação
total em dB, permitindo que
você aplique com precisão a
quantidade correta de ganho
de saída para compensar a
perda.
  TIPOS MAIS
COMUNS  DE
COMPRESSORES
RHODES MUSIC

O tipo de compressor
escolhido também terá um
papel importante no som geral MANLEY VARIABLE MU
do efeito. Alguns tipos de
compressores terão tempos de
“attack” e “release” mais
rápidos do que outros, e alguns
terão mais “coloração” ou uma
característica “vintage” com
base nos componentes
internos. Esta é uma lista dos
quatro tipos de compressão FAIRCHILD 670
mais famosos e uma breve
descrição de como eles se
diferem.
ÓPTICO

TUBE COMPRESSOR OU Compressores ópticos afetam

VARIABLE MU a dinâmica de um sinal de
áudio através de um
elemento de luz e uma célula
Provavelmente, o tipo mais
óptica. À medida que a
antigo de compressão é a
amplitude de um sinal de
compressão de válvula. Os
áudio aumenta, o elemento
compressores de válvula
de luz emite mais luz, o que
tendem a ter uma resposta
faz com que a célula óptica
mais lenta - attack e release
atenua a amplitude do sinal
mais lentos - do que outras
de saída. (Ex. Amplificador de
formas de compressão. Por
Nivelamento Clássico LA-2A,
causa disso, esses
que também usa tubos para
compressores exibem uma
o Make up gain)
coloração distinta ou um som
"vintage" que é quase
impossível de ser alcançado
com outros tipos de
compressores.
LA-2A
RHODES MUSIC

Um compressor óptico possui

um tempo de resposta
diferente dos outros. A luz tem
um atraso inerente a ela, sendo
lento em sua resposta a
transientes, e  para dissipar
totalmente sua energia após
longos períodos de sinal de
alta energia. Como resultado,
compressores ópticos tem uma
característica única de attack
lento, enquanto que o
release  “quase” tem uma
qualidade de duas fases, sendo
inicialmente rápido, mas, em
seguida, lento para voltar ao
seu estado inicial. A resposta
de um compressor óptico é
muito ‘musical’ para diversos
instrumentos sendo o grande
preferido de muitos
engenheiros.
UA 1176
VCA
Os compressores VCA ou
"Voltage Controlled Amplifier"
usam circuitos de estado
sólido ou integrados. Eles são
geralmente mais baratos que
os compressores de tubo ou
ópticos. Os VCA também
tendem a ter menos
"coloração" em comparação
com compressores ópticos ou
de tubo - um pouco
semelhante a digital vs. Fita
analógica como comparação
para gravação.

FET
Os compressores FET ou “Field
Effect Transistor” emulam o
som do tubo com os circuitos
do transistor. São famosos por
serem compressores de attack
e release muito rápidos,
tornando a escolha ideal
quando o objetivo é limitar
picos ou dar uma “coloração” SSL BUS COMPRESSOR
especial a compressão. Apesar
de serem super rápidos,
compressores do tipo FET
oferecem mais coloração do
que outros tipos de
compressores.
RHODES MUSIC

PROCESSADORES DE DINÂMICA

LIMITER
O Limiter é um compressor Como limiters temos os
com razão ou ratio de infinito mais utilizados o Maxim do
pra um. O que isso significa? Pro Tools ou o L2 da Waves
 
Significa que ao
determinarmos nosso
threshhold, quando o sinal
chegar nesse nível ele será
limitado ou seja, não irá
ultrapassar o nível
determinado. Por isso o
nome Limiter. Utilizamos o
limiter para que o som
chegue sempre o mais
próximo de 0dB por
exemplo ou outro nível que
você estipular, mas isso sem
ultrapassar esse nível. Antes
de ser usado nos softwares
de gravação o limiter era
muito utilizado para
proteção de sistemas de PA.
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DE ESSER
O De esser é um compressor
também, porém de forma
seletiva. Utilizamos bastante
o De esser para diminuir a
sibilância de um cantor por
exemplo.
 
E o que é sibilância?

Sibilância podemos resumir

como o excesso nos médio
agudos e agudos mais
comum acima de 3Khz,
deixando algumas sílabas
consoantes como C, CH, F, S,
SH, T, X e Z  do cantor bem
exagerados.
 
Apesar de ser bastante
utilizado para diminuir a
sibilância em vozes, o De-
esser pode ser utilizado para
outros fins. Lembre-se que o
importante sempre será:

Conhecer a ferramenta, a
sua aplicação depende da
necessidade de cada
situação.
RHODES MUSIC

GATE
O Gate , é como se fosse um
botão Mute automatizado do
som. Determinamos um valor
para que o som seja emitido
só quando ultrapassar esse
ponto ou seja, tudo que
estiver abaixo de um certo
nível não será ouvido. O Gate
faz justamente a função na
qual a tradução dele se
refere, ele é um portão de
níveis de sinal,
deixando passar o sinal
somente quando este ultrapa
ssa um nível definido.
Assim, qualquer sinal abaixo
desta definição terá este
portão fechado e não poderá
sair.
O gate é Muito utilizado para
cortar vazamentos de outros
instrumentos.
Exemplos de aplicações:
Vazamento do restante da
bateria em canais de
bumbo e caixa.
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COMPRESSÃO PARALELA
Também conhecida como "New
york compression", a
compressão paralela
basicamente consiste em tocar
simultaneamente dois sinais de
áudio iguais - um sem
compressão (sinal "dry") e o
outro com bastante compressão
(sinal "wet"), com as saídas de
ambos indo para o mesmo mix
bus ou submix ou máster fader.  O compressor (ou o plug-in de
 
A mistura destas duas tracks,
resultará num maior volume
médio (RMS) e um som mais
“gordo”.
SIDE CHAIN
Sidechain,, é uma compressão
ativada por um sinal específico,
que pode ser uma frequência (ou
banda de frequências) ou um
sinal de outro instrumento. O de-
esser é um tipo de side chain.
Toda vez que determinada
frequência ultrapassa um limite o
compressor atua sobre aquela
frequência.
compressão no software de
áudio) precisa ter suporte
a sidechain. Não é possível ser
feito em qualquer equipamento.
EFEITOS
RHODES MUSIC
DELAY
O Delay é um efeito muito
utilizado no áudio. O delay
nada mais é do que o som
original com um atraso.
O delay pode ser usado
basicamente de duas formas:
A primeira seria com atrasos
menores que 100 ms, o que
geraria um certo reforço na
track utilizada. Esse efeito é
também muito utilizado
quando há um instrumento
mono e o engenheiro deseja
que ele soe stereo. Para isso
utiliza-se um delay stereo no
canal, atrasando um dos
lados do instrumento
gerando esse efeito.
A outra maneira mais utilizada
do delay é como um efeito
musical. Dessa forma a
criatividade pode ir bem longe.
É muito importante que se
configure o delay para o
tempo da música para que as
repetições estejam dentro das
subdivisões possíveis (colcheia,
semínima, etc) sem que saiam
do tempo a não ser que sair do
tempo seja uma escolha
estética.
A maior parte dos delays
possuem um parâmetro
chamado de feedback.
Ele basicamente indica
quanto tempo o delay
continuará repetindo o som.
Ele corresponde a colocar
parte do sinal de saída
novamente na entrada,
criando assim sons repetidos
sucessivos, uns atrás de
outros apesar de irem
atenuando durante o tempo.
Esse parâmetro, é
configurado em
porcentagem (a
porcentagem do sinal de
saída que volta a entrar no
delay): 0% indica que não há
feedback, valores inferiores a
100% indicam que o som vai
fazer várias passagens pelo
delay (embora vá ficando
cada vez mais fraco); 100%
indica que o sinal não irá
parar de circular no delay.
RHODES MUSIC
REVERB
A reverberação desempenha
um papel fundamental na
forma como ouvimos o som.
Quando estamos em algum
ambiente seja uma sala ou
uma igreja, e ouvimos
alguém a falar ou a tocar,
para além do som direto que
vem da fonte sonora até aos
nossos ouvidos, ouvimos
também diversas reflexões
originadas pelas superfícies
existentes na sala (paredes,
chão, teto, mesas, etc). Com
o tempo, essas reflexões vão
diminuindo de intensidade
até que se extinguem. A isto
se chama reverberacão
(reverb).
É este comportamento do
som em ambientes que os
plug-ins ou processadores de
efeitos de reverb tentam
reproduzir. Este
comportamento do som ao
se prolongar, é algo que, na
quantidade certa, ajuda o
nosso ouvido no processo de
audição, embora o seu
exagero ou a sua não
existência tornem a audição
desagradável.
Podemos dividir o reverb em
duas zonas distintas:
Reflexões iniciais (early
reflections) e a reverberação
propriamente dita.
As reflexões iniciais têm um
papel fundamental no reverb,
uma vez que são responsáveis
por indicar algumas
informações fundamentais
sobre a sala (por exemplo, o
tamanho da sala).
Na configuração do reverb,
existem normalmente diversos
parâmetros:
Reverb Time - Indica a duração
do reverb. Em regra, este valor
corresponde ao tempo
necessário para que o sinal
decaia 60 dB.
Reverb Type - O tipo de reverb
pretendido (room, hall, plate,
etc ).
Pre-delay - Corresponde ao
atraso entre o som direto e as
primeiras reflexões.
Room Size – Tamanho da sala
simulada.
Low Cut - Atenuação dos
graves resultantes da
reverberação.
High Cut - Atenuação dos
agudos resultantes da
reverberação.
 
Vamos conhecer os tipos
mais comuns de reverb.
RHODES MUSIC
ROOM
O próprio nome já diz qual
ambiente esse reverb simula:
Sala.
 
Uma sala é um espaço com
paredes. Não pode ser mais
simples que isso. Os rooms
podem ser de várias formas e
tamanhos. Sua sala de estar é
um cômodo, o espaço
central de uma catedral é
outro cômodo e um
estacionamento subterrâneo
é também um cômodo. Sua
sala de estar é
provavelmente bastante
pequena e feita de tijolos ou
madeira e / ou drywall. A
catedral é provavelmente
muito grande e pode ser
feita de mármore. O
estacionamento é
provavelmente amplo, com
teto baixo e feito de
concreto. O que você notará
é que todos esses espaços
soam completamente
diferentes. Mas existem
algumas semelhanças.  A
primeira é que as salas são
projetadas para abrigo e para
que as pessoas existam, mas
não especificamente para ter
um ótimo som. Os quartos
tendem a ter formas práticas,
como superfícies planas e
paredes paralelas.
Essas paredes refletoras
planas e paralelas causam
anomalias sonoras, como
interferência modal, ondas
estacionárias, flutter echo e
ressonâncias. Simplificando,
eles tendem a ter um caráter
colorido distinto.  Há muita
"imperfeição" no som de uma
sala - mas são exatamente
essas imperfeições que
podem torná-las atraentes.
Quem não quis gravar
bateria em uma garagem? E
o violão acústico de seu
amigo pode realmente soar
muito bem naquela sala de
estar.  Os quartos dão uma
cor natural e vivacidade a um
som. Eles também soam
como um espaço mais
íntimo e podem dar a
impressão de que toda a
música está sendo tocada
bem na sua frente. Quando
estamos indo para um tipo
de som natural, ao vivo (um
objetivo bastante comum em
estilos acústicos de música
como o Jazz), a reverberação
de room é uma boa escolha.
RHODES MUSIC
HALL
Este é o tipo mais comum de
reverb. Reverbs  do tipo hall
geralmente são projetados
para simular o tipo de efeito
de reverberação produzida
por grandes salões.
Salas de concertos são
espaços dedicados ao
desfrute da música. E muitos
salões são construídos para
ajudar a propagar o som, e é
por isso que muitos
corredores são em forma de
arco.
CHAMBERS
As câmaras (Chambers) são o
extremo oposto do espectro
das salas. Antes das unidades
de reverberação digitais.
Donos de estúdio desejavam
o som de um vasto espaço
reverberante. Infelizmente,
sendo algo caro, estes donos
de estúdio não tinham
recursos para um salão
gigante. Então, dessa forma
criou-se o conceito de uma
pequena sala com superfícies
muito reflexivas e de
preferência com ângulos
projetados para isso. Como
essa sala menor era
especialmente reflexiva, a
reverberação continuava
ligada quando o som era
inserido em um alto-falante.
Infelizmente, como a sala era
pequena e cheia de
ecos densos, a sala tinha um
timbre particularmente
irregular. Felizmente, as
pessoas gostam de coisas
peculiares e vibrantes.  E
assim nasceu o reverb
Chamber. As câmaras têm
uma tonelada de cor e
textura e podem soar bem
em todos os tipos de fontes.
Qualquer coisa que precise
de um impacto distinto em
energia ou textura extra
pode se beneficiar. O
Chambers foi largamente
usado em gravações mais
antigas de R & B e Rock
clássico, então se essa é a
intenção que você está
procurando - insira esse
reverb.
PLATE
Esse tipo nos leva a um dos
sons de reverberação mais
impressionantes de todos:
uma folha de metal
pendurada em uma caixa. Eu
deveria estar dizendo mais
sobre isso, mas não há muito
mais a dizer. Uma folha de
metal é um espaço
bidimensional. Em um
espaço tridimensional, há
ecos discretos na frente da
cauda do reverb e, a medida
que o reverb diminui, a
densidade do eco aumenta.
Em uma folha bidimensional,
os ecos têm a mesma
densidade desde o início da
reverberação até o final.
RHODES MUSIC
Como a velocidade do som é
muito mais rápida em metal
que no ar, as placas têm uma
densidade de "eco" maior.
Esses dois fatores são o que
dão as placas as assinaturas
de reverberação “suaves”. Por
fim, os tons de frequência
mais alta esgotam sua
energia muito mais
rapidamente do que os tons
mais baixos, enquanto os
tons mais baixos demoram
mais para se acumular. Isso
cria o efeito de frequências
mais altas que vivem na
frente da cauda de
reverberação, enquanto as
frequências mais baixas
aparecem mais tarde. Em
outras palavras:
o metal não parece apenas
Reverb Plate
brilhante, ele também soa
brilhante. Isso tudo torna o
plate útil para um grande
número de sons. Por causa
da distribuição uniforme de
ecos na cauda, as placas
tendem a se dar muito bem
com outros reverbs. Se
acontecer de você ter um kit
de bateria, com um par de
microfones de sala, você
pode provavelmente inserir
um reverb plate na caixa e
tons e ainda ter um kit de
som coeso. Plates também
são ótimos para trazer um
leve “pop” ou brilho para uma
fonte de som, tornando-as
ideais para vocais pop,
guitarras acústicas e
realmente qualquer outra
coisa para esse fim.
RHODES MUSIC
EFEITOS MODULAÇÃO
CHORUS
O objetivo deste efeito é
tentar simular diversos
instrumentos tocando ao
mesmo tempo utilizando
técnicas de delay e pequenas
desafinações.
FLANGER
O Flanger tem como
princípio a introdução de um
delay variável entre dois
sinais. A introdução desse
delay causa um
cancelamento denominado
comb-filter. Como o delay é
variável, o efeito passa a ser
variável também, mudando
as frequências do
cancelamento de fase
causado pelo delay.
PHASER
O princípio do phaser
também advém da alteração
de fase do sinal, adicionando
ao sinal original um sinal
defasado criando assim um
som muito característico
 RHODES MUSIC
DISTORÇÃO E OVERDRIVE
Embora a distorção seja
normalmente algo “ruim”, há
situações em que ela é
utilizada propositalmente.
O princípio por trás disso é
saturar um determinado
sinal de maneira a distorcer a
forma de onda , o que irá
criar um conjunto de
harmônicos adicionais dando
origem a um som mais cheio.
No entanto há diferenças
entre a distorção feita por
válvulas e a distorção feita
por transistors Enquanto os
transistors são lineares
demais, ou seja, são lineares
até o ponto em que atingem
o limite, momento em que
passa a haver um corte
radical (hard-clipping), as
válvulas começam a perder
sua linearidade a medida
que se aproximam do seu
limite criando uma forma de
onda mais arredondada (soft-
clipping). Além disso,
enquanto que a distorção
cirada por transistors tendem
a criar harmônicos ímpares,
as válvulas tendem a criar
harmônicos pares, que são
mais agradáveis aos ouvidos
Atualmente, existem diversas
distorções baseadas em
transistors que tentam
simular o comportamento
das válvulas, mas na maior
parte das vezes há ainda
alguma diferença.
EXCITERS
Os exciters geram
harmônicos adicionais, de
forma a criar um som mais
brilhante. Em vez de
amplificar os agudos, o
exciter tenta criar, com base
nas frequências médias, um
conjunto adicional de
harmônicos logicamente
relacionados ao som original.
A forma como os harmônicos
são gerados depende muito
do modelo do exciter
utilizado. Uma dessas formas
passa por uma pequena
distorção das frequências
médias, que irá criar
harmônicos nas frequências
superiores.
 O SEU GUIA
PARA MIXAGEM
 NÃO É RECEITA DE BOLO,
CONSIDERE APENAS COMO
UM PONTO DE PARTIDA.
RHODES MUSIC

Agora que você conhece A técnica permanece

todas as ferramentas
necessárias a serem
aplicadas no processo de
mixagem, vamos agora a
uma sugestão de etapas e
procedimentos, para que
você possa construir o seu
processo de mixagem de
forma mais eficaz. Gostaria
de lembrar que as
informações contidas nesse
capítulo são sugestões
baseadas nos processos que
eu utilizo no dia a dia em
minhas mixagens.
Certamente com a aquisição
de mais experiência, você
poderá alterar esses
procedimentos de forma que
se adapte mais ao seu
trabalho. O importante, é
você chegar a um resultado
satisfatório!
Tenha as informações desse
capítulo como um ponto de
partida.
constante, descobrir a
direção da música
desenvolver o groove e
construí-lo como uma casa.
Encontre o elemento mais
importante e enfatize-o.
Como Benny Faccone,
famoso mixer latino, afirma
de forma tão sucinta: "É
quase como um músico que
pega um violão e tenta tocar.
Ele pode ter o quadro à sua
frente, mas logo ele precisa ir
além das notas para se tornar
criativo." O mesmo acontece
com a mixagem: não é mais
apenas uma questão de
ajustar os níveis, mas mais
sobre tentar transmitir a
energia da música, pois
qualquer um pode deixar o
baixo ou a bateria nivelados”.

A maioria dos grandes

engenheiros de mixagem,
quer eles saibam ou não (e
muitos deles não estão
conscientes de como eles
fazem isso),  têm um método
na maneira de abordar uma
mix.
Embora o método possa
variar um pouco
dependendo da música, do
artista e do gênero, ou se o
engenheiro acompanhou a
música desde o início.
RHODES MUSIC
OS SEIS ELEMENTOS
DA MIXAGEM
Cada música seja ela um
Pop, um sertanejo, um axé e
todos os outros gêneros, têm
seis elementos principais
para uma ótima mixagem.
Eles são:
 
Equilíbrio - a relação de nível
de volume entre os
elementos musicais
 
Frequência - ter todas as
frequências adequadamente
representadas
 
Panorama - colocar um
elemento musical no campo
sonoro
Dimensão - adicionar
ambiente a um elemento
musical
Dinâmica - Controlar
dinamicamente os envelopes
de volume de uma faixa ou
instrumento
Interesse - fazer a mixagem
tornar-se especial
Trabalhando todos esses
elementos você tem tudo
para que sua mixagem se
torne de extrema qualidade.
MIXAGEM NÃO É
EDIÇÃO
RHODES MUSIC

Cuidado para não misturar as 1-Composição

etapas. A hora de mixar é
hora de mixar. Não é hora de
ficar afinando voz,
concertando andamento da
bateria. Isso desviará muito a
sua atenção ao processo que
realmente importa no
momento. Tente separar as
etapas e focar em cada uma
separadamente. Não misture
as coisas.
Você pode dividir as etapas
da produção de uma música
ou CD da seguinte forma:
2-Pré-produção
3-Gravação
4-Edição
5-Mixagem
6-Masterização
Respeite cada etapa e faça o
seu melhor em cada uma
delas. Todas têm a sua
devida importância no
processo e resultado final.
1-ORGANIZE SUA SESSÃO,
PREPARE SEU AMBIENTE
PARA SUA MIXAGEM
RHODES MUSIC
Não há nada pior do que
ficar confuso sobre  qual
instrumento é cada track,
isso porque o nome está
trocado ou não está com o
nome adequado que facilite
a identificação. Além disso,
inúmeras coisas que
dificultam nossa vida e
atrasam nosso processo.
Devemos sempre estar
concentrado o máximo
possível em Mixar e não em
ficar identificando as coisas,
criando canais etc…
Normalmente esse processo
de organização da sessão
costumo fazer um dia antes
de eu mixar a música. Esse
processo leva um pouco de
tempo e pode não ser tão
divertido, mas é
extremamente necessário.
Não há nada melhor do que
começar a mixar sem se
preocupar com essas coisas.
Vamos a alguns passos
importantes para organizar
sua sessão.
1- Nomeie as tracks de áudio
de forma a facilitar sua
identificação.
Nomear as tracks é
importante para identificar
as tracks de áudio mas
também é um processo que
já deveria ser adotado
durante a gravação, pois a
medida que você vai
gravando, os clips de áudio
registrados durante o
processo de gravação, são
nomeados de acordo com o
nome presente na track.
Um outro detalhe
importante: Não adianta
nada só nomear as tracks, os
nomes precisam facilitar a
sua vida.
Se você por exemplo nomear
a track de bumbo como:
“Bumbo microfone shure fora
super grave mesmo”
Não vai te ajudar em nada
quando precisar encontrar
essa track rapidamente.
Utilize nomes simples ou
abreviações como por
exemplo “BB” (utilize para o
bumbo).
RHODES MUSIC
2 - Utilize as cores das tracks
como forma de organização.
Todas as DAW`s ou se não a
grande maioria, têm como
opção mudar as cores das
tracks de áudio. Essa opção
não é somente estética.
Utilize-a a seu favor. Crie um
padrão de cores de forma
que você identifique o
instrumento ao olhar
rapidamente. Esse Tipo de
padronização irá deixar seu
trabalho mais ágil.
3 -  Utilize os markers
Utilize os markers para
localizar na time line da sua
DAW as partes da sua
música. Dessa forma na hora
de encontrar um refrão por
exemplo em uma música de
5 minutos, você não precisará
tocar várias partes até
encontra-lo.
4 – Crie os canais auxiliaries
Antes de começar a mixar eu
normalmente crio os canais
auxiliares para mandadas de
efeitos, compressão paralela
etc.
Dessa forma eu já adianto
esse trabalho da mixagem,
além disso, já faço todos os
endereçamentos de entradas
e saídas de cada canal. Ou
seja:
Se um canal de bumbo por
exemplo, antes de ir para o
canal master, vai passar por
um canal auxiliar da bateria
e depois para um auxiliar
com compressão paralela. E
após isso finalmente para
meu canal master.
2-BUSQUE REFERÊNCIAS
RHODES MUSIC
Antes de começar a mixar
qualquer música, tente
conversar o máximo possível
com o músico ou o produtor
da música. Tente extrair o
máximo de informações.
Acredite, essas informações
são as mais valiosas. Lembre-
se que antes do trabalho
chegar até você, existe uma
concepção e construção do
projeto por todos envolvidos.
Respeite isso, e absorva todas
as opniões. Fazendo dessa
forma o seu trabalho irá
alcançar outro nível. Não seja
um técnico cheio de si
mesmo e que acredita ser
auto-suficiente. Acredite,
ninguém é! Converse com
seu cliente e tente extrair
dele referências, elas são
importantes para você ter
uma noção de como
o trabalho deve soar. Isso não
significa copiá-las. Escute
essas referências, faça um
laboratório, anote todas as
informações úteis. Depois
desse processo, escute o seu
material de trabalho (a
música para mixar) e crie um
plano de mixagem, seja ele
mentalmente ou escrito (eu
sempre prefiro anotar as
coisas, não confio muito na
nossa cabeça). Esse Plano
consiste nas ações que você
imaginou para aquela
canção. Organização e
estudo são sempre
primordiais para qualquer
trabalho, isso não deve ser
diferente no nosso ofício. Se
comporte sempre como um
profissional dedicado e
empenhado em alcançar o
melhor resultado possível.
Acredite, esse é um grande
diferencial!
3-PROCURE UM EQUILÍBRIO
INICIAL DOS NÍVEIS
RHODES MUSIC
O primeiro processamento
que costumo realizar é a
normalização de todos os
áudios da minha mixagem
em aproximadamente -6dB
(Peak).
Esse processo é muito
importante para o
funcionamento ideal dos
plug-ins ou até mesmo para
processamento externo com
hardwares (outros valores
podem ser utilizados). Dessa
forma eu tenho certeza que
nenhum instrumento vai
clipar na entrada de nenhum
plug-in. Isso me ajuda muito
a equilibrar a mixagem.
Um detalhe importante é
normalizar cada track
separadamente. Certifique-se
que o software calculou a
normalização de cada track
separada e não de todas
juntas.
Após ter realizado essa
normalização, realize um
equilíbrio inicial de volumes
e Pan. Claro que não será
nada definitivo, mas já é um
bom começo para entender
melhor a sonoridade da
mixagem em questão.
4-CONFIRA A FASE DOS
INSTRUMENTOS
RHODES MUSIC
Nesta etapa de suma
importância, confiro a fase de
instrumentos que foram
captados com mais de um
microfone, por exemplo:
Violão e bateria.
Se identificado algum
problema de fase em algum
instrumento, ele deve ser
corrigido. Como já vimos em
capítulos anteriores, o
cancelamento de fase pode
prejudicar muito o timbre do
seu instrumento. Isso porque
algumas dessas frequências
serão canceladas de forma a
prejudicar muito a sua
atuação no processo de
mixagem.
Dê a sua devida atenção na
correção de fase.
A forma mais fácil de corrigir
esse problema é alinhando a
Wav Form e se caso
necessário invertendo a fase
de uma das tracks. O mais
importante de tudo para esse
processo é ouvir. Você tem
que escutar o que esse
cancelamento está causando
em seu som.
Existem alguns plug-ins que
fazem essa tarefa de forma
automática: Auto-Align e o
InPhase.
5-EQUALIZAÇÃO
RHODES MUSIC
A primeira etapa para
equalizar que me preocupo
muito é:
A equalização corretiva.
Normalmente aplico um
equalizador de forma a
subtrair frequências
indesejadas que estejam
prejudicando o timbre do
instrumento. Nessa etapa,
aplico os filtros Hi pass e Low
Pass se necessários. A
equalização é um dos
processos mais importantes
em sua mixagem e necessita
de muita perícia. Equalize
com bastante calma sem
querer apressar demais o
processo.
Normalmente aplico essa
equalização corretiva antes
do compressor para que o
compressor não evidencie as
frequências que eu não
desejo. Logo após a
compressão, é quando eu
aplico o equalizador para aí
sim, evidenciar algumas
frequências necessárias ou
algum outro tipo de
equalização mais artística.
O que é preciso saber para
equalizar bem?
Primeiramente deve-se
entender que os
instrumentos devem soar
bem juntos e não separados.
Sua equalização deve fazer
sentido desta maneira.
Não adianta nada ficar por
horas equalizando um violão
sozinho e ele ficar lindo, mas
na hora que se junta com os
outros instrumentos, nem
parece que tem um violão na
música. Para que você
equalize bem, é preciso criar
um certo mapa de
frequências indicando qual a
região do espectro que cada
instrumento irá ocupar.
Lembra-se do
mascaramento? Não há
como dois instrumentos
ocuparem o mesmo lugar.
Eles acabarão influenciando
um no som do outro,
positivamente ou
negativamente.
Existe uma tabela muito
importante como ponto de
partida para equalizar. Essa
tabela indica as frequências
importantes dos principais
instrumentos. Lembre-se,
utilize-a como ponto de
partida e não como receita
de bolo.
RHODES MUSIC

Tabela retirada do livro Bob Owsinski

6-COMPRESSÃO
RHODES MUSIC
Chegou a hora de controlar
as dinâmicas da sua música.
Porém, como já tratamos
anteriormente não é
somente com isso que os
compressores contribuem. Se
fosse somente isso,
automações de volume iriam
resolver todo o problema. Os
compressores ao atuarem,
imprimem sonoridades no
instrumento em que ele está
iserido.
Estude os compressores que
você possui e tente perceber
suas características sonoras.
Isso, para que você consiga
aplicá-lo cada vez mais de
forma consciente.
Um detalhe importante ao
comprimir e comparar o som
comprimido com o não
comprimido é:
Igualar os volumes.
Ao fazer essa comparação
certifique-se de deixar os
volumes iguais para não ser
enganado por apenas um
aumento de volume. Temos a
tendência de achar que tudo
que está mais alto está
melhor.
 7-DEMAIS
PROCESSAMENTOS
RHODES MUSIC
Depois de controlar a
dinâmica da música, inicia-se
um detalhe técnico mas que
considero que faça bastante
diferença na parte artística.
Para que sua mixagem não
fique digamos “sem graça” e
além disso, dar um toque de
sonoridades em sua
mixagem, tente criar
camadas sonoras em suas
mixes. Como fazer isso?
Normalmente eu misturo o
som original de um
instrumento com um som do
mesmo instrumento muito
processado, duplicando o
canal que desejo processar
ou através de mandadas
através de canais auxiliares.
Vou dar alguns exemplos
porém, essa é a hora que sua
criatividade entra em jogo,
não há regras e nem limites.
Exemplos:
·       Duplique o canal da
caixa, e em um desses canais
coloque uma distorção de
guitarra.
·       Distorção ou
amplificador de guitarra no
contrabaixo.
·       Utilize bastante
compressão paralela.
·       Insira um delay na voz
com um filtro Hi pass em
aproximadamente 8Khz e
um low pass em
aproximadamente 300Hz
nesse delay.
Existem inúmeras
possibilidades, eu quis aqui
apenas exemplificar algumas
possibilidades. Utilize sua
criatividade. Não se esqueça,
crie camadas de timbres em
suas mixagens para tornar o
seu som mais incrível.
8-ADICIONE
EFEITOS
RHODES MUSIC

Neste momento adicionamos profundidade na mixagem. Cuidado, pode

ser tentador, mas efeitos exagerados podem ser a linha tênue entre a
mixagem profissional e amadora. Muito cuidado para programar os
efeitos corretamente. Preste atenção na cauda do reverb por exemplo e
veja se seu decay não está muito longo de forma a ficar incompatível
com o tempo da música. Certifique-se que os delays estão no tempo
correto. E experimente bastante. Os efeitos não podem aparecer demais
e nem de menos mas sim na medida certa, eis o desafio.
9-EQUILÍBRIO DOS NÍVEIS
E
PAN
 RHODES MUSIC

Cegamos a um ponto que Quando você gira o botão de

nossa mixagem já ganhou PAN, é como se você visse o
bastante corpo e identidade. instrumento se movendo da
Neste Momento é hora de direita para a esquerda (faça
definir os planos dos volumes a experiência). Fazendo isso,
e a imagem stereo que você estará alterando a
desejamos construir. Vamos localização desse
primeiramente entender um instrumento em sua imagem
pouco sobre esse assunto. stereo.
Quando Mixamos estamos Devemos sempre imaginar a
criando através dos Canais L nossa Mix como um quarto e
e R da Mix uma imagem que nesse quarto temos que
Stereo. Essa imagem, é uma fazer com que caiba tudo
imagem tridimensional, ela que precisamos de uma
possui: maneira organizada e
  uniforme. Os limites desse
·       Profundidade quarto são os alto falantes. Se
·       Lateralidade por exemplo você possuir
·       Altura uma grande orquestra em
  sua mix todos estarão
Essas características podem representados dessa forma.
ser alteradas
respectivamente pelo
Volume, Pan e Frequência.
Isso é um fenômeno
Psicoacustico.

Imagem retirada do Livro – A Arte da Mixagem de David Gibson

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Agora se você possui apenas Este espaço limitado que

3 violinos será da seguinte possuímos entre os
forma: monitores de áudio é o onde
podemos construir diferentes
estruturas de mixagem de
uma forma criativa e pessoal.

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Agora precisamos lembrar que
esse espaço é limitado e Mas sempre lembrando que
precisamos fazer com que temos um espaço a cobrir e
caiba todos os instrumentos. É de uma maneira uniforme.
muito importante saber que se Tendo consciência disso que
houver um instrumento com acabamos de citar, crie os
regiões de frequências planos de volumes para cada
semelhantes ocupando um instrumento e a imagem
mesmo espaço nesse quarto stereo. Aplicando as
dificilmente você irá distingui- equalizações necessárias
lo mas se você alterar a além de compressão, efeitos
localização dele, você pode ter e além disso, se preocupando
resolvido um problema. Além com o panorama que você
disso, se você colocar todos os está criando, sua Mix estará
instrumentos ocupando o bem mais definida, evitando
mesmo lugar no centro assim mascaramentos dentre
dificilmente você terá uma voz outros problemas recorrentes
que esteja clara e bem audível em algumas mixagens. Dê
em sua mixagem, pois ela uma atenção a esses
estará competindo com todos cuidados e compare seus
os instrumentos que ali estão resultados.
no mesmo Lugar.
10- O CANAL
MASTER
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Um dos temas que meus alunos mais têm duvidas e me perguntam

frequentemente, é se devemos ou não processar o canal de Master. A
resposta é simples: Não há regra.
Apesar disso, vou contar como costumo fazer em minhas mixagens.
Normalmente nesse ponto da mixagem antes do próximo processo que
é a automação, eu inserto no canal master da minha mixagem, alguns
processadores que normalmente são:

Um compressor do tipo VCA ou Variable MU, um equalizador e um

simulador de gravador de fita.

Sigo esse processo há alguns anos. Tento com ele simular um processo
que era feito anteriormente do mundo digital. Toda mesa tinha seu
compressor na sua saída stereo, depois disso o sinal era equalizado caso
precisasse e depois de tudo isso era gravado na fita. A minha intenção é
simular esse processo. Tenho obtido bons resultados com isso. Mas fica
como critério de cada um o uso ou não desse tipo de processamento.
Experimente, quem sabe você a partir dessas informações, possa criar o
seu processo ou até mesmo optar por não insertar nada no canal master.
11-AUTOMAÇÃO
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Eu diria que este é um dos
processos mais importantes
da sua mixagem. É hora de
fazer com que as transições
de uma parte e outra da
canção funcionem bem, é
hora de dosar os volumes e
efeitos para cada parte da
música entre outras tarefas.
Você não acha que deixando
o nível da voz o mesmo do
início ao fim da música possa
funcionar bem para todas as
partes. Normalmente neste
processo eu gasto mais de
60% do tempo que gasto
para mixar uma música.
A automação é o processo
que vamos “automatizar”
todos os paramêtros que
queremos alterar durante o
decorrer da música.
Podemos automatizar os
volumes de cada
instrumento ou seja, em
determinada parte por
exemplo a voz sobre 2dB e
depois abaixa 1dB. Podemos
também automatizar os
parâmentros dos plug-ins.
Por exemplo: Uma
equalização no violão para
estrofe e outra diferente para
o refrão. Além disso,
podemos automatizar os
efeitos de cada parte da
música dos instrumentos. As
possibilidade são
gigantescas, não há limites
para a automação. Só há
uma regra: Faça TUDO o que
for necessário. Lembre-se
que o ouvinte não verá a
sessão aberta da sua DAW.
Ele vai ouvir o resultado final.
12-FORMATOS E
FINALIZAÇÃO
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É Hora de enviar sua masterização. Muitos

mixagem para um justificam isso pela perda de
engenheiro de masterização. qualidade durante o Bounce.
Certifique-se com o Confesso que não acredito
engenheiro suas preferências. nisso. Faço o processo
Muitos engenheiros pedem normalmente como o
para que seja enviado a software oferece, seja o
determinados níveis de picos Bounce no Pro Tools ou
e RMS. Por exemplo: Alguns Render no Reaper. Mas sei
pedem que a música esteja que cada um possui suas
com os picos de -6 a -3dB e o formas de trabalhar e não
RMS em torno de -19 RMS. condeno isso de forma
Fique bem atento com os alguma.
formatos de envio para a
masterização. Na finalização
da mixagem não é hora de
fazer conversões. Deixe isso
para a Master. Se o projeto
está em 24bits e sample rate
de 48KHZ, mantenha esse
formato e qualquer outro
que ele esteja. Repito, deixe
a conversão para o
masterizador pois ele vai
adaptar a mídia para os
formatos de reprodução que
será disponibilizada.

BOUNCE (RENDER)

Há algumas pessoas que não

gostam de fazer esse
processo. Eles preferem fazer
de uma forma alternativa
que é criar um canal stereo
dentro da própria mixagem e
gravar a mixagem nesse
canal, o famoso print. Após
gravado esse arquivo é
enviado para a
CONSIDERAÇÕES
FINAIS
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Mixar é um processo técnico e artístico. A pessoa que ignorar algum desses

conhecimentos estará cometendo um grande erro na sua evolução. Tanto a
técnica como a arte fazem parte disso, de forma que um complementa o
outro. Tentei expor nesse livro, de uma maneira direta e organizada, alguns
conhecimentos que adquiri ao longo desses anos trabalhando no mercado.
Existe muita informação na internet, porém de forma solta. Isso dificulta o
aprendizado. O meu intuito sempre foi e sempre será difundir o
conhecimento. Se algum assunto do seu interesse não foi abordado nesse
livro com certeza não foi por falta de interesse e sim porque o assunto
mixagem é muito amplo e difícil de ser tratado de forma absoluta. Envie-me
sugestões para que nas próximas edições eu possa acrescentar assuntos
inerentes a esse processo tão peculiar, mas de tamanha importância na
Produção Musical. Espero que tenha aproveitado bastante o conteúdo e que
eu tenha contribuído para o seu desenvolvimento. Sempre!
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REFERÊNCIAS

Introdução a Engenharia do Som - Nuno Fonseca

Manual da Acústica - Sólon do Valle
Guia de Mixagem Volume I - Fábio Henriques
A Arte Da Mixagem - David Gibson
The Mixing Engineer's Handbook - Bob Owsinski

https://www.uaudio.com/
https://reverb.com