Ministério da Cultura

Instituto Tomie Ohtake

EDP
Instituto EDP
apresentam
present

5ª EDIÇÃO - 2015-2016
5TH EDITION - 2015-2016

INSTITUTO TOMIE OHTAKE

10 NOVEMBRO NOVEMBER - 4 DEZEMBRO DECEMBER 2016

APOIO DE MÍDIA PLAYER OFICIAL REALIZAÇÃO

MEDIA SUPPORT OFFICIAL PLAYER REALIZATION
 SUMÁRIO
CONTENTS

5 Nossa Energia para Cuidar Sempre Melhor

Our Energy into Better Care, Always
Miguel Setas
Diretor Presidente, EDP Brasil
Presidente, Instituto EDP

7 APRESENTAÇÃO
Foreword
Instituto Tomie Ohtake
14 FINALISTAS
Shortlisted Artists
André Arçari
Antônio Társis (premiado award winner)
Bia Martins
Eduardo Montelli
Gabrial Botta
Hassan Shahateet
Laura Berbert
Luisa Puterman (premiado award winner)
Santidio Pereira
Van Holanda (premiado award winner)
18 COMISSÃO DE JURADOS
Jury
Beatriz Lemos
Fernanda Albuquerque
Galciani Neves
Julia Lima
Marcius Galan
Rodrigo Martins
20 TEXTO COMISSÃO DE JURADOS
Jury Text

OBRAS
Works
24 Antônio Társis
30 Laura Berbert
34 Luisa Puterman
36 André Arçari
40 Van Holanda
44 Hassan Shahateet
50 Eduardo Montelli
56 Gabrial Botta
62 Bia Martins
66 Santidio Pereira

Luisa Puterman (premiado award winner) 70 EDITAL DE PREMIAÇÃO

Making of Regulation
Simulação e catástrofe Simulation and Catastrophe 2016
 NOSSA ENERGIA PARA CUIDAR SEMPRE MELHOR

É esse o propósito da EDP no Brasil, que orienta nosso

investimento e atuação. Acreditamos que a nossa missão na
sociedade não se resume a gerar, distribuir e comercializar energia.
Acreditamos que a educação, a cultura e a cidadania são
verdadeiras ferramentas de transformação social e queremos usá-
las para contribuir com uma sociedade mais justa e inclusiva.
Através do Prêmio Energias nas Arte, desenvolvido em parceria
com o Instituto Tomie Ohtake, temos ajudado a descobrir e
divulgar novos talentos no mundo da arte contemporânea, por
meio de novas vivências e novas experiências.

É com grande orgulho que chegamos à 5ª edição dessa premiação.

Neste ano, recebemos mais de 237 trabalhos de 21 estados
brasileiros.  Ao Instituto Tomie Ohtake, o nosso agradecimento
pelo compromisso com a arte contemporânea e pela cumplicidade
com o propósito da EDP em cuidar sempre melhor.

A projeção de um futuro transformador para jovens artistas é o

diferencial desse projeto. Por meio da arte, novas vidas serão
transformadas e inseridas em uma jornada rica de sentimentos,
emoções e sonhos.
Uma sociedade transformada positivamente pela arte é a nossa
ambição.

MIGUEL SETAS
Diretor Presidente – EDP Brasil
Presidente – Instituto EDP

OUR ENERGY INTO BETTER CARE, ALWAYS

This is the purpose of EDP in Brazil, guiding our investments and

actions. We believe that our mission in society isn’t restricted to
generating, distributing and commercializing energy. We believe that
education, culture and a sense of citizenship are real instruments of
social transformation, and we want to employ them to contribute to a
fairer and more inclusive society.

Through the Energias na Arte Award, developed in partnership with

Instituto Tomie Ohtake, we have helped to discover and divulge new
talents in the world of contemporary art, via new experiences and
practices.

It is with great pride that we come to the 5th edition of the award. This
year, we received more than 237 applications from 21 Brazilian states.
We thank Instituto Tomie Ohtake for their commitment to contemporary
art and their complicity with EDP’s purpose in always taking better care.

The differential of this award resides in the projection of a transformative

future for young artists. Through art, our lives will be transformed and
integrated with a rich journey of feelings, emotions, and dreams. We
strive for a society positively changed by art.

MIGUEL SETAS
CEO – EDP Brasil
President – Instituto EDP

Antônio Társis (premiado award winner)

Detalhe Detail Making of
Linha do Horizonte Horizon Line 2015
6 7
 A partir da visão de que a produção artística está a todo momento sendo
pensada e revista, o Instituto Tomie Ohtake, em parceria com a EDP e com o
apoio do Instituto EDP, realiza desde 2009 o Prêmio Energias na Arte,
buscando mapear e reconhecer as produções de artistas de 18 a 27 anos de
todo o país.
É com essa motivação que o Prêmio Energias na Arte vem se consolidando
como uma relevante plataforma que permite tanto ao público geral quanto
ao público especializado conhecer pesquisas artísticas em pleno
desenvolvimento e que apontam novos caminhos na arte brasileira.
A evolução do trabalho das dezenas de artistas selecionados e premiados
nas cinco edições já realizadas, muitos hoje com trajetórias consolidadas
em nível nacional e alguns até com experiências internacionais, anima e
reforça a missão do prêmio em apostar nas novas gerações, que reinjetam
energia na arte produzida no Brasil.
A cada ano, o prêmio aprimora seus processos – de inscrição, seleção,
acompanhamento e premiação – e incorpora novas iniciativas que buscam
fertilizar o território da formação em arte no país, por meio de ações como
oficinas, seminários e publicações.
OFICINAS
Nesta edição, foram realizadas oficinas de formação voltadas a artistas das
cidades de Mogi das Cruzes (SP), Palmas (TO) e Vitória (ES), ministradas
pelos curadores Fernanda Albuquerque e Matias Monteiro, que
compartilharam suas pesquisas ligadas à produção artística nacional e
internacional e promoveram debates sobre temas como curadoria e sistema
da arte, além de comentarem o desenvolvimento da poética de cada artista
participante.
PUBLICAÇÃO
Ainda no campo de apoio à formação, foi desenvolvida a publicação
Portfólio - ideias para pensar a organização e apresentação do trabalho de
arte, disponível para download no site do prêmio (premioenergiasnaarte.
institutotomieohtake.org.br) e oferecida como uma das possíveis fontes de
consulta para refletir sobre o processo de montagem de portfólios de arte,
aspecto desafiador para muitos artistas em início de suas trajetórias.
Van Holanda (premiado award winner)
Detalhe Detail
Mar marée bateau 2016
8 9
SEMINÁRIO
A abertura de inscrições neste ano foi marcada pelo seminário Ensaios
Críticos, que contou com a participação de renomados artistas, críticos de
arte e pensadores, como Aracy Amaral, Christine Greiner, Denise Stoklos e
Peter Pál Pelbart, que compartilharam em três dias de debates suas
pesquisas correntes, num diálogo com artistas, estudantes, professores e
público interessado, adensando discussões acerca de experiências
artísticas, políticas e culturais brasileiras. Os textos produzidos por estes
convidados para o seminário foram reunidos em uma publicação impressa,
lançada durante o período da exposição desta 5ª edição.
ACOMPANHAMENTO
O júri composto pelas curadoras Beatriz Lemos, Fernanda Albuquerque,
Galciani Neves e Julia Lima e pelos artistas Marcius Galan e Rodrigo
Martins, vencedor da 4ª edição do prêmio, definiu os dez artistas
selecionados para a exposição no Instituto Tomie Ohtake. Assim como na
edição anterior, os jurados visitaram os ateliês desses dez artistas, em Belo
Horizonte, Fortaleza, Rio de Janeiro, São Paulo e Vitória, estabelecendo
diálogos sobre suas produções poéticas e sobre a elaboração das obras a
serem apresentadas na mostra – um processo de intensa troca e
aprendizado que se constitui como um dos principais diferenciais do prêmio.
PREMIAÇÃO
Por fim, esta edição ganhou mais uma novidade ligada à premiação. Entre os
dez artistas selecionados, três foram contemplados com prestigiadas
residências artísticas internacionais: Banff Centre for Arts and Creativity
(Banff, Canadá); HANGAR – Centro de Investigação Artística (Lisboa,
Portugal); e Lugar a Dudas (Cali, Colômbia). Tais imersões podem ser
entendidas como potentes vivências para a ampliação da área de atuação
desses artistas e como relevante impulso à continuidade de suas produções.
O interesse gerado pelas iniciativas acima, aliado ao desenvolvimento de
uma plataforma exclusiva para inscrições on-line, que facilitou o envio de
portfólios e obras, foram fatores determinantes para gerar o maior número
de artistas inscritos de todas as edições do prêmio – 237 no total – e a
ampliação de sua abrangência geográfica, com 21 estados participantes.
O cuidadoso processo de avaliação realizado pelo júri resulta na exposição
das obras inéditas dos dez artistas selecionados, apresentadas neste
catálogo, e que revelam o potencial e a diversidade da produção emergente
no país.  
O Instituto Tomie Ohtake agradece a todos os artistas que se inscreveram
nesta edição, ao júri de seleção e à EDP, parceira fundamental na
viabilização dessa iniciativa, que vem se tornando cada vez mais expressiva
para a vitalidade da arte brasileira.
INSTITUTO TOMIE OHTAKE
 Stemming from the perspective that artistic productions are, at all times, being
constructed and reviewed, Instituto Tomie Ohtake, in partnership with EDP and
with the institutional support of Instituto EDP, promotes the Energias na Arte
Award (Prêmio Energias na Arte) since 2009, in an effort to map and acknowledge
artistic productions from artists aged between 18 and 27, from all over the country.
Under this mission, the Energias na Arte Award has been consolidated
as a relevant platform that allows the general public, as well as the specialized
one, to discover artistic researches in plain development that indicate
the new directions of Brazilian art.
Many of the dozens of selected and prized artists during the five editions, many
of which with national and international recognition, animates and strengthens
the Award’s mission of believing on the new generations that inject
energy in the art that is created in Brazil.
Each year, the Award improves its processes – of application, selection,
supervision and recognition – and incorporates new initiatives that fertilize the art’s
education territory in the country, through workshops, seminars and publications.
WORKSHOPS
In this edition, we organized workshops focused on artists from Mogi das Cruzes
(SP), Palmas (TO) and Vitória (ES), conducted by curators Fernanda Albuquerque
and Matias Monteiro, who shared their research about national and international
artistic productions and promoted debates about curating and the art system, as
well as commented on the poetic development of each participating artist.
PUBLICATION
Also in the education training area, we elaborated the publication Portfolio – ideas
for organizing and presenting artworks, available for download at the Award
website (premioenergiasnaarte.institutotomieohtake.org.br) and offered as one of
the possible consultation sources for reflecting on the conception process of art
portfolios, a challenging aspect for many artists in the beginning of their careers.
Van Holanda
Making of
Mar marée bateau 2016
10
SEMINAR
The beginning of the application process was marked by the seminar Critical
Essays, (Ensaios Críticos), with the participation of renowned artists, art critics and
thinkers, such as Aracy Amaral, Christine Greiner, Denise Stoklos and Peter Pál
Pelbart, who shared their current researches during three days of debates,
debating with artists, students, teachers and other interested audiences, solidifying
discussions regarding Brazilian artistic, political and cultural experiences. The
essays drafted by these guest lecturers were collected in a printed publication,
released during the exhibition period of this 5th edition.
SUPERVISION
The jury, formed by curators Beatriz Lemos, Fernanda Albuquerque, Galciani
Neves and Julia Lima and by artists Marcius Galan and Rodrigo Martins, the
winner of the Award’s 4th edition, defined the ten selected artists for the exhibition
at Instituto Tomie Ohtake. Like in the previous edition, the jury visited the ten
finalists’ studios, in Belo Horizonte, Fortaleza, Rio de Janeiro, São Paulo and
Vitória, establishing dialogues about their poetic process and about the artwoks
that would be shown in the exhibit – an intense exchange and learning process
that is one of the Award’s most important features.
RECOGNITION
Lastly, this edition has another innovation connected to the prizes. Among the ten
finalists, three were awarded prestigious international artistic residencies: Banff
Centre for Arts and Creativity (Banff, Canadá); HANGAR – Centro de Investigação
Artística (Lisboa, Portugal); and Lugar a Dudas (Cali, Colômbia). These immersions
can be powerful experiences for broadening these artists’ field of action and a
relevant impulse towards moving forward with their works.
The interest generated by the above mentioned initiatives, allied with the
development of an exclusive application online platform – which facilitated the
submission of portfolios and projects – were decisive in increasing the number of
registered artist applicants in all the editions: 237 in total; and in expanding the
Award’s geographical coverage, with applicants from 21 states.
The careful evaluation process carried out by the jury resulted in the exhibition that
presents new and original works by the ten finalists, presented here in this
catalogue, which reveal the potential and diversity of the country’s emerging art
production
Instituto Tomie Ohtake is grateful to all artists who applied to this edition, to the
selection jury and to EDP, our essential partner in promoting and facilitating this
initiative, which has become ever more expressive for the vitality of Brazilian art.
INSTITUTO TOMIE OHTAKE
11
 Bia Martins Santidio Pereira
Detalhe Detail Detalhe Detail
Boa fortuna de crescer a tempo Good Fortune Growing on Time 2016 Sem título Untitled, 2016
12 13
 Eduardo Montelli Laura Berbert
Detalhe Detail Detalhe Detail
Looks Like Me 2010-2011 Vir a céu Come to the Sky 2016
14 15
 ANDRÉ ARÇARI

ANTÔNIO TÁRSIS
FINALISTAS SHORTLISTED ARTISTS
10 SELECIONADOS 3 PREMIADOS
ARTISTA PREMIADO AWARDED ARTIST
Residência artística Artistic residence at no
10 SHORTLISTED 3 AWARDED Lugar a dudas Cali, Colômbia Colombia

EDUARDO MONTELLI
BIA MARTINS

HASSAN SHAHATEET
GABRIEL BOTTA

LUISA PUTERMAN
LAURA BERBERT

ARTISTA PREMIADO AWARDED ARTIST

Rsidência artística no Artistic residence at
Banff Centre for Arts and Creativity Banff, Canadá Canada

VAN HOLANDA
SANTIDIO PEREIRA

ARTISTA PREMIADO AWARDED ARTIST

16 Residência artística no Artistic residence at 17
Hangar-Centro de investigação artística Lisboa Lisbon, Portugal
18 19
 COMISSÃO DE JURADOS JURY

BEATRIZ LEMOS
CURADORA E PESQUISADORA, IDEALIZADORA DO LASTRO INTERCÂMBIOS LIVRES EM ARTE
CURATOR AND RESEARCHER, CREATOR OF LASTRO – FREE EXCHANGES IN ART
Dedica-se à curadoria e pesquisa voltada para as artes visuais
contemporâneas e seus desdobramentos em redes. Licenciada em
História da Arte pela UERJ e Mestre em História Social da Cultura pela
PUC-Rio. Integra a equipe do Programa de Residência Artística Terra UNA
e articula projetos de intercâmbio entre cenas de arte na América Latina; o
projeto Lastro – Intercâmbios Livres em Arte, no qual foi idealizadora. É
editora do selo de publicações Sismos Editorial e atua como professora
FERNANDA ALBUQUERQUE
CURADORA, PESQUISADORA E PROFESSORA DO CURSO
em cursos livres de arte e curadoria. DE MUSEOLOGIA NA UFRGS
Beatriz Lemos is a curator and researcher of Contemporary Visual Arts and its CURATOR, RESEARCHER AND MUSEOLOGY PROFESSOR
networks. She is graduated in Art History from UERJ and has a Master’s degree AT UNIVERSIDADE FEDERAL DO RIO GRANDE DO SUL
in Social History of Culture from PUC-Rio. She is part of the Terra UNA Fernanda Albuquerque é curadora, educadora e pesquisadora.
Residency Program staff and articulates exchange projects between Latin Professora do Curso de Museologia da UFRGS, possui
American artistic contexts; Lemos was the creator of the project LASTRO – Doutorado em Artes Visuais - História, Teoria e Crítica pelo
Free Exchanges in Art. She edits the publishing label Sismos Editorial and PPGAV/UFRGS, com estágio na UAL, em Londres. Foi curadora
works giving lectures and classes in open courses about art and curating. assistente da 8a Bienal do Mercosul (2011) e curadora de Artes
Visuais do Centro Cultural São Paulo (2008-2010).
Fernanda Albuquerque is a curator, educator and researcher.
Professor of Museology at UFRGS, she has a doctoral degree in Visual
Arts – History, Theory and Critic from PPGAV/UFRGS, Porto Alegre,
CURADORA, PESQUISADORA, PROFESSORA E COORDENADORA DE PESQUISA
E PROJETOS EM ARTE DO INSTITUTO TOMIE OHTAKE with an internship in UAL, London. She was an Associate Curator of
the 8th Mercosul Biennial (2011) and Visual Arts Curator at Centro
GALCIANI NEVES CURATOR, RESEARCHER, PROFESSOR AND ART PROJECTS RESEARCH
COORDINATOR AT INSTITUTO TOMIE OHTAKE Cultural São Paulo (2008-2010).
É curadora, professora e pesquisadora no campo das artes visuais.
É mestre e doutora em Comunicação e Semiótica pela PUC-SP.
Atualmente, é coordenadora da Pós-Graduação em Práticas
Artísticas Contemporâneas e professora do curso de Artes Visuais e
da Pós-Graduação em Fotografia na FAAP. É professora
JULIA LIMA
CURADORA E PESQUISADORA INDEPENDENTE
colaboradora no Programa de Mestrado em Artes da Universidade INDEPENDENT CURATOR AND RESEARCHER
Federal do Ceará. Co-coordena a Escola Entrópica e o Núcleo de Foi assistente do Secretário Municipal de Cultura entre
Pesquisa e Projetos em arte do Instituto Tomie Ohtake. 2007 e 2009. Estudou Arte - História, Crítica e Curadoria
Galciani Neves is a Visual Arts curator, professor and researcher. She na PUC-SP e foi aluna do Courtauld Institute of Art, em
has Master and doctoral degrees in Communication and Semiotics Londres. Em 2011, foi educadora da exposição Em
from PUC-SP and currently coordinates the Photography Post- Nome dos Artistas, na Fundação Bienal de São Paulo.
graduate course at FAAP. She collaborates as a visiting professor in the Em seguida, atuou como produtora e assistente de
Arts Master Degree Program from Universidade Federal do Ceará and curadoria de Paulo Miyada. Integrou por quatro anos o
co-coordinates the Entropic School and the Research Center for Art Núcleo de Pesquisa e Curadoria do Instituto Tomie
Projects at Instituto Tomie Ohtake. Ohtake. Atualmente atua como curadora independente,
pesquisadora e professora.
MARCIUS GALAN Julia Lima worked as assistant for the Secretary of Culture
from the City of São Paulo between 2007 and 2009. She
ARTISTA PLÁSTICO
VISUAL ARTIST studied Art: History, Critic and Curating at PUC-SP, and
Nasceu em Indianápolis, EUA. Vive e trabalha em São Paulo. Formou-se em Licenciatura em Educação was a student at Courtauld Institute of Art, in London. In
Artística pela FAAP em 1997. Em 2003, ganhou uma bolsa-residência de seis meses na Cité des Arts, em 2011, she worked as educator in the In the name of the
Paris, e no ano seguinte passou três meses em residência no Art Institute de Chicago, através da bolsa Iberê artists exhibition at Fundação Bienal. Afterwards, she
Camargo. Em 2009, recebeu o Prêmio Aquisição SP-Arte/Iguatemi (aquisição para a Pinacoteca do Estado). worked as Paulo Miyada’s producer and assistant curator.
Vencedor do Prêmio PIPA 2012 e finalista no mesmo em 2010. Membro do Comitê de Indicação do PIPA 2013. Lima was part of Instituto Tomie Ohtake’s Curating and
Marcius Galan was born in Indianapolis, USA, and lives and works in São Paulo. He graduated in Artistic Education from FAAP in Research Center for four years, and currently works as an
1997. In 2003, Galan won a scholarship for a 6-months residency program in the Cité des Arts, in Paris, and in the following year independent curator, researcher and teacher.
he spent three months in a residency at the Chicago Art Institute through the Iberê Camargo Scholarship. In 2009, he received
the acquisition award from SP-Arte/Iguatemi (acquired by Pinacoteca do Estado). Galan won the 2012 PiPA Award and was one
of the finalists in the 2010 edition. He was a member of the Nomination Committee for the 2013 edition.

RODRIGO MARTINS
ARTISTA E VENCEDOR DA 4ª EDIÇÃO DO PRÊMIO ENERGIAS NA ARTE
ARTIST, WINNER OF THE 4TH EDITION OF THE PRÊMIO ENERGIAS NA ARTE
Rodrigo Martins nasceu em 1988 no Rio de Janeiro, onde vive e trabalha. É graduado em design pela PUC-Rio. Realizou exposições
individuais nas galerias Central (2016), Laura Marsiaj (2014), FB Gallery (2012) e Casamata (2011). Participou das exposições coletivas
Idolatria Vã (Galeria Laura Marsiaj, 2013), Figura Humana (Caixa Cultural do Rio de Janeiro, 2014) e Bângala: Yakã Ayê (A Gentil Carioca,
2015). Em 2014, participou do 4o Prêmio EDP nas Artes do Instituto Tomie Ohtake, em que ganhou o 1º lugar.
Rodrigo Martins was born in 1988 in Rio de Janeiro, where he lives and works. He has realized solo exhibitions at the following galleries: Central
(2016), Laura Marsiaj (2014), FB Gallery (2012) and Casamata (2011). Martins was part of collective shows such as Idolatria Vã (Laura Marsiaj
Gallery, 2013), Figura Humana (Caixa Cultural do Rio de Janeiro, 2014) and Bângala: Yakã Ayê (Gentil Carioca, 2015). In 2014, he was part of the
Instituto Tomie Ohtake’s Prêmio EDP nas Artes, in which he was awarded 1st place.
20 21
 THE JURY
What is a young artist? What does it mean to be part of the jury in an award
dedicated to young artists? In the 5th edition of the Energias na Arte Award (Prêmio
Energias na Arte), we came across more than 230 applications from artists aged
between 18 and 27, from almost every Brazilian state. We individually and collectively
analyzed each submission, in a double process: portfolio analysis, debating the
exhibition projects; culminating in a preliminary selection of 27 names for he
interviews, which that were conducted through Skype and allowed us to choose the
10 finalists. This first triage presented itself as a fertile space for each juror to ask the
artists relevant questions about their research and production, their practice and
training, their poetic language and the execution of the works.
This prize for young artists can mean many different things: the chance to showcase
their work in Instituto Tomie Ohtake, the chance to win an artistic residency abroad,
a closeness with the jurors during the studio visits, an opportunity to engage in
exchanges with other young artists. The 10 finalists that conform the exhibition that
were installed in three rooms at Instituto Tomie Ohtake were chosen not only for the
quality of their research and for what this initiative could offer them in terms of
exchange and knowledge, but especially for the freshness they brought to the
experience of this 5th Award. The jury appreciated the potencies and imminent
pathways of each project and portfolio. This perspective was confirmed during the
studio visits’ stage, which was a platform for establishing dialogues between jurors
and artists, promoting exchanges that helped to shape the exhibition and support
the unfolding of the still unrealized submitted projects.
22
VISITS
The studio visits became the most fruitful step among the entire duration of the
Award. They were special moments of insertion in the artists’ work and research
spaces, an intimate realm that is rarely accessed by other people. To be able to
closely get to know the environment where they create and to better understand
their references and their mental and material processes has proved to be an
extremely rich and absolutely pleasurable experience, truly a privilege. Furthermore,
the visits were also a unique chance to see the works in person, feel their materiality,
their dimension and their weight. After all, there is an insurmountable abyss when
we see the images in a computer screen. Alone, in pairs or trios, as jurors, we were
able to observe Gabriel Botta’s loaded brushstrokes; feel the weight of Antônio
Társis’ concrete objects; become amazed by the size of Santidio Pereira’s wood
matrixes; handle rock salt in Breatriz Barros’ studio; accompany Van Holanda to the
Caponga beach and talk to the fishermen; ride along in Hassan Shahateet’s car;
discuss the subtlety of sounds with Luisa Puterman; laugh with Eduardo Montelli’s
childhood photos; comprehend Laura Berbert’s carbon drawings; and debate
cinema and video art with André Arçari.
EXHIBITION
The exhibition is the result of the selection process, but also it is mainly the result of
all the studio visits and the jurors’ supervision. The closeness with the artists was
fundamental for the conception and articulation of an exhibition of young artists’
production from the entire country as the curatorial motto. The works were
collectively chosen by the jury, from the artists’ desires and through the dialogues
about the most powerful pieces each of them would have to realize and show.
Unlike what is usually seen in Art Salons, some artworks caught our attention during
the portfolio analysis stage, while others were mentioned during the interviews and
in-person meetings. Therefore, the jury chose the works in the exhibition based on
the supervision process, not necessarily hanging onto the submitted projects in
their registration. This is a collective exhibition, collectively curated, with the best of
what each artist developed during the last few months, as a result of their few
working-years. What is shown at Instituto Tomie Ohtake is a portion of their ongoing
researches, in a full maturation process.
THE JURY
O JÚRI
O que é um jovem artista? O que significa ser jurado em um prêmio dedicado
a jovens artistas? Nesta 5ª edição do Prêmio Energias na Arte, deparamo-nos
com mais de 230 inscrições de artistas entre 18 e 27 anos, de quase todas as
regiões do Brasil. Analisamos cada submissão individual e coletivamente, em
um processo duplo: leitura de portfólios e debate sobre as propostas para a
exposição, culminando em uma seleção preliminar de 27 nomes para a etapa
de entrevistas, realizadas via Skype, que possibilitaram a definição dos dez
finalistas. Esse primeiro gargalo apresentou-se como um espaço para que
cada jurado pudesse fazer perguntas aos artistas sobre sua pesquisa e
produção, sobre sua prática e sua formação, sobre a poética e a execução
dos trabalhos.
Um prêmio para jovens artistas pode significar muitas coisas: a chance de
expor no Instituto Tomie Ohtake, a oportunidade de fazer uma residência
artística fora do Brasil, uma aproximação com os jurados durante as visitas
aos ateliês, um intercâmbio com outros jovens artistas. Os dez finalistas que
integram a exposição apresentada em três salas do Instituto Tomie Ohtake
foram escolhidos não apenas pela qualidade de suas pesquisas e pelo que
esta iniciativa poderia lhes oferecer em termos de troca e formação, mas
principalmente pelo que traziam de novo para a experiência do prêmio, em
sua 5ª edição. A postura adotada pelos jurados prezou por perceber as
potências e os caminhos iminentes de cada projeto e portfólio. Essa
perspectiva se confirmou na etapa de visitas aos ateliês como plataforma
para estabelecer diálogos entre jurados e artistas, promovendo trocas que
ajudaram a moldar a configuração da exposição e amparar o desdobramento
dos projetos propostos que ainda não haviam sido finalizados.
ACOMPANHAMENTO
O processo de acompanhamento revelou-se o período mais fecundo de toda
a extensão do prêmio. As visitas eram momentos de inserção no espaço de
pesquisa e trabalho dos artistas, uma esfera íntima poucas vezes acessada
por terceiros. Conhecer o ambiente em que produzem e entender melhor as
referências e os procedimentos empregados – mentais ou materiais –
mostrou-se um processo extremamente rico e absolutamente prazeroso, um
verdadeiro privilégio. Além disso, eram também uma chance ímpar de
observar as obras de perto, conviver com sua materialidade, sentir a dimensão
e o peso dos objetos. Afinal, há um abismo intransponível quando encaramos
uma imagem na tela do computador. Sozinhos, em duplas ou trios, como
jurados, pudemos olhar as pinceladas carregadas de Gabriel Botta, sentir o
peso dos objetos de concreto de Antônio Társis, nos surpreender com a
dimensão das matrizes de Santidio Pereira, manusear o sal grosso no ateliê
de Bia Martins, acompanhar as conversas com os pescadores da Caponga
com Van Holanda, andar de carro com Hassan Shahateet, discutir a sutileza
do som com Luisa Puterman, rir com as fotos de infância de Eduardo Montelli,
entender os desenhos com carbono de Laura Berbert e falar de cinema e
vídeo arte com André Arçari.
EXPOSIÇÃO
A exposição é resultado não apenas do processo de seleção, mas
principalmente de todas as visitas aos ateliês e do acompanhamento dos
artistas pelos jurados. Essa aproximação foi fundamental para a articulação
de uma exposição cujo mote curatorial é a produção de jovens artistas de
todo o país. Os trabalhos foram escolhidos coletivamente pelo júri, a partir
dos desejos dos artistas e dos diálogos sobre o que cada um teria de mais
potente para realizar e mostrar. Diferentemente do que vemos em salões,
algumas obras destacaram-se durante a análise dos portfólios, e outras
foram comentadas durante as entrevistas e encontros presenciais. Assim, o
júri escolheu os trabalhos da exposição a partir do processo de
acompanhamento, não se atendo necessariamente aos projetos submetidos
nas inscrições. Esta é uma exposição coletiva, de curadoria coletiva, a partir
do que de melhor os artistas desenvolveram ao longo dos últimos tempos,
como resultado de seus breves anos de produção. O que vemos no Instituto
Tomie Ohtake é, portanto, um recorte de pesquisas em processo e em estado
de franca maturação.
COMISSÃO DE JURADOS 23
24 25
 ANTÔNIO TÁRSIS, SALVADOR, BA, 1995
VIVE E TRABALHA EM LIVES AND WORKS IN SALVADOR Antônio Társis
Artista autodidata, nascido e residente na cidade de Salvador,
Bahia, começou a pintar com 16 anos. Aos 18, inicia projetos
em outros formatos, como fotografia, pintura em variados
suportes, objetos e colagem. Neto de feirantes, ainda na
infância mudou-se para o bairro de Sete Portas, tradicional
por seu comércio informal e lojas de materiais de construção,
local onde o artista encontra, em seus trabalhos mais
recentes, referências estéticas que dialogam com o contexto
histórico da cidade, uma Salvador em eterna transformação.
A self-taught artist, Antônio Társis was born and lives in Salvador,
Bahia. He began painting at the age of sixteen, and at eighteen
started realizing projects in other mediums, like photography,
painting on unusual mediums, objects and collages. His
grandparents were market vendors, and as a child Antônio moved
to the Sete Portas neighborhood, known for the informal
commerce and hardware stores, a place from which the artist takes
his most recent aesthetical references that are connected to the
city’s historic context, a Salvador in eternal transformation.

Sem título Untitled 2016

Ampolas de medicamento, seringa hospitalar e ampola de soro fisiológico
Medicine vials, hospital syringe, and saline solution vial
73x56 cm
26 27
 ANTÔNIO TÁRSIS BY MARCIUS GALAN
Antônio Társis is a self-taught artist, interested in the universe of
popular manifestations, like street fairs, street vendors, and peddlers; in
the precarious constructions in the underprivileged urban areas; and in
the recyclable waste collectors’ world. In his work he creates a kind of
archeology of close and ordinary things. Between collages and objects
in concrete, Antônio uses rapid circulation elements he collects from
his urban environment, like labels, packages, wrapping, instruction
manuals, plastic and tote bags, and price tags. He displaces them from
their context, giving them new meanings. Through the deconstruction
of these objects (dismantling, discoloring, manipulating, destroying,
etc), new compositions and images are proposed, like Horizon Line and
Landscapes, collages made from matchboxes – a recurring element in
other of his works. Sometimes this reorganization process appears in
actions that are documented in video or photography.
In Horse (2015), he covered his face with matchboxes, making a mask
that recovers the African and indigenous origins of Brazilian culture.
According to the artist, the “Guarany” that appears in the matchbox
label is a generalization of the concept of natives. In the Candomblé
religion, the “horse” is a term designated to people who “receive” the
entity, given that during the trance and incorporation ritual, the entity’s
sons and daughters let themselves be ridden by the spirit. Antônio’s
work, however, does not directly reference the religious theme, but
these different layers are there, underneath the blindfold that covers
the artist’s eyes.
Besides this series, Ofertão presents the artist covered by wrappings
and advertising flyers from small neighborhood markets. At first glance,
they are a ritualistic costume, but it is extremely relevant to think about
the origin of the ornaments that cover his body. Again, a banal product
is changed into a powerful transformation mechanism.
28
ANTÔNIO TÁRSIS POR MARCIUS GALAN
Artista autodidata de Salvador, Antônio Társis se interessa pelo universo das manifestações
populares – como feiras, camelôs, ambulantes –, pelas construções precárias das zonas urbanas
economicamente desfavorecidas e pelo universo dos catadores de materiais recicláveis.
Em sua obra, realiza uma espécie de arqueologia das coisas próximas e ordinárias. Entre colagens
e construções com concreto, Antoônio utiliza-se de elementos de circulação rápida coletados no
circuito urbano, como coleções de rótulos, embalagens, imagens de instruções, sacolas e
etiquetas de preço. Retira esses objetos de seus contextos, dando a eles novos significados, e
propõe, através da desconstrução dos objetos (desmonte, descoloração, manipulação, destruição
etc.), novas composições e imagens, como é o caso da obra Linha do horizonte e paisagens,
colagem feita com caixas de fósforo – objeto presente em outros trabalhos. Algumas vezes, esse
processo de reorganização se dá em ações que são registradas em vídeo ou fotografia.
Em Cavalo (2015), o artista cobre seu rosto com caixas de fósforos, em uma máscara que resgata
origens africanas e indígenas da formação da cultura brasileira. Segundo Antônio, o “Guarany” da
caixa de fósforo é a generalização da ideia de índio contida no logo do produto. No candomblé,
“cavalo” é o termo designado às pessoas que “recebem” santo, uma vez que, durante o ritual de
transe e incorporação, a filha ou o filho de santo se deixa cavalgar pela entidade. O trabalho de
Antônio, no entanto, não faz referência direta ao tema religioso, mas essas camadas de significado
estão ali presentes por baixo da venda que tampa os olhos do artista.
Além dessa série, Ofertão apresenta o artista coberto por embalagens e papel de propaganda de
pequenos mercados de bairro. Ao primeiro olhar, uma fantasia ritualística se apresenta, mas é
extremamente relevante pensar na origem desse adereço que cobre seu corpo. Novamente o
produto banal é transformado em um potente mecanismo de transformação.
Ofertão 2016
Impressão fotográfica Photographic print
42x30 cm (cada each)
Guarany e and Quilboa 2015
Técnica mista sobre Nylon Mixed media on Nylon
90x60 cm
29
 Cavalo/Bucha Horse/Sponge 2015
Impressão fotográfica, díptico Photographic print, diptych
80x80 cm
Linha do Horizonte: Paisagem Horizon Line: Landscape 2015
Colagem feita com caixas de fósforos aplastadas Collage with pressed matchboxes
96x66 cm
Linha do Horizonte Horizon Line 2015
Colagem feita com caixas de fósforos aplastadas Collage with pressed matchboxes
96x66 cm

30 31
 laura berbert

LAURA BERBERT, UBERLÂNDIA, MG, 1990

VIVE E TRABALHA EM LIVES AND WORKS IN BELO HORIZONTE
Laura Berbert é artista visual e editora. Sua investigação se dá através da observação e reflexão
de seus arredores por meio do desenho, da fotografia e do vídeo. Fundou, em 2013, em parceria
com o artista Ricardo Reis, o coletivo e editora-laboratório Lavoura Ambulante, que publica livros
de artista e outros impressos autorais, além de desenvolver trabalhos de encadernação manual. É
Bacharel em Artes Gráficas pela Escola de Belas Artes da Universidade Federal de Minas Gerais e
mestranda na mesma escola. Vive e trabalha em Belo Horizonte desde 2009.
Laura Berbert is a visual artist and editor. Her research is realized through observing and reflecting on her
surroundings – by means of drawing, photography and video. Along with artist Ricardo Reis, she
founded, in 2013, the artist collective and publishing lab called Lavoura Ambulante, responsible for
publishing artist’s books and authorial publications, as well as developing manual bookbinding works. She
graduated from Escola de Belas Artes da Universidade Federal de Minas Gerais and is currently attending
Masters degree classes at the same institution. She has lived and worked in Belo Horizonte since 2009.

Vir a céu Come to the Sky 2016

Mesa de madeira, televisão de tubo, desenhos impressos em papel carbono e vídeo
Wooden table, tube television, drawings on carbon paper and video
Dimensões variáveis Variable dimensions
32 33
 LAURA BERBERT POR FERNANDA ALBUQUERQUE
Há quem diga que desenhamos ou escrevemos para
entender aquilo de que nos aproximamos. A ideia faz todo
sentido para mim. E também parece ser o caso para Laura
Berbert. O estudo do tempo e dos ciclos e fluxos da vida –
por meio de desenhos, vídeos, fotografias e escritos – são
caros à produção da artista.
Nunca se pode ver a noite, nem o dia todo de súbito. A
reflexão parte das anotações de Laura Berbert – que ao
mesmo tempo são trabalho, já me explico – em torno da obra
Tudo forma uma rotação luminosa (2015), desenvolvida a
partir de uma residência artística na cidade de Congonhas,
em Minas Gerais. Trata-se de uma investigação sobre o viver
e o contar dos dias, compartilhada por meio de uma mesa
dobrável onde se podiam observar desenhos, anotações,
fotografias e objetos cuidadosamente dispostos. Elementos
esses que compunham a própria pesquisa da artista e que ali
vinham a público como em um estudo aberto, cujo processo
é tão fundamental quanto o que ele pode gerar. O pensamento
da luz como o desenho do tempo.
Talvez o caderno de anotações, aquele que acompanha a
artista em suas investigações, seja, além de dispositivo,
metáfora potente para pensar o trabalho de Laura. É como se
ela generosamente o abrisse a público em seus trabalhos,
visto que são processos de estudo o que nos apresenta,
como na obra em exposição no Instituto Tomie Ohtake. Em
Vir a céu (2016), a artista parte da imagem da temperança –
esse anjo que zela pela nossa relação entre o consciente e o
inconsciente – para novamente se debruçar sobre o tempo e
os ciclos e fluxos da vida. A mesa de trabalho da artista é
transposta para o espaço expositivo e por meio dela tomamos
contato com seu processo de construção de conhecimento
sobre aquilo que observa – por meio de vídeos, cartazes e
desenhos em papel carbono. “O que é temperança para
mim?”, se pergunta a artista. E para nós?
34
LAURA BERBERT BY FERNANDA ALBUQUERQUE
There are people who say that we draw or write to
understand what we get close to. The idea makes
complete sense to me. And it also seems to be the case
with Laura Berbert. The study of time and of life’s flows
and cycles – through drawing, video, photography and
writing – are dear to the artist.
One can never see the night, or the day, suddenly. This
thought is part of Laura Berbert’s notes – which, at the
same time, are also works, I’ll explain soon – around the
piece Everything forms a luminous rotation (2015),
developed at an artistic residency in the city of
Congonhas, in Minas Gerais. It is an investigation into
living and counting the days shared on a folding table
where it was possible to observe carefully displayed
drawings, annotations, photographs, and objects. These
elements conformed the artist’s research itself, and then
became public like an open study, in which the process is
as fundamental as its possible results. The thought of
light as the drawing of time.
Maybe her notebook, the one that follows the artist in her
researches, is, beyond a device, a powerful metaphor for
understanding Laura’s work. It is like she generously
opened it in public, since they presents her investigation
processes, like in the work showcased at Instituto Tomie
Ohtake. In Come to the sky (2016), the artist stems from
the image of Temperance – an angel that watches over
the relation between our conscious and unconscious
mind – to again dive into studies about time and life’s
flows and cycles. The artist’s workspace is transposed
into the exhibition space, and through it we can come in
contact with her construction process of the knowledge
about that which she observes – through videos, posters,
and carbon paper drawings. “What is temperance to
me?” asks the artist. What does it mean to us?
35
 luisa puterman
LUISA PUTERMAN, SÃO PAULO, SP, 1989
VIVE E TRABALHA EM LIVES AND WORKS IN SÃO PAULO
Luisa Puterman vive e trabalha com
som. Suas pesquisas e projetos
exploram histórias, possibilidades,
problemas e outros aspectos sobre
composição e percepção sonora. Nos
últimos anos, participou de festivais,
residências e exposições como: FILE-
SP; 18th Japan Media Festival; FIVAC-
Cuba; FIF-BH; Red Bull Music
Academy; e outras ocupações sonoras
por aí. Luisa também atua como
produtora musical e sound designer.
Luisa Puterman lives and works with
sound. Her research and projects explore
histories, possibilities, problems and
other aspects involving composition and
sound perception. During the past few
years, she has been a part of festivals,
artistic residencies and exhibitions, such
as FILE-SP, 18th Japan Media Festival,
FIVAC-Cuba, FIF-BH, Red Bull Music
Academy and other sound occupations
around. Luisa also works as a music
producer and sound designer.

LUISA PUTERMAN POR BEATRIZ LEMOS

O acidente no edifício foi causado por uma pipoca

Simulação e catástrofe Simulation and Catastrophe 2016
Peça sonora inédita com nove horas de duração, que equivale ao
período diário de funcionamento do Instituto Tomie Ohtake. Simula a
narrativa de um incêndio e culmina em um colapso do edifício
Unprecedented sound piece with nine hours of duration, which is equivalent
to the daily period of operation of Instituto Tomie Ohtake. It simulates the
narrative of a fire and culminates in a collapse of the building
Dimensões variáveis Variable dimensions
36
LUISA PUTERMAN BY BEATRIZ LEMOS
The accident in the building was caused by burnt popcorn. It started around
11am and culminated in the total collapse of the institution around 8pm.
Fortunately, there were no fatalities or grave injuries. The building’s
evacuation happened with a few moments of controlled panic.
Simulation and Catastrophe is a site-specific work. A sound piece created for the
building in which Instituto Tomie Ohtake is situated. The narrative presented by
Luisa Puterman aims at outlining the circumstances of a fire, followed by the
building’s evacuation, and its consecutive collapse. Stemming from acoustic flows,
the noise becomes a resonant mass, densely occupying the space. The detailed
observation of the work routine – in the Instituto as well as in the commercial office
floors – served as the basis for the artist’s architectural research; she used the study
and real practical safety experiences to create catastrophe simulations.
The composition introduces in the exhibition space continuous moments in which
we feel like being in imminent danger. An extremely risky situation, during 9 hours a
day, could possibly incite agony and fear for its authentic contents; however, it
instills in the audience the enticement for a sharpened perception.
queimada. Teve início por volta das 11h da manhã e
culminou no desabamento total da instituição por
volta das 20h. Felizmente, não houve ocorrências
de mortos ou feridos. A desocupação do prédio
ocorreu com momentos de pânico controlado.
Simulação e Catástrofe é um site specific. Uma
peça sonora idealizada para o prédio onde o
Instituto Tomie Othake tem sua sede. A narrativa
proposta por Luisa Puterman visa representar uma
circunstância de incêndio seguida da evacuação do
edifício e, consecutivamente, desabamento do
mesmo. A partir de fluxos acústicos, o ruído se
torna massa sonora, ocupando com densidade o
ambiente e suas reentrâncias. A observação
detalhada da rotina de trabalho – tanto do Instituto
quanto dos andares de escritórios comerciais –
serviu de base para a pesquisa arquitetônica da
artista, que se utilizou do estudo e de experiências
reais de práticas de segurança para ocasiões de
simulação de catástrofes. 
A composição introduz no espaço expositivo
instantes contínuos da sensação de um perigo
iminente. Uma situação extrema de risco, por nove
horas diárias, que possivelmente poderia suscitar
agonia e medo devido a seu teor de veracidade,
porém instaura ao público o convite à percepção
aguçada dos sentidos.
37
 andré arçari

ANDRÉ ARÇARI, LINHARES, ES, 1990

VIVE E TRABALHA EM LIVES AND WORKS IN VITÓRIA
Graduado em Artes Visuais pela Universidade Federal do Espírito Santo e mestrando finalista
em Teoria e História da Arte pela mesma instituição, onde também atua como professor das
disciplinas Plástica, Plástica Tridimensional, Escultura e Desenho. Como pesquisador, integra
o Laboratório de Pesquisa em Teorias da Arte e Processos em Artes, desenvolvendo em
campo teórico escritos autorreflexivos, além de fazer parte de projetos de pesquisa em artes.
Artista multimídia, pesquisador, teórico e crítico independente, suas operações
em campo prático tensionam relações entre imagens estáticas e em movimento;
linguagem e discurso; aparelho e dispositivo; e história da arte e do cinema.
Graduated in Visual Arts at UFES and is finalizing his masters degree in the area of Art History
and Theory in the same university, where he is also a professor in several courses. As a
researcher, he is part of the Research Laboratory for Art Theories and Processes, developing
in a theoretical field self-reflexive writings, and participating in art research projects.
Multimedia artist, researcher, theorist and independent critic, his endeavors in the artistic
practice explore the tension between static and moving images; language
and discourse; equipment and device; history of art and of cinema.

Rebote (conversação sem fim), da série Trilogia do dispositivo

Rebound (endless conversation), from the series Device Trilogy 2016
Vídeo Video
DVD
  (Full HD Vídeo (AVCHD) - 1080i30 (60i) [cor–som color-sound] | 4 min 40 seg sec
Sentinela (vagando através do continuum espaço-tempo), da série Trilogia do dispositivo
Sentinel (wandering through the time-space continuum), from the series Device Trilogy 2016
Vídeo Video
DVD
  (Full HD Vídeo (AVCHD) - 1080i30 (60i) [cor–som color-sound] | 6 min 31 seg sec
Scanner (um retrato da luz e do som), da série Trilogia do dispositivo
Scanner (a portrait of light and sound), from the series Device Trilogy 2016
Vídeo Video
DVD (lFull HD Vídeo (AVCHD) - 1080i30 (60i) [cor-som color-sound] | 5 min 56 seg sec
38 39
 ANDRÉ ARÇARI POR JULIA LIMA
A pesquisa de André Arçari está intimamente entrelaçada com o
cinema, não apenas por frequentemente se materializar em vídeos,
mas principalmente por investigar a fundo a própria linguagem da
imagem em movimento e seus recursos estéticos, dispositivos,
procedimentos, técnicas e suportes. Seus trabalhos lidam com
apropriações e citações da história da arte e do cinema, da música
e do videoclipe; articulam todo esse vocabulário visual de forma
heterogênea, diversa, como em monitores de circuito interno,
montagens com cenas de arquivo ou frames de filmes clássicos
impressos sobre tela; e empregando os mais variados artifícios, do
slow-motion ao fast-forward.
Para a exposição, Arçari realizou três novos projetos: Scanner (um
retrato da luz e do som), Rebote (conversação sem fim) e Sentinela
(vagando através do continuum espaço-tempo), vídeos de aspecto
meio caseiro, de curta duração, exibidos sucessivamente, que
descrevem cenas quase paradas, inertes, nas quais à primeira
vista pouco acontece. Entretanto, em meio à aparente frieza e
banalidade das imagens, alguns gestos do artista desencadeiam
outras percepções. Em Sentinela, um refletor fica por quase dois
minutos em quadro até que o próprio artista entre em cena para
manuseá-lo. Rebote é a projeção de um projetor ligado, com sua
tela azul, sendo filmado frontalmente e com um travelling lateral.
Scanner, por sua vez, fala do aparelho de ar condicionado da sala
onde as filmagens foram feitas. O assunto dos trabalhos é
incorpóreo – o ar na luz, o som do ar. Ao mesmo tempo, os vídeos
são também retratos dos próprios dispositivos de criação de
imagens, dos objetos, equipamentos e apetrechos recorrentes no
ofício do cineasta e do vídeo-artista, tanto no processo de fatura
como nas estruturas de exibição.
40
ANDRÉ ARÇARI BY JULIA LIMA
André Arçari’s research is intimately connected with cinema, not only for frequently being materialized
in videos, but especially because of his in-depth investigation into the moving-image language itself
and its aesthetical resources, devices, procedures, techniques and mediums. His works deal with
appropriation and citation from art and cinema history, from music and video clips; they articulate this
enormous range of visual vocabulary in a heterogeneous and diverse manner, using internal circuit
monitors, mixing archive footage and frames from classic films; and deploying the most various
artifices, from slow-motion to fast-forward.
For this exhibition, Arçari created three new projects: Scanner (a portrait of light and sound), Rebound
(endless conversation) and Sentinel (wandering through the time-space continuum), videos with a
home-made aspect, short in duration, which are shown successively and describe nearly-still lifeless
scenes – at first sight, not much happens. Nonetheless, amidst the apparent coldness and banality of
the images, some of the artist’s gestures trigger new perceptions. In Sentinel, for example, a spotlight
stands stagnant in frame for almost two minutes, until the artist himself enters the scene to touch and
handle it. Rebound is the projection of a projector turned on with the blue screen; the images are
recorded frontally and with a lateral travelling. Scanner, in turn, shows the air conditioning device in
the room where the other films were shot. The subject of these works is intangible, incorporeal – the
air in the light, the sound in the air. At the same time, the videos are also a portrait of image-creating
equipment itself, the recurring objects and devices in the filmmakers’ and video-artists’ craft, not only
in the process, but also in the exhibiting structures.
41
 van holanda

VAN HOLANDA, FORTALEZA, CE, 1989

VIVE E TRABALHA NO LIVES AND WORKS IN RIO DE JANEIRO
Van Holanda nasceu em Fortaleza, Ceará. É artista e pesquisador
de trânsitos poéticos. Estudou Artes Visuais na Universidade
Estadual do Rio de Janeiro e na Escola de Artes Visuais do
Parque Lage. Recentemente participou de exposições no SESC
Consolação (SP), na Caixa Preta (RJ) e na Casa de Artes de
Paquetá (RJ), com o coletivo Transburger. Publicou duas luas em
um céu vermelho pela editora Rébus (RJ). Atualmente mora em
São Paulo e trabalha na 32ª Bienal de São Paulo na obra-
restaurante Restauro, de Jorge Menna Barreto.
Van Holanda was born in Fortaleza, Ceará. He is an artist and
researcher of poetic transits. He studied Visual Arts at Universidade
Estadual do Rio de Janeiro and at Escola de Artes Visuais do Parque
Lage. He has recently participated in exhibitions in SESC Consolação
(SP), Caixa Preta (RJ) and Casa de Artes de Paquetá (RJ) with the
Transburger collective. He published duas luas em um céu vermelho
[two moons in a red sky] by Rébus Publishing (RJ). He is currently
living in São Paulo and working at 32nd São Paulo Biennial in the
restaurant-artwork Restauro, by Jorge Menna Barreto.

Mar marée bateau, 2016

Vídeo Video, 4 min
42 43
 VAN HOLANDA BY JULIA LIMA

Van Holanda is an artist who takes his own body as a

research object. He defines himself as a photographer
and sexuality and gender researcher, transforming and
affecting his own body during the artistic processes he
immerses himself in. His investigations include the
physical and the mystical, the sacred and the profane,
and are materialized in actions, photographs, videos and
writings, in singular form or combined in the same work.
He often makes use of natural materials, like rocks, sand,
and corals, while at the same time finding fertile ground
on popular and folk knowledges.
“Quem me enfeitiçou
O mar, marée, bateau 1
The wordplay in the lyrics of the song Joana Francesa, by
Chico Buarque, is symbolic of Van Holanda’s work – a
play on words and images that produces many different
meanings – whilst also being the title of the work he
presents in this 5th edition of the award. The sea, the tide,
and the boat. The sea overwhelmed me. The three videos
presented are possible materializations of a long (and still
ongoing) research about gravity and nature’s forces, VAN HOLANDA POR JULIA LIMA
which traverse almost all of his works. The sea, the
fishermen and the Caponga beach, in the state of Ceará, Van Holanda é um artista que toma seu próprio corpo como objeto de pesquisa.
are the protagonists of a history that tells us of the Definindo-se como fotógrafo e pesquisador de sexualidade e gênero, transforma
fateixas, or grapnels – artisanal raft anchors made by the e afeta seu corpo durante os processos artísticos nos quais mergulha. Suas
fishermen themselves from this colony who, by investigações incluem o físico e o místico, o sagrado e o profano, e são
sentimentality (and maybe scarce resources), refuse to corporificadas em ações, fotografias, vídeos e escritos, singulares ou agrupados
use industrial anchors when fishing. In a haunting visual em um mesmo trabalho. Frequentemente lança mão de materiais naturais como
silence, one of the videos only shows captions narrating pedras, areia, corais, ao mesmo tempo em que encontra terreno fértil nas esferas
the terrifying future when the moon will be as far as Pluto. do conhecimento popular.
A recipient-less letter-poem is also part of the piece “Quem me enfeitiçou
(although it was also written for the public), and in it the O mar, marée, bateau”
artist narrates his experiences with Dudé, one of the O trocadilho da letra de Joana Francesa, de Chico Buarque, é uma espécie de
fishermen; Evandro, the one who drills the rocks to make símbolo do trabalho de Van Holanda - um jogo entre palavras e imagens que
the anchors; Airon, who owns a restaurant on the beach; produz muitos sentidos distintos - além de emprestar o título à obra apresentada
and recounts her perception of the bucolic ancestry and nesta 5a edição Prêmio Energias na Arte. O mar, a maré e o barco. O mar me
the rhythm-less time that is translated in the oscillation arrebatou. Os três vídeos se apresentam como uma das possíveis concretizações
between a factual narrative and lyrical reveries. de uma longa (e ainda corrente) investigação sobre a gravidade e as forças da
Note natureza que atravessam quase todos os seus trabalhos. O mar, os pescadores e
1 T.N. “Who bewitched me? a praia da Caponga, no Ceará, são os protagonistas de uma história que fala das
The sea overwhelmed me.”
It is a phonetic wordplay in French and Portuguese, loosely translated in fateixas – âncoras artesanais para as jangadas feitas pelos próprios pescadores
two sentences: “the sea overwhelmed me” and “the sea, the tide, the boat.” dessa colônia que, por sentimentalidade (e talvez recursos escassos), recusam-
se a empregar âncoras industriais na atividade da pesca. Em um silêncio visual
meio assombroso, um dos vídeos conta apenas com legendas que falam do
assustador futuro em que a lua estará tão longe quanto plutão. O trabalho também
traz uma carta-poema sem destinatário (ainda que também escrita para o público)
que conta das suas experiências com Dudé, um dos jangadeiros; Toco e Evânio,
os furadores das pedras de coral utilizadas para a confecção da fateixa; Airon,
que tem um restaurante na praia; e de toda a percepção de uma ancestralidade
meio bucólica e um tempo sem ritmo que se traduz na oscilação entre uma
narrativa factual e devaneios líricos.

44 45
 hassan shahateet

HASSAN SHAHATEET, CUIABÁ, MT, 1989

VIVE E TRABALHA EM LIVES AND WORKS IN SÃO PAULO
Hassan Shahateet é natural de Cuiabá. Passou a sua infância e adolescência em
Bauru, e atualmente vive e trabalha em São Paulo. Estudou cinema na Fundação
Armando Alvares Penteado, onde adquiriu intimidade com o vídeo. Nos ateliês da
faculdade experimentou também outras linguagens, como a gravura e a fotografia
analógica. Sua pesquisa e seu trabalho se aprofundam em questões ligadas ao
corpo, à dança e à música.
Hassan Shahateet was born in Cuiabá, spent his childhood and adolescence in Bauru
and currently lives and works in São Paulo. He studied Cinema at Fundação Armando
Alvares Penteado, where he became intimate with video. In the school’s studios, he
experimented with other mediums, such as printmaking and analogic photography. His
research and works investigate issues relating to the body, to dance and music.

Caminhões Trucks 2016

Vídeo Video
DVD, 13 min 07 seg sec
Hassan Shahateet em parceira com in partnership with Quarto do Rato
46 47
 HASSAN SHAHATEET BY MARCIUS GALAN
Hassan is an artist with great interest in displacement. This word
suggests a situation in between places, or without a specific location.
I believe that it wouldn’t be an exaggeration to call him nomadic.
Since his last rent contract ended, he decided not to have a home of
his own; he felt he needed to leave São Paulo and didn’t know how
long he would have to keep living in the city. He currently lives
between his car, friends’ and girlfriend’s houses, and with relatives;
transit is a part of his routine. Inside his car he keeps some musical
instruments, and some other belongings, not much.
In his average, dirty-white, kind of old car – but not old enough to
raise any extraordinary interest in it – the radio has a pen-drive stuck
in it, playing only music by Tom Zé. Hassan told me this as something
fundamental in understanding his process.
Our conversations began there: music, traffic, transit and moving
relations, road setbacks, coincidences, and time. Pause. His work is
realized in different mediums, like film, music, printmaking, dance,
and deals with these issues in a delicate manner, somehow seeking
transcendence.
For the Energias na Arte Award, Hassan presents the video Trucks,
projected in three channels, with sound. The film was made together
with the collective Quarto do Rato. In it, a series of moving trucks
images are combined in a poetic articulation. The soundtrack mixes
different elements, such as whale sounds, trumpets, didgeridoo and
recorded ambient sounds, among many others, forming a layer that
guides and gives rhythm to the film. The trucks are submerged in this
soundtrack and become characters of a migratory flock under the
gaze of an artist concerned with following flows.
48
HASSAN SHAHATEET POR MARCIUS GALAN
Hassan é um artista com grande interesse no deslocamento. A
palavra deslocamento sugere uma situação entre um local e outro
ou sem um lugar definido. Acredito que não seria exagero chamá-
lo de nômade.  
Desde que seu último contrato de aluguel venceu, ele resolveu não
ter casa, pois tinha vontade de sair de São Paulo e não sabia mais
quanto tempo iria viver na cidade. Vive entre seu carro e a casa de
seus amigos, da namorada e de parentes – o trânsito faz parte da
sua rotina. Dentro do carro guarda instrumentos, alguns pertences,
pouca coisa.
No seu carro normal, branco-sujo, meio velho, mas não velho o
suficiente para ser um carro que desperte algum interesse
extraordinário, ele tem um rádio com um pen-drive emperrado que
só toca Tom Zé.  Hassan me explicou isso como um dado
fundamental para o entendimento de seu processo.
Nossas discussões partiram deste ponto: música, trânsito e
relações de movimento, acidentes de percurso, coincidências e
tempo. Pausa.
Seu trabalho acontece em diferentes suportes, como filme, música,
gravura e dança; lida com essas questões de maneira delicada,
buscando de alguma maneira a transcendência.
Para o Prêmio Energias na Arte, Hassan apresenta o filme
Caminhões projetado em três canais com som. O filme foi feito em
parceria com o coletivo Quarto do Rato. Nele, uma sequência de
imagens de caminhão em trânsito são combinadas em uma
construção poética. A trilha sonora mistura vários elementos como
sons de baleias, trompete, didgeridoo, sons captados, carro de
boi, entre diversos outros sons que formam uma camada que
orienta e dá ritmo ao filme. Os caminhões submersos nessa trilha
se tornam personagens de um bando migratório sob um olhar
interessado em acompanhar fluxos.
49
50 51
 Minha mãe e suas ferramentas My Mother and Her Tools 2014
Vídeo Video Full HD
DVD, 2 min 22 seg sec

EDUARDO MONTELLI POR FERNANDA ALBUQUERQUE

“Interesso-me pelo estado de inacabamento das coisas”, diz Eduardo Montelli sobre o que está na origem de seus
trabalhos. É para esse estado de inacabamento, tão caro à vida –­­ ao que somos ou estamos sempre nos tornando
–, que o artista olha quando indaga o mundo. Suas perguntas partem do universo que habita: a casa de infância, os
percursos cotidianos, as leituras, as experiências, as memórias. Com a curiosidade de uma criança, o artista
perscruta esse universo e espreita a si mesmo, como quem nos convida a olhar para os nossos próprios lugares,
caminhos, vivências.
Delicadeza e bom humor alimentam seus processos e criações. Criações essas que acompanham sua trajetória de
vida, como espécies de auto-retratos. É o caso da série de fotografias Looks Like Me (2010-2011), que apresenta o
artista retratado por sua mãe, em sua morada de infância, em diferentes trajes e situações domésticas. Ao longo
de um ano, as imagens foram captadas e postadas em um blog (http://lookslikeeduardomontelli.blogspot.com.br/),
em irônica referência aos blogs de moda em evidência na época. A simplicidade das vestes e ambientes fotografados
e a franqueza com que o artista encara o olhar da mãe contrastam com a glamourização do cotidiano e a postura
ensimesmada, de certo fascínio por si mesmo, comuns nas imagens publicadas em tais sites. Trata-se de atentar
para o ordinário da vida e para o que há de repetitivo e ao mesmo tempo singular nela.

eduardo montelli
A ideia de retrato também está presente no vídeo Minha mãe e suas ferramentas (2014). Nele, a mãe de Eduardo é
filmada na mesma casa de sua infância, empunhando variadas ferramentas, instrumentos e eletrodomésticos,
todos eles acompanhados de sua inscrição. Universos feminino e masculino se mesclam e se confundem a partir
de um olhar novamente franco e generoso, além de muito bem humorado. Sensível homenagem a quem está na
origem de sua vida ou seu estado de inacabamento – ou então a quem somos ou estamos sempre nos tornando.

EDUARDO MONTELLI BY FERNANDA ALBUQUERQUE

“I’m interested in the unfinished state of things,” says Eduardo Montelli about the origin
of his works. The artist turns to this state of incompleteness, so dear to our life – to what
we are or are always becoming –, when he questions the world. His queries come from
the universe he inhabits: his childhood home, his day-to-day routes, what he reads, his
experiences and memories. With the curiosity of a child, the artist scrutinizes this
universe and spies on himself, as if he were inviting us to regard our own places, paths
and life experiences. EDUARDO MONTELLI, PORTO ALEGRE, RS, 1989
Delicacy and good humor feed his process and creations. These creations follow his VIVE E TRABALHA NO LIVES AND WORKS IN RIO DE JANEIRO
life trajectory, like a type of self-portraiture. This is the case of the series of photographs Doutorando em Linguagens Visuais pelo Programa de Pós-Graduação em
called Looks like me (2010-2011), which features the artist being photographed by his Artes Visuais na Universidade Federal do Rio de Janeiro e Mestre em
mother in his childhood home, in different outfits and diverse domestic situations. Poéticas Visuais pelo Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais na
Universidade Federal do Rio Grande do Sul. Montelli busca explorar
Throughout an entire year, the images were posted in an online blog (http:// múltiplos aspectos inerentes à correlação entre a formação sociocultural do
lookslikeeduardomontelli.blogspot.com.br/), an ironic reference to the fashion blogs so indivíduo e a formação da linguagem particular do sujeito artista. Elabora
popular at that time. The simplicity of his clothes and of the settings and the candor seus trabalhos a partir dos lugares que habita, de leituras, de experiências
with which the artist stares at his mother contrast with the glamorization of daily life and cotidianas e de memórias pessoais (suas e de outras pessoas). Apresenta
the self-absorbed posture, the fascination with oneself, so common in the images that seu processo em formatos impressos, projetos para a internet e em espaços
expositivos. Investiga meios como fotografia, vídeo, texto e instalações.
are published in these websites. It’s an attempt to pay attention to the ordinary in life Eduardo Montelli is a doctoral candidate in Visual Languages at the Postgraduate
and to its simultaneous repetitiveness and singularity. Program in Visual Arts at Universidade Federal do Rio de Janeiro and has a
The idea of portraiture is also present in the video My mother and her tools (2014). In it, Masters degree in Visual Poetics from the Postgraduate Program in Visual Arts at
Eduardo’s mother is filmed in that same childhood home, wielding various tools, Universidade Federal do Rio Grande do Sul. Montelli wants to explore the multiple
instruments and household appliances, all followed by their names in captions. aspects inherent to the correlation between the socio-cultural formation of a
Feminine and masculine universes are intertwined, confused; the artist’s perspective, person and the specific language formation of the artist. He creates his works from
the places he inhabits, what he reads, his daily experiences and personal
once again, is frank and generous, as well as very humorous. It is a sensitive homage memories (his and others’). He presents his process in printed formats, Internet
to the person who is in the origin of his life or his state of incompleteness – or to who projects and exhibition spaces. Montelli also investigates mediums like
we are or who we’re always becoming. photography, video, text and installation.

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 Looks Like Me 2010-2011
Impressão fotográfica - 50 looks cotidianos fotografados pela mãe do artista
Photographic print - 50 everyday looks photographed by the artist’s mother
21x29,7 cm (cada each)

54 55
56 57
 gabriel botta

GABRIEL BOTTA, SÃO PAULO, SP, 1989

VIVE E TRABALHA EM LIVES AND WORKS IN SÃO PAULO
Nascido em São Paulo, Gabriel passou por algumas instituições em
sua formação, entre elas a Fundação Armando Alvares Penteado
(Design e Artes Plásticas), de 2011 a 2014; a Escola de Artes Visuais
do Parque Laje, em 2010; o Instituto Tomie Ohtake, em 2012; até
encontrar o Atelier do Centro, em 2012, onde obteve uma formação
sólida e espiritual com foco no homem e não somente em sua
produção. Desde 2014, é professor do Método de Rubens Espírito
Santo e discípulo no Atelier do Centro.
Born in São Paulo, Gabriel has attended different institutions in his
ανδρογόνων 2016 studies, among them Fundação Armando Alvares Penteado (Design and
Tinta a óleo, ação de esmerilhadeira, ação de micro retífica Dremel, ação de furadeira, manta Visual Arts), from 2011 to 2014; Escola de Artes Visuais do Parque Laje,
asfáltica, adesivo de vinil, tinta acrílica, tinta esmalte automotiva verde, parafuso allen sobre in 2010; Instituto Tomie Ohtake, in 2012; until he found Atelier do Centro
aço galvanizado 3 mm in 2012, where he gained a solid and spiritual training focused on the man
Oil paint, grinder action, Dremel grinder action, drill action, asphalt roll, vinyl adhesive, acrylic paint, and not only his production. Since 2014, he works as a teacher for the
green automotive enamel paint, allen screw on 3mm galvanized steel Rubens Espírito Santo Method and is a disciple at Atelier do Centro.
120,5x160x10 cm
There is no Time 2015
Óleo sobre chapa de ferro de máquinas robóticas laranja
Oil on iron plate from orange robotic machines
109x169x3 cm
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 GABRIEL BOTTA BY RODRIGO MARTINS
A grinder used as a paintbrush. Gabriel Botta’s work results from the tension between materiality and
the construction of a narrative, bringing forward the physical struggle that industrial materials
demand with images that frequently relate to silence. His paintings begin with references of different
natures, like movie scenes, books, and often classic paintings. Gabriel revisits well-known Art
History images, giving the impression of adding more drama to them, like in the piece Bear head
study, based on a small drawing by Leonardo da Vinci. According to the artist, the painting itself
requires an awareness of its historical importance, and one of the ways he found to deal with this
was to bring to his own language the idea of paying tribute.
In his recent works, he began building the painting medium itself, using metal plates, metal angle
brackets, bolts, screws, and other materials that naturally surpass the structural role and become yet
another layer of interpretation – like in There is no time, in which the orange background from the
metallic medium itself is used as filling for the image of an apparently decommissioned crane.
60
GABRIEL BOTTA POR RODRIGO MARTINS
Uma esmerilhadeira usada como pincel. O trabalho de Gabriel Botta
resulta da tensão entre a materialidade e a construção de uma narrativa,
trazendo à tona o embate corporal que os materiais industriais
necessitam com imagens que muitas vezes remetem ao silêncio.
Suas pinturas têm como ponto de partida referências de naturezas
distintas, como cenas de filmes, livros e, frequentemente, pinturas
clássicas. Gabriel revisita imagens conhecidas da história da arte
trazendo a sensação de adição de um certo drama a elas, como na obra
Estudo de cabeça de urso, que baseia-se em um pequeno desenho de
Leonardo da Vinci. Segundo o artista, a pintura em si requer consciência
de seu peso histórico, e uma das formas que encontrou de lidar com
isso foi trazendo para sua linguagem própria a ideia de homenagem.
Em seus trabalhos recentes, passou a construir o próprio suporte
usando chapas de metal, cantoneiras, parafusos e outros materiais que
naturalmente transbordam seu papel estrutural e passam a ser mais
uma camada de significado. Como na obra There is no time, em que o
fundo laranja originário do próprio suporte metálico é usado como
preenchimento de uma grua que aparenta estar desativada.
Estudo de cabeça de Urso - baseado em desenho de Leonardo Da Vinci
Bear Head Study – based on a drawing by Leonardo Da Vinci 2016
Tinta a óleo sobre lona verde musgo, estrutura de ferro de carrinho plataforma
do Carrefour, cantoneiras industriais, cantoneira de aço carbono, parafusos
sextavados, fita adesiva Silver Tape cinza e caneta de giz líquido verde
Oil on dark green tarp, supermarket platform cart iron structure, industrial angle
brackets, hexagonal bolts, silver tape and green liquid chalk
141x100,5x6 cm
61
62 63
 BIA MARTINS, CABO FRIO, RJ, 1990
VIVE E TRABALHA NO LIVES AND WORKS IN RIO DE JANEIRO
Escultora e pesquisadora, desenvolve trabalhos e estudos poético com suportes e materiais variados. Graduou-se
em escultura pela Escola de Belas Artes da Universidade Federal do Rio de Janeiro e frequentou cursos livres na
Escola de Artes Visuais do Parque Lage de 2011 a 2015. Destaca-se em 2016 sua participação nas exposições
Intervenções – entre XIX e XXI, curada por Bia Pimenta, no Museu Nacional de Belas Artes do Rio; Agora somos
mais de mil, curada por Marta Mestre, na EAV Parque Lage; e Ao amor do público I, curada por Paulo Herkenhoff,
no Museu de Arte do Rio. Atualmente Bia é mestranda no Programa de Pós-Graduação em Estudos
Contemporâneos das Artes na Universidade Federal Fluminense, onde pesquisa a história do parque salineiro da
Região dos Lagos com propósito de criar novas cartografias e inventários ficcionais acerca dessa cultura.
Bia Martins is a sculptor and researcher who develops works and poetic studies using various mediums. She graduated in
bia martins
sculpture from Escola de Belas Artes da Universidade Federal do Rio de Janeiro and also frequented free courses in Escola
de Artes Visuais do Parque Lage from 2011 to 2015. In 2016, she participated in the exhibitions Intervenções – entre XIX e
XXI, curated by Beatriz Pimenta at Museu Nacional de Belas Artes do Rio de Janeiro; Agora somos mais de mil, curated by
Marta Mestre at Escola de Artes Visuais do Parque Lage; and Ao amor do público I, curated by Paulo Herkenhoff at Museu
de Arte do Rio – MAR. Bia is currently attending Masters degree classes in Contemporary Art at Universidade Federal
Fluminense, where she researches the history of the salt park in Região dos Lagos with purpose of creating new
cartographies and fictional inventories about this culture.

Boa fortuna de crescer a tempo Good Fortune Growing on Time 2016

Madeira, vasos de barro e sal Wood, clay pots and salt
Dimensões variáveis Variable dimensions
64 65
 BIA MARTINS POR BEATRIZ LEMOS

Uma escultura tencionada em seu limite. O trabalho de Bia

Martins traz em sua concepção a trajetória de pesquisa da
artista acerca da extração de sal no Estado do Rio de
Janeiro e suas relações econômicas e sociais há séculos
vigentes no país. A atividade nas salinas da Lagoa de
Araruama, exercida pelas três últimas gerações de sua
família, foi base de sustento para muitas cidades do litoral
fluminense e estratégica para o processo de industrialização
do sal desde o período colonial português. Contudo, na
atualidade, é sinônimo de passado, abandono e nostalgia.
A catapulta com gatilho travado vem a ser metáfora de um
mercado-armadilha. Moedas de um centavo prontas para
serem arremessadas em vasos de barro que
BIA MARTINS BY BEATRIZ LEMOS
transbordam  sal grosso. O sal – esse proveniente das
salinas de Cabo Frio, cidade natal de Bia – impede qualquer
A sculpture tensioned to its limits. Bia Martins’ works bring in their conception the artist’s
florescimento.
entire research trajectory regarding the extraction of salt in the state of do Rio de Janeiro
Boa fortuna de crescer a tempo trata-se de uma arma
and its economical and social relations that have remained in effect for centuries in the
projetada para o uso. Um maquinário de guerra à espera de
country. The activity in the Lagoa de Araruama salt mines, carried out by her family’s past
um gesto incauto para o estopim.
three generations, represented the livelihood of many cities in the state’s seaboard and
was strategic in the salt industrialization process since the Portuguese colonial period.
However, nowadays, it is a synonym for past, abandonment, and nostalgia.
The catapult with a locked trigger becomes the metaphor for a trap market. One-cent
coins are ready to be shot into clay pots that are overfilled with rock salt. The salt – from
the Cabo Frio mines, Bia’s hometown – prevents anything from flourishing.
Good fortune growing on time is a weapon that was designed to be used; a war machine
waiting for a careless gesture to pull the trigger.

66 67
 santidio pereira
SANTIDIO PEREIRA, CURRAL COMPRIDO, PI, 1996
VIVE E TRABALHA EM LIVES AND WORKS IN SÃO PAULO
Santidio Pereira nasceu em 1996. Aos nove anos já brincava de desenhar e pintar. As paredes
de madeira da precária casa que divide com a mãe na Favela do Nove, na região do Ceasa,
ainda têm os desenhos que fazia quando era jovem. Aos 14 anos, começa a gravar sob
orientação dos gravadores Fabrício Lopez e Flávio Castellan, que ensinam os garotos que
frequentam o Instituto Acaia, ONG que desenvolve um trabalho na região do Ceasa, na cidade
de São Paulo.
Santidio Pereira was born in 1996. At the age of 9 he already played with drawing and painting. The
wooden walls of the precarious house he shares with his mother in the Favela do Nove, near the Ceasa,
still hold the drawings he made as a child. At the age of 14, he began to engrave under Fabrício
Lopez’s and Flávio Castellan’s guidance – two excellent graphic artists – who taught the boys who
frequent Instituto Acaia, a NGO that develops work in the Ceasa region in São Paulo.

Sem título Untitled, 2016

Xilogravura Woodcut, Ed. P.A.
223x163 cm
Coleção Collection André Czitrom
Sem título Untitled 2016
Xilogravura Woodcut, Ed. P.A.
190x170 cm
Coleção Collection Leonardo Amarante
68 69
 SANTIDIO PEREIRA BY RODRIGO MARTINS

The work developed by Santidio Pereira arises, primarily, as an unfolding of his poetic
perspective on his homeland’s landscape, the state of Piauí. Marked by the strong
presence of the caatinga – the region’s biome –, the Piauí landscape inhabits the artist’s
imagination; through woodcut technique, he explores several ways of depicting it.
His process establishes relations between particular issues of the medium with the
themes he addresses. From the wood matrixes themselves – their grains and textures
–, used several times to represent forests, to the way he handles the paint juxtapositions,
it is an analogous process to landscapes’ formation.
In one of the works shown in this exhibition, it is possible to see vestiges of a horse that,
being overlaid by layers of vegetation, becomes nearly abstract. The resulting
intersections of the sequence of images touch on an essential element in his practice:
memory. Santidio rarely bases his works on photographic images, prioritizing his own
recollections. In one of our conversations, he casually explained: “Most of the times it
comes from the noggin.”
In the smaller prints, the confluence of the flat colored areas registers the simple
manner in which he is surprised by the material. It is this encounter that seems to make
us project a horizon.

SANTIDIO PEREIRA POR RODRIGO MARTINS

O trabalho desenvolvido por Santidio Pereira nasce, principalmente,

como desdobramento de seu olhar poético sobre a paisagem de sua
terra natal, o Piauí. Marcada pela forte presença da caatinga – bioma
exclusivo da região –, a paisagem piauiense habita o imaginário do
artista, que, através da técnica da xilogravura, explora diversos
formatos para retratá-la.
Seu processo estabelece relações entre questões particulares do meio
que utiliza com os temas abordados – desde as próprias matrizes em
madeira, que, com seus veios e texturas, são usadas diversas vezes
para representar florestas, até a maneira como as sobreposições de
tinta são trabalhadas, em processo análogo à própria formação das
paisagens.
Em uma das obras expostas, é possível ver vestígios de um cavalo que,
ao ser sobreposto por camadas de vegetação, se aproxima da
abstração. As interseções resultantes dessa sucessão de imagens
tocam em um elemento essencial de sua prática: a memória. Santidio
raramente se baseia em fotografias, dando preferência às lembranças.
Em uma de nossas conversas, explicou de forma descontraída: “Na
maioria das vezes sai da muringa.”
Nas gravuras menores, o encontro de áreas chapadas de cor registram Sem título Untitled, 2016
essa forma singela de buscar se surpreender com a matéria. Justamente Xilogravura Woodcut, Ed. P.A.
o encontro que parece nos obrigar a projetar um horizonte. 50x63 cm
Acervo Collection Galeria Estação 
Sem título Untitled, 2016
Xilogravura Woodcut, Ed. P.A.
34x33 cm
Acervo Collection Galeria Estação 
Sem título Untitled, 2016
Xilogravura Woodcut, Ed. P.A.
33x33 cm
Acervo Collection Galeria Estação
70 71

REGULATION
PRESENTATION
Instituto Tomie Ohtake and Instituto EDP have realized,
since 2009, the Prêmio Energias na Arte (Energias na
Arte Awards). Like in the past editions, the Award aims
at mapping, recognizing and promoting the artistic
production of young Brazilian artists, as well as fostering
debates and stimulating training in the arts. Artists must
not be older that 27 years of age, and will have from
March 9 to April 29 to apply through the website www.
institutotomieohtake.org.br and send
their portfolio and new original works. After this period,
the Jury, composed by critics, curators, researchers and
artists, will pre-select up to 20 artists to participate in
digital media interviews.
Based on this process, the Jury will select 10 finalists
who will showcase their works in Instituto Tomie Ohtake.
The members of the jury will visit the artists’ studios
between July and August 2016, as a way of establishing
dialogues about the creative process and artistic
procedures involved in making the works that will be
shown.
The exhibition of the finalists will take place in Instituto
Tomie Ohtake, in November 2016. In the opening night,
three of the ten finalists will be awarded artistic
residencies, in Brazil or overseas, in locations that will
be defined by the Award organizers.
1. APPLICATIONS
1.1 Are eligible to apply for the Award young artist from
Brazil, aged between 18 and 27, that is, born between
January 1st, 1989, and December 31st, 1997.
1.2 The Award is directed at artists from various
backgrounds, born in Brazil or naturalized, or at
foreigners who have resided in the country for at least
two years.
1.3 Applications are free and must be made exclusively
through the Internet, starting from March 9 until 11:59
pm of April 29, 2016, in the website: www.
institutotomieohtake.org.br
1.4. The application process consists of: Filling and
completing the registration of the online form;
Submitting the required files described in item 3 hereof.
1.5 The artist can submit up to three original new works
that haven’t yet been shown in collective or solo shows
in commercial galleries or institutions. These works can
be completed or presented as projects.
1.6 The artist can participate individually or as a part of
a group.
1.7 In group applications, only one member can be
responsible for the application, being the applicant.
1.8 Doubts can be clarified through the e-mail premio@
institutotomieohtake.org.br with the subject: “DOUBT
— Prêmio Energias na Arte”
72
2. IMPEDIMENTS
A. Members of the jury, employees of Instituto Tomie
Ohtake and Instituto EDP, as well as any of
their family members and 2nd degree relatives are
prevented from applying.
B. The artist cannot have already previously participated
in any solo exhibition in commercial galleries or
institutions.
C. The applicant cannot have been previously awarded
in the other editions of the Awards.
D. Works belonging to private individuals or companies,
museum collections, institutions and cultural centers
will not be accepted in the application.
3. MATERIALS AND DOCUMENTS
3.1 The following material must mandatorily be
submitted through the online application platform, in the
specified formats and sizes:
A. 1 (one) file containing the applicants’ digitized
documents: ID and Social Security Number (Brazilian
CPF) (in JPEG, PNG or PDF formats, up to 10MB);
B. A portfolio that presents the artist’s trajectory until
today, including images of previous works and, if it is the
case, critical essays, exhibition folders and invitations,
catalogues from collective shows the artist participated
in (in JPEG, PNG or PDF formats, up to 10MB);
C. Presentation material of the submitted new original
works. It can be an image (JPEG, PNG or PDF formats),
audio (MP3 or WAV), video (Youtube or Vimeo links) or
text (PDF). (The size of these files cannot surpass 10
MB).
3.2 Regarding additional specifications of the works:
A. If the submitted work hasn’t been realized yet, the
artist must present, in the technical information, the
projects relating to it, detailing techniques, dimensions
and used materials, as well as any other important
information for understanding the proposal.
B. If the submitted work is an installation work, the artist
must include in its description: conception, installation
plan, materials and equipment that will be used, as well
as any other important information for the analysis
process and eventual installation of the work.
4. SELECTION PROCESS
4.1 The Selection Process will have two stages:
1ª Pre-selection: comprised of the analysis and
selection of the materials submitted by the artists. Up to
20 artists will be selected to go on to the 2nd stage.
2ª Artists’ interviews: interviews with the artists and
selection of the 10 finalists who will be visited by the
Jury in their studios, and who will showcase their works
in Instituto Tomie Ohtake. The interviews will be
conducte3d through digital medias.
4.2 The selection committee is autonomous and its
decisions are paramount, not subject to debate and/or
appeals.
4.3 The names of the 10 finalists will be released in the
Award’s website until June 21st, 2016.
5. WORK PRODUCTION
5.1 The selected artists will receive a stipend to produce
the works for the exhibition of up to R$ 2.000,00, paid in
advance and subject to subsequent confirmation,
through fiscal receipts, of the expenses relating to the
production and transportation of the works.
5.2 The artist is responsible for the production of the
works.
6. INSTALLATION
6.1 The production team of Instituto Tomie Ohtake and
the Jury are exclusively responsible for devising the
installation plan, and the distribution and adjustment of
the selected works, in the exhibition space, and
deciding, moreover, if the artists’ presence is necessary
or not during the installation process.
7. AWARD
7.1 The Award ceremony will happen during the
exhibition opening, at a date yet to be announced.
7.2 Three of the 10 artists who participate in the
exhibition will be awarded:
- Artistic residencies, in Brazil or abroad, in places and
during periods yet to be defined by the Award’s
organizers, as well as feature distinctively in the Prêmio
Energias na Arte Award.
EDITAL DE PREMIAÇÃO
APRESENTAÇÃO
O Instituto Tomie Ohtake e o Instituto EDP realizam,
desde 2009, o Prêmio Energias na Arte. Assim como
nas últimas edições, o Prêmio se propõe a mapear,
reconhecer e promover a produção de jovens
artistas brasileiros, além de gerar debates e
incentivar a formação no campo da arte. Os artistas,
que deverão ter até 27 anos, terão o período de 9 de
março a 29 de abril para se inscrever pelo site www.
institutotomieohtake.org.br e enviar seu portfólio e
propostas de obras inéditas. Após esse período, o
Júri, composto por críticos, curadores,
pesquisadores e artistas, irá pré-selecionar até 20
artistas para uma entrevista que será realizada via
mídias digitais. Com base nas entrevistas, o Júri
selecionará 10 artistas finalistas que irão expor seus
trabalhos no Instituto Tomie Ohtake. Os membros
do Júri realizarão, entre julho e agosto de 2016,
visitas aos ateliês desses artistas, como forma de
dialogar sobre o processo de realização das obras
que serão expostas. A exposição dos trabalhos
ocorrerá no Instituto Tomie Ohtake, em novembro
de 2016. Na noite de abertura da exposição, três dos
10 artistas finalistas serão premiados com
residências artísticas no Brasil ou no exterior, cujos
locais e durações exatas serão definidas pela
organização do Prêmio.
1. INSCRIÇÕES
1.1 Podem inscrever-se no Prêmio jovens artistas de
todo o Brasil com idade entre 18 e 27 anos, ou seja,
nascidos entre 1º de janeiro de 1989 e 31 de
dezembro de 1997.
1.2 O Prêmio é destinado a artistas de diversas
formações, que sejam brasileiros, natos ou
naturalizados, ou estrangeiros residentes no país há
pelo menos dois anos.
1.3 As inscrições são gratuitas e devem ser
efetuadas exclusivamente pela internet a partir do
dia 9 de março até às 23h59 do dia 29 de abril de
2016 no site: www.institutotomieohtake.org.br
1.4 O processo de inscrição consiste em:
Preenchimento completo do cadastro, a partir do
formulário on-line. Envio dos arquivos solicitados no
item 3 deste regulamento.
1.5 O artista poderá inscrever até três obras
inéditas, que não tenham sido apresentadas em
exposições — coletivas ou individuais — realizadas
em galerias comerciais ou instituições. Essas obras
poderão estar concluídas ou serem apresentadas
na forma de projeto.
1.6 O artista poderá inscrever-se individualmente ou
como parte integrante de um coletivo.
1.7 Nas inscrições de coletivos, apenas um membro
deverá constar como responsável pela inscrição,
inscrevendo-se como proponente.
1.8 Dúvidas podem ser esclarecidas pelo e-mail
premio@institutotomieohtake.org.br com o seguinte
assunto: “Dúvida — Prêmio Energias na Arte”
2. IMPEDIMENTOS
A. Não poderão inscrever-se membros do Júri do
Prêmio, funcionários do Instituto Tomie Ohtake,
funcionários do Instituto EDP, assim como seus
parentes de até 2º grau.
B. O artista não poderá ter participado
anteriormente de nenhuma exposição individual em
galeria comercial ou espaço institucional.
C. O participante não poderá ter sido premiado nas
edições anteriores deste Prêmio.
D. Não será aceita, em hipótese alguma, a inscrição
de obras pertencentes a pessoas físicas ou
jurídicas, coleções de museus, instituições e/ou
centros culturais.
3. MATERIAIS E DOCUMENTOS
3.1 Deverão, obrigatoriamente, ser enviados,
através da plataforma de inscrição, os seguintes
materiais, nos formatos e tamanhos indicados:
A. 1 (um) arquivo contendo os documentos
digitalizados relativos ao artista proponente: RG e
CPF. (nos formatos JPEG, PNG ou PDF, de até
10MB)
B. Portfólio que apresente o percurso do artista até
o momento, incluindo fotos de outros trabalhos, e,
se houver, artigos críticos, cópia de convites,
folders e catálogos de exposições coletivas de que
tenha participado. (nos formatos JPEG, PNG ou
PDF, de até 10MB)
C. Material de apresentação da obra inédita inscrita,
que pode ser imagem (nos formatos JPEG, PNG ou
PDF), áudio (MP3 ou WAV), vídeo (link YOUTUBE ou
VIMEO) ou texto (PDF). (o tamanho da soma desses
arquivos não poderá ultrapassar 10 MB).
3.2 Sobre as especificações adicionais das obras:
A. No caso da obra proposta ainda não ter sido
realizada, o artista deverá apresentar, na ficha
técnica, os projetos relativos a ela, detalhando
técnicas, dimensões e materiais utilizados e
quaisquer dados importantes para seu melhor
entendimento.
B. No caso de instalações, o artista deverá incluir na
descrição: concepção, plano de montagem,
materiais e equipamentos a serem utilizados, além
de informações que julgue importantes para o
processo de análise e possível montagem.
5ª EDIÇÃO - 2015-2016
5TH EDITION - 2015-2016
4. PROCESSO DE SELEÇÃO
4.1 O processo de seleção terá duas etapas:
1ª Pré-seleção: compreenderá a análise e seleção
dos materiais enviados pelos artistas. Serão
selecionados até 20 artistas para a segunda etapa.
2ª Entrevista dos artistas: realização das entrevistas
e seleção de 10 artistas finalistas, que irão receber
visitas do Júri nos seus ateliês e que irão expor suas
obras no Instituto Tomie Ohtake. As entrevistas
serão realizadas por meios digitais.
4.2 A comissão de seleção é autônoma e suas
decisões são soberanas, não sendo passíveis de
questionamento e/ou recursos.
4.3 Os nomes dos 10 artistas finalistas serão
divulgado no site do Prêmio até o dia 21 de junho de
2016.
5. PRODUÇÃO DAS OBRAS
5.1 Os artistas selecionados receberão uma ajuda
de custo para produção das obras de até R$
2.000,00, pagos antecipadamente e vinculados à
comprovação, posterior, por meio de recibos fiscais,
das despesas relacionadas à produção e transporte
das obras.
5.2 A produção das obras é de responsabilidade do
artista.
6. MONTAGEM
6.1 A produção do Instituto Tomie Ohtake e o Júri
têm exclusiva responsabilidade em elaborar o plano
de montagem, distribuição e adequação das obras
selecionadas no espaço expositivo, decidindo,
inclusive, sobre a necessidade (ou não) da presença
dos artistas quando de sua instalação.
7. PREMIAÇÃO
7.1 A premiação ocorrerá em cerimônia na abertura
da exposição, em data a ser oportunamente
divulgada.
7.2 Três dos10 artistas participantes da exposição
serão premiados com:
-Residência artística no Brasil ou exterior, cujos
locais e durações exatas serão definidas pela
organização do Prêmio, além de destaque no
Catálogo Prêmio Energias na Arte.
73
 CATÁLOGO CATALOGUE

Coordenação Coordination
Vitoria Arruda
Carolina Pasinato
Projeto Gráfico Graphic Design
5ª EDIÇÃO - 2015-2016 Ricardo Ohtake
5TH EDITION - 2015-2016
Monica Pasinato
Rodrigo Pasinato
Daniela Rocha
Nazareth Baños
Produção Gráfica Graphic Production
Monica Pasinato
Fotos Photos
INSTITUTO TOMIE OHTAKE Ricardo Miyada
Sofia Colucci
Presidente President Tradução Inglês English Translation
Ricardo Ohtake Julia Lima
Curador Curator Revisão Proofreading
Paulo Miyada Mariah Schwartz
Produção Production Impressão Printing
Vitoria Arruda diretora director Stilgraf
Administração e Finanças Administration and Finance
Roberto Souza Leão diretor executivo executive director
EXPOSIÇÃO EXHIBITION
Negócios Business
Ivan Lourenço diretor director Produção Production
Cultura e Participação Culture and Participation André Luiz Bella
Felipe Arruda diretor director Carla Ogawa
Eloise Martins
Lucas Fabrizzio
INSTITUTO EDP Mana Mendonça
Rafael Tonon
Diretor Presidente President Rodolfo Borbel
Miguel Setas
Diretora Vice-Presidente Vice-President PRÊMIO ENERGIAS NA ARTE
Ana Maria Fernandes
Diretor Executivo e de Relações Institucionais Executive Diretor for Institutional Relations Coordenador Coordinator
Luis Carlos Gouveia Pereira Felipe Arruda
Julia Demeter
Diretor de Responsabilidade Social Social Responsibility Director
Paulo Campos Costa Assistente Assistant
Ágata Rodriguez
Assessor da Diretoria Advisor for the Board of Directors
Paulo dos Santos Ramicelli
Equipe Staff
Ana Maria Schneider
André Misse Medeiros
Erica Rodrigues de Souza
Iná Rebouças
José Henrique Machado
José Ricardo Pimenta Carneiro
Pedro Silva Gonçalves Neto
Thayna Mendonça dos Santos

Dados Internacionais de Catalogação na Publicação (CIP)

(Câmara Brasileira do Livro, SP, Brasil)

Prêmio Energias na Arte: 5a edição : 2015-2016/

[coordenação] Instituto Tomie Ohtake, Ricardo Ohtake; [tradução inglês/English
translation Julia lima]. –– São Paulo: Instituto tomie Ohtake, 2017.

Edição Bilíngue: português/inglês

ISBN: 978-85-88728-91-2

1. Arte –Brasil – Exposições – Catálogos 2. Arte Contemporânea I. Ohtake, Ricardo.

17–01084 CDD–707.4
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