CLASSE DE ESTUDOS NEO TRADITIONAL

NEO TRADITIONAL
O estilo Neo Traditional, leva esse nome, pois renova os conceitos presentes no estilo
tradicional. Isto é, o Neo Trad é uma versão atualizada do clássico.
Contudo, com o propósito de conferir um toque de contemporaneidade à arte, algumas regras
são quebradas no processo, ou seja, o artista se permite algumas liberdades inovadoras, tais
como paleta de cores distintas, e artifícios originais para compor a arte.
Sua primeira aparição no universo artístico das tattoos ocorreu no ano de 2008 e a Europa foi o
berço dessa aposta autêntica.
Nascido a pouco mais de uma década e devido a ser uma tendência relativamente recente, a
tatuagem Neo Tradicional ainda tem sua história desenhada pelas mãos de artistas modernos.
A identidade de seu estilo se encontra fortemente em dois elementos complementares, Old
School e New School.
Características da tatuagem Neo Tradicional
As características principais do estilo Neo Tradicional incluem basicamente todos os tipos de
contornos, anados (ne line), médios (sculpt line) e grossos (bold line), uma vasta paleta de
cores usando entre elas a transição degrade, mesclas de tons, sombreamento e imagens mais
realistas.
Em suma, uma vez que sua inspiração pode ser traçada ao Art Nouveau, é comum que o estilo
receba algumas linhas ornamentais. As linhas são tracejadas com suavidade, provendo ao
desenho a sensação de movimento.
Se assim desejado pelo artista, o recurso pode ser utilizado estrategicamente para atrair o
olhar do espectador para um ponto especíco do desenho, conferindo, por consequência, mais
valor e elegância ao acabamento do trabalho.
O Neo Trad tem por linhagem a temática de desenhos Old School. Isto é, âncoras, adagas,
águias, etc, contudo, o Neo Tradicional também reinventa o modo de reproduzir o clássico,
utilizando muito da cultura Europeia. Remetido ao Art Nouveau, onde se representa diversos
ornamentos, elementos ligados a natureza e os tão marcantes rostos femininos imponderados.
O tradicional ganha então, novas formas em uma mistura de técnicas descoladas e autênticas.
Entre elas, estão presentes o pontilhismo, o universo totalmente expandido da combinação de
cores vindas do New School, os elementos naturais e o glamour de desenhos ricamente
realçados.

Cartela de cores do Neo Tradicional

Uma das principais marcas registradas do estilo, sem dúvida, se encontra em suas paletas de
cores planejadas. Uma cartela de cores extravagantes não se faz necessária, anal, no Neo
Tradicional, o ideal é equilibrar o balanço entre linhas e cores.
As linhas não devem se destacar às cores e nem as cores chamarem mais atenção que as
linhas. Anal de contas, o que faz do estilo tão autêntico e peculiar é a harmonia de sua
combinação.
De fato, o estilo faz uso de uma paleta de cores limitadas. Anal de contas, devido aos menores
recursos tecnológicos da época, o número de cores disponíveis era bastante reduzido. Em
suma, as colorações de tintas usadas pelo Old School se limitavam ao vermelho, azul, amarelo,
verde e preto.

Agora usamos basicamente duas congurações diferentes de set de cores.

1º Tons pastéis.
Usado mais dentro do contemporâneo, temos artes mais mórbidas e secas.
2º Tons mais vivos.
Usado mais dentro do lado que remete ao realismo, tendo na verdade desde os tons
pastéis, até os tons mais opacos.

A paleta de cores utilizada, juntamente com o design, acabam criando sub gêneros dentro do
próprio Neo Traditional, mesmo sendo “diferentes” um do outro, ainda assim ambos são Neo
Traditional.
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 DESENHO
- O esboço é importante para a construção de um bom desenho, com ele iremos ter uma
proporção perfeita e garantir menos erros, evitando o uso constante e indesejado da borracha,
mantendo uma folha limpa e valorizando a textura preservada do papel que será muito
importante na execução da arte nal e da pintura do desenho.
Para evitar o uso da borracha e exercitar minha mente, procuro sempre desenhar ou esboçar
com lápis de cor. Com ele, sei que se eu errar não poderei apagar totalmente o erro, então
procuro esboçar com a mão bem leve e solta evitando marcar a folha, se eu errar, mesmo
usando lápis de cor eu irei conseguir corrigir o meu próprio erro sem precisar apagar o
desenho, assim você passará a enxergar melhor o seu erro e educar sua mente a errar menos.
Isso irá te ajudar muito na hora de executar um free hand, pois se errar terá que usar o álcool
borrando tudo o que já esboçou na pele.

Segue abaixo um exemplo bem simples de esboço e construção de desenho para que possa
entender melhor o processo do esboço.
Nesse caso irei utilizar duas cores de lápis de cor, o azul para o esboço e o vermelho para a arte
nal, assim poderá enxergar claramente a construção do desenho.

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 PROPORÇÃO
Pronto, agora já vimos como funciona o processo de criação de um desenho, agora que já temos
uma boa ideia esboçada, vamos trabalhar o desenho valorizando as regras de proporção,
expressão, movimento, perspectiva e planos.
Em todos os meus trabalhos, independente de estilo, procure sempre que possível trabalhar
com no mínimo três planos (1º plano, 2º plano e 3º plano), essa regra irá denir o que está
perto, no meio e mais atrás, e se por acaso a arte for ter um fundo ou cenário, iremos trabalhar
ainda um 4º plano ou mais. Essa característica irá diferenciar e mostrar bem toda a
profundidade e dimensão do desenho, facilitando o trabalho na hora de executar os traços,
deixando o desenho mais limpo e bem resolvido somente com os traços.

Meu conselho aqui é: Aprenda a desenhar e a visualizar as proporções corretamente, pois o

erro de proporção é muito grave e acaba com qualquer desenho, principalmente quando
puxamos para o lado realista, não o estilo realismo, mas as proporções reais do elemento
criado.

Como citei anteriormente, sempre me preocupo em aplicar os planos corretamente mostrando

bem em meus desenhos o que está em 1º, 2º e 3º plano, no caso de personagens ou objetos.
Perceba que no esboço abaixo, já se pode notar o que está na frente, e o que está atrás, esse é o
único detalhe que procuro sempre aplicar na construção dos meus desenhos.

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 PROPORÇÃO
O legal da criação é ver um monte de rabiscos ganharem vida e colocar suas ideias no papel, da
mesma forma que você imaginou ou até mesmo melhor do que esperava. Com isso você irá
oferecer exclusividade para seu cliente e se destacar entre outros artistas.
fig.2 fig.1
Pronto, ai está o desenho nalizado com o lápis vermelho, aplicando o que citei anteriormente
como: planos, perspectiva, expressão, proporção, texturas e etc.
Agora vamos entender melhor a distribuição dos planos e quais os tipos, que traços e agulhas
que iremos utilizar em nosso trabalho.

fig.1 fig.2

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 PLANOS E VARIAÇÕES DE TRAÇOS
Em todos os meus trabalhos, desde o mais simples como uma mariposa até um trabalho mais
elaborado, procuro trabalhar e aplicar a distribuição de planos e variações de traços.
São esses os elementos que irão denir o que está mais à frente, no meio e atrás no desenho.
Essas técnicas são baseadas em fotograas e lmagens.

Podemos ver e entender um pouco dos planos vendo uma novela, série ou lme, o que está em
planos próximos, irá notar a imagem mais nítida; e o plano mais distante notará um desfoque
maior.

ATOR Nº1
1º PLANO
ATOR Nº2
CAVALO Nº1 1º PLANO
2º PLANO

CAVALO Nº2
3º PLANO

Nessa imagem podemos observar claramente os planos de cada personagem e ainda de fundo
temos mais as montanhas gerando um 4º e 5º plano.
Na tatuagem, principalmente as que contem traços, temos que tomar muito cuidado ao riscar o
trabalho, pois se for um desenho semelhante a essa imagem com mais de um personagem e
com vários planos, devemos observar e trabalhar bem o que queremos destacar, neste caso
seria os personagens de 1º plano.
Cuidado ao querer riscar fundos ou cenários, se não aplicar a variação de traços corretamente
o fundo irá chamar mais atenção que o personagem.
Mas, nem sempre o 1º plano será o que mais chamará atenção no trabalho, observe os
seguintes exemplos:

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 PLANOS E VARIAÇÕES DE TRAÇOS

No caso dessas imagens, o 1º plano está desfocado, jogando o foco da imagem para o 2º ou para
o 3º plano. Para trabalhos que contém traços, como estudamos no exemplo anterior, não ca
legal trabalhar esse desfoque de 1º plano, somente os trabalhos realistas carão ideais para
esse tipo de imagem.

Trabalhar desfoque não é fácil, isso requer muito estudo e dedicação para que consiga
executar o efeito com perfeição.

No caso do Neotrad, por ter uma variação grande de traços grossos, médios e nos, a melhor
opção seria o jogar o desfoque para o fundo, assim irá destacar ainda mais o seu personagem
ou objeto, como o exemplo desta outra imagem:
2º PLANO

1º PLANO

3º PLANO

Essa imagem é muito semelhante aos meus estudos. Com essa referência é possível mostrar
bem a distribuição dos planos e quais os tipos de traços poderei utilizar, valorizando bem a
colocação de cada plano e profundidade dos meus trabalhos.

Em vermelho, destaco tudo o que quero jogar para o 1º plano, tudo que esteja mais próximo e
com muito volume, nesse plano utilizarei o Bold Line (traços grossos).
Em azul, destaco tudo o que está no meio do trabalho, que seria o 2 º plano, é nele que
geralmente coloco expressões, detalhes de rosto e cabelo, ou as partes de menos volume. Neste
plano utilizarei o Sculpt Line, (sculpt vem de esculpir, modelar) é com esse traço que irei
esculpir e desenhar as linhas do meus trabalhos. O Sculpt line é o intermediário entre o bold
line e o ne line, é ele que irá fazer a transição dos dois planos.
Em amarelo, destaco o que menos quero que chame atenção, ou seja, será apenas o
complemento de todo o contexto, o que está lá atrás e não precisa se destacar entre os dois
planos citados a cima, gerando a profundidade do trabalho. Nesse plano irei utilizar o ne line,
traço simples e no. Classe de Estudos Neo Traditional | YURI MIQUETA | 07
 Luz e CONTRA LUZ
LUZ
Vamos denir a posição do foco de luz.
É importante saber que o contra luz é o reexo da luz, e ele sempre será o oposto da luz, se o
foco de luz estiver em cima, o contra luz estará para baixo e assim por diante.
No caso de uma luz natural eu sempre procuro utilizar a cor amarela, devido ao fato de não
gerar volume.
No caso de uma luz articial, utilizarei qualquer outra cor, sendo fria ou quente. Mas para
trabalhar isso, você terá que mostrar de onde está vindo essa luz, normalmente se origina de
algum elemento secundário da arte.

CONTRA LUZ
A contra luz é o reexo da luz, por isso estará sempre na parte fria e escura da arte.
Na iluminação natural, seja diurno ou noturno, tendo a utilizar a cor azul para representar
esse elemento, técnica que vem totalmente do New School. O azul é uma cor fria e vibrante ao
mesmo tempo, gerando volume com seus próprios tons de azul, diferente do amarelo por
exemplo.
O contra luz azulado, é característica dos trabalhos de luz natural, ou seja, essa cor é um
fenômeno que acontece na própria natureza e em nosso dia a dia. A olho nu, quase não
percebemos esse fenômeno, mas se fotografamos pegando posição e foco de luz corretos,
iremos ver claramente um tom azulado em objetos e principalmente em faces humanas.

Minhas referencias e estudos, são baseados em fotograas e lmes/séries, neles eu consigo ter
uma boa base e entender corretamente como aplicar a luz e o contra luz.
Tenho certeza que depois das referencias que iremos observar abaixo, você passará a prestar
mais atenção e observar melhor a luz e os contra luz no seu dia a dia, fotograas, lmes, enm,
você acaba ensinando seu cérebro e adaptando seu olho a enxergar tal fenômeno.

Cena do lme 12 anos de escravidão:

Nessa imagem, podemos notar todos os elementos
de luz, brilho e contra luz. Observem que a luz
natural entra pela janela iluminando bem o rosto
da atriz, gerando muito brilho por sua pele estar
suada, passando para a tonalidade natural da
pele e entrando para a parte escura com mais
sombra em seu rosto, seguida de uma contra luz
azulada, deixando a cena ainda mais bonita e
com uma iluminação perfeita, valorizando os
volumes e projeções de sombras.
Cena da série de TV "Batman" com
o ator Cesar Romero (Coringa)
Nesse caso a luz é articial (luz branca)
mesmo a maquiagem do ator sendo branca também,
podemos ver claramente o que é luz, brilho e o natural
da maquiagem, passando para a parte de sombra e fria
seguida de contra luz azulada como vimos na imagem
anterior, gerando muito volume em seu cabelo e rosto.

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 Luz e CONTRA LUZ
Na cena do desenho “O Incrível Hulk”:
Nessa imagem podemos ver claramente que em seu
rosto só tem uma pequena faixa de contra luz.
Isso ocorre por sua mão estar gerando uma projeção
de sombra sobre o rosto, cobrindo a superfície de luz.
Lembre-se: A contra luz é o reexo da luz,
se não tem luz, também não terá contra luz.

1 2 3

Observem as imagens acima (1- Batman e 2- Wolverine) vejam que quando a contra luz
azulada está na parte maior da imagem (1º plano) o personagem se destaca mais, deixando a
imagem com muito mais volume.

O outro personagem da imagem (3), no 1º plano está luz quente amarelada e o azulado da
contra luz no 3º plano, deixando o personagem sem volume e com pouco espaço para o brilho
natural de seu rosto.

Para deixar meus trabalhos com volume e destacar bem a distribuição dos traços, sempre
aplico a contra luz no próprio 1º plano, valorizando e destacando o bold line, o brilho natural no
2º plano e a luz no 3º plano (por não gerar volume).

contra luz com outras tonalidades

Tome cuidados ao aplicar outras cores em contra luz, lembre-se que ela é responsável pelo
volume e quem destaca o bold line, procure usar sempre cores que proporcionam volumes.
Nem sempre a contra luz será de tonalidade fria, dependendo do contexto ela poderá ser
quente também. Em alguns trabalhos com iluminação articial, dependendo do cenário a
contra luz mudará sua tonalidade, ou seja, a luz irá bater em uma superfície próxima ao
elemento principal (1º plano) e reetir nele, gerando uma contra luz da mesma cor de onde
recebeu a luz.
Nas imagens a seguir, você entenderá claramente esse processo de reexo da luz,
proporcionando tonalidades e cores de contra luz diferenciadas e também iremos ver
referencias de contra luz gerado por luzes articiais, geralmente usadas em shows e estúdios
fotográcos;
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 Luz e CONTRA LUZ

Observe essa fotograa do lme Matrix, podemos notar nitidamente a luz branca reetindo e
gerando uma extensa sombra no rosto do menino, e logo após uma contra luz esverdeada. Note
que a tonalidade das paredes de fundo é verde, da mesma cor da contra luz.

No exemplo a cima, podemos entender exatamente como surge a contra luz. Utilizando ali uma
bola de isopor como modelo, e uma superfície de cor vermelha, conseguimos entender
claramente o processo da luz e de seu reexo em ambiente fechado.

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 Luz e CONTRA LUZ

Imagens de shows e estúdio fotográco, são ótimas para estudos também, nelas podemos
obter boas referencias e composição de luz, sombra, brilho e contra luz.
Lembrando que nessas referencias, todas as luzes e contra luz são articiais, projetadas por
canhão de luz e holofotes, mesclando cores quentes com frias gerando uma composição
perfeita. Tal composição hoje também muito usada em cenários gamers, e youtubers.

Como já citei anteriormente, esses são detalhes que deixamos passar em branco quando não
temos muito conhecimento do assunto, mas quando pegamos imagens como essas e
analisamos a fundo, podemos ver e entender corretamente o processo de luz e contra luz, com
certeza isso irá agregar muitos valores e conhecimentos em vários se não todos os estilos de
tatuagem.
Muitos artistas nacionais e internacionais conceituados no realismo, utilizam essas técnicas
em seus trabalhos, diferenciando com detalhes, projeções e volumes surpreendentes.
E por falar em projeções e volumes, vamos estudar qual a melhor forma de aplicar o
sombreado, lembrando que é ele o elemento que denirá toda a contra luz e volume de
trabalho.

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 SOMBRAS
Tome cuidado ao aplicar o sombreamento, pois será ele que irá denir a contra luz, projeções e
volumes. Observe bem de onde vem o foco de luz e a sua extensão para que a sombra e as
projeções quem em seu devido lugar.

Em trabalhos coloridos, eu não aplico o preto para fazer sombreamento ou projeções.

Porque não utilizar o preto?;

Após a cicatrização é normal que com o passar do tempo o preto que acinzentado, isso fará
com que as outras cores quem opacas e sem brilho. Para garantir as cores vibrantes, sempre
escureço os tons e as sombras com a mesma gama de cor utilizada, aplicando o roxo e o
chocolate para as tonalidades mais escuras, podemos aplicar também as regras do círculo
cromático, neutralizando as cores complementares, teremos a tonalidade da sombra referente
à cor utilizada.

CÍRCULO CROMÁTICO E CORES COMPLEMENTARES

O círculo cromático além de ser um instrumento cientico de classicação de cores, também é
muito útil em nosso trabalho, ele irá nos ajudar nas combinações, mistura das cores,
composição, luminosidade, saturação e sombra que devem ser utilizados em qualquer tipo de
trabalho ou projeto. O círculo é composto de uma paleta de doze cores, sendo elas:
-Três cores primárias: não podem ser obtidas através de outras, como amarelo, azul e
vermelho.
-Três cores secundárias: formadas pela mistura das cores primárias, obtemos laranja, violeta
e verde.
- Seis cores terciárias: Compostas pela mistura das duas cores secundarias.

Além dessas cores classicadas acima, podemos criar milhares de outras adicionando o preto,
e resultando em sombras e cores mais escuras ou o branco para representar a luminosidade e
cores claras.
Como diz na teoria das cores, a partir das cores primárias, também chamadas de cores
básicas, pode surgir qualquer outra cor.

PRIMÁRIAS ANÁLOGAS QUENTES

SECUNDÁRIAS COMPLEMENTARES FRIAS

INTERMEDIÁRIAS COMPLEMENTARES TODAS

DECOMPOSTAS

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CÍRCULO CROMÁTICO E CORES COMPLEMENTARES
As cores complementares são aquelas que ocupam posições inversas no circulo e que
funcionam extraordinariamente bem juntas, são usadas para dar força e equilíbrio a um
trabalho criando contraste entre elas.
Raramente se usa apenas cores complementares num trabalho, o efeito pode ser desastroso,
mas em alguns casos é extremamente interessante, principalmente em fundos ou detalhes,
criando um equilíbrio no trabalho.
Exemplo de cores complementares:

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CÍRCULO CROMÁTICO E CORES COMPLEMENTARES
Quando duas cores complementares se misturam, o resultado é uma cor neutra.

+ =

+ =

+ =

As cores neutras podem ser utilizadas em sombreamento, profundidades, volumes e etc,

principalmente nos trabalhos mais realistas que utilizam cores e tons mais suaves, essa
mescla é perfeita para o estilo.

Espero ter contribuído com meus estudos referente ao estilo Neo Traditional, é baseado neles
que eu desenvolvo todos os meus trabalhos Neo Trad e outros estilos também!

Muito obrigado por conar em meus trabalhos.

Evolução sempre!

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REALIZAÇÃO

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