Philippe Parreno

Philippe Parreno (nascido em 1964 em Oran , Argélia ) é um artista francês

que vive e trabalha em Paris , França . [1] Seu trabalho inclui várias mídias,
como filme , instalações , performance , desenho e texto. Parreno se concentra
em expandir as ideias de tempo e duração por meio de suas obras de arte e da
concepção distinta das exposições como um meio. Preferindo projetos a
objetos, ele começou a examinar abordagens únicas para narração e
representação na década de 1990 e tem exibido internacionalmente desde
então. [2]

Início da vida e da educação

Parreno nasceu em Oran, na Argélia. De 1983 a 1988, ele estudou na Ecole
des Beaux-Arts em Grenoble e no Institute des hautes études en arts
plastiques no Palais de Tokyo , Paris de 1988 até 1989.

Trabalho

Philippe Parreno no Museu de Arte Contemporânea de Serralves , Porto .

Parreno expõe suas obras desde o início dos anos 1990 e tem sido aclamado
pela crítica desde então. Parreno trabalhou em colaboração com outros artistas
em todos os tipos de mídia ao longo de sua carreira. [1]
O conceito de exposições e realização de exposições tem sido um aspecto
central para Parreno. Para o artista, a exposição não é uma única obra de arte,
mas um meio que oferece possibilidades infinitas. Portanto, suas exposições
são em sua maioria site-specific, como Parreno revela em entrevista
ao ArtReview : “O que eu geralmente faço é muito específico para o local que
vai receber a exposição. Eu não 'viajo' shows. Acho impossível. " [3]
Para além do seu conceito alargado de exposições, as obras de Parreno
preocupam-se com a transformação dos géneros artísticos, onde a grande
diversidade de suportes utilizados desempenha um papel significativo. [4]
Exposições e trabalhos notáveis [ editar ]

Anywhen. No Turbine Hall , Tate Modern , Londres 2016.

Parreno usou sua concepção específica de exposições em sua exposição de

2013 Anywhere, Anywhere Out Of The World [5], onde ele transformou
radicalmente o espaço monumental do Palais de Tokyo em Paris. Parreno
transformou o próprio edifício em um organismo vivo em constante evolução
usando som, imagem e performance para guiar o visitante em uma jornada por
suas obras, antigas e novas. A exposição foi orquestrada ao longo de uma
composição dramática onde a presença espectral de objetos, música, luzes e
filmes guiam e manipulam a experiência do visitante transformando este
monólogo em polifonia.
Em Dancing around the Bride [6] em 2012 no Philadelphia Museum of Art com
curadoria de Carlos Basualdo em colaboração com Erica F. Battle, Parreno
atuou como um metteur-en-scène (orquestrador), usando as obras de John
Cage , Merce Cunningham , Jasper Johns , Robert Rauschenberg e Marcel
Duchamp para invocar o tempo e o movimento.
O som foi um elemento chave na exposição de 2013, The Bride and The
Bachelors , [7] no Barbican , Londres. A sequência variada da orquestração sutil
de Parreno de som ao vivo e pré-gravado das obras de Cage, Cunningham,
Johns, Rauschenberg e Duchamp foi arranjada em concerto com
apresentações de dança ao vivo, permitindo que a exibição mudasse ao longo
do tempo.
Durante Art Basel , 2012, Parreno apresentou dois novos trabalhos importantes
na Fondation Beyeler - Marilyn (2012) e CHZ (Continuously Habitable
Zones) (2011). [8] Marilyn foi posteriormente mostrada na primeira exposição
individual de Parreno na Rússia no Garage Center for Contemporary Culture,
Moscou [9] e na 55ª Bienal de Veneza no museu de François Pinault, Palazzo
Grassi .
H {N) YPN (Y} OSIS , a primeira grande exposição de Parreno nos Estados
Unidos, foi exibida de junho a agosto de 2015 no interior monumental do Wade
Thompson Drill Hall do Park Avenue Armory , em Nova York e transformou a
experiência de exibição tradicional por meio de uma interação de filme ,
escultura e a presença espectral de som e luz. Pouco depois, em outubro de
2015 até fevereiro de 2016, Parreno apresentou Hypothesis , no
HangarBicocca em Milão, sua primeira exposição de pesquisa na Itália. A
mostra, com curadoria de Andrea Lissoni, foi habitada por um série de peças-
chave juntamente com obras e músicas recentes de acordo com uma mise en
scène concebida por Parreno.
Em outubro de 2016 [até abril de 2017], Parreno assumiu a Comissão Hyundai
para o Turbine Hall na Tate Modern de Londres . [10] Intitulado Anywhen , [11] foi
curado por Andrea Lissoni, Curador Sênior, International Art (Film) da Tate,
com Vassilis Oikonomopoulos, Curador Assistente, foi a segunda Comissão
Hyundai anual, uma série de trabalhos site-specific criados para o Turbine
Hall [12] por renomados artistas internacionais. Em dezembro de 2016 - março
de 2017 Parreno apresentou Thenabouts na ACMI em Melbourne, uma
retrospectiva de seus filmes.
Em 2017, de 2 de fevereiro a 7 de maio, Parreno expôs Um Espaço Colorido
do Tempo no Museu de Arte Contemporânea de Serralves, no
Porto. Ocupando todo o museu, apresentou algumas das obras mais
conhecidas de Parreno e novas obras para a exposição. Mais tarde naquele
ano, de 7 de julho a 17 de setembro de 2017 no Rockbund Art Museum em
Xangai, Parreno apresentou Synchronicity . [13] De outubro de 2017 a fevereiro
de 2018 Philippe Parreno: La levadura y el anfitrión (O fermento e a
hóstia) [14] esteve no Museu Jumex, na Cidade do México. [15] [16]

Colaboração [ editar ]
A colaboração é parte integrante do trabalho de Parreno. Em junho de 2006,
a Universal lançou um documentário de longa-metragem dirigido por Parreno e
o artista escocês Douglas Gordon intitulado Zidane: Um Retrato do Século 21 ,
que estreou fora da competição no Festival de Cinema de Cannes
de 2006 . Usando 17 câmeras, este filme de futebol único segue o lendário
meio-campista francês Zinedine Zidane durante toda uma partida Real
Madrid x Villarreal na frente de 80.000 torcedores no Estádio Santiago
Bernabéu. Duas das câmeras foram emprestadas do exército dos EUA e têm o
maior zoom disponível. O filme acompanha cada movimento de Zidane dentro
e fora da bola, no meio da ação. As legendas incluem os pensamentos e
observações do jogador sobre sua carreira de jogador. O movimento se
desenrola em um fluxo acentuado por uma emocionante trilha sonora da banda
de rock escocesa Mogwai .
Em 2007, Parreno dirigiu e foi co-curador com Hans Ulrich Obrist , uma
exposição coletiva, Il Tempo del Postino (Postman Time) [17] para o Festival
Internacional de Manchester , que então foi exibido no Art Basel , 2009. Mais
de quinze artistas colaboraram neste projeto incluindo Doug Aitken , Matthew
Barney e Jonathan Bepler, Tacita Dean , Trisha Donnelly , Olafur
Eliasson , Liam Gillick , Dominique Gonzalez-Foerster , Douglas
Gordon , Carsten Höller , Pierre Huyghe ,Koo Jeong-A , Philippe Parreno, Anri
Sala , Tino Sehgal , Rirkrit Tiravanija , Thomas Demand e Peter Fischli / David
Weiss .
Em 2012, Parreno colaborou com o artista Liam Gillick em To the Moon via the
Beach . [18] Exibido no The Amphitheatre em Arles, esta foi uma peça sobre
trabalho, produção e mudança, com o título refletindo sua natureza mutante e a
promessa de uma jornada. Ao entrar na exposição, os visitantes encontraram
uma área coberta por toneladas de areia. Ao longo de quatro dias, esta área de
'praia' foi transformada por escultores de areia em uma paisagem lunar, que
formou um cenário em constante mudança para uma série de projetos de 22
artistas. Todo o processo foi tornado visível com igual importância atribuída à
produção, apresentação e troca de ideias.
Em 2014, Parreno teve uma colaboração única com vários artistas e curadores,
incluindo Tino Sehgal , Liam Gillick , Hans-Ulrich Obrist , Asad Raza e Pierre
Boulez , dos quais também foi curador. A exposição Solaris
Chronicles [19] no LUMA Foundation Arles Campus foi apresentada em duas
fases e examinou, através de uma série de intervenções e projetos artísticos, a
visão criativa do arquiteto Frank Gehry. Centrada em modelos em grande
escala de muitas das obras seminais de Gehry, a mise-en-scène em constante
mudança criada pelos artistas formou uma ponte entre arte e arquitetura,
transformando a relação usual e os processos colaborativos entre as duas
práticas.
Em 2019, Parreno, Arca e Nicolas Becker usaram uma tecnologia musical
generativa chamada Bronze para criar uma nova obra que ocupará o lobby
do MoMA em Nova York por dois anos. 'Echo' é uma obra site-specific
envolvendo som, luz e objetos físicos animados. Descrita pela artista como um
sistema autopoético, a obra vai existir no espaço, respondendo a si mesma e
ao seu entorno indefinidamente.