AtividadesdeArte 8ano

SUMÁRIO
A dança e a arte------------------------------------------- 03-05

A história da arte na dança------------------------------06-10
A dança e seus momentos-------------------------------11-14
Performance-------------------------------------------------15-20
Arte urbana---------------------------------------------------21-28
Arte contemporânea---------------------------------------29-33
Tatuagem e sua história----------------------------------36-39
Diferentes padrões-----------------------------------------40-59
Pinturas corporais------------------------------------------60-66
Músicas-------------------------------------------------------67-78
Danças--------------------------------------------------------79-84
Instrumentos musicais------------------------------------85-89
Artistas famosos -------------------------------------------90-97
Profundidade ----------------------------------------------98-100
Formas geométricas------------------------------------101-118
Artes e os sentimentos --------------------------------119-121
Pontilhismo-----------------------------------------------122-127
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A DANÇA E A ARTE
O que é a arte na dança?
A Arte na Dança é a liberdade de manifestação artística utilizando o corpo para

produzir movimentos ritmados. Para que isso ocorra, é necessário o auxílio de sons
ou de música, e pode ser praticada por jovens, adultos, idosos e crianças de forma
individual ou coletiva.
Porque a dança é uma arte?
A Arte na Dança de forma geral é considerada uma linguagem. Por esse motivo, ela
pode ser considerada como arte porque a sua intenção é expressar alguma
mensagem.
Cada dança, seja em grupo, em dupla ou individual sempre irá buscar uma
mensagem para aqueles que o observam, entenda:
O casal que dança ao som das famosas valsas (como as valsas do compositor
Johann Sebastian Bach) ou até mesmo Bossas Novas brasileiras (como as bossas
do compositor Tom Jobim), querem passar alguma mensagem para aqueles que os
assistem, e essa mensagem pode variar entre: demonstrar a afetividade e o amor
entre os dois, ou demonstrar o talento de forma profissional a uma competição.
(EF69AR09) Pesquisar e analisar diferentes formas de expressão, representação e encenação da

dança, reconhecendo e apreciando composições de dança de artistas e grupos brasileiros e
estrangeiros de diferentes épocas.
Além disso, é importante entender que a Arte geral tem como finalidade a
expressão por meio de algum elemento, seja por um quadro, escultura, grafite, e até
mesmo o corpo.
Essa expressão sempre irá conter temáticas que sejam de fácil compreensão, pode
ser de uma luta como os então conhecidos movimentos artísticos, ou sentimentos
comuns e situações do dia a dia.
Quais elementos inspiram a arte na dança?
Os elementos utilizados para inspirar a arte na dança são:
Movimento corporal – que corresponde às pausas do movimento, transferência de

gesticulação, saltos, voltas, quedas, e elevações.
Espaço – trajeto do corpo do início ao fim da dança. No espaço existem duas

modalidades, a cinesfera e a kinesfera (espaço individual do corpo que se
movimenta) cujo é caracterizado pela extensão, flexão ou agilidade dos membros
superiores, ou inferiores.
Dentro do espaço também possuímos outros elementos que inspiram a narrativa da

arte na dança, como: estudo das direções (cima, baixo, lado, frente, trás e
diagonais), dimensões (pequeno, médio e grande), os níveis (baixo, médio e alto), e
as extensões (perto, médio e longe).
Tempo – podemos caracterizar pelo tempo entre a dança (os movimentos) e a

música, e pelo compasso musical que pode ser lento, demorado ou rápido – varia
também com os instrumentos utilizados.

Exercícios...
1- Segundo o texto lido, o que é a dança na arte?
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2- O que é o movimento corporal na dança da arte?
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3- Por que podemos dizer que a arte é considerado uma forma de linguagem?
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4- Escreva os 3 elementos que inspiram a arte na dança.
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5- Além dos 3 elementos citados na questão anterior, possuímos outros elementos

que inspiram a narrativa da arte na dança, como:
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CONHEÇA A HISTÓRIA DA ARTE NA DANÇA E SUA EVOLUÇÃO
Historiadores dizem que a dança surgiu pelos povos primitivos. O seu ritmo,
coreografia ou expressão de forma livre (improviso) é caracterizada desde as
atividades simples como batidas do coração ao caminhar, até rituais sagrados para
a cultura da época primitiva.
Tipos de dança
Origem
Folclórica ou típica: baião, frevo, catira.
Étnica: tango, fharatanatyam, flamengo.
Cerimoniais: rituais indianas, rituais da Umbanda, rituais xamãs.

Modo
Solo (individual): coreografia de solista no balé, sapateado, samba.
Em dupla: forró, tango, bolero.
Em grupo: quadrilha, street dance, carimbó.
Finalidade
Erótica: poledance, can can, strip-tease.
Cênica ou performática: balé, ópera-balé, dança contemporânea.
Coreografada: casamento, debutantes, fitdance.

Dança primitiva
Com o desenvolvimento do homem, a prática da dança foi ganhando um espaço
como ritual sagrado. O homem dançava pela sobrevivência, dançava para a
natureza, para os astros e em forma de agradecimento.
Não se tem um nome exato para os tipos de danças primitivas, mas segundo as
pinturas rupestres podemos associar os traços com coreografias coletivas.
Danças milenares
As danças milenares começaram a surgir pelo mesmo motivo das danças primitivas:
o ritual.
As principais localidades dessas danças são marcadas por coreografias, ritmos e
até mesmo roupas, que lembram a cultura local. Conheça os países e suas
características:
Egito
As danças no Egito tinham características sagradas, porque todas as coreografias
eram destinadas aos deuses dos egípcios. E para cada um, existia uma dança
diferente e uma interpretação própria contendo simbologias da época.

Uma das danças gregas mais conhecidas é a Zeibekiko. A dança é a expressão
máxima da alma grega, eles traduzem como uma dança cheia de – paixão e
tristeza, de suspiro e desgosto, medos e dores, desespero e amor não realizado.
A dança possui passos típicos do tribal, com ritmos pouco improvisados e é mais
comum a participação somente dos homens, apenas em 1961 as mulheres tiveram
o direito de participar.
Roma
Na civilização Romana, as danças tinham um sentido muito claro: tudo girava em
torno dos Reis, República e Império.
Uma das danças mais conhecidas é a Saliano, que é uma dança guerreira, que era
praticada na primavera e honrava a Marte (o mês do nascimento da primavera).
Na dança eram utilizados escudos sagrados que eram guardados especialmente

para esses eventos, e os passos relembravam a valsa – dança em três tempos.
Idade Média
No período da dança na idade média, a prática sofreu um retrocesso. Porque a arte
usando o corpo como principal meio de expressão, passou a ser considerado algo
profano e imoral.
Portanto, a dança na idade média ainda era de cunho ritualístico. Mas devido à
Guerra dos Cem Anos e as péssimas colheitas, a dança da Idade Média seguiu
tendências que transformou o ritmo e simbolizou a morte no seu sentido mais brutal.
Uma das danças mais conhecidas da Idade Média é a “Carola”, dança da alegria.
Que se tornou uma dança macabra, pois muitas vezes era dançada em cemitérios,
e era traduzida como:
a vida é uma Carola conduzida pela morte”

E transformando a morte num motivo para se viver de acordo com as regras e

dogmas católicos (o medo de ir para o “inferno” comandava as escolhas e as vidas
das pessoas). Dançava-se até para espantar uma epidemia. Nessa época, a única
dança destinada ao espetáculo era a dança dos nobres: as outras danças eram
como rituais.
Exercícios...
1- Como era a dança em Roma?

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2- Escreva o nome de uma dança conhecida no Egito.
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RENASCIMENTO
No período renascentista a dança surge como apreciação da nobreza adquirindo

um aspecto mais social. Com isso, a dança tornou-se mais complexa e passou a ter
grupos que estudavam cada movimento.
Uma das danças mais comuns é o Balé – agora com passos mais elaborados,
repertórios mais abrangentes e específicos que visavam a atividade lúdica, porém
voltava-se ao divertimento.
O uso do termo “Balé”, na época chamava-se de Balleto que significava um
conjunto de passos e ritmos. A moda foi predominante na Itália e se espalhou na
França durante o século XVI.

Romantismo
Todavia o termo romantismo foi totalmente influenciado pelo Balé. A expressão dos
grupos, do casal ou do dançarino ao executar os movimentos, era destinada a
valorizar o homem em conexão com o mundo.
Ou seja, o sentimentalismo exagerado, composições como as de Tchaikovsky

(1840-1893) em Lago dos Cisnes, e o Quebra Nozes marcaram a criação do balé
romântico, e deu ênfase para técnicas mais elaboradas.
Dança moderna
A dança moderna é uma negação ao balé. Nesse estilo, os bailarinos agora

trabalham de forma mais livre, bem menos regrada do que o balé, porém
estruturada de forma completa.

Os movimentos são mais explorados, além da condição física que o dançarino
precisa obter, existem grandes estudos das possibilidades motoras do corpo
humano, como: sentidos, audição, tato, capacidade de criatividade, entre outras
coisas.
Dança contemporânea
A dança contemporânea surgiu em 1960, como uma forma de rompimento da

cultura clássica. Apesar da sua chegada ter sido percebida de imediato, esse estilo
ainda passou por muitas modificações em suas experimentações e inovações,
consolidando-se apenas em 1980.
Apesar do que muitos pensam, não é difícil entender o que é a Dança

Contemporânea, mas é importante destacar que:
Esse estilo representa algo que não é previsível, porém caracteriza o novo, e rompe
aquilo que conhecemos como arte.
A contemporaneidade é evidente nos seus movimentos, pois o objetivo é transmitir
conceitos, ideias e sentimentos, mais do que se preocupar com a estética.
Além disso, a dança contemporânea possui linguagem própria, e ela tem
capacidade de modificar o espaço em que ela é reproduzida.
A maioria dos temas refletem questões da sociedade e da cultura que estão
inseridos. O bailarino tem total liberdade de se movimentar conforme surgirem
ideias ou emoções, pois na dança o corpo é livre e dotado de autonomia.
Outra questão importante é que há uma circulação de energia espontânea: ora os
movimentos são explosivos, ora são recolhidos e silenciosos.

Exercícios....
1- Diferencie a dança moderna da dança contemporânea.
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2- No período do Renascimento, qual dança ficou mais conhecida?
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3- Pesquise sobre o balé hoje em dia e escreva no espaço abaixo. Não se esqueça
de colar uma imagem.
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PERFORMANCE NA ARTE
A performance é uma modalidade artística híbrida, isto é, que pode mesclar diversas
linguagens como teatro, música e artes visuais.
Está relacionada também ao happening e, muitas vezes, os termos são descritos
como sendo a mesma coisa.
Alguns estudiosos dizem que há uma pequena diferença entre os dois tipos de
manifestação artística.
Rest Energy (1980), famosa performance de Marina Abramović e Ulay

A performance seria quando o artista apresenta uma cena em que normalmente

utiliza seu corpo como suporte enquanto os espectadores observam; já no
happening o público costuma participar também da ação.
Etimologicamente, a palavra performance deriva do francês antigo parformance, e
significa "dar forma", "fazer".

Características da arte performática
Linguagem híbrida: mistura elementos do teatro, artes visuais, instalação,

música, entre outros;
Não tem lugar "apropriado" para acontecer: pode ocorrer tanto em museus,
galerias e instituições, quanto em ambiente urbano e/ou público;
Registros da ação podem ocorrer por meio de fotografias e vídeos, mas o
caráter da obra é efêmero, passageiro;
Corpo como instrumento de ação artística.
Origem da performance na arte
No universo das artes, esse tipo de fazer artístico surge a partir da segunda metade
do século XX, em decorrência de desdobramentos da pop art e da arte conceitual
nos anos 60 e 70.
Isso porque a arte contemporânea desponta como uma nova maneira de produzir e
apreciar a arte.
Apresentação dadaísta de Hugo Ball (1916), no Cabaret Voltaire, na Suíça
Contudo, pode-se dizer que a performance tem relações com movimentos

modernistas mais antigos, como o dadaísmo e a Escola de Bauhaus.

Artistas na Performance
Na década de 60, surge na Alemanha o movimento Fluxus, que inicia proposições

performáticas inovadoras. Muitos artistas importantes de diversas partes do mundo
fizeram parte do movimento, alguns deles são:
Joseph Beuys (1921-1986) - alemão

Wolf Vostell (1932-1998) - alemão
Nam June Paik (1932-2006) - sul-coreano
Yoko Ono (1933) - japonesa
I like America and America likes me (1974), de Joseph Beuys, é uma performance
em que o artista fica dias em uma sala com um coiote selvagem
Outros artistas que se destacam na arte da performance são:
Marina Abramović (1946) - sérvia

Chris Burden (1946-2015) - americano
Ana Mendieta (1948-1985) - cubana
Valie Export (1940) - austríaca
https://www.educamaisbrasil.com.br/enem/artes/arte-urbana

Exercícios...
1- O que é performance?
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2- Pesquise sobre os parangolés de Hélio Oiticica (1964).

O que são;
O que eles precisam para se tornarem objetos artísticos?
De onde veio as inspirações para os parangolés?
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PERFORMANCE ARTÍSTICA NO BRASIL

No Brasil, já na década de 50 a arte da performance dava sinais. Isso por conta de

Flávio de Carvalho (1899-1973), precursor do movimento e integrante do
modernismo brasileiro.
New Look (1956), performance de Flávio de Carvalho causou espanto, pois o artista
usava roupa "feminina" publicamente
Mais tarde, com o Grupo Rex (1966-1967), os artistas Wesley Duke Lee (1931-
2010), Geraldo de Barros (1923-1998) e Nelson Leirner (1932) realizam diversas
ações artísticas, dentre elas, performances.
Há ainda outros nomes no Brasil, como Carlos Fajardo (1941), José Resende
(1945), Frederico Nasser (1945), além de Hélio Oiticica (1937-1980).
EF69AR06: Desenvolver processos de criação em artes visuais, com base em temas ou interesses
artísticos, de modo individual, coletivo e colaborativo, fazendo uso de materiais, instrumentos e recursos
convencionais, alternativos e digitais.
Exercícios...
Hélio Oiticica foi um artista performático, pintor e escultor. Sua obra caracteriza-
se por um forte experimentalismo e pela inventividade na busca constante por
fundir arte e vida. Pesquise sobre uma de suas obras, cole uma foto e escreva
sobre ela.
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ARTE URBANA
A Arte Urbana abrange todos os exemplos de manifestações artísticas, tais como
grafites, pinturas, intervenções e apresentações desenvolvidas no espaço urbano,
que se diferem das atitudes de vandalismo.
A preferência pelo espaço público para fazer a demonstração da Arte Urbana tem
como objetivo causar impacto nos espectadores, além de transmitir uma mensagem
revolucionária, que critica a sociedade com ironia. Normalmente, esse tipo de arte
descreve o trabalho de pessoas que desenvolvem um estilo de expressão artística
através do uso de diferentes técnicas alternativas como pôsteres, adesivos, moldes,
murais, spray e outros.
Esse estilo de arte não costuma seguir um padrão estético pré-definido, pois cada
artista possui um propósito individual que estimula a sua criatividade.
Origem da Arte Urbana
Primeiro, a arte de rua surgiu na Grécia Pré-Socrática como uma forma de

manifestação cultural e literária, onde se encontravam os aedos (cantores)
homéricos que cantavam versos e músicas, tentando envolver o público com sua
melodia.
Na Idade Média, ela surgiu com os trovadores, artistas nobres que recitavam versos
e poesias nas festas das cidades e dos palácios para entreter a nobreza com as
histórias cantaroladas.
Posteriormente, a Arte Urbana surgiu em Nova Iorque, Estados Unidos, na década
de 70, com uma característica dinâmica e temporária. Dessa forma, surgiam os
demais estilos de Arte Urbana, partindo da arte escrita, cantada e musical, como o
hip hop que apareceu em meados dos anos 60/70 na cidade de Nova York e Berlim.
Na época, a dança apareceu como uma manifestação política e social, abrindo
espaço para outras movimentações artísticas como os desenhos de rua, as
apresentações teatrais, além das “estátuas vivas”, exemplo de arte possível de se
encontrar nas esquinas das grandes cidades até os dias atuais.
Brasil
No Brasil, os primeiros sinais de Arte Urbana começaram a surgir na década de 70,

mais precisamente na cidade de São Paulo, com as obras de grafite, que eram
feitas nas paredes.
Ironicamente ou não, essas pinturas surgiram em uma época muito conturbada da
história junto com as repressões e censuras causadas pela Ditadura Militar no
Brasil. No início, não existia preocupação estética com as letras, bastava apenas
que elas fossem legíveis a ponto de transmitir a mensagem de insatisfação do povo.
Diante disso, muitas das manifestações de rua surgiram como alternativas de
comunicação, denúncia e até mesmo como fonte de renda para pessoas
marginalizadas que viviam nas periferias do país.
Exercícios...
1- Onde surgiu a arte urbana?
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2- Qual é o objetivo da arte urbana?
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3- Como e onde surgiu a arte urbana no Brasil?
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GRAFITE
O grafite é um tipo de arte urbana caracterizado pela produção de desenhos em

locais públicos como paredes, edifícios, ruas, etc.
É bastante usado como forma de crítica social, e, além disso, é uma maneira de
intervenção direta na cidade, democratizando assim, os espaços públicos.
O termo grafite, de origem italiana graffito - plural graffite - significa “escrita feita com
carvão”.
Origem do Grafite
Se falarmos sobre os primórdios do grafite, teremos que voltar milhares de anos,

quando os homens faziam inscrições nas cavernas. Há exemplos de intervenções
feitas em locais públicos já na época do Império Romano.
Na contemporaneidade, essa manifestação artística está relacionada principalmente
ao hip-hop, movimento cultural que teve início no começo dos anos 70 nos EUA
pelas comunidades latinas, afro-americanas e jamaicanas.
No hip-hop são três as vertentes da arte: rap (música), breakdance (dança) e grafite
(pintura mural).
O bairro novaiorquino do Bronx foi o berço do grafite, onde os primeiros desenhos
foram feitos com tinta spray. Naquela época, os jovens utilizavam a arte nas ruas
como forma de protesto.
Grafite no Brasil
A história do grafite no Brasil surgiu na década de 70, precisamente na cidade de

São Paulo. ELA NASCE numa época conturbada da história do Brasil, em que a
população era silenciada pela censura com a ditadura militar no poder.
Paralelamente ao movimento que despontava em Nova Iorque, o grafite surge no

cenário nacional como uma arte transgressora. A linguagem da rua não pede
licença e grita nas paredes da cidade os incômodos de uma geração.
A partir de então, a arte de grafitar se transforma em um importante veículo de
comunicação urbana e colabora para a existência de outras vozes. Outros sujeitos
históricos e ativos passam a ter a chance de participar artística e politicamente da
cidade.
É importante ressaltar que o grafite, inicialmente, foi uma arte caracterizada pela
autoria anônima. O grafiteiro - ou writter - transformava a cidade em um suporte de
comunicação artística sem delimitação de espaço, mensagem ou mensageiro.
Portanto, a preocupação naquele momento era a arte em si e não o nome de seu
autor. Por esse motivo, os ditos "cânones" são retirados de sua posição central para
dar lugar a uma arte de todos e para todos.
Assim, desde a década de 70, os grafiteiros brasileiros se apropriaram do espaço
público a fim de transmitirem mensagens de cunho político, social, cultural,
humanitário e, sobretudo, artístico.
Um importante nome do grafite no Brasil foi o artista Alex Vallauri (1949-1987),
considerado precursor do movimento no país. Ele utilizou diversos suportes para
estampar sua arte, além dos muros e paredes da cidade. Seus desenhos eram
simples e objetivos em meio ao caos urbano, facilitando a compreensão da
mensagem.
O desenho dessa bota fez história

nos anos 80 no Brasil. Alex Vallauri
é considerado o pioneiro do
movimento do grafite no país
A arte nesse momento, passa a ser não somente vista dentro dos museus ou dos
centros culturais, mas também nas paredes das ruas, nos túneis e nos prédios da
cidade.
Com efeito, o grafite é definido como mais que uma linguagem artística, torna-se
assim, um importante instrumento de protesto e de transgressão dos valores
estabelecidos.
Esse tipo de expressão possibilitou a comunicação entre os moradores da cidade, a

união de muitas culturas que coexistem; em outras palavras, facilitou a fusão entre o
centro e a periferia.
No Brasil, essa arte disseminou-se rapidamente pelo país e, hoje em dia, segundo
estudiosos do tema, o grafite brasileiro é considerado um dos melhores do mundo.
Representantes do grafite
Confira alguns nomes de destaque no cenário do grafite nacional e internacional.
Keith Haring (EUA)
O grafiteiro americano Keith Haring no metrô, anos 80
Artista e ativista americano que nasceu em 1958 na Pensilvânia. Com extensa
produção na década de 80, contribuiu muito para o movimento do grafite.
Declaradamente homossexual, Haring contrai AIDS e faleceu em 1990, com 31
anos.
Banksy (Inglaterra)
Grafite de Banksy em Paris, na França
Banksy é um artista de rua e ativista político que nasceu na Inglaterra em 1974.

Seus trabalhos são geralmente produzidos com a técnica do stencil (molde vazado)
e encontrados na cidade de Bristol, Londres e em várias outras partes do mundo.
A identidade de Banksy é obscura, mas especula-se que seja o músico Robert Del
Naja.
Os Gêmeos (Brasil)
Os irmãos Otávio e Gustavo Pandolfo são conhecidos como "Os Gêmeos".

Nasceram em São Paulo no ano 1974 e começaram a pintar em 1987.
O grafiteiro americano
São muito reconhecidos Keith Haring
no país e também no metrô, anos
internacionalmente, 80 trabalhos nos
tendo
Estados Unidos, Inglaterra, Alemanha, Grécia, Cuba, entre outros lugares.
https://www.todamateria.com.br/grafite-arte-urbana/
Pesquise mais dois artistas do Brasil que se dedicaram ás artes nas ruas com o
grafite. Escreva a bibliografia e cole uma imagem de alguma arte realizada por
cada um deles.
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ARTE CONTEMPORÂNEA – HAPPENING
O termo happening é criado no fim dos anos 1950 pelo americano Allan Kaprow
(1927-2006) para designar uma forma de arte que combina artes visuais e um teatro
sui generis, sem texto nem representação. Nos espetáculos, distintos materiais e
elementos são orquestrados de forma a aproximar o espectador, fazendo-o
participar da cena proposta pelo artista (nesse sentido, o happening se distingue da
performance, na qual não há participação do público). Os eventos apresentam
estrutura flexível, sem começo, meio e fim. As improvisações conduzem a cena -
ritmada pelas ideias de acaso e espontaneidade - em contextos variados como ruas,
antigos lofts, lojas vazias e outros. O happening ocorre em tempo real, como o
teatro e a ópera, mas recusa as convenções artísticas. Não há enredo, apenas
palavras sem sentido literal, assim como não há separação entre o público e o
espetáculo. Do mesmo modo, os "atores" não são profissionais, mas pessoas
comuns.
O happening é gerado na ação e, como tal, não pode ser reproduzido. Seu modelo
primeiro são as rotinas e, com isso, ele borra deliberadamente as fronteiras entre
arte e vida. Nos termos de Kaprow: "Temas, materiais, ações, e associações que
eles evocam devem ser retirados de qualquer lugar menos das artes, seus
derivados e meios". Uma "nova arte concreta", propõe o artista, no lugar da antiga
arte concreta abstrata, enraizada na experiência, na prática e na vida ordinária,
matérias-primas do fazer artístico. De acordo com Kaprow, os happenings são um
desdobramento das assemblages e da arte ambiental, mas ultrapassa-as pela
introdução do movimento e por seu caráter de síntese, espécie de arte total em que
se encontram reunidas diferentes modalidades artísticas - pintura, dança, teatro,
música. A filosofia de John Dewey (1859-1952), sobretudo suas reflexões sobre arte
e experiência, o zen-budismo, o trabalho experimental do músico John Cage, assim
como a action painting do pintor americano Jackson Pollock (1912-1956) são
matrizes fundamentais para a concepção de happening.
EF69AR03: Analisar situações nas quais as linguagens das artes visuais se integram às linguagens
audiovisuais (cinema, animações, vídeos etc.), gráficas (capas de livros, ilustrações de textos diversos
etc.), cenográficas, coreográficas, musicais etc.
John Cage (1912-1992) é o responsável pelo Theater Piece # 1, ou simplesmente "o
evento", realizado no Black Mountain College, na Carolina do Norte, Estados
Unidos, em 1952, considerado o primeiro happening da história da arte. No
espetáculo, M. C. Richards (1916-1999) e o poeta Charles Olson (1910-1970) lêem
poemas nas escadas enquanto David Tudor (1926-1996) improvisa ao piano e
Merce Cunningham (1919-2009) dança em meio à audiência. Pendurada, uma white
painting de Robert Rauschenberg (1925-2008), uma velha vitrola toca discos de
Edith Piaf (1915-1963). Café é servido por quatro rapazes de branco. Cage,
sentado, lê um texto que relaciona música e zen-budismo, algumas vezes em voz
alta, outras, em silêncio. O espetáculo apela simultaneamente aos sentidos da
visão, audição, olfato, paladar e tato, e, além disso, envolve os artistas mencionados
e outros participantes, que interferem, aleatoriamente, na cena. Kaprow inspira-se
no evento de Cage na concepção de seu primeiro espetáculo, 18 Happenings in 6
Parts, em 1958. O músico é um de seus mestres, sobretudo suas ideias de acaso e
indeterminação na arte.
Se o nome de Kaprow associa-se diretamente ao happening, tendo realizado uma
infinidade deles - Garage Environment, 1960, An Apple Shrine, 1960, Chicken, 1962,
entre outros -, é preciso lembrar que, nos Estados Unidos, artistas como Jim Dine
(1935), Claes Oldenburg (1929), Rauschenberg e Roy Lichtenstein (1923-1997)
também realizaram diversos happenings. À lista deve ser acrescentado ainda o
nome do artista lituano Georges Maciunas (1931-1978), radicado nos Estados
Unidos, e o movimento Fluxus, por ele concebido e batizado por ocasião do Festival
Internacional de Música Nova, em Wiesbaden, Alemanha, em 1962. O termo - do
latim, fluxu "movimento" -, originalmente criado para dar título a uma publicação de
arte de vanguarda, passa a caracterizar uma série de performances organizadas por
Maciunas na Europa, entre 1961 e 1963.
Aderem às propostas do Fluxus, entre outros, o músico e artista multimídia Nam
June Paik (1932-2006), e o alemão Joseph Beuys (1921-1986). As performances
concebidas por Beuys - que ele prefere chamar de ações, evitando os nomes
happening ou performance - na Alemanha se particularizam pelas conexões que
estabelecem com um universo mitológico, mágico e espiritual. Nelas chamam
atenção o uso frequente de animais - por exemplo, as lebres em The Chief - Fluxus
Chant, Copenhagen, 1963 -, a ênfase nas ações que conferem sentidos aos objetos
e o uso de sons e ruídos de todos os tipos, num apelo às experiências anteriores à
linguagem articulada e ao reino dos instintos, que os animais representam. Ainda
em solo europeu, é possível lembrar performances realizadas nos anos 1960, por
Yves Klein (1928-1962), na França, e, na trilha da arte povera italiana, os nomes de
Jannis Kounellis (1936) e Vettor Pisani (1934-2011). No Japão, os happenings
adquirem soluções novas com o Grupo Gutai de Osaka, que entre 1954 a 1972
reúne Jiro Yoshihara (1905-1972) e mais quinze artistas.
No Brasil, Flávio de Carvalho (1899-1973) é um pioneiro da performance, realiza
várias a partir de meados dos anos 1950 - por exemplo, a relatada no livro
Experiência nº 2. O Grupo Rex, criado em São Paulo, também realiza uma série de
happenings, como o concebido por Wesley Duke Lee (1931-2010), em 1963, no
João Sebastião Bar. O Grande Espetáculo das Artes, como é chamado o evento,
tem origem na irritação do artista por não conseguir expor a série Ligas, considerada
excessivamente erótica. O happening tem como eixo uma atitude de rechaço à
crítica e às galerias de arte. O chamado neo-realismo carioca - Antonio Dias (1944),
Rubens Gerchman (1942-2008), Carlos Vergara (1941), Pedro Escosteguy (1916-
1989) e Roberto Magalhães (1940) - envolve-se com o espetáculo e exposição
coletiva PARE, em 1966. O evento, comandado pelo crítico Mário Pedrosa (1900-
1981) e inspirado nos programas de auditório do Chacrinha, é considerado por
certos comentaristas como o primeiro happening no Brasil. Da década de 1980,
devem ser mencionadas as Eletro-performances, espetáculos multimídia concebidos
por Guto Lacaz (1948).
https://enciclopedia.itaucultural.org.br/termo3647/happening
Exercícios...
1- Diferencie o happening de performance:
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2- Defina as imagens em: performance x happening.
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DATA: ____/____/____
BODY ART
A Body Art (arte do corpo) é uma tendência artística contemporânea que surgiu na
década de 60, nos Estados Unidos e na Europa.
Sua principal caraterística é o uso do corpo como suporte e intervenção para a

realização do trabalho artístico.
Dessa maneira, o corpo humano (seja do artista ou de um modelo) passa a ser a
“tela” (daí aproximação com a “body paint”, ou pintura corporal), bem como o
comunicador de ideias, ou seja, o mais importante veículo em que o artista vai
explorar sua "obra viva".
Exemplo de Body Art em que a pintura é feita sobre o corpo
Para muitos estudiosos sobre o tema, a body art é uma vertente da arte
contemporânea e seu precursor foi Marcel Duchamp (1887-1968) ao questionar os
limites do conceito e o modo de fazer arte, dando início a reflexão sobre a "arte
conceitual" bem como a relação do sujeito com o mundo.
Dessa forma, os artistas contemporâneos ultrapassam os limites da tela e do
conceito de arte ao propor uma nova forma de expressão artística em detrimento
das tradicionais pinturas e esculturas.
Principais Características da Body Art
Corpo Humano como suporte e experimentação artística;

Materialidade e resistência do corpo;
Relações entre arte e a vida cotidiana;
Arte como forma de protesto;
Choque do espectador;
Uso de performances, videoartes e instalações;
Temática livre de preconceito (cultura do corpo, sexualidade, nudez,etc.);
Tatuagens, maquiagens, deformações, travestimento, mutilações,
escarificações, queimaduras, implantes e ferimentos.
Evolução da Body Art
Se pensarmos na arte de pintar o corpo, constata-se que esse processo é tão antigo
quanto a cultura humana.
Em sociedades primitivas era comum utilizar tintas para cobrir o corpo com sinais
que, muitas vezes, ultrapassavam a questão de “adornar”. Isso porque em algumas
culturas, os traços que cada um carregava simbolizavam hierarquia, celebrações,
passagem de ciclo, etc.
Foi dessa forma que a arte do corpo ou a body art surgiu, primeiramente como ritual
religioso ou marca cultural para designar determinada pessoa no grupo e, mais
tarde, como forma artística propriamente dita.
Dessa maneira, a body arte passou por diversas transformações até chegar no
século XXI como uma das tendências mais exploradas, tal qual a tatuagem.
Em resumo, antes ela surgia como uma necessidade de cultivar a crença e os
rituais, e atualmente, como forma de explorar artisticamente a mais importante
identidade humana: o corpo.
Principais Autores e Obras da Body Art
Artistas contemporâneos que merecem destaque com trabalhos de body art são:
Marina Abramovic, Ana Mendieta, Eva Hesse, Bob Flanagan, Viennois Gunter,
Chris Burden, Gina Pane, Dennis Oppenheim, Urs Luthi, Michel Journiac, Youri
Messen-Jaschin e Stuart Brisley.
Podemos listar como principais artistas nessa vertente:
1. Yves Klein (1928-1962)

Artista francês e um dos precursores da body art., Yves Klein é conhecido por
utilizar corpos femininos como suporte para sua arte, tal qual pincéis vivos.
Resultado final do trabalho Antropometria, de Yves Klein
Uma de suas performances mais famosas foi utilizar modelos cobertas por tinta
azul e, de forma que as arrastava elas formavam manchas na tela. Essa técnica foi
denominada de “Antropometria” ou “Medições visuais do corpo humano”.
2. Bruce Nauman (1941-)

Artista contemporâneo estadunidense, Nauman é famoso por suas performances e
instalações com neon, fotografias e vídeos.
Segundo ele: “Quero usar o meu corpo como material e manipulá-lo”. Uma de suas
obras em que utiliza seu corpo como forma de expressão é a “Fonte Refluxo”,
performance realizada em 1966, na qual ele cospe jatos de água pela boca em
movimentos repetitivos.
3. Vito Acconci (1940-2017)

Vito é estadunidense e destaca-se por suas performances como o “RubbingPiece”
(1970), em português “Esfregando a peça”, em que ele esfrega seu braço até surgir
uma ferida ou “Trappings” (1961), em português “Armadilhas”, em que ele passa
horas conversando com seu pênis e colocando roupas de bonecas.
4. Piero Manzoni (1933-1963)
Artista italiano considerado um dos mais radicais de da body art e famoso por sua
obra “Merded'artista” ou “Merda de Artista” (1961), formada por 90 latas contendo
suas próprias fezes.
Sua série "Esculturas vivas" também é marcante na body art, na qual assinava seu
nome em corpos de pessoas, para lhes conferir o status de arte.
5. Rudolf Schwarzkogler (1940-1969)

Rudolf é austríaco e se destacou por suas obras sinistras e mórbidas de forte
conotação política.
Foi participante do grupo de “Arte e Revolução” dos acionistas vienenses, ao lado
de Herman Nitsch, Otto Mühl e Günter Brus, formado em Viena entre 1965 e 1970.
Sob o lema da liberdade artística, o grupo foi considerado extremista no tocante à
atuação de performances.
https://www.todamateria.com.br/body-art/

Exercícios...
1- Quais são as principais características do Body Art?
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2- Como surgiu o Body Art?

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3- Onde surgiu o Body Art?
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NOVA ZELÂNDIA TATUAGEM FACIAL
“A modificação corporal é um legado social, cultural, político, artístico, logo, histórico

da humanidade. Um patrimônio efêmero, um legado precioso e sagrado.”
Manifesto Freak
Gostem ou não, as modificações corporais fazem parte de um rico, complexo e

extenso histórico da cultura humana. Em diferentes espaços e tempos a arqueologia
e antropologia têm nos mostrado a incidência de técnicas de se alterar o corpo.
Todavia, no século XXI existe uma resistência – muitas vezes violenta – na
aceitação dessas práticas. Em alguns espaços mais do que em outros. Em alguns
espaços o impedimento de acesso ao mercado de trabalho e em outros a prisão.
Quando falamos em cárcere, não pensem que estamos falando apenas do oriente
médio, como recentemente publicamos AQUI. O que temos assistido na Inglaterra
nos últimos anos com perseguições e prisões reforça a ideia de que no ocidente,
embora o discurso seja um, a prática tem sido outra. E precisamos estar atentas à
isso.
Desafiando essa resistência manifesta no controle de corpos e subjetividades, Oriini
Kaipara da Nova Zelândia se tornou a primeira apresentadora de televisão com uma
tatuagem facial bastante visível, na região do queixo. Aos 35 anos, ela vive em
Auckland e trabalha na TVNZ.
Oriini é uma mulher maori, em 2017 realizou um exame de DNA que apontou que
seu sangue seja 100% maori. A tatuagem – inclusive facial – é parte da cultura
maori e inclusive grande referência para a tatuagem internacional. Segundo aponta
matéria na Hypeness, foi assim que em 2019 a apresentadora decidiu realizar o seu
sonho de fazer uma tatuagem moko kauae.
O moko kauae que é uma tatuagem na região do queixo é uma tradição entre as
mulheres maoris, relacionada com a manifestação física da verdadeira identidade.
(EF69AR31) Relacionar as práticas artísticas às diferentes dimensões da vida social, cultural, política,
histórica, econômica, estética e ética.
Quando a ideia foi levada para emissora, Oriini não teve problemas, mas conta em
entrevistas que nem todo público aprovou. Ainda, em entrevista para o NZ Herald, a
apresentadora disse que:
“Eu fiz o meu melhor e é tudo que eu queria. Não se trata apenas de mim, mas de
aproveitar e abrir oportunidades para os usuários de moko, para os Maori – não
quero que isso seja uma maravilha de uma pessoa só”.
http://www.frrrkguys.com.br/nova-zelandia-tem-apresentadora-de-tv-com-tatuagem-
facial/
Tatuagens faciais: um pouco de história
Embora existam muitas, muitas culturas em que as tatuagens faciais são uma
tradição e, claro, não estão relacionadas a nenhum tabu, iremos destacar dois, o
Maori e o Nomlaki.
Os Maori, habitantes da Nova Zelândia, têm uma tradição muito rica em

tatuagens faciais. Os homens, por exemplo, costumavam usar tatuagens
personalizadas com desenhos espirais intrincados, enquanto as mulheres se
limitavam a tatuar o queixo. Essas tatuagens mostravam o orgulho de seus
portadores pelos ancestrais e eram feitas cortando a pele e adicionando tinta à
ferida.
Os Nomlaki, uma tribo da Carolina, são tão apaixonados por seus tatuadores que
até formam uma sociedade secretaTão secreto que se seus membros revelassem
alguns de seus segredos, corria o risco de ser assassinado. As tatuagens Nomlaki
eram comuns entre homens e mulheres e também consistiam em uma série de
cortes, especialmente com desenhos que iam do queixo para baixo.
A origem do tabu nessas tatuagens
Relacionadas a criminosos e à vida ruim em geral, as tatuagens faciais são um

símbolo bastante tabu no Ocidente, embora ultimamente muito mais aceita, como
veremos a seguir.
A origem desse tabu parece estar na década de 80, quando se tornou uma prática
comum entre os criminosos, que tatuavam áreas como rosto ou pescoço para
intimidar muito. No entanto, como mencionamos, esses tipos de tatuagens estão se
tornando cada vez mais populares e aceitos devido a vários motivos., como o fato
de culturas como o hip hop serem cada vez mais populares ou a abertura da
sociedade em relação às tatuagens em geral.
https://www.tatuantes.com/pt/tatuagens-faciais/
Exercícios...
1- Você conhece alguém que tenha tatuagem? Se sim, quem?
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2- Segundo o texto, o que é moko kauae?

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3- Na cultura do Maori os homens costumavam usar que tipo de tatuagem?
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4-Por que você acha que em alguns lugares as tatuagens ainda são mal vistas?
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DATA: ____/____/____
DIFERENTES TIPOS DE PADRÕES

IRÃ: O PAÍS OBCECADO PELO NARIZ PERFEITO

Ana Cárdenes e Artemis Razmipour. Teerã, 17 out (EFE).- Com sete vezes mais
operações de rinoplastia por ano do que os Estados Unidos, o Irã é, possivelmente,
o país com maior avidez por estes "retoques" cirúrgicos, uma obsessão que leva
mais de 200 mil pessoas a passarem anualmente pela sala de cirurgia na busca
pelo nariz perfeito. "O nariz do iraniano é muito grande e influi muito na aparência,
por isso sou totalmente a favor das pessoas que operam", afirmou à Agência Efe
Parvane, uma mulher de 55 anos que modificou sua aparência há três décadas.
Sua opinião é compartilhada por milhares de mulheres, mas também por homens,
que cada vez mais recorrem aos especialistas buscando um rosto que se aproxime
ao seu ideal de beleza. A cirurgia é tão bem vista no país que a pessoa que faz não
apenas a exibe, como mostra com orgulho o nariz enfaixado durante as semanas de
recuperação sem qualquer complexo. Em algumas regiões do Teerã é praticamente
impossível passar o dia sem cruzar com uma ou várias pessoas com o nariz coberto
por gaze. Nasi, de 34 anos, e que operou aos 21, acredita que o motivo para tantas
iranianas operarem o nariz se deve em parte ao uso obrigatório do hiyab, o véu
islâmico, que lhes obriga a cobrir o corpo e o cabelo nos espaços públicos. "Aqui,
somente o rosto das mulheres aparece, por isso damos tanta importância ao rosto.
Talvez se pudéssemos nos vestir como em outros países, sem nos cobrirmos, não
nos centraríamos tanto no nariz", opinou. A influência das amizades, em uma
sociedade que valoriza enormemente a beleza, tem também um grande efeito,
principalmente, nas mais jovens. "Eu fiz minha operação aos 18 anos porque tinha
um nariz grande e feio. Para mim, a aparência e o bem-estar são muito importantes.
Além do mais, todo mundo aqui se opera. 99% das minhas amigas têm o nariz
operado", disse Mina, de 29 anos. A exigência de ter um nariz "perfeito" está
chegando aos homens, que agora já representam 15% dos que buscam a solução
no bisturi. Hossein, de 40 anos, que operou "por desvio de septo nasal e também
por estética", está convencido de que "o nariz dos iranianos é geneticamente
problemático" e não gosta do seu rosto, embora reconheça que "muita gente que
não precisa também opera não por ter um nariz feio, mas por querer que seja
perfeito". "Ter um bonito nariz influencia muito na aparência e te dá muita
autoconfiança para se relacionar com sexo oposto", acrescentou. Mohsen Naragui,
médico presidente da Associação de Pesquisa de Rinologia do Irã, atuante na área
há mais de 20 anos e responsável por mais de três mil procedimentos, descarta
alguns destes argumentos. "A grande procura por essa intervenção é uma questão
cultural e não se deve às características físicas. O nariz do povo iraniano é mais
correto do que o de outros povos árabes, mas aqui há muito mais operações",
explicou o médico à Agência Efe. Segundo o médico, as mulheres iranianas se
preocupam muito com a estética e isso está presente na cultura iraniana antiga.
"Não é algo que esteja relacionado apenas ao nariz, mas a todo o corpo. Também
aumentaram muito os pedidos de aplicação de botox, tratamentos
rejuvenescedores, o aumento do volume do rosto e procedimentos para esconder
rugas", contou. De acordo com um recente estudo da associação, além da altíssima
procura por cirurgias, outra diferença do Irã para outros países é o grande número
de pacientes que querem operar sem necessidade. "Metade das pessoas que vêm
ao meu consultório pedindo para operar o nariz não precisa. Muitas mulheres
jovens, algumas de 15 anos, vêm pedindo uma rinoplastia e é necessário que os
profissionais sejamos honestos e questionemos sua decisão", afirmou Naragui.
Essa "falsa necessidade" se deve em grande parte ao estímulo social para que
realizem a operação, mas também por não conhecerem os padrões de beleza e
acreditarem, por exemplo, que um nariz menor é mais bonito. "A beleza vem da
naturalidade, da harmonia com o restante do rosto", explicou o médico,
acrescentando que outros problemas são as expectativas irreais dos pacientes, que
às vezes acham que a operação vai mudar a vida deles, ou a falta de consciência
do risco que representa esta intervenção cirúrgica. Seus argumentos, contudo, não
conseguem convencer os milhares de iranianos que a cada ano, por um preço que
varia entre o equivalente a R$ 2.400 e R$ 24.000, procuram as clínicas e centros
estéticos em busca de um nariz que julgam perfeito.
https://noticias.r7.com/saude/ira-o-pais-obcecado-pelo-nariz-perfeito-17102014
ÍNDIA PIERCINGS, TATUAGENS
As mulheres indianas normalmente usam saris coloridos, se pintam com henna,

usam piercings dourados no nariz e o famoso terceiro olho, tudo isso para
simbolizar feminilidade e também status – sempre relacionado aos
maridos.tradicionalmente, ser uma mulher magra não era atrativo nem considerado
saudável na Índia, mas recentemente os padrões ocidentais invadem o país e a
magreza já é um padrão para as mulheres indianas mais jovens.
MAURITÂNIA FAZENDAS PARA ENGORDAR MULHERES
Os homens africanos da Mauritânia, consideram que o padrão ideal de beleza

feminino são mulheres grandes, por isso, até hoje ainda existem tipos de fazendas
para engordar as mulheres, totalmente o oposto das academias que estamos
acostumadas. Embora essa prática já esteja morrendo aos poucos, ainda existem
meninas a partir de 7 anos sendo tiradas das escolas para serem levadas para as
fazendas. E dizem que é bem como você está imaginando: elas são forçadas a
comer coisas “engordantes” durante todo o dia.
MIANMAR PESCOÇOS LONGOS
No país asiático, e também no norte da Tailândia onde muitos imigrantes do país

vivem, é muito comum encontrar as mulheres da tribo Karenis, conhecidas por
alongar o pescoço com argolas de metal, que forçam os ombros para baixo e
deixam o pescoço das mulheres muito mais comprido. É um ritual agressivo, que
começa com meninas aos 5 anos de idade e, por causa das argolas, causa diversos
danos, como os músculos do pescoço não suportarem mais o peso da cabeça.
Ainda existe, mas está cada vez menos comum.
https://nosquebrilhamos.blogspot.com/2017/11/diferentes-tipos-de-padrao-de-
beleza-no.html

Exercícios...
1- A tatuagem tem se tornando algo comum, o que influencia positivamente se

comparado a décadas anteriores. Mas, no mercado de trabalho, o tipo de arte e o
local ainda interferem durante o processo seletivo ou para quem já é contratado.
Pensando nisso, faça uma pesquisa sobre as tatuagens e o preconceito durante as

contratações em alguns empregos. Há alguma lei que ampara as pessoas
tatuadas?
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2- Veja uma entrevista feita com uma jovem chamada Danielle.
"Para evitar constrangimentos

Foi para evitar esse tipo de constrangimento e mesmo aquele olhar enviesado que a
assessora de imprensa Danielle Pessanha optou por camuflar as 12 tatuagens que
tem espalhadas pelo corpo. Ela trabalha na Associação Comercial de São Paulo
(ACSP), uma das mais tradicionais associações do País, e atende diretamente o
presidente da entidade, além de conviver com muitos diretores e convidados
extremamente conservadores. “Achei por bem esconder as minhas tatuagens. Não
que alguém tenha me pedido ou por achar que isso atrapalharia minha função, mas
simplesmente por considerar que, por ser um local mais formal, elas poderiam
chamar mais atenção do que o meu trabalho”, diz ela. Apaixonada por tatuagens,
Danielle conta que cada desenho tem alguma relação com a sua vida. A primeira foi
uma borboleta, quando ela ainda tinha 16 anos. “Representou a minha
independência e liberdade. Eu trabalho desde os 13 anos, mas foi com 16 que
consegui de fato me manter com meu salário, sem precisar mais pedir ajuda aos
meus pais.” A borboleta ganhou a companhia de outras 11 ao longo dos últimos 11
anos. A mais recente – e que ela garante ser a última, embora tenha feito a mesma
promessa para a mãe quando chegou na sexta – é a mão de Fátima no antebraço,
que ela esconde usando sempre camisas de manga longa ou um blazer nas horas
de encontros com o chefe.
Camuflando desenhos com pulseiras
“As do pulso camuflo com o relógio e pulseiras. As da batata da perna são ajudadas
pelo fato de eu sempre usar calças compridas ou vestidos longos. As únicas que
ficam visíveis são as do peito do pé. Mas ali também, quase ninguém presta
atenção”, garante a jornalista.
Na opinião de Karpat, esconder pode ser a melhor opção em um ambiente como
esse, bastante conservador. “Normalmente em áreas administrativas é mais
incomum ver pessoas ostentando a tatuagem, mas não quer dizer que ela não
exista. Ela pode estar ali, escondida por trás da camisa ou do vestido. Mas são
nesses ambientes em que existe mais preconceito, não uma política de Recursos
Humanos que proíba tatuagem visível”, diz.
Diversidade deve ser valorizada
Opinião semelhante tem o sócio da Odgers Berndtson Brasil, João Paulo Camargo.
“Vivemos no mundo onde a diversidade é valorizada e o tema tatuagem deixou há
muito de ser tabu. Ter o corpo desenhado não vai excluir um executivo de uma
vaga, por exemplo, ou dificultar futuras promoções. Ainda assim, em uma entrevista
inicial, acho recomendável esconder o desenho se for muito grande para evitar ser
vítima de preconceito. Pois de modo geral, as empresas não escolhem um ou outro
candidato pela aparência, mas pela competência. Porém, o preconceito existe e é
melhor não arriscar”, diz o executivo, cuja consultoria tem justamente a função de
ajudar as empresas na busca pelos melhores executivos – com ou sem tatuagens.
Ele recomenda ainda, que numa entrevista inicial o candidato estude a empresa
para saber qual é a cultura corporativa e optar pelo melhor posicionamento. “Estudar
a empresa deveria ser uma prática adotada por todo candidato a emprego. Isso
evita gafes e ajuda até na entrevista, pois a pessoa está mais preparada por
entender o que a empresa procura e como se portar para se sair bem. A partir disso
já é possível decidir se vale ou não a pena deixar a tatuagem à vista. Esconder,
nesse caso, não é má-fé, mas uma adequação ao ambiente.”
Na sua opinião, a tatuagem deve ser um requisito para contratação? Explique sua
opinião.
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3- Faça você uma pesquisa de entrevistas de pessoas que sofreram problemas em

contratação devida tatuagens.
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DATA: ____/____/____
ALBERTO GIACOMETTI
"Artista plástico, escultor e pintor suíço nascido em Borgonovo, bem perto da
fronteira com a Itália, o mais famoso nome dentre os escultores surrealistas, criador
de uma obra plástica que percorreu a escultura, a pintura e a cenografia, sempre
mais próximo dos cubistas e dos pós-cubistas. Filho de um pintor pós-
impressionista, Giovanni Giacometti, que o estimulou em sua inclinação para as
artes e o matriculou na Escola de Artes e Ofícios de Genebra. Mudou-se para Paris
(1922) onde estudou cerca de cinco anos com Émile-Antoine Bourdelle. A
semelhança com objetos reais desapareceu de sua obra (1925-1929).
No início da década seguinte acabou por adotar uma estética surrealista e passou a
idealizar suas esculturas-objetos. Rompeu com o surrealismo (1935) e começou a
se concentrar em obras baseadas em modelos humanos. Durante a Segunda
Guerra Mundial, refugiou-se e conheceu sua futura esposa com quem se casariam
(1949), e seguiria a fase mais produtiva de sua carreira. Depois da guerra (1947),
adotou um estilo que o tornou famoso, de figuras magras, alongadas e afiladas, e
esculpindo a maioria das obras dessa fase em miniaturas. Também escreveu
versos, e passou a dedicar-se também à pintura (1947).
Entre um trabalho e outro, recebeu o grande prêmio para escultores na bienal de

Veneza (1962) e morreu de uma doença cardíaca, em Chur, França. Entre suas
criações mais conhecidas figuram Torso (1925), A Mulher-colher (1926), Objeto
desagradável (1932), Mulher com sua garganta cortada (1932), O palácio às quatro
da manhã (1932), Nariz (1947), Homem Caminhando (1947), O Cão (1951), Grande
Mulher IV, Figura Alta II e Figura Alta III (1960)."
https://brasilescola.uol.com.br/biografia/alberto-giacometti.htm
Exercícios...
Cole uma imagem de uma das obras do Alberto Giacometti:
NOME:___________________________________
DATA: ____/____/____
EDGAR DEGAS
Edgar Degas (1834-1917) foi um pintor impressionista francês, consagrado por suas
pinturas femininas, sobretudo pela série das bailarinas e também pelo efeito de
movimento retratado em suas obras.
Edgar Degas, nome artístico de Hilaire-Germain-Edgar Degas, nasceu em Paris,
França, no dia 19 de julho de 1834. Filho e neto de banqueiros, Degas ficou órfão de
mãe com 13 anos de idade.
Revelou uma inclinação precoce para as artes plásticas. Ainda menino
acompanhava o pai aos salões do Louvre e visitava as coleções particulares de
pintura da classe alta parisiense.
Formação
Em 1845 Degas foi matriculado no Liceu Louis-le-Grand, onde completou o colegial.
Dedicado ao desenho e à pintura, abriu um estúdio na residência da família.
Apesar do gosto pelas artes, em 1852, ingressou no curso de Direito, seguindo a
tradição das famílias burguesas, mas dois anos depois, com permissão do seu pai,
abandonou o curso para se dedicar exclusivamente à pintura.
Frequentou o ateliê de Felix Joseph Barrias. Estudou com Louis Lamothe, discípulo
de Ingres, e em 1855 conheceu pessoalmente o pintor Jean Auguste Ingres, que o
aconselhou a explorar as linhas em suas telas.
Edgar Degas realizou três viagens à Itália, se empenhando no estudo do
Renascimento italiano, quando esteve em Roma, Nápoles, Assis e Florença, onde
ele visitou seus tios e primos, os Bellelli, em 1958.
Nesse mesmo ano, ele iniciou a tela A Família Bellelli, onde retratou suas primas,
sua tia Laura e seu tio Genaro. A obra só foi concluída em 1867.
A Família Bellelli (1867)
Em 1862, Degas retornou à Paris, ano em que conheceu Édouard Manet que o
aproximou do grupo de artistas que mais tarde seria conhecido como
“Impressionistas”, com quem viria a expor em diversas ocasiões.
Ainda na década de 60, Degas iniciou uma série de retratos, principalmente de
músicos que se apresentavam na casa de seu pai. Em uma visita à casa de amigos,
na Normandia, começou a se interessar pela pintura de cavalos e passava horas no
hipódromo de Longchamp.
Em 1870, quando a França entrou em guerra com a Prússia, Degas alistou-se na
Guarda Nacional. Nessa época seus problemas de visão se agravaram, o que o
atormentou pelo resto da vida.
De volta à Paris, em 1872, passou a frequentar as apresentações do balé da Ópera
de Paris, inclusive os ensaios, época em que iniciou a pintura da série de bailarinas.
Interessado, sobretudo, pelo traço e pelo sentido de movimento, suas imagens são
sempre cortadas nas bordas dos quadros, como se fosse uma foto mal enquadrada.
São desse período:
Em 1862, Degas retornou à Paris, ano em que conheceu Édouard Manet que o
aproximou do grupo de artistas que mais tarde seria conhecido como
“Impressionistas”, com quem viria a expor em diversas ocasiões.
Ainda na década de 60, Degas iniciou uma série de retratos, principalmente de
músicos que se apresentavam na casa de seu pai. Em uma visita à casa de amigos,
na Normandia, começou a se interessar pela pintura de cavalos e passava horas no
hipódromo de Longchamp.
Em 1870, quando a França entrou em guerra com a Prússia, Degas alistou-se na
Guarda Nacional. Nessa época seus problemas de visão se agravaram, o que o
atormentou pelo resto da vida.
De volta à Paris, em 1872, passou a frequentar as apresentações do balé da Ópera
de Paris, inclusive os ensaios, época em que iniciou a pintura da série de bailarinas.
Interessado, sobretudo, pelo traço e pelo sentido de movimento, suas imagens são
sempre cortadas nas bordas dos quadros, como se fosse uma foto mal enquadrada.
São desse período:
Os Bastidores da Dança (1872)
Aula de Dança (1874)
Degas, diferente dos outros artistas, não era adepto da pintura ao ar livre, preferia
produzir no estúdio. Entre os 39 expositores estavam Monet, Renoir, Paul Cézanne
e Camille Pissarro. Degas participou de sete das oito exposições do grupo.
Edgar Degas era um homem tímido o que dificultava sua vida social. Com uma
língua ferina recebeu o apelido de urso, animal cuja aproximação era perigosa.
Em 1876, sua obra assumiu um caráter marcadamente social, pela influência dos
escritos de Émile Zola e Octave Mirbeau. É dessa época O Absinto.
Em seu estúdio, mesmo em desordem, poucos tinham permissão para entrar, além
dos modelos e marchands. Na década de 80, com a visão bastante comprometida,
sua pintura passou a ter menos detalhes e trabalhava mais com o tom pastel.
Em 1881 expôs sua primeira escultura, representando uma pequena bailarina.
Produziu uma série de 73 bailarinas em bronze. Produziu também os 10 famosos
pastéis da série de nus femininos, expostos o 8.º Salão dos Independentes em
1886.
Em 1912, quase cego e com a saúde debilitada, viu seu estúdio, que ocupou
durante 23 anos, ser expropriado. Apesar de suas telas terem atingido altos preços
em um leilão, Degas se ressentia pela falta de dinheiro. Depressivo, passou seus
últimos dias na solidão, ou na companhia de poucos amigos.
Edgar Degas faleceu em Paris, França, no dia 27 de setembro de 1917.
https://www.ebiografia.com/edgar_degas/

Exercício...
1- (UEL) Analise a figura e leia o texto a seguir.

Para Edgar Degas, o artista não é um simples receptor, uma tela sobre a qual se
projeta uma imagem, ele é um ser empenhado em captar a realidade, em se
apropriar do espaço. Em seus quadros, alguns temas se repetem: os gestos
rítmicos das bailarinas e as mulheres executando movimentos cotidianos, como
pentear-se ou banhar-se.
(Adaptado de: ARGAN, J. C. História da Arte Moderna. São Paulo: Companhia das
Letras, 1992. p.104-109.)
Com base na figura, no texto e nos conhecimentos sobre o Impressionismo,

considere as afirmativas a seguir.
I. Os impressionistas eram unânimes em relação à compreensão da sensação

visual como fenômeno mental.
II. Monet promovia a dissolução visual do mundo em suas telas e Degas voltou-se
para um desenho que estrutura a ação no espaço.
III. Degas recorreu, sem preconceitos, à fotografia, e isso é perceptível em seus

desenhos e pinturas, sobretudo pelos enquadramentos.
IV. Em Mulher penteando seu cabelo, nota-se a pose complexa, o movimento

suspenso capturado em uma etapa do esforço físico e a tensão formulada por linhas
e manchas.
Assinale a alternativa correta.
( ) Somente as afirmativas I e II são corretas.
( ) Somente as afirmativas I e IV são corretas.
( ) Somente as afirmativas III e IV são corretas.
( ) Somente as afirmativas I, II e III são corretas.
( ) Somente as afirmativas II, III e IV são corretas.
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OS DIFERENTES PADRÕES DE BELEZA
1- Como estudamos, em vários lugares há padrões diferentes de beleza. E, existe

uma cobrança social do "padrão perfeito". Pensando nisso, produza um texto
expondo sua opinião sobre o "padrão perfeito".
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O QUE É PADRÃO DE BELEZA?

Padrão de beleza é uma expressão usada para caracterizar um modelo de beleza

que é considerado "ideal" em uma sociedade.
O padrão de beleza na história
Mesmo antes de ter esse nome, os padrões de beleza sempre existiram ao longo
da história e se modificaram com o passar do tempo. Podemos observar isso, por
exemplo, ao reparar como eram roupas, penteados e maquiagens mais usados em
uma determinada época.
O padrão de beleza também é diferente em cada país ou região. Por exemplo, o
padrão de beleza da cultura ocidental é diferente da cultura oriental. Entretanto,
ndependente do padão de beleza específico de determinada sociedade, a existência
de padrões estéticos considerados ideais faz parte de todas as culturas.
Exemplos de padrão de beleza

Veja alguns exemplos dos diferentes padrões de beleza ao longo da história:
O padrão de beleza e a mídia
O papel da mídia como grande responsável por propagar os conceitos de padrão de
beleza, também é muito discutido.
A televisão e o cinema, por exemplo, ajudaram a construir a ideia de um
determinado padrão ideal associado à beleza. Atualmente, as redes sociais também
têm grande influência na difusão destes padrões..
Mídia e mercado da beleza
O reforço de ideias padronizadas sobre o conceito de beleza também é utilizado

para fazer a divulgação de produtos ou serviços comercializados pela indústria da
beleza.
Alguns exemplos são os produtos específicos para perda de peso, surgimento de

procedimentos estéticos, cosméticos, academias e treinamentos físicos.
As críticas sobre os padrões de beleza.
Uma das principais críticas sobre estes modelos é que a definição de um padrão
estético não incentiva o respeito às diferenças. Além disso, também pode dificultar a
percepção de que a beleza é um conceito subjetivo, plural e diverso.
A existência de um único padrão - socialmente aceito e preestabelecido - define que
somente um determinado tipo deve ser considerado esteticamente bonito ou
aceitável.
Além disso, os padrões podem fortalecer a existência de estereótipos, ou seja,
ideias estritas a respeito do que é socialmente aceito como bonito.
As críticas aos padrões também envolvem o questionamento sobre a forma de
definição do padrão, já que é uma visão restrita, que não engloba os diferentes tipos
de pessoas, cada uma com sua própria beleza.
Como consequência, é comum que pessoas que não se enquadrem no padrão
predeterminado sintam-se tristes e com baixa autoestima por estarem "fora dos
padrões".
O conceito de beleza
As percepções sobre o que é "belo ou feio" são subjetivas e variam de pessoa para
pessoa, assim como mudam conforme as culturas, países ou momentos históricos.
A adoção de um único conceito de beleza, além de ser restritiva, pode reforçar

sentimentos de desprezo e preconceito em relação a todas as formas de
apresentação estética que sejam diferentes que foi escolhido e determinado como
belo.
O padrão de beleza e suas consequências
A imposição de um padrão de beleza pode trazer inúmeras consequências, desde

problemas de autoestima até o desenvolvimento de distúrbios relacionados à
autoimagem.
O desenvolvimento de transtornos alimentares também é uma consequência comum
e perigosa da imposição do padrão de beleza. A obsessão para chegar a um padrão
de perfeição inatingível, pode até mesmo colocar sua saúde em risco.
O aumento do número de intervenções cirúrgicas e de procedimentos estéticos
também é uma consequência bastante visível da imposição dos padrões de beleza.
Transtornos alimentares
Conforme dados do Instituto Nacional de Saúde Mental dos Estados Unidos,
aproximadamente 70 milhões de pessoas desenvolvem algum tipo de transtorno
alimentar durante a vida. As mulheres são a maioria desse índice e correspondem a
cerca de 85% dos casos. Anorexia e bulimia são dois dos transtornos com maior
ocorrência.
Na anorexia, a pessoa desenvolve uma espécie de obsessão pela perda de peso e

pode utilizar diversos métodos pouco saudáveis para emagrecer, além de passar
muitas horas sem se alimentar.
Na anorexia, é comum que as pessoas tenham uma distorção de sua autoimagem,
enxergando-se maior ou mais pesadas do que realmente são.
Na bulimia, é comum que ocorra a ingestão de excesso de comida, alternada com

episódios de vômitos provocados. O processo cíclico ocorre para alimentar o desejo
de evitar o ganho de peso.
Existem ainda outros distúrbios, como a vigorexia (alteração da autoimagem) e a

ortorexia (obsessão por alimentação saudável).
Pesquisa:
1) O que leva uma pessoa a tornar-se bulímica ou anoréxica?
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2- Toda pessoa que tem bulimia ou anorexia é magra?
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3- A bulimia pode levar a um quadro de anorexia?
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5- É possível identificar uma tendência à anorexia antes que ela esteja instalada?
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6- Um jovem que tenha uma vida saudável pode em um determinado momento

desenvolver uma bulimia ou anorexia?
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7- Quais são os tratamentos que podemos utilizar na bulimia e anorexia?
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8- De que forma a mídia influencia no padrão de beleza?
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9- Você se considera uma pessoa influenciada?
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10- Você acha que existe um padrão de beleza "ideal"?
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PINTURA CORPORAL INDÍGENA
A pintura corporal é uma manifestação cultural presente em várias sociedades,

como os indígenas, hindus, africanos e na sociedade ocidental por meio da
maquiagem e da tatuagem.
Os índios utilizam a pintura corporal como meio de expressão ligado aos diversos
manifestos culturais de sua sociedade. Para cada evento há uma pintura específica:
luta, caça, casamento, morte. Todo ritual indígena é retratado nos corpos dos
mesmos na forma de pintura, é a expressão artística mais intensa dos índios. A tinta
é feito de urucum, jenipapo ou babaçu na maioria das vezes.
Qual o significado da pintura corporal indígena?
Tintas usadas são feitas a partir de elementos naturais como o urucum. As pinturas
corporais são as marcas de muitas etnias indígenas. Elas diferenciam clãs e
famílias. ... A pintura corporal tem tanto sentido para os indígenas, que expressa o
que o indivíduo representa no grupo e até o estado civil.
Por que os índios pintam os corpos?
Além de proteger o corpo dos raios solares e das picadas de insetos, a

ornamentação corporal é como se fosse uma segunda "pele" do indivíduo. O padrão
da pintura e o local de sua localização no corpo revelam o "status" de seu detentor
na sociedade.
Em que situação os indígenas usam a pintura?
Além disso, a arte também está presente na pintura corporal e nos ornamentos.
Nesse caso, não é apenas para enfeitar ou embelezar, mas indica uma situação
específica: guerra, nascimento de filhos, ritos e lutos. Os indígenas produzem suas
próprias tintas a partir de sementes e plantas das florestas.
Em que situação os indígenas usam as pinturas?
A pintura é costumeiramente usada na cultura indígena, mas existem situações

onde são especialmente usadas, como: Guerra, nascimento de filhos, ritos e lutos.
https://www.youtube.com/watch?v=Uae5ZX2uEdA&feature=emb_imp_woyt
Onde o grafismo está presente?
O grafismo é uma forma de expressão, pois, na história da arte, este se faz presente
desde a pré-história, nas pinturas rupestres, como as primeiras impressões do
homem sobre o mundo que o cercava. Hoje, constitui uma técnica usada para criar
imagens abstratas e de composições geométricas.
Como os índios utilizam a pintura corporal?
Os índios utilizam a pintura corporal como meio de expressão ligado aos

diversos manifestos culturais de sua sociedade. Para cada evento há uma
pintura específica: luta, caça, casamento, morte. Todo ritual indígena é retratado
nos corpos dos mesmos na forma de pintura, é a expressão artística mais
intensa dos índios.
Por que os indígenas possuem pinturas corporais?
Provavelmente, você já deve ter visto que os indígenas possuem pinturas

corporais características, mas já se perguntou o que elas significam? Os
indígenas carregam no corpo e no rosto a identidade cultural de seu povo. As
pinturas são as marcas de muitas etnias e são diferentes para cada ocasião.
Quais são as formas de expressão da pintura indígena?
As formas de expressão na pintura corporal indígena são muito variadas e retratam

os sentimentos desse povo. Pintam o corpo para enfeitá-lo, para defendê-lo do sol,
dos insetos e, também, dos maus espíritos. As tintas são preparadas por eles e as
cores têm a ver com o estado de espírito. Enfim, as pinturas falam, dão recados.
Qual a importância da pintura corporal?
Desde as tribos indígenas e africanas até os dias de hoje, esse tipo de arte faz
parte do processo dos seres humanos como indivíduos e como parte da
coletividade. A pintura corporal é uma expressão de grande importância para a
maioria das tribos indígenas brasileiras.
https://www.youtube.com/watch?v=OQrjgLFvn54
1- Faça um resumo do que você aprendeu e/ou entendeu sobre a pintura indígena
de acordo com os textos e vídeo.
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PINTURA CORPORAL AFRICANA
Da mesma forma que as civilizações indígenas no Brasil, as populações tribais

africanas também lançam mão de pinturas no corpo como uma importante
expressão cultural ligada geralmente à religiosidade e posições hierárquicas no
grupo.
Cada povo utiliza determinados tipos de pintura dependendo da ocasião e dos
diversos rituais que realizam.
Os povos do Vale do Rio Omo, localizado no sul da Etiópia, são conhecidos como
mestres da pintura corporal. Essas populações ainda conseguem preservar essa
tradição pois se mantém resguardados do contato com as civilizações ocidentais.
Dessa forma, seus costumes são ainda hoje muito parecidos com os dos seus
antepassados.
Normalmente, os povos africanos utilizam como tintas pigmentos extraídos de
seivas de plantas, rochas vulcânicas, argilas de cores variadas, entre outros
elementos naturais.
No Ocidente, a arte africana foi usada como referência e inspiração no modernismo
europeu, sobretudo no cubismo.
Pintura corporal tradicional de uma das tribos do Vale do Rio Omo, na Etiópia
Pintura corporal hindu
Nas tradições hindus há também o costume de adornar os corpos com pinturas.

Especialmente nos casamentos, as mulheres são enfeitadas com delicados
desenhos.
Esses desenhos são símbolos de bom presságio e de um ritual de passagem. A

partir daquele momento a moça passa a fazer parte da família de seu marido. Outro
elemento que simboliza essa ligação é a marca vermelha feita na testa da mulher.
A henna é pigmento escolhido para os adornos. Essa tinta é feita a partir de uma
planta chamada mehendi. O arbusto é comum em regiões quentes e suas folhas
são desidratadas e moídas para fazer a tinta, que dura alguns dias na pele.
Tatuagem: a pintura corporal permanente
A tatuagem é um tipo de pintura corporal que está presente em nossa civilização,
como é o caso da maquiagem também. As pessoas costumam marcar seus corpos
permanentemente em busca de se diferenciar de outros indivíduos, mostrando
autenticidade. Há também tatuagens feitas como homenagens a pessoas ou
momentos importantes.
Seja como for, essa é uma prática bastante comum nos dias de hoje. Mas, assim
como outras formas de pintura de corporal, ela não é recente. A primeira tatuagem
que se tem notícia foi encontrada em 1991 no corpo de um homem que viveu há
cerca de 5.300 a.C. na região dos Alpes.
Provavelmente, esses povos desenvolveram as pinturas permanentes com o intuito
de fixar na pele sua história, diante da vida nômade e frequentes mudanças de
local.
Com o tempo, a tatuagem foi ganhando cada vez mais espaço em diversas
populações e tendo diferentes propósitos, como diferenciação de grupos sociais,
sinalização de pessoas escravizadas e prisioneiros, ornamentação e como
elemento em rituais. Há registros antigos dessa expressão em diferentes partes do
mundo, como o Taiti, Japão, Nova Zelândia, Índia e África.
https://www.culturagenial.com/pintura-corporal/
Exercícios:
1- Faça um resumo do que você aprendeu e/ou entendeu sobre a pintura africana
de acordo com o texto:
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MÚSICA
A História da música

é muito antiga, visto que desde os primórdios os homens
produziam diversas formas de sonoridade.
Lembre-se, portanto, que a música é um tipo de arte que trabalha com a harmonia
entre os sons, o ritmo, a melodia, a voz.
Todos esses elementos são importantes e podem nos transportar para outro tempo
e espaço, resgatar memórias e reacender emoções.
Veremos como essa linguagem artística caminhou durante os séculos até os nossos
dias para adquirir as características que possui hoje no Ocidente.
Música na Pré-História
Pintura rupestre encontrada na Espanha exibe várias pessoas dançando, o

que sugere a presença de música também
(EF69AR16) Analisar criticamente, por meio da apreciação musical, usos e funções da música em seus
contextos de produção e circulação, relacionando as práticas musicais às diferentes dimensões da vida
social, cultural, política, histórica, econômica, estética e ética.
A humanidade possui uma relação longa com a música, sendo essa umas das
formas de manifestação cultural mais antigas.
Ainda na pré-história, há mais de 50 mil anos, os seres humanos começaram a
desenvolver ações sonoras baseadas na observação dos fenômenos da natureza.
Os ruídos das ondas quebrando na praia, os trovões, a comunicação entre os
animais, o barulho do vento balançando as árvores, as batidas do coração; tudo
isso influenciou as pessoas a também explorarem os sons que seus próprios corpos
produziam. Como, por exemplo, os sons das palmas, dos pés batendo no chão, da
própria voz, entre outros.
Nessa época, tais
experimentações não eram consideradas arte propriamente e
estavam relacionadas à comunicação, aos ritos sagrados e à dança.
A Evolução da Música
Música no Egito
No Egito Antigo, ainda em 4.000 a.C., a música era muito presente, configurando
um importante elemento religioso. Os egípcios consideravam que essa forma de
arte era uma invenção do deus Thoth e que outro deus, Osíris, a utilizou como uma
maneira para civilizar o mundo.
A música era empregada de forma a complementar os rituais sagrados em torno da
agricultura, que era farta na região e os instrumentos utilizados eram harpas,
flautas, instrumentos de percussão e cítara - que é um instrumento de cordas
derivado da lira.
Música na Mesopotâmia
Na região da Mesopotâmia, localizada entre os rios Tigre e Eufrates, habitavam os

povos sumérios, assírios e babilônios. Foram encontradas harpas de 3 a 20 cordas
na região onde os sumérios viviam e estima-se que sejam objetos com mais de 5
mil anos. Também foram descobertas cítaras que pertenceram ao povo assírio.
Músicos assírios tocando instrumentos
Música na China e na Índia
Na Ásia - em torno de 3.000 a.C. - a atividade musical prosperou na Índia e China.
Nessas regiões, ela também estava fortemente relacionada à espiritualidade.
O instrumento mais popular entre os chineses era a cítara e o sistema musical
utilizado era a escala de cinco tons - pentatônica.
Já na Índia, em 800 a.C., o método musical era o de "ragas", que não utilizava notas
musicais e era composto de tons e semitons.
Música na Grécia e em Roma
Representação de pessoa tocando instrumento na Grécia Antiga

Podemos observar que a cultura musical na Grécia Antiga funcionava como uma
espécie de elo entre os homens e as divindades. Tanto que a palavra "música"
provém do termo grego mousikē, que significa "a arte das musas". As musas eram
as deusas que guiavam e inspiravam as ciências e as artes.
É importante ressaltar que Pitágoras, grande filósofo grego, foi o responsável por
estabelecer relações entre a matemática e a música, descobrindo as notas e os
intervalos musicais.
Sabe-se que na Roma Antiga, muitas manifestações artísticas foram heranças da
cultura grega, como a pintura e a escultura. Supõe-se, dessa forma, que o mesmo
ocorreu com a música. Entretanto, diferente dos gregos, os romanos usufruíam
dessa arte de maneira mais ampla e cotidiana.
Música na Idade Média
Pintura exibindo cantores medievais

Durante a Idade Média a Igreja Católica esteve bastante presente na sociedade

europeia e ditava a conduta moral, social, política e artística.
Naquela época, a música teve uma presença marcante nos cultos católicos. O Papa
Gregório I - século VI - classificou e compilou as regras para o canto que deveria ser
entoado nas cerimônias da Igreja e intitulou-o como canto gregoriano.
Outra expressão musical do período que merece destaque são as chamadas
Cantigas de Santa Maria, que agregam 427 composições produzidas em galego-
português e divididas em quatro manuscritos.
Uma importante compositora medieval foi Hidelgard Von Bingen, também conhecida
como Sibila do Reino.
Música no Renascimento
Já na época renascentista - que compreende o século XIV até o século XVI - a
cultura sofreu transformações e os interesses estavam voltados para a razão, a
ciência e o conhecimento do próprio ser humano.
Tais preocupações se refletiram também na música, que apresentava
características mais universais e buscava se distanciar dos costumes da Igreja.
Uma característica significativa da música nesse período foi a polifonia, que
compreende a combinação simultânea de quatro ou mais sons.
Podemos citar como um grande compositor da Renascença Thomas Weelkes.

Pintura de Gerard van Honthorst (1623) retratando músicos no Renascimento
Música no Barroco
A partir do século XVII, o movimento barroco promove mudanças marcantes no

cenário musical.
Foi um período bastante fértil e importante para a música ocidental e apresentava

novos contornos tonais, com a utilização do modo jônico (modo “maior”) e modo
eólio (modo “menor”).
O surgimento das óperas e das orquestras de câmaras também acontece nessa
fase, assim como o virtuosismo dos músicos ao tocar os instrumentos. Os maiores
representantes da música barroca foram Antonio Vivaldi, Johann Sebastian Bach,
Domenico Scarlatti, entre outros.
Música no Classicismo
Retrato dos artistas Haydn, Mozart e Beethoven

No Classicismo, que corresponde ao período em torno de 1750 e 1830, a música
adquire objetividade, equilíbrio e clareza formal, conceitos já utilizados na Grécia
Antiga.
Nessa época, a música instrumental e as orquestras ganham ainda mais destaque.
O piano toma o lugar do cravo e novas estruturas musicais são criadas, como a
sonata, a sinfonia, o concerto e o quarteto de cordas.
Os artistas que se sobressaíram são Haydn, Mozart e Beethoven.
Música no Romantismo
Pintura retratando o compositor Fréderic Chopin
No século XIX, o movimento cultural que surgiu na Europa foi o Romantismo. A
música predominante tinha como qualidades a liberdade e a fluidez, e primava
também pela intensidade e vigor emocional.
Esse período musical é inaugurado pelo compositor alemão Beethoven - com a
Sinfonia nº3 - e passa por nomes como Chopin, Schumann e sua esposa Clara
Shumann, Wagner, Verdi, Tchaikovsky, R. Strauss, entre outros.
Música no Século XX
Com o surgimento do rádio no século XX, a música tomou outras proporções
No século XX, a música ganha nova roupagem e uma grande transformação ocorre
com o surgimento do rádio.
Novas tecnologias e suportes para a gravação e divulgação musical ajudam a

popularizar essa linguagem artística e projetar cantores e compositores, já que eles
não dependiam somente dos concertos musicais.
Com uma cartela de opções mais variadas, o público começa a ter contato com
outros tipos de música.
É importante também destacar a presença da música atonal - ou seja, que não
possui um centro tonal nem uma tonalidade preponderante. Há também a
dodecafônica, que trata as doze notas da escala cromática como equivalentes.
Alguns artistas também passam a incorporar novos elementos em suas produções,
como instrumentos até então pouco explorados e objetos sonoros.
Um exemplo é o multi-instrumentista brasileiro Hermeto Pascoal, que tira sons tanto
de flautas e pianos como de objetos do cotidiano como chaleiras, pentes, copos
d'água e brocas de dentistas. A compositora Adriana Calcanhoto também possui um
projeto de música infantil que usa diversos brinquedos para produzir suas
composições.
Podemos citar como grandes nomes da música do século XX o brasileiro Heitor
Villa-Lobos, o russo Igor Stravinsky, o nigeriano Fela Kuti, a pianista carioca
Chiquinha Gonzaga,
o norte-americano Louis Armstrong, a francesa Lili Boulanger,
o argentino Astor Piazzolla, e muitos outros.
Exercícios...
Cole a letra de uma música que você goste.
Agora, use sua criatividade para fazer uma colagem a respeito da música que
você escolheu. Crie!
Exercícios...
1- (Enem 2021):
Você deve estampar sempre um ar de alegria

E dizer: tudo bem melhorado
Você deve rezar pelo bem do patrão
E esquecer que está desempregado
Você merece
Você merece
Tudo vai bem, tudo legal

Cerveja, samba, e amanhã, seu Zé
Se acabarem com teu carnaval
Você deve aprender a baixar a cabeça

E dizer sempre: muito obrigado
São palavras que ainda te deixam deixar
Por ser homem bem disciplinado
Deve pois só fazer pelo bem da nação

Tudo aquilo que for ordenado
Pra ganhar um fuscão no juízo final
E diploma de bem-comportado
GONZAGUINHA, Luiz Gonzaga Jr. Rio de Janeiro: Odeon, 1973 (fragmento).
Pela análise do tema e dos procedimentos argumentativos utilizados na letra da

canção composta por Gonzaguinha na década de 1970, insere-se o objetivo de:
( ) Ironizar a incorporação de ideias e atitudes conformistas.
( ) Convencer o público sobre a importância dos deveres cívicos.
( ) Relacionar o discurso religioso à resolução de problemas sociais.
( ) Questionar o valor atribuído pela população às festas populares.
( ) Defender uma postura coletiva indiferente aos valores dominantes.
Exercícios...
(Enem PPL 2020)
TEXTO I
A dupla Claudinho e Buchecha foi formada por dois amigos de infância que eram
vizinhos na comunidade do Salgueiro. Os cantores iniciaram sua carreira artística no
início dos anos 1990, cantando em bailes funk de São Gonçalo (RJ), e fizeram muito
sucesso com a música Fico assim sem você, em 2002. Buchecha trabalhou por um
bom tempo como
office boy e Claudinho atuou como peão de obras e vendedor
ambulante.
Disponível em: http://dicionariompb.com.br. Acesso em: 19 abr. 2018 (adaptado).
TEXTO II
Ouvi a canção Fico assim sem você no rádio e me apaixonei instantaneamente.
Quando isso acontece comigo, não posso fazer nada a não ser trazer a música pra
perto de mim e então começar a cantar e tocar sem parar, até que ela se torne
minha. A canção caiu como uma luva no repertório do disco e eu contava as horas
pra poder gravá-la.
CALCANHOTTO, A. Fico assim sem você. Disponível em:
www.adrianapartimpim.com.br. Acesso em: 19 abr. 2018 (adaptado);
A letra da canção Fico assim sem você, que circulava em meios populares,
veiculada pela grande mídia, começou a integrar o repertório de crianças cujas
famílias tinham o hábito de ouvir o que é conhecido como MPB. O novo público que
conheceu e apreciar essa música revela a:
( ) Legitimação de certas músicas quando interpretadas por artistas de uma parcela

específica da sociedade.
( ) Admiração pelas composições musicais realizadas por sujeitos com pouca

formação acadêmica.
( ) Necessidade que músicos consagrados têm de buscar novos repertórios nas

periferias.
( ) Importância dos meios de comunicação de massa na formação da música

brasileira.
( ) Função que a indústria fonográfica ocupa em resgatar músicas da periferia.

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A DANÇA
A dança é a arte de movimentar o corpo com expressividade, seguindo movimentos
ritmados, geralmente

ao som de uma música. Na aula de hoje, conheceremos sua
história, seus elementos, alguns tipos de danças e o seu objetivo. A dança é
considerada a arte mais completa, pois abrange diversos elementos artísticos como
a música e o teatro. Ela tem a capacidade de exprimir até as mais fortes emoções
do ser humano.
A dança foi praticada desde os tempos pré-históricos. Logo, ela acompanha a
humanidade há muito tempo. Uma prova disso, foi a descoberta de desenhos
artísticos (arte rupestre) feitos nas paredes e nos tetos de cavernas. Segundo
pesquisadores, os egípcios, os romanos e os gregos foram os primeiros a utilizarem
a dança como expressão artística. No Egito, a usava para homenagear os deuses,
enquanto na Grécia era uma forma de manifestação de seus mitos.
Após alguns anos, a dança foi ganhando novos sentidos. Na Grécia, ela ganhou
notoriedade após estar relacionada aos jogos olímpicos, já na idade média, a igreja
tentou combatê-la, pois a relacionava como um ritual de idolatria, sendo considerada
algo pecaminoso. Apenas no Renascimento (Século XV) que a dança renasce de
forma imponente e apreciada pela nobreza.
Tipos de danças
O Samba
Surgiu na Bahia, praticado inicialmente pelos escravos nas senzalas. No início, foi
uma manifestação relacionada aos elementos religiosos e servia como uma forma
de comunicação com a divindade. O Rio de Janeiro contribuiu muito para a difusão
desse ritmo. Os principais passos de samba são o Romário, a Trança, o Passo do
Malandro e o Pião Aberto. Já o samba de roda é formado por vários músicos que
tocam diferentes instrumentos. Entre eles estão a viola, o chocalho, o atabaque, o
pandeiro, o reco-reco, o agogô e o berimbau. As pessoas que estão presentes
durante a apresentação, geralmente acompanham a música batendo palmas e
dançando.
A Dança de Rua (Street dance)
A dança de rua teve sua origem nos anos 30 nos Estados Unidos. Nasceu como
uma forma de expressão de artistas que ficaram desempregados devido à crise de
29, após a quebra da bolsa de Nova York. Desse modo, muitos começaram a fazer
suas atuações nas ruas. Nos anos 70, o hip hop integrou esse tipo de dança em
suas apresentações. Suas principais características são movimentos rápidos e
fortes, coreografados, sincronizados e harmoniosos.
O forró
O forró tem forte relação com a cultura nordestina. Ele surgiu no século XIX, no
estado de Pernambuco, onde eram realizados diversos bailes populares. Alguns
historiadores afirmam que a palavra forró chegou ao Brasil através dos escravos
africanos. O forró é considerado um baile popular que se dança aos pares com
música.
OS ELEMENTOS DA DANÇA
A dança possui três elementos básicos: movimento corporal, espaço e tempo. O

movimento corporal é definido como oscilação do corpo ou parte dele em um
determinado tempo e espaço. O espaço está relacionado a “cinesfera”, cujo limite de
alcance é determinado pela extensão ou flexão dos membros superiores e
inferiores. E o tempo corresponde aos referenciais temporais que compõem a
ligação entre a música e a dança. A partir do tempo é formado o compasso musical,
que pode ser rápido, moderado ou lento.
CONCLUSÃO
Atualmente, a dança tem a finalidade de resgatar as manifestações expressivas da

nossa cultura, incentivando a expressão de sentimentos e emoções que ajudam na
integração social. Na prática da dança, são desenvolvidas a socialização, a
linguagem estética, a arte corporal e outras formas de expressão. Como toda
atividade de movimentação, a dança também ajuda a desenvolver a flexibilidade, a
força, a coordenação motora e o equilíbrio. Portanto, pratique! Ela é cultura, é
saúde, é vida!
Texto: Tudo Sala de Aula, 2021

(EF69AR09) Pesquisar e analisar diferentes formas de expressão,
representação e encenação da


1- Em geral, qual é a finalidade da dança?
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2- Quais são os elementos da dança?
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3- Onde surgiu a dança de rua?
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4- O que é dança?
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5- Pesquise a história do funk.

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6- Quais os povos que primeiro utilizaram a dança em suas culturas?
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7- O que é o compasso da dança? Pesquise e explique.
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8- Pesquise e descreva as 3 habilidades: movimento corporal, espaço e tempo.
Movimento corporal:
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Espaço:
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Tempo:
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9- Pesquise uma imagem que represente o samba e outra que represente o forró. E,
depois, diga as diferenças entre essas duas danças.

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INSTRUMENTOS MUSICAIS
Os instrumentos musicais

tiveram origem nas culturas primitivas, com a tentativa do
homem em imitar os diversos sons da natureza.
Apesar de a origem do primeiro instrumento musical ser tema de debate para

muitos arqueologista, à quem considere que a flauta foi o primeiro instrumento a
surgir, devido à descoberta de pinturas de flautas e apitos em cavernas, datadas de
60.000 anos a.C..
O grande desenvolvimento e o aparecimento de novos instrumentos musicais

ocorreu a partir do Século XVI, após a invenção dos tipos móveis de Gutemberg.
Por esta altura apareceram os primeiros fabricantes de violinos, trombones, flautas

e oboés.
A revolução industrial também teve um grande impacto para o desenvolvimento dos

instrumentos musicais, com a mecanização estes passaram a ser produzidos em
maiores quantidades e com preços mais baixos.
Existem diversas formas de classificar os instrumentos musicais, de acordo com o

caráter histórico, pela finalidade, pela extensão, pelo material empregue e etc.
Todas estas formas são consideradas válidas, contudo a mais utilizada é a divisão
de acordo com a forma de como o som é produzido.
Classificações Para Instrumento Musical

Instrumento musical é um objeto construído com o propósito de produzir som, ou
melhor, musicas, há vários tipos de instrumentos que podem ser classificados de
diversas formas, sendo das mais comuns, a divisão de acordo com a forma pela
qual o som é produzido.
Os estudos dos instrumentos musicais designam se por organologia.
Instrumentista é aquele músico que toca algum instrumento, porem nem todo
músico é instrumentista, isto soa até estranho, como também é chamado de
concertistas na música erudita.
Alguns músicos seguem sua carreira sem tocar instrumento, como o compositor
pode saber tudo sobre

instrumento, mas Pode não toca nada, ou às vezes toca um
violão, ou um piano, mas compõe como ninguém.
Existem muitas formas de classificar os instrumentos musicais.
Cada uma delas se presta melhor para cada finalidade.
Existe em classificações que levam em conta os conjuntos instrumentais tais como
orquestra. Um exemplo maior é a classificação dos instrumentos da orquestra
sinfônica que divide os instrumentos em corda, sopranos (subdivididos em (madeira
e metais) e percussão.
Os instrumentos de corda são importantes na história da música, você sabia que o
instrumento de corda na história da música ocidental foi como um instrumento
constituído de uma única corda, o monocórdio, que os filósofos e matemáticos da
escola pitagórica descobriram todos os princípios matemáticos que regem os
intervalos, escalas e a harmonia, dando origem ao estudo da teoria musical há mais
de seis mil anos.
A musicologia (é a ciência que estuda assuntos musicais como: acústica, estética,
rítmica, métrica, folclore, entre outros) divide os instrumentos de percussão em dois
tipos.
Os idiofones são aqueles em que o som é produzido no próprio corpo do
instrumento.
http://www.ruadireita.com/instrumentos-musicais/info/classificacoes-para-
instrumento-musical/


Exercícios...
1- O que é instrumento musical?
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2- Instrumentos de matriz indígena– Os instrumentos musicais indígenas, assim

como, a produção
musical, é utilitária, apresentando composições que passam de
geração em geração, e é baseada no canto e em instrumentos de diferentes tipos:
Idiofones: instrumentos que vibram por percussão ou atrito (chocalho); Aerofones:
soam pela ação do ar soprado pela boca ou nariz (flautas e apitos);
Membranofones: instrumentos que soam pela vibração de uma membrana
(tambores); Zumbidores: o som é obtido ao se girar rapidamente, no ar, uma corda
a uma pequena peça de madeira oval na ponta.
Instrumentos de matriz africana – Os instrumentos musicais africanos baseiam-se

numa grande variedade de instrumentos de percussão membranofones (tambores),
idiofones (reco-reco), xilofones, aerofones, e outros instrumentos “mistos” como a
kalimba e o pandeiro, por exemplo.
Você já ouviu músicas indígenas ou africanas? Quais?

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3-Como você identifica que a música é indígena, africana ou afro-brasileira?
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4- Arte - Instrumentos de matriz indígena e africana assista ao vídeo:
https://www.youtube.com/watch?v=t9FFoepEBww


Exercícios...
5- Será que todos os povos produzem músicas da mesma forma e com a mesma
finalidade? Comente.
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6- Você já ouviu falar dos elementos constitutivos da música (altura, intensidade,

timbre, melodia, ritmo)? Pesquise e explique cada um deles.
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7- - Desenhe 5 instrumentos musicais de matriz africana e 5 de matriz indígena da
lista a seguir:
(EF08AR21) Explorar e analisar instrumentos de matriz indígena e africana em práticas de

composição/criação, execução e apreciação musical, reconhecendo timbres e características de
instrumentos musicais diversos.
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VINCENT VAN GOGH
Vicent Van Gogh,

o pintor holandês conhecido por seu temperamento difícil e
possíveis transtornos psiquiátricos, é figura importante na história da arte mundial.
"Considerado um dos maiores pintores de todos os tempos, Van Gogh produziu

mais de 2 mil obras durante seus 37 anos de vida. Seu legado é tão representativo
que, em 1973, em Amsterdã, na Holanda, seu país-natal, foi criado um museu para
abrigar suas criações.
O artista foi caracterizado por alguns como um homem incompreendido,

atormentado, intempestivo e com distúrbios comportamentais. Por isso, não só suas
obras como sua vida geram muita curiosidade até os dias de hoje. Van Gogh foi
tema de diversos livros, filmes e documentários."
EF69AR01 Pesquisar, apreciar e analisar formas distintas das artes visuais tradicionais e contemporâneas, em
obras de artistas brasileiros e estrangeiros de diferentes épocas e em diferentes matrizes estéticas e culturais,
de modo a ampliar a experiência com diferentes contextos e práticas artístico-visuais e cultivar a percepção, o
imaginário, a capacidade de simbolizar e o repertório imagético.
"Vincent Willen Van Gogh nasceu em 30 de março de 1853, na vila Brabante de
Zundert, no sul da Holanda. Membro de uma família com condições financeiras, ele
teve cinco irmãos, sendo três mulheres e dois homens. Um deles chamava-se Theo,
que foi seu melhor amigo durante toda sua vida.
Seu interesse pela arte teve início ainda na infância, o qual era encorajado pela sua
mãe. O futuro artista gostava de pintar com aquarelas.
Ainda na Holanda, aos 11 anos, Vincent estudou em um colégio interno em

Zevenbergen, o que,

segundo sua biografia Van Gogh, A Vida, de Steven Naifeh e
Gregory White Smith, deixou-o infeliz. Quando tinha 13 anos, ele cursou o ensino
médio em Tilburg.
Na sua adolescência, Vincent trabalhou em uma galeria de arte de um tio, situada

em Paris. Já adulto, ele foi para a Inglaterra trabalhar como professor.
Vincent teve relação intensa com a religião. Ele chegou a prestar vestibular para o
curso de Teologia, na Universidade de Amsterdã, mas não foi aprovado. Depois, ele
trabalhou como missionário na Bélgica. Foi dispensado por ter um temperamento
considerado muito instável, característica que o acompanhou ao longo de sua vida.
De acordo com a biografia dele, o artista tinha personalidade difícil e facilidade para
discutir, o que prejudicava os seus relacionamentos. Ele isolava-se, tinha episódios
de depressão, o que deixava sua família preocupada. Vincent teve romances mal-
sucedidos, destacando-se paixões por uma prima e por uma prostituta.
De acordo com os autorretratos que Van Gogh fez, sua aparência física era de um
homem magro, branco, com olhos claros, cabelos ruivos e, na maioria das vezes,
com barba."
"Van Gogh pintou este autorretrato em 1889

"de modo a ampliar a experiência com diferentes contextos e práticas artístico-visuais e cultivar a percepção, o
Faça o seu autoretrato:
"O seu irmão Theo, quatro anos mais novo, foi o seu principal amigo e apoio durante
toda a sua vida. Desde 1872, o pintor escrevia para ele com frequência, chegando a
redigir mais de 600 correspondências. Depois da morte de Theo, a esposa deste
tornou as cartas públicas.
Nos textos, Van Gogh desabafava e realizava alguns esboços. Ao ver os desenhos,
Theo estimulou o irmão a seguir a carreira artística. Chegou, inclusive, a ajudá-lo
financeiramente, em especial nos últimos anos de sua vida.
Durante sua existência,

Van Gogh apresentou episódios de instabilidade mental e
comportamento tempestuoso, chegando a ser internado em hospitais psiquiátricos.
Estudos relatam que ele não se alimentava muito bem e consumia bebidas
alcoólicas com frequência.
Conforme biografias, nunca se soube ao certo qual doença acometia o artista, mas
estudos transitam entre transtorno bipolar e epilepsia. Ele teve crises mais
frequentes no final da sua vida."
Obras
Van Gogh é tido como o maior expoente do pós-impressionismo. Seu legado

impressiona. Alguns apontam em suas obras os primeiros sinais do expressionismo.
Suas pinturas serviram de inspiração para diversos artistas.
O artista pintou mais de 2 mil quadros, entre paisagens, elementos da natureza,

retratos, autorretratos, café, representações de camponeses, flores, como o
girassol, que ele adorava. Também teve inspiração na cultura japonesa. Seu legado
inclui mais de 800 pinturas a óleo, especialmente nos dois últimos anos de sua
vida."
"A primeira obra de destaque de Vincent Van Gogh foi “Os comedores de batatas”,
de 1885. É um quadro sombrio e escuro, retratando camponeses durante uma
refeição noturna. Segundo sua biografia, foi nessa pintura que se pode notar o
interesse do artista na teoria das cores, luz, sombra, contrastes e pinceladas
carregadas de tinta.

Os comedores de batatas, de 1885, é a primeira obra de destaque de Van

Gogh
"Em 1886, Van Gogh mudou-se para Paris
e deparou-se com obras de pintores
impressionistas e ficou interessado. Antes disso, ele costumava pintar quadros com
tons mais escuros. Depois, passou a usar cores puras primárias e secundárias.
Suas obras passaram a ter luminosidade e leveza.
Em 1887, Theo e Vincent Van Gogh tornaram-se amigos do também pintor Paul
Gauguin. Em 1888, o último fez o quadro “O Pintor de Girassóis”, retrato de Van
Gogh.
O artista pintava ao ar livre, hábito que conservou até morrer. Segundo sua
biografia, a técnica de pinceladas firmes e carregadas que criou para seu próprio
uso, aplicadas sem hesitação, permitiu-lhe pintar rapidamente e produzir um vasto
número de obras nos últimos dois anos e meio de sua vida.
Os autorretratos de Van Gogh tiveram muito destaque no legado do pintor. Foram

registradas mais de 40 pinturas. A maioria apresentava a sua figura com olhares
expressivos.
Ele teve pouco reconhecimento como artista durante a sua vida. “A vinha
encarnada”, produzida em 1888, foi a única obra vendida enquanto Van Gogh tinha
vida.
De acordo com a sua biografia, apesar do seu temperamento muitas vezes
intempestivo, melancólico, com acessos de raiva, Vincent pintava em momentos de
clareza mental, não durante surtos.
Um dos episódios mais conhecidos na história da vida de Van Gogh ocorreu em

dezembro de 1888 quando, após uma discussão com seu então amigo Paul
Gaugain, ele teve um acesso de raiva e mutilou a sua própria orelha com uma
navalha.

Segundo estudos, em 1889, Van Gogh internou-se voluntariamente em um asilo

para doentes mentais situado em Saint Remy de Provence, na França. Na ocasião,
ele pintou algumas de suas obras de maior renome, entre as quais “A noite
estrelada”.
Conforme relatos, no dia 27 de julho de 1890, o artista estava ao ar livre em Auvers,

em Val-d'Oise, na França, quando resolveu atirar contra seu peito. Mesmo ferido, foi
para casa. Foi encontrado por amigos e levado ao hospital. Os médicos não
conseguiram retirar a bala do corpo de Van Gogh. Ele morreu dois dias depois, em
29 de julho de 1890. Foi enterrado no cemitério de Auvers."
Por Silvia Tancredi

Equipe Brasil Escola"
https://brasilescola.uol.com.br/biografia/vincent-van-gogh.htm

Exercícios...
1- No espaço abaixo, faça uma releitura da obra “A noite estrelada”.
A noite estrelada (1889)


2- Quando Vincent Van Gogh pintava suas telas?
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3- Como eram os quadros de Vincent?
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4- Quando foi pintada a obra "Noite estrelada" ?
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PROFUNDIDADE
Para criar a ilusão de profundidade num desenho, distanciamos as formas entre si

através de alguns recursos. Por enquanto, vamos estudar dois: a sobreposição e a
variação de tamanho das formas.
Sobreposição de formas: quando um objeto está na frente de outro, apagamos os

traços que não devem aparecer. Observe neste desenho como o recurso é simples:
o coqueiro está na frente e por isso cobre parte do muro, da mangueira que ficou
atrás. Tudo foi desenhado no mesmo plano (o papel), mas a sobreposição distancia
as formas.
Variação de tamanho das formas: á medida que a diminuíamos o tamanho dos

objetos desenhados, criamos a impressão de afastamento das formas. Compare as
árvores representadas neste desenho: as maiores dão ideia de proximidade e as
menores de afastamento.

Outro recurso técnico para representar profundidade em desenhos é a perspectiva.

Mas, deixemos esse assunto para uma outra conversa. OK?!
https://ozildepassarella.wixsite.com/principal/post/arte-8%C2%BA-ano-
profundidade
https://www.youtube.com/watch?v=VCgGrqa8qfI
Exercício...
Faça um desenho ou colagem, aplicando profundidade através da técnica de

variação de tamanho das formas.
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AS FORMAS GEOMÉTRICAS NA ARTE

As formas geométricas estão muito presentes no nosso dia a dia. Seja no ambiente
escolar, na rua ou em casa, é comum vermos objetos ou figuras que as remetem.
Em muitas obras de arte também é possível identificar alguns padrões e estilos em
formatos de formas geométricas. É comum os artistas utilizarem a geometria como
meio de auxílio para construções, composições e encaixes nas obras de arte.
Outros fazem prevalecer em suas obras as formas geométricas, como é o caso dos
pintores cubistas, futuristas ou surrealistas.
As formas geométricas em todo lugar
Se observarmos ao nosso redor, vamos perceber que todas as coisas têm uma
forma, e essas formas estão ligadas à sua função. A maioria dos objetos que nos
cercam são projetados a partir de figuras geométricas. Por exemplo: uma lata de
ervilha tem a forma de cilindro ou, ainda, a forma de um retângulo.
Arte Cubista

A arte se transforma com o passar dos tempos. Cada artista vê e sente essa
necessidade de transformação e a interpreta em suas obras. A Arte Cubista rompeu
com tudo o que se conhecia de arte até então, dando lugar a uma nova forma
diferente de expressão. O cubismo foi um movimento artístico que surgiu na França
no século XX que valorizava as formas geométricas em sua composição. O artista
que iniciou esse movimento foi o famoso pintor espanhol Pablo Picasso em 1907.
Observe algumas obras cubistas e perceba características desse movimento

artístico.
Arte Geométrica no Brasil
Na história da arte em nosso país, temos grandes artistas que utilizaram as formas
geométricas como elementos em suas obras, como Tarsila do Amaral. Tarsila
participou ativamente da renovação da arte brasileira que ocorreu na década de
1920, quando aconteceu a Semana de Arte Moderna. Ao retornar para o Brasil,
após uma temporada na Europa, Tarsila do Amaral realizou diversas obras com
influência cubista, com tendência geométrica em suas obras.
A arte cubista permitiu uma nova forma de expressão. Logo, as formas geométricas
estão presentes em nosso cotidiano, em nossos objetos, nas disciplinas da escola,
como a Matemática e também nas obras de arte.
Texto: eTudo
EF69AR01 Pesquisar, apreciar e analisar formas distintas das artes visuais tradicionais Sala deemAula,
contemporâneas, 2021
Exercícios...
1- Observe a imagem e responda:
Na criação do texto, o chargista Iotti usa criativamente um intertexto: os traços

reconstroem uma cena de Guernica, painel de Pablo Picasso que retrata os horrores
e a destruição provocados pelo bombardeio a uma pequena cidade da Espanha. Na
charge, publicada no período de carnaval, recebe destaque a figura do carro,
elemento introduzido por Iotti no intertexto. Além dessa figura, a linguagem verbal
contribui para estabelecer um diálogo entre a obra de Picasso e a charge, ao
explorar:
( ) Uma referência ao contexto, “trânsito no feriadão”, esclarecendo-se o referente

tanto do texto de Iotti quanto da obra de Picasso.
( ) Uma referência ao tempo presente, com o emprego da forma verbal “é”,

evidenciando-se a atualidade do tema abordado tanto pelo pintor espanhol quanto
pelo chargista brasileiro.
( ) Um termo pejorativo, “trânsito”, reforçando-se a imagem negativa de mundo
caótico presente tanto em Guernica quanto na charge.
( ) Uma referência temporal, “sempre”, referindose à permanência de tragédias
retratadas tanto em Guernica quanto na charge.
( ) Uma expressão polissêmica, “quadro dramático”, remetendo-se tanto à obra

pictórica quanto ao contexto do trânsito brasileiro.
2- (FACASPER) O quadro Guernica foi pintado em 1937 pelo pintor espanhol Pablo
Picasso. A temática do quadro é a Guerra Civil Espanhola e o sofrimento da
população do povoado de Guernica, bombardeado por aviões alemães que
apoiavam o regime

do General Franco, cuja morte, em 2015, completa 40 anos.
A respeito dessa obra, pode-se afirmar que:
( ) A cena cotidiana retratada reproduz hábitos corriqueiros do povo espanhol no

contexto da guerra.
( ) O quadro retrata aspectos épicos do franquismo, fazendo uma leitura

apologética do regime do General Franco.
( ) O painel monumental pintado por Picasso é realista e narrativo, descrevendo

uma cena presenciada pelo pintor.
( ) As figuras humanas aparecem marcadas pela dor, com corpos dilacerados,

retratando o pânico causado pela guerra.
( ) O quadro de Picasso é desprovido de simbolismo, constituindo um retrato fiel e

literal dos efeitos da guerra.
3- O que foi o cubismo?
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4- Escreva 4 nomes de objetos do seu dia a dia que te faz lembrar das formas
geométricas:
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5- Crie uma obra usando figuras geométricas:
Recorte e cole várias figuras geométricas, criando composições diversas e com
diversas cores. Siga o modelo:
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ROMERO BRITTO
O Pintor e escultor Romero Britto, é um artista que se tornou conhecimento

principalmente por já ter sido contratado por grandes celebridades e
personalidades importantes. Ao longo de sua carreira sempre mostrou muita
criatividade em suas obras coloridas.
Radicado em Miami, nos Estados Unidos, Romero Britto já esteve envolvido em
algumas polêmicas recentes. Contudo, sempre foi considerado uma personalidade
carismática.
Uma de suas principais características como artista são as cores fortes e vibrantes
de suas obras. Sempre muito bem marcas e contornadas com traços pretos, mas
esse sempre foi o seu estilo de criar.
De forma alegre e colorida, o pintor se tornou um dos artistas mais bem sucedidos
e prestigiado mundo a fora. Possui fãs e admiradores pelo mundo todo e seu nome
é conhecido internacionalmente.

O artista conhecido por suas obras bastante coloridas e muito versáteis, Romero
Britto, se tornou um dos pintores mais conhecidos do Brasil. Mas atualmente é
renomado no mundo todo e já teve obras espalhadas por vários países.
Por ter um estilo muito marcante, Romero Britto já foi contrato por diversas
celebridades importantes como Madonna e Michael Jackson. Além disso, também já
pintou quadros de Dilma Roussef e Bill Clinton.
Não demorou muito para ser chamado por Kate Middleton e o príncipe William para
pintar um quadro. Depois o próprio Príncipe Charles o chamou para o um jantar no
famoso Palácio de Buckinham.
Tem um estilo pop que é facilmente visualizado em suas pinturas e esculturas. As
cores vibrantes representam alegria e deixam o ambiente animado. Os traços
marcantes e fortes, representam bem o movimento cubista, principalmente pelas
formas geométricas.
Acima de tudo, as pinturas do artista lembram muito os vitrais antigos, que eram
coloridas. Os recortes com as marcas em preto marcado, representam as
separações dos vidros coloridos, o que deixa essa intenção em sua arte.
Sempre foi muito reconhecido em todos os lugares por onde esteve, em diversos
países. Suas duas galerias são muito bem frequentadas e ele expõe suas peças e
novidades sempre. Mantendo seu trabalho atualizado.
Por ter se tornando um grande destaque também na área publicitário, isso acabou
fazendo com que o artista ficasse conhecido mais rapidamente. Por esse motivo, se
popularizou ainda mais.
Contudo, assim como todo artista, Romero Britto também tem seus críticos, que não
gostam de seu trabalho. Principalmente por alegarem que são superficiais ou
repetitivas demais. Inclusive, alguns deles até dizem não representar os problemas
que existem na atualidade.
Romero Britto: Infância e Juventude
Nascido em Recife, Romero Britto nasceu no mês de outubro do ano de 1963.

Desde criança sempre

se mostrou muito criativo e com traços fortes em sua
personalidade. Tinha tendências artísticas e muita imaginação.
Quando pequeno, para criar suas primeiras obras de arte, usava sucata. Pegava
jornais e papelão e ia juntando de várias maneiras diferentes e com isso, foi
desenvolvendo seus dons.
Entretanto, desde criança, sempre ganhava livros de artes. Ele aproveitava para
usar as imagens e as figuras como inspiração para criar suas próprias artes.
Incluindo, nessa fase, conheceu o trabalho de Tolouse.
Mas aos 14 anos de idade, teve seu primeiro quadro vendido para a Organização
dos Estados Americanos. Quando participou de sua primeira exibição ao público.
Como Romero Britto vinha de uma família pobre, a venda do quadro não o animou
muito.
Contudo, seus pais sempre o incentivaram a continuar e atingir suas metas. O
artista passou por um momento sombrio em sua vida e com isso, as cores se
tornaram sua principal marca registrada.
De acordo com Romero Britto, as cores são responsáveis por trazer luz para a vida
das pessoas e por isso, ele as usa com tanta vitalidade. Mesmo sendo de família
humilde, sempre almejou coisas maiores para sua vida, e tinha inteligência para
isso.
Quando tinha 17 anos de idade, ganhou uma bolsa de estudos para fazer Direito,
pela Universidade Católica de Pernambuco.
Visitou muitos países e viajou bastante, e conheceu muitas das obras de arte que
antes via apenas pelos livros. Após tanto viajar, ao voltar para o Brasil, acabou
desistindo da faculdade.

Obras conhecidas de Romero Britto
Depois de todo o reconhecimento que foi adquirindo, Romero Britto pintou uma
pirâmide em 2007, que ficou instalada em Lonres, no Hyde Park. Contudo, a
escultura tinha a altura do tamanho de um prédio de quatro andares e foi feita para
a abertura de Exposição que seria feita sobre a Era Dourada dos Faraós.
No ano seguinte, em 2009, começou a criar desenhos mais fantasiosos ao ser
contratado pelo Cirque du Soleil. Acima de tudo, as obras eram para a abertura do
Super Bowl, um dos maiores eventos esportivos e de maior exposição nos Estados
Unidos.
E daí em diante a carreira do pintor disparou. Já tinha visibilidade o suficiente para
ser chamado e contratado por diversas celebridades importantes do mundo.
Chegou a pintar para Michael Jackson, Madonna, Obama e Michelle, Hillary Clinton,
Elton John, e Lady Diana.
Grande parte de suas obras estão espalhadas em diversos países, museus,
galerias e em diversos objetos. Mas sua arte se tornou uma série de produtos
licenciados, incluindo malas, roupas, acessórios, relógios e muito mais.
Entretanto, acabou construindo suas próprias galerias. Tendo uma em Miami e uma
em São Paulo.
Além disso, criou uma fundação, chamada da Fundação Romero Britto, que faz
arrecadação de fundos para ajudar quem mais precisa.
Estilo das obras de arte
As obras do artista estão repletas de características que envolvem a arte pop.

Acima de tudo, possui muitas cores fortes, vibrantes e chama muito a atenção pelos
traços fortes e muito bem marcados.
Além disso, as formas geométricas estão sempre muito presentes em suas obras. O
que remete ao estilo do movimento cubista, que misturava principalmente muitas
figuras geométricas em um único plano.
Toda essa influência do movimento artístico pode ser vista em suas obras, tanto nas
pinturas quanto
nas esculturas, principalmente usando a anatomia humana e
animal. Enquanto que as cores, são o ponto forte de suas obras, e principalmente o
que traz o aspecto pop a elas.
Toda a linguagem publicitária usada ao longo de sua carreira, também foi
responsável por mostrar toda uma mensagem. Entretanto, pelos traços serem muito
divertidos e alegres, as mensagens sempre foram simples e conseguia transmitir
sem muitas dificuldades o que era necessário.
Características das pinturas de Romero Britto
As pinturas de Romero Britto sempre tiveram características muito marcantes. Entre

elas, os traços bem marcados e fortes. Além disso, as cores vibrantes também
remetem aos vitrais antigos, principalmente pela forma como os desenhos ficam
facetados com todas as formas geométricas.
Entretanto, é possível identificar as suas obras devido aos elementos marcantes. As
cores formam elementos. Enquanto que as formas geométricas dão muitas vezes,
profundidade as peças. Essa técnica de desenho dá destaque ao que está em
primeiro plano.
Em suas pinturas, é possível ver que na maioria das vezes, há um personagem

principal na frente. Sendo um animal ou alguma pessoa. Que estão sempre
sorrindo. De acordo com a própria biografia de Romero Britto, essa característica
em suas pinturas se dá devido a experiências de sua vida.
Devido as experiências sofridas que sofreu na vida quando era criança, suas
pinturas são sempre alegres e precisam ser vibrantes, para passar alegria. Essa
afirmação já foi dada pelo artista em algumas entrevistas. E é realmente o que as
pessoas sentem ao ver suas obras.
Características das esculturas de Romero Britto
As características das pinturas e das esculturas não mudam tanto, mas há

pequenas distinções. Como os traços marcantes são um traço natural do artista, as
esculturas também possuem essa característica.
As cores fortes de Romero Britto também estão presentes nas obras esculpidas.
Contudo, nas esculturas, o lúdico acaba sendo mais atrativo, já que a sensação é
diferente ao observar.
É como se as obras esculpidas dos artistas fossem verdadeiros brinquedos. Mas
ainda assim, possuem o estilo inconfundível do artista.
https://rabiscodahistoria.com/romero-britto/
EXERCÍCIOS...
1- Quais eram as características das obras do Romero Britto?
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2- Pesquise imagens das obras mais conhecidas de Romero Britto:

RELEITURA DE UMA OBRA DE ROMERO BRITTO
NOME:___________________________________
DATA: ____/____/____
PABLO PICASSO
É impossível falar da arte do século XX sem mencionar o nome de Picasso, um dos

maiores expoentes da Arte Moderna. Nascido Pablo Diego José Francisco de Paulo
Juan Nepomuceno Maria de Los Remedios Críspin Crispiano Santíssima Trinidad
Ruiz Y Picasso, em Málaga na Espanha no dia 25 de outubro de 1881, ele foi pintor,
escultor e desenhista e seu trabalho influenciou e transformou o rumo da arte aquele
século. Filho de um pintor e professor de desenho, Picasso aos 13 anos já havia
desenvolvido habilidades artísticas que o fizeram pintar aos 15 anos seu primeiro
quadro denominado “A primeira Comunhão”. Antes de completar 20 anos, vivendo
em Barcelona, conheceu e conviveu com artistas, entre eles Toulouse-Lautrec e
montou com Carlos Casagemas um ateliê. Em seguida muda-se para Paris onde
aperfeiçoa suas habilidades e realiza novos contatos.
Pablo Picasso, 1962. Foto: Revista Vea y Lea / via Wikimedia Commons
Morando no centro da Arte Moderna e capital das vanguardas europeias, ainda
pobre e passando por necessidades, Picasso começava a ficar conhecido por sua
extensa obra. Foi admirado por marchands que o incentivaram e logo seu nome
começou a ganhar fama e, consequentemente, dinheiro. Inquieto e espirituoso,
experimentou e passou por diversos estilos, buscando sempre inovar suas
propostas.
Em 1901 profundamente sentido pela morte do amigo Carlos Casagemas e
encantado pelas obras de El Greco – pintor maneirista do século XVI -, Picasso
inicia sua Fase Azul (1901-1904) onde suas pinturas eram dominadas pela
graduação da cor
azul e das cores frias. As pinturas dessa fase passam uma
sensação sombria, dolorido e triste. Foi um período difícil financeiramente para o
artista. Ladrões, mendigos, velhos e doentes, foram temas recorrentes em suas
pinturas.
Após esse período, morando definitivamente em Paris e seduzido pelas obras de
Cézanne, inicia a Fase Rosa (1904-1906). Os temas tristes e depressivos de outrora
deram lugar a arlequins e temas circenses, bem como a leveza da técnica. Foi
nesse período também que realiza suas primeiras experiências com a escultura.
Insaciável, aproximadamente em 1907 entra em sua Fase Negra (1907-1909),
caracterizada por uma visão sobrenatural do mundo. Nesse período dá suas
primeiras pinceladas cubistas. As senhorias de Avignon (1907) se torna o marco
inicial do movimento cubista que transforma significativamente a arte moderna. Em
sua vasta trajetória experimentou diversos estilos que marcaram sua obra,
dedicando-se também a cerâmica, a gravura e a escultura. Cada fase de suas
pinturas estavam intimamente ligadas ao seu estado de espirito, mostrando-se fiel a
suas emoções.
Em plena Segunda Guerra Mundial se filiou ao Partido Comunista e realizou uma de

suas obras mais significativas – Guernica (1907), onde retratou, em forma de
protesto, os horrores da guerra na cidade basca.
Seus relacionamentos, geralmente, conturbados com as mulheres são temas
recorrentes e influenciaram suas pinturas. Quando estava prestes a se separar de
sua primeira esposa, Olga Koklova, Picasso a retratou em Banhista sentada (1930).
Seus filhos também foram temas de suas pinturas como na tela Paul, como um
arlequim (1924).
Também era um amante da fotografia. A fotografia o auxiliou no trato com a pintura
como na obra Guernica onde 36 imagens fotográficas foram o ponto de partida para
a pintura.
Ainda, no fim de sua vida aos 87 anos, produziu 347 gravuras, encerrando sua
produção alguns anos mais tarde depois de problemas de saúde. Aos 90 anos foi o
primeiro artista vivo a receber uma exposição na Grande Galeria do Museu do
Louvre. Morre em 08 de Abril de 1973 na França deixando uma vasta herança
cultural e artística.
https://www.infoescola.com/artes/pablo-picasso/
EXERCÍCIO...

1- Você conhece a obra “A primeira Comunhão”, do Pablo Picasso?

Faça uma pesquisa mais profunda sobre essa obra e cole uma imagem.
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NOME:___________________________________
DATA: ____/____/____
A ARTE E OS SENTIMENTOS
1- Observe as imagens a seguir e escreva o que você sente ao olhar as imagens:
Vicent Van Gogh (1853-1890)
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Edvard Munch (12/12/1863 - 23/01/1944)
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Pablo Picasso
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NOME:___________________________________
DATA: ____/____/____
PONTILHISMO
O pontilhismo é uma

técnica de pintura que surgiu na França no final do século XIX
com o movimento impressionista.
Essa técnica de pintura é bastante diferenciada porque os pintores fazem suas artes
não com largas pinceladas, mas com pequenos pontos de cores lado a lado, muitos
próximos, sem mesclar as cores.
Pode-se ainda definir o pontilhismo como uma arte de pintar em pontos coloridos
justapostos, a ponto que não se perceba os espaços em brancos, e bem
organizados se constrói todo o conjunto.
E dessa maneira, os pintores franceses criam e recriam um “efeito óptico” nos olhos
dos espectadores. Esse efeito é produzido justamente pela proximidade dos pontos
coloridos construindo a imagem.
Esse toque diferencial no modo de pintar dos artistas pontilhistas era ainda
conhecido por outros termos. E eram eles: divisionismo, cromoluminismo,
punctilhismo, neo-impressionismo e pintura de pontos.
De modo geral, pode-se estabelecer características da técnica pontilhista. E são

elas:
• Preferência pela uso das tintas a óleo, porque tinham melhor espessura e não
escorriam com facilidade;
• O trabalho ao ar livre a fim de captar a luminosidade;
• Movimento artístico que se fundamenta em estudos científicos das cores;
• A técnica da justaposição dos pontos coloridos entre cores primárias e cores
secundárias propicia efeito óptico;
• Pinturas que valorizam a natureza.
Pontilhismo e os estudos científicos
O pontilhismo é um movimento artístico que está fundamentado nos estudos

científicos do químico francês Michel Eugène Chevreul (1786-1889).
Aproximadamente em meado do século XIX, em 1839, Eugène Chevreul publicou o

livro “De la Loi du Contrast Simultané des Couleurs”. E entre os assuntos abordados
estava a lei das cores complementares.
Esses assuntos serviram

como verdadeiros para a técnica pontilhista. Entre os
princípios dos estudos que os pintores passaram a seguir, foi relacionado ao brilho
e as justaposições corretas. Pois, para causar uma qualidade melhor no brilho das
cores era preciso duas ações precisas dos pintores – escolher os tons correto das
cores adjacentes e os pontos exatos do conjunto.
E as justaposições também são precisas. Assim, a combinação dos pontos

coloridos qualificam os resultados artísticos.
Outro importante estudo científico teórico para o pontilhismo foi do médico e físico
alemão Hermann von Helmholtz.
A teoria tricomática foi inicialmente desenvolvida pelo físico e médico Thomas

Young. E anos depois, Helmholtz aprimorou a teoria que explica o funcionamento as
visão humana. Então, segundo essa teoria, o globo ocular tem três receptores.
Cada um com determinada sensibilidade a um comprimento de onda das cores
primárias – azul, vermelho e verde.
E cada receptor ocular reage de modo diferente. Pois, o olho ao ver as cores
primárias, o cérebro faz a interpretação dos comprimento de onda, semelhante a
uma mistura, resultando assim na visualização de cores secundárias.
Os conhecimentos de Hermann von Helmholtz sobre Física e Fisiologia óptica foram

publicados no livro "Manual de óptica fisiológica" ("Handbuch der physiologischen
Optik"). Esse e outros conhecimentos no campo da visão tiveram grande valia para
os pintores franceses no tange aos efeitos ópticos das pinturas.
Pontilhismo: pintores e obras
Os pintores precursores do pontilhismo foram os franceses Georges Seurat e de

Paul Victor Jules Signac.
Georges Seurat (1859-1891) estudou na Escola Superior de Belas Artes, em Paris

capital da França, e desde cedo descobriu o talento na pintura e a habilidade para
inovar técnicas artísticas.
Uma das pinturas

mais famosa de Seurat é o quadro “Uma Tarde de Domingo na
Ilha de Grande Jatte”.
A obra pontilhista foi produzida entre os anos de 1884 a 1886 e apresenta a beleza
das árvores e a harmonia da convivência social das pessoas as margens do rio
Sena, na Ilha de Grande Jatte, em Paris.
Imagem da obra Torre Eiffel de Georges Seurat produzida em

1889. (Foto: Wikipédia)
Entre os mais de cem quadros pintados por Georges Seurat pode-se destacar os
seguintes:
• Jovem maquilhando-se (1890);
• Angélica no rochedo (1878)
Escolha duas imagens a cima e faça uma releitura:
1- Utilize a técnica do pontilhismo para pintar a imagem abaixo:

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SUMÁRIO

A dança e a arte------------------------------------------- 03-05

A Arte na Dança é a liberdade de manifestação artística utilizando o corpo para

Porque a dança é uma arte?

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Quais elementos inspiram a arte na dança?

Os elementos utilizados para inspirar a arte na dança são:

Movimento corporal – que corresponde às pausas do movimento, transferência de

Espaço – trajeto do corpo do início ao fim da dança. No espaço existem duas

Dentro do espaço também possuímos outros elementos que inspiram a narrativa da

Tempo – podemos caracterizar pelo tempo entre a dança (os movimentos) e a

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1- Segundo o texto lido, o que é a dança na arte?

2- O que é o movimento corporal na dança da arte?

4- Escreva os 3 elementos que inspiram a arte na dança.

5- Além dos 3 elementos citados na questão anterior, possuímos outros elementos

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CONHEÇA A HISTÓRIA DA ARTE NA DANÇA E SUA EVOLUÇÃO

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Na dança eram utilizados escudos sagrados que eram guardados especialmente

a vida é uma Carola conduzida pela morte”

E transformando a morte num motivo para se viver de acordo com as regras e

1- Como era a dança em Roma?

2- Escreva o nome de uma dança conhecida no Egito.

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No período renascentista a dança surge como apreciação da nobreza adquirindo

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Ou seja, o sentimentalismo exagerado, composições como as de Tchaikovsky

A dança moderna é uma negação ao balé. Nesse estilo, os bailarinos agora

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A dança contemporânea surgiu em 1960, como uma forma de rompimento da

Apesar do que muitos pensam, não é difícil entender o que é a Dança

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1- Diferencie a dança moderna da dança contemporânea.

2- No período do Renascimento, qual dança ficou mais conhecida?

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Rest Energy (1980), famosa performance de Marina Abramović e Ulay

A performance seria quando o artista apresenta uma cena em que normalmente

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Linguagem híbrida: mistura elementos do teatro, artes visuais, instalação,

Origem da performance na arte

Apresentação dadaísta de Hugo Ball (1916), no Cabaret Voltaire, na Suíça

Contudo, pode-se dizer que a performance tem relações com movimentos

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Na década de 60, surge na Alemanha o movimento Fluxus, que inicia proposições

Joseph Beuys (1921-1986) - alemão

Outros artistas que se destacam na arte da performance são:

Marina Abramović (1946) - sérvia

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2- Pesquise sobre os parangolés de Hélio Oiticica (1964).

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PERFORMANCE ARTÍSTICA NO BRASIL

No Brasil, já na década de 50 a arte da performance dava sinais. Isso por conta de

Origem da Arte Urbana

Primeiro, a arte de rua surgiu na Grécia Pré-Socrática como uma forma de

No Brasil, os primeiros sinais de Arte Urbana começaram a surgir na década de 70,

1- Onde surgiu a arte urbana?

2- Qual é o objetivo da arte urbana?

3- Como e onde surgiu a arte urbana no Brasil?

O grafite é um tipo de arte urbana caracterizado pela produção de desenhos em

Se falarmos sobre os primórdios do grafite, teremos que voltar milhares de anos,