Apostila Arte

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ÍNDICE DAS ATIVIDADES – APOSTILA PRATICAR A ARTE – VOLUME 2.
Nº Título da atividade Nº Título da atividade Nº Título da atividade
01 Conhecendo o artista: William Merrit Chase - Aplicação de cor. 41 Experimentação prática - Desenho orientado. 81 Leitura de obra de arte: Aldemir Martins – Experimentação prática.
02 Conhecendo o artista: Thomas Eakins - Aplicação de cor. 42 Autorretrato – Apreciação e conceituação. Parte 1/2. 82 Intervenção Artística – Leitura e releitura.
03 Conhecendo o artista: Salvador Dalí - Aplicação de cor. 43 Autorretrato – Exercícios. Parte 2/2. 83 Impressionismo - Movimentos de Vanguarda. Parte 1/2.
04 Conhecendo o artista: Pieter Bruegel - Aplicação de cor. 44 Prática de desenho – Linhas, formas e composição. 84 Impressionismo - Movimentos de Vanguarda. Parte 2/2.
05 Conhecendo o artista: Pierre-Auguste Renoir - Aplicação de cor. 45 Análise de linhas e formas. 85 Futurismo - Movimentos de Vanguarda. Parte 1/2.
06 Conhecendo o artista: Jean-François Millet - Aplicação de cor. 46 Prática de desenho – Fazenda. 86 Futurismo - Movimentos de Vanguarda. Parte 2/2.
07 História em quadrinhos – Conceituação. Parte 1/3. 47 Prática de desenho – Apreciação e leitura de imagem. 87 Expressionismo - Movimentos de Vanguarda. Parte 1/2.
08 História em quadrinhos – Experimentação. Parte 2/3. 48 O Retrato – Origem histórica e conceituação. Parte 1/2. 88 Expressionismo - Movimentos de Vanguarda. Parte 1/2.
09 HQ´s – Exercício Prático. Parte 3/3. 49 Simetria: Conceituação e apreciação. 89 Experimentação prática com padrões - Desenho da mão.
10 Conhecendo o artista: Henri Matisse - Aplicação de cor. 50 O Retrato – Exercícios práticos. Parte 2/2. 90 Experimentação prática com linhas e contornos.
11 Conhecendo o artista: Grant Wood – Aplicação de cor. 51 Prática da observação e construção de desenho. 91 Experimentação prática com hachuras e gesto.
12 Conhecendo o artista: Emanuel Leutze - Aplicação de cor. 52 Pontilhismo – Conceituação e prática. 92 Experimentação prática – “Curvas da dança”, de Wassily Kandinsky. Parte 1/2.
13 Conhecendo o artista: Edward Hicks - Aplicação de cor. 53 Perspectiva – Experimentação prática. 93 Experimentação prática – “Curvas da dança”, de Wassily Kandinsky. Parte 1/2.
14 Conhecendo o artista: Édouard Manet - Aplicação de cor. 54 Perspectiva e profundidade – Exercício prático. 94 Cores primárias, secundárias, terciárias. Parte 1/2.
15 Desconstrução de imagem: “Buquê de Girassóis” de Van Gogh. 55 Origami – Conceituação e prática. 95 Cores primárias, secundárias, terciárias. Parte 2/2.
16 Conhecendo a artista: Anna Mary Robertson Moses - Aplicação de cor. 56 Hiper-Realismo – Conceituação e prática. Parte 1/3. 96 Barroco - História da Arte. Parte 1/3.
17 A Dança – Construção de sentido e Interpretação. Parte 1/2. 57 Hiper-Realismo – Conceituação e prática. Parte 2/3. 97 Barroco - História da Arte. Parte 2/3.
18 A Dança – Construção de sentido e Interpretação. Parte 2/2. 58 Hiper-Realismo – Exercícios. Parte 3/3. 98 Barroco - História da Arte. Parte 3/3.
19 A Arte engajada – Expressão e conscientização. Parte 1/2. 59 Desenho – Cabelos – Calibres de grafite. Parte 1/2. 99 Elementos do desenho: Plano de fundo na composição.
20 A Arte engajada – Expressão e conscientização. Parte 2/2. 60 Desenho – Cabelos – Calibres de grafite. Parte 2/2. 100 Elementos da linguagem visual.
21 O surgimento do Teatro – Pesquisa histórica. Parte 1/3. 61 A fotografia e suas técnicas – Conceituação. Parte 1/2.
22 O surgimento do Teatro – Pesquisa histórica. Parte 2/3. 62 A fotografia e suas técnicas – Prática. Parte 2/2.
23 O surgimento do Teatro – Pesquisa histórica. Parte 3/3. 63 Arte Contemporânea – Conceituação e prática. Parte 1/2.
24 Conhecendo o artista: Ivan Cruz - Conceituação. Parte 1/2. 64 Arte Contemporânea – Conceituação e prática. Parte 2/2.
25 Conhecendo o artista: Ivan Cruz - Experimentação prática. Parte 2/2. 65 Conceituação sobre cultura - Conceituação. Parte 1/2.
26 Zentagle – Conceituação e experimentação prática. 66 Conceituação sobre cultura - Prática. Parte 1/2.
27 Trabalho de leitura de imagens: Desenvolvimento do olhar. 67 OP ART – Construção de ilusão de ótica – Esfera.
28 As texturas na Arte – Conceituação e experimentação prática. 68 Op Art – Percepção e produção de desenho. Parte 1/2.
29 Surrealismo – Conceito - Movimentos de Vanguarda. 69 Op Art – Percepção e produção de desenho. Parte 2/2.
30 História da Arte – Romantismo: Conceituação. 70 O TEATRO – Origem e construção de sentido.
31 Reta – Propriedades – Conceituação. Parte 1/2. 71 Exercício Interpretativo “A Auto da Compadecida”.
32 Reta – Propriedades – Exercícios. Parte 2/2. 72 O Renascimento da arte – Renascimento Italiano. Parte 1/2.
33 Renascimento Germânico e nos Países Baixos – Conceituação. 73 O Renascimento da arte – Pesquisa do artista. Parte 2/2.
34 Releitura de imagem - Construção de imagem. 74 Natureza Morta – Desenho de observação.
35 Releitura e apreciação de obra de arte – Conceituação. 75 Natureza Morta – Desenho de observação.

36 Prática de desenho de observação – Composição e aplicação de cor. 76 Música Africana - Leitura de mundo e contato com diferentes culturas.
37 Preenchimento com tipos de linhas – Desenvolvimento do traço. 77 Minimalismo – Estilo de arte e apreciação. Parte 1/2.
38 Prática de desenho: Paisagem de Veneza, de Renoir. 78 Minimalismo – Exercício prático. Parte 2/2.
39 Prática de desenho – Observação e aplicação de técnica. 79 Linhas retas - Experimentação prática sobre simetria.
40 Prática de desenho de observação: Composição e aplicação de cor. 80 Leitura de obra de arte: Aldemir Martins – Interpretação de imagem.

01 - Conhecendo o artista: William Merrit Chase - Aplicação de cor. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Praticar a arte: Depois de observado a obra original, aplique as cores que desejar para homenagearmos ao artista.
Wiliiam Merrit Chase trabalhou em

todas as técnicas. Ele foi mais fluente
em pintura a óleo e pastel, mas
também criou pintura s e gravuras em
aquarela. Chase criou um nobre
sentido de cor que é perceptível em
todas as suas obras, seja nos sutis
matizes indescritíveis da carne, seja na
poderosa representação de uma massa
de escarlate, como em sua notável
pintura. Na pintura de um retrato ele se
esforça, às vezes com muito sucesso,
para apreender o caráter, embora
ocasionalmente um estilo muito
impressionista.

02 - Conhecendo o artista: Thomas Eakins - Aplicação de cor. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Ao longo de toda sua carreira Eakins

trabalhou em um estilo realista, tendo o
ser humano como centro temático. Pintou
centenas de retratos. Como professor foi
um nome altamente respeitado e muito
influente no circuito das artes norte-
americanas, apesar de escândalos pessoais
terem prejudicado um sucesso mais amplo.
Na fotografia foi um inovador, usando
abordagens ousadas para sua época. Hoje
é considerado o mais importante realista
dos Estados Unidos na virada do século XIX
para o século XX.

03 - Conhecendo o artista: Salvador Dalí - Aplicação de cor. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Salvador Dalí foi um pintor e escritor catalão

pertencente ao grupo da vanguarda artística
europeia, o surrealismo. Ficou conhecido por
suas obras com influências oníricas e ele
mesmo definiu seu processo criativo como
"crítico-paranoico". Figura excêntrica, singular
e exibicionista, Dalí possuía um estilo único
sendo ousado, vanguardista e libertador. Como
exemplo, podemos citar suas vestimentas as
quais eram extravagantes e possuíam cores
vibrantes. Embora seja mais conhecido por
suas obras plásticas, Dalí foi um artista
multifacetado. Teve participação em trabalhos
nas áreas do cinema, da literatura, da
escultura, da ilustração e da fotografia.

04 - Conhecendo o artista: Pieter Bruegel - Aplicação de cor. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Foi um pintor de multidões e de cenas

populares, com uma vitalidade tal que
transborda do quadro. Além da sua
predileção por paisagens, pintou quadros
que realçavam o absurdo na vulgaridade,
expondo as fraquezas e loucuras
humanas, que lhe trouxeram muita fama.
Retratava a vida e costumes dos
camponeses, sua terra, uma vívida
descrição dos rituais da aldeia, da vida,
incluindo agricultura, caça, refeições,
festas, danças e jogos. Suas paisagens de
inverno de 1565 tomadas como provas
corroborativas da gravidade dos invernos
durante a Pequena Era Glacial.

05 - Conhecendo o artista: Pierre-Auguste Renoir - Aplicação de cor. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
A sua obra de maior impacto é “Le

Moulin de la Galette”, em que
conseguiu elaborar uma atmosfera de
vivacidade e alegria à sombra
refrescante de algumas árvores, aqui e
ali intensamente azuis. Percebendo que
traço firme e riqueza de colorido eram
coisas incompatíveis, Renoir
concentrou-se em combinar o que
tinha aprendido sobre cor, durante seu
período impressionista, com métodos
tradicionais de aplicação de tinta. O
resultado foi uma série de obras-primas
bem no estilo Ticiano, assim como de
Fragonard e Boucher, a quem ele
admirava.

06 - Conhecendo o artista: Jean-François Millet - Aplicação de cor. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Sua obra foi uma resposta à estética

romântica, de gostos um tanto orientais
e exóticos, e deu forma à realidade
circundante, sobretudo a das classes
trabalhadoras. Suas obras sobre
camponeses foram consideradas
sentimentais para alguns,
exageradamente piegas para outros,
mas a verdade é que as obras de Millet
em nenhum momento suscitaram
indiferença. Na tepidez de seus ocres e
marrons, no lirismo de sua luz, na
magnificência e dignidade de suas
figuras humanas, o pintor manifestava
a integração do homem com a
natureza.

07 - História em quadrinhos – Conceituação. Parte 1/3. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Ao falarmos sobre histórias em quadrinhos, vale lembrar daquelas fantásticas e divertidas

trazidas pelos gibis, não é verdade? Elas compõem o quadro dos chamados textos narrativos,
onde a história se passa com diferentes tipos de personagens, ocorridas em determinado
local, durante certo espaço de tempo. Geralmente, o objetivo maior é o entretenimento com
forma de divertir, causar o humor. Mas podem também transmitir uma informação, uma
alerta à população. Como é o caso das famosas campanhas comunitárias relacionadas a riscos
de doenças, ao desperdício de água, aos problemas causados pelo trânsito, entre outros.
Os quadrinhos são a arte de narrar uma história através de A primeira história em quadrinhos moderna foi criada pelo Os quadrinhos no Brasil:
sequências de imagens, desenhos ou figuras impressas. A sua artista americano Richard Outcault em 1895. As historias em Durante muito tempo, a
linguagem é formada por elementos como: Requadros, Balões e Quadrinhos surgiram nas páginas de um jornal americano com o produção de histórias em
traços que formam os personagens e os cenários, roteiro (com Yellow Kid (O Menino Amarelo). No começo, eram produzidas quadrinhos se limitava a
palavras e as onomatopeias), etc. Os diálogos entre os personagens, como um recurso comercial para atrair o público dos jornais. produção de originais
seus pensamentos e a própria narração aparecem sob a forma de Historias em Quadrinhos, também conhecida como “Arte estrangeiros, sobretudo
legendas ou dentro de espaços irregulares chamados de balões. Seqüencial”, tem forte influencias de outras áreas artísticas como
americanos. Os personagens
a literatura e o cinema. Os quadrinhos são uma forma de brasileiros surgem com o
comunicação em massa. A técnica ganhou desenvoltura, após lançamento das primeiras
1920. Nos anos seguintes há uma verdadeira explosão da arte revistas nacionais, como O tico-
cinematográfica. tico e o Suplemento Juvenil. No
Brasil, os quadrinhos surgiram
na mesma época, por volta de
1869, com o caricaturista
Ângelo Agostini, que criou As
Aventuras de Nhô-Quim e Zé
Caipora , na revista Vida
Fluminense , do Rio de Janeiro.
O Tico-tico(1905) foi a primeira
revista brasileira de história em
quadrinhos. Ela tinha entre
seus fãs declarados Rui Barbosa
e Carlos Drummond de
Andrade. A revista trazia
diversas histórias e
personagens, além de
adaptações de clássicos da
literatura na forma de
quadrinhos.
As comics, como são conhecidas nos países de língua inglesa, surgiram na mesma época do cinematógrafo, mas diferente do que aconteceu com o cinema, que
desde sua estreia foi considerado a sétima arte, os quadrinhos não receberam da crítica a devida importância, sendo até mesmo considerados como uma má influência
para crianças e adolescentes. Isso aconteceu em virtude das temáticas abordadas, que fugiam às narrativas convencionais, pois se nem a disposição no papel era
convencional, por que a linguagem o seria? Essa inovação provocou grande estranhamento e as impressões iniciais sobre as HQs transportaram a arte sequencial para o
submundo das artes, onde permaneceu até a década de 60, quando invadiu o universo acadêmico e ganhou a simpatia de estudantes e professores.

08 - História em quadrinhos – Experimentação. Parte 2/3. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Praticar a arte: Siga as orientações para construirmos nosso gibi. Leia e interprete as dicas e pratique em seu caderno de arte. Mantenha todos os esboços do processo para avaliação.
Para desenhar os quadrinhos é preciso, além da inspiração, conhecer algumas técnicas. Se você tem uma ideia para uma história em quadrinhos, já está a meio caminho de conseguir fazê-la.
Mas há etapas a serem cumpridas antes de seu gibi ser um sucesso.
Criação dos personagens: Dos protagonistas Argumento e Desenho: A lápis, as linhas de todos Letras: Com tinta nanquim (os
aos tipos secundários, o autor precisa planejar roteiro: O os elementos das páginas são alunos podem usar uma caneta
tudo, para não cair em contradição mais tarde. argumento é a idéia marcadas - personagens, cenários, hidrográfica preta de ponta fina), o
O ideal é ter em mente cada personagem, com geral da história, balões (já no caso dos textos, escritos
texto dos balões e as onomatopéias
a personalidade, o aspecto físico, o estilo das com começo, meio a lápis), onomatopéias (palavras quesão finalizados. Os profissionais
roupas, os defeitos e as virtudes. Nessa fase, o e fim. Quando é reproduzem sons naturais, como trabalham com páginas cujo espaço
artista deve desenhar cada um dos tipos em trocado em miúdos, Tchibum! Pou! Crás!) e os contornos para letras já vem pré-marcado. Um
posições variadas e em expressões faciais bem tem-se o roteiro, dos quadrinhos. erro muito comum para quem está
marcadas. Treinando o seu traço não haverá que deve ser começando é entusiasmar-se
perigo de, ao longo da história, o personagem planejado quadro a demasiadamente e desenhar todo o
ficar irreconhecível. quadro. Nessa fase quadrinho antes de decidir o texto
as páginas são que acompanhará a imagem. Quando
Arte-final: Como as letras, os demais
diagramadas, as chega a hora de preencher os balões,
elementos gráficos recebem a tinta preta, cenas descritas e os descobre-se que o espaço é curto. Aí
cobrindo cuidadosamente os traços a lápis e diálogos finalmente é tarde. Planeje, então, o desenho e o
corrigindo eventuais falhas. Você pode optar definidos. texto simultaneamente. O melhor
por usar caneta ou pincel. Para dar efeito de luz modo de fazer isso é checar e
e sombra, pode-se hachurar ou pontilhar. Nos rechecar o seu roteiro.
quadrinhos de autor, o arte-finalista e o
Cor: A última etapa antes da impressão do Alguns recursos utilizados nas Histórias em quadrinhos: As onomatopéias São utilizadas para
desenhista são a mesma pessoa.
gibi é a colorização dos quadrinhos. Os imitar certos sons ou ruídos, podem aparecer dentro de balões ou não. As onomatopéias mais
desenhistas profissionais vêm usando cada comuns são:
vez mais programas gráficos de pintura por
microcomputador. Na classe, os alunos
podem optar entre os lápis de cor, as
canetinhas ou outras técnicas de pintura que
já tenham sido trabalhadas em sala de aula.

09 - HQ´s – Exercício Prático. Parte 3/3. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Praticar a arte: Crie sua história em quadrinho utilizando os espaços apresentados abaixo.

10 - Conhecendo o artista: Henri Matisse - Aplicação de cor. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Henri Matisse foi um artista francês,

conhecido por seu uso da cor e sua arte
de desenhar, fluida e original. Foi um
desenhista, gravurista e escultor, mas é
principalmente conhecido como um
pintor. Matisse é considerado,
juntamente com Picasso e Marcel
Duchamp, como um dos três artistas
seminais do século XX, responsável por
uma evolução significativa na pintura e
na escultura. Seu domínio da linguagem
expressiva da cor e do desenho, exibido
em um conjunto de obras ao longo de
mais de meio século, valeram-lhe o
reconhecimento como uma figura de
liderança na arte moderna.

11 - Conhecendo o artista: Grant Wood. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
O "Gótico Americano" (1930), de Grant Wood, é uma obra típica de um movimento conhecido
como regionalismo, cujo objetivo era valorizar o tipicamente americano, usando um estilo que
evitasse qualquer referência ao modernismo europeu. Para outros artistas norte-americanos, os
arroubos regionalistas somente poderiam prejudicar a arte. O quadro retrata um casal de
agricultores do centro-oeste americano e está exposto no Instituto de Arte de Chicago. Grant
Wood foi um pintor americano. Nativo de Iowa foi um dos principais regionalistas dos anos 30,
frequentemente pintando temas conterrâneos em um estilo primitivista e até satírico. É uma
das pinturas mais famosas da arte americana e uma das poucas imagens para alcançar o status
de ícone cultural amplamente reconhecido, comparável a Mona Lisa de Leonardo da Vinci e O
Grito de Edvard Munch.
Praticar a arte: Vamos fazer algumas interferências na obra de Grant Wood. Você pode usar como modelo as imagens ao lado. Aplique
recortes e colagens, desenhos, adesivos etc.

12 - Conhecendo o artista: Emanuel Leutze - Aplicação de cor. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Leutze nasceu na Alemanha,

sendo trazido para os Estados
Unidos ainda criança. Seus pais
haviam decido primeiramente fixar
residência na Filadélfia, depois
escolheram a cidade de
Fredericksburg. Sua educação
inicial era considerada boa, mas
não direcionada à arte. O primeiro
desenvolvimento de seu talento
artístico ocorreu enquanto ele
auxiliava o pai enfermo, tentando
desenhar para ocupar as longas
horas de espera ao lado do leito de
seu pai.

13 - Conhecendo o artista: Edward Hicks - Aplicação de cor. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Calma e paz, ao invés de ação abrupta,

caracterizam as composições de Hicks.
Muitas das formas e formas em seu
trabalho parecem ser orgânicas, fluidas e
suaves. Deve-se prestar muita atenção aos
gestos de indivíduos e animais em suas
pinturas para obter significado. Hicks usa
pequenas variações de detalhes como
forma de forçar os espectadores a prestar
atenção ao conteúdo, porque são
deliberados e propositais.

14 - Conhecendo o artista: Édouard Manet - Aplicação de cor. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Édouard Manet foi um pintor francês e

uma das figuras mais importantes da
arte do século XIX, considerado por
estudiosos de artes como um dos mais
importantes representantes do
impressionismo francês, embora muitas
de suas obras possuam fortes
características do realismo. Prefere os
jogos de luz e de sombra, restituindo ao
nu a sua crueza e a sua verdade, muito
diferente dos nus adocicados da época.
O trabalhado das texturas é apenas
sugerido, as formas, simplificadas. Os
temas deixaram de ser impessoais ou
alegóricos, passando a traduzir a vida
da época.

15 - Desconstrução de imagem: “Buquê de Girassóis” de Van Gogh. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Praticar a arte: Aplique cores na imagem da obra de arte “Buquê de Girassóis”. Depois recorte as peças e reconfigure-as, colando em seu
caderno de arte, como um quebra-cabeça. Remonte de forma desordenada, invertendo as posições das peças.

16 - Conhecendo a artista: Anna Mary Robertson Moses - Aplicação de cor. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Praticar a arte: Depois de observado a obra original, aplique as cores que desejar para homenagearmos a artista.
Anna Mary Robertson Moses é conhecida

por seu apelido, Vovó Moses, era uma
artista folclórica americana. Ela começou
a pintar a sério aos 78 anos e é
frequentemente citada como um
exemplo de um indivíduo que começou
com sucesso uma carreira nas artes em
uma idade avançada. Seus trabalhos
foram exibidos e vendidos nos Estados
Unidos e no exterior e comercializados
em cartões comemorativos e outras
mercadorias. As pinturas de Moisés são
exibidas nas coleções de muitos museus.

17 - A Dança – Construção de sentido e Interpretação. Parte 1/2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
A dança é a arte do movimento do corpo e está presente em várias culturas. Seja por seguir movimentos predeterminados, ensaiados, como nas coreografias, seja fazendo
movimentos improvisados, a dança possibilita o ser humano expressar suas emoções e produzir momentos de beleza e prazer, além de auxiliar nos cuidados com a saúde do
corpo. As imagens mostram como a dança está presente em várias culturas. Com a dança, nos expressamos de diferentes formas e em espaços variados.
Dança Indígena: Povos da Apresentação de hip-hop, Dança cultural típica da Espanha. Os
etnia Kalapalo, durante o Seul, Coréia do Sul, outubro integrantes dançam em roda e
ritual do Kuarup. Parque de 2009. comemoram a chegada da primavera.
Indígena do Xingú, 2005. Concurso Nacional de
Dança.
Dança e saúde: Cuidando do corpo: Os Complementando o assunto: Já sabemos que a humanidade produz arte desde a Pré-História,
médicos dizem que dançar faz bem à saúde. Isso pois foram encontradas pinturas milenares nas paredes de cavernas que comprovam isso. Supõe-se
porque, ao dançarmos, movimentamos o corpo de que a dança também estava presente naquela época. Na sociedade atual, temos diversas
maneira diferente da que estamos acostumados no modalidades de dança como as danças de salão, executadas por casai, e a valsa, de origem
dia a dia. Mais do que simplesmente trabalharmos europeia, que se tornou conhecida e praticada em todo o mundo. Dança e música, a ciranda é uma
a coordenação motora e a concentração para a manifestação cultural bastante antiga. As rodas de ciranda estão presentes em diversas culturas e
execução de movimentos, quando dançamos algumas são ligadas às brincadeiras infantis. Lia de Itamaracá (1944-), uma das mais famosas
trabalhamos partes do nosso corpo associando cirandeiras de Pernambuco e do Brasil, diz que o movimento realizado na ciranda é como o das
movimentos a ritmos variados. Além disso, ondas do mar. Lia trabalhava como merendeira, além de fazer música, e sempre foi defensora da
exercitamos a memória, afinal, para uma cultura popular e da ciranda. Seu trabalho aos poucos foi ganhando reconhecimento, primeiro pelo
coreografia ser bem executada, precisa ser público de Recife e depois pelos estudiosos de cultura popular. Lia ficou conhecida no Brasil todo e A cirandeira Lia
memorizada. A emoção que sentimos ao nos faz apresentações internacionais. Continua morando na Ilha de Itamaracá (PE) e cantando suas de Itamaracá,
Pernambuco
envolvermos com o som, com a música e com a cirandas, cocos de roda e maracatus.
poesia das letras também pode trazer relaxamento
e benefícios psicológicos. O povo brasileiro tem
fama de gostar de dançar. Nossas danças
consideradas típicas são muitas: samba, forró, axé
etc. Certamente, esses estilos receberam
influências de outros povos, de países diferentes.
O que é a Dança Contemporânea? Dança contemporânea é um tipo de dança que não se limita a um conjunto de
técnicas específicas, abrangendo assim uma variedade de gêneros, ritmos, formas e performances. Por esta razão, é
considerada uma dança abstrata e em constante transformação. Esta modalidade de dança se desenvolveu em meados
do século XX (1950 / 1960), tornando-se popular na década de 1980. A sua crescente popularidade se justifica, em
parte, pelo fato deste gênero de dança não se prender aos padrões estéticos clássicos. A dança contemporânea se
caracteriza por propor intensas inovações e experimentações coreográficas, que muitas vezes misturam ritmos como o
ballet, o jazz e o hip hop. Como dito, não existem técnicas pré-definidas, sendo o processo criativo do conceito ou ideia
a ser transmitida pela coreografia o ponto central da dança contemporânea. A sua não limitação possibilita ao bailarino
autonomia para construir suas próprias coreografias a partir de métodos como a improvisação, o contato com o chão
ou com outro personagem cênico e a utilização de figurinos interativos, por exemplo. A criação dentro da dança
contemporânea é um processo que alia os métodos da composição coreográfica. Desde situações rotineiras até temas
polêmicos podem servir de base para a concepção do conceito de uma coreografia.

18 - A Dança – Construção de sentido e Interpretação. Parte 2/2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Experimentação prática: Diante do que observamos sobre a dança vamos desenvolver nossa capacidade de interpretação realizando o que se pede.
1. Você acredita que as influências que temos em nossos estilos 4. Em que medida você acha que a dança possibilita conhecermos
de danças são bem vindas? Por quê? melhor nosso corpo?
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2. Em grupo, escolham uma música para ser dançada. Ouçam a __________________________________________________________________
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música, primeiro, de olhos fechados. Prestem atenção na
respiração e percebam o funcionamento do corpo. Comecem 5. Que relações você pode fazer entre dança e natureza?
mexendo alguma parte do corpo, pode ser a cabeça, os dedos __________________________________________________________________
dos pés ou das mãos. Não importa se o movimento é rápido __________________________________________________________________
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ou lento, se parece feio ou bonito. Procurem fazer somente __________________________________________________________________
que o corpo pede. Andem pela sala sem interromper o __________________________________________________________________
movimento. Com base na experiência vivenciada na atividade __________________________________________________________________
anterior, responda: __________________________________________________________________
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a) Que sensações seu corpo manifestou? 6. Observe as imagens abaixo e responda:

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b) Que imagens lhe vieram à mente?
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c) Você relaxou ou sentiu alguma parte do corpo mais tensa?
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3. Observe a imagem abaixo:

a) Quais danças você consegue identificar? Escreva o nome de
cada uma delas.
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b) A quais danças você já assistiu ao vivo? A quais assistiu pela

televisão ou internet?
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c) Você acha que dançar é importante? Por quê? Quais estilos de
dança você gostaria de praticar?
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d) Em sua opinião, o que é uma dança popular?

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a) Circule as articulações que você conhece: ________________________________________________________________
b) Marque com a cor vermelha as partes do corpo que você
movimentou com mais facilidade durante a dança.
c) Sinalize com a cor azul as partes que você movimentou com
mais dificuldade
19 - A Arte engajada – Expressão e conscientização. Parte 1/2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Arte engajada é aquela em que o artista usa seu talento, a partir de diferentes linguagens,
para transmitir seus pensamentos, sua atitude para protestar contra algo que considera
errado, ou então como forma de denúncia. Os artistas engajados se comportam como
atores sociais ativos, ou seja, o autor não é alienado dos problemas que afligem a
humanidade de forma geral. A arte engajada reflete a realidade social, o tempo histórico
em que é produzida, a cultura de uma determinada comunidade linguística.
Picasso pintou um quadro sobre a guerra espanhola, protestando A estilista brasileira Zuzu Angel
pela violência do general Franco. usou sua arte, e as passarelas, para
protestar contra o regime militar
que matou seu filho. Nos anos
1970, Zuzu abriu sua loja em
Ipanema e encantou o mundo.
Conquistou o mercado norte-
americano, foi vitrine de grandes
lojas de departamentos e apareceu
em importantes veículos de
comunicação dos Estados Unidos.
Sua maior luta pessoal, porém,
começou com o sequestro político
de seu filho Stuart Angel Jones,
Ativista de movimentos
revolucionários, Stuart
desapareceu depois de ter sido TEATRO DE ARENA: Teatro de Arena (1953). O Teatro de Arena
preso. Zuzu passou a usar sua ganhou força ao se fundir com o Teatro Paulista dos Estudantes e
moda como forma de protesto ao contratar Augusto Boal para dar aulas sobre Stanislavski. Se
O artista espanhol se inspirou no fazendo - como ela mesma dizia - nos primeiros anos as encenações se baseavam em textos de
bombardeamento da cidade Guernica no "a primeira coleção de moda autores estrangeiros, a partir de 1958 começam a serem
dia 26 de abril de 1937. Neste dia, aviões política da história". montadas peças escritas por integrantes do grupo. Influenciado
alemães da Legião Condor destruíram pelo teatro político de Bertolt Brecht, segundo o qual o texto
Outros movimentos mais imersos na luta política e
quase completamente a cidade deveria ser um processo aberto capaz de servir à ideia do autor
ideológica, também contribuíram para o engajamento da
espanhola. Guernica é uma cidade da do espetáculo, o Arena dessacralizou a escrita dramática. No
arte como uma das correntes da Bossa Nova (com Carlos
província da Biscaia, localizada na início da década de 1960, José Renato, que tinha dirigido às
Lyra, Geraldo Vandré, Edu Lobo, Nara Leão, entre
comunidade autônoma do País Basco. Por primeiras produções, deixou o Arena para dirigir o Teatro
outros), o Cinema Novo, os teatros Opinião (de Oduvaldo
este motivo, este quadro tem também um Nacional de Comédia. Augusto Boal e Gianfrancesco Guarnieri, à
significado político e funciona como uma Vianna Filho, o Vianninha), Arena (de José Celso Martinez
frente do grupo no momento do golpe militar, precisaram
crítica à devastação causada pelas forças Correa) e do Oprimido (de Augusto Boal). Havia uma
elaborar uma estratégia para enfrentar a censura, já que as peças
Nazistas aliadas com o ditador espanhol discussão calorosa, mas não tão pública sobre o papel de
realistas que o grupo costumava montar haviam sido proibidas.
Franco. Outra possível interpretação vanguarda que esses movimentos representavam, qual
indica que o quadro Guernica funciona seja a opção de cultivar a arte pela arte ou a arte
como um símbolo de paz ou anti-guerra. engajada.

20 - A Arte engajada – Expressão e conscientização. Parte 2/2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Praticar a Arte: Agora que você conhece o significado de uma arte engajada, observe as imagens abaixo. Escolha uma ou mais para criar um manifesto sobre o tema retratado na imagem escolhida.
Não se esqueça de criar um título e assinar sua produção. Você também pode produzir um desenho sobre o assunto do seu manifesto. Esse desenho pode virar um cartaz para expormos na escola.
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21 - O surgimento do Teatro – Pesquisa histórica. Parte 1/3. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
A fotografia ao lado apresenta a imagem de um vaso grego feito em

cerâmica. Nele, estão representadas várias formas de arte, como a
música, a dança e a encenação.

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Nos espaços reservados abaixo, você desenhará dois tipos de máscaras: uma representando a
alegria e outra, a tristeza:
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24 - Conhecendo o artista: Ivan Cruz - Conceituação. Parte 1/2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
O artista Plástico Ivan Cruz nasceu em 1947 nos subúrbios do Rio de Janeiro, e brincava pelas ruas de seu bairro como toda criança.
Apesar de amante da Arte, enveredou-se pelo caminho do Direito e se formou em 1970, mas nunca deixando de lado a pintura, o que
mostrou freqüentando a Sociedade Brasileira de Belas Artes nos anos 60 e visitas constantes ao MAM e ao Museu Nacional de Belas
Artes. Em 1978 troca o sucesso financeiro do Rio pela beleza natural de Cabo Frio: o sol, o mar e seus frutos contagiam seu espírito. No
ano de 1986 resolve abandonar a advocacia e se dedicar integralmente à produção artística, e lembra que quando jovem, a primeira
pintura que conheceu foi de Portinari em sua fase geométrica. A sua preocupação foi sempre com a criação e não com a cópia ou
engajamento em alguma Escola já criada. Ingressa na Escola Brasileira de Belas Artes (hoje EBA) da UFRJ, freqüentando seus bancos
escolares pelo tempo que julgou necessário.
Sempre acreditou ser o ecletismo a sua unidade, querendo sempre criar e não copiar apenas. Passou a fazer uma série de exposições em Cabo Frio e demais
municípios da Região dos Lagos, além do Rio de Janeiro, sempre com estilos diversos a cada exposição, passando por temas abstratos e figurativos, das mais
diversas variações de sua expressão pessoal.
Em 1990, se preparando para uma exposição em Portugal, Ivan Cruz pintou seus primeiros quadros com temas de sua infância, mais precisamente suas Brincadeiras. O sucesso foi tão grande por
aqui, que ele cancela sua exposição em Portugal e expõe em várias cidades da Região dos Lagos e no Rio de Janeiro. Passou a retratar em suas telas: piões, crianças pulando corda, jogando bola-
de-gude, pulando amarelinha, soltando pipa, pulando carniça e muito mais.
De 1990 até hoje, Ivan Cruz pintou cerca de 600 quadros, retratando mais de 100 brincadeiras distintas, e chamou essa série de “Brincadeiras de Criança”, que cresceu de tal forma sua expressão e
repercussão que se transformou em um projeto, pois passou a reunir em suas exposições não só os quadros, mas os brinquedos retratados, oficinas de brincadeiras e confecção de brinquedos,
contadores de história, além de uma ambientação com músicas da época, como cantigas de roda. Tudo nascido do sonho, da saudade e da vontade de fazer com que todos voltassem a brincar e as
crianças de hoje aprendam o verdadeiro espírito dessa arte que está sendo deixada de lado hoje em dia. Ivan Cruz baseia seu trabalho na frase que criou: “A criança que não brinca não é feliz, ao
adulto que quando criança não brincou, falta-lhe um pedaço no coração”. Sucesso total, o projeto vem crescendo com inúmeras exposições em várias instituições e espaços culturais, sempre
ganhando força e aplausos das mais diversas camadas sociais e profissionais, por apresentar como importante ferramenta para as áreas de Arte-educação, Pedagogia, Educação Física, Música,
Psicologia Infantil, Literatura entre outras, sempre servindo também como disseminador das Artes Plásticas no público em geral. Em 1999, a Telemar, reproduziu oito telas suas em cartões
telefônicos, numa produção de mais de um milhão de cartões na série “Brincadeiras de Criança”. Ivan tem como objetivo divulgar o máximo possível esse seu resgate ao lúdico, à imaginação, quer
incentivar ao máximo o desenvolvimento real das nossas crianças no feliz mundo das brincadeiras, fugindo dos custos e problemáticas urbanas que esse público tanto sofre nos dias atuais,
confinadas a play-ground, ao à frente de computadores, TVs e videogames, desacostumadas ao convívio coletivo e ao desenvolvimento motor proporcionado por tais jogos infantis de outrora. Hoje
as imagens criadas por Ivan Cruz, podem ser vistas em camisetas, imãs de geladeira, jogo da memória, gravuras e diversas aplicações destas, pois todos devem ter acesso à Arte e à tão rico tema.
Compôs também uma música, que tem letra do artista e música de Marcos Vinícius com esse tema. Suas telas são de cores fortes e variadas de cerca de 1 metro por 1 metro (1 metro quadrado) em
técnica: Acrílico sobre tela, logo chamam a atenção da garotada que se diverte junto aos adultos que entram em um verdadeiro “túnel do tempo” ao rever suas gostosas brincadeiras. A
“Brincadeira” já chegou até ao meio científico, onde seu filho Ivan Neto, que cursa o último período de Engenharia na UFRJ, elaborou explicações físicas para as mais diversas brincadeiras como:
pião, balão, barquinho de papel.

25 - Conhecendo o artista: Ivan Cruz - Experimentação prática. Parte 1/2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Praticar a arte: Conhecendo as obras do artista Ivan Cruz, escolha uma delas para produzir uma releitura.

26 - Zentagle – Conceituação e experimentação prática. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Zentangle é um método de criação de lindas imagens usando padrões repetidos. É uma fascinante
nova forma de arte, fácil de aprender, divertida e relaxante que estimula a atenção e criatividade.
Fundada pelos americanos Rick Roberts e Maria Thomas, o Zentangle surgiu quando Maria contou a
Rick sobre a sensação de liberdade, bem estar e atenção quando ela desenhava padrões de fundo
para um dos seus trabalhos. Enquanto ela desenhava estes padrões notou também que todos os
pensamentos e preocupações ficavam de lado. Era uma forma de meditar fazendo arte. Rick e
Maria, então, pensaram em criar um sistema simples que outras pessoas pudessem seguir e
desfrutar deste mesmo sentimento. Mal podiam eles imaginar a proporção que este método
atingiria. O Zentangle está ficando cada vez mais popular, atingindo pessoas de todas as idades e se
espalhando pelo mundo.
Praticar a arte: Você escolherá alguns padrões de zentagle para preencher as figuras abaixo. Aplique a cor que desejar.

27 - Trabalho de leitura de imagens: Desenvolvimento do olhar. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
A pintura, seja ela como for, sempre foi uma das formas de arte mais apreciadas da Praticar a arte: Depois de termos conhecido algumas obras de arte famosas vamos realizar uma pesquisa
história. Dentre inúmeros artistas e obras, algumas delas se destacam, marcam épocas, sobre elas. Escolha uma delas, pesquise em diferentes fontes os seguintes itens:
estilos e gerações e ganham muita notoriedade, seja pra quem é apreciador e 1- Escreva a ficha técnica completa da obra: Nome do autor, dimensões, técnica utilizada, ano da criação
entendedor da arte ou não. e atual localização.
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1 – “Cachorros jogando baralho” (Dogs Playing Poker) _________________________________________________________________________________
Encomendada pela Brown & Begelow Cigars, uma marca _________________________________________________________________________________
de charutos, a série Dogs Playing Poker foi pintada pelo _________________________________________________________________________________
artista americano C.M. Coolidge, e possui no total de 16 _________________________________________________________________________________
telas. As pinturas foram encomendadas em 1903, e ano _________________________________________________________________________________
passado (2015) um dos originais foi vendido em um leilão 2- Pesquise, selecione e escreva dados importantes sobre a obra de arte escolhida. Nessa parte
por nada menos que US $590,400.
você organizará as informações adquiridas com a sua pesquisa.
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2- “O baile no moulin de la Galette” (Le Bal du moulin de la
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Galette) Mais conhecida como “Dança Le moulin de la
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Galette”, esta é uma pintura do artista francês Pierre-
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Auguste Renoir de 1876. A obra está atualmente no Museu
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d’Orsay, em Paris e está na lista das pinturas mais caras do
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mundo, avaliada em incríveis 78,1 milhões de dólares.
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3- “Terraço do Café à Noite” (Cafe Terrace at Night) Esta é
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uma peça do famoso pintor holandês Vincent van Gogh. A
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obra é uma pintura a óleo que mede 80.7 × 65.3 cm, feita
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em 1888 em Arles, na França. A peça não está assinada por
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van Gogh, mas é mencionada por ele em várias de suas
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anotações. Atualmente de encontra no Museu Kröller-
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Müller, em Otterlo, Países Baixos.
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4- “Uma Tarde de Domingo na Ilha de Grande Jatte” (A _________________________________________________________________________________
Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte) Esta é _________________________________________________________________________________
um das obras mais famosas do pintor francês Georges- _________________________________________________________________________________
Pierre Seurat. A peça é uma pintura a óleo em tela feita em _________________________________________________________________________________
pontilhismo, iniciada em 1884 e finalizada dois anos depois. ______________________________________________________________________________________
A peça é propriedade do Instituto de Arte de Chicago e foi _________________________________________________________________________________
adquirida em 1974 por cerca de 20 mil dólares, que
inflacionados equivalem a cerca de 330 mil dólares.

28 - As texturas na Arte – Conceituação e experimentação prática. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Textura é o aspecto de uma superfície, ou seja, a "pele" de uma Textura gráfica:
forma, que permite identificá-la e distingui-la de outras formas. Quanto à execução gráfica para obter texturas artificiais, pode-se utilizar os seguintes processos: fricção, impressão, decalque e
Quando tocamos ou olhamos para um objeto ou superfície, construção.
sentimos se a sua pele é lisa, rugosa, macia, áspera ou FROTTAGE ou FROTTAGEM: A palavra “Frottage” é de origem francesa - frotter, que significa “esfregar”.
ondulada. A textura é, por isso, uma sensação visual ou tátil. Consiste em colocar uma folha de papel sobre uma superfície áspera, que contém alguma textura, e
esfregá-la, pressionando-a com um bastão de giz de cera, por exemplo, para que a textura apareça na
folha. No campo da arte, essa técnica foi usada pela a primeira vez pelo o pintor, desenhista, escultor e
escritor alemão Max Ernest (1891 – 1976), um dos fundadores do movimento “Dada” e posteriormente
um dos grandes nomes do Surrealismo.
Praticar a arte: Através de diferentes objetos vamos praticar a frottage:
Texturas naturais:
Aquelas que resultam da intervenção natural do meio
ambiente ou que caracterizam o aspecto exterior das formas e
coisas existentes na Natureza Ex.: Cascas de troncos de árvores,
madeira, folhas.
Texturas Artificiais:
São aquelas que resultam da intervenção humana através da
utilização de materiais e instrumentos devidamente
manipulados. O Homem desde sempre tenta criar nas
superfícies/objetos, texturas idênticas às criadas na Natureza,
logo elas são o reflexo do modo como expressamos o nosso
entendimento do mundo que nos rodeia. Dependem da
manipulação das matérias e das técnicas utilizadas e do modo
como utilizamos as linguagens plásticas.

29 - Surrealismo – Conceito - Movimentos de Vanguarda. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
O Surrealismo foi uma das vanguardas Principais Características: O surrealismo propõe a valorização da fantasia, da loucura e a utilização da reação automática.
artísticas europeias que surgiu em Nessa perspectiva, o artista deve deixar-se levar pelo impulso, registrando tudo o que lhe vier à mente, sem se preocupar
Paris no início do século XX. Esse com a lógica. Note que o maior objetivo dos artistas surrealistas foi usar o potencial do subconsciente como fonte de
movimento artístico originou-se em imagens fantásticas e de sonhos. Assim, a arte plástica e a literatura eram vistas como um meio de expressar a fusão dos
reação ao racionalismo e ao sonhos e da realidade em um tipo de realidade absoluta, uma "surrealidade".
materialismo da sociedade ocidental.
Origem do Surrealismo: Na Europa, o período entre as duas guerras (1918-1939) ficou conhecido como "os anos loucos".
A arte surrealista não se restringiu às
Assim, a incerteza sobre a predominância da paz levou ao desejo de "viver apenas o presente". Foi nesse período de
artes plásticas, de modo que também
insatisfação, desequilíbrio e contradições, que surgiram diversos movimentos artísticos voltados para uma nova
influenciou outras manifestações
interpretação e expressão da realidade. Esses movimentos ficaram conhecidos como "vanguardas europeias". O Surrealismo
artísticas: a escultura, a literatura, o
teve como precedentes indispensáveis, o Futurismo, o Cubismo e o Dandismo.
teatro e o cinema.
Surrealismo no Brasil: No Brasil, o Principais Artistas e Obras do O pintor espanhol Joan Miró O pintor belga René Magritte O pintor catalão Salvador Dali (1904-
Surrealismo exerceu considerável influência Surrealismo: (1893-1983), em sua obra (1898-1967) rejeitou a suposta 1989) tornou-se um membro oficial do
sobre o movimento Modernista. O escritor Em 1925, o pintor alemão Max "Carnaval do Arlequim" (1924- espontaneidade do automatismo grupo surrealista e deu a ele um novo
Oswald de Andrade foi um dos maiores Ernst, antes dadaísta, inventou a 25), cruzou a fronteira entre a por considerá-la falsa. Passou a ímpeto com seu método de atividade
expoentes. Em seu "Manifesto Antropófago", técnica de "frottage". Impressões observação do "modelo externo" trabalhar com imagens que a paranoica.
no romance "Serafim Pontes Grande" e nas eram tiradas de superfícies e símbolos que fluíam do primeira vista, pareciam
peças "O Homem" e o "Cavalo e a Morta", subconsciente. convencionais, mas às quais dava
texturizadas como tábuas ou folhas
podemos notar elementos que se relacionam e usadas para sugerir as imagens. um caráter bizarro por
com as técnicas de criação surrealista. Além sobreposições.
da literatura, destacam-se nas artes plásticas:
Tarsila do Amaral, Ismael Nery e Cícero Dias.
Usou também o método

"decalcomania", de colocar a tinta
Embora baseado em desenhos
em superfícies como vidro ou feitos em estado de alucinação, Dali interessava-se por condições
metal e pressionar sobre um apoio
sua composição é altamente mentais anormais e, em particular por
de tela ou de papel. As formas organizada através da alucinações. Suas estranhas imagens
resultantes eram então
intervenção do controle eram retratadas de modo que se
trabalhadas criativamente. consciente. assemelhava à fotografia em cores.
30 - História da Arte – Romantismo: Conceituação. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
O século XIX foi agitado por fortes mudanças sociais, políticas e culturais. A Revolução Industrial, que gerou novos inventos com o objetivo de solucionar
os problemas técnicos decorrentes do aumento de produção, provocou a divisão do trabalho e o início da especialização da mão-de-obra, e a Revolução
Francesa, que lutava por uma sociedade mais harmônica, em que os direitos individuais fossem respeitados, traduziu-se essa expectativa na Declaração
dos Direitos do homem e do Cidadão. Do mesmo modo, a atividade artística tornou-se mais complexa. Um dos primeiros movimentos artísticos que surge
em reação ao Neoclassicismo do século XVIII é o Romantismo e historicamente situa-se entre 1820 e 1850. Os artistas românticos procuraram se libertar
das convenções acadêmicas em favor da livre expressão da personalidade do artista.
O termo romântico foi empregue pela Características: Principais Artistas do Romantismo:
primeira vez na Inglaterra para definir o  Cultivo da emoção, da fantasia, do sonho, da
Francisco José Goya y Lucientes (1746-1828) - o artista mostrou por meio de
tema das novelas pastoris e de cavalaria que originalidade, evasão para mundos exóticos onde retratos, o povo, as personalidades da época, a guerra, as cenas históricas. Como
existiam nessa época. Romântico significava se podia fantasiar e imaginar; a pintura de certos temas vinham a se consolidar dentro do estilo, ele buscou
pitoresco: expressão de uma emoção que é  Exaltação da natureza;
um modo de representar a história de modo mais geral. Como disse, Lionello
definida e que foi provocada pela visão de  Gosto pela Idade Média (porque tinha sido o
Venturi, “a pintura de Goya é um simbolo eterno da revolta popular contra a
uma paisagem. O termo romântico passou tempo de formação das nações); opressão".
depois a ser adotado no movimento
 Defesa dos ideais nacionalistas (liberdade
artístico-filosófico Romantismo, que seguiu
as ideias políticas e filosóficas do século das individual, liberdade do povo);
luzes (liberdade de expressão e afirmação  Panteísmo (doutrina segundo a qual Deus não é
dos direitos dos indivíduos) e também as um ser pessoal distinto do mundo, Deus e o
ideias de um movimento alemão chamado – mundo seriam uma só substância);
Strürm und Drang (que tinha como principais  Individualismo, visão de mundo centrada nos
elementos o sentimento e a natureza).
sentimentos do indivíduo.
 Subjetivismo, o artista idealiza temas, exagerando Eugène Delacroix (1799-1863) - esse artista teve o privilégio de viajar com a
em algumas das suas características (por comitiva do embaixador da França, a fim de retratar e documentar os hábitos
exemplo, a mulher é vista como uma virgem das pessoas daquela terra. Ele mostra a multidão, uso das cores e luzes e um
frágil; a noção de pátria também é idealizada). foco nas obras de caráter político.

31 - Reta – Propriedades – Conceituação. Parte 1/2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Retas são figuras geométricas primitivas formadas por conjuntos de pontos. O fato de serem primitivas significa que não existe uma definição para elas, contudo, aceitamos que retas são linhas que
não fazem curva. Essa aceitação ocorre em virtude das propriedades da reta, que serão expostas e discutidas.
As retas são infinitas. Isso significa que, dados dois Retas incidentes: Retas que possuem dois pontos em comum. Existe um resultado que
pontos distintos de uma reta, sempre existirá um garante que quaisquer retas que possuam dois ou mais pontos em comum serão a
ponto entre eles também pertencente a essa reta. O Segmentos de reta possuem fundamento parecido mesma reta. Dessa maneira, se duas retas possuem dois pontos em comum, então
resultado disso é que as retas possuem comprimento com o da semirreta. A diferença está no fato de o desde o início existia uma única reta.
infinito. Dessa maneira, caso caminhássemos sobre segmento de reta possuir início e fim,
uma reta a fim de encontrar seu último ponto, jamais diferentemente da semirreta, que só possui um
terminaríamos a caminhada. ponto de início, mas não possui fim. Um segmento
de reta é apenas uma parte da reta. Ele pode ser
obtido desenhando-se os pontos A e B sobre uma
reta qualquer. Tanto o ponto A quanto B fazem
um corte na reta e o pedaço dela que vai do ponto
A até o ponto B é chamado de segmento de reta.
Observe:
Uma reta é uma figura geométrica que possui uma

única dimensão. Isso significa que só é possível tomar Duas retas podem ser classificadas de acordo com
uma medida de qualquer objeto definido dentro de a quantidade de pontos que possuem em comum.
uma reta. Essa medida é o comprimento, e os Observe:
possíveis objetos, além do ponto, são: Retas paralelas: Retas que não possuem nenhum
ponto em comum.
Retas transversais ou perpendiculares: São retas

que possuem um único ponto em comum. O
exemplo mais importante de retas transversais
Uma semirreta é uma parte da reta obtida da seguinte
são as retas perpendiculares, que são aquelas que
maneira: sobre uma reta qualquer, desenhe os pontos
formam um ângulo de 90°. Retas transversais que
A e B, de modo que o ponto A faça um corte na reta. O
formam um ângulo de 90°, isto é, retas
pedaço da reta que se inicia em A e segue em direção
perpendiculares.
ao ponto B (e, é claro, continua infinitamente após
ele) é chamado de semirreta. Dessa maneira, pode-se
comparar uma semirreta à metade de uma reta.

32 - Reta – Propriedades – Exercício. Parte 2/2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
1. A respeito das dimensões necessárias para existência de uma
reta, assinale a alternativa correta:
a) As retas são figuras adimensionais, ou seja, sua dimensão é
zero. Isso acontece porque as retas são conjuntos de
pontos, e os pontos são figuras que não possuem
dimensão.
b) As retas são figuras unidimensionais, ou seja, existem em
uma única dimensão.
c) As retas são as únicas figuras unidimensionais que existem.
d) As retas são bidimensionais. Assim, é possível medir tanto o
comprimento quanto a largura de figuras sobre uma reta.
e) As retas são figuras tridimensionais, por isso, é possível
encontrar retas no espaço tridimensional.
2. Conceitue:
a) Retas:
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_________________________________________________________________ Uma os pontos seguindo a ordem alfabética e descubra quantos
_________________________________________________________________ segmentos você formou:
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b) Semirretas:
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c) Segmento de reta:
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d) Retas paralelas:
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e) Retas transversais:
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f) Retas incidentes:
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3. Escrevam quais são as três posições da reta:

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33 - Renascimento Germânico e nos Países Baixos – Conceituação. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Ao longo de seu desenvolvimento, Neste âmbito, os irmãos Van No Sacro Império Germânico, Em território francês, Após os vários conflitos de Na Península Ibérica, o pintor
o movimento renascentista Eyck e Pieter Brueghel podemos notar que o François Rabelais (1483 – ordem externa e interna, a Domenico Theotokopoulos, mais
rompeu os limites das cidades tiveram seus quadros Renascimento – comparado 1553) marcou seu nome na Inglaterra só veio a firmar conhecido como El Greco (1541 –
italianas para assim se manifestar marcados pela representação aos demais países europeus literatura ao construir seu lugar na arte 1614), singularizou sua obra pela
em outros grandes centros das festas populares e de – foi uma experiência tardia. narrativas onde explorava renascentista no século exploração de linhas marcadas pela
urbanos da Europa Moderna. Na homens comuns da Albrecht Dürer (1471 – 1528) imagens grotescas e XVI. Thomas More (1478 – explosão e o nervosismo. Na
região dos Países Baixos e Flandres sociedade daquela época. foi um dos mais importantes situações de tom 1535) teve destaque ao literatura, o espanhol Miguel de
observamos a consolidação de Outro grande pintor desse nomes entre os carnavalesco para pensar a formular uma sociedade Cervantes revolucionou a literatura
uma rica burguesia mercantil que mesmo contexto foi renascentistas germânicos, sociedade de sua época. perfeita, tolerante e com a criação do romance “Dom
investia grandes quantidades no Hieronymus Bosch, ficando bastante conhecido “Gargântua e Pantagruel” foi baseada em princípios Quixote”. Já em Portugal, podemos
financiamento de vários artistas responsável por uma obra com as suas gravuras feitas sua grande obra, na qual racionais em sua obra, grifar as peças teatrais de Gil Vicente
locais. Em muitos casos, os artistas que se singularizou pela em madeira e metal. Hans observamos a exploração de “Utopia”. Outro nome de (1465 – 1614) e Luís Vaz de Camões
flamengos pintavam retratos, construção de cenas Holbein (1497 – 1543) todos esses elementos que grande destaque na (1525 – 1580), com a criação de sua
cenas do cotidiano ou temas fantásticas e oníricas, que, destacou-se na concepção de marcaram sua escrita. Já na literatura inglesa desse clássica epopeia “Os Lusíadas”.
religiosos. em certa medida, antecipou retratos, e Lucas Cranach, o filosofia, Montaigne (1533 – período foi o de William
os surrealistas do século XX. Velho, (1472 – 1553) teve 1592) expõe a questão do Shakespeare (1564-1616),
seu nome vinculado aos equilíbrio entre o homem e o que escreveu várias peças
quadros de temática universo em “Ensaios”, a teatrais famosas por seus
religiosa. mais importante de suas personagens de rica
obras. profundidade psicológica.

34 - Releitura de imagem - Construção de imagem. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Praticar a arte: Observe as imagens. Recorte a área do vestido da modelo e preencha o espaço com uma imagem retirada da revista.

35 - Releitura e apreciação de obra de arte – Conceituação. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
O que é releitura? “Reler” uma obra é totalmente diferente de procurar apenas Praticar a arte: Faça uma releitura na obra “Abaporu”, de Tarsila do Amaral.
reproduzi-la, pois é preciso interpretar aquilo que se vê e usar a criatividade. É
importante observar que, ao recriar uma obra, não é necessário empregar a
mesma técnica usada pelo artista. Na releitura de uma pintura, por exemplo,
podemos nos valer de outras formas de expressão artística, como a escultura, a
fotografia e a colagem. O mais importante é tentar criar algo novo, sem negar a
fonte que serviu de inspiração. Uma proposta de releitura é também uma ótima
oportunidade para estudar e analisar a obra do artista: o tema desse e de outros
trabalhos seus, a técnica utilizada, a época em que viveu detalhes de sua
biografia, artistas que admirou outros artistas de seu tempo.

36 - Prática de desenho de observação – Composição e aplicação de cor. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Praticar a arte: Observe o modelo de natureza abaixo. Pratique suas habilidades de desenho replicando-o no espaço ao lado.

37 - Preenchimento com tipos de linhas – Desenvolvimento do traço. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Praticar a arte: Observando as diferentes aplicações de linhas vamos preencher a imagem aplicando diversos modelos.

38 - Prática de desenho: Paisagem de Veneza, de Renoir. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Pierre-Auguste
Renoir costuma ser
chamado de "o
pintor da vida".
Ainda que nunca
tivéssemos visto
um quadro seu
sequer, essa bela
maneira de se
referir a ele seria
um forte chamariz
para a obra deste
homem, tido como
uma pessoa alegre
e carismática em
vida, sempre
rodeada de amigos.
Praticar a arte: Observando a imagem da

obra ao lado, pratique sua habilidade
com o desenho. Observe os detalhes e
cores.

39 - Prática de desenho – Observação e aplicação de técnica. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]

40 - Prática de desenho de observação: Composição e aplicação de cor. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]

41 - Experimentação prática - Desenho orientado. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Praticar a arte: Observe as etapas do desenho. Pratique seus traços seguindo-as. Construa o 1º e o 2º planos do desenho e use a cor que desejar.

42 - Autorretrato – Apreciação e conceituação. Parte 1/2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Ao longo dos séculos, os artistas buscaram diferentes maneiras de retratar
a realidade que os cerca. Um dos gêneros de pintura criados nesse esforço
foi o autorretrato, em que os pintores retratam a si mesmo. É interessante
notar como, nos dia de hoje, as chamadas selfie, tiradas pelos aparelhos
celulares, é uma nova versão dos autorretratos. Observe a imagem do
quadro ao lado e procure analisar quais recursos (tipo de pincelada, cores
etc.) o pintor, um dos maiores do século XIX, usou para compor seu próprio
retrato.

43 - Autorretrato – Exercícios. Parte 2/2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Qual a diferença entre um retrato e um autorretrato?

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Vamos realizar uma intervenção em um dos autorretratos da pintora
brasileira Tarsila do Amaral. Com lápis de cor, faça intervenções em
uma das metades da obra:
As duas apresentam semelhanças e diferenças; enquanto a

primeira é produzida com um aparelho eletrônico, a segunda
reproduz duas telas (juntando um autorretrato de Van Gogh a
um de seus quadros). Identifique ao menos duas semelhanças
e justifique.
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Quando pensamos em arte, muitos conceitos são importantes,

dependendo do assunto e da época, para compreendermos o
que certo autor quis fazer, ou como qual era o objetivo de
alguma escola de arte. Procure rever e encaixar na cruzadinha
algumas ideias vistas neste capítulo.
VERTICAL:
1 – Pintura, desenho ou imagem de si mesmo.
2 – Movimento artístico que valoriza as cores e pinceladas.
HORIZONTAL:
3 – Imagem digital de si mesmo.
4 – Famoso artista de autorretratos.
Agora, desenhe um autorretrato seu ou de alguém especial.

Destaque alguma característica do rosto dessa pessoa.

44 - Prática de desenho – Linhas, formas e composição. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Aprender a desenhar depende de praticar. Quanto mais você praticar e desenhar, maior resultado vai conseguir. Pratique o hábito de
desenhar em todas as ocasiões necessárias, vendo televisão, falando ao celular, conversando. Desenhe formas básicas mesmo, para
melhorar o traço. Pratique utilizando as formas básicas e simples. Essas formas serão as responsáveis por formar a sua base de desenho
e facilitarão quando partir para as mais difíceis. Desenhe círculos, triângulos, retângulos, losangos e quadrados. Se desafie diariamente a
progredir, tornando as formas cada vez mais perfeitas e faça variações dessas formas baseada em tamanhos diferentes. Repetindo e
aprimorando, você vai chegar a um ponto em que vai conseguir reproduzi-las tranquilamente.
Praticar a arte: Pratique seu desenho usando como orientação o passo a passo da imagem abaixo. Use o espaço na horizontal.

45 - Análise de linhas e formas. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Através da observação minuciosa dos elementos que compõe a figura, pratique no espaço abaixo os traços
para desenharmos a personagem. Preste atenção nas linhas que orientam as formas geométricas. Pratique
os diferentes calibres da linha e construa texturas conforme o passo a passo. No fim, aprimore os detalhes e
escureça os contornos. Crie um ambiente para a personagem. Pinte para completar.

46 - Prática de desenho – Fazenda. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Praticar a arte: Observe o passo a passo. Produza uma paisagem da fazenda conforme o esquema. Depois de pronto você pode colorir.

47 - Prática de desenho – Apreciação e leitura de imagem. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Praticar a arte: Observe a imagem da pintura abaixo. Pratique suas habilidades de desenho e cor.

48 - O Retrato – Origem histórica e conceituação. Parte 1/2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Leonardo da Vinci foi um artista, escultor, arquiteto e engenheiro renascentista nascido em

uma pequena aldeia próxima à Florença, na Itália. Desde criança, se interessou pelo desenho e
pela pintura. Já na adolescência, foi aprendiz de escultor, pintor e ourives. Em sua vida adulta,
passou a integrar a Corporação do Pintores de Florença. Da Vinci estudou Matemática, Física,
Astronomia, Engenharia, Artes e Ciências; sem dúvida, seu maior legado foi a representação da
figura humana derivada dos seus profundos estudos de anatomia, desvendando as operações
e ligações entre as partes do corpo humano e de outros elementos na natureza. Três de suas
obras estão entre as mais conhecidas do mundo da arte: Mona Lisa, A Última Ceia e O homem
vitruviano. Entre 1503 e 1507, Da Vinci pintou a Mona Lisa, desde então muitas teorias sobre
seu significado foram criadas. Alguns estudiosos acreditam que haveria mensagens ocultas sob
as camadas de pintura. Contudo, a hipótese mais aceita pelos historiadores da Arte é a de que
a modelo do quadro foi a esposa de Francesco del Giocondo, um rico comerciante de seda de
Florença. Um dos pontos importantes dessa obra consiste na utilizalçao de uma técnica
original: o sfumato.

49 – Simetria: Conceituação e apreciação. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]

50 - O Retrato – Exercícios práticos. Parte 2/2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Praticar a arte: De posse do que você aprendeu sobre o Retrato, faça o que se pede:
1. A proporção áurea é uma medida encontrada na natureza. Explorando o ambiente ao seu ___________________________________________________________________________________________________
redor, encontre algum objeto, planta, animal etc. que se encaixe nessa proporção. Indique ___________________________________________________________________________________________________
qual é ele e como se relaciona a essa medida. ___________________________________________________________________________________________________
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51 - Prática da observação e construção de desenho. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Praticar a arte: Siga as instruções abaixo para criar uma composição em perspectiva e proporção.

52 - Pontilhismo – Conceituação e prática. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Pontilhismo é uma técnica de desenho e pintura, onde o artista utiliza pequenas manchas e pontos para
formar as imagens. Também conhecido por Divisionismo, Cromoluminarismo, Neoimpressionismo e
Pintura de Pontos, o pontilhismo partia do princípio do total desprezo pela linha, como forma de
delimitação da natureza retratada. Os artistas que utilizavam esta técnica davam maior importância ao
uso “matemático” das cores, dispostas na obra em justaposição e não através de mesclagens. Ao
contrário das técnicas clássicas de pintura, com o pontilhismo não há a mistura de cores primárias para
criar novas tonalidades e nem o uso de linhas para formar os traços dos desenhos.
Praticar a arte: Observe a imagem abaixo. Produza uma composição com a técnica do pontilhismo. Não crie contornos.

53 - Perspectiva – Experimentação prática. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
A perspectiva é a arte que se dedica à representação de objetos tridimensionais numa

superfície bidimensional (isto é, plana) com o objetivo de recriar a posição relativa e a
profundidade desses objetos. A finalidade da perspectiva é, por conseguinte, reproduzir a
forma e a disposição segundo a qual os objetos se apresentam ao olho do observador.
Perspectiva é uma palavra de múltiplos significados, podendo estar relacionada com o
modo como se analisa determinada situação ou objeto; um ponto de vista sobre uma
situação em específico; um modo tridimensional de representação ou tudo aquilo que se
consegue ver ao longe. Dentro das artes visuais, a perspectiva é entendida como uma
técnica de pintura, que consegue criar um efeito ilusório nas pessoas que visualizam
determinada imagem a partir de um ângulo específico e a distância.
Praticar a arte: Observando o modelo apresentado, vamos construir uma paisagem em perspectiva. Depois de desenhado você pode
aplicar a cor que desejar.

54 - Perspectiva e profundidade – Exercício prático. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Praticar a arte: Observe o esquema do cômodo ao lado. Vamos construir a perspectiva com o auxílio do professor. Use a régua.

55 - Origami – Conceituação e prática. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
O origami teve origem no Japão, mas foi aperfeiçoado e propagado pelo mundo inteiro. As figuras
representadas no origami têm diferentes significados para os japoneses. Não há data exata do
surgimento da arte milenar do origami, alguns historiadores acreditam que tenha surgido após a
invenção do papel, quando o mesmo foi introduzido no Japão por volta dos séculos V e VI, sendo uma
decorrência natural da invenção do papel. A técnica teve origem no Japão, sendo aperfeiçoada e
propagada pelo mundo inteiro. As figuras representadas no origami têm diferentes significados para os
japoneses, como, por exemplo, tsuru (cegonha) simboliza a felicidade, boa sorte e saúde, o sapo
significa amor e felicidade, entre outros. As primeiras dobraduras foram criadas quando o Estado e a
religião eram um só, dessa forma representavam a natureza das cerimônias religiosas. Estes, porém,
eram a mistura de origami com kirgami (arte de formar figuras através de recortes de papéis), eram
confeccionados com papéis manufaturados unicamente para o uso dos sacerdotes xintoístas. Com a
intenção de honrar o espírito das árvores que davam vida ao papel, os sacerdotes xintoístas passaram a
pregar regras rígidas para a arte do origami como, por exemplo, não cortar ou colar as folhas. Até
metade do século XIX, a arte das dobraduras era restrita aos adultos pelo alto custo do papel, porém,
em 1876, o origami passou a ser ensinado nas escolas, fazendo parte da educação dos japoneses.
Experimentação prática: Observando e se orientando pelo passo a passo, e com as orientações do professor, construa o origami.

56 - Hiper-Realismo – Conceituação e prática. Parte 1/3. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Mas o que é Hiper-Realismo. É um movimento artístico surgido

nos Estados Unidos nos anos 1960 que procura retratar em
diversos suportes, como telas, esculturas e montagens,
imagens, objetos, pessoas, entre outros, com o maior nível de
detalhes e o mais próximo possível da realidade.
Alguns chamam o Hiper-realismo de Fotorrealismo, por causa de sua estreita ligação com a fotografia. Isso porque, como vimos, os artistas fazem pinturas que parecem fotografias.

57 - Hiper-Realismo – Conceituação e prática. Parte 2/3. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]

58 - Hiper-Realismo –Exercícios. Parte 3/3. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Praticar a arte: De acordo com o que estudamos sobre o assunto faça as seguintes atividades de interpretação:

59 - Desenho – Cabelos – Calibres de grafite. Parte 1/2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]

60 - Desenho – Cabelos – Calibres de grafite. Parte 2/2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Praticar a arte: Pratique nos modelos os diferentes tipos de cabelos, variando nos calibres dos grafites e na pressão do gesto.

61 - A fotografia e suas técnicas – Conceituação. Parte 1/2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
A palavra fotografia vem do grego phôs, photós (que quer dizer “luz”) e graphein (que significa
“desenhar”, “marcar”, “registrar”), sendo possível interpretar que fotografar é “desenhar na luz” ou
“registrar a luz”. Por isso, para fotografar, é essencial a presença de luz, pois ela cria sombras, efeitos,
volumes e texturas nas fotos. Além da luz, precisamos de duas ferramentas essenciais: a máquina
fotográfica e suas lentes (embora hoje o celular com câmera possa substituir uma máquina
fotográfica compacta, pois ele tem funções básicas e uma lente própria).
As fotografias também podem ser expressão de arte daquele que as registrou. O primeiro registro
fotográfico é de 1826. Foi Joseph-Nicéphore Niépce, inventor francês, quem fez a primeira imagem
fotográfica de que temos notícias. Antigamente, tirar uma foto era muito caro, pois o processo de
captação da imagem era bem complicado. Além disso, os filmes tinham de ser revelados por um
processo químico, e as fotos precisavam ser impressas em um laboratório, em papel especial. Nesse
processo de revelação, a imagem só fica visível depois de revelada em banho químico apropriado. O
filme contém imagens em negativo, ou seja, as imagens ficam com cores invertidas, sendo
posteriormente ampliadas em papel especial, com fotografias que conhecemos.

62 - A fotografia e suas técnicas – Prática. Parte 2/2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Atualmente, com os celulares e smartphones, as fotografias

chegam a outras pessoas praticamente em tempo real, pois
podem ser postadas em redes sociais no momento imediato ao
que foram tiradas.
4. Em sua opinião, fotografia é uma arte? Justifique.

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5. A fotografia tem funções? Quais?
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POLICROMIA: harmonia conseguida por meio do uso de ____________________________________________________________________________________________________
várias cores. ____________________________________________________________________________________________________
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MONOCROMIA: Utilização de apenas uma cor e suas
6. Observe a seguinte imagem:
nuances numa composição
LUZ: Jogo de claro e escuro (luz e sombra) na imagem.
TEXTURA: Na fotografia, está presente nas
imagens em duas dimensões (altura e
largura, sem profundidade); por isso, só é
possível ter controle sobre uma textura
aparente.
a) Por que as bombas e as flores misturadas em um local marcado por um evento trágico?
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Praticar a arte: Respondas as perguntas a seguir: b) Como a fotografia permite que saibamos mais sobre o conflito entre Israel e Palestina?
1. Para que os fotógrafos tiram fotos? ________________________________________________________________________________________________________
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2. O que é essencial para se fotografar? _______________________________________________________________________________________________________
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3. Retome aos elementos da linguagem visual importantes para a fotografia. Quais
deles você acha mais importante? Para quê?
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63 - Arte Contemporânea – Conceituação e prática. Parte 1/2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
A Arte Contemporânea ou Arte Pós-Moderna é uma tendência artística que surgiu na segunda metade do século XX, mais precisamente após a Segunda Guerra Mundial,
por isso é denominada de arte do pós-guerra. A Arte Contemporânea se prolonga até aos dias atuais, período esse denominado de pós-modernismo, propondo
expressões artísticas originais a partir de técnicas inovadoras. Do latim, o vocábulo “contemporanĕu” corresponde à união dos termos “com” (junto) e “tempus”
(tempo), ou seja, significa que ou quem do mesmo tempo ou época. Utilizamos essa palavra como adjetivo para indicar o tempo presente, atual.
Após a Segunda Guerra Mundial (1939-1945), o novo panorama é  Abandono dos suportes tradicionais; No Brasil, a arte contemporânea começou a se desenvolver
caracterizado pelo avanço da globalização, cultura de massa e o  Fusão entre arte e vida; a partir da década de 1950, com o movimento vanguardista
desenvolvimento das novas tecnologias e mídias. Nesse panorama, a  Uso das novas tecnologias e mídias; conhecido por Neoconcretismo. Entre alguns dos principais
arte oferece novas experiências pautadas principalmente, nos  Mistura de estilos artísticos; artistas brasileiros que fomentaram a arte contemporânea
processos artísticos em detrimento do objeto, ou seja, na ideia em  Obras interativas; no país, destaque para: Hélio Oiticica (1937 - 1980); Romero
detrimento da imagem. Nesse sentido, a arte contemporânea  Obras questionam a definição de arte; Britto (1963 -); Ferreira Gullar (1930 - 2016); Amílcar de
prioriza principalmente, a ideia, o conceito, a atitude, acima do  Aproximação com a cultura popular; Castro (1920 - 2002); Lygia Clark (1920 - 1988); Lygia Pape
objeto artístico final. O objetivo aqui é produzir arte, ao mesmo (1927 - 2004); entre outros.
 Uso de diferentes materiais para a produção das obras;
tempo em que reflete sobre ela. Foi dessa maneira que a Arte
 Liberdade e efemeridade artística;
Contemporânea rompeu com alguns aspectos da Arte Moderna. Ela
 Baseado no conceito de sociedade da informação.
abandonou diversos paradigmas e trouxe valores para a constituição
de uma nova mentalidade. Ao mesmo tempo ela abriu espaço para
diversidade de estilos, perspectivas, técnicas e abrangência de Hélio Oiticica buscou a superação da Romero Britto é um artista plástico Ferreira Gullar iniciou sua obra sob os
linguagens artísticas (dança, música, moda, fotografia, pintura, noção de objeto de arte como brasileiro de grande renome princípios da poesia concreta, deixou os
teatro, escultura, literatura, performances, happenings, instalações, tradicionalmente definido pelas artes internacional. Radicado nos Estados vanguardistas de São Paulo, para construir
vídeo-arte, etc.). Em outras palavras, a mudança da era industrial plásticas. O espectador também foi Unidos, é lá onde desenvolve uma expressão própria. Escreveu a "A Luta
(moderna) para a era tecnológica da Informação e Comunicação redefinido pelo artista, passou a ser trabalhos nas áreas da pintura, Corporal”.
(contemporânea), proporcionou mudanças significativas no campo participador. escultura e serigrafia.
da cultura e das artes. Note que a arte contemporânea abriga
diversos valores da arte moderna. Destacam-se as inovações e
experimentações artísticas bem como a diluição de fronteiras entre
as formas artísticas.
Almícar de Castro, foi escultor, artista Lygia Clark trocou sua pintura Lygia Pape tem em sua obra a marca do
plástico e designer gráfico. Introduziu gradualmente pela experiência com abstracionismo geométrico sendo
a reforma gráfica do Jornal do Brasil objetos tridimensionais. Dedicou-se à considerada uma das artistas mais ousadas
nos anos 50, e revolucionou a exploração sensorial e objetos de todos os tempos. Suas Obras são hábeis
diagramação, e design de jornais no estéticos sobretudo para experiências em relação ao olhar e os sentidos do
Brasil. corporais. espectador.

64 - Arte Contemporânea – Conceituação e prática. Parte 2/2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Entre alguns dos principais artistas que se destacam mundialmente através de seus trabalhos na arte contemporânea, os mais conhecidos são:
Andy Warhol: Foi um pintor e cineasta Banksy: É um veterano artista de Jean-Michel Basquiat: Ganhou Marina Abramovic: É uma artista Keith Haring: Foi um artista gráfico e
norte-americano, um importante artista rua britânico, cujos trabalhos popularidade primeiro como um performativa que iniciou sua carreira ativista social norte-americano, foi
da Pop Art, lembrado por suas pinturas em estêncil são facilmente grafiteiro na cidade onde nasceu e no início dos anos 70 e manteve-se considerado um ícone da cultura
nas latas de sopa Campbell e encontrados nas ruas da cidade então como neo-expressionista. As em atividade desde então. Considera- underground de Nova York da década
principalmente pela sequência de de Bristol, mas também pinturas de Basquiat ainda são se a “avó da arte da performance". de 80.
retratos de Marilyn Monroe. em Londres e em várias cidades influência para vários artistas e Seu trabalho explora as relações entre
do mundo. costumam atingir preços altos em o artista e a plateia, os limites do
leilões de arte. corpo e as possibilidades da mente.
Pop Art Arte Conceitual Arte Digital Fotografia conceitual Instalação Arte Urbana / Street Art Body Art
Arte povera (poor art) Arte de Novas Mídias Hiper-realismo Fotorrealismo Op art Arte cinética Dança Contemporânea

65 - Conceituação sobre cultura - Conceituação. Parte 1/2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Cultura significa todo aquele complexo que inclui o conhecimento, a arte, as crenças, a lei, a moral, os costumes e todos os hábitos e
aptidões adquiridos pelo ser humano não somente em família, como também por fazer parte de uma sociedade da qual é membro. Cada
país tem a sua própria cultura, que é influenciada por vários fatores. A cultura brasileira é marcada pela boa disposição e alegria, e isso se
reflete também na música, no caso do samba, que também faz parte da cultura brasileira. No caso da cultura portuguesa, o fado é o
patrimônio musical mais famoso, que reflete uma característica do povo português: o saudosismo.
Cultura na língua latina, entre os romanos, tinha o sentido de agricultura, que se referia ao cultivo da terra para a produção, e ainda hoje é conservado desta forma quando é referida a cultura da
soja, a cultura do arroz etc. Cultura também é definida em ciências sociais como um conjunto de ideias, comportamentos, símbolos e práticas sociais, aprendidos de geração em geração através da
vida em sociedade. Seria a herança social da humanidade ou ainda, de forma específica, uma determinada variante da herança social. Já em biologia a cultura é uma criação especial de organismos
para fins determinados.
A principal característica da
cultura é o mecanismo Cultura popular é uma expressão que caracteriza um conjunto de elementos culturais
adaptativo, que consiste na específicos da sociedade de uma nação ou região. Muitas vezes classificada como cultura
capacidade que os indivíduos tradicional ou cultura de massas, a cultura popular é um conjunto de manifestações criadas
têm de responder ao meio de por um grupo de pessoas que têm uma participação ativa nelas. A cultura popular é de fácil
acordo com mudança de generalização e expressa uma atitude adotada por várias gerações em relação a um
hábitos, mais até que determinado problema da sociedade. A grande maioria da cultura popular é transmitida
possivelmente uma evolução oralmente, dos elementos mais velhos da sociedade para os mais novos. A cultura popular
biológica. surgiu graças à interação contínua entre pessoas de regiões diferentes e à necessidade do
A cultura é também um mecanismo cumulativo porque as ser humano de se enquadrar ao seu ambiente envolvente. A sociologia e etnologia, que
modificações trazidas por uma geração passam à geração estudam a cultura popular, não têm como objetivo fazer juízos de valor, mas identificar as
seguinte, onde vai se transformando, perdendo e manifestações permanentes e coerentes dentro de uma nação ou comunidade.
incorporando outros aspetos procurando assim melhorar a
vivência das novas gerações. A cultura é um conceito que
está sempre em desenvolvimento, pois com o passar do Só é possível fazer a diferenciação entre cultura popular e cultura de massas quando
tempo ela é influenciada por novas maneiras de pensar o passar do tempo separa o que é moda e circunstância, passando a fazer parte da A cultura erudita, também conhecida como
inerentes ao desenvolvimento do ser humano. essência de um povo. Neste caso, a palavra "massa" não remete para uma classe cultura de elite ou cultura superior, é aquela
social, e sim para um grande número de pessoas dentro de uma sociedade. Apesar que é obtida através de estudos, investigação
das duas expressões serem frequentemente usadas como sinônimos, algumas teórica e dados empíricos. Ao contrário da
pessoas fazem a diferenciação, referindo que a cultura de massa revela um produto cultura popular, a cultura erudita é quase
A cultura popular brasileira é caracterizada por diferentes
ou vertente cultural que é difundido para as grande massas, muitas vezes para todo o exclusiva para pessoas com capacidade
categorias culturais, causadas pelo regionalismo. Na cultura
mundo. A cultura de massa é frequentemente divulgada em meios de comunicação financeira elevada. A ópera e obras de arte são
popular brasileira é possível verificar variações na música,
de massa, e na grande maioria dos casos, é incentivada por indústrias com o objetivo alguns exemplos de manifestações da cultura
dança, e gastronomia. A música sertaneja, a capoeira, o
de obter lucros. Exemplo disso é Coca Cola, MacDonald's, Pizza Hut, etc. Por outro erudita.
folclore, a literatura de cordel, o samba, são elementos
lado, a cultura popular remete para diferentes manifestações que são populares e
importantes da cultura popular brasileira. No âmbito da
com origem em diferentes regiões. Está mais relacionada com a tradição e é
gastronomia, a culinária baiana é das mais apreciadas no
transmitida de geração em geração.
Brasil.

66 - Conceituação sobre cultura - Prática. Parte 1/2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Praticar a arte: Diante do que você aprendeu sobre o conceito de cultura, responda o que se pede:
1. Explique, com suas palavras, o que você entende sobre 6. Como se caracteriza a cultura brasileira?
“Cultura”. __________________________________________________________________
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2. Sobre arte e cultura, assinale a alternativa correta. __________________________________________________________________
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Arte e cultura são conceitos difíceis de definir, mas __________________________________________________________________
que podem definir um mesmo fenômeno. __________________________________________________________________
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A cultura digital facilitou a articulação entre pessoas 7. Explique, conforme o texto, o significado de cultura popular e
de sociedades diferentes. cultura de massa.
__________________________________________________________________
Os aspectos sociais de determinado grupo são __________________________________________________________________
restritos a esse grupo. __________________________________________________________________
__________________________________________________________________
O advento da cultura digital foi o que tornou possível __________________________________________________________________
o reconhecimento de grandes artistas por toda a __________________________________________________________________
__________________________________________________________________
humanidade. __________________________________________________________________
A cultura globalizada só é possível de ocorrer em __________________________________________________________________
__________________________________________________________________
países muito desenvolvidos. __________________________________________________________________
__________________________________________________________________
3. De acordo com o texto, transcreva o conceito de “Cultura”? __________________________________________________________________
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______________________________________________________________ 8. Diferencie cultura popular e cultura erudita.
______________________________________________________________ __________________________________________________________________
______________________________________________________________ __________________________________________________________________
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______________________________________________________________ __________________________________________________________________
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______________________________________________________________ __________________________________________________________________
______________________________________________________________ ___________________________________________________________
______________________________________________________________ 9. Escreva sobre os variados significados da palavra “Cultura”.
______________________________________________________________ __________________________________________________________________
4. Qual é o principal mecanismo da Cultura? __________________________________________________________________
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______________________________________________________________ __________________________________________________________________
______________________________________________________________ __________________________________________________________________
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5. Como é transmitida a cultura popular? __________________________________________________________________
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67 - OP ART – Construção de ilusão de ótica – Esfera. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Na Op-art, as cores têm a finalidade de passar ilusões ópticas ao observador. Visando atingir o dinamismo, os artistas usam tons
vibrantes e círculos concêntricos, dando a ideia de movimento e interação entre os objetos e o fundo. São utilizadas cores que provocam
grandes contrastes, além de diferentes níveis de iluminação, explorando a criação de formas virtuais e efeitos ópticos. Após ter ganhado
significativo destaque nos anos 60, a Op-art quase caiu no esquecimento. Um dos motivos para isso talvez seja o fato dela não despertar
sentimentos nas pessoas, estando mais próxima da ciência do que do homem em si.
Praticar a arte: Observando o modelo em andamento, complete os espaços com a cor para criar uma ilusão ótica.

68 - Op Art – Percepção e produção de desenho. Parte 1/2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
As principais características da Op Art são:
 Explorar a falibilidade do olho pelo uso de ilusões de óticas;
 Defender para arte “menos expressão e mais visualização”;
 Quando as obras são observadas, dão a impressão de movimento, clarões ou vibração, ou por vezes parecem inchar
ou deformar-se;
 Oposição de estruturas idênticas que interagem umas com as outras, produzindo o efeito ótico;
 Observador participante;
 Busca nos efeitos ópticos sua constante alteração;
 As cores têm a finalidade de passar ilusões ópticas ao observador.

69 - Op Art – Percepção e produção de desenho. Parte 2/2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Praticar a arte: Escolha um dos modelos apresentados e construa um em seu caderno. Você também poderá criar um padrão novo.

70 - O TEATRO – Origem e construção de sentido. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
O teatro sempre esteve presente na Teatro Grego: O teatro grego surgiu das cerimônias e rituais gregos como as Dionisíacas que eram
história da humanidade e, por meio celebrações de caráter religioso ao deus Dionísio, o deus do vinho, do entusiasmo, da fertilidade e do
dele, o homem expressava sentimentos, teatro. Os deuses gregos eram muito parecidos com os homens, pois tinham vontades e humores. Uma
contava histórias, e louvava seus deuses. coisa curiosa nas encenações é que só os homens podiam atuar, já que as mulheres não eram
Ninguém sabe ao certo como e quando consideradas cidadãs, por isso as peças eram encenadas com grandes máscaras. Foi na Grécia que surgiu
surgiu o teatro. Provavelmente nasceu a dramaturgia com Téspis que também representou pela primeira vez o deus Dionísio, criando o ofício
junto com a curiosidade do homem, de ator. Também na Grécia antiga surgiram dois gêneros do teatro a Tragédia e a Comédia. Nas
desde o tempo das cavernas, de tanto tragédias gregas os temas eram ligados às leis, à justiça e ao destino. Nesse gênero eram contadas
observar os animais, acabou histórias que quase sempre terminavam com a morte do herói. Os autores de tragédias gregas mais
conseguindo imitar esses bichos, para se famosos foram Ésquilo, Sófocles e Eurípedes. Ao contrário da tragédia, na comédia grega as histórias
aproximar deles sem ser visto numa visavam o riso do espectador, eram formas engraçadas de perceber a vida chamadas sátiras. Um grande
caçada, por exemplo. autor de comédia grega foi Aristófanes. Todos esses autores influenciaram muito o teatro que veio
Depois, o homem desta época deve ter encenado essa caça para depois e suas peças são encenadas até hoje.
seus companheiros para contar a eles como foi, já que não
existia ainda a linguagem como a gente conhece hoje. Isso era
teatro, mas ainda não era espetáculo. Quem vai assistir a peças,
muitas vezes engraçadas, hoje em dia, talvez nem imagine que o
teatro, há muito tempo, era sagrado. As pessoas acreditavam
que por meio desses rituais era possível invocar deuses e forças
da natureza para fazer chover, tornar a terra mais fértil e as
caças mais fáceis, ou deixar os desastres naturais bem longe de
sua comunidade. Estes rituais envolviam cantos, danças e
encenações de histórias dos deuses, que assim deveriam ficar
felizes com a homenagem e ser piedosos com os homens.
Praticar a arte: Assitir “O Auto da Compadecida” (Filme ou Peça)

Teatro no Brasil: Uma das primeiras manifestações do teatro no Brasil ocorreu no século XVI como forma
de catequização. O teatro era utilizado pelos jesuítas para instruir. O padre Anchieta é um dos principais
jesuítas que utilizou estes tipos de representações que eram chamadas de teatro de catequese. Esse teatro
possuía uma preocupação muito mais religiosa do que artística, os atores eram amadores e não existiam
espaços destinados à atividade teatral, as peças eram encenadas em praças, ruas, colégios entre outros. Já
no século XVII, surgem outros tipos de teatros que celebram festas populares e acontecimentos políticos,
alguns lembram muito o carnaval como conhecemos hoje. Com a chegada da família real, o teatro dá um
grande salto. D. João VI assina um decreto que constrói "teatros decentes" para a nobreza. Grandes
espetáculos começaram a chegar no Brasil porém, além de serem estrangeiros e refletirem os gostos
europeus da época eram somente para os aristocratas e o povo não tinha qualquer participação, o teatro
não tinha uma identidade brasileira. A renovação do teatro brasileiro veio em 1943, com a estreia de Vestido
de Noiva, de Gianfrancerco Guarnieri e Nelson Rodrigues, sob a direção de Ziembinski, que escandalizou o
público e modernizou o palco brasileiro. Vestido de Noiva fez um grande sucesso assim como o Auto da
Compadecida, de Ariano Suassuna. Vale destacar grandes artistas como Cacilda Becker, Tônia Carrero, Sérgio
Cardoso, Paulo Autran, Fernanda Montenegro.

71 – Exercício Interpretativo “A Auto da Compadecida”. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Praticar a arte: Depois de ter assistido ao filme “O auto da Compadecida” responda o que se pede:
1. O que faz de João Grilo a personagem principal da história? Auto da Compadecida é uma peça teatral em
_________________________________________________ forma de auto, em três atos, escrita pelo autor
_________________________________________________ brasileiro Ariano Suassuna em 1955. Sua primeira
_________________________________________________ encenação aconteceu em 1956, em Recife,
_________________________________________________ Pernambuco. A peça também foi encenada em
_________________________________________________ 1974, com direção de João Cândido. Trata-se de
_________________________________________________ um drama ocorrido na região Nordeste do Brasil,
2. Qual a atitude de João diante das histórias contadas por com elementos da tradição da literatura de
Chico, como a do cavalo bento e a do peixe que pescou o cordel, do gênero comédia e traços do barroco
homem? católico brasileiro. A obra mistura cultura popular
_________________________________________________ e tradição religiosa.
_________________________________________________ 7. Faça um resumo, com suas palavras, sobre o filme:
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3. Ao lado dos dois maus padres é colocado um bom, o frade, ______________________________________________________
secretário do bispo. Descreva essa personagem. ______________________________________________________
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4. Qual a intenção do autor ao inserir o frade na história? ______________________________________________________
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5. Que figura nordestina Severino representa? ______________________________________________________
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6. Ao chegar ao céu, Severino é absolvido de seus pecados ______________________________________________________
sem passar pelo purgatório. Por quê? ______________________________________________________
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7. Quais as características de João Grilo que lembram a região ______________________________________________________
onde morou? ______________________________________________________
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72 - O Renascimento da arte – Renascimento Italiano. Parte 1/2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Diferentemente da arte medieval, o renascimento artístico esteve inspirado na antiguidade clássica

que havia sido esquecida durante séculos. Foi a partir do avanço científico, social e cultural que surge
o movimento do renascimento, o qual foi marcado, sobretudo pelo caráter humanista. Assim, o
teocentrismo medieval dá lugar ao antropocentrismo renascentista, com a chegada da Idade
Moderna.
O Renascimento Artístico representou uma das
- A grande contribuição da arte renascentista foi à descoberta da perspectiva e da profundidade.
vertentes do período renascentista com a
Assim, do plano reto e bidimensional da arte medieval, a arte da renascença promoveu outro olhar.
profusão de diversas obras. Lembre-se que o
- Equilíbrio das formas e a busca da harmonia, fundamentadas na arte clássica.
Renascimento foi um movimento artístico,
- Evolução da pintura, escultura, arquitetura e literatura, valorizando aspectos humanos e da natureza.
intelectual e cultural que teve início no século XV
- Mudança de mentalidade da época proporcionou incluir uma variedade de temáticas desde os costumes, a mitologia, as paisagens, dentre
na Itália. Foi com o declínio do sistema feudal e
outros.
de diversas caraterísticas associadas ao período
medieval, que surgiu a Renascença, um período
de efervescência cultural, artística e científica
que se espalhou pela Europa.
Leonardo da Vinci Michelangelo Buonarroti Sandro Boticcelli Rafael Sanzio

(1452-1519) (1475-1564) (1445-1510) (1483-1520)
Pintor, escultor, arquiteto Pintor e desenhista italiano, Pintor italiano que em suas obras, utilizou a
Sem dúvida Leonardo foi um dos e escritor renascentista, Boticcelli foi um dos técnica do contraste de luz e sombras, sendo
principais artistas do Michelangelo, considerado principais nomes do reconhecido como um dos principais nomes
Renascimento. o “Gigante do renascimento italiano. do movimento renascentista.
Pintor, escultor, arquiteto e literato Renascimento”. De suas obras destacam-se: O De suas obras merecem destaque as diversas pinturas de
renascentista, de suas principais obras Destacou-se com a produção de sua Nascimento de Vênus, Adoração dos Reis Madonas e O Casamento da Virgem.
destacam-se: A Mona Lisa (La Gioconda), A escultura de David, Pietá e Moisés e Magos, Primavera e Virgem com o
Última Ceia, A Virgem das Rochas e o Homem ainda, o afresco localizado no teto da Menino e São João Batista Criança.
Vitruviano. Capela Sistina.

73 - O Renascimento da arte – Pesquisa do artista. Parte 2/2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Praticar a arte: Diante dos mais famosos artistas do Renascimento italiano, você escolherá um deles e realizará uma pesquisa em seu caderno de arte. Reúna dados sobre a vida, obras e
curiosidades sobre o artista escolhido. Ilustre a pesquisa com imagens ou desenhos.

74 - Natureza Morta – Desenho de observação. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
O conceito natureza-morta apresenta uma curiosidade inicial: tem relação indireta com a natureza e não tem
nada haver com a morte. O conceito que analisamos faz parte da terminologia do mundo da pintura e se
refere à pintura. Este tipo de pintura clássica utiliza certos elementos tais como frutas, utensílios de cozinha,
flores, porcelanas, livros e tudo aquilo que faz parte do cotidiano. Porém, esta imagem tem evoluído e
atualmente a natureza-morta ou pintura clássica apresenta objetos mais modernos como uma geladeira
aberta ou um simples espelho.
No entanto, seu elemento característico é normalmente algo criado pela natureza, por exemplo, um cacho de uva ou um pedaço de pão.
O artista que escolhe a natureza-morta, como tema ou assunto, aposta em uma pintura figurativa e consegue dar uma atenção especial
aos pequenos detalhes.
Praticar a arte: Através da observação da imagem vamos desenhar um dos exemplos das naturezas-mortas:

75 - Natureza Morta – Desenho de observação. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Praticar a arte: Escolha um dos modelos de natureza morta apresentados para praticar o desenho.
O conceito natureza-morta apresenta uma curiosidade inicial: tem relação indireta com a natureza e não tem nada haver com a morte. O
conceito que analisamos faz parte da terminologia do mundo da pintura e se refere à pintura. Este tipo de pintura clássica utiliza certos
elementos tais como frutas, utensílios de cozinha, flores, porcelanas, livros e tudo aquilo que faz parte do cotidiano. Porém, esta imagem
tem evoluído e atualmente a natureza-morta ou pintura clássica apresenta objetos mais modernos como uma geladeira aberta ou um
simples espelho. No entanto, seu elemento característico é normalmente algo criado pela natureza, por exemplo, um cacho de uva ou
um pedaço de pão.
Praticar a arte: Escolha um dos modelos apresentados acima para praticar sua habilidade em desenho.

76 - Música Africana - Leitura de mundo e contato com diferentes culturas. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
A África é um continente com vários tipos de diversidade Glossário dos Estilos Musicais Africanos:
étnica, cultural e linguística. Uma descrição da música Afrobeat é uma combinação de jazz americano, Afropop é temperada com elementos de ritmos africanos e
africana é quantidade de variedade de expressões. funk e batida nigeriano. Ele foi criado pelo artista ocidentais. Nos anos 70 e 80, muitos artistas e músicos
Existem semelhanças regionais entre grupos desiguais, Fela Ransome Anikulapo, da Nigéria, no início dos africanos migraram para a Europa e a América a fim de seguir
assim como as tendências que são constantes ao longo anos 70. Era justamente a época em que o rock uma carreira profissional internacional. Fazendo isso, eles
do tempo do continente africano. A música da África é britânico e soul music americana estavam criaram um ritmo comercial mais “aceitável” pelo ocidente.
dominando a maior parte da cena musical da
tão ampla e variada como as muitas regiões da África.
África.
Ela é fruto de descendentes de distintas nações e grupos Bikutsi: a adição tardia à música de dança popular Benga Beat é estabelecido
étnicos africanos, quanto ao seu patrimônio musical específico. em Camarões do estilo criado por cinco músicos pelas guitarras elétricas no
Reunindo dados históricos, etnográficos, linguísticos e desse país africano, na costa do Atlântico, ao som de Quênia, na costa
confrontando-os com respeito à pertinência relativa a sua reagirem ao estilo zouk de música de dança da do Índico, identificáveis
origem e às interpenetrações de civilizações, revela-se a Martinica. Esta tinha monopolizado as ondas dos pela cadência do tambor
existência de permanências e divergências, bem como de um rádios de Camarões, inteiramente, no início dos pesado e da harmonia
número considerável de empréstimos e influências recíprocas anos noventa. vocal.
tanto no plano etnográfico como no estritamente musical. Chimurenga é a música da guerra de libertação do Fuji Garbage vem da
A África é um grande continente e as suas regiões e nações possuem distintas tradições Zimbabwe. É uma mistura da música tradicional Nigéria. É uma música
musicais. A música do norte da África tem uma história diferente da musica da África Sub- mbira com o uso da guitarra elétrica como um Yoruba, baseada em
instrumento da luta de libertação pelo tambores, com guitarras,
saariana.
internacionalmente conhecido artista deste país: acordeões e tambores
Thomas Mapfumo. falantes.
Norte da África: é a sede da cultura mediterrânica que construiu o Egito e Jit Jive e True Jit Foi criado após a guerra de Highlife: é a música de salão de baile de Gana e da Nigéria na
Cartago, antes de ser governado sucessivamente por gregos, romanos e libertação, quando muitos jovens, que migraram África Ocidental. Este estilo de música de dança que introduziu
godos e, de tornar-se, em seguida, o ocidente (Magrebe) do mundo árabe. das aldeias para a capital Harare, encontravam-se pela primeira vez a música popular africana para a Europa e
sem dispor de quaisquer habilidades empregáveis. América.
Como os gêneros musicais do Vale do Nilo e do Nordeste africano, a sua
Então, eles formaram muitas bandas, em toda a
música tem laços estreitos com música do Oriente Médio. cidade, para fins recreativos.
África Oriental: Madagascar e ilhas do Oceano Índico são áreas Makossa: é outro gênero de música camaronês de Mbalax: que a música contemporânea do Senegal, o som
ligeiramente influenciadas pela música árabe e também pela música da dança popular “para dançar até cair”. O grande percussivo altamente dominado pelo Sabar (tambor de pele
Índia, da Indonésia e da Polinésia. No entanto, nas populações indígenas saxofonista Manu Dibango colocou o estilo no de cabra). Melhor exemplo dessa música é Youssou Ndour,
mapa com seu som jazzy lendário de “soul *alma+. Baaba Mal.
as tradições musicais são principalmente em sua maioria típica da África
subsaariana de línguas nigero-congolesas.
África do Sul, Central e Ocidental: são regiões onde Mapouka: é a mais recente mania da dança e Mbaquanga: é o nome dado à música negra sul-africana para
caracterizam-se também na ampla tradição musical estilo musical emitido da Cote d’Ivoire, na África dançar em Soweto. O estilo foi nomeado após uma pesquisa
subsaariana, mas também possuem influências vindas da ocidental. Originalmente dançado pelas mulheres popular entre as pessoas do bairro negro.
da alta sociedade, na região sudoeste do país,
Europa Ocidental e América do Norte. A música e as formas de
Mapouka foi colocado em cena de clube popular,
dança da diáspora africana, incluindo a música afro-americana no final dos anos 90.
e muitos gêneros afro-caribenhos como soca, calipso, zouk Soukous do Congo: é a Taarab: é a música da ilha temperada de Zanzibar na extrema
(musica antilhana) e gêneros musicais latino-americanos como música e o estilo de costa leste da África. O nome taarab deriva da palavra árabe
a salsa, rumba, e outros derivados do clave-ritmo (cubano), dança hoje tidos como Tariba que significa “inquietação ou agitação”.
originaram-se com diversos graus de variação na música dos a mania mais popular
escravos africanos. Por sua vez, esses gêneros também em toda a África
influenciaram a música popular africana contemporânea. subsaariana.

77 - Minimalismo – Estilo de arte e apreciação. Parte 1/2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
A palavra minimalismo reporta-se a um conjunto de movimentos artísticos e culturais que percorreram vários momentos do Principais características do Minimalismo:
século XX, manifestos através de seus fundamentais elementos, especialmente nas artes visuais, no design e na música. Surgiu - Elaboração de obras (pinturas, esculturas, músicas, peças de teatro)
nos anos 60 nos Estados Unidos. As obras minimalistas possuem um mínimo de recursos e elementos. A pintura minimalista com a utilização do mínimo de recursos;
usa um número limitado de cores e privilegia formas geométricas simples, repetidas simetricamente. No decurso da história - Utilização de poucas cores nas pinturas;
da arte, durante o século XX, houve três grandes tendências que poderiam ser chamadas de “minimalistas”: (manifestações - Nas artes plásticas, destaque para o uso de formas geométricas
minimalistas: construtivismo, vanguarda russa, modernismo). Os construtivistas por meio da experimentação formal simples com repetições simétricas. Presença também de
procuravam uma linguagem universal da arte, passível de ser absorvida por toda humanidade. O minimalismo exerceu grande acabamento preciso, além de purismo funcional e estrutural. A arte
influência em vários campos de atividade do design, como a programação visual, o desenho industrial, na arquitetura. Os minimalista recebeu influências do construtivismo.
minimalistas produzem objetos simples em sinônimo de sofisticação.
Alguns pintores são: Robert Ryman, Robert Mangold, Agnes Martin.
Escultura minimalista: Design minimalista: Minimalismo – Arquitetura: Minimalismo na moda: Banco de imagens:
Minimalismo foi O termo minimalismo No final da década de 1960, passou-se O minimalismo está virando um
desenvolvido no campo da também é usado para a denominar Minimalismo assunto cada vez mais comentado
escultura, cujos principais descrever uma arquitetônico a corrente artística que no mundo da moda. Ele está muito
representantes são: Donald tendência na concepção procurava expressar o mínimo ligado com o conceito do slow
Judd, Sol LeWitt , Carl Andre , e arquitetura, onde a conteúdo de arte através da pesquisa fashion e do consumo consciente.
Dan Flavin e Robert Morris. estrutura é reduzida aos em cores e tonalidades; texturas e O estilo – que está mais para estilo
seus elementos superfícies; e volumes e estruturas. de vida e não só de moda –
necessários. procura otimizar as peças do
guarda-roupa e transformá-lo em
algo mais atemporal e versátil.

78 - Minimalismo – Exercício prático. Parte 2/2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Praticar a arte: Vamos pesquisar em jornais e revistas, algumas imagens que sirvam de exemplo para os diferentes tipos de Minimalismos apreciados na aula de hoje. Cole as imagens em seu
caderno de arte e identifique cada imagem.

79 - Linhas retas - Experimentação prática sobre simetria. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Praticar a arte: Desenhe os padrões apenas com linhas retas seguindo as orientações do modelo apresentado. Use as cores que desejar para preencher.

80 - Leitura de obra de arte: Aldemir Martins – Interpretação de imagem. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Leitura de uma obra de arte é Leitura Formal: observar os Leitura Interpretativa: este é um momento muito rico, em que Contextualização Histórica: localizar a obra no tempo
uma interpretação pessoal, ou elementos que compõem, não existe certo nem errado. Durante esta leitura é possível a histórico e no espaço, observando o tema, os significados,
seja, ela é construída através da formam a obra de Arte, ou seja, cada espectador colocar o que pensa sobre a obra que está ou seja, os contextos em que foi criada, auxiliando na
compreensão que construímos os elementos expressivos, como vendo, pois cada ser humano percebe, vê e sente uma obra de compensação e no significado da obra em questão.
através da observação. a linha, a cor, o volume, a Arte de acordo com sua história de vida, com o que já sabe e
perspectiva. conhece sobre arte.
O artista plástico Aldemir Martins nasceu em Ingazeiras, no Vale do Cariri, Ceará em 8 de novembro de 1922. A sua vasta obra, importantíssima para o panorama das artes
plásticas no Brasil, pela qualidade técnica e por interpretar o “ser” brasileiro, carrega a marca da paisagem e do homem do nordeste. Seus traços fortes e tons vibrantes
imprimem vitalidade e força tais à sua produção que a fazem inconfundível e, mais do que isso, significativa para um povo que se percebe em suas pinturas e desenhos, sempre
de forma a reelaborar suas representações. Aldemir Martins pode ser definido como um artista brasileiro por excelência. A natureza e a gente do Brasil são seus temas mais
presentes, pintados e compreendidos através da intuição e da memória afetiva. Nos desenhos de cangaceiros, nos seus peixes, galos, cavalos, nas paisagens, frutas e até na sua
série de gatos, transparece uma brasilidade sem culpa que extrapola o eixo temático e alcança as cores, as luzes, os traços e telas de uma cultura.

81 - Leitura de obra de arte: Aldemir Martins – Experimentação prática. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Praticar a arte: Escolha umas das obras do artista Aldemir Martins e produza uma releitura. Você também pode aplicar recorte e colagem ou a técnica do mosaico.

82 - Intervenção Artística – Leitura e releitura. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
A noção de intervenção é empregada, no campo das artes, com múltiplos sentidos, não havendo uma única definição para o termo.
Como prática artística no espaço urbano, a intervenção pode ser considerada uma vertente da arte urbana, ambiental ou pública,
direcionada a interferir sobre uma dada situação para promover alguma transformação ou reação, no plano físico, intelectual ou
sensorial. Trabalhos de intervenção podem ocorrer em áreas externas ou no interior de edifícios. O termo intervenção é também usado
para qualificar o procedimento de promover interferências em imagens, fotografias, objetos ou obras de arte preexistentes. Intervenção,
nesse caso, possui um sentido semelhante à apropriação, contribuição, manipulação, interferência. Colagens, assemblages, montagens,
fotografias e desenhos são trabalhos que freqüentemente se valem desse tipo de procedimento. Diferentes trabalhos de arte podem ser
qualificados como intervenção, não havendo, portanto, uma categorização única ou fronteiras rígidas que a separem da instalação, land
art, site specific, performance, arte postal, arte xerox etc.
Experimentação prática: Com recortes de revistas, lápis de cor e canetinhas, desenhos e colagens diversas, vamos interferir na imagem.

83 – Impressionismo - Movimentos de Vanguarda. Parte 1/2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Impressionismo é um movimento artístico que surgiu na França no final do século XIX, durante o período da Belle Époque. A
principal proposta do estilo era quebrar com as técnicas convencionais do Realismo, focando-se na impressão da luz, das cores e
dos movimentos livres das pinceladas para criar efeitos óticos que completassem as obras. Esse movimento artístico foi batizado
em referência a obra “Impressão, Sol Nascente” (Impression du Soleil Levant - 1872), de Claude Monet, um dos mais célebres
pintores impressionistas de todos os tempos. A “alma” do impressionismo consistia em captar as diferentes impressões de cores,
luz e movimentos da natureza ao longo do dia, por isso os artistas preferiam pintar sempre ao ar livre, analisando de perto todas
as “ilusões” que as mudanças na luminosidade provocavam nas cores e sombras e, consequentemente, na paisagem geral.
Alguns artistas, como Monet, por exemplo, pintavam a mesma paisagem diversas vezes em momentos distintos ao longo do dia,
justamente para perceber as variações que as mudanças de luminosidade transmitiam para a impressão final da imagem. O
impressionismo é tido como o movimento que deu origem a arte moderna. As obras impressionistas transmitem a sensação de
alegria e harmonia, isto devido à presença dos contrastes, da luz e da claridade das cores, principalmente.
Além de Monet, outros artistas que se destacam por seus trabalhos impressionistas são:
Características do Impressionismo: Pós-impressionismo: Surgiu nos últimos anos do século XIX e começo do século XX, como um conjunto de estilos, técnicas e tendências
 Destaque para temas da natureza, especialmente artísticas baseadas a partir do modelo impressionista. A ideia central dos pós-impressionistas não era renegar, repudiar ou esquecer o
paisagens; impressionismo, mas sim aprimorá-lo. Muitos dos artistas pós-impressionistas começaram os seus trabalhos como impressionistas, mas após
 Valorização da luz natural; agruparem algumas técnicas e características de outros estilos, acabaram por se redefinirem e seguir padrões ligeiramente distintos
daqueles que são tidos como a “essência básica” do impressionismo original. A importância da “cor viva” e da bidimensionalidade nas obras
 Uso de cores decompostas e primárias;
são dois valores bastante importantes para os artistas pós-impressionistas. O Cubismo, o Expressionismo, o Fauvismo e o Pontilhismo são
 Uso de sombras coloridas e luminosas;
exemplos de estilos que surgiram a partir desta “revolução” do impressionismo tradicional. O Pontilhismo, no entanto, não deve ser
 Foco nos estudos dos efeitos óticos (ilusões);
considerado um movimento pós-impressionista, mas sim neoimpressionista.
 Desenhos sem contornos nítidos, mas sim
formados por manchas;
Impressionismo no Brasil: No Brasil, o impressionismo se disseminou nos primeiros anos do século XX, sendo
 Rompimento com o passado;
o ítalo-brasileiro Eliseu Visconti o pioneiro neste estilo no país, e um dos mais expressivos representantes do
 Valorização pela pintura feita ao ar livre e não em gênero. Entre os artistas brasileiros, os que mais tiveram destaque no estilo impressionista foram: Almeida
estúdios fechados, por exemplo; Júnior, Artur Timóteo da Costa, Henrique Cavalleiro e Alfredo Andersen.
 Preferência pela mistura de cores através da
ilusão de ótica e não pela técnica, não há a
mistura de cores para criar novas tonalidades,
mas apenas o uso de pigmentos primários
justapostos;
 Aplicação da lei das cores complementares.

84 - Impressionismo - Movimentos de Vanguarda. Parte 2/2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Praticar a arte: De posse do que você aprendeu sobre o movimento impressionista na arte, faça as seguintes atividades:
1. Marque V ou F (verdadeiro ou falso) e relacione com a alternativa correta: “O 4. Pensando na principal preocupação dos pintores impressionistas em sua arte, elabore uma explicação
Impressionismo foi um movimento que revolucionou a pintura e deu início as para o termo “impressionismo”.
grandes tendências da arte do século XX”. ___________________________________________________________________________________________________________
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Os Impressionistas buscavam observar o efeito da sombra sob os objetos; ___________________________________________________________________________________________________________
O Impressionismo teve início no século 18; ___________________________________________________________________________________________________________
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O efeito da luz nas cores é o objeto de estudo e foco de trabalho dos
5. Em seus procedimentos, os impressionistas tinham uma visão inovadora do trabalho com a cor. Qual
impressionistas;
era ela?
Os impressionistas não chegaram a formar uma escola ou sistema, mas ___________________________________________________________________________________________________________
revolucionaram a pintura a partir do século 20. ___________________________________________________________________________________________________________
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2. Dentre os grandes pintores impressionistas podemos destacar: ___________________________________________________________________________________________________________
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Monet, Manet e Renoir;
6. Quais os principais artistas impressionistas?
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Degas, Renoir e Manet; ___________________________________________________________________________________________________________
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Monet, Renoir e Degas;
7. Quais os principais pintores impressionistas brasileiros?
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Manet, Monet e Degas; ___________________________________________________________________________________________________________
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3. Sobre os procedimentos gerais dos impressionistas marque Verdadeiro ou _________________________________________________________________________________________________________
Falso. 8. Defina o termo “Pós-Impressionismo”
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As cores e tonalidades são obtidas pela mistura das tintas; ___________________________________________________________________________________________________________
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A pintura deve registrar as tonalidades que os objetos adquirem ao refletir
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a luz solar num determinado momento; ___________________________________________________________________________________________________________
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As sombras devem ser escuras ou pretas como sempre foi representada ___________________________________________________________________________________________________________
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pelos pintores até então;
As figuras não devem ter contornos nítidos, pois a linha é só uma forma
encontrada pelo ser humano para representar.

85 - Futurismo - Movimentos de Vanguarda. Parte 1/2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
O futurismo é um movimento artístico e literário surgido na França, oficialmente em 20 de fevereiro de

1909, com a publicação do Manifesto Futurista, do poeta italiano Filippo Marinetti, no jornal francês “Le
Figaro”. A obra rejeitava o moralismo e o passado. Apresentava um novo tipo de beleza, baseado na
velocidade e na elevação da violência. O slogan do primeiro manifesto futurista de 1909 era “Liberdade para
as palavras”, e considerava o design tipográfico da época, especialmente em jornais e propaganda. A
diferença entre arte e design passa a ser abandonada e a propaganda é escolhida como forma de
comunicação.
PINTURA Os principais artistas são: Gino Severini (1883-1966) Ao contrário dos

A pintura futurista foi explicitada pelo Cubismo e pela Abstração, Giacomo Balla (1871-1958) um dos expoentes seus colegas, estava mais interessado no
mas o uso de cores vivas, contrastes e a sobreposição das imagens do movimento futurista na Itália. Em sua obra o retrato dos corpos humanos em movimento do
pretendia dar a ideia de dinâmica, deformação e não materialização pintor italiano tenta endeusar os novos avanços que na dinâmica das máquinas com suas cenas
por que passam os objetos e o espaço quando ocorre a ação. Para científicos e técnicos por meio de de cabaré e os retratos de bailarinos.
os artistas do Futurismo os objetos não se concluem no contorno representações totalmente desnaturalizadas,
aparente e os seus aspectos interpenetram-se continuamente a um embora sem chegar a uma total abstração.
só tempo. Procura-se neste estilo expressar o movimento atual, Mesmo assim, mostrou grande preocupação com o
registrando a velocidade descrita pelas figuras em movimento no dinamismo das formas, com a situação da luz e a integração
espaço. O artista futurista não está interessado em pintar um do espectro cromático.
automóvel, mas captar a forma plástica a velocidade descrita por
ele no espaço. Luigi Russolo (1885-1947) compositor e pintor
italiano. Em 1913, autor e compositor do
As características mais marcantes da pintura são:
manifesto A Arte do Ruído, que teorizou a
 Desvalorização da tradição e do moralismo; utilização de ruído para chegar à composição
Carlos Carrá (1881-1966), pintor autodidata do
 Valorização do desenvolvimento industrial e tecnológico; da música, ao invés de sons harmônicos puros.
futurismo. A sua obra revela-se porém com
 Uso de cores vivas e contrastes;
tons e objetivos completamente diferentes. A
 Sobreposição de imagens, traços e pequenas deformações para
sua visão futurista e adesão ao mundo da
passar a ideia de movimento e dinamismo.
metafísica, são de cunho pessoal e inatas.
Embora persistindo no compromisso com a iconografia do mundo Faleceu em Milão a 13 de Abril de 1966.
moderno, com o conceito de um universo dinamicamente
interativo de movimento humano num ambiente técnico
modificado e com o poder das cores fortes e até vulgares, os
futuristas viram nas construções luminosas e estáticas do cubismo a
possibilidade de dar um novo rumo completamente novo a seu
trabalho. Acima de tudo, adaptaram a interpretação cubista da “Já não há beleza senão na luta. Nenhuma obra que não
forma e do espaço, a transparência e a multiplicidade de pontos de tenha um caráter agressivo pode ser uma obra-prima. A
vista aos seus interesses ideológicos e imaginativos característicos. poesia deve ser concebida como um violento assalto contra
as forças ignotas para obrigá-las a prostrar-se ante o
homem.”

86 - Futurismo - Movimentos de Vanguarda. Parte 2/2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Praticar a arte: De acordo com o que você estudo sobre o movimento futurista, faça as atividades a seguir:
1. O que marca o início do futurismo? 5. Crie no espaço abaixo uma imagem futurista de cena urbana. Acrescente em seu desenho edifícios, carros,
_______________________________________________________________________________ comércio e outros elementos que sua imaginação produzir. Crie um título futurista.
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2. Quais são as características da pintura futurista?
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3. Cite o nome de alguns artistas do Futurismo.
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4. O movimento futurista teve início com o manifesto futurista de Marinetti:
"O esplendor do mundo foi enriquecido por uma nova forma de beleza, a
beleza da velocidade". Foi um movimento de exaltação do futuro, dos
avanços tecnológicos e industriais e, principalmente, da velocidade. Os
artistas desse movimento adotaram técnicas neo-impressionistas, como o
Cubismo para representar o movimento. Serviu de inspiração aos dadaístas
e durou, aproximadamente, oito anos.
a) Como é a vida urbana hoje?
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b) Como a imagina no futuro? Vai ser diferente daquela que vivemos hoje?
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c) E se a arte reflete o comportamento humano, assim como refletiu o
comportamento do homem no início do século XX, como acha que a estética
futurista pode retratar esse mundo?
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87 - Expressionismo - Movimentos de Vanguarda. Parte 1/2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
O Expressionismo foi um movimento artístico vanguardista que apareceu na Alemanha nos primeiros
anos do século XX e influenciou várias gerações de artistas plásticos. Entre as vanguardas artísticas
europeias do início do século XX, o expressionismo foi uma das mais notórias. A arte expressionista teve
seu desenvolvimento principal na Alemanha, não se restringindo apenas às artes plásticas, mas
abrangendo o cinema também. O conceito expressionismo tornou-se corrente na crítica jornalística
depois que Herwath Walden popularizou-o em sua revista “Der Sturm” (A Tempestade), em 1912.
CARACTERÍSTICAS DO EXPRESSIONISMO PRINCIPAIS ARTISTAS DO EXPRESSIONISMO
Fritz Bleyl: Erich Heckel: Ernst Ludwing Kirchner: Karl Schmidt-Rottluff:
Entre as principais características da arte
expressionista, destaca-se a:
 Distorção linear, isto é, os traçados
espessos e angulosos das formas
retratadas, seja de seres humanos, sejam
de objetos, o que produz uma
simplificação radical das formas. Fritz Bleyl foi um artista alemão da escola Assumindo o estilo do grupo mais que O pintor alemão deu formas Foi um pintor e gráfico alemão, membro do grupo
expressionista, e um dos quatro qualquer outro de seus integrantes, as geométricas às cores e despojou-as de artístico Die Brücke, considerado um dos mais
 O emprego de cores intensas, com fundadores do grupo artístico Die Brücke. paisagens, nus e motivos religiosos de sua sua função decorativa por meio de importantes representantes do expressionismo
pinceladas bem marcadas, deixando Fez design gráfico para o grupo, e para a autoria o revelaram como um romântico contrastes agressivos, com o fim de alemão.
evidente o efeito do traçado sobre a tela. primeira exposição, um cartaz que foi entre os mestres do expressionismo. manifestar sua verdadeira visão da
 A arte primitiva das tribos africanas proibido pela polícia. realidade.
também serviu como fonte para os Max Pechstein: Emil Nolde: Otto Mueller: No Brasil, a técnica expressionista esteve
expressionistas, mas também outras presente na arte de nomes como Anita
fontes foram de fundamental Malfatti, Lasar Segall, Portinari, Oswaldo
importância, como os artistas do Goeldi e Iberê Camargo.
Renascimento Alemão com seus
trabalhos em desenho e seu uso
específico de luz e sombra. Trabalhou num expressionismo moderado, Os seus quadros, tal como pretendia, Totalmente envolvido com o
 No campo das ideias, os expressionistas influenciado pela pintura fauvista francesa, chocavam o espectador, devido à expressionismo suas obras eram feitas
serviram-se do pensamento filosófico de especialmente por Matisse. vivacidade das cores, que contrastavam com o coração e com isso são vistas
Friedrich Nietzsche. abusivamente umas com as outras, à como as mais interessantes entre
deformação dos rostos das personagens outras.
 Friedrich Wilhelm Nietzsche foi retratadas, à distorção das perspectivas e
um filósofo, filólogo, crítico ao excessivo uso de tinta.
cultural, poeta e compositor
prussiano do século XIX, nascido
na atual Alemanha.

88 - Expressionismo - Movimentos de Vanguarda. Parte 1/2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Praticar a arte: Agora que você conheceu um pouco mais sobre o Expressionismo, faças as atividades seguintes para desenvolver sua observação e interpretação.
Responda as seguintes perguntas: Escolha umas das obras produzidas pelos artistas expressionistas brasileiros e se inspire para desenhar algo
expressionista. Você pode também realizar uma releitura. Aplique as cores que desejar. Crie um título para a sua
1. O que é o Expressionismo? obra.
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2. Como surgiu o Expressionismo?
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3. Quais são as características do movimento expressionista?
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4. Cite os principais artistas do Expressionismo.
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5. Quais foram os principais artistas do movimento expressionista
no Brasil?
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89 - Experimentação prática com padrões - Desenho da mão. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Praticar a arte: Observe o modelo ao lado. Posicione suas mãos sobre os padrões, risque-a, preencha os espaços com cores.
A composição é a distribuição harmoniosa de um conjunto de elementos visuais, em que o lugar ocupado pelas
figuras, os espaços vazios que as rodeiam, as proporções, todos são importantes. No desenho, na pintura, na arte
figurativa, na arte publicitária, na fotografia, a composição é vital. Quando harmonizamos elementos de um
conjunto, estamos compondo. Na composição, a criatividade ocupa um lugar destacado que, unida ao
conhecimento básico, permitirá a descoberta de soluções para problemas que surgem numa composição plástica.

90 - Experimentação prática com linhas e contornos. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Praticar a arte: Construa os contornos ao redor da folha conforme mostra o modelo.

O desenho, a linha, o traçado e o preenchimento: Desenho é a arte de representar formas e objetos usando
traços e linhas.
A linha: Um ponto ao lado do outro, numa sequência que pode ser infinita, forma uma linha. Há
vários tipos de linhas, que podem ser classificadas de acordo com o traçado e a forma.

91 - Experimentação prática com hachuras e gesto. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Praticar a arte: Vamos produzir as seguintes composições com hachuras gestuais nos espaços.

92 - Experimentação prática – “Curvas da dança”, de Wassily Kandinsky. Parte 1/2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Pioneiro do Movimento Abstracionista, Wassily Kandinsky foi um pintor russo que

apesar da formação no curso de Direito pela Universidade de Moscou, demostrou
grande interesse e inclinação para Artes Visuais após conferir uma exposição de
pintores impressionistas e ficar deslumbrado por aquelas pinturas.
Durante suas experimentações de desenho e em seu processo critativo, Kandinsky praticou seu olhar e
desenvolveu formas a partir da observação do mundo que o cercava. Na obra “Curvas da Dança”, o
artista traçou linhas a partir dos gestos da dança, unindo os conceitos de movimento, linha, ponto e
plano do desenho a uma dinâmica constante da dança. Depois de criar seus traços com essa
observação, Wassily criou uma série de quadros que incrementaram ainda mais o seu conceito e o
tornou um artista tão criativo e influenciador.
Praticar a arte: Observando as imagens abaixo, vamos fazer como Kandinsky. Escolha algumas delas e crie linhas a partir dos movimentos das diferentes danças apresentadas. Depois de criar as
linhas e pontos, você produzirá uma composição abstrata com os elementos que formou.

93 - Experimentação prática – “Curvas da dança”, de Wassily Kandinsky. Parte 1/2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Praticar a arte: Observando as imagens abaixo, vamos fazer como Kandinsky. Escolha algumas delas e crie linhas a partir dos movimentos das diferentes danças apresentadas. Depois de criar as
linhas e pontos, você produzirá uma composição abstrata com os elementos que formou.
A Dança é a arte de mexer o corpo, através de uma cadência de

movimentos e ritmos, criando uma harmonia própria. Não é
somente através do som de uma música que se pode dançar,
pois os movimentos podem acontecer independente do som
que se ouve, e até mesmo sem ele. A história da dança retrata
que seu surgimento se deu ainda na Pré-História, quando os
homens batiam os pés no chão. Aos poucos, foram dando mais
intensidade aos sons, descobrindo que podiam fazer outros
ritmos, conjugando os passos com as mãos, através das palmas.

94 - Cores primárias, secundárias, terciárias. Parte 1/2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Cores Análogas: Também chamadas da mesma família de "tons" ou "vizinhas", pois são
próximas entre si. São as cores resultantes de uma mistura gradativa entre duas cores.
Cores Primárias: As cores primárias são aquelas São chamadas de análogas, pois há nelas uma mesma cor básica.
consideradas como "puras", pois não podem ser
obtidas por misturas de outras cores. São originárias
de pigmentos naturais (vegetal e mineral).
As três cores primárias quando fundidas em quantidades iguais resultam no branco.
As cores primárias são as seguintes: azul, amarelo e vermelho.
Cores Secundárias: As cores secundárias são obtidas por meio da combinação das
cores primárias e na mesma proporção. Geralmente essa mistura de cores é feita com
as cores-pigmento. primária + primária = secundária azul + vermelho = roxo azul +
amarelo = verde amarelo + vermelho = laranja Temperatura das cores: Quanto mais alta a temperatura da cor, mais clara será a
tonalidade de matiz da luz. Ao falarmos em cor quente ou fria, referimos à tonalidade de
cor que ela apresenta ao ambiente. Luz com tonalidades mais suaves são consideradas
relaxantes. Luz com tonalidades mais claras são estimulantes. As cores frias predominam
os tons de azul, verde e violeta. Caracterizam-se por serem melancólicas e tristes. São
consideradas cores calmantes. Associamos às cores frias a água, o mar, o céu, o gelo, as
árvores, entre outros. As cores quentes são as que predominam os tons de vermelho,
Cores Terciárias ou Complementares: São os pares de cores que se encontram opostas laranja e amarelo. Transmitem-nos a sensação de calor, tendo como característica alegria
entre si. Cada uma das cores é uma mistura das suas adjacentes. O azul é e vibração. Associamos as cores quentes ao fogo, ao sol, vulcões, entre outros. As cores
complementar ao laranja. O amarelo é complementar ao roxo. O vermelho é neutras são aquelas em que não predominam os tons quentes ou os tons frios.
complementar ao verde. Consideramos por cores neutras o branco, o cinza e o preto. O branco é a soma de todas
as cores e implica a presença de luz. O preto, ao contrário do branco, implica a ausência
de luz. Não deriva de outra cor. O cinza tem origem na mistura de diferentes quantidades
das cores branco com o preto.

95 - Cores primárias, secundárias, terciárias. Parte 2/2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Praticar a arte: Escolha entre os padrões abaixo, observando os modelos, para preencher com cores. Aplique os conceitos da classificação das cores. Identifique em cada padrão preenchido qual
classificação você escolheu e aplicou.
CRIANDO DIFERENTES EFEITOS COM CORES QUENTES OU FRIAS.

96 - Barroco - História da Arte. Parte 1/3. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
O “Êxtase de Santa Teresa” é O Barroco europeu: A escultura do artista italiano Gian Lorenzo Bernini mostra Santa Teresa de Ávila atingida pela flecha do
uma escultura de Gian Lorenzo amor divino. A flecha representa o amor de Deus e do anjo, seu mensageiro na Terra. Essa escultura dramática, que enfatiza
Bernini (1598-1680). Bernini é as linhas curvas e o movimento das vestes das personagens, é uma obra típica do movimento artístico chamado Barroco.
um dos maiores escultores
barrocos do século XVII,
representando a experiência
mística de Santa Teresa de Ávila
“trespassada por uma seta de
amor divino por um anjo,
realizada para a capela do
cardeal Federico Cornaro”. A arte barroca desenvolveu-se inicialmente na Itália, a partir do século XVI, e estendeu-se para outros países da Europa e do
Novo Mundo. A palavra “barroco” é de origem italiana e significa “pérola de formato estranho”. Foi adotada de forma
pejorativa no século XVIII pra designar a arte produzida após o período renascentista. O Barroco é o resultado de várias
mudanças nos cenário social e político e religioso da Europa. O renascimento trouxera grandes contribuições ao universo
Responda as seguintes perguntas: artístico e social. Mas fragmentou o poder religioso da Igreja Católica, que se via enfraquecida pelas críticas da Reforma
1. O que mais chama sua atenção nessa imagem? protestante, ocorrida a partir de 1517. Em resposta ao crescimento dos protestantes e à consequente perda de fiéis, a Igreja
_____________________________________________________ Católica criou um movimento chamado Contrareforma ou Reforma Católica, nesse contexto se deu a renovação da arte sacra
_____________________________________________________ cristã, com o surgimento do Barroco. No período da Contrareforma, a escultura, a arquitetura e a pintura tinham a
_____________________________________________________ preocupação de servir como canal de comunicação entre a Igreja Católica e seus fiéis, por meio do registro de motivos
__________________________________________________ religiosos e de temas que valorizavam o poder divino.
2. É possível descrever a cena mostrada? O que acontece? Essas ideias se refletem, por exemplo, na
_____________________________________________________ arquitetura da Praça de São Pedro no vaticano,
_____________________________________________________ construída com o objetivo de reunir as pessoas em
_____________________________________________________ volta do Papa, que, segundo a Igreja Católica, é o
_____________________________________________________ representante de Deus na Terra.
__________________________________________________ Na arte barroca, os artistas utilizaram muito o teto
3. Como o escultor dessa obra trabalhou a sensação de movimento? das igrejas, sobretudo para retratar cenas bíblicas. O
_____________________________________________________ pintor italiano Andrea Pozzo criou imagens que
_____________________________________________________ direcionavam o olhar dos fiéis para o alto, dando a
_____________________________________________________ impressão de que, ao entrarem na igreja,
___________________________________________________ alcançariam o céu. Para obter esse efeito, ele usava
4. O que essa escultura transmite a você? a perspectiva, tendo sido um dos artistas que mais
_____________________________________________________ utilizou esse recurso. As figuras na pintura de Andrea
_____________________________________________________ Pozzo são representadas com gestos e expressões
_____________________________________________________ bem realistas, como aqueles que vemos em um
_____________________________________________________ espetáculo teatral. A “Glória de Santo Inácio” é um
_____________________________________________________ bom exemplo de arte barroca, pois contém suas
_____________________________________________________ principais características: presença do contraste, que
_____________________________________________________ é resultado da técnica do claro-escuro; uso intenso
_____________________________________________________ de cores; predomínio de temas religiosos; ênfase no
__________________________________________________ movimento e na dramaticidade, também reforçados
pelo claro-escuro.
Já nas obras do artista Jacopo Tintoretto, além dessas características, é Outros grandes artistas barrocos O holandês Rembrandt: E o espanhol Velázquez:
utilizado outro importante recurso da pintura barroca: a composição em foram o italiano Caravaggio: Tanto na pintura como Era um artista individualista
diagonal. Observe a imagem de sua obra “A última ceia”. A posição da na gravura, ele expõe do período barroco
Exceto em suas
mesa compõem a imagem na diagonal, direcionando a atenção do um conhecimento contemporâneo, importante
primeiras obras,
observador para a figura de Jesus iluminado, que serve um dos completo da como um retratista.
Caravaggio pintou
convidados da ceia. A quantidade de elementos presentes no quadro e o iconografia clássica. Além de inúmeras interpretações de cenas
fundamentalmente
uso do claro-escuro criam áreas que reforçam a dramaticidade e os Que ele moldou para se adequar às de significado histórico e cultural, pintou
temas religiosos.
movimentos da cena. exigências da sua própria experiência. inúmeros retratos da família real
No entanto, foram várias às vezes
em que as suas pinturas feriam as Assim, a representação de uma cena espanhola, outras notáveis figuras
susceptibilidades dos seus clientes. bíblica era baseada no conhecimento europeias e plebeus
Nos seus quadros, em vez de de Rembrandt sobre o texto
adoptar nas suas pinturas belas específico, na sua assimilação da
figuras etéreas, delicadas, para composição clássica, e em suas
representar acontecimentos e observações da população judaica de
personagens da Bíblia, preferia Amsterdã. Devido a sua empatia pela
escolher por entre o povo, modelos condição humana, ele foi chamado de
humanos tais como prostitutas, "um dos grandes profetas da
crianças de ruas e mendigos, que civilização".
posavam como personagens para
as suas obras
A maioria das obras de Tintoretto é de temática religiosa, representando

os dogmas cristãos e o universo bíblico. É o caso desta obra, em que a
cena representada é o momento primeiro do sacramento da comunhão,
quando Cristo divide o pão. Faz parte da última fase da carreira de
Tintoretto e traz significativas características do barroco: o alongamento
das figuras, deixando-as altas e esbeltas; preenchimento desigual do As obras dos artistas barrocos europeus valorizam as cores, as sombras e a luz, e representam os contrates. As imagens
espaço representado, com algumas zonas onde as figuras aparecem não são tão centralizadas quanto as renascentistas e aparecem de forma dinâmica, valorizando o movimento. Os temas
amontoadas e outras onde predomina o espaço vazio; a "cena principal" principais são: mitologia, passagens da Bíblia e a história da humanidade. As cenas retratadas costumam ser sobre a vida
acontece em um plano mais afastado e as figuras colocadas em primeiro da nobreza, o cotidiano da burguesia, naturezas-mortas entre outros. Muitos artistas barrocos dedicaram-se a decorar
plano são "secundárias" (serviçais) dentro da narrativa bíblica que deu igrejas com esculturas e pinturas, utilizando a técnica da perspectiva. As esculturas barrocas mostram faces humanas
origem à obra. marcadas pelas emoções, principalmente o sofrimento. Os traços se contorcem, demonstrando um movimento
exagerado. Predominam nas esculturas as curvas, os relevos e a utilização da cor dourada.

Praticar a arte: Agora que você conheceu um pouco da arte barroca, responda:
8. Leia as imagens:
5. Onde e em qual o contexto histórico surgiu o Barroco? O pintor italiano Michelangelo Merisi da
_____________________________________________________________________________________ Caravaggio foi um artista inquieto e
_____________________________________________________________________________________
polêmico. Domo de um temperamento
_____________________________________________________________________________________
_____________________________________________________________________________________ instável teve uma vida marcada por
_____________________________________________________________________________________ confusões e intrigas. Sua instabilidade o
_____________________________________________________________________________________ afastou do apoio financeiro da Igreja
_____________________________________________________________________________________
Católica, que costumava encomendar
_____________________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________________ afrescos e pinturas sacras aos artistas nos
séculos XVI e XVII. A falta de recursos o
6. Quais são as características da arte barroca?
_____________________________________________________________________________________ levou a conviver com as pessoas simples do
_____________________________________________________________________________________ povo, fazendo delas seus modelos
_____________________________________________________________________________________ preferidos.
_____________________________________________________________________________________
_____________________________________________________________________________________
_____________________________________________________________________________________
_____________________________________________________________________________________ Caravaggio foi influenciado pelos dois importantes movimentos artísticos de sua época: O Renascimento e o
_____________________________________________________________________________________ Barroco. Por isso, suas obras contêm características de ambos.
_____________________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________________ Agora que você observou atentamente as obras de Caravaggio, responda:
7. Crie um desenho no espaço abaixo com as características da arte barroca. a) O Renascimento valorizava a cultura clássica. Qual característica desse movimento artístico aparece
nessas duas obras de Caravaggio?
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b) Quais características do Barroco se destacam nessas obras?
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c) O que você acha dessas composições de Caravaggio?
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99 - Elementos do desenho: Plano de fundo na composição. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
O desenho realista é baseado em uma fotografia, portanto, quanto mais bela, atraente bem composta e detalhada for a imagem, melhor ficará o desenho. Uma técnica muito usada nas fotografias
profissionais é o fundo bem elaborado. Esse recurso incrementa a imagem, dando mais profundidade e chamando a atenção ao assunto principal. O fundo pode ser reproduzido no desenho,
trazendo um aspecto mais realista, porém suave, com ilusão de profundidade. Mas, para que se alcance o resultado desejado, é importante tomar alguns cuidados. Se for mal executado poderá
ficar manchado, riscado e poroso.
Praticar a arte: Observe os exemplos de plano de fundo apresentados. Escolha um deles para produzir um desenho. Acrescente elementos no primeiro plano e use as cores que desejar.

100 - Elementos da linguagem visual. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Ponto: O ponto ocupa no espaço uma posição. Não tem Linha: Um ponto em movimento gera uma linha. Assim uma linha é constituída
geometricamente dimensão, área ou superfície é simplesmente por um conjunto de pontos. O comprimento é a única medida que uma linha
invisível. Sendo o elemento visual mais simples é necessário pode ter e a sua representação no espaço é infinita A linha é um elemento
graficamente torná-lo visível. Resulta por exemplo do primeiro contato gráfico de desenho muito importante, com ela definem-se as formas e podemos
do lápis com o papel. O ponto é o começo de tudo. exprimir a nossa imaginação e criatividade.
O ponto gráfico é a base da linguagem visual. Simboliza a existência de algo sobre o nada. A linha curva expressa suavidade, gradação, flexibilidade e existe abundantemente na natureza. Já a
Expressa também demarcação, ou seja, literalmente, pontuação de algo importante. O ponto linha reta, angulosa, surge mais como resultado da ação humana e sua produção técnica.
é um ótimo recurso gráfico para quando precisamos chamar a atenção do expectador para
algum ponto específico num trabalho de comunicação visual qualquer.
Plano: O plano é caracterizado por duas dimensões: comprimento e Volume: O volume é o espaço contido dentro de uma forma tridimensional. É
largura. Tem uma área, mas os seus limites não estão definidos, tendo tridimensional porque a sua forma é definida pelo comprimento, largura e
todos os pontos que o constituem na mesma superfície. Quando altura. A expressão artística que melhor se identifica com o volume é a
fazemos uma planificação, desenhamos no plano o projeto ou o estudo escultura. Observando uma escultura ou uma estátua fica fácil perceber que ela
de um trabalho. tem volume, pois é tridimensional. Podemos perceber o seu volume não só pela
Diz-se bidimensional por ter só duas medidas (comprimento e largura). As formas visão como também pelo tato.
bidimensionais podem ser: desenho, esboço, gravura, fotografia, manchas, cartaz, logotipo,
etc.
Textura: A superfície de uma forma é caracterizada pela textura. Forma e fundo: A forma é o contorno de uma determinada figura ou objeto. O
Através da visão ou do tato, percebemos se uma superfície é quente ou fundo é o espaço onde se colocam as figuras ou objetos. Do entendimento entre a
fria, áspera ou macia. Há texturas naturais e texturas criadas pelo diferença da forma e do fundo, nasce a compreensão da obra, se assim não fosse as
homem. imagens apareceriam confusas.
A natureza é rica em texturas. A textura é um recurso amplamente utilizado na comunicação
visual como simulação de materiais diversos na impressão em papel – e em outros veículos.
Assim como as cores, a textura sugere um forte envolvimento emocional com a real sensação
de se estar na presença do material simulado.
Equilíbrio: Uma composição equilibrada significa que há uma Contraste: Contraste é a oposição entre coisas ou pessoas, uma das quais faz
harmonia visual entre os elementos que a constituem. O equilíbrio sobressair à outra. O contraste entre claro e escuro numa composição, usa-se
pode ser obtido através da simetria ou do peso visual. para se mostrar ou evidenciar uma determinada forma.
Cor: As cores conferem intensa carga emocional à forma. Cada cor possui uma Movimento: O movimento na comunicação visual pode ser obtido através de
dramatização própria e normalmente está associada a algum tema específico. vários recursos, porém todos estão associados à repetição de alguns
Por exemplo, o verde está muito relacionado à natureza e atualmente, a temas elementos – ou seja, ao ritmo com o qual são repetidos.
ecológicos. O amarelo está relacionado amplamente ao sol e ao ouro; à
riqueza.

101 - Conhecendo o artista: Edward Hopper - Leitura e análise de obra de arte. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Edward Hopper foi um pintor norte-americano conhecido por suas misteriosas pinturas de
representações realistas da solidão em cenas do cotidiano das pessoas. Tanto em cenários
urbanos como rurais, as suas representações fielmente recriadas reflete a sua visão pessoal da
vida moderna americana.
Na obra em questão, os personagens estão completamente vestidos, mudos e Praticar a arte: Chegou sua vez de analisar e colocar no papel através de um desenho uma cena da
quietos, adoradores de sol e sentam-se em cadeiras alinhadas com precisão, solidão no dia a dia das pessoas, porém assim como o artista Edward Hopper ilumine a cena com a luz do
cada um alheio à presença dos outros. A quietude da cena, com a luz e sombra sol, não esquecendo de destacar as sombras.
bem contrastante, é fria e pouco aconchegante. A obsessão do artista pela luz
solar é o principal tema deste quadro, tal com nos seus trabalhos seguintes, e
utiliza-a para criar contornos irregulares e uma atmosfera opressiva. Analisando
sempre o bizarro do mundano, o estilo de Hopper não foi influenciado pelos
movimentos artísticos europeus contemporâneos ou pelo abstracionismo
americano. As suas figuras eram anônimas e ausentes, como se Hopper quisesse
a sua recíproca indiferença, em vez de explicar o que os unia. Sendo um dos
artistas norte americano mais popular, a obra de Hopper revela solidão, a
fealdade, a banalidade e também a beleza inesperada do mundo cotidiano.

102 - Conhecendo o artista: Edouard Manet - Apreciação e leitura de obra. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Nasceu em 1832, em Paris. Foi muito criticado por sua técnica de pintura, que contrariava o estilo acadêmico da época; Considerado um dos fundadores da arte
moderna; Foi um dos pintores que mais influenciou os precursores do movimento impressionista; Os fracassos acadêmicos levaram seus pais a matriculá-lo
num ateliê de pintura; O quadro “Almoço na relva” causou um enorme escândalo na sociedade francesa, pois retratava uma mulher nua, numa postura de
indolência, olhando diretamente ao observador. Morreu em 1883. Os artistas associados ao movimento impressionista eram considerados “modernos”, uma
vez que retratavam o cotidiano de sua época, e não os ideais românticos mitológicos e religiosos reproduzidos pelos artistas clássicos. A obra “Almoço na
relva”, de Edouard Manet, causou alvoroço por retratar uma mulher nua com características dos quadros do Renascimento, mas inserida num ambiente
masculino, ao lado de homens contemporâneos inteiramente vestidos. O público dos salões de arte parisiense se sentiu afrontado pela obra e Manet foi
duramente criticado por sua ousada produção.
Em 1999, a campanha publicitária da marca Yves Saint Laurent, fez uma releitura da obra
“Almoço na relva”, invertendo as posições masculinas e femininas. Na foto feita por Mario
Sorrenti, vemos a modelo Kate Moss vestida de terno, enquanto dois homens nus sentam-
se ao seu lado para um piquenique na relva. Na imagem de Sorrenti, a modelo vestida de
terno mostra o poder da mulher nos tempos atuais. Enquanto na obra de Manet a mulher
nua causava espanto social, na obra de Sorrenti a mulher de terno é que parece afrontar a
sociedade. Apesar das mensagens serem diferentes, as duas imagens representam o
período moderno. O termo moderno pode ser usado para especificar um determinado
período de tempo, mas também pode estar relacionado à ideia de vanguarda e de
inovações experimentais que provoquem mudança no pensamento vigente.
1ª Etapa: Observem o quadro “Almoço na relva”, de 2ª Etapa: Pense sobre o termo “moderno” e faça um texto explicando o 3ª Etapa: Faça uma pesquisa na internet
Manet. Depois, faça as seguintes perguntas: conceito. O título do texto pode ser: sobre o quadro “Almoço na relva”, de
1. Do que se trata esse quadro? - O que é ser moderno? Manet, e vejam se sua opinião está de
2. O que há de diferente nessa pintura? - Conceito sobre a modernidade acordo com a motivação do pintor.
3. O que eles estão fazendo? - Diferença entre ser modernoe ser atual.
4. Qual a mensagem que o pintor quis passar ao 7. O que significa a palavra “moderno”?
produzir essa imagem? 8. O que significa ser moderno?
5. Por que essa pintura foi considerada ousada 9. Por que Manet foi considerado um artista moderno?
quando foi exposta pela primeira vez? 10.Você acha que seus pais são modernos? Por quê?
6. O que você acha dessa pintura? 11.A fotografia é mais moderna do que a tela de Manet? Por quê?
12.Uma obra de arte pode despertar temas para debates e reflexões?
13.Uma obra de arte pode ser usada para meios publicitários? Por quê?
14.O que inspira um artista a produzir uma obra polêmica?

103 - Desenvolvimento do traço e percepção de composição – Elementos Visuais. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Praticar a arte: A partir dos elementos básicos conforme apresentados, siga o passo a passo, unindo os elemento para criar a composição.

104 - Prática de desenho: desenvolvimento de traços, percepção e composição. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Praticar a arte: Observe as etapas do desenho. Pratique seus traços seguindo-as. Construa o 1º e o 2º planos do desenho e use
a cor que desejar.

105 - Desenho orgânico - Formas e linhas curvas. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Forma orgânica são formas que são encontradas na

natureza, mas eles também são formas de itens feitos pelo
homem. A maioria das formas orgânicas é criada com
imagens. Alguns exemplos de formas orgânicas são: Folhas,
flores, frutos, borboletas, plantas entre outros. Elas
representam coisas naturais, curvas e traços presentes na
natureza, como se tivessem surgido ali sem alguém ter
criado nem modificado. É um estilo já comum em artes
plásticas e que invade a arquitetura de uma forma muito
moderna e elegante. O desenho envolve uma atitude do
desenhista em relação à realidade: o desenhista pode
desejar imitar a sua realidade sensível, transformá-la ou
criar uma nova realidade com as características próprias da
bidimensionalidade ou, como no caso do desenho de
perspectiva, a tridimensionalidade.
Experimentação prática: Escolha formas orgânicas do modelo e as desenhe na imagem. Escolha com atenção cada forma que combine
com o objeto apresentado.

106 - Desenho e aplicação de cor – Linhas e ângulos retos. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Experimentação prática: Construa, a partir das orientações do modelo apresentado, a

geometrização do objeto.
O Desenho Geométrico consiste de um

conjunto de processos para a construção de
formas com a utilização da régua e do
compasso. As formas geométricas
aparecem com frequência nas obras
humanas, independente da cultura ou da
crença de cada povo. A exatidão e a
precisão exigidas ao desenho geométrico
torna-o aliado importante na aplicação de
conceitos da geometria em áreas
significativas do conhecimento humano,
como a arquitetura, a engenharia, o
desenho industrial, entre outros.
Cubismo: Geometrização da arte

O Cubismo foi um movimento que surgiu com Cèzanne, em 1907, ao representar formas da natureza com cones,
cilindros e esferas, e todos os lados de um objeto eram representados em um mesmo plano. Essa decomposição
dos objetos acabava por não ter quase nenhuma fidelidade à aparência real dos mesmos.
Suas principais características são a geometrização das formas e volumes, a renúncia à perspectiva, a representação do volume colorido
sobre superfícies planas, perda da função do claro-escuro, e cores austeras (do branco ao negro passando pelo cinza, por um ocre
apagado ou um castanho suave). O Cubismo teve influência sobre tendências posteriores, como o abstracionismo geométrico e o
minimalismo.

107 - Desenho de observação: Prática de desenho e criação de composição. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Praticar a arte: Observe a imagem. Seus detalhes e proporções. Faça um desenho no espaço ao lado a partir da sua observação.

108 - Dadaísmo - Movimento de Vanguarda. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
O Dadaísmo, ou simplesmente Tristan Tzara (1896-1963) foi o fundador do movimento Dadaísta, em meados da primeira
“Dadá”, foi um movimento artístico guerra mundial, junto aos artistas Hugo Ball (1886-1927) e Hans Arp (1886-1966). Dessa forma,
pertencente às vanguardas europeias em 1916, no Cabaret Voltaire em Zurique, Suíça, um grupo de artistas refugiados, dentre
do século XX cujo lema era: "a escritores, pintores e poetas, reuniram-se para inaugurar uma nova manifestação de arte.Essa
proposta de arte era irreverente e espontânea pautada na irracionalidade, na ironia, na
destruição também é criação".
liberdade, no absurdo e no pessimismo. O intuito principal era de chocar a burguesia da época
Foi considerado o movimento propulsor das ideias e criticar a arte tradicionalista, a guerra e o sistema.
surrealistas, de caráter ilógico e anti-racionalista, Foi assim que aleatoriamente foi escolhido o termo "dadaísmo". Os artistas reunidos resolveram escolher um termo num dicionário,
que segundo o próprio fundador do movimento, que de certa maneira, já indicava o caráter ilógico do movimento que surgia. Do francês, o termo “dadá” significa "cavalo de madeira".
Tristan Tzara: Nesse sentido, o dadaísmo é considerado um movimento antiartístico, uma vez que questiona a arte e busca o caótico e a imperfeição.
“Dada não significa nada: Sabe-se pelos jornais que os negros Na literatura, podemos notar essa influencia em algumas manifestações dos escritores Mario de
Krou denominam a cauda da vaca santa: Dada. O cubo é a mãe Andrade e Manuel Bandeira. Além deles, destaca-se o "teatro de experiência" de Flávio de
em certa região da Itália: Dada. Um cavalo de madeira, a ama-de- Carvalho e as pinturas de Ismael Nery.
leite, dupla afirmação em russo e em romeno: Dada. Sábios
jornalistas viram nela uma arte para os bebês, outros jesus
chamando criancinhas do dia, o retorno a primitivismo seco e
barulhento, barulhento e monótono. Não se constrói a
sensibilidade sobre uma palavra; toda a construção converge O dadaísmo, assim como outras
para a perfeição que aborrece, a ideia estagnante de um pântano vanguardas artísticas europeias,
dourado, relativo ao produto humano.” influenciou o movimento modernista
que surgia no Brasil.
Alguns artistas plásticos e poetas que participaram do
 Rompimento com os modelos tradicionais e clássicos; movimento dadaísta foram:
 Espírito vanguardista e de protesto;
 Tristan Tzara: poeta romeno;
 Espontaneidade, improvisação e irreverência artística;
 Marcel Duchamp: poeta, pintor e escultor francês;
 Anarquismo e niilismo;
 Hans Arp: poeta e pintor alemão;
 Busca do caos e desordem;
 Francis Picabia: poeta e pintor francês;
 Teor ilógico e irracional;
 Max Ernst: pintor alemão;
 Caráter irônico, radical, destrutivo, agressivo e
 Raoul Hausmann: poeta e artista plástico austríaco;
pessimista;
 Hugo Ball: poeta e filósofo alemão;
 Aversão à guerra e aos valores burgueses;
 Richard Huelsenbeck: escritor e psicanalista alemão;
 Rejeição ao nacionalismo e ao materialismo;
 Sophie Täuber: artista plástica suíça.
 Crítica ao consumismo e ao capitalismo.
"Sou contra a ação pela contínua contradição, pela afirmação também, eu não sou nem pró nem contra e não explico por que odeio o bom-
senso. A obra de arte não deve ser a beleza em si mesma, porque a beleza está morta." (Tristan Tzara)

109 - Cubismo - Movimentos de Vanguarda. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
O Cubismo foi uma vanguarda artística europeia surgida no século XX na França que abrangeu as artes plásticas e a literatura. Marcado pelos usos de formas geométricas, ele
rompeu com os modelos estéticos que só valorizavam a perfeição das formas. Esse movimento pode ser considerado o primeiro a se caracterizar pela incorporação do imaginário
urbano industrial em suas obras.
Ainda nas artes plásticas, vale ressaltar os trabalhos de
outros artistas brasileiros: Anita Malfatti, Rego Monteiro e No início do século XX houve uma admirável convergência de
O marco para o surgimento do saberes e interesses de vários campos do conhecimento. Nesse
cubismo foi em 1907, com a tela
Di Cavalcanti.
momento, a arte irá se colocar, especialmente com o cubismo, em
"Les Demoiselles d'Avignon" (As sintonia com investigações científicas de ponta que ocorriam na
damas d'Avignon), do pintor física e na geometria. Quando o cubismo rompeu com séculos de
espanhol Pablo Picasso. Essa obra prioridade do uso da perspectiva na representação pictórica,
apresenta influências visíveis das acabou por conduzir às noções geométricas de hiperpoliedros e
esculturas africanas e das pinturas multidimensionalidade. Isso permitiu aos artistas cubistas a
do pós-impressionista francês Paul formulação de um conceito espacial até então inédito, a saber, a
Cézanne. Ao lado de Picasso, o "quarta dimensão". Nela, as propriedades espaço-temporais estão
pintor e escultor francês Georges em afinidade com a "Teoria da Relatividade" (1905) de Einstein.
Braque foi fundador do movimento  Tratamento geométrico das formas da natureza. Elas
cubista. passam a ser representadas pelos objetos em todos os
seus ângulos no mesmo plano, constituindo uma figura Fase Cezannista ou Cezaniana (1907 a 1909): Também chamada de
em três dimensões. fase pré-analítica, o nome já indica que esse período foi
No Brasil, somente após a Semana de Arte Moderna caracterizado pela influência dos trabalhos do artista plástico
de 1922 é que o movimento cubista irá ganhar força.  Linhas retas, modeladas basicamente por cubos e
francês Paul Cézanne.
Ainda que os artistas brasileiros não se entregassem cilindros, dada a geometrização das formas e volumes.
as características exclusivamente cubistas, podemos  Técnica que renúncia à perspectiva, assim como ao Fase Analítica ou Hermética (1909 a 1912): A fase analítica
destacas as telas da artista plástica de Tarsila do "claro-escuro", causa uma sensação de pintura caracterizou-se pela cor moderada e registro dos elementos
Amaral. Nelas, notamos a influência cubista pelo uso escultórica. pictóricos e seus elementos em planos sucessivos e superpostos.
das formas geométricas.  Uma arte que privilegia o exercício mental como maneira
de expressão das ideias. Fase do Cubismo Sintético (1911): O cubismo sintético
 Rompe com a perspectiva consagrada das linhas de caracterizou-se pelas cores mais fortes e um retorno ao figurativo,
contorno e a natureza passa a ser retratada na medida em que buscou tornar as figuras reconhecíveis. Passa a
simplificadamente. empreender o método de "colagem", fixando objetos reais na tela
para extrapolar os limites das sensações visuais que a pintura
 Permite maior abstração sobre os atributos estéticos da
insinua.
obra, ao mesmo tempo em que recusa a ideia de arte
enquanto pura imitação da natureza.
 Vale citar que este estilo abandona distinções entre
forma e fundo ou qualquer noção de profundidade. As
naturezas mortas urbanas e os retratos são temas
recursivos no cubismo.

110 - Cores quentes e frias. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Praticar a arte: Observe a classificação da temperatura das cores. Preencha as partes da figura abaixo conforme sua escolha.
Recorte e troque com seus colegas as partes, mantendo uma produzida por você. Remonte, colando as partes e reformando
a figura.

111 - Conhecendo o artista: Albano Afonso - Leitura de imagem e contato. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Albano Fernandes Afonso (São Paulo, Experimentação Prática: De posse de duas imagens, vamos repetir a ideia do artista e construir uma nova imagem.
São Paulo, 1964). Artista visual.
Estuda na Faculdade de Arte
Alcântara Machado (Faam), em
Santos, São Paulo. Em 1994 realiza
sua primeira exposição individual, no
Centro Cultural São Paulo (CCSP), na
capital paulista.
No mesmo ano é premiado no 21º Salão de Arte

Contemporânea de Santo André e é contemplado com o
prêmio aquisição do Museu de Arte Contemporânea de
Santo André. Em 2006 a editora Dardo, de Santiago de
Compostela, Espanha, lança um livro sobre o artista. Seu
procedimento consiste em perfurar repetidamente
reproduções em fotografia digital de pinturas da autoria
de mestres como Rugendas (1802-1858) e Thomas
Gainsborough (1727-1788), espalhando círculos vazados
pela superfície da obra, revelando assim partes de outra
imagem posta num segundo plano. O artista não lida,
portanto, com nenhum material corrosivo ou abrasivo,
porém a certa distância essas superfícies transmitem algo
de desgastado, enferrujado, embolorado até.

112 - Conhecendo a artista: Frida Kahlo – Apreciação de obra de arte. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Magdalena Carmen Frida Kahlo y Frida estudava medicina, em certo dia, na volta para casa, ela e seu noivo, sofreram um
Calderon foi uma das personagens acidente de ônibus que a deixou a beira da morte. Transpassada por uma barra de ferro
mais marcantes da história do México. pelo abdômen e sofrendo múltiplas fraturas, inclusive na coluna vertebral Frida levou
Patriota declarada, comunista e vários meses para se recuperar. E mesmo depois da recuperação ela teria complicações
revolucionária Frida Kahlo, como ficou por causa do acidente pelo resto de sua vida chegando a relatar: “E a sensação nunca mais
conhecida, teve uma vida de me deixou, de que meu corpo carrega em si todas as chagas do mundo”.
superações e sofrimentos que
refletidos em sua obra a tornaram Foi durante o período em que esteve se recuperando que surgiu a pintora. Sua mãe
uma das maiores pintoras do século. colocou um espelho sobre sua cama e um cavalete adaptado para que ela pudesse pintar
Nascida em 6 de julho de 1907 em Coyoacan, México, deitada e Frida fez seu primeiro auto-retrato dedicado a Alejandro que a havia
filha do famoso fotógrafo judeu-alemão Guillermo abandonado: “Auto-retrato com vestido de Terciopelo”. Sobre sua obstinação em pintar
Kahlo e de Matilde Calderon y Gonzales, mestiça, Frida auto-retratos, 55 ao todo, que representam um terço de toda sua obra ela justificava
sempre foi apaixonada pela cultura de seu país e dizendo: “Pinto a mim mesma porque sou sozinha e porqu sou o assunto que conheço
adorava tudo que remetesse às tradições mexicanas. melhor”.
Fato que ela sempre fazia questão de demonstrar em
sua maneira de se vestir e em seu trabalho ao incluir Depois do acidente Frida leva três de seus quadros a Diego Rivera, um famoso Kahlo faleceu em 13 de julho de 1954, na mesma
elementos da cultura popular. pintor da época que ela conheceu, para que os analisasse. Esse encontro cidade em que nasceu. Oito dias antes de morrer, ela
resultou no amor de ambos e na revelação de uma grande artista. Eles se escreveu seu nome e a frase “Viva la vida” em seu
casam, Frida então com 22 anos e Rivera com 43, dando início a um último quadro, que ganhou o mesmo título. “Na tela,
relacionamento dos mais extravagantes da história da arte. Frida engravida e em cujo pano de fundo há um céu azul brilhante
sofre seu primeiro aborto ficando muito abalada pela impossibilidade de levar dividido em duas metades, uma mais clara, outro mais
adiante uma gravidez devido a seu estado de saúde delicado. Sobre essa dor ela escura, há melancias, a fruta mais amada do México,
confessou: “Pintar completou minha vida. Perdi três filhos e uma série de outras inteiras, cortadas ao meio, divididas em quatro,
coisas que teriam preenchido minha vida pavorosa”. No mesmo ano, já tendo esculpidas, aos pedaços". As pinceladas são
recuperado sua mobilidade, porém com limitações e tendo que usar executadas com muito mais controle do que outras
Em seu diário, publicado em 1995 Frida deixou freqüentemente um colete de gesso, Frida acompanha Diego em suas viagens naturezas-mortas tardias de Frida; a composição das
registradas suas dores e, frustrações e pela aos EUA revelando seu talento para o resto do mundo e encantando a todos formas é solidamente definida. É como se Frida tivesse
impossibilidade de ter filhos. Toda sua obra, constituída com seu jeito irreverente e único. reunido e concentrado toda a vitalidade que lhe
majoritariamente por autorretratos reflete essa restava a fim de pintar essa última declaração de
condição. Sua primeira tragédia foi aos seis anos e uma alegria.
poliomelite a deixou de cama por vários dias. Frida fica
com um pé atrofiado e uma perna mais fina que a outra.

113 - Conhecendo a artista: Frida Kahlo – Experimentação prática. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Frida Kahlo tinha sua marca registrada: o buço e as sobrancelhas espessas e escuras. Eram uma
forma de contestação, além das roupas coloridas, estampadas e floridas que traziam referências dos
costumes mexicanos. Apesar de assumir o corpo e vestimentas que fugiam dos moldes da época,
Kahlo era cheia de contradições. As saias longas e rodadas, do estilo tehuana, da região de Oaxaca,
no Sul do México, eram usadas para esconder a deformidade das pernas. Devido ao acidente que
sofreu, ela adquiriu problemas na coluna e precisou vestir, até o dia da morte, corseletes e coletes
de gesso que enfeitava com flores, bordados e rendas. Os adereços foram aumentando e ficando
mais elaborados à medida que a condição de saúde de Kahlo piorava. Assim como os autorretratos
confirmavam sua existência, as roupas faziam com que a mulher frágil, quase sempre presa à cama,
se sentisse mais magnética, mais visível e mais enfaticamente presente como objeto físico no
espaço.
Praticar a arte: Vamos homenagear Frida. Cole uma xerox de uma foto sua de corpo inteiro e faça nelas intervenções com desenhos de
elementos assim como fez a artista. Não se esqueça de criar o plano de fundo também. Use as cores que desejar.

114 - Bidimensionalidade e tridimensionalidade. Parte 1/2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Desde que o ser humano começou a desenhar, Os erros na representação tridimensional perduraram até
procurou representar na superfície a realidade que a primeira metade do século XV, quando foram
ele via no espaço. Na pré-história, os homens estabelecidos princípios matemáticos objetivos que
primitivos representaram objetos e animais do seu unificaram a forma como todo artista e arquiteto vê o
entorno de forma chapada (plana), porém, em vista espaço. Começaram então, a desenhar com perspectiva.
da dificuldade de expressar as figuras As duas dimensões são comprimento e largura. Estas em
tridimensionais, faziam contorno para separá-las do conjunto estabelecem uma superfície plana, sobre a qual
restante do desenho com o objetivo de realçar cada podem ser dispostas marcas visíveis planas que não tem
parte. profundidade, podem ser figurativas ou abstratas. É uma
Nos dias de hoje, nos criação humana. O desenho, a pintura, a impressão, o
aproximamos cada vez mais tingimento ou mesmo a escrita são atividades que levam
da tridimensionalidade. O diretamente a formação do mundo bidimensional.
impresso dá lugar ao digital, o Vivemos, de fato, em um mundo tridimensional. O que
papel cede lugar à tela. vemos à nossa frente não é uma imagem plana, tendo
Com a tecnologia a tridimensionalidade chega às somente comprimento e largura, mas um espaço com
telas da TV, cinema e jogos. Mas afinal o que é profundidade física, a terceira dimensão. Qualquer objeto
tridimensionalidade? pequeno, leve e próximo pode ser pego e girado em
nossas mãos. Cada vez que o movimentamos, percebemos
Dimensão: É a porção de espaço ocupada por um
um formato diferente porque a relação dele com nossos
elemento.
olhos foi modificada. É na mente humana que o mundo
Espaço Bidimensional: Superfície plana, não
tridimensional ganha o seu significado.
apresenta profundidade, exceto de forma ilusória.
As duas dimensões são: Altura e Largura. Tridimensão ilusória: O desenho em
Espaço Tridimensional: Espaço com profundidade perspectiva, apesar de estar sobre uma
física, a terceira dimensão. As três dimensões são: base bidimensional (largura x altura),
Altura, Largura e Profundidade. aparenta que é tridimensional (largura x
altura x profundidade). Podemos dizer
que é uma representação
tridimensional ilusória. Isto acontece
porque é criado um ou dois pontos de
fuga e todas as linhas do desenho
partem desses pontos.
O que está mais próximo dos nossos olhos ficará maior e,
à medida que os elementos vão ficando próximos do
ponto de fuga, vão ficando cada vez menores.

115 - Bidimensionalidade e tridimensionalidade. Parte 2/2. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Praticar a arte 1: Identifique as imagens como BIdimensional ou TRIdimensional: Praticar a arte 2: Projeto de arte – Construa a tridimensionalidade da imagem:
Espaço Bidimensional: Superfície plana, Pesquise uma pintura de algum artista famoso (Picasso, Van Gogh, Tarsila do Amaral,
não apresenta profundidade, exceto de Monet, entre outros) e em transforme-a em um objeto de arte tridimensional. Use
forma ilusória. As duas dimensões são: material reciclado para construir sua obra de arte.
Altura e Largura.
Espaço Tridimensional: Espaço com
profundidade física, a terceira dimensão.
As três dimensões são: Altura, Largura e
Profundidade.
Obras de pintura tridimensional: A tridimensão é um efeito visual que nos dá a sensação

de volume dos objetos. Quando falamos efeito de volume significa que a figura possui
definição de altura, largura e principalmente profundidade. A tridimensão é então o efeito
de profundidade. A escultura é por sí uma arte tridimensional, pois a profundidade já é
conseguida naturalmente no momento em que se cria a forma e se modela a estrutura. Já
na pintura e no desenho, o efeito de profundidade pode ser conseguido pelo uso de
técnicas de sombreamento (efeitos de luz e sombra), bem como estudos geométricos da
forma e técnicas de perspectiva.

116 - Atividade sobre o filme: “Viva, a vida é uma festa”. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Miguel é um menino de 12 anos que quer muito ser um

músico famoso, mas ele precisa lidar com sua família
que desaprova seu sonho. Determinado a virar o jogo,
ele acaba desencadeando uma série de eventos ligados
a um mistério de 100 anos. A aventura, com inspiração
no feriado mexicano do Dia dos Mortos, acaba gerando
uma extraordinária reunião familiar.
Praticar a arte: Depois de termos assistido ao filme, responda a partir da sua observação.
1. Escreva a parte do filme que você mais gostou: 5. O que fez a bisavó de Miguel relembrar de seu amado pai?
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___________________________________________ ____________________________________________________
___________________________________________ ____________________________________________________
___________________________________________ ____________________________________________________
___________________________________________
___________________________________________ 6. Como o menino Miguel agiu quando descobriu que seu ídolo
___________________________________________ não era o que ele pensava?
___________________________________________ ____________________________________________________
___________________________________________ ____________________________________________________
___________________________________________ ____________________________________________________
____________________________________________________
2. Expresse sua opinião sobre o desfecho da história. ____________________________________________________
Você gostou do final do filme? Por quê? ____________________________________________________
___________________________________________
___________________________________________ 7. Em sua opinião, por que as pessoas devem seguir suas
___________________________________________ aspirações e lutar para conseguir o que sonha?
___________________________________________ ____________________________________________________
___________________________________________ ____________________________________________________
___________________________________________ ____________________________________________________
___________________________________________ ____________________________________________________
___________________________________________ ____________________________________________________
____________________________________________________
3. O menino Miguel agiu certo em ir a busca de sua
aspiração para ser músico? Justifique sua resposta. 8. Cite algumas atitudes que devemos ter para nos relacionarmos
___________________________________________ bem com as pessoas idosas.
___________________________________________ ____________________________________________________
___________________________________________ ____________________________________________________
___________________________________________ ____________________________________________________
___________________________________________ ____________________________________________________
___________________________________________ ____________________________________________________
___________________________________________ ____________________________________________________
___________________________________________ 9. Faça uma pequena lista de coisas que você gosta de fazer e que,
___________________________________________ futuramente, você estude e alcance para se tornar um
___________________________________________ profissional.
____________________________________________________
4. Por que a família do menino não queria que ele se
____________________________________________________
tornasse músico?
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117 - As texturas na Arte – Conceituação e experimentação prática. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Textura é o aspecto de uma superfície, ou seja, a "pele" de uma Textura gráfica:

forma, que permite identificá-la e distingui-la de outras formas. Quanto à execução gráfica para obter texturas artificiais, pode-se utilizar os seguintes processos: fricção, impressão, decalque e
Quando tocamos ou olhamos para um objeto ou superfície, construção.
sentimos se a sua pele é lisa, rugosa, macia, áspera ou FROTTAGE ou FROTTAGEM: A palavra “Frottage” é de origem francesa – “frotter”, que significa
ondulada. A textura é, por isso, uma sensação visual ou tátil. “esfregar”. Consiste em colocar uma folha de papel sobre uma superfície áspera, que contém alguma
textura, e esfregá-la, pressionando-a com um bastão de giz de cera, por exemplo, para que a textura
apareça na folha. No campo da arte, essa técnica foi usada pela a primeira vez pelo o pintor, desenhista,
escultor e escritor alemão Max Ernest (1891 – 1976), um dos fundadores do movimento “Dada” e
posteriormente um dos grandes nomes do Surrealismo.
Texturas naturais: Praticar a arte: Observe os diferentes exemplos de texturas. Classifique-os em LISA, RUGOSA, MACIA, ÁSPERA OU ONDULADA.
Aquelas que resultam da intervenção natural do meio
ambiente ou que caracterizam o aspecto exterior das
formas e coisas existentes na Natureza Ex.: Cascas de
troncos de árvores, madeira, folhas.
Texturas Artificiais:
São aquelas que resultam da intervenção humana através
da utilização de materiais e instrumentos devidamente
manipulados. O Homem desde sempre tenta criar nas
superfícies/objetos, texturas idênticas às criadas na
Natureza, logo elas são o reflexo do modo como
expressamos o nosso entendimento do mundo que nos
rodeia. Dependem da manipulação das matérias e das
técnicas utilizadas e do modo como utilizamos as
linguagens plásticas.

118 - ARTE RUPESTRE – Apreciação e contextualização. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Se hoje os pintores compram suas tintas e pincéis, no passado suas ferramentas eram Em muitos países do mundo encontram-se cavernas com pinturas rupestres, uma das mais famosas
bastante diferentes. Utilizavam terra colorida, sangue e pelos de animais para criar cavernas – Lascaux - localiza-se ao sul da França e foi descoberta em 1940 por um grupo de jovens.
imagens de silhuetas de grandes feras em paredes e tetos de escuras e quase inacessíveis Desde então vários historiadores a visitaram com a intenção de estudá-la e descrevê-la. Atualmente a
cavernas. Usa-se o termo arte rupestre para designar as inúmeras pinturas encontradas caverna não pode ser visitada por turistas para evitar eventuais prejuízos às pinturas. Pesquisas sugerem
no interior de cavernas pré-históricas por todo mundo. Mas será que os desbravadores que esses desenhos datam de aproximadamente 17.000 anos atrás, embora existam outras pinturas
dessas cavernas que a usavam como tela para seus desenhos tinham a intenção de fazer rupestres muito mais antigas como as encontradas na gruta de El Castillo, na Espanha que datam de
arte? Este é uma questão quase impossível de responder, hoje tratamos essas 40.000 anos atrás.
representações como arte em função das suas qualidades técnicas, no entanto a hipótese
mais aceita entre os historiadores é de que, nossos antepassados pensavam e criavam
essas imagens como algo, acima de tudo, utilitárias. Assim é quase certo que nossos
antepassados não penetrariam cavernas tão inacessíveis com o simples propósito de
decorá-las. A sugestão mais viável para tal feito é de que esses homens e mulheres
primitivos que viviam essencialmente da caça, acreditavam no “poder das imagens” que
desenhavam, ou seja, eles imaginavam que criando imagens de suas presas em situação
de caça, os animais reais também se renderiam às suas caças. Assim as criações dessas No Brasil também é possível encontrar
imagens poderiam servir como uma espécie de magia para uma caça bem sucedida. manifestação de pinturas rupestres por todo
Mesmo assim é difícil afirmar com exatidão o significado e função dessas imagens, exceto território nacional. Um dos mais estudados e
que elas nos trazem valiosas pistas acerca da cultura e modo de vida dessas antigas importante sítio arqueológico fica no Parque
civilizações e, principalmente, que nossos antepassados possuíam uma capacidade Nacional da Serra da Capivara no Piauí. Tem
simbólica, intelectual e artística similar ao homem contemporâneo. A maioria dessas o maior acervo do continente americano e é,
pinturas, feitas com restos de carvão, pigmentos de plantas e terra colorida, combinadas assim como a caverna de Lascaux na França,
ao sangue de animais, representavam animais selvagens, pessoas, geralmente em considerado Patrimônio Mundial da Unesco.
situação de caça, plantas e símbolos abstratos. Para tanto usavam pinceis feitos com
pelos de animais e as próprias mãos. Em outros casos, suas mãos serviam como uma Praticar a arte: No seu caderno de arte, vamos produzir os carimbos em positivo e negativo de nossas
espécie de carimbo nas paredes. mãos, utilizando a mesma técnica aplicada pelos homens primitivos. Siga o passo a passo:
- Abra bem uma de suas mãos sobre a folha do caderno, tomando todo o espaço da folha.
- Com o auxílio do pincel e do goache, vá espalhando a tinta ao redor de seus dedos e palmas para
marcar o contorno.

119 - Arte indígena – Cestaria. Apreciação e interpretação. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Cestaria é o conjunto de objetos: cestos-recipientes, A cultura de um povo é como um código simbólico compartilhado por todos os homens, mulheres e crianças do mesmo grupo social. É
cestos-coadores, cestos-cargueiros, armadilhas de pesca e através da cultura que todas as pessoas atribuem significado ao mundo e às suas vidas, pensam suas experiências diárias e projetam
outros, obtidos pelo trançado de elementos vegetais seu futuro. É, portanto, um código dinâmico que se transforma ao longo do tempo e através do espaço, dando sentido à própria vida,
flexíveis ou rígidos usados para transporte de carga, do nascimento até a morte, de todos os membros de uma mesma sociedade.
armazenagem, receptáculo e coador. Varia em tamanho, A cestaria diz respeito ao conhecimento tecnológico, à adaptação ecológica e à cosmologia, forma de concepção do mundo daquelas
forma, decoração, técnica de manufatura, mas obedecem sociedades. O conjunto de objetos incorporados à vivência de uma determinada sociedade indígena expressa concretamente
basicamente às exigências ditadas por sua funcionalidade. significados e concepções daquela sociedade, bem como a representa e a identifica. Enquanto arte, em cada peça produzida existe
As sociedades indígenas no Brasil são detentoras das mais também uma preocupação estética, identificando o artesão que a produziu e aquela sociedade da qual ela é cultura material.
variadas técnicas de confecção de trançados, utilizando-se Para uso e conforto doméstico, podem-se citar os cestos-coadores, que
delas para a confecção de cestos, que estão entre os se destinam a filtrar líquidos; os cestos-tamises, que se destinam a
objetos mais usados, pois estão associados a vários fins. A peneirar a farinha e os cestos-recipientes, que se destinam a receber um
cestaria produzida e utilizada por uma determinada conteúdo sólido ou armazená-lo, sendo também utilizados para a caça e a
sociedade indígena está associada à sua cultura, principal pesca, para o processamento da mandioca, para o transporte e para a
característica humana. guarda de objetos rituais, mágicos e lúdicos. Os cestos cargueiros, como
diz o nome, destinados ao transporte de cargas, apresentam uma alça
para pendurar na testa e têm o formato de peneira, com base retangular
e borda redonda, sendo conhecido pelo nome de aturá. Também são
muito utilizados os cestos- cargueiros de três lados, jamaxim, que
dispõem de duas alças para carregar às costas, tipo mochila. Em geral,
esse cesto suporta até dez quilos de mandioca.
Praticar a arte: Vamos confeccionar em papel, seguindo as instruções, as tramas de confecção da cestaria indígena.

120 - Apreciação de obra de arte: A utilização da tinta a óleo. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
O pintor espanhol Diego Velásquez é um dos maiores representantes do Barroco na Espanha. Sua obra-prima, “As meninas”, mostra a preocupação com o
desenho e com a composição das figuras, e a maestria no emprego da técnica claro-escuro, uma das principais características das pinturas barrocas. Se
dividirmos a imagem ao meio, no sentido horizontal, percebemos que Velásquez utilizou a parte de baixo da tela para os retratos e a de cima para
explorar as variações da luz e da sombra. A porta retratada no fundo da tela amplia a sensação de profundidade e de perspectiva. Nessa pintura está
representada a Corte espanhola, tema recorrente na obra desse artista. Velásquez retrata a infanta Margarita acompanhada por suas damas de
companhia. Na parede, há um espelho que reflete o Rei Felipe IV e sua esposa Mariana da Áustria. O próprio Velásquez está retratado no lado esquerdo
da tela.
As tonalidades das cores e o brilho intenso presentes nessa obra são resultado da utilização da técnica da pintura a óleo. Desenvolvida no
período renascentista, ela pouco a pouco substituiu o afresco e a tempera e tornou-se a técnica preferida dos artistas do século XVII. A
tinta a óleo é o resultado da mistura de pigmento com uma substância gordurosa, geralmente o óleo de linhaça. Ela possibilita a utilização
de cores mais intensas e resiste à umidade e à água. Como tem um tempo longo de secagem, permite retoques ou sobreposições de
camadas.
O pintor holandês Johannes Vermeer (1632 – 1675) foi um dos artistas que exploraram as possibilidades da tinta a óleo. Com essa técnica, ele
desenvolveu o domínio da luz e da intensidade das cores. A partir do estudo rigoroso da composição das tintas, Vermeer conseguiu criar tons que
reproduzem com realismo a pele humana.
Na obra de Rembrandt, outro artista holandês do século XVII, também pode perceber a
preocupação com efeitos de luz. Ele utiliza a tinta a óleo para criar diversos graus de claridade
e meios-tons, algo impossível de ser obtido com as técnicas do afresco ou da têmpera.
Praticar a arte: Observando a imagem da obra “As meninas” de Diego Velásquez, responda - Como se produz tinta a óleo e quais são as vantagens dessa técnica?
em seu caderno de arte. ___________________________________________________________________________________
- Você já viu essa obra? Sabe algo sobre ela? _____________________________________________________________________________
____________________________________________________________________________ - Em que período surgiu a tinta a óleo?
____________________________________________________________________________ ___________________________________________________________________________________
- Quantas pessoas há na composição da imagem? ____________________________________________________________________________
____________________________________________________________________________ - Das telas pintadas a óleo mostradas neste tema, de qual você mais gostou? Utilize essa obra para
____________________________________________________________________________ inspirar-se na criação de outra imagem. Faça sua produção no caderno de arte.
- Ela pode ser considerada um autorretrato? Por quê? ___________________________________________________________________________________
____________________________________________________________________________ ___________________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________ ___________________________________________________________________________________
- É possível perceber o domínio técnico do artista? Como? ____________________________________________________________________________

121 - Aplicação de cor. Composição e uso das cores. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]

122 - Aplicação de cor: Guache – Cores terciárias e complementares. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]

123 - Aplicação de cor: Guache – Cores terciárias e complementares. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]

124 - Aplicação de cor – Produção artística e uso de materiais alternativos. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]

125 - Aplicação de cor – Lírios. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]

126 - Ângulos - Conceituação e experimentação prática. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Ângulos é a região interna formada por duas semirretas que partem de um mesmo ponto. A palavra ângulo é usada para nomear dois objetos. O primeiro é a abertura entre duas
semirretas que compartilham o mesmo ponto inicial ou entre dois segmentos de reta que possuem apenas uma extremidade comum. O segundo é um número usado para medir
essa abertura. Sendo assim, quanto maior o valor numérico atribuído a um ângulo, maior será a abertura entre as duas semirretas relacionadas a ele.
Um ângulo é o conjunto de pontos O instrumento utilizado para O ângulo reto mede 90°. Ele equivale Alguns ângulos são considerados notáveis por
formados por duas semirretas medir um ângulo é o a um quarto de volta, já que 90° é causa de sua grande relevância nos cálculos
O ângulo raso mede 180°. Como
(lados do ângulo) que possuem o transferidor. Observe que a igual a um quarto de 360° – a volta matemáticos e por serem encontrados com
uma volta completa representa
mesmo ponto de partida (vértice do distância entre dois segmentos completa. Esse ângulo é muito usado mais frequência na natureza e nas obras
um ângulo de 360° e 180° é
ângulo). de reta é diferente dependendo em propriedades de figuras humanas. Esses ângulos são 30°, 45° e 60°,
exatamente metade de 360°, o
do lugar escolhido para extrair ângulo raso também representa geométricas com relação à sua respectivamente AÔB1, AÔB2 e AÔB3.
essa medida: meia-volta. altura, pois esta é o segmento de
reta que liga o ponto “mais alto” de
uma figura ao solo, formando um
ângulo de 90°.
Na imagem acima, as semirretas Posicione o vértice do ângulo

com origem no ponto O definem o no centro do transferidor, Analisando a imagem acima,
ângulo AÔB, que também pode ser como indicado. Quando uma notamos que as semirretas que
representado por uma letra formam um ângulo raso são
das semirretas estiver
minúscula ou por uma letra grega “lados” de uma reta. Na realidade,
apontando para 0°, a outra
minúscula. A unidade de medida se marcarmos um ponto de
apontará para o ângulo interesse sobre uma reta, ao Praticar a arte: Utilizando os devidos instrumentos construa em seu caderno de arte
usada para os ângulos é o grau,
representado pelo símbolo ° logo formado por elas naquele medir o ângulo formado nesse diferentes ângulos.
depois do número referente a ele. sentido. No exemplo, o ponto, encontraremos 180°. - Esquadro: Construir ângulos retos.
sentido é o horário, por isso,
Os ângulos também podem dar a acompanhamos no - Transferidor: Construir ângulos em
ideia de movimento do ponto. Esse transferidor os números
movimento sempre será circular, e dispostos nesse sentido.
diferentes graus.
uma volta completa representará a
medida 360°.
- Régua: Construir ângulos retos notáveis.

127 - A LUTA OU BATALHA ENTRE CARNAVAL E QUARESMA, PIETER BRUEGEL, O VELHO. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Pieter Bruegel, o Velho, foi um importante pintor e gravurista

holandês do século XVI. É considerado um dos principais
representantes do período Cinquecento (1500-1599) do
Renascimento Holandês.
- Pintou paisagens;
- Contexto com fundo moral;
- Retratou o cotidiano de forma detalhada, com cenas repletas de minucias;
- Abordagem de temas religiosos;
- Pintura de cenas aterrorizantes;
- Teve influência do pintor holandês Hieronymus Bosch (nas obras de 1562);
- Combinação de várias cenas numa mesma pintura;
- Retratou a cultura popular (principalmente dos camponeses) e aspectos sociais da
vida no século XVI.
Praticar a arte: Observando a imagem, faça a leitura da análise para responder a interpretação.
Tema: A Luta ou Batalha entre o Carnaval e 10. O cenário ao fundo é dominado por 17. Os reformadores luteranos tinham
Quaresma evoca o contexto religioso nos pessoas que trabalham, abolido a Quaresma, mas em seus
Países Baixos em meados do século dezesseis. principalmente com alimentos. territórios o carnaval ainda resistia.
1. A obra retrata uma hospedaria no lado 11. À entrada da igreja, encontram-se 18. Outros sugerem o contexto econômico,
esquerdo e uma igreja (catedral) no lado estátuas veladas, retratando o
resultante do calendário religioso, com
direito. costume católico de cobrir todas as
a transição entre dois diferentes pratos
obras de arte na Quaresma até o
2. No centro inferior da tela se encontram as sazonais.
domingo de Páscoa.
duas figuras emblemáticas. 19. A oferta de carne de gado, em alta,
teve seu comércio estancado com a
3. Do lado direito, uma mulher (Quaresma)
abstinência forçada no período da
encabeça a procissão na qual o séquito se
Quaresma.
desdobra em ações filantrópicas.
20. Os açougues são fechados e os
4. A magérrima senhora Quaresma está açougueiros viajam para o campo a fim
sentada em uma pequena carroça puxada de comprar o gado para a primavera.
por um monge e uma freira. 21. Alguns interpretam a obra como “o
5. Do lado esquerdo, encabeçando os triunfo da Quaresma”, uma vez que a
festejos estridentes junto à pousada, um figura do Carnaval parece se despedir
“cavaleiro” obeso, literalmente montado com a mão esquerda e com os olhos
em um barril de cerveja com uma bisteca 12. A celebração da ressurreição de Cristo levantados para o céu.
de porco espetada, representa o Carnaval. era sinalizada pelo descobrir as 22. No centro da tela, de costas, um par
esculturas e pinturas. recém-casado, com a mulher portando
13. A pintura de Bruegel, rica em uma luminária apagada nas costas.
alegorias e simbolismos, é claramente 23. O casal é guiado por um bobo com
provocante e satírica. uma tocha acesa. Alguns sugerem que
14. Diversas e infindáveis interpretações este trio seria uma representação
têm sido oferecidas. alegórica da Razão no contexto da
15. Alguns sugerem o conflito religioso batalha tematizada.
oriundo da Reforma Protestante e a
reação da Contrarreforma, emanada
6. A bolsa de facas em seu cinto indica que do Concílio de Trento em 1547.
ele é um açougueiro. 16. Ao lado do carnaval está um tocador
7. No lugar de capacetes, os personagens de alaúde, que era um símbolo
portam, respectivamente, colmeia e torta frequente do luteranismo.
de carne; em vez de lanças, instrumentos
com peixes e carne de porco.
8. De um lado, uma barraca de peixes; do
outro, dois carros alegóricos.
9. De um lado, a encenação popular
denominada “A Noiva Suja”; do outro, um
grupo de aleijados sai para mendigar,
enquanto passa uma procissão de
leprosos liderada por um tocador de
gaita…

128 - A história do carnaval e suas origens - Cultura popular. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
A história do carnaval tem suas origens na Antiguidade, sendo uma festa tradicional e popular que chegou ao Brasil durante a
colonização. O carnaval é a festa popular mais celebrada no Brasil e que, ao longo do tempo, tornou-se elemento da cultura
nacional. Porém, o carnaval não é uma invenção brasileira nem tampouco realizado apenas neste país. A História do Carnaval
remonta à Antiguidade, tanto na Mesopotâmia quanto na Grécia e em Roma. A história do carnaval no Brasil iniciou-se no período
colonial. Uma das primeiras manifestações carnavalescas foi o entrudo, uma festa de origem portuguesa que na colônia era
praticada pelos escravos. Estes saíam pelas ruas com seus rostos pintados, jogando farinha e bolinhas de água de cheiro nas
pessoas. Tais bolinhas nem sempre eram cheirosas. O entrudo era considerado ainda uma prática violenta e ofensiva, em razão
dos ataques às pessoas, mas era bastante popular. Depois surgiram os cordões e ranchos, as festas de salão, os corsos e as escolas
de samba. Afoxés, frevos e maracatus também passaram a fazer parte da tradição cultural carnavalesca brasileira. Marchinhas,
Quadro de Johannes Lingelbach (1622-1674),
sambas e outros gêneros musicais também foram incorporados à maior manifestação cultural do Brasil. Carnaval em Roma, exemplo de um carnaval
Cordões, ranchos e marchinhas. da Commedia Dell'arte
Desenho de Jean Baptiste-Debret

(1768-1848) mostrando a
brincadeira do entrudo entre os
escravos

129 - Os meios da Arte: A fotografia como ferramenta de expressão. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
A primeira fotografia reconhecida foi feita em 1826, pelo Praticar a arte: Você irá realizar uma pesquisa entre seus familiares, amigos e vizinhos para encontrar uma
francês Joseph Nicéphore Niépce, no entanto o fotografia antiga de alguém ou de algum lugar. Procure por fotografias em preto e branco, ou feitas a partir de
desenvolvimento da fotografia não pode ser atribuído apenas técnicas mais antigas. Tire uma cópia dessa fotografia e cole no espaço abaixo. Depois escreva um pouco sobre
a uma pessoa. Diversas descobertas ao longo do tempo foram essa foto. Relate sobre a data, sobre as personagens, enfim, conte a história da fotografia que você escolheu.
somadas para que fosse possível desenvolver a fotografia
como é conhecida hoje. Químicos e físicos foram os pioneiros
nesta arte, já que os processos da revelação e da fixação da
fotografia são essencialmente físico-químicos, numa
associação de condições ambientais e de iluminação a
produtos químicos.
Com o passar do tempo a essência
da forma de fazer fotografia não
mudou, no entanto, os avanços
tecnológicos permitem cada vez
mais melhorar a qualidade da
fotografia, aumentar a resolução e
a realidade das cores.
Com o advento da fotografia digital, muitos paradigmas fotográficos foram
alterados. Com aparelhos cada vez menores, mais simples de manipular e que
produzem fotografias em alta qualidade, a internet facilitando o fluxo das imagens,
a fotografia tornou-se algo muito mais simples e popular do que era.
Muitos cientistas pesquisaram sobre
fotografia, a fim de melhorá-la e
aperfeiçoá-la. Por conta disto, não se
pode atribuir a apenas uma pessoa a
criação ou o desenvolvimento da
fotografia, o produto que temos hoje é
uma soma de várias técnicas
descobertas por algumas pessoas.
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130 - A arte como forma de expressão – Leitura e interpretação. Parte 1/4. [PRATICAR A ARTE – VOLUME 2]
Dentre os inúmeros meios e formas de ARTE PRÉ-HISTÓRICA ARTE EGÍPCIA E MESOPOTÂMICA ARTE GRECO-ROMANA
expressões corporais e intelectuais que
A arte pré-histórica desenvolveu- No Egito e na Mesopotâmia viveram as Na antiguidade greco-romana não se vislumbrava
podemos nos utilizar para expressarmos os
se entre o Paleolítico Superior e o primeiras civilizações altamente qualquer diferenciação entre arte e técnica, o
nossos pensamentos, as nossas emoções, as
Neolítico, onde aparecem as estruturadas, e seus artistas/artesãos mesmo é dizer, entre artista e artesão. O técnico
nossas críticas construtivas e até mesmo, os
primeiras manifestações que produziram obras complexas que já era aquele que executava um trabalho, fazendo-o
nossos sonhos ou devaneios, encontra-se a
podem ser consideradas como apresentavam uma especialização com uma espécie de perfeição ou estilo, em virtude
arte. É na arte da música, na arte da poesia, na
arte. No Paleolítico o homem, profissional. A arte egípcia caracterizou- de possuir o conhecimento e a compreensão dos
arte da literatura, da pintura, da dança ou do
dedicado à caça e vivendo em se pelo caráter religioso e político, com princípios envolvidos no desempenho. Sempre
teatro (principalmente) que milhares de
cavernas, praticou a chamada arte destaque para a arquitetura, a pintura e associada ao trabalho dos artesãos, a arte era
pessoas em todo o mundo encontram o seu
rupestre. No Neolítico tornou-se a escultura. A escultura e a pintura suscetível de ser aprendida e aperfeiçoada, até se
espaço para se expressarem e manifestarem de
sedentário e desenvolveu a mostram a figura humana num estilo tornar uma competência especial na produção de
forma positiva, os seus sonhos, projetos e
agricultura, com sociedades cada fortemente hierático e esquemático, um objeto. Depois de um começo em que se
obras pessoais. Um poeta transforma em
vez mais complexas, onde a devido à rigidez dos seus cânones salientaram as civilizações Minoicas e Micênica, a
poesia os seus pensamentos sobre tudo. O
religião ganhou importância. São simbólicos e religiosos. A arte arte grega desenvolveu-se em três períodos:
músico transforma em canções as suas
exemplos os monumentos mesopotâmica desenvolveu-se em arcaico, clássico helenístico.
composições. O pintor transforma em gravuras
megalíticos e um início de especial na área entre os rios Tigre e
as suas imaginações. O ator representa as mais
produção artesanal na forma de Eufrates, sendo testemunha de culturas
diversas expressões artísticas e o dançarino
vasos de cerâmica e estatuetas. diferentes, como os sumérios,
representa na dança os sutis movimentos da
acadianos, assírios e persas. Na sua
arte. “Porque é que isto é arte?”, “O que é a
arquitetura incluem-se os zigurates,
arte?” Poucas perguntas provocarão polêmicas
grandes templos piramidais em degraus,
mais acesas e tão poucas respostas
enquanto que na escultura predominam
satisfatórias. Embora não se possa chegar à
cenas religiosas, de caça e de guerra,
conclusão alguma, é possível ainda assim
com a presença de figuras humanas e
lançar alguma luz sobre estas questões. Arte,
animais reais ou mitológicos.
do latim ars e do grego teknê, significa técnica
ou habilidade, a um saber fazer, é uma espécie
de conhecimento técnico, mas também ao
trabalho, à profissão, ao desempenho de uma
tarefa.

Ao longo da nossa história como seres humanos, a arte sempre procurou surpreender-nos, maravilhar, chocar e até por vezes, indignar-nos perante as escolhas de temas e a forma
como são abordados pelos artistas. Não importa a reação, a verdade é que a arte sempre foi uma forma de expressão do que sentimos, vemos, precisamos fazer das aspirações de
uma comunidade, em suma, do pulsar dos tempos. Faz, portanto todo o sentido que a cultura através da arte como veículo, seja um pilar de sustentabilidade.
ARTE OCIDENTAL ARTE DO RENASCIMENTO
No ocidente, um conceito geral de arte, ou seja, aquilo que teriam em comuns coisas tão Mas será na época do Renascimento que se inicia uma mudança, separando os ofícios
distintas como, por exemplo, a poesia de Homero, os autos de mistério medievais, uma produtivos e as ciências das artes propriamente ditas, incluindo-se pela primeira vez a
catedral gótica ou um retábulo barroco, só se começou a formar em meados do século poesia no domínio artístico. O Renascimento e o chamado Maneirismo (nome
XVIII, embora a palavra já estivesse em uso há séculos para designar qualquer habilidade empregado para designar as manifestações artísticas desde 1520, momento quando se
particular ou especial. Na antiguidade clássica, uma das principais bases da civilização inicia a crise do renascimento, até o início do século XVII), assinalam o início da arte
ocidental e a primeira cultura que refletiu sobre o tema, considerava-se arte qualquer moderna. As novas descobertas geográficas levaram a civilização europeia a expandir-
atividade que envolvesse uma habilidade especial: habilidade para construir um barco, para se para todos os continentes, e através da invenção da imprensa a cultura
comandar um exército, para convencer o público discursando, em suma, qualquer atividade universalizou-se. O estilo da sua arte foi inspirada basicamente na arte clássica greco-
que se baseasse em regras definidas e que fosse sujeita a um aprendizado e romana e na observação científica da natureza. O conceito de beleza relativizou-se,
desenvolvimento técnico. Platão definiu arte como uma capacidade de fazer coisas de privilegiando-se a visão pessoal e a imaginação do artista em detrimento do conceito
modo inteligente através de um aprendizado, sendo um reflexo da capacidade criadora do mais ou menos unificado e de índole científica do Renascimento. Também se deu valor
ser humano; já Aristóteles definiu-a como uma disposição de produzir coisas de forma ao fantástico e ao grotesco. Para Giordano Bruno (1548-1600), havia tantas artes
racional, e Quintiliano entendia-a como aquilo que era baseado num método e ordem. Por quantos eram os artistas, introduzindo o conceito de originalidade, pois para ele a arte
sua vez Cassiodoro destacou o seu aspeto produtivo e ordenado, assinalando três funções não tem normas, não se aprende e surge da inspiração.
para ela: ensinar, comover e agradar ou dar prazer. Esta visão atravessou o período da
Idade Média, em que arte nesse período, sendo uma derivação direta da arte romana, inicia
com a arte paleocristã, após a oficialização do cristianismo como religião do Império
Romano. Trabalharam as formas clássicas para interpretar a nova doutrina religiosa. Porém,
logo o estilo clássico se pulverizou numa multiplicidade de escolas regionais, com o
aparecimento de formas mais esquemáticas e simplificadas.

Só a partir do século XVIII começou a consolidar-se a estética como um elemento-chave para a definição de arte como hoje a entendemos; a despeito da vagueza e inconsistências
do conceito. Até então toda a arte do ocidente estava indissociavelmente ligada a uma ou mais funções definidas, ou seja, era uma atividade essencialmente utilitária: servia para a
transmissão de conhecimento, para a estruturação e decoração de rituais e festividades, para a invocação ou mediação de poderes espirituais ou mágicos, para o embelezamento
de edifícios, locais e cidades, para a distinção social, para a recordação da história e a preservação de tradições, para a educação moral, cívica, religiosa e cultural, para a
consagração e perpetuação de valores e ideologias socialmente relevantes, e assim por diante.
ARTE BARROCA/ROCOCÓ ROMANTISMO/REALISMO A ARTE NO SÉCULO XX
O barroco é o nome dado ao estilo artístico que O esteticismo foi um dos elementos teóricos básicos O século XX caracterizou-se por uma forte ênfase no questionamento
floresceu entre o final do século XVI e meados para a emergência do designado Romantismo, já no das antigas bases da arte, propondo-se criar um novo paradigma de
do século XVIII, inicialmente na Itália, século XIX, que rejeitou o utilitarismo da arte e deu um cultura e sociedade assim como derrubar tudo o que fosse tradição. Até
difundindo-se em seguida pelos países católicos valor principal à criatividade, à intuição, à liberdade e à meados do século as vanguardas foram enfeixadas no rótulo de
da Europa e da América, antes de atingir, numa visão individuais do artista, erigindo-o ao status de modernistas, e desde então elas sucedem-se cada vez com maior
forma modificada, as áreas protestantes e alguns Deus e profeta, fomentando com isso o culto do gênio. rapidez, chegando aos dias de hoje a um estado de total pulverização
pontos do Oriente. Na sua sequência foi o Por outro lado, o esteticismo ofereceu uma alternativa dos estilos e estéticas, que convivem, dialogam, influenciam-se e
Rococó, surgido a partir de meados do século para a descrição de aspetos do mundo e da vida que enfrentam-se mutuamente. Também surgiu uma tendência de solicitar a
XVIII, com formas mais leves e elegantes, não estão ao alcance da ciência e da razão. Surge participação do público no processo de criação, e incorporar ao domínio
privilegiando o decorativismo, a sofisticação também o Realismo que se caracteriza como um artístico uma variedade de temas, estilos, práticas e tecnologias antes
aristocrática e a sensibilidade individual. Ao movimento cultural e literário, ocorrido na segunda desconhecidas ou excluídas. Entre as inúmeras tendências do século XX
mesmo tempo em que se firmava uma corrente metade do século XIX aproximadamente, marcando podemos citar: art nouveau, fauvismo, pontilhismo, abstracionismo,
iluminista, pregando o primado da razão e um uma total mudança de pensamento em relação ao expressionismo, realismo socialista, cubismo, futurismo, dadaísmo,
retorno à natureza. Esta mudança de paradigma Romantismo. O pintor Silva Porto é tido com um dos surrealismo, funcionalismo, construtivismo, informalismo, arte pop,
estava ligada a transformações culturais fundadores deste movimento em Portugal. Nesse neorrealismo, artes de ação (performance, happening, fluxus,
desencadeadas pelo chamado método científico período, devido às mudanças sociais ocorridas, os instalação), op art, videoarte, minimalismo, arte conceitual,
e o iluminismo. Estas correntes de pensamento artistas passaram a ver o mundo de maneira fotorrealismo, land art, arte povera, body art, arte pós-moderna,
passaram a defender a tese de que a arte não completamente diferente, dando lugar a uma visão transvanguarda, neoexpressionismo. A definição de arte no século XX
era uma ciência, não podia descrever com bem mais crítica da realidade que os cercava. No tornou-se tão complexa, volátil e subjetiva que muitos estudiosos
exatidão a realidade, e por isso não poderia ser século XX, acontece o aprimoramento de determinadas abandonaram de todo a ideia de que a definição do que é arte é de
um veículo adequado para o conhecimento práticas e acontece o retorno às origens de cada estilo, alguma forma possível.
verdadeiro. Não sendo uma ciência, a arte procurando através da pesquisa, delinear o espírito de
passou para a esfera da emoção e da cada época, na qual cada obra foi criada. A obra de
sensibilidade. arte é um espelho da sua época.

Ao lermos o conteúdo sobre a origem da Arte, responda: 8. Defina “Arte” para cada pensador:
a) Platão:___________________________________________
1. Cite como alguns artistas se utilizam da arte como _________________________________________________
forma de expressão: b) Aristóteles:_______________________________________
____________________________________________ _________________________________________________
____________________________________________ c) Quintiliano:_______________________________________
____________________________________________ _________________________________________________
____________________________________________ d) Cassiodoro:_______________________________________
____________________________________________ ________________________________________________
____________________________________________ 9. Como se caracteriza a Arte do Renascimento?
____________________________________________ __________________________________________________
2. Como se originou a palavra “Arte”? __________________________________________________
____________________________________________ __________________________________________________
____________________________________________ __________________________________________________
____________________________________________ __________________________________________________
3. Cite exemplos de forma de arte na pré-história: __________________________________________________
____________________________________________ 10. Como era o conceito de beleza durante o Renascimento?
____________________________________________ __________________________________________________
____________________________________________ __________________________________________________
4. Conceitue a Arte Egípcia e a Arte Mesopotâmica: __________________________________________________
____________________________________________ __________________________________________________
____________________________________________ __________________________________________________
____________________________________________ __________________________________________________
____________________________________________ 11.O que Giordano Bruno pensava sobre a arte?
____________________________________________ __________________________________________________
____________________________________________ __________________________________________________
____________________________________________ __________________________________________________
____________________________________________ __________________________________________________
5. Como se caracteriza a Arte Greco-romana? __________________________________________________
____________________________________________ __________________________________________________
____________________________________________ 12.Conceitue:
____________________________________________ a) Arte Barroca:
____________________________________________ _________________________________________________
____________________________________________ _________________________________________________
____________________________________________ _________________________________________________
____________________________________________ _________________________________________________
6. Como a arte se torna um pilar de sustentabilidade _________________________________________________
para a cultura? b) Romantismo e Realismo:
____________________________________________ _________________________________________________
____________________________________________ _________________________________________________
____________________________________________ _________________________________________________
____________________________________________ _________________________________________________
____________________________________________ _________________________________________________
____________________________________________
7. O que era considerado Arte na Antiguidade Clássica? 13. Cite as tendências artistas do século XX:
____________________________________________ _________________________________________________
____________________________________________ _________________________________________________
____________________________________________ _________________________________________________
____________________________________________ _________________________________________________
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35 Releitura e apreciação de obra de arte – Conceituação. 75 Natureza Morta – Desenho de observação.

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Wiliiam Merrit Chase trabalhou em

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Ao longo de toda sua carreira Eakins

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Salvador Dalí foi um pintor e escritor catalão

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Foi um pintor de multidões e de cenas

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A sua obra de maior impacto é “Le

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Sua obra foi uma resposta à estética

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Ao falarmos sobre histórias em quadrinhos, vale lembrar daquelas fantásticas e divertidas

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Henri Matisse foi um artista francês,

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Leutze nasceu na Alemanha,

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Calma e paz, ao invés de ação abrupta,

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Édouard Manet foi um pintor francês e

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Anna Mary Robertson Moses é conhecida

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a) Que sensações seu corpo manifestou? 6. Observe as imagens abaixo e responda:

3. Observe a imagem abaixo:

b) A quais danças você já assistiu ao vivo? A quais assistiu pela

d) Em sua opinião, o que é uma dança popular?

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A fotografia ao lado apresenta a imagem de um vaso grego feito em

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Usou também o método

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Uma reta é uma figura geométrica que possui uma

Retas transversais ou perpendiculares: São retas

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3. Escrevam quais são as três posições da reta:

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Praticar a arte: Observando a imagem da

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