ESCOLA DO TEATRO BOLSHOI NO BRASIL

Relação da forma, estrutura e características estéticas da

música de Mozart e Haydn com o conceito do belo clássico
SEU NOME

Trabalho: A arte não é isolada

para a disciplina de
Música IV - História da Música
Professora: Vanêssa Mota

MAIO/2023
 Introdução

Há uma estreita relação entre a simetria, proporção e a forma utilizadas para

contextualizar a arte e principalmente a arquitetura grega com a forma,
estrutura e simplicidade dos parâmetros utilizados para contextualizar a
estética do período clássico bem identificada na forma- sonata que delimita
regras na estrutura e na forma composicional deste período. Portanto, nesse
trabalho será feita digressões a respeito das relações estéticas formais do belo
clássico grego com as regras do período clássico. Mozart e Haydn contribuíram
significativamente para a consolidação dos padrões formais da forma-sonata
em suas obras tais como: sonatas, sinfonias, quartetos, etc.

Como o próprio nome sugere clássico remete a cultura clássica, porém o período
clássico ocorre após o barroco com uma estética para se alinhar a demanda burguesa
que esperava uma música mais leve e agradável em oposição a m´sucia contrastante
do período barroco alemão que carregava a dualidade do homem bem como relata o
contexto literário em relação a dúvida e incerteza da morte e da vida, onde o homem
tem que decidir entre dois mundos adjacentes e opostos, a carne e o espírito.
Em meados do século XVII, a Europa começou a se mover em direção a um novo estilo de
arquitetura, literatura e artes, geralmente conhecido como Classicismo. Este estilo
procurou emular os ideais da Antiguidade Clássica, especialmente os da Grécia Clássica.
[3]
A música clássica usava formalidade e ênfase na ordem e hierarquia, e um estilo "mais
claro" e "mais limpo" que usava divisões mais claras entre as partes (notavelmente uma
melodia única e clara acompanhada por acordes), contrastes mais brilhantes e "cores de
tons" (alcançado pelo uso de mudanças e modulações dinâmicas para mais chaves). Em
contraste com a música rica em camadas da era barroca, a música clássica moveu-se
para a simplicidade ao invés da complexidade.[3] Além disso, o tamanho típico
das orquestras começou a aumentar, dando às orquestras um som mais poderoso.
O notável desenvolvimento de idéias na " filosofia natural " já havia se estabelecido na
consciência pública. Em particular, a física de Newton foi tomada como um paradigma: as
estruturas deveriam ser bem fundamentadas em axiomas e ser bem articuladas e
ordenadas. Esse gosto pela clareza estrutural começou a afetar a música, que se afastou
da polifonia em camadas do período barroco para um estilo conhecido como homofonia,
em que a melodia é tocada sobre uma harmonia subordinada.[3] Este movimento significava
que acordes tornou-se uma característica muito mais predominante da música, mesmo
que interrompesse a suavidade melódica de uma única parte. Como resultado, a estrutura
tonal de uma peça musical tornou - se mais audível.
As mudanças econômicas também tiveram o efeito de alterar o equilíbrio entre
disponibilidade e qualidade dos músicos. Enquanto no barroco tardio, um grande
compositor teria todos os recursos musicais de uma cidade para recorrer, as forças
musicais disponíveis em uma cabana de caça aristocrática ou pequena corte eram
menores e mais fixas em seu nível de habilidade. Isso foi um incentivo para ter partes mais
simples para os músicos tocarem e, no caso de um grupo virtuoso residente, um incentivo
para escrever partes idiomáticas espetaculares para certos instrumentos, como no caso da
orquestra de Mannheim, ou partes de solo virtuoso para violinistas
ou flautistas particularmente qualificados.
Como havia uma ênfase maior em uma única linha melódica, havia maior ênfase na
anotação dessa linha para a dinâmica e o fraseado. Isso contrasta com a era barroca,
quando as melodias eram tipicamente escritas sem dinâmica, marcas de fraseado ou
ornamentos, já que se supunha que o intérprete improvisaria esses elementos na hora. Na
era clássica, tornou-se mais comum os compositores indicarem onde queriam que os
executantes tocassem ornamentos, como trinados ou voltas. A simplificação da textura
tornou esse detalhe instrumental mais importante, e também tornou o uso de ritmos
característicos, como fanfarras de abertura que chamam a atenção, o ritmo da marcha
fúnebre ou o gênero minueto, mais importantes para estabelecer e unificar o tom de um
único movimento..
O período clássico também viu o desenvolvimento gradual da forma sonata, um conjunto
de princípios estruturais para a música que reconciliava a preferência clássica pelo
material melódico com o desenvolvimento harmônico, que poderia ser aplicado em todos
os gêneros musicais. A sonata em si continuou a ser a principal forma de solo e música de
câmara, enquanto mais tarde, no período clássico, o quarteto de cordas se tornou um
gênero proeminente. A forma sinfônica para orquestra foi criada neste período (isso é
popularmente atribuído a Joseph Haydn). O concerto grosso (concerto para mais de um
músico), forma muito popular no período barroco, começou a ser substituído pelo concerto
solo, apresentando apenas um solista. Os compositores começaram a dar mais
importância à habilidade do solista em mostrar habilidades virtuosas, com escalas rápidas
e desafiadoras e corridas de arpejo. No entanto, alguns concerti grossi permaneceram, o
mais famoso dos quais sendo a Sinfonia Concertante para Violino e Viola em Mi bemol
maior de Mozart.

Características principais
No período clássico, o tema consiste em frases com figuras e ritmos melódicos
contrastantes. Essas frases são relativamente breves, normalmente com quatro
compassos de comprimento e podem ocasionalmente parecer esparsas ou concisas. A
textura é principalmente homofônica,[2] com uma melodia clara acima de um
acompanhamento de acordes subordinado. Isso contrasta com a prática na música
barroca, onde uma peça ou movimento normalmente teria apenas um tema musical, que
seria então trabalhado em várias vozes de acordo com os princípios do contraponto,
enquanto mantém um ritmo ou métrica consistente por toda parte. Como resultado,
a música clássica tende a ter uma textura mais clara e clara do que o barroco. O estilo
clássico baseia-se no estilo galant, um estilo musical que enfatiza a elegância leve no
lugar da seriedade digna e grandiosidade impressionante do barroco.
Estruturalmente, a música clássica geralmente tem uma forma musical clara, com um
contraste bem definido entre a tônica e a dominante, introduzida por cadências claras.
Dinâmicas são usadas para destacar as características estruturais da peça. Em particular,
a forma sonata e suas variantes foram desenvolvidas durante o período clássico inicial e
 eram frequentemente usadas. A abordagem clássica da estrutura contrasta novamente
com o barroco, onde uma composição normalmente se moveria entre a tônica e a
dominante e vice-versa, mas por meio de um progresso contínuo de mudanças de acordes
e sem uma sensação de "chegada" à nova tonalidade. Embora o contraponto tenha sido
menos enfatizado no período clássico, não foi de forma alguma esquecido, especialmente
mais tarde no período, e os compositores ainda usavam o contraponto em obras "sérias"
como sinfonias e quartetos de cordas, bem como em peças religiosas, como missas.
O estilo musical clássico foi apoiado por desenvolvimentos técnicos em instrumentos. A
adoção generalizada de temperamento igual tornou possível a estrutura musical clássica,
garantindo que as cadências em todas as tonalidades soassem semelhantes. O forte piano
e depois o pianoforte substituíram o cravo, permitindo um contraste mais dinâmico e
melodias mais sustentadas. Durante o período clássico, os instrumentos de teclado
tornaram-se mais ricos, mais sonoros e mais poderosos.

A Arquitetura Grega desenvolveu-se a partir do século VIII a.C. Ela é vista

principalmente em templos gregos construídos para celebrações
públicas e adoração aos deuses. Suas principais características são a
simetria, monumentalidade e presença de colunas e pórticos.

A cultura grega começou a se desenvolver há cerca de quatro mil anos,

numa região da costa mediterrânea onde, hoje, é a Turquia.

Seu apogeu foi entre os séculos VII a.C e IV a.C., quando foram
desenvolvidas algumas das arquiteturas mais notáveis – concentrando-
se, principalmente, no estilo das edificações religiosas.

A simetria deriva do conceito grego de analogia, que é a relação entre todas as

partes de uma estrutura com a estrutura inteira. A simetria é necessária para a
beleza de uma construção, ou para a beleza da figura humana.
As principais características da arquitetura grega são:

 Caráter público
 Conceito de Belo (teor estético)
 Monumentalidade (grandes construções)
 Valorização da perspectiva e proporcionalidade
 Simetria e harmonia
 Equilíbrio e rigor das formas
 Presença de colunas e pórticos

A partir dessas observações, é possível entender que esse resgate da cultura clássica da
arquitetura tenha uma relação também na estrutura musical da musica de Mozart.

O belo clássico define-se na arte grega com base em um ideal

de perfeição, harmonia, equilíbrio e graça que os artistas
procuram representar pelo sentido de simetria e proporção.
Para Platão (340 a.C.) o belo é o ideal da perfeição só podendo ser
contemplado em sua essência por meio de um processo de evolução filosófica
e cognitiva do indivíduo por meio da razão, que lhe proporcionaria conhecer a
verdade harmônica do cosmo.
Nesse sentio, o belo da cultura grega clássica tal como cita Platão é uma
evolução por meio da razão que é contemplada como elemento filosófico no
período clássico que antecede o romantismo, período que irá contemplar as
emoções.

A FORMA SONATA E O CONCEITO BELO

Forma-Sonata é uma forma musical de grande escala, que começou a ser utilizada na
metade do Século XVIII, que foi o início do Período Clássico. É considerada a forma mais
esquematizada e ampla para uma composição, geralmente usada nos
primeiros movimentos de sonatas, sinfonias, concertos, quartetos, etc., podendo também
aparecer nos demais movimentos, mais usualmente no último. Muitos concluem em dizer
que a forma-sonata pode ser dividida em 3 partes: a exposição,
o desenvolvimento, a reexposição ou coda.[1]
A forma-sonata, por vezes, é dita como forma-sonata Allegro; isso para evitar a confusão
entre forma-sonata e a forma musical Sonata. A forma-sonata é conhecida pela sua
exigência em relação à forma na qual é feita, nos tons que engloba e no estilo de relação
entre eles. Até o Período Barroco, a Sonata não possuía uma forma fixa. O período do
Classicismo foi caracterizado pela música "padronizada", pois cada forma musical tinha
uma forma para composição
A forma-sonata consiste em uma padronização harmônica de um material chamado tema,
que é organizado tematicamente ao conjunto de um tom. Ela exige que existam dois
temas, cada um com um tom diferente. Esse resultado, chamado exposição, é reposto
contrastantemente e modificados para criar o desenvolvimento, que, de acordo com
muitos, é a "parte mais importante e emocionante da peça". E, por fim, a re-exposição,
por vezes chamada de recapitulação, é a última parte, na qual a exposição é
reorganizada em favor a terminar a peça, sempre na tônica.
Muitas peças em forma-sonata possuem: uma introdução antes da exposição,
uma ponte ou transição entre os temas, uma codetta antes do desenvolvimento,
outra ponte ou transição entre os temas da re-exposição, e uma coda depois dela.
O modelo formal tem relação com a ideia de simetria, equilíbrio e arte representados pela
arquitetura grega.
 CONCLUSÃO
Foi possível constatar que a obra arquitetônica grega definiu a ideia de
perfeição que se associava ao belo, onde simetria, proporção, horizontalidade
inferiram os padróes estéticos da música linear do período clássico.
Frente a isso, a forma-sonata se estabelece como um ícone do resgate da
cultura clássica implantada nos monumentos arquitetônicos gregos.

Referências
https://www.vivadecora.com.br/pro/arquitetura-grega-antiga/