RAUL SEIXAS
Em 1972, o incansável Raul alcança projeção
Por Rafael Souza
Um dos maiores nome do rock'n'roll brasileiro nasceu
na terra da Tropicália e da Axé Music. Raul Santos
Seixas nasceu em Salvador, em 28 de junho de
1945. Como ele mesmo gostava de dizer, nasceu no
ano da bomba atômica.
O garoto Raul era caseiro. Passava horas em casa,
lendo livros e escrevendo suas próprias histórias. Na
adolescência, descobriu o rock. Raul foi vizinho e
amigo de filhos de funcionários do consulado
americanos. Com isso, entrou em contato com os
discos de Elvis Presley e Jerry Lee Lewis. Aos 14
anos, Raul funda um fã clube do rei , chamado Elvis
Rock Club. Apesar da paixão pelo rock americano,
Raul sempre admirou a música nordestina, como o
baião, o xaxado e a música brega. É notável a
influência de Luiz Gonzaga no trabalho de Raulzito.
Só um estilo musical, típico da época, tirava o
roqueiro baiano do sério: a bossa nova. "Este é um
velho conceito de moral, bosta nova pra estudante,
gente fina metida a intelectual", declarou certa vez.
Na escola, Raul era um aluno relapso. Chegou a
repetir várias vezes a segunda série ginasial. Apesar
de muito inteligente, Raulzito rapidamente se cansa
da escola e decide se profissionalizar como músico.
Sua primeira banda recebe o nome de Os
Relâmpagos do Rock, que mais tarde se tornou os
The Panters, e finalmente, Raulzito e os Panteras. Os
shows vão surgindo e a banda fica bastante popular
na Bahia. Nisso, surge um convite pra gravar um
disco no Rio de Janeiro.
RAUZITO E OS PANTERAS
A banda era formada por Raul Seixas (vocal e
guitarra), Thildo Gama (guirarra), Perinho (guitarra),
Mariano Lanat (baixo) e Carleba (bateria). Raulzito e
os Panteras gravam um compacto com duas
músicas, que foi distribuído pras rádios. Fazem
shows e se apresentam em alguns programas de
rádio e tevê. O grupo acaba fazendo turnê pelo
Brasil, acompanhando Jerri Adriani. O LP Raulzito E
Os Panteras acaba resultando num grande fracasso
de vendas. Raul volta pra Salvador e começa a
compor músicas de sucesso pra Jerri Adriani, Trio
Ternura, Renato e Seus Blue Caps, Tony e Frankie,
Diana e Sérgio Sampaio.
Em 70, conheceu Evandro Ribero, diretor da CBS e
convida Raul para trabalhar como produtor de discos.
Aproveitando a viagem do presidente da CBS, Raul
produziu o LP Sociedade da Grã-Ordem Kavernista
com Sergio Sampaio, Miriam Batucada, Edy Star e o
próprio Raul. Quando o presidente voltou Raul foi
demitido Raul começa a trabalhar como produtor na
gravadora CBS, em 1970. Ele havia conhecido
Evandro Ribeiro, que era diretor da empresa, ná
época. Não demorou muito pra Raul ser demitido. O
Maluco Beleza aproveitou a viagem do presidente da
gravadora e produziu às escondidas, seu segundo
disco chamado Sociedade da Grã Ordem Kavernista
Apresenta Sessão das Dez, junto com Sergio
Sampaio, Miriam Batucada, Edy Star. Na volta do
presidente, Raul acabou indo pra rua.
FESTIVAL INTERNACIONAL DA CANÇÃO
nacional ao classificar duas músicas no Festival
Internacional da Canção, promovido pela Rede
Globo. As canções Let Me Sing Let Me Sing,
interpretada por ele e Eu sou Eu, Nicuri É o Diabo,
defendida por Lena Rios chegaram às finais do
festival. O feito rendeu ao cantor um contrato com a
Philips Phonogram. O primeiro trabalho na gravadora
foi um disco de covers, 24 Maiores Sucessos da Era
do Rock, que nem trazia o nome de Raul Seixas, e
sim, de uma banda chamada Rock Generation. No
mesmo ano, saiu o LP Ouro de Tolo, primeiro grande
sucesso do Maluco Beleza.
As primeiras parcerias de Raul com o mago e colega
de estudos esotéricos, Paulo Coelho, começou a
partir do disco Krig-Ha Bangolo!, de 73. Os dois
começaram a planejar a Sociedade Alternativa,
baseado na doutrina de Aleister Crowley. A idéia da
dupla era construir uma comunidade alternativa no
interior de Minas Gerais, chamada Cidade das
Estrelas. O movimento foi considerado subversivo
pelo Regime Militar e Raulzito e Paulo Coelho, depois
de serem torturados pelo DOPS, foram exilados nos
Estados Unidos. Na América, Raul conheceu alguns
de seus ídolos, como Elvis Presley, John Lennon e
Jerry Lee Lewis.
A dupla voltou ao Brasil em 1974, depois do estouro
de Gita. O disco alcançou uma vendagem de 600 mil
cópias, a música título virou tema de novela, o
cantor recebeu discos de ouro, enfim, fez muito
sucesso. A gravadora Philips, que não é boba nem
nada, aproveitou pra relançar 24 Maiores Sucessos
da Era do Rock, desta vez, com o nome de Raul
Seixas estampada na capa do LP. O sucesso continua
com discos de grande repercussão, como Novo Aeon,
Há 10 mil Anos Atrás (que marcou o fim da parceria
com Paulo Coelho), Raul Rock Seixas e O Dia em Que
A Terra Parou.
TEMPOS DIFÍCEIS
Uma gradual queda nas vendagens dos discos do
Maluco Beleza e um estado de saúde cada vez mais
complicado, Raul continuou lançando discos e
abusando das bebidas. Passou a sofrer de hepatite
crônica. Lançou discos com menos brilho, como Mata
Virgem, Por Que os sinos Dobram e Abre-te de
Sésamo.
A carreira de Raulzito parecia voltar aos velhos
tempos de sucesso, com a música Carimbador
Maluco, que entrou no especial infantil Plunct Plact
Zumm, da Rede Globo. Seguem-se os discos Metrô
Linha 743, Uah Bap La Bein Bum e A Pedra do
Gênesis e um único grande hit, Cowboy Fora da Lei.
Em 88, Raul Seixas inicia uma parceria com o
também baiano Marcelo Nova, líder do Camisa de
Vênus. Os dois fazem a última turnê do Maluco
Beleza. O estado físico de Raul era deprimente, o
roqueiro quase não conseguia parar em pé e estava
sempre embriagado.
Dois dias depois do lançamento de A Panela do
Diabo, numa manhã de sol do dia 21 de agosto de
1989, segunda-feira, às 9 horas, a empregada de
Raul chega ao apartamento dele em São Pailo e o
encontra morto em sua cama. Raul foi sepultado no
Cemiterio Jardim da Saudade, em Salvador. Foi a
última viagem do maluco beleza, seu disco voador foi
para outra dimensão, muito melhor que a nossa, a
sua Anarkland. Seus milhares de fãs, nunca o
esquecerão.
 Amaralina.
LADO B: Triste Mundo/Dá-me Tua Mão/Alice
MANIFESTO DA SOCIEDADE ALTERNATIVA Maria/Me Deixa Em Paz/Trem 103/O Dorminhoco.

1971 - SOCIEDADE DA GRÃ-ORDEM CAVERNISTA

APRESENTA SESSÃO DAS 10 - (com Sergio Sampaio,
PREFÁCIO E SAUDAÇÃO
Miriam Batucada, Edy Star)
LADO A:Êta Vida/Sessão Das 10/Eu vou Botar Pra
Nós vos saudamos, Maria. Nós Vos Saudamos José.
Ferver Eu Acho Graça/Chorinho
E nós saudamos os artistas brasileiros que tiveram o
Inconsequente/Quero Ir.
silêncio do resto do mundo quando seus trabalhos e
LADO B:Soul Tabarôa/Todo Mundo Está Feliz/Aos
seus corpos foram censurados, mutilados
Trancos E Barrancos/Eu Não Quero Dizer Nada/Dr
desaparecidos.
Pachêco/Finale.
MANIFESTO
1973 - OS 24 MAIORES SUCESSOS DA ERA DO
ROCK - (Não traz o nome de Raul na capa, foi
1- O espaço é livre. Todos tem direito de ocupar seu
reeditado em 75 como 20 ANOS DE ROCK)
espaço.
LADO A: Rock Around the Clock/Blue Suede
Shues/Tutti Frutti/Long Tall Sally/Rua Augusta/O
2- O tempo é livre. Todos tem que viver em seu
Bom/Poor Little Fool/Berdadine Estúpido
tempo, e fazer jus as promessas, esperanças e
Cúpido(Stupid Cupid)/Banho de Lua(Tinterella di
armadilhas.
Luna)/Laci- nhos Cor de Rosa(Pink Shoes Laces)/The
Great Pretender.
3-A colheita é livre. Todos tem direito de colher e se
LADO B: Diana/Little Darling/Oh!
alimentar do trigo da criação.
Carol/Runaway/Marciani- ta/É Proibibo Fumar/Pega
Ladrão/Shake, Rattle And Roll/Bop-A-Lena/ Only
4- A semente é livre. Todos tem o direito de semear
You/Vem Quente Que Eu EsTou Fervendo.
suas idéias sem qualquer coerção da INTELEGENZIA
ou da BURRICIA.
1973 - KRIG-HA, BANDOLO! -
LADO A: Introdução(Raul aos 9 anos)/Mosca na
5- Não existe mais a classe dos artistas. Todos nós
Sopa/Metar- mofose Ambulante/Dentadura
somos capazes de plantar e de colher. Todos nós
Postiça/As Minas do Rai Salomão/Aa Hora do Trem
vamos mostrar ao mundo e ao Mundo a nossa
Passar.
capacidade de criação.
LADO B: Al Capone/How Could I
Know/Rockixe/Cachorro Urubu/Ouro de Tolo.
6- "Todos nós" somos escritores, donas-de-casa,
patrões e empregados, clandestinos e careta, sábios
1974 - GITA -
e loucos.
LADO A: Super-Heróis/Medo Da Chuva/As Aventuras
de Raul Seixas na Cidade de Thor/Água
7- E o grande milagre não será mais ser capaz de
Viva/Moleque Maravilhoso/Sessão das 10.
andar nas nuvens ou caminhar sobre as águas. O
LADO B: Sociedade Alternativa/O Trem das
grande milagre será o fato de que todo dia, de
Sete/S.O.S/Pre- lúdio/Loteria de Babilônia/Gita..
manhã até a noite, seremos capazes de caminhar
sobre a Terra.
1975 - 20 ANOS DE ROCK - (Reeditado em 85 como
30 ANOS DE ROCK, VIDE 1973, os 24...)
Saudação final do 11o manifesto.
1975 - NOVO AEON -
Sucesso a quem ler e guardar este manifesto. Porque
LADO A: Tente Outra Vez/ O Rock do Diabo/A
nós somos capazes. Todos nós, todos nós somos
Maçã/Eu Sou Egoista/Caminhos/Tu És o MDC da
capazes.
Minha Vida.
Raul Seixas
LADO B: A Verdade Sobre A Nostalgia/Para
Paulo Coelho
Nóia/Peixuxa/ É Fim De Mês/Sunssed/Caminhos
Sylvio Passos
II/Novo Aeon.
Toninho Buda
Ed Cavalcanti
1977 - HÁ DEZ MIL ANOS ATRÁS -
Christina Oiticica
LADO A: Canto Para Minha Morte/Meu amigo
Pedro/Ave Maria Da Rua/Quando Você Crescer/O Dia
da Saudade.
FRASES
LADO B: Eu Também Vou Reclamar/As Minas Do Rei
Salomão/ O Homem/Os Números/Cantiga de
Ninar/Eu Nasci Há Dez Mil Anos Atrás.
"Ninguém morre, as pessoas despertam do sonho da
vida." 1977 - RAUL ROCK SEIXAS -
LADO A: May Way/Truble/The Diary/My Baby Left
"A justiça que você procura é sua força de achá-la" Me/Thirty Days/Rip It Up/All I Have To Do Is
Dream/Put Your Head On My Shouder/ Dear
"Do materialismo ao espiritualismo é uma simples Someone/Do You Know What It Means To Miss New
questão de esperar esgotarem-se os limites do Orleans.
primeiro." LADO B: Licille/Corrine Corrina/Read Teddy/Hard
Headed Womam/Baby Don't Care/Just Because/Bye
Bye Love/Be Bop A Lula/Love Letters In The
DISCOGRAFIA COMPLETA Sand/Hello Mary Lou/Blue Moon of Kentucky/Asa
Branca.

1977 - O DIA EM QUE A TERRA PAROU -

1968 - RAULZITO E OS PANTERAS - LADO A: Tapanacara/Maluco Beleza/O Dia Em Que A
LADO A: Brincadeira/PorQuê?PraQue/Um Minuto Terra Parou/No Fundo do Quintal da Escola/Eu Quero
Mais(I Will) Vera Verinha/Você Ainda Pode Sonhar Mesmo.
(Lucy In The Sky With Diamonds) Menina de
LADO B: Sapato 36/Você/Sim/Que Luz É Essa/De
Cabeça Prá Baixo.
1978 - MATA VIRGEM -
LADO A: Judas/As Profecias/Tá Na Hora/Planos de
Papel/ Conserve seu Medo.
LADO B: Negócio É/Mata Virgem/Pagando
Brabo/Magia de Amor/Tomo Mundo Esplica.
Senhora Persona/Areia da Ampulheta.
1989 - A PANELA DO DIABO -
LADO A: Be Bop A Lula/Rock'n'Roll/Carpinteiro do
Univer- so/Quando Eu Morri/Banquete de Lixo.
LADO B: Pastor João e a Igreja Invisviel/Século
XXI/Nuit/ Best Seller/Você Roubou Meu
Videocassete/Câimbra no Pé.

1980 - ABRE-TE SÉSAMO -

LADO A: Abre-te Sésamo/Aluga-se/Anos
80/Angela/Conversa Para Boi Dormir/Minha Viola.
LADO B: Rock ds Aranha/O Conto do Sábio
Chinês/Só Pra Variar/Baby/E meu Pai/A Beira do
Pantanal.

1983 - RAUL SEIXAS - (Na edição original,não está

inclusa a música Carimbador Maluco, o que só
ocorreu nas edições seguites)
LADO A: D.D.I/Coisas do Coração/Coração
Noturno/Não Fos- se o Cabral(Slipin'And
Sladin)/Quero Mais/Lua Cheia/O Carimbador Maluco.
LADO B: Segredo da Luz/Aquele Coisa/Eu sou
Eu,Nicuri é o Diabo/Capim Guiné/Babilina(Bop-A-
Lena)/So Glad You'ra Mine.

1984 - RAUL SEIXAS AO VIVO - ÚNICO E EXCLUSIVO

-
LADO A: My Baby Left Me/Ain't She Sweet/So Glad
You're Myne/Do You Know What Means Miss New
Orleans.
LABO B: Bareffot Ballad/Blue Moon of Kentucky/Asa
Branca/ Rool Over Bethoven/Blue Suede Shoes/Be
Bop A Lula.

1984 - METRÔ LINHA 743 -

LADO A: Metrô linha 743/Messias Indecisso/Meu
Piano/ Quero Ser O Homem Que Sou(Dizendo A
Verdade)/Canção do Vento.
LADO B: Mamãe Eu Nào Queria/May I Love You(Pra
Ser Feliz)/ Eu Sou Egoista/Trem das Sete/Geração da
Luz.

1985 - LET ME SING MY ROCK AND ROLL - RAUL

ROCK CLUB (Antologia que traz músicas e
depoimentos inéditos)
LADO A: Introdução(Raul no Estúdio Free/Dez
1979)/Let Me Sing. Let Me Sing/Teddy Boy, Rock e
Brilhantina/Eterno Carnaval/ Loteria da
Babilônia/Não Pare na Pista.
LADO B: Como Vovó Já Dizia/Um Som Para Laio/Rua
Augusta/ O Bom/Canto Para Minha Morte/Love is
Magick/Blue Moon of Kentucky/ Asa Branca/2ª Parte
a Introdução.

1986 - RAUL ROCK VOLUME 2 - (Antologia que traz

músicas e depoimentos inéditos)
LADO A: As Aventuras de Raul Seixas Na Cidade de
Thor/ Não Pare na Pista/Tu És o MDC da Minha Vida/
A Verdade Sobre a Nostalgia/Teddy Boy, Rock e
Brilhantina/Loteria da Babilônia/.
LADO B: Como Vovó Já Dizia/Al Cappone Ave Maria
da Rua Um Som Para Laio/Rockixe/S.O.S.

1987 - UAH-BAP-LU-BAP-LAH-BÉIN-BUM -
LADO A: Abertura/Quando Acabar o Maluco sou
Eu/Cowboy Fora da Lei/Para Nóia
II(Baby,BAby,Baby)/I Am(Gita).
LADO B: Cambalhache/Loba/Canceriano sem
Lar/Gente/Cantar.

1988 - A PEDRA DO GÊNESIS -

LADO A: A Pedra do Gênesis/A Lei/Check
Up/Fazendo o que o Diabo Gosta/Cavalos Alados.

LADO B: Não Quero Mais Andar Na Contra-Mão/I

Don't Really Need You Anymore/Lua Bonita/Dona

PINK FLOYD, DA PSICODELIA AO
PROGRESSIVO
Por Rafael Souza
O ano era 1966. Um ano de profundas mudanças no
universo do pop e do rock. Na década de 50, os
jovens se inspiravam no "rei do rock" Elvis Presley e
na rebeldia comercial de James Dean. O rock era a
música favorita da juventude americana, que se
deliciava no ritmo contagiante das guitarras
elétricas, tocadas sempre no mesmo embalo e com
as letras simples sobre garotas e automóveis.
O rock'n'roll, antes um produto tipicamente
americano, começou a encantar os jovens ingleses e
muitos começaram a formar suas bandas. Os
primeiros a fazerem sucesso foram os Beatles. Os
quatro garotos de Liverpool começaram fazendo
baladinhas adolescentes, com melodias simples e
letras bobinhas, como em Love Me Do e She Loves
You Isso, é claro, até o já citado ano de 66. A grande
mudança do rock foi a influência de artistas como
Bob Dylan e o movimento beatnik e de seu livro mais
representativo, On The Road, de Jack Kerouack.
As letras ácidas e politizadas de Dylan e seu
antológico encontro com os Beatles na Inglaterra
(onde o cantor americano apresentou o quarteto às
drogas), fizeram nascer outra mentalidade na galera
que fazia rock por diversão. A preocupação era
experimentar todos os tipos de som, não se prender
a um estilo, escrever letras sérias e utilizar
instrumentos exóticos. É nesse cenário, em 1966,
que os Beatles entram no estúdio de Abbey Road pra
gravar seu clássico disco Sgt. Peppers Lonely Hearts
Club Band.
OS ESTUDANTES DE ARQUITETURA
No início de tudo, havia a banda Sigma 6, formada
pelos colegas Roger Waters, Rick Wright e Nick
Manson, todos colegas da Faculdade de Arquitetura
de Cambridge e inspirados por rhytm'n'blues. Após
algumas mudanças no nome do grupo (T-Set,
Meggadeaths, Architectural Abdabs e Screaming
Abdabs). O grupo ainda tinha outros três
integrantes: Clive Metcalf, Keith Noble e Julliet Gale
(que depois viria a ser esposa de Rick Wright).
Roger Waters, Rick Wright e Nick Manson decidiram
formar outro grupo e Waters chamou o amigo Roger
Keith (Syd) Barret pra tocar na banda. Syd chegou
assumindo a liderança do grupo e o batizando de
Pink Floyd, nome que segundo ele, surgiu numa
visão. Na verdade, o nome vem da junção de duas
influências de Barret: os bluesmen Pink Anderson e
Floyd Council. Após alguns shows no undergroud de
Londres, o Pink Floyd lança um single e logo em
seguida é contratado pela EMI. A mesma gravadora,
que há alguns meses havia rejeitado o trabalho por
considerá-lo "experimental demais". A banda tinha
um público bastante fiel, que sempre acompanhava
os shows da banda. Era hora de gravar o primeiro
álbum, e o estúdio escolhido, foi o Abbey Road, o
mesmo onde os Beatles gravavam Sgt. Peppers
SYD BARRETT
A formação do Pink Floyd tinha Syd Barrett como
guitarrista, vocal e líder espiritual da banda; Roger
Waters, baixo; Nick Manson, bateria e Rick Wright,
teclados. O primeiro disco, The Pipper At The Gates
Of Dawn é lançado no dia 5 de agosto de 1967,
alguns meses após os Beatles lançarem Sgt,
Peppers. Ambos são considerados os marcos do
chamado rock progressivo. O disco fez um grande
sucesso e despertou a atenção de músicos eruditos e
a crítica começou a considerar o rock como uma arte
legítima. O grande destaque do Pink Floyd eram os
shows. Usando truques de luz e projeções de slides,
a banda tentava reproduzir no palco, efeitos de
viagens com ácido. Os termos experimentalismo e
psicodelia foram criadas para rotulá-los.
O grande sucesso da estréia do Pink Floyd, se deve
principalmente a Syd Barrett. O sujeito era o típico
malucão, que toda turma de amigos possui. Ele era o
responsável pelas composições da banda. Seus
arranjos e a estrutura das músicas eram indefinidas
e procurando sempre surpreender os ouvintes.
Porém, a cada dia que se passava, Syd ia ficando
cada vez mais loucão. O limite entre a genialidade e
a sanidade era cada vez mais tênue. Além de estar
sempre drogado, o cara ainda foi responsável pelo
fracasso da primeira turnê americana da banda,
durante o período da invasão britânica. Durante os
shows, Syd ficava parado, tocando o mesmo acorde
e olhando para um ponto perdido no espaço. A
solução encontrada pela banda foi contratar outro
guitarrista e deixar Syd cuidando das composições.
Assim, David Gilmour, antigo conhecido de Barrett e
Waters em Cambridge, entra na banda.
O estado de Barrett viria a piorar, chegando a
apresentar um comportamento esquizofrênico,
devido ao seu excesso com drogas alucinógenas.
Apenas três composições de Syd entra no segundo
disco do Pink Floyd, chamado A Saucerful of Secrets.
A expectativa era grande. Afinal, como se sairia a
banda sem o seu principal compositor? Um concerto
ao ar livre no Hyde Park, de Londres respondeu a
pergunta. Os fãs já sabiam do problema de Barrett e
o grupo saiu-se muito bem.
O futuro de Syd Barrett se resolveu numa reunião no
dia 2 de março de 1968. Os integrantes do Pink
Floyd e os empresários e agentes da gravadora
decidiram que Syd estava fora. Isso sem a presença
do cara. Durante as gravações de A Saucerful of
Secrets, Barrett ia ao estúdio, todo o dia, com a sua
guitarra, na esperança de que seus antigos colegas
iriam chamá-lo pra tocar.
Depois que o segundo do Pink Floyd ficou pronto,
Roger Waters e David Gilmour foram ajudar Syd na
gravação do seu primeiro solo. O álbum Madcap
Laughs saiu em dezembro de 1969 e recebeu alguns
elogios, mas nada que chegasse perto ao primeiro
álbum do Pink Floyd. Barret ainda arriscou uma
apresentação ao vivo. Ele tava tão desnorteado que
encerrava as músicas antes que elas realmente
terminassem e agradecia as palmas, antes que a
platéia o fizesse.
Em novembro de 1970, sai o segundo trabalho solo,
Barrett, fracasso de público e crítica. Em 1983,
repórteres de uma revista alemã foram até a casa
dele em Cambridge, e o encontraram morando com a
mãe, num estado de isolamento e assistindo tevê
durante todo o dia. Syd estava gordo, careca e
praticamente irreconhecível...
PINK FLOYD E OS ANOS 70
O Pink Floyd lançava em julho de 1969, a trilha
sonora do filme More, dirigido por Barbet Schroeder
e Malcolm Mc Dowell. Na seqüência, sai o duplo
Ummagumma, com um disco ao vivo e outro de
estúdio e o segundo disco mais vendido do grupo,
Atom Heart Mother (Mãe de Coração Atômico). O
álbum é baseado na história de uma mulher que
implantou no coração, um aparelho movido a pilha
de material radioativo. O disco saiu no dia 10 de
outubro de 1970 e vende milhões de cópias em todo
mundo.
A década de 70 nasce com o Pink Floyd liderando o
movimento progressivo e sendo a grande tendência
do rock.. Afinal, o disco Atom Heart Mother ia bem,
os Beatles estavam separados, e Jimi Hendrix, Janis
Joplin e Jim Morrison estavam mortos.
O LADO NEGRO DA LUA
David Gilmour, Roger Waters, Nick Manson e Rick
Wright não se contentaram com o sucesso que
haviam conquistado. Os quatro estavam decididos a
assumir o posto de maior banda de rock da época e
abrir mão dos shows intimistas, pra dar lugar a
espetáculos gigantescos. No dia 13 de novembro de
1971, saia o LP Meddle. O disco deixava claro que o
Pink Floyd não era mais psicodélico. As viagens do
primeiro álbum foram substituídas pelas crises
existenciais de Gilmour e, principalmente, de Waters.
A banda lotou de efeitos visuais e sonoros as suas
apresentações, fazendo shows antológicos e
aumentando ainda mais o mito em torno da banda.
Apesar de todo o sucesso e repercussão, o Pink Floyd
só chegaria ao auge do sucesso em 1973, com o
lançamento do clássico Dark Side Of The Moon. A
banda ficou sete meses trancada em Abbey Road,
junto com o lendário Alan Parson para a produção do
disco. Durante as gravações, o Pink Floyd ainda
soltou mais uma trilha sonora de filme, Obscured by
Clouds.
A gravadora EMI não esperava que o disco fizesse
tanto sucesso, já que a banda negociava uma
transferência pra Columbia (atual Sony Music). Dark
Side Of The Moon vendeu mais de 20 milhões de
cópias em todo o mundo e bateu todos os recordes
de vendagem da época. Permaneceu por mais de
500 semanas entre os discos mais vendidos dos
Estados Unidos (recorde absoluto). A EMI chegou a
construir uma fábrica, apenas para produzir cópias
de Dark Side Of The Moon. Um dos grandes
destaques do disco é a capa do prisma, uma das
mais famosas e criativas da história do rock, e os
encartes pra lá de elaborados, que vinham até com
adesivos. O álbum faz várias referências a Syd
Barrett, que é o personagem principal do disco, e
citado na música Brain Damage: Lunático que está
sobre a grama, relembrando as correntes
ensolaradas e os risos deixados pra manter os doidos
no rumo".
QUERIA QUE VOCÊ ESTIVESSE AQUI
Aproveitando o mega sucesso de Dark Side Of The
Moon, o Pink Floyd assina contrato com a Columbia e
passa a lançar discos com uma freqüência bem
menor. Wish You Were Here só saiu dois anos
depois, em 15 de setembro de 1975. O tributo a Syd
Barrett é ainda mais escancarado neste álbum,
principalmente na clássica música-título. Wish You
Were Here é um trabalho conceitual, que tem como
tema, a ausência. Curiosamente, durante as
gravações deste disco, Syd Barrett foi ao estúdio
visitar os colegas, com um visual tão degenerado e
diferente que custou a ser reconhecido pela banda.
Segundo dizem alguns, Waters ficou tão
constrangido que chegou a chorar.
Mais dois anos de espera, e chega ao mercado
Animals, lançado em 23 de janeiro de 1977. O disco
fala sobre temas políticos sociais, inspirado na peça
A Revolução dos Bichos, de George Orwell, que
retrata em forma de fábula, as contradições e
injustiças da sociedade. O Pink Floyd completa dez
anos de carreira e dá os primeiros sinais de crise.
Roger Waters assume a liderança da banda e assina
a maioria das composições.
O MURO e o CORTE FINAL
A idéia do novo disco do Pink Floyd era criticar a
massificação imposta à juventude pela conservadora
sociedade inglesa. Na visão de Waters, os jovens
eram criados para ser "mais um tijolo no muro", ou
Another Brick In The Wall. As letras eram quase
todas de autoria de Waters. The Wall saiu no dia 30
de novembro de 1970, em álbum duplo. Todos
perceberam que The Wall, na verdade, falava sobre a
solidão e o poder esmagador que vem do sucesso.
Muitos consideram o disco, uma auto biografia do
baixista. Logo, o Pink Floyd lança o filme The Wall,
onde criticam o sistema escolar inglês e poupam a
coroa britânica. A turnê The Wall causa um enorme
prejuizo, apesar dos shows estarem sempre lotados.
A mega produção custava muito além do que a
banda arrecadava em ingressos. Um fato curioso é
que o tecladista Rick Wright foi obrigado a se demitir
depois do lançamento do disco. O cara sumiu do
mapa, mas voltou a banda como músico contratado
para a turnê. Assim, ele foi o único membro do Pink
Floyd a ganhar alguns trocados nesta excursão.
O último raio de criatividade da banda saiu em 1983,
com o disco The Final Cut. Rick Wright foi mandado
embora por Roger Waters, que fez de tudo no disco.
Compôs e gravou os vocais, tratando os outros
membros como simples músicos de estúdio. O álbum
deveria ser solo, mas foi lançado com o nome do
Pink Floyd, apenas porque a gravadora achou que
fosse ser mais lucrativo. The Final Cut marca o fim
do Pink Floyd, como o conhecíamos...
OS SINOS DA DIVISÃO
The Final Cut saiu em 1983. Cada membro do Pink
Floyd foi tratar de sua vida e lançar discos solo. Em
1986, Roger Waters anunciou o fim da banda e,
então, seguiu-se uma longa briga judicial entre os
advogados de Waters e David Gilmour.
De um lado, Gimour, Rick Wright e Nick Manson e de
outro, Roger Waters. A justiça decidiu que o nome
Pink Floyd não pertence a Roger Waters e sim, aos
outros três membros, que lançam em 87, o A
Momentary Lapse Of Reason. Na seqüência, sai um
disco ao vivo Delicate Sound of Thunder.
O Pink Floyd trio volta a fazer algum sucesso com
The Division Bell, com um disco razoável, mas bem
aquém da fase de ouro do grupo. O grande destaque
foi a mega turnê, com vários efeitos especiais e
centenas de milhares de espectadores a cada show,
registrada no disco ao vivo Pulse. Hoje, não se sabe
os planos do trio. David Gilmour tem lançados bons
discos solo e vem tocando com Paul McCartney. Nick
Manson e Rick Wright também lançam discos solos,
como instrumentistas.
Roger Waters não vem conseguindo a repercussão
esperada e ano passado lançou um disco ao vivo,
duplo, In The Flesh com os maiores sucessos do Pink
Floyd, gravados durante sua turnê pela América em
99-2000. No encarte do álbum, Waters fala mau pra
caramba dos ex-colegas, a quem se refere como "a
outra banda".

Syd Barrett continua vivo, embora ainda fique em

casa o dia inteiro, assistindo televisão e cultivando
sua barriga. Um destino triste, para uma mente tão
genial...

DISCOGRAFIA

PINK FLOYD
1967 - The Piper at the Gates of Dawn
1968 - A Saucerful of Secrets Capitol
1969 - More
1969 - Ummagumma
1970 - Atom Heart Mother
1971 - Meddle
1972 - Obscured by Clouds
1973 - Dark Side of the Moon
1975 - Wish You Were Here
1977 - Animals
1979 - The Wall
1983 - The Final Cut
1987 - A Momentary Lapse of Reason
1988 - Delicate Sound of Thunder [live]
1994 - The Division Bell
1995 - Pulse [live]

ROGER WATERS
1970 - Trilha Sonora de "The Body"
1984 - The Pros and Cons of Hitch Hiking
1987 - When the Wind Blows
1987 - Radio K.A.O.S.
1992 - Amused to Death
2000 - In the Flesh Live

SYD BARRETT
1970 - The Madcap Laughs
1970 - Barrett

DAVID GILMOUR
1978 - David Gilmour
1984 - About Face

RICHARD WRIGHT
1978 - Wet Dream One Way
1978 - Identy (com a banda Zee)
1996 - Broken China

NICK MANSON
1981 - Nick Mason's Fictitious Sports Columbia
1985 - Profiles

VOLTAR

Cazuza Por Israel de Castro
Agenor de Miranda Araujo Neto nasceu no dia 4 de
abril de 1958. Carioquíssimo. Ainda na barriga da
mãe, Lucinha Araujo, começou a ser chamado de
cazuza, que no Nordeste significa moleque e no
Aurélio, inseto com uma terrível ferroada. Porém, o
Cazuza criança, comportadinho, não demonstrava
que iria ferroar da puberdade até sua morte, aos 32
anos.
Começou a cursar Comunicação Social, mas só
porque ganharia um carro do pai, João Araujo.
Menos de um mês depois do início das aulas
universitárias, desistiu de tudo e caiu na gandaia, ou
melhor, na noite carioca, à procura de sexo, drogas e
rock'n'roll, que para ele se resumia a Jimi Hendrix,
Janis Joplin (Oh, Lord, wan't you buy me...) e Rolling
Stones.
Amor demais não atrapalha. Um (filho)
superprotegido tá limpo, escreveu o cara. Mas na
prática não foi assim, a mãe e o pai começaram a ter
de livrá-lo de encrencas ainda na adolescência, o que
aconteceu até o fim de sua vida. Lucinha e João
sempre acobertando o filho único, drogado e
bissexual.
Depois de trabalhar na gravadora onde o pai foi
presidente, Som livre, na RGE, fazer curso de
fotografia nos EUA e teatro, começou a soltar a voz.
E não era de se espantar, já que o elenco da MPB
vivia em sua casa cantando pra lá e pra cá.
BARRÃO EM AÇÃO
Em 81, a banda de Frejat precisava de um vocalista.
Com a chegada de Cazuza, indicado por Léo Jaime, a
banda, até então cover, começou a ter sua própria
música, visto que o novo componente também era
compositor. E o Barão Vermelho ficou completo.
O produtor Ezequiel Neves, que se tornaria um dos
melhores e até mais do que amigo de Cazuza, ouviu
uma gravação do Barão e a levou a Guto Graça
Mello, diretor artístico da gravadora comandada pelo
pai de Cazuza. Estava lançada a banda com o
sucesso Todo amor que houver nessa vida, que já foi
gravado por Caetano Veloso, Gal Costa, e outros
intérpretes conhecidos, posteriormente.
O segundo LP, Barão Vermelho 2, saiu em 1983.
Vendeu quase o dobro do primeiro
(aproximadamente 15 mil cópias). Desse disco saiu
Pro dia nascer feliz.
O Barão se completou com a chegada do filme Bete
Balanço nos cinemas do País. A banda compôs a
trilha da película e gravou um compacto com as
músicas. No terceiro disco, Maior Abandonado,
lançado em setembro de 1984, o sucesso veio à
tona. E mais uma vez Cazuza canta o inverso de sua
vida: eu tô perdido/ Sem pai nem mãe...
Depois de participar com o Barão do Rock'n Rio e
viajar, Cazuza resolveu seguir sozinho e se separar
da banda.
O TEMPO NÃO PÁRA
Cazuza não seguiu exatamente sozinho como queria.
Uma semana depois da separação da Banda, foi
internado no Hospital São Lucas, no Rio, com 42
graus de febre. Diagnóstico: uma infecção
bacteriana. No primeiro teste de HIV, solicitado pelo
próprio Cazuza, nada de aids, pelo menos no papel.
Já livre do hospital, com Ezequiel Neves e Leoni,
Cazuza compõe Exagerado, que acaba sendo o nome
do seu primeiro disco solo. No mesmo LP: que só eu
que podia/ dentro da tua orelha fria/ dizer segredos
de liqüidificador, que acaba sendo tema de novela da
Rede Globo.
O segundo disco de Cazuza, Só se for a dois, saiu
pela Polygram, em 1987. O cantor se transferiu
depois de ser disputado por outras gravadoras. Antes
da estréia do LP, Cazuza descobriu que estava com
aids.
No final daquele ano, Cazuza foi levado a Boston,
nos EUA, onde passou se tratando com AZT. Na
volta, já em 1988, gravou Ideologia, que vendeu
meio milhão de cópias. Nesse LP, Brasil, veiculada na
novela Vale Tudo, da Globo, Faz parte do meu show
e Um trem para as estrelas, produzida com Gilberto
Gil para o filme de mesmo nome de Cacá Diegues.
Nesse ano, Cazuza ganhou o Prêmio Sharp de Música
como melhor artista pop-rock. No ano seguinte,
gravou Cazuza ao vivo - o tempo não pára, o show
que rodou o Brasil. Sabendo que a morte se
aproximava, Cazuza intensificou sua produção
musical, e em fevereiro de 1989, em cadeira de
rodas, gravou o disco duplo Burguesia. O último.
No dia 7 de julho de 1990, com 38 quilos e
dificuldades para respirar, depois de intensificar o
tratamento contra a aids, não houve jeito. Cazuza
morreu na casa dos pais, na Rua Prudente de Morais,
no Rio de Janeiro. No mesmo dia, outro ícone da
música brasileira, que também foi vitimado pela aids,
dedicou seu show a Cazuza, essa figura se chamava
Renato Russo, mas esse já é outro músico para um
outro PERFIL.
Em 1990, Lucinha Araujo, a mãe, criou a Sociedade
Viva Cazuza, de caráter filantrópico destinada a
prestar ajuda ao combate a aids e, em especial, às
crianças portadoras do HIV.
OBRA CONSULTADA
Cazuza - Só as mães são felizes - Lucinha Araujo,
Editora Globo.
http://www.cazuza.com.br
DISCOGRAFIA
Barão Vermelho (Som Livre - 1981)
Barão Vermelho 2 (Som Livre - 1983)
Tema de Bete Balanço (Som Livre - 1984)
Maior Abandonado (Som Livre - 1984)
Cazuza - Exagerado (Som Livre - 1985)
Só se for a dois (Polygram - 1987)
Ideologia (Polygram - 1988)
O tempo não pára (Polygram - 1988)
Cazuza & Barão Vermelho - Melhores momentos
(Som Livre - 1989)
Burguesia (Polygram - 1989)
Cazuza por aí (Polygram - 1991)
Cazuza - Coleção Personalidades (Polygram - 1991)
Viva Cazuza (Polygram - 1992)
Barão Vermelho (Som Livre - 1992)
Cazuza - Minha história (Polygram - 1993)
Esse cara Cazuza (Polygram - 1995)
Cazuza - Som Brasil (Som Livre - 1995)
JIMI HENDRIX
Por Israel de Castro
A fórmula não é uma das mais óbvias, mas deu
certo, tão certo que o resultado ainda é uma
referência obrigatória do rock: descendência negra +
descendência índia + rock dos anos 60 = Jimi
Hendrix.
Jimi nasceu Johnny Allen Hendrix, em Seattle, no dia
27 de novembro de 1942. Depois foi renomeado por
seu pai e se tornou James Marshall Hendrix. Em
1954 ganhou a primeira guitarra. Doze anos depois
já estava nas paradas de sucesso e no dia 18 de
setembro de 1970 morreu sufocado no próprio
vômito.
Tudo muito rápido. Uma vida muito curta. Mas tão
intensa que ninguém pôde esquecer. Uma vida com
distorções e microfonia, justamente as técnicas que
fizeram dele o maior guitarrista de todos os tempos,
um dos primeiros a dar mais importância ao
instrumento até então usado apenas para
acompanhamento.
USA ARMY
O adolescente Jimi organizou sua primeira banda,
que se chamou "The Velvetones", em 58. Porém,
três anos depois, teve de largar tudo para entrar no
exército americano, como pára-quedista. Uma
fratura no pé fez com que ele voltasse para casa um
ano depois de ingressar nas forças armadas.
Entre 62 e 66, Jimi tocou com o nome Jimmy James
acompanhando vários artistas e bandas, como Little
Richard, Supremes, Lonnie Youngblood, Isley
Brothers e até com Ike e Tina Turner.
A Jimmy James and The Blues Flames estreou em
Greenwich Village, bairro boêmio de Nova Iorque. A
banda se apresentou no Café Wha?, onde o
empresário Chas Chandler conheceu Jimi e o
convidou para morar em Londres. Chandler mudou o
nome do guitarrista de Jimmy para Jimi, que junto
ao baterista Mitch Mitchell e o baixista Noel Redding
formou "The Jimi Hendrix Experience", no outono de
1966, na Inglaterra.
PARADAS
O primeiro single da banda, "Hey Joe", fica nas
paradas inglesas por dez semanas, chegando ao
sexto lugar. Nesta época, os shows da banda
começaram a contar com as performances de Jimi,
que iam desde tocar guitarra com os lábios e punhos
até incendiá-las ou quebrá-las.
Seguido do single é lançado o primeiro LP, "Are You
Experienced?", um dos mais populares álbuns de
rock de todos os tempos que chegou ao segundo
lugar no Reino Unido, atrás dos Beatles.
Em 1969, depois de lançar o segundo disco da "Jimi
Hendrix Experience" e outros compactos, a banda
acaba. Uma nova fase se apresenta. Jimi forma a
"Band of Gypsys" com o contrabaixista Billy Cox e o
baterista e vocalista Buddy Miles. Nesta época disse
à imprensa: "não tenho casa, porque não tenho
raízes. Eu e meus amigos somos um bando de
músicos ciganos errantes".
FESTIVAIS
Se a década de 60 foi a década dos grandes
festivais, Jimi Hendrix foi o grande representante, o
Homem Festival.
O primeiro de que participou foi o Monterey
Internacional Pop Festival, realizado em junho de
1967, na Califórnia. Nesta ocasião, o público ficou
conhecendo talentos como Janis Joplin, The Who e o
próprio Jimi, além de ver e ouvir bandas já
conhecidas como The Mamas & The Papas e The
Byrds.
Dois anos depois, o maior evento de todos os
tempos. Jimi encerra o Festival de Woodstock, de
onde sai com o cachê mais alto, 125 mil dólares.
O guitarrista ainda participou da última edição do
Festival de Wight, uma ilha inglesa. Neste festival,
Jimi se atrasa e, cansado, não realiza suas
peripécias, o que faz a crítica anunciar sua
decadência, alguns meses antes de sua morte.
A LENDA
O abuso no uso de drogas - cocaína, maconha,
heroína e LSD - e do álcool fez parte dos últimos
anos de vida de Jimi. Porém, ao contrário do que foi
anunciado pelo governo norte-americano após a sua
morte, Jimi não morreu de overdose, mas afogado
em seu próprio vômito. Contudo, sua morte foi
conseqüência de seus vícios.
A rápida existência de Jimi foi suficiente para que
mesmo depois de sua morte surgisse muito mais
discos do que os lançados em sua vida. Até o ano
passado, Jimi Hendrix estava presente em
lançamentos, como o CD, VHS e DVD "Live At
Woodstock", com a íntegra de seu show.
ENQUANTO ISSO, NA POPROCK:
"Eu e o mundo inteiro consideramos Jimi Hendrix o
maior guitarrista de todos os tempos. Tu ouves um
disco dele e parece muito atual com sua técnica e a
inovação, o rock com pitadas de blues e jazz. Jimi
Hendrix tocou guitarra acompanhado de uma bateria
simples e de um contrabaixo e fez uma ótima
música. Hoje em dia a bateria de um grupo, por
exemplo, faz a volta em torno do músico para ele
conseguir uma boa qualidade".
Cagê
"Todas as técnicas de guitarra usadas atualmente
foram criadas por Jimi Hendrix. É o maior nome da
guitarra do mundo e admirado por todos. Ele é uma
lenda, que eternizou solos de guitarra. E uma
particularidade: Jimi Hendrix nunca tocou uma
música do mesmo jeito. Outra: em Woodstock,
enquanto muitos americanos guerreavam no Vietnã,
Jimi Hendrix executou o hino norte-americano e com
batidas na guitarra fez com que sons semelhantes
aos de uma metralhadora acompanhassem o hino, o
que levou a galera do 'paz e amor' à loucura."
Paulo Inchauspe
 Smash Hits (Reprise/Polydor - 1968)
DATAS Electric Ladyland (Polydor - 1968)
Electric Ladyland 2 (Polydor - 1968)
Band of Gypsys (Capitol/Polydor - 1970)
1942 - 27 de novembro - nasce em Seattle, filho de
Monterey (Reprise - 1970)
Al Hendrix e Lucille Hendrix.
Cry Of Love (Reprise/Polydor - 1971)
Rainbow Bridge (Reprise - 1971)
1954 - ganha a primeira guitarra
Isle Of Wight (Polydor - 1971)
Eternal Fire Of (Hallmark - 1971)
1960 - Fevereiro - primeiro show com os Rocking
Experience (soundtrack) (Mode/Bulldog - 1971)
Kings, no Washington Hall.
Friends from de Beginning (Bulldog - 1971)
In The West (Reprise/Polydor - 1972)
1963 - Residindo no Tennessee, toca com Little
Jimi Hendrix (Polydor - 1973)
Richard das Supremes. Grava o primeiro disco
Loose Ends (Polydor - 1973)
gravando dois compactos com a banda do
Jimi Hendrix Volume 1 (Pan - 1973)
saxofonista Lonnie Youngblood.
Jimi Hendrix Volume 2 (Pan - 1973)
Jimi Hendrix Volume 3 (Pan - 1973)
1964 - Muda-se para Nova Iorque e começa a
War Heroes (Reprise/Polydor - 1973)
acompanhar o cantor soul Curtis Knight.
The Wild One (Hallmark - 1973)
Crash Landing (Reprise/Polydor - 1975)
1966 - Junho - Estréia Jimmy James & The Blues
Rare Hendrix (Explosive/Enterprise - 1975)
Flames - ele é o Jimmy James e vai viver no bairro
Jimi Hendrix 2 (Polydor - 1975)
Greenwich Village, de Nova Iorque.
Midnight Lightning (Reprise/Polydor - 1976)
Setembro - Muda-se para Londres e forma um novo
For Real (DJM - 1976)
grupo, The Jimi Hendrix Experience, com Mitch
The Essential (Reprise/Polydor - 1978)
Mitchell (bateria) e Noel Redding (baixo).
The Essential Volume 2 (Reprise/Polydor - 1978)
18 de outubro - primeiro grande show no Olympia de
More Experience (Bulldog - 1979)
Paris.
Recording From Jimi (Reprise - 1979)
16 de dezembro - lança o single "Hey Joe", sexto
20 Pieces Of (Bulldog - 1979)
lugar nas paradas inglesas.
10th Anniversary Box (Polydor - 1980)
9 To The Universe (Warner Bros/Polydor - 1980)
1967 - Março - Segundo single "Purple Haze" chega
Woke This Morning And Found Myself Dead (Red
ao terceiro lugar nas paradas.
Lightnin' - 1980)
Maio - Primeiro LP, "Are you experienced?", segundo
Hendrix '66 (President - 1980)
lugar, abaixo dos Beatles.
Free Spirit (Accord/Phenix - 1981)
Junho - Terceiro single "The wind cries Mary".
Cosmic Turnaround (AFE - 1981)
18 de Julho - Primeiro show nos EUA, encerrando o
Cosmic Feeling (Accord - 1982)
Festival de Monterey
The Jimi Hendrix Concerts (Reprise/CBS - 1982)
Dezembro - Sai o segundo LP, "Axis: Bbold As Love",
Moods (Phoenix - 1982)
quinto lugar na Inglaterra.
Roots Of (Phoenix - 1982)
Voodoo Chile (Polydor - 1982)
1968 - Setembro - Primeiro compacto de Hendrix,
20 Golden Pieces Of, Volume 2 (Bulldog - 1982)
"All Along The Watchower", em estéreo chega ao
The Singles Album (Polydor - 1983)
quinto lugar na Inglaterra.
Kiss The Sky (Polydor - 1984)
Outubro - Lançamento de "Eletric Ladyland" nos
Band Of Gypsies 2 - (Capitol - 1986)
EUA.
Jimi Plays Monterey (Polydor - 1986)
Live At Winterland (Polydor - 1987)
1969 - 29 de junho - Último show do "Experience",
Best Of (EMI - 1987)
em Denver.
The Peel Sessions (Strange Fruit - 1988)
18 de agosto - Encerra o Festival de Woodstock
Cornestones 1967-70 (Polydor - 1990)
Neste ano forma "Band Of Gypsys"
Blues (MCA - 1994)
South Saturn Delta (Experience Hendrix/MCA - 1997)
1970 - 6 de setembro - Último show no Festival da
BBC Sessions (Experience Hendrix/MCA - 1998)
Ilha de Gehman, na Alemanha.
Experience Hendrix: The Best Of Jimi (Experience
18 de setembro - Morre sufocado pelo próprio
Hendrix/MCA - 1998)
vômito.
Live At Woodstock (Experience Hendrix/Universal -
1º de outubro - Jimi é enterrado em Renton,
1999)
Washington.
Novembro - Chega ao primeiro lugar das paradas.

OBRA CONSULTADA
DISCOGRAFIA
- ShowBizz Especial Jimi Hendrix - Editora Abril -
1999
- The Harmony Illustrated Encyclopedia of Rock -
Harmony Books - 1992
Singles: - Internet: www.jimi-hendrix.com

Hey Joe - 1967

Purple Haze - 1967
The Wind Cries Mary - 1967
Burning Of The Midnight Lamp - 1967
All Along The Watchtower - 1968
Voodoo Chile - 1970

Álbuns:

Are You Experienced? (Polydor - 1967)

Axis - Bold As Love (Reprise/Polydor - 1967)

RENATO RUSSO
Por Israel de Castro
Há uma geração de brasileiros que não se
manifestou nos anos 60 com os hippies, que não
lutou contra a ditadura, nos anos 70, e que nasceu
uma década depois junto à redemocratização do
País. O que fizeram estes milhares de jovens? Eles se
expressaram através da música também, mas não
comemorando a era de aquários - "when the
moon..." - nem em busca de liberdade de expressão
em um país censurado - "somos todos iguais, braços
dados ou não...". Eles, da geração Coca-Cola,
cantaram sobre o amor, sobre a família, as relações
interpessoais.
Muitos destes jovens não tinham a noção de que o
amor das músicas que entoavam era um amor
homossexual, de que os conflitos dos personagens
destas canções eram reflexos de um dependente de
álcool e drogas, e de que os passos isolados à beira
da praia sob o "Vento do litoral" realmente eram de
um solitário.
Mesmo com todos estes atributos rejeitados pela
sociedade, o compositor e líder da Legião Urbana,
Renato Manfredini Júnior, ou melhor, Renato Russo,
ainda é aclamado, mais de três anos depois de sua
morte, também complexa, em decorrência da aids,
em 11 de outubro de 1996.
Renato nasceu em 27 de março de 1960, no Rio de
Janeiro, mas cresceu nas asas de Brasília e por
algum tempo nos Estados Unidos. O garoto, de
saúde frágil, aprendeu a gostar de literatura e
música.
Na adolescência, Renato Russo aprendeu outra coisa,
a beber. Como ele mesmo disse: "bebia porque
sofria e sofria porque bebia". Em 78, fundou a banda
punk Aborto Elétrico. O sobrenome Russo derivou de
nomes como Henri Rousseau, Jean-Jaques Rousseau
e Bertrand Russel.
VIDA PROFISSIONAL
"Será que vamos conseguir vencer", dizia a música
"Será", carro-chefe do primeiro long play lançado em
1985 pelo Legião Urbana com o nome do grupo,
fundado por Renato Russo dois anos antes.
Em 1986, o grupo lança o disco "Dois" que vende o
dobro do disco de estréia - foi o que mais vendeu da
banda - e têm vários sucessos, entre eles, "Quase
sem querer", "Eduardo e Mônica", "Tempo Perdido",
"Música Urbana" e "Índios". Renato Russo canta seus
problemas que são absorvidos rapidamente pelos
jovens do país e ganha espaço para começar a falar
de assuntos tabus.
Depois deste vem "Que País É Este" no qual Renato
protesta e antecipa o movimento dos caras pintadas
que ajudou no impeachment do então presidente
Fernando Collor de Mello, que ocorreria alguns anos
depois, e "As Quatro Estações", em 1989, no qual
Renato explicita nas suas canções sua "escolha"
sexual e se inspira em obras religiosas para compor
um dos álbuns mais líricos do grupo com "Há
Tempos", "Pais e Filhos", "Quando o Sol Bater na
Janela do Teu Quarto", "Meninos e Meninas", entre
outras.
O VÍRUS
A partir de 1990, Renato Russo assume
publicamente sua condição homossexual em
entrevista e descobre que é portador do vírus HIV,
causador da aids. Nesta época, Russo consome mais
cocaína e heroína do que nunca. Estas mudanças vão
ser percebidas no disco "V", lançado em 1991, que
apresenta "O Mundo Anda Tão Complicado" e "Vento
no Litoral".
Dois anos depois sai mais um disco-protesto, "O
Descobrimento do Brasil", o sexto, que mostra
Renato mais alegre mas questionando o amor e a
morte e já prevendo o fim, como em "Só por hoje"
na qual diz: "viver é uma dadiva fatal, no fim das
contas ninguém sai vivo daqui".
Legião Urbana dá um tempo e Renato lança dois
discos solo e em línguas diferentes. O primeiro, "The
Stonewall Celebration Concert", em inglês, com uma
música de Madonna e outra de Bob Dylan, entre
outras, e "Equilibrio Distante", em italiano, que
segundo ele foi feito a pedido da família que gostaria
de vê-lo cantando nesta língua.
A gravadora EMI lança em 1996 o disco "A
Tempestade (ou O Livro dos Dias) apressadamente
pois Renato já apresentava fraqueza. O álbum
entristeceu os fãs ao apresentar músicas sobre
suicídio, despedida, dor, como "A Via Láctea", que
diz que "quando tudo está perdido/ Eu me sinto tão
sozinho/ Quando tudo está perdido/ Não quero mais
ser quem eu sou".
Então, o fim chega. Renato Russo morre e deixa o
País inteiro órfão e cantando:
"Acho que gosto de meninos e meninas quando tudo
está perdido quero descansar, andar até a praia e
ver, que há tempos nem os santos têm ao certo a
mudança grande que chegou com o fogão e a
geladeira e a televisão mas meu pai vem me visitar
quando o sol bater na janela do teu quarto..."
Os demais integrantes da banda, Dado Villa-Lobos e
Marcelo Bonfá, seguiram divulgando a banda e
apresentaram novas gravações e relançamentos,
como a canção "Hoje a noite não tem Luar", um
grande sucesso póstumo.
ENQUANTO ISTO NA POPROCK:
"Renato Russo foi um cara que conseguiu
transformar o cotidiano das pessoas, o dia-a-dia,
numa coisa lírica. Ele fez a poesia do cotidiano. Dá
para chamar o Legião de Religião Urbana. As
músicas preferidas? Bom, "Maurício" (que ele fez pra
mim!), "Quase sem Querer" e "Vamos fazer um
Filme". Maurício
"Qualquer um que passou ativo pelos anos 80 vê
Renato Russo e a Legião Urbana como um som
totalmente diferente, e as letras também...Renato
Russo foi um poeta que fez canções que falam do
que a gente precisa: amor, amor livre...Libertou uma
geração de muitos preconceitos. Melhores músicas:
"Soldados" (lá do primeiro disco) e "Perfeição".
Pagliuca
Israel de Castro - colaborou Aline Bortone,
presidenta do Fã Clube Filhos da Revolução

DISCOGRAFIA

Legião

Legião Urbana - 1985

Dois - 1986
Que País É Este? - 1987
As Quatro Estações - 1989
V - 1991
Música para Acampamentos - 1992
O Descobrimento do Brasil - 1993
A Tempestade - 1996
Uma Outra Estação - 1997
Mais do Mesmo - 1998
Acústico MTV - 1999

Solos:

StoneWall Celebration Concert - 1993

Equilíbrio Distante - 1995
O Último Solo - 1997

NA LIVRARIA

Conversações com Renato Russo, de Julio Vasco,

Editora Letra Livre
Renato Russo de A a Z, de Simone Assad, Editora
Letra Livre

Site: www.letralivre.com.br

Fã Clube Filhos da Revolução

www.legiaourbana.cjb.net
E-mail: legiao@supersites.com.br

BOB MARLEY
Por Rafael Souza
Robert Nasta Marley. O homem nasceu na Jamaica,
em 6 de fevereiro de 1945, com a missão de plantar
as sementes do reggae pelo mundo. Foi criado na
parte pobre de Kingston conhecida como Trench
Town (traduzindo: Cidade do Esgoto). Já faz 20 anos
que Bob Marley não está entre nós. Entretanto, sua
obra continua eterna e bastante atual.
O garoto Marley começou a se interessar por música
quando pegou umas latinhas e improvisou um
bumbo. Ele também usava uma guitarra pra lá de
precária. Pobre, o rapaz não tinha dinheiro para
comprar discos e instrumentos. Sua paixão veio
navegando pelas ondas do rádio. Sintonizava
emissoras americanas e ouvia artistas como Ray
Charles, Curtis Mayfield, Brook Benton e Fast
Domino. Seu companheiro de aventuras musicais era
Neville O'Riley, popularmente, conhecido como
Bunny. Algum tempo depois, Marley passsou a dar
aulas de canto e conheceu um tal de Peter McIntosh.
Em 1962, o empresário Leslie Kong ficou
impressionado com o som de Bob Marley e, logo,
levou o 'rastamen' para gravar umas músicas. A
primeira foi "Judge Not", lançada pelo selo
Beverley's. No ano seguinte, Marley formaria, com
Bunny e Peter, a banda Wailing Wailers. A banda
lançou o seu primeiro single, "Simmer Down", no
final de 63. A música, rapidamente, chegou ao
primeiro lugar na Jamaica. A formação dos Wailing
Wailers era então: Bob Marley, Peter Tosh, Bunny,
Junior Braithwaite e os backing vocals Beverly Kelso
e Cherry Smith.
No dia 10 de fevereiro de 1966, Marley casa com
Rita Andreson. No dia seguinte, parte para a
América, onde passa oito meses morando com sua
esposa e sua mãe. Quando volta à Jamaica, em 67,
entra 'de cabeça' no movimento rastafari. Isto acaba
se refletindo em sua música. As canções passam a
ter mensagem social e espiritual. O cara forma uma
nova banda com Bunny e McIntosh, The Wailers. A
banda cria o selo Wail'N'Soul, mas a falta de
experiência do pessoal o leva à falência no final de
67.
Depois disso, The Wailers conhecem o homem que
revolucionaria o seu trabalho: Lee Perry. O cara,
simplesmente, transformou as técnicas de gravação
em estúdio em arte. A associação Perry/Wailers
resultou em algumas das melhores gravações da
banda como: "Soul Rebel", "Duppy Conqueror", "400
Years" e "Small Axe". Não foram clássicos, mas
definiram a direção futura do reggae. Em 1970,
Aston 'Family Man' Barrette e seu irmão Carlton
(baixo e bateria, respectivamente) se uniram aos
Wailers. Os irmãos eram conhecidos como a melhor
sessão rítmica da Jamaica e ajudaram muito o grupo
nas suas gravações em estúdio. A banda, então, era
reconhecida como o grande sucesso do Caribe, mas
continuava desconhecida internacionalmente.
No verão de 1971, o americano Johnny Nash
convidou Marley e sua turma para alguns shows, em
conjunto, na Suécia. Em 72, The Wailers se mudam
para a Inglaterra, promovendo o single "Reggae on
Broadway". Algum tempo depois, os jamaicanos
estavam, sem dinheiro, na terra da rainha e não
tinham como retornar. O presidente da gravadora
Island, Chris Blackwell, fez uma proposta irrecusável.
O cara bancou a viagem de volta dos Wailers, deu
um adiantamento e, pelo combinado, eles voltariam
com fitas gravadas para lançarem o primeiro álbum
de um grupo de reggae (na época, saíam apenas
coletâneas e singles). Muitos produtores disseram a
Blackwell que ele havia jogado dinheiro pelo ralo.
Ledo engano. Pouco tempo depois, Marley voltaria a
Londres com as fitas gravadas. Blackwell encarregou
o engenheiro de som Tony Platt de modelar aquela
batida crua a um som capaz de atrair a atenção do
público de rock. Foram acrescentadas algumas
guitarras, além de teclados e percussão, e a
mixagem de algumas canções foi alterada. Tudo com
a participação e permissão de Mister Marley. Assim,
nascia o clássico disco "Catch a Fire".
O ritmo marcante de Marley, aliado às suas letras
militantes, contrastava com o que estava sendo feito
no momento. Além disso, a Island promoveu uma
turnê do grupo pela Inglaterra e pelos Estados
Unidos, o que era uma novidade para uma banda de
reggae. Os Wailers chegaram a Londres, em abril de
73, embarcando numa série de apresentações que
mostraria sua qualidade como banda de shows ao
vivo. Entretanto, após três meses, o grupo voltou à
Jamaica e Bunny, desencantado com a vida na
estrada, se recusou a tocar na turnê americana. No
seu lugar, entrou Joe Higgs, o velho professor de
canto dos Wailers. A turnê americana incluía, além
de algumas casas de espetáculos, a participação em
alguns shows de Bruce Springsteen e Sly & The
Family Stone, a principal banda de música negra
americana do momento. Mas, depois de quatro
shows, ficara claro que colocar os Wailers abrindo
espetáculos poderia ser ruim para as atrações
principais. A banda foi, então, para San Francisco,
onde a rádio KSAN transmitiu uma apresentação, ao
vivo, que só foi divulgada em 1991, quando a Island
lançou o álbum comemorativo "Talkin'Blues". Em 73,
o grupo lançou o seu segundo álbum pela Island,
"Burnin'", um LP que incluía novas versões de
algumas das suas mais velhas músicas, como:
"Duppy Conqueror", "Small Axe" e "Put It On", junto
as faixas "Get Up, Stand Up" e "I Shot The Sheriff"
(que, no ano seguinte, se tornaria um enorme
sucesso mundial na voz de Eric Clapton, alcançando
o primeiro lugar na lista dos singles mais vendidos
nos Estados Unidos).
Em 1974, Marley trabalhou intensamente no disco
"Natty Dread". No ano seguinte, Peter e Bunny
deixariam, definitivamente, o grupo, seguindo suas
carreiras solo. A banda passa a ser conhecida então
como Bob Marley & The Wailers. Com o novo disco,
Bob Marley passou a ser considerado uma estrela,
despertando a admiração de grandes nomes da
música, como Steve Wonder, com quem participou
de um show beneficente na Jamaica.
Com o sucesso internacional, cresceu a importância
política de Bob Marley na Jamaica, onde a fé
rastafari, expressada em sua música, exercia forte
influência na juventude dos guetos. Como forma de
agradecimento ao povo da ilha, ele decidiu dar um
concerto aberto no Parque dos Heróis Nacionais de
Kingston, em 5 de dezembro de 1976. A idéia era
enfatizar a necessidade de paz nas ruas da cidade,
onde as brigas de gangues estavam causando
confusão e mortes. Logo depois do anúncio do show,
o governo convocou eleições para o dia 20 de Minha música defende a verdade.
dezembro. Isso deu nova força à guerra nos guetos Se você é negro e está errado, você está errado.
e, na tarde do concerto, atiradores invadiram a casa Se você é branco e está errado, você está errado.
de Bob Marley e, na confusão, o feriram. Em Se você é índio e está errado, você está errado.
segurança, foi levado às montanhas na cercania da É universal!
cidade. Entretanto, ele resolveu fazer o show de
qualquer maneira e subiu ao palco para uma rápida Todo homem tem direito de decidir seu próprio
apresentação como desafio aos seus agressores. Foi destino.
a última apresentação de Bob Marley na Jamaica por
oito meses. Logo após o show, ele deixou o país para Eu não gosto da idéia de propaganda. Não é a
viver em Londres, onde gravou seu próximo álbum, maneira como vejo as coisas. Eu não transo com
"Exodus". coisas da escuridão. As pessoas chegam pra mim e
dizem: Bob Marley é um big artista internacional, e
Este disco consolidou o status internacional de Bob eu rio, se mais pessoas ouvem a minha música, isso
Marley e os Wailers. O álbum ficou 56 semanas é bom, isso é tudo.
seguidas nas paradas da Inglaterra. Em abril de 78,
Marley voltou à Jamaica para o evento "One Love
Peace Concert", onde fez com que o primeiro DISCOGRAFIA
ministro Michael Manley e o líder da oposição Edward
Seaga apertassem as mãos. Devido a esse fato,
1971 - Catch A Fire
Marley foi convidado a ir à sede das Nações Unidas,
1973 - Burnin'
receber a Medalha da Paz. No final do ano, fez sua
1974 - Natty Dread
primeira viagem à Africa, onde conheceu o Quênia e
1975 - Live
a Etiópia, lar espiritual dos rastafaris.
1976 - Rastaman Vibration
1977 - Exodus
Em 79, os caras lançaram seu nono disco pela
1978 - Kaya
Island, "Survival". A capa trazia várias bandeiras de
1978 - Babylon by Bus
nações recém-independentes da África. A
1979 - Survival
importância de Bob Marley and The Wailers para o
1980 - Uprising
continente africano - e todo o terceiro mundo - pôde
1983 - Confrotation
ser percebida no supershow pela libertação do
1984 - Legend
Zimbabwe, no ano seguinte. O grupo foi convidado,
1986 - Rebel Music
pelo recém-criado país, a comemorar sua
1991 - Talkin' Blues
independência. Seguiu-se, nessa época, uma extensa
1992 - Songs Of Freedom
turnê cujo o ápice ocorreu na cidade de Milão, na
1995 - Natural Mystic (Legend 2)
Itália, diante de uma platéia de 100 mil pessoas, a
1997 - Dreams Of Freedom
maior que a banda teve.
1999 - Chant Down Babylon
No fim da turnê européia, os Wailers foram para os
Estados Unidos. Marley fez dois shows no Madison
Square Garden. Pouco tempo depois, ficou
seriamente doente. Três anos antes, em Londres, ele
havia ferido o dedo do pé jogando futebol. O
ferimento se tornou canceroso e, apesar de ter sido
tratado em Miami, continuou a progredir. Em 1980, o
câncer, em sua forma mais virulenta, começou a se
espalhar pelo corpo de Marley. Ele controlou a
doença por oito meses, fazendo tratamento na clínica
do Dr. Joseph Issels, na Bavária. O tratamento de
Issels era controvertido por só usar remédios
naturais e não tóxicos e, por algum tempo, pareceu
estabilizar a condição da doença. Entretanto,
repentinamente, a luta começou a ficar mais difícil.
No começo de maio, Marley deixou a Alemanha para
voltar à Jamaica, mas não completou a viagem.

Um último tratamento, na Áustria, foi recomendado

pelo médico das Doze Tribos de Israel (QUEM É?).
Bob Marley perdeu suas tranças, fonte vital de
energia para os rastafaris. Condenado, morreu no dia
11 de maio de 1981, num hospital de Miami.
Milhares de pessoas compareceram ao seu funeral,
na Jamaica. Morria o homem. Nascia a lenda.

Este texto tem o objetivo de contar um pouco sobre

a carreira deste mito e, também, mostrar que sua
mensagem vai além da religião rastafari e do uso de
maconha. Sua influência na música é indiscutível e
imensurável. Há milhares de versões para as suas
músicas, em diversas línguas. Quando as pessoas
descobrem a obra de Marley, e se inspiram nela,
contribuem, ainda mais, para manter acesa a chama
de amor e paz deixada por este artista inesquecível.

FRASES Enquanto imperar a filosofia de que há uma

raça inferior, e outra superior o mundo estará
permanentemente em guerra.

RITA LEE
Por Andressa Porto
Nascida em 31 de dezembro de 1947, Rita Lee Jones
(o Lee é em homenagem ao general Lee) é a mistura
típica paulistana: pai americano, mãe italiana. Os
avós americanos vieram para o Brasil por não
concordarem com os resultados da Guerra da
Secessão.Já eram, como ela canta, as "ovelhas
negras" da família.
A iniciação na música se dá através das aula de
piano da professora Madalena Tagliaferro. Depois de
deixar os conservadores recitais, ela monta, nos
meados dos anos 60, as "Teenage Singers" com mais
três amigas de colégio.
Desde cedo fugia de casa para cantar sem que seus
pais soubessem, mas como mentira tem perna curta
Rita foi pega quando teve um ataque de apendicite
num show e tiveram que chamar o seu pai.
A rebelde prometeu ser boa menina e estudar muito,
mas em troca pediu uma bateria de presente em vez
de um baile de debutante, e acabou ganhando. O
grupo feminino de Rita se fundiu mais tarde com o
"Wooden Faces", banda só de garotos, resultando em
O´Seis. Depois de várias brigas internas, restam
apenas Rita, seu namorado Arnaldo Baptista e o
irmão Sérgio Dias, que formam Os Mutantes. Foi
quando Gil os carregou para a Tropicália. Houve
protestos de todos os músicos do festival da Record,
mas os Mutantes arrasaram com modos, roupas e
deboche acompanhando Gil em Domingo no Parque.
Por excesso de machismo, o grupo rompeu-se -
Arnaldo e Sérgio culpavam Rita Lee por todos os
insucessos - culpavam por ser mulher, e por mulher
não ter nascido para o rock (talvez por isso Rita seja
até hoje uma feminista incondicional). Rita Lee deu a
volta por cima e retornou com o Tutti Frutti. Com
típicas letras sarcásticas, lança, em 74, Atrás do
Porto Tem uma Cidade, em que chega a desmentir
os boatos de que seria lésbica na faixa "De Pés no
Chão". Depois de gravar Fruto Proibido, em 75,
conhece o guitarrista e tecladista Roberto de
Carvalho, com quem inicia um relacionamento.
Em 77, grávida do primeiro filho, é presa depois de
ter sua casa revistada pela polícia. É acusada de
porte e uso de maconha, ficando quinze dias na
cadeia e um ano em prisão domiciliar. Mesmo assim,
lança Entradas e Bandeiras. Já em liberdade,
incorpora Roberto de Carvalho à banda e sai em
turnê com Gilberto Gil. Os shows foram gravados,
gerando o disco Refestança. O Tutti Frutti entra em
crise e acaba. Deprimida, tentou o suicídio: "Eu
estava com muita pena de mim. Uma noite cheguei
em casa e, de maneira hollywoodiana, à la Marilyn
Monroe, engoli uma porção de comprimidos. Fui
apagando. Um amigo arrombou a porta a tempo de
me levar para o hospital. Que canastrice, uma
grande babaquice. Aí eu parei com essa história de
morrer. Hoje quero ser eterna, de preferência. Penso
na morte de modo diferente. Acho que ela deve ser
um grande orgasmo".
Ela segue seu caminho com Roberto de Carvalho,
lançando dois discos: "Rita Lee & Roberto de
Carvalho" e "Saúde", no começo dos anos 80. E
conquista o mundo com Lança Perfume, alcançando
o sétimo lugar da Billboard. A música foi traduzida
para o inglês, francês, hebraico, árabe e japonês. Até
o Príncipe Charles se assumiu como fã de Rita.
Em 82 entra em depressão novamente por causa da
perda de seu pai, retirando-se da vida pública. Ela
lança "Bom Bom" por causa de acertos contratuais
com a gravadora. O disco é proibido para menores
de 18 anos, sendo que alguns lotes foram riscados
com gilete no final da repressão política no país.
A reaparição veio em 84 no Rock´n´Rio, num show
considerado ruim pela cantora e ótimo pelos fãs.
Assinado um contrato milionário com a EMI-Odeon,
Rita lança "Flerte Fatal", em 87. Depois de receber
críticas pessoais com o lançamento do disco, ela
começa sua briga com a imprensa, chegando a
convocar uma entrevista coletiva para se defender.
Os fãs tomam as dores e ameaçam Luís Antônio
Giron (o causador do tumulto) de morte. No final de
88, chega "Zona Zen", já dando sinais que a parceria
Rita-Roberto não ia bem. Depois de lançar o último
álbum com o nome da dupla, põe o violão na sacola
e parte para a turnê acústica do "Bossa´N´Roll". O
show é um arraso e, em 91, ela lança a gravação ao
vivo. Ainda sem Roberto de Carvalho, em 93, lança
outro disco que leva seu nome e trata principalmente
de questões femininas.
Recebe, em 95, diretamente de Mick Jagger, um
convite para abrir os shows dos Rolling Stones no
Brasil. Porém, algumas semanas antes, assusta seus
fãs aos ser internada por causa de um acidente com
chá de Trombeta (chamado de exagero de fim de
ano por ela), que a leva ao coma. Recuperada, faz a
abertura dos Stones, mostrando todos seus dotes
teatrais: veste-se de Nossa Senhora e apresenta
uma modelo com uma capa (e nada mais) durante a
música Miss Brasil 2000.
De volta com Roberto de Carvalho (ela finalmente se
casa de papel passado com ele), Rita parte para a
turnê "A Marca da Zorra". O disco seguinte, "Santa
Rita de Sampa", mostra a família mais unida ainda,
com a participação do filho Beto Lee. Comemorando
seus 50 anos, Rita Lee fez o especial "Acústico" da
MTV em 98. O fato é que não faltaram histórias e
loucuras na vida dessa capricorniana futurista,
irresistível e bem-humorada. Para Rita Lee, nossa
primeira-dama/tia/mãe - e agora avó - do rock, a
vida é uma grande brincadeira.
DISCOGRAFIA
1970 - BUILD UP
1972 - HOJE É O PRIMEIRO DIA DO RESTO DE SUA
VIDA
1979 - RITA LEE
1980 - RITA LEE
1991 - BOSSA'N'ROLL
1993 - RITA LEE
1995 - A MARCA DA ZORRA
1997 - SANTA RITA DE SAMPA
1998 - ACÚSTICO MTV RITA LEE
2000 - 3001
2001 - AQUI, ALI EM QUALQUER LUGAR
A discografia acima não cita os discos dos mutantes,
tutti frutti... apenas os da Rita Lee.
 Joey Kramer – bateria

DISCOGRAFIA

O Yeah! Ultimate Aerosmith Hits - 2002

Just Push Play – 2001
AEROSMITH Young Lust: The Aerosmith Anthology – 2001
A Little South Of Sanity – 1998
Nine Lives – 1997
Por Rodrigo Cardoso Box of Fire – 1994
Big Ones - 1994
Em 1970, Anthony Joseph Perry era apenas um Get a Grip – 1993
vendedor de sorvetes em New Hampshire, nos Pandora’s Box - 1991
Estados Unidos. Mas ele tinha um sonho: montar um Pump – 1989
banda. No verão daquele ano, na sorveteira que Gems – 1988
trabalhava, Perry conheceu Steven Victor Tallarico, Permanent Vacation - 1987
que tocava bateria. Já numa primeira conversa, o Classics Live II – 1987
sorveteiro contou a Steven que ele e o baixista Tom Classics Live – 1986
Hamilton estavam montando uma banda. Ali mesmo Done With Mirrors – 1985
Steven topou ser o batera do grupo. Rock In A Hard Place – 1982
Live! Bootleg – 1978
Como seria o som da banda e qual nome teria, foram Draw The Line – 1977
os primeiros desafios dos caras. A primeira questão Rocks - 1976
era mais fácil, afinal todos curtiam o som do Cream Toys In The Attic - 1975
(banda que fez grande sucesso na década de 60), e Get Your Wings - 1974
resolveram seguir essa trilha. Quanto ao nome da Aerosmith - 1973
banda, muito foram cogitados, mas segundo Steven
e Perry, o único que soou legal foi Aerosmith. E vale
esclarecer que o nome não significa nada, NA INTERNET
simplesmente tinha um som bacana.
Site Oficial:
O próximo passo foi adotar nomes artísticos. Sendo http://www.aerosmith.com/
assim, Anthony Joseph Perry ficou Joe Perry e
Steven Victor Tallarico, passou a ser chamado de Fã-clube do Aerosmith no Brasil:
Steven Tyler. http://www.aeroforce.hpg.ig.com.br/
Não demorou muito e o trio tornou-se um quinteto.
Entram Brad Whitford, e mais tarde, Joey Kramer,
que assumiu a batera. Foi quando Steven Tyler
abandonou as baquetas e passou a ser o vocalista do
grupo.

Em apenas três anos, o Aerosmith já estava no topo

das paradas dos Estados Unidos com "Dream On".
Música que recentemente foi “sampleada” pelo
rapper branquelo Eminem em “Sing for the
moment”.

Durante toda a carreira a banda conseguiu emplacar

inúmeros sucessos, mas também viveu momentos de
grandes quedas. A pressão da vida de rockstar fez
com que os caras mergulhassem de cabeça no álcool
e nas drogas. Além disso as brigas também eram
freqüentes. No final dos anos 70, uma dessas brigas
resultou na saída de Joe Perry da banda.

Em 1984, Perry voltou ao grupo, mas ninguém

acreditava no futuro do Aerosmith. Isso porque as
overdoses eram cada vez mais freqüentes e as
brigas não tinham fim.

Felizmente, antes que o grupo encerrasse de vez

suas atividades, os caras resolveram mudar a
situação. Para controlar o uso de drogas e álcool, se
internaram e conseguiram superar tudo isso. E
graças ao tratamento, mudaram a história do
Aerosmith, transformando a banda em uma das
maiores atualmente.

FORMAÇÃO:

Steven Tyler - vocais

Joe Perry - guitarra
Brad Whitford - guitarra
Tom Hamilton - baixo
Personalidades do signo de
Capricornio

Al Capone
Anthony Hopkins
Aristoteles Onassis
Cândido Portinari
David Lynch
Denzel Washington
Elvis Presley
Federico Fellini
Janis Joplin
Joana d’Arc
Jô Soares
Kevin Costner
Marlene Dietrich
Martin Luther King
Mel Gibson
Muhammad Ali
Nicholas Cage
Oswald de Andrade
Richard Nixon
Rita Lee
Selton Mello