ÍNDICE – APOSTILA PRATICAR A ARTE – VOLUME 5 – ARTISTAS BRASILEIROS

Nº Artista Nº Artista Nº Nº Artista

01 Antônio Francisco Lisboa 28 Iberê Camargo 55 OS GEMEOS 82 Marcos Benjamin Coelho
02 José Ferraz Almeida Júnior 29 Glênio Bianchetti 56 Gustavo Rosa 83 Nelson Leirner
03 Antônio Parreiras 30 Aldemir Martins (I) 57 Hélio Leite 84 Aldo Bonadei
04 Benedito Calixto 31 Aldemir Martins (II) 58 Beatriz Milhases 85 Eliseu Visconti
05 Nair de Teffé 32 José Bernardo Cardoso Júnior 59 Vick Muniz 86 Willys de Castro
06 Belmiro Barbosa 33 Heitor dos Prazeres 60 Zezão 87 Hércules Barsotti
07 Georgina de Albuquerque 34 Geraldo de Barros 61 Athos Bulcão 88 Manabu Mabe
08 Victor Meirelles 35 Burle Marx 62 Regina Silveira 89 Daniel Senise
09 Anita Malfatti 36 Wega Nery 63 Cláudio Tozzi 90 Tercília dos Santos
10 Tarsila do Amaral (I) 37 Lygia Clark 64 Takashi Fukushima 91 Mestre Vitalino
11 Tarsila do Amaral (II) 38 Marcelo Grassman 65 Rubens Gerchman 92 Sônia Furtado
12 Péricles Maranhão 39 Regina Katz 66 Evandro Jardim 93 Ernane Cortat
13 Cândido Portinari 40 Gilvan Samico 67 José Roberto Aguillar 94 Ricardo Ferrari
14 Oswaldo Goedi 41 Waldemar Cordeiro 68 Arthur Pereira 95 Thaís Gomez
15 Ismael Nery 42 Hélio Oiticica 69 José Francisco Borges 96 Isabela Couto
16 Alberto da Veiga 43 Lygia Pape 70 Antônio Poteiro 97 Antônio Militão
17 José Pancetti 44 Cícero Dias 71 Cildo Meireles 98 Tomie Ohtake
18 Flávio de Carvalho 45 Hermelindo Flaminghi 72 Alex Fleming 99 Renata Egreja
19 Clóvis Graciano 46 Luiz Saciloto 73 Sérgio Fingermann 100 Cássio Vasconcelos
20 Alfredo Volpi 47 Emiliando DiCavalcanti 74 Iole de Freitas
21 Lasar Segal 48 Vicente do Rêgo Monteiro 75 Abraham Palatnik
22 Francisco Rebolo 49 Arcangelo Ianelli 76 Ivan Serra
23 Lívio Abramo 50 Adriana Varejão 77 Dudi Maia Rosa
24 Carlos Scliar 51 Sebastião Salgado 78 Rosângela Rennó
25 Djanira da Motta 52 Ivan Cruz 79 Paulo Pasta
26 Francisco Brennand 53 Luciano Martins 80 Nuno Ramos
27 Carybé 54 Amaury Menezes 81 Luis Hermano
 1 - CONHECENDO O ARTISTA: ANTÔNIO FRANCISCO LISBOA, O ALEIJADINHO.

Entre os maiores artistas do barroco brasileiro está Antônio

Francisco Lisboa, o Aleijadinho. Nasceu por volta de 1738, em Vila
Rica, hoje, Ouro Preto, filho de um arquiteto português e de uma
escrava negra. Foi conduzido ao virtuosismo da arte por sua
personalidade forte, pois era perseverante e mesmo com
dificuldades aprendeu a ler, teve noções de música e latim,
estudou arquitetura e desenho com os mestres da época. Sofreu
dutante anos de uma misteriosa doença que atrofiou seus
membros, deformou duas feições, obrigou-o a andar de joehos e
quando perdeu os dedos das mãos, a amarrar os intrumentos nos
braços para esculpir a pedra-sabão e a madeira.
Mas essa tragédia não o impediu de produzir, com ajuda de auxiliares, uma obra magnífica que orgulha o Brasil. Morreu cego e pobre em
1814. Foi o nosso artista do período colonial e suas criações vão de projetos interiores de igrejas a escuturas e entalhes delicados. Foi o
criador das estátuas dos Profetas do adro do Santuário do Bom Jesus de Matozinhos em Congonhas do Campo (MG).

Praticando a arte: Vamos aplicar cores na escultura e na igreja em homenagem à Aleijadinho. Você também pode acrescentar
detalhes em desenho.
 2 - CONHECENDO O ARTISTA: JOSÉ FERRAZ ALMEIDA JÚNIOR.

Almeida Júnior (1850-1899) foi um pintor e desenhista brasileiro. O dia do Praticar a arte: Conhecendo a obra “Caipira picando fumo”, do artista Almeida Júnior,
artista plástico é comemorado em 8 de maio, dia do nascimento do pintor. vamos aplicar a cor conforme o artista fez.
Foi o primeiro pintor a retratar em seu trabalho o tema regionalista. José
Ferraz de Almeida Júnior nasceu em Itu, São Paulo, no dia 8 de maio de
1850. Logo cedo, mostrou sua vocação para a pintura. Recebeu o incentivo
do padre Miguel Correa Pacheco, pároco da Igreja Matriz de Nossa Senhora
da Candelária, onde Almeida Júnior pintou algumas obras sacras. Com a
ajuda do padre Miguel, em 1869, com 19 anos, Almeida Júnior foi para o
Rio de Janeiro para estudar na Academia Imperial de Belas Artes.
Foi aluno dos pintores Pedro Américo, Jules Le Chevrel e Victor Meirelles. Durante o curso,
recebeu diversas premiações. Seus quadros caipiras e sua pintura de gênero, em geral com cenas
do cotidiano burguês são bem aceitos pela burguesia empenhada na construção de uma imagem
e história para si mesma, a história do povo paulista. Mas vale dizer que quase todos os críticos
de arte contemporâneos e posteriores ao artista celebram nele o que vêem ser um primeiro
arroubo do caráter nacional na pintura brasileira, até mesmo intelectuais em lados tão opostos.
Almeida Júnior ter-se transformado num pintor pastoso, amaneirado e duro, criticando a
"intermitente pretensão de fundamentar uma arte nacional com a pintura de costumes".
A composição denominada “Caipira Picando Fumo” é uma das
obras marcantes do pintor brasileiro Almeida Júnior, que,
segundo alguns, foi o responsável por introduzir, pela primeira
vez, o homem brasileiro na pintura. Em razão disso, sua obra
está repleta de tipos que nos são bastante comuns. O caipira é
a única figura humana a fazer parte do quadro. Ele é um
homem de meia idade, forte, de rosto marcado pela dureza da
vida, que usa uma camisa branca de mangas compridas que
vão até o punho, com uma abertura em forma de V no peito, e
uma calça amarronzada, gasta, com a barra dobrada quase no
meio da perna. Chama a atenção a parte visível da ceroula,
comum àquela época, ultrapassando a perna esquerda da
calça. O homem encontra-se calmamente sentando sobre
toras, em frente ao paiol feito de taipa, absorto, picando seu
pedaço de fumo com uma enorme faca, em diagonal, usada
para os mais diferentes serviços.
Ele já preparou a palha de milho, que se encontra atrás de sua orelha esquerda, para receber o
fumo picado. No chão, em volta dele, é possível ver um monte de palhas espalhadas. O pintor
destaca com grande realismo as mãos ásperas e os pés toscos do caipira, com as unhas sujas de
barro, assim como a calça, assinalando a vida dura que leva no trato com a terra. Atrás dele vê-se
uma porta entreaberta, sombreada, e, à frente, uma árvore reflete sua sombra no chão. Parece
ser este um momento de grande prazer para o homem da terra, tipo popular em Itu, apelidado
de “Quatro Paus”.
 3 – CONHECENDO O ARTISTA: ANTÔNIO PARREIRAS.

Antônio Parreiras foi um importante pintor brasileiro que atuou no período imperial e nas décadas iniciais da
República. Nascido em Niterói no dia 20 de janeiro de 1860, Antônio Diogo da Silva Parreiras surpreendeu seus pais
ao demonstrar o talento e o grande interesse com a arte desde muito cedo. Após ser aluno de professores
particulares e desenvolver seu talento, o jovem ingressou na Academia Imperial de Belas Artes, o grande centro de
estudo e trabalho dos artistas do Império Brasileiro, quando tinha 22 anos de idade. Permaneceu, então, no Rio de
Janeiro de 1882 até 1884, pois abandonou o curso regular na Academia para se dedicar às aulas do curso livre do
professor e pintor alemão Georg Grimm. Mais tarde, contudo, foi a vez de seu próprio mestre partir em viagens
pelo interior do Brasil em busca das paisagens que gostava de retratar. Nesse momento, já em 1885, Antônio
Parreiras ficou sem professor e dedicou-se ao estudo de maneira autodidata.
Simultaneamente ao gênero de pintura que lhe rendeu grande sucesso, Antônio Parreiras desenvolveu o gosto por outro gênero de
pintura, os nus femininos. Parreiras executava suas obras retratando as mulheres com grande sensualidade. Porém este foi um gênero
de pintura que não foi determinante para a carreira de Parreiras, as telas que retratavam as paisagens ainda eram mais significativas.
Praticar a arte: Observe a obra “Turbínio”, do artista Antônio Parreiras. Nessa paisagem vemos o movimento das árvores feito com o vento. Nos passa uma ideia de que acontecerá uma
tempestade. O uso das cores frias nos dá a ideia de umidade. Faça uma releitura inspirada na obra. Desenhe os galhos da árvore balançando e aplique as cores frias.
 4 – CONHECENDO O ARTISTA: BENEDITO CALIXTO.

Considerado um dos maiores expoentes da pintura brasileira do início do século XX, Benedicto Calixto de Jesus nasceu em 14 de outubro de 1853, na cidade de
Itanhaém, litoral Sul de São Paulo. Autodidata, começou seus primeiros esboços ainda criança, aos 8 anos. Aos 18 anos mudou-se para Santos onde tem um
começo de vida difícil, chegando a pintar muros e placas de propaganda para sobreviver. Tempos depois, Calixto passou a se dedicar à pintura de paisagens nos
tetos e paredes das mansões dos prósperos comerciantes da cidade. O artista já demonstrava talento para o desenho e vocação para a pintura ainda na infância.
Filho de João Pedro de Jesus e de Ana Gertrudes Soares de Jesus, viveu até a adolescência na antiga Vila de Nossa Senhora da Conceição de Itanhaém, onde cursou
a escola do Mestre João do Espírito Santo, desenhando, com barras de carvão, a paisagem local. Mudou para a cidade de Brotas, interior de São Paulo, para
trabalhar ao lado do irmão mais velho. Ali, auxiliou Joaquim Pedro de Jesus na restauração de imagens sacras da igreja local, aprimorando sua técnica, e também
finalizou uma série de quadros. Incentivado por admiradores de sua arte e pelas opiniões que circulavam na imprensa sobre seus quadros, realizou a primeira
exposição em 1881, na sede do jornal "Correio Paulistano", em São Paulo. Sua arte constitui um rico documento iconográfico da história do País.

Praticar a arte: O artista Benedito Calixto começou na vida artística fazendo desenhos de paisagens com carvão. Vamos experimentar essa ferramenta produzindo um desenho de uma
paisagem que você conhece utilizando o carvão. Depois de pronto você pode borrifar uma mistura de cola com um pouco de água sobre o desenho para que ele não desmanche.
 5 – CONHECENDO A ARTISTA: NAIR DE TEFFÉ.

Nair de Teffé é a primeira e uma das poucas mulheres caricaturistas da imprensa brasileira. Torna-se conhecida pelo pseudônimo de Rian, com o qual assina seus
trabalhos, constituído pelas letras de seu nome ao contrário. Filha do fazendeiro Barão de Teffé (proprietário do Palácio de Nova Friburgo, posterior Palácio do
Catete, atual Museu da República, no Rio de Janeiro), era culta, apreciadora de teatro e da leitura, pertencente à alta sociedade da época. Em 1913, casa-se com o
marechal Hermes da Fonseca, então presidente da República. Seus desenhos aproximam-se dos trabalhos de certos caricaturistas franceses, como, por exemplo,
os de Daniel de Losques (1880 - 1915). Rian, como esse artista, realiza uma caricatura esquemática, na qual os personagens são compostos em traços ágeis e
elegantes. O que surpreende em seu trabalho é a espontaneidade do desenho, o poder de síntese que suas obras manifestam ao apresentar apenas o essencial do
caráter e da expressão do retratado sem o recurso de deformações.

Praticar a arte: Observando os traços da artista cartunista Nair de Teffé, faça um esboço de uma caricatura de alguma pessoa especial para você. Aplique as cores que desejar.
6 - CONHECENDO O ARTISTA: BELMIRO BARBOSA DE ALMEIDA.

Pouco conhecido do público geral, Belmiro é muito admirado pela qualidade de seu trabalho e pela inovação de suas propostas na arte do país. Bem humorado e
brincalhão, era presença constante nas rodas boêmias. Dedicou-se à imprensa com caricaturas mordazes e textos satíricos e polêmicos. Ao usar cenas cotidianas e
personagens da vida comum urbana como temas de sua pintura, causou impacto no meio artístico e abriu as portas para uma nova arte fazendo ponte às vanguardas do
século XX. Belmiro Barbosa de Almeida fazia parte da nova geração de contestadores ao lado de Visconti, Rafael Frederico, Décio Vilares, Fiúza Guimarães, entre outros.
Era um artista multifacetado: pintor, desenhista, escultor, caricaturista, poeta, humorista, jornalista e professor. De temperamento forte, era amável com os amigos e
implacável com os desafetos, contra os quais usava de seu talento ferino e irreverente. Todavia, como pintor suas inovações foram menos audaciosas. Apesar de ser
pontuada por um humor sutil, sua pintura carrega bastante da influência acadêmica, uma vez que foi aluno do Liceu de Artes e Ofícios e da Academia Imperial de Belas
Artes entre 1869 e 1880. Seu papel revolucionário dentro do panorama da pintura brasileira são marcados pela qualidade de suas telas, pela escolha dos temas
inesperados e pelo tratamento pictórico original que o colocam entre os renovadores que abriram as portas para o século XX.

Praticar a arte: Observe a imagem da obra de Belmiro Barbosa. Inspire-se nela e desenhe a frente
de sua casa. Use as cores que desejar para colorir.
7 – CONHECENDO A ARTISTA: GEORGINA DE ALBUQUERQUE.

A pintora brasileira Georgina Moura Andrade de Albuquerque nasceu em 1885, na cidade de Taubaté era
também professora e desenhista falecendo no ano de 1962 no Rio de Janeiro. Rosalbino Santoro foi seu
professor de pintura e essas aulas se iniciaram em Taubaté onde ela começou a aprender algumas técnicas de
pintura que era sua paixão. Seu professor que era um grande mestre da pintura lhe ensinou como aplicar as leis
da perspectiva na hora de pintar, como utilizar todos os pinceis e como misturar as cores de tintas que já eram
bem variadas naquela época. No ano de 1904, ela foi estudar na Escola Nacional de Belas Artes e lá teve como
professor Henrique Bernardelli que ensinou a ela técnicas maravilhosas que podem ser usadas na pintura.
Depois de se casar com Lucílio de Albuquerque que era pintor foi com ela para a Europa onde ficou por cinco
anos aprendendo coisas incríveis na área da pintura. Aproveitando esse tempo na Europa ela ingressou na École
Nationale Supérieure des Beaux-Arts e depois na Academia Julian para estudar ainda mais. No ano de 1911,
retornou ao Brasil já como pintora profissional chamando a atenção de todas. Foi diretora da Escola Nacional de
Belas Artes cargo ocupado no ano de 1950, onde pode ensinar muitas de suas técnicas e passar toda a sua
experiência á alunos que queriam aprender como ela quis um dia.
Praticar a arte: Coloque uma folha de papel vegetal sobre a imagem da obra de arte de Georgina Albuquerque.
Com o lápis comum, canetinha ou o marcador permamente, transfira o desenho. Aplique as cores que desejar.
 8 – CONHECENDO O ARTISTA: VICTOR MEIRELLES.

Victor Meirelles de Lima nasceu em Nossa Senhora do Desterro, atual Florianópolis, em 18 de agosto de
1832, filho do imigrante português Antônio Meirelles de Lima e da brasileira Maria da Conceição. Pintor,
desenhista e professor, começou sua trajetória precocemente, realizando paisagens da cidade.
Frequentou a Academia Imperial de Belas Artes, no Rio de Janeiro e aos vinte anos, conquistou o Prêmio
Especial de Viagem à Europa. De 1853 a 1861, viveu primeiro na Itália e em seguida na França, onde se
dedicou ao estudo e ao trabalho. Foi professor honorário da Academia Imperial de Belas Artes, onde
históricos, retratos, panoramas e da mais popular das telas brasileiras, “Primeira Missa no Brasil” ,
exposta no Salão de Paris em 1861 (obra pertencente ao acervo do Museu Nacional de Belas
Artes/IBRAM/MinC), Victor Meirelles deixou um extraordinário acervo, minuciosos esboços, estudos em
papel e óleos sobre tela. O artista faleceu no Rio de Janeiro em 22 de fevereiro de 1903.
Praticar a arte: Observe a imagem da obra “Passagem de Humaitá”, do
artista Victor Meirelles. Observe como ele usa tons monocromáticos para
criar a sensação de anoitecer. Faça um estudo em desenho no espaço ao
lado representando um anoitecer. Aplique a técnica do sfumato para criar
áreas de luz e sombra. Use as cores preto, cinza e branco.

Victor viajou ao campo de batalha para viver na pele a adrenalina da guerra,

e recolher material para pintar, além da “Passagem de Humaitá”, “O
combate naval de Riachuelo”, em 1872. Ambas as pinturas fazem parte do
enorme acervo que retrata a Guerra do Paraguai. A prática de viajar para
pintar era muito comum na época, e os autores faziam isso justamente para
poder colher o máximo de informações de gestos, tons de pele, ações,
personagens, armas e o próprio cenário de guerra. Até por isso, muito se
discutia se de fato as pinturas estavam retratando totalmente o que havia se
visto ao vivo pelo pintor.
 9 – CONHECENDO A ARTISTA: ANITA MALFATTI.

Anita Malfatti é considerada umas das principais pintoras brasileiras do século XX. Suas pinturas abalaram os mais conservadores e foram um marco para o
Modernismo brasileiro. Juntamente com Tarsila do Amaral deu voz às mulheres nesse período. Anita nasceu em São Paulo, em 02 de dezembro de 1889 foi à segunda
filha do casal Samuel Malfatti e Betty Krug. Ela aprendeu a pintar com a mãe, seus estudos fora do país foram financiados pelo tio, após a morte do pai. Anita nasceu
com uma atrofia no braço e na mão direita. Em função disso, aos 3 anos de idade foi levada a Itália para tentar corrigir a má formação congênita, os resultados não
foram animadores e Anita teve que aprender a conviver com sua deficiência. Teve à sua disposição quando criança uma governanta inglesa que lhe ajudou nessa
tarefa, desenvolvendo o uso da mão esquerda. Anita Catarina Malfatti (São Paulo, São Paulo, 1889 - idem 1964). Pintora, desenhista, gravadora, ilustradora e
professora. Inicia seu aprendizado artístico com a mãe, Bety Malfatti (1866 - 1952). Devido a uma atrofia congênita no braço e na mão direita, utiliza a esquerda para
pintar. No ano de 1909, pinta algumas obras, entre elas a chamada “Primeira Tela de Anita Malfatti”.

Praticar a arte: Observe a imagem da obra “Composição cubista”, da artista

Anita Malfatti. Faça uma releitura no espaço ao lado aplicando os elementos
abstratos como diferentes linhas e criando texturas. Você pode utilizar o giz
de cera
 10 – CONHECENDO A ARTISTA: TARSILA DO AMARAL – EXERCÍCIO 1.

Tarsila do Amaral foi uma grande pintora e desenhista brasileira com fama no Brasil e no exterior. Nascida em uma família rica e
tradicional do interior de São Paulo teve acesso a boas escolas além de concluir seus estudos na Europa. Aprendeu piano e
outras línguas, incluindo o francês. Tarsila nasceu em 1º de setembro de 1886 e passou sua infância em meio à natureza na
fazenda da família no município de Capivari em São Paulo. Em 1901 matricula-se no colégio Sion onde pinta seu primeiro quadro
– Sagrado coração de Jesus. Aprendeu a fazer modelagem em barro e pintura de naturezas-mortas. De acordo com Tarsila, foi no
estado de Minas Gerais que ela aprendeu a apreciar as cores intensas, sobretudo de nossas belezas naturais. Durante essa fase,
a artista revelou sua preferência por utilizar em suas telas cores fortes como azul puríssimo, rosa violáceo, amarelo vivo e verde
cantante. A preferência por cores fortes, a utilização da técnica do Cubismo e o gosto pelas paisagens nacionais – rurais e
urbanas –, fauna, flora, folclore e o povo brasileiro foram as grandes marcas das obras de Tarsila do Amaral.
Significado de Abaporu de Tarsila Praticar a arte: Depois de conhecermos mais sobre a obra “Abaporu”, da artista Tarsila do Amaral, vamos
do Amaral aplicar as cores na imagem conforme a obra original.
Abaporu é uma clássica pintura do
modernismo brasileiro, da artista
Tarsila do Amaral. O nome da obra
é de origem tupi-guarani que
significa "homem que come
gente" (canibal ou antropófago),
uma junção dos termos aba
(homem), pora (gente) e ú
(comer). A tela foi pintada por
Tarsila em 1928 e oferecida ao seu
marido, o escritor Oswald de
Andrade. Os elementos que
constam da tela, especialmente a
inusitada figura, despertaram em
Oswald a ideia de criação do
Movimento Antropofágico.
O Movimento consistia na deglutição da cultura estrangeira, incorporando-a na
realidade brasileira para dar origem a uma nova cultura transformada, moderna
e representativa da nossa cultura. Na pintura vemos um homem com grandes
pés e mãos, e ainda o sol e um cacto. Estes elementos podem representar o
trabalho físico que era o trabalho da maioria naquela altura. Por outro lado, a
cabeça pequena pode significar a falta de pensamento crítico, que se limita a
trabalhar com força mas sem pensar muito, sendo então uma possível crítica
para a sociedade daquela época. O homem representado transmite uma certa
melancolia, pois o posicionamento da cabeça e expressão denotam alguma
tristeza ou depressão. Além disso, o pé grande também pode revelar uma forte
conexão do ser humano com a terra. Quanto às cores usadas, para haver uma
clara alusão ao Brasil pois há destaque para o verde, amarelo e azul, cores
predominantes da bandeira brasileira. Este quadro, que tem oitenta e cinco
centímetros de altura e setenta e três centímetros de largura, é considerado por
alguns críticos como o quadro mais importante produzido no Brasil.
 11 – CONHECENDO A ARTISTA: TARSILA DO AMARAL – EXERCÍCIO 2.

Conheça Operários, de Tarsila do Amaral: A artista foi uma das Praticar a arte: Pesquise em jornais e revistas diferentes rostos para fazermos uma colagem em homenagem à obra
figuras centrais da primeira fase do Modernismo Brasileiro. A “Operários”, da artista Tarsila do Amaral. Procure por rostos pequenos e cole-os sobrepostos.
pintura retrata o momento da industrialização brasileira,
principalmente, a paulistana. Com Getúlio Vargas, o País passou
a se industrializar a classe operária começou a surgir. O quadro
mostra a diversidade cultural de um povo oprimido pelas elites,
representada pela fábrica ao fundo. Embora as pessoas estejam
em primeiro plano e todas tenham traços diferentes, não é fácil
diferenciá-las. Elas parecem todas iguais, representando,
portanto, um sistema que massifica o cidadão.

No quadro os operários são apresentados com os rostos

sobrepostos, o que remete à massificação do trabalho e às
condições precárias de vida nas cidades. Diversas etnias
aparecem na obra, fazendo menção à migração de diferentes
locais do Brasil e do mundo para as grandes metrópoles. A
expressão dos operários representados passa ao espectador a
sensação de tristeza, indiferença e cansaço. Esses sentimentos
representam as péssimas condições de trabalho às quais os
migrantes estavam submetidos, assim como remetem à falta de
perspectiva que predominava no contexto de opressão da Era
Vargas.
 12 – CONHECENDO O ARTISTA: PÉRICLES MARANHÃO.

Péricles de Andrade Maranhão nasceu em Recife, no dia 14 de agosto de 1924 e faleceu na cidade do Rio de Janeiro, em 31 de dezembro de 1961. foi um cartunista
brasileiro de grande sucesso nos anos 1940 e 50. Criado em Pernambuco, em 1942 Péricles mudou-se para o Rio de Janeiro, onde começou sua carreira nos veículos
dos Diários Associados, de Assis Chateaubriand com As aventuras de Oliveira, o Trapalhão, publicadas na revista A Cigarra, também publicado como tira na revista O
Guri. Em outubro de 1943 a revista O Cruzeiro começou a publicar as histórias do Amigo da Onça, que se transformaria em um dos personagens mais populares do
país, criado a pedido de Leão Gondim, editor da revista O Cruzeiro, inspirado nos cartoons Enemies of Man da revista americana Esquire e El enemigo del Hombre,
personagem criado por Guillermo Divito para a revista argentina Patoruzú, seu nome veio de uma anedota. O pernambucano Péricles é o criador de um dos
personagens mais populares do humor gráfico brasileiro, o Amigo da Onça. Espécie de herói irônico ou "figura do homenzinho macunaímico que satiriza costumes e
acontecimentos", o personagem encarna com olhar cínico e dissimulado o espírito de porco que se encontra em algum lugar entre o malandro carioca da Lapa e o
grã-fino da vida mundana do Rio de Janeiro. Sempre alinhado, de cabelo engomado, calças pretas, paletó branco e gravata-borboleta, o Amigo da Onça está pronto
para tirar vantagem de tudo, em geral colocando seus interlocutores em situações humilhantes e vexatórias.
Dois caçadores conversam em seu acampamento:
— O que você faria se estivesse agora na selva e uma onça aparecesse na sua frente?
— Ora, dava um tiro nela.
— Mas se você não tivesse nenhuma arma de fogo?
— Bom, então eu matava ela com meu facão.
— E se você estivesse sem o facão?
— Apanhava um pedaço de pau.
— E se não tivesse nenhum pedaço de pau?
— Subiria na árvore mais próxima!
— E se não tivesse nenhuma árvore?
— Sairia correndo.
— E se você estivesse paralisado pelo medo?
Então, o outro, já irritado, retruca:
— Mas, afinal, você é meu amigo ou amigo da onça?

Praticar a arte: Leia a anedota a seguir e crie uma ilustração. Coloque

as falas nas personagens dentro dos balões e crie uma história em
quadrinhos para a personagem “Amigo da Onça”, do artista Péricles
Maranhão. Aplique as cores que desejar.
 13 – CONHECENDO O ARTISTA: CÂNDIDO PORTINARI.

Um dos maiores artistas brasileiros do século XX retratou com grande emoção a cultura, a infância, as mazelas e as questões sociais do
Brasil, contribuindo para que a cultura brasileira fosse reconhecida em âmbito internacional. Cândido Portinari nasceu no interior de
São Paulo numa cidadezinha chamada Brodowski em 30 de dezembro de 1903. Filho de imigrantes italianos teve uma infância pobre
numa fazenda de café. Desde muito cedo já expressa gosto pela arte, começando a pintar com nove anos de idade. Portinari participou
ativamente, ao lado de escritores, poetas, jornalistas e artistas, da vida cultural e política do país e das mudanças estéticas as quais
passava o Brasil no começo do século XX. Em sua trajetória como artista ganhou muitos prêmios em salões de artes e morou na França
no ano de 1930 após ganhar o Prêmio de Viagem a Europa, lá aproveita para visitar inúmeros museus e estudar bastante. Portinari
retorna da Europa, animado para pintar quadros exaltando a cultura brasileira, seu povo, sua natureza e sua história. Além de retratar
as questões sociais de seu país, Portinari é bastante influenciado pelos movimentos artísticos da Europa como o Cubismo e o
Surrealismo. Grande admirador de Picasso, após conhecer a obra Guernica, suas obras começaram a apresentar um caráter de
denúncia com relação às questões sociais do Brasil. Seu interesse foi desde o início criar uma pintura baseada nos tipos brasileiros.
Praticar a arte: Observe a imagem da obra “Palhacinhos na gangorra”, de
Cândido Portinari. Observe as formas geométricas que o artista usou e as
cores suaves. Faça uma releitura no espaço ao lado homenageando o
artista.

Portinari pintou quase cinco mil obras, de pequenos esboços a

gigantescos murais. Foi o pintor brasileiro a alcançar maior projeção
internacional. O quadro “Palhacinhos na gangorra”, foi pintado em 1957,
com 54 centímetros de altura e 65 centímetros de largura. Tinta a óleo
sobre madeira compensada.
 14 – CONHECENDO O ARTISTA: OSWALDO GOELDI.

Oswaldo Goeldi, expressionista, preocupado com o mistério do mundo, com o significado do

ser e do existir, ia buscando na paisagem os pequenos segredos da existência, segredos que
desvendava à custa de lágrimas e suor, à custa de um trabalho árduo, mais que cotidiano, um
trabalho de todas as horas, com o sol e, principalmente, com a noite. Com a goiva abria os
sulcos da vida; com incisões firmes, traçava os caminhos da luz, essa luz terrivelmente forte a
recortar os perfis dos homens magros, dos trabalhadores do mar e dos animais abandonados.
Dava à madeira uma função nova, criava-lhe a seiva perdida, fazia-a participar de novo da
vida esvaída há tempos. A madeira lisa se transformava num mundo fantástico, de peixes,
homens, animais, casas: Goeldi, o artista, derramava a sua alma, como um raio e como tinta.
Mesmo a morte vem iluminada entre os corvos e galhos de árvores secadas.

Praticar a arte: Observando as obras do artista Oswaldo Goeldi vemos que ele trabalhava a monocromia e seu estilo
sempre ea carregado de interpretações e melancolia. Vamos criar um desenho no espaço com o fundo preto abaixo assim
como fazia o artista. Você pode escolher uma ou duas cores para compor sua criação. Poderemos utilizar o goache branco,
o giz de cera branco, ou até mesmo o corretivo. Crie um título para a sua obra.
 15 – CONHECENDO O ARTISTA: ISMAEL NERY.

Ismael Nery nasceu em Belém no dia 09 de outubro de 1900. Ainda na infância, mudou-se para o Rio de Janeiro. Tudo
indica que se aproxima das artes na juventude. Provavelmente, freqüenta a Escola Nacional de Belas Artes - Enba,
entre 1915 e 1916, mas não se adaptou ao caráter acadêmico do curso. Nesse período, dedica-se à cópia em gesso de
esculturas da Antigüidade greco-romana e, por meio delas, desenvolve interesse pela figura humana, tema que iria
tomar a maior parte de suas inquietações artísticas. Na Enba faz aulas com Henrique Bernardelli (1858 - 1936), cujos
incentivo e elogios o animam a seguir estudando arte. Ismael Nery é uma das personalidades mais inquietas do
modernismo brasileiro. Dedica-se à pintura e ao desenho, sem nunca delimitar seu campo de atuação. Assim,
também produz poemas e elabora reflexões teóricas. Em vida, não se define como artista plástico. Mário Pedrosa
(1900 - 1981), crítico de arte e amigo de Nery, lembra que ele "nunca quis ser artista profissional". Sua pintura
aparece como um nicho onde ele formula parte de suas reflexões metafísicas, uma materialização de suas idéias
sobre o que era necessário a todos os homens, universalmente, independentemente da época e do lugar.

Praticar a arte: Observando algumas obras do artista Ismael Nery, desenhe o busto de uma pessoa que você admira. Você
pode desenhar alguém da sua família ou um artista da sua preferência, ou até mesmo um autorretrato. Use linhas retas e
curvas e figuras geométricas. Aplique as cores que desejar.
 16 – CONHECENDO O ARTISTA: ALBERTO DA VEIGA GUIGNARD.

Alberto da Veiga Guignard (1896-1962) foi um pintor, desenhista, ilustrador e gravador brasileiro. Pintou
oníricas paisagens de Minas Gerais. Foi um dos expoentes da pintura modernista brasileira. Alberto nasceu
em Nova Friburgo, Rio de Janeiro, no dia 25 de fevereiro de 1896. Além de nascer com o lábio leporino, teve
uma vida cheia de episódios trágicos, a começar pelo suicídio do pai. Depois de viúva, sua mãe uniu-se a um
barão alemão, bem mais jovem e falido. Com ele mudou-se para a Europa, em 1907, levando Guignard. Teve
o incentivo da mãe para se desenvolver nas artes. Alberto da Veiga Guignard viveu em meio às dificuldades
financeiras, mas produziu uma obra de notável apuro técnico, que sobressai pela delicadeza dos traços e pela
pureza de tons com os quais construía as paisagens mineiras sempre envoltas em uma atmosfera de sonhos.
O apuro técnico de seu processo artesanal possibilitava as límpidas nuances que lhe são características. Antes
de começar uma pintura, ele cobria a tela com uma tinta cinza, com o objetivo de garantir maior unidade e ao
mesmo tempo contraste entre as cores – uma técnica adotada pelos renascentistas.
Praticar a arte: Vamos fazer intervenções através de desenhos e cores na obra do artista Alberto da Veiga. Desenhe elementos na paisagem e aplique as cores que desejar.
 17 – CONHECENDO O ARTISTA: JOSÉ PANCETTI.

Filho de imigrantes italianos, José Pancetti nasce em Campinas (SP) e viaja para a Itália ainda criança, em 1913, por causa das dificuldades
financeiras da família. Vive em companhia de um tio, negociante de mármore, na região da Toscana, em Massa-Carrara e depois em
Pietra Santa, com os avós. Tem várias ocupações até ingressar na Marinha Mercante. Volta ao Brasil em 1920, exerce diferentes ofícios
até entrar, dois anos depois, para a Marinha de Guerra, onde permanece até 1946. As constantes viagens não lhe permitem um
aprendizado artístico regular. Há, na obra de Pancetti na Almeida e Dale, telas de um cromatismo vibrante que remete às naturezas de
Cézanne, em especial a pintura de menor dimensão na mostra, que, longe de ser uma representação naturalista, revela um
entendimento intuitivo das questões formais do francês, para o qual não existia propriamente uma questão de gênero – uma natureza-
morta poderia ser o equivalente a um retrato. Também em Pancetti, mangas e frutas cítricas eram apenas pretexto para pintar. Tanto
que uma de suas telas na mostra (Janela do Meu Atelier na Bahia, 1951) é um híbrido de natureza-morta e paisagem, com frutas em
primeiro plano, uma casa e o mar ao fundo.
Praticar a arte: Escolha entre as imagens apresentadas
abaixo um para você se inspirar e produzir uma composição
em homenagem ao artista José Pancetti. Utilize diferentes
materiais (lápis de cor, giz de cera, tinta acrílica etc.) para
criar as texturas que desejar.
 18 – CONHECENDO O ARTISTA: FLÁVIO DE CARVALHO.

Nascido no dia 10 de agosto de 1899 em Barra Mansa, no Rio de Janeiro, é um grande representante do
Movimento Modernista. Entre suas várias áreas de atuação, pintura, arquitetura, teatro, figurinos e
performances, o que mais se exaltava era o seu interesse pelo experimental, a total fuga das regras e formas
academicistas de tratar a arte. Seu estilo era bastante peculiar e sua fusão de estilos também. O artista tinha
traços surrealistas, cubistas, do expressionismo alemão, além de um grande apego ao polêmico e renovador.
Tinha como ideia a antropofagia pura, releitura de movimentos artísticos europeus, para a sociedade
brasileira, buscando sempre um contato direto com o espectador. Seu interesse era em despertar reações
psicológicas em quem via seus trabalhos. Desde a pintura às peças de teatro o artista Flávio de Carvalho é
identificado como macabro e exagerado. Na pintura Flávio tinha interesse em cores, não tanto em formas e
linhas, no teatro a ideia era elevar a ação cênica e não um texto dramático e centrado. O artista fazia suas
apresentações em cenários impensáveis, com figurinos improváveis e buscando experimentar. Além disso, fez
diversas performances buscando mostrar como a mente humana age de forma estranha quando está em
grupos e como muitas vezes consumimos sem saber por que e como.

Praticar a arte: Observe a imagem da obra “Rosto de mulher”, do artista Flávio de Carvalho. Ele usou diferentes linhas para criar os
contornos do rosto feminino e abstraiu as cores. Sobreponha uma folha de papel vegetal ao rosto da personagem e com a canetinha
preta marque, com gestos livres, os contornos do rosto, assim como fez o artista.

“Rosto de mulher”
Data: 1969
Técnica: nanquim sobre papel
Tamanho: 70 x 50 cm
Doação artista
 19 – CONHECENDO O ARTISTA: CLÓVIS GRACIANO.

Nasceu em Araras, São Paulo, em 1907. Em 1927, inicia sua carreira artística, pintando tabuletas, carros e
sinalizações da Estrada de Ferro Sorocabana no interior paulista. Na década de 1930 começa a pintar, sempre
como autodidata, com grande interesse pelas tendências modernas, com as quais travou contato através de
publicações e álbuns. Em 1934, faz suas primeiras pinturas a óleo e aquarela. Ligou-se a partir de 1935 a Rebôlo
Gonzales e Mário Zanini, integrantes do chamado Grupo Santa Helena. Começa a participar de coletivas em 1937,
quando expôs no I Salão da Família Artística de São Paulo, do qual foi um dos fundadores. Desde então, participa
de diversos Salões Oficiais e Coletivas, conquistando o prêmio de viagem ao exterior no Salão Nacional de Belas
Artes, Divisão Moderna, seguindo para a Europa em 1949 e retornando em 1951. A partir dos anos 50, dedicou-se
ao muralismo, executando cerca de 120 painéis pelo estado de São Paulo, e à cenografia e indumentária teatral,
trabalhando para o Grupo de Teatro Experimental, Grupo Universitário de Teatro e Teatro Brasileiro de Comédia
(TBC). Mário de Andrade destacou na pintura de Clóvis Graciano “o peso em luta com a leveza, a efusão dramática
do movimento”.

Praticar a arte: O artista Clóvis Graciano também se dedicava a pintar naturezas-mortas. Observe as imagens de algumas obras feitas
por ele. Se inspire em uma delas e crie um composição em natureza-morta. Aplique as cores que desejar.
 20 – CONHECENDO O ARTISTA: ALFREDO VOLPI.

Alfredo Volpi nasceu em Lucca, Itália, a 14 de abril de 1896. Em 1897, a família Volpi emigra para São Paulo e se estabelece na região
do Ipiranga, com um pequeno comércio. Destino comum aos filhos de imigrantes italianos, Volpi inicia-se em trabalhos artesanais e,
em 1911, torna-se pintor decorador. Talvez daí decorra o gosto pelo trabalho contínuo e gradual da sua linguagem estética, próprio
da valorização de um “saber fazer”. Até os anos 30, Volpi elabora sua técnica e, principalmente, a partir da década de 1930, emerge
um trabalho mais consciente, utilizando-se das cores para a construção de um equilíbrio muito próprio. Por esses tempos, Volpi
aproxima-se de artistas como Fúlvio Pennachi e Francisco Rebolo Gonsales, integrando o Grupo Santa Helena. A denominação do
grupo, e a inserção de Volpi nele, é oriunda mais de uma proximidade física dos pintores (que pintavam em uma sala do Edifício Santa
Helena) e da sua origem comum do que de uma identificação estética. Volpi destoava do grupo especialmente por não ser um pintor
conservador. Um dos maiores pintores da história da arte brasileira e conhecido como o mestre das bandeirinhas.. Autodidata,
trabalhou como encanador, marceneiro-entalhador e encadernador até se tornar pintor decorador de interiores e decorador de
paredes (1912). Realizou a decoração mural (1918), do Hospital Militar do Ipiranga, com o pintor Alfredo Tarquínio.

Praticar a arte: Observe como o artista Alfredo Volpi

gostava de trabalhar com bandeirinhas em suas obras.
Inspirados por esse elemento construir uma
composição no espaço ao lado através de recortes e
colagem de papéis coloridos diversos. Faça o fundo de
um cor e acrescente várias bandeirinhas. Use
quadrados e triângulos sobrepostos.
 21 – CONHECENDO O ARTISTA: LASAR SEGALL.

Foi um ator, escultor e gravurista judeu brasileiro nascido na Lituânia a 21 de Julho de 1891. Seu trabalho teve
influências do impressionismo, expressionismo e modernismo. Seus temas mais significativos foram
representações pictóricas do sofrimento humano: a guerra e a perseguição. Foi um dos primeiros artistas
modernistas a expor no Brasil. Morreu a 2 de Agosto de 1957 na cidade de São Paulo. O trabalho de Segall teve
influências do impressionismo, expressionismo e modernismo. Seus temas foram representações pictóricas do
sofrimento humano: a guerra e a perseguição. Ao se mudar para o Brasil, Lasar Segall encantou-se pelas cores
vibrantes do país, vivendo em pleno modernismo. Nas suas obras decorativas encontramos o estilo nacional que
era pregado pelo movimento e a paixão do artista pelo país. Entre as influências do pintor estão o expressionismo
e o impressionismo. Mas, além disso, foi capaz de perceber a sociedade em que vivia e como artista do
modernismo expressar as emoções vividas em sua época. Em uma viagem a Campos do Jordão, Lasar Segall ficou
impressionado com a paisagem da cidade do interior paulista e fez questão de registrá-la em suas telas.
Praticar a arte: Vamos conhecer a obra “O Bananal”, do artista Lasar Segall. Leia o texto explicativo e observe atentamente a imagem da
obra. Depois, vamos aplicar cor no desenho. Você pode usar as cores que desejar.
Nesta obra, temos em primeiro plano a figura centralizada de um homem negro e é o elemento
iconográfico mais forte na composição. Trata-se da figura de um senhor idoso chamado Olegário, que
fora escravo na fazenda de amigos do artista. Logo atrás dele, há uma densa plantação de bananeiras,
que ocupam quase toda a superfície da tela, emparedando e acuando a figura do negro. Seu olhar vazio
e translúcido, por onde tudo passa, também tudo aceita. O primeiro plano desta figura, seu colorido
mais quente e seu longo pescoço contrastante com a planicidade da vasta plantação ao fundo, só
enfatizam seu lugar de importância social.
As linhas de contorno são sutis, estão aí para demarcarem os limites entre figura e fundo, que têm suas diferenças explícitas, mas
também suas interligações: enquanto a figura central é extremamente expressiva e suas soluções plásticas remetem a máscaras
africanas e composições cubistas, o fundo é preenchido com uma representação bem abstrata e descritiva do que seria este bananal,
transitando entre formas geométricas e tons de verdes e azuis num caráter bastante ornamental.
 22 – CONHECENDO O ARTISTA: FRANCISCO REBOLO.

Francisco Rebollo Gonsales nasceu no dia 22/08/1902, em São Paulo, sendo filho de imigrantes espanhóis que
chegaram ao Brasil no final do século XIX. Viveu intensamente duas trajetórias: primeiramente, jogador de
futebol de 1917 a 1932, atuou no Corinthians (1921 a 1927) e no Ypiranga, ambos clubes da cidade de São
Paulo; a partir de 1934, torna-se pintor e completa no seu falecimento (10/7/1980) uma história de quase meio
século como importante artista plástico. Um fato curioso uniu suas duas atividades: na década de 30, pintor já
conhecido, desenhou o símbolo definitivo do Corinthians, que é hoje um ícone nacional. Rebolo foi considerado
pela melhor crítica do período um dos mais importantes paisagistas da pintura nacional. Não obstante sua
consagração como mestre da paisagem, sua apreciada obra, com um total estimado superior a 3000 pinturas,
centenas de desenhos e um conjunto de 50 diferentes gravuras, de variadas técnicas, envolve também como
temática um expressivo conjunto de retratos, figuras, naturezas-mortas e flores.

Praticar a arte: Observe abaixo a imagem de uma das inúmeras paisagens pelo artista Francisco Rebolo. Através do desenho, dê
continuidade à pintura conforme até completar todo o espaço. Aplique as cores que desejar.
 23 – CONHECENDO O ARTISTA: LÍVIO ABRAMO.

Lívio Abramo (Araraquara / SP, 1903 – Assunção / Paraguai, 1992) ele, os irmãos e irmãs cresceram em um
ambiente especial e tornaram-se artistas, jornalistas e intelectuais, cujas contribuições foram importantes
para o cenário cultural brasilero. Seus pais foram sua principal influência artística, pois, ambos sensíveis às
Artes, incentivavam os filhos à frenquentarem eventos artísticos gerais. Seu sonho era ser arquiteto, mas
problemas financeiros o impediram de concretizar seu ideal. Sua “fuga” foi se especializar na técnica da
gravura, o que, para ele compensou a frustração; aprimorou seu conhecimento e apaixonou-se por essa
arte. Foi pela influência de gravuras expressionistas alemãs de Kathe Kollwitz entre outros que ele disse: - É
isso que eu quero fazer! Só foi reconhecido artisticamente quando suas xilogravuras alcançaram uma
riqueza impressionante de detalhes precisos. Ganhou diversos prêmios e algumas honrarias como a ordem
do Rio Branco. Lívio possuia uma personalidade forte, uma integridade inabalada e inteligência abrangente.
Produziu gravuras, desenhos, charges, design de objetos, textos críticos, aulas e curadoria de exposições.

Praticar a arte: Com o uso do giz pastel branco faça um desenho de uma paisagem de uma cidade no estilo do artista Lívio Abramo.
Depois de pronto borrife uma solução de cola diluída com água para fixar. Essa pode ser uma ideia para a criação de sua gravura.
 24 – CONHECENDO O ARTISTA: CARLOS SCLIAR.

Carlos Scliar (Santa Maria / Rio Grande do Sul, 21 de junho de 1920 – Rio de Janeiro, 28 de abril de 2001), desenhista, gravador, pintor,
ilustrador, cenógrafo, roteirista e designer gráfico. Iniciou, desde cedo, alguns cursos de arte em Porto Alegre e participou da fundação
da Associação Riograndense de Artes Plásticas Francisco Lisboa. Aos 30 anos foi para Paris estudar gravura na Ecole des Beaux-Arts.
Trabalhou em Porto Alegre, Rio de Janeiro e São Paulo fazendo ilustrações para revistas, livros e cenários teatrais e mantendo contato
com diversos artistas como Enrico Bianco, Joaquim Figueira, Cândido Portinari, Burle Marx, Flávio de Carvalho, entre outros. Participou
constantemente de exposições no Brasil e em todos os centros artísticos mundiais, registrando sempre absoluto sucesso. Ativista social,
engajou-se em vários movimentos, como o 1º Congresso da Juventude Democrática, na Checoslováquia e em manifestações brasileiras,
seja produzindo cartazes, seja ilustrando livros e revistas. Gravurista por opção, apaixonou-se pela serigrafia, em cuja técnica
desenvolveu várias séries. Aliás, uma das importantes características de Carlos Scliar era a sua capacidade de inovar, buscando novos
materiais que lhe servissem de base e técnicas as mais variadas, desde têmpera até o acrílico, passando pelas artes gráficas. Pintou
quadros, mas também fez murais e até ilustrou vários bilhetes da Loteria Federal, premiados com sua arte.
Praticar a arte: Carlos Scliar possuía o estilo cubista em suas
obras, ou seja, linhas retas e a geometrização das formas.
Observe algumas imagens das obras feitas por ele. Através do
desenho e da cor, transforme a imagem sugerida em uma
composição abstrata geométrica homenageando o artista.
 25 – CONHECENDO A ARTISTA: DJANIRA DA MOTTA E SILVA.

Djanira nasce no interior de São Paulo, numa família de poucos recursos. Casa-se com um maquinista da Marinha Mercante, e cedo fica viúva. Aos 23 anos, é
internada com tuberculose no Sanatório Dória, em São José dos Campos, onde faz seu primeiro desenho: um Cristo no Gólgota. Com a melhora, continua o
tratamento no Rio de Janeiro, e reside em Santa Teresa, por causa de seu ar puro. Em 1930, aluga uma pequena casa no bairro e instala uma pensão familiar. Um
de seus hóspedes, o pintor Emeric Marcier (1916 - 1990), a incentiva e lhe dá aulas de pintura. Djanira também freqüenta, à noite, o curso de desenho no Liceu
de Artes e Ofícios. A sua pintura dos anos 1940 é geralmente sombria, utiliza tons rebaixados, como cinza, marrom e negro, mas já apresenta o gosto pela
disciplina geométrica das formas. Na década seguinte, sua palheta se diversifica, com uso de cores vibrantes, e em algumas obras trabalha com gradações tonais
que vão do branco ao cinza-claro. Apresenta em seus tipos humanos uma expressão de solene dignidade. A artista sempre busca aproximar-se dos temas de suas
obras: no fim da década de 1950, após convivência de seis meses, pinta os índios canela, do Maranhão. Na década de 1970, desce às minas de carvão de Santa
Catarina para sentir de perto a vida dos mineiros e viaja para Itabira para conhecer o serviço de extração de ferro. Djanira trabalha ainda com a xilogravura,
gravura em metal, e faz desenhos para tapeçaria e azulejaria. Em sua produção, destaca-se o painel monumental de azulejos para a capela do túnel de Santa
Bárbara (1958), no Rio de Janeiro. Djanira é uma artista que não improvisa, não se deixa arrebatar, e, embora possuam uma aparência ingênua e instintiva, seus
trabalhos são conseqüência de cuidadosa elaboração para chegar à solução final.
Praticar a arte: Observe a imagem de uma das obras de arte
de Djanira da Motta. Analise a formas, as direções das linhas,
as cores do fundo e a distribuição das personagens na
composição. Faça um desenho com o mesmo tema no espaço
ao lado. Aplique as cores que desejar. Crie um título para a
sua obra.

Título: “Meninos com Pipa”

Estudo de painel
Técnica: Acrílica sobre tela.
Djanira (1966)
 26 – CONHECENDO O ARTISTA: FRANCISCO BRENNAND.

Francisco Brennand inicia sua carreira como pintor e escultor no fim da década de 1940. Em seus quadros, pinta
flores e frutos que parecem flutuar no espaço pictórico, realizados com linhas simplificadas e cores puras.
Posteriormente, descobre seu meio de expressão na cerâmica, reforma a fábrica de cerâmica de seu pai, próxima
a Recife, então quase abandonada, transformando-a em um ateliê, que povoa de seres fantásticos,
representados em relevos, painéis, objetos cerâmicos e esculturas. O artista trabalha a cerâmica não só com a
forma mas também com a cor. Obtém uma grande quantidade de tonalidades por meio das variações de
temperatura que atuam sobre os pigmentos durante a queima das peças. As esculturas de Brennand apresentam
o caráter de tótens, ou se relacionam a signos da tradição popular. Em muitas obras, apresenta criaturas
aterradoras, monstros, seres deformados ou que revelam um caráter trágico. Algumas esculturas estão ligadas a
rituais de fertilidade, de culturas arcaicas, apresentando um caráter fortemente sexual. Produz figuras que
freqüentemente têm um aspecto trágico, cuja estranheza é acentuada pelo acabamento rude.

Praticar a arte: Observando as imagens das obras do artista Francisco Brennand, aplique desenhos na imagem da cerâmica
abaixo. Use as cores que desejar.
 27 – CONHECENDO O ARTISTA: CARYBÉ.

O artista Hector Julio Páride Bernabó, mais conhecido como Carybé, nasceu no dia 7 de fevereiro de 1911 na cidade de Lanús, localizada na zona sul de Buenos Aires. Ele se
tornaria famoso pintor, gravador, desenhista, ilustrador, ceramista, escultor, muralista, pesquisador, historiador e jornalista. Ele passou alguns anos na Itália, dos 6 meses
aos 8 anos, partindo então para o território brasileiro, a princípio residindo no Rio de Janeiro, onde o pintor realizou seus estudos na Escola Nacional de Belas Artes. Seu
principal estilo se resume na pintura figurativa, a qual lembra a estética abstrata. No solo carioca Hector ganhou o apelido que o consagraria como artista, pois no grupo de
escoteiros do Clube do Flamengo que ele integrava cada um recebia a denominação de um peixe; coube a ele Carybé, que designava uma espécie de piranha. Para se
destacar no campo artístico e se diferenciar do irmão, que tinha um nome similar e era igualmente artista plástico, ele assumiu este epíteto como pseudônimo. De 1935 a
1936 ele atua ao lado do escritor argentino Julio Cortázar e trabalha como desenhista no jornal El Diário. Em função de seu trabalho ele é enviado para Salvador, em 1938,
tornando-se um legítimo baiano a partir de 1950. Em 1957 ele finalmente se naturaliza brasileiro.

Praticar a arte: Observando as imagens de algumas produções do artista Carybé, vamos aplicar as cores no desenho abaixo para homenagearmos esse artista brasileiro.
 28 – CONHECENDO O ARTISTA: IBERÊ CAMARGO.

Pintor e gravador brasileiro nascido em Restinga Seca, RS, um dos mais legítimos representantes do abstracionismo expressionista no Brasil. Estudou com
Guignard ganhou um prêmio de viagem ao exterior (1947) na divisão moderna do Salão Nacional de Belas-Artes. Assim pode estudar gravura com Carlo Alberto
Petrucci, em Roma, e pintura com André Lhote e Giorgio De Chirico, em Paris. De volta ao Brasil, morou no Rio de Janeiro, dedicou-se ao ensino da gravura,
sobretudo em metal, técnica na qual se especializou. Organizou os salões Preto e Branco (1954) e Miniatura (1955) e consolidou o abstracionismo
expressionista com sua obra Carretéis (1960). Premiado como o melhor pintor nacional na VI Bienal de São Paulo (1961), cresceu em prestígio tanto no Brasil
como no exterior. Apresentou-se em exposições individuais ou coletivas em cidades como Washington, Nova York, Paris, Montevidéu e Barcelona, e coroou
sua carreira com a realização de um painel de grandes proporções para a sede da Organização Mundial de Saúde, em Genebra (1966). Nos últimos cinco anos
de vida morou em Porto Alegre, capital estadual onde morreu.

Praticar a arte: Observe a imagem da obra “Ciclistas”, do artista Iberê

Camargo. Com o uso do carvão faça um desenho de você andando de
bicicleta, inspirado pela obra do artista.

Título: “Ciclistas”
Técnica: Tinta óleo sobre tela.
Tamanho: 180 x 213 cm
Ano: 1989
Coleção Maria Coussirat Camargo – Fundação Iberê Camargo.
 29 – CONHECENDO O ARTISTA: GLÊNIO BIANCHETTI.

Glênio Bianchetti inicia sua trajetória na década de 1940, integrando o Grupo de Bagé. Em 1947, vai para
Porto Alegre, onde estuda no Instituto de Belas Artes. Participa da fundação do Clube de Gravura de Porto
Alegre, grupo que realiza uma produção artística de caráter social, tratando da realidade das classes mais
pobres, do trabalho e dos costumes regionais. A produção de Bianchetti, na década de 1950, é realizada
principalmente em xilografia e linoleogravura, e mostra operários em olarias ou meninos brincando,
geralmente em espaços abertos. Destaca-se a qualidade do desenho e o uso apurado dos contrastes entre
claro e escuro, sem gradações intermediárias, como ocorre em Sempre Vivas (1952) ou em Mulher
Costurando (1957), na qual nota-se a influência do expressionismo. A partir da década de 1960, o artista
trabalha principalmente com pintura e, no campo da gravura, com litografia e gravura em metal. Na
pintura, os temas principais de Bianchetti são a figura humana, a natureza-morta e a paisagem. No quadro
Paisagem de Bagé (1949), emprega grande simplificação formal, uma pincelada gestual e uma gama
cromática que confere à obra certo caráter dramático. Seus quadros revelam a admiração pelo cubismo e
interesse pela abstração. A partir da década de 1970, o artista utiliza os grafismos ao lado das manchas de
cor, em obras de cores muito contrastantes, como em Moça Lendo (1973).

Praticar a arte: Vamos observar a imagem da obra de arte de Glênio Bianchetti e seu esboço ao lado. Observe com o artista aplicou
diferentes tipos de linhas em sua composição e como escolheu as cores para compor sua obra. Aplique as cores que desejar no esboço.
 30 – CONHECENDO O ARTISTA: ALDEMIR MARTINS. ATIVIDADE 1.

O artista plástico Aldemir Martins nasceu em Ingazeiras, no Vale do Cariri, Ceará em 8 de novembro de 1922. A
sua vasta obra, importantíssima para o panorama das artes plásticas no Brasil, pela qualidade técnica e por
interpretar o “ser” brasileiro, carrega a marca da paisagem e do homem do nordeste. Aldemir Martins serviu ao
exército de 1941 a 1945, sempre desenvolvendo sua obra nas horas livres. Em 1945, mudou-se para o Rio de
Janeiro e, em 1946, para São Paulo. De espírito inquieto, o gosto pela experiência de viajar e conhecer outras
paragens é marca do pintor, apaixonado que é pelo interior do Brasil. Seus traços fortes e tons vibrantes
imprimem vitalidade e força tais à sua produção que a fazem inconfundível e, mais do que isso, significativa para
um povo que se percebe em suas pinturas e desenhos, sempre de forma a reelaborar suas representações.
Aldemir Martins pode ser definido como um artista brasileiro por excelência. A natureza e a gente do Brasil são
seus temas mais presentes, pintados e compreendidos através da intuição e da memória afetiva. Nos desenhos de
cangaceiros, nos seus peixes, galos, cavalos, nas paisagens, frutas e até na sua série de gatos, transparece uma
brasilidade sem culpa que extrapola o eixo temático e alcança as cores, as luzes, os traços e telas de uma cultura.

Praticar a arte: Desde o início da carreira a sua produção envolveu a pintura de gatos, realizados com linhas sinuosas, além de outros
animais, flores e frutas. Sua obra é repleta de cores intensas e contrastantes. Vamos homenagear o artista aplicando as cores no gato.
 31 – CONHECENDO O ARTISTA: ALDEMIR MARTINS. ATIVIDADE 2.

“Integração do Brasil na Cidade de São Paulo, 1969”: A obra é fruto de uma

encomenda para o Palácio Anchieta e foi executada em 1969, mesmo ano de
inauguração da atual sede da CMSP. Os cinco painéis retratam as paisagens
brasileiras. O sol é o único elemento que se repete em todos. Quatro deles são
dedicados ao mundo natural e aos tipos locais, como o boiadeiro e o sertanista.
Apenas o painel do meio mostra uma cena urbana, ao retratar a cidade de São
Paulo. A centralidade do painel dedicado à capital paulista é a mesma que a cidade
ocupa no país. O autor é o pintor, gravador, desenhista e ilustrador Aldemir
Martins, nascido em 1922 na cidade de Ingazeiras, no Ceará. Participou da criação
do Centro Cultural de Belas Artes, em Fortaleza, que três anos depois passou a se
chamar Sociedade Cearense de Artes Plásticas.
Em 1945, viajou para o Rio de Janeiro, e, menos de um ano
depois, muda-se para São Paulo, onde realizou sua primeira
individual. Entre 1949 e 1951, frequentou os cursos do Museu
de Arte de São Paulo (Masp) e se tornou monitor da
instituição. Em 1956, recebeu o prêmio de melhor desenhista
internacional na 28ª Bienal de Veneza. Morreu na cidade de
São Paulo em 2006.
Praticar a arte: Com o uso da régua, compasso, transferidor e demais instrumentos de desenho, produza uma releitura da
obra em destaque do artista Aldemir Martins. Aplique as cores que desejar.
 32 – CONHECENDO O ARTISTA: JOSÉ BERNARDO CARDOSO JÚNIOR.

José Bernardo Cardoso Júnior, mais conhecido como Cardosinho (Coimbra, 1861 — Rio de Janeiro, 1947) foi um pintor naïf luso-brasileiro. Radicou-se no Brasil com
apenas três anos de idade, vindo com sua família, a qual depois perdeu toda em um acidente marítimo. Com isso ingressou no Seminário São José, desejando tornar-se
padre. Estudou também na Pontifícia Universidade Gregoriana, em Roma, mas abandonou os estudos e a vocação, retornando ao Brasil em 1877 para dedicar-se ao
ensino de latim e francês no Colégio Batista de Juiz de Fora. Transferindo-se para Campos, foi indicado Inspetor Escolar, função de exerceu até aposentar-se aos 70
anos, quando passou a dedicar-se à pintura como lazer. Sua frequência na Sociedade de Artistas Brasileiros do Rio de Janeiro o levou a travar contato com Portinari e
Foujita, que o incentivaram na arte, e participou da exposição Pintores Modernos Brasileiros realizada em Londres em 1944. Sua obra foi uma das primeiras, dentro do
universo naïf, a ser apreciada pela crítica de arte oficial brasileira, e aborda cenas oníricas, inspiradas em cartões postais.

Praticar a arte: Cardosinho se inspirava nos antigos cartões-postais que eram ilustrados com belas paisagens. Crie seu cartão postal nos modelos abaixo. Preencha o destinatário e a
mensagem. Você pode desenhar e pintar um lugar especial que você visitou.
 33 – CONHECENDO O ARTISTA: HEITOR DOS PRAZERES.

Heitor dos Prazeres foi um compositor, cantor e pintor autodidata brasileiro. Ele nasceu no Rio de Janeiro em 23
de setembro de 1898 e faleceu em 1966. Heitor era filho do marceneiro Eduardo Alexandre dos Prazeres que
tocava clarinete e caixa na banda da Polícia Militar e Guarda Nacional, e de Celestina Gonçalves Martins dos
Prazeres. Heitor começou a trabalhar muito cedo, aos 7 anos de idade, na oficina do seu pai. No mundo da
pintura ingressou como autodidata por volta de 1937, estimulado pelo jornalista e desenhista Carlos Cavalcanti.
Heitor dominava o clarinete e o cavaquinho, e suas composições alcançaram projeção nacional. Foi um dos
pioneiros do samba carioca. Foi um dos grandes compositores do samba carioca. Heitor adotou a pintura como
hábito após a morte da esposa Glória; com a pintura teve seu trabalho reconhecido no Brasil e no exterior. Heitor
dos Prazeres em suas pinturas gostava de retratar a vida nas favelas cariocas: Crianças brincando de soltar balão
e pipas, pular corda e jogar argolas, homens jogando sinuca e baralho, jovens em festas juninas e rodas de samba
eram muito comuns em seus quadros. Uma das características mais marcantes em seus trabalhos são os rostos
das pessoas sempre pintados lateralmente e com a cabeça e o olhar para o alto. A origem de garoto pobre da
Praça Onze fez de Heitor dos Prazeres um artista sensível à vida e à cultura das favelas cariocas.

Praticar a arte: Escolha uma entre as imagens das obras de Heitor dos Prazeres apresentadas acima e faça uma releitura. Tente
desenhar as personagens com as características do artista. Aplique as cores que desejar.
 34 – CONHECENDO O ARTISTA: GERALDO DE BARROS.

Geraldo de Barros (Chavantes SP 1923 - São Paulo SP 1998). Fotógrafo, pintor, gravador, artista gráfico,
designer de móveis e desenhista. Estuda desenho e pintura, a partir de 1945, nos ateliês de diversos artistas.
Em 1946, faz suas primeiras fotos com uma câmera construída por ele mesmo. Inicialmente, fotografa jogos
de futebol na periferia de São Paulo. Ainda nesse período, realiza experimentações que consistem em
interferências no negativo, como cortar, desenhar, pintar, perfurar, solarizar e sobrepor imagens. Sua
trajetória artística o coloca na linha de frente da fotografia experimental. Coerente em sua trajetória, seus
trabalhos estão conectados ao contexto histórico, político e artístico do período em que foram
desenvolvidos. Foi da geometria à arte pop, voltando à geometria, mas sempre ligado ao desenho industrial e
a fotografia. Suas fotoformas representam uma nova era no processo de fotografia no Brasil, dá a ela novas
possibilidades, onde esta deixa o campo da mera representação e passa a ser considerada uma nova
linguagem artística. Explora ao máximo todas as possibilidades de manipulação do negativo. A fotografia lhe
permitia a possibilidade do erro, e para Geraldo era importante errar.

Praticar a arte: Observando alguns exemplos das fotoformas criadas pelo artista Geraldo de Barros, construa composiçoes
geométricas utilizando recortes de papel branco e preto no espaço abaixo.
 35 – CONHECENDO O ARTISTA: BURLE MARX.

Famoso paisagista brasileiro nascido em São Paulo, SP, que se tornou conhecido por dar às criações uma
orientação ecológica. Ainda criança, transferiu-se com a família para o Rio de Janeiro, RJ, onde estudou pintura e
arquitetura na Escola Nacional de Belas-Artes. Iniciou a carreira de paisagista (1933) trabalhando para projetos
de Lúcio Costa e logo depois foi para o Recife como diretor de parques (1934-1938), onde em seus projetos
procurou aproveitar espécies tropicais, como a vitória-régia, e a flora típica da caatinga. Além da pintura também
criou desenhos para tapeçarias e jóias, bem como murais em concreto, mosaico, azulejos e granito. Doou o Sítio
ao Governo Brasileiro (1985), mas lá permaneceu até sua morte em 4 de junho (1994). Com a doação, pretendia
garantir seu desejo de manter a integridade da propriedade como um todo, bem como criar uma escola dedicada
ao paisagismo, botânica e artes em geral. Roberto Burle Marx faleceu no dia 4 de junho de 1994, deixando como
legado não só essa enorme quantidade de jardins e praças, painéis, cerâmicas e outras obras, mas, mais que isso,
a percepção de que há uma flora brasileira para ser admirada e usada, que, antes dele, dificilmente se
encontrava nos jardins e praças de nossa país.

Praticar a arte: Observando as imagens de alguns projetos paisagísticos do artista Burle Marx, inspire-se para criar uma colagem com
diferentes cores. Recorte papéis coloridos com formas arredondadas e crie uma composição.
 36 – CONHECENDO A ARTISTA: WEGA NERY.

Wega Nery é filha de Ottilia e Leôncio Nery e bisneta do Barão de Vila Maria, Joaquim Gomes da Silva. Nascida
em Corumbá (Mato Grosso), em 10/3/1912, foi enviada, aos 6 anos de idade, para estudar no internato do
tradicional Colégio Sion, em São Paulo, junto com uma das irmãs. Com a mudança da família para Campinas,
em 1924, Wega vai morar na cidade do interior paulista. No início da década de 1930, conclui o curso ginasial
e estuda psicologia, pedagogia e didática para equiparar-se às normalistas. Após os exames, torna-se
professora e depois é nomeada inspetora federal de ensino. Nesse período, retoma o hábito de desenhar e
pintar de forma autodidata. Românticas, também, mas de maneira mais tradicional, são as pinturas
expressionistas da brasileira Wega, cujas explosões selvagens de energia visual assumem a forma de paisagens
transcendentes, entrecortadas, de montes evanescentes, induzindo à vista uma arrancada de interpretações,
a desfazer, pouco a pouco, o nosso senso de realidade visual. Seu dinamismo pictórico, embora tome a forma
tradicionalista, é tão convincente quanto qualquer ensaio adrede previsto para provocar estados emocionais.

Praticar a arte: A artista Wega Nery trabalhou a gestualidade em sua arte. Pinceladas expressivas que desconstruíam a imagem e
tornava sua impressão do mundo algo abstrato e positivo. Através do uso do goache, use seus dedos para produzir uma composição
inspirada nas obras da artista. Crie um título para a sua obra.
 37 – CONHECENDO A ARTISTA: LYGIA CLARK.

Lygia Clark foi uma artista brasileira nascida em Belo Horizonte em 1920, mudou-se para o Rio de Janeiro, em 1947, iniciou seu aprendizado artístico com Burle Marx
(1909-1994). É uma das fundadoras do Grupo Neoconcreto e participou da sua primeira exposição em 1959. Trocou sua pintura gradualmente pela experiência com
objetos tridimensionais. Realizou proposições participacionais como a série Bichos, de 1960, construções metálicas geométricas que se articulam por meio de dobradiças
e requerem a co-participação do espectador, nesse ano lecionava artes plásticas no Instituto Nacional de Educação dos Surdos. Dedicou-se à exploração sensorial em
trabalhos como A Casa É o Corpo, de 1968. Participa das exposições Opinião 66 e Nova Objetividade Brasileira, no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM/RJ).
Reside em Paris entre 1970 e 1976, período em que leciona na Faculté d´Arts Plastiques St. Charles, na Sorbonne. Nesse período sua atividade se afasta da produção de
objetos estéticos e volta-se sobretudo para experiências corporais em que materiais quaisquer estabelecem relação entre os participantes. Retornando para o Brasil em
1976 Lygia se dedicou ao estudo das possibilidades terapêuticas da arte sensorial e dos objetos relacionais. Sua prática fará que no final da vida a artista considere seu
trabalho definitivamente alheio à arte e próximo à psicanálise. A partir dos anos 1980 sua obra ganhou reconhecimento internacional com retrospectivas em várias
capitais internacionais e em mostras antológicas da arte internacional do pós-guerra.
Praticar a arte: Observe algumas obras da artista Lygia Clark.
Rasgue papéis coloridos em diferentes formas geométricas e
construa uma composição abstrata geométrica em homenagem
à artista.
 38 – CONHECENDO O ARTISTA: MARCELO GRASSMANN.

Marcelo Grassmann (São Simão/SP 1925 - São Paulo SP em 2013). Gravador, desenhista, ilustrador, professor.
Estuda fundição, mecânica e entalhe em madeira na Escola Profissional Masculina do Brás, em São Paulo, entre
1939 e 1942. Passa a realizar xilogravuras a partir de 1943. Atua como ilustrador do Suplemento Literário do
Diário de São Paulo, entre 1947 e 1948, e do jornal O Estado de S. Paulo, em 1948. Reside no Rio de Janeiro a
partir de 1949, atuando como ilustrador do Jornal do Estado da Guanabara. Freqüenta, no Liceu de Artes e
Ofícios, os cursos de gravura em metal, com Henrique Oswald (1918-1965), e de litografia, com Poty Lazzarotto
(1924-1998). Em 1952, reside em Salvador, onde trabalha com Mario Cravo Júnior (1923). Recebe, em 1953, o
prêmio de viagem ao exterior do Salão Nacional de Arte Moderna (SNAM), e viaja para Viena, onde estuda na
Academia de Artes Aplicadas. Passa a dedicar-se principalmente ao desenho, à litografia e à gravura em metal. Em
1969, sua obra completa é adquirida pelo governo do Estado de São Paulo, passando a integrar o acervo da
Pinacoteca do Estado de São Paulo (Pesp).

Praticar a arte: Observando as imagens de algumas produções artísticas de Marcelo Grassmann. Sobreponha uma folha de papel vegetal
ou papel manteiga sobre a imagem da madonna a seguir e contorne com o lápis evidenciando seus contornos apenas com linhas
aleatórias. Você também pode usar o lápis de cor que desejar. Criando assim um efeito de gravura em metal.
 39 – CONHECENDO A ARTISTA: REGINA KATZ.

Renina Katz Pedreira cursa a Escola Nacional de Belas Artes - Enba, no Rio de Janeiro, entre 1947 e 1950. Inicia-
se em xilogravura em 1946. Ingressa no curso de gravura em metal, oferecido no Liceu de Artes e Ofícios do Rio
de Janeiro. Muda-se para São Paulo em 1951, e leciona gravura no Museu de Arte de São Paulo Assis
Chateaubriand - Masp e, posteriormente, na Fundação Armando Álvares Penteado - Faap, até a década de 1960.
Em 1956, publica o primeiro álbum de gravuras, intitulado Favela. A partir dessa data, é docente da Faculdade
de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo - FAU/USP, onde permanece por 28 anos, e na qual
apresenta teses de mestrado e doutorado. Renina Katz deixa os temas ligados ao realismo social a partir da
metade da década de 1950, quando sua obra passa gradualmente a adquirir um caráter não figurativo, embora
permaneça nela a relação com a paisagem. A artista passa a enfatizar, cada vez mais, o jogo de transparências
em suas obras. Inicia a produção em litogravura na década de 1970. A maioria de suas gravuras são sugestões
de paisagens, concebidas como lugares da memória.

Praticar a arte: Preencha os espaços da gravura produzida pela artista Regina Katz usando uma cor clara. Você pode utilizar o lápis de
cor, giz de cera ou canetinha.
 40 – CONHECENDO O ARTISTA: GILVAN SAMICO.

Gilvan Samico inicia-se em pintura como autodidata. Em 1948, integra a Sociedade de Arte Moderna do Recife - SAMR, criada por Abelardo da Hora (1924), que tem
importante papel na renovação da arte pernambucana. O objetivo dessa associação é criar no Recife um amplo movimento cultural que envolvesse áreas como artes
plásticas, teatro e música, incentivando pesquisas sobre a cultura popular e suas manifestações. Em 1952, Samico é um dos fundadores do Ateliê Coletivo da SAMR,
centro de estudos de desenho e gravura, voltado para uma arte de caráter social. Vem para São Paulo em 1957, onde tem aulas com Lívio Abramo (1903 - 1992) na
Escola de Artesanato do Museu de Arte Moderna de São Paulo - MAM/SP. Da convivência com Abramo Samico guarda a preocupação em explorar as possibilidades
formais da madeira e o interesse pelas texturas muito elaboradas. O artista passa a criar ritmos lineares, que se harmonizam perfeitamente na estrutura geral de suas
obras. Viaja no ano seguinte ao Rio de Janeiro, onde freqüenta o curso livre de gravura de Oswaldo Goeldi (1895 - 1961), na Escola Nacional de Belas Artes - Enba. O
contato com o gravador é percebido no emprego de atmosferas noturnas em seus trabalhos, utilizando número reduzido de traços, e no uso muito preciso da cor. Sua
obra é marcada definitivamente pela descoberta do romanceiro popular, através da literatura de cordel e pela criativa utilização da xilogravura. O espaço de suas
gravuras é então povoado por personagens bíblicos e outros, provenientes de lendas e narrativas populares, e também por muitos animais e seres fantásticos: leões,
serpentes, dragões.
Praticar a arte: Preencha com linhas retas horizontais e verticais os espaços em branco da imagem de umas das gravuras do artista brasileiro Gilvan Samico.
 41 – CONHECENDO O ARTISTA: WALDEMAR CORDEIRO.

Figura central da arte brasileira do século XX, Waldemar Cordeiro consegue como poucos transitar do campo da produção artística para o da reflexão teórica1, tornando-
se um dos principais articuladores do concretismo no país e posteriormente abandonando esse rumo em prol de uma arte menos utópica e mais conectada com os
desafios de seu tempo. Ao longo de sua curta porém intensa carreira, Cordeiro explora com afinco e anseio investigativo algumas das principais correntes artísticas do
século XX. Sua atenção, a princípio, recai sobre o expressionismo, tendência com a qual se alinham seus primeiros trabalhos. Rapidamente, no entanto, volta seu
interesse para a defesa de uma produção de teor abstrato, radicalmente distante da figuração, do naturalismo e de uma visão hedonista da arte (arte para o prazer
estético, arte pela arte). Tem a convicção de que cabia à arte o papel de transformar o mundo, não mais por meio da denúncia ou da mera repetição de padrões estéticos
antigos, mas da execução do novo. A partir do final dos anos 1940, desenvolve no Grupo Ruptura um trabalho que se opõe tanto ao realismo social - caminho
prioritariamente seguido pelos artistas de esquerda no país, como Portinari e Di Cavalcanti - como ao caráter possivelmente decorativo do abstracionismo lírico. A
intenção é a de criar uma arte nova, objetiva, racional. Entre os aspectos mais marcantes dessa produção, estão a busca da ordem, a defesa da arte como realidade
autônoma, a utilização de materiais e instrumentos derivados da indústria, a reprodutibilidade e a busca de um sentido coletivo (o que explica sua forte sintonia com
outras artes aplicadas, como o design e o paisagismo).
Praticar a arte: Inspirando-se no estilo do artista,
recorte filetes de papéis coloridos ou preto e branco e
faça uma composição abstrata colando-os sobre um
fundo colorido.
 42 – CONHECENDO O ARTISTA: HÉLIO OITICICA.

Helio Oiticica nasceu no dia 26 de julho de 1937 na cidade do Rio de Janeiro. Foi pintor, escultor, artista
plástico e performático. Como um dos artistas revolucionários, foi também anarquista, professor e filólogo.
No ano de 1959, funda o Grupo Neoconcreto, juntamente com Amilcar de Castro, Lygia Clark, Lygia Pape e
Franz Weissmann. Criador do Parangolé, denominado por ser uma espécie de bandeira, onde mostra os tons,
cores, formas, texturas, grafismos, textos, juntamente com sua composição, como tecido, borracha, tinta,
papel, vidro, cola, plástico corda e palha, sendo considerada uma escultura móvel. O movimento Tropicália,
onde o pintor brasileiro participou, teve uma grande repercussão na época impondo a imagem brasileira
sobre o tema da vanguarda. Hélio Oiticica é um artista cuja produção se destaca pelo caráter experimental e
inovador. Seus experimentos, que pressupõem uma ativa participação do público, são, em grande parte,
acompanhados de elaborações teóricas, comumente com a presença de textos, comentários e poemas.

Praticar a arte: Pinte, recorte e cole, criando assim uma composição geométrica com as figuras abaixo assim como fez o artista Helio
Oiticica. Agrupe as formas para que elas fiquem ordenadas. Use todas elas. Você também pode experimentar com outras formas
(círculo, triângulo etc.).
 43 – CONHECENDO A ARTISTA: LYGIA PAPE.

Escultora, gravadora e cineasta. Aproxima-se do concretismo e, em 1957. A partir dos anos 1960, trabalha com
roteiro, montagem e direção cinematográficos e faz a programação visual de filmes do cinema novo. Ainda nos
anos 1960, produz esculturas em madeira e realiza o Livro-Poema, composto de xilogravuras e poemas
concretos. Sua obra é pautada pela liberdade com que experimenta e manipula as diversas linguagens e
formatos e por incorporar o espectador como agente. Produz objetos e instalações marcados pela ironia, pelo
humor negro e por críticas à situação política. Em Caixa de Formigas (1967), coloca em um recipiente de
madeira enormes saúvas vivas que andam sobre um fundo com a inscrição: a gula ou a luxúria. No centro, há
uma espiral e um pedaço de carne crua, o que faz com que as formigas se concentrem ali. Em Caixas de Baratas
(1967), a artista agrupa em uma caixa de acrílico translúcido, com um espelho ao fundo, uma série de baratas,
como se estivessem organizadas em uma coleção científica. A primeira sensação que o trabalho provoca é de
aversão, pois o espectador se vê refletido junto àqueles insetos. Já a Caixa Brasil (1968) contém a palavra
"Brasil", escrita em letras prateadas no fundo da tampa e em seu interior estão colocados fios de cabelos das
três raças: o índio, o branco e o negro.

Praticar a arte: Depois de termos observado as três obras icônicas da artista Lygia Pape, vamos reproduzir a famosa “Caixa de baratas”.
Pinte, recorte e cole as baratas e agrupe-as em ordem em seu caderno de arte.
 44 - CONHECENDO A ARTISTA: CÍCERO DIAS.

Cícero Dias nasceu no Engenho Jundiá, município de Escada, a 50 quilômetros de Recife (PE), em 5 de março de
1907 e, bem cedo, mudou-se para o Rio de Janeiro. Matriculando-se na Escola Nacional de Belas Artes,
apresentou-se desde o início com um temperamento irrequieto e inconstante. Começou estudando escultura e,
em pouco tempo, desistia dessa opção, trocando-a pela pintura, em cujo estudo também não permaneceu por
muito tempo. Seu grande interesse era experimentar novas tendências, idéia que o colocou em choque com a
orientação severa da Academia. Pedindo, pois, seu desligamento, a partir de 1928 passou a estudar por conta
própria e, nesse mesmo ano, realizou sua primeira individual, nas circunstâncias que já apontamos acima.
Desvinculado do ensino acadêmico, sua arte ganhou maior liberdade de expressão, aparentemente sem o fino
trato que os pintores ortodoxos, em geral, dispensam aos seus quadros. As pinturas de Cícero, no dizer de um
crítico, eram formadas por «imagens soltas e mal construídas através de uma linguagem como a dos primitivos,
ou a das crianças.

Praticar a arte: Observe a imagem da obra de Cícero Dias. Aplique as cores conforme a original ou conforme preferir.
 45 – CONHECENDO O ARTISTA: HERMELINDO FIAMINGHI.

Entre 1936 e 1941, freqüenta o Liceu de Artes e Ofícios de São Paulo, onde estuda com Lothar Charoux (1912 - 1987) e Waldemar da Costa (1904 - 1982). No
começo da década de 1950, inicia trabalhos abstratos, em que revela a influência da arte construtiva. Colabora ainda com os poetas concretos na programação
gráfica de seus poemas. No começo da década de 1960, o artista inicia trabalhos com têmpera e faz experiências com a cor. Passa a utilizar o termo Corluz para
designar seus trabalhos, desenvolvendo pesquisas com retículas em offset. Em 1969, funda o Ateliê Livre de Artes Plásticas, em São José dos Campos, São Paulo,
no qual atua como diretor e professor. Em suas pinturas, passa a utilizar cada vez mais a transparência das cores. Com a série de trabalhos denominada Cor-Luz,
inicia pesquisas em torno da fusão e difusão da cor pela incidência da luz. Pinta telas inspiradas nas superfícies quadriculadas que compõem a retícula gráfica.
Realiza também experimentos com slides, que são posteriormente impressos em off-set, buscando precisão ótica. Posteriormente, sua pincelada tende a tornar-
se mais gestual, subvertendo a trama quadriculada que estrutura suas telas. Na década de 1980, realiza uma série de "desretratos" e de "despaisagens", com
pinceladas livres, que revelam o colorido como superfície flutuante. Nessa época, encantado com a pintura de Claude Monet (1840 - 1926), Fiaminghi revê suas
obras e afirma: "Tudo o que eu vinha pensando está lá", e, quase como um antigo pintor impressionista, diz: "Persigo a luz, mas a luz é fugidia". Fiaminghi revela
em sua produção grande liberdade no uso da cor. Ao longo de sua carreira, concilia a dupla atividade de artista plástico e de profissional de artes gráficas, sendo
considerado por alguns críticos como pioneiro na utilização do off-set como linguagem de criação artística.

Praticar a arte: Observando as produções geométricas do artista Hermelindo Fiaminghi. Produza uma composição utilizando recortes de papel colorido. Você deverá usar
basicamente triângulos e losangos. Use a régua para desenhar as formas.
 46 – CONHECENDO O ARTISTA: LUIZ SACILOTTO.

O artista, É definido como "a viga mestra da arte concreta", explora em suas obras o princípio de equivalência
entre figura e fundo, a igualdade de medida entre cheios e vazios e as contraposições entre positivo e negativo.
Utiliza, como matéria-prima e suporte para os trabalhos, materiais não-convencionais, como esmalte, madeira
compensada, chapas de cimento-amianto (nome popular do fibrocimento), alumínio, latão e ferro. A partir de
1954, Sacilotto começa a dar às pinturas, relevos e esculturas o título de Concreção e as numera pelo ano e
seqüência de execução. Em Concreção 5521 (1955), apresenta quadrados justapostos, em branco, cinza e
preto, cortados por linhas paralelas, brancas e pretas. O ritmo da obra é dado pelos intervalos regulares
formados pela alternância das cores e linhas, com base em regras de simetria e na inversão positivo-negativo.
Em Estruturação com Elementos Iguais (1953), alinha em diagonal pequenos quadrados pretos e brancos,
sobre fundo azul. O conjunto, pela disposição e variação das cores, nos dá a sensação de pulsar. Também é
pioneiro no âmbito da tridimensionalidade, ao desdobrar o plano no espaço.

Praticar a arte: Observando o estilo do artista Luiz Sacilotto crie uma composição usando apenas o quadrado recortado em papéis
coloridos. Use as cores complementares para construir o fundo e os elementos em primeiro plano.
 47 – CONHECENDO O ARTISTA: EMILIANO DI CAVALCANTI.

Pintor, ilustrador e caricaturista, Emiliano Augusto Cavalcanti de Albuquerque e Melo ficou conhecido por Di
Cavalcanti. Carioca nascido no Rio de Janeiro, no dia 6 de setembro de 1897, era filho de Frederico Augusto
Cavalcanti de Albuquerque e Rosália de Sena. Di Cavalcanti era uma figura proeminente na cena cultural de São
Paulo e em 1922, juntamente com os amigos Mario de Andrade e Oswald de Andrade, idealizou a Semana de
Arte Moderna no Teatro Municipal de São Paulo. Criou para o evento suas peças promocionais como o catálogo
e o programa, além disso, expôs 11 telas. Suas obras têm notável influência do Expressionismo, Cubismo e dos
muralistas mexicanos como Diego Rivera. Di Cavalcanti foi um dos primeiros pintores a abordar temas da
cultura brasileira e os temas sociais como o samba, os operários e as festas populares por exemplo. Também
abusou de temas que abordavam a sensualidade tropical do Brasil. Além da figura humana em suas múltiplas
variáveis, Di pintou cenas carnavalescas, bordéis, paisagens, naturezas-mortas, etc. sem a preocupação de
retratar a "realidade", mas através de códigos, signos e filtros que a interpretaram e permitiram uma nova
narrativa.

Praticar a arte: Em homenagen ao grande artista brasileiro Di Cavalcanti vamos aplicar as cores na imagem de uma de suas obras.
Observe a imagem da obra original para te ajudar a decidir nas cores que aplicará.
Di Cavalcanti é quiça o mais brasileiro dos pintores brasileiros. Desde logo, nas ninfas que inspiram, a
mulata que foi a sua primeira e principal musa, cantando-a com as suas tintas por todo o continente
europeu. Mas Di Cavalcanti é ainda profundamente brasileiro na sua forma de ler o mundo, na evocação
que faz da arte de viver a vida, a mais sublime de todas as formas de artes. Dele são as palavras “Não é
orgulho, é vaidade. Eles não amam a vida. Amam a arte como a um mito. E eu amo sobretudo a vida. O
artista, não se aconselha na dor e no sofrimento, não procura na angústia a inspiração para a sua obra.
Na poesia de Cavalcanti encontramos as cores fortes e belas da vida, a alegria e o prazer de viver, a
invocação da felicidade como a mais bela das obras de arte.
 48 – CONHECENDO O ARTISTA: VICENTE DO RÊGO MONTEIRO.

Vicente do Rego Monteiro nasceu no Recife, no dia 19 de dezembro de 1899. Filho de Ildefonso do Rego
Monteiro e Elisa Cândida Figueredo Melo, prima do pintor Pedro Américo, desde cedo demonstrou vocação para
a pintura. Iniciou-se nesta arte sob a orientação de sua irmã, também pintora Fédora do Rego Monteiro. Em
1911 mudou-se para Paris, onde estudou na Académie Julian, e frequentou a Académie Colarosi e a Académie de
la Grande Chaumière. Com a eclosão da Primeira Guerra Mundial, em 1914, voltou ao Brasil, fixando residência
no Rio de Janeiro. Seus quadros foram expostos em museus nacionais e internacionais. Foi também escultor e
poeta. A pintura de Vicente do Rego Monteiro é marcada pela sinuosidade e sensualidade. Contido nas cores e
contrastes, as obras do artista nos reportam a um clima místico e metafísico. A temática religiosa é frequente em
sua pintura, chegando a pintar cenas do Novo Testamento, com figuras que, pela densidade e volume, se
aproximam da escultura.

Praticar a arte: Vicente do Rêgo Monteiro sempre usava os tons terrosos para compor suas telas. Observando as imagens e
conhecendo seu estilo vamos aplicar a cor em uma de suas obras.
Entre as décadas de 30 e 50, o artista viva entre o Brasil e a França. Suas atividades continuaram a
transitar por vários estilos artísticos. Durante suas andanças conheceu o poeta João Cabral de Melo
Neto, que também o influenciou na arte e na poesia. Ele também decorou a Capela do Brasil no
Pavilhão do Vaticano da Exposição Internacional de Paris, em 1937. Em seus trabalhos, Vicente carrega
o Brasil, independente da influência com a qual esteja trabalhando, seja em seus temas com as
civilizações indígenas ou com tópicos especificamente brasileiros, como a paixão pelo futebol e a arte
nordestina. Esta brasilidade está muito bem representada em diversas de suas telas.
 49 – CONHECENDO O ARTISTA: ARCANGELO IANELLI.

Arcangelo Ianelli foi um pintor, escultor, ilustrador e desenhista moderno brasileiro. Filho de imigrantes
italianos, é reconhecido como um dos maiores nomes da pintura brasileira, conhecido pela coloração e a
luminosidade marcante de suas obras. Ianelli nasceu em São Paulo, a 18 de Julho de 1922. Ianelli passou
por várias fases em sua carreira, revelando-se ter uma monstruosa flexibilidade artística. O artista morreu
em São Paulo, a 26 de maio de 2009. Ianelli teve duas grandes influências durante a sua vida, o grafismo e
o abstracionismo. Foi durante a sua viagem de dois anos à Europa, prêmio que ganhou do Salão de Arte
Moderna - SNAM, que desenvolveu as técnicas do grafismo e passou a tornar as suas formas contornadas
e menos regulares. Vê-se em sus obras as formas geométricas em técnica de suavização dos tons. Outra
influência que mudou drasticamente a essência da sua obra foi o abstracionismo. Durante o começo de
sua carreira, Ianelli sempre foi figurista, prezando pela realidade e pintando principalmente modelos nus.
Ao ter contato com o abstracionismo, e voltar-se completamente para a corrente artística em 1960, sua
obra torna-se totalmente abstrata sendo expressão da energia dos tons e formas, ora suavizados, noutras
acentuados.

Praticar a arte: Observe as imagens de algumas obras do artista Arcangelo Ianelli. Escolha uma delas (Figurativa ou abstrata) para se
inspirar e compor um obra em homenagem ao artista. Aplique as cores que desejar.
 50 – CONHECENDO A ARTISTA: ADRIANA VAREJÃO.

Adriana Varejão é uma artista plástica contemporânea que vem ganhando cada vez mais destaque no espaço
nacional e internacional. A artista, que se consagrou através de obras viscerais, peles rasgadas, interiores à
mostra, canibalismo e esquartejamento, começa a trilhar novos caminhos. Atualmente, é uma das artistas
brasileiras de mais destaque na cena contemporânea, no Brasil e exterior. Nascida em 1964, a carioca Adriana
começou sua carreira nos anos 80, ainda muito jovem. Entre 1981 e 1985 freqüentou cursos livres na Escola
de Artes Visuais do Parque Lage, no Rio de Janeiro e fez sua primeira exposição individual em 1988, na galeria
Thomas Cohn. A densidade simbólica de Adriana Varejão é tanta que escandaliza os espectadores, mas ao
mesmo tempo é responsável pela conquista de admiração e respeito cada vez maiores nos cenários
internacionais da arte. Suas obras integram as coleções dos principais museus do mundo e tem alcançado
recordes de preço em casas de leilão de Londres e Nova York, atestando o reconhecimento internacional. No
Brasil, Adriana ganhou um pavilhão inteiramente dedicado a seu trabalho no Instituto Inhotim, em Minas
Gerais.

Praticar a arte: Observando as imagens das obras da artista Adriana Varejão e inspirando-se nelas vamos recortar e remontar a obra
abaixo. Separe cadapeça e remonte a obra do seu jeito. Mantenha a quantidade de peças em cada coluna.
 51 – CONHECENDO O ARTISTA: SEBASTIÃO SALGADO.

O fotógrafo brasileiro Sebastião Ribeiro Salgado nasceu na cidade de Aimorés, em Minas Gerais, no dia 8 de
fevereiro de 1944. Sebastião descobre no trabalho fotográfico a melhor forma de enfrentar os acontecimentos
planetários, principalmente em seus aspectos econômicos. É seguindo por este caminho que ele se transforma em
um dos principais e mais venerados fotógrafos da atualidade, no campo do fotojornalismo. Desde os primeiros
momentos ele se dedicou a retratar os excluídos, os que se encontram à margem da sociedade. Adepto das fotos
em branco-e-preto seus primeiros trabalhos foram realizados como ‘free lance’, abordando desde o clima seco a
imigrantes assalariados europeus. Sebastião realizou uma fantástica sequência de fotos documentais sobre
camponeses latino-americanos, durante sete anos. Este registro deu origem ao seu primeiro livro, Outras Américas,
lançado em 1986.

Praticar a arte: O fotógrafo Sebastião Salgado sempre trabalha com suas fotos em preto e branco. Segundo o artista: “Comecei a ver
em branco e preto”. Vamos experimentar a fotografia em preto e branco. Escolha uma paisagem, uma pessoal, um animal, flores
enfim, o que desejar fotografar e imprima em preto e branco. Caso você tenha uma foto que goste muito e que represente algo de
especial para você, tire uma xerox dela. Escreva um pouco sobre a imagem que você capturou ou xerocou e cole-a no espaço abaixo.

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 52 – CONHECENDO O ARTISTA: IVAN CRUZ.

Ivan Cruz, artista plástico, nasceu em 1947 nos subúrbios do Rio de Janeiro, e brincava pelas ruas de seu
bairro como toda criança. Apesar de amante da Arte, enveredou-se pelo caminho do Direito e se formou em
1970, mas nunca deixando de lado a pintura, o que mostrou frequentando a Sociedade Brasileira de Belas
Artes nos anos 60 e visitas constantes ao MAM e ao Museu Nacional de Belas Artes. Em 1978 troca o
sucesso financeiro do Rio pela beleza natural de Cabo Frio: o sol, o mar e seus frutos contagiam seu espírito.
No ano de 1986 resolve abandonar a advocacia e se dedicar integralmente à produção artística, e lembra
que quando jovem, a primeira pintura que conheceu foi de Portinari em sua fase geométrica. A sua
preocupação foi sempre com a criação. Sempre acreditou ser o ecletismo a sua unidade, querendo sempre
criar e não copiar apenas. Em 1990, se preparando para uma exposição em Portugal, Ivan Cruz pintou seus
primeiros quadros com temas de sua infância, mais precisamente suas brincadeiras. Daí, o primeiro quadro
da série Brincadeiras de Criança, nasceu na Praça Porto Roça – Cabo Frio, com o Título: ” Crianças na Praça”.
Passou a retratar em suas telas: piões, crianças pulando corda, jogando bola de gude, pulando amarelinha, soltando pipa, pulando
carniça e muito mais… De 1990 até hoje, Ivan Cruz pintou mais de 500 quadros, retratando mais de 100 brincadeiras distintas, e chamou
essa série de “Brincadeiras de Criança”, que cresceu de tal forma sua expressão e repercussão que se transformou em um projeto, pois
passou a reunir em suas exposições não só os quadros, mas os brinquedos retratados, oficinas de brincadeiras e confecção de
brinquedos, contadores de história, além de uma ambientação com músicas da época, como cantigas de roda.

Praticar a arte: O artista Ivan Cruz pinta suas brincadeiras de infância. No espaço abaixo, faça um composição
em desenho reunindo algumas de suas brincadeiras favoritas. Use as cores que desejar para tornar sua obra
mais caprichada.
 53 – CONHECENDO O ARTISTA: LUCIANO MARTINS.

Luciano Martins é de Porto Alegre, nasceu no dia 5 de setembro de 1996 e é um artista plástico brasileiro que
se tornou muito conhecido por conta de sua pintura que lembram traços infantis, porém lúdicos. É um dos
artistas mais vendáveis da sua geração. Através do seu trabalho, Luciano Martins foi convidado, juntamente
com suas obras, para estar à frente de muitas organizações não governamentais, como a APAE de Santos,
Pomerode, ABRALE e Arte solidária. Criador de um manifesto artístico que se baseia nos registros de sua
vivência e nas coisas que ocorrem no dia a dia, o artista tenta influenciar aqueles que apreciam suas telas a
construírem um olhar mais positivo sobre a vida. Com seus traços tornou-se um dos profissionais mais
respeitados de sua geração. Já realizou mais de 100 exposições regionais, nacionais e internacionais, e ainda
realiza um trabalho educacional com alunos da rede pública e privada, fazendo com que as crianças também
se apaixonem pela arte.
A arte esteve sempre presente em sua vida. Ainda criança, fantasiava que tinha uma editora de histórias em quadrinhos, e cobrava-se
quanto às supostas edições de gibis que ele próprio desenhava. Luciano Martins Iniciou sua carreira criativa na publicidade em 1986, em
Porto Alegre, onde recebeu mais de duzentos prêmios regionais, nacionais e internacionais. Mas encontrou seu verdadeiro lugar de
destaque no campo das artes, onde, utilizando cores vibrantes e traços lúdicos, desponta como um dos nomes mais importantes de sua
geração.

Praticar a arte: Observando o estilo do artista Luciano Martins, escolha uma de suas obras para criarmos uma releitura. Use
figuras geométricas e bastante cores. Comece com um fundo de cor chapada. Você pode escolher uma obra de arte famosa
ou fazer um autorretrato.
 54 – CONHECENDO O ARTISTA: AMAURY MENEZES.

Há mais de 25 anos,
Amaury Menezes, o
artista das paisagens
urbanas e cenas do
cotidiano, cumpre
horário de trabalho
rigorosamente no seu
ateliê. Ex-bancário,
professor aposentado Praticar a arte: O artista Amaury Menezes trabalha com a técnica da aquarela (tinta diluída em água) em cenas do cotidiano. Na
da PUC Goiás, está há imagem abaixo vamos colori-la usando a mesma técnica. Escolha as cores de desejar e aplique-as nos espaços em branco para
mais de 70 anos na homenagearmos esse talentoso artista.
ativa sem reclamar.
Aos 87 anos, Amaury Menezes mergulha diariamente
na magnífica paisagem que se descortina de sua
janela, apesar da imensidão de arranha-céus ao
redor.
Por incrível que pareça, o silêncio impera no
ambiente. Obras de artes se misturam aos livros da
biblioteca e aos discos de música clássica que ouve
enquanto pinta. Cavalete, avental e paleta de tintas
ficam ao lado, na ampla sala, como amigos
inseparáveis. Amaury iniciou a carreira como
autodidata pintando aquarelas. Achava que aquarela
era a técnica mais fácil porque dependia só de um
estojo, pincel, papel, tinta e um copo d´água. Não foi
bem assim. Apanhou da aquarela, uma técnica difícil
que não admite retoques e com uma característica
peculiar: não existe tinta branca para ela. Por causa
da formação inicial, considera-se um aquarelista.
Tanto que prepara suas telas com a mesma técnica.
Encomenda os chassis, estica a lona, prepara a tela
com uma receita toda especial para que a tinta a óleo
tenha a mesma consistência e os mesmos traços da
pintura em aquarela.
55 – CONHECENDO OS ARTISTAS: GUSTAVO E OTÁVIO PANDOLFO (OS GEMEOS).

OS GEMEOS nasceram em 1974, São Paulo. São uma dupla de grafiteiros chamados de Gustavo e Otávio Pandolfo, sempre trabalharam juntos. Formados em
desenho de comunicação, começaram a pintar graffitis em 1987 no bairro onde cresceram, o Cambuci, e gradualmente tornaram-se uma das influências mais
importantes na cena paulistana, ajudando a refletir um estilo brasileiro de graffiti. Quando crianças, desenvolveram um modo distinto de brincar e se
comunicar através da arte. Com o apoio da família e a chegada do cenário do Hip-Hop no Brasil nos anos 80, OS GEMEOS encontraram uma conexão direta
com seu universo mágico e dinâmico e um modo de se comunicar com o público. Exploravam com dedicação e cuidado as diversas técnicas de pintura,
desenho e escultura, e tinham as ruas como seu lugar de estudo. Nunca deixaram de fazer graffiti, mas com o passar dos anos, esse universo criado pela
dupla, com o qual sonham e se inspiram, ultrapassou as ruas, se transformando numa linguagem própria e em constante evolução, com outras referências e
influenciado por novas culturas. Acreditam nos encontros e experiências que a vida proporciona, em seu ritmo natural e delicado. Os artistas, hoje
reconhecidos e admirados nacional e internacionalmente, usam linguagens visuais combinadas, o improviso e seu mundo lúdico para criar intuitivamente
uma variedade de projetos pelo mundo.
Praticar a arte: Para homenagearmos os artistas OS GEMEOS, vamos criar um graffiti no espaço abaixo. Pense em uma
mensagem de paz ou algo que diga sobre você. Faça o esboço em seu caderno de arte.
 56 – CONHECENDO O ARTISTA: GUSTAVO MACHADO ROSA.

Gustavo Rosa (1946-2013) foi um artista plástico brasileiro, conhecido por suas figuras coloridas, alegres,
bem humoradas e de apelo popular e comercial. Gustavo nasceu em São Paulo, no dia 20 de dezembro
de 1946. Filho de Cecília de Paula Machado Neto com três anos já desenhava compulsivamente. Estudou
na Escola Morumbi e no Colégio Paes Leme. Em 1964 ingressou na Fundação Armando Álvares Penteado
(FAAP), onde frequentou o curso livre de desenho e pintura. Gustavo Machado Rosa foi um artista
autodidata que iniciou sua experiência com a pintura na infância, conseguiu enxergar com sensibilidade
o irreverente, o humor, o delicado, o grotesco e o belo, trasnpondo-os com traços definidos, singelos,
diretos e claros. Suas obras são brasileiras e universais, contam a realidade irônica e poeticamente ao
mesmo tempo. O seu universo plástico apresenta semântica própria. Seu humor não é prosaico e
anedótico. Ele emprega a substância do traço, da forma e da cor. Suas imagens não necessitam de
legendas significam a postura do artista diante da vida, uma maneira de ver, de aprender e de apreciar a
existência humana. O humor da pintura de Gustavo Rosa é reflexo da liberdade de viver e criar do
artista, que acredita ser a imaginação mais poderosa que acredita ser mais poderosa que o ser humano.

Praticar a arte: No espaço a seguir, faça uma composição geométrica escolhendo uma das obras sugeridas do artista Gustavo Rosa.
Aplique diferentes elementos (círculos, listras e figuras geométricas) nos espaços para criar estampas de preenchimento. Use as cores
que desejar.
 57 – CONHECENDO O ARTISTA: HELIO LEITES.

Nascido na Lapa (PR), em 1951, Hélio Leites é curitibano por adoção. Amigo de Paulo Leminski e Wilson Bueno,
ele cursou xilogravura, monotipia, colagem, desenho e cerâmica. Era poeta multimídia antes de o termo ser
banalizado pela mídia. Desde 1974, Hélio participa de diversas exposições e performances poéticas pelas
cidades do Brasil e do exterior, tendo integrado a Bienal Alternativa na Cidade do México. Artista de múltiplas
linguagens, Hélio sempre teve a arte postal como uma de suas verdadeiras paixões e é conhecido por trabalhar
com materiais inusitados, criando performances com caixas de fósforos, retrós de linha, pequenos objetos e,
especialmente, botões. Além de criador da Assintão (Associação Internacional dos Colecionadores de Botão),
Hélio Leites é secretário geral do Fiu Fiuuu Sport Club (já gravou mais de 100 mil assobios de todas as partes do
Brasil e do mundo), diretor de Harmonia do GRES Unidos do Botão, coordenador da Campanha Mundial Anti-
taxidermismo, secretário geral da Associação Internacional dos Kinderovistas, curador dos museus dos Óculos,
da Caixa de Fósforos, do Lápis e do Mini- Presépio, também respondendo pela coordenação do Espaço Lilituc –
Galeria de Miniaturas.

Praticar a arte: Diante da irreverente produção artística de Hélio Leites, vamos elaborar o nosso projeto de arte para homenagearmos o
artista. Desenhe no objeto abaixo alguns itens que você se lembra de ter em casa (botões, chaveiros, palitos de fósforos usados, palitos
de picolé, peças de briquedos velhos, paetês, miçangas etc.) Traga para a aula de arte e vamos construir um objeto interessante e
inusitado com o calçado velho. Você também pode usar um boné ou uma camisa.
 58 – CONHECENDO A ARTISTA: BEATRIZ MILHASES.

A artista revela, desde o início da carreira, a vontade de enfrentar a pintura como fato decorativo,
aproximando-se da obra de artistas como Henri Matisse (1869-1954). Interessa-se pela profusão da
ornamentação barroca, sobretudo pelo ritmo dos arabescos e pelos motivos ornamentais presentes na obra
de Guignard (1896-1962). Suas obras revelam uma tensão entre figura e fundo, entre representação e
ornamentalismo. Faz opção por uma pintura de caráter decididamente bidimensional. Em trabalhos mais
recentes, utiliza constantemente formas como estrelas e espirais e as cores tornam-se mais luminosas. A
artista trabalha freqüentemente com formas circulares, sugerindo deslocamentos ora concêntricos ora
expansivos. Na maioria dos trabalhos, prepara imagens sobre plástico transparente, que são descoladas,
como películas, e aplicadas na tela por decalque. Aglomera as imagens, preenchendo o fundo e retocando a
imagem final. Os motivos e as cores são transportados para a tela por meio de colagens sucessivas,
realizadas com precisão.
A transferência das imagens da superfície lisa para a tela faz com que a gestualidade seja quase anulada. A matéria pictórica obtida por
numerosas sobreposições não apresenta, entretanto, nenhuma espessura: os motivos de ornamentação e arabescos são colocados em
primeiro plano. O olhar do espectador é levado a percorrer todas as imagens, acompanhando a exuberância gráfica e cromática
presente em seus quadros.

Praticar a arte: Use as figuras abaixo como moldes para você recortar papéis de diferentes cores e construir sua composição bem
colorida e alegre, assim como a artista Beatriz Milhases. Comece com um fundo colorido, depois vai acrescentando as formas
recortadas. Use o compasso e a régua para construir figuras geométricas. Crie o projeto do seu trabalho no espaço ao lado e, depois das
formas recortadas, monte sua obra prima em seu caderno de arte.
 59 – CONHECENDO O ARTISTA: VICK MUNIZ.

Vik Muniz é um dos grandes artistas plásticos brasileiros atuais. Ele obteve destaque com a participação no documentário “Lixo Extraordinário”, que relata a vida
de catadores de materiais recicláveis no aterro de Jardim Gramacho, em Duque de Caxias – RJ, e mostra o desenvolvimento de um projeto artístico de fotos dos
moradores preenchidas com o lixo recolhido. “Imagens de Revista 2” é uma série inspirada neste trabalho com os catadores de lixo. Nela, são utilizados recortes
de revistas e papéis picados para reproduzir obras grandiosas, como “A Origem do Mundo”, de Gustav Coubert, “Mulher de Bicicleta”, de Willem de Kooning , e
“Vaso de Flores”, do francês Claude Monet. Formando uma espécie de mosaico, algumas das obras brincam com a ilusão de ótica. Figuras aleatórias, como rostos,
desenhos, cores e letras são organizadas de forma que compõem as imagens com perfeição.

Praticar a arte: Através da técnica do mosaico com papel, observe as cores da obra do mestre Van Gogh, “Noite estrelada” e preencha o modelo abaixo com pedaços de papéis coloridos (você
pode usar revistas e livros velhos) ou papel sulfite colorido.
 60 – CONHECENDO O ARTISTA: ZEZÃO.

José Augusto Amaro Handa, mais conhecido como Zezão, é um grafiteiro que, desde 1995, realiza e mantém suas obras nas galerias pluviais da cidade brasileira de
São Paulo. Atualmente, expõe seus trabalhos de grafitti e colagens também em galerias de arte e museus. Nasceu em São Paulo, 1971. Autodidata, aprendeu a
pintar nas ruas. Especialidades: Pintura abstrata, caligrafia abstrata, instalação, site specific, fotografia, vídeo arte. Famoso por sua atividade nos subterrâneos da
cidade, Zezão entra por bueiros e invade os canais de águas pluviais que correm em direção aos rios Tietê e Pinheiros, descobrindo a beleza no monstruoso lixo
paulistano. O grafite surgiu na vida do artista em 1995, como forma de manter sua ligação com a rua, estremecida por um acidente que lhe impediu, aos 24 anos,
de continuar andando de skate. Incentivado por Binho Ribeiro, e inspirado nos então já populares Os Gêmeos, Zezão começou no quintal. Quando se deu conta,
estava determinado a deixar sua marca em quantos cantos a cidade tivesse. Apesar de ter conquistado o respeito daquele pequeno grupo de artistas de rua – e
Zezão desejou isso profundamente – no final de três anos ele precisou caminhar sozinho. De 1995 a 98 Zezão se dedicou ao grafite dito tradicional, de estilo norte-
americano. Autodidata, treinava em casa. Mesmo assim, continuava com dificuldade para finalizar efeitos de proporção, sombra, perspectiva. Quando viu o
trabalho do artista nova-iorquino Jean-Michel Basquiat (1960 – 88), Zezão se sentiu autorizado a subverter as rígidas regras da cultura hip hop e começou a criar
algo realmente novo. Ao rigor técnico, Zezão incluiu intuição e emoção na sua pesquisa. As formas perderam a simetria, a tinta pode correr livremente, até que os
dois estilos mais significativos do repertório do Zezão – o colorido e o azul – se estabelecesse.

Praticar a arte:
Observando os
traços do artista
grafiteiro Zezão,
desenhe e pinte
elementos
decorativos na
imagem ao lado.
Use as cores que
o artista adotou
como sua marca
registrada. Esboce
seu desenho na
parede com o
lápis e, para ter
um resultado
melhor, use tinta
acrílica.
 61 – CONHECENDO O ARTISTA: ATHOS BULCÃO.

Nascido no bairro carioca do Catete, desistiu do curso de medicina em 1939 para se dedicar às artes visuais. Sua primeira exposição individual veio em 1944, na
inauguração da sede do Instituto dos Arquitetos do Brasil, em sua cidade natal. Em 1945 trabalhou como assistente de Cândido Portinari no painel de São Francisco de
Assis da Igreja da Pampulha, em Belo Horizonte. Em seguida, mudou-se para Paris, onde viveu até 1949. Foi funcionário do Serviço de Documentação do Ministério da
Educação e Cultura, onde trabalhou com ilustração de publicações. Também realizou trabalhos como artista gráfico e desenhista. Na função de artista plástico, passou
a colaborar com Oscar Niemeyer em 1955. Integrando o esforço de construção de Brasília a partir de 1957. Em 1958, mudou-se definitivamente para a capital
brasileira. Nos anos 1960, estabeleceu parceria com o arquiteto João Filgueiras Lima, cujas obras eventualmente apresentam painéis criados por Athos. Pelo conjunto
da obra, recebeu vários prêmios e condecorações, como a Ordem do Mérito Cultural, recebida em 1995 do Ministério da Cultura. Faleceu aos 90 anos de idade no
Hospital Sarah Kubitschek da Asa Sul em Brasília, devido a complicações de Parkinson. A trajetória artística de Athos Bulcão é especialmente consagrada ao público
em geral. Não ao que freqüenta museus e galerias, mas ao que entra acidentalmente em contato com sua obra, quando passa para ir ao trabalho, à escola ou
simplesmente passeia pela cidade, impregnada pela sua obra, que "realça" o concreto da arquitetura de Brasília.

Praticar a arte: Observando os padrões geométricos simétricos e assimétricos de Athos Bulcão, crie no espaço abaixo alguns modelos. Você pode usar pedaços de papéis coloridos ou
desenvolver um projeto para produzir em um parede da sala de aula ou criar uma tela.
 62 – CONHECENDO A ARTISTA: REGINA SILVEIRA.

Nascida em 1939, no Rio Grande do Sul, onde se formou, Regina Silveira iniciara-se nos anos de 1960 como pintora, desenhista e gravadora, demonstrando
empatia com a figuratividade expressionista, uma tendência de fortes raízes no modernismo do país. Essa propensão não demoraria a alterar-se sob influências
abstradas informais e por uma mudança de ordem mais radical em fins do decênio, quando foi desperta na Europa para as possibilidades de espaços elaborados
por formas geométricas. Conseqüências diretas da absorção racionalista fizeram-se logo perceber em relevos e objetos que construiu com materiais industriais.
Foi ao transferir-se para Porto Rico, em 1969, que se produziu a fratura entre a artista artesanal e a que passava a interessar-se pelos meios modernos de
reprodutibilidade. Houve clima na ilha do Caribe para que se envolvesse com entusiasmo no fenômeno transgressor da desmaterialização. A iconografia que
inaugurou essa sua nova dimensão foram as grades geométricas em perspectiva, chamadas "Laberintos".

Praticar a arte: Entre as mais criativas produções a artista Regina Silveira também cria sombras distorcidas e imaginárias de diferentes objetos. Observe o objeto proposto, a partir dele, crie
uma sombra distorcida para a direita ou até mesmo incoerente com o objeto. Você pode unir dois objetos diferentes.
 63 – CONHECENDO O ARTISTA: CLÁUDIO TOZZI.

Descendente de italianos, estudou no Colégio de Aplicação da USP onde foi incentivado pela sua professora
de artes a criar cartazes, colagens e composição abstratas. No início da década de 1960, influenciado pelas
notícias da Guerra do Vietnam, criou sua primeira obra, intitulada "Paz". Pouco depois, venceu o concurso de
cartazes para o XI Salão Paulista de Arte Moderna, iniciando sua carreira de artista gráfico. Entre 1963 e 1968,
cursou arquitetura na Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo (FAU/USP). Em
1969 fez uma viagem de estudos à Europa, quando realizou as séries "Astronautas" e "Parafusos", com
gravuras, objetos e pinturas. A partir de 1972 sua obra evoluiu do pop para o conceitual, realizando estudos
com a cor, o pigmento e a luz. Criou painéis para espaços públicos em São Paulo, como "Zebra", colocado na
lateral de um prédio da Praça da República e outros ainda na Estação Sé do e na Estação Barra Funda do
metrô, no edifício da Cultura Inglesa. Também no Rio de Janeiro, na Estação Maracanã do metrô.

Praticar a arte: Através de recorte e colagem de diferentes cores de papéis coloridos, ou até mesmo através do desenho e da aplicação
de cor (você pode usar goache), crie padrões assimétricos inspirado pela produção de Cláudio Tozzi.
 64 – CONHECENDO O ARTISTA: TAKASHI FUKUSHIMA.

No início da carreira, Takashi Fukushima pinta paisagens utilizando um grafismo caligráfico e pinceladas que
ocupam a parte inferior da tela, deixando em branco grande parte da superfície. De acordo com a tradição
oriental, esse espaço em branco relaciona-se não só ao silêncio, mas à espiritualização. Aos poucos toda a
superfície branca da tela passa a ser ocupada pela paisagem, produzida em linhas sinuosas, que revelam
montanhas e a vegetação. Em oposição aos grafismos, em algumas áreas predominam pinceladas realizadas
com tintas fluidas, aproximando-se da abstração. O artista utiliza uma gama cromática que evoca a suavidade
da aquarela, em obras de grandes dimensões. Na metade da década de 1980, expõe ainda paisagens urbanas,
que apresentam grande simplificação formal, com uma gama cromática mais escura, em que predominam cores
misturadas ao cinza. O pintor dedica-se também à xilogravura, na qual retoma as questões recorrentes em seus
quadros. Em exposição realizada em 1999, Takashi Fukushima utiliza técnica mista sobre madeira, empregando
as tintas de maneira a deixar transparecer a textura e os veios desse suporte, em obras mais próximas da
abstração.

Praticar a arte: Crie uma paisagem por cima da textura de madeira apresentada. Você pode utilizar a técnica da aquarela para aplicar cor
ao seu desenho. Ou você pode criar um projeto no espaço abaixo para produzir algo concreto e expor.
 65 – CONHECENDO O ARTISTA: RUBENS GERCHMAN.

Artista plástico brasileiro nascido no Rio de Janeiro, então Distrito Federal, ligado a tendências vanguardistas
como a pop art e o happening. Iniciou sua aprendizagem artística (1957) cursando aulas noturnas de desenho
no Liceu de Artes e Ofícios do Rio de Janeiro e no ano seguinte começou a trabalhar como programador visual
em revistas e casas editoras cariocas, atividade que desenvolveu por cerca de oito anos. Matriculou-se (1960)
na antiga Escola Nacional de Belas-Artes, onde estudou xilogravura com Adir Botelho, mas afastou-se do
curso no ano seguinte. Expôs em São Paulo a série Beijos (1989), numa individual em que lançou o livro
Rubens Gerchman, sobre seus trinta anos de pintura. DesEnvolvendo uma intensa carreira tem participado de
eventos em muitas capitais e cidades do Brasil e do exterior como Joinville, Porto Alegre, Curitiba, Caxias do
Sul, Salvador, João Pessoa, Paris, Buenos Aires, Córdoba, Calí, Tóquio, Nova Iorque, Medellín, Bruxelas,
Londres, México, Toronto, Washington, Lisboa, Berlim, etc. Modernista e ativista, alguns críticos chegam a lhe
classificar como popular ou popularesco.

Praticar a arte: Observe os exemplos de algumas obras do artista Rubens Gerchman. Desenhe uma delas no espaço abaixo e aplique as
cores que desejar utilizando o giz pastel oleoso. Crie gestos na sua pintura, criando linhas e texturas. Você também pode usar o giz de
cera sobre a lixa d´água.
 66 – CONHECENDO O ARTISTA: EVANDRO JARDIM.

Evandro Carlos Jardim inicia seu trabalho em arte na década de 1950. Freqüenta espaços como o Museu de
Arte de São Paulo Assis Chateaubriand - Masp e convive com personagens importantes da história do
modernismo da cidade de São Paulo. Em seus primeiros trabalhos, a gravura se assemelha ao desenho. Jardim
risca a chapa de cobre com buril e ponta-seca, procurando aprimoramento técnico. Progressivamente,
aumentam as zonas gravadas nas chapas. As formas são conquistadas pelo domínio das técnicas da água-tinta
e da água-forte. Em suas gravuras dos anos de 1960, o artista relaciona registros técnicos e estéticos
diferentes. Vemos figuras mais realistas combinadas com formas geométricas e grafismos gestuais. Na série
Interlagos, 1967, mistura grandes formas negras com desenhos manchados da paisagem urbana. Jardim não
ambienta as cenas, nem estabelece relações hierárquicas entre as formas impressas. As figuras não têm
vínculo formal, são justapostas. Associam-se pela proximidade no papel.

Praticar a arte: No espaço abaixo você experimentará a técnica da nanquim. Aplique a tinta de forma aleatória para você observar o seu
comportamento. Você também pode trabalhar com o goache preto diluído em água ou café forte.
 67 – CONHECENDO O ARTISTA: JOSÉ ROBERTO AGUILAR.

José Roberto Aguilar (São Paulo, São Paulo, 1941). Pintor, videomaker, performer, escultor, escritor, músico e
curador. Autodidata, integra o movimento performático-literário Kaos, em 1956, com Jorge Mautner (1941) e
José Agripino de Paula (1937-2007). Em 1963, expõe pinturas na 7ª Bienal Internacional de São Paulo.
Considerado um dos pioneiros da nova figuração no Brasil, participa da mostra Opinião 65, no Museu de Arte
Moderna do Rio de Janeiro (MAM/RJ), em 1965. A partir dos anos 1950, José Roberto Aguilar realiza obras que
possuem um caráter mágico-expressionista, em diálogo com a abstração, caracterizadas pela espontaneidade
na pintura, obtida pela aplicação rápida da tinta. Na Série Futebol 1 (1966), emprega manchas de cor e tintas
escorridas, em cores contrastantes, causando grande impacto pelo caráter fantástico das figuras disformes.
Por volta de 1963, sua obra passa a revelar preocupações político-sociais. O artista realiza experiências com
pinturas a spray e pistola sobre grandes superfícies de tela. Por meio dessas técnicas, obtém efeitos originais,
captando a atmosfera dos luminosos em néon, típica das metrópoles atuais.

Praticar a arte: Observando os gestos e o estilo do artista José Roberto Aguilar, a forma como ele compõe suas obras usando linhas
coloridas e cria texturas, vamos utilizar a cola colorida para criar uma estampa em nossa camisa. Você pode usar a imagem abaixo como
projeto para a confecção de uma peça de vestuário e usá-la como forma de exposição e criar uma pequena performance.
 68 – CONHECENDO O ARTISTA: ARTHUR PEREIRA.

Nasceu em 1920 em Cachoeira do Brumado, MG, onde viveu e trabalhou e morreu em Mariana, MG em 2003. Durante a vida, exerce as
atividades de lenhador, carvoeiro e, mais tarde, pedreiro e carpinteiro, além de trabalhar na lavoura na época de roça, plantando milho, feijão
e arroz. Casa-se com Juvenil dos Reis Pereira, conhecida como dona Fiota. Eles têm cinco filhos. Enquanto mora em um rancho longe da
cidade, na época em que trabalha como lenhador, produz gamelas de madeira e, certa vez, esculpe em cedro uma gata que vive com ele. De
origem humilde exerceu diversas profissões até começar a esculpir. Por volta de 1968 começou a esculpir em blocos de cedro. Artur Pereira é
figura exponencial da escultura brasileira. Participou de todas as grandes mostras de arte brasileira de fonte popular enviadas ao exterior,
como: Brésil, Arts Populaires (Paris, 1987) e da Mostra do Redescobrimento (Fundação Bienal Bienal de SP, 2000). Filho de roceiros, Pereira,
conhecido onde morava como Seu Arthur, sempre viveu entre animais, rios e árvores. Ao trabalhar a madeira, com instrumentos como o
enxó (espécie de machado), o formão (usado para entalhar) e o serrote, buscava formas simples, distante de qualquer rebuscamento. Só
usava peças inteiras, ele não gostava de remendos.

Praticar a arte: Observe as imagens de algumas esculturas feitas pelo artista artesão Arthur Pereira. Você irá esculpir uma escultura no sabão em barra (pode-se usar também a esponja
floral). Utilize ferramentas alternativas como colheres, espátulas, palitos de picolé etc. Dê o acabamento passando suavemente uma esponja úmida.
69 – CONHECENDO O ARTISTA: JOSÉ FRANCISCO BORGES.

José Francisco Borges, mais conhecido como J. Borges é um dos mestres do cordel, um dos artistas folclóricos mais celebrados da América Latina e o
xilogravurista brasileiro mais reconhecido no mundo. Ele nasceu em 20 de dezembro de 1935 em Bezerros, Pernambuco. Filho de agricultores, ele começou a
trabalhar aos dez anos de idade na roça, e negociava nas feiras da região, vendendo colheres de pau que ele mesmo fabricava. Autodidata, o gosto pela poesia
fez encontrar nos folhetos de cordel um substituto para os livros escolares. Em 1964 começou a escrever folhetos de cordel; foi quando fez “O Encontro de
Dois Vaqueiros no Sertão de Petrolina”, xilogravada por Mestre Dila, que vendeu mais de cinco mil exemplares em dois meses. Animado com o resultado,
escreveu o segundo chamado “O Verdadeiro Aviso de Frei Damião Sobre os Castigos que Vêm”, que o conduziu pela primeira vez à xilogravura. Como não tinha
dinheiro para pagar um ilustrador, J. Borges resolveu fazer ele mesmo: começou a entalhar na madeira a fachada da igreja de Bezerros, que usou no seu
segundo folheto de cordel. Desde então, começou a fazer matrizes por encomenda e também para ilustrar os mais de 200 cordéis que lançou ao longo da vida.
Hoje essas xilogravuras são impressas em grande quantidade, em diversos tamanhos, e vendidas a intelectuais, artistas e colecionadores de arte.
 70 – CONHECENDO O ARTISTA: ANTÔNIO POTEIRO.

Antonio Batista de Souza nasceu no ano de 1925, em Portugal (Aldeia Santa Cristina da Pousa) e migrou com
sua família para o Brasil em 1926. Fixaram-se em Araguari, no Triângulo Mineiro. Antonio Poteiro herdou do pai
a técnica e a sensibilidade iniciando suas atividades como ceramista. Antes de seguir definitivamente no campo
artístico atuou em outras profissões como, porteiro, vigilante, servente e administrador. No entanto, sempre
voltava a executar o ofício de ceramista, tanto na estruturação de fábricas, quanto na confecção de peças
utilitárias. Suas telas e cerâmicas são repletas de pequenas figuras de casas, animais, riachos, pessoas e
detalhes ornamentais que preenchem todos os espaços vazios, e são tratados com minúcia e acuidade técnica.
Realiza uma série abordando os 500 anos da História do Brasil, na qual mantém a visão pessoal e criativa dos
temas, característica de seus trabalhos.

Praticar a arte: Para homenagear esse artista tão especial escolha uma das imagens mostradas acima e faça um desenho no espaço. Use
as cores que desejar. Lembre-se de escolher um elemento para repetir diversar vezes a fim de criar um padrão.
 71 – CONHECENDO O ARTISTA: CILDO MEIRELES.

Cildo Meireles (1948) é um artista plástico brasileiro, reconhecido como um dos mais importantes artistas contemporâneos. Cildo Campos Meireles nasceu no Rio de
Janeiro, no ano de 1948. Com 10 anos mudou-se com a família para Brasília. Em 1963 ingressou na Fundação Cultural do Distrito Federal, onde iniciou seus estudos de
artes. Foi aluno do ceramista e pintor peruano Félix Alexandre Barrenechea e influenciado por ele passou a se dedicar ao desenho. Começou a realizar desenhos
inspirados em máscaras e esculturas africanas. Em 1966 se preparou para o vestibular de Arquitetura na Universidade de Brasília, mas recebeu o convite do artista
baiano Mário Cravo para expor seus desenhos no Museu de Arte Moderna da Bahia, em Salvador. Cildo Meireles é reconhecido como um dos mais importantes
artistas brasileiros contemporâneos. Aos 10 anos de idade muda-se para Brasília, onde tem contato com a arte moderna e contemporânea. A partir de 1963, estuda
com Barrenechea e acompanha a produção artística internacional por livros e revistas. Nesse momento, se impressiona com a coleção de máscaras e esculturas
africanas da Universidade de Dacar, exposta na Universidade de Brasília (UnB).1 Por meio de publicações, conhece o Grupo Neoconcreto, do Rio de Janeiro. Sente-se
atraído pelo movimento e se interessa pela possibilidade aberta pelo grupo "de pensar sobre arte em termos que não se limitassem ao visual".2 No entanto,
diferentemente daqueles artistas, seu trabalho, na época, é gestual e figurativo - um desenho de natureza expressionista.

Praticar a arte: No projeto artístico “Cédula”, Cildo Meireles escrevia questionamentos em cédulas de dinheiro originais ou fazia intervenções com desenhos para que essas cédulas
percorresem o maior número de espectadores possível. Pense em perguntas que você não sabe ainda a respostas, sobre a vida, sobre o futuro, sobre qualquer assunto e escreva também em
suas cédulas.
 72 – CONHECENDO O ARTISTA: ALEX FLEMMING.

No começo dos anos 1990, realiza algumas séries de pinturas com caráter autobiográfico, que têm como suporte
suas próprias roupas. Posteriormente, passa a recolher e pintar, cadeiras, poltronas e sofás usados, nos quais
posteriormente aplica letras, que formam textos retirados de notícias de jornais, deslocando assim a relação
preestabelecida com esses objetos. Já em Body Builders (2001-2002), fotografa corpos jovens e esbeltos para em
seguida desenhar, sobre essas imagens, mapas de áreas de conflitos e de guerras, como, por exemplo, aquelas do
Oriente Médio ou da região de Chiapas, no México. O uso de caracteres gráficos sobre fotografias de pessoas
também está presente em um dos seus mais destacados trabalhos: os painéis da Estação Sumaré do Metrô de
São Paulo. Compostos por fotos de pessoas comuns, a cada uma delas foi atribuído um poema, escrito em letras
meio borradas, com alguns trechos invertidos ou ausentes, o que não impossibilita totalmente a compreensão do
texto.

Praticar a arte: Assim como o artista Alez Flemming fez intervenções nas imagens de rostos de pessoas comuns com poemas faça você
em sua foto. Tire xerox de uma foto sua e escolha um poema ou um verso de uma música que você goste. Você pode usar uma caneta
marcador permanente ou a caneta corretivo para escrever.
 73 – CONHECENDO O ARTISTA: SÉRGIO FINGERMANN.

Sérgio Fingermann atua como gravador desde o início de sua trajetória artística, quando realiza obras figurativas.
Realiza séries como Fragmentos de um Dia Extenso (1976), em que reproduz figuras relacionadas à sua visita a um
parque em São Paulo, com um caráter intimista. Nessas gravuras, destacam-se os grafismos e o acentuado claro-
escuro. Posteriormente, o artista estabelece propostas para uma utilização diferente da gravura, não mais como
multiplicadora de imagens, mas como o único suporte. Na década de 1980, Sérgio Fingermann apresenta telas que
se situam entre a figuração e a abstração. Posteriormente, a figuração narrativa de caráter intimista dos primeiros
trabalhos dá lugar a obras com uma linguagem mais abstrata. A partir da metade dos anos 1990, o artista apresenta
pinturas com as quais pretende "evocar a memória do espectador" por meio de inscrições, desenhos e manchas
que parecem brotar na superfície. A "ferrugem" presente nesses quadros (obtida pela tinta com óxido de ferro) dá
a impressão de que algo foi retirado dali, ficando apenas a marca de sua passagem. Nas obras mais recentes,
associa ainda inscrições, grafismos e desenhos às manchas de cor, realizadas com pinceladas gestuais.
Paralelamente à sua produção artística, Fingermann é responsável pela formação de novas gerações de artistas.

Praticar a arte: Observando o trabalho artístico de Sérgio Fingermann, você recriará, através do recorte e colagem uma de suas telas.
Recorte e remonte as partes da imagem abaixo, reorganizando suas partes e criando uma nova composição.
 74 – CONHECENDO A ARTISTA: IOLE DE FREITAS.

Iole Antunes de Freitas entra em contato com a arte de vanguarda através da dança, que estuda ainda na juventude. Entre 1964 e 1965, cursa design na Escola
Superior de Desenho Industrial - ESDI, no Rio de Janeiro. Cinco anos depois, se transfere para Milão, atuando como designer da Olivetti. Começa a trabalhar com
arte em 1973. Nos seus primeiros trabalhos explora sua própria imagem fotografada ou filmada. Em 1984, abolindo as imagens fotografadas, a artista passa a
dedicar-se à produção de relevos. Utiliza arame, fios, tubos, panos e telas metálicas. As peças são chamadas Aramões. Nelas a fragmentação que aparecia nas
fotografias adquire um aspecto novo, mais denso e significativo. As questões da obra encontram uma expressão mais direta e plástica, sem a necessidade de
referência literal ao corpo humano. Em 1988, as peças tornam-se mais estruturadas, com o uso freqüente de telas metálicas que constroem volumes. A relação
entre arquitetura e escultura passa a ser cada vez mais freqüente no trabalho de Iole de Freitas. Em 1996, as telas metálicas são distribuídas diretamente no
espaço de exposição, sem envolver estruturas. No ano seguinte, trabalhos com tela de metal vazada e ardósia integram a sua retrospectiva no Museu de Arte
Moderna de São Paulo - MAM/SP e no Paço Imperial do Rio de Janeiro.

Praticar a arte: Observando as esculturas da artista Iole de Freitas, inspire-se nelas para criar com papel cartão diferentes formas, envolvendo dobraduras e retorces. Você pode usar o espaço
abaixo para registrar suas ideias, seus movimentos ou algo que queira transformar em escultura, como as ondas do mar, o vento nas árvores ou o movimento de um tecido. Sua produção
poderá ser organizada em uma mini exposição.
 75 – CONHECENDO O ARTISTA: ABRAHAM PALATNIK.

O contato com os artistas e as discussões conceituais com Mário Pedrosa fazem Palatnik romper com os
critérios convencionais de composição, abandonar o pincel e o figurativo e partir para relações mais livres
entre forma e cor. Por volta de 1949, inicia estudos no campo da luz e do movimento, que resultam no
Aparelho Cinecromático, exposto em 1951 na 1ª Bienal Internacional de São Paulo, onde recebe menção
honrosa do júri internacional. Em 1954, integra o Grupo Frente, ao lado de Ivan Serpa, Ferreira Gullar
(1930), Mário Pedrosa, Franz Weissmann (1911-2005), Lygia Clark (1920-1988) e outros. Desenvolve a partir
de 1964 os Objetos Cinéticos, um desdobramento dos cinecromáticos, mostrando o mecanismo interno de
funcionamento e suprimindo a projeção de luz. O rigor matemático é uma constante em sua obra, atuando
como importante recurso de ordenação do espaço. É considerado internacionalmente um dos pioneiros da
arte cinética.

Praticar a arte: No espaço abaixo, você projetará a sua idéia para construir um “cinecrmático”, inspirado nas imagens de algumas obras
do artista Abraham Palatnik. Use figuras geométricas variadas com as cores que desejar. Depois do seu projeto pronto, construa uma
maquete utilizando materiais alternativos como tampas de garrafas e potes em diferentes tamanhos e cores. Tudo suspenso em arame
maleável. Você também pode construir um móbile.
 76 – CONHECENDO O ARTISTA: IVAN SERPA.

Estuda pintura, gravura e desenho com Axl Leskoschek, entre 1946 e 1948, no Rio de Janeiro. Em 1949,
ministra suas primeiras aulas no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro - MAM/RJ, onde, a partir de 1952,
exerce sistemática atividade didática, em especial no ensino infantil. Ao lado de Ferreira Gullar e Mário
Pedrosa, cria o Grupo Frente, integrado por Franz Weissmann, Lygia Clark, Aluísio Carvão,Hélio Oiticica, Décio
Vieira e Lygia Pape. Permanece na liderança do grupo até sua dissolução, em 1956. Apesar da liberdade de
pontos de vista estéticos no grupo, há o predomínio de artistas concretistas. Em 1957, recebe o prêmio de
viagem ao exterior no Salão Nacional de Arte Moderna - SNAM. Participa da exposição Opinião 65, evento
que marca a difusão de uma nova arte de tendência figurativa, a neofiguração. A obra de Ivan Serpa, desde o
início de sua carreira, oscila entre o figurativismo e a arte concreta. Em 1970, funda, com Bruno Tausz, o
Centro de Pesquisa de Arte no Rio de Janeiro.

Praticar a arte: Reproduza, através de recorte e colagem de filetes de papéis coloridos a obra “Verde e rosa”. Você pode modificar as
cores ou acrescentar outras a mais. Use a régua para traçar as linhas de forma uniforme.
 77 - CONHECENDO O ARTISTA: DUDI MAIA ROSA.

Rafael Maia Rosa (São Paulo SP 1946). Pintor, desenhista, professor. Estuda gravura com Trindade Leal (1927-2013) na Fundação Armando Álvares Penteado (Faap), em
São Paulo, em 1966. O artista interessa-se inicialmente pela aquarela e pela cerâmica, voltando-se posteriormente à pintura. Realiza sua primeira exposição individual
em 1967, na Galeria Atrium. Em 1968, ingressa na Faculdade de Engenharia de Mogi das Cruzes e freqüenta o ateliê de Wesley Duke Lee (1931-2010). Nos anos
seguintes vive na Inglaterra. Retorna ao Brasil em 1972, e passa a freqüenta a Escola Brasil: inicialmente como aluno, tornando-se depois professor. Nas décadas de
1960 e 1970, realiza trabalhos que têm como tema a cidade de São Paulo, representada em cenários oníricos. Nos anos 1980, sua pintura adquire características
tridimensionais, marcada por uma pintura gestual. O artista começa a realizar experiências com resina sintética, que permite uma variação de transparências e
tonalidades em suas obras. Em alguns trabalhos insere escritos, como citações bíblicas ou ainda figuras indefinidas, evanescentes. Dudi Maia Rosa estuda gravura na
Fundação Armando Álvares Penteado (Faap), em 1966. No início da década de 1970, dedica-se à gravura e aquarela, com orientação de Babinski (1931). Freqüenta a
Escola Brasil:, entre 1971 e 1974, na qual, posteriormente, se torna professor. A partir da década de 1980, realiza pinturas ligadas à abstração, empregando suportes
recortados em formas não usuais: triângulos ou semicírculos. Nessas telas explora os grafismos e as texturas, como ocorrem em Sim (1981).

Praticar a arte: Observando as

aquarelas produzidas pelo
artista Dudi Maia,
experimente criar algumas
composições usando a mesma
técnica. Através da aquarela
podemos criar novos tons com
as misturas das cores. Você
pode adicionar água ao
goache e usar um pincel de
cerdas macias. Observe a
tabela de cores para você se
orientar nas misturas. Lembre-
se de realizar as misturas
diretamente sobre a folha de
papel.
 78 – CONHECENDO A ARTISTA: ROSÂNGELA RENNÓ.

Rosângela Rennó Gomes (Belo Horizonte, MG, 1962) é uma artista plástica brasileira que vive e trabalha no Rio de
Janeiro. Ela produz fotografias, instalações e objetos por meio da utilização de imagens fotográficas de arquivos
públicos e privados, abordando questões acerca da natureza da imagem, seu valor simbólico e seu processo de
despersonalização. Seu trabalho se apropria e traz visibilidade a um repertório anônimo de fotografias e negativos
encontrados em feiras de antiguidade, álbuns pessoas, jornais e arquivos, traduzidas por processos de transferência de
um contexto a outro, de um suporte a outro. O interesse pelas imagens descartadas e o hábito de colecionar foram
decisivos para a formação de suas estratégias de trabalho. Com sua mudança para o Rio de Janeiro em 1989, seu foco se
desloca dos conflitos da esfera privada, como os laços de família, para a esfera pública ou coletiva. Rennó passa a
trabalhar com negativos e cópias esquecidas de retratos 3x4 adquiridos em estúdios fotográficos populares. Mais tarde,
fixou-se na narrativa fotográfica, recolhendo textos que falavam de fotografia em jornais de circulação nacional.

Praticar a arte: A artista Rosângela Rennó trabalha a partir de fotografias de desconhecidos que ela garimpa de diversos lugares. Inspirados pela obra da artista vamos produzir uma exposição
fotográfia entre os seus colegas de sala. Tire fotos no formato 3X4 (de frente, de perfil e de costas) de seus colegas de sala, imprima-as em um formato A4 (pode ser preto e branco) e monte a
exposição em sala com o título: “Eramos desconhecidos agora somos uma turma”. Crie no espaço abaixo a poética dessa exposição dando um significado a ela. Não se esqueca de por o nome
de cada colega em suas respectivas fotos. Outro tema interessante é: Tirar fotos de frente e de costas, para as fotos de frente você pode intitular “Apoiamos a natureza”, ou outro tema
positivo e, para as fotos de costas, “Somos contra o bullying” ou outro assunto negativo.
PROJETO DA EXPOSIÇÃO (Registre sua ideia para compartilhar com a turma)
Título: _______________________________________________________ Local de exposição:_____________________________________Data para estréia: _____/_____/_____

Conceitos e ideias:__________________________________________________________________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________________________________________________________________________________________
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Materiais:___________________________________________________________________________________________________________________________________________________
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 79 – CONHECENDO O ARTISTA: PAULO PASTA

A obra de Paulo Pasta (1959-) tem início nos anos 1980, com visível influência
da pintura metafísica do italiano Giorgio de Chirico (1888-1978). Figurativo, o
artista retratava em sua fase inicial ambientes desérticos, como situações
urbanas sem pessoas. Com o tempo, suas formas vão se depurando, até que
restem apenas densas manchas de tinta. Sobressai, então, o uso da cor.
Mesmo sendo essencialmente abstrata, é possível vislumbrar na obra de
Paulo Pasta uma forte relação com a arquitetura. Isso ocorre graças às
diferenças de tom e cor, luz e sombra, superfície e profundidade, que o artista
usa magistralmente em suas telas, destacando-se no cenário da pintura
contemporânea brasileira.

Praticar a arte: Depois de observarmos alguns exemplos da produção artística de Paulo Pasta, vamos criar uma composição geométrica
através de recorte e colagem de papéis coloridos inspirados em seu abstracionismo. Recorte tiras de papel em cores complementares
ou análogas e cole em um fundo colorido. Você pode utilizar também as cores quentes ou frias.
 80 – CONHECENDO O ARTISTA: NUNO RAMOS.

Nuno Ramos começa a pintar em 1982, na época, seus trabalhos são figurativos e gestuais, feitos com esmalte sintético sobre papel. A partir de 1985, passa a
utilizar tinta a óleo sobre tela. A massa de tinta torna-se mais espessa e as formas, mais abstratas. No período, adquire prestígio e visibilidade. Participa da 18ª
Bienal Internacional de São Paulo (1985) e da 2ª Bienal de Havana (1986). Em 1987, exibe suas primeiras obras tridimensionais. Faz esculturas com cal, tecido e
madeira. Os trabalhos mostram uma mudança em sua carreira: o interesse desloca-se de uma figuração associada ao gesto expressivo, para a composição de
peças em que se relacionam materiais díspares. No ano seguinte, as superfícies de seus quadros se avolumam, tomadas por uma massa grossa e colorida, onde
se amalgamam objetos de natureza distinta como madeira, pano e arame. Esse agregar de materiais projeta a superfície para os limites do suporte,
transformando-o num relevo. Na década de 1990, desenvolve as suas primeiras instalações. Nelas também reúne materiais de naturezas distintas. Dispõe
esculturas, imagens fotográficas, textos e outros objetos incorporados no espaço. Em 1996, expande a área em que seu trabalho e em 1999 e faz telas cada vez
maiores.

Praticar a arte: Diante da incrível produção artística do artista Nuno Ramos e inspirado por ela, você vai trabalhar com papietagem. Siga as orientações para criar uma composição com
texturas e cores. Reúna outros objetos como arestas de lápis de cor, botões, miçangas e paetês, assim como pedaços de tecidos variados, canudos coloridos etc para incrementar a sua obra.
Desenhe um projeto no espaço abaixo e concretize-o em um suporte mais resistente como papelão ou madeira.
Matériais básicos para papietagem
 - Pedaços de papel;
 - Cola branca;
 - Pincel.
 81 – CONHECENDO O ARTISTA: LUÍS HERMANO.

No inicio da carreira, Luiz Hermano produz desenhos e gravuras, nos quais a linearidade é fundamental, e apresenta cenas de inspiração surreal, que derivam do
imaginário das gravuras populares e da literatura de cordel. Tanto em sua obra gráfica quanto nas pinturas estão presentes também memórias de infância e um
certo aspecto lúdico. Posteriormente, passa a produzir objetos e esculturas em materiais filiformes, nos quais explora possibilidades formais relacionadas à
produção artesanal de utensílios de seu estado natal, o Ceará, como os trançados, em que utiliza alumínio, cobre, aço inoxidável ou bronze. Como nota o
historiador da arte Tadeu Chiarelli, o artista utiliza um modo de produção precário, artesanal, originário de um mundo pré-industrializado, para a criação de
formas autônomas, empregando para isso materiais industrializados. É justamente nessa tensão que reside o interesse de sua obra. Essas questões podem ser
percebidas, por exemplo, na série de trabalhos que empregam a figura do cubo. Nela, a lógica associada a essa figura geométrica é subvertida pela fragilidade
construtiva. Em produção mais recente, Hermano apropria-se de materiais diversos daqueles empregados anteriormente, como metais coloridos, cabaças naturais
e vários tipos de brinquedos de plástico. Cria estruturas vazadas, enredadas no espaço, como as Torres (2003), construídas com réguas plásticas, em que explora
questões ligadas ao equilíbrio e desequilíbrio. Como lembra ainda a crítica de arte Maria Alice Milliet, suas peças têm uma fragilidade que deriva dos materiais e
também do processo de construção que utiliza.

Praticar a arte: Observando as esculturas artísticas criadas por Luís Hermano, vamos construir esculturas tridimensionais utilizando canudos plásticos. Observe as instruções e crie um
emaanhando de formas ou algo com uma peça única, assim como fez o artista. Conforme o tamanho de sua criação junte a sua obra com a obra de outro colega e faça um aglomerado de
esculturas formando uma única peça.
 82 – CONHECENDO O ARTISTA: MARCOS BENJAMIN COELHO.

Autodidata, Marcos Coelho Benjamim muda-se, em 1969, de sua cidade natal, Nanuque, Minas Gerais, para
Belo Horizonte, onde passa a produzir histórias em quadrinhos e desenhos de humor, com os quais colabora
em diversas publicações. Em 1976, começa a realizar aquarelas povoadas por figuras fantásticas. A repetição
de ritmos, de gestos gráficos e o gosto pela geometria caracterizam a sua produção. O artista serve-se de
materiais usados e com superfícies ásperas e gastas, como velhas latas de óleo, madeira de restos de
construção ou de demolição e cones de metal oxidados, freqüentemente enquadrados em caixas de
madeira. No começo da década de 1990, passa a realizar trabalhos em grandes dimensões, como as
delicadas obras de formas circulares, retangulares e trapezóides, que compõe fixando delgadas estrias de
zinco sobre suportes de madeira. Benjamim cria também peças em mosaico com as pedras retiradas da
região de São Tomé das Letras, Minas Gerais, por vezes coloridas com pigmento de pó de xadrez azul
ultramarino. A irregularidade natural das pedras acresce um valor táctil à obra. Marcos Coelho Benjamim
revela grande ligação com a cultura popular de Minas Gerais, em sua tradição de trabalho artesanal e no
reaproveitamento dos materiais.

Praticar a arte: Vamos trabalhar com papel micro-ondulado. Recorte diferentes figuras geométricas de ângulo reto como
quadrados, retângulos, riâmgulos e trapézios etc. E em diferentes tamanhos. Pinte-os monocromaticamente (Uma só cor),
variando nas tonalidades. Ordene-os de forma a preencher todo o espaço.
 83 – CONHECENDO O ARTISTA: NELSON LEIRNER

Desde a infância a arte moderna está muito presente na vida do artista paulista Nelson Leirner. No entanto essa
proximidade não desperta de imediato o interesse de Leirner pela arte. Resolve tornar-se artista apenas na
década de 1950, estimulado por trabalhos de Paul Klee. Suas telas se aproximam da abstração informal. Entre
1961 e 1964, continua com a pesquisa de materiais, mas com outra direção. Interessado nas poéticas dadaístas,
produz seus quadros com objetos recolhidos na rua, gerando a série Apropriações. Em 1964, o artista abandona
a pintura e passa a trabalhar com elementos prontos, fabricados industrialmente. Recolhe objetos de uso e
desloca seu sentido. A partir da década de 1970, o teor questionador do trabalho migra da ação direta para um
sentido alegórico, que muitas vezes envolve o erotismo. O happening tem menos presença que o desenho e a
instalação. Nessa época, Leirner se dedica a outras linguagens, como o design, os múltiplos e o cinema
experimental. Desde o ano 2000, seu trabalho se apropria de imagens artísticas banalizadas pela sociedade de
consumo. De maneira bem-humorada, lida com as reproduções da Gioconda [Mona Lisa], 1503/1506 de
Leonardo da Vinci e a Fonte, 1917 de Marcel Duchamp como tema artístico. Com a mesma ironia, o artista
replica sobre couro de boi imagens da tradição concreta brasileira, na série Construtivismo Rural.

Praticar a arte: A partir da proposta do artista Nelson Leirner em interferir em imagens artísticas famosas, recorte os stickers e cole na
Monalisa, construindo sua intervenção.
 84 – CONHECENDO O ARTISTA: ALDO BONADEI

Em 1915, aos nove anos, Aldo Bonadei executa seu primeiro trabalho a óleo e depois realiza pequenas pinturas
autodidaticamente. Ao desenvolver seu estilo, pinta principalmente naturezas-mortas e paisagens urbanas e suburbanas de São
Paulo, temas que se tornam constantes. Destaca-se em suas obras do período o diálogo constante com a obra de Paul Cézanne
(1839 - 1906), no tratamento da cor e no uso da pincelada. Na década de 1940, leciona pintura e trabalha como figurinista, cria
modelos para vestidos e desenhos para bordados. Dessa atividade advém a idéia de aplicar sobre a tela costuras ou bordados,
de maneira a determinar relevo e textura na composição. O período marca maior liberdade plástica do artista, que pinta quadros
que buscam estabelecer relação entre música, ritmos e modulações da cor e pintura. Em seguida, sob o impacto da abstração,
que começa a ser apresentada no país em importantes mostras, Bonadei interessa-se pelo cubismo e posteriormente busca a
compreensão perceptiva do espaço por meio da teoria da Gestalt [Psicologia da Forma]. O interesse por diferentes áreas leva-o a
desenvolver atividades em poesia, moda e teatro. O artista tem importante atuação, entre os anos 1930 e 1940, na consolidação
da arte moderna paulista e é um dos pioneiros no desenvolvimento da arte abstrata no Brasil.

Praticar a arte: Observando as obras do artista Aldo Bonadei, escolha uma delas para criar produzir uma releitura em seu caderno de arte. Observe as linhas, as cores e a
assimetria da composição. Utilize da régua para criar as formas geométricas e aplique as cores que desejar.
 85 – CONHECENDO O ARTISTA: ELISEU VISCONTI.

Eliseu Visconti foi um pintor brasileiro. Ele é considerado o representante mais expressivo do
impressionismo no Brasil e também um pioneiro do design no país. Eliseu d’Angelo Visconti nasceu
em 30 de julho de 1866, na Vila Santa Caterina, em Giffoni Valle Piana, no sul da Itália. Aos 7 anos,
veio para o Brasil e ais 17 ingressou no Liceu de Artes e Ofícios, no Rio de Janeiro, e teve aulas com o
pintor Vítor Meireles. Por sugestão do imperador, dom Pedro II, ingressou na Academia Imperial de
Belas-Artes. Ao longo de seus quase sessenta anos de carreira, Visconti pintou inúmeras telas. Além
da técnica impressionista, aparecem em seu trabalho outros estilos, como o naturalismo, o
neorrealismo e também influências renascentistas. Temas de seus quadros incluem paisagens, sua
família e vários autorretratos. Visconti é considerado um pioneiro no Brasil na área das artes gráficas
e da arte aplicada à indústria, atividades que mais tarde viriam a se popularizar sob o nome de design.
O artista criou selos, cartazes, peças de cerâmica, tecidos, papéis de parede, vitrais e luminárias. Uma
de suas obras mais grandiosas, que mistura pintura e design, foi a elaboração dos painéis que
decoram o interior do Teatro Municipal do Rio de Janeiro. Visconti também trabalhou como professor
de pintura.

Praticar a arte: A composição Volta às Trincheiras é uma obra do pintor brasileiro Eliseu Visconti, feita quando o artista encontrava-se
na França. Quando houve a eclosão da Primeira Guerra Mundial, ele deixou a capital francesa e refugiou-se na cidade de Le Mans, onde
fez esta pintura, cujo tema retrata aquele momento. Aplique cores sobre a imagem utilizando a técnica do pontilhismo. Use goache e
cotonete ou qualquer ferramenta que te possibilite construir pontos como as cores.
 86 – CONHECENDO O ARTISTA: WILLYS DE CASTRO.

Willys de Castro nasceu em Uberlândia, MG, e foi um artista brasileiro, expoente do movimento
neoconcreto. O modo como a geometria se desenvolve nos trabalhos de Willys parte de um problema. Ela
surge como antidecorativa, ou seja, não intenta apenas “ocupar” o espaço da composição com formas
abstratas, mas progressivamente alterar a articulação entre espaço interno e externo. Isso aparece no
momento maduro de vários artistas concretos: para além da ausência de chassis (que confinaria a pintura
dentro de uma cena), o prolongamento da pintura e seus planos pelas bordas cada vez mais espessas fazem-
na literalmente projetar-se rumo ao espaço. No caso de Willys, porém, marca-se uma diferença: a
modulação e seus ritmos, a projeção da pintura para além da tela (note-se, contudo, que ela não renuncia
sua posição junto à parede) são racionalistas, mas não necessariamente se enunciam como consequências
“lógicas” da pintura, isto é, não abdicam de uma ênfase numa intuição estética, ou, de se alinharem ao que
ele chamava de uma geometria sensível.

Praticar a arte: Crie no espaço abaixo uma composição utilizando apenas linhas curvas. Utilize o compasso para criar suas formas. Para
cada espaço que se formou entre as linhas desenhadas aplique a cor cinza, preto ou branco conforme a imagem de uma das obras do
artista. Tente descobrir se o encontro das linhas formou algum desenho e o destaque aplicando outras cores.
 87 – CONHECENDO O ARTISTA: HÉRCULES BARSOTTI.

Hércules Barsotti foi pintor, desenhista, programador visual e gravador. Iniciou formação artística em
1926. Começa a pintar em 1940 e, na década seguinte, realiza as primeiras pinturas concretas, além de
trabalhar como desenhista têxtil e projetar figurino para o teatro. Em 1954 elabora ilustrações para
várias revistas e desenvolve estampas de tecidos produzidos em sua tecelagem. Hercules Barsotti
explora a cor, as possibilidades dinâmicas da forma e utiliza formatos de quadros pouco usuais, como
losangos, hexágonos, pentágonos e circunferências. Em sua obra a disposição dos campos de cor cria a
ilusão de tridimensionalidade. Entre 1963 e 1965, colabora na fundação e participa do Grupo Novas
Tendências, em São Paulo. Em 2004, o MAM/SP organiza uma retrospectiva do artista. Em seus
trabalhos, são percebidos incessantes pesquisas ópticas influenciadas pela Op Art.

Praticar a arte: Aplique as cores que desejar no esquema apresentado abaixo e crie uma obra de arte inspirando-se na produção
artística de Hércules Barsutti.
88 – CONHECENDO O ARTISTA: MANABU MABE

Pintor japonês naturalizado brasileiro nascido em Kumamoto-Ken, situada na ilha de Kiushiu, Sul do Japão, conhecido por seus quadros abstracionistas
caracterizados pelas cores vivas e grandes dimensões, apelidado no Brasil de O samurai da pintura. Veio para o Brasil (1934) para trabalhar na lavoura cafeeira
no interior de São Paulo. Autodidata, começou a pintar natureza-morta e paisagem. Por volta dos 20 anos, para driblar o tédio do tempo chuvoso, quando não se
podia plantar café, pintava nos fins de semana e nos dias de chuva, sempre usando como apoio para as telas a cabeceira da cama do pequeno quarto que dividia
com os irmãos, iniciando, assim, uma brilhante carreira nas artes plásticas. Realizou sua primeira mostra individual na capital paulista (1948) e, no ano seguinte,
após a morte do pai, que não concordava que ele se dedicasse à arte, já participava do Salão Nacional de Arte Moderna, no Rio de Janeiro. Foi convidado a
participar da Bienal de Arte do Japão (1956)e, a partir de então, recebeu dezenas de premiações em todo o mundo. Mudou-se de Lins para São Paulo, onde
inicialmente enfrentou dificuldades, mas com o reconhecimento internacional, ganhou fama e fortuna. Naturalizado às pressas para ganhar o prêmio de melhor
pintor brasileiro na Bienal (1959), ele foi um dos primeiros artistas orientais a deixar a sua marca na cultura nacional.
Praticar a arte: Com pedaços de papéis coloridos diversos rasgados, faça uma composição com colagem, sobrendo um ao outro em um
fundo colorido para experimentarmos a produção artística de Manabu Mabe.
 89 – CONHECENDO O ARTISTA: DANIEL SENISE.

Daniel Senise Portela nasceu no Rio de Janeiro, Rio de Janeiro em 1955. Pintor e gravador. Em 1980, ingressa como aluno na Escola de Artes Visuais do Parque Lage
(EAV/Parque Lage), onde, entre 1986 e 1991. Leciona no Núcleo de Pintura. Estuda com John Nicholson e Luiz Aquila , e participa da exposição “Como Vai Você Geração
80?”. Realiza sua primeira exposição individual na Galeria do Centro Empresarial Rio, em 1984, e, no mesmo ano, integra o Ateliê da Lapa, com Angelo Venosa, Luiz Pizarro e
João Magalhães. No início da carreira, Senise produz obras com paisagens povoadas por formas volumosas, que ocupam a quase totalidade da tela. Esses objetos impõem-se
como presenças monumentais, mas são vazios de conotações temáticas. A pintura de Senise caracteriza-se pela ambiguidade – o artista revela e oculta, ao mesmo tempo,
imagens de objetos que se aproximam daqueles cotidianos, mas não podem ser facilmente identificados. A dramaticidade de suas obras iniciais é determinada pela forma
como ele articula as imagens com um tratamento volumétrico vigoroso e uma gama cromática soturna.

Praticar a arte: Use a imagem da textura abaixo para compor sua obra: Recorte-a em diferentes formatos e tamanhos, reorganize os pedaços de forma aleatória, com um pequeno espaço
entre as partes, em um fundo colorido.
 90 – CONHECENDO A ARTISTA: TERCÍLIA DOS SANTOS.

Começou a pintar somente em Prsticar a arte: Observe alguns exemplos da produção artística de Tercília dos Santos para você desenhar. Aplique as cores
1990, logo expondo seus trabalhos. que desejar.
Sua pintura remete à infância, com
grande riqueza de cores. Em 1996
conquistou o Prêmio Aquisição na
Bienal Brasileira de Arte Naïf de
Piracicaba. Artista plástica apontada
pela crítica como a grande revelação
da pintura Naif de Santa Catarina.
Seus quadros através de figuras
totalmente coloridas, em acrílico
sobre tela, registram o colorido rural
do Estado.
Sem a pretensão de impressionar, a considerada a maior
artista naïf de Santa Catarina, Tercília mantém a simplicidade
de seu viver no pintar. O resultado desse estilo imutável de
vida é traduzido em suas obras: composições harmônicas e
alegres de plantações, agricultores, animais, vilarejos e
qualquer outro elemento que protagonize em sua imaginação,
ainda mais coloridos e sempre próximos das raízs simplistas.
 91 – CONHECENDO O ARTISTA: MESTRE VITALINO.

Mestre Vitalino (1909-1963) foi um artista popular brasileiro, considerado um dos maiores artistas da história da arte do barro no Brasil. Vitalino Pereira dos Santos
(1909-1963), conhecido como Mestre Vitalino, nasceu na cidade de Caruaru, Pernambuco, no dia 10 de julho de 1909. Filho de um lavrador e de uma artesã que
fazia panelas de barro para vender na feira, desde seis anos de idade já fazia transparecer seu talento moldando pequenos animais com as sobras do barro. O barro
tirado do Rio Ipojuca, em cujas margens, Vitalino brincava na infância, foi desde cedo a matéria-prima que sem imaginar, mais tarde daria forma a sua arte e o
tornaria famoso, produzindo uma arte simples que encantou o mundo, e que os especialistas decidiram batizar como arte figurativa. Mestre Vitalino deu vida a sua
arte de barro, como “os bois”, “as vacas”, “os cangaceiros”, “a ciranda”, “a banda de pífanos”, “o violeiro”, “o zabumba”, “o cavalo-marinho”, “a casa de farinha”,
“os noivos a cavalo”, “Lampião”, “Maria Bonita”, “a vaquejada”, entre outros. Sua produção artística passou a ser iconográfica, influenciando a formação de novas
gerações de artistas, principalmente no Alto do Moura. A casa onde o artista viveu foi transformada em “Museu Vitalino”, e seu entorno é ocupado por oficinas de
artesãos. Mestre Vitalino faleceu em Caruaru, Pernambuco, no dia 20 de janeiro de 1963.

Praticar a arte: Inspirados pela produção artística do grande Mestre Vitalino, vamos experimentar trabalhar com argila ou massa de modelar ou massa de biscuit. Siga as orientações e crie
suas personagens. Como esculpir um rosto com argila: Se você gosta ou se quiser aprender a trabalhar com cerâmica plástica, argila, ou inclusive massinha, não hesite em experimentar isto.
Estas instruções passo a passo podem ajudá-lo a começar, e em pouco tempo, estará criando por sua conta.
 92 – CONHECENDO A ARTISTA: SÔNIA FURTADO.

Sônia Maria Fagundes Furtado nasceu em 1950, em Tubarão, Santa Catarina. Formada em Educação Física,
dedicou-se ao magistério durante dez anos. Em 1979 mudou-se com a família para Curitiba, Paraná e pintou o
seu primeiro quadro. Alguns anos mais tarde, retornou à sua terra natal e instalou-se em definitivo na capital
catarinense quando realizou individuais na Galeria Açu-Açu do poeta Lindolf Bell de Blumenau em 1984 e 1986,
além de uma exposição individual no Espaço Cultural do Banco do Brasil em Florianópolis em 1991. Sob os
auspícios do Embaixador da França, Francois Dorin, participou de uma importante exposição coletiva, “Arte
Brasileira”, junto com Antônio Poteiro, Edson Lima e Adir Sodré, no The Art Ginza-Space, em Tokyo, Japão
(1988). Em São Paulo, apresentou uma exposição individual na Galeria Jacques Ardies em 1992. Foi
homenageada com uma Sala Especial na Bienal Brasileira de Arte Naif de Piracicaba em 1993, participou ainda da
exposição inaugural do Museu de Art Naif em Figueiras, Espanha e, em 2002, foi incluída na exposição “Arte
Popular e o Popular na Arte” montada no Centro Cultural do Banco do Brasil, São Paulo. A sua temática é toda
voltada para a terra e aos trabalhadores no campo. Ela gosta também de retratar as festas populares e religiosas
em cores vibrantes e bem selecionadas.

Praticar a arte: Observe a obra “Menino com papagaio” da artista Sônia Furtado. Aplique as cores que desejar sobre a imagem.
 93 – CONHECENDO O ARTISTA: ERNANE CORTAT.

Espontânea, autêntica e até ingênua. Assim começa a (quase) definição da arte naif, uma categoria artística que
foge da classificação de “escola” e que preza pela liberdade de expressão do artista: é a partir da arte naif que
ele poderá fazer as suas obras de modo instintivo e, assim, expandir o seu universo particular. Também
chamada de arte primitiva, a naif é uma forma de expressão que não procura se encaixar nos moldes
acadêmicos, tendências modernistas ou mesmo no famoso – e batido – conceito de arte popular. Ela é muito
próxima da arte infantil, daquela que não exige uma técnica propriamente dita mas, mesmo assim, não parece
coisa de criança! E é no Rio de Janeiro que um dos maiores nomes da arte naif no Brasil faz as suas obras. Ernane
Cortat é um artista plástico que aderiu a arte naif assim, sem razões específicas. Foi algo espontâneo, mas que
deu – e ainda dá – muito retorno! Extremamente espiritualizado e ligado às artes, Ernane é o exemplo perfeito
daquilo que é naif: agradável, leve e com muita alegria pra dar e vender.

Praticar a arte: O artista Ernane Cortat traduz em sua produção a essencia da Arte Naif. Vamos transformar uma imagem clássica em
um obra no estilo Naif. Através de pingos coloridos (goache) e com alguma ferramenta que te auxilie a fazer os pontos (Cotonete,
ponta do lápis ou o cabo do pincel), preencha os espaços da imagem com as cores que desejar.
 94 – CONHECENDO O ARTISTA: RICARDO FERRARI.

Pintor autodidata, Ricardo Ferrari nasceu e se criou em Belo Horizonte numa época em que segundo ele, a cidade ainda
era uma roça. Pintou seu primeiro quadro aos nove anos de idade. Seus quadros reatratam geralmente a infância a
simples. Pintou diversos temas durante sua jornada, mas uma situação vivida em família o influenciou de tal maneira que é
hoje referência em suas obras. Ele morava em uma casa alugada com a mulher e os filhos. Ao lado, vivia a irmã e, em uma
segunda residência, um amigo. Certo dia, decidiram derrubar os muros que separavam as casas, formando, assim, um
grande quintal. E, diariamente, os filhos, primos, amigos e vizinhos se reuniam ali, em brincadeiras infinitas. Infelizmente,
chegou um momento em que os donos do imóvel solicitaram a saída, pois ali seria construído um prédio, que persiste até
os dias atuais. Ferrari se mudou com a família para um apartamento e, dessa história, nasceu a série de pinturas
“Quintais”.

Praticar a arte: Sobreponha uma folha de seu caderno sobre a obra do artista Ricardo Ferrari para trasnferir o desenho.
Acrescente outros elementos que desejar como mais brinquedos. Aplique as cores que desejar.
 95 – CONHECENDO A ARTISTA: THAIS GOMEZ.

Você gosta de arte brasileira? Das cores vivas do nosso país, de criatividade, de simpatia e muito
talento artístico. Hoje vamos falar sobre a Thaís Gomez, uma artista brasileira que desde a sua
infância demonstra um sensibilidade e amor à arte incrível! A Thaís nasceu em Diadema, uma
cidade localizada no ABC de São Paulo , veio de uma família simples com raízes Nordestinas e
Indígenas, uma mistura bem brasileira. A pintura surgiu na adolescência. Começou a pintar como
uma forma de relaxamento, sem pretensão alguma, porém com o passar do tempo viu a
necessidade de transpor para as telas as vivências criando uma identidade visual nelas.
Começou a direcionar o olhar para a cultura regional brasileira, realizando pesquisas em livros,
revistas, internet e se encantou com as nossas cerâmicas, esculturas, dança, música e tudo que
faz parte do folclore brasileiro.

Praticar a arte: Observando algumas imagens das obras da artista Thaís Gomez, aplique as cores que desejar na imagem proposta:
 96 – CONHECENDO A ARTISTA: ISABELA COUTO.

Isabela Couto Machado (a Bela) nasceu em Itabira (MG), tem 40 anos e atualmente mora em Betim (MG). A
forte inclinação aos temas mais espirituais em seu trabalho é um fato e se estende até 2015. Depois disso,
Isabela não se restringirá mais ao tema do sagrado. Por zils motivos, a artista se arriscará e produzirá, também,
outras temáticas. O maior evento da vida da artista plástica até o momento e que merece destaque, contudo,
tem a ver com a sua carreira internacional. Isabela recebeu um notório convite para expôr no Museu do Louvre,
em Paris (França). Essa distinção é resultado de uma obra selecionada para esse mesmo e importante
acontecimento. Sua exposição aconteceu nos dias 26 e 27 de outubro (2013), no Carrousel do Louvre. Outras
exposições internacionais e no Brasil, desde então, multiplicaram-se. É a força da arte figurativa e livre
alcançando o mundo.

Praticar a arte: Aplique as cores que desejar na imagem de uma das obras da artista Isabela Couto. Use goache ou acrílica.
 97 – CONHECENDO O ARTISTA: MILITÃO DOS SANTOS.

Militão é um exemplo Praticar a arte: Aplique as cores que desejar sobre a obra do artista Militão dos Santos. Você pode usar goache ou acrílica.
exato da valorização do
sentido visual. Aos sete
anos de idade contraiu
meningite e perdeu
100% da audição. Para
minimizar a deficiência,
a família o transferiu
para o Rio de
Janeiro,em 1970, para
que se matriculasse no
Instituto Nacional de
Educação de Surdos.
No INES, ele não só aprendeu as linguagens
labial e dos símbolos como pôde desenvolver a
sua inclinação para a pintura em aulas com o
artista plástico Rubens Fortes Bustamante Sá
(já falecido), que lhe transmitiu a idéia de
composição e cores.
 98 – CONHECENDO A ARTISTA: TOMIE OHTAKE.

A série “Pinturas cegas”, da artista plástica Tomie Othake apresenta 24 obras realizadas por ela com os
olhos vendados, entre 1959 e 1962. A luz na obra de Tomie Ohtake trafegou entre o excesso e a
tenuidade, entre a construtividade da cor pela sombra e a privação do olhar como risco operacional que
aproximava escuridão e cegueira do processo de produção do olhar. A artista traça o caminho da luz por
extremos. Entre a exaustiva presença e a absoluta falta dela, em um mundo de entrelaces de sombras,
cegueira, luminosidade plena e vibração da cor que revelam o aparato conceitual que enlaça sua
trajetória, na qual se destaca o conjunto dessas pinturas. No início da década de 1960, Tomie Ohtake
vedava os olhos para pintar como se buscasse seu olhar ao ponto cego e a partir dele se engajar na
experiência ímpar. As “pinturas cegas”, de Tomie formam uma corrente única na história da arte
brasileira uma vez que a modalidade de pintar com os olhos cobertos por uma venda não é comum ou
corriqueira no panorama da arte no Brasil.

Praticar a arte: A partir da observação da prática de Tomie Ohtake em realizar pinturas com os olhos vedados, vamos experimentar
compor uma obra de arte do mesmo modo. Faça isso com os olhos vedados usando a técnica da pintura soprada.
 99 – CONHECENDO A ARTISTA: RENATA EGREJA.

Renata Egreja vive e trabalha em São Paulo. É formada em artes plásticas pela FAAP com mestrado pela École
Nationale Supérieure des Beaux-Arts, Paris, França. Vai acumulando em suas telas de grande formato os
humores da vida, registrando dia a dia a fúria, depois a gentileza, o movimento amplo, depois a vontade de
recomeçar. Como exposições individuais citamos: Anattã (India International Center, Nova Déli, 2013), A Regra
do Jogo (Zipper Galeria, São Paulo), individual no Museu Histórico de Santa Catarina, Florianópolis; e Um Traço
Basta (Museu de Arte Contemporânea do Paraná, Curitiba, 2012). Participou de várias exposições coletivas,
das quais citamos a Residência Artística no MACS (Museu de Arte Contemporânea de Sorocaba), e o
“Programa de Residência Artística FAAP/M.R.E. Itamaraty na Índia: Paulo Almeida e Renata Egreja” (MAB
FAAP, São Paulo). Possui trabalhos em acervos públicos e privados e ganhou os seguintes prêmios: Prêmio
Itamaraty de Arte Contemporânea em 2012 e Menção Honrosa no 18º Salão de Artes Plásticas de Praia
Grande em 2011.

Praticar a arte: Aplique as cores na imagem de uma das obras da artista Renata Egreja utilizando a goache aguada. Você pode transferir
esse desenho para um papel de maior gramatura para melhor resistência à umidade. Ou até mesmo utilizar o lápis de cor aquarelável.
 100 – CONHECENDO O ARTISTA: CÁSSIO VASCONCELOS.

Cássio Campos Vasconcellos (São Paulo SP 1965). Fotógrafo. Em 1981, freqüenta cursos de fotografia na
Escola Imagem-Ação, em São Paulo. Começa a trabalhar como fotojornalista na revista IstoÉ, em 1984. No
ano seguinte, permanece seis meses em Nova York. Trabalha na Folha de S. Paulo em 1988 e, vai morar em
Paris, onde atua como freelancer para esse jornal e para a Editora Abril, em 1989. Em 1990, faz fotografias
publicitárias para a agência DPZ Propaganda. Na seqüência, monta estúdio próprio e especializa-se em
fotografias aéreas. Paralelamente às atividades comerciais, desenvolve projetos experimentais nos quais
realiza intervenções que descaracterizam o aspecto documental da imagem fotográfica. Em 1994, lança o
livro Cássio Vasconcellos. Paisagens Marinhas, com fotos feitas com base em fragmentos de negativos
colados com fita adesiva e fogo, além de manipulações no laboratório que dão aos trabalhos o aspecto de
gravura. Recebe o Prêmio Nacional de Fotografia, da Fundação Nacional de Arte - Funarte em 1995; Prêmio
J. P. Morgan de Fotografia, 1999 e Prêmio Porto Seguro de Fotografia, 2001. Participa do evento Arte
Cidade, na capital paulista, em 1994 e 2002. Ganha o prêmio de melhor exposição do ano concedido pela
Associação Brasileira de Críticos de Arte - ABCA com a mostra Noturnos - São Paulo, que dá origem ao livro
homônimo. Entre 2003 e 2004, vive na Cité International des Arts [Cidade Internacional das Artes], em Paris.

Praticar a arte: Recorte em vários filetes a imagem de uma das fotografias do artista Cássio Vasconcelos e cole em seu caderno de arte,
deixando algum espaço entre eles para criar a impressão de alargamento da foto.