UNIVERSIDADE PAULISTA

LARISSA CRISTINA GIMENES MARTINS

MOVIMENTOS DE VANGUARDA

SÃO JOSÉ DO RIO PRETO

2023
CUBISMO
O cubismo foi um movimento artístico vanguardista europeu que surgiu no início do século
XX na França, caracterizado pelo uso de formas geométricas e pela ruptura com os modelos
estéticos tradicionais que valorizavam apenas a perfeição das formas. Este novo estilo
artístico incorporou elementos do imaginário urbano industrial em suas obras, tornando-se
um precursor da arte moderna. O cubismo teve grande influência nas artes plásticas e exerceu
impacto sobre a literatura.

Origem do Cubismo

O surgimento do cubismo é marcado pelo ano de 1907, com a obra Les Demoiselles
d'Avignon (As senhoritas de Avignon), do pintor espanhol Pablo Picasso. Essa obra apresenta
influências visíveis das esculturas africanas e das pinturas do pós-impressionista francês Paul
Cézanne. Ao lado de Picasso, o pintor e escultor francês Georges Braque também é
considerado um dos fundadores do movimento cubista.

Principais Características do Cubismo

• Geometrismo: representação da realidade por meio de figuras geométricas.

• Antitradicionalismo: rompe com os conceitos de harmonia, proporção, beleza e

perspectiva.

• Fragmentação das formas e distorção da realidade.

• Oposição à ideia de arte como imitação da natureza.

• Apresentação de relações e formas não acabadas.

• Apresentação de diferentes pontos de vista pelos quais um objeto pode ser

observado.

• Quebra radical com a arte acadêmica.

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Fases do Cubismo
O cubismo é dividido em três fases:

Fase Cezannista ou Cezaniana (1907 a 1909)

Também chamada de fase pré-analítica, o nome já indica que esse período foi caracterizado
pela influência dos trabalhos do artista plástico francês Paul Cézanne.

Nessa fase, os artistas começaram suas experiências com as simplificações das formas e mais
tarde passaram a representar as figuras dispostas em um mesmo plano.

Era como se estivessem abertas na tela, vistas de frente pelo público.

Fase Analítica ou Hermética (1909 a 1912)

A fase analítica caracterizou-se pela cor moderada, acentuando-se tons de marrons, pretos,
cinzas e ocres. Tal escolha das cores se deu, pois, o mais importante era a exibição do tema
fragmentado, disposto em todos os ângulos possíveis.

Esse esfacelamento das formas chegou a níveis tão elevados que, ao final, as figuras
acabaram por se tornarem irreconhecíveis.

Fase do Cubismo Sintético (1911)

O cubismo sintético caracterizou-se pelas cores mais fortes e um retorno ao figurativo, na

medida em que buscou tornar as figuras reconhecíveis novamente, mas sem voltar a um
tratamento realista.

Nessa fase, passa-se a empreender o método de colagem, fixando objetos reais na tela, como
pedaços de madeira, vidro e metal.

Além disso, introduziram recortes de jornais com palavras e números. Esses recursos eram
utilizados a fim de extrapolar os limites das sensações visuais que a pintura insinua,
explorando os sentidos do tato também.

Cubismo e Ciência

No início do século XX houve uma admirável convergência de saberes e interesses de vários

campos do conhecimento.

Nesse momento, a arte irá se colocar, especialmente com o cubismo, em sintonia com
investigações científicas de ponta que ocorriam na física e na geometria.

Quando o cubismo rompeu com séculos de prioridade do uso da perspectiva na representação

pictórica, acabou por conduzir às noções geométricas de hiper poliedros e
multidimensionalidade.

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Isso permitiu aos artistas cubistas a formulação de um conceito espacial até então inédito, a
saber, a "quarta dimensão". Nela, as propriedades espaço-temporais estão em afinidade com a
"Teoria da Relatividade" (1905) de Einstein.

Cubismo no Brasil
No Brasil, somente após a Semana de Arte Moderna de 1922 é que o movimento cubista irá
ganhar força.

Ainda que os artistas brasileiros não tenham se entregado às características exclusivamente

cubistas, é possível perceber influências claras dessa vertente.

A artista Tarsila do Amaral foi umas personalidades que utilizou características cubistas em
suas telas. Nelas, notamos a influência dessa vanguarda europeia pelo uso das formas
geométricas.

Ainda nas artes plásticas, vale ressaltar os trabalhos de outros artistas brasileiros: Anita
Malfatti, Rego Monteiro e Di Cavalcanti.

Já a literatura cubista no Brasil teve como destaque as obras dos escritores: Oswald de
Andrade, Raul Boop e Érico Veríssimo. Note que a literatura cubista teve como foco a
"destruição da sintaxe", pondo fim à linearidade.

Principais Pintores Cubistas

Os maiores representantes da pintura cubista foram:

• Pablo Picasso (1881-1973)

• Georges Braque (1882-1963)
• Juan Gris (1887-1927)
• Fernand Léger (1881-1955)
• Diego Rivera (1886-1957)

Principais Escultores Cubistas

Os maiores representantes da escultura cubista foram:

• Raymond Duchamp-Villon (1873-1918)

• Constantin Brancusi (1876-1957)

Principais Escritores Cubistas

Os principais escritores com influência do cubismo foram:

• Guillaume Apollinaire (1880-1918)

• Jean Cocteau (1889-1963)
• Oswald de Andrade (1890-1954)
• Érico Veríssimo (1905-1975)
• Raul Bopp (1898-1984)

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FUTURISMO
O futurismo foi um movimento de vanguarda que surgiu na Itália em 1909-1910 e
rapidamente se espalhou para outros países, incluindo França, Rússia e Brasil. Os futuristas
eram apaixonados pela tecnologia, pela cidade e por tudo o que representava o futuro. Eles
viam beleza na velocidade dos automóveis, no brilho da eletricidade, nas engrenagens dos
maquinários e na agitação das grandes metrópoles.

Para eles, a arte não deveria ser estática, mas sim capturar o movimento e a dinâmica da vida
moderna. Assim, a ideia principal do futurismo era incorporar a velocidade em sua arte, seja
nas pinturas, esculturas, literatura ou outras formas de expressão. Eles queriam retratar o
mundo em rápida transformação que viam ao seu redor.

O futurismo também teve um forte tom patriótico em seu manifesto, destacando a

importância da Itália na cena mundial e defendendo a guerra como uma forma de renovação
social. Embora essas ideias tenham sido controversas, não se pode negar a influência do
futurismo na arte e cultura do século XX.

Principais características do futurismo

• Dinamicidade;
• Contestação do sentimentalismo e consequente valorização do homem de ação;
• Enaltecimento da audácia e da revolução;
• Exaltação da vida contemporânea, com ênfase em temas de tecnologia e em novos
aparatos industriais;
• Rejeição ao moralismo e ruptura com a tradição;

Na pintura
Os futuristas usavam cores vibrantes e contrastantes, influenciados pelo cubismo, e muitas
vezes desmaterializavam os objetos para criar uma sensação de abstração. Eles sobrepujavam
imagens e traços em camadas para capturar a ideia de movimento e velocidade.

Na escrita
Os futuristas buscavam a liberdade para as palavras, usando onomatopeias, versos livres,
frases fragmentadas ou inesperadas para transmitir a sensação de velocidade. Eles
empregavam um vocabulário tecnológico e muitas vezes usavam exclamações e interjeições
para expressar energia. Em suma, a arte e a literatura futuristas procuravam capturar a
essência do mundo em rápida transformação ao seu redor, celebrando a modernidade e a
tecnologia como elementos fundamentais da vida contemporânea.

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Principais artistas
• Filippo Marinetti (1876-1944)
• Giacomo Balla (1871-1958)
• Carlos Carrà (1881-1966)
• Luigi Russolo (1885-1947)
• Umberto Boccioni (1882-1916)
• Vladimir Maiakóvski (1893-1930)
• Fernando Pessoa (1888-1935)
• Almada Negreiros (1893-1970)
• Oswald de Andrade (1890-1954)
• Mário de Andrade (1893-1945)

Futurismo no Brasil

O Modernismo brasileiro, que teve sua estreia oficial a partir da Semana de Arte Moderna de
1922, recebeu influências diretas dos movimentos das vanguardas europeias. O horizonte da
ruptura com a arte tradicional foi o principal propulsor para o surgimento da arte moderna, e
os artistas brasileiros vislumbraram nas vanguardas um modelo, uma fonte de inspiração para
orientar o surgimento de uma nova arte nacional. Além disso, o movimento modernista, no
Brasil, trazia em si uma ânsia pela própria modernização, uma necessidade de acompanhar a
modernidade da Segunda Revolução Industrial, da qual o futurismo era o testemunho mais
direto. Os artistas Oswald de Andrade e Mário de Andrade foram influenciados pela estética
futurista, embora não tenham sido estritamente defensores desse movimento. Para Oswald,
como redigido em seu Manifesto Pau-Brasil (1924), o futurismo foi importante para “acertar
o relógio império da literatura nacional”. Oswald e Mário misturaram as tendências do
cubismo e do futurismo em algumas de suas composições poéticas, sem deixar de firmar uma
postura crítica à proposta de Marinetti, posto que a estética estrangeira não se adequava
propriamente ao contexto brasileiro – até porque, ainda majoritariamente agrário, o Brasil
começava lentamente a se industrializar.

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FAUVISMO
O Fauvismo, também conhecido como Fovismo, foi um movimento artístico associado à
pintura que surgiu em 1901 na França. Sua característica principal era o uso de cores puras,
intensas e sem misturas nas telas. O objetivo dos artistas fauvistas era representar temas leves,
serenos e que mostrassem a beleza do cotidiano, negando-se a abordar assuntos perturbadores.
Em 1905, o Fauvismo ganhou o status de movimento artístico, tendo como principais
representantes artistas como Henri Matisse, André Derain e Maurice de Vlaminck. Suas obras
apresentavam uma estética marcante e expressiva, utilizando cores vibrantes para transmitir
sensações e emoções.
Apesar de ter sido um movimento curto, o Fauvismo exerceu grande influência na história da
arte, inspirando outros movimentos posteriores como o Expressionismo e o Cubismo.

A origem do nome
O termo “Fauvismo” significa “feras” e foi o grande crítico de arte Louis Vauxcelles que usou
essa palavra para descrever a sensação que teve ao se deparar com uma obra clássica cercada
de pinturas fauvistas. Os artistas do movimento gostaram da crítica e continuaram com o nome
Os artistas não se preocupavam com os aspectos da composição na pintura, mas sim com as
expressões passadas por ela o que interpretação pessoal poderia causar, sem trazer críticas ou
política.

A pintura Fauvista:
Os fauvistas faziam uso de formas planas e sem nenhuma noção de volume. Produziam um
espaço livre e bidimensional, sem profundidade e perspectiva.
As cores usadas nas pinturas eram fortes, ao mudar de uma para outra não havia gradação, a
transferência de cor era feita bruscamente. Também houve bastante a utilização luz nas
pinturas, uma inspiração das obras de Van Gogh.
É muito comum achar obras dessas vanguardas com a artes primitiva, algo que chamava muito
a atenção dos artistas desse movimento. E seus temas preferidos eram cenas urbanas e rurais,
retratos, ambientes internos, nus e cenas ao ar livre.

Outras principais características do Fauvismo:

• Utilização de cores puras e traços largos;
• Emprego arbitrário da cor;
• Simplificação das formas;
• Não compromisso com a representação fiel à realidade;
• Influência da arte primitivista;
• Influência da arte pós-impressionista.
• Instintos e impulsos.
• Valorização da espontaneidade e da liberdade.
• Não se compromete com a representação real das coisas.

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Principais obras do Fauvismo:
• Mulher com chapéu (1905), de Matisse;
• Fields, Rueil (1906-1907), de Vlaminck;
• A bailarina (1906), de André Dérain;
• A praia de Fecamp (1906), de Albert Marquet;
• Os banhistas (1908), de Raoul Dufy;
• Costa do mar amarela (1906), de Georges Braque;
• Harmonia em Vermelho (1908), de Matisse;

Principais artistas do Fauvismo:

• Henri Matisse;
• Andre Derain;
• Maurice de Vlaminck;
• Raoul Dufy;
• Jean Puy;
• Albert Marquet;
• Georges Rouault;

Fauvismo no Brasil

O movimento fauvista ficou mais restrito à Europa e teve duração curta. Assim, a corrente
influenciou pouco as artes no Brasil. No entanto, Artur Timóteo começou a pintar com cores
marcantes ao estilo fauvista, após passar um período na França.

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CONCRETISMO
O Concretismo, ou Arte Concreta, foi uma das manifestações artísticas da primeira metade do
século XX. seus principais representantes foram os poetas Augusto de Campos, Haroldo de
Campos e Décio Pignatari Por arte concreta entende-se um ramo das vanguardas artísticas
europeias das primeiras décadas do século XX que teve sua expressão principal na pintura e na
escultura. Já o concretismo desenvolveu-se nas décadas de 1950 e 1960, no Brasil,
especificamente na cidade de São Paulo, abrangendo a poesia, mas também as artes plásticas.
No Brasil, esse movimento vanguardista chegou por volta de 1950, através do Suíço, Max Bill
(1908-1994), um dos precursores do movimento, ao lado do russo Vladimir Maiakovski (1893-
1930). Bill popularizou as concepções dessa nova tendência na Exposição Nacional de Arte
Concreta, em 1956. A expressão “arte concreta” foi elaborada por Theo van Doesburg (1883-
1930), artista plástico ligado ao suprematismo e à escola De Stijl (O Estilo). Van Doesburg
desenvolveu uma concepção anti-impressionista e antiabstrata de arte essa perspectiva sobre a
pintura acabou por rechaçar também o subjetivismo artístico, isto é, a arte como expressão da
subjetividade e dos sentimentos. Os pontos principais da estética concreta estão reunidos no
manifesto escrito por van Doesburg publicado em 1930. A arte concreta também herdou
elementos da Escola de Bauhaus, que foi uma das pioneiras no design de móveis e de interiores.
As esculturas funcionais da Bauhaus serviram de modelo para os projetos esculturais da arte
concreta, geralmente trabalhados em metal Foi dentro dessa ambiência urbana e industrial que
o concretismo se desenvolveu no Brasil. Nas décadas de 1950 e 1960, houve um “boom”
industrial no país, e a cidade de São Paulo foi a grande receptora dessa explosão da indústria,
principalmente dos setores automobilístico e de eletrodomésticos. A modernização industrial
paulistana trouxe ao Brasil com mais veemência as tendências da arte moderna e
contemporânea.

Características do concretismo
• Caráter universal
• Valorização do espaço
• Objetividade
• Racionalidade
• Metalinguagem
• Ausência de cunho figurativo
• Experimentalismo
• Foco em cores e formas
• Visão matemática
• Ausência de lirismo
• Antissimbolismo

As principais características do Concretismo nas artes plásticas:

• Busca de precisão nas formas
• Uso de formas abstratas
• Influência do Cubismo
• União entra a forma e o conteúdo
• Defesa da racionalidade, lógica e cientificismo

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A poesia concreta inaugurou um novo estilo que norteou a poesia brasileira pós-modernista, a
partir de uma poesia visual, com utilização de efeitos gráficos, de forma que a palavra concreta
representa o objeto real (palavra objeto). A despeito de o concretismo não se preocupar com a
temática, uma vez que o objetivo principal era criar uma linguagem ao mesclar a forma e o
conteúdo, alguns temas prevaleceram na poesia concreta, desde as críticas feitas à sociedade
capitalista e ao consumo exacerbado.

Concretismo no Brasil

No Brasil, esse movimento vanguardista chegou por volta de 1950, através do Suíço, Max
Bill (1908-1994), um dos precursores do movimento, ao lado do russo Vladimir Maiakovski
(1893-1930).
Bill popularizou as concepções dessa nova tendência na Exposição Nacional de Arte
Concreta, em 1956.

Grupo Concretista de São Paulo

O movimento concreto se constituiu, primeiramente, na cidade de São Paulo, em meados da
década de 50, sendo liderado pelos poetas e irmãos Augusto e Haroldo de Campos, conhecido
como os "irmãos Campos”, e Décio Pignatari.

O grupo concretista de São Paulo foi fundador da Revista “Noigandres” (1952), divulgadora
das ideias atreladas ao concretismo.

Exemplo de Poesia Concreta

COCA-COLA

BEBACOCACOLA
BABECOLA
BEBACOCA
BABECOLACACO
CACO
COLA
CLOACA

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ABSTRACIONISMO

O abstracionismo é um movimento artístico caracterizado pelo uso de formas e objetos que não
representam uma realidade concreta, ou seja, a representação da realidade é feita com linhas,
cores e formatos desconstruídos. A subjetividade da arte era muito valorizada nesse século por
determinados movimentos culturais, pois a aceitação das distorções era comum a muitos, o que
contrariava a ideia do artista renascentista Giorgio Vasari que acreditava na representação da
natureza com rigor.

Contexto histórico
O primeiro se destinava ao estudo das cores e utilização de formas simples, enquanto o segundo
representava elementos da natureza por meio de figuras geométricas. Dessa forma, não é
considerado um movimento homogêneo, já que cada artista segue o modelo mais interessante
para si.

Principais características do abstracionismo

As obras são caracterizadas pela abstração, ou seja, ato de isolar elementos na mente e
representá-los de uma forma que na realidade não é dada separadamente. Dessa forma, o artista
abstrato tentava expor em suas obras o que ele achava de mais interessante de um elemento.
Com isso, era possível a existência de uma realidade paralela e mundos e universos diferentes
descritos a partir de cores, linhas e formas que mudassem a ideia da estética padrão. Dentre
algumas características presentes nas artes abstratas estão:
• Oposição à arte meramente figurativa;
• Arte subjetiva, não representacional;
• Cores, formas, texturas e linhas valorizadas na forma de expressão;
• Objetos comuns reconhecidos ausentes;
• Várias interpretações de um objeto;
• Recusa ao modelo renascentista e à imitação do mundo;
• Formas simples;
• Representação de figuras naturais desconstruídas;
• Expressão de sentimentos e pensamentos intuitivos.

Obras e artistas mais famosos da arte abstrata

As obras abstracionistas rompiam totalmente com o modelo figurativo de representação da
realidade utilizando o perfeccionismo imposto pela sociedade artísticas do século passado e,
por isso, eram vigorosamente rejeitadas. Isso não impediu que alguns artistas se destacassem
com suas produções, mesmo criticados por um público específico e, principalmente, pela
elite. Considerado o pioneiro do abstracionismo, o pintor russo Wassili Kandinsky foi um dos
primeiros a se desprender da obrigação da pintura representacional. Suas obras eram
reconhecidas pelas formas geométricas e uso abundante de cores. A forma de usar esses
elementos era tida para ele como a liberdade presente na música. Jackson Pollock também foi
um dos grandes artistas adeptos da arte abstrata. Suas obras foram conhecidas pela técnica do
gotejamento, mas que utilizava linhas sobre linhas para transformar sua representação do

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abstrato. Jackson Pollock também foi um dos grandes artistas adeptos da arte abstrata. Suas
obras foram conhecidas pela técnica do gotejamento, mas que utilizava linhas sobre linhas
para transformar sua representação do abstrato. Aos poucos o público foi aceitando o novo
estilo de arte e muitos dos trabalhos tiveram reconhecimento mundial até os dias de hoje,
dentre eles as obras:
• Amarelo-Vermelho-Azul, de Wassily Kandinsky: pintada em 1925.
• Número 5, de Jackson Pollock: criada em 1945.
• Insula Dulcamara, de Paul Klee: esta obra produzida em 1938.
• Composição com Amarelo, Azul e Vermelho, de Piet Mondriaan: finalizada em 1942.
• Person throwing a stone at a bird, de Joan Miró: as cores predominantes dessa pintura
feita em 1926 são o amarelo (chão) e o verde (céu).

Além dessas obras, outras ainda foram muito reconhecidas como:

• Composição Suprematista, de Kazimir Malevich;
• Bottle of Rum and Newspaper, de Juan Gris;
• Black in deep red, de Mark Rothko;
• Concetto spaziale ‘Attesa’, de Lúcio Fontana;
• Counter-Composition VI, de Theo van Doesburg;
• Metaesquema, de Hélio Oiticica.

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SURREALISMO

Surrealismo foi um movimento artístico, um dos últimos das vanguardas

artísticas do século XX, e teve expressões na literatura, nas artes visuais, no
cinema, no teatro e na filosofia. Iniciou-se em 1924, com a publicação
do Manifesto Surrealista, escrito por André Breton, que propunha uma nova
proposta estética que rompesse com a primazia da compreensão racional, sem
diferenciação entre sonho e realidade ou entre lucidez e delírio, por exemplo.
A arte surrealista rompe com a busca pelo sentido nas representações. É o
surreal: aquilo que está para além do real, que é mais que o real porque
transcende a compreensão racional e relaciona-se com a mente inconsciente,
com o imaginário e o absurdo.
Origem do Surrealismo

Na Europa, o período entre as duas guerras (1918-1939) ficou conhecido como "os anos
loucos". Assim, a incerteza sobre a predominância da paz levou ao desejo de "viver apenas o
presente".

Foi nesse período de insatisfação, desequilíbrio e contradições, que surgiram diversos

movimentos artísticos voltados para uma nova interpretação e expressão da realidade.

Esses movimentos ficaram conhecidos como "vanguardas europeias". O Surrealismo foi uma
dessas correntes e teve como precedente indispensável o Dadaísmo e a pintura metafísica de
Giorgio de Chirico (1888-1978).

Principais características do surrealismo

• pensamento livre;
• expressividade espontânea;
• influência das teorias da psicanálise;
• criação de uma "realidade paralela";
• criação de cenas irreais;
• valorização do inconsciente.

O surrealismo propõe a valorização da fantasia, da loucura e a utilização da reação

automática. Nessa perspectiva, o artista deve deixar-se levar pelo impulso, registrando tudo o
que lhe vier à mente, sem se preocupar com a lógica.

Os artistas surrealistas tinham como objetivo usar o potencial do subconsciente e dos sonhos
como fonte para a criação de imagens fantásticas.

Assim, as artes plásticas e a literatura eram vistas como um meio de expressar a fusão dos
sonhos e da realidade em um tipo de realidade absoluta, uma "surrealidade".

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Principais Artistas do Surrealismo
• Max Ernst
• Joan Miró
• René Magritte
• Salvador Dalí

Surrealismo no Brasil

No Brasil, o Surrealismo exerceu considerável influência sobre o movimento Modernista. O

escritor Oswald de Andrade foi um dos maiores expoentes.
Em seu Manifesto Antropófago, no romance Serafim Ponte Grande e nas peças O Homem e
o Cavalo e a Morta, podemos notar elementos que se relacionam com as técnicas de criação
surrealista.
Além da literatura, essa vertente artística exerceu influência também nos artistas plásticos:
Tarsila do Amaral, Ismael Nery e Cícero Dias.

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DADAÍSMO
O Dadaísmo foi um movimento artístico pertencente às vanguardas européias do século XX,
cujo lema era: "a destruição também é criação". Foi considerado o movimento propulsor das
ideias surrealistas e tinha um caráter ilógico, anti-racionalista e de protesto. Através da ironia,
buscava questionar a arte e, sobretudo, seu contexto histórico, com a ocorrência da Primeira
Guerra Mundial.

CARACTERÍSTICAS

• Rompimento com os modelos tradicionais e clássicos;

• Espírito vanguardista e de protesto;
• Espontaneidade, improvisação e irreverência artística;
• Anarquismo e niilismo;
• Busca do caos e desordem;
• Teor ilógico e irracional;
• Caráter irônico, radical, destrutivo, agressivo e pessimista;
• Aversão à guerra e aos valores burgueses;
• Rejeição ao nacionalismo e ao materialismo;
• Crítica ao consumismo e ao capitalismo.

ORIGEM DO MOVIMENTO DADAÍSTA

Em 1916, os artistas e agitadores culturais Hugo Ball, Emmy Hennings, Marcel Janco,
Richard Huelsenbeck, Tristan Tzara, Sophie Taeuber-Arp e Jean Arp fundaram o Cabaret
Voltaire. O espaço foi feito com o intuito de ser um lugar para manifestações políticas e
artísticas em Zurique, na Suíça. Lá, um grupo de artistas refugiados com tendências
anarquistas, dentre escritores, pintores e poetas, reuniram-se para inaugurar uma nova
manifestação de arte. É nesse contexto que o poeta romeno Tristan Tzara (1896-1963) cria o
movimento Dadaísta, em meados da primeira guerra mundial, junto aos artistas Hugo Ball
(1886-1927) e Hans Arp (1886-1966). Essa proposta de arte era irreverente e espontânea,
pautada na irracionalidade, na ironia, na liberdade, no absurdo e no pessimismo. O intuito
principal era de chocar a burguesia da época e criticar a arte tradicionalista, a guerra e o
sistema. Foi assim que aleatoriamente foi escolhido o termo "dadaísmo". Os artistas reunidos
resolveram escolher um termo num dicionário que, de certa maneira, já indicava o caráter
ilógico do movimento que surgia. Do francês, o termo “dadá” significa "cavalo de madeira".
Nesse sentido, o dadaísmo é considerado um movimento antiartístico, uma vez que questiona
a arte e busca o caótico e a imperfeição.

DADAÍSMO NO BRASIL
O dadaísmo, assim como outras vanguardas artísticas europeias, influenciou o movimento
modernista que surgia no Brasil, sobretudo após a Semana de Arte Moderna.

DADAÍSMO NA LITERATURA
Note que o movimento dadaísta se difundiu nas artes plásticas e na literatura. Os poetas dadaístas
cultivavam a disposição aleatória das palavras. Dessa forma, era notória a falta de lógica e

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irracionalidade, próprias do dadaísmo. Ocorria assim, a banalização das rimas e da
construção poética. Segundo Tristan Tzara, ao enfatizar a importância da sonoridade das
palavras em detrimento de seu significado, para fazer um poema dadaísta é necessário

Artistas Dadaístas

• Tristan Tzara: poeta romeno;

• Marcel Duchamp: poeta, pintor e escultor francês;
• Hans Arp: poeta e pintor alemão;
• Francis Picabia: poeta e pintor francês;
• Max Ernst: pintor alemão;
• Raoul Hausmann: poeta e artista plástico austríaco;
• Hugo Ball: poeta e filósofo alemão;
• Richard Huelsenbeck: escritor e psicanalista alemão;
• Sophie Täuber: artista plástica suíça.

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EXPRESSIONISMO
Expressionismo é o nome de uma vanguarda artística europeia do início do século XX. Esse
movimento artístico está entre os primeiros representantes das vanguardas históricas e talvez,
o primeiro a focar em aspectos subjetivos, valorizando a expressão emocional do ser humano.
Com uma visão trágica do ser humano, muito por conta do contexto histórico da Primeira
Guerra Mundial, o Expressionismo, como o próprio nome sugere, busca ser uma expressão
dos sentimentos e das emoções. Assim, os artistas exageram e distorcem os temas em seu
processo de catarse, revelando, sobretudo, o lado pessimista da vida. Esta escola utilizou a
arte enquanto forma de refletir a angústia existencialista do indivíduo alienado, fruto da
sociedade moderna, industrializada.

CARACTERÍSTICAS
• contraste e intensidade cromática;
• valorização do universo psicológico, sobretudo de sentimentos densos, como a
angústia e solidão;
• dinamismo e vigor;
• técnica abrupta e "violenta" na pintura, com grossas camadas de tinta;
• valorização de temas sombrios, trágico
O Expressionismo constituiu-se como um campo multidisciplinar e interdisciplinar ao
entrecruzar os saberes de várias áreas do universo das artes. Este movimento cativou os
círculos artísticos e intelectuais alemães durante as duas primeiras décadas do século XX.
Surgiu como uma reação ao positivismo do movimento impressionista, que visava exibir
obras com um caráter mais técnico acerca das percepções e estudos de luzes e cores, sem dar
importância à subjetividade e complexidade humanas.

ORIGEM DO MOVIMENTO EXPRESSIONISTA

Devemos destacar que o Expressionismo não possui uma localização geográfica definida e
sua duração é imprecisa. Entretanto, o consenso é de que tenha surgido na Alemanha em
meados de 1905. Nesse ano se deu a criação do grupo Die Brücke (A Ponte), pelos artistas
Ernst Kirchner (1880-1938), Erich Heckel (1883-1970) e Karl Schmidt-Rottluff (1884-1976),
entre outros. Por isso, essa corrente é também chamada de Expressionismo alemão. Edvard
Munch é considerado o precursor do Expressionismo, tendo influenciado essa corrente
artística com suas obras impactantes e cheias de carga emocional. Sua obra mais importante é
O Grito (1893). Ela representa uma das telas mais emblemáticas do movimento
expressionista. Outro artista essencial para o surgimento da vertente foi o holandês Vincent
Van Gogh, integrante do pós-impressionismo. Ele foi um homem que viveu intensamente a
arte e transmitia em suas obras os sentimentos de maneira dramática e sem se preocupar tanto
com os efeitos técnicos da iluminação em suas composições. Uma de suas grandes obras é A
Noite Estrelada (1889).

ESTILO EXPRESSIONISTA
Já que compreende a deformidade do mundo real, o Expressionismo encontrou uma forma
subjetiva para representar a natureza e o ser humano. A proposta do movimento despreza a
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perspectiva e a luz, pois o que importa mais para esses artistas é a maneira como se sente o
mundo. É frequente a temática da miséria, solidão e loucura, pois é um reflexo do espírito da
época. Por outro lado, o Expressionismo defendia a liberdade individual por meio da
subjetividade e do irracionalismo.

EXPRESSIONISMO NO BRASIL
No Brasil, Cândido Portinari (1903-1962) destacou-se no estilo expressionista. O artista
representou intensamente em suas obras as mazelas do povo nordestino. Além dele, Anita
Malfatti (1889-1964), que na Alemanha teve contato com artistas do Expressionismo,
também foi fortemente influenciada por essa corrente. Outros nomes que beberam da fonte
foram Oswaldo Goeldi (1895-1961), Lasar Segall (1891-1957) e, posteriormente, Flávio de
Carvalho (1899-1973) e Iberê Camargo (1914-1994).

ARQUITETURA EXPRESSIONISTA
A arquitetura expressionista empreendeu o uso de novos materiais. Com isso, ampliou as
possibilidades de fabricação em larga escala de materiais de construção como o tijolo, o aço
ou o vidro.

ESCULTURA EXPRESSIONISTA
A escultura expressionista varia muito segundo cada artista, os quais tiveram em comum
apenas a temática da distorção das formas.

PINTURA EXPRESSIONISTA
A pintura expressionista deu grande ênfase nas cores como forma de criar efeito de
dinamismo e o sentimentalismo fruto de suas emoções e sentimentos mais profundos.

LITERATURA EXPRESSIONISTA
Na literatura expressionista, a guerra, a cidade, o medo, a loucura, o amor e a perda da
identidade serão uma forma de retratar em palavras a sociedade burguesa da sua época. Além
do militarismo, a alienação do indivíduo e a repressão familiar, moral e religiosa.

MÚSICA EXPRESSIONISTA
A música expressionista primava pela separação da música de qualquer fenômeno externo.
Refletia o seu estado anímico do compositor, alheio às regras e convenções acadêmicas.

CINEMA EXPRESSIONISTA
No cinema, as produções traziam um universo pessimista e dramático. Com cenários
fantasmagóricos, atuações e caracterizações exageradas, os filmes desse período enfatizavam
conflitos psicológicos das personagens. Deixou-se de realizar esse tipo de cinema com o
surgimento do nazismo na Alemanha, que a partir de então apenas teve produções de
propaganda do governo e entretenimento.

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PRINCIPAIS ARTISTAS DO EXPRESSIONISMO
• Marc Chagall (1887-1985)
• Paul Klee (1879-1940)
• Wassily Kandinsky (1866-1944)
• Amedeo Modigliani (1884-1920)
• Egon Schiele (1890-1918)
• Edvard Munch (1863-1944)
• José Orozco (1883-1949)
• Constant Permeke (1886-1952)
• Constant Permeke (1886-1952)
• Cândido Portinari (1903-1962)
• Anita Malfatti (1889-1964)
• Diego Rivera (1886-1957)
• Georges Rouault (1871-1958)
• Chaim Soutine (1893-1943)
• David Siqueiros (1896-1974)
• Vincent Van Gogh (1853-1890)

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