PRODUÇÃO REALIZAÇÃO

S516

72º Salão de Abril./Curadoria de Ana Cecília Soares (CE), Luise

Malmaceda (SP/NY) e Luciara Ribeiro (BA/SP). - Fortaleza: Secretaria Municipal
da Cultura de Fortaleza/Instituto Cultural Iracema, 2021. - (Fortaleza Grande).
93 p.: il. color.

Homenagem ao artista Raimundo Cela.

Inclui o Seminário intitulado “Do corpo que produz ao corpo que
exibe: arte, trabalho e políticas de vida”.

1. Artes Visuais Cearenses 2. Arte Moderna I. Secretaria Municipal

da Cultura de Fortaleza II. Instituto Cultural Iracema.

CDD 709.81

3
José
Sarto
Prefeito de Fortaleza
Com trajetória marcada pela resistência
e expressão de valores socioculturais
do nosso Estado, o Salão de Abril,
mais uma vez, afirma relevância ao
chegar a sua 72ª edição. É uma grande
alegria para a Prefeitura de Fortaleza
celebrar o talento e a força de nossos
artistas nessa mostra que é uma das
mais antigas do País, datada de 1943.
Especialmente neste ano, em que ainda
atravessamos dificuldades impostas
pela pandemia do novo coronavírus,
o Salão de Abril confirma o nosso
compromisso com a valorização da
cultura e evidencia a resiliência de quem
manifesta a existência por meio da arte.
Com caráter inovador e criticidade, esta
edição reúne 35 obras que ocupam
o Centro Cultural Casa do Barão de
Camocim. Por meio do empenho da
Secretaria Municipal da Cultura de
Fortaleza, em parceria com o Instituto
4
Cultural Iracema, a mostra é realizada
com todas as adequações necessárias,
de acordo com as recomendações
dos decretos municipal e estadual. A
programação foi adaptada para um
formato híbrido e inclui o Seminário
intitulado “Do corpo que produz ao
corpo que exibe: arte, trabalho e
políticas de vida”.
Em 2021, o Salão de Abril tem, pela
primeira vez, o sobralense Raimundo
Cela como principal homenageado.
Artista célebre, retratou em suas
obras a mais pura essência do povo
trabalhador cearense, do pescador
ao vaqueiro, do jangadeiro à rendeira,
envolvendo de forma muito sensível em
suas telas as questões sociais de seu
tempo. O artista representa um grande
marco para a arte regional, destacando-
se como parte importante do patrimônio
artístico cearense e brasileiro. A justa
homenagem ao artista expressa nosso
agradecimento e reconhecimento por
toda a sua contribuição às artes visuais
do Ceará.
Neste catálogo, é possível apreciar
as obras selecionadas e passear por
essa edição da mostra, composta
por fotografias, pinturas, instalações,
videoartes, desenhos, colagens,
esculturas e performances. Além
de incentivar todas e todos os
fortalezenses a visitarem a Casa do
Barão de Camocim, por meio desta
publicação, que ficará acessível a esta
geração e também às futuras, enalteço
e parabenizo cada um dos artistas
participantes, que já integram a história
do nosso valoroso Salão de Abril.
Boa leitura!
Elpídio
Nogueira
Secretário da Cultura de Fortaleza
O Salão de Abril se consolida, em mais
um ano, como uma política cultural
vitoriosa e continuada. Em meio à crise
sanitária, provocada pela pandemia da
Covid-19, a mostra de arte visual mais
antiga e importante do Estado do Ceará
se mantém firme diante dos desafios
atuais impostos, acumulando feitos
importantes para a história do projeto.
Com origem em 1943, o Salão de Abril
nasceu no movimento estudantil e, logo
em seguida, passou a ser realizado
por artistas que atuavam na Sociedade
Cearense de Artes Plásticas (SCAP). Em
1964, a administração municipal assumiu
a mostra, sendo realizada, atualmente,
pela Secretaria Municipal da Cultura de
Fortaleza (Secultfor), em parceria com o
Instituto Cultural Iracema (ICI).
A 72ª edição do Salão de Abril se
torna histórica por ocorrer em meio às
restrições impostas pela pandemia,
sendo adaptada para essa nova
realidade. O Centro Cultural Casa do
Barão de Camocim, equipamento que
sediou a exposição em 2021, adotou
normas sanitárias para garantir a
segurança dos visitantes, com aferição
de temperatura, disponibilização de
álcool em gel e controle da capacidade
máxima dos espaços. Pensando no
atual cenário, foi elaborada ainda a
inédita exposição virtual do 72º Salão
de Abril. O recurso é composto por
imagens em 360º que permitem que
o visitante faça um tour pelas salas
do casarão e que interaja com as
obras, sem sair de casa, por meio de
plataforma virtual.
Em 2021, é destaque o maior número
de obras contempladas. Foram
selecionados 35 artistas, cinco a mais
do que em outras edições. A premiação
se tornou igualitária para todos os
participantes, uma maneira de alcançar
e beneficiar mais proponentes nesse
momento delicado em que a classe
artística foi severamente atingida.
Outro destaque nesta edição é
pela curadoria ser essencialmente
feminina, composta pelas talentosas
profissionais Ana Cecília Soares (CE),
Luise Malmaceda (SP/NY) e Luciara
Ribeiro (BA/SP). A partir do olhar crítico
e apurado da equipe curatorial, foi
possível contemplar no 72º Salão de
Abril muitos trabalhos de jovens artistas,
com qualidade técnica e que abordam
temas sensíveis e importantes para a
nossa sociedade.
Diante dos percalços e das adversidades
que a humanidade enfrenta, a arte é um
alento e uma manifestação de resistência.
Por isso, a execução do 72º Salão de
Abril, composto exclusivamente por
obras de artistas do nosso Ceará, se faz
necessária, de maneira única e especial,
sendo um retrato vivo da nossa sociedade
e dos tempos em que vivemos.
5
Paola Braga
Diretora-Presidenta do
Instituto Cultural Iracema
O 72º Salão de Abril acontece num
momento delicado, mas muito
importante de superação e retomada
gradativa do convívio social com
a celebração coletiva do que mais
importa, a vida, por meio da promoção
das artes visuais. A pandemia nos
trouxe vários desafios e o maior deles,
certamente, tem sido o de repensar
novos rumos e comportamentos que
irão impactar positivamente nosso
planeta. Estamos diante da urgente
missão de refletir sobre o papel da
humanidade e, por consequência,
também ressignificar o papel da arte e
da cultura na nossa cidade, no nosso
estado, no Brasil e no mundo. Como
humanidade, estamos inevitavelmente
conectados por inúmeros desafios, mas
também por um otimismo necessário.
O Salão de Abril, sendo um dos mais
relevantes acontecimentos artísticos
do país, reafirma-se a cada edição
como espaço de fruição e incontestável
contribuição para o desenvolvimento
da arte e da cultura em nosso estado,
pois possibilita conexões potentes com
outros territórios imagéticos, estabelece
diálogos diversos e se firma como pilar
democrático das artes visuais.
6
Apesar da complexidade política do
momento, de uma polarização nociva
à civilidade, dos ataques sistemáticos
à nossa diversidade cultural e
comportamental, perpetrados em âmbito
nacional, diante do qual Fortaleza não
está imune, o Instituto Cultural Iracema
(ICI), em parceria com a Secretaria
Municipal da Cultura de Fortaleza
(Secultfor), compreende o significado
e a relevância do Salão de Abril. Por
isso, uniu esforços para executar essa
relevante política pública que mantém
viva e pulsante uma das mais antigas e
importantes experiências de expressão
da criatividade do nosso povo, onde
questionamentos, argumentos críticos,
reflexões cotidianas e co-criação dos
artistas cearenses são e serão sempre
acolhidas com o devido respeito que a
arte merece.
Ao todo, a equipe curatorial da mostra
avaliou 221 obras de artistas inscritos.
Nesta edição, a curadoria foi formada
na íntegra por mulheres profissionais
da arte, o que muito nos honra como
expressão dos novos ventos que
sopram no Século XXI, e que trazem
consigo o reconhecimento do talento e
protagonismo feminino em várias áreas.
São elas: Ana Cecília Soares, Luise
Malmaceda e Luciara Ribeiro.
Tivemos 35 trabalhos artísticos
contemplados, número maior do que os
30 selecionados nas mostras anteriores.
São trabalhos potentes e transgressores
nos campos da fotografia, pintura,
performance, videoarte, bordado,
escultura e instalação, que nos revelam
de que forma a arte mexe com a vida
das pessoas trazendo à tona o que
há de melhor na criação humana: a
criatividade. Estamos diante de obras que
nos apresentam e traduzem lugares de
gênero, raça, urbanidade e a necessária
defesa dos direitos humanos. O Salão
de Abril é esse lugar fértil da resistência,
do diálogo entre o poder público e a
classe artística, onde conteúdos que
rompem com a lógica do normal nos
proporcionam o entendimento da arte
como força motriz transformadora de
costumes e pensamentos.
Este ano, o Salão de Abril presta uma
justa homenagem ao artista sobralense
Raimundo Cela. Um artista de relevância
nacional, muitas vezes obscurecido
até mesmo nas relevantes escolas de
artes do país. Um homem inventivo, um
artista completo, que na sua inquietude
e sensibilidade, contou a poesia da vida
cotidiana em aquarelas, mas não só, e
explorou com maestria a força e beleza
do trabalhador do mar. Um reparo ao belo
legado desse homem que, discreto na sua
vida familiar, foi gigante no legado artístico
que nos deixou.
Nesta temporada do 72º Salão de Abril,
contamos com uma programação plural e
híbrida, presencial e virtual, que envolve a
exposição a ser visitada no Centro Cultural
Casa do Barão de Camocim, seguindo
todos os protocolos de saúde que o
momento exige, um salão paralelo com
passeios virtuais através das plataformas
digitais, leituras de portfólios com as
curadoras e três seminários com temáticas
sedutoras a partir do legado do artista
homenageado, Raimundo Cela, e de seus
interesses estéticos. Nesta perspectiva,
desejamos instigar o debate sobre a
importância de entendermos a arte e as
práticas artísticas, como experiências de
trabalho. Por meio de encontros on-line,
discutimos o labor como tema e o artista
enquanto trabalhador, da arte moderna
à contemporânea. Nesta roda viva de
conhecimentos, destacamos os artistas
Virgínia Pinho, Ana Mundin e Diego de
Santos e das curadoras Ana Cecília Soares,
Luciara Ribeiro e Luise Malmaceda, os
pesquisadores Delano Pessoa, Bruno
Pinheiro, Maria Angélica Melendi e Rafael
Domingues, que nos brindam com um
debate rico de possibilidades para a
economia da cultura.
Em nome de todos os profissionais do
Instituto Cultural Iracema, agradecemos
efusivamente a confiança da Prefeitura
Municipal de Fortaleza, por meio da
Secultfor, bem como a todos os demais
profissionais que se dedicaram na
execução desta 72ª edição do Salão de
Abril, um templo de criatividade, afetos e
possibilidades artísticas.
Viva a arte brasileira!
Viva Raimundo Cela!
Viva o Salão de Abril!
Boa leitura!
7
Ana Cecília Soares
Luciara Ribeiro
Luise Malmaceda
Curadoras do 72º Salão de Abril
Ao longo de sua trajetória, o Salão de
Abril vem atuando como um importante
espaço de projeção e legitimação da
produção artística cearense, não só no
contexto local, mas também, em âmbito
nacional, revelando nomes de peso
como o homenageado desta edição, o
artista Raimundo Cela (1890-1954). Um
dos eventos culturais mais antigos do
país, o Salão se constitui como lugar de
exibição da força de produções jovens
que, em sentido prospectivo, são hoje
índices de uma historiografia futura,
estando atento às principais questões
político-sociais que regem as gerações
pelas quais ele têm acompanhado.
8
Em seu 72º ano, o Salão de Abril
cumpre seu papel de fomentar
o sistema de artes do Ceará e,
consequentemente, do país, sendo
mais uma vez palco para discussão dos
sentidos que os artistas propõem hoje
ao campo da cultura. Como cicatriz
do presente, esta é a segunda vez em
que a experiência do prêmio ocorre em
meio à crise sanitária da Covid-19, que
aglutinou uma série de experiências que
compartilhamos à distância. As marcas
indeléveis de um longo período de
isolamento, solidão, exaustão, trabalho
remoto, precariedade, perpassam as
produções selecionadas, tanto como
tema, quanto como formato dos
trabalhos apresentados. Quando nossos
computadores se tornam o nosso ateliê
e a nossa casa se torna o lugar que
condensa todas as funções do cotidiano
- temos trabalhos de cunho reflexivo
que miram as distopias correntes
utilizando sobretudo materialidades
como a fotografia e o vídeo.
Como curadoras, nossas análises
mantiveram como horizonte a
representação de um agora tão
singular, sem com isso desconsiderar
o caráter formal das propostas, assim
como as pesquisas e processos que
dão corpo aos trabalhos inscritos. Ao
total, foram 221 obras analisadas com
afinco para chegarmos aos 35 artistas
desta exposição, os quais ajudam a
constituir e renovar os debates da arte
contemporânea. Os embates e disputas
políticas da atualidade aparecem aqui
em sua pluralidade e não nos dão
margem para eufemismos: falam das
lutas por reparação histórica, passam
pela construção de novos e possíveis
lugares de enunciação na esfera pública
e chegam a 2021 colocando em xeque o
papel do Poder público na manutenção e
gerenciamento da vida. Mostram como os
artistas são entes políticos que pensam
desde seus lugares de pertencimento e
cujas produções nos ajudam na atribuição
de sentidos do que vivemos enquanto
comunidade.
A 72ª edição é a prova viva de que a da importância de entendermos a arte
cultura segue resistindo às adversidades como local de trabalho, majoritariamente
de um Brasil não tão generoso com os feita por trabalhadores da cultura. Afinal,
trabalhadores da arte. Principalmente nos quaisquer que sejam as especificidades
dias atuais, onde temos de conviver com das práticas artísticas, elas não constituem
a total extinção do Ministério da Cultura, uma exceção ao mundo laboral.
com o desmonte das políticas públicas
para pasta e com a censura em prol da
batalha ideológica desenvolvida pelo
governo brasileiro. Deste modo, nada mais
oportuno do que celebrarmos a obra do
pintor e gravador Raimundo Cela (1890-
1954) que, dentre outros fatores, se
dedicou a pintar as paisagens e o cotidiano
do trabalhador, simbolizado, na maioria
das vezes, nas figuras dos pescadores,
jangadeiros e vaqueiros do Ceará. Não sem
razão, a nossa seleção lembra também
9
Sumário

ARTISTAS SELECIONADOS 12 Eliézer

Menu do dia ou um prato que se come frio 35
Ana Mundim
Chá de cadeira 15 Felipe Camilo
Álbum Preto 37
Anie Barreto
Sob muitos sóis 17 Fernanda Siebra
Oxigênio 39
Bruna Bortolotti
Gabrielle Tavares Fernando Jorge
Invenção do meu avô 19 Árvore-Lágrima 41

Célio Celestino Flávia Almeida

Série Tecituras 21 Hailla Krulicoski
Caio Erick
Charles Lessa Eu-Não 43
Macho quer macho 23
George Ulysses Rodrigues de Sousa
Coletivoponto XAXARÁ 45
Tanto Mar 25
Iago Barreto Soares
David Felício Dias Holanda Potyguara
Jorge Silvestre A margem de um rio que correm meus ancestrais 47
Armar uma rede 27
Jared Domício
Diego de Santos Indicador social para jardim 49
Fantasma Hereditário - Trilogia Fantasma 29
Jefferson Santos
Diego Landin Corpografias em Contexto 51
Yuri Marrocos
Revista Capricha 31 João Paulo Duarte de Sousa
Cena de Assassinato 53
Eliana Amorim
Assentamento 33

10
Juliana Saavedra Mendoza Núbia Agustinha
Gaiola - Paisagem Interior 55 Cartossangrias 75

Karl William Samuel Tomé

Jogo da Memória - Para não esquecer 57 Nada pode ser feito até o tempo moderar 77

Lívio Thaís de Campos

A história se repete, a primeira vez como tragédia As finas tramas que nos unem 79
e a segunda como farsa. [1500-1822-1871-1888
-1889-1932-1960-1964-2016-2018 e contando] 59 Victor Cavalcante
PERMITIR O AFETO - VIVER O DESEJO
M Dias Preto - ESQUECER O TEMPO 81
Campo de Passagem’ 61
Virginia Pinho
Marcelina Máquina de Costurar 83
Natalia Coehl
Ame as Deusas 63 SEMINÁRIO DO 72º SALÃO DE ABRIL
Do corpo que produz ao corpo que exibe:
Maria Macêdo arte, trabalho e políticas de vida 84
Dança para um futuro cego 65
A desaparição - Reflexões sobre a
Mario Sanders representação do corpo do trabalhador
Corpo_Santo 67 na arte latino-americana
Maria Angélica Melendi 85
Naiana Magalhães
Ecologia é poesia 69 A virada, a pandemia e o trabalho
Rafael Domingos Oliveira 86
Nataly Rocha
Árido Brejo 71 RAIMUNDO CELA
Max Perlingeiro 88
No Barraco da Constância Tem!
Protótipo de inserção da experiência EXPEDIENTE 92
jangadeira no Brasil 73

11
12
 ARTISTAS
SELECIONADOS
13
14
Ana
Mundim
Fotografia
Chá de cadeira
9 x 9 x 6 cm [cada]
2020

A obra é parte do trabalho Corpo Público

e nasce da vivência da autora com a
síndrome de burnout provocada pelo
excesso de trabalho na pandemia. As
mais de catorze horas diárias sentadas
em uma cadeira, associadas às receitas
de chá que recebia dos amigos visando à
cura, a fizeram construir essas imagens,
que podem ser tomadas, diluindo e
invisibilizando seu corpo.

Ana Mundim é multiartista. Docente

dos cursos de Dança da UFC. Publicou
os fotolivros Safety Distance e Cifuno –
pulsação África. Exposições individuais: Na
Pele; Perpétua; Ventanas; Cartas Abertas
ao Desejo. Exposições coletivas nos
festivais Solar e Qxas, no Tempo Suspenso
e no Maré Foto Festival. Com o projeto
Corpo Público, realizou leituras de portfólio
com Rosely Nakagawa e Luciara Ribeiro.

15
16
Anie
Barreto
Pintura
Sob muitos sóis
39,7 x 30 cm. 40 x 40 cm. 24 x 30 cm
Bordado s/ tela
Pintura acrílica s/ tela
2020

A obra trata-se de um refazer de passos

pelos caminhos de Ibicuitinga. Objetos-
memórias de territórios físicos e mentais
sobre a existência em zonas rurais. Um
lembrete singelo sobre coisas que tocaram
na infância e que ainda tocam. Com eles,
rememorar o estar longe e ainda fazer
sentir que pertence, mesmo que se perca
a linha cartográfica.

Anie Barreto mescla a linha, a palavra

e a imagem na busca do entendimento
sobre a própria língua. Tem se dedicado
à investigação sobre as diferentes
linguagens e as possibilidades híbridas
na feitura da imagem. Revista e remonta
memórias-registros na vontade de
transmutar a fragilidade de um corpo para
se fazer forte; existente.

17
18
Bruna
Bortolotti
Gabrielle
Tavares
Instalação
Invenção do meu avô
2021

Meu avô, ourives e inventor autodidata

de Redenção (CE), além de máquinas e
jóias, inventou uma casa, sua oficina. Esta
invenção reconstrói-se nesta instalação
através da subversão dos modelos de
representação tradicionais em arquitetura:
plantas-baixas, cortes, vistas. Entende-
se, portanto, a casa enquanto construção
subjetiva, íntima e pessoal.

Bruna Bortolotti é ourives e designer,

além de arquiteta e urbanista pela
Universidade Federal do Ceará (UFC).
Aprendeu o ofício de joalheira com o
avô, o Sr. Bomfim, um ourives e inventor
autodidata de Redenção (CE). Os anos de
convivência e aprendizado na casa-oficina
do avô conduziram-na a pesquisar sobre
as relações entre os objetos e o espaço.

Gabrielle Tavares é artista visual e

arquiteta e urbanista pela Universidade
de Fortaleza (UNIFOR). Tem no universo
da criação de imagens um local de
experimentação e simulação de realidades.
Pratica colagens digitais desde 2017
através do projeto Colagi.

19
20
Célio
Celestino
Fotografia
Série Tecituras
17 x 25 cm [cada]
Fotografias de enciclopédias, recortadas
e entrelaçadas manualmente
2021

A Série Tecituras é uma obra que gera

o reencontro de fragmentos fotográficos
impressos no século passado rearranjados
por meio de recortes e entrelaçamentos
manuais, ativando memórias e expandindo
a diversidade de relações empregadas no
processo de interpretação da mesma.

Célio Celestino nasceu em Fortaleza

(1983 - CE), cidade em que mora e
trabalha. Tem formação livre na área de
Artes Visuais. Dentre seus interesses,
estão: a colagem e seus possíveis
desdobramentos; acervos fotográficos e o
comportamento humano. Suas pesquisas
sempre confluem para questões que
abordam identidade, memória e o universo
onírico.

21
22
Charles
Lessa
Pintura
Macho quer macho
50 x 65 cm
Acrílica s/ papel canson
2021

A obra especula sobre a prática da

brotheragem a partir da apropriação de
imagens da internet e a criação de um
conjunto de símbolos que determinam o
que seria o corpo do homem sexualmente
desejado e objetificado. O tecido fino
que reveste o corpo do lutador, a lycra, o
músculo proeminente, o volume. Macho
que quer macho e não curte afeminados.

Charles Lessa vive em Crato, CE,

onde trabalha e tem licenciatura em
Artes Visuais. Cria ficções com a pintura
figurativa, investiga a estética popular
em diálogo com a arte contemporânea,
reivindicando para si uma outra infância na
fase adulta, compreende o fazer artístico
como o lugar no qual brinca.

23
24
Coletivoponto
@coletivo_ponto
Videoarte
Tanto Mar
8’40’’
2020

A obra fala sobre a solidão de bichas

pretes, questionando a visão binária
sobre o gênero a partir de memórias e
sentimentos. Onde três corpas pretes
encontram na dança uma forma de
celebração, transmissão de conhecimentos
e gestos ancestrais das suas corpas
afeminadas sobrepostas ao mar, espaço
afetivo ancestral. Quantos de nós ficaram
ao mar?

O Coletivo Ponto existe há 5 anos e é

composto por Carlota, Júnior Meireles,
Juan Monteiro e Matheus Dias, artistes
pretes LGBTQIA+ que pesquisam sobre
dança, gênero e ações de uma corpa
dissidente afeminada. O grupo foi
premiado no Dragão Fashion Brasil com
o filme Ponto e lançou o filme O vazio, o
vestido, o veado contemplado pela lei Aldir
Blanc.

25
26
David
Felício
Jorge
Silvestre
Escultura
Armar uma rede
2021

Armamos uma rede para suspender o

espaço-tempo que é fluido e se move sem
muito esforço. Deitamos numa rede para
anunciar um outro corpo, flexível e expandido.
Balançamos uma rede para lembrar que
estabilidade é um ponto de vista efêmero,
mas seguimos por ter o corpo abraçado
aos nossos. Sonhamos uma rede que seja
proteção contra o arquivo colonial.

David Felício é educador e artista visual.

Formado em História pela Universidade
Federal do Ceará. Desenvolve pesquisas
em torno da história, memória e explora
as interseções desses campos com as
práticas educativas e artísticas. Participou do
Laboratório de Artes Visuais da Escola Porto
Iracema das Artes junto de Jorge Oliveira.

Jorge Silvestre é artista visual e diretor de

fotografia, integra a 5a turma de realização
da Vila das Artes e o 7º Laboratório de Artes
Visuais do Porto Iracema das Artes, onde
desenvolve pesquisa coletiva com David
Felício. Esmiúça noções de arquivo, memória
e controle em relação à história. Tem interesse
por indisciplinas e viagens no tempo.

27
28
Diego de
Santos
Desenho
Fantasma Hereditário - Trilogia Fantasma
Caneta esferográfica sobre carteira de trabalho
da minha mãe
13 x 18 cm [cada]
2020

A carteira de trabalho da minha mãe,

assim como a minha, existia apenas
como papel. A ausência de uma escrita
empregatícia dá espaço a uma série
de desenhos de conchas, elementos
marítimos cujas simbologias expressam
a ancestralidade no trabalho. Além disso,
comentam a tradução livre “empresa
fantasma / de fachada”, do termo inglês
“shell company”.

Diego de Santos é formado em artes

plásticas pelo IFCE, mora em Caucaia,
cidade natal, e trabalha em Fortaleza.
Utiliza elementos do cotidiano, reinserindo-
os em suas problematizações relacionadas
às noções de morada, pertencimento e
trabalho.

29
30
Diego
Landin
Yuri
Marrocos
Colagem
Revista Capricha
29x36x2cm [cada]
Colagem e tratamento digitais s/ papel
2021

Capricha propõe novos olhares sobre

as capas de revistas homoeróticas no
Brasil do final dos anos 90, mediados
por emergências do contemporâneo. Do
projeto gráfico paródico ao mundo kitsch
dos sonhos de consumo: um exercício
político de metaficção sobre a produção da
fantasia e do abjeto no imaginário coletivo.

Diego Landin é ator, diretor, artista visual

e escritor. Licenciado em Teatro pela
Universidade Federal do Ceará. Co-criador
do projeto cadaFalso. Atuou em Rãmlet
Soul, As Três Irmãs e Um Lugar Para Ficar
Em Pé. Dirige Peça Para Dias de Chuva,
E.L.A e Gato Preto. Curador do projeto
Cena Leitura. Desenvolve intensa produção
gráfica através de sua marca ERRATICA
design.

Yuri Marrocos nasceu no Jóquei Clube,

em Fortaleza. Graduando em Psicologia
pela UFC. Autor das peças Um Artista da
Luz Vermelha e Muros Agudos Iguais à
Fome, sendo essa última selecionada pelo
Edital de Montagem Teatral da Funarj, em
2019. Participou de exposições coletivas
como a Mostra Sistema Aberto (2019) e
72° Salão de Abril (2021).
31
32
Eliana
Amorim
Instalação
Assentamento
Suporte técnico:
Alex Melo
Rawan Carvalho
Cleiton Araújo
Aline Albuquerque
David Felicio
Cleiton Macêdo
Maria Macêdo
2021

Assentamento é um encontro com

memórias, é um ritual para o encontro com
entidades femininas de cura, que usam/
usaram vassouras na limpeza de espaços
e corpos. A instalação é um meio artístico
para performar a vida que atravessa a
artista através dos seus saberes e fazeres
que entrecruzam arte, magia e cura.

Eliana Amorim é mãe, retirante, artista/

professora/pesquisadora. Licenciada em
Artes Visuais pela URCA. Suas pesquisas
e produções no âmbito das Artes Visuais
abordam questões de gênero e raça no
Brasil, e investiga intersecções entre arte,
magia, saberes tradicionais de cuidados e
curas através da natureza compartilhados
entre mulheres sertanejas curandeiras.

33
34
Eliézer
Colagem
Menu do dia ou um prato que se come frio
16 cm de diâmetro x 2 cm de altura
Porcelana portuguesa policromada com
decoração inglaze
2021

Produzido pelo artista na Real Fábrica de

Porcelanas da Vista Alegre, em Portugal, o
tríptico desmonta o estereótipo da figura
tradicional e patriarcal de opressão colonial
e a oferece como parte de um banquete
que incita nosso apetite antropofágico em
devorar quem nos devora e que persevera
nossa crença de que a vingança é um
prato que se come frio.

Eliézer é artista, designer e pesquisador.

Doutor em Design pela Escola Superior
de Desenho Industrial, ESDI/UERJ. Mestre
em Design pela Universidade de Aveiro,
Portugal. Bacharel em Comunicação
Social pela UFC. Atua nos campos das
artes visuais, da performance, do design
gráfico e da cerâmica. Já expôs trabalhos
em Hong Kong, Barcelona, Lisboa, Porto,
Aveiro, Rio de Janeiro e Fortaleza.

35
36
Felipe
Camilo
Instalação/Livro de Artista
Álbum Preto
2021

O livro de artista é um álbum coletivo que

relaciona à trajetória de vida do autor,
retratos em folhas [fitotipias] e saudosas
notas obituárias de pessoas negras vítimas
de violência racial. Homem negro de 36
anos, Felipe C. traz na obra uma prece e
memórias suas em sequência cronológica
relativas à idade de morte daqueles
honrados no álbum.

Felipe Camilo é artista negro com

enfoque em fotografia e cinema. Dedica-
se ao documental e à experimentação.
É membro do Ifoto/Ce. Pesquisador
pela UFC/CAPES, escreveu tese sobre
antropologia, imagem, memória e
negritude. É autor do fotolivro Perecível.
Dirigiu os docs. Oestemar e Aluá. É
co-idealizador do Efêmero Festival de
Fotografia Experimental.

37
38
Fernanda
Siebra
Fotografia
Oxigênio
Álcool 70º s/ papel de cupons fiscais
2021

Oxigênio é uma série de imagens térmicas

produzidas a partir do contato do álcool
70º com o papel de cupons fiscais. Como
um exercício respiratório, Oxigênio propõe
pensar sobre o direito à vida que vem nos
sendo negado e denunciar a crise sanitária
e econômica que atravessa o país. Bustos,
covas, cruzes e pulmões. Imagens de um
universo pandêmico.

Fernanda Siebra é fotógrafa e jornalista.

Graduada em Jornalismo pela Unifor
(2014), atuou como fotojornalista e
realizadora de conteúdos audiovisuais no
Sistema Verdes Mares, onde ocupou o
cargo de editora do Núcleo de Audiovisual
do SVM. Colabora eventualmente com
o El País. Atualmente tem encontrado
na colagem analógica uma maneira de
fotografar.

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Fernando
Jorge
Fotografia
Árvore-Lágrima
32x32 cm [5]. 32x26 cm [3]. 20x30 cm [9]
Impressão fotográfica digital
2020

No início do século, a cidade de

Jaguaribara (CE) foi inundada para a
construção do açude Castanhão. Nos
últimos anos, por conta da maior seca que
atingiu o Ceará em décadas, o nível da
água baixou consideravelmente, fazendo
ressurgir as ruínas da cidade antiga. Com
elas, questões sobre memória, espaço e
clima, representados pela árvore dita.

Fernando Jorge é fotógrafo e professor

de fotografia. Já expôs em mostras
coletivas, como a exposição Terra em
Transe - festival Solar, o Festival de
Fotografia de Tiradentes 2016 e 2017, os
Encontros de Agosto 2011, 2012, 2014
e 2016, 69o Salão de Abril, Solar Foto
Festival, deVERcidade 2007, a XIV Unifor
Plástica e a exposição Postais do Ceará.

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Flávia
Almeida
Hailla
Krulicoski
Caio
Erick
Videoarte
Eu-Não
5”17’
2021
A Performance “Eu-não” é construída a
partir da reflexão acerca do apagamento
histórico da existência das pessoas negras
no Ceará e dos reflexos da pressão social
existente sobre corpos negros, quando
esses são vistos, uma vez que são
subjugados e cobrados partindo de uma
equidade social inexistente.
Flávia Almeida é artista visual periférica,
nascida em Fortaleza-CE. Trabalha com
fotografia, audiovisual, produção cultural
e arte-educação. Graduanda em Ciências
Sociais pela UECE, atualmente compõe o
Coletivo Motim e a Produtora Princesinha
de Favela.
Hailla Krulicoski é artista visual
paraense, graduanda em Ciências Sociais
apaixonada por música percussiva e
expressões artísticas, como bordado e
artesanato. Atualmente, integra o Maracatu
Solar - SOLAR e o Grupo Percussivo
Acadêmicos da Casa Caiada (UFC),
além de atuar em projetos culturais de
diferentes linguagens.
Caio Erick é artista visual, nascido em
Fortaleza, Ceará. Trabalha com design,
fotografia e produção audiovisual. É
integrante do Maracatu Solar e do Grupo
de Música Percussiva Acadêmicos da Casa
Caiada. Possui trabalhos nas temáticas do
maracatu cearense e com comunidades
pesqueiras no litoral do Ceará, além de
outros projetos artísticos.
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George
Ulysses
Rodrigues
de Sousa
Video-performance
XAXARÁ
2021

XAXARÁ é uma videoinstalação oriunda

de performance homônima. Ancorada
nas tradições dos candomblés, a obra
é um processo de cura. Ao resgatar os
eguns que vagam ao longo da beira-mar e
levá-los aos espaços de poder da cidade
de Fortaleza, o artista guia as almas aos
lugares onde não puderam embarcar ou
pertencer: a quartinha com água do mar os
presentifica.

George Ulysses é yawo de Obaluayê,

mestre em comunicação e pesquisa a
prática artística da pessoa preta no Brasil.
É performer, artista visual e percussionista.
O espaço da vida é o espaço da criação.

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Iago
Barreto
Soares
Dias
Holanda
Potyguara
Videoarte
A margem de um rio que correm meus ancestrais
13’
2021

À margem de um rio, Dias Potyguara vê seus ancestrais

passando, de um passado cheio de força a um futuro
nebuloso, que ele divide com seu filho. Através do rio
passam todos os sonhos do povo potiguara, um rio que
transborda e sobrevive no sertão, o rio que é escutado por
aqueles que são seus descendentes.

Iago Barreto é arte-educador, artista e comunicador

comunitário. Colaborador do Museu Indígena Tremembé
desde 2014, curador da exposição “Nas aldeias: o
cotidiano sob o olhar da juventude indígena do Ceará”.
Desde 2018, trabalha junto aos Anacé da Japuara
fotografando o projeto Memórias da Retomada de São
Sebastião.

Dias Holanda é indígena Potyguara, artesão de uma

diversidade de arte e cultura. Como por exemplo
artesanatos com madeira, sementes, linhas, barros
e pinturas Faz esculturas de bichos, talhamentos em
madeiras e uma diversidade de armamentos primitivos
indígenas como caça e pesca, além de criar painéis com
pinturas indígenas. Reside hoje com os povos indígenas
da Aldeia Cajueiro dos povos Tabajara.

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Jared
Domício
Intervenção
Indicador social para jardim
120 x 56 cm
Acrílica s/ tela e madeira
2021

Inspirado nas placas decorativas de jardim,

as quais, em geral, trazem mensagens de
positividade e apresentam o jardim como
espaço de fuga do real. Em seu aspecto de
indicador social, faz exatamente o oposto
ao apontar para uma realidade iminente de
conflito. A estética também é tomada (com
ironia) dos acessórios decorativos com
cores suaves e desenhos com ar infantil.

Jared Domício desenvolve pesquisa que

busca observar as relações entre meio
urbano x arte x natureza. Construindo
paralelos entre a maneira como nos
organizamos como cidade (um campo
racional e estruturado pela mente humana)
e os lugares/situações que designamos
como naturais, supostamente avessos a
essa racionalidade.

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Jefferson
Santos
Videoarte
Corpografias em Contexto
13’05
2021

É COR-PO-LÍTICO, são experiências

múltiplas de co-existir, são escrevivências
de nossas existências, é a fecundação
de “Novos Possíveis”, permeada de arte
poética, cuja abordagem se detém a partir
da performance arte, bem como pela arte
desobediente refletida nas corpografias em
contexto.

Jefferson Santos é do Ser-Tão de

Madalena, Bixa-Preta que transita o after
do fim-do-mundo. Como MultiArtiVista,
minhas poéticas de encruzilhadas se
atravessam y geram vários bugs na
sociedade, atiçando instabilidade no corpo,
tempo y espaço a cada performação
que realizo, como uma autossabotagem
que oferece novos desafios, fracassos y
reflexões a todes nós.

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João
Paulo
Duarte
de Sousa
Performance
Cena de Assassinato
2021

Um corpo. Um lençol de linho branco.

Um corpo travesti. Um lençol de linho
branco coberto de sangue.
Um corpo travesti coberto de sangue
encoberto por um lençol de linho branco.
[constitui-se uma cena de assassinato]

Colocando o corpo travesti em perspectiva

através de diferentes contextos e
temporalidades, a artista descostura uma
linha temporal no tecido social em busca
de suturas e atenta ao alastramento de
sangue travesti através do mesmo.

1993. Brasil, Ceará.

João Paulo Duarte de Sousa é travesti
e gênero não-conformista. Andarilha,
artista visual, cineasta, escritora,
pesquisadora, produtora e restauradora.
Pesquisa a hibridação/ hibridez/
hibridismo/ hibridização entre a
autobiografia e a autoficcionalização.

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Juliana
Saavedra
Mendoza
Videoarte
Gaiola - Paisagem Interior
8’05’’
2021

“O vídeo aborda uma pesquisa sobre a

paisagem urbana, guiada pelo professor
Rafael Carvalho, e apresenta a percepção
do espaço habitável como local de
confinamento que condiciona nosso ponto
de vista da realidade. Nele, combino a
contemplação do tempo e da luz junto
aos sons e as imagens da minha própria
gaiola, uma janela na beira do infinito, nos
dias do isolamento social.”

Juliana Saavedra Mendoza vive na

cidade de Fortaleza desde janeiro de 2018.
Ela é estudante de Licenciatura em Artes
Visuais no IFCE, por meio do programa
convênio PEC-G da embaixada do Brasil
na Colômbia. Atualmente, investiga
sobre os espaços e ações corporais no
seu processo criativo, como também no
ensino das Artes, explorando com médios
audiovisuais e a imagem digital.

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Karl
William
Instalação
Jogo da Memória - Para não esquecer
Cartas: 6 x 10cm [cada]. Instrucional: 19 x
21cm. Caixa de madeira: 8 x 12 x 5cm
2021

Cada partida: um discurso. Cada discurso:

um ângulo de visão. De que lado da
mesa você está? O que é memorável na
Pátria Amada? Um jogo da memória. Uma
performance. Meu corpo. Com esses três
elementos eu apresento um Brasil desde
a altura dos meus olhos. Um Brasil que
semearam lá no pé da Amazônia. O Brasil
em que habitamos e que o negamos.
O Brasil que curtimos e bronzeamos.
O Brasil. Essa história; nossa história;
a história tão repetida. Jogar esse jogo
propõe um olhar para o futuro, com as
´´armas´´ do presente para não viver o mal-
passado.

Karl William tem 19 anos, é preto e

filho de várias mães. Integra o Grupo
de Pesquisa Federal em Match de
improvisação na Ciudad de Buenos Aires.
É nascido em Fortaleza e feito pro Mundo.
É o sorriso largo de um favelado que come
sem pausa, sem corre, com as mãos.
Karl é fruto da escola pública e um artista
internacional do seu mundo, no meio do
mundo do mundo de todos.

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Lívio
Instalação
A história se repete, a primeira vez como
tragédia e a segunda como farsa. [1500-
1822-1871-1888-1889-1932-1960-
1964-2016-2018 e contando]
2020

Criada a partir dos acontecimentos

brasileiros de 2020. Coloca em diálogo
significantes como morte, destruição,
limite, nojo, resto. Ensaio poético sobre
o que nós aguentamos sem dar uma
resposta. Distopia da realidade brasileira
(ou realismo fantástico?). Diálogo com
o ‘Diário de um Cucaracha’ do Henfil.
Denúncia ensaística de para onde
caminhamos.

Lívio é agrônomo, mudou para poesia que

o levou às artes visuais. Fez uma pesquisa
entre palavra, objeto e intervenção,
que rendeu sua primeira individual, A
ereção da palavra, no Dragão do Mar.
Faz experimentos palavra, vídeo, foto e
performance. Hoje pesquisa: o que pode o
corpo branco de um homem cis?

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M Dias
Preto
Instalação
Campo de Passagem’
2021

De criança viada à adolescência vivida em

escola militar. A imagem que os outros
construíram para mim, a caixa que me
deram para ocupar, o assédio sofrido na
adolescência e as marcas e dores de um
corpo dissidente que só encontra no seu
imaginário um espaço/universo confortável
para existir. É a reelaboração e a posse
sobre a narrativa do meu corpo.

M Dias Preto é artista visual que trabalha

com colagem, fotografia e audiovisual,
buscando tencionar questões LGBTQI+, de
gênero e raça. Lançou o livro de colagens
“Insular”, é artista integrante no Painel
da Fotografia Cearense 2021 e foi artista
expositor no Festival Hercule Florence,
Festival Internacional de Fotografia BH e
FotoFestival Solar.

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Marcelina
Natalia
Coehl
Registro da Intervenção Urbana
Ame as Deusas
2021

AME AS DEUSAS é uma intervenção

herética realizada por duas bruxas
urbanas, que veem a palavra como
feitiço simbólico. Partindo da frase AME A
DEUS, encontrada no viaduto que divide o
caminho entre o Castelão e o Aeroporto de
Fortaleza - CE, a proposta deste trabalho
é realizar uma intervenção alquímica
que transforme esta escrita em AME AS
DEUSAS.

Marcelina é Sertaneja on the city.

Formanda em Licenciatura em Teatro pelo
Instituto Federal de Educação, Ciência e
Tecnologia do Ceará – IFCE. Autora do
fotolivro Densa Presença (2021) e do livro
De Vento em Poesia (2020). Investiga as
relações de gênero e a sexualidade da
mulher, utilizando o corpo e a escrita como
dispositivos.

Natália Coehl é bruxa urbana,

performer, escritora, bailarina, jardineira
e radiestesista. É mestranda pela Pós-
Graduação em Artes da UFC. Nesta
pesquisa, usa o movimento como criador
de energia de pequenos feitiços, que
buscam alterar a percepção concreta das
rígidas estruturas urbanas.

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Maria
Macêdo
Videoperformance
Dança para um futuro cego
6’16’
2021

Fertilizar imagens é antes de tudo observar

as mortes e renascenças diárias. Vivenciar
a desertificação da terra junto do corpo,
ouvir de perto a forrageira gigante da
urbanização moendo vidas, observar os
corpos tombados e guardar as sementes
que vão nos vingar. Como amaldiçoar os
projetos falidos de modernidade, e dançar
vida sobre a terra que pisamos?

Maria Macêdo é artista Multidisciplinar e

Educadora. Licenciada em Artes Visuais/
URCA. Integra ajuntamentos artísticos, e
é integrada pela mata fechada. Evocando
a força ancestral e ficcional da vida no
campo, encontra nas vivências na terra
o caminho que guia o seu fazer artístico
enquanto artista agricultora retirante
fertilizadora de imagens.

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Mario
Sanders
Instalação
Corpo Santo
Bordado: 57 x 36 cm. Oratório: 90 x 48 x 20 cm
Bordado s/ tecido instalado em oratório de
madeira
2020

O trabalho resgata o misticismo religioso

na época em que vivi novenas e missas
na minha infância em Aquiraz. Os ritos de
maio, novenas e procissões entre santos
e anjos, questionava a sexualidade dos
santos através de suas imagens na igreja
e nos oratórios, imaginando o corpo nu.
CorpoSanto é a imagem híbrida do que
pode ser puro, e não profano.

Mário Sanders é artista visual, trabalha

com pintura, desenho, objetos e bordados.
Participou de diversas exposições coletivas
e individuais, em museus públicos e
privados e galerias de arte locais e
nacionais. Destacando a participação
no grupo Fratura Exposta, a Exposição
Internacional de Esculturas Efêmeras e o
Prêmio Pirelle de Pintura Jovem no MASP-
SP e premiações em Salões Nacionais de
arte contemporânea em Recife, Curitiba
e Fortaleza. Hoje produz seus trabalhos
na Kraft Atelier Coletivo, onde acompanha
artistas iniciantes na produção da arte,
com visão contemporânea.

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Naiana
Magalhães
Escultura
Ecologia é poesia
27 x 62 cm
2021

O título foi uma frase proferida por um

engenheiro da prefeitura de Fortaleza,
responsável pela obra de uma pista que
corta um parque de dunas da Sabiaguaba.
A consultora ambiental pediu para que
a obra não ocorresse, porém ouviu que
ecologia não passa de poesia. O trabalho
condensa esta frase em referências da
cultura popular e burguesa.

Naiana Magalhães é artista visual,

nascida em Fortaleza-CE (1986).
Naiana trata ao longo de sua produção
problemáticas do tempo, da luz e da
paisagem. Diante de suas obras, somos
convidados a realizar calmamente a
ação do observador, conectando eventos,
sobrepondo camadas históricas, deixando
as ruínas do presente envolver nosso
pensamento para vislumbrar futuros.

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Nataly
Rocha
Videoarte
Árido Brejo
2021

Temática da desilusão amorosa sapatão,

o término de um relacionamento, a
vulnerabilidade e intimidade da atriz,
performer e diretora Nataly Rocha, que
revisita seu material pessoal de vídeo de
2013 à 2021 e o reinventa tendo como
principal referência o flerte com o patético
e o popular presentes no melodrama e nos
trabalhos da mexicana Ximena Cuevas.

Nataly Rocha é atriz, performer, diretora

e preparadora de elenco, possui vasta
experiência nas artes cênicas-teatro,
cinema, tv; com mais de 40 filmes e 10
espetáculos na sua trajetória. Trabalhou
com vários diretores: Karim Ainouz, Joana
Jabace, Felipe Hirsch, René Guerra,
Coletivo Alumbramento, Gabriel Mascaro,
etc. Pesquisa a fusão das linguagens na
cena contemporânea.

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No Barraco
da Constância
Tem!
Instalação
Protótipo de inserção da experiência jangadeira no Brasil
40 x 40 cm [cada - 12 peças]
175 x 25 cm [1 peça]
Impressão s/ papel algodão fine art
2021

Um branding publicitário que apresenta

um projeto de instalação para os mais
importantes museus e galerias brasileiros:
um stand comercial onde serão vendidos
pacotes para uma viagem de jangada no
sentido Sudeste-Nordeste, tendo como
referência a viagem de 4 jangadeiros
cearenses em 1941.

No barraco da Constância tem! é um

coletivo movido pela vontade de exercitar a
invenção, a coletividade, a colaboração e a
transversalidade entre as linguagens e os
gêneros num exercício político diário que
envolve investigação, porosidade, intuição
e desejo. Atuando ininterruptamente
desde 2012 na cidade de Fortaleza, o
grupo trabalha com artes visuais, cênicas,
performáticas e audiovisuais.

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Núbia
Agustinha
Instalação
Cartossangrias
23 x 23 cm [cada]
Bordado com cabelo e pintura com sangue menstrual
2020

A gestação da obra foi atravessada

pela fase de despedida do meu ciclo
reprodutivo. A composição, com manchas
de sangue e frases bordadas com os meus
cabelos em forma de linhas orgânicas,
potencializa a minha poética. Cabelos,
parte de nosso corpo que resiste à morte.
Envelheço e rejuvenesço no processo de
criação que me permite engravidar e parir
sem limites.

Núbia Agustinha tem formação em

Artes Visuais (IFCE) e Pedagogia (UFC).
Participou da Temporada Formativa (2019),
da Escola Porto Iracema das Artes. É
integrante do Grupo Meio Fio de Pesquisa
e Ação (IFCE). Atua como professora/
artista visual/pesquisadora. Sua produção
poética é atravessada pela escrita,
gravura, instalação, performance e vídeo
performance.

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Samuel
Tomé
Objeto
Você pode sentir que está passando por mim
60 x 30 cm [cada]
Adesivo de vinil sobre espelhos
2020

Através de uma pesquisa sobre bandeiras,

tomo emprestado o Código Internacional
de Sinais, um tipo de comunicação náutica
composta por bandeiras gráficas, nas
quais cada uma possui uma mensagem.
Proponho algumas alterações nos
textos das mensagens e chego a novos
enunciados.

Samuel Tomé (Itapipoca, 1986) é

artista cearense que recorre ao desenho,
fotografia, vídeo, objetos, ações e
atividades coletivas para investigar
situações sociais, políticas e cotidianas da
vida contemporânea e do sistema de arte.
Sua prática artística tenciona questões
sobre público, circulação e coletividade,
através de trabalhos que promovem ações
em grupo, jogos e encontros.

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Thaís de
Campos
Fotografia
As finas tramas que nos unem
0,64 x 1m [cada]
Fragmentos de insetos, folhas e
elementos naturais em decomposição
2021

As imagens têm linhas como princípio

comum, se desfazem em uma, se
refazem na outra: a vida segue seu
fluxo. Os fragmentos sobrepostos,
ampliados revelam detalhes da natureza
em desintegração: texturas, padrões. A
fotografia é a tentativa de parar a ação
do tempo possibilitando que as imagens
sejam contempladas no tempo individual
da contemplação.

Thaís de Campos é realizadora / artista

audiovisual e musicista experimental,
diretora de arte e figurinista de diversos
projetos no Ceará e no Brasil. Realiza
performances audiovisuais pesquisando
articulações entre imagens e sons,
utilizando diferentes suportes de projeção
e captação, máquinas obsoletas, slides
preparados, elementos da natureza e
materiais coletados.

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Victor
Cavalcante
Instalação
PERMITIR O AFETO - VIVER O DESEJO - ESQUECER O TEMPO
Bandeiras: 120 x 80 cm [cada]
Mastros: 4 m [cada]
2021

Quais bandeiras queremos erguer? Quais

mensagens queremos passar? PERMITIR
O AFETO - VIVER O DESEJO - ESQUECER
O TEMPO é um convite para um ritmo de
vida desacelerado e de permissão para
novas vivências e transformações. Um
aprofundamento do que sentimos, do que
nos afeta e desejamos. A busca por uma
vida plena e aberta ao encontro.

Victor Cavalcante é artista, produtor

e faz-tudo. Estudante do curso de
Licenciatura em Artes Visuais do IFCE.
Idealizador e produtor do Ateliê Migratório
e integrante do Ponto Coletivo. Gosta
de desmontar objetos, trabalha com
performance, pintura, desenho, arte
urbana, fotografia, audiovisual e o
que mais aparecer. Pesquisa afetos e
afetações. Entende a coletividade e as
relações interpessoais como motivadores
do processo criativo, além de expressar
seu descontentamento político e críticas às
instituições de poder.

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Virginia
Pinho
Fotografia
Máquina de Costurar
60 x 90 cm [cada]
Pigmento mineral s/ papel algodão
2021

Janete é minha mãe, ela trabalhou como

costureira dos 15 aos 58 anos. Antes
disso, desde os 10 anos, já costurava
as roupas dos seus seis irmãos. A
envergadura de sua coluna foi moldada ao
longo da vida, trabalhando “na posição da
máquina”.

Virgínia Pinho é Artista Visual, Fotógrafa,

Professora e Pesquisadora. Mestra em
Comunicação pela Universidade Federal
do Ceará – UFC. Desenvolve pesquisas
sobre cinema e as representações dos
mundos do trabalho, produção e circulação
de imagens e as relações entre memória
e construção do espaço urbano. Vive e
trabalha em Maracanaú.

83
Seminário do 72º Salão de Abril

Do corpo que
produz ao corpo
que exibe:
arte, trabalho e
políticas de vida
Na 72ª edição do Salão de Abril, homenageamos a obra do
pintor e gravador Raimundo Cela (1890-1954), que por décadas
se dedicou a pintar as paisagens e o cotidiano do trabalhador,
simbolizado nas figuras dos pescadores, jangadeiros e vaqueiros
do Ceará. Tomando como mote o legado do artista e de
seus interesses estéticos, as curadoras do Salão lembram a
importância de entendermos a arte como local de trabalho e que,
independentemente das especificidades das práticas artísticas,
elas não constituem uma exceção ao mundo laboral.
Por isso, neste seminário, o tema do trabalho orienta as três
mesas que serão realizadas ao longo da exposição, entre agosto
e setembro de 2021. Em diálogo com alguns dos artistas desta
edição, discutiremos o labor como tema e o artista enquanto
trabalhador, da arte moderna à contemporânea. Integram as
mesas, além dos artistas Virgínia Pinho, Ana Mundin e Diego
de Santos, e das curadoras Ana Cecília Soares, Luciara Ribeiro
e Luise Malmaceda, os pesquisadores Delano Pessoa, Bruno
Pinheiro, Maria Angélica Melendi e Rafael Domingues.

Mesa 1 Mesa 2 Mesa 3

O corpo do trabalhador na obra
de artistas latino-americanos
Data: 18 de agosto de 202
Horário: 18h
Ana Cecília Soares, Maria Angélica
Melendi e Virgínia Pinho.
Do trabalho como tema ao artista
como trabalhador nas modernidades
de Raimundo Cela, Miguel Bakun
e Heitor dos Prazeres
Data: 25 de agosto de 2021
Horário: 19h
Luise Malmaceda, Bruno Pinheiro
e Delano Pessoa
Trabalho e pandemia: da exaustão à
precariedade do trabalhador das artes
Data: 08 de setembro de 2021
Horário: 19h
Luciara Ribeiro, Ana Mundin, Diego
de Santos e Rafael Domingues.

Leitura de portfólios dos artistas contemplados no 72º Salão de Abril

Atividades Presenciais
Leitura com Luise Malmaceda e Luciara Ribeiro: 28 e 30/07
Leitura com Ana Cecília Soares: 02, 03, 04 e 08/08

Atividades on-line
Leitura com Luciara Ribeiro: 16 e 23/08
Leitura com Luise Malmaceda: 19/08

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Seminário • Do corpo que produz ao corpo que exibe: arte, trabalho e políticas de vida
A desaparição
Reflexões sobre a representação do corpo
do trabalhador na arte latino-americana
Me matan si no trabajo
Y si trabajo me matan
Nicolás Guillén
Silviano Santiago, em Aula Inaugural
de Clarice, opõe o labor, associado
aos processos biológicos do corpo
humano, ao conceito masculino e
econômico de trabalho como modo
de produção capitalista. Pensar sobre
a representação do trabalho e do
trabalhador, na América Latina, hoje, em
que mais uma vez o continente arde em
conflitos, é penoso e desafiador.
Necessitamos encarar o passado para
fazer um recorte apropriado e insistir em
que somos o resultado de uma longa
jornada de avanços e retrocessos.
Quero ressaltar que este breve ensaio
deixa fora muitas obras; a gente
sempre tem suas obras preferidas,
aquelas que nos emocionaram, as
que nos surpreenderam, as que nos
assombram até hoje. Os trabalhadores
e as trabalhadoras (as quais sempre
existiram), foram, ao longo dos anos,
mitayos, yanaconas, escravos, meeiros,
lavradores, serventes, operários... Sua
representação nas artes visuais nunca
foi homogênea, e às vezes nem foi.
No século XX, alternou entre décadas
e países: arcádica, realista, heroica,
cínica, partidária, idealizada, cruel.
Maria Angélica Melendi
EBA, UFMG
No que vai ser o século XXI,
aparentemente, o corpo do trabalhador
desaparece das obras, do mesmo
modo em que vinha desaparecendo a
representação naturalista dos corpos.
No vazio dos corpos encontramos
ferramentas, roupas, marcas de mãos
ou de pés, fluidos corporais, restos,
resíduos, fotos apagadas, folhas de
registros de presença, folhetos, boletins.
Do Rio Grande à Terra do Fogo, o mito
do trabalhador parece ter se esgarçado,
junto com as utopias de Nuestra
América e a fantasia de uma origem
comum que irmanasse os excluídos, os
miseráveis da terra.
85
Seminário • Do corpo que produz ao corpo que exibe: arte, trabalho e políticas de vida
A virada,
a pandemia
e o trabalho
Na pintura A virada – um óleo sobre
madeira de 1943 -, Raimundo Cela
registra o exato instante em que uma
jangada é atingida pela força arrebatadora
do mar. Parte da tripulação é jogada
na água, enquanto outros três homens
tentam, a todo custo, retomar o controle
da embarcação. A cena toma quase toda
a composição, com a própria jangada, ao
centro, dividindo transversalmente a tela.
As figuras humanas estabelecem uma
relação tensa com a natureza e tentam, a
todo custo, domar a embarcação em meio
às ondas que parecem não dar trégua. Os
rostos expressam a tensão do momento, e
complementam a representação do esforço
físico encerrado nas articulações dos
braços e pernas, dos troncos projetados e
86
dos movimentos quase involuntários diante
do inesperado. A cena do primeiro plano,
no entanto, contrasta com o horizonte
calmo ao fundo, em que a paisagem
marítima se apresenta de forma quase
monótona em relação à cena principal.
A recorrência das cores claras, frias,
quase pastéis da paisagem também é
um contraste com as cores mais vivas,
intensas, com as quais são retratadas as
figuras humanas.
O tema – jangadas, mar, jangadeiros – é
constante na obra do pintor e gravador
sobralense Raimundo Cela. É também
recorrente na cultura visual cearense,
ou sobre o Ceará, nos anos 1940,
como vemos nas fotografias de Chico
Rafael Domingos Oliveira
Albuquerque e até mesmo no filme de
Orson Welles gravado em Fortaleza e nunca
lançado. A imagem do jangadeiro tornou-se,
assim, um topos no imaginário em torno da
paisagem local. No entanto, o que pretendo
destacar em A virada é menos o tipo regional
e mais um outro topos, o do trabalho. A
vida no trabalho, o trabalhador, o espaço de
trabalho são também temas recorrentes na
obra de Cela. A representação do operário,
do pescador, do jangadeiro, bem como a
composição humana, isto é, a forte presença
de trabalhadores negros, é elaborada
– sobretudo em termos formais – com
ênfase na situação do trabalho, na tensão
promovida pela alteração do mundo material.
Seminário • Do corpo que produz ao corpo que exibe: arte, trabalho e políticas de vida
Nascido apenas dois anos após a abolição
formal da escravidão e no ano seguinte à
proclamação da República, Cela formou-
se em um mundo de viradas: a transição
para o chamado trabalho livre, a transição
para a República, a transição para a
industrialização. Ao morrer em Niterói,
em 1954, Cela já havia atravessado
momentos-chaves da história política
brasileira. Nasceu em um Brasil e morreu
em outro. Um Brasil que, naquela altura,
em quase tudo se parecia com a jangada
que saiu pro mar e enfrentou a fúria
incontrolável da natureza-tempo. Por tudo
isso, a homenagem deste 72º Salão de
Abril é em tudo acertada. Vista desde
estes tempos pandêmicos, a obra de Cela
se atualiza e repõe um tema central da
vida das trabalhadoras e trabalhadores
brasileiros que, diante da tragédia sanitária
e política, tiveram sua vida virada de
cabeça pra baixo. O aumento abismal da
desigualdade social e racial, a fome e,
sobretudo, a impotência dos sujeitos frente
às decisões do Poder e das circunstâncias
da conjuntura parecem eternizar na vida
individual e coletiva a cena retratada, em
1943, por Cela.
Além disso, vale destacar que, prestes a
assistirmos à reencenação do mito em
torno da Semana de Arte Moderna, que em
2022 completa cem anos, é relevante que
um artista da envergadura de Cela – sobre
quem recaiu a pecha de anacrônico – seja
relembrado. Para muitos, considerado um
artista isolado em relação ao modernismo,
ou que teria passado à margem dos
movimentos de vanguarda, é quase
irônico que sua obra – seus temas, sua
representação - seja tão contemporânea,
podemos dizer tão moderna. Ao preparar
o conjunto de reflexões que apresentei na
mesa “Trabalho e pandemia: da exaustão
à precariedade do trabalhador das artes”,
no seminário virtual organizado como
parte da programação desta edição do
Salão de Abril, não foi outra a imagem
que colaborou na organização das ideias:
a jangada de Cela, em A virada, é a vida
do trabalhador brasileiro, inclusive o da
arte. Estamos há um bom tempo tentando
aprumar a embarcação e retomar,
exaustos, o controle.
87
Raimundo
Cela
Tive contato pela primeira vez com a obra de Raimundo Cela
(1890-1954) em 1980, quando colaborarei na organização de
uma exposição Raimundo Cela e Vicente Leite (1900-1941)
na Galeria Ignez Fiúza, em Fortaleza. Ao procurar referências vi
que havia pouca bibliografia disponível e muito restrita ao meio
acadêmico:
ACQUARONE, Francisco; VIEIRA, Adão de Queiroz. Primores da
pintura no ‘Brasil. 2.ed. [Rio de Janeiro]: [s.n.], 1942. v. 1.
ARTE BRASILEIRA século XX: Galeria Eliseu Visconti: pinturas e
esculturas. Rio de Janeiro: MNBA, 1984.
BRAGA, Theodoro. Artistas pintores no Brasil. São Paulo: São
Paulo Editora, 1942.
CAMPOFIORITO, Quirino. A República e a decadência da
disciplina neoclássica: 1890-1918. Rio de Janeiro: Pinakotheke,
1983. (História da pintura brasileira no século XIX, 5).
DICIONÁRIO brasileiro de artistas plásticos. Organização Carlos
Cavalcanti e Walmir Ayala. Brasília: Instituto Nacional do Livro,
1973-1980. 4v. (Dicionários especializados, 5).
LEITE, José Roberto Teixeira. A gravura brasileira contemporânea.
Rio de Janeiro: Rio, 1965.
A partir daí, passados quase quarenta anos, dedico-me a
estudar e promover o artista. Tive o privilégio de conhecer toda
a sua família, Eunice sua mulher, Paulo e Dolores seus filhos,
88
Max Perlingeiro
Agosto de 2021
e atualmente, tenho grande amizade com seus netos. E, desde
1988, fiz quatro grandes exposições, sempre no intuito de
resgatar e trazer de volta para o Ceará as obras de sua autoria
que ainda restavam no Rio de Janeiro. A primeira exposição foi
em 1988, a segunda, em 1997, apresentando a coleção do Dr.
Péricles da Silveira, a terceira em 2000, com a coleção Francisco
Studart. Assim, mais de cinquenta pinturas, desenhos e gravuras
retornaram para o Ceará como um resgate da memória deste
notável artista cearense.
Em 2004, com o apoio da Fundação Edson Queiroz, fizemos
uma grande retrospectiva do artista no Espaço Cultural Unifor
com obras dos maiores museus brasileiros e coleções privadas,
e publicamos o livro Raimundo Cela (1890-1954) com textos de
Nilo de Brito Firmeza - o Estrigas, Adir Botelho, Fábio Magalhães,
Cláudio Valério Teixeira, uma completa biografia do artista e um
Catálogo Raisonné da sua obra. Hoje, com a edição esgotada,
constitui fonte bibliográfica única sobre o artista.
Exposições coletivas relevantes: participou da exposição Tradição
e Ruptura na Fundação Bienal de São Paulo em 1984-85. Da
exposição Arte e Sociedade: uma relação polêmica, realizada em
2003, no Instituto Itaú Cultural, em São Paulo, com curadoria de
Aracy Amaral. Na atualidade, participará de exposição Moderno
onde? Moderno quando? O evento conta com as curadorias de
Aracy do Amaral e Regina Teixeira de Barros, que vai antecipar
a celebração dos 100 anos da Semana de 22 no Museu de Arte
Moderna de São Paulo.
Raimundo Brandão Cela nasceu em Sobral
em 1890, cidade próspera, distante 230
km de Fortaleza. Sua mãe, Maria Carolina
Brandão Cela, sobralense, professora,
era uma garantia quanto aos primeiros
estudos do filho; e o pai, José Maria
Cela Mosquera, espanhol, mecânico
de profissão, naturalmente alimentava
conhecimento que sua profissão e vivência
permitiam. Cela passou a sua infância em
Sobral e a sua adolescência em Camocim,
cidade litorânea, uma vila de pescadores a
370 km de Fortaleza.
Seus estudos foram realizados em
Fortaleza, aonde chegou em 1906 com
dezesseis anos e uma adolescência
bem preparada. Cela ingressa no Liceu
do Ceará, conceituado estabelecimento
de ensino público, onde tirou o curso
preparatório, o que lhe daria o direito de
concorrer a um de nível superior, no Rio
de Janeiro. Como aluno do Liceu teve
um relacionamento com os diversos
segmentos do seu novo meio no começo
do século. Quando chegou a Fortaleza,
Cela já encontrou a capital com boas
construções, oficiais e particulares,
a catedral original, o mercado, a
inauguração do Teatro José de Alencar, e
um meio intelectual pujante: o Instituto do
Ceará e suas grandes figuras, escritores
renomados da Padaria Espiritual, tipos
populares como Manezinho do Bispo,
artistas como Raimundo Ramos Filho
(1871-1916), o popular Ramos Cotoco,
pintor músico e poeta lírico, José de
Paula Barros (?-1919), pintor, fotógrafo e
arquiteto, Antônio Rodrigues (1867-1915),
retratista a crayon, os precursores.
Depois, seguiu para o Rio de Janeiro para
a Escola Politécnica da Universidade do
Brasil: foi cursar engenharia por influência
do pai. Desde sua infância, tinha um
grande interesse pelo desenho. No Rio
de Janeiro, incentivado por sua mãe,
matricula-se na Escola Nacional de Belas
Artes, instituição centenária criada por
dom João VI. A Academia Imperial de
Belas Artes foi uma escola superior de
formação de artistas. Passou por inúmeras
dificuldades na sua implantação. Em
1816, teve a sua criação e o Imperador
Dom Pedro II o grande patrono das artes,
na segunda metade do século XIX. Com o
advento da República passa a chamar-se
Escola Nacional de Belas Artes, um centro
de formação de artistas e os desígnios
da arte durante toda a primeira metade
do século XX. Na Escola, tem contato
com os mais expressivos professores
como Zeferino da Costa (1840-1915),
Eliseu Visconti (1866-1944) e Batista
da Costa (1865-1926). Eliseu Visconti,
um artista moderno e que gozava de
grande prestígio no meio artístico, foi um
dos seus maiores incentivadores. Cela
conclui o curso de engenharia, leva o
diploma, um compromisso com o pai, e,
simultaneamente, ganha o mais cobiçado
prêmio da Escola de Belas Artes, o “Prêmio
de Viagem a Europa”, com a tela O último
diálogo de Sócrates, pintura de grandes
dimensões que causou admiração dos
mestres que a julgaram.
A França foi seu destino pelo prêmio de
viagem, uma tendência dos artistas em
busca de aprimorar as suas técnicas e
ter contato com as vanguardas europeias.
Frequentou as academias e, na ocasião,
teve contato com Sir Frane Brangwyn
(1867-1956), pintor e gravador inglês.
Seu aprendizado foi fundamental para,
no futuro, tornar-se professor da Escola
Nacional de Belas Artes da Universidade
Federal do Rio de Janeiro. Foi considerado
introdutor do ensino da gravura em metal
no Brasil, lecionando durante nove anos.
Volta ao Brasil para recuperar-se de
fadiga física e mental e pelo agravamento
da doença do pai. Na ocasião, trouxe da
Europa uma lendária prensa de gravura
construída com suas habilidades de
engenharia, que durou até os anos
1990 num centro de ensino de gravuras
no Museu do Ingá, em Niterói, no
curso ministrado pela gravadora Anna
Letycia Quadros (1929-2018). Persegui
esta prensa até bem pouco tempo, quando
soube de sua ida para Brasília - até que
em 2002, tive a notícia de sua destruição.
Ao retornar ao país, vai viver em Camocim
onde trabalhou por quase dez anos
como engenheiro em uma usina elétrica.
Camocim não foi só um local calmo para a
recuperação total da saúde e um emprego
para garantir as finanças ou conviver com
89
a família. Ao contrário do que se pensou
e se disse, Cela não interrompeu sua
atividade artística. Como ele houvesse,
na volta ao Brasil, com o isolamento em
Camocim, cortado o contato com o meio
artístico da capital do país, sua ausência e
falta de notícias foram consideradas sinal
de que havia morrido e, assim, foi tido
como morto. Cela continuou a desenhar,
gravar e pintar. Se não bastassem, para
provar isso, os trabalhos datados, há o
testemunho do pintor e poeta Otacílio de
Azevedo, que revela sua visita a Cela, em
Camocim, e o que seus olhos viram:
“Uma das mais extraordinárias
surpresas da minha vida foi quando,
como fotógrafo, em 1933, fui, por
intermédio de Péricles Serpa, visitar em
Camocim, o ateliê de Raimundo Cela.
Ao penetrar no recinto, parecia-me
tudo aquilo uma estranha aventura,
arrancada às páginas das ´Mil e
uma noites`, tal a riqueza de quadros
deslumbrantes que me ofuscavam a
vista.”
Isso comprova que Cela, em Camocim, não
parou. Ao contrário, seu trabalho artístico
prosseguiu, desenvolvendo-se, agora, sob
orientação de uma pessoa só, ele mesmo,
Raimundo Brandão Cela. Agora ele era seu
próprio professor, e a vida, a musa que lhe
oferecia uma temática rica, que o artista
colhia à vontade o que queria e dava-lhe
força e beleza artística. Quando Otacílio de
Azevedo esteve em Camocim, em 1933,
Cela já lá estava de volta há dez anos,
90
tempo suficiente para um número razoável
de trabalhos realizados, cuja qualidade
causou grande impacto na sensibilidade
do jovem Otacílio que, em Fortaleza, não
via nada de nível tão elevado quanto lhe
fora permitido apreciar naquele momento.
Ao retornar a Fortaleza, deve ter sido um
ótimo divulgador do pintor Raimundo Cela,
pois, como pintor e poeta, Otacílio de
Azevedo convivia no melhor meio literário e
artístico da capital cearense.
Após dez anos de Camocim, Cela
possivelmente já pensava em expandir a
sua presença novamente para mais longe,
e Fortaleza, como no passado, seria o
ponto de apoio inicial. Em 1938, diz adeus
à usina elétrica, ao mar, a quem ficou, à
cidade e, mais uma vez, é um viajante
a caminho de Fortaleza, agora muito
diferente do tempo em que estudou no
Liceu do Ceará.
Pela segunda vez, para demorar e morar,
Cela está em Fortaleza. Desta vez sua
família o acompanha. Quando chegara
ao Rio, de volta da França, seu pai, que
lá o fora esperar, veio a falecer, o que
contribuiu para sua ida para Camocim a
fim de proporcionar uma certa assistência
à mãe, no início de 1923. Após a morte da
mãe, em 1927, e dois noivados desfeitos,
casa-se em Camocim, em 1934, com a
amazonense Eunice Medeiros, ele com 44
anos e ela com 21. Em 1938, muda-se
para Fortaleza, trazendo a família.
O suíço Jean Pierre Chabloz (1910-
1984), pintor, músico e animador cultural,
um grande descobridor de talentos,
responsável pelo reconhecimento de Chico
da Silva (1910-1985) e Antonio Bandeira
(1922-1967) comenta elogiosamente sua
exposição em Fortaleza, em longo texto
publicado no jornal O Estado, de 27 de
agosto de 1944, data de fundação da
Sociedade Cearense de Artes Plásticas
(SCAP), que se formara, também com o
apoio de Cela. Em 1943, por solicitação
de Mário Baratta (1915-1983), os dois
concorrem ao Salão Paulista de Belas
Artes, no qual Cela obtém a pequena
medalha de ouro, e Baratta, a de prata.
Raimundo Cela, já com valor reconhecido,
não se recusava a compartilhar com os
jovens o mesmo espaço de exposição. Este
foi um período em que trabalhou, expôs e
praticou constantemente.
Fato curioso contou-me Quirino
Campofiorito, numa longa entrevista que
me concedeu nos anos 1980. Narrou que
os artistas não tiveram por muitos anos
notícias e sem tomar conhecimento do seu
retorno ao Brasil, publicou-se um obituário
mencionando a morte de Raimundo Cela
ocorrida no Ceará. Este fato, mais tarde,
foi motivo de divertidas conversas na sua
residência em Niterói.
Raimundo Cela tem dois filhos com Eunice
Medeiros: Paulo e Dolores.
Em 1938, recebe uma encomenda do
Governo do Estado do Ceará para a
execução de um painel sobre a libertação
dos escravos no Ceará, quando retoma,
oficialmente, o ofício de pintor, ainda que
no período em que esteve no Camocim
tenha pintado as suas mais belas
paisagens litorâneas. O mar, as dunas, os
pescadores e todo o povo de quem sentia
muito orgulho.
Em 1956, logo após a sua morte, os
amigos Chrysanto Moreira da Rocha,
Ernesto Xavier do Prado, Moises Nogueira
de Silva e o escultor Almir Pinto, promovem
uma exposição póstuma no Museu
Nacional de Belas Artes. Nesta ocasião, o
Museu adquire obras para o seu acervo.
Na mostra inaugural do Museu de Arte da
Universidade Federal do Ceará (MAUC),
em 1961, não faltaram trabalhos do Cela
e, ainda no mesmo ano, foi apresentada
uma exposição composta de desenhos
e gravuras do artista. Nesta ocasião, a
Universidade Federal do Ceará adquire da
viúva do artista uma coleção de pinturas,
constituindo um núcleo importante de
obras de Cela, como fez com outros
artistas, entre eles Antonio Bandeira e
Aldemir Martins e, em 1979, instala e
inaugura a Sala Especial Raimundo Cela.
Raimundo Cela está circunscrito entre os
modernos antes do modernismo, na visão
do Professor Fábio Magalhães:
“Ao estudar a pintura de Cela,
percebi que ela não pode ser
analisada circunscrita às ideias
e aos valores acadêmicos.
Muito embora os fundamentos
de sua linguagem obedeçam aos
ensinamentos aprendidos na Escola
Nacional de Belas Artes, o significado
de sua obra ultrapassa os limites
estabelecidos pela academia.”
Podemos classificá-lo como um artista
isolado, marginal, alheio às mudanças
artísticas, mas nunca como alienado,
pois, se é verdade que teve pouco
interesse pelo que se passava no mundo
da pintura moderna, também é verdade
que o conjunto de sua obra retrata suas
profundas inquietações com os problemas
de seu tempo e apresenta uma visão
aguda da sociedade.
Ao examinarmos suas pinturas e a
maneira como ele trata certos aspectos
da vida nordestina, vamos perceber que
há uma modernidade nesta interpretação.
Raimundo Cela possui uma visão
sociológica da realidade. Na escolha e
no tratamento de seus temas pictóricos,
nota-se um pendor nacionalista e um forte
comprometimento com o mundo em que
vivia. A partir do ponto de vista temático,
podemos concluir que Cela produziu uma
expressão plástica integrada com o seu
tempo. Poucos artistas representaram
com tanta riqueza a paisagem e os
personagens do Ceará como Raimundo
Cela. Mais tarde, Aldemir Martins também
retratou de forma extraordinária o homem
do povo cearense e seus afazeres.
Cela possuía um olhar conciso, rigoroso
diante do real e, ao mesmo tempo,
permitiu que sua sensibilidade carregada
de expressão poética se manifestasse.
Com isso, acrescentou dramaticidade
às cenas do cotidiano e dignificou as
pessoas que compunham seus temas.
Em algumas telas, ao captar jangadeiros
ou vaqueiros, seus tipos favoritos,
percebemos a inclusão de um sentimento
épico, construído principalmente através
do desenho e da composição. A canoa é
outro tema recorrente em sua pintura. É
bom lembrar que em Camocim, sua cidade
natal, não havia jangada, os pescadores
partiam e regressavam com suas canoas
de velas brancas enfunadas. As jangadas
devem ter encantado o artista quando ele
foi estudar em Fortaleza.
A paisagem e os tipos populares de seu
estado natal sempre estiveram presentes
em sua memória. Sempre comoveram
o artista. A expressão desses temas é
construída de forma dramática e vigorosa.
Ao mesmo tempo, substantiva, contida.
O artista não utiliza os artifícios da
teatralidade, da grandiloquência, captar a
força da própria realidade é suficiente.”
Atualmente organizo uma nova exposição
individual do artista a ser apresentada em
Fortaleza ainda em 2021.
91
Expediente
PREFEITURA MUNICIPAL DE FORTALEZA

José Sarto Nogueira Moreira

Prefeito

José Élcio Batista

Vice-Prefeito

SECRETARIA MUNICIPAL DA CULTURA DE FORTALEZA

Elpídio Nogueira Moreira Gilberto Rodrigues

Secretário Coordenador de Ação Cultural

Francisco Evaldo Ferreira Lima Diego Zaranza

Secretário Executivo Coordenador de Patrimônio Histórico-Cultural

Ponce Júnior Cássia Cardoso

Chefe de Gabinete Coordenadora de Criação e Fomento

Thiala Cavalcante Karla Karenina

Assessora Jurídica Diretora do Teatro São José

Fernanda Cavalli Eduardo Pereira

Assessora de Comunicação Diretor da Biblioteca Pública Municipal Dolor Barreira

Eliane Luz Sofia Dantas

Assessora de Planejamento Diretora da Biblioteca Pública Infantil Herbênia Gurgel

Ana Cláudia Mourão

Coordenadora Administrativo Financeira

92
INSTITUTO IRACEMA Alderley Rocha
Coordenador do Centro Cultural
Paola Braga Casa do Barão de Camocim
Diretora-presidenta
Beatriz Gurgel
Fernando Mota Gerente de Serviços Culturais
Diretor de Gestão Financeira do Centro Cultural Casa do
e de Negócios Barão de Camocim
Virgínia Pitta
Projeto Expográfico
Katu Soluções Criativas
Produção
Fernanda Wilza Montenegro Veras
Coordenação de Produção

Davys Veloso 72º SALÃO DE ABRIL Albert Agni

Diretor de Ação e www.salaodeabril.com.br Fábio Montenegro
Produção Cultural Paulo Sampaio
Ana Cecília Soares Assistentes de Produção
Dayse Cristina Luciara Ribeiro
Assessora Especial Luise Malmaceda Alana Silva – Intérprete de Libras
da Presidência Equipe Curatorial Maria Victória Soares Pereira
Paulo Belim – Audiodescritor
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Coordenador de Ação e André Veipes
Produção Cultural Beatriz Gurgel Trapiche Serviços
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Coordenadora Financeira Léo Carrero
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Washington Feitosa Gabriela Farias Edvaldo Jácome
Coordenador de Comunicação Washington Feitosa Jardson Vital
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COMPLEXO CULTURAL Estela Félix
VILA DAS ARTES Isabela Gomes Maria Angélica Melendi
Assessoria de Comunicação Bruno Pinheiro
Mileide Flores Delano Pessoa
Diretora Leandro Ferreiras Rafael Domingues
Design Gráfico Max Perlingeiro
Isabel Almeida Agradecimentos
Assistente de Direção Thiago Matine
Fotografia Max Roger Franco
Revisão de Textos
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REALIZAÇÃO

PRODUÇÃO