Curso de Introdução A Filme

Curso de Construção e Produção de filmes
Módulo 1: Construção
• Introdução aos termos géneros e filmes
• Depois de concluir este módulo, você será capaz de:
• Identificar a diferença entre o uso de um tema e gênero em filmes.
• Reconhecer diferentes tipos de gêneros e subgêneros.
• Descreva a mecânica de criação da história e do enredo.
• Discuta como a história pode ser categorizada em seis elementos e
defina esses elementos.
• Descreva os três elementos necessários para criar um personagem
tridimensional.
Por que nos emocionamos quando pensamos em ir ao cinema? Você

ama um filme, mas quando perguntado por que, você não consegue
explicar?
O que há em assistir a filmes que o torna um de nossos passatempos

favoritos? É a estrela do filme? É o hype sobre o filme? É porque é um
filme de ação ou suspense? Você gosta de comédias para rir? A
maioria das pessoas faz.
Se você não assistiu a muitos filmes, este curso lhe dará uma base
sólida para entender melhor os filmes que você assiste. As áreas
abordadas neste curso são tema, gênero, estrutura narrativa,
personagem e desenvolvimento do personagem, história, direção,
cinematografia, edição e som. Essas áreas são abordadas nessa ordem
específica para que você possa ver a formação de um filme desde o
tema, ou propósito, até sua conclusão. Este curso será ideal para
qualquer pessoa interessada em aprender sobre os fundamentos
básicos da estrutura, construção e produção de filmes.
Qual é o Tema do Filme?
• O Webster's Encyclopedic Unbridged Dictionary of the English Language define tema como “um
assunto de discurso, discussão, meditação ou composição; tema: . . .” Em outras palavras, um tema é
a ideia, premissa ou propósito de um filme. É toda a razão pela qual os filmes são feitos.
• O tema é o coração do filme. O filme é regulado pelo tema. O tema é por que as pessoas vão ao
cinema. Não é por causa dos personagens, história, enredo, cinematografia ou gênero. Todos esses
elementos são regulados pelo tema. Eles demonstram como o tema é exibido, mas a maioria das
pessoas não sabe ou não entende qual é o tema quando vão ver um filme e quando discutem o filme
depois.
• A produtora, que contrata e demite funcionários e consegue o dinheiro para fazer o filme, escolhe o
tema. Uma vez que o produtor escolhe o tema de um filme, ele ou ela vai contratar um escritor, para
criar o tema, e um diretor, para expressar o tema no filme. Ou o produtor pode examinar os scripts
concluídos para encontrar um que exemplifique seu tema preferido.
• Ao final da construção do tema, o roteiro conterá uma história ou ação mais um enredo. Esses dois
elementos, combinados, produzem o desenvolvimento do personagem, que produz ou reflete o tema.
Essencialmente, todos os aspectos do filme voltam ao tema.
Uma breve definição para o tema é:
História (Ação) + Enredo = Desenvolvimento

do Personagem Rendendo o Tema.
Os elementos acima da história, enredo e

desenvolvimento do personagem dão
significado ao tema.
• O tema – ou ideia ou premissa – de um filme pode ser expresso em uma frase.

Pode parecer incomum que o propósito de um projeto de filme multimilionário
comece com uma frase, e pode parecer incomum que, ao final do projeto com o
filme completo, tudo se resuma a uma frase, mas realmente faz. Exemplos de
temas podem ser analisados pelo período ou década em que um filme foi feito.
Os temas e os filmes resultantes são muitas vezes um produto e um reflexo do
clima social, econômico ou político. Assim, a importância do tema não pode ser
subestimada. Todo o propósito e perspectiva de um filme se transformam
quando o tema muda.
• Um tema é limitado apenas pela imaginação de um diretor

ou escritor. Um produtor pode acreditar que escapistas ou
pratos nostálgicos podem ser populares e bem-sucedidos
em uma determinada década, em vez de exemplificar os
males da sociedade daquela década. Se esses filmes forem
bem-sucedidos, eles demonstram os desejos e interesses da
sociedade atual. As pessoas querem ver esses tipos de
filmes por causa das condições em que vivem e da
sociedade em que vivem. Sempre que um tema é
transformado em filme, o produtor está sempre arriscando
o que será um filme popular e lucrativo. sucesso.
A aceitação do filme é baseada em temas. Verifique a seção
Recursos do Módulo deste curso para "Qual é o Tema do Filme -
Recurso", que detalha exemplos de como os temas dos filmes
mudaram e se desenvolveram desde o início do século XX em
diante. Ver essa mudança e desenvolvimento deve ajudá-lo a
entender melhor os temas e por que os filmes são como são na
era moderna.
O que é género e como se determina?
O Webster’s Encyclopedic Unabridged Dictionary of the English Language define gênero como
“uma categoria de composição artística, musical ou literária caracterizada por um estilo, forma
ou conteúdo particular”.
Em outras palavras, o gênero categoriza os filmes. A categorização de filmes torna mais fácil
para o espectador descobrir o que ele gosta e deseja ver. Classificar um filme em um
determinado gênero ou categoria não diminui a qualidade do filme ao presumir que, se puder
ser classificado em um gênero, o filme é comum e carece de originalidade e criatividade.
O gênero consiste em quatro elementos ou partes: personagem, história, enredo e cenário.

Uma equação para lembrar o gênero é:
História (Ação) + Enredo + Personagem + Cenário = Gênero. Isso se torna uma maneira fácil
de lembrar os elementos de um gênero.
Os elementos acima de história, enredo, cenário e personagem equivalem a uma categoria

específica de filme. Esses elementos são discutidos a respeito de como suas variações criam
uma categoria diferente de filme.
Alguns gêneros podem ser tão gerais quanto a comédia, mas não possuem subgêneros como a
comédia. Os subgêneros da comédia diferem uns dos outros com base nas flutuações dos
personagens e da história.
Outros gêneros são crime, guerra, faroeste, espionagem, aventura, ficção científica, horror,
fantasia, biografia e mistério. É por isso que este capítulo é mais longo do que os outros por
causa da discussão dessas variações. O drama também pode ser considerado um gênero,
embora alguns críticos não o considerem um gênero por ser muito geral. Se os elementos do
filme forem sérios e não se encaixarem em um gênero mais limitado, ele pode ser considerado
um drama.
Categorizar um filme indiretamente ajuda a moldar os personagens e a história do filme. A

modelagem determina o enredo e a melhor configuração a ser usada. Os filmes geralmente
têm gêneros que se sobrepõem, como aventura em um filme de espionagem ou crime em
um filme de ficção científica. Mas um gênero é predominante.
Outros rótulos de filmes não podem ser considerados gêneros. Filme noir, thrillers e filmes
de ação não são propriamente gêneros, mas um estilo de diretor, que será discutido em um
tópico posterior. São considerados estilo do diretor porque suas características incluem a
cinematografia e a montagem, que não estão entre os quatro elementos que compõem um
gênero. Esses rótulos refletem ou acentuam o gênero do filme, em vez de definir o gênero.
Da mesma forma, musicais e animações não são considerados gêneros, mas sim
“tratamentos” de como um determinado gênero de filme é contado, embora as pessoas, ao
longo de gerações, se refiram a esses tipos de filmes como gêneros.
Você tem que ser muito específico na discussão da terminologia do filme, mantendo-se
dentro da definição particular dos termos. Algumas pessoas dirão que os gêneros são
rótulos dados aos filmes de estoque, afirmando que esses filmes são rotineiros. Ser rotulado
em um gênero não é uma ação negativa.
Os filmes têm suas próprias personalidades. Cada filme é diferente. Ter um filme rotulado
em um gênero ajuda as pessoas a encontrar um filme específico que possam estar
interessadas em assistir. Muitas pessoas gostam de um ou dois gêneros específicos e
assistem apenas a filmes desses gêneros.
O que as pessoas mais gostam em um filme
As pessoas dirão que um determinado filme teve um bom enredo ou uma

história intrigante. O que as pessoas realmente estão se referindo é que
gostaram dos personagens, dos problemas/conflitos em que os personagens
se meteram e como os personagens saíram dos problemas e conflitos.
As pessoas adoram um filme porque gostam de assistir

personagens/pessoas. Quantas pessoas você conhece que gostam de ir ao
shopping, praça ou praia e afirmam que gostam de observar as pessoas?
Quantas pessoas são vizinhos intrometidos porque gostam de observar o que
está acontecendo com as pessoas ao seu redor?
As pessoas podem gostar de assistir a filmes policiais ou faroestes. Eles

gostam de personagens desse tipo específico de história por causa da
quantidade de ação ou do período de tempo. As pessoas podem gostar de
faroeste porque gostariam de ter vivido no século 19, porque era
considerado um tempo mais simples.
1.Webster’s Encyclopedic Unabridged Dictionary of the
English Language. Rev. ed. (New York: Gramercy, 1996),
1471.
2.Webster’s Encyclopedic Unabridged Dictionary of the
English Language. Rev. ed. (New York: Gramercy, 1996),,
591.
• Tipos de Géneros de Filmes
• Tipos de Géneros de Filmes Parte 1
Que comecem os gêneros
Começaremos discutindo os diferentes gêneros, e até mesmo os subgêneros, para certos tipos de gênero.
Lembre-se do gênero do filme, são os personagens que fazem o filme, e esse termo é óbvio o suficiente para que
nenhuma explicação seja necessária.
Também é importante observar a diferença entre a história e o enredo, que pode ser definido da seguinte forma:
• A história é a situação em que os personagens estão e tentam sair, realizar, conquistar ou superar. A história
tem começo, meio e fim.
• O enredo é o esboço ou como a história é contada. Lembra quando as pessoas afirmam que não gostaram do
enredo? O que eles estão se referindo é que eles não gostaram da história.
Há apenas um número limitado de enredos, pois o enredo é um esboço geral de uma história, como vingança. Um
enredo específico descreve como uma história começará, se desenvolverá e terminará. Esse tipo de história terá
um formato diferente de uma trama como homem contra a natureza ou homem contra o governo. Além disso, à
medida que avançamos nos gêneros, queremos examinar como os elementos do gênero mudam.
Género comédia
Começamos discutindo um dos gêneros mais populares, gerais e complicados - a comédia. O Dicionário
Merriam-Webster define comédia simplesmente como “uma peça, filme, programa de televisão,
romance, etc., destinado a fazer as pessoas rirem”.1
Discutiremos a comédia com um pouco mais de detalhes do que isso. Todo mundo gosta de comédia
porque todo mundo gosta de rir e se sentir bem. As pessoas gostam de assistir a uma comédia depois de
um dia ruim, porque assim que o filme termina, você pode lidar com a negatividade do dia com mais
facilidade. É por isso que mesmo filmes de comédia horríveis podem acabar gerando lucro.
Os personagens e a história de uma comédia giram em torno de três áreas: o inesperado, o
incomum e a repetição. Essas três áreas geralmente fazem as pessoas rirem. Geralmente, uma
comédia terá um final feliz. Mesmo que algumas pessoas neguem, todo mundo gosta de um final
feliz porque isso os faz se sentir bem. É por isso que as comédias são tão populares. A parte
complicada do gênero de comédia é que existem diferentes tipos ou subgêneros de comédia;
dependendo de quão ultrajantes e impossíveis os personagens e a história são no filme. Lembre-se
de que o enredo é geral e o cenário pode ser definido a qualquer hora ou lugar. Os subgêneros da
comédia são pastelão, farsa, sátira e escuridão. Quaisquer outros gêneros são uma variação desses
quatro tipos. A comédia é na verdade uma variação da ação física e do ridículo. A única exceção é a
comédia maluca, que tem muitos traços diferentes que estão fora de um gênero.
Género comédia
Os personagens e a história de uma comédia giram em torno de três áreas: o inesperado, o

incomum e a repetição. Essas três áreas geralmente fazem as pessoas rirem. Geralmente, uma
comédia terá um final feliz. Mesmo que algumas pessoas neguem, todo mundo gosta de um final
feliz porque isso os faz se sentir bem. É por isso que as comédias são tão populares.
A parte complicada do gênero de comédia é que existem diferentes tipos ou subgêneros de

comédia; dependendo de quão ultrajantes e impossíveis os personagens e a história são no filme.
Lembre-se de que o enredo é geral e o cenário pode ser definido a qualquer hora ou lugar. Os
subgêneros da comédia são pastelão, farsa, sátira e negra. Quaisquer outros gêneros são uma
variação desses quatro tipos. A comédia é na verdade uma variação da ação física e do ridículo. A
única exceção é a comédia maluca, que tem muitos traços diferentes que estão fora de um gênero.
Subgêneros da Comédia - Pastelão, Farsa, Sátira e Sombrio
Pastelão
O Dicionário Merriam-Webster define comédia pastelão como comédia

que envolve ação física (como cair ou bater em pessoas).2 A comédia
pastelão, por causa da ação física, que às vezes se torna extrema, tem
personagens irrealistas em uma história inacreditável ou possivelmente
uma história ligados entre si por episódios da vida do personagem
principal/protagonista. A trama é um conflito interno que se constrói e
termina com esses vários episódios cômicos. O cenário pode ser qualquer
hora ou lugar que melhor exemplifique as travessuras cômicas pelas quais
os personagens passam.
Farsa
O Dicionário Merriam-Webster define farsa como “uma peça ou filme

engraçado sobre situações e eventos ridículos”. O enredo tem mais
destaque na farsa do que na pastelão porque há uma história satírica. Em
outras palavras, a história trata de um tema que é ridicularizado de forma
extrema. Podemos ajustar o último exemplo facilmente para demonstrar
isso.
Sátira
O Dicionário Merriam-Webster define a sátira como “uma forma de usar

o humor para mostrar que alguém ou algo é tolo, fraco, mau, etc.: humor
que mostra as fraquezas ou más qualidades de uma pessoa, governo,
sociedade, etc.”4 A sátira é mais sutil do que a farsa ou pastelão nas
ações dos personagens. A trama desenvolve um conflito interno, mas a
história é mais realista e pode, às vezes, nem parecer uma comédia.
Negra
O Dictionary.com define humor negro ou comédia negra como “na

literatura e no drama, combinando o mórbido e o grotesco com o humor
e a farsa para dar um efeito perturbador e transmitir o absurdo e a
crueldade da vida”. Humor negro e comédia negra são termos que
zombam ou ridicularizam tópicos tabus como a morte. Os personagens se
envolvem em uma história que chega a ser grotesca e sem graça.
Comédia Maluca
Este subgênero de comédia recebeu o nome de um campo de beisebol, o screwball, que foi aperfeiçoado pelo
arremessador de beisebol Carl Hubbell na década de 1930. A comédia maluca durou apenas de 1934, quando
a Grande Depressão estava em pleno andamento, até 1941, quando a Segunda Guerra Mundial começou.
A comédia maluca foi baseada no esnobismo de classe reversa, onde é mais nobre ser pobre do que rico. Os
ricos eram retratados como tolos excêntricos e perdulários. O romance é um dos elementos-chave da comédia
maluca. Com as duas classes de classe alta e baixa ou classe média trabalhando juntas, as comédias malucas
podem ser consideradas uma recomendação do socialismo. A história é um pouco diferente, mas no geral
pode ser considerada dentro do reino da sátira porque a sociedade atual estava sendo ridicularizada.
Comédia Maluca
A comédia maluca também tinha os seguintes atributos
• Os pobres e a classe média iam ao cinema para ver os ricos serem punidos. É por isso que o cinema foi uma
das poucas indústrias da época que deu lucro. As pessoas sentiam uma paixão de ódio pela classe alta por
causa da bagunça que as classes baixas supunham que a classe alta fazia da economia.
• Muitas das estrelas de cinema mais famosas do período apareceram em comédias malucas.
• As pessoas iam ao cinema para ver roupas, carros e móveis elegantes, para que desejassem ter esses itens.
Comédia Romântica O Dictionary.com define comédia romântica como “um filme, peça teatral, etc. leve e
bem-humorado, cujo enredo central é uma história de amor feliz”.
A comédia romântica está contida na maioria das comédias como uma sub-história,
como The Front Page, que tem uma história romântica subjacente de Hildy querendo
se casar com sua noiva e deixar a reportagem do jornal. No entanto, a história
primordial do filme diz respeito a repórteres e editores fazendo qualquer coisa para
conseguir a história.
O romance cômico também é um grande elemento na comédia maluca, mas outras

linhas de história são mais dominantes. Você consegue pensar em um filme que tenha
como enredo principal um relacionamento romântico? Se puder, gostou do filme?
Finalmente, “chick flicks” são geralmente filmes de comédia estrelados por mulheres,
que muitas vezes podem incluir um elemento romântico.
O Urban Dictionary define chick flicks como “Um filme que se entrega às esperanças e
sonhos de mulheres e/ou meninas e tem um final feliz, confuso e ridiculamente irreal”.
Sem dúvida, o conceito de chick flicks remonta ao que foi mencionado anteriormente;
as pessoas gostam de um determinado tipo de filme por causa dos personagens do
filme.
Género Criminal
O Merriam-Webster Dictionary define crime como “um ato ou a comissão de um ato que
é proibido ou a omissão de um dever que é ordenado por uma lei pública e que torna o
ofensor passível de punição por essa lei” ou mais simplesmente “uma ofensa grave,
especialmente contra a moralidade.”7
O primeiro ponto é que todos os aspectos do gênero do crime são dramáticos, então os
elementos são bem diferentes de uma comédia. O cenário do gênero crime pode ser
qualquer localidade do mundo e qualquer ano, pois o crime é algo que sempre existiu na
sociedade.
Género Criminal
Os crimes abrangem uma ampla variedade de ações diferentes. Os personagens principais não
precisam ser chefes do crime ou detetives da polícia, mas geralmente têm um histórico semelhante.
Muito raramente eles levam uma vida como um operário de fábrica ou empregado de escritório. Esta
é uma das razões pelas quais o gênero do crime é tão popular. As pessoas querem assistir
personagens que levam vidas emocionantes diferentes das deles.
As histórias do gênero crime são semelhantes aos dois exemplos mencionados acima, onde o crime é
mais do que uma multa por excesso de velocidade e fornece uma história interessante e
emocionante. A trama pode ser um conflito interno, mais uma vez, do protagonista, e o cenário
costuma ser nos Estados Unidos ou na Europa nos tempos modernos.
Género Ocidental (Western)
O Merriam-Webster Dictionary define Western simplesmente como “de ou relacionado ao oeste

americano”.8 Tendo isso em mente, começaremos discutindo o cenário.
O cenário fornece a principal diferença entre o gênero do crime e o gênero faroeste. Em vez dos
personagens e da história ocorrendo na década de 1930 ou 1990, o tempo para um faroeste é do início
ao final do século 19 ou em qualquer momento entre 1820 e 1890. Com a chegada do século 20, exceto
nos anos iniciais, o sentimento do Velho Oeste se foi, o que traz à tona o outro aspecto do cenário que
define o gênero Western.
O gênero Western ocorre no Ocidente. Dependendo do ano, o oeste pode ser Ohio na década de 1820,
Missouri na década de 1850 ou Nevada na década de 1880. O personagem principal ou protagonista é
um individualista, que cavalga até a cidade por um motivo específico, ou pode ter problemas enquanto
estiver na cidade, ou pode ser contratado para fazer algo como abrir uma trilha para o oeste. Os
personagens e as histórias são simples. O interesse é o desenvolvimento da história e os problemas
cheios de ação que o protagonista enfrenta enquanto tenta realizar o que se propõe a fazer. A trama
ainda pode ser de conflito interno enquanto o protagonista tenta atingir o objetivo específico, acabar
com os problemas na cidade ou superar os obstáculos da natureza enquanto o personagem principal
abre caminho para o oeste.
Género Espião
O Dicionário Merriam-Webster define espionagem como “observar secretamente, geralmente para fins
hostis” ou “pesquisar ou procurar intensivamente”. o enredo pode ser padrão. O cenário pode ser o
mesmo dos gêneros de guerra, faroeste ou crime, mas não o torna um gênero de guerra, faroeste ou
crime. Você deve se lembrar que a história faz o gênero porque controla tudo outro.
No gênero espião, o personagem principal geralmente trabalha sob uma identidade assumida para
encontrar algo ou destruir algo prejudicial controlado por um inimigo. Como nos gêneros anteriores, o
enredo é o conflito interno do protagonista. Nessa situação, ele ou ela tem um forte conflito interno
para ter sucesso no que foi designado para agir.
Assim, se o filme tiver alguma das características mencionadas acima, mas ocorrer durante a Segunda
Guerra Mundial, o filme é principalmente um filme de espionagem, e não um filme de guerra. Lembre-
se, o cenário não determina o gênero, mas a história sim. A história está interligada aos personagens e
ao enredo. A configuração ajuda a adicionar o fundo e a especificidade necessários ao filme, mas não é
tão interconectado quanto os outros três gêneros.
Género Espião
•Bibliography
•“Comedy,” Merriam-Webster Dictionary, http://www.merriam-webster.com/dictionary/ comedy.
•“Slapstick,” Merriam-Webster Dictionary, http://www.merriam-webster.com/dictionary/ slapstick.
•“Slapstick,” Merriam-Webster Dictionary, http://www.merriam-webster.com/dictionary/ slapstick.
•“Satire,” Merriam-Webster Dictionary, http://www.merriam-webster.com/dictionary/satire.
•Dark Humor,” Dictionary.com, http://www.dictionary.com/browse/dark-humor?s=t.
•“Black Comedy, Dictionary.com, http://www.dictionary.com/browse/black-comedy?s=t.
•“Crime,” Merriam-Webster Dictionary, http://www.merriam-webster.com/dictionary/ crime.html.
•“Western,” Merriam-Webster Dictionary, http://www.merriam-webster.com/dictionary/ western.html.

• “Spy,” Merriam-Webster Dictionary, http://www.merriam-webster.com/dictionary/spy.
Género de Guerra
O Dicionário Merriam-Webster define a guerra como "um estado ou

período de luta entre países ou grupos".1 Sendo esta definição direta,
podemos discutir o gênero da mesma maneira. seus parâmetros.
O cenário e o ano são muito específicos em relação ao ano e ao local. Se o filme se passasse na perspectiva dos
Estados Unidos, a Primeira Guerra Mundial seria de 1917 a 1918; A Segunda Guerra Mundial seria de 1941 a 1945;
e o conflito da Coréia, Guerra do Vietnã, Tempestade no Deserto e outros conflitos no Oriente Médio seguem o
mesmo procedimento. Os locais seriam uma área onde ocorreu a guerra ou nos Estados Unidos para se concentrar
em como a frente doméstica estava lidando.
O enredo é o conflito interno ao lidar com a guerra. Os personagens e a história são baseados em uma batalha,
tentando obter a vitória geral em algum ponto da guerra, lidando com a derrota, lidando com a morte, lidando
com a luta, sendo um prisioneiro ou lidando com a situação na frente de casa ou em um local onde a luta não está
acontecendo.
Género de Aventura
O Merriam-Webster Dictionary define aventura como “um empreendimento geralmente envolvendo perigo e
riscos desconhecidos” que é “uma experiência emocionante ou notável”. , riscos e emoção.
Ambos os gêneros de aventura e espionagem podem ter cenários exóticos. As histórias são normalmente sobre uma
pessoa ou grupo de pessoas em busca de algo. Durante a jornada de busca, situações perigosas são superadas pelos
protagonistas. O protagonista pode acabar se envolvendo em lutas para superar injustiças sociais ou morais no local
exótico por onde passou.
A maior diferença entre este gênero e o gênero espião é, mais uma vez, a história. O gênero espião tem uma história em
que algo é procurado secretamente e a própria informação contém informações secretas. Esta história tem suspense
baseado no tempo e quase acidentes.
O suspense do gênero aventura está na ação e na chance do protagonista ser morto sem a espionagem. O protagonista é
um aventureiro e não um funcionário do governo. Sendo maior que a vida, o gênero aventura contém muita ação
explosiva ao longo do filme. Lembre-se de que o tratamento da história, o histórico do personagem e o desenvolvimento
do personagem são grandes diferenciações e distinções que separam os gêneros. O enredo e o cenário também são
diferentes entre os gêneros e refletem a história e os tipos de personagens.
Género de Ficção Cientifica
A ficção científica está ligada aos gêneros anteriores de crime, faroeste, guerra,
espionagem e aventura pelo tema básico. No entanto, os elementos do gênero
são totalmente diferentes.
O Dicionário Merriam-Webster define ficção científica como “ficção que lida

principalmente com o impacto da ciência real ou imaginada na sociedade ou nos
indivíduos ou que tem um fator científico como um componente orientador
essencial”.
Um exemplo de ficção científica é a viagem no tempo, que tem e é um tema popular. A ficção científica está ligada aos
gêneros anteriores de crime, faroeste, guerra, espionagem e aventura pelo tema básico. No entanto, os elementos do
gênero são totalmente diferentes.
Muitas vezes, a ficção científica tem um cenário que ocorre no futuro. Desta forma, se o produtor quiser comentar sobre um
determinado problema da sociedade atual, o produtor poderá definir o problema no futuro. O produtor parece crítico sobre
o problema, mas não sobre a sociedade atual. O resultado desse problema, se continuar, mostra como será o futuro.
Género de Fantasia
O Dicionário Merriam-Webster define fantasia como “algo que é produzido pela imaginação: uma ideia sobre
fazer algo que está muito distante da realidade normal.”4
Em outras palavras, um filme de fantasia não tem limites. O cenário pode ser em qualquer lugar a qualquer
momento com personagens que aparecem e agem da maneira que o roteirista quiser. A história pode ser sobre
qualquer coisa. Então, vamos nos ater a uma constante, o enredo. O enredo será um conflito interno.
Segundo a Wikipedia, a fantasia fica longe dos aspectos científicos e macabros da história, por isso não se torna
uma peça de ficção científica ou horror. Você pode ver como todos os três gêneros: ficção científica, fantasia e
horror são semelhantes, mas diferentes.
Género de Terror
O Dicionário Merriam-Webster define horror como “a qualidade de algo que causa

sentimentos de medo, pavor e choque: a qualidade ou caráter horrível ou chocante de
algo”.
Um show de terror é “algo que é difícil de lidar ou assistir porque é muito ruim,
desagradável, etc.”5
A definição de onde o filme se passa pode ser fundamental em um filme de terror.

Muitas vezes, os filmes de terror acontecem em uma área histórica com grandes casas
antigas que guardam muitos segredos. Os segredos fornecem a base de uma história,
pois a casa é supostamente mal-assombrada porque algo horrível aconteceu lá muitos
anos atrás. No entanto, o cenário pode não ser incomum, mas pode ser uma típica
cidade pequena ou cidade como aquela em que você mora.
Género de Drama
Se um filme não se encaixa em nenhuma das categorias de gênero acima

mencionadas, então é um drama. O Merriam-Webster Dictionary define drama
como “uma peça, filme, programa de televisão ou programa de rádio que trata
de um assunto sério e não tem como objetivo fazer o público rir”. O drama
também pode ser definido como “uma composição em verso ou prosa
destinada a retratar a vida ou personagem ou a contar uma história
geralmente envolvendo conflitos e emoções por meio de ação e diálogo”.
Os quatro elementos do gênero drama devem ser sérios, retratar a vida, contar uma história e os personagens devem ter
um conflito interno que desperte emoções em diferentes momentos da história. Todos esses são pontos que temos
discutido com os outros gêneros. Os personagens e a história são gerais, como pessoas e situações comuns. Por exemplo -
alguém está morrendo, algo deve ser obtido ou algo deve ser realizado são as três histórias comuns para dramas.
Ação, Thriller, Suspense Thriller, Biografia, Film Noir, Neo Noir e Mistério Ação, thriller, thriller de suspense, biografia, filme
noir, neo noir e mistério
Ação, Thriller, Suspense Thriller, Biografia, Film Noir, Neo Noir e Mistério Ação, thriller, thriller de suspense, biografia, filme
noir, neo noir e mistério são termos frequentemente referidos como gêneros diferentes. No entanto, nenhum destes são
gêneros. Eles não contêm apenas os quatro elementos básicos de um gênero - não importa o quanto as pessoas insistam nisso.
Eles contêm os elementos de gênero e outros elementos, como cinematografia, que não fazem parte de um gênero.
Escritores, educadores, críticos, historiadores e outros afirmaram que os termos acima se tornaram um gênero e que podem
ser aceitos como um gênero ao longo do tempo. Quantos de vocês já ouviram ou leram os termos gênero de ação, gênero de
filme noir ou gênero de suspense? Só porque eles foram referidos por esses termos, ao longo dos anos, não os torna gêneros
honorários. Esses termos, por si só, ainda têm o mesmo significado, mesmo que tenham sido nomeados gêneros. A maioria
desses termos se refere à cinematografia específica ao gravar o filme ou se refere à maneira como o filme foi editado.
Ação, thrillers e thrillers de suspense têm tipos de ação semelhantes. Aventura, espionagem, crime, guerra e faroeste podem
ser filmes de ação, thrillers ou thrillers de suspense. Os thrillers de ação, suspense e suspense não abordam os quatro
elementos que compõem um gênero. Film noir e neo noir são predominantemente filmes policiais que possuem certa
cinematografia. Eles se sobrepõem nos aspectos de construção e produção de um filme. Film noir significa “filme negro”. O
filme noir tem muitas cenas ocorrendo à noite com muitas tomadas de cidades sujas e decadentes. Os tipos de personagem no
filme noir são solitários e intrigantes, mas refletem os tipos de personagens em filmes policiais.
Documentário
Documentário, de acordo com o Dictionary.com, refere-se a filmes e recursos de televisão baseados ou recriados em
um evento real, era, história de vida, etc., que pretende ser factualmente preciso e não contém elementos ficcionais.7
Sheila Curran Bernard,8 autora de Documentary Storytelling, define documentários como:
"Os documentários levam os espectadores a novos mundos e experiências por meio da apresentação de
informações factuais sobre pessoas, lugares e eventos reais, geralmente - mas nem sempre - retratados por meio
do uso de imagens e artefatos reais. Mas a factualidade por si só não define os filmes documentários; é o que o
cineasta faz com esses elementos factuais, tecendo-os em uma narrativa geral que se esforça para ser tão
convincente quanto verdadeira e muitas vezes é maior do que a soma de suas partes."
A partir dessas duas definições, os documentários são uma entidade separada do filme que é por si só.
•Bibliography
• “War,” Merriam-Webster Dictionary,
http://www.merriam-webster.com/dictionary/war.html.
• “Adventure,” Merriam-Webster Dictionary,
http://www.merriam-webster.com/dictionary/adventure
• “Science Fiction,” Merriam-Webster Dictionary,
http://www.merriam-webster.com/dictionary/sciencefiction.
• “Fantasy,” Merriam-Webster Dictionary,
http://www.merriam-webster.com/dictionary/fantasy.
• “Horror,” Merriam-Webster Dictionary,
http://www.merriam-webster.com/dictionary/horror.
• “Drama,” Merriam-Webster Dictionary,
http://www.merriam-webster.com/dictionary/drama.
• “Movies,” Dictionary.com, http://www.dictionary.com/browse/movies?s=t.
• Sheila Curran Bernard, “Documentary Storytelling: Creative Nonfiction on Screen,” 3rd
ed., (Burlington: Taylor & Francis, 2011).
• A mecânica de criar a história e o enredo
InPoint, o recurso de produção online da Pacific Cinémathèque, define a estrutura
narrativa da seguinte maneira:
“A estrutura narrativa é sobre duas coisas: o conteúdo de uma história e a forma usada
para contá-la. Duas maneiras comuns de descrever essas duas partes da estrutura
narrativa são história e enredo.”1
Em outras palavras, a estrutura narrativa é a forma como a história e o enredo são utilizados em um filme. No capítulo
anterior, discutimos o formato de histórias baseadas no gênero. O enredo era apenas referido como conflito interno. Vamos
agora pegar a história e o enredo, discutindo-os em termos gerais sem um gênero específico em mente.
A estrutura narrativa, como o termo sugere, é a estrutura estrutural de um filme. A história é a ação do filme, e o enredo é
como a história é contada. A estrutura narrativa pode ser linear ou não linear. A estrutura narrativa linear é um filme que se
move em ordem cronológica. A estrutura não linear é um filme que começa no meio, também conhecido como “in medias
res”. A história é contada em flashbacks que vão até os dias atuais.
A fórmula para a estrutura narrativa para que as partes e a função sejam fáceis de lembrar é:
História (Ação) + Enredo = Estrutura Narrativa. Essa estrutura fornece aos personagens algo para realizar e crescer.
O Enredo
O Dicionário Merriam-Webster define enredo como “uma série de eventos que formam a história em um romance, filme,
etc.”2 Anteriormente, discutimos apenas um tipo de enredo: conflito interno. No entanto, neste ponto, vamos expandir a
discussão do enredo. Muitas pessoas teorizaram o número de parcelas diferentes, cada uma chegando a um número
diferente de parcelas. O Ipl2 (Internet Public Library) abordou essa afirmação em um artigo da Special Collections
intitulado “The 'Basic' Plots in Literature.” própria teoria. Cada uma de suas teorias propõe um raciocínio diferente quanto
aos seus números específicos de parcelas básicas:
• Foster-Harris em “The Basic Patterns of Plot”, afirma que existem três padrões básicos de enredo.
• A bibliotecária voluntária do IPL, Jessamyn West, diz que há sete lotes.
• Ronald B. Tobias em “20 Master Plots”, propõe vinte tramas básicas. Georges Polti em “The Thirty-Six Dramatic
Situations”, traduzido por Lucille Ray, afirma que são 36 tramas.
Com base no mencionado anteriormente, o número de parcelas varia de três a sete a 20 a 36. Não há um número
específico de parcelas. No entanto, se você revisar suas listas de enredos, quantos enredos são semelhantes? Um enredo
deve ser geral para não limitar a história.
O Enredo
Portanto, no geral, consideraremos 10 tramas básicas além da trama geral do conflito interno.
As 10 parcelas são as seguintes:
• Busca • Azarão
• Perseguição • Tentação
• Resgate • Transformação
• Vingança • Amor
• Enigma • Descoberta
Mais do que esses 10 enredos e conflitos internos reduzirão o escopo do enredo. Quanto mais estreito o escopo do
enredo, mais restrita a ação da história.
Os enredos, porém, são independentes porque alimentam a história. Mas sozinhos, eles não têm valor. Então, neste
ponto, vamos dar uma olhada na definição e nas partes da história. Uma vez definida a história, demonstraremos como o
enredo alimenta a história. Então podemos discutir a estrutura narrativa ou o enquadramento do filme.
A História
O Dicionário Merriam-Webster define história como "um relato de incidentes ou eventos". A história ou relato dos eventos
pode ser dividida em seis partes:
• A exposição é o início do filme onde os personagens principais do filme são apresentados e o espectador descobre algo
sobre os personagens.
• A complicação é o conflito que o protagonista deve enfrentar, lutar e resolver até o final do filme.
• A ação ascendente é uma série de sequências de ação onde o protagonista experimenta avanços e retrocessos,
caminhando em direção à resolução do conflito.
• O clímax é o ponto alto do filme em que o protagonista, com base no conhecimento adquirido com a ação ascendente,
determina qual ação final precisa ser tomada para resolver o conflito.
• A ação de queda amarra ou resolve qualquer final de história menor.
• O desenlace é o final do filme

A História
Vamos diagramar essas seis partes em detalhes mais específicos e familiares, para que as partes formem um
fluxo contínuo:
A exposição e o conflito formam o início da história.
A ação crescente e o clímax formam o meio da história, e
A ação de queda e a resolução formam o final da história.

Exemplos da construção da estrutura do filme
Usando os dois enredos mencionados, amor e perseguição, analisaremos a história em The Front Page.
Como os enredos se desenvolvem dentro das sequências de cenas da história? Você se lembra das cenas
específicas de cada um dos seis elementos da história e em que ponto o filme avança para o próximo
elemento?
Exposição – O início do filme apresenta ao espectador os três personagens principais do filme: a repórter de
jornal Hildy Johnson; editor do jornal, Walter Burns, e a noiva de Hildy, Peggy Grant.
Complicação - Enquanto Hildy quer se casar, Walter tenta persuadir Hildy a não se casar, mas a continuar
sendo repórter do jornal.
Exemplos da construção da estrutura do filme

Crescente ação –
• Hildy vai até a sala de imprensa do tribunal e se envolve com a história do enforcamento de Earl Williams.
• Earl Williams escapa e Hildy usa o dinheiro da lua de mel para subornar alguém para contar a história do que
aconteceu (seguindo em frente com um possível revés).
• Hildy esconde Earl Williams.
• Hildy e Walter são presos e Peggy termina o noivado.
Clímax - Hildy e Walter são soltos e Hildy pede Peggy em casamento novamente. Falling Action - Walter deixa Hildy ir
e dá a Hildy seu relógio como presente de casamento. Hildy vai embora.
Desenlace - Walter chama a polícia para prender Hildy por roubar seu relógio.
Resumo da Estrutura Narrativa
Fora dos personagens, a estrutura narrativa é o filme. A estrutura narrativa não é apenas a estrutura de como um
filme é contado; fornece um caminho para o crescimento dos personagens. A estrutura narrativa consiste no
enredo e na história sendo retratados em ordem cronológica (linear) ou em uma combinação de flashbacks e
tempo presente (não linear).
A estrutura narrativa é um ciclo vicioso que começa com o enredo contando a história como ela será contada. A
história passa por várias mudanças desde a exposição até a complicação ou conflito. À medida que o protagonista
ou personagem principal progride tentando resolver a complicação, o protagonista move a história para que
tenhamos uma ação crescente.
A ação crescente chega a um clímax onde o protagonista tem que tomar a decisão final de como lidar com uma
situação para empurrá-la para o fim. Após o clímax, vem a ação de queda, pois o incidente principal acaba de
ocorrer.
No final da ação de queda, o espectador chega à resolução/desenlace, encerrando o filme.
Estabelecemos dez enredos diferentes, mais o enredo do conflito interno. Agora que a estrutura do filme foi
construída, discutiremos o que vai além da estrutura para realçar o estilo e a beleza do filme – os personagens.
Visualização adicional
Com a conclusão deste tópico, filmes para assistir que são excelentes exemplos de estrutura narrativa são:
• Cidadão Kane, 1941, dirigido por Orson Welles, estrelado por Joseph Cotton, Orson Welles e Agnes Morehead. A
estrutura narrativa é não linear, pois começa com a morte do protagonista, e o espectador vê a vida do
protagonista por meio de flashbacks.
• Double Indemnity, 1944, dirigido por Billy Wilder, estrelado por Fred MacMurray, Barbara Stanwyck e Edward G.
Robinson. Este filme também possui uma estrutura narrativa não linear começando com o protagonista ferido
contando como foi baleado.
• The Big Country, 1958, dirigido por William Wyler, estrelado por Gregory Peck, Jean Simmons, Carroll Baker e
Charlton Heston. A estrutura narrativa é linear. À medida que o filme avança cronologicamente, o espectador
testemunha os processos de pensamento e ações dos personagens principais conforme eles mudam.
Visualização Adicional
Com a conclusão deste tópico, filmes para assistir que são excelentes exemplos de estrutura narrativa são:
• A Escolha de Sofia, 1982, dirigido por Alan J. Pakula, estrelado por Meryl Streep, Kevin Kline e Peter MacNicol. A
estrutura narrativa começa linear conforme o escritor narra sua história. Mas o filme, na segunda metade, torna-se
não linear à medida que Sophie conta suas experiências passadas.
• The Hurt Locker, 2008, dirigido por Kathryn Bigelow, estrelado por Jeremy Renner, Anthony Mackie e Brian
Geraghty. Este filme tem uma estrutura narrativa linear, mostrando como o protagonista começa a mudar após
cada sequência de ação.
Bibliography
•“InPoint,” http://www.thecinematheque.ca/inpoint/index.html.
•“Plot,” Merriam-Webster Dictionary, http://www.merriam-webster.com/dictionary/plot.
•“Story,” Merriam-Webster Dictionary, http://www.merriam-webster.com/dictionary/story.

Desenvolvimento de Personagens
O Dictionary.com define caráter como “o agregado de características e traços que formam a natureza
individual de alguma pessoa ou coisa, incluindo qualidade moral ou ética, reputação e as qualidades de
honestidade, coragem ou semelhantes; integridade.”1
A representação de um personagem em um filme também pode ser formulada pela fórmula: Diálogo +
Movimento Físico = Personagem.
Isso nos leva ao ingrediente principal de um filme e ao motivo pelo qual assistimos a filmes: os personagens.
Identificar-se com os personagens é uma razão comum pela qual as pessoas adoram um determinado filme.
O espectador quer ver o personagem principal (protagonista) e os personagens coadjuvantes se
desenvolverem como as pessoas na vida real. Para que o filme expresse esse desenvolvimento, o personagem
tem que mostrar crescimento em qualidades morais e éticas, como integridade, honestidade ou coragem, e
ter um background bem desenvolvido, tornando o personagem tridimensional.
Para criar um personagem tridimensional com um background bem desenvolvido, o filme deve ilustrar a
sociologia, a psicologia e a fisiologia do personagem. Como um filme é uma experiência visual, a sociologia e a
psicologia, juntamente com a fisiologia, são sutilmente retratadas visualmente pelos movimentos físicos e pelo
diálogo que o personagem exibe em qualquer situação particular.
As ações físicas e o diálogo do personagem mudam da exposição e do conflito conforme ele ou ela passa pela
ação ascendente e descendente do filme. Cada tomada ou quadro de um filme deve contar para realizar a ação
e progredir na história. Além disso, o diálogo nessas situações deve estar de acordo com os movimentos físicos.
Por exemplo, o diálogo não pode ser um desabafo sobre uma situação particular enquanto o personagem está
parado calmamente, olhando pela janela.
Fisiologia da Personagem
Os principais pontos da fisiologia de um personagem são sexo, idade, altura, peso, postura,
aparência, defeitos e hereditariedade. A voz de um personagem também deve fazer parte
da fisiologia porque diferentes partes da anatomia de uma pessoa, como pregas vocais
(cordas), garganta, cavidade bucal, fossas nasais, língua, palato mole e lábios,2 criam som.
Por exemplo, no filme Cyrano de Bergerac, a característica fisiológica mais proeminente é,

obviamente, o nariz de Cyrano. Seu nariz afeta tanto suas ações físicas quanto verbais. Teria
Cyrano de Bergerac se envolvido em tantas lutas de espada se seu nariz fosse de tamanho
Em relação à fisiologia normal? Considerando sua atitude, ele pode ter, mas no geral provavelmente não. Outros
de um personagem, a personagens do filme que não tinham o nariz tão pronunciado não se envolveram em tantas
parte mais importante e
influente do filme,
brigas quanto Cyrano. O tamanho de seu nariz afeta suas ações na vida, como seu amor por
Cyrano de Bergerac, é Roxane. Em vez de expressar seu amor por Roxane no início do filme, ele vive indiretamente
baseada no nariz de por meio de Christian.
Cyrano.
Psicologia da Personagem
Os principais pontos psicológicos de um personagem são:
• Padrões morais • Complexos

• Premissa pessoal • Extroversão
• Ambição • Introversão
• Frustrações • Ambivalência
• Principais decepções • Habilidades
• Temperamento • Qualidades de caráter
• Atitude perante a vida • QI
Esses pontos psicológicos formam o pano de fundo de um personagem e determinam logicamente como ele ou ela vai
agir no início do filme, durante a ação crescente do conflito e na ação final no clímax do filme. Embora alguns dos traços
psicológicos não sejam mostrados no início do filme, esses traços são trazidos à tona pelo conflito que surge e pelas
situações que ocorrem durante a ação ascendente do filme.
Usando nosso exemplo da página anterior, em Cyrano de Bergerac, Cyrano está frustrado por acreditar que não é
desejável para Roxane por causa de seu nariz. Essa frustração é alimentada ao longo do filme e resulta em um
temperamento em que ele ridiculariza outras pessoas, como fez com o ator no início do filme. A principal decepção de
Cyrano é que ele nunca diz a Roxane que a ama.
Sociologia da Personagem
Os principais pontos sociológicos de um personagem são:
• Classe econômica
• Ocupação
• Educação vida doméstica
• Religião
• Corrida
• Nacionalidade
• Posição na comunidade
• Afiliação política
• Hobbies
Dependendo da história do filme, a sociologia pode não desempenhar um papel tão importante na representação do
personagem quanto a psicologia do personagem. Se um personagem for retirado do modo de vida ao qual ele ou ela se
adaptou e com o qual está familiarizado, a sociologia pode desempenhar um papel maior no filme.
Usando nosso exemplo anterior, em Cyrano de Bergerac, Cyrano é um exímio espadachim e poeta. Ele tem uma
educação e um lugar favorável na comunidade. Seu nome é bem conhecido.
Demonstrando Visualmente o Personagem Tridimensional
Como os personagens ganham vida na tela onde tudo é expresso visualmente? Antes do
papel das câmeras e da edição do filme, o que é feito?
Mise-en-scene é definido como todos os elementos ou elementos visuais que estão em uma
cena. Esses elementos são cenário, iluminação, encenação, figurinos e maquiagem. O cenário
refere-se aos móveis e adereços e tudo o que veste o cenário ou está contido na decoração
do cenário. A encenação refere-se ao bloqueio e à ação física de um personagem.
No início do filme, você fica sabendo algo sobre o personagem e a época. Usando nosso
exemplo anterior, No início de Cyrano de Bergerac, o espectador vê o figurino que Cyrano
vestia e como era o ambiente interno de um teatro durante o século XVII.
Análise dos Personagens Tridimensionais
Essa breve discussão sobre o personagem delineia a complexidade de se construir e desenvolver um
personagem em um filme que vai durar em média 120 minutos.
Como descrevemos anteriormente, muita ação ocorre em um filme e os personagens precisam

permanecer consistentes com a construção do filme. É por isso que a exposição é uma parte muito
delicada, mas extremamente importante, da história, porque os personagens principais e seus
antecedentes devem ser apresentados. Mas a introdução não pode demorar muito porque o público vai
perder o interesse pelo filme.
Muitas das personalidades dos personagens principais devem ser retratadas durante a exposição, para que
o restante do filme tenha uma progressão lógica à medida que o público aprende mais e mais sobre os
personagens. E, à medida que o público se envolve cada vez mais com os personagens e sua história, o
público fica mais envolvido com o filme, resultando em uma experiência agradável para eles.
Lembre-se: com o tema, o objetivo do filme foi estabelecido. Com o estabelecimento do propósito
do filme, a pergunta deve ser feita: “Qual é a melhor maneira de demonstrar o propósito do filme?”
Os personagens demonstram esse propósito?
A próxima pergunta é: os personagens funcionam bem juntos? Os personagens são amigos, inimigos
ou trabalham juntos? Esta é uma boa combinação para formar um bom relacionamento e um filme
interessante?
A última pergunta é: a história é diferente o suficiente para que os personagens e suas ações tecem uma
tapeçaria interessante para fazer os espectadores do filme se interessarem por eles por pelo menos 90
minutos? Esta é uma pergunta difícil de responder, mas que fica a critério do espectador. Neste período
contemporâneo, as ações potenciais dos personagens e a trama da história são interessantes o suficiente
nesses filmes? O filme seguiu o formato de uma maneira interessante?
Depois de dar uma olhada inicial e discutir os personagens, o que se destaca como sendo o mais
importante: história, enredo, estrutura narrativa, cenário ou personagens? O que se destaca como sendo
o mais memorável? Você vai ao cinema para quê? Você está interessado o suficiente nos personagens
para ver o que acontece com eles?
Se sua resposta for “sim” para as perguntas acima, você já foi fisgado desde o início do filme. Se você está
interessado em ver o que acontece com os personagens, isso também é um sinal positivo. Se você está
pronto para sair do cinema, o filme não é para você.
Conforme descrito anteriormente em um capítulo anterior, a ação do filme entre o conflito e o clímax é
chamada de ação ascendente. A ação entre o clímax e a resolução é a ação descendente. A ação
ascendente nem sempre está aumentando. É mais um movimento para cima e para baixo, porque os
personagens principais têm contratempos e precisam começar de novo.
Resumo da representação do personagem
Os personagens são a essência de um filme. Bons personagens são tridimensionais com base na fisiologia,
psicologia e sociologia do personagem. Muitas vezes, uma das três áreas pode ser predominante sobre as
outras e é mais afetada pela história, mas todas devem ser desenvolvidas para dar profundidade ao
personagem.
Os personagens precisam trabalhar bem juntos para manter o público interessado, juntamente com diálogos
que valem a pena ouvir e ações que valem a pena assistir. A história ajuda muito a concretizar isso, permitindo
que os personagens interajam uns com os outros e se desenvolvam logicamente até o clímax e a resolução do
filme. Dessa forma, o público se envolve no filme e quer assistir mais. Um bom filme é como um bom livro; os
personagens têm que ser muito satisfatórios. Mas ao contrário de um livro, um filme é uma experiência visual e
de áudio. O desenvolvimento do personagem tem que ser mostrado e ouvido.
Esses filmes são excelentes exemplos de representação de personagens:
• Mrs. Miniver, 1942, dirigido por William Wyler, estrelado por Greer Garson, Walter Pigeon e Teresa
Wright. As três estrelas retratam as pessoas na Inglaterra no início da Segunda Guerra Mundial e as lutas
que perseveraram.
• Os Melhores Anos de Nossas Vidas, 1946, dirigido por William Wyler, estrelado por Frederic March, Dana
Andrews e Harold Russell. Este filme segue os esforços para se ajustar à vida civil de um soldado, aviador
e marinheiro após a Segunda Guerra Mundial.
• Ben-Hur, 1959, dirigido por William Wyler, estrelado por Charlton Heston, Jack Hawkins e Stephen Boyd.
O personagem principal, Judah Ben-Hur, é falsamente condenado e sentenciado a ser um escravo de
galera. Uma vez libertado, ele busca vingança. Este é um filme de crescimento e mudança de
personagem.
• Elmer Gantry, 1960, dirigido por Richard Brooks, estrelado por Burt Lancaster, Jean Simmons e
Arthur Kennedy. Este filme segue o vendedor de fala rápida, Elmer Gantry, e suas experiências com
o revivalismo e uma pregadora leiga.
• To Kill a Mockingbird, 1962, dirigido por Robert Mulligan, estrelado por Gregory Peck, Frank
Overton e William Windom. Este filme segue um advogado no Sul da Era da Depressão que defende
um homem negro acusado de estuprar uma garota branca.
Bibliography
•“Character,” Dictionary.com, http://www.dictionary.com/browse/character?
s=t.
•The Voice Foundation, http://voicefoundation.org/about/what-is-tvf/.
Os pontos-chave deste módulo são:
• Uma breve definição para o tema é: História (Ação) + Enredo = Desenvolvimento do Personagem Rendendo o
Tema.
• O gênero consiste em quatro elementos ou partes: personagem, história, enredo e cenário. Uma equação
para lembrar o gênero é: História (Ação) + Enredo + Personagem + Cenário = Gênero.
• A história é a situação em que os personagens estão e tentam sair, realizar, conquistar ou superar. A história
tem começo, meio e fim.
• O enredo é o esboço ou como a história é contada. Lembra quando as pessoas afirmam que não gostaram do
enredo? O que eles estão se referindo é que eles não gostaram da história.
• Os filmes de comédia são um dos gêneros mais populares, gerais e complicados. Existem quatro subgêneros,
que são lapstick, farsa, sátira e dark. Quaisquer outros gêneros são uma variação desses quatro tipos. A única
exceção é a comédia maluca, que tem muitos traços diferentes que estão fora de um gênero.
• Outros exemplos de gêneros de filmes incluem gênero de crime, gênero de faroeste, gênero de espionagem,
gênero de guerra, gênero de aventura, gênero de ficção científica, gênero de fantasia, gênero de terror,
gênero de drama e gênero de documentário.
• Ação, thriller, thriller de suspense, biografia, filme noir, neo noir e mistério são termos frequentemente
referidos como gêneros diferentes. No entanto, nenhum destes são gêneros. Eles não contêm apenas os 4
elementos básicos de um gênero.
• A estrutura narrativa é sobre duas coisas: o conteúdo de uma história e a forma usada para contá-la. A
fórmula para a estrutura narrativa para que as partes e a função sejam fáceis de lembrar é: História (Ação) +
Enredo = Estrutura Narrativa.
• Exemplos de abordagens básicas de enredo incluem busca, perseguição, resgate, vingança, enigma,
azarão, tentação, transformação, amor e descoberta.
• A história ou o relato dos eventos pode ser dividido em seis partes: a exposição, a complicação, a ação
ascendente, o clímax, a ação descendente e o desenlace (final).
• A estrutura narrativa não é apenas a estrutura de como um filme é contado; fornece um caminho para o
crescimento dos personagens. A estrutura narrativa consiste no enredo e na história sendo retratados em
ordem cronológica (linear) ou em uma combinação de flashbacks e tempo presente (não linear).
• A representação de um personagem em um filme pode ser definida pela fórmula: Diálogo + Movimento
Físico = Personagem.
• Para criar um personagem tridimensional com um background bem desenvolvido, o filme deve
ilustrar a sociologia, a psicologia e a fisiologia do personagem. Os principais pontos da fisiologia de
um personagem são sexo, idade, altura, peso, postura, aparência, defeitos e hereditariedade.
• Os principais pontos psicológicos de um personagem são padrões morais, premissa pessoal,

ambição, frustrações, principais decepções, temperamento, atitude perante a vida, complexos,
extroversão, introversão; ambivalência, habilidades, qualidades de caráter e QI.
• Os principais pontos sociológicos de um personagem são classe econômica, ocupação, educação,

vida doméstica, religião, raça, nacionalidade, posição na comunidade, afiliação política e hobbies.
• Mise-en-scene é definido como todos os elementos ou elementos visuais que estão em uma cena.
Módulo 2: Produção
Depois de concluir este módulo, você será capaz de:
• Descreva o papel de um diretor de cinema.
• Identificar vocabulário e termos comuns usados na cinematografia.
• Descreva os princípios básicos de edição e diferentes técnicas de edição.
• Identificar diferentes tipos de técnicas de som usadas na produção de filmes.

Direção e Cinematografia
O Dictionary.com define direção como “gerenciar ou guiar por meio de conselhos, informações úteis, instruções,
etc.”1 No entanto, esta é uma definição geral de direção. Como podemos torná-lo mais específico para um diretor de
cinema? A representação do diretor pode ser formulada pela fórmula: Cinematografia + Cenário + Bloqueio +
Atuação + Edição = Direção. Em outras palavras, o diretor é a principal pessoa criativa de um filme. O diretor conduz o
espectador para que ele aproveite ao máximo o filme. O diretor quer que o espectador veja a história de um ponto de
vista particular.
Como um diretor de palco, um diretor de cinema diz aos atores como representar uma determinada cena, define o
cenário para um tipo específico de humor e move os atores para obter um efeito específico. Na definição acima, a
palavra cenário refere-se à atmosfera específica criada pelos adereços, locação, cenário e figurinos. A direção da
cinematografia inclui tanto as tomadas da câmera quanto a iluminação para obter um determinado tipo de efeito e
humor. O diretor também tem controle sobre a edição para criar o ritmo, o ritmo, a coerência, a história e o
desenvolvimento do personagem que ele e o produtor desejam.
Finalmente, a maioria dos diretores está envolvida com o som do filme, especialmente os diálogos, os ruídos do
ambiente e os efeitos sonoros. Muitos diretores têm seu estilo individual, então podemos reconhecer quando um
diretor específico é responsável por um filme. Isso é conhecido como teoria do autor. No entanto, neste tópico, vamos
nos concentrar na principal direção visual e verbal do cenário, iluminação, bloqueio, figurinos e diálogos e como eles
contribuem para a história, desenvolvimento do personagem e representação do personagem do filme.
Direção e Cinematografia
Vejamos cenário, iluminação, bloqueio, figurinos, personagens e diálogos e como eles são expressos pelo diretor na
fotografia, som e edição.
A mise-en-scène, conforme comentado no módulo anterior, engloba o cenário, a iluminação, o bloqueio dos atores e o
figurino. O cenário inclui tanto o local, como um apartamento, quanto os adereços. Mise-en-scène é tudo o que está
contido em um plano cinematográfico.
Esta é uma grande tarefa. Normalmente, o diretor é auxiliado pelo designer de produção para o cenário, o figurinista para
os figurinos e os diretores de fotografia para a iluminação. Cada um dos designers e diretores de fotografia tem uma equipe
com quem trabalham. A mise-en-scène é uma boa técnica para a exposição da história.
Sem dizer uma palavra, um diretor pode expressar a mentalidade do protagonista com uma única tomada de seu
apartamento. O apartamento está bagunçado ou arrumado? Como o personagem está vestido e que tipo de movimento o
protagonista está fazendo? Se o movimento for rápido, o personagem está com pressa? Como o personagem se parece? Os
movimentos são indiferentes? O que o protagonista está vestindo? As roupas estão velhas e sujas? As roupas estão
arrumadas e limpas? Como é a iluminação do apartamento? A iluminação é forte, sombreada ou escura sem as luzes
internas acesas?
Sem que o personagem diga uma palavra, e com apenas um curto disparo da câmera, todas as perguntas acima podem ser
respondidas.
Considerações finais sobre a direção
O diretor molda a história, ou o roteiro, de modo que uma ênfase particular é enfatizada
e um tema ou discurso específico é apresentado. Um ponto particular é apresentado.
O diretor decide ou contribui com a cinematografia, o som e a edição das cenas de um

filme. Ao fazer isso, o diretor molda o movimento e o diálogo dos atores, juntamente
com a representação de seus personagens.
O diretor também é responsável pela colocação dos adereços, figurinos e localização das
diferentes tomadas.
Você viu o desenvolvimento que estava ocorrendo para cada um dos gêneros? O que foi
diferente no desenvolvimento de cada um dos gêneros cinematográficos? Como diretor
de poltrona, o que você mudaria nesses três filmes mencionados? O que você
enfatizaria de forma diferente? Tenha sempre em mente que o produtor tem a palavra
final.
Passaremos agora para a cinematografia, a edição e o som com mais detalhes para dar
uma visão geral mais clara e exemplificada dessas três áreas do cinema.
Pontos de Vista Extra
Com a conclusão desta seção sobre direção, outros filmes para assistir que são excelentes exemplos de direção são:
• Lawrence da Arábia, 1962, dirigido por David Lean, estrelado por Peter O'Toole, Alec Guinness e Anthony Quinn. Este
filme é um excelente exemplo de cinematografia e desenvolvimento de personagens.
• O Poderoso Chefão, 1972, dirigido por Francis Ford Coppola, estrelado por Marlon Brando, Al Pacino e James Caan. Este
filme é um excelente exemplo de atemporalidade, apresentando um tema que ainda é pertinente mais de quatro
décadas depois.
• Breaker Morant, 1980, dirigido por Bruce Beresford, estrelado por Edward Woodward, Jack Thompson e Bryon Brown.
Este filme é um excelente exemplo de atemporalidade, apresentando um tema que ainda é pertinente mais de três
décadas depois.
• A Lista de Schindler, 1993, dirigido por Steven Spielberg, estrelado por Liam Neeson, Ralph Fiennes e Ben Kingsley. Este
filme é um excelente exemplo em dirigir uma visão realista de um capítulo sombrio na história do mundo.
• Pulp Fiction, 1994, dirigido por Quentin Tarantino, estrelado por John Travolta, Uma Thurman e Samuel L. Jackson. Este
filme é um excelente exemplo de um estilo diferente de direção de narrativa.
Cinematografia
O Dictionary.com define cinematografia como “a arte ou técnica da fotografia cinematográfica”.2 Sendo uma área
técnica, não queremos colocar uma fórmula simples no lugar.
O diretor, sendo o principal criativo de um filme, é responsável pela cinematografia, sendo o diretor de fotografia ou o
diretor de fotografia responsável pelas equipes de câmera, iluminação e eletricidade.
Wikibooks, em seu “Movie Making Manual”, define o diretor de fotografia (DP) como sendo “responsável pela imagem
real de um projeto de filme. Eles orientam as equipes de câmera/aderência/iluminação sobre como as luzes devem ser
colocadas, como a câmera deve ser exposta e basicamente qualquer coisa relacionada à imagem do filme. Eles também
escolherão o estoque e o processamento do filme. Muitas vezes, o DP também estará presente durante o tempo de cor. O
DP trabalha em estreita colaboração com o Diretor para concretizar sua visão de como o filme deve ser.”3
A maneira mais rápida de ver diferentes tomadas de câmera e como elas são usadas é assistindo ao seguinte vídeo do
YouTube:
• Lição de Cinematografia Um: Ângulos de Nathan Grebe - https://youtu.be/nHCpVgkpleQ

Cinematografia- Vocabulário
Tipos de Plano Descrição
Plano extremamente amplo Mostra uma visão ampla dos arredores do personagem e informa o público sobre o
que está acontecendo. Muitas vezes é usado como uma tomada de abertura para
uma nova cena.
Plano meio largo Shows the character, usually cut off below the knees, but it is wide enough to show
the settings around him or her and still be close enough to show the expressions on
his or her face.
Plano média Mostra a parte superior do corpo, braços e cabeça.
Angulo Ângulo alto: A câmera, colocada acima do nível dos olhos, está voltada para baixo.
Essa cena costuma ser usada para fazer o personagem parecer pequeno, fraco,
jovem ou confuso. Ângulo Médio: Mais comumente usado. Ângulo Baixo: Usado
para fazer o personagem parecer maior, mais forte, mais assustador ou mais nobre.
Ângulo Fechado
O rosto e os ombros estão à mostra, e mostra muito bem a expressão no rosto do
personagem.
Cinematografia- Vocabulário
Tipos de Planos Descrição
Acima do ombro Close do personagem mostrado por cima do ombro de outro personagem.
Filmagem dupla (2 filmagens) Ambos os personagens são mostrados no quadro. A câmera se move.
Pan (efeito panorâmico) A câmera gira de um lado para o outro, permanecendo no mesmo local. É
simplesmente executado com um tripé.
Inclinar A câmera é movida para apontar para cima ou para baixo sem mudar de local.
Também feito com um tripé.
Zoom Basicamente, o zoom está movendo a lente sem mover a câmera. De um modo
geral, não é recomendado usar esse recurso com uma câmera DSLR simplesmente
porque causa uma boa quantidade de trepidação em seu vídeo e tira o público da
cena. Sempre há exceções, porém, se o efeito que você deseja precisar de um
zoom, use o zoom. Se você tiver uma lente primária/fixa, pode usar os pés para
criar um zoom.
Dolly A câmera se move de um lado para o outro. Este movimento pode ser usado para
revelar algo em uma cena.
Como um diretor usa diferentes ângulos de filmagem
Um plano amplo extremo é usado no início de uma cena quando o diretor deseja identificar onde a cena está
ocorrendo. A tomada de estabelecimento é uma foto de um local com o qual o espectador está familiarizado, de
modo que o reconhecimento imediato do cenário para a cena pelo espectador é obtido.
Um plano geral ou plano geral é usado quando um grupo de pessoas está sendo filmado, como em uma cena de ação.
Um plano médio ou médio filma um indivíduo da cintura para cima. Planos médios são frequentemente usados ao
filmar uma conversa. Quando o diretor deseja que as duas pessoas envolvidas em uma conversa sejam vistas ao
mesmo tempo, uma tomada dupla é usada. Se três pessoas estiverem envolvidas em uma conversa, o diretor pode
usar uma técnica de três planos. Quando o diretor deseja apenas uma pessoa em uma cena, a pessoa que fala pode
ser mostrada e, quando essa pessoa para de falar, a reação da outra pessoa pode ser exibida em uma cena separada.
O close-up é usado em uma cena emocional. Essa tomada é usada para cenas muito dramáticas em que o diretor
deseja que o público sinta emoção em relação ao personagem em uma determinada cena.
Os filmes de dois e três planos são usados quando duas ou três pessoas estão na mesma tomada. Um diretor pode
querer usar esse tipo de tomada quando quiser que o espectador observe a pessoa que está falando e a reação da
pessoa ou das pessoas que estão ouvindo ao mesmo tempo.
Como um diretor usa diferentes ângulos de filmagem
A plano por cima do ombro e a tomada do ponto de vista são usadas quando o diretor deseja dar
ao público um ponto de vista subjetivo ou fazer com que o público se sinta parte da ação.
A plano por cima do ombro é feita por cima do ombro de um dos personagens para que o
espectador veja o ombro e um lado do rosto e pescoço de um indivíduo enquanto esta pessoa está
conversando com outro indivíduo. O espectador realmente vê o que o primeiro personagem está
olhando. Em outras palavras, isso coloca o espectador no lugar de um dos personagens, de modo
que ele possa ver a reação do outro personagem.
A plano do ponto de vista dá ao espectador a observação exata do que um personagem vê sem o

ombro e o lado da cabeça na tomada. Essa cena é mais uma visão em primeira pessoa, onde o
espectador vê exatamente o que o personagem está vendo.
As plano de câmera anteriores e as posições da câmera são discutidas para fornecer uma
alfabetização visual entre o espectador e uma imagem que foi criada e interpretada pelo diretor e
pela equipe de filmagem à medida que a história avança e os retratos dos personagens se
desenvolvem e mudam.
Iluminação
A iluminação ajuda a estabelecer um pano de fundo para a alfabetização visual que o diretor e a equipe de
filmagem estão criando. A iluminação é feita em um processo de três pontos:
• O primeiro ponto é a iluminação principal que fornece iluminação essencial ao objeto, pessoa ou área que você
deseja iluminar para uma foto.
• O segundo ponto é a iluminação de preenchimento. Se houver apenas um pouco de iluminação de

preenchimento, haverá muitas sombras e dará uma aparência escura e misteriosa. Mais luz de preenchimento
preenche as áreas escuras de uma imagem.
• O último ponto é a iluminação de fundo e dá uma aparência tridimensional a um objeto ou pessoa.
Também pode haver um quarto ponto de iluminação, conhecido como iluminação de fundo. Isso é usado se
houver um objeto com um fundo específico que precise ser iluminado por um motivo especial.
A luz discreta e a luz sem preenchimento deixam sombras. Esse é o tipo de humor apropriado para filmes de
crime, terror ou filme noir. Quanto mais alta for a iluminação principal e de preenchimento; mais brilhante e feliz
é o clima do filme ou cena. Muita iluminação chave e de preenchimento é apropriada para comédias e musicais.
Iluminação Luz traseira

A imagem ajuda a ilustrar cada tipo de técnica
de iluminação.
Luz de Fundo
Luz Principal Luz de preenchimento

Com a conclusão deste tópico, filmes para assistir que são excelentes exemplos de cinematografia são:
• The 7th Dawn, 1964, dirigido por Lewis Gilbert, estrelado por William Holden, Susannah York e Capucine. Este filme
é um excelente exemplo na cinematografia de cenários do Extremo Oriente.
• Chinatown, 1974, dirigido por Roman Polanski, estrelado por Jack Nicholson, Faye Dunaway e John Huston. Este
filme é um excelente exemplo de luz e sombras do neo noir.
• Days of Heaven, 1978, dirigido por Terrence Malick, estrelado por Richard Gere, Brooke Adams e Sam Shepard. Este
filme é um excelente exemplo de cinematografia estabelecendo a atmosfera da virada do século.
• Blade Runner, 1982, dirigido por Ridley Scott, estrelado por Harrison Ford, Rutger Hauer e Sean Young. Este filme é
um excelente exemplo na demonstração de medos futuristas.
• The Revenant, 2015, dirigido por Alejandro G. Iñárritu, estrelado por Leonardo DiCaprio, Tom Hardy e Will Poulter.
Este filme é um excelente exemplo de realismo na cinematografia de ação.
•Bibliography
•“Cinematography,” Dictionary.com, http://www.dictionary.com/browse/cinematography?s=t.
•Movie Making Manual/Post-production/Editing,” Wikibooks, last modified July 16, 2012,
https://en.wikibooks.org/wiki/Movie_Making_Manual/Post-production/Editing.
•“Three-Point Lighting,” Wikipedia, last modified March 22, 2016, https://en.wikipedia.org/

wiki/Three-point_lighting.
Edição e Som
Edição e Som
O Dictionary.com define o termo edição como “preparar (filme
Introdução à edição cinematográfico, vídeo ou fita magnética) apagando, organizando e unindo,
sincronizando o registro de som com o filme, etc.”1
Uma maneira de definir a edição é usar a fórmula:
Plano < Cena < Sequência = Edição.
Um plano é definido como uma única execução curta e contínua do filme.

Uma cena é composta de vários planos cortados e unidos. Uma cena pode ser
qualquer coisa que o diretor quiser, como alguém entrando em uma sala,
conversando com uma pessoa na sala e saindo da sala. Uma sequência é um
número de cenas reunidas que podem ser uma grande porcentagem do filme
quando ele é finalizado.
Muitos termos são usados quando se discute a edição de filmes e como ela é feita. Do ponto de vista iniciante, vamos
apresentá-lo às principais áreas da edição de filmes para que você entenda o processo geral de edição de filmes. Para fazer
isso, vamos passar pelo processo de edição, algumas das técnicas e princípios de edição e as transições de corte que vão de
um plano a outro para desenvolver as diferentes cenas e sequências de um filme.
Edição e Som
Processo de Edição
O produtor contrata o editor. A edição é realizada no processo de pós-produção. A edição é um trabalho muito
trabalhoso na produção de filmes, com uma certa quantidade de estresse por ter que cumprir um prazo. O editor
trabalha em estreita colaboração com o diretor durante as diferentes fases do processo de edição. O editor precisa
revisar os ângulos de todas as diferentes câmeras usadas para uma tomada específica para editar as melhores
tomadas juntas para a cena. Isso torna uma tarefa extra no processo organizacional de edição - além de organizar todos
os ângulos diferentes juntos.
O processo de edição do filme passa por etapas, semelhantes a escrever um trabalho de conclusão de faculdade.
Escrever um trabalho de conclusão de curso consiste em ter uma ideia, escrever o rascunho, fazer uma revisão e, em
seguida, criar a versão final. O Wikilivros afirma que um editor também passa por quatro estágios: registro e montagem,
o primeiro corte bruto, a edição principal e o corte fino.1 Esse processo de edição é apenas um exemplo do
procedimento porque todo editor de filme, como qualquer pessoa, tem seu próprio procedimento ou rotina que ele ou
ela segue.
O processo de registro e montagem está se tornando familiar com todas as tomadas do filme. O editor assiste e ouve
todo o material. Em um caderno, o editor registra suas reações a todas as tomadas e anota todas as ideias que surgem
em sua cabeça. O editor usa um código de tempo para vincular pensamentos a cenas específicas. Para um projeto longo,
a primeira edição seria uma versão simples consistindo de todas as tomadas amplas juntas. Essa montagem conteria o
menor número de edições necessárias para contar a história. A edição de montagem permite que o editor tenha uma
noção do projeto, como um todo, antes que os detalhes sejam focados.
Edição e Som
Processo de Edição
Com o primeiro corte bruto, o editor pega uma cena de cada vez e trabalha em todas as tomadas para encontrar o
material melhor e mais consistente. As cenas podem ser cortadas em qualquer ordem com o objetivo de permitir que
cada cena funcione por conta própria. Quando o editor tiver uma boa versão de trabalho de uma cena, ela será colocada
na montagem para que o corte aumente gradualmente em complexidade. O editor continua a manter um registro de
todas as escolhas feitas. O corte grosseiro mantém o som sincronizado com sua imagem. O editor deve começar a
silenciar ou excluir o áudio desnecessário, mas sons adicionais não são adicionados neste ponto. O primeiro corte bruto é
concluído quando cada cena é vista individualmente e é colocada na edição. O editor deve fazer uma pausa para visualizar
o corte sem parar, anotando as alterações que gostaria de experimentar.
A edição principal inicia o processo de aproximação de um corte fino. As cenas terão problemas individuais e os
problemas se tornarão interdependentes entre as cenas. Os principais efeitos sonoros e música podem ser introduzidos
nesta fase, e a complexidade aumentará. O editor continua salvando cada versão. O estágio em que um corte grosseiro se
torna um corte fino não é exato, mas geralmente é quando o editor sente que cada ideia foi totalmente explorada. O
editor deve trazer outras pessoas para assistir ao corte fino.
O corte fino é o processo de chegar à precisão perfeita do quadro para cada edição do filme e garantir que cada momento
flua da melhor maneira possível. Uma vez aprovado o corte fino, a imagem é considerada “bloqueada” e nenhuma outra
alteração ocorrerá. O projeto passará para a pós-produção de som completa e o trabalho do editor está concluído.
Edição e Som
Técnicas e Princípios de Edição
Um princípio básico na edição é a regra de 180 graus. A regra dos 180 graus é uma diretriz básica sobre a relação espacial na
tela entre um personagem e outro personagem ou objeto dentro de uma cena. Uma linha imaginária, chamada de eixo,
conecta os personagens e, mantendo a câmera em um lado desse eixo para cada tomada da cena, o primeiro personagem
está sempre no quadro à direita do segundo personagem, que fica sempre no quadro à esquerda do primeiro. A câmera que
passa sobre o eixo é chamada de pular a linha ou cruzar a linha; quebrar a regra de 180 graus atirando para todos os lados é
conhecido como tiro na rodada.
este esquema mostra o eixo entre dois

personagens e o arco de 180° sobre o
qual as câmeras podem ser
posicionadas (verde). Ao cortar do arco
verde para o arco vermelho, as
posições dos personagens trocam de
lugar na tela. (8
Edição e Som
Técnicas e Princípios de Edição
A última área principal de edição que o diretor deseja alcançar é o ritmo apropriado para o filme. Yale Film
Studies elabora o conceito de ritmo cinematográfico, definindo-o como: “a frequência percebida e a
regularidade dos sons, séries de planos e movimentos dentro dos planos. Fatores rítmicos incluem batida ou
pulso, sotaque ou estresse e tempo ou ritmo. O ritmo é uma das características essenciais de um filme, pois
contribui decisivamente para o seu humor e impressão geral no espectador. . . . Isso é alcançado através da
combinação de mise-en-scène, cinematografia, som e edição. O ritmo pode ser entendido como o equilíbrio
final de todos os elementos de um filme”.6
Finalmente, uma montagem é uma técnica de edição de filme na qual uma série de tomadas curtas são
editadas em uma sequência para condensar espaço, tempo e informação.7
Edição e Som
Edição de Transições
Um “corte” na edição refere-se à junção de duas tomadas. Este corte é feito pelo editor do filme na fase de edição de um
filme. Entre as sequências, o corte marca uma transição rápida entre um tempo e espaço e outro tempo e espaço, mas
dependendo da natureza do corte, terá significados diferentes.9
O corte transversal é o corte de uma cena entre diferentes conjuntos de ação que podem ocorrer simultaneamente ou
em momentos diferentes. O corte transversal é usado para criar suspense ou para mostrar a relação entre os diferentes
conjuntos de ação.10
Fade in e fade out são efeitos opostos. Fade in é uma foto que começa na escuridão total e gradualmente
clareia até o brilho total. Este é um tipo de transição semelhante a “dissolver”, que é mencionado abaixo. Um
fade in gradual traz o som de inaudível para um volume necessário.
Dissolver é uma transição entre duas tomadas durante a qual a primeira imagem desaparece gradualmente enquanto a
segunda imagem aparece gradualmente; por um momento, as duas imagens se misturam em sobreposição.13
Um apagamento é um tipo de transição de filme em que um plano substitui outro viajando de um lado do quadro para
o outro ou com uma forma especial.14
Um corte de salto, que é um termo que os espectadores costumam ouvir, é um corte na edição de filme em que duas
tomadas sequenciais do mesmo assunto são tiradas de posições de câmera que variam apenas ligeiramente. Este tipo de
edição dá o efeito de avançar no tempo. Isso é uma violação da montagem de continuidade porque o tempo e o espaço
contínuos são perdidos à medida que o corte chama a atenção para a natureza construída do filme.15
Edição e Som
Edição- Visualização adicional
Com a conclusão desta seção sobre edição, os filmes para assistir que são excelentes exemplos de edição são:
• Sabotage, 1936, dirigido por Alfred Hitchcock, estrelado por Sylvia Sidney, Oskar Homolka e Desmond Tester. Este
filme é um excelente exemplo de montagem ao criar a clássica cena de suspense sobre se uma bomba vai explodir
em determinado momento.
• Bonnie e Clyde, 1967, dirigido por Arthur Penn, estrelado por Warren Beatty, Faye Dunaway e Gene Hackman. Este
filme é um excelente exemplo de edição durante os assaltos a banco e as tentativas de capturar Bonnie e Clyde.
• The Sting, 1973, dirigido por George Roy Hill, estrelado por Paul Newman, Robert Redford e Robert Shaw. Este
filme é um excelente exemplo de edição sobre o que é real e o que não é.
• Tubarão, 1975, dirigido por Steven Spielberg, estrelado por Roy Scheider, Robert Shaw e Richard Dreyfuss. Este
filme é um excelente exemplo de edição ao criar um thriller de suspense contemporâneo.
• Mad Max: Fury Road, 2015, dirigido por George Miller, estrelado por Tom Hardy, Charlize Theron e Nicholas Hoult.
Este filme é um excelente exemplo de um premiado filme de melhor edição.
Edição e Som
Som
O som é importante em uma produção porque diferentes aspectos do som aprimoram

os personagens e a história, tornando o filme uma experiência completa. Além disso,
discutimos no capítulo anterior que o som é editado no filme para que seja coerente e
compreensível dentro do filme. Mas o que é som e como ele melhora um filme? O som
de um filme inclui música, diálogos, efeitos sonoros, ruído ambiente e/ou ruído de
fundo e trilhas sonoras. Algum tipo de som é sempre usado para aprimorar a
experiência do filme.
Edição e Som
Musica
Imagine que não há música em um filme. Certas cenas, como os créditos iniciais, teriam ar
morto. O filme parecia que estava faltando alguma coisa. A música é um elemento muito
importante para um filme. No período do cinema mudo, a música era tocada durante todo o
filme. Uma trilha sonora é a música para um filme. A trilha sonora do filme é a música no
início do filme, quando os créditos estão rolando, e define a atmosfera do filme.
Você já fechou os olhos para ouvir a música? Você pode sentir que está sendo levado pela
música para uma terra onde o filme está acontecendo.
A música também é tocada em pontos críticos durante um filme. Suas emoções já estiveram
no limite durante um thriller de suspense quando uma determinada música é tocada em
diferentes pontos de um filme? Sua adrenalina começa a subir e seu coração começa a bater
mais rápido nesses momentos do filme, quando você ouve aquela música, porque sabe que
algo vai acontecer? Se essas situações já ocorreram com você ao assistir a um filme, como a
experiência do filme mudaria se a música não fizesse parte dela?
Edição e Som
Dialogo
O diálogo é definido como uma conversa entre duas ou mais pessoas em um

filme. Um filme também pode ter narração em off. A narração em off é quando
um personagem está explicando o que aconteceu em um filme e por quê.
Diálogo, monólogo e narração em off progridem a história do filme. O que seria
de um filme sem diálogos? Mesmo 90 a 100 anos atrás, havia filmes mudos sem
diálogos de áudio, mas eram usados cartões de diálogo e a música de fundo
dava o tom da cena. Dê uma olhada no seguinte exemplo de uma cena com e
sem diálogo.
Edição e Som
Dialogo
Exemplo de cena sem dialogo
Jack, Suzie e Alec estão voltando para casa depois do trabalho. Jack começa a conversa, como sempre faz. Suzie fala, pois
é sempre a primeira a responder. Alec fica em silêncio por um momento e os outros dois param de andar. Alec percebe
que eles pararam, então ele para de andar também. Perplexo, Alec murmura. Jack retruca. Alec olha para os dois. Suzie
interrompe. Alec retorna um comentário. Após um breve momento de silêncio onde os três se olham, eles encolhem os
ombros e começam a andar novamente. Suzie pergunta. Alec comenta novamente. Há silêncio novamente e Suzie
interrompe os outros dois. Suzie fala. Jack intervém novamente. Alec afirma calmamente. Jack e Suzie se entreolham
atordoados.
A cena acima, sem diálogo, mas apenas uma descrição, é apenas um conjunto de ações sem sentido. Eles poderiam se
referir a quase qualquer tipo de situação. Como espectador, depois de assistir à cena acima, você estaria interessado o
suficiente em assistir ao resto do filme sem diálogos?
Edição e Som
Dialogo
Exemplo de cena com dialogo
Jack, Suzie e Alec estão voltando para casa depois do trabalho. Jack começa uma conversa como sempre faz: “Como foi o dia
de trabalho?” "Tudo bem", diz Suzie, pois é sempre a primeira a responder. Olhando para Alec, Jack pergunta: "Como foi seu
dia, Alec?" Alec fica em silêncio por um momento enquanto os outros dois param de andar. Alec percebe que eles pararam de
andar, então ele para. Perplexo, Alec murmura: "O quê?" "Como foi o seu dia?" Jack retruca. "Bem bem." Alec olha para os
dois. “Como você acha que foi?” "Não sei. É por isso que eu pedi." Suzie interrompe: “É por isso que perguntamos.
Gostamos de saber como foi o seu dia.” “Oh,” Alec retorna. Após um breve momento de silêncio, onde os três se olham, eles
encolhem os ombros e começam a andar novamente. "Espere um minuto! Você nunca nos contou como foi seu dia,”
Suzie questiona. "Sim!" concorda Jack. "Oh," Alec comenta novamente. Há silêncio novamente e Suzie interrompe os outros
dois. "Bem ..." Suzie diz. "Sim", interrompe Jack novamente. “Eu larguei meu emprego,” Alec afirma calmamente. Jack e Suzie
se entreolham atordoados.
O diálogo dá ao espectador uma compreensão do que está acontecendo no filme. Se a cena acima fosse no início de um filme,
o espectador teria uma ideia de qual seria o conflito do filme.
Edição e Som
Efeitos Sonoros
O Dictionary.com define efeito sonoro como “qualquer som, exceto música ou

fala, reproduzido artificialmente para criar um efeito em uma apresentação
dramática, como o som de uma tempestade ou uma porta rangendo.”16 Um
filme de ação, por exemplo, fica mais interessante e ousado com os efeitos
sonoros. Com efeitos sonoros, o espectador fica mais envolvido com o filme.
Os efeitos sonoros geralmente são adicionados à pós-produção do filme. Muitas vezes, ao filmar uma cena com várias
ações acontecendo ao mesmo tempo, como diálogo, luta de espadas e outras ações de fundo, efeitos sonoros são
adicionados na pós-produção para tornar o efeito mais alto. Por exemplo, em um teatro, assista à cena inicial de Cyrano de
Bergerac. Há pessoas diferentes falando ao mesmo tempo e murmúrios de uma multidão. Muito desse som teria que ser
adicionado posteriormente para torná-lo tão eficaz e claro quanto no filme.
•Bibliography
•“Edit,” Dictionary.com, http://www.dictionary.com/browse/edit?s=t.
•“Footage,” Wikipedia, last modified September 7, 2016, https://en.wikipedia.org/wiki/Footage
•“Film Studies Program,” New Haven: Yale University, last modified September 15, 2016, http://filmstudies.yale.edu.html
•“B-roll,” Wikipedia, last modified May 4, 2016, https://en.wikipedia.org/wiki/B-roll.
•“180-Degree Rule,” Wikipedia, last modified July 7, 2016, https://en.wikipedia.org/wiki/180-degree_rule.
•“Film Studies Program,” New Haven: Yale University, last modified September 15, 2016, http://filmstudies.yale.edu.html.
•“Montage,” Wikipedia, last modified August 17, 2016, https://en.wikipedia.org/wiki/Montage.
•Cinematic Techniques,” Wikipedia, last modified July 25, 2016, https://en.wikipedia.org/wiki/ Cinematic_techniques.
•“Cross-Cutting,” Wikipedia, last modified May 29, 2016, https://en.wikipedia.org/wiki/Cross-cutting.
• “Fade In,” Wikipedia, last modified June 14, 2015, https://en.wikipedia.org/wiki/Fade_in.
• “Fade Out,” Wikipedia, last modified June 14, 2015, https://en.wikipedia.org/wiki/Fade_out.
• Dissolve (filmmaking),” Wikipedia, last modified August 12, 2016, https://en.wikipedia.org/ wiki/Dissolve_(filmmaking).
• “Wipe (transition),” Wikipedia, last modified June 6, 2016, https://en.wikipedia.org/wiki/ Wipe_(transition).
• “Jump Cut,” Wikipedia, last modified July 20, 2016, https://en.wikipedia.org/wiki/Jump_cut.
• A representação do diretor pode ser formulada pela fórmula: Cinematografia + Cenário + Bloqueio + Atuação + Edição = Direção.
• A mise-en-scène engloba o cenário, a iluminação, o bloqueio dos atores e os figurinos.
• O diretor molda a história, ou o roteiro, de modo que uma ênfase particular é enfatizada e um tema ou discurso específico é apresentado.
• O diretor também decide ou contribui com a cinematografia, o som e a edição das cenas de um filme.
• A cinematografia pode ser definida como “a arte ou técnica da fotografia cinematográfica”.
• Um plano amplo extremo é usado no início de uma cena quando o diretor deseja identificar onde a cena está ocorrendo.
• Um plano geral ou plano geral é usado quando um grupo de pessoas está sendo filmado, como em uma cena de ação.
• Um plano médio ou médio filma um indivíduo da cintura para cima.
• Planos médios são frequentemente usados ao filmar uma conversa.
• O close-up é usado em uma cena emocional.
• Os filmes de duas e três tomadas são usados quando duas ou três pessoas estão na mesma tomada.
• A tomada por cima do ombro e a tomada do ponto de vista são usadas quando o diretor deseja dar ao público um ponto de vista subjetivo ou
fazer com que o público se sinta parte da ação.
• A iluminação ajuda a estabelecer um pano de fundo para a alfabetização visual que o diretor e a equipe de filmagem estão criando.
• O primeiro ponto é a iluminação principal que fornece iluminação essencial ao objeto, o segundo ponto é a iluminação de preenchimento, o último ponto
é a iluminação de fundo e dá uma aparência tridimensional a um objeto ou pessoa. Também pode haver um quarto ponto de iluminação, conhecido como
iluminação de fundo.
• Uma forma de definir a edição é usar a fórmula: Shot < S cena < Sequência = Edição. A edição é realizada no processo de pós-produção
• Existem quatro estágios de edição: registro e montagem, o primeiro corte bruto, a edição principal e o corte fino. A última área principal de edição que o
diretor deseja alcançar é o ritmo apropriado para o filme.
• A edição de continuidade é um sistema de corte para manter uma ação narrativa contínua e clara, que se baseia na correspondência entre a direção da
tela, a posição e as relações temporais entre as tomadas.
• Um princípio básico na edição é a regra de 180 graus. A regra de 180 graus é uma diretriz básica sobre a relação espacial na tela entre um personagem e
outro personagem ou objeto dentro de uma cena.
• Uma montagem é uma técnica de edição de filmes em que uma série de tomadas curtas são editadas em uma sequência para condensar espaço, tempo e
informações.
• Os principais tipos de transições de edição incluem corte, corte transversal, fade in e fade out, dissolução, limpeza e corte de salto.
• O som é importante em uma produção. O som de um filme inclui música, diálogos, efeitos sonoros, ruído ambiente e/ou ruído de fundo e trilhas sonoras.

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O Dicionário Merriam-Webster define comédia pastelão como comédia

O Dicionário Merriam-Webster define farsa como “uma peça ou filme

O Dicionário Merriam-Webster define a sátira como “uma forma de usar

O Dictionary.com define humor negro ou comédia negra como “na

A comédia maluca também tinha os seguintes atributos

O romance cômico também é um grande elemento na comédia maluca, mas outras

O Merriam-Webster Dictionary define Western simplesmente como “de ou relacionado ao oeste

•“Slapstick,” Merriam-Webster Dictionary, http://www.merriam-webster.com/dictionary/ slapstick.

•“Satire,” Merriam-Webster Dictionary, http://www.merriam-webster.com/dictionary/satire.

•Dark Humor,” Dictionary.com, http://www.dictionary.com/browse/dark-humor?s=t.

•“Black Comedy, Dictionary.com, http://www.dictionary.com/browse/black-comedy?s=t.

•“Crime,” Merriam-Webster Dictionary, http://www.merriam-webster.com/dictionary/ crime.html.

•“Western,” Merriam-Webster Dictionary, http://www.merriam-webster.com/dictionary/ western.html.

O Dicionário Merriam-Webster define a guerra como "um estado ou

O Dicionário Merriam-Webster define ficção científica como “ficção que lida

O Dicionário Merriam-Webster define horror como “a qualidade de algo que causa

A definição de onde o filme se passa pode ser fundamental em um filme de terror.

Se um filme não se encaixa em nenhuma das categorias de gênero acima

Sheila Curran Bernard,8 autora de Documentary Storytelling, define documentários como:

• A bibliotecária voluntária do IPL, Jessamyn West, diz que há sete lotes.

As 10 parcelas são as seguintes:

• A ação de queda amarra ou resolve qualquer final de história menor.

• O desenlace é o final do filme

A exposição e o conflito formam o início da história.

A ação crescente e o clímax formam o meio da história, e

A ação de queda e a resolução formam o final da história.

Exemplos da construção da estrutura do filme

Exemplos da construção da estrutura do filme

• Hildy esconde Earl Williams.

• Hildy e Walter são presos e Peggy termina o noivado.

No final da ação de queda, o espectador chega à resolução/desenlace, encerrando o filme.

•“Story,” Merriam-Webster Dictionary, http://www.merriam-webster.com/dictionary/story.

Por exemplo, no filme Cyrano de Bergerac, a característica fisiológica mais proeminente é,

• Padrões morais • Complexos

Demonstrando Visualmente o Personagem Tridimensional

Como descrevemos anteriormente, muita ação ocorre em um filme e os personagens precisam

Análise dos Personagens Tridimensionais

Esses filmes são excelentes exemplos de representação de personagens:

• Os principais pontos psicológicos de um personagem são padrões morais, premissa pessoal,

• Os principais pontos sociológicos de um personagem são classe econômica, ocupação, educação,

Depois de concluir este módulo, você será capaz de:

• Descreva o papel de um diretor de cinema.

• Identificar vocabulário e termos comuns usados ​na cinematografia.

• Descreva os princípios básicos de edição e diferentes técnicas de edição.

• Identificar vocabulário e termos comuns usados na cinematografia.

• Planos médios são frequentemente usados ao filmar uma conversa.