ARTE CONTEMPORÂNEA

Um compilado dos alunos do 1º ano - EMITI

Questionamentos
Como falamos durante a aula, a Arte
Contemporânea não tem nada de meramente
ilustrativa, com o propósito de “causar”, ela sempre
traz consigo reflexões, questionamentos, críticas e
etc.
 Tutoriais sobre o Google Apresentação:
Pesquise uma obra da arte contemporânea, de qualquer artista, do
Brasil ou do mundo.

➔ Escolha um slide
abaixo e siga o exemplo que deixei, ou pode criar à sua
maneira, sinta-se a vontade para mudar o que quiser.
➔ Obra
Acrescente no seu slide, uma imagem/vídeo da obra que
escolheu.
➔ Nome/ano/artista
Acrescente também o nome da obra, quem foi o autor, o ano
e a história bem resumida da obra. Qual crítica ela traz.
Essa apresentação é compartilhada e qualquer pessoa pode editar,
cuidado para não apagar o trabalho do colega.
Exemplo 1
Exposição "Palavra Tomada", 2018 de Sérgio Adriano H. (Joinville)

O preconceito racial permeia a poética de Sérgio Adriano H que tem o corpo, a palavra, a
fotografia e a história como ferramentas discursivas. Com radicalidade, incorpora um vocabulário
político dentro do seu processo estético.
Alunx: Prof Fabíola.
Exemplo 2

Obra da série “Bastidores”, 1997

Rosana Paulino é artista visual, pesquisadora e
educadora. Sua série Bastidores (1997) é
constituída por fotografias, tecido, linha e
objetos do cotidiano. A artista utiliza retratos
de mulheres negras, transfere quimicamente
para os tecidos (ampliando e manipulando as
imagens) e os aplica em bastidores para
bordado. Em seguida, borda as imagens com
fio preto. Porém, esse bordado não ocorre de
modo decorativo, mas deslocado. Paulino
cobre bocas, olhos, gargantas e outras partes
das personagens de modo agressivo, com
linhas erráticas, escondendo partes dos rostos
de suas personagens.

Alunx: Prof Fabíola.

 Obra: Yanomami (2003)

A fotógrafa Claudia Andujar nasceu em 1931 na Suíça.

Vítima da Segunda Guerra Mundial, perdeu quase toda a sua
família e mudou-se para os EUA, anos mais tarde veio ao
Brasil.
Em 1971 começou um trabalho fotográfico em aldeias
indígenas da etnia Yanomami.
Envolveu-se fortemente com essa cultura e decidiu deixar São
Paulo,muda-se então para o norte do país.
Viveu com os índios até 1978, quando foi perseguida pela
ditadura militar, enquadrada na lei de Segurança Nacional, ela
é obrigada a deixar a tribo.
Imagem
Durante esse período fotografou a simplicidade e beleza dos
seres da floresta, os primeiros habitantes do Brasil.
Quando retornou à São Paulo passou a lutar pela causa dos
índios, ela foi essencial para dar visibilidade e voz aos povos
indígenas, sobretudo os Yanomami.
Claudia Andujar é um dos grandes nomes da fotografia
contemporânea brasileira.

Aluna: Aléxia Velozo

 Obra: Inhabited Painting- 1975
Helena Almeida iniciou a sua carreira no final da década de
1960 e é uma figura incontornável no panorama artístico
português contemporâneo.
Uma grande retrospectiva da sua obra, intitulada "A minha obra
é o meu corpo, o meu corpo é a minha obra", foi exposta no
Museu de Serralves, Porto (2015), e em Paris (2016) e
Bruxelas. Em 2018 está em destaque na Tate Modern, em
Londres, num espaço focado na relação entre o indivíduo e a
obra da arte;
Nas suas Pinturas habitadas de 1975-77 a pintura "agarra-se
com as mãos, entra pela boca ou derrama-se numa lágrima.
Se a pintura e o desenho são essenciais para o entendimento
do trabalho de Helena Almeida nas décadas de 1970 e 1980, a
escultura e a performance são as linguagens a que devemos
recorrer para pensar muitas das obras posteriores onde se foca
na relação entre o corpo e o espaço, nomeadamente o espaço
do seu ateliê.
o que acontece em Dentro de mim, 2001, em que cola um
espelho estreito, vertical, ao seu corpo, afirmando "o desejo de
que o corpo se prolongue, que saia e ultrapasse os seus limites
físicos", ou na série Voar, do mesmo ano, onde arrisca uma vez
mais "a relação entre o seu corpo e o espaço, de modo Alunx: Thaynna Dias
simultaneamente irónico e lúdico.
 Sugar Children (1996)
A série Crianças de açúcar, criada em 1996, alçou Vik Muniz para a fama. Esse foi o seu
primeiro trabalho a ter repercussão e a levá-lo a ser reconhecido internacionalmente. As
imagens são de crianças caribenhas oriundas de famílias pobres que cortam canas de açúcar
nas plantações em St. Kitts.

Vik fotografou essas crianças e depois reconstituiu os contornos usando somente açúcar,
elemento que faz parte do cotidiano desses jovens. O açúcar é uma referência tanto a doçura e a
pureza das crianças como ao material que as condena a pobreza.

Sugar Children consistia em imagens fotográficas de crianças que ele encontrou no Caribe
desenhadas com açúcar em papel preto. Os belos trabalhos desencadearam reflexões mais
profundas sobre as condições de trabalho dessas crianças, cujo trabalho proporciona ao mundo
coisas altamente precificadas. O projeto também propagou ainda mais o estilo “fora da caixa”
de Muniz, usando processos e materiais altamente experimentais para expandir suas obras de
arte da mera fotografia em mídia mista, adicionando camadas conceituais às imagens, fazendo
com que os espectadores considerassem mais do que apenas estética visual.
A respeito da criação, Vik Muniz conta em entrevista os bastidores da ideia:
● "O Sugar Children” tem muito a ver com a fotografia, já que o açúcar é um cristal e
a fotografia é um cristal prateado exposto à luz. É uma série pontilhista feita com
açúcar sobre papel preto e depois fotografada em prata de gelatina. Isso
desencadeou algo muito importante. Em 1992, passei as férias na ilha de St. Kitts Sugar Children (1996)
e brincava com as crianças locais em uma praia de areia preta. Estas eram
crianças de plantações de açúcar. No meu último dia eles me levaram para Artista: Vik Muniz, nascido em São Paulo, Brasil, é um
conhecer seus pais e me surpreendeu o quão tristes e cansados eles estavam. artista plástico brasileiro, fotógrafo e pintor, é conhecido por
Como essas crianças se tornaram esses adultos? Conclui que a vida tirara sua usar materiais inusitados em suas obras, como lixo, açúcar e
doçura deles. Esses retratos em açúcar agora estão em várias colecções
importantes, mas também na pequena biblioteca da escola infantil de St. Kitts. Eu
chocolate.
devo muito a essas crianças." ALUNA: EVELYN WEBBER 1-1
Riusuke Fukahori – GoldfishSalvation (2012)
O artista japonês Riusuke Fukahori cria obras
de arte contemporânea que poderíamos jurar
estarem vivas! Fukahori pinta peixes
tridimensionais, utilizando um processo
complexo de sobreposição de resina. Os peixes
são pintados meticulosamente, camada por
camada, revelando-se, em cada “fatia”, um
pouco mais do resultado final, semelhante ao
processo de uma impressora 3D. O título,
‘Goldfish Salvation’, é uma referência pessoal a
um momento complicado que o artista
atravessou, e uma importante revelação que o
ajudou a ultrapassá-lo. Os ‘Goldfish’
tornaram-se, desde então, um símbolo da sua
identidade, representando tanto a força como a
fraqueza da humanidade.
Arthur Franklin Almeida:
 O Gigante de Boston

Como muitas das obras de arte famosas que a

precederam, o colorido mural que domina um
parque em frente da principal estação
ferroviária de Boston, na costa leste dos Estados
Unidos, provoca alguma controvérsia.
A pintura de 21 metros por 21 metros, feita pelos
gêmeos brasileiros Otávio e Gustavo Pandolfo, mostra
uma figura usando roupas brilhantes que não
combinam entre si e com o rosto envolto no que
parece ser um véu, mostrando apenas seus olhos
vesgos.O trabalho, em exibição até novembro de
2013, se tornou motivo de polêmica quando a estação
local da rede de TV Fox divulgou declarações de
pedestres que passavam pelo local e criticavam a
figura mascarada, que lembra um cartum. Alguns a
consideraram ameaçadora e pediram que fosse Aluna:Bruna Caroline Alves
removida do local.
 Houseball
O nome da escultura é Houseball, foi
criada pelos artistas Claes Oldenburg e
Coosje van Bruggen, no mesmo lugar
onde em 1735 construíram uma igreja,
, destruída na Segunda Guerra
Mundial. A igreja foi construída por
imigrantes da Boehmia. Houseball é
um símbolo dos poucos pertences
domésticos trazidos por esses
imigrantes que deixaram sua terra
natal católica, foram viver no exílio por
serem protestantes e estabeleceram-se
nesta área no século XVIII. aluna: Gabriela Ortiz
 Escultura : A Subtlety de Kara Walker
ano de 2014, Nova York

A Subtlety é uma obra de arte de

instalação de 2014 da artista americana
Kara Walker. Uma subtileza era
dominado por sua peça central, uma
escultura branca representando uma
mulher com traços africanos em forma
de esfinge, mas também incluía quinze
outras esculturas. O projeto foi
encomendado pela Creative Time e
subscrito pela empresa de
desenvolvimento imobiliário Two Trees,
com sede em Nova York, e foi construído
com materiais doados.

Aluna: Nicole Webber Muniz 1-1

 Le chant d’amour
Le chant d'amour (a Canção do amor) é uma das
obras mais famosas do pintor italiano Giorgio De
Chirico e é um exemplo inicial do estilo surrealista
mesmo sendo de 1994, 10 anos antes do movimento
ser "fundado" por André Breton em 1924.
A obra mostra o busto de uma escultura clássica,
uma bola de borracha, e uma luva de borracha em
uma tela entre alguns prédios com um trem passando
em uma cena que passa uma sensação de confusão.
O busto pode ser uma representação do
amor de De Chirico pela arte clássica e uma idade de
desaparecimento. De Chirico usa a luva de borracha
como um molde de uma mão que implica o vazio da
presença humana. Os edifícios montaram uma cena
que lembra as paisagens do passado de De Chirico.

Caroline Kruetzmann
 Autorretrato de Vik Muniz -

A arte de Vik Muniz, embora

contemporänea, transcende valores
simplesmente estéticos, levando seu
público a questionamentos sociais e
históricos e a novas interpretações em uma
releitura de clássicos, criando grande
empatia e intensa interatividade com a sua
obra.

Alunx:iosahdaousdhiasuhdçia
 Love Is In The Air- Banksy-2005

Essa obra é uma pintura mural feita em 2005 por Banksy

em Londres, nessa época a cidade britânica passava por
uma onda de protestos. Se analisarmos a pintura, é
possível observar um homem com o rosto coberto, ele
faz um movimento como se fosse atirar um coquetel
explosivo, porém, o que ele carrega é um ramo de flores.
A imagem exibe um paradoxo ao aliar um ato "violento"
com a delicadeza das flores. A obra foi escolhida para
ilustrar a capa do livro do artista Wall and Piece (2005),
traduzida como "Guerra e Spray".

Alunx: Isadora Aparecida Rodrigues

 Spatial Concept. Waiting - Lucio Fontana

Spatial Concept, Waiting faz parte de uma

série de obras que Fontana realizou em Milão
entre 1958 e 1968. Essas obras, que
consistem em uma tela que foi cortada uma
vez ou multiplicada, são conhecidas
coletivamente como Tagli ('cortes').

Alunx: Gustavo Neves

CILDO MEIRELES
Zero Dollar -1978
Vem de uma série de outras obras como o Zero Cruzeiro, Zero Cent, Zero centavo.

Aluno:Thaylor.F.Cardoso
Daniel Arsham, untitled
o artista sediado em Nova Iorque, estabelece uma
cooperação entre arte, arquitetura e performance,
assumindo-se como um artista num mundo de
arquitetos. Embora se tenha formado em arte, a
maioria dos seus amigos são, efetivamente,
arquitetos, demonstrando, as suas obras, o seu amor
pela forma e pela estrutura. Arsham é um artista
vanguardista, daqueles que não têm medo de
explorar e trabalhar diferentes dimensões. As suas
peças em 3D são obras de arte contemporânea
especialmente provocadoras, também pelo facto de
ele usar materiais inesperados.

Alunx: Isabelle Goetten Richter.

 Mona Cat, Romero Britto - 2004
Romero Britto é um artista plástico brasileiro de grande renome
internacional. Desenvolve trabalhos nas áreas da pintura, escultura e
serigrafia.
Romero Britto nasceu em Recife, Pernambuco, em 06 de outubro de
1963.
A obra se trata de uma releitura notável da conhecida obra: Mona Lisa. A
obra de Romero Britto reflete a cultura atual e serve de objeto para
reflexões sobre a arte. Ao analisar Mona Cat, que é um gato no lugar de
uma das mulheres mais famosas do mundo, uma questão sobre o culto aos
artistas e obras clássicos é levantada. Atualmente há uma série de artistas
novos e que encontram dificuldade, mesmo tendo um certo espaço, de se
consagrarem como mestres. As pessoas buscam conhecer apenas essas
obras famosas e não se permitem enxergar o mundo e a arte com outros
olhos, diferentes do clássico. Mona Cat é uma crítica bem-humorada que
tenta traduzir para os dias atuais, utilizando uma linguagem típica desses
tempos, um clássico da arte renascentista. Aluna: Lara C. Pedrão 1°1
Rabbit,Jeff Koons-1986

Nascido em York, no estado da Pensilvânia, filho de

Henry e Gloria Koons. Seu pai era negociante de
móveis e decorador de interiores e sua mãe,
costureira.
Jeff estudou pintura na Escola do Instituto de Arte de
Chicago. Nascido no dia 21 de janeiro de 1955 em
York, Pensilvânia, Estados Unidos
Imagem
"Ballon Dog (Orange)" detinha o recorde de trabalho
mais caro de um artista vivo, ao ser vendido por por
58 milhões de dólares, antes que esse recorde fosse
batido em 15 de novembro de 2018 pela obra
"Retrato de um Artista (Piscina com Duas Figuras)",
do artista britânico David Hockney, que por sua vez,
foi superado pelo próprio Koons, com "Rabbit", uma
escultura em aço.
Aluno:Ryan Biscaia
Stop and Search, Banksy - 2007
Banksy é um veterano artista de rua britânico, cujos trabalhos em
estêncil são facilmente encontrados nas ruas da cidade de Bristol,
mas também em Londres e em várias cidades do mundo .

Nessa obra, produzida em 2007 em Bethlehem, na Palestina, o

artista expõe um soldado sendo revistado por uma menina.

Aqui, ele propõe uma inversão de papéis em uma situação que

normalmente ocorre com civis, que é a de ser revistado pelas forças
armadas. A menina veste uma roupa cor-de-rosa e representa a
inocência.

A região palestina é marcada por intenso conflito entre judeus e

árabes, onde o povo árabe é exposto à extrema violência por parte
do Estado de Israel.

Aluno: Luiz Gabriel Lemos

Flyer cooper, Banksy - 2003
Flying Copper é um retrato de um policial
britânico do artista britânico Banksy . O
retrato é de um policial alado e
fortemente armado com um smiley
(Sorriso) amarelo substituindo seu rosto.

A peça foi exibida pela primeira vez em

papelão suspenso no teto na exposição
Turf War no East End de Londres em
2003. As serigrafias foram lançadas em
2003 com duas cores de fundo
diferentes; azul e rosa.

Aluno: Luiz Gabriel Lemos

 The Ceiling, China Collage Series

'The Ceiling' pertence à série China

Collage Chabet, criada de 1980 a 1985. O
título da série deriva de como Chabet
abriu um mapa da China e das
dificuldades que encontrou ao tentar
dobrá-lo de volta ao formato original. As
colagens apresentam elementos retirados
do seu entorno imediato, assumindo
assim o papel de uma janela para a sua
vida num determinado momento.

Artista: Roberto Chabet

Criação: 1985

Aluna: Sophia Souza

As origens de The Mellow Pad estão em
uma pintura anterior de 1931 de Davis
intitulada House and Street , agora mantida
pelo Whitney Museum of American Art
.Davis foi profundamente inspirado pela
música jazz, e os pontos irregulares, arcos,
curvas e formas da pintura são visualmente
paralelos aos ritmos sincopados do jazz.
Davis também atribui sua cor vibrante e
estilo ao jazz.Na verdade, o título da pintura
" The Mellow Pad " é um termo do jazz para
o estado emocional satisfatório alcançado
durante um "ponto ideal" na música

Artist: Stuart Davis

criação: 1945–1951 Aluno: Rafael Camargo Ortiz

 Urban Light
Artista: Chris Burden
Criação: 2008

Urban Light é uma escultura de montagem em larga

escala de Chris Burden, localizada na entrada do
Wilshire Boulevard no Museu de Arte do Condado
de Los Angeles. A instalação de 2008 consiste em
lâmpadas de rua restauradas das décadas de 1920 e
1930. A maioria deles iluminou as ruas do sul da
Califórnia. É composto por 202 postes de luz
dispostos em uma grade próxima. A maioria das
lâmpadas vinha das ruas do sul da Califórnia,
incluindo Hollywood, Glendale e Anaheim, com
algumas de Portland, Oregon. Existem 16 modelos
diferentes de postes de luz representados, muitos
dos quais foram encomendados para determinados Aluna: Rafaela Gomes de Souza
bairros e ruas.
James Corb australiano nascido em Queenland, James
Corbett faz esculturas com peças de carros velhos. Ele
começou esse trabalho em 1999, em seu país natal, e
passou a ganhar visibilidade imediatamente, tendo sua
primeira exibição nesse mesmo ano. As obras de James
vão de motos e carros a ovelhas e galos. O interessante é
que o artista não deforma os pedaços de carros que utiliza
no trabalho, ele procura manter a forma original das peças.
“As próprias partes são muitas vezes interessantes.
Algumas chegam a ter 80 anos”, diz o moço. James Corbett
já ganhou diversos prêmios, já apareceu em grandes
programas de TV e sua arte está espalhada pelo mundo
todo.James vive na cidade de Brisbane, na Austrália, e cria
incríveis esculturas desde 1998, quando era proprietário de
um ferro-velho especializado em motores e outras peças
de veículos.Numa tarde chuvosa de sábado, em 1998, ele
decidiu dar vida a pensamentos que tinha guardado por
algum tempo e começou a soldar algumas peças de carro.
nome da obra ferro velho

aluno rafael becker

projeto leva arte contemporânea carioca a cidade do
interior
Integram a exposição 30 fotos, pinturas, colagens e objetos, que fazem
referência à forma de observação, por meio da arte, das mudanças no
decorrer do processo histórico, seja na cultura, na política ou nos
movimentos sociais. Cada artista participante tem sua individualidade e a
união entre eles , com as subjetividades características de cada um, é o
que a exposição pretende mostrar ao público.

“A mostra instiga o público. Como traçar as conexões possíveis entre

obras tão diversas?”, pergunta o curador Áureo Mendonça. “Por
estarmos vivendo uma época em que o pensamento está sendo tão
adulterado por um processo midiático profundamente algoz, a arte se
apresenta como a oportunidade de reequiparmos nossos sentidos e
confirmarmos que um outro mundo é possível para além do âmbito do
discurso”, analisa.

As obras expostas se caracterizam pela diversidade, como nas colagens

de Patricia Tavares, a partir de materiais resgatados e herdados,
transformando e ressignificando seus fragmentos. Há também pinturas
baseadas em temas como a diáspora negra, presente nos trabalhos dos
artistas Rona e Reitchel Komch.

Aluna: Maria Luiza de Moraes Lemos

Rhythm
Esta performance foi a primeira da série
Rhythms, a fase inicial e uma das mais célebres
da sua carreira. Em Edimburgo, a artista
colocou diversas facas na sua frente e encenou
uma espécie de jogo com elas.

Marina pegava numa faca de cada vez e

passava com a lâmina no espaço entre os
dedos, rapidamente. Cada vez que falhava e
cortava a sua mão, trocava de faca e
recomeçava, tentando recriar os mesmos erros.

Artista : Marina Abramović

Criação:1973

Aluno: Lucas David Lopes