TEXTO 01: CONCEITOS FUNDAMENTAIS DA HISTÓRIA DA ARTE: O

PROBLEMA DA EVOLUÇÃO DOS ESTILOS NA ARTE MAIS RECENTE –

HEINRICH WOLFLINN - ICONOGRAFIA E ARTES – ANA PAULA
INTRODUÇÃO:
Em suas memórias, Ludwig Richter relembra uma passagem de sua juventude. Ele e
três outros companheiros decidiram pintar uma paisagem, e todos resolveram
firmemente não se distanciar da natureza nos mínimos detalhes. O resultado disso são
quatro telas completamente diferentes. Assim como as proporções às vezes tendem a ser
esbeltas e às vezes largas, para alguns a forma do corpo se mostrará dinâmica e rica,
enquanto para outros as mesmas protuberâncias e depressões serão mais para manter e
ver mais economicamente. Botticelli e Lorenzo di Credi eram pintores contemporâneos
da mesma origem: ambos eram florentinos. Os modelos Credi são sempre robustos. Não
é o caso de Botticelle, embora não seja difícil perceber que em ambos os casos o
conceito de forma está relacionado a algum conceito de beleza, deformidade e
movimento.
Em Terborch, o conjunto de figuras é levemente construído com bastante espaço entre
si; Metsu nos mostra algo maior e mais compacto. O estilo mais sério é o de Ruysdael.
Mais importante ainda, o recurso é a maneira como ele impede que formas isoladas se
dividam, fornecendo uma forte explicação para essas formas. Hobbema, por outro lado,
prefere linhas graciosas e ondulantes, volumes dispersos, topografia segmentada, vistas
e detalhes agradáveis: cada parte torna-se uma pequena pintura na obra. Então, à medida
que entendemos como certo conceito de forma está necessariamente associado a uma
determinada cor, passaremos a entender as características individuais de um estilo como
uma síntese geral de uma determinada expressão de temperamento. Isso significa que,
além do estilo pessoal, o estilo da escola, o estilo do país e o estilo da raça também
devem ser considerados.
Rubens eleva o horizonte à altura e dá um certo peso ao quadro ao sobrecarregá-lo de
elementos; tudo está relacionado. As poses tranquilas da pintura de figuras holandesas
também formam a base dos objetos do mundo arquitetônico. É na Itália que essa ideia é
melhor compreendida, pois a evolução do país não é afetada por influências externas e
as características gerais do caráter italiano são plenamente reconhecíveis em todas as
transformações. A transição do Renascimento para o Barroco é um exemplo muito
instrutivo de como o espírito da Nova Era exige novas formas. Nada é mais natural para
a história da arte do que traçar paralelos entre movimentos culturais e períodos
estilísticos. O conceito básico do Renascimento italiano era o de proporções perfeitas.
O estilo barroco usa o mesmo sistema formal, mas o que oferece não é perfeito e
completo, mas emocionante e variado; portanto, o artista obviamente não está muito
interessado nas questões históricas do estilo. Eles olham para o trabalho apenas em
termos de qualidade: é bom, auto-suficiente e onde a natureza encontra expressão clara
e poderosa? Todo o resto é mais ou menos indiferente. É natural que os artistas
destaquem as normas gerais da arte, mas não podemos criticar os observadores
históricos pelo interesse pela diversidade das expressões artísticas. No entanto, se
colocarmos os desenhos dos dois mestres (Bernini e Terborch) lado a lado e
compararmos os aspectos gerais da técnica, teremos que admitir que há claras
semelhanças entre eles. Ambos têm uma maneira de olhar para pontos em vez de linhas,
que podemos chamar de imagens.
O conteúdo da imitação, os elementos materiais, podem ser os mais díspares; o ponto
chave é que o design em cada caso é baseado em um padrão visual diferente – um
padrão que tem raízes mais profundas do que o simples problema de imitar o progresso.
O estudo envolve-se em uma discussão sobre formas universais de representação. Seu
objetivo não é analisar a beleza da obra de Leonardo ou Dürer, mas analisar os
elementos que formam essa beleza. Todas as fontes históricas estão em constante
mudança. Salvo engano, a evolução pode ser resumida nos seguintes cinco pares de
conceitos: Evolução do linear ao gráfico, em geral, a percepção dos objetos através dos
aspectos tangíveis dos contornos e superfícies. A evolução do plano para a profundidade
e a arte clássica organiza partes de um todo formal em camadas planas, enquanto a arte
barroca enfatiza a profundidade. É a evolução da forma fechada para a forma aberta.
Qualquer obra de arte no geral é completamente fechada, seria um problema não termos
a sensação de que ela está presa a ela mesma, é a evolução da diversidade para a
unidade. No método da formação clássica cada parte dela apesar de estar enraizada em
um tipo de união com outros elementos, ela possui uma determinada independência.