Apostila de Arte

Aula 01 – Linguagens Corporais

Habilidade: (EM13LGG501) Selecionar e utilizar movimentos corporais de forma consciente e
intencional para interagir socialmente em práticas corporais, de modo a estabelecer relações
construtivas, empáticas, éticas e de respeito às diferenças.
Objeto de Conhecimento: Conhecer várias linguagens corporais atraves de paralelos feitos entre a
dança de rua e dança clássica.

O que é a Linguagem Corporal?

A linguagem corporal, também chamada de não verbal, é uma forma de comunicação do

nosso corpo, relacionada à maneira como ele se expressa.
Ela pode ser caracterizada como um conjunto de gestos, expressões faciais, olhares,
posturas e outros movimentos conscientes ou não, sutis ou mais explícitos, que transmite
informações relevantes em um diálogo sem palavras.
Cada manifestação tem um sentido próprio dentro do contexto comunicacional e pode se dar
desde por uma troca de olhares mais demorada até um tremer de perna incansável.
No entanto, como esses sinais são subjetivos, eles nem sempre conseguem ser
interpretados conforme deveriam e muitos passam despercebidos, tanto por quem os emite, quanto
para quem os recebe.
Isso acontece porque, muitas vezes, a linguagem corporal se dá a partir de impulsos
inconscientes ou de estímulos quase ocultos de tão sutis.

A linguagem corporal pode ser caracterizada de diversas formas, como, por exemplo, a
negativa e a de autoconfiança.
Outra maneira de definir os diferentes tipos de comunicação não verbal é a partir de
uma abordagem mais técnica.
Nesse caso, existem cinco categorias principais:

 Cinésica: que são os movimentos, gestos e expressões corporais

 Proxêmica: que é a maneira como se utiliza a área física de um espaço
 Tacêsica: que analisa o tato, o toque, como um aperto de mão, por exemplo
 Paralinguagem: que analisa mudanças no tom de voz
 Características físicas: que leva em conta a forma do corpo e a aparência.
Também existe uma ciência específica que se dedica a estudar a linguagem corporal e suas
possíveis interpretações em diferentes contextos e situações, que é a Quinésica.

Quais Os Exemplos De Linguagem Corporal E Seus Significados?

Agora, vamos deixar a teoria um pouco de lado para conhecer exemplos práticos de
alguns comportamentos clássicos da linguagem corporal e seus significados.
 Confira estas novas situações abaixo e o que cada uma delas quer dizer nas entrelinhas:

Mãos Na Cintura
É um sinal que indica impaciência e pressa para resolver um determinado assunto.
Normalmente, é um recurso utilizado para chamar atenção e demonstrar que algo urgente
precisa ser tratado.

Olhar Desfocado
Costuma demonstrar confusão mental ou falta de interesse no que está sendo dito ou
apresentado. Também pode ser um sinal de insegurança quando alguém está fazendo uma fala
importante.

OIhar Fixo
O olhar fixo pode indicar diversos tipos de sentimento, por isso, aqui o importante é tentar
analisar para onde a pessoa está olhando.
Caso seja um olhar, predominantemente, para baixo, para o chão, ele pode denotar tristeza,
vergonha ou desânimo.
Já um olhar fixo nos olhos do outro é algo positivo, desde que não seja algo demasiado, pois
significa atenção e a busca por uma conexão mais profunda.
Quando se torna muito intenso, no entanto, esse ―olho no olho‖ pode gerar incômodo e
desconforto.

Mão Na Boca
Colocar a mão na boca ou em suas
proximidades normalmente indica que
a pessoa está mentindo ou não tem
segurança no que está falando.
Funciona como se, ―inconscientemente‖
(o uso das aspas é porque vimos que nada é
inconsciente), o locutor tentasse impedir que
as palavras saíssem.

Testa Contraída
Quando uma pessoa com quem você está conversando enruga a testa, raramente é um bom
sinal. Isso porque essas linhas de expressão contraídas significam dúvida, tensão e até
nervosismo.
 Lábios Comprimidos
De certa maneira, lembra um pouco os sinais que a mão na boca envia, que são os de evitar
dizer algo. Aqui, no entanto, não significa faltar com a verdade, mas sim não se comprometer com
uma opinião polêmica ou contrária, por exemplo.

Postura Neutra
Como o próprio nome já diz, passa uma ideia de neutralidade, que você só está assimilando
as informações sem qualquer tipo de julgamento. Os braços livres e soltos ao lado do corpo
ajudam a passar essa sensação.

Pernas Cruzadas
A posição das pernas também diz muito sobre você. Quando elas estão cruzadas, podem
demonstrar confiança e firmeza, mas cuidado para não ficar uma conversa inteira nessa posição,
pois ela também pode denotar falta de abertura para o diálogo.

Braços Cruzados
É um clássico comportamento pacificador, que Navarro defende em seu livro. Ou seja, é
um recurso que utilizamos para nos sentirmos mais à vontade em situações tensas ou
desconfortáveis por alguma razão.

Como A Linguagem Corporal Influencia Nossa Vida?

A linguagem corporal está presente em todas as relações e ambientes da nossa vida.

No trabalho, com o relacionamento com os colegas, as lideranças e os clientes.
Na esfera privada, com seus familiares e amigos, e mesmo com pessoas que sequer temos
algum nível de proximidade.
A comunicação não verbal vai aparecer de alguma forma, mesmo que de maneira
―inconsciente‖ e a maneira como você lida com ela vai influenciar as suas relações.
Isso porque a linguagem corporal diz muito sobre nós e sobre como as demais pessoas nos
enxergam.
Se você assume uma postura mais autoconfiante, com gestos, expressões e comportamentos
mais positivos, por exemplo, é assim que será visto por quem está ao seu redor.
Além disso, é provável que, dessa maneira, você seja uma pessoa mais agregadora, que
atraia mais ―seguidores‖.
Por outro lado, uma linguagem corporal mais negativa tende a afastar mais os outros ou
gerar preocupações das pessoas.
Ou seja, a sua comunicação não verbal fala e muito sobre você e a maneira como as pessoas
o vêem.
 Antes de iniciarmos de fato o conteúdo sobre a Dança, uma vez que é necessário falar
sobre linguagens corporais, nada mais justo do que conhecê-las de fato. Na aula de hoje você
conheceu algumas posturas corporais e como elas influenciam em nossa comunicação.
Agora, você irá aprender novas dicas, e praticá-las. Vamos todos nos levantar e escolher um
colega ao lado, para demonstrar o que você aprendeu na aula de hoje. Faça uma breve
apresentação sobre você utilizando as dicas do texto e as sugeridas abaixo.
Confira abaixo Dicas para aperfeiçoar sua linguagem corporal.
Para garantir uma linguagem corporal mais segura e autoconfiante, buscando uma imagem
positiva ao seu respeito, confira estas oito dicas que separamos para você:

Baixe O Ritmo
Demonstrar agitação nunca é um bom sinal na linguagem corporal, pois denota
intranquilidade e nervosismo.
Por isso, a dica é sempre tentar respirar fundo e baixar o ritmo.
Nada de atropelar as palavras e fazer movimentos muito bruscos.
O equilíbrio e o autocontrole são sempre a melhor saída nesses casos.

Sorria Da Medida Certa

Um sorriso vale mais do que mil palavras, especialmente se ele for utilizado nas
circunstâncias e na intensidade correta.
Mostrar os dentes em forma de risada é uma excelente maneira de tornar o ambiente mais
leve e quebrar o gelo.
No entanto, em excesso, pode demonstrar desespero.

Relaxe
A postura relaxada transmite confiança e segurança para as pessoas.
É uma maneira de demonstrar que você sabe o que está fazendo e nada parece abalá-lo.
Uma demonstração de relaxamento é soltar bem os ombros, fazer movimentos contínuos e
fluidos e ter um semblante sem qualquer preocupação aparente.
Essas dicas são válidas, em especial, para momentos de profundo estresse, com
uma reunião importante, por exemplo, onde a sua postura pode contagiar o restante das pessoas.

Olhe Nos Olhos

Os olhos são as janelas da alma e, por isso, é muito difícil esconder qualquer tipo de
informação quando se está olhando diretamente para eles.
 Além disso, esse tipo de abordagem é ideal para quem busca estabelecer uma relação de
confiança, como uma negociação com um cliente ou fornecedor, por exemplo.
Caso ache um pouco desconfortável ficar encarando uma pessoa por muito tempo, pode
desviar o olhar de tempos em tempos e mudar seu foco para as sobrancelhas dela também.
Assim, você também evita constrangimentos desnecessários, sem perder o controle do
debate.

Observe O Ambiente
Certos lugares possuem determinados códigos de conduta, como escritórios e ambientes
corporativos.
Por isso, também é importante ficar atento a como se dá a linguagem corporal das pessoas
que frequentam esses locais para se integrar da melhor forma.

Domine O Aperto De Mão

Assim como em uma conversa tradicional, é importante você demonstrar o controle das
ações logo de cara.
Na linguagem corporal, isso se faz na apresentação, no aperto de mão.
Você deve dominar esse cumprimento, com a força exata, sem ser muito forte e nem muito
solto, e sempre com a palma da mão voltada para baixo.

Neutralidade É Tudo
Uma postura neutra e equilibrada é sempre a melhor solução.
Por isso, evite ficar de braços cruzados, ainda que seja um mecanismo de defesa, e procure
se manter aberto ao diálogo em todas as oportunidades.
Outra dica é tentar espelhar os gestos da pessoa com quem você está conversando,
buscando uma conexão.

Desenvolva O Autoconhecimento
Ter autoconhecimento diz respeito a saber gerenciar melhor os seus sentimentos e, como
vimos, o controle das emoções tem tudo a ver com a linguagem corporal.
Ao trabalhar essa habilidade, você vai estar mais perto de ter uma comunicação não verbal
mais assertiva e adequada aos seus objetivos.

Gostou do Assunto? Quer aperfeiçoar seus conhecimentos? Se ligue nas indicações abaixo:

Como Estudar Linguagem Corporal?

Existem diversas maneiras de você aprofundar os conhecimentos sobre linguagem corporal e
se tornar um expert no assunto.
 Livros como O que todo o corpo fala, de Joe Navarro, são sempre uma excelente alternativa,
mas você também pode optar por uma formação mais profissional, através de cursos específicos.
Abaixo, separamos opções para as duas linhas.

Livros De Linguagem Corporal

Os livros de linguagem corporal podem trazer uma visão teórica mais profunda sobre o tema.
A seguir, bons títulos a respeito desse assunto:

 Desvendando os segredos da linguagem corporal, de Allan e Barbara Pease

 Comporte-se, a biologia humana em nosso melhor e pior, de Robert M. Sapolsky
 O corpo fala: a linguagem silenciosa da comunicação não-verbal, de Pierre Weil e Roland
Tompakow
 Linguagem corporal dos líderes: como essa linguagem silenciosa pode ajudar, de Carol
Kinsey Goman
 A linguagem corporal no trabalho: como causar uma boa impressão e se destacar na
carreira, de Allan e Barbara Pease.

Curso De Linguagem Corporal

Agora, se você quiser ter lições mais práticas sobre comunicação não verbal, os cursos de
linguagem corporal são a sua melhor escolha.
Confira algumas opções abaixo:

 In Body Language  Academia Internacional de

 Instituto Brasileiro de Linguagem Linguagem Corporal
Corporal (IBRALC)  JN Body Language Academy
 Center for Body Language.
Conclusão

Desenvolver a comunicação é um investimento que qualquer pessoa deveria fazer. Muitas

vezes, contudo, quem trabalha essa habilidade acaba focando mais na oratória, deixando de lado
a linguagem corporal.
Não cometa esse erro!
Invista também na comunicação não verbal, cause uma boa impressão no meio corporativo e
conquiste a carreira dos seus sonhos. Outra dica para se dar bem na sua trajetória profissional é
ficar de olho nos principais assuntos sobre administração, empreendedorismo e performance
empresarial.
Fonte do Texto: https://fia.com.br/blog/linguagem-corporal/
 Aula 02 – Linguagens Corporais – Dança de Rua e Dança Clássica
Habilidade: (EM13LGG501) Selecionar e utilizar movimentos corporais de forma consciente e
intencional para interagir socialmente em práticas corporais, de modo a estabelecer relações
construtivas, empáticas, éticas e de respeito às diferenças.
Objeto de Conhecimento: Conhecer várias linguagens corporais atraves de paralelos feitos entre a
dança de rua e dança clássica.

Dança de Rua
A dança de rua, ou Street Dance é um conjunto de estilos de danças que possuem
movimentos detalhados (acompanhados de expressão facial), com as seguintes características:
 Fortes
 Sincronizados e harmoniosos
 Rápidos
 Simétricos de pernas, braços, cabeça
e ombros
 Assimétricos de pernas, braços,
cabeça e ombros
 Coreografados

As músicas, independente do estilo de Street Dance, têm a batida forte como principal
característica.
A dança de rua originou-se nos Estados Unidos, em 1929, época da quebra da bolsa de Nova
York e da grande crise econômica. Músicos e dançarinos dos cabarés americanos urbanos,
desempregados como consequência da crise, passaram a realizar suas performances nas ruas.
Nas décadas seguintes (30 e 40) outros ritmos de origem afro-americana, como o Blues e o
Rhytm and Blues influenciaram a dança de rua. No fim dos anos 60, o cantor americano James
Brown criou um novo ritmo que influenciou muito a dança de rua: o Soul (ritmo de origem afro-
americana).

Mais tarde, o funk (também de James

Brown), a música Disco e o Rap também
influenciaram a dança de rua. O Breaking
surgiu na década de 80 como uma vertente da
dança de rua, e foi disseminado pelo mundo
rapidamente, tendo como principal precursor o
americano Michael Jackson.

Michael Jackson e James Brown

 Mais do que um estilo de dança influenciado por vários ritmos, a dança de rua sempre foi
associada à cultura e a identidade negra, sobretudo a partir da década de 70. Nesse período, o
movimento que teve início com a dança se estendeu para outras manifestações culturais e artísticas,
como a pintura, a poesia, o grafite e o visual (modo de se vestir, de andar, etc.). A esse novo estilo
nascido nos guetos nova-iorquinos (Bronx, Brooklin e Harlem) deu-se o nome de Hip – Hop.

Os quatro elementos culturais que

compõem o movimento Hip – Hop são: rap
(ritmo e poesia), grafites (assinaturas), Dj’s e
Mc’s, e Street Dance.

Alguns autores dividem a dança de rua em dois tipos: o Hip – Hop (movimento cultural, de
rua) e a Street Dance (dança oriunda de academias e escolas de dança).

Dança Clássica
A dança clássica, também conhecida como ballet, é um tipo de dança que reúne uma série de
técnicas e movimentos específicos. Por outro lado, o ballet é o nome que permite fazer referência à
peça musical composta para ser interpretada através da dança.
A dança clássica é composta de cinco posições, as quis foram registradas pelo dançarino,
compositor e coreógrafo na corte, o francês Pierre Beauchamp, as quais são conhecidas como:
primeira posição, segunda posição, terceira posição, quarta posição e quinta posição.
Esta dança surgiu durante o Renascimento, na altura em que os casamentos e os eventos
aristocráticos eram celebrados com bailarinos da corte, os quais mostravam as suas destrezas. Com
o passar do tempo, os movimentos e os passos foram-se aperfeiçoando.
Quando, no século XVIII, houve maior atenção para a dança e a música, as bailarinas
sentiram a necessidade de roupas que não limitasse seus movimentos, tendo em vista que, nessa
época, saltos e giros no ar estavam entre as principais atrações e as mulheres não podiam fazer
isso devido a sua vestimenta.
Foi aí que Marie Ann Cupis de Camargo, uma bailarina belga e uma das mais importantes da
história da dança clássica, tratou de alterar suas vestimentas.
Ela reduziu a altura dos saltos e encurtou as suas saias a fim de ter uma roupa que não
limitasse sues movimentos ao realizar a dança clássica.
Marie Ann Cupis de Camargo foi a responsável por incrementar muitas das técnicas da dança
clássica.
 O ballet pode constituir uma peça autónoma ou ser intercalado dentro de uma ópera ou de
uma obra de teatro. Dos vários estilos de dança clássica, mencionaremos o ballet cortesão, o ballet
romântico e o ballet de ação.
A dança clássica exige uma grande concentração por parte do bailarino, o qual deve executar
movimentos corporais com muita precisão, coordenação e graciosidade. O treino é imprescindível, já
que muitas das formas do ballet requerem elasticidade e flexibilidade.
A dança clássica é composta de cinco posições, as quais foram registradas pelo dançarino,
compositor e coreógrafo na corte, o francês Pierre Beauchamp, as quais são conhecidas como:
primeira posição, segunda posição, terceira posição, quarta posição e quinta posição.

O vestuário ocupa um papel fundamental na dança clássica. Os bailarinos usam roupa

aderente ao corpo de modo a que os seus movimentos possam ser apreciados com maior facilidade.
As bailarinas usam uma saia conhecida como ―tutu‖, já os homens utilizam um collant. Calçam
sapatilhas de dança com sola flexível e pontas dotadas de proteções, permitindo que a bailarina
possa sustentar todo o peso do corpo com a ponta dos pés.
No entanto, esta prática é arriscada, pois é necessária uma grande força nas pernas e pode
causar lesões ou fraturas, para além das dores causadas nos dedos dos pés.
A dança clássica é tão importante para a história da dança em geral que ela serviu como base
para muitos outros estilos de dança como: o jazz, o hip hop, a dança moderna e contemporânea e
até mesmo para o sapateado e a dança oriental também.
A palavra em francês ―ballet‖ (balé), que também é usada para se referir à dança clássica,
teve origem no termo em latim ―balletto‖ que é um diminutivo para ―balleto‖ (dança).
Fonte dos textos: https://www.infoescola.com/danca/danca-de-rua/ e https://conceito.de/danca-classica
Questão 01 – Sabemos que a dança clássica surge bem antes das danças e rua, sendo a
precursora de ritmos como o jazz, hip hop e a dança moderna e contemporânea. O hip hop
portanto trata-se não só de um estilo de dança e música, mas sim de um movimento, que
possui elementos muito importantes em sua composição. Quais são estes elementos?
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Questão 02 – Quando foi que a dança clássica surgiu?
a) Impressionismo c) Surrealismo
b) Renascimento d) Pós- Impressionismo

Questão 03 – O grafite é uma arte que tem grande representatividade na sociedade, pois
estampa os problemas e críticas sociais de forma a atingir o público-alvo que necessita ser
representado bem como o público que precisa buscar soluções para tais problemas. Pense
um pouco em sua comunidade, e estampe no muro abaixo, a prospecção de um grafite.
Imagine como se você precisasse passar uma mensagem importante ou fazer alguma crítica
ao que acontece em seu bairro ou cidade. Represente sua comunidade e não se esqueça que
o grafite além de assinatura, é uma marca, um desenho com uma simbologia bem forte, use
bem as cores.
 Aula 03 – Dança Africana e Dança indígena
Habilidade: (EM13LGG502) Analisar criticamente preconceitos, estereótipos e relações de poder
presentes nas práticas corporais, adotando posicionamento contrário a qualquer manifestação de
injustiça e desrespeito a direitos humanos e valores democráticos.
Objeto de Conhecimento: Conhecer as manifestações de dança popular e sobretudo, africana e
indígena.

Danças Africanas
Manifestação cultural da África
As danças africanas são consideradas manifestações culturais dos povos africanos, que
costumam se expressar ritualmente. A maioria dos ritmos africanos estão relacionadas aos aspectos
religiosos. Por isso, em algumas danças, o corpo serve como uma espécie de ligação entre a Terra
e os mundos espirituais.

Características
Uma característica muito peculiar das danças africanas é a maneira como os grupos se
organizam para dançar. Geralmente, eles formam círculos, fileira ou semicírculos, além de valorizar
a participação de toda a comunidade. Os instrumentos de percussão são objetos marcantes das
danças africanas. Muitos desses movimentos são realizados para celebrar algum acontecimento
importante, como: casamento, agradecimentos, rituais de passagem ou até para celebrar a morte,
seguindo a cultura de cada povo.
Com relação a religiosidade, os ritmos dançados são considerados como um elemento de
passagem para o mundo espiritual, onde os africanos acreditam que o participante é levado para
outro local após um transe. Nas danças onde há uma influência espiritual maior, existem a crença de
que, dependendo do ritual, a coreografia deve ser executada com os pés descalços a fim de
promover a ligação do espírito com a Terra.

Tipos de danças
O continente africano engloba vários estilos de dança. Cada uma com suas características
próprias, que envolvem performance, ritmos, crenças e outros. Abaixo seguem algumas danças
selecionadas.
Ahouach
O ahouach é um ritmo que valoriza a união da comunidade. Os instrumentos utilizados
carregam uma tradição e são fabricados em pele de cabra. As coreografias, exercidas pelos povos
berberes (nativos do norte da África), são caracterizadas pelo balanço dos corpos dos bailarinos.
Além disso, eles enfeitam os corpos com joias esculpidas em pedras e âmbar.
Gnawa
A gnawa é um dos estilos de danças africanas ligado à morte e a passagem de um mundo
para o outro. Nela, os bailarinos se vestem de branco e usam chapéus pretos preenchidos de
adornos, que incluem amuletos, talismãs, contas e conchas. Ao cultuarem a presença do Deus
Hadra, eles posicionam-se em linha reta ou círculo, enquanto executam danças acrobáticas, batem
palmas e tocam os tambores.

Guedra
A guedra é um estilo de dança
tradicional do deserto do Saara, mais popular
em países como a Mauritânia, Marrocos e o
Egito. Popularmente conhecida como ritual
das mulheres de azul, ―Guedra‖ significa:
―aquela que faz ritual‖. Dessa forma, os
bailarinos, realizam símbolos místicos em
agradecimento ao ar, terra, fogo e água. Eles
ainda fazem movimentos antigos para
abençoar todos que estão presentes, incluindo
pessoas e espíritos.

Mulheres antes de dançar a Guedra. (Foto: Wikipedia)

Danças da Angola
Na Angola, entre as décadas de 50 e 70, costumavam acontecer os bailes organizados por
amigos. Nessa época, as pessoas dançavam ao som de muitos instrumentos utilizados até os dias
atuais.
Antes os atuais estilos de danças africanas eram chamadas de ―dança dos operários‖ ou
―dança de marginais‖, pois eram praticadas por homens de festa ou homens farristas como eram
classificados. Além disso, as danças foram iniciadas em bairros suburbanos de Luanda. Elas eram
dançadas nas ruas ou nos quintais das casas.
Com o tempo, os ritmos foram levados para dentro das salas de baile e deixou de ser uma
dança de operários para se tornar um ritmo de todos. Os burgueses, inclusive, já dançavam as
músicas, mas ainda de forma escondida, visto que a dança sofria bastante preconceito.
As pessoas dançavam ao som do sembaera ou semba, também chamado de umbigada, um
dos ritmos que deu origem ao samba brasileiro. Os bailes frequentados pelas "turmas" eram
chamados as boas " kizombadas" ou "festas de quintal".
Kizomba
A kizomba é um dos ritmos que se espalhou por todo o continente, chegando até ao Brasil,
embora ela tenha surgido na Angola. A kizomba é um ritmo adaptado dos antigos merengues
angolanos como a semba, a maringa e o caduque. ―Kizomba‖ significa ―festa‖, e sua origem é
proveniente das farras ou bailes, que aconteciam na Angola durante as décadas de 50 e 70. Uma
das grandes influências do quizomba no Brasil é o zouk. Como os passos são muito semelhantes,
às vezes os ritmos se confundem.
 Kuduro
O kuduro conquistou o gosto popular devido as suas letras carregadas de humor e
simplicidade. Embora seja conhecido como um gênero musical, o kuduro nasceu no final da década
de 80, em Angola, como uma dança. Depois de alguns anos, a dança se modernizou e aderiu uma
nova roupagem, o que contribuiu significativamente para que ele conquistasse o mundo.

Danças africanas no Brasil

Na época do Brasil colônia, o país recebeu mais de 4 milhões de africanos capturados dos
seus países de origem. Eles foram trazidos para serem escravizados pelos donos de propriedades
rurais em diversas atividades domésticas e de lavoura.
Embora eles tenham deixado todos os seus bens materiais, os africanos trouxeram para os
navios negreiros a rica diversidade cultural dos seus países. Assim, a cultura brasileira ficou
marcada pela herança de danças relacionadas às tradições afro-brasileiras. As mais populares são
a capoeira; congada; jongo; maracatu e samba de roda.

Danças indígenas
Conheça as principais danças e suas características

As danças indígenas possuem objetivos diferentes de outra danças porque são realizadas
como rituais representando seus costumes. Conheça as principais danças indígenas.

As danças são encontradas em diferentes culturas e povos, mas quando se fala da dança
em comunidades indígenas, elas se diferem totalmente em relação as danças típicas e comuns de
outras culturas.
Isso se dá porque a dança indígena acontece como forma de ritual e demonstração de
costumes. As danças indígenas podem ter o intuito de fazer homenagem a pessoas mortas,
expulsar doenças, espantar maus espíritos, agradecer pela colheita, pesca e caça, marcar a
mudança de fase do jovem para a idade adulta, preparar para guerra, entre outros.

Além disso, as danças indígenas são as principais conexões entre os índios com as entidades
e espíritos da floresta.
 Essas danças podem ser realizadas por um simples indivíduo, ou um grupo. Mulheres e
homens podem participar da danças e eles costumam utilizar alguns objetos, como símbolos,
amuletos, instrumentos musicais, pinturas e outros.
Os movimentos das danças são de caráter artísticos com passos, movimentos e balanços
com inspiração na fauna e na flora.
Existem diversas danças indígenas no brasil, mas algumas delas são as mais conhecidas.
Conheça as principais danças indígenas brasileiras.

Danças indígenas brasileiras mais conhecidas

Kuarup

Karup ou Quarup é o nome de uma

Comemoração do Kuarup com os índios do Xingu.
árvore sagrada e representa um ritual de
reverência aos mortos. Essa dança vem dos
índios do Alto Xingu, localizados no Mato
Grosso.
Pode-se pensar que por ser uma dança
aos mortos essa seja uma dança melancólica,
mas não! Essa dança é uma das mais alegres
danças indígenas brasileiras.

O ritual tem como objetivo trazer os mortos à vida e tem várias etapas. A primeira é a
recepção dos índios de outras aldeias. Após isso, se reúnem ao redor do tronco de Karup. Depois de
outras etapas, os índios jogam o tronco nos rios.

Dança da onça

Dança da onça, dança indígena que

enaltece um caçador que teria matado o
animal com as próprias mãos. É realizada
pelos índios Bororo, no Mato Grosso. A dança
da onça é uma representação do jovem índio
que se tornou um bravo caçador e matou a
onça com as próprias mãos.

O dançarino que representa alma da onça é coberto com pele desse animal e máscara de
franjas de palmeira que disfarçam seus pés e mãos. Esse índio vai dançando, dando batidas de pés
e pulos, sendo seguido pelo pajé e por toda a tribo.
 Toré

A dança Toré é popular entre os povos

Toré, dança indígena típica dos índios
do nordeste brasileiro.
indígena do brasil e várias aldeias performam
como ritual. Além disso, é considerado o
símbolo de maior união e resistência entre os
índios do Nordeste brasileiro.
Os principais povos que realizam esse
ritual são Kariri-xocó, Xukuru-kariri, Pankararú,
Tuxá, (índios de Pernambuco) Pankararé,
Geripancó, Kantaruré, Kiriri, Pataxó,
Tupinambá, Tumbalalá, Pataxó Hã-hã-hãe,
Wassu Cocal, entre outros.

É realizada em uma clareira, de forma que os índios façam um grande círculo. Então a dança
se inicia e os índios dançam dando passos para o lado e o círculo vai rodando no próprio eixo.
A dança toda se realiza ao som de maracás, que são chocalhos tribais feitos a partir de uma
cabaça oca, contendo grãos, sementes ou pedras em seu interior.
Kahê-Tuagê

Esse ritual é realizado para evocar as entidades que controlam o tempo. É feito pelos índios
Kanela, da região do Rio Tocantins, na época das secas e seu objetivo é trazer a chuva.
Uma curiosidade é que essa é umas das danças em que a personagem principal é uma
mulher, porque a entidade que controla a seca, de acordo com a cultura indígena, é feminina.
A dança é realizada por um índia que fica no centro de uma fila de jovens, que ainda não
tiveram filhos. As jovens em fila ficam de joelhos dobrados balançando os braços e o corpo para
frente e para trás, sem sair do lugar.
Atiaru

Esse ritual tem características

espirituais, realizado para afastar maus
espíritos e, com isso, atrair os bons.
A dança é feita próximo ao momento do
pôr do sol e podem participar tanto homens,
quanto mulheres. Os índios usam adereços
como cocares de plumas, colares, pulseiras e

Atiaru, dança indígena de caráter espiritual. chocalhos amarrados nos pés.

 Jacundá

Essa dança representa a pescaria. É muito popular no Pará e tem diversas modalidades no
interior do país.
Os dançarinos distribuem-se em um círculo, onde homens e mulheres se intercalam.
No centro fica um índio e uma índia como se fossem um peixe e, cantando e dançando,
tentam fugir desse círculo. Quem deixar eles escaparem do círculo entra no meio da roda no lugar
dos que fugiram.

Fontes dos Textos: https://www.educamaisbrasil.com.br/enem/educacao-fisica/dancas-africanas e

https://escolaeducacao.com.br/dancas-indigenas/

Questão 01 – Quais as características das Danças Africanas? E das Indígenas?

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Questão 02 – Ao conhecer as danças Africanas e Indígenas, é notória a necessidade de
ambas em rituais e comemorações. É através da dança que estes povos representam suas
lutas e manifestos. Justifique esta afirmação com base no que foi estudado nos textos.
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Questão 03 – Conforme as danças indígenas, relacione a segunda coluna de acordo com a
primeira:
( A ) Dança da Onça ( B ) Toré ( C ) Kahê-Tuagê ( D ) Atiaru ( E ) Jacundá

( ) Essa dança representa a pescaria. É muito popular no Pará e tem diversas modalidades no
interior do país. Os dançarinos distribuem-se em um círculo, onde homens e mulheres se intercalam.
( ) A dança é feita próximo ao momento do pôr do sol e podem participar tanto homens, quanto
mulheres. Os índios usam adereços como cocares de plumas, colares, pulseiras e chocalhos
amarrados nos pés.
( ) Esse ritual é realizado para evocar as entidades que controlam o tempo. É feito pelos índios
Kanela, da região do Rio Tocantins, na época das secas e seu objetivo é trazer a chuva.
( ) É popular entre os povos indígena do brasil e várias aldeias performam como ritual. Além disso,
é considerado o símbolo de maior união e resistência entre os índios do Nordeste brasileiro.

( ) É realizada pelos índios Bororo, no Mato Grosso. A dança é uma representação do jovem índio
que se tornou um bravo caçador e matou um animal com as próprias mãos.

Questão 04 – Nos textos acima, você conheceu algumas danças africanas. Procure no Caça-
palavras a seguir, novas danças africanas.

Danças Africanas

As palavras deste caça palavras estão escondidas na horizontal, vertical e diagonal, sem palavras ao
contrário.

C C A P O E I R A C E T

N O G U E D R A C E M S

T C K I Z O M B A A P C

O K K U D U R O R I I H

K I J O N G O A D B R I

A I T E A N C R D C W K

Z S A M B A D E R O D A

U E N M T W P B E N N T

K N A U E A U I R G T T

U E W N N B L T H A N Y

T C U Y T N R A A D A H

A M N E A A H O U A C H

AHOUACH / CAPOEIRA / CONGADA / GNAWA / GUEDRA / JONGO / KAZUKUTA / KIZOMBA / KUDURO

/ MARACATU / REBITA / SAMBADERODA / SCHIKATT
 Aula 04 – Outros Estilos de Dança e Suas Funções
Habilidade: (EM13LGG503) Vivenciar práticas corporais e significá-las em seu projeto de vida,
como forma de autoconhecimento, autocuidado com o corpo e com a saúde, socialização e
entretenimento.
(EM13LGG504) Propiciar vicências holísticas (yoga, meditação, tai chi chuan, entre outras) para o
desenvolvimento de percepções de mundo, subjetividades pessoais, sensibilidade mental, de forma
a construir uma vida melhor em sociedade.
Objeto de Conhecimento: Experimentar estilos de danças que dialoguem com as realidades do
estudante.
Propiciar vivências com obras musicais, visuais, escultóricas, entre outras, que ajudem na
concentração e no autocontrole.

Relação da Música, Dança e Artes Visuais na concentração e autocontrole.

Como já vimos até aqui, a dança tem uma função muito importante no nosso cotidiano. Ela
transmite emoções, mensagens, críticas, representa rituais e lutas. E o mais importante é que a
dança é um símbolo de expressão de sentimentos e muito usada para o bem-estar do corpo e da
mente. Quem pratica exercícios como a dança, possui muitos benefícios, físicos e psíquicos.
Agora, pense na junção da dança, música e artes visuais no processo de trabalhos como os
de autoconhecimento, autocontrole e concentração. Não é a toa que um artista das artes plásticas
goste de música quando está produzindo suas obras, ou um fotógrafo que goste de registrar
movimentos e expressões, bem como, há aqueles que nada disso usam, mas algo destes produz no
seu mais vasto silêncio. O silêncio também é arte, pois sabemos que na música tem o espaço para o
som e para o silêncio. Pensando assim, é sabido que esta metodologia tem sido utilizada há muito
tempo para concentração e autocontrole. A música e a dança, se alinhadas corretamente, são muito
usuais em terapias para ansiedade e depressão.
A música está presente desde os primórdios da humanidade até os dias atuais, para Bréscia
(2003) ela é entendida como linguagem universal, se fazendo presente em todos os povos e culturas
humanas, perpassando pelo espaço e tempo e servindo como meio de comunicação e expressão
por meio de sons rítmicos. A dança, por sua vez, também é uma arte que ensina os movimentos
rítmicos e de expressão do corpo humano (COSTA, 1962). Nesse sentido, Portinari (1989) nos diz
que a dança é uma arte que fazemos com o nosso próprio corpo.
Ambas as artes estão presente na vida dos homens desde o início da civilização. A música,
por exemplo, era utilizada em situações como casamentos, nascimentos, fertilizações, morte e até
mesmo em curas de doenças. Por estar presente em todos os lugares, não seria diferente que a
natureza estivesse repleta de sons, entre eles o canto dos pássaros, a chuva, as árvores quando
movimentadas pelos ventos, dentre muitos outros oriundos da natureza, que nos proporcionam o
prazer da música. Sendo assim, a dança ―foi muito marcante na vida do homem primitivo, elas eram
desenvolvidas de acordo com as sociedades e homens existentes e pelo seu significado‖ (GUSSO,
1997, p. 11).
 Assim, no decorrer da história humana, diversos pensadores de múltiplas áreas tais como
psicólogos, filósofos, pedagogos, dentre muitos outros, são unânimes em ratificar que a música
colabora para formação humana. Dentre eles, afirma Bréscia (2003, p. 31), Pitágoras demonstrou
que a sequência correta de sons, se tocada musicalmente num instrumento, pode mudar os padrões
de comportamento e acelerar o processo de cura. Eles acreditavam que a música era um
instrumento que poderia adentrar o interior do conhecimento humano. Portanto, a música tem a
capacidade, de tocar o ser humano, mexendo com sentimentos e emoções, não só de crianças, mas
também de adultos.
Como visto, a música e a dança são um grande recurso para a construção do aprendizado
infantil, e por seu caráter lúdico torna o aprendizado muito mais significativo e atraente, fazendo com
que as crianças aprendam, de uma maneira divertida, descontraída e prazerosa, sem medo de errar.

A diretora regional da OMS para a Europa, Piroska Östlin, apontou que "trazer arte para a
vida das pessoas por meio de atividades como dançar, cantar e ir a museus e shows oferece uma
dimensão adicional‖ de como é possível melhorar a saúde física e mental.
O relatório analisa atividades artísticas que buscam promover a saúde e prevenir problemas
de saúde, lidar e tratar problemas físicos e mentais. além de apoiar os cuidados no final da vida.

Exemplos

Östlin apontou que os casos citados no estudo ―mostram maneiras pelas quais as artes
podem enfrentar desafios de saúde perversos ou complexos como diabetes, obesidade e problemas
de saúde mental.‖ A representante acrescentou que as artes consideram a ―saúde e o bem-estar
num contexto social e comunitário mais amplo e oferecem soluções que a prática médica comum até
agora não conseguiu abordar de maneira eficaz.‖
De acordo com o estudo, desde o nascimento até o fim da vida, a arte pode influenciar a
saúde de forma positiva. Como exemplo, o relatório diz que crianças pequenas com pais que leem
histórias antes de dormir descansam mais durante a noite e têm melhor concentração na escola.
Entre os adolescentes que vivem em áreas urbanas, a educação com base na dramaturgia
pode ajudar a tomar decisões responsáveis, melhorar o bem-estar e reduzir a exposição à violência.
Mais tarde na vida, a música pode apoiar a cognição em pessoas com demência, sendo que a
prática do canto melhora a atenção, a memória episódica e a função executiva.

Tratamentos

Nos serviços de saúde, o estudo indica que as atividades artísticas podem ser usadas para
completar ou aprimorar os protocolos de tratamento. Ouvir música ou fazer arte, por exemplo, reduz
os efeitos colaterais do tratamento do câncer, incluindo sonolência, falta de apetite, falta de ar e
náusea.
 Segundo a pesquisa, atividades artísticas em situações de emergência, incluindo música,
artesanato e arte do palhaço, reduziram a ansiedade, a dor e a pressão arterial, principalmente para
crianças, mas também para seus pais. Já a prática da dança promove melhorias clinicamente
significativas na capacidade motora de pessoas com doença de Parkinson.

Definição de “Artes”

O relatório destaca que algumas intervenções artísticas não apenas produzem bons
resultados, mas também podem ser mais econômicas que os tratamentos biomédicos comuns.
Como elas podem ser adaptadas para pessoas de diferentes origens culturais, intervenções
artísticas também seriam uma alternativa para envolver grupos minoritários ou de difícil acesso.
Vários países buscam agora desenvolver sistemas de prescrições sociais e artísticas, nos
quais os médicos da atenção básica podem encaminhar seus pacientes para atividades artísticas.
O relatório analisou os benefícios para a saúde, por meio da participação ativa ou passiva, em
cinco grandes categorias. As artes cênicas incluem música, dança, canto, teatro e cinema e as artes
visuais abrangem artesanato, design, pintura e a fotografia.
A literatura está relacionada à escrita, leitura e participação em festivais literários e a cultura
envolve ir a museus, galerias, shows, teatro. Já as artes online estão ligadas a animações, artes
digitais, etc.

Benefícios da Dança para o Corpo

Para as crianças, a música é praticamente um convite instantâneo para dançar; para muitos
jovens e adultos, a dança é a escolha acadêmica e torna-se uma profissão ou então é eleita como
uma boa atividade de lazer; já para os idosos é uma oportunidade de aliar bem-estar e convívio
social. Mas o fato é que a atividade traz benefícios para a saúde de pessoas de todas as faixas
etárias. Isso mesmo, corpo e mente saem ganhando quando a dança entra para a rotina.
Há diversas pesquisas científicas que associam as vantagens de movimentar o corpo
embalado por um ritmo musical à prevenção de doenças e à melhoria no quadro clínico, quando já
há um problema de saúde instalado.
Colocar o corpo para mexer ao som de uma música agradável melhora o sistema
cardiovascular, aumenta o fluxo sanguíneo, favorece a respiração correta e também ajuda nas
defesas do organismo. Os efeitos positivos não param por aí. Conheça melhor os principais
benefícios que a dança pode trazer para sua vida e sua saúde. Aí, é só escolher o ritmo.
 Estímulo para o cérebro e para a memória
Os movimentos realizados no decorrer de uma dança trazem uma série de efeitos benéficos
para o cérebro. As mudanças de movimento que ocorrem na atividade impactam positivamente o
hipocampo, que é a área do cérebro que armazena as memórias, e ainda ajudam a aprimorar o
equilíbrio. Decorar coreografias ou a simples sequência de passos e movimentos trabalha a
memória. Algumas modalidades, como dança de salão, são indicadas também para melhoria da
coordenação motora e para a concentração. Para os idosos, a prática é sugerida para melhorar a
função cognitiva.

Combate a depressão
Quando a pessoa se envolve com a dança, é quase imediata a elevação da autoestima e a
sensação de bem-estar. Os movimentos da atividade são um importante aliado no combate à
depressão. Isso porque, durante a dança, são liberados neurotransmissores ligados justamente à
sensação de bem-estar, motivação e prazer. Uma pesquisa da Universidade Federal de São Paulo
(Unifesp) mostrou que a dança favorece a regeneração das células cerebrais. Além disso, a
socialização atrelada a todos os tipos de dança também ajuda a prevenir e combater o transtorno
depressivo.
 Melhora a postura
Postura ereta é praticamente um pré-requisito para qualquer estilo de dança. O fato de se
policiar para estar sempre olhando para a frente com o rosto na posição certa, sem deixar o queixo
próximo do pescoço (o que hoje é tão comum por causa do uso do celular), é um impulso para
manter a coluna na posição correta. Com a prática, a coluna cervical e a região lombar são bastante
beneficiadas e com isso as dores ficam de lado. E tem mais: o cuidado nas aulas ou ensaios de
dança favorece a consciência corporal e pode ser transferido para o cotidiano. Como consequência,
naturalmente a postura melhora.
Tonifica os músculos
Os músculos das costas são bastante trabalhados na dança, independente do ritmo
escolhido, o que faz com que eles se fortaleçam e as dores fiquem no passado. Mas, não são
apenas eles os beneficiados. Em todo movimento da atividade, um ou mais grupos musculares são
trabalhados. Balé, zumba e street dance, por exemplo, ajudam a tonificar o corpo todo.

Favorece a perda de calorias

Colocar o corpo para se movimentar é uma das formas mais indicadas para combater o
sedentarismo e preservar a saúde. Assim como outras atividades – entre elas a ginástica funcional,
natação e corrida –, a dança é responsável pela queima de calorias. Há variações entre as
modalidades e a frequência. Na dança de salão, por exemplo, são eliminadas em média 300 calorias
por hora de movimentação. Já a zumba permite que até mil calorias sejam queimadas em uma hora
de aula.

Musicoterapia: o que é, para que serve, como funciona e benefícios

O que é musicoterapia?

Trata-se de um híbrido entre arte e saúde e serve para promover a comunicação, expressão e
aprendizado. Além disso, busca facilitar a organização e a forma de se relacionar dos seus
pacientes.
Pode ser utilizado em qualquer área que haja demanda, seja promovendo saúde, reabilitando
ou atuando como medida de prevenção ou simplesmente para melhorar a qualidade de vida.
 Além disso, existe a musicoterapia comunitária, ou social, que visa empoderar grupos e
possibilitar o engajamento e organização necessários para que os indivíduos do grupo tenham
plenas capacidades de enfrentar os desafios comuns da vida em sociedade.
Segundo a Federação Mundial de Musicoterapia, “a musicoterapia objetiva desenvolver
potenciais e restabelecer as funções do indivíduo para que ele/ela possa alcançar uma melhor
integração intra e interpessoal e, consequentemente, uma melhor qualidade de vida”.

Como a música age no cérebro?

Um estudo publicado em 2014 analisou como o cérebro funciona quando sob influência de
música.
Nesse estudo, os pesquisadores colocaram músicos de jazz para tocar seus instrumentos
enquanto faziam uma ressonância magnética do cérebro. Essa prática serviu para averiguar quais
partes do cérebro se acendiam quando os músicos estavam tocando.
Além de se constatar que todas aquelas regiões foram de fato ativadas, os pesquisadores
pediram que os músicos improvisassem em conjunto. Isso possibilitou a constatação de que o
cérebro, quando estamos improvisando uma música em conjunto, funciona de uma maneira muito
similar a quando estamos conversando oralmente com outra pessoa.
Essa descoberta serve de respaldo para musicoterapia e seus benefícios para processos
comunicativos, visto que as mesmas áreas de comunicação se acendem tanto quando estamos
conversando como quando estamos tocando algum instrumento com outra pessoa.
Além disso, a música ativa diversas regiões do cérebro responsáveis pela memória, como o
hipocampo. Isso faz com que ela possa ser utilizada de forma terapêutica em pacientes que sofrem
com doenças neurodegenerativas, como o Alzheimer.

Como funciona a musicoterapia?

É bastante difícil descrever o que acontece em uma sessão de musicoterapia, pois existem
diversas abordagens de tratamento.
Ele pode ser realizado com o paciente passivo, somente escutando o musicoterapeuta
tocando, ou ativo, ou seja, participando e fazendo música com o terapeuta.
Essas sessões de terapia são muito úteis para ajudar no desenvolvimento de habilidades
comunicativas e de autoexpressão.
Também é possível que a musicoterapia seja utilizada em grupos, em que todos os membros
tocam algum instrumento em conjunto e participam da execução de uma música. Segundo os
estudos de caso, as sessões ajudam os pacientes a se soltarem mais e expressarem as próprias
emoções com mais facilidade.
Fontes do Texto; https://www.nucleodoconhecimento.com.br/arte/danca-como-recurso , https://www.rets.epsjv.fiocruz.br/noticias/estudo-da-
oms-mostra-que-arte-pode-fazer-bem-saude , https://www.unimed.coop.br/viver-bem/saude-em-pauta/beneficios-da-danca-para-o-corpo ,
https://www.tjdft.jus.br/informacoes/programas-projetos-e-acoes/pro-vida/dicas-de-saude/pilulas-de-saude/musicoterapia-o-que-e-para-que-serve-
como-funciona-e-beneficios#:~:text=O%20que%20%C3%A9%20musicoterapia%3F,se%20relacionar%20dos%20seus%20pacientes.
Nesta aula, o objetivo é além de mostrar estilos de dança e música, é levar você, estudante a outra
dimensão, de modo que conheça metodologias que são utilizadas com o objetivo de melhorar a
cognição, fazer bem ao corpo e à mente. Utilizar a música e dança como aliadas para beneficiar o
seu bem-estar é o melhor remédio de todos os tempos.
Após o momento vivido por todos nós durante dois anos de pandemia, é notório o aumento de casos
de ansiedade, depressão e a estas doenças, outras atreladas como a obesidade, entre outros
fatores. A prática de qualquer exercício e a adaptação para hábitos saudáveis, são as melhores
escolhas a serem feitas.

Mas bem, e o que propomos nesta aula?

Você conheceu sobre a musicoterapia, certo? Portanto, agora, vamos fazer um momento de
relaxamento, ouvindo algumas músicas que são chave para esta prática, e assim, após relaxar e
ouvir o que vamos propor aqui, resolva às questões a seguir e perceba se houve alguma diferença
do antes e após ouvir as canções. Busque por uma música nos streamings que você curte, com
a nomenclatura: MUSICOTERAPIA – MOMENTOS PARA RELAXAR. Tire alguns minutos, feche
os olhos, respire profundamente e inspire, esvazie a mente e Relaxe.

Questão 01 - Assim, no decorrer da história humana, diversos pensadores de múltiplas áreas

tais como psicólogos, filósofos, pedagogos, dentre muitos outros, são unânimes em ratificar
que a música colabora para formação humana. Dentre eles, afirma Bréscia (2003, p. 31), um
grande pensador demonstrou que a sequência correta de sons, se tocada musicalmente num
instrumento, pode mudar os padrões de comportamento e acelerar o processo de cura. Eles
acreditavam que a música era um instrumento que poderia adentrar o interior do
conhecimento humano. Quem foi este pensador?

a) Aristóteles c) Sócrates
b) Pitágoras d) Téspis

Questão 02 - A diretora regional da OMS para a Europa, Piroska Östlin, apontou que "trazer
arte para a vida das pessoas por meio de atividades como dançar, cantar e ir a museus e
shows oferece uma dimensão adicional” de como é possível melhorar a saúde física e mental.
Você concorda com essa afirmação? Justifique.
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Questão 03 – Que a dança é extremamente benéfica para a saúde, nós sabemos. Agora, sobre
a música e à produção de artes, estudos comprovam a eficácia na melhoria de alguns
quadros clínicos. De que doenças estamos falando?
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Questão 04 - Segundo a Federação Mundial de Musicoterapia,
a) “a musicoterapia objetiva desenvolver potenciais e estabelecer as funções do indivíduo para que
ele/ela possa alcançar uma melhor integração intra e interpessoal e, consequentemente, uma pior
qualidade de vida”.
a) “a musicoterapia objetiva desenvolver potenciais e estabelecer as funções do indivíduo para que
ele/ela possa alcançar uma pior integração intra e interpessoal e, consequentemente, uma melhor
qualidade de vida”.
a) “a musicoterapia objetiva desenvolver potenciais e restabelecer as funções do indivíduo para que
ele/ela possa alcançar uma melhor integração intra e interpessoal e, consequentemente, uma
melhor qualidade de vida”.
a) “a musicoterapia objetiva desenvolver potenciais e estabelecer as funções do indivíduo para que
ele/ela possa alcançar uma melhor integração intra e interpessoal e, consequentemente, uma
melhor qualidade de vida”.

Questão 05 – Vamos voltar um pouco à nossa infância? Uma das técnicas da musicoterapia é
trazer músicas que nos tirem por um momento da sensação sufocante que vivemos e
retornemos a momentos alegres e reflexivos. Acompanhe comigo duas músicas que acredito,
não deixará ninguém de fora!
Superfantástico
Turma do Balão Mágico
Super fantástico amigo
Que bom estar contigo
No nosso balão!
Vamos voar novamente
Cantar alegremente
Mais uma canção
Tantas crianças já sabem
Que todas elas cabem
No nosso balão
Até quem tem mais idade
Mas tem felicidade
No seu coração
Sou feliz, por isso estou aqui
Também quero viajar nesse balão!
Super fantástico!
No Balão Mágico
O mundo fica bem mais divertido!
Super fantástico!
No Balão Mágico
O mundo fica bem mais divertido!
Sou feliz, por isso estou aqui
Também quero viajar nesse balão!
Superfantasticamente!
As músicas são asas da imaginação
É como a flor e a semente
Cantar que faz a gente
Viver a emoção
Vamos fazer a cidade
Virar felicidade
Com nossa canção
Vamos fazer essa gente
Voar alegremente
No nosso balão
Sou feliz, por isso estou aqui
Também quero viajar nesse balão!
Super fantástico!
No Balão Mágico!
O mundo fica bem mais divertido!
Super fantástico!
No Balão Mágico!
O mundo fica bem mais divertido!
Sou feliz, por isso estou aqui
Também quero viajar nesse balão!
Super fantástico!
No Balão Mágico!
O mundo fica bem mais divertido!
Super fantástico!
No Balão Mágico!
O mundo fica bem mais divertido!
Sou feliz, por isso estou aqui
Também quero viajar nesse balão!
Superfantástico!
Epitáfio
Titãs
Devia ter amado mais
Ter chorado mais
Ter visto o Sol nascer
Devia ter arriscado mais
E até errado mais
Ter feito o que eu queria fazer
Queria ter aceitado
As pessoas como elas são
Cada um sabe a alegria
E a dor que traz no coração
O acaso vai me proteger
Enquanto eu andar distraído
O acaso vai me proteger
Enquanto eu andar
Devia ter complicado menos
Trabalhado menos
Ter visto o Sol se pôr
Devia ter me importado menos
Com problemas pequenos
Ter morrido de amor
Queria ter aceitado
A vida como ela é
A cada um cabe alegrias
E a tristeza que vier
O acaso vai me proteger
Enquanto eu andar distraído
O acaso vai me proteger
Enquanto eu andar
O acaso vai me proteger
Enquanto eu andar distraído
O acaso vai me proteger
Enquanto eu andar
Devia ter complicado menos
Trabalhado menos
Ter visto o Sol se pôr

E então? Como você se sente agora, após ouvir estas músicas? Reflita e compartilhe
conosco esta sensação. Como você se sentia antes de começarmos a aula? E após o
momento de relaxamento, melhorou? E agora, após ouvir essas músicas, ou lê-las e refletir
sobre suas letras, qual sentimento predomina em você? Comente:
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 Aula 05 – Obras Modernas e Contemporâneas
Habilidade: (EM13LGG102) Analisar visões de mundo, conflitos de interesse, preconceitos e
ideologias presentes nos discursos veiculados nas diferentes mídias, ampliando suas possibilidades
de explicação, interpretação e intervenção crítica da/na realidade.
Objeto de Conhecimento: Analise de obras modernas e contemporâneas.

Diferença entre arte moderna e contemporânea

Apesar de serem muito parecidas, a arte moderna e contemporânea possuem peculiaridades

que as separam em uma linha tênue. Nascida após um momento artístico onde o realismo e
romantismo reinavam nas obras, a arte moderna teve como intenção retratar hábitos cotidianos de
forma mais simplista, sempre buscando reinventar a arte.

Como surgiu a arte moderna?

Em linhas gerais, a arte moderna refere-se a produção artística entre o final do século XIX até
o século XX. Os modernistas surgiram após um período sóbrio da arte e deram introdução ao
Impressionismo, que dedicava suas obras à vida cotidiana.
Porém, o Impressionismo foi apenas uma das vanguardas que nasceram no modernismo.
Entre as vanguardas mais famosas podemos citar o Dadaísmo, Surrealismo e Cubismo. Os artistas
daquela época acreditavam que a arte deveria ser reinventada, criando novas formas e visões para
suas obras de arte. Também acreditavam estar a frente do seu tempo e sentiam-se na obrigação de
trazer obras inovadoras ao mundo da arte. Com o surgimento da arte moderna, a fotografia e o
cinema passaram a ser considerados como formas de expressão artística, algo que nunca tivera
sido feito antes.
O artista modernista sentia-se responsável por criar e representar a essência da humanidade
de forma única. Os adventos de novas tecnologias, as guerras e revoluções, deram aos artistas as
ferramentas para explorar as novidades do mundo.
 Uma característica dos artistas modernos era o desenvolvimento de técnicas de criação.
Sempre buscando criar novas formas de pensar e enxergar os acontecimentos do mundo.

Conhecendo a arte contemporânea

Ao buscar por arte contemporânea, muitas vezes, você irá achar termos relacionados como
arte pós-moderna ou arte pós-guerra. Na realidade, a arte contemporânea é chamada dessa forma
pois aconteceu ao final do modernismo e passou pelo período da Segunda Guerra Mundial.
Os sentimentos daquela época eram de reconstrução e recuperação social. Os artistas tinham
a intenção de trazer uma reflexão aos seus espectadores com obras subjetivas.
Ao observar uma arte contemporânea são percebidas são a mistura de estilos artísticos, uso
de diferentes materiais para a produção das obras e aproximação da cultura popular. As obras
contemporâneas possuíam o desejo de explorar invenções e fazer experimentações artísticas.
Uma característica muito forte das obras contemporâneas são as técnicas artísticas
inovadoras. Distanciando-se apenas da pintura e escultura como conhecemos e utilizando-se de
materiais prontos. As obras contemporâneas focam a atenção na crítica ao cotidiano, como o
consumismo, por exemplo.
Nas pinturas, os artistas contemporâneos não usavam somente o óleo sobre tela para
expressar seus sentimentos. Uma obra contemporânea poderia ser feita com qualquer material que
demonstrasse uma inovação para a obra.
Em termos mais objetivos, a arte contemporânea caracteriza-se pela inquietação do homem e
sua busca pelo novo, original e único. O conceito da obra se tornou o foco principal destes artistas,
não importando se o mesmo sabia ou não desenhar ou utilizar técnicas. O essencial para os artistas
contemporâneos é trazer uma reflexão com sua obra de arte.

A diferença entre a arte moderna e arte contemporânea

Apesar de serem semelhantes e, muitas vezes, confundíveis. A arte moderna e
contemporânea possuem diferenças técnicas. Tanto na forma como são criadas as obras, com
objetos fora do comum, até mesmo na crítica social que pretendia-se passar naquele momento.
De forma simplificada, a arte moderna ainda apresenta uma preocupação com a técnica,
traços e formas, mesmo que de forma subjetiva. Enquanto a arte contemporânea possui a
característica de que absolutamente tudo pode se tornar arte. Particularmente, acho a arte moderna
mais intrigante, me fazendo viajar em pensamentos tentando entender a mensagem da obra, seu
significado tanto para o autor quanto para mim. E vocês, preferem a arte moderna ou arte
contemporânea?
Músicas Modernas e Contemporâneas
 A dança compreende inúmeros passos e movimentos. E a junção desses elementos com as
batidas musicais forma coreografias que permitem que nossa imaginação se liberte e que nossos
corpos transmitam emoções. Esta é a grande magia da dança. A dança moderna e a dança
contemporânea oferecem maior liberdade e dão margem para as improvisações. Assim, o dançarino
fica livre para se movimentar e para se expressar. Porém, essa revolução na arte dançante só
aconteceu no século XX. Até então, quem ditava as regras da dança e norteava sua evolução ao
longo dos séculos era o ballet clássico, mais inflexível e extremamente rigoroso quanto à
determinação dos movimentos.
O ballet impôs incontáveis regras aos seus praticantes: o tipo de penteado a ser feito, o
modelo de roupa a ser usada, a especificação do passo a ser executado, a postura ereta e
imponente do dançarino em ação, etc. Até hoje, o ballet clássico mantém esta rigidez. Não à toa,
essa modalidade é o caminho natural para muitos pais que desejam ensinar disciplina e postura aos
filhos. Contudo, tantas regras e tanta solidez formal se tornaram incompatíveis com os valores do
mundo moderno. Aos poucos, surgiu a necessidade de se quebrar tal rigidez. Essa ruptura
conceitual e prática foi o grande legado que a dança moderna trouxe para o universo artístico nas
primeiras décadas do século XX. Este novo tipo de dança quebrou todas as regras e os formalismos
que eram usados e apreciados até então pelos dançarinos. Inicia-se, portanto, uma nova página da
história da arte corporal.
Em uma época em que as cidades cresciam velozmente, a industrialização ditava novos
rumos político-econômicos e muitos países enfrentavam os desafios da Primeira Guerra Mundial,
era natural que a sociedade como um todo também se modificasse. Um novo jeito de ser, viver e
pensar moldou a cultura do homem moderno. Desta forma, muitos dançarinos não viam mais razão
para toda a formalidade imposta pelo ballet. Eles queriam uma dança mais simples, mais livre e que
pudesse transmitir diretamente seus sentimentos. Os grandes espetáculos do ballet clássico, com
sua rigidez de movimentos e os cenários majestosos, não mais representavam a nova sociedade do
século XX.
Duncan (1877 – 1927), Loie Fuller (1862 –
1928), Ruth St Dennis (1879 – 1968), Martha
Graham (1894 – 1991) e Mary Wigman (1886
– 1973). Esses dançarinos, mesmo com estilos
totalmente diferentes entre si, queriam trazer
mais liberdade para a dança e desejavam
romper com o tradicionalismo do ballet
clássico.

Surgiram, nesta época, nomes

importantes da dança moderna como Isadora
 O estilo moderno propõe uma dança com movimentos mais soltos e simples (mas que
respeitem a técnica de execução) e com apresentações que permitam aos dançarinos a transmissão
mais direta e intuitiva de seus sentimentos. Assim, as sapatilhas foram abandonadas (pode-se
dançar até mesmo descalço) e as roupas se tornaram mais confortáveis (pode-se até mesmo ficar
sem roupa no palco). Um novo padrão estético se formava. A ideia era criar uma dança com passos
livres e que pudesse ser mais expressionista.
Inicialmente, essa dança foi considerada radical e iconoclasta. Os dançarinos que se voltaram
para a dança moderna queriam impor uma maior liberdade de repertório e, principalmente, expor
com maior veracidade as emoções. Paul Boucier, em seu livro ―A História da Dança no Ocidente‖
(Martins Fontes), faz uma citação que pode resumir bem a proposta da dança moderna: ―A
intensidade do sentimento comanda a intensidade do gesto‖.
Além de deixar os movimentos mais soltos, a dança moderna abre espaço para a criação de
novos passos, sem que a técnica seja perdida nesse processo. Sem precisar seguir uma estrutura
tão rígida, o dançarino mergulha em novos caminhos criativos. Mesmo coreografadas, as novas
danças transmitem a ideia de improvisação e de informalidade ao público. Assim, em uma
comparação multicultural, a dança moderna representou para a arte corporal a mesma ruptura
formal que o jazz significou para a música.
O novo tipo de dança usa muito mais a
gravidade e o peso corporal. O corpo dos
dançarinos passou a ser muito mais estudado.
Enquanto o ballet tinha seus grandes
movimentos em saltos, piruetas e chutes altos,
a dança moderna passa a ser desenvolvida no
chão e em quedas corporais controladas. Isso
é uma influência direta do estado psicológico
dos dançarinos, que queriam extravasar suas
emoções internas.
A dança moderna prioriza o sentimento dos artistas. Eles devem demonstrar, no palco, o
máximo do seu estado emocional, que é refletido em seus movimentos e expressões corporais. Por
outro lado, o ballet clássico, que ainda falaremos com mais detalhes na coluna Dança, valorizava a
suavidade e a leveza dos movimentos e pretendia conter a expressividade.
Atualmente, a dança moderna é muito mais sofisticada, sendo muito comum que seus
dançarinos também tenham formação clássica. Este estilo exige dos seus praticantes uma completa
interação entre espírito, corpo, coração e mente. A essência desta dança é olhar para frente e não
se voltar para trás. Ela consegue coexistir perfeitamente com o clássico. Ambas modalidades
seguem se enriquecendo, sem que uma anule a outra.
 No Brasil, a dança moderna foi introduzida no período da Segunda Guerra Mundial. Muitos
dançarinos europeus deste estilo vieram para o nosso país para fugir da guerra. A maioria se
estabeleceu no eixo Rio - São Paulo. E eles formaram a primeira geração de dançarinos nacionais
modernos. Graças a este intercâmbio cultural, os brasileiros conheceram uma outra modalidade de
dança.
A partir da década de 1960, muitos
dançarinos fizeram modificações mais
expressivas na dança moderna. Eles
promoveram uma ruptura mais intensa no que
era visto até então como arte. Assim, nasceu a
dança contemporânea. Contudo, seria apenas
na década de 1980 que este novo gênero
dançante se tornaria mais popular.
A dança contemporânea propõe intensas inovações e experimentações coreográficas. Ela
abandona totalmente a técnica dos movimentos (algo que a dança moderna jamais fez!). Em uma
única apresentação, por exemplo, podemos ter uma mistura de ritmos como jazz, street dance e
ballet. Além disso, a música pode ser suprimida das apresentações. É isso mesmo o que você leu: a
dança contemporânea pode acontecer sem nenhuma música, tendo como único barulho o som
vindo do corpo e da respiração dos dançarinos. A principal preocupação dos artistas
contemporâneos é conseguir transmitir suas ideias, conceitos e sentimentos, independentemente
das formas e dos meios. Para eles, não importa a maneira nem os espaços utilizados. O palco deixa
de ser o lugar de referência e todo ambiente disponível, por mais exótico e inusitado que seja, passa
a ser explorado. Neste estilo, o teatro e a dança se misturam, assim como outras artes como a
fotografia, o cinema, as artes visuais e as artes digitais. O corpo fica livre para se expressar, sem
ter que seguir técnicas preestabelecidas.
A dança contemporânea não possui uma estrutura própria, podendo ser praticada por todo
mundo. O corpo muitas vezes explode suas emoções ou, então, se recolhe para demonstrar o
acanhamento sentimental. Em outra comparação multicultural, trata-se de uma modalidade de dança
mais próxima à arte abstrata. Homens e mulheres ganham a mesma importância nas
apresentações.
Este estilo vive se reinventando. Há a busca constante e intensa por novos movimentos
corporais e por novas linguagens artísticas. Em suas manifestações, os dançarinos contemporâneos
podem abrir espaço para a interação com o público. Eles exaltam suas emoções e transmitem suas
ideias e revoltas sem que precisem ficar presos às técnicas, aos figurinos e aos ambientes. Até
mesmo as coreografias não prendem seus intérpretes, que podem abusar muito mais da
improvisação.
Fontes do texto: https://ceugaleria.com.br/diferenca-entre-arte-moderna-e-contemporanea/ e https://www.bonashistorias.com.br/single-
post/2020/10/31/danca-danca-moderna-e-danca-contemporanea-surgimento-e-caracteristicas
Questão 01 – Quem é o autor da seguinte citação: “A intensidade do sentimento comanda a
intensidade do gesto”.
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Questão 02 – Fale sobre as regras impostas pelo ballet:________________________________
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________________________________________________________________________________
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Questão 03 – Sobre a dança contemporânea, o que ela propõe e o que ela abandona?
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Questão 04 – Fale sobre como aconteceu a migração da dança clássica para a dança
moderna:
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Questão 05 – Vimos que todas as grandes mudanças que aconteceram na arte, partiram de
situações advindas das guerras, seja a primeira ou segunda guerra mundial. Explane sua
opinião sobre o porquê disto acontecer.
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Questão 06 – Agora, relate as diferenças entre as danças moderna e contemporânea.
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 Aula 06 – Obras Modernas e Contemporâneas - Releitura
Habilidade: (EM13LGG102) Analisar visões de mundo, conflitos de interesse, preconceitos e
ideologias presentes nos discursos veiculados nas diferentes mídias, ampliando suas possibilidades
de explicação, interpretação e intervenção crítica da/na realidade.
(EM13LGG103) Analisar o funcionamento das linguagens, para interpretar e produzir criticamente
discursos em textos de diversas semioses (visuais, verbais, sonoras e gestuais).
Objeto de Conhecimento: Analise de obras modernas e contemporâneas.
Produção de iamgens, textos poéticos, musicais ou peças teatrais a partir de releituras;

Obras Modernas e Contemporâneas nas Artes Visuais

Na aula anterior estudamos sobre a Dança Moderna e Contemporânea. Nesta aula iremos
abordar as Artes Visuais e Compreender as Semelhanças e Diferenças existentes nestes dois
períodos, que como já aprendemos, são advindos de momentos em que os artistas e também o
público, buscavam renovação, uma vez que já estavam abastados de sofrimento e mesmices, pois
são movimentos que possuem traços de passagem pelas guerras mundiais, e assim, faz-se
necessário que haja essa evolução. Conheça a seguir grandes obras e artistas destes movimentos.

O QUE É ARTE MODERNA?

O universo das artes é repleto de movimentos que apresentam variados estilos de pintura e
marcam diferentes períodos da sociedade. A arte moderna foi um exemplo de expressão artística
que marcou o mundo das artes e da cultura.
Foi um conjunto de expressões artísticas originado na Europa durante as últimas décadas do
século XIX, que atingiu seu ponto máximo na primeira metade do século XX, se estendendo por
quase um século.
Este movimento surgiu em um período de muitas transformações tecnológicas, culturais,
políticas e sociais — Segunda Revolução Industrial —, quando os artistas modernistas da época se
uniram para trazer novos olhares à sociedade, rompendo com as formas tradicionais de arte e
fazendo nascer o moderno.
A noção de ―arte‖ passou a ser questionada pela comunidade artística da época, que
começou a experimentar novas técnicas e estilos, ultrapassando os padrões vigentes.
A partir destas experiências, surgiram as vanguardas europeias, como o Dadaísmo, o
Surrealismo, o Expressionismo e o Cubismo.
Mas apesar de ser muito associada à pintura, a arte moderna não se limita às telas. Este
conceito também engloba outras formas de expressão cultural e artística, como a literatura, o
cinema, a música, etc. Por isso, a arte moderna é considerada uma corrente artístico-cultural.
No Brasil, a arte moderna atingiu seu ápice na década de 1920, através de nomes como
Tarsila do Amaral e Oswald de Andrade.
Formada por diferentes expressões artísticas, a arte moderna possui as seguintes
características:
  Rompimento dos padrões da época;
 Arte como contestadora;
 Liberdade de expressão;
 Abandono da representação realista;
 Uso de figuras sem lógica;
 Aproximação da linguagem popular;
 Uso experimental de cores, formas, técnicas e materiais.
Principais representantes da arte moderna

Agora que você já conhece o conceito de arte moderna, confira os principais representantes
desse movimento no Brasil e no mundo:

Tarsila do Amaral – Brasil

Tarsila do Amaral foi uma pintora e

desenhista brasileira muito influenciada por
vanguardas europeias. Suas obras exploram
formas, temáticas e cores, e apresentam um
caráter tipicamente brasileiro.

Fonte: Escritório de arte

Anita Malfatti – Brasil

Pintora, desenhista e ilustradora, Anita

Malfatti é uma das mais importantes artistas
brasileiras, e desempenha um papel
fundamental na introdução do visual
modernista no país.

Fonte: Itaú Cultural

 Pablo Picasso – Espanha

Pablo Picasso foi um pintor espanhol,

responsável por grandes obras, como
―Guernica‖ e ―A Pomba da Paz‖. Picasso
também foi um dos criadores do cubismo, um
dos mais importantes movimentos artísticos do
século XX.
Fonte: Isto É

Salvador Dalí – Espanha

Pintor espanhol, Salvador Dalí ficou

conhecido por suas obras desconexas e fora
do comum. O artista também foi um dos
grandes representantes da estética surrealista.

Fonte: Gravura Contemporânea

Fonte do texto: https://blog.grafittiartes.com.br/o-que-e-arte-moderna/

O QUE É ARTE CONTEMPORÂNEA: OS PRINCIPAIS ARTISTAS E MOVIMENTOS DO PERÍODO

A arte contemporânea não tem um registro inicial certeiro. Isto é, não existe um consenso
entre os estudiosos que determinem seu começo. Porém, pode-se dizer que essa tendência artística
tenha começado no período pós-guerra, na década de 1950, e continua até hoje.
Dessa forma, essa corrente também é conhecida como ―arte do pós-guerra‖ e, por surgir
propondo uma ruptura com a arte moderna, é denominada, também, de ―arte pós-moderna‖.
Afinal, o que é arte contemporânea? Quais são seus principais artistas e obras? Leia o post
até o fim e descubra tudo isso!

O QUE É ARTE CONTEMPORÂNEA?

Em um sentido generalista, a arte contemporânea se refere a toda produção artística da

atualidade, como pintura, dança, escultura, fotografia e performance na arte.
Nesse cenário, esse estilo propõe uma releitura do que é arte, por meio de novas técnicas e
pensamentos. Desse modo, desconecta-se dos padrões artísticos anteriores.
 Subjetiva, inovadora e original, essa corrente não tem como proposta analisar a obra de
maneira direta. Pelo contrário, esse estilo valoriza tanto a obra como a percepção do artista ao criá-
la, a sua integração com seu trabalho e o seu processo criativo.

O QUE É ARTE CONTEMPORÂNEA: CONTEXTO HISTÓRICO

Após a Segunda Guerra Mundial, na década de 1950, o mundo vivenciou um período intenso,
caracterizado pela globalização, avanço tecnológico e pelo desenvolvimento de novas mídias.
De forma simplificada, esse estilo surgiu em um período em que o mundo e a cena artística
transitavam da era industrial (moderna), baseada no consumo, para a era da comunicação e da
digitalidade, caracterizada pela informação e diálogo.
Esse panorama deu origem a uma nova mentalidade, que buscou romper com padrões
preestabelecidos e valorizar a ação do inconsciente no processo criativo, entre outras linhas de
pensamento menos ortodoxas. Logo, a arte contemporânea despontou explorando novas
linguagens, técnicas e experimentações.
Em outras palavras, esse estilo prestigia a atitude do artista. Logo, prioriza a sua liberdade
criativa e não o objeto artístico final. Esse processo acontece de forma profunda. Afinal, além de
focar na experimentação da produção artística, também promove a reflexão e o rompimento de
paradigmas.
Nesse contexto, é fundamental destacar a liberdade do artista da arte contemporânea. Isso
porque, durante séculos, a arte foi atrelada às vontades da Igreja, da sociedade ou do governo. Ou
seja, o artista não exercia seu papel com autonomia.
Nesse cenário, a arte contemporânea surgiu como uma espécie de libertação. Afinal, esse
estilo promove a liberdade de criação de modo intenso, sem amarras ou censura.
Essa manifestação artística não apresenta um estilo único, mas vários, como o minimalismo,
a arte conceitual, a pop art, a arte efêmera, a arte de rua e a performance artística.

ARTE CONTEMPORÂNEA: CARACTERÍSTICAS

A arte contemporânea apresenta algumas características particulares. São elas:

 a subjetividade e a abstração;  a forte reflexão e questionamento;

 a união de várias correntes artísticas;  a utilização de diferentes materiais;
 o desvinculo com padrões  a liberdade artística;
preestabelecidos;  o uso de tecnologia e novas mídias;
 a interação da obra com o espectador;  o caráter efêmero da arte.

ARTE CONTEMPORÂNEA E SEUS ESTILOS DE VANGUARDA

 Esse estilo está intimamente ligado à comunicação e ao experimento. Logo, fazem parte
dessa corrente algumas expressões de vanguarda importantes, como:

1. POP ART

Surgida no fim da década de 1950, a

pop art pode ser definida pelo retrato e
interpretação de seus artistas em relação à
cultura popular e de massa.
Provocativa e nada óbvia, a pop art
contou com artistas de vanguarda como Andy
Warhol e Roy Lichtenstein, e influenciou outros
campos, como a moda e o grafismo.

Crédito: Invaluable
2. FOTORREALISMO

O fotorrealismo surgiu entre as décadas

de 1960 e 1970 e teve como principal proposta
replicar a fotografia do modo mais realista,
exato e preciso para a pintura.
Entre os artistas desse estilo, Chuck
Close e Gerhard Richter foram os seus
representantes mais famosos.

Crédito: Creative Bloq

3. ARTE CONCEITUAL

Surgida na década de 1960 e atingindo seu ápice na década seguinte, a arte conceitual é
considerada uma arte contemporânea por apresentar um forte caráter experimental e por priorizar a
ideia e a atitude do artista em detrimento da obra.
Os principais artistas dessa corrente foram Marcel Duchamp, Joseph Kosuth, Joseph Beuys,
Robert Rauschenberg e Yves Klein, entre muitos outros.
 Crédito: Medium

4. ARTE MINIMALISTA

O minimalismo teve seu início nos Estados Unidos. na década de 1960, e explorou o cenário
artístico ao promover a utilização de mínimos recursos e poucas cores para a produção de suas
obras.
Alguns representantes importantes desse estilo foram: Donald Judd, Frank Stella e Richard
Serra, entre vários outros.

Crédito: The Art Story

4. PERFORMANCE NA ARTE

Baseada na abstração e com raízes conceitualistas, a performance na arte surgiu na década

de 1960 e promove a interação do espectador com a obra.
 Considerado um estilo artístico sem
limites por desafiar, em muitos momentos,
conceitos morais, a performance na arte
muitas vezes tem como principal obra o
próprio artista e valoriza a reflexão e
mensagem da produção artística.
Artistas que aplicam o que é arte
contemporânea dentro da arte performática
são: Marina Abramović e Yoko Ono.

Crédito: Public Delivery

5. ARTE DE RUA

Como um dos mais recentes

movimentos dentro do que é arte
contemporânea, a arte de rua é um gênero
que ganhou destaque com o surgimento
dos grafiteiros famosos na década de 1980.
Promovendo a reflexão, o ativismo
social e um olhar crítico sobre a sociedade, a
arte de rua pode ser encontrada em diferentes
campos, como murais e instalações.

Crédito: Wikipédia
Diante desses exemplos importantes de estilos artísticos, é possível entender melhor o que é
arte contemporânea, não é mesmo? Que tendência artística interessante e repleta de obras únicas!

Fonte do texto: https://laart.art.br/blog/o-que-e-arte-contemporanea/

O que é releitura?
Assim como existem diversas interpretações de uma obra de arte, existem diversas
possibilidades de releituras dessa obra. Uma boa releitura irá depender de uma boa compreensão
na leitura da obra. Reler uma obra é totalmente diferente de apenas reproduzi-la, pois é preciso
interpretar bem aquilo que se vê e exercitar a criatividade. Ao recriar uma obra não é necessário
empregar a mesma técnica usada pelo artista na obra original. Na releitura de uma pintura podemos
utilizar outras formas de expressão artística como o desenho, a escultura, a fotografia ou a colagem.
O mais importante é criar algo novo que mantem um elo com a fonte que serviu de inspiração. Uma
boa proposta de releitura se baseia em um conhecimento prévio do artista e da obra: a época em
que ele viveu, sua biografia, artistas que admirava, outros artistas de seu tempo, o tema da obra e
de outros trabalhos seus, a técnica utilizada, etc. Há inúmeros casos de grandes artistas que a
utilizaram para se aperfeiçoar, homenagear seus mestres ou alguma obra em especial, como
veremos no curso de Arte Moderna. No caso das artes, as atividades de releitura possuem um
enorme valor educativo e, algumas vezes, geram resultados que se tornam conhecidos e resultam
em uma sequência de obras, em outros tempos e estilos. Existem vários exemplos disso na arte,
como é o caso da pintura Almoço na Relva de Manet que inspirou o quadro de Picasso. Manet se
inspirou em Concerto Pastoral de Giorgione e em uma gravura de Marcantonio Raimondi, O
Julgamento de Paris, gravura baseada em desenho de Rafael Sanzio. Ou, ainda, O Balcão de
Manet de Magritte, releitura de O Balcão de Manet, que releu O Balcão de Goya. Abaixo, exemplos
interessantes de releitura de alunos dos cursos de Design Gráfico, Design de Produto, Design de
Ambientes e Licenciatura em Artes Visuais da UEMG. Releituras realizadas em 2007.

*Em Arte, Natal & Design releituras em cartões de Natal.

https://coresematizes.wordpress.com/2009/07/16/o-que-e-releitura/

Agora que você já conhece melhor a Arte Moderna e a Arte Contemporânea, e também já sabe o
que é uma releitura e conheceu algumas obras e suas releituras, responda ao que se pede.
Questão 01 – Sobre a Arte Contemporânea, complete a cruzadinha com seus estilos e
vanguardas.

1. Provocativa e nada óbvia

2. Teve como principal proposta replicar a fotografia do modo mais realista.
3. É considerada uma arte contemporânea por apresentar um forte caráter experimental e por
priorizar a ideia e a atitude do artista em detrimento da obra.
4. Explorou o cenário artístico ao promover a utilização de mínimos recursos.
5. Promove a interação do espectador com a obra.
6. Ganhou destaque com o surgimento dos grafiteiros famosos
7. É feita em muros com tinta spray
8. É feita em muros, mas os desenhos são feitos primeiro em papeis como moldes e aplicados
como técnica de carimbo.

Questão 02 – Agora é sua vez de criar uma releitura mara! Use bastante a criatividade! Você
pode utilizar de técnicas diversas como a pintura com tinta, lápis, giz, ou colagens, fique a
vontade para criar! A obra da vez será a obra Abaporu de nossa querida Artista Brasileira
Modernista, Tarsila do Amaral.

Veja a obra original, uma releitura da mesma e crie a sua!

 Aula 07 – Leitura e Compreensão de Obras
Habilidade: (EM13LGG104) Utilizar as diferentes linguagens, levando em conta seus
funcionamentos, para a compreensão e produção de textos e discursos em diversos campos de
atuação social.
Objeto de Conhecimento: Leitura e compreensão de obras abstratas e figurativas.

Do que se trata a leitura de obras de arte?

Para iniciarmos este conteúdo, é preciso primeiro entender o que é a leitura de uma obra de
arte. Afinal se podemos ler palavras, que surgiram através de desenhos, podemos muito bem
decifrar outras formas de comunicação. Sim! A arte é uma forma de comunicação bem ampla, e toda
arte nos passa uma mensagem, só nos basta saber interpretá-la. E assim, no texto a seguir você
compreenderá o que estamos aqui falando.
O que é uma obra de arte? Como interpretar?
Uma pequena reflexão sobre interpretação de obras de arte.
A interpretação de obras de arte consiste na análise dos elementos contidos na mesma.
Desta forma o espetador compreenderá melhor o que o artista queria transmitir quando produziu a
obra de arte.
A interpretação de obras de arte é pois um processo complexo e nem sempre fácil de
conduzir. Não nos devemos esquecer que uma obra de arte é um objeto de fruição estética, mas
igualmente um testemunho e uma fonte histórica relativamente à época em que foi produzida.
Transmite assim sensações e emoções, mas igualmente informação histórica relevante.
Também não nos podemos esquecer que na interpretação de obras de arte o observador tem
já interiorizada uma grande quantidade de informação. Relativa à obra, ao artista, ao estilo ou
movimento artístico. O que significa que quando o observador tem o primeiro contacto com uma
obra raramente a sua reação é estritamente sensorial ou emocional.
Perante uma obra de arte famosa, por exemplo, teremos do observador a reação emocional,
mas também a identificação dos elementos históricos presentes (que vão das imagens à técnica e
cores). Esta primeira leitura é ―filtrada‖ pela experiência e informação interiorizada pelo próprio
observador (de forma consciente ou não).

O que é uma obra de arte

Se quisermos tentar responder à questão: o que é uma obra de arte teremos de pensar que
esta é simultaneamente:

 objeto (um objeto físico com todos os aspetos relativos à sua materialidade).
 mensagem (o que o autor quis transmitir).
 informação (o que revela relativamente ao contexto de produção).
 sensação e emoção (o que o observador sente perante a obra).
  interpretação (o que o observador ―lê‖ de acordo com as suas experiências, de
forma consciente ou não).

Interpretação de obras de arte

Como nos diz Heidegger (A Origem da Obra de Arte):

“A obra dá publicamente a conhecer outra coisa, revela-nos outra coisa; ela é alegoria.
À coisa fabricada reúne-se ainda, na obra de arte, algo de outro. (…) A obra é símbolo.”
Desta forma, e seguindo o raciocínio de Heidegger, torna-se necessário, ao fazer a
interpretação de obras de arte, desdobrar o pensamento do artista no momento da feitura da
sua obra. Esta leitura vai retirar o carácter de «coisa» (das Dinghaft, segundo Heidegger) para
transformá-la em algo mais. A obra é madeira, é pedra, é tela, sim; mas, não apenas. Ela tem esse
elemento «coisal», mas é ainda algo mais, porque há um significado intrinsecamente ligado à
«coisa»; um significado que foi atribuído pelo próprio artista quando trabalhou a madeira, esculpiu a
pedra ou pintou a tela.
Assim, devemos buscar a verdadeira essência reinante na sua produção, analisando cada
pormenor de produção, atentamente, e «perguntarmos à obra o que é e como é» (Heidegger).

Como analisar uma obra de arte

Então como analisar uma obra de arte qualquer que seja a sua natureza ou técnica.

Noite Estrelada – Van Gogh - https://artout.com.br/arte-na-idade-contemporanea/

A análise pode ser objetiva (ou visual), em que se descreve os elementos como são vistos,
ou subjetiva (ou simbólica), que descreve os nossos sentimentos aquando da visualização da obra.
Podemos ainda analisar uma obra segundo um ponto de vista formal (ou estético) que
analisa toda a sintaxe visual (composição), com contexto histórico, temática, organização de
elementos – o que envolve uma pesquisa mais abrangente.
 Como uma leitura pode ser muito dependente das sensações que provoca em cada um de
nós, encontram-se estabelecidos alguns elementos-base para a leitura de uma obra de arte.
Assim, há que ter em conta estes critérios comuns: época, técnica, tema e recursos
utilizados pelo artista.
Assim, e sempre que necessário recorrendo à pesquisa, antes de iniciar a leitura
propriamente dita, devemos:
1) Obter dados sobre o autor (como data de nascimento e morte, origem social,
formação, outras obras);
2) Reconhecer o assunto (cena religiosa, histórica, mitológica, alegórica, retrato,
paisagem,…; se se encontra exposta, e qual foi a sua primeira aparição pública, etc.);
3) Analisar o assunto (ou seja: uma descrição do que se encontra representado, lugares,
enquadramentos, personagens, ações, etc.).
Se for o caso, também podemos acrescentar dados relativos ao local onde se encontra,
criando uma legenda breve: autor, título, data de execução, suporte, dimensões, lugar de
conservação/exposição.
Quando descrevemos uma obra, devemos começar por anotar as nossas primeiras
impressões. Poderão ajudar-nos numa fase posterior da nossa análise. Contudo, há que ter em
conta que devemos sempre justificar as nossas conclusões de modo que outros consigam
relacionar-se com elas e, assim, entendê-las. Podemos, por exemplo, estabelecer comparações
entre obras ou mesmo entre artistas e considerar alternativas que poderiam ter sido escolhidas pelos
artistas ou o que terá afectado as suas escolhas naquela obra em particular.
Por fim, deveremos concluir a nossa análise com uma descodificação dos
significados (reais ou simbólicos) da obra em análise.
E lembrem-se: tudo aquilo que for realmente observável na obra é digno de nota e
motivo para análise.

Texto Complementar
COMO LER UMA OBRA DE ARTE
Sérgio Cunha

É possível ler uma obra de arte? Sim! Do mesmo jeito que aprendemos a ler, decodificar a
linguagem verbal, ou seja, as letras, palavras, frases, etc, precisamos aprender a ler obras de Arte.
E como realizar a leitura de uma obra de Arte? É muito importante ressaltar que não existe
um único caminho para a leitura de obras de Arte, mas durante essa leitura é importante levantar
aspectos relacionados a:
Leitura Formal: observar os elementos que compõem, formam a obra de Arte, ou seja, os
elementos expressivos, como a linha, a cor, o volume, a perspectiva.
 Meninas a ler - Pablo Picasso
Leitura Interpretativa: este é um momento muito rico, em que não existe certo nem errado.
Durante esta leitura é possível a cada espectador colocar o que pensa sobre a obra que está vendo,
pois cada ser humano percebe, vê e sente uma obra de Arte de acordo com sua história de vida,
com o que já sabe e conhece sobre arte.
Contextualização Histórica: localizar a
obra no tempo histórico e no espaço,
observando o tema, os significados, ou seja,
os contextos em que foi criada, auxiliando na
compensação e no significado da obra em
questão.
Os Operários - Tarsila do Amaral
Quando apreciamos produções artísticas, esses aspectos acabam por interagir uns com os
outros, pois a leitura de uma obra de arte é percebida, sentida e significada a partir de nossos
conhecimentos, vivências e percepções. Ao fruir a produção artística da humanidade, estamos
realizando um diálogo com o mundo.
Quanto mais estivermos em contato com obras de Arte, mais nos aprofundamos nessa
linguagem e consequentemente em sua leitura, mais ampliamos nosso repertório, conhecimento e
compreensão da produção de Arte da humanidade, quer seja em museus, galerias, exposições, ou
até mesmo através de reproduções, pois em alguns casos a presença frente às originais não é
possível.
Ler é atribuir significados a algum texto, no caso de obras artísticas, estamos falando
de textos visuais, que são lidos a partir do momento que começamos a estabelecer relações entre
as situações que nos são impostas pela nossa realidade e de nossa atuação frente a estas
questões, na tentativa de compreendê-las e resolve-las. A leitura se torna real quando
estabelecemos essas relações.

https://citaliarestauro.com/interpretacao-de-obras-dearte/#:~:text=A%20interpreta%C3%A7%C3%A3o%20de%20obras
%20de%20arte%20consiste%20na%20an%C3%A1lise%20dos,produziu%20a%20obra%20de%20arte%20.
Questão 01 – Agora que você já compreende melhor como realizar a leitura / interpretação de
uma obra de arte, chegou a hora de praticar. Você irá observar as obras abaixo e realizar a
leitura delas e posteriormente produzir uma crítica. Lembrando que a palavra crítica não quer
dizer algo negativo, por isso existe a expressão “crítica construtiva”, portanto, você irá
analisar e comentar aspectos da obra. Siga os passos do texto e sucesso!
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―O Nascimento de Vênus‖ - Sandro Botticelli – 1485 – ___________________________________
têmpera sobre tela - 280 x 180 cm –
Galleria degli Uffizi, Florença, Itália
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―O lavrador de café‖ (1934), óleo sobre tela

Retirantes. Candido Portinari. 1944 –
Óleo sobre tela (190 x 180cm) Localização:
Museu de Arte de São Paulo Assis
Chateaubriand (MASP)
de Cândido Portinari
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Detalhe da tela 'A lua', adquirida pelo Museu de Arte

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Moderna de Nova York Foto: Divulgação MoMA

Questão 02 – Agora que você já conseguiu fazer analises das obras acima, está na hora de
conhecer um pouco mais sobre as obras de arte moderna e contemporânea. Realize uma
pesquisa de 2 artistas de cada era, 2 da arte moderna e 2 da arte contemporânea. Sendo um
artista plástico (pintor) e outro escultor. Após pesquisar e descobrir de quem você irá falar,
faça uma pesquisa sobre eles, sobre a vida e suas obras. Sobre as obras você escolherá 5
obras de cada artista com suas legendas e fará a observação e posteriormente a leitura das
mesmas.
 Aula 08 – Leitura e Compreensão de Obras – Obras Abstratas e Figurativas
Habilidade: (EM13LGG104) Utilizar as diferentes linguagens, levando em conta seus
funcionamentos, para a compreensão e produção de textos e discursos em diversos campos de
atuação social.
(EM13LGG105) Analisar e experimentar diversos processos de remidiação de produções
multissemióticas, multimídia e transmídia, desenvolvendo diferentes modos de participação e
intervenção social.
(EM13LGG204) Dialogar e produzir entendimento mútuo, nas diversas linguagens (artísticas,
corporais e verbais), com vistas ao interesse comum pautado em princípios e valores de equidade
assentados na democracia e nos Direitos Humanos.
Objeto de Conhecimento: Leitura e compreensão de obras abstratas e figurativas.
Experimentação de vários materiais possíveis nas produções de Arte Visual, Dança, Música e
Teatro.
Analisar, discutir e produzir obras artísticas que dialoguem como o conseito de igualdade e
equidade.

O QUE É ARTE FIGURATIVA: HISTÓRIA, CARACTERÍSTICAS, OBRAS E ARTISTAS

A arte figurativa é um tipo de arte moderna caracterizada pela criação e expressão de obras
que podem ser facilmente identificadas por seus observadores. Ou seja, seus espectadores não
precisam utilizar metáforas ou símbolos para compreendê-la.
No decorrer da história, essa corrente artística apresentou características que evoluíram com
o decorrer do tempo. Considerado um estilo mais inclusivo por não exigir referências culturais como
as apresentadas por outros gêneros, a arte figurativa perdeu um pouco o seu espaço a partir do
século XX, devido ao surgimento de vanguardas artísticas europeias, como a arte abstrata.
Quer entender melhor o que é arte figurativa, saber a diferença entre arte figurativa e arte
abstrata, e conhecer os artistas e principais obras do figurativismo? Basta ler este post até o fim!

AFINAL, O QUE É ARTE FIGURATIVA?

Com foco no retrato da realidade, o figurativismo é uma expressão artística que tem como
meta reproduzir objetos do cotidiano, formas, figuras e elementos da natureza. Dessa forma, essa
corrente tem como principal característica a reprodução da realidade. Sendo assim, apresenta uma
forte ligação com seus elementos de inspiração.
 O exemplo mais antigo de arte figurativa
é representado por uma escultura de marfim e
tem cerca de 35 mil anos. Essa peça foi
descoberta na Alemanha e se chama ―Vênus
de Hohle Fels‖. Ela é considerada uma obra de
arte de estilo figurativo por contar com
elementos que remetem a figuras femininas.
Logo, representa a realidade.

Crédito: Wikipédia

ARTE FIGURATIVA E SUAS REPRESENTAÇÕES

Esse gênero artístico pode ser representado de duas maneiras:

REALISTA

Como o próprio termo indica, é um estilo

que retrata a realidade das figuras, objetos e
seres. Em outras palavras, se um artista desse
gênero se inspirar em um vaso, é esse objeto
que será reproduzido em sua arte. Logo, quem
a observar, identificará, automaticamente, que
se trata de um vaso.
Esse tipo de arte foi bastante abordado
em diversas correntes artísticas,
principalmente na arte barroca, no realismo e
no renascimento.
Pintado por Paul Cézanne, o quadro ―O
menino de colete vermelho‖ é um exemplo de
arte figurativa realista. Crédito: G1

ESTILIZADA

O gênero estilizado se difere do realista por apresentar menos compromisso com a realidade
dos cenários. Nesse estilo, o foco é a visão do artista e o seu desejo de se expressar. Dessa forma,
o figurativismo estilizado apresenta o ponto de vista de seu artista e, em muitos momentos,
representa um olhar alterado da realidade.
 Esse tipo de arte pode ser bastante
visto em obras impressionistas
e expressionistas, estilos que buscavam
expressar a emoção de seus artistas. A peça
―Retirantes‖, de Candido Portinari, é um belo
exemplo desse estilo.

Crédito: MASP
Além de Candido Portinari, outros artistas brasileiros compuseram obras figurativas
emblemáticas.

CARACTERÍSTICAS DA ARTE FIGURATIVA

Entre as principais características do figurativismo, as que merecem destaque são:

 a representação da realidade;
 o retrato da sociedade;
 o simbolismo proposto pela visão do artista;
 o uso de elementos da natureza;
 a verossimilhança.

Gosta de aprender sobre movimentos artísticos importantes? Então, não deixe de ler: ―Arte
conceitual: o que é, quais são suas características e artistas mais famosos?‖

DIFERENÇA ENTRE ARTE FIGURATIVA E ARTE ABSTRATA

Como já visto, o figurativismo pode tanto representar o retrato fiel da realidade, como a visão
de seus artistas, de modo estilizado. No geral, as obras de arte dessa corrente são facilmente
interpretadas por quem as observa. Essa é a principal diferença entre a arte figurativa e a arte
abstrata, já que a última não tem compromisso com a realidade.
Em outras palavras, a arte abstrata contém um caráter subjetivo muito mais forte do que o do
figurativismo. Isso porque o abstracionismo não é expresso de modo objetivo. Dessa forma, na
maioria das vezes, precisa de referências para ser compreendido por sua audiência e também usa
associações para indicar o seu significado.
 Na arte abstrata, as cores e as formas de uma peça, muitas vezes, parecem não estar
associadas com a sua temática. Isso acontece porque ela é expressa de acordo com as emoções e
pensamentos de seus criadores. Logo, não representa a realidade de modo óbvio.
Entendeu a diferença entre figurativismo e arte abstrata? Então, não deixe de conhecer a
biografia de Anna Bella Geiger, uma artista que abordou os dois estilos em suas obras. Para
isso, basta clicar aqui.

ARTE FIGURATIVA: PRINCIPAIS ARTISTAS

O figurativismo foi representado por alguns artistas fundamentais na história da arte. No

entanto, muitos deles, apesar de criarem obras baseadas nesse estilo, também foram influenciados
por outros gêneros artísticos. Dito isso, conheça agora alguns dos principais artistas da arte
figurativa:

 Johann Anton Eismann: pintor austríaco;  Albrecht Dürer: artista alemão;

 Alberto Giacometti: artista plástico suíço;  Jan van der Heyden: pintor holandês;
 Jean-Auguste-Dominique Ingres: pintor  Jacques-Louis David: pintor francês;
francês;  Giorgione: pintor italiano;
 Paul Cézanne: pintor francês;  Claude Monet: pintor francês.

OBRAS DE ARTE FIGURATIVA

Confira agora algumas obras de arte figurativa:

1. “O NASCIMENTO DE VÊNUS”, DE SANDRO BOTTICELLI

Crédito: Wikipédia
 2. “O PROBLEMA COM O QUAL TODOS CONVIVEMOS”, DE NORMAN ROCKWELL

Crédito: Wikipédia

3. “O MUNDO DE CHRISTINA”, DE ANDREW WYETH

Crédito: Wikipédia
Há muitas obras de arte desse estilo espalhadas pelo mundo em museus e galerias. Você
sabia que a Laart é uma delas? Criada por Luis Felipe e Manoel, dois apaixonados por arte e que
têm a gravura em seus DNAs, a Laart é uma galeria de arte online especializada em vendas
de gravuras originais, assinadas e de tiragem limitada.

Fonte do Texto: https://laart.art.br/blog/arte-figurativa/

 O QUE É ARTE ABSTRATA? SURGIMENTO, PRINCIPAIS ARTISTAS E OBRAS FAMOSAS

A arte abstrata existe – oficialmente – há mais de 100 anos e sua origem é, em geral,
atribuída a movimentos artísticos como o impressionismo, o pós-impressionismo e o cubismo. Na
realidade, essas expressões artísticas contribuíram para a compreensão de que a arte não precisa
ser representativa. Mas, afinal, o que é arte abstrata?
Para descobrir o que é arte abstrata, conhecer os principais artistas e obras do
abstracionismo, basta seguir com sua leitura.

O QUE É ARTE ABSTRATA?

A arte abstrata, também conhecida como abstracionismo, é uma corrente artística que
apresenta como aspecto principal a reprodução de elementos de modo não real. Ou seja, esse
gênero não retrata objetos e cenários que façam parte da realidade das pessoas em um sentido
concreto.
Logo, esse estilo se baseia em uma expressão que valoriza a interpretação de seus artistas
para criarem suas peças, assim como suas emoções e o modo como os
observadores assimilam essa arte.
O conceito sobre o que é arte abstrata está relacionado ao uso da forma, das cores e das
linhas para criar uma composição que exista independentemente de referências visuais literais.
Desse modo, o abstracionismo não reproduz uma pessoa, lugar ou qualquer outro elemento do
mundo natural.
O que é muito importante mencionar ao definir a arte abstrata é que os artistas do
abstracionismo não têm apego algum à realidade. Em vez disso, eles, por meio de suas obras, se
comunicam com seus espectadores de modo interpretativo.
Nesse cenário, todos os principais artistas da arte abstrata compartilham uma linha de
pensamento e criação em comum: a realidade é subjetiva e cabe ao espectador defini-la.
Agora que você já sabe o que é arte abstrata, basta continuar lendo para conhecer o seu
contexto e proposta.
 O QUE É ARTE ABSTRATA: CONTEXTO E PROPOSTA

No início do século XX, o conceito sobre o que é arte abstrata não era conhecido e, logo, esse
movimento representou uma quebra intensa de paradigmas em relação ao ―o que é arte‖.
Apesar de aparentar ser um estilo artístico novo, o abstracionismo existe há mais de um
século. Vale enfatizar que esse gênero, apesar de contar com uma proposta que valoriza o
subjetivismo e a interpretação, apresenta divisões relacionadas à intensidade da abstração de uma
obra. Por exemplo:

 abstração geométrica e abstração lírica: contam um caráter abstrato elevado

ou total;
 arte figurativa: é caracterizada pela abstração parcial.

Abstração Geométrica
A abstração geométrica foca na racionalização do ser humano e utiliza-se de figuras
geométricas, desenhadas com precisão utilizando instrumento de desenho geométrico, como régua,
esquadro, transferidor, compasso e, até, computador.
Abstração Informal
Também chamamos de abstração orgânica ou lírica e utiliza formas abstratas, mas não
necessariamente geométricas, nela predominam os sentimentos e emoções. As cores e as formas
são criadas livremente.
Na Alemanha surge o movimento denominado "Der blaue Reiter" (O Cavaleiro Azul) cujos
fundadores são os Kandinsky, Franz Marc entre outros. Uma arte abstrata, que coloca na cor e
forma a sua expressividade maior. Estes artistas se aprofundam em pesquisas cromáticas,
conseguindo variações espaciais e formais na pintura, através das tonalidades e matizes obtidos.
Eles querem um expressionismo abstrato, sensível e emotivo. Com a forma, a cor e alinha, o artista
é livre para expressar seus sentimentos interiores, sem relacioná-los a lembrança do mundo exterior.
Estes elementos da composição devem Ter uma unidade e harmonia, tal qual uma obra musical.

PRINCIPAIS ARTISTAS DA ARTE ABSTRATA

Estilisticamente, a arte abstrata engloba diversos movimentos artísticos, como:

 surrealismo;  cubismo;
 dadaísmo;  fauvismo.

Na lista de principais artistas de arte abstrata, alguns nomes se destacam, como:

 1. WASSILY KANDINSKY

Entre os principais artistas do abstracionismo, o primeiro reconhecidamente a adotar esse

modelo foi Wassily Kandinsky. Logo, esse pintor russo é considerado o precursor dessa corrente.
É provável que outras figuras importantes da história da arte tenham desenvolvido obras
dentro dos conceitos abordados no abstracionismo. Entretanto, muitos historiadores creditam a
Wassily Kandinsky à origem desse estilo.
Vanguardista e visionário, Wassily Kandinsky compôs, já em 1912, uma série de pinturas
abstratas famosas que apresentava formas flutuantes e não representacionais. A sua obra “Pintura
com borda branca”, criada nessa data, representa bem esse gênero.

Crédito: WikiArt
Outra série emblemática desse artista que conta com um elevado grau de complexidade é o
seu conjunto de pinturas chamado ―Composição‖. Para criar esse conjunto, ele demorou vários
meses e estudou intensamente.
“Composição IV” é uma de suas pinturas abstratas mais famosas.

Crédito: Wikipédia
 2. PIET MONDRIAN

Piet Mondrian desenvolveu fotos abstratas de paisagens e obras que tinham como destaque
elementos geométricos por meio de um estilo complexo de abstração.
Esse pintor holandês compôs inúmeros trabalhados, entre eles, peças com cores vivas
intensas e outras que apresentavam a técnica pontilhista. Influenciado pelo cubismo, as suas obras
abstratas contavam com um forte caráter simbolista.
Por volta de 1914, desenvolveu um estilo abstrato mais simplificado, que chamou de
neoplasticismo. Esse gênero restringiu as cores a três cores primárias e apresentou uma grade de
linhas verticais e horizontais pretas sobre um fundo branco.
Em 1940, mudou-se para Nova York,
onde começou a desenvolver um estilo com
linhas mais coloridas e ritmadas,
desenvolvendo uma série de pinturas
abstratas famosas.
A sua peça “A Árvore Vermelha”, feita
entre 1908 e 1910, foi uma de suas primeiras
obras abstratas. Nela, o artista fez uso das
cores primárias amarelo, vermelho e azul para
Crédito: Wikipédia
causar a abstração, já que os elementos que
rodeiam uma árvore não apresentam essas
cores na realidade concreta.

Feito em 1943, o quadro “Broadway

Boogie-Woogie” é considerado, por muitos
estudiosos, a obra prima do artista e apresenta
referências um pouco menos abstratas do que
as de suas peças anteriores.

Crédito: Wikipédia
Talvez você não aprecie a arte abstrata do mesmo modo que admira outras correntes, mas
não pode negar que esse gênero foi fundamental para a arte contemporânea.
 Atualmente, o abstracionismo pode ser visualizado em diferentes formas, em um contexto bi e
tridimensional. Além disso, o abstracionismo não apresenta limites, pois também pode refletir a
realidade de algum modo ou ser totalmente conceitual.
O Brasil conta com ícones da arte nacional que elaboraram obras desse gênero , como:

 Alfredo Volpi;
 Sérvulo Esmeraldo;
 Ferreira Gullar, entre outros.

A gravura abaixo, ―Fórmulas‖, de Gerty Saruê, é um belo exemplo de obra abstrata. Essa
peça está no acervo da Laart. Para saber mais sobre ela, basta clicar aqui.

Crédito: Laart. Foto de Joca Meirelles

Fonte do Texto: https://laart.art.br/blog/o-que-e-arte-abstrata/

Questão 01 – O que é arte figurativa?

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Questão 02 – O que é arte abstrata?
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Questão 03 – Podemos ainda classificar a arte abstrata em outras duas, de acordo com as
formas apresentadas nas obras, quais são?
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Questão 04 – O que é arte abstrata geométrica?
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Questão 05 – O que é arte abstrata informal?
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Habilidade: (EM13LGG105) Analisar e experimentar diversos processos de remidiação de

produções multissemióticas, multimídia e transmídia, desenvolvendo diferentes modos de
participação e intervenção social.
(EM13LGG204) Dialogar e produzir entendimento mútuo, nas diversas linguagens (artísticas,
corporais e verbais), com vistas ao interesse comum pautado em princípios e valores de equidade
assentados na democracia e nos Direitos Humanos.
Objeto de Conhecimento: Experimentação de vários materiais possíveis nas produções de Arte
Visual, Dança, Música e Teatro.
Analisar, discutir e produzir obras artísticas que dialoguem como o conseito de igualdade e
equidade.

Objetivo: Exploração das mídias na arte. Possíveis materiais na arte visual, música, dança e teatro.
Processos de remidiação de produções multissemióticas, multimídia e transmídia.
Utilizar dos recursos acima para produção de trabalho que utilize as diversas linguagens (artísticas, corporais
e verbais), sobre valores de equidade assentados na democracia e nos direitos humanos.
 Arte e Mídias Interativas

Conceituando o termo ―interatividade‖:

No âmbito midiático,
interatividade é uma medida do potencial de habilidade de uma mídia permitir que o usuário exerça
influência sobre o conteúdo ou a forma da comunicação mediada. (Jensen, 1998)
No âmbito social,
interatividade consiste na relação entre duas ou mais pessoas que, em determinada situação,
adaptam seus comportamentos e ações uns aos outros.(Jensen, 1998)
Transportando o conceito para o ambiente da arte, levanto um primeiro parecer que afirma que toda
obra de arte é, pela própria natureza artística, interativa. Ela depende da interação entre obra, artista e
receptor, e o signo da obra só faz sentido quando essa interação existe e se faz notar. Com o passar do
tempo o artista passa a ter essa visão crítica do processo de recepção da arte e passa a produzi-la de forma
muito mais consciente e calcada na interação.
As novas mídias, peneiradas com tudo que a tecnologia agrega no sentido de torná-las interativas,
desenha aos poucos uma nova visão sobre a arte. Digo ―aos poucos‖ pois me refiro a um processo contínuo,
do qual estamos vislumbrando apenas o desenrolar dos primeiros atos e que, com o contínuo avanço
tecnológico e comunicacional vivenciado nas últimas décadas, ainda tem muito que se desenvolver.
Agora, com os processos promovidos pela Interatividade tecnológica, na relação homem-máquina,
postula-se a abertura de terceiro grau [para a arte]. Esta abertura, mediada por interfaces técnicas, coloca a
intervenção da máquina como novo e decisivo agente de instauração estética, própria das Imagens de
Terceira Geração. (Plaza, 2000)
O que caracteriza a interatividade é a possibilidade crescente de transformar os participantes do
processo de comunicação em emissores e receptores, ao mesmo tempo, da mensagem.
A arte, nessa nova era das mídias interativas, já é construída pensando nas possibilidades desse novo
cenário. Ela é criada visando algum tipo de interação com o espectador. Vemos nas exposições
contemporâneas, obras de arte que brincam com a participação do visitante, criando ambientes convidativos
e abertos à interação. Grandes instalações, painéis interativos, imagens e sons que são gerados ou se
transformam de acordo com a ação do espectador – são apenas alguns exemplos do que a arte interativa
começa a lançar mão nesse início de milênio. A internet e seus hiperlinks permite ainda um tipo mais
avançado e ao mesmo tempo mais controlado de interatividade, posicionando o usuário como o membro
assumidademente ativo na execução de uma obra de arte digital.
O artista com as redes inventa novos agrupamentos, coleta elementos, junta, separa justapõe, tenta
dar uma nova ordem, coloca a luz sobre certos pontos, propõe novos jogos, cria metarregras, guiado por um
objetivo: o trabalho artístico. O intercâmbio dinâmico em todos os seus estados constitui uma interface entre
homens e imaginários. O artista se torna um tipo de poeta da conexão. (Prado, 1997)
A estética da arte na realidade interativa também se transforma. Ela é produzida por um novo tipo de
―artista‖, que hoje é rebatizado com nomes como designer, desenvolvedor, programador ou interator. Ela
também se coloca em diferentes formatos (instalações físicas interativas, websites, cd-roms, interfaces
sensíveis ao toque, áudio, vídeo, texto digital e hipertexto, entre outros) e com diferentes objetivos, o que
garante uma rica multiplicidade de formas plásticas.
 A arte em mídias digitais é dotada de certa plasticidade, tornando-se suscetível de modificação, de
acordo com as interações do interator. (Arantes, 2005)
Sobre os caminhos futuros da interatividade na arte, afirma Julio Plaza:
As noções de interação, interatividade e multisensorialidade intersectam-se e retroalimentam as
relações entre arte e tecnologia. A exploração destes dados perceptuais, cognitivos e interativos está
começando. (Plaza, 2004)
Bibliografia:

 SANTAELLA, Lúcia . Culturas e artes do pós-humano. 2ª Ed. São Paulo: Paulus, 2003.
 PRADO, Gilbertto. Dispositivos interativos: imagens em redes telemáticas. In: Arte do século XXI: A humanização das
tecnologias. São Paulo: Fundação Editora da UNESP, 1997. Pg 295 – 302.
 JENSEN, J. F. Interactivity: Tracing a new concept in media and communication studies. vol. 19. Nordicom Review. 1998.
pp. 185–204.
 PLAZA, Júlio. Arte e Interatividade: Autor – Obra – Recepção. Disponível
em: http://wawrwt.iar.unicamp.br/textos/texto26.htm. Acesso em 31 agosto de 2004.
 ARANTES, P. A. C. . Arte e mídia no Brasil: pesrpectivas da estética digital. ARS (USP), v. 3, p. 52-66, 2005.

O que são multissemióticos, multimídia e transmídia?

Multissemióticos são os textos com muitos elementos, como imagens, ícones e desenhos.

Multimédia é um termo que provém da língua inglesa e que se refere àquilo que utiliza vários meios em
simultâneo na transmissão de uma informação. Uma apresentação multimédia, por conseguinte, pode incluir fotografias,
vídeos, sons e texto. O conceito é aplicado a objectos e sistemas que recorrem a múltiplos meios físicos e/ou digitais
para comunicar os seus conteúdos. O termo também é usado em referência aos meios em si que permitem armazenar e
difundir conteúdos com estas características.

A comunicação multimédia facilita a compreensão e a aprendizagem, já que é bastante parecida com a

comunicação humana directa (cara a cara). Numa conversa, observamos o interlocutor (o que seria equivalente a um
vídeo) ouvimo-lo (áudio) enquanto acompanhamos as suas palavras com gestos e movimentos corporais (animações).

Transmídia é a utilização de vários tipos de mídias, usadas de forma estratégica principalmente pela área do
Marketing e da Comunicação, onde é criado uma variedade de conteúdos que se completam e nutrem um mesmo
universo, trazendo para o indivíduo consumidor a sensação de um mar de possibilidades a serem exploradas de uma
determinada marca ou produto.
É um conceito muito mais rico que a Crossmedia, que se trata de apenas um espelhamento de um mesmo
conteúdo em vários tipos de mídia.

Crossmedia

 Você pode assistir ao trailer do filme na TV durante o intervalo da novela das 8;

 Ou pode assistir ao mesmo trailer do filme, só que no início de uma sessão de cinema;
 E no rádio, você pode escutar o áudio do mesmo trailer durante o intervalo da programação.
Na Crossmedia, a junção das mídias aumentam o alcance de um mesmo conteúdo para um número maior de
pessoas.
 Transmídia

 No YouTube você poderá acompanhar trailers do filme, fazer comentários, avaliar outras
opiniões, dialogar com outros usuários sobre expectativas, assistir novamente ao trailer a hora que quiser.
 No site oficial do filme você poderá participar de um quiz que dará ingressos para assistir a
trama no cinema na pré-estreia para os primeiros que acertarem as questões.
 No WhatsApp você pode conversar e interagir com um chatbot (Take como especialista no
assunto, tem bastante posts sobre chatbots aqui no blog) de um personagem construído de acordo com a
história e saber leves spoiler sobre a trama do filme, ter acesso ao trailer e informações sobre o lançamento.

Agora que você já conhece a diferença entre as produções midiáticas, é hora de praticar e testar seus
conhecimentos. Você fará uma grande produção, seguindo primeiramente os passos da produção
multissemiótica, posteriormente evoluirá para a multimídia e por fim levaremos suas produções à transmídia!
E qual a temática? A arte contemporânea e sua essência.
Você montará um material rico de informações sobre a arte contemporânea, seus artistas, sua passagem pela
arte visual, música, dança e teatro, suas obras e nos apresentar.
Você pode usar e abusar da tecnologia!
No fim, você entregará duas produções, uma escrita e outra via mídia, uma vez que tudo que é escrito é o
planejamento, pesquisas, resumos, tudo o que você buscou para montar a mídia final. Mas mesmo sendo um
conjunto de informações, as mesmas devem estar condensadas e organizadas em um trabalho a ser entregue.
A mídia se tratará de um vídeo de no mínimo 2 minutos e no máximo 5, caso seja necessário. Você pode montar
uma animação, apresentação de slides, ou até mesmo pode gravar uma cena de teatro, uma dança, cantar... é
com você! E para o trabalho ficar ainda melhor, deverá ser feito em grupo de 4 pessoas.