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 06 CENÁRIO
ÍNDICE
BEHIND
16
18
24
PORTAL RC
BLIND GUARDIAN
PLAYLIST
Alex Kafer (The Troops of Doom)
THE STAGE
Os relançamentos de materiais clássicos, raros ou obscuros
EDIÇÃO: 271
NOV-DEZ/2022
26 SINNER são um prato cheio para os colecionadores. Muitos, claro, ANO 25
organizam suas contas para poder adquirir tantas novidades
28 HIDDEN TRACKS
Zona Morta
que são colocadas à disposição. O fato é que o mercado fica EDITOR
aquecido, pois temos os lançamentos regulares, que são Claudio Vicentin - claudio.vicentin@roadiecrew.com
30 KRISIUN muitos, e estas obras saindo em boxes luxuosos, em pacotes EDITOR ONLINE
34 JOURNEY em vinil (inclusive os coloridos) ou em CDs. Luiz Tosi - luiz.tosi@roadiecrew.com
38 COLLECTION Neste campo, destaco a celebração dos quarenta anos de
The Number of the Beast, com o pacote em vinil triplo que o REDATOR-CHEFE
Joe Satriani Ricardo Batalha - rbatalha@roadiecrew.com
Iron Maiden irá disponibilizar aos fãs no dia 18 de novembro.
40 LACUNA COIL A edição comemorativa apresenta o ao vivo Beast Over CONSELHO
44 SEVENTH STORM Hammersmith e o álbum que marcou a estreia de Bruce Airton Diniz - airton@roadiecrew.com
46 RELEASES Dickinson com um repertório que traz Total Eclipse, uma de EDITOR DE ARTE
49 FRONT COVER (MARCELO VASCO) minhas favoritas, no lugar de Gangland. Steve Harris sempre Leandro de Oliveira - leandro@roadiecrew.com
Behemoth - Opvs Contra Natvram reconheceu o “erro” cometido, mas agora o fã poderá ter a
versão que poderia ter sido a original. Até que enfim... REDAÇÃO
51 ROCK AVERAGE Antonio Carlos Monteiro - tony@roadiecrew.com
Celtic Frost - Into the Pandemonium Outro clássico que terá um “pacotaço” especial é Creatures Daniel Dutra - daniel.dutra@roadiecrew.com
of the Night, do Kiss, que teve um grande impacto no Brasil. Guilherme Spiazzi - guilherme@roadiecrew.com
54 TANKARD O lançamento, com cinco CDs + Blu-ray, três LPs de 180g Valtemir Amler - valtemir.amler@roadiecrew.com
56 DESTRUCTION remasterizados, também está marcado para 18 de novembro. COLABORADORES
60 BLIND EAR Já que falei da Total Eclipse, no caso do Kiss o material trará Alessandro Bonassoli, Écio Souza Diniz,
Guilherme de Alvarenga (Paradise In Flames, D.A.M) a versão demo da ótima Not for the Innocent, com os vocais Heverton Souza, Ivanei Salgado,
divididos por Gene Simmons e Paul Stanley. João Messias Jr., Leandro Nogueira Coppi,
62 DROWNED Leonardo M. Brauna, Luiz Cesar Pimentel,
No campo do Brasil, diversas gravadoras e selos estão Maicon Leite , Marcelo Vasco, Matheus Vieira,
64 BAEST Acesse nosso Canal no Telegram:
soltando materiais raros, mast.me/BRASILREVISTAS
altamente “turbinados”, caso Paulo César Teixeira Júnior e Thiago Prata
66 AT THE MOVIES da Classic Metal Records em seu pacote especial “Memórias
68 ETERNAL IDOLS Metálicas”. Alguns, tive o prazer de escrever as biografias para Fotógrafos: Roberto Sant’Anna, Marta Ayora
Steve Grimmett (Grim Reaper) o encarte, casos do Karisma, Mammoth e o Zona Morta, este COLABORADORES NO EXTERIOR
70 BACKGROUND último que figura na seção “Hidden Tracks” desta edição. EUA: Chris Alo, Ken Sharp, Mitch Lafon
Dorsal Atlântica (Parte 1) A ed. #271 traz o Blind Guardian na matéria de capa, com
ASSINATURAS E EDIÇÕES
Marcus Siepen, André Olbrich e Hansi Kürsch falando sobre o ANTERIORES
74 CLASSICREW mais recente álbum, The God Machine. Voltando 25 anos no Maria Diniz - assinaturas@roadiecrew.com
Humble Pie, Siouxsie and The Banshees, Social Distortion e Tank Tel.: (0xx11) 96380-2917
tempo, lembro quando era roadie do Angra e conheci Kürsch,
76 SOULFLY que tinha ido ver um show da banda em Offenbach (ALE). Na PUBLICIDADE
80 BLACK PANTERA ocasião, parabenizei-o pelo sucesso de Imaginations from the Depto. Comercial - anuncios@roadiecrew.com
82 PROFILE Other Side (1995) e, agora, é muito bom ver a banda alemã
novamente em alta, tanto em estúdio quanto nos palcos. DISTRIBUIÇÃO PARA TODO O BRASIL
Marco Mendoza (Iconic) Roadie Crew
Falando em Alemanha, a ed. #271 também traz entrevistas www.roadiecrew.com/roadie-shop
com Sinner, Tankard e Destruction. A revista ainda conta com
Krisiun, Soulfly, Drowned, Black Pantera, Journey, Lacuna Coil, DISTRIBUIÇÃO NAS BANCAS
Seventh Storm e At the Movies. E, claro, as tradicionais seções, RAC Mídia
com destaques para o Dorsal Atlântica no “Background” e o IMPRESSÃO E ACABAMENTO
“Eternal Idols” do saudoso vocalista inglês Steve Grimmett, Grafilar
que também figura no pôster. Boa leitura.
ROADIE CREW é uma publicação
Ricardo Batalha da Roadie Crew Editora Ltda.
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 #ENTREVISTAS #NOVIDADES #ACONTECIMENTOS
UNINDO O MELHOR DE CADA MUNDO
Swami Machado e Ralph Murdock (vocais),
Daniel Gaia (guitarra e vocal), Vinicius
Azevedo (guitarra), Wesley Santos (baixo) e
Cássio Felipe (bateria) sabiam que começar a
trilhar seu caminho autoral sob os auspícios
do metalcore em nosso país seria complicado.
Só que, além de não fugir do desafio, o grupo
carioca Simetria Zero estava ciente da questão
e até tranquilo com isso. “O metalcore é algo
relativamente novo se comparado a outros
estilos que já têm suas raízes bem mais firmes
e com um público mais fiel por aqui”, afirmou
Daniel Gaia. “Tudo o que é novo enfrenta
resistências, algumas pessoas ainda torcem o
nariz para o metalcore, mas creio que isso já
esteja diminuindo.” Observando o crescente
número de atrações do estilo que se apresen-
tam por aqui e o sucesso que eles mesmos
vêm obtendo, é fácil entender a razão dessas
palavras. Confira mais a seguir nas palavras de
Daniel Gaia e Swami Machado.
A banda surgiu em 2016 e passa-
ram-se alguns anos até o lançamento
do primeiro registro, Universo
Paralelo (2019). Como foi o período
que antecedeu o debut?
Daniel Gaia: Cássio e eu já tínhamos uma
Acesse
banda antes, de rock alternativo. Fazíamos
shows pelo Rio de Janeiro, mas tivemos que
parar nossas atividades por alguns problemas
de saúde que tive que tratar. Assim que fui
melhorando, não pude retornar ao nosso pri-
meiro projeto e resolvemos tocar músicas de
bandas de metalcore de que sempre gostamos
apenas por diversão. Nessa época, eu já tinha
alguns instrumentais prontos, como Asas de
Plástico, Via e Devaneios. Foi então que o
Cássio me apresentou ao Swami, que tinha
algumas letras. Por conseguinte, resolvemos
começar um projeto autoral e depois chama-
mos o Wesley, que chegou animando ainda
mais a gente. De início demoramos um pouco
para fechar com um guitarrista solo, passamos
por algumas formações e hoje somos a
Simetria Zero.
Falando nisso, como começaram a
surgir suas próprias canções? Ainda
lembram como foi esse processo, lá
no início?
Daniel: Mesmo na época em que eu
tocava rock alternativo, sempre fui ouvinte
de metalcore. Sempre gostei muito de
compor instrumentais de todos os estilos de
que gosto. Desde 2009 tinha várias músicas
prontas que fui lapidando com o tempo. O
encontro com um letrista e vocalista como o
Swami foi a peça que faltava para completar
as composições e iniciar de vez a banda.
Como foi o trabalho em estúdio para
Universo Paralelo?
Daniel: Depois de finalizarmos as músicas,
6 • ROADIECREW.COM
SIMETRIA ZERO
Wesley Santos, Vinicius Azevedo, Ralph
Murdock, Cássio Felipe, Daniel Gaya e Swami
Machado (à frente), metalcore 100% nacional
Fotos: Divulgação
iniciamos as gravações no meu homestudio. Representando outra faceta, nossas músicas. Contatamos um saxofonista
Foi um processo um pouco demorado por Devaneios é mais rápida e direta, com italiano chamado Cam Rossi, que fez um
estarmos nos conhecendo ainda como elementos típicos do hardcore melódico. trabalho extraordinário.
banda... Como seriam os vocais de cada um, Daniel: Essa foi uma das primeiras
os timbres, quem iria mixar e masterizar por a ficar pronta também por ser uma das Por favor, comentem também
nosso Canal
um preço dentro do nossono Telegram:
orçamento. Com o t.me/BRASILREVISTAS
primeiras que criei, lá por volta de 2019. sobre Titereio, com seu belo trabalho
tempo, fomos sanando esses contratempos e Lembro que fiz instrumental e letra em de guitarras.
conseguimos mixar com um produtor italiano algumas horas por estar com alguns Daniel: Titereiro é uma das minhas
chamado Simone Pietroforte, que nos fez soar problemas familiares. A composição sempre preferidas do álbum! Ela faz parte dos raros
do jeito que a gente queria. me fez desabafar coisas que sinto, mas não insights de inspiração que fez com que ela
sei como ou pra quem dizer para aliviar. fosse totalmente feita em algumas horas.
Gostaria que falassem sobre Não lembro de muitos detalhes, mas ela
algumas composições de Universo Seguindo adiante na jornada, em saiu muito naturalmente, creio que o mais
Paralelo. A primeira que destaco é 2020 vocês lançaram o EP Através do difícil foram os breakdowns, que tinham que
Asas de Plástico. O que podem nos Espelho, que abriu uma série de portas conversar 100% com os riffs da música.
contar sobre ela? para a banda. Como foi essa época
Daniel: Asas de Plástico foi um dos para vocês? Para finalizar, falem sobre Swan-
primeiros instrumentais que fiz, em 2009, Daniel: Apenas um ano antes, nós song, que fecha o repertório do mais
se não me engano. Estava me descobrindo lançamos o nosso primeiro CD, só que a gente recente álbum.
ainda como compositor no estilo, mas não para, tanto eu compondo instrumentais Swami: Swansong fala sobre desistir
apesar de ela soar bem crua, gosto muito das como Swami escrevendo. Nós tínhamos muitas de desistir e encarar tudo de frente.
transições dos versos para os refrãos. outras ideias que não entraram em Universo Também é um trocadilho com meu nome,
Swami Machado: Escrevi a letra de Paralelo e que víamos que havia potencial ne- dizendo pra mim que todos os dias eu
Asas de Plástico quando tinha 15 anos, las. Resolvemos lançar esse EP para reaquecer preciso ser minha melhor versão e que está
estava apaixonado na época, por isso ela soa nossos corações e dos que já nos seguiam, que tudo bem em não ser o melhor, mas o que
tão jovial e empolgante. sempre estão ávidos por novidades. importa é que dei meu melhor.
Valtemir Amler
Outra que se destaca já na primeira Do mais novo álbum, Pecados,
audição é Makoto, com suas linhas também gostaria de destacar
acústicas no início e o riff principal algumas canções. Para começar,
repleto de peso e groove. Sem Ar, que traz até saxofone na sua
Daniel: Essa é a que podemos chamar trama musical.
de ‘música Frankenstein’: um punhado de Daniel: Essa música foi a única que
riffs combinados que se transformou numa não foi feita junto com as outras em um
ideia só. E, é claro, o refrão melódico que curto espaço de tempo. Ela já estava
não pode faltar. pronta desde antes do nosso EP, mas
Swami: O nome Makoto vem direto guardamos para este momento especial,
de uma citação de Confúcio, sobre sermos que é o nosso segundo CD. A ideia do
sinceros com os outros e com a gente solo de sax foi de Swami. Nós gostamos
mesmo. Há também outra citação dele no muito do instrumento e sempre foi nosso
final da música. sonho incluir um solo de sax em uma de

SHREDDER, SIM, MAS COM MUITO GROOVE!
Não é todo dia que você conhece a
história de um guitarrista virtuoso que
nasceu para o mundo da música como
clarinetista. Apenas por isso já valeria
conhecer a história de João Müzel, que
migrou para as seis cordas após conhecer
o trabalho de Steve Morse no Deep Purple.
“Perto dos meus 10 anos, prestei bastante
atenção na música Sometimes I Feel Like
Screaming, em que Steve Morse faz um
trabalho excepcional de guitarra, com
solos e melodias extremamente marcantes.
Aquilo mexeu comigo de uma forma
bizarra, dali em diante eu só quis saber
de música e guitarra”, conta ele, para em
seguida complementar: “É doido pensar
que eu já tinha uma guitarra desde os 4
anos, ganhei do meu pai uma Stratocaster
e nunca liguei para ela, mas depois de
Steve Morse, ela virou a minha companhia
de todas as horas”. Confira mais da jornada
do guitarrista na entrevista a seguir.
O seu primeiro contato com um
instrumento musical aconteceu ainda
na sua infância, com o clarinete. De
cara isso me chamou a atenção, pois
não é o começo mais típico para um
Acesse
guitarrista. Você ainda lembra a razão
de ter escolhido um instrumento de
sopro primeiro?
João Müzel: Venho de uma família de
músicos por parte do meu pai e todos são
envolvidos com música de alguma forma,
alguns até mesmo profissionalmente.
Lembro de ter ido à igreja com meus pais
e ter visto minhas primas tocando cla-
rinete em uma banda sinfônica. Não me
recordo bem o motivo de o instrumento
ter me chamado a atenção, mas a música
sempre mexeu comigo de alguma forma.
Logo comecei aulas de música e iniciei os
estudos com o clarinete.
Algo do conhecimento de adquiriu
naqueles anos dedicados ao clarinete
acabou migrando para a guitarra,
como campo harmônico, alcance de
notas e criação de melodias?
João: Eu era muito pequeno, não me
dediquei bastante ao clarinete como me
dediquei à guitarra tempos depois, mas
com certeza a percepção e a facilidade com
melodias veio dessa época. Lembro que eu
reproduzia algumas melodias vocais com
facilidade na guitarra, mesmo sem estar
tocando de fato o instrumento, era algo bem
natural e que gosto de fazer até hoje, criar
um refrão ou algo do tipo que tenha uma
boa melodia. Nunca tive muito interesse em
jazz, apesar de admirar muito quem toca o
estilo, mas a junção do heavy metal com uma
banda sinfônica em um concerto ao vivo
sempre me agradou muito.
JOÃO MÜZEL
Após iniciar com um instrumento de sopro, João Müzel
encontrou nas seis cordas a expressão ideal do seu talento
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Você chegou a mergulhar mais fundo
da discografia do Deep Purple, Dixie
Dregs e Rainbow, por acaso? Como avalia
a abordagem de Morse e Blackmore?
João: Com 15 anos eu cheguei a escutar
toda a discografia do Deep Purple, sempre
achei tudo sensacional. Confesso que nunca
fui de ouvir os trabalhos do Rainbow, apesar entre a técnica imprescindível a um
de achar muito bom! Lembro de tentar
escutar Dixie Dregs quando era mais novo e
não consegui, meu ouvido ainda não sabia
ouvir jazz/fusion. Morse e Blackmore pos-
suem abordagens bem diferentes. Na minha
opinião, Morse é um guitarrista mais técnico tempo em que estava ouvindo Sepultura,
e versátil, já o Blackmore encaro mais como também ouvia um disco do Plini ou do Satriani. planejando um show de lançamento do EP
um compositor, além de ótimo guitarrista,
mas esse é um dos seus pontos fortes!
Bem, sabemos que Morse é um dos
seus favoritos, mas quando você tra-
balha na sua própria música, o que te
influencia mais, a pegada mais precisa
e elegante de Morse ou a veia mais
‘rocker’ de Blackmore? E que outros
guitarristas foram referência na hora
de moldar o seu estilo próprio?
João: Sempre tentei soar parecido com
o Morse quando comecei na guitarra, mas
é algo muito particular dele e bem difícil
para mim. Esse lado ‘rocker’ do Blackmore
acabou sendo mais minha cara, vindo
também de outras influências de guitarristas me inspirou a fazer o mesmo, pois estava
e bandas. Dimebad Darell foi um dos
principais, juntamente com Kiko Loureiro,
Joe Satriani e Silas Fernandes, entre outros. guitarras e depois o contrabaixo.
Percebi que você gosta de ir de so-
los rápidos a riffs repletos de groove.
Como conseguiu o equilíbrio perfeito
shredder e a simplicidade visceral do
groove/thrash?
João: Essa mistura foi natural quando co- comigo o Müzel Trio, vai ser um desafio tocar
mecei a compor. Acho que ouvir muito desses
dois lados me ajudou bastante. Ao mesmo
Nunca quis que minhas músicas fossem
escutadas somente por músicos, então resolvi
apostar nessa pegada mais thrash/groove.
Dito isso, o que o fez optar por
seguir adiante em carreira solo?
João: Venho de uma cidade do interior
de São Paulo e aqui poucas bandas
levaram uma carreira a sério ou deram
certo, até hoje normalmente são bandas
covers que tocam na noite. Decidi aos 15
anos que queria fazer música instrumental
e seguir carreira solo depois de ver uma
entrevista do Silas Fernandes comentando
que nunca tinha dado certo em uma banda
e optou por fazer seu próprio som. Isso
vivendo exatamente aquilo na época. Joe
Satriani passou por algo parecido no começo
da carreira, gravando tudo sozinho e de
forma independente.
Já que falamos da sua carreira solo,
você recentemente lançou o single
Animal, que evidencia justamente
esses elementos todos que menciona-
mos acima.
João: Escrevi Animal logo depois que
assinei contrato com a MS Metal Agency.
Eu já tinha o riff principal há um tempo
e resolvi usar, achava ele bem thrash. Os
versos são bem groovados e ela possui um
breakdown com total influência de Gojira.
Acho que um diferencial bem grande em
uma música instrumental é o refrão, algo que
prezo bastante nas minhas composições. Ali
pode-se deixar o shred um pouco de lado e
trabalhar as melodias.
Sabemos também que você já está
trabalhando no EP de estreia de seu
projeto solo. O que mais pode nos
contar sobre ele?
João: O EP vai seguir a mesma linha
thrash/groove/shred. Trabalhei bastante
na pré-produção dele e gostei muito do
resultado. Compor nesses estilos é algo que
faço com facilidade, nem sempre consegui
fugir da veracidade de um riff de thrash
metal. Todas as músicas já estão produzidas
e agora vou começar com a gravação das
Quais são os próximos passos na
sua carreira?
João: Levar essas músicas para os palcos
está nos meus planos para 2023, logo após
o lançamento do EP. Já estou pensando e
selecionando alguns músicos para integrar
essas músicas somente com uma guitarra,
baixo e bateria no line-up, mas é algo que
estou gostando bastante de ensaiar. Estou
com alguns convidados, mas ainda não
posso falar muito a respeito.
Valtemir Amler
ROADIECREW.COM • 7

GLÓRIA AOS GUERREIROS DO NORTE
Como aconteceu com tantas outras
bandas ao longo dos anos, a Rampage nasceu
originalmente como uma banda cover, testando
seus limites e ganhando experiência noite após
noite nas mais variadas situações e ocasiões
que só quem já trilhou esse caminho pode
contar. Mas, como convém aos talentosos, eles
logo perceberam que seu caminho seguia para
o autoral, e foi assim que chegamos aqui, no
momento em que eles se preparam para lançar
o disco de estreia. Junior Hachid nos falou mais
sobre a vida da Rampage até aqui.
Como foi a época como banda cover?
Júnior Hachid: A princípio era tentar con-
ciliar o gosto e inspirações de cada integrante
da banda, para assim futuramente chegarmos
a uma conclusão de como seriam nossas
composições. Foram tempos maravilhosos,
pois tocávamos praticamente todo final de se-
mana covers de Malmsteen, Manowar, Primal
Fear, Savatage, Saxon, Judas Priest, Accept,
Gamma Ray e Grim Reaper. Depois chegamos
a fazer tributos a Judas Priest e Accept. Era
uma energia ótima e algo novo para o público
que estava carente desses covers e tributos.
Qual foi a principal lição que
aprenderam como bandaAcesse cover e que
ficou até hoje?
Júnior: Nós aprendemos que os aplausos,
os gritos do público, os comentários sobre
as nossas músicas autorias são muito mais
satisfatórios e nos dão muito mais força do que
quando éramos apenas uma banda cover. E
não é qualquer cover que o público conhece,
na verdade a maioria não conhece muitas
bandas aqui no nosso estado (risos). Chegou
a ser cômico certa vez em que tocamos em um
evento e a última música da apresentação foi
Princess of Night, do Saxon. Algumas pessoas
bateram cabeça e tal. Na saída do palco, fomos
abordados por uns jovens que perguntaram
qual era o nome daquela última música e
elogiaram falando ‘essa música autoral de vocês
é foda!’ Imediatamente demos umas risadas e
explicamos que não era nossa e apresentamos o
Saxon para aqueles jovens.
Consta que em 2017 a banda
parou, só retornando em fins de 2019,
pouco antes de a pandemia fechar as
portas das casas de shows. Como foi a
reformulação da banda, em termos de
novos e antigos integrantes?
Júnior: Aproveitamos aquela situação da
pandemia para poder focar na estrutura da
banda nos quesitos composição e gravação.
Contávamos com três ex-integrantes nessa
volta que ajudaram na finalização de algumas
músicas e hoje só fiquei eu da primeira for-
mação. Agora contamos com um integrante
novo, o baterista André Zorieuq, e em breve
seremos só quatro integrantes na banda:
8 • ROADIECREW.COM
RAMPAGE
Divulgação
Samuel Carvalho, Adriano Oliveira, André Zorieuq, Junior Hachid e
Gleydson Campos, metal tradicional e temas viking em perfeito equilíbrio
as lendas dos grandes guerreiros.
Adriano Oliveira (guitarra e voz), Gleydson Com essas demos apresentadas ao
Como surgiu esse interesse e como
Campos (baixo), André Rocha (bateria) e eu na público, vocês já trabalham na criação
trabalham nas letras?
voz. A reformulação sempre vem a acrescen- de um álbum ou EP?
tar, pois traz novas ideias e energia. Júnior: O interesse surgiu através do vasto Júnior: Estamos com as músicas do
nosso Canal no Telegram: conteúdot.me/BRASILREVISTAS
envolvendo essa temática, tanto álbum quase prontas. Como tivemos troca de
E como foi o trabalho para estabilizar musicalmente como cultural e historicamente. integrantes, aproveitamos para fazer algumas
a formação justamente numa época em Nosso foco sempre foi sair da mesmice que alterações. O lançamento do CD creio que
que as bandas estavam forçadamente as demais bandas apresentam e que às vezes será no primeiro trimestre de 2023.
mais distantes do público? até dividia o público. Algumas das músicas
Júnior: A formação se manteve estável foram baseadas em filmes como 13° Guerreiro, O que há no horizonte da Rampage?
porque estávamos criando nossas músicas Homem do Norte, na série Viking e em livros de Júnior: O principal objetivo é lançar o CD.
e elas estavam ficando boas pelo nosso mitologia. Só uma música que sai da temática Estamos em parceria com a MS Metal Agency
julgamento, o que nos trouxe uma grande nórdica que é Prince of Persia, que foi baseada Brasil para realizar esse trabalho e também
satisfação, uma ótima recompensa. E como na história de um jogo e do filme. estamos ansiosos para executar nosso álbum
todos nós tínhamos empregos, não havia a ao vivo tanto aqui no Espírito Santo quanto
necessidade financeira de estar nos palcos. Sobre o seu repertório próprio, em outros estados e quem sabe no exterior.
gostaria que comentassem a já citada Temos alguns shows marcados, algumas
Como tem funcionado o processo Prayer for Tyr, que tem todo um apelo ideias sobre novos singles já estão em mente,
de composição de vocês? ‘cinematográfico’ em sua trama. inclusive será um álbum mais brutal, com
Júnior: Sabíamos o nível dos músicos, Júnior: Na verdade, todas as nossas mú- a mesma pegada ‘cinematográfica’ usando
então dava para trabalhar bem as músicas. sicas têm um apelo cinematográfico e sem- efeitos sonoros e aquela pancada nos ouvidos.
Foi quase um teste pra todos nós. A primeira pre usamos efeitos sonoros característicos Nosso grande sonho é poder mostrar nosso
música com a nova formação foi Sigurd, ela da história ou saga ali contada, isso dá mais som para o público europeu e tocar em um
é bem agressiva, pesada, técnica e a banda vida à música. Algumas delas têm narrativas grande evento. Temos certeza que o futuro da
gostou dela. Na sequência, veio Prayer for e vocais diferentes sempre diferenciando Rampage é promissor e próspero.
Tyr, ela é focada mais no metal progressivo, os personagens. Prayer for Tyr foi baseada Valtemir Amler
na harmonia e na melodia, e também foi em uma oração ao deus Tyr durante uma
bem aceita por nós. Então tínhamos quatro preparação ao combate.
músicas autorais, cada uma em um estilo, o
que nos deu uma boa margem para novas Outra que chama a atenção ime-
criações. Já tínhamos decidido a temática da diatamente é Asgard, com ótimas
banda que seria sobre sagas vikings, mitologia passagens nas guitarras. O que nos
nórdica, fantasia e batalhas e misturamos contam sobre essa canção?
tudo isso com power metal, prog metal, heavy Júnior: Asgard foi criada para ter
metal e até pitadas de viking metal. aquele refrão matador, apelativo e empol-
gante. A letra se encaixou perfeitamente
Pelas demos, que encontramos no com o instrumental e ficamos muito feli-
seu canal no YouTube, percebemos que zes com o resultado desse tema. Inclusive
a banda tem uma conexão temática ela foi escolhida para ser a música que dá
forte com o passado, abordando nome ao álbum.
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 CARAVELLUS
TALENTO E OUSADIA
Uma mudança de Pernambuco para Glauber Oliveira, Daniel Felix, Leandro Caçoilo, Rafael Ferreira e Emerson
Brasília e a entrada no Dark Avenger Dácio: mesclando a cultura do nordeste do Brasil com a música pesada
fizeram com que o guitarrista Glauber
Oliveira suspendesse temporariamente
as atividades do Caravellus. Porém,
totalmente reformulada com Glauber,
Leandro Caçoilo (vocal), Daniel Felix
(teclados), Emerson Dácio (baixo) e Rafael
Ferreira (bateria), a banda está voltando
à ativa com Inter Mundos, trabalho cuja
composição durou mais de cinco anos. O
álbum conceitual inova ao fundir heavy
metal com ritmos regionais nunca antes
utilizados juntamente com rock pesado,
como frevo, caboclinho e coco de roda.
Glauber e Leandro falaram sobre essa nova
fase do Caravellus.

O último disco do Caravellus foi

Knowledge Machine, que saiu em
2010. Depois de mais de dez anos,
Fotos: Divulgação

vocês voltam com um trabalho

grandioso, pra dizer o mínimo. A ideia
era voltar em altíssimo estilo?
Glauber Oliveira: Eu queria que fosse
um disco para sacramentar a missão que
a banda sempre teve, a de mesclar nossa
cultura, sobretudo do lugar em que a ban-
da surgiu, que é Pernambuco,Acesse
no nordeste
do Brasil, com a música pesada, com heavy
metal, principalmente dentro dessa área do
metal progressivo que sempre foi o estilo
da banda. Então, a gente queria que essa
mistura se desse de uma forma ainda mais
aprofundada, o intuito era esse. Foram
cinco anos de muito trabalho desde o
início da produção, porque não é só a parte
musical, tem toda uma riqueza poética por
trás desse disco que vem agregar ainda
mais valor ao trabalho
De forma resumida, qual a história
por trás de Inter Mundos?
Glauber: Inter Mundos traz uma
história própria escrita por mim. Nela,
os personagens principais centrais são
Arteiro e Aurora. É um romance e junto
com esse romance a gente aborda uma
série de questões universais, como dis-
criminação, disputa de classes, religião,
e é um disco que traz uma mensagem
de redenção que muitas vezes a gente
esquece, em que tudo que a gente en-
trega para o universo volta para a gente
de alguma forma. A saga da redenção
de Arteiro eu diria que é o cerne, vamos
dizer assim, para transformar a ação do
personagem de algo que ele era para
algo melhor. E é uma história que traz
muito da fantasia nordestina, do folclore
nordestino e dessa questão metafísica
que é muito presente na cultura nordes-
tina sertaneja, essa coisa do sacro e do
profano unidos no mesmo lugar.
10 • ROADIECREW.COM
Qual a relação do escritor Ariano
Suassuna com o álbum?
Glauber: Ariano tem uma influência
nosso Canal
fortíssima na nono Telegram:
nossa obra tanto quesito
musical como uma questão estilística da
escrita, porque ele, além de escritor, foi
também propagador da cultura brasileira,
sobretudo do nordeste do Brasil. Ele foi o cara na música da banda. Além disso, tem vários
que criou o Movimento Armorial, que surgiu
na tentativa de se instituir no Brasil uma
arte e uma cultura propriamente nossas. A
influência de Ariano na gente está na questão
estética musical e também no texto, que a
partir de Inter Mundos se dá de forma muito
forte, porque isso já faz parte da nossa base, vários trechos em português. Por que
da relação do Caravellus com o Movimento
Armorial. E tudo que é presente na cultura
pernambucana e do nordeste vai estar sempre
muito conectado com a música da banda.
Leandro, como você passou a fazer
parte do Caravellus?
Leandro Caçoilo: Eu entrei na banda
por indicação do meu amigo e assessor
de imprensa Thiago Rahal Mauro. O
Glauber estava perguntando para ele sobre
cantores, já que ele estava querendo voltar
com o grupo, e eu fui indicado pelo Thiago.
O Glauber me mandou algumas demos
do que seria Inter Mundos e eu curti de
cara! Encarei o desafio, já que eu nunca
tinha cantado em uma banda de prog
metal, principalmente com essa vertente
brasileira muito enraizada, o que faz total
diferença na música da banda.
Foi isso que te atraiu no projeto?
Leandro: Primeiro de tudo, foi a proposta
da banda, que achei muito interessante, prin-
cipalmente a originalidade ao apostar num
som totalmente autoral envolvendo música
brasileira, só que uma música brasileira
diferentet.me/BRASILREVISTAS
do que a gente está acostumado,
uma música brasileira que já está no DNA da
banda. O Glauber e o Daniel já tocaram com
vários artistas de forró e isso está incorporado algo que transcende o aspecto musical.
gêneros ali que que você vê na música pesada
pela primeira vez, como o caboclinho, que é
um estilo bem popular e foi incorporado na
música do Caravellus.
As letras são em inglês, mas há
você lançou mão desse recurso?
Glauber: Isso se deu porque Inter
Mundos tem, além da parte musical, essa
parte textual muito forte. Então, como é
uma história que se passa no nordeste e tem
essa atmosfera, a língua portuguesa surge
de uma maneira mais contundente por esse
motivo. Em alguns momentos, é por uma
questão mesmo de estilística, de passar uma
carga dramática mais fiel ao local onde a
história se passa. Também tem um outro
fator, que é a questão de se criar uma
dinâmica linguística sobretudo para que
os fãs de fora do Brasil, que não falam a
língua portuguesa, tenham a curiosidade
de saber o que aquele trecho está contan-
do – quase como um easter egg.
A história e as músicas de
Inter Mundos passam um clima bem
teatral. Você pensa em fazer uma
montagem ao vivo do disco como
uma ópera-rock?
Glauber: A ideia é que realmente o
Caravellus possa levar para as pessoas algo
que transcende a questão musical, algo
dentro desse universo do espetáculo dos
musicais do teatro. Então, o show de Inter
Mundos com certeza será um muito especial
porque será embebido nesse sentimento de
Leandro, na foto promocional você
aparece com uma pintura nos olhos. O
que significa essa pintura?
Leandro: Na verdade, a ideia da
pintura foi muito legal porque tem a ver
com as raízes indígenas do Brasil. É algo
muito importante e a gente tem que ter
orgulho disso. Assim, resolvi fazer uma
pintura de guerra. Como a gente é uma
banda que representa o Brasil, a gente quer
ser lembrado assim. Então, minha ideia foi
criar como se fosse um personagem nas
apresentações do Caravellus com essa
pintura de guerra, com a ideia de um show
mais teatral. É dessa forma que eu vou
encarar quando a gente entrar no palco.
Antonio Carlos Monteiro

O guitarrista e vocalista Vinicius Lima é
a força motriz por trás da Graveyard of Sha-
dows, mais nova aposta do crescente cenário
death/doom nacional. Influenciado desde
o clássico Black Sabbath até o épico Can-
dlemass e os viscerais Saturnus e My Dying
Bride, esta ‘one-man-band’ ganha expressão
própria por conta das letras, que versam
sobre o cotidiano e as observações do músico,
carregando assim peso e emoções muito
pessoais e únicas. Após lançar o primeiro
álbum, Abyssal, Vinicius já contempla o futuro
e planeja para o ano que vem o lançamento de
novas músicas, como nos conta a seguir.
Era sua intenção desde o início a
criação de uma ‘one-man-band’? Quais
são as vantagens e possíveis desvanta-
gens que vê nesse formato?
Vinicius Lima: Foi por causa das
pessoas que conheço que acabei migrando
para esse estilo. Dentro da minha vida de
músico e compositor, as obras passaram por
uma ‘triagem’. Eu sempre me considerei um
guitarrista de heavy metal até que me fizeram
entender que eu criava algo mais sombrio e
pesado. Não era o que eu queria a princípio,
porém, depois que a seleção de músicas foi
feita e resolvi gravar com meuAcesse
vocal gutural,
as coisas ganharam forma. Eu parti para a
gravação sozinho porque sou um estudante de
música e gravações por canais, queria provar
que era possível fazer isso. A vantagem é que
nosso pensamento pode chegar a resultados
sem que outro produtor mude a proposta
para se tonar mais convencional ou clichê.
A desvantagem é que agora estou sozinho
e a banda que for me acompanhar será
inteiramente de ‘sidemans’.
Você acaba de lançar seu debut,
Abyssal. Há quanto tempo vem
trabalhando nessas canções e como
funcionou a gravação?
Vinicius: O trabalho foi realizado inteira-
mente por mim mesmo, sem equipe. Desde a
composição musical até gravação, mixagem
e masterização. A arte e tudo mais também
fui eu que fiz, pode se dizer que o álbum
inteiro é um conceito meu. Quando me vi so-
zinho e decidi que iria partir para a gravação,
fiz tudo para provar meu potencial e o fato
de que isso tudo era possível. O estudo levou
a todas as coisas, enquanto passei a vida
aprendendo o instrumento, efeitos, canais,
chegou um dia em que estudei um pouco de
cinema e animação, então consegui fazer
minha arte ter forma.
Gostaria que comentasse algumas
faixas e a primeira é New Rose, lúgu-
bre, densa, mas muito bem arranjada.
Vinicius: New Rose descreve minha
depressão pessoal. O fato de estar sempre
GRAVEYARD OF SHADOWS
DEATH/DOOM ABISSAL
nosso Canal no Telegram: t.me/BRASILREVISTAS
E quanto aos palcos? Você preten-
Vinicius Lima mergulha no death/doom
na estreia de seu novo projeto musical
sozinho e não fazer parte de grupos é porque
naturalmente as pessoas me isolam (mesmo
sem eu entender o porquê). Enfim, minha
tristeza está expressa não só no vocal grave
e depressivo como também nas notas do
violão que toco desde 2003 nos ensaios
da banda Morbid Hate, quando nasceu a
composição. E reparando que eu toco isso
há tanto tempo e regravando várias vezes
para melhorar e alterar detalhes que eu per-
cebo agora como algumas coisas funcionam
melhor do que eram antes. De um violão que
era batido, transformar-se em dedilhados
únicos foi um grande feito!
Do outro lado da moeda, temos
Agony Of Souls, mais pesada e extrema,
movida a riffs densos, vocais rasgados
e linhas de teclado que garantem um
clima único para a canção.
Vinicius: Eu quis passar o efeito de um
turbilhão de agonia de almas presas em agonia.
É uma composição criada nos sintetizadores
da minha pedaleira Roland GR55, toda essa
tensão em forma de sinfonia sinistra demonstra
a prisão de almas que não descansaram e
assombram em desespero. Eu gostaria de
tocar essa música um dia com mais músicos e
instrumentos, acho que ainda não alcancei o
potencial que essa faixa pode atingir.
Outra que gostaria que comen-
tasse é The Prisoner of Tower, que
parece mesclar os elementos das duas
canções citadas anteriormente.
Vinicius: Essa faixa é legal porque
desde a criação do instrumental de
guitarra em cima do primeiro metrônomo
ela se manteve quase que inalterada até
os dias de hoje. Isto me deu um norte
do que eu teria que me aprimorar para
gravar não só as faixas de Abyssal, mas
também de várias outras de outros pro-
jetos que eu tenho e já lancei até agora.
Gostaria de ter feito um lançamento mais
elaborado para essa faixa. Ela conta a
história de um homem que foi condenado
por seus iguais a permanecer em prisão
perpetua em uma torre, sem água e
sem comida. Sobreviveu por muito
tempo pelo acaso, porém ao morrer
assombrou o lugar para sempre.
Finalizando essa parte, o álbum
encerra com Systematic Method of
Destruction, uma faixa que traz ele-
mentos que vão do heavy tradicional
ao black metal.
Vinicius: Essa faixa bônus é a
canção mais rápida que tocávamos
nos ensaios do antigo Morbid Hate. O
baterista Luis e eu a criamos nos ensaios
e apresentamos essa música uma única
vez ao vivo em 2004. As pessoas pediram
bis, mas já estávamos detonados e resol-
vemos não tocar novamente. Depois que
a banda acabou, ela ficou engavetada.
Quando Abyssal estava quase pronto e
compus War, falei com o Luis e ele me
respondeu: ‘Da hora, se você quiser fazer
é isso mesmo!’. Então agreguei como se
fosse uma faixa bônus no álbum tocando
as influências do passado com uma
roupagem mais atual. Se o tempo que eu
tenho me permitir, ainda vou melhorar
alguns detalhes dela futuramente.
Com o debut lançado e já encon-
trando o seu público, já existe um
planejamento para os próximos passos?
Quando devemos ter novas composi-
ções da Graveyard of Shadows?
Vinicius: Eu quero lançar algo no pró-
ximo ano, melhor planejado e mais técnico
se conseguir. Ainda existem composições a
serem gravadas e já iniciei um novo arqui-
vamento de instrumentais e pensamentos
escritos para transformar em algo.
de reunir uma formação para colocar
a banda na estrada, ou pretende
manter a Graveyard of Shadows como
projeto de estúdio?
Vinicius: Cara esse álbum deve estar
bom mesmo! Desde o lançamento estou
sendo pressionado para voltar aos palcos.
Eu gostaria de retornar não só para atender
ao público, mas por uma questão pessoal
como músico que sempre fará parte de mim.
Porém, o problema é que sozinho como
estou terei mais problemas para reunir uma
equipe para aceitar minha proposta. Às
vezes me assusto com os orçamentos para
realizar meus planos, pois terei que ensaiar
durante um tempo até que consiga o que es-
tou querendo e, por outro lado, a economia
não está para brincadeira, tudo anda cada
vez mais difícil e não estou enxergando que
isso vai acontecer assim tão rápido.
Valtemir Amler
ROADIECREW.COM • 11

DARK AMBIENT, BLACKGAZE E MUITO MAIS
Mesclar diferentes ambientes musicais de
forma integrada e simples tem sido um dos
objetivos do músico Paulo Dat, força motora
do PDAT84. Influenciado desde o pop rock
de Oasis, passando pelo progressivo do Pink
Floyd e o metal de Therion e Helloween até
chegar ao blackgaze de Alcest e Sylvaine, a
música de Paulo é ideal para embalar o pen-
samento, guiando o ouvinte por diferentes
emoções e ambientes ao longo da audição.
Conversamos com o músico, que nos ajudou
a compreender melhor a sua viagem musical.
Você ainda lembra quando começou
a pensar em criar as suas próprias
composições?
Paulo Dat: Lembro, sim. Desde que
aprendi a tocar meu primeiro instrumento,
que foi o teclado, já queria criar minhas
composições. Eu gravava algumas melodias
no computador, de forma bem primária.
Tenho essas primeiras composições salvas
até hoje. Inclusive, quatro delas estão no
meu primeiro álbum, de forma repaginada.
São as faixas Sation Zero, Rescue, Cycles of
Time e Ghost Garden.
Você chegou a integrar bandas an-
tes de partir para seu próprioAcesse
projeto?
Paulo: Tive duas bandas que ficaram
marcadas na minha trajetória. A primeira
foi por volta de 2005. Fui o tecladista
do grupo, que tocava rock nacional com
algumas músicas autorais mescladas com
covers no repertório. Chegamos até a
fazer alguns shows importantes na minha
cidade, Macaé/RJ. A outra banda foi em
2010, que tinha uma pegada mais grunge,
com músicas 100% autorais, também em
português. Nesta banda, fui o guitarrista e
não chegamos a fazer nenhum show, mas
exploramos muito o nosso potencial criativo
e gravamos um álbum bem caseiro com sete
músicas. Apesar de guardar recordações
positivas, também tenho muitas negativas. A
nostalgia é um sentimento que nos engana,
sabe? Às vezes só lembramos de coisas boas
do passado, mas faço questão de não me
deixar enganar. Quem já teve banda, sabe
que existem muitos problemas comuns.
Bem, confesso que, quando ouvi a
respeito do projeto pela primeira vez,
não conectei ao seu nome. Na verdade,
pensei que fosse referência a alguma
linguagem de programação (risos).
Paulo: Muita gente me pergunta o
porquê de ter criado esse nome esquisito ao
invés de algo mais fácil de ser identificado.
Uma das intenções deste projeto, que
tem uma boa dose de experimentação, é
justamente essa: causar um estranhamento.
Meu objetivo com isso é mostrar que o
rock e o heavy metal ainda podem ser
12 • ROADIECREW.COM
PDAT84
Divulgação
nosso Canal no Telegram: t.me/BRASILREVISTAS
Com influências que vão do pop rock ao metal extremo,
Paulo Dat forjou a sonoridade únida do PDAT84
reinventados. Quando você cria algo muito
fora da caixinha, precisa estar disposto a
pagar por um preço. Esse preço pode ser o
fato de não se ‘encaixar’ em estilo nenhum
e pela dificuldade de alguém se lembrar do
nome do projeto quando buscam ouvir uma
música minha, por exemplo. Por outro lado,
eu preciso causar esse estranhamento para
que as pessoas entendam que o projeto é
algo fora do convencional. Desta forma,
o que este nome representa para minha
persona musical é de uma pessoa que busca
trazer algo realmente diferente.
Gosto do fato de The Outside não se
prender a um gênero específico, mas
há muitas referências ao dark ambient.
Pelo que li, foi sua intenção criar um
álbum que gerasse essa sensação de
desprendimento, de estar ‘solto no
espaço’, por assim dizer.
Paulo: Exatamente! Aquilo foi uma
grande experimentação musical, e pretendo
prosseguir dessa forma, inclusive. Acho
que você colocou muito bem a palavra
‘desprendimento’, pois isso retrata o objetivo
deste álbum e também do meu projeto de
uma forma geral.
Olhando os títulos das canções, e
percebendo a variação das dinâmicas
ao longo do disco, ele parece seguir um
roteiro do princípio ao fim, apesar de se- por momentos ainda não vividos. Talvez seja
guir o caminho instrumental. Você pode
nos falar um pouco sobre a história que
está por trás dessas músicas?
Paulo: Achei muito legal você ter
percebido isso. Realmente, construí uma
história neste álbum. É difícil falar sobre Metal Agency também, que vem apostando
isso com poucas palavras, mas ela diz muito no meu trabalho e possibilitou a realização
sobre como lidamos com o tempo e também
sobre esse desprendimento citado na
pergunta acima, para conquistarmos as
nossas liberdades. Essas liberdades podem
ser interpretadas de várias formas, que
podem ser apenas uma maneira diferente
de se compor heavy metal, até algo mais
profundo, como o nosso poder de questio-
nar se alguns padrões da nossa sociedade
poderiam ser diferentes. Talvez um dia eu
possa desenvolver um material que traduza
um pouco melhor esta história, de forma que
ela pareça menos abstrata. Por outro lado,
posso manter como está, para que o ouvinte
tenha a oportunidade de interpretar da sua
própria maneira, olhando para dentro de si
enquanto curte essa imersão musical.
Gostaria que falasse um pouco
sobre duas canções do álbum, sendo a
primeira Nebula Horizon, que arranha
no blackgaze. O que pode nos contar
sobre ela?
Paulo: Essa música é a minha preferida
do álbum por várias razões. A primeira, é
por ela ter dado bastante trabalho (risos),
mas também por ela mesclar as minhas
principais influências hoje em dia, que
são o blackgaze e o neoclássico/sinfônico.
Muitas pessoas também me falaram que
foi a melhor música do álbum, mas tem
outras que gostaram mais de Station
Zero, por exemplo. Nebula Horizon é uma
faixa que consegue traduzir muito bem
essa experiência da imersão musical que
busquei despertar no ouvinte. Ela resume
bem a essência do álbum.
Para finalizar, fale-nos sobre o mais
recente single, Fim do Fanatismo, e
quando podemos esperar por novas
composições.
Paulo: Esta música é muito especial para
mim, por ser a minha primeira faixa cantada.
Eu não me considero um bom vocalista, mas
gostei do resultado. Ela traz uma mensagem
de conscientização não apenas sobre o atual
cenário político que estamos vivendo no
Brasil, mas também sobre todas as demais
formas de fanatismo existentes (como o re-
ligioso, por exemplo). Vejo que muitas pesso-
as ainda não tratam este assunto como algo
realmente grave, mas considero este um dos
principais problemas da nossa sociedade.
Esta faixa fará parte de uma história, que
conta lembranças de um futuro distante em
que os problemas atuais foram superados
um pouco confuso, mas é outra história que
pretendo contar. No mais, agradeço pela
oportunidade de estar aqui. A você, Valtemir,
obrigado pela sua entrevista com excelentes
perguntas. Agradeço ao Edu Macedo da MS
desta entrevista. Foi uma grande honra
estar aqui. Abraços!
Valtemir Amler
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 TWILIGHT AURA
30 ANOS POR UM MUNDO MELHOR
Três décadas de história resumidas Leo Loebenberg, Claudio Reis, Daísa Munhoz, Andre Bastos, Filipe
em 12 músicas. Este é o sentimento em Guerra e Rodolfo Elsas: olhando o mundo sob outra perspectiva
relação ao Twilight Aura, que lança seu
primeiro álbum, For a Better World, 30
anos depois que Andre Bastos formou a
banda ao sair do Angra. Ao lado de Daísa
Munhoz (vocal), Rodolfo Elsas (guitarra),
Filipe Guerra (baixo), Leo Loebenberg
(teclados) e Claudio Reis (bateria), ele
ainda contou com uma série de convida-
dos especiais – Rafael Bittencourt, Luis e
Hugo Mariutti, Andre “Zaza” Hernandes
e Jeff Scott Soto, entre outros – para dar
vida a um material criado ao longo desse
tempo. Um pouco dessa história você
confere agora, e o restante da entrevista
está no site da ROADIE CREW.

Podemos começar falando sobre

a trajetória do Twilight Aura, afinal,
foram 30 anos da formação da banda
até For a Better World. Por que
tanto tempo?
Thiago Kiss

Andre Bastos: Em 1993, recebi um

convite para montar uma banda e tocar
numa festa no saudoso Black Jack Bar.
Chamei o Claudio, o Filipe e mais dois rar por um álbum de metal melódico sobre a Daísa, já que ele havia trabalhado desenhos da Terra. A ideia é a seguinte: em
convencional, mas não é necessaria-
amigos do Skyscraper. Depois desse show, já com ela no Soulspell, então o Tito fez a algum momento, foi-se decidido arbitraria-
sem os membros do Skyscraper,Acesse nosso
decidimos Canal
mente o caso. no Telegram:
Primeiramente, como t.me/BRASILREVISTAS
ponte. Apresentei a história da banda e qual mente o desenho atual dos mapas, onde o
continuar com a banda e completamos a se deu o processo de composição e era a nossa intenção com essa gravação, e Norte ficava em cima, e a Europa, no meio
primeira formação com Luigi Pilosio na lapidação das músicas? ela gostou disso e, também, das músicas do mundo. Lógico que esse desenho foi feito
guitarra, Tomas Kenedi no vocal e Sandra Andre: Concordo que essa talvez fosse e das letras. Nós nos entendemos muito pelos europeus, que se colocaram na parte
a expectativa, um power metal melódico
Reis nos teclados. Passamos o ano de 1994 bem, compartilhamos pontos de vista de cima do globo e ao centro. Isso não é algo
compondo, ensaiando na casa do Claudio convencional, como você bem colocou, mas muito parecidos em relação à vida, e que venha da natureza. No espaço, onde a
e fazendo em alguns shows. Gravamos muitos dos nossos arranjos foram feitos em assim a parceria aconteceu. Sou eterna gravidade terrena deixa de influenciar os
grupo, e todos trouxeram influências que se
nossas primeiras e únicas demos em 1995, e infinitamente grato por ter a Daísa corpos, a noção do que está em cima ou
somaram e acrescentaram às composições,
sendo que o Rodolfo Elsas (guitarra) e o cantando nossas músicas, mas em especial embaixo muda completamente, já que
Leo Loebenberg entraram nessa época. que foram compostas basicamente entre justamente a One Day, que significa muito a referência inicial deixa de existir. Do
1991 e 1995. Temos a Freedom, que é power
Porém, não conseguimos atrair o interesse para mim. O que ela fez nessa música é de espaço, não podemos identificar fronteiras
metal, e a Shouting in the Dark, que é metal
de gravadoras, o que desanimou bastante. trazer lágrimas a cada nova audição. entre países, cores das peles das pessoas,
tradicional, mas também misturamos o
Naquela época, era praticamente impossível religiões ou qualquer outro diferenciador
uma banda de metal conseguir fazer tudohard rock e o progressivo que ouvíamos na Vamos falar sobre o titulo do “artificial”. Então, para podermos melhorar
época nas demais músicas. Tudo isso acabou
sozinha, sem o apoio de um selo ou empre- álbum e a ligação com a capa, que não o mundo, talvez tenhamos que deixar de
sários. Continuamos compondo e fazendo entrando nas composições. destaca ou reforça nenhum país ou lado a noção pré-concebida das coisas que
shows, mas em 1997 tivemos que fazer uma continente na imagem do Planeta Ter- nos foram impostas, com anos de enten-
pausa que acabou durando muito mais do Gostaria de falar sobre a Daísa, ra, que, devo acrescentar, é felizmente dimento limitado sobre certos assuntos, e
especialmente porque a considero a
que imaginávamos. Comecei a viajar muito representado em seu formato real. olhar o mundo de uma outra perspectiva.
a trabalho, e não encontrávamos mais grande vocalista do metal nacional Não creio que a ideia fosse igual há 30 Nem que para isso tenhamos que virá-lo de
tempo para seguir com a banda. Em 2003,atualmente, e a balada One Day anos, então o que o levou agora a uma cabeça para baixo!
me mudei para os EUA, e pouco depois o reforça isso. Como se deu a entrada mensagem de um mundo melhor? Daniel Dutra
dela na banda?
Claudio foi para a Austrália, mas em 2020 Andre: O título do álbum vem de uma
passamos a brincar de fazer “collabs” a Andre: Isso é uma grande verdade. A frase que está na letra da música Prayer,
distância, e aí começamos a receber várias
Daísa Munhoz é uma das melhores vozes do que uma petição ou mesmo uma “oração”
mensagens de amigos sugerindo que mundo, dona de uma técnica e sensibilidade por um mundo melhor, com mais pontes e
tentássemos regravar aquelas músicas, únicas. Conheci o trabalho dela através dos menos muros, com mais compaixão e me-
já que hoje em dia seria possível fazervídeos da Soulspell e, depois, nos CDs, então nos ódio, com menos armas e mais amor.
isso sem estarmos todos no mesmo lugar.fui atrás dos discos da banda Vandroya. Virei Não é uma oração de uma religião espe-
Entramos em contato uns com os outros efã depois de ouvir The Last Free Land e Why cífica, mas uma por uma paz duradoura
decidimos gravar nosso primeiro álbum de
Should We Say Goodbye. A interpretação para a humanidade. Na capa, um trabalho
forma totalmente independente. dela é de chorar. Aí saiu o DVD XX Years of lindo do renomado artista Gustavo Sazes,
Soul, do Soulspell, ao qual assisti inúmeras temos o nosso globo, sim. Porém, tem uma
É interessante notar que, por causa vezes. Quando tivemos a ideia de gravar particularidade sutil, que poucos reparam:
dos integrantes da banda e, também, nossas músicas e entramos em contato com ele está de cabeça para baixo em relação ao
dos convidados, o público pode espe- o Tito Falaschi, nosso produtor, eu perguntei que estamos acostumados a ver em fotos e
14 • ROADIECREW.COM
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 DESTAQUES
PORTAL ONLINE

ENTREVISTA ENTREVISTA
MISTREATED
THE GATHERING Ferrugem nova em folha
Lançamentos e shows

Fotos: Divulgação
O cerne é heavy metal clássico. Só que o
invólucro é formado por hard, thrash, new
O The Gathering, formado atualmente por Silje Wergeland (vocal), René Rutten (gui- metal e prog. Isso sem contar a versatili-
tarra), Hugo Prinsen Geerligs (baixo), Hans Rutten (bateria) e Frank Boeijen (teclados), dade dos guitarristas Emanuel Murialdo
passou pelo Brasil em setembro, tocando em São Paulo e no Rio de Janeiro. Além disso, e Diego Corral, do baixista Davi Isac e do
a banda holandesa lançou este ano dois novos trabalhos de inéditas: o álbum Beautiful baterista Rodrigo Reinhardt, além do tons
Distortion e o EP Interference. “Fazemos música atmosférica: às vezes ela é mais metal, mais graves e únicos do vocalista Henrique
outras é mais rock. E é só isso, de verdade. Alguns dizem que viramos uma banda pop, Radünz. Misture tantas nuances e você terá
mas não concordo. Pop tem a ver com música comercial e, convenhamos, o quanto o mosaico sonoro dos gaúchos do Mistre-
Acesse nosso Canal no Telegram: t.me/BRASILREVISTAS
Beautiful Distortion é um disco comercial? Ele nunca seria um disco bem sucedido nas ated. E é sobre o debut, Brand New Rust
paradas pop, simplesmente não tem os elementos para isso”, comentou Hans Rutten em (2021), e dos próximos passos que Thiago
entrevista para Valtemir Amler. Prata falou com Murialdo.

MEMÓRIA YOUTUBE ASSINATURAS

BATE-CABEÇA E números
RC #191
Rodada de metal extremo atrasados

“No Queen todos éramos ambiciosos e o
sucesso era um objetivo claro para nós.
(...) Por mais estranho que possa parecer,
eu sempre acreditei que essa banda daria
certo”, Roger Taylor, baterista do Queen.
O podcast Bate-Cabeça, comandado por Para números atrasados ou fazer a
Ricardo Batalha e Luiz Tosi, apresentou uma assinatura para receber a ROADIE CREW
rodada de metal extremoem papos com em casa, acesse:
Alex Camargo (Krisiun), Edu Lane (Nervo- www.roadiecrew.com/assinaturas ou entre
chaos) e Jairo Guedz (The Troops of Doom). em contato pelo whatsapp: (11) 96380-2917.

LEITOR: envie um e-mail para roadiemail@roadiecrew.com,

OS PREFERIDOS DO MÊS colocando seus dados (nome completo, cidade/estado).
Publicaremos alguns preferidos dos leitores a cada edição!

Claudio Vicentin (Editor Chefe) Valtemir Amler (Colaborador) Luís Antônio Amoedo (Leitor)
Machine Head - Of Kingdom and Crown Anti Cimex - Scandinavian Jawbreaker Exodus - Persona Non Grata
Parkway Drive - Darker Still The Sisters of Mercy - First and Last and Always Trivium - In the Court of the Dragon
Blind Guardian - The God Machine Public Image Limited - Album Monster Magnet - God Says No

Ricardo Batalha (Redator Chefe) Paula Maria Cassula (Leitor) Fabrício Matos (Leitor)
Caught In Action - Devil’s Tango Blind Guardian - The God Machine Alice Cooper - Detroit Stories
Trauma - Awakening Stratovarius - Survive Armored Saint - Punching the Sky
Memphis May Fire - Broken Smith/Kotzen - Better Days...And Nights The Hu - Rumble of Thunder

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ARQUITETOS DA PERDIÇÃO

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Após o sonhado disco orquestral, quarteto alemão mergulha

Dirk Behlau

fundo no heavy metal no novo The God Machine

18 • ROADIECREW.COM
 Por Valtemir Amler
Desde 1987, ano em que resolveram dei-
xar de lado o nome Lucifer’s Heritage para
se tornarem eternamente o Blind Guar-
dian, Marcus Siepen (guitarra base), André
Olbrich (guitarra solo) e Hansi Kürsch
(vocal e então também baixo) começaram a
escrever um dos capítulos mais importan-
tes não apenas da música germânica, mas
também da música pesada como um todo.
Para alcançar esse status, especialmente
nos anos iniciais, eles não precisaram apos-
tar em elementos incomuns ou inovadores:
foram justamente o amor e a fidelidade
aos moldes típicos do heavy metal que
transformaram o quarteto (na época com-
pletado pelo baterista Thomen Stauch, que
abandonou o barco em 2005) em heróis da
cena local e depois do mundo. A diferença,
portanto, não estava nos elementos que
a música do Blind Guardian englobava,
mas sim na maneira como esses elementos
eram abordados. A música ríspida, repleta
de referências ao power e ao thrash metal
apresentada no debut Battalions of
Fear (1988) foi ganhando contornos
cada vez mais lapidados em discos “Todos estamos
como Tales from the Twilight World
sorrindo de satisfação
(1990) e Somewhere Far Beyond (1992),
alcançando o ápice em Imaginations
com The God Machine,
from the Other Side (1995) e Nightfall
in Middle-Earth (1998). Essa evolução
Acesse nosso Canal
poisno
constante era resultado não apenas de
Telegram:
somos
uma abordagem mais meticulosa dos
de metal, e não um
seus compositores, mas de um crescen-
te interesse pela música orquestrada.
grupo de compositores
Enquanto o grupo alimentava o sonho
de um álbum orquestral, o uso des-
ses elementos aumentava gradual- clássicos”
mente, chegando às vezes em resul-
tados criticados por parte dos fãs.
Pois bem, Twilight Orchestra: Legacy of
the Dark Lands (2019) realizou o sonho
orquestral, deixando a banda livre para
novamente apostar naquilo que faz
melhor: metal. Conversamos com o trio
de fundadores para entender o funcio-
namento de cada pequena engrenagem
no complexo mecanismo que move essa
enorme máquina divina.
São mais de três décadas juntos, divi-
dindo ideias, trabalhando e excursionando
juntos. Imagino que seja uma ótima sensa-
ção saber que ainda são capazes de compor
um álbum como The God Machine.
Marcus Siepen: Sinceramente, é uma
sensação maravilhosa. Se você parar
para pensar, nós três estamos juntos
como Blind Guardian pela maior parte
das nossas vidas, uma banda que come-
çamos quando ainda éramos adolescen-
tes e, o melhor, ainda amamos muito
o que fazemos, nada mudou ao longo
dessas mais de três décadas.
André Olbrich: São décadas de
trabalho em comum e nós ainda amamos
música, ainda amamos tocar juntos, ama-
mos sair em turnê, temos aproveitado
muito cada segundo que passamos juntos
nessas últimas três décadas.
Hansi Kürsch: Acho que nós reali-
zamos aquele que é o sonho de muitas e
muitas pessoas em todo o mundo. Nós
amávamos heavy metal e sonhávamos
em sair por aí e tocar para as pessoas.
Nossa paixão se tornou nosso trabalho e
conseguimos viver dele. De muitas ma-
neiras essa, é a coisa mais incrível que eu
poderia estar vivendo e sou grato a esses
caras e aos nossos fãs por isso, por ainda
podermos fazer isso.
Comecei falando nisso porque ao longo
das décadas vocês passaram por muitas
coisas juntos, vivendo várias transforma-
ções no mundo da música. Para começar,
foram parte importante na consolidação
de uma cena metal na Alemanha.
Marcus: Bem, eu acho que sim. Ao
menos isso é o que as pessoas nos têm dito
ao longo dos anos, então espero que não
uma t.me/BRASILREVISTAS
banda
Sim, e acabaram se tornando uma
Marcus Siepen
estejam sendo apenas educados (risos).
E é engraçado, pois quando começamos
éramos fãs das bandas que vieram antes
de nós: Accept, Grave Digger, todas aque-
las bandas. Tudo o que queríamos era ser
como eles, mas não imaginávamos que
um dia realmente chegaríamos lá (risos). É
curioso, nós não sentíamos que estávamos
fazendo parte de algo especial, que seria
a ‘segunda onda do metal alemão’ ou algo
assim. Estávamos apenas fazendo o que
amávamos, sem perceber a importância
que aquilo teria depois de alguns anos.
Hansi: Naquela época, já nos sentía-
mos parte da cena, mas não de uma for-
ma diferente de ninguém mais. Éramos
garotos que amavam heavy metal com
todas as nossas forças, que iam a shows
e economizavam até o último centavo
para comprar os discos das bandas que
amávamos. Éramos exatamente iguais
aos nossos fãs, mas acontece que começa-
mos a tocar juntos e lançamos um disco
chamado Battalions of Fear. As pessoas
começaram a nos conhecer, mas nunca
mudamos como pessoas e fãs de metal.
André: Os álbuns que lançamos
naquela época, Battalions of Fear e
Follow The Blind (1989), são únicos na
nossa jornada e são fruto daquela época.
São tão pesados e agressivos, tão crus,
eu ainda amo aqueles discos (risos). Tem
vários riffs ali que compusemos inspira-
dos no thrash metal que ouvíamos em
todos os lugares naquela época. Claro
que podemos dizer que ainda éramos
apenas garotos e imaturos, e tudo isso
é verdade, apenas estávamos tentando
nos aproximar dos nossos heróis. Mas a
nossa cara já estava naquelas músicas,
já mostrávamos a banda que seríamos
alguns anos depois.
Hansi: Foi naquela época que você
conheceu a nossa música?
Foi com Battalions of Fear, só que
anos mais tarde, nos anos 90. Vocês já
eram gigantes e eu comprei o álbum pelo
título de By the Gates of Moria. Para mim
estava claro que tinha uma ligação com
O Senhor dos Anéis, de Tolkien. Imagine
minha decepção ao descobrir que
a faixa era instrumental, achei que
fosse odiá-los para sempre...
Hansi: Ah, cara, desculpe (risos
gerais). Mas que legal essa história,
por isso sempre gosto de conhecê-las,
é sempre legal. Agora estou imaginan-
do como você ficou ao perceber que
Gandalf’s Rebirth (N.R.: faixa-bônus
da versão em CD) era instrumental
também (risos gerais). Mas acho que
acabamos dando algumas razões para
ficar feliz ao longo dos anos (risos).
das minhas favoritas por conta disso.
Sempre curti Iron Maiden com tantas
músicas com nomes tirados de livros que
amo, mas em geral aquelas canções não
tinham conexão com os livros. Com o
Blind Guardian, a conexão era real e acho
que não fui o único atraído com isso.
Hansi: Também acredito que essa nossa
conexão com o mundo dos livros tenha nos
trazido muitos fãs, gente que talvez jamais
ouviria falar de nós, ou que provavelmente
demoraria muito mais tempo para saber
que existia na Alemanha uma banda
chamada Blind Guardian. E isso começou de
forma tão simples, não foi algo que pensa-
mos de antemão, do tipo ‘vamos fazer músi-
cas sobre livros de fantasia e ficção-científi-
ca e todos vão nos amar’. Foi simplesmente
como unir duas coisas que amávamos
muito e acabou que deu muito certo. Ah, e
eu também sempre adorei quando o Iron
Maiden vinha com aqueles títulos tirados
de livros sci-fi. Stranger in a Strange Land
(Um Estranho Numa Terra Estranha,
Robert A. Heinlein, 1961), Brave New World
(Admirável Mundo Novo, Aldous Huxley,
1932), Childhood’s End (O Fim da Infância,
Arthur C. Clarke, 1953), cara, são tantas
ROADIECREW.COM • 19
 referências ótimas, isso sem contar quando den. Então eles criaram uma letra que se história diferente, você ainda sente a cone-
vão para revistas em quadrinhos, filmes, encaixava nessa visão do Iron Maiden. xão com o livro, pois a música tem aquela
séries... E o curioso é que quando realmente atmosfera obscura, aquele sentimento de
mergulharam em uma obra de ficção-cien- E às vezes a história original basica- solidão e desolação que desempenha um
tífica, o título da canção não entregava de mente te leva a uma outra ideia, o que é papel tão importante na obra de Gaiman.
cara, com To Tame a Land. sempre sensacional. Então você precisa em alguns casos estar
Hansi: Exatamente! Às vezes você mais ligado nas emoções despertadas
Baseado em no livro Duna, de Frank lê um bom livro e paralelamente àquela pela história do que na história propria-
Herbert (1965). história fantástica que os seus olhos leem, mente dita. A mesma história, contada
Hansi: Isso mesmo. Incrível! Mas, existe uma outra, tecida dentro da sua com uma emoção diferente, ganha um
eu entendo o que o Iron Maiden fez, em cabeça. Eu mesmo às vezes estou muito sentido totalmente novo.
ambos os casos, quando baseia e não ba- distante da história original do livro que
seia nos livros. Veja, essa conexão entre está me influenciando, como em Secrets of Sim, e essa abordagem mais emotiva
a música e o livro é algo muito difícil de the American Gods, por exemplo. Ali estou do que narrativa que trouxeram na nova
se fazer. É basicamente por isso que não basicamente rascunhando uma ideia que Secrets of the American Gods é algo bem
estou inclinado a fazer músicas conecta- veio do livro (N.R.: refere-se a Deuses Ame- diferente do que fizeram, por exemplo,
das aos livros de Tolkien nesse momento, ricanos, publicado por Neil Gaiman em em Tommyknockers (Tales from the Twi-
pois não estou sentindo que fazemos 2001). Mas mesmo que caminhe por uma light World, 1990), certo?
músicas naquele estilo ultimamente. Hansi: Sim, totalmente. Tommyk-
Se a música não encaixar com a letra, “Do final dos anos 70 nockers (N.R.: Os Estranhos, no
a coisa simplesmente não fará sentido Brasil) é um livro menos lembrado de
para mim. Quando o Iron Maiden ao início dos 80, eu Stephen King, mas ainda assim é bri-
fez To Tame a Land, eles não ape- lhante e me impressionou muito. Na-
nas escreveram uma letra olhando cresci como um fã de quele caso, e em Altair 4, que também
para a história de Frank Herbert, é relacionada a esse mesmo livro, a
eles também fizeram uma música punk rock. Era o que eu forma da narrativa estava diretamen-
que fala a linguagem de Duna. Nos te ajustada à música que tínhamos. Se
outros casos, como em Stranger in mais amava e sempre você perceber a parte instrumental e
a Strange Land, eles apenas usaram então focar na maneira como ajustei
um nome muito bom e a letra não sonhei com a chance de os vocais, perceberá que Os Estranhos
está conectada à obra de Heinlein era o tema certo para encaixar ali,
porque a música não fala a língua de cantar algo nesse estilo” havia uma ligação intrínseca. E, claro,
Um Estranho Numa Terra Estranha,
Acesse nosso Canal no Telegram: t.me/BRASILREVISTAS era o livro que eu estava lendo naque-
ela fala a língua própria do Iron Mai- Hansi Kürsch la época também (risos gerais).
Dirk Behlau

André Olbrich, Hansi Kürsch, Frederik

Ehmke e Marcus Siepen, mais focados e
próximos do speed metal do que nunca

20 • ROADIECREW.COM
 Ele é geralmente colocado entre os
piores de King, mas está no meu top 5 de
melhores. Tem tudo que amo lá: aliens,
discos voadores, mutações, terror...
Hansi: Ah, eu também amo esse livro.
Adoro esse aspecto sci-fi, abordado nessa
forma mais ‘pulp fiction’ típica de Stephen
King, e ninguém desenvolve personagens
como ele. Esse livro tem todo aquele
ambiente dos filmes de ficção-científica
dos anos 50, tem tantos elementos dentro
dele, toda aquela coisa dos computadores,
o Altair 4, é uma história formidável, nun-
ca entendi porque King fica tão embara-
çado por tê-lo escrito. Talvez tenha sido o
momento estranho de vida pelo qual ele
passava. Para mim, ele inspira mais medo
do que muitos outros livros, existe uma
fobia real ali. Tenho medo de criaturas de
outros planetas, formas de
vida que não compreendo, e
assistir aos poucos sua pró-
THE GOD MACHINE
Nuclear Blast/Shinigami - Nac.
pria transformação em outra
forma de vida é algo absolu-
tamente terrificante.
Lembrando que não temos
nenhum spoiler do livro aqui.
Hansi: Não, nada mesmo.
Acesse nosso Canal no Telegram: t.me/BRASILREVISTAS
Essa é apenas a trama prin-
cipal, o livro é uma experi-
ência muito maior, podem ir
sem medo (risos).
Ao mencionar Secrets of
the American Gods, você me
dá o gancho perfeito para
começarmos a falar espe-
cificamente sobre The God
Machine, já que essa canção acaba
sendo o grande épico desse novo
registro, certo?
Hansi: Com certeza.
Marcus: Ela é bem diferente do
restante do disco, com certeza. Talvez seja
a que mais mantém resquícios de algo
sinfônico, e provavelmente é por isso que
ela soa mais épica do que as demais.
André: Essa música é uma das que
oferece um balanço especial para este
disco. Só para explicar, veja por exemplo
a abertura, com Deliver Us from Evil.
Neste álbum, criamos uma experiência
musical mais pesada, mais conectada a
faixas rápidas e intensas, então querí-
amos uma música que representasse
essa orientação logo de cara. A verdade
é que não sabemos quanto tempo as
pessoas vão dedicar a um álbum, não
sabemos se as pessoas hoje farão como
nós fazíamos, que é sentar e ouvir o
álbum do começo ao fim, absorvendo a
experiência por completo. Muita gente
ouve apenas um single, às vezes duas
ou três músicas. Bem, Deliver Us from
Evil é talvez a música mais tipicamente
Blind Guardian desse novo álbum: tem
guitarras rápidas, pesadas e melódicas,
linhas vocais cativantes, corais, tudo
que esperam de nós, então ela parecia a
faixa certa para apresentar o álbum, era
a mais representativa. Do outro lado,
Secrets of the American Gods é a mais
representativa da parte mais épica e
orquestral da banda, então ela também
precisava de alguns holofotes. No fundo,
é uma questão de equilíbrio. Procura-
mos fazer um álbum mais intenso, mas
não esquecemos tudo o que temos feito
nas últimas três décadas, então, embora
de maneira mais contida, temos algo
de orquestral neste álbum. Não é uma
orquestra real, são recursos programa-
dos, mas estão ali. E Secrets... tem uma
melodia tão viciante. Desde que come-
çamos a trabalhar nela, sua melodia
simplesmente não saía mais da minha
cabeça. Eu estava trabalhando no arran-
jo de outra música e lá vinha a melodia
de Secrets... de novo (risos). Era o último
som que eu ouvia antes de dormir e o
primeiro que tocava na minha mente ao
acordar, foi aterrorizante (risos). Estou
feliz que finalmente tenhamos liberado
essa maldição sobre o mundo, agora
todos poderão ficar com essa melodia
nos ouvidos (risos gerais).
Tocamos em um ponto bem impor-
tante agora, já que esse é de fato um
álbum mais pesado que seus anteces-
sores, o mais pesado do Blind Guardian
em muitos anos. Mas, da forma que vejo,
esse peso extra veio mais da ‘economia’
de arranjos orquestrais do que de uma
nova visão musical, certo?
Marcus: Concordo totalmente!
Isso tem tudo a ver com o fato de que
finalmente conseguimos lançar o nosso
álbum orquestral em 2019. Aquele era
um sonho antigo, algo que surgiu para
nós por volta de 1994 e que obviamente
perseguiu nosso imaginário e nossa
criatividade desde então. Foi um alívio
quando finalmente pudemos tirar toda
aquela música do nosso peito e lançar
para o mundo, e ficamos muito orgu-
lhosos do resultado. Além disso, ter
conseguido lançar Twilight Orchestra
também nos ajudou a conceber The God
Machine, pois uma vez que terminamos
o álbum orquestral, quisemos focar em
nós como uma banda de novo, quería-
mos ser novamente o centro das ações, e
qualquer coisa que acontecesse ao nosso
redor teria que ficar em segun-
do plano. Claro que isso não
poderia acontecer quando você
tem uma orquestra, pois ela
precisa de muito espaço para
se desenvolver, então aí está
parte da diferença. Desta vez,
este espaço deveria ser nosso,
foi isso que decidimos!
E, com dois guitarristas que
cresceram ouvindo thrash metal...
Marcus: O disco sairia mais
pesado de qualquer maneira
(risos). Mas não tenho nenhum
problema com música orquestral,
a questão é que sabíamos desde o
começo que não poderíamos sair
em turnê com uma orquestra de
noventa pessoas, então tínha-
mos que voltar rapidamente ao
formato ‘banda de metal’, que
é o que somos. Isso também
estava na conta. Todos estamos
sorrindo de satisfação com
The God Machine, pois somos
uma banda de metal e não um
grupo de compositores clássicos. Como
superaríamos um álbum orquestral? Só
fazendo um disco com duas orquestras
tocando juntas! (risos gerais) Teria que
ser algo totalmente diferente e aqui está
o que conseguimos. Discordo quando as
pessoas dizem que adotamos uma abor-
dagem old school no novo álbum, estou
com você nessa, compusemos exatamen-
te da mesma maneira, apenas limamos
as partes sinfônicas, daí o peso extra.
Em qualquer dos nossos álbuns tem
material speed/thrash, veja The Holy
Grail (Beyond the Red Mirror, 2015) ou
Tanelorn – Into the Void (At the Edge of
Time, 2010), são speed metal. Claro que
soa um pouco diferente, pois não é como
as versões cruas que temos no novo
álbum. Nós não retornamos ao speed
metal, pois nunca o abandonamos.
Apenas deixamos de lado um monte de
elementos que estavam em volta dele.
ROADIECREW.COM • 21
 E falando em thrash e speed metal,
acho que precisamos falar sobre Blood
of the Elves. Se me dissessem que ela foi
composta originalmente para Follow the
Blind, eu acreditaria.
Hansi: Ela é uma música antiga, que
vínhamos trabalhando há um longo
tempo e que acabava sendo colocada de
lado pois sempre faltava alguma coisa,
sempre pensávamos em desenvolvê-la
um pouco mais e acabávamos esquecen-
do totalmente dela. É engraçado quando
isso acontece, você sabe que tem uma
música boa em mãos, que ela só precisa
de algo pequeno para ficar muito boa,
mas simplesmente não acha esse algo
até muito depois. E concordo com você,
quando ouvi aquele riff de abertura do
André pensei imediatamente em Banish
from Sanctuary, o que é engraçado, pois
nunca senti uma conexão tão forte com o
passado antes. E quem achou o que falta-
va na música foi o próprio André, que fi-
cou muito tempo trabalhando no refrão,
refinando, alterando. Eu queria simplifi-
car tudo e trazer algo mais cru, mas ele
vinha com essa coisa mais complexa de
corais sobrepostos, o que acabou sendo ‘a
cereja do bolo’ para a canção.
Insistindo nas canções mais pesadas
do álbum, temos ainda Architects of
Acesse nosso Canal no Telegram: t.me/BRASILREVISTAS
Doom, que tem uma pegada das mais
fortes do álbum.
Hansi: Para a letra dessa música eu a ver com o coronavírus, mas encarna
fui muito influenciado por Battlestar perfeitamente a atmosfera de angústia e
Galactica, especialmente a série da HBO, ira que vivemos desde 2020.
não a original, antiga. Existe muito
de filosofia envolvida na concepção E preciso concordar com o André,
da história, uma série de eventos que seus vocais são um destaque aqui. O
transforma o modo como as personagens thrash sempre esteve nas guitarras
pensam, mas chega o momento em que do Blind Guardian, mas ouvir esse
você entende que todo aquele ciclo de elemento nos seus vocais foi uma
violência perpetrado pelas máquinas ótima surpresa.
foi estabelecido pelos próprios seres Hansi: Poxa, muito obrigado! Mas
humanos. No fundo, a origem de ambas é deixe eu te dizer, a coisa seria ainda mais
basicamente a mesma. ao seu gosto se não fosse por André, pois
André: Sim, essa música foi composta minha ideia original era ir para o death
como um bom thrash metal, então já pos- metal nessa música (risos gerais). Infeliz-
so dizer que a adoro! E uma coisa que me mente a ideia não ganhou muitos adep-
faz gostar ainda mais dela é a maneira tos na banda, então tive que buscar uma
como Hansi trabalhou os vocais. Ele não abordagem mais contida, mas acho que
soa como alguém tentando ser um vo- foi a decisão acertada. Claro que eu não
calista thrash, ele continua sendo muito iria para o lado totalmente gutural, seria
único, mas cantando thrash metal. É uma mais como uma banda antiga de thrash/
abordagem totalmente nova para nós e death, mas me diverti muito gravando
colocou muita energia extra na canção. esses vocais, foi muito bom, libertador!
Hansi: Musicalmente, ela é uma besta Você sabe, do punk para o thrash metal
em forma de canção. Eu diria que é a não é um salto tão grande, e do final dos
nossa canção do coronavírus (risos). Você anos 70 ao início dos 80, eu cresci como
pode ter muitas emoções negativas nessa um fã de punk rock. Era o que eu mais
época que vivemos e levar tudo por um amava e sempre sonhei com a chance
caminho muito negativo. Essa música, de cantar algo nesse estilo. Então, aqui
embora tenha sido composta muito tem- estamos, e estou pessoalmente muito
po antes da pandemia, tem essa atmos- feliz em saber que vocês estão gostando
fera carregada, densa. Ela não tem nada dessa abordagem.
“Uma vez que terminamos
o álbum orquestral,
quisemos focar
em nós como
uma banda de
novo, queríamos ser
novamente o centro das
ações, e qualquer coisa
que acontecesse ao nosso
redor, teria que ficar em
segundo plano”
Marcus Siepen
Dirk Behlau
Ehmke (à esquerda), ao lado dos fundadores
Olbrich, Kürsch e Siepen desde 2005
Acesse nosso Canal
Fechando essa parte, gostaria que fa-
lassem sobre a minha favorita no álbum,
noe ficou
estúdio,
vocais (risos gerais).
Violent Shadows.
Hansi: Também adoro essa e foi ou-
tra que me diverti demais enquanto tra-
balhava nela. Para começar, ela nasceu
basicamente como uma competição de
quem soava mais cru e direto na banda.
Quer dizer, eu estava reclamando que
André estava vindo sempre com muitas
camadas de guitarra, e ele reclamando
que eu estava enchendo tudo com mui-
tas camadas de vozes. Eu disse para ele:
‘Eu vou te trazer uma linha vocal mais
pura desde que você me traga um bom
riff.’ (risos gerais)
André: Mas que cuzão (risos gerais).
Hansi: Mas funcionou, né? No impro-
viso, ele começou a mandar um riff incrí-
vel, e me provocava, ficava dizendo ‘Esse
serve? Ou talvez esse?’ E eu pensava:
‘Mas que babaca arrogante e pretensioso
de merda’, e comecei a mandar a linha
de voz mais crua que passou pela minha
cabeça naquela hora (risos gerais).
André: Ele gravou uma única linha de
voz e me mandou, só uma. Achei ótimo,
pelo menos uma vez não teria toda ladai-
nha do mundo cobrindo minhas linhas
de guitarra (risos gerais)
Hansi: Pois é, a gente ainda se diverte
muito fazendo isso. Cara, foi a nossa
canção mais crua em mais de trinta anos,
não demos nenhum retoque! Simples-
mente a música nasceu como tinha que
ser, sem maquiagem, sem disfarces de
Telegram: t.me/BRASILREVISTAS
ótima. Especialmente
os mas a gente ainda gosta mais daquela
que vimos no seu site.’ (risos) Por fim, ele
Para encerrar, ainda existem dois
aspectos que gostaria que abordassem.
Primeiro, a arte da capa, diferente de
tudo que fizeram até hoje.
André: Vou falar sobre a arte, que foi
bem interessante. Bem, nós trabalhamos
nesse álbum de uma maneira diferente
do que vínhamos fazendo. Começamos
com o desejo de ter um álbum que soasse
diferente. Vimos que alcançamos isso
quando ouvimos a mixagem e então
pensamos: ‘Precisamos de uma capa
diferente’, queríamos algo que mostrasse
como que o início de uma nova fase da
banda. Quando procurávamos por artis-
tas, vimos a página de Peter Mohrbacher,
e aquilo era fabuloso. Ele tem muita
influência de um antigo anime, Neon
Genesis Evangelion, conhece?
Sim, é ótimo. Na história, não apenas
a aparência dos anjos, mas a razão de
eles estarem aqui e continuarem tentan-
do nos eliminar é de explodir a mente.
André: Pois é, e pelo que nos falou,
foi isso que o impressionou também. Ele
criou toda uma série inspirada no anime,
acho que chamada Angelarium. Bom,
eu e Hansi escolhemos as nossas cinco
favoritas e entramos em contato com ele,
que fez algo exclusivo para nossa capa.
Porém, quando ele nos mostrou, eu e
Hansi dissemos: ‘Cara, essa arte é ótima,
nos disse que aquela não era inédita, mas
que poderíamos usar se quiséssemos.
E é essa que está na capa do álbum, ela
combina bem demais com o título.
Incrível, e é justamente sobre o
título a próxima pergunta, já que ele
apresenta uma dualidade de sentidos
muito legal.
Hansi: E foi algo intencional, como
você já percebeu (risos gerais). Você
pode entender em algumas canções que
deus é uma máquina, e em outras que
são máquinas de deus, pois foi com essa
dualidade que trabalhei as letras. Mas
existe ainda um terceiro sentido, que é a
inspiração. Quando começamos a vida,
somos uma página em branco, não somos
ninguém. Podemos ser ninguém para
sempre ou podemos ser muito bons em
algo, desde que tenhamos aquela fagulha
criativa que nos distingue dos demais.
Sua inspiração é uma ‘máquina de deus’
também e esse é um detalhe que permeia
todo o álbum, do início ao fim.
Obrigado pela ótima conversa.
Hansi: Obrigado, foi ótimo falar sobre
tantas coisas que amamos. E obrigado
à ROADIE CREW pela oportunidade de
falar com nossos fãs brasileiros depois de
tanto tempo. Acreditem, queremos muito
voltar e tocar para vocês, tão logo seja pos-
sível pegar um avião sem medo (risos).
ROADIECREW.COM • 23
 PLAYLIST
Por Daniel Dutra • Fotos: Ângelo Avila

►Contaminated World (Ge-

netic Deformation): “O Genetic
Deformation foi a primeira banda
com a qual tive a oportunidade
de lançar um material físico.
Eu tocava bateria e, mesmo
não gostando do resultado da
produção, tenho muito carinho e
respeito por esse trabalho.”
EP: Gates of Eternal Suffering (1994)

►Sobre o Desespero Cristão

(Outro) (Mysteriis): “Um tema
lançado pelo Mysteriis no seu
primeiro CD que, na realidade, é
uma dissertação em português
que abrange totalmente as ideias
líricas desta obra.”
Álbum: About the Christian
Despair (1999)

►Granada (Darkest Hate

Warfront): “Sempre gostei de
Acesse
metal nosso Canal
cantado em português. no Telegram: t.me/BRASILREVISTAS
Então, sempre que surgia uma
oportunidade em qualquer uma
das minhas bandas, eu procurava
inserir uma música com a nossa
língua no trabalho. Granada é
a prova disso, e uma música que tem grande influência de
Ratos de Porão e Dorsal Atlântica, dois dos meus grupos
favoritos.”
Álbum: The Aftermath (2007)

►Reign ov Opposites
(Vinterthorn): “Uma música que
traz muitas influências do black
metal mais cru e direto. Entre
outras bandas do gênero, nomes
como Dark Funeral e Lord Belial, ALEX KAFER
que eu escutava muito na época
do lançamento deste disco.” THE TROOPS OF DOOM
Álbum: Reign ov Opposites (2008)

►NOME COMPLETO: Alexandre Kafer Nazareth

►I Don’t Need Your Sacrifice
(Enterro): “O Enterro, na realida- ►NASCIMENTO: 7 de fevereiro de 1970, no Rio de Janeiro/RJ
de, sempre foi mais um projeto do
que uma banda de verdade. Isso
►BANDAS QUE INTEGROU:
porque ela contava com músicos The Troops of Doom, Anschluss, Coldblood, Darkest Hate Warfront,
do Matanza, que encontraram
aqui uma forma de expressar os Enterro, Explicit Hate, Genetic Deformation, Impacto Profano, Mysteriis,
seus gostos mais extremos. Esta
música tem uma forte influência do black metal escandinavo Necromancer, Songe d’Enfer e Vinterthron
dos anos 1990.”
Álbum: Nunc Scio Tenebris Lux (2008)
24 • ROADIECREW.COM
 ►Argument for Ignorants ►Whispering Dead Words
(Enterro): “Música presente no (The Troops of Doom): “Primeiro
segundo trabalho do Enterro, um videoclipe que lançamos com
álbum que, mesmo ainda sendo o The Troops of Doom, e faço
black metal, já se apresentou mais uma autocrítica: não gosto do ►Dethroned Messiah (The
rebuscado, não tão cru. Porém, meu vocal nesta música. Como Troops of Doom): “Música que abre
mantendo a agressividade.” estava tudo no começo, não o nosso primeiro álbum. Na minha
Álbum: The Bell of Leprous (2011) acho que atingi o timbre certo e a opinião, traz tudo o que o público
agressividade ideal para a música. Porém, sei da importância pode esperar do disco: velocidade,
dela para a banda e, também, que muitas pessoas curtiram, o agressividade e peso!”
que me deixa muito orgulhoso!” Álbum: Antichrist Reborn (2022)
EP: The Rise of Heresy (2020)

►The Other Gods (Coldblood):

“O Coldblood é uma banda
clássica do metal carioca, e tive
a felicidade de fazer parte dela ►Between the Devil and the ►Altar of Delusion (The
por um breve tempo, no início Deep Blue Sea (The Troops of Troops of Doom): “A minha
dos anos 2010. Naquele período, Doom): “A primeira composição favorita do álbum! Acredito que
gravamos este EP e fizemos para o The Troops of Doom e, foi o meu melhor desempenho
alguns shows bem legais pelo também, o nosso primeiro single. vocal no disco. Além disso, é uma
Brasil. É death metal puro dos anos 1990, mas com aquele Fiquei completamente satisfeito música que abre um pouco o nos-
toque brasileiro.” com a minha performance nos so leque de influências, trazendo
EP: The Other Gods (2012) vocais. Amo essa música, que foi umas passagens um pouco mais
o cartão de visitas perfeito para começar a nossa história.” melódicas para o som.”
EP: The Rise of Heresy (2020) Álbum: Antichrist Reborn (2022)

►Torment on the Tomb of

Christ (Mysteriis): “Esta músi-
ca faz parte do Hellsurrection,
o terceiro álbum do Mysteriis.
Nele, tentamos resgatar a
sonoridade dos primórdios do
Mysteriis, ou seja, um black
Acesse nosso Canal no Telegram:
metal rápido, ríspido e cru.”
Álbum: Hellsurrection (2012)
EP: The Absence of Light (2021)
►Act II: The Monarch (The
Troops of Doom): “Nela, tive a
grande honra de dividir os vocais
com Jeff Becerra, do Possessed!
Uma música com todas as carac-
terísticas do death metal dos anos
1980 e que, comt.me/BRASILREVISTAS
certeza, sempre
estará no nosso setlist!”
Álbum: Antichrist Reborn (2022)
►A Queda (The Troops of
Doom): “Posso dizer que, talvez,
A Queda seja a minha segunda
favorita. Letra em português,
com os vocais divididos com João
Gordo, meu amigo de décadas! E
o resultado não poderia ter sido
melhor: nota 10!”

The Troops of Doom

►Necromancer (Necroman-
cer): “O Necromancer foi a minha
primeira banda. Tudo começou
com ela, e tenho um apreço
enorme pelo grupo até hoje.
Batizei a banda numa época
em que ainda havia letras em
português, e Necromancer foi a
primeira canção que compusemos em inglês. Thrash e death
metal old school, divididos em quase oito minutos de música!
Para mim, um clássico!”
Álbum: Forbidden Art (2014)

►Dark Church (Necroman-

cer): “Com certeza, a música
mais importante composta
pelo Necromancer até hoje,
tanto que já ganhou duas re-
gravações. Lembro-me que, na
época em que a compusemos,
escutávamos Kreator e Dark
Angel o dia inteiro. Dark Church é uma mistura exata
dessas influências.”
Álbum: Forbidden Art (2014)

ROADIECREW.COM • 25

Tom Naumann, Mat Sinner, Markus Kullmann
e Alex Scholpp, seguindo sempre em frente,
mas com os ouvidos colados nos anos 90
Acesse nosso Canal no Telegram: t.me/BRASILREVISTAS
Atitude positiva e criatividade levam a banda alemã a superar
Por Valtemir Amler
Quando fundou o Sinner em 1980, em
Stuttgart (ALE), o ex-jogador de futebol
(que chegou a atuar na base da seleção
alemã), baixista e vocalista Matthias
Lasch (ou simplesmente Mat Sinner) não
tinha como saber que estava formando
uma das grandes usinas do reverencia-
do rock pesado germânico. Tampouco
ele poderia saber que, quase vinte anos
mais tarde, estaria envolvido no nasci-
mento de outra banda clássica, o Primal
Fear, além de toda uma série de outros
projetos ao longo dos anos. Pois é, Mat
Sinner dedicou uma paixão profunda e
trabalho incessante ao rock’n’roll, mas
uma doença recente fez com que ele não
pudesse ser o nosso convidado na con-
versa que você lê a seguir. Nosso convi-
dado, Tom Naumann, guitarrista, amigo
pessoal e parceiro musical de Sinner em
vários projetos desde 1990, evitou abor-
dar detalhes sobre o que acontece com
Mat, mas não poupou minúcias sobre o
assunto mais importante, a música que
o grupo vem desenvolvendo mais e mais
em cada um de seus álbuns.
26 • ROADIECREW.COM
A IRMANDADE DO
ROCK’N’ROLL
os problemas e criar ótima música em Brotherhood
É um grande prazer falar com você.
Porém, acho que falo por todos quando
digo que estamos preocupados com Mat
Sinner, que pela primeira vez em quatro
décadas de carreira não pôde participar
da divulgação de um novo álbum. Como
está a situação dele no momento?
Tom Naumann: Olá, Valtemir, é muito
bom falar com você e com os leitores da
ROADIE CREW, que sempre nos apoiou
tanto. Pois é, entendo perfeitamente o que
você está querendo dizer e compartilho da
sua sensação, queria que estivéssemos con-
versando em uma situação melhor. O que
posso dizer é que Mat está melhor agora.
Ainda não totalmente bem, mas melho-
rando, e isso é muito importante. Porém,
não posso dizer o que ele tem, e isso não
tem a ver com discrição ou nada do tipo, a
verdade é que simplesmente não sabemos
o que está acontecendo com ele. Até o mo-
mento ele já passou por vários hospitais,
falou com vários médicos diferentes e cada
pessoa diz uma coisa, então não sabemos o
que está acontecendo. Claro que isso é bem
impactante para mim, pois não estamos
falando apenas de um parceiro de banda,
mas de um amigo pessoal, uma pessoa com
Heiko Roith
quem eu tenho conversado todos os dias,
compartilhado sonhos, celebrado a vida
e viajado o mundo inteiro ao longo das
últimas quatro décadas, então é compli-
cado para mim. Mas estou feliz em poder
dizer, com toda sinceridade do mundo,
que ele está se sentindo melhor. No
momento ainda não pode cumprir com-
promissos, mas eu o conheço muito bem
e uma coisa eu posso garantir para todos
vocês: tão logo se sinta bem o suficiente,
ele estará na estrada para ver todos vocês
novamente, então, sigam ao nosso lado,
sigam nos apoiando, pois isso é muito
importante para todos nós.
É ótimo saber que ele está se recupe-
rando bem. E também é muito bom per-
ceber que, apesar dos problemas, vocês
encontraram uma maneira de trabalhar
em um novo álbum.
Tom: Ah, sim, isso foi muito bom, pois
não podíamos fazer nada além disso. Por
conta das restrições, por um bom tempo
não pudemos nem nos encontrar para en-
saiar; não foram apenas as turnês que pa-
raram, os ensaios haviam parado também.
Eu e Mat nos encontramos algumas vezes,
falamos sobre a possibilidade de um novo
álbum do Sinner e começamos a com-
por. Pouco depois disso, a situação toda
mudou novamente, pois ele ficou doente.
Mas, conhecendo bem o Mat, sabia que
ele não iria simplesmente baixar a guarda
e parar todo o trabalho. Pelo contrário,
ele me chamou e disse que tinha total
confiança em mim para seguir em frente
e terminar o que havíamos começado e foi
exatamente isso que fiz dessa vez.
Sim, você acabou desempenhando
um papel muito mais amplo do que cos-
tumava até aqui.
Tom: É verdade. Bem, seja com o
Sinner ou com o Primal Fear, Mat e eu es-
tamos sempre criando músicas, estamos
sempre escrevendo e compondo, então
essa é a parte realmente habitual. Eu
pego minha guitarra e começo a escre-
ver alguns riffs, organizo eles, coloco
na ordem correta para uma canção,
e assim vou até termos um álbum.
Esse é o trabalho do dia-a-dia para
mim, sempre foi assim nos últimos
quarenta anos (risos). Dessa vez, a
circunstância forçou uma mudança
e acabei assumindo funções impor-
tantes na gravação e na produção
do álbum. Um cavalo velho às vezes
aprende novos truques (risos).
Acesse nosso Canal no Telegram: t.me/BRASILREVISTAS
Isso é muito bom e logo vamos
falar um pouco mais sobre essa
mudança. Mas, antes, quem também
parece que teve atribuições dife-
rentes no novo Brotherhood foi
a vocalista Giorgia Colleluori.
Afinal, ela cantou praticamente
metade das partes em Santa
Muerte (2019), ao passo que teve
uma participação bem menor agora.
Tom: Pois é, isso é verdade, mas não
é como se tivéssemos algum problema
com ela ou que algo tenha acontecido nos
bastidores, na verdade foi muito mais na-
tural. Veja, quando estávamos trabalhando
nas canções de Santa Morte, decidimos
que queríamos tentar algumas coisas
diferentes, fazer algumas experiências que
pudessem levar nossa música por novos
caminhos, mas sem perder a essência do
Sinner. Uma das ideias que tivemos foi
adicionar vocais femininos e foi então que
Gio entrou no jogo. Ela tem uma voz bonita
e marcante, e se encaixou como uma luva
em Santa Morte. A verdade é que ela teve
uma das performances mais marcantes
daquele álbum, o que nos encheu de orgu-
lho. Não tenho nenhuma dúvida que a voz
dela cairia extremamente bem em muitos
outros momentos em Brotherhood, mas é
como disse antes, circunstâncias forçam
mudanças. Não houve um rompimento
nem nada do tipo, foi apenas o fato de
que ela tem sua própria banda e estava
muito ocupada com ela durante as nossas
gravações. Foi uma questão de agenda, não
conseguimos conciliar, basicamente foi
isso que aconteceu.
Voltemos agora a falar sobre o seu pa-
pel de ‘manda-chuva’ em Brotherhood...
Tom: Bem, também não é pra tanto
(rindo muito). Mas, sim, foi uma bela dife-
rença na forma como as coisas aconte-
cem, sob o meu ponto de vista... Veja, cos-
tumeiramente eu sou o cara que escreve
algumas músicas, vai até o estúdio, grava
algumas músicas e cai fora deixando o
resto do trabalho para Mat (risos gerais).
E desta vez foi bem diferente. Mas come-
çou igual: lá pelo final de 2020, me reuni
com Mat na casa dele e decidimos que no
próximo álbum buscaríamos algo mais
orgânico, ou melhor, algo mais próximo
àquilo que fazíamos nos anos 90, nos
meus primeiros discos com a banda.
BROTHERHOOD
Atomic Fire/Shinigami - Nac.
Você sabe, aquela pegada rock’n’roll mais
direta, o que significa dizer que procu-
rávamos um álbum mais pesado do que
os anteriores. Pois bem, tínhamos uma
visão, começamos a trabalhar e no come-
ço de 2021 já tínhamos umas dez canções.
Foi aí que as coisas começaram a mudar.
Mat adoeceu e não pudemos manter
o organograma de gravação, que seria
em maio do ano passado. Atrasamos as
coisas, mas como ele não tinha certeza de
quando ficaria recuperado, pediu que eu
tomasse as rédeas e seguisse em frente.
O álbum tinha que ser finalizado! Assim,
assumi as gravações de bateria e guitarra,
foi um desafio interessante. O baixo e a
voz de Mat já estavam nas demos e não
foi com total surpresa que percebemos
que ambos estavam ótimos, não precisa-
riam ser refeitos, então usamos na mixa-
gem final, que ficou com Jacob Hansen.
O desafio foi maior, mas ficamos muito
satisfeitos com o resultado.
E, no fim das contas, Brotherhood é
um disco bem equilibrado. Existe uma
gama interessante de elementos aqui,
como a referência quase gótica em The
Last Generation...
Tom: Ah, que legal que você vai
começar com essa, estou especialmente
orgulhoso dela.
Por quê?
Tom: Porque é uma música muito boa
e também porque foi um pesadelo dei-
xá-la pronta, como você ouve no álbum
(risos). Quando começamos a trabalhar
nela, eu não imaginava quanto trabalho
teríamos para concretizar aquelas ideias
que íamos tendo. Tem aquela parte or-
questral, mas também tem muitas linhas
de guitarra, e são doze faixas acústicas,
uma loucura (risos). Mas soou muito
bem e isso é o que importa. E ainda
tem aquela parte de teclados, que
consegui convencer Oliver Palotai a
gravar conosco (N.R.: tecladista do
Kamelot e ex-Doro). Gosto muito
dessa canção, é a maior do disco e
a que deu mais trabalho. Foi um
pesadelo colocar tudo junto, mas
foi divertido demais (risos).
Achei que The Man They Couldn’t
Hang tivesse sido a mais complexa.
Tom: Acho que sei a razão de ter
ficado com essa impressão. Mas a
verdade é que não foi tão complicado
assim, a coisa fluiu muito bem tão
logo decidimos o que queríamos fazer.
Bom, ela é uma faixa rápida, com boas
partes de guitarra, bumbo duplo,
bem pesada. Acho que foi muito
legal dar aquela quebrada com a or-
questração no meio, acho que tornou
ela em uma canção única.
Concordo. Algo que chama a atenção
também são a quantidade e a qualidade
dos músicos convidados que aparecem
neste disco. Seria por essa razão que ele
foi intitulado assim, por conta dessa ‘ir-
mandade’ no mundo da música pesada?
Tom: Todos vivemos nessa irmanda-
de. Somos fãs e músicos de heavy metal
e, se formos bem sinceros, a única razão
de estarmos aqui é que somos unidos por
esse mesmo amor, então somos muito
mais do que uma grande comunidade,
somos de fato uma irmandade. Por isso
gostamos de ter convidados de outras
bandas na nossa música. Gente como
Dave Ingram (N.R.: vocal do Benediction),
isso não é exatamente o esperado, e nos
honra muito. E ‘irmandade’ também
representa como somos no Sinner, não
somos unidos apenas pela música, muito
nas nossas vidas é comum e comparti-
lhado. Eu e Mat até torcemos pelo mesmo
time, o Schalke 04. E isso é coisa séria
entre alemães (risos gerais).
ROADIECREW.COM • 27

ZONA MORTA
Por Ricardo Batalha
Em 1989, o terreno fértil das Minas
Gerais seguia revelando bandas que
evoluíam e soltavam novos traba-
lhos, casos de Sepultura (Beneath the
Remains), Overdose (You’re Really Big!),
Sarcófago (Rotting), Sextrash (XXX) e
The Mist (Phantasmagoria). Porém, o
Estado ainda tinha outras cartas na
manga. É aí que entra o Zona Morta,
formado em Belo Horizonte pelo voca-
lista e multi-instrumentista Eugênio
de Sá, o baixista Fabrício Duarte e o
baterista Lu.
Eugênio e Lu se conheceram em 1978,
no segundo ano do ensino médio na
Divulgação
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Escola Técnica, onde faziam curso para
Técnico de Estradas. Dois anos depois,
Eugênio firmou grande amizade com
Antônio Augusto e passaram a tocar
juntos uma fusão de regional mineiro
com rock. Com a entrada do baterista
Helio Eduardo, estava criado o grupo
de rock progressivo Quinta-Essência. “A
partir de 1983, quando Helinho passou a
também tocar com o Overdo-
se, seu tempo começou a ficar
menor. Entretanto, chegou
a ocorrer um evento em que
tocaram Quinta-Essência e
Overdose. O fim do Quinta-
-Essência aconteceu quando
tive que me mudar para Ouro
Preto por causa de trabalho”,
recorda Eugênio. Nômades
Quando retornou para (EP, 1989)
28 • ROADIECREW.COM
Belo Horizonte, em 1985, Eugênio se
casou com Carminha, sua fiel compa-
nheira até hoje. Assim, no quartinho
dos fundos do casal, surgiu, em 28 de se-
tembro de 1985, o Zona Morta, que teve
o nome tirado de um livro de Stephen
King. Após seis meses de ensaio, ocorreu
o primeiro show no DCE da Federal. “No
entanto, após o segundo show no DCE,
Helbert resolveu sair para tocar um som
mais hardcore. Montou o R.I.V. e passou
a tocar guitarra, o instrumento de que
gostava”, lembra Eugênio.
Fabrício Duarte, substituto de Hel-
bert e irmão de Eugênio, veio por indi-
cação de Gerald Incubus, do Sarcófago.
Assim, em novembro de 1986, o Zona
Morta voltou com força total, realizou
diversos shows, gravou demo tapes e
criou um repertório de mais de quinze
músicas. Entre elas, Catedrais, Unidos
pelo Aço, Nômades, Faraós 2000 D.C.,
Mercenários Cães de Guerra, Rituais
de Sacrifício, Zona Morta, A Sagrada
Magia de Abramelim e Mulheres da
Guerra Santa.
As letras versavam sobre
temas que Eugênio lia, como o
próprio livro de Stephen King
que gerou o nome do grupo. A
faixa Nômades foi inspirada
em uma matéria de capa da re-
vista Planeta, que falava sobre
um povo nômade que viveu na
Europa na Idade Média.
O planejamento inicial
do trio era a gravação de um
ORIGEM:
Brasil
ÉPOCA:
Anos 80
ESTILO:
Heavy/thrash/Death metal
FORMAÇÃO CLÁSSICA:
Eugênio de Sá (vocal, guitarra e teclado),
Fabrício Duarte (baixo) e Lu (bateria)
DISCOGRAFIA:
Nômades (EP, 1989)
compacto. “Como não tínhamos acesso
à gravadora Cogumelo, resolvemos
bancar o disco. O projeto inicial era
gravar um compacto, com as faixas
Catedrais e Unidos pelo Aço. Não
chegamos a fazer isso, pois acabamos
gravando o EP. Acredito que devido à
minha influência do rock progressivo,
as músicas do Zona Morta eram rela-
tivamente longas, algumas chegavam
a dez minutos de duração. Tínhamos
escolhido as menores e acrescentamos
mais três que, de certa forma, eram as
próximas mais curtas do repertório:
Prelúdio para Zona Morta, Nômades e
Faraós”, avalia Eugênio.
A gravação de Nômades, que teve
capa ilustrada por Kelson Frost, ocorreu
no Estúdio JG, onde foram gravados
os primeiros discos clássicos do metal
mineiro. “No nosso período de gravação
‘teste’, acabamos conhecendo Marcos
Gauguim, que foi muito importante
para o resultado final. Como eu já me
interessava por gravação, fui apren-
dendo sobre o que ele falava”, descreve
Eugênio. “Tudo que ele nos explicou foi
levado para as duas semanas de ensaio
que teríamos antes da gravação oficial.
Conhecemos também João Guimarães
(JG), dono do estúdio e que era baterista
do Kamikaze”, completa.
Curiosamente, em dezembro de
1990, no dia do show de lançamento
do EP, que saiu em mil cópias, a banda
encerrou suas atividades. “Nômades
ficou como um disco que representa-
va uma banda que buscava perfeição
e criatividade. O Zona Morta talvez
tenha ficado mais conhecido pelas
minhas participações nas gravações
do Sarcófago do que por as próprias
composições”, conclui Eugênio.
Agora, através dos esforços da gra-
vadora Classic Metal Records, Nômades
fará parte da série “Memórias Metálicas”,
que tem o propósito de resgatar clássicos
do metal brasileiro, apresentando um
material caprichado e sempre recheado
de bônus, como no caso do Zona Morta.
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Maya Melchers
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O FIM DE TODA A LUZ!
Trio revigora sua relação com o lado mais brutal e cru
do death metal no novo álbum, Mortem Solis
Por Valtemir Amler
Relevância, qualidade e extremismo
são adjetivos comuns para qualificar o
trabalho dos irmãos Alex Camargo (vocal
e baixo), Moyses Kolesne (guitarra) e Max
Kolesne (bateria), trio que há mais de
três décadas vem subindo o nível daquilo
que conhecemos como death metal.
Eternamente reverenciados por conta de
sua tríade inicial – Black Force Domain
(1995), Apocalyptic Revelation (1998) e
Conquerors of Armageddon (2000) –,
com a qual proclamaram a força e a fúria
de um extremismo musical irrefreado,
eles foram moldando sua música em
uma fórmula cada vez mais madura e
abrangente, como ouvimos em sua tríade
mais recente – The Great Execution (2011),
Forged in Fury (2015) e Scourge of the En-
throned (2018), discos maduros, mas que
não fogem da proposta brutal perpetrada
pelos gaúchos em sua sólida e crescente
discografia. Mantendo o ritmo atroz de
30 • ROADIECREW.COM
uma máquina de guerra, eles estão de
volta com seu mais novo álbum, Mortem
Solis. Concebido com o intento de ser
mais direto e visceral do que aquilo que
comumente ouvimos hoje no technical
death metal moderno, o novo registro
do Krisiun cumpre muito bem aquilo
que promete, soando inclusive mais sujo,
bruto e agressivo do que seus anteces-
sores, promovendo o fim da luz e uma
nova era de trevas no metal extremo, que
sempre soube trilhar seu caminho longe
dos holofotes. Conversamos com Moyses
Kolesne, que nos guiou pelos sombrios
caminhos desse mundo onde o sol está
morto.
Olá, Moyses! É bom falar com você
novamente e que bom que podemos
constatar que as coisas estão de fato
voltando a acontecer.
Moyses Kolesne: Prazer falar com
você também, mano! É isso, estamos aí,
disco novo sendo lançado, fazendo uma
Moyses Kolesne, Alex Camargo e
Max Kolesne, reinado renovado sobre
o death metal com Mortem Solis
porrada de entrevistas com gente do
mundo inteiro e semana que vem parti-
mos para a Europa para começar a turnê
de promoção de Mortem Solis. Demorou,
mas as coisas estão realmente voltando
a acontecer. Vamos para a Europa, temos
sete festivais de verão para tocar por lá.
Depois voltamos para a América, temos
dois meses de promoção nos EUA, setem-
bro e outubro, e então voltamos outra
vez para a Europa, onde estaremos em
turnê com o Nile. Depois iremos para o
México, quer dizer, só voltaremos para o
Brasil em 25 de dezembro, ficaremos por
volta de meio ano fora. E isso é apenas
a primeira perna da turnê, que seguirá
adiante por mais um bom tempo.
Quer dizer, os shows voltaram com
força total.
Moyses: É isso aí, o disco está lançado
e agora a gente tem que correr. Voltamos
aos nossos corres de sempre, a ideia é
tocar pelo mundo todo, levar a banda até
quem quiser vê-la. A mesma coisa com
entrevistas, estamos procurando atender
todo mundo que nos procura, gente do
mundo inteiro. Com a Century Media a
coisa flui bastante bem nesse sentido,
muita gente da Europa nos procura, seja
da parte Ocidental ou Oriental. Nas Amé-
ricas também, muita gente da América
do Norte e da América Latina tem falado
com a gente, galera da Austrália, Japão.
Cara, tá sendo um começo bem interes-
sante, bem forte para esse álbum.
É, vi alguns dados de
plataformas de streaming bem
impressionantes no lançamento do
álbum (N.R.: o disco foi lançado em
29 de julho e a entrevista aconteceu
em 3 de agosto).
Moyses: É, eu vi cara! Nosso som
ficou na frente de Ozzy Osbourne,
Slipknot e tal. Coisa impressionante,
de verdade!
Sim, e isso é algo que vocês já ti-
nham conseguido com o álbum ante-
rior, Scourge of the Enthroned. E
acho importante ressaltar isso,
principalmente por ser uma
banda de metal extremo: pouca
gente tem a real dimensão da for-
ça desse tipo de música. E a coisa
é ainda mais legal considerando que
Acesse nosso Canal noMedia/Shinigami/Sound
Century Telegram: t.me/BRASILREVISTAS
se trata de uma banda do Brasil e que
optou por sempre estar por aqui.
Moyses: Pô, cara, valeu! Isso é bem
massa mesmo! E por mais que essas
coisas não ditem a direção da música
ou algo do tipo, é legal sim de perceber,
e claro que temos orgulho desse tipo de
marca. Como poderíamos deixar de ter?
Quer dizer, temos tudo contra a gente,
somos brasileiros, fazemos um som
muito extremo, a gente não é adepto de
trabalhar muita coisa no computador,
fazer essas músicas muito ‘bonitinhas’,
como todo mundo tá fazendo. A gente
é old school, somos três irmãos latinos
“A gente é old school, somos
fazendo música feia e brutal, temos
muita coisa que não se encaixa no
três irmãos latinos fazendo
padrão do sucesso e levamos isso tudo música feia e brutal, temos
no peito! O metal tem um certo padrão
para os holofotes, aquela coisa meio
europeia, aquelas músicas trabalhadas
no computador, tudo muito limpo,
tudo muito bonitinho, sinfônico, os
bateristas tudo editando suas partes
pra caralho... O Krisiun tem um som
cru, duro, nossa escola é tipo Raining
Blood (Slayer, 1986), Altars Of Madness
(Morbid Angel, 1989), aquela sonoridade
bem antiga, como nos velhos discos do
Black Sabbath. Até tem certa moderni-
dade porque não temos que lutar contra
a época que vivemos, mas a verdade é
que é complicado um som como o nosso
entrar nas paradas, não fechamos com
nada daquilo que está nos holofotes, mas,
de alguma maneira, sempre estamos lá.
Temos muita convicção do que fazemos,
vamos pra cima sem medo e nossos fãs
são muito fieis, a gravadora acredita no
nosso trabalho. Claro que isso não vai
mudar nada na nossa música, até porque
chegamos nesse ponto justamente por
não mudar. E, se for para mudar, vai ser
para algo ainda mais brutal e cru, pois é
nisso que acreditamos!
MORTEM SOLIS
City - Nac.
Muito justo. Bom, como dissemos,
Scourge of the Enthroned guiou o
Krisiun até um novo patamar. A banda
vinha excursionando intensamente ao
redor do globo, mas, como aconteceu
com todos, precisou interromper os
planos por conta da pandemia. Tem
sido comum ouvir das bandas que esse
‘tempo extra’ forçado refletiu positiva-
mente nas composições. Isso aconteceu
muita coisa que não se
encaixa no padrão do
sucesso e levamos isso
tudo no peito!”
também com vocês?
Moyses: Dá pra dizer que sim, mano.
Quer dizer, vamos voltar um pouco,
até 2018, na época de Scourge of the
Enthroned: quando lançamos ele, ainda
estávamos em plena turnê do Forged in
Fury, a gente simplesmente ligou uma
turnê na outra. Estávamos em uma turnê
gigante que vinha desde 2015, ficamos
2018 na Alemanha para gravar o novo
álbum e já mandamos ver no show de
lançamento em Essen. Foi sold out, um
evento incrível, massa pra caralho, sem
exagero, foi foda! Dali já começamos a
loucura das turnês: Ásia, Austrália, três
turnês pelas Américas, Europa, fizemos
um monte de festivais, isso tudo ao longo
de 2018 e 2019. Daí foi quando daríamos
o grande pulo: em 2020 teríamos nossa
turnê como headliner, festivais gigantes
e tal, mas aí veio a pandemia. Foi um
baque, a gente estava prestes a fazer
a coisa decolar de vez e parou tudo.
Para você ter ideia, foi apenas
quatro dias antes de viajarmos
para nossa turnê como headliners
pela Europa que tivemos que
cancelar tudo, até então ainda
tínhamos esperança de que pudesse
salvar alguma coisa. Resumindo,
já tínhamos desembolsado muita
grana, tínhamos ajeitado a equipe,
comprado passagem de avião,
alugado ônibus de turnê, estava tudo
alinhado, as pré-vendas de ingresso
eram ótimas, tudo estava fluindo
extremamente bem. Depois de anos
semeando, finalmente colheríamos
os frutos do nosso esforço,
conseguiríamos repor os gastos da
turnê e até levantar uma grana, só
que caiu tudo. Então a primeira coisa
foi aprender a lidar com isso.
Sim, a mudança foi extrema e repen-
tina.
Moyses: É isso mesmo. E o foda é que
no mundo da música tem muitas fases,
o metal vive de fases, né cara? Uma hora
o lance é o thrash, outra hora a galera
tá noutro som e assim vai. A verdade é
que muita coisa mudou com a pandemia,
existe toda uma nova geração de fãs de
metal que nasceu durante a pandemia,
uma geração de fãs que é mais nerd,
que é mais ligada no computador,
coisa e tal, pois era só assim que você
podia ter contato com as bandas nos
piores dias da pandemia. A questão
é que o Krisiun nunca foi uma banda
que lidou muito bem com isso, nós
temos as nossas mídias sociais e tal,
onde divulgamos nossos shows e
nossa música, mas nunca fomos uma
dessas bandas que fica o dia inteiro na
internet ‘blogueando’, falando uma pá
de abobrinha, mostrando foto com a
roupa da hora que a gente tá usando.
Essa não é a nossa ‘vibe’. Tem gente que
acaba seguindo um monte de artista
simplesmente porque se sente carente e
quer ter algum tipo de contato com ele,
nem que seja por trás de uma tela, sem
nenhum envolvimento real com nada,
saca? A gente não é assim, e não temos
nenhum atrativo para quem é. Quem
gosta do Krisiun é por causa da música
ROADIECREW.COM • 31

Maya Melchers
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“Eu não estava pensando em
algo como ‘vamos fazer um novo
álbum, vamos começar a escrever,
tô inspirado’. Não, mano, eu tava
preocupado com a minha família”
32 • ROADIECREW.COM
que a gente faz, não temos mais nada para oferecer.
Somos uma banda antiga e pra nossa sorte temos
muitos fãs que também são das antigas, que não
ligam muito para essa coisa de ‘presença na internet’,
senão sei lá como teria sido.
E como vocês reestruturaram as coisas?
Moyses: Aí é que tá! A verdade é que tudo durou
muito mais tempo do que a gente pensava. No co-
meço as pessoas achavam que seriam alguns meses
de pausa, mas foram mais de dois anos, cara, isso foi
tenso pra caramba! Sendo bem sincero, eu não estava
pensando em algo como ‘vamos fazer um novo álbum,
vamos começar a escrever, tô inspirado’. Não, mano,
eu tava preocupado com a minha família, com meus
amigos, com as pessoas. Eu realmente esqueci da ban-
da por um tempo. Aqui no meu bairro tem famílias
passando necessidade, muita gente perdeu o empre-
go, então aquela foi uma hora em que pensamos em
ajudar as pessoas, lutar pelo mais importante. A gui-
tarra ficou de lado, eu tocava mais violão de bobeira
mesmo, estava focando em outras coisas. E foi como
eu disse antes, a gente tinha perdido nosso momen-
to por conta da pandemia. Existem muitas bandas
no mundo, milhares, e no mundo da música tudo é
decidido com antecedência. Nosso momento ideal
foi engolido pela época, e para essa volta dos shows
já existia uma fila gigante de bandas esperando, as
agências, gravadoras e casas de shows foram montan-
do um cronograma para conseguir gerenciar a volta
dos shows e aí as coisas ficam difíceis. Veja o Hellfest,
por exemplo, tinham quase quatrocentas bandas lá
tocando e ninguém conseguindo tocar direito, pois
não tinha tempo pra tudo isso. A Europa estava uma
bagunça, por isso que resolvemos esperar até agora,
com o disco lançado. Não queríamos que acontecesse
com a gente o que aconteceu com várias bandas, que
tocaram em um monte de festivais e ninguém nem
ficou sabendo, passaram totalmente despercebidos
no meio de tanta confusão.
Esperar tanto tempo e investir tanto esforço em
um novo álbum para apenas ser parte da turba não é
nada atrativo.
Moyses: Sim, e é exatamente isso que ia aconte-
cer. Não vamos fingir, existe também muita mo-
nopolização no mundo do heavy metal. As bandas
realmente grandes, as realmente estabelecidas, elas é
que sempre tem que ganhar dinheiro antes, então as
primeiras turnês e shows já estavam decididos para
elas. Existe um lobby muito grande de grandes em-
presários, grandes gravadoras, gente muito importan-
te que dá um impulso muito forte para que sempre
as mesmas bandas apareçam em destaque. Cara, a
gente está vendo isso acontecer agora! Estão deixan-
do um monte de banda foda de lado para priorizar os
gigantes. É até natural que isso aconteça, pois é assim
que o mercado se movimenta, mas sabíamos que seria
assim, então nos negamos a participar desse jogo.
Esperamos a poeira baixar e então colocamos o nosso
carro na estrada.
E foi com tudo isso em mente que começaram a
trabalhar em Mortem Solis.
Moyses: Sim, a gente sentia vontade de levar as
coisas de volta para um patamar mais metal mesmo,
menos mercado e menos mídia social, saca? O pessoal
perdeu um pouco o foco durante a pandemia, foi
muito Deezer e Spotify, muita banda fa-
zendo playback em casa e se mostrando
na internet, e pouca música de verdade
rolando. Mano, a gente é velho, metal pra
nós é algo meio doido, fã de metal é meio
louco. A gente vai em show suado, volta
fedendo (risos). A gente vai no show, fica
bêbado, enche o saco dos amigos, tem
que ficar na rua de madrugada porque
não tem mais ônibus depois do show, daí
briga com careca na rua que tá caçando
treta, é assim, a coisa é louca, a coisa é
física e real, não é ‘live streaming’, que
porra é essa? Não, com o Krisiun é dife-
rente, queríamos algo ainda mais cru e
direto nesse novo registro.
Como as coisas funcionaram para
vocês desta vez?
Moyses: Bom, como eu disse, a gente
não estava pensando em fazer um disco
quando a pandemia começou. Mas, de-
pois de um tempo, a gravadora falou pra
gente: ‘Caras, já se passaram quatro anos
desde o último disco, vocês precisam fa-
zer um novo.’ Perguntamos se esses dois
anos de pandemia contavam contratual-
mente, já que a banda tava parada, e eles
disseram que sim, que ainda estáva-
mos movimentando, vendendo coisas
e tal, apresentaram a situação do
“Gravamos tudo direto
nesse álbum, quase ao vivo.
ponto de vista deles, e na verdade as
pessoas realmente compraram muito
Não ficamos
Acesse nosso Canal
o nosso material nessa época, sobrevi-
no Telegram:
cagado e depois editando no
vemos bem na pandemia justamente
por causa dos fãs fieis que compraram
computador como a galera
nossos discos, camisetas e tal, então
entendemos a situação e começamos a
pensar. Começamos a compor no fim
de 2021, por volta de outubro ou no-
faz hoje em dia”
vembro, quando nos juntamos de novo,
pois estávamos separados durante o pior
da pandemia. Bom, quando começou a
amenizar a situação, quando o número
de casos começou a cair e nos vacinamos,
a vontade de tocar veio forte de novo e
de uma forma totalmente brutal. Cara,
passei muito tempo vendo um monte de
bandas de death metal soando ‘certinhas’
demais, só se preocupando em fazer foto
bonitinha, videoclipe super produzido,
comercializando demais algo que em
essência é brutal e underground, então
eu queria expor todo meu ódio por isso
tudo numa música ainda mais brutal. É o
mesmo que Metallica e Slayer faziam no
começo, eles procuravam fazer a música
mais brutal possível e lutar contra as
tendências mais comerciais do metal
nos anos 80, o Metallica só foi ter seu
primeiro clipe muito depois, o lance era a
música, saca?
Sim, eles tinham uma atitude bastan-
te punk, que é influência para as duas
bandas, inclusive.
Moyses: Sim, era brutalidade pura,
correria, foto feiona mesmo. Foda-se o
clipe, era música e atitude. O Metallica
só foi fazer um clipe na época do ... And
Justice for All (1988), o Slayer no Seasons
in the Abyss (1990). Hoje em dia, a banda
nem disco tem ainda e já tem clipe. O
povo grava tudo em casa, aquela grava-
ção super comprimida, tudo computado-
rizado, a gente tá vivendo em uma outra
cena, definitivamente. Eu entendo quem
quer fazer isso, são outros tempos e cada
um faz aquilo que consegue fazer, mas
com o Krisiun nós vamos lutar contra
isso e fazer do nosso jeito, à moda antiga!
É como você disse antes, vocês
fazem a música em que acreditam.
Moyses: É isso mesmo e sempre
vamos ser assim. Infelizmente, parece
que temos tudo andando ao contrário,
o brasileiro é muito ligado nessa coisa
da internet. Hoje o Brasil é o primeiro
país no TikTok, Instagram, Facebook,
essa coisa toda, e a venda de material
físico ainda é muito baixa comparada a
outros lugares. As pessoas preferem ficar
vendo coisas aleatórias na internet do
que de fato se dedicar a algo, ajudar uma
banda em que acredita, é complicado.
gravando
tudo
t.me/BRASILREVISTAS
Além dessa atitude brutal na
O cara não compra o disco, mas sai a
propaganda de um festival com um
monte de banda de merda, ele vai lá e
paga quinhentos contos no ingresso pra
poder tirar fotinho e colocar no Insta-
gram, é muito tendencioso. Claro que não
é todo mundo, nós temos fãs muito fieis,
mas essa atitude já ferrou muita banda
boa que nunca teve uma chance. Muito
do que se ouve no novo álbum vem da
nossa revolta com isso, com esse mundo
cada vez mais virtual em que vivemos.
Sim, e isso garantiu uma atitude
mais punk na música que ouvimos em
Mortem Solis. Considero um dos discos
mais viscerais da sua carreira.
Moyses: Eu penso o mesmo. Cara,
acho que tranquilamente esse é o nosso
disco mais brutal, pelo menos na aborda-
gem da música é isso que sinto.
Por outro lado, ele mantém esse lado
bastante dinâmico que vocês têm apro-
fundado desde os tempos de The Great
Execution (2011).
Moyses: Ah, sim, isso é verdade. A
grande diferença entre esses álbuns
é na abordagem mesmo. Na época de
The Great Execution a gente tava numa
vibe diferente, estávamos criando umas
músicas mais longas, tínhamos solos de
guitarra mais longos e elaborados, algo
que naquela época também era uma
rebelião contra a tendência que tava ro-
lando, todo mundo fazendo musiquinha
curtinha e simples pra ser um bom single,
essas paradas. Então, na época a gente foi
pelo outro caminho, algo longo, obscuro,
épico e complexo, gostamos de fugir da
convenção. A diferença é que desta vez
buscamos um caminho mais cru, mais
sujo. De certa forma, as coisas são mais
simples, têm menos solos, as canções são
mais curtas, daí essa atitude punk que
você cita. É um álbum mais direto, mas
tem muita dinâmica, as faixas mudam
o tempo todo, mas sem apelar para uma
complexidade técnica que tá ali só pra
se mostrar, saca? Gravamos tudo direto
nesse álbum, quase ao vivo. Não ficamos
gravando tudo cagado e depois editando
no computador como a galera faz hoje em
dia. O que você ouve no disco é a pedrada
que vai rolar no show, nem mais nem me-
nos. Eu sou das antigas, gosto de metal,
punk e hardcore antigo, eu adorava
como aqueles caras faziam as músicas
todas tortas, com a voz quebrando no
meio da linha, uma caixa estourando
fora do lugar. Não quis nada muito bo-
nitinho em Mortem Solis, eu simples-
mente neguei. Não fiz nenhum solo
com arpejo, sweep ou licks bonitinhos
porque isso já deu no saco, não aguen-
to nem mais ouvir isso aí.
música, o título Mortem Solis também
parece indicar uma interessante abor-
dagem temática. O que pode nos dizer
sobre isso?
Moyses: Cara, esse título tem tudo
a ver com o momento que a gente vive.
Bom, se a gente pegar a história da hu-
manidade, o Sol foi a primeira divindade
a ser adorada, sumérios adoravam, a
própria figura de Jesus é uma alegoria ao
Sol, com os doze apóstolos representando
os signos do zodíaco, então a escuridão é
meio que a ausência da divindade, saca?
Mas também usamos como uma alegoria
ao poder. Os grandes imperadores eram
referidos como o sol, os grandes impérios
eram do sol, Egito, Japão, Macedônia,
Roma, França, Alemanha, Inglaterra,
todos faziam essa alegoria com o sol e
todos caíram. Tudo um dia vai chegar ao
fim, não importa o tamanho, não importa
o poder. A ‘morte do sol’ vem dessa ideia
de finitude, de que o eterno não existe. É
algo bem interpretativo, mas a ideia cen-
tral é essa, ninguém e nem nada deixará
de cair, esse é o preço do mundo.
ROADIECREW.COM • 33
 Por Daniel Dutra

Os anos recentes foram um carrossel de emoções para o

Divulgação

Journey, que se separou litigiosamente de dois integrantes -

Ross Valory (baixo) e Steve Smith (bateria); gravou um novo
álbum de estúdio, Freedom, depois de um hiato que já durava
11 anos - e com a cozinha formada por Randy Jackson e Narada
Michael Walden; e voltou à estrada com uma nova formação: ao
lado de Neal Schon (guitarra), Jonathan Cain (teclados) e Arnel
Pineda (vocal) agora estão Todd Jensen e Deen Castronovo, que
esteve na banda entre 1998 e 2015 e mostrou que o bom filho a
casa torna. E foi o simpático Schon quem contou essa história
num papo de 15 minutos que viraram 25, porque o guitarrista
gosta de falar da parte boa do seu passado. Felizmente.

Como você está e como você tem estado durante esse perío-
do de pandemia?
Neal Schon: Nós temos tocado durante todo este ano, então
estamos miraculosamente em turnê! (risos) Mas sem muita
gente mesmo na nossa equipe. Precisamos trocar pessoas por
causa da Covid, e em um ano tivemos de cancelar quatro shows,
mas conseguimos manter o restante do ano. Inclusive, tocamos
em Nova York na noite passada, terminando a segunda perna
da turnê, e teremos um mês de pausa até seguirmos para a parte
final da turnê deste ano (N.R.: a entrevista foi realizada no dia
10 de agosto). Já temos 2023 e 2024 planejados, com planos de
vê-los no Brasil. Eu quero tocar no Lollapalooza, porque é onde
precisamos estar! Ou no Rock in Rio!

E como The Way it Used to Be acabou sendo um hino

positivo da pandemia, porque pelo menos para mim a música
é, gostaria de perguntar como toda a situação afetou a banda.
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Houve um lado positivo nisso?
Neal: Quando algo como uma pandemia acontece, você tem
que buscar seus recursos internos para que se sinta bem. Fazendo
isso, você também faz com que outras pessoas se sintam bem.
Para mim, a música é uma das melhores curas que existem, é uma
língua universal que todo mundo entende, então escolhi mergu-
lhar nela e compor bastante. Eu estava determinado a criar esse
disco, sendo que alguns estavam animados em fazê-lo, outros não,
mas eu disse: ‘Vou fazer!’. The Way it Used to Be foi a primeira que
compus, com o Jonathan, e foi ela que fez a bola começar a rolar.
Acabei escrevendo 30 ideias, das quais finalizamos 16. As outras
ainda estão lá no estúdio, esperando o momento certo. Precisamos
concluir as letras e os vocais, mas temos bastante material. Quando
os motores esquentaram, entrei no estúdio com o Narada Michael
Walden, e foi um prazer trabalhar com ele. Deu liga entre nós dois,
e acabamos fazendo boa parte do disco com guitarra e bateria ao
vivo! Coloquei um baixo grosseiramente, que eu mesmo toquei,
e também um teclado cru só para marcar; cantei as melodias que
ouvi e algumas letras, como a de You Got the Best of Me, para a
qual criei o refrão; e mandei para o Jonathan, que finalizou as
letras e algumas melodias com o Narada. Em seguida, mandamos
para o restante da banda para que todos gravassem as suas partes
por cima. Randy Jackson tocou a minha linha de baixo e fez um

LIBERDADE INFINITA E SEM FRONTEIRAS

Neal Schon explica a decisão de lançar um novo álbum do Journey depois de 11 anos;
fala do passado com Hardline e Paul Rodgers; e conta sua experiência no Hear n’ Aid
34 • ROADIECREW.COM
trabalho incrível, afinal, ele é fantástico
e toca muito melhor do que eu, só que eu
tenho boas ideias! (risos) Mesma coisa com
o Jonathan nos teclados, e mandamos
para o Arnel, que começou a trabalhar
com o Narada, também. Ele estava em
Manila, nas Filipinas, cantando no alto da
sua casa com um pequeno computador e
um bom microfone plugado, e Jonathan e
Narada ficavam controlando e fazendo a
engenharia de áudio para ele dos Estados
Unidos mesmo, no estúdio do Narada. Foi
fantástico assistir a tudo isso acontecer
em tempo real, sem atrasos, porque foi a
primeira vez que vi algo assim. A tecnolo-
gia está aí para todos nós há muito tempo,
mas não tínhamos um motivo para usá-la,
então essa foi a oportunidade ideal para
testarmos todas as novas ferramentas
que existem para que pudéssemos estar
juntos de alguma forma, já que fisicamen-
te não era possível.
O título do álbum, Freedom, pode
ser interpretado exatamente como
um retorno ao jeito que costumava
ser, mas também como uma sensa-
ção de liberdade após as mudanças
na formação?
Neal: Esse nome tem estado comigo
e com a banda por muitos anos. Nosso
empresário original, Walter “Herbie”
Herbert, que faleceu recentemente,
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era a pessoa responsável por criar os
títulos de palavra única para os nossos
discos. Infinity (1978), Escape (1981),
Frontiers (183)... Absolutamente todos.
Ele apareceu com a palavra ‘Free-
dom’ na época em que estávamos
entrando em estúdio para gravar
Raised on Radio (1986), porque
queria batizar o disco com aquele
nome. Steve Perry e Walter conver-
saram e pensaram a respeito, porque
Steve queria se distanciar desse estilo
de título de uma palavra só. Acabamos
mudando, mas ‘Freedom’ ficou lá, guarda-
do. Quando chegou a hora de pensar num
título para o novo álbum, pensei: ‘Bem, a
hora é essa’. Com tudo que estava acon-
tecendo com todo mundo, no planeta e,
também, pessoalmente, em nossas vidas,
era a hora de virar a página e começar um
capítulo novo para o Journey, então falei:
‘Será Freedom’. Demiti o empresário, demiti
todo mundo que estava trabalhando com a
banda, e começamos do zero.
Foi mesmo um sentido de liberdade,
então.
Neal: Sim! Foi para mim, e acredito,
também, que foi para todos nós.
A propósito, Deen Castrovono vol-
tou à família primeiramente com o Jour-
ney Through Time, em 2018, e depois
definitivamente no ano passado. Em vez
de focar nos problemas com Ross Valory
e Steve Smith, prefiro abordar o quanto
o Journey significa para o Deen, porque
ele mesmo me disse isso. E ele se refere
a você como um irmão mais velho, então
como é tê-lo de volta?
Neal: Eu conheci o Deeno há muitos
anos, e ele esteve em quase todos os pro-
jetos comigo desde então. Ele se envolveu
em alguns problemas, como muitos de
nós ao longo da vida, e passou por altos
e baixos. Eu acompanhei como Deeno
trabalhou para melhorar, e ele estava
lá quando precisamos dele. Era o único
cara que eu sabia que poderia fazer esse
trabalho, porque Narada estava tendo al-
guns problemas. Para mim, Deeno é uma
aberração da natureza! E no bom sentido,
porque ninguém consegue tocar bateria
e cantar como ele, que tem um talento
incrível. Deeno é mesmo como se fosse
meu irmão caçula, ainda que ele tenha
quase 1,90m (risos)! Amo tê-lo de volta à
aniversário de Double Eclipse, o
álbum de estreia do Hardline. Quais
FREEDOM
BMG - Nac.
banda, e devo acrescentar que Todd tem
sido uma ótima adição à banda, também,
porque juntar nós três remete aos tem-
pos de Hardline e Paul Rodgers...
Olha, o disco The Hendrix Set (1993)
é incrível!
Neal: Cara, nós adorávamos aquela
banda com o Paul, e sei que arrebatamos
plateias tocando juntos, porque tenho
noção de nossas capacidades. Até Steve
Perry concorda! Quando ele foi nos ver
com Paul Rodgers no Hollywood Bowl, foi
falar comigo depois da passagem do som
e disse: ‘Uau! Vocês estão melhores do que
nunca!’. Pouco tempo depois disso, Steve
montou sua própria banda solo e levou o
Todd para tocar com ele (risos). Todd canta
muito bem, tem uma excelente personali-
dade e toca baixo incrivelmente, mas toca
baixo de verdade, porque curte as músicas
que nos inspiraram a compor as nossas
no Journey. Tem Motown, tem rock e tem
soul, então ele se encaixa ainda melhor
do que até mesmo Marco Mendoza, que é
fenomenal em seu próprio merecimento,
como um tipo diferente de baixista, mais
para o fusion e o jazz. É complicado quan-
do se trata de montar um grupo, afinal,
você pode juntar os melhores músicos do
mundo e ter um grande nada nas mãos!
(risos) Eu já vi isso acontecer: ter o melhor
baterista, o melhor guitarrista e o melhor
baixista, mas o resultado ser um enorme
caos! Aprendi com a minha experiência
tocando com Carlos Santana, com as dife-
rentes pessoas que passaram pela banda
dele, que a mágica não necessariamente
vem do fato de todos serem reconhecida-
mente os melhores do mundo. Alguém
tem que manter os pés no chão, e isso não
significa que aqueles que fazem isso sejam
menos valiosos musicalmente do que os
que se sentem superiores. Existem muitos
caras do jazz que são assim, esnobes, e
eu respeito demais nomes como John
McLaughlin, Herbie Hancock e Miles
Davis, todos esses grandes nomes do
jazz, mas também tem os caras que
acham que estão acima de todos
os outros, e não é isso que faz uma
grande banda.
A propósito, 2022 marca o 30º
são suas lembranças do tempo em que
trabalhou com Johnny e Joey Gioeli?
Neal: Eu estava procurando algo
para fazer naquela época, porque tinha
um tempo de sobra e estava tentando
entender o que realmente queria
fazer. O Bad English havia acabado
de se separar no meio da mixagem do
segundo disco, Backlash (1991), e eu tive
a oportunidade de produzir o primeiro
disco do Hardline, além de coescrever as
músicas. Achei que seria divertido tentar
algo diferente, mas eu não pretendia fazer
parte da banda, porque me parecia que eles
eram muito mais novos do que a minha
cabeça, musicalmente falando. Produzi a
demo que fez com que a banda conseguis-
se um contrato assinado, toquei guitarra
nela, compus com eles e me diverti muito
fazendo tudo isso! No entanto, quando saí-
mos em turnê, eu realmente senti que não
pertencia à banda, e o mesmo aconteceu
com Deeno e Todd, porque Johnny e Joey
eram muito mais novos que nós três. Logo
depois da turnê que fizemos com o Extre-
me pela Europa, sendo que alguns shows
foram ótimos, e outros, uma catástrofe!
(risos), eu pensei: ‘Não estou acostumado
com isso. Estou acostumado a saber o
que vai acontecer toda noite’, e assim nós
três escolhemos sair da banda. Foi aí que
recebi uma ligação do Paul Rodgers, que
tanto perguntou se eu gostaria de fazer a
turnê Muddy Waters Blues com ele quanto
ROADIECREW.COM • 35
 convidou para tocar em seu disco. Paul já
tinha uma banda e, quando eu não pude
sair em turnê durante um fim de semana,
ficou frustrado com o fato de que os mú-
sicos que escolheu não conseguiam pegar
todo o material, não conseguiam lembrar
tudo. Aí eu disse a ele: ‘Tenho dois caras
que posso levar e que sei que farão o de-
ver de casa. Passe a lista das músicas que
você quer que aprendam, e eu prometo
que eles vão subir no palco e, mesmo sem
ensaio algum, soar mais como uma banda
unida do que isso que você tem’. Ele
escolheu confiar em mim, eu levei Deeno
e Todd, e tudo se encaixou.
Para terminar, tem algo que sempre
quis perguntar a você: eu era adoles-
cente quando o Hear n ‘Aid foi lançado,
em 1986, e assisti ao home video várias
vezes à época. Há uma filmagem de você
gravando seu solo de guitarra e fazendo
uma expressão como se não estivesse
gostando do que acabara de fazer. Lem-
bro-me de pensar: ‘Como ele pode não
ter gostado? Esse solo de guitarra ficou
incrível!’ (risos). Você se lembra disso?
Quais são suas memórias do projeto?
Neal: (rindo) Olha, serei honesto com
você: isso aconteceu numa época em
que eu curtia a noite toda. Era época de
festas todas as noites, e eu fazia tudo que
não prestava (risos). Eu provavelmente
devia estar dormido por apenas uma hora
quando o despertador tocou, e eu tinha
de entrar no carro e ir a Los Angeles para
aquela sessão de gravação. Então, liguei
para Ronnie James Dio e falei: ‘Ronnie,
acho que não estou em condições de tocar
hoje’. Ele respondeu: ‘Não, senhor! Você vai,
sim! Vou colocá-lo num voo mais tarde, e
um carro vai buscá-lo no aeroporto’, e eu
apenas disse: ‘Ok, mas você vai ter que me
carregar, porque eu não posso ficar acor-
dado direto. Eu preciso dormir!’ (risos). Eu
estava sonâmbulo! (risos) A verdade é que
eu não ouvi a música, apenas levei minha
guitarra com um pequeno pedal laranja de
distorção da Boss, liguei tudo num velho
amplificador Marshall e toquei! Provavel-
mente, aquela expressão que você viu na
minha cara era tipo ‘Não sei se isso está
bom ou não, mas é porque estou dormindo
enquanto toco, então espero que dê certo’
(risos). Além disso, cada guitarrista que
estava lá ficava me pressionando, dizendo
que eu não deveria fazer parte do projeto,
porque eu não tinha nada a ver com os
guitarristas de heavy metal. Só que aí me
bateu o orgulho, e pensei: ‘Eu posso tocar
essa merda, sim!’, porque por mais que não
tivesse a oportunidade de tocar aquilo com
frequência, eu certamente poderia tocar,
assim eu também iria me divertir! Fui falar
com o Ronnie sobre o que havia conversa-
do com o Yngwie Malmsteen, que estava
bem na minha frente: ‘Sabe, Ronnie, eu
estava ouvindo algumas guitarristas antes
de nós, e tudo que eles estavam fazendo
era espancar a guitarra. Foi soco atrás de
soco por uma hora, e eu não suporto isso.
Vou entrar e tocar a música do começo ao
fim, de uma só vez, e é isso!’, porque tudo
se resumia a como eu me sentiria depois
daquilo. Quando você começa a pensar
muito sobre fazer tudo perfeito, toda a
energia que vem se perde, e nisso você
perde também a emoção e o sentimento,
que é mais do que só tocar as notas. No fim,
gravei um único take e achei que estava
bom. Eu gostei, mas Ronnie James disse:
‘Vamos fazer mais um’, e é claro que fiz o
que ele pediu. E adivinhe? Ronnie acabou
gostando mais do primeiro (risos).

Deen Castronovo, Jonathain Cain, Neal Schon e

Arnel Pineda: o Journey em sua era de liberdade
Robert Knight

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“(...) era a hora de virar a página e começar um capítulo novo

para o Journey. (...) Demiti o empresário, demiti todo mundo
que estava trabalhando com a banda, e começamos do zero.”
36 • ROADIECREW.COM
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 COLLECTION
Por Daniel Dutra

Divulgação
Kirk Hammett (Metallica), Larry LaLonde (Primus, ex-Pos-
sessed), Rick Hunolt (ex-Exodus), Andy Timmons (ex-Danger
Danger), Alex Skolnick (Testament) e Steve Vai. Todos esses
nomes têm um denominador comum: foram alunos de Joe
Satriani. Pronto. Está feita a apresentação de um dos maiores
nomes da história da guitarra, afinal, o que mais é necessário
dizer sobre o músico americano? Bom, Joseph Satriani,
66 anos, é responsável pelo mais emblemático dos discos
instrumentais de guitarrista – Surfing with the Alien, que
ajudou a popularizar o estilo nos EUA e, consequentemente,
mundo afora – e criou o hino instrumental máximo das
seis cordas – Always with Me, Always with You, presente
no mesmo álbum. Entre o fim de 1993 e parte de 1994,
substitui temporariamente o genioso Ritchie Blackmore no
Deep Purple; e alguns anos antes disso, em 1988, integrou
a banda solo do Rolling Stone Mick Jagger. São apenas
dois dos exemplos de Satriani fora da zona de conforto
do artista solo, uma vez que ele começou sua trajetória
tocando em bandas – com destaque para o Squares – e
desde 2008 faz parte do supergrupo Chickenfoot, ao lado
de Sammy Hagar, Michael Anthony e Chad Smith. E o seu
trabalho solo? Imprescindível. Confira.

IMPERDÍVEIS
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SURFING WITH THE ALIEN (1987)

Se você passou batido pela introdução deste especial, por
favor, volte algumas linhas antes de continuar aqui. Feito?
Sim, é isso mesmo. Lançado no dia 15 de outubro, portanto
comemorando 35 anos em 2022, Surfing with the Alien é o
verbete definitivo de “disco instrumental de guitarra”. Não
somente porque é uma obra-prima em 38 minutos de música,
mas também porque catapultou o gênero ao mainstream. O
álbum ficou nada menos que 18 meses e três semanas no Top
200 da Billboard, tendo alcançado a 29ª posição, e ganhou
Disco de Platina por um milhão de cópias vendidas. Números
absolutamente expressivos, ainda mais para um álbum cujo
baixo orçamento obrigou o guitarrista a usar programação
de bateria, a cargo de Bongo Bob Smith, em nove das dez
faixas: a exceção é a maravilhosa Satch Boogie, com Jeff
Campitelli nas baquetas – o batera ainda fez alguns overdubs,
e Satriani cuidou de todo o restante. E Surfing with the
Alien é uma rara combinação de técnica, grandes melodias,
feeling e musicalidade, elementos que transbordam em Ice 9,
Crushing Day, Circles, Lords of Karma e na faixa-título; que
transforma Echo numa joia de alto quilate pouco lembrada,
infelizmente; e fazem até mesmo ateu acreditar em Deus
depois de escutar Always with Me, Always with You, uma das
mais belas obras criadas pelo ser humano. Neste caso, um ser
humano com inspiração divina chamado Joe Satriani.

THE EXTREMIST (1992)

Provavelmente, o segundo álbum mais aclamado pelos
fãs, e é o trabalho de Joe Satriani que mais alto chegou no
Top 200 da Billboard, cravando o 22º lugar e permanecendo
no ranking por sete meses. Curiosamente, porém, vendeu
metade de Surfing with the Alien – 500 mil cópias, o que
assegurou Disco de Ouro. Dos números para a música, The
Extremist conta com nomes estelares – os bateristas Gregg
Bissonette (ex-David Lee Roth) e Simon Phillips (ex-Toto,
Asia, MSG e vários outros); e os baixistas Matt Bissonette
(ex-David Lee Roth) e Doug Wimbish (Living Colour) – e reto-
ma o caminho 100% instrumental com uma sonoridade mais
orgânica que os trabalhos anteriores. E é preciso começar
destacando o grande hit do álbum, Summer Song, usado e
abusado pela Sony num comercial de seu então popularíssi-
mo walkman para CDs e, anos depois, em dois jogos de seus
videogames: “Formula 1” (1996) e “Gran Turismo 4” (2004)
para PlayStation e PlayStation 2, respectivamente. Você, no
entanto, deve lembrar de Summer Song como trilha de uma
vinheta do “Vídeo Show”, extinto programa da TV Globo. A
canção é uma das maravilhas do álbum ao lado de Friends,
da faixa-título e da belíssima Cryin’, mas vamos sair do lugar-
-comum e dar a merecida atenção a New Blues, War e Why,
as duas últimas com um groove que somente guitarristas do
calibre de Satriani conseguem imprimir à guitarra.

38 • ROADIECREW.COM

FLYING IN A BLUE DREAM (1989)
Terceiro álbum de Joe Satriani, Flying in a Blue Dream
nasceu com a responsabilidade de ser o sucessor de Surfing
with the Alien. E se saiu bem, se considerarmos a hercúlea
tarefa: 23ª colocação no Top 200 da Billboard, ranking onde
ficou nove meses e três semanas, e Disco de Ouro pelas 500
mil unidades vendidas. Só que o mais interessante é notar que
o músico aproveitou para dar um passo à frente em vez de
lançar uma segunda parte de seu trabalho comercialmente
mais bem-sucedido. A começar por jogar fora qualquer
programação no resultado final – Jeff Campitelli, Bongo Bob
Smith e Simon Phillips gravaram as baterias, e Stuart Hamm e o
próprio Satriani, o baixo –, mas especialmente por soltar a voz
em seis músicas, com destaque para Big Bad Moon e a bonita I
Believe, dois dos três singles; a funkeada Strange, com um forte
acento do saudoso Prince; e Can’t Slow Down, que resume
muito bem o caminho trilhado: canções, não somente música
para guitarristas. Ideia
presente até mesmo no
country blues instrumental
Headless, mas Satriani
obviamente não se
esqueceria das raízes, e
The Mystical Potato Head
Groove Thing, One Big
Rush, Back to Shalla-Bal
e a faixa-título são um
bálsamo.
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DREAMING #11 (1988)
Joe Satriani tem quatro álbuns ao vivo, e qualquer um
poderia estar em algum quesito de “Bons” para cima, não
fosse o critério particular de privilegiar discos de estúdio.
Então, o que diabos Dreaming #11, um EP com um faixa
inédita de estúdio e três faixas ao vivo, faz aqui? Bom, para
começar, porque seria o álbum ao vivo definitivo do guitar-
rista caso não fosse um EP. Registros da turnê de Surfing
with the Alien, com Jonathan Mover (bateria) e Stu Hamm
(baixo), Ice Nine, Memories e Hordes of Locusts aparecem
em versões de tirar o fôlego, especialmente as duas últi-
mas, originais de Not of This Earth (1986) – uma vez que o
trabalho de estreia de Satriani é, graças à produção, ainda
menos orgânico que o seu sucessor. Depois, porque a faixa
de estúdio é resultado direto do tsunami de criatividade
responsável por Surfing with the Alien. Ou seja, The Crush
of Love, com Jeff Campitelli na bateria, é o sinônimo de
perfeição instrumental,
e com um bônus: há um
elemento cinematográfico
que a deixa com cara de
trilha sonora de grandes
filmes dos anos 1980, em
qualquer cena introspectiva
do/da protagonista.
OUTROS: O resultado da discografia de Joe Satriani é
definitivamente positivo, acima da média, e entre os seus
18 trabalhos de estúdio ainda dá para destacar What
Happens Next (2018), com Glenn Hughes (baixo) e Chad
Smith (baixo, Red Hot Chili Peppers). E vale conferir os
EXCELENTES
CRYSTAL PLANET (1998)
Então com mais de dez anos de carreira solo, Joe Satriani
já havia encontrado um estilo próprio de composição – com
músicas guiadas por temas de guitarra, resumindo de forma
rasteira –, que muitos confundem com falta de imaginação
ou criatividade. A resposta do músico, talvez até involuntá-
ria, é com obras surpreendentes, presentes nestas mesmas
páginas, ou se reinventando dentro do seu próprio mundo.
É o caso de Crystal Planet, o sétimo disco solo. Um bom
exemplo do som peculiar de Satriani pode ser encontrado
na excelente Love Thing, até porque ele tem a manha de
transformar beleza em baladas, mas há canções com o algo
a mais que o guitarrista costuma entregar em diferentes
proporções. A progressão harmônica de Up in the Sky abre o
CD escancarando a criatividade de Satriani na hora de compor
melodias, assim como também faz Raspberry Jam Delta-v.
Por outro lado, há House Full of Bullets, que mostra força num
pesado e suingado riff,
e a faixa-título, uma vez
que Crystal Planet é uma
das melhores músicas da
carreira do guitarrista, e
uma canção agraciada
igualmente com a per-
formance irretocável da
cozinha formada por Jeff
Campitelli e Stu Hamm.
CUIDADO
JOE SATRIANI (1995)
Joe Satriani vinha de três discos aclamados – Surfing with
the Alien, Flying in a Blue Dream e The Extremist – e havia
se tornado mundialmente conhecido e reconhecido. Por que
mudar, então? O guitarrista fez a fama, só que não deitou na
cama. Levando apenas o seu nome, o sexto álbum de estúdio
trouxe uma nova e extraordinária cozinha para a grande
maioria das canções, e a escolha por Manu Katché (bateria,
Peter Gabriel e Sting) e Nathan East (baixo, Phil Collins,
Stevie Wonder, Eric Clapton) já mostrava que a mudança
também seria no campo musical. Assim, Joe Satriani
entregou uma sonoridade voltada para o improviso do jazz,
do soul, do funk e do blues, mas sem perder a identidade
construída nos anos anteriores. Cool #9, If e (You’re) My World
são o melhor exemplo da fusão entre o velho e o então novo
mundo do guitarrista, mas há menos concessões em outras
faixas. Na maioria, a bem da verdade. S.M.F. (sigla para “Sick
Mother Fucker”), Moroccan
Sunset, a genial Killer Bee Bop,
Slow Down Blues e Down,
Down, Down representam
muito bem o conceito do
disco como um todo. E Joe
Satriani é uma obra para ser
ouvida com atenção.
quatro álbuns ao vivo: Live in San Francisco (2001),
cujas músicas de Engines of Creation ganham roupagem
orgânica de banda; Satriani Live! (2006); Live in Paris: I
Just Wanna Rock (2010); e Satchurated: Live in Montreal
(2012), todos lançados também em DVD ou Blu-ray. Lan-
THE ELEPHANTS OF MARS (2022)
Décadas depois do primeiro disco, quão louvável é para
um artista lançar um trabalho que figure entre os melhores
de sua carreira? Foi o que Joe Satriani fez 36 anos depois de
Not of This Earth, porque The Elephants of Mars é um álbum
de um artista veterano que rejuvenesce a sua música e ainda
surpreende o ouvinte com ela. O 18º álbum do guitarrista
acabou sendo fruto de processos de composição e gravação
diferentes por causa da pandemia – saiba mais na entrevista
com Satriani na ed. #267 da ROADIE CREW –, e isso ajudou
com o que resultado final fosse o álbum mais diverso e am-
bicioso do guitarrista. E isso não é pouca coisa. Com Bryan
Beller (baixo), Eric Caudieux e Rai Thistlethwayte (teclados)
e Kenny Aronoff (bateria), Satriani criou experimentos so-
noros incríveis como a faixa-título; Dance of the Spores, que
tem um tema circense genial; e a espetacular Sailing the Seas
of Ganymede, que poderia muito bem ser uma obra de Robert
Fripp para um dos grandes
discos do King Crimson.
Além disso, a beleza da
música do guitarrista
passeia por momentos
mais tradicionais, como
Faceless, e melancólicos,
como Desolation. Cinco
dos 14 exemplos de um
grande disco.
ENGINES OF CREATION (2000)
Vamos contextualizar: no dia 16 de março de 1999,
Jeff Beck lançou Who Else!, no qual abraçou com força a
techno music. No dia 27 de setembro do mesmo ano, Gary
Moore fez o mesmo num álbum cujo título é autoexplicati-
vo: A Different Beat. No ano seguinte, no dia 14 de março,
Joe Satriani não se fez de rogado e também incorporou
a música eletrônica ao seu oitavo trabalho de estúdio.
Resumindo: Jeff Beck iniciou um movimento experimental
que acabou sendo seguido por muitos de seus súditos, e
isso fez com Engines of Creation se tornasse o álbum para
o qual nove em dez fãs de Satriani torcem o nariz. Entre
exceções como Champagne?, Clouds Race Across the Sky
e a bela balada e único single, Until We Say Goodbye – que
trazem Anton Fig (bateria, Ace Frehley, Joe Bonamassa) e Pat
Thrall (baixo) –, o grosso do material é um apanhado de lo-
ops, batidas eletrônicas, programações e sons artificiais que
fazem cama para a guitarra
de Satriani, cujo DNA seguiu
intacto, felizmente. Há uma
boa leva de temas melódicos
e solos debulhadores em
canções como Borg Sex, a
pesadíssima Devil’s Slide e a
industrial Attack.
çado em 2019, Squares traz o material gravado pela banda
homônima no início dos anos 1980. Vale pela curiosidade,
porque obrigação mesmo é conhecer os CDs Chickenfoot
(2009), Chickenfoot III (2011) e LV (2012) e o DVD Get
Your Buzz on Live (2010), do Chickenfoot.
ROADIECREW.COM • 39
Cunene
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QUANDO A LUZ SUCUMBE ÀS SOMBRAS
Vinte anos depois de alcançarem o sucesso mundial com
Comalies, italianos revisitam seu clássico em Comalies XX
Por Valtemir Amler
Não são muitas as bandas da mesma
geração que podem se orgulhar de todas
as conquistas alcançadas pelo Lacuna
Coil. Além da alta vendagem de seus dis-
cos e de turnês repletas de datas sold out,
eles se tornaram figuras certas na cultura
pop, aparecendo até em capas da revista
em quadrinhos do Batman. Porém, o su-
cesso não foi instantâneo, bem longe dis-
so. Cerca de uma década se passou sem
que eles conseguissem fazer um nome
fora do seu circuito local, coisa que ape-
nas começou a mudar com o lançamento
de In a Reverie, em 1999. Com o passo
seguinte, Unleashed Memories (2001), eles
conseguiram sua primeira turnê pelos
EUA e foi o conflito de emoções naque-
la turnê que motivou o nascimento de
Comalies, que duas décadas atrás inseriu
definitivamente o nome do Lacuna Coil
entre os gigantes do metal. Desde então
muita coisa aconteceu: a banda passou
por transformações musicais e de forma-
ção, mas nunca deixou de crescer, mesmo
nos momentos mais difíceis, como foi
durante os piores dias da pandemia. De
volta aos palcos e celebrando o aniversá-
40 • ROADIECREW.COM
rio de seu maior clássico, eles apresentam
o novo Comalies XX, uma “atualização” do
disco original de 2002. Falamos sobre isso
e muito mais com a vocalista Cristina
Scabbia, que já adiantou os próximos
passos da banda italiana.
Olá, Cristina, é muito bom falar com
você novamente. E também é ótimo ver o
Lacuna Coil de volta aos palcos. Como tem
sido esse retorno dos shows para vocês?
Cristina Scabbia: É sempre bom
falar com você, Valtemir. Pois é, demo-
rou muito mais do que imaginávamos,
mas enfim estamos conseguindo tocar
diante dos fãs novamente, foi uma agonia
esperar por isso (risos). Falo isso porque,
desde que retornamos do Brasil em 2020,
ficamos trancados em casa esperando
pela chance de continuar a turnê, que
continuava sendo adiada mês a mês. Foi
uma loucura! Simplesmente não dava
para planejar nada e isso estava me dei-
xando maluca, então é ótimo estar final-
mente de volta aos trilhos, embora ainda
estejamos longe do nosso ritmo normal
de turnê. Acho que ainda vai levar um
tempo até voltarmos ao ritmo anterior,
mas as coisas estão melhorando.
Marco Coti Zelati, Diego Cavallotti,
Cristina Scabbia, Andrea Ferro
e Richard Meiz, revisitando um
clássico e mirando no futuro
Sim, e vocês finalmente conseguiram
fazer aquela turnê prometida pelos EUA...
Cristina: Não tinha mais como ficar
adiando, né? (risos). Bom, você sabe,
é sempre uma experiência muito boa
tocar nos EUA, nossa carreira mudou
muito desde que passamos por lá a
primeira vez. Sempre temos bons shows,
o público sempre se mostrou muito
animado e isso não mudou. Mas foram
shows diferentes dessa vez, claro. Para
começar, existia toda essa ansiedade
extra, pois estávamos há anos sem ver
nossos fãs diante do palco. Estávamos
ansiosos para fazer alguns shows de ver-
dade de novo, com público, quero dizer.
E, embora os shows pelos EUA já tenham
voltado há certo tempo, as pessoas tam-
bém pareciam bem ansiosas por nos ver,
então havia uma energia extra no ar.
Houve uma diferença real entre
americanos e italianos nos shows após
a pandemia?
Cristina: Nós sentimos muita dife-
rença. Definitivamente, o vírus tem sido
tratado de uma maneira muito diferente
nos EUA. Eu sei que mais de dois anos já
se passaram, mas aqui na Europa ainda
convivemos com muitas restrições. Assim
que pousamos nos Estados Unidos, não
vimos ninguém usando máscara, seu uso
simplesmente não era requerido em lugar
algum! Nós tivemos cerca de uma semana
de pré-produção na Georgia, que é onde
nosso engenheiro de som mora. Você sabe,
ficamos por lá checando todo o equipa-
mento que usaríamos e ensaiando, e logo
no primeiro dia que passamos lá, quando
fomos até o Waffle House para almoçar,
entramos todos usando máscaras no res-
taurante e simplesmente todas as pessoas
se voltaram para nós com aquele olhar de
‘mas que porra vocês estão fazendo?’ (risos
gerais) Muito rapidamente percebemos
que para eles foi como se nada tivesse
acontecido, eles haviam ‘superado’ isso. Até
nos shows foi assim, embora tivéssemos
estipulado com muita antecedência que
durante o meet-and-greet todos deveriam
estar usando máscaras para terem contato
conosco, pois tínhamos que tomar certas
atitudes para garantir o prosseguimen-
to da turnê – não poderíamos seguir
adiante se um de nós pegasse covid e
precisasse ficar em isolamento. Fica-
mos um pouco chocados com aquilo,
sendo sincera. Não havia qualquer tipo
de controle, qualquer tipo de restrição,
ninguém parecia ligar. Foi uma sensa-
ção estranha, os primeiros shows foram
esquisitos, principalmente o primeiro
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deles. As coisas foram melhorando
muito com o passar dos dias, fomos nos
ambientando mais, fomos ganhando
força a cada show. Depois de tanto
tempo, poder ver seus fãs vibrando
e agitando de verdade diante do
palco, é revigorante, é uma energia
verdadeiramente libertadora!
Essa pequena perna da turnê
durou quanto tempo?
Cristina: Passamos quarenta dias
lá. Tivemos uma semana de pré-pro-
dução e quatro dias de folga, Fora isso, foi
show após show, uma maratona mesmo.
Conseguiram voltar para casa sa-
dios, imagino.
Cristina: Sim, e essa foi uma grande
surpresa para nós (risos). Quer dizer,
passamos mais de um mês em contato
com plateias gigantes e pessoas que não
usavam máscaras, mas de alguma forma
nenhum de nós contraiu o vírus! Mas
não recomendo a experiência para nin-
guém. Tomem cuidado, usem máscaras
e se mantenham vacinados, pois, é claro,
nós estávamos todos com as vacinas em
dia e isso ajuda muito!
Antes do retorno dos shows, vocês
fizeram alguns movimentos interes-
santes. Eu adorei o fato de você ter
encontrado mais tempo para mostrar ao
mundo a enorme nerd que você é...
Cristina: Ah, obrigada. Essa parte
da minha vida, esse contato com a
cultura pop é fundamental para que eu
consiga manter a sanidade (risos), en-
tão é claro que isso tomou uma propor-
ção gigantesca durante os lockdowns
aqui em Milão. Acho que nunca joguei
tanto videogame na minha vida, e so-
mando as horas de filmes e séries que
assisti, acho que podemos dizer que foi
um tempo considerável (risos).
Apesar disso, você ainda não assis-
tiu O Mandaloriano.
Cristina: É, eu sei, me desculpe
(risos). Estou terrivelmente atrasada em
termos de Star Wars, apesar de ser fã des-
se universo. Mas o tempo não tem jogado
ao meu favor ultimamente (risos).
Eu diria para você esquecer por um
momento de todo o restante que não viu
COMALIES XX
Century Media - Imp.
de Star Wars, mas que assista O Manda-
loriano, é ouro puro.
Cristina: Certo, me convenceu. Mas
está na sua conta, vou assistir e prova-
velmente farei uma pauta sobre ele no
meu programa (N.R.: Cristina apresenta
um programa sobre cultura pop na
Itália). Sendo sincera, estava muito
curiosa para assistir essa série, mas aca-
bei ficando muito focada em algumas
outras. Fiquei apaixonada por Round
6, é impressionante. Tem muitas outras
que são incríveis, mas minha favorita
atualmente é The Boys. Eu já adorava os
quadrinhos, mas a forma como as coisas
transparecem na tela dá ainda mais im-
portância ao tema que está sendo abor-
dado. Quer dizer, os heróis deveriam ser
os mocinhos numa história como essa,
certo? É divertido, cativante, dá espaço
para um bocado de reflexão e eu adoro a
soma desses elementos.
Também vimos você jogando muito
no seu canal no Twitch. Quais jogos mais
têm prendido sua atenção ultimamente?
Cristina: Videogames são uma das
maiores paixões da minha vida, eu
simplesmente amo passar algumas horas
por dia diante de uma tela jogando, nunca
perco uma oportunidade. Eu cresci com
consoles diferentes, Playstation, Xbox,
Nintendo, o que você imaginar, além de
muitos jogos de computador e smartpho-
nes também, simplesmente não consigo
evitar. Então, quando veio o primeiro lock-
down eu simplesmente tinha todo o tem-
po do mundo para jogar, mas sentia falta
de interagir com as pessoas. A solução foi
criar o meu canal no Twitch, pois lá eu
conseguia fazer as duas coisas, jogar mui-
to e conversar com as pessoas que amam
as mesmas coisas que eu, e tem sido ótimo
desde então, tenho mantido o canal tão
ativo quanto consigo. Jogos favoritos, são
muitos. Todos da série Uncharted, os
dois The Last of Us. Deixa eu ver, tem
esse novo The Quarry, que tenho
jogado muito, e esse novo com o
gatinho, como chama mesmo?
Stray.
Cristina: Isso, esse mesmo.
E é um jogo incrível, pois a pessoa
começa pensando em algo meio bobo,
que vai ficar relaxando enquanto
controla um gatinho, mas então
você é arremessado em um mundo
pós-apocalíptico cheio de cenários ste-
ampunk (risos). E claro, sempre jogarei
os clássicos. Tenho jogado muito o
remake de Final Fantasy 7.
Também não consigo deixar os
clássicos de lado. Sou simplesmente
obcecado por The Elder Scrools 5:
Skyrim. Você sabe, ‘I used to be an
adventurer like you...’
Cristina: ‘Then I took an arrow in
the knee’ (N.R.: referência a uma frase
repetida milhares de vezes no jogo pelos
personagens não jogáveis). É, eu sei (risos
gerais). Meu namorado é viciado nesse
também, então jogamos muito. É um
jogo lindíssimo, com uma história muito
boa e uma trilha sonora incrível. Foi um
sucesso em todas as plataformas, é um
dos melhores jogos já feitos.
Com certeza. Bom, e para fechar
um ciclo e iniciar uma nova fase, vocês
estão lançando Comalies XX, com relei-
turas para todos os clássicos do álbum
original de 2002.
Cristina: É isso aí. E eu sei que algu-
mas pessoas vão ficar meio divididas em
relação a um disco como esse, afinal, são
releituras e para canções que estão entre
as favoritas dos fãs. Mas, é justamente
por isso que vale a pena revisitar todo
esse material. Não acho que faria sentido
ROADIECREW.COM • 41
revisitar músicas que ninguém quer ou-
vir nunca mais, então acho que tomamos
a decisão certa (risos gerais).
Sim, e basicamente o que fizeram foi
trazer aquelas canções para o universo
musical atual do Lacuna Coil.
Cristina: Sim, é exatamente isso que
penso. Algumas pessoas têm perguntado
se não foi arriscado fazer isso, mas eu não
acho que tenha sido. É como você disse,
apenas atualizamos as canções. Costu-
mo dar um exemplo bem tosco: imagine
que há vinte anos fizemos um bolo de
que você gostou muito. Com o passar do
tempo, refinamos essa receita, encontra-
mos novos ingredientes que amplificam
o sabor e fizemos um novo bolo, que
esperamos que você aprecie tanto quanto
antes. Mas, no fim das contas, se você não
gostar, ainda pode usar a antiga receita.
É por isso que o álbum original continua
ali, no disco que acompanha Comalies
XX. Essa foi nossa maneira de celebrar
o aniversário de um disco que marcou
nossa carreira, um disco que amamos e
mudou nossas vidas. Não quisemos ape-
nas sair em turnê ou relançar o disco com
algumas faixas bônus, que não passariam
de demos, versões descartadas daquelas
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“Não acho que faria sentido revisitar músicas
que ninguém quer ouvir nunca mais”
42 • ROADIECREW.COM
canções. Quisemos honrar aquelas can-
ções com versões totalmente novas, que
carregassem o DNA do Lacuna Coil atual.
E isso trouxe uma aura mais negra ao
álbum, até com elementos de doom.
Cristina: Sim, definitivamente esse
álbum carrega elementos de doom. E
esse foi o nosso verdadeiro desafio em
Comalies XX. Quando você pega canções
já conhecidas e vinte anos depois as
descontrói para criar algo novo, com um
ponto de vista totalmente diferente sobre
a vida, com toda uma nova experiência
na música, é algo difícil de equilibrar. Sob
certo aspecto, teria sido mais fácil se sim-
plesmente tivéssemos lançado um álbum
novo, pois não haveria tanta expectativa
sobre ‘como as coisas vão ser agora’,
sabe? Elas não saberiam o que iam ouvir.
Hoje somos uma banda mais pesada e
sombria, e isso precisava transparecer
nas novas versões de Comalies. Pegamos
aquelas canções e diminuímos o ritmo,
deixamos o instrumental mais pesado e
‘arrastado’. Criamos um clima mais denso
no geral e os vocais desempenharam um
papel muito importante nisso.
É verdade. Comalies é um dos meus
favoritos, mas adorei as novas vocaliza-
ções, especialmente de Andrea. Con-
fesso que eu tinha um problema com os
vocais dele em Swamped, ele soava tão
excitado (N.R.: imito os vocais dele na
canção). Agora não, ele soa totalmente
‘pistola’ na nova versão.
Cristina: Ai, meu Deus! (rindo mui-
to) Eu nunca tinha prestado atenção
nisso, mas agora que você comentou,
realmente, ele parece meio ‘excitadão’
naquela música (risos gerais). Nossa, te-
nho que ligar pra ele agora, nunca mais
vou esquecer disso (risos). Você acabou
de me dar a razão definitiva para refa-
zermos Comalies, tínhamos que mudar
aqueles vocais (risos). Ele fica muito
melhor urrando (risos).
Além disso, em breve teremos um
novo álbum, certo?
Cristina: Sim, já estamos trabalhan-
do nisso, temos algum material pronto
e logo vocês vão ter a chance de ouvir.
Talvez em 2023 já esteja tudo pronto e
lançado, essa é a ideia. Até lá, obrigada,
Valtemir, pela conversa, é sempre tão
bom! E não se esqueça, “Skyrim belongs
to the nords” (N.R.: outra frase repetida à
exaustão em Skyrim).
Cunene
Acesse nosso Canal no Telegram: t.me/BRASILREVISTAS
Ben Stockwell, Josh Riot, Rez, Mike Storm e Butch Cid,
escrevendo um novo capítulo na história do metal português
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Mike Gaspar, ex-Moonspell, amplia os horizontes do metal
português com o álbum de estreia de sua nova banda
Por Valtemir Amler
Quando o saudoso multi-instru-
mentista, compositor e vocalista sueco
Thomas Börje Forsberg (Quorthon)
visitou as terras lusitanas pela primeira
vez, promoveu uma verdadeira revolu-
ção no cenário metal português com seu
Bathory, fomentando o nascimento de
várias bandas lendárias, além da trans-
formação de várias outras. Sobre isso
ninguém tem dúvida, já que o assunto
foi várias vezes abordado em entrevistas
de diferentes músicos daquele cenário.
Porém, nesta história existe mais do que
apenas um único grande herói: desde os
anos 90, o baterista Mike Gaspar vem
sendo uma das grandes forças impul-
sionadoras do metal português. Foram
quase trinta anos como baterista do
Moonspell, um período em que discos
clássicos foram forjados, levando ao
mundo uma mistura poderosa de música
pesada com o sentimentalismo, a poesia
e a cultura tipicamente portuguesas,
44 • ROADIECREW.COM
Por mares
nunca dantes
navegados
numa proporção como nunca antes ha-
via sido feito. Porém, a jornada de Mike
com o Moonspell acabou e antes que
pudéssemos lamentar seu sumiço da
cena musical, eis que ele já nos apresen-
ta o primeiro álbum de sua nova banda.
Maledictus, álbum de estreia da Seventh
Storm, é muito mais do que uma mera
continuação da jornada do baterista, é
um caminho novo, diferente, mas que
mantém viva a alma poética lusitana.
Confira mais sobre esse impressionante
reinício nas palavras do próprio Gaspar.
Durante quase três décadas você
foi baterista do Moonspell, sendo
parte fundamental na confecção dos
maiores clássicos do metal português.
Sua saída ocorreu em 2020, no auge
da pandemia. Ela foi de certa forma
motivada pelo momento?
Mike Gaspar: Na verdade, não. A
verdade é que a notícia da minha saída
foi dada apenas na metade de 2020, acho
que em julho, mas a verdade é que eu e a
Diogo Branco
banda já trilhávamos caminhos separa-
dos desde janeiro de 2020, antes do início
da pandemia. Então, para o meu lado,
como posso dizer... Foi quase algo bíblico
(risos). Quer dizer, no momento em que
não sabia para onde seguir com minha
vida, veio a pandemia e travou tudo.
Então, mesmo que eu tivesse continuado
com a banda, não poderíamos tocar, pois
ficamos meses e meses fechados em casa.
Esse momento foi a chave para o que
viria em seguida. Como todos, eu tinha
muito mais tempo livre nas mãos, então
comecei a fazer o que podia no momento.
Tenho uma filha de 6 anos, então foquei
em fazer com que os dias dela fossem
mais agradáveis, para as crianças e os
idosos foi um período talvez ainda mais
terrível, enfim. A verdade é que tinha
muito mais tempo, então pensei muito
em toda a minha vida, em toda a minha
carreira, os lugares para onde viajei e to-
quei, as pessoas que conheci por conta da
música. Confesso que naquele primeiro
momento, quando já estava desligado
do Moonspell mas ainda não havíamos
comunicado, me senti um pouco sem
jeito, porque não podia dizer para os
fãs o que estava de fato acontecendo, as
pessoas me mandavam mensagens, fala-
vam sobre o quando nossa música havia
ajudado, essas coisas, e eu não podia
falar nada, isso foi frustrante. Quando
finalmente saiu o comunicado, me senti
muito aliviado, foi como se tivesse me li-
vrado de um grande peso, pois para mim
foi como se naquele período estivesse
vivendo uma grande mentira.
Como assim?
Mike: É difícil dizer, mas não poder
falar com clareza com as pessoas foi
doloroso para mim. Pois foi como você
disse, eu fiquei quase trinta anos com o
Moonspell. Entrei para a banda com 16
anos e minha vida foi basicamente cons-
truída em torno dela, muito do que fiz
na vida foi feito com ou por causa
daquela banda. Então, foi um mo-
mento estranho, as pessoas ainda
se dirigindo a mim como ‘baterista
do Moonspell’, muitas pessoas ainda
fazem isso, e depois se desculpam,
‘desculpe, ex-baterista do Moonspell,
atual Seventh Storm’. Sim, eu sou o
fundador do Seventh Storm, essa é
a minha banda hoje, mas ninguém
precisa se desculpar por me tratar
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como baterista do Moonspell, apesar
de eu não ser mais parte da banda. Eu
não estou lá hoje, mas quando você
olha os discos é o meu nome que
está lá, então sou eu. Quer dizer,
acho que estou passando por
algo como uma crise de identida-
de hoje (risos gerais).
Bem, com o tempo tudo vai fican-
do mais claro.
Mike: Sim, é o que penso. Vivi
muitas coisas, tive uma ótima experi-
ência em todos esses anos com minha
ex-banda, tenho tantas memórias boas
para recordar e acho que muitas pessoas
também têm essas memórias, os fãs eu
digo. Acho que as pessoas ainda precisam
se acostumar a me ver nesta nova banda,
e por isso tenho feito tudo com bastante
calma, tenho feito tudo no tempo certo
para analisar o melhor para nossa carrei-
ra. Digo isso porque muitas pessoas vêm
me perguntar quando vamos tocar, onde
vamos tocar, e a verdade é que vamos
fazer isso quando for o tempo certo, sem
apressar as coisas. Temos esse álbum
pronto e agora é o momento de agir na
promoção, preciso me doar ao máximo
para fazer com que o maior número de
pessoas possível conheça essas músicas e
essa banda. É importante viver este mo-
mento, viver este disco. Com a carreira
que tinha entes, era sempre aquele ritmo
da indústria, a cada dois anos um novo
álbum, festivais, turnês, álbum, ensaios,
turnê, álbum. Agora que olho para trás,
vejo que não tínhamos um momento
para celebrar o lançamento de um disco
desde a época de Wolfheart (N.R.: pri-
meiro álbum completo do Moonspell, de
1995), depois dele tudo foi muito rápido.
Gosto da maneira como vê as coisas.
Mike: Sim, obrigado. É importante dar
tempo para as coisas funcionarem direito,
muita gente se esforça demais para fazer
um trabalho, mas não dá tempo para que
as pessoas o assimilem e então ficam
frustradas porque não alcançaram o que
queriam (risos). Veja, de que me adianta
apressar as coisas para subir num palco e
tocar um bocado de músicas que ninguém
ainda conhece direito? Não há necessida-
de, isso seria frustrante. Quando já tiver-
mos uma identidade reconhecida, quando
MALEDICTUS
Atomic Fire/Shinigami - Nac.
as pessoas já tiverem uma conexão com
a nossa música, aí sim vai valer a pena
tocá-la ao vivo. Vamos ver, até agora as
coisas têm rumado por caminhos certos,
veremos o que vem em seguida.
É legal perceber que já nesse primei-
ro álbum vocês estão ao lado da Atomic
Fire, uma das gigantes do cenário metal.
Mike: Sim, isso é quase inacreditável.
Eu costumo dizer que esse foi o nosso ‘Mi-
lagre de Fátima’ (risos), pois é algo muito
maior do que poderíamos esperar. Digo
isso não por uma conexão religiosa muito
forte da minha parte, mas por conta da
ligação dessa história com a cultura por-
tuguesa como um todo, é uma parte muito
grande da nossa cultura essa fé, essa
esperança de que as coisas aconteçam
da melhor maneira. Eu sinto um pouco
dessa força que nos impulsiona em frente
no metal, pois quando assistimos um
show de uma banda como Iron Maiden,
estamos todos na mesma vibração, com
a mesma paixão, não importa de onde
somos ou quem somos. Veja um festival
como o Wacken, por exemplo. Ele recebe
pessoas do mundo inteiro e às vezes nem
falamos a mesma língua, mas basta come-
çar a citar bandas e discos e pronto, todos
se entendem. É como se tivéssemos a
nossa própria língua, dos fãs de metal. Eu
queria unir essas duas coisas nessa banda,
essa cultura universal do metal com a
nossa cultura de Portugal. Isso é funda-
mental para mim, eu quero uma imagem
que assim que as pessoas nos virem já
identifiquem que somos de Portugal, eu
quero que as pessoas conheçam este país.
Tenho feito isso ao longo de toda minha
carreira e quero continuar levando a ban-
deira do metal português a todo o mundo,
dar às pessoas a chance de conhecer as
nossas raízes, as nossas influências, a
nossa cultura. Trabalhar com a Atomic
Fire nos dá uma oportunidade enorme
de fazer isso.
Você alcançou essa plura-
lidade cultural em um álbum
ricamente diverso e dinâmico.
De cara, gostaria de destacar
Infernal Rising.
Mike: Essa música é muito inte-
ressante e também uma das canções
mais complexas que fizemos. Logo
na entrada já temos um ritmo em sete
por quatro, a música mostrava essa
necessidade de ter algo um pouco mais
complexo, que nos conectasse mais a
esse universo, e foi isso que acabou por
transparecer na música, que soa um
tanto perdida no prog, mas com algo
meio saudoso e ‘dark’. Foi uma música
terrível de se fazer, quando começamos
ela tinha uns dezoito minutos (risos).
Toda vez que tentávamos cortar uma
parte, acabávamos criando outra, e ela
ficava mais longa (risos). Por fim, resolve-
mos esquecer isso e simplesmente deixar
a criatividade rolar, sem nos preocupar-
mos se a música teria oito minutos, quatro
minutos ou quinze minutos. Assim, final-
mente conseguimos deixa-la com quase
oito minutos (risos gerais).
No fim das contas, quem ama música
vai ouvir a canção, não importa o tempo.
Mike: É verdade, e isso é uma das
coisas mais importantes que eu aprendi
com Quorthon. Numa entrevista, ele
dizia que costumava se preocupar com
a duração das músicas, até o dia em que
percebeu que a canção deveria durar
exatamente o tempo que ela precisava
durar, nem mais nem menos. Ler aquilo
foi uma explosão de ideias na minha
cabeça, todo um novo universo se abriu.
Definir a duração de uma música antes
de trabalhar nela talvez seja até arro-
gância demais da parte do artista.
ROADIECREW.COM • 45
 QUEENSRŸCHE
DIGITAL NOISE ALLIANCE
CENTURY MEDIA - IMP.
É interessante no Queensrÿche é notar
como as mudanças de formação não mais
afetam a sonoridade. Parker Lundgren
saiu, Mike Stone voltou; Casey Grillo faz
a sua estreia na bateria; e Digital Noise
Alliance, 16º álbum de estúdio, quarto da
era Todd La Torre, segue a escalada com
a qual o precursor do prog metal havia se
acostumado: sem se repetir, surpreender
positivamente a cada disco lançado – e é
necessário ressaltar tanto o protagonis-
mo de Michael Wilton nas composições
quanto o alto nível de Eddie Jackson nes-
Acesse nosso
parceria eterna.
DESTRUCTION
DIABOLICAL
HELLION - NAC.
9,0
Ainda que se tenha Schmier no baixo
e vocal, algo que conecta diretamente ao
thrash metal, um título forte e uma capa
impactante, somos fãs ‘old school’. Assim,
a perspectiva de um disco de estúdio do
Destruction não conter, pela primeira vez
em cerca de quatro décadas, a guitarra
de Mike Sifringer parecia preocupante. A
verdade é que bastou a introdução Under
The Spell para dissipar minhas dúvidas, e
quando Schmier começou a se esgoelar na
faixa-título, já estava pronto para declarar
que este é o melhor álbum da instituição
thrash alemã em mais de três décadas.
E Diabolical tem muito para causar
essa impressão positiva, pois a dupla de
guitarristas Martín Furia e Damir Eskić
soa tão coesa e integrada que parece uma
46 • ROADIECREW.COM
9,5
te processo. Assim como nos três discos
anteriores, o primeiro single não faz jus
ao todo, mas In Extremis apresenta uma
diferença: a dinâmica imposta por Grillo,
que ainda assim mantém elementos
singulares de Scott Rockenfield, como o
uso proeminente dos pratos ‘china type’
e os licks com hi-hat e condução. Vide
as excelentes Lost in Sorrow, com um
trabalho de guitarras cheio de detalhes, e
Behind the Walls, que resgata um pouco
da sonoridade de Rage for Order (1986).
Assim como Nocturnal Light tem muito
do experimentalismo da banda nos anos
1980, especialmente da passagem de
The Warning (1984) para o segundo
álbum. Em um trabalho cujo instrumen-
tal complexo e executado com primazia
consegue ser palatável (Sicdeth,
Chapter, Out of the Black e Realms) e
bonito e sensível (Forest), há, também,
duas das melhores músicas da história
do Queensrÿche: Hold on e Tormentum,
esta com mais de sete minutos de
incrível musicalidade.
Daniel Dutra
Canal
no Telegram:
Mas, lembre-se: este é t.me/BRASILREVISTAS
apenas o segundo álbum do Destruction
com Damir, e o primeiro com Furia, então
vale e muito enaltecer o trabalho dos
‘novatos’. Mergulhe fundo e deixe os riffs
de State of Apathy, Servant of The Beast,
No Faith in Humanity, Hope Dies Last e
Tormented Soul o convencerem do óbvio:
o Destruction ainda é incrível!
Valtemir Amler
H.E.A.T
FORCE MAJEURE
EARMUSIC/SHINIGAMI/SOUND
CITY - NAC.
8,5
No fim das contas, foi bom para todo
mundo. Apesar de a saída de Erik Grönwall,
em 2020, ter sido uma surpresa, hoje ele
está curado de um câncer, felizmente, e
dando vida nova ao Skid Row. E o vocalista
que entrou no seu lugar foi Kenny Leckre-
mo, exatamente o cara que, em 2010,
havia cedido o microfone ao vencedor
da versão sueca do reality ‘Idol’. Com o
retorno de seu vocalista original, o H.E.A.T
viajou de volta ao tempo sem precisar sair
do lugar, uma vez que Force Majeure soa
naturalmente como uma continuação de
Freedom Rock (2010), com a diferença
é que a sequência do trabalho se dará
com Leckremo ao lado de Dave Dalone
(guitarra), Jona Tee (teclados), Jimmy Jay
(baixo) e Don Crash (bateria) nos palcos.
E não faltam ótimas novas músicas para
apresentar ao vivo, como Hollywood, One
of Us e Paramount, que nasceram para ser
hinos deste H.E.A.T 3.0 - os refrãos ficam
se repetindo em looping na sua cabeça
depois uma única audição! E o sétimo
disco da banda, que não é de hoje ocupa
lugar de destaque no hard rock melódico
europeu, ainda tem seus momentos arrasa-
-quarteirão, Nationwide e Demon Eyes, e
de groove, Hold Your Fire, ao lado daquela
vibe anos 1980 que só os mais ranzinzas
não curtem, porque Back to the Rhythm,
Tainted Love, Harder to Breathe, Not for
Sale (ô refrão pegajoso!) e Wings of an
Aeroplane (ô refrão grudento!) são irresis-
tíveis. E tudo embalado num instrumental
e em performances irretocáveis.
Daniel Dutra
MOONSPELL
FROM DOWN BELOW
LIVE 80 METERS DEEP
NAPALM - IMP.
9,0
Os dois álbuns mais recentes de estúdio,
1755 (2017) e Hermitage (2021), serviram
para confirmar aquilo que todos os fãs de
longa data já estão cansados de saber:
o Moonspell parece viver em constante
compromisso de superar expectativas e
elevar a qualidade das suas composições.
Depois de lançar dois novos EPs no ano
passado (Before The Lights Go Out e Full
Moon Madness), eles já estão de volta,
mas desta vez com material ao vivo. From
Down Below – Live 80 Meters Deep é bem
diferente do antecessor, Lisboa Under The
Spell (2018), no qual os portugueses davam
uma geral na carreira. Mas este novo álbum
se concentra totalmente no repertório de
Hermitage, o que em si já denuncia a qua-
lidade do material. A ser dito, apenas que a
emoção extra garantida pela performance
ao vivo destacou ainda mais o panteão
de emoções tão bem trabalhado nessas
canções, transformando a audição de peças
como All Or Nothing (com suas linhas de
guitarra coladas no ambient jazz e clima
post-punk) em uma experiência única. Além
de destacar faixas óbvias, como Solitarian e
Apophthegmata, você ainda encontra aqui
The Great Leap Forward, antes presente
apenas na versão deluxe de Hermitage, ou
no EP Before The Light Go Out.
Valtemir Amler
PARKWAY DRIVE
DARKER STILL
EPITAPH - IMP.
8,5
Formado em 2003 na Austrália, o Parkway
Drive integrou aquela geração que tentou
revitalizar o metal no início do novo milênio, e
foi uma das tantas bandas classificadas como
metalcore. Olhando para os dois primeiros
registros, Killing With A Smile (2005) e
Horizons (2007), a música era basicamente
hardcore com metal, com guitarras melódicas
demais para ser considerada uma banda
crossover. Ou seja, o rótulo cabia na medida
pelo som praticado. Porém, já com o excelente
Deep Blue (2010) e o muito bom Atlas (2012),
mostraram uma enorme evolução, e o que
hoje ouvimos em Darker Still é uma banda
que tem cada vez menos elementos ‘core’
no seu som, apostando mais e mais fichas
no metal. Moderno, porém, metal. Claro que
algumas coisas sempre poderiam ser mais
bem trabalhadas em nome de uma qualidade
mais homogênea. A faixa-título, por exemplo,
começa com linhas que vão fazer recordar fil-
mes de faroeste dos anos 60 e 70, mas o fato
de nunca embalar e realmente decolar, apenas
o faz pensar o que diabos ela faz entre dois
petardos como The Greatest Fear (aprecie
os riffs repletos de groove sem moderação) e
Imperial Heretic, com talvez as melhores me-
lodias de todo o repertório. Os vocais que
abrem o álbum em Ground Zero, embora
apenas nas primeiras linhas, também não
convencem. Ademais, o material parece
ter sido composto com a interação com os
fãs em mente. Assim, confira momentos
incríveis e sugestivos em Glitch, Land of
the Lost, Like Napalm, Soul Bleach e até
mesmo no clima levemente industrial de If
A God Can Bleed. Gosta de melodia, peso e
groove? Confira esse disco!
Valtemir Amler
NADHA
NĀDHA
INDEPENDENTE - NAC. Acesse
nosso
9,0
Para quem não está tão atualizado no ce-
nário, o Nādha é a nova banda do vocalista
e guitarrista Felipe Eregion (ex-Unearthly)
que, após alguns problemas sérios de saúde,
está de volta nessa nova empreitada. Nela, é
acompanhado dos igualmente experientes
e talentosos Juan Carlos Britto (guitarra),
Bruno Rodrigues (baixo) e Jean Falcão
Secca (bateria), que já contribuíram com
Innocence Lost, Dark Tower e Hatefulmur-
der. Passadas as apresentações, vamos
falar do som, que foge um pouco do DNA
dos envolvidos, visto que temos referências
como Gojira e Alice In Chains, além, é claro,
de death/thrash, como não deveria deixar
de ser. Essa “nova cara” aparece logo em
Skeches of Fragments, dona de um clima
bem setentista, e O Canto Vil, em português,
dona de uma pegada densa e viajante, que
ganhou mais brilho com a participação do
experiente Gus Monsanto (Angel Heart,
Adagio e Revolution Renaissance). Claro
que temos momentos mais agressivos,
como Ephemeral Being, dona de passagens
thrash, mas a grande sacada do disco é
apostar em momentos mais cadenciados
e até instrospectivos, como Summons to
Contest, dona de um ritmo sensacional e que
também se destaca pelo jogo de vozes. Já
Umbra-Penumbra possui andamentos acús-
ticos, pesados, quebrados e que também
conta com a participação de Monsanto. O
repertório ainda apresenta uma boa versão
para Andar na Pedra (Raimundos), que ficou é Sloth, mas não pelas belas passagens no
muito próxima da original, apenas mais saxofone: são as notas soltas recheadas de
densa. O Nādha surpreende por mostrar ‘delay’ nas guitarras que trazem aquela vibe
que músicos experientes não tiveram medo Pink Floyd e roubam a cena.
de deixar a zona de conforto e acabaram Valtemir Amler
apresentando um material fabuloso e que
tem tudo para se destacar em 2022.
João Messias Jr.
MUNICIPAL WASTE
ELECTRIFIED BRAIN
NUCLEAR BLAST/SHINIGAMI - NAC.
9,0
SIMETRIA ZERO Sim, o tempo passa! E para algumas
bandas, ele caminha junto à vontade
PECADOS
(por vezes camuflada de necessidade)
MS METAL – NAC
LONG DISTANCE CALLING de incrementar novos elementos à sua
proposta ou transitar por outro gênero
ERASER 8,0 musical. Outras, no entanto, se mantêm
EAR MUSIC/SHINIGAMI/
A fórmula básica do metalcore é bem calcadas em sua proposta inicial, alteran-
SOUND CITY - NAC.
conhecida de todos: um punhado do peso do pouco (ou sequer alterando) seu som
típico do metal, com um bocado daqueles ao longo dos anos. O Municipal Waste é
9,0 vocais e melodias mais assimiláveis do me- um digno representante dessa segunda
Se você é fã de post-rock e shoegaze, lodic hardcore. Embora varie de banda para “categoria”. Quase duas décadas depois
certamente já sabe que sonoridade esperar banda, essa é a fórmula básica, e o Simetria de seu debute, Waste ‘Em All (2003), o
das suas bandas favoritas: longos ambientes Zero não foge à regra. Mas convenhamos, grupo de Richmond (EUA), chega a seu
instrumentais repletos de diferentes elemen- eles agregam um bocado de personalidade sétimo full com a mesma aura, ou seja,
tos atmosféricos,
Canal músicanosimplesTelegram:
e muito em suast.me/BRASILREVISTAS
canções. Advinda principalmente destilando um crossover nervoso de
bem trabalhada, e um clima etéreo que das letras, sempre focadas mais em expe- thrash e hardcore. É exatamente isso
propicia o pensamento. Pois bem, a alemã riências pessoais do que no senso comum, que você vai encontrar nas 14 faixas
Long Distance Calling tem tudo isso, e ainda as canções ganham diferentes emoções no de Electrified Brain. A faixa-título
um algo mais: ótimos riffs! Se essa última transcorrer do álbum, e mesmo dentro de abre o play com “sangue nos olhos”.
característica os torna mais acessíveis cada canção existem variações, como você Mas juntamente com a crueza que
aos fãs de metal (especialmente àqueles ouve em Sem Ar, onde os vocais guturais acompanha o grupo desde sempre, é
que seguem bandas mais melancólicas e/ entram na contramão de um instrumental necessário lembrar que o Municipal
ou progressivas), não deixe de esperar as melancólico e contido, mesmos nas partes tem vinte anos de existência e adquiriu
tradicionais ambientações atmosféricas, levemente mais aceleradas. Interessante uma maturidade para dosar bem seus
como você ouvirá na ótima Kamilah, um dos perceber o bom uso do saxofone nessa elementos em prol da música, vide as
singles desse novo registro. Da parte dos mesma canção, confira sem medo. Destaque inserções de melodias à la Maiden em
‘ótimos riffs’, Blades é referência imediata ainda para as boas linhas de guitarra em meio ao arsenal thrash de Demoralizer
com suas guitarras pesadas e progressivas, Natureza do Nada e o encerramento com e High Speed Steel, a cadência do novo
mas a longa 500 Years também apresenta Swansong (que ganha principalmente com o hino Grave Dive (bater cabeça é quase
ótimas passagens das seis cordas, aqui com ótimo uso dos vocais limpos), que nos fazem uma ordem) e a energizada Ten Cent
as distorções dividindo os holofotes com pensar em algo bem diferente de um ‘canto Beer Night. Mais um trabalho digno de
o inteligente uso do slide de vidro, que ga- do cisne’ para o metalcore nacional. Tony Foresta (vocais) e companhia.
rante uma sonoridade única. Única também Valtemir Amler Thiago Prata
PARA MAIS
CINCO MELHORES ÁLBUNS SEGUNDO: RESENHAS,
ACESSE O PORTAL
Fotos: Divulgação
DA ROADIE CREW
MICHAEL ROMEO MARK OSEGUEDA
(SYMPHONY X) (DEATH ANGEL)
Ozzy Osbourne - Blizzard of Ozz Black Sabbath - Sabotage
Ozzy Osbourne - Diary of a Madman Rainbow - Long Live Rock ‘n’ Roll
Black Sabbath - Heaven and Hell Queen - Sheer Heart Attack
Rush - Moving Pictures Led Zeppelin - Led Zeppelin II
John Williams - Star Wars: A New Hope Slayer - Hell Awaits
ROADIECREW.COM • 47
 AVANTASIA
A PARANORMAL EVENING WITH THE MOONFLOWER SOCIETY
NUCLEAR BLAST/SHINIGAMI - NAC.
Em time que está ganhando se mexe
quando é para trazer novas estrelas. É
o caso do Avantasia. Na verdade, o que
Tobias Sammet criou em 1999 foi uma
equipe de power metal melódico que
rapidamente se transformou numa seleção
de grandes nomes do hard rock e do heavy
metal mundial, e aí que reside a graça do
projeto que virou a prioridade do vocalista
e compositor. Ao reforçar o elenco em A
Paranormal Evening with the Moonflower
Society, o nono disco de estúdio, com Ralf
Acesse
THE 69 EYES
DRIVE
ATOMIC FIRE - IMP.
8,0
Após o ótimo West End (2019), os
vampiros de Helsinque apresentam o EP
Drive, que traz quatro faixas, sendo três
inéditas e uma versão ao vivo de Two
Horns Up. Das inéditas, destaque imediato
para a faixa-título, que tem aquela mescla
de goth’n’roll, pós-punk e hard rock, com
todas as características da banda finlan-
desa intactas. Sim, são aqueles riffs e licks
simples e marcantes de Bazie e Timo-Timo
e as interpretações na voz grave de Jyrki
69, com aquele toque Billy Idol, Iggy Pop e
Andrew Eldritch. Já a faixa Call Me Snake
apresenta um riff totalmente xerocado de
Vision Thing, clássico do The Sisters of
Mercy. Sim, a não ser que a banda declare
que foi proposital, neste caso não se trata
de uma referência ou inspiração, é cópia
na cara dura. Uma pena, porque apesar de
48 • ROADIECREW.COM
8,5
Scheepers e Floor Jansen, ele assegurou
mais uma vitória para o Avantasia. O con-
traste das vozes de Sammet e Scheepers
(Gamma Ray), que canta de maneira mais
agressiva, é o destaque The Wicked Rule
the Night, mas é a vocalista do Nightwish
quem faz o gol de ouro. Ela brilha intensa-
mente na empolgante Kill the Pain Away,
que tem enorme potencial radiofônico, e
dá aula no dueto com Sammet na belíssima
Misplaced Among the Angels – registre-se:
a interpretação mais sentimental do
capitão do time também é destaque. E
tem mais: Welcome to the Shadows, com
elementos musicais mais sombrios, como
se fossem de um filme de terror, e The
Moonflower Society, também com veia
cinematográfica, são ótimas; muito bonita,
Paper Plane emociona com Ronnie Atkins
(Pretty Maids); Rhyme and Reason acaba
acertando ao inserir a voz de Eric Martin
(Mr. Big) no metal melódico; e Scars parece
ter sido feita sob medida para Geoff Tate
(ex-Queensrÿche), que está muito bem.
Daniel Dutra
ganchos pegajosos fica a sensação de “por
nosso
que fizeramCanal no Telegram:
isso?”. O repertório
mais uma homenagem da banda para os
ainda traz
EUA com California, já que o maior sonho
deles era ter vivido na Sunset Strip de Los
Angeles na década de 80. A música em si
é simples, mas agradável. O EP é um belo
aperitivo pelo que está por vir.
Ricardo Batalha ton “Áscaris” Souza e do multi-instrumen-
DANIEL FONSECA
ALIENIZE
INDEPENDENTE - NAC.
8,5
Guitarristas talentosos e virtuosos não de-
veriam mais nos surpreender, mas sempre tem lembrar o Opeth dos anos 90, mas foi Blast
alguém que surge como aquela excreção que
justifica a regra. Daniel Fonseca é um deles. O para ouvir novamente, tão bem integradas
rapaz tem apenas 16 anos, pouco mais de três
anos de estudos de guitarra e mostra enorme
maturidade quando coloca uma guitarra no
ombro. Ele prova isso neste seu EP de estreia. capazes de dar forma a elas.
Com participação de Kiko Loureiro em um
solo, produção de Felipe Andreoli e contando
com Felipe e Leandro Caçoilo (vocais) em
todas as faixas (a bateria ficou a cargo de
Alexandre Aposan), o disco mostra forte
influência do rock e do metal dos anos 80 e 70
– não à toa, Daniel cita entre suas influências
Zakk Wylde, Yngwie Malmsteen, Marty
Friedman e Allan Holdsworth. Contribui muito
para o resultado final a produção de Andreoli,
que deixou tudo no seu exato lugar. Além
disso, merecem destaque os timbres certeiros
de que Daniel se vale ao longo do álbum. A
faixa-título e Fade Away são os temas que
mais chamam a atenção em um trabalho em
TUTO HALLGRIM
NOTHING IS LARGER THAN MY BELIEFS
que o destaque é o surgimento de um artista
INDEPENDENTE - NAC.
que, se continuar sua evolução e mantiver os
pés no chão, vai se certamente tornar um dos
destaques da guitarra em escala mundial. 9,0
Antonio Carlos Monteiro Apesar de ser apenas o segundo
disco do guitarrista, o músico soube “virar a
chave” como muitos colegas veteranos do
instrumento: fazer algo diferente sem abrir
mão dos ingredientes do passado. Traduzindo
em miúdos, Tuto Hallgrim fez algo mais
pesado sem esquecer as melodias presentes
na estreia, com Do it Yourself. Essa receita
vitoriosa faz de Nothing is Larger than My
Beliefs algo agradável aos ouvidos. A impres-
são é transmitida logo de cara em Keeping
Track e Without Fear, em especial a segunda,
que possui passagens bem trabalhadas,
trazendo à mente formações como Heathen,
Forbidden e Testament. O pique continua alto
t.me/BRASILREVISTAS
ACACIA CROWN em Rebuild, dona de um ótimo videoclipe. Já
THE LAST ACACIA Soul Power e Listen to Yourself flertam com
HEAVY METAL ROCK - NAC. o hard rock, nos conectando com os tempos
do debut, mostrando que junto à técnica e
9,0 habilidade, o repertório apresenta variedade e
muito feeling. Outros momentos de destaque
Fruto do trabalho do vocalista Hever-
são Face Your Ghosts (que lembra o grupo
cristão Deliverance) e Beliefs, cujas linhas
tista Fabricio Sawaya, o Acacia Crown
de guitarra se aproximam do baião e coroam
mostra duas coisas tão logo a faixa-título
este belíssimo trabalho, que tem tudo para
começa a rodar: primeiro, vai ser muito
alavancar a carreira do músico mundo afora.
difícil rotular a música produzida pela
dupla e, segundo, o talento é fundamental
João Messias Jr.
ao lado da criatividade. Boas ideias não
bastam, é preciso saber como trabalhá-las
para chegar ao resultado almejado. Assim,
The Last Acacia, a canção, entrega uma
interessante mistura daquela musicalidade
típica do Oriente Médio com algo de metal
extremo, especialmente explorado pela
voz de Áscaris. Já Behind The Silence
promove uma catarse de gêneros, indo do
black metal ao melodic death metal sem
deixar de lado uma forte referência gótica.
Perceba isso no equilíbrio entre vocais
limpos, rasgados e guturais, e na maneira
como esse equilíbrio reflete nas partes
instrumentais. The Wait tem algo que fez
LAMB OF GOD
OMENS
NUCLEAR BLAST/SHINIGAMI - NAC.
Vaccum que me fez voltar diversas vezes
são as partes melancólicas e ambientes 9,0
com as ríspidas e extremas. Nada como um Daquela banda que começou nos anos
álbum cheio de boas ideias e com músicos 90, fazendo shows em galpões agrícolas da
Virgínia diante de rednecks chapados em
Valtemir Amler moonshine para esta que há cerca de duas
décadas se apresenta em arenas lotadas
de metalheads ao redor de todo o mundo,
muita coisa mudou. Mas, para a felicidade
dos fãs de groove/thrash, também muita
coisa permaneceu intacta, e é sobre as
ótimas ‘continuidades’ que se trata Omens,
nono álbum da instituição norte-americana.
Apresentando apenas pela segunda vez a
bateria do californiano Arturo “Art” Cruz
(ex-Prong, que em 2019 substituiu Chris
Adler, atual Firstborne), o Lamb Of God tem
no quarteto fundador Randy Blythe (vocal),
John Campbell (baixo), Willie Adler (guitarra)
e Mark Morton (guitarra) suas principais
forças, algo até esperado em uma banda onde
o groove cumpre papel fundamental. Porém,
dizer isso não significa que o velho fã sentirá
saudades de Adler, pois Art não dá espaço
para dúvidas – confira as performances
absurdas em Vanishing e To The Grave, dois
dos destaques imediatos. Blythe, por sua vez,
continua sendo um dos melhores vocalistas
de sua geração. É da sua energia que vem a
força pulsante de canções como Grayscale,
Nevermore (onde varia a abordagem, dando
diferentes ambientes à canção) e Omens,
que merece as honras de ser a faixa-título.
Quanto ao trabalho de guitarras em uma
banda groove/thrash? Nada a dizer, apenas
ouça Gomorrah, Ditch e a longa e variada
September Song, tomando fôlego para repetir
outras mil vezes a ótima Grayscale.
Acesse
Valtemir Amler
nosso Canal
LABORATORI
DÍVIDAS, TRETAS, MUITA
PERSEVERANÇA E POUCO DOM
INDEPENDENTE - NAC.
9,0
É legal quando acompanhamos a carreira
de um grupo e se nota a evolução com o pas-
sar dos anos. Mais legal ainda é quando os
caras evoluem monstruosamente sem abrir
mão da proposta musical. É o caso do quar-
teto paulistano Laboratori, que apresenta
seu novo álbum. Apostando numa fusão de
metal, hardcore, rap, new metal, crossover
e o que vier na cabeça, Chilli (vocal), Wecko
(guitarra, ex-Threat), Mounir (baixo e vocal)
e Jean Forrer (bateria) estão mais afiados e
pesados. A fusão de estilos flui com muita
naturalidade, como em Sangue de Luta e
Fé no Corre em Tempos Ruins, que mescla
hardcore com Anthrax (fase John Bush). Já
Sei Quem Sou tem riffs pesadíssimos/vozes
groovadas, que ficaram sensacionais – e
que refrão, meu amigo! Já a faixa Bastardos
do Brasil mostra mais uma vez o lado mais
extremo do quarteto, enquanto Mil Fitas soa
como um mix de rap/soul e conta com a parti-
cipação de Nego Max e Karina Menascé (Allen
Key e Mercy Shot). Só que o melhor fica para
o fim do repertório, pois Só Mais Um Gole,
com seu ritmo apoteótico e belas levadas de
bateria, e a brutal Fechei Com Meus Irmãos,
dão números finais a este ótimo trabalho.
Vale destacar não apenas som, mas também
o conteúdo lírico interessante, falando de
superação, dos verdadeiros amigos e de
não abaixar a cabeça com as armadilhas da
vida. Que evolução!
João Messias Jr.
CARAVELLUS
no Telegram: t.me/BRASILREVISTAS
INTER MUNDOS
METAL RELICS - NAC.
10
Terceiro álbum do Caravellus, o ambi-
cioso Inter Mundos tem capacidade para
ser a obra-prima do grupo pernambucano
liderado pelo guitarrista e produtor Glau-
ber Oliveira. O vocalista Leandro Caçoilo
(Viper), Daniel Feliz (teclado) e Emerson
Dácio (baixo) completam o time. O batera
Rafael Ferreira, parceiro de Glauber no
Dark Avenger, entrou quando o convidado
John Macaluso (Ark, Yngwie Malmsteen,
TNT e outros) havia registrado maior parte
das músicas. Impossível não citar as parti-
cipações de Elba Ramalho, Daísa Munhoz
(Twilight Aura, Vandroya), Derek Sherinian
(Sons of Apollo), Felipe Andreoli (Angra),
Hugo Mariutti (Shaman) e Daniela Serafim
(Invisible Control). Inspirada na obra genial
de Ariano Suassuna, a trama conceitual
mescla ritmos nordestinos como maracatu
e frevo com música pesada. Na teoria o
som é prog, mas na prática é algo maior:
metal tradicional e vertentes agressivas,
jazz e rock progressivo com instrumentos
como rabeca e pífanos de Caruaru. Além
do encarte com as letras há outro com
detalhes da história contada/cantada
sobre corrupção, luta de classes, vida e
morte. Memento Mori, Incantation, While
I´m Still Here (ah, Daísa!) e Insurrection
já estão entre as melhores do ano no Brasil.
Alessandro Bonassoli
BEHEMOTH
OPVS CONTRA NATVRAM
A capa do novo álbum do Behemoth
me chamou atenção por sua simplicidade e
elegância. Ela é de autoria do artista polonês
Bartek Rogalewicz (Black.Lodge). Confesso
que ainda não o conhecia e, mesmo nas pes-
quisas que fiz na internet, infelizmente não
achei muitas informações sobre a história
dele ou um portfólio mais detalhado. Porém,
o importante é que com esse trabalho primo-
roso sua arte vai alcançar novos horizontes e
um maior reconhecimento.
Este não foi o primeiro executado por
Rogalewicz para a banda. Inclusive, ele tra-
balhou no projeto do vocalista e guitarrista
Nergal, Me and That Man, como também
alguns projetos gráficos aparentemente
menores para o Darkthrone, entre outros.
O Behemoth tem ido nessa direção
artística mais refinada e, ao meu ver, acertou
em cheio nessa capa. Ao mesmo tempo que
ela tem essa estética de sofisticação dentro
da simplicidade, traz automaticamente um
contexto icônico interessante. Existem
duas versões para a capa, a preta e a branca.
Acredito que a oficial seja a branca, pois foi a
mais difundida na promoção do álbum pela
mídia, mas ambas são fantásticas e têm suas
peculiaridades estéticas.
A arte em si não traz nada de muito
novo, mas é legal quando é possível alcan-
(*) ARTISTA GRÁFICO BRASILEIRO QUE JÁ FEZ TRABALHOS PARA BANDAS COMO SLAYER,
KREATOR, MACHINE HEAD, HATEBREED, SOULFLY E DARK FUNERAL, ENTRE OUTRAS.
çar um resultado bonito e significativo com
um conceito já batido ou “clássico”, como
também acho que pode ser chamado. É
uma grande cruz invertida formada por
quatro crucifixos, com uma serpente negra
entrelaçada neles, à espreita. Os supostos
cristos que estão nos crucifixos sofrem al-
gumas intervenções estéticas, com partes
do corpo quebradas, abdômen aberto e
rosto mais cadavérico, com tinta dourada
simulando sangue sobre eles.
Por não ter encontrado tantas informa-
ções sobre o artista, não sei exatamente
como ele chegou nesse resultado, se foi a
foto de uma escultura feita 100% a mão ou
se é uma mistura de técnicas, como fotogra-
fia, pintura e manipulação digital. Indepen-
dentemente disso, ela tem uma abordagem
muito realista, com uma boa profundidade,
como se fosse de fato uma fotografia, e esse
seria o meu principal palpite.
O fundo branco totalmente plano, sem
texturas, em contraste com o preto e o dourado,
funciona bem como paleta de cores e o layout
escolhido, o posicionamento do logo, o título
do álbum e o novo símbolo adotado pela banda,
tudo de extremo bom gosto. Isso sem contar
o acabamento nos produtos físicos com alto
relevo e a tinta especial dourada em partes das
gravuras. Sutil, equilibrado e classudo.
ROADIECREW.COM • 49
 BEHEMOTH
OPVS CONTRA NATVRAM
NUCLEAR BLAST/SHINIGAMI - NAC.
Foram quatro anos de espera, mas a
fome por material inédito do Behemoth está
saciada: Opvs Contra Natvram é muito bem
servido. “Ó libertino! Tua vontade seja feita.
(...) Adoramos o Diabo, saudamos a Besta!”,
narra Nergal na climática e tribal Post-God
Nirvana, com trejeitos vocais à la Fernando
Ribeiro (Moonspell) que se repetem ao
longo do trabalho. A temática lírica e visual
surpreende apenas quem desconhecem até
a cruzada do vocalista e guitarrista, através
da campanha “Ordo Blasfemia”, contra os
Acesse
DYNAZTY
FINAL ADVENT
SHINIGAMI - NAC.
9,0
Os suecos do Dynazty mudaram de estilo
em 2014. Migraram do hard rock dos três
primeiros álbuns para uma pegada mais
power metal melódico. O rótulo é estranhís-
simo, mas creio ser a maneira mais fácil para
explicar como o som deles passou a ser a
partir de Renatus. A troca ficou consolidada
no ótimo Titanic Mass (2016) e, de lá para
cá, impressiona como Nils Molin (vocal),
Love Magnusson e Mikael Lavér (guitarras),
Jonathan Olsson (baixo) e Georg Härnsten
Egg (bateria) acertam a cada novo trabalho.
Oitavo registro do quinteto, Final Advent
passou a ser meu favorito. Ainda estou
tentando entender como eles conseguiram
adotar uma levada mais acessível (mérito
das precisas vocalizações de Molin), mas
sem perder o peso. Power Of Will abre o play
mostrando isso muito bem. O fato continua
50 • ROADIECREW.COM
9,5
ataques que sofre de entidades religiosas na
Polônia, país predominantemente católico
e com um governo de extrema-direita.
Musicalmente, Opvs Contra Natvram é uma
sequência natural dos últimos trabalhos, no
caminho blackened death metal trilhado já
há algum tempo. A qualidade fica lá no alto
mesmo nas músicas que (ainda) não foram
escolhidas para single ou videoclipe, casos
da bem trabalhada Neo-Spartacvs, na qual
o baixo de Orion tem seu momento de pro-
tagonista, e das agressivas Malaria Vvlgata
e Disinheritance. Mas a verdade é que não
há, sequer, um segundo desperdiçado
nos 44 minutos de duração. Off to War!
mostra toda a riqueza instrumental e um
baita trabalho de Nergal nas seis cordas,
enquanto The Deathless Sun, Ov My
Herculean Exile, Thy Becoming Eternal,
Versvs Christvs e Once Upon a Pale Horse,
com uma das grandes performances do
batera Inferno, já estão entre as melhores
músicas do Behemoth. Sim, temos aqui um
dos melhores álbuns de 2022.
Daniel Dutra
em Advent, Instinct, Achilles Heel e Power
nosso Canal noWhiteTelegram:
Of Now. Mas é na ótima The que a fór-
mula chega ao ápice, com um riff daqueles
que gruda na memória. Na 35ª audição de
Final Advent, não consigo parar de imaginar
este grupo em um grande festival no Brasil.
Alguém se habilita?
Alessandro Bonassoli
DEATH SLAVE
THE UNKNOWN
INDEPENDENTE – NAC
8,5
Abraçar o heavy metal tradicional,
cerca de quatro décadas depois do seu
estabelecimento por nomes que se torna-
ram lendas no cenário pode ser um desafio
titânico, mas felizmente não são poucas
as bandas topando pagar o preço. A Death
Slave vêm fazendo isso à longos anos, e
esse The Unknown já é seu terceiro álbum
completo, prova de que as coisas têm
tomado bons rumos para os paulistas de
Limeira. E, ao ouvir com atenção esse mais
novo álbum, é fácil entender a razão deles
estarem conseguindo certo destaque entre
seus pares, pois existem muitos elementos
agregados em cada composição, transfor-
mando o álbum em uma espécie de viagem
pelos vários gêneros da música pesada.
Apenas como exemplo, você tem em Who
I Am uma canção que entraria facilmente
em um álbum de hard rock do final dos
anos 80, ao passo que Lives Matter (uma
das melhores do álbum, com um belo solo
de guitarra e vocais femininos convida-
dos) tem aquele clima épico de balada
LUZIFER
IRON SHACKLES
heavy, e Root Of Evil é sólida e melódica
HIGH ROLLER - IMP.
como tantos clássicos que amamos ouvir.
Vale a pena conferir, especialmente se
você é fã das sonoridades mais tradicionais 8,0
do rock pesado. Da segunda metade da década de 2000
Valtemir Amler até agora há uma contínua e crescente
invasão de bandas dedicadas a praticar Heavy
Metal na sua forma mais pura e empolgante,
geralmente inseridas dentro da não tão nova
NWOTHM (New Wave of Traditional Heavy
Metal). Este power trio alemão formado em
2009 tem nas mãos de G. Deceiver (bateria),
L. Steeler (baixo e vocal) e S. Castevet (vocal,
guitarra e bateria) a fórmula perfeita de como
criar músicas instigantes dentro deste nicho
e, ainda assim, soar diferente de seus pares. E
há outra questão importante a ser destacada:
o Luzifer é o irmão contido do Vulture,
t.me/BRASILREVISTAS conhecido pelo seu speed metal frenético.
Este projeto paralelo dos caras soa muitíssimo
DEATHGEIST diferente de sua banda principal e há muitas
PROCESSION OF SOULS variáveis aqui que atestam a qualidade
MUTILATION/THRASH OR DEATH - NAC. do play: ótimas linhas de guitarra, vocais
marcantes, climas épicos, produção orgânica,
9,5 interessantes arranjos de teclado, ritmos
cavalgados e uma aura oitentista palpável.
Se em seus primeiros dias, o
São 32 minutos de pura diversão metálica,
Deathgeist era naturalmente visto como
destacando a longa Hexer (In Dreiteufelsna-
a sequência do extinto Bywar, agora o
men) e Wrath of the Sorcerers, esta última um
grupo paulistano chega ao terceiro álbum
verdadeiro achado. Há influências diversas,
e dispensa apresentações. Em Procession
of Souls, Adriano Perfetto, Victor Regep
que vão desde Scorpions à Heavy Load,
garantindo inúmeras audições.
e Maurício “Cliff” Bertoni dão as boas
Maicon Leite
vindas ao também experiente Fernando
Oster (bateria, Woslom), que somou
na manutenção do speed/thrash metal
vigoroso e de aura alemã do grupo. Só
que dessa vez o Deathgeist se permitiu
aproximar do heavy metal tradicional e
soar menos direto quanto em Deathgeist
(2017) e em 666 (2019). Em meio a riffs
cortantes e levadas aceleradas, em que a
produção crua ressaltou o baixo de Cliff,
o quarteto investiu em partes climáticas e
cativantes em músicas como Living Dead
Memory (que refrão!) – essa com um quê
da banda mineira The Mist já considero
minha favorita do Deathgeist –, a ótima
Nightmare’s Chamber, a cadenciada Fear
CAUGHT IN ACTION
DEVIL’S TANGO
e a própria Procession of Souls. Cabe ob-
STEELHEART - IMP.
servar que as guitarras da dupla Perfetto e
Regep parecem nascidas uma para a outra.
Não resta dúvida: até o momento, esse é 8,5
melhor álbum do Deathgeist. O guitarrista Richard Jönsson e o
Leandro Nogueira Coppi tecladista Ronnie Svärd são os mentores
do Caught in Action, que estreia com
Devil’s Tango. Porém, para os brasileiros,
vale destacar a presença do vocalista Mar-
cello Vieira, que brilhou no underground
paulistano no começo dos anos 1990,
seja com o Trama (covers de hard rock),
o Mötley Crüver ou o Smoking Guns, de
Silas Fernandes. Depois, ele se mudou
para Portugal, onde reside e mantém sua
carreira ativa, tendo gravado com o Hot
Stuff e o The Fuzz Drivers. E foi ele quem
trouxe o baixista e produtor Ricardo Dikk
– completam o time os irmãos portugueses
Mauro Ramos (bateria) e Mènito Ramos
(teclados). Ok, mas e a música? Bem, esta
união Suécia-Portugal-Brasil, e Itália pela
Steelheart Records, brinda o ouvinte com
um misto de hard rock, AOR e melodic rock
de primeira. Sério, o repertório parece até o
de uma coletânea ‘best of’. Dinâmico, alterna
momentos altamente energéticos, como
na acelerada faixa-título, com a melodia de
Simple Man. Ou na abertura, com New York
City, escolhida como primeiro single/vídeo,
com Miracle. Se você conhece o vocalista
BJ (Spektra, Soto, Tempestt e outros), saiba
que o timbre e o estilo de Marcello Vieira são
bem similares. Destaques ainda para First
Time, If Only, It Is What It Is, I Will Wait e
Closer To My Dreams. Confira!
Ricardo Batalha
Acesse nossoTHESKID ROW
Canal
GANG’S ALL HERE
MARENNA
VOYAGER
CLASSIC METAL/
HEAVY METAL ROCK - NAC.
9,0
Voyager, quarto trabalho do grupo gaúcho
Marenna, foi criado durante os tenebrosos
tempos pandêmicos. O resultado, como a
maior parte dos demais álbuns deste período,
é altamente positivo. Rod Marenna provou
novamente que está mais do que pronto
para uma carreira além fronteiras, algo que
a parceria com a gravadora dinamarquesa
Lions Pride Music indica ser uma realidade.
A mistura entre hard rock e AOR, presentes
desde o EP My Unconditional Faith (2015),
está ainda mais afinada, com a notável
capacidade de não soar como uma mera
evocação de bandas antigas. Produzido por
Mauro Caldart, que gravou as guitarras base
e ainda registrou os solos em cinco faixas, o
QUE NOTA VOCÊ DARIA PARA?...
álbum é uma coleção de ótimos momentos.
Wait, Perfect Crime, Breakin The Chains,
CELTIC FROST
Gotta Be Strong, Wherever You Go, Hold Me e INTO THE PANDEMONIUM
So Close, uma versão que melhorou o clássico
pop gravado por Hall & Oates em 1990,
mostram que a música pesada nacional não
é ótima só em linhas extremas e melódicas.
Ouça o álbum e, se souber que Marenna, Luks
Diesel (teclado), Edu Lersch (guitarra), Bife
(baixo) e Arthur Schavinski (bateria) estarão
na sua cidade, vá ao show.
Alessandro Bonassoli
no Telegram: t.me/BRASILREVISTAS
EARMUSIC/SHINIGAMI/ Após ter chocado o mundo com o que chamavam naquela época nomes
SOUND CITY - NAC. Hellhammer e os primeiros trabalhos já como Joy Division, Bauhaus, Sisters of
como Celtic Frost, Thomas Gabriel Fischer Mercy, Christian Death e Siouxsie And The
9,0 (vocal e guitarra), Martin Eric Ain (baixo) e Banshees. Ouvíamos muito estas bandas
Reed St. Mark (bateria) resolveram ousar e isto refletiu também nas vocalizações de
Finalmente, o Skid Row se reencontrou
novamente. Assim, a sonoridade obscura Tom”, declarou o saudoso Martin Ain.
musicalmente e trouxe a peça que faltava
e extrema estava sendo modificada para A crítica classificou-o como um
para reconquistar os fãs que o abandonaram
algo mais vanguardista. Se inovar era a trabalho de vanguarda, enaltecendo o lado
após a saída de Sebastian Bach. Johnny
palavra de ordem, Into The Pandemonium criativo das composições, em especial
Solinger (falecido em 2021) tinha uma voz
cumpriu o objetivo. Mexican Radio (cover do Wall Of Voodoo),
legal, porém as músicas de sua fase não
Porém, o resultado final dividiu a opi- Inner Sanctum, Babylon Fell, Caress Into
ajudavam; Tony Harnell e ZP Theart não
nião dos fãs, pois o grupo suíço apresentou Oblivion, I Won’t Dance, Sorrows of the
agradaram e nem discos gravaram. Mas ago-
um trabalho experimental, incluindo mais Moon e Rex Irae (Requiem). A mais fora
ra o Skid Row traz para a “gangue” o jovem
orquestrações, corais e vocais femininos, dos padrões foi a eletrônica (EBM) One In
Erik Grönwall (ex-H.E.A.T.) e volta a empol-
percussão e samplers. “Utilizamos Their Pride, mostrando o que Tom tentaria
gar. Recuperado de leucemia e após passar
elementos do gothic, new wave ou o fazer no Apollyon Sun.
por transplante de medula óssea, o vocalista
sueco fez bonito em seu disco de estreia com Alessandro Bonassoli (colaborador): 10
Antonio Carlos Monteiro (redator): 7,0
sua banda favorita. Os ótimos singles The
Gang’s All Here, Tear it Down e Time Bomb Claudio Vicentin (editor): 8,0
Daniel Dutra (redator): 9,0
já haviam agradado os fãs, que receberam
Écio Souza Diniz (colaborador): 9,0
Erik muito bem. O Skid Row acertou a mão
Guilherme Spiazzi (redator): 9,0
nas composições e o resultado é um disco
de brilhar os olhos. Além dos três singles, Heverton Souza (colaborador): 7,0
Hell or High Water, Not Dead Yet, The Lights Ivanei Salgado (colaborador): 9,5
João Messias Jr. (colaborador): 9,0
Come On e Resurrected, por exemplo, têm Leandro de Oliveira (diretor de arte): 7,0
a energia e a pegada que fariam desse uma Leandro Nogueira Coppi (colaborador): 9,0
ótima sequência para os dois primeiros Leonardo M. Brauna (colaborador): 10
álbuns da banda, Skid Row (1989) e Slave
to the Grind (1991). Já a extensa balada
October’s Song tem a sonoridade de
Subhuman Race (1995). Como fã, já não
sinto mais a falta de Sebastian e dou as
boas-vindas a Grönwall no Skid Row!
Luiz Cesar Pimentel (colunista): 8,5
Luiz Tosi (editor online): 9,0
Maicon Leite (colaborador): 8,0
Matheus Vieira (colaborador): 8,0
Ricardo Batalha (redator-chefe): 9,5
Thiago Prata (colaborador): 9,5
8,7
Leandro Nogueira Coppi Valtemir Amler (redator): 8,0
ROADIECREW.COM • 51

APNEA
SEA SOUND
PECULIO DISCOS/
MONSTRO DISCOS - NAC.
8,0
Fundado em 2019 em Santos (SP), o
Apnea é formado por uma constelação
de talentos, ávidos em mesclar metal,
stoner e grunge. Com uma proposta bem
definida, o vocalista e guitarrista Marcus
Vinicius (ex- Bayside Kings), o guitarrista
Nando Zambeli (ex-Garage Fuzz), o baixista
Gabriel Imakawa (Jerseys) e o baterista
Mauricio Boka (Ratos de Porão) chegam
ao primeiro full-length do Apnea com nove
faixas (incluindo a intro Apnea Rock Radio)
que trafegam pelos estilos anteriormente
citados de uma forma simples e honesta.
Música mais longa do disco, Acesse
com seis
minutos de duração, What Future Holds traz
uma veia stoner com uma dose de psicodelia
e uma letra bem interessante, com uma
“manifestação” no fim. Peacefully vem a
seguir cheia de estilo, conseguindo unir a
aura dos anos 90 com uma acidez hard rock
(destaque para a performance de Boka). Já
Deepness evoca um lado mais “sentimental”,
novamente aliando bem os componentes
do grunge e do stoner, enquanto Outside é
guiada por bons riffs. Bus Ride encerra bem
um álbum interessante e variado.
Thiago Prata
SANTA CRUZ
THE RETURN OF THE KINGS
M-THEORY AUDIO - IMP.
7,5
Um resumo rápido: depois de brilhar
com seus três primeiros álbuns, o Santa
Cruz sofreu uma baita racha e entrou numa
52 • ROADIECREW.COM
espiral descendente que resultou no ruim
Katharsis (2019), no qual Arttu “Archie
Cruz” Kuosmanen (vocal e guitarra) e o
produtor Kane Churko tomaram conta de
tudo. The Return of the Kings, porém, é
um sopro de esperança. Cruz se livrou de
Churko, felizmente, e, depois de um entra
e sai de músicos, recrutou os californianos
Jerry Jade (guitarra), Tommy Bradley
(baixo) e Randy McDemian (bateria)
para resumir a própria obra. O peso e a
sonoridade moderna iniciados em Bad
Blood Rising (2017) ainda dá as caras em
faixas como Here Comes the Revolution
(qualquer semelhança com Pantera não é
mera coincidência), Take Me to America
e Standing My Ground, mas o heavy rock
está muito mais aflorado em Under the
Gun (com remissões aos riffs de I Don’t
Know e Suicide Solution numa clara
homenagem a Randy Rhoads), Gunshot e
10 Shots (cujo solo de incorpora na cara
dura um bom trecho da obra de arte que
Marty Friedman fez em Tornado of Souls,
do Megadeth). Mais do que isso, as ótimas
Disarm Me, 1000 Cigarettes, Would You
Believe it e Stay são aquele hard rock delicio-
so que não tem a menor vergonha de flertar
com o pop, e que a banda finlandesa - agora,
um projeto de Cruz - tão bem fez no início da
carreira. Que seja mesmo um recomeço.
Daniel Dutra
nosso Canal no Telegram: t.me/BRASILREVISTAS 9,5
STRATOVARIUS
SURVIVE
EARMUSIC/SHINIGAMI/
SOUND CITY - NAC.
9,0
Não temos como negar que o Strato-
varius, mesmo com todos os problemas
que atravessaram em um passado já
distante, continua a produzir música de
qualidade. Algo normal em toda a sua
carreira, e que aqui está mais uma vez evi-
dente, é que a banda sabe escrever mú-
sicas cativantes. O álbum está repleto de
arranjos memoráveis e refrãos pegajoos,
solos de guitarra e teclados de enorme
bom gosto. A faixa-título, Survive, tem
uma energia ótima, enquanto Demand é
mais uma candidata a single, bem como
Firefly. E tem as faixas mais cinematográ-
ficas, como Frozen in Time, com melodias
fáceis de cativar e passagens sinfônicas
que a fazem se tornar um hino. Glory
Days é excelente e traz coros de apoio
que combinam habilmente guitarras pe-
sadas e seções orquestrais atmosféricas.
Voice of Thunder encerra a obra de forma
épica, já que são mais de 11 minutos de
andamentos cativantes e muita técnica
e bom gosto. Survive apresenta a banda
finlandesa em sua melhor forma, com
uma formação que já perdura por mais de
10 anos. E Timo Kotipelto continua can-
tando muito bem! É aquilo, o Stratovarius
é uma banda construída para progredir,
não apenas sobreviver. E é isso que está
embalado nesse pacote, um álbum que os
leva de novo ao topo do estilo.
Claudio Vicentin
TRAUMA
AWAKENING
MASSACRE - IMP.
8,5
Assim como Enforcer, Massacre,
Tyrant, Avenger e tantos outros, o nome
Trauma é um dos mais usados para
nomear grupos de metal espalhados
pelo mundo – até no Brasil tivemos um
na década de 80. Porém, esta banda
americana está cravada na história do
metal por ter revelado o saudoso Cliff
Burton. Contando agora com o baterista
Kris Gustofson como único remanescente
da formação original, o grupo americano
é completado por Brian Allen (vocal,
ex-Vicious Rumors), Steve Robello e Joe
Fraulob (guitarras) – o baixista Greg
Christian (ex-Testament), que estava
desde 2017, saiu recentemente. Awake-
ning, terceiro registro desde a retomada
das atividades em 2013, traz 11 faixas
muito bem trabalhadas e calcadas no
thrash metal, com uma pegada Heathen,
Forbidden e Exodus. O repertório é ener-
gético e dinâmico, mas, individualmente,
destaque para a performance versátil de
Brian Allen, alternando vocais agressivos
com momentos mais melódicos, algo que
conecta ao estilo do Flotsam And Jetsam
e o timbre vocal de Tim “Ripper” Owens e
Mike Tirelli (Holy Mother, Messiah’s Kiss,
ex-Jack Starr’s Burning Starr), por exemplo.
Além disso, os riffs são bem sacados e há
aquele groove típico thrash americano,
além de pitadas de metal tradicional
e speed. Confira as faixas Walk Away,
Voodoo, Death of the Angel, Burn e Blind.
Ricardo Batalha
TANKARD
PAVLOV’S DAWGS
REAPER - IMP.
A fórmula thrash do Tankard é muito
simples: riffs, riffs, riffs e mais riffs, e
quanto você achar que não cabe mais ne-
nhum riff na música, escreva outro ainda
mais pungente e acrescente tempo na
música, pois é disso que thrash precisa.
Conterrâneos, contemporâneos e amigos
dos outros três gigantes do thrash teu-
tônico, o Tankard sempre se diferenciou
por uma abordagem menos extrema e
mais aberta, onde um bocado de bom
humor e diversão também eram parte
da receita. Isso é um fato ainda hoje, e
basta começar a rolar, a faixa-título já dá
a deixa: estamos de volta diante de um
ótimo álbum dos beberrões germânicos.
Pavlov’s Dawgs empilha riffs em profusão
após uma pequena intro acústica, e cativa
o suficiente para que até os não iniciados
desfrutem de Ex-Fluencer (fique atento à
letra), Beerbarians e Diary of a Nihilist,
que também se destacam neste 2022 tão
rico para as bandas germânicas. Veins
of Terra representa o lado mais sério da
banda, e seu ritmo cadenciado também
exige destaque, mesmo em um álbum tão
bom. Mas, se tudo o que você quer é con-
tinuar a diversão, não deixe de ouvir mil
vezes Metal Cash Machine e Lockdown
Forever. Lembre-se, às vezes você precisa
sorrir, mesmo diante de tempos escuros.
E cada riff aqui é motivo de alegria para
um headbanger que se preze!
Valtemir Amler
 THE DEAD DAISIES MANDRAZ MERCY SHOT SATYRICON
RADIANCE MANDRAZ BRACE FOR IMPACT! SATYRICON & MUNCH
SPV/SHINIGAMI/SOUND CITY - NAC. INDEPENDENTE - NAC. CANIL - NAC. NAPALM - IMP.

8,5 8,5 8,5 2,0

Se você continua torcendo o nariz para
a principal das inúmeras mudanças de
formação no Dead Daisies - a troca de John
Corabi, especialmente, e Marco Mendoza
por Glenn Hughes -, não será Radiance que
vai mudar o cenário. No entanto, é preciso
reconhecer que, musicalmente, se trata
mesmo de uma nova banda. O sexto álbum
reforça isso desde o logo, que novamente
traz uma tipologia diferente, e a parte que
importa apresenta um material mais pesado
e direto. Claro, com a presença de Hughes,
o groove segue presente, como em Face
Your Fear, que traz um bem-vindo solo mais
bluesy de Doug Aldrich, e KissAcesse
the Sun, mas
nosso
nesta mais pelo trabalho do batera Brian
Tichy, de volta ao grupo depois de quase
anos fora. Cascade, Shine on e a faixa-título
mostram esse lado mais pesado em canções
basicamente mais arrastadas, enquanto
Hypnotize Yourself e Not Human, mais
animadas, servem como preparativo para os
dois momentos mais comerciais do disco:
as ótimas Courageous, com mais nuances
instrumentais, e Born to Fly, que carrega
um mais que bem-vindo acento hard rock. E
tudo isso desemboca em Roll on, um desfe-
cho mais calmo, semiacústico e diferente do
restante do trabalho. Este é o Dead Daisies
de hoje, porque o de manhã só quem sabe é
David Lowy, o guitarrista-empresário dono
do negócio todo.
Daniel Dutra
O primeiro trabalho do duo paulista
Mandraz faz por merecer ser ouvido por
alguns motivos. Primeiro, por apostar numa
linha de som que foge do “extremismo
progressivo” que assola o nosso cenário e
também por mostrar em suas canções uma
estética lírica positiva que foca na conscien- é mesmo nesta seara que se desenvolve a
tização. Isso sem falar no nome da banda –
joga no google pra sacar. Só por isso, Daniel poderoso híbrido de gêneros que pode ser
Berrettini (bateria) e G. Cross (baixista),
aqui acompanhados por Alexandre Fabbri
(guitarra) e João Luiz (vocal, Golpe de
Estado, ex-King Bird e Casa das Máquinas)
merecem uma oportunidade nesse oceano
chamado rock’n’roll.
Canal Executando
no um hard
Telegram:
rock com foco na escola setentista, os caras
mostram nesse EP homônimo que sabem
das coisas, encaixando melodias, licks, peso
e vocalizações, que embora não apresente
novidades, soa fresco em nossos ouvidos.
E a reação que é contagiante pega logo
de cara em faixas como Eu Não Ligo, Ser
Alguém e Vida Moderna, essa última que
conta ainda com a participação do guitar-
rista Marcello Schevanno (Golpe de Estado,
Carro Bomba). O repertório ainda conta com
Por Novos Tempos, que é a mais diferente
do trabalho, por ser um pouco mais pesada
e introspectiva, mesmo que totalmente
influenciada pelo hard rock. Mais um belo
fruto que o universo do rock’n’roll brasileiro And Thrive com o ‘hard rádio FM’ de For
apresenta aos nossos ouvidos e corações.
João Messias Jr.
Quando a capa de um álbum faz você
pensar numa mistura de Bomber (Motörhe-
ad, 1979) com Troops of Tomorrow (The
Exploited, 1982) com aquele estilo típico
de Ed Repka, sabe que vem coisa boa por aí. Wongraven resolveu transformar em mú-
Sem se prender em nenhum dos extremos,
música dos paulistas do Mercy Shot, um
ora mais heavy metal, como nas guitarras
em Capital Sins, com o suporte da bateria
amplificam essa sensação; e noutras mais
hard rock, como em Enemy and Ally, na
qual o trabalho das seis cordas divide o
protagonismo com as ótimas linhas vocais
t.me/BRASILREVISTAS
de Karina Menascé. Parece óbvio que
existe certa referência do speed/thrash no
trabalho da dupla de guitarristas, Fabrizzio de black metal, e não é esse o problema,
Hanoi e Flavio Pintinha, e na maneira como
a cozinha de Andrews Einech (baixo) e
Roger Katt (bateria) conduz as canções por ambiente e atmosfera, e nenhuma música
caminhos sempre dinâmicos e variados.
Confira o single/clipe Arise, que arranha
em elementos extremos, por exemplo. Isto
tudo resulta em um álbum que tem cor,
cheiro e sabor de anos 80, época em que
forjamos nomes para separar os estilos,
mas criamos o crossover para reunir tudo
novamente no mesmo caldeirão. Como
eles fizeram ao colar o metalcore de Sink
Nothing In This World, por exemplo.
Valtemir Amler
A ideia até que era nobre: após visitar
uma exposição com as obras do lendário
artista norueguês Edvard Munch, o
guitarrista e vocalista Sigurd “Satyr”
sica as emoções que aquelas obras des-
pertavam em seu ser. Se você imaginar a
quantidade de possibilidades que o black
metal e a dark ambient oferecem, ele
tinha o mundo todo para explorar. Mas,
a longa e única faixa de quase uma hora
que forma esse álbum exige tal estado
de espírito para ser digerida, que poucos
além do compositor se aventurarão a
apreciar. Sendo claro, é difícil demais
‘passar o pano’ para Satyricon & Munch.
Entendemos que este não seria um disco
pois dark ambient é algo apreciado
por aqui. Temos muita emoção, muito
neste disco. Em outras palavras, você
que estudou Física na escola consegue
extrair mais energia de uma batata do
que deste Satyricon & Munch, e digo
isso sem felicidade alguma. Para um
projeto dungeon synth, que cria seus
álbuns no sótão de uma casa escura e
úmida, com o auxílio de um computador
e uma batedeira de duas velocidades,
esse seria um álbum aceitável. Para o
Satyricon, de jeito nenhum.
Valtemir Amler

1 2 3 4 5

BLIND GUARDIAN AMON AMARTH STRATOVARIUS GRAVE DIGGER MACHINE HEAD

THE GOD MACHINE THE GREAT SURVIVE SYMBOLS OF ETERNITY OF KINGDOM
HEATHEN ARMY AND CROWN
*CLASSIFICAÇÃO OBTIDA POR MEIO DE PESQUISA REALIZADA NAS LOJAS DIE HARD (LOJA E SITE - SÃO PAULO/SP),
PARANOID (SÃO PAULO/SP), HEAVY METAL ROCK (AMERICANA/SP) E BLACKOUT DISCOS (RECIFE/PE).

ROADIECREW.COM • 53
Frank Thorwarth, Andy Gutjahr, Gerre e
Olaf Zissel, parceria constante desde 1998
DIÁR
DI ÁR IO DE U M
Acesse nosso Canal no Telegram: t.me/BRASILREVISTAS
Aliando temas sérios com bom humor e muito thrash metal,
gigantes alemães apresentam o novo Pavlov’s Dawgs
Por Valtemir Amler
Desde que começaram a atuar sob
o nome Tankard em 1983, o vocalista
Andreas “Gerre” Geremia e o baixista
Frank Thorwarth têm formado uma das
duplas mais atuantes do metal germâ-
nico. Mais do que isso, eles são dois dos
grandes responsáveis pela sonoridade
típica do thrash teutônico, com sua
banda sempre citada lado a lado com os
compatriotas do Sodom, Destruction e
Kreator. Apesar das similaridades, a ban-
da de Frankfurt sempre foi encarada de
forma diferente, já que sua sonoridade
nunca soou tão ríspida e violenta quan-
to a de seus pares, mesmo a sua temática
lírica mostrava uma dose maior de bom
humor do que seus compatriotas. Pois
bem, tudo isso é verdade, mas mesmo
que nunca tenha “arranhado” no death
e no black e que tenha ousado causar
algumas boas risadas entre seus fãs, o
Tankard sempre apresentou um thrash
metal de primeira qualidade e nunca
fugiu da raia quando via a necessidade
de abordar temas mais sérios, que já
estavam lá, desde os álbuns clássicos de
seu início de jornada. Com Gerre a coisa
funciona da mesma maneira, ele brinca
54 • ROADIECREW.COM
NIILISTA
e ri durante toda a entrevista, mas tam-
bém fala sério quando o assunto toma
esse rumo. Prestes a embarcar em uma
viagem repleta de cerveja e futebol, ele
falou com a ROADIE CREW:
Olá, Gerre, bom falar com você.
Em 2006 vocês lançaram o EP Schwar-
z-weiß wie Schnee que, entre outras
canções, veio com o hino do Eintracht
Frankfurt, time da sua cidade natal em
uma versão rearranjada e tocada pelo
Tankard. A faixa Schwarz-weiß wie
Schnee está sendo relançada agora,
em um split com outras bandas, então
gostaria que comentasse um pouco a
sua relação com o futebol.
Andreas “Gerre” Geremia: Fala,
Valtemir, tudo certo? Cara, eu tenho
uma ótima relação com o futebol, ele é
que às vezes não tem uma relação muito
boa comigo (risos). É difícil viver na
Alemanha e não torcer para o Bayern
de Munique, que coisa mais chata eles
ganhando todo ano (risos gerais). Mas,
ainda assim eu amo futebol, é uma das
coisas de que mais gosto na minha vida.
Nada é melhor do que assistir a uma boa
partida do Eintracht Frankfurt, em casa
ou no estádio, é ótimo.
Axel Jusseit
Você ainda costuma assistir as parti-
das no estádio?
Gerre: Ah, sim, sempre que possível.
Na verdade, amanhã estou viajando para
a Finlândia, para assistir à partida entre o
Frankfurt e o Real Madrid. O jogo é depois
de amanhã, mas viajaremos um dia antes,
você sabe, para conhecer as redondezas.
E aqui vai um conselho meu: nunca viaje
para outro país para ver futebol sem antes
ter tempo para encontrar um bom bar.
Você sempre precisa saber onde comemo-
rar ou onde afogar as mágoas (risos).
É um bom conselho. Mas e quanto a
Schwarz-weiß wie Schnee?
Gerre: Bom, para dar uma resposta
completa a essa questão, precisamos voltar
até o ano de 1999. Naquele ano, o nosso
time favorito estava celebrando o seu 100º.
aniversário e eles pediram que as bandas
enviassem canções para uma espécie de
evento, a canção escolhida seria tocada an-
tes de uma partida do Eintracht Frankfurt.
Claro que enviamos uma música! No fim
das contas, outra música foi a escolhida
e a nossa canção ficou perdida no tempo,
até que em 2006 a nossa foi tocada pela
primeira vez no estádio. E foi justamente
em 2006 que o time chegou à final da Copa
da Alemanha, em Berlim. Bem, e foi aí que
a coisa ficou realmente especial para nós:
fomos convidados para tocar ao vivo a
nossa música na final, diante de todos os
torcedores, aquilo foi uma honra incrível,
algo realmente muito especial na nossa
carreira. Decidimos que Schwarz-weiß wie
Schnee era especial demais para nós para
ficar meio que esquecida, meio que deixada
de lado, então resolvemos lançá-la em um
EP. Para isso, fizemos uma nova gravação
e o EP foi um sucesso. Em 2017 chegamos
à final novamente e refizemos a música
mais uma vez porque o antigo EP estava
esgotado, e em 2018 outra vez estávamos
na final e novamente fomos convidados
a tocar antes do jogo, no Estádio Olímpi-
co de Berlim. Claro que foi uma grande
honra novamente, mas em 2018 batemos o
Bayern de Munique por 3 a 1, então foi uma
experiência tão totalmente satisfatória
que você nem faz ideia, eu nem precisava
de cerveja para estar feliz, mas bebi
mesmo assim (risos gerais). Para deixar
esta narrativa empolgante de vez, este
ano, 2022, chegamos à final da UEFA
Europa League. A partida aconteceu
em 18 de maio, no estádio Ramón Sán-
chez Pizjuán, em Sevilha, na Espanha.
Coloque tudo isso certinho na revista
(risos), pois, após 42 anos de espera,
nos sagramos campeões da Europa em
um jogo duríssimo contra o Rangers,
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da Escócia. E esses detalhes todos
são bem importantes, pois foi para
celebrar essa ocasião tão especial que
estamos mais uma vez lançando
Schwarz-weiß wie Schnee, em
uma versão que musicalmente
não difere, mas que tem a letra
levemente alterada para acompa-
nhar o momento especial que nosso
amado clube está vivendo após mais
de um século de história. Fico tão
feliz com isso que você nem faz ideia,
é um orgulho tremendo, uma das coisas
mais especiais que alcancei na minha
vida, e te agradeço muito pela chance de
falar sobre isso. Hoje, toda vez que o time
entra em campo é a nossa música que
acompanha os atletas, é a nossa música
que toca no estádio!
Acho que é o mesmo orgulho
que sentimos, então obrigado por
colocar uma lenda do thrash nessa
posição de destaque.
Gerre: Cara, isso é realmente muito
legal! Quer dizer, é o Tankard, uma banda
thrash, tocando uma canção todas as ve-
zes em que o Eintracht Frankfurt entra
em campo, um time que tem visibilidade
mundial, com transmissão global via TV.
Claro que a música não é exatamente
thrash metal, mas ainda assim...
Tudo que você faz é thrash metal,
você arrotando é thrash metal...
Gerre: Ah, isso é mesmo (risos
gerais). Aliás, isso me dá ideia para uma
música (risos).
Além do comentado EP, temos tam-
bém o novo álbum do Tankard, Pavlov’s
Dawgs. Pelo que ouvi, o plano original é
que ele tivesse sido lançado já há algum
tempo, certo?
Gerre: Sim, pois é. Você sabe, nosso
álbum anterior, One Foot in the Grave, saiu
em 2017, então tivemos um bom tempo
para divulgá-lo com turnês e tal. A ideia
é que o novo álbum tivesse saído há dois
anos, mantendo o ritmo que mantemos
com o Tankard, mas todos sabemos o que
aconteceu. Sejamos sinceros, o atraso não
teve tanto a ver com a pandemia, a questão
é que em 2019 já tínhamos percebido que
não tínhamos material suficiente em mãos
para um álbum e estávamos decidimos a
PAVLOV’S DAWGS
Rock Brigade/Voice Music - Nac.
atrasá-lo desde então. A pandemia apenas
fez com que esse atraso fosse maior, pois
com o fechamento tivemos que ficar vários
meses com a banda parada, sem ensaios
e reuniões, o que confesso ter sido muito
bom, acho que todos precisávamos de um
descanso. Que pena que tenha sido sob
essas circunstâncias. Apenas voltamos a
trabalhar com composição no ano passado,
então é por isso que temos um intervalo
tão grande dessa vez.
A despeito do tempo que passou, o
álbum entrega muito do que é o Tankard.
Musicalmente ele traz aquele thrash
rápido e baseado em riffs, enquanto lirica-
mente ele caminha do bom humor ao sério
com naturalidade. Para começar, adorei a
boa dose de humor em Lockdown Forever,
acho que precisávamos de algo assim.
Gerre: Pois é, esses três últimos
anos têm sido um pé no saco! Tanto
tempo sem shows, jogos sem público,
bares fechados (risos gerais). Claro que
é tudo em nome da saúde das pessoas,
mas precisávamos brincar com isso para
não enlouquecer. Lockdown Forever é
sim uma música muito divertida, em
que imaginamos um cenário baseado
no nosso, mas com uma diferença
central: vivemos sob o impacto de um
vírus extremamente agressivo, que nos
força a um lockdown eterno e tudo o
que podemos fazer é ficar em casa para
sempre, pedir pizza pelo aplicativo e ficar
ouvindo nossa coleção de discos de heavy
metal o dia inteiro (risos gerais).
Representando o lado mais sério do
Tankard, temos no novo álbum Veins
of Terra. Confesso que, assim que ouvi
essa música pela primeira vez, minha
mente viajou de volta até 1987, com
Chemical Invasion.
Gerre: Ah, obrigado por isso,
cara. Sabe, Veins of Terra é sobre
o que vemos hoje, nós, os sábios
e evoluídos seres humanos, a
espécie dominante desse planeta,
tão inteligentes e evoluídos que
estamos destruindo o próprio
espaço em que vivemos, o único
lugar em todo o cosmos em que
podemos viver! Estamos destruindo
todos os nossos recursos naturais,
poluindo os mares, apodrecendo
o ar que respiramos, o mundo não
é só diversão. É legal você ter feito
essa conexão, pois as pessoas tem me
perguntado: ‘Ué, o Tankard tem letras
sérias agora?’ Sempre tivemos e Chemi-
cal Invasion prova isso. Em 1987 vivía-
mos sob tanta pressão, pouco antes
houve o acidente nuclear em Chernobyl,
a AIDS explodiu como uma ameaça real,
existia o risco constante de uma guerra
nuclear que exterminaria toda a vida na
Terra, e conhecendo a estupidez huma-
na, a chance era bem real. A mesma coisa
acontece hoje com a covid-19 e essa guerra
estúpida acontecendo aqui, com a invasão
da Ucrânia pela Rússia. As pessoas não têm
noção real do quanto essa situação é peri-
gosa, do quanto esse conflito pode escalar
para uma guerra global. Parece que sempre
estamos tentando nos exterminar e não
temos como fechar os olhos para isso.
É verdade. Mas, para fechar a
entrevista com algo positivo, fale-nos
um pouco sobre Beerbarians.
Gerre: Ah, essas são a música e a letra
que todos esperam do Tankard. Quer
dizer, a música é thrash e a letra basi-
camente fala que todas as invenções do
homem, desde os primeiros dias da civi-
lização, o domínio do fogo, a agricultura,
absolutamente tudo foi feito apenas para
que chegássemos na fórmula da cerveja
(risos gerais). E, se quer saber, acho que
foi assim mesmo que aconteceu (risos).
ROADIECREW.COM • 55

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Em seu primeiro álbum de estúdio sem a guitarra de Mike
Sifringer, alemães mantêm a essência do thrash metal
Por Valtemir Amler
Não foi uma notícia fácil de digerir,
muitas pessoas ficaram até preocupadas
(ou seria assustadas?), mas em 2021 foi
anunciado que o lendário guitarrista
Mike Sifringer, responsável por alguns
dos riffs mais icônicos da história do
thrash metal, não era mais integrante
do Destruction. O choque foi inevitável,
já que ele vinha sendo a única presença
constante em todos os registros do grupo,
o único integrante original que jamais
deixara a banda em nome de outras
aventuras no mundo da música. Porém,
o também fundador, baixista e vocalista
Schmier (que esteve fora da banda entre
1990 e 1998) foi rápido em anunciar que o
Destruction seguiria adiante e um novo
álbum estava prestes a ser lançado, o que
diminuía, mas não dissipava, as dúvidas
dos velhos fãs. Pois bem, Diabolical foi
lançado em abril deste ano e, pasmem, a
56 • ROADIECREW.COM
, COMO SEMPRE!
lenda germânica está ainda mais thrash
do que nunca. Mike sempre fará falta,
mas a verdade é que a dupla de guitarris-
tas Damir Eskić e Martín Furia fez muito
mais que segurar as pontas, revelando
um dos álbuns mais brutais e viscerais de
toda a discografia dos teutônicos. Com o
orgulho do dever cumprido, encontramos
Schmier mais uma vez muito bem dispos-
to e pronto para outra ótima conversa.
Como fizeram para manter o Des-
truction afiado nos palcos durante esses
últimos dois anos?
Marcel “Schmier” Schirmer: Basi-
camente, agarramos todas as chances
que apareceram para tocar. Especial-
mente quando você está com uma nova
formação, é importante tocar o máximo
possível juntos, pois é assim que você
consegue soar cada vez mais coeso e
firme. Começamos a atuar como um
quarteto pouco antes de tudo fechar,
Divulgação
Lenda thrash mantém intacta sua fórmula
no primeiro registro com Martín Furia,
Schmier, Damir Eskić e Randy Black
então fizemos alguns shows antes, para-
mos na pior fase da pandemia e quando
as restrições começaram a diminuir aqui
na Europa, começamos a tocar alguns
pequenos shows locais, com público
reduzido. Tocamos em alguns festivais
na Alemanha e na República Tcheca, e
também fizemos alguns concertos do
tipo ‘live streaming’. O que realmente
importava para nós era manter o entro-
samento, pois isso é fundamental para
um bom show de thrash metal.
Pessoalmente, como você se sen-
tiu com esses shows em streaming,
sem plateia?
Schmier: É um sentimento meio
ambíguo, pois você quer tocar com os
seus colegas de banda, você precisa disso.
Quer dizer, plugar os instrumentos e
tocar música muito alto é parte do que
é uma banda de rock, então acho que
precisávamos dessas live streamings para
termos aquele sentimento de ‘somos uma
banda ativa’. Durante aqueles dias mais
duros, seria perigoso acostumar com a
ideia de a banda estar parada. Por outro
lado, é um sentimento muito estranho.
Você está lá, detonando todos aqueles
sons ao vivo, canções que você está
tocando há décadas diante de fãs apai-
xonados, mas de repente eles não estão
lá. Cara, isso faz muita falta. O show fica
bom, as imagens e a gravação são legais,
mas sem o público nada daquilo faz sen-
tido. Foi legal e necessário, mas não sei
se sinto vontade de fazer de novo (risos).
Definitivamente, não é algo que eu faria
sempre. A verdade é que era nossa única
chance de ter contato com nossos fãs, que
também precisavam de algum alívio de
tudo o que estavam vendo acontecer no
mundo, mas no fim das contas era traba-
lho demais para uma experiência que não
era totalmente satisfatória nem para os
fãs, nem para a banda. Não sei como é
para artistas mais pop, mas para uma
banda de metal, cujo show é basica-
mente interagir com o público, é uma
sensação muito incompleta. Os fãs
fazem o show, a gente apenas toca a
música que embala a apresentação.
Para começarmos a falar sobre
Diabolical, é inevitável falar sobre a
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saída de Mike Sifringer, já que este é
o primeiro registro do Destruction
sem ele. O que você pode nos contar
sobre a saída dele da banda?
Schmier: A verdade é que eu real-
mente não tenho muito a contar
para vocês sobre esse assunto.
A saída dele foi para mim uma
surpresa tão grande quanto foi
para vocês. Não houve aviso ou
sinais, não houve um período de
estranheza, nada do tipo. Em um
momento ele estava na banda, no
seguinte não estava mais. Foi assim, do
nada! Tudo que sei é que foi uma decisão
totalmente pessoal dele, mas não sabe-
mos, pois ele nunca nos explicou, nunca
procurou nenhum de nós para conversar
sobre essa decisão. Claro, toda banda tem
suas dificuldades, mas não tínhamos
nenhum problema sério. Não sei, talvez
a pandemia tenha trazido para ele uma
nova perspectiva sobre as coisas, um
novo ponto de vista, não sei. O que sei é
que ele não gostava mais de fazer longas
turnês, ele não curtia muito dessa coisa
de aeroportos, vans, a vida na estrada...
Isso não era mais uma grande paixão
dele. Então, estou apenas imaginando,
talvez ter ficado em casa por quase três
anos tenha oferecido o conforto que ele
precisava nesse momento da vida, e ele
tenha simplesmente decidido continuar
assim. Isso não é errado se tiver sido
da vontade dele, mas nós precisávamos
seguir em frente.
Então vocês não tiveram um período
para acostumar com a ideia, um aviso de
que ele deixaria o Destruction?
Schmier: Não, a notícia veio do
nada, mas soubemos um tempo antes de
comunicarmos aos fãs. Ele nos falou em
fevereiro do ano passado e a verdade é que
oferecemos um tempo para ele pensar me-
lhor, sei lá, resolver o que fosse necessário
e então retomar as coisas. Não queríamos
que ele tomasse uma decisão de que
pudesse se arrepender depois, então absor-
vemos a notícia e a mantivemos conosco
para ver se ele mudava de ideia. Acho que
esperamos até agosto do ano passado, mas
ele nunca entrou em contato para dizer
que tinha se arrependido, que queria
seguir com a banda. Aí já não tinha mais
nada que pudéssemos fazer. Estávamos
mantendo segredo para poupar os fãs de
uma notícia que talvez não se confirmas-
se, mas daquele ponto em diante manter
Foi importante que todos sou-
beram muito cedo que não houve
DIABOLICAL
Hellion - Nac.
segredo seria mentir para os fãs, pois es-
tava claro que ele não voltaria atrás. Você
sabe, Mike é um guitarrista sensacional
e uma pessoa muito boa, mas também é
muito teimoso, não daria o braço a torcer.
Junte a isso o fato de que ele é meio ermi-
tão, gosta de ficar isolado do mundo, e a
receita está pronta (risos).
Você chegou a questionar a possibili-
dade de parar a banda por algum tempo?
Schmier: Sinceramente, não pensei
em parar o Destruction nem por um
minuto. Quer dizer, tão logo entendemos
que ele não estaria na banda, começamos
a pensar em como seguir em frente, foi
quase automático. Essa banda é a minha
vida, não tem como parar, especialmente
em um momento tão bom para o Des-
truction como esse que estamos vivendo,
com todo um interesse renovado na nos-
sa música etc. Quando ele nos comunicou
sua decisão, já estávamos trabalhando
em algumas ideias, então fomos ao
estúdio sem ele, fizemos algumas demos
e elas soaram muito bem. Tínhamos o
desejo de seguir em frente e o resulta-
do parecia corroborar nossa decisão, a
banda estava soando muito bem, muito
pesada naquelas demos. Eu tinha que
seguir em frente, essa é a verdade. Essa
banda já me salvou de tantas coisas, já
resolveu tantos dos meus problemas, eu
não podia parar agora. Ele decidiu parar
e espero que tenha sido o melhor para
ele, nem todos conseguem fazer isso para
sempre. Mas enquanto eu conseguir, vou
manter o Destruction ativo.
Cara, você não faz ideia o quanto é
bom ouvi-lo dizer isso...
Schmier: Obrigado, obrigado mesmo,
meu amigo. Sabe, eu nunca pensei em
parar o Destruction, mas cheguei a ques-
tionar: ‘Será que os fãs vão querer que
eu siga em frente sem o Mike?’ Houve
um momento em que eu não sabia
como as pessoas reagiriam a isso.
Fiquei muito feliz quanto percebi
que a maioria esmagadora das
pessoas apoiava nossa continui-
dade, pois você não tem como
fazer isso sem os seus fãs.
brigas entre vocês, não foi mágoa ou
ressentimento que os afastou.
Schmier: Não, não tivemos e nem
temos nenhum problema, somos
amigos há mais de quarenta anos e
continuamos assim, apenas não to-
camos mais juntos. Acho que mesmo
que tentássemos não conseguiríamos
ficar brigados (risos).
Outra coisa muito boa é que Dia-
bolical é um álbum esmagador, puro
thrash germânico, visceral e brutal.
Quer dizer, se havia dúvidas sobre como
a banda soaria sem Mike, este disco
dissipa todas as nuvens negras.
Schmier: É verdade, e também temos
essa noção de que este é um dos álbuns
mais pesados da nossa carreira. Depois
as pessoas nos dirão se é um dos me-
lhores também, mas que é mais pesado,
não há dúvida (risos gerais). Mas veja, eu
entendo que algumas pessoas tenham fi-
cado com dúvidas sobre como soaríamos,
afinal Mike sempre esteve ali. Porém,
quem observar a história do Destruction
vai perceber que eu sempre estive no
comando quando a banda soou thrash.
Quando eu saí, nos anos 90, foi aí que o
Destruction mudou e começou a incor-
porar novas influências em sua música,
lançando alguns álbuns meio diferentes.
O Destruction sempre foi a minha visão
musical. Foi ótimo trabalhar com Mike,
ROADIECREW.COM • 57
 mas ele sempre pensou diferente, sempre
quis algo mais progressivo ou classic
rock, com o que nunca concordei.
E aqui eu gostaria de acrescentar
algo, pois nessa época a que você se re-
fere, você estava com o Headhunter, que
era uma usina thrash absurda de boa.
Schmier: Bem lembrado e obrigado
pelo elogio. Mas foi isso mesmo, eu até
convidaria aqueles que não conhecem
o Headhunter a ouvirem nossos álbuns,
tem muito thrash germânico ali, nós
colocamos muito trabalho naqueles dis-
cos. E foi isso, sem mim o Destruction
havia saído do thrash e eu permaneci
no estilo com o Headhunter. Quando
voltei ao Destruction, voltamos a tocar
thrash metal! Quer dizer, por mais que
eu entenda, não havia porque terem
dúvidas, enquanto eu estiver aqui esta
banda vai soar thrash! Eu simplesmente
jamais conceberia o Destruction como
uma banda de qualquer outro gênero,
ou somos thrash ou não somos nada!
Que bom que Diabolical tenha vindo
para mostrar isso.
Divulgação
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58 • ROADIECREW.COM
E mostra logo de cara. Quer dizer,
Under the Spell é uma bela intro, com
linhas instrumentais reais e é seguida
pela faixa-título, que já inicia com você
cuspindo os pulmões pela boca.
Schmier: Adorei isso (rindo muito).
Esse é o começo clássico de um disco do
Destruction, até temos uma introdução
épica, mas em seguida é um thrash furioso
e rápido, com riffs destruidores e, claro,
se eu não der aquele grito no começo,
ninguém saberá que sou eu cantando (risos
gerais). É Destruction clássico, quando ouvi
pela primeira vez essa música gravada,
pensei na hora: ‘Uau, é assim que essa ban-
da tem que soar, é de música assim que eu
gosto!’ Música feiona e porrada, sabe?
Sim, gosto da mesma coisa.
Schmier: Disso não tenho dúvida
(risos gerais). Bom, assim que decidimos
que ela seria a abertura, começamos a
trabalhar na intro. Aquilo que você ouve
em Under the Spell nada mais é do que
melodias do refrão traduzidas para um
violão, algo bem simples, mas que funcio-
nou muito bem!
“O Destruction sempre foi a minha visão
musical. Foi ótimo trabalhar com Mike,
mas ele sempre pensou diferente, sempre
quis algo mais progressivo ou classic rock,
com o que nunca concordei”
E temos duas canções que mudam
bastante o panorama do álbum em Tor-
mented Soul e The Lonely Wolf, certo?
Schmier: Sim, essas duas estão ali
para garantir a dinâmica do álbum, que
é basicamente estruturado em canções
rápidas e brutais. Tormented Soul tem
uma vibração ótima para tocar ao vivo,
pois é cheia de groove nas guitarras.
Curiosamente, ela é a favorita do Andy
Black, que é o baterista, ele vivia falando
em tocá-la ao vivo (risos). Já The Lonely
Wolf tem uma vibração única que vem da
letra, que fala sobre esses momentos da
vida em que você está sozinho, não tem a
quem recorrer, mas consegue se erguer e
lutar pelo que acredita. As harmonias de
guitarra são bem na veia NWOBHM, mas
com uma ambientação totalmente thrash.
Para encerrar, sabemos que este
não é um álbum temático, mas alguns
títulos de canções, como No Faith in
Humanity e a sequência Hope Dies
Last, The Last of a Dying Breed e State
of Apathy, parecem lidar com o estado
de ânimo que temos hoje.
Schmier: É, você está certo. Eu não
queria escrever nada diretamente rela-
cionado à pandemia, já que isso já está
o tempo todo na nossa cara de qualquer
maneira, mas não tinha como fugir. Então,
em vez de falar sobre a pandemia, escrevi
sobre as coisas que ela trouxe até nós, as
sensações que ela despertou:
medo, ansiedade e depressão,
mas também esperança, luta,
solidariedade. Isso era
muito mais importante
pra mim do que a merda
que estava acontecendo.
Todas essas letras têm um viés
positivo. É importante manter a es-
perança em uma época tão dura, pois
todos temos que seguir em frente.
Obrigado pelo cover de City Baby
Attacked by Rats (GBH).
Schmier: Disponha (risos gerais). Es-
tava demorando pra você falar dela. Você
sabe, City Baby Attacked By Rats foi um
dos álbuns de punk rock mais importan-
tes da história e um dos meus favoritos.
O GBH sempre foi uma das maiores in-
fluências do Destruction, e já fazia tempo
que queríamos gravar essa música, mas
da última vez que faríamos, o Arch Enemy
fez antes (risos gerais). Agora é a nossa
vez, então finalmente está aí!
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BLiNd
Ear Por Thiago Prata •Fotos: Divulgação
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Dimmu Borgir
PROGENIES OF THE GREAT
APOCALYPSE
DEATH CULT ARMAGEDDON
“(Em um segundo) Isso é Dimmu
Borgir, Progenies of the Great
Apocalypse. Isso é um clássico,
cara! Tem o Mustis (nos teclados),
tem aquele clipe polêmico – hoje
em dia não se pode nem falar desse
clipe (risos). Curto para caralho esse
estilo, Dimmu Borgir e Cradle of Filth
são escolas de teclado. Todo mundo
que manda um black sinfônico
bebeu dessa fonte, não tem como
negar. Admiro muito o lugar que o
Mustis alcançou. Musicalmente,
Stian Aarstad me influenciou mais,
o cara da cartolinha (risos). Mustis é
pianista clássico, então muitas das
referências dele foram referências
para mim também. Admiro a técnica
e a criatividade dele. E o lugar que ele
alcançou no black metal é admirável.
Na época só se falava dele.”
60 • ROADIECREW.COM
(PAR AD ISE IN FLAMES/D.A.M)
Uriah Heep
LADY IN BLACK
SALISBURY
“Não faço a menor ideia do que seja
isso, parece um country, sei lá. (RC:
Isso é anos 70). Anos 70? (N.R.:
Guilherme continua ouvindo). Cara,
vou usar minha ‘racionalidade’. É
uma banda progressiva dos anos 70,
deve ser Yes ou Gentle Giant (risos).
(RC: Não). Minha formação de rock
clássico é uma merda (risos). Não
conheço mesmo. (RC: Isso é Uriah
Heep, a música é Lady in Black). Ah,
Uriah Heep. Sei que é famosão, mas
nunca havia escutado. Eu gostei,
tem uma pegada meio country. Eles
possuem mais baladas assim? (RC:
Têm muitas. É uma banda de hard
rock). Meu conhecimento dessas
bandas dos anos 60 e 70 é ‘quase
nada’. Só para você ter ideia, eu só fui
ouvir os quatro primeiros discos do
Led Zeppelin no início deste ano. Vou
ouvir o Uriah Heep.”
GUILHERME DE ALVARENGA
Children Of Bodom
HEXED
HEXED
“Isso é coisa daquele death metal
sueco, At the Gates, In Flames... (RC:
Não é). Mas é influenciado por eles,
não? Esse riff... Que mistura é essa?
A voz é do Alexi Laiho. Mas não é
uma música que eu me lembre do
Children of Bodom. Tem teclados.
Ah, é Children of Bodom, do Hexed
(2019). Esse ouvi pouco. Cara, que
doido isso aí, acho que eles puxaram
um pouco o death sueco no começo
da música. Só que quando entraram
a voz e os ‘cravinhos’ ficou com a
cara do Children of Bodom. Sem eles
não teria o D.A.M. Quando ele (Alexi)
morreu em 2020 foi tipo: ‘Mais um
que não vou conhecer pessoalmente.’
Assim como foi com o Andre Matos.
Pelo menos duas semanas atrás
conheci o Bruno Maia, do Tuatha
de Danann (N.R.: este Blind Ear foi
realizado no fim de agosto).”
Rick Wakeman
CATHERINE OF ARAGON
THE SIX WIVES OF HENRY VIII
“(RC: Isso também é anos 70).
Agora é um progressivo. Que foda!
Parece Keith Emerson. Ou Rick
Wakeman. O que eu chuto? (risos) É
Rick Wakeman, né? Acertei! (risos).
Essa música está mais puxada
para o Keith Emerson. Porque
geralmente ele coloca uma coisa
mais neoclássica, e essa está mais
com compassos quebrados. (RC: É
do primeiro álbum solo dele). The
Six Wives... (1973), né? Imaginei
que fosse dele. Ouvi bastante a
discografia dele no Spotify, mas
foi bem recente. Na pandemia eu
buscava ‘antigas novas’ referências.
Progressivo para mim é faca de dois
gumes. Quando era mais novo, eu
não conseguia escutar dois minutos.
Hoje em dia eu já acho mais doido
porque pego para estudar, com
pensamento de instrumentista.”
Tuatha De Danann
CONJURA
THE TRIBES OF
WITCHING SOULS
“Isso é Tuatha de Danann. É
o violãozinho celta do Bruno
(risos). Dá para reconhecer
na hora, as frases dele são
inconfundíveis. Após o show no
Mister Rock (casa de show em
BH), deu para falar com ele: ‘Você
é foda, obrigado pela inspiração!’
E Tuatha, para qualquer pessoa
que é do interior de Minas, não é
somente uma referência musical,
é uma esperança. Muitas bandas
hoje fazem essa mistura, mas
você lançar algo no fim dos anos
90 e soltar uma ‘braba’ daquelas,
algo meio medieval com metal,
era genial. O Tuatha no começo
era uma mistureba, doom, meio
power metal, aí entrava algo
meio celta. Eu gostava bastante
daquele estilo também.”
 After Forever
MY PLEDGE OF ALLEGIANCE
#1 (THE SEALED FATE)
DECIPHER
“Já ouvi isso, tenho certeza. Esse
toquezinho árabe. (N.R.: Guilherme
cantarola o riff). É After Forever. Sa- certeza. (RC: Isso é banda mineira).
bia, já ouvi esse álbum pra caralho.
Quando eu era mais novo, só conhe-
cia a segunda música (Monolith
of Doubt). Esse disco é fantástico,
Floor Jansen está destruindo no
vocal. Os arranjos de teclado são
muito massa. E ainda tem o Mark
Jansen na guitarra. (RC: O que
você acha da Floor no Nightwish?).
Cara, eu acompanhei pouco. É
uma cantora fantástica, está indo
até para um lado mais youtuber
agora. Do que conhecemos no
metal, em nível técnico ela é uma
das mais absurdas. Uma dedicação
muito grande que dá para ver. É
Acesse
uma grande cantora – literalmente,
inclusive (risos).”
The Mist
MY INNER MONSTER
THE CIRCLE OF THE CROW
“(RC: Essa você não pode errar).
Vixi! Ah, caramba. Já escutei
isso. Caralho, já escutei com toda
É mesmo? Isso é The Mist. Ah,
sabia que já tinha ouvido isso!
(risos) É música do Megale (risos).
(RC: Se você errasse essa, acabava
o D.A.M). Ia dar briga em casa
(gargalhadas). (N.R.: Edu Megale
é guitarrista do D.A.M e do The
Mist). Ouvi essa música antes de
lançarem, e Megale me perguntava
o que eu achava dela. Eu acho massa
demais. O Edu somou demais ao The
Mist, é um guitarrista mágico. Nós
dois entramos em bandas de BH,
mudando essas bandas, ele no The
Mist, e eu no Paradise in Flames. Está
rolando o solo agora, é do caralho. O
nosso
Edu e eu temos muitasCanal
referências de noblack,
guitarra parecidas.”
Megadeth Angra Death
NIGHT STALKERS LATE REDEMPTION PAINKILLER
THE SICK, THE DYING... TEMPLE OF SHADOWS THE SOUND OF PERSEVERANCE
AND THE DEAD! “Por esse violãozinho e essa grava- “Isso é Painkiller, mas tem que
“A voz parece Mustaine. É Mega- ção deve ser Angra. Reconheci pela ver qual versão. Angra ou Death?
deth! A voz dele é inconfundível. gravação. Essa música é fantástica. É do Death. Não me lembrava
Para o bem ou para o mal. A voz Esse disco tem um ‘quê’ conceitual. desses agudos, mas está mais
de caras como Ozzy, Kai Hansen e Eu gostava menos dele quando saiu rasgado. Não é o Andre, não,
Mustaine são tão icônicas para mim, do que gosto hoje em dia. Estava tinha que chutar Death que era
sobretudo a do Kai Hansen, escutei esperando um ‘Rebirth 2’ na época. mais seguro (risos). Não conhecia
muito Gamma Ray na minha vida... Achei foda a primeira música, a Judas Priest até o ano passado,
Tem uns solos do Kiko (Loureiro) segunda também. Mas quando pirei demais, tem coisa ali que é
‘fritando’ nessa música. É do disco chegou na terceira já começou melhor que Maiden. Screaming
novo? (RC: Sim.). Mas na verdade eu aquela coisa prog. E eu que era ‘true for Vengeance (1982) é sensa-
não conheço muito de Megadeth, power metal’ achei estranho. Só que cional. A Painkiller do Angra é
uns três ou quatro álbuns. O Rust in depois que fiquei mais maduro passei como você ouvir uma Painkiller
Peace (1990) é o que todo mundo a apreciar mais. Igual com o Holy ‘limpinha’ (risos), muito técnica.
escuta. Escutei muito também Land (1996), que só depois que eu É nostalgia pura. Sobre o Dea-
Cryptic Writings (1997). Gosto da vi mesmo o que os caras fizeram. th... Eu tenho até a camisa de
música Trust e também da She-Wolf. É foda demais. (RC: O que acha do futebol do Death, gosto ‘pouco’
Mas minha escola musical era mais Milton Nascimento nessa música?). da banda (risos). Ouvia uns
voltada para power metal, metal Cara, era uma mistura inesperada, cinco discos deles direto, como
finlandês e uns ‘gatos pingados’ de mas que ficou ótima. E o Milton Symbolic (1995). Muita coisa de
Telegram:
thrash... Escola de cadat.me/BRASILREVISTAS
um é Nascimento é tão grande lá fora que guitarra do D.A.M eu tirava da
uma coisa doida.” não conseguimos nem mensurar.” influência do Death.”

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RECEITA DE (MAIS)
Banda mineira conecta passado e presente com o explosivo Recipe of Hate
Por Thiago Prata
Acompanhe a cronologia: após 7TH
(2018), o Drowned partiu para uma turnê,
com grande parte do repertório calcado
nos icônicos Bonegrinder (2001) e By the
Grace of Evil (2004) e que rendeu o ao
vivo Damned Alive (2020), soltou um ál-
bum de covers, Background Soundtracks
Vol. 1 (2020), e lançou o EP Confinement
by Sickness (2020), registros que resga-
taram a química emanada nos primeiros
trabalhos da banda. Recipe of Hate,
oitavo disco de estúdio desta instituição
mineira, é a consequência natural de
uma nova era de brutalidade do grupo
de death/thrash. E com um ingrediente
adicional: a maturidade adquirida em
mais de duas décadas de trajetória.
Fatores que ajudam a explicar o porquê
de Fernando Lima (vocais), Marcos Amo-
rim e Rafael Porto (guitarras), Rodrigo
Nunes (baixo) e Beto Loureiro (bateria)
terem criado um álbum que remete ao
passado da banda, sem deixar de soar
atual. Aliás, bota atual nisso!
O ao vivo Damned Alive é resultado
de shows com muitas músicas de Bone-
62 • ROADIECREW.COM
ÓDIO
grinder e By the Grace of Evil. E os fãs
parecem ter um sentimento especial por
esses dois álbuns. Para a banda, o quão
fundamental são esses dois discos?
Marcos Amorim: Bonegrinder é uma
boa estreia de uma banda. É candidato
a clássico mais facilmente. E em By the
Grace baixou o ‘espirito do mal’, é meu
disco preferido até hoje.
Fernando Lima: By the Grace é como
se fosse um Bonegrinder arranjado de
forma diferente. Tem alguns cuidados
em determinados pontos que não víamos
no início da banda. Aprendemos com o
tempo. É um dos nossos melhores discos.
Rafael Porto: Para mim, Bonegrinder
representa o começo, uma época em que
a gente queria fazer algo diferente. Já By
the Grace traz algo mais avançado, de
uma maneira mais técnica.
Rodrigo Nunes: A gente não se preo-
cupava em se deixar guiar para um lado
ou outro da música. Bonegrinder surpre-
endeu de certa forma porque não tinha
outras bandas fazendo aquilo. Quando
se falava em death metal dos anos 90,
se pensava em coisas como Obituary. A
gente foi para outro lado... Quando fomos
à Galeria do Rock de São Paulo, colocá-
Thiago Albuquerque
Fernando, Rodrigo, Rafael, Marcos e Beto:
“quebrando” ossos há mais de duas décadas
vamos o disco para tocar, e a galera dizia
que era algo bem diferente do que estava
acostumada a ouvir.
E vocês conseguem fazer uma
conexão de Recipe of Hate com esses
discos clássicos?
Marcos: Vejo demais nossa cara nas
músicas de Recipe of Hate! Há uma cone-
xão histórica com os primeiros álbuns,
tem uma espinha dorsal que remete aos
primeiros discos. Mas com certeza agora
a gente toca melhor e entende melhor as
dinâmicas da música. Não caímos mais
em ‘alguns buracos’, não desperdiçamos
mais energia para chegar a uma música.
É disparadamente nosso álbum mais bem
tocado e um dos mais maduros.
Fernando: Quando se tem uma ideia
e vontade de fazer acontecer, mesmo com
a adversidade que for, pode-se fazer um
disco bom, direto e agressivo, com temá-
tica muito massa. É um disco explosivo,
só que mais bem composto, mais bem
tocado e com arranjos melhores.
Fiz essa pergunta também pelo
fato de ser o mesmo time que gravou
Bonegrinder, Butchery Age (2003) e By
the Grace of Evil. É possível relacionar a
química entre vocês com o passado?
Rodrigo: Senti o mesmo clima de
antigamente neste disco. Nossa conexão
não mudou. O que vejo de diferente é a
produção. Nem acho que estamos tocan-
do melhor. Vejo o Drowned de sempre, e
as composições estão muito boas. Recipe
é um grande candidato a ganhar de By
the Grace.
Fernando: A impressão que deu é que
cada um fez o melhor que podia de sua
própria casa, com muita garra, em meio
à pandemia. Eu fazia um vocal e não
parava de cantar até atingir o máximo
de raiva possível. Cada um fazia com o
máximo de garra, de forma bem enérgica.
Isso tudo mostra o espírito da banda.
Rodrigo: Além da música, passamos
por muita coisa em nossa história, e isso
nos uniu demais. Foram muitas viagens,
foi necessário dormir no chão, fazer de
tudo para tocar. Essa formação pegou
aquele início bem precário...
Marcos: A gente pensa muito
parecido. E não somos uma banda
que briga. A gente discorda, mas não
briga. Não tem um veto. Até acho que
se tivesse um veto dentro da banda,
não teríamos entrado em muita lama
(risos). Um veto poderia ter nos ajuda-
do em algumas situações.
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Que tipo de situações seriam essas?
Marcos: Algum show horroroso
(N.R.: referindo-se a condições técni-
cas e aparelhagem de uma casa
de shows), uma viagem que não
deveria ter sido feita, um trans-
porte arriscado...
Fernando: Mas a gente está
aprendendo agora (risos).
Rafael: São mais de vinte anos
tentando aprender... (mais risos)
Marcos: Agora que somos mais
velhos, com mais noção, a possibilidade de
não cair em armadilhas é mais alta. É igual
jogador velho, que não vai atrás da bola, a
bola é que tem que correr um pouquinho.
Embora o Drowned tenha cunhado
várias músicas com críticas políticas,
sociais e religiosas em sua carreira,
Recipe of Hate me soa como o mais forte
e direto neste sentido.
Marcos: Você está certo, a gente
sempre foi assim, sempre abordou esses
temas em nossos álbuns. Mas agora
precisávamos falar de forma mais clara.
E tem gente que não sacou até hoje que
falamos das mesmas coisas.
Fernando: Estamos num ponto da
vida, diante de acontecimentos atuais,
em que é preciso um entendimento, algo
que ‘bata’ na orelha e faça o cara pensar
em tudo que está acontecendo. A reali-
dade está uma merda mesmo, não tem o
que esconder ou mascarar.
Marcos: O mundo é mais caótico
agora. Existe um ‘patrulhamento’ em que
não se pode falar o que pensa. Só que a
gente não liga para isso, estamos cagando
para esse ‘patrulhamento’.
Algumas músicas, como Hail, Cap-
tain Genocide! e Doctor Horror Medical
Group, foram apresentadas antes de
o álbum sair. Como foi a repercussão
junto ao público?
Fernando: Quem já acompanhava
o Drowned curtiu bastante ouvir a
formação clássica. E, pelo teor das letras,
tem uma turma que curtiu mais ainda.
Teve quem falou mal, teve também quem
não curte metal e já fez questão de fazer
‘patrulhamento’, oposição ao Drowned. O
que me espantou bastante foi que muita
gente do metal disse que não há lugar
no metal para temas políticos, religiosos
RECIPE OF HATE
Cogumelo/Greyhaze - Nac.
e sociais. Não pode por quê? Até o Iron
Maiden fazia isso, quem não se lembra
da capa do Eddie matando a Margaret
Thatcher?
Rodrigo: Tem gente que diz que não
pode misturar. Então, se não pode, o
Drowned vai e mistura. Parece que nunca
ouviram Napalm Death ou Kreator. Não
damos ouvido a esse tipo de gente.
Marcos: A gente critica quem precisa
ser criticado. Se você acha que alguma
coisa está errada, é livre para falar. So-
mos um país livre, dentro dos limites da
lei, e cada um tem, sim, o direito de falar
o que acha das coisas. Tem ‘homenagem’
para a religião também. Aliás, o Brasil
conseguiu essa tragédia de unir o pior
da política com o lado mais sinistro da
religião, que manipula e coordena ações
para atingir seus interesses.
O álbum abre com um riff brutal.
E abrir com um riff assim é algo que
muito fã adora, inclusive eu (risos).
Mas Death Rounds the Fools também
conta com aqueles arranjos e melodias
tradicionais do grupo.
Marcos: Eu senti que o disco
precisava ter muito riff. 7TH não tinha
tanto quanto eu gostaria. E queria que
caprichássemos nisso. Acho que a gente
conseguiu, e esse era o objetivo com
Death Rounds, que abrisse o disco como
um ‘soco na cara’.
Depois, temos a faixa-título, com
aquele início death metal que remete
ao passado, mas sem deixar de ser atu-
al, tanto pela pegada quanto pela letra.
Marcos: Recipe começa até com
metranca! Percebemos nela uma cara
de faixa-título. Não que seja a melhor
por ser a faixa-título, mas é meio que
uma síntese do álbum. Uma música que
escolhemos até para fazer um vídeo.
A gente veio perceber uma transfor-
mação social do Brasil por meio
da religiosidade comercial. Foi
uma das primeiras músicas que
fizemos para o disco.
Sobre a maturidade adqui-
rida pela banda, como é para você,
Fernando, saber dosar bem os
vocais para atingir um resultado
como o apresentado em The Red
Needle? Qual o maior segredo para
atingir esse nível?
Fernando: Acho que um dos
pontos importantes para isso foi o
aprendizado que tive gravando os
vocais sozinho em casa. Consigo fa-
zer o melhor take. Se não sai como
eu queria, paro, penso melhor no
arranjo, trabalho uma ideia melhor e
volto a tentar. O vocal vai mudando
naturalmente com o tempo, vai fican-
do mais velho e menos agudo. Consigo
trabalhar em casa a meu favor, fazendo
tudo sob outro prisma.
Agora, falando um pouco de Ba-
ckground Soundtracks Vol. 1., quais
daqueles covers foram os mais inusita-
dos, tanto na visão de vocês quanto na
percepção do público? E quando sairá
o volume 2?
Marcos: Temos mais covers gravados,
mas não a ponto de já fazer um disco
novo. Temos um bom começo para um
volume 2. Não sei se sairá em um ou dois
anos, mas o projeto vai sair. Com relação
aos que fizemos no volume 1, talvez os
dois covers mais inusitados sejam os do
Titãs (Lugar Nenhum) e do Metallica (Un-
til it Sleeps). Quando alguém faz cover de
uma música do Metallica, geralmente é
dos três primeiros ou do ‘Black Album’. A
gente foi no Load... (risos) Ficamos na dú-
vida do que viria, mas quando ouvimos a
bateria, vimos que ficaria legal.
ROADIECREW.COM • 63
Sebastian Abildsten, Mattias Melchiorsen, Svend Karlsson, Lasse
Revsbech e Simon Olsen, sangue novo no metal dinamarquês
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Quinteto mostra toda a força do death metal escandinavo
em uma discografia poderosa e crescente
Por Valtemir Amler
Quando Hamlet, em crescente deses-
pero, clamou que havia “algo de podre
no reino da Dinamarca”, ele certamente
não tinha como saber que algo ainda
muito mais vil viria daquelas terras
escandinavas. Representado antes – nos
anos 90 – por pioneiros como Illdisposed,
Konkhra, Dominus e outros (você conferiu
parte dessa história na entrevista com o
baixista Kaspar Boye Larsen, do Volbeat,
na edição 266 da ROADIE CREW), o hoje
famigerado death metal dinamarquês ga-
nhou novos líderes na atual geração, que
revelou ao mundo bandas como Livløs,
Phrenelith, Sulphurous, Chaotian, Taphos,
Hyperdontia, Undergang e Baest, banda
nascida em 2015 em Midtjylland e que de
certa maneira tem liderado essa nova ge-
ração com a força dos seus já três álbuns
completos e mais três EPs, todos repletos
do mais puro, abjeto e podre death metal
old school, tão podre quanto Hamlet
jamais teria sido capaz de sonhar. Para
64 • ROADIECREW.COM
“HÁ ALGO PODRE NO
REINO DA
DINAMARCA”
saber mais sobre os segredos dessa nova
geração, conversamos com Simon Olsen,
ex-vocalista do Livløs e que desde 2015
tem encarnado com perfeição a voz tu-
mular que leva adiante uma das melhores
máquinas de death metal da atualidade.
O Baest tem sido uma das grandes
responsáveis pelos holofotes que hoje
estão sobre a cena dinamarquesa de
death metal. Por isso, acho importante
revermos alguns detalhes da sua histó-
ria, pode ser?
Simon Olsen: Claro, é um prazer. A
Baest nasceu em 2015, originalmente
como Bæst. Não é uma grande diferen-
ça, a pronúncia ainda é a mesma, mas
percebemos que a grafia dinamarquesa
confundia muito os fãs de outros países,
então simplificamos para a forma atual.
Bom, a história é a seguinte: os dois
guitarristas, Svend Karlsson e Lasse
Revsbech, se conheceram em um bar.
Svend viu que Lasse estava usando uma
antiga camiseta do Death e na hora pen-
Divulgação
sou algo como ‘esse cara deve ser legal,
vou tentar falar com ele’ (risos). Depois
de algumas cervejas e muita conver-
sa, ambos decidiram que, já que eram
guitarristas e tinham o mesmo gosto
musical, deveriam se encontrar e escre-
ver juntos alguns riffs para ver no que
dava. De cara eles perceberam que tinha
muita química ali e então decidiram for-
mar uma banda. Svend trouxe Sebastian
Abildsten (bateria), que ele já conhecia
há algum tempo. Lasse havia estudado
com Mattias Melchiorsen, que assumiu
o baixo. E eu frequentava aquele mesmo
bar do início da história. Quando eles
estavam procurando por um vocalista,
me viram naquele bar me esgoelando
em alguma música do Pantera (risos) e
deve ter sido bom, pois me convidaram
naquela mesma noite (risos). Nosso
primeiro ensaio foi em outubro de 2015,
e apenas uns dois meses depois já está-
vamos tocando em um festival aqui em
Aarhus. As coisas aconteceram muito
rápido para nós desde o princípio.
 Você recorda qual banda o motivou
a mergulhar de vez no universo do
death metal?
Simon: Ah, claro... Foi o Bloodbath!
Desde a primeira vez que ouvi a música
deles, me apaixonei por aqueles riffs
típicos do HM-2 (N.R.: o pedal Boss HM-2
tornou-se lendário por seu uso em discos
clássicos de death metal, especialmente
na cena sueca dos anos 90). Claro que,
ao me apaixonar por aquela sonoridade,
acabei descobrindo todas aquelas bandas
que influenciaram a existência do Bloo-
dbath – você sabe, Dismember, Entom-
bed, Carnage, Nihilist, Grave, todas aque-
las bandas incríveis. Mergulhei também
nos clássicos dos EUA, tinha tanta coisa
para ser descoberta, tanta música ótima
que eu nunca tinha ouvido antes! Era
inacreditável, Cannibal Corpse, Deicide,
Massacre, Obituary, Death, Morbid Angel,
a lista simplesmente não acabava
nunca, ela crescia no mesmo ritmo
em que eu mergulhava no estilo. Foi
uma época incrível de descobertas
e também de aprendizado, pois não
basta apenas se esgoelar no microfo-
ne, como eu acreditava que fosse.
Conectar e mesclar as diferentes
influências que vinham dos dois
lados do Atlântico foi difícil?
Simon: No começo foi um pouco
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complicado, sim. Ainda estávamos
moldando nosso som, então era difícil
encontrar o equilíbrio, o ponto certo
de cada coisa. Não tanto para
mim, como vocalista, mas para
os guitarristas a coisa ficava
um pouco mais complicada. Você
sabe, a escola de Estocolmo tem
muito mais melodia, eles tinham
essas referências do heavy metal
clássico e tal. Já na escola de Tampa a
coisa é mais brutal, a influência vinha
do punk e do thrash. Nós amávamos am-
bos, não queríamos deixar nada de lado,
então foi um desafio encontrar um meio
termo – acho que nunca achamos, na
real... Mas creio que essa mistura entre
o lado melódico do death sueco com a
brutalidade do americano são o segredo
do nosso som, é a principal característi-
ca da nossa música.
Você citou o Bloodbath como sua
favorita, então fiquei curioso: qual
vocalista você prefere na banda,
Mikael Åkerfeldt (Opeth), Peter
Tägtgren (Hypocrisy) ou Nick Holmes
(Paradise Lost)?
Simon: Nossa, essa é difícil, especial-
mente do ponto de vista de um vocalista.
Cada um deles adicionou uma perso-
nalidade única à banda, Peter acres-
centou brilhantismo único às canções
de Nightmares Made Flesh (2004), Nick
tem uma classe absolutamente fora do
comum na sua abordagem gutural e
Mikael soa como um completo lunático
naquelas canções (risos). Então, o que
eu posso dizer? Mas, cara, o Mikael tem
tanto controle sobre o que está fazendo,
ele sabe exatamente onde quer levar a
voz e como chegar lá, então adiciona uma
dimensão totalmente nova às canções.
Nick também faz isso, adicionando aque-
la coisa meio pessimista, niilista, soturna
e depressiva dele (risos). Mas, caramba,
digamos que é Mikael Åkerfeldt, senão
vou ficar mudando de ideia pelas próxi-
mas duas horas e meia (risos gerais).
Mas fiquei realmente satisfeito com
a sua resposta, pois mostrou o quanto
cada um influenciou na sua abordagem.
Simon: É, acho que perguntas
disfarçadas arrancam as melhores
respostas (risos gerais).
JUSTITIA
Century Media - Imp.
Em 2016 vocês lançaram seu EP de
estreia, Marie Magdalene, mas aquelas
não foram suas primeiras composições
como banda, certo?
Simon: É verdade. Por volta do
Natal de 2015, nós gravamos três
canções, que foram registradas apenas
no formato de demo. Aquelas foram as
nossas verdadeiras primeiras composi-
ções, e são legais, embora ainda imatu-
ras, pois foram parte daquele processo
de encontrar o nosso som de que falei
antes. A demo foi uma experiência
e pouco depois dela começamos a
trabalhar em novas canções, essas com
uma cara mais óbvia do tipo de death
metal que queríamos praticar nos
próximos registros. Marie Magdalene
foi importantíssimo para o Baest, pois
foi ali que começamos a experimentar
de verdade com o som do HM-2, só que
usando-o no contexto do death metal
de Tampa, entende?
Claro, era a sonoridade sueca, mas
com a brutalidade americana.
Simon: Exato, a fórmula básica da
música do Baest. Marie Magdalene é o
nome de uma grande igreja na cidade
natal de Lasse (N.R.: refere-se à cidade
de Ryomgård; na lenda local, a igreja
teria sido construída por duas irmãs,
Maria e Madalena, como agradeci-
mento por terem sido curadas de uma
doença grave bebendo água de uma
fonte sagrada naquelas redondezas).
As pinturas que existem naquela igreja
foram uma grande inspiração, como A
Dança da Morte (N.R.: de Simone II Bas-
chenis, pintor italiano do século XVI).
Trouxemos uma visão mais mórbida e
blasfema para as coisas e aquele EP nos
valeu os primeiros grandes concertos
que fizemos. De fato, foi grande para
nós, embora tenhamos nos desenvolvido
muito desde então.
Necro Sapiens, que tem um
conceito muito legal, já é o
terceiro álbum da parceria com
a Century Media. Como foi
criada a temática?
Simon: Quebramos um pouco
a cabeça para escrever esse conceito.
Antes de mais nada, o Necro Sapiens
é uma espécie escrava nesse universo
criado para o álbum, um universo
pós-apocalíptico, que foi inspirado
por 1984, de George Orwell. Os Necro
Sapiens habitam a terra, que agora é
governada pelos Czar, que aparecem
no título de uma das músicas do
álbum. As faixas todas se conec-
tam aos momentos dessa história.
Por exemplo, em Abbatoir – que na
história é o nome do parlamento –, os
Necro Sapiens têm sua identidade,
seu direito de pensar livremente e sua
iniciativa própria tolhidas pela elite
política dominante, os Czar. Esses domi-
nantes criam toda uma história e uma
religião mentirosas para justificar seu
domínio sobre os Necro Sapiens, como
contamos em Genesis, e assim por diante.
É, também gosto dessa história e foi um
desafio interessante para nós.
Para finalizar, por que você acredita
que o metal dinamarquês voltou aos holo-
fotes, e justamente com seu death metal?
Simon: Bem, acho que a Dinamarca
sempre teve muitas pessoas criativas e
músicos talentosos. Veja King Diamond,
Mercyful Fate, Artillery... Ficamos em
silêncio durante tempo demais, sem que
ninguém olhasse para nós. Talvez a culpa
seja mesmo nossa, pela nossa natureza
mais retraída. Mas acho que a melhor
ferramenta para romper esses anos de si-
lêncio seja a brutalidade do death metal,
e estamos fazendo isso, o que me deixa
muito satisfeito e feliz.
ROADIECREW.COM • 65

Chris Laney passeia com o At the Movies pelos anos 1980 e
Por Daniel Dutra
Não importa se você
tem mais de 40 anos e
viveu a década de 1980 ou
se é da geração seguinte
e respirou os anos 1990. O
At the Movies coloca um
sorriso no rosto ao trazer
de volta boas lembranças,
e é isso que proporcionam
Chris Laney
os discos Soundtrack of Your
Life – Vol. 1 (2020) e Soundtrack
of Your Life – Vol. 2 (2021),
recém-lançados no Brasil.
Resumindo, você precisa
conhecer o projeto de Chris
Laney (guitarra, Pretty
Maids), Allan Sørensen (ba-
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teria, Pretty Maids), Morten
Sandager (teclados, ex-Pret-
ty Maids), Björn “Speed” Strid
(vocal, Soilwork e The Night
Flight Orchestra), Linnéa Viks-
tröm Egg (vocal, Therion), Pontus
Norgren (guitarra, Hammerfall) e Pontus
Egberg (baixo, King Diamond). E Laney
também explica por quê.
O At the Movies é resultado direto
da pandemia, mas como foi dar forma
ao projeto?
Chris Laney: Foi muito fácil, porque
era por diversão, e rápido, porque eu esta-
va entediado demais a ponto de estar um
dia assistindo a um filme com a minha
esposa, começar a batucar nas pernas
e ela me mandar para o estúdio (risos).
Trabalhei na primeira música, Pop Goes
My Heart, uma canção pop bem brega do
filme “Letra e Música” (2007), com o Hugh
Grant. É muito brega, mesmo, mas sem-
pre gostei dela e tinha curiosidade de sa-
ber como seria se o Def Leppard a tivesse
gravado, sabe? Mandei para o Allan e o
Björn e disse que deveríamos fazer algo
divertido. Em seguida, liguei para outros
amigos, como os dois Pontus, porque os
conheço desde os anos 1990, tivemos até
uma banda juntos chamada Zan Clan,
com o Zinny Zan, do Shotgun Messiah,
e sabia que não eles estariam em turnê.
Todos toparam gravar uma música, sen-
do que eu e Allan pensamos que talvez
66 • ROADIECREW.COM
AUMENTE O SOM E
PEGUE A PIPOCA
Das telas do cinema para o aparelho de som:
pelo que a década de ouro fez também nos anos 1990
fosse legal termos guitarristas,
vocalistas e baixistas diferentes,
mas depois do primeiro ensaio,
pensamos: ‘De jeito nenhum!
Essa é a nossa banda!’, e
assim fomos de três para
22 músicas!
Entrevistei Björn Strid
meses atrás para falar sobre
o Night Flight Orchestra, mas
perguntei sobre At the Movies, e
ele disse que você é o cérebro por
trás de tudo. Então, me pergunto
se era algo que você já queria
fazer antes da pandemia...
Chris: Não! Fui puramente
acidental! Acontece que o Allan,
que também tocava no Pretty
Maids, havia acabado de com-
prar microfones para a bateria
dele e me mandou um arquivo to-
cando qualquer coisa para testá-los,
e eu disse que estava tudo er-
Allan Sørensen
rado, porque ele não entende
absolutamente nada de microfones (risos).
Tive de ensiná-lo a microfonar a bateria,
então ele curtiu quando mandei a Pop
Goes My Heart, mas disse que
deveríamos fazer algo a mais,
e foi aí que surgiu a ideia: ‘Se
vamos fazer algo, deveríamos
fazer músicas de filmes’, porque
tínhamos acabado de assistir
a “Rocky – Um Lutador” (1977).
Enquanto conversávamos sobre
isso, ele perguntou: ‘E quem vai
tocar?’, e eu mencionei o Morten,
que tocava teclado no Pretty
Maids antes de mim, afinal, eu
roubei o emprego do cara! (risos)
Somos todos como irmãos, e é tão
bom tocar com pessoas que você
ama! Até mesmo o nome da ban-
da foi acidental, e foi por causa
daquela primeira música. Eu
estava na internet pesqui-
sando sites gratuitos onde
poderíamos fazer artes como
um pôster de filme, e quase to-
dos eles tinham escrito “at the
movies”, aí pensei: ‘Esse nome
é perfeito!’. Acredito que tudo
acontece por uma razão.
Björn “Speed” Strid
Devo dizer que o primeiro álbum foi
uma das melhores coisas que ouvi em
2020, porque trouxe ótimas lembran-
ças. Além de ter crescido com aquelas
músicas e filmes, eu realmente precisa-
va daquelas memórias num momento
tão difícil. Enfim, como foi a década de
1980 para você?
Chris: Tragam os anos 1980 de volta!
(risos) Eu tive os melhores momentos da
minha vida naquele período! Eu tinha 8
anos em 1980, mas também tinha 18 em
1989, então imagine só! (risos) A melhor
música, todo videoclipe tinha mulher
bonita, todas as músicas tocavam nas
rádios, podíamos usar cabelos com-
pridos e esmalte, porque nós éramos
mais bonitos do que as garotas naquela
época! (risos) Neon e alegria, e essa é a
parte que eu mais sinto falta: a alegria.
A vida era boa. Basta ver os filmes e,
também, as séries, como ‘Dallas’, que
tinha intrigas, mas muita vodka, as pes-
soas dirigiam os melhores carros, e todo
mundo tinha o cabelo bonito (risos). Eu
mataria para ter os anos 1980 de volta!
Há muita gente tentando fazer isso, mas
que não era nascida naquela época,
então não sabe como. Mas nós
sabemos! (risos)
Eu sou só um pouquinho
mais novo que você, mas
entendo bem o que você
falou. Há uma conexão senti-
mental que é difícil explicar.
Por exemplo, esta semana
eu assisti novamente a “De
Volta Para o Futuro” (1985), na
Netflix, só pelo prazer de reviver
a experiência. E revisitar
Morten Sandager
filmes dos anos 1980 é algo
que faço com frequência, Isso
acontece com você?
Chris: Cara, eu nem
sei quantas vezes já vi “De
Volta Para o Futuro”! Sempre
assisto a esses filmes, porque
também são bastante repri-
sados nas TV. A minha esposa
trabalha na indústria cinema-
tográfica, e ela sempre chega
em casa falando ‘Tenho um
filme novo!’, e eu só respondo:
‘Fique quieta, por favor. Está
passando “Rocky II”!’ (risos).
Eu nem preciso
perguntar, mas apenas
dizer que agora entendo
por que seus dois discos
solo (N.R.: Pure, de
2009, e Only Come Out
at Night, 2010) são uma
viagem de volta aos
anos 1980. E isso, claro, é
um elogio...
Chris: Eles foram a minha
forma de homenagear a música
que eu amo. É o mesmo que o Ronnie
Atkins está fazendo agora, porque não
é o heavy metal com o qual as pessoas
estão acostumadas. É mais pop. Se você
gosta do rock dos anos 1980, aquilo é pop
com cabelo comprido e spikes! (risos)
Falando sério, olhe até mesmo o Judas
Priest, cara! Pense em United e Living
After Midnight, que são pop, mas isso
não importa desde que sejam boas
músicas. Nos meus discos solos,
quis fazer algo que fosse fora do
estilo, mas sou eu. Por isso, usei essa
belezinha aqui (N.R.: Laney mostra
o Rockman by Tom Scholz, pequeno
e famoso amplificador criado pelo
guitarrista do Boston), que estava
em todos os discos dos anos 1980. Foi
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usado no Eliminator (1983), do ZZ Top,
no Hysteria (1987), do Def Leppard,
todo mundo usou isso aqui! Por isso,
eu digo: você pode imitar o som
dos anos 1980, mas sem esse
equipamento... Boa sorte!
E temos a década de 1990,
período difícil para bandas de
hard rock e heavy metal, mas acho
que não para filmes de trilha sonora.
Quando você decidiu pular dos anos
1980 para os anos 1990 na hora de fazer o
segundo disco do At the Movies?
Chris: Ah, nós apenas achamos que
era uma ideia legal, e eu estava pensan-
do nos filmes daquela época. Tivemos
“Uma Linda Mulher” (1990), “Um Lugar
Chamado Notting Hill” (1999), e há
músicas muito legais neles, mas a única
coisa que senti falta foi que eles para-
ram de fazer trilhas sonoras. A
última foi em “Uma Linda Mu-
lher”, porque de resto havia
somente canções dos anos
1950 e 1960, como em “Pulp
Fiction” (1995), ou músicas
grunge, então pensei: ‘Ca-
cete, por que escolhemos
os anos 1990?’ (risos).
Encontrei filmes dos
anos 1990 com muitas
músicas dos anos 1980
neles, então dissemos Pontus Norgren vocês terão 11 músicas em vez de
que são filmes dos
anos 1990, não músicas dos
anos 1990 (risos).
Interessante, porque
devo dizer que não me
lembrava de algumas
músicas muito boas
de filmes que gosto
muito, como “Uma
Linda Mulher” e “Um
Lugar Chamado Notting
Hill”, que você citou, e “Dr.
Hollywood - Uma
Linnéa Vikström Egg
Receita de Amor”
(1991). Esse é um impacto que o novo ál-
bum pode ter em algumas pessoas, certo?
Chris: E isso é meio que um pro-
blema, porque, quando tocamos uma
música desses filmes dos anos 1990,
algumas pessoas não sabem de que
filme se trata, enquanto nos filmes dos
Ainda assim, um pouco antes da
SOUNDTRACK OF YOUR LIFE - VOL. 2
Atomic Fire/Shinigami - Nac.
anos 1980 todo mundo conhece
o filme e a música. Teve uma
canção que foi um proble-
ma. Eu estava trabalhando
em duas ao mesmo tempo,
mas agora não lembro
quais eram, e quando de-
veríamos ter tudo pronto,
eles me perguntaram de
qual filme seria, por-
que eu sempre fa-
lava uma frase dele.
Pontus Egberg
Só que eu me
dei conta de que era a única
canção que não estava no
filme! (risos) (N.R.: Laney se
refere a I’ve Been Thinking
About You, do Londonbeat)
Lançamos assim mesmo, e eu
me desculpei com o público:
‘Foi mal. Fizemos merda, mas
dez!’ (risos).
E como foi para você, pessoal e pro-
fissionalmente, crescer nos anos 1980,
viver e testemunhar a era de ouro, e
depois ver o que foram os anos 1990?
Chris: Eu comecei numa banda em
1985, então pude viver um pouquinho na-
quela onda, mas foi difícil quando vieram
os anos 1990. Eu me mudei para Estocol-
mo somente por causa da música, porque
a cena musical nos Estados Unidos era
algo que eu não queria fazer. Todo mun-
do usava camiseta larga e era depressivo,
e eu não queria nada disso! Eu odiava
aquilo e não sabia o que fazer, então
parei com a música por alguns anos.
Trabalhei como chef durante dois anos e
depois comecei a fazer música pop com o
Pontus Norgren, do Hammerfall, porque
também estava ruim para ele. Ficávamos
no estúdio fazendo música para outros
artistas quando, de repente, tudo mudou
de novo. Em 2004, começamos aquela
banda chamada Zan Clan com Johan
Koleberg, Zinny Zan e o Egberg, e foi
o renascimento do que eu queria
fazer, por isso surgiram tantos tra-
balhos de produção, como os que
fiz com Crashdïet e Crazy Lixx,
porque eles queriam soar como
nós soávamos no passado. Foi fácil
para mim porque eu sabia exatamen-
te o que estava fazendo.
ascensão do grunge, ainda tivemos
grandes discos de bandas como Que-
ensrÿche, Kiss e Pantera.
Chris: Sim, e 1991 e 1992 foram os
melhores anos dos anos 1980! (ri-
sos)! Depois disso, no entanto, veio
o grunge com sua depressão e seu
som de merda, sem nenhuma grande
produção, e eu digo: ‘Fodam-se vocês
e sua tristeza e som de merda!’. Eles
faziam questão de soar como bandas
de garagem, então podiam me dar
o dinheiro que ganharam para
que a minha banda pudesse
soar melhor! (risos) (N.R.:
neste momento, começamos
a falar especificamente
sobre a paixão de entrevis-
tado e entrevistador pelo
Kiss, até acabar o tempo
da conversa). Espera um
pouco que eu preciso
pegar algo para mostrar a
você antes de encerrarmos.
(N.R.: Laney sai e retorna pouco tempo
depois). Essa é a primeira prensagem do
primeiro disco do Kiss gravado no Bell
Sound Studios. É a prensagem de teste, e
só existe essa cópia.
Quer trocar comigo? Pela minha
coleção inteira? (gargalhadas)
Chris: (rindo muito) É claro que
não! (risos)
ROADIECREW.COM • 67
 Por Antonio Carlos Monteiro
Do heavy metal para o thrash, daí
Ricardo Ferreira
para o hard rock, voltando para o he-
avy. Essa é uma trajetória que poucos
músicos podem se orgulhar de trilhar
com sucesso, haja vista as caracterís-
ticas de cada um desses estilos. Mais
complicado ainda é para o vocalista,
que não tem uma série de recursos
que os demais músicos dispõem para
timbrar seus instrumentos. E essa foi,
de forma bem resumida, a trajetória
de Steve Grimmett.
Nascido Stephen Grimmett em
Buckinghamshire (ING) no dia 19 de
agosto de 1959, sempre citou grande in-
fluência de David Coverdale Dio e Rob
Halford, mas nunca negou que “quem
me levou a ser cantor foi Elton John; eu
adorava o trabalho dele e ainda adoro”,
como confessou em entrevista ao site
VWMusic em janeiro deste ano.
O início de sua carreira foi no final
dos anos 70 com o Medusa, em plena
era da NWOBHM, mas o grupo não
passou das demos – esse material e al-
guns ensaios foram lançados em 2005
sob o nome Clash of Titans. Em 1983,
já fazia parte do Grim Reaper, mas sua
Acesse nosso Canal no Telegram: t.me/BRASILREVISTAS
primeira gravação foi Chained and Despe-
rate (1983), com a banda Chateaux. “Só que
eu nunca fiz parte oficialmente da banda”,
STEVE GRIMMETT
contou ele. “Eles estavam sem vocalista,
então fui lá, gravei e aproveitei para ver
✴19/08/1959 ✝15/08/2022
como era gravar num estúdio de 24 canais,
o que eu nunca tinha feito antes.”
Não demorou e o Grim Reaper conse-
guiu o almejado contrato, com a Ebony Re-
cords. Foram dois discos com o selo, come-
çando com o seminal See You in Hell (1984),
que até hoje é lembrando pelos fãs. “Não
sei dizer o motivo que o fez tão especial e
como ele conseguiu uma aceitação tão boa
nos EUA, único lugar onde fizemos uma
turnê naquela época”, lembrou Grimmett
em entrevista para Ricardo Batalha na RO-
ADIE CREW 141. “Chegamos a pensar que
o resto do mundo não tinha se interessado
pelo nosso trabalho, mas tempos depois
Grim Reaper Grim Reaper
See You in Hell (1983) Fear No Evil (1985)
68 • ROADIECREW.COM
obviamente sentimos que ele era especial.
Demorou alguns bons anos para sentir que
aquilo havia sido algo realmente válido.”
Fear no Evil saiu em 1985 e também
caiu nas graças dos fãs, mas aí começou
o problema com a gravadora. “Descobri-
mos que estávamos dando lucro, mas
nunca vimos a cor desse dinheiro”, disse
ele à ROADIE CREW. Na entrevista ao
VWMusic, Steve afirmou que “muita
gente pensa que sou milionário, mas a
verdade é que não vi um centavo sequer
por aqueles discos.” Depois de uma bata-
lha para se livrar da Ebony, a banda as-
Grim Reaper
Rock You to Hell (1987) In Search of Sanity (1989)
sinou com a RCA e lançou Rock You
to Hell (1987). Só que os problemas
com a Ebony e o desinteresse da RCA
para promover a banda acabaram
gerando o fim do Grim Reaper.
Foi quando Steve Grimmett
recebeu um convite para participar do
grupo de thrash metal Onslaught. A
participação rendeu apenas um disco,
In Search of Sanitiy (1989). Em seguida,
mais uma mudança radical de estilo
aconteceu quando criou a banda de
hard rock Lionsheart. Foram quatro
discos entre 1992 e 2004, com destaque
para o de estreia, autointitulado.
Em 2006, Grimmett colocou o
Grim Reaper de volta na estrada. “Em
todo lugar que eu me apresentava, as
pessoas pediam para eu tocar músi-
cas da banda, então decidi voltar.” Ele
convidou o guitarrista Nick Bowcott,
parceiro de Steve nas composições,
mas ele não quis voltar. “Melhor dei-
xar isso quieto”, teria dito ele. Então, o
vocalista acrescentou seu nome ao da
banda para as pessoas não concluí-
rem que Nick estava de volta com ele.
“Os promotores colocavam apenas
‘Grim Reaper’ no material de divul-
gação e isso acabou causando algum
mal estar com Nick, mas não foi culpa
minha.” Como Steve Grimmett’s Grim
Reaper saíram dois discos, Walking in the
Shadows (2016) e At the Gates (2019).
Em 2017, Grimmett estava no Equador
durante uma turnê pela América do Sul
para promover Walking in the Shadows
quando contraiu uma forte infecção que
levou à amputação de sua perna direita
do joelho para baixo. Recuperado, ele
voltou a se apresentar com uma perna
mecânica e amparado por uma bengala.
Sua carreira seguia normalmente até
que em 15 de agosto foi anunciado seu fa-
lecimento. Sua esposa Amelia Grimmett,
conhecida como Millie, divulgou uma
emocionada nota de despedida na qual
afirmava que ele não se encontrava doen-
te. A causa da morte de Steve Grimmett
não foi divulgada.
Onslaught Lionsheart
Lionsheart (1992)
Acesse nosso Canal no Telegram: t.me/BRASILREVISTAS
 Dorsal Atlântica: um dos principais
nomes do metal mundial
Fotos: Divulgação
O INÍCIO DE UMA
Acesse nosso Canal no Telegram:
Em plena época da ditadura, dois irmãos montam
aquela que sempre foi mais do que uma banda de
heavy metal, mas um instrumento político
Por Antonio Carlos Monteiro
Era 28 de agosto de 1962 quando
nasceu Carlos Lopes da Silva Antonio.
Morava no Rio de Janeiro, no bairro do
Leblon, que se tornaria o metro quadrado
mais caro do país. Menos de dois anos
depois, veio ao mundo seu irmão Cláudio
Lopes da Silva Antonio, que nasceu em 31
de março de 1964 – caso você não esteja
ligando “o nome à pessoa”, foi exatamente
nesse dia que aconteceu o golpe de esta-
do que deu início a mais de vinte anos de
ditadura no Brasil. Anos depois, Carlos
passaria a ser conhecido como Carlos
Vândalo e seu irmão, como Claudio Cro-
Logo a banda começou
a trabalhar o visual
70 • ROADIECREW.COM
PARTE 1
SAGAt.me/BRASILREVISTAS
-Magnon. Mas muita água rolou embaixo
da ponte antes de chegarmos até aí.
“A música entra na sua vida de forma
enviesada”, conta Carlos, que se define
como “a marca registrada da Dorsal
Atlântica”, numa entrevista longa, esclare-
cedora e divertida para este Background.
“Meus pais gostavam muito de samba e
eu lembro dos discos que eles tinham,
até porque depois eu roubei esses discos
pra trocar no sebo por discos de rock.
Clementina de Jesus, Wilson Simonal, Elis
Regina, Miltinho, Jorge Ben e até discos de
escolas de samba. Aquilo tudo foi entran-
do na minha cabeça.” E ele lembra de um
episódio marcante da história da MPB:
“Mas a música me chamou a atenção pela
televisão, vendo os festivais da canção da
TV Record. Eu lembro do Sergio Ricardo,
em 67, quebrando o violão e jogando na
plateia (N.R.: o cantor e compositor se ir-
ritou com as vaias incessantes do público
enquanto interpretava Beto Bom de Bola
e tomou a atitude radical). Eu tinha 5 anos
de idade. Então, minha entrada na música
se deu com um violão quebrado (risos). E
antes do Jimi Hendrix! (mais risos)”
Revistas como Pop e Rock, a His-
tória e a Glória também tiveram papel
importante na sua formação. E no meio
do caminho ainda houve outro episódio
marcante: “Tinha nossa madrinha, Regi-
ninha MacCartney, que a gente pratica-
mente obrigou com uma faca no pescoço
a dar pra gente os discos dos Beatles que
ela tinha. Nós sequestramos quatro LPs.”
E conclui: “Foi a primeira vez que a gente
se esforçou pra ter algo...” (risos)
Era metade dos anos 70 quando
começaram a acontecer shows de rock no
Rio. “Eram sessões à meia noite, a Sessão
Maldita. Eu e meu irmão começamos a ir.
Víamos Made in Brazil com Percy nos vo-
cais, Joelho de Porco, que tinha lançado um
disco pela Som Livre.” E foi mais ou menos
nessa mesma época, mais precisamente em
1977, que outro acontecimento se mostrou
determinante para que Carlos resolvesse
ser músico: o lançamento da coletânea A
Revista Pop Apresenta o Punk Rock, que
reunia oito bandas do gênero (na verdade,
algumas nem tanto, como The Runaways),
entre elas Ramones, Sex Pistols e Eddie and
the Hot Rods, entre outras. “Os timbres de
guitarra do punk eram diferentões, tinham
uma sofreguidão, uma urgência” define.
Foi quando ele ganhou o primeiro apelido,
Carlos Punk. “Eu era cabeludo e usava uma
pulseira cheia de tachas. As pessoas come-
çaram a falar que eu devia quebrar tudo,
botar fogo em igreja...” (risos)
O conselho
Já determinado a criar uma banda,
mas sem saber por onde começar, Carlos
teve um encontro casual com Oswaldo
Vecchione, do Made in Brazil, num daque-
les shows que costumava frequentar. “Eu
estava na fila do teatro Tereza Raquel es-
perando para entrar e chegaram Oswaldo
e Kim (N.R.: o guitarrista Celso Vecchio-
ne, irmão de Oswaldo). Eu disse que o
conhecia “das revistas e do jornal O Globo.
E falei: ‘Me dá um conselho: eu quero
montar uma banda de rock e não sei o que
faço.’ Ele olhou pra mim com uma cara
meio debochada e disse: ‘Comece.’ Aí eu
pensei: ‘É isso mesmo!’” Porém, era preciso
Marcos Animal e sua calcinha
Dorsal em ação
quebrar a resistência que havia em casa:
“Minha mãe tinha proibido a gente de
ser artista. E meu pai dizia que a gente ia
fumar cocaína e cheirar maconha (risos).”
Por volta de 1988, o Made in Brazil fez
um show no Rio e a Dorsal foi uma das
bandas convidadas a abrir. “O Anjo Caído,
de Brasília, que depois virou Fallen Angel,
também ia abrir”, lembra Carlos. “E na
passagem de som o vocalista da banda fez
um comentário maldoso sobre o Made.
O Oswaldo, sangue italiano, ficou puto
e tirou os caras do show.” Conciliador,
Carlos foi para o camarim interceder junto
Acesse nosso Canal no Telegram: t.me/BRASILREVISTAS
a Oswaldo. “E quando ele deu uma brecha
eu contei o episódio do Tereza Raquel. Ele
ficou me olhando em silêncio e quando
eu terminei de falar caiu uma lágrima
do olho dele. Ele deu uma emocionada.
Porque eu estava supermaduro na época
e tinha seguido um caminho próprio. Ou
seja, segui o conselho dele.” E completa:
“Eu só acho que ele devia ter dito algo a
mais: comece e seja você mesmo. Só que
você paga um preço alto por isso e nem
todo mundo está a fim de pagar.”
Para começar a tocar era preciso...
saber tocar! O que era um problema. “Não
tinha professor de guitarra no Rio em
78”, lembra ele. A solução era aprender
sozinho. “Eu consegui um professor que
me ensinou os acordes e começou a me
Claudio Cro-Magnon
explicar as escalas. Mas ele não ensinava a
fazer riffs, a dar bendings. A partir daí eu
tive que dar meu jeito, arranhando todos
os meus vinis, voltando os discos e tirando
as músicas nota por nota.” Também era
preciso ter instrumentos. Carlos foi atrás.
Conseguiu uma guitarra, descolou um
baixo pro seu irmão (“o bicho nem afinava
direito”) e um amplificador Bag 01 da
Giannini de 15 watts no qual eram ligados
os instrumentos e a voz. Depois de muito
procurar (“não tinha uma alma que tocas-
se rock!”), apareceu um baterista, Roberto
Moura, conhecido como Tatá, que sabia
tocar mas não tinha bateria: “Eu com-
prei uma bateria toda cacarecada e dei
pra ele.” Estava formada a banda Ness.
Conseguiram autorização para ensaiar
aos sábados no Colégio Acadêmico, onde
estudavam, e passaram a montar o reper-
tório. E uma característica marcante de
Carlos surgiu logo aí: “A gente só tocava
cover, mas eu mudava todas as letras e
transformava em hinos contra a ditadu-
ra. Eu era muito sem noção...” (risos)
Na festa de fim de ano da escola, em
1981, o Ness estreou. Carlos entrou em
cena pintado como Gene Simmons e
teve que ouvir quinhentas pessoas gri-
tando: “Veado! Veado!” Ele lembra: “To-
camos Kiss, Cheap Trick, Black Sabbath
e Ted Nugent sem saber tocar! A gente
fazia o que era possível.” Mas o estrago
estava feito: “Foi aí que vi que eu queria
tocar mesmo. Passei no vestibular para
Jornalismo e eu tranquei a matrícula
para me dedicar à banda.”
O Ness fez ainda outro show, junto
com o Barão Vermelho, em que tinham
“quinze crianças na plateia. Então eu per-
cebi que a gente precisava de uma plateia,
de um público.” Nesse momento, Carlos
resolveu mudar o nome da banda. Usou
um recurso do dadaísmo para escolher o
novo nome: abriu uma enciclopédia alea-
toriamente e colocou o dedo num verbete
qualquer: estava escrito “dorsal atlântica”.
O repórter provoca, perguntando o que ele
faria se o dedo tivesse caído em algo como
“ingá amarelo”, por exemplo. Carlos nem
pensa pra responder: “Ia ficar esse nome.”
Cercado
A essa altura, já existia a Rádio
Fluminense, emissora de Niterói que
em 1982 passou a ter uma programação
integralmente dedicada ao rock – era
conhecida como “Maldita”. A rádio abria
espaço para bandas novas e as incenti-
vava a mandarem fitas demo. “Eu e meu
irmão juntamos uma grana, gravamos
e mandamos pra lá.” Nessa época, o
baterista era um colega de faculdade de
Carlos, Marcelo: “Depois, ele foi tocar
com o Robertinho de Recife no Yahoo e
Carlos Vândalo
está lá até hoje.” A gravação aconteceu
no Tok Studios, de Chico Batera, o mes-
mo estúdio em que Lobão gravou seu
primeiro disco, Cena de Cinema (1982).
A mistura de tudo em que Carlos havia
caído de cabeça em termos de influência,
turbinado por Bomber, do Motörhead
(“quando eu ouvi esse disco comecei a pas-
sar mal. Falei pro meu irmão: ‘Claudio, é
isso!’”), já se aproximava do som que se tor-
naria marca registrada da banda. Na demo
foram gravadas duas músicas: Guerra,
em que Carlos admite forte inspiração de
Evil Woman (Don’t Play Your Games with
Me), que está no primeiro disco do Black
Sabbath, e Ela Não Acaba Assim. Essa
última teve uma inspiração bem especial:
“Eu fiz para uma amiga do cursinho pré-
-vestibular que todo mundo queria pegar,
mas ela dizia que não ia dar pra ninguém
porque ela era virgem” – preste atenção na
sonoridade do título e entenda...
A fita foi enviada para a rádio – a fita
master, ou seja, a matriz da gravação –, foi
Dorsal fase Ultimatum
aprovada e ambas as músicas entraram
na programação. Só que Carlos não con-
seguia marcar um dia para resgatar a fita
original na rádio. “Até que, depois de uns
dez telefonemas, confessaram: tinham
apagado nossa fita para usar na rádio.”
Ele não se mostra revoltado: “Isso acon-
tece, não tem mídia que dura pra sempre.
Normal...” Por sorte, o estúdio havia feito
uma cópia em fita cassete, o que evitou
que o material se perdesse.
A partir de então, a Dorsal Atlântica
começou a arregimentar um público. E
isso acabou ensejando algumas mudanças
na banda no sentido de uma maior profis-
ROADIECREW.COM • 71
sionalismo. Carlos desenhou roupas para
todos os músicos (inspiradas no filme Mad
Max, de 1979) e inventou nomes de guerra
para cada integrante: ele passou a ser
Vândalo, seu irmão, Cro-Magnon: “A gente
pensou em usar a pronúncia correta (N.R.:
algo como “cromanhom”), mas ia ficar um
negócio muito afetado. Então, resolvemos
pronunciar como se escreve.” O baterista
havia mudado de novo: o atual era Marcos,
que já carregava o apelido de Animal por
ter as sobrancelhas muito grossas, como
o personagem Animal, do Muppet Show.
Ficou Marcos Animal, mesmo. Ele também
tinha uma característica muito própria:
tocava com uma calcinha na cabeça. “Ele
Paulo Gouvea Vieira
Claudio gravando Antes do Fim
era um cara que só pensava em mulher e
achava a Dorsal uma banda muito séria
Acesse nosso Canal no Telegram: t.me/BRASILREVISTAS
e que eu era muito politizado, então ele
queria dar um senso de humor pra coisa.”
Essa postura política de Carlos, a pro-
pósito, nunca lhe causou problemas, segun-
do ele, “porque a gente sempre foi pequeno.
Se eu tivesse tido alguma exposição, tivesse
uma gravadora, tocasse em rádio, era
100% de chance de dar problema.” Mas ele
garante que “o problema me cercava. Eu fui
vizinho da Zuzu Angel, que foi morta pela
ditadura, fui vizinho do político Rubens
Paiva, que foi sequestrado e morto pela
ditadura em 71, fui vizinho do Raul Seixas,
que se autoexilou. E no meu prédio morava
o Raul Ryff, que foi Secretário de Imprensa
de João Goulart e que era muito amigo do
Rubens Paiva. Eu era menino, não entendia
nada, mas o problema me cercava.”
Ultimatum
Entre 1983 e 1984, com uma cena
começando a acontecer, Carlos ficou a
Ultimatum (Split, 1985)
72 • ROADIECREW.COM
fim de gravar um disco. Três lançamentos
foram determinantes para isso: o terceiro
disco da Patrulha do Espaço, Patrulha
(1982), e as coletâneas punks Sub e O
Começo do Fim do Mundo, ambas de 1983.
A primeira ideia era fazer uma coletânea.
Como a cena do metal no Rio de Janei-
ro era bem reduzida, Carlos entrou em
contato por carta com algumas bandas
de São Paulo. “Todas desconversaram”,
diz ele. “Eu não sabia que o (Luiz) Calanca
(dono da Baratos Afins) já estava arqui-
tetando o SP Metal I, que só rolou porque
ele foi atrás, se depen-
desse das bandas não ia
rolar.” Ele prossegue: “Mas,
colocando em perspectiva,
imagina que você está
em 84 e recebe uma carta
de um cara que você não
sabe quem é, que vem com
muitas ideias. É difícil
confiar nas pessoas, eu sei
disso porque eu já confiei
em muitas pessoas e me Rascunho da capa de Ultimatum
estrepei, até na época da
internet. Então, não dá pra
culpar ninguém.” No fim, o
disco foi um split dividido
com o Metalmorphose.
“Alguém me recomendou
a banda, a gente foi na
casa deles, ouvimos o som
deles e eles toparam fazer.
Mas era uma banda muito
nova e inexperiente.”
Como bem cantou o vo-
Capa de Antes do Fim censurada
calista da banda, Tavinho
Godoy, “a verdade é que hoje se faz o
amanhã” e era isso que efetivamente o
Metalmorphose vinha fazendo. “Quando
Ultimatum (nome do split) foi gravado,
o Metalmorphose tinha apenas um ano.
Nós tínhamos entre 15 e 18 anos. Desde o
início, investimos em músicas próprias e
foi emocionante ouvi-las no vinil”, contou
o baixista André Bighinzoli à ROADIE
CREW. “Como a banda estava ensaiada,
foi ‘1, 2, 3, gravando...’ Porém, a mixagem
foi praticamente um ajuste de volumes.
Confesso que houve certa decepção com
a falta de peso da gravação se comparado
ao som da banda ao vivo. O que consola-
va era que o Judas Priest em estúdio era
‘mais limpo’, também”, acrescenta.
Antes do Fim (1986)
A gravação aconteceu no estúdio do
guitarrista Marcelo Sussekind (A Bolha,
Herva Doce) e Carlos confirma que foi
ao vivo: “Depois de gravar a demo, a
gente começou a gravar até os ensaios.
Então, a gente ouvia os ensaios e já tinha
uma ideia do que dava pra fazer. Foi um
processo razoavelmente rápido e a gente
ficou muito satisfeito com o resultado.”
Só que nem por isso isento de proble-
mas: “A gente estava ouvindo o disco no
estúdio e não tinha a intro da música
Catástrofe.” Era a época da fita de rolo,
em que as emendas eram
feitas cortando e colando
as fitas. “Os caras cor-
taram errado e a gente
achou a fita no lixo. Desa-
massamos e colamos de
volta. Se você ouvir com
atenção o início da música,
vai perceber nitidamente
que está cheia de falhas.”
Além disso, o disco tem
outro problema: “Não sei
o que aconteceu, mas o
disco sempre pula no mes-
mo lugar. Todos os vinis
originais têm esse defeito.”
Ultimatum saiu no mesmo
dia do início do primeiro
Rock in Rio, 11 de janeiro
de 1985. E apresentava
também o logo da Dorsal
desenhado por Carlos:
“O primeiro logo foi feito
por um amigo meu, mas
eu achei que ficou muito
bonito (risos). Tinha que ser escroto!”
(mais risos) Para alguns, Heavy Metal,
Catástrofe e Império De Satã era um
“Motörhead em português” e outros clas-
sificavam como “punk metal” por causa
de Armagedom e Princesa Do Prazer.
“Império De Satã foi uma das músicas
mais impactantes de todos os tempos
pra mim”, comenta Bighinzoli.
A Dorsal Atlântica conseguiu fazer
um show de lançamento em São Paulo,
no extinto Lira Paulistana, enquanto
que no Rio o movimento crescia rápido.
“A Dorsal já estava saindo em primeira
página de Jornal de Brasil e O Globo. A
gente saiu na capa de cadernos culturais
de 84 a 95. Mas eu trabalhava de doze
a quinze horas por dia para a banda,
ficava muito tempo escrevendo cartas
para o Brasil e o exterior.” Só que ainda
havia certa ingenuidade no ar: “A gente
era inocente, a gente era garoto. Não per-
cebemos que a mídia estava dando uma
chance pra gente. E aí veio a realidade:
Ultimatum podia ser um disco desbra-
vador, mas faltava a politicagem pra
gente ser escalado pra um festival, por
exemplo.” E conclui: “Não dá pra compa-
rar 1984 com 2022, mas o gênero humano
peca pelos mesmos defeitos.”
Toninho Hardcore
Fotos: Divulgação
Um clássico
O passo seguinte da Dorsal seria gravar
um disco que se tornou um clássico até
hoje aclamado do metal nacional: Antes do
Fim (1986). Carlos diz que não era possível
enxergar, na época, que algo marcante es-
tava sendo feito: “Eu só seguia meu instinto
natural.” Antes de entrar em estúdio, a ban-
da estava enfrentando mais um problema:
“O Marcos tinha personalidade forte e eu
tinha que saber negociar porque ele queria
impor a visão dele.” Segundo Carlos, “ele
começou a encrencar com minha posição
política, achava que eu ia destruir a banda
fazendo-a politicamente ativa. E cismava
que a música Morte aos Falsos era contra
ele. Ele botou isso na cabeça. Então, no en-
saio então ele puxava a música bem deva-
Acesse nosso Canal no Telegram: t.me/BRASILREVISTAS
gar, a gente reclamava e ele dizia: ‘Não vou
tocar essa merda.’” Aí aconteceu o episódio
que determinou a saída dele da banda.
A Dorsal ia tocar em Lambari/MG num
festival. Marcos optou por ir na véspera,
no ônibus que levaria seus amigos do Azul
Limão. Como perdeu o horário para pegar
o ônibus, em vez de esperar para viajar com
a Dorsal no dia seguinte, tomou a decisão
de pegar um táxi para levá-lo até lá. Uma
vez no local, falou para os organizadores do
evento pagarem o táxi com o dinheiro do
cachê da banda. Obviamente, foi o último
show dele com a Dorsal.
Seu substituto foi Toninho Hardcore,
também conhecido como Rabicó. Carlos
diz que “a primeira coisa que eu pedi pra
ele foi pra não fazer viradas. Eu queria
gravar um disco escroto, uma coisa total-
mente fora de sentido. Se o Animal virava
muito, ele simbolizava o passado e eu
queria alguma coisa nova. A gente chegou
num ponto muito cru.” Carlos concorda
que esse é dos fatores que faz Antes do
Fim ter uma sonoridade muito hardcore.
O disco saiu pelo selo Lunário Perpé-
tuo, de São Paulo, e a relação entre grava-
dora e banda não foi das melhores: “Um
dos donos ouviu a gente, nos ofereceu um
contrato e prometeu um monte de coisas
que não aconteceram. Meu padrão de
gravação hoje é das 10h da manhã às 10h
da noite. Se eu quiser ficar duas horas
parado e meditando eu vou ficar, porque
faz bem pro psicológico. Mas a gente só
podia pegar a xepa do estúdio, tínhamos
que gravar de madrugada. Também não
tinha equipamento, o pessoal do Azul Li-
mão que ajudou emprestando baixo, am-
plificador de guitarra” conta ele, lembran-
do que “havia esse senso de comunidade.”
No fim das contas, o disco saiu porque a
banda estava muito bem ensaiada: “Até
porque pra gravar um disco em seis horas
você tem que estar ensaiado, senão você
está fodido.” Também não havia produtor
e banda teve que se virar contando com
o auxílio do técnico de som, Leco: “Ele
foi muito gentil. Sabia da nossa situação
desconfortável e fez tudo muito direito.
Mas a gente pensou que teria mais horas
de estúdio pra fazer o negócio direito.”
Além disso, a gravadora rejeitou a ideia
da capa levada pela banda, que teria fotos
de cadáveres. “Então eu dei uma camiseta
que eu tinha feito pra eles fotografarem
e usarem como capa. Só que eles não ali-
nharam, então, se você prestar atenção,
vai ver que a foto ficou torta.”
Seja como for, o fato é que o disco foi
um sucesso. Menos em São Paulo. “As
pessoas não entendiam o disco, só foram
aceitá-lo depois que lançamos Dividir e
Conquistar (1988).” No Rio de Janeiro, no
Os manos Carlos e Claudio
entanto “ele virou uma febre que logo se
que se espalhou pelo Brasil. No Rio, virou
objeto de culto, a plateia reagia de forma
agressiva nos shows.”
O sucesso do disco fez com que a
banda começasse a receber cartas do
exterior, graças a um fenômeno que fun-
cionava muito na época, o ‘tape traders’,
ou seja, pessoas que gravavam discos e
trocavam as fitas por gravações que não
possuíam. Carlos confessa que “a coisa
não chegou no que eu esperava, que era
uma gravadora que financiasse os discos
direito, botasse dinheiro numa turnê...
Mas, dentro da estrutura amadora que
havia, a gente conseguiu fazer um monte
de coisas.” Ele lembra que “a banda ficou
tão popular que a revista Som Três
promoveu uma eleição entre os leitores
e nós fomos o 12º artista mais votado pra
tocar no Rock in Rio II, abaixo do Gilberto
Gil e antes do Lobão. E eu não sei como
isso aconteceu, porque a gente não tinha
assessor de imprensa, nem pedia pra fã
responder essas enquetes. Mas eu sem-
pre ia atrás das pessoas, e isso foi algo
que eu aprendi com o punk.”
Por conta de todos os imbróglios com
a Lunário Perpétuo, a banda resolveu en-
cerrar o contrato. Foi assinado um docu-
mento oficializando isso e ficou acordado
que qualquer relançamento de Antes do
Fim necessitaria da autorização expressa
de Carlos. “Só que a fita foi vendida para a
Devil Discos. Eu só soube que foi relança-
do quando vi um anúncio numa revista.
E quando entrei em contato, mandaram
procurar o advogado eles.” Carlos diz que
a situação se estendeu por anos: “Quando
fui prensar Dividir e Conquistar, entrei em
contato com a fábrica e o cara disse: ‘Está
prensando seu disco aqui, sim, o Antes
do Fim.’ Eu estranhei e aí ele disse: ‘Ih, dei
mole...’ (risos) Por alto, o cara da fábrica me
falou em dez mil cópias. Então, se você so-
mar tudo, eu te diria que nós vendemos no
mínimo entre quinze e vinte mil discos.”
Do seu jeito bem direto, Carlos explica
sua visão do negócio: “Eu entendo que o
empresário entra nesse negócio pra ga-
nhar uma grana, não é por causa de cena.
Então, em vez de ele colocar em corrida de
cavalo, tráfico de drogas ou prostituição,
ele bota em disco” (risos).
Só que o mais interessante de tudo
talvez seja o fato de Antes do Fim ter se
tornado popular também no exterior,
mesmo cantado em português: “Eu tenho
uma teoria psicanalítica a respeito. O
português não fez a mínima diferença por
causa da gravação, que deixou tudo pra
dentro. Se a gravação fosse linda, seria um
caminho difícil a trilhar pelo estrangeiro.”
O disco circulou muito bem na América do
Sul, tanto que a banda recebeu cartas de
fãs do Uruguai, Argentina, Chile, Bolívia
e México. “Uma das primeiras bandas de
thrash metal do Chile, o Pentagram, en-
trou em contato conosco. E isso alastrava
para a Europa, mas não ia para os EUA. Aí
eu fui entendendo que o público nor-
te-americano era diferente do europeu.
Mas pra muita gente nós éramos a maior
banda do mundo!” Mesmo assim, esses
contatos ainda não renderam a primeira
turnê pelo exterior para Dorsal. “A grava-
dora SPV entrou em contato consideran-
do a possibilidade de lançar um disco, mas
isso nunca se efetivou.”
Ao mesmo tempo, segundo Carlos,
a Dorsal Atlântica foi a banda mais convi-
dada para abrir shows internacionais
entre 86 e o começo da década de 90. E
um deles se tornou histórico.
Continua...
Dorsal conquistando seu espaço
ROADIECREW.COM • 73
 CLASSICREW
Formado em 1969 em Essex (ING),
o Humble Pie já se encaminhava para
seu quinto disco de estúdio (sim,
eram outros tempos, como eu sempre
lembro aqui) quando seu guitarrista
Peter Frampton resolveu partir para
uma carreira solo. Seria uma perda
significativa, já que seu talento e sua
imagem eram pontos de destaque na
banda. Porém, o vocalista e guitarrista
Steve Marriott viu ali a chance de se
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1972 HUMBLE PIE
SMOKIN’
Embora nunca tivesse de fato abra-
çado o termo, em 1982 a banda britânica
liderada pela vocalista Siouxsie Sioux e
pelo baixista Steven Severin já era con-
siderada uma das grandes lideranças do
cenário gothic rock. Afinal, eles tinham
superado os problemas gerados pelas
saídas abruptas do baterista Kenny
Morris e do guitarrista John McKay em
meio à turnê de 1979 (ocasião em que
Robert Smith, do The Cure, se uniu aos
Banshees pela primeira vez), e tanto o
“single natalino” Israel (1980) quanto
o álbum Juju (1981, com os hits Spell-
bound e Arabian Nights, se tornaram
históricos e fortaleceram a posição da
banda entre os góticos. Ou seja, em 1982
eles eram tão bem sucedidos e tão in-
fluentes quando era possível para uma
banda post-punk na era do post-punk.
Como a própria vocalista relembraria
anos depois, “nada poderia nos parar
naquela época. Exceto nós mesmos.”
Porém, parar não era uma alter-
nativa e se acomodar também nem
passava pela cabeça deles. Para o
seu então mais novo e quinto álbum
74 • ROADIECREW.COM
consolidar como único líder do grupo.
Chegou a pensar em seguir adiante
como trio, mas acabou escolhendo a
dedo o guitarrista Dave “Clem” Clemp-
son para substituir Frampton. Como
lembraria o bateria Jerry Shirley em
entrevista concedida em março último
para o site uDiscoverMusic, “Clem não
cantava, nem era especialista em violão,
mas seus solos eram todos baseados
no blues”, o que fazia grande diferença
em relação à sonoridade buscada então
pela banda e que se mostra evidente
nos quase nove minutos de I Wonder,
um dos destaques do disco que a banda
se preparava para gravar. “Essa música
foi feita com a intenção de dar essa
abertura para Clem solar”, lembrou
Jerry. “Todo mundo fazia isso na época,
você ia num show e lá pelas tantas o
guitarrista mandava um solo totalmen-
te blues – e ele era muito bom nisso.”
Steve, Clem, Jerry e o baixista Greg
Ridley entraram no Olympic Studios,
em Londres, em fevereiro de 1972 para
de lá saírem apenas um mês depois (já
falei que os tempos eram outros?) com
SIOUXSIE AND THE BANSHEES
A KISS IN THE DREAMHOUSE
completo, eles buscavam uma direção
mais ousada, indicada pelo single Fi-
reworks, lançado naquele mesmo 1982.
Essa “direção mais ousada” consistia
basicamente em mergulhar toda a
aura gótica típica dos ingleses no som
psicodélico da Califórnia dos anos 60,
uma mistura única e perigosa, mas
também memorável e cativante se feita
da maneira correta. E é justamente
aqui que residia o grande trunfo dos
Banshees: guiados pela apurada visão
artística de Severin e pela voz marcan-
te de Siouxsie Sioux, eles ainda tinham
no talentoso baterista Peter “Budgie”
Clarke (repleto de referências percussi-
vas africanas e latino-americanas) um
porto-seguro, alguém que seguraria
qualquer possível seção rítmica. Mas,
os anos provariam que seria a guitarra
de John McGeosh o grande destaque
deste A Kiss in the Dreamhouse.
Melt! e Slowdive foram escolhidas
como singles do álbum e especialmen-
te nessa última você percebe a grande
influência que a sessão de cordas (cello
e violino) teve no álbum. Porém, não
Smokin’. Suas nove faixas eram calcadas
no blues rock, mas dando abertura para
que gêneros como boogie, funk e até gos-
pel surgissem aqui e ali. Como era habitu-
al em se tratando do Humble Pie, três das
faixas eram versões, incluindo um tema
de Eddie Cochran, C’Mon Everybody e
outro do bluesman Cecil Gant, I Wonder.
Como diria Shirley na mesma entrevista,
“para nós pouco importava se a música
era nossa ou se tinha sido escrita pelo
leiteiro, se fosse boa, a gente gravava.”
Smokin’ contou ainda com algumas
participações estreladas, como Alexis
Korner e Stephen Stills, que colaboraram
com vocais em uma faixa cada um. Já a
produção acabou ficando com Marriott
(apesar de ser oficialmente creditada
a toda a banda), o que lhe causou uma
estafa no final do processo.
No fim das contas, o álbum chegou
ao 6º posto na parada americana Bill-
board e ao 20º lugar na Grã-Bretanha,
além de ter conquistado Disco de Ouro,
tornando-se assim o mais bem sucedido
da carreira da banda.
Antonio Carlos Monteiro
1982
foram apenas esses singles que renderam
ao álbum a melhor recepção crítica até
então. Ouça Cascade, Green Fingers, She’s
a Carnival e Painted Bird: todas elas de-
monstram o brilhantismo de uma banda
acima da média vivendo o seu auge. No
ano seguinte, coroando o bom momento,
eles ainda lançaram o ótimo ao vivo Noc-
turne, com sua versão icônica para Israel
abrindo os trabalhos.
Valtemir Amler
 #CLÁSSICOS #PÉROLAS #ATEMPORAIS
Do ponto de vista da popularidade
local, o punk californiano vivia o seu
auge no início dos anos 80. Vários clu-
bes viviam lotados e com shows cons-
tantes, mostrando a força de nomes
como Fear, Circle Jerks, Dead Kennedys,
TSOL, Descendents e Black Flag. Ativo
desde 1978 e contando sempre com a li-
derança do vocalista, compositor e gui-
tarrista Mike Ness, o Social Distortion
também era um nome fundamental da-
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1992 SOCIAL DISTORTION
SOMEWHERE BETWEEN HEAVEN AND HELL
Além de ser o último álbum do Tank
a contar com o vocalista e baixista Algy
Ward, até então o único remanescente
da formação original, Still at War foi o
primeiro de estúdio desde Tank, lançado
em 1987. A formação também contava
com Mick Tucker e Cliff Evans (guitarras)
e Bruce Bisland (bateria) no posto de
Steve Hopgood, que havia registrado o ao
vivo Return of the Filth Hounds, gravado
na Alemanha em 1997 e que marcou o
retorno da banda inglesa.
Por falar em Return of the Filth
Hounds, o título também foi dado a
uma das músicas de destaque do reper-
tório de Still at War. Rápida, ela traz
a velha pegada do Motörhead e, além
disso, é a que tem mais a veia do velho
Tank do começo de carreira. Já o lado
metal tradicional aparece em Conspi-
racy of Hate, enquanto a faixa-título se
mostra um hard’n’heavy com a pegada
mais suja do rock’n’roll que a banda
sempre demonstrou – The Fear Inside
é outro exemplo. “Foi uma experiência
barulhenta. Nenhuma música român-
tica, sem introdução de teclado, apenas
quela geração, emplacando logo de cara
um sucesso mundial com Another State
of Mind, faixa do álbum de estreia,
Mommy’s Little Monster, lançado de for-
ma independente em 1983. Tudo parecia
no caminho certo para a banda decolar,
mas eis que os problemas de Ness com
as drogas e a lei (e o tempo que perdeu
entre prisões e centros de reabilitação)
forçaram um longo hiato até o segundo
álbum, Prison Bound, de 1988.
Impulsionado principalmente pelo
sucesso da faixa-título, eles consegui-
ram um contrato de três álbuns com a
gigante Epic Records, e foi então que
as coisas de fato deslancharam. Após o
sucesso comercial de Social Distortion
(1990, que conta com os hits Story of My
Life e Ball and Chain), eles tinham que
reafirmar sua força na nova década, e
é neste cenário que nasce Somewhere
Between Heaven and Hell.
Musicalmente, não havia grandes
transformações despontando
nesse quarto disco completo dos
californianos. A música ainda era
erigida sobre uma sólida base punk,
uma volta ao básico. O material vinha
STILL AT WAR
sendo composto desde 1988, então foi
uma longa gestação”, destacou Ward,
que trouxe um paralelo entre a letra de
The War Drags Ever On e Still at War,
relacionando aos temas de conflitos
e guerras. “ The War Drags Ever On
fala sobre o conflito entre Irã e Iraque
durante os anos 80, enquanto Still at
War trata dos problemas da atualida-
de, mesmo tendo sido escrita antes do
ataque terrorista de 11 de setembro de
2001”, contou à ROADIE CREW.
A tradição de usar as iniciais em
títulos também voltou com T.G.N.I.D.,
que significa “That Girl’s Name Is Death”.
Outra curiosidade é que foram regra-
vadas duas faixas que constavam como
bônus do ao vivo Return of the Filth Hou-
nds: And Then We Heard the Thunder,
que vem no velho estilo do clássico Filth
Hounds of Hades, e In The Last Hours
Before Dawn, mais cadenciada e até certo
ponto melódica para os padrões do Tank.
“Nós regravamos porque os bônus eram
apenas as versões demo inacabadas, sem
muita produção”, explicou Ward.
mas com ricos elementos que vinham
do rock dos anos 50, além das tantas
referências ao bluegrass e ao ‘outlaw
country’, subgênero favorito de Ness e
encarnado à perfeição pelo eterno “Ho-
mem de Preto” Johnny Cash. Todas as
faixas neste registro são indispensáveis,
como você sente de cara na vibração
de Cold Feelings, mas é inegável que o
álbum ganha seu status de lenda por
conta dos hits Bad Luck, Born to Loose
e o cover para Making Believe, do cantor
country Jimmy Work.
Com tudo isso, o disco alcançou
a primeira posição da parada Hea-
tseekers, da Billboard, e se tornou
referência inevitável, seja para a lenda
punk alemã Die Toten Hosen (que re-
gravou Cold Feelings) ou para o Volbeat,
cujo líder Michael Poulsen tem o nome
“Social Distortion” tatuado no braço,
além de ter regravado Making Believe
no terceiro álbum de sua banda, Guitar
Gangsters & Cadillac Blood, de 2008.
Ou seja, um clássico de uma banda que
mudou o cenário punk de Los Angeles.
Valtemir Amler
TANK
2002
Todo mundo achava que o velho
Tank ainda estava em posição de ataque
e pronto para mais batalhas, mas não foi
o que aconteceu. “Não houve promoção
deste álbum por parte da gravadora e
Algy não queria tocar ao vivo”, recordou o
guitarrista Mick Tucker.
O resultado todos sabem: Tucker e
Evans foram para um lado e Ward para
outro, ambos utilizando a marca Tank.
Ricardo Batalha
ROADIECREW.COM • 75
 Jim Louvau
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ESPÍRITO E NATUREZA DE FAMÍLIA

Max explica a história por trás do novo álbum do Soulfly, detalhando a relação
musical com o filho Zyon numa volta ao passado dos irmãos Cavalera
76 • ROADIECREW.COM
 Por Daniel Dutra
Dá para fazer uma matéria somente
com obras musicais que foram fruto dire-
to e específico da pandemia da Covid-19,
mas quantas estreitaram o laço familiar a
ponto de pai e filho resgatarem o passado
de dois irmãos? A resposta é Totem, o 12º
álbum de estúdio do Soulfly, porque boa
parte da entrevista com Max Cavalera foi
um agradável papo sobre a afinidade
musical entre o compositor, guitarrista
e vocalista e o seu filho Zyon, baterista
da banda – completada pelo baixista
Mike Leon e, atualmente, guitarristas
convidados. Melhor ainda, Max contou
como os dois trabalharam da mesma
forma que ele e o irmão, Iggor, faziam
no início do Sepultura, há quase 40
anos. Tem isso e mais. Confira!
A minha primeira pergunta é simples,
mas que espero não continuar fazendo:
como tem sido a pandemia para você?
Max Cavalera: Eu fiquei bastante
ocupado, tentando trabalhar o máximo
possível. Inclusive, foi no período da pan-
demia que criei o disco do Soulfly, então
foi uma mistura de um pouquinho do Go
Ahead and Die, disco que fiz com o meu
filho Igor, e a criação do Totem, que foi
com o Zyon. E foi bem old school, mesmo.
Íamos ensaiar somente nós dois, na ga-
Acesse nosso Canal no Telegram: t.me/BRASILREVISTAS
ragem, e ficávamos fazendo barulho
por quatro ou cinco horas, três vezes
por semana. Algo bem parecido
com o que eu fazia com o meu
irmão na época do Morbid Visions
(1986), porque chegávamos antes da
galera no ensaio e ficávamos apenas
eu e o Iggor tocando, criando os riffs,
fazendo barulheira. Tem um lance
bem interessante que é o de tocar
com o sangue, com a família, porque
quando você faz música com um filho
ou um irmão é um pouco diferente
de outro membro da banda, que vem
de fora, que vem de uma história
diferente. Tem aquela coisa
do sangue mesmo, e é até mais
forte e mais confortável, então
achei bem legal essa jornada que
tive com o Zyon. Foram dois anos
fazendo o disco com ele, e depois
levamos tudo para o estúdio.
E Totem tem muito da vibração do
Morbid Visions, do Bestial Devastation
(1985) e até do Beneath the Remains
(1989), especialmente nos seus vocais.
Como foi o Zyon vendo você explicar
como era esse processo e, também, con-
seguir fazer isso tanto tempo depois?
Max: A curiosidade é muito legal, né?
É uma coisa interessante vindo do seu fi-
lho, perguntando ‘Como é que você criou
essas coisas 30 anos atrás?’. Acho que é
difícil para ele entender como aquelas
canções foram criadas, por isso eu falei:
‘É mais fácil eu mostrar do que tentar
fazer você entender em palavras. Vamos
ensaiar, e eu mostro com a guitarra como
é que essa porra é feita!’ (risos). E fizemos
realmente assim! Peguei a guitarra e fa-
lei: ‘Olha aqui, primeiro é o riff! Está sen-
tindo o riff? Agora, põe uma batera em
cima. Beleza, a bateria ficou boa, então
vamos para outro riff!’. Houve momentos
“(...) a ideia inicial para o Totem
era examinar todas as eras de Max
Cavalera, do black metal do Bestial
Devastation ao death/thrash do
Arise, com o groove do Chaos A.D. e do
Primitive e o tribal do Roots”
em que ele deu as ideias, falando ‘Não sei.
Esse aqui já está muito parecido com coi-
sa antiga, então vamos mudar um pouco,
dar uma quebrada nisso’, e aí inseria algo
diferente. E teve uma coisa que também
foi muito interessante: quando ele me
perguntava coisas sobre música, e eu não
sou músico formado, tudo o que aprendi
foi tocando covers de outras bandas,
aprendi guitarra comigo mesmo, então às
vezes ele perguntava: ‘Tem coisa que dá
TOTEM
Nuclear Blast/Shinigami - Nac.
para fazer que não seja no 4/4? De repen-
te, no 4/7?’, e eu respondia: ‘Ih, rapaz, aí
ferrou, hein? Mas vamos tentar!’ (risos).
Isso porque ele gosta muito de Gojira e
fala que ‘no Gojira tem uns bagulhos que
não são muito 4/4’, ou algo assim, falando
numa linguagem que eu não entendo
(risos), mas eu dizia para tentarmos fazer.
Assim, há umas partes do disco assim, e
uma dessas partes é a música Damage
Done, em que se conta 1, 2, 3, 4... 1, 2, 3, 4,
5, ficando 4/5, e isso foi legal. Falei para o
Zyon: ‘Ideia boa, moleque!’ (risos). Achei
legal, diferente. Não estou acostumado a
fazer coisas desse tipo, mas curti.
Diferente, também, do processo com
o Iggor há mais de 30 anos...
Max: Foi legal o nosso trabalho, e
eu prestei bastante atenção no Zyon
enquanto baterista, porque ele não é
ortodoxo, é bem mais do punk e hardcore
tipo Bad Brains. É só energia, não é
muita técnica, é muito selvagem, e eu
adoro isso, cara! É muito legal quando
vejo um baterista que toca de maneira
selvagem, como o meu irmão, que bate
tão forte que parece que vai destruir a
bateria. Nós até brincávamos, porque
eu falava ‘Se você continuar batendo
assim, ela vai confessar!’ (risos). E o
Zyon tem esse lance bem selvagem,
porque aprendeu a tocar assistindo
aos bateristas do Soulfly, ao Iggor e até
ao Bill Ward, porque ele sentou atrás do
Bill quando tocamos com o Black Sabba-
th, então o Zyon teve essas aulas de vida,
que são fundamentais. Ele aprendeu
com a história, e isso é legal demais. Foi
como eu falei para o produtor, o Arthur
(Rizk): ‘Temos de pegar esse sentimento
selvagem, com o qual ele está tocando,
sem colocar nenhum aditivo, nenhum
click track’. Nada disso, porque acabaria
com tudo. Tem que deixar o lance ani-
mal, mesmo, e esse disco precisa ser
parecido com o Squizophrenia (1987)
e com o Beneath the Remains, que
não tinham click track. Era tudo
analógico: aperta o ‘play’ e o ‘rec’,
e vamos nessa! Muita coisa foi
feita assim, mas outras bem legais
foram criadas antes do disco, naque-
les ensaios que eu e Zyon fizemos, e
acabaram ficando até o álbum. Essas
ideias continuaram as mesmas mes-
mo depois de tanto tempo, aquelas
que surgiram durante a pandemia, ao
passo que tivemos outras que rolaram
no estúdio. Uma das mais legais está
na música Totem, porque disse ao
Zyon para fazer um solo de bateria,
e ele não entendeu (risos). Falei: ‘Um
solo, como se você estivesse no fim de
um show’, porque a Gloria grava os
momentos finais das apresentações e
sempre mostra os vídeos para mim, e
em alguns a mão dele é tão rápida que
não dá para ver! Então, falei que ficaria
legal para caralho se ele fizesse isso no
meio da música, porque ninguém faz
isso hoje em dia. As bandas não lembram
mais disso, porque é coisa dos anos 1990!
Fizemos, e sabe por que colocamos?
Porque não sabíamos o que fazer com a
canção, uma vez que chegamos ao meio
dela e não sabíamos para onde ir, então
falei: ‘Foda-se! Põe um solo aí. Vai que
vai!’ (risos). Essas ideias old school são
coisas que só lembra quem viveu aquele
ROADIECREW.COM • 77

Jim Louvau
“(O produtor Arthur Rizk) brincava comigo ao dizer: ‘Vamos acordar
aquele desgraçadinho do pequeno Max que está dormindo dentro de
Acesse
você!nosso Canal
Bota esse
moleque raivoso det.me/BRASILREVISTAS
momento da década de 1990, e o Arthur
também foi especial. O tratamento que ele
deu ao disco, principalmente nos vocais,
com os delays que fazem com que pareça
que estou cantando numa caverna, ficou
muito legal! O álbum todo tem um senti-
mento antigo numa gravação nova, e ele é
um mago para esse tipo de coisa.
Como estamos abordando bem essa
parceria musical com o Zyon, dá para no-
tar nitidamente que, do Savages (2013)
para cá, ele evoluiu muito tecnicamente,
mas que toca para a música. Como você
acompanha isso, porque a ideia não era
que o Zyon virasse o batera do Soulfly.
Era algo temporário, mas aí está ele na
banda há dez anos...
Max: O lance do Zyon é a evolução,
realmente, porque ele tem melhorado a
cada disco. Mas, para falar a verdade, se
ele não estivesse tocando bem, mesmo
sendo meu filho, eu iria falar ‘Ó, velho,
não está dando certo’, porque eu tenho
de olhar para o bem da banda, para o que
faz bem ao Soulfly. No entanto, por causa
dessa evolução e da garra que ele tem, es-
pecialmente no novo álbum, o melhor que
já fizemos, ele foi ficando (risos). Aliás, tem
uns discos que o Zyon não gosta de tocar,
como o Archangel (2015), e nós temos
umas discussões por causa disso, porque
78 • ROADIECREW.COM
no Telegram:
volta no mundo!’ (risos)”
acho um trabalho legal, com músicas tipo
Sodomites e Bethlehem’s Blood que são
meio black metal, mas ele não gosta de to-
car material deste e do Savages. Creio que
o Ritual (2018) foi o primeiro álbum que ele
ficou mais confortável gravando, no qual
estava seguro do que fazer, mas o Totem
foi o primeiro com ideias dele. Sentei com
o Zyon para ouvir seu trabalho como ba-
terista e músico, trocamos ideia de músico
para músico. Ele não sabe muito de metal,
então às vezes me pede dicas do que ouvir,
e eu faço uma lista de bandas para ouvir
e conhecer. Inclusive, listo bateristas
para ele conhecer e estudar, e o Zyon tem
adquirido técnica sem ficar chato, sem
perder a alma da música. Aquela forma
selvagem e crua, com a qual ele toca ao
vivo, tem que permanecer, por isso falei ao
Arthur que o Zyon precisa se sentir con-
fortável no estúdio como se sente ao vivo.
Tem uma coisa que ele faz em turnê que
é muito louco: na maioria das vezes, não
toca uma parte de determinada música do
mesmo jeito. Cada noite é de um jeito no
mesmo riff e na mesma parte, porque ele
faz alguma coisa diferente e sempre me
surpreende. Tocar com um baterista assim
é legal, e esse sentimento de improvisa-
ção fica mais autêntico ao vivo, então
pedi para o Arthur pegar essa ferocidade
e colocá-la no disco, o espírito dos anos
Max Cavalera, Mike Leon e Zyon:
a natureza presente do Soulfly
1990 que o meu irmão tinha. No estúdio, o
Iggor sempre nos pegava de surpresa com
umas coisas que não entendíamos o que
eram ou como ele fazia, mas que funcio-
navam nas músicas. Para um álbum como
o Totem, mais enérgico e mais porrada,
esse espírito era o ideal. Não precisava de
sofisticação, então a bateria do Zyon está
boa como deve estar, e a evolução dele
tem sido notada principalmente ao vivo.
Alguém sempre comenta comigo depois
de uma apresentação que ‘o moleque da
bateria é bem legal!’, porque tem gente que
nem sabe que ele é meu filho! (risos)
Mudando de instrumento, o Dino
Cazares tem tocado com você, mas como
está a busca pelo substituto definitivo
do Marc Rizzo?
Max: Pô, cara... Para falar a verdade,
no momento eu não estou procurando
uma pessoa fixa. Acredito que devemos
continuar por um tempo ainda com essa
ideia de trazer algumas pessoas que
conhecemos e que consideramos legais.
Foi o caso do Dino. Quando o chama-
mos, o show do Soulfly ficou totalmente
diferente, e quem viu pirou na mistura do
Fear Factory com o Soulfly. Ficou pesado
e destruidor! Fizemos a Return Beneath
Arise Tour com o Danny (N.R.: Daniel
Gonzalez), do Possessed, e o moleque
detonou! Matou a pau, destruiu tudo! Por
isso, ficou essa ideia de trazer mais pesso-
as, de repente trazer músicos que a galera
gosta e conhece para, talvez, no futuro
fechar com alguém fixo. O Soulfly não
tem essa característica de ter formação
fixa, porque desde o começo sempre mu-
dou: a banda começou com o Lucio Maia
na guitarra, depois veio o Logan (Mader),
o Mikey (Doling), e o Marc Rizzo ficou
bastante tempo (N.R.: de 2003 a 2021), mas
acho mesmo que vamos ficar nessa por
um tempo, chamando guitarristas de
outras bandas para fazer jams conosco.
De repente, vamos colocar em nosso Ins-
tagram um ‘Quem vocês gostariam de ver
tocando com o Max Cavalera?’ (risos).
E já pensou que isso pode dar às pes-
soas a oportunidade de realizar o desejo
de tocar com você?
Max: Cara, isso é legal! É uma situa-
ção onde um ajuda o outro, né? O lance
do Dino foi assim. Foi perfeito porque
sou fã de Fear Factory, e o Dino é meu fã,
então juntar nós dois foi maravilhoso.
Sendo que nós ainda vamos para o Japão.
Ele vai fazer um pouco mais de turnês
com o Soulfly.
Você mencionou a importância “(...) se ele (Zyon) não estivesse
de Arthur Rizk algumas vezes, e isso
tocando bem, mesmo sendo meu
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é interessante por duas razões: você
mesmo vinha produzindo os álbuns filho, eu iria falar ‘Ó, velho, não que
do Soulfly até o Enslaved (2012), mas
está dando certo’, porque eu tenho sicas não estão interligadas, mas dá
a partir daí passou a usar produtores.
de olhar para o bem da banda, para para
Chris “Zeuss” Harris, Terry Date, Matt
Hyde, Josh Wilbur e agora o Arthur.
Qual é a ideia por trás dessa mudança?
Max: O problema de produzir
o que faz bem ao Soulfly”
você mesmo é que isso lhe deixa confor-
tável, e estar confortável às vezes não se
converte em coisas legais. Estar confor-
tável nessa posição faz com que não se
criem coisas impressionantes, faz com
que tudo fique mais ou menos, não dei-
xa você com sangue nos olhos. A ideia de
usar produtores externos veio da época
dos trabalhos antigos que fiz, porque os
produtores foram muito importantes
em álbuns como Beneath the Remains
e, principalmente, Chaos A.D. (1993),
porque Andy Wallace foi um mestre! É
por isso que considero o Chaos A.D. uma
obra-prima do metal, porque ele conse-
guiu extrair de mim coisas que eu não
conseguiria sozinho. No Roots (1996),
tivemos o Ross Robinson produzindo e
o Andy mixando, e isso foi a escolha per-
feita tanto para o Roots quanto, depois,
para o Soulfly (1998). Depois, trabalhei
com o Toby Wright, que era mais Alice
in Chains e Metallica, um produtor
mais estelar, mas o som do disco (N.R.:
Primitive, de 2000) ficou maravilhoso.
Eu comecei a trabalhar com o Terry
Date, alguém de quem eu era fã porque
ele produziu os álbuns mais fodas do
Pantera, Soundgarden e Metal Church,
e em seguido chamei o Matt Hyde, que
produziu Deftones e Behemoth. Teve o
Josh Wilbur, que é muito bom produtor
e trabalhou com Lamb of God e Gojira,
e agora estamos com o Arthur, que é
muito especial! Ele é old school e um dos
produtores mais diferentes, porque che-
ga a ser até meio antiprofissional (risos).
É uma zoeira, uma confusão, você não
sabe onde está nada, fica tudo mistura-
do, tem som para tudo quanto é lado, e
eu olhava para ele já com dor de cabeça,
perguntando: ‘Cara, como você vai
organizar isso?! Está uma zona!’ (risos),
e ele olhava para mim e dizia: ‘Confia em
mim! Vai dar certo!’ (risos). Eu confiei,
e o primeiro resultado foi o Cavalera
Conspiracy com o Psychosis (2017), que
eu adoro e é um dos discos mais legais
que já fiz. O Arthur tem esse lance meio
de magia, exatamente como ele fez com
o Power Trip, porque o Nightmare Logic
(2017) é uma obra-prima, cara! Ele fez um
disco de thrash metal em 2017 no qual o
espírito e o som são, em minha opinião,
iguais ou até melhores do que Bonded
By Blood (N.R.: álbum de estreia do Exo-
Totem está muito ligado às letras
você escreveu sobre natureza,
floresta e povos originários. As mú-
dizer que se trata de um conceito
definitivamente importante para
o momento que estamos vivendo,
incluindo o Brasil?
dus, lançado em 1985). Isso é algo muito
difícil de fazer, ou seja, pegar o espírito
de algo antigo e colocá-lo em alto atual,
mas fazendo isso tão bem feito, porque
na maioria das vezes não dá muito certo.
Deu muito certo com o Cavalera
Conspiracy, sem dúvida, mas houve
alguma dúvida na hora de trabalhar com
ele no Soulfly?
Max: Eu fiquei com o Arthur na
cabeça exatamente porque, se ele fizesse
um disco do Soulfly, poderia inserir to-
das aquelas coisas. Inclusive, a ideia ini-
cial para o Totem era examinar todas as
eras de Max Cavalera, do black metal do
Bestial Devastation ao death/thrash do
Arise, com o groove do Chaos A.D. e do
Primitive e o tribal do Roots. Ou seja, bo-
tar tudo isso num disco, e acabou puxan-
do mais para a porrada porque o Arthur
gosta mais da fase death e thrash. Ficou
bem feito e muito forte, e ele brincava
comigo ao dizer: ‘Vamos acordar aquele
desgraçadinho do pequeno Max que
está dormindo dentro de você! Bota esse
moleque raivoso de volta no mundo!’
(risos), e Arthur ainda botou uma bronca
ao falar ‘Olha, Max, eu não vou apenas
fazer o serviço de produzir um disco
do Soulfy. Eu vou fazer o melhor disco
do Soulfly!’, e eu respondi: ‘Está bem.
Vamos fazer! Se você está falando, então
vamos fazer!’. Para mim, na parte dos
solos, o que achei interessante foi a mis-
tura do próprio Arthur, que é guitarrista
solo, com o John Powers, que toca no
Eternal Champion, e o Chris, do Power
Trip. Gosto muito do Eternal Champion
porque eles fazem heavy metal tradicio-
nal, tipo Angel Witch, Diamond Head,
Tygers of Pan Tang, Manowar antigo...
As bandas da NWOBHM, outras que eu
ouvia quando era moleque, então pensei
que os solos de heavy metal do Eter-
nal Champion ficariam bem legais no
Soulfly, que é mais groove, tribal, death e
thrash. Essa mistura me deixou empol-
gado porque seria algo diferente, porque
antes seria mais um disco com o Marc
Rizzo se eu tivesse feito com ele, pois já
estávamos acostumados. É o que aconte-
ceria, por isso foi muito interessante ter
essa mistura dos solos do heavy metal
tradicional num trabalho mais porrada.
E ficaram perfeitos! Alguns são cheios
de feeling, bem metal mesmo, e outros
são só destruição, com aquela alavan-
ca que é do thrash.
Max: Tem mesmo muita coisa desse
tipo em relação ao Totem, e muitas
músicas falam sobre isso, como Damage
Done, escrita praticamente para isso, para
mostrar o que nós, seres humanos, esta-
mos fazendo com a natureza. O álbum
foi feito tendo a natureza como um deus,
um totem, então falamos do ser humano
destruindo o seu próprio deus. Parece
que destruímos tudo o que amamos,
com essa mentalidade de destruir o que
devemos proteger. Falamos mito disso no
disco, mas a ideia geral foi uma mistu-
ra de espíritos da floresta, algo que eu
captei nas viagens que fiz à Noruega e à
Islândia, com suas florestas muito loucas,
e também à Austrália e à África. Há essa
questão da destruição geral, inclusive
da Floresta Amazônica, mas realmente
não pensei em contar uma história linear
através das letras. Aliás, quando estava
no estúdio, eu não tinha um nome para o
álbum. Foi meio como com o Chaos A.D.,
que iria se chamar “Propaganda”, mas no
último minuto eu mudei o título. Totem
não tem um tema central, mas algumas
músicas se identificam com um único
assunto, que é a natureza.
ROADIECREW.COM • 79
 Charles Gama, Rodrigo "Pancho" Augusto e Chaene da Gama despejando um
som cru e forte com letras que tocam fundo nas feridas da nossa sociedade
Divulgação

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É HORA DE
Mesclando elementos de rock, metal e muito punk rock,
banda mineira sobe o tom do seu discurso com Ascensão
Por Valtemir Amler
Na história da música pesada, parece
que sempre foi assim: algumas bandas
simplesmente aparecem no momento
certo e praticando a música necessária e
adequada ao momento que as pessoas es-
tão vivendo. Sempre existe um movimen-
to acontecendo e aquele nome que parece
preconizá-lo, aquela banda que encarna o
espírito da época tão plenamente na sua
música e nas suas letras que simplesmen-
te é impossível citar o movimento sem
mencioná-la. Respeitando-se as propor-
ções e a maluquice absoluta da época em
que vivemos, em que a intolerância tem
falado pelas bocas mais proeminentes do
país, a mineira Black Pantera é o nome
certo para esse momento. Com um som
cru e forte e letras que tocam fundo nas
feridas da nossa sociedade tão dividida
quanto maltratada, Charles Gama (vocal
e guitarra), Chaene da Gama (baixo)
ASCENSÃO!
e Rodrigo “Pancho” Augusto (bateria)
desafiam a elite dominante, dando voz
aos esquecidos e marginalizados. Punks,
párias e indesejados, é hora da Ascensão!
Já que é a primeira vez que converso
com o Black Pantera, quando a música
pesada entrou na sua vida?
Chaene da Gama: Cara, eu nem sei
te dizer direito, porque faz muito tempo.
Meu pai sempre teve muitos discos em
casa, ele trabalhava com algumas bandas
como roadie, então sempre fui muito
exposto à música, tínhamos muitos discos,
meu avô também tinha uma grande co-
leção. Tinha muita coisa, lembro daquele
Jesus Não Tem Dentes no País dos Ban-
guelas (Titãs, 1987), tinha até o Master of
Puppets (Metallica, 1986), que de algum jei-
to estava lá também. Até hoje vejo a galera
ouvindo Master of Puppets e lembro que
na época que ouvi eu estava aprendendo
a tocar baixo, então fiquei tentando tirar a
Lepper Messiah, queria tocar todo o disco,
achava o baixo do Cliff Burton a coisa
mais foda do mundo. Depois foi aquele
caminho normal, Guns N’Roses, Nirvana,
Living Colour, as bandas que a galera ia
sugerindo, tipo: ‘Ah, você gosta de rock?
Então tem que ouvir essa, aquela e tal.”
Mas minha primeira lembrança realmente
forte é de tentar tocar Master of Puppets
e conseguindo, depois de muito tempo
(risos). E me deixe incluir o Rage Against
the Machine na minha lista, pois foi muito
importantes para toda a nossa geração –
todo mundo ouvia aquelas músicas e foi
influenciado pela postura deles.
Você citou ótimos nomes, mas além
dessa coisa do rock e do metal, notamos
também uma forte influência da música
punk e hardcore no Black Pantera.
Chaene: Sempre gostei muito do
Dead Fish e o Rodrigo sempre foi viciado
em Devotos, D.F.C., Garotos Podres e tal.

80 • ROADIECREW.COM
Com o tempo a gente foi conhecendo
NOFX, Bad Brains é incrível, e então
tudo isso foi agregando no som. Como
baixista, eu sempre gostei de bandas que
traziam o baixo mais ‘carregadão’ mesmo.
Hoje curto muito ouvir o Fishbone. Porra,
é muita coisa legal, o Sepultura também
foi foda pra mim. Na época do Roots eu
tinha uns 12 anos, aquilo foi um absurdo,
eles eram monstros, e a banda rachou no
meio do rolê, foi foda.
Você citou Fishbone e lembro que
a conheci pela trilha de um filme do
Schwarzenegger, “O Último Grande
Herói” (Last Action Hero, 1993), que
tinha AC/DC, Megadeth, Alice in Chains,
Anthrax, Def Leppard, Aerosmith, Tes-
la, Queensrÿche e Fishbone.
Chaene: Preciso ouvir essa (risos).
Ah, cara, eu amo Fishbone, a música é
ótima, o baixo é incrível. Eles tinham
aquela mesma pegada do Red Hot
Chilli Peppers, na mesma época, mas
o RHCP decolou, o Fishbone não.
É uma banda que ouço todo dia.
Só vou dizer uma coisa: o Norwood
(John Norwood Fisher) é um bai-
xista incrível e quem toca baixo tem
que conhecer (risos).
A banda começou como Project
Black Pantera ou aquele foi apenas o
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nome do primeiro disco?
Chaene: A banda começou com
meu irmão, Charles. A gente tinha an-
tes uma banda cover que tocava de
System of a Down a Iron Maiden,
mas o lance principal era o thrash
da fase áurea do Metallica, os três
primeiros discos. A gente tava indo
bem, tocamos em festivais, claro.
Tocando coisa clássica do Metallica
você vai agradar a galera, mas um dia
ele cansou, queria fazer as músicas
dele. Quando ele foi passar as ideias pra
galera, a banda rachou. Na época ele era
só vocalista, então comprou uma guitarra,
foi aprendendo a tocar com uma afina-
ção diferente e tal. O primeiro disco é
basicamente as ideias dele, tenho apenas
uma contribuição naquele disco. A banda
era de fato Project Black Pantera, era um
projeto, totalmente despretensioso. Era
um sonho dele, um projeto dele.
Rodrigo “Pancho” Augusto: Cara,
eu vim de um outro universo (risos). Eu
comecei como percussionista, tocava
outros gêneros. Comecei a tocar bateria
tarde, acho que com 17 anos, e foi por
causa da bateria que comecei a ouvir
rock, primeiro com as bandas nacionais,
Barão Vermelho, Legião Urbana... Um
ano depois, já tinha ido de Legião para
Ratos de Porão, a coisa foi totalmente
para os lados do hardcore e do crosso-
ver. Na época do Project Black Pante-
ra, nós já estávamos juntos. A banda
chegou a fazer um show sem mim, o
Charles tinha me convidado assim que
terminou as músicas e ia gravar, inclusi-
ve foi o Chaene que me ligou. Na época
eu dispensei, gostava da fase dos covers,
mas o Charles já teve uns projetos antes
que não eram muito legais.
Chaene: É que na época dos covers era
Metallica e tal, dava certo com a voz dele.
Depois ele fez umas paradas meio funk,
meio soul, na pegada do James Brown, e
aquilo não rolava com a voz dele.
Rodrigo: Então, quando o Chaene
me fez o convite eu lembrei disso, aí eu
pensei: ‘Caralho, velho, eu tô aqui em
Uberlândia, tô em outra vibe, tô estudan-
do.’ Neguei, não quis entrar. Aí, poucos
dias depois, ouvi as duas primeiras músi-
cas gravadas, fiquei maluco. Liguei para
o Chaene: ‘Cara, cê lembra que eu topei
né? Quando vamos ensaiar, gravar e tal?’
ASCENSÃO
Deckdisc - Nac.
(risos gerais) Foda-se, eu queria ser parte
daquela banda (risos).
O entrosamento foi imediato e já em
2019 vocês lançaram o segundo álbum,
Agressão. Ele contém a primeira música
de vocês que ouvi, Baculejo.
Charles Gama: Cara, Baculejo nasceu
de uma situação real que rolou com a
gente aqui em Uberaba. Teve um show
do Detonator aqui e a gente era uma
das bandas que ia tocar no evento. Teve
uma banda de abertura, daí o Detonator
e a gente tocava depois. O caso é que do
nada a polícia entrou na casa de show
e foi aquele baculejo, ‘homens pra cá,
mulheres pra lá, mão na cabeça’, e pronto,
acabou com o nosso rolê, não tocamos
nada. Daí a letra saiu fácil, foi só lembrar
daquela situação e pronto, tava feito!
Outra daquele álbum, e que se tor-
nou clássica, é Taca o Foda-se.
Chaene: A gente toca em todos os
shows, a galera adora, tem uma vibe bem
punk mesmo, mas com um groove forte,
é muito louca. A linha de baixo é bem lou-
ca, tanto que o PJ, que é baixista do Jota
Quest, chegou até a banda pela linha de
baixo, e disse: ‘Cara, que é isso, vocês tão
gringos nessa música!” Cara, ser reconhe-
cido e elogiado por ele é algo grande pra
gente, inesperado. E ainda tem a mensa-
gem da música, que é para tacar o foda-se
no preconceito, nas coisas que tentam te
parar. E ao vivo funciona bem demais!
Embora ainda fresco no mercado,
o novo álbum, Ascensão, tem também
alguns novos clássicos. Fogo Nos
Racistas é destaque imediato, até pelo
rebuliço que esta frase tem causado
entre algumas pessoas.
Charles: Isso está sendo legal demais
(risos). Está causando e espero que
cause muito mais, a hashtag ‘fogo nos
racistas’ tem sido uma das mais usa-
das e ela obviamente tem sentido
metafórico, algo que a mente de
alguns seres é incapaz de compre-
ender, então é confusão na certa
(risos). Você tinha que ver, quando
a gente lançou esse som, os ‘reaça’
comentavam marcando a Polícia
Federal: ‘PF corre aqui, olha o crime,
estão usando a frase.’ (risos gerais)
Loucura, cara marcando polícia, STJ,
o diabo a quatro, tenha dó (risos). É só
uma metáfora, mas incomoda aqueles
que têm um preconceito fodido, e só
por isso já vale o rolê (risos gerais).
Hoje, muito mais pessoas pres-
tam atenção em vocês, então, para fi-
nalizar, gostaria de perguntar: para
uma banda hardcore, que tem essa
orientação de fazer letras sociais e
de protesto, é uma sensação maravi-
lhosa ser a banda que mais incomoda
no Brasil hoje, certo?
Chaene: Cara, pode botar fé que
ninguém nunca me fez uma pergunta tão
direta assim (risos gerais). A sensação é
de dever cumprido, pode crer!
Rodrigo: Pode crer, é a melhor sensa-
ção do mundo (risos).
Charles: Sim, mano, é ótimo. Se a gen-
te não estivesse incomodando, estaríamos
fazendo algo errado. A gente tá tacando o
dedo na ferida de gente preconceituosa,
gente que só de olhar já fica: ‘Quem são
esses pretos aí, o que tão fazendo aqui?’
Estamos ocupando espaços que geral-
mente não são ocupados por gente como
nós, e tem aqueles que se incomodam
com isso por descobrirem que não são
tão especiais quanto a mamãe disse que
eram. Que bom que é assim, quanto mais
os preconceituosos nos odeiam, mais
aqueles que precisam da nossa música
têm a chance de nos conhecer!
ROADIECREW.COM • 81

MARCO MENDOZA
Primeiro disco que comprou:
“Foi um presente de natal: Abbey Road - The Beatles”.
Melhor disco de heavy metal:
“Paranoid - Black Sabbath”.
Último disco que comprou:
“Todos do Journey e do Kings of Leon”.
Disco que mudou sua vida:
“Abbey Road - The Beatles”.
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Disco que mais ouviu na vida:
“Songs in the Key of Life - Stevie Wonder”.
Melhor capa de disco:
“Blind Faith - Blind Faith”.
Disco que daria a seu pior inimigo:
“Eu não daria nenhum”.
Disco que gostaria de ter gravado:
“Qualquer um do Cream”.
Música que gostaria de ter composto:
“Let it Be - The Beatles”.
Disco dos anos 70 que recomenda:
“Are You Experienced - Jimi Hendrix”.
Disco dos anos 80 que recomenda:
“Songs in the Key of Life - Stevie Wonder”.
Disco dos anos 90 que recomenda:
“Qualquer um do Nirvana”.
82 • ROADIECREW.COM
(ICONIC, EX-THE DEAD DAISIES,
WHITESNAKE, TED NUGENT, THIN LIZZY)
Por Leandro Nogueira Coppi • Fotos: Divulgação
Disco dos anos 2000 que recomenda: Além de seus projetos atuais, em qual banda você
“Qualquer um do Kings of Leon e Are You Listening - gostaria de tocar um dia?
Dolores O’Riordan”. “Aerosmith”.
Três hinos do rock/metal para você: Para qual música de outro artista você adoraria
“We’re An American Band (Grand Funk Railroad), Highway gravar uma nova versão?
Star ou Burn (Deep Purple) e Rock and Roll All Nite (Kiss)”. “Let it Be - The Beatles”.
Uma música que você adora, mas não sabe por que... Uma banda que você é tão fã que o faria comprar o
Afinal, ela é horrível e você sabe disso: tributo dela a Kenny G.:
“Não quero dizer”. “Jimi Hendrix”.
Qual outro instrumento você gostaria de saber tocar?
“Piano”.
Quando você acorda, qual música prefere ouvir?
“Ah, são tantas...”.
Além de rock e metal, quais são os seus estilos
musicais prediletos?
“Fusion”.
Se você não fosse músico, o que gostaria de ser?
“Um piloto”.
Como foi seu encontro mais bizarro com um fã?
“Foi em um banheiro”.
Complete a frase: Eu sou um sucesso quando...:
“Eu acordo e toco música para viver”.
Quatro bandas que chamaria para um festival:
“Aerosmith, Paul McCartney, Thin Lizzy e Ted Nugent”.
Música que mais gosta de tocar:
“Neste momento estou curtindo tocar Viva La Rock”.
Música que melhor define sua carreira:
“Todas elas!”.
Qual banda gostaria de ouvir fazendo uma versão de
alguma música de seu grupo?
”Aerosmith, Kiss e Deep Purple.”
Um músico que definitivamente não o agrada:
“Prefiro não comentar”.
Site:
www.marcomendoza.com
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 Ricardo Ferreira
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