Alina Duchrow

Cecília Bona
Cecilia Mori
Clarice Gonçalves
Débora Mazloum
Débora Passos
Gabi
Gê Orthof
Gisel Carriconde
Gustavo Silvamaral
Íris Helena
João Teófilo
Júlia Godoy
Júlia Milward
Karina Dias
Levi Orthof
LHWOLF
Lua Cavalcante
Luciana Ferreira
Luisa Günther
Luiz Olivieri
Maria Eugênia Matricardi
Maurício Chades
Nina Maia
Raquel Nava
Rômulo Barros
Silvino Mendonça
Tatiana Duarte
Thalita Perfeito

Curadoria: Yana Tamayo

Ap o io:
 Organização

Cecilia Mori
Júlia Milward
Karina Dias
Silvino Mendonça
Yana Tamayo

Brasília / DF
Programa de Pós-graduação em Artes Visuais - PPGAV
Universidade de Brasília - UnB
Dezembro de 2020
R937 Rumor [recurso eletrônico] / organização, Cecilia Mori … [et al.] ;
curadoria: Yana Tamayo. — Brasília : Universidade de Brasília,
Programa de Pós-graduação em Artes Visuais, 2020.
2 t. : il.

Conteúdo: t. 1. Catálogo — t. 2. Escritos.

Modo de acesso: World Wide Web: <www.ppgav.unb.br>.
ISBN 978-65-86503-27-2 (t. 1 digital)
ISBN 978-65-86503-26-5 (t. 2 digital)

1. Arte. 2. Exposição. I. Mori, Cecilia (org.)

CDU 7(817.4)
 salvo engano o futuro não se imprime
como o passado nas pedras nos móveis no rosto
das pessoas que conhecemos
o passado ao contrário dos gatos
não se limpa a si mesmo
aos cães domesticados se ensina
a andar sempre atrás do dono
mas os cães o passado só aparentemente nos pertencem
pense em como do lodo primeiro surgiu esta poltrona este livro
este besouro este vulcão este despenhadeiro
à frente de nós à frente deles
corre o cão

Ana Martins Marques.

Trecho de 5 poemas da série “Cartografias”,
em O Livro das Semelhanças.

Como forma de tornar visível a rica e ativa produção artística no Distrito Federal, Rumor reúne obras de 29
artistas do Distrito Federal. Neste espaço partilhado dentro e fora das galerias, articulam-se trabalhos que fazem
emergir simultaneamente experiências de campos de pensamento, de crítica, formação, experimentação e
circulação nos quais se ancoram a construção de circuitos ativos de cultura, pesquisa, educação e a possibilidade
do diálogo entre linguagens, territórios e gerações de artistas.

A noção que emerge do título da exposição volta-se a uma imagem que sugere ruído ou divergência, dissensos
resultantes do encontro de diferenças. Como múltiplas vozes projetando-se simultâneas e indistintas num
espaço comum. As obras expostas negociam suas posições no espaço entre acordos e dissonâncias, apontando
para partilhas que extrapolam o espaço da galeria e dirigem-se ao espaço no qual é tecido a vida comum.
As obras dialogam com nosso olhar suscitando inúmeras interpretações e aproximações. Solicitam que
percebamos seus gestos, suas possibilidades de inscrição material no espaço. De alguma forma, os desenhos e
esculturas de LWWOLF pedem que busquemos compreender a repetição de formas como ferramenta poética
– o artista amplia manualmente desenhos feitos originalmente com 1,5 cm. Em Quedas de uma linha própria,
instalação com borrachas pretas e desenhos feitos com bastão a óleo, Cecilia Mori evidencia o desenho como
campo de pensamento, trabalho, esforço e inscrição expandida no espaço. Podemos sentir o peso das linhas
que pendem pela parede ao passo que também se poderia perceber o papel como espacialidade onde os nós
atam-se antes de vir o espaço. A matéria que salta quase viva diante de nós e evidencia seu embate com a
superfície está também presente na pintura Sem título, de Raquel Nava.
De maneira formal e conceitual, os campos da pintura e da escultura são tratados também por Gustavo
Silvamaral, Gisel Carriconde, Raquel Nava, em Poças, e Cecília Bona, em Exercícios de espera. Trabalhos que
nos apontam o equilíbrio sempre provisório entre os objetos no mundo, entre sujeitos e sociedades em sua
diversidade e contingências. Gisel aponta para o sistema de validação da arte como espaço de pensamento, de
criação simbólica, mas também como espaço a ser pensado em sua frágil condição de mercadoria.
Ao centro da galeria, outros trabalhos apresentam, pela perspectiva dos corpos representados, as relações de
poder que os atravessam constantemente moldando sua existência. Seja nas pinturas de Clarice Gonçalves,
nas fotografias de Lua Cavalcante, nas fotografias de rostos curvados de Julia Milward, na instalação de Rômulo
Barros ou nas fotografias de Maria Eugênia Matricardi, o corpo feminino surge como interlocutor de memórias
de apagamentos, mas também como instância primeira de resistência, deleite e abrigo.
Se pensarmos que os corpos carregam também o lastro de cartografias afetivas, tanto na obra Fissuras, de
Rômulo Barros, como nos desenhos bordados com linhas de algodão e fios de cabelos de mulheres (série Seio),
de Débora Passos, emerge a relação com uma linhagem de afetos transmitidos e com narrativa dos espaços de
construção do feminino na sociedade. Ainda lidando com essa memória constantemente em trânsito, Tatiana
Duarte nos apresenta duas pinturas em encáustica sobre fotografia que lidam com deslocamentos e a força
necessária para fazer travessias no tempo. Em Erupi, um vulcão manifesta sua força, como a vida normalmente
invisível e subterrânea extravasa o que não pode ser mais contido, a fim de encontrar novo equilíbrio.
Atravessar territórios, voluntária ou involuntariamente é parte da história da humanidade desde seu surgimento
na Terra: nossa forma de conhecer, subsistir, caminhar e habitar o espaço dizem muito sobre a forma como
decidimos negociar nossa existência na natureza. Evidenciar as diferenças de escala existentes entre nós e as
dimensões longínquas dos horizontes de terra e água nos faz pensar novamente sobre nossa própria dimensão
no todo. Mas afinal, o que é o todo?
A obra de Débora Mazloum coloca no centro da galeria principal bússolas desorientadas pela presença de
campos magnéticos e limalha de ferro. Karina Dias caminha num filete de água aprisionado entre duas porções
de terra. Seu corpo demarca uma extensão imaginária, apenas possível pelo artifício da câmera. Nina Maia
desliza em outra paisagem: um mar feito de porções isoladas de azuis-crepe infinitos, um oceano destacado e
colorido pela memória do tempo e de todos os azuis marítimos. Este mesmo mar que une continentes, separa
porções de terra, fronteiras delimitadas em Aterramento em alto mar, de Cecilia Mori. Já os trabalhos de João
Teófilo e Maurício Chades dialogam com as fronteiras invisíveis que demarcam territórios no espaço urbano,
assinalando coisas que passam desapercebidas ao nosso olhar no fluxo cotidiano.
Íris Helena possibilita com seu trabalho um contato nosso sistema de produção de memórias coletivas; entre
ruínas e monumentos, questiona as formas instituídas de memória e os esquecimentos calculados. Também
Alina Duchrow e Silvino Mendonça partem do documento histórico como fonte de pesquisa para fazer emergir
relatos apagados. A mudança de modos de ver e a desaparição da experiência do cinema tal qual conhecemos
em sua origem nos traz uma reflexão sobre os modos de representação da sociedade no presente. Em Se me
encontrar parado, me empurre para o meio, Alina expõe um fragmento da história de desamparo e esperança
de milhares de pessoas que migraram para a Amazônia durante os ciclos da borracha. Entre histórias de extravio
e desaparição, as poéticas podem, como na Arqueologia, aproximar-se da história a fim de encontrar narrativas
que se escondem nas lacunas e vazios das grandes narrativas.
Luisa Günther, Levi Orthof, Thalita Perfeito nos convidam a olhar para o cotidiano com humor e abertura para
o imprevisível que é sempre o que há de preciso. Nos fazem pensar, entre outras coisas, nas possibilidades do
corpo como interventor e criador de fendas momentâneas no real: como percebemos as intervenções urbanas,
a escuta do cotidiano, dos edifícios e dos pássaros que habitam o mesmo espaço que nós. Poderíamos nos
imaginar como parte de um conjunto em movimento coordenado, partitura do acaso coreografado? Luiz Olivieri
também evoca nossa confiança nos sentidos em Espaço Ressonante: ao entrar numa caixa compartimentada,
que possamos estar atentos à complexidade que sempre envolve uma experiência sonora.

Muitos destes trabalhos não tocam a realidade de maneira literal; exigem de nós que possamos destacar
as coisas de seu contexto e re-imaginá-las como formas nunca vistas, como ações no tempo, manchas ou
construções. Ainda é possível que nos deparemos na galeria com uma língua inventada, a fim de nela tentar
apreciar sua melódica diferença incompreensível. Cada encontro com os trabalhos demanda de nós um esforço
e engajamento corporal: em toda linguagem há corpo, memória e há palavra. Os trabalhos de Júlia Godoy,
Luciana Ferreira e Gabi nos convidam a pensar a palavra e o espaço em seu grau máximo de estranhamento.
Chamam a deslocar o hábito como necessidade vital a fim de manter viva a linguagem, criar universos diversos.

Numa obra imersiva como a instalação HA-gaz-AH, de Gê Orthof, nos deparamos com a iminência do fogo
que ameaça devorar as árvores, os museus, os animais, os livros, as histórias, a louça sobre a mesa, as imagens
e nossa própria memória. Realizado em 2014, este trabalho abordava inicialmente o aumento das tensões no
Oriente Médio naquele ano. Reeditado em 2020, a instalação reaviva seus sentidos trazendo à tona um estado
de alerta constante. Ao mesmo tempo, a obra suscita os gestos inimagináveis de solidariedade que podem
surgir a fim de guardar memórias compartilhadas valiosas. Como no filme Farenheit 451, obra de Ray Bradbury
filmada em 1966 por François Truffaut, num futuro hipotético, toda forma de escrita e literatura foi condenada
à fogueira. Para salvar os livros, cada habitante de uma sociedade secreta decide decorar um livro. “Decorar”,
que significa guardar com o coração. O coração já foi considerado o órgão responsável pela memória. Se é
possível guardar com o coração aquilo que de valioso encontramos no interesse público da arte, que possamos
rememorar a fim de não esquecer, compartilhar a fim de multiplicar, trazer à público a fim de dialogar. Porque
o tempo corre.

Yana Tamayo
Alina d’Alva Duchrow

Alina d’Alva Duchrow nasceu em Fortaleza- CE – Brasil, vive e trabalha em Brasilia. Arquiteta
e artista visual, fez Pós-graduação em artes visuais pela Universidade Alanus Hochschule,
Bonn, Alemanha e graduou-se em Arquitetura e Planejamento Urbano pela Universidade de
São Paulo – EESC USP. Atualmente é doutouranda do Programa de Pós- graduação em Artes
Visuais da UNB.

Quem me encontrar parado me empurre para o meio, 2018.

Vídeo digital 3’12’
TV 28 polegadas

No final do século XIX e primeira metade do século XX milhares de cearenses foram iludidos
com promessas de uma vida de abundância nos seringais da Amazônia e para lá migraram,
sendo utilizados como mão de obra escrava para servir aos interesses da indústria internacional
que demandava o látex. Eram impossibilitados de voltar à sua terra natal pelas relações
coercitivas de sujeição ao dono do seringal. O Vídeo “ Quem me encontrar parado me empurre
para o meio” narra a história de um barquinho que carrega uma carta de uma cearense isolada
no interior da mata amazônica com preces e oferendas a São Francisco de Canindé.
Cecília Bona

Cecília Bona é artista visual, pesquisadora e professora. Em seu trabalho propõe objetos e
instalações que promovem a experiência de fenômenos perceptivos e imensuráveis. Sua
pesquisa é direcionada pelo interesse na luz, no tempo e no espaço. Explora a materialidade
como potencial artístico e trabalha com os mais diversos utensílios, apetrechos e suportes.
Bacharel em Desenho Industrial pela Universidade de Brasília com habilitação em Projeto de
Produto e Programação Visual. Mestre em Artes Visuais pela Universidade de Brasília, na linha
de Poéticas Contemporâneas.

Exercícios de Espera (Tempo Elástico), 2020.

Instalação
Borracha, pedras, objetos.

Harmonia à beira do caos. Um frágil equilíbrio visual que cria a expectativa de um fim. A espera
do desmoronamento que incorre em desconstrução visual e destruição dos objetos.
Cecilia Mori

Artista plástica, pesquisadora doutora, com Prêmio UnB de Teses na área de Artes. É professora
do Departamento de Artes Visuais da Universidade de Brasília onde pesquisa a mentira como
verdade poética. Premiada no Salão de Artes Visuais do MAB, possui obras no acervo do Museu
Nacional e da Casa da Cultura da América Latina-UnB. Investiga o orgânico e o inorgânico em
diferentes linguagens artísticas e experimenta materiais ordinários na sua potência poética e na
(de-)formação plástica com pseudo-métodos.

Aterramento em Alto-mar, 2019.

Instalação de parede, peças de acrílico de 100cm x 3cm x 3cm com terra de Brasília e de Lisboa e
fotografias analógicas da Esplanada dos Ministérios coberta de geada em 1964 de 10cm x 18cm,
100cm x 130cm, 2019-20.

Queda da linha própria, 2019.

Borrachas automotiva e para refrigeração de diferentes tamanhos e espessuras e desenhos de
pastel oleoso sobre papel fabriano medioevale 12cm x 12cm, dimensões variáveis, 2020.
Aterramento em Alto-mar

Fotografia: Ádon Bicalho

Em Aterramento em alto-mar, as cidades que têm sua terra coletada remetem ao percurso
traçado pelas famílias portuguesas que migraram para o Brasil. A obra busca resgatar os laços
familiares sem perder de vista o desequilíbrio afetivo instaurado nos encontros culturais. A
porção de terra armazenada forma uma cápsula da cidade e, enquanto uma amostragem, essa
terra evoca toda a ancestralidade. Ao mesmo tempo em que a história familiar se confunde com
a história da cidade, as terras guardadas se apresentam com a força atemporal da Pintura. A
verticalidade proposta pela montagem da obra sugere, ainda, a visão hierática dessa matéria-
cor, das terras enclausuradas, que cotidianamente são experimentadas na sua horizontalidade,
como o piso por onde andamos.

Com a peneiração dos solos coletados, as matérias (pedregulhos, gramas, minhocas e afins)
encontradas são descartadas e aquilo que poderia identificar essa porção de terra como um
determinado território é retirado, permanecendo apenas o pigmento, a pintura pulverizada.
Essa poeira, que antes fora terra, se torna uma pequena vitrine de cor com a desmaterialização
física do território. Enquanto vitrine, atiça o olhar mas impede o tato. Enquanto vitrine-objeto,
isola mas guarda a poeira-pintura. Ao ser deslocado de seu espaço originário, essa terra,
agora encapsulada, evidencia a reverberação da memória que, apesar de minha, a existência
me precede. Por fim, o esvaziamento potente do corpo pictórico se associa ao esvaziamento
de referência com as imagens fotográficas, fixadas ao lado, que mostram uma paisagem
desconhecida e descontextualizada da paisagem bem conhecida da Esplanada dos Ministérios
de Brasília. Com seu solo coberto de granizo, geada e até neve, como noticiou um jornal local
sobre o evento raro em outubro de 1964, o cartão postal da cidade é obliterado. Ainda uma
cidade por vir, mas já habitada. Mesmo assim desértica.
Queda da linha própria

Fotografia: Ádon Bicalho

Em Queda da linha própria, de 2020, apresento uma instalação de parede construída de dois
emaranhados de borrachas e uma linha horizontal de desenhos desses enlaçamentos e nós feitos
em pastel oleoso preto. O primeiro grande nó de restos de borracha de refrigeração e automotiva
é, na verdade, uma queda ou uma cascata em direção ao piso da galeria enquanto o segundo
parece executar um outro movimento, no espaço do entre o piso e o teto. Provavelmente,
se não houvesse os desenhos como horizonte abaixo, o agrupamento de borrachas à direita
pareceria flutuar, se desprendendo de todo o contexto e, com isso, perdendo ou enfraquecendo
sua conexão com a materialidade que o compõe. Dessa forma, a presença física marcada pelo
traço grosso e opaco do pastel preto reforça a noção de chão necessária para que o emaranhado
da direita possa parecer se lançar após um tropeço, pois com a referência do piso (ou tendo o
horizonte como obstáculo), o céu é construído.

Essa ambiguidade que a noção chão impõe acaba por estabelecer uma proposição paradoxal
entre a ascensão e a queda. E ainda o céu, criado a partir do que foi estabelecido como chão,
parece não ter limite (nem físico nem simbólico). Assim, o encontro com ele não apenas não
estatela um corpo como é impossível, pois é postergado a cada pé subido em sua direção.
Clarice Gonçalves

Alina d’Al Nascida no DF em 1985, Clarice Gonçalves se graduou em Artes Visuais pela UnB em
2008, e vem expondo sua pesquisa em pintura desde 2005. Possui obras na Casa das Américas,
em Havana-Cuba, no acervo do Museu de arte de Joinville, SC, na Galeria de Arte da Universidade
de Goiás (FAV),GO. Vem realizando regularmente mostras individuais em Brasília e Outros Estados
do Brasil. Em 2019 Idealizou e executou o projeto Matriz, composto de uma mostra individual da
artista apresentando obras sobre seu puerpério, com curadoria de Cinara Barbosa e em paralelo
realizou a orientação, acompanhamento e curadoria de um ateliê convocado por edital aberto
para artistas mães convidadas a produzir sobre a temática de suas vivências com a maternidade.
Os trabalhos resultantes foram expostos paralelamente a mostra de Clarice, no Museu Nacional
da República em Brasília. A obra de Clarice é representada em Brasília pela Galeria Referência e
em São Paulo pela Galeria Almeida Prado. Foi criada, vive e trabalha em Taguatinga – DF.

Bordando labirintos brancos, 2019.

Pintura
152 X 210 cm

Ou seja, a cultura, 2018.

Pintura
65 x 65 cm
Uma pintura de grande formato serviu de base para a realização da obra bordando labirintos
brancos (152 x 210 cm). Trazia duas mulheres, brancas numa interação sobrenatural, cada uma
em espectros distintos de presença. Um exorcismo, talvez. Imposição de mãos, a outra o firmar-
se no orgulho leviano de uma juventude privilegiada. Essa pintura começou a ser executada
em meados de 2012, e durante anos nunca a considerei satisfatoriamente pronta. Por volta
do final de 2018 comecei uma pesquisa com fogo controlado sobre pintura que culminou no
resgate dessa imagem em questão, que ao meu imaginário se tornou muito emblemática do
contexto sócio-político que vivemos. Foi então que a cena culminou numa estética destrutiva,
transformadora, ruidosa, quase escatológica pela qual se pode ver o que há atrás e além da
bidimensionalidade da pintura. Existe uma perturbação do ícone da pintura, um abalo no ideário
de sua sacralidade de grande arte, acredito, devido ao efeito destrutivo do fogo e seus escombros
e texturas remanescentes. Existe ali, a presença de uma destruição criadora. Ou numa trágica
contextualização posterior, um Brasil que pega fogo descontroladamente e propositalmente de
forma criminosa e lucrativa para alguns poucos doentes privilegiados que lucram com a morte,
enquanto outros, impõem crenças e censuras, que reverberam nos fazeres artísticos e existires de
muitos, muites, muitas, culminando no fechamento de espaços expositivos, força motriz dessa
exposição – ocupação última antes da queda da lâmina da guilhotina.

A outra pintura que se avizinha a esse universo é intitulada Ou seja, a cultura bebe e vomita do
mesmo contexto, dessa vez uma mulher indígena está deitada, um feixe de luz urbana, quadrada
e uniforme lhe banha o rosto. Não se sabe ao certo se sofreu um golpe fatal, ou está dormindo. É
assim que vejo nossas populações originárias desde sempre nesse Brasil, ainda mais agora nesse
momento de extermínio patrocinado pelo Estado. Não que estejam passivos, mas, nessa cena,
espero que seja um sono, que possa acordar e ver que das cinzas a nutrição rebrota, que o inimigo
agora visível por seus atos deploráveis não tenha mais onde se esconder nessa sociedade, nem
mesmo dentro de cada um de nós. Que enquanto sociedade tomemos consciência de quanto
nossos hábitos de consumo fomentam cruelmente mortes e destruição.
Débora Mazloum

Débora Mazloum, artista plástica, mestre em Processos Artísticos Contemporâneos pela UERJ
em 2016. Nascida no Rio de Janeiro, atualmente vive e trabalha em Brasilia, onde teve sua filha
Maitê. Ao longo dos anos, os deslocamentos entre cidades feitos pela própria artista assim como
pela sua família reverberaram em sua pesquisa questões relacionadas a imigração, a colonização
botânica e ao modo de ver e entender a história.

Bússola de Marear, 2019.

Instalação
Bússola, limalha de ferro, ponteiros de ferro, acrílico, manta magnética,
potes de cerâmica, ímãs, régua, forma de aço inox
1,10 X 1,10 X 0,45
Bússola de Marear

O projeto Bússola de Marear nasceu de uma necessidade de questionamento acerca da idéia

filosófica de norte. Este norte, que nos guia, que parece estabelecer a direção á qual devemos nos
posicionar, o norte a ser alcançado é a medida da própria falta de uma estrela que não vemos.
Porque olhamos para um céu que não é nosso?

O polo norte geográfico difere do polo norte magnético. Essa diferenciação, ocorreu por conta
da convenção que países imperialistas estabeleceram desde a época dos descobrimentos e
impuseram sobre os outros a idéia de que eles seriam a referência , de que eles seriam o lugar
para o qual se quer ir, o norte. Entender esse pensamento é fundamental para que possamos
criar novas narrativas acerca do nosso lugar no mundo, do sul global e nos recolocarmos no
nosso centro narrativo, seja ele geográfico, seja ele interno. Nessa medida, o trabalho pretende
estabelecer uma relação paralela com uma idéia de espaço geopolítico junto com o espaço
da micropolítica, através da criação dessas novas bússolas que serão colocados em pequenos
objetos que usualmente temos em casa como um vaso, uma saboneteira ou uma forma de
bolo. Assim a instalação de objetos busca descentralizar a idéia de norte, a partir de agulhas
de aço colocadas sobre uma camada de limalha de ferro que atuam no campo magnético de
modo a tirar o magnetismo da bússola e dos ponteiros de aço (construídos especialmente para
o trabalho). Sem a indicação do ponteiro podemos realmente apontar e sugerir outras direções.
Débora Passos

Nasceu em Teresina-PI, em 1988. É bacharel em Artes Plásticas pela Universidade de Brasília

desde 2012. O corpo, o feminino, o espaço e o lugar, em seus aspectos sociais, íntimos, ancestrais e
relacionais são os principais assuntos possíveis em seus trabalhos, que atualmente se concentram
nas linguagens do desenho, do bordado livre (série Seio) e da aquarela (série Ginófitas). Participou
de exposições coletivas em diversos espaços de Brasília, como Museu Nacional, Elefante Centro
Cultural, Museu dos Correios, DeCurators, A Pilastra etc., e foi artista selecionada no II Salão Mestre
D’Armas (Planaltina - DF). Também trabalha como arte-educadora em espaços expositivos do
DF desde 2009.

Sem título, série Seio, 2019.

Linho bordado
Linha de seda, linha de algodão e fios de cabelo sobre linho
35 X 70 cm
Seio
substantivo masculino
1. dobra ou prega sinuosa; curvatura, volta, sinuosidade.
"o s. de uma rua"
2. anat m.q. MAMA ('projeção').
3. p.ext. parte do pescoço e do peito femininos que pode ficar a descoberto; colo.
4. p.metf. o mais recôndito de um ser; alma, espírito.
"que confissões haviam de brotar-lhe do s.?"
5. a parte interna, central; âmago, interior, cerne.
"o s. da floresta"
6. enseada, golfo, bacia.
7. fig. intimidade, privança, familiaridade.
8. meio, ambiente de onde algo ou alguém se origina ou no qual se produz alguma coisa.
"ele vem do s. da nobreza"
9. anat cavidade, canal interno que contém ou por onde passa algo; sínus.
anat grande canal que contém sangue, especialmente sangue venoso.
anat cavidade no interior de um osso.
10. mar convexidade que faz uma vela de embarcação quando lhe bate o vento; bolso, bojo.
11. mar parte do cabo ou da amarra compreendida entre dois chicotes.
12. mar curvatura que deixam os cabos, as amarras etc. quando não estão bem tesos.
Origem
ETIM lat. sinus,us 'prega côncava como vestimenta'

O trabalho é feito com técnicas de bordado livre, utilizando fios de cabelo de minha mãe, os
meus, os de outras mulheres e outros tipos de linha.
Gabi

Gabi é artista visual e professora na rede pública de ensino do Distrito Federal. Desenvolve
trabalhos utilizando a materialidade do ambiente em que está imersa, estabelece relações
com o tempo e a efemeridade, percepções sutis da obra situada no espaço e noções de
paisagem. Expõe regularmente desde 2010, e integra o grupo Espaços da Escrita. Vive e
trabalha no Distrito Federal.

esboço, 2020.
Papel vegetal, fio de nylon, linha de algodão e fita adesiva
Instalação
Dimensões variáveis

Desenho a mão livre. Mãos livres para tatear a linha, os planos, a superfície. Amassar folhas
que saem do interior de outras folhas. O vazio deixado na parede, um quadrado. Na superfície
do papel habita o som da chuva. A matéria abriga estados e transformações. Entre uma coisa
e outra, o desenho se estabelece sutil. Demarcação transitória. O olhar apurado evapora a
distância, falhas na exatidão.
Gê Orthof

Possui graduação em Desenho Industrial pela ESDI-Universidade do Estado do Rio de Janeiro

(1981), especialização em Desenho, bolsista CAPES-FULBRIGHT: School of Visual Arts, NYC (1982),
mestrado em Artes Visuais, bolsista CNPq: Master of Arts & Master of Education - Columbia
University in the City of New York (1985) doutorado em Artes Visuais, bolsista CNPq: Visual Arts
& Art Education in College Teaching - Columbia University in the City of New York (1992), pós-
doutorado, bolsista CAPES: Performance and Installation Arts - School of the Museum of Fine
Arts - Tufts University, Boston (2001) e Drawing and Installation Arts - School of Visual Arts, Penn
State University, State College (2016). Atualmente é professor adjunto 04 do Departamento
de Artes Visuais, Instituto de Artes da Universidade de Brasília. Coordena o grupo de pesquisa
Moradas do Íntimo. Possui experiência na área de Artes, com ênfase em Artes Plásticas, atuando
principalmente nos seguintes temas: arte contemporânea, poéticas contemporâneas, artes
visuais, desenho, vídeo, performance e instalação.

HA-gaz-AH, 2014-2020.
Instalação. Dimensões variadas.
Coleção Onice Moraes e José Rosildete de Oliveira

A instalação busca tensionar as questões da faixa de Gaza com o fascismo que se alastra como
um grande barril de pólvora pelo mundo afora. Uma narrativa é desfiada de forma não literal,
entremeando citações do livro Fahrenheit 451 de Ray Bradbury e memórias pessoais da ditadura
civil/militar no país. Tudo está por um triz.
Gisel Carriconde

Gisel Carriconde Azevedo é graduada em artes pela Universidade de Brasília, com mestrado e
doutorado na Inglaterra (University of Brighton e University of East London). Entre 2000 e 2016,
atuou como designer de exposições no Museu de Valores, direcionando sua atenção para as
relações entre objeto, espaço e público. Trabalha desde 2003 com instalações onde incorpora uma
série de práticas museológicas, explorando o uso do objeto e da linguagem na (des)construção
do conhecimento. Desde 2014, está a frente do deCurators, um espaço de arte independente
voltado para experimentações no campo da expografia e da curadoria.

Babel (Arte e Linguagem), 2019.

Instalação de mobiliário e objetos: madeira, acrílico, e pedras gravadas c/ jato de areia
Dimensão variável

As pedras Object Trouvé (França), Gesamtkunstwerk (Kassel) e Bienalle (Veneza), fazem parte de
uma coleção de pedras coletadas em viagens. Inseri-las no circuito de arte como objetos, gesto
que celebra/ironiza minha relação (desajeitada) com a natureza.
Gustavo Silvamaral

Gustavo Silvamaral nasceu em Brasília em 1995. Graduado em Artes Visuais pela Universidade
de Brasília, participa desde 2015 do grupo de pesquisa Corpos Informáticos coordenado
por Bia Medeiros, e também é assistente da artista Iracema Barbosa. A pesquisa do artista
vem se desdobrando em uma série de ações, objetos, instalações, desenhos e pinturas. A
pictorialidade, ou seja, os elementos e formas de representação fundamentais da pintura que a
tornam um meio específico de produção e circulação de imagens e imaginários são esmiuçados,
tensionados e aprofundados no processo do artista.

Coisamarela, 2019.
Instalação
Vinil adesivo, lâmpadas tubulares, concreto, lacre plástico, tinta pva, esmalte sintético, papel,
metal, fita adesiva, tubos de papelao, saco plástico, madeira.
Dimensões variáveis
Rumores sussurrados no meu ouvido.

Que ano difícil. Me falaram que podia piorar, eu imaginava que as coisas poderiam se complexar
cada vez mais, porém não esperava tamanho descompasso com as expectativas do que eu tinha
sobre esse ano. Escrevo esse texto com alguns meses passados desde a exposição Rumor e
muita coisa mudou nesse meio tempo, mais até do que eu podia imaginar. Vários dos rumores
que motivaram a exposição se tornaram realidade, outros que a gente nem imagina que podia
ser real, também. Estou bem, mas em cacos ao mesmo tempo, e o coisamarela me contempla
bastante com isso.

Esse trabalho é formado por uma área delimitada pelo piso, utilizando vinil adesivo na cor amarela
como sinalizador deste lugar. Nele dispus uma série de esculturas e objetos vindo de destroços da
sociedade contemporânea, restos descartados por outras pessoas que vou acumulando em meu
atelier. A eleição desses cacos se dá pelo acaso do encontro, a caminhada é um instrumento para
a minha pesquisa em artes, preciso me deslocar para colocar meu corpo de encontro com esses
resíduos. Com o tempo cacos isolados encontrados em tempo e lugares diferentes se unem, se
transformando em um novo objeto.

Transformar esses cacos, uni-los e ressignificá-los e uma motivação, a possibilidade do novo

depois do fim declarado. Sei que existem vários destinos possíveis para os objetos mostrados
no coisamarela, eles podiam estar na rua até hoje, tomando sol e chuva, se deteriorando de uma
forma mais rápida, rumo a poeira que o destino reserva. Mas a possibilidade de poder prolongar a
existência deles, mesmo que na efemeridade de uma exposição de arte e na efemeridade que é
a existência, me faz querer continuar a trabalhar mais e continuar existindo.
Iris Helena

João Pessoa (PB), 1987. Vive e trabalha em Brasília (DF).

Iris é uma artista multidisciplinar licenciada em Artes Visuais pela Universidade Federal da Paraíba,
Mestre em Poéticas Contemporâneas e doutoranda em Deslocamentos e Espacialidades em
Arte Contemporânea pela Universidade de Brasília. Sua pesquisa caracteriza-se pela investigação
crítica, filosófica, estética e poética da paisagem urbana a partir de uma abordagem dialógica
entre a imagem da cidade e as superfícies/suportes escolhidos para materializá-la. Os suportes
precários e ordinários são muitas vezes retirados de seu consumo cotidiano e possibilitam a (re)
construção da memória atrelada ao risco, a instabilidade, sobretudo, ao desejo do apagamento.
Iris Helena também é integrante do grupo de artistas pesquisadores VAGA-MUNDO: poéticas
nômades vinculados a Universidade de Brasília (CNPq). O Grupo realiza residências e expedições
pensando geopoética e poéticas da paisagem.

Grifos | série Marcadores, 2015.

Impressão à jato de tinta sobre marcadores de página de plásticos autoadesivos.
350 cm x 40 cm

Projeto Fundação, 2017.

Registro de ação/intervenção urbana. 4 Fotografia impressa à jato de tinta.
20 x 30 cm
Grifos | série Marcadores

Pensar e (re)pensar o lugar do monumento, as narrativas hegemônicas de poder e a possibilidade

de revisão histórica são assuntos que permeiam a série Marcadores. A exposição é o resultado de 7
anos de coleção de imagens de monumentos ao redor do mundo (nas categorias: figura humana,
obeliscos, pitorescos, ruínas, torres, antenas, etc.). As imagens são impressas sobre pequenos
marcadores de página autoadesivos e coloridos. O redimensionamento de escala inutiliza, ironiza
e aproxima essas construções da escala humana. Conseguimos aproximar a ação método-jogo
conceitualmente daquele mesmo costume de marcação de páginas. Sem livros dentro do espaço
expositivo, são as paredes da galeria que são marcadas. Os papéis aqui não atribuem importância
a um objeto impresso, mas são eles próprios a superfície da impressão. Atribui-se a eles, então,
uma importância dialógica aos nomes próprios, conceitos e imagens encontrados nos livros outrora
marcados. e bordado livre, utilizando fios de cabelo de minha mãe, os meus, os de outras mulheres
e outros tipos de linha.
Projeto Fundação

Fundação foi uma intervenção feita na quadra 207 Norte, mais conhecida "quadra vazia”. No
Plano-Piloto o terreno destinado à "Superquadra 207 norte", pertencente a Universidade de
Brasília, tornou-se lugar de projeção e especulação imobiliária, sem que nada fosse construído no
espaço de fato. O projeto pretendeu inaugurar uma espécie menir que anunciaria uma quadra-
devir inexistente. O local recebeu, dia 1 de julho de 2017, a ação de inauguração de uma réplica
idêntica de um totem de concreto, símbolo da sinalização da cidade de Brasília, como marcador de
localização dos blocos nas superquadras de Brasília com os dizeres SQN 207 BLOCO A. O totem
nesta paisagem é o primeiro "bloco" e primeira ação desta série fundacional dentro de uma cidade
tombada; A intervenção durou 12 dias e foi completamente vandalizada e destruída por passantes.
Um monumento e uma ruína; projeção de futuro e falência dessa estrutura simultaneamente.

Na mostra RUMOR o projeto fundação é exibido em caráter de registro que consiste em apresentar
4 imagens da ação/intervenção artística em 4 momentos distintos de sua duração.
João Teófilo

João Teófilo é brasiliense por usucapião, possui graduação em Arquitetura e Urbanismo (2010) e
bacharelado em Artes Visuais (2015), ambos pela Universidade de Brasília, atuando em ambas
as áreas. Atualmente é mestrando da linha de pesquisa Espacialidades e Deslocamentos do
programa de pós-graduação do Instituto de Artes da UnB.

Arborícolas, 2017-2019.
Grafite sobre papel;
12 desenhos de 38 x 28 cm cada
montagem variável
Arborícolas

À maioria dos transeuntes, entorpecidos pelo ritmo dos afazeres cotidianos, permanecem
invisíveis. Aqui e ali, trepados nas árvores, toda sorte de objetos. Cadeiras e bancos, em
especial, têm uma propensão natural para a vida arborícola. Há também coisas misteriosas,
de finalidades desconhecidas.

Arborícolas é um inventário crescente desses vestígios, pelos quais se adivinha uma

ocupação. É apenas uma parte da cultura material produzida por aqueles que trabalham
na rua, que jogam com o que há à mão para criar a mínima infraestrutura que permita a
ocupação intermitente de espaços residuais da cidade - os bolsões de estacionamento
e os canteiros entrepistas. Arborícolas fala da parte dessa produção que seus criadores
não podem ou escolhem não levar consigo quando voltam para suas casas, parte que fica
confiada às ruas durante a ausência de seus donos.
Julia Milward

Nascida na Baía de Guanabara, criada nas margens do Paraíbuna, atravessou o oceano atlântico
até a Seine, desaguou no Rhône e praticou três anos de Stand Up Paddle no Lago Paranoá.
Atualmente faz viagens em torno do próprio quarto.

Graduada em Comunicação Social pela Universidade Federal de Juiz de Fora [BR] e em Artes
Plásticas pela Université Paris 8 [FR]. Mestre em Fotografia Contemporânea pela École Nationale
Supérieure de la Photographie [FR] e em Artes Visuais/Poéticas Contemporâneas pela Univer-
sidade de Brasília [BR]. Doutoranda em Artes Visuais/Deslocamentos e Espacialidades pela
Universidade de Brasília [BR].

Expôs coletivamente 50 vezes em 4 países diferentes [Brasil, França, China, Canadá].

Individualmente, 8 vezes. Participou de 16 publicações e 4 residências artísticas. Ganhou 5 prêmios
[Arca-Suiss + Transborda Brasília + Funarte + Salão de Guarulho + Diário Contemporâneo] e foi
indicada para um outro [Pipa].

Renomes, 2016-2019.
Fotografias Digitalizadas / Imagens de Arquivo / 8 fotografias
Dimensões variáveis
Instalação: 700x350 cm
Renomes

“Ele a cobria – como um lençol, como uma mortalha, como um biombo. Ela não tinha existência separada.”
Rebecca Solnit.

As taxas de feminicídio no Brasil aumentam a cada dia, a maior parte dos crimes são cometidos pelos maridos ou
ex-companheiro. As razões parecem repetir modelos, de um roteiro pré-estabelecido socialmente, seja pela não
aceitação do comportamento da esposa (o ciúme-posse confundido com amor) ou o fim daquela relação. A base
desses ataques tem relação estreita com o fato das mulheres ainda serem compreendidas como propriedades
dos homens, sintoma que podemos notar nas imagens produzidas, nas representações que surgem dentro das
falas cotidianas (Mulher, minha não faz isso), no controles dos corpos (a roupa que define caráter), nas imagens
presentes, como, por exemplo, na fotografia (forma predominante de representação social do século XX).

E existem outras inúmeras formas de fazer uma mulher desaparecer, uma delas é através do sobrenome. A
substituição do nome apaga a genealogia da mulher e até sua próxima existência. Na linguagem oral restam
resquícios dessa relação de posse, quando, por exemplo, a mulher deixa de se chamar Carolina da Silva e passa a
ser Sra. Mario Peixoto.

Na série “Renomes” apresento fotografias retiradas das colunas sociais dos anos 50 e 60, onde os rostos
estampados das abastadas mulheres aparecem acompanhados das legendas que as nomeiam: Sra. Embaixador
Luiz Bastian Pinto, Sra. Conselheiro Paulo Paranaguá. Trocam o nome próprio pelo status do bom casamento, se
curvam para o outro perdendo, assim, a própria identidade.

Para propor o diálogo sobre essa forma de apagamento das mulheres com o público, as 8 fotografias da série
foram impressas em tecido sintético em grande formato e foram fixadas de forma em que a parte superior da
imagem fique sempre projetada para o chão (remetendo o gesto de submissão), quando os rostos tentam se
reerguer caem novamente o olhar sem identidade.
Júlia Godoy

Nasceu no interior de São Paulo em 1984 e vive em Brasília há uns sete anos. Formou-se em
Letras-Russo pela USP e fez mestrado em Artes Visuais na UnB. Sua pesquisa e produção
artística gravitam em torno das questões da linguagem e de como imagens e escritos orbitam o
universo da língua. Quase tudo nasce no balcão da cozinha perto de livros, lápis, gata e coleções
de cacarecos. Gosta de desenhar, de estudar alquimia, de ler poesia e fazer anotações sobre tudo.
Até sobre a Lua. E, por essa razão, acumula caderninhos e os perde constantemente.

Weltinnenraum – o espaço interior das coisas, 2019.

vídeo, 2’30"

Tomei emprestado o conceito de Rainer Maria Rilke. Talvez porque eu sinta e saiba intuitivamente
que o barulho da minha língua nativa já tenha tentado de tudo – ela tenta e quer, porém, se
esgota. Histórias e idiomas diferentes fazem uma aproximação sobre a imponderabilidade dos
corpos e da queda livre dos deuses pelo espaço: as coisas existem por si só apesar da língua
e apesar de nós. A linguagem tem uma capacidade ambígua de explicar ou de fazer o silêncio
imperar. E aí reside a angústia.
Karina Dias

Karina Dias (Brasília, 1970) Artista visual e professora do Departamento de Artes Visuais da
Universidade de Brasília, atuando na graduação e pós-graduação. Pós-doutora em Poéticas
Contemporâneas (UnB), Doutora em Artes pela Université Paris I – Panthéon Sorbonne. Trabalha
com vídeo e intervenção urbana. É autora do livro: Entre visão e invisão: paisagem (por uma
experiência da paisagem no cotidiano). Coordena o grupo de pesquisa vaga-mundo: poéticas
nômades (CNPq). Sua pesquisa está centrada nas poéticas da paisagem e da viagem, na
geopoética, nos processos de produção artística, no lugar e seus modos de imaginação.

www.karinadias.net
cargocollective.com/vaga-mundo

Orla, 2018.
vídeo-projeção, 6min21seg
câmera e edição: Albert Ambelakiotis

Orla é uma vídeo-projeção que apresenta a extremidade do Lago Paranoá em Brasília. Vemos a
artista, à pé, indo e vindo, cruzando esse espaço limítrofe que a separa da água e das embarcações
que cruzam a estreita faixa filmada. Cria-se aqui, pelo fluxo das imagens, uma espécie de tempo-
paisagem constituído pelo percurso da artista, pelo movimento do/no lago e pelo estranho
espaço que os circunda. Orla-bucólica, orla-artifício.
Levi Orthof

Levi Orthof (1987-?) é doutorando em Artes (2017-presente), no departamento de Artes Visuais

da Universidade de Brasília (UnB). Mestre em Artes (2016), UnB. Desenvolve seu trabalho
principalmente em vídeo, onde levanta questões sobre: imensidade, navegação, distâncias
imaginárias e medidas impossíveis. Integra o grupo de artistas-pesquisadores Vaga-Mundo:
Poéticas Nômades. Participou de mostras coletivas e individual em espaços como Espaço Piloto
na Universidade de Brasília, Alfinete Galeria, Museu Nacional do Conjunto da República e a
Grosvenor Gallery (Manchester, Inglaterra). Seus trabalhos foram selecionados em salões de arte
como: 20º Salão Anapolino de Arte (2014), Transborda Brasília (2015) e o 1º Prêmio Vera Brant de
Arte Contemporânea (2016). Vive em Brasília entre o lago que não existia e a cidade inventada.

Caminhada espacial, 2019-2020.

Cabo de 15m, diversos plugues auriculares anti ruído descartáveis, performance.

Cabineiro, 2019-2020.
Caixa de som portátil, player de música (contendo música de elevador), performance.
LHWOLF

Leopoldo Wolf, artista plástico de Brasília com produção focada no desenho em série. Bacharelado
em Artes Visuais na UnB, pós-graduação em Ilustração Aplicada no IDEP e mestrado em
Estudos Comparados na UPF, ambas em Barcelona. Desde 1994, participa em várias exposições.
Recentemente, destaca-se 100 anos de Athos Bulcão. itinerante entre Brasília, Belo Horizonte,
São Paulo e Rio de Janeiro.

da série Jeito Maneira, 2015-2018.

27 desenhos tamanho 21 x 19,7 cm
1 desenho tamanho 59,5 x 84,1 cm
técnica mista

peso, 2017-2019.
tamanhos variados
porcelana fria
Do projeto de criar formas por meio dos procedimentos mais simples, como amassar uma
massinha. Gerar uma bola com as duas mãos para dar a liga no material. A bola estica numa tripa
que, logo, ganha uma curva e, de repente, está pronto! Surgindo de modo espontâneo, sem plano
prévio, a riqueza da forma aparece nos detalhes que fogem ao controle. Meu objetivo era enfrentar
a ansiedade com o estudo histórico, em parceria com alguma experimentação de movimento. Foi
isso o que me levou a enrolar bastonetes e ver a forma que sai. Quis elaborar objetos relacionais
orientados a um conceito de dança reduzido ao ato de segurar. Alguns dos objetos expostos na
Rumor foram criados por influencia da manipulação da linha elástica de porcelana fria durante um
exercício de movimento corporal. Entretanto, a motivação inicial se transformou rapidamente. Na
subsequência, as formas pareceram reafirmar a questão da auto-similaridade.

da série Jeito Maneira

Seleção da serie Jeito Maneira com desenhos geométricos, realizados entre 2015 e 2018, contando
com 27 desenhos em tamanho dinA4 dispostos em três linhas de nove desenhos cada, mais um
desenho maior, que é uma versão ampliada de um desses desenhos para o tamanho dina1.

peso

Esculturas modeladas em massa de biscuit compõem um grupo de diferentes objetos com

tamanhos variados realizados a partir de procedimentos simples como esticar a massa, enrolar,
separar, abrir, amassar.
Lua Cavalcante

Lua Cavalcante é educadora, artista e aleijada. Lua é tudo o que cabe em seu corpo e também é
impulso para que caiba o infinito.

Lua é tecnóloga em Fotografia, foi Orientadora de Público no IMS Paulista e educadora

coordenadora do Grupo de Trabalho Acessibilidade do Ja.Ca Center, atuando no CCBB DF. No
momento Lua está concluindo a formação em Pedagogia e se aventura pelos caminhos sagrados
da Pedagogia Griô.

Sua linguagem artística é a produção de experimentações em autorretrato, desenvolvendo

investigações sobre as particularidades de seu corpo, um corpo lido sob aspecto da deficiência.
Lua se coloca como corpo-artístico-político a fim de trazer reflexões sobre quais lugares reais e
imaginários esse corpo pode habitar.

Série Agulha, 2019.

Impressão em papel algodão - Photo Rag 308G 44''.
Suporte em vidro ecabo de aço.
40,5 x 27 cm (impressão) e 50,5 x 37 cm (vidro)
A artista Lua Cavalcante teve a Síndrome de Bandas Amnióticas, que é quando um grupo
de defeitos congênitos ocorrem porque os fios de um saco cheio de líquido amniótico se
emaranham em torno de partes do bebê no útero. Isso a tornou uma pessoa com deficiência.

De quais agulhas os essas Bridas (fios) se soltaram?

A série Agulha: é sobre o peso da ausência.

Uma ausência que se faz presente como haste que perfura, como a máquina de costura
percorrendo toda a extensão do tecido, cada passo é um buraco que se abre. Eu me
encarrego de colocar a linha na agulha para que essa fissura seja adornada e se cure. Meu
corpo. Ora agente, ora receptor da apertura, do alinhavo, do buraco.

É como agulha que fere para juntar bordos de um corte, ferida ou incisão com linha para
promover a cicatrização.

É sobre a tensão da queda eminente.

Luciana Ferreira

Luciana Ferreira é graduada e doutoranda em artes visuais pela Universidade de Brasília (DF).
Expõe seus trabalhos desde 2011, já tendo participado de exposições individuais e coletivas em
diferentes lugares, algumas selecionadas por editais. Grande parte de seus trabalhos investiga o
que tem chamado de uma língua mal-dita, envolvendo processos subversivos de escrita, leitura
e intervenções em livros.

Leitura II, 2017.

Televisão vídeo colorido com áudio, 1’56’’

Leitura II é um trabalho integrante de uma série de ações, registradas em vídeo, que propõem
a experiência da leitura por meio de processos não convencionais, subvertendo o seu conceito.
Em Leitura II, um livro de poemas é lido de cabeça para baixo, fazendo com que uma língua
inimaginada emerja. Um ambiente sonoro repleto de palavras inventadas toma conta do ouvinte,
envolvendo-o em uma atmosfera de sons mais ou menos familiares, mas que nascem de
palavras desconhecidas que não costuram nenhum sentido. Tudo se passa como se aquele que
escuta essa leitura testemunhasse uma língua inexistente.
Luisa Günther

Professora do Departamento de Artes Visuais da Universidade de Brasília, atua como pesquisadora

no PPG-Arte, na linha de pesquisa Deslocamentos e Espacialidades. Por entre diferentes e
distintos interesses, desenvolve considerações verbovisuais em: desenho/grafismo/ilustração;
metodologias para o ensino de artes; escritos de artista/livroobjeto/intermidia; métodos de
pesquisa em artes; performance/fotodança/dança contemporânea; panfletagem e mecanismos
de circulação; sociologia da arte e crítica cultural. Editora-Chefe do e-periódico METAgraphias. É
propositora de ações junto ao Grupo de Pesquisa Corpos Informáticos.

luisagunther.com
duplaplus.com

Dupla Plus [Luísa Günther + Betina Rosa], 2019.

Proposição em Fotodança 1/96 imagens de ocupação para o movimento

Imperativos categóricos da série pangrafismos, 2018.

Xerografias de nanquim e pregos de aço sobre parede
5 X 5cm
.
.
.
o que incomoda
é a certeza volátil
daquilo que é
mas a qualquer momento,
não. ou deixa de ser.
a quem incomoda?
aos tiranos, claro.
.
.
.

Tem dias em que a gente percebe estar emaranhado do mais puro torpor. Os pensamentos
nos denunciam. Os sentimentos mitigados, escorrem pelas entranhas como se bastasse
sorrir para que o mundo não se corrompesse em lágrimas. Este dia foi assim. Talvez tivesse
sido a feijoada. Talvez tivesse sido a despedida. Talvez, fosse apenas algo da instância
do político. Ou nada disso. Só sei que esta imagem é apenas mais uma herança que se
apresenta da intenção de dissolução entre corpo e paisagem.

Aqui, reside a importância de manter o registro como diálogo entre o enquadramento e

a (corpo)sição de imagens em movimento. Ao dançar para um lugar, a ação de promover
determinado enquadramento que busca as imagens do que será registrado, também
configura um dançar a partir da sequência de movimentos fortuitos a serem realizados. É
isto que compõe a dupla: dançamos como dueto mútuo, entre si e com/para a paisagem.
O resto é silêncio. O resto é tudo aquilo que sobrar após leiloarem a dignidade do íntimo.
Luiz Olivieri

Luiz Olivieri é artista sonoro-visual, compositor musical, pesquisador e professor. Nasceu em

Brasília. Bacharel em Artes Visuais, Mestre em Poéticas Contemporâneas e doutorando em
Deslocamentos e Espacialidades pelo PPG Arte-UnB. Artista-pesquisador integrante do grupo
de pesquisa vaga-mundo: poéticas nômades. Trabalha com arte sonora, videoarte e escultura.
Em 2017, realizou a exposição individual “Espaço Ressonante”, na Alfinete Galeria, em Brasília.
Participou de diversas exposições coletivas em espaços como Alfinete Galeria, Espaço Cultural
Elefante, Museu da República, Espaço Cultural Marcantonio Vilaça, Galeria Casa e Espaço Piloto
da UnB. Em 2018, foi indicado ao prêmio Prêmio Investidor Profissional de Arte (Pipa). Em 2016,
foi selecionado para o I Prêmio Vera Brant e para o Prêmio Transborda, em Brasília. No exterior,
participou da exposição Obranome no Mosteiro de Alcobaça, em Portugal. Recebeu o segundo
lugar no Salão de Arte Contemporânea do Iate Clube de Brasília. Em Gramado, recebeu o Kikito
de melhor trilha sonora. É professor de Artes da Sedf, atualmente no Centro de Ensino Médio 03
de Taguatinga.

Espaço Ressonante, 2017.

Espaço sonoro imersivo
Madeira, alto-falante, amplificador, acrílico e 10 minutos de áudio de
ondas eletromagnéticas capturadas pelo artista.
150 x 120 x 60 cm
Maria Eugênia Matricardi

Maria Eugênia Matricardi é doutoranda em Poéticas Contemporâneas na Universidade de

Brasília-UnB. Pesquisa ações e políticas estéticas na América Latina. É mestra em Poéticas
Contemporâneas e graduada na mesma instituição. Os caminhos pelas encruzilhadas
subjetivas versam sobre nomadismo, epistemologias do sul e a vulnerabilidade do gesto
como potência poética.

Jenipapo: ou como transpor fronteiras afetivas, 2014.

Fotografia e registro de perfomance
Nódoa de 34 jenipapos verdes, bacia, coador de voal
9 Imagens de 60 x 80 cm impressas em Fine
Art, Papel Studio Enhanced 210g
Jenipapo: ou como transpor fronteiras afetivas dissolve a relação entre arte e vida a
partir de uma ação duracional, ou simplesmente experiência de corpo, vida vivida.
A ação é iniciada com a pintura completa do corpo com nódoa de jenipapo, o que
permanece impregnado na pele durante quinze dias desde a completa pigmentação
até a descoloração da tinta. Durante esse período, passo por situações singulares:
aversões, violências simbólicas, lugares de humor, curiosidade e desejo. As situações,
diferenças, discursos e perguntas foram coletadas como dados de uma poética que
compõe a escrita, a fim de transpor lugares de encontros, partilha do sensível, tecendo
possibilidades outras: formas políticas de atuar artisticamente.

(Des)velador: colhi 34 jenipapos verdes, ralei, torci em um pano e passei a nódoa no

corpo todo. Depois de pintada a tinta não desiste da pele com facilidade. Não é lavável
com água ou solventes. O pigmento vai embora quando decide ir, sai de acordo com o
tempo e a descamação da pele. A ação pontual abre frestas para o inusitado. Caminhei
por aí com corpo inventado.
Maurício Chades

Maurício Chades é artista visual e cineasta piauiense. Mestre em Arte e Tecnologia e Bacharel
em Audiovisual pela UnB, cursa um MFA na SAIC School of the Art Institute of Chicago, no
departamento Film, Video, New Media and Animation. Fluxos de matérias, rituais de morte,
ficção especulativa, relações interespécie e tensões territoriais são temas que orbitam seu
trabalho, que assume diferentes formas a cada projeto – entre filme, instalação, escrita, bio-
arte-e-tecnologia e performance. Participou de exposições coletivas e exibiu filmes e vídeos
em festivais nacionais e internacionais. Em 2019 apresentou sua primeira exibição solo,
Pirâmide, Urubu, na Torre de TV Digital de Brasília.

Arco-íris de Brasília, 2018-2019.

Umidificador de ar, pedestal de ferro, DVD’s, clipes de papel, luminária LED e lupa.

O reflexo da luz em discos de DVD progride formando um espectro de um arco-íris pelo vapor
d’água de um umidificador de ar.
TERRA[CAP], 2019.
Instalação
Galhos de árvore morta, mourão e vídeo-projeção mapeada sobre objeto
Dimensões variáves

Morando na Serrinha do Paranoá por anos que percebi os conflitos territoriais entre
governo e a população local. As terras aqui têm a posse requisitada por três instâncias:
o governo do Distrito Federal, representado pela empresa pública TERRACAP, diz ser
dono da terra; o Governo Federal diz que as terras pertencem à União; e o morador, que
ocupou, construiu e plantou, também briga pela posse. Já fazia parte da minha realidade
ter o percurso de ciclista limitado por arame farpado e mourões de concreto com a
palavra TERRACAP gravada. Quando o caminho estava desimpedido é porque esses
mourões estavam derrubados no chão, destruídos a marretadas.

TERRA[CAP] surge como uma performance para vídeo em que meu vizinho indígena
Gabriel, que também participa do elenco do filme JUCA, repete o gesto praticado por
muitos moradores da Serrinha do Paranoá. Derrubar esses mourões é resistir à tragédia
declarada pela especulação imobiliária, que já fez a cidade crescer desordenadamente
para a região sul e que agora aponta o desejo de trazer empreendimentos imobiliários
para a região norte.
Nina Maia

Nina Maia [1992] Artista Visual e Arte-educadora, nascida em Brasília, Distrito Federal. Graduanda
em Artes Visuais pela Universidade de Brasília, seu trabalho se dá em diversas linguagens,
sendo a pintura, objeto e as instalações as mais recorrentes. Caracteriza-se pela investigação
crítica e poética da paisagem construída a partir de uma abordagem dialógica entre a imagem e
a percepção formal e individual. A construção da paisagem atrelada ao que se sente, aos ruídos
internos ou a ausência deles. A vontade de encontrar algo no percurso, no atrito gerado por
miudezas e imensidões são questões fundamentais em seu trabalho.

Vive e trabalha em Brasília, Brasil.

Sem título, Horizonte II, 2016.

O trabalho Sem Título/Horizonte II é um Site Specific, uma ação realizada diretamente na parede.
Estico, Pinto, Rasgo e Colo repetitivamente, um dia, dois dias, três dias, camada sobre camada de
fita crepe vão sendo adicionadas, como plano sobre plano ao fazer o corpo constrói a vista, um
gesto após outro, uma nova coreografia em escala de compartilhamento no espaço expositivo,
surge então uma geografia, uma vista aérea, um mar, uma montanha, uma nova paisagem, uma
síntese. Aqui, ao propor a imagem propõe-se o desmoronamento, o embate entre a superfície e
o suporte, o momento oportuno da imagem colapsar, a flexibilidade dos materiais, as misturas, o
tempo do procedimento, o tempo como paisagem, o tempo em que ela aparece e desaparece é
o que resta do que vemos, aí então, a sismografia da imagem acontece.
Raquel Nava

Raquel Nava (1981) investiga o ciclo da matéria orgânica e inorgânica em relação aos desejos
e hábitos culturais, usando taxidermia e restos biológicos de animais justapostos à materiais
industrializados em suas instalações, objetos e fotografias. A variação cromática com a qual
trabalha nos objetos e fotografias, se aproxima da paleta utilizada na sua produção de pintura.
A diversidade de sua produção está nos experimentos com técnicas e materiais, mas sempre
surge uma referencia aos órgãos ou aos organismos.

Formou-se em artes visuais pela Universidade de Brasília (2007), obteve título de mestre
em Poéticas Contemporâneas pela mesma instituição (bolsa Capes 2010-12) e foi aluna da
Faculdade de Filosofia e Letras da Universidade de Buenos Aires (2005). Trabalhou como
professora de licenciatura em Artes Visuais da Universidade Aberta do Brasil - UAB/UnB
(2010-2017). Expõe com regularidade desde 2006, tendo realizado mostras individuais em
Brasília, no Rio de Janeiro, em Lima e em Paris. Recebeu prêmio no 19º Salão Anapolino
de Arte e no Transborda Brasília 2018 – Caixa Cultural. Em 2016 teve o projeto Taxidermia
Contemporânea: transformações e apropriações de Pesquisa e Residência Artística
contemplado pelo Fundo de Apoio a Cultura/DF- Brasília. Indicada ao Prêmio Pipa 2018.
Vive e trabalha em Brasília.

www.raquelnava.net
www.animalia.art.br
Poças, 2019.
Ossos de cães e felino, porcelana fria, concha marítima, mdf e tinta automotiva
Dimensões variáveis

"Poças" é composta de ossos de cachorro e de gato. Todo o material de origem

animal utilizado foi coletado no estado "post mortem", ou seja, já morto. O título
se refere às formas das bases que foram inspiradas nas silhuetas de piscinas de
fibra de vidro produzidas industrialmente. Essas piscinas parecem simular a forma
natural de poças ou lagos, porém são vistas reproduzidas em séries. Delas surgem
seres híbridos, compostos de restos mortais de bichos aglomerados numa massa
aparentemente cartilaginosa de biscuit. O crânio de gato vira um nariz, a espinha
dorsal um pescoço, as costelas do cão as pernas... Tudo aparenta ser muito líquido
Encontros Limonada, 2019.
Esmalte, poliuretano, acrílica, espuma e purpurina sobre tela
165 X 150 cm

"Encontros Limonada" é uma pintura em que há purpurina verde limão. A primeira

camada de esmalte sintético branco aplicada começava a secar enquanto a tela
repousava na posição horizontal. Logo em seguida invadia um espaço negro. A tela
era então virada na posição vertical e a tinta, ainda molhada atrás da película, secava
enquanto escorria, provocando um movimento interno que marcava a passagem do
tempo na força gravitacional.

Um grande espirro de poliuretano busca simular uma grossa massa de tinta acrílica
sobre o esmalte. As marcas do tempo também são vistas na camada de poliuretano
cru que muda de cor, inevitavelmente, com sua exposição a luz artificial ou natural.
Romulo Barros

Medeiros – MG, Brasil, 1995.

Graduado em Bacharel Artes Visuais, UnB (Universidade de Brasília).
Graduando em Licenciatura Artes Visuais, UnB.

Nascido no interior de Minas Gerais onde viveu grande parte da vida no qual participava de um
processo de amadurecimento inserido em um meio onde o comportamento social culmina para
um repetição das histórias locais. Esse processo acaba fazendo com todos estejam dentro da
mesma trouxa; Questiona a própria identidade, procura externar cotidianamente a sua própria
perspectiva, abordando muitas vezes a individualidade e unicidade de um ser que busca em
si e em sua ancestralidade uma relação de afeto, vínculo, fluxo e refluxo, atualmente tem uma
produção artística que perambula pelos campos da pintura, instalação, escultura, gravura. Utiliza
de materiais têxteis os quais teve grande contato durante sua vida, cercado por uma família
tradicionalmente artesã e inventiva, materiais esses muito diversos e em sua maioria fuleiros são
costurados, furados, colados, amarrados, agregados, desorganizados, esvaziados e preenchidos.

Fissuras, 2019.
Transmídia
Feijões, sementes de pau-brasil Sapeca-neguin, esteira de palha, cabaças
Fissura #1

O corpo e suas entranhas, evacuar, regurgitar, fluidificar e expulsar, expelir pelos poros.
Um corpo, uma forma amorfa que descansa.
O desejo de falar sobre a masculinidade que me foi dada forçosamente, como um presente indesejado,
que se faz presente e me preenche, e que não é bem quista pelo meu corpo, não assimilada. Como uma frase
qualquer dita, que entra por uma orelha e sai pela outra, mas deixa na cabeça o incômodo do som que foi ouvido,
não se sabe quais palavras eram, mas elas existiram, incomodaram fisicamente o aparelho auditivo, e se foram.
Crio mais uma metáfora de mim mesmo, com uma esteira onde o corpo pode repousar, se deixar refletir
e deixar sair pelos poros aquilo que lhe é tóxico, aquilo que não se sabe o que é, mas lhe causa incômodo, ao
mesmo tempo lhe preenche.
Corpo feito do feltro sapeca neguin, é preenchido com alguns muitos quilos de feijão e algumas
sementes de pau brasil que transbordam pelo espaço; A esteira de palha é o que me dá base, um território
que não basta e não retém esse corpo, o sapeca neguin a membrana que prende tudo, o pau-brasil aquilo que
escolho como cor do fluido avermelhado sanguíneo, hemácias de tom avermelhado devido ao ferro que elas
contém, o mesmo ferro do feijão, um dos alimentos que mais o contém.
_ põe feijão no prato desse moleque
America Latina, Brasil, Minas Gerais, Medeiros
Feijão no meu prato, um alimento que curiosamente eu não gosto desde criança. Meu pai, na intenção
de me fazer homem, me edificar com o ferro do feijão, muitas vezes insistiu que eu consumisse esse alimento
que não passa pela minha garganta.
_ comer feijão pra ficar forte, virar homem!
meu pai dizia,
Eu já sabia de muita coisa … não queria colocar pra dentro a masculinidade que ele insistia que eu
engolisse.
Metáfora do meu corpo expelindo a hombridade que não me pertence, pelos rasgos na pele, pelos
orifícios, pelo sistema digestório, linfático, sanguíneo.
o feijão que preenche
o que foi imposto
o feijão ainda me preenche
Ritualizo a minha existência para expurgar, entender, transformar o meu eu e os meus arredores.
Silvino Mendonça

Silvino Mendonça é artista-pesquisador e designer gráfico. Sua obra aborda as diferentes

tipologias visuais do espaço público e seus atravessamentos sociais, políticos e culturais por
meio de fotografias, vídeos e instalações. É mestrando em Artes Visuais pela Universidade de
Brasília. Realizou exposições individuais em Brasília e participou de coletivas em São Paulo,
Los Angeles, Berlim e Tóquio, entre outras cidades. Em 2012, fundou a editora independente
Savant, que produz e distribui publicações impressas de baixa tiragem, como zines e
fotolivros. Atualmente, reside e trabalha em Brasília.

www.silvinomendonca.com

Projeções, 2019.
Fotografia, pigmento mineral sobre papel de algodão.
2 de 60 x 45 cms

Cine Ruínas, 2016.

Vídeo digital e TV de tubo.
P&B, Som. 3'04"
Projeções

Criado em 1997, o Cine Academia encerrou as suas atividades em 2010, após um incêndio
acidental destruir parte de suas instalações. Enquanto produções hollywoodianas de grandes
estúdios dominavam o circuito de estreias nas demais salas de cinema do DF, no Cine
Academia prevaleciam as sessões de filmes independentes de nacionalidades diversas —
não só ficções, mas também documentários. Era lá que acontecia, por exemplo, o Festival
Internacional de Cinema de Brasília (FIC), oportunidade rara para acessar cinematografias
mundiais inéditas no Brasil.

Os objetos-vestígios presentes nas fotografias que compõem o díptico Projeções apontam

não apenas para o encerramento repentino das atividades do último complexo de cinemas
do Distrito Federal localizado fora de um shopping, mas também para as incertezas que
rodeiam os circuitos nacionais de exibição em tempos de desmonte cultural e domínio das
produções estadunidenses nas bilheterias. O passado como projeção de futuros possíveis.

Cine Ruínas

Um passeio pelas ruas de Brasília revela a decadência do mercado físico de home video em
tempos de streaming.
Tatiana Duarte

Nasceu em São Paulo, brasiliense por opção, artista visual, desenvolve poética com principal
ênfase no Corpo - orgânico, afetivo e seus deslocamentos. Desde de 1998 participa de
exposições de Arte. Mestre em Educação em Artes Visuais pela Universidade de Brasília (CNPq).
Licenciatura e Bacharelado em Artes Plásticas (UnB). Especialista em Arteterapia em Educação
e Saúde. Experiência em Educação em Arte Visuais na área da saúde (âmbito hospitalar), social
(desenvolvendo ações com mulheres nas RAs do DF) e em espaços expositivos. Coordenadora
Pedagógica do Programa Educativo do Centro Cultural do Banco do Brasil (DF).

Constelações cambiantes da matilha, 2019.

Fotografia, encáustica, moldura velha, renda, penas e pelos, 55 X 40 cm

Erupi, 2017.
Fotografia, encáustica, madeira e cupim calcinado, 40 X 50 cm.

Essas duas pinturas em encáustica sobre fotografia, Constelações cambiantes da matilha e

Erupi trazem questões sobre o corpo, o deslocamento e o território. Tanto em relação às forças
da natureza em movimento, calma na superfície e efervescente em seu interior que em dado
momento entra em erupção, quebrando barreiras e silêncios. Quanto ao deslocamento no espaço
geográfico, o rompimento de fronteiras, espaços alargados, vestígios achados ou deixados no
caminho, hemisférios sul. A materialidade presente evoca a memória de um feminino ancestral e
o reconhecimento de sua força.
Thalita Perfeito

Thalita Perfeito, pesquisadora graduada em Artes pela Universidade de Brasília e mestranda

em Arte Contemporânea pelo PPG-Arte – UnB. Investiga as linguagens de fotografia,
vídeo, instalação e flutua por outras áreas subjetivas: experiências ordinárias-douradas. Se
interessa pelas contradições como o orgânico e o plástico, questões existenciais e desenvolve
um método de dispersão como potência criativa. Questiona a utilidade do artista e crê na
inutilidade como poética.

Lançamento de Meteorito, 2019.

Vídeo. 4m41s.

Ocupar é o Suficiente, Mas Não Consigo Abrir Mão Das Cadeiras

Capengas, 2019.
Vídeo, 12m13s.
Rumor - Exposição

Produção executiva: Cecilia Mori e Yana Tamayo

Produção geral: Cecilia Mori, Íris Helena, João Teófilo, Nina

Maia, Yana Tamayo e Silvino Mendonça

Assessoria de Imprensa: Yana Tamayo

Artes: Silvino Mendonça

Comissão Organizadora do Catálogo: Cecilia Mori, Júlia

Milward, Karina Dias, Silvino Mendonça e Yana Tamayo

Diagramação do Catálogo: Júlia Milward e Silvino Mendonça

Eventos e Educativo: Gisel Carriconde, Luiz Olivieri, Yana

Tamayo e Tatiana Duarte

Fotografia e Registros: Débora Passos e Leopoldo Wolf

Redes Sociais: Gustavo Silvamaral, Íris Helena e Luísa

Günther

Vernissagem: Alina Duchrow, Clarice Gonçalves, Débora

Mazlou, Gabi e Maria Eugênia Matricardi

Montagem: Cecília Bona, Cecilia Mori, Gustavo Silvamaral,

Maria Eugênia Matricardi e Thalita Perfeito

Tesouraria: Nina Maia

Artistas Curadoria

Alina Duchrow Yana Tamayo

Cecília Bona
Cecilia Mori
Clarice Gonçalves
Conselho editorial
Débora Mazloum
Débora Passos Cinara Barbosa (Universidade de Brasília - UnB)
Gabi Ciro Miguel (Institute for History and Theory of Architecture -
Gê Orthof GTA\ETH Zurique)
Gisel Carriconde Clarissa Paiva (Universidade Federal de Uberlândia - UFU)
Gustavo Silvamaral Eliane Chaud (Universidade Federal de Goiás - UFG)
Íris Helena Fabrícia Jordão (Universidade Federal do Paraná - UFPR)
João Teófilo Francis Wilker (Universidade Federal do Ceará - UFC)
Júlia Godoy Graça Ramos (Jornalista, Curadora independente e
Júlia Milward Historiadora da Arte)
Karina Dias Isabela Prado (Universidade Federal de Minas Gerais - UFMG)
Levi Orthof Marília Panitz (Professora e Curadora independente)
LHWOLF Matias Monteiro (Artista e Curador independente)
Lua Cavalcante
Luciana Ferreira
Agradecimentos
Luisa Günther
Luiz Olivieri
Universidade de Brasília
Maria Eugênia Matricardi
Marília Saenger
Maurício Chades
Ricardo Gauthama
Nina Maia
Phil Jones
Raquel Nava
Rômulo Barros
Silvino Mendonça
Tatiana Duarte
Thalita Perfeito Brasília, dezembro de 2020.