Ava Univirtus

09/07/2022 09:41 UNINTER
ARTES VISUAIS, HISTÓRIA E

SOCIEDADE
AULA 1

https://univirtus.uninter.com/ava/web/roa/ 1/24
09/07/2022 09:41 UNINTER
Profª Danielly Sandy
CONVERSA INICIAL
A presente
aula, voltada a um recorte específico da história da arte, visa tratar o tema em
consonância com as artes visuais, a história e a sociedade de cada um dos

períodos abordados.
Destacamos que a arte produzida pelo homem surgiu ainda

antes do conceito de arte, significando
que o homem sempre teve a necessidade

de se expressar de alguma forma e para alguma finalidade.
Não obstante,
devemos compreender que muito do que o homem produziu ao longo dos
milênios tem
forte relação com as suas crenças, mas, também, há muita produção de objetos
diversos e itens utilitários, o que não os exclui em nada de sua cultura. Para
melhor contextualizarmos
este assunto, iniciaremos com o período Paleolítico e

finalizaremos com as expressões artísticas do
Império Bizantino. Assim, os

conteúdos estão organizados da seguinte forma:
1. A Pré-História: será a criação de pinturas e artefatos

mágicos?
2. A arte egípcia e sua forte relação com a morte e imortalidade

da alma;
3. A arte na Grécia: por um ideal de harmonia e beleza;
4. A arte em Roma;
5. Expressões artísticas no Império Bizantino.
Quando voltamos
nosso olhar para a história da humanidade, naturalmente podemos observar
certas
questões, inclusive relacionadas à cultura de cada grupo ou etnia, bem como a
cada época. A
cultura pensada por meio do conjunto de saberes e fazeres diz

muito sobre a identidade de cada
grupo. Assim, ela nos permite compreender

questões bastante específicas. Não há grupos na história
da humanidade que não

tenham produzido a sua cultura e em decorrência de sua própria cultura. E,
em
meio a essa produção, que envolve todo o tipo de material e artefato utilitário,
vamos destacar a
arte.
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A arte,
embora ainda não possa ser definida de maneira pragmática devido ao fato de ser
subjetiva, já possui alguns conceitos melhor consolidados em nosso tempo. Isso

se dá em
decorrência de uma série de fatores, como a construção do conhecimento

geração após geração,
dada por inúmeros pensadores que se dedicaram a investigar

e dissertar sobre essa falange de
questionamentos.
De qualquer
forma, destacamos aqui a arte segundo o prisma de historiadores e críticos como
Arnold Hauser (2003), o qual destaca a forte relação da arte com a sociedade de
seu tempo,
abrangendo aspectos culturais, mas, inclusive, econômicos. Assim,

compreendemos que “toda obra
de arte é resultado da tensão entre uma série de
objetivos e uma série de resistências à sua
realização” (Hauser, 2003, p. 28).
Vale destacar
que o recorte aqui proposto visa apresentar cinco tópicos específicos com seus
respectivos desdobramentos, representando apenas um recorte temporal diante das

inúmeras
produções humanas dentro do período abordado. Assim, compreendemos as

palavras de Perigo
quando esse afirma que
muitos
artistas importantes podem ter sido deixados de fora da história da arte que conhecemos,
daquela que chega até nós por meio dos livros ou de exposições em galerias e
museus. Nesse
sentido, as obras consagradas pela história da arte são produtos
de uma escolha – e toda escolha
pressupõe que algo teve de ser descartado.

(Perigo, 2016, p. 26)
Tendo ciência
disso, evidenciamos a intenção de propormos aos leitores algo além do mero
conhecimento teórico sobre a história da arte, pois, na realidade, buscamos
fomentar a construção
do conhecimento e pensamento crítico por meio de

elementos da história da arte. Ou seja, é
imprescindível pensarmos a história

da arte e, para tanto, precisamos nos instrumentalizar de uma
forma instigante.
A construção desse conhecimento com base nos exemplos aqui expostos é que
permitirá que continuemos a nossa investigação sobre qualquer outro período,

estilo, artista e obra.
Assim,
iniciamos com a Pré-História e as principais interpretações da produção
artística do
homem desse período, dividindo-o entre Paleolítico – ou Idade da
Pedra Lascada – e Neolítico – ou
Idade da Pedra Polida.
TEMA 1 – A PRÉ-HISTÓRIA: SERÁ A CRIAÇÃO DE PINTURAS E

ARTEFATOS MÁGICOS?
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Desde os
primórdios da humanidade, o homem sempre construiu coisas e expressou a sua
condição. Tal expressão pode ser visualizada já na arte Pré-Histórica, quando o

conceito de arte ainda
nem existia. Porém, a sua finalidade ainda pode parecer

um verdadeiro mistério para alguns.
Para além dos

utensílios, há muitos registros desse período, como pinturas rupestres gravadas
nas paredes e no teto das cavernas e também estatuetas. O período Paleolítico é

o primeiro do qual a
história possui registros. Acredita-se que o seu início

tenha ocorrido há acerca de mais de 2 milhões
de anos. Vale destacar que as

condições em que o homem vivia dizem muito acerca do que podemos
compreender já
como uma forma de sociedade da época. O homem paleolítico era nômade, ou seja,
ainda não construía a sua própria moradia e vagava com o seu grupo em busca de
locais propícios
até que os recursos fossem esgotados. Isso fazia com que habitassem
temporariamente o interior de
cavernas, e sua forma de sobrevivência se dava
também por meio da caça (Hauser, 2003).
Não obstante,
há a compreensão entre historiadores e críticos de arte de que as imagens
reproduzidas nesse período possuíam finalidade mágica. Assim sendo, conforme

apontam Janson e
Janson:
Aparentemente,
para os homens do Paleolítico, não havia uma distinção muito nítida entre
imagem
e realidade; ao retratarem um animal, pretendiam fazer com que ele fosse

também trazido ao seu
alcance, e ao “matarem” a imagem julgavam ter matado o
espírito vital do animal. (Janson; Janson,
1996, p. 15-16)
De acordo com
Hauser (2003), esse gesto contribuiria para que fosse assegurada uma caça
auspiciosa, tal como se o homem pudesse, de fato, apreender o animal ao prender

a sua imagem.
Assim, os responsáveis pelas pinturas rupestres seriam uma

espécie de artistas-mago, caçadores e
grandes conhecedores da anatomia dos

animais que seriam representados. Com isso, temos um
registro das primeiras

castas sacerdotais de uma religião primitiva.
Conforme
Gombrich (1999), o pensamento pode até parecer um tanto quanto primitivo,
todavia,
ao analisarmos que atualmente ainda existem grupos culturais que

mantêm a crença de que uma
imagem energeticamente tem relação com a figura

retratada, verificamos que tal pensamento recorre
no inconsciente coletivo da
humanidade. Ainda de acordo com Gombrich:
A
explicação mais provável para essas pinturas rupestres ainda é a de que se
trata das mais antigas
relíquias da crença universal no poder produzido pelas

imagens; dito em outras palavras, parece
que esses caçadores primitivos

imaginavam que, se fizessem uma imagem da sua presa – e até a
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espicaçassem com
suas lanças e machados de pedra –, os animais verdadeiros também
sucumbiriam ao
seu poder. (Gombrich, 1999, p. 42)
Assim, é
compreensível observarmos que, no período Paleolítico ou Idade da Pedra
Lascada,
havia uma extensa produção de representações de animais com traços

naturalistas, ou seja, o mais
próximos da realidade. Afinal, o naturalismo é

uma das principais características da arte paleolítica,
apresentando figuras
muito bem desenhadas por meio de algumas linhas e notável conhecimento
acerca
de volumes e aplicações da cor.
Figura 1 – Arte rupestre. Representação de bisão na parede da

caverna de Altamira, na Espanha
Crédito: Acongar/Shutterstock.
Dessa forma, verificamos

a representação de bisões pintados com tons terrosos cuja tinta
utilizada pelo
homem desse período se dava por meio do uso de pigmentos diversos extraídos da
natureza, como carvão, terra e pedras moídas, sangue humano e animal e gordura.
Destacamos que
nesse período não há representações humanas bidimensionais, mas

há registros escultóricos de
corpos femininos sem face com formatos esteatopígicos,

ou seja, com quadris avantajados. A
representação desse formato teria relação

forte com a ideia de fertilidade (Janson; Janson, 1996). Um
notável exemplo
dessas estatuetas de corpo feminino é a famosa Vênus
de Willendorf.
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Figura 2 – Stonehenge ou Dolmens Megalíticos, Salisbury,

Inglaterra
Crédito: Azrok66/Shutterstock.
Já no período
Neolítico, também conhecido como Idade da Pedra Polida, há aproximadamente
10
mil anos e 5 mil a.C., o homem deixou de seu nômade em busca de ambiente
propício e passou a
construir as suas próprias moradias. Esse evento foi

bastante significativo para a mudança da
condição de vida das pessoas que
pertenciam a esses grupos, posto que não ficariam mais em um
local até
esgotarem os recursos naturais para, em seguida, procurarem outros locais.
Isso permitiu
ao homem da época cultivar o seu próprio alimento. A partir desse momento,
temos o início da agricultura. Não obstante, nesse momento também o homem passa
a criar e
domesticar animais, podendo garantir o seu alimento sem que seja

necessário sair para caçar. Essas
mudanças, conforme apontam Janson e Janson
(1996, p. 17), mostram “um dos passos
verdadeiramente revolucionários da
história humana, mesmo que a revolução tenha se estendido por
muitos milhares
de anos”.
Ainda em
consequência do mencionado desenvolvimento, temos o início da arquitetura com a
construção das primeiras moradias, que eram construídas com pedras e chamadas
de nuragues.
Sobre a pintura rupestre, destacamos que o naturalismo vai
sendo substituído por linhas que
parecem melhor sintetizar as formas,

resultando muitas vezes em traços bastante simples e que
deram origem à escrita
pictográfica.
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Para Hauser:
No
lugar de uma concretização da experiência cotidiana de vida, a arte procura
agora deter-se na
ideia, no conceito, na substância íntima da coisa – mais para

criar símbolos do que semelhanças do
objeto. Os desenhos neolíticos indicam a
figura humana por dois ou três padrões geométricos
muito simples, como, por

exemplo, uma linha reta vertical para o corpo e dois semicírculos, um
voltado
para cima e outro para baixo, para os braços e pernas. (Hauser, 2003, p. 9)
Acredita-se
que tal sintetização das formas decorreria do fato de que o homem não
precisaria
mais recorrer a práticas de magia com imagens naturalistas para

assegurar caças proveitosas, pois,
nesse momento, o homem já estava contando
com a prática da criação e domesticação de animais
(Gombrich, 1999).
Figura 3 – Pinturas neolíticas na caverna

de Magura, Bulgária
Crédito: MilenG/Shutterstock.
TEMA 2 – A ARTE EGÍPCIA E SUA FORTE RELAÇÃO COM A MORTE E

IMORTALIDADE DA
ALMA
Para
compreendermos a arte egípcia é necessário conhecermos alguns pontos altos
dessa antiga
civilização, como a religião. A religião no Antigo Egito era
politeísta, ou seja, voltada à existência de
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diversos deuses, sendo cada um

deles direcionado a uma questão específica. Toda a sociedade
egípcia possuía
forte relação com essa religião, que tinha os seus valores consolidados em
questões
como a morte e imortalidade da alma.
A sociedade
egípcia era teocrática, ou seja, os deuses estavam no comando político e, para
tanto, era necessário ter uma figura na Terra que pudesse representá-los. Nesse
caso, a figura era o
faraó. Os artistas egípcios dessa época se esmeravam para

produzir uma arte que seguia valores e
padrões rigorosos utilizados há muitas
gerações com o intuito de fazer de sua expressão uma forma
de alcançar a
linguagens das divindades.
[...]
os padrões básicos das instituições, crenças e ideais artísticos egípcios
formaram-se entre 3000
e 2500 a.C. e foram continuamente reafirmados nos dois

mil anos seguintes, de tal forma que toda
a arte egípcia, à primeira vista,
tende a parecer uniforme. Na verdade, a arte egípcia oscila entre o
conservadorismo e a inovação, mas nunca é estática. (Janson; Janson, 1996, p.

22)
Esse
movimento na arte proporciona aos artistas uma busca pelo que compreendiam como
perfeição, sem, no entanto, abrirem mão dos padrões estéticos para a criação
(Janson; Janson, 1996).
A arte no Egito podia ser vista em todos os locais e

sempre evidenciava os valores da sociedade, os
quais, conforme anteriormente
citado, tinham forte relação com aquele universo religioso.
Assim sendo,
encontramos na pintura, na escultura, na arquitetura e em toda a produção
artística de vários objetos e artefatos mágicos a fé que movia as engrenagens

daquela sociedade
bastante suntuosa. Sobre a arquitetura, podemos destacar
grandiosas construções e monumentos
que ainda hoje nos trazem várias indagações,

como as pirâmides. Dentre as pirâmides, destacamos as
pirâmides de Quéops,
Quéfren e Miquerinos, sendo a maior pirâmide a de Quéops, construída cerca
de
2550 anos a.C., com 146,6 metros de altura.
Figura 4 – A grande Esfinge de Gizé e as Pirâmides ao fundo –

Quéops, Quéfren e Miquerinos
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Crédito: AlexAnton/Shutterstock.
2.1 A LEI DA FRONTALIDADE
Quando
tratamos da pintura, verificamos as técnicas que eram utilizadas no Antigo
Egito, como
a têmpera. Para essa técnica, os artistas utilizavam cera de abelha
derretida com pigmentos coloridos,
a qual era aplicada sobre as paredes ou

madeira, sendo essa uma técnica de alta durabilidade, pois
somente o calor ou
depredação poderiam prejudicá-la.
Para ser
artista no Antigo Egito, era necessário conhecer e se dedicar às técnicas, sem
contar que
ainda era necessário conhecer os ritos e simbolismos da religião.

Para tanto, os artistas e arquitetos
também eram grandes iniciados que
transmitiam de forma ímpar todo o seu conhecimento e
respeito em suas obras,

que não eram assinadas.
A reverência
era elemento-chave para se produzir uma arte que não apenas decoraria uma
tumba, mas que, sobretudo, ajudaria a alma na passagem harmoniosa do plano

físico para o mundo
dos mortos. E todos os artistas respeitavam essas regras e
padrões, valorizando cada passo de seu
aprendizado por meio da observação e

prática contínuas. Assim sendo, conforme aponta Gombrich:
O
estilo egípcio incorporou uma série de leis bastante rigorosas, e todo artista
tinha que aprendê-
las desde muito jovem [...]. Mas, assim que dominasse todas
essas regras, dava-se por encerrada a
sua aprendizagem. Ninguém queria coisas diferentes,

ninguém lhe pedia que fosse “original”. Pelo
contrário, era provavelmente

considerado o melhor artista aquele que pudesse fazer suas estátuas
o mais
parecidas com os belos monumentos do passado. (Gombrich, 1999, p. 65-67)
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Figura 5 – Papiro do livro dos mortos. Museu Britânico,

Londres, 2013
Crédito: Danielly Sandy.
No papiro do
livro dos mortos, podemos observar com atenção toda a ritualística de uma
passagem, quando o coração de um homem é pesado em uma balança em oposição ao

peso de uma
pena. Isso mostra que o coração do morto deveria pesar menos que
uma pena no dia do juízo final
liderado pelo deus Anúbis com cabeça de chacal.
Cada elemento
da pintura possui a sua representação simbólica, e, sabendo disso, ao nos
aprofundarmos na arte egípcia, faz-se necessário nos atermos a esses detalhes

que fazem toda a
diferença para a leitura e interpretação. Outrossim, o que
pode contribuir para tanto é a leitura de
livros de egiptólogos, bem como o estudo

da escrita hieroglífica. Além disso, as cores também
possuem grande
representatividade na arte egípcia, bem como a disponibilização dos elementos
no
espaço dividido em planos.
2.2 O NATURALISMO A PARTIR DE AKHENATON
Na história
do Egito, podemos destacar um momento histórico bastante conturbado, quando
um
faraó tentou impor a sua crença em somente um deus, buscando impor à sociedade
da época
uma visão monoteísta. Esse faraó foi Akhenaton, e não apenas a

religião, mas também a arte sofreu
mudanças por meio de suas considerações.
Podemos observar que as pinturas e esculturas passaram
a apresentar traços mais

naturalistas sobrepostos aos séculos de tradição pictórica e escultórica
baseadas em rigorosos modelos.
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Com isso,
verificamos leveza e até certa tentativa de volumetria que alguns artistas já
buscavam
expressar. De acordo com Gombrich:
As
pinturas que ele encomendou devem ter chocado os egípcios do seu tempo pela
novidade. Em
nenhuma delas se encontrava a solene e rígida dignidade dos faraós

anteriores. Preferiu fazer-se
representar com sua esposa Nefertiti, acariciando
seus filhos sob as bênçãos do sol. Alguns dos
seus retratos mostram-no como um

homem feio; talvez ele quisesse que os artistas o retratassem
em toda a sua
fragilidade humana. (Gombrich, 1999, p. 67-68)
Figura 6 – Akhenaton e Nefertiti com seus filhos, cerca de

1345 a.C. Relevo em altar de pedra calcária,
32,5 x 39 cm. Museu Egípcio
Crédito: D.Serra1/Shutterstock.
TEMA 3 – A ARTE NA GRÉCIA: POR UM IDEAL DE HAMONIA E

BELEZA
O conceito de
arte passa a ser mais bem compreendido, mas não necessariamente bem definido,
a
partir da Grécia Antiga. Foi nessa época que tivemos filósofos lançando seu
olhar para reflexões
acerca de questões que envolviam os artistas, trazendo
para a arte um papel que extrapolava a
função utilitária.
Essa visão é
notavelmente relevante porque nos permite analisar a arte atual como elemento
de
deleito, de contemplação da harmonia e de uma beleza ideal, a qual

observamos em diversas
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esculturas e outras figuras da época.
A fase
de formação da civilização grega abrange cerca de quatrocentos anos, de a.C.
1100 a 700
a.C. Sabemos muito pouco dos três primeiros séculos desse período,
mas, após 800 a. C., os gregos
surgem rapidamente à plena luz da história. (Janson;
Janson, 1996, p. 46)
Ao tratarmos
da arte na Grécia Antiga, naturalmente devemos, ainda, abordar as ordens de
colunas e capitéis, sendo as mais importante as ordens jônica, dórica e

coríntia. “As realizações
gregas em arquitetura têm sido identificadas, desde
os tempos romanos antigos, com a criação das
três ordens arquitetônicas

clássicas: a dórica a jônica e a coríntia” (Janson; Janson, 1996, p. 51). Essas
colunas se reproduzem em todas as construções gregas,

por meio das quais podemos identificar o
seu estilo também por esse tipo de

análise.
Figura 7 – Ilustração de estilos de antigos capitéis de

colunas gregas
Crédito: Babich Alexander/Shutterstock.
Um dos ícones
da arquitetura grega é o Partenon, com suas características que nos sugerem
harmonia e equilíbrio em sua forma. Trata-se de uma construção ímpar da

história da arte que servia
como templo na antiguidade. De acordo com Janson e
Janson:
[...]
a impressão dominante é de um equilíbrio gracioso e aprazível. Uma luminosidade
geral e um
reajustamento das proporções são responsáveis por essa impressão: as
carreiras horizontais acima
das colunas não são largas em relação ao seu

comprimento “[...] a estrutura do frontispício projeta-
se menos insistentemente,
e as colunas, além de serem mais esguias, são separadas por espaços
mais
amplos. [...] O Partenon transmite sensação de repouso. (Janson; Janson, 1996,
p. 54)
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Com base
nessa leitura, podemos observar também outras construções, tanto antigas como
ainda aquelas mais recentes que se encontram ao nosso entorno, buscando

compreender os traços e
expressões arquitetônicas nas cidades. Essa experiência
vem de encontro com o aperfeiçoamento do
olhar para passarmos a desenvolver

nosso pensamento crítico e análise estética. Assim, evidenciamos
que mesmo nos

dias atuais ainda encontramos diversas construções com colunas e capitéis com
evidente influência da arquitetura grega.
Figura 8 – Partenon, Atenas, Grécia
Crédito: Ata51/Shutterstock.
3.1 A PINTURA GREGA
A pintura na
Grécia antiga era considerada como uma “arte menor”, sendo mais utilizada para
a
pintura e decoração de vasos e outros objetos e artefatos utilitários. O

pintor de vasos representava
não apenas formas geométricas simples, mas, ainda,
figuras humanas e animais que tinham relação
com os mitos e representações de

heróis e deuses.
De acordo com
Gombrich:
Os
artistas gregos ainda procuravam fazer as figuras com os mais nítidos contornos
e incluir tantos
conhecimentos sobre o corpo humano quantos soubessem na
pintura sem violentar a sua
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aparência. Ainda eram amantes das linhas firmes e

do plano equilibrado. Ainda não se dispunham a
todos os relances fortuitos da

natureza tal como os viam. (Gombrich, 1999, p. 82)
Figura 9 – Vaso grego antigo representando uma carruagem

isolada em branco com caminho de
recorte
Crédito: Kamira/Shutterstock.
Há vários
exemplos desses vasos gregos que chegaram até nós nos dias atuais. Por meio deles,
podemos observar algumas características nos diferentes estilos que os definem,

tais como:
Estilo geométrico;
Estilo arcaico;
Estilo em preto;
Estilo em vermelho;
Estilo clássico.
3.2 A ESCULTURA GREGA
A escultura
era a linguagem das artes visuais mais respeitada como a representação do ideal
de
beleza e harmonia tão buscado pelos artistas gregos. Podemos notar que
inicialmente as esculturas
de Grécia tiveram grande influência das esculturas

egípcias, como podemos observar nas esculturas
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dos Kouros (jovens). Mas, com o

passar do tempo, os gregos se encontraram nessa arte, trazendo, de
maneira
majestosa, os seus ideais de proporcionalidade.
Assim,
destacamos os seguintes estilos:
Estilo arcaico: Kouros (jovem) com influência da arte egípcia no que

se refere à forma cúbica e
à postura rígida que se reproduz nas diferentes

esculturas. É bastante popular o “sorriso” dessas
esculturas arcaicas.
Figura 10 – Estátuas de dois irmãos Kouros, estilo arcaico.

Museu Arqueológico de Delphi
Crédito: Pit Sotck/Shutterstock.
Estilo clássico: é um estilo harmonioso em forma e sentimento e com

estabilidade em meio à
ação. Foi bastante usado pelos escultores até quando
Atenas foi derrotada por Esparta na
Guerra do Peloponeso.
Figura 11 – Estátua de Bronze de Poseidon, a.C. 460-450 a.C.

Museu Nacional de Atenas
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Crédito: Arne Berudsen/Shutterstock.
Estilo helenístico: trata-se de um estilo visivelmente considerado ainda mais

“leve” e “fluídico”
que o estilo clássico, com apresentação de maior realismo

nas figuras, além de torsões
expressivas e grande movimento nos tecidos que
cobriam os corpos das figuras. Assim sendo,
conforme Janson e Janson:
Comparada
às estátuas clássicas, a escultura do período helenístico mostra, em geral, um
realismo
e expressividade acentuados, bem como uma maior experimentação com o

drapejamento e a
postura, que frequentemente exibem um movimento de torsão
considerável. (Janson; Janson, 1996,
p. 63)
Figura
12 – Vênus de Milos, Museu do Louvre em Paris, França
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Crédito: Iornet/Shutterstock.
Além da
famosa escultura “Vênus de Milos” no estilo helenístico, ainda podemos citar
outras
como “A Vitória de Samotrácea” e “Laocoonte e seus filhos”, por meio da
qual chegou até nós uma
cópia romana que atualmente se encontra no Museu do

Vaticano, em Roma.
TEMA 4 – A ARTE EM ROMA
A arte romana
possui grande influência da arte grega, mesmo nas diferentes linguagens. Não
obstante, há características bastante específicas, como a utilização de arcos

na arquitetura, além das
abóbadas. Um exemplo de construção romana nesse
formato é o Panteão em Roma, que foi
construído em homenagem a todos os deuses

e seus interior apresenta uma abóbada de berço.
É
muito difícil pensar no desenvolvimento da capital romana sem o arco e o
sistema de construção
de abóbadas que dele se origina: a abóbada de berço – um

cilindro; a abóbada de arestas, que
consiste em duas abóbadas semicilíndricas

que se cruzam em ângulos retos; e o domo. (Janson;
Janson, 1996, p. 70)
Outro grande
exemplo da arquitetura romana da época é o Coliseu, um teatro de Arena que era
utilizado para proporcionar diversão ao público da época. O Coliseu chegava a

acomodar cerca de 50
mil pessoas e seus arcos de estilo romano podem ser vistos
e facilmente reconhecidos em toda a sua
extensão.
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Figura 13 – Ruínas do antigo anfiteatro Coliseu, Roma, Itália
Crédito: Phant/Shutterstock.
4.1 A PINTURA
Considera-se
que há poucas pinturas romanas que chegaram até nós. Há bastante influência da
pintura grega nas pinturas

romanas. São mais comuns na decoração de ambientes, sendo produzidas
por meio da
técnica de afrescos. Mas ainda podemos citar que é bastante comum encontrarmos
retratos funerários com belíssimas pinturas romanas, sendo algumas delas

produzidas pela técnica da
encáustica.
Figura 14 – Antiga pintura romana na técnica de afresco,

representando os mistérios ocultos de
Dionísio
09/07/2022 09:41 UNINTER
Crédito: Blackmac/Shutterstock.
4.2 A ESCULTURA EM ROMA
As esculturas
romanas sofreram bastante influência das esculturas egípcias e gregas para
algumas produções, mas também havia traços próprios e conceitos para

determinadas obras, tal
como veremos nos bustos. Dentre as esculturas romanas,

vemos, ainda, muitas reproduções de obras
gregas.
Os escultores
romanos faziam uso do naturalismo sem, no entanto, cair na trivialidade,
demonstrando grande afinidade com as figuras retratadas. Também havia muitas esculturas de
retratos, como bustos e
outras representações de pessoas de classes mais abastadas, além dos
famosos
bustos dos imperadores.
Uma
representação bastante conhecida desse período é o retrato equestre do
Imperador Marco
Aurélio, em Roma, na Itália.
Figura 15 – Estátua do imperador Augusto na primeira porta do

Museu do Vaticano
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Crédito: PavelJiranek/Shutterstock.
TEMA 5 – EXPRESSÕES ARTÍSTICAS NO IMPÉRIO BIZANTINO
O imperador
Constantino (272-337), o Grande, no ano de 323 d.C., decidiu fazer da cidade de
Bizâncio, localizada na Grécia, a capital do Império Romano, passando essa a se
chamar
Constantinopla. “A nova capital também simbolizava a nova base cristã do

Estado romano, uma vez
que se localizava no coração da região mais

completamente cristianizada do Império” (Janson;
Janson, 1996, p. 88). No

entanto, o que Constantino não esperava era que a mudança da capital do
Império
Romano também resultasse na cisão do reino, resultando, posteriormente, em
maior
facilidade para ataques e invasões de povos bárbaros como os visigodos, ostrogodos

e outros.
Mesmo assim,
o Império Oriental, localizado em Bizâncio, pôde permanecer ao conseguir
sobreviver a esses ataques sob regência do Imperador Justiniano (482-565).
O imperador
Justiniano foi considerado um protetor das artes, tendo sua época chamada de
Idade do Ouro. Além disso, sua influência foi bastante significativa para o
patrocínio e incentivo do
esplendor da arte bizantina.
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Com todos os
ataques e invasões dos povos bárbaros, o Império Romano foi reduzido aos Balcãs
e à Grécia, perdurando até o ano de 1453, quando a cidade de Constantinopla foi
conquistada pelos
turcos, tornando-se a atual cidade de Istambul, capital da

Turquia (Janson; Janson, 1996). Logo, em
Constantinopla, então Istambul, desenvolveu-se

uma outra cultura resultante de um novo grande
império com suas características
na arte – o Império Otomano.
Sendo assim,
a arte bizantina iniciou juntamente com a Idade Média e buscou trazer ao
observador toda a pompa e poder daquele Império, demonstrados por meio de cores
e
representações religiosas. Para Janson e Janson (1996, p. 89), a arte

bizantina “designa não apenas a
arte do Império Romano do Oriente, mas também

um estilo com características específicas”. Isso
evidencia justamente que essa

arte possui características bastante marcantes, as quais revelam o
início da
religião cristã como religião oficial do Império Romano. O historiador da arte Gombrich
defende que:
Apesar
de uma certa rigidez, a arte bizantina manteve-se, portanto, mais próxima da
natureza do
que a arte do Ocidente em períodos posteriores. Por outro lado, a

ênfase sobre a tradição e a
necessidade de respeitar certos métodos permitidos
de representar o Cristo ou a Virgem tornaram
difícil aos artistas bizantinos

desenvolverem seus dotes pessoais. Mas esse conservantismo
desenvolveu-se
gradualmente [...]. (Gombrich, 1999, p. 138)
Vale destacar
que, na arte bizantina, não era toda a pintura cristã considerada um ícone,
pois, os
bizantinos, assim como os egípcios, buscavam manter as suas tradições

na arte. Dessa forma, eram
respeitados os conhecimentos antigos, além de que as

figuras contavam com uma consagração
especial para poderem ser reconhecidas

como ícones (Gombrich, 1999). Características estilísticas
como a rigidez das
figuras, a frontalidade e o caráter majestoso marcam de maneira insigne a arte
produzida por essa cultura. Além disso, na arte, Jesus Cristo é sempre
representado como um
majestoso rei e a sua mãe, a Virgem Maria, como uma

majestosa rainha. Conforme afirma Hauser
(2003, p. 135), “essa arte devia ser a

expressão de uma autoridade absoluta, de grandeza sobre-
humana e mística
inacessibilidade”.
Dentre toda a
expressão artística bizantina são muito conhecidos os mosaicos, que nos
apresentam figuras sempre voltadas aos temas religiosos e também ao Imperador. Tais
mosaicos
formam ícones ou imagens por meio da disposição de pequenas pedras e
pedaços de vidro ou
cerâmica coloridos. Um exemplo de mosaico da época, por
meio do qual podemos identificar as
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principais características da arte

bizantina, é o mosaico de San Vitale, em Ravena, o qual mostra o
Imperador
Justiniano e seu Séquito. Segundo Janson e Janson,
aqui
encontramos um novo ideal de beleza humana: figuras extraordinariamente altas e
esguias,
com minúsculos pés, pequenos rostos em forma de amêndoa, dominados por

grandes olhos, e
corpos que só parecem capazes de gestos cerimoniais, além da
exibição de trajes magníficos.
(Janson; Janson, 1996, p. 99)
Figura 16 – Justiniano e seu Séquito, 547 d. C. Mosaico, San

Vitale, Ravena
Crédito: Mirage.nl/Shutterstock.
Outra imagem
bastante conhecida e de excelsa beleza é a do mosaico representando Jesus
Cristo com fundo dourado, localizado na famosa Igreja de Hagia Sophia, em
Constantinopla, atual
cidade de Istambul. O antigo mosaico bizantino mostra a

imagem de Jesus Pantocrator com uma
mão em sinal de bênção e a outra segurando
o livro do Evangelho. Na iconografia cristã, a
representação do Pantocrator,
que significa Todo Poderoso, é sempre mostrada por meio da imagem
de Cristo com
a mão direita levantada com os dedos polegar, indicador e médio para o alto, em
representação de bênção e também em memória à Santíssima Trindade e onipresença
divina.
Figura 17 – Mosaico de Jesus Cristo com fundo dourado, Igreja

de Hagia Sophia, em Istambul
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Crédito: Repina Valeriva/Shutterstock.
NA PRÁTICA
Com base nos

conteúdos desta aula:
Escolha o tópico que mais despertou a sua curiosidade e

realize uma pesquisa com base em
livros e sites para se aprofundar ainda mais;

Escreva um pequeno texto contando sobre o tópico escolhido
por você, e, após isso, selecione
uma linguagem artística – pode ser pintura ou

escultura – para tentar reproduzir uma imagem
ao seu gosto, segundo a técnica e
estilo do período.
FINALIZANDO
Dada a forte
relação da arte com a história e a sociedade, vimos a imprescindibilidade de
nos
aprofundarmos cada vez mais na história da arte. Assim, aprendemos por meio
de um recorte
temporal na história da arte com ênfase em alguns tópicos.
Iniciamos pela arte produzida ainda antes
do surgimento do conceito de arte,
destacando a Pré-História com suas pinturas e artefatos
possivelmente
“mágicos”.
09/07/2022 09:41 UNINTER
Passamos pelo
Egito para compreendermos um pouco mais dessa arte tão incrivelmente
pautada em
uma sociedade politeísta e teocrática. Observamos a arte na Grécia, dando
destaque aos
ideais de beleza e harmonia tão buscados. Aprendemos sobre a arte
de Roma, com especial atenção
às pinturas e esculturas e, por fim, aprendemos

sobre expressões artísticas do período do Império
Bizantino.
REFERÊNCIAS
GOMBRICH,
E. H. A história da arte. Rio de Janeiro: LTC Editora, 1999.
HAUSER,
A. História social da arte e literatura. São Paulo: Martins Fontes, 2003.
JANSON,
H. W; JANSON, A. F. Iniciação à história da arte. São Paulo: Martins
Fontes, 1996.

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09/07/2022 09:41 UNINTER

ARTES VISUAIS, HISTÓRIA E

Profª Danielly Sandy

consonância com as artes visuais, a história e a sociedade de cada um dos

Destacamos que a arte produzida pelo homem surgiu ainda

que o homem sempre teve a necessidade

este assunto, iniciaremos com o período Paleolítico e

Império Bizantino. Assim, os

1. A Pré-História: será a criação de pinturas e artefatos

2. A arte egípcia e sua forte relação com a morte e imortalidade

3. A arte na Grécia: por um ideal de harmonia e beleza;

5. Expressões artísticas no Império Bizantino.

cultura pensada por meio do conjunto de saberes e fazeres diz

grupo. Assim, ela nos permite compreender

da humanidade que não

subjetiva, já possui alguns conceitos melhor consolidados em nosso tempo. Isso

decorrência de uma série de fatores, como a construção do conhecimento

dada por inúmeros pensadores que se dedicaram a investigar

abrangendo aspectos culturais, mas, inclusive, econômicos. Assim,

realização” (Hauser, 2003, p. 28).

respectivos desdobramentos, representando apenas um recorte temporal diante das

produções humanas dentro do período abordado. Assim, compreendemos as

quando esse afirma que

pressupõe que algo teve de ser descartado.

do conhecimento e pensamento crítico por meio de

imprescindível pensarmos a história

permitirá que continuemos a nossa investigação sobre qualquer outro período,

Idade da Pedra Polida.

TEMA 1 – A PRÉ-HISTÓRIA: SERÁ A CRIAÇÃO DE PINTURAS E

condição. Tal expressão pode ser visualizada já na arte Pré-Histórica, quando o

nem existia. Porém, a sua finalidade ainda pode parecer

Para além dos

nas paredes e no teto das cavernas e também estatuetas. O período Paleolítico é

história possui registros. Acredita-se que o seu início

de anos. Vale destacar que as

reproduzidas nesse período possuíam finalidade mágica. Assim sendo, conforme

e realidade; ao retratarem um animal, pretendiam fazer com que ele fosse

auspiciosa, tal como se o homem pudesse, de fato, apreender o animal ao prender

Assim, os responsáveis pelas pinturas rupestres seriam uma

grandes conhecedores da anatomia dos

registro das primeiras

ao analisarmos que atualmente ainda existem grupos culturais que

imagem energeticamente tem relação com a figura

relíquias da crença universal no poder produzido pelas

que esses caçadores primitivos

havia uma extensa produção de representações de animais com traços

próximos da realidade. Afinal, o naturalismo é

Figura 1 – Arte rupestre. Representação de bisão na parede da

Dessa forma, verificamos

nesse período não há representações humanas bidimensionais, mas

corpos femininos sem face com formatos esteatopígicos,

representação desse formato teria relação

Figura 2 – Stonehenge ou Dolmens Megalíticos, Salisbury,

construir as suas próprias moradias. Esse evento foi

domesticar animais, podendo garantir o seu alimento sem que seja

parecem melhor sintetizar as formas,

ideia, no conceito, na substância íntima da coisa – mais para

muito simples, como, por

mais recorrer a práticas de magia com imagens naturalistas para

Figura 3 – Pinturas neolíticas na caverna

TEMA 2 – A ARTE EGÍPCIA E SUA FORTE RELAÇÃO COM A MORTE E

diversos deuses, sendo cada um

como a morte e imortalidade da alma.

faraó. Os artistas egípcios dessa época se esmeravam para