PORTUGUÊS

Frente: Língua Portuguesa IV

EAD – MEDICINA
Professor(a): Tom Dantas

AULA 20

Assunto: O Percurso da Arte III – do Romantismo ao Modernismo

Resumo Teórico

A expressão do Romantismo e a do Realismo na arte

Museu de Belas Artes, Bordeaux, França.

O termo Romantismo encerra muitos e variados aspectos. Para Jean-Jacques Rousseau (1712-18), Romantismo
significa um retorno à natureza; para Johann Wolfgang Von Goethe (1749-1832), era doença; para Feinrich Heine
(1797-1856), era o infinito; para Victor Hugo (1802-85), a verdade da vida; para George Sand (1804-76), a arte das
emoções e do coração; e para Charles Baudelaire (1821-67), o moderno.
A arte romântica emergiu no final do século XVIII, na Alemanha, com a literatura e com a poesia de
Goethe. Por volta de 1830, com o sucesso da obra teatral Hernani, de Victor Hugo, os pintores Ingres e Delacroix
já se haviam estabelecido como protagonistas mais importantes na batalha entre as forças clássicas e românticas
na França. É importante saber que as ideias e atitudes geradas pelo movimento romântico anteciparam uma
lista de conceitos modernos que influenciaram a história da arte e da cultura ocidental posterior. O legado
do espírito romântico continuou a influenciar futuras batalhas artísticas contra fórmulas acadêmicas, regras
obrigatórias e tradições ultrapassadas.
Como o Romantismo, o termo “Realismo” teve muitas definições e aplicações na história da arte ocidental.
DELACROIX, Eugène (1798-1863).
Com a invenção da fotografia em 1839, novos desafios e discussões apareceram sobre a natureza e o propósito da A Grécia Agonizando nas Ruínas de
pintura, e sua relação com a verdade e a realidade. Missolonghi, 1827. Óleo sobre tela.

Francisco Goya
Museu do Prado, Espanha

GOYA de, Francisco (1746-1828). Três

de Maio,1814. Óleo sobre tela.
As pinturas e obras gráficas de Francisco Goya confrontam a capacidade do gênero humano para a brutalidade e o sofrimento.
É necessário dizer que a arte de Goya é uma premonição poderosa e original dos impulsos inerentes à humanidade, tanto para o bem
quanto para o mal. Goya pintou os problemas sociais e políticos de sua época e, em particular, os excessos da violência e da guerra.
Como patriota, ele foi incisivo ao representar o sofrimento de seu povo nas mãos dos franceses.

Sobre a obra Três de Maio de 1808

Pode-se dizer que nela Goya recorda as atrocidades da Guerra Peninsular (1808 - 14), quando as tropas de Napoleão ocuparam a Espanha.
Houve, em 2 de maio de 1808, uma violenta revolta em Madri, que os franceses reprimiram. Depois, no dia seguinte, houve represálias e cerca de
uma centena de espanhóis foram executados numa colina fora da cidade. Goya registrou os acontecimentos em dois quadros, depois que a guerra
acabou. Quanto à composição, nota-se que Goya contrasta na tela a eficiência anônima e organizada do esquadrão de fuzilamento com o sofrimento
individualizado das vítimas. Seu martírio é enfatizado pela figura ajoelhada de branco, que adota uma pose de crucificação. Ele é enorme. Se levantasse,
reduziria todos os outros a anões. Sabe-se que os reais assassinatos ocorreram durante o dia, mas Goya criou uma atmosfera apavorante, compondo
o episódio à noite.

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 Módulo de Estudo

• Observe as obras que Goya influenciou. Orgulhoso de sua ascendência rural e politicamente socialista,
Courbet começara como um romântico neobarroco, mas, por volta de

Domínio Público

© Succession Pablo Picasso /

AUTVIS, Brasil, 2017.
1848, sob o impacto dos levantes revolucionários que então varriam
a Europa, chegou à conclusão de que a ênfase romântica sobre o
sentimento e sobre a imaginação era simplesmente uma fuga à
realidade da época. O artista moderno deve confiar em sua experiência
direta; deve ser um realista.
MANET, Édouard (1832-1883). Essa foi a primeira tela

Antigamente Pinacoteca,
Munique, Alemanha
A Execução do Imperador a concretizar plenamente o
Maximiliano do México,1868. Óleo PICASSO, Pablo (1881-1973).
sobre tela. Massacre na Coreia,1951. Realismo programático de Courbet.
Ele vira dois homens trabalhando
em uma estrada e pedira-lhes que
Eugène Delacroix posassem para ele em seu estúdio,
Eugène Delacroix foi o líder da onde os pintou em tamanho

Museu Louvre-Lens, França.

Escola Romântica francesa, e um dos natural, sólida e prosaicamente, COURBET, Gustave (1819-1877).
sem pathos ou sentimentalismo; o Os Quebradores de Pedra,1849.
últimos grandes pintores históricos Óleo sobre tela.
europeus. Seu estilo empregava cores rosto do mais jovem está virado, e
deslumbrantes e pinceladas arrojadas. o do mais velho meio escondido por um chapéu. Contudo, ele não os
A arte de Delacroix teve várias influências escolheu ao acaso, pois o contraste de idade é significativo – um velho
artísticas e literárias, incluindo William demais para um trabalho tão pesado, e o outro é demasiado jovem.
Shakespeare. Mais tarde, suas pinturas
DELACROIX, Eugène (1798-
inspiraram todos os grandes colunistas da 1863). A Liberdade Guiando o Édouard Manet
arte modernista, como Vincent van Gogh Povo, 1830. Óleo sobre tela.
e Henri Matisse. Édouard Manet é um dos gênios da pintura francesa do século
O envolvimento de Delacroix com o Romantismo ganhou as XIX. Sua curiosidade intelectual e seu talento o levaram a aplicar uma
ruas de Paris nesta dinâmica e colorida composição. Em resposta a sofisticada interpretação do Realismo de Gustave Courbet às cenas do
eventos que testemunhou durante a Monarquia de Julho, o artista cotidiano parisiense. Entre os verdadeiros seguidores de Courbet, ele é
foi influenciado por Géricault em sua composição e na combinação um intérprete da vida contemporânea que exerceu enorme influência
criativa de fato e alegoria. sobre os jovens impressionistas e a posterior história da arte. Ele é o
É importante saber que as pinturas de Delacroix expressaram último pintor firmemente enraizado na história da arte, e o primeiro
um espírito romântico através de seus temas, suas cores arrojadas, dos grandes modernistas. Manet registrou a diversificada vida urbana
suas pinceladas vigorosas, suas composições dinâmicas e, sobretudo, da Paris do Segundo Império.
através de sua intensa emoção, que refletia o próprio temperamento Observe a obra a seguir.
do artista. Contudo, Delacroix não abandonou todos os princípios do

Domínio Público
Classicismo e atingiu uma simplicidade e grandeza “clássicas” em
várias de suas principais obras.
A pesada diagonal
barroca na obra-prima de
Museu do Louvre, França

Delacroix nos desloca

rapidamente da carnificina do
primeiro plano para a figura de
Sardanapalo, testemunhando a
destruição de todos os seus bens
mais amados. A visão orgíaca da
MANET, Édouard (1832-1883). Um Bar
morte na obra A Morte de no Folies-Bergère,1881-2. Óleo sobre tela.
DELACROIX, Eugène (1798-1863). Sardanapalo é inspirada no
A Morte de Sadanapalo,1827. drama de um poema narrativo Considerada obra-prima de Manet, Um Bar no Folies-Bergère
de Lord Byron. As deslumbrantes pinceladas de Delacroix, suas cores é uma interpretação do anonimato e da sensação de isolamento
quentes, sensualidade e exotismo estão todos justapostos nesta obra encontrados nos espaços urbanos. O artista usa como cenário um
que foi a sua entrada para o Salão de 1827. A assustadora história do dos mais elegantes cabarés de Paris, um café e espaço teatral que
rei assírio Sardanapalo, que ordena a destruição de todos os seus bens oferecia entretenimento num ambiente sofisticado. Manet situa o
após a derrota de seus exércitos, é transformada por Delacroix num observador sobre um balcão paralelo aos camarotes de onde assistem
inferno romântico de morte, destruição, exotismo e erotismo. ao espetáculo e aos espelhos nas paredes laterais da galeria adjacente.
As pinceladas e a arrojada paleta combinam-se à composição dinâmica Vemos uma balconista e o reflexo do teatro em forma de ferradura atrás
e luz dramática da obra para realçar o terror do momento. Para realçar de nós, onde um acrobata se apresenta. A modelo para a balconista
o efeito de selvageria, Delacroix adotou uma composição caótica e foi Suzon, uma garçonete do Folies-Bergère, embora ela tenha posado
claustrofóbica que não possibilita nenhum tipo de escape. A cama para o quadro em seu estúdio. A explícita falta de emoção da jovem
carmim do rei, que logo se tornaria sua pira funeral, serve como um é um expediente que Manet empregou regularmente ao longo de
ponto diagonal focal que contrasta o passivo soberano com a sua carreira, para indicar o anonimato e a solidão que caracterizam
atrocidade do primeiro plano. os encontros arbitrários típicos da metrópole moderna. Ele reforçou
esta sensação de deslocamento e isolamento através da distorção
Gustave Courbet deliberada da perspectiva tradicional nos reflexos do espelho, do lado
direito. À esquerda e à direita no primeiro plano, ele criou uma das mais
“Não posso pintar um anjo, pois nunca vi nenhum.”
ricas incidências de natureza-morta da história da pintura ocidental.
Gustave Courbet

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 Módulo de Estudo

Mary Cassat dialogando com Édouard Manet “A Nova Pintura”, como foi chamado o novo estilo pelo escritor
e crítico Louis Edmond Duranty, foi defendida pelos novos artistas, que
Obra de Manet agiram com tenacidade, persistência, convicção e originalidade.
A imagem de Manet da Já o termo “Pós-Impressionismo” foi cunhado, em 1910,

Domínio Público
navegação de lazer, executada pelo crítico inglês Roger Fry. O termo se referia à produção de artistas
durante seu período mais como Van Gogh, Gauguin, Seurat, Cézanne. Diferentemente
impressionista, concentra a atenção do Impressionismo, que pregava uma série de conceitos estéticos
na figura central do barqueiro e na unificados – mesmo que nem todos os membros do grupo tivessem
luz e atmosfera do entorno. de fato aderindo a eles – o Pós-Impressionismo se refere menos a um
estilo único, e mais a um salto de geração. A partir das experiências
MANET, Édouard (1832-1883). impressionistas com o poder da luz e da cor, os artistas do
No Barco,1874. Óleo sobre tela. Pós-Impressionismo exploraram um vocabulário pessoal que destaca as
fontes emocionais da pintura, como nas obras de Van Gogh e Gauguin.
Obra de Mary Cassat ou os intelectuais, mas não menos pessoas, sistemas de expressão,
Cassat inspirou sua imagem como nas obras de Seurat e Cézanne. Ao fazer isso, os artistas se
Domínio Público

de navegação em Antibes na obra concentraram nas propriedades formais da cor, luz, pinceladas e
de Manet, mas alterou os elementos espaço como veículos de expressão pessoal. Além do meramente
de forma crucial. A atenção é focada visual, os Pós-impressionistas exploraram as conexões entre a
na mulher segurando a criança. pintura, o sentimento, as emoções, a mente e o intelecto.
As amplas áreas de cor chapada e o Claude Monet
arranjo bidimensional da superfície
refletem as futuras preocupações Claude Monet adotara o conceito de pintura de Manet e o
do Pós-Impressionismo. aplicara em paisagens realizadas ao ar livre, tal como O Rio.
CASSATT, Mary (1844-1926). Passeio
Claude Monet foi o maior

Domínio Público
de Barco, 1893-94. Óleo sobre tela.
pintor Impressionista francês, um
Outras obras importantes de Édouard Manet movimento que ganhou seu nome a
partir de uma de suas obras. Em sua
Museu de Orsay, Paris.

Museu de Orsay, Paris.

última série de pinturas,

as experiências de Monet com a
qualidade inconstante da
luz, cor e atmosfera avançaram em
direção à abstração. Seus últimos
quadros continuariam a ter profunda MONET, Claude (1840-1926). Mulher
influência no curso posterior da arte. no Jardim, 1867. Óleo sobre tela.
Explorando os inconstantes efeitos de
luz como um veículo para captar a impressão fugaz de uma cena,
as pinturas de Monet expressam uma aguda consciência de
como a natureza e a qualidade da luz alteram a cor.
MANET, Édouard (1832-1883).
Em suas séries de quadros Álamos (1891), Monte de Feno (1889-91),
MANET, Édouard (1832-1883). Catedral de Rouen (1892-94) e Ninfeias (1902-26), Monet explorou a
Almoço na Relva,1863. Óleo sobre tela. O Tocador de Pífaro,1866.
natureza ótica da pintura com as mãos e olhos clínicos.
Obras de Claude Monet
Impressionismo e Pós-Impressionismo
Instituto de Arte de Chicago.
Museu de Belas Artes, Budapeste

A Primeira Exposição Impressionista, realizada em Paris,

em abril de 1874, costuma ser considerada o ponto de partida
da pintura moderna e dos vários movimentos artísticos de
vanguarda que a sucederam. Camille Pissarro, Claude Monet,
Pierre-Auguste Renoir e Edgar Degas organizaram uma mostra de
artistas independentes. Os artistas queriam apresentar diretamente
ao público uma alternativa à arte oficial da França, patrocinada por MONET, Claude (1840-1926). As
MONET, Claude (1840-1926). Pilhas de Trigo,1891. Óleo sobre tela.
instituições sólidas como as Academias e o Salão, com suas regras e Quebra-mar em Trouville, Maré
expectativas tradicionais. O grupo esperava uma avaliação justa e sem baixa,1870. Óleo sobre tela.
preconceitos de sua nova visão. A partir da reação sarcástica de um
Museu Marmottan Monet, Paris

crítico ao quadro de Monet, Impressão: Sol Nascente, 1872, nasceu

o termo “Impressionismo”, num comentário sobre a aplicação livre
da tinta e a ambiguidade do tema.
Instituto de Arte de Chicago.
Domínio Público

MONET, Claude (1840-1926). MONET, Claude (1840-1926). Casa do Artista

MONET, Claude (1840-1926). Catedral de Rouen, 1892-94. em Argenteuil, 1873. Óleo sobre tela.
Impressão, nascer do sol,1872. Óleo sobre tela

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 Módulo de Estudo

• Observe a seguinte obra do artista. Auguste Renoir

Museu de Orsay, Paris.

É outro importante pintor impressionista da época.
Sua formação em pintura começou com um trabalho comercial.
Ele pintava figuras e cenas em porcelana, até que esse ofício se
tornou obsoleto, por causa da introdução da impressão mecânica.
Essa experiência prévia de copiar figuras clássicas e cenas rococó
ajudou Renoir a adquirir habilidades que ele guardou para toda a
vida, além de ter desenvolvido nele um interesse permanente pela
obra dos mestres clássicos.

Museu de Orsay, Paris.

MONET, Claude (1840-1926). Campos de Papoulas,
1873. Óleo sobre tela.

Enquanto viveu ali, Monet pintou muitos quadros idealizados

dos campos de papoulas ao redor de Argenteuil. Este quadro mostra o
envolvimento do artista com os elementos centrais de seu estilo: cores
puras e harmoniosas, pinceladas destacadas e a luminosidade
que dissolve as formas. O compromisso de Monet é evidente nas
cores puras das papoulas vermelhas, no céu azul brilhante, nas grandes
nuvens brancas e na complexa gama de verdes, marrons, amarelos e RENOIR, Auguste (1841-1919). Le Moulin de la
cinzas nos campos. A pintura exibe uma variedade de pinceladas: toques Galette, 1876. Óleo sobre tela.
curtos e rápidos para algumas plantas, manchas vermelhas de cor para Os casais enamorados no Le Moulin de la Galette, 1876, de
as flores e camadas de aplicação mais ampla no céu e no fundo. Um Auguste Renoir, sob uma mescla de luz do sol e penumbra, irradiam
campo de papoulas vermelhas oferece o cenário perfeito para um passeio um calor humano que é absolutamente encantador, ainda que o artista
no meio do dia. Este se tornou um dos temas essenciais na pintura de não nos permita mais do que um rápido relance de cada um deles.
paisagens impressionistas.
Vincent Van Gogh
Edgar Degas
Atualmente, Vincent van Gogh é

Instituto de Arte, Chicargo

Edgar Degas foi um pintor talvez o artista mais conhecido no mundo.
Museu de Orsay, Paris.

fundamental no Impressionismo francês. Sua vida e obra inspiraram tanto o estudo

Contudo, aspectos importantes de sua
formação, interesses, talento e crenças
s e p a ra m-n o d a s i d e i a s e adeptos
mais ortodoxos do movimento.
Em seus estudos dos Velhos Mestres,
preocupação com o desenho, exploração
do movimento e experimentação técnica,
Degas ampliou as opções e possibilidades
dos artistas do fim do século XIX. Ele está
entre os mais importantes artistas do século
DEGAS, Edgar (1834-1917). XIX. O seu nome é associado a inovações e
O Absinto, 1873. Óleo sobre tela. mudanças no campo da pintura, escultura,
desenho, gravura e fotografia. O uso de cores vibrantes, o foco no
quarto de vestir e nos nus femininos, e o traço cada vez mais livre de
Degas abriram caminho para a geração seguinte de artistas. Seu impacto
como artista repercutiu além de sua carreira e incentivou os titãs
modernistas como Pablo Picasso e Henri Matisse a inovar constantemente
no estilo, nos temas materiais. Em suas pesquisas formais de luz,
movimento e espaço, e em suas experiências com materiais e processos
artísticos, Degas antecipou vários dos maiores interesses do século XX.
Museu de Orsay, Paris
sério da História da Arte como a indústria da
cultura popular. Apesar da apropriação
indevida – e às vezes banalização – do nome
de Van Gogh e de seu legado, seus quadros
continuam sendo um dos mais tocantes
testemunhos pessoais da crença de alguém
pela arte, e uma das mais profundas
expressões da humanidade como um todo.
As pinturas de Vincent van Gogh GOGH, Vincent van (1853-1890).
estão entre as obras mais inspiradoras da Autorretrato ,1887.
História da Arte moderna. A dedicação obstinada, quase religiosa de
Van Gogh a sua vida como artista, e os quadros que ele pintou, durante
uma breve carreira de dez anos, representam um dos mais ricos legados
criativos nascidos de sua formação autodidata, ética obsessiva no trabalho,
sacrifício pessoal e, o mais importante, talento único. Referindo-se ao artista,
o pintor impressionista Camille Pissarro, que foi um dos primeiros mentores
de Van Gogh, disse: “Este homem vai ficar louco ou superar todos nós.”
“Que ele faria as duas coisas, eu não imaginei.” Na declaração de Pissarro,
estão presentes o triunfo e a tragédia da vida e arte de Van Gogh.
Galeria de Arte da Universidade de Yale, New Haven.

DEGAS, Edgar (1834-1917). A Banheira,1886. GOGH, Vincent van (1853-1890). Café Noturno na
Pastel a óleo sobre papelão. Praça Lamartine em Arles,1888. Óleo sobre tela.

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 Módulo de Estudo

Quando pintou Café Noturno na Praça Lamartine em Arles, pintura ocidental. Paul Cézanne sintetiza o conceito de pintor dos
Vincent van Gogh usou cores simplificadas para expressar uma sensação pintores. A sua arte explora de modo disciplinado, focado e intenso
de desânimo e desespero em relação ao café e seus frequentadores. os problemas fundamentais na pintura. Fica difícil imaginar a natureza
Van Gogh produziu este quadro notável um mês antes da fatídica da arte como a conhecemos hoje sem a contribuição dele. Cézanne
chegada de Gauguin a Arles. Inspirado pelo calor de seu novo lar no Sul criou uma arte que é desafiadora, por vezes difícil, mas repleta de
e por seu crescente amor pelas gravuras japonesas, o artista iluminou implicações para a futura história do modernismo.
sua paleta, adotando uma gama de cores vivas e intensas. Ele também Fala-se que a pintura de

Museu Metropolitano de Arte, EUA.

se sentia incrivelmente sozinho e uma sensação de isolamento permeia Cézanne representa um afastamento
sua obra. Van Gogh usou blocos de cores puras, não misturadas, para da pintura puramente visual e
expressar a intensidade das emoções. Referindo-se a esse quadro, sensorial para uma arte mais cerebral
ele comentou: “Tentei retratar com vermelho e verde este terrível e intelectual. Seu exemplo nos
sofrimento humano.”. As fontes de luz parecem quase ganhar vida leva além das pinturas óticas do
própria nas últimas pinturas de Van Gogh. Em Café Noturno na Praça impressionismo, explorando uma
Lamartine em Arles, as imensas lâmpadas do café parecem pulsar e nova relação entre os olhos e a
vibrar, como as estrelas arredondadas de suas cenas noturnas. Sob a mente. Poucos artistas trabalham
influência das gravuras japonesas, Van Gogh empregou, muitas vezes, tão intensamente para compreender
CÉZANNE, Paul (1839-1906). e questionar os problemas do pintor,
uma forma de perspectiva exagerada. Como resultado, o salão parece Banhistas, 1874-75. Óleo sobre tela. de suas matérias e processos. A luta
estranhamente inclinado em direção ao observador.
para compreender e reconciliar a realidade tridimensional da natureza
Saiba também que
com o espaço bidimensional da superfície pintada – isto é, para
Museu van Gogh, Amsterdã.
os inúmeros estudos de Van
distinguir entre o que é objetivo e subjetivo – tornou-se uma batalha
Gogh sobre a vida e o trabalho colossal para Cézanne.
de camponeses e mineiros, que Cézanne seria mais

Domínio Público
ele buscava retratar com tarde descrito por Picasso como
honestidade e sentimento, “o pai de todos nós” e por
culminaram na obra em que Matisse como “um benevolente
ele pela primeira vez se sentiu Deus da pintura”.
pintor, Os Comedores de No final de sua carreira,
Batata, 1885. Influenciado pela Cézanne produziu três grandes
luz e paleta de Rembrandt e GOGH, Vincent van (1853-1890).
versões desta cena, o auge
pelos temas camponeses de Os Comedores de batata,1885. Óleo sobre tela.
de suas radicais experiências
Millet, Van Gogh criou, entretanto, algo original nesta intensa, sombria, rude com forma e espaço. O tema CÉZANNE, Paul (1839-1906). As Grandes
e, talvez, severa representação da vida camponesa. Banhistas, 1906. Óleo sobre tela.
havia sido um dos favoritos de
Em 1888, Van Gogh deixou Paris e foi viver em Arles, no sul velhos mestres como Ticiano e Poussin, tratado habitualmente num
da França. Foi seu período mais produtivo, no qual produziu mais cenário mitológico. Cézanne abandonou isso, buscando apenas
de duzentos quadros em quinze meses, incluindo algumas de suas integrar plenamente as figuras na paisagem. Seu empenho revelou
obras mais famosas: O Semeador, 1888; A Casa Amarela, 1888; uma importante fonte de inspiração para Picasso e os cubistas.
O Quarto do Artista, 1888; e Café Noturno, 1888. A composição da obra é baseada em torno de uma série de triângulos.
As árvores formam um arco triangular no centro do quadro, enquanto
Observe algumas das obras de Vincent van Gogh
as banhistas estão dispostas em dois ângulos menores em sua
Galeria Nacional, Londres.
Museu de Orsay, Paris.

base. Cézanne estava totalmente disposto a distorcer as formas em

prol dos interesses de sua composição. Em As Grandes Banhistas,
as árvores estão dispostas em seu ângulo mais improvável, enquanto
os braços das banhistas no primeiro plano foram alongados, com
a intenção de criar um gracioso arco na parte inferior do quadro.
Em vez do modelado tradicional, Cézanne usou blocos de pura cor
para enfatizar suas formas. Em alguns pontos, deixou espaços sem
GOGH, Vincent van (1853-1890). tinta aparecendo na tela, como parte desse processo.
Noite Estrelada Sobre o Ródano,1888.
Óleo sobre tela.
O Modernismo
Domínio Público

As raízes do pensamento modernista retomam às últimas décadas

GOGH, Vincent van GOGH, Vincent van (1853-1890). do século XIX, quando os desafios às convenções e definições aceitas para
(1853-1890). Retrato A Cadeira de van Gogh com
Cachimbo,1888. Óleo sobre Tela. a vida e a arte emergiram com intensa força e originalidade. O período de
de Père Tanguy
(1887-1888). Pintura. 1890 e 1914 é um dos mais ricos, decisivos e revolucionários na história
da cultura ocidental. Durante esses anos, as mudanças na arte refletiram
os avanços semelhantes que estavam ocorrendo, ou já haviam ocorrido,
Paul Cézanne na ciência e na filosofia.
Poucos artistas podem Nas artes, as estratégias convencionais de narrativa linear,
Museu de Osay, Londres.

reivindicar a posição de importância métrica poética, perspectiva visual ou realismo ilusionista deram lugar
que Paul Cézanne ocupa em qualquer à consciência de que nenhuma interpretação única do que alguém vê,
discussão sobre influência artística. As ouve, lê ou experimenta pode ser suficiente.
ligações e o legado da arte de Cézanne Após a revolução dos artistas pós-impressionistas, que
são fundamentais para compreender costumavam dar importância aos elementos formais da arte – espaço,
o desenvolvimento da arte moderna. luz, cor, linha e forma, o novo espírito de experimentação surge com
Suas experiências com espaço e cor
os pintores que revolucionaram o Modernismo na Europa do século
afetam artistas como Pablo Picasso e CÉZANNE, Paul (1839-1906).
Henri Matisse. Suas realizações Natureza morta com maçãs e laranjas. XX: Henri Matisse; Pablo Picasso; Georges Braque; Wassily Kandinisky,
Óleo sobre tela. entre outros.
representam uma virada na história da

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 Módulo de Estudo
Edvard Munch
A arte desse norueguês foi um testemunho pessoal ou,
como ele mesmo se referiu a ela, uma “confissão” que expressou
as mais profundas emoções e ansiedades viscerais da sua natureza
muitas vezes problemática. Na obsessiva exploração, interpretação
e reinterpretação de seus traumas mais pessoais, Munch esperava
não apenas compreender sua existência, mas também manifestar
para todos que vissem a importância de viver e analisar a vida: de
buscar a liberdade que pode ser atingida através dessas viagens de
autoconsciência, mesmo que sejam dolorosas. Uma vez declarou:
“Eu não pinto o que vejo, mas o que vi.”
O Grito, de Edvard Munch, é
Domínio Público
uma das imagens mais reconhecidas da
arte ocidental e a principal realização
da obra de Munch.
Ela serviu de inspiração para artistas
expressionistas posteriores. Sua origem
pode ser buscada num ataque de pânico
sofrido pelo artista enquanto caminhava ao
longo de um fiorde: “Eu caminhava pela
estrada com dois amigos. O Sol estava se
pondo. De repente, o céu ficou vermelho-
sangue. Eu fiquei parado, tremendo
de medo. E senti um grito interminável MUNCH, Edvard (1863–1944).
O Grito,1893.
atravessar a paisagem.” Munch
dedicou-se ao problema de transmitir som na pintura, transformando-o
em ondas de choque. A intensidade desse som é tão assustadora
que as ondas pressionam a figura, distorcendo-a. Entretanto, o grito
estridente não tem efeito sobre os dois homens à distância, o que
sugere que o verdadeiro trauma existe apenas na mente. Munch
depurou sua figura central alongando seus braços e eliminando
detalhes desnecessários, até que seu rosto parecesse uma máscara
de caveira. As linhas onduladas do fiorde e o do céu são contrastadas
pela diagonal íngreme da estrada. Este efeito vertiginoso levou alguns
a sugerir que Munch tenha sofrido um ataque de agorafobia.
Henri Matisse
Matisse era o principal nome dos Fauves (selvagens) e também
o mais velho dos fundadores da pintura do século XX. A Alegria de
Viver, provavelmente o quadro mais importante de sua longa carreira,
resume o espírito do Fauvismo melhor do que qualquer outra obra.
A pintura, Matisse parece dizer, é a ordenação rítmica da linha e da
cor numa superfície plana, mas não é apenas isso. Até que ponto
a imagem da natureza pode ser condensada sem que perca suas
propriedades básicas, reduzindo-a, dessa forma, a um mero ornamento
de superfície? “O que procuro, acima de tudo, é a expressão…
a expressão não consiste na paixão refletida num rosto humano...
Toda a organização de meu quadro é expressiva. A posição das figuras
ou objetos, os espaços vazios ao seu redor, as proporções; tudo tem
uma função.”, Matisse.
Em seu quadro Harmonia em Vermelho, ele pinta a toalha de
mesa e a parede com a mesma combinação de azul sobre vermelho,
e, no entanto, distingue os planos horizontais dos verticais com total
segurança.
Pablo Picasso
Sem sombra de dúvidas, Pablo Picasso é o mais famoso artista do
século XX. Sua originalidade, versatilidade, inventividade, longevidade
e realização prolífica deixaram um legado incomparável ao de
qualquer outro mestre moderno. Sua capacidade de se reinventar;
sua curiosidade e crescimento constante como artista o distinguem
de seus contemporâneos. Seu nome é sinônimo não apenas das
inovações formais da arte modernista, mas de sua preocupação com
o contexto histórico.
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A forma como Picasso e Braque
© Succession Pablo Picasso / Licenciado por AUTVIS, Brasil, 2016.
originalmente conceberam o Cubismo
oferecia uma disciplina formal de equilíbrio
sutil, usada para temas tradicionais –
natureza-morta, retrato, nus. Entretanto,
outros pintores viam no novo estilo uma
afinidade especial com a precisão
geométrica que o colocava em exclusiva
harmonia com o dinamismo dos tempos
modernos. Em Os Três Bailarinos, Picasso
mostra como conseguiu realizar esse
efeito aparentemente impossível. Em
termos estruturais, o quadro é puro
Cubismo de Colagem, mesmo que, ao PICASSO, Pablo (1881-1973). As três
Dançarinas, 1925. Óleo sobre tela.
invés de recortar e colar, o artista tenha
imitado a aparência de colagem com seu pincel.
O título As Senhoritas de Avignon refere-se não à cidade de
mesmo nome, mas sim à Rua Avignon num bairro mal-afamado de
Barcelona. Quando Picasso começou o quadro, ele deveria retratar uma
cena de bordel, mas acabou sendo uma composição de cinco nus e uma
natureza-morta. Os três à esquerda são distorções angulares de figuras
clássicas, ao passo que os traços e corpos violentamente disformes dos
outros dois têm todas as características bárbaras da arte primitiva.
“No, la pintura no está hecha para decorar las habitaciones.
Es un instrumento de guerra ofensivo y defensivo contra el
enemigo.“ (“Não, a pintura não está feita para decorar casas.
Ela é uma arma de ataque e defesa contra o inimigo.”)
Pablo Picasso, sobre Guernica.
© Succession Pablo Picasso/AUTVIS, Brasil, 2016.
PICASSO, Pablo (1881-1973). Guernica,1937. Tinta a óleo.
Guernica é um painel pintado por Pablo Picasso em 1937
por ocasião da Exposição Internacional de Paris. Foi exposto no
pavilhão da República Espanhola. Medindo 350 por 782 cm, esta
tela pintada a óleo é normalmente tratada como representativa
do bombardeio sofrido pela cidade espanhola de Guernica em
26 de abril de 1937 por aviões alemães, apoiando o ditador Francisco
Franco. Atualmente, está no Centro Nacional de Arte Rainha Sofia, em
Madrid. A pintura foi feita com o uso das cores preto e branco – algo
que demonstrava o sentimento de repúdio do artista ao bombardeio
da cidadezinha espanhola. Claramente em estilo cubista, Picasso retrata
pessoas, animais e edifícios nascidos pelo intenso bombardeio da força
aérea alemã, já sob o controle de Hitler, aliado de Francisco Franco.
Morando em Paris, o artista soube dos fatos desumanos e brutais através
de jornais e, daí, supõe-se tenha saído a inspiração para a retratação
monocromática do fato. Sua composição retrata as figuras ao estilo dos
frisos dos templos gregos, através de um enquadramento triangular das
mesmas. O posicionamento diagonal da cabeça feminina, olhando para
a esquerda, remete o observador a dirigir também seu olhar da direita
para a esquerda, até o lampião trazido ainda aceso sobre um braço
decepado e, finalmente, à representação de uma bomba explodindo.
6 OSG.: 119199/17
 Módulo de Estudo
Esse quadro foi feito também com o objetivo de passar, para os
que vissem, o que ele estava sentindo, um vazio por dentro de si,
um conflito, uma guerra consigo mesmo, buscando resposta para sua
vida amorosa. Toda vez que Picasso via o quadro, pensava consigo
mesmo: será que o meu problema é maior que essa guerra? Naquele
momento, ele conseguia esquecer seu problema, o que demonstra
uma grande preocupação social por parte do autor da obra.
Wassily Kandinsky
A história da pintura abstrata moderna começa com Wassily
Kandinsky. Nascido em Moscou, seus talentos como pintor, sua
inteligência como teórico e eloquência como escritor, tudo isso
contribuiu para sua realização pioneira de levar a arte plástica para
além das limitações do Realismo e da natureza, até o campo expressivo
da abstração. Em sua exploração da cor pura e sua aspiração de levar
a pintura à condição de música, Kandinsky expandiu as possibilidades
da arte para sempre. Wassily Kandinsky está entre os pintores
mais importantes no desenvolvimento da Abstração do século XX.
O conjunto de sua obra e seus escritos afetam gerações posteriores de
artistas comprometidos em explorar o significado e a importância das
formas abstratas. Em duas séries principais de pinturas, Improvisações
e Composições (1909-14), Kandinsky rompeu com a longa tradição da
arte baseada na transcrição exata da natureza para explorar o poder
intrínseco da abstração pura. As realizações de Kandinsky estendem-se
para além de sua fascinação com a cor e a forma abstrata, incluindo
pesquisas sobre a relação sinestésica entre a arte e a música, e o potencial
da pintura abstrata de incorporar o espiritual. Em relação a este último,
Kandinsky é um dos muitos pintores influentes do século XX, como
Kazimir Malevich, Piet Mondrian e Mark Rothko, que acreditavam no
poder da arte abstrata de falar diretamente ao observador e assim
transformar e transcender a realidade terrena do mundo.
Ka ndinsk y f oi u m
Galeria Tretyakov, Moscou.
pioneiro na arte abstrata, que
fez sua revolução às vésperas da
Primeira Guerra Mundial. Suas
primeiras composições
evoluíram a partir de suas
radicais experiências
expressionistas. Muitas vezes,
era livremente baseada em
KANDINSKY, Wassily (1896-1944).
temas figurativos tradicionais,
Composição VII,1913.
como O Dilúvio, A Ressurreição
e – no caso da Composição VII – O Juízo Final. Kandinsky retrabalhou
exaustivamente esses temas, cobrindo ou removendo aos poucos todos
os seus elementos figurativos.
O quadro Composição VII, de Kandinsky, pode parecer
espontâneo, mas, na verdade, o pintor produziu vários estudos dele
e desenhou na tela em esboço preliminar para a composição. Depois
começou a trabalhar do centro da pintura para fora. Embora ele
tenha se esmerado para suprimir de suas obras abstratas os elementos
figurativos, alguns vestígios de formas físicas ainda permanecem.
O motivo no canto inferior esquerdo, por exemplo, deriva do barco com
remos que aparece em seus quadros do Dilúvio. Muitos dos primeiros
quadros abstratos de Kandinsky foram construídos em torno de um
redemoinho e transmitem uma dinâmica sensação de movimento. Isto
provém dos temas apocalípticos que o inspiram.
Marcel Duchamp
Trata-se de outro pintor francês da pintura fantástica.
Depois de basear seu estilo em Cézanne, o dadaísta Marcel
Duchamp inicia uma versão dinâmica do Cubismo Facetado,
semelhante ao Futurismo, superpondo fases sucessivas do movimento
umas sobre as outras, como na fotografia de exposição múltipla.
Em A Noiva, procuramos em vão pela forma humana; o que vemos é
um macanismo – em parte motor, em parte alambique.
OSG.: 119199/17
7 F B O N L I NE .C O M . B R
Marcel Duchamp foi o artista mais influente do século XX.
Só Pablo Picasso consegue igualar o rico legado de arte e atitude que
Duchamp deixou para as gerações futuras. Duchamp mudou para
sempre o pensamento das pessoas sobre a arte. Suas realizações
marcaram uma virada na redefinição dos propósitos, objetivos e
estratégias da arte. Embora nem todos exaltem as implicações do
pensamento de Duchamp, sua importância e influência são inegáveis.
O desejo de Marcel Duchamp de colocar a arte “a serviço da mente”
é a mais profunda contribuição para o Modernismo e para a arte
contemporânea. A transição fundamental de Duchamp de olho para o
intelecto, do perceptual para o conceitual, da contemplação estética de
um objetivo para as ideias geradas pelo objeto, redefiniram a natureza
e os objetivos da arte. Qualquer artista da atualidade confronta-se com
seu legado.
Seu Nu Descendo uma Escada
© Succession Marcel Duchamp/AUTVIS, Brasil, 2016
n° 2 causou escândalo quando foi exibido
no Armory Show de 1913, em Nova York.
Entretanto, ideias abstratas sempre foram
mais importantes para Duchamp que
pinturas tangíveis. Por isso, com Roda de
Bicicleta (1913), ele se afastou da pintura
para explorar o campo do “read-made”,
que construía na seleção de objetos
comuns de produção em massa, retirado
do seu contexto e apresentados em
forma de arte. Com este simples ato,
Duchamp desafiou os conceitos
tradicionais de estética, beleza, gosto e
do que ele chamou de “prazer da retina”
na arte.
Membro primeiro do Dadaísmo DUCHAMP, Marcel(1887-1968).
em Nova York e Paris, Duchamp exerceu Nu Descendo uma Escada,1912.
enorme influência sobre as tendências
posteriores da arte, principalmente no desenvolvimento da Arte
Conceitual.
Salvador Dalí
© Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, AUTVIS, 2016.
DALÍ, Salvador (1904-1989). A Persistência da memória,1931.
Óleo sobre Tela.
A teoria surrealista está sobrecarregada de conceitos tomados
da psicanálise, e sua retórica elaborada nem sempre deve ser levada
tão a sério. A ideia de que um sonho pode ser diretamente transposto
da mente inconsciente para a tela, ignorando a percepção consciente
do artista, encontra-se em A Persistência da Memória, que expressa
um sonho “paranoide” no qual o tempo, as formas e o espaço foram
distorcidos de modo assustadoramente real.
Um dos principais nomes do Surrealismo, Salvador Dalí,
alterou para sempre as percepções sobre o artista na sociedade,
apagando as distinções entre o artista enquanto criador e empresário
da autopromoção. Embora sua arte continue sendo uma rica
fonte de inspiração para aqueles que desejam explorar o pessoal e
obsessivo, a maior realização de Dalí foi sua penetração na consciência
popular e coletiva. A arte e a vida de Salvador Dalí estão para
sempre entrelaçadas, tanto no sentido positivo quanto no negativo.
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 Módulo de Estudo

Embora seu talento como pintor seja inegável e suas contribuições para
o Surrealismo significativas, o seu legado para os artistas mais jovens
pode estar na criação de um personagem artístico e no compromisso Exercícios
de ver sua vida de maneira condizente com aquele personagem.
Nesse sentido, Dalí estabeleceu um precedente para seus sucessores, • (Enem/2011) Imagem para as questões 01 e 02.
que variam desde Andy Warhol e Joseph Beuys até Jeff Koons e

Reprodução/Enem 2011
Damien Hist.
É o fato que o envolvimento de Dalí com o Surrealismo,
em 1929, trouxe uma nova vitalidade ao movimento. Seu compromisso
de explorar aspectos de inspiração freudiana sobre os sonhos,
não importando quão bizarras, reveladoras ou polêmicas fossem
as imagens – o que Dalí chamou de “atividade crítico-paranoica” –
tornou-se uma importante estratégia do Surrealismo em todas suas
várias arenas e manifestações.

Frida Kahlo
A vida e a arte de Frida Kahlo LÉGER, F. Soldados jogando cartas. 1917.

flaperval/123RF/Easypix
FARTHING, S. Coleção Grandes Artistas.
levaram a um ressurgimento pela arte Rio de Janeiro: Sextante, 2009.
latina americana e pelo importante papel
desempenhado pelas mulheres neste 01. (Enem/2011) As vanguardas europeias não devem ser vistas
contexto. A artista foi ligada a movimentos isoladamente, uma vez que elas apresentam alguns conceitos
como o Surrealismo, o Realismo, o estéticos e visuais que se aproximam. Com base nos conceitos
Primitivismo e Arte Naïf. As raízes da arte vanguardistas, entre eles o de exploração de formas geometrizadas
dessa mexicana, no entanto, residem no do Cubismo, no início do século XX, o quadro Soldados jogando
fundo de sua herança e culturas, e mais cartas explora uma
ainda na acidez de sua vida pessoal. A) abordagem sentimentalista do homem.
A arte e vida de Frida Kahlo, assim B) imagem plana para expressar a industrialização.
como a de Edvard Munch (1663-1944), estão inextricavelmente ligadas. C) aproximação impossível entre máquina e homem.
Como em Munch,a arte de Kahlo se origina dos eventos muitas vezes D) uniformidade de tons como crítica à industrialização.
traumáticos de sua vida. Era o ano de 1925, controlava ela com 18 anos, E) mecanização do homem expressa por formas tubulares.
quando teve a espinha fraturada, a pélvis esmagada, e o pé quebrado
num acidente de ônibus. Todos acreditavam que Kahlo não viveria, mas 02. (Enem) Fernand Léger, artista francês envolvido com o movimento
ela sobreviveu e passou o resto da vida sofrendo uma dor crônica, severa cubista, tinha como princípio transformar imagens em figuras
e muitas vezes debilitante, que mais de trinta cirurgias posteriores não geométricas, especialmente cones, esferas e cilindros. A obra
puderam aliviar. apresentada mostra o homem em uma alusão à Revolução
Foi durante sua longa convalescença que Frida Kahlo começou a Industrial e ao pós-Primeira Guerra Mundial e explora
pintar, para combater o tédio de seu confinamento e também para lidar A) as formas retilíneas e mecanizadas, sem valorização da questão
com a dor física e as cicatrizes psicológicas do seu acidente. Surgiram, então espacial.
os temas que apareceriam em sua obra pelo resto da vida, como o anseio B) as formas delicadas e sutis, para humanizar o operário da
de ter filhos (impossível por causa de suas lesões) e um envolvimento indústria têxtil.
intenso e obsessivo com a sua própria imagem e história. C) a força da máquina na vida do trabalhados pelo jogo de formas
O estilo de Frida se origina de seu amor pela arte folclórica, luz/sombra.
D) os recursos oriundos de um mesmo plano visual para dar
popular, colonial e pré-colombiana do México. A linguagem dela é
sentido a sua proposta.
formal, reforçada com suas pinceladas firmes, com o arranjo simples e
E) a forma robótica dada aos operários, privilegiando os aspectos
com o desenho Naïf. Como não poderia de ser, seus temas são pessoais,
triangulares.
pungentes, grotescos, fantásticos, cômicos, surreais, religiosos, e sempre
com profundo sentimento. 03. (UEL) Observe os desenhos a seguir.
André Breton e os surrealistas celebraram a originalidade e
Reprodução/UEL

a visão de Frida. A artista, porém, pensava diferente: “Nunca pintei

sonhos…”, dizia ela, “… eu pintei a minha própria realidade.”.
© Banco de Mexico Diego Rivera & Frida Kahlo Museums Trust,
Mexico, D.F. / AUTVIS, Brasil, 2016.

CHIPP, H. B. Teorias da arte moderna. 2ª. ed.

São Paulo: Martins Fontes, 1996. p.135.

Com base nas imagens e nos conhecimentos sobe a Arte Moderna,

considere as afirmativas a seguir.
I. A preocupação com a representação ideal do personagem
condiz com os pressupostos clássicos da arte;
II. Nota-se a repetição de um mesmo tema em busca do
aperfeiçoamento técnico do desenho de figura humana;
III. Apesar do mesmo motivo, cada desenho revela uma aparente
liberdade no traço e na elaboração;
IV. Embora com diferentes elementos, cada desenho deixa
KAHLO, Frida (1907-1954). Hospital Henry Ford, 1932. Óleo sobre
metais. Coleção Museo Dolores Olmedo Patiño, Cidade do México. evidente a descrição do mesmo homem.

F B O NLINE.COM.BR 8 OSG.: 119199/17

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 Módulo de Estudo

Assinale a alternativa correta. 06. (Enem/2010)

A) Somente as afirmativas I e II são corretas.

Cedida por Tarsila do Amaral Empreendimentos

B) Somente as afirmativas I e IV são corretas.
C) Somente as afirmativas III e IV são corretas.
D) Somente as afirmativas I, II e III são corretas.
E) Somente as afirmativas II, III e IV são corretas.

04. O quadro Três de Maio de 1808, de

Museu do Padro, Espanha

Francisco Goya, recorda as atrocidades
da Guerra Peninsular (1808-1914),
quando as tropas de Napoleão
ocuparam a Espanha.
Considerando seus conhecimentos
sobre a História da Arte, percebe-
se que, para a composição de sua
obra, Francisco Goya adotou alguns GOYA de Francisco (1746-1828).
Três de Maio, 1814. Óleo sobre tela.
procedimentos, entre eles, está:
A) a verossimilhança, uma vez que valorizou as imagens noturnas,
momento exato em que ocorrera os reais assassinatos. AMARAL, Tarsila do, O mamoeiro. 1925,
Óleo sobre tela.
B) a luminosidade oriunda de uma única lanterna, a qual recai
sobre a principal vítima, destacando que o sofrimento dela é O Modernismo brasileiro teve forte influência das vanguardas
mais proeminente. europeias. A partir da Semana de Arte Moderna, esses conceitos
C) a imagem da crucificação, representada pelo homem que se passaram a fazer parte da arte brasileira definitivamente. Tomando
encontra em pé à espera do fuzilamento. como referência o quadro O mamoeiro, identifica-se que, nas artes
D) a intertextualidade, já que esta imagem foi copiada da obra plásticas, a:
de Pablo Picasso intitulada Massacre na Coreia, de 1951. A) imagem passa a valer mais que as formas vanguardistas.
E) a falta de perspectiva, já que a imagem se apresenta de maneira B) forma estética ganha linhas retas e valoriza o cotidiano.
bidimensional, não permitindo ao observador identificar planos C) natureza passa a ser admirada como um espaço utópico.
distintos. D) imagem privilegia uma ação moderna e industrializada.
05. (UEL) Observe a imagem a seguir. E) forma apresenta contornos e detalhes humanos.
Reprodução/UEL

07. (Enem/2014)

Henri Matisse, A dança 260 × 390 cm, óleo s/ tela, 1910. Reprodução/Enem 2014

Com base na pintura de Matisse e nos conhecimentos sobre as

vanguardas europeias, considere as afirmativas a seguir.
I. Matisse utiliza o equilíbrio entre a cor e o traço; aparente
simplicidade reitera certo lirismo da pintura; Jornal Zero Hora, 2 mar. 2006.
II. Os trabalhos de Matisse fazem parte de um contexto
caracterizado por experimentações para transcender a Na criação do texto, o chargista lotti usa criativamente um intertexto:
natureza; os traços reconstroem uma cena de Guernica, painel de Pablo Picasso
III. A pintura faz parte de um momento da pesquisa artística de que retrata os horrores e a destruição provocados pelo bombardeio a
Matisse em que buscava uma rígida estruturação formal em uma pequena cidade da Espanha. Na charge, publicada no período
suas composições; de carnaval, recebe destaque a figura do carro, elemento introduzido
IV. Nessa imagem, Matisse expressou sentimentos dramáticos, tais por lotti no intertexto. Além dessa figura, a linguagem verbal contribui
como a solidão, a morte e o abandono, notados nos elementos para estabelecer um diálogo entre a obra de Picasso e a Charge, ao
compositivos. explorar:
Assinale a alternativa correta. A) uma referência ao contexto, “trânsito no feridão“,
A) Somente as afirmativas I e II são corretas. esclarecendo-se o referente tanto do texto de Iotti quando da
B) Somente as afirmativas I e IV são corretas. obra de Picasso.
C) Somente as afirmativas III e IV são corretas. B) uma referência ao tempo presente, com o emprego da forma
D) Somente as afirmativas I, II e III são corretas. verbal “é”, evidenciando-se a atualidade do tema abordado
E) Somente as afirmativas II, III e IV são corretas. tanto pelo pintor espanhol quanto pelo chargista brasileiro.

OSG.: 119199/17
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C) um termo pejorativo, “trânsito“, reforçando-se a imagem
negativa de mundo caótico presente tanto em Guernica quanto
na charge.
D) uma referência temporal, “sempre“, referindo-se à permanência
de tragédias retratadas tanto em Guernica quanto na charge.
E) uma expressão polissêmica, “quadro dramático”, remetendo-se
tanto à obra pictórica quanto ao contexto do trânsito brasileiro.
08. (Enem/2011)
Reprodução/Enem 2011
Michelangelo.
Pietà, século XV.  Pietá, 1924.
Vicente do Rego Monteiro foi um dos pintores, cujas telas foram
expostas durante a Semana de Arte Moderna. Tal como Michelangelo,
ele se inspirou em temas bíblicos, porém, com um estilo peculiar.
Considerando-se as obras apresentadas, o artista brasileiro:
A) estava preocupado em retratar detalhes da cena.
B) demonstrou irreverência ao retratar a cena bíblica.
C) optou por fazer uma escultura minimalista, diferentemente de
Michelangelo.
D) deu aos personagens traços cubistas, em vez dos traços
europeus, típicos de Michelangelo.
E) reproduziu o estilo da famosa obra de Michelangelo, uma vez
que retratou a mesma cena bíblica.
09. (Enem) “Todas as manhãs quando acordo, experimento um prazer
supremo: o de ser Salvador Dalí.”
NERET, G. Salvador Dalí. Taschen, 1996.
Assim escreveu o pintor dos “relógios moles” e das “girafas em
chamas” em 1931. Esse artista excêntrico deu apoio ao General
Franco durante a Guera Civil Espanhola e, por esse motivo,
foi afastado do movimento surrealista por seu líder, André
Breton. Dessa forma, Dalí criou seu próprio estilo, baseado na
interpretação dos sonhos e nos estudos de Sigmund Freud,
denominado “método de interpretação paranoico”. Esse método
era constituído por textos visuais que demonstram imagens:
A) do fantástico, impregnado de civismo pelo governo
espanhol, em que a busca pela emoção e pela dramaticidade
desenvolveram um estilo incomparável.
B) do onírico, que misturava o sonho com realidade e interagia
refletindo a unidade entre o consciente e o inconsciente como
um universo único ou pessoal.
C) da linha inflexível da razão, dando vazão a uma forma de
produção despojada no traço, na temática e nas formas
vinculadas ao real.
D) do reflexo que, apesar do termo “paranoico”, possui
sobriedade e elegância advindas de uma técnica de cores
discretas e desenhos precisos.
E) da expressão e intensidade entre o consciente e a liberdade,
declarando o amor pela forma de conduzir o enredo histórico
dos personagens retratados.
F B O NLINE.COM.BR
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Módulo de Estudo
10. (Enem)
Galeria Nacional de Arte, Washington.
Reprodução/Enem 2011
MONET, Claude (1840-1926). Mulher com sobrinha,
1875. Óleo sobre tela.
Em busca de maior naturalismo em suas obras e fundamentando-se em
novo conceito estético, Monet, Degas, Renoir e outros artistas
passaram a explorar novas formas de composição artística, que
Vicente do Rego Monteiro.
resultaram no estilo denominado Impressionismo. Observadores
atentos da natureza, esses artistas passaram a:
A) retratar, em suas obras, as cores que idealizavam de acordo
com o reflexo da luz solar nos objetos.
B) usar mais a cor preta, fazendo contornos nítidos, que melhor
definiam as imagens e as cores do objeto representado.
C) retratar paisagens em diferentes horas do dia, recriando, em
suas telas, as imagens por eles idealizadas.
D) usar pinceladas rápidas de cores puras e dissociadas diretamente
na tela, sem misturá-las antes na paleta.
E) usar as sombras em tons de cinza e com efeitos esfumaçados,
tal como eram realizadas no Renascimento.
11. (UEL) Observe as imagens a seguir.
Reprodução/UEL
Reprodução/UEL
PAIVA, Adriana. Os Gêneros TARSILA. Operários, 1933. Óleo sobre tela,
- “Foto preto-e-branco”, 150 × 205 cm.
pintura sobre tela.
Em relação ao que há em comum entre as duas obras, considere
as afirmativas a seguir.
I. A disposição das figuras em diversos planos representa a crítica
ao crescimento desordenado da população;
II. Crítica ao crescimento descontrolado da população em
determinadas regiões, já detectado na década de 1930;
III. O caráter bidimensional ressaltado pela fatura da obra, que
dispensa efeitos de claro-escuro e da perspectiva tradicional;
IV. Registro do movimento e do crescimento das cidades e presença
de diferentes tipos humanos que habitam o mesmo espaço.
Assinale a alternativa correta.
A) Somente as afirmativa I e II são corretas.
B) Somente as afirmativas I e III são corretas.
C) Somente as afirmativas III e IV são corretas.
D) Somente as afirmativas I, II e IV são corretas.
E) Somente as afirmativas II, III e IV são corretas.
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 Módulo de Estudo

12. (Enem) D) faz uma caricatura do artista plástico Claude Monet, pois este
era sempre visto em seu barco-estúdio, pintando lagoas, lagos

Reprodução /Enem
e oceanos.
E) fotografa uma cena que retrata o cotidiano de Monet, já que,
na tela, o coloca no centro das atenções da arte francesa do
fim do século XIX.

14. (Enem) Após estudar na Europa, Anita Malfatti retornou ao Brasil

com uma mostra que abalou a cultura nacional do início do século
XX. Elogiada por seus mestres na Europa, Anita se considerava
pronta para mostrar seu trabalho no Brasil, mas enfrentou as
duras críticas de Monteiro Lobato. Com a intenção de criar uma
arte que valorizasse a cultura brasileira, Anita Malfatti e outros
artistas modernistas:
A) buscaram libertar a arte brasileira das normas acadêmicas
europeias, valorizando as cores, a originalidade e os temas
nacionais.
PICASSO, P. Les Demoiselles d’Avignon.
Nova York, 1907. B) defenderam a liberdade limitada do uso da cor, até então
ARGAN, G. C. Arte moderna: do Iluminismo aos utilizada de forma irrestrita, afetando a criação artística
movimentos contemporâneos. nacional.
São Paulo: Companhia das Letras, 1992.
C) representaram a ideia de que a arte deveria copiar fielmente
O quadro Les Demoiselles d’Avignon (1907), de Pablo Picasso, a natureza, tendo como finalidade a prática educativa.
representa o rompimento com a estética clássica e a revolução D) mantiveram de forma fiel a realidade nas figuras retratadas,
da arte no início do século XX. Essa nova tendência se caracteriza defendendo uma liberdade artística ligada à tradição acadêmica.
pela: E) buscaram a liberdade na composição das suas figuras,
A) pintura de modelos em planos irregulares. respeitando limites de temas abordados.
B) mulher como temática central da obra.
C) cena representada por vários modelos. 15. Quando pintou este quadro, van Gogh usou cores simplificadas
D) oposição entre tons claros e escuros. para expressar uma sensação de desânimo e desespero em
E) nudez explorada como objeto de arte. relação ao café e seus frequentadores. Inspirado pelo calor de
seu novo lar no sul e por seu crescente amor pelas gravuras
13. Édouard Manet foi um dos pintores mais importantes do século japonesas, o artista iluminou sua paleta, adotando uma gama
XIX. Os gostos de Manet não vão para os tons fortes utilizados de cores vivas e intensas. Ele também se sentia incrivelmente
na nova estética impressionista. Ele prefere os jogos de luz sozinho, e uma sensação de isolamento permeia sua obra.
e de sombra, por isso era criticado não apenas pelos temas,

Galeria de Arte da Universidade de Yale, New Haven.

mas também por sua técnica, que escapava às convenções
acadêmicas.
Pinacoteca Nova, Munique.

GOGH, Vincent van (1853-1890). Café Noturno na Praça Lamartine em

Arles,1888. Óleo sobre tela.
Manet, Édouard (1832-1883). Manet trabalhando
em seu estúdio flutuante, 1874. Óleo sobre tela. Para compor o quadro anteriormente exposto, é correto afirmar
Sua tela acima, feita em homenagem a outro artista francês, que o pós-impressionista Vicent van Gogh:
Claude Monet, mostra um pouco da vida de seu conterrâneo. A) usou blocos de cores puras, não misturadas, para expressar a
Isso fica claro quando se percebe que, com a tela, Manet: intensidade das emoções.
A) retrata um estúdio a céu aberto, revelando, assim, a forma como B) supervalorizou as imensas lâmpadas do Café, embora elas não
Monet costumava criar suas obras impressionistas naquela época. transmitam ao observador nenhuma sensação.
B) revela os reflexos das cores na água e a maneira especial como C) abandonou a perspectiva clássica, uma vez que recorre ao
ela transfira as nuvens e o céu, prática refutada pelo amigo, espaço bidimensional na composição da obra.
Claude Monet. D) cometera uma falha grave de composição artística por inclinar
C) foge aos temas e ao estilo de Claude Monet, uma vez que a imagem da tela para o observador.
opta por um barco a céu aberto, revelando ser um defensor E) deixou sobressair o estilo realista de se fazer arte, uma vez que
do impressionismo estético. a cena é bastante comum aos cafés noturnos.

OSG.: 119199/17
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 Módulo de Estudo
Resoluções
01. De fato, as vanguardas europeias (Cubismo, Expressionismo,
Impressionismo, Futurismo...) não devem ser vistas isoladamente.
Na obra de Fernand Léger, os traços cúbicos se destacam, pois há
superposição de imagens e traços geométricos. Na obra Soldados
jogando cartas, Léger apresenta formas tubulares, caracterizando
a mecanização do homem no mundo moderno.
Resposta: E
02. Ao observar a obra de Fernand Léger, fica fácil perceber que o
artista valoriza as formas geométricas e o jogo de luz e sombra.
As formas retilíneas aparecem em alguns elementos e valorizam
a distribuição espacial. Não há delicadeza na atitude do artista,
a não ser na sutileza estética da composição. Há sim percepção
robótica, porém, privilegiam-se, nessa construção, cones, esferas
e cilindros.
Resposta: C
03. Influenciada pelas vanguardas europeias, a chamada arte moderna
se caracteriza por conter uma infinidade de estilos, de traços e
de temáticas. Nos autorretratos de Matisse, vê-se que há uma
liberdade de desenho para desenho na composição dos traços,
não fugindo da descrição do mesmo objeto, no caso, o próprio
artista.
Resposta: C
04. O pintor espanhol Francisco Goya, com a chegada das guerras
napoleônicas e os horrores sofridos pelos espanhóis, tornou-se
amargo, o que transformou a sua arte em um ataque contra a
conduta insana dos seres humanos, passando a retratar a falta de
sentido do sofrimento humano, tanto injusto como não merecido.
Nesse período, o artista produziu uma série de pinturas sobre
os desastres da guerra, entre elas a obra Três de Maio de 1808,
que demonstram um uso de cores extremamente poderoso e
expressivo. Nesta obra, percebe-se a luminosidade oriunda de uma
única lanterna, que recai sobre a principal vítima, destacando que
o sofrimento dela é mais proeminente.
Resposta: B
05. Matisse é um dos principais nomes da arte moderna. Considerado
por muitos o mestre daqueles que revolucionaram a arte na virada
do século XIX em Paris. Sua obra A dança revela equilíbrio entre cor
e traço, mostrando que a simplicidade favorece o lirismo na pintura.
Trata-se também de uma experimentação, pois, na tela, vê-se a síntese
da própria arte – pintura, dança, música, arquitetura, etc.
Resposta: A
06. Em O mamoeiro, de Tarsila do Amaral, temos algumas linhas
do Modernismo reproduzidas, como: o primitivismo (defesa de
uma arte ingênua, que se configura pela simplicidade da forma,
traduzida nas retas e formas geométricas, de nítida influência
cubista) e a valorização do cotidiano (por meio da incorporação
de elementos comuns à obra de arte, de notada influência
impressionista, que pode ser comprovada, na tela, pela presença
de uma cena que mostra uma nascente urbanização de uma
cidade e uma mulher caminhando com seus dois filhos).
Resposta: B
F B O NLINE.COM.BR
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07. Na charge de Iotti, percebe-se uma intertextualidade com a obra
Guernica, de Pablo Picasso. Na imagem criada pelo chargista,
nota-se a fusão do “quadro dramático“, ocasionado pela guerra
espanhola e a situação dramática do trânsito, nas grandes cidades
brasileiras. Nota-se, então, que o chargista se utiliza da expressão
“quadro dramático”, de forma polissêmica, pois tanto pode se
referir ao caos causado pela guerra quanto à situação do trânsito
nas grandes cidades do País.
Resposta: E
08. A releitura de obras artísticas faz parte do processo evolutivo
da História da Arte. A obra Pietà, de Vicente do Rego Monteiro,
é uma dessas releituras e apresenta, numa perspectiva cubista,
uma nova visão para a imagem de Maria segurando o filho, Jesus,
nos braços, após a crucificação. A Pietà, de Michelangelo, é fruto
do florescimento da arte no período renascentista. Ela apresenta
traços do rococó, embora tenha sido produzida em um período
anterior ao auge desse estilo europeu.
Resposta: D
09. A representação do onírico é uma das principais características
da pintura surrealista de Salvador Dalí. A relação intrínseca entre
o surrealismo e as pesquisas de Sigmund Freud no campo da
interpretação dos sonhos deu origem ao que se chamou de
“método de interpretação paranoico”, em que se misturam
consciente e inconsciente no desenvolvimento de um estilo único
que marcou o trabalho do autor dos “relógios moles” e das
“girafas em chamas”.
Resposta: B
10. A alternativa D descreve uma das técnicas da pintura impressionista
do século XIX, o que a torna correta. Mas a questão contém
algumas imprecisões. Os impressionistas buscavam registrar os
efeitos provocados pela incidência da luz nos objetos — o que
nos conduziria à alternativa A. Além disso, costumavam retratar a
mesma cena em diferentes horas do dia, como afirma a alternativa
C. O equívoco dessas alternativas talvez resida no uso da noção de
idealização — que destoaria da tendência impressionista a registrar
o real. A alternativa A trata de cores idealizadas, o que é um
conceito confuso. Já a alternativa C fala em imagens idealizadas —
o que não parece tão fora de propósito. De fato, os impressionistas
buscavam reproduzir a realidade, mas estavam menos interessados
em mostrá-la diretamente do que apresentar uma visão — a sua
visão — sobre ela. Nesse sentido, por que não considerar que essas
imagens do real fossem, de fato, idealizadas por eles?
Resposta: D
11. Nas duas imagens, destacam-se o caráter bidimensional dos
artistas, que dispensa efeitos de claro-escuro e da perspectiva,
o movimento cubista e o crescimento das cidades, que passam a
ser habitadas por tipos humanos diferentes.
Resposta: C
12. Picasso é considerado um dos maiores artistas de todos os
tempos. Com Les Demoiselles d’Avignon (1907), o artista rompe
com a estética clássica e revoluciona a arte moderna na Europa
e, porque não dizer, no mundo. Esse novo estilo, o Cubismo, se
caracteriza pelo uso de formas geométricas, pelo rompimento
com a perspectiva clássica, pela superposição de imagens e pelo
uso de planos irregulares.
Resposta: A
12 OSG.: 119199/17
 Módulo de Estudo

13. A obra do francês Manet retrata a forma como o conterrâneo,

Claude Monet, realizava suas obras: a céu aberto. É preciso frisar
que se trata de uma obra metalinguística.
Resposta: A

14. A libertação da arte brasileira das normas acadêmicas europeias

era uma das principais propostas dos artistas modernistas
brasileiros que participaram da Semana de Arte Moderna de 1922.
A busca da originalidade na abordagem de temas, principalmente
nacionais e a valorização das cores também são características
presentes nas obras de Anita Malfatti (Tropical, O homem amarelo,
A mulher de cabelos verdes) exibidas na exposição realizada em
1917, em São Paulo, quando a artista foi duramente criticada por
Monteiro Lobato, no artigo Paranoia ou mistificação.
Resposta: A

15. Vicente van Gogh é um artista Pós-Impressionista. De estilo

próprio, van Gogh, inicialmente, produziu obras em tons escuros
e, em decorrência da pouca aceitação de suas obras, passou a
utilizar-se de cores fortes para expressar sensações em suas telas.
A exemplo desse período, tem-se Café Noturno na Praça Lamartine
em Arles, destaque nesta questão. Veja que o artista concebe essa
obra por meio de blocos de cores puras, não misturadas, a fim de
expressar e intensificar emoções, como a solidão e o abandono.
Resposta: A

SUPERVISOR/DIRETOR: Marcelo Pena – AUTOR: Tom Dantas

DIG.: Robert – 26/09/17 – REV.: ??

OSG.: 119199/17
13 F B O N L I NE .C O M . B R
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