49 – A HISTÓRIA DO ARTESANATO

A origem: O homem sempre teve a necessidade de produzir objetos para ajudálo em suas atividades. Já na época em que ele vivia nas
cavernas, produzia objetos com as próprias mãos: polia pedras, tecia fibras e trabalhava com o barro. Podemos dizer que foi assim que surgiu o
artesanato. Os materiais empregados na produção de artesanato são variados e, geralmente, de baixo custo. Costumam ser extraídos do próprio
local onde ele é produzido. Alguns exemplos são barro, madeira, ferro, fibras vegetais e outras de origem animal, como o couro e chifres. Os
objetos artesanais podem ser classificaods como populares, folclóricos ou eruditos e criados com várias funções: utilitária, decorativa, religiosa ou
lúdica. E mesmo produzido no campo, são comercializados e muito utilizados na cidade. Um dos significados da palavra “rústico” é “simples, sem
acabamento”. No entanto, quando se fala em artesanato como arte rústica, não significa que ele seja um produto mal acabado. Esse termo é
usado para se referir a um produto desenvolvido por um processo artesanal, diferente do industrializado.
O Protagonista Artesão: O artesão é a pessoa que faz objetos com a próprias mãos. Cada peça
feita pelo artesão tem uma marca, ou seja, mesmo que as peças sejam parecidas, elas sempre tem
características diferentes, pois o artesão as elabora de forma particular e única. As ferramentas utilizadas
pelo artesão, na maioria das vezes, são desenvolvidas por ele mesmo, pois são criadas de acordo com a
sua necessidade. O artesão pode criar os objetos ou reproduzir os que ele herdou de outras gerações, ou
seja, da tradição familiar.
Praticar a arte 1: A arte rústica é a que é desenvolvida no campo. Um dos produtos rústicos Praticar a arte 2: Observe com atenção as imagens a seguir e assinale as que são consideradas
ou artesanais mais usados e lembrados, quando se fala em arte rústica, são as peças em arte rústica. Lembre-se de que os produtos desse tipo de arte são feitos à mão e individualmente.
cerâmica. Esses artigos costumam ser usados para decorar ou para guardar mantimentos. Sob
a orientação do professor, crie peças de cerâmica, com uma pequena quantidade de argila.
Faça dois modelos, um maior e outro menor. Você também poderá usa massa de biscuit ou
massinha de modelar. Antes de começar sua modelagem artística, desenhe no espaço abaixo
o projeto das suas peças. Não se esqueça de pensar na utilidade dela, será para adorno ou
terá uma função específica? Terá alças? Tampas? Capriche no projeto.

/
Praticar a arte 3: Observe os modelos de detalhes dos vasos de argila a seguir. Inspire-se para
você criar seus próprios ornamentos no modelo ao lado.
 51 – OS INSTRUMENTOS MUSICAIS: CONCEITUAÇÃO E APRECIAÇÃO DE IMAGEM.

O que são instrumentos musicais? São objetos destinados a produzir sons para se fazer música, podendo substituir ou
acompanhar a voz. A voz, as mãos e os pés foram os primeiros instrumentos musicais do homem. A voz emite sons em
forma de melodia e as mãos e os pés produzem sons em forma de ritmo. A voz, as mãos e os pés podem emitir sons ao
mesmo tempo, em harmonia. Além de produzir sons com a voz, as mãos e os pés, os seres humanos, há muito tempo, vêm
criando instrumentos musicais com esse objetivo. Os primeiros instrumentos desenvolvidos foram os de persussão.
Depois, vieram os de sopro, os de cordas, os de teclas e, finalmente, os eletrônicos, assim como os alternativos, que há
todo momento, surgem trazendo novidades.
Percussão: São mais utilizados Sopro: São aqueles que, quando Corda: Nestes instrumentos, o Teclas: Há ainda os instrumentos Eletrônicos: São aqueles em
para produzir o ritmo da música. soprados, produzem sons. Esses som é produzido por meio de cordas. de teclas. Esses instrumentos podem que o som é produzido e amplificado
Alguns são tocados com as mãos e instrumentos são constituídos de um Os instrumentos de cordas, assim ser feitos de forma mecânica, por meio da eletricidade.
outros, com baquetas. tubo longo ou curto. A maioria deles como os de sopro, são mais produzindo sons através de
possui buracos ou botões no tubo, os utilizados para a execução da vibrações de peças ou eletrônicos.
quais, quando tapados ou apertados, melodia. Alguns são tocados com
produzem tons diferentes. arcos, outros com os dedos ou
palhetas.

Cada instrumento musical de percussão, sopro, cordas, teclas e eletrônicos tem uma
sonoridade característica, que é chamada de timbre. É pelo timbre que podemos identificar
qual instrumento está sendo tocado. Alguns instrumentos musicais eletrônicos são capazes de
produzir timbres parecidos com o de diversos outros instrumentos, como o teclado. Para tocar
uma música, não precisamos utilizar apenas instrumentos musicais tradicionais, como os que
vimos até agora. À maneira de alguns músicos, podemos inventar instrumentos musicais
utilizando objetos e sucatas (por exemplo, latas, garrafas, tubos e bacias, assim como faz o
músico Hermeto Pascoal, ou mesmo o nosso corpo, como o artista Naná Vasconcelos.
As notas musicais: Por meio das notas musicais e com muita criatividade é o que os
músicos criam ritmos diferentes e atraentes aos nossos ouvidos. As notas musicais representam
os sons empregados numa música. As sete notas sucessivamente, ou seja, uma seguida da
outra, formam uma série de sons que recebe o nome de escala. Até o século XI, as notas
musicais não tinham nomes. Foi Guido d´Arezzo (992-1050), monge italiano, quem criou nomes
para elas, os quais permanecem até os dias atuais.
 52 – EXERCÍCIOS DE INTERPRETAÇÃO E EXPRESSÃO MUSICAL.

Os primeiros instrumentos musicias usados pelo homem foram a Praticar a arte 4: há muito tempo, o homem vem criando instrumentos musicais que se
voz, as mãos e os pés. Se prestar atenção, você verá que o corpo dividem em quatro tipos: os de percussão, os de sopro, os de cordas e os de teclas, além dos
pode produzir grande variedade de sons. Além de palmas, batidas alternativos e os eletrônicos. Complete as frases com a palavra correta. Consulte o banco de
de pé e voz, também é possível produzir som com o estalar dos palavras para orientar-se.
dedos, com a respiração e a inspiração e até mesmo com
movimentos de boca e língua.
Praticar a arte 1: Com o auxílio do professor, formem grupos de 3 ou 4 pessoas. Cada grupo
ficará encarregado de produzir som com uma parte do corpo.
- Grupo I: Som com a boca
- Grupo II: Som com as mãos
- Grupo III: Som com os pés
Essa será uma forma divertida de observar e aprender como é possível criar sons utilizando
partes do corpo. Para se inspirar, assista aos vídeo do grupo “Barbatuques”.
Praticar a arte 2: Criar sons diversos com as partes do corpo é divertido e engraçado. Com os
olhos vendados (ou virado de costas para outro participante), tente descobrir qual parte do
corpo ele está usando para produzir um som.
Praticar a arte 3: Através da dança nosso corpo responde aos estímulos que os sons nos
transmite. Identifique os tipos de dança para cada representação dos pés.

HIP HOP BOLERO DANÇA INDIANA SAPATEADO Praticar a arte 5: No desenho a seguir, há diferentes instrumentos musicais. Após pintar,
classifique-os como instrumentos de percussão, sopro, cordas, teclas, alternativos ou
eletrônicos:
VALSA DANÇA DO VENTRE BALÉ SAMBA
 62 – O DESIGN NO BRASIL: CONCEITUAÇÃO E EXPERIMENTAÇÃO PRÁTICA DE DESENHO DE MÓVEIS.

“De Stijl”, Neoplasticismo e Bahaus são movimentos modernistas das áreas de artes plásticas, arquitetura e design que compartilharam os mesmo
princípios estéticos. De Stijl surgiu na Holanda, no início do século XX, e faz referência à revista com o mesmo nome criada por The van Doesburg e Piet
Mondrian. Em 1918, os dois artistas holandeses criaram a revista que se tornou o principal instrumento de difusão do movimento, na qual publicaram o
“Manifesto Neoplasticista”. O Neoplasticismo, por sua vez, derivou da abordagem teórica do grupo De Stijl, que propunha a abstração progressiva, na qual
as formas são reduzidas a linhas retas horizontais e verticais e são utilizadas cores primárias (azul, vermelho e amarelo), além do preto, do branco e do
cinza. A nova concepção artística se caracterizava pela rejeição da ideia de representação das formas da natureza e preconizava que as cores e as formas
expressassem a relação pura, ou seja, sem mediação, entre os elementos mínimos. As experiências realizadas pelos artistas neoplasticistas foram muito
importantes para a arquitetura, o que fica evidenciado na aplicação do ângulo reto, símbolo do movimento. A Bauhaus, escola ligada à arquitetura e ao
design, assimilou muitos dos princípios do De Stijl. A escola foi criada na Alemanha em 1918 e revolucionou o design moderno ao buscar formas e linhas
simplificadas, definidas pela função do objeto. O fundamental para a Bauhaus era unir formas e linhas simplificadas, nas quais a função do objeto e a
estética têm a mesma importância.
Piet Mondrian e o De Stijl: Ao Breve história do desing no Brasil: O design brasileiro está intimimanete ligado ao
romper com a arte figurativa, o De Stijl Neoplasticismo, à Bauhaus e à arte concreta. O artista italiano radicado no Brasil Eliseu Visconti
concebeu uma nova concepção estética para (1866-1944) foi o percursor do design brasileiro, no início do século XX. Por meio de sua produção de
a pintura abstrata, baseada na busca do selos e projetos de jarros e vasos em cerâmica, deu o pontapé inicial para o que viria a se tornar,
equilíbrio perfeito da composição de cores e posteriormente, a profissão de designer. Visconti foi o criador do emblema da Biblioteca Nacional do
formas. Mondrian destacou-se dentre o Brasil. Foi a partir dos anos 1950, no entanto, com o surto modernizador que marcou os anos do
grupo e marcou sua história entre os grandes governo do presidente Juscelino Kubitschek (1956-1961), que o design brasileiro ganhou status de
pintores do século XX, influenciando gerações especialidade artística. No Rio de Janeiro, Sérgio Rodrigues, Joaquim Tenreiro e José Zanine Caldas
e corrente abstratas contemporâneas até os transformaram o design brasileiro em design industrial, área focada em criação de produtos, tendo
dias atuais em diversas áreas. como foco o uso humano, tornando-o conhecido internacionalmente. Outro marco do design
Sua proposta de harmonia entre as formas e cores é tão eficaz nacional foi a criação, em São Paulo, do escritório “forminform”, do qual participaram Geraldo de
que suas composições e seu estilo inconfundíveis foram Barros, Rubens Martins, Walter Macedo e Alexandre Wollner.
rapidamente apropriados pela indústria cultural. Assim,
Mondrian, tornou-se um ícone da arte abstrata. É comum
encontrarmos suas composições em capas de livros, capas de
discos, fachadas de lojas, utilitários e tantos outros produtos
derivados dos ideias de ordem e harmonia do movimento De
Stijl.
Praticar a arte: Sérgio Rodrigues (1927-2014), designer carioca, inventou uma linguagem própria que buscava a identidade
brasileira ao integrar a arquitetura, o design e o desenho, concebendo um mobiliário (móveis) moderno, confortável e próprio
para o clima tropical com a utilização da madeira e do couro. Inspirado na obra desse artista, crie um móvel com as seguintes
características:

- O material utilizado deve ser de fácil acesso na região em que você

vive.
- O design deve levar em consideração o clima de sua região.
- A funcionalidade do móvel (utilidade) deve ser essencial.
- O design deve apresentar formas e linhas simples, definidas pela
função do objeto.
- Faça o croqui em seu caderno de arte.
 66 – A ARTE CONCRETA E NEOCONCRETA NO BRASIL – CONCEITUAÇÃO E EXERCÍCIOS DE INTERPRETAÇÃO.

A Arte Concreta, no Brasil, ganhou força nos anos 1950, com o desenvolvimento econômico, industrial e cultural brasileiro, permitindo que importantes museus de arte fossem fundados com a
intenção de divulgar a produção internacional e nacional. Nos anos 1930, o artista Van Doesburg utilizou, pela primeira vez, a expressão: “Arte Concreta” para designar uma modalidade que,
mesmo sem implicar uma arte figurativa, se opunha ao Abstracionismo. Para esse artista, a Arte Abstrata traz vestígios simbólicos de uma representação; já para Arte Concreta, os elementos
formais (linha, ponto e cor) são o que há de concreto em uma representação pictórica. Em 1950, o MASP (Museu de Arte de São Paulo) organizou uma exposição do conjunto de obras –
arquitetura, escultura e pintura, de um dos mais influentes designers do século atual e seguidor da Escola de Design Bauhaus, o suíço Max Bill, que foi fundamental para o conhecimento da Arte
Concreta no Brasil. O marco desse movimento foi a criação do grupo Ruptura, cujas obras são caracterizadas pelo uso de figuras geométricas e pela elaboração baseada no raciocínio, e do grupo
Frente, cujas obras, que valorizavam a luz e os símbolos, contestavam a Arte Concreta, dando origem ao Neoconcretismo.

Características principais da Arte Concreta: Características principais da Arte Neoconcreta: Praticar a arte: Utilize a grade quadriculada a seguir para
construir uma composição concreta utilizando apenas
- Elaboração artística em busca da forma precisa. - Oposição ao concretismo, materialismo, cientificismo e positivismo. figuras geométricas de ângulos retos. Você pode optar
- Ênfase na racionalidade, no raciocínio e na ciência. - Maior subjetividade e expressividade artística.
por realçar os contornos ou não. Aplique as cores que
- Uso de figuras abstratas nas artes plásticas. - Liberdade de experimentações e criações artísticas. desejar.
- União entre a forma e o conteúdo na obra de arte. - Interação do público com a obra.
- Na literatura, os poetas concretistas buscavam utilizar efeitos - Abstracionismo e uso de cores e formas geométricas.
gráficos, aproximando a poesia da linguagem do design. - Transcendência da arte.
- Uso, na literatura, de recursos visuais, acústicos e fonéticos. - Existencialismo e Humanismo.
Os escritores também trabalhavam o poema, variando os Os principais representantes do Neoconcretismo foram:
espaços tipográficos e a posição geométrica das palavras.
- Busca pela participação ativa do leitor (no caso da literatura - Ferreira Gullar: poeta e crítico de arte maranhense.
concretista). - Lygia Clark: pintora e escultora mineira.
- Envolvimento com temas sociais (a partir da década de 1960). - Lygia Pape: artista carioca.
- Hélio Oiticica: artista carioca.
Exemplos de artistas plásticos concretistas: - Reynaldo Jardim: jornalista e poeta paulista.
- Theo van Doesburg: pintor e arquiteto holandês. - Theon Spanudis: poeta e crítico de arte turco.
- Max Bill: pintor, escultor, desenhista, designer e arquiteto - Amílcar de Castro: escultor, artista plástico e designer mineiro.
suíço. - Willys de Castro: artista mineiro.
- Gottfried Honegger: pintor, escultor e designer gráfico suíço. - Hércules Barsotti: artista paulista.
- Erich Hauser: escultor concretista alemão. - Franz Weissmann: escultor austríaco.
 83 – ANALISANDO UMA OBRA DE ARTE: TARSILA DO AMARAL E A SEMANA DE ARTE DE 1922.

Observe a obra da pintora Tarsila do Amaral, analisando A Semana de Arte Moderna de 1922 e o Movimento
as cores, as formas e os detalhes:
Modernista: O ano de 1922 foi palco de uma série de eventos que iriam
marcar para sempre o panorama das artes no Brasil. Vários artistas plásticos
participaram da mostra realizada no Teatro Municipal de São Paulo, entre eles:
Anita malfatti e Di Cavalcanti. Alguns artistas que na época estavam fora do Brasil
mandaram trabalhos para representá-los, como é o caso de Vicente do Rêgo
Monteiro e Victor Brecheret. O evento incluiu artes plásticas, arquitetura, música e
literatura. O principal objetivo dos artistas envolvidos na Semana de 22 era
apresentar um novo caminho para a produção artística nacional, produzindo uma
arte verdadeiramente brasileira que rompesse com os modelos importados da Paris
acadêmicae, ao mesmo tempo, associada ao ritmo de desenvolvimento das cidades
modernas.
Praticar a arte: Escolha uma das imagens das obras de arte apresentadas nessa
atividade e realize uma releitura. Você pode criar colagens, pintura, desenho etc.
Tarsila do Amaral nasceu em Capivari – São Paulo, em
1886. Pintora, escultora e desenhista, suas obras são
conhecidas internacionalmente. Estudou com Pedro
Alexandrino, no Brasil, e fernand Léger, na França. Casada
com o escritor modernista Oswald de Andrade, participou
ativamente do movimento antropofágico, que teve o seu
marco na Semana de Arte Moderna de 1922. Sua obra se
divide em três grandes fases: “Pau-Brasil”, “Antropofágica”
e “Social”. O quadro “Antropofagia”, foi símbolo do
movimento. Tarsila do Amala morreu em São Paulo no ano
de 1973.