Artista

Rauschenberg with Stripper (1962) em seu estúdio na Broadway , Nova York, ca. 1962

Visão geral: vida e arte

A arte de Robert Rauschenberg sempre foi de inclusão ponderada. Trabalhando em uma ampla
gama de assuntos, estilos, materiais e técnicas, Rauschenberg foi considerado um precursor de
essencialmente todos os movimentos do pós-guerra desde o expressionismo abstrato. Ele
permaneceu, no entanto, independente de qualquer afiliação particular. Na época em que
começou a fazer arte no final dos anos 1940 e no início dos anos 1950, sua crença de que “a
pintura se relaciona tanto com a arte quanto com a vida” representava um desafio direto à
estética modernista predominante.

O célebre Combines, iniciado em meados da década de 1950, trouxe imagens e objetos do mundo
real para o reino da pintura abstrata e contornou as divisões sancionadas entre pintura e
escultura. Essas obras estabeleceram o diálogo permanente do artista entre os meios, entre o
feito à mão e o readymade, e entre a pincelada gestual e a imagem reproduzida mecanicamente.
O compromisso de toda a vida de Rauschenberg com a colaboração - com performers,
gravadores, engenheiros, escritores, artistas e artesãos de todo o mundo - é mais uma
manifestação de sua filosofia artística expansiva.

Este texto e os textos dos capítulos seguintes foram adaptados de um ensaio escrito por Julia
Blaut, “Robert Rauschenberg: A Retrospective,” @Guggenheim (outono de 1997).

Quiet House - Black Mountain , 1949

Primeiros trabalhos, 1948-54

No início de 1948, Rauschenberg frequentou o Black Mountain College perto de Asheville,

Carolina do Norte. Seu trabalho na Black Mountain revela muitos dos principais temas que se
repetem ao longo de sua obra: sequências e progressões ao longo do tempo, formatos de grade,
duplicação e espelhamento e um sentido da escala humana. Durante esses anos de formação,
Rauschenberg usou uma ampla variedade de meios de produção de arte, incluindo gravura,
pintura, fotografia, desenho (técnicas convencionais e experimentais) e escultura. Como se
tornaria sua marca registrada, ele costumava usá-los em combinação, confundindo as distinções
convencionais entre as categorias artísticas. A colaboração com outros artistas também
permaneceria um ímpeto ao longo de sua carreira,
Tendo se estabelecido em Nova York no outono de 1949, Rauschenberg foi apresentado ao
trabalho dos expressionistas abstratos e começou a incorporar sua pincelada livre em suas
próprias pinturas. Na arte feita no Black Mountain College e em Nova York entre 1951 e 1953,
Rauschenberg expandiu o idioma abstrato com a inclusão de imagens reconhecíveis e materiais
retirados de seu ambiente imediato. Ele imprimiu pedrinhas no pigmento escuro de suas pinturas
Night Blooming (1951); as pinturas brancas não flexionadas (1951) tornaram-se telas de luz e
sombra, respondendo às condições ao seu redor; e a colagem de jornal formou a base da série de
pinturas negras (1951–53).

As colagens e esculturas de Rauschenberg feitas em 1952-1953 enquanto viajava com o artista Cy

Twombly na Europa e no Norte da África, apresentam seu método de combinar temas díspares e
contêm muitos de seus motivos duradouros: partes do corpo, meios de transporte, reproduções
de belas artes, letras e diagramas. As pequenas montagens fetichistas feitas na Itália a partir de
materiais encontrados, bem como as Esculturas Elementais e as Pinturas Vermelhas iniciadas em
seu retorno a Nova York em 1953, foram laboratórios para os Combines posteriores.

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Sem título [foto de instalação da Egan Gallery], 1954. Foto: Robert Rauschenberg

Carreira em expansão, 1954–69

Para Rauschenberg, houve uma progressão natural das pinturas vermelhas para as combinações,
à medida que a colagem bidimensional e, eventualmente, os objetos tridimensionais vieram à
tona. No verão de 1954, Rauschenberg fez o primeiro Combine totalmente realizado, eliminando
todas as distinções entre pintura e escultura. Expandindo o conceito de readymade de Marcel
Duchamp, Rauschenberg imbuiu um novo significado para objetos comuns como uma colcha de
retalhos ou um pneu de automóvel, combinando itens não relacionados e incorporando-os ao
contexto da arte. Quando Rauschenberg expôs pela primeira vez as Red Paintings and Combines
na Egan Gallery, Nova York, em dezembro de 1954, os críticos ficaram perplexos com as obras,
que desafiavam as definições existentes de arte.

Menos de uma década depois, no entanto, a reputação de Rauschenberg como o artista principal
de sua geração foi estabelecida após sua primeira exposição individual realizada em 1963 no
Museu Judaico de Nova York, e seu prêmio no ano seguinte do Grande Prêmio Internacional de
Pintura no Bienal de Veneza. Das obras de Rauschenberg exibidas no Pavilhão dos EUA estavam
muitas de suas agora celebradas Combines, incluindo Bed (1955), bem como várias pinturas de
uma série que o artista começou no outono de 1962, na qual ele usava serigrafias produzidas
comercialmente com base na mídia fontes e suas próprias fotografias.

O uso de Rauschenberg de um meio comercial de reprodução e seu foco em assuntos de mídia

nesta série levaram os críticos de arte a identificá-lo com o movimento da arte pop que havia
surgido recentemente na cena artística de Nova York em 1962. Em comparação com as pinturas
de Para os artistas pop, no entanto, as obras de Rauschenberg são enfaticamente gestuais e feitas
à mão. As pinturas em serigrafia têm uma qualidade expressiva que resulta das áreas pintadas à
mão, das sobreposições tipo colagem das imagens fotográficas, e dos deslizamentos e
irregularidades intencionais, que o artista permitiu que não fossem corrigidas durante o processo
de exibição.

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Sem título (Hotel Bilbao), ca. 1952

Obras em papel, fotografias e edições, 1952-2008

Obras em papel e fotografia compreendem alguns dos primeiros trabalhos mais significativos de
Rauschenberg: a série de colagens feitas em camisas de camisa italianas (cerca de 1952);
fotografias tiradas na Europa e no Norte da África durante suas viagens com o artista Cy Twomby
em 1952-1953; e vários tipos de monoprints, incluindo os projetos que ele fez com sua esposa na
época, Susan Weil (ca. 1950), e o Automobile Tire Printque ele fez com John Cage em 1953.
Somente no final dos anos 1950 e início dos anos 1960, entretanto, a imagem encontrada se
tornou fundamental no vocabulário visual de Rauschenberg. Reproduções de jornais e revistas
foram incorporadas a seus desenhos e gravuras, à medida que ele aperfeiçoava as técnicas de
transferência de solvente e litografia. Os desenhos de transferência (em grande parte produzidos
simultaneamente com os últimos Combines) trouxeram o elemento de colagem para um plano
bidimensional; as imagens encontradas eram agora contínuas com a superfície da imagem e eram
misturadas com áreas desenhadas e pintadas livremente.

Em 1962, Rauschenberg estava explorando a técnica de transferência em suas gravuras. Ele fez
sua primeira litografia na Universal Limited Art Editions (ULAE) em West Islip, Nova York; e em
1963, ganhou o Grande Prêmio na prestigiosa Exposição Internacional de Gravura em Ljubljana,
Iugoslávia. A gravura permaneceu central para a prática artística de Rauschenberg devido à
reprodutibilidade inerente do meio e à ampla gama de efeitos que lhe permitiu alcançar.

O interesse inicial de Rauschenberg pela fotografia foi renovado em 1979 com sua primeira
colaboração com a Trisha Brown Dance Company. Seu projeto de cenário para Glacial Decoy
(1979) era composto de projeções de suas próprias fotografias em preto e branco. Vários projetos
de fotografia se seguiram, incluindo In + Out of City Limits (1979–81) e a Série Photem
(1981/1991); ambos revelam a preferência de Rauschenberg por assuntos comuns de rua. Até
que ele não pudesse mais segurar uma câmera depois de sofrer um derrame em 2002, as imagens
fotográficas incorporadas ao trabalho de Rauschenberg em todas as mídias - desde 1979 - foram
tiradas exclusivamente de suas próprias fotografias.

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Rauschenberg e o engenheiro Billy Klüver trabalhando no Oracle (1962–65) no estúdio de
Rauschenberg na Broadway, Nova York, 1965. Foto: Larry Morris / The New York Times / Redux
Pictures

Arte e Tecnologia, 1959-98

Entre os empreendimentos colaborativos que trouxeram Rauschenberg enfaticamente para fora

dos limites de seu estúdio estavam seus trabalhos experimentais em arte e tecnologia. O
interesse do artista em trazer tecnologia para sua arte já era evidente em alguns dos primeiros
Combines que integravam aparelhos de trabalho, como rádios, ventiladores, luzes elétricas e
relógios, permitindo que som, movimento, luz e a passagem do tempo quase literalmente ser
incorporado à sua arte.

Por meio de sua participação no ambiente cinético do artista suíço Jean Tinguely, Homage to New
York in 1960, Rauschenberg começou a trabalhar com o cientista pesquisador da Bell
Laboratories, Billy Klüver. Em colaboração com Klüver, Rauschenberg realizou alguns de seus
trabalhos tecnológicos mais ambiciosos, incluindo o ambiente escultural para produção de som,
Oracle (1962-65), bem como Soundings (1968), uma instalação de luz monumental responsiva ao
som ambiente. Ambas as obras foram concebidas para serem experimentadas pelo público
espacialmente e apelar aos sentidos além do puramente visual.

Em 1966, Rauschenberg e Klüver, junto com o artista Robert Whitman e o engenheiro Fred
Waldhauer, fundaram a Experiments in Art and Technology (EAT), em Nova York, uma
organização que buscava tornar a tecnologia acessível aos artistas por meio de colaborações com
engenheiros. No mesmo ano e pelo interesse no potencial de aplicação da tecnologia para o
teatro, produziram 9 Noites: Teatro e Engenharia, evento que reuniu artistas visuais, dançarinos,
coreógrafos, cientistas e engenheiros, que resultou em performances tecnologicamente
sofisticadas trabalho.

Enquanto a preocupação de Rauschenberg com a arte baseada na tecnologia atingiu seu auge
durante a década de 1960, o artista continuou a utilizar a tecnologia periodicamente em sua arte
ao longo da década de 1990. Entre seus trabalhos posteriores de base tecnológica está a série
Eco-Echo (1993). Feitos após sua participação na Cúpula da Terra no Rio de Janeiro em 1992, os
moinhos de vento ativados por sonar referiam-se às preocupações ambientais do artista e seu
interesse por fontes de energia ecologicamente responsáveis.

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Rauschenberg executando sua peça Pelican (1963), First New York Theatre Rally, antigo estúdio
da CBS, Broadway e Eighty-first Street, Nova York, maio de 1965. Foto: Peter Moore © Barbara
Moore / Licenciado por VAGA, NY. Cortesia de Paula Cooper Gallery, Nova York

Performance, Coreografia e Cenário, 1952–2007

A performance, em suas muitas manifestações, esteve no centro de grande parte da produção

artística de Rauschenberg. Seu envolvimento com a performance começou quando ele participou
com o coreógrafo Merce Cunningham em Theatre Piece # 1 do compositor John Cage
(originalmente uma obra sem título que às vezes é referida como o primeiro Happening) no Black
Mountain College perto de Asheville, Carolina do Norte, em 1952. carreira, Rauschenberg não
apenas projetou cenários, figurinos e iluminação para Cunningham e outros coreógrafos como
Trisha Brown e Paul Taylor, mas também executou e coreografou suas próprias obras. O elemento
teatral não se limitava à performance ao vivo, mas muitas vezes era uma parte integrante de seus
trabalhos não performáticos, incluindo a integração do som em uma Escultura Elementalque
incorpora um som oculto; a passagem do tempo em uma Combine que inclui um relógio de
trabalho; ou a incorporação do movimento em uma peça de tecnologia que agita a lama.

Como aconteceu com grande parte do trabalho de Rauschenberg, as linhas foram

intencionalmente confusas entre seu trabalho performático e seu trabalho em outras mídias. Por
exemplo, um Combine independente, Minutiae (1954), foi criado como um cenário para uma
apresentação de Cunningham; enquanto sua First Time Painting (1961), outra Combine, foi feita
pelo artista enquanto estava no palco da Embaixada Americana em Paris como parte da
performance Homage to David Tudor . Em turnê com Cunningham, Rauschenberg criou cenários
usando objetos e sons encontrados espontaneamente, ao desenvolver o conceito de “decoração
ao vivo”, ou cenário gerado pela atividade humana.

O diálogo artístico com Cage e Cunningham posicionou Rauschenberg na vanguarda da dança pós-
moderna. Seu envolvimento no início dos anos 1960 com Judson Dance Theatre, Nova York, um
coletivo experimental que incluía dançarinos e artistas visuais, resultou em performances livres de
narrativa, enfatizando a pureza do movimento - às vezes convencionalmente dançante, mas
também movimentos mundanos , permitindo que artistas não treinados participem lado a lado
com dançarinos profissionais. Ao longo de sua carreira, Rauschenberg descobriu que a
colaboração - seja com artistas trabalhando em uma ampla variedade de mídias e de todo o
mundo ou com engenheiros no desenvolvimento de obras que combinavam arte e tecnologia -
era um meio produtivo para expandir os limites da arte convencional .

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National Spinning / Red / Spring (Cardboard) , 1971

Meados da carreira, 1970-1980

Com sua mudança em 1970 de Nova York para a Ilha Captiva, na costa do Golfo da Flórida,
Rauschenberg limpou sua paleta. Afastando-se do imaginário urbano, ele agora preferia um
idioma mais abstrato e o uso de fibras naturais, como tecido e papel. The Cardboards (1971–72)
e os Venetians (1972–73) revelam seu fascínio com a cor inerente, textura e história dos
materiais encontrados. Os belos e díspares efeitos dos tecidos, que vão do algodão ao cetim, são
explorados em Hoarfrosts (1974–76) e Jammers (1975–76). Colaborações em fábricas de papel
na França e na Índia resultaram em trabalhos em que a polpa de papel foi elevada a uma forma
de arte.

Uma retrospectiva de meio de carreira foi montada em 1976 pela National Collection of Fine Arts
[agora o Smithsonia Museum of American Art], Smithsonian Institution , Washington, DC, quando
Rauschenberg foi selecionado para homenagear o Bicentenário Americano. Tendo a oportunidade
de reexaminar seus primeiros trabalhos, Rauschenberg voltou às preocupações anteriores. Seus
Spreads (1975–83) e Scales (1977–81) incorporam imagens transferidas e projetadas, bem como
montagens, às vezes em instalações em escala de sala.

Durante a década de 1980, Rauschenberg empreendeu dois projetos de longo prazo. O primeiro,
The ¼ Mile ou 2 Furlong Piece , foi iniciado em 1981 e concluído em 1998. Este trabalho de várias
partes consiste em 191 componentes e se estende por mais de 400 metros. De caráter
retrospectivo, esta peça está repleta de referências à sua vida e arte.

O segundo projeto - Rauschenberg Overseas Culture Interchange ( ROCI ) - foi a expressão mais
tangível da crença de Rauschenberg no poder da arte e da colaboração artística para provocar
mudanças sociais em nível internacional. Viajando ao redor do mundo para a ROCI , a exploração
de Rauschenberg de diversas culturas e práticas de criação de arte local deu origem a um corpo
de trabalho extraordinariamente diverso. O catalisador para a série de pintura e escultura em
metal foi ROCI CHILE , onde pintou e exibiu sobre cobre em 1985. Na década seguinte,
Rauschenberg explorou o uso do metal como suporte para pinturas, manchas, esmalte e imagens
serigrafadas em várias imagens subsequentes séries, como Urban Bourbons (1988-96) eNight
Shades (1991). Os Gluts , iniciados em 1986, são feitos de objetos de sucata, incluindo placas de
postos de gasolina e peças de automóveis, que muitas vezes mascaram as identidades originais
quando transformados em paredes e esculturas independentes.

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Rauschenberg trabalhando nas Escrituras (1974) para Rauschenberg em exposição de Israel no

Museu de Israel, Jerusalém, 1974. As obras em segundo plano são a Escritura I e duas obras sem
título (todas 1974). Foto: Nir Bareket

Colaborações internacionais, 1973-95

A crença de Rauschenberg no poder da arte como catalisador para uma mudança social positiva
esteve no cerne de sua participação em vários projetos internacionais. Nos anos 1970 e no início
dos anos 1980, ele colaborou com fabricantes de papel na França, Índia e China, bem como com
artesãos em uma fábrica de cerâmica no Japão. Por meio de suas viagens, Rauschenberg reuniu
um estoque de materiais para usar quando voltasse ao seu estúdio Captiva na Flórida, incluindo
fotografias, objetos locais, tecidos e impressos. As obras resultantes foram inevitavelmente
informadas por sua nova compreensão de outra cultura, mas a mistura de imagens e materiais
era nitidamente rauschenbergiana.

Rauschenberg Overseas Culture Interchange ( ROCI ) tornou-se a principal preocupação do artista

entre 1984 e 1991 e foi uma expressão tangível de seu compromisso de longo prazo com os
direitos humanos e a liberdade de expressão artística. Rauschenberg financiou o projeto ROCI e
viajou para dez países, explorando diversas culturas e práticas locais de criação de arte.
Montando uma exposição de sua obra em cada país, muitas vezes onde a experimentação
artística havia sido suprimida, seu propósito era iniciar um diálogo e alcançar um entendimento
mútuo por meio do processo criativo.

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Homenagem (Anagrama) , 1995

Late Work, 1992-2008

Em seu trabalho tardio, Rauschenberg continuou a abordar sua arte com o espírito de invenção e
com a busca por novos materiais e novas tecnologias que caracterizaram seu trabalho ao longo de
sua carreira. A partir de 1992, Rauschenberg usou uma impressora Iris para fazer impressões
digitais coloridas de suas fotografias. É essa tecnologia que permitiu as imagens de alta resolução
e matizes luminosos nas obras de grande escala em papel, Waterworks (1992–95) e Anagramas
(1995–97) . Em 1996, ele transferiu as impressões da íris para gesso úmido nos Retiros
Arcadianos (uma série de afrescos que lhe proporcionou uma via de exploração inteiramente
nova) e para painéis polilaminados em seus três últimos corpos de trabalho, Short Stories (2000-
2002), Cenários (2002–06) e, finalmente, Runts (2006–08).

Apesar do uso de novos materiais e métodos, muitos dos trabalhos posteriores de Rauschenberg
remetem à sua arte anterior e são de natureza autobiográfica. Com a retrospectiva do artista
organizada pelo Solomon R. Guggenheim Museum, de Nova York, em 1997, que viajou para sedes
nos Estados Unidos e na Europa, o artista teve a oportunidade de ver em toda a extensão do que
até então eram cinquenta. -ano de carreira. Nesse mesmo ano, Rauschenberg trabalhou em vidro
pela primeira vez, criando esculturas de seus temas icônicos: um pneu, um travesseiro, uma pá e
uma vassoura, cada um dignificado por uma plataforma de prata. Seu monumental Mirthday Man
(1997) do Anagram (A Pun)série feita por ocasião de seu septuagésimo segundo aniversário, inclui
uma reprodução da radiografia em tamanho real do artista pela primeira vez usada na gravura
Booster (1967), enquanto as imagens da série Ruminations editada (2000) referem-se a
importantes momentos e figuras do início da vida do artista.

Após um derrame em 2002 que deixou sua mão direita parcialmente paralisada, o artista
continuou a trabalhar, sem se intimidar, mas agora com a mão esquerda. Durante esta década
final, ele continuou sua colaboração com artistas e gravadores e seu compromisso com causas
humanitárias.

Fonte: https://www.rauschenbergfoundation.org/artist

O colorido da vida pelas obras marcantes de David Hockney

O colorido da vida pelas obras marcantes de David Hockney

"THE ROAD TO YORK THROUGH SLEDMERE" 1997 OIL ON CANVAS 48 X 60" © DAVID HOCKNEY
PHOTOGRAPHY BY: RICHARD SCHMIDT

Ele parece um vovô, mas tem a vitalidade de um jovem de 20 anos. A primeira impressão é que
sua pintura é simples, mas sua obra é muito mais do que apenas suas pinturas de piscinas. David
Hockney é um dos pintores mais importantes do século XX.

Nasceu no norte da Inglaterra em Bradford (1937), e foi um dos grandes artistas envolvidos no
movimento pop art da década de 1960, criado para ampliar as cores e para destacar que a arte
era muito mais do que os trabalhos enfadonhos da época

Aos 83 anos, ele ainda está pintando e fazendo novos experimentos com a arte, inclusive pinturas
com iPad, sempre com cores fortes e marcantes. Muitos de seus trabalhos envolvem pessoas que
ele ama, geralmente retratadas em pares para capturar seus relacionamentos e todos os
sentimentos envolvidos nessas relações. Entre os retratados estão seus pais, amigos e seu ex-
companheiro Gregory Evans. Costuma reunir imagens da natureza e de entes queridos,
destacando como os relacionamentos mudam com o decorrer do tempo.

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Hockney divide seu tempo entre Londres e sua casa de Los Angeles (Califórnia – EUA), local que
adora pelo sol e pelos dias claros, constantemente retratados em seus trabalhos. Ele gosta de
pintar piscinas dando a sensação que alguém acabou de pular na água, com um azul brilhante,
trampolim e tudo mais que podemos ter direito.

A National Portrait Galery começou este ano com a exposição “David Hockney: Drawing for Life”,
na qual mostra retratos e autorretratos em papel com lápis, carvão e tinta, enfatizando o seu dom
de testar novos materiais e de criar composições, inclusive com novas tecnologias. Um de seus
retratos mais comoventes foi produzido em 1978, no dia do funeral de seu ex-marido. Desenhado
em tinta sépia, a preferida de Rembrandt, o retrato mostra um homem de casaco e chapéu, como
se estivesse avaliando a sua própria vida.

Essa capacidade criativa se dá porque ele trabalha sem parar. Carrega sempre consigo um
caderninho e anota a todos os momentos novos detalhes, ideias e inspirações sobre
absolutamente tudo o que vê pela frente para, depois, criar, pinturas especiais e cheias de
significado. Cito um exemplo disso: “The Road to York through Sledmere” (1997), um maravilhoso
quadro de uma estrada, cujas cores são notadas por poucas pessoas. Adoro esse quadro, que é
um convite para olhar e refletir se realmente sabemos como é nossa jornada no mundo.

A história dessa pintura é tão impressionante quanto suas cores. Seu grande amigo Jonathan
Silver estava morrendo, diagnosticado com câncer terminal no verão de 1997, Hockney deixou a
Califórnia para ficar ao lado de sua cama e dirigia todos os dias da casa em Bridlington, onde sua
mãe e irmã moravam, para Wetherby, do outro lado de York, uma rota que o levou até Garrowby
Hill. As três primeiras fotos de Yorkshire desse período descrevem partes da rota: The Road to
York through Sledmere (1997), The Road across the Wolds (1997) e North Yorkshire (1997).
Jonathan via as telas molhadas conforme Hockney as produzia. Foi um dos maiores presentes que
sua alma poderia receber naquele momento de dor e de proximidade da morte. Outras estradas e
rotas começaram a ser registradas pelo pintor após esse episódio.

Acompanhar seu trabalho é como viver uma nova experiência a cada dia. Há pouco tempo, saiu
de sua casa em Los Angeles para inaugurar em Londres um vitral com flores de espinheiro na
Abadia de Westminster. Imediatamente depois, fugiu da metrópole movimentada e barulhenta
para uma viagem de três dias ao vazio do norte da França para assistir ao pôr-do-sol nas docas de
Le Havre, tal como fez Monet quando decidiu pintar a catedral da cidade. Em poucos dias, um
novo projeto foi criado: pintar a primavera na Normandia, como fez em Yorkshire, mas de uma
forma diferente, geometricamente vibrante e colorida, mas com vermelho saturado e muito roxo.

David Hockney na sabedoria dos seus quase noventa anos, destaca que estamos quase perdendo
o sentimento de pertencer. Nessa jornada, ele continua produzindo trabalhando intensamente.
Acaba de expor 100 novas obras na Royal Academy, apresentando imagens densas, ricas e com
uma extraordinária profusão de cores. Também fez parte da exposição 116 impressões coloridas
de iPad que capturam a primavera com a mesma intensidade que seu pincel, transmitindo aquela
sensação de esperança, promessa e renascimento.

As imagens reforçam a ideia de que a natureza vai continuar e que a Covid-19 parou o mundo,
mas não conseguiu impedir que a primavera ressurgisse. Que a energia de Hockney motive todos
a enxergarem mais cores no mundo pós-pandemia! Se tiver uma boa história para compartilhar,
aguardo sugestões pelo Instagram Keka Consiglio, Facebook ou no Twitter.

Fonte: https://istoe.com.br/o-colorido-da-vida-pelas-obras-marcantes-de-david-hockney/