Tempos erráticos | Estilo ROCOCÓ

O ROCOCÓ
Uma arte para o prazer da aristocracia
Originado em Paris por volta de 1720, o rococó se
caracteriza por motivos naturais, cores suaves, linhas
curvas e temas que incluíam o amor, a natureza e o lazer
despreocupado.
O movimento começou na França como uma reação à
grandiosidade barroca da corte de Luís XlV no Palácio de
Versalhes e ficou particularmente associado à poderosa
Madame de Pompadour (1721-1764), amante do novo rei
Luís XV (171 0-1774).
O termo rococó vem da palavra francesa "rocail/e", ou
cascalho, e faz referência a pedras e conchas usadas na
decoração de grutas, cujas formas se tornaram uma
característica comum do design rococó. Ele começou
como um estilo requintado e ornamental de decoração de
interiores, que se caracterizava por formas elegantes e
fluidas. Depois passou para a arquitetura, e então para a
pintura e a escultura. Com suas pinturas sensuais e ir
reverentes, François Boucher (1703-1770) foi um dos
pintores mais aclamados do rococ6, porém o mais
importante foi Jean-Antoine Watteau (1684-1721), com
suas cenas ao ar livre do gênero fête galante. Esse tipo de
arte francesa também foi popular na Alemanha e
Inglaterra, enquanto artistas italianos, como o veneziano
Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770), adotaram um estilo
semelhante e Johann Joachim Kandler (1706-1775) foi o RETRATO DE MADAME DE POMPADOUR, Maurice-Quentin de La
grande mestre da porcelana Meissen pintada. Tour, 1755

De modo geral, a arte que se desenvolveu dentro do estilo

LUÍS XIV, rei de França, Hyacinthe Rigaud, 1702
rococó pode ser caracterizada como requintada,
aristocrática e convencional. Foi uma arte que se
preocupou em expressar apenas sentimentos agradáveis e
que procurou dominar a técnica de uma execução
perfeita.
O Rococó teve início na França, no século XVIII difundindo-
se a seguir por toda a Europa. Para alguns historiadores da
arte, o termo rococó indica a fase do Barroco
compreendida entre 1710 e 1780, quando os valores
decorativistas e ornamentais são exaltados tanto pelos
artistas quanto pelos apreciadores da arte.
O termo "rococó" originou-se da palavra francesa rocaille
que, em português, por aproximação, significa concha.
Esse detalhe é significativo na medida em que muitas
vezes podemos perceber as linhas de uma concha
associadas aos elementos decorativos desse estilo.
De fato, pode-se ver no Rococó uma derivação do Barroco.
Porém, há entre esses dois estilos algumas características
bem distintas. As cores fortes da pintura barroca, por
exemplo, na pintura rococó foram substituídas por cores

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suaves e de tom pastel, como o verde-claro e o cor-de-
rosa. Além disso, o rococó deixa de lado os excessos de
linhas retorcidas que expressam as emoções humanas e
busca formas mais leves e delicadas.
Para entender melhor os valores que essa tendência
artística passa a refletir, é preciso voltar ao século XVII e
verificar que durante o reinado de Luís XIV, ou seja, entre
1643 e 1715, a França viveu sob um governo centralizador
e autoritário, que deu às artes uma feição clássica. Quando
Luís XIV morreu, em 1715, a corte mudou-se de Versalhes
para Paris e aí entrou em contato com os ricos e bem-
sucedidos homens de negócios, financistas e banqueiros
que, por nascimento, não pertenciam à aristocracia. Mas,
graças à riqueza que possuíam, tinham condições de
proteger os artistas, atitude que lhes dava prestígio
pessoal para serem aceitos na sociedade aristocrata.
Tornaram-se, por isso, os clientes preferidos dos artistas,
que passaram a produzir quadros pequenos e as
estatuetas de porcelana para uso doméstico, muito ao
gosto da sociedade na época.
A LEITORA, Jean-Honoré Fragonard. 1770–1772
A arte do Rococó refletia, portanto, os valores de uma
sociedade fútil que buscava nas obras de arte algo que lhe
desse prazer e a levasse a esquecer seus problemas reais.
Os assuntos explorados pelos artistas deveriam ser as
cenas graciosas, realizadas de tal forma que refletissem
uma sensualidade sutil, como podemos observar na tela
do pintor Fragonard, as formas sensuais sob as vestes da
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leitora, a mão graciosa que segura o livro, recostada em
luxuosas almofadas.
A PINTURA
Na pintura, são nítidas as diferenças entre o Barroco e o
Rococó. Enquanto o Barroco desenvolvia temas religiosos
em que as atitudes dos personagens eram repletas de
conotações dramáticas e heroicas, o Rococó desenvolvia
temas mundanos, ambientados em parques e jardins ou
em interiores luxuosos. As personagens não são mais de
inspiração popular, e sim membros de uma aristocracia
ociosa que vive seus últimos tempos de fausto antes da
Revolução Francesa que se aproxima (o terrível ano foi
1789!). Do ponto de vista técnico também ocorrem
transformações na pintura. Desaparecem os contrastes
radicais de claro-escuro do Barroco e passam a
predominar as tonalidades claras e luminosas. A técnica do
pastel passa a ser bastante utilizada, pois ela permite a
produção de "certos efeitos de delicadeza e leveza dos
tecidos, maciez da pele feminina, a seda dos cabelos, luzes
e brilhos". Dentre os pintores desse período, os que
melhor expressam o estilo rococó são Watteau e Chardin.
DE VOLTA DO MERCADO, Jean-Batiste Chardin. 1739
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EMBARQUE PARA CITERA, Jean-Antoine Watteau, 1712-1717
Embora tendo nascido em Flandres, Jean-Antoine
Watteau (1684-1721) é considerado um verdadeiro
mestre da pintura rococó francesa. Seus quadros de cenas
amorosas substituem as pinturas de temas religiosos e
históricos. Seus personagens são joviais e parecem
dedicados ao gozo das coisas boas da vida, à busca de uma
cultura perfeita e da alegria de um viver tranquilo. Mas é
indisfarçável neles uma nota de melancolia, um certo ar de
tédio em meio ao prazer.
Sua principal obra, Embarque para Citera, expressa de
modo completo a elegância da nobreza francesa do século
XVIII. No que diz respeito ao tema, essa pintura representa
um grupo de pessoas dirigindo-se para um lugar onde o
romance sempre recomeça, pois Citera é uma ilha do
Mediterrâneo, centro de um antigo culto pagão a Vênus,
deusa do amor. Do ponto de vista puramente pictórico, é
interessante observar a passagem delicada da neblina
sobre o lago para a luz que incide nos cetins dos vestuários.
Com essa técnica, o artista procura criar uma atmosfera
em que os limites entre o sonho e a realidade não ficam
claros, completando-a com os querubins soltos no ar e
com a decoração rebuscada da barca ancorada à margem
do lago.
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Jean-Baptiste Siméon Chardin (1699-1779) tinha uma
situação econômica melhor do que a de Watteau. Esse
fato permitiu-lhe uma criação mais livre e independente
dos favores da corte e das expectativas artísticas da
aristocracia. Por isso, seus quadros, em vez de
apresentarem o mundo fantasioso e frívolo dos cortesãos,
retratam cenas da vida cotidiana e burguesa da França. A
principal característica de Chardin é a sua composição
nítida e unificadora de todos os elementos retratados. No
quadro De Volta do Mercado, a personagem que chega à
sua casa carregada de compras é percebida visualmente
pelo espectador de um modo perfeito em relação ao
mobiliário, aos objetos da casa e ao espaço circundante.
Chardin consegue essa percepção graças à proporção que
cria entre a personagem central e o móvel da sala e graças
ao jogo de luz que nos convence do espaço interior de uma
casa. A pintura de Chardin conserva o mesmo toque
luminoso de Watteau, mas os temas de interesse desses
dois artistas, apesar de pertencerem ao mesmo
movimento artístico, são muito diferentes.
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DIANA DEPOIS DA CAÇADA, Francois Boucher. 1745

CONCURSO DE MÚSICA, Jean-Honoré Fragonard A ESCULTURA

Nessa arte, o estilo rococó substituiu os volumes que
indicam o vigor e a energia barrocos por linhas suaves e
graciosas. A escultura, que se torna intimista, geralmente
procura retratar as pessoas mais importantes da época.
São famosas, por exemplo, as esculturas que Jean-Antoine
Houdon fez retratando Voltaire, Diderot, Rousseau e
outros tantos personagens da história francesa e universal.
Dessas esculturas, a de Voltaire é a mais conhecida, por
causa da percepção aguda que o artista teve do caráter
desse pensador francês.

O BALANÇO,Jean-Honore Fragonard

MADAME HOUDON, de Jean-Antoine Houdon

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(1738-1840) estão entre os nomes dos escultores franceses do

século XVIII.

Graciosidade e leveza
Na estatuária de pequeno porte, e objetos ornamentais
destinados à decoração de interiores, são usados o bronze,
o mármore, o ouro, a prata e a porcelana, esta última o
verdadeiro material do Rococó, extremamente popular.
Embora a técnica da porcelana fosse milenar no Oriente, o
Ocidente só a conheceu a partir de Florença, no século XVI,
com a chegada de exemplares de peças orientais. Mas a
importação era caríssima.
Entre os artistas mais patrocinados do estilo Rococó,
Étienne-Maurice Falconet ficou conhecido por suas
pequenas peças com temas de gênero ou inspiração
mitológica, avidamente colecionadas pela Corte francesa
em torno de Luís XV.
As apresentações de teatro e balé, em voga no período e,
as pinturas de François BOUCHER (1703-1770) serviram de
inspiração para Falconet, na produção de esculturas em
situações de convívio palaciano, alegre e amoroso, em que
as figuras são delicadas, requintadas, galantes e sensuais.

BUSTO DE VOLTAIRE, de Jean-Antoine Houdon

O ESPÍRITO ROCOCÓ NA ESCULTURA

O estilo Rococó forma um documento visual intimista e
despreocupado do modo de vida e da concepção de
mundo das elites europeias, concebido muitas vezes como
parte integrante de uma concepção global de decoração
de interiores. Profusão, sensualidade e divertimento
davam o tom fundamental no estilo artístico.
Quanto à escultura é em sua disposição dentro da
arquitetura que se manifesta o espírito Rococó. As linhas
curvas e contracurvas do barroco permanecem, mas são
mais delicadas e fluídas. Os temas aplicados são
mitológicos, campestres e alegóricos.
Os grupos esculturais, as figuras solitárias ou os bustos, se
destacam pela leveza e graciosidade dos gestos, atitudes e
posições, a maioria, executados em menores proporções,
em madeira, mármore e bronze.
JEAN-BAPTISTE II Lemoyne, o jovem (1704-1778); Louis-François
ROUBILIAC[3] (1702-1762); Guillaume COUSTOU, o Jovem
PIGMALIÃO E GALATEA, Étienne-Maurice Falconet, 1763.
(1716-1777); Nicolas-Sébastien ADAM (1705-1778); Jean-
Baptiste PIGALLE (1714-1785); Étienne-Maurice FALCONET
(1716-1791); Louis-Simon BOIZOT (1743–1809), Jean-Antoine
HOUDON (1741-1828) e Claude Michel, conhecido por CLODION

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PIGMALIÃO E GALATEA, Étienne-Maurice Falconet, 1763. INVERNO, Jean-Antoine Houdon, 1781. Estudo em terracota

ARQUITETURA ROCOCÓ
Na arquitetura, o estilo rococó manifestou-se
principalmente na decoração dos espaços interiores, que
se revestiram de abundante e delicada ornamentação. As
salas e os salões têm, de preferência, a forma oval e as
paredes são cobertas com pinturas de cores claras e
suaves, espelhos e ornamentos com motivos florais feitos
com estuque. Em oposição a esse interior rico em
elementos decorativos, a fachada dos edifícios reflete um
barroco sem exageros ou o estilo clássico dos
renascentistas italianos. São exemplos dessa arquitetura o
Hötel de Soubise, construído por Germain Boffrand e
decorado por Nicolas Pineau, em Paris; e o Petit Trianon,
construído por Jacques-Ange Gabriel, em Versalhes. O
Hôtel de Soubise é um exemplo típico do estilo rococó.
Nicolas Pineau criou, com estuque, frisos que emolduram
quadros e espelhos, guirlandas que se entrelaçam em
sucessivas linhas curvas.

BUSTO DE NAPOLEÃO BONAPARTE, J-A-Houdon

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HÔTEL DE SOUBISE, Paris. Projetado por Germain Boffrand
O caráter do rococó como arte a serviço da vida manifestou-se
especialmente na arquitetura civil e, sobretudo, no estilo de casa
da aristocracia e da alta burguesia parisienses: o pequeno
palacete urbano, com jardim, situado no centro da cidade. O
jardim adquiriu uma importância extraordinária como lugar de
encontro. Substituíram-se os desenhos retilíneos e formais, ao
estilo de Versailles, por jardins mais informais, com ambientes
diferenciados, caminhos e pequenas praças.
A maior influência do rococó na arquitetura foi a distribuição
interior do edifício. Em relação à estrutura linear dos palácios
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barrocos em que o acesso a cada divisão se fazia por meio das
anteriores, o rococó adotou uma distribuição mais funcional, em
que os pequenos espaços acessíveis por meio de corredores e
zonas de circulação se multiplicaram e isolaram. As fachadas
perderam o ar solene que conservavam e foram abertas diversas
varandas que proporcionavam luz aos espaços interiores.
A característica dos interiores que mais se destaca é a decoração
profusa e variada, com conchas e rochas irregulares como
motivo principal. A articulação das paredes se baseou no painel
ou superfície delimitada por uma moldura que enquadrava
tapeçarias ou pinturas. Predominavam a cor branca e os tons
pastéis (azuis, rosas) que criavam uma atmosfera acolhedora e
íntima. Cada divisão era decorada segundo a sua função,
harmonizando-se a decoração de parede com o mobiliário.
Cadeira rococó em estilo Luís XV. Mobiliário francês
O estilo Rococó ou Luís XV, como também é conhecido, foi
responsável por uma transformação no mobiliário e nos
interiores. Arquitetura de interiores e a mobília adquirem uma
integração que não havia acontecido em outros períodos.
O mobiliário rococó corresponde aos padrões da etiqueta e do
comportamento da corte. É nesta época que se tem consciência
da rigidez da etiqueta e dos benefícios dos espaços íntimos.
Desta maneira, o Rococó distingue espaços sociais e privados,
demonstrando a preocupação com o conforto e a privacidade,
conceitos realmente novos até então. As noções de conforto do
Rococó são mais próximas às nossas.
Os móveis adquirem o sentido decorativo, tornando-se item de
coleção. Os modelos são diversificados, com a multiplicação de
pequenas mesas. A mobília também se torna mais acessível a
uma quantidade maior de pessoas.
Escrivaninha, de 1768, em
carvalho e bronze dourado
possui decoração com placas
de cerâmica de Sèvres, com
motivos florais. pertencido à
Madame du Barry.
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