História M1

1945- Hoje

Olivier Messiaen (Avignon 1908- Paris 1992):

Figura incontornável deste período. Nasceu num ambiente cultural: a sua mãe era poetisa e o
seu pai tradutor de textos ingleses.
Aos 11 anos, ingressou no Conservatório de Paris, onde estudou composição com Paul
Dukas, órgão e piano. Fez carreira como organista e compositor. Ensinou composição no
Conservatório.
A partir de 1930, foi organista titular da Igreja da Trindade e assim permaneceu durante 30
anos. É um crente fervoroso (um pouco místico, pensou em tornar-se monge). Há alusões à
religião em praticamente todas as suas obras.
Tinha sinopsia, o que significa que vê as cores quando fecha os olhos, com muita precisão.
Por isso, a cor é muito importante para si, um pouco como Debussy (diz que quando ouve
música em série, vê tudo cinzento).

O seu estilo inicial foi fortemente influenciado por Franck e Debussy.

O espírito francês está bem patente nas suas primeiras obras. Estas obras são menos
executadas.

As suas características especiais:

1. Era também ornitólogo e incorporava o canto dos pássaros na sua música. Transcrevia-os
ele próprio de todo o mundo, fazendo "reduções" porque de outra forma seria demasiado
complicado (não microtonal). Inspirava-se também nos seus ritmos. Escreveu vários tratados
sobre aves. Não h e s i t o u em transpor, esticar...
Irá fazer isto para o resto da sua vida.
2. O quarteto já contém uma série de modos, incluindo modos com transposição limitada
(como a escala por tom). Acha isto um pouco mágico (modo 1 escala por tom, 2 tons e depois
meio t o m . . . ). Pode mudar de modo durante uma peça.
3. Trabalho sistemático sobre o ritmo, como Stravinsky e Bartok. Ele sistematizava
mesmo o ritmo (como os ritmos não retrogradáveis, os palíndromos). Acrescentar o
ponto, valor acrescentado. Escrevia um ritmo e depois acrescentava um ponto a cada
uma das notas. Inspirava-se em coisas antigas, não europeias, como a Grécia antiga ou as
fórmulas rítmicas hindus (deci-tala). Neumas rítmicos (canto gregoriano). Encontra-se nos
seus tratados sobre os ritmos, as cores e o canto dos pássaros.

"Poèmes pour mi: le collier (8/9)" 1937 (morte de Ravel, não relacionada) "Mi" é a sua
primeira mulher, mais tarde internada num hospital psiquiátrico. Chamou-lhe Mi, como a
corda mais aguda do violino.

Mais tarde, casou-se com Yvonne Loriod (professora de

piano em Paris). A sua música era modal e inventou os seus
próprios modos.
Durante a guerra, foi m o b i l i z a d o . Foi feito prisioneiro e deportado para um stalag na Silésia
(entre a Alemanha e a Polónia) (um campo de prisioneiros, não um campo de concentração).
Aí escreveu o seu
"quarteto para o fim dos tempos". Sem nada para fazer, é como se o tempo estivesse
suspenso. Estrearam a peça diante de 4.500 prisioneiros. Os pais de Messiaen eram
próximos do governo francês, que o libertou em 1941. E ele era um professor de
harmonia no conservatório em vez de um judeu.
Enquanto escrevia o quarteto, estava a ler o Apocalipse de João. Isto estava de acordo
com o que Messiaen estava a viver.

Durante a guerra, escreveu "três pequenas liturgias da presença divina",

"20 regards sur l'enfant Jésus" (mais de 2 horas de música, criada por Yvonne Loriod). A
propósito dos olhares, diz: "veja a citação" (Regard des anges n°14). Ele vê a chegada de
Cristo como uma espécie de deflagração (combustão, explosão).

1950 Darmstadt, 4 estudos rítmicos. O 2º chama-se "modes de valeurs et d'intensités".

Nesta pequena peça, utilizou o serialismo pela primeira vez na sua vida. Por causa desta
peça, certos compositores (Boulez, Stockhausen, Pousseur, etc.) viram nascer a música
serial generalizada. Uma limpeza do passado (1950-1960), música árida, serialismo acima
de tudo: ritmos, articulações e intenções. => 24 valores rítmicos diferentes, 7
intensidades diferentes, 36 alturas diferentes, 12 ataques diferentes. Nascimento do
serialismo integral ou generalizado, que se prolongou pelos anos 50 e 60.

A "La messe de la Pentecôte" de Messiaen foi também escrita em 1950, mas com uma
estética diferente. E um ano depois, o livro de órgão

Oiça: Último andamento da Missa de Pentecostes). Uma missa baixa, diferente de todas
as outras. Nasce de todas as suas improvisações. (Usa cantos de cotovias).

Na década de 1950, fez um estudo muito específico do canto das aves. Daí resultaram
várias peças, nomeadamente "Aves exóticas" e "Catálogo de aves".

(Ouvir: 7 Haï-Kaï, 1962: Gagaku ).

Haï-Kaï: Poema curto com uma estrutura muito específica: 3 linhas de 5-7-5 sílabas. São
escritos numa única linha. Temas muito variados.
Escreveu-o no ano em que casou com Yvonne Loriod, foram ao Japão e ele adorou (prenda de
casamento).
Piano e 27 instrumentos (criados por Boulez no Domaine Musical).
F o i inspirado nos pássaros que viviam nas margens do Yamanaka (no sopé do Monte Fidji).
Estilo Gagaku muito antigo (séc. VII), Hishiriki toca a melodia principal (espécie de oboé) que
toca, tradicional do palácio imperial. Trompete dobrado por 2 oboés e corne inglês e m
uníssono. Também uma melodia secundária, tocada por uma flauta transversal (Ryuteki)
(transformada em flautim e pequeno clarinete). O conjunto é acompanhado por um Shô
(ó r g ã o de boca) substituído por 8 violinos (pontitiello com um som mais metálico). Há
também percussão.

3º mvt Yamanaka Cadenza, Yvonne Loriod. Torneio de todos os pássaros do lago.

Ópera: Criada em 1983 na Ópera de Paris. Chama-se "São Francisco de Assis". Bastante
grande, 4 horas, partitura de 2000 páginas escrita em 10 anos, 119 instrumentistas incluindo
3 ondes Martenot, 150 coristas divididos em 7 grupos, 7 cantores (S. Francisco + 6 irmãos).
Bastante lento. 10 quadros. Faz votos de pobreza, fala com os pássaros, segundo a lenda.
Beija um leproso e fica curado => São Francisco recebe os estigmas (marcas nas mãos e nos
pés) de Cristo.
Nesta ópera, utilizou todas as aves que tinha mencionado na sua vida.

A sua última peça para uma orquestra de 128 músicos. 1991 Eclairs sur l'au delà.
Música concreta:
Nasceu nos anos 40, primeiras tentativas de música com aparelhos eléctricos, mais tarde
música eletrónica (diferente).
Não durou muito tempo e também deu origem à música acusmática.
O termo "musique concrète" foi cunhado por um francês, Pierre Schaeffer.
(1910-1995) em 1948. Foi o seu inventor, ao qual se juntou Pierre Henry (1927-2017).
O princípio era simples: música composta a partir de sons registados por gravadores de
cassetes. (O piano e a guitarra eléctrica foram inventados nesta altura).
Esta música não é escrita. Grava-se o que se quer (o que existe) e depois manipula-se (de
forma bastante rudimentar), edita-se, muda-se a velocidade de reprodução, passa-se a
cassete ao contrário... Montou o seu estúdio na rádio francesa. Na altura, os estúdios eram
montados nas estações de rádio porque já lá havia equipamento.
(os funileiros, segundo os opositores). Mas mais espontâneo

Durante algum tempo, foi comparada com a música eletrónica. Nesta última, o som é
produzido artificialmente através de geradores de frequência. (Geração de ondas de
diferentes formas, com coisas especiais, modulação de frequência).
Um dos grandes pilares é Stockhausen. A música aqui é escrita.
Uma das suas derivações é a música mista (eletrónica gravada num suporte + acústica, ou
eletrónica ao vivo: transformação de um instrumento ou de uma voz em tempo real).
+ Estruturado e intelectual.

O fosso entre a música concreta e a música eletrónica rapidamente se reduziu. No final

dos anos 50, já não havia qualquer diferença real, pois os compositores misturavam tudo.
A música acusmática não é misturada (inventada por Schaeffer), não sabemos qual é a
fonte.

Audição: Schaeffer, 5 études de bruit (1.ª música concreta) muito recente, portanto com
bastante sucesso.

Em 1949-1950: Symphonie pour un homme seul, 1º mvt (Schaeffer e Henry). Não é a sua
única colaboração. Nessa altura, Schaeffer era o anfitrião do estúdio da ORTF. Boulez e
Stockhausen vieram ver a música mas rejeitaram-na.
A ideia era compor uma sinfonia a partir de sons humanos. Inclui os sons de pianos
preparados gravados e os sons de vozes cantaroladas. Maurice Béjart fez um ballet sobre
ela e continuará a trabalhar com Pierre Henry.
La messe pour le temps présent 1967 (para uma coreografia de Maurice Béjart).

Pierre Henry pediu a Michel Colombier, que não é um compositor de música clássica, mas
sim um compositor de música disco, para colaborar. O objetivo era injetar elementos
electrónicos na música de dança. Juntos compuseram "5 electronic jerks".

Oiça: jerk n°1, prólogo jerk 2 Psyché rock + coreografia.

Nesta altura, a música concreta dá origem à música acusmática. O mais conhecido destes
compositores é François Bayle (1932...). Diretor do GRM em 1966 (instituição francesa,
Groupe de Recherche Musicale), fundado por Pierre Schaeffer em 1958 na estação de
rádio francesa.
Música com suporte, um ramo da música concreta. Composta principalmente num
computador. Utiliza a espacialização do som.
Oiça: Jeita de François Bayle (uma gruta no Líbano onde se realizavam concertos de
música contemporânea nos anos 70).

Todor Todoroff (1963): estudou engenharia na ULB e frequentou o Conservatório de

Mons, especializando-se em música acusmática (música e investigação). Desenvolveu
investigação e criou música e software de assistência para compositores e trabalhou
extensivamente na relação entre dança e música. Trabalhou extensivamente com
Michelle Noiret (coreógrafa belga), utilizando sensores acústicos para transformar os
movimentos dos bailarinos ao vivo. Toda a música é composta a partir daí.

Oiça: Todoroff: de dois pontos de vista (2007). Ingrid

Drese (1963...): O mesmo

Henry Dutilleux (1916 Angers-2013 Paris): Não estudou com Messiaen. Opõe-se a Boulez.
Encarna a continuação "académica", tem uma forma mais tradicional de compor sem ser
reativo. Estudou em Paris e tornou-se professor de composição nessa cidade. Influenciado
por Stravinsky, move-se entre as linguagens tonal e atonal. Conhecido no estrangeiro,
trabalhou nos Estados Unidos. Escreveu uma peça para orquestra chamada Métaboles (1965),
baseada no princípio da variação. Trata-se de uma espécie de concerto para orquestra
(inspirado em Bartok), em que cada uma das 5 partes incide sobre uma das famílias d e
instrumentos (sopros, cordas, percussão, metais, tutti).

Escute:
Concerto para violoncelo "Tout un monde lointain" (Dutilleux)

Pierre Boulez (Loire 1925 - Baden-Baden 2016):

Educado em Paris, estudou anteriormente matemática. A partir de 1944, foi aluno de
Messiaen. No início dos anos 40, René Leibowitz foi o primeiro compositor francês a
escrever música em doze tons. Ele próprio tinha estado na Alemanha para trabalhar com
Schoenberg e Webern. Quando regressou da Alemanha, introduziu esta música em
França (as pessoas não conheciam esta música e os alemães e franceses não a
apreciavam muito). Dá uma conferência sobre o assunto, na qual Boulez participa. Pierre
Froidebise estava presente (ele apresentou Pousseur a Boulez).
Em 1946, Boulez juntou-se à companhia de Renaud Barrault (dois grandes actores), que
representava teatro contemporâneo (Beckett, Ionesco, etc.). Trabalhou aí d u r a n t e 10
anos, inicialmente tocando os ondes Martenot, depois música de palco (foi assim que
aprendeu a ser maestro). No final, trabalhou mais como maestro do que como compositor.
Nos anos 50, criou os concertos "Domaine musical", um dos primeiros festivais de música
contemporânea, onde dirigiu muitas das suas próprias peças e as dos seus amigos.
Gradualmente, foi aceite por muitas orquestras, incluindo a de Cleveland, com a qual
gravou a "Sagração da primavera", bem como a orquestra da BBC em Nova Iorque e a
Orquestra Sinfónica de Londres. Dirigiu uma grande quantidade de música da primeira
metade do século XX e das suas obras.

Oiça: Concerto para orquestra (Bartok) Boulez, Berliner.

Era um grande admirador de Debussy, dizendo que não havia uma tradição musical
francesa (século XIX, não resplandecente). A sua preferência era a liberdade e a aparente
improvisação de Debussy. Como muitos outros músicos do seu tempo, fez muitas
pesquisas sobre o timbre. Tentou afastar-se do "círculo ocidental" e interessou-se pela
música não europeia, como Debussy.
Foi muito influenciado por Messiaen (na forma como estruturou a sua música) e Anton
Webern, o mais radical dos serialistas.
A sua primeira obra, uma sonatina para flauta e piano, foi estreada em Bruxelas em 1946,
porque tinha conhecido André Souris (surrealista belga) em Paris, que organizava concertos
de música contemporânea, criados nomeadamente por Marcelle Mercenier.
No início dos anos 50, colaborou com Pierre Schaeffer (estudos para eletrónica), após o que
criticou a música concreta e afirmou que era "a feira da ladra dos sons".

Em 1952, escreveu "Structures" para 2 pianos, a sua primeira obra serial generalizada. Pouco
antes (1950) Messiaen tinha escrito "modes de valeurs et d'intensité", Structure 1A no
primeiro livro é a sua primeira obra serial generalizada, na mesma série de Messiaen. O
resultado é uma música muito "árida", recortada, representativa da música d e s s e s anos.
Este mvt não durou muito tempo e, no início dos anos 60, alguns dos seus membros já o
estavam a abandonar. O desejo era deixar o passado para trás (música tonal). Alguns
historiadores afirmam que esta música reflecte a imagem d a Europa n e s s a época.
Exatamente na mesma altura, Cage escreveu uma peça no mesmo estilo, em que desenhou
todos o s parâmetros ao acaso, e o resultado foi semelhante.

1955, "Le Marteau sans maître" (O martelo sem mestre), a sua peça mais célebre, ainda
em série generalizada mas com algumas flexibilizações. Para música de câmara,
frequentemente de formação romântica, aqui para flauta em sol, soprano, alto, guitarra e
percussão (inspirada em Pierrot Lunaire). Inspirada em poemas de René Char (que não
gostava da música de Boulez). Contrariamente à tradição, a música nunca ilustra o texto e
a voz é tratada instrumentalmente.
Na sua música, distingue entre tempo suave (sem pulsação) e tempo estriado (com uma
pulsação identificável).
Prosódia, a arte de m u s i c a r um texto. Pretendia romper com a tradição e adotar uma
visão mais estrutural do texto, estruturando a música como o texto está estruturado.

Oiça: Estrutura 1A (Boulez) Le

marteau sans maître (Boulez)
Cummings ist der dichter' 1970 (Boulez): Cummings é um poeta contemporâneo que
abalou um pouco a pontuação e a gramática nas suas obras. O título resulta de um mal-
entendido entre Boulez e as pessoas que encomendaram a obra. 24 instrumentos e coro
de 16 solistas. Estruturada como o poema.

A partir de 1957, introduziu um novo elemento na sua música.

Cage veio a Darmstadt e explicou que trabalhava com elementos de acaso. Os serialistas
estavam fascinados por Cage (talvez um pequeno caso entre Cage e Boulez) e Boulez estava a
introduzir formas d e indeterminação nas suas peças (cara ou coroa, o intérprete escolhe).
No início foi reticente, mas na Terceira Sonata para Piano, pode escolher um caminho através
da obra.
Em 1964, escreveu "Eclats" para 15 instrumentos, cabendo aqui ao maestro fazer as escolhas.
Boulez disse que era uma forma de "eletrificar os músicos"; tinha a impressão de tocar com
eles como se fossem um teclado.
Nos anos 60, desenvolveu gestos "Boulezianos" (por exemplo, movimentos furtivos e rápidos).
Nos anos 70, tornou-se professor de música no Collège de France (uma instituição que
reúne várias disciplinas e pede a profissionais que falem sobre um tema aberto ao
público).
Dirigiu várias vezes a peça "O Anel" de Wagner em Bayreuth com o diretor Patrice
Chéreau.
Em 1977, fundou o IRCAM (Institut de recherche et de coordination acoustique/musique)
em Paris. Este instituto centrava-se na música eletrónica, fazendo investigação com
técnicos e músicos. No início, existiam vários departamentos (filosofia da música, etc.),
mas atualmente especializam-se em música computorizada (uma das instituições mais
importantes do mundo).
No final dos anos 40 e durante os anos 70, Boulez não gostava muito de música
eletrónica (com fita). Desenvolveu-se uma série de programas informáticos capazes de
modificar o som em tempo real, o que limitava a rigidez da fita. Com isto em mente,
escreveu algumas peças (Répons).
Durante este período, criou também o Ensemble Intercontemporain, especializado em música
atual. §A ideia de Boulez era criar um conjunto cujos membros fossem permanentes e
regularmente envolvidos. Ele queria encorajar a música mista.

Escute:
Répons' para 6 solistas e ensemble (Boulez)
Anthèmes 2 (Boulez 1997): violino e eletrónica (harmonizador: transpõe em tempo real
até uma terça. Reinjecção: faça um eco. Espacialização: não como estéreo, sons de vários
lados). São os técnicos que lançam os efeitos, mas pede-se frequentemente aos músicos
que o façam com um pedal.

Iannis Xenakis (1922-2001):

Antigo matemático. Após a guerra, a Grécia foi palco de um regime fascista (a ditadura dos
coronéis). Foi um dos líderes da resistência. Foi condenado à morte e refugiou-se em Paris em
1947. Como tinha estudado matemática e engenharia civil na Grécia, procurou trabalho e
trabalhou no gabinete de Le Corbusier (um arquiteto suíço que revolucionou a arquitetura ao
trabalhar principalmente com betão, telhados planos e estacas).
Por ocasião da Exposição Universal de Bruxelas, no Atomium, em 1958, concebeu um
edifício para os holandeses da marca Philips (assinado por Le Corbusier). Neste pavilhão,
mais de 400 altifalantes foram utilizados para difundir o "poema eletrónico" de Varese.
Quando Xenakis chegou a Paris, estudou composição com Honegger e Milhaud, depois no
Conservatório, na classe de Messiaen, até aos anos 1950. Frequentou também o grupo de
música concreta de Pierre Schaeffer.

Oiça: "Methastasis" (Xenakis 1964): para 61 instrumentos tocando 61 partes diferentes.

Quase ao mesmo tempo que Le Marteau sans maître. Metastasis refere-se à palavra grega
que designa a dialética da transformação das coisas. Calculou as inclinações dos glissandos
em função das inclinações dos glissandos (sobre as quais calcularia as inclinações do
pavilhão). Queria provar que a orquestra tinha as mesmas capacidades que a eletrónica da
época.
Eonta (Xenakis 1964): piano, 2 trompetes e 3 trombones. Criada por Boulez para o domínio
musical. Calculada matematicamente (não é extremista, pode mudar um pouco se a música
não funcionar). Intro composta por IBM. Oposição entre a escrita muito descontínua do piano
e a escrita sustentada dos metais. A ideia de jogo ou de combate está muitas vezes presente.
Rebonds (Xenakis 1987): para percussão, requer grande virtuosismo. Mais alegre ou
dançável.
Nos anos 50, estávamos em pleno serialismo generalizado (pontilhismo). Xenakis criticou-o
(>< Boulez) porque, segundo ele, levava à criação de uma polifonia sobredeterminada que
acabava por se destruir a si própria. Desenvolveu uma teoria de "música estocástica" ou
música probabilística. Utilizando massas sonoras complexas, mas tentando controlá-las com a
ajuda de probabilidades e da matemática. Esta teoria tenta identificar as leis que organizam
as massas sonoras complexas. Uma das grandes ideias de Xenakis foi a utilização de
computadores para criar e compreender esta teoria nos anos 50 e 60.
Música ligeiramente vigorosa, gosta de utilizar micro-intervalos (dividir sem ser pela escala
cromática, o ouvido pode detetar até um 16º de tom).

Música espetral:

Definições: Jean-Noël Von Der Weid Música do s é c u l o XX.

Baseado na modelação: tomar como base o próprio som e analisá-lo (com um sonograma). O
compositor escolhe um som, obtém um sonograma e tenta transferi-lo para outro
instrumento, ou grupo de instrumentos, para obter um determinado timbre.
O processo: passar gradualmente de um modelo sonoro para outro. Pouco a pouco,
desistimos e transformamo-lo noutro.

Este movimento nasceu nos anos 70. Um dos últimos movimentos musicais a surgir (mais
desarticulado). Os primeiros a fazê-lo foram um grupo, o conjunto "Itinéraire" . Eram
instrumentistas, mas criados por compositores: Tristan Murail (FR), Gérard Grisey, Michaël
Levinas (filho de Emmanuel). Conheceram-se nas a u l a s de Messiaen. Mais tarde,
juntaram-se-lhes Huguis Dufourt e Horacio Radulescu. Dois compositores inspiraram o
espectralismo: Scelsi (começou com música serial, depois depressão, depois começou a
repetir sons de piano durante todo o dia e tentou analisar o interior do som...) e Stockhausen
(com Stimung 1968 para 6 cantores usando os harmónicos naturais de um Si grave). Ainda
antes, Debussy teve uma grande influência sobre eles (notas com diferentes intensidades no
mesmo acorde).
Este movimento teve muito sucesso, mas causou polémica porque já não era combinatório
(como Bach), pelo que foi contestado. A música era um pouco lenta e arrítmica.

Escute:
Les espaces acoustiques (Grisey): a sua maior peça (várias peças que podem ser tocadas
separadamente), do solo instrumental à orquestra completa.
Folheie os sinos (Murail)

Muita influência noutros compositores, muitos jovens compositores que não pretendem
ser espectrais utilizam estas técnicas (Claude Ledoux).

Teatro musical:
Georges Aperghis (Atenas 1945- Paris...)
Trabalhou com Xenakis, que se naturalizou francês. Interessa-se muito pelo teatro musical.
Uma forma de fazer música misturando-a com o teatro. As primeiras formas surgiram no
início do século XX com "O Conto do Soldado" e "Pedro e o Lobo", por e x e m p l o . >< Na
ópera, não colocamos os instrumentistas no fosso, fazemo-los participar.
Continua a ser uma disciplina muito praticada.
Aperghis trabalhou para Antoine Vitez (diretor da Comédie Française).
Aperghis cria o ATEM em Paris (Atelier Théâtre et

Musique). (Kagel influencia Aperghis)

Ver: Récitations (Aperghis 1978): Toma um A, depois repete e acrescenta um B, depois

repete o 2 e acrescenta um C... Texto onomatopaico.

Pascal Dusapin (1955- ):

Compositor francês mais famoso, aluno de Xenakis e Franco Donatoni. Influenciado por
Varèse. Quanto mais velho fica, mais suave se torna, a sua música torna-se clássica.
Utiliza microtons. Alguns gestos românticos (sobretudo a música orquestral e as suas
últimas peças). Algumas dezenas de óperas (McBeth sob World), música de câmara,
música orquestral, concertos (violino, trombone), estudos de piano. O seu estilo próprio.

Escute:
Concerto para trombone: "Watt" (Dusapin 1994): o ardor da juventude Etude
n°6 para piano: Tempo Vascillando (Dusapin).

Novas consonâncias (neoclássicas):

Um regresso às formas consonantes da música (música de cinema). A consonância nunca
desapareceu da música. Surge em oposição ao mvt serial. É um dos últimos mvts a
difundir-se internacionalmente. Compositores de todo o mundo escrevem música
neotonal ou neomodal. Grande parte deste trabalho centra-se em Thierry Escaich (1965-
>) (professor no Conservatório de Paris). Há também Guillaume Connesson e Jean-
Francois Zygel (professor em Paris). Utiliza a tonalidade ou a modalidade (modos antigos,
portanto consonantes). T a m b é m não é retrógrado. Escaich é organista e improvisa
muito bem.

Escute:
Le chant des ténèbres (Escaich 1992): sax soprano + 12 saxes Improvisação
sobre o tema de GOT (Escaich)
Funk (Connesson 2011): uma homenagem a James Brown
Música americana:
Não existe uma verdadeira tradição de música clássica americana, porque no século XIX
os compositores eram sobretudo influenciados pela música europeia e, até ao final da
Segunda Guerra Mundial, a maioria dos músicos formou-se na Europa. Paralelamente,
surgiram o jazz e os blues (derivados das tradições africanas). O jazz deu depois origem
ao rock.
Mas a partir dos anos 40, alguns intelectuais americanos (todos brancos) começaram a
deixar a sua marca.
Na Europa, havia o serialismo e a música que tentava exprimir as coisas. Os americanos, por
outro lado, têm um lado mais concetual na sua música (menos sentimento).

John Cage (1912-1992): muito polémico. Não foi apenas um compositor, começou por
estudar piano. Foi também pintor e escritor. Nos anos 30, estudou piano em Paris com
Nadia Boulanger (deu muitas masterclasses na América). Foi também micologista
(cogumelos, que não musicou). Teve 2 importantes professores de composição: Henri
Cowell (trabalhou no interior do piano) e Schoenberg (em 1933 deixou a Alemanha e foi
para Los Angeles, onde ganhou a vida a dar cursos de composição e orquestração à la
Mahler). Interessou-se por ideias seriais e escreveu as suas primeiras peças assim, mas
rapidamente Schoenberg aconselhou-o a parar de compor, pelo que parou.
Em breve fundou um grupo de percussão. Conheceu também um bailarino (que viria a
tornar-se seu parceiro), Merce Cunningham (um dos maiores coreógrafos americanos do
século XX), com quem Cage trabalhou até à sua morte.
Em 1938, inventou o piano preparado. Ia escrever um bailado (Bacchanale 1938), e
queria fazer uma peça para conjunto de percussão, mas viu que não tinha espaço e, para
compensar, criou um piano preparado. Chegou ao ponto de compor um concerto para
piano e orquestra. Os seus pianos são preparados com muita precisão. No início, havia
uma mistura de sons naturais e preparados. Mais tarde, quando escreveu as sonatas e
interlúdios para pianos preparados (1948), refinou ainda mais as sonoridades.

Escute:
Bacchanale (Cage 1938): primeira peça para piano preparado.
Sonate n°5 (Cage 1948): inspirada no gamelão javanês.

Cage fez algumas peças bastante minimalistas com muita repetição. A música repetitiva é
minimalista. Ele inspirou Reich.

Cage também fazia música mista.

Depois disso, tivemos de esperar até 1954, com os Déserts de Varese, para voltar a ver
música mista.

Nos anos 30 e 40, tinha um estilo muito próprio, mas depois voltou a fazer Cage.
Em 1942, escreveu "Credo in US", para um bailado (dançado por Merce Cunningham).
Muito original, piano, percussão (incluindo latas e panelas) e fonógrafo (que toca música
clássica, jazz e canções de cowboys).
Em 1948, iniciou uma colaboração com David Tudor (piano e compositor), que estreou
muitas obras contemporâneas dos anos 50 e 60 (Stockhausen). Foi, sem dúvida, para ele
que Cage escreveu muito para piano.
Em 1949, conheceu Boulez em Paris e tornaram-se amigos directos (talvez ainda mais).
Corresponderam-se durante anos, até se desentenderem n o final da década de 50.
Em 1951, criou uma peça bastante concetual: Imaginary Landscape n°4. Para 12 aparelhos de
rádio e 24 intérpretes (um para acionar o volume e outro para regular as frequências). A
partitura é escrita em notação proporcional (para cada estação). O resultado depende d o
l o c a l o n d e s e e n c o n t r a (gravação e tempo).
Tornou-se diretor da companhia de Cunningham. Conheceu muitos pintores, incluindo
Raushenberg, Ernst e Duchamp. Quando fazia espectáculos de dança, Cage criava música
com objectos colocados sobre uma mesa, enquanto Raushenberg criava cenários com o
que encontrava no teatro.
Tendo-se tornado amigo de Duchamp, escreveu "Music pour Marcel Duchamp" em 1951.
Uma peça muito minimalista e repetitiva para piano preparado. Mais tarde, os
compositores de música repetitiva fariam dela uma peça de referência.
Durante este período, estudou a música de Webern (de certa forma minimalista, muito
concentrada). Outro músico que o impressionou foi Satie (Dadaísta como Duchamp). A
sua música continha repetições e coisas que não faziam sentido (um pouco como Cage).
Foi-lhe apresentada a filosofia Zen.
Em 1952, juntamente com outros compositores, fundou o Projeto de Música para Fita
Magnética, um dos primeiros grupos a fazer música eletrónica. O grupo i n c l u í a : Cage,
Morton Feldman, Christian Wolf e Earl Brown. O grupo ficou conhecido como a Escola de
Nova Iorque.
No ano seguinte (1952), com a companhia de Cunningham, criaram
"Peça de teatro. Foi o primeiro Happening na história da arte.
O que é um Happening ou Evento? Um encontro onde não há separação entre o público e
os artistas. Neste primeiro happening, havia dança, poesia, pintura e música. Teve muito
sucesso nos anos 60 e 70. O grupo Fluxus fazia-os um pouco por todo o mundo. O
objetivo era que o público desempenhasse um papel ativo. A ideia era não separar a vida
normal da vida artística.
Em 1952, escreveu 4.33. Pode ser tocado em qualquer instrumento. A única indicação é que
existem 3 mvts, cada um nomeado por uma duração.
Várias ideias:
- O silêncio absoluto não existe, mesmo numa sala completamente insonorizada.
ouve os seus órgãos).
- Os sons são belos em si mesmos, pelo que é presunçoso tentar organizá-los (vem
da filosofia Zen). Escutamos os sons à nossa volta.
Um musicólogo americano era o produto de 3 vontades: a vontade do autor, a vontade
do intérprete e a vontade do ouvinte. (Não necessariamente verdadeiro).

Ainda nos anos 50, veio dar cursos em Darmstadt. Alguns compositores ficaram muito
impressionados com ele, nomeadamente Stockhausen e Pousseur. Foi nesta altura que Cage
introduziu formas de indeterminação (o intérprete tinha de escolher por si próprio) e de
acaso nas suas obras (4.33 e Imaginary Landscape). Stockhausen e Pousseur integraram nas
suas obras passagens improvisadas (sobre uma altura ou melodia).
Indeterminação ao nível do material sonoro, mas foi ainda mais longe, e introduziu a
indeterminação ao nível da composição. Cage usou o lançamento de dados para determinar
certas escolhas na composição. Anotava as notas mesmo que fossem tiradas ao acaso. Tentou
também lançar uma moeda ao ar ou pegar em mapas astronómicos e transferir pautas para
eles (o que deu origem a alturas aleatórias). Jogou também com a má qualidade do papel
(concerto para piano): havia pequenas
Em seguida, fez o mesmo com as cartas astronómicas. O método Yi-King: o mais antigo
texto chinês conservado, uma coleção poética de textos oraculares, que lhe permite
prever o futuro manipulando os pauzinhos. Ao manipular os pauzinhos, obtém
aleatoriamente uma passagem deste livro. Assim, em vez de desenhar passagens do livro,
fá-lo com notas musicais. Isto elimina qualquer escolha subjectiva por parte do
compositor e livra-o do ego. O resultado é bastante caótico. Mas o resultado está muito
próximo de uma música super-determinada (Boulez). A música está completamente
escrita.

Escute:
Credo in US (Cage): tudo está escrito numa partitura
Imaginary landscape n°4 (Cage)
Music of changes (Cage): grande peça para piano inteiramente extraída ao acaso do I Ching
Música para piano de brinquedo amplificado (Cage 1960): a suite da "suite para piano de
brinquedo". Técnica de transferência. Bastante minimalista.
Música para dois: realização de uma peça maior. Uma peça bastante invulgar em que
escreveu uma peça para orquestra mas em que cada intérprete tem a sua própria
partitura, mas pode tocar as partes que quiser (apenas 2 flautas ou apenas os violinos e
um oboé). Qualquer combinação é possível. 2 pianos cujas cordas são friccionadas com
um arco. Acordes lentos, notas isoladas que formam pequenas melodias e silêncio. Estes
são os principais elementos que compõem a partitura.

Morton Feldman (NY 1926-1987):

Discípulo de Cage. Estudou com Stephen Wolpe (compositor alemão bastante conhecido
nos EUA, aluno de Busoni e Webern). Influenciado por Webern pelo facto de este utilizar
poucos materiais. Estudou também pintura. Nos anos 50, as suas partituras inspiram-se
nos pintores de vanguarda dos Estados Unidos (Pollock, Raushenberg). Foi um dos
primeiros a inventar as partituras gráficas. Uma partitura que já não é escrita da forma
tradicional, mas sim como um desenho que inclui algumas indicações e dá ao intérprete
coisas para tocar, mas que é muito mais livre do que uma partitura normal. Trabalhou
muito sobre este assunto nos anos 50 e o seu sistema tornou-se realidade nos anos 60.
Ele próprio dizia que a sua música estava algures entre a pintura e a música.
Cage também escreveu uma partitura gráfica. Feldman tinha conhecido Cage em 1949
num concerto de Webern. E formaram um grupo com Earl Brown e Christian Wolf: a NY
School.
Passou a escrever um estilo de música extremamente minimalista que não tem qualquer
semelhança com Reich. Há muito pouco som, é bastante calmo (silêncio e baixa
dinâmica). Música muito simples que transmite uma atmosfera de tranquilidade (visão
oriental). Pode ser muito longa.

Escute:
Projeção 1 (Feldman): Violoncelo solo, uma das primeiras partituras gráficas na história da
música. Não há indicação exacta da altura. Pede que os tons agudos sejam tocados muito alto
(harmónicos, por exemplo), os tons médios em pizz e os tons graves em arco. As durações são
indicadas pelas formas em notação proporcional.
Para John Cage (Feldman 1982): violino e piano. Duração +- 70 min.
Steve Reich (NY 1936) :

Americano de origem judaica. Juntamente com Glass, é o expoente máximo da música

repetitiva, da qual foi pioneiro. Já havia música repetitiva, mas não era tão sistemática.
Faz parte da música minimalista. Esta música repetitiva teve muito sucesso nos EUA, mas
quando nasceu (em meados dos anos 60), foi desprezada pelos europeus (Boulez). Só nos
anos 80 é que começou a ser muito tocada.

Durante a sua adolescência, descobriu a música clássica (Bach, Stravinsky, Bartok e Webern).
Foi também muito influenciado pelo jazz, pela música africana e pela música judaica. Estas
serão as suas fontes de inspiração. Estuda filosofia e entra na Juilliard School em 1958.
Estudou com Berio e Milhaud no Mills College.
O minimalismo surgiu em meados da década de 1960, também na pintura. Foi fortemente
influenciado pela música de Satie (Vexação: repetir a mesma coisa 840 vezes). A ideia dos
minimalistas, e sobretudo dos repetitivistas, era utilizar materiais muito limitados e simples
para se oporem à música muito intelectual e áspera (serial) dos anos 50. Isto tem a ver com o
lado hipnótico da música africana (trance).

Entre os minimalistas: La Monte Young (nome verdadeiro) (1935). Primeiro músico

minimalista (não repetitivo). Trabalhou toda a sua vida numa afinação muito particular
baseada em harmónicos naturais. É uma música que pode durar horas e bastante
minimalista (um paraíso sonoro para ele). É sempre acompanhada por uma instalação de
luz concebida pela sua mulher. Também construiu casas de sonho, casas com instalações
de som e luz.

Escute:
O piano bem afinado (Young começou em 1964): afinado de acordo com a sua escala. Dura 6
horas a t u a l m e n t e (não está terminado). Apela à improvisação.

Terry Riley (1935):

Inicialmente um pianista de jazz (tocou com Chet Backer), especializando-se em música
hindu. Foi um dos primeiros a improvisar. Conheceu Young nos anos 60 e ficou
impressionado com a sua abordagem.
Em 1964, compôs uma peça chamada "Em Dó", que é a mais frequentemente executada e a
primeira obra de música repetitiva propriamente dita.

Escute:
Em Dó (Riley 1964): consiste em 53 pequenas células. Devem ser repetidas, mas cada
intérprete decide o número de vezes que cada célula é repetida. Não há limite para o
número de intérpretes. A peça deve durar entre 45 minutos e 1h30. Deve ter um ritmo
regular de colcheias sobre semicolcheias. Obra aberta.

Volte para Reich:

1965: Reich escreve a sua primeira peça repetitiva. Inicialmente, era uma peça
exclusivamente para fita magnética, "It's Gonna Rain". A peça foi composta com 2
gravadores de fita magnética e ele inventou uma técnica conhecida como mudança de
fase. Esta técnica consiste em dessincronizar 2 sistemas periódicos idênticos. Tudo o que
tem de fazer é abrandar um deles, e depois pode voltar a colocar ambos à mesma
velocidade. Mais tarde, aplicará esta técnica também aos instrumentos. Entre 1965 e
1971, a sua música baseou-se exclusivamente nesta técnica.
princípio. A sua segunda peça, em 1966, chama-se "come out". Escreveu também "piano
phase" segundo o mesmo princípio. Foi a primeira peça instrumental a utilizar esta técnica.

Oiça: It's gonna rain (Reich 1966): gravou o irmão Walter a dizer a frase
"vai chover. Vai tirar-lhe a fase. Piano Phase (1967): dois pianos,
deslocados por uma semicolcheia.

Nos anos 70, criou o Steve Reich Ensemble, dedicado exclusivamente à sua música.
Tocava nele (era percussionista e pianista). E foi durante esses anos que experimentaram
todo o tipo de coisas.
A sua música torna-se progressivamente mais consensual. Trabalha o timbre e escreve
para orquestra (ópera).

Eventualmente, deixou de mudar de fase e usou apenas a repetição. Chama a isto um

processo musical graduado. Com base num 'ostinato', os motivos deslocam-se (podem
ser deslocados por muito mais do que a mudança de fase). Também pode alterar os
padrões (apagar ou mudar notas). Existe sempre uma pulsação básica forte. Baseado
numa harmonia tonal ou modal, frequentemente muito simples.
Ao mesmo tempo, opunha-se à corrente da música contemporânea europeia. Muitos músicos
europeus rejeitaram esta música. Só nos anos 90 é que alguém se interessou por ela.
Para ele, o processo musical gradual deve ser compreendido pelo ouvinte (o ouvinte
procura compreender o processo) e colocá-lo numa espécie de "transe". O resultado é a
beleza objetiva, o êxtase.
Escreveu Drumming neste sentido. Uma peça em 4 mvt com a duração de 1H30 para um
ensemble de percussão mais sifflet, piccolo e voz.
Escreveu também "Música para 18 músicos".

Oiça: Drumming (Reich 1971) Clapping

Music (Reich 1972)
Música para 18 músicos (Reich 1976): intervenção não obrigatória, toca-se a partitura mas não
é preciso entrar.
Tehillim (Reich 1981): Significa Salmos (escritos pelo rei David há 10.000 anos). Quanto
mais avança, mais toma pequenas liberdades com o rigor repetitivo. Mais próximo do
pop (mais acessível).

Nos anos 80, escreveu também "Different Trains" (1988) para quarteto de cordas e cassete.
Os comboios diferentes eram os comboios que partiam para os campos de concentração. E os
seus pais viviam muito longe uns dos outros, por isso passava muito tempo no comboio.
Escreveu também "A Caverna", a sua ópera de câmara.
A" City Life " dedicada à cidade de N-Y. Para ensemble e sons samplados. Utiliza sons não
musicais mas transpõe-nos para a mesma altura que os instrumentos tocam, e os
instrumentos imitam os ritmos dos sons gravados.

Escute:
WTC 9/11 (Reich 2010): dedicado às vítimas dos atentados do WTC. Utilizou o mesmo
princípio que em City Life, recuperando as trocas entre a torre de controlo e os pilotos
para criar o seu material musical.

Música por vezes divertida mas composta. Influência em bandas de rock.

Waiting man (King Crimson 1982): rock progressivo (composto mas ainda rock), música
repetitiva. Instrumento original: Chapman Stick.

Philippe Glass (1937- ):

Estudou em Chicago e depois na Juilliard School, onde conheceu Steve Reich. Como
muitos compositores americanos, trabalhou com Darius Milhaud e Nadia Boulanger (uma
grande pianista francesa que passou muito tempo nos EUA). Glass começou por escrever
música em série, mas depressa desistiu dela por a considerar inadequada.
No início dos anos 60, foi para França onde conheceu muitas personalidades, entre as
quais Ravi Shankar, pai de Nora Jones (que viria a ser muito importante para ele, tocando
cítara e fazendo música muito elevada).
Nos anos 60, abraçou a música repetitiva e foi considerado um discípulo de Steve Reich.
Considerou-se um minimalista entre 1965 e 1975. Já não se pode dizer que Ajd seja u m
minimalista. O seu minimalismo é muito menos rigoroso e refinado do que o d e Reich. Pode
mesmo dizer-se que a sua música não está muito longe da música pop. Daí, talvez, o seu
grande sucesso.
Ajd diz que escreve música com estruturas por vezes repetitivas. Música clássica próxima da
música de cinema. A sua 4ª sinfonia, "heroes", é como o álbum de David Bowie (com
Bryan. . . ), utilizou os acordes das canções de David Bowie.
Compôs a música para Kundun (de Scorsese).
Na sua música repetitiva, utiliza o processo de progressão aditiva (1+1, 1+1+2,
1+1+2+3...). A sua música é essencialmente consonante, muitas vezes tonal com cores
modais e harmonias muito simples.

Escute:
Einstein na praia (Glass 1976): ópera apresentada pela primeira vez no Festival de
Avignon em 1977, esta foi a peça que o tornaria muito famoso. Foi ele próprio que
escreveu o libreto. É um pouco desconcertante porque não tem um fio condutor, apenas
várias cenas curtas. Evoca algumas das teorias científicas de Einstein. Realizada por Bob
Wilson (um pouco louco). A ópera tem a duração de 5 horas.
3º mvt do 1º concerto para violino (Glass): repete sequências mas é menos radical que o de
Reich. Tonal e harmonicamente muito simples. A escrita para violino baseia-se principalmente
e m arpejos e cordas duplas.
Sinfonia 3 "Heroes" (Glass): originalmente um bailado. Estreada em 1996 em Nova Iorque
com um bailado.

Elliott Carter (1908-2012):

Morreu e nasceu em Nova Iorque. Escreveu música até ao fim da sua vida. Estudou
composição em Harvard, tendo também trabalhado em Paris com Nadia Boulanger. As suas
primeiras composições eram bastante neoclássicas. Depois, após a guerra de 40-45, a sua
música tornou-se mais contemporânea. É, sem dúvida, o representante mais famoso d a
escola americana próxima da Europa (perto de Boulez). A sua música é bastante densa e
complicada. >< aos minimalistas. Completamente atonal e complexa, escrita e muito
influenciada pela música europeia. O resultado é um pouco frio. Diz-se que é o inventor da
modulação do tempo (já encontrada em Ives), uma forma de mudar o tempo com um certo
racionalismo. Ex: pulso regular, module de acordo com o ritmo. Tome um valor de referência
e depois altere o número desse valor. Por exemplo, mude de 6 semicolcheias para 5 ou 7.
Uma forma bastante natural de alterar o ritmo.
Não era muito popular na altura.

Escute:
Concerto para clarinete baixo e orquestra de câmara (Carter 2009): referências explícitas
à música serial.

Leonard Bernstein (1918-1990):

Bastante singular. Muito famoso porque era um grande m a e s t r o . Era também compositor.
A sua atividade de maestro ocupava muito do seu tempo, pelo que a sua produção não foi
muito abundante. Estudou com Walter Piston. Foi aluno de Sergei Koussevitsky,
contrabaixista na Berliner e compositor, depois fundou uma orquestra em Moscovo, tornou-
se editor de partituras, maestro d a Orquestra Sinfónica de Boston em 1926 até à sua morte
em 1942. Fundou a Fundação Musical Koussevitsky, destinada a ajudar os compositores
(especialmente os jovens, futuros génios). Bernstein torna-se seu assistente e mergulha assim
na criação contemporânea. Ainda muito jovem, Bernstein dirige a Orquestra Filarmónica de
Nova Iorque, tornando-se maestro permanente em 58, com Abbado como seu assistente...
Em Milão, foi um dos primeiros maestros americanos a dirigir Callas. Em 68, a b a n d o n a o
seu posto permanente para se dedicar à composição e ao ensino (professor em Harvard e
radialista infantil).
Um compositor cada vez mais redescoberto. Começou por escrever música
Não durou muito tempo e mais tarde renunciou. Muitas influências diferentes, Mahler,
Stravinsky, Gershwin (compositores que dirige), mas também jazz, pop, música sul-
americana. Música que não seja demasiado complicada, que possa ser apreciada pelo
público. >< John Cage, que queria ser vanguardista. Música maioritariamente tonal.
Compôs muita música para filmes ("Sur les quais" 1954, "On the Waterfront"). Não tem
muitas produções, sendo as mais famosas a ópera "Candide" (1956), o musical "West Side
Story", música religiosa (hebraica), peças para piano, melodias, 3 sinfonias e 1 concerto
para violino.

Oiça
13 aniversários (Berstein): Para os aniversários das pessoas de quem gostava. Sinfonia 2
(Malher): Bernstein dirige
Candide Ouverture (Bernstein): menos enérgico do que na sua juventude.
Sinfonia 3 Kaddish (Bernstein 1963): Ofício dos mortos para os judeus. Um pouco
especial, 1 narrador cujo texto foi escrito pelo próprio Bernstein, soprano solo, um coro
(hebraico e aramaico), coro infantil e orquestra. Dedicada a JFK, que tinha acabado de ser
assassinado. Encomendada pela Fundação Koussevitsky. 8 mvts.
West Side Story (Bernstein 1957): um musical antes de ser um filme. Em 1962, Robert
Wise realizou uma versão cinematográfica. Em 1962, Bernstein produziu uma suite de
dança sinfónica baseada na música de WSS. O libretista pegou no tema de Romeu e
Julieta, mas transpô-lo para a Nova Iorque dos anos 50. 2 bandos rivais entram em
confronto (os Yankees e os Porto Riquenhos). Muita influência do jazz e ritmos sul-
americanos.
Música na Bélgica:
Henri Pousseur: (1929-2009) nasceu em Malmedy (de língua alemã no início, mas falava
sobretudo francês). Começou com o órgão e inscreveu-se no CRLg, onde mais tarde se
tornou diretor. Aí conhece Pierre Froidebise, professor de harmonia prática e compositor (pai
de Anne). Este introduziu os seus alunos na música contemporânea e foi um dos primeiros a
interessar-se por ela na Bélgica, tal como André Souris. Estes dois conheciam bem Boulez e foi
assim que Henri Pousseur se encontrou com Boulez em Paris em 1951. Eles vão formar a
escola do serialismo generalizado. Em 1952, conhece Stockhausen e, pouco depois, Berio.
Tornam-se amigos. Foi convidado a trabalhar na rádio alemã (WDR), que tinha criado um dos
primeiros estúdios de música eletrónica. Aí cria peças. Foi também trabalhar no estúdio de
música eletrónica de Milão (criado por Berio) no final dos anos vinte.
50. Nos anos 70, criou o centro Henri Pousseur, onde montou um estúdio de música
eletrónica (o único na Bélgica), que continua a ser um dos únicos do género na Europa. O
centro rapidamente estabeleceu ligações com o CRLg. Nos anos 50 e 60, lecciona em
Darmstadt. Ensinou depois na Suíça, em Colónia e em Nova Iorque (Buffalo). Tornou-se
professor de composição no CRLg. Tornou-se diretor em 1975. Começa a integrar a
música contemporânea e a música antiga. Cria cursos de música eletrónica, improvisação,
jazz, música de câmara experimental (Peuvion), metodologia de formação em música
experimental (Fourgon) e seminários de jazz (segunda escola de jazz fundada na Europa).
Cria uma dinâmica especial. Saiu ao fim de 11 anos. Foi trabalhar para La Villette em Paris
(instituto de pedagogia musical).
Sob o seu impulso, o conservatório de Liège teve uma grande visibilidade como
conservatório-piloto.

A sua música pode ser dividida em 3 grandes períodos (não estanques).

O primeiro é o "serialismo pós-weberniano", o seu mais pequeno (1951-1960). Tornou-se
muito conhecido por ele, mas não se orgulhava disso. Foi o primeiro a abandonar este
movimento (primeiro dissidente.
A segunda (no final dos anos 50 e que n ã o pára). Exploração de formas abertas. Formas
musicais em que o intérprete tem uma certa liberdade. Esta abordagem foi realmente
influenciada por John Cage (que veio ensinar em Darmstadt). Foi também nesta altura que
procurou integrar diferentes estilos de música na sua música (um parâmetro por si só).
Desenvolveu a técnica das redes, misturando assim diferentes estéticas (pós-modernismo).
No último período (início dos anos 70), tentou integrar todos os tipos de materiais diferentes
(música do mundo, música tradicional).

Oiça:
Quintette à la mémoire de Webern (Pousseur 1955): serialismo generalizado. Baseado na
série Opus 22 de Webern.
Vue sur les jardins interdits (Pousseur 1973): quarteto de saxofones. Posteriormente,
escreveu 7 versões diferentes da peça. Eis uma versão para 5 clarinetes. Uma canção de
Samuel Scheidt.

Em 1961, a cidade de Liège pede-lhe que componha uma peça eletrónica para a inauguração
da torre cibernética de Schöffer (Boverie). "3 visages de Liège" (Pousseur 1961): para cassete
solo. 3 faces: ar e água, vozes da cidade, forjas.

Nos anos 60, escreveu uma ópera, "O teu Fausto", que estreou em 1968 no La Scala de Milão.
É uma peça em que utiliza diferentes estilos. O público pode decidir como é que a ópera
continua. Tem uma duração de 2 horas, mas contém 7 horas de música escrita.