A Cultura do Salão

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1. Introdução

Índice

1.1 Introdução: textos de apoio ..................................................................................... 2

1.2 Música clássica: características gerais ................................................................. 10

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1.1 INTRODUÇÃO: TEXTOS DE APOIO

Clássico

Termo que, aplicado à música, tem um significado mais vago que específico: 1) Música
composta mais ou menos entre 1750 e 1830 (ou seja, pós-barroco e pré-romântico) que cobre
o desenvolvimento da sinfonia e do concerto clássicos. 2) Música de uma natureza ordenada,
com qualidade de clareza e equilíbrio, e enfatizando a beleza formal sobre a expressão
emocional (o que não significa falta de expressão). 3) Música que é geralmente considerada
como tendo um valor mais permanente que efémero. 4) “Música clássica” é usada como um
termo genérico significando o oposto à música ligeira ou popular.

Kennedy, Michael (1994), Dicionário Oxford de Música, Círculo de Leitores

Música no período clássico

O período clássico, dentro a “música clássica”, começou talvez em 1735 e terminou por
volta de 1825, abrangendo alguma sobreposição com os períodos em torno do Barroco e do
Romantismo. O que significa a palavra “Clássica”? A música está pouco relacionada com as
civilizações clássicas da antiga Grécia e Roma. A chave para a compreensão do
desenvolvimento inicial do Classicismo na música encontra-se com o aparecimento de um
novo estilo no início do século XVIII, que atraiu o termo galant e outros adjetivos. Esta
abordagem enfatizou a elegância e a clareza da melodia sobre o contraponto robusto
favorecido no Barroco. Mozart e outros compositores do período Clássico parecem agora
incorporar o período da elegância. […]
Graças à poderosa tríade Vienense de Mozart, Haydn e Beethoven, os ouvintes tendem a
pensar a música do período clássico como austríaca em essência. Mas as suas origens foram
italianas. Os primórdios do verdadeiro estilo clássico, por volta de 1730, podem ser atribuídos
a Bolonha, onde o professor e compositor Francesco Durante começou a transmitir aos seus
alunos uma estética de simplificação radical. Um dos alunos de Durante, Giovanni Pergolesi,
chegou a um estilo claro e, depois, altamente controverso, que despojava praticamente todo o
contraponto esperado (música com várias linhas independentes, como um todo) em favor de
texturas delicadas e melodias enérgicas. O Stabat Mater de Pergolesi de 1736 substituiu a
versão escrita em 1710 por Domenico Scarlatti na Catedral de Bolonha; e ao mesmo tempo, o
Stabat Mater de Pergolesi soou “despido” em comparação com a obra de Scarlatti, a sua
simplicidade e impacto emocional marcou algo completamente novo.
Em breve os compositores italianos e alemães inventaram uma nova forma que lhes
permitiu expandir as suas ideias: a sinfonia. Originalmente concebida como um breve prelúdio
de uma cantata vocal ou de uma ópera, a sinfonia começou a assumir uma vida própria como
uma espécie de concerto de entretenimento executado pela orquestra da corte. Embora
Giovanni Battista Sammartini seja geralmente creditado como o primeiro compositor a
escrever verdadeiras sinfonias, o compositor Vienense Georg Matthais Monn pode tê-lo
vencido por alguns anos.
Refletido até mesmo na obra de compositores mais antigos, como Georg Philipp
Telemann, que o adaptou no final da vida, o novo estilo Clássico finalmente se mudou para o
centro do palco na música europeia por volta de 1750. Vários dos seus mais célebres
praticantes iniciais foram filhos do rei dos compositores barrocos, Johann Sebastian Bach.
Carl Philipp Emanuel Bach passou muitos anos a trabalhar para o amante da música Rei da
Prússia, Frederico, o Grande. C. P. E. Bach, como é conhecido, parece ter assimilado as
inovações italianas muito cedo, pelo menos em 1738. Herdou uma certa inclinação para o

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drama e para a complexidade do seu pai, e quando essas qualidades encontraram os novos
estilos surgiram combinações altamente incomuns. C. P. E Bach associou-se a escritores
como Fredrich Klopstock, que desenvolveu o estilo literário conhecido como Sturm und Drang
(tempestade e ímpeto), e criou um estilo musical correspondente: o Empfindsamer Stil, ou
estilo expressivo, exerceu uma forte influência sobre Franz Joseph Haydn.
Haydn, estudante do italiano Nicola Popora, juntou-se ao serviço da poderosa família
Austro-Húngara, os Eszterházy, em 1759. Educado e laborioso, Haydn trabalhou arduamente
durante três décadas, criando, ensaiando e executando música de alta qualidade para os seus
patronos. Como compôs sinfonia após sinfonia (108 no total), Haydn desenvolveu
procedimentos que se uniram na chamada forma allegro-sonata. Simplificando, significa que
um andamento muitas vezes consistia numa série de grandes secções – uma área temática
principal, área temática secundária, secção de desenvolvimento, recapitulação e coda –
marcadas por mudanças harmónicas. Haydn revolucionou a sinfonia pela aplicação do
princípio do allegro-sonata, definindo o número de andamentos para quatro e escrevendo
andamentos individuais mais longos e complexos. Haydn também é creditado com a
padronização do quarteto de cordas: dois violinos, uma viola e um violoncelo. Isolado na
propriedade Eszterházy por muito tempo da sua carreira, Haydn quase não percebeu a
celebridade que era: as suas obras foram executadas em todos os lugares e foram
avidamente estudadas por outros compositores – talvez pelo mais ansiosamente de todos,
Mozart.
Porque a música do período clássico tomou a forma que tomou? Talvez fosse atraente
para a aristocracia rural da Europa, com o seu gosto pelo previsível e o seu desdém por
efeitos discordantes. Mas também encontrara proteção com intelectuais, como Rousseau,
Diderot e Voltaire, que amarraram a música à antiga noção Clássica de ordem e equilíbrio em
todas as artes e acreditavam que o acesso a formas superiores de aprendizagem para todos
os cidadãos daria início a uma Idade da Razão, eliminando a ignorância e criando a paz e a
democracia em todo o mundo. A aristocracia rural teria de ir – mas não quisera ir tão
facilmente.
As cortes Europeias iriam sobreviver para testemunhar o maior expoente de sempre da
melodia, Wolfgang Amadeus Mozart. Mozart começou como criança prodígio, tutelado na
composição pelo seu pai. Fortemente afetado desde o início pelo trabalho do aluno mais
brilhante do professor Bolonhês Padre Martini, Johann Christian Bach, Mozart combinou vários
talentos num estilo popular e em movimento que era musicalmente tão sonoro que tinha a
qualidade, muito apreciada, de aparente ausência de esforço. As maiores contribuições de
Mozart estiveram talvez na ópera; também fez contribuições duradouras na sinfonia, música
de câmara, música para tecla e música coral. A reputação de Mozart não se baseia em
inovações formais do tipo que Haydn introduziu; pelo contrário é a mestria, a eficácia e pura
beleza da sua obra que o coloca numa classe por si só. Ao contrário das considerações
populares, a sua morte prematura em 1791 foi amplamente notada, observada e lamentada –
e agitou-se a especulação de que a mudança musical estava a acontecer.
Na verdade, Ludwig van Beethoven estava surgindo, tal como os horrores da Revolução
Francesa e o seu Reino de Terror desafiaram a noção de que a procura da democracia levaria
a uma próspera Idade da Razão. Em 1792, Beethoven mudou-se de Bonn para Viena e logo
se estabeleceu como o herdeiro natural de Mozart e do velho Haydn. Até ao final da década,
no entanto, Beethoven foi esmagando os claros limites das formas clássicas. Em termos
gerais, Beethoven uniu os ideais Clássicos da forma abstrata e do equilíbrio com as
preocupações que dominam o século romântico emergente: a natureza humana e a
experiência, o contrato social, o poder do mundo natural. Quando a Sinfonia “Heróica” de
Beethoven foi estreada em 1803, os críticos e compositores pensaram que ele tinha perdido a
cabeça. Longas ou curtas, as suas obras assumiram um alcance e uma intensidade que
parecia estar em desacordo com o estilo clássico, mesmo quando mantinham a sua lógica.
Beethoven redefiniu a sonata para piano como uma poderosa forma de expressão individual,
escreveu quartetos de cordas de complexidade sem precedentes e transformou o concerto

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num ensaio virtuoso sobre o tema do indivíduo contra a multidão. Com o grupo de canções
chamado An die ferne Geliebte, criou o ciclo de canções, um género que foi a própria essência
da subjetividade emocional.
Até ao final da década de 1810, os compositores mais jovens, como Franz Schubert e
Franz Berwald começaram a considerar que Beethoven estava no caminho certo. Em 1824, a
Nona Sinfonia de Beethoven, com mais de uma hora de duração, tornou-se o novo modelo do
que uma sinfonia poderia ser, abraçando um coro, solistas vocais e uma visão de um novo
mundo. No ano seguinte, um membro do público numa apresentação em Paris da ópera de
1752 de Rousseau Le devin du village atirou uma peruca empoada para o palco. O momento
tinha surgido: apenas magistrados usavam perucas empoadas, e a ópera, outrora um símbolo
do espírito revolucionário, foi retirada do repertório como demasiado antiquada. Este simples
evento pode ser visto como uma sentença de morte para o estilo clássico.

Instrumentos e géneros clássicos

Durante o período clássico, os compositores começaram a exercer uma nova influência

sobre a forma de como a música que escreviam era executada. […] Aos poucos, marcas de
expressão e tempos especificados tanto nas partituras escritas como publicadas cresceram de
forma mais proeminente. A percussão e certas partes de instrumentos de sopro, previamente
indicadas de forma superficial, agora eram escritas. O clarinete, o fagote e eventualmente o
trombone emergiram como instrumentos importantes durante o período clássico.
A sinfonia, o quarteto de cordas e o concerto a solo alcançaram a plena maturidade,
enquanto os concertos para vários instrumentos do período Barroco e do início do período
Clássico declinaram em importância. Johann Sebastian Bach tinha arranjado os seus
concertos para teclado a partir de obras para violino, e Vivaldi nunca escreveu nenhum
concerto para teclado. Em comparação, em 1765, os filhos de Bach, Carl Phillip Emanuel e
Johann Christian, tinham cada um já escrito dezenas deles. O pianoforte (ou piano) foi
inventado por Bartolomeo Cristofori em 1729, foi refinado e tornou-se prontamente disponível
por volta de 1770. Rapidamente o cravo parecia uma relíquia pitoresca.
Uma característica definidora da música Clássica foi o crescimento da ópera cómica. […]
O intermezzo La serva padrona de Giovanni Pergolesi (1733) foi o trabalho pioneiro neste
estilo e a sua história central de uma serva iludindo o patrão abriria um precedente arriscado
para obras seguintes – a mais importante As Bodas de Fígaro de Mozart. As primeiras óperas
cómicas retrataram personagens realistas em situações familiares e acabaram com o antigo
panteão greco-romana de figuras míticas (compositores Barrocos, na verdade, viram-se para
os clássicos gregos e romanos mais frequentemente do que os compositores clássicos
fizeram!).
A ópera séria continuou a usar as configurações mitológicas e antigas, mas a mudança
veio para esse género também. A música da ópera de 1761 Orfeo ed Euridice de Christoph
Willibald Gluck era simples e de textura clara, e pela primeira vez árias e recitativos se uniram
numa unidade harmoniosa. O libreto foi estruturado para o efeito dramático, evitando pesadas
alusões metafóricas e referências a figuras míticas obscuras que nada têm a ver com a
história. As “reformas” de Gluck não eram para todos os gostos, mas com o tempo afirmaram-
se. As óperas de Mozart foram os principais exemplos das novas reformas tornadas possíveis;
as formas e o finale sombrio de Don Giovanni, o seu conto de Dou Juan seria impensável nos
primórdios do período clássico.

Grandes compositores e o cenário mais vasto

Muito poucas óperas do período clássico para além das Gluck e Mozart são agora
executadas, e em geral a visão moderna do período clássico da música sofre de um foco
muito forte em poucos compositores. Haydn, Mozart, Beethoven são citados como o Pai, o
Filho e o Espírito Santo do estilo clássico. Tal visão limita desnecessariamente o entendimento

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desta fase crucial da música ocidental. A investigação académica detalhada do Classicismo

para além deste trio esteve principalmente em curso apenas no fim do século XX, e muita da
música clássica nunca foi executada, gravada ou publicada.
Na verdade, a compreensão das obras básicas de Haydn, Mozart e Beethoven,
provavelmente fornecem uma audição mais do que suficiente para toda a vida. E alguns de
“segunda ordem”, como Karl von Ditters Dittersdorf ou Georg Matthias Monn, podem “não
atear fogo à sua alma”. Mas se explorar um pouco mais profundamente encontra compositores
de toda a Europa que foram tocados pelas novas correntes e fizeram algo diferente a partir
delas: Juan Arriaga e Carlos Baguer de Espanha; o franco-alemão Franz Ignaz Beck; o
virtuoso de teclado Muzio Clementi (de Itália) e Jan Ladislav Dussek (um checo bem-viajado),
ambos influenciaram fortemente Beethoven; o sueco nascido na Alemanha, Joseph Martin
Kraus; o sinfonista checo Jan Vanhal; o compositor de ópera e de igreja Luigi Cherubini
(próprio favorito de Beethoven entre os seus contemporâneos); os compositores da Escola de
Mannheim; os compositores iniciais do Norte da América e Hispano-Americanos; e inúmeros
outros. Todos esses compositores pertencem ao período clássico, todos são interessantes e
agradáveis nos seus próprios termos, e todos são únicos na abordagem.
Com efeito, uma compreensão do panorama geral do período Clássico pode aprofundar a
apreciação das suas ideias principais. Haydn, Mozart e Beethoven não criaram as suas obras
num vácuo. Ao contrário, viveram numa época de mudanças rápidas e fundamentais –
contribuindo, a algum nível, para essas mudanças, mas também flutuando em correntes
agitadas por outros. A descoberta dos muitos tesouros que esperam para ser ouvidos e
apreciados deste período é ao mesmo tempo uma viagem de investigação sobre um período
fascinante da história que está por detrás de muitos dos pressupostos mais básicos das
sociedades contemporâneas.
Woodstra, Chris (2006), All Music Guide to Classical Music, Backbeat Books

O período clássico

O período clássico da música - aproximadamente 1750 a 1800 – corresponde a um

período de intensa fermentação e mudança na história da Europa. Poderosas correntes
intelectuais com noções de liberdade e progresso desafiaram a ordem estabelecida. Conflitos
em escala global entre as grandes potências da Europa minaram as finanças da Grã-Bretanha
e da França, afrouxando o controlo da Grã-Bretanha sobre as suas colónias americanas e
desencadeando uma revolução cataclísmica e o colapso da monarquia na França. Os avanços
tecnológicos levaram ao início da Revolução Industrial.

A Era do Iluminismo

O século XVIII testemunhou o crescimento de uma visão intelectual que enfatizava o

potencial da humanidade de entender e melhorar a sua condição através da aplicação da
razão e do poder do indivíduo, com liberdade suficiente, para levar uma vida de auto-
realização. Os defensores desta perspetiva consideraram que se tratava de uma época
iluminada, e o período em que floresceu é conhecido como a Era do Iluminismo.
O filósofo alemão Immanuel Kant (1724-1804) definiu o Iluminismo como “o surgimento
do homem da sua imaturidade auto-imposta. Imaturidade é a incapacidade de usar o
entendimento sem orientação do outro. Esta imaturidade é auto-imposta quando a sua causa
não reside na falta de entendimento, mas na falta de determinação e coragem para usá-la sem
orientação de outra pessoa”. Este apelo à coragem, que Kant resumiu na expressão sapere
aude! (“Ousa saber!”) é um elemento importante do pensamento iluminista. As principais
figuras do Iluminismo estavam prontas para seguir a razão onde quer que a levasse, mesmo
que isto significasse arriscar as suas vidas e bem-estar ao atacar instituições estabelecidas

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como a monarquia e a Igreja.

As origens desta nova perspetiva singular podem ser encontradas na Inglaterra do final
do século XVII. A “Revolução Gloriosa” de 1688 havia restringido substancialmente o poder
real por meio de um parlamento eleito. Em 1690, o filósofo inglês John Locke publicou dois
tratados nos quais articulava o princípio de que o governo existe como resultado de um
contrato com os governados para proteger os seus direitos naturais à liberdade e à
propriedade. Se o governo violar este contrato com políticas opressivas, os governados têm o
direito de se rebelar e substituí-lo. O escritor francês François-Marie Arouet, mais conhecido
como Voltaire (1694-1778), passou mais de dois anos (1726-1729) no exílio em Inglaterra,
onde ficou profundamente impressionado com as ideias de Locke, as realizações científicas
de Isaac Newton, e a relativa liberdade da sociedade inglesa, com ênfase na dignidade do
indivíduo. Ele regressou a França com um conhecimento em primeira mão da filosofia e do
pensamento social ingleses e tornou-se líder entre um grupo de pensadores franceses que se
autodenominavam filósofos (mas a quem hoje poderíamos chamar de críticos sociais). Os
principais foram Charles Montesquieu (1689-1755), Denis Diderot (1713-1784) e o suíço Jean-
Jacques Rousseau (1712-1778).
Os filósofos do Iluminismo eram fundamentalmente otimistas. Os seres humanos, eles
acreditavam, eram naturalmente bons, e a sociedade poderia ser aperfeiçoada se a razão
permitisse substituir a superstição e a tradição na formação da ordem social. A sua recém-
descoberta confiança na razão como um meio de auto-realização levou a uma nova perspetiva
sobre o relacionamento entre o indivíduo e o estado, e entre o indivíduo e Deus. Os filósofos
desafiaram a reivindicação dos monarcas de governar pelo direito divino e objetaram à religião
organizada por promover a intolerância e desviar a atenção da busca racional de
aperfeiçoamento humano e pessoal nesta vida.
As visões políticas dos filósofos, embora geralmente enraizadas no conceito de direitos
naturais e contrato social, eram variadas. Variaram das ideias reformistas de Montesquieu –
um admirador da monarquia constitucional britânica e o primeiro a argumentar pela separação
de poderes no governo – até à democracia mais radical defendida por Rousseau. Segundo
Rousseau, o “nobre selvagem” – a humanidade num estado de natureza primitiva perante o
governo – era moralmente superior ao indivíduo civilizado, impedido pelas leis e convenções
arbitrárias da sociedade, a sua divisão em classes sociais e suas religiões. “O homem nasceu
livre”, observou Rousseau no seu Contrato Social de 1762, “e em toda parte ele está
acorrentado”.
Os ideais iluministas forneceram uma base intelectual para os movimentos
revolucionários no final do século XVIII. A Declaração de Independência Americana de 1776 é
um manifesto completamente iluminista que afirma como “auto-evidente” as “verdades” de que
“todos os homens são criados iguais; que eles são dotados pelo seu Criador de certos direitos
inalienáveis; entre eles estão a vida, a liberdade e a busca da felicidade. Para garantir estes
direitos, os governos são instituídos entre os homens, derivando os seus justos poderes do
consentimento dos governados”. Cada uma destas afirmações é uma proposta
caracteristicamente iluminista: ninguém os consideraria auto-evidentes 100 anos antes.
Apesar das implicações revolucionárias das suas ideias, muitos pensadores do
Iluminismo apoiaram as monarquias existentes na Europa e até a ideia do absolutismo. Mas
defendiam um absolutismo “iluminado”, liderado por um “déspota iluminado” – um governante
poderoso que exercia restrições e que trabalhava consistentemente para o bem do todo maior,
em oposição ao seu auto-engrandecimento. Vários monarcas do final do século XVIII
procuraram aplicar certos princípios do Iluminismo neste sentido. Tanto Frederico, o Grande,
na Prússia, quanto Catarina, a Grande, na Rússia, mantiveram uma correspondência de
décadas com Voltaire, que muitas vezes tocava em ideias sobre governação; Voltaire até
serviu por um tempo na corte de Frederico em Berlim. Na Áustria, José II instituiu reformas
impulsionadas pelas atitudes do Iluminismo em relação à religião, proibindo longos serviços e
música elaborada e impondo no seu lugar uma forma de culto mais simples, direta e menos
onerosa.

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Consistentes com a sua crença no poder da razão para promover o progresso, os

filósofos do Iluminismo estavam profundamente comprometidos com a busca do conhecimento
científico, não apenas pelas suas aplicações práticas, mas também como uma chave para a
compreensão do eu. Eles consideravam o conhecimento científico o principal meio de superar
a superstição. Thomas Jefferson (1742-1826), o principal defensor do Iluminismo nos novos
Estados Unidos, estabeleceu a Universidade da Virgínia no início do século XIX, com base no
que ele chamou de “a liberdade ilimitada da mente humana. Pois aqui não temos medo de
seguir a verdade aonde quer que ela leve, nem tolerar qualquer erro enquanto a razão estiver
livre para combatê-lo”.
Para que os frutos do Iluminismo atingissem o maior público possível, precisou de ser
sintetizado e publicado. O Iluminismo foi a grande era das enciclopédias, resumos de
conhecimentos conhecidos direcionados a um público amplo de leitura. A mais importante
delas foi a Encyclopédie de 33 volumes, editada por Diderot e publicada entre 1751 e 1777.
Este compêndio maciço, com o subtítulo Um dicionário racional das ciências, artes e
profissões, contém aproximadamente 72.000 entradas escritas por mais de 140
colaboradores, incluindo Voltaire, Rousseau e o próprio Diderot. Rousseau, que também era
compositor, escreveu quase todas as entradas de música para a Enciclopédia e mais tarde as
usaria como base para o seu dicionário inicial de termos musicais, publicado em 1768. Em
Inglaterra, a mais modesta Encyclopedia Britannica apareceu pela primeira vez em 1768-1771.
A enciclopédia Brockhaus em língua alemã começou a ser publicada em 1796.

Guerra e revolução

Ao longo do século XVIII, as principais potências da Europa disputavam vantagens umas

com as outras, tanto nos seus territórios quanto nas suas agora distantes colónias. Em 1756,
uma invasão prussiana da Saxónia desencadeou um conflito global entre a França e a Grã-
Bretanha por causa das suas reivindicações coloniais na América do Norte, Índia e em outros
lugares. Conhecida como a Guerra dos Sete Anos na Europa e a Guerra da França e da Índia
na América do Norte, terminou com a derrota da França em 1763, deixando a Grã-Bretanha
no controlo incontestável da maior parte da América do Norte a leste do Mississippi. A enorme
despesa da guerra, no entanto, sobrecarregou as finanças dos dois países. A Grã-Bretanha,
como resultado, procurou impor novos impostos nas suas colónias americanas, provocando a
Revolução Americana de 1775-1781, que levou à criação dos Estados Unidos.
A França, à beira da falência pela guerra, sofreu consequências ainda mais catastróficas.
Depois de mais de uma década de tentativas ineficazes de enfrentar a crise financeira, Luís
XVI foi forçado em 1789 a convocar os Estates General. Os eventos rapidamente saíram do
controle do rei. A Revolução Francesa, inspirada nas doutrinas iluministas, resultou no fim da
monarquia. Relativamente sem sangue no princípio, a revolução transformou-se em si mesma
durante o Reino do Terror (1793-1794), durante o qual cerca de 250.000 suspeitos de serem
opositores da revolução foram presos e cerca de 1.400 executados em público pela guilhotina.
Luís XVI e a sua rainha, Maria Antonieta, estavam entre as vítimas.
A queda violenta da que há muita era considerado a monarquia mais poderosa da Europa
chocou o resto da Europa. Depois de 1789, nenhuma instituição social ou política poderia ser
tomada como garantida. As ideias sobre democracia e autodeterminação pública já estavam
no ar muito antes: a Grécia e Roma antigas ofereciam uma imagem remota de governo
democrático, e os monarcas britânicos vinham cedendo o poder gradualmente há muitos anos.
A Revolução Americana havia fornecido outro modelo de mudança. Ainda assim, na época os
Estados Unidos ocupavam a margem de um grande deserto, longe dos centros da civilização.
Paris, por outro lado, era em muitos aspetos a capital da Europa, um dos principais centros de
progresso da ciência e das artes.
A Revolução Francesa – com o seu apelo iluminista por liberdade, igualdade e
fraternidade – marcou o início de um declínio gradual na estrita hierarquia da estrutura de
classes em toda a Europa. A mudança ocorreu mais rapidamente em alguns lugares (Londres,

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Berlim) do que em outros (Viena), mas era palpável em todos os lugares. O afrouxamento das
hierarquias sociais significava maiores oportunidades para indivíduos talentosos, que podiam
escolher as suas ocupações com uma liberdade muito maior do que até agora.
A violência da revolução, no entanto, levou muitos a questionar os ideais iluministas que a
motivaram. Após o Terror, era mais difícil acreditar na bondade inerente do indivíduo e na
perfectibilidade da sociedade.

Revolução industrial

Outra revolução, mais subtil, mas não menos significativa, estava a ocorrer neste
momento no mundo da indústria. A Revolução Industrial, como mais tarde seria conhecida, foi
impulsionada pelos avanços da tecnologia. Novas máquinas estavam a tornar a fabricação
mais eficiente e económica. Na indústria têxtil, a lançadeira volante de John Kay, patenteada
em 1733, permitiu que um tecelão fizesse o trabalho de dois. A roda giratória tradicional,
usada na Europa ocidental desde o século XIV, podia produzir apenas um fio de cada vez,
mas a máquina de fiar de James Hargreaves, desenvolvida na década de 1760, produzia 8 e
mais tarde 16 fios ao mesmo tempo. O descaroçador de algodão de Eli Whitney (1793) tornou
o custo de produção de algodão tão económico que a produção de algodão do sul da América
aumentou dez vezes entre 1793 e 1800. (Como os plantadores do sul dependiam do trabalho
escravo para cultivar algodão, uma consequência infeliz da invenção de Whitney foi fortalecer
a instituição da escravidão no Sul.) Todas estas e outras descobertas combinaram-se para
acelerar o crescimento das fábricas de têxteis em Inglaterra, nos Estados Unidos (a partir de
1790) e em todo o mundo ocidental.
A invenção mais importante da Revolução Industrial foi o motor a vapor. O primeiro motor
a vapor prático foi inventado por Thomas Newcomen e colocado em uso em 1712 para
bombear a água das minas subterrâneas. As melhorias de James Watt em meados da década
de 1760 permitiram a aplicação de energia a vapor a praticamente qualquer setor. Fábricas
que antes estavam localizadas perto de córregos e alimentadas por água corrente agora
podiam estar localizadas em qualquer lugar com acesso ao carvão. Em poucas décadas, a
região produtora de carvão de Midlands, na Inglaterra (incluindo as cidades de Manchester,
Birmingham e Sheffi) tornou-se o centro de uma economia altamente industrializada que
exportava têxteis, aço, máquinas e produtos acabados para todos os cantos do mundo. Com o
tempo, outras nações ocidentais seguiriam o exemplo da Inglaterra em transformar a
economia agrária em industrializada.
As consequências sociais da Revolução Industrial foram profundas. Trabalhadores que
operavam máquinas pesadas em grandes fábricas cada vez mais realizavam trabalhos que
antes eram feitos em casa. As cidades cresceram em torno destas novas fábricas, geralmente
da maneira mais casual. Condições de vida esquálidas e falta de saneamento eram comuns,
assim como surtos de doenças transmissíveis como tuberculose, febre tifóide e cólera. Porém,
à medida que as economias nacionais aumentavam de tamanho e escopo, mais e mais
trabalhadores seguiam oportunidades de trabalho do campo agrário até à cidade
industrializada.

Música na sociedade do Iluminismo

Direta e indiretamente, a música beneficiou dos ideais iluministas e dos muitos avanços
no comércio, tecnologia e transporte que se desenrolaram ao longo do século XVIII. Refletindo
o impulso iluminista de produzir compêndios enciclopédicos de conhecimento, as primeiras
histórias abrangentes da música datam da época clássica. Os avanços tecnológicos na
gravação melhoraram a eficiência da publicação musical e o comércio da música tornou-se
verdadeiramente internacional na segunda metade do século XVIII. Técnicas de fabricação
aprimoradas tornaram instrumentos musicais como o piano cada vez mais acessíveis para
famílias de classe média e alta. O crescimento das cidades e dos empreendimentos

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empresariais, principalmente em Inglaterra, foi acompanhado por uma crescente demanda por
espetáculos públicos e por um aumento no número de locais para a sua realização.
O público também queria saber mais sobre a música a ser executada nestes espetáculos.
Editores empreendedores preencheram esta necessidade com um número cada vez maior de
periódicos musicais. Na década de 1770, o compositor e teórico alemão Johann Nikolaus
Forkel (1749-1818) proferiu uma série de palestras públicas que representam uma das
primeiras tentativas de educar o público em geral no que hoje consideramos apreciação da
música. O público também queria aprender sobre os próprios compositores. As Memoirs of the
Late G. F. Handel de John Mainwaring, do falecido G. F. Handel (1760), foram a primeira
biografia publicada separadamente de um compositor. Várias biografias de Wolfgang
Amadeus Mozart apareceram logo após a sua morte em 1791. Esta tendência reflete o
surgimento de compositores como ícones culturais, a sua crescente independência do
patrocínio aristocrático e a sua crescente dependência de um público pagador. Quando
Joseph Haydn chegou a Londres no mesmo ano da morte de Mozart, a sua reputação o
precedeu. No início da sua carreira, ele fora um criado para o seu empregador aristocrático;
agora era recebido nos mais altos níveis da sociedade. Quando retornou permanentemente a
Viena em 1795, tornara-se um herói cultural e um tesouro nacional.
Apesar destas tendências, a maioria das obras continuou a ser escrita e tocada para a
igreja ou para as cortes e residências da nobreza e aristocracia durante a segunda metade do
século XVIII. A variedade e qualidade da música em qualquer localidade dependia, portanto,
em grande parte dos gostos e recursos financeiros do patrono que a presidia. Haydn teve a
sorte de ter um empregador principesco comprometido com a produção musical de alta
qualidade, que tinha recursos para pagar por isso. Foi capaz de viver de forma independente
no final da sua carreira apenas porque se tornou uma celebridade internacional.
Outros compositores, como Mozart, não tiveram tanta sorte. Independente por padrão,
por não ter conseguido um compromisso lucrativo, Mozart juntou uma renda de várias fontes.
Ensinava piano e composição, fazia concertos de tempos em tempos, escrevia trabalhos sob
encomenda e vendia os direitos de obras de todos os tipos a vários editores de música.
Finalmente, recebeu uma posição menor na corte imperial de Viena, mas a renda que fornecia
era insuficiente para o sustentar a ele e à sua família.
Viena prosperou como um centro musical durante a época clássica porque era o lar de
muitas famílias nobres e aristocráticas com os recursos e o desejo de manter os seus próprios
conjuntos musicais. Como capital do Império Austríaco, também era o lar de muitas
embaixadas estrangeiras, cada uma procurando impressionar as outras com música
sofisticada. Haydn, que viveu em Viena durante os meses de inverno durante a maior parte da
sua carreira, mudou-se para lá após a morte de seu patrono de longa data na década de 1790.
Mozart mudou-se para lá no início da década de 1780 para aproveitar as suas oportunidades e
procurar um compromisso na corte imperial. Quando o jovem Ludwig van Beethoven (1770-
1827) chegou em 1792, Viena havia estabelecido uma reputação merecida por receber
músicos e compositores de talento. Os clientes aristocráticos disputavam os serviços de
Beethoven, em parte porque gostavam da sua música e também para demonstrar a sua
própria sofisticação cultural.
Bonds, Mark Evan (2003), A History of Music in Western Culture, Pearson

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1.2 MÚSICA CLÁSSICA: CARACTERÍSTICAS GERAIS

• O termo “Clássico” deriva do latim classicus, que significa “algo de primeira ordem ou de
alta qualidade”. Na música tem dois significados diferentes, embora relacionados. Por um
lado, a expressão música clássica é utilizada para significar a música “séria”, “aprendida”,
“erudita” do Ocidente, distinta da música folclórica, da música popular ou tradicional. Por
outro lado, a expressão música Clássica (Classicismo) designa um período específico da
História da Música, de 1750 até cerca de 1830. As criações dos artistas deste período,
nomeadamente de Haydn, Mozart e Beethoven, tornaram-se tão identificadas na mente do
público com padrões de excelência musical, que este período comparativamente breve
deu nome a toda a música erudita ocidental. Enquanto os estilos anteriores cresceram e
decaíram, a música do período clássico foi preservada e estimada, mesmo quando os
estilos posteriores se desenvolveram em contraste com os seus ideais. Esta designação
data de meados do século XIX, quando os críticos e historiadores da música começaram a
olhar para o final do século XVIII como uma “época de ouro” que produziu obras de valor
duradouro, daí “clássicas”. Durante os séculos XIX e XX, o repertório clássico expandiu-se
para além do seu núcleo original, de modo que agora a música clássica é uma tradição
que abrange muitos séculos de música.
• Para os homens e mulheres do século XVIII, nenhuma arte era mais admirável e digna de
emulação do que a da Grécia e Roma antigas. Deste modo, as raízes do Classicismo
estão nos valores de ordem, proporção, equilíbrio e razão expressos pelos antigos gregos
e romanos. Estes ideais influenciaram os artistas e os compositores, que desenvolveram
obras caracterizadas pela clareza e regularidade da estrutura, assim como por um ideal de
“simplicidade natural”, livre de complicações técnicas e de artifícios, capaz de agradar
imediatamente qualquer ouvinte. Ocorreu assim um afastamento da polifonia complexa do
período barroco e um maior interesse por uma melodia e harmonia sem adornos. Estes
valores, especialmente a preferência pelo “natural”, relacionavam-se diretamente com as
ideias centrais do Iluminismo.
• As opiniões variam amplamente quanto ao início e ao fim do período clássico, uma vez
que os seus limites se sobrepõem ao período barroco e romântico, pois a linguagem, os
géneros musicais e as tradições mudam apenas gradualmente e em diferentes momentos
em diferentes lugares. Alguns historiadores da música traçam as origens do Classicismo já
em 1720, embora a data mais usada seja 1750 (morte de J. S. Bach). Esta diferença de
opiniões reflete a mistura de estilos prevalecentes ao longo das primeiras décadas do
século XVIII. Elementos do estilo barroco coexistiram com elementos do estilo clássico por
algum tempo, geralmente numa única obra. Os estilos também variaram de região para
região na Europa e até de uma obra para outra pelo mesmo compositor. O fim deste
período é igualmente difícil de identificar. Alguns historiadores estendem o período até à
morte de Beethoven, em 1827, outros preferem tratar o estilo tardio de Beethoven (a partir
de 1815) como parte do período romântico.
• O século XVIII foi um século cosmopolita, desenvolvendo-se uma linguagem musical
“universal”. Os compositores e os músicos começaram a viajar muito mais. Por exemplo,
muitos compositores alemães exerceram a sua atividade em Paris e Londres, assim como
os compositores e cantores italianos trabalhavam na Áustria, Alemanha, Inglaterra, França
e Espanha. Segundo Johann Joachim Quantz (1697-1773), o estilo musical ideal devia
misturar as melhores características da música de todas as nações, um estilo misto que foi
adotado de uma maneira tão universal que, nas palavras de um crítico francês, “Hoje há
apenas uma música em toda a Europa”. Por outras palavras, os escritores sustentavam
que a linguagem da música devia ser universal, não limitada pelas fronteiras nacionais, e
devia apelar a todos os gostos, ou seja, atrair um grande público, desde o conhecedor ao
não instruído.

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• Pela primeira vez na história da música, a música instrumental tornou-se mais popular do
que a música vocal. Cultivou-se a sinfonia, que teve a sua origem na abertura operática
barroca, mas que se desenvolveu durante o século XVIII, ganhando aceitação como uma
obra independente, normalmente em quatro andamentos. Redefiniram-se também outros
géneros musicais: o concerto em três andamentos tornou-se o veículo para um solista, a
sonata desenvolveu-se numa composição mais formal para um ou dois instrumentos e a
ascensão da música privada criou um mercado para novas formas de música de câmara,
como o quarteto de cordas e o trio com piano. Quanto às formas musicais, é apreciado o
Minuete, pela sua constituição simétrica e corporal (passos de dança), e adquire uma
posição central a forma-sonata, uma estrutura musical constituída por três secções. A sua
utilização tornou-se quase sinónimo dos primeiros andamentos, não apenas de sonatas,
mas também de sinfonias e da maior parte da música instrumental deste período.
• Viena tornou-se o epicentro do desenvolvimento da música clássica, a capital europeia da
música. As carreiras de Joseph Haydn (1732-1809), W. A. Mozart (1756-1791), L. van
Beethoven (1770-1827) e de Franz Schubert (1797-1828) desenrolaram-se em Viena, e de
Viena irradiava a sua poderosa influência musical. Por este motivo, muitas vezes nos
referimos a estes compositores coletivamente como a “escola vienense” e dizemos que a
sua música simboliza o "estilo clássico vienense". Viena era a capital do antigo Sacro
Império Romano, uma enorme extensão que abrangia grande parte da Europa Ocidental e
Central. Em 1790, no auge da carreira de Haydn e Mozart, Viena tinha uma população de
215.000 habitantes e era a quarta maior cidade da Europa, depois de Londres, Paris e
Nápoles. Cercada por vastas terras agrícolas governadas por uma nobreza aristocrática e
com uma classe burguesa em ascensão, Viena era uma cidade cultural. Tinha teatros para
óperas alemãs e italianas, concertos nas ruas e danças de salão. Com tanto patrocínio
musical, Viena atraiu compositores e músicos de toda a Europa, característica que se
manteve até hoje.
• A ascensão da burguesia teve consequências significativas para os músicos. Os nobres e
os burgueses promoviam reuniões musicais íntimas nos seus salões, pois viam as artes
como um elemento necessário da sua vida. O século XVIII testemunhou uma espécie de
democratização da música clássica, que agora se estendia à classe média, que, para além
dos salões, também organizava e patrocinava os seus próprios concertos. De destacar os
concertos públicos para uma audiência de subscritores que começaram em Frankfurt, em
1712, e em Hamburgo, em 1721, assim como os Concerts Spirituels fundados em Paris,
em 1725, os concertos populares nos Vauxhall Gardens, na margem sul do rito Tamisa, em
Londres, e o Burgtheater, aberto em 1759 em Viena e destinado a todos os clientes
pagantes, desde que estivessem vestidos de forma adequada e se comportassem
devidamente. Até 1750, a música era criada principalmente para benefício da Igreja, da
nobreza e da coroa. Durante o período clássico, passou a ser um prazer ao alcance de
muitos outros grupos da sociedade.
• Com a ascensão dos concertos públicos, os compositores tinham um novo local para
executar as suas obras. Haydn e Beethoven conduziam as suas próprias sinfonias em
concertos, e Mozart e Beethoven tocavam os seus próprios concertos para piano. O
público reunia-se para ouvir as últimas obras, diferentemente dos frequentadores
modernos de concertos de música clássica, interessados principalmente na música do
passado. A ânsia do público do século XVIII por novas músicas certamente estimulou os
compositores a aumentar a sua produtividade.
• Até então, os compositores procuravam uma nomeação real ou tentavam ligar-se a uma
casa nobre. Mas nos finais do século XVIII, um compositor podia também trabalhar como
independente, tentando ganhar a sua vida através de espetáculos públicos e da
publicação das suas obras, sendo que muitos também eram professores de artistas
amadores. O rápido ritmo de mudança é facilmente discernível no destino diferente de
Haydn, Mozart e Beethoven. Joseph Haydn (1732-1809) seguiu o padrão de carreira mais

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tradicional, desempenhando o cargo de mestre-de-capela na corte húngara do príncipe

Esterházy durante cerca de trinta anos, embora tivesse frequentemente licença para viajar.
W. A. Mozart (1756-1791), contratado pelo arcebispo de Salzburgo, não tinha as mesmas
liberdades e, abandonando a sua posição servil, mudou-se para Viena para se tornar num
dos primeiros músicos independentes. No entanto, o mundo musical não podia ainda
suportar esta ambição e Mozart teve dificuldades financeiras, sendo obrigado a ganhar a
maior parte dos seus rendimentos dando concertos por assinaturas. Em contraste, quando
Ludwig van Beethoven (1770-1827) se mudou para Viena em 1794, conseguiu obter o
apoio de prósperos mecenas e nunca ficou condicionado a uma nomeação oficial. Foi
provavelmente o primeiro compositor independente bem-sucedido, ganhando a vida com
as encomendas, as vendas da sua música e os concertos públicos.
• A recém-emergente classe média não se contentou apenas em assistir a concertos e a
apresentações de ópera, também queriam fazer a sua própria música em casa. A maior
parte da produção de música doméstica girava em torno de um novo instrumento: o
piano. Em Florença, por volta de 1700, Bartolomeo Cristofori (1655-1731) introduz um
sistema de martelos que percute as cordas, em vez de as beliscar com plectros, como no
cravo. Esta invenção trouxe uma nova forma de expressão, dando ao instrumentista a
possibilidade de controlar os vários graus de intensidade (daí o nome original gravicembalo
col piano e col forte, “cravo com piano e forte”), fazendo com que o órgão perdesse a sua
importância e o cravo deixasse de ser utilizado. Entretanto, sugiram diferentes construtores
de pianosforte. Gottfried Silbermann (1683-1753), um dos maiores construtores de órgãos
do século XVII, foi o primeiro a construir pianos na Alemanha. Dois dos seus alunos,
Johann Zumpe (1726-1783) e Johann Andreas Stein (1728-1792), foram importantes
construtores de pianos. Zumpe introduziu o piano em Inglaterra e desenvolveu um modelo
muito simples e económico, de grande êxito comercial. Stein desenvolveu a chamada
mecânica vienense ou alemã e os seus pianos foram muito apreciados e elogiados por
Mozart: “Vou começar imediatamente com os pianosforte de Stein. […] Quando carrego
com força, posso manter o dedo sobre a nota ou levantá-lo, mas o som cessa no momento
em que o produzi. Independentemente da forma como toco nas teclas, o som é sempre
igual. Nunca destoa, nunca sai mais forte ou mais fraco ou totalmente ausente; numa
palavra, é sempre igual”, escreve Mozart numa famosa carta ao pai. Paralelamente, John
Broadwood (1732-1813) e outros construtores ingleses aperfeiçoam uma mecânica
diferente, conhecida como inglesa, da qual deriva a mecânica dos pianos atuais. Assim,
durante a segunda metade do século XVIII, o piano transformou-se num símbolo paras as
classes abastadas da sociedade europeia.

Piano de Johann Andreas Stein, Augsburg, 1790.

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• Os que tocavam este novo instrumento doméstico eram amadores e a grande maioria
deles eram mulheres. A maior parte da música publicada para teclado, conjunto de câmara
ou para voz e teclado foi projetada para amadores tocarem em casa para o seu próprio
prazer. Em finais do século, a publicação de música tornara-se uma indústria com bastante
peso, complementada por uma imprensa musical em rápido desenvolvimento.

Maria Antonieta (1755-1793), com quinze anos, sentada ao piano. Em 1774, esta princesa austríaca
tornou-se rainha da França, mas em 1793, no auge da Revolução Francesa, foi guilhotinada.

• Neste período assistiu-se a uma maior oportunidade para as mulheres. Em Itália e na

França, as cantoras profissionais conquistaram destaque na ópera e nos bailados da corte.
Outras encontraram um lugar dentro dos círculos aristocráticos como instrumentistas da
corte ou como professoras de música, dando aulas particulares a membros da nobreza.
Duas mulheres em particular, ambas associadas a W. A. Mozart, destacaram-se como
importantes executantes de teclado do final do século XVIII. Uma delas foi a sua irmã,
Maria Anna Mozart (1751-1829), conhecida como Nannerl, uma pianista talentosa que,
quando criança, viajou extensivamente com Mozart, realizando concertos e tocando com o
irmão obras para piano a quatro mãos. A outra era amiga de Mozart, Maria Theresa von
Paradis (1759-1824), excelente pianista e organista, conhecida pela sua notável memória
musical, uma vez que era cega. O destaque público alcançado por estas mulheres era
incomum para a época. No entanto, as muitas gravuras e pinturas da época que ilustram
cenas de produção musical deixam claro que as mulheres participavam frequentemente de
apresentações em casa, em salões aristocráticos e na corte.

Retrato da família Mozart, c.1780, por Johann Nepomuk della Croce (1736-1819)

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• O crescente entusiasmo pela música como atividade de lazer também promoveu o

desenvolvimento de ouvintes informados. À medida que o público musical se expandia,
mais pessoas se interessaram em ler sobre música e em discuti-la. Em meados do século,
começaram a aparecer revistas dedicadas a notícias musicais e críticas, atendendo a
amadores e a conhecedores. A curiosidade do público sobre a música estendeu-se às suas
origens e a estilos passados, abordados nas primeiras histórias universais da música: A
General History of Music (1776-89) de Charles Burney, A General History of Science and
Practice of Music (1776) de John Hawkins e Allgemeine Geschichte der Musik (1788-1801)
de Johann Nikolaus Forkel.
• A orquestra sinfónica tornou-se uma entidade largamente normalizada, mais pequena mas
não muito diferente da orquestra de hoje. Entre as várias orquestras que se formaram por
toda a Europa destacou-se a Orquestra de Mannheim (“nenhuma orquestra no mundo
jamais superou a de Mannheim”, afirmou Franz Schubert). Karl Theodore, Príncipe-Eleitor
do Palatinado, que reinou em Mannheim de 1742 a 1778, nomeou o compositor e violinista
Johann Stamitz (1715-1757) como diretor musical. Com a ambição de estabelecer a maior
orquestra da Europa, instruiu Stamitz a encontrar os melhores músicos. O compositor
organizou então a orquestra por famílias de instrumentos. Em 1756, a orquestra de
Mannheim era composta por vinte violinos, quatro violas, quatro violoncelos e quatro
contrabaixos, duas flautas, dois oboés, dois fagotes e dois timbales, quatro trompas e um
trompete. Ficou famosa por toda a Europa pelo seu virtuosismo e versatilidade dinâmica,
assim como por uma ampla gama de efeitos: o seu crescendo era famoso, tal como o
“suspiro de Mannheim” (uma figura de appoggiatura) e o “foguete de Mannheim” (uma
tríade em saltos). Quando o compositor e crítico Charles Burney (1726-1814) visitou
Mannheim, em 1772, associou esta orquestra a um “exército de generais”. Com o som da
orquestra mais cheio, o papel do baixo-contínuo foi gradualmente abandonado; por sua
vez, o primeiro violino dirigia a orquestra, utilizando o arco para indicar o início e o fim das
obras e para dar o impulso da música para os outros executantes, até ser substituído por
um maestro. Depois de Stamitz seguiram-se outros compositores, que pertencem ao que
os musicólogos modernos chamam de Escola de Mannheim, entre eles Ignaz Holzbauer
(1711-1783), Franz Xaver Richter (1709-1789), Christian Cannabich (1731-1798) e os filhos
de Stamitz, Karl (1745-1801) e Anton (1754-1809). A importância destes compositores
refere-se sobretudo ao estabelecimento das bases da sinfonia, com uma influência direta
em muitos sinfonistas da época, como Joseph Haydn (1732-1809), Leopold Hofmann
(1738-1793) e W. A. Mozart (1756-1791).
• À medida que a orquestra sinfónica passou da corte privada para as salas de concerto
públicas, o conjunto aumentou de tamanho para atender às demandas do seu novo espaço
de atuação. Durante as décadas de 1760 e 1770, o conjunto da corte do patrono de Haydn,
o príncipe Nikolaus Esterházy, nunca era maior que 25 músicos e a audiência nesta corte
era formada pelo príncipe e sua corte. Mas quando Haydn foi para Londres em 1791, os
seus promotores de concertos forneceram-lhe uma orquestra de quase sessenta músicos
nos Hanover Square Rooms. Embora este salão normalmente acomodasse de 800 a 900
pessoas, num concerto na primavera de 1792, quase 1500 ouvintes reuniram-se para ouvir
as últimas obras de Haydn. A experiência de Mozart em Viena foi semelhante. Nos
concertos públicos que ele organizou no Burgtheater, na década de 1780, contratou uma
orquestra com 35 a 40 executantes. Mas numa carta de 1781, Mozart menciona uma
orquestra de 80 instrumentistas, incluindo quarenta violinos, dez violas, oito violoncelos e
dez contrabaixos. Embora tenha sido um conjunto excecional mostra que, por vezes, era
possível reunir um grupo grande de instrumentistas.
• Na década de 1790, uma orquestra sinfónica típica numa grande cidade europeia podia
incluir os instrumentistas listados abaixo. Comparado à orquestra barroca, este conjunto de
até quarenta músicos era maior, mais “colorido” e mais flexível. Para além disto, dentro da
orquestra clássica, cada família instrumental tinha normalmente uma tarefa específica. As

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cordas apresentavam a maior parte do material musical; os instrumentos de sopro

acrescentavam riqueza e cor; as trompas sustentavam o fundo sonoro; e os trompetes e a
percussão proporcionavam um brilho e uma vitalidade diferente sempre que necessário.

Cordas Primeiros e segundos violinos, violas, violoncelos, contrabaixos (c.27 no total)

Madeiras 2 flautas, 2 oboés, 2 clarinetes, 2 fagotes
Metais 2 trompas, 2 trompetes
Percussão 2 tímpanos

• Se a característica definidora do estilo barroco era uma combinação de grandiosidade e

contraponto com um elevado grau de ornamentação, o estilo clássico representa uma
época de relativa simplicidade do estilo musical. A música do Classicismo é marcada por
melodias cantáveis, muitas vezes simples e curtas, organizadas em frases simétricas de
2+2 compassos, ou 3+3 ou 4+4 compassos. Estas frases, muitas vezes organizadas em
pares de antecedente-consequente ou de pergunta-resposta, são marcadas por cadências
claras. A clareza é ainda proporcionada pelo uso frequente da repetição e da sequência
melódica, facilmente acessíveis ao ouvinte. No que diz respeito à harmonia, depois de
1750, toda a música clássica assumiu um caráter mais homofónico e menos polifónico. As
melodias cantáveis são apoiadas por uma harmonia simples e clara. Os acordes,
construídos a partir dos sete tons da escala maior ou menor (o que significa que são
diatónicos), estão firmemente enraizados na tonalidade. O Baixo-Contínuo do período
barroco desaparece completamente. O baixo ainda gera harmonia, mas, ao contrário do
período barroco, nem sempre se move de uma maneira regular e constante. Deste modo, o
chamado “ritmo harmónico” é muito mais fluido e flexível na música clássica. Para evitar
uma sensação de inatividade quando a harmonia é estática, os compositores clássicos
inventaram novos padrões de acompanhamento. O mais comum é o Baixo de Alberti, em
homenagem ao compositor italiano Domenico Alberti (1710-1740), que o popularizou. Em
vez de tocar todos as notas de um acorde juntas, o compositor “quebra” o acorde,
apresentando as notas uma de cada vez para fornecer um fluxo contínuo de som. Trata-se
de uma ilusão de atividade harmónica para momentos em que, de facto, a harmonia não
está a mudar. Muita da música clássica está escrita num dos quatro compassos básicos
(2/4, 3/4, 4/4 ou 6/8) e move-se num ritmo constante. O ritmo trabalha em estreita
colaboração com a melodia e a harmonia para deixar clara a estrutura simétrica das frases
e das cadências da obra. As secções bem definidas estabelecem a tonalidade inicial,
passam para tonalidades contrastantes, mas estreitamente relacionadas, e retornam à
tonalidade inicial. O resultado são formas arquitetónicas muito bem moldadas, atendendo à
necessidade do ouvinte de unidade, dentro da variedade.
• Talvez o aspeto mais revolucionário na música do Classicismo sejam as mudanças rápidas
e as flutuações constantes. No século XVII acreditavam que, uma vez despertada uma
emoção, uma pessoa permanecia nessa emoção até ser movida por algum estímulo a um
estado emocional diferente. Contudo, no século XVIII começa-se a considerar que as
emoções mudam constantemente, o que contraria a conceção barroca de se transmitir um
único sentimento num andamento ou secção. Em vez disso, os compositores clássicos
introduzem estados de espírito contrastantes nas várias partes de um andamento ou
mesmo nos próprios temas: um tema enérgico em notas rápidas pode ser seguido por um
segundo tema lento e lírico. Da mesma forma, a textura, o ritmo, as dinâmicas podem
mudar rapidamente, o que cria um fluxo constante, não muito diferente das contínuas
mudanças e flutuações que todos experimentamos na vida. Os sentimentos sugeridos pela
música podem mudar tão rapidamente quanto as nossas próprias emoções.
• Para impedir que os artistas improvisassem ornamentações, o que podia interferir na
pureza da intenção original, os compositores começaram a anotar na partitura tudo o que o
artista precisava fazer. A disponibilidade e a difusão de partituras impressas significavam

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que a música era tocada por músicos que o compositor nunca havia conhecido. As
instruções tornaram-se cada vez mais detalhadas, deixando menos decisões ao artista. A
secção da cadência de um concerto era uma das poucas oportunidades que restavam para
a improvisação. Talvez como reação, os artistas improvisavam cadenzas cada vez mais
elaboradas, para grande aborrecimento de Beethoven que, no seu último concerto para
piano, escreveu todas as notas da cadência.

Comparação entre o período Barroco e o Classicismo

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Mapa da Europa em 1763

Mapa da Europa, 1763-1789, mostrando os principais centros musicais

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