HISTÓRIA DO CINEMA

Por André Galvan

 Por volta de 1895 o cinema inaugurou-se. Este não
possuía códigos próprios como ângulos de
câmera ou enquadramentos específicos.
 Os filmes são a evolução das projeções de
Lanterna Mágica, onde desde o século XVIII,
mostravam imagens coloridas ao público através
de uma lanterna de querosene que gerava um
foco de luz e projetava o desenho de uma placa
que se desejava. Algumas dessas placas possuíam
engrenagens que davam movimentos aos
desenhos, além de utilizarem mais de um foco de
luz para criar as famosas transições do cinema.

O INÍCIO DO CINEMA
 As primeiras exibições do
cinema com um mecanismo
continuo se deram por
Thomas A. Edison quando
registrou seu invento em 1893
chamado de quinetoscópio.

QUINETOSCÓPIO
 A primeira exibição de um filme, para
uma seção pública e paga ocorreu no
dia 1º de novembro de 1895 com o
aparelho de projeção de filme chamado
bioscópio, dos irmãos Max e Emil
Skladanowsky estes realizaram uma
exibição de 15 minutos em um grande
teatro de vaudevile em Berlim.

BIOSCÓPIO
 Mas o acontecimento que realmente marcou a
história do cinema se deu em 28 de dezembro de
1895, os irmãos Lumière com seu Cinèmatographe a
exibição que aconteceu no Grande Café do
Boulevard dês Capucines, foram exibidos dentre os
filmes: “La Sortie dês Ouvries de I’Usine Lumière”, (da
fábrica de Lumière e Saída dos operários), e
“L’Arrivée d’um Train em Gare”, (Trem chegando até
a estação).
 Relatos da época contam que no último filme o do
trem da estação, o público se assustou imaginando
que o trem podia os atropelar, causando pânico na
sala de exibição.

OS INVENTOS
 Os irmãos Lumière foram os maiores produtores europeus de
placas fotográficas, e o marketing era uma de suas práticas. O
sucesso do cinematógrafo se deu pelo seu design, leve e
funcional.
 No ano de 1894, os Lumière construíram o aparelho, que
utilizava filme de 35 mm. Um mecanismo de alimentação
intermitente, que se baseava nas máquinas de costura,
captando as imagens numa velocidade de 16 quadros por
segundo, que foi o padrão usado durante décadas, em vez
dos 46 quadros por segundo usados por Edison.

OS IRMÃOS LUMIÈRE
 Os irmãos Lumière através do seu cinematógrafo
criando um padrão de exibição, vaudevilles
(salas de projeções da classe média), incluindo
projetor, filmes e um operador.
 O período do Primeiro Cinema corresponde de
1894 até 1907, quando se inicia o aumento dos
Nickelodeons (Salas de projeção, criadas para
atender o público de baixa renda), eram
chamados assim, pois a entrada custava um
níquel. Neste período a atividade industrial do
cinema começa a se organizar.

CINEMATÓGRAFO
 No inicio do cinema o grande publico não estava
preocupado em assistir narrativas complexas, mas
sim um espetáculo visual.
 Os primeiros filmes tinham caráter documental, pois
eram gravadas cenas de operários saindo de
fábricas, ruas movimentadas de cidades, desfiles
militares nas ruas, eventos importantes e etc.

PERÍODO DE TRANSIÇÃO
 A partir de 1907 os filmes começaram a criar uma linguagem
cinematográfica mais especifica com a inserção de enredos.
Busca-se uma representação mais psicológica dos personagens.
Mas estas novas estruturas da época ainda se mantêm confusas.
 Já se utilizava o efeito de trucagem nos filmes, o francês
Georges Meliès, usava o efeito de substituição, com a câmera
fixa em um determinado quadro, e o funcionamento da câmera
era interrompido e substituindo os objetos de cena, criando um
efeito de aparição instantânea na tela, como mágica.

PERÍODO DE TRANSIÇÃO
 Diretores famosos fizeram parte desta geração, um deles é D.W.
Griffith, que trazia um modelo narrativo baseado no teatro e
romances literários. Griffith utilizava diversas formas de
montagem inovadoras na época, como a montagem paralela,
onde ocorrem duas ações ao mesmo tempo e planos
motivacionais onde Griffith comparava, interrompia e unificava
as ações.
 Neste período as empresas européias dominavam o mercado
mundial. A França era a maior produtora da época, na
seqüência vinham Itália e Dinamarca.
 Houve então uma divisão do trabalho da área cinematográfica,
de onde surgiram então, roteiristas, diretores, produtores,
cenógrafos, tudo aquilo que constitui hoje o cinema.

Lonely Villa
D.W Grifith
 A partir de 1916 com a Alemanha fora do circuito Internacional
do cinema se fazia necessário suprir a necessidade interna por
filmes, contra a ofensiva cinematográfica internacional.
 A partir de 1920 o Expressionismo no cinema se tornou evidente,
era um dos movimentos artísticos mais importantes da época.
Nos filmes trouxe um novo conceito de artes gráficas, ator e
representação, imagem e narrativa. Além de elevar o interesse
do público intelectual pelo cinema.
 Essa nova forma de representação fílmica abriu novamente o
mercado cinematográfico para a Alemanha depois da Primeira
Guerra Mundial.

EXPRESSIONISMO ALEMÃO
 O filme que inaugurou o Expressionismo foi “O gabinete do Dr.
Caligari (Robert Wiene, 1920), o enredo baseava em pesadelos com
cenários bizarros e deformados, revolucionou a concepção da
criação e possibilidades do cinema.
 As característica principal dos filmes Expressionistas; é a utilização
de sombras e contrastes, que evidenciam o medo e angústia dos
personagens.
 As perspectivas de câmera e dos objetos se mostravam
deformadas, com pinturas do cenário feito a mão e a exagerada
maquiagem dos personagens.
 A História reflete a época de sérios problemas de ordem social que
passavam a Alemanha no pós-guerra.
 O Expressionismo pode ser considerado um alinhamento da
criatividade com os impulsos emocionais instintivos do ser humano.
 “Caligari” inspirou uma cinematografia inovadora estética e
tecnicamente, em que se destacaram, entre outros; “O golen”
(1920), de Paul Wegener; “Nosferatu: Uma sinfonia do Horror” (1922)
e “Fantasma” (1922), de Friedrich Wihelm Murnau; “A morte
cansada” (1921) e “Dr. Mabuse”; “O jogador” (1922), de Fritz Lang;
“Genuine” (1920), ”Da aurora a meia-noite” (1920) de Karl Heinz
Martin; “O gabinete das figuras de cera” (1924) de Paul Leni.
 Com o fim da Primeira Guerra Mundial e a imposição do cinema americano, a
França, trata de reformar sua postura em relação ao cinema, tirá-lo do
aspecto de espetáculo popular, pois introduzí-lo como uma forma de arte tão
importante como a literatura, música, pintura e etc.
 Poetas como Guillaume Apolinaire e Blaise Cendrars, perceberam que o
cinema não era apenas uma forma de entretenimento, mas uma fonte de
inspiração.
 O também poeta Louis Delluc, juntamente com o escritor Marcel L’Herbier, e o
poeta Jean Epstein, juntaram-se aos cineastas Abel Gance e Germaine Dulac,
constituindo o chamado “Impressionismo Francês”.
 A principal característica dos filmes são as sobreimpressões, deformações
ópticas e planos subjetivos. Dá-se também importância à duração dos planos
filmados, ao enquadramento e o ritmo da montagem.
 Os personagens e a trama deixam de exercer fator fundamental na história e Guillaume Apolina
objetos e cenários vem concorrer com a ação do filme.

IMPRESSIONISMO FRANCÊS
 Os impressionistas se interessavam no trabalho com a câmera e
com a montagem acelerada. Os cenários geralmente são em
externas ou cenários modernistas, além de usarem o recurso da
iluminação. Tudo isso para expressar a subjetividade dos
personagens.
 Alguns filmes da vanguarda francesa: “À deriva” do diretor
Cavalcanti, “Eldorado” de L’Herbier este onde os acontecimentos
não estão conectados por intertitulos, típicos do cinema mudo, O
Espelho de três faces que fez uma ruptura da narrativa linear
cronológica.
 Os filmes Impressionistas franceses seguem uma temática com
enfoque mais subjetiva, explorando o universo interior e psicológico
dos personagens.

IMPRESSIONISMO FRANCÊS
 A partir da década de 1920, a União Soviética sofria com
problemas em sua política interna de pós-guerra, onde o novo
regime socialista estava sendo empregada. Nesta época a
miséria, fome e desemprego faziam parte do cotidiano do país.
 Dentre os grandes nomes do cinema Soviético estão Kulechov,
Eisenstein e Vsevolod Pudovkin.
 Kulechov foi um dos pioneiros na teoria da montagem, ele
defende a ampliação de trabalho no cenógrafo nos filmes.

CINEMA SOVIÉTICO
 Também defendia um cinema autoral, onde o roteiro fosse
criação do próprio diretor.
 Em relação à montagem Kulechov ficou famoso com uma cena
denominada “efeito Kulechov” o mesmo plano de um ator,
justaposto, primeiro, a um prato de sopa,e por fim imagens de
uma situação amorosa.
 A cada repetição da cena o efeito produzido sobre a
percepção do público era diferente, então provou-se que o
sentido de cada elemento era dado por sua posição na
montagem do filme.

EFEITO KULECHOV
 Pudovkin, também era um defensor da montagem como elemento
significador, atribuindo como função de dar sentido às imagens.
Suas obras cinematográficas mais importantes são: O Fim de São
Petersburgo (1927), Tempestade sobre a Ásia (1928) e a Mãe (1926).
 Serguei Eisenstein que foi um destaque em sua época criou obras
primas do cinema, como “A Greve” (1924); “O Encouraçado
Potemkin” (1925); “Outubro” (1927).
 Eisenstein também era um estudioso da montagem, onde definiu
alguns tipos de montagem: métrica, tonal, atonal, rítmica,
harmônica, Intelectual.
 No filme “Outubro” (1928) podemos ver algumas das características
principais do estilo de Eisenstein.
 Movimento de vanguarda que ganha força por volta de 1933,
onde se baseia na crença da existência de uma realidade superior,
na qual se chega através de associações de elementos
aparentemente desconexas, também utilizando os processos
oníricos, ou seja, significados enigmáticos que se elaboram nos
sonhos.
 Os filmes realizados pelos surrealistas tendem a tornar estranha a
realidade, fazendo com que não fosse familiar para o espectador.
Romper as fronteiras entre a realidade e os sonhos, entre o
consciente e o inconsciente. Esses filmes possuíam característica de
narrativa não-linear, com mistérios que deveriam ser descobertos
pelo espectador.
 Alguns dos principais filmes surrealistas são: “A concha e o pastor”
(1927), de Germaine Dulac, “Um cão andaluz” (1929), de Luis
Buñuel.
 O surrealismo experimentou colagens de sobras de outros filmes,
com realizações documentais, e novas experiências
cinematográficas.

SURREALISMO
 Ao longo do século passado Os Estados Unidos se tornaram uma
grande potência na realização de filmes, tornando-se uma
industria do cinema hegemônico.Seu gênero principal no
começo da era do cinema era o Western, desde a virada do
século XIX para o XX, a produção destes filmes já era conhecida.
 Caubóis, índios e cidades no meio do deserto eram o ambiente
destes filmes. Os westerns fizeram tanto sucesso que eram
imitados, na Itália e na Alemanha com o Western Spaghetti,
 Os filmes de caubóis criaram uma nova dinâmica para os filmes
de ação, e criou-se uma hiper-realidade do oeste americano.

HOLLYWOOD
 O início do neo-realismo italiano, é marcado pelo filme “Roma cidade aberta”
(1945) de Roberto Rossellini, havia evidências anteriores filmes dialéticos que
depois adquiriram o sentido na guerra e pós-guerra.
 O neo-realismo mostrava a rotina do dia-a-dia do cidadão, o cotidiano era
evidenciado, e assim havia uma descrição da sociedade italiana abalada pelos
20 anos de fascismo.
 As características estéticas dos filmes neo-realistas eram de utilizar os planos
conjuntos e planos médios. Não usando efeitos especiais já existentes no cinema,
como as trucagens.
 As imagens eram geralmente acinzentadas, a montagem era simples, os
cenários utilizados eram os reais. Usavam atores amadores na maioria das vezes.
Nesses filmes a valorização do dialeto italiano e a simplicidade dos diálogos
eram evidentes, além dos baixos custos de produção dos filmes.
 O neo-realismo traz características que hoje podemos identificar nos
documentários que retratam a realidade através das lentes das câmeras.

NEO-REALISMO ITALIANO
 As guerras marcaram a história do cinema, após a Segunda Guerra
Mundial, com a Alemanha destruída, iniciou-se um processo de
revitalização do cinema nacional, foram criados impostos pelo
governo para incentivar as produções.
 Com o controle estatal das obras cinematográficas e a burocracia
envolvida causavam dificuldades aos diretores para o
arrecadamento de verbas. Assim os filmes produzidos eram de
custo baixo não podendo competir com os grandes filmes de
Hollywood.
 Durante a oitava edição do Festival Nacional de Curtas-Metragens
em 1962, fora publicado um manifesto em relação à liberdade
cinematográfica.

CINEMA NOVO ALEMÃO

 Então a Escola de Frankfurt com lobbies, conseguiu com o governo
criar o Kuratorium junger deutscher Film (Comitê do Jovem Cinema
Alemão) que patrocinou alguns filmes, como: “Saudades de
ontem” (1966) do diretor Kluge e “Jovem Törless” (1966) de Volker
Schlöndorff.
 O começo da década de 1970 fora um ótimo período para as
produções alemãs, devido aos subsídios para produção.
 O filme “O medo do goleiro diante do pênalti” (1972) chamou
atenção, com um enredo onde um goleiro é expulso de um time de
futebol, mata uma moça e segue para o interior do país, este filme
possui uma característica do modelo realista e contemplativo do
diretor Wim Wenders.
 Durante esta época temas sociais como a temática feminina foram
abordadas, como no filme dirigido por Kluge “Trabalho ocasional de uma
escrava” (1973).
 Com a parceria com a televisão, foram realizados vários documentários,
entre eles “O grande êxtase do entalhador Steiner” (1974), “How much
Wood would a woodchuck chuck” (1976) ambos do diretor Werner Herzog.
 O trabalho de Rainer Werner Fassbinder no cinema alemão merece
destaque, nascido em Bad Wörishofen, cidade da Baviera. Realizador de 43
filmes, também trabalhou como ator de cinema e teatro, cameraman,
compositor, designer de produção, editor de cinema, produtor de cinema e
administrador de teatro. Os temas de seus filmes eram relacionados à
mulheres, gays, e a situação da Alemanha da época. Alguns de seus filmes
são: “Love is colder than death” (1969), “Katzelmacher” (1969), “Querelle”
(1982).
 O cinema pós-moderno baseia-se nos ideais marxistas. O pós-modernismo
questiona todos os fundamentos instituídos, esse cinema se fortaleceu a
partir da década de 1970 continuando na década de 1980 com mais força,
esse movimento aconteceu em diversas partes do mundo.
 História e política aparecem nos filmes, os elementos passados se
relacionam com lutas sociais. Um dos assuntos mais comuns é a relação
entre grupos sociais que se colocam superiores na sociedade e grupos
marginalizados.
 O filme “Anjos da Noite” (1987) de Wilson Barros, faz uma paródia lúdica dos
filmes americanos, mostra em primeiro plano personagens homossexuais.
Este enfoca a repressão e o preconceito a que são submetidos.
 “Blade Runner” (1982) de Ridley Scott foi um dos longas-metragens mais
importantes da década de 1980. A história acontece no ano de 2019, na
cidade de Los Angeles decadente pós-industrial, com superpopulação, lixo,
uma metrópole mergulhada no caos. O diretor conseguiu refletir o medo
real da sociedade em relação ao futuro.

CINEMA PÓS-MODERNO
 O cinema digital não somente integrou cenas de computação gráfica às
películas tradicionais, mas também novas formas de armazenamento das
imagens trouxeram a possibilidade de não mais se utilizar a velha película.
 A Introdução das tecnologias digitais facilitou imensamente os processos do
cinema industrial e massivo, ao mesmo tempo em que ampliou possibilidades
estéticas e abriu novos caminhos aos realizadores independentes. Esse
paradoxo, que em muitos sentidos aproxima hoje categorias antes
tradicionalmente distintas como ‘massivo’ e “experimental”, constitui apenas
uma das muitas contradições criadoras introduzidas (ou apenas amplificadas)
pelo que poderíamos chamar de ‘paradigma digital’ (MASCARELLO, 2006, p.
414).
 No cinema de Hollywood a computação gráfica tem realizado o papel de
reforçar a realidade nas narrativas fílmicas. Os filmes “Stars Wars III” (2005) do
diretor George Lucas e “Capitão Sky e o mundo de amanhã” (2004) de Kerry
Conran, são filmes onde a realidade é criada artificialmente por meios digitais,
estas são coadjuvantes essenciais para determinados filmes.

CINEMA ATUAL E NOVAS

TECNOLOGIAS